Programmheft - Hafensommer Würzburg

www.hafensommer-wuerzburg.de 

Festival am Alten Hafen Würzburg 

24.7.–15.8.2012

„Endlich 

zufrieden!“ 

Zufriedenheit 

by Sparda-Bank 

Girokonto für 

0,00€ 

* 

* Für unsere Mitglieder führen wir das Lohn-, 

Gehalts- oder Rentenkonto gebührenfrei. 

2 

Würzburg 

Haugerring 3 

www.sparda-n.de 

Service-Telefon: 0 180 1/760 111 

(3,9 Cent/Min. aus dem dt. Festnetz, 

max. 42 Cent/Min. aus dt. Mobilfunknetzen). 

Als Hauptsponsor des Würzburger Hafensommers 

wünschen wir Ihnen viel Vergnügen.

Editorial 

Liebe Festivalbesucher, 

zum sechsten Mal dürfen wir Sie herzlich als Gäste des 

Hafensommers Würzburg begrüßen. Die Mischung von 

ambitionierter Architektur und urban-romantischer Hafen- 

und Flussatmosphäre als adäquate Kulisse für zeitgenössische 

Kunst und Musik hat den Hafensommer in 

den vergangenen fünf Jahren zu einem regional und 

überregional beachteten Ereignis und mittlerweile auch 

zu einer veritablen Marke gemacht. Dabei trägt dieses 

künstlerische Profil dazu bei, das Areal rund um den Alten 

Hafen zu einem KulturQuartier werden zu lassen. Nicht 

nur die am Alten Hafen anrainenden Kulturinstitutionen 

wie der Kulturspeicher mit seinem Museum, den Galerien 

und dem tanzSpeicher, dem Kunstschiff „Arte Noah“, dem 

Cinemaxx und auch den dort angesiedelten Discos beleben 

dieses Quartier immer mehr. Große Veränderungen 

kann der Umbau der Viehauktionshalle/Frankenhalle zur 

Spielstätte des Mainfranken Theaters am Alten Hafen 

bringen, so dass dann mit Recht von einem „KulturQuartier“ 

dort gesprochen werden kann. 

Das Programm des sechsten Hafensommers Würzburg 

wird nach bewährter Methode neben mancher Neuentdeckung 

wieder international bereits langjährig erfolgreiche 

und auch zugleich populäre Künstler präsentieren. 

Stars wie Jane Birkin und John Paul Jones, Rebekka 

Bakken oder Nils Petter Molvær, Wolfgang Dauner, Elliott 

Sharp und viele andere werden das Festival bereichern 

und dabei die besondere Atmosphäre des Würzburger 

Hafenbeckens mit ihren künstlerischen Auftritten ausmachen. 

Bisher waren alle Künstler von der besonderen 

Atmosphäre dieses Ortes geradezu „elektrisiert“ und 

ausnahmslos bereit, jederzeit wiederzukommen.Einer der 

Programmhöhepunkte im 6. Hafensommer Würzburg ist 

auch dieses Jahr wieder die Sparda-Bank Classic Night 

mit den Würzburger Philharmonikern. Unter dem Motto 

„Zauber der Ferne und Nähe“ hat sich der diesjährige 

Gastdirigent Viktor Åslund ein hafensommerliches Konzertprogramm 

einfallen lassen, das der Open-Air-Atmosphäre 

in besonderer Weise entspricht. Die – wie Viktor 

Åslund – aus Schweden stammende Sopranistin Sara 

Jangfeldt wird dem Programm mit exquisiten Darbietungen 

von Burt Bacharach, Shirley Bassey und weiteren 

Musicalhighlights eine spezielle Note verleihen. 

Wir freuen uns auch in diesem Jahr wieder über neue 

Sponsoren, Partner und Förderer, die die besondere Atmosphäre 

der Hafenbühne, das Ambiente und das außergewöhnliche 

Konzept zu schätzen wissen und mit ihrer 

Unterstützung zum Gelingen beitragen. Herzlichen Dank 

dafür! 

Lassen Sie sich nun vom Hafensommer inspirieren und in 

andere Welten forttragen, genießen Sie Musik und Kunst 

und nicht zuletzt die schöne Stadt Würzburg! 

Georg Rosenthal, Oberbürgermeister 

Muchtar Al Ghusain, Kulturreferent 

3

Vorwort 

A Harbour Full Of Music 

Ein Besuch der empfehlenswerten Ausstellung „A House 

Full Of Music“, derzeit bis September auf der Mathildenhöhe 

Darmstadt, war für mich ein zusätzlicher Kulminationspunkt 

im gestalterischen Prozess des Hafensommers. 

Anlässlich des 100. Geburtstags von John Cage, einem 

der wichtigsten Komponisten und Musikdenker des 20. 

Jahrhunderts, geht es in dieser interdisziplinären Ausstellung 

um Grenzgänger der Musik und ihre Verbindungen 

zu anderen Kunstfeldern sowie zur Alltagswelt: von Laurie 

Anderson und Erik Satie über Jimi Hendrix und Heiner 

Goebbels bis hin zu Iannis Xenakis und Frank Zappa. Viele 

dieser Künstler sind prägend für das letzte Jahrhundert 

und haben auch für meine persönliche und berufliche 

Entwicklung signifikante Bedeutung. Mit einigen dieser 

Künstler habe ich schon in frühen Jahren zusammengearbeitet 

und infolgedessen ergab sich manchmal sogar 

die Möglichkeit – oft noch vor ihrer weltweiten Anerkennung 

– sie in Würzburg zu präsentieren (z. B. Heiner 

Goebbels und Christian Marclay). 

Genau wie bei der oben genannten gattungsübergreifenden 

Ausstellung geht es bei der Gestaltung des Hafensommers 

auch darum, Kontexte im Spannungsfeld von 

Kunst, Kultur und Musik herzustellen, genuine Möglichkeiten 

zur Entdeckung (beispielsweise von Musik) ganz 

allgemein zu schaffen und Verweise und Zusammenhänge 

sowohl auf inhaltlicher, formaler als auch personeller 

Ebene zu verfolgen. Die Offenheit der Hörgewohnheiten 

zu fördern und die Grenzen der sinnlichen Wahrnehmung 

zu sprengen, ist Anreiz und Ansporn – immer mit dem 

4 

Ziel, kulturelle Entwicklungen in Bewegung zu halten und 

auf das Leben hin zu öffnen. Die Künstlerische Leitung bemüht 

sich, gegen den Bürstenstrich des Mainstreams im 

Hafen ein lebendiges, weltoffenes und facettenreiches Panorama 

von Musik, Kunst und Kultur entstehen zu lassen. 

Das Programm dieses Sommers überrascht mit Kooperationen, 

die speziell für die Hafenbühne kuratiert wurden, 

z. B. die erstmalige Zusammenarbeit von Elliott Sharp 

aus NYC – seit drei Jahrzehnten ein Gitarrist der Sonderklasse 

– mit den 17 Hippies; oder der exklusive (und 

in Deutschland bisher einmalige) Auftritt des legendären 

Bassisten John Paul Jones (Led Zeppelin) mit einer der 

innovativsten Combos aus Norwegen: Supersilent. Ein 

weiterer Schwerpunkt sind wahrlich aufregende Sängerinnen 

und Musikerinnen von unterschiedlichster Provenienz 

und Herkunft. Das schwergewichtige Thema Serge 

Gainsbourg/Jane Birkin wird in musikalischer („Jane Birkin 

sings …“) und in filmischer Form („Blow-up“ und „Gainsbourg“) 

präsentiert, Menschenrechtsaktivisten wie Aung 

San Suu Kyi sind im Film („The Lady“) oder wie Jane Birkin 

auf der Bühne zu erleben. 

Lassen Sie sich verführen! Viel Spaß mit einem unterhaltsamen 

wie aufregenden Programm in diesem zauberhaften 

Ambiente. 

Jürgen Königer 

Künstlerischer Leiter

Team Hafensommer 

Veranstalter - Impressum 

Team Hafensommer, 

c/o Kulturreferat der Stadt Würzburg 

Fachbereich Kultur 

Rückermainstraße 2 

97070 Würzburg 

Tel.: 0931/37-2397 

Fax: 0931/37-3399 

info@hafensommer-wuerzburg.de 


Festivalleitung: 

Künstlerische Leitung: 


Geschäftsführung: 

Johannes Engels (Fachbereichsleiter Kultur) 

Organisatorische Leitung: 

Ole Kruse (Fachabteilungsleiter Kultur) 

PR/Öffentlichkeitsarbeit/Marketing/ 

Programmförderung/Kommunikation: 


Produktionsleitung: 

Matthias Strobel 

Künstlerbetreuung: 

Birgit Emmerling, Tania Klüpfel 

Programmheft 

Redaktion: Jürgen Königer 

Autoren Magazin: Reinhard Köchl, Ulrich Kriest, 

Karl Bruckmaier, Norbert Krampf, Harald Meyer-Porzky, 

Bernhard Jugel, Wolfram Hanke 

Lektorat: Ulf Cronenberg, Julia Scheuermann 

Anzeigen/Verteilung: 

MorgenWelt Würzburg GmbH 

Tel.: 0931/32999-0 (www.frizz-wuerzburg.de) 

Layout/Produktion: Katharina Schmidt, 

schmidt@frizz-wuerzburg.de 

Auflage: 30.000 

Druck: bonitasprint GmbH, Würzburg 

(www.bonitasprint.de) 

Corporate Design/Plakatmotiv 

Hummel + Lang | Agentur für Werbung und Design 

(www.hummel-lang.de) 

Webentwicklung 

rockenstein AG (www.rockenstein.de) 

Gastronomie 

das boot (www.das-boot.com) 

WunschWerk GmbH (www.daswunschwerk.de) 

Bühnenbau, Ton- und Lichttechnik 

VERANTEC GmbH (www.verantec.de) 

Photo Credits 

Titelfoto: Hans-Joachim Hummel 

Editorial: Peters 

Vorwort & Finale: Ulf Cronenberg (S. 4, 55) 

Konzerte: 

Elliott Sharp ©Sascha Rheker / Magazin (S. 71) ©Andreas Sterzing 

17 Hippies ©Ma’ayan Plaut 

Pauline Croze ©Seb Janiak 

Jane Birkin ©Ezra Petronio 

Stian Westerhus ©Anja Elmine Basma 

Synje Norland ©Marcel Lichter 

Rebekka Bakken ©Tina Axelsson 

Wolfgang Dauner ©coco concerts 

jbbg ©Erich Reismann 

John Paul Jones ©Alf Sobakken 

Supersilent feat. John Paul Jones ©Mizuho Yabe 

Fatoumata Diawara ©Youri Lenquette / Magazin (S.75) ©David Kayondo1 

Max Uthoff ©M. Neumeister 

Reiner Kröhnert ©Christine Kröhnert 

Caravan Palace ©Florent Drillon 

Mina Tindle ©Claude Gassian 

Arnottodrom ©Terence Briand 

Gabby Young ©DR 

Stabil Elite ©Alexander Romey 

Fatoumata Diawara ©Youri Lenquette 

Niels Frevert ©Dennis Dirksen 

Die Goldenen Zitronen ©Stephan Abry 

M. Reza Mortazavi ©Daniela Incoronato 

Gainsbourg ©2010 PROKINO Filmverleih GmbH 

Bauchklang ©Daniel Ebster 

Nils Petter Molvær Trio & Stian Westerhus (S.87) ©Hopper Management 

Kristof Schreuf ©Buback 

5

Posthalle 

Zur Verfügung gestellt vom Kulturspeicher Würzburg und dem DesignbüroDrasdoDüsseldorf 

Parken/Anfahrt 

Adresse: Am Alten Hafen, 97070 Würzburg 

Das Hafensommer-Festivalgelände liegt am Alten Hafen - direkt am 

Main in der Nähe von Kulturspeicher und Congress-Centrum. Wir 

empfehlen die Anreise mit öffentlichen Verkehrsmitteln. 

ÖPNV: Von der Innenstadt aus ist der Alte Hafen mit den Straßenbahnlinien 

2 und 4, von der Residenz aus mit der Buslinie 9 und vom 

Hauptbahnhof aus entweder zu Fuß (ca. 10 Minuten Fußweg) oder mit 

den Buslinien 11, 13, 19, 22 und 27 erreichbar. 

Bahn: Mit der Mainfrankenbahn zum Würzburger Hafensommer. Aus 

allen Richtungen kommen Sie mindestens stündlich zum Würzburger 

6 

Hbf. Den Hafensommer erreichen Sie vom Hauptbahnhof aus 

entweder zu Fuß oder mit den genannten Buslinien (gratis mit dem 

BAYERN-Ticket – bis zu 5 Personen, 1 Tag 1 Preis). Sie erhalten gegen 

Vorlage der Bahnfahrkarte bei den Kooperationspartnern der Bahn 

Ermäßigungen auf die Eintrittspreise oder andere Vergünstigungen. 

Beim „Bayern-Ticket“ und „Schönes-Wochenende-Ticket“ erhalten je 

Ticket bis zu fünf Personen die vereinbarten Ermäßigungen. 

www.bahn.de/mainfrankenbahn 

Parken: In unmittelbarer Nähe des Areals befindet sich das Parkhaus 

„Alter Hafen“. Einige Meter weiter finden Sie das Parkhaus „Congress 

Centrum“ und Parkmöglichkeiten auf der Talavera. 

www.wvv.de

Infos & Tickets 

Information 

Info-Telefon (2. Juli – 23. Juli): 

0931/36-2012 

(Mo. – Do. 09.00 – 12.00 Uhr und 14.00 – 16.00 Uhr, 

Fr. 09.00 – 12.00 Uhr) 

Info-Telefon (24. Juli – 15. August): 

0931/36-2012 

(Mo. – So. 10.00 Uhr – 1 Stunde nach Veranstaltungsbeginn) 

Website: www.hafensommer-wuerzburg.de 

Eintrittskarten 

Eintrittskarten gibt es an der Abendkasse und im Vorverkauf 

Vorverkauf 

Online-Tickets: www.adticket.de/Hafensommer-Wurzburg.html 

(VVK zzgl. 10 % Vorverkaufsgebühr und 1,20 € Systemgebühr) 

Tourist-Information: Falkenhaus am Markt, Tel.: 0931/372398 

(Mo - Fr 10.00 - 18.00 Uhr; Sa, So und Feiertag 10.00 - 14.00 Uhr) 

Ermäßigung 

Die ermäßigten Preise gelten gegen Vorlage der gültigen Legitimation 

für: SchülerInnen, Azubis, Studierende, InhaberInnen der Bayerischen 

Ehrenamtskarte, Schwerbehinderte (ab 60%), Erwerbslose, SozialhilfeempängerInnen 

und RentnerInnen 

Kinder bis 12 Jahren haben freien Eintritt 

Hafensommer 2012 - Festival Cards 

Festival Card 20: 20,00 € (nur im Falkenhaus, Tourist Information) 

20 % Rabatt beim Kauf von Einzelkarten 

Festival Card 50: 50,00 € (nur im Falkenhaus,Tourist Information) 

50 % Rabatt beim Kauf von Einzelkarten 

Dauerkarte: 180,00 € (auch online) 

Freier Eintritt bei allen Veranstaltungen – Limitierte Edition 100 Stück! 

Bonusleistungen bei der Dauerkarte 

Garantierte Eintrittskarten für die Sparda-Bank Classic Night am 

24.07. sowie die Abschlussveranstaltung am 15.08. 

Vorkaufsrecht für eine Dauerkarte für den Hafensommer 2013. 

Konditionen 

Die Festival Cards sind nicht übertragbar und personenbezogen. 

Beim Kauf einer Festival Card müssen verbindlich Name und 

Telefonnummer hinterlegt werden; der Name wird auf das Ticket 

gedruckt. Der Besucher muss verbindlich beim Kauf des Tickets 

einer Einzelveranstaltung Festival Card und Ausweis vorlegen. Der 

Veranstaltungstermin wird auf der Rückseite der Festival Card erfasst, 

um für den Veranstalter zu gewährleisten, dass mit der Dauerkarte pro 

Veranstaltung nur ein Ticket bezogen wird. 

Einlasskarten Sparda-Bank-Classic-Night am 24.07. 

Einlasskarten erforderlich aufgrund der begrenzten Platzkapazität! 

Verlosung der Karten bis 10.07.2012 unter www.hafensommerwuerzburg.de 

oder per Postkarte (erhältlich im Bürgerbüro/Rathaus, 

Mainfranken Theater, Tourist-Information im Falkenhaus) 

Einlasskarten - Hafensommer-Finale am 15.08. 

Einlasskarten erforderlich aufgrund der begrenzten Platzkapazität! 

Karten erhältlich ausschließlich an der Tages-/Abendkasse ab 14.00 Uhr. 

Einlass/Kasse 

An allen Veranstaltungstagen Einlass 1 Stunde vor Veranstaltungsbeginn 

(außer Sparda-Bank Classic Night am 24.07.: 19.00 Uhr und 

Abschlusstag 15.08.2012 um 14.00 Uhr) 

Kasse: Veitshöchheimer Straße zwischen Kulturspeicher 

und ehem. Hauptzollamt 

Ausweichspielstätte 

(für einige Termine) 

Die Ausweichspielstätte Posthalle gilt für folgende Termine: 

26.07., 27.07., 28.07., 29.07., 02.08., 05.08. 

Posthalle Würzburg, Bahnhofsplatz 2, 97070 Würzburg 

(www.posthalle.de) 

Bei sehr schlechter Witterung finden die oben genannten 

Veranstaltungen in der Posthalle Würzburg statt 

Alle anderen Veranstaltungstermine werden auf der Hafenbühne 

durchgeführt (oder bei extrem schlechter Witterung abgesagt bzw. 

bei akuter Wetterverschlechterung abgebrochen) 

Die Entscheidung über eine Verlegung wird spätestens am 

Veranstaltungstag um 14.00 Uhr getroffen. 

Bitte informieren Sie sich über Info-Telefon und unsere Website. 

7

DI 24|JULI 

20:15 Uhr | Eröffnung / Konzert: 

Sparda-Bank Classic Night 

Eintritt: frei *** > ➔ S. 10 

 

MI 25|JULI 

20:00 Uhr | Doppelkonzert: 

17 Hippies feat. Elliott Sharp (D, USA) / 

Elliott Sharp (USA) 

Eintritt: VVK 19,- B * | AK 24,- B> ➔ S. 12 

 

DO 26|JULI 


Jane Birkin Sings Serge Gainsbourg 

„Via Japan” (F, J) / Pauline Croze (F) 


 

FR 

27|JULI 


Nils Petter Molvær (Band) / 

Stian Westerhus (Solo) (N) 


SA 28|JULI 


Rebekka Bakken (N) / Synje Norland (D) 

Eintritt: VVK 28,- B * | AK 34 B> ➔ S. 18 

 

SO 

29|JULI 


jbbg - Jazz BigBand Graz (A, D) / 

Wolfgang Dauner (D) 


 

MO 30|JULI 

21:30 Uhr | Kino: 

Gainsbourg – 

Der Mann, der die Frauen liebte (F) 

Eintritt: AK 7,- B **> ➔ S. 23 

 

DI 31|JULI 

21:30 Uhr | Kino: 

Blow-Up (GB, I) 

Eintritt: AK 7,- B **> ➔ S. 25 

 

MI 1|AUGUST 

20:30 Uhr | Konzert: 

Supersilent feat. John Paul Jones 

(Led Zeppelin) (N, GB) 


 

DO 2|AUGUST 


Fatoumata Diawara (RMM, F) 


 

FR 

3|AUGUST 

20:00 Uhr | Kabarett hoch 2: 

Max Uthoff / Reiner Kröhnert (D) 


 

SA 

4|AUGUST 

21:30 Uhr | Kino: 

Vorne ist verdammt weit weg (D) 

Eintritt: AK 7,- B **> ➔ S. 33 

 

SO 5|AUGUST 


Caravan Palace (F) 

 

 


 

8

MO 6|AUGUST 

21:30 Uhr | Kino: 

The Lady – Ein geteiltes Herz (F) 

 

MO 

13|AUGUST 

21:30 Uhr | Kino: 

Sing Your Song (usa) 

Eintritt: AK 7,- B **> ➔ S. 37 

 

DI 

7|AUGUST 

21:30 Uhr | Kino: 

Cheyenne – 

This must be the Place (I, F, irl) 

Eintritt: AK 7,- B **> ➔ S. 39 

 

MI 8|AUGUST 


Karo (Wü) / Mina Tindle (F) 


 

DO 

9|AUGUST 


Gabby Young & Other Animals (UK) / 

Arnottodrom – Otto Lechner/Arnaud 

Méthiviér (F, A) 


 

FR 

10|AUGUST 


Bauchklang (A) / Stabil Elite (D) 


 

SA 11|AUGUST 

19:30 Uhr | Die Hamburg-Nacht: 

Die Goldenen Zitronen / Kristof Schreuf 

/ Niels Frevert & Band (D) 


 

SO 

12|AUGUST 


European Twin City Jazz Project – 

Bridges (UK, Wü) / Mohammad Reza 

Mortazavi (IR, D) 

Eintritt: VVK 17,- B * | AK 22 B> ➔ S. 48 

 

 

Eintritt: AK 7,- B **> ➔ S. 51 

 

DI 14|AUGUST 

21:30 Uhr | Kino: 

Work Hard – Play Hard (D) 

Eintritt: AK 7,- B **> ➔ S. 53 

 

MI 15|AUGUST 

14:00 Uhr | Abschluss / Konzert: 

Hafensommer-Finale 

Eintritt: frei****> ➔ S. 55 

 

Hinweise: 

*VK ist Vorverkauf, d.h. Preise zzgl. 10 % Vorverkaufsgebühr 

und 1,20 € Systemgebühr 

**Kinokarten sind ausschließlich an der Abendkasse 

erhältlich; hierfür werden keine Ermäßigungen gewährt. 

***Der Eintritt für die Sparda-Bank Classic Night am 

24.07. ist frei, jedoch nur mit Einlasskarte möglich; diese 

Karten werden verlost (bis einschließlich 

10. Juli – siehe website). 

****Einlasskarten erforderlich; erhältlich ausschließlich an 

der Tages-/Abendkasse 

Ermäßigungen: 

Der Ticketpreis (VVK oder AK) ist bei vorliegender 

Berechtigung (siehe S. 7) jeweils um einen Betrag von 

3.- € reduziert 

9

Eröffnung: 

Di, 24. Juli, 20:15 Uhr 

„Zauber der Ferne und Nähe“ 

Sparda-Bank Classic Night 

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Am Dienstag, 24. Juli 2012 beginnt der sechste Hafensommer 

Würzburg wieder mit einem sommerabendlichen 

Open Air Eröffnungskonzert. Die „Sparda-Bank- 

Classic-Night“ steht dieses Jahr unter dem Motto 

„Zauber der Ferne und Nähe“. Die Würzburger Philharmoniker 

werden – wie schon im Jahr 2009 – geleitet 

von Gastdirigent Viktor Åslund, der drei Jahre 1. Kapellmeister 

am Mainfranken Theater war. Gesangssolistin 

ist die schwedische Sopranistin Sara Jangfeldt, die 

mit exquisiten Darbietungen von Burt Bacharach, Shirley 

Bassey und aus verschiedenen Musicals dem Programm 

eine spezielle Note verleihen wird. Die Arrangements 

dazu stammen von Viktor Åslund, der auch 

mit zwei Eigenkompositionen – „Zauber der Nähe und 

Ferne“ – das Motto des Abends prägt. Die Würzburger 

Philharmoniker bieten Ausschnitte aus Sinfonien von 

Joseph und Michael Haydn, Werke von Jean Sibelius, 

Antonín Dvořák, Frédéric Chopin und Johann Strauss. 

Als besondere musikalische Kostbarkeit gelten die berühmten 

„Drottningholmsmusiken“ des schwedischen 

Komponisten Johan Heinrich Roman. Diese Musiken 

wurden speziell für die königliche Hochzeit von Kronprinz 

Adolf Friedrich und Prinzessin Luise Ulrike von 

Preußen am 29. August 1744 geschrieben und erfreuen 

sich in Schweden großer Beliebtheit. 

10

Präsentiert mit freundlicher Unterstützung: 

Sparda Bank 

Der schwedische Dirigent und Pianist studierte an der 

Königlichen Musikhochschule Stockholm und besuchte 

Meisterkurse bei Geoffrey Parsons, Pierre Sancan und Peter 

Toperzer in London, Nizza und Prag. Zahlreiche Gastdirigate 

führten ihn in die skandinavischen Länder, in die 

Tschechische Republik, nach Rumänien und nach Zentralasien, 

Operndirigate an die Komische Oper Berlin, ans 

Confidencen Stockholm und ans Musiktheater Malmö. 

Er war 1. Kapellmeister an der Norrlands Oper Umeå und 

produzierte und dirigierte an der kirgisischen Nationaloper 

Bishkek die erste Aufführung einer „Zauberflöte“ von 

Mozart. Weiterhin unterrichtete er an der Königlichen 

Opernhochschule und an der Königlichen Musikhochschule 

Stockholm. Von 2007 bis 2009 war Viktor Åslund 

erster Kapellmeister am Mainfranken Theater Würzburg. 

Zuletzt erlebte man den Dirigenten, Pianisten und Komponisten 

im Herbst 2011 im Vogel Convention Center, wo 

er seine neueste CD-Produktion „The Dirtroad Project“ 

mit großem Erfolg vorstellte. 

Die in Stockholm geborene Sängerin Sara Jangfeldt begann 

ihre musikalische Ausbildung schon mit zehn Jahren 

an Schwedens berühmtester Musikschule, der Adolf- 

Fedriks-Musikskola. Klassische Gesangsausbildung mit 

Jazztanz und Schauspielunterricht kombiniert machten 

aus ihr in sehr frühem Alter eine veritable Musical- 

Künstlerin. Schon im Teenageralter arbeitete sie an verschiedenen 

Stockholmer Theatern, trat im Schwedischen 

Nationalfernsehen auf und absolvierte an der Ballettakademie 

in Gothenburg ihr Musiktheaterdiplom. Unmittelbar 

anschließend erhielt sie eine Anstellung am dortigen 

Opernhaus, wo man sie in verschiedenen prominenten 

Musicalrollen auftreten ließ. Mit einer selbstverfassten 

Ein-Frauen-Show tourte sie durch Schweden und gelangte 

nach Moskau, Capri und New York. Zusammen 

mit ihrem Mann, dem Musikproduzenten Mathias Venge, 

komponierte und produzierte sie ein neues Rock-Musical 

für die Gothenburg-Oper mit dem Titel GRYMT! Sara 

Jangfeldt trat mehrere Male im Schwedischen Nationalfernsehen 

zusammen mit dem Royal Symphony Orchestra 

auf; außerdem ist sie Mitglied des Pop-Trios „Florence“, 

das 2006 sein erstes Album „Feel“ herausbrachte, 

produziert vom legendären Benny Andersson der Gruppe 

ABBA. Zurzeit ist sie am Stadttheater Stockholm für die 

Sparten Musical und Schauspiel engagiert. 

Kompositionen von Åslund, Roman, Sibelius, Dvořák 

Haydn, Chopin, Strauß und aus Jazz, Pop und Musical 

Gesangssolistin: 

Sara Jangfeldt / Combo: Stephan Degner – Gitarre, Felix 

Himmler – Bass, Klaus Wangorsch – Jazztrompete / 

Würzburger Philharmoniker: Leitung – Viktor Aslund, 

Moderation – Johannes Engels 

11

Doppel-Konzert: Mi., 25. Juli, ab 20 Uhr 

12 

• PERLEN 

• SCHMUCK 

• KNÖPFE 

Marktplatz 3a 


(gegenüber Weinhaus Stachel) 

Elliott Sharp (USA) – Plays 

the Music of Thelonious 

Monk/Octal/Velocity of Hue 

„Musik wie ein offenes Meer, in dem es vor 

vertrackten Rhythmen und Instrumentalfarben 

wimmelt“ 

Elliott Sharp, Gitarrist, Komponist und Produzent, gehört 

neben John Zorn u. a. seit den 80er Jahren zu den 

profiliertesten Figuren der New Yorker Downtown- 

Szene. Als vielseitig engagierter Multi-Instrumentalist 

verbindet er in seiner Musik und seinen vielschichtigen 

Produktionen einen hohen kompositorischen Anspruch 

mit energiegeladenen, pulsierenden Rhythmen 

und atemberaubenden Klangeffekten. Die Bandbreite 

seiner musikalischen Projekte und Kollaborationen 

reicht von Blues, Jazz und Noise, über No Wave und 

(Post-)Rock zu Techno/Elektro und zeitgenössischer 

Komposition. 

Unter seinen zahlreichen Kooperationspartnern befinden 

sich die Radio-Sinfonie Frankfurt, Pop Ikone Debbie 

Harry, das Ensemble Modern (Racing Hearts/Tessalation 

Row/Calling), Qawwali Sänger Nusrat Fateh Ali Khan, 

das Kronos Quartet, die Blueslegenden Hubert Sumlin 

und Pops Staples, die Pipa Virtuosin Min-Xiao Feng, die 

Jazzgrößen Jack DeJohnette und Sonny Sharrock, der DJ 

und Videokünstler Christian Marclay sowie Bachir Attar, 

der Leiter der Master Musicians of Jajouka. „Electric 

Willie – A Tribute to Willie Dixon“ erschien 2010 auf Enja 

Records, im gleichen Jahr erfolgte die Realisierung eines 

MusikTheater-Projekts mit Jugendlichen an der Bayerischen 

Staatsoper (About us!). Im September 2012 wird 

eine neue CD mit seiner Formation Terraplane auf Enja

Records erscheinen. Jüngste Auszeichnungen: Fellowship 

in Music Composition der New York Foundation for the 

Arts (2010), Preis der Deutschen Schallplattenkritik für 

„Concert in Dachau“ (2008). 


Brückner & Brückner Architekten und Hotel ibis Würzburg 

Besetzung: Elliott Sharp - guitars 

Presse: „Concert In Dachau is, perhaps, the best realized music Electroacoustic 

guitarist Elliott Sharp has ever committed to record. It‘s rare to 

get the chance to take in a musician‘s very thought processes as is possible 

here, and a by-product is Sharp‘s vocabulary being is thrown into 

stark relief. It‘s to his resounding credit that it‘s rich, varied and alive 

with nuance.“ (All About Jazz, USA) 

„One of the godfathers of the Downtown New York music scene (…) He 

remains as restlessly creative as ever, continuing to churn out provocative 

new projects with remarkable regularity.“ (Jazz Times, USA) 

ab 21:15 Uhr 

17 Hippies 

feat. Elliott Sharp (D, USA) 

„Brave and entertaining global fusion“ 

Wohl kaum eine andere deutsche Band ist auf den 

Kontinenten dieser Erde dermaßen präsent und hat 

sich in beispielloser Unabhängigkeit einen Platz in der 

internationalen Musiklandschaft erobert. Als erste 

deutsche Band traten die 17 Hippies zuletzt gar auf 

dem legendären WOMAD-Festival in Australien/Neuseeland 

auf („they inhabit the point where The Pogues 

and Taraf de Haidouks intersect, albeit proudly wearing 

a distinctive Middle European stamp“, Womad). 

Die Band steht für einen nahezu zeitlosen unverkennbaren 

Musikstil und mitreißende Konzerte. 

Ohne ihre Ursprünge aus dem Blick zu verlieren, geht es 

zielstrebig vorwärts – offen, wandelbar und mit schwindelerregender 

Leichtigkeit am Puls der Zeit. Aufgewachsen 

im Berlin der 60er/70er/80er Jahre, prägte die Nähe 

zu Osteuropa und nach dessen Öffnung auch der Strom 

an Zuziehenden stetig wechselnden Kolorits den unverwechselbaren 

Hippie-Sound. Auf Anregung des künstlerischen 

Leiters des Hafensommers werden die 17 Hippies 

bei ihrem sommerlichen Auftritt auf der Hafenbühne einige 

zusätzliche Stücke gemeinsam mit dem außergewöhnlichen, 

amerikanischen Gitarristen Elliott Sharp (der 

auch solo auftreten wird) erarbeiten und am Alten Hafen 

exklusiv präsentieren. 

Besetzung: Antje Henkel – Klarinette, Sax / Daniel Cordes – Bass / Christopher 

Blenkinsop – Ukulele, Bouzouki, Gesang / Daniel Friedrichs – Geige / 

Dirk Trageser – Gitarre, Gesang / Elmar Gutmann – Trompete / Henry Notroff 

– Klarinette / Kerstin Kaernbach – Geige / Kiki Sauer – Akkordeon, Gesang / 

Kruisko – Akkordeon / Lüül – Banjo, Gitarre / Uwe Langer – Posaune, Trompete, 

Horn 

Presse: „A sophisticated, quirky band from Berlin (…) this is a brave and entertaining 

global fusion.“ (The Guardian UK) 

„With their riotously entertaining gigs, this Berlin-based ‘orchestar spezial’ 

have been charming an ever-growing international audience since 1995. 

Theirs is a quintessentially European melange of styles, and having three 

lead singers who all switch between German, French and English makes 

them sound like several bands rolled into one.“ (BBC UK) 

13

Doppel-Konzert: Do., 26. Juli, ab 20 Uhr 

Pauline Croze (F) 

„La belle et la tête“ 

Pauline Croze ist eine der vielversprechendsten Frauenstimmen 

der aktuellen französischen Musikszene. Mit 

ihrer unverwechselbaren, tiefgründigen und zerbrechlichen 

Stimme bewegt sie sich souverän und eigenwillig 

in der zeitlosen frankophilen Spielart von Pop und 

Chanson, schnörkellos und poetisch, voller Leidenschaft 

und très français – „Tontränen“ beschreibt Croze 

ihre Lieder, die auf der Basis von Singer/Songwriter 

und Pop subtile Einflüsse von Trip Hop, Elektro, Funk, 

Jazz bis hin zum Bossa anklingen lassen. 

Die hageren Schultern, die Gitarre – eine à la Jane Birkin 

ist der erste Gedanke –, gehauchte Worte, fragile Stimme. 

Aber von wegen: Es bricht ja geradezu heraus aus dieser 

Frau. Rauchig, kräftig, ernst, sinnlich, so könnte man den 

Gesang auf Pauline Crozes ersten beiden Alben beschreiben 

(das dritte ist gerade in Produktion). Wunderwerke 

von an der Realität geschulter Dichtkunst, Texte, die von 

den Freuden des Lebens erzählen, aber auch von Verletzungen 

und zugefügten Wunden, ohne die die Liebe nun 

mal nicht zu haben ist. Balladen und Wiegenlieder. Nie 

süßlich. Dafür sorgt schon die knüppelharte Gitarre, die 

durch die Melodien pflügt und „afrikanische Rhythmen, 

brasilianische Sinnlichkeit, andalusischen Stolz, jamaikanische 

Grooves und einen Schuss jener Melancholie kombiniert, 

für die die Kapverdischen Inseln berühmt sind“, 

wie Edith Fambuena schreibt, Produzentin des Debüts 

(sechsstellige Verkaufszahlen in Frankreich). 

Besetzung: Pauline Croze – Vocals, Guitar 

14 

Presse: „Die „unverhüllte Poesie“ (…) Ihr dunkles Timbre ist in Frankreich 

schon bestens bekannt (…) Allein, sich auf der Gitarre begleitend, singt 

sie von Selbstzweifel und Orientierungslosigkeit, jugendlichem Hunger 

nach Leben (…) von Lust und ihren Objekten, der schlaflos machenden 

Hitze unter dem Vollmond und von der Position der Frau in der Gesellschaft.“ 

(Kulturradio, Berlin) 

„Pauline Croze, une artiste authentique qui met ses états d‘âme au service 

de ses chansons.“ (Le Figaro, Paris) 

ab 21:15 Uhr 

Jane Birkin Sings Serge 

Gainsbourg „Via Japan” (F, J) 

„Gainsbourg reloaded – La Grande Dame Jane B.“ 

Jane Birkin ist eine charismatische Künstlerpersönlichkeit, 

die seit Ende der 60er Jahre mit einer breit 

gefächerten Schauspielkarriere als Darstellerin in Theater 

und Film sowie zuletzt auch als Regisseurin beeindruckt. 

Sie arbeitet(e) mit Regisseuren wie James 

Ivory, Alain Resnais, Jacques Rivette, Bertrand Tavernier, 

Agnès Varda, Jacques Doillon, Roger Vadim, Michelangelo 

Antonioni, Richard Lester u. v. a. Gleichzeitig 

war und ist sie auch als Popstar und Sängerin in 

der Öffentlichkeit präsent. Ihrer künstlerischen Neugier 

und Offenheit folgend, entstanden zuletzt eigene 

Veröffentlichungen in Zusammenarbeit mit Künstlern 

wie Françoise Hardy, Bryan Ferry, Caetano Veloso, 

Johnny Marr, Brian Molko, Beth Gibbons (Portishead), 

Neil Hannon (The Divine Comedy), Rufus Wainwright, 

Dominique A und anderen. Seit langen Jahren gilt ihr

ausgeprägtes Engagement auch humanitären Aktivitäten 

der unterschiedlichsten Art (Langjähriges Engagement 

in Hinblick auf Birma und Aung San Suu Kyi, 

Amnesty International, Human Rights Watch etc.). Bei 

einem Konzert in Japan zugunsten der Opfer der Katastrophe 

in Fukushima lernte sie die vier japanischen 

Musiker kennen, die nun dieses aktuelle Programm 

zu Ehren Serge Gainsbourgs weltweit mit Jane Birkin 

präsentieren. 

Der vor gut 20 Jahren verstorbene Serge Gainsbourg war 

Musiker, Komponist, Autor, Schauspieler, Regisseur und 

eine der einflussreichsten Künstlerpersönlichkeiten der 

französischen Popmusik, der zudem auch das Kino und 

die Literatur in Frankreich prägte (er schrieb Drehbücher 

und Filmmusik für mehr als vierzig Filme). Jane Birkin 

und Serge Gainsbourg lernten sich Ende der Sechziger bei 

Filmaufnahmen in Paris kennen und waren bis in die frühen 

Achtziger privat wie auch künstlerisch ein produktives 

(in der damaligen Zeit bisweilen als frivol geltendes) 

Traumpaar. Im Grunde ist Birkin die authentische und unerreichbare 

Nachlassverwalterin des Gainsbourg-Oeuvres. 

Ihr gelingt es, die innere Gefühlswelt des eigenwilligen 

und genialen Künstlers Gainsbourg (und seines Alter Ego 

Gainsbarre) kongenial wiederzugeben. Beim aktuellen 

Programm, das in Europa, Nahost (Tel Aviv, Ramallah), 

USA, Kanada und Australien seit Herbst 2011 präsentiert 

wurde und wird, werden ausschließlich Songs von Gainsbourg 

im Mittelpunkt stehen. Sie werden von einer Frau 

in unnachahmlicher und konsequenter Weise interpretiert, 

die ihm lange Zeit am nächsten stand und die vielleicht 

innigste Beziehung zu diesen längst zu Klassikern 

gewordenen Stücken hat. Ein Projekt, das haften bleiben, 

wenn nicht gar Gänsehaut erzeugen wird. 


Comacs GMbH 

Besetzung: JANE BIRKIN / Piano – Nobuyuki NAKAJIMA / Drums – Ichiro 

ONOE / Violin – Hoshiko YAMANE / Brass – Takuma SAKAMOTO 

Presse: „Jane Birkin, die bezaubernde Mischung aus eleganter Lady, unschuldig 

sinnlichem Schulmädchen und kämpferischer Aktivistin. Sie stolpert 

nicht mehr zufällig in einen Antonioni Film, sie trifft bewusste künstlerische 

Entscheidungen, sie wirkt gelassen und bei sich und echt. Jane Mallory Birkin 

ist eine berührende Künstlerin mit dem fesselnden Charme einer ewigen 

Kindfrau.“ (Rolling Stone, 10/2011) 

„Und er ist da, der fabelhafte Serge, seine Anwesenheit im bis zum Bersten 

gefüllten Saal ist merklich spürbar; sein Esprit, sein Feuer, sein Zauber, sein 

herbes Naturell (…) Nach zwei zauberhaften Stunden voll Empathie, Anmut 

und Wonne winkt die gentile Künstlerin zum letzten Mal in die tosende 

Menge. Man könnte noch stundenlang ihren Geschichten lauschen. Eine 

fesselnde Persönlichkeit, diese Jane Birkin, eine moderne, selbstbewusste 

Grande Dame und durch und durch sympathische Frau.“ (semestra, Zürich) 

„Mucksmäuschenstill lauscht das Publikum, und es ist dabei nicht nur sichtlich 

ergriffen von der Musik, sondern auch von der Persönlichkeit, die Jane 

Birkin ausstrahlt (…) Das hier ist etwas ganz Besonderes.“ (Kölner Stadt 

Anzeiger) 

„She was witty, elegant, sincere, emotional, humble and vivacious-with a 

smile that never seemed forced, more like inevitable.“ (Time Out, London) 

„The extraordinary Jane Birkin performed the songs of her late partner Serge 

Gainsbourg Sunday night at Town Hall before a rapt and appreciative audience 

(…) her honey-dipped voice was delicate and clear, investing every 

phrase with meaning.“ (Feast of Music, New York) 

15

Doppel-Konzert: Fr., 27. Juli, ab 20 Uhr 


midlife club 

Stian Westerhus (Solo) (N) 

„Music that resonates something deeply human. 

Brilliant!“ 

Charisma 

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16 

Stian Westerhus gilt als einer der jungen und äußerst 

gefragten Himmelstürmer und Top-Instrumentalisten 

in der norwegischen und europäischen Gitarristenszene, 

heute ist er durch Jaga Jazzist, das Nils Petter Molvær 

Trio, seine eigene Band Puma und das Duo Monolithic, 

aber auch durch sensationelle Kollaborationen 

mit Motorpsycho oder Supersilent in aller Munde. 

Mehr und mehr Energie setzte er zuletzt auch dafür 

ein, die elektrische Gitarre in beindruckenden Solo- 

Programmen zu präsentieren. So wurde er auch in den 

letzten Jahren mehrfach ausgezeichnet, z. B. mit dem 

BBC’s Award for Innovation in Jazz in Großbritannien 

und zahlreichen Preisen in Norwegen. 

Die intensiven und in den Bann ziehenden Solo-Performances 

sind gezeichnet von lebendiger Expressivität und 

Virtuosität sowie einem Gespür für den melodischen 

Reichtum seiner norwegischen Heimat („Der Georg Baselitz 

der Gitarre“, Wolf Kampmann). Beeinflusst von Slayer 

über Miles Davis bis hin zu Sidsel Endresen lässt Westerhus 

Klanglandschaften ertönen, die weit über das Brackwasser 

der konventionellen Genres und den Gitarrenstandards 

hinausgehen, „Stian’s 50 minute set takes us to 

a world beyond these boundaries, dark and challenging, 

brilliant and invigorating” (F. Talkington, BBC). Westerhus 

wurde gerade im Magazin Guitar Player (4/12) interviewt,

trat schon solo an Orten wie dem Tate Modern in London 

auf und glänzte zuletzt auch mit den Kumpels von Supersilent 

(& Joshua Lightshow) bei der Transmediale im 

Haus der Kulturen der Welt in Berlin. 

Besetzung:Stian Westerhus – guitars 

Presse: „Here‘s little in the canon of solo guitar—with the possible exception 

of Derek Bailey and Fred Frith—that can prepare or set precedence 

for Norwegian guitarist Stian Westerhus.” (J. Kelman, All About 

Jazz, USA) 

ab 21:15 Uhr 

Nils Petter Molvær 

„Sonic Soundscapes von beindruckender Intensität 

und Tiefe“ 

Molværs Ende der Neunziger erschienenes Debütalbum 

„Khmer“ wurde zu einem sensationell erfolgreichen 

Kultalbum, betrat es doch mit seinen progressiven 

Rockparts, den hypnotischen und groove-orientierten 

Beats und den treibenden Klangcollagen grenzüberschreitend 

Neuland und sorgte in der europäischen 

Jazzszene wie auch bei der Plattenfirma ECM für Furore 

und eine partielle Neuausrichtung. Die neuste Platte 

von Molvær („Baboon Moon“) ist erneut ein beeindruckender 

Beweis eines musikalischen Freigeistes und 

wurde zuletzt für den Norwegischen Grammy nominiert. 

Nur wenige Musiker verstehen es, so vorurteilsfrei 

und souverän mit den unterschiedlichsten musikalischen 

Stilelementen umzugehen. 

Ähnlich wie bei geistesverwandten Innovatoren aus 

Norwegen à la Supersilent, Arne Nordheim, Biosphere 

oder Terje Rypdal, an dessen Klangflächen man 

sich bisweilen erinnert fühlt, ist diese Musik vom Mief 


X-PO Design GmbH 

pfeifenrauchverqualmter Jazz-Puristen befreit. Vielleicht 

würde gar ein Miles Davis heute so klingen, war er doch 

seiner Zeit und vor allem den Traditionalisten meist weit 

voraus. Davis gehört sicherlich zu den Künstlern, die Molvær 

am meisten beeinflusst haben, neben Don Cherry, 

Billie Holiday, Brian Eno, Joni Mitchell und Bill Laswell. 

Molvær ist bekannt für die spektakuläre audio-visuelle 

Umsetzung seiner musikalischen Ideen und so dürfen 

sich die Konzertgänger auf opulente Sounds und dramatische 

visuelle Effekte freuen. Wie immer begleiten ein 

spektakulärer Videokünstler (Tord Knudsen) und einer 

der herausragenden Toningenieure Norwegens (Johnny 

Skalleberg, „A-ha“) das Trio. „Baboon Moon“ gehörte zu 

den besten Alben des Jahres 2011 in der Wochenzeitung 

DIE ZEIT (12/2011). 

Besetzung: Nils Petter Molvær – tp, electr. / Stian Westerhus – git / Erland 

Dahlen – dr / Tord Knudsen – light & video design 

Presse: „Khmer was already several steps away from what is generally 

„jazz“. With Baboon Moon, it’s probably now safer to consider Molvær 

more experimental rock than experimental jazz (…) though, he remains 

his own man.“ (Something Else, USA) 

„Molværs Trompete schnitt spitz und kittete sanft, Westerhus‘ Gitarre, 

die eher einem Orchester glich, wurde sanft mit dem Bogen gestrichen 

und hart in den Progressive Rock geschoben, und mit Dahlen am Schlagzeug 

schuf man ein engmaschiges, präzises Bodennetz. Ein Abend, der 

dem Kopfkinohelden Robert Wyatt eine große Freude bereitet hätte und 

der dem Zuhörer frisch den Wind durch die Gehörgänge gejagt hat.“ 

(Mannheimer Morgen, 2011) 

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Doppel-Konzert: Sa., 28. Juli, ab 20 Uhr 


Schopf Computersysteme 

Synje Norland (D) 

„Abenteuerlustiger Pop zwischen Verwundbarkeit 

und Ohrwurm“ 

Synje Norland geht – genau wie Frau Bakken entgegen 

den vordergründigen Klischees einer nordisch anmutenden 

blonden Schönheit – ihren eigenen Weg und 

folgt mit ihren feinsinnigen Songs und subtilen Texten 

kompromisslos ihrer inneren Stimme. Das Debüt von 

2007 zeigte schon das Talent und das Herzblut, das 

diese Musikerin/Sängerin in sich trägt, und findet Gehör 

bei einem Millionenpublikum, da einige der Songs 

auch in Film und Fernsehen zu hören sind („Liebe 

Mauer“, „Das Geheimnis der Wale“ …). Guter Pop setzt 

sich ab von der Masse – und findet trotzdem bisweilen 

massenhaft Gehör. 

Zeitweise in Kanada lebend, merkt man der gebürtigen 

Nordfriesin Synje Norland an, dass sie sich in der Weite 

der Welt zu Hause fühlt. Es fällt schwer, dieser charmanten 

Frau auf ihrer von Sehnsüchten und Gefühlen 

geprägten Reise zu widerstehen. Norland live zu erleben, 

bedeutet, mit dieser wunderbaren Spannung aus 

melancholischer Fragilität und burschikoser Lebenslust 

konfrontiert zu werden. Sie erscheint als authentische 

Persönlichkeit, deren Songs unbekümmert mädchenhaften 

Charme wie auch lebendige Sehnsucht nach Freiheit, 

Aufbruch und Unabhängigkeit widerspiegeln. So 

ist es keinesfalls verwunderlich, dass der Norlandsche 

Klangkosmos einen druckvollen Pop-Ohrwurm (in einer 

besseren Pop-Welt wäre dieses Stück in den Charts) à la 

„Love Shuffle“ wie auch den Song „Ishmael“ über einen 

18 

ehemaligen Kindersoldaten beinhaltet und dass neben 

Gitarre, Cello (der grandiose Michael Becker, bekannt 

durch zahlreiche Rundfunk- und Studioproduktionen, u.a. 

Klaus Doldinger, Depeche Mode, Tatort-Folgen etc.) und 

konventioneller Bandbesetzung auch ein Spielmannszug, 

ein Orchester oder Autoblinkergeräusche zu hören sind. 

Besetzung: Synje Norland – voc, git / Michael Becker – 

cello / Micha Holland – bass 

Presse: „Leicht, ohne oberflächlich zu sein. Synje 

Norland streichelt die Seele auf ihrer zweiten CD 

mit einem relaxten und doch geistreichen Folkpop. Es 

klingt vielleicht paradox, doch selbst in ihren melancholischen 

Momenten (…) zaubert Norland dem Zuhörer 

ein Lächeln ins Gesicht.“ (Stereo, 2011) 

„Synje Norland ist eine wahre Meisterin der leisen 

Zwischentöne und versteht es auch auf „To the other 

Side“ wieder, mit ihren Geschichten von Anfang an zu 

begeistern.“ (9/10, mbeat, 2011) 

„Mit einem variablen Sound auf der Gitarre und einer 

Stimme, die vor allem in den Höhen wunderbar definiert 

und trotzdem kräftig ist, wickelt sie einen sofort 

um den Finger.“ (Donaukurier)

ab 21:30 Uhr 

Rebekka Bakken (N) 

„Sinnlich wie geheimnisvoll – 

Eine Sphinx für alle Fälle“ 

Rebekka Bakken, in Oslo geboren und scheinbar überall 

zu Hause, findet gerade aufgrund ihrer unorthodoxen 

Haltung gegenüber all den gängigen Genres 

immer wieder eine ganz eigene Sprache. Ihre ausdrucksstarke 

Stimme mit unverwechselbarem Charakter, 

die Bakken mannigfaltiger Einflüsse zum Trotz 

nach eigenem Gusto permanent weiterentwickelt und 

neu formt, begeistert das ihr zu Füßen liegende Publikum 

und eine überschwängliche Presse – FAZ: „bis 

in die Haarspitzen erotisch“; die Welt: „unerhört gut“; 

Süddeutsche Zeitung: „eine Stimme, die einem die 

Sprache verschlägt“. 

Mit ihrer offener Art, den selbstbewussten Texten und 

den feinen Melodien knüpft Bakken mit der Intimität ihrer 

Stimme eine sinnliche Beziehung zum Publikum. Ihr 

Gesang bewegt sich mühelos von rauen, rauchigen Klängen 

zu klaren, hellen Tönen. Musikalisch driftet sie zwischen 

jazzigen Chansons über countryaffinen Rock bis zu 

norwegischen Folksongs, der Musik ihrer Heimat. Auf ihrem 

fünften Soloalbum „September“ arbeitet die Sängerin 

mit Malcolm Burn, einem kanadischen Produzenten, 

der sich durch seine Arbeit mit Daniel Lanois oder Bob 

Dylan hervortat und einen Grammy für seine Produktion 

mit Emmylou Harris gewann. Bakken setzt bei dieser Produktion 

ihre „amerikanische Serie“ fort und präsentiert 

schnörkellose Songs. Exzellent gesungen, sinnlich gespielt, 

wirken diese Texte über Liebe, Leben, Lust und Leiden 


barcatta GmbH 

– die ältesten Themen der Welt – immer aktuell. Während 

der fast einstündigen Reise durch eine enorme emotionale 

Bandbreite merkt man der Musik auf „September“ 

eine ganz besondere, natürliche und selbstverständliche 

Qualität an. 

Besetzung: Rebekka Bakken – Voc. / Lars Danielsson – 

Bass / Rune Arnesen – Drums / Börge Petersen–Överleier 

– Git. / Mathias Leber – Piano, Keys 

Presse: „Die Vier-Oktaven-Stimme, das zarte, beherrschte, 

manchmal nur wie ein Register eingesetzte 

Vibrato, die fast pfeifende Höhe, die satte Tiefe, die 

souveräne Technik, dies alles steht im Dienst einer 

phänomenalen Strahlkraft.“ (U. Olshausen, FAZ) 

„Rebekka Bakken. Eine Sirene. Wer sie hört, ist verloren.“ 

(Hamburger Morgenpost) 

„Die Aura hat einen Namen: Rebekka Bakken.“ (Die 

Welt) 

„Sie ist für ihr Charisma auf der Bühne berühmt.“ 

(Süddeutsche Zeitung) 

19

Doppel-Konzert: So., 29. Juli, ab 20 Uhr 


Engel-Apotheke Würzburg 

Wolfgang Dauner (D) 

„Dauner am Klavier – epigonale Individualität und 

jazzige Spannung“ 

Wolfgang Dauner gehört seit Jahrzehnten zu den angesehensten 

und vielseitigsten Persönlichkeiten an 

den schwarzen und weißen Tasten, hoch geschätzt 

über die musikalischen und geographischen Grenzen 

hinweg als Komponist, Pianist und Keyboarder, Improvisator 

und Grenzüberschreiter. Seit den 50er Jahren 

ist er als professioneller Pianist unterwegs, später 

dann mit eigenem Trio (Fred Braceful, Eberhard Weber) 

im Fokus, wie kein anderer Bill Evans ins europäische 

verlängernd, dessen Sprache nutzend, aber eigene 

Geschichten erzählend. Dauner pendelte in den 

folgenden wilden Jahren zwischen konventioneller Improvisation, 

Free Jazz und Rock – aber auch zwischen 

Musik und angrenzenden Künsten: Musik-Theater, 

Fernsehen und Film, elektronischer/elektroakustischer 

Musik u. v. m. 

Wolfgang Dauner zum 75. Geburtstag: „Noten lenken 

nur ab!“ Im Grunde ging es Dauner immer um die totale 

Entgrenzung: die zwischen Kunst und Leben und in 

Folge um die Unabhängigkeit seiner Musik – zudem ist 

er das Gegenteil eines Elfenbeinturm-Eremiten, Dauner 

ging immer unters Volk, ist fast ein Popstar des Jazz. Er 

war nie jemand, der sich viel aus den Ab- und Ausgrenzungen 

machte – in der Musik wie im Leben. Zuletzt hat 

sich Dauner wieder vermehrt auf den Konzert-Flügel 

konzentriert. „Gehaltvoller und zeitgemäßer als Chick Corea“ 

ist er, schreibt die Neue Zürcher Zeitung, „Perlend, 

leichthändig sein Vortrag, geschmackvoll gestaltet seine 

20 

Improvisationen. Bewundernswert auch der musikalische 

Horizont, die stilistische Interessenvielfalt. Bei ihm gibt es 

keine Trennung zwischen ,E‘ und ,U‘, zwischen Jazz und 

europäischer Klavierliteratur, zwischen neuer und alter 

Welt. Ein freies Musizieren ohne Scheuklappen. Ob Ravel, 

ob Gershwin oder Jazzstandards – Dauner verfügt mühelos 

(und technisch, handwerklich genial) über die reiche 

Tradition seines Instruments.“ Als Pianist, Komponist 

und Arrangeur hat Wolfgang Dauner rund 50 Jahre Jazzgeschichte 

mitgeschrieben. Im Jahr 2005 erhielt er das 

Bundesverdienstkreuz. Das SWR Fernsehen produzierte 

jüngst einen Film über sein Leben, „Dauner forever“. 

Besetzung: Wolfgang Dauner – piano 

Presse: „Er übertrug romantische Impressionen stimmungsvoll 

in perlende Klangkaskaden, gab dem Blues 

in angemessener Form Raum, reduzierte, wo es nötig 

war, die Töne auf ein Minimum, griff ausufernd in 

die Tastatur, um pralle Lebendigkeit zu verbreiten.“ 

(Jazz-Zeitung) 

„Immer vorn, nie im Trend (…) Ja, so hätte Bill Evans 

auch „My funny Valentine“ gespielt: als sei jeder Ton 

poliert worden, bevor er in die Klavierperlenkette eingefügt 

wurde. Wolfgang Dauner war immer ein Ästhet 

auf seinem Instrument. Wie sein großes amerikanisches 

Vorbild. Da wurde nie hin und her gewuselt, 

kein Geschwindigkeitsrekord aufgestellt, kein Klavierbau 

zu Babel errichtet (…)“ (FAZ)

ab 21:30 Uhr 

jbbg – Jazz BigBand Graz (A, D) 

„Urban Folktales – Sophisticated 

Space-Folk-Jazz-Groove“ 

Das Ensemble JBBG verzauberte und elektrisierte 

schon im Sommer 2009 die Hafenbühne, eines der 

Highlights der bisherigen Historie des Hafensommers. 

Die Band ist eines der bemerkenswertesten orchestralen 

Ensembles auf internationaler Ebene, davon zeugen 

beeindruckende Werke, ungewöhnliche Klangkörper 

und spannende Live-Auftritte. „It just blew me 

away (…) Fantastic music, evocative, beautiful and 

so creative.“ (Maria Schneider, NYC). Musik als Momentum 

der Zeit – ohne Berührungsängste und ohne 

Scheuklappen. JBBG beweist, wie schlüssig sich zeitgemäßer 

Bigband-Sound mit Minimal Music, afrikanischer 

wie elektronischer Musik, Spoken Word, Laptop- 

und Drum‘n‘Bass-Ästhetik und in hohem Maße 

auch mit Pop-Appeal verbinden lassen. 

Das neue Werk „Urban Folktales“ ist ein Gesamtkunstwerk 

an konzeptioneller Klarheit und stilistischer Vielfalt, 

das mal meditativ, mal swingend und mal rockig-groovend 

die Gehörgänge einnimmt. Insbesondere mit der 

Kreuzung westlicher und östlicher Traditionen und den 

urösterreichischen Motiven, den Großstadt-Impressionen 

und einem „Rêve Africain“ bis hin zu futuristischen Klängen 

scheint es nicht von dieser Welt zu sein. JBBG reizt 

erneut alles aus, was ein Ensemble dieser Ausrichtung zu 

leisten vermag. Neben den bekannten Protagonisten bestimmen 

auch so ungewöhnliche Instrumente wie Theremin, 

Drehleier oder elektrische Zither die Poesie dieses 

zeitgemäßen Klangkörpers – In memoriam Barbara Buchholz 

(Theremin), RIP –✟4/2012. 


stahl.lehrmann architekten 

Besetzung: Heinrich von Kalnein – soprano-,alto sax, fl, 

artistic director / Horst-Michael Schaffer – tp, flgh, artistic 

director / Herbert Berger – tenor sax, alto fl / Christoph 

Pepe Auer – alto sax, cl / Martin Harms – baritone 

sax, bass cl, fl / Axel Mayer – tp, flgh / David Jarh 

– tp, flgh / Bernhard Nolf – tp, flgh / Johannes Herrlich 

– trombone / Robert Bachner – trombone / Wolfgang 

Tischhart – bass trombone / Matthias Loibner – electric 

hurdy gurdy / Uli Rennert – keys, synths / Valentin Czihak 

– acoustic bass / Gregor Hilbe – drums, electronics, programming 

/ Stefan Sobotka – visuals (OchoReSotto) / 

Volker Sernetz – visuals (OchoReSotto) 

Presse: „One of the most forward-thinking enterprise 

in recent jazz (…).“ (All About Jazz, USA) 

„Kompromissloser Abschied vom einstigen Bigband- 

Mief.“ (JAZZTHING) 

„FEINE GRAZWANDERUNG (…) Fein austarierte Arrangements, 

elektronische Verfremdungseffekte und eine 

clevere Dramaturgie zwischen Lounge und Ekstase 

machen „Urban Folktales“ zu einem Glücksfall – so 

modern und spannend klang dieses Genre schon lange 

nicht mehr.“ (Stern.de) 

„They are immersed in a fascinatingly eclectic world 

(…) Global fusions can often be flavourless; this one 

isn‘t.“ (The Daily Telegraph, UK) 

21

Legenden und 

Entdeckungen. 

Musik auf Bayern 2 

Anspruchsvoll, 

entspannt, weltoffen. 

Würzburg 90,0 MHz

Kino: Mo., 30. Juli, 21:30 Uhr 

Gainsbourg – Der Mann, 

der die Frauen liebte 

„Ein Film über „einen der unterschätztesten 

Künstler des 20. Jahrhunderts“ (The Times).“ 

Musikalisches Allroundgenie, Popstar, Poet, Provokateur 

– der Regisseur Joann Sfar, ein Star der französischen 

Comic-Szene, zeigt die vielen Gesichter der 

Ikone Serge Gainsbourg, zeichnet zentrale Stationen 

seines Wegs nach und wirft humorvoll einen Blick 

hinter die öffentliche Maske eines der faszinierendsten 

und schillerndsten Musiker des 20. Jahrhunderts. 

Ein kleiner jüdischer Junge zieht laut singend durch 

die Straßen des besetzten Paris und stimmt mit einem 

frechen Funkeln in den Augen die Marseillaise an; ein 

schüchterner junger Poet gibt die Malerei auf und verlässt 

seine Dachkammer, um die Pariser Nachtklubs 

der Swinging Sixties zu erobern. Was folgt, ist ein Leben 

voller Leidenschaft und Poesie, ein Leben voller 

Provokationen und Skandale, ein ruhmreiches, aufreibendes, 

wenn nicht gar heroisches Leben. 

Es ist eine Geschichte, in der Gainsbourg sich vom erfolglosen 

Künstler zum Meister des französischen Popsongs 

entwickelt. Kürzlich erschien zum 40. Jubiläum eine umfangreiche 

Reedition von „Histoire de Melody Nelson“, 

dieses zeitlosen Klassikers der Rock- und Pop-Geschichte, 

ein kultiges Konzeptalbum, das auch spätere Musikergeneration 

wie Air, Pulp, Portishead, R.E.M., De La Soul 

und Beck stark beeinflusst hat. Der Film porträtiert diesen 

schüchternen, aber leidenschaftlichen Abenteurer 

im Umfeld der Beat Generation der Swinging Sixties in 

Paris. Sfars Annäherung an Gainsbourgs unerschöpfliche 

Regie Joann Sfar, Frankreich 2009, 121 Min., FSK: ab 12 

Kreativität und faszinierende Anziehungskraft ist in jedem 

Moment selbst eine künstlerische; er analysiert 

nicht, er erzählt in atemberaubenden Bildern die Geschichte 

des berühmten Musikers Serge Gainsbourg und 

lässt uns dabei ebenso hinreißende wie erschreckende, 

betörende wie irritierende Entdeckungen machen. 

Darsteller: Serge Gainsbourg ÉRIC ELMOSNINO, Jane 

Birkin LUCY GORDON, Brigitte Bardot LAETITIA CASTA, 

Die Fresse DOUG JONES, Juliette Gréco ANNA MOUGLA- 

LIS, Bambou MYLÈNE JAMPANOÏ, France Gall SARA FORE- 

STIER, Boris Vian PHILIPPE KATERINE 

Musik: Olivier Daviaud – neue Versionen von Gainsbourg-Klassikern, 

eingespielt z. T. mit den Schauspielern, 

sowie Lichtgestalten der französischen Popszene 

Presse: „Joann Sfar ist ein Meisterstück gelungen. 

Sein Film zeigt die Leidenschaft und Zerrissenheit, 

den Ruhm und den Wahn des französischen Musikers 

Serge Gainsbourg (…) Und da ist er wieder, langnasig, 

segelohrig, ein nonchalantes Grinsen auf den Lippen. 

Und so charmant, dass das langbeinige Mädchen 

seufzt. Ihr Französisch hat einen weichen englischen 

Akzent wie auf alten Schallplatten. Die beiden stehen 

an der Seine im nächtlichen Paris, und man meint 

beinahe, sie wären es wirklich: Jane Birkin und Serge 

Gainsbourg. “ (ZEIT Online) 

„Einer der kühnsten Filme des Jahres. (…) Éric Elmosnino 

erweckt den Künstler auf brillante Weise zum Leben.“ 

(Le Figaroscope) 

23

Offizieller Designausrüster des Hafensommers 

www.hummel-lang.de

Kino: Di., 31. Juli, 21:30 Uhr 

Blow-Up 

„Symbolreiche, provokative und farbenprächtige 

Parabel auf die Popkultur der 60er, 

mit Jane Birkin u.a.“ 

Der Modefotograf Thomas (David Hemmings) macht 

in einem Park Aufnahmen. Beim Entwickeln des Films 

entdeckt er auf einem Foto etwas, das ihm vorher 

nicht aufgefallen war: die Leiche einer Frau im Gebüsch. 

Er glaubt, dass die mysteriöse Jane (Vanessa 

Redgrave) etwas mit dem Verbrechen zu tun haben 

könnte Aber ist überhaupt ein Mord geschehen? Blow- 

Up ist einer der wichtigsten Filme der Kinogeschichte, 

der ästhetische Maßstäbe gesetzt hat (u.a. Goldene 

Palme Cannes „Bester Film 1967“). Sein Kriminal-Plot 

erweist sich als reichhaltiges, dramaturgisch perfekt 

komponiertes Meisterwerk. 

Der Film spielt virtuos mit seinen medialen Voraussetzungen 

und erzählt so von der Veränderung menschlicher 

Wahrnehmung im Swinging London der modevernarrten 

Roaring Sixties. Regisseur-Legende Antonioni 

inszenierte wie nach ihm kaum ein Zweiter die Einsamkeit 

der menschlichen Seele in einer modernen Medienwelt. 

In einer Zeit, in der hochprofessionelle und 

globalisierte Medien über die Existenz der Ereignisse entscheiden, 

beschreibt sein nach wie vor sehr aktueller Film 

die fundamentalen Brüche in der Wirklichkeit. Antonionis 

Filme sind dafür bekannt, den Realitätsbegriff einer 

fundamentalen Überprüfung zu unterziehen. Die Moderne 

in Film und Gesellschaft ist bei ihm nie selbstverständlich 

– ihre existenziellen Konsequenzen für die menschliche 

Seele werden bei ihm virtuos dramatisiert. 

Regie Michelangelo Antonioni, GB, Italien 1966 

(neue Filmkopien 2007), 111 Min., FSK: ab 16 

Darsteller: David Hemmings, Vanessa Redgrave, Sarah 

Miles, John Castle, Jane Birkin, Gillian Hills, Peter 

Bowles, Veruschka von Lehndorff 

Musik: Herbie Hancock (Soundtrack), The Yardbirds (Live) 

Presse: „,Blow-Up‘ auf der Leinwand zu sehen, ist allerdings 

ein besonderer Glücksfall. Denn erst im Kino 

zeigen seine Bilder ihre Kraft. (…) Antonioni setzte der 

postmodernen Ambivalenz und Unsicherheit ein frühes 

Denkmal – und dem Teufel, der in der allgegenwärtigen 

medialen Vermittlung steckt.“ (WELT online) 

„Der Look des Films, sein Spiel mit den Sinnen, die sexuelle 

Freizügigkeit – auch sie ein Spiel. Und dann der 

universelle Zweifel an der ,Wahrheit der Wirklichkeit‘. 

Das hat der Film ,Blow Up‘ so perfekt eingefangen wie 

kein anderer Klassiker aus der großen Zeit des Autorenfilms 

(…) Die meisten, die diesen Film gesehen haben, 

erzählen aber am liebsten von der Szene, die auf 

einem Konzert der damals populären Band „The Yardbirds“ 

spielt. An deren Ende zertrümmert Bassgitarrist 

Jeff Beck sein Instrument auf dem Bühnenboden und 

schleudert es ins Publikum. Den Kampf ums lädierte 

Instrument gewinnt Thomas. Aber dann wirft er es 

schon wieder weg. Genau! So waren die 60er Jahre.“ 

(Deutschlandfunk, dradio.de) 

25

Konzert: Mi., 1. August, 20.30 Uhr 

26 

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Das Hafensommer-Programmheft aus 

dem Hause MorgenWelt – noch vor 

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Supersilent feat. John Paul 

Jones (Led Zeppelin, Them 

Crooked Vultures) (N, GB) 

„A very special collaborative project between the 

Norwegian band Supersilent and the legendary 

John Paul Jones, one of the most influential bassists 

in rock history“ 

Die norwegische Supergroup Supersilent, die sich in 

der Schnittmenge von Miles Davis, Tangerine Dream, 

Sonic Youth und Stockhausen zu Hause fühlt, hat über 

ein Jahrzehnt hinweg einen Musikkosmos im Niemandsland 

zwischen Rock, Electronica, Jazz und moderner 

Komposition entstehen lassen. John Paul Jones 

(Led Zeppelin, Them Crooked Vultures), einer der einflussreichsten 

Bassisten/Produzenten der Rock-Geschichte, 

wird in diesem exklusiven Projekt mit seiner 

immensen Erfahrung und vor allem auch mit Spielfreude 

und Charisma präsent sein. 

Supersilent (Norwegen) 

Die innovativen Klangkünstler von Supersilent spinnen 

seit über zehn Jahren ein dichtes Netzwerk an Klangreferenzen 

und sind die ungewöhnlichste Formation 

der facettenreichen norwegischen Musik-Szenerie. 

Kein Album (elf Platten auf dem wegweisenden Label 

Rune Grammofon), kein Konzert klingt wie das vorherige, 

und doch ist immer wieder ein ganz spezieller 

Musikkosmos im Niemandsland zwischen den Genres 

erkennbar, diese unvorhersehbare Mischung aus ganz 

leisen, fast schon zerbrechlichen Momenten und immer 

wieder auch noisigen und rockenden Ausbrüchen.


das boot 

Supersilent ist eine Gruppe, die aus starken Einzelpersönlichkeiten 

besteht, die entweder als Solisten oder auch 

in zahlreichen anderen Projekten glänzen, insbesondere 

im ECM-Umfeld mit Künstlern wie Terje Rypdal, Trygve 

Seim, Christian Wallumrod, Jon Balke, Nils Petter Molvær 

u. a., aber auch bei Bands/Projekten wie Farmers Market, 

Motorpsycho, Deathprod, Jaga Jazzist und Biosphere. Kurioserweise 

erinnert Supersilent in der Arbeitsweise und 

angesichts mancher Klangergebnisse oft an eine der besten 

deutschen Rockbands aller Zeiten, THE CAN, wenn 

auch sicherlich weniger groove-orientiert und rocklastig. 

Es ist zudem immer wieder zu erleben, dass Supersilent 

mit ihrer Musik gerade auch Fans von so unterschiedlichen 

Bands wie Godspeed You Black Emperor!, Sigur 

Rós, King Crimson, (den späten) Talk Talk oder Popol Vuh 

anziehen. 

John Paul Jones (UK) 

John Paul Jones wird regelmäßig in Musikpublikationen, 

von Kritikern, Kollegen und Fans als einer der einflussreichsten 

und wichtigsten Bassisten, Keyboarder und 

Arrangeure in der Geschichte der Rock-Musik genannt. 

Über die Jahre hinweg zeichneten ihn die unterschiedlichsten 

Institutionen unaufhörlich mit diversen Preisen 

und Ehrungen aus. Im Oktober 2010 wurde ihm zuletzt 

der „Gold Badge Award“ der British Academy of Songwriters, 

Composers and Authors („for his outstanding contribution 

to Britain’s music and entertainment industry“) 

verliehen, im November 2010 erfolgte die Ehrung mit 

dem „Outstanding Contribution Award“ bei den Marshall 

Classic Rock Roll Of Honour Awards. 

Jones ist weit über diese Meriten hinaus eine interessante 

und respektable Musikerpersönlichkeit, immer offen 

für unterschiedliche musikalische Einflüsse und Innovationen. 

Insbesondere in der Zeit nach der Auflösung von 

Led Zeppelin ergab sich Freiraum für alle möglichen Projekte, 

als Multiinstrumentalist, Arrangeur oder Produzent 

beispielsweise in Zusammenarbeit mit Robert Fripp, Peter 

Gabriel, der Merce Cunningham Dance Company, REM, 

Sonic Youth, Diamanda Galas oder auch mit Soundtracks 

und Choreographien (Modern Dance). Jones arbeitet 

aktuell an einer klassischen Oper, hat eine heimliche 

Vorliebe für Bluegrass, bewegt sich souverän in den 

verschiedenen Welten der Avantgarde und war zuletzt 

Mitbegründer von Them Crooked Vultures, einer neuen 

Supergroup des Rock mit Josh Homme (Queens of the 

Stone Age) und Dave Grohl (Foo Fighters, Nirvana), deren 

Debüt (2009) auf Anhieb wie eine Bombe einschlug (bis 

hin zum Grammy) und eine der besten klassischen Rock- 

Platten der Nullerjahre ist. 

Besetzung: Arve Henriksen – trumpet, voice, electronics & drums / Ståle 

Storløkken – keyboards, synthesizers / Helge Sten – audio virus, electronics, 

el. guitar / John Paul Jones – bass, electronics 

Presse: „Despite Jones‘ inherent star power, when Supersilent took to the 

stage, he became just another member of the band; with Henriksen beginning 

the set on trumpet, Ståle Storløkken on synth, and Helge Sten on guitar 

(…) All of which makes Supersilent a unique experience (…) a definitive 

moment in the history of the festival (…)“ (John Kelman, All About Jazz) 

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28

Konzert: Do., 2. August, 20:30 Uhr 

Fatoumata Diawara (RMM, F) 

„Die neue Stimme eines anderen Afrika“ 

Fatoumata Diawaras Debüt (Platz 1(!) der World Music 

Charts Europe des Jahres 2012) bringt ein neues, 

großes Talent zum Klingen – mit einer Reihe wunderschöner, 

eigenkomponierter Songs und einer aufregenden 

Lebensgeschichte dahinter. Souverän und 

elegant verwandelt sie Elemente aus Jazz und Folk 

zu einem lebendigen ,zeitgenössischen Sound. Dabei 

bricht sie die rockigen Rhythmen und reichen Melodien 

ihrer Wassoulou-Tradition mit einer instinkthaften 

Pop-Empfindsamkeit auf. Im Zentrum stehen 

Fatous warme Stimme, ihr rhythmisches Gitarrenspiel 

und atemberaubende Songs, die oftmals auf turbulente 

Erlebnisse ihrer Geschichte zurückgreifen. 

Fatou kam in der Elfenbeinküste zur Welt und wuchs in 

Mali auf, heute lebt sie in Paris. Ihr junges Leben vereint 

eine Vielzahl afrikanischer Erfahrungen der heutigen Zeit: 

Der Kampf gegen den Widerstand ihrer Eltern in Bezug 

auf ihre künstlerischen Ambitionen. Und die kulturellen 

Vorurteile, denen Frauen überall in Afrika begegnen. 

Fatou wurde als Schauspielerin in Film und Theater erfolgreich, 

bevor sie ihren Platz in der Musik fand. Rokia 

Traoré ermutigte sie, die Gitarre in die Hand zu nehmen, 

Cheick Tidiane Seck brachte sie in Verbindung mit Oumou 

Sangaré (Studio, Tour), von Nick Gold (Buena Vista 

Social Club-Produzent) wurde sie für sein Label World 

Circuit unter Vertrag genommen, bei den nachfolgenden 

Aufnahmen wurde sie u.a. von Tony Allen und John Paul 

Jones begleitet. Diawara war zu Shows von Africa Express 

und AfroCubism eingeladen und hat bei Herbie 

Hancocks Projekt „Imagine“ mitgewirkt. Zuletzt standen 


DAHW 

Kollaborationen mit Rocket Juice and the Moon (Damon 

Albarn, Flea & Tony Allen) und Bobby Womack auf dem 

Programm. Fans wie der berühmte britische DJ Gilles Peterson 

sagen: „She‘s one of the most exciting talents I‘ve 

heard in a long time.“ 

Besetzung: Fatoumata Diawara – voc, git / Martin Grenier 

– git / Jean Alain Hony – b / Jean Baptiste Gbadoe – 

dr / Corine Thuy-Thy – backing vocals 

Presse: „A majestic attempt to Africanise the singersongwriter 

genre.“ (Mojo UK) 

,,Selten gingen Protest, Groove und Schönheit so gut 

zusammen.“ (Good Times) 

„It would be easy for someone as in demand as Fatoumata 

Diawara to forget exactly who she is at 

times. The 30-year-old singer, who now lives in Paris, 

was only discovered by British audiences last year, 

thanks to a string of festival appearances and the 

release on World Circuit records (home to the likes 

of the Buena Vista Social Club and the late Ali Farka 

Touré) of her spellbinding album Fatou.“ (The Guardian, 

UK) 

29

Kabarett: Fr., 3. August, ab 20 Uhr 

Kunstverein 


Reiner Kröhnert (D) 

„Kritisch, komisch, Kröhnert“ 

Wir laden Sie ein … 

In unmittelbarer Nachbarschaft zum Hafensommer 

liegt die schwimmende Galerie des 

Kunstverein Würzburg e.V.: 

Auf unserem Kunstschiff ARTE NOAH finden 

Ausstellungen zeitgenössischer Kunst statt. 

Zudem bieten wir Vorträge, unkonventionelle 

Führungen, Konzerte, Kunstreisen etc. an. 

Und wer schon immer einmal ein Schiff 

ganz für sich haben wollte: Die ARTE NOAH 

kann man mieten – natürlich nicht nur für 

sich, sondern auch für Geschäftspartner 

und Freunde. Zum Tagen und Feiern. 

… wir laden Sie sehr herzlich ein. 

Ausstellungen während des Hafensommers: 

Angelika Summa „HartWare“ 

24.06. – Vernissage 

01.08. – Finissage/Eine ART Führung 

Projektausstellung ZAKK 

10.08. – Vernissage 

02.09. – Finissage/Eine ART Führung 

Kunstverein Würzburg e.V. | Kunstschiff ARTE NOAH 

Alter Hafen (hinter Kulturspeicher) | Oskar-Laredo-Platz 1 

Würzburg | geöffnet: mittwochs – samstags 15 bis 18 Uhr, 

sonntags 11 bis 18 Uhr | Telefon 0171.5 45 43 25 

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Hier sind die Nummern noch Programm. Ausgereift 

zubereitet, daher vollmundig im Geschmack, ungefilterter 

Genuss in Spitzenqualität, elegant, würzig, meisterhaft 

vollendet, garantiert kokainfrei, weil 100% 

entcomedysiert, eine exklusive Mischung mit der ganz 

besonderen Note. Hier können Sie tatsächlich und 

wahrhaftig aus dem Satz lesen! Und, obwohl extra 

stark aufgegossen, der Sache trotzdem klar auf den 

Grund sehen. KRÖHNERTs KRÖNUNG, eine Wohltat für 

den ausgesprochenen Feinschmecker, dem jede ausgeklügelte 

Nuance regelrecht auf der Zunge zergeht. 

Miese Laune, schlechte Stimmung? Das muss nicht sein! 

KRÖHNERTs KRÖNUNG, der krönende Abschluss eines 

langen Tages. Frohen Herzens genießen. Damit Sie stets 

hellwach und ausgeschlafen sind. Denn wenn auch Sie 

die bittere Erfahrung gemacht haben, dass das Programm 

der Regierenden wie abgestandener kalter Kaffee schmeckt, 

einer hirnlos zusammengepanschten Brühe gleicht, 

nicht die Bohne genießbar, also eine einzige Luftnummer 

mit deutlich überschrittenem Verfallsdatum ist, so 

dass man sich schon fragen muss, ob die noch alle Tassen 

im Schrank haben, dann greifen Sie bitte sofort zur Krone 

des politischen Kabaretts und genießen KRÖHNERTs 

KRÖNUNG. 

Besetzung: Angela Merkel / Winfried Kretschmann / Jürgen Trittin / Daniel 

Cohn-Bendit / Friedrich Merz / Wolfgang Schäuble / Michel Friedman / Rüdiger 

Safranski / Mario Basler / Hans-Dietrich Genscher / Hans-Jochen Vogel 

/ Rita Süßmuth / Boris Becker / Ronald Pofalla / Peter Hintze / Papst Benedikt 

/ Gerhard Schröder / Daniela Katzenberger / Gerhard Stoltenberg / Erich 

Honecker / Dieter Bohlen 

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wuevita.de 

Presse: „Kröhnert krönt die politische Satire. In der politischen Satire ist Reiner 

Kröhnert ein ungekrönter Meister.“ (Wiesbadener Kurier) 

„Reiner Kröhnert ist einer der Besten seiner Zunft. Wen er parodiert, den erfasst 

er mit liebevollem Blick für kleinste, gemeinste Details – zum größten 

Vergnügen seiner Fans. Die folgen seit Jahren seinen grandiosen Programmen.“ 

(SWR) 

Max Uthoff (D) 

„Oben bleiben“ 

Hereinspaziert, meine Damen und Herren, in das Panoptikum 

des alltäglichen Wahnsinns. Max Uthoff gibt 

sich die Ehre als Reiseführer durch ein Land, in dem 

sich jeder Zehnte nach einem starken Führer sehnt. 

Lassen Sie sich verunsichern durch ein Programm, das 

sich den wichtigsten Fragen wie immer verweigert: Ist 

die Justiz nur eine Freisprechanlage der Mächtigen? 

Was wächst von unten: Stalaktiten oder Antisemiten? 

Und wenn deutsche Eltern ein kluges Kind wollen, 

müssen sie dann eins aus Südkorea adoptieren? 

Kabarett ist unanständig. Denn es bedeutet, sich in aller 

Öffentlichkeit über sein Personal lustig zu machen. 

So etwas tut man nicht. Max Uthoff weiß das. Er tut es 

trotzdem. Max Uthoff ist oben. Als Mann, Weißer, Westeuropäer. 

Da heißt es, die Pfründe zu sichern gegen die 

Hungrigen, die ihr Stück vom Kuchen abhaben wollen: 

Migranten, Arme, Frauen. Und so ruft man ihnen zu: Das 

Leben ist kein Wunschkonzert! Eher eins von Rammstein. 

Zu teuer, schlecht im Geschmack, das Böse anbetend. 

Die gute Nachricht lautet: Wir Deutschen haben auch 

anständig bezahlte Leiharbeiter: Politiker. Wir leihen ihnen 

die Arbeit, von der wir ahnen, dass sie zu schmutzig 

ist, um sie selbst zu machen. Das ist gut so, denn für 

eine gerechtere Weltordnung haben wir selbst keine Zeit. 

Uthoff, Jurist und Kabarettist (Deutscher Kabarett-Preis 

2011, Deutscher Kleinkunstpreis 2012 u. a.) über sich 

selbst: „Im Jurastudium lernt man vor allem, Urteile über 

Dinge zu fällen, von denen man kaum etwas versteht. 

Von da an ist es nur ein kleiner Schritt zum Kabarett.“ 

Besetzung: Uthoffs Drohung, vielleicht doch den Beruf des Rechtsanwaltes 

wieder aufzunehmen, scheint die Rechtsanwaltskammer alarmiert zu haben. 

Diese versucht seit dem, in Zusammenarbeit mit deutschen Kulturinstitutionen, 

Uthoff durch die Verleihung obskurer Kleinkunstpreise davon abzuhalten. 

Mal sehen, ob sie damit durchkommen. 

Presse: „Wie ein echter italienischer Barista füllt der Kabarettist Ingredienzen 

aus dem harten politischen Alltag in eine Art Schierlingsbecher, rührt 

und schüttelt diesen so lange, bis die Zutaten gewaltig vermischt und verdreht 

sind. Was er am Ende dem Publikum kredenzt, ist eine gekonnte Mischung 

aus Unsinnigkeiten, Wortverdrehungen und absurden Deutungen, 

mitunter gallig bitter, bösartig, stets politisch unkorrekt, aber immer für einen 

anständigen Lacher gut. 

Wer aus dem Becher trinkt, läuft Gefahr sich eine respektlose Perspektive 

anzueignen.“ (Süddeutsche Zeitung) 

„Er packt sie alle. Gnadenlos. Klug.“ (Cellsche Zeitung) 

„Ein satirischer Scharfschütze.“ (Jury Stuttgarter Besen) 

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Kino: Sa., 4. August, 21:30 Uhr 

Vorne ist verdammt weit weg 

„Eine verwegene und verquere Wirtschaftsposse, 

überdreht, subversiv-naiv und mit viel Humor“ 

Im Theater am Neunerplatz, gegründet von Thomas 

Heinemann 1985, tritt Frank-Markus Barwasser 1992 

zum ersten Mal auf. Nur ein Jahr später debütiert die 

Figur „Erwin Pelzig“ in dem Theaterstück „Traube, bitte 

kommen!“ und startet von dort aus eine steile Karriere 

im deutschsprachigen Raum. Heinemann und 

Barwasser haben mit diesem Film eine verquere Gesellschaftssatire 

auf Zelluloid gebannt, mit schwergewichtigen 

Themen und dem Humor, der Pelzig bereits 

seit Jahren auszeichnet. Gleichzeitig ist er aber auch 

fesselndes Familiendrama und aufwühlender Wirtschaftskrimi. 

VORNE IST VERDAMMT WEIT WEG ist 

eine besonderen Komödie, in der traurige Alltagsrealität 

und Situationskomik eine wunderbare Allianz 

eingehen. 

Seitdem hat Frank-Markus Barwasser alle wichtigen Kabarett-Preise 

erhalten und seine Fangemeinde wächst beständig. 

Für die satirische Talk-Show „Aufgemerkt! Pelzig 

unterhält sich“, die im Bayerischen Fernsehen bis zu 1,3 

Millionen Zuschauer pro Folge begeisterte, erhielt er 2006 

den Bayerischen Fernsehpreis. VORNE IST VERDAMMT 

WEIT WEG ist kein Kabarettisten-Film. Das Drehbuch ist 

keine Aneinanderreihung bewährter Bühnengags, sondern 

erzählt eine Geschichte, die unwahrscheinlich, aber 

nicht unmöglich ist und in den aberwitzigsten Momenten 

durch das Handeln von Erwin Pelzig höchste Plausibilität 

erhält. „Mit dem Einkaufswagen hat das Elend dieser 

Welt angefangen. Denn seit es Einkaufswagen gibt, will 

Regie Thomas Heinemann, Deutschland 2007, 132 Min., FSK: ab 12 

der Mensch immer mehr haben, als er mit zwei Händen 

tragen kann.“ (Erwin Pelzig) 

Darsteller: Frank-Markus Barwasser, Philipp Sonntag, 

Christiane Paul, Peter Lohmeyer, Tobias Oertel, Franziska 

Schlattner, Martin Maria Eschenbach 

Musik: Peter Licht, George Garcia & Sven Meyer 

Presse: „Eine verwegene Wirtschaftsposse, die von 

überdrehten Situationen und ihrem subversiv-naiven 

Helden lebt.“ (Der Spiegel) 

„Barwasser hebt sich ab – nicht nur von den ‚Comedian-Kollegen‘, 

sondern auch von vielen Kabarettisten, 

die sich neuerdings auch gerne unpolitisch geben. (…) 

Der erste Kinofilm von Frank-Markus Barwasser: Eine 

Gesellschaftssatire, in der Erwin Pelzig dem Kapitalismus 

die Stirn bietet.“ (Bayern 3) 

„In Zeiten von Globalisierung, hoher Arbeitslosigkeit 

und zunehmender Effizienzeifrigkeit wagt der Film den 

Balanceakt aus gesellschaftspolitischem Ernst und 

unterhaltsamer Komödie, die den Finger genau in die 

Wunden hält, die in der übrigen Kinolandschaft gerne 

bedeckt gehalten werden. ‚Vorne ist verdammt weit 

weg‘ ist also gerade in Zeiten zunehmender Entpolitisierung 

der Unterhaltungssparte ein erfrischender 

Ausnahmefall.“ (Cinefacts.de) 

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Konzert: So., 5. August, 20:30 Uhr 

Caravan Palace (F) 

„Elektro-Swing – unterwegs vom Vorgestern ins 

Übermorgen“ 


FRIZZ Das Magazin 

Caravan Palace gelten in Frankreich als Erfolgsstory: 

Klicks in Millionenhöhe, ausverkaufte Konzerthallen 

landauf, landab (z. B. die legendäre Olympia Music Hall 

in Paris), ausgelassenes, tanzendes, tobendes Publikum 

allerorten, sechsstellige Verkaufszahlen des Debüts von 

2010, Top-Platzierung in den französischen Album- 

Charts. Im Heimatland des Sextetts ist sich die Kritik 

einig: „Caravan Palace ist für den Swing, was Gotan 

Project für den Tango ist.“ Die Band steht für Elektro- 

Swing, eine Transformation von Swing und Gypsy-Jazz 

in das 21. Jahrhundert, d. h. die Verehrung für Django 

und Manouche auf der einen, aber auch Daft Punk 

und Justice auf der anderen Seite. Und das ist weitaus 

besser als diese retro-futuristischen Sounds allerorten 

… weil es eben swingt – vom Café De La France zum 

Hot Club de la Dance. 

Bisher waren Caravan Palace aufgrund der großen Nachfrage 

in Frankreich bei uns wenig präsent. Nach fast dreijährigen 

intensiven Gesprächen und Verhandlungen des 

künstlerischen Leiters wird die Combo nun tatsächlich im 

Sommer 2012 endlich ihren Dancefloor-Charleston auf 

der Hafenbühne zelebrieren, mit Geige, Kontrabass, Klarinette, 

Percussion und natürlich Gitarre – plus einem Master 

of Sound an den Maschinen und dem optischen und 

stimmlichen Herz der Performance, der Schauspielerin, 

Musikerin und Sängerin Colotis Zoé. Die Band hat mittlerweile 

ihr nächstes Abenteuer veröffentlicht: „Panic!“ 

Nach langer Schaffensphase kristallisierten sich aus vierzig 

Titeln vierzehn Songs für die neue Produktion heraus, 

die im Frühjahr 2012 das Licht der Welt erblickt hat und 

erneut die Wände zum Wackeln und die Gelenke zum 

Verknoten bringt. Die durchdringende Stimme von Colotis 

klingt betörender denn je. Und natürlich darf auch 

Toustou im Caravan nicht fehlen. 

Besetzung: Arnaud Vial – guitare, programmation / 

Charles Delaporte – contrebasse, programmation / Hugues 

Payen – violon, programmation, scat / Toustou – 

machines, trombone, programmation / Colotis Latoya Zoé 

– chant / Camille Chapellière – clarinette / Paul-Marie 

Barbier – vibraphone, percussions 

Presse: „(…) immer energiegeladen, ungemein spannend 

und herrlich schräg. Caravan Palace liefert den 

Sound für eine ganz besondere, ausgelassene Party.“ 

(Berliner Morgenpost) 

„(…) so fühlt man sich mit der Musik von Caravan 

Palace: unterwegs vom Vorgestern ins Übermorgen.“ 

(TAZ) 

„Experiment, Geheimtipp, Eintagsfliege, Trend? Caravan 

Palace haben diese Frage fürs Erste ziemlich 

eindeutig beantwortet. Sich dem Dancehallcharme 

der Franzosen zu entziehen, ist nicht eben leicht. Das 

Konzept funktioniert nicht nur über die Dreiminutendistanz, 

sondern auch auf der Langstrecke.“ (kulturnews.de) 

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Kino: Mo., 6. August, 21:30 Uhr 

The Lady – Ein geteiltes Herz 

„Als die Menschenrechtsaktivistin Aung San Suu 

Kyi von der Militärjunta in Birma unter Hausarrest 

gestellt wird, steht sie vor einer schweren Entscheidung: 

Widerstand oder Freiheit?“ 

THE LADY erzählt die außergewöhnliche Lebensgeschichte 

der Freiheitskämpferin Aung San Suu Kyi und 

ihres Mannes, dem Wissenschaftler Michael Aris. Die 

birmesische Oppositionsführerin Aung San Suu Kyi 

wird am 16. Juni 2012 endlich den Friedensnobelpreis 

persönlich entgegennehmen, der ihr 1991 verliehen 

wurde. Damals in ihrer Heimatstadt Rangun unter 

Hausarrest gesetzt, konnte sie die Zeremonie, bei der 

ihr Sohn die Dankesrede hielt, nur im Radio verfolgen. 

Regisseur Luc Besson präsentiert mit THE LADY 

einen sensiblen wie berührenden Film über die Geschichte 

von Birmas Nationalheldin, ebenso episch wie 

dramatisch. 

Ende der achtziger Jahre lebt Aung San Suu Kyi mit ihrem 

Ehemann und den beiden Söhnen glücklich in Oxford, 

England. Der Schlaganfall ihrer Mutter lässt sie 

in ihr Heimatland Birma zurückkehren, das gerade von 

schweren Unruhen erschüttert wird. Regimegegner bitten 

Suu Kyi, die als Tochter eines Volkshelden sehr populär 

ist, den Vorsitz der neu gegründeten Partei für ein demokratisches 

Birma zu übernehmen. Trotz Drohungen und 

Gewalt gegen sich und ihre Anhänger gewinnt Suu Kyi 

den Wahlkampf. Die Militärs erkennen den Sieg jedoch 

nicht an und stellen Suu Kyi unter Hausarrest. Der Kontakt 

zu ihrer Familie wird beschränkt, bald darauf verboten. 

In England versucht ihr Mann derweil Suu Kyis Friedensbemühungen 

voranzutreiben und auf das Schicksal 

Regie Luc Besson, Frankreich 2011, 132 Min., FSK: ab 12 

seiner Frau und ihres Heimatlandes aufmerksam zu machen. 

1991 erhält Aung San Suu Kyi den Friedensnobelpreis. 

Als ihr Mann erkrankt, muss Suu Kyi eine schier unmögliche 

Entscheidung treffen: Sie dürfte nach England 

ausreisen, doch anschließend nie wieder nach Birma zurück. 

Der Kampf um die Freiheit eines Volkes steht plötzlich 

dem Wunsch nach persönlichem Glück gegenüber … 

Darsteller: Michelle Yeoh, David Thewlis, Jonathan Raggett, 

Jonathan Woodhouse, Susan Wooldridge, Benedict 

Wong 

Musik: Eric Serra 

Presse: „Die malaysische Schauspielerin Michelle Yeoh 

strahlt genau die Erhabenheit und Ruhe aus, die man 

auch Aung San Suu Kyi bescheinigt.“(filmering.at) 

„Es ist eine erstaunliche Geschichte, die Besson (…) 

mit großer Zurückhaltung inszeniert. Der ansonsten 

für seine oft plakative Regie bekannte Regisseur vertraut 

in THE LADY ganz auf die Präsenz seiner Hauptdarstellerin 

und der Kraft der wahren Geschichte (…) 

in diesem Fall ist die Realität tatsächlich ergreifender 

als jedes Drehbuch. Wobei man es dem Film zugutehalten 

muss, dass er der Entwicklung Aung Sans 

nichts von ihrer Ambivalenz nimmt.“ (programmkino.de) 

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Kino: Di., 7. August, 21:30 Uhr 

Cheyenne – 

This must be the Place 

„Ein vor Einfällen und Ideen nur so strotzendes 

Roadmovie mit einer Verbeugung vor dem Kino der 

80er Jahre und der Rockmusik von The Cure und 

Talking Heads (Titelsong. David Byrne)“ 

In Cheyenne brilliert Sean Penn in seiner wohl bisher 

außergewöhnlichsten Rolle: als gefeierter Rockstar. 

Er ist 50 Jahre alt und lebt zurückgezogen mit seiner 

Frau Jane in einer Villa in Dublin, immer sachte 

schwankend zwischen gepflegter Langeweile und nagender 

Depression. Der Tod seines Vaters, mit dem er 

seit 30 Jahren nicht gesprochen hat, führt ihn zurück 

nach New York. Dort erfährt er von der Besessenheit 

seines Vaters: Rache zu nehmen für eine schwerwiegende 

Demütigung, die er erfahren musste. Cheyenne 

beschließt, die Suche seines Vaters fortzuführen. Und 

begibt sich auf eine Reise, die ihn ins Herz der USA 

und zu sich selbst führt … 

THIS MUST BE THE PLACE ist ein Roadmovie, perfekt ausbalanciert 

zwischen bewegendem Drama und hintergründiger 

Komödie, mit Sean Penn in der Hauptrolle, wie 

man ihn noch nie gesehen hat. In der vor Einfällen und 

Ideen nur so strotzenden Verbeugung vor Regisseuren 

wie Demme und Lynch und der Rockmusik von The Cure 

und Talking Heads spielen Frances McDormand und Leinwandlegende 

Harry Dean Stanton weitere tragende Rollen. 

Regisseur Paolo Sorrentino hat sich für CHEYENNES 

Look bewusst von Robert Smith (Siouxsie and the Banshees, 

The Cure) und seiner charismatischen Persönlichkeit 

inspirieren lassen. Die Musik stammt vom Talking 

Regie Paolo Sorrentino, Italien, Frankreich, Irland 2011, 118 Min., 

FSK: ab 12 

Head David Byrne, der in einer Gastrolle als er selbst zu 

sehen ist. 

Darsteller: Sean Penn, Frances McDormand, Judd Hirsch, 

Eve Hewson, Harry Dean Stanton, David Byrne 

Musik: David Byrne, Will Oldham 

Presse: „Ein Film voller wundervoller Rätsel und entrückter 

Bilder – genüsslich filmt Sorrentino in New 

York ein Konzert von David Byrne, dem Frontmann der 

Talking Heads, bei dem ein schwebendes, auf den Kopf 

gestelltes Sixties-Wohnzimmer den Konzertsaal überquert 

(…) Insgesamt ist „This Must Be The Place“ eine 

schöne Reise, ein enigmatisches, versponnenes, widerspenstiges 

Roadmovie. Ein Film, der seltsame Augenblicke, 

bizarre Szenerien und merkwürdige Begegnungen 

sammelt wie manche Leute Hummelpuppen.“ 

(Süddeutsche Zeitung, Susan Vahabzadeh) 

„This must be the place ist die Reise eines Heimkehrers 

durch die USA, aber noch mehr eine Reise durch 

die Pluralität der Lebensstile (…) Sorrentino stellt 

vermeintliche Randfiguren in den Mittelpunkt seines 

Films. Hinterher weiß man nicht mehr genau, ob man 

selbst noch in der Mitte sein möchte, wenn es am 

Rand doch so viel komischer ist.“ (ZEIT Online) 

39

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Mina Tindle (F) 

„Charming artful Folk-Pop mit zauberhaften Echos“ 

Die charmante Singer/Songwriterin Pauline De Lassus 

aus Paris verzaubert unter ihrem Alter Ego Mina Tindle 

mit verspielten Melodien und zarter Stimme. Die Musik 

erinnert an Sängerinnen/Bands wie Feist oder BOY, 

während Klang und Ausdruck ihrer Stimme Assoziationen 

zu so unterschiedlichen Charakteren wie Nico 

und Nina Simone hervorrufen. Die junge Musikerin 

hat zuletzt auch anderen Projekten ihre Stimme geliehen, 

wie The National, J. P. Nataf oder dem legendären 

brasilianischen Musiker Sergio Dias von Os Mutantes. 

Zudem ist sie auch Mitglied zweier, bereits über die 

Grenzen Frankreichs hinaus bekannter Bands: The Limes 

und Toy Fight. 

Im April 2012 erschien das neue Album „Taranta“, die 

Stücke sind gleichsam zerbrechliche und kraftvolle Balladen: 

komplex, liebevoll arrangiert und abgerundet. Es 

ist zu spüren, dass ihre Koffer schon in Texas und Andalusien, 

in North Carolina und der Normandie abgestellt 

wurden, und diese Songs die Phantome der Vergangenheit 

und die Geister der Zukunft widerspiegeln. Auf der 

Bühne spielt Mina Tindle diese mal minimalistisch auf 

Akustik-Gitarre oder sich selbst mit dem Keyboard begleitend, 

mal mit Bandbegleitung: feinsinnige und melodische 

Songs mit französischem Charme und englischen 

Texten. Ein Song wie „Echo“ mit seinen sanften Streichern 

führt in ferne Weiten. Doch Mina kann deutlich mehr als 

zart und melancholisch – Pop-Songs wie „To Carry Many 

Small Things“ haben Schwung und Tempo und bringen 

die Beine und den Kopf zum Tanzen. 

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Besetzung: Mina Tindle – vocal lead, guitar, key / Olivier Marguerit – key, 

percussion, vocal / Guillaume Villadier – guitar, bass, vocal 

Presse: „Die Leichtigkeit, mit der die 28-Jährige durch vielschichtige 

Songs führt, lässt Vergleiche mit Feist und Cat Power immer weniger 

weit hergeholt wirken, je mehr man sich auf Tindles eigenwilligen und 

doch so unverschämt eingängigen Pop einlässt.“ (Kulturnews 5/6) 

„Wie Cat Power hält sie seitdem Abstand vom Mainstream-Pop und 

wagt sehr persönliche, intime, manchmal leicht versponnene Lieder, die 

sie überwiegend auf Englisch, aber auch auf Französisch („Pan“, „Demain“) 

oder Spanisch singt. Mit klassischem Franko-Chanson haben die 

14 „Taranta“-Songs also nichts zu tun. Man hört der Produktion von 

Tindle und ihrem Mitstreiter JP Nataf vielmehr amerikanische Indiepop- 

Einflüsse an. Zumal Mina eine Zeitlang in Brooklyn lebte und dort mit 

der US-Alternative-Rockszene in Berührung kam.“ (FOCUS Online) 

„Komplex und verliebt, rund und doch sperrig. Melodisch und disharmonisch 

zugleich – sanft und doch kratzig“ (dosenmusic.de) 

ab 21:30 Uhr 

Karo (Wü) 

„Minimalistisch, tieftraurig – und zwischendurch 

überraschend laut.“ 

Karo und ihre Musik erschienen vergleichsweise spät 

und fast zufällig auf den Bühnen dieser Welt. Sie 

spielte ein Konzert nach dem anderen in Deutschland 

und angrenzenden europäischen Ländern, die 

Resonanz im Netz erreichte fünfstellige Besucherzahlen. 

Auch das Radio wurde auf sie aufmerksam. Karo 

gewann den Jahressieg beim Zündfunk Montagsdemo 

(Bayern2) und spielte auf dem on3-Festival, wo 

man sie für die Fernsehsendung on3-Startrampe im 

Bayerischen Fernsehen entdeckte. 2010 erschien Karos 

erstes Album „Sing out, Heart!“ und die Kritik war 

sich einig: Von Musikexpress über Intro bis TAZ waren 

alle begeistert und feierten Karo in der Tradition von 


Restaurant/Café Zweiviertel 

Feist, PJ Harvey und Jeff Buckley als heißen Geheimtipp. 

2012 wird nun Karos zweites, langerwartetes Album 

„Home“ erscheinen und im Rahmen eines exklusiven 

Release-Konzerts auf der Hafenbühne präsentiert 

(nach dem erfolgreichen Karo-Auftritt im Jahr 2009). 

Karo hat das neue Album wieder selbst, diesmal in einem 

alten Tresor unter der Würzburger Posthalle aufgenommen. 

Dafür hat sie sich, nachdem sie jahrelang alleine 

spielte, Verstärkung geholt: die Würzburger Daniel Gehret 

und Matthias Labus, die sich mit ihrer Band Shokei bereits 

in der Postpunk-Szene einen Namen gemacht haben. 

Manche haben sich sicherlich gefragt, wie denn die 

zarte, herzergreifende Musik von Karo mit der brachialen 

Gewalt dieser Jungs zusammenpasst. Doch der gemeinsame 

Nenner war leicht zu finden: Es geht um das wahre 

Gefühl, darum, Emotionen direkt wiederzugeben und das 

Herz zu öffnen. Und so wurde der Weg zum neuen Album 

auch ein Weg nach Hause zu den Wurzeln, zur Heimat 

und zum Ursprung aller Dinge. Und plötzlich wurde alles 

laut … und still. 

Besetzung: Karo – Gitarre, Vocals / Daniel Gehret – Bass, Theremin, Kaossilator 

/ Matthias Labus – Drums 

Presse: (…) things already look rather promising that Germany finally 

has a voice that lives next door to artists like Cat Power or Leslie Feist.“ 

(LOWDOWN) 

„(…) wenn man Karo vor Coldplay (…) spielen lassen würde. Sie würde bestehen. 

Und mehrere zehntausend Menschen würden gebannt zuhören und danach 

wie hypnotisiert zum Plattenhändler rennen, um.“ (TAZ) 

41

Doppel-Konzert: Do., 9. August, ab 20 Uhr 


Volkornbäckerei Köhler e.K. 

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Arnottodrom – Otto Lechner/ 

Arnaud Méthivier (A, D) 

„Atemberaubende Musique imaginaire aus der 

Tiefe des Accordion Tribe“ 

Arnaud Méthivier und Otto Lechner sind ein Duo, das 

in der Landschaft des Musikschaffens seinesgleichen 

sucht. Das Repertoire von Arnotto kennt keine Grenzen, 

alle Spielmöglichkeiten des Akkordeons werden 

ausgeschöpft. Auf ungewöhnlichen Wegen wandelnd, 

schaffen Lechner & Méthivier eklektische Klangwelten, 

die zugleich eingängig und abenteuerlustig sind. Das 

Duo hat seine einzigartige musikalische Gesprächskultur 

bei einigen der wichtigsten Festivals (Montreal, 

Nizza, Paris la Villette, Wien …) zu Gehör gebracht und 

wurde schon mehrfach mit Preisen bedacht. 

Der Wiener Lechner ist für seine unvergleichlichen und 

immer etwas humorigen Kompositionen bekannt – ein 

leidenschaftlicher Musiker, der durch sein Instrument 

lebt und auf die zeitgenössische Akkordeon-Musik einen 

bedeutenden Einfluss ausübt. Mit Accordion Tribe, einer 

Combo, die gleich fünf dieser außergewöhnlichen Akkordeonisten 

vereinte, wurden Lechner und seine Kollegen 

im gleichnamigen Kinofilm sensationell dokumentiert. 

Der Auftritt beim Hafensommer im Jahre 2008 war ein 

unvergesslicher Abend, ein Highlight der Hafensommer- 

Historie. In Arnaud Méthivier, der auch schon mit Georges 

Moustaki und Suzanne Vega arbeitete, hat Otto Lechner 

einen kreativen Gleichgesinnten gefunden, der – wie

er selbst auch – die Grenzen zwischen Kammermusik, 

Jazz und Volksmusik sprengt. „France 2“ nannte Mèthivier 

einen „Perfektionisten, Bahnbrecher und Forscher, der für 

sein Instrument eine neue Sprache erfunden hat“. 

Besetzung: Otto Lechner – Akkordeon, Stimme / Arnaud Méthivier – Akkordeon, 

Cajon, Stimme 

Presse: (…) Otto Lechner an den Tasten, das heißt vor allem: stupende Musikalität 

und ein einzigartiges ,,Feeling“ (…) kaum ein anderer schöpft die 

klanglichen Möglichkeiten des Instruments so sehr aus (…) wie dereinst Jimi 

Hendrix seine Gitarre, samt Wah-Wah-Pedal (…)“ (Falter, Wien) 

„(…) Blind Austrian virtuoso Otto Lechner joined French accordionist Arnaud 

Methivier in a meandering set (…) In a major jazz festival whose highlights 

included Wayne Shorter, Pat Metheny as artist in residence and the Buena 

Vista Social Club, an accordion duet might have seemed like an esoteric 

footnote. Instead, it was a surprise hit.“ (Los Angeles Times) 

ab 21:30 Uhr 

Gabby Young & 

Other Animals (UK) 

„Pop – bunt und artistisch – ein magischer musikalischer 

Jahrmarkt“ 

Gabby Young & Other Animals sind definitiv anders, 

keine der gängigen Etikettierungen will zu ihnen passen. 

Die zierliche Frontfrau Gabby Young und ihre Begleiter 

jonglieren artistisch mit Swing und Operndramatik, 

Chanson und Vaudeville, Pop-Ohrwürmern und 

Balkan-Folk. Scheinbar Unvereinbares vereint die Formation 

aus London – und das offensichtlich mit Höllenspaß. 

Die Texte aus Gabby Youngs Feder sind nicht 

minder ungewöhnlich. Mit ihrer mehrere Oktaven umspannenden 

Stimme singt die Engländerin beispielsweise 

als Jazz-Croonerin oder Operndiva von ihrer 


Wunschwerk GmbH 

Tollpatschigkeit („Umm …“), dem Rätsel der eigenen 

Persönlichkeit („Maybe“), Dämonen im Inneren („Whose 

House“) oder auch ihrem imaginären, miesepetrigen 

Freund („Lipsink“). 

Schon mit 20 nahm Gabby erste Solosongs auf, erkrankte 

allerdings ein Jahr später an Schilddrüsenkrebs. Die 

Chirurgen mussten das Skalpell ganz in der Nähe der 

Stimmbänder ansetzen, die gerade begonnene Karriere 

schien zu Ende, bevor sie richtig beginnen konnte. Doch 

die Sängerin konnte die Krankheit erfolgreich bekämpfen 

und nutzte die Rekonvaleszenz zum Schreiben („Too 

Young To Die“). 2008 gründete sie ihre Begleitband Other 

Animals. Das Publikum hatte die Band mit ihrer mitreißenden 

Bühnen-Performance überall schnell für sich gewonnen. 

Insbesondere Gabby Young mit ihrem flammend 

roten Haar und den grellen Vintage-Kostümierungen ist 

ein echter Blickfang, den man so schnell nicht vergisst. 

Besetzung: Gabby Young – Vocal / Stephen Ellis – Guitar etc. / Brett Leboff 

– Drums / Paul Whalley – Tuba, Guitar / Emily McGregor – Violin / Oli Hopkins 

– Bass / Richard Watts – Trumpet 

Presse: „Ganz großes Tennis. Großes Kino. Große Oper (…) So bunt war’s im 

Pop lange nicht: Gabby Young tschingderassabummt sich durch alle Genres. 

Wie eine punkaffine Jazzdiva mit Hang zum Varieté klingt? Anhören!“ 

(DIE ZEIT Online) 

„She is a mixture of Pre-Raphaelite beauty and antique shop. As much artschool 

as Agent Provocateur. Eastern European touches and acoustic instrumentation 

combine with a strong seductive voice to suggest a busking Kate 

Bush.“ (MOJO, London) 

„Howling mad and completely irresistible.“ (BBC 6, Tom Robinson) 

43

Doppel-Konzert: Fr., 10. August, ab 20 Uhr 


Ingenieurbüro Leiser 

Stabil Elite (D) 

„Funkelnder, verführerischer Pop, mehr Dada als 

Gaga im Herzen tragend“ 

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Das Düsseldorfer Trio Stabil Elite ist mit ihrem gerade 

erschienen Debüt „Douze Pouze“ derzeit in aller 

Munde: Platte des Monats im Musikexpress, Album 

der Woche im Zündfunk (BR), CD der Woche in der 

FAZ, TV-Beiträge auf Arte und 3SAT, überschwängliche 

Interviews, Artikel via Süddeutsche, TAZ, SPEX 

… Die zwölf Stücke des Debüts glühen gewaltig und 

trotzen ihrer Zeit, vereinen wundersam Glamour und 

Gefühl und produzieren detailverliebte Tracks, die Pop 

abstrakt umarmen und mehr Dada als Gaga in ihrem 

Herzen tragen. Stabil Elite werden ihren polysynthetischen 

Soundentwurf zwischen Krautrock, Dada, Disco 

und Cosmic Surf-Pop nun endlich auch abseits des 

Rheins präsentieren. 

Wo die Band herkommt, hört man sofort. Wer es nicht 

erkennt, sollte an eine Stadt am Rhein denken, in der Fett 

zum Kunstobjekt avancierte und deren elektronische Musikgeschichte 

von Punk bis Techno viele Stile maßgeblich 

beeinflusste. Düsseldorf war und ist eine der (auch im 

Ausland hoch geschätzten) Keimzellen kreativer deutscher 

Pop-Musik, angefangen mit Elektro-Pop Pionieren 

wie Kraftwerk, Neu! und La Düsseldorf über Bands wie 

Der Plan, Fehlfarben, SYPH und DAF bis hin zum Sound 

von heute mit Gleichgesinnten wie Kreidler, Hauschka 

und Mouse on Mars. Stabil Elite konnten sich der Magie

und der Historie ihrer Heimat nicht entziehen, haben 

aber trotzdem irgendwie weggehört, um eine eigene 

zeitgemäße Musik entstehen zu lassen, bei der die Grenzen 

zwischen E- und U-Musik verschwimmen und alles 

zu allem tanzt. Egal, ob Stockhausen, Sun Ra, Krautrock, 

Moroder, Techno, Afro, Funk oder House den Groove bestimmen 

– das eigene Verlangen nach einer noch unerforschten 

Popsynthese ist groß. 

Besetzung: Nikolai Szymanski – voc, keys / Lucas Croon – voc, keys / Martin 

Sonnensberger – guit / Timo Hein – bass / Niklas Wandt – drums 

Presse: „Die Band Stabil Elite verwaltet das musikalische Erbe ihrer 

Stadt geschickt (…) So eleganten Pop hat man von dort seit langem 

nicht mehr gehört.“ (TAZ) 

„(…) dandyeske Auskenner. Ein sehr gutes Album.“ (FAZ) 

„Originell und alles andere als epigonal betten die drei Musiker die Vergangenheit 

ins Heute ein und schaffen ein gegenwärtiges Werk voller 

eleganter Songs.“ (Neue Züricher Zeitung) 

ab 21:30 Uhr 

Bauchklang (Österreich) 

„Organischer oraler Beat – A Cappella ins dritte 

Jahrtausend übersetzt“ 

Bauchklang sind eines der mitreißendsten und innovativsten 

Vocal-Groove-Projekte in Europa. Unglaublich, 

was diese Jungs alleine mit ihren Stimmen reißen, 

die Soundästhetik könnte glatt als neuer, urbaner A- 

Cappella-Stil bezeichnet werden. Inspiriert von zeitgemäßen 

Beats verzichten die Musiker nach wie vor auf 

Instrumente oder elektronische Klangquellen. Die Band 

war in den letzten Jahren weltweit mit mehr als 600 

Auftritten in 25 verschiedenen Ländern unterwegs, 

zuletzt als Überraschungsact bei der Eröffnung der 


Kieser Training 

Olympischen Jugendspiele in Innsbruck und hat diverse 

Auszeichnungen (Amadeus Award) erhalten. Das 

Video „Rhythm of Time“ erhielt bis dato unglaubliche 

450.000 Klicks! 

Mit virtuoser Stimmbeherrschung, Mouthpercussion und 

Human Beatboxing generieren Bauchklang mit einer 

unangestrengten Weltläufigkeit einen organischen wie 

hypnotischen Gesamtsound, dessen breites Klangspektrum 

und rhythmische Akzentuierung für das Publikum 

kaum fassbar sind und umso mehr beeindrucken. Bauchklang 

haben ihren einzigartigen „Vocal Groove“-Sound 

über die Jahre konsequent zu facettenreichen, komplexen 

Klangbildern verfeinert, ausgefeilt und weiterentwickelt, 

groove-orientiert und zugleich sphärisch, nachzuerleben 

im Ton- und Bilddokument „Bauchklang live in Mumbai“, 

einem ihrer bisherigen Höhepunkte. „Sie setzen nicht auf 

hitparadeverdächtige Trends. Das Wort ,Kommerz‘ kommt 

einem nicht mal ansatzweise in den Sinn“, schreibt laut. 

de, „eher schon Attribute wie sensationell, beispiellos 

oder unfassbar. Und immer die Frage: Wie kann Mann 

solche Klänge ohne Instrumente erzeugen?“ 

Besetzung: Alexander Böck – human bass / Andreas Fränzl – lead vocals, 

human sounds / Gerald Huber – beatbox, human sounds / Christian Birawsky 

‚Bina‘ – mouthpercussion, human sounds, beatbox / Philipp Sageder – backing 

vocals, human sounds 

Presse: „Kein Zweifel, Bauchklang zählen zu einer der besten A-Capella- 

Truppen weltweit.“ (Kurier, Wien) 

„Samplers in flesh and blood.“ (Le Monde, France) 

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Die Hamburg-Nacht!: Sa., 11. August, ab 19:30 Uhr 

Niels Frevert & Band (D) 

„Ein Großer im Pop, zwischen Gospel und 

Gespenstern“ 

Niels Frevert war in den 90ern Sänger/Songwriter der 

auch international bekannten Hamburger Band Nationalgalerie. 

Nach Auflösung veröffentlichte Frevert 

mehrere Soloalben. „Du kannst mich an der Ecke rauslassen“ 

(2008) wurde vom Magazin Spex unter die „50 

wichtigsten Alben“ des Jahres gewählt.Während die 

immer größer werdende Meute deutsch singender Gefühlsduselanten 

mit Allgemeinplätzen und einfachsten 

lyrischen Mitteln emotionale Erwartungshaltungen 

eines Publikums bedient, ist dieser Typ aus Hamburg 

schon weiter: Seine klare Sprache macht Welten auf. 

„Zettel auf dem Boden“ (Tapete) ist Freverts aktuelles Album. 

Exemplarisch für diese Nachrichten an den Hörer ist 

der Song: „Schlangenlinien“ – eine Art Suite, in der Musik, 

Text und Gesang derart meisterhaft miteinander verwoben 

sind, dass man tatsächlich meint, Schlangenlinien 

zu fahren. Frevert, eng verbunden mit dem einschlägigen 

Hamburger Klub „Übel & Gefährlich“, folgt mit seinen 

Musikern einem sanft akzentuierten, poetischen Folk-Pop 

in Reminiszenz an „Aztec Camera“. Das Herz jeden Liedes 

bilden über die rhythmische Basis hinaus Akustik-Gitarre 

und Klavier, und alles wird elegant veredelt mit Streichern, 

Vibraphon, Bläsern, Akkordeon und Chören. Gastmusiker 

auf dem Album wie Martin Wenk von Calexico 

(Flügelhorn) und Gisbert zu Knyphausen geben zusätzliche 

Hinweise auf diese musikalische Ausrichtung. 

Besetzung: Niels Frevert – Gesang, Gitarre / Stephan Gade – Bass / Stefan 

Will – Piano / Tim Lorenz – Drums / Ladis Cinzek – Chello / Martin Wenk – 

Vibraphone, Flügelhorn, Mandoline, Akkordeon, Trompete 

Presse: „Selten klang Pop so klug, Alltag so ungewöhnlich und Wehmut 

so angenehm.“ (ARD) 

„Kluge Kompositionen, jede Menge Zeilen mit Potenzial zu geflügelten 

Worten, ausgefeilte Arrangements und ein grandioser Gesamtklang.“ (FAZ) 

ab 20:45 Uhr 

Kristof Schreuf (D) 

„Ich bin ein Bourgeois With Guitar – Oft mehr, 

niemals weniger“ 

Kristof Schreuf war Mitbegründer von „Kolossale Jugend“, 

einer der ersten Bands aus dem Umfeld der sogenannten 

Hamburger Schule. Auf „Bourgeois With 

Guitar”, dem ersten Solo-Album, überrascht er nun 

zusammen mit dem Produzenten Tobias Levin auf eine 

Art und Weise, wie er noch nie zu hören war. Mit zwölf 

Liedern bzw. deren Bearbeitungen lässt uns der Sänger 

staunen und nicht mehr entkommen: Diese Songs 

sind neu. 

Die alten Lieder sind in den neuen ertrunken und haben 

sie schöner gemacht. Das Ergebnis verblüfft Stück 

für Stück. Das Album beginnt mit „My Generation“ (The 

Who), einem Song für einen zarten Protest, eine politische 

Demonstration. Von dem darauffolgenden „Search 

& Destroy“ (The Stooges) geht Sehnsucht aus, die schönste 

Energie. Bei „Highway To Hell“ (AC/DC) handelt es sich 

um einen perfekten Pop-Song, denn er enthält immer 

auch Traurigkeit, und „I Feel Love“ (Donna Summer) sind 

unverschnittene Opiate zum Sonnenaufgang. 

Besetzung: Kristof Schreuf – Gitarre, Gesang 

46


hofman keicher ring architekten 

Presse: „Trümmermusik mit Steinbruchtexten, ganz und gar wundervoll. 

Trotz all des Referenz-Pingpongs, das möglicherweise im Kopf des Hörers 

entstehen mag, klingt das Album extrem frisch, leicht, rund, neu und ja: 

elegant.“ (SPEX) 

ab 21:30 Uhr 

Die Goldenen Zitronen (D) 

„The Lemons are Alright – ausgereifte Haltungen 

und Handlungsanreize“ 

In den 80ern sozialisierten sich die Zitronen als Teil 

des damaligen Punkuniversums in Hamburg. Sie begannen 

sehr früh die punk-affinen Codes („härter, 

schneller, ernster“) und die damit einhergehende ästhetische 

Stagnation aufzubrechen. Die vertrackten 

Intelligenzler-Punkrocker gelten gewissermaßen als 

Keimzelle der sogenannten Hamburger Schule, der 

sie jedoch kritisch gegenüberstehen. Mit der Single 

„Am Tag, als Thomas Anders starb“ und den entsprechenden 

Reaktionen seitens BRAVO und BILD werden 

die Goldies, nachhaltiger, als sie es zu hoffen gewagt 

hatten, zu einer Skandalband. Die Platte wird zur erfolgreichsten 

deutschsprachigen Indie-Single. Zu dieser 

Zeit waren sie auch mit den „Toten Hosen“ auf 

Tour, damals noch ein Undergroundact. Die erste GZ- 

LP „Porsche, Genscher, Hallo HSV“ (1987) scheint noch 

heute zur Grundausstattung halbwüchsiger Nachwuchspunks 

zu gehören. 

Begünstigt durch den Fun-Punk-Boom Ende der 80er 

Jahre klopften alle großen Plattenfirmen und Medien an. 

Die Band lehnte die Zusammenarbeit mit der Musikindustrie 

eher instinktiv als aus einer Sehnsucht nach Unabhängigkeit 

heraus ab und rettete damit ihre künstlerische 

Haut. Als Reaktion auf die Pogrome gegen Asylbewerber 

in Hoyerswerda initiierten die GZ gemeinsam mit Hip- 

Hop-Acts 1992 die Maxi-Single „80 Millionen Hooligans/ 

Die Bürger von Hoyerswerda“ – eine vorausschauende 

Aktion – und stellten sich erstmalig außerhalb eines kategorisierbaren 

Genrekontextes.1998 erschien „Deadschool 

Hamburg“ (Cooking Vinyl), der endgültige Schritt 

in eine substanzielle internationale Wahrnehmung. Zuletzt 

waren/sind so unterschiedliche Künstler wie F. J. 

Degenhardt, Chicks On Speed, Hans Platzgumer, DJ Hell, 

Michaela Melián und Mark Stewart musikalische Partner 

der Band. Schorsch Kamerun ist zudem regelmäßig als 

Regisseur an großen Bühnen tätig, u. a. am Schauspielhaus 

Zürich und an den Münchner Kammerspielen, Ted 

Gaier regelmäßiger Gast bei der international agierenden 

Theatergruppe 400asa. 

Besetzung: Julius Block – Synth., E-Bass, Gitarren, Perc., Strings, Vocals / 

Stephan Rath – Schlagzeug, Perc., Glockenspiel, Ak.-Gitarre, Vocals / Mense 

Reents – Bass Synthie, E- Bass, Blockflöte, Trompete, Waldhorn, Perc., Vocals 

/ Schorsch Kamerun – Vocals, Kleiderständer, Orgel, Synth., Vocals / Ted 

Gaier – Gitarren, Kontrabass, Gebläse, Orgel, Perc., Vocals / Enno Palucca – 

Schlagzeug, Perc., Flöte 

Presse: „25 Jahre Gegenöffentlichkeit im Geiste des Punk (…) immer 

auch ein neues Statement zur Lage der Nation (…) So sind sie, die Zitronen: 

Sie jonglieren mit Theorie und Praxis, mit Politik und Kunst (…) Man 

kann dieser Band beim Altern zuhören, weil sie einfach nicht irrelevant 

werden will.“ (ZEIT Online, Frank Sawatzki) 

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Doppel-Konzert: So., 12. August, ab 20 Uhr 


Zahnärzte Dr. Andrea Behr und Dr. André Trojanski 

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Mohammad Reza 

Mortazavi (IR, D) 

„Fast schon Zauberei – ein polyphones Feuerwerk 

der Finger mit Pop-Appeal“ 

Wer den in Berlin lebenden iranischen Künstler Mohammad 

Reza Mortazavi (1978 im Iran geboren) einmal 

gehört hat – „Der beste Handtrommler der Welt“ 

(ORF 2011) – wird seine Musik nicht mehr vergessen. 

Mit virtuoser Intensität erschafft er Klänge orchestralen 

Ausmaßes, die das Publikum weltweit mit einem 

Geflecht aus tanzbaren Rhythmen, schnellen Beats und 

tranceartigen Melodien verzaubern – einzig mit seinen 

zwei Händen und den traditionellen persischen Handtrommeln 

Daf und Tombak. Mortazavi löst mit seinen 

Auftritten Begeisterungsstürme aus (z. B. in der Philharmonie 

Berlin, 2010). Generationen und Musikliebhaber 

querbeet fühlen sich angesprochen, insbesondere 

auch jüngeres Publikum, denn Mortazavi verleiht 

seinem Instrument Pop-Appeal. 

Reza Mortazavi begann mit sechs Jahren Tombak-Unterricht 

zu nehmen und erlernte er das Trommelspiel so 

schnell, dass ihm sein Lehrer im Alter von neun Jahren 

nichts mehr beibringen konnte. Er galt bei Kennern bereits 

mit 20 Jahren als der beste Tombak-Spieler der Welt, 

entwickelte über 30 neue Schlag- und Fingertechniken 

und revolutionierte damit die traditionelle Spielweise 

– nicht immer zur Freude der Alten, sein Statement 

zur aktuellen politischen Situation: „Viele traditionelle

Musiker im Iran haben sich nun mit der grünen Bewegung 

verbunden. Aber ihre Musik ist nicht frei.“ Mortazavis 

Kompositionen gehen weit über das hinaus, was man 

von einem Percussionisten erwarten würde, mal ganz 

leise, sanft und verhalten, dann wieder so schnell und 

variantenreich, dass die enorme musikalische Spannbreite 

verblüfft. 

Besetzung: Mohammad Reza Mortazavi – Daf, Tombak 

Presse: „Klänge wie aus einer anderen Welt.“ (NDR Kultur) 

„Die schnellsten Hände der Welt (…) Man könnte auch sagen, es ist eine Revolution.“ 

(ZDF-Aspekte) 

„Mortazavis Spiel beeindruckt durch enorme Bandbreite der Klangfarben 

und virtuose Rhythmik. Die Fingerspitzen seiner linken Hand scheinen sich 

im Zeitraffer auf dem Fell der Trommel zu bewegen.“ (Süddeutsche Zeitung) 

ab 21:15 Uhr 

European Twin City Jazz 

Project (Wü, UK, S, HR, BY) 

„Eine Welturaufführung aus Anlass des 50. Jubiläums 

der Städtepartnerschaft Würzburg/Dundee.“ 

Seit 50 Jahren besteht zwischen Würzburg und dem 

schottischen Dundee eine Städtepartnerschaft. Zu den 

diesjährigen Jubiläumsfeierlichkeiten haben der Würzburger 

Musiker und Komponist Georg Kolb und sein 

schottischer Kollege Kevin Murray aus Dundee das 

Twin City Jazz Projekt ins Leben gerufen, das auf der 

Hafenbühne mit dem Programm „Bridges“ seine Live- 

Premiere erleben wird. Das 13-köpfige Kollektiv mit 

Musikern aus den zwei „Twin Cities“ schlägt die Brücke 

aber noch weiter, indem es auch Gäste aus Kroatien 

und Weißrussland in seine Reihen integriert, die mit 

Cymbal und Cello zusätzliche Klangfarben einbringen. 

Darüber hinaus wird die schwedische Schauspielerin 

Anna Sjöström vom Würzburger Mainfranken Theater 

als Vokalistin sowohl poetische Songelemente einbringen 

als auch die städtepartnerschaftliche Verbindung 

Würzburgs zum schwedischen Umeå repräsentieren. So 

wird aus dem „Twin City Jazz Project“ eine europäische 

Big Band quer durch verschiedene Nationen mit ganz 

unterschiedlichem kulturellen Background. 

In Zeiten, in denen der europäische Gedanke fast ausschließlich 

ökonomisch interpretiert wird, will „Bridges“ 

wieder die kulturelle Komponente in den Mittelpunkt 

stellen. Das Twin City Jazz Project lässt unterschiedliche 

musikalische Welten und Genres zusammenkommen, die 

jedoch den herkömmlichen Rahmen sprengt, indem auch 

ungewöhnliche Instrumente wie Cymbal, Cello, Akkordeon, 

Mandoline, Bassklarinette oder Bassflöte ihren Platz 

haben. Poetisch-lyrische Passagen verschmelzen mit expressiven 

jazzigen Improvisationen, auch Spurenelemente 

aus der Folklore der Herkunftsländer der beteiligten Musiker 

werden dezent in den europäischen Klangkosmos 

eingeflochten und mit aktuellen Beats unterlegt. Talentierte 

junge Fotokünstler der Würzburger Fachhochschule 

sorgen zudem mit ausdrucksstarken Projektionen für eine 

visuelle Unterstützung des musikalischen Geschehens. 

Besetzung: 

Anna Sjöström – Vocals / Jason Sellars – Trumpet / Kevin Murray – Vocals, 

Guitar, Mandolin / Peter McGlone – Alto/Tenor Sax / Michael Leontchik – 

Cymbalon / Ivan Turkalj – Cello / Dirk Rumig – Sopransax, Clarinet / Frazer 

Burke – Piano, Accordion Basscl., Alt/Bassflute / Werner Goldbach – Piano, 

Keyboards, Bansuriflöte, Duduk / Georg Kolb – Bass / Frank Rossiter – Trombone, 

Harmonica / Andy James – Drums,Percussion / Uli Kleideiter – Drums 

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Kino: Mo., 13. August, 21:30 Uhr 

Sing Your Song 

„Von Harlem nach Mississippi, von Afrika nach Los 

Angeles nimmt uns SING YOUR SONG mit auf eine 

Reise durch Harry Belafontes Leben und Werk“ 

Harry Belafonte kämpfte an der Seite von Martin Luther 

King Jr. für schwarze Bürgerrechte in den USA 

und mit Nelson Mandela gegen die Apartheid in Südafrika 

– weltweit bekannt wurde er mit „Banana Boat 

Song“. 100 Millionen Schallplatten verkaufte der Sohn 

karibischer Einwanderer und spielte in mehr als 40 Filmen. 

Mit lässigem Understatement, überschwänglicher 

Freundlichkeit und einem strahlenden Lächeln engagiert 

sich Belafonte seit Jahrzehnten politisch. Seine 

Kritik an der amerikanischen Außen- und Sozialpolitik 

erregt nach wie vor Aufsehen. In ihrem Film folgt 

Susanne Rostock den Spuren eines außergewöhnlichen 

Künstlers, Aktivisten und Familienmenschen. 

SING YOUR SONG liefert einen dichten Blick auf Harry 

Belafontes Leben und Engagement für politische und 

soziale Rechte. Der Film zeigt den Weg eines in New 

York geboren Jungen, der in Jamaika aufwuchs und 

nach seiner Jugend die Magie des schwarzen amerikanischen 

Theaters entdeckte. Von Harlem aus verfolgt der 

Film Belafontes Aufstieg von den Jazz-und Folk-Clubs 

in Greenwich Village zum Calypso-Star. Doch selbst als 

Star war das Leben eines schwarzen Mannes im Amerika 

der 1960er-Jahre alles andere als einfach, und Belafonte 

wurde mit den gleichen Jim-Crow-Gesetzen und Vorurteilen 

konfrontiert wie alle anderen dunkelhäutigen Bürger. 

In Folge präsentiert der Film auch einen kurzen Blick 

auf die Bürgerrechtsbewegung durch die Augen eines 

Insiders. 

Regie Susanne Rostock, USA 2010, 98 Min., FSK: ab 0 

Darsteller: Harry Belafonte, Huddie W. Ledbetter (Leadbelly), 

Nat King Cole, J. Edgar Hoover, Julie Belafonte, 

Martin Luther King Jr., John F. Kennedy, Nelson Mandela, 

Paul Newman, Shari Belafonte, Sidney Poitier, Ed Sullivan, 

Marlon Brando, Sammy Davis Jr. 

Musik: Hahn Rowe (internationally renowned violinist, 

guitarist, pianist, composer and engineer/producer 

– Hugo Largo, Glenn Branca, Foetus, Swans, Ikue Mori, 

R.E.M., David Byrne, Moby, Bill Laswell, Roy Ayers, Antony 

and the Johnsons, Yoko Ono) 

Presse: „Eindrucksvoll setzt Regisseurin Susanne Rostock 

mit ihrem Dokumentarfilm „Sing your song“ 

dem Jahrhundertentertainer Harry Belafonte ein 

filmisches Denkmal (…) Gleichzeitig ist die absolut 

sehenswerte Hommage ein Stück amerikanischer 

Zeitgeschichte und ein ergreifendes Plädoyer gegen 

Rassismus.“ (programmkino.de) 

„Sing Your Song does three things only a superior biodoc 

can do: Tell a stirring life story, place that life in 

the context of its times, and portray it with the kind 

of depth and breadth that makes you wonder why it 

hasn‘t been told before. Moving and enlightening as 

it serves up a crash-course in 20th century history.“ 

(Variety) 

„The stuff of a bildungsroman.“ (New York Times) 

51

Kino: Di., 14. August, 21:30 Uhr 

Work Hard – Play Hard 

„Aldous Huxley trifft George Orwell und Franz Kafka 

– Zum Fürchten ist die schöne neue Arbeitswelt“ 

Von non-territorialen Office Spaces, multimobilen 

Knowledge-Workern, Blackberries und Miles&More 

– ein Roadmovie in die Arbeitswelten von morgen. 

Der Dokumentarfilm unternimmt eine Reise durch die 

postindustriellen Werkstätten, die als unsere Arbeitswelten 

von morgen gelten. Hier ist die Arbeit frei, es 

gibt weder Stempeluhren noch Anwesenheitspflicht – 

und die Ressource Mensch rückt in den Mittelpunkt. 

Der Film heftet sich an die Fersen einer High-Tech-Arbeiterschaft, 

die hochmobil und leidenschaftlich ihre 

Arbeit zum Leben macht. Weitere Episoden knüpfen 

sich daran an und führen in die Welt moderner Büroarchitektur 

und in die Welt des Human Resource 

Management. 

Carmen Losmann hat einen zutiefst beunruhigenden Film 

über moderne Arbeitswelten gedreht. Das Streben nach 

Gewinnmaximierung und grenzenlosem Wachstum hat 

die Ressource Mensch entdeckt. In unserer modernen 

Dienstleistungsgesellschaft bedeutet die Optimierung 

eines Betriebs die Optimierung der Mitarbeiter. Bei Auswahl, 

Motivation und Training der Mitarbeiter von Morgen 

wird nichts dem Zufall überlassen. Der Erfolg einer 

Firma hängt von der Leistungsfähigkeit und Leistungsbereitschaft 

der Mitarbeiter ab. Der globalisierte Druck 

auf die Unternehmensleitungen fordert immer mehr Tugenden 

einer Unternehmensführung von den einzelnen 

Mitarbeitern. Carmen Losmann betritt eine Welt, in der 

eine eigene Sprache gesprochen wird. Dabei ist eine zutiefst 

widersprüchliche Welt entstanden. Wer sich nicht 

Regie Carmen Losmann, D 2011, 90 Min., FSK: ab 12 

dem „Mega-Wachstumsziel“ globalisierter Unternehmen 

verschreibt, wird durch eine Human Resource Management 

Firma (Rohstoff Mensch Optimierungsfirma) erbarmungslos 

zum Mitarbeiter zweiter Wahl gestempelt. 

Presse: „Willkommen in Einsamkeit und Entfremdung 

im motivierten Team! (…) Kühle, leere, aseptische, futuristische 

Cinemascope-Bilder. Einblicke in die schöne 

neue Arbeitswelt, in der Eigenart und Eigenheit am 

Arbeitsplatz Begriffe aus der Steinzeit sind.“ (Leipziger 

Volkszeitung) 

„Höchst geschickt gemacht, regt er zum Nachdenken 

an und lässt uns eine der wichtigsten Fragen unserer 

Zeit diskutieren -- die Individualität und Persönlichkeit 

der Arbeitskraft von Heute (…) Der Film ermutigt 

das Publikum, unsere unerbittliche Suche nach dem 

Heiligen Gral in Frage zu stellen -- die Motivation, die 

Reise und das Ziel einer maximalen Produktivität sowie 

einer hohen Effizienz um jeden Preis.‘‘ (Jury für den 

Healthy Workplace Film Award, dok-leipzig.de) 

„Zum Fürchten ist die schöne neue Arbeitswelt, die 

Carmen Losmann in „Work Hard -- Play Hard‘‘ in essayistischer 

Form so kühl wie klug darlegt.‘‘ (Süddeutsche 

Zeitung) 

53

LIVE- 

KULTUR! 

präsentiert! 

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So., 5.8., 20 Uhr, 

Hafensommer 

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Ein Medium aus dem Hause MorgenWelt Würzburg 

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Hafensommer-Finale: Mittwoch, 15. August, 14 Uhr, Eintritt frei* 

ab 15:00 Uhr 

Sparda Talentschmiede am Alten Hafen 

Der Abschlusstag des sechsten Würzburger Hafensommers 

endet, wie er begonnen hat: mit internationalen 

Freunden! Die diesjährige Talentschmiede lädt ein, 

Ihr Talent bei einer Reise durch Würzburgs Partnerstädte 

zu entdecken. Erleben Sie jede einzelne Stadt auf einer 

Freundschaftsreise mit all ihren Facetten. Kommen 

Sie mit nach Umeå (Schweden), Otsu (Japan), Salamanca 

(Spanien), Rochester (USA), Mwanza (Tansania), Caen 

(Frankreich), Bray (Irland), Minnesota (USA) und Suhl 

in Thüringen. Erleben Sie einen besonderen Sinneslauf, 

spannende Basketballspiele, einen Lauf übers Wasser in 

großen Water-Walking-Bällen, Origami-Workshops und 

vieles mehr. Insbesondere Familien sind eingeladen, sich 

von den verschiedensten internationalen Aktionen verzaubern 

zu lassen und den Hafensommer in stimmungsvoller 

Atmosphäre ausklingen zu lassen. 

ab 20:00 Uhr 

WVV on fire 

!DelaDap (A) 

„Urban Elektro-Gypsy mit (World-)Pop-Appeal“ 

Ein beständig wachsender Einfluss der sogenannten 

„Welt-Musik“ auf den Pop in all seinen Varianten 

lässt sich seit mehreren Jahren nicht mehr ignorieren. 

!DelaDap begreifen sich selbst als Teil dieser weltoffenen 

musikalischen Strömung, und definieren ihren 

Mix aus Roma-Gypsy-Roots, hippen Jazz und urbanen 

Electronica als „Nu-Gypsy“. Sie reinterpretieren die 

stolze Eleganz der Musik der Roma, die diese von ihren 

indischen Vorfahren übernommen haben, für das 21. 

Jahrhundert neu. 

Dabei ist es ein wichtiges Anliegen, die musikalische Tradition 

nicht als pure Dekoration und süße Glasur für 

funktionale Popsongs zu missbrauchen. Ihr Anspruch ist 

es, sowohl der reichen musikalischen Welt der Gypsies, 

als auch der Popmusik eine weitere Facette hinzuzufügen. 

Die Roma haben stets diverse musikalische Stile, die 

wir als „typisch europäisch“ kennen, wie den Flamenco, 

den Walzer, die Musette oder den ungarischen Czardasz, 

in ihrer Entwicklung geprägt. Mit dem neuen Album „I 

Know What You Want“ ist es !DelaDap wieder gelungen, 

neue musikalische Wege zu beschreiten. Das bewährte 

Konzept, traditionelle Gypsymusik mit urbanem Clubsound 

zu kombinieren, ohne die Seele der einen oder des 

anderen zu verraten, wurde weiter verfeinert und vertieft, 

und darüber hinaus hat sich der neue Sound weiteren Inspirationen 

geöffnet. !DelaDap bieten den Soundtrack zu 

einer lebendigen Kultur, die ihre Energie und Inspiration 

aus der kulturellen Vielfalt bezieht. 

Illumination: 

Im Anschluss an das Konzert wird ein Feuerwerk das Hafenbecken 

und das Kulturquartier am Alten Hafen in 

leuchtende Farben tauchen. Mit diesem Ausklang verabschiedet 

sich das Team Hafensommer und die WVV von 

ihren Gästen und freut sich auf den siebten Hafensommer 

Würzburg vom 23.07.-15.08.2013. 

*Einlasskarten sind erforderlich, die ausschließlich an der Tages-/ 

Abendkasse erhältlich sind. 

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➔ zum Konzert auf Seite 20 

Richtige Helden werden langsam rar. Schon allein scheint es dringend 

geboten, eine der letzten Galionsfiguren des „Jazz made in Germany“ 

nicht aus den Augen zu verlieren. Doch dafür sorgt Wolfgang Dauner 

schon selber: Anlässlich seines Gastspiels beim Würzburger Hafensommer 

kredenzt der Stuttgarter Pianist einmal mehr ein schillerndes Portfolio 

seiner kreativen Energie. Dass es dabei mitunter ähnlich turbulent, 

kunterbunt und schrill zugeht, wie in seinen wilden Jahren, sollte 

wirklich niemanden mehr verwundern. Einmal Freigeist, immer Freigeist. 

Dauner Forever! 

Wolfgang 

Dauner 

Brennende Klaviere 

Ein Klavier gibt es kaum für lau. Im oberen Preissegment 

muss man schon bis zu 150 000 Euro dafür 

hinblättern. Aber nicht bloß die Edelmarken 

sind es gewohnt, penibelst gehegt und gepflegt zu 

werden. Ein Kratzer auf dem Elfenbein oder dem 

schwarzen Mahagoni kommt einem Sakrileg gleich. 

Schließlich sehen nicht wenige Pianisten in dem 

aristokratischen Klimperkasten ein allumfassendes 

Sprachrohr mit Direktverbindung zur eigenen Seele. 

Und dann dieses Bild: Ein Flügel steht lichterloh in 

Flammen, im Vorgrund vergräbt der junge Wolfgang 

Dauer ungerührt beide Hände in den Taschen seiner 

eleganten Smokinghosen. „Das war Anfang der 1970er 

Jahre“, erinnert sich der Mann mit dem schütteren 

Haupthaar und dem feinen Händchen mit unverkennbar 

schwäbischem Zungenschlag. „Wir haben eine 

Fernsehserie gedreht, eine Persiflage über Musik.“ Natürlich 

sei das Piano echt gewesen, wenn auch nicht 

mehr ganz neu, denn Computeranimationen gab es 

noch nicht. „Ich glaube sogar, dass wir einen Steinway 

geopfert haben.“ Über Schwaben sagt man normalerweise, 

sie seien fleißig, genau und vor allem sparsam, 

mit einem gewissen Hang zum Geiz. Und dann steht 

da einer aus dem „Ländle“, ein waschechter Stuttgarter, 

noch dazu der mit Abstand interessanteste und 

vielseitigste Tastenvirtuose der deutschen Nachkriegszeit, 

scheinbar völlig teilnahmslos dabei, wie sein absolutes 

Lieblingsspielzeug abgefackelt wird! „Es war 

halt die Sturm- und Drangzeit“, lächelt Dauner über 

40 Jahre später fast entschuldigend. „Man wird im 

Laufe der Jahre ja auch milder.“ Das Foto gefällt ihm 

trotzdem. So sehr, dass er es gleich für seine Solo-CD 

„Tribute To The Past“ (HGBS) verwendet hat. „Eine Verneigung 

vor der Vergangenheit“, nennt er das Werk. 

Auch seine Biographie von Wolfgang Schorlau trägt 

den Titel „Das brennende Klavier“. Irgendein tieferer 

Sinn muss also in diesem vermeintlichen Akt radikaler 

Zerstörungswut liegen. „Die Klaviere brennen 

bei mir immer noch, aber musikalisch“, erklärt der 

Protagonist. „Dieses Instrument verlangt von jedem 

Pianisten, egal welcher Couleur, sich täglich mit ihm 

zu beschäftigen, wenn er sein einmal erreichtes Niveau 

halten möchte.“ Im Prinzip geht es jedoch vermutlich 

darum, gewohnt offensiv zu proklamieren, 

dass Wolfgang Dauner selbst noch lichterloh brennt, 

trotz oder gerade wegen seiner 76 Lebensjahre. 

In der Tat ist der Mann ein kantiges, eigenwilliges Original 

mit einem faszinierenden Profil, einem Spektrum, 

das nahezu alle Bereiche der modernen Musik 

berührt und sogar angrenzende Medien befruchten 

konnte. Einer jener herausragenden Künstler, die den 

Jazz hierzulande zuerst gepflegt und dann zu einer 

von amerikanischen Vorbildern unabhängigen Musikform 

emanzipiert haben. Mangelsdorff war so einer 

– Dauners liebster Duopartner – Klaus Doldinger, 

Eberhard Weber, Manfred Schoof, Gunter Hampel, 

Heinz Sauer andere. Dazu gab es noch die aus dem 

Osten: Günter „Baby“ Sommer, Ernst-Ludwig Petrowsky, 

Ulrich Gumpert. Sie alle legten Fährten – auf 

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ihre Weise. Mitten unter ihnen ist Dauner der vielleicht 

offenste, vielseitigste. Als Musiker wie als Komponist. 

Ein Forscher und Visionär, ein Stachel im Fleisch des 

traditionellen, bisweilen spießbürgerlichen Musikbetriebs, 

aber auch ein Bindeglied zwischen den Extremen. 

Früher, ganz früher, da begleitete er Schlagerstars 

wie Zarah Leander, Lale Andersen („Lili Marleen“) oder 

Marika Rökk auf Tourneen. Als krasser Kontrapunkt 

stehen die Jazzoper „Der Urschrei des Musikers“, eine 

bissige Parabel auf die Abhängigkeit von der Tonträger-Industrie, 

die nicht minder anarchische Kammeroper 

„Die verwachsene Froschhaut“, Soundtracks für 

Spielfilme, Kirchenmusik, Bearbeitungen von Händel, 

das Kindermusical „Das Auto Blubberbum“ (mit Dieter 

Süverkrüp) oder die Kollaboration mit dem Liedermacher 

Konstantin Wecker gegenüber. Und dann gab es 

da noch die „Glotzmusik“ oder „Päng“, frühe Öffentlich 

Rechtliche Fernsehformate, mit denen der fantasievolle 

Schwabe mit dem Zopf, dem Schnauzer und 

der Sonnenbrille Eckpfeiler der klanglichen Früherziehung 

deutscher Kinder in den Boden rammte. 

Es sei vor allem die Qualität der Aufträge gewesen, sagt 

Dauner, die ihn seine Nase stets in alle vier Himmelrichtungen 

stecken ließ. „Meine Neugier und auch meine 

unbändige Berührungslust haben mich bis heute nicht 

verlassen. Ich bin nach wie vor an allem interessiert, 

was mit Musik, Klang, Bewegung, Film, Bild und dem 

Bereich dazwischen zu tun hat.“ Aber selbst wenn es 

manchmal nicht unbedingt den Anschein hatte: Im Mittelpunkt 

stand immer der Jazz, die Musik der mannigfaltigen 

Ausdrucksmöglichkeiten. Schon in den 1960ern 

nahm der gelernte Trompeter dies wörtlich und rief mit 

dem Trio um Eberhard Weber und Fred Braceful eine der 

Keimzellen der westdeutschen Freejazz-Bewegung ins 

Leben. Überhaupt schien Dauner die Lust an der Provokation 

zu genießen. 1967 bei den Berliner Jazztagen 

sorgte die „Free Action für Jazz-Septett“ für kontroverse 

Diskussionen, ein Jahr später an selber Stelle gab es 

mit dem „Psalmus Spei“ für Chor und Jazzmusiker einen 

handfesten Skandal. 1970 holte er sich den größten Synthesizer 

der Welt, ein küchentischgroßes Monster mit 

9000 Steckplätzen, von England nach Stuttgart. Dabei 

ging es Dauner eigentlich nie um bloße Effekte, sondern 

in der Hauptsache um die Beweglichkeit einer Musik, 

die sich trotz ihrer modernen Attitüde wieder hermetisch 

abzugrenzen begann. Behilflich war ihm dabei 

vor allem Hans Georg Brunner-Schwer. Der Firmenchef 

(Saba) besaß in Villingen im Schwarzwald ein Tonstudio, 

die „Homebase“ des legendären MPS-Labels. 

Dauner nennt Brunner-Schwer „meinen Förderer.“ 

Ein klassischer Mäzen alter Schule, der ihm Aufträge 

zuschanzte, ihn im Rolls Royce nach Zürich zum 

Konzert von Erroll Garner mitnahm oder mit Weltstars 

wie Oscar Peterson zusammenbrachte. Und vor 

allem ein glühender Jazzfan, der sich ohne finanziellen 

Druck einfach ein Plattenlabel leistete. Um 

der guten alten Zeiten Willen kramte Sohn Mathias 

Brunner-Schwer in den Archiven und reanimierte 

parallel zum Daunerschen Alleingang mit „Knirsch“ 

den absoluten Jazzrock-Meilenstein des Meisters von 

1972 mit Larry Coryell und Jon Hiseman in CD-Form. 

Welch immenses kommerzielle Potenzial Jazzrock besitzt, 

zeigte Wolfgang Dauner 1974 eindrucksvoll mit 

der Gründung des United Jazz + Rock Ensembles (UJRE) 

auf, einem der langlebigsten Bigband-Projekte Europas. 

Als freilich nach und nach die Subventionen wegbrachen 

und tragende Säulen der Band wie Volker Kriegel, 

Albert Mangelsdorff sowie Charlie Mariano starben, 

schien das Aus besiegelt. Doch ausgerechnet jetzt hat 

Dauner den Dino wiederbelebt. Von der alten Garde, 

die zwischen 1977 und 2002 als „Band der Bandleader“ 

die Hallen füllte, sind auf der aktuellen CD „The United 

Jazz + Rock Ensemble Second Generation” (Connector) 

sind nur noch Bassist Dave King und der Meister 

himself dabei. In die Fußstapfen der Legenden tritt eine 

durchaus erlesene Armada von Jüngeren. Die Saxofonisten 

Klaus Graf und Bobby Stern etwa, der Posaunist 

Adrian Mears, die Trompeter Claus Stötter, Tobias Weidinger 

und Stephan Zimmermann sowie Frank Kucuc 

(Gitarre). Auch das Rezept entspricht dem Generationswechsel, 

ohne dabei gleich auf bewährte Ingredienzien 

zu verzichten. Fette Bläsersätze und fetzige Gitarrenriffs 

verzahnen sich mit spannenden Arrangements, es 

funkt, rockt und perlt zwischen allen Taktstrichen. 

So setzt er weiter ruhelos Impulse, probiert, tüftelt, 

entwickelt Ideen und entfacht pausenlos Lunten, die 

nicht nur Klaviere, sondern ganze Generationen entflammen 

lassen. Wolfgang Dauer kennt die Türe zur 

grenzenlosen musikalischen Freiheit so gut wie kaum 

ein Anderer. Er hat sie sperrangelweit aufgestoßen. 

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Reinhard Köchl, geboren 1958, Musikjournalist und Mitarbeiter im 

Hörfunk bei Magazinen und Tageszeitungen. Lebt in Neuburg/Donau. 

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Die Familie zieht in den Südwesten des Landes und 

kehrt erst 1944, nach der Befreiung von Paris, zurück. 

➔ zum Konzert auf Seite 14 und zum Kino auf Seite 23 

Gainsbourg 

– Stationen seines Lebens 

Gainsbourg wird am 2. April 1928 unter dem Namen 

Lucien Ginsburg als Kind russisch-jüdischer Einwanderer 

in Paris geboren. Seine Mutter Olia bestellt den 

Haushalt und kümmert sich um die Kinder. (Lucien hat 

eine ältere Schwester, Jacqueline, und eine Zwillingsschwester, 

Liliane.) Der Vater, Joseph, ist Pianist. Er 

spielt abends in Bars und Kabaretts und probt tagsüber 

zu Hause. Lucien erhält von ihm eine klassische Klavierausbildung. 

1939 verlässt die Familie wegen eines 

Engagements des Vaters vorübergehend ihr Pariser 

Quartier und zieht in die Normandie. Vom Ausbruch 

des Krieges zwischen Deutschland und Frankreich 

bekommt Lucien zunächst gar nichts mit. Als die Ginsburgs 

im Sommer 1940 zurückkehren, ist Paris von 

den Deutschen besetzt, die neue Regierung sanktioniert 

den Antisemitismus. Joseph kann jedoch weiter in Paris 

arbeiten. Lucien erhält Unterricht an der Kunstschule 

Montmartre. Aus den Kursen in Aktmalerei wird 

er wegen seines Alters – er ist gerade mal dreizehn 

– ausgeschlossen. Ab 1942 erhebt die Regierung das 

Tragen des Judensterns für alle jüdischen Einwohner 

zur Pflicht; ab acht Uhr abends gilt eine Ausgangssperre 

für Juden. Damit verliert der Vater seine Arbeit. 

1945 bricht Lucien die Schule ab und erklärt, Künstler 

werden zu wollen. Sein Vater meldet ihn an der renommierten 

École des Beaux-Arts an. Er lernt verschiedene 

Surrealisten kennen. In Künstlerkreisen begegnet er 

auch seiner ersten Frau: Elisabeth Lewitsky, einer russischen 

Aristokratin, die als Model arbeitet. Sie nimmt 

Lucien mit in die Wohnung von Salvador Dalí, deren 

exzentrische Inneneinrichtung ihn stark beeindruckt. 

Da er sein Kunststudium nicht zielstrebig verfolgt, legt 

sein Vater ihm nahe, sein Geld mit der Musik zu verdienen. 

Er engagiert einen Mann aus dem fahrenden 

Volk, der ihm das Gitarrespielen beibringt. Anschließend 

spielt Lucien für Geld auf Festen und Partys. 

1948 geht er für zwölf Monate zur Armee. 1951 folgt 

die Heirat mit Elisabeth. Die beiden beziehen ein gemeinsames 

Appartement; Lucien gibt Kindern von 

Holocaust-Überlebenden Kunstunterricht in einem Internat 

und studiert parallel weiter an der Kunstakademie. 

Zudem vertritt er seinen Vater hin und wieder bei 

Auftritten in Bars und Nachtklubs und findet Gefallen 

an dieser Art des Geldverdienens. 1954 beantragt er 

die Aufnahme in die französische Songschreiber-Vereinigung 

und lässt die ersten eigenen Songs registrieren. 

Dabei beschließt er, seinen Namen von Lucien 

Ginsburg in SERGE GAINSBOURG zu ändern. Er gibt 

das Kunststudium und die Malerei auf, pflegt das Leben 

eines Bohemiens. 1957 folgt die Scheidung von Elisabeth; 

er zieht zurück in die Wohnung seiner Eltern. 

Er erhält ein regelmäßiges Engagement im Nachtklub 

Milord, wo er den Schriftsteller Boris Vian kennenlernt; 

dessen Auftritte eröffnen ihm ganz neue Perspektiven 

für das Schreiben eigener Songs. Auch die Sängerin 

Michèle Arnaud lernt er dort kennen, die 1958 erstmals 

Songs von Serge Gainsbourg auf einer Pariser Bühne 

vorträgt. Denis Bourgeois, ein Produzent der Plattenfirma 

Philips, bietet Serge seinen ersten Plattenvertrag 

an. Somit ist er – im Alter von 30 Jahren – bei 

demselben Label unter Vertrag wie die französischen 

Stars Juliette Gréco, George Brassens und Jacques Brel. 

Im September 1958 veröffentlicht er sein erstes Album: 

„Du chant à la une!“, über das Boris Vian einen 

begeisterten Artikel veröffentlicht. Das Album wird 

dennoch kein Erfolg. 1959 lädt Juliette Gréco ihn in 

ihre Wohnung ein; sie ist auf der Suche nach begabten 

jungen Songschreibern für ihr Comeback nach einer 

mehrjährigen Auszeit. Gainsbourg ist so nervös, dass 

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er ein Glas Whiskey umstößt, doch die Gréco findet 

Gefallen an seiner Musik. Die LP „Juliette Gréco chante 

Serge Gainsbourg“ erscheint und befördert Gainsbourgs 

Popularität. Er erhält erste Filmangebote und wird in 

den folgenden Jahren immer wieder kleinere Rollen als 

Schauspieler annehmen. Ende 1959 erscheint Gainsbourgs 

zweites Album: „Gainsbourg No. 2“. Im Folgejahr 

schreibt er seine erste Filmmusik (der im Laufe seines 

Lebens Dutzende folgen werden). 1961 wird Gainsbourgs 

drittes Album veröffentlicht: „L’Éotonnant Serge Gainsbourg“, 

auch dieses bringt nicht den ersehnten großen 

Durchbruch. Amerikanische und englische Musiker 

erobern die Hitparaden in ganz Europa; der Siegeszug 

des Rock ’n’ Roll und des Twist ist in vollem Gange. 

„No. 4“, Gainsbourgs viertes Album, erscheint 1962, im 

gleichen Jahr wie „Love Me Do“ von den Beatles. Angesichts 

des weiterhin geringen Erfolgs beschließt Gainsbourg, 

seine nächste Platte in London aufzunehmen: 

1963 erscheint „Vilaine Fille, Mauvais Garçon“. Zahlreiche 

Songs daraus werden von bekannten Größen wie 

Petula Clark, Brigitte Bardot oder Juliette Gréco nachgesungen, 

das Album selbst verkauft sich enttäuschend. 

Serge Gainsbourg lernt die schöne, besitzergreifende 

Béatrice, mit bürgerlichem Namen Françoise Antoinette 

Pancrazzi, kennen. 1964 heiratet er Béatrice. Sie stammt 

aus einer reichen Familie, liebt den Luxus und reagiert 

äußerst eifersüchtig auf Serges weibliche Fans. Mit ihr 

bekommt Serge Gainsbourg zwei Kinder: Natacha (geb. 

1964) und Paul (geb.1968). 1965 gewinnt die junge 

France Gall mit einer Interpretation seiner Komposition 

„Poupée de Cire, Poupée de Son“ den Eurovision Song 

Contest. Dieser Erfolg verschafft Gainsbourg auch bei 

den jungen Yé-yé-Fans, den französischen Anhängern 

der Beatmusik, Popularität und fördert seine Karriere 

gewaltig. Ab 1966 verlegt er sich verstärkt auf Popmusik 

und wird damit zunehmend erfolgreich. Serge avanciert 

zu einem begehrten Hitschreiber, um den sich immer 

mehr schöne, erfolgreiche Sängerinnen scharen. Da seine 

Ehefrau mit Eifersucht reagiert, verlässt er sie. Bald 

darauf kommt es zur Scheidung von Beátrice. Gainsbourg 

schreibt zahlreiche Songs für andere Künstler und 

nimmt seine nächsten Platten auf; eine äußerst produktive 

Zeit beginnt. Parallel arbeitet er weiter für den Film. 

1967 zieht er, nach vorübergehenden Aufenthalten in 

Hotels, einer WG und einem Künstlerheim, zurück in die 

elterliche Wohnung. Im selben Jahr kommt es zur Begegnung 

mit Brigitte Bardot, die schon seit den 1950er- 

Jahren ein internationaler Star ist und auch bereits einige 

von Gainsbourg geschriebene Songs aufgenommen 

hat. Eine leidenschaftliche Liebesaffäre beginnt, in deren 

Verlauf Serge zahlreiche neue Lieder für sie schreibt. 

Die B. B. ist zu dieser Zeit mit Gunter Sachs verheiratet, 

weshalb sie die Affäre zunächst verheimlicht. Serge 

und Brigitte spielen verschiedene Songs ein, darunter 

„Harley Davidson“ und „Bonnie & Clyde“. Den im Winter 

1967 aufgenommenen Song „Je t’aime … moi non 

plus“, der schon vor Erscheinen zum Skandal wird, zieht 

die Bardot noch vor der Veröffentlichung zurück. Kurz 

darauf kehrt sie zu ihrem Ehemann zurück. Serge Gainsbourg 

bleibt unglücklich in Paris zurück, genießt aber 

fortan nicht nur die Aufmerksamkeit der Boulevardpresse, 

sondern auch den Ruf eines großen Verführers. 

Gainsbourg stürzt sich in die Arbeit und produziert als 

Hommage an die Bardot „Initials B. B.“. 1968 macht er 

gleichzeitig in zwei verschiedenen Studios Aufnahmen. 

Auch seine Filmarbeit nimmt er wieder auf. Bei 

den Dreharbeiten für den Film „Slogan“ von Pierre 

Grimblat lernt er die junge Britin Jane Birkin kennen, 

die 1966 in ihrer Rolle als Fotomodell in Antonionis 

„Blow up“ ihren Durchbruch hatte. Birkin hat 

bereits eine Ehe mit dem Komponisten John Barry 

hinter sich, aus der ihre Tochter Kate hervorgegangen 

ist. Serge Gainsbourg behandelt sie zunächst mit 

Herablassung, doch im Verlauf ihrer gemeinsamen 

Arbeit nähern die beiden sich einander immer mehr an 

und werden schließlich ein unzertrennliches Liebespaar. 

Die Titelmelodie von „Slogan“ erscheint 1969 

als Single; es ist Jane Birkins Debüt als Sängerin. Mit 

ihr zusammen nimmt Serge bald darauf „Je t’aime … 

moi non plus“ noch einmal auf. Der Song wird wegen 

seiner offenen Erotik zu dem Skandalsong schlechthin 

und macht Gainsbourg mit einem Schlag reich. 

Als nächstes veröffentlicht Gainsbourg sein Konzeptalbum 

„Histoire de Melody Nelson“, mit dem er international 

seinen Rang als Musiker zementiert; zahlreiche 

andere Musiker lassen sich von diesem Werk inspirieren. 

In dieser Zeit verändert er sein Outfit und zeigt sich 

fortan gern mit längeren Haaren, legerer gekleidet und 

unrasiert. Das Haus in der Rue de Verneuil Nr. 5, das er 

seit Langem für sich umbauen lässt, wird endlich fertiggestellt. 

Die Einrichtung ist – nach dem Vorbild Salvador 

Dalís – ganz in Schwarz gehalten. Dorthin zieht er nun 

mit Jane. Die gemeinsame Tochter 

Charlotte kommt 1971 zur Welt. Jane macht weiterhin 

erfolgreich Filme, Serge komponiert, unter anderem 

Songs für Françoise Hardy, Juliette Gréco und France 

Gall, und übernimmt ebenfalls kleinere Filmrollen. Im 

65

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Mai 1973 erleidet Serge Gainsbourg, der im Alter von 

13 Jahren mit dem Rauchen angefangen hat, einen 

Herzinfarkt. Auch im Krankenhauszimmer kann der 

Kettenraucher nicht von seiner Sucht lassen. Da die 

Presse von seinem Zustand keine Notiz nimmt, lädt er 

einen Journalisten ein, ihn am Krankenbett zu besuchen. 

Nach der Entlassung arbeitet und raucht er weiter wie 

zuvor. „Vu de l’Extérieur“, eine neue Platte, entsteht. 

1975 erscheint „Rock around the Bunker“, ein provozierendes 

Album, das sich humorvoll mit dem Nationalsozialismus 

auseinandersetzt und zum kommerziellen 

Misserfolg wird. Nachdem auch sein neues Projekt, der 

Film „Je t’aime … moi non plus“ floppt, weil er als zu 

pornografisch gilt, wendet Gainsbourg sich dem Drehen 

von Werbefilmen zu. In einer Pariser Galerie entdeckt 

er eine Skulptur, die ihn fasziniert: Claude Lalannes 

„L’Homme à Tête de Chou“ – der Mann mit dem Kohlkopf. 

Er erwirbt sie und lässt sich von ihr zum gleichnamigen 

Album inspirieren, das 1977 erscheint, eine 

abgeschlossene Geschichte erzählt und ein großer Erfolg 

wird. Mit seiner nächsten Platte, „Aux Armes et Cætera“, 

geht er das Wagnis ein, den Reggae nach Frankreich zu 

bringen, wo diese Musikrichtung bis dahin noch keine 

Rolle spielt. Im September 1978 fliegt er nach Kingston 

auf Jamaika, um dort mit den besten und bekanntesten 

Reggaemusikern zu arbeiten. Doch auch dieses neue 

Werk enthält eine Provokation: eine Reggaeversion 

der Marseillaise. Die französischen Zeitungen reagieren 

empört, doch die französische Jugend ist begeistert 

und hebt das Album in die Hitparaden. Davon ermutigt 

plant Serge Gainsbourg eine Frankreich-Tournee mit den 

jamaikanischen Musikern. Die extreme Rechte in Frankreich 

schäumt und versucht alles, um dieses Vorhaben 

zu torpedieren. Gainsbourg trotzt dem Widerstand von 

rechts und eröffnet seine Tournee in Straßburg, indem 

er ohne seine jamaikanischen Mitstreiter auf die Bühne 

geht und die Originalversion der Marseillaise anstimmt. 

Danach wird er in Frankreich wie ein Held gefeiert. 

1980 kommt es zur Trennung von Jane Birkin. Jane 

verlässt den zunehmend trunksüchtigen Serge, nachdem 

sie bei Dreharbeiten den Regisseur Jacques Doillon kennengelernt 

hat. Der Verlassene ist tief enttäuscht, stürzt 

sich aber wieder in die Arbeit. Im selben Jahr veröffentlicht 

er seinen ersten und einzigen Roman: „Evguénie 

Sokolov“ (unter dem Titel „Die Kunst des Furzens. Das 

explosive Leben des Evgenij Sokolov“ 1988 erstmals auf 

Deutsch erschienen), 

der von der Kritik kaum wahrgenommen wird. Aber 

auch an Musikaufträgen mangelt es nicht. Er schreibt 

unter anderem die Filmmusik zu Claude Berris Film „Je 

Vous Aime“ mit Catherine Deneuve und übernimmt auch 

eine kleine Nebenrolle darin. 1981 lernt Gainsbourg die 

junge Caroline von Paulus, genannt Bambou, kennen; 

das 21-jährige Model wird seine neue Lebensgefährtin. 

Auf den Bahamas nimmt Gainsbourg sein zweites 

Reggaealbum auf: „Mauvaises Nouvelles des Ètoiles“; es 

enthält „Ecce homo“, den Song, in dem er erstmals die 

Figur Gainsbarre vorstellt, sein cooles, kettenrauchendes 

Alter Ego, das sich über Gainsbourg lustig macht. 

1984 wird für ihn zu einem Jahr der Skandale: Den 

ersten entfacht er, als er während eines Fernsehauftritts 

einen 500-Franc-Schein anzündet. Kurz darauf nimmt 

er das Album „Love on the Boat“ in den USA auf. Ein 

Titel daraus, „Lemon Incest“, den er gemeinsam mit der 

13-jährigen Charlotte performt, löst den nächsten Eklat 

aus: Ein Teil der Öffentlichkeit fällt auf die Provokation 

herein und unterstellt ihm, er vergehe sich an seiner 

Tochter. Und im selben Jahr ereignet sich auch der berühmte 

Zwischenfall mit der jungen Whitney Houston, 

der er in einer Liveshow im französischen Fernsehen 

sturzbetrunken ein unmoralisches Angebot macht. 

1986 kommt Lucien Gainsbourg, genannt Lulu, der 

gemeinsame Sohn mit Bambou, zur Welt. Gainsbourg 

schreibt daraufhin seinen ersten Song für ihn: „Lulu“. 

1987 nimmt er seine zweite Platte in Amerika auf, 

„You’re under Arrest“, ein Rap-Album. In seinen öffentlichen 

Auftritten wirkt Gainsbourg zunehmend von 

seiner Alkoholsucht gezeichnet und stark gealtert. 1989 

erscheint die CD-Box „De Gainsbourg à Gainsbarre“, die 

neun CDs mit über zweihundert Stücken aus seiner Karriere 

enthält. Gainsbourg wird wegen gesundheitlicher 

Probleme mehrmals im Krankenhaus behandelt. Nach 

einer Leberoperation gibt er vorübergehend das Trinken 

auf, fängt aber wieder damit an, während er Songs für 

eine Platte für die junge Vanessa Paradis schreibt. Anschließend 

verfasst er ein Drehbuch: „Stan the Flasher“, 

das er 1990 mit Claude Berri in der Hauptrolle selbst 

verfilmt. Bertrand Blier beauftragt ihn mit der Filmmusik 

zu „Merci la Vie“, dem neuesten Film seiner Tochter 

Charlotte. Für den März 1991 ist die Aufnahme einer 

Bluesplatte in New Orleans geplant. Am 2. März 1991 

stirbt Serge Gainsbourg in Paris an einem Herzstillstand. 

Text, Fotos ©PROKINO Filmverleih GmbH 

Alle Informationen stammen aus: 

Sylvie Simmons: Serge Gainsbourg. Für eine Hand voll Gitanes. 

JSV Jens Seeling Verlag, Frankfurt am Main 2007. 

67

68 

Ihr Spiel in 

guten Händen.

„Blow up“ – Swinging London mit Jane Birkin 

➔ zum Kino auf Seite 25 

„Blow up“ erzählt vom Leben im „Swinging London“ 

der 60er Jahre. Als kulturelle, politische und modische 

Bewegung bestimmt Popmusik, Mode, Kunst und Stilbewusstsein 

ab Mitte der 1960er Jahre das englische 

Hauptstadtleben. Diese Tendenz entwickelte sich zu 

einer kulturellen Revolution, die das weltkriegsbeschwerte 

England tief veränderte. London wurde zur 

Welthauptstadt der Kultur und der Mode. „Carnaby 

Street“ in London wurde sehr berühmt für ihre 

Mode und Musikgeschäfte, ihre Kunstgalerien und 

Clubs. Die Trends der ganzen Welt kamen von dort. 

Die Symbole dieser Zeit waren die provokativen Miniröcke 

von Mary Quant, sehr schlanke Mannequins 

wie Twiggy, die Beatles, James Bond, oder die Serie 

„Mit Schirm, Charme und Melone“. Der Modefotograf 

Thomas aus „Blow Up“ ist also der Prototyp des „Swinging 

London“. Seine Figur wurde durch den bekannten 

britischen Fotograf David Bailey, der unter anderen 

beim Vogue Magazine arbeitete, inspiriert. Beeinflusst 

wurde das Drehbuch auch von der Kurzgeschichte 

„Teufelsgeifer“ von dem argentinischen Autor Julio 

Cortázar. „Die Zeit“ schrieb anlässlich einer Ausstellung 

über „Blow Up“ in der Londoner The Photographers 

Gallery, der Film habe mehr mit der Gegenwart zu tun 

als der größte Teil des zeitgenössischen Kinos. 

Antonionis Film erzählt von einem kulturellen Umbruch, 

der heute mehr denn je spürbar ist und der in 

der Phase der Swinging Sixties erstmals konzentriert 

in Erscheinung trat. In der Welt der bilderüberfluteten, 

modernen Medien steht das Bild im Zentrum der 

Aufmerksamkeit. Die täglichen Nachrichtensendungen 

versichern immer wieder die objektive Abbildung der 

Realität. Und doch tun sich plötzlich Lücken im System 

auf, wird die Manipulierbarkeit der Medien und der Bilder 

immer offensichtlicher. In „Blow Up“ entdeckt der 

Fotograf, der mit seiner Kamera die Frauen zu beherrschen 

wusste, auf den Fotos etwas, was das bloße Auge 

nicht sah. Plötzlich kann das Foto eine ganz andere 

Geschichte von dem Nachmittag im Park erzählen als 

der Fotograf David selbst. David ist mit zwei möglichen 

Wahrheiten konfrontiert, die bis zum Schluss nicht miteinander 

zu vereinen sind. Das vermeintlich unschuldige 

Foto und die angeblich objektive Kamera müssen 

gegenüber der Wirklichkeit im Park und dem, was 

Thomas in den Fotos zu finden versucht, kapitulieren. 

Der Versuch, die Wahrheit innerhalb des Bildes durch 

Vergrößerung sichtbar zu machen, endet in einem 

immer grobkörnigeren und schemenhaften Nebel. 

69

DVD-RELEASE 12.08. 

AUFGENOMMEN BEIM HAFENSOMMER 2011 

KONZERTREIHE ZUR DVD 

VOM 13.-16. AUGUST IM CHAMBINZKY 

Würzburg, Hafentreppe am Mainkanal, 12. August 2011: 

„Hafensommer” Open-Air-Festival. 1.200 Menschen 

haben sich eingefunden und fiebern dem Auftritt von 

Carolin No entgegen. Er beginnt mit erwartungsvoller 

Stille und verklingt nach gut anderthalb Stunden mit 

tosendem Applaus und stehenden Ovationen. Dazwischen 

liegt für Zuschauer wie Musiker das Erlebnis eines 

fulminanten Konzertes, die Feier des neuen Studioalbums 

des Duos: „Loveland“. 

Aufgezeichnet in High Definition mit nicht weniger als 

fünfzehn Kameras, erscheint dieses Konzert nun auf 

DVD: alle, die dabei waren, können diesen unvergesslichen 

Abend nun nacherleben und die, die nicht mehr 

auf die Treppe passten, mögen sich jetzt zum ersten Mal 

tvon der überwältigenden Kraft der Musik von Carolin 

No hinreißen lassen. 

Carolin No, das sind Caro und Andi Obieglo, deren sinnliche 

Musik alle Schubladen sprengt. Sie spielen keinen 

klassischen Pop, dafür sind die Texte zu tiefgründig. Sie 

spielen kein Easy Listening, dafür ist die Musik zu eigenwillig. 

Melancholisch und intensiv sind die meisten ihrer 

Lieder und jedes von ihnen ist ein kunstvolles Konstrukt 

aus einer Fülle von Improvisationen und dichten Arrangements, 

getragen von Caros eindringlicher Stimme 

und Andis hingebungsvollem Klavierspiel. 

Begleitet wurden sie an diesem Abend auf der schwimmenden 

Bühne von fantastischen Musikern an Cello, 

Gitarren und Schlagzeug. Da wurde mit solcher Freude 

musiziert, dass der Funke schon im ersten Augenblick 

übersprang. Multimedial bereichert wurde der Auftritt, 

wie stets bei Carolin No, durch Videoprojektionen. Die 

DVD-Inszenierung nimmt die fließende Bewegung 

zwischen Klängen und Bildern auf und verschmilzt sie 

zu einem Hör- und Sehgenuss der besonderen Art. 

Auf den Tag genau ein Jahr nach diesem unvergesslichen 

Abend wird die DVD veröffentlicht. Sie wird 

ergänzt durch eine CD mit exklusiven Live-Aufnahmen 

der vergangenen Tournee. Zum Release spielen 

Carolin No vom 13. - 16. August im Chambinzky. 

Karten können telefonisch bestellt werden unter 

Tel: 0931 12 802 oder unter www.carolin.no. 

Den DVD-CD-Doppelpack gibts bei den Release- 

Konzerten und ebenfalls unter www.carolin.no 

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Elliott Sharp 

Als Ende der siebziger Jahre noch so ein armer Tropf 

aus der Provinz nach Manhattan drängte, den Kopf 

voller Flausen zu Drogen, Gitarrensoli und freier Liebe, 

konnte noch keiner ahnen, dass aus ihm einer der 

vielsaitigsten Musiker der New Yorker Downtown-Szene 

werden würde, kaum waren drei, vier Jahrzehnte 

vergangen und das letzte Haar ausgefallen. Außer 

Elliott Sharp selber. Mit Verve okkupierte er seinen 

Platz im Mekka des Experiments, spielte mal Blues, 

mal John Cage, mal etwas, das man heute Math-Rock 

nennen würde, mal abstrakte Weltmusik, mal Gitarre, 

mal Saxofon. Seine Live-Gigs klangen manchmal nach 

startenden Düsenjets, manchmal nach einem überreizt 

erlebten Sonnenuntergang in Louisiana – immer sofort 

als Sharp-Musik identifizierbar, obwohl kaum ein 

lebender wie toter Musiker eine ähnliche stilistische 

Bandbreite aufzuweisen hat. Wie selbstverständlich 

verleibte er seiner Musik neue Technologien wie den 

Laptop-Computer ein oder elaborierte mathematische 

Methoden wie Fibonacci-Reihen oder spezielle Kompositionsalgorithmen. 

Wenn man ihn fragt, wie sein 

Spiel funktioniert, kann es sein, dass Elliott Sharp 

komplizierte Diagramme aufzeichnet oder anfängt, 

ganz simpel und fanmäßig von den testosterongesteuerten 

Bluessongs eines Willie Dixon zu schwärmen. 

Was sich gleich bleibt: seine stupende Gitarrentechnik, 

zu der er nur anmerkt, dass sie vor allem endlosem 

Üben und dem damit verbundenen Körpergedächtnis 

geschuldet ist. Seine Vielseitigkeit und Neugier haben 

Elliott mit Sicherheit auf manchen Irrweg geschickt, 

aber Sackgassen waren dazu da, beschritten und wieder 

verlassen zu werden; das rastlose Interesse an allem 

was swingt und klingt blieb. Und die internationale 

Anerkennung kam hinzu: Ob in Deutschland oder 

in China, Elliott Sharp findet heute um den Globus 

ein aufgeschlossenes und an seiner ebenso fiebrig 

imaginierten wie intellektuellen Musik Gefallen. 

Karl Bruckmaier 

K u r z b i o 

K. B. ist Pop-Autor (Süddeutsche Zeitung …), Radio-DJ (Bayern 2 …) 

und immer wieder auch Regisseur/Produzent (Intermedium …) 

und gelegentlich auch Übersetzer (Suhrkamp …) aus München 

(www.le-musterkoffer.de) 

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72

oder Fransenjacken. Und die Karrierechancen in der 

Fun-Punk-Welle der späten 80er Jahre werden auch 

schnell abgewürgt. Bravo-Interviews der potenziellen 

„Ärzte“-Thronfolger werden abgelehnt und der Vertrag 

mit dem klischeebeladenen Weserlabel nicht 

verlängert. Die Goldenen Zitronen wandeln sich zum 

eigenständigen Kunstprodukt. Mit den Alben „Das 

bisschen Totschlag“ und Economy Class“ emanzipiert 

sich die Band von herkömmlichen Songstrukturen 

und der konservativen Erwartungshaltung der 

Fans. Die Hamburger definieren ihre individuelle 

Vorstellung von Punkrock neu: Slogans im Agitprop- 

Stil, scheppernder Sixties-Sound und Sprechgesang 

zwischen Hip Hop und Degenhardt halten Einzug. 

Die Goldenen Zitronen 


Die Goldenen Zitronen waren schon immer anders als 

die anderen Bands, mit denen sie in ihren frühen Punkjahren 

gestartet sind. Die Toten Hosen aus Düsseldorf 

feiern vor 76.000 Fans bei Rock im Park in Nürnberg 

ihren 30. Geburtstag, schnellen mit Single und Album 

auf Platz eins in die Charts. Die Ärzte aus Berlin können 

sich vergangenes Jahr den Luxus leisten, in der Dortmunder 

Westfalenhalle je ein Konzert nur für Männer 

und nur für Frauen zu geben. Und die Goldenen Zitronen 

aus Hamburg? Treten in kleinen, unkommerziellen 

Clubs wie der Nürnberger Desi auf und verlangen 

für ihre Konzerttickets keine Kleinwagenpreise. 

1984 operiert die Band noch auf dem festen Boden des 

Hamburger Punk-Universums aus besetzten Häusern in 

der Hafenstraße und linksradikalen Parolen. Das Album 

„Porsche, Genscher, Hallo HSV“ begeistert Stachelköpfe 

und Irokesen-Träger genauso wie der Track „Am Tag, 

als Thomas Anders starb“ - die erfolgreichste deutschsprachige 

Indie-Single überhaupt. Aber schon damals 

galten die „Goldies“ als „Punk im Punk“ und grenzten 

sich von Handlungskodex und Klischees der eigenen 

Szene konsequent ab. Im politisch aufgeheizten 

Autonomenmilieu präsentieren sie sich im denkbar 

uncoolsten Outfit: in Schlafanzügen, Schlaghosen 

Die Band gilt als Vorläufer der sogenannten Hamburger 

Schule, die Bands wie Tocotronic, Blumfeld 

oder Die Sterne hervorgebracht hat. Doch auch dieser 

ohnehin schwammigen Genrezuweisung stehen die 

Goldies immer kritisch gegenüber. Allmählich löst sich 

die Rollenverteilung in der Band auf, Songs werden 

bei Konzerten weitgehend improvisiert. Mit Bassist 

Julius Block (Die Sterne) und Gitarrist Hans Platzgumer 

steigen zwei Multiinstrumentalisten ein, die die 

Genregrenzen noch weiter aufbrechen: Punkrock, Improvisation, 

Elektro und Jazz. Konzerte der Zitronen 

sind kunterbunte Spektakel. An irrwitzigen Kostümen 

und einer Vielzahl an exotischen Instrumenten wird 

nicht gespart. Es zahlt sich aus, dass Sänger Schorsch 

Kamerun seit einigen Jahren auch als Theaterregisseur 

tätig ist. In Würzburg stehen die Goldenen Zitronen 

am gleichen Abend mit Niels Frevert und Kristof Schreuf 

auf der Bühne. Frevert war in den Neunzigern der 

Hamburger Band Nationalgalerie, bevor er eine Solokarriere 

startete. Und Kristof Schreuf war Mitbegründer 

von „Kolossale Jugend“, einer der ersten Bands aus 

dem Umfeld der sogenannten Hamburger Schule. 2010 

begeisterte Schreuf mit seinem Soloalbum „Bourgeois 

with Guitar“ gleichermaßen Kritiker wie Musikliebhaber. 

Denn die darauf enthaltenen Neuinterpretationen 

von Klassikern aus dem Fundus der Rock- und Disko- 

Historie waren bis dato im besten Wortsinn: unerhört. 

Wolfram Hanke (Zündfunk, Bayern 2) 

K u r z b i o 

Wolfram Hanke macht Radiobeiträge fürs BR-Szenemagazin Zündfunk 

, hat für Musikmagazine wie Rolling Stone oder Intro geschrieben und 

bringt mit dem Schweinfurter Fanzine „Der kosmische Penis“ seit nunmehr 

25 Jahren das drittälteste Fanzine der Welt heraus 

73

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74

Für eine Welt 

ohne Grenzen in 

unseren Köpfen 


Warum engagiert die DAHW Deutsche Lepra- und Tuberkulosehilfe sich bei 

Auftritten von Künstlern aus „Projektländern“ beim Hafensommer Würzburg? 

Die Vison der DAHW lautet „Unsere Vision ist eine 

Welt, in der kein Mensch unter Lepra, Tuberkulose und 

anderen Krankheiten der Armut und ihren Folgen wie 

Behinderung und Ausgrenzung leidet.“ Das setzt eine 

Welt ohne Vorurteile, ohne von Menschen gemachte 

Grenzen voraus. Musik ist eine universelle Botschaft. 

Sie überwindet alle Grenzen. Vor allem die Grenzen in 

unseren Köpfen. Sie erreicht unsere Herzen und lässt 

uns alle verschmelzen. Deshalb möchten wir dabei sein, 

wenn wir beim Würzburger Hafensommer wieder diesen 

einen Moment einer „gemeinsamen Welt“ spüren, wenn 

so hervorragende Künstler wie Fatoumata Diawara aus 

Mali auftreten. Wenn diese Künstlerin mit „Die neue 

Stimme eines anderen Afrika“ beworben wird, steht das 

für mehr als nur Musik, es steht für Veränderung. Und 

das ist auch unser Ziel. 

Am Rande der Veranstaltung wird die DAHW mit einem 

Stand über ihre Arbeit und die ihrer weltweiten Partner 

informieren. Wir weisen darauf hin, dass die DAHW ihre 

Arbeit zum überwiegenden Teil über private Spenden 

und auch über Testamentsspenden finanziert. Wir bekommen 

dieses Geld, weil Menschen jetzt und für die 

Zukunft etwas verändern wollen. Und genau hier fließen 

die musikalische Botschaft und die Vision der DAHW 

und all ihrer Förderer unmittelbar in freudiges Tun zusammen. 

Wir freuen uns auf ihren Besuch und auf die 

gemeinsame Zeit beim Hafensommer in Würzburg. 

Harald Meyer-Porzky, DAHW 

Leiter Abteilung Öffentlichkeitsarbeit & Fundraising 

75

Bühnenreif und mit viel Farbe im Druck! 

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Weite Horizonte 

Die Jazz Bigband Graz fasziniert mit modernem, individuellem Sound. 


„Was ist Poesie“ fragt eine Stimme im Stück „Trancefactor“ 

und gibt selbst die Antwort: „Wenn Musik 

Poesie ist, und Poesie ist Leben, dann muss Musik 

Leben sein.“ Der Satz stammt von der CD „Electric 

Poetry & Lo-Fi Cookies“ von 2008; seine Philosophie 

trifft auch auf das neue Album „Urban Folktales“ 

zu und steht wie ein Leitmotiv über dem grandiosen 

Sound des aktuell 15-köpfigen Ensembles. Die Jazz 

Bigband Graz (JBBG), geleitet von Saxofonist Heinrich 

von Kalnein und Trompeter Horst-Michael Schaffer, 

nimmt international eine Sonderrolle ein: sie lässt 

Konventionen ihres Genres entschlossen hinter sich 

und entwickelt eine eigene, schillernde Ästhetik. 

Der weitläufige Klangkosmos der JBBG erscheint mal 

transparent, mal komplex verdichtet. Darin verschlingen 

sich Jazzidiome mit James Bond-Crescendos, globale 

Traditionen mit zeitgemäßer Elektronik, sublime 

Blues-Andeutungen und Space-Visionen. Komplexe 

Kompositionen und fein ziselierte Arrangements 

spielen mit ungewöhnlichen Instrumenten und individuellen 

Klangfarben, Solos bleiben vergleichsweise 

kurz bemessen und zeigen persönlichen Ausdruck. 

Schwebende Töne der Holz- und Blech-Bläser fügen 

sich unwillkürlich zu rhythmischen Mustern, die bisweilen 

sogar an Steve Reich denken lassen. Gleißende 

Trompeten alternieren mit Uli Rennerts klagender 

Lap-Steel Gitarre; Henning Sieverts wechselt vom Kontrabass 

zum Cello, Matthias Loibner bekommt mit seiner 

elektronischen Drehleier zunehmend mehr Raum. 

Klarinettist Christoph Pepe Auer spielt mit Atem- und 

Klappengeräuschen, formt zirkulierende Motive, die 

beinahe in den Orient abdriften; manche Beats werden 

von Gregor Hilbe nicht nur gespielt, sondern gleichzeitig 

auch im Computer generiert oder manipuliert. Der 

Schweizer Hilbe gehört seit Jahren zu den interessantesten 

Drummern mindestens der europäischen Szene. 

In Paris arbeitete er mit Afrobeat-Legende Tony Allen, 

in Korea mit Schamanen; sein Gespür für interessante 

Programmierungen bereicherte das progressive 

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78

Quartett Tango Crash und natürlich auch die JBBG, 

in der er seit rund fünf Jahren als Schlagzeuger 

und Co-Produzent eine tragende Rolle einnimmt. 

Seit ihrer Gründung 1999 hat die JBBG sieben CDs 

aufgenommen, eine klare stilistische Entwicklung 

vollzogen und mit prominenten Kollegen wie Bob 

Brookmeyer, Kurt Elling oder Take 6 gearbeitet. 2005 

veröffentlichten die Grazer mit John Hollenbeck 

und Theo Bleckmann das richtungsweisende Album 

„Joys & Desires“, das ihre herausragende Stellung 

auch international manifestierte. Der vermeintlich 

etwas abgelegene Standort in der Steiermark erklärt 

sich durch die dortige renommierte Kunstuniversität, 

der etwa zwei Drittel der Ensemblemitglieder als 

Studenten und Dozenten verbunden waren oder sind. 

Akademisch wirkt die kluge Musik der JBBG in keinem 

Moment, dazu ist sie viel zu lebendig. Die Spannung 

zwischen ausgeklügelter Tonsetzung und beinahe 

schwelgerischer Emphase, zwischen hymnischen 

Melodiebögen und zeitgemäßer Sample-Technologie 

macht das Ensemble unverwechselbar. Seine wiederkehrenden 

filmisch-suggestiven Momente werden im 

Konzert durch ausgeklügelte Projektionen illustriert. 

Die Stücke des jüngsten Meisterwerks „Urban Folktales“ 

präsentieren einige spektakuläre Gastauftritte, 

beispielsweise von Vokal-Artist Theo Bleckmann, 

dem Gitarren-Individualisten Nguyên Lê oder der 

afrikanischen Sängerin Hadja Kouyaté. Die markante 

Stimme Kouyatés wird live als Sample eingespielt, 

weil sie ebenso wenig auf Tour dabei sein kann 

wie Barbara Buchholz. Mit flirrenden bis zwitschernden 

Sounds des futuristischen Theremins verzierte 

Buchholz über Jahre den Klang der Bigband; nach 

den Aufnahmen zum neuen Album erlag sie für viele 

überraschend ihrer Krebserkrankung. Im Stück „The 

Magic Of Silence“ erinnert die Band während des 

Konzerts mittels einer Filmeinspielung an die ungewöhnliche 

Musikerin. Neben dieser melancholischen 

Referenz und einigen weiteren lyrischen Passagen 

vermittelt die Jazz Bigband Graz auch viel positive 

Energie, mitunter sogar fast euphorische Spielfreude. 

Norbert Krampf 

K u r z b i o 

Norbert Krampf, geboren 1965, lebt in Frankfurt und Berlin. Er arbeitet 

als freier Autor für die Frankfurter Allgemeine (FAZ), Musik- und Stadtmagazine, 

sowie als Radio-Redakteur 

79

Sushi essen mit 

John Paul Jones 

Eigentlich ist ja King-Crimson-Mastermind Robert 

Fripp daran schuld, dass ich vor zehn Jahren in Köln 

mit John Paul Jones in einem Stehimbiss eines der 

besten Sushis meines Lebens gegessen habe. Wobei 

in der Erinnerung die Qualität des Essens vielleicht 

von der Qualität der Unterhaltung beeinflusst wird 

– über Led Zeppelin, elektroakustische Musik, das 

Komponieren von Klassischer Musik bzw. von Drum- 

Patterns in Rocksongs – eine Unterhaltung, die mir 

sehr viel lockerer vorkam als die vielen Journalisteninterviews, 

die JPJ an diesem Tag zu geben hatte. 

Aber der Reihe nach: Für Robert Fripp hatte ich zu 

Beginn der 90er Jahre einige Guitar-Craft-Seminare 

organisiert. Da konnte man tatsächlich mit Fripp eine 

Woche lang Gitarre üben. Inzwischen haben das die 

Besten seiner insgesamt ca. 3.000 Schüler übernommen. 

(www.guitarcircleofeurope.com). Aber das ist 

eine andere Geschichte. Mit John Paul Jones hat sie 

insofern zu tun hat, als ich einige Jahre später einen 

Anruf aus England bekam, ob ich mich nicht um die 

Promotion für Robert Fripps DGM-Label in Deutschland 

kümmern wollte. Ich wollte – und durfte bald 

Journalisten mit Musterexemplaren des recht exquisiten 

DGM-Katalogs bemustern, etwa der der 4-CD- 

Box „The ProjeKcts“ mit Liveimprovisationen diverser 


King-Crimson-Mutationen oder mit „Zooma“, dem 

erste Soloalbum von JPJ. Ein Monster von Instrumentalalbum, 

heavy, düster, viel Feedback, hinter dem 

schweren Stampfen der Trommeln und Bässe lauert 

der Blues – und manchmal reißen die dunklen Wolken 

auf und eine lichte, auf der Mandoline gezupfte 

Folkmelodie schwebt vorbei oder ein bluesiges Bass- 

Riff verwandelt sich in ein klassisch orchestriertes 

Orchesterthema. Ein kleiner Hinweis auf die seltsamen 

Musikvorlieben des Ex-Led-Zeppelin-Bassisten und 

Keyboarders. Zwei Jahre später wurde das zweite Solo- 

Album von JPJ angekündigt, „The Thunderthief“, auf 

dem er sogar als Sänger zu hören war. Ein Album der 

Extreme: gewaltiges Bassgewitter und Balladen, grimmiger 

Punk und hoffungsvoller Folk funktionierten als 

bewusst gesetzte Gegensätze. DGM wollte die Promotion 

diesmal in Deutschland größer aufziehen und JPJ 

für einen Interviewtag nach Deutschland einfliegen. 

Ich ließ also meine Pressekontakte spielen, sammelte 

Journalistenanfragen, entschied mich für Köln als 

Interviewort und hatte am Schluss einen straffen Plan, 

der grade mal eine Stunde Zeit für ein Mittagessen ließ. 

Musiker sogenannter Supergroups sind manchmal 

körperlich eher klein. Auf dem Flughafen Köln Bonn 

traf ich einen knapp 1,70 m großen Herrn, adretter 

Kurzhaarschnitt, elegant, aber unauffällig gekleidet 

und ein Mensch, dem Starallüren offenbar völlig 

fremd waren. Während der Fahrt in ein Musikerhotel, 

81

üroscheune rottenbauer 

stahl. lehrmann | architekten 

82

in dem ein Zimmer gebucht war, ging es um praktische 

Dinge: Wie lange werden die Interviews dauern? Wer 

wird kommen? Nein, die Bitte der Plattenfirma, nicht 

über Led Zeppelin zu reden, sei so zu verstehen, dass 

er vor allem über sein neues Soloalbum reden wolle, 

und weniger über die Vergangenheit. Aber wenn 

gegen Ende der Interviews noch Zeit sei…er hätte 

da kein Problem. Und das Mittagessen? Irgendwas 

Leichtes, möglichst nicht im Hotel. Vielleicht Sushi? 

Das Timing von JPJ während der Interviews war 

phänomenal. Immer, wenn ich an die Tür klopfte, 

beantwortete er gerade die letzte Frage. Für die Mittagspause 

hatte ich mir bei der Empfangsdame des 

Hotels diverse Sushi-Tipps geholt. Das angeblich beste 

Sushi-Lokal in der Nähe sei allerdings – ein Stehimbiss!?! 

Aber das wäre doch ideal, meinte JPJ, er 

wäre eh den ganzen Vormittag nur rumgesessen. 

Der Volksmund behauptet ja: Je voller die Kneipe ist, 

desto besser ist das Essen. Der Sushi-Imbiss, den wir 

betraten, war menschenleer. Hinter dem Tresen: kein 

Japaner, sondern ein Kölner. Wir bestellten trotzdem. 

Um die Wartezeit zu überbrücken, fragte ich JPJ, was 

er eigentlich seit der Auflösung von Led Zeppelin 

gemacht habe. Für mich sei er so ziemlich von der 

Bildfläche verschwunden gewesen. Naja, die vielen 

Touren mit Led Zeppelin hätten ihm Liveauftritte 

ziemlich verleidet, meinte JPJ, 14 Jahre sei er nach 

der Auflösung der Band kaum mehr auf die Bühne 

gegangen. Aber er sei keineswegs untätig gewesen… 

Wie sich herausstellte, hatte JPJ eine Menge gemacht. 

Recht ungewöhnliche Dinge für den Bassisten der erfolgreichsten 

Hardrock-Band der 70er Jahre: Er hatte 

sich ein Studio für elektronische Musik eingerichtet, 

hatte ein Jahr lang an einem College elektronische 

Komposition unterrichtet, hatte elektroakustische 

Tonbandstücke komponiert, den Soundtrack zu einem 

Horrorfilm, ein Streichquartett, barocke Lautenstücke. 

Außerdem hatte er als Produzent gearbeitet – für 

den Soulsänger Ben.E.King, für die Theatergruppe La 

Fura del Baus, für die Butthole Surfers. Er hatte für 

R.E.M. vier Songs ihres Albums „Automatic People“ 

arrangiert und hatte auf Peter Gabriels Erfolgsalbum 

„Us“ gespielt. Wer sich jetzt über die Bandbreite der 

Aktivitäten von JPJ wundert, muss wissen: er kommt 

aus einer Musikerfamilie, hat Klavier und Kirchenorgel 

gelernt, bevor er mit dem Bass anfing, und war 

von 1964 bis 1968 einer der gefragtesten Studiomusiker 

Großbritanniens. Meistens wurde er dann geholt, 

wenn ein Bassist für eine britische Soul-Produktion im 

Motown-Stil gebraucht wurde. Wer’s sich auf youtube 

den Auftritt der Foo Fighters mit Page und Jones 

2008 im Wembley Stadion gibt, kann im Bassspiel 

von JPJ immer noch die Motown-Grundlagen hören. 

Aber zurück in den Sushi-Imbiss. Inzwischen hatte ich 

erfahren, dass es eigentlich Diamanda Galas war, der 

JPJ die Rückkehr auf die Bühne zu verdanken hatte. 

Mit der griechisch-amerikanischen Ausnahmesängerin 

und „Schrei“-Artistin hatte er 1994 ihr bis dato 

einziges Rockalbum produziert: „The Sporting Life“. 

Und war mit ihr auf Welttournee gegangen. Danach 

hatte er Lust auf mehr – und das bekanntlich am besten 

mit einem Soloalbum im Rücken. Erst viel später 

fiel mir auf, dass es für die Soloaktivitäten von JPJ 

vielleicht noch einen anderen Grund gegeben hatte. 

Während wir aßen – das Sushi sei hier im Stehimbiss 

tatsächlich so gut wie bei seinem Lieblingsjapaner in 

London, meinte JPJ – hatte ich am Schluss noch eine 

Led-Zeppelin-Frage gestellt: Wie häufig man sich denn 

noch träfe? Ein-, zweimal im Jahr, meinte JPJ, um 

Geschäftliches zu besprechen. Und: nein, seine beiden 

Led-Zeppelin-Kumpels hätten ihn nicht gefragt, ob 

Page & Plant vielleicht auch als Page, Plant & Jones 

möglich wäre. Im Nachhinein schien mir bei dieser 

Antwort mehr als nur ein leises Bedauern mitzuschwingen. 

Sollte es damals einen gewissen Groll gegeben 

haben, dürfte er längst verschwunden sein. Mit Them 

Crooked Vultures hat JPJ den Herren Page und Plant 

beweisen, dass er nach wie vor auch auf den ganz 

großen Bühnen spielen kann. Genausogern wie im 

Stadion scheint JPJ aber in Clubs aufzutreten – in den 

letzten Jahren häufig mit dem britischen Songwriter 

Robyn Hitchcock oder dem kalifornischen Bluesoriginal 

Seasick Steve. Weit jenseits üblicher Songformate bewegt 

er sich mit dem Trio Supersilent. Der Improvisationsgestus 

der Norweger, ihre elektronisch dominierte 

Klangästhetik scheint JPJ zu inspirieren. Gemeinsam 

traten sie bisher nur in Norwegen auf, dem künstlerischen 

Leiter des Hafensommers Jürgen Königer ist es 

nun gelungen, diese außergewöhnliche Kooperation 

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und DVD veröffentlicht. 2011 arbeitete Mortazavi 

mit der Ballettkompagnie am Landestheater in Linz, 

im November präsentierte er sein aktuelles Solo-Album 

„Geradeaus“. Seit acht Jahren lebt der Trommel- 

Zauberer in Berlin, wo er auch Meisterkurse gibt. 

Wenn sich Mohammad Reza Mortazavi, ohne viele 

Worte ans Publikum zu richten, auf der Bühne ganz 

in seine Trommelkunst versenkt, wirkt seine Haltung 

eher klassisch. Die Kompositionen und selbst 

entwickelten Fingersätze des Virtuosen sind hingegen 

für Gralshüter der reinen Lehre eine Provokation. 

Mortazavis Persönlichkeit mag eher introvertiert 

Tanzende Fingerspitzen 

Der Perkussions-Virtuose Mohammad Reza Mortazavi. 

Als wären sie eine Horde Ameisen trappeln Mohammed 

Mortazavis Finger über das Fell der Röhrentrommel. 

Seine linke Hand hält sich stets am Rand auf und erzeugt 

hell klingende, fein gewebte Muster, während die 

Rechte in der Mitte der Trommel den Takt vorgibt. Von 

raschelnd-zarten Berührungen bis zu energischen Verdichtungen 

entwickelt der Perkussionist eine enorme 

Dynamik, die weit über traditionelle Spielweisen hinaus 

geht. Mortazavis detailscharfe Fingertechnik ist frappierend, 

noch erstaunlicher sind die von ihm erzeugten 

Klänge. Während die große Rahmentrommel Daf stellenweise 

fast wie ein spanisches Cajon scheppert oder 

wie eine Conga wummert, bleiben die filigranen bis 

druckvollen Patterns der Röhrentrommel Tombak stets 

brillant; beide Instrumente offenbaren unter Mortazavis 

Händen einen ungewohnten Tonumfang. Bei 

geschlossenen Augen erinnern die Sounds mitunter 

sogar an elektronische Programmierungen, ohne 

sich in Richtung Pop oder Dancefloor anzubiedern. 

1978 wurde Mohammad Reza Mortazavi in Isfahan 

geboren. Schon als Jugendlicher gewann er renommierte 

Wettbewerbe, mit 20 spielte er in Teheran 

vor ausverkauften Häusern. 2001 trat Mortazavi 

mit seinem Solo-Repertoire erstmals in Deutschland 

auf, seitdem erschienen mehrere CDs, auf denen 

Mortazavi teilweise auch mit anderen Musikern und 

einem Sänger zu hören ist. 2010 wurde sein Liveprogramm 

„Green Hands“ in der Berliner Philharmonie 

mitgeschnitten und auf der gleichnamigen CD 

erscheinen, seine Musik ist das Gegenteil davon. Zumal 

er sich nicht nur von orientalischen Traditionen, 

sondern auch von globaler Moderne inspirieren lässt. 

Man muss kein Kenner sein, um sich von Mortazavis 

Kunst begeistern zu lassen, aber Kenner haben es 

leichter, ihr revolutionäres Potenzial zu entdecken. 

Beispielsweise spielt die große Rahmentrommel eine 

tragende Rolle in den Ritualen der Sufi-Bruderschaften, 

deren Mystik von islamischen Klerikern entschieden 

abgelehnt wird. In seinem expressiven Spiel 

bleibt Mortazavi indes nicht bei den vergleichsweise 

meditativen Sufi-Originalen stehen, sondern verwebt 

sie mit aktuellen westlichen „Trance“-Ideen. 

Zum Puls der rechten Hand variieren rasante Fingersätze 

der Linken rhythmische Patterns zu beinahe 

melodischen Strukturen, je nachdem, an welcher 

Stelle die Fingerspitzen über das Fell tanzen. Auch 

die Rechte sorgt durch Veränderung der Fellspannung 

für Tonhöhenwechsel, darüber hinaus kratzt 

oder schabt sie überraschende Breaks, alterniert von 

dumpf-trockenen zu sonor-nachklingenden Schlägen. 

Die mithilfe eines Mikrophons noch verstärkte 

Wucht mancher gradlinigen Bass-Beats kann sogar 

Techno- oder House-Fans mitreißen. Mohammad 

Reza Mortazavi hat ein feines Gespür für die Fusion 

von Stilelementen aus verschiedenen Epochen; seine 

nuancierten Weiterentwicklungen zeigen faszinierende 

Facetten individueller Perkussionskunst. 

Norbert Krampf 

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Nils Petter Molvær 

Trio & Stian Westerhus 

Wie man sich selbst durch Andere hindurch neu erfindet. 

Heute neu, morgen out! Manchmal ist man als Musikhörer 

ungerecht, selbst, wenn man Fan ist. Geben wir 

es doch ruhig zu, dass wir in den vergangenen Jahren 

die neuen Veröffentlichungen des norwegischen Trompeters 

und Klangtüftlers Nils Petter Molvær gerne einmal 

nach zwei-, dreimaligem Hören mit interesselosem 

Wohlgefallen in die Sammlung wegsortierten. Kenn ich 

schon, weiß ich schon, war ich schon … Man konnte 

immer häufiger den Namen Jon Hassell in den Plattenkritiken 

lesen, wenn die neuen Platten von Molvær 

besprochen wurden. Ein Epigone, erstarrt in Routine? 

Quatsch, selbst ein Fan! Glaubt man den Interviews, 

die Nils Petter Molvær gibt, dann arbeitet der Mann 

ohnehin eher intuitiv – und über Intuition diskutiert 

man nicht. Wahrscheinlich auch schon nicht 1996/97, 

als Molvær mit einer Handvoll Kollegen, darunter der 

Gitarrist Eivind Aarset und der Schlagzeuger Rune Arnesen, 

den Klangkosmos „Khmer“ austüftelte. Vielleicht 

sollte man sich heute noch einmal daran erinnern, wie 

es sich damals anfühlte, in einem Info-Blatt von ECM 

unvermittelt und plötzlich Worte wie „Illbient“, „Techno“ 

oder „Trip-Hop“ zu lesen. Oder zu erfahren, dass 

sich Molvær einen Loop von Bill Laswell ausgeliehen 

hatte, um in langwieriger Studiozeit daraus einen 

Track zu morphen. Kurzum: Molvær hatte mit „Khmer“ 

die improvisierte Musik an der Club-Gegenwart 

angedockt – und zwar auf eine so originelle Weise, 

dass man dazu besser nicht „Acid Jazz“ sagte. Molvær 

war dann auch der erste ECM-Künstler, der Remixe 

seiner Tracks auf einer Vinyl-Maxi veröffentlichte. 

87

In den Jahren nach „Khmer“ folgte Album auf Album, 

zunächst noch auf ECM, später dann auf „Universal“ 

und insbesondere die ausgeklügelte multimedialen 

Live-Präsentation seiner Musik machte Molvær 

zu einer international stark nachgefragten Nummer, 

versehen mit dem Gütesiegel „Innovator“. Zwar wechselte 

Molvaer für seine unterschiedlichen Projekte immer 

mal wieder neue Musiker wie die Sängerin Sidsel 

Endresen ein, aber den Kern bildete über die Jahre das 

Trio Molvær, Aarset, Kleive. Leider ist es nur wenigen 

Genies wie Miles Davis vergönnt, über Jahrzehnte 

den Ruf des Innovators substanziell und beständig zu 

behaupten. Im Falle von Molvær trugen die Ergebnisse 

seiner Arbeit in der Folge zwar eine unverkennbare 

Handschrift, wirkten jedoch formelhaft. Nach 

„Hamada“ (2009) zeigte sich „Universal“ unzufrieden 

mit den Verkaufszahlen – und Molvær suchte man 

neuen Mitstreitern, die ihm vielleicht neue Fragen zu 

stellen wüssten. Fündig wurde Molvær auf einem Festival 

in Italien, als er den Gitarristen Stian Westerhus 

hörte. Der hätte vom Habitus und von der Frisur auch 

in Bands wie Roxy Music oder den Sex Pistols eine 

gute Figur gemacht, gilt jedoch seit ein paar Jahren 

in der Szene als kommender Gitarrengott. Man muss 

nur einmal eine seiner athletischen Solo-Performances 

gesehen und gehört haben, wenn Westerhus sein Instrument 

als Klangerzeuger nutzt, um dann auf einer 

Unzahl von Pedalen und Effektgeräten einen unerhörten 

Sound zwischen knisternden Feedback-Noise 

und subtil-abstrakten Dark Ambient-Collagen zu produzieren. 

Neben seinen intensiven Solo-Performances, 

von denen man sich akustisch auf dem Album „Pitch 

Black Star Spangled“ einen Eindruck verschaffen kann 

und die visuell an Schamanen-Ballett erinnern, hat 

Westerhus noch das Hardcore-Duo-Projekt Monolithic 

und die Band Puma am Start und war auch ein 

paar Jahre Mitglied des bekannten Jaga Jazzist-Kollektivs. 

Nicht zu vergessen seine Beiträge für Bands 

wie Supersilent und Motorpsycho! Ein umtriebiger 

Musiker also, der es zudem ablehnt, die unterschiedlichen 

Genres, die ihn interessieren, zu trennen. 

Obwohl die erste Begegnung Molværs mit Westerhus´ 

Kunst schon einige Zeit zurückliegt, dauerte es dann 

noch eineinhalb Jahre, bis man sich über eine konkrete 

Zusammenarbeit unterhielt. Mit der Folge, dass 

Westerhus nicht nur sein Engagement bei Jaga Jazzist 

für Molvaer sausen ließ, sondern „Baboon Moon“, das 

Debüt des neuen Molvær-Trios bei „Sony“ auch gleich 

produzierte. Die Schlagzeuger-Frage dagegen klärte 

ein glücklicher Zufall, als Audun Kleive kurzfristig 

bei einem Gig ersetzt werden musste. Molvær fragte 

Erland Dahlen, der zuvor bei den Blues-Rockern von 

Madrugada aktiv war – und hatte plötzlich seine neue 

Traumband beisammen, die ihn auf Pfade führte, die 

ihn in Interviews zweifeln ließen, ob er denn überhaupt 

noch Jazz spiele: „Auf einmal war alles da. Wir hatten 

wohl einfach dieselben Bilder in uns. Das hat mich zu 

folgender Erkenntnis geführt: Die Auswahl der Musiker 

ist für mich sogar noch wichtiger als das, was ich 

schreibe.“ Hinter solchen Worten steht keine Kritik an 

den früheren Mitstreitern, sondern eher die Glückserfahrung, 

durch eine neue Mischung unterschiedlicher 

Temperamente neue sonische Qualitäten entfalten 

zu können. Aus einem nur sich selbst verpflichteten 

Bandleader wurde so tendenziell ein abenteuerlustiger 

Teamplayer. Ist „Baboon Moon“ denn noch 

Fusion-Jazz oder doch eher dunkler Freestyle-Rock? 

Solches Schubladendenken sollte 2012 zwar längst 

obsolet sein, aber tatsächlich führt die Kombination 

von Rock-Schlagzeug und zwei Klangforschern 

an Trompete und Gitarre das neue Nils Petter Molvær 

Trio in erdiges Gelände, das mitunter an Prog-Rockund 

Kraut-Rock-Experimente der 70er Jahre erinnert, 

aber teilweise auch mit punkiger Attitüde geradeaus 

zu rocken versteht, wie es besonders der Hit „Recoil“ 

auf „Baboon Moon“ tut. Play it real loud! So ist das 

neue Album zwar einerseits Dokument einer glücklichen 

Frischzellenkur, andererseits wäre Molvær nicht 

Molvær, wenn er nicht erreichte Standards bei der 

Live-Präsentation bewahrt hätte. Okay, man spielt auf 

der Bühne stets so, als sei es das allererste Mal, um 

den schmalen Grad zwischen Hypnose und Exzess 

zu wandern, um die frischen Intensitäten auszukosten. 

Aber die Visuals im Bühnenhintergrund passen 

ebenso dazu wie die Professionalität des mitreisenden 

Toningenieurs Johnny Skalleberg, der die Bühne 

in ein Klanglabor verwandelt, in dem feinste Nuancen 

für den Zuhörer prägnant herausgearbeitet werden. 

Kurzum: ein Konzertabend für Feinschmecker! 

Ulrich Kriest 

K u r z b i o 

Ulrich Kriest ist freier Autor und Übersetzer (Schwerpunkt Film und 

Musik), u .a. für Jazzthetik, filmzentrale.com, Meier (das Stadtmagazin 

für das Rhein-Neckar-Dreieck – Mannheim, Ludwigshafen, Heidelberg), 

Stuttgarter Zeitung u. a. Seit 2009 Lehrauftrag für Poptheorie/Popgeschichte 

an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst, Stuttgart. 

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Veranstalter 


c/o Kulturreferat der Stadt Würzburg 

info@hafensommer-wuerzburg.de 

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Wir danken allen, die den Würzburger Hafensommer durch ihre Unterstützung, durch ihren Rat, durch ihre Ideen 

und durch ihre Arbeit möglich machen. 

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