Die Beste Zeit Nr 4.indd - Druckservice HP Nacke KG

DIE BESTE ZEIT
Das Magazin für Lebensart
Wuppertal und Bergisches Land Juni/Juli 2010 - 3,50 Euro
Film Tanzträume
Anne Linsel, Berlinale 2010
Franz Kafka - Der Prozess
Opernhaus Wuppertal
Retour de Paris
Von der Heydt-Museum Wuppertal
Otto Dix - Wald am Morgen
Neuerwerbung
Boros Collection
Wuppertaler Kunstmäzen in Berlin
Neue Kunstbücher
vorgestellt von Thomas Hirsch
Leonce und Lena
Schauspielhaus Bochum
Hanna Lemke
Leben auf dem Sprung
Eingeladen
aus Hanna Lemke „Gesichertes“
Rainer K. Wick
Die Essenz der Jahre
HÖR ZU - Ein Igel wird 60
Zum runden Geburtstag
Farbe als Motiv
Atelierbesuch bei Chr. v. Grumbkow
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Keine Angst vor Berührung
Barbara Neusel-Munkenbeck und die Urne “moi“
seit 1813
Alles hat seine Zeit.
Berliner Straße 49 + 52-54 · 42275 Wuppertal · www.neusel-bestattungen.de Tag und Nacht 66 36 74

Editorial
Liebe Leserinnen, liebe Leser,
seit der Mensch die Schrift erfunden hat, denkt und schreibt er. Eine der Spätfolgen davon ist,
dass ich hier sitze und das erste Editorial meines Lebens schreibe. Als Professioneller würde ich
mir nun ein Thema suchen, das die Leute heranlockt, oder sonst eines auswählen, das mich
besonders bedrängt; aber diese Art von Orientierung ist eigentlich nichts für mich.
Für mich ist einfacher, an mir herunterzublicken und zu sehen, wo ich stehe: Da ist heute
dieses junge, ambitionierte Magazin hier, das Kultur und Region zusammenführen will zu etwas
Lesenswertem, und das hoffentlich weiterhin Leser anzieht, wenn es ihm gelingt, in ihnen
das Gefühl zu erwecken, sich selbst hier wiederzufi nden und vielleicht neu oder intensiver zu
sehen. Wird das so sein?
Wenn ich den Blick wieder hebe, versuche ich zu sehen, an wen ich mich hier eigentlich wende.
Sind das lauter Einzelne um mich oder eine Gruppe; so etwas wie eine Gemeinschaft?
Ein Mensch, der aufs Rednerpodium steigt, wünscht sich bestimmt beides.
Aber mit der Gemeinschaft tun wir uns heute oder immer schwer. Wir sind aus vielen Gründen,
die leicht zu beschreiben wären, lauter eigensinnige Individualisten geworden, sodass
eigentlich jeder seine eigene Partei, seine eigene Kirche, seinen eigenen Verein und seine eigene
Gewerkschaft haben müsste. Aufrufe und an die Brust schlagen nützen da nichts, es gibt –
zum Glück – auch keine Heils-Vision, die es schleunigst zu verwirklichen gälte und einen
schönen Endzustand gibt es sowieso nicht, es sei denn, ein Verblichener könnte uns davon
berichten. Besser war es wahrscheinlich nie, denn da haben wahrscheinlich nur Not und
Herrschaft die ersehnte Gemeinschaft erzwungen; wer wünschte sich das schon zurück?
Und nun marschiert die Kargheit, die Austerity auch noch wie eine graue Armee auf uns zu.
Ob uns das enger zusammenführt? Denn die Wahrheit und die Kunst wollen zu Gemeinsamem
verbinden – gibt es die überhaupt, die das wollen? Und Kunst und Wahrnehmung, die
gehören doch zusammen, darauf setzt auch dieses Magazin?
Die Wirklichkeit hat ihre eigene Sprache. Sie tritt unseren Fragen unschuldig lächelnd entgegen,
zum Beispiel mit dem Inhalt dieses Hefts.
Es will den kulturell Interessierten Menschen unserer Region begegnen und nahe sein, aber
gleichzeitig den Blick nach außen richten. Da ist der vielgerühmte Pina-Bausch Film „Tanzträume“
von Anne Linsel und Rainer Hoffmann; in dem sich dokumentierte menschliche
Nähe mit künstlerischer Form verschwistert; ein Blick in die Kunstsammlung Boros; ein Report
über den Ausfl ug expressionistischer Gemälde aus Wuppertaler Museumsbesitz nach Paris
(und ihre Rückkehr); die Begegnung mit neuen Büchern von Autoren wie Hanna Lemke und
Ulrich Land – und vieles andere,
Dies alles hat einen Zusammenhang. Und dieses Magazin, das sich der Kunst unserer Zeit
verpfl ichtet fühlt, möchte gebraucht werden, um der Kunst und dem Gemeinsamen zu dienen
– solange der Markt es duldet.
Und so hat eben vieles mehr mit einander zu tun, als man denkt – und jetzt hebt noch etwas
den Kopf, nämlich das Herzerwärmende. Wenn denn die Leute sich dem Wahren, dem Schönen,
dem Guten und einander zuwenden (und davon soll man hier lesen können), die Kunst
blühend und kühn erfreut, dann fühlen wir uns wohl miteinander und für eine Weile gut
aufgehoben in unserer Welt.
Ihr Karl Otto Mühl
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Impressum
„Die beste Zeit“ erscheint in Wuppertal und im
Bergischen Land
Aufl age 4.000 Exemplare
Erscheinungsweise: 5 mal pro Jahr
Verlag HP Nacke KG - Die beste Zeit
Friedrich-Engels-Allee 122, 42285 Wuppertal
Telefon 02 02 - 28 10 40
E-Mail: verlag@hpnackekg.de
V. i. S. d. P.: HansPeter Nacke und Frank Becker
Erfüllungsort und Gerichtsstand Wuppertal
Bildnachweise/Textquellen sind unter den
Beiträgen vermerkt.
Gastbeiträge durch Autoren spiegeln nicht
immer die Meinung des Verlages und der Herausgeber
wider. Für den Inhalt dieser Beiträge
zeichnen die jeweiligen Autoren verantwortlich.
Kürzungen bzw Textänderungen, sofern nicht
sinnentstellend, liegen im Ermessen der
Redaktion. Für unverlangt eingesandte Beiträge
kann keine Gewähr übernommen werden.
Nachdruck – auch auszugsweise – von Beiträgen
innerhalb der gesetzlichen Schutzfrist nur mit der
ausdrücklichen Genehmigung des Verlages.
Trotz journalistischer Sorgfalt wird für Verzögerung,
Irrtümer oder Unterlassungen keine
Haftung übernommen.
„Die Kunst kann den Menschen nicht retten,
aber mit den Mitteln der Kunst wird ein Dialog möglich,
welcher zu einem Menschen bewahrenden Handeln aufruft.“
[Günther Uecker 1983]

Heft 4 Juni/Juli 2010
Inhalt
Film Tanzträume
Berlinale 2010
Jugendliche tanzen „Kontakthof“
von Johannes Vesper Seite 6
Die Lüge wird zur Weltordnung
Herbert Neubeckers Bühnenbearbeitung
von Franz Kafkas Roman „Der Prozess“
Opernhaus Wuppertal Seite 13
Boros Collection
Wuppertaler Kunstmäzen und
Sammler in Berlin
von Johannes Vesper Seite 16
Eine Farce mit schönen Beinen
Anna Bergmann inszeniert
in Bochum Büchners
„Leonce und Lena“ Seite 20
Die Essenz der Jahre
Rainer K. Wick
Fotografi sche Arbeiten 1968 - 2009 Seite 24
Retour de Paris
Von der Heydt-Museum Wuppertal
Meisterwerke vom Expressionismus
bis heute Seite 27
Otto Dix - Wald am Morgen
Eine Neuerwerbung im
Von der Heydt-Museum Wuppertal
von Antje Birthälmer Seite 29
Leben auf dem Sprung.
Hanna Lemke: „Gesichertes“.
Ein überraschendes literarisches
Debüt. Seite 31
er
Eingeladen
aus Hanna Lemke „Gesichertes“
Antje Kunstmann Verlag
Sifonieorchester Wuppertal
Seite 34
gestern - heute – morgen
Vom Musikerstreit zur Gründung der
„Elberfelder Kapelle“, der Ursprung des
Sinfonieorchesters Wuppertal Seite 37
Farbe als Motiv
Christian von Grumbkow
Atelierbesuch von Thomas Hirsch Seite 39
Ein Igel wird 60
Zum runden Geburtstag des HÖR ZU! -
Redaktions- Maskottchens „Mecki“ Seite 45
Neue Kunstbücher
vorgestellt von Thomas Hirsch Seite 48
„Der Abend kommt als Kubist“
Eine zeitgenössische Italienische Reise
Hörstück für vier Sprechstimmen, Seite 50
Kulturnotizen Seite 51

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Tanzträume
Jugendliche tanzen „Kontakthof“ von Pina Bausch
Ein Film von Anne Linsel und Rainer Hoffmann
Am 14. 2. 2010 hatte der Film auf der Berlinale Premiere. 1.600 Besucher sahen ihn im
vollbesetzten Friedrichstadt-Palast. Am 7. 3. 2010 fand die Voraufführung des Films vor
ca. 1.000 Fans im Wuppertaler Cinemax statt, und seit dem 18. 3. 2010 läuft er in den
Kinos, der Film über „Kontakthof“ von Pina Bausch, mit Jugendlichen in Szene gesetzt.
1978, also vor 32 Jahren war Premiere des Tanztheaterstücks in Wuppertal, 2000 kam
„Kontakthof mit Damen und Herren ab 65“ (Laiendarstellern) auf die Bühne und 2008
mit Jugendlichen ab 14 Jahren. „Kontakthof“ ist das einzige der über 40 Stücke von Pina
Bausch, welches sie auch mit Laien gespielt hat. Alle Gefühle zwischen Himmel und
Erde, zwischen Mann und Frau zeige dieses Stück, meint Anne Linsel im Gespräch. Und
offensichtlich ist jedermann Tänzer, wird er nur geeigneter Weise gefördert und gefordert.
Liebe und Sex, Enttäuschung, Hoffnung, Aggression und vor allem Zärtlichkeit sind
Themen für jeden und jede und für alle Altersklassen. Wahrscheinlich erkennt sich das
Publikum mit eigenen Problemen und Emotionen in diesem Stück eher selbst wieder als
in anderen Stücken Pina Bauschs.
Wie Pina Bauschs „Jedermann“ mit den Jugendlichen erarbeitet, eingeübt und schließlich
bühnenreif gemacht wurde, haben Anne Linsel (Regie) und Rainer Hoffmann (Kamera)
von März bis November 2008 fi lmisch dokumentiert. Dabei ist Anne Linsel offensichtlich
den jungen Tänzerinnen und Tänzern so vertraut geworden und nahe gekommen,
dass diese durch die Filmaufnahmen nicht gehemmt wurden, sondern freimütig und
offen über ihre Liebes- und Lebenserfahrungen vor laufender Kamera berichtet haben. 43
Mädchen und Jungen verschiedener Nationalitäten im Alter ab 14 Jahren waren von Pina
Bausch aus verschiedenen Wuppertaler Schulen aller Schulformen ausgewählt worden.
An jedem Samstag wurde unter Jo Ann Endicott und Benedicte Billiet geprobt. Vom
ersten Kontakt der Jugendlichen mit der großen Pina Bausch, die sie teilweise zuvor auch
dem Namen nach nicht kannten, von ihren ersten Schritten auf der Probebühne bis hin
zur gefeierten Premiere im November 2008 wurde das Projekt mit der Kamera sensibel
eingefangen. So entstand ein anrührender und bewegender Kinofi lm über Pina Bausch,
über ihre Arbeitsweise, über das alltägliche Theater - niemand greift wie Pina Bausch in
ihren Stücken Alltagssituationen so eindrücklich auf und setzt sie in Bewegung um - und
über Jugendliche, die quer durch das gegliederte Schulsystem und unabhängig von ihrer
Herkunft ein solches Stück auf die Bühne stellen. „Das Wichtigste, was die Jugendlichen
von Pina gelernt haben, ist meiner Meinung nach, dass man mit seinem ganzen Körper
Gefühle ausdrücken kann, dass man Traurigkeit zum Beispiel durch Weinen ausdrücken
kann aber auch mit Armen und Beinen. Dadurch haben sie eine Sensibilität für Kunst
entwickelt und verstehen gelernt, dass Kunst etwas mit dem Leben zu tun hat und nichts
Abgehobenes ist“ sagt die Regisseurin. Umgekehrt fasziniert den Zuschauer des Films, wie
durch Einübung von Bewegung und Bewegungsabläufen Gefühle und Seelenleben der
jungen Tänzerinnen und Tänzer gegenläufi g beeinfl usst werden. Natürlich ist Bewegung
beim Tanzen Ausdruck der Psyche. Das wichtige Ergebnis dieses Projektes für den
Zuschauer aber ist, dass umgekehrt durch Einübung tänzerischer Bewegung die Psyche
verändert und kultiviert werden kann. Die Wechselbeziehung zwischen Bewegung und
Psyche ist Thema dieses Films. Tanzträume sind es und traumhaft ist es, was dieses junge
Ensemble und wie es sich bewegt, wie intensiv die Jugendlichen das Stück proben und
wieder proben, sich Kritik gefallen lassen, gelobt und ernst genommen werden. Und in
der Darstellung von Zärtlichkeit und Aggression, von Hoffnung und Enttäuschung, von
Scham, Unsicherheit und Vertrauen merken die Jungendlichen, dass sie im Grunde ihr
eigenes Leben tanzen. Dazu macht das Ganze den jugendlichen Darstellern offensichtlich
Spaß. Dabei verschwinden die Vorurteile der Hauptschüler gegenüber den Gymnasiasten
und umgekehrt, die Vorurteile gegenüber den ausländischen Mitschülern und umgekehrt,
natürlich auch die Vorurteile dem anderen Geschlecht gegenüber. So gelingt Integration.
Szene aus der Generalprobe 7. Kontakthof 11.08

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Szene aus der
Generalprobe 7. Kontakthof 11.08
rechte Seite:
Präsentation auf der Berlinale 2010
Anne Linsel kennt Pina Bausch seit Wüstenhofers Zeiten, ist also seit nahezu 40
Jahren mit ihr und ihrer Arbeit vertraut. Dadurch entsteht die Authentizität des Films
und die seltene Möglichkeit, die Probenarbeit bei Pina Bausch einzufangen. Pina
Bausch sah diesen Film noch wenige Tage vor ihrem Tod und war nach Angaben von
Anne Linsel damit zufrieden. Im Film fi nden sich wunderbare Großporträts von ihr
und im Film äußert sie sich auch zum letzten Mal vor laufender Kamera. Sie wollte
nicht, dass ihre Tränen in den Augen gefi lmt wurden, als sie den Jugendlichen vor der
Premiere für ihr Engagement dankte und auch dafür, dass sie ihr Stück weitertragen.
Die tanzenden Teenager hatten soviel Vertrauen zum Kameramann und zur Regisseurin,
dass sie sich nicht scheuten, auch persönliche, schlimme Lebenserfahrungen zu
erzählen. Eine der Hauptdarstellerinnen ist traurig, dass ihr Vater gestorben ist, als sie
15 Jahre alt war. Wie stolz wäre er, wenn er sie heute auf der Bühne erleben könnte.
Eine andere Darstellerin bewahrt ihre Familiengeschichte über die Generationen und
erzählt, wie ihr Opa, als sie noch klein war, während des Balkankrieges verbrannte.
Nur der Zuschauer des Films erfährt solche Hintergründe und sieht im Film das Stück
also ganz anders als der Besucher einer Aufführung im Theater. Für all die jungen
Tänzerinnen und Tänzer ist dieses Projekt persönlich eine Riesenchance geworden
und hat ihr Leben verändert. Dies wird im Film sehr deutlich.
Der Film zeigt auch das Werktags-Wuppertal, wenn junge Tänzer neben der Wupper
Basketball spielen, wenn die Schwebebahn samstags die jungen Tänzerinnen zur Lichtburg
bringt, dem ehemaligen Kino am Alten Markt, welches vom Tanztheater seit Jahren
als Probebühne benutzt wird. Faszinierend die Bilder des Films für den Zuschauer,
der Wuppertal nicht kennt: die quietschende Schwebebahn über der Wupper und das
weiße Schauspielhaus unter blauem Nachthimmel mit Mond (Nichts ist bekanntlich
so schön wie der Mond!).
Zur Erstaufführung des Films auf der Berlinale im Friedrichstadtpalast konnte das gesamte
jugendliche Ensemble dank einer Spende nach Berlin reisen. Inzwischen wurde
der Film auch auf dem 21. Filmfestival von Istanbul mit großem Erfolg gezeigt.

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Szene aus der Kontakthof-Generalprobe

Die Regisseurin und Autorin Anne Linsel
Tanzträume
1. Nachbemerkung:
Das Schauspielhaus
Wuppertal wurde 1967 mit „Nathan
der Weise“ eröffnet. Der Architekt des
weißen, eleganten Hauses im Wupperbogen
an der Kluse war Gerhard Moritz
Graubner (1899-1970), der zahlreiche
Theater in Deutschland gebaut hat u.a.
auch das Bochumer Schauspielhaus. Im
Wuppertaler Schauspielhaus begann
bekanntlich die Geschichte des Tanztheaters
Pina Bausch. Auf die bedeutende
Geschichte des Wuppertaler Schauspiels
kann hier nur hingewiesen werden. Jetzt
fi elen Beschlüsse, das Wuppertaler Schauspielhaus
zu schließen. Wer kann die
Verantwortung dafür tragen? In Deutschland
wurden Milliarden für die Rettung
von Banken ausgegeben und die Deutsche
Industrie muß im Ausland mehr als
100 Mill. Strafe wegen Bestechung und
Korruption zahlen. Theater soll und kann
nicht Gewinn steigernd oder Gewinn
maximierend funktionieren, könnte
aber unter Umständen als im modernen
Schillerschen Sinne moralische Anstalt die
Zukunft der Gesellschaft und damit unser
aller Zukunft sichern helfen. Das war in
Anne Linsels „Tanzträumen“ über Pina
Bauschs „Kontakthof mit Jugendlichen ab
14“ zu erleben.
2. Nachbemerkung:
Notizen über Anne Linsel.
Anne Linsel lebt und arbeitet als Kulturjournalistin
und Publizistin in Wuppertal.
Sie hat zwei erwachsene Kinder.
Von 1984-1989 moderierte sie das ZDF-
Kulturmagazin „Aspekte“, nach 1989
führte sie die „Sonntagsgespräche“ im
ZDF mit Cornelia Froboess, Rolf Liebermann,
Jürgen Flimm, Claus Peymann,
Bernhard Minetti, Daniel Barenboim u. a..
Von 1989 -2004 war sie Gastgeberin der
ZDF-Reihe „Zeugen des Jahrhunderts“
(mit Hilde Spiel, Werner Tübke, Carola
Stern, Ernst H. Gombroich, Rolf Boysen
u. a.). Für Arte moderierte und konzipierte
sie Themenabende u.a. über Joseph
Beuys, Pina Bausch und Max Ernst)
Sie arbeitet regelmäßig für den Hörfunk
(WDR, NDR, DLF) und schreibt
Literatur-, Theater-, und Kunstkritik für
verschieden Zeitungen und Zeitschriften
u. a. für die Süddeutsche Zeitung.
Zahlreiche Filme entstanden unter ihrer
Regie, u. a. über Peter Kowald, Barbara
Nüsse, Hanna Jordan, Pina Bausch („Nelken
in Indien“, Pina-Bausch-Dokumentation
von 2006), Hanna Marron,
Pablo Picasso, Tony Cragg.
Sie schrieb Bücher - Hilde Spiel: „Die
Grande Dame“ (1992), „Weltentwürfe-
die Bühnenbildnerin Hanna Jordan“
(2006) - und gab zusammen mit Peter
von Matt einen Sammelband über Else
Lasker-Schüler („Deine Sehnsucht war
die Schlange“- ein Else-Lasker-Schüler
Almanach) heraus.
Jetzt kam sie gerade zurück von der Aufführung
der „Tanzträume“ auf dem 21.
Filmfestival Istanbul. Ob sie der Einladung
nach Los Angeles folgen wird, wo
die „Tanzträume“ demnächst auch gezeigt
werden, weiß sie noch nicht.
Tanzträume –Jugendliche tanzen „Kontakthof“
von Pina Bausch
Buch und Regie: Anne Linsel
Kamera: Rainer Hoffmann bvk
Originalton: Uwe Dresch, Thomas Keller,
Tobias Linsel, Paul Oberle, Tim Dohnke
Schnitt: Mike Schlömer
Produktionsleitung: Cornelia Kellers
Redaktion: Sabine Rollberg
Produzent: Gerd Haag
Eine TAG/TRAUM Filmproduktion in
Co-Produktion mit dem WDR und in
Zusammenarbeit mit Arte
Deutschland 2009, 89 Min., Kinostart
18. 3. 2010
Gefördert von Filmstiftung NRW, DFFF
Deutscher Filmförderfonds, Der Ministerpräsident
des Landes Nordrhein-Westfalen,
Dr.-Werner-Jackstädt-Stiftung
Johannes Vesper
Fotos: K.-H. Krauskopf
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Tanzträume – oben: Szene aus der Kontakthof-Generalprobe – unten: Premiere im Cinemaxx Wuppertal

16. 4. 2010 //// Opernhaus Wuppertal
Fotos: Joachim Dette
Juliane Pempelfort, Gregor Henze
Die Lüge wird zur Weltordnung
Herbert Neubeckers Bühnenbearbeitung
von Franz Kafkas Roman
„Der Prozess“ in einer fesselnden
Inszenierung von Sybille Fabian
„Das Verfahren geht ganz allmählich ins
Urteil über“
– Inszenierung: Sybille Fabian
– Bühne: Herbert Neubecker
– Kostüme: Michael Sieberock-
Serafi mowitsch/Sybille Fabian
– Dramaturgie: Sven Kleine
– Besetzung:
Gregor Henze (Josef K.)
Sophie Basse (Frau Grubach, Onkel Karl)
Juliane Pempelfort (Frl. Bürstner, Das
bucklige Mädchen, Leni)
Anne-Catherine Studer (Wächter Franz,
Frau des Gerichtsdieners, Das Mädchen)
Thomas Braus (Wächter Willem, Gerichtsdiener,
Der Geistliche)
Andreas Möckel (Aufseher, Direktor-
Stellvertreter, Untersuchungsrichter)
Daniel Breitfelder (Kaminer, Student
Bertold, Maler Titoreli)
Lutz Wessel (Neffe Lanz, Hauptmann,
Auskunftgeber, Prügler) Andreas Ramstein
(Rabensteiner, Advokat Huld,
Grauhaariger Angeklagter)
Statisterie
Eine ominöse Macht fasst zu
Der Bankbeamte Josef K. (Gregor Henze),
30 Jahre alt, ledig, Untermieter bei
Frau Grubach (Sophie Basse), wird aus
dem Schlaf heraus ohne Anschuldigung,
ohne Legitimation, doch auch ohne
physische Gewalt von zwei erschreckend
martialischen „Wächtern“ (Anne-Catherine
Studer, Thomas Braus) verhaftet.
Sein selbstbewußter Protest verpufft vor
der Autorität des noch martialischeren,
zugleich süffi santen Aufsehers (Andreas
Möckel), der deutlich macht, trotz seiner
Befugnisse untergeordnet zu sein. Wie
enorm muß also die „Macht“ darüber
sein? Dieses Monströse des Apparats, der
hier wirkt, wird unentwegt unterstrichen,
ob durch den Vize-Direktor (Andreas
Möckel), der K. unter Druck setzt, weil er
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Sophie Basse, Andreas Möckel, Juliane Pempelfort

selber der Kontrolle unterliegt, durch den
Maler Titorelli (Daniel Breitfelder), der
sich anscheinend arrangiert hat oder wen
auch immer. Alle sind subaltern. Josef K.
muß sich, ohne inhaftiert zu werden, einer
ominösen Gewalt unterwerfen, einem
rätselhaften Gerichtsverfahren stellen, das
nichts anderes als seine Schuld festzustellen
hat. Denn dass er eine Schuld trägt,
die Schuld, scheint völlig außer Frage zu
stehen.
Gültige Bühnenbearbeitung von
Kafkas Roman
Franz Kafkas genialischer, die Schlünde
aller Abgründe der Angst vor willkürlicher
staatlicher Autorität aufreißender
Roman hat schon vor, besonders aber
seit der prominent besetzten Verfi lmung
durch Orson Welles aus dem Jahr 1962
diverse Film-, Opern- und Bühnenbearbeitungen
erlebt, schreit jedoch
immer noch nach einer über die Zeit
gültigen Fassung für die Bühne, denn
die Eindringlichkeit des beängstigenden
Sujets ist geradezu wie für das Theater
gemacht. Oder verlangt jede neue Zeit
nach einer neuen Interpretation? Herbert
Neubecker hat mit seiner Bearbeitung
einen Weg in das Unheimliche der
von Ängsten, Pressionen und heimlichen
Mächten beherrschten Welt des
Josef K. gefunden, der in Auslegung,
Personifi zierung und direktem Bezug
auf die Romanvorlage gültig und zeitlos
erscheint, zugleich jeden Zuschauer
mit dem eigenen Zwiespalt zwischen
Aufbegehren und Unterwerfung, Lust
und Schuld, Glauben und Atheismus
konfrontiert.
Eine (fast) schwarz-weiße Welt
Am 9. April hatte Sybille Fabians
Inszenierung für die Wuppertaler
Bühnen in Zusammenarbeit mit dem
Teo Otto Theater in Remscheid dort
ihre wenn auch nicht ausverkaufte,
jedoch sehr gut besuchte und mit allem
Recht gefeierte Premiere. Man kann
von einem grandiosen Gesamterfolg
sprechen, denn sowohl Neubeckers
Fassung als auch die von ihm gestaltete
schwarz-weiße schräge Bühne, Fabians
überwiegend schwarz-weiße Kostüme,
die dramatischen Klang-Einspielungen,
die Choreographie und jede Einzelleistung
der außer Gregor Henze mehrfach
besetzten Mitwirkenden muß als Perle
bezeichnet werden. Farbe kommt durch
die brillanten Akteure ins Spiel und
blitzt gezielt nur gelegentlich in Form
eines (zerquetschten) Apfels und der
kommentierten Ausgabe von Schönfelders
„Deutsche Gesetze“ auf. Wo
alles gepanzert, verborgen, verschlossen
ist, überraschen als Andeutung des
harmlos Schönen und Begehrenswerten
in dieser häßlichen Welt die kaum
verhüllten göttlichen Brüste von Josef
K.s Zimmernachbarin Frl. Bürstner
(Juliane Pempelfort), der er über seine
Verhaftung berichtet. Dialog: „Wie war
es denn?“ – „Schrecklich!“ – „Das ist zu
allgemein.“
Expressionismus und Silly Walks
Zug um Zug läßt sich K. bei abnehmendem
Aufbegehren in den Sog des
mysteriösen Verfahrens ziehen, das immer
deutlicher sein Leben bedroht. Der
Alptraum der Wehrlosigkeit lähmt ihn,
lähmt selbst den Zuschauer, der immer
wieder von der Bühne aus als Teilnehmer
an dem grausigen Tribunal, dann
wieder als Mitangeklagter identifi ziert
wird. Unbehaglich. Neubecker und Fabian
haben den literarischen Expressionismus
und bekannte expressionistische
Filmbilder aus z.B. „Metropolis“, „Das
Cabinet des Dr. Caligari“ hervorragend
umgesetzt, dabei aber auch nicht mit
listigen Anleihen bei Monty Python
gespart. Maschinengeräusche und
Choreographien erinnern an Fritz Lang,
Zeitlupen des Schreitens an „The Ministry
of Silly Walks“. Das Danton´sche
Tribunal unter dem brüllenden Untersuchungsrichter
(Andreas Möckel)
drückt auch den Zuschauer tiefer in den
Sitz. Man ahnt: hier gibt es kaum ein
Entkommen. Ein Geniestreich.
Erbarmungslos
Josef K. erlebt entsetzt die Erbarmungslosigkeit
des geheimnisvollen Systems
an der gnadelosen Exekution seiner
Wächter, an der Gewalt gegen die Frau
des Gerichtsdieners (Anne-Catherine
Studer). Sein Fragen nach dem Ende
der Qual wird ihm vom Auskunftgeber
(Lutz Wessel) zynisch beantwortet:
„Nur was nicht aufhört weh zu tun,
bleibt im Gedächtnis“. Nicht einmal
der Geistliche (Thomas Braus), der
durch den Glockenschlag der Kathedrale
auf den Plan gerufen wird, ist bereit,
ihm eine hoffnungsvolle Perspektive
zu eröffnen, macht ihm im Gegenteil
vor dem Hintergrund einer riesigen
Thora-Rolle mit der Türhüter-Parabel
das Unvermeidliche klar. Josef K. ringt
bis zum letzten dramatischen Moment,
auch mit der verzweifelten Suche nach
der eigenen Identität („Wer bin ich
denn? Wissen Sie, wer ich bin?“) –Das
Schlussbild zeigt als Symbol der alles
verschlingenden Macht eine riesige
Tresortür.
„Die Lüge wird zur Weltordnung gemacht“.
Schmerzhafte Lehre - aber allzu
wahr. Kafkas deprimierende Einsicht ist
bis auf den Tag gültig. Eine hervorragende,
unbedingt sehenswerte Inszenierung.
Am 16. April feierte das Stück
in Wuppertal seine zweite Premiere.
Im Juni und Juli gibt es noch Aufführungstermine
im Opernhaus. Nicht
versäumen!
Frank Becker
Fotos: Joachim Dette
Weitere Informationen unter:
www.wuppertaler-buehnen.de
15

Wuppertaler Kunstmäzen und
Sammler in Berlin -
von Johannes Vesper
Boros Collection
Die Hinweise in schwarzer Standardschrift auf den Betonwänden („2. Geschoß A2.
Rauchen verboten“) dienten ursprünglich der Orientierung in dem ehemaligen Luftschutzbunker.
Seit 1942 steht er in Berlin Mitte in der Nähe des Deutschen Theaters
und des Bahnhofs Friedrichstraße mit 180 cm dicken Außenwänden und 320 cm starker
Dachplatte aus Blaubeton. Nach Plänen des Architekten Karl Bonatz, dem Nachfolger
von Hans Scharoun als Berliner Stadtbaudirektor nach dem Krieg, ist er für die Reichsbahn
errichtet worden. 1200 Personen bot er ursprünglich Schutz vor Bombenagriffen
und Beschuß. Wie Narben zeugen die Schußlöcher in den Wänden noch heute von der
Geschichte des Baus. Die Renaissance-Elemente von Fassade und Dach gehörten zur
Konzeption der vorgesehenen Umgestaltung Berlins zur faschistischen Welthauptstadt.
Nach dem Krieg wurde der Bunker unterschiedlich genutzt: als Kriegsgefängnis der
Roten Armee, als „Bananenbunker“ zu DDR-Zeiten (Lagerung von Südfrüchten durch
den VEB Obst-Gemüse-Speisekartoffeln), nach der Wende als Ort von Techno-Musik
und wilden Partys. 1996 fand eine Kunstausstellung statt und 2003 kaufte Christian
Boros den jahrelang nicht mehr genutzten, ruinösen Klotz. Die umfangreichen Fassaden-Arbeiten
führte das Berliner Unternehmen Asta-Natursteine von Irmgard Stankat
und Egbert Polanz (beide Ex-Wuppertaler) aus. Christian Boros ist Kommunikationsdesigner
(Studium in den 80er Jahren bei Bazon Brock in Wuppertal). Er gründete die
Boros Agentur für Kommunikation in Wuppertal (Werbeagentur bzw. inzwischen eine
Gruppe von Agenturen) und sammelt zusammen mit seiner Frau Karen Lohmann seit
seinem 18. Lebensjahr Kunst der Gegenwart. Den Traum vom eigenen Museum hat er
sich mit dem Kauf des Bunkers 2003 und dem anschließenden Umbau erfüllt. Nach
den Vorstellungen des Architekten Jens Casper wurden unter Berücksichtigung des
Denkmalschutzes Anbauten entfernt, Betondecken und Innenwände mit Diamantsägen
herausgesägt, Wände sandgestrahlt oder auch nur gewaschen. Der Charakter des Bunkers
blieb mit Kriegsspuren, Graffi ti und im Inneren mit rostigen Türen und Telefonen
aus der Kriegszeit erhalten. Selbst Spuren der Latrinen sind im Boden noch sichtbar. So
entstanden aus ursprünglich 160 gleichförmigen Räumen 80 Räume unterschiedlicher
Größe und unterschiedlichen Zuschnitts (bis zu 20 m hoch), in denen auf 3000 qm in
5 Etagen die gesammelte Kunst ausgestellt wird. Die Besucher werden über 4 doppelläufi
ge Treppenhäuser, die ursprünglich der schnellen Verteilung der Schutzsuchenden im
Bunker dienten, durch das Gebäude geleitet. Also auch im Innern Renaissance-Elemente,
gilt doch die doppelläufi ge Treppe als eine Erfi ndung Leonardo da Vincis. Oben auf
dem Bunker entstand eine bungalowartige, ringsum verglaste Dachwohnung von 450
qm Wohnfl äche, die nur über einen privaten Aufzug erreichbar ist. Der Legende nach
genehmigte das phantasievolle Bauamt Berlins die Dachwohnung auf dem Bunker als
unterkellertes Einfamilienhaus.
Seit 2008 ist die Sammlung Boros der Öffentlichkeit zugänglich. Der Besuch ist nur
nach Voranmeldung im Rahmen einer Führung möglich. 157 Kunstwerke von 21
Berliner Künstlern oder Künstlern, die zeitweise in Berlin gearbeitet haben, sind ausgestellt.
In der aktuellen Ausstellung fi nden sich vorwiegend Objekte und Installationen.
Dabei wurden die Objekte teilweise von den Künstlern ortspezifi sch in den Räumen
installiert. Gleich beim Betreten des Bunkers schlägt ernst und tonlos über dem Besucher
eine Kirchenglocke aus Flandern von Kris Martin, und im Nebenraum glänzt
sein silberner Schädel (tatsächlich sein eigener, computertomographisch vermessen, in
Bronze gegossen und anschließend versilbert). Ein aktuelles Stilleben. Wem schlägt hier
die Stunde?
Die schwarz glänzende, begehbare Holzskulptur Monika Sosnowskas paßt kaum in die
kleinen Räume. In der schwarzen Enge im Innern verliert man kurz die Orientierung.
Bei der Berliner colour sphere von Olafur Eliasson, von dem sich 20 Werke im Bunker
befi nden, werden Raum und Betrachter durch eine sich drehende Kugel aus farbigen
Glasdreiecken in farbiges Licht getaucht. Eliassons an einem Kabel aufgehängter Ventilator
brummt und fl iegt wie eine Hummel durch einen 20 m hohen Raum.
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Anselm Reyle, links: „Life enigma“, 2008
rechts: „ohne Titel“, 2008, Foto: Noshe
Die überlebensgroße Schmerztablette von
John Bock mag eher an all die Kopfschmerzen
und Schwierigkeiten erinnern,
die mit dem Umbau des Bunkers verbunden
waren, weniger an Befi ndlichkeiten
des Besuchers. Anselm Reyle transformiert
banale Gegenstände mit Farbe und
Licht zu Kunstwerken (z.B. Wagenrad,
Heuwagen, Strohballen) und wirft so die
Frage auf, was denn Kunst sei. Ist Kunst,
was im Museum steht? Ist Kunst das, worüber
Medien schreiben? Ist Kunst, was
auf dem Kunstmarkt gehandelt wird? Aus
der Beantwortung dieser Fragen ergäbe
sich, wer den Kunstbegriff prägt.
Für seine schräg liegenden, schwarzen
Stelen hat Santiago Sierra nicht den
Zutritt untersagt für: „unordentliche und
stinkende Menschen, Raucher, Alkoholiker,
Drogensüchtige, Witzbolde und Zyniker”
(wie 2007 in London). Nein, alle
sollten sich hier ansehen, unter welchen
Mühen sein Kunstwerk entstand. Mit Diamantschneidern
wurde die Betonmauer
aufgesägt, die ausgesägten Mauerteile auf
dem Boden sind als Spuren der Mühen
sichtbar geblieben. Der vom Künstler
beanspruchte sozialkritische Bezug
seiner Arbeiten wird deutlicher durch
Schwarzweißfotografi en älterer Aktionen,
die jedenfalls zu Diskussionen über die
Funktion der Kunst, ihren Mißbrauch
und über Geschmack anregen.
Das Fahrrad von Robert Kusmirowski
ist als reine Kunst nur anzusehen, ein
Trugbild, hergestellt aus Pappmaché, Gips
und Garn und nicht zu gebrauchen. In
einer Vitrine daneben sieht man „alte“
Schwarzweiß-Fotos eines historischen
Radfahrers auf seiner Tour zwischen Paris
und Leipzig. Auch hier Täuschung, denn
es handelt sich um den Künstler selbst.

Santiago Sierra, „Konstruktion und Installation von teerbeschichteten Formen“, 2002, 75 x 75 x 800 cm, angeordnet in 2 Räumen, Foto: Noshe
Der Patient im Krankenhausbett, die
täuschend echt erscheinende Wachsfi gur
in weißer Krankenhausbettwäsche unter
kaltem Neonlicht (Temporarily Placed
von Elmgreen und Dragset), schaute früher
aus dem Hamburger Bahnhof auf die
Charité und wurde jetzt hier abgestellt.
Anfangs sorgte er ehemals für Aufregung,
als Gäste des gegenüberliegenden Hotels
beim Blick durch das Fenster auf den im
Bunker vergessenen armen Kranken Polizei
und Notarztwagen gerufen hatten.
Kunst des 21. Jahrhunderts in einem Riesenbunker
aus dem 2. Weltkrieg, in den
kein Geräusch der Großstadt hineindringt
und aus dem kein Blick heraus möglich
ist, dessen Pforten mit Findlingen
verschlossen nicht passierbar scheinen,
Architektur, die auch nach dem Umbau
den Größenwahn der Nazidiktatur wi-
derspiegelt, Kunst, die nur nach Voranmeldung
angesehen werden kann: Ist das
die aktuelle Situation der zeitgenössischen
Kunst? Kann sie im Bunker gerettet
werden? Kann sie nur dort überleben?
Nein, solche Fragen sind falsch gestellt.
Hier wird durch das Engagement und die
Leidenschaft des Sammler-Ehepaares Boros
ein historisches Gebäude, welches an
sich einen wenig erfreulichen Aspekt der
Berliner Stadtgeschichte widerspiegelt, in
wunderbarer Weise für die zeitgenössische
Kunst genutzt. Die historischen Hinweise
auf den Bunkerwänden dienten ursprünglich
zur Orientierung der durch Luftangriffe
gefährdeten Berliner Bevölkerung.
Zur Orientierung des Kunstfreundes in
der zeitgenössischen Berliner Kunstszene
erschien bei Hatje/Cantz 2009 als Begleitbuch
ein opulenter Band, in welchem die
Geschichte des Bunkers, seines Umbaus
sowie die Sammlung Boros umfassend
dargestellt werden. In informativen und
authentischen Beiträgen äußern sich der
Architekt Jens Caspers zu seinem Projekt
und Annette Schryen zur Sammlung
Boros. Mit den Fotos von Noshe und
Andreas Gehrke werden Bunker und
Sammlung kühl und sachlich dokumentiert.
Texte in Deutsch und Englisch.
Die Ausstellung soll übrigens im Laufe
des Jahres 2010 wechseln.
Boros Collection/Bunker Berlin -
Herausgegeben von/Edited by
Boros Fondation gemeinnützige GmbH
© 2009Hatje/Cantz Verlag Ostfi ldern,
218 S., ISBN 978-3-7757-2478-4
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20
Sina Kießling (Lena)

Anna Bergmann inszeniert
in Bochum Büchners
„Leonce und Lena“
Regie: Anna Bergmann
Bühne: Matthias Werner
Kostüme: Claudia Gonzalez Espindola
Dramaturgie: Dietmar Böck
Choreographie: Katja Uffelmann
Klang-Design: Heiko Schnurpel
Fotos: Birgit Hupfeld
Besetzung: Bernd Rademacher
(König von Popo)
Ronny Miersch (Prinz Leonce, sein Sohn)
Sina Kießling (Prinzessin Lena von Pipi)
Sebastian Kuschmann (Valerio)
Michael Lippold (Die Gouvernante)
Katja Uffelmann (Rosetta)
Maximilian Strestik (Zeremonienmeister,
Eskimo)
Manfred Böll (Präsident) - Statisterie
Eine Farce mit schönen Beinen
Nachmärz
Nehmen wir mal an, Sie hätten noch nie Georg Büchner (1813-1837) gelesen, keines
seiner Dramen auf der Bühne gesehen und schon gar nicht die intelligente, an Zeitkritik
reiche Komödie „Leonce und Lena“ aus dem Jahr 1836. Nehmen wir außerdem an, dass
Sie sich durchaus für Politik und Satire interessieren, sehr wohl eine geschliffene Farce von
einer klamaukigen Klamotte zu unterscheiden wissen und die muffi ge Idylle der deutschen
Spitzweg-Kleinstaaterei mit der ihr angemessenen ironischen Distanz sehen. Wie
Büchner eben. Da hätten Sie aber im Bochumer Schauspiel bei der Premiere am 10. April
einen ganz falschen Eindruck vom Vermögen des jung verewigten Vormärz-Dramatikers
bekommen. Anna Bergmann machte in ihrer Inszenierung von „Leonce und Lena“, die
Gestern und Heute – im Grunde ein guter Gedanke – mutig mischte, fl ache Witzchen
und bemühte Gags auf Kosten der Idee.
Sina Kießling (Lena), Michael Lippold (Die Gouvernante) und Ronny Miersch (Leonce)
Sina Kießling (Lena) und Ronny Miersch (Leonce)
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Katja Uffelmann (Rosetta), Ronny Miersch (Leonce) und Sebastian Kuschmann (Valerio)

Eine Farce mit schönen Beinen
Nackte Hintern, Flashman und nicht Osgood Fielding III
Da ist Lena der Name eines Parfums, Leonce eine Jeans-Marke und die (klein)staatliche
Verwaltung fi ndet nicht statt. Büchners 1836 á jour gebrachte Anlehnung an Shakespearsche
Muster der Staats- und Verwechslungskomödien ist unübersehbar. Anna Bergmann
schafft es aber trotz einiger durchdachter Ansätze, Matthias Werners Bühnenbild und guten
Personals nicht, den Pipi-Popo-Witz Büchners umzusetzen, wenn es auch an Popos und
Penissen nicht mangelt. Wir werden wohl nie erfahren, weshalb Valerio (Sebastian Kuschmann),
Vertreter des Branchentelefonbuchs Gelbe Seiten, sich urplötzlich im Wohnzimmer
des Prinzen (Ronny Miersch) auszieht, dadurch des Prinzen Vertrauter wird, jener es ihm
nachtut und beide (nichts gegen schöne Körper) dann nackt wie die California Dream Boys
am Balkenwerk dortselbst herumklettern. Einen knackigen Hintern zeigt übrigens auch
Mlle. Uffelmann, wenn sie widerwillig als Rosetta für Leonce tanzt. Gekokst wird großzügigst,
und Whisky wird in ungeheuren Mengen gesoffen, ohne dass ein Koma eintritt.
Nobody is perfect
Auch werden wir keinen Hinweis darauf fi nden, wieso (ich greife hier weit voraus) Valerio
später als „Flashman“ in der Arktis zur Melodie von „This Guy´s in Love“ einen immerhin
witzigen Paarlauf mit Silver-Girl (Michael Lippold, al. Gouvernante) hinlegt, die wiederum
(mein Gott!) gar keine Dame ist, sondern – welche Überraschung, wir haben es bis
dahin wirklich nicht gemerkt... – ein Mann! Und als sie/er sich schließlich dem verliebten
Valerio (Sebastian Kuschmann ist neben Bernd Rademacher nahezu – dazu später ein
Wort – die einzige Offenbarung in dieser Inszenierung) als Penisträger offenbart, wartete
das Publikum atemlos auf die letzte Plattitüde, den Schlußsatz aus „Some like it hot“ :
„Nobody is perfect“. Aber den konnten sich Bergmann/Böck noch gerade so verkneifen.
Polnareff und schöne Beine
Was bekommen wir? Einen koksenden, cholerischen Leonce, billiger Michel Polnareff-
Verschnitt und veritables Arschloch, das unbedingt (hallo Pete Townshend!) seine Gitarre
zertrümmern muß, dazu eine Lena (Sina Kießling) als Paris Hilton-Kopie, kaum weniger
aggressiv und ebensowenig liebenswert wie ihr künftiger Gatte. Wir haben zwei Klischee-
Schwuchteln (Alexander Ritter, Sebastian Zumpe), die sich um die Garderobe des Königs
kümmern, zwei lächerliche Quentin-Tarantino-Killer-Typen, einen Eskimo am Südpol
(!) - oder wie erklären Sie es sich, dass im Hintergrund Pinguine über die Leinwand spazieren,
während vorne ein Iglu entsteht? -, eine tanzbegabte Haushofdame Rosetta (Katja
Uffelmann), Schlittenhunde, Polarlichter und Partyvolk. Womit wir beim eigentlich
Erfreulichen der Inszenierung sind. Denn unter dem Strich bleibt das Fazit: Alles in allem
ein Stück der schönen Beine. Mit denen wirft die Inszenierung üppig um sich, die Statisterie
scheint dankenswerterweise geradezu danach ausgesucht. Und für die Beine zeichnet
zum einen Prinzessin Lena, die stets - selbst in der (Ant)Arktis - kurzgeschürzt über die
Bühne schreitet und gleitet, vor allem aber die bezaubernde Statisterie, die hier explizit
erwähnt werden muß. Denn „Die erste von links“ und die dritte von rechts (mit dem
violetten Kleidchen) waren die optischen Offenbarungen des Abends. Durch sie bekam
der langatmige Abend seinen versöhnlichen Reiz.
Striche dringend angeraten
Nun wollen wir aber, abgesehen von den schönen Mädchenbeinen (für die Herren) und
den leckeren Männer-Popos (für die Damen) nicht die ganze Inszenierung für mißlungen
erklären. Bernd Rademacher lieferte als König von Popo in der Schlußsequenz, der
„Automaten“-Hochzeit, eine herrliche, humorvolle Interpretation ab. Erbarmungslos das
in die Länge Ziehen des Stückes, das mit 2 Stunden 20 Minuten angekündigt, nach 2
Stunden 50 Minuten endete. Das ist trotz der schönen Beine um einiges zu viel. Energische
Striche scheinen hier dringend angeraten. Das Premieren-Publikum verhielt sich
reserviert. Auch wenn die übliche Claque anderer Meinung zu sein schien.
Frank Becker
Weitere Informationen unter: www.schauspielhausbochum.de
23

24
Die Essenz der Jahre
Rainer K. Wick
Fotografi sche Arbeiten 1968 - 2009
Rainer K. Wick ist ein Weltreisender, der
rund um den Erdball mit seiner Kamera
beeindruckende, bewegende Impressionen
festgehalten hat. Sein Lebens- und
Berufsweg hat den Kunsthistoriker und
Kunstpädagogen, der mit einer Arbeit
über Happening und Fluxus promovierte,
1986 an die Universität Wuppertal geführt,
wo er nach Stationen in Köln und
Essen als anerkannte Kapazität und beliebter
Dozent den Lehrstuhl für Kunst-
und Kulturpädagogik zu hoher Blüte
führte. Wick: „Es ging mir immer darum,
die Kunst selbst in den Mittelpunkt des
künstlerischen Lehramtes zu rücken.
Damit erhielten die künstlerisch-praktischen
wie auch die fachwissenschaftlichen
Studienanteile eine deutliche Aufwertung,
ohne dass dabei die didaktischen Aspekte
aus dem Blickfeld gerieten. Neben der
Vermittlung grundlegender Techniken
und handwerklicher Fähigkeiten muß der
Prozeß künstlerischer Selbstbildung, also
der Persönlichkeitsentwicklung des Einzelnen
in seiner Begegnung mit Mensch
und Welt, im Mittelpunkt des Kunststudiums
stehen.“
Zum Ende seiner Lehrtätigkeit war in
Wuppertal die vorläufi ge Bilanz seines
fotografi schen Lebensweges als offene
Ausstellung zu sehen. Der am 30.10.09
emeritierte Lehrer und Fotokünstler zeigte
erstmalig in einer Werkschau Bilder seiner
über ertragreiche Jahrzehnte intensiv
betriebenen fotografi schen Studien.
Rainer K. Wick erzählt mit seinen
Bildern Geschichten, reizt gelegentlich
zur Auseinandersetzung. Die Fotografi en
Wicks überzeugen durchweg durch den
ästhetischen, oft beinahe sachlichen Blick
auf das Gezeigte. Prof. Dr. Rolf Sachsse,
Fototheoretiker und Designhistoriker aus
Saarbrücken: „Wer wie Rainer K. Wick
beinahe alles über eine bedeutende Kunstschule
wie das Bauhaus und dessen päd-

26
agogische Konzepte weiß, und wer damit
auch weiß, was die Fotografi e für diese
Schule bedeutete, der kann nicht umhin,
sowohl selbst zu fotografi eren als auch
die dabei entstandenen Aufnahmen in
den Zusammenhang seiner Forschungen
und Hochschullehre zu stellen.“ Wick ist
Zeit- und Kulturzeuge, ein Chronist, der
Fluxus und Grenzüberschreitungen erlebt,
Menschen und Ideen im Bild festgehalten
hat. Wer seine Portraits von ganz normalen
Menschen aus Kulturkreisen rund um
die Erde sieht, seine bei mitunter Wucht
dennoch zärtlichen, ästhetischen Akte
und seine von der Liebe zum Augenblick
erzählenden Schatten- und Konturen
muß dahinter einen stillen Poeten mit der
Kamera vermuten. Sicher liegt man da
nicht falsch.
Als Dokument dieser schwarz-weißen
fotografi schen Bilanz erschien ein hohen
Ansprüchen genügender Bildband, der
den Bogen über mehr als 40 Jahre sensibler
Arbeit mit der Kamera, vor allem
aber mit dem Auge und dem Herzen
zeigt. „Korrespondenzen“ ist der von Rolf
Sachsse ausgewählte und im Verlag Müller
+ Busmann erschienene Band betitelt,
der wie die Hängung der Ausstellung
logische und überraschende Gegenüber
zeigt. Mal ist es wie auf dem Titel die
Begegnung von ungegenständlichem
Licht- und Schattenspiel mit einem strengen,
doch zauberhaften Akt, dann wieder
ergänzen sich Portraits von Personen der
künstlerischen Zeitgeschichte, Reiseimpressionen
aus Asien und Südamerika
und architektonische Details. Die kühle
Erotik der Akte trifft auf Foto-Graphik
oder Entsprechungen der Kulturgeschichte,
Gestern begegnet Heute. Das Buch
gehört in jede anständige Bibliothek mit
Gewicht auf die zeitgenössische Fotografi
e.
Das „Sonntagsfoto“ aus diesem schönen
Band, erscheint regelmäßig im
Online-Kulturmagazin „Musenblätter“
www.musenblaetter.de
Frank Becker
Fotos: Rainer K. Wick
Rainer K. Wick - Korrespondenzen
© 2009 Verlag Müller + Busmann, 160
Seiten mit 144 ganzseitigen Tafelabbildungen
- Format 16 x 21 cm, 19,80 Euro
ISBN: 978-3-928766-92-0
Es erscheint eine Vorzugsausgabe in 50
Exemplaren mit zwei Originalfotos, arabisch
nummeriert und signiert, zum Preis
von 60,– Euro. Wick@uni-wuppertal.de

Von der Heydt-Museum
Meisterwerke
vom Expressionismus bis heute
Franz Marc, Fuchs, 1911
Öl auf Leinwand, 50 x 63 cm
Retour de Paris
Mit der Ausstellung „Retour de Paris“
kehrt die Sammlung ins Von der Heydt-
Museum zurück. Während in Wuppertal
die Monet-Ausstellung im Mittelpunkt
stand, fanden Meisterwerke aus der Von
der Heydt-Sammlung in den zurückliegenden
Monaten immer wieder als
Werbemotive Verbreitung: Mit dem
Fuchs von Franz Marc warb das Sprengel
Museum in Hannover für seine Ausstellung
„Marc, Macke und Delaunay“
, Das „Selbstbildnis als Krankenpfl eger“
von Max Beckmann wurde im Madrider
Museum Thyssen-Bornemisza für
die Ausstellung „1914. Die Avantgarde
und der große Krieg“ publikumswirksam
eingesetzt. Das Musée Marmottan
Monet, Paris, zeigte parallel zu unserer
Monet-Schau 40 expressionistische Werke
unseres Museums unter dem Titel „Fauves
et Expressionnistes. Chefs d’oeuvre du
Musée von der Heydt“. Das „Mädchen
mit Pfi ngstrosen¡ von Jawlensky war
großformatig am Museumsgebäude zu
sehen. Nachdem die Ausstellung unserer
Meisterwerke in Paris mehr als 100.000
Besucher angelockt haben, sind die
Fauvisten und Expressionisten nun wieder
zurück, für die das Von der Heydt-Museum
berühmt ist!
Seit dem 2. April ist wieder eine Auswahl
hochkarätiger Werke aus eigenem
Besitz zu sehen. Lag der Schwerpunkt der
Sammlungspräsentation im zurückliegenden
Jahr auf Werken des 19. Jahrhunderts,
so erweist sich die aktuelle Neupräsentation
nun für den Besucher als Zeitreise
durch die Kunst des 20. Jahrhunderts.
Die chronologische Hängung beginnt mit
27

28
Cézanne, Gaugin und van Gogh. Es folgen
die Fauvisten und deutschen Expressionisten.
Nicht allein die Franzosen oder
der ausgezeichnete Bestand an expressionistischer
Malerei und Grafi k machen aber
den Ruhm der Von der Heydt-Sammlung
aus. Gerade auch die Malerei, die zwischen
den beiden Weltkriegen entstand, ist
in einer Vielfältigkeit zu erleben, wie sie in
kaum einem anderen Museum zu fi nden
ist. Die Maler der Neuen Sachlichkeit
gehören dazu, darunter Otto Dix, Georg
Scholz oder Heinrich Maria Davringhausen,
die Gemälde aus dem Künstlerkreis
der Kölner Progressiven genauso wie die
verschiedenen Konzepte gegenstandsloser
Kunst.
Im Shed-Saal wird die Malerei der fünfziger
Jahre (Nay, Schumacher, Brüning)
mit den vielen Variationen fi gurativer und
abstrakter Malerei konfrontiert, die in der
2. Jahrhunderthälfte entstand. Klapheck,
Robert Indiana, Warhol und Polke gehören
hier zu den illustren Namen. Und es
sind natürlich viele der großen, singulären
Künstlerpersönlichkeiten, die sich
jeder Kategorisierung, entziehen: Max
Beckmann steht für die erste Jahrhunderthälfte,
Francis Bacon für die zweite, und
weder auf die erste noch auf die zweite
Jahrhunderthälfte lässt sich Picassos
Oeuvre festlegen.
Es ist auch im vergangenen Jahr gelungen,
die Sammlung zu erweitern. Erstmalig
wird das Gemälde von Otto Dix „Wald
am Morgen“ präsentiert, entstanden 1940
am Bodensee, wohin Dix, der unter den
Nazis als „entarteter Künstler“ galt, sich
ab 1936 zurückgezogen hatte. Das Gemälde
wurde dem Museum erst kürzlich
aus Privatbesitz geschenkt. Eine Auswahl
von Arbeiten Otto Dix’ aus der grafi schen
Sammlung erweitert den Einblick in das
Schaffen dieses engagierten Künstlers.
Und noch ein weiterer Schatz der grafi -
schen Sammlung, der an andere Museen
ausgeliehen war, ist wieder ausgestellt: die
Aquarelle von Paul Klee.
Die erste Dekade des 21. Jahrhunderts
spiegelt sich in weiteren Neuankäufen
und Dauerleihgaben. Dazu gehören
Stücke aus dem bereits im vergangenen
Jahr gezeigten „Klaus Rinke-Block“,
sowie die Künstler Henrik Schrat, Daniel
Behrendt, Daniel Lergon, Jan Albers und
Tilo Baumgärtel. Bei der Heterogenität
heutiger Kunst legitimiert sich das Konzept,
die Sammlungserweiterung auf den
bereits im Museum vertretenen Richtungen
von Figuration und Abstraktion
aufbauen zu lassen.
Ausstellung: 2. 4.2010 - 1. 8.2010
Zur Neupräsentation ist ein neuer Publikumsführer
erschienen
Edvard Munch
Mädchen mit rotem Hut, um 1905
Öl auf Holz, 58 x 46,5 cm

Verbannt in die Landschaft
Otto Dix in der inneren
Emigration am Bodensee
Otto Dix, Wald am Morgen, 1940,
Mischtechnik aus Holz, 100x75 cm
© VG Bild-Kunst, Bonn 2010
Mit dem Bild „An die Schönheit“ (1922)
besitzt das Von der Heydt-Museum eines
der bekanntesten Werke von Otto Dix. In
der aktuellen Präsentation der Sammlung
ist es mit zwei weiteren Gemälden zu
sehen: Dem Bildnis des Elberfelder Juweliers
Karl Krall (1923) und einem Bild,
dass erstmalig öffentlich gezeigt wird. Der
„Wald am Morgen“ von 1940 (Mischtechnik
auf Holz, 100 x 75 cm) ist eine der
prominentesten Neuerwerbungen für die
Sammlung.
Das künstlerische Lebenswerk von Otto
Dix (1891 Untermhaus bei Gera – 1969
Singen/Hohentwiel) ist vielseitig und durch
überraschende Wandlungen gekennzeichnet.
In den zwanziger Jahren entwickelte
Dix, einer der Hauptvertreter der Neuen
Sachlichkeit, unter dem Eindruck der
sozialen Probleme der Weimarer Republik
seinen veristischen Realismus. Neugierig
auf das „elementare Ereignis Krieg“ hatte
er sich 1914 freiwillig als Soldat gemeldet:
„Der Krieg war eine scheußliche Sache,
aber trotzdem etwas Gewaltiges. Das durfte
ich auf keinen Fall versäumen. Man muss
den Menschen in diesem entfesselten Zustand
gesehen haben, um etwas über den
Menschen zu wissen.“ Als Frontsoldat in
Flandern, Frankreich, Polen und Russland
erlebte Dix den Krieg aus nächster Nähe.
Einerseits fasziniert, andererseits schockiert
vom Inferno der Gewalt verarbeitete er
seine Erlebnisse in Bildern wie „Der Schüt-
29

30
zengraben“ (1923) und in der Radiermappe
„Der Krieg“ (1924).
Nach den Erfahrungen der Kriegshölle
war Dix desillusioniert und nicht bereit,
sich ideologisch einspannen zu lassen: „Ich
schloss mich keinem politischen Programm
an, ertrug wahrscheinlich diese Phrasen
nicht. Wenn die nur kamen und uns was
erzählen wollten, war es schon aus bei mir.“
Er hatte die „Untiefen des Lebens“ gesehen,
das dämonische Wesen des Menschen
durchschaut und war zugleich überzeugt
von der Kraft der menschlichen Instinkte.
Mit seiner drastischen, expressiven Schilderung
der Realität setzte er den bürgerlichen
Wertvorstellungen das Vitalitätsprinzip des
Hässlichen entgegen.
In der Konfrontation mit dem Hässlichen
offenbarte Dix die Zwiespältigkeit und
existenzielle Spannung des Daseins. Im
Hinterhofmilieu und im Nachtleben der
Großstadt fand er eine Fülle von Anregungen
für gesellschaftskritische Themen, u.
a. für seine Bordellbilder. Auch begegnete
er im Großstadtmilieu proletarischen
Typen und Vertretern der Bohème, die
ihn als Modelle für Porträts interessierten.
Mit seziererischem Blick durchleuchtete
Dix die von gesellschaftlichen Gegensätzen
geprägten Verhältnisse der „goldenen
Zwanziger“ und entwickelte hierbei eine
besondere Vorliebe für die Darstellung
des Dekadenten und Morbiden. Für seine
sorgfältige und detaillierte, sogar überdeutliche
Wiedergabe der stoffl ichen Erscheinung
orientierte er sich an den alten
Meistern Baldung Grien, Cranach, Dürer
und Grünewald. Von ihnen übernahm er
um 1925 auch die bis etwa 1945 beibehaltene
Kombination aus Temperamalerei
und Lasurtechnik.
Nach Stationen in Düsseldorf und Berlin
trat Dix 1927 eine Professur an der Akademie
in Dresden an. So kam er in die Stadt
zurück, wo er seine künstlerische Laufbahn
1910-14 zunächst als Schüler an der
Kunstgewerbeschule begonnen und dann
1919-22 als Student an der Kunstakademie
fortgesetzt hatte. 1933 wurde Dix von der
nationalsozialistischen Regierung seines
Lehramtes mit der Begründung enthoben,
„dass sich unter seinen Bildern solche befi nden,
die das sittliche Gefühl des deutschen
Volkes aufs schwerste verletzen und andere,
die geeignet sind, den Wehrwillen des deutschen
Volkes zu beeinträchtigen.“ 1934
erhielt er Ausstellungsverbot. Ende 1933
zog Dix sich zunächst auf Schloss Randegg
bei Singen im Hegau zurück, bevor er sich
1936 in Hemmenhofen bei Radolfzell am
Bodensee niederließ. Er behielt jedoch
weiterhin ein privates Atelier in Dresden,
das mit den dort befi ndlichen Bildern die
Zerstörungen des Zweiten Weltkriegs überstand.
Bei den Aktionen der „entarteten
Kunst“ 1937 und 1938 wurden zahlreiche
Werke von Dix beschlagnahmt, ein Teil
davon wurde 1939 im Hof der Feuerwache
in Berlin verbrannt. Der „Schützengraben“,
1937 als „gemalte Wehrsabotage“ in der
Ausstellung der „Entarteten Kunst“ in
München gezeigt, war 1939 vermutlich
nicht von dem Autodafé betroffen, gilt
jedoch seitdem als verschollen.
Als Reaktion auf den Druck der politischen
Ereignisse und die Verfolgung seiner
Kunst vollzog Dix einen Wandel in der
Wahl seiner Themen. Neben einzelnen
religiös-allegorischen Kompositionen, wie
dem im Dresdner Atelier zurückgelassenen
Gemälde „Die sieben Todsünden“ (1933)
mit Hitler als symbolischer Figur des
Neides, schuf er, angeregt durch die malerischen
Stimmungen am Bodensee, auf der
Höri und im Hegau, zahlreiche Landschaftsbilder.
Weitere Anregungen fand er
bei Reisen ins böhmische Mittelgebirge
und ins Riesengebirge. Die Komposition
und die Malweise seiner Landschaftsbilder
zeigen wiederum enge Anlehnungen an
die altdeutschen Meister, an Albrecht Altdorfer
und die Donauschule, sowie auch
Anspielungen auf Caspar David Friedrich
und die Malerei der deutschen Romantik.
Die Hinwendung zur Landschaftsmalerei
war für Dix keine freiwillige Entscheidung,
sondern – mangels der Gelegenheit
zu „Deutungen von Menschen“, die ihn
mehr interessiert hätten – der Weg in die
innere Emigration. Er sei in die Landschaft
„verbannt“ worden, sagte er später:
„Ein schönes Paradies. Zum Kotzen schön
… Die Schönheit der Natur, in die ich
verbannt bin; ich gehöre doch gar nicht
dahin … ich müsste in der Großstadt sein.
Ich stehe vor der Landschaft wie eine Kuh.“
Mit Streifzügen durch die Natur und über
zeichnerische Erkundungen mit Feder und
Silberstift näherte er sich der Landschaft innerlich
an. In seinen Gemälden verband er
reale Landschaftsmotive mit Erfi ndungen
der Phantasie. Dix wollte die Landschaft
nicht abbilden, sondern strebte nach Steigerung
und Überhöhung der Wirklichkeit.
Darüber berichtet er 1939: „Ich scheue
mich heute nicht, die Ufer des Bodensees
mit Felsen und Gebirgen zu versehen, die
es hier gar nicht geben kann. Aber schließlich
ist der künstlerische Ausdruck das
wesentliche, nicht die ‚Naturwahrheit‘.“
Zu unserem Bild wurde Dix wohl im Wald
von Hemmenhofen inspiriert. Neben dem
„Wald am Morgen“ entstand im selben
Jahr auch ein Bild „Wald am Abend“. Die
Reihe der Waldlandschaften hat Dix noch
bis 1942 fortgesetzt. Bewusst hat er hierfür
„starke dunkle Farben“ gewählt und dabei
„das Grün aus dem Blau (Himmel) entwickelt“.
Wie durch die Lupe betrachtet, sind
Wurzeln, Äste, Blätter, Gräser und Farne in
ihren Einzelheiten erfasst. Mit dem „Wald
am Morgen“ malte Dix eine geheimnisvolle
Landschaft, die zugleich verschlossen
wirkt und Unheimliches zu bergen scheint.
Tatsächlich schimmern durch die Linien
und Konturen von Gräben und Felsen,
von Astwerk, Laub und Wurzeln entfernt
Erinnerungen an die bizarren Formationen
der zerfetzten Leiber von toten Soldaten
und der aufgewühlten Erde auf den
Schlachtfeldern des Ersten Weltkriegs. Mit
den Landschaftsbildern wollte Dix wohl
nicht nur sein inneres Refugium gestalten,
sondern durch die trügerische Idylle
gleichzeitig auf die aktuelle Bedrohung der
Welt hinweisen. Möglicherweise sah er in
die Landschaft innere Bilder hinein: die
paradiesische Natur als Schauplatz einer
neuen Apokalypse – ein alptraumhaftes
Szenarium.
Neben den Phantasielandschaften hat
Dix häufi ger Ansichten der Ortschaften
Randegg, Hemmenhofen, Allensbach
und Reichenau sowie den Blick über
den Untersee auf das gegenüberliegende
Schweizer Ufer mit den Dörfern Mammern,
Steckborn und Berlingen gemalt.
Kennzeichnend für seine Auffassung
dieser Landschaftsansichten ist ebenfalls
die geradezu unwirklich-romantische
Stimmungshaftigkeit der Natur.
„Wald am Morgen“ wurde dem Museum
Anfang 2010 geschenkt. Es befand sich
seit 1940 in Privatbesitz, zunächst in Köln,
dann in Wülfrath, und war in dieser Zeit
nie öffentlich ausgestellt.
Antje Birthälmer

Leben auf dem Sprung.
Hanna Lemke:
„Gesichertes“.
Ein überraschendes literarisches
Debüt.
Hanna Lemke, Foto: Markus Schädel
»Was ich von Beruf bin?«, wiederholte ich. Ich wollte fast lachen, so altmodisch kam mir
die Frage vor. Ich fragte eher, und wurde immer nur gefragt: »Was machst du?«, was auch
nicht besser klang; die Frage eines Kindes auf der Suche nach einem anderen, das sich
weniger langweilt als es selbst.
Marcels Grinsen sah aus wie auf Stillstand geschaltet, als hätte er eben einen Witz erzählt
und würde darauf warten, dass ich die Pointe verstand. Erst in dem Moment begriff ich,
dass es ein Witz war, einer auf Franks Kosten, auf seinen Versuch, ein Gespräch zu eröffnen,
und wie um den Witz weiterzuerzählen, sagte ich: »Ich bin Sekretärin.«
Dieser kurze Dialog zwischen drei Menschen,
die sich in einer Berliner Kneipe
treffen, hätte im Wohlstandsdeutschland
der 1960er und 70er Jahre auch nach noch
längerem Nachsinnen niemals ein Witz
sein können. Damals liefen die Stellenan-
gebote jungen, gut ausgebildeten Leuten
nur so hinterher, was aus heutiger Sicht fast
unglaublich erscheint. Die Frage nach dem
Beruf wäre kaum verfänglich gewesen und
hätte bloß Interesse signalisiert. In heutigen
Zeiten des massiven Stellenabbaus in
31

32
nahezu allen Bereichen stellt jedoch selbst
die offenere, nicht allein auf den Beruf
bezogene Frage nach dem, was man denn
so macht, ein gefährliches Mienenfeld dar,
drohen Jobverlust und Arbeitslosigkeit doch
Menschen aller Schichten und Altersstufen.
Mit der mangelnden fi nanziellen und
gesellschaftlichen Anerkennung oder der
intellektuellen Unterforderung der Tätigkeit,
mit der man recht oder schlecht den
Lebensunterhalt zu verdienen versucht, geht
unweigerlich die Abwertung des eigenen
berufl ichen Tuns durch das Allerweltswort
„machen“ einher. Längst nicht mehr trifft es
nur die sogenannte Generation Praktikum,
die sich nach dem Abschluss des Studiums,
das heute standardmäßig mit Auslandsaufenthalten
und ersten Erfahrungen in der
Praxis des angestrebten Berufs einhergeht,
von einem unbezahlten Arbeitseinsatz zum
anderen hangeln.
Aus jener Generation der Endzwanziger
stammen jedoch die Protagonisten des
Erzählbandes „Gesichertes“ von Hanna
Lemke, die in 18 kurzen Geschichten von
mehr oder weniger fl üchtigen Begegnungen
berichtet, wie sie etwa auf Partys, zwischen
Mitbewohnern in Zweck-WGs und zufällig
gemeinsam im Zug Reisenden typisch sind,
deren Wege sich kreuzen und dann wieder
auseinander gehen. Das Debüt der 1981 in
Wuppertal geborenen Schriftstellerin trifft
damit das Lebensgefühl von jungen Erwachsenen
heutiger Zeit sehr genau, doch ist das
Buch auch für ältere Leser spannend, die
nicht gerade neugierig darauf sind, die Welt
noch einmal mit den Augen jener zu sehen,
welche den größten Teil des Lebens noch
vor sich haben. Denn was Lemke in ihrer
sehr klaren, konzentrierten Sprache wie im
oben zitierten Dialog zu fassen vermag, betrifft
letztlich Menschen jeden Alters: Im Fokus
der teils nur wenige Seiten umfassenden
„Stories“ steht die Auswirkung fehlender,
unklarer oder gescheiterter Lebensentwürfe
auf zwischenmenschliche Beziehungen. Die
Instabilität von Identitäten, Beziehungen,
Arbeits- und Wohnverhältnissen ist zu Beginn
der Erwachsenenlebens zwar besonders
virulent – und ihrer vermeintlich größeren
Freiheit wegen vielleicht auch (noch)
gewollt, sie betrifft in einer sich dramatisch
wandelnden Gesellschaft wie der unsrigen
jedoch eine breite Leserschaft. Die Frage, ob
es das jetzt gewesen ist, was man da eigent-
lich macht, stellt sich nicht nur mit 25, und
die Erkenntnis, dass die Designerküche mit
Mann und Kind kein Garant für Glück ist,
kann auch noch mit 45 kommen. Tatsächlich
geht es in „Gesichertes“ um eine
existenzielle Unsicherheit, die dem Leben
grundsätzlich zu eigen ist, im funktionierenden
Sozialstaat der letzten Jahrzehnte
jedoch, zumindest in berufl icher Hinsicht,
beinahe in Vergessenheit geriet.
In wenigen Worten das Wesentliche zu
sagen und dennoch einen starken erzählerischen
Sog zu erzeugen, macht das große
literarische Talent Hanna Lemkes aus.
Dabei sind es die Zwischentöne, auf die sich
Lemke so gut versteht, um das Verhältnis
der Protagonisten zueinander präzise zu
charakterisieren, ohne das Eigentliche je zu
benennen. In der Tradition amerikanischer
Kurzgeschichten stehend, sind die Geschichten
wie beiläufi g aus dem Leben gegriffen,
obwohl sie im höchsten Maße konstruiert
sind. „Ich habe immer geglaubt, meine
Geschichten seien nicht erzählenswert“, gibt
Lemke freimütig zu, „es war anstrengend,
mich dazu durchzuringen, dass sie ihre
Daseinsberechtigung haben.“ Dass dem
so ist, belegen allein schon ihre sorgfältig
komponierten ersten Sätze, mit denen
Lemke direkt ins Herz der Geschichte führt
und gekonnt die Neugier ihrer Leser weckt.
So lakonisch und alltäglich die im Laufe der
Erzählung dicht gewebten Dialoge zwischen
den Protagonisten zunächst auch wirken,
handelt es sich tatsächlich um höchst
kunstvolle, doch niemals künstlich wirkende
Wortwechsel, deren literarische Qualität
gerade in ihrer Bruchstückhaftigkeit liegt.
Akribisch feilt Lemke so lange an jedem
einzelnen Satz, bis nichts hinzuzufügen
noch wegzunehmen ist, um das Gemeinte
treffend zum Ausdruck zu bringen. Der
Grad der Konzentration, den die Autorin
so erreicht, vergegenwärtigt die emotionale
Komplexität menschlicher Beziehungen
und lässt ihre Figuren ungeachtet der Kürze
der Textform außerordentlich plastisch
hervortreten. Trotz aller Reduktion steht
Lemke auch dem Pathos nicht abweisend
gegenüber, doch tritt es in wohltuend zurückhaltendem,
manchmal auch ironischem
Gewand auf.
In dieser schriftstellerischen Reduktion
belässt Hanna Lemke viel Raum für die ei-
genen Deutungen ihrer Leser. Die wenigen,
eindringlichen Sätze am Ende ihrer Erzählungen
lassen den Ausgang des Geschehens
meist offen, sie stellen einen neuen Anfang
dar, aus dem jeder und jede eigene Schlüsse
zur weiteren Entwicklung der Figuren ziehen
kann. Selbst das Geschlecht des erzählenden
Ichs ist – wie das einer von Hanna Lemkes
Figuren – nicht eindeutig festgelegt, so dass
selbst männliche Leser, wie die Kritik eines
Rezensenten zeigt, sich mit der Erzählstimme
identifi zieren können. Zwar entsprechen
die Kurzgeschichten deutlich der Erfahrungswelt
der in Berlin lebenden Lemke,
doch handelt es sich keineswegs um eigene
Erlebnisse oder Vorbilder aus dem Freundes-
und Bekanntenkreis, die sie literarisch
verarbeiten würde. Alle Situationen sind
ausgedacht und entspringen ihrer Vorstellungskraft,
auch wenn es sich um Themen
handelt, über die sie viel nachdenkt. „Ich
mag das Gefühl am Schreibtisch zu haben,
dass mir alles gerade einfällt“, erläutert
Lemke ihre Arbeitsweise. Den Geschichten
liegen zwar Situationen, Stimmungen und
Gefühle aus ihrem eigenen Erleben zugrunde,
die sie sensibel registriert, um sie in eine
literarische Form umzuwandeln, mit deren
Erzählerin sie nicht vollständig identisch ist.
Doch dem autobiographischen Schreiben
steht sie kritisch gegenüber, weil dafür nur
die Realität als Maßstab gilt, nicht aber
die literarische Qualität des Textes selbst.
Neben Anregungen aus dem Hauptstadtleben
orientiert sich Lemke jedoch auch
an literarischen Vorbildern. So stellen die
reduzierten Kurzgeschichten des Schweizers
Peter Stamm einen wichtigen Impuls für ihr
Schaffen dar.
So ungewöhnlich gefestigt der literarische
Stil Hanna Lemkes schon jetzt erscheint,
verlief ihr bisheriger Lebensweg nicht immer
in gesicherten Bahnen. Nach dem Abitur am
Wuppertaler Gymnasium Kothen ging sie
zunächst nach Siegen, um an der dortigen
Universität ein literaturwissenschaftliches
Studium zu beginnen. Als sie dort an einer
Schreibwerkstatt teilnahm, wurde ihr
klar, dass ihre Leidenschaft dem eigenen
Schreiben gilt. Sie brach das Studium
ab und bewarb sich am renommierten
Deutschen Literaturinstitut in Leipzig.
Über das mühelose Bestehen der dortigen
Aufnahmeprüfung freute sie sich riesig, und
auch wenn das Studium dort nur „so la la“

gewesen sei – gelernt hat sie dort trotzdem
etwas: die intensive Arbeit an eigenen und
fremden Texten hat ihr Lese- und Schreibkompetenz
vermittelt, wovon sie für das
literarische Schreiben neben ihrer Empfi ndsamkeit
für Menschen und Situationen sehr
profi tiert. Mit dem Diplom in der Tasche
nach Wuppertal zurückzukehren, kam für
Lemke allerdings nicht infrage, auch wenn
sie die Stadt sehr mag und allein durch den
guten Kontakt zu ihren Eltern noch mit
ihr verbunden ist. „In Berlin fühle ich mich
einfach besser aufgehoben, ich habe dort
mittlerweile ein Netzwerk und es gibt Orte,
die für mich sehr wichtig sind“, meint Lemke
zu diesem Thema. Verständlich, denn
nicht zuletzt gibt es noch andere Wuppertaler
Schriftstellerinnen, die ihre literarische
Karriere von Berlin aus begonnen haben
– auch wenn Hanna Lemke mit ihrem
erfrischend unkoketten Lachen ablehnen
würde, sie trete in die Fußstapfen von jemandem
wie Else Lasker-Schüler. Sicher ist
allerdings, dass ihr verheißungsvolles Debüt
auch auf das nächste Buch hoffen lässt, an
dem Lemke bereits arbeitet.
Susanne Buckesfeld
Hanna Lemke: „Gesichertes“
Antje Kunstmann Verlag, München 2010
17,90 EUR
Unsere Kulturförderung
ist gut für die Sinne.
Hanna Lemke
Geboren 1981 in Wuppertal, lebt in Berlin.
2002-2006 Studium am Deutschen Literaturinstitut
in Leipzig.
2005 Teilnahme am 13. open-mike Literaturwettbewerb
der Literaturwerkstatt
Berlin.
2006 Stipendium in der Autorenwerkstatt
des Literarischen Colloquiums Berlin.
2007 Stipendiatin des Klagenfurter Literaturkreises.
Veröffentlichungen (Auswahl):
Die Verstecke. In: Tippgemeinschaft.
Jahresanthologie der Studierenden des
Deutschen Literaturinstituts 2003.
Valvoline 2003.
Manila. In: Tippgemeinschaft. Jahresanthologie
der Studierenden des Deutschen
Literaturinstituts 2004. Valvoline 2004.
Kachori. In: Kanal 4. Literatur im Zug.
Hessischer Rundfunk. November 2004.
Gesichertes. In: 13. open mike. Internationaler
Wettbewerb junger deutschsprachiger
Literatur der Literaturwerkstatt
Berlin. Allitera 2005.
Stella. In: Sprache im technischen Zeitalter.
Heft 181, 2007.
Kunst und Kultur prägen die gesellschaftliche Entwicklung. Die Sparkassen-Finanzgruppe ist der größte nichtstaatliche
Kulturförderer Deutschlands. Auch die Stadtsparkasse Wuppertal ist ein wichtiger Partner für Kunst
und Kultur in unserer Stadt. Das ist gut für die Kultur und gut für Wuppertal. www.sparkasse-wuppertal.de
Sparkasse. Gut für Wuppertal.
S
33

34
Eingeladen
aus Hanna Lemke „Gesichertes“
Antje Kunstmann Verlag
Als Holm versuchte, mir zu erklären,
wovor er Angst hatte, erzählte er eine
Filmszene nach. »Da ist also dieser
Mann«, sagte er. »Er kommt nach Hause,
als Zuschauer weiß man schon, er lebt
allein. Der Mann zieht seine Jacke aus,
geht in die Küche, öffnet die Balkontür.
Es sieht ganz normal aus, als würde er das
immer so machen, wenn er heimkommt.
Und er setzt Wasser auf, steht vor dem
Wasserkocher, wartet. Dann geht er zum
Balkon. Und geht auf den Balkon und
springt. Er springt runter«, sagte Holm,
»er springt über die Balkonbrüstung,
als wäre das eine leichte Hürde, einfach
so. Einfach so.« Wir saßen im Dunkeln
vor Holms Laden, und ich lauschte auf
Holms heisere Stimme; wie alles, was er
sagte, immer kleiner wurde, bevor es in
der Nacht verschwand. Er hatte ganz von
alleine angefangen zu erzählen, in einem
ruhigen, schweren Tonfall. Ich hatte ihn
noch nie so lange reden gehört.
Im Winter hatte Holm einen Zettel
in sein Ladenfenster gehängt: Aushilfe
gesucht. Es war mir im Vorübergehen
aufgefallen, der Zettel blieb noch tagelang
hängen. Von meinem Küchenfenster
aus konnte ich Holms Laden sehen, der
eingerichtet war wie ein Wohnzimmer,
mit zwei dunkelgrünen Sofas, Sesseln und
einer altmodischen Schrankwand. Ich
hatte Holm schon oft dort gesehen, wenn
er abends auf einem der Sofas lag und es
dunkel wurde. Im Laden war meist noch
Fernseherlicht, spät erlosch auch das.
Aber Holm verließ den Laden nicht.
»Wofür brauchst du eine Aushilfe?«, fragte
ich, als ich den Laden betrat, zum ersten
Mal überhaupt. Ich hatte Holm wieder
auf dem Sofa liegen gesehen, jetzt stand
er auf. Er deutete um sich, in den Raum
hinein.
»Für den Laden«, sagte er.
»Das ist ein Laden?«, fragte ich.
»Es soll sogar ein Café sein«, sagte er.
»Aber hier ist doch nie jemand«, sagte ich.
»Doch, manchmal ist hier jemand«, sagte er.
»Wer denn, du?«, fragte ich.
»Ja, ich«, sagte Holm.
Er schaute mich an, als wolle er, ohne zu
fragen, etwas über mich herausfi nden,
und ich entschloss mich, nichts mehr zu
sagen, bis er was auch immer über mich
entschieden hätte. Er hatte etwas an sich,
das mir gefi el. Er wirkte übermüdet und
überlegen, und ich wusste nicht, was es
war. »Ich will, dass immer jemand hier
ist«, sagte er schließlich.
Er ging nach hinten, neben der Schrankwand
war eine Tür, die er öffnete.
»Komm«, sagte er, »ich zeige dir den
Rest. Das ist nämlich meine Wohnung«,
sagte er, als wir auf dem Flur hinter dem
Ladenraum standen. Er klang selbst
nicht ganz überzeugt davon in diesem
Moment, aber dann öffnete er die Tür
zu einem weiteren Raum, in dem ich ein
Bett stehen sah. Holm zeigte mir auch das
winzige Bad und die Küche. »Komm«,
sagte er wieder, auf dem Küchentisch
stand ein Monster von italienischer
Kaffeemaschine, die Holm mit ruhigen
Handgriffen bediente, so langsam, als
solle es eine Vorführung für mich sein.
»Zucker?«, fragte er und gab mir, obwohl
ich den Kopf schüttelte, drei Löffel in den
Kaffee.
»Bist du interessiert an dem Job?«, fragte
er, er dehnte das Wort, Jooob, als wolle
er sich damit über irgendetwas lustig
machen, und ich war mir nicht sicher,
vielleicht über mich. »Wie sieht es denn
aus mit dem Geld?«, fragte ich. »Wie viel
brauchst du?«, fragte er. »Zehn Euro die
Stunde?«, fragte ich. Ich dachte nicht,
dass er Ja sagen würde. »Wann kannst du
anfangen?«, fragte er noch, und schwieg,
als ich sagte: »Ich weiß immer noch nicht
so recht, wofür du eigentlich eine Aushilfe
brauchst. Sofort«, sagte ich dann.
Holm hatte kleine blaue, immer müde
Augen, er sah immer leicht beunruhigt
aus und angegriffen und so, als ginge er
etwas nachlässig um mit sich selbst. Er
war heiser oder verschnupft, fi ebrig oder
hustete, er trug meistens einen Schal und
saß auf dem Sofa wie einer, der sich gerade
wirklich ausruhen muss. Die grauen
zwischen seinen aschblonden Haaren,
die Falten auf seiner Stirn waren nicht zu
übersehen.
Drei Abende die Woche war ich in Holms
Laden; am Anfang blieb er oft für eine

halbe Stunde bei mir. Dann war es, als
wäre ich sein Gast und Holm sehr besorgt
um mein Wohl, er brachte mir zu trinken
und Schokoladenkekse und, einmal,
Sandwichs mit Avocado- und Thunfi schpaste.
Im Mülleimer in der Küche sah ich
später die abgeschnittenen Toastbrotränder
liegen, und ich fühlte plötzliches
Mitleid, als ich an Holm dachte, wie er
am Küchentisch saß und die Sandwichhälften
behutsam aufeinanderpresste. Er
gab mir den Schlüssel zum Laden, damit
ich abschließen konnte, wenn ich ging;
er gab mir auch den Schlüssel zur Kasse,
einer kleinen Schatulle mit Schloss, die
hinter einer der Bücherreihen im Regal
lag. »Nimm dir dann einfach, was du
brauchst«, sagte er. Es war klar, dass er
nicht weiter über Geld reden wollte, und
die Kasse war immer gut gefüllt.
Allein im Laden versuchte ich mir
vorzustellen, dass es mein Wohnzimmer
wäre, es gelang mir ganz gut, mit der Zeit
bestens. Weil ich keinen eigenen Apparat
hatte, schaute ich bei Holm viel fern, ich
hörte mich durch seine CDs, ich mochte
die dunkelgrünen Sofas, in denen man
schnell versank. Es lag immer eine Decke
bereit für den Fall, dass ich fror, an der
Kühlschranktür hing der Zettel vom
Pizzaservice. Ich erzählte niemandem von
Holm, von meinem Job bei ihm. Ich hätte
nicht gewusst, was ich dazu hätte sagen
sollen; dass ich allein fürs Herumsitzen
bezahlt wurde, wäre mir in dem Moment
wie etwas sehr Fragwürdiges vorgekommen.
Ich hatte keine Ahnung, wo Holm
seine Abende verbrachte. Niemand kam
in den Laden, wenn er nicht da war, auch
das Telefon klingelte nicht. »Ich will, dass
immer jemand hier ist«, hatte er gesagt,
und offensichtlich war das der ganze
Zauber.
Manchmal trafen wir uns noch, wenn er
zurückkam, bevor ich ging. »Alles klar?«,
fragte er mich, und ich sagte: »Klar«, ich
sagte: »Alles bestens«, ich sagte: »Wie
sollte es anders sein.« Holm sah erschöpft
aus, mehr noch als sonst, und er winkte
nur ab, wenn ich fragte: »Und bei dir?« Er
ließ sich auf das Sofa fallen, er sagte mit
geschlossenen Augen: »Du kannst jetzt gehen«,
als würde er mich aus einer Pfl icht
entlassen, dankbar, und trotzdem fühlte
ich mich wie weggeschickt. Ich begann,
tagsüber in den Laden zu gehen. Ich ging,
wenn ich vermutete, dass Holm nicht da
war, ich ging, sagte ich mir, nur um einen
Kaffee zu trinken, um in der Küche nach
Schokoladenkeksen zu suchen, um mich
ins Schaufenster zu stellen und ein wenig
auf die Straße zu schauen. Ab und an sah
ich dort zwei Mädchen im Grundschulalter,
sie wohnten in der Nachbarschaft
und spielten auf dem Gehsteig, ihre Rufe
drangen auch zu mir, wenn ich in meiner
Wohnung war. Sie schauten mich an,
als hätte ich mich zu ihrer Beurteilung
ausgestellt, und als ich ihnen zuwinkte,
lachten sie nur und rannten davon. »Du
bist da?«, fragte Holm, als er mich das
erste Mal außerhalb der Zeiten im Laden
antraf. Er sah erstaunt aus, aber nicht so,
als würde es ihn stören, und ich begann,
auch abends auf ihn zu warten, bis er
heimkam mitten in der Nacht. »Du musst
nicht so lange bleiben«, sagte er einmal
und dann nichts mehr, und ich hätte es
gerne gehabt, dass es nun so war, wie er
es sich beim Gedanken an eine Aushilfe
in seinem Laden vorgestellt hatte, wenn
wir nach seiner Heimkehr noch ein Bier
miteinander tranken, stumm, und auf
dem Fernsehbildschirm die Softpornos
und Call-in-Shows und die uralten Filme
an uns vorbeifl immerten.
Holm sah bleich aus, verschwitzt, wie
in Panik, als er eines nachts im Frühjahr
in den Laden gestolpert kam. Etwas war
nicht in Ordnung mit seinem Gesicht;
es war, als würde ich ihn im Zerrspiegel
sehen oder eine Fratze. Aber es war Holm,
der schwankte, der ein paar ins Nichts
fassende Bewegungen machte, der sagte:
»Kannst du mich alleine lassen, bitte,
kannst du mich bitte, bitte alleine lassen.«
Er ging nach hinten, und ich hörte noch,
wie er sich übergab, mühsam würgend
und hustend. Von meinem Küchenfenster
aus schaute ich zum Laden hinüber, es
blieb dunkel dort, während die Straßenlaternen
erloschen und die ersten Leute mit
ihren Hunden aus den Häusern kamen.
Am nächsten Tag hing ein Zettel an der
Ladentür, auf den Holm sehr klein und
mit krakeliger Schrift »wegen Krankheit
geschlossen« geschrieben hatte, als wäre
es eine private Notiz oder eine Nachricht
nur für mich. Ich schloss die Tür trotzdem
auf. Holm lag im hinteren Zimmer
auf seinem Bett wie aufgebahrt, gerade
auf dem Rücken, die Decke glatt über
sich gebreitet, die Hände gefaltet, und als
er mit mir sprach, hatte er immer noch
denselben klagenden, anklagenden Tonfall
wie in der vergangenen Nacht. »Hör
zu«, sagte er, »es war nicht so gedacht,
dass du hier dein Leben verbringst, also
kannst du den Schlüssel einfach auf dem
Küchentisch liegen lassen, ja?«
Der Zettel blieb einen Monat lang an
der Ladentür hängen, und ich sah Holm
die ganze Zeit nicht. Dann saß er eines
Abends wieder auf einem der Sofas und
schaute fern. Ich ging sofort zu ihm. »Ich
war bei meiner Familie«, sagte er, als ich
sagte, ich hätte mir schon Sorgen um ihn
gemacht. »Bei deiner Familie?«, fragte
ich, und es musste geklungen haben, als
hätte ich bislang angenommen, er habe
gar keine Familie. Holm wiederholte,
meinen erstaunten Tonfall imitierend: »Ja,
bei meiner Familie.« Ich hatte mich neben
ihn aufs Sofa gesetzt, und er schaltete sich
mit der Fernbedienung durch die Programme,
den Daumen auf dem Knopf,
einen Kanal pro Sekun de, nach drei
Durchläufen schaltete er den Fernseher
aus. »Es läuft nichts«, sagte er, und wenn
Holm jemals, dachte ich, eine klare Aussage
über uns hatte treffen wollen, dann
war es wohl diese.
Als es Wochen später endlich wärmer
wurde, fuhr Holm mit einem Sprinter
vor, aus dessen Laderaum er Bistrotische
und Stühle hievte. Von meinem Küchenfenster
aus sah ich zu, wie er sie vor dem
Laden aufstellte und sich breitbeinig und
mit einem selbstzufriedenen Lächeln
in die Sonne setzte, als hätte er etwas
vollbracht, auf das er stolz sein könne.
»Ist es nicht herrlich«, sagte er, als ich zu
ihm kam. Ich nickte. Holm brachte auch
eine Schiefertafel, die er drau ßen neben
der Tür an das Schaufenster lehnte und
auf die er »Bier und Kaffee« schrieb, mit
drei Ausrufezeichen dahinter. Die beiden
Nachbarschaftsmädchen kamen um die
Ecke, sie fl üsterten miteinander, Holm
reichte mir seine Sonnenbrille und ging in
den Laden. Das kleinere der beiden Mädchen
kam auf mich zu und sagte in einem
35

36
Tonfall, dem man das Vorherüberlegte
anhörte, und so fordernd, dass es wie ein
Befehl klang: »Gibt es auch noch etwas
anderes als Kaffee und Bier!« »Ich schau
mal«, sagte ich.
Auf dem Weg zur Küche sah ich Holm in
dem hinteren Zimmer auf dem Bett liegen,
den Arm über das Gesicht gelegt. Im
Kühlschrank fand ich kleine Flaschen mit
roter Limonade, die ich den Mädchen
mit Strohhalm servierte. Sie saßen ruhig
auf ihren Stühlen. Es war, als würden sie
so tun, als seien sie erwachsen; als würden
sie es spielen, ohne es zu merken. Sie
kicherten, als ich Holms Sonnenbrille
aufsetzte, die viel zu groß war für mein
Gesicht, und nachdem sie beide mit ihren
Strohhalmen eine Weile auf den Böden
der Limonadefl aschen herumgeschlürft
hatten, sagte das kleinere Mädchen sehr
laut: »Zahlen bitte!« »Ihr seid eingeladen«,
sagte ich, und, weil ich mir nicht sicher
war, ob sie wussten, was das hieß: »Ihr
müsst nichts bezahlen.« Bevor sie gingen,
fragte das kleinere Mädchen mich,
ob sie die Flaschen behalten dürften. Ich
nickte und sah ihnen hinterher, als sie,
immer noch wie im Spiel, davongingen.
Holm wachte seufzend auf. Er drehte sich
weg von mir, zur Seite, ich legte mich
neben ihn und presste mich an seinen
Rücken. Es war kaum Platz und fast so,
als müsse ich mich an Holm festhalten,
um nicht herunterzufallen vom Bett. Ich
atmete den süßlichen, dumpfen Geruch
von Holms Schläfrigkeit ein, der sich vom
Ansatz seiner Haare in die Kissen gelegt
hatte, ich atmete tief, dann stand ich
wieder auf und blieb stehen, vor seinem
Bett, während Holm sich umdrehte, mich
anschaute; er blieb liegen, er wusste überhaupt
nicht, was er jetzt tun sollte oder
sagen, das sah ich ihm an.
Wir saßen weit voneinander entfernt an
diesem Abend, und es war fast schon
Nacht, wir saßen auf den Stühlen an den
Tischen vor dem Laden. »Er springt über
die Balkonbrüstung, als wäre das eine
leichte Hürde«, sagte Holm. Im Laden
brannte noch ein kleines Licht, ich trank
rote Limonade. »Einfach so. Einfach
so.« Holms Stimme war leise geworden.
»Und das Schlimme daran war«, fuhr er
fort, »oder vielleicht nicht das Schlimme,
sondern einfach: der Punkt, dass man
nicht verstanden hat, wann der Mann
diese Entscheidung gefällt hat. Es war, als
gäbe es diesen Moment gar nicht. Es war
vielmehr so, als wäre ihm plötzlich etwas
klar geworden. Wie eine Eingebung.« Er
schwieg, dann sagte er noch: »Und das
Schlimme, also das wirklich Schlimme an
dem Film war, es war ein totaler Kitsch,
am Ende schreibt der inzwischen erwachsene
Sohn des Selbstmörders an seinen
Adoptivvater, der übrigens der Bruder
des Selbstmörders ist, eine Post karte, auf
der steht: Du hattest recht, das Leben ist
wirklich schön.«
Die rote Limonade war bitter, sie
schmeckte fast wie Campari. Im Nachhinein
war ich erstaunt, dass die Nachbarschaftsmädchen
sie so schnell ausgetrunken
hatten. Ich meinte zu spüren,
wie meine Zunge rauer wurde, bei jedem
Schluck, ich meinte zu spüren, wie es
Holm ging, wie er dort saß, mit seinen
fettigen Haaren, seiner Müdigkeit, Holm,
nie gut erholt, Holm, mit den dunklen
Gedanken, und ich meinte zu wissen, was
ich jetzt sagen sollte, aber er stand auf.
»Du hast dir jetzt auch lang kein Geld
mehr genommen «, sagte er. Er zog sein
Portemonnaie aus der Hosentasche, und
ich sah zu, wie er die Scheine auf den
Tisch blätterte, Fünfziger, Zwanziger.
»Das ist für dich«, sagte er, und als ich
mich nicht bewegte, nahm er das Geld
und reichte es mir. Und als ich mich immer
noch nicht be wegte, kam er zu mir,
packte meine Hand und drückte die
Scheine hinein. »Das bekommst du«,
sagte er. Er ließ meine Hand los, und wir
sahen zu, wie sie ganz schlaff wurde und
wie mein Arm hinuntersank und wie die
Scheine zu Boden fi elen, zwischen unsere
Füße, und wie sie dann, getrieben von
einem leichten Wind, der ich weiß nicht
woher kam, über den Bürgersteig wehten,
bis auf die Höhe der Ladentür, und weiter,
darüber hinaus.
Kultur, Information und Unterhaltung im Internet
Täglich neu – mit großem Archiv
Literatur – Musik – Bühne – Film – Feuilleton – Museen – Comic – Fotografi e – Reise
Unabhängig, werbefrei und ohne Maulkorb
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Sinfonieorchester Wuppertal
gestern - heute – morgen
Vom Musikerstreit zur Gründung
der „Elberfelder Kapelle“,
der Ursprung des
Sinfonieorchesters Wuppertal
Sinfonieorchester Wuppertal
Foto: Antje Zeis-Loi
Mannigfaltig wie die Geschichte der im Jahre 1929 auf dem Wege einer kommunalen
Neugliederung gebildeten „Bergischen-Metropole“ Wuppertal, ist die des professionellen
orchestralen Klangkörpers dieser Stadt. Elberfeld und Barmen, von Textil- und
Maschinenindustrie geprägte Städte, die mit den kleineren Nachbarstädten zur heutigen
Großstadt Wuppertal zusammengeschlossen wurden, hatten zunächst kein eigenes Orchester.
Erst der Spohr-Schüler Julius Langenbach gründete 1849 die nach ihm benannte
Kapelle, zu einer Zeit, in der Barrikadenkämpfe das Elberfelder Stadtbild prägten und
die Cholera das Tal heimsuchte. Nun konnten städtische Singvereine auf ein mehr
oder minder fest organisiertes Orchester zurückgreifen, das übrigens vom Gastronom
und Theateragenten Abraham Küpper organisiert und mitfi nanziert wurde. Mit Ende
der Saison 1861/62 machte sich allerdings unter den Musikern der „Langenbachschen
Kapelle“ fi nanzielle Unzufriedenheit breit. Achtzehn der etwa dreißig Musiker streikten
und trennten sich von dem ohnehin künstlerisch inkompetenten Küpper. 1831 hatte
Abraham Küpper das alte Wirtshaus auf dem Johannisberg übernommen, in dessen
„Festsaal“ ca. 1.000 Personen Platz fanden. Die dort stattfi ndenden Konzertabende
gelten als Grundstein der musikalischen Tradition auf dem Johannisberg.
Unter der Leitung von Richard Schulz bildeten die achtzehn Instrumentalisten ein eigenes
Orchester: die „Elberfelder Kapelle“, der Ursprung des heutigen Sinfonieorchesters
Wuppertal. Drei Jahre leitete Schulz die „Elberfelder Kapelle“. Ihm folgte 1865 Willy
Gutkind, der bis 1883 im Amt blieb und eng mit Hermann Schornstein und (seit 1879)
Julis Buths vom Elberfelder Gesangverein, wie auch mit Anton Krause vom Barmer
37

38
Singverein zusammenarbeitete. Wobei
die 1861 gegründeten „Concertgesellschaften“
von Elberfeld und Barmen mit
zunächst 177 Mitgliedern eine wesentliche
Stütze bedeuteten.
Das Niveau des jungen Orchesters wurde
bewusst gesteigert durch die Verpfl ichtung
von Solisten und Dirigenten
wie Clara Schumann, Josef Joachim,
Johannes Brahms und Max Bruch. Viele
Dirigenten begannen in Wuppertal ihre
musikalische Laufbahn - darunter bis
heute weltbekannte Namen wie Hans
Knapperbusch, Erich Kleiber, Otto
Klemperer, Hermann von Schmeidel
und Hans Weisbach, der besonders als
Bruckner-Spezialist internationales Ansehen
gewann.
Toshiyuki Kamioka übernimmt das
Orchester
Heute ist das Sinfonieorchester Wuppertal
als A-Orchester klassifi ziert und
kann auf ein fast 150-jähriges Bestehen
zurückblicken. Die 88 Musikerinnen
und Musiker werden seit 2004/05 von
Professor Toshiyuki Kamioka geleitet.
Das Repertoire erstreckt sich vom Barock
bis in die Moderne, immer wieder
werden zeitgenössische Werke in enger
Zusammenarbeit mit den Komponisten
uraufgeführt.
Seit über einem Jahrhundert spielt das
Sinfonieorchester Wuppertal in der
Historischen Stadthalle am Johannisberg.
Auch heute noch bietet dieses Domizil
dem Orchester eine bemerkenswerte
Akustik. Die Historische Stadthalle zählt
als Glanzstück des Jugendstils zu den
besten Konzertsälen Europas. Hier fi nden
pro Saison mit den Sinfoniekonzerten,
Chorkonzerten, Kammerkonzerten und
verschiedenen Sonderkonzerten über 40
Konzerte des Sinfonieorchesters statt.
Neben der Arbeit als Konzertorchester begleitet
das Sinfonieorchester Wuppertal in
der Saison zahlreiche Opernvorstellungen
im frisch renovierten Wuppertaler Opernhaus.
Seit vielen Jahrzehnten besteht diese
traditionelle und sehr gute Zusammenarbeit
zwischen den Wuppertaler Bühnen
und dem Sinfonieorchester Wuppertal.
Seit einigen Jahren widmen sich die engagierten
Musiker des Sinfonieorchesters
verstärkt der jungen Generation von Konzertbesuchern.
Neben Schulkonzerten
präsentieren sich die Musiker besonders
in Familienkonzerten als Orchester zum
Anfassen. In Lehrer-Workshops sowie bei
Schulbesuchen in Kammerbesetzung werden
Schüler und Lehrer auf die Konzerte
vorbereitet.
Antje Riewe
Lichtbogen
Frank Marschang e.K.
Karlstraße 37
42105 Wuppertal
Tel. 0202.244 34 40
Fax 0202.244 34 39
www.lichtbogen-wuppertal.de
info@lichtbogen-wuppertal.de
MERCURY
GRACE
CADMO

Farbe als Motiv
Atelierbesuch bei Christian von
Grumbkow von Thomas Hirsch
Christian von Grumbkow in seinem
Wuppertaler Atelier, 2010
„Appasionata“, das neue, riesige Gemälde von Christian von Grumbkow ist grandios,
überwältigend und vor allem: gelassen. Es strahlt im Foyer der Barmenia Versicherung
Ruhe aus, behauptet sich in stiller Größe und zeigt noch den Prozess seiner Entstehung auf.
Die fünf gleichgroßen Tafeln, die in der Summe ein deutliches Querformat ergeben, erzählen
– jeweils für sich und gemeinsam, vermittelt durch die Übergänge an den Rändern
– eine Geschichte der Möglichkeiten von Farbe und ihrer Präsenz. Beiläufi g geht es um
die Bedeutung von Farbe als reinem Sein zwischen fakturlosem Auftrag und ausgreifendem
Gestus mit dichten Partien und luzider Fläche im Zusammenspiel mit der Bildtiefe.
Dominierend ist ein leuchtendes Rot, das nie ganz verloren geht, auch wenn es mit gelben
und orangefarbenen Flächen wechselt, durchbrochen von dunkleren vertikal orientierten
Zonen. Zumal in der „landschaftlichen“ horizontalen Ausrichtung mutet die gesamte
Darstellung vielleicht wie eine Gebirgswand im refl ektierenden Licht an, aus unmittelbarer
Nähe und nach allen Seiten fortsetzbar. Und doch ist sie in ihrer fetzenhaften Struktur
mit dem Einschub matt glühender Pigmente völlig gegenstandsfrei und natürlich auch
genau komponiert. – Und an ihrem Ort, in der Barmenia? Zu sehen ist Malerei, die sich
im Realraum und mit diesem entfaltet und diesem eine vitale Gestimmtheit verleiht, wie
gesagt, ohne sich aufzudrängen. Schon das, das Gemälde wirkt längst nicht so groß, wie es
tatsächlich ist (2,50 x 12,50 m).
Mit diesem Bild sei eine andere Temperierung in der Eingangshalle gekommen, berichtet
der Mitarbeiter am Empfang der Hauptverwaltung der Barmenia, dem Neubau in Elberfeld.
Die langgestreckte Theke selbst hat sich damit zugleich vom sachlichen Auf-Distanz-
Halten zum strukturellen Moment gewandelt. Ihre Ausrichtung führt nun das Bild an der
Wand fort und leitet in den Seitenfl ügel des Gebäudes, so dass man nahe an ihm vorbei
läuft. Dabei wird deutlich, aus wie vielen Vorgängen es entstanden ist und wie viel sich
doch auf der Bildfl äche ereignet, jenseits aller Benennbarkeit. Farbe wird zur intuitiven, atmosphärischen
Erfahrung, und sie sieht jeden Tag – in Wechselwirkung mit den momen-
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tanen Lichtverhältnissen – anders aus.
Christian von Grumbkow erwähnt, dass er
die Tafeln von rechts nach links konzipiert
hat. Also gegen die Lesekonvention, aber
mit der Laufrichtung des Betrachters.
„Appassionata“ ist eine raumbezogene
Arbeit mit Malerei über Malerei, über ihre
schwelgerische Energie, über den Reichtum
von Farbe und unser Wahrnehmungsvermögen.
Generell, Christian von Grumbkow
handelt in seiner gegenstandsfreien, fundamentalen
Malerei mit den Gestimmtheiten,
welche die Farben tragen, wobei
er verschiedene Verfahren miteinander
verknüpft. „Appassionata“ ist sein bislang
größtes Bild. Natürlich haben die Dimensionen
des Foyers eine wesentliche Rolle
dabei gespielt; wichtig ist die Größe aber
auch als körperhaftes Gegenüber: als Bild,
das den Betrachter überwältigt und in dem
er aufgeht. Ebenfalls großformatig und
in Bezug auf Innenräume hat Christian
von Grumbkow an seinem Wohnort
Wuppertal vor allem bei zwei weiteren
Malereien gearbeitet: „Landschaft“ (1997),
seit einigen Jahren kongenial präsentiert
bei der Firma pro viel GmbH, sowie
beim Hochformat „Red Rain“ (5 x 2,50
m) am Kopfende der Schalterhalle der
Sparkasse am Loh in Unterbarmen, das
noch unterstreicht, wie sehr seine Malerei
mit natürlichem Licht handelt und welche
Rolle die Fließbewegungen für die Farbwirkung
spielen. Und wie viel schon die
Entscheidung für Hoch- oder Querformat
bedeutet.
Im Atelier in Unterbarmen, im zweiten
Stock im Hintergebäude einer Schule. Die
Mensa im Erdgeschoss. Zum Hof hin ist
die Front von Glasscheiben durchzogen.
Mehrere Räumen folgen aufeinander, keine
Tür, breite Öffnungen, alles licht. Der
Gang durch das Atelier ist ein Parcours
mit den Malereien – ein Teil ist gerade
von einer Kunstmesse zurückgekommen
–, Planschränken mit den Papierarbeiten,
dazwischen Stühle, Tische, die Farben.
An verschiedenen Stellen lehnen kleinere
Bilderstapel, als Werkgruppen bündig
zusammengestellt. Grumbkow malt im
hinteren Raum. Infolge der Trocknungsprozesse
und weil manche Bilder eben ihre
Zeit brauchen und erst nach Monaten
abgeschlossen sind, arbeitet er an meh-

Appassionata, 2009, Ölfarbe, Eitempera auf Leinwand, 5-teilig, 2,50 x 12,50 m, Foyer der Barmenia Versicherung, Wuppertal
41

42
reren Werken gleichzeitig. Die Malerei
fi ndet im Gegenüber (an der Wand, auf
Staffeleien, mit der Möglichkeit, vor und
zurück zu treten), aber auch auf Böcken
in der Horizontalen statt: in unmittelbarer
Hinwendung und um auf der planen
Oberfl äche ein Verfl ießen der Farbe zu
vermeiden. Von solcher immerwährenden
Aktivität kündet nun das Atelier selbst, in
aller funktionalen Nüchternheit. Malerei
ist keine beschauliche Sache, vielmehr
ein Experimentieren und konzentriertes
Ausloten unter möglichst objektiven
Bedingungen. Christian von Grumbow
läuft durch die Räume, schaut schnell
noch auf das eine Bild, das fast fertig,
aber eben noch nicht ganz abgeschlossen
ist. Er geht ein Stück zurück und fächert
zwischen den Bildern an der Seite,
selbstbewusst und aufmerksam. Natürlich,
bei der Bedeutung, welche die Farben für
ihn haben: Er male bei Tageslicht; aber
bestimmte Schichten ließen sich auch
am Abend, unter den Bedingungen des
Kunstlichtes auftragen. Je nachdem, wie
viel Binder er der Ölfarbe beifügt, verhält
sich die Wirkung der Oberfl äche zwischen
matt und glänzend. Zwar sind die Bahnen
ausgreifend gezogen, aber die Malerei zeigt
doch immer etwas Entschleunigtes. In
der Auseinandersetzung mit unterschiedlichen
Ideen und Konzeptionen nimmt
Grumbkow Rückgriffe auf bereits erzielte
Erfahrungen vor.
Wo also anfangen? Christian von Grumbkow
wurde 1946 in Oberhausen geboren.
Er hat an der Werkkunstschule Wuppertal
sowie an der Rietveld-Academie in Amsterdam
studiert – in Wuppertal bei Rudolf
Schoofs, jenem wichtigen Zeichner, der
noch zu einer dynamischen Landschaftsmalerei
gefunden hat mit der Leinwand
als kraftvoll energiegeladenem Bildfeld,
um Natureindrücke zu transzendieren. Im
Anschluss an sein Studium ist Grumbkow
als Gitarrist und Texter Gründer der
Rockband „Hölderlin“, die von Wuppertal
aus bundesweite Erfolge feiert.
1977 steigt er aus, um sich fortan auf
seine Kunst und auf die Kunsttherapie zu
konzentrieren. Seine maßgebliche Galerie,
mit der er seither zusammenarbeitet, steht
bald fest: die Galerie Epikur in Wuppertal.
Auf seine dortige erste Ausstellung 1981
folgen etliche weitere; den neuen Standort
von Epikur (Friedrich-Ebert-Str. 152 a)
weiht Grumbkow am 28. Mai 2010 mit
aktuellen Arbeiten ein.
Christian von Grumbkow holt Postkarten
seiner frühen Malereien hervor, der
großformatigen Aquarelle auf Bütten. Sie
sind von einer lichthaltigen Transparenz
bestimmt. Der Pinselstrich durchzieht die
Bildfl äche, füllt diese ganz. Aber erst indem
Grumbkow inmitten der Farbe stabile
konkrete Formen gesetzt hat, defi niert sich
der Bildraum als Landschaftsraum weiter,
und die Formen selbst werden zu Architektur.
Innerhalb seiner Werkgenese ist dies die
Initialzündung für eine weitere Verselbständigung
der Farbe. Die Werkphasen
folgen rasch aufeinander. Immer geht es
um Malerei, um Farbe und Farben, für
die Grumbkow verschiedene Verfahren
des Auftrags entwickelt hat. Eine zentrale
Maßnahme ist die „Verwischung“ – so
auch der Titel einzelner seiner Ausstellungen
– die Grumbkow systematisch vorgenommen
hat. Er arbeitet mit Unschärfen,
strukturiert mit einem Rakel die horizontalen
Bahnen. Dann wieder legt er vor die
Horizontalen vertikal rinnende Gespinste.
Oder er trägt die Farbe wieder ab, so dass
nur noch krisselige Partikel stehen bleiben,
erkundet so die Nuancen einer Farbe.
Wieder in anderen Bildgruppen folgen
die Bahnen in chromatischen Schüben
aufeinander. Oder die Farbfl äche bricht
– in Analogie zu den Affi chistes – wieder
auf, so dass tiefere Schichten durchlugen.
Mitunter suggerieren weiße Schlieren ein
Licht, das aus der Tiefe kommt. Schon da
schwingt die Vorstellung von Landschaft
mit, auf die Grumbkow ohnehin immer
wieder zurückkommt. Wesentlich geht
es ihm dabei um das Auratische, um die
Erfahrung spezifi scher Orte in der Natur,
etwa auch als Wasserfl ächen.
Die meisten der Bilder sind unbetitelt.
Daneben fi nden sich Malereien, die etwa
„Energy“ heißen und von Rot- oder Gelbtönen
bestimmt sind. Mitunter verweisen
die Titel auf bestimmte Landschaften. Ein
großformatiges Bild ist „Vernebelt“ (2006)
betitelt. Hier bauen sich Grün-, Blau- und
Beige-Töne von unten nach oben auf, im
oberen Drittel ist ein Horizont eingeschrieben.
Tatsächlich bestehen die Bahnen aus
feinen Fransen, ein Blau changiert amorph
im Vordergrund. Alles Landschaftliche
wird durch die Horizontalorientierung
des Farbauftrags unterstrichen. Andere
Bilder hingegen arbeiten entschieden mit
der Vertikalen, als Schleier schieben sich
diese nach innen, überdecken die früheren
Schichten und konstituieren so einen
fl irrenden Bildraum. Dies führt mitunter
zu breiten Setzungen von Vertikalen, teils
kontrastierend mit horizontalen Bahnen,

43
Red Rain, 2008, 500 x 250 cm, Öl, Pigment auf Leinwand, Eingangshalle Stadtsparkasse Wuppertal, Zweigstelle Loh

44
Vernebelt, 2006, Öl auf Leinwand, 150 x 140 cm
die sich am Rand oder in der Bildmitte
befi nden. Rahmungen sind seit langem ein
zentrales Motiv, welches noch den Blick
fokussiert und sozusagen von einem Innen
nach Außen leitet. Damit ist auch hier die
Idee von Landschaft angelegt, ohne weiter
vorgegeben zu sein. Malerei bezeichnet in
Grumbkows Bildern beides: Gegenstand
und Gegenstandslosigkeit. Schon die
Bahnen fasern transparent aus, geben sich
als weitere Farbschicht über einem reichen
Geschehen zu erkennen. Aber diese Arbeiten
verdeutlichen noch ein wesentliches
Prinzip, das sich durchgehend in seinem
Werk fi ndet: Feste, konkrete Formen sind
mit unfesten, „weichen“, verfl ießenden
Flächen konfrontiert. Geradezu greifbare,
dabei statische Partien sind gegen transparente,
quasi immaterielle Partien gesetzt.
Farbe ist Material in allen seinen Konsistenzen
und sie ist Ziel, mit den Möglichkeiten,
welche schiere Malerei bereit hält.
Natürlich könnte man auf Traditionen
verweisen, in denen sich Christian von
Grumbkow bewegt, die von Turner und
Monet bis hin zu Joseph Marioni oder
Herbert Brandl reichen, aber Tachismus
und abstrakten Expressionismus so gar
nicht berühren. Christian von Grumbkow
geht es nicht um den individuellen
Ausdruck mit ihm als Urheber, sondern
um ein allgemeines Sein, um die Transzendierung
der Erfahrung von Welt, die
uns verbindet, für die Farben stehen. Seine
Malerei ist demokratisch und kompromisslos,
lebt aus sich heraus und lässt vergessen,
wer sie geschaffen hat. In dieser selbstbewussten
Bescheidenheit liegt eine große
Qualität dieser Arbeiten.
Thomas Hirsch
Fotos: Jörg Lange

Zum runden Geburtstag
des HÖR ZU! - Redaktions-
Maskottchens „Mecki“
zeigt das Wilhelm-Busch-Museum
in Hannover eine sehenswerte
Ausstellung
Ein Igel wird 60
Er gehört zur jungen deutschen Bundesrepublik so untrennbar wie Konrad Adenauer
und Theodor Heuss, Friedel Hensch & die Cyprys, der „Lurchi“ von Salamander,
Rudolf Prack und Sonja Ziemann, Bully Buhlan und Otto Normalverbraucher: Mecki,
das Redaktions-Maskottchen der Rundfunkzeitschrift HÖR ZU! aus dem Hamburger
Axel Springer Verlag. Genau genommen ist die Geburtstagstorte ja schon gegessen, denn
bereits im Oktober 1949 trat der fröhliche Igel auf den Plan, als die HÖR ZU! ihn ihren
Lesern auf der Titelseite von Heft 43 vorstellte: „Das ist Mecki“.
Liebling der Nation mit vielen Vätern
Märchenhafte Reisen
Im Handumdrehen wurde Mecki nicht nur zum Liebling
des Chefredakteurs Eduard Rhein, sondern auch dem
der Leser, besonders der Kinder, nachdem 1951 die
Mecki-Puppe der Fa. Steiff auf den Markt gekommen
war und die Cartoons sich vermehrt an Kinder
wandten. Bekannt aus Puppentrickfi lmen der Gebrüder
Ferdinand und Hermann Diehl, die von HÖR
ZU! anfangs urheberrechtlich übergangen wurden und
schließlich die Rechte an den Axel Springer Verlag verkauften,
mußte die Figur für den Zeitschriften-Druck jetzt ein graphisches
Gesicht bekommen. Dafür konnte der Verlag den Zeichner
Reinhold Escher (1905-1994) gewinnen, der bereits erfolgreich für
die Witzseite der HÖR ZU! gezeichnet hatte und nun die Grundlage
für die bis heute (mit einer kleinen Unterbrechung von 1978-1985)
anhaltende Erfolgsgeschichte der Cartoons und Zeichengeschichten
um Meckis Abenteuer schuf. An seiner Gestaltung richteten sich die
Nachfolger als Mecki-Väter im wesentlichen aus. Wilhelm Petersen ist
wohl der bekannteste darunter geworden. Er arbeitete zur Unterstützung
Reinhold Eschers einige Jahre gemeinsam mit ihm an den Mecki-Abenteuern.
Aber auch die Namen anderer Zeichner haben guten Klang: Heinz
Ludwig, Alexander Heß, Rainer Schwarz, Ully Arndt, Harald Siepermann
und Peter Hörndl. Heute ist nach 20 Jahren der Regentschaft
von Volker Reiche Johann Kiefersauer „amtierender“
Mecki-Zeichner. Nicht nur durch die HÖR ZU!, vor
allem durch die 1952-1964 in Buchform erschienenen
Reiseabenteuer Meckis und seiner Freunde, zu
denen Eduard Rhein die kongenialen
Texte schrieb, fanden die
Figuren Reinhold Eschers
Eingang in das kollektive
Comic-Bewußtsein der Nation:
der Choleriker und große
Individualist Charly Pinguin,
der Schrat m it seinen erlesenen
Schlafanzügen und die putzigen
Goldhamsterchen, später auch Kater
Murr und die Ente Watsch.
Hatte Escher anfangs nur gelegentlich einen Mecki für die Leserbrief- oder die Witz-
Seite, später ab 1951 in zeitlich unregelmäßigen Intervallen erste (fast) seitenfüllende
Zeichengeschichten in Fortsetzungen entworfen, konnte sein Mecki ab Ende 1953
endlich jede Woche mit einer ganzseitigen Folge episch lang angelegter Abenteuergeschichten
erscheinen - und wurde Woche für Woche mit Spannung erwartet. Die in 13
Jahrgängen erschienene Buchreihe mit dem Untertitel „Ein märchenhafter Reisebericht,
45

46
HÖR ZU-Titel aus den Jahren …
aufgeschrieben von ihm selbst“ führte in
der Tat in märchenhafte und exotische
Welten. Neben Reisen in die Arktis, ins
unerforschte Afrika, nach China, ins
Indianerland Nordamerika und ins antike
Persien besuchten Mecki und seine Freunde
Märchenfi guren der Brüder Grimm,
von Wilhelm Hauff, Ludwig Bechstein
und aus 1001 Nacht. Zunächst im Verlag
Hammerich & Lesser in Hamburg - der
Verlag gehörte Axel Springers Vater - erschienen,
folgten Neuaufl agen bei Melzer,
Lingen, Bertelsmann, Ullstein und Cormoran.
Heute gibt es Nachdrucke einiger
Abenteuerreisen und zweier Jahrgangs-
Sammlungen von HÖR ZU!-Seiten beim
Esslinger Verlag J. F. Schreiber.
Eduard Rhein
Sicher ist die werbewirksame, sympathischgemütliche
Figur des Mecki, der zu Zeiten,
als das noch nicht verpönt war, auch gerne
mal ein (Wasser-)Pfeifchen schmauchte,
neben der hervorragenden Gestaltung der
Programmseiten der damaligen HÖR ZU!
für den anhaltenden Erfolg der Rundfunk-
später auch Fernsehzeitschrift („Sieh fern mit
HÖR ZU!“) mit verantwortlich. Umso härter
muß es für seinen Entdecker und Texter Eduard
Rhein (1900-1993) gewesen sein, als er
1965 vom Axel Springer Verlag überraschend
die Kündigung erhielt. Sein Name allerdings
wird untrennbar mit dem abenteuerlustigen
Igel verbunden bleiben. Gleichzeitig
mit seiner Autorenschaft für Mecki schrieb
Eduard Rhein u. a. unter dem Pseudonym
Hans Ulrich Horster diverse erfolgreiche
Romane, die z. Z. in der HÖR ZU! in Fortsetzungen
veröffentlicht und später verfi lmt
wurden: „Ein Herz spielt falsch (1950)“, „Der
Engel mit dem Flammenschwert (1953)“,
„Suchkind 312 (1955)“, „Herz ohne Gnade
(1957)“, „Ein Student ging vorbei (1959)“,
„Eheinstitut Aurora (1961)“.
Die Ausstellung in Hannover, die noch bis
zum 11. April zu besichtigen ist, zeigt mehr
als 200 Original-Zeichnungen von allen an
der Entwicklung der populären Figur beteiligten
Zeichnern, dazu auch Unveröffentlichtes,
darunter erstmals die letzte Mecki-Geschichte
von Reinhold Escher aus dem Jahr 1970. Im
Museumsshop ist eine Auswahl von Mecki-
Büchern erhältlich.

Mecki-Bücher / Fotos Frank Becker
Ein Igel wird 60
Wilhelm-Busch-Museum – Georgengarten – 30167 Hannover
Das Museum ist dienstags bis sonntags von 11 bis 18 Uhr geöffnet.
Weitere Informationen unter: www. wilhelm-busch-museum.de
Literatur:
Eckart Sackmann - „Mecki - Einer für alle“, 1994 comicplus+, Verlag Sackmann u. Hörndl
Moritz v. Uslar - „Er läuft und läuft und läuft...“, in: Süddt. Zeitung Magazin 16/1998
Werner Hoof - „Mecki und seine Freunde“, in: Die Sprechblase Nr. 20/1979
Maurice Horn - „The World Encyclopedia of Comics“
diverse Hefte HÖR ZU! - Axel Springer Verlag, 1951-1964
Mecki-Bücher:
1. Mecki im Schlaraffenland 1952
2. Mecki bei den 7 Zwergen 1953
3. Mecki bei den Eskimos 1954
4. Mecki bei den Chinesen 1955
5. Mecki bei den Indianern 1956
6. Mecki bei den Negerlein 1957
7. Mecki bei Prinz Aladin 1958
8. Mecki auf dem Mond 1959
9. Mecki und die 40 Räuber 1960
10. Mecki bei Harun al Raschid 1961
11. Mecki bei Sindbad 1962
12. Mecki bei Zwerg Nase 1963
13. Mecki bei Frau Holle 1964
14. Mecki bei Aschenputtel -
14. angekündigt für 1965, jedoch nicht
14. erschienen
Sechzig
Jahre
Comic-
Abenteuer
17. Januar bis 11. April 2010
Dienstag bis Sonntag
und an Feiertagen 11 bis 18 Uhr
Wilhelm-Busch-Museum Hannover
Deutsches Museum
für Karikatur und kritische Grafik
Georgengarten
30167 Hannover
www.wilhelm-busch-museum.de
Reinhold Escher/Wilhelm Petersen -
„Mecki - Gesammelte Abenteuer“,
© 2009/2010 Esslinger Verlag
J. F. Schreiber, zwei Bände
(1958 und 1959), je 14,95 Euro
Weitere Informationen im Internet unter:
www.musenblaetter.de, www.meckiseite.
de, www.meckifan und www.hoffmannworld.de
Frank Becker
Das Wilhelm-Busch-Museum
Hannover/ Deutsches Museum
für Karikatur und kritische Grafik
wird institutionell gefördert
durch das Kulturbüro
der Landeshauptstadt Hannover.
Plakat zur
Ausstellung /
Fotos: NN
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Neue Kunstbücher
vorgestellt von Thomas Hirsch
Von innen nach außen
Tadao Ando, Hg. Y. Nussaume, 192 S.
mit ca. 180 Farbabb., geb., 24 x 21,5 cm,
Birkhäuser, 39,90 Euro
Die Stillsten zuerst. Längst ist der Ruf des
1941 in Osaka geborenen Architekten
Tadao Ando in Mitteleuropa angekommen.
Von ihm stammt beispielsweise
das Museum der Langen Foundation bei
Neuss. Unter ausschließlicher Verwendung
von Beton und Glas vermitteln seine
Bauten Weite und Größe bei gleichzeitiger
Nüchternheit. Geradlinige Passagen ermöglichen
den Blick vom einen Ende des
Gebäudes zum anderen, wobei mehrere
Ebenen verschränkt sind. Es muss also
nicht verwundern, dass für Ando Piranesi
wie auch Josef Albers wichtig waren. Aber
Ando handelt stets auch mit dem Außenraum
– im Sinne einer Korrespondenz
mit Landschaft, Natur, Himmel, Wasser
und natürlich Licht, ja, er entwirft mit der
Umgebung und klärt diese dadurch. Erst
recht vor dem fernöstlichen Hintergrund
geht dies mit meditativer Erfahrung einher.
– Es ist also nicht einfach, das Werk
von Tadao Ando in einem Buch angemessen
zu beleuchten. Als Hardcover im eher
moderaten Format ist nun bei Birkhäuser
eine Gesamtübersicht erschienen, die etwas
Handfestes, Praktisches hat und dabei
eine Ahnung von der Wirkung der Bauten
aufkommen lässt. Und das, obwohl der
ausführliche, an der Biographie orientierte
Text leider nur in Englisch vorliegt.
Vieles von dem, was auf Tadao Ando
zutrifft, wäre auch für den Schweizer Peter
Zumthor zu konstatieren. Auch er arbeitet
mit Passagen und Lichtschächten. Er nutzt
die volle Höhe aus und wendet sich damit
gegen baulichen Funktionalismus. Auch bei
ihm geht es um Erfahrungen wie Stille, Größe
und Bescheidenheit. Mithin baue er von
innen, so schreibt Philip Ursprung im nun
vorliegenden Buch des Verlags Scheidegger
& Spiess; die Fassade zeichnet sich durch
große Schmucklosigkeit und Betonung
der (genau gewählten) Materialität aus.
1943 geboren, gehört Zumthor seit seiner
Realisation der Therme Vals zu den großen
europäischen Baumeistern. Und auch von
ihm gibt es in der weiteren Region Bauten:
in Köln das „Kolumba“ als Museum der
Erzdiözese Köln, und in der Eifel die Feldkapelle
in Wachendorf. Man kommt dem
Denken und Handeln von Peter Zumthor
sehr nahe in dem nun erschienenen Buch
bei Scheidegger & Spiess, welches sich von
den üblichen monographischen Darstellungen
abhebt. Es ist mehr eine Kladde, in
Schwarz-weiß und mit vielen leeren Seiten,
auf dickem Papier. Vorgestellt werden nicht
die Gebäude als solche, sondern vielmehr eigenständige
Fotografi en, die sich, schon vor
Jahren aufgenommen, den Details von drei
Architekturprojekten Zumthors zuwenden.
Der Fotograf ist Hans Danuser, der von
Zumthor ohne Vorgaben dazu eingeladen
wurde. Danuser wirft implizit die Frage
nach der Vermittlung von Architektur durch
die Fotografi e auf – weswegen er direkt
nach dem Wesen der Architektur strebt und,
wie er sagt, deren Körperhaftigkeit zum
Ausdruck bringen will. Wie ein zufälliges
Schweifen ereignet sich seine Fotografi e,
dabei ist sie ausgesprochen aussagekräftig
und für sich: große Kunst. Dieser grandiose
Spezialfall bestätigt die Rolle der (meist
anonymen) Architekturfotografi e bei der
Etablierung der Architektur als Kunstform.
Auch auf diesem Feld also übernimmt die
Fotografi e Funktionen, die einstens der
Malerei zukamen. Wobei die Malerei selbst
ihr Verhältnis zur Architektur immer wieder
neu ausgelotet hat und sich dieser doch
mehr von Innen als von Außen zugewendet
Zumthor sehen. Bilder von Hans Danuser,
88 S. mit 24 Triplex-Abb., Hardcover mit
Schutzumschlag, 31,5 x 24 cm, Edition
Hochparterre bei Scheidegger & Spiess,
35,- Euro
hat. In der Geschichte der Malerei gibt
es hinreichend Beispiele für die unterschiedlichen
Konnotationen des Interieurs
zwischen Autonomie, eigener Aussage und
unterschwelliger Unterstützung des Gehalts.
Die Architektur wurde Staffage oder besaß
doch immerhin repräsentativen Charakter
oder referentielle Bezüge. Auf der einen
Seite sind da die riesigen Kathedralen mit
den winzigen Menschlein, die bei Saenredam
die Größe der Bauten sinnbildlich vor
Augen führen, auf der anderen Seite gibt
es die Prachtinterieurs bei Velasquez, die
sich mit den Bewohnern zu umfassenden
gesellschaftlichen Porträts verdichten. Oder
die Fensterblicke der deutschen Romantik,
die zwischen metaphysischem Außen und
Innen vermitteln ... Eine Auswahl aus den
unterschiedlichen Bereichen innerhalb der
Kunstgeschichte versammelt nun das kluge
und vorbildliche Buch Das Interieur in der
Malerei des Hirmer-Verlages. Konzentrieren
wir uns nur auf die (gut kommentierten)
Bilder – dann erfahren wir genug, übrigens
auch zum Verlauf der Kunstgeschichte mit
ihren Stilen. Und darüber, wie Räume in
ihrer Zeit aussehen.

Karl Schütz: Das Interieur in der Kunst,
383 S. mit 240 Farbabb., geb. mit Schutzumschlag
im Schuber, 34 x 28,5 cm, Hirmer,
138,- Euro
Frank Lloyd Wright, Moderne Häuser, Hg.
A. Hess, A. Weintraub, 336 S. mit 500
Farbabb., geb. mit Schutzumschlag, 25,5 x
25,5 cm, DVA, 69,95 Euro
Dafür lohnt sich aber wieder der Blick
zurück zum einzelnen Architekten im 20.
Jahrhundert, mit den Mitteln der Fotografi
e also. Frank Lloyd Wright gilt als einer
der Meister des modernen Wohnhauses.
Freilich, aus der Ferne Europas, unterstützt
noch durch die Prominenz des Bauwerks,
wird sein Schaffen wesentlich auf das
Solomon R. Guggenheim-Museum und
dessen Formensprache reduziert: auf seine
spiralige, raumhaltige Anlage, welche die
Bewegung des Betrachters bei gleichzeitiger
Transparenz bedenkt, und zwar im öffentlichen
Raum, der überhaupt als Domäne
Wright’s gilt. Schon das erste Bauwerk,
das er konzipiert hat, fällt hierunter: eine
Kapelle für die Familie. Etliche weitere teils
prominente öffentliche Bauten folgten, die
per se auf ein repräsentatives und funktionales
Zusammenspiel von Außen und
Innen konzipiert werden mussten, in einem
Vokabular, dem Wright Zeit seines Lebens
treu blieb und das er auch, als er sich
50jährig verstärkt dem privaten Wohnhaus
zuwandte, verwandte. Aber was gemeinhin
als konservativ galt, bekam nun, im freien
Umgang mit den Formen und im privaten
Bereich eine andere Wertung und Bedeutung.
Auch da baut Wright im Einklang
mit der Gesellschaft
und in vorsichtiger Reaktion auf die
natürliche Umwelt. Aber er entwirft nun
„sinnfreie“ komplexe artifi zielle Systeme
der Verschachtelung, des Geschwungenen,
die visionäre Züge tragen und aus
den Wohnhäusern temperierte Zonen des
Rückzugs schaffen. Als Hauptwerk gilt
Haus Fallingwater in Pennsylvania, erbaut
1935. Dieses Wohnhaus bildet den Auftakt
zu einer Vielzahl bemerkenswerter Bauten,
die jeweils für sich im Überblick und im
Detail, aber mit zu wenig Grundrissen, vorgestellt
werden. Die Innenaufnahmen sind
zu stimmungsvoll, aber vielleicht, wenn es
um die Wahrnehmung der Bewohner geht,
authentisch.
Schon vor knapp einem Jahr ist, in gleich
gelungener Aufmachung, bei DVA der
Überblick über die öffentlichen Bauten
erschienen – somit ordnet sich nach dem
50. Jahrestag des Guggenheim-Museums
und dem 50. Todestag von Frank Lloyd
Wright 2009 das Werk dieses großen amerikanischen
Architekten. Schade ist nur, dass
die frühen privaten Wohnhäuser inmitten
dieser zweibändigen, fotografi sch hervorragend
dokumentierten Übersicht vollständig
vergessen wurden. – Aber auch hier: Die
Rolle der Fotografi e für die Vermittlung der
Architektur ist eminent und sie ist in ihren
guten Beispielen sachlicher, freilich auch
ausschließlicher als es der Sinn hervor-
ragender Malerei war. Und da wir nicht
einfach durch Japan oder Amerika oder
zu den großen Museen zwischen diesen
Ländern reisen können, sind die genannten
Monografi en nicht nur hilfreich, sondern
ein Segen.
Frank Lloyd Wright, Bauten für die Öffentlichkeit,
Hg. A. Hess, A. Weintraub, 312 S.
m. 400 Farbabb., geb. m. Schutzumschlag,
27,9 x 27,9 cm, DVA, 79,95 Euro
Die Anwendung
von Intelligenz ist
nicht so qualvoll,
wie allgemein
vermutetet wird.
(Werner Schneyder)
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Der Abend kommt als Kubist
Eine zeitgenössische
Italienische Reise
Hörstück für vier Sprechstimmen,
Saxophon, Perkussion, Akkordeon
und Improvisationsmalerei
Gastspiel an den Wuppertaler Bühnen
(Kleines Haus) in Kooperation mit Jazz-Age
Wuppertal, gefördert durch die Stadtsparkasse
Wuppertal
Samstag, 3. Juli, Beginn:20.00 Uhr
Schauspielhaus (Kleines Haus)
Ein Mann, eine Frau. Eine Frau, ein Mann.
Die älteste Geschichte der Welt. Zuweilen
die schönste. Öfter die traurigste. Noch
häufi ger die schönste und die traurigste zugleich.
Hier wird sie eingetaucht in das Licht
Liguriens. Die italienischen Riviera und ihr
hügeliges Hinterland bilden die Kulisse für
eine abenteuerliche Reise in das je eigene
und wahre Ich der beiden Protagonisten.
Wirklichkeit und Einbildungskraft verschwimmen:
Reiseimpressionen werden zu
imaginierten Experimentalfi lmen verdichtet,
Personen erfunden, die uns so vertraut und
bekannt vorkommen, als würden wir sie
schon immer kennen: wie Enzo, den Kranführer,
der seine Familie mit seinem kleinen
Gehalt mühsam über Wasser hält, eine
heimliche Geliebte hat und unheimliche
Gedichte schreibt. Oder Joey, der Griot und
Geschichtenerzähler aus dem Kongo, der das
Kunststück fertig bringt, mitten im ligurischen
Sommer Regenschirme (!) ohne Zahl
an die Badegäste am Meer zu verkaufen.
senden. In dem Monolog des „Geistes der
Erzählung“ und in der Musik – Saxophon,
großes Schlagwerk, afrikanische Trommeln
und Akkordeon – wird die Landschaft
Liguriens als „inneres Bühnenbild“ und
Erfahrungsraum der Protagonisten lebendig.
Text und Musik werden zu einem Sinn- und
Klangraum verwoben, den die Jazz- und
Improvisationsmusiker Dietrich Rauschtenberger
(Saxophon, Schlagwerk, Perkussion),
Ute Völker (Akkordeon) sowie der Trommler
Maik Bash-shiti füllen.
Die Wuppertaler Malerin und Bildhauerin
Ulle Hees hat während der Proben, die in
ihrem Atelier stattfanden, Bildsequenzen
zu den Stationen der Reise entworfen, die
während des Hörstücks als Bühnenbild(er)
projiziert werden. Dabei addieren sich die
von Hees entworfenen Glasaquarelle – jedes
einzelne für sich ein autonomes Kunstwerk -
durch Projektion und Übereinanderlagerung
zu einer Collage. Das letzte Bild schließt
gleichnishaft – ähnlich wie das Leben selbst
– die vorhergehenden Bilder als Schichten
unserer Existenz mit ein.
So werden im Dialog der Schauspieler, im
Klang der Musik und im Kunstraum der
Glasaquarelle die Landschaft Italiens als
Spiegelbild der Seele präsent: Die Zeit wird
fl üssig, wenn die Sonne hinter die Hügel
sinkt. Dann beginnt sich die sphärische Perspektive
aufzulösen, die Landschaft wird zur
Fläche. Die ineinander gewürfelten Häuser
am Hang scheinen in diesem späten Licht
ineinander zu fl ießen: „Der Abend kommt
als Kubist.“
Idee, Text und Konzeption:
Heiner Bontrup
Regie: Hans Richter
Sprecher: Hans Richter, Sabine Pass,
Dietrich Rauschtenberger, Claudio Li Mura,
Heiner Bontrup
Musik:
Dietrich Rauschtenberger (Saxophon,
Schlagwerk, Perkussion),
Ute Völker (Akkordeon)
Maik Bash-shiti (afrikanische Trommeln)
Bühnenbild: Ulle Hees
Der „Kubist“ ist nach „German Song“ (mit
Wolfgang Schmidtke) und „Jazz unterm
Hakenkreuz – die Ernst Höllerhagen-Story“
das dritte Hörstück des Wuppertaler Autors
Heiner Bontrup. Im September 2009 wurde
das Hörstück in Catania (Sizilien) im Rahmen
des XVI. Else-Lasker-Schüler-Forums unter
großem Beifall des Publikums im ältesten
und schönsten Benedektiner-Kloster Europas
(heute ist dort die Universität von Catania)
uraufgeführt.
Im Anschluss an die Inszenierung wird
das gleichnamige Buch vorgestellt, das im
Nordpark-Verlag erschienen ist.
Redaktion
Zufällig am Wegesrand Beobachtetes wird
zum Ausgangsmaterial für Gedichte und
Refl exionen. Die zeitgenössische italienische
Reise ist „Kino-im-Kopf“, ein literarischmusikalisches
Roadmovie, das Atmosphäre
und Stimmung Liguriens einfängt. Musik,
Poesie und Philosophie verdichten sich zu
einer Meditation über das Wesen von Zeit
und Erinnerung: „Wir müssen im Dunkel
unserer Vergessenheit die Geisterschiffe
aufspüren, auf denen wir einst segelten. Nur
wenn wir in die Vergangenheit schauen,
können wir den Horizont unserer Zukunft
erkennen.“
In dem Textkonzert schlüpfen Hans Richter
(langjähriges Mitglied der Wuppertaler Bühnen)
und die Kölner Schauspielerin Sabine
Paas in die Rollen der modernen Italienrei- Ulle Hees: Der Kubist, 2009, Hinterglasmalerei

Kulturnotizen
Erster gemeinsamer Sammlungsführer
der Ruhr Kunst Museen
Der Band stellt 20 Museen der „Metropole
Ruhr“ vor
Unter dem Titel „RuhrKunstMuseen.
Die Sammlung“ ist zum Kulturhauptstadtjahr
RUHR.2010 der erste gemeinsame
Sammlungsführer der 20 großen
Kunstmuseen des Ruhrgebiets erschienen.
Er ist Ausdruck der Gesamtidee eines
neuen Netzwerks, mit dem die vielseitige
Kunstlandschaft in der Summe der
Sammlungen moderner Kunst sichtbar
gemacht werden soll.
Einem einführenden Essay von Georg
Imdahl über die „Bilder des Ruhrgebiets“
folgt ein 150-seitiger, gerade durch seine
Unkommentiertheit beeindruckender
farbiger Tafelteil mit Abbildungen ausgewählter
Exponate der Museen: Kunstmuseum
Bochum, Kunstsammlungen der
Ruhruniversität Bochum, Josef Albers
Museum Quadrat Bottrop, Museum
Ostwall Dortmund, Museum DKM
Duisburg, Museum Küppersmühle Duisburg,
Museum Folkwang Essen, Kunstmuseum
Gelsenkirchen, Emil Schumacher
Museum Hagen, Osthaus Museum
Hagen, Gustav-Lübcke-Museum Hamm,
Flottmann-Hallen Herne, Städt. Galerie
Emschertal-Museum Herne, Skulpturenmuseum
Glaskasten Marl, Kunstmuseum
Mülheim Ruhr, Ludwiggalerie Schloß
Oberhausen, Kunsthalle Recklinghausen,
Zentrum für Lichtkunst Unna, Märkisches
Museum Witten.
Glanzstücke
Impressionistische Glanzstücke wie u.a.
Max Liebermanns Selbstbildnis mit
Küchenstilleben, Auguste Renoirs „Lise
mit dem Sonnenschirm“, Auguste Rodins
Portrait-Plastik „Rose Beuret“ und Henri
Matisses Stilleben mit Affodillen eröffnen
den Reigen mit Werken von Lehmbruck,
Marc, Macke, Kirchner sowie Albers,
Nolde, Richter, Stella, Schumacher, Höfer,
Tinguely, Turrell, Picasso, Albers, Grieshaber,
Klein, Piene, Giacometti, Kiefer,
Seliger, Richter, Vostell, Long, Grützke,
Maholy-Nagy, Uecker, Stella und vielen
anderen mehr. Hinzu kommen Stücke der
Antike, Kunst aus Ozeanien und Asiatica.
Illustrierte Beschreibungen - wenn man so
will Selbstportraits der beteiligten Museen
- mit straffen Texten und Bildbeispielen
aus Architektur und Sammlungen
schließen sich an. So stellt z.B. Ursula
Sinnreich das „Zentrum für Internationale
Lichtkunst Unna“ vor, ein ungemein
reizvolles und spannendes Haus, das ohne
die Aufnahme in dieses Sammelwerk vielleicht
nur wenigen Spezialisten bekannt
geblieben wäre. Auch das Gustav-Lübcke-
Museum in Hamm mit seinen vielfältigen
Sammlungen (allein die Design-Abteilung
ist eine Perle), verdient einen Blick mehr.
Ellen Schwinzer und Diana Lenz-Weber
stellen die Sammlungen vor. Den ungeheuren
Schatz des Duisburger Wilhelm
Lehmbruck Museums mit seinem
Skulpturenpark lernt man mit Christoph
Brockhaus kennen und das über 100 Jahre
alte, gediegene Geschmacksproben
Die „Geschmacksproben“ des kompakten,
handlichen Museumsführeres machen Appetit
auf die intensive eigene Erforschung
der vorgestellten Sammlungen. Zwar sind
die Adressen artig angegeben, man fi ndet
also hin, doch wurde leider versäumt, die
Internet-Seiten der Museen in die Texte
einzufügen. Das sollte heute schon Standard
sein. Dennoch: ein sehr empfehlenswerter
Einstieg in die Museumswelt des
Ruhrgebiets.
Ruhr Kunst Museen - Die Sammlung
© 2010 Hatje Cantz, 272 Seiten, 190
farbige Abbildungen mit alphabetischem
Verzeichnis, Format: 22,5 x 16,5 cm,
19,- Euro. ISBN 978-3-7757-2617-7.
Informationen unter: www.hatjecantz.de
Frank Becker
Peter Krämer
WP/StB
Andreas Niemeyer
WP/StB
Thomas Pintzke
StB
Katrin Schoenian
WP/StB
Dr. Jörg Steckhan
RA/WP/StB
Peter Temmert
WP/StB
Susanne Schäfer
StB
Stephan Schmacks
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52
Kulturnotizen
Einstürzende Gedankengänge
Eifel/Island-Krimi mit Rezepten von
Ulrich Land
Kripo Trier. Hauptkommissar Dollinger
hat Probleme mit seinem Kopf. Ihn
plagen nicht nur starke Schmerzen,
immer öfter muss er feststellen, dass sein
Gedächtnis ihn im Stich lässt.
Während Dollinger hartnäckige Tagträume
immer wieder nach Island zurückversetzen,
wo er mit seiner Tochter alles
andere als erfolgreich versuchte, den
größten Gletscher zu bezwingen, kann
er sich auf wichtige Details der jüngsten
Vergangenheit beim besten Willen keinen
Reim machen. Dafür schießen ihm jetzt
neuerdings auch noch quälende Erinne-
285 Seiten, 14 Euro
ISBN 978-3-938568-42-2
Oktober Verlag in der Reihe
„Mord und Nachschlag“
Neuerscheinung:
25. März 2010.
rungen aus seiner Kindheit messerscharf
durchs Hirn. Eigentlich hat er also reichlich
mit sich selbst zu tun, als ihm der
Tod eines Kindes in die Quere kommt,
das eingesperrt in einen Wohnhauskeller
mitten in Trier jämmerlich verhungertist.
Als kurz darauf die Mutter des Jungen
brutal ermordet aufgefunden wird und
sämtliche Indizien Dollinger selber
zum Verdächtigen machen, da weiß er
sich keinen anderen Rat mehr, als die
Polizeipsychologin aufzusuchen. Die aber
kann auch nicht verhindern, dass er vom
Dienst suspendiert wird. Was Dollinger
jedoch keineswegs davon abbringt, auf
eigene Faust weiter zu recherchieren.
Schließlich will er auch den geringsten
Zweifel an seiner Unschuld aus der Welt
schaffen – und vor allem seine Selbstzweifel.
Die Polizeipsychologin allerdings
erweist sich dabei als wenig hilfreich.
Ulrich Land, geboren 1956 in Köln, lebt
und schreibt in Hattingen. Sein Romandebüt
»Der Letzte macht das Licht aus«
erschien 2008 im Oktober Verlag. Er
ist Verfasser von Lyrik, Prosa, Essays, 40
Hörspielen und über 60 Radiofeatures.
Außerdem war er langjähriger Moderator
der WDR EinsLive-Hörspiele.
Mit Vorliebe lotet er die Ränder des
süßen Grauens aus. Krisen und Katastrophen,
Süchte und Sehnsüchte: das ist der
Stoff, aus dem seine Tinte ist.
Ruth Eising
Konzerte im Landhotel Jammertal
Im Rahmen der Kulturhauptstadt
Ruhr.2010 hat das Landhotel Jammertal
in Datteln das Kulturangebot deutlich erweitert
– auch auf internationaler Ebene.
Von Jazz und Swing, von Flamenco und
Klassik bis hin zur Lesungen bietet die
Wellness-Oase mitten im Grünen allen
Freunden der gehobenen Unterhaltung
ganz besondere Leckerbissen an.
Donnerstag, 20. Mai 2010, 20.00 Uhr
Swing | Michael Friedmann & Peter Berlau
Mittwoch, 02. Juni 2010, 20.00 Uhr
Literarischer Abend | Michael van Ahlen
& Peter Nickel
Donnerstag, 03. Juni 2010, 20.00 Uhr
Gesangsabend | Claudia Duschner &
Juriko Akimoto
Donnerstag, 17. Juni 2010, 20.00 Uhr
Jazz | Spirit of Louis Armstrong Trio
Landhotel Jammertal
Familie Schnieder · Naturpark Haard
Redder Straße 421 · 45711 Datteln - Ahsen
Tel.0 23 63 - 3 77 0 · Fax 377 100
info@jammertal.de · www.jammertal.de

Klangart im
Skulpturenpark Waldfrieden
Den Liebhaber dieser Musikreihe ein
wohl temperiert zusammengestelltes
Programm im Spannungsfeld von zeitgenössischen
Jazz, frei improvisierter Musik
und Weltmusik auf internationalem
Niveau:
Sonntag, 30. Mai 2010, 18 Uhr
Limpe Fuchs & Zoro Babel
Samstag, 19. Juni 2010, 19 Uhr
Savina Yannatou & Primavera en Salonico
Sonntag, 20. Juni 2010, 18 Uhr
TRIBUT TO CHARLIE MARIANO
Bobby Stern, Philip Catherine,
Jasper van’t Hof, Dieter Ilg, Aldo Romano
Sonntag, 4. Juli 2010, 18 Uhr
DEVIL QUARTET
Paolo Fresu, Bebo Ferra,
Paolino Dalla Porta, Stefano Bagnoli
Klangart im Skulpturenpark Waldfrieden
Hirschstraße 12, 42285 Wuppertal
Telefon 0202-3172989
www.skulpturenpark-waldfrieden.de
Litheraturhaus Wuppertal e.V.
Ein Fest für die Dichtung:
Leselust von früh bis spät
Das Literaturhaus Wuppertal feiert seine
zehnjährige Präsenz am Haspel
Eine lebendige Literaturszene in der
Stadt – dafür macht sich das Literaturhaus
Wuppertal stark. Der Verein organisiert
Lesungen, Themenabende, Konzerte
mit Literatur und vieles mehr. Seit April
2000 ist das Literaturhaus in einem der
Haspel-Häuser an der Friedrich-Engels-
Allee 83 zu Hause. Ein solches Jubiläum
ist ein Grund zu feiern. Am 5. und 6.
Juni heißt es daher „Leselust von früh bis
spät“. Das Literaturhaus lädt in Kooperation
mit den Wuppertaler Bühnen
zu einem vielfältigen Programm mit
Dichtung und Musik am Haspel und im
Schauspielhaus ein.
Am Samstag, 5. Juni, spielt sich alles am
Haspel ab. In den Räumen des Literaturhauses
und im Hof steigt ein Lesemarathon
bis spät in die Sommernacht. Auch
für Speisen und Getränke ist natürlich
gesorgt. Los geht’s um 14 Uhr mit dem
Kinderprogramm. Der bekannte Illustrator
Wolf Erlbruch zeichnet, Hermann
Schulz und andere Autoren lesen. Ab 16
Uhr tragen Wuppertaler Schriftsteller
Lyrik und Prosa vor, u.a. sind Karl Otto
Mühl und Michael Zeller dabei. Für Musik
sorgen Künstlerinnen der GEDOK.
Ab 21.30 Uhr folgt ein Poetry Slam,
anschließend tritt Wortakrobat Mitch
Heinrich auf.
Wolf Erlbruch
Ingeborg Wolff
Am Sonntag, 6. Juni, geht es von 11 bis
etwa 14 Uhr im Schauspielhaus weiter.
Wer möchte, kann mit einem Frühstück
dort beginnen. Bekannte Schauspieler wie
Ingeborg Wolff, Barbara Nüsse und Edgar
M. Böhlke lesen Theatertexte. Studentinnen
der Musikhochschule Wuppertal
gestalten die Musik dazu.
Literaturhaus Wuppertal e.V.
Friedrich-Engels-Allee 83
42285 Wuppertal
Telefon: +49 (0) 202 8 02 32
Telefax: +49 (0) 202 8 992 76
E-Mail: info@literaturhaus-wuppertal.de
www.literaturhaus-wuppertal.de
Neuer Kunstverein Wuppertal
„Wir laden ein...“ heisst die erste Ausstellung
des neuen Kunstvereins Wuppertal
und insgesamt 350 Besucherinnen und
Besucher füllten über Stunden den Raum
im Kolkmannhaus in der Hofaue um die
Taufe zu feiern. Die Mitglieder haben
hierzu Künstler aus Deutschland, Österreich,
Belgien und Frankreich eingeladen
und zeigen zum Auftakt ein vielfältiges
Bild zeitgenössischer Kunst. Dazu gehören
Armin Bremicker, Ralf Edelmann,
Johannes Jensen, Katharina Kern, Peter
Mönnig, Virginie Mossé, Laurent Tchedry
und Uwe Wölcke. Das Spektrum ist
weit gefasst und reicht von dokumentarischen
Fortografi en über Malerei und
Skulptur bis hin zur Installation. Zudem
wurde das Eröffnungsprogramm durch
Ralf Landfermann, Daniel Schmitt und
die Mitglieder begleitet.
Insofern ist die erste Ausstellung auch ein
spannender Aufschlag für die zukünftige
Entwicklung. Ziel des Vereins ist es ein
Forum zu schaffen, Diskussionen zu
ermöglichen, und damit dem kulturellen
Leben in der Stadt neue Impulse zu geben,
auch um Wuppertal als interessanten
Kunststandort überregional bekannt zu
machen. Geplant sind unterschiedlichste
Themen- und Gruppenausstellungen
sowie ein umfangreiches Veranstaltungsangebot.
Die aktuelle Show ist noch bis 13.6. zu
sehen, Ende Juni folgt dann eine Einzelausstellung
des Berliner Videokünstlers
Ralf Küster.
„Wir laden ein...“, bis 13.6.2010, Neuer
Kunstverein Wuppertal, Hofaue 51
(Kolkmannhaus), 42103 Wuppertal,
Öffz.: Mi-Fr 17-20, Sa+So 15-18 Uhr,
Informationen unter: info@neuer-kunstverein-wuppertal.de
oder 0202/2954076
(E. Schönenberg)
53

54
Kulturnotizen
„Vorwärts, und nicht vergessen…“
Fluchtpunkt Solidarität
„Auf ihr Völker dieser Erde, einigt euch in
diesem Sinn: daß sie jetzt die eure werde
und die große Nährerin. Vorwärts, und
nicht vergessen...“
Das Solidaritätslied entstand 1931 vor der
Errichtung der faschistischen Hitlerdiktatur.
Text: Bert Brecht, vertont von Hanns
Eisler
Heine-Kunst-Kiosk 01.05. – 30.06.2010
Wuppertal, Wichlinghauser Straße 29a
Barbara Held – Tel 0202-475098
Boris Meißner – Tel 02191-73162
Erweiterungsgebäude KUBUS in
der Ruine von Haus Weitmar (Red.)
Kubus: Foto © Heide von Berswordt-Wallrabe
Bochum. Situation Kunst ist ein museales
Ensemble im Park von Haus Weitmar in
Bochum und Teil der Kunstsammlungen
der Ruhr-Universität Bochum. Die
Sammlungen umfassen Werke der internationalen
Gegenwartskunst sowie alte
afrikanische und asiatische Kunst; sie dienen
zum einen verschiedenen Fakultäten
der Ruhr-Universität als Lehrsammlungen
und sind zum anderen der Öffentlichkeit
an mindestens zwanzig Stunden pro
Woche unentgeltlich zugänglich.
Die Stiftung Situation Kunst hat aktuell
ein multifunktionales Erweiterungsgebäude
„Kubus“ nach den Plänen der
Architekten Pfeiffer, Ellermann und
Preckel aus Münster in der Ruine des im
Zerschossener Wald bei Verdun 1916
© Adolf Erbslöh / VG Bild-Kunst, Bonn 2010
Zweiten Weltkrieg zerstörten Haus Weitmar
errichtet. Der Kubus bietet auf einer
Fläche von etwa 1.200 m2 (verteilt auf
vier Geschosse) u.a. Raum für Wechselausstellungen.
Anläßlich der Eröffnung zeigt die Stiftung
Situation Kunst dort bis November 2010
die zweiteilige Ausstellung Weltsichten.
Landschaft in der Kunst seit dem 17.
Jahrhundert.
Stiftung Situation Kunst
Nevelstr. 29c/Schloßstr. 13
D-44795 Bochum
www.situation-kunst.de
Osthaus Museum Hagen zeigt
Ausstellung über Istanbul
Die Sammlung Huma Kabakci ist im
Rahmen des Kulturhauptstadtprogramms
Ruhr.2010 bis zum 25. Juli zu
sehen
Hagen - „Istanbul. Sammlung Huma
Kabakci“ ist der Titel einer Ausstellung
im Hagener Museum Osthaus im
Rahmen des Kulturhauptstadtprogramms
Ruhr.2010. In Istanbul - ebenfalls
Kulturhauptstadt Europas im laufenden
Jahr - hat sich eine junge Kunstszene
etabliert, die ebenso aufregend ist
wie Paris, Berlin oder New York. 60
Jahre Kunst in Istanbul - nicht nur als
Rückblick, sondern auch mit besonderem
Augenmerk auf zeitgenössische Kunst
präsentiert das Osthaus Museum als erstes
Museum in Europa. Insgesamt sind 195
Werke der Malerei und Bildhauerei von
1950 bis heute aus der Sammlung Huma
Kabakci zu sehen.
Die bedeutende Sammlung umfaßt
zudem ein großes Konvolut von
Fotografi en des international hoch
geachteten türkisch-armenischen
Magnum-Fotografen Ara Güler. In Hagen
zeigt eine Auswahl seiner Stadtansichten
Momente alltäglicher Schönheit zwischen
Dynamik und Wehmut. Ein Katalog zur
Ausstellung mit allen gezeigten Werken
wird in der Edition Braus erscheinen.
Die Ausstellung ist dienstags bis freitags
von 10 bis 17 Uhr sowie samstags und
sonntags von 11 bis 18 Uhr geöffnet.
Internet: www.osthausmuseum.de
Alexej von Jawlensky und Josef
Albers: Farbe. Abstraktion. Serie
Alexej von Jawlensky -
Abstrakter Kopf Schicksal - © VG Bild-Kunst
Josef Albers Museum Bottrop
16. Mai – 29. August 2010
Die Ausstellung Alexej von Jawlensky und
Josef Albers Farbe. Abstraktion. Serie ist
ein seltenes Gipfeltreffen, bei dem sich
zwei weithin bekannte Künstler begegnen,
deren Gemeinsamkeiten bisher noch
nicht wirklich entdeckt worden sind.
Obwohl es in den Arbeiten von Josef
Albers keinerlei Verweis auf Gegenständliches
gibt, setzt die Farbe in ihrer eigenen
Dynamik die gemeinsame Klammer zu
Alexej von Jawlensky. Erstmals werden

Josef Albers - Variant Adobe 1976 - © The Josef
and Anni Albert Foundation/VG Bild-Kunst
diese beiden Künstler gemeinsam im Josef
Albers Museum in Bottrop gezeigt. Dabei
werden etwa 50 Werke von Josef Albers
mit ebenso vielen Gemälden von Alexej
von Jawlensky präsentiert.
Weitere Informationen unter:
www.bottrop.de
Fotoausstellung mit „Bildern der
Arbeit“ in Dortmund
„Bilder der Arbeit - Fotografi en aus
Europa“ lautet der Titel einer Präsentation
in der Deutschen Ar beits schutzausstellung
(DASA) in Dort mund, die ab dem 13.
Juni zu sehen sein wird. Fotobegeisterte
aus ganz Europa hatten sich im
vergangenen Jahr an einem Wettbewerb
der Europäischen Agentur für Sicherheit
und Gesundheitsschutz am Arbeitsplatz
beteiligt und ihre Bilder eingesandt, hieß es
in einer Ankündigung.
Aus den insgesamt 1.700 eingesandten
Arbeiten zum Motto „Wie sieht Ar beitsschutz
für Dich aus?“ zeigt die bis zum 26.
September laufende Ausstellung die besten
50 Einsendungen. Sie vermitteln nach
Angaben der Veranstalter einen Eindruck
vom Verständnis des „Normal-Bürgers“
zu den vermeintlich trockenen Themen
Sicherheit und Unfallverhütung. Die
Bilder zeigen Humor, Einfachheit und
Unschuld, manchmal begleitet von einem
Hauch Spannung oder sogar Provokation.
Internet: www.dasa-dortmund.de
In eigener Sache
Das vierte Heft des noch jungen Magazins „Die Beste Zeit“
liegt nun vor denen unter unseren Lesern, die von Anfang an
dabei waren und macht jene hoffentlich neugierig, die erst jetzt
auf unser Magazin für Lebensart aufmerksam werden. Dass wir
es bis hierher geschafft haben und von Heft zu Heft den Standard
halten und verbessern konnten, den wir Ihnen regelmäßig
anbieten möchten – auf lange Sicht ist ein Rhythmus von fünf
bis sechs Heften pro Jahr ins Auge gefasst – verdanken wir
dem Engagement Vieler. Autoren, Fotografen und Künstler
unterstützen uns mit ihren Arbeiten, Fachleute haben guten
Rat gegeben, Leser mit ihren Anregungen wertvolle Beiträge
geleistet. Dafür sind wir sehr dankbar.
Nachdem wir „Die Beste Zeit“ während der Einführungsphase
und derzeit noch zum Kennenlernen an Fixpunkten der
regionalen Kultur kostenlos auslegen – auch hierfür sind wir
den sehr aufgeschlossenen Partnern verpfl ichtet – dürfen wir
nicht die Wirtschaftlichkeit unserer Idee aus den Augen verlieren.
„Die Beste Zeit“ soll, sobald das Vertriebssystem installiert
ist, an vielen Verkaufsstellen zum erschwinglichen Preis von
3,50 Euro zu haben sein. Um diesen Preis halten zu können,
brauchen wir zum einen Abonnenten, also Sie, liebe Leser. Das
Magazin könnte regelmäßig in Ihrem Briefkasten liegen. Dafür
sorgen wir. Zum anderen sind wir zur Finanzierung des Projekts
auf Partner angewiesen, die uns mit Ihren Inseraten unterstützen.
In einer so schönen Umgebung, wie sie „Die Beste
Zeit“ mit ihren Berichten aus Kunst und Musik, Literatur und
Lebensart, Theater und Tanz (und vielem mehr) bietet, ist jede
Annonce gut aufgehoben und erreicht genau die Kunden, die
Sie als Inserenten ansprechen möchten.
Seien Sie bei „Die Beste Zeit“ mit am Puls der Kultur: als Leserin
und Leser, als Abonnent, Anzeigenkunde und Partner. Wir
arbeiten für Sie und freuen uns, wenn Sie dabei sind.
HansPeter Nacke & Frank Becker
Die Beste Zeit – Das Magazin für Lebensart
Druckservice HP Nacke KG
Mediapartner - Druck - Verlag
Friedrich-Engels-Allee 122
D-42285 Wuppertal
Telefon 02 02 - 28 10 40
Fax 02 02 - 8 31 67
www.diebestezeit.net
verlag@hpnackekg.de
Abonieren Sie „Die Beste Zeit“ unter: www.diebestezeit.net - Abonnement
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Der Tipp für alle ab 60!
Mit dem BärenTicket sind Sie im ganzen VRR-Gebiet
unterwegs, rund um die Uhr und in der 1. Klasse.
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Tel.: 0202 569-5200
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