Plenarvortragende - Institut für Theater

Plenarvortragende
Prof. Gabriele Brandstetter (Berlin) - Donnerstag / Thursday 12.10. / 17.30 – 18.15
Un/ Un/Sichtbarkeit. n/ Sichtbarkeit. Medialität und Medien-Performance im im zeitgenössischen zeitgenössischen Theater Theater und
und Tanz
Prof. Klemens Gruber (Wien) - Freitag / Friday 13.10. / 15.00 – 15.45
Das intermediale Jahrhundert
Prof. Ulrike Haß (Bochum) - Freitag / Friday 13.10. / 16.00 – 16.45
Vom Körper zum Bild. Ein Streifzug durch die Theatergeschichte als Mediengeschichte zum Nachteil des
Theaters
Prof. Andreas Kotte (Bern) - Donnerstag / Thursday 12.10. / 18.45 – 19.30
„Defi nierbar ist nur, was keine Geschichte hat“. Über Fortschritte der Medien und Wandlungen von Theater
Klaus Obermaier (Wien) - Samstag / Saturday 14.10. / 20.00 – 21.30
Interaktive Tanz-, Musik- und Theaterperformances. Überblick über 15 Jahre intermediale Praxis
Anschließend: Diskussion
18 Theater & Medien

Vortragende
Prof. Dr. Günter Berghaus (Bristol)
F.T. Marinetti’s Concept of a Theatre Enhanced by Audio-Visual Media – 25
Prof. Dr. Christoph Bläsi (Erlangen)
Das Explizieren von Strukturen im Umfeld des Theaters mit XML – 26
Dr. Peter M. Boenisch (Kent)
The Medium is the Narrative. Intermediale Dramaturgie im Theater von Guy Cassiers – 27
Dr. phil. Hans-Friedrich Bormann (Berlin)
Geschlossene Anstalt: Schauspielschüler im deutschen Film – 28
Bettina Brandl-Risi (Berlin)
Das Paradox des ‚tableau vivant‘ und die Medialität des Theaters – 29
Prof. Dr. Gabriele Brandstetter (Berlin)
Un/Sichtbarkeit. Medialität und Medien-Performance im zeitgenössischen Theater und Tanz – 30
Michael Braun (Leipzig)
Tulse Luper‘s Journey: Die Figur eines Reisenden als Medium (trans)kultureller Identität – 31
Dr. Jörg von Brincken (München)
Filmkörper oder: Bilder, die das Auge berührt.
Zum Verhältnis von fi lmischem Medium und Körperkunst bei Matthew Barney – 32
Annette Bühler-Dietrich PhD (Stuttgart)
Theater im Film – Film als Theater: Zweimal Dogville – 33
Prof. Dr. Johan Callens (Brussel)
Mediating Phèdre – 34
Freda Chapple (Sheffi eld)
The Intermedial Theatron: a Paradigm Shift in Education and Performance in the Public Sphere – 35
Christophe Collard (Brussel)
Media and Genre Crossings in the Work of David Mamet – 36
Götz Dapp (Mainz)
Mediaclash – A Paradigm of Contemporary International Political Theatre – 37
Sabine Dendorfer (München)
Die Intermedialität des Theaters – Der Einfl uss des Kinofi lms auf das zeitgenössische
deutschsprachige Theater in Inszenierung und Dramatik – 38
Dr. Stefanie Diekmann (Frankfurt/O.)
Behind the Scenes - Zur Topologie des Theaterfi lms – 39
Dr. Johanna Dombois (Köln/Bern)
Von der Praxis zur Theorie: Oper inszenieren mit Neuen Medien. Ein Werkstattbericht aus der
virtuellen Welt – 40
Dr. Miriam Dreysse (Gießen)
Blickordnungen und öffentliche Bekenntnisse in der zeitgenössischen Performance – 41
Thomas Dumke (Dresden)
Der Einfl uss von Computersoftware auf Inszenierungen - structural settings for the theatre
experience – 42
Prof. Dr. Lutz Ellrich (Köln)
Armes Theater oder Medienspektakel? – 43
Theater & Medien 19

Vortragende
Dr. Regine Elzenheimer (Frankfurt/M.)
Simultaneität – Immaterialität – Performativität. Aspekte der Integration elektronischer und live-elektronischer
Medien im zeitgenössischen Musik-Theater – 44
Dr. Andreas Englhart (München)
Seriendramaturgien als Performance? Konvergente Entwicklungen im avancierten Theater und in der
populären Fernsehserie seit den 70er Jahren – 45
Serap Erincin (New York, NY)
Towards a Rich Theatre: Where Does the Wooster Group Take Technology? Where Does Technology
Take the Wooster Group? – 46
Dr. Christoph Ernst (Erlangen)
Die Öffentlichkeit der Oper: Alexander Kluges Darstellung der Oper in seinen Filmen ‚Die Macht der
Gefühle‘ und ‚Der Angriff der Gegenwart auf die übrige Zeit‘ – 47
Dr. Wolf-Dieter Ernst (München)
Schauspiel durch Medien um 1900: „Der Künstler scheinbar unbeteiligt [...] lässt statt seiner über seinem
Kopf die Verse reden“ – 48
Dr. Erhard Ertel (Berlin)
Montage der kulturellen Attraktionen. Frank Castorfs medienästhetische Theaterpraxis der 80er Jahre – 49
Russell Fewster (Melbourne & Adelaide)
Presence and Mediatization – 50
Christian Filk (Luzern)
Die performative Kodierung von Krieg und Terror der Bildschirmmedien – Thesen zur Theatralität und
Dramaturgie von Krisenkommunikation und Kriegsberichterstattung in einer visuellen Kultur – 51
Prof. Dr. Sabine Friedrich (Erlangen)
Theatralität als mediales Dispositiv. Zur Emergenz von Modellen theatraler Performanz aus medienhistorischer
Perspektive – 52
Dr. Julia Glesner (Erfurt)
Theater und Internet – Zum Verhältnis von Kultur und Technologie im Übergang zum 21. Jahrhundert – 53
Ina Gombert (Erlangen)
In echt oder getrickst? Drittklässler über die Unterschiede zwischen Theater, Kino und Fernsehen – 54
Drs. Liesbeth Groot Nibbelink (Utrecht)
Actor and Character in Intermedial Theatre – 55
Prof. Dr. Klemens Gruber (Wien)
Das intermediale Jahrhundert – 56
Dr. Yvonne Hardt (Berlin)
Tanz und interaktive Medien – eine Analyse am Beispiel der Tanzperformance – 57
Prof. Dr. Ulrike Haß (Bochum)
Vom Körper zum Bild. Ein Streifzug durch die Theatergeschichte als Mediengeschichte zum
Nachteil des Theaters – 58
Dr. Edwin Hees (Stellenbosch)
Reading Classical Drama on Film – 59
Erika Hughes (Madison, WI)
Mediating Authenticity: An Examination of Onstage Realities – 60
Dr. Sabine Huschka (Berlin)
Media-bodies: Choreographierte Körper als Wissensformation. William Forsythe und die Neuen Medien – 61
20 Theater & Medien

Vortragende
Dr. Katie Johnson (Oxford, OH)
“That’s My Lulu Belle”: Constructing the Black Prostitute on Stage and Screen – 62
Jürgen Kästner (Leipzig)
Theater im Fernsehen der DDR – Transformationen am Beispiel von Thomas Langhoffs Theaterinszenierungen
– 63
Dr. Chiel Kattenbelt (Utrecht)
Multi-, Trans- und Intermedialität: drei unterschiedliche Perspektiven auf die Beziehungen zwischen
den Medien – 64
Kimon Keramidas (New York, NY)
Coming Soon to a Cinema/Television/Website/Video Game/Theatre Near You ... : Theatre,
Intellectual Property Rights, and the Control of American Culture – 65
Prof. Dr. Kay Kirchmann (Erlangen)
Vom Nutzen und Nachteil des Medienbegriffs für das Theater und die Theaterwissenschaft – 66
Corinna Kirschstein (Leipzig)
Ein „gefährliches Verhältnis“ – Theater, Wissenschaft und Film in den 1910er und 1920er Jahren – 67
Dr. Thomas Klein (Mainz)
Der Bühnentod im Film – 68
Leopold Klepacki (Erlangen)
Theaterpädagogik und Medienpädagogik an der Schule. Über das (Nicht-)Verhältnis zweier ungleicher
Schwestern – 69
Prof. Dr. Anja Klöck (Leipzig)
Schau-Spiel-Technik und Medien als Repräsentationstechnologien – 70
Prof. Dr. Andreas Kotte (Bern)
„Defi nierbar ist nur, was keine Geschichte hat“. Über Fortschritte der Medien und Wandlungen von
Theater – 71
Dr. Kirsten Kramer (Erlangen)
Theatralität als mediales Dispositiv. Zur Emergenz von Modellen theatraler Performanz aus medienhistorischer
Perspektive – 72
Eva Krivanec (Wien)
Kriegspropaganda multimedial. Spektakel, Variété und Kino im Ersten Weltkrieg – 73
Monika Kugemann (Erlangen)
Theater, Kino, Zeitung, Zeitschrift – ein historischer Medienvergleich – 74
Prof. Dr. Hajo Kurzenberger (Hildesheim)
‚Literaturtheater’ mit der Videokamera? Zu Stefan Puchers intermedialer „Othello“-Inszenierung am
Schauspielhaus Hamburg (2005) – 75
Prof. Dr. Jean-Marc Larrue (Montréal)
Revisiting Adaptation: Adaptation and the Intermedial Approach – 76
Riva Lava (Nafplio)
Telling the Story in Greece: “Empathy, Drama and Silent Facts in the Media World” – 77
Dr. Andy Lavender (London)
Action and Affect in Intermedial Theatre – 78
Dr. des. Jan Lazardzig (Berlin)
Das Buch als Bühne – Anmerkungen zum Mannhafften Kunstspiegel (1663) von Joseph Furttenbach – 79
Theater & Medien 21

Vortragende
Heide Lazarus (Dresden)
Der Einfl uss von Computersoftware auf Inszenierungen – structural settings for the theatre expierence – 80
Dieter Linck (Erlangen)
„Mediales Theater“: Schultheater und Medien – 81
Dr. Swetlana Lukanitschewa (München)
Die audiovisuelle ‚Realität‘ in Peter Greenaways theatralem Projekt „The Children of Uranium“ – 82
Prof. Dr. Peter W. Marx (Mainz)
Spektakel und Sensation: Theater und ‘andere Medien’ zu Beginn des 20. Jahrhunderts – 83
Dr. Annemarie Matzke (Berlin)
Living in a Box – Zur Medialität räumlicher Anordnungen – 84
Prof. Dr. Platon Mavromoustakos (Athens)
Observing Birds: Media and the Documentation of the Performance History of Ancient Drama – 85
Dr. Kara McKechnie (Leeds)
The Turn of the Screw: Low-tech Approaches. The Dramaturgy of a Stage Adaptation from Multiple
Sources – 86
Drs. Sigrid Merx (Utrecht)
Contemporary Intermedial Theatre Practice: Viewed in the Light of the Early French Film Debate – 87
Dr. Daniel Meyer-Dinkgräfe (Aberystwyth)
Theater, Medien und Bewusstsein – 88
Dr. Bianca Michaels (Karlsruhe)
Theatersoap und Talkshow-Oper. Zwischen Theater im Fernsehformat und Fernsehen als theatralem
Ereignis. – 89
Dr. Pantelis Michelakis (Bristol)
Early Film Adaptations of Greek Tragedy: Cinema, Theatre, Photography – 90
Dr. Nikolaus Müller-Schöll (Bochum)
(Un-)Glauben. Das Spiel mit der Illusion – 91
Prof. Dr. Robin Nelson (Manchester)
Double-jointed: Implications of Virtual and Bodily Encounters in Contemporary Performance – 92
Klaus Obermaier (Wien)
Interaktive Tanz-, Musik- und Theaterperformances. Überblick über 15 Jahre intermediale Praxis – 93
Deidre Onishi (Madison, WI)
‘Nacht ‘ und Träume Träume‘:
Transversing the Boundaries of Written and Recorded Media – 94
Dr. Katharina Pewny (Hamburg)
MEDIAL REAL? Funktion und Einsatz von Medien in den zeitgenössischen performativen Künsten – 95
Ruth Prangen (Köln)
Raumbilder & Bildräume – 96
Dr. Patrick Primavesi (Frankfurt/M.)
Durchquerungen. Neue Medien und Theaterformen nach Brecht – 97
Prof. Anton Rey (Zürich)
blended learning theatertheorie – 98
Christoph Rodatz (Darmstadt)
Der Schnitt durch den Raum des Theaters oder Ein Problem der Betrachtung des Theaters als
Medium – 99
22 Theater & Medien

Vortragende
Dr. David Roesner (Exeter)
Intermediale Variationen eines Songs auf der Theaterbühne. Forschung durch Praxis anhand eines
musik-theatralen Projekts – 100
Prof. Dr. Kati Röttger (Amsterdam)
Intermedial Performance Analysis: Methodische Überlegungen – 101
Dr. Jens Ruchatz (Erlangen)
Zeit des Theaters/Zeit der Fotografi e. Intermediale Verschränkungen – 102
PD Dr. Johannes Schmitt (Erlangen)
Dramaturgie im Medienwechsel – 103
Prof. Dr. Peter Seibert (Kassel)
Von der „Inneren Bühne“ zum Hybridmedium. Theater im Hörfunk – 104
Greg Shealy (Madison, WI)
Buffalo Bill in Germany: The Native American Body as Media – 105
Prof. Dr. Franziska Sick (Kassel)
Medium, Theater und Film bei Beckett – 106
Michelle Smith (Athens, GA)
Virtual Actors and Media Agency in Performance – 107
Robert Sollich (Berlin)
Die Promiskuität der Musik – Über intermediale Ver-Fremdungsstrategien in der zeitgenössischen
Inszenierung von Oper – 108
Dr. des. Sabine Sörgel (Mainz)
Von „Klappervehikeln“ und anderen Medien: Zur Medialisierung des Performativen im zeitgenössischen
Theater und Tanz – 109
Katrin Stöck (Halle)
Das Verschwinden der Funkoper im Hörstück. Musiktheater im Rundfunk – 110
Jörg Thums (Frankfurt/M.)
„Der Kick“ – Formen von essayistischem Dokumentarismus auf der Bühne und im Film – 111
Dr. Christina Thurner (Bern/Basel)
Poetische Sichtbarmachung. Be- und Er-schreibungen in Tanzkritiken des 19. Jahrhunderts und heute – 112
Prof. Dr. Susanne Vill (Bayreuth)
Spielräume zwischen Medienkunst und Virtual Reality – 113
Alexandra Vlad (Cluj-Napoca/Klausenburg)
Zur Theatralität des Filmischen. Intermediale Brüche und Veränderungen des rumänischen gegenwärtigen
Kurzfi lmes – 114
Dr. Meike Wagner (München)
Gehäuse, Wechselstrom, Glotzaugen – Ein Beitrag zur Medialität des Theaters – 115
Dr. Matthias Warstat (Berlin)
Medialität des Terrors. Theater und Fernsehen im Umgang mit dem 11. September 2001 – 116
Prof. Dr. Birgit Wiens (Dresden)
Theater als Online-Business? Neue Ökonomien, neue Spielregeln – 117
Dr. Jörg Wiesel (Basel/Berlin)
„The Baa-Lamb‘s Holiday“. Zur Intermedialität des Tieres – 118
Dr. Isa Wortelkamp (Berlin)
Tanz der Figuren – zur Darstellung von Bewegung in den Bildern des Hans von Marées – 119
Theater & Medien 23

Prof. Dr. Günter Berghaus (Bristol)
Günter Berghaus is a Senior Research Fellow at the University of Bristol and a leading expert on Italian
Futurism and twentieth century avant-garde performance. He has published some 15 books on various
aspects of theatre history, theatre anthropology, and theatre politics, amongst others Theatre and Film in
Exile (1989), Fascism and Theatre (1996), Futurism and Politics (1996), Italian Futurist Theatre (1998),
On Ritual (1998), International Futurism in the Arts and Literature (1999), Avantgarde Performance: Live
Events and Electronic Technologies (2005), Theatre, Performance and the Historical Avantgarde (2005). He
has directed numerous plays from the classical and modern repertoire and devised many productions of an
experimental nature. He has been principal organizer of several international conferences and held research
awards from the Polish Academy of Sciences, the German Research Foundation, the Italian Ministry of
Culture, the British Academy, and the Brazilian Ministry of Education. He is currently editing a new edition of
FT Marinetti’s critical writings.
F.T. Marinetti’s Concept of a Theatre Enhanced by Audio-Visual Media
Italian Futurism was part of the modernist project to fi nd an artistic language that could give expression
to the physical and mental upheavals that had shaken Europe in the wake of the Industrial Revolution.
At a time, when Italy was undergoing rapid transformation in the economic and social fi elds, the Futurists
tried to capture in their works the experience of the modern world and made the machine the
guiding principle of their aesthetics. Marinetti’s theoretical writings are full of refl ections on science,
technology, engines, energy, matter, time and space etc. and how the most recent discoveries and inventions
could be employed to capture the “frenetic life of our great cities”, the modern “state of mind”,
even “dynamic sensation itself”.
As a theatre artist, Marinetti considered ways of integrating new audiovisual devices into his performances.
In several manifestos from the 1910s, he suggested the use of fi lm in theatrical spectacles.
In 1914, during a poetry recital in Naples, he recited his latest creations in a live hook-up via telephone
from London. When, in the 1920s, the fi rst Italian radio stations went on air, Marinetti was among the
fi rst to write experimental radio dramas for them and to refl ect on the medium in several essays and
manifestos. Similarly, the fi rst experimental television broadcasts made Marinetti consider the use of TV
technology in the theatre. In 1932, he published some concrete suggestions for an integrated use of
these media in a teatro aero radiotelevisivo. He developed his ideas a stage further in one of the most
visionary writings of the period, the “Total Theatre Manifesto” of 1933, which foresaw the introduction of
cinema, radio and television as complements to the theatrical means of communication in a truly multimedia
spectacle.
This paper will present some of Marinetti’s revolutionary ideas of an integrated use of audiovisual media
in theatre productions. Following a general characterization of the intimate relationship between Futurist
aesthetics and modern science and technology, I shall focus on Marinetti’s views on cinema, telephone,
radio and television and how he foresaw them being employed in a theatre performance.
Kollegienhaus, Raum C / 13.10. / 17.15 – 17.45 Uhr
Abstracts
Theater heater
heater & Medien Medi edi
edien en
en 25
25

Abstracts
Prof. Dr. Christoph Bläsi (Erlangen)
Prof. Dr. Christoph Bläsi ist seit 2004 Professor für Buchwissenschaft an der Universität Erlangen-Nürnberg.
Seine Schwerpunkte sind das Elektronische Publizieren und das moderne Buchhandels- und Verlagswesen.
Nach dem Abitur und einer Ausbildung zum Programmierer und Systemanalytiker studierte Christoph Bläsi
1982-1989 an der Universität Freiburg Mathematik (Schwerpunkt Informatik), Germanistik und Sprachwissenschaft.
1989-1992 war Christoph Bläsi Wissenschaftlicher Angestellter am Lehrstuhl für Computerlinguistik
an der Universität Heidelberg, 1992 Assistent am Lehrstuhl für Computerlinguistik der Universität
Bielefeld. Zwischen 1992 und 2004 arbeitete Christoph Bläsi dann in der Verlagswirtschaft: 1992-1998
als Produktmanager Neue Medien beim Verlag Bibliographisches Institut & F.A. Brockhaus AG in Mannheim,
1998/1999 als Leiter Elektronische Produkte und Marketing beim Verlag C.H. Beck OHG in München und
1999-2004 als Leiter Elektronische Medien beim Verlag Vogel Auto Medien GmbH & Co. KG sowie 2001-
2003 zusätzlich als Strategic Information Manager bei der Vogel Medien Holding in Würzburg. Auslandsaufenthalte
führten Christoph Bläsi als Student 1985/86 und 1987/88 an die University of Sussex in Brighton
(GB) und 1991 zu einem Forschungsaufenthalt am Instituto di Linguistica Computazionale in Pisa (I).
Das Explizieren von Strukturen im Umfeld des Theaters mit XML
Eine explizite und systemunabhängige Kodierung von Strukturen in Daten wird derzeit in vielen Bereichen
– auch außerhalb der Informationstechnologie im engeren Sinne, z.B. in hohem Maße im
Publishing – mit XML-Sprachen vorgenommen. XML steht dabei für eXtended standardized Mark-up
Language und ist eine mit dem aus dem Web bekannten HTML in einer eher komplizierten Beziehung
„verwandte“ Sprache. Die Kodierung mit XML dient meist entweder der Übertragung von strukturierten
Daten von einem System auf andere oder – zunehmend – auch als internes Datenformat von Systemen.
In meinem Beitrag möchte ich zunächst kurz die Konzepte um XML einführen und dann darstellen,
inwiefern für die Beschreibung von im Umfeld des Theaters erkannten und untersuchten Strukturen
bereits XML-Sprachen formuliert oder angedacht sind bzw. inwiefern die Verwendung solcher Sprachen
für das explizierte Räsonieren und das effi ziente Arbeiten mit komplexen Strukturen in – zunächst v.a.
– Dramentext und Aufführungs“skript“ hilfreich sein können.
Konkrete Beispiele für die Verwendung von XML in und um das Theater sind dabei bis jetzt v.a. die
Vorschläge der Text Encoding Initiative (TEI) zur Kodierung von Strukturen in (neben anderen Textsorten
auch) Dramentexten sowie Tendenzen in der Bühnentechnik-Branche, damit die Übermenge der Steuerdaten
von Vorstellungen zu kodieren.
Fragen, die sich im Anschluss daran stellen, sind, ob solche Ansätze sinnvoll auch auf weitere Strukturen
im Umfeld des Theaters anwendbar sind, und v.a., unter welchen Bedingungen dadurch neben einer
Effi zienzsteigerung möglicherweise sogar Erkenntnisgewinne vorbereitet werden können.
Kollegienhaus, Raum C / 15.10. / 11.00 – 11.30 Uhr
26 Theater & Medien

Dr. Peter M. Boenisch (Kent)
Dr Peter M. Boenisch is Lecturer at the School of Drama, Film & Visual Arts at the University of Kent in
Canterbury/UK. His research interests include dance and bodies on stage, and contemporary European
dramaturgy. He currently works on the project “Dramaturgy Beyond Representation: Texts, Bodies, Spaces in
Contemporary Continental Theatre”, funded by the AHRC, on the works of Michael Thalheimer, Frank Castorf,
William Forsythe, and others. On the conference topic, he has published körPERformance 1.0 (München
2002), the essay Theater als Medium der Moderne? Zum Verhältnis von Medientechnologien und Bühne im
20. Jahrhundert (in Theater als Paradigma der Moderne?, Tübingen 2003), and he contributed Aesthetic
Art to Aisthetic Act: Theatre, Media, Intermedial Performance and Mediation Unfinished: Choreographing
Intermediality in Contemporary Dance Performance to the recent volume Intermediality in Theatre and
Performance (Amsterdam 2006).
The Medium is the Narrative. Intermedial Dramaturgy in the Theatre of Guy Cassiers
Belgian director Guy Cassiers, who recently moved from Rotterdam’s ro:theater to Antwerp, succeeding
Luk Perceval as Artistic Director of the Antwerp Toneelhuis, is one of the most innovative directors
working in Flanders and the Netherlands. His four-part Proust-project, created at the ro between 2002
und 2005 and also presented abroad (at Dublin, Vienna, Berlin, and elsewhere) put his name on the
map internationally as well. For more than a decade, his use of visual media (such as live cameras and
projections of texts) have been the trademark of his individual aesthetics. At the same time, Cassiers’s
work is remarkable in that he almost exclusively stages novels; also, his productions are not only inherently
intermedial, but essentially collaborative creations; with Cassiers, however, there is no anonymous
collective behind the scenes and screens (as with Robert Lepage’s ‚ExMachina’), but he invites and
integrates well known artists from other disciplines, such as the authors Gerardjan Rijnders and Eric
DeKuyper, and media designer Mark Warning.
This paper will discuss the role of new media in Cassiers’s productions, looking in particular at his
Proust-project as well as Hersenschimmen, his last Rotterdam production which premièred in March
2006 (based on J. Bernlef’s novel Out of Mind [German title:
Hirngespinste]). Hirngespinste I will argue that cameras,
screens and projections in his work do not function as media alone, merely communicating a message
or narration; moreover, they became a most central and integral aspect of this narration itself. The very
moment of perceiving and processing this mediatised information makes the spectators‘ experience
central dramaturgic aspects from Proust’s and Bernlef’s narratives. Audience members therefore not
only see a representation of central moments of crisis for the narrators and characters, but live through
these moments in their own medial experience of Cassiers’s theatre.
Kollegienhaus, Raum A / 14.10. / 15.30 – 16.00 Uhr
B
Theater & Medien 27

Abstracts
Dr. phil. Hans-Friedrich Bormann (Berlin)
Studium der Angewandten Theaterwissenschaft in Gießen, zwischen 1996 und 2002 wiss. Mitarbeiter im
DFG-Schwerpunktprogramm „Theatralität“. Promotion über „John Cages performative Ästhetik“. Seit 2003
wiss. Assistent am Institut für Theaterwissenschaft an der Freien Universität Berlin sowie Mitarbeiter des
Sonderforschungsbereichs 447 „Kulturen des Performativen“, Projekt „Die Szene des Virtuosen“ (Leitung
Prof. Gabriele Brandstetter). Arbeitsschwerpunkte: Geschichte und Ästhetik der performativen Künste; Arbeit
an einer Habilitationsschrift über „Langeweile: eine Phänomenologie der Aufmerksamkeit“.
Publikationen (Auswahl): „Verschwiegen Stille. John Cages performative Ästhetik“, München: Fink, 2005;
„’He got shot – for his art’: Tod als Medienphantasie in der Performance Art“, in: Erika Fischer-Lichte et al.
(Hrsg.): „Ritualität und Grenze“. Tübingen / Basel: Francke, 2005; „Die vergessene Szene. Drama – Theater
– Medien: ein Nachtrag“, in: Theater der Zeit, Oktober 2000, Insert „Theaterwissenschaftliche Beiträge“.
Geschlossene Anstalt: Schauspielschüler im deutschen Film
Die Ausbildung zum Schauspieler qualifi ziert nicht allein zur Arbeit auf der Bühne: Neben dem Theater
haben sich Film und Fernsehen als gleichberechtigte, wenn nicht konkurrierende Tätigkeitsbereiche
etabliert. Allerdings blieben die Methoden und Inhalte der Schauspielausbildung davon weitgehend
unberührt. Man könnte dies mit der Affi nität prominenter Schauspieltechniken – etwa der ‚Stanislawski-
Methode’ bzw. des ‚Method Acting’ – zu den spezifi schen Anforderungen der Filmproduktion erklären.
In meinem Vortrag möchte ich einem anderen Aspekt nachgehen, der eine entscheidende Voraussetzung
der Ausbildung betrifft: den Wunsch bzw. die Entscheidung, Schauspieler zu werden. Meine
Hypothese ist, dass der Wunsch selbst dort, wo dies mit konkreten Bühnen-Erfahrungen oder sogar
mit einem Affekt gegen die fi lmische Technik verknüpft ist, auf medial vermittelte Bilder vom Theater
zurückführbar ist. Exemplarisch soll dies mit Blick auf zwei Filme untersucht werden, die in jüngerer
Zeit im deutschsprachigen Raum großes Aufsehen erregt haben: „Kleine Haie“ von Sönke Wortmann
(1992) und „Die Spielwütigen“ von Andreas Veiel (2004). Zeigen möchte ich, wie das Wechselspiel
zwischen (Spiel-) Film und Theater Phantasien und Obsessionen hervortreten lässt, die weit in die (Vor-)
Geschichte dieser Künste zurückreichen.
Kollegienhaus, Raum B / 13.10. / 18.15 – 18.45 Uhr
28 Theater & Medien

Bettina Brandl-Risi (Berlin)
Wissenschaftliche Mitarbeiterin im Sonderforschungsbereich „Kulturen des Performativen“ an der FU Berlin
mit einem Projekt zur Virtuosität in Literatur und Theater der Gegenwart; Studium der Germanistik und Theaterwissenschaft
in München, Mainz und Basel; Lehrtätigkeit für Theaterwissenschaft an der Universität Mainz
und der FU Berlin sowie für Germanistik an der Universität München; Promotionsstipendium im Graduiertenkolleg
„Theater als Paradigma der Moderne“, Universität Mainz; Dissertation über „Die Szene der Narration.
Tableaux vivants zwischen Bildender Kunst, Theater und Literatur im 19. Jahrhundert“.
Publikationen u. a.: Figuration. Beiträge zum Wandel der Betrachtung ästhetischer Gefüge. Hg. v. Bettina
Brandl-Risi, Wolf-Dieter Ernst und Meike Wagner. München 2000; Wahlverwandtschaften. Zur Theatralisierung
von Bildern und Texten im tableau vivant, in: Formzitat und Intermedialität. Hg. von Andreas Böhn. St.
Ingbert 2003; „Tableau’s von Tableaus“ – Zur Beziehung von Text, Bild und Theater in Erzähltexten des 19.
Jahrhunderts, in: Stillstand und Bewegung. Intermediale Studien zur Theatralität von Text, Bild und Musik.
Hg. v. Günther Heeg und Anno Mungen. München 2004.
Das Paradox des ‚tableau vivant’ und die Medialität des Theaters
Lebende Bilder, wie sie zunächst die Kultur des ausgehenden 18. Jahrhunderts hervorgebracht hatte,
waren aufgrund ihres Zwitterdaseins zwischen Theater und Bildender Kunst und später den neuen
Medien des 19. Jahrhunderts immer schon ein intermediales Phänomen. Die Darstellungskonzepte und
die Medialität des tableau vivant erweisen sich als Experimentalanordnung, die sich gerade durch eine
Übergängigkeit zwischen den Konzepten des Gemäldes und des Theaters auszeichnen.
In meinem Beitrag möchte ich den Status des Lebenden Bildes zwischen Theater, Tanz, Malerei, Fotografi
e, Video und Beschreibung als ebenso bild- wie performancetheoretische Frage beleuchten. Die
Pose als Still-Stellung von Bewegung vermittelt zwischen Verlebendigung durch Verkörperung und Mor-
tifi kation in der Stillstellung. Unhintergehbares Paradox bleibt dabei die Unschärfe des tableau vivant: vivant
die dargestellten Bilder verwackeln, wenn sie realisiert werden. Das Stillstellen fungiert als Zäsur: einerseits
im zeitlichen Sinn des Aufhebens von Sukzession in die andere Zeitlichkeit von Wiederholung und
Zitat, die sich der Transitorik und Ereignishaftigkeit als Bedingung theatraler Repräsentation entzieht;
andererseits verstanden als mediale Zäsur der Darstellungsmittel.
Es soll demonstriert werden, inwiefern sich die Performances, Foto- und Video-Arbeiten von Vanessa
Beecroft, Bill Viola und Lindy Annis des tableau-vivant-Effektes tableau-vivant bedienen und dieses alte ästhetische
Konzept gegenwärtige künstlerische Praktiken in Bewegung setzt. Gerade die Fallstudie des tableau
vivant,vivant das in vielfältiger Gestalt die theatralen Praktiken mindestens seit dem 18. Jahrhundert durch-
zieht/unterminiert, kann verdeutlichen, dass von ‚der‘ Medialität des Theaters schwerlich zu sprechen
ist, da diese selbst immer in Einverleibung und Transformation unterschiedlicher medialer Konfi gurationen
besteht und so zum Zwischen-Raum kollidierender Repräsentationsräume wird.
Kollegienhaus, Raum A / 15.10. / 10.00 – 10.30 Uhr
B
Theater & Medien 29

Abstracts
Prof. Dr. Gabriele Brandstetter (Berlin)
1993-1997 Professorin am Institut für Angewandte Theaterwissenschaft, Gießen, 1997-2003 Ordinaria
für Neuere deutsche Literaturwissenschaft an der Universität Basel, seit 2003 Universitäts-Professorin für
Theaterwissenschaft an der Freien Universität Berlin.
Forschungsschwerpunkte: Theorie der Darstellung, Körper- und Bewegungskonzepte in Schrift, Bild und
Performance; Forschungen zu Tanz, Theatralität und Geschlechterdifferenz.
Veröffentlichungen (Auswahl): Loie Fuller. Tanz – Licht-Spiel – Art Nouveau (Co-Autorin B. Ochaim); Tanz-
Lektüren. Körperbilder und Raumfiguren der Avantgarde (1995); ReMembering the Body. Körperbilder in
Bewegung (2000, Mitherausgeberin Hortensia Völckers); Erzählen und Wissen. Paradigmen und Aporien
ihrer Inszenierungen in Goethes ‚Wahlverwandschaften‘ (Hrsg., 2003), Bild-Sprung. TanzTheaterBewegung
im Wechsel der Medien (2005).
Un/Sichtbarkeit. Medialität und Medien-Performance im zeitgenössischen Theater und Tanz
Ausgehend von der konstitutiven Medialität von Theater im Zeigen / (Zu-)Schauen richtet sich der
Vortrag auf die Bedeutung von Sichtbarkeit und Unsichtbarkeit. Anders gesagt: Es geht um das Gespenstische
(‚monstre’ und ‚spectre’) des Theaters und seine visuellen, auditiven und kinästhetischen
Übertragungen – erläutert an Beispielen aus dem nicht nur zeitgenössischen Theater und Tanz.
Markgrafentheater / 12.10. / 17.30 – 18.15 Uhr
30 Theater & Medien

Michael Braun (Leipzig)
Geboren 1978, Studium der Theater- und Politikwissenschaft in Leipzig und Wien. Abschluss 2004 mit
einer Arbeit zu „’Figur’ als Medium: Erzählen & Erinnern – Symbolische Mitteilungen des Tulse Luper“.
Wissenschaftliche Hilfskraft und Akkreditierungsbeauftragter für die B.A./M.A.-Studiengänge am Institut für
Theaterwissenschaft an der Universität Leipzig. 2002 bis 2004 Koordinator der Kooperation des Instituts mit
dem Multi-Media-Projekt THE TULSE LUPER SUITCASES von Peter Greenaway; Projektpräsentationen auf
den internationalen Festivals für Medienkunst transmediale.03, Berlin, und d-motion, Halle/Saale. 2004 bis
2006 Assistent des Geschäftsführers bei der Filmproduktionsfirma Intuit Pictures GmbH, Berlin; Produktionsassistent
für BOLZANO GOLD (Regie: Peter Greenaway).
Seit 2005 Lehraufträge und Kooperative Lehrveranstaltungen am Leipziger Institut für Theaterwissenschaft.
Seit April 2006 Kollegiat im DFG-Graduiertenkolleg 1261 „Bruchzonen der Globalisierung“ am Zentrum für
Höhere Studien der Universität Leipzig. Redakteur bei THEWIS – eJournal der Gesellschaft für Theaterwissenschaft.
Tulse Luper’s Journey: Die Figur eines Reisenden als Medium (trans)kultureller Identität
Ein wesentliches Element zur Untersuchung kultureller Identität(en) ist das Medium ihres Erscheinens.
War es schon zu allen Zeiten Aufgabe der Künste und der Massenmedien, nicht nur ungefährliche
Theorieschmiede und Probebühne kultureller Identität(en) zu sein, sondern auch Vorbild und Verhand-
lungsraum für tatsächlich wirkmächtige agency, agency trifft dies in Phasen erschütterter kollektiver Identitäten
umso mehr zu.
Der Modus der ständigen Bewegung und des Grenzübertritts kennzeichnet viele zeitgenössische
Strategien des künstlerischen Umgangs mit den Herausforderungen von Subjekt und Gemeinschaft. Die
künstlerische Figur des Reisenden soll hier zu einem potentiellen Modell für zeitgenössische Formen
der Kreation trans-kultureller Identitäten erklärt werden. Sie bietet Aussichten auf eine mögliche Form
kultureller wie politischer Existenz ohne fundamentalistische Absicherung und Ausgrenzung.
Die Figur des Tulse Luper im multimedialen Werk des britischen Regisseurs, Malers und Ausstellungskurators
Peter Greenaway soll dabei als ein Medium theatraler Kommunikation näher untersucht
werden. Der Reisende Luper wandert beharrlich an den Grenzen symbolischer Räume – geographischer
wie historischer, sozialer wie kultureller – entlang und sieht sich ständig neuen Zuschreibungen und
Abgrenzungen ausgesetzt. Die Figur thematisiert in ihrer Gebrochenheit und Unbestimmbarkeit die
aussetzende Erfahrung einer nicht abschließbaren Konstitution von Identität(en) in sich wandelnden
räumlichen und zeitlichen Verhältnissen wie auch Umgangsweisen mit einer veränderten Rezeption und
Ästhetisierung von geschichtlichen Prozessen.
Kollegienhaus, Raum B / 14.10. / 15.00 – 15.30 Uhr
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Theater & Medien 31

Abstracts
Dr. Jörg von Brincken (München)
Geb. 1969. Wissenschaftlicher Mitarbeiter am Institut für Theaterwissenschaft der LMU München (Lehrstuhl
Christopher C. Balme). Promotion 2004 mit einer Arbeit über die Groteskästhetik der französischen Pantomime
im 19. Jahrhundert.
Forschungs- und Lehrschwerpunkte: Allgemein: Film und Performance; Theater der freien Szene. Speziell:
transgressive Tendenzen in Theater, Performance und Film; ästhetische Figuren des Heteronomen: das
Schreckliche, das Böse und die Gewalt in historischen und zeitgenössischen Medien; Liveness und Mediatisierung
(Schnittstellen zwischen Performance, Film und Theater). Derzeit Vorbereitung eines Habilitationsprojektes
zum Schwerpunkt: ‚Affektive Arbeit’ in Film, Performance und Theater.
Veröffentlichungen (Auswahl): „Vraiment, il n’y a pas d’attendre une pièce drôle...“ Gewaltclownerie am
Beginn des modernen Theaters. In: Forum modernes Theater Band 18 (2003) Heft 2, S. 115-142; Kunst,
Gewalt und Utopie. Programm-Beitrag für Berkan Karpats „Jack the Ripper“-Projekt, München 2006; Faszinierende
Monstren. Zur Präsentation des Bösen im modernen Horrorfilm. In: Werner Kamp/ Michael Braun
(Hrsg.): Kontext Film. Beiträge zu Film und Literatur. Berlin 2006, S. 147-171.
Filmkörper oder: Bilder, die das Auge berührt. Zum Verhältnis von fi lmischem Medium und
Körperkunst bei Matthew Barney
Der von der Performance Art kommende New Yorker Künstler Matthew Barney hat in den letzten Jahren
mit seinen groß angelegten Filmzyklen Cremaster und
Drawing Restraint für Aufsehen gesorgt. Seine
Filme basieren – wie seine stets über Videokamera nach außen ans Publikum vermittelten Performances
– strukturell auf Mustern, die den biologischen Variationsmechanismen des menschlichen
Körpers nachempfunden sind.
Entgegen von Haltungen, die die Performance in ihrem Basieren auf Liveness und Körperlichkeit als
Gegensatz zu der versteinernden Kraft des medialen Bildes betrachten, ihr jedoch gerade deshalb eine
kapitulative Tendenz gegenüber den überbordenden bildgebenden Medien unterstellen müssen, zeichnet
sich in Barneys Arbeiten eine dialektische Konvergenz von körperbasierter Aktion und Film ab, die es
aufzuzeigen gilt: Zum einen orientiert sich die Barneysche Perspektive sicherlich an der Verschiebung
des gesellschaftlichen Rituals, weg vom gemeinschaftlichen Liveerlebnis und von der körperlichen
Teilhabe hin zur ritualisierten Konsumtion ‚identitätstiftender’ Ereignisse in Gestalt medial aufbereiteter
Formate.
Zum anderen aber stellen seine Arbeiten die brisante Frage nach einem präsentischen Charakter des
Films, sie bestimmen das Filmische geradezu zu einem Kontinuum, in dem mediatisierende Funktionen
unterlaufen werden. Immer wieder belegen die in seinen Zyklen genutzten Bild-Strategien das paradox
anmutende Interesse Barneys an einer haptischen Dimension des Filmischen, sozusagen an einer
spezifi schen ‚Liveness’ des zweidimensional Konservierten. Die Tatsache, dass diese nach ihrem Durchgang
durch die Virtualität freilich nicht mehr mit dem Realen deckungsgleich ist, sondern ihre Dynamik
aus der Grenzaufhebung zwischen Körper-Substanz und Wahrnehmungssensation bezieht, weist sie
als durchweg avancierten Beitrag zur Problemlage aktueller Kunst im Spannungsfeld von existentieller
Tiefenrecherche und Oberfl ächlichkeit aus.
Kollegienhaus, Raum B / 14.10. / 15.30 – 16.00 Uhr
32 Theater & Medien

Annette Bühler-Dietrich PhD (Stuttgart)
Annette Bühler-Dietrich lehrt Neuere deutsche Literatur an der Universität Stuttgart. Promotion 2000 an
der University of Virginia (Auf ( dem Weg zum Theater: Else Lasker-Schüler, Marieluise Fleißer, Nelly Sachs,
Gerlind Reinshagen, Elfriede Jelinek. Würzburg: Königshausen & Neumann, 2003).
1995-1998 Stipendiatin am Graduiertenkolleg „Theater als Paradigma der Moderne“ der Universität Mainz.
Publikationen zur deutschsprachigen Literatur im 19. und 20. Jahrhundert sowie im Bereich der Postcolonial
Studies, u.a. „Kein Theater der Ein-Sicht“, in: Theater als Paradigma der Moderne?. Hrsg. Ch. Balme,
E. Fischer-Lichte, S. Grätzel. Tübingen: Francke, 2003; „Technologies in Hanif Kureishi’s ‚The Body’“, in:
Beyond the Black Atlantic. Hrsg. Walter Göbel und Saskia Schabio. London: Routledge, 2006. Derzeitige
Forschungsschwerpunkte: Drama und Theater des Bürgerlichen Realismus, deutschamerikanische Literatur
des 19. Jahrhunderts.
Theater im Film – Film als Theater: Zweimal Dogville
Lars von Triers episches Theater als Film, Dogville (2003), wurde im Herbst 2005 am Staatstheater
Stuttgart in der dramatisierten Fassung Christian Lollikes von Volker Lösch inszeniert. Bei dieser Medientransfi
guration geht die Frage des Medienwechsels über das Problem der Dramatisierung eines
Spielfi lms hinaus, was in den Kritiken der Inszenierung übergangen wird. Denn das Zielmedium Theater
ist bereits Ausgangspunkt der Ästhetik des Films, der sich auf Brechts und Wilders episches Theater
stützt. Gerade Wilders Our Town ist in der dramatischen Form, besonders im Voice-Over des Erzählers,
sowie der gezeichneten Kulisse in Dogville vertreten. Dennoch ist
Dogville ein Film, kein abgefi lmtes
Theaterstück, was in der Kameraführung wie der Überblendung von Voice-Over und Figurenstimmen
deutlich wird. Ästhetisch jedoch würde die Umsetzung des Films auf der Bühne kein Problem darstellen.
Volker Löschs Dogville aber kündet nicht von dieser Verwandtschaft des Films mit Wilder. Im Zentrum
der Inszenierung (und ihrer Kritiken) steht ein aus den Dorfbewohnern gebildeter Chor, der sprechend
und Volkslieder singend kontinuierlich verrät, dass Grace, die verfolgte Schöne aus der Großstadt, nur
scheinbar Teil dieser Gemeinschaft wird. Der Körper des Chores wird als physischer beschworen, der im
Singen und Äpfelstampfen Gemeinschaft artikuliert.
Für eine Analyse der Differenz von Film und Theater setze ich folgende Schwerpunkte: 1. Die Konstruktion
der Masse; 2. Die Funktion des Körpers; 3. Das Stilmittel der Wiederholung. Sie bilden Kristallisationspunkte,
über die sich eine je spezifi sche Kommunikationsstruktur von Film und Theater erschließt,
die überdies durch die Opposition global – lokal geprägt wird. Beides Mal gelingt es Dogville zu pro-
vozieren – aufgrund seines Inhalts, aber auch aufgrund der je eigenen Verwendung von Medialität und
Materialität.
Kollegienhaus, Raum B / 15.10. / 09.30 – 10.00 Uhr
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Theater & Medien 33

Abstracts
Prof. Dr. Johan Callens (Brussel)
Johan Callens teaches at the Vrije Universiteit Brussel and is the author of Double Binds: Existentialist
Inspiration and Generic Experimentation in the Early Work of Jack Richardson (1993), Acte(s) de Présence
(1996), and From Middleton and Rowley‘s „Changeling“ to Sam Shepard‘s „Bodyguard“: A Contemporary
Appropriation of a Renaissance Drama (1997). For the Belgian Luxembourg American Studies Association
he assembled the collections American Literature and the Arts (1991) and Re-Discoveries of America: The
Meeting of Cultures (1993). More recently he has edited two special issues on Sam Shepard for Contemporary
Theatre Review (1998) and one on intermediality for the journal Degrés (2000), besides a collection
of essays, The Wooster Group and Its Traditions (2004), based on a conference he organized in Brussels.
He also contributed an essay on Elias Merhige‘s remake of Nosferatu to the just released volume of the
IFTR‘s working group on intermediality, Intermediality in Theatre and Performance, ed. Freda Chapple and
Chiel Kattenbelt (2006).
Mediating Phèdre
The Wooster Group, the New York based performance company led by director Elizabeth LeCompte,
is well-known for its intermedial productions of canonical texts, productions that mediate between
different texts, languages, disciplines, genres, and cultures, the live arts and mechanically as well as
digitally reproduced arts, now marking now confounding the specifi city of each and all. To You, The
Birdie! (Phèdre) (2001) is an exemplary case in that it starts from Paul Schmidt‘s translation into Ame-
rican English of Racine‘s 1677 neo-classical play, reframes it by fragments from Euripides‘ Hippolytus,
and expands it with choreographical and visual intertexts, pertaining to the mythical material in which
Phèdre‘s story is embedded. Apart from briefl y sketching this story‘s pre-text for comprehension‘s sake,
summarizing Schmidt‘s performative view of translation, and giving an idea of the scenography‘s and
staging‘s operating principles and gender implications, my presentation will zoom in on one intertext in
particular, Luis Buñuel‘s Belle de Jour (1967), fragments of which were viewed on stage by the company
members to different effects. As I hope to demonstrate, these comprise, next to further extensions of
the intermedial web with the occasional painterly and iconographical reference, and the provision of a
gestural vocabulary, suggestions on how to subvert patriarchal power structures.
Kollegienhaus, Raum C / 13.10. / 12.00 – 12.30 Uhr
34 Theater & Medien

Freda Chapple (Sheffield)
Freda Chapple is co-ordinator of the Intermediality in Theatre and Performance research working group
for the International Federation for Theatre Research, with Chiel Kattenbelt. She works at the University of
Sheffield (England) where she is the Programme Director of the Literature and Creative Media programme at
the Institute for Lifelong Learning. She is the holder of a Society for Theatre Research (UK) award, assessing
the impact of digital technology on British Theatre Practice and Learning. Freda trained as an actor and has
worked with Welsh National Opera, English National Opera, Australian Opera and Scottish Opera.
Chapple, F. and Kattenbelt, C. (Eds) (2006) Intermediality in Theatre and Performance Rodopi. Amsterdam
and New York: pp 260 in which is contained: Chapple, F. and Kattenbelt, C. (2006) ‘Key Issues in intermediality
in theatre and performance’ pp 11-25 and Chapple, F. (2006) ‘Digital opera: intermediality, remediation
and education’ pp 81-100.
Chapple, F. (2006) The role of theatre and digital technology in the changing nature of Higher Education
and Lifelong Learning. Universities Association for Lifelong Learning.
The Intermedial Theatron: a Paradigm Shift in Education and Performance in the Public Sphere
There is a silent revolution happening in British theatre complexes that is being driven by the introduction
of digital media to all elements of theatre practice, which is having an impact on the performance
of productions and the education of the community that the intermedial theatron represents and serves.
There is also an emergent pattern of change in the provision of higher education from university locations
to one of an intermedial position; where theatre-based initiatives and creative industry partnerships
blend a live and mediatized experience of learning through digital technology, traditional performance
practices and government policy. Drawing on a recent research project to assess the impact of digital
technology on British Theatre Practice and Learning and the consultation paper between Arts Council
England and the Higher Education sector (2005), the paper presents examples of how regional theatres
are using digital technology to develop creative communities and creative learning as part of Government-led
initiatives into The Creative Industries nationally. Reacting to policy initiatives and government
funding opportunities, local theatres now provide access to Higher Education via cyber cafés located in
theatres – web-based platforms that connect theatre companies and audiences locally and globally –
and offer a wide range of community learning opportunities. The emergent pattern of learning is structured
in the form of digital technology itself: multi-layered and inter-active. Access to the new learning
offers many pathways for the community and within professional theatre itself; there is no age limit and
neither is there linear progression, but there are opportunities for learning and performing within the intermedial
theatron that have the effect of breaking down traditional divides of professional and amateur
theatre and perceptions of the community to their representation within the public sphere. Thus, the
intermedial theatron plays an important role in the remediation of the public sphere and the education
of contemporary society, which moves beyond local boundaries to engage with global debates.
Kollegienhaus, Raum D / 15.10. / 10.00 – 10.30 Uhr
C
Theater & Medien 35

Abstracts
Christophe Collard (Brussel)
Ph.D.-project 2006-2009. Vrije Universiteit Brussel.
Christophe Collard (*1982) was born in Antwerp, Belgium, where he attended high school before moving
to the United States to study English and American History at East Central College, Missouri. In 2001 he
enrolled at the Free University of Brussels (Vrije Universiteit Brussel), where he received a B.A. in English
and German literature in 2003. Two years later, in July 2005, he received his M.A. in English literature with
a dissertation titled A Reconciliation of Opposites: Affliction in George Herbert’s English Poetry. In January
2006 he started working on a four year doctoral research project focusing on the media and genre crossings
in the work of David Mamet, supervised by Prof. Dr. Johan Callens.
Media and Genre Crossings in the Work of David Mamet
As a result of an artistic career spanning over three decades, David Mamet (*1947) today is considered
one of the American theatre’s most infl uential voices. Ever since the 1980s, he has equally ventured
into writing and directing movies. Less known, though, are his excursions into radio-dramaturgy and the
writing of novels.
Traditionally, most secondary work on Mamet has been limited either to a discussion of medium-specifi
c primary material, or to the discussion of his media transpositions, among which the interactions
between drama and fi lm have enjoyed by far the widest attention. Paradoxically, Mamet’s popular and
critical success in both the theatre as well as in the fi lm medium have led to a relatively one-sided
scholarly approach to his work often failing to acknowledge his work in other media, and – as a result
– the meta-artistic implications of the artist’s specifi c motives.
This Ph.D.-project, however, focuses in particular on the reciprocal play between the different genres
and media in which David Mamet has worked, in order both to obtain new insights in the author’s aesthetic
principles, as well as gaining a better understanding of the different media and genres involved.
The tension developing from this interaction is ultimately to result into a comprehensive yet user-friendly
and more generally applicable theoretical model providing with a re-defi nition of the traditional cultural
distinctions between the different media by exposing their arbitrary hierarchy as merely the direct result
of dynamic remediation.
To achieve the aforementioned objectives, special attention will be given to Mamet’s meta-artistic
works, medium-bound adaptations, and genre-exercises, as well as to a thorough selection of relevant
secondary and tertiary sources.
Kollegienhaus, Raum C / 13.10. / 17.45 – 18.15 Uhr
36 Theater & Medien

Götz Dapp (Mainz)
Götz Dapp, M.A, received an Honours Bachelor of Arts (with ( High Distinction
) at the University of Toronto
(Theatre and Drama Studies) and a professional Acting Diploma at the Sheridan Institute, Oakville, Ontario.
He continued his academic studies in Germany, where he received his Magister Artium at the Johannes Gutenberg-Universität
Mainz in Theaterwissenschaft and American Studies in 2005 for his thesis “Mediaclash
in Political Theatre – Building on and Continuing Brecht”, which is being published in the Tectum-Verlag.
He is currently a PhD student supervised by PD Dr. habil. Kati Röttger and Prof. Dr. Christopher Balme and
continues to work and expand the concept of Mediaclash. He has practical experiences in many fields of
theatre and television and worked for example as assistant producer, director, actor, dramaturg, composer,
technician and pyrotechnician for various stage and film productions.
Mediaclash – A Paradigm of Contemporary International Political Theatre
Makers of political theatre around the world have long realized that plays and productions with a
prescriptive political intention are very unlikely to lead to any direct political changes. Instead, they have
increasingly turned to staging plays in ways that make its political implications more differentiated and
diffuse. In a time of globalized mass media, the goal of this new political theatre is to reveal the politics
of aesthetics that underlies what we perceive of as ‘reality’. The audience member turns into an inte-
gral part of the political process of these theatre productions, in which this new politics of aesthetics
not only discovers the theatre‘s own intermediality but also reveals the intermedial processes that are
the sources of “reality”. This awareness started in the 1960s with the emergence of the fi eld of media
studies and its charismatic – and sometimes enigmatic – visionary Marshall McLuhan, who was one of
the fi rst to observe the role of intermediality in the creation of “reality” and predicted the changes that
the emergence of New (digital) Media (most prominently the ubiquitous computer and most recently
the internet) produce in all spheres of life. Today, even the very nature of politics has changed in the
aftermath of the “medial-revolution” and has to be defi ned anew. In this environment, it is the theater
with its unique qualities between media, corporeality and mediatization that is capable to provide a
unifying environment, integrating and addressing all the senses in an multi- and intermedial whole. In
functioning as an integrator, contemporary political theatre paradoxically employs the very techniques of
intermediality and sensory overload that McLuhan described, creating what I have called a mediaclash.
The political dimensions of this type of theatre derives from a politics of aesthetics based on the philosophical
groundwork of Jacques Rancière and the highly political question of our perception of “reality”.
This violent type of theatre, “[...] does not so much address the audience as include the audience. It
expects the audience to immerse itself in the ‘destructive element‘, as it were.” (McLuhan 1971, 198)
By violently separating the senses as a theme of its aesthetics, political theatre provides an intermedial
environment that helps to train the audience to reintegrate its senses into a meaningful whole.
Kollegienhaus, Raum D / 15.10. / 09.30 – 10.00 Uhr
C / D
Theater & Medien 37

Abstracts
Sabine Dendorfer (München)
Sabine Dendorfer, geboren in München 1978. Nach Italienisch an der Universitá Per Stranieri Di Siena
seit Oktober 1998 Studium der Dramaturgie an der Ludwig-Maximilians-Universität München. Nach einem
Hauptfachwechsel Magister Artium im April 2004 in Theaterwissenschaft, Italienischer Philologie und
Philosophie.
Seit Oktober 2004 Promotionsstudium in Theaterwissenschaft und Ital. Philologie an der LMU. Seit August
1999 neben schauspielerischer und schriftstellerischer Arbeit und Praktika an der Bayrischen Theaterakademie
(Künstlerische Direktion) und dem Bayrischen Staatsschauspiel (Dramaturgiebüro), Regieassistentin
sowie Gastspielbegleitung in München (Metropoltheater u.a.) und Landshut.
Die Intermedialität des Theaters – Der Einfl uss des Kinofi lms auf das zeitgenössische deutschsprachige
Theater in Inszenierung und Dramatik
Die auffallende Zunahme von Filmadaptationen in den letzten Jahren auf deutschen Bühnen legt den
Gedanken nahe, das Kino sei die Theaterform von heute geworden, und wirft die Frage nach der Selbstverortung
des Theaters in der heutigen Medienwelt auf. Wie und warum wird auf Filmadaptationen
zurückgegriffen?
Schwerpunkt zum intermedialen Charakter von Filmadaptationen: Theater und Film sind zwei eng verwandte,
sich gegenseitig beeinfl ussende Medien der darstellenden Kunst mit charakteristischen Erzählsprachen.
Der Regisseur leistet bei jeder Inszenierung intermediale Übersetzungsarbeit (von Literatur in
eine Inszenierung), so auch bei Adaptationen.
Die Analyse dieser Übersetzungsarbeit anhand moderner Dramenverfi lmungen (z.B. Branagh, Henry V) V
und aktueller Beispielinszenierungen (z.B. Kaurismäki, I Hired A Contract Killer, Killer R: Mehmert) eröffnet die
Möglichkeit, die intermedialen Aspekte der Adaptationen konkret zu beschreiben.
Ergänzende Frage: Warum wird auf Filmadaptationen zurückgegriffen? Bietet die Dramenproduktion
nicht genug Material?
Die zeitgenössische Dramatik orientiert sich strukturell und thematisch stark am Film und an den neuen
Medien (Stücke von LaBute, Bauersima). Beliebte Filmvorlagen sind dagegen meist gute alte well-made-plays.
Das Theater sucht sowohl nach einfachen Geschichten auf der Bühne und kommt diesem Bedürfnis in
Filmadaptationen nach, als auch nach einer ästhetischen Verortung in der modernen Medienwelt über
die zeitgenössische Dramatik.
Die Neuorientierung des Theaters auf inszenatorischer wie dramaturgischer Ebene bedeutet den Ausgang
aus der Endlosschleife der Klassikerinterpretation und verdeutlicht das Bedürfnis des Theaters
nach einer Neudefi nition in einem Zeitalter der zunehmenden Intermedialität der Künste.
Kollegienhaus, Raum B / 15.10. / 10.30 – 11.00 Uhr
38 Theater & Medien

Dr. Stefanie Diekmann (Frankfurt/O.)
1991-1995 Studium am Institut für Angewandte Theaterwissenschaft, Gießen; 1996-1999 DFG-Stipendium
am GK „Repräsentation – Rhetorik – Wissen“; 1999 Promotion; 2000-2003 Koordinatorin des Kollegs
RRhW; seit 2000 Wissenschaftliche Assistentin an der Kulturwissenschaftlichen Fakultät der Europa-Universität
Viadrina. 2005 und 2006 Gastprofessuren in Irland (Cork) und den USA (Austin).
Einige neuere Publikationen zum Thema „Theater und Medien“: Herausgabe des Hefts „Theater und
Fotografie 1880-1930“ (Sonderausgabe der Zeitschrift Fotogeschichte), Marburg: Jonas Verlag, 2006;
Aufsatz „The Spectator‘s Spectacle: Tod Browning‘s Theatre“. In: Bernd Herzogenrath (Hg.): The Cinema of
Tod Browning, London: Black Dog, 2006; Aufsatz „Hinter dem Vorhang, hinter der Szene: Konstellationen
von Theater und Kino“. In: Gabriele Brandstetter / Sibylle Peters (Hg.) Lever de rideau – die Szene des
Vorhangs. Freiburg: Rombach, 2006. Eine Habilitationsschrift über die Darstellung des Theaters im Kino wird
im Wintersemester 2006/07 fertig gestellt.
Behind the Scenes – Zur Topologie des Theaterfi lms
Was will das Kino vom Theater? Was sieht es im Theater, was hofft es dort zu fi nden, und wie lässt sich
die Beobachtung erklären, dass die Theaterfi lme der 1940er nicht weniger als die der 1950er, -70er
oder -90er Jahre von einem geradezu obsessiven Interesse an der Welt der Hinterbühne gekennzeichnet
sind?
Das Kino, so viel steht fest, kommt vom Theater nicht los. Und nach wie vor, auch das steht fest, ist sein
Blick auf die andere Kunst von spezifi schen Konzepten und eingespielten Bewegungen bestimmt. Eine
dieser Bewegungen, der Weg der Kamera (oder einer Filmfi gur) hinter die Bühne, steht im Zentrum des
Vortrags, der sich mit den kinematographischen Entwürfen der ‚anderen Seite‘ des Theaters, der investigativen
Annäherung an die Welt hinter den Kulissen und der Fiktion des exklusiven Einblicks befassen
wird, die in Theaterfi lmen wie Sein oder Nichtsein (1942),
All About Eve (1950),
Opening Night (1977)
oder Esther Khan (2004) immer neue Variationen erfahren haben.
Von besonderem Interesse sind dabei die Topologien des Theaterfi lms, i.e. die Toposformel der Verdeckung,
aber auch der Entwurf der Garderobe als Arcanum oder der Hinterbühne als Schauplatz der
‚wahren Dramen‘. Die kinematographischen Diskurse über das Theater, so die Hypothese, sind auf der
Leinwand immer auch räumlich organisiert – und die Räume des Theaterfi lms ein durchaus geeignetes
Setting, um über die Beziehungen der beiden Künste zu refl ektieren.
Kollegienhaus, Raum B / 13.10. / 17.15 – 17.45 Uhr
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Theater & Medien 39

Abstracts
Dr. Johanna Dombois (Köln/Bern)
Musiktheater-Regisseurin und Autorin. Dr. phil. Geb. 1967, Berlin. Studium der Theaterwissenschaft, Germanistik,
Anglistik, Kostümkunde in Berlin, Wien, Uppsala. Promotion bei Peter Wapnewski mit einer Arbeit zu
Richard Wagners Musik- und Theaterästhetik. Zusammenarbeit mit dem Young Vic London, der Akademie
der Künste Berlin, Semperoper Dresden, De Nederlandse Opera, ZKM Karlsruhe. 2001-05 Künstlerische
Leiterin der ‚Bühne für Musikvisualisierung‘ des Beethoven-Hauses. Letzte/ nächste Inszenierungen: Fidelio,
21. Jahrhundert (Bonn 2004); Szenisches Konzert für UltraSchall – Festival für Neue Musik (Sophiensaele
Berlin 2007); Wotan-Monolog 1.2.2. (Zürich 2007/08). Schwerpunkt der künstlerischen wie wissenschaftlichen
Arbeit ist die Oper als abstrakte Kunstform: Auseinandersetzung mit graphischer und visueller Musik,
dem Installations-, Objekt- und Maskentheater sowie den Möglichkeiten zur Verschmelzung traditioneller und
neuer, linearer und nicht-linearer Medien auf der Opernbühne.
Von der Praxis zur Theorie: Oper inszenieren mit Neuen Medien. Ein Werkstattbericht aus der
virtuellen Welt
Die technische Machbarkeit erzeugt auch in den Bühnenkünsten eine akzelerierende Nachfrage nach
neuen Ausdrucksmöglichkeiten – Diskrepanzen jedoch herrschen noch immer zwischen dem traditionellen
Opernrepertoire und den neuen Technologien. Das liegt zum einen an der eisernen Resistenz
des Opernbetriebs, die ungleichen Schwestern ‚Theater‘ und ‚Technik‘ gemeinsam auf das Familienbild
vorrücken zu lassen. Zum anderen sind die konkreten Regieaufgaben im Musiktheater je schwieriger zu
lösen, desto offensichtlicher die strukturellen Bedingungen der Opernproduktion quer zu den Erfordernissen
des Codes und der Schaltkreise stehen. Eine der Kardinalfragen ist demnach: Wie kann historisch-theatrale
Musik überhaupt für den Rechner valide gemacht werden?
Anhand der ersten virtuellen Inszenierung des Fidelio, die 2001-04 für das Beethoven-Haus Bonn produziert
wurde (UA 2.12.04), soll ein Einblick in die Problematik gegeben werden. Für Fidelio, 21. Jahr-
hundert, hundert dessen abstrakte Figuren im Sinne einer Musikvisualisierung zunächst aus rein musikalischen
Informationen abgeleitet worden sind, um dann szenisch weiterinterpretiert werden zu können, wurde
eine Analyseform entwickelt, kraft dessen sich ein historischer Notentext in ein numerisches Digitalisat
übersetzen lässt. Schien dabei die motivische Analyse nicht mehr ausreichend kraftvoll, um die fl uidale
Textur der Musik im datengenerierten Bild erhalten zu können, durfte die parametrische Transposition
der Partitur in den Zahlencode auch keine der historischen Grundlagen beschädigen. Das neue Medium
VR, die klassische Musikanalyse und die Regieführung rufen sich gegenseitig auf den Prüfstand – für
die praktische Opernarbeit werden theoretische Erhebungen, Selbstbefragungen gar nötig: Was ist Musikanalyse
in der Oper eigentlich im Gegensatz zur Datenverknüpfung im virtuellen Raum? Was das musikalische
Strömen im Gegensatz zum Datenfl uss? Was unterscheidet die herkömmliche Regieführung
vom Proportionenmanagment in der Steuerungstechnik?
Kollegienhaus, Raum D / 14.10. / 12.00 – 12.30 Uhr
40 Theater & Medien

Dr. Miriam Dreysse (Gießen)
Dr. Miriam Dreysse ist seit 1997 wissenschaftliche Mitarbeiterin am Institut für Angewandte Theaterwissenschaft
der Justus-Liebig-Universität Gießen. Studium der Angewandten Theaterwissenschaft (1987-
1993), Promotion über die Theaterarbeit Einar Schleefs (Szene vor dem Palast. Die Theatralisierung des
Chors im Theater Einar Schleefs, Ffm.: Peter Lang 1999). Regieassistenzen und Produktionsdramaturgien
an verschiedenen Theatern (1989-1997). Lehre und Forschung vor allem zu zeitgenössischem Theater
und Performance sowie zur Geschlechterkonstruktion in Theater, Performance, Film, bildender Kunst und
Populärkultur.
Publikationen u.a. zu Rimini Protokoll: „Spezialisten in eigener Sache“, in: Forum Modernes Theater, Bd.
19/1 (2004), S. 27-42; „Was erzählt eine alte Stimme, was eine junge Stimme nicht erzählt?“ in: Doris
Kolesch/Jenny Schrödl (Hrsg.): Kunst-Stimmen, Berlin: Theater der Zeit, 2004, S. 68-78.
Dreysse ist Sprecherin der Sektion „Kunst und Medien“ des Zentrums für Medien und Interaktivität (ZMI)
sowie der Sektion „Kultur“ der Arbeitsstelle Gender Studies der Universität Gießen.
Gespräche, Bekenntnisse, Aussprachen –
Populäre Medienformate und zeitgenössische Performance
Der Einsatz audiovisueller Medien auf dem Theater vermag, Wahrnehmungsprozesse zu thematisieren,
Wahrnehmungsgewohnheiten zu hinterfragen und das Verhältnis von Wahrnehmendem und Wahrgenommenen,
von Zuschauer und Bühnengeschehen/Akteur zu refl ektieren. So wird etwa im Spiel um
Sichtbarkeit, um An- und Abwesenheit der Schauspieler und ihre mediale Übertragung bei Castorf oder
Pollesch der Blick des Zuschauers bewusst gemacht, mit dem Begehren des Blicks gespielt, und die
Grenze von Öffentlichkeit und Privatheit ausgelotet. Die unterschiedlichen Medien- und Blickanordnungen
in Arbeiten von Gob Squad (z.B. „The Great Outdoors“, „Super Night Shot“, „Room Service“) stellen
sowohl tradierte Formen der Theaterrezeption als auch die Konstruktion von Realität in populären TV-
Formaten und die dazugehörigen Wahrnehmungsgewohnheiten in Frage. Aber auch Aufführungen, die
keine audiovisuellen Medien auf der Bühne einsetzen, rekurrieren des öfteren auf bestimmte populäre
Medienformate und setzen ihnen andere Wahrnehmungsmodi entgegen. So fi nden sich beispielsweise
Formen des Gesprächs und des öffentlichen Bekenntnisses und Geständnisses, wie sie die alltäglichen
TV-Talkshows prägen, auch auf der Bühne der zeitgenössischen Theater- und Performanceszene
wieder. Während die TV-Talkshow eine „Blick-Ordnung [ist], die sich dem unmittelbaren Beobachten
entzieht“ (Tholen), ermöglichen die talkshow-ähnlich inszenierten Gespräche, Bekenntnisse, Aus- und
Ansprachen so unterschiedlicher Künstler(-gruppen) wie Forced Entertainment, Rimini Protokoll, Jérome
Bel, SheShePop oder Auftrag: Lorey gerade eine Selbstrefl exion des Mediums und eine Hinterfragung
medialer Inszenierungsstrategien und Wahrnehmungsgewohnheiten.
Kollegienhaus, Raum B / 14.10. / 10.00 – 10.30 Uhr
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Theater & Medien 41

Abstracts
Thomas Dumke (Dresden)
Thomas Dumke, *1977, Mitbegründer der Trans-Media-Akademie Hellerau, Projektleiter CYNETart Festival,
seit 1999 intensive praktische und theoretische Auseinandersetzung mit Neuer Medienkunst, insbesondere
Neue Medientechnologien und ihre performative Anwendung in den Künsten, ist Student des Masterstudiengangs
Kultur & Managements am Institut für Soziologie der TU Dresden und schreibt gerade seine
Abschlussarbeit bei Prof. Karl-Siegbert Rehberg über das Thema: „Vom ästhetischen Vergnügen der Selbstorganisation
im Modus der Virtualität“. http://www.t-m-a.de
Bibliographie u.a.: „Vom ästhetischen Selbstvergnügen der Selbstorganisation im Modus der Virtualität“, in:
Trans-Media-Akademie Hellerau (Hg.): Globale Medialisierung und integrale Kultur, Dresden 2005, S. 72-
79; „microscope session“ in: Trans-Media-Akademie Hellerau (Hg.): microscope session DVD 2.0 :: new
co-operations in sound and visuals, DVD+Bootleg, Dresden 2005.
Der Einfl uss von Computersoftware auf Inszenierungen –
structural settings for the theatre expirience
Technische Medien und ihre Instrumente stellen eine entscheidende Basis für das Erleben unserer
Kultur dar. Ihr instrumenteller und vermittelnder Einsatz im Tanz- und Theaterraum oszilliert zwischen
traditioneller Darstellung von Illusionsräumen und für das Publikum selbst erlebbaren Inszenierungsmodellen.
Zu letzterer Praxis gehört die Bereitstellung von „symbiotischen Räumen“, in denen Künstler
nicht ein abgeschlossenes Autoren-Werk, sondern das konzeptionelle Gerüst einer Inszenierung und
ihrer Werkzeuge – also die Einzelmedien ihrer imaginären Inszenierung – offen legen. Dabei wird das
Publikum als potentieller Reizgeber bzw. als primär aktive Komponente in das Inszenierungskonzept
integriert. Zu dieser Praxis gehört aber auch der bewusste Einsatz von generativen Prozessen und Systemen
innerhalb choreografi scher Ansätze, die eine Art Metamaschine einsetzen, um alles Vorhandene
in vollkommen zufälliger und unvorhersehbarer Art und Weise kollidieren zu lassen.
Die Refl exion dieser Praxis geschieht im theaterimmanenten Feld produktionsästhetischer Strukturen
und Darstellungsmittel. Es wird von der These ausgegangen, dass der Einsatz von Computersoftware
das inszenatorische Möglichkeitsfeld mit seinen spezifi schen Normen überzieht und somit Einfl uss auf
die Inszenierungsweise bzw. Handlungs- oder Ablaufstrukturen hat. Daraus ergibt sich die Frage, inwiefern
das Instrument Computer mit seinen medialen Ausdruckspotentialen die Stück- und Inszenierungsidee
und den künstlerischen Entstehungsprozess beeinfl usst.
Dieser Frage wird im Vortrag anhand von aktuellen Produktionen besonders aus dem Bereich des sparten-
und genreübergreifenden Bewegungs- und Tanztheaters (z.B. Jo Fabian, Georg Hobmeier, Pablo
Ventura, Christian Ziegler usw.) nachgegangen.
(Vortrag gemeinsam mit Heide Lazarus)
Kollegienhaus, Raum C / 15.10. / 10.30 – 11.00 Uhr
42 Theater & Medien

Prof. Dr. Lutz Ellrich (Köln)
Geschäftsführender Direktor am Institut für Theater-, Film- und Fernsehwissenschaft Köln.
Studium der Philosophie, Theater-, Film- und Fernsehwissenschaft und Soziologie. Seit 2003 Professor
für Medienwissenschaft an der Universität Köln. Arbeitsschwerpunkte: Allgemeine Kommunikations- und
Medientheorie, Computersoziologie und Konfliktforschung.
Publikationen u. a.: Verschriebene Fremdheit, Frankfurt/New York 1999; „Die Tragikomödie des Skandals“,
in: F. Schößler / I. Villinger (Hg.): Politik und Medien bei Thomas Bernhard, Würzburg 2002, S. 148-190;
„Theatralität und Souveränität“, in: M. Karmasin (Hg.) Kulturwissenschaft als Kommunikationswissenschaft,
Opladen 2003, S.189-222; „Diesseits der Scham. Notizen zu Spiel und Kampf bei Kafka und Plessner“, in:
C. Liebrand / F. Schößler (Hg.): Textverkehr. Kafka und die Tradition, Würzburg 2004, S. 243-272.
Armes Theater oder Medienspektakel?
Das moderne Theater ist neben der modernen Malerei der ausgezeichnete Ort, an dem die Krise anschaulicher
Repräsentationsweisen nicht nur zum Vorschein kommt, sondern explizit zum Gegenstand
der Betrachtung und Refl exion erhoben wird. Wenn die „Realität in die Funktionale ... rutscht“ (Brecht),
also nur noch hochabstrakte Begriffskonstruktionen oder Formeln eine adäquate Beschreibung der
Wirklichkeit liefern können, dann geraten die unmittelbaren und sinnlichen Ausdrucksformen des Theaters
ins Hintertreffen. Auf dieses Problem hat das moderne Theater mit einer Reihe von kompensatorischen
Strategien reagiert. Zwei extrem unterschiedliche Ansätze verdienen besondere Aufmerksamkeit:
zum einen die radikale Reduktion der eingesetzten Darstellungsmittel (z.B. bei Grotowski oder in der
Performance-Kunst), zum anderen die Multiplikation der audio-visuellen Effekte durch die ausgiebige
Verwendung avancierter Medientechniken (z.B. bei Piscator oder in zahlreichen aktuellen Aufführung).
Ein Vergleich der beiden Konzepte kann zu einer besseren Einschätzung der Potentiale, Grenzen und
Fehlleistungen des Theaters führen.
Kollegienhaus, Raum C / 14.10. / 11.30 – 12.00 Uhr
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Theater & Medien 43

Abstracts
Dr. Regine Elzenheimer (Frankfurt/M.)
Theaterwissenschaftlerin und Dramaturgin. Studium der Germanistik, Theater-, Film- und Medienwissenschaft
und Philosophie. Arbeit als Dramaturgin u.a. an der Oper Frankfurt (1995-96), für die EXPO2000
in Hannover und am Forum Neues Musiktheater der Staatsoper Stuttgart (2003/04). Seit 1997 Lehrbeauftragte
und (bis 2003) wissenschaftliche Mitarbeiterin am Institut für Theater-, Film- und Medienwissenschaft
der Universität Frankfurt. Promotion mit der Dissertation „Pause. Schweigen. Stille. Dramaturgien der
Abwesenheit im postdramatischen Musik-Theater“ (Würzburg 2006, im Druck). Weitere Publikationen u.a.:
‚Wolfgang Rihm: Die Hamletmaschine’, in: Heiner Müller-Handbuch, hg. v. H.-T. Lehmann und P. Primavesi,
Stuttgart 2004; „Il n‘y a plus de temps... Zum musikalischen Zeitbegriff bei Strawinsky, Adorno und
B.A. Zimmermann“, in: AufBrüche. Theaterarbeit zwischen Text und Situation, hg. v. P. Primavesi und O. A.
Schmitt, Berlin 2004; ‚...wenn in reicher Stille... - Pause, Fermate und Stille im Spätwerk Luigi Nonos’, in:
Geteilte Zeit. Zur Kritik des Rhythmus in den Künsten, hg. v. S. Mahrenholz und P. Primavesi, Schliengen
2005.
Simultaneität – Immaterialität – Performativität. Aspekte der Integration elektronischer und
live-elektronischer Medien im zeitgenössischen Musik-Theater
Seit Bernd Alois Zimmermanns durch Augustinus inspiriertem Konzept einer ‚Kugelgestalt der Zeit’, in
dem der transitorische Charakter von Musik in einem räumlichen Bewusstseinsmodell der Gleichzeitigkeit
aufgehoben ist, spielt der Einsatz verschiedener audiovisueller elektronischer Medien zur Aktualisierung
einer ästhetischen und geschichtlichen Simultanerfahrung im Musiktheater eine wesentliche Rolle.
Zugleich verstärkt sich im 20. Jahrhundert mit dem Einsatz elektronischer Medien und elektronischer
Transformationsverfahren die seit Ende des 19. Jahrhunderts immer wichtiger werdende kompositorische
Gestaltung des Raums und der Übergänge bzw. der potentiell instabilen Grenzen von Zeit- und
Raumwahrnehmung. Während in Zimmermanns multimedialem Konzept einer ‚pluralistischen‘ Oper
Anfang der 60er Jahre die Idee im Raum koexistierender Zeitschichten unter anderem über die Simultaneität
der verschiedenen akustischen, visuellen und elektronischen Medien realisiert werden sollte, hat
die Entwicklung der Live-Elektronik dieses Moment der Simultaneität um den Aspekt der Performativität
erweitert. Die gleichzeitige Anwesenheit des Klangs und seiner elektronischen Transformation in Jetzt-
Zeit hat ebenso wie die Erzeugung immaterieller elektronischer Klangräume und die über Computergeneration
aktuell in der Aufführung entstehenden elektronischen Klangschichten die zeitliche und räumliche
Dimension des Musik-Theaters auch im Hinblick auf die Frage nach einer gültigen ‚Werk’-Gestalt
noch einmal neu facettiert. Die performative Interaktion zwischen Bühnen- und Klangraum realisiert hier
ebenso wie aleatorische Computeroperationen ein Moment der Unverfügbarkeit, das einen Blick auf die
performativen Potentiale der medialen und intermedialen Ansätze im zeitgenössischen Musik-Theater
eröffnet.
Kollegienhaus, Raum C / 14.10. / 15.00 – 15.30 Uhr
44 Theater & Medien

Dr. Andreas Englhart (München)
Dr. Andreas Englhart, wissenschaftlicher Angestellter des Instituts für Theaterwissenschaft München, Mitglied
der DFG-Forschergruppe „Inszenierungen von Fremdheit im 19. Jahrhundert“, Forschungsschwerpunkte:
Theater- und Kulturgeschichte des 19. und 20. Jahrhunderts, Alteritätsforschung, Theatertheorie, Mediengeschichte
und -theorie. Z. Zt. Arbeit an der Habilitationsschrift zum Thema „Fremde Menschen-Bilder. Eine
historische Anthropologie des deutschen Theaters und der Medien 1815-1914.“
Seriendramaturgien als Performance? Konvergente Entwicklungen im avancierten Theater
und in der populären Fernsehserie seit den 70er Jahren
Zunehmend wird die These vertreten, dass die amerikanische Fernsehserie im Moment eine der ästhetisch
avanciertesten und innovativsten Attraktions- und Erzählformen ist. „24“, „CSI“, „Desperate
Housewives“, „Lost“, „Numb3rs“, „Sopranos“ oder etwa „Six Feet under“ sind als Angebote eines Popularmediums
keineswegs trivial, vielmehr weisen sie immer komplexere Strukturen auf. Sie vermeiden
durchaus nicht eine potentielle Überforderung der ZuschauerInnen und bedienen sich auf dramaturgischer
und bildästhetischer Ebene selbstverständlich aller möglichen Elemente aus dem Archiv der
Mediengeschichte. Bezüglich der Erzählstruktur und Erlebnisfunktion von Serien diagnostiziert Irmela
Schneider eine Entwicklung seit den 70er Jahren in Form einer Veränderung der narrativen Diskurs-
Struktur, in der traditionelle Fragen nach dem Sinnverstehen an Bedeutung verlieren, Serienfolgen als
Werkeinheit sich aufl ösen, kanonische dramaturgische Schemata mit Konfl ikten, Normverletzungen und
Lösungen nicht mehr gelten. Statt dessen dominiert der Reiz der Bilder, des Arrangements und einer
verschachtelten, alinearen Affektdramaturgie. Eine ähnliche Entwicklung diskutiert die Theaterwissenschaft
seit einiger Zeit in Bezug auf das avancierte Theater, das zwischen Drama und Theatertext,
Dramatischem und nicht mehr Dramatischem bzw. Postdramatischem seinen Weg sucht. So stellt sich
die Frage nach den Ursachen dieser Parallelität zweier Medienentwicklungen. Eventuell werden beide
Medien vor dem Hintergrund einer gesamtgesellschaftlichen Entwicklung zur Medien-, Erlebnis- und
Multioptionsgesellschaft auf sozialer, mentaler und kultureller Ebene gleichermaßen beeinfl usst. Oder es
besteht ein direkter Einfl uss des einen Mediums auf das andere. Oder es gibt eine dritte, sich weniger
direkt aufdrängende Ursache. Im Vortrag sollen die parallelen Entwicklungen der beiden Medien skizziert,
ihre Konvergenzen und Differenzen herausgestellt und ihre möglichen Ursachen diskutiert werden.
Kollegienhaus, Raum B / 14.10. / 10.30 – 11.00 Uhr
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Theater & Medien 45

Abstracts
Serap Erincin (New York, NY)
Serap Erincin is a doctoral student in the Theatre Program at the Graduate Center in New York where she
is also pursuing a film certificate. She has taught theatre and acting in Baruch College the last three years.
She is also a director and performer who has worked with major companies in Turkey and has created her
own work in New York. She has worked extensively as a journalist and published and broadcasted articles,
interviews, news and features on art and culture in the UK and Turkey. She has contributed an entry on
International Festivals to the Routledge Encyclopedia of Contemporary Queer Culture and has been invited
to present at the ATDS Debut Panel at ATHE 2006. She is interested in experimental and intercultural
performance and theories and practices of performing and directing, and the influence of technology in
performance.
Towards a Rich Theatre: Where Does the Wooster Group Take Technology?
Where Does Technology Take the Wooster Group?
The Wooster Group has incorporated an extensive use of technology in their productions. The director
Elizabeth LeCompte’s treatment of technology as an inseparable element of the production process has
resulted in the development of new approaches to staging, performing/acting, directing and the audience-performer
relationship. Members of the American Avant-Garde have frequently used technology
and had a task oriented approach. The Wooster Group is unique, for it utilizes technology in building
techniques to create a task-based performance. Looking at the Wooster Group’s work in the last decade
it is possible to talk about a new technique for performing/acting utilizing technological devices developed
by LeCompte and her ensemble, and apply it in analyzing an actor’s performance, like the methods
of Stanislavski, Meyerhold or Grotowski among others.
In this paper, I analyze the role of technology in the Wooster Group’s creative and performative process
by a thorough examination of how the use of technology shapes their techniques of staging, blocking,
directing, and performing. Using high-tech devices such as the wireless in-ears, microphones, plasma
screen sets and TV monitors – not in order to enhance the spectacle, but as an aid to developing the
scores of the actors- enables performers to be “real” in the moment of performance. With their treatment
of technology, the Wooster Group achieves perfect techniques for task based performances with a
method that avoids “realistic” performances in order to establish “real” ones.
Kollegienhaus, Raum C / 13.10. / 12.30 – 13.00 Uhr
46 Theater & Medien

Dr. Christoph Ernst (Erlangen)
Christoph Ernst, Dr. phil. (geb. 1975); Studium der Deutschen Philologie, Philosophie sowie Mittleren/Neueren
Geschichte. Forschungsschwerpunkte in den Bereichen Medienphilosophie, Semiotik, Dekonstruktion,
Essayistisches Schreiben, Literarische Skepsis. Publikationen: Essayistische Medienreflexion. Die Idee des
Essayismus und die Frage nach den Medien, Bielefeld 2005. Als Mitherausgeber: Perspektiven interdisziplinärer
Medienphilosophie, Bielefeld 2003. Aufsätze u.a. zur Metapherntheorie, Dekonstruktion und
Ideengeschichte der Medientheorie.
Die Öffentlichkeit der Oper: Alexander Kluges Darstellung der Oper in seinen Filmen ‚Die Macht
der Gefühle‘ und ‚Der Angriff der Gegenwart auf die übrige Zeit‘
Die Oper ist für Alexander Kluge ein Medium, das den „Gefühlen“ eine Öffentlichkeit verleiht, in der sie
nicht nur vom Standpunkt zweiter Ordnung (wie jede Kunstform) beobachtbar, sondern in einem physiologischen
Sinne (auf Stufe der Beobachtung erster Ordnung) erfahrbar werden. Damit ist die Oper ein
Indikator, anhand dessen das Verhältnis zwischen einer (prärefl exiven) lebensweltlichen Grundschicht
impliziter Erfahrung (die Kluge als „Gefühl“ apostrophiert) und dem Display dieser Erfahrung in den
massenmedialen „Öffentlichkeiten“ refl ektiert werden kann. Besonders in den Filmen Die Macht der Ge-
fühle (1983) und
Der Angriff der Gegenwart auf die übrige Zeit (1985) thematisiert Kluge das Medium
„Oper“ in diesem Sinne als eine „Öffentlichkeit der Gefühle“.
Auffällig ist an diesen Filmen ein wechselseitiger Kommentar der Medien Oper und Film: Als das die
Oper abbildende Medium ist der Film einerseits ein Medium, welches die Konstitutionsbedingungen der
„Oper“ mithilfe seiner indexikalischen Qualitäten offen zu legen vermag. Anderseits transzendiert die
Oper als abgebildetes Medium kraft ihrer symbolischen Qualitäten die Möglichkeiten des Films. Somit
zielt Kluges Darstellung der Oper auf eine Selbstrefl exion der Möglichkeiten des Mediums Films; im Umkehrschluss
bietet der Film eine Einsicht in die Qualitäten der Oper als symbolischer Form. Das Medium
Film fungiert folglich als Refl exionsmedium, um Aussagen über das Medium Oper und ihre Einpassung
in die massenmedialen „Öffentlichkeiten“ zu gewinnen, wird aber auch selbst zu einer „Öffentlichkeit“,
aus der heraus die Oper ihre Wirkung entfaltet.
Mit meinem Vortrag möchte ich diese Wechselwirkung aufgreifen. Mithilfe der Überlegungen zum Medium
Oper bei Karl-Ludwig Pfeiffer sowie eines semiotischen Intermedialitätsbegriffs, demzufolge Intermedialität
als ein „Übersetzungsprozess“ konzipiert wird, wird die Frage beantwortet, inwieweit Kluges
Filme die Oper als Folie für eine Selbstrefl exion auf die Medialität beider Medien nutzen.
Kollegienhaus, Raum C / 14.10. / 15.30 – 16.00 Uhr
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Theater & Medien 47

Abstracts
Dr. Wolf-Dieter Ernst (München)
Dr. Wolf-Dieter Ernst, geb. 1968, Studium der Theater- Film- und Fernsehwissenschaften, Pädagogik, Psychologie
in Bochum, sowie Studium der Angewandte Theaterwissenschaften in Gießen. Diplom 1997. Stipendiat
des Graduiertenkollegs „Theater als Paradigma der Moderne?“ an der Universität Mainz. Promotion
an der Universität Basel 2001. 2001-2004 Koordinator des Forschungsprojektes „Bild-Figur-Zahl“ an der
Universität Basel, Tätigkeit als wissenschaftlicher Mitarbeiter an der Universität Mainz und Hildesheim. Arbeit
als Performer, Musiker und Regisseur. Seit 2006 akademischer Rat am Institut für Theaterwissenschaft der
Ludwig-Maximilians-Universität München.
Publikationen u.a.: Die „hässliche Maske eines Greises „ behaupten. In: Gottfried Boehm, Gabriele Brandstetter,
Achatz von Müller: Figur und Figuration. Studien zu Wahrnehmung und Wissen. München: Fink
2006; The Liveness of the Rain. Die Techniken des Betrachtens im zeitgenössischen Theater. In: Georg
Christoph Tholen, et. al. (Hg.) Schnittstellen. Basler Beiträge zur Medienwissenschaft. Basel 2005; Performance
der Schnittstelle. Theater unter Medienbedingungen. Wien: Passagen [Reihe xMedien], 2003.
Schauspiel durch Medien um 1900: „Der Künstler scheinbar unbeteiligt […] lässt statt seiner
über seinem Kopf die Verse reden“
Die Körperkonzepte des Schauspiels unterliegen epistemischen Moden und waren in diesem Sinne
niemals anthropologisch, sondern immer medial. Denn was sich an Medien zeigt ist immer auch ein
Wandel der Episteme. Die Unterscheidung zwischen einem live und einem reproduziert eingesetzten
Schauspielkörper etwa refl ektiert einen epistemischen Wandel im Zeichen neuer Medienapparate und
der Erfahrung von Fernabwesenheit. Jedoch erschöpft sich die Medienfrage keineswegs in ihren jeweiligen
apparativen Materialisierungen, seien diese nun der virtuelle Körper des Cyberspace, der Körper
auf der Filmleinwand oder der Körper eines virtuosen Rezitators. In diesem Beitrag wird gezeigt, dass es
sinnvoll ist, bereits die schauspielerische Verkörperung einer Rollenfi gur noch vor dem Einsatz von Medientechnik
als ein mediales Übertragungsszenario zu verstehen. Der Schlüsselbegriff dabei ist Energie,
mit welchem um 1900 versucht wird, anthropologisches und (körper)technisches Wissen zu verknüpfen.
In dem Maße, wie dieses Wissen nicht mehr auf einen sichtbaren Körper zu vereinen ist, diesen vielmehr
zergliedert und überhöht, fungiert Energie als allgemeines Fluidum, um diesen Riß in Körperbild zu
kitten. Der Zusammenhang von Schauspiel, Medien und Körper wird an einer historischen Begebenheit
exemplarisch aufzuzeigen sein: Franz Kafka refl ektiert einen Auftritt des Rezitators und Schauspielers
Alexander Moissi.
Kollegienhaus, Raum A / 14.10. / 12.00 – 12.30 Uhr
48 Theater & Medien

Dr. Erhard Ertel (Berlin)
Studierte in den siebziger Jahren Theaterwissenschaft an der Humboldt-Universität zu Berlin. 1981 Promotion
zu Fragen einer Semiotik der Darstellenden Kunst im Kontext der Kritik der informationstheoretischen
Ästhetik. Arbeitsschwerpunkte sind neben Theater- und Medientheorie theatrale Phänomene von Popmusik
und Sport sowie Theorie und Geschichte der Videokultur.
Seit 1999 am Institut für Theaterwissenschaft der Freien Universität Berlin, u.a. Leitung des Medienlabors.
Langjährige Lehrtätigkeit am theaterwissenschaftlichen Institut der Universität Wien. Umfangreiche eigene
praktische Arbeiten zur Theaterdokumentation, besonders an der Volksbühne Berlin, und Videoproduktionen
für Theaterprojekte.
Montage der kulturellen Attraktionen. Frank Castorfs medienästhetische Theaterpraxis der 80er
Jahre
Versteht man Kulturen als geformte und verdichtete Alltagserfahrungen, kann man sie gleichzeitig als
Medien sozialen Agierens und als abrufbares Wahrnehmungsreservoire verstehen. Die technisch-medialen
Bedingungen der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts machten dieses Reservoir allgegenwärtig
und permanent verfügbar. Je mehr davon durch Individuen wie soziale Gruppen akkumuliert wurde,
umso mehr sinnliches Material konnte in die ästhetische Kommunikation eingebracht werden. Castorfs
Theater der 80er Jahre lebte in starkem Maße vom Abrufen und Montieren dieser medial präsenten
kulturellen Erfahrungen.
Kollegienhaus, Raum C / 14.10. / 12.00 – 12.30 Uhr
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Theater & Medien 49

Abstracts
Russell Fewster (Melbourne & Adelaide)
Russell has directed theatre for the past 20 years. Recent work includes: The Lost Babylon by Takeshi Kawamura
(an exploration of mediatized violence), Australian-Japanese collaboration, world English language
premiere, Adelaide Fringe Festival 2006 // Breath by Patrick van der Werf (a satirical thriller focussing on
terrorism), world premiere, Bakehouse theatre Adelaide 2005 // X-ray by Chris Tugwell (a play about David
Hicks), world premiere, Adelaide Centre for the Arts 2003 // The Private Visions of Gottfried Kellner by
Timothy Daly (a thriller concerning Swiss banks & Holocaust victims monies), Blue Tongue Theatre, Adelaide
2002 // Sotoba Komachi by Yukio Mishima, Adelaide Centre for the Arts 2002 // Mahagonny Songspiel
by Kurt Weill & Bertolt Brecht, Elder Music School 2001 // The Australian President by David Ross (one
woman political satire about the first female Australian president), Bakehouse Theatre 2002 & 1999 // Eden
Cinema by Marguerite Duras, Bakehouse Theatre 1999 // The Glass Rabbit by Toshiko Takagi (the true
story of a survivor of the war-time bombing of Japan), English language world premiere, Come Out Festival
& Japan Tour 1999.
In 2000 Russell completed a Masters by Research at the Centre for Performance Studies in the University
of Sydney. He is currently a PhD candidate in Theatre Studies at the University of Melbourne and is a Lecturer
in drama at the University of South Australia Magill Campus.
Presence and Mediatization
This paper considers the presence of the actor in relation to mediatization of the theatre space, in particular
the kinaesthetic relationship of the performer to real time video projection. This will be based on
my recent production of “The Lost Babylon” by Takeshi Kawamura at the 2006 Adelaide Fringe Festival
- an Australian-Japanese co-production combining various acting styles with video projection.
In this paper I will be analysing the kinetic construction of a scene that integrated actors with projected
computer game three-dimensional space.
The paper will argue that there are four bodies that need to be considered when examining the actor’s
presence: phenomenological, semiotic, aesthetic and hyper sign.
The methodology will draw upon history of the Lost Babylon project, with reference to interviews with
actors and technicians, illustrated by video documentation.
The construction of the video game scene from Lost Babylon will illustrate how the body can theatrically
relate to gaming technology, while incorporating aesthetic and political narratives.
Kollegienhaus, Raum D / 13.10. / 11.30 – 12.00 Uhr
50 Theater & Medien

Dr. des. Christian Filk (Luzern)
Christian Filk, Medien- und Kulturwissenschaftler, Studium an den Univ. Siegen und Bielefeld, Promotion an
der Univ. Kassel. Zunächst Wissenschaftlicher Mitarbeiter an den Univ. Koblenz und Köln, zurzeit am Institut
für Kommunikation und Kultur der Univ. Luzern, Schweiz. Veröff. u.a.: (Mithrsg.), Media Synaesthetics,
2004; Zur Logik der Medienforschung, 2006 und Im Bann der Live-Bilder: Krisenkommunikation, Kriegsberichterstattung
und Mediensprache, 2006.
Die performative Kodierung von Krieg und Terror der Bildschirmmedien –
Thesen zur Theatralität und Dramaturgie von Krisenkommunikation und Kriegsberichterstattung
in einer visuellen Kultur
In der Krisenkommunikation und Medienberichterstattung vollzieht sich eine regelrechte Formatierung
des Verlaufsprogramms nach der visuellen Eigenlogik von Kriegshandlungen und Terroranschlägen. Die
Dominanz einer visuellen Kultur kommandiert Bebilderungszwänge für elektronische Medien. Medienproduzenten
und -rezipienten laufen Gefahr, sich in der Berichterstattung durch die Dramaturgie der Ereignisorientierung
und durch die Bildrhetorik zu unkommentierter Propaganda (ver)leiten zu lassen. Ein-
gedenk der dispositiven (An-)Ordnung (Foucault, Baudry) moderner Kriegs- und Informationstechnologie
am Ende des 20. Jahrhunderts und zu Beginn des 21. Jahrhunderts analysiert der projektierte Vortrag
vier Fallbeispiele: Zweiter Golfkrieg, Kosovokrieg, 11. September sowie Dritter Golfkrieg. Dabei lässt sich
das Informationsdesign der Bildschirmmedien unter dezidiert theater- und medienwissenschaftlichen
Gesichtspunkten medienästhetisch mit der sozialen Bühne eines Theaters (Goffmann, Meyrowitz) vergleichen.
Anhand von wenigen Schlüsselszenen werden wesentliche Aspekte des sich transformierenden
Beziehungsgefüges von Krisenkommunikation, Kriegsberichterstattung und Mediensprache nach
Grundbegriffen eines differenzierten Theatralitätskonzepts (Fischer-Lichte), sprich: ‚Inszenierung, ‚Ver-
körperung‘, ‚Perfomance‘ sowie ‚Wahrnehmung‘, untersucht. Dabei wird deutlich, dass sich eine auch
noch so um Distanz und Ausbalancierung bemühte journalistische Sprache an der suggestiven Kraft der
Bilder bricht. Das ist die fatale Text/Bild-Schere der Krisenkommunikation und Kriegsberichterstattung.
Symptomatisch für diesen Befund steht der mit (Nicht-)Informationen strategisch besetzte Bildschirm
(Live Coverage, Virilio). In dem anskizzierten Vortrag soll nicht zuletzt versucht werden zu zeigen, welchen
spezifi schen Beitrag eine interdisziplinäre Theatralitäts- und Intermedialitätsforschung bei der
Bearbeitung drängender Probleme der ‚Informationsgesellschaft‘ leisten kann.
Kollegienhaus, Raum D / 13.10. / 18.15 – 18.45 Uhr
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Theater & Medien 51

Abstracts
Prof. Dr. Sabine Friedrich (Erlangen)
Studium der Romanistik in München und Paris. 1993-2005: Wissenschaftliche Mitarbeiterin an der
Universität Bonn. 1995 Promotion: Die Imagination des Bösen. Zur narrativen Modellierung der Transgression
bei Laclos, Sade und Flaubert. 2003 Habilitation: Transformationen der Sinne. Formen dynamischer
Wahrnehmung in der modernen spanischen Großstadtlyrik. Seit 2005 Lehrstuhl für Romanische Philologie
III (Französische und spanische Literaturwissenschaft) an der Universität Erlangen-Nürnberg.
Verschiedene Publikationen zu medienhistorischen Fragestellungen in der französischen und spanischen
Literatur. Zum Verhältnis zwischen Theatralität und Medialität erscheint: Friedrich, Sabine/Kramer, Kirsten
(Hrsg.), La teatralidad desde una perspectiva histórica de los medios, erscheint im Verlag Reichenberger
(Kassel) 2006; „Introducción teórica al concepto de la teatralidad desde una perspectiva histórica de los
medios“, erscheint in: Friedrich/Kramer, La teatralidad desde una perspectiva histórica de los medios,
Kassel, 2006; „Funciones de la metarrepresentación de los medios en el Auto sacramental El Divino Orfeo
de Calderón“, erscheint in: Friedrich/Kramer, La teatralidad desde una perspectiva histórica de los medios,
Kassel, 2006.
Theatralität als mediales Dispositiv. Zur Emergenz von Modellen theatraler Performanz aus
medienhistorischer Perspektive
Zielsetzung des Vortrags ist es, die Entstehung neuer, historisch je spezifi scher Konzepte von Theatralität
aus einer mediengeschichtlichen Perspektive zu beschreiben. In einem ersten Schritt möchte der
Vortrag ein systematisches Modell skizzieren, das ausgehend von einer methodischen Hierarchisierung
der vier Kategorien ‚Inszenierung’, ‚Körperlichkeit’, ‚Wahrnehmung’ und ‚Performanz’ Theatralität
als eine (kultur-)anthropologische Kategorie begreift, die gleichwohl stets auf konkrete Praktiken des
Theaters zu beziehen ist. Die Medialität des Theatralen betrifft dabei nicht einzelne (isolierte) Elemente
einer gegebenen Aufführungssituation, sondern muss im Gegenteil die Interferenz der jeweiligen Wahrnehmungssituation,
der Organisation des Bühnenraums und des Spiels der Akteure erfassen. In dieser
Perspektivierung erscheint Theatralität als ein relationales mediales Dispositiv, an dessen materiellen
Konstituenten sich – im Anschluss an Sybille Krämers Medienbegriff – ein signifi kanter „Mehrwert“
gegenüber habitualisierten Wahrnehmungs- und Kommunikationsformen aufweisen lässt und an denen
zudem unterschiedliche Abstufungen der Manifestationsgrade von Medialität zutage treten, die den Polen
der ‚Medienvergessenheit’, der ‚Medienaktualisierung’ und der ‚Medienrefl exivität’ zugeordnet werden
können. – In einem zweiten Schritt wird der Vortrag die Wechselwirkung zwischen der Entstehung
historischer Theatralitätskonzepte und der Ausdifferenzierung neuartiger Wahrnehmungs-, Körper- und
Raummodelle am Beispiel des spanischen Barocktheaters beleuchten. An Caldérons autos sacramen-
tales soll dabei exemplarisch gezeigt werden, auf welche Weise durch die szenographische Raumorga-
nisation und den Einsatz medialer Visualisierungsmodelle konkurrierende Typen theatraler Performanz
begründet werden, die sich als Ausdruck eines historischen ‚Medienwettstreits’ deuten lassen, der auf
differente Theatralitätskonzepte verweist.
(Vortrag gemeinsam mit Dr. Kirsten Kramer)
Kollegienhaus, Raum A / 13.10. / 09.30 – 10.00 Uhr
52 Theater & Medien

Dr. Julia Glesner (Erfurt)
Geb. 1975, Studium in Mainz und Paris, Forschungsaufenthalte in Brisbane und New York City. 2000-03
Promotion am Graduiertenkolleg “Bild-Körper-Medium. Eine anthropologische Perspektive“ der Hochschule
für Gestaltung/ZKM Karlsruhe. Stipendiatin der Studienstiftung des deutschen Volkes und des Deutschen
Akademischen Auslandsamtes. Lehraufträge an den Universitäten Mainz und Erfurt. Von 2003 bis 2006
Leiterin Öffentlichkeitsarbeit am Theater Erfurt. Ab August 2006 Leiterin Stabsreferat Kommunikation/Öffentlichkeitsarbeit/Marketing
der Klassik Stiftung Weimar.
Ausgewählte Publikationen: Theater und Internet. Zum Verhältnis von Kultur und Technologie im Übergang
zum 21. Jahrhundert. Bielefeld 2005; Theater für Touristen. Eine kulturwissenschaftliche Studie zum
Tjapukai Aboriginal Cultural Park, Australien. Münster 2002; Theater und Internet. Konvergenzen zwischen
Internet Performances und wissenschaftstheoretischen Paradigmen. In: Balme, Christopher/ Fischer-Lichte,
Erika/ Grätzel, Stefan (Hrsg.): Theatralität als Paradigma der Moderne? Positionen zwischen historischer
Avantgarde und Medienzeitalter. Tübingen 2003. S.497-506.
Theater und Internet – Zum Verhältnis von Kultur und Technologie im Übergang zum
21. Jahrhundert
Internet Performances lösen bei simultaner Produktion und Rezeption die uns von anderen Theaterformen
vertraute physische Kopräsenz von Darstellern und Zuschauern auf und brechen hierin mit dem
Parameter der Theatergeschichte schlechthin. Sie setzen dabei das Internet und seine Dienste auf
höchst unterschiedliche Art und Weise ein. So können bspw. auf einer ersten Ebene textbasierte Internet
Performances von telematischen Internet Performances unterschieden werden, die auch audiovisuelle
Elemente übertragen.
Als Agens wie auch Beispiel kultureller Transformationen inszenieren Internet Performances die „Exzentrizität
des Menschen“ (Plessner) unter den Bedingungen des Internets und ermöglichen damit körperliche
Erfahrungen, die sich mit der Ambivalenz des Technischen produktiv auseinandersetzen. Der Vortrag
möchte Internet Performances in ihren verschiedenen Kategorien vorstellen, sie aus anthropologischer
Perspektive als Konvergenzpunkt von Kultur und Technologie diskutieren, um so ihre gesellschaftliche
Funktion herauszustellen.
Kollegienhaus, Raum C / 15.10. / 10.00 – 10.30 Uhr
F / G
Theater & Medien 53

Abstracts
Ina Gombert (Erlangen)
Geboren 1975, Studium der Theater- und Medienwissenschaft, Germanistik und Pädagogik in Erlangen
und Köln, Abschluss des Magisterstudiums 2001. Im selben Jahr Veröffentlichung der Magisterarbeit als
Buch („Durch die Brille des Kritikers. Der erfolgreiche deutsche Film der 80er und 90er Jahre im Spie-
gel der Kritik“). Kritik“ Berufliche Erfahrungen am Kindertheater (Theater Pfütze, Nürnberg,1994-1996), in der
Festivalorganisation (ARENA, Erlangen, 1995-1999), als universitäre Hilfskraft, in der Öffentlichkeitsarbeit
(WDR, Köln, 1998-2001), in der PR-Arbeit (Agentur Wassenberg pr and events, Nürnberg, 2002-2005).
Leitung von Theaterkursen für Kindergartenkinder (St. Johannis Kindergarten Lerchenbühlstraße, Nürnberg,
2005), Lehrauftrag zum Thema Kindertheater (ITM, Erlangen, 2004-2005), Dissertation über „Das Bild von
Kindertheater in der Öffentlichkeit“ (Abgabe 2006).
In echt oder getrickst?
Drittklässler über die Unterschiede zwischen Theater, Kino und Fernsehen
Welche Funktionen erfüllen theatrale Events im Vergleich zu medialen Events? Worin bestehen für den
Zuschauer die wesentlichen Unterschiede zwischen Theater, Kino und Fernsehen? Was gilt wem als
attraktiv – und warum?
Für viele Erwachsene ist Theater untrennbar verbunden mit einer Vorstellung von „hoher Kunst“, wohingegen
sie Kino und Fernsehen der Populär- oder Unterhaltungskultur zuordnen. Eine derartige a priori
vorgenommene Kategorisierung verstellt den Blick auf die genuinen, im jeweiligen Medium begründeten
Unterschiede zwischen den einzelnen Medien.
Kinder hingegen praktizieren einen unvoreingenommenen Blick auf das kulturelle Angebot. Im Rahmen
meiner Dissertation sprach ich mit Drittklässlern über Theater, Kino und Fernsehen. Fernab von jeglicher
Medien- oder Mediumtheorie und weitestgehend unbeeinfl usst von gängigen Konventionen der Kunstrezeption
beschreiben sie, was ihnen an Theater, Kino und Fernsehen zentral erscheint. Einige Beispiele:
- Ob Theater Kunst ist oder nicht, spielt keine Rolle.
- Theater, Kino und Fernsehen sind prinzipiell gleichwertige Möglichkeiten der Freizeitgestaltung.
- In jedem Medium unabdingbar sind eine hohe handwerkliche Qualität und ein im weitesten Sinne unterhaltender
Charakter.
- Alle Medien erfüllen unterschiedliche Funktionen. Während Fernsehen Teil des Alltags ist, werden Kino
und Theater als Gesamtereignis, ihr Besuch als Event wahrgenommen.
- Die Unterschiede zwischen den Medien liegen in deren Medialität begründet.
- Während Film und Fernsehen als Illusionsmedien funktionieren, fällt die Gemachtheit des Theaters ins
Auge: es erscheint zugleich als echt und „getrickst“.
Der Erkenntnisgewinn für die Theater- und Medienwissenschaft ist groß: folgt man der Sichtweise der
Kinder, so kristallisieren sich durch ihren speziellen, wissenschaftlich unkonventionellen Blickwinkel die
entscheidenden Funktionsmerkmale von Theater, Kino und Fernsehen und zugleich wichtige Beschreibungskriterien
heraus.
Kollegienhaus, Raum D / 14.10. / 15.30 – 16.00 Uhr
54 Theater & Medien

Drs. Liesbeth Groot Nibbelink (Utrecht)
Liesbeth Groot Nibbelink is junior assistent professor in Theatre and Media Studies at Utrecht University (The
Netherlands), with a focus on dramaturgy, theatre and technology. She wrote a thesis about the influence
of the use of video technology on principles of representation in theatre. Besides her academic work she is
active as assistant-director, dramaturg and theatre maker.
Actor and Character in Intermedial Theatre
Some years ago I explored the possible infl uences of the use of video in theatre on the representation
of theatre. One of the outcomes of this study concerned the presence of the actor in intermedial performance.
When the actor presents himself on stage and at the same time is presented by live video, as a
result, the actor is no longer the point of focus, his presence is confronted by his ‚absent double‘, and
therefore his presence and authority are questioned. The result is a performance that could be described
by a quote from Philip Auslander: an authorless, actorless, directorless infratheatricality.
An interesting dramaturgical issue arises when we look at the concept of character in this kind of intermedial
performance. In traditional representation an actor plays a role and thus creates a character. In
intermedial performance, character is often partly represented by the physical actor and partly by technology.
This provokes the question whether it is still suffi cient to speak of character. Flemisch dramaturg
Erwin Jans states that character is a notion of the dramatic theatre, whereas in postdramatic theatre
the character had disappeared, which leaves the actor to appear as performer and as body. In this paper
I state that in intermedial performance character is replaced by the actor as performer, as body, and
by the performativity of the spectator. Especially in environmental theatre with its focus on experience,
character is replaced by ‚persona‘ (again I quote Auslander) and the spectator becomes participant.
Along with these observations we could argue that presentation is dominating over the (never totally
absent) aspect of representation. Thus, through the absence of character, theatre becomes, as Umberto
Eco once stated, an act of showing and – my addition – a place of sensual experience.
Kollegienhaus, Raum A / 14.10. / 10.00 – 10.30 Uhr
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Theater & Medien 55

Abstracts
Prof. Dr. Klemens Gruber (Wien)
Studium der Theaterwissenschaft und Kunstgeschichte in Wien und Bologna (DAMS).
Ao. Univ. Prof. am Institut für Theater-, Film- und Medienwissenschaft der Universität Wien.
Publikationen: Die zerstreute Avantgarde, Wien 1989, 2 2006; (ital. L’avanguardia inaudita, Genua 1997);
Die Erfindung der Gegenwart (Mhg.), Ffm/Basel 1990; Der kreiselnde Kurbler. Dziga Vertov zum 100.
Geburtstag 2 Bd. (Hg.), Wien 1996/2004; Verschiedenes über denselben (Hg.), Wien: Böhlau 2006.
Mitherausgeber von Maske und Kothurn. Internationale Beiträge zur Theater-, Film- und Medienwissenschaft;
jüngst: 52. Jg., 2006, H. 1. Mit Freud.
Das intermediale Jahrhundert
Intermedialität ist zur dominierenden kulturellen Realität geworden. Von Beginn an war das 20. Jahrhundert
eines der ästhetischen Transfers: Die Verbindung von Kunst und Technik schuf gänzlich neue
Ausdrucksformen, die nicht länger mit den herkömmlichen Begriffen künstlerischer Kreativität beschrieben
werden können, lassen sie doch den Status des Kunstwerks, die Rolle des Künstlers und den
Standpunkt des Betrachters nicht unbehelligt.
„Wann erzeugt die Technik ästhetische Werte?“ fragten die Künstler in den ersten Jahrzehnten des 20.
Jahrhunderts. Vor allem aber – und dies entsprach ihrem unbekümmerten Grundton – haben sie nicht
gezögert, die neuen Massenmedien ohne Unterschied mit den traditionellen Künsten zu verbinden, zu
montieren, aufeinanderprallen zu lassen. Bild und Wort, Theater und Film, Architektur und Rundfunk,
Typographie und Ausstellungswesen: Die Kunst der Avantgarde entwickelte unterschiedliche Strategien,
denen eine systematische Recherche der Beziehungen zwischen den verschiedenen Medien zugrunde
lag. Von einem Medium zu anderen zu wechseln ist gewissermaßen eine Initiation in Intermedialität.
Denn die Konfrontation zweier Darstellungssysteme zerstört die Illusion der Unmittelbarkeit des Angeschauten
durch Refl exion auf ihre Gemachtheit: Die Szene, das Bild, der Buchstabe werden als mediale
Konstruktionen kenntlich gemacht.
Zwei, drei analytische Kategorien und mediale Inszenierungen machen sichtbar, worin Brauchbarkeit
und Aktualität einer intermedialen Perspektive bestehen.
Markgrafentheater / 13.10. / 15.00 – 15.45 Uhr
56 Theater & Medien

Dr. Yvonne Hardt (Berlin)
Yvonne Hardt, Dr. phil., ist Tänzerin, Choreografin und Tanzwissenschaftlerin. Nach ihrem Studium der Theaterwissenschaft
und Geschichte in Berlin und Montreal, schrieb sie ihre Dissertation am Graduiertenkolleg
„Körper-Inszenierungen“ der FU Berlin, erschienen als: „Politischer Körper: Ausdruckstanz, Choreografien
des Protests und die Arbeiterkulturbewegung in der Weimarer Republik“ (Münster: Lit 2004). Seit 2003 ist
sie wissenschaftliche Mitarbeiterin am Institut für Theaterwissenschaft der FU Berlin. Neuere Schwerpunkte
ihrer Arbeit sind die Verbindung von Tanzpraxis und Theorie sowie Tanz und Medien. Zuletzt organisierte
sie ein Panel zu Tanz und Intermedialität mit und arbeitete mit der Akademie der Künste Berlin an der
Veranstaltungsreihe „Choreografie und Film.“ Zudem arbeitet sie als Choreografin ihrer zeitgenössischen
Tanzkompanie BodyAttacksWord.
Tanz und interaktive Medien – eine Analyse am Beispiel der Tanzperformance
Ausgehend von einer Analyse des Arbeitsprozesses der Tanzperformanceinstallation „I, myself and me
again“, die aus der Kooperation zwischen dem Tänzerduo „Labor Gras“ und dem Programmierer und
Mitbegründer von „Palindrome“, Frieder Weiss, entstand, möchte dieser Beitrag Austauschprozesse zwischen
tanzenden Körpern und deren medialer Verarbeitung ausloten, sowohl für die Tanzkunst als auch
für die theoretische und wissenschaftliche Refl exion interaktiver Performances.
Im letzten Jahrzehnt hat die Arbeit mit Computer basierter Echtzeitvideomanipulation rapide zugenommen
und provoziert spezifi sche Herausforderungen und Potentiale für eine theater- und tanzwissenschaftliche
Analyse. Wenn Tänzer sich zeitverschoben wieder begegnen, wenn sie gedreht oder gespiegelt
mit sich als Videoprojektion spielen, dann sensibilisiert dies für eine aus einem Wechselverhältnis
entstehende Bewegungsqualität.
In einer Kunstform, die sich mehr als andere Künste oft auf die vermeintliche „Natürlichkeit“ des Körpers
berufen hat, drängen sich Fragen nach dem Wechselverhältnis von Technik und Körper auf, denn
es wird deutlich, dass ein spezifi scher Tänzerkörper entsteht. Dies soll jedoch keinesfalls nur als Einschränkung
begriffen werden, denn es entstehen dabei auch ganz spezifi sche Potentiale, insbesondere
dann, wenn der Blick zwischen Liveperformer und Projektion oszilliert und heterogene Raum- und Zeitwahrnehmungen
entstehen. Zum anderen fordert dieses Wechselverhältnis zwischen Kamera, Software
und Tänzer dazu auf, die sich gegenseitig bedingenden Einfl üsse in interaktiven Live-Situationen zu
untersuchen.
Außerdem stellen sich Fragen danach, was den Prozess choreographischen Schaffens in diesem Setting
konstituiert, und wie dabei Verständnisse von Werk und Autorschaft destabilisiert werden, wenn diese
angesichts der Instanz des Programmierers, der diese Möglichkeiten anbieten wie auch verhindern
kann, neu zu verhandeln sind.
Kollegienhaus, Raum B / 13.10. / 09.30 – 10.00 Uhr
G / H
Theater & Medien 57

Abstracts
Prof. Dr. Ulrike Haß (Bochum)
Seit 1999 Professorin für Theaterwissenschaft an der Ruhr-Universität Bochum. 1990 Promotion (Militante (
Pastorale. Anitmoderne Bewegungen im frühen 20. Jahrhundert, München 1993). 1990-92 Postdoktorandin
Johannes Gutenberg-Universität Mainz; 1992-1998 Assistentin FU Berlin; 1999/2000 Habilitation
(Das ( Drama des Sehens. Auge, Blick und Bühnenform Bühnenform,
München 2005). Mitbegründung eines Jahrbuchs
für das Theater im Ruhrgebiet, „Theater über Tage“ (seit 2000); Mitherausgeberin von: Gott gegen Geld. Zur
Zukunft des Politischen I (Berlin 2002), Krieg der Propheten. Zur Zukunft des Politischen II (Berlin 2004).
Herausgeberin von: Heiner Müller Bildbeschreibung. Ende der Vorstellung (Berlin 2005). Vorstandsmitglied
der Gesellschaft für Theaterwissenschaft seit 2004, seit 2006 persönliches Mitglied des ITI.
Vom Körper zum Bild. Ein Streifzug durch die Theatergeschichte als Mediengeschichte zum
Nachteil des Theaters
In den Umbrüchen der frühen Neuzeit entsteht im Zusammenhang mit dem Dispositiv der Zentralperspektive
und auf seiner Grundlage ein Bilddenken, das den menschlichen Körper erstmals aus der
Relation Körper/Grund löst und zum privilegierten Objekt des Blicks macht. Dieser Vorgang kennt zum
einen Vorläufer (in der bildlichen Darstellung von „Visionen“ um 1400), zum anderen konkretisiert er
sich im „Bild der Frau“, das emblematisch im selbst sprachlosen Zentrum der Renaissance-Komödie
thront (1500). Auf einer komplexen Verschränkung von Dispositiv und Körperbild beruht schließlich die
Herausbildung des Guckkastens (1750), der als eine Maschine im Sinne der Schulmaschinen, Gefängnismaschinen
etc. Foucaults begriffen werden soll. Der unter Maßgabe seiner bildhaften Wirkung und
Erscheinung agierende Schauspieler wird zum Ausgangspunkt einer neuartigen Kultur der Intimisierung,
die sich als Sexualisierung der Gefühlswelten vollzieht. Die Produktionen dieses Amalgams (Körper / Bild
/ Medium) sind vielfältig, spaltbar und teilbar. Sie modellieren die gesamte Geschichte der technischen
Bilder und nehmen in ihren signifi katen Umbrüchen, namentlich im Verhältnis von Theater und Film um
1900, neue Erscheinungsformen und Wirksamkeiten an.
Im Mittelpunkt der schwierigen, in ihren Ausdifferenzierungen hier nicht nachzuvollziehenden Geschichte
der Bildmedien im 20. Jahrhundert soll die jüngste massenmediale Radikalisierung der Bildwerdung
des Körpers stehen. Als Beispiel und Gegenstand dient hier Jelineks Bildmedientheorie in „Babel“
(2005).
Markgrafentheater / 13.10. / 16.00 – 16.45 Uhr
58 Theater & Medien

Dr. Edwin Hees (Stellenbosch)
After completing his doctorate on 17th-century British theatre, Edwin Hees was appointed as lecturer in
the Department of English at the University of Stellenbosch, South Africa, in 1979, where he specialized
in teaching world drama and film. His own research focuses on South African theatre and film, and he has
published on the latter topic in particular. Most recently he has published “The Birth of a Nation: Contextualising
De Voortrekkers (1916)”, which is a chapter in To Change Reels: Film and Culture in South Africa (Eds
Isabel Balseiro and Ntongela Masilela, Detroit: Wayne State University Press, 2003) and a chapter entitled
“Ways of remembering: realism in Proteus” in a forthcoming book The Making of South African Film and
Television (Eds Jyoti Mistry and Florian Schattauer, 2006). The latter has been published in a shortened
German translation as “Metaphern der Sexualität in Proteus” (Wespennest 142, März 2006). He is Associate
Editor of the South African Theatre Journal, the only journal in the country to publish exclusively on the
performing arts. In 2005 he was appointed Associate Professor in the Drama Department at Stellenbosch.
He has been a guest lecturer at the University of Salzburg on several occasions.
Reading Classical Drama on Film
In this paper I wish to explore the various strategies that fi lmmakers employ in the continuous process
of adaptation and appropriation Greek classical drama. The paper will make particular reference to two
fi lms of Medea (Pier Paulo Pasolini and Lars von Trier), two fi lms of
Elektra (Michael Cacoyannis and
Miklos Jansco) and (more incidentally) one South African stage production of Medea, which places the
story in a generalised “African” context.
I want, among other things, to explore the notions of appropriation, authenticity and cultural memory
within a semiotics framework, from the fi rst attempts to recreate “authentic” Greek tragedy in the
1590s in Northern Italy – but in fact thereby inventing the genre of opera – to the appropriation of the
ancient Greek texts within feminist and explicitly political contexts in the 1970s and 1980s. The point of
reference here is the implication of Jauss’s work that appropriation is both necessary and unavoidable.
In this understanding, adaptations and appropriations are not substitutions for, or even worse, violations
of, the classical text, but more a matter of constant and unavoidable assimilation and regeneration.
This in turn inevitably raises questions about textuality and reading strategies. Even though texts may
shed and accumulate meanings as they pass through history, it is not helpful to talk about “multiplicity
of meaning” (Roman Jakobson) in this case; this process seems to be a more fundamental matter of
“resignifi cation” of past texts. Cultural historians have constantly worried about this puzzling relationship
of the present to the past: are cultural phenomena unique and stable, encapsulating their time
and meanings for all time? Or are they discursive fi elds into which we cannot help but import our own
meanings? Perhaps the most constructive way to talk about the fi lm adaptations is to regard them as
“negotiations” with ancient texts, which themselves have no stable, autonomous existence.
Kollegienhaus, Raum B / 14.10. / 12.30 – 13.00 Uhr
H
Theater & Medien 59

Abstracts
Erika Hughes (Madison, WI)
Erika Hughes is a dissertator at the University of Wisconsin-Madison in the Department of Theater and
Drama, and is currently a Visiting Scholar on a yearlong fellowship at the Universität Bonn. Next year she
will attend the Hebrew University in Jerusalem as a George Mosse Exchange Fellow. She is interested in
twentieth century female German performers, and has published articles on Hanya Holm and Valeska Gert.
In addition, she has delivered conference papers at the Mid-America Theater Conference and the University
of Wisconsin History of Science Colloquim. Currently her research interests focus on the GRIPS Theater
Company of Berlin and the children’s play “Ab heute heißt du Sara”, and exploring its role as a mechanism
for building a “usable” memory in post-War West Berlin. She is the recipient of numerous fellowships,
including a DAAD Intensive Language Course, a Center for German and European Studies Travel Grant, and
a Tisch School of the Arts Scholarship at New York University.
Mediating Authenticity: An Examination of Onstage Realities
The paper examines the children‘s play “I Never Saw Another Butterfl y” by Celeste Raspanti. Based
on the collection of children‘s drawings and poems from the concentration camp Theresienstadt with
the same title, the play tells the story of children using art as a means through which to cope with the
cruelty surrounding them. Drawing and writing become the theatrical actions around which the plot
revolves. The play does not attempt to convey the horrors of the holocaust through a child‘s eyes, but
rather centers around the recording of this experience – an experience which cannot be authentically
recreated onstage – serving to fi ll a void where authenticity cannot function.
Kollegienhaus, Raum D / 13.10. / 10.00 – 10.30 Uhr
60 Theater & Medien

Dr. Sabine Huschka (Berlin)
Dr. Sabine Huschka arbeitet und lebt als Kultur- und Tanzwissenschaftlerin und Kritikerin in Berlin. Zur Zeit ist
sie wissenschaftliche Mitarbeiterin am Institut für Theaterwissenschaft der FU Berlin mit einem Habilitationsprojekt
zu Tanz und Wissen. Eine kulturhistorische Studie der Episteme choreografierter Körper (DFG-Drittmittelstelle).
Bis 2003 gehörte sie dem Kulturwissenschaftlichen Seminar der Humboldt Universität zu Berlin
als wissenschaftliche Mitarbeiterin an (DFG-Forschungsprojekt: Theatralisierung des tanzenden Körpers).
Zuvor arbeitete sie als Dramaturgin am TAT/Frankfurt/M. und für das Ballett Frankfurt/William Forsythe.
Eine Ausbildung in Integrativer Tanz-Pädagogik; Erfahrungen in Körperarbeit und Improvisation begleiten
die Arbeit. Seit 1999 regelmäßige Lehrtätigkeit am Kulturwissenschaftlichen Institut der HU zu Berlin, am
DIT (Deutsches Institut für Tanzpädagogik) und zeitweise an der Palucca-Schule in Leipzig. Sie gehört dem
wissenschaftlichen Beirat von tanzjournal an.
Wichtigste Publikationen: Moderner Tanz. Konzepte – Stile – Utopien. (Reinbek: rowohlts enzyclopädie
2002); Merce Cunningham und der Moderne Tanz (Würzburg 2000).
Media-bodies: Choreographierte Körper als Wissensformation.
William Forsythe und die Neuen Medien
Die Bedeutung Neuer Medien für den zeitgenössischen Tanz zeigt sich im Modus angeregter Wahrnehmungs-
und Bewegungsprozesse, die den Körper – wie im Fall von William Forsythe – auf die Spur seiner
Bewegungsbildung setzt. Was im klassischen Tanz traditionell der Ballettcode leistete, um mit einer
Systematik aus Schritten, Positionen und Figurationen theatrale Wirksamkeit zu erzeugen, transformiert
in den Arbeiten der Forsythe Company in einen choreografi schen Prozess der Körperformation. In Auseinandersetzung
mit Neuen Medien wird der Körper als Gedächtnis- und Wissensort improvisatorischer
Szenografi en thematisch. Vollzogen wird ein körperkonzeptioneller Wandel, der einen instrumentellen
Zugang durch ein mediales Verständnis ersetzt. Unter welchen ästhetischen und wissenschaftlichen
Prämissen ein solcher Wandel sich vollzieht, will der Vortrag aus analytischer und historischer Perspektive
beleuchten. Im Mittelpunkt stehen Fragen zur Bedeutung des Körpers als Medium.
In Auseinandersetzung mit den von Forsythe u.a. entwickelten medialen Zugängen, die auf den Ebenen
choreografi scher Konzeptionalisierung, Trainingsmethoden und Probenprozessen wirksam sind, werden
Formationen von Wissen erkennbar, die aus einem prozessualen Zusammenspiel von Bewegen und
Wahrnehmen hervorgehen. Analysen der Improvisation Technologies, die als Schule der Aufmerksamkeit
operiert, und eines im Aufbau sich befi ndenden Interactive learning environments exemplifi zieren körperlich-mentale
Vollzüge als spezifi sche Wissenspraxis, in denen szientifi sche und ästhetische Aspekte
zur Raumwahrnehmung und Organisation zusammenkommen, um operationale und interaktive Prozesse
des choreografi schen Körpers zu zeigen. Das stets zentrale Problem, Wissensformen des Tanzes zu
repräsentieren, markiert einen konzeptionellen Differenzierungspunkt zwischen technologischen und
bewegungstechnischen Zugängen, was ein historischer Blick ausgehend vom 18. Jahrhundert darzulegen
sucht. Im Rückblick auf historische Verfahren der Bewegungscodierung, Wissensaneignung und
Vermittlung im klassischen Tanz werden Fragen zur instrumentellen und medialen Funktion choreografi -
scher Körper diskutiert.
Kollegienhaus, Raum B / 13.10. / 10.00 – 10.30 Uhr
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Theater & Medien 61

Abstracts
Dr. Katie Johnson (Oxford, OH)
Dr. Katie N. Johnson specializes in theatre, film, and gender studies in the English department at Miami
University of Ohio, where she is Associate Professor. Her first book, Sisters in Sin: Brothel Drama in America
(Cambridge University Press 2006), was supported by a National Endowment for the Humanities Summer
Grant. In 2003, Johnson was awarded the Gerald Kahan Award for best essay in the field of theatre studies
by a younger scholar by the American Society for Theatre Research. Her work has appeared in Theatre
Journal, Theatre Survey, and the Eugene O’Neill Review, among other publications. Johnson’s research and
conference presentations have taken her to France, the Netherlands, Germany, and the United Kingdom,
where she was a Visiting Member of Newnham College at the University of Cambridge. Johnson has been
nominated twice for Outstanding Professor at Miami University.
“That’s My Lulu Belle”: Constructing the Black Prostitute on Stage and Screen
At the turn of the twentieth century, plays and fi lms about prostitutes and fallen women fl ourished
throughout America, epitomized by the hooker-with-a-heart-of-gold character Camille. In spite of the
fact that many prostitutes in turn-of-the-century cities were immigrants and women of color, a striking
feature of brothel dramas and fi lms was that the heroines were portrayed as almost always white.
So what happens when the Camille story was rewritten to portray the reality of an African American
courtesan? In this paper, I look at the 1926 landmark stage production of Lulu Belle, a story of a black
cabaret singer who toys with men for both sport and money, only to meet a tragic end. Lulu Belle is
astonishing not only because it featured a black courtesan – a fi gure that was missing altogether in
American mainstream drama of the day – but also because Lulu Belle featured a large cast of over 100
black actors and played successfully in mainstream theatres.
This essay seeks to explicate the signifi cance of Lulu Belle within the context of early twentieth-century
American drama. I hope to highlight the stakes of white playwrights (Edward Sheldon, Charles MacArthur)
and producers (David Belasco) mounting this “Negro drama”, as it was sometimes called, and
to consider the semiotics of blackface performance. In so doing, I hope to outline some of the crucial
contexts for interpreting a complicated text such as Lulu Belle by referencing the Harlem Renaissance,
the rise of realism, and modernism’s obsession with primitivism. In addition, I look at the 1948 fi lm
adaptation of Lulu Belle starring white actress Dorothy Lamour. I specifi cally interrogate how the fi lm
whitewashes the title fi gure while at the same time utilizes black urban culture as the scenic backdrop.
Crucial to this discussion is how notions of so-called racial “authenticity”, were deployed both on and
off stage – all with a critical eye toward what E. Patrick Johnson and other theorists have called “racial
performance.”
Kollegienhaus, Raum A / 14.10. / 10.30 – 11.00 Uhr
62 Theater & Medien

Jürgen Kästner (Leipzig)
Wissenschaftlicher Mitarbeiter seit 2002 an der Fachrichtung Dramaturgie der Hochschule für Musik und
Theater „Felix Mendelssohn Bartholdy“ Leipzig.
Geb. 1963 in Dresden, 1990-1996 Studium der Theaterwissenschaft und Kunstgeschichte, Regieassistent
am Schauspiel Leipzig, Journalistische Weiterbildung bei Klett WBS in Dresden, Mitarbeiter beim Studentenradio
„mephisto 97,6“ der Universität Leipzig, Studioleiter im Fachbereich Medientechnik an der HTWK
Leipzig, Film-, Video- und Theaterinszenierungen mit Amateuren in Dresden, Leipzig, Magdeburg, Eisenach
und Berlin. Promotionsprojekt mit dem Arbeitstitel: Transformation von Theater im Fernsehen der DDR am
Beispiel von Thomas Langhoff.
Publikation: Transformationen am Beispiel von Thomas Langhoffs Theaterinszenierungen. In: Thomas
Beutelschmidt, Rüdiger Steinlein, Henning Wrage, Peter Hinz (Hg.): Das literarische Fernsehen. Beiträge zur
deutsch-deutschen Medienkultur. Berlin/Frankfurt am Main: Peter Lang Verlag Oktober 2006.
Theater im Fernsehen der DDR – Transformationen am Beispiel von Thomas Langhoffs
Theaterinszenierungen
Theatersendungen gehörten zwischen 1950 und 1990 zum festen Programmbestandteil des Fernsehens
in der Bundesrepublik Deutschland und der DDR. Das „neue“ Medium partizipierte vom Ansehen,
das das Theater genoss, benutzte es zur eigenen Legitimation.
Doch während über diese Entwicklungen in der Bundesrepublik umfassende Analysen und Materialsammlungen
zur Verfügung stehen, ist für das DDR-Fernsehen nichts Vergleichbares zu fi nden. Einige
Fragen, die bislang noch unbeantwortet geblieben sind: Gibt es im DDR-Fernsehen ähnliche Entwicklungstendenzen
wie in der Bundesrepublik? Welche Präsentationsformen von Theater im Fernsehen sind
in der DDR zu fi nden? Welche Bühnen, welche Inszenierungen, welche Regisseure dominierten? Mit
seinen Wurzeln beim Theater und der Aneignung der fi lm- und fernsehästhetischen Mittel durch die Arbeit
im DDR-Fernsehen stellt dabei der Regisseur Thomas Langhoff einen Sonderfall dar. Er refl ektierte
die Medienspezifi k der verschiedenen ästhetischen Systeme und nutzte sie für überzeugende Inszenierungen.
Seine Erfahrungen wirkten in beide Richtungen. Er entwickelte aus seinen Fernsehproduktionen
seine Bühneninszenierungen und aus Bühneninszenierungen seine Fernseharbeiten.
Beispiele dafür sind: Hauptmanns „Einsame Menschen“, die Langhoff 1975 für das Fernsehen der
DDR und darauf 1978 im Maxim Gorki Theater als seine erste Bühnenarbeit inszenierte. Oder die 1983
gleichzeitig für das Fernsehen und das Deutsche Theater inszenierten „Gespenster“. Der umgekehrte
Weg lässt sich am eindrücklichsten mit den „Drei Schwestern“ belegen, die 1979 ihre Premiere im
Maxim Gorki Theater hatten und die Langhoff 1984 in eine Fernsehverfi lmung übertrug.
Die Transformationsprozesse von Thomas Langhoffs Theater- und Fernsehinszenierungen im Kontext
der anderen Theaterpräsentationsformen im DDR-Fernsehen ausgiebiger zu untersuchen, wird mein Ziel
sein.
Kollegienhaus, Raum B / 13.10. / 12.30 – 13.00 Uhr
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Theater & Medien 63

Abstracts
Dr. Chiel Kattenbelt (Utrecht)
Chiel Kattenbelt ist seit Mai 1991 tätig als Universitair Hoofddocent (Associate Professor) am Institut für
Medien und Re/presentation der Universität Utrecht. Sowohl im Bereich der Lehre als auch in der Forschung
beschäftigt er sich vor allem mit medienvergleichenden Untersuchungen von Theater und Tanz, Film und
Fernsehen, sowie Video und digitalen Medien. Dabei richtet sein Fokus sich insbesondere auf die Aspekte
der Performativität, Medialität, „Remediatisierung“ (remediation) und Intermedialität. Seit Januar 2002 ist er
parttime als Lektor (Associate Professor) an der Schauspielakademie Maastricht (Hochschule Zuyd) angestellt.
Im Rahmen dieser Tätigkeit leitet er ein Forschungsprojekt, in dem in Zusammenarbeit mit Theaterpraktikern
die neue Theatralität und die neue Funktion von Theater in einer Kultur und Gesellschaft, die sich
unter dem Einfluss von Mediatisierung, Globalisierung, Digitalisierung, Privatisierung und Kommerzialisierung
eingreifend verändert, untersucht wird.
Multi-, Trans- und Intermedialität: drei unterschiedliche Perspektiven auf die Beziehungen
zwischen den Medien
Multi-, Trans- und Intermedialität sind inzwischen übliche Begriffe, die auf spezifi sche Objektmerkmale
und Effekte von Medien oder auf Beziehungen zwischen Medien verweisen. Diese Begriffe werden in
unterschiedlichen Diskursen und innerhalb dieser Diskurse oft auch auf unterschiedlichen Ebenen verwendet.
Oft ist nicht völlig klar, was unter „Medium“ oder „Medialität“ verstanden wird. Darüber hinaus
werden „Medialität“ und „Mediation“ oft mit einander verwechselt mit der Folge, dass ‚Produkt’- und
Prozessaspekte von Medien nicht eindeutig voneinander unterschieden werden. Ich schlage vor, Multi-,
Trans- und Intermedialität als unterschiedliche Perspektiven zur Problematisierung der Beziehungen
unterschiedlicher Medien zueinander zu betrachten und werde einige Perspektiven für die Intermedialitätsforschung
skizzieren.
Kollegienhaus, Raum A / 13.10. / 10.00 – 10.30 Uhr
64 Theater & Medien

Kimon Keramidas (New York, NY)
Kimon Keramidas is currently a Ph.D. candidate in Theatre at the City University of New York. His dissertation
looks at theatre in the United States through the lens of critical political economy of theatre. By analyzing the
impact of socioeconomic forces such as the corporatization of media and entertainment, shifts in funding for
the arts, and the control and management of intellectual property, Kimon will look at theatre within the field
of cultural production. Kimon has also completed the certificate in Interactive Technology and Pedagogy, a
program that looks at the implementation of technology and media in the classroom. Since 2002, Kimon
has acted as the Researcher to the Graduate Center’s Vice President for Information Technology, administering
and developing the certificate program and maintaining a number of web sites. In the fall he will be
teaching new courses in interactive technology and digital culture in CUNY’s School for Professional Studies
and new Online BA Program.
Coming Soon to a Cinema/Television/Website/Video Game/Theatre Near You ... : Theatre, Intellectual
Property Rights, and the Control of American Culture
Raymond Williams described a medium as a “social practice” that consisted of the collaborative work
of art making and the relationship of art to society. While technological media such as fi lm, radio, and
television are often considered as such, theatre, despite similar crises of production, reproduction, and
distribution, is often studied as a higher art and above socioeconomic forces. By looking at theatre as a
medium and as a peer to other media, we can better understand not only how the political economy of
media can be applied to theatre, but also rediscover theatre’s place in the fi eld of cultural production.
One area of political economy that is increasingly important in shaping American theatre is intellectual
property rights. While most talk of intellectual property rights can be found in the technology section
of the newspaper in articles about Google scanning books or music on your iPod, intellectual property
rights are being deployed at an increasing rate to consolidate control over the production of new work
across all media. In an era where new technologies encourage cultural producers to develop intellectual
properties across a variety of media, those who manifest their properties in as many media as possible
are able to reap the maximum return on their initial investment and work. There was a time when theatre
was a source for intellectual property, as many plays and musicals made their way from stage to
screen. But American theatre is now a later stage medium in crossmediation, as corporations in control
of well-known properties create shows based on movies and music, such as Mamma Mia!, The Producers,
and Disney’s The Lion King. This presentation will look at this trend on Broadway and throughout
American theatre to consider some of the effects that intellectual property rights are having in shaping
theatrical production and how these rights play a role in determining the economic position of theatre in
relation to other media.
Kollegienhaus, Raum D / 13.10. / 12.30 – 13.00 Uhr
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Theater & Medien 65

Abstracts
Prof. Dr. Kay Kirchmann (Erlangen)
Studium der Theater-, Film- und Fernsehwissenschaft, Germanistik und Anglistik an der Universität zu Köln;
medienpraktische Erfahrung als TV-Regisseur und -Autor; Promotion 1996 Universität Siegen; 1998-2004
Hochschuldozent für Medienwissenschaft an der Universität Konstanz; Professor für Medienwissenschaft
an der Universität Erlangen-Nürnberg seit 2004; Lehraufträge an der Ruhr-Universität Bochum und der
Universität St. Gallen (CH). Forschungsschwerpunkte: Medientheorie und -geschichte, Zeit und Medialität,
Film- und Fernsehtheorie, deutsches Tanztheater.
Buchpublikationen: Stanley Kubrick. Das Schweigen der Bilder. Bochum 3 2001; Verdichtung, Weltverlust
und Zeitdruck. Grundzüge einer Theorie der Interdependenzen von Medien, Zeit und Geschwindigkeit im
neuzeitlichen Zivilisationsprozess. Opladen 1998; Blicke aus dem Bunker. Paul Virilios Zeit- und Medientheorie
aus der Sicht einer Philosophie des Unbewußten. Stuttgart 1998; Licht-Zeiten – Licht-Räume. Das
Licht als symbolische Form im Theater der Neuzeit. Siegen 2000; (Co-Hrsg.): Die Medien der Geschichte.
Historizität und Medialität in interdisziplinärer Perspektive. Konstanz 2004.
Vom Nutzen und Nachteil des Medienbegriffs für das Theater und die Theaterwissenschaft
Entgegen aller von außen (zurecht) gehegten Erwartungen, verfügt selbst die Medienwissenschaft über
keinen gesicherten, geschweige denn konsensuellen Medienbegriff, sondern begreift ihre zahlreichen
und divergierenden Konzepte von ‚Medium’ als je variable Operationalisierungsformel für verschiedene
Fragehorizonte und Perspektivierungen. Insofern wird auch dieser Vortrag die leitende Frage des
Kongresses nicht lösen können, wohl aber nachzuzeichnen versuchen, unter welchen historischen und
aktuellen Bedingungen das Theater und die Theaterwissenschaft sich jeweils unter Rückbezug auf ‚Medien’
selbst zu positionieren suchten. ‚Medien’ scheinen dabei entweder als Kontrastfolie, anhand derer
sich die Spezifi k des Theatralen im Paragone der Moderne neu bestimmen ließ, oder als Bezugshorizont,
entlang dessen Reformulierungen der szenischen Künste unternommen werden konnten, gedient zu
haben. Auch die Theaterwissenschaft scheint – so legt es ein kursorischer Blick auf die bundesdeutsche
Institutionsgeschichte des Faches nahe – diesbezüglich zwischen Ausdifferenzierung einerseits,
Integration, wo nicht Subordination der Medienwissenschaft andererseits zu schwanken. Das symptomatische
Oszillieren zwischen der Wahrnehmung der ‚Medien’ als dem ‚heimlichen Eigenen’ oder
dem ‚radikal Anderen’ des Theaters soll im Vortrag unter kultursoziologischen und diskurstheoretischen
Gesichtspunkten skizziert werden.
Markgrafentheater / 15.10. / 12.00 – 12.30 Uhr
66 Theater & Medien

Corinna Kirschstein (Leipzig)
Corinna Kirschstein wurde 1976 in Halle (Saale) geboren. Sie studierte von 1995 bis 2001 Theaterwissenschaft
und Germanistik an der Universität Leipzig und nahm danach ein Promotionsstudium der Theaterwissenschaft
auf. Von 2002 bis 2006 arbeitete sie an ihrer Dissertation Theater/Wissenschaft/Historiographie
– Studien zu den Anfängen theaterwissenschaftlicher Forschung in Leipzig, die von Prof. Dr. Gerda
Baumbach betreut wurde. 2002 und 2003 war sie als wissenschaftliche Hilfskraft bei der Arbeitsgruppe
Universitätsgeschichte der Universität Leipzig tätig. Von 2003 bis 2005 wurde das Dissertationsprojekt zudem
durch ein Landesgraduiertenstipendium des Freistaats Sachsen gefördert. Seit 2004 arbeitet Corinna
Kirschstein als freie Autorin am Lexikonprojekt Sächsische Biografie des „Instituts für Sächsische Geschichte
und Volkskunde e.V.“ in Dresden mit.
Ein „gefährliches Verhältnis“ – Theater, Wissenschaft und Film in den 1910er und 1920er
Jahren
An Max Herrmanns Äußerung zu dem „gefährlichen Verhältnis“ von Theater und Film zeigt sich das
fast durchweg negative Urteil der Theaterwissenschaftler über das neue Medium. Doch erweisen sich
die Aussagen auch anderer Fachvertreter bei genauerem Hinsehen als derart differenziert, dass sie auf
vielfache Interdependenzen zwischen Theater und Film schließen lassen. An diesen Befund knüpft sich
die Frage, inwieweit die zeitgenössischen Debatten über den Film auch zentrale Aussagen zu Theater
betreffen. Trotz der Nähe der frühen Theaterwissenschaft zur Programmatik der Retheatralisierungsbewegung
der Jahrhundertwende beruht – so meine These – die Legitimation der Wissenschaftlichkeit
der jungen Disziplin v.a. auf einem konservativen Theaterverständnis. Das Festhalten an einem werkzentrierten
Theaterbegriff, in dessen Zentrum die Inszenierung steht, wird gerade auch im Bezug auf
die zeitgenössischen Medienentwicklungen deutlich. So wird die Einzigartigkeit des Theaterkunstwerks
v.a. durch den Rekurs auf das Transitorische der Aufführung gerechtfertigt. Obwohl bereits Lessing „die
Kunst des Schauspielers“ als „in ihren Werken transitorisch“ defi niert hatte, wird gerade angesichts der
modernen Massenmedien der Status des Theaterkunstwerks zunehmend prekär. Damit verbinden sich
die für die theoretische Fundierung der Theaterwissenschaft (der Anfangsjahre) bekannten Folgen: ein
von Legitimationsnot geprägter Rückzug auf den Kunstcharakter ihres Gegenstands.
Kollegienhaus, Raum A / 13.10. / 17.15 – 17.45 Uhr
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Theater & Medien 67

Abstracts
Dr. Thomas Klein (Mainz)
*1967, Studium der Theaterwissenschaft, Germanistik, Pädagogik und Filmwissenschaft in Mainz. Magisterabschluss
in Theaterwissenschaft über Adele Sandrock und Liesl Karlstadt. Seit 2002 Wiss. Mitarbeiter
der Filmwissenschaft/Mediendramaturgie an der Johannes Gutenberg-Universität Mainz, Mit-Hg. zahreicher
Bücher u.a. über Robert Altman (mit Thomas Koebner), die Nouvelle Vague (mit Norbert Grob u.a.), Road
Movies (mit Norbert Grob) und das Genre des Kriegsfilms (mit Marcus Stiglegger und Bodo Traber). Ernst
und Spiel. Grenzgänge zwischen Bühne und Leben im Film. Mainz: Bender 2004 (Dissertation).
Der Bühnentod im Film
Grenzgänge zwischen Bühne und Leben werden besonders prekär, wenn der Tod ins Spiel kommt.
Bekannt ist der Mythos vom wahren Komödianten, der auf der Bühne sterben will, weil er zuvorderst an
diesem Ort seine Existenz zu füllen in der Lage ist. Wo das Leben die intensivsten Momente feiert, soll
auch der Tod sich realisieren dürfen. Im Film, der das Theater zum Sujet hat, wird der Bühnentod inszeniert
als Höhepunkt des Wechselverhältnisses von Ernst und Spiel. Im Zentrum steht dabei meist die
Differenz zwischen dem existentiellen Ereignis auf der Bühne und der Reaktion des Theaterpublikums
darauf. In Véra Belmonts MARQUISE (1997) und Baz Luhrmanns MOULIN ROUGE (2001) sterben Schauspieler
auf der Bühne und erreichen damit die größte emotionale Wirkung bei ihren Zuschauern, weil
diese den Tod der Bühnenfi gur als besonders authentisch dargestellt empfi nden. In diesen Filmen wird
suggeriert, dass der Theater-Rahmen sehr robust sei, dass alles, was sich auf der Bühne abspielt, vom
Publikum zuerst einmal als Inszenierung wahrgenommen werde. In David Cronenbergs M. BUTTERFLY
(1993) wird der Selbstmord auf der Bühne zum Ritus des Abschiednehmens von einem Leben, dem die
große Liebe durch eine bittere Ent-Täuschung genommen wurde. Und in Peter Greenaways THE BABY
OF MÂCON (1993) erfährt der Bühnentod vielleicht die ambivalenteste Ausgestaltung, weil der fi ktive
und der authentische Tod jeglicher Trennschärfe zu entbehren scheinen.
Kollegienhaus, Raum B / 13.10. / 17.45 – 18.15 Uhr
68 Theater & Medien

Leopold Klepacki (Erlangen)
Geboren 1976 in Nürnberg. 1998-2003: Studium an der Friedrich-Alexander-Universität Erlangen-Nürnberg;
Fächer: Pädagogik, Theaterwissenschaft, Neuere deutsche Literaturgeschichte. Januar 2003: Magister
seit Januar 2001: Studentische Hilfskraft am Institut für Pädagogik; seit April 2003: Wissenschaftlicher
Mitarbeiter; seit SS 2004: Lehrauftrag für Darstellendes Spiel an der Erziehungswissenschaftlichen Fakultät
der FAU (Fach Musikpädagogik); Darüber hinaus seit 1999 Tätigkeit als Regisseur in verschiedenen
Bereichen des Schul- und Amateurtheaters. Derzeit Abschluss der Promotion zum Thema: Die Ästhetik des
Schultheaters.
Publikationen: Schultheater. Theorie und Praxis. Münster: 2004; Die Geschichte des Schultheaters in
Deutschland. In: Liebau, E. u.a. (Hrsg.): Grundrisse des Schultheaters. Weinheim und München: 2005; Die
Ästhetik des Schultheaters (erscheint 2006).
Theaterpädagogik und Medienpädagogik an der Schule. Über das (Nicht-)Verhältnis zweier
ungleicher Schwestern
In institutionalisierter Form, also als Fach, gibt es an der Schule weder Theaterpädagogik noch Medienpädagogik.
Medienpädagogik existiert als weites, fächerübergreifendes Kompetenzfeld mit oftmals sehr
diffus erscheinenden Begriffen, Aufgaben und Zielen. Auch die Zusammenführung von Theater und Pädagogik
nimmt in der Schule vielfältige Formen an: von szenischem Lernen als Unterrichtsmethode über
Darstellendes Spiel als performativ-ästhetisches „Fach“ bis hin zum Schultheater als Kunstform gibt es
zahlreiche Varianten. Die Erwartungen und Zuschreibungen an beide Bereiche sind vor dem Hintergrund
der sich seit geraumer Zeit vollziehenden gesellschaftlichen Transformationsprozesse hoch angesetzt:
Medienkompetenz auf der einen Seite, ästhetische Bildung, soziales und praktisches Lernen auf der
anderen Seite. Das selbstständige Zurechtfi nden des Einzelnen in einer von Medien bestimmten und
durch Medien vermittelten Lebenswelt ist die Kernaufgabe des einen Bereichs, die Entwicklung einer
subjektiven Kultur im Rahmen einer produktiven Auseinandersetzung mit dem Fremden in der Kunst, mit
Rollen, mit Zeichen und Handlungen und natürlich auch mit objektiviertem Kulturgut steht im Zentrum
des anderen Feldes. Medienpädagogik und Darstellendes Spiel sollen also nicht nur einen Medien- bzw.
einen Kunst-Zugang bewirken, sondern v.a. einen Welt-Zugang.
Die Kernfrage hierbei lautet: Können diese beiden schulischen Bereiche als sich gegenseitig ergänzende
Felder eines umfassenden Weltzuganges begriffen werden oder stehen sie sich inhaltlich, methodisch
und von ihrem jeweiligen Selbstverständnis her eventuell sogar kontradiktorisch gegenüber?
Kollegienhaus, Raum D / 14.10. / 14.30 – 15.00 Uhr
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Theater & Medien 69

Abstracts
Prof. Dr. Anja Klöck (Leipzig)
Anja Klöck ist seit 2003 Professorin für Schauspiel an der Hochschule für Musik und Theater Felix Mendelssohn
Bartholdy in Leipzig. Zuvor war sie an der Johannes Gutenberg-Universität in Mainz und an der
University of Minnesota in Minneapolis (USA) tätig. Ihre Arbeiten sind in internationalen „peerreviewed“ Fachzeitschriften
wie Theatre Journal, Theatre Research International und Performance Research erschienen. Zur
Zeit arbeitet sie an dem von der DFG geförderten Forschungsprojekt „Systemische Körper? Kulturelle und
politische Konstruktionen des Schauspielers in schauspielmethodischen Programmen Deutschlands 1945-
1989“. Veröffentlichungen zum Kongressthema: „Acting on the Media: the actor‘s modes of being on stage
in an age of technological mediation“. Performance Research: On Theatre 10.2 (2005), S. 103-114; „Die
Wahrnehmung des Apparats: Experimentelle Physik und futuristisches Theater zu Beginn des 20. Jahrhunderts“.
In: TheaterTheoriePraxis, Hrsg. Hajo Kurzenberger and Annemarie Matzke (Berlin: Recherchen 17,
Theater der Zeit, 2003), S. 230-239; „Of Cyborg Technologies and Fascistized Mermaids: Giannina Censi‘s
Aerodanze in 1930s Italy“ Theatre Journal 51 (1999), 395-415.
Schau-Spiel-Technik und Medien als Repräsentationstechnologien
Spätestens seit Joseph Roachs Studie zur historischen „Wissenschaft des Schauspielens“ ist im Arbeitsfeld
der Theaterwissenschaft bekannt, dass methodische Programme oder theoretische Schriften
zur Schauspielkunst neben ästhetischen Werten auch bestimmte historisch kontingente Vorstellungen
vom Menschen in den Techniken zur Kontrolle seines Körpers, seines Gedächtnisses, seiner Emotionen,
seines Umgangs mit Vergangenheit, seiner Wirkung auf und Kontrolle der Wahrnehmung anderer transportieren
(Roach 1985). Diese Techniken stehen in Wechselwirkung nicht nur mit dem Körperwissen
und den Körperkonzepten in naturwissenschaftlichen und philosophischen Diskursen, sondern auch mit
dem speziellen Technikbegriff beziehungsweise mit historisch situierten Medien als Repräsentations-,
Vermittlungs- und Speichertechnologien. Der Beitrag untersucht diese wechselseitigen Beziehungen,
in welche Praxis und Diskurs zur Technik des professionellen Schauspielers sowohl historisch als auch
gegenwärtig zu setzen sind, anhand diskursiver Konstruktionen von Schauspieltechnik im Sinne einer
Vermittlung zwischen einem jeweils anders defi nierten „Innen“ und medienhistorisch jeweils anders verorteten
„Außen“. Ziel des Beitrags ist es dabei, der aktuellen Debatte zu dem gegenwärtigen Verhältnis
von Theater und Medien historische Tiefe zu geben und über den historischen Bogen Begriffl ichkeiten
zu schärfen für die Analyse aktueller Ansätze aus der Schauspielpraxis in der deutschsprachigen Theaterlandschaft:
Was ändert sich in den Auffassungen von der Technik des idealen Schauspielers mit den
sich wandelnden Medien als Repräsentationstechnologien und mit veränderten Begriffen von Technik?
Kollegienhaus, Raum A / 14.10. / 11.30 – 12.00 Uhr
70 Theater & Medien

Prof. Dr. Andreas Kotte (Bern)
Prof. Dr. phil. Andreas Kotte, geb. 1955 in Dresden. Abitur 1974, Berufsabschluss Bauzeichner, Beleuchter
am Stadttheater in Neustrelitz. Ab September 1978 an der Humboldt-Universität zu Berlin: Studium der
Theaterwissenschaft, Kulturwissenschaft und Ästhetik, 1985 Dr. phil. mit der Dissertation „Das Halberstädter
Adamsspiel. Ein Grenzfall mittelalterlicher Theaterkultur“. 1988 Habilitation zu den Strukturveränderungen im
ungarischen Theater 1980–1987, Privatdozent. Seit 1992 Direktor des Instituts für Theaterwissenschaft der
Universität Bern. Lehrveranstaltungen zur Theatergeschichte, Theatertheorie, Dramaturgie und Aufführungsanalyse.
Ab 1997 Leitung des Großprojektes „Theaterlexikon der Schweiz“, 4 Sprachen, 3 Bde., 3’600
Artikel), erschienen 2005. Daneben Forschungen zur europäischen Theatergeschichte, zur Systematik der
Theaterwissenschaft sowie zum Verhältnis von Ikonographie und Theater.
Vorstandsmitglied der Schweizerischen Gesellschaft für Theaterkultur (SGTK) 1992-1998, Vizepräsiden
der „Gesellschaft für Theaterwissenschaft e. V.“ 1996-2000, deren Präsident seit 2004. Präsident der
Kommission „Freies Theater- und Tanzschaffen“ der Stadt Bern 1996-2001, Herausgeber der Buchreihen
„Theatrum Helveticum“ und „Materialien des ITW Bern“ (bisher 17 Bände).
„Defi nierbar ist nur, was keine Geschichte hat“. Über Fortschritte der Medien und Wandlungen
von Theater
Der Vortrag fragt nach einigen Beziehungen zwischen audiovisuellen Medien und Theater und nach
den Auswirkungen von Bezeichnungen auf die Praxis wie den Diskurs. Obwohl der „Schwimmer im
Strom“ die nachfolgenden Fragen wohl nicht wird beantworten können, seien sie doch als Fluchtpunkte
genannt: Entwickeln sich Medien vom Niederen zum Höheren, während Theater sich wandelt? Schafft
Wissenschaft durch ihre Bezeichnungsmacht Begriffe, die die Verhältnisse zwischen audiovisuellen
Medien und Theater durchschaubarer machen oder vernebeln können? Wie geht man am besten mit
Theoremen wie Intermedialität um, wenn Theater kein Medium ist? Braucht es eine Theater- als
Mediengeschichte oder eine Mediengeschichte von Theater? Warum bedingen Theater- und Medienwissenschaft
heute einander? Wie beeinfl ussen Ökonomisierungs- und Rationalisierungstendenzen, moderne
Mythologeme und Zwänge des Wissenschaftsbetriebs heutige Forschungsergebnisse?
Markgrafentheater / 12.10. / 18.45 – 19.30 Uhr
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Theater & Medien 71

Abstracts
Dr. Kirsten Kramer (Erlangen)
Kirsten Kramer, Dr. phil., Studium der Romanistik, Anglistik und Philosophie in Bonn, München und Paris.
Promotion über autobiographisches Schreiben in der französischen Romantik (München, 2001). Wiss.
Mitarbeiterin an den Universitäten München und Köln (1994-99; 2001/02); Postdoktorandin am Internationalen
Graduiertenkolleg „Institutionelle Ordnungen, Schrift und Symbole“ (Dresden/Paris, 2003-2005).
Seit WS 2005 Wiss. Mitarbeiterin am Institut für Romanistik, FAU Erlangen. Seit 2002 Arbeit an medienwiss.
Habilitationsprojekt zu Strukturen und Funktionen des Visuellen in der spanischen Lyrik der Frühen Neuzeit.
Publikationen u.a. zum Verhältnis von romanischen Literaturen und visuellen Medien; zu medienhistorischen
Grundlagen von Theatralität in Vorbereitung: Friedrich, Sabine/Kramer, Kirsten (Hrsg.): La teatralidad desde
una perspectiva histórica de los medios, erscheint im Verlag Reichenberger (Kassel) 2006. „Introducción
teórica al concepto de la teatralidad desde una perspectiva histórica de los medios“, erscheint in: Friedrich/
Kramer, La teatralidad desde una perspectiva histórica de los medios, Kassel, 2006. „La medialidad de la
performance teatral en los autos sacramentales de Calderón“, erscheint in: Friedrich/Kramer, La teatralidad
desde una perspectiva histórica de los medios, Kassel, 2006.
Theatralität als mediales Dispositiv. Zur Emergenz von Modellen theatraler Performanz aus
medienhistorischer Perspektive
Zielsetzung des Vortrags ist es, die Entstehung neuer, historisch je spezifi scher Konzepte von Theatralität
aus einer mediengeschichtlichen Perspektive zu beschreiben. In einem ersten Schritt möchte der
Vortrag ein systematisches Modell skizzieren, das ausgehend von einer methodischen Hierarchisierung
der vier Kategorien ‚Inszenierung’, ‚Körperlichkeit’, ‚Wahrnehmung’ und ‚Performanz’ Theatralität
als eine (kultur-)anthropologische Kategorie begreift, die gleichwohl stets auf konkrete Praktiken des
Theaters zu beziehen ist. Die Medialität des Theatralen betrifft dabei nicht einzelne (isolierte) Elemente
einer gegebenen Aufführungssituation, sondern muss im Gegenteil die Interferenz der jeweiligen Wahrnehmungssituation,
der Organisation des Bühnenraums und des Spiels der Akteure erfassen. In dieser
Perspektivierung erscheint Theatralität als ein relationales mediales Dispositiv, an dessen materiellen
Konstituenten sich – im Anschluss an Sybille Krämers Medienbegriff – ein signifi kanter „Mehrwert“
gegenüber habitualisierten Wahrnehmungs- und Kommunikationsformen aufweisen lässt und an denen
zudem unterschiedliche Abstufungen der Manifestationsgrade von Medialität zutage treten, die den Polen
der ‚Medienvergessenheit’, der ‚Medienaktualisierung’ und der ‚Medienrefl exivität’ zugeordnet werden
können. – In einem zweiten Schritt wird der Vortrag die Wechselwirkung zwischen der Entstehung
historischer Theatralitätskonzepte und der Ausdifferenzierung neuartiger Wahrnehmungs-, Körper- und
Raummodelle am Beispiel des spanischen Barocktheaters beleuchten. An Caldérons autos sacramentales
soll dabei exemplarisch gezeigt werden, auf welche Weise durch die szenographische Raumorganisation
und den Einsatz medialer Visualisierungsmodelle konkurrierende Typen theatraler Performanz
begründet werden, die sich als Ausdruck eines historischen ‚Medienwettstreits’ deuten lassen, der auf
differente Theatralitätskonzepte verweist.
(Vortrag gemeinsam mit Prof. Dr. Sabine Friedrich)
Kollegienhaus, Raum A / 13.10. / 09.30 – 10.00 Uhr
72 Theater & Medien

Eva Krivanec (Wien)
Eva Krivanec ist wissenschaftliche Mitarbeiterin des Instituts für Theater-, Film- und Medienwissenschaft
der Universität Wien und schreibt ihre Dissertation zum Thema: „KriegsTheater. Zum Theaterleben in vier
europäischen Hauptstädten (Berlin, Wien, Paris, Lissabon) während des Ersten Weltkriegs“.Betreuerin: Univ.
Prof. Dr. Hilde Haider-Pregler.
Kriegspropaganda multimedial. Spektakel, Variété und Kino im Ersten Weltkrieg
Der erste Weltkrieg kann als erster großer medienvermittelter Krieg gelten – von den beliebten Kriegsbildern
im Kino über die illustrierte Presse bis hin zu Grammophonen und Telefonen in den Schützengräben.
Dennoch gehörte zu dieser Zeit, insbesondere in den europäischen Hauptstädten, weiterhin
der Theaterbesuch zum festen Bestandteil des Freizeitkonsums der städtischen Bevölkerung. Neben
den staatlichen Bühnen und den kommerziellen Unterhaltungstheatern fanden sich eine große Zahl
kleinerer und größerer Vergnügungsetablissements, die sich mit Variétés, Revuen, Zirkuspantomimen
oder technischen „Sensationsstücken“ im intermedialen Feld zwischen Theater, Tanz, Musik, Artistik und
Film etabliert hatten. In den Krieg führenden europäischen Staaten erfasste im August 1914 eine größtenteils
spontane „kulturelle Mobilmachung“ sämtliche Bereiche der städtischen Unterhaltungskultur.
Bereits im Sommer, während Theater und Filmpaläste noch geschlossen hatten, gaben beschäftigungslose
SchauspielerInnen und SängerInnen spontan zusammengestellte patriotische Programme in Gaststätten,
Cafés und auf der Straße zum Besten. Durch den durchgängigen Boykott von Theaterstücken
und Filmen aus dem feindlichen Ausland, wurden die Pläne für die Herbstsaison gehörig durcheinander
gebracht. Schnell verfertigte Kriegsstücke in den beliebten Unterhaltungsgenres ersetzten internationale
Erfolgskomödien und viele Kinos, gerade in Deutschland und Österreich, stellten ihr Repertoire aufgrund
des auftretenden Filmmangels wieder auf Variétéprogramme und „Bunte Abende“ um.
Während die privaten Theaterunternehmer im Lauf des Jahres 1915 ihr Programm den veränderten
Publikumswünschen anpassten und der „Krieg“ auf der Bühne zunehmend durch nostalgische und
märchenhafte Sujets ersetzt wurde, erfassten die staatlichen Propagandabehörden mit zunehmender
Dauer des Kriegs und einer wachsenden Kriegsmüdigkeit in der Bevölkerung die Tragweite und Bedeutung
einer „multimedialen“ Kriegspropaganda und förderten eine Reihe solcher Initiativen. Dazu zählen
etwa die großen „Kriegsausstellungen“ 1916 und 1917 im Wiener Prater, die etwa mit „Marinestücken“,
„Kinotheater“ und „Militärmusik“ im „Schützengraben“ warben. Oder die technischen Kriegsspektakel
des Zirkusdirektors Hans Stosch-Sarrasani in Dresden, Berlin und anderen deutschen Städten – wie
die monumentale U-Boot-Zirkusschlacht mit dem Titel „Torpedo-los!“, die bis September 1918 in Berlin
gezeigt wurde.
Der Vortrag versucht in vergleichender Perspektive bestimmte Formen multimedialer Kriegspropaganda
im Ersten Weltkrieg darzustellen, ihre Inhalte zu analysieren und ihre Bedeutung zu klären.
Kollegienhaus, Raum D / 13.10. / 17.15 – 17.45 Uhr
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Theater & Medien 73

Abstracts
Monika Kugemann (Erlangen)
Nach Abschluss eines Studiums der Theater- und Medienwissenschaften an der FAU Erlangen-Nürnberg
absolvierte Monika Kugemann einen Masterstudiengang in Journalismus an der Point Park University in
Pittsburgh, USA. Ihre Doktorarbeit ist Ausdruck ihres doppelten wissenschaftlichen Hintergrundes, indem
sie Journalismus und Theaterforschung verbindet. Neben der Absolvierung zweier Theaterpraktika in
Erlangen und Aalen hat Frau Kugemann in mehreren Theaterproduktionen die Verantwortung für Kostüme
und Requisiten übernommen. Während ihres Zweitstudiums veröffentlichte sie 21 Artikel für den Kulturteil
der Pittsburgh Post-Gazette. Eine Veröffentlichung ihrer Magisterarbeit zur Kostümgestaltung des Meininger
Hoftheaters wurde ihr von ihrem Betreuer zugesagt. Im Sommer 2005 entwickelte sie für Siemens in
Bangalore, Indien, ein interaktives Mitarbeiterevent mit Spielcharakter.
Theater, Kino, Zeitung, Zeitschrift – ein historischer Medienvergleich
Menschen wollen unterhalten werden. Was dem Bürgerlichen im 19. Jahrhundert das Theater, das ist
dem „Urban Dweller“ von heute das Kino. Es bietet Unterhaltung, öffnet Türen zu exotischen Welten und
ist Plattform für die Selbstdarstellung von „Stars“.
Parallel zur medialen Verschiebung des Unterhaltungsmediums Theater zum Unterhaltungsmedium Film
(Theater versteht sich heute – zumindest in Deutschland – oft als intellektueller Gegenpol zum Mainstreammedium
Film), hat sich der Diskurs über diese Medien gewandelt.
Kritik hat, neben der Bewertung von Geschmack, schauspielerischer Begabung und künstlerischer Interpretation,
die Aufgabe, Zeitgeist einzufangen. Während der Zeitungskritiker des 19. Jahrhunderts noch
eine kulturell bindende Autorität darstellte, spielt er heute eine unbedeutende Rolle im Getriebe der
Medienunternehmen. Auch der kritische Fokus hat sich im Laufe der Zeit verschoben: von der Einzelinterpretation
des Stars zur Gesamtinterpretation der Regie.
Anders als im Theater hat sich beim Film der Star-Kult des 19. Jahrhunderts erhalten und Film wird
– wie einst Theater in der Zeitung – in speziellen Magazinen als Massenunterhaltung mit besonderer
Betonung der Hauptdarsteller besprochen. In einem historischen Vergleich möchte ich Parallelen
zwischen der Bedeutung von Theater damals und Film heute, bzw. zwischen Theaterkritik damals und
Filmkritik heute herausstellen. Dazu vergleiche ich die Inszenierung des Theaterstücks „Elizabeth,
Queen of England“ (Carlo Federici) in Pittsburgh 1867 durch die italienische Starschauspielerin Adelaide
Ristori, sowie die Kritik dieser Inszenierung in der Pittsburgh Gazette, mit dem 1998 erschienenen Film
„Elizabeth“ (Shekhar Kapur) mit Cate Blanchett und dessen Besprechung in Film Journal International.
Ich hoffe durch diesen Vergleich nicht nur erstaunliche historische Parallelen aufzuzeigen, sondern auch
Anstoß zu geben zum Nachdenken über die veränderte Rolle und die Chancen von Theater in einer
medialen Welt.
Kollegienhaus, Raum D / 14.10. / 10.00 – 10.30 Uhr
74 Theater & Medien

Prof. Dr. Hajo Kurzenberger (Hildesheim)
Dr. Hajo Kurzenberger ist Professor für Theaterwissenschaft/Theaterpraxis am Institut für Medien und
Theater der Universität Hildesheim. Als Dramaturg und Regisseur war er seit 1974 in Heidelberg, Berlin,
Basel, Hamburg und Zürich tätig. Er ist Mitherausgeber der Reihe Medien und Theater (MuTh) und arbeitet
schwerpunktmäßig zum Gegenwartstheater, zur theatralen Authentizität sowie zum chorischen Theater.
Veröffentlicht hat er unter anderem: Interkulturelles Theater und Theaterpädagogik (hg. Mit Frank Matzke),
Hildesheim 1994; Authentizität als Darstellung (Hg. Mit Jan Berg), Hildesheim 1997; Praktische Theaterwissenschaft.
Spiel – Inszenierung – Text (Hg.), Hildesheim 1998; Theatertheorie szenisch – Reflexion
eines Theaterprojekts (hg. Mit Hartwin Gromes), Hildesheim 2000; TheorieTheaterPraxis (hg. Mit Annemarie
Matzke), Berlin 2004.
‚Literaturtheater’ mit der Videokamera? Zu Stefan Puchers intermedialer „Othello“-Inszenierungam
Schauspielhaus Hamburg (2005)
Zunehmend häufi ger und ästhetisch wirkungsvoller spielt das Gegenwartstheater mit der ihm von je her
inhärenten Multimedialität. Vor allem die Videokamera auf der Bühne erweitert heute die szenischen
Möglichkeiten. Sie refl ektiert dabei das Wechselverhältnis unterschiedlicher medialer Darstellungs- und
Wahrnehmungsweisen bei der szenischen Konstitution von (Bühnen)-Wirklichkeit, etwa jenes zwischen
konkreter leiblicher Präsenz der Darsteller und ihren bildelektronischen Visualisierungen. Die Frage,
wie solche Verfahren der Verbildlichung und optischen Doppelung einen klassischen dramatischen Text
weiter- und neu formulieren, soll an Stefan Puchers Hamburger „Othello“-Inszenierung gezeigt werden.
Kollegienhaus, Raum C / 14.10. / 09.30 – 10.00 Uhr
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Theater & Medien 75

Abstracts
Prof. Dr. Jean-Marc Larrue (Montréal)
Jean-Marc Larrue is joint director of the Centre de Recherche sur l’Intermédialité (CRI) at Université de
Montréal (Québec). Professor of theatre history and theory, his research mainly focuses on theatre in Quebec.
He is the author or co-author of several works on this topic: Le théâtre yiddish à Montréal (Jeu), Les
Nuits de la “Main” (VLB – with André-G. Bourassa), Le Monument inattendu (HMH-Hwurtubise), Le Théâtre
à Montréal à la fin du XIXe siècle (Fides), Théâtre au Québec – repères et perspectives (VLB - with André-
G. Bourassa and Gilbert David), Théâtre sans frontières – Theatre without Frontiers – Teatro sin fronteras
(AITU Press – with Maria S. Horne and Claude Schumacher). He is the recipient of grants from the Social
Sciences and Humanities Research Council of Canada (SSHRC) and the Fonds Québécois de Recherche
sur la Société et la Culture (FQRSC).
Revisiting Adaptation: Adaptation and the Intermedial Approach
The question of adaptation occupies more and more space in the fi eld of the theatrical refl exion and the
fi eld of the media. Two reasons can explain this interest. First, the considerable number of works which
transit from one practice to another, from one media to another – this movement is still the subject of
semiotic studies often founded on a comparative approach of the original work (source) and the adaptated
one (target). Secondly, the growing dissatisfaction caused by this type of analyses which do not
manage to account for the complexity of the processes involved.
The intermedial approach certainly permits a broader understanding of the phenomenon. By locating
the transformative process into a complex network of relationships – between agents, medias, cultural
and technological systems –, intermediality transcends the question of the simple transposition – and
a linear vision of the process – and considers adaptation as a dialogical dynamics between agents,
practices, and between what André Helbo [Signes Signes du spectacle – Des arts vivants aux médias (Bruxel-
les, P.I.E. - Peter Lang, 2006, p.34)] calls the «prototext» and the «metatext». While trying to defi ne the
complex mechanisms by which the interartistic exchanges – «interartialité» – take place, intermediality
reveals that the adaptative process is also at work within theatre itself (not only because theatre federates
different pratices – acting, mise en scène, scenography, etc. – but also because their involvement
is always changing – an actor is also his own spectator, a meteur en scène plays, etc.). This raises up a
central question: Is it possible that adaptation is in the core of any spectacular process and can it be a
key feature of the spectacular event?
Kollegienhaus, Raum C / 13.10. / 18.15 – 18.45 Uhr
76 Theater & Medien

Riva Lava (Nafplio)
Riva Lava teaches “Performing Arts & Communication” at the University of the Peloponnese (School for Theatrical
Studies) offering a theoretical approach as well as a communication lab – including radio productions
– to her students. She is a licensed Architect/Engineer with studies at the Cooper Union in New York City.
She has taught at the Pratt Institute/NY and is now a PhD candidate at the Thessaloniki University. She has
studied acting in the USA and has worked as an actress for theatre, film and TV. Ms Lava has taught drama
for children in the New York public school system. Since 1997 she is professionally engaged in the field of
communication and the mass media as a journalist, correspondent, editor-in-chief, radio producer, press officer,
speech writer, communication manager and consultant. During the organization and the staging of the
2004 Olympic Games in Athens Ms Lava worked for the dissemination and the promotion of the Games’
preparation in the international media.
She has published a series of articles, essays and texts, some of which analyze the way the media create an
image (i.e. “The Image of Greece in the US media”, HORIZON magazine, February 2000)
Telling the Story in Greece: “Empathy, Drama and Silent Facts in the Media World”
Communication is called Επικοινωνία in Greek, the condition of exchange in a worldly society; as recorded
by history, the theatre has been the way ancient Greeks developed to reach human consciousness and
to share the human condition. In all spheres, the theatre, communication and the mass media, we often
refer to roles and archetypes from the ancient gallery in order to bring ideas to the community: we
speak of a modern Medea or a father fi gure like Kreon (Antigone’s father) to fi nd a human measure for
extreme behavior; furthermore, we personalize Aiolos, the ancient Greek god of the winds, or Engelados,
the leader of the giants, to report about extreme weather or geological phenomena.
Today we witness the return of archetypes and roles as the so-called ‘lifestyle reporting’ has become a
major trend in the modern media industry. Focusing on the human being to tell the story is a well known
trait to Greeks from their theatre, the fi rst ‘mass media’ to shed light on human conduct; yet, today, it is
a trend returning through a mainly Anglo-Saxon mass media system.
Theatricality, dramatization and highly emotional aptitudes are often the means to successfully sell the
news; within this process, the message can be side-tracked, even substituted; given the circumstances
that govern the media industry, making a deep impression counts much more that telling the story. At
its best, mass media forms and nurtures a democratic society within its audiences, just as once was
the case with the theatre. Greek audiences have a born-in tendency to perceive life through drama.
But what happens when hard facts shrink and making an impression is all that matters? What is the
case today in Greek mass media? How do archetypes return to evoke empathy? Is culture spread thin
in order to make a hard sell? Do news tell the story? My presentation will discuss these points with
examples from the Greek media.
Kollegienhaus, Raum D / 15.10. / 10.30 – 11.00 Uhr
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Theater & Medien 77

Abstracts
Dr. Andy Lavender (London)
Andy Lavender is Head of Postgraduate Studies at Central School of Speech and Drama, University of London.
He is artistic director of the theatre/performance company Lightwork (www.lightwork.co.uk). Directing
credits include Here’s What I Did with My Body One Day (national tour 2006), and Forget Me Not, featuring
clown-mime, robotics, puppetry, pyrotechnics and video (London International Mime Festival, 2004). Writing
includes Hamlet in Pieces: Shakespeare Reworked by Peter Brook, Robert Lepage and Robert Wilson
(London and New York: Nick Hern Books/Continuum, 2001) and essays on contemporary multimedia
performance in Chapple and Kattenbelt (eds), Intermediality in Theatre and Performance (Amsterdam and
New York: Rodopi, 2006) and Delgado and Svich (eds), Theatre in Crisis?: Performance Manifestos for a
New Century (Manchester University Press, 2002). He is coconvenor of the New Technologies for Theatre
working group of the UK-based Theatre and Performance Research Association.
Action and Affect in Intermedial Theatre
What is a performance act in an intermedial environment? Does it always concern the activity of a performer?
What if the performer is virtual and/or hypermediated? How do actions relate to mise en scène,
the disposition of images, effects of scenographies? What is the difference between ‘effect’ and ‘affect’
in an intermedial environment? How are specifi c conjunctions of media ‘affective’? How are spectators
worked on by intermedial dramaturgies and their associated actions? This presentation considers the
relationship between action and affect in several contemporary theatre productions that draw on intermedial
techniques and strategies. Productions cited include Rouge Décanté (directed by Guy Cassiers),
SuperVision (The Builders Association, directed by Marianne Weems) and
VSPRS (Les Ballets C. de la B.,
directed by Alain Platel). The presentation looks briefl y at these instances in order to propose interconnections
between action, dramaturgy, mise en scène and affect that can be seen as both phenomenal
and cultural.
Kollegienhaus, Raum A / 14.10. / 15.00 – 15.30 Uhr
78 Theater & Medien

Dr. des. Jan Lazardzig (Berlin)
Jan Lazardzig, Dr. des., Jg. 1975; Studium der Geschichte und Theaterwissenschaft in Berlin. Wissenschaftlicher
Mitarbeiter am Institut für Theaterwissenschaft der Freien Universität Berlin und Mitarbeiter im
Sonderforschungsbereich 447 Kulturen des Performativen, Projekt A6 Theatrum Scientiarum. Promotion mit
einer Arbeit über die Theatralität frühneuzeitlicher Experimentalkultur unter dem Titel „Theatermaschine und
Festungsbau – Paradoxe Seiten der Wissensproduktion im 17. Jahrhundert“ (erscheint im Akademie-Verlag
Berlin 2007). Zusammen mit Helmar Schramm und Ludger Schwarte Herausgeber der achtbändigen,
bilingualen Reihe Theatrum Scientiarum (Walter de Gruyter Verlag). In dieser Reihe sind bisher erschienen:
„Kunstkammer, Laboratorium, Bühne“ (2003), „Cabinet, Laboratory, Theater“ (2005), „Instrumente in Kunst
und Wissenschaft“ (2006) und „Spektakuläre Experimente“ (2006).
Das Buch als Bühne –
Anmerkungen zum Mannhafften Kunstspiegel (1663) von Joseph Furttenbach
Eine kaum überschaubare Anzahl von Büchern zwischen dem 16. und 18. Jahrhundert weist sich in
ihrem Titel als dem semantischen Feld des Theaters zugehörig aus (z.B. Theatrum, Schauplatz, Spiegel).
Buch und Theater gehen hier eine bemerkenswerte Synthese ein. Dieser Beitrag soll der Frage
nachgehen, unter welchen medialen und epistemologischen Bedingungen Theater- und Buchkultur in
der Frühen Neuzeit miteinander interferieren. Warum besitzt ‚Theater’ eine solch große Attraktivität für
das Medium Buch? Was ist – andersherum gefragt – die mediale Leistung des Theaters? An einem exemplarischen
Beispiel, der letzten und umfangreichsten Schrift des Ulmer Universalarchitekten Joseph
Furttenbach d.Ä. (1591-1667), Mannhaffter Kunstspiegel, möchte ich diese Fragen vor allem mit Blick
auf konkrete Praktiken der Sammlung, Verarbeitung und Verbreitung von Wissen diskutieren.
Kollegienhaus, Raum A / 13.10. / 12.30 – 13.00 Uhr
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Theater & Medien 79

Abstracts
Heide Lazarus (Dresden)
Heide Lazarus, M. A.: Theater- und Kulturwissenschaftlerin mit Schwerpunkt Tanz. Dramaturgin, Dozentin,
Projektleiterin. Seit 1997 Beschäftigung mit interaktiven Environments u.a. durch Workshopteilnahme bei
Johannes Birringer und Jo Siamon Salich; Projektorganisation „Interaktiver Pavillon“ auf dem Altmarkt in
Dresden (2005); Jurymitarbeit zur Auswahl des CYNETart-Preisträgers 2006. Aktuelle Fragestellungen:
Möglichkeiten der Vergegenwärtigung von Vergangenheit durch interaktive Environments; Visualisierung
choreografischer Prinzipien auf CD/DVD. Auswahlbibliographie: Lebendigkeit des Computers. Das Festival
„CYNETart“ in Dresden. In: Tanzjournal 1-03, S. 45/46. „Die Akte Wigman“ mit Dokumenten der Mary
Wigman-Schule Dresden 1920-42. 2006. Beiträge im internen Gesprächsforum zur Vergegenwärtigung
von Vergangenheit durch interaktive Environments (Gespräch u.a. mit Prof. Dr. Johannes Birringer, Chair in
Drama and Performance Technologies, School of Arts an der Brunel University in West London), unveröffentlichte
Arbeitsgespräche.
Der Einfl uss von Computersoftware auf Inszenierungen –
structural settings for the theatre expirience
Technische Medien und ihre Instrumente stellen eine entscheidende Basis für das Erleben unserer
Kultur dar. Ihr instrumenteller und vermittelnder Einsatz im Tanz- und Theaterraum oszilliert zwischen
traditioneller Darstellung von Illusionsräumen und für das Publikum selbst erlebbaren Inszenierungsmodellen.
Zu letzterer Praxis gehört die Bereitstellung von „symbiotischen Räumen“, in denen Künstler
nicht ein abgeschlossenes Autoren-Werk, sondern das konzeptionelle Gerüst einer Inszenierung und
ihrer Werkzeuge – also die Einzelmedien ihrer imaginären Inszenierung – offen legen. Dabei wird das
Publikum als potentieller Reizgeber bzw. als primär aktive Komponente in das Inszenierungskonzept
integriert. Zu dieser Praxis gehört aber auch der bewusste Einsatz von generativen Prozessen und Systemen
innerhalb choreografi scher Ansätze, die eine Art Metamaschine einsetzen, um alles Vorhandene
in vollkommen zufälliger und unvorhersehbarer Art und Weise kollidieren zu lassen.
Die Refl exion dieser Praxis geschieht im theaterimmanenten Feld produktionsästhetischer Strukturen
und Darstellungsmittel. Es wird von der These ausgegangen, dass der Einsatz von Computersoftware
das inszenatorische Möglichkeitsfeld mit seinen spezifi schen Normen überzieht und somit Einfl uss auf
die Inszenierungsweise bzw. Handlungs- oder Ablaufstrukturen hat. Daraus ergibt sich die Frage, inwiefern
das Instrument Computer mit seinen medialen Ausdruckspotentialen die Stück- und Inszenierungsidee
und den künstlerischen Entstehungsprozess beeinfl usst. Dieser Frage wird im Vortrag anhand von
aktuellen Produktionen besonders aus dem Bereich des sparten- und genreübergreifenden Bewegungs-
und Tanztheaters (z.B. Jo Fabian, Georg Hobmeier, Pablo Ventura, Christian Ziegler usw.) nachgegangen.
(Vortrag zusammen mit Thomas Dumke)
Kollegienhaus, Raum C / 15.10. / 10.30 – 11.00 Uhr
80 Theater & Medien

Dieter Linck (Erlangen)
Dozent im Studiengang Darstellendes Spiel (Institut für Pädagogik und Institut für Theater- und Medienwissenschaft)
an der Friedrich-Alexander-Universität Erlangen-Nürnberg; Studiendirektor für Deutsch,
Geschichte, Sozialkunde und Darstellendes Spiel; Leiter der Grundkurse Dramatisches Gestalten; Vorsitzender
der Landesfachgruppe Darstellendes Spiel an den Gymnasien in Bayern (LDS); 2. Stellvertretender
Vorstand des Bundesverband Darstellendes Spiel (BVDS); Redaktion des „Focus“ (hrsg, vom BV DS und
der Körber-Stiftung); Referent an der Akademie für Personalführung und Lehrerfortbildung in Dillingen
(Qualifikationslehrgang Darstellendes Spiel), Künstlerische Leitung (mit Gisela Hofmann) des Internationalen
Jugendtheaterfestivals „licht.blicke.“ und Künstlerischer Leiter (Regie) der Freien Theatergruppe „theater
zwo sieben“; Veröffentlichungen in der Fachliteratur und Fachzeitschriften; u.a.: Das Drama des Spielers; in:
E. Liebau, L. Klepacki, D. Linck, A. Schroer, J. Zirfas (Hrsg.), Grundrisse des Schultheaters. Weinheim und
München 2005.
„Mediales Theater“: Schultheater und Medien
Der Vortrag will sich mit der Frage auseinandersetzen, inwieweit im Bereich des Schultheaters Medien
– hier insbesondere Video, Film und Computer – bezüglich der Produktions- und der Werkästhetik eine
besondere beziehungsweise neue Rolle im Schultheater spielen, inwieweit also die so genannte Medienwelt
– vergleichbar mit der Entwicklung im professionellen Theater – „Einzug“ in das Schultheater
und damit auch in die Bildungseinrichtungen genommen hat. Tatsächlich lässt sich am Beispiel dreier
großer, jährlich stattfi ndender Schultheaterfestivals (Exemplarische Filmbeispiele von den „Theatertagen
der bayerischen Gymnasien“, dem „Theatertreffen der Jugend in Berlin“, dem „Schultheater der
Länder“), die allesamt auf ein Bewerbungs- und Auswahlverfahren zurückgreifen, nachweisen, dass
die (Neuen) Medien in sehr unterschiedlichen Formen im Schultheater präsent sind, sehr experimentell
eingesetzt werden und zu neuen ästhetischen Formgebungen führen, so dass – bezogen auf den Bereich
Schultheater – zum Teil bereits von einem eigenen „Genre“, dem „Medialen Theater“ gesprochen
wird. Dem entspricht unter produktions- und wirkungsästhetischen Gesichtspunkten ein verändertes
Rezeptionsverhalten der Produzenten und der Konsumenten in den Bildungseinrichtungen im Umgang
mit theatralen Künsten und mit Medien.
Kollegienhaus, Raum D / 14.10. / 15.00 – 15.30 Uhr
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Theater & Medien 81

Abstracts
Dr. Swetlana Lukanitschewa (München)
Studium der Theaterwissenschaft an der Theaterakademie (GITIS) Moskau, anschließend Journalistin und
Theaterkritikerin für Moskauer Zeitungen. 1997-2001 Promotionsstudium am Institut für Theaterwissenschaft
der Ludwig-Maximilian-Universität München. 2001 Promotion zum Dr.phil. mit der Arbeit „Verfemte
Autoren. Werke von Marina Cvetaeva, Michail Bulgakov, Aleksandr Vvedenskij und Daniil Charms auf den
deutschen Bühnen der 90er Jahre“ (erschienen 2003 bei Niemeyer, Tübingen). Lehraufträge am Institut
für Theaterwissenschaft der LMU München und am Institut für Theaterwissenschaft der Universität Leipzig.
Wissenschaftliche Schwerpunkte: russisches und deutschsprachiges Theater des 19. und 20. Jahrhunderts,
europäisches Gegenwartstheater, Inszenierungsanalyse.
Die audiovisuelle ‚Realität‘ in Peter Greenaways theatralem Projekt „The Children of Uranium“
Der Vortrag widmet sich einer der neuesten multimedialen Produktionen von Peter Greenaway, dem
Projekt „The Children of Uranium“, das der britische Filmemacher und Maler im Herbst 2005 im Rahmen
des „Festival della Scienza“ in Genua realisiert hatte. Unter dem Dach der Villa Croce, die das
Museum der Modernen Kunst beherbergt und die für Greenaways Performance vollständig geräumt
wurde, brachte der Regisseur acht historische Gestalten zusammen, deren Tätigkeit direkt oder indirekt
mit Uran oder mit dem Ergebnis der Uranforschung – der Atombombe – in Verbindung gebracht werden
kann: Im unteren Geschoss residierten der Begründer der Naturwissenschaften Isaac Newton und der
‚Urvater‘ der Mormonen Joseph Smith. Den ersten Stock teilten sich der Entwickler der Relativitätstheorie
Albert Einstein, der Konstrukteur der ersten Atombombe Robert Oppenheimer, die Strahlungsforscherin
Marie Curie, zwei russische Staatsmänner – Nikita Chruschtschow und Michail Gorbatschow
– und der amtierende amerikanische Präsident George W. Bush. Jedem dieser ‚Children‘ wurde in der
Villa ein Raum zugeteilt, dessen Ambiente durch zahlreiche Requisiten, von denen einige die Identität
der entsprechenden Person näher bestimmten, andere sich als Zitate aus Greenaways Filmen oder als
Provokation par excellence rezipieren ließen, sowie durch Licht, Musik und audiovisuelle Projektionen
gestaltet wurde. Im Referat sollen die Methoden diskutiert werden, die Greenaway entwickelte, um das
Zuschauerverhalten zu steuern und um die Grenzen zwischen Theater, Film und bildender Kunst zu
sprengen. Insbesondere soll dabei auf die Rolle der audivisuellen Medien im Entstehungsprozess des
multimedialen Ereignisses eingegangen werden.
Kollegienhaus, Raum B / 14.10. / 14.30 – 15.00 Uhr
82 Theater & Medien

Prof. Dr. Peter W. Marx (Mainz)
Peter W. Marx; *1973; Promotion 2000; 2003 Berufung auf eine Juniorprofessur für Theaterwissenschaft
als Kulturwissenschaft an der Johannes Gutenberg-Universität Mainz; 2004 Gewährung eines Feodor-Lynen-
Fellowships (Alexander von Humboldt-Stiftung) für einen Forschungsaufenthalt an der Columbia University in
the City of New York (jeweils 2004-2007); jüngste Monographie Max Reinhardt. Vom bürgerlichen Theater
zur metropolitanen Kultur (2006). Publikationen: Theater und kulturelle Erinnerung. Kultursemiotische
Untersuchungen zu George Tabori, Tadeusz Kantor und Rina Yerushalmi. Mainzer Forschungen zu Drama
und Theater. 27. Tübingen: Francke, 2003; Max Reinhardt. Vom bürgerlichen Theater zur metropolitanen
Kultur. Tübingen: Francke, 2006; Gattungstheorie. Metzler Lexikon Theatertheorie. Ed. Fischer-Lichte, Erika /
Kolesch, Doris / Warstat, Matthias. Stuttgart/ Weimar: J. B. Metzler, 2005. 109-17.
Spektakel und Sensation: Theater und ‘andere Medien’ zu Beginn des 20. Jahrhunderts
Der Begriff des Spektakels – verwandt mit dem der Sensation – dient dem Diskurs des frühen 20. Jahrhunderts
als Kennzeichnung einer nicht mehr am Primat des Dramas orientierten Form des Theaters.
Beide Begriffe dienen dem theaterkritischen Diskurs des frühen 20. Jahrhunderts als Brandmarken, die
die Grenze zwischen Kunst und reiner Unterhaltung markieren. Löst man sich aber von dieser spezifi -
schen Folie, so kann man hinter der abwertenden Markierung den Hinweis für eine Offenheit des Theaters
gegenüber anderen Medien, wie, um das prominenteste Beispiel zu nennen, dem Film, erkennen.
Diese Offenheit bzw. das Verwischen der Grenzen aber war nicht allein auf das Theater beschränkt,
sondern erwuchs vielmehr aus einer Ausdifferenzierung, in deren Verlauf auch das noch junge Kino erst
seine eigene Sprache zu fi nden hatte. Der Vortrag geht bewusst auf diese Phase zurück und stellt mit
dem Begriff des Spektakels einen ebenso unscharfen wie oft auch polemischen Begriff ins Zentrum, der
aber gerade dadurch prädestiniert ist als Brennglas einer historisch differenzierenden Betrachtung zu
dienen.
Kollegienhaus, Raum A / 13.10. / 10.30 – 11.00 Uhr
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Theater & Medien 83

Abstracts
Dr. Annemarie Matzke (Berlin)
Studium der Angewandten Theaterwissenschaft in Gießen, zwischen 1997-2001 Stipendiatin am Graduiertenkolleg
„Authentizität als Darstellung“ an der Universität Hildesheim. Promotion über „Selbst-Inszenierung
im zeitgenössischen Theater“. Von 2001-2004 wissenschaftliche Mitarbeiterin am Institut für Theaterwissenschaft
der Universität Hildesheim, seit 2004 wissenschaftliche Mitarbeiterin am Institut für Theaterwissenschaft
der Freien Universität Berlin. Performance-Künstlerin bei der Gruppe SheShePop. Arbeitsschwerpunkte:
Theorie und Praxis des postdramatischen Theaters, Performance-Art, Schauspieltheorien. Neuere
Publikationen u.a.: Testen, Spielen, Tricksen Scheitern – Formen der Selbst-Inszenierung im zeitgenössischen
Theater (Hildesheim 2005); TheorieTheaterPraxis (hg. mit Hajo Kurzenberger) (Berlin 2004); Clowns
unter Beobachtung (in: Maske und Kothurn 51/4, 2005).
Living in a Box – Zur Medialität räumlicher Anordnungen
In seinem Vortrag mit dem Titel ‚Technik - eine künstlerische Notwendigkeit des modernen Theaters’
(1959) fordert Erwin Piscator, die Möglichkeiten des ‚Fernsehauges’ für das Theater zu nutzen, um
die Entfernung von Zuschauer und Bühne sowohl optisch wie auch akustisch für den ‚gegenwärtigen
Augenblick’ veränderbar zu machen. In vielen zeitgenössischen Inszenierungen wird durch den Einsatz
neuer Technologien wie die Integration von Videoprojektionen in den Bühnenentwurf nach genau jener
Veränderung der Rezeptionssituation gesucht. Durch die Gestaltung des gesamten Theaterraums und
der damit verbundenen Aufhebung der binären Opposition von Bühne und Zuschauerraum wird die
Position des Zuschauers selbst in Bewegung gebracht. So ist es nicht verwunderlich, dass beispielsweise
bei ihrer Besprechung der Inszenierung ‚Der Idiot’ (2002) von Frank Castorf viele Kritiker auf den
Begriff des ‚Totaltheaters’ zurückgreifen. In meinem Vortrag möchte ich das Verhältnis von (Bühnen-)Architektur
und Medien und die sich damit verändernden Wahrnehmungsordnungen anhand historischer
wie zeitgenössischer Beispiele untersuchen. Im Verhältnis von fi lmischem Raum und Bühnenraum,
dem Spiel mit der Off-Situation und der Übertragung fi lmischer Techniken auf die (Bühnen-)Architektur
werden Fragen der räumlichen Orientierung von Zuschauer wie Akteur aufgeworfen. Im Mittelpunkt des
Vortrags werden dabei Entwürfe stehen, die das Haus auf der Bühne und als Bühne – in Form der Box,
des Containers oder Bungalows beispielsweise in Inszenierungen von Frank Castorf, René Pollesch oder
des Performance-Kollektivs Gob Squad – als panoptischen Raum oder Peep-Show thematisieren. Die
räumliche Apparatur wird dabei selbst zum Medium von Schaulust, Zurschaustellung und Verbergen.
Kollegienhaus, Raum A / 13.10. / 12.00 – 12.30 Uhr
84 Theater & Medien

Prof. Dr. Platon Mavromoustakos (Athens)
Platon Mavromoustakos has a degree in Law (University of Athens), Postgraduate Degree and PhD in Theatre
Studies, Institut d’Etudes Théâtrales, Université de la Sorbonne Nouvelle-Paris III (1987) – supervised
by Bernard Dort and Stathis Damianakos and he is a Professor at the Department of Theatre Studies of the
University of Athens. He has collaborated with many theatres in Athens and has directed several research
projects on the history of modern Greek theatre, on the reception of Italian Opera and on ancient drama
performances in modern Greece. He is a member of the coordination committee of the European Network
of Research and Documentation of Ancient Greek Drama Performances since 1997. From 1984 over 150
of his articles, essays or critics were published in Greece and other countries. He has published or edited
several books and he is general editor of Moliere’s Complete Works in Greek. His most recent book Theatre
in Greece 1940-2000. A survey, has been published in 2005.
Observing Birds: Media and the Documentation of the Performance History of Ancient Drama
Documenting performances of ancient Greek drama is part of the research project of the European Net-
work of Research and Documentation of Performances of Ancient Greek Drama that has been created
since 1997. All kind of different media play an important role in the documentation processes. As every
theatre scholar knows, the relationship between media and the original performance is a problematic
one. Using as a signifi cant example the famous performance of Aristophanes‘ Birds by Karolos Koun the
paper will comment on the various aspects and the various materials to be used in reconstructing and
understanding this performance.
The performance of the Birds is one of the most important for Greek theatre practice: premiered in
1959 it created a scandal. Considered as a blasphemous performance it was prohibited, remodelled in
part and staged again in 1961. Since then it has been the trade mark of the Art Theatre, the group of
Karolos Koun, and has been revived at many occasions. This performance, with which Koun even toured
around Europe, became the clearest example of his attempts to renew the approaches towards the staging
of ancient drama in Greece.
A huge amount of criticism has been written on this performance from 1959 to 1998, which was the
year of its most recent revival. Documents that are possible to accede include: scenographic material,
photographic, audio and video material, prompt books and draft sketches and notes of the different artists
involved in the production. This amount of material is used in the preparation of a DVD that is part
of the research work of the Greek group of the Network and reveals several aspects concerning this
performance that have not been explored up to now.
Kollegienhaus, Raum B / 14.10. / 11.30 – 12.00 Uhr
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Theater & Medien 85

Abstracts
Dr. Kara McKechnie (Leeds)
Dr Kara McKechnie is a Scottish-German hybrid. She is Programme Manager for the BA (Hons) in Theatre
Dramaturgy at the University of Leeds. Her current research focuses on adaptation and interdisciplinarity,
popular culture and especially on British television drama. Her monograph on Alan Bennett’s works for
television will be published by Manchester University Press in 2007 (Alan ( Bennett
, The Television Series,
MUP 2007). Kara has also published on the British history film, with chapters in Retrovisions (Cartmell et al,
eds; Pluto 2001) and British Historical Cinema (Monk and Sargeant, eds; Routledge 2002) and contributed
to the Dictionary of Literary Biography (2005) and the Encyclopaedia of British Film (2004). Kara also has a
professional background in theatre and opera, and works as a freelance dramaturg and translator.
The Turn of the Screw: Low-tech Approaches.
The Dramaturgy of a Stage Adaptation from Multiple Sources
This paper will document a recent experiment in interdisciplinary adaptation for the stage, The Turn of
the Screw by Henry James (1897). The production in March 2006 drew from three sources: the novel
by Henry James, the opera by Benjamin Britten (1954), and a fi lm adaptation, The Innocents, by Jack
Clayton (1961).
The relationship of a source text and its adaptation is not normally a linear one that strives to ‘improve’
on the original, and thus moves further away from it. A literary adaptation generally gives more importance
to the ‘original’ than to subsequent adaptations. In this production, however, parity was given to
the source and two of its previous adaptations. Their infl uence was mainly dramaturgical: not much of
the dialogue from the novel was brought into the stage adaptation, Britten’s music was not included,
and fi lm clips (taken directly from or inspired by the Clayton fi lm adaptation) were not a feature. However,
narrative choices, decisions, atmospheric qualities and dramaturgical structure leant heavily on the
options the three versions would offer.
One very specifi c choice of this production was that of doubling all characters. Again, this is not preceded
in any previous version, but other media, such as fi lm, have more technically sophisticated means
to convey ambiguity. On stage, it was felt that a character could have an expressive subconscious
through being doubled up, or alternated at crucial moments.
This production stands in contrast to theatre that includes media, such as live feed, fi lm inserts, interactive
performance etc. – it is decidedly low-tech, but tries to fi nd means of expression suitable for the
stage, but still related to the media conventions it was inspired by.
The paper will focus on the dramaturgical process of constructing a narrative ‘skeleton’, and the process
of rehearsal, during which the scenes were devised, referring back to the three source texts.
The presentation will include excerpts from documentary footage fi lmed during rehearsals and performance.
Kollegienhaus, Raum D / 13.10. / 12.00 – 12.30 Uhr
86 Theater & Medien

Drs. Sigrid Merx (Utrecht)
Sigrid Merx is junior assistant professor in theatre and media studies at Utrecht University. She is finishing a
PhD on theatre and technology, specifically focusing on the influence of the use of video technology on the
representation of time. She is also participating in the research program ‘New Theatricality’ of the Theatre
Academy Maastricht. As a dramaturg and a playwright she is active in theatre practice and teaching practical
courses on dramaturgy and writing for theatre.
Contemporary Intermedial Theatre Practice: Viewed in the Light of the Early French Film Debate
In my lecture I would like to focus on the French fi lm debate in the twenties of the 20 th century. Choosing
this debate as a means to understand and analyze contemporary theatre performances, I advocate
a renewed study of the historical avant-garde in the light of the present intermedial theatre practice.
One of the topics of discussion was the possibility of a non-dramatic cinema. Various fi lm practitioners
and critics envisioned a subjective lyrical cinema which would break through the dominant classical
narrative code in fi lm practice. Some argued that the ontology of cinema (photogenie – transforming
reality by showing it) automatically led to a subjective cinema, others focused on the cinematographic
techniques that should be used to make such a cinema possible (close-up, cross-cutting). In my lecture
I argue that this early fi lm debate could offer insights which will help to contextualize and analyze the
work of the contemporary Flemish director Guy Cassiers, especially his use of (live) video in the live
performance.
The ways Cassiers puts video to use in his performances strongly resembles the concept of the subjective
cinema as it was envisioned in the fi lm debate. Cassiers uses video and cinematographic techniques
to represent a lyrical world of memories, sensory experiences and refl ections.
Kollegienhaus, Raum A / 14.10. / 14.30 – 15.00 Uhr
M
Theater & Medien 87

Abstracts
Dr. Daniel Meyer-Dinkgräfe (Aberystwyth)
Daniel Meyer-Dinkgräfe studierte Englisch und Philosophie an der Universität Düsseldorf, absolvierte sein
Referendariat für das Lehramt für die Sekundarstufe II in Krefeld, arbeitete als Geschäftsführer einer Computersoftware-Firma,
lehrte Literatur und Philosophie in Norwegen (1989-91) und Deutsch an verschiedenen
Sprachschulen in London. 1994 Promotion (Ph.D.) am Department of Drama, Theatre and Media Arts,
Royal Holloway, University of London. Seine Dissertation zum Thema Consciousness and the Actor erschien
bei Peter Lang, 1996. Seit 1994 Lecturer (seit 2006 Senior Lecturer) am Department of Theatre, Film
and Television Studies, University of Wales Aberystwyth. Für Routledge gab er Who’s Who in Contemporary
World Theatre heraus und veröffentlichte Approaches to Acting, Past and Present bei Continuum. Zahlreiche
Veröffenlichungen hat er auf seinem Spezialgebiet, der Beziehung von Bewusstsein und Theater, nachzuweisen,
insbesondere Theatre and Consciousness: Explanatory Scope and Future Potential (Intellect, 2005). Er
ist Gründer und Herausgeber der Internetzeitschrift Consciousness, Literature and the Arts (http://www.aber.
ac.uk/cla).
Theater, Medien und Bewusstsein
Seit ungefähr 20 Jahren befassen sich Wissenschaftler der Fachrichtungen Philosophie, Psychologie,
Neurowissenschaften und Physik in zunehmenden Maße sowohl inner- als auch interdisziplinär mit der
Erforschung des menschlichen Bewusstseins. Kernfragen sind dabei allgemein – „was ist Bewusstsein“
– oder sehr spezifi sch, wenn es etwa um die Erforschung von Wahrnehmungsvorgängen geht. Die
Erkenntnisse der Bewusstseinsforschung fi nden zunehmend in den Geistes- und Kulturwissenschaften
Anwendung. Im Bereich der Theaterwissenschaft helfen diese Erkenntnisse, Erfahrungen sinnvoll zu
erklären, die Figuren in Theaterstücken machen, die Theatermacher als Ideale darstellen, oder die das
Publikum ins Theater locken. Bisherige Veröffentlichungen zum Thema „Theater und Bewusstsein“
zeigen, dass, und wie, Theater ein Mittel der Bewusstseinsveränderung sein kann. Dabei liegen die
Hauptaugenmerke auf dem Dramentext und der Kunst des Schauspielers, gefolgt von Forschung zu der
Beziehung von Bühne und Publikum.
In diesem Kontext setzt der Vortrag „Theater, Medien und Bewusstsein“ sich zur Aufgabe, auf der
Grundlage einer klaren Defi nition von „Bewusstsein“ die spezifi schen Funktionen von Medien im Theater
herauszuarbeiten und deren Veränderungs- und Erweiterungspotential darzustellen. Dabei bezieht sich
der Medienbegriff nicht nur auf Medien, die auf die Sinne von Sehen und Hören einwirken, sondern darüberhinaus
auch auf die Geruchs- und Tastsinne.
Kollegienhaus, Raum A / 13.10. / 18.15 – 18.45 Uhr
88 Theater & Medien

Dr. Bianca Michaels (Karlsruhe)
Studium der Theaterwissenschaft, Musikwissenschaft und Deutschen Philologie in Erlangen, Mainz, Wien
und Stanford (USA); 2002-2004 Promotionsstipendium der Studienstiftung des deutschen Volkes; 2003
Visiting Scholar an der University of Chicago, Forschungsreisen nach New York, Houston, San Francisco.
Promotion über das Thema „Musik – Fernsehen – Video: Amerikanische Oper im Medienzeitalter“ an der
Universiteit van Amsterdam. Vorträge zum Thema Musiktheater und audiovisuelle Medien auf internationalen
Kongressen u.a. in Amsterdam, Dresden, Portsmouth und St. Petersburg.
Seit 2002 Lehraufträge am Institut für Theaterwissenschaft der Universität Mainz, seit 2005 Dozentin
an der Universität Karlsruhe. Ebenfalls seit 2002 Projektarbeit für die Camerata Nuova e.V., Leitung des
Forschungsprojekts „Dialog zwischen Bühne und Publikum – Neue Kommunikationsformen zur Kulturvermittlung“;
seit September 2005 zudem Leitung des Managements des Vocalesensembles Rastatt und des
Ensembles Les Favorites.
Theatersoap und Talkshow-Oper. Zwischen Theater im Fernsehformat und Fernsehen als
theatralem Ereignis
Fernsehen fungiert heute als bedeutender kultureller Kontext und Bezugspunkt unserer Weltwahrnehmung.
Gerade anhand von neueren Entwicklungstendenzen im Theater zeigt sich deutlich, inwiefern das
Fernsehen, welches nach Philipp Auslander auch im Zeitalter digitaler Medien noch immer als Leitmedium
bezeichnet werden kann, nicht nur in unserer Wahrnehmung ganz allgemein, sondern gerade auch
im Theater deutliche Spuren hinterlässt.
Phänomene wie die Talkshow-Oper oder die sogenannten Theatersoaps, die Fernsehformate explizit auf
die Theaterbühne übertragen, können als Beispiele für die Hybridisierungstendenzen der Produktionswie
auch Rezeptionskonventionen von Theater und Fernsehen betrachtet werden. Während sie die Ubiquität
audiovisueller Medien als Referenzrahmen verdeutlichen, provozieren und erneuern sie zugleich
auch dramaturgische und mediale Konventionen des Theaters. Anhand von ausgewählten Beispielen
wie John Jesuruns Chang in a void moon, der Heidelberger Theatersoap Friedrichstraße und Mikel
Rouse’s Talkshow-Oper Dennis Cleveland wird untersucht, wie die Produktionen die an den medialen
Rahmen des (Musik-)Theaters geknüpften Erwartungshaltungen mit Wahrnehmungskonventionen des
Fernsehens in Beziehung setzen. Die genannten Produktionen, die hierbei immer auch Fragen der kulturellen
Zuordnung aufwerfen, verhandeln kulturelle Prozesse und Medien, die gerade im Spannungsfeld
zwischen Theater im Fernsehformat und Fernsehen als theatralem Ereignis besonders deutlich zum
Vorschein kommen.
Im Mittelpunkt steht deshalb weniger die Frage, wie technische Mittel auf der Bühne eingesetzt werden
als vielmehr die, wie in den genannten Produktionen das Verhältnis zwischen Theater und audiovisuellen
Medien, zwischen ihren jeweiligen medialen Bedingungen und Rezeptionsgewohnheiten verhandelt
werden.
Kollegienhaus, Raum B / 14.10. / 09.30 – 10.00 Uhr
M
Theater & Medien 89

Abstracts
Dr. Pantelis Michelakis (Bristol)
Pantelis Michelakis is Lecturer in Classics at the University of Bristol. He is the author of Achilles in Greek
Tragedy (CUP, 2002) and Euripides‘ Iphigenia at Aulis (Duckworth, 2006), and co-editor of Homer, Tragedy
and Beyond (SPHS, 2001) and Agamemnon in Performance, 456 BC - AD 2003 (OUP, 2005). He is
currently working on a book on the reception of Greek tragedy in cinema.
Early Film Adaptations of Greek Tragedy: Cinema, Theatre, Photography
More than twenty-fi ve fi lms of Greek tragedy were made during the three decades of silent cinema,
ranging from documentaries of stage performances to ambitious reworkings of the original plays for the
new medium. Many of these fi lms are now lost but those that have survived, together with production
stills, posters and other ephemera, testify to a fascinating but hitherto neglected chapter in the history
of early cinema. In this paper I will focus on one of the now lost silent fi lms on Oedipus, La légende
d’Oedipe (1912), which starred the French stage actor Jean Mounet-Sully. Today it may be conceptually
diffi cult to imagine a silent and melodramatic version of Sophocles’ play thought to pose a threat to the
morality of cinema audiences around the world. However in the early twentieth century it was such a
version of Oedipus that rivalled stage productions of the play and was seen by thousands not only in
France but also across Europe and USA. Revisiting such a fi lm prompts refl ection on the early cinema’s
fl irting with respected fi elds of cultural production, especially theatre, but also on the nature of the
aesthetics of Greek tragedy. Tragedy appeals to the imagination of the audience to create images in the
mind whereas silent cinema realises these images on screen for the spectator. Converting words into
images is a complex process of interpretation which demands its own careful reading. My discussion
will centre around a production still which displays with shocking realism the hanging body of Jocasta:
showing what should not be seen, what prompts Oedipus to blind himself and what is never enacted on
stage in Sophocles’ play, the still was central to the publicity campaign of the fi lm. However, the scene
to which the still refers was censored and could not be shown either. Photography provides an alternative
way of seeing and a different ‘take’ at the regulatory mechanisms of early cinema and the aesthetic
possibilities of Greek theatre.
Kollegienhaus, Raum B / 14.10. / 12.00 – 12.30 Uhr
90 Theater & Medien

Dr. Nikolaus Müller-Schöll (Bochum)
Nikolaus Müller-Schöll ist derzeit Wissenschaftlicher Assistent am Institut für Theaterwissenschaft der Ruhr-
Universität Bochum. Studium in Avignon, Hamburg, Baltimore. Promotion in Frankfurt/M. bei Hans-Thies
Lehmann mit der Arbeit: Das Theater des „konstruktiven Defaitismus“. Lektüren zur Theorie eines Theaters
der A-Identität bei Walter Benjamin, Bertolt Brecht und Heiner Müller. (1998, veröffentlicht bei Stroemfeld,
Frankfurt/M. und Basel 2002). Danach Arbeit als freier Dramaturg, Übersetzer, Wissenschaftsjournalist und
Kritiker. 1996-2000 DAAD-Lektor an der ENS, Paris. 2000-2002 Postdoc im Graduiertenkolleg „Zeiterfahrung
und ästhetische Wahrnehmung“, Frankfurt/M. 2002/2003 Stipendiat der MSH, Paris, mit einem
Forschungsprojekt am Theaterwissenschaftlichen Institut der Universität Paris X, Nanterre.
Letzte Buchpublikation: Hg. zus. mit Joachim Gerstmeier: Politik der Vorstellung. Theater und Theorie.
Berlin 2006. Bibliographie zum Thema: Das Theater des konstruktiven Defaitismus (s.o.), insb. S. 73-106;
Im Zeichen der Teilung. Golonkas An Antigone und von Triers Dogville. In: Kruschkova, Krassimira (Hg.):
Ob?scene. Zur Präsenz der Absenz im zeitgenössischen Tanz, Theater und Film, Wien 2005, S. 143-161;
Gestensammlung und Panoptikum. Zur Messianizität in Heiner Müllers „Bildbeschreibung“. In: Haß, Ulrike:
Heiner Müller Bildbeschreibung. Ende der Vorstellung. Berlin 2005, S. 144-157.
(Un-)Glauben. Das Spiel mit der Illusion
Ausgehend von der These, dass technische Mittel in der Vergangenheit vor allem eingesetzt worden seien,
um die Illusionsmöglichkeiten des Theaters zu optimieren (Kongress-Exposé, Sektion 3), möchte ich
in meinem Vortrag der Hypothese nachgehen, dass dies in gegenwärtigen Darstellungsformen (Theater,
Performance, Tanz, aber auch in bestimmten Filmen) nicht mehr, zumindest nicht mehr in erster Linie
der Fall ist. Hier dient vielmehr der Einsatz von Medien häufi g der Unterbrechung der Illusion oder aber
dem Spiel mit ihr. Wir entdecken über ein Bild im Bild, bzw. über die Video-Aufnahme im Theater oder
die nachgeahmte Filmhandlung auf der Bühne jenen Rahmen, den wir vergessen müssten, sollte die
perfekte Illusion gelingen. Damit ist nun freilich nicht länger die Absicht verbunden, uns durchgängig
auf Distanz vom Geschehen zu halten. Vielmehr könnte man in vielen Formen eines nach-brechtischen
Theaters davon sprechen, dass hier auf Distanz zur Distanz gegangen wird. An die Stelle des Postulats
der Aufl ösung der Illusion tritt das überlegte Spiel oder das forschende Experiment mit ihr: In den Mittelpunkt
des Interesses tritt, wieviel Glauben an das Dargestellte man braucht, um eine Illusion herzustellen
und wie sich diese Illusion dann wieder brechen lässt. Illusion erscheint letztendlich niemals ganz
vermeidbar, aber auch niemals ganz perfektionierbar. Die Betrachtung einiger gegenwärtiger Beispiele
(z.B. Walid Ra TM ad, Grace Ellen Barkey, The Wooster Group, Rimini Protokoll, Frank Castorf) soll durch einen
kurzen Problemabriss ergänzt werden, in dem ich ausgehend von den unterschiedlichen Haltungen
zur Illusion im Frankreich des 17. Jh., von den philosophischen Debatten in Deutschland um 1800, von
den unterschiedlichen Theorien Brechts und von nach-brechtischen theoretischen wie dramatischen
Positionen einige Thesen zu Anfang und Enden der Illusion aufstellen werde.
Kollegienhaus, Raum C / 14.10. / 10.00 – 10.30 Uhr
M
Theater & Medien 91

Abstracts
Prof. Dr. Robin Nelson (Manchester)
Robin Nelson is Professor of Theatre and TV Drama at Manchester Metropolitan University (England). His
books on television are Boys from the Blackstuff: the Making of TV Drama (London: Comedia/ Routledge,
1986) and TV Drama in Transition (London: Macmillan, 1997) and his essays are published widely in edited
collections. He has published on media and contemporary performance topics in international journals such
as Performance Research, Modern Drama, Studies in Theatre & Performance and Media, Culture and Society.
Prof. Nelson is senior editor of the journal Critical Studies in Television and his latest monograph, State
of Play: contemporary „high-end“ TV drama will be published by Manchester University Press in 2007.
Double-jointed: Implications of Virtual and Bodily Encounters in Contemporary Performance
This paper begins with two apparently contradictory tendencies in contemporary performance, the one
towards foregrounding corporeal encounters (embodiments) and the other towards virtual engagements/
effacements (disembodiments). Taking specifi c examples to make comparisons, it questions whether the
disposition to blur boundaries in contemporary discourse about the performer-“experiencer”-relationship,
actually collapses meaningful distinctions between one kind of theatre experience and another.
For example, the digital internal dance project dads (David Corbet and Simon Ellis) purports to afford ‘an
opportunity for viewers to breathe life into “static” embodied images: to make them move to contribute
to their liveness, and to imagine performativity inbetween (sic) sic) sic traditional theatrical contexts’ (e-mail
listing 02 August), when the engagement is physically constrained from hand to mouse. The programme
notes to Felix Ruckert’s Ring (The Place, 2002) deploy a similar discourse stating that, though cho-
reographed by Ruckert, the work is, nevertheless, ‘an interactive dance piece which breaks the usual
boundaries between performers and audience, as audience participation is an integral part of the work‘
(London, 2002). Like dads, Ring also makes an enigmatic proposal to would-be participants: ‘Imagine
being whispered to, cradled, stroked by someone you’ve only just met. Could you reach a degree of
trust that allows you to listen to a stranger’s heartbeat?’ For Ring, unlike dads, offers – at least to those
participants in the inner circle – an actual bodily encounter.
The aim of this paper is to prise open the discourse and practices of actual and virtual performances
which make similar claims about the nature of the participation when there would appear to be a prima
facie difference between the experience each offers. It will also bring out, and question, the implicit
democratic politics of work in which there has been, as Caughie observes, ‘a fundamental shift of attention
– and of political faith – from the text to the audience [such that] it is in consumption rather than in
the text that originality and creativity are to be found’ (2000: 232).
Kollegienhaus, Raum C / 13.10. / 11.30 – 12.00 Uhr
92 Theater & Medien

Klaus Obermaier (Wien)
Der in Linz geborene Medienkünstler, Komponist und Regisseur Klaus Obermaier studierte Musik an der
Universität für Musik und darstellende Kunst in Wien und Malerei an der Kunsthochschule Linz. Er arbeitet
seit Ende der 80er-Jahre an der Verbindung von Musik und visuellen Medien, seit 1991 mit interaktiven
Medien. Seine intermedialen Performances, Kompositionen und Installationen werden weltweit gezeigt.
Seit 2006 unterrichtet er „new media in stage performances“ als Gastprofessor an der Universität IUAV in
Venedig. www.exile.at
Interaktive Tanz-, Musik- und Theaterperformances. Überblick über 15 Jahre intermediale
Praxis
Seit 1991 arbeite ich mit Neuen Medien in Tanz-, Musik- und Theaterperformances. Dieser Vortrag zeigt
die Entwicklung dieser Arbeiten aus künstlerischer, technologischer und auch aus organisatorischer
Sicht. So entstanden erste Arbeiten aus der Zusammenarbeit von unabhängig agierenden Künstlern und
Entwicklern. Größere Produktionen sind jedoch meist nur in Kooperation mit institutionellen Organisationen,
wie dem „Ars Electronica Futurelab“, zu verwirklichen.
In künstlerischer, wie auch in technologischer Hinsicht zeigt sich vor allem auch die Bedeutung spezifi -
scher Setdesigns, um Performer und Neue Medien zu integrieren.
Markgrafentheater / 14.10. / 20.00 – 21.30 Uhr
N / O
Theater & Medien 93

Abstracts
Deidre Onishi (Madison, WI)
Deidre Onishi received a M.Phill. in Comparative Literature from Columbia University in New York and is
finishing a dissertation entitled “Creative Restrictions: Acting Paradigms for Beckett’s Later Plays” for the
University of Wisconsin-Madison. Onishi has taught theater, movement and film courses for Ching I College
in Taiwan, Shukugawa College and Doshisha Junior College in Japan, Columbia University, Elmira College
and Colby College in the United States. While earning an MA in Asian Theater at the University of Hawaii,
Onishi composed several orchestrations for Western and Eastern style stage productions. In Japan, Onishi
studied kyogen with Shigeyama Sennojo and was his assistant director for productions of his original
Japanese operas in Australia and the United States. Onishi also performed with Munakata’s Noh Shakespe-
are Group and NOHO Theatre Group, for which she directed a stage production of Beckett’s “Nacht “ und
Träume”. Most recently, she performed the role of Hanaman with the University of Wisconsin’s Javanese
Dance Ensemble. She is currently developing a theater program for the Czech International Music Camp for
Youth in Horni Jeleni.
‘Nacht und Träume‘: Transversing the Boundaries of Written and Recorded Media
Film adaptations of stories cover the marques and music inspired by text fi lls concert halls with little
notice of the effect on the original idea caused by the move from one medium to another. Usually, the
storyline or the characters, or merely the sentiment motivates the restatement of the original idea; and
in doing so, frequently dilutes the impact of the original. Given this situation, it may be concluded that
ideas can be nothing more than inspiration; that no idea can remain intact as it moves from written to
visual and aural media. This presentation will question this conclusion through examining one striking
exception: the metamorphosis of Matthaus von Collin’s poem ”Nacht ” und Träume“, from written word
to a Schubert Lied to a Beckett television piece to a Joseph Chaikin stage production. The eight-lines
of poetry about a man dreaming became a haunting Lied as Franz Schubert reconstructed the classical
song form by replacing the dramatic emotional shifts with pungent, sparse chromatics unfolding in an
intently controlled Largo tempo. In Samuel Beckett’s hands, ”Nacht ” und Träume“ emerged as a televisi-
on “minicule” in which silent fi lm techniques create disquieting images depicting the visible harsh exteriority
and the soft private interiority. Chaikin’s production of Beckett’s play demanded that the action on
stage move in imitation of the television performance, inverting the hierarchy of live performance over
recorded. In each case, the artist avoided destroying the idea by refusing to conform to the conventions
of the media. ”Nacht ” und Träume“, then, became a vehicle through which the artist expanded the com-
positional and technical possibilities of the media, and in doing so, reinvested von Collin’s original image
of a moment when a man exists between reality and a dream with a timeless haunting power to engage
audiences.
Kollegienhaus, Raum D / 13.10. / 09.30 – 10.00 Uhr
94 Theater & Medien

Dr. Katharina Pewny (Hamburg)
Dr. Katharina Pewny, 1989/90 tätig als Dramaturgin am Dramatischen Zentrum und Drachengase 2 Theater
(Wien), Studium der Theater-, Film- und Medienwissenschaften an der Universität Wien, 1999 Promotion
zu Genderkonstruktionen in der zeitgenössischen Dramatik, seitdem als Universitätsdozentin an verschiedenen
Universitäten tätig. 2002 Visiting Fellow am Institute for Human Sciences (Boston/Wien), 2001-2003
Durchführung eines EU-Projektes an der Universität Wien, 2003-2006 Durchführung eines Forschungsprojekts
im Auftrag der österr. Akademie der Wissenschaften, 2004 Lehre und Forschung am Department for
Theatre, Film and Television an der University of California/ Los Angeles, 2005/06 Gastwissenschaftlerin am
Graduiertenkolleg Körper-Inszenierungen (FU Berlin). Derzeit Arbeit an der Habilitationsschrift zum Thema
Performing the Precarious. Theorizing and Analyzing the Performing Arts in the New Millennium und wissenschaftliche
Mitarbeiterin an der Universität Hamburg.
Buchpublikation u. A.: Ihre Welt bedeuten. Feminismus – Theater – Repräsentation.
MEDIAL REAL? Funktion und Einsatz von Medien in den zeitgenössischen performativen
Künsten
Dieser Vortrag fragt nach dem Einsatz von Medien in Aufführungen aus den Bereichen Theater, Tanz und
Performance Art, die politische und soziale Phänomene thematisieren. Im Hintergrund der Überlegungen
steht die ästhetische Praxis der frühen performativen Künste (siehe die Arbeiten von Günter Brus, Valie
Export und Gina Pane), politische Botschaften mittels des Einsatzes des Körpers (und seiner Verletzungen
durch Schnitte, Schüsse und Stiche) zu zeigen: Der Einsatz von Körpern (in der auch „Body Art“
genannten Performancekunst) war eine Brücke von individuellen Erfahrungen und gesellschaftlichen
Strukturen, er fungierte als Träger von Realität zur Herstellung des performativen „Hier und Jetzt“.
Spätestens seit Philip Auslanders Studie zur Medialisierung von „Liveness“ (1999) werden theatrale
Ästhetiken als medialisiert verstanden. So stellen „Liveness“ und Medialität, körperliche Präsenz und
Virtualität weder in wissenschaftlichen Diskursen noch in künstlerischen Praktiken mehr Gegensatzpaare
dar. Im Gegenteil praktizieren die performativen Künste oft eine Melange von Präsenz, Absenz,
Medialität und „Liveness“.
Wie aber werden Medien in aktuellen Aufführungen, die soziale und politische Phänomene thematisieren,
konkret eingesetzt, und welche Funktionen haben sie dort? Haben Medien in den performativen
Künsten der Jahrtausendwende die Funktion übernommen, die (Verbindung zur) Realität herzustellen?
Werden theatrale Figuren, ihre Bewegungen und Hintergründe durch den Einsatz von Medien als real
und damit als gegenwärtig ausgewiesen? Übernehmen Medien in der Herstellung von Geschichten,
Zeiten und Orten die Funktionen anderer theatraler Zeichensysteme (Bühne, Schauspieler, Körper, Sprache)?
Diese Fragen werden anhand von Dea Lohers Die Schere (2004), Emre Koyuncuoglus Home sweet
home (2004 und 2006), Jochen Rollers
Perform performing (2004f), Barbara Kraus’ Wer will, kann
kommen (1999) und Rimini Protokolls
Sabenation (2004) diskutiert.
Kollegienhaus, Raum C / 13.10. / 10.30 – 11.00 Uhr
O / P
Theater & Medien 95

Abstracts
Ruth Prangen (Köln)
Geb. 1969. Hochschulstudien: 1990-1994: Akademie der Bildenden Künste Wien, Meisterklasse für Bühnengestaltung.
Diplom 1994. 1994-1997: Zusatzstudium für Postgraduierte an der Kunsthochschule für
Medien Köln; Fachbereich: elektronische Szenografie, Diplom 1997. Stipendien: Meisterschulpreis 1994,
Akademie der Bildenden Künste. 1997-98 Stipendiatin des DFJW: Studienaufenthalt am Conservatoire des
Arts et Métiers Paris sowie Freies Künstlerstipendium Paris.
Beruf: 1999-2001: angestellt bei der Oper Bonn, Bühnen der Stadt Köln, WDR Köln. Seit 2001 selbständig,
2002: Gründung des Entwurfbüros „atelier 4D“. Auftragsarbeiten in den Bereichen: Theater-, Film-,
Video-, Kostüm-, Event- und Ausstellungsgestaltung sowie freie eigene künstlerische Arbeiten im Bereich
Installation/ Performance und Lehrtätigkeiten, siehe www.atelier-4D.de. Vorträge und Workshops im Bereich
Szenografie: 2006: FH Graz, FH Dortmund. Veröffentlichung/Interview im Heft “kunstkontext”, Verlag Buchhandlung
Walter König. 2005: FH Darmstadt. 2003: Universität Bielefeld. 2002: FH Hannover. 2001: J.-G.
Universität Mainz.
Raumbilder & Bildräume
„Kino ist das Zeitalter der Maschine. Theater ist das Zeitalter des Pferdes. Sie werden sich nie verstehen,
was übrigens wünschenswert ist, denn die Mischung ist bedauerlich“. Fernand Léger, 1931.
In meinem Arbeitsbereich der „elektronischen Szenografi en“ geht es um die Gestaltung von „Raumbildern
& Bildräumen“ durch Neue Medien: die sinnliche Verquickung des (Theater-)Raums mit Reproduktions-
und Simulationstechniken vom Lumièreschen Kinematographen bis zur virtuellen Realität.
Versteht man Theater & Film nicht nur als Möglichkeitsräume, sondern als perspektivische Bildsphären,
wird klar, dass es um mehr geht als nur ästhetisch-bewusste Illusionen.
Lässt sich diese Beobachtung in Verbindung bringen mit der Oberfl ächlichkeit der (Kino)leinwand oder
des Computerbildschirmes einerseits und der Tiefe der Theaterbühne andererseits? Ich denke schon,
denn den Vorgang der Perspektive, d.h. den Erkenntnisprozess der „Durchsehnung“, hat das „perfekte
Verbrechen“ bzw. die virtuelle Hyper-Realität aus den Augen verloren und Albertis „aperta fi nestra“ wird
durch Computergrafi ken und Neue Medien all zu oft verhängt. Die Geometrie des Bildes kreist affi rmativ
oder als anamorphotische Dekonstruktion um den perspektivischen Raum. In meinem Projekt „Perspective
Case“ (entworfen zum Theaterstück „König Richard II“ v. Shakespeare), das eine in Echtzeit steuerbare
Virtual-Reality-Anwendung ist und mit Anamorphosen spielt, sind meine Ausgangsfragen: wird der
perspektivische Raum vom Computer als n-dimensionales System überwunden, oder schreibt er sich
in der Software fort? Fragen der historischen wie digitalen Berechenbarkeit von Bildräumen (etwa die
damit implizierte Umkehrung der Perspektive als Messverfahren) werden aus verschiedener Perspektive
diskutiert und beantwortet.
Kollegienhaus, Raum D / 14.10. / 12.30 – 13.00 Uhr
96 Theater & Medien

Dr. Patrick Primavesi (Frankfurt/M.)
Dr. Patrick Primavesi arbeitet derzeit als wissenschaftlicher Assistent am Institut für Theater-, Film- und
Medienwissenschaft der Johann Wolfgang Goethe-Universität Frankfurt/M. Dort seit 2002 (mit Hans-Thies
Lehmann) Aufbau und Leitung des Masterstudiengangs Dramaturgie im Rahmen der Hessischen Theaterakademie.
Dissertation: „Kommentar, Übersetzung und Theater in Walter Benjamins frühen Schriften“,
Frankfurt/M. 1998. Lehrtätigkeit in Mainz und Frankfurt sowie bei einer Gastdozentur in Kerala/Südindien.
Stipendien am Graduiertenkolleg „Theater als Paradigma der Moderne“ (Mainz) und als Postdoktorand am
Gk „Zeiterfahrung und ästhetische Wahrnehmung“ (Frankfurt/M.). Forschungsschwerpunkte außer dem
Werk von Walter Benjamin, Bertolt Brecht und Heiner Müller gegenwärtige Theaterformen sowie Drama und
Theater um 1800.
Neuere Veröffentlichungen zum Kongress-Thema: „Orte und Strategien postdramatischer Theaterformen“,
in: Text + Kritik, Schwerpunkt „Theater fürs 21. Jahrhundert“, hg. v. Heinz-Ludwig Arnold, München 2004;
„Beute-Stadt. Heterotopien des Theaters bei René Pollesch“, in: The Brecht Yearbook 29, 2004; „Stimme
± Körper. Interferenzen zwischen Theater und Performance“, in: Performance, hg. von Gabriele Klein,
Bielefeld 2005.
Durchquerungen. Neue Medien und Theaterformen nach Brecht
Allen Visionen vom Verschwinden des Subjekts in den Neuen Medien entgegen ist das Individuum stets
präsent: als Anhang vielfältiger Benutzeroberfl ächen, unverzichtbar für den Test von Programm-Anwendungen.
Jeder soll überall zum Produzenten werden, wenn Kamera, Monitor und Tonstudio im Mobiltelefon
Platz fi nden, mit dem man sich und seine Umgebung abspeichern und versenden kann.
Kein Wunder, dass auch die Arbeit an neuen Theaterformen immer beiläufi ger die Medien und Apparate
verwendet, die beinahe alle Zuschauer schon in der Tasche haben. Von der Audio-Tour über das Smart-
House bis zum Live-Film reichen die Spielarten der Interaktion sowie der Durchquerung mehr oder
weniger virtueller Räume und Zustände, die derzeit im Theater und durch Theaterprojekte an anderen
Orten variiert werden. Eine der fast schon vergessenen Grundlagen dafür ist das Lehrstück (learning
play) der späten 1920er Jahre mit der Idee, den Rundfunk von einem Apparat der Distribution in einen
der Kommunikation umzuwandeln. Grund genug, über die von Bertolt Brecht mit dem „Ozeanfl ug“ eröffnete
Reihe von Medienexperimenten und ihre Bedeutung für gegenwärtige Theaterarbeit nachzudenken.
Im Vortrag soll dabei auch das aktuelle Brecht-Projekt „Hier ist der Apparat“ von Chris Kondek vorgestellt
werden, der als Videokünstler u.a. für die Wooster Group, Wanda Golonka und Meg Stuart gearbeitet
und mit „Dead Cat Bounce“ 2003 bereits eine viel beachtete Inszenierung zum Thema Börsenspekulation
entwickelt hat.
Kollegienhaus, Raum C / 13.10. / 09.30 – 10.00 Uhr
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Theater & Medien 97

Abstracts
Prof. Anton Rey (Zürich)
Anton Rey, geb. 1959, war ab 1984 als Schauspieler, Regisseur, Produktionsleiter und Dramaturg an verschiedenen
Theatern engagiert (Schauspielhaus Zürich, Schaubühne am Lehniner Platz, Berliner Ensemble,
Münchner Kammerspiele, Burgtheater Wien) und studierte Theaterwissenschaft, Philosophie und Germanistik
in Zürich und Berlin, bevor er 2002 Dozent für Theatergeschichte, -theorie und -dramaturgie an der
Hochschule Musik und Theater Zürich wurde (hmt, ab 2007 „Departement Darstellende Künste und Film“
der Zürcher Hochschule der Künste). Als Beauftragter für aF&E verfolgt er außerdem seit 2004 Projekte, in
denen sich Fachhochschul-praktische und wissenschaftlich-theoretische Ansätze verbinden.
blended learning theatertheorie
Unter dem Arbeitstitel „www.theatertheorie.net“ entwickeln Forschungsbeauftragte der Hochschule Musik
und Theater Zürich ein e-learning-Tool: Bislang drei theatertheoretische Ansätze werden in kurzen
Videoclips von ihren AutorInnen (Fischer-Lichte, Hulfeld, Lehmann) vorgestellt und je anhand einer Theateraufführung
sowie im Dialog mit Theaterschaffenden interaktiv auf ihre Praxisrelevanz hin befragt. Wie
weit lassen sich an der Schnittstelle zwischen Theorie und Praxis virtuelle „Repositories“ – gemeinsam
verwaltete Wissensspeicher – für den Unterricht nutzen?
Kollegienhaus, Raum D / 14.10. / 10.30 – 11.00 Uhr
98 Theater & Medien

Christoph Rodatz (Darmstadt)
Christoph Rodatz (*1968) studierte Bauingenieurwesen an der TU Darmstadt und Angewandte Theaterwissenschaft
in Gießen (H. Goebbels, G. Brandstetter), lebt in Dortmund und arbeitet als Kulturwissenschaftler,
Videokünstler und Regisseur. Als Doktorand am Darmstädter Fraunhofer Institut IPSI und Stipendiat des Graduiertenkollegs
„Technisierung und Gesellschaft“ erforscht er den „Schnitt durch den Raum des Theaters“.
Seine experimentellen Musiktheaterprojekte wurden bereits zweifach beim „Internationalen Wettbewerb für
Regie und Bühnenbild“ in Graz ausgezeichnet. Unter „New Guide to Opera“ wirkt er derzeit an der deutschrussischen
Koproduktion „Das Ende des Golfstroms“ mit.
Bibliographie: Theaterraum als realräumliche Hyperstruktur. In: Christopher Balme, Markus Moninger (Hrsg.):
Crossing Media : Theater – Film – Fotografie – Neue Medien, München: Epodium, 2004; Der Raum des
Theaters. Reflexionen zur Intermedialität des Theaters. In: Martin Warnke, Wolfgang Coy, Christoph Tholen
(Hrsg.): Hyperkult II. Zur Ortsbestimmung analoger und digitaler Medien. Bielefeld, 2005.
Der Schnitt durch den Raum des Theaters oder
Ein Problem der Betrachtung des Theaters als Medium
Trotz der Uneinigkeit darüber, ob Theater ein Medium ist, gibt es Einigkeit über dessen spezifi schen Eigenschaften:
die leibhaftige Anwesenheit im Theater, also das direkte Aufeinandertreffen von Darsteller
und Zuschauer. Weil man sich über die spezifi schen Eigenschaften von Theater einig zu sein scheint,
streitet man über das Verhältnis zwischen diesen und Medien. Mein Verdacht ist nun, dass man dabei
viele der Aspekte ausklammert, die die leibliche Anwesenheit im Raum des Theaters betreffen. Grund
dafür sind die in Medien und Theater unterschiedlichen Eigenschaften des Dazwischens von Zuschauer
und Darsteller.
Bei Medien wird vorausgesetzt, dass Getrenntes (z.B. Sender und Empfänger) mit und durch sie verbunden
wird. Auf den ersten Blick trifft das auch auf Theater zu. Gerade der tradierte Theaterbau geht von
einer klaren, architektonisch untermauerten Trennung zwischen Zuschauern und Darstellern aus. Phänomenologisch
betrachtet basiert Theater – ohne dabei die charakteristische Zweiteilung von Darsteller
und Zuschauer in Frage zu stellen – aber nicht auf Trennung, sondern auf der leiblichen Erfahrung
innerhalb eines gemeinsamen Raums des Theaters. Deshalb führe ich hier den Terminus des Schnitts
durch den Raum des Theaters ein. Dieser Schnitt durch den Raum bezeichnet eine Differenz, die es
möglich macht, zwischen Bühnenraum und Publikumsraum zu unterscheiden. Etabliert sich doch ein
Aufführungsraum auch durch Haltungen, Erwartungen, durch spezifi sche Handlungen oder das Erfahren
eines atmosphärisch anderen Raums. Dieser Schnitt ist sehr labil. Ein Grund, warum der klassische
Theaterbau so viel Wert auf Trennung legt. Die architektonischen Materialisierungen zwischen Bühne
und Zuschauerraum sind nämlich Garant für ein dauerhaftes Aufrechterhalten des Schnitts. Gleichzeitig
tragen sie aber auch zu einer Distanzierung und Trennung beider bei. Womit wir zurück bei Medien
wären. Denn diese Trennung basiert historisch betrachtet auf der Anlehnung des Theaters an optische
Medien. So zeigt sich einerseits eine große Nähe zwischen Medien und Theater, gleichzeitig aber auch,
dass der Raum des Theaters als „Raum leiblicher Anwesenheit“ (G. Böhme) bei einer Betrachtung des
Theaters als Medium nur ungenügend berücksichtigt werden kann.
Kollegienhaus, Raum A / 13.10. / 11.30 – 12.00 Uhr
R
Theater & Medien 99

Abstracts
Dr. David Roesner (Exeter)
Geboren 1972 in Stuttgart, studierte von 1992-1998 an der Universität Hildesheim „Kulturwissenschaften
und ästhetische Praxis“ und absolvierte Auslandssemester am College of Higher Education, Bath (UK) und
an der Università degli Studi, Bologna (Italien). 1998-2001 promovierte er über das Thema Theater als
Musik. Verfahren der Musikalisierung in chorischen Theaterinszenierungen bei Christoph Marthaler, Einar
Schleef und Robert Wilson; die Dissertation erschien 2003 bei Gunter Narr/Tübingen.
Weitere Publikationen sind u.a.: Die Diskursivierung des Performativen und die Performativität diskursiver
Praxis. Theaterpartituren zwischen Werkzeug und Waffe, in: Hempfer, Klaus W./Traninger, Anita (Hg.): Macht
Wissen Wahrheit. Freiburg im Breisgau: Rombach, 2005, S. 243-258; Roesner/Wartemann/Wortmann
(Hg.): Szenische Orte – Mediale Räume, Hildesheim: Olms 2005.
David Roesner lehrte in Hildesheim, Bern und Mainz und wechselte 2005 als Lecturer an die University of
Exeter (UK). Neben der wissenschaftlichen Tätigkeit ist David Roesner als Regisseur, Theatermusiker und
Theaterpädagoge aktiv. Unter anderem inszenierte er die eigenen Projekte „Barbette“ (2002) und „Glaubensbekenntnisse“
(2004) am Stadttheater Hildesheim.
Intermediale Variationen eines Songs auf der Theaterbühne. Forschung durch Praxis anhand
eines musik-theatralen Projekts
Dieser Vortrag untersucht die methodischen und konzeptionellen Implikationen eines intermedialen
Theaterprojekts, dessen Gegenstand und ästhetische Verfahren musikalisch zu nennen sind: Gemeinsam
mit der Sängerin und Schauspielerin Christina M. Lagao und dem Graphik Designer und Videokünstler
Wladimir Miller erarbeite ich zur Zeit eine Performance, die theatrale, mediale und musikalische
Variationen eines Songs von Joni Mitchell präsentieren wird. Anhand dieser Variationen und ihrer
Entstehungsprozesse soll untersucht werden, wie unterschiedliche Medien (Fotografi e, Video, Musik,
Klang – in ihren konventionalisierten Unterscheidungen) musikalisch „komponiert“ und theatral präsentiert
werden können und welche Konsequenzen diese Form „transformationaler Intermedialität“ (Jörg
Schröter) für den Entstehungs- und Rezeptionsprozess hat. Insbesondere soll das Projekt untersuchen,
welche Veränderungen und Möglichkeiten sich durch den intermedialen „Zugriff“ – gemeint ist „the
attempt to realize in one medium the aesthetic convention’s and habits of seeing and hearing in another
medium” (Christopher Balme) – für Narrativität, Bedeutungsproduktion und die szenische Darstellung
ergeben. Konkreter gefragt: was ergibt sich, wenn z.B. die rhythmische Struktur des Songs in eine Bildfolge
oder ein Bewegungsmuster überführt wird oder wenn etwa Bildmetaphern des Textes eine Art motivischer
Durchführung erfahren? Der Vortrag will diese und andere Fragen im konzeptionellen Stadium
des Projekts (das im Frühjahr 2007 gezeigt und dokumentiert werden soll) erörtern.
Kollegienhaus, Raum D / 14.10. / 11.30 – 12.00 Uhr
100 Theater & Medien

Prof Dr. Kati Röttger (Amsterdam)
Seit 2006 Professor am Institut für Theaterwissenschaft, Universiteit van Amsterdam (Niederlande); weitere
Lehrtätigkeiten in Berlin, Mainz und München, Forschungsschwerpunkte: Intermedialität, Bildtheorie, Postkolonialität,
Theater in Lateinamerika und Gender.
Publikationen: Ab der Schwelle zum Sichtbaren. Zu einer neuen Theorie des Bildes im Medium Theater.
Zusammen mit Alexander Jackob in: Perspektiven Interdisziplinärer Medienphilosophie. Hrsg. von Christoph
Ernst, Petra Gropp, Karl Anton Sprengard. Transcript-Verlag, Bielefeld 2003, 234-257; „F@ust version
3.0“: Eine Theater- und Mediengeschichte, in: Crossing Media. Theater – Film – Fotografie – Neue Medien.
Hrsg. von Christopher Balme und Markus Moninger. Epodium Verlag, München 2004, 33-54; in Vorbereitung:
Publikation der Habilitationsschrift unter dem Titel: Fremdheit und Spektakel. Theater als Medium des
Sehens: Studien zu intermedialen Bildpraktiken um 1800 und heute. Erscheint voraussichtlich 2007 beim
Fink-Verlag.
Intermedial Performance Analysis: Methodische Überlegungen
Jede Theateraufführung ist grundsätzlich ein intermediales Ereignis. Diese Auffassung zieht weit
reichende Konsequenzen nach sich. Erstens eröffnet sie eine Perspektive auf das Theater, welche die
(Inter)Medialität der konstitutiven Elemente einer Aufführung in ein dynamisches Verhältnis zu ihrer
Performativität setzt; zweitens geht damit die Aufforderung einher, ein neues aufführungsanalytisches
Instrumentarium bereit zu stellen, das über die bisherigen semiotischen und kommunikationstheoretischen
Ansätze hinaus insbesondere den Prozessen der ästhetischen Transformationen und des
Austauschs Rechung trägt, die in und zwischen Medien im Raum des Theaters stattfi nden. Der Vortrag
nimmt vor diesem Hintergrund erstens die notwendige Begriffsklärung vor, die es erlaubt, einen methodischen
Zugang zur „Intermedial Performance Analysis“ zu entwickeln. Zweitens werden an einem
konkreten Aufführungsbeispiel erste Überlegungen angestellt, mit denen erste methodische Schritte zur
Analyse einer Theateraufführung im Sinne eines intermedialen Ereignisses vorgestellt werden.
Kollegienhaus, Raum A / 13.10. / 17.45 – 18.15 Uhr
R
Theater & Medien 101

Abstracts
Dr. Jens Ruchatz (Erlangen)
Dr. Jens Ruchatz ist seit 2004 wissenschaftlicher Assistent am Institut für Theater- und Medienwissenschaft
der Universität Erlangen; davor wissenschaftlicher Mitarbeiter am Forschungskolleg „Medien und kulturelle
Kommunikation“ an der Universität zu Köln. Forschungsschwerpunkte: Medienvergleich als Medienbegriff;
Mediengeschichte der Individualität und des Stars; Medienreflexion im Film; Diskursgeschichte der Medien.
Wichtige Publikationen: Mediendiskurse deutsch/deutsch, Weimar 2005 (Hrsg.); Popularisierung und Popularität,
Köln 2005 (Hrsg. zus. mit Gereon Blaseio und Hedwig Pompe); Licht und Wahrheit. Eine Mediumgeschichte
der fotografischen Projektion, München 2003; Gedächtnis und Erinnerung. Ein interdisziplinäres
Lexikon, Reinbek 2001 (Hrsg. zus. mit Nicolas Pethes).
Zeit des Theaters/Zeit der Fotografi e. Intermediale Verschränkungen
Ich möchte der Zeitlichkeit von Theater und Fotografi e nachgehen, so wie sie sich in der Begegnung
beider Medien darstellt. Dabei wird es zum einen um die Fotografi e im Theater (darunter verstehe ich
die Bühnenfotografi e im engeren Sinn) gehen, die sich mit dem Problem konfrontiert sieht, der kontinuierlichen
Zeit der Bühnenvorführung „fruchtbare Augenblicke“ abzugewinnen. Zum anderen ist am
Theater in der Fotografi e (im Sinne des weiten Feldes der sogenannten
staged photography) photography zu zeigen,
wie durch theatrale Elemente, insbesondere Inszenierungen nach dem Muster des Tableau Vivant, dem
beliebigen Augenblick der Momentfotografi e Dauer verliehen und dem Foto Leben eingehaucht werden
soll.
Die Begegnung beider Medien in bestimmten Feldern fotografi scher Praxis, an der sowohl Züge der
Vermischung als auch der Konfrontation betont werden können, soll exemplarisch als Punkt gedeutet
werden, an dem Mediendifferenz genutzt und zugleich auch erzeugt wird. Mediendifferenz erscheint
damit als etwas, das im Mediengebrauch (wie analog im Mediendiskurs) überhaupt erst hervorgebracht
wird. Was Theater und Fotografi e als Medien auszeichnet, lässt sich – so die daran anschließende
These – nur an solchen Berührungspunkten beobachten, die Medien in Beziehung setzen. Medialität ist
in diesem Sinn nicht mehr etwas, das Medienbeziehungen vorausgesetzt werden kann, sondern wird in
diesen überhaupt erst erzeugt.
Kollegienhaus, Raum A / 15.10. / 10.30 – 11.00 Uhr
102 Theater & Medien

PD Dr. Johannes Schmitt (Erlangen)
Magisterstudium Theaterwissenschaft, Kunstgeschichte und Christliche Archäologie an der Univ. Erlangen.
Videoausbildung am Inst. f. Kommunikation u. Medien der Hochschule für Philosophie München. Promotionsstudiengang
in Erlangen zum Thema „Kunst des Fernsehens?“. 1991-98 wissenschaftlicher Assistent
am Institut für Theater- und Medienwissenschaft der Universität Erlangen-Nürnberg. Studioleitung, professionelle
Auftragsproduktionen. 1999-2002 Habilitationsstudium zum Thema „intertextuelle Aspekte der
Spielfilminszenierung“. (Spielfilme im Vergleich. Hitchcocks Psycho und die Tradition der rollensubjektiven
Perspektive. Münster 2003 = Habil. Schr.) 2001 Holocaustforschung in Zusammenarbeit mit der Universität
Tübingen und weitere Themen.
Seit 2002 Privatdozentur der Univ. Erlangen-Nürnberg. Es folgen Forschungen zur Geschichte der Methodentheorie
der Theaterwissenschaft und im Weiteren zum Thema der Theaterinszenierung im Medienübergang
(Eine Dummheit macht auch der Gescheiteste. Sergej Eisensteins Attraktionskonzept und seine
Inszenierungspraxis. In: Maske und Kothurn. Jg. 46., Heft 3-4, Wien 2002, Seite 29-47.) Desgleichen zum
Thema Charles Chaplin, von der Music-Hall-Bühne zum Film (Charlie Chaplin. Eine dramaturgische Studie.
Münster 2006. insb. die Seiten 16-21).
Dramaturgie im Medienwechsel
Sowohl das Theater als auch die technischen Kommunikationsformen eröffnen jeweils eigene Möglichkeiten
der Inszenierung. In pragmatischer Hinsicht betrifft dies die Perspektiven der Macher und ihrer
Adressatengruppe unter unterschiedlichen Bedingungen. Deswegen ist mit diesem Thema ein intermedialer
Vergleich eröffnet, der das Problem der Bewältigung jeweils eigener Interaktionsmodi aufgreift.
Wesentlich ist, dass mit der Gründung neuer Medienarten ein Übergangsproblem entsteht. Das bedeutet,
sich in der Aneignung des Neuen auf das Wissen der Vergangenheit stützen zu müssen.
Wenn die Tradition inszenatorischer Lösungen grundsätzlich einer evolutionären Logik folgt, in der die
Verwerfung erfolgloser und die Variation erfolgreicher Motive die bestimmenden Faktoren sind, gilt dies
auch im Übertrag auf neue Medienarten. Der Medienübergang ist hier aber eine Besonderheit, in der eine
neue Bedingung die Erfolgsauslese kreativer Varianten bestimmt. In der Analyse des Schritts von der
Theaterbühne zum Film sollen zwei Aspekte verdeutlicht werden: Zum einen der Medienwechsel eines
szenischen Sujets, der sich neben der Welt der Kulturideale ereignet und als eine Methode der Subkultur
gelten kann. Zum anderen die Revolution des bürgerlichen Kulturmodells separater Gattungen, aus
dem ein eigener Anspruch im Engagement für eine neue Kulturbildung entsteht.
Was kann man auf Basis der Erfahrung von heute mit den Möglichkeiten von morgen anfangen? Mit
den oben genannten Beispielen soll ein Entdeckungszusammenhang angestoßen sein, der eine Möglichkeit
des Medienvergleichs eröffnet, in dem die Inszenierung und ihre pragmatischen Aspekte im
Vordergrund stehen. Auf dieser Grundlage Zukunftsprojektionen zu entwickeln, ist davon abhängig,
inwieweit Gegenwartsprobleme im Bestand von Gestern zu erkennen sind. Zu erwarten wäre, die intermediale
Analyse als ein Initial der Einschätzung von Technik-Folgen zu verstehen, die komplementär zu
medienpsychologischen Verfahren eingesetzt werden kann.
Kollegienhaus, Raum A / 14.10. / 12.30 – 13.00 Uhr
R / S
Theater & Medien 103

Abstracts
Prof. Dr. Peter Seibert (Kassel)
Peter Seibert. Uniprof., Universität Kassel, FB 02 Sprach- und Literaturwissenschaften: Literatur und Medien.
Leiter des Teilprojekts „Theater und Fernsehen“ im DFG-Sonderforschungsbereich „Bildschirmmedien“ an
der Universität. In diesem Zusammenhang zahlreiche Publikationen.
Von der „Inneren Bühne“ zum Hybridmedium. Theater im Hörfunk
Radiophone Theatersendungen, d.h. Übertragungen/Aufzeichnungen von Bühnenaufführungen und/
oder funkische Adaptionen von Theaterstücken, sind von Seiten des Hörfunks und des Theaters von je
kritisch gesehen worden. Dennoch wurden mit diesem Programmsegment bis in jüngste Zeit wichtige
Sendeplätze belegt, so dass spätestens mit der Entwicklung einer stabileren Quellenlage durch den
Einsatz von Schallplatte, Magnetaufzeichnung und CD der Hörfunk als weiteres Gedächtnismedium
des Theaters fungieren konnte. In dem Maße, in dem ein spezifi sches auditives Zeichenrepertoire den
Verlust von Schauspielerkörper und Visualität kompensierte, gewann die radiophone Theatersendung
über ihre Selektions- und Archivfunktion hinaus einen eigenen ästhetischen Status. Dieser wurde bei
medialen Hybridformen, mit denen seit den achtziger Jahren experimentiert wurde, durchgespielt und
transformiert.
Kollegienhaus, Raum B / 13.10. / 12.00 – 12.30 Uhr
104 Theater & Medien

Greg Shealy (Madison, WI)
Greg Shealy is a dissertator at the University of Wisconsin-Madison in the Department of History and currently
a Visiting Scholar at the Freie Universität Berlin. He is the author of the articles “Buffalo Bill” and “Duke
Paul Wilhelm of Wurttemburg” from the Encyclopedia of German-American Relations, edited by Thomas
Adam and published by ABC-CLIO. He has been recognized by a departmental award for his teaching. He
is also the recipient of a number of fellowships, including a dissertation fellowship from the Berlin Program
for Advanced German and European Studies, a DAAD Intensive Language fellowship, a fellowship from the
Transatlantic Summer Institute at the Technische Universität Berlin/University of Minnesota, and fellowships
from the University of Wisconsin and its Center for German and European Studies. He has most recently
presented work on German cultural history at the Rocky Mountain International History Conference in
Boulder, Colorado.
Buffalo Bill in Germany: The Native American Body as Media
The paper looks at the manner in which nineteenth century American circuses utilized Native American
performers as a medium to communicate subtle notions of authenticity to the audiences they encountered
during their performances in Germany in 1890-1891. In assessing the German reception of
William F. “Buffalo Bill” Cody’s Wild West Show, this paper utilizes visual media such as programs and
posters, which depicted Native American bodies in a way that both established and played upon certain
expectations of the German audience members. It then looks at audience reviews, both from German
newspapers and Cody’s own journals and clippings from the Buffalo Bill Archive in Cody, Wyoming, in
an examination of the ways in which the perceived ethnicity of individuals can serve as a medium quite
apart from what the performers‘ presence explicitly communicates.
Kollegienhaus, Raum D / 13.10. / 10.30 – 11.00 Uhr
S
Theater & Medien 105

Abstracts
Prof. Dr. Franziska Sick (Kassel)
Studium der Romanistik und Germanistik an der Universität Freiburg i.Br., DAAD-Lektorin an der Universität
Limoges (F), Wiss. Assistentin an der Universität Stuttgart, seit 2000 Professorin für Romanische Literaturwissenschaft
an der Universität Kassel.
Publikationen: Medium und Gedächtnis. Von der Überbietung der Grenze(n), hrsg. von Franziska Sick und
Beate Ochsner, Frankfurt a.M. 2004; „Yvan Golls surreales Filmtheater“, in: Französische Theaterfilme
– zwischen Surrealismus und Existentialismus, hrsg. von Michael Lommel, Isabel Maurer Queipo u.a., Bielefeld
2004, S. 39-64; „Änigmatische Bilder, Medien der Phantasie. Überlegungen zum Verhältnis von Bild,
Text und Medium in Bretons Nadja“, in: Intermediale. Kommunikative Konstellationen zwischen Medien, hrsg.
von Beate Ochsner und Charles Grivel, Tübingen 2001, S. 147-170.
Medium, Theater und Film bei Beckett
Beckett hat einerseits Mittel und Darstellungstraditionen des Films in sein Theater integriert, andererseits
mit dem Stück Film das Drehbuch zu einem Film vorgelegt. Es stellt sich die Frage, nach welchen
Kriterien Beckett seine Themen auf die unterschiedlichen Medien verteilt. Film will zeigen, wie sehr das
Subjekt vor sich fl üchtig ist. Beckett weist solche Flüchtigkeit medial und darstellungstechnisch dem
Film und der Kameraführung oder der Verfolgung des Schauspielers durch die Kamera zu. Weiland
Benjamin dachte das noch anders – als Test des Schauspielers vor der Kamera. Das Medium Film war
bei Benjamin mit Themen wie Spiel und Übung assoziiert. Gänzlich anders assoziiert Beckett den Film
mit Verdrängung.
Medialität ist also nicht zuletzt eine Frage des Selbstverständnisses des Subjekts oder – bezogen auf
Beckett – von Aspekten von Subjektivität. Wir verstehen uns immer schon von unseren technischen
Möglichkeiten her und bauen hierauf, dem medialen Wandel folgend, unterschiedliche Subjekttheorien
auf.
Beckett setzt medientechnische Darstellungsmittel so differenziert ein, wie er anthropologische Grundkonstanten
differenziert beurteilt. Sowohl Krapps letztes Band als auch
Film behandeln das Problem
einer Selbstbegegnung mit sich. Jedoch unterscheiden sich beide Stücke in ihrer Aktstruktur.
Krapps letztes Band handelt von einer Selbstbegegnung im Modus der Erinnerung,
Film von einer
Selbstbegegnung im Modus der Verdrängung. Das eine Modell stellt Beckett dadurch dar, dass er in
das alte Medium ein neues integriert, das andere dadurch, dass er in toto zu dem neuen Medium – in
diesem Fall dem Film – überwechselt.
Kollegienhaus, Raum C / 13.10. / 10.00 – 10.30 Uhr
106 Theater & Medien

Michelle Smith (Athens, GA)
Michelle Mills Smith is a doctoral student in the Department of Theatre and Film Studies at the University
of Georgia. Her dissertation, ”The Question of Agency in Digital Performance“, delves into the interaction
between media and artificial intelligence and the human actor on the live stage. She is currently working on
a prototype virtual actor, made possible through a grant from UGA‘s ”Ideas ” for Creative Exploration“, which
will be featured in a University Theatre production of Heiner Müller‘s Hamletmachine next spring.
Virtual Actors and Media Agency in Performance
As the use of digital media has increased in live theatre over the past decades, the boundary between
performer and environment has become increasingly blurry, causing tension between artists on the one
side, who speak rather effusively of their work, with digital media that performs and purists on the other,
who hold that theatrical performance is a singularly human endeavor. In analyzing this debate, I fi nd that
performance is not an either / or prospect: I hold that any entity performs to the extent that it is given
agency: basically, if a media element (digital or physical, actor or environment) is allowed the same
agency as a human performer, then it must therefore be said to be a performer in its own right.
The advent of artifi cial intelligence agents offers the potential for interpretation and performativity to
media in the theatre, giving rise to a virtual actor with AI agency. I draw from Richard Schechner and
others to deconstruct the concept of agency in human “live“ performance that is so valorized, to show
that true agency in a human actor is subject to many of the same limitations as agency in the AI actor.
True, the AI actor cannot do everything a human can (yet?), but then, it can also do many things a human
cannot.
In this paper I reject the unspoken binary in much of what I‘ve read that the most limited human performer
is still termed a “performer“, while the most advanced machine performer is not. Rather, I hold
that the role of media as performer is not only viable under current defi nitions of performance, but has
further implications for the future of performance as well.
Kollegienhaus, Raum A / 14.10. / 09.30 – 10.00 Uhr
S
Theater & Medien 107

Abstracts
Robert Sollich (Berlin)
Robert Sollich, geboren 1976 in Berlin. Studium der Theaterwissenschaft und Philosophie an der Humboldt-
Universität Berlin und der Freien Universität Berlin; dort 1999 bis 2002 auch studentischer Mitarbeiter im
Sonderforschungsbereich „Kulturen des Performativen“. Nach dem Magisterabschluss seit 2004 wissenschaftlicher
Mitarbeiter im Sonderforschungsbereich „Ästhetische Erfahrung im Zeichen der Entgrenzung der
Künste“ mit Schwerpunkt auf und Dissertationsprojekt zur zeitgenössischen Opernästhetik.
Daneben regelmäßige Musiktheatertätigkeit als freier Dramaturg. Nächstes Projekt: Die Meistersinger von
Nürnberg mit Katharina Wagner bei den Bayreuther Festspielen 2007.
Veröffentlichungen: „Dramaturgien des Opernskandals – Zur Ästhetik von Hans Neuenfels und Peter Konwitschny.“
In: Theater der Zeit 6 (2003), S. 40f; Einträge „Montage“, „Musik“ (mit Clemens Risi), „Transformation“.
In: E. Fischer-Lichte et al. (Hg.): Metzler Lexikon Theatertheorie. Stuttgart 2005; „Kunsterfahrung als
sozialer Prozeß. Die Oper als Sozialfall“. In: Ästhetischer Erfahrung – Gegenstände, Konzepte, Geschichtlichkeit.
Online-Publikation des SFB 626, 2006. (www.sfb626.de)
Die Promiskuität der Musik –
Über intermediale Ver-Fremdungsstrategien in der zeitgenössischen Inszenierung von Oper
Die Affi nität zwischen medienwissenschaftlichen Forschungsperspektiven und dem Phänomen „Theater“
ist in den letzten Jahren vielfältig beschrieben worden. Aufgrund seines grundhybriden Charakters,
dem permanenten „synchronen und diachronen Einsatz verschiedener Zeichensysteme, Medien und
Materialien“, formuliert in diesem Sinne etwa Doris Kolesch, eigne dem Theater eine konstitutive Multimedialität,
die es wiederum zu einem privilegierten Feld für intermediale Operationen mache.
Was dem Theater im allgemeinen recht ist, kann dem Musiktheater im Besonderen da nur billig sein. Ist
hier die beträchtliche Komplexität und Hybridität, die sich aus der Konfrontation der beteiligten medialen
Faktoren ergibt, doch tendenziell noch einmal dadurch gesteigert, dass mit der Musik eine weitere,
selbst schon hochkomplexe Größe hinzutritt und das übrige Geschehen quasi kommentiert, dessen
Wahrnehmung beeinfl usst. Was in Hinblick auf „neues Musiktheater“ bereits wiederholt aufgezeigt worden
ist, gilt dabei, wie dieser Vortrag verdeutlichen möchte, mindestens genauso auch für die zeitgenössische
Inszenierung von Oper. Ausgerechnet die vielbeklagte Verengung des Repertoires auf wenige,
immer wieder neu interpretierte Stücke bildet hier die Grundlage für audiovisuelle Durchkreuzungen und
Wechselwirkungen, insofern die Popularität einzelner musikalischer Einheiten konkrete Erwartungen
an deren „Bebilderung“ zu provozieren neigt. Verlässt eine Inszenierung dann den Pfad der Konvention
und begibt sich optisch in Differenz zu den semantischen und emotionalen Aufl adungen der Musik, so
setzt ein Prozess wechselseitiger Einschreibungen ein, der, wie gezeigt werden soll, die Musik selbst zu
verändern vermag.
Die These, dass das sogenannte Regietheater genau an dieser medialen Bruchstelle operiert, soll mit
Blick speziell auf die Inszenierungen Peter Konwitschnys veranschaulicht werden.
Kollegienhaus, Raum C / 14.10. / 14.30 – 15.00 Uhr
108 Theater & Medien

Dr. des. Sabine Sörgel (Mainz)
Geb. 1977. 1996-2002 Studium der Theaterwissenschaft, Amerikanistik und spanischen Philologie an der
Johannes Gutenberg-Universität Mainz. 1998-1999 Stipendiatin des Deutschen Akademischen Austauschdiensts
(DAAD) an der University of North Carolina, Chapel Hill (USA). 2002-2005 Doktorandin des von
DAAD und DFG geförderten internationalen Promotionsprogramms (IPP) in Performance und Media Studies
an der Johannes Gutenberg-Universität Mainz. Dissertation: Dancing Postcolonialism. The National Dance
Theatre Company of Jamaica 2005; Abschluss Dez. 2005 (Prädikat: summa cum laude). Seit 2005 wissenschaftliche
Mitarbeiterin am Institut für Theaterwissenschaft der Johannes Gutenberg-Universität Mainz.
Forschungsgebiete: Interkulturelles (Tanz)Theater und postkoloniale Theorie, Performance Studies, Gegenwartstheater.
Von „Klappervehikeln“ und anderen Medien: Zur Medialisierung des Performativen im zeitgenössischen
Theater und Tanz
In Die Eroberung des Körpers (1996) unterscheidet der Medienphilosoph Paul Virilio das Theater als
„altes Medium“, dessen Gegenwart auf dem Hier-und-Jetzt bzw. dem „Visavis“ der Gesprächspartner
beruhe und sich insofern also fundamental von der Distanz technologischer Übertragungsmedien
„neueren“ Formats unterscheide. Hinterfragt man diese These nun in Bezug auf die medialen Verkörperungs-
und Übertragungsbedingungen des Theaters, so generiert sich der Begriff des Theaters jedoch
weniger als Medium per se, denn als das performative „Da-Zwischen“ (Homi K. Bhabha) bzw. eine
„relation-sans-relation“ (Derrida). Als Ort der Verhandlung verschiedenster performativer Praktiken konstituiert
sich Theater mithin als die diskursive Beziehung zwischen den Körpern der Darsteller, Medien
und Rezipienten und nicht etwa als deren zu fi xierendes Medium. Anhand historisierender Fallstudien
der zeitgenössischen Tanz- und Theaterproduktion des 20. Jh. versucht der Beitrag somit anhand verschiedener
Körperkonzepte und ihrer Genealogien die Medialität des Theaters und seiner performativen
Verkörperungsstrategien herauszustellen.
Kollegienhaus, Raum B / 13.10. / 10.30 – 11.00 Uhr
S
Theater & Medien 109

Abstracts
Katrin Stöck (Halle)
Studierte Musik-, Theater- und german. Literaturwissenschaft in Halle und Leipzig. Magisterarbeit: Bohuslav
Martinů und seine surrealistische Oper „Julietta“. Steht vor dem Abschluss ihres Promotionsprojektes
zum Thema Szenische Kammermusik und Kammeroper in der DDR der 70er und 80er Jahre. 2002/03
und 2005/06 Wiss. Mitarbeiterin Institut für Musikwissenschaft der M.-Luther-Universität Halle-Wittenberg
(Elternzeitvertretung). z.Z. freie Honorartätigkeit: Brockhaus-Riemann-Musiklexikon und Erziehungszeit.
Arbeitsschwerpunkte: Tschechische Musikgeschichte, Musikgeschichte der DDR, Musiktheater des 20.
Jahrhunderts, Angewandte Musikwissenschaft, Musiktheaterwissenschaft
Veröffentlichungen (Auswahl): „Analyse als kulturpolitisches Instrument? Zur musikwissenschaftlichen Praxis
in der DDR und ihrer Wahrnehmung durch die Komponisten“, in: Musikwissenschaft an der Schwelle des
neuen Jahrtausends. Kongressbericht Brno 2000, hrsg. v. P. Macek, Prag 2001; „Die Nationaloperndebatte
in der DDR der fünfziger und sechziger Jahre als Instrument zur Ausbildung einer sozialistischen deutschen
Nationalkultur“, in: Nationale Musik im 20 Jahrhundert. Kompositorische und soziokulturelle Aspekte der
Musikgeschichte zwischen Ost- und Westeuropa, Konferenzbericht Leipzig 2002, hrsg. v. H. Loos und St.
Keym, Leipzig 2004; „Hans Wurst auf der Opernbühne der DDR“, in: Komik. Ästhetik, Theorien, Strategien,
Kongressbericht Wien 2004, hrsg. v. H. Haider-Pregler u.a., Wien 2006 (= Maske und Kothurn 51/Heft 4).
Das Verschwinden der Funkoper im Hörstück. Musiktheater im Rundfunk
Seit Erscheinen der Gattung Funkoper in den 1920er Jahren interessierten sich immer wieder Komponisten
für die besonderen Möglichkeiten des Mediums Rundfunk im Bezug auf die Oper. Dabei ist der
Wegfall des Optischen und die Konstitution des Szenischen durch ihre Projektion in die Imagination des
Hörers einer der zentralen Aspekte der Funkoper, mit dem sich die Komponisten auseinanderzusetzen
hatten. Nach einer „Hochzeit“ in den 1920er und 1930er Jahren kam die Funkoper in den 1950er und
1960er Jahren zu einer weiteren Blüte. Später stieß sie bei musiktheatral orientierten Komponisten
scheinbar auf Desinteresse, Werke mit dem Gattungshinweis Funk- oder Radiooper wurden nur noch
selten geschaffen, die Funkoper schien überlebt. Dass dies nicht der Fall ist, sondern szenische Hörstücke
die Funkoper praktisch fortsetzen, soll an der Radio-Oper „Die Gebeine Dantons“ von Friedrich
Schenker und Karl Mickel (Erstsendung 1991) sowie an Hörstücken von Heiner Goebbels gezeigt werden.
Als Vergleichswerk soll Bohuslav Martinůs erste Funkoper „Hlás lesa/Die Stimme des Waldes“ mit
dem Text von Vítězlav Nezval (Erstsendung 1937) dienen.
Untersucht werden der Umgang mit dem Medium Rundfunk, die Art der Nutzung der zum jeweiligen
Entstehungszeitpunkt zur Verfügung stehenden technischen Möglichkeiten sowie die spezielle Transposition
des Szenischen in diesem Medium.
Kollegienhaus, Raum B / 13.10. / 11.30 – 12.00 Uhr
110 Theater & Medien

Jörg Thums (Frankfurt/M.)
1998-2006 Studium der Theater-, Film- und Medienwissenschaft, sowie der Soziologie in Frankfurt/Main
und Paris.
Die medienwissenschaftlichen Abschlussarbeit Dazwischen. Über die Präsenz des Regisseurs im dokumentierenden
Films diskutierte zentral die Fragen des Zusammenspiels zwischen Bild und Text. Besondere
Gewichtung kam darin den Prozessen der Bedeutungskonstruktion und der Bedeutungszuschreibung zu.
Verhandelt wurde desweitern das strategische Handeln des Filmautors – seine performativen Leistungen in
Hinsicht auf visuelle, auditive und konzeptionelle Präsenz.
Mitglied des 6-köpfigen Performancekollektivs red park (www.red-park.net). Weitere Theaterprojekte und
Performances u.a. mit René Pollesch, Mike Pearson, Tim Etchells, Stauraum, Gold Extra.
„Der Kick“ – Formen von essayistischem Dokumentarismus auf der Bühne und im Film
Der Akt des Inszenierungshandelns nimmt im Bereich dokumentierender Arbeitsweisen einen großen
Stellenwert ein. Die Grenzen von theatraler bzw. fi lmisch erzeugter Fiktion und dokumentarischer Verweise
auf vergangene Realitäten vermischen sich, sei es gewollt oder ungewollt.
„Der Kick“ (A. Veiel; G. Schmidt) eröffnet für den Kongress ‚Theater und Medien’ die Möglichkeit eines
Medienvergleichs einer Theaterversion mit einer Filmversion. Andres Veiel, dessen Popularität sich aus
dem Filmbereich her begründet, wendet sich mit seiner stoffl ichen Konzeption zunächst vom Filmmedium
ab. Orientiert an Peter Weiss’ „Notizen zum dokumentarischen Theater“ setzt sich das Bühnenstück
der populistischen Argumentation des medialen Machtapparates entgegen. Veiels und Schmidts ‚Kritik
an der Verschleierung’ richtet sich gegen schnelles Aburteilen beteiligter Personen, einer Gesellschaftsschicht.
Erstrangig werden in meinem Vortrag die jeweiligen Strategien untersucht, mit denen sowohl das Bühnenstück
als auch der Kinofi lm Illusionierungseffekten entgegen treten. Das Unterbinden von Identifi kationsprozessen
erweist sich hierin ebenso als methodischer Ansatz wie die fragmentarische Erzählstruktur.
„Der Kick“ erweist sich der Form nach als ein essayistisches Werk, das sich insbesondere durch die
Diskontinuität in der Gedankenführung auszeichnet. Die äußere Wirklichkeit erreicht ihren Einlass in die
Handlung mittels transkribierter Texte, erscheint demnach stärker als Ansprache denn als Darstellung
von Ereignissen. Reduziert auf den sprachlichen Ausdruck des Interviewmaterials und die lediglich zur
Abgrenzung dienenden Körperhaltungen der beiden Darsteller, arbeiten Veiel / Schmidt jeglicher ‚Zur-
Schau-Stellung’ der eigentlichen Protagonisten entgegen. Eine Untersuchung unterschiedlicher Wirksamkeit
im Theater und auf der Leinwand erscheint mir daher unumgänglich.
Kollegienhaus, Raum B / 15.10. / 10.00 – 10.30 Uhr
S / T
Theater & Medien 111

Abstracts
Dr. Christina Thurner (Bern/Basel)
Christina Thurner hat in Zürich und Berlin studiert. Seit 1997 ist sie wissenschaftliche Assistentin am Deutschen
Seminar der Universität Basel, wo sie 2001 über Exilliteratur und Utopie promovierte. Sie lehrt auch
am Institut für Theaterwissenschaft und im Studiengang TanzKultur an der Universität Bern. 2003 weilte
sie mit einem Stipendium für Nachwuchswissenschaftlerinnen der Universität Basel als Associated Fellow
am Dance Departement der University of Surrey, England. Seit 1996 schreibt sie außerdem als Tanzjournalistin
für verschiedene Medien, vor allem für die Neue Zürcher Zeitung. Derzeit arbeitet sie, unterstützt
vom Schweizerischen Nationalfonds, an einem Forschungsprojekt (Habilitation) zum Diskurs der doppelten
Bewegung in Tanztexten von 1700-1900.
Publikationen: Der andere Ort des Erzählens. Exil und Utopie in der Literatur deutscher Emigrantinnen und
Emigranten 1933-1945. Köln: Böhlau 2003; In eine andere Welt gehoben. Théophile Gautiers Diskurs der
Emphase. In: Band zur Tagung „Souvenirs de Taglioni. Bühnentanz in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts“
vom Fachbereich Kunst-, Musik- und Tanzwissenschaft der Universität Salzburg. [Im Druck]; „Ein Blitz
der aus dem Herzen fährt“ (Noverre). Zum Wirkungsgeschichte des Tanzdiskurses vom 18. Jahrhundert. In:
Jahrbuch Tanzforschung Bd. 16. [Im Druck].
Poetische Sichtbarmachung. Be- und Er-schreibungen in Tanzkritiken des 19. Jahrhunderts und
heute
Das Feuilleton des 19. Jahrhunderts hat signifi kant zum mythisierenden Diskurs über Tanz beigetragen,
der bis heute fortgeschrieben wird. Im Gegenzug zur strikten Reglementierung der Ballettcodes in
tanztechnischen Schriften wurde in Rezensionen um 1830 eine betont subjektive Wirkungsweise der
Tanzkunst installiert. Ohne den Bezug zur scheinhaften Wirklichkeit des Bühnengeschehens zu verlieren,
erzeugt der Tanzkritiker vor den Augen der Lesenden eine eigene Welt. Der Betrachter wird so zum
„erweiterte[n] Autor“, wie es Novalis – in Bezug auf den lesenden Rezipienten – formuliert hat.
In meinem Beitrag möchte ich untersuchen, welche Bilder vom Tanz die historische und die aktuelle
Tanzkritik vermitteln bzw. mit welchen textuellen Verfahren und mit welchen Konsequenzen dies geschieht.
Hilfreich ist dabei der Begriff der ‚Emphase’; er beinhaltet etymologisch einen Akt des Sichtbarmachens,
des zur Anschauungbringens. Dieses Sichtbarmachen in emphatischen sprachlichen Bildern
und Metaphern charakterisiert u.a. Théophile Gautiers Kritiken. Er geht in seinen feuilletonistischen Texten
von etwas aus, das für ihn im Moment der Aufführung sichtbar war; in deren mimetischer Beschreibung
erschöpfen sich seine Rezensionen jedoch keineswegs. Der Kritiker selbst wird zum Schöpfer,
indem er Bewegung übernimmt, vermittelt und überträgt. In der Beschreibung ist nicht mehr erkennbar,
was sich auf der Bühne und was sich in der Imagination des Rezensenten abgespielt hat. Die Transposition
lässt keine eindeutigen Rückschlüsse zu, entfernt sich aber in der Bildwahl auch nicht so weit,
dass mit dem Text eine ganz neue, unabhängige Kreation vorläge. Die romantische Tanzkritik praktiziert
so die bewegte Imagination, die mit dem Tanz der damaligen Zeit, dem romantischen Handlungsballett,
korrespondiert, aber auch bis heute unser Bild dieser historischen Tanzform und – beim breiten Publikum
– von Tanzkunst generell nachhaltig prägen.
Kollegienhaus, Raum D / 14.10. / 09.30 – 10.00 Uhr
112 Theater & Medien

Prof. Dr. Susanne Vill (Bayreuth)
Promotion in Musikwissenschaft, Habilitation in Theaterwissenschaft, Mitarbeit an der Konzeption von „Pipers
Enzyklopädie des Musiktheaters“; Kongress „Ausbildung für Musiktheater-Berufe“ zur Gründung der Bayerischen
Theaterakademie und Edition des Berichts; seit 1988 Professorin für Theaterwissenschaft an der
Universität Bayreuth; Kongress „Richard Wagner und die Juden“ gem. mit Ami Mayaani, Universität Tel Aviv,
1998 in Bayreuth; 2001 Referat beim ersten Wagner-Kongress in Israel. 2002 Konzeption und Einrichtung
des BA-Studiengangs „Theater und Medien“ (UBT). 1993 Inszenierung der UA der Oper Argenore von Wilhelmine
von Bayreuth; Filme über Musik-/Theater für das Bayerische Fernsehen; Theaterwerkstatt mit Medien;
Konzertsängerin im In- und Ausland, Rundfunkaufnahmen mit Neuer Musik. Zahlreiche Publikationen
zu Mahler, Musiktheater, Vokaltechniken und Medienperformance – „Virtuelle Oper mit Kammerensemble?“
Europäische Musiktheater-Akademie, Wien 2004 (im Druck); „,Worte, Worte, Worte‘ ,in des Welt- Atems
wehendem All‘ – Stationen des Text-Musik-Verhältnisses im Wandel der Operngeschichte“ In: Bühnenklänge.
hg. v. Th. Betzwieser u.a., München 2005, S. 83-102; ”Virtuelle Oper und Medienperformance – eine
zukünftige Alternative?“ In: M. Jochum/ I. Schmid-Reiter (hg.): „Teure Kunstform. Musiktheater im neuen
Jahrtausend“ (Europäisches Forum Alpbach/ Europäische Musiktheater-Akademie) Innsbruck2006, S. 117-
126.
Spielräume zwischen Medienkunst und Virtual Reality
Die Entwicklung der Medienkunst hat der Gestaltung von Bildräumen für Theaterinszenierungen und
Medien-/ Performances neue Möglichkeiten erschlossen. Virtualität, Flexibilität, Intermedialität und
Interaktivität der Environmentgestaltung bestimmen den Kunstcharakter der Raumgestaltung und die Erlebnisintensität
der Zuschauer / Ko-Akteure neu. Virtuelle Zeitreisen in Bildräumen, interaktiv steuerbare
virtuelle Denkräume als geistige Tempel der Erinnerung oder Gedächtnistheater, Transparenz und Virtualisierung
des Körpers, auch seine Nutzung als kollektiv interaktive Spielfl äche haben neue Konzepte von
„Gesamtkunstwerken“ der Symbiose von virtueller Kunst und Theater geschaffen.
Die Entwicklung der elektronischen Musik hat die Gestaltung von Klangräumen als Spielräume von und
mit Klängen ermöglicht, die auch die Klangräume des menschlichen Körpers einschließen. Der Musiktheaterakteur
erscheint im interaktiven Musiktheater der sensorgesteuerten Bild- und Klangräume als
improvisierendes wie auch die Partitur wiedergebendes Musikinstrument; durch seine Bewegungen auf
der Bühne erscheint er als Komponist, der mit seinen Mitspielern wie auch mit den Klangdatenbanken
der Musikcomputer und mit dem Internet live spielen kann.
Im Streit um die vereinnahmende versus die distanzierende Wirkung digitaler Bildwelten kann das
Theater wählen. Seit die Totaltheaterideen des frühen 20. Jahrhunderts versuchten, Immersionsräume
zu schaffen, bieten die neuen Technologien nun erweiterte Möglichkeiten, die Sehnsucht nach einer
Immersion im audiovisuellen Großbildraum zu befriedigen.
Kollegienhaus, Raum C / 14.10. / 12.30 – 13.00 Uhr
T / V
Theater & Medien 113

Abstracts
Alexandra Vlad (Cluj-Napoca/Klausenburg)
Geb. 1979 in Cluj, studierte Germanistik, Rumänistik, sowie Kommunikationswissenschaften an der Babeş-
Bolyai Universität Cluj-Napoca. 2001 Stipendiatin der „Journalisten Akademie” Stuttgart. 2003-2004 Magisterstudium
in Cluj mit einer kultur- und medienwissenschaftlichen Orientierung. 2004-2005 Stipendiatin
des Sokrates/Erasmus-Programmes und der Donauschwäbischen Kulturstiftung an der FAU Erlangen-Nürnberg.
Seit Oktober 2005 ist sie Promovierende und wissenschaftliche Mitarbeiterin an der BBU mit einem
Dissertationsprojekt zur intermedialen Brüchigkeit im interkulturellen (deutsch-rumänischen) literarischen,
filmischen und theatralen Vergleich.
Publikationen (in Vorbereitung): Der Bruch zwischen ALT und NEU in der gegenwärtigen rumänischen
filmischen Darstellung. In: MitOstmagazin. Herbst 2006. Berlin 2006; Intertextuelle Metamorphosen. Franz
Kafkas Die Verwandlung IN und ZWISCHEN Mircea Că C rtă rt rescus Texten. In: ZGR. Heft 1/2006. Bucureş Bucure ti:
GGR & Editura Paideia 2006.
Zur Theatralität des Filmischen. Intermediale Brüche und Veränderungen des rumänischen
gegenwärtigen Kurzfi lmes
In den rumänischen fi lmischen Artefakten fungiert eine vielfältige Wechselwirkung zwischen Theater und
Film, wobei die daraus entwickelten intermedialen Formen, die ich durch Brüche, Spalten und Schwellen
kennzeichne, ins Interesse meiner Forschung rücken.
Diese Untersuchung setzt sich zur Aufgabe, die intermedialen Verfahrensweisen im gegenwärtigen
rumänischen Kurzfi lm in Bezug auf Brüche und Veränderungen vorzuführen und sie unter medien- bzw.
theaterspezifi schen Gesichtspunkten zu analysieren.
Im Kontext der massiven Hybridisierungen und Medienmischungen, welche die rumänische Kultur nach
1989 plötzlich aufweist, wird eine Tendenz zur Interaktion des szenischen und des fi lmischen Mediums
prägnant. Diese ästhetischen intermedialen Verfl echtungen öffnen den Spielraum sowohl für Aktualisierungen
tradierter Werte (in in und
mit anderen Darstellungsformen) als auch für Transformationen und
Innovationen, hervorgerufen von dem Bruch mit dem traditionell Theatralen beziehungsweise Kinematographischen.
Unter der Begriffl ichkeit „Theatralität” wird in der rumänischen Kinematographie ein gemeinsamer
Stiltrend erkannt, welcher sich sowohl meiner positiven (im Sinne von theatralen Raum-, Darstellungs-,
Körper- und Personenkonzeptionen im Film) als auch meiner negativen Refl ektion (eine übertrieben theatrale,
melodramatische Schauspielinterpretation) unterzieht.
Gegenstand exemplarischer Analysen sind die Kurzfi lme „Un cartuş de Kent şi un pachet de cafea”
von Cristi Puiu und „Turkey Girl” von Cristian Mungiu, die durch die Elemente der Inszenierung und der
Künstlichkeit zur Konstitution und Darstellung einer ,société du spectacle‘ (Lommel, Maurer-Queipo und
Rißler-Pipka 2004) und, im weiteren, auch einer Kultur des Spektakulären beitragen.
Kollegienhaus, Raum B / 15.10. / 11.00 – 11.30 Uhr
114 Theater & Medien

Dr. Meike Wagner (München)
Dr. Meike Wagner hat in München und Paris Theaterwissenschaft, Politikwissenschaft und Kommunikationswissenschaft
studiert und in Mainz im DFG-Graduiertenkolleg „Theater als Paradigma der Moderne“ mit
einer Dissertation zur Medialität des Theaterkörpers (Nähte ( am Puppenkörper
, Bielefeld 2003) promoviert.
Sie ist als freie Publizistin tätig und war von 2003 bis 2006 am Institut für Theaterwissenschaft der Universität
Mainz wissenschaftliche Mitarbeiterin und Koordinatorin des Internationalen Promotionsprogrammes
Performance and Media Studies. Seit 2006 ist sie Akademische Rätin am Institut für Theaterwissenschaft
der Universität München. Sie ist Redakteurin von Double. Magazin für Puppen-, Figuren- und Objekttheater.
Sie hat u.a. veröffentlicht „Of Other Bodies. The Intermedial Gaze in Theatre.“ In: Chapple, Freda and
Chiel Kattenbelt (Eds.): Intermediality in Theatre and Performance. Amsterdam, New York: Rodopi, 2006,
125-136; Nähte am Puppenkörper. Der mediale Blick und die Körperentwürfe des Theaters. Bielefeld
2003; Beyond Aesthetics. Performance, Media, and Cultural Studies. Hg. von Christopher Balme und Meike
Wagner. Trier 2004.
Gehäuse, Wechselstrom, Glotzaugen – Ein Beitrag zur Medialität des Theaters
„How does the consideration of theater as a representational genre, a form of art, relate to the understanding
of it as a medium? Can a medium be a genre? […] Is theater as medium an end, a beginning,
or both at once?“ (Weber 2004, 30)
Sam Weber berührt hier wesentliche Fragen des Verhältnisses von Theater und Medien. Es genügt nicht,
Globalauskunft zu erteilen – Theater ist Medium oder nicht – es braucht Tiefbohrungen, die wesentliche
Probleme der Repräsentationsstruktur, des angesetzten Medienbegriffs und vor allem der methodischen
Konsequenzen einer Medienperspektive für das Theater freilegen. Ist Theater als Medium ein Ende, ein
Anfang, oder gar beides? Macht die Perspektive des Mediums Sinn für das Theater? Welche Sichtweisen
ermöglicht eine Operationalisierung der Begriffe ‚Medium’ und ‚Medialität’? Das Theaterereignis
wird in meinem Beitrag als mediales Setting begriffen, das in einem produktiven Prozess Zuschauer,
Akteure und Diskurse als solche erst hervorbringt. Es geht darum, eine produktive Medialität des Theaters
zu markieren, die sich außerhalb von Denkbahnen einer semiotischen Perspektive positioniert,
welche ‚Medialität’ aus der Tradition der ‚Zeichensprache’ und des ‚Codes’ fortschreibt. Wenn nun die
jüngere Theaterwissenschaft insbesondere den Zuschauer und das Ereignishafte der Aufführung mit
‚Energie’ und ‚Ko-Präsenz’ zu fassen sucht, so schwingt hier immer eine Argumentation gegen einen
apparativen Medienbegriff mit: Im Theater zirkuliert Energie zwischen ko-präsenten Körpern und differenzieren
es daher wesenhaft von medialen Apparaturen – so die verdeckte Annahme. Zu entwickeln
ist ein operativer Begriff von Medialität, der nicht die Abgrenzung des Theaters von der ‚Unreinheit’ des
Medienbegriffs vorantreibt, sondern gerade das Ereignis, die energetische Wahrnehmung und deren
mediale Verschiebungen im performativen Prozess beschreibt.
Kollegienhaus, Raum A / 15.10. / 09.30 – 10.00 Uhr
V / W
Theater & Medien 115

Abstracts
Dr. Matthias Warstat (Berlin)
Studium der Theaterwissenschaft und Neueren Geschichte in Berlin. 2002 Promotion zum Dr. phil. 1999-
2002 Wissenschaftlicher Mitarbeiter im DFG-Schwerpunktprogramm Theatralität. Seit 2002 Wissenschaftlicher
Assistent am Institut für Theaterwissenschaft der Freien Universität Berlin. Seit 2003 auch Mitglied des
DFG-Sonderforschungsbereiches 626 „Ästhetische Erfahrung im Zeichen der Entgrenzung der Künste“.
Publikationen: Auswählen und Versäumen. Wahrnehmungsmodi zwischen Fernsehen und Theater. Gemeinsam
mit Christian Horn und Sandra Umathum. In: Dies. u.a. (Hg.), Wahrnehmung und Medialität. Tübingen/Basel:
A.Francke 2001, S. 143-158; Theatrale Gemeinschaften. Zur Festkultur der Arbeiterbewegung
1918-33. Tübingen/Basel: A. Francke 2005; Vom Lampenfieber des Zuschauers. Nervosität als Wahrnehmungserlebnis
im Theater. In: E. Fischer-Lichte u.a. (Hg.): Wege der Wahrnehmung. Authentizität, Reflexivität
und Aufmerksamkeit im zeitgenössischen Theater. Berlin: Theater der Zeit 2006, S. 86-97.
Medialität des Terrors. Theater und Fernsehen im Umgang mit dem 11. September 2001
So wie sich terroristische Gewalt in den verschiedenen Medien in je besonderer Weise manifestiert, hinterlassen
umgekehrt die Medien eine je spezifi sche Spur im neuen, globalen Terrorismus.
Während das Fernsehen auf die Anschläge vom 11. September 2001 mit fi eberhafter Aktivität reagierte
und sofort eine globale Zirkulation der Bilder von den einstürzenden Twin Towers in Gang setzte, legten
die Theater im näheren Umkreis der Katastrophe zunächst eine Art Moratorium ein: Für einige Tage
blieben Bühnen und Zuschauerränge leer. Anschließend war es vielen Ensembles und Theaterbesuchern
wichtig, Arbeits- und Rezeptionsgewohnheiten in größtmöglicher Kontinuität fortzusetzen. Eingespielte
ästhetische Präferenzen und soziale Konventionen der Aufführungspraxis wurden wieder aufgenommen
– dies aber in einer demonstrativen und zum Teil rituell-therapeutischen Haltung. Die Besonderheiten
der amerikanischen Theater- und Performancekultur wurden weniger in Frage gestellt als vielmehr
bestätigt und bekräftigt, wobei innerhalb der etablierten Traditionslinien unterschiedliche Versuche einer
theatralen Bearbeitung des Traumas vom 11. September unternommen wurden. Im Gegensatz zum
Fernsehen, das primär zur medialen Verbreitung und erst in zweiter Linie zur Refl exion des Schreckens
beitrug, verlegten sich etliche Theatermacher und Performancekünstler auf die Suche nach therapeutischen
Strategien. In der Analyse dieser Strategien treten Räumlichkeit, Zeitlichkeit und Materialität des
Theaters als spezifi sche Ressourcen, aber auch als Hindernisse hervor.
Der Beitrag untersucht Funktionen und mediale Voraussetzungen der unterschiedlichen Reaktionen von
Theater und Fernsehen auf den neuen ‚Megaterrorismus‘. Dabei sind philosophische und politikwissenschaftliche
Positionen zu bedenken, die von besonderen Affi nitäten zwischen Theater, Theatralität und
Terrorismus ausgehen.
Kollegienhaus, Raum D / 13.10. / 17.45 – 18.15 Uhr
116 Theater & Medien

Prof. Dr. Birgit Wiens (Dresden)
Professorin für Theatergeschichte und Produktionsdramaturgie an der Hochschule für Bildende Künste
Dresden. Kuratorin div. Veranstaltungen zum Themenfeld Theater/Medien am ZKM | Zentrum für Kunst und
Medientechnologie Karlsruhe, zuletzt „Theaterräume – Medienräume: Recherchen für eine andere Szenografie“
(2004); Mitglied der Arbeitsgruppen „Theaterhistoriographie“ / Gesellschaft für Theaterwissenschaft
sowie „Intermediality“ / IFTR – FIRT.
Theater als Online-Business? Neue Ökonomien, neue Spielregeln
Der Vortrag beschäftigt sich mit dem Themenkomplex Theater & Netzkunst; dabei geht es um die Frage,
wie Künstler auf die Beobachtung reagieren, dass sich das Internet kaum – wie noch vor wenigen Jahren
hoffnungsvoll angenommen – als Medium einer vielstimmigen „Beteiligungsdemokratie“ (Pöppel/
Maar) etablieren konnte; statt dessen sieht es sich, interpretiert als „neuer Markplatz“ und Netzwerk für
werbliche Kommunikation sowie Online-Selling und Produktvertrieb, zu weiten Teilen kommerziell in den
Dienst genommen: in einem schier grenzenlos beschleunigten Handel, der im Online-Trading an den
internationalen Börsen kulminiert. Das Performanceprojekt „Dead Cat Bounce“ von Christopher Kondek
hat diese Problematik formal und inhaltlich zum Thema gemacht (2005). Konzipiert wurde es als „interaktives
Lehrstück“ über die Funktionsmechanismen der Börse und als „Refl exion über die Ressource
Zeit im Medienzeitalter“. Aktiv, in Echtzeit und mit eigenen Käufen und Verkäufen schalten sich Kondeks
Team und sein Publikum in das Geschehen an der New Yorker Börse ein – in einem intermedialen Spiel
zwischen realer, virtueller und theatraler Performance: Big Business als Drama. –
Schwerpunktmäßig in Auseinandersetzung mit Chris Kondeks Projekt interessiert sich der Vortrag für
Profi l und Konzeption des sog. „Onliners“; dieser gilt den Wirtschaftstheoretikern als aktiver Konsument
in der sich abzeichnenden ‚elektronischen Self-Service-Gesellschaft’; durch sein Kommunikations- und
Kaufverhalten könne der ‚Onliner’ auf die ‚Business Performance’ der Anbieter spürbaren Einfl uss nehmen.
Zeitigt dies Konsequenzen auch im Feld der Kunst, schlägt sich ein solches Online-Verhalten, als
Muster, auch im Verhältnis zwischen den Theatern und ihrem Publikum nieder (ablesbar beispielsweise
anhand der Internetauftritte von Theatern, ihrer Selbstdarstellung, ihres Marketings, ihrer Booking-
Funktionen etc.)? Wie verhält sich Kunst tendenziell zu den Mechanismen werblicher Kommunikation
und Vermarktung im Netz? Inwiefern wird diese Problematik (die Frage nach dem Zusammenhang von
Interaktivität und Kommerz) auf künstlerischer Ebene thematisiert, in Kondeks ‚interaktivem Lehrstück‘
„Dead Cat Bounce“ oder auch Netzkunstprojekten wie Herbert Fritschs „hamlet_X“? Zu welchem Grad
ermöglicht die Position des ‚Onliners’ den Beteiligten widerständige Gesten der Kritik, Verschiebung und
Subversion? Inwieweit lässt sich dieser Begriff zur Analyse eines neuen Publikumsverhaltens produktiv
machen?
Kollegienhaus, Raum C / 15.10. / 09.30 – 10.00 Uhr
W
Theater & Medien 117

Abstracts
Dr. Jörg Wiesel (Basel/Berlin)
Studium der Theaterwissenschaft in München; Lehrtätigkeit, Wissenschaftlicher Mitarbeiter/Assistent an
den Universitäten/Hochschulen in Kiel, Giessen, Basel und Zürich; aktuell: Wissenschaftlicher Assistent am
Deutschen Seminar der Universität Basel und Gastdozent am Institut für Theaterwissenschaft der Freien
Universität Berlin; Promotion zum politischen Imaginären der zwei Körper des Königs und dem Theater des
19. Jahrhunderts; Habilitationsschrift zur Theatralität der Piraterie.
Publik. zum Thema: Schauspielen als forschende Praxis. Sebastian Nübling, Rafael Sanchez und Stefan
Pucher aus der Nähe beobachtet, in: Theater Basel, Neunzehnsechsundneunzig bis Zweitausendeins, Basel:
Schwabe 2006, S. 450-454; Revolver, Kutsche, Eisenbahn. Eine kleine Mediengeschichte der Gewalttätigkeit
im amerikanischen Western, in: Anne von der Heiden (Hg.): Ideologische Mechanismen der Gewalt,
Weimar: VDG 2006, S. 165-188.
„The Baa-Lamb‘s Holiday“. Zur Intermedialität des Tieres
Zentral für meine Argumentation wird sein, dass der im Drama Leonora Carringtons The Baa-Lamb‘s
Holiday (1940) angelegte Prozess des Tier-Werdens, wie Gilles Deleuze und Félix Guattari es genannt
hätten, besonders bei der Figur Jeremy, im Theater im intermedialen Einsatz eines anderen Mediums
– des Films – aufgefangen, wiederholt und gedoppelt wird. Jean-Luc Godards Film Le Mépris (1963),
der auf dem Roman Il disprezzo (1954) von Alberto Moravia basiert, wird allein über seine Tonspur in
die Inszenierung von Jossi Wieler (Münchner Kammerspiele, 2003) integriert. Der zunächst einzige
semantisch aufl ösbare Kontakt/die einzige semantische Parallele zwischen Carringtons Drama (Wielers
Inszenierung) und Godards Film ist der Name Jeremy: Jeremy ist bei Carrington die zwitterhafte Bestie,
das Tier mit enorm erotischer Ausstrahlung. Im Konzept der Münchner Dramaturgie liegt der Ansatz,
dem sperrigen, surrealen Text Leonora Carringtons mit der Intervention eines intermedialen Einsatzes
zu begegnen. Jeremys Interposition als die zwischen Mensch und Tier wird im intermedialen Einsatz
gedoppelt und unterbrochen. Die bei Carrington angelegte surreale Intermedialität des Menschen selbst
– als Spaltung in Mensch und Tier (als Figur einer begehrenden Bestie), ihre als anthropologischer
Fixpunkt eingetragene intrahumane Trennung zeigt auf Giorgio Agambens Überlegungen zu Mensch
und Tier. Genauer und zum Schluss: Der intermediale Einsatz des Films von Jean-Luc Godard in der
Münchner Inszenierung genau an der Stelle, wo der Mensch Tier und das Tier Mensch ist, überzieht die
politische Brisanz des Dramas von Carrington mit der Tonspur von beider Verschmelzung. Die Radikalität
aber, die sowohl der Text wie auch Godards Film besitzen, öffnet uns für weitergreifende Refl exionen zur
Intermedialität des Tieres (im Theater und Film).
Kollegienhaus, Raum C / 14.10. / 10.30 – 11.00 Uhr
118 Theater & Medien

Dr. Isa Wortelkamp (Berlin)
Isa Wortelkamp, geb. 1973, studierte Angewandte Theaterwissenschaft in Gießen und promovierte 2003
mit dem Titel Sehen mit dem Stift in der Hand – die Aufführung im Schriftzug der Aufzeichnung. Seit 2003
ist sie wissenschaftliche Mitarbeiterin bei Prof. Gabriele Brandstetter am Institut für Theaterwissenschaft der
Freien Universität Berlin. Zuvor arbeitete sie im Forschungsprojekt von Prof. Claudia Jeschke Zur Modellierung
von Fremdheit im Tanztheater des 19. Jahrhunderts. Ihre Arbeitsschwerpunkte sind das Verhältnis von
Aufführung und Aufzeichnung, Bewegungsanalyse und -notation, Choreographie und Architektur.
Veröffentlichungen im Kontext der Kongressthematik Sehen mit dem Stift in der Hand – die Aufführung
im Schriftzug der Aufzeichnung, Freiburg i. Brsg. 2006. (im Erscheinen), „Flüchtige Schrift/Bleibende
Erinnerung”, in: Tanz. Theorie. Text, hg. von Gabriele Klein und Christa Zipprich, Münster 2002, 597-609;
„Von der Wanderung zur Geraden zur Schrägen“, in: Andere Körper – Fremde Bewegungen, Theatrale und
öffentliche Inszenierungen im 19. Jahrhundert, Münster 2005, 183-196.
Tanz der Figuren – zur Darstellung von Bewegung in den Bildern des Hans von Marées
Wie viel Bewegung steckt im Bild? Wie erfahren wir Bewegung im Bild und was sind die Bedingungen
dieser Erfahrung? Wie lässt sich diese Erfahrung von Bewegung beschreiben?
Mit diesen Fragen unternimmt der Vortrag eine tanzwissenschaftliche Betrachtung der Darstellung von
Bewegung im Bild anhand der Malerei von Hans von Marées (1837-1887), der sich wie kaum ein anderer
Maler des späten 19. Jahrhunderts der Darstellung der menschlichen Figur widmete. Dabei dienen
die in Bewegung begriffenen Körper in ihrer Ein- und Anordnung in das Bildganze einer übergreifenden
Gestaltung von Bewegung im Bild – lassen Bewegung als eine dem Bild immer schon eigene erfahrbar
werden.
Die Komposition und Konstellation der Figuren, ihrer Proportionierung und Ausrichtung im Raum werden
hier zum wesentlichen Gestaltungsprinzip der Rhythmisierung und Strukturierung des Bildes. Im fi guralen
Zusammen und Auseinander verhalten sich die Figuren durch eine Anzahl möglicher Verbindungslinien
und Richtungsbezüge in bewegter Weise zu einander: Die Schräge eines aufgestützten Armes
spiegelt sich im abgewinkelten Spielbein eines anderen, eine Hand weist in Richtung eines Winkels,
der sich in einer nebenstehenden Figur wiederholt. Die Überlänge der Gliedmaßen lässt die Winkel der
einzelnen Gelenke überdeutlich hervortreten, bestimmt die Umräume und Zwischenräume der einzelnen
Körper und verändert die Gestaltung der Bewegung im Bild. Die Bewegungen der Maréesschen Figuren
setzen sich in den sie umgebenden Formen fort und bringen das Bild zum tanzen.
Mit der Frage nach der Darstellung von Bewegung im Bild widmet sich der Vortrag den Verhältnissen
von Bewegung und Stillstand, Statik und Dynamik wie sie auch den kunstwissenschaftlichen Diskurs um
das Verhältnis von Zeit und Bild bewegt. Eine tanz- bzw. bewegungswissenschaftliche Refl exion fokussiert
hier die Übertragung von Bewegung ins Bild und damit von einem Medium in ein anderes, wobei
die medialen Grenzen, wie zu zeigen sein wird, im Hinblick auf die Wahrnehmung von Bewegungsbild
und Bildbewegung an Konturen verlieren.
Kollegienhaus, Raum A / 15.10. / 11.00 – 11.30 Uhr
W
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