De:Bug 169

TEXT JI-HUN KIM
Es gibt wohl keinen Künstler, der so eng mit der
Geschichte von Ableton Live verbunden ist wie
Robert Henke aka Monolake. Er gestaltete Live von
Anfang an maßgeblich mit und hat den Workflow eines
jeden Ableton-Produzenten geprägt und vereinfacht.
Im Gespräch geht es um die Weltherrschaft
des Brostep, das Riesenpotential von Max for Live,
wie alles anfing und welche Rolle Hans Zimmer dabei
gespielt hat.
Wie ging das los, mit Live?
Ich erinnere mich noch genau an die NAMM 21.
Damals gab es schon eine starke Szene, die mit Super
Collider und Max/MSP den ganzen Glitch-Kram auf die
Bühne brachte. Als Technologie war es also erprobt, es
gab nur keinen Mainstream dafür. Logic-Anzeigen sahen etwa
so aus: der Porscheschlüssel auf dem Riesenmischpult
und dahinter zwei Screens mit Logic - der erfolgreiche
Produzent, der es in Hollywood geschafft hat, benutzt Logic.
Phil Spector und Dr. Dre ...
Exakt. Leute aus dem elektronischen Untergrund existierten
nicht. Als wir Live entwickelten, wussten wir dagegen,
welchen Markt es erschließen wird. Gerhard (Behles,
Ableton-Gründer, Anm. d. Red.) und ich favorisierten als
Monolake einen Stil aus gemeinsam Jammen und nachträglich
Editieren, der dann Grundidee für Live wurde.
Zentral war das Arrangement-Protokoll, das aus der
Frustration entstand, dass wir unsere Sessions mit DAT
aufnehmen mussten: Stundenweise Material, alles prima,
bis auf diese eine HiHat. Wir wollten also in den Verlauf
und einzelne Elemente rausnehmen können. Das war Live 1,
ein Tool für Nerds, das der Struktur der damaligen Techno-
Livesets entgegenkam.
Schnell wurde Live aber auch für andere Musiker
interessant.
Am ersten Tag der NAMM war nicht viel los, am zweiten
Tag kam mittags ein stattlicher Herr mit einer 2-köpfigen
Entourage, der mich auf Englisch mit hartem deutschen
Akzent zum Produkt befragte. Er hätte gehört, es wäre doch
ganz cool und war vor allem von der stufenlosen Audio-
Manipulation von 2 BPM auf 99 BPM angetan. Ich war
derart damit beschäftigt, ihm die Details zu erklären, dass
ich nicht auf sein Namensschild geachtet habe. Am Ende
lese ich Hans Zimmer. Eine halbe Stunde später war in den
USA dann die Hölle los! Es hatte sich herumgesprochen:
Hollywoods wichtigster Komponist hat da was entdeckt!
Plötzlich kamen andere Interessenten aus dem Bereich
Film, und dann wurde das Theater darauf aufmerksam.
Wir verdanken ihm viel.
Worin liegt der Erfolg gerade im Theater?
Live kostet einen Bruchteil anderer Lösungen und kann
mehr. Im Theater muss man per Knopfdruck Dinge abfeuern
können. Du musst reagieren, Sachen ändern können. Ein
Musikstück verlangsamen zum Beispiel, ohne die Tonhöhe
zu verändern, damit der Musiker auf der Bühne weitermitspielen
kann.
Wie ging es weiter?
Live wurde also von der Elektronik-Community gut aufgenommen.
Leute machen aber immer das, was am einfachsten
ist, und die Folge war, dass irgendwann alle Live-
Sets ähnlich klangen. Alle haben Timestretch benutzt,
irgendwelche Beatloops reingeschmissen. Dass dabei
diese typischen Artefakte auftauchten, hat man hingenommen
und jeder dachte: Das ist jetzt mein Style! Am
Ende gab es diesen "Ableton-Sound", den alle hatten.
Wodurch die Stimmung ein bisschen kippte, aber kurze
Zeit später passierte etwas Spannendes: Live hat Leuten
plötzlich Dinge ermöglicht, die sie vorher nicht tun konnten.
Vieles ist professioneller geworden, sowohl vom Klang als
auch von den Arrangements. Aber die Zeit, die ein Werkzeug
braucht, um kreativ angewandt zu werden, wird gemeinhin
unterschätzt. Das fängt meines Erachtens gerade erst an.
Heute ist Live Producer-Performance-Standard.
Mittlerweile nutzt jeder Live und die Lager teilen sich
wieder. In die, bei denen man denkt: Wow, das ist abgefahren
und virtuos und jene, die machen, was man eben
damit macht: Presets abfeuern, Crossfader, fertig. Das
Schöne ist, dass man Leute sieht, die damit so umgehen,
wie man es sich in den kühnsten Träumen nicht vorstellen
konnte.
Wer sind deine persönlichen Ableton-Pioniere?
Viele. Aber eine CD fällt mir ein, die uns alle amüsiert
hat. Es war ein Album von DJ Krush, wo die ganzen nervigen
Timestretch-Artefakte bis zum Abwinken zu hören sind,
aber als konsequent durchgezogenes Stilmittel. Das war
der heiße Scheiß für ihn und irgendwie brillant. Technikaffine
Menschen wie Richie Hawtin haben Live sofort für sich vereinnahmt.
Radiohead haben sich früh dafür interessiert.
Anfangs fand ich das merkwürdig, ich habe ja diverse
Effekte für die Software gebaut, unter anderem das Grain
Delay und den Resonator. Zu hören, wie Leute Presets und
Samples, die ich zuvor produziert hatte, untransponiert, 1:1
abfeuern, hat mich irritiert.
Wird es den Leuten zu einfach gemacht?
Es gibt natürlich diese Riege altbekannter Produzenten
mit viel Equipment, die Anfang der 9er erfolgreich waren
und sich heute aufregen, dass jeder Hampelmann
mit Live Musik machen könne. Dabei wird verkannt,
dass Qualität noch immer Ergebnis einer persönlichen
Auseinandersetzung ist. Jeder kann einen Roman schreiben:
Bleistift, Papier oder Word und Laptop hat jeder,
dennoch gibt es Qualitätsunterschiede. Die
Demokratisierung der Produktionsmittel ist ein wichtiges
Ergebnis unserer Arbeit mit Live. Früher war es mitnichten
so, dass nur die Besten nach oben gekommen sind,
das ist ein Mythos. Es war viel davon abhängig, was für ein
Elternhaus du hattest, wie viel Geld, welche Connections,
daher teile ich diesen Kulturpessimismus nicht. Heute gibt
es mehr tolle Musik, Videos und Medienkunst als je zuvor!
Ableton-Livesets von Skrillex und Deadmau5 füllen in
den USA Stadien.
Ich kenne Amerika als ein gespaltenes Land, eben auch
in der Elektronik. Es gibt viele wichtige Programmierer.
Stanford, MIT, Cycling 74/Max MSP, die FM-Synthese
wurde in den USA erfunden. Dort wird Unglaubliches
bewegt. Der Mainstream hat das aber als Kunstform
immer verneint. Wie es dazu kommen konnte, dass
Brostep ausgerechnet jetzt so eingeschlagen ist, bleibt
»Die Zeit, die ein Werkzeug
braucht, um kreativ angewandt
zu werden, wird
gemeinhin unterschätzt.
Das fängt meines Erachtens
gerade erst an.«
mir unklar, ist aber sehr amerikanisch. Wenn man etwas
macht, dann gleich superfett. Überkomprimiert auf die
12, Maximum mit Weltherrschaftsanspruch. Diese neue
Selbstverständlichkeit von Computermusik hat aber
seine Vorteile. Ein Rechner mit Soundkarte löst heute
weder bei der Security am Flughafen, noch bei irgendwelchen
Tontechnikern Verwunderung aus. Das finde ich
persönlich außerordentlich entspannend.
Dafür weiß niemand mehr, was im Studio und auf der
Bühne konkret passiert. Der Künstler verschanzt sich
hinterm Bildschirm.
Musik am Computer hat ein großes Problem. Von der
Haptik her ist er nicht zum Musik machen gedacht. Ich hatte
einmal das Vergnügen mit einem exzellenten Jazzmusiker zu
improvisieren und bin gescheitert. Die Geschwindigkeit, wie
der Musiker zwischen Skalen, Tonarten und Tempi wechseln
konnte, war eine Sache, noch beeindruckender war aber der
Ausdruck, da bin ich nur noch hinterher gelaufen. Es gibt
im Bereich Musiksoftware kein annäherndes Äquivalent, das
diese Art der Virtuosität ermöglicht. Gleichzeitig war es historisch
wichtig, dass Musiker sagten: Ich mache jetzt elektronische
Musik und will keine Virtuosität oder Ausdruck. Ich
will Struktur, aber verwehre mich den endlosen Gitarrensoli
der Rockmusik.
Man musste einmal den Gestus abschaffen.
Genau. Heute stellt man aber fest, dass es vielleicht
gar nicht so schlecht ist, als Musiker virtuos zu sein. Die
Frage ist dann: Was bedeutet Virtuosität am Computer?
Vor acht Jahren habe ich mir den Monodeck-Controller gebaut.
Quasi die Ur-APC. Ich wollte spielen, ohne auf den
Computer zu schauen. Das war die beste Zeit.
Jetzt kommt Live 9 mit Max for Live.
Das ist in vielerlei Hinsicht spannend, weil die Konzepte
so unterschiedlich sind. Live gibt Schemata vor, eine formalisierte
Umgebung, die jeder verstehen kann. Max ist das
andere Extrem, eine Software, die erstmal keine Timeline
kennt. Sie kennt keine Polyphonie, keine Tonhöhen, es sei
denn man programmiert sie. Max ist quasi das Gegenteil
von Live und dennoch gibt es Überschneidungen. Ich nutze
beides, kenne aber auch die Vor- und Nachteile. Es ist also
ein historischer Zufall, dass Gerhard, ich und andere bei
Ableton schon seit vielen Jahren mit den Jungs von Cycling
74 befreundet sind. Die Frage war, wie man beide Produkte
mit großem Synergieeffekt zusammenbringen kann. Was
als Max for Live herausgekommen ist, ist in vielerlei Hinsicht
noch nicht fertig und es gibt noch offene Fragen. Wichtig ist
aber die Grundidee. Den Mainstream von Live und die offene
Architektur von Max zusammenzubringen, kann noch
viele neue Welten eröffnen.
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