BOLD Interview No.2

WWW.BOLD-MAGAZINE.EU
INTERVIEW SPECIAL
D 12.00 EUR // AT 14.00 EUR // CH 18.00 CHF No. 2
BOLD THE MAGAZINE // SPECIAL EDITION
SPECIAL
KING OF COOL
SAMUEL L. JACKSON
IM INTERVIEW
JENNIFER GARNER // ANTONIO BANDERAS
CHRISTOPH WALTZ // PATRICK DEMPSEY // BEN MENDELSOHN
THE CRANBERRIES // MATTHEW McCONAUGHEY

4 // BOLD INTERVIEW IMPRINT
CONTENTS
INHALTSVERZEICHNIS
UND THEMEN
Warum Leidenschaft Mumpitz ist:
Christoph Waltz ............................................................................................................................. 6
Der Unauffällige:
Ben Mendelsohn ........................................................................................................................... 12
Letzter Gruß:
The Cranberries ............................................................................................................................. 20
Cool Stuff
TAG Heuer Autavia Calibre 5 .................................................................................................... 24
Best Watches ................................................................................................................................... 42
Action ist ihr Fach:
Jennifer Garner .............................................................................................................................. 28
King of Cool:
Samuel L. Jackson ......................................................................................................................... 36
Crescent City oder The big easy:
OOFOS-Gründer Lou Panaccione .......................................................................................... 48
Lernprozess Älterwerden:
Antonio Banderas ......................................................................................................................... 54
The Changeable:
Matthew McConaughey ............................................................................................................ 62
Die letzte Seite:
Impressum ....................................................................................................................................... 68

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WARUM
LEIDENSCHAFT
MUMPITZ IST
CHRISTOPH WALTZ
INTERVIEW: P. HEIDMANN

8 // BOLD INTERVIEW INTERVIEW / CHRISTOPH WALTZ
Christoph Waltz kann nicht nur Tarantino und Bond-Bösewicht, sondern auch Science
Fiction. Zu sehen ist das in „Alita: Battle Angel“ von Robert Rodriguez, einer Graphic
Novel-Verfilmung, in der er als Wissenschaftler einen Cyborg vom Schrottplatz rettet.
Für BOLD eine gute Gelegenheit, den zweifachen, längst in Los Angeles lebenden Oscar-
Gewinner zu einem ausführlichen Gespräch im Berliner Adlon Hotel zu treffen.
Willkommen in Berlin, Herr Waltz. genden Restaurant gerade eine wunderbare
Spüren Sie noch ein Gefühl des
Mahlzeit kredenzt bekommt, dann
Nach-Hause-Kommens, wenn Sie in
Berlin ankommen?
muss man doch auch nicht wissen, was der
Koch empfunden hat, als er auf dem Markt
das Gemüse ausgesucht hat. Ich habe
Nein, aber das habe ich nie. Ich habe hier
zwar mal gelebt, aber Wohnen und zu
Hause sein, das sind zwei verschiedene
Angelegenheiten. Aber natürlich gibt es
noch eine Art von Vertrautheit, wenn ich
nach Berlin komme.
immer das Gefühl, ich würde mir selber
den Teppich unter den Füßen wegziehen,
wenn ich über die Hintergründe meiner
Arbeit spreche. Mit meinen Erklärungen
komme ich doch dem, wofür ein Film
gemacht wird, nämlich dem Erleben des
Zuschauers, ins Gehege – und das möchte
Ihr neuer Film „Alita – Battle Angel“ ich nicht.
wurde von Robert Rodriguez inszeniert,
der genau wie Sie ein Freund
und Wegbegleiter von Quentin Tarantino
ist. Kannten Sie sich also schon
Aber war es zumindest ein Anreiz,
dass Sie dieses Mal keinen Bösewicht
spielen?
vor diesem Film?
Darüber denke ich gar nicht nach. Ob
Da liegen Sie falsch, wir kannten uns nicht.
Es gibt viele Freunde von Tarantino, die ich
nicht kenne.
jemand ein Bösewicht ist oder nicht, auch
das muss das Publikum entscheiden, nicht
ich. Manchmal ist es auch interessant, mit
Menschen zu sprechen, die eine Rolle ganz
Was hat Sie denn an diesem Film
interessiert?
anders wahrgenommen haben und gar
nicht verstehen, warum sie von anderen als
„böse“ bezeichnet wird.
Das ist völlig irrelevant. Wichtig ist, was
den Zuschauer daran interessiert. Sicherlich
nehme ich keine Rollen an, die mich
nicht interessieren und in denen ich nichts
Kann man es sich denn in Hollywood
erlauben, nicht über sein Image nachzudenken?
für mich finde. Aber ich rede ungern
darüber. Wenn man in einem hervorra- Keine Ahnung. Kann gut sein, dass man
sich das eigentlich nicht leisten kann. Aber
dann ist das eben ein Luxus, den ich mir
gönne.
Würden Sie aber den Menschen da
draußen sagen: Lebe Deine Leidenschaft
...
Nein, das ist doch Humbug. Erstens hält
es nicht jeder aus, seine Leidenschaft zu
leben. Zweitens ist überhaupt gar nicht
alles leidenschaftlich behaftet. Drittens
existieren vielleicht gar nicht bei jedem
solche Leidenschaften und können also
auch nicht einfach aus der Luft gegriffen
werden. Und am wichtigsten ist doch,
dass es gar keinen zwingenden Hinweis,
geschweige denn einen Grund gibt, dass
dadurch, dass man seine Leidenschaft
lebt, sich irgendetwas verbessert. Nur weil
man nicht leidenschaftlich für seinen Beruf
brennt, fehlt einem nicht automatisch
etwas. Das ist Mumpitz!
Für Sie ist doch aber sicherlich die
Schauspielerei eine echte Leidenschaft,
oder?
Überhaupt nicht! Das ist mein Beruf, und
das ist bei uns nicht anders als in anderen
Pflegeberufen auch. In der Medizin ist
das Pflegepersonal am besten, das ohne
Leidenschaft bei der Sache ist. Ärzte, die
leidenschaftlich Ärzte sind, machen oft
ganz schwerwiegende Fehler.
Welche Fehler würden Sie denn
machen, wenn Sie ein leidenschaftlicher
Schauspieler wären?

Fotos: Twentieth Century Fox

INTERVIEW / CHRISTOPH WALTZ
BOLD INTERVIEW // 11
Den größten Fehler überhaupt, nämlich
Ihnen vermitteln zu wollen, wie leidenschaftlich
ich bin! Tatsächlich geht es
mir nur um die Geschichte. Dass da mal
Leidenschaft drin ist oder man selbst
bestimmten leidenschaftlichen Tendenzen
nicht entkommt – das kann ja sein. Aber
das hat nichts mit dem Beruf an sich zu tun.
Sie haben früher auch Durststrecken
in diesem Beruf erlebt und waren nicht
so erfolgreich wie heute. Braucht man
in solchen Phasen nicht eine Art von
Leidenschaft, um weiterzumachen?
Überhaupt nicht. Was einen weitermachen
lässt, ist Sturheit, ökonomische Notwendigkeit
oder einfach Durchhaltevermögen.
Leidenschaft verhilft einem höchstens
zu größerer Frustration, aber nicht zum
Durchhalten. Dafür braucht man keine
Leidenschaft, sondern Insistenz.
Haben Sie also damals die Schauspielerei
nicht an den Nagel gehängt, weil
Sie ein sturer Bock sind oder weil Sie
schlicht nichts anderes konnten?
Genau diese ganze Palette von Gründen.
Weil ich nicht wusste, wie ich sonst
meinen Lebensunterhalt verdienen würde.
Und weil mir nichts anderes eingefallen
ist. Im Übrigen ist das in jedem Beruf
so, in jeder Beziehung, selbst bei einem
Hobby, das man nur zum Vergnügen
betreibt: Irgendwann kommt man an
einen Punkt, wo Durchhaltevermögen
gefragt ist, nicht Leidenschaft, wenn man
weiterkommen will.
Kann man das Durchhaltevermögen
lernen, das letztlich ja auch eine Form
der Leidenschaft beinhaltet?
Ja, kann man. Einfach dabeibleiben. Aber
das muss man üben. Vielen fällt das nicht
leicht, sie sind nicht gut darin. Doch wenn
sie trotzdem weitermachen, dann ist das
das wahre Durchhaltevermögen.
Pflegen Sie denn, um das Thema
dann auch abzuschließen, überhaupt
irgendwelche Leidenschaften?
Ich habe eine Leidenschaft für gute Filme.
Von denen gibt es nicht viele, aber wenn sie
gut sind, dann sind sie richtig gut. Die sehe
ich, wie man so sagt, sehr gern.
Was haben Sie denn – jenseits Ihrer
eigenen Arbeiten – zuletzt gesehen,
was Ihnen gut gefallen hat?
Meine eigenen Sachen sehe ich mir
ohnehin nicht an. Es gibt so viel Interessantes
zu sehen, da brauche ich nicht noch
etwas, das ich sowieso schon gut kenne. Ich
sehe bestimmte Genres gerne, das Film Noir
zum Beispiel. Und italienische Komödien
aus den fünfziger und sechziger Jahren.
Zuletzt habe ich außerdem viele Filme von
Hal Ashby geschaut, weil die eine Art der
Betrachtung haben, die ich sehr vermisse.
In welchem Sinne?
Das sind Geschichten, die unser Leben in
unserer Welt betreffen. Sie sind mit einem
liebevollen, wenn auch kritischen Auge
beobachtet und auf leichte, amüsante Art
erzählt.
Als zweifacher Oscar-Gewinner sind
Sie natürlich Mitglied der Academy
of Motion Picture Arts and Sciences
und bekommen jedes Jahr dutzende
Filme geschickt, um über die nächsten
Nominierungen abzustimmen. Sehen
Sie sich die alle an?
Das ist gar nicht zu machen, das müsste
man hauptberuflich tun. Aber ich versuche
natürlich, vieles anzuschauen. Ich muss
allerdings auch gestehen, dass mich nicht
alles interessiert. Ich kann das nicht zur
Verpflichtung werden lassen, die meine
ganze Zeit in Anspruch nimmt. Für das
Gremium, das über die Kategorie Bester
fremdsprachiger Film entscheidet, kann
man sich freiwillig melden, und eigentlich
täte ich das gern. Aber dafür müsste
man eigentlich vier Monate lang exklusiv
zur Verfügung stehen, sonst kann
man die vielen Filme gar nicht bewältigen.
Und um nur mal so hinein zu
riechen, ist das in meinen Augen zu viel
Verantwortung.
Also stimmen Sie gar nicht mit ab?
Ich wähle nur ausgewählt, als Überzeugungstäter.
WEITERE INFORMATIONEN:
www.alitabattleangel-derfilm.de

DER
UNAUFFÄLLIGE
BEN MENDELSOHN
AUTOR & INTERVIEW: A. WAGNER

INTERVIEW / BEN MENDELSOHN
BOLD INTERVIEW // 15
Hollywood hat einen neuen Bösewicht: nach „Rogue One: A Star Wars Story“, „Ready
Player One“ und „Robin Hood“ darf Ben Mendelsohn nun auch in „Captain Marvel“ für
Unheil sorgen. Doch der Australier hat bereits einen langen Karriereweg hinter sich.
Über Seifenopern heißt es oft, sie seien für
Schauspieler eine Sackgasse, und womöglich
der achtziger Jahre eine feste Größe ist, muss
man sich schon ein wenig in der australischen
ist etwas dran an der Sache, wenn man Film- und Fernsehlandschaft auskennen.
bedenkt, aus wie vielen – oder eher: wenigen
– „Gute Zeiten, schlechte Zeiten“-Darstellern
erfolgreiche Kinostars wurden. Doch das war
nicht immer so, vor allem im englischsprachigen
Raum. Die Liste der bekannten Namen,
die in einer Soap ihre Karriere begannen,
reicht von Brad Pitt und Demi Moore bis
Leonardo DiCaprio und Kylie Minogue. Und
Schon mit 16 Jahren etwa drehte der 1969
geborene Sohn eines Medizinwissenschaftlers
und einer Krankenschwester die Serie „The
Henderson Kids“ und stand dabei gemeinsam
mit Kylie Minogue vor der Kamera. Ein paar
Jahre später war er an ihrer Seite auch in der
Seifenoper „Nachbarn“ zu sehen. Befreundet
sind die beiden bis heute.
längst hat sich dieser Reihe auch Ben Mendelsohn
zugesellt.
Für seine Rolle in dem Kinofilm „Das Jahr
meiner ersten Liebe“ wurde Mendelsohn
Der Australier mag dem Namen nach noch
nicht in der gleichen Liga spielen wie andere
der eben Genannten. Doch einer der ganz
großen Durchstarter der letzten Jahre ist er
ohne Frage. Gerade erst war er als Sheriff von
Nottingham in einer actionreichen Neuverfilmung
von „Robin Hood“ auf deutschen Kinoleinwänden
zu sehen, nun betritt er sogar die
wunderbare Superhelden-Welt von Marvel.
Wobei Mendelsohn auch in „Captain Marvel“
(ab 7. März im Kino) nicht wirklich in einer
Heldenrolle zu sehen ist, sondern lieber eine
zwielichtige übernommen hat. Als Skrull-
Anführer Talos macht er sich in den Neunziger
noch vor seinem 20. Geburtstag mit einem
Award des Australian Film Institute ausgezeichnet.
Es folgten Rollen in Filmen mit
Anthony Hopkins, Hugh Grant oder Toni
Collette sowie weitere Auszeichnungen. Nur
der ganz große, sprich: internationale Durchbruch
ließ eine ganze Weile auf sich warten.
Natürlich lockte Hollywood, doch in Filmen
wie „Knowing“ mit Nicolas Cage, Terrence
Malicks „The New World“ oder „Australia“
seines Landsmanns Baz Luhrmann spielte er
dort meist die zweite, wenn nicht gar dritte
Geige. Bis dann ausgerechnet ein kleiner australischer
Film alles änderte.
Jahren an die Invasion der Erde – und ist
dabei als Gestaltenwandler sowohl in grünlicher
Alien-Maske als auch in Menschengestalt
zu sehen. Um zu wissen, dass Mendelsohn kein
Shooting Star der letzten zehn Jahre, sondern
zumindest in seiner Heimat bereits seit Mitte
Für die durch Mark und Bein gehende Kriminalgeschichte
„Königreich des Verbrechens
– Animal Kingdom“ von David Michôd
erhielt Mendelsohn nicht nur in Australien
alle Filmpreise, sondern erregte – genau
wie seine Kolleg*innen Joel Edgerton und
Jackie Weaver – auch in den USA jede Menge
Aufsehen. Quentin Tarantino zählte den Film
2010 sogar zu seinen drei Lieblingsfilmen des
Jahres! Von da an ging es plötzlich Schlag auf
Schlag: In „Killing Them Softly“ stahl er Brad
Pitt die Show, mit Ryan Gosling drehte er erst
„The Place Beyond the Pines“ und später „Lost
River“, Christopher Nolan holte ihn für „The
Dark Knight Rises“, Ridley Scott für „Exodus:
Götter und Könige“.
Nicht immer übernimmt der Schauspieler, der
von 2012 bis 2016 mit der britischen Autorin
und Filmemacherin Emma Forrest verheiratet
war und Vater von zwei Töchtern ist,
nur Nebenrollen. Das schräge Road Movie
„Mississippi Grind“, bei dem er erstmals mit
den „Captain Marvel“-Machern Anna Boden
und Ryan Fleck zusammenarbeitete, ist auf
jeden Fall eine Entdeckung wert, genau wie
das zarte Scheidungsdrama „The Land of
Steady Habits“ von Nicole Holofcener aus
dem vergangenen Jahr. Nicht zu vergessen die
ziemlich packende Netflix-Serie „Bloodline“,
für die er sogar mit dem Emmy ausgezeichnet
und für den Golden Globe nominiert wurde.
Doch als seine Erfolgsnische hat Mendelsohn,
der im April seinen 50. Geburtstag feiert, längst
eine andere entdeckt. Wenn große Blockbuster-Produktionen
dieser Tage einen charismatisch-gefährlichen
Bösewicht suchen, dann ist
er zur Stelle. Ob in „Rogue One: A Star Wars
Story“, Steven Spielbergs „Ready Player One“
oder nun eben in „Captain Marvel“ – niemand
ist so herrlich undurchschaubar finster wie er.
Und bringt vermutlich alle „GZSZ“-Sternchen
vor Neid zum Platzen!

16 // BOLD INTERVIEW INTERVIEW / BEN MENDELSOHN
Mr. Mendelsohn, wie fühlt es sich an,
plötzlich Teil des Marvel-Universums zu
sein?
Film abwarten um zu sehen, ob ich als ihr
Widersacher dann nicht vielleicht doch
eine Nummer zu groß für sie bin.
Alles andere als außergewöhnlich. Eher
normal, würde ich sagen (lacht). Ich
scherze natürlich. Aber Ihre Frage erübrigt
sich natürlich auch, immerhin spiele
ich in „Captain Marvel“ einen Skrull –
und prächtigere, stärkere Wesen als die
sucht man im Marvel-Universum natürlich
vergeblich (lacht). Von daher könnte
ich mich nicht besser fühlen!
Die Avengers und alle anderen Helden
können also einpacken?
Absolut. Das sind alles Weicheier (lacht).
Wer ist der oder die Schlimmste?
So wie Sie hier zum Scherzen aufgelegt
sind, könnte man meinen, „Captain
Marvel“ sei eine Komödie. Durften
Sie vor der Kamera auch Ihren Humor
ausleben?
Nein, deswegen bekommen Sie das ja
gerade alles ab. Vor der Kamera bin ich
Bösewicht durch und durch, da geht es mir
um Brutalität und Bedrohung.
Sie spielen in letzter Zeit einen Bösewicht
nach dem nächsten, von „Rogue
One: A Star Wars Story“ über „Ready
Player One“ bis hin zu „Robin Hood“.
Das kann kein Zufall sein, oder?
Oh, in diese Falle werde ich nicht tappen,
da unterschätzen Sie mich. Meine Antwort
ist deswegen natürlich ganz klar: Am
schlimmsten sind die Fantastic Four. Lachhaftere
Helden hat die Welt nie gesehen.
Und ich spreche jetzt natürlich als Talos
(lacht). Die Antwort geht noch als diplomatisch
durch, oder? Immerhin sind die
Fantastic Four kein Teil der Avengers
und nur ganz am Rande Bestandteil der
heutigen Marvel-Welt.
Ihre Film-Gegenspielerin lassen Sie aber
gelten, oder?
Ja, Carol Danvers alias Captain Marvel hat
was drauf, die kann ordentlich einstecken.
Aber Sie müssen natürlich den fertigen
Vielleicht liegt der Ursprung für die Rollen
in meinem Film „Königreich des Verbrechens
– Animal Kingdom“. Das war der
erste meiner Filme, der auch jenseits
von Australien für richtig viel Aufsehen
sorgte, und damals haben wahrscheinlich
viele Regisseure registriert, dass ich
ganz passabel bedrohlich wirken kann.
Wobei ich schon betonen möchte, dass die
von Ihnen genannten Rollen doch auch
sehr unterschiedliche Facetten des Bösen
zeigen. Es ist nicht so, dass ich nur immer
wieder einen Abklatsch meiner „Königreich
des Verbrechens“-Rolle zum Besten
geben würde.
Wenn man Ihnen persönlich begegnet,
ist von Bedrohlichkeit nichts zu

Fotos: The Walt Disney Company Germany, StudioCanal

INTERVIEW / BEN MENDELSOHN
BOLD INTERVIEW // 19
spüren. Wie kommt es, dass Ihnen das
Böse so leicht fällt?
Vielleicht bin ich einfach ganz okay in
meinem Job (lacht)?
Sind Bösewichter als Rolle denn besonders
faszinierend?
Nein, finde ich nicht. Klar, in manchen
Geschichten bringen sie eine gewisse
Bedeutung und Gravität mit, das hat schon
seinen Reiz. Aber sie interessieren mich als
Figur nicht mehr als andere. Überhaupt ist
es ja nicht so, dass ich ausschließlich solche
Rollen spiele. Denken Sie zum Beispiel an
„The Land of Steady Habits“!
habe es dann immer noch in der Hand,
ein Angebot abzulehnen. Aber mehr auch
nicht.
Sie leben inzwischen seit etlichen Jahren
in den USA. Vermissen Sie manchmal
Ihre Heimat?
Klar, ich vermisse Freunde und Verwandte,
die ich inzwischen seltener sehe. Und
manche australische Spezialität, die ich in
Los Angeles nicht bekomme. Und auch die
bisweilen ruppige Art, wie die Leute miteinander
reden. Die australische Mentalität
ist recht speziell. Ich beschreibe das
immer als trockene, schwarzhumorige
Entspanntheit!
Das Drama von Nicole Holofcener, das
exklusiv bei Netflix zu sehen ist ...
Genau. Auf wenige Filme der letzten Jahre
bin ich so stolz wie auf den.
Suchen Sie denn Ihre Rollen nach einem
gewissen Rhythmus aus? So nach dem
Motto: Nach jedem großen Blockbuster
drehe ich erst einmal einen kleinen Independent-Film?
Ich würde gar nicht behaupten, dass ich
mir Rollen überhaupt aussuche. Zumindest
nicht in dem Sinne, dass ich durch die
Gegend laufe und verkünden würde, was
ich bitte wann drehen möchte. Viel mehr
suchen andere die Rollen für mich aus.
Regisseure und Produzenten, die mich
für irgendetwas haben wollen, sind es,
die meinen Rhythmus vorgeben. Klar, ich
Als Ihnen der internationale Durchbruch
gelang, waren Sie bereits über
40 und hatten schon rund 20 Jahre als
Schauspieler hinter sich. Haben Sie sich
manchmal gewünscht, er wäre früher
gekommen?
Ach, das passt. Ich war auch schon vor
„Königreich des Verbrechens“ immer mal
wieder in Hollywood und habe vorgesprochen.
Doch vor diesem Film kam nichts
dabei rum, was wirklich gefruchtet hätte.
Aber irgendwann schien die Zeit reif zu
sein. Und ich bin auch neun Jahre später
noch immer überrascht und begeistert!
WEITERE INFORMATIONEN:
www.ben-mendelsohn.com

THE CRANBERRIES / LETZTER GRUSS
BOLD INTERVIEW // 21
LETZTER
GRUSS
THE CRANBERRIES
AUTORIN & INTERVIEW: N. WENZLICK
Drei Jahrzehnte nach ihrer Gründung im irischen Limerick veröffentlichen „The
Cranberries“ mit „In The End“ ihr achtes und letztes Album. Erneut von Stephen Street
produziert, bringt die Formation ihre unglaubliche Karriere mit dem elf Tracks umfassenden
Longplayer zu einem angemessenen und kraftvollen Ende.
„The Cranberries“ – namentlich Dolores
O`Riordan, Noel Hogan, Mike Hogan und
Fergal Lawler – gingen aus der Pre-Brit-
Pop-Szene der frühen 90er Jahre hervor.
Der renommierte Melody Maker beschrieb
ihren markanten Sound als Kombination
aus Indie-Gitarren und Dolores` unverwechselbarem,
Celtic-Music beeinflusstem
Gesang als die „Stimme einer Heiligen,
gefangen in einer Glasharfe“. Mit längst
zu Klassikern avancierten Stücken wie
„Linger“, „Zombie“ oder „Dreams“ feierten
die Cranberries innerhalb kürzester Zeit
internationale Erfolge und konnten weltweit
mehr als 40 Millionen Einheiten
ihrer Alben verkaufen. Die Entstehungsgeschichte
von „In The End“ begann
bereits im Mai 2017, während die Band
sich auf Tournee befand. Bis zum Winter
2017 hatten Noel und Dolores an den
Demoversionen der Songs gearbeitet,
die heute auf dem Album zu hören sind.
„Dolores zog ihre ganze Kraft aus der
Aussicht, dieses Album zu machen und
wieder auf Tour zu gehen, um die Songs
live zu spielen“, blickt Noel zurück.
Am 15. Januar 2018 verstarb Dolores
O’Riordan, Sängerin der irischen Rockband
„The Cranberries“, überraschend in
einem Londoner Hotelzimmer. Bei der
Obduktion wurden 3,3 Promille festgestellt,
O’Riordan war in der Badewanne
ertrunken. Weil die Band sich damals
mitten in den Arbeiten an einem Album
befand, beschlossen die verbliebenen drei
Mitglieder nach langen Überlegungen,
die bereits entstandenen Demos fertigzustellen.
Mit „In The End“ erscheint nun das
letzte Album der Band.

22 // BOLD INTERVIEW THE CRANBERRIES / LETZTER GRUSS
BOLD sprach mit „The Cranberries“-
Gitarrist Noel Hogan und Schlagzeuger
Fergal Lawler über den schmerzlichen
Tod von Dolores O`Riordan, über mentale
Gesundheit und darüber, wie es für sie nun
weitergeht.
Warum haben Sie entschieden, nach dem
Tod von Dolores O’Riordan posthum
noch ein Cranberries-Album zu veröffentlichen?
Noel Hogan: Wir hatten im Sommer 2017
schon mit der Arbeit daran begonnen. Als
sich der Schock über Dolores Tod etwas
gelegt hatte, fingen wir an, das bereits
entstandene Material durchzugehen. Wir
stellten fest, wie stark die Songs waren und
fragten uns: Legen wir sie in die Schublade
und vergessen sie, oder machen wir
weiter? Nachdem wir mit Dolores‘ Familie
und mit unserem Produzenten Stephen
Street gesprochen hatten, beschlossen wir,
das Album fertigzustellen. Es fühlte sich
einfach richtig an. Wir haben keine alten
Aufnahmen ausgegraben, sondern das
sind alles neue Songs, die wir gemeinsam
aufnehmen wollten.
Hat Ihnen die Arbeit an „In The End“
geholfen, das Geschehene zu verarbeiten?
Fergal Lawler: Ich denke schon. Es war
wirklich schwer, vor allem während der
ersten Tage im Studio. Es fühlte sich
einfach merkwürdig an, und wir wussten
nicht, wie wir das schaffen sollen. Aber wir
wollten die Arbeit, die Dolores begonnen
hatte, unbedingt zu Ende bringen. Es ist,
als hätte sie uns ein Geschenk hinterlassen.
Hogan: Das Album ist ein Tribut an
Dolores und ein Abschiedsgruß an unsere
Fans. Es gibt uns allen die Möglichkeit,
damit abzuschließen.
Wenn bisher unveröffentlichte Songs von
einem Menschen erscheinen, der gerade
verstorben ist, führt einem das immer
vor Augen, wie schnell alles vorbei sein
kann.
Hogan: Das stimmt. Die ganze Erfahrung
war für uns wie eine Therapie, aber man
merkt auch, wie unbeständig alles ist. Wir
sind alle nur für kurze Zeit auf diesem
Planeten. Morgen könnte es das gewesen
sein. Wir haben dadurch gelernt, alles
etwas mehr wertzuschätzen und die Dinge
nicht als selbstverständlich zu betrachten.
Ich ertappte mich selbst manchmal
dabei, dass ich dachte, wir werden alt
– aber wenn jemand im Alter von nur
46 Jahren stirbt, merkst du auf einmal,
dass das kein Alter ist. Manche werden
doppelt so alt.
Wie haben Sie von Dolores Tod erfahren?
Hogan: Dolores Bruder rief mich an.
Er sagte nur: „Dolores is gone“, und ich
wusste zuerst gar nicht, was er meint. Bei
Dolores hätte das alles Mögliche bedeuten
können. Als ich schließlich verstand,
was passiert war, fühlte es sich unwirklich
an. Am Freitag hatte ich mehrmals
mit ihr gesprochen, am Sonntag hatte sie
uns noch gemailt – und am Montag war
sie tot. Es machte einfach keinen Sinn.
In meiner Erinnerung ist der Tag total
verschwommen. Ich stand einfach unter
Schock.
Es war bekannt, dass Dolores an Depressionen
und einer bipolaren Störung litt.
Als sie starb, soll es ihr aber gut gegangen
sein?
Hogan: Ja, zwei Tage vor ihrem Tod kaufte
sie sich noch Möbel für ihr neues Haus,
das sie gerade baute. Unsere Unterhaltungen
drehten sich darum, in der Zukunft
zusammenzuarbeiten. Es war frustrierend,
im Internet anschließend all die Spekulationen
von Menschen zu lesen, die Dolores
nie getroffen haben. Auch wenn die Untersuchungen
zu dem Zeitpunkt noch nicht
abgeschlossen waren: Wir wussten, dass
sie sich nicht selbst etwas angetan hatte.
Es ging ihr gut und sie freute sich auf die
Zukunft.
Lawler: Einigen Songs auf „In The End“
hört man das an. Unsere Alben sind immer
eine Mischung aus düsteren und fröhlichen
Liedern gewesen, und das ist auch dieses
Mal so. Auf „Lost“ und „In The End“ klingt
Dolores sehr verletzlich, aber es gibt auch
richtig optimistische Stücke. Ich denke, die
Leute werden überrascht sein.
Musikalisch erinnert das Album an Ihr
Frühwerk. Eine bewusste Rückkehr?
Hogan: Wir versuchten, die Musik dem
Gesang anzupassen. Dolores nahm die
Demos ja bei sich Zuhause auf. Ihre

THE CRANBERRIES / LETZTER GRUSS
BOLD INTERVIEW // 23
Stimme klingt dadurch sehr sanft, so wie
bei unseren ersten Alben. Schon als wir
die ersten Demos hörten, fühlten wir uns
dadurch an unsere frühen Sachen erinnert.
Gegründet haben Sie die Band 1989.
Können Sie sich an Ihre erste Begegnung
mit Dolores erinnern?
Hogan: Wir hatten damals gerade erst
angefangen, zusammen Musik zu machen,
und suchten noch einen Sänger oder eine
Sängerin. Ein Schulfreund schlug Dolores
vor. An einem Sonntagnachmittag kam
sie bei uns vorbei – ein kleines, leises
Mädchen. Sie hatte ein Casio-Keyboard
dabei und spielte ein paar Songs vor. Ihre
Stimme war einfach einzigartig. Und sie
wirkte dabei so natürlich, sie musste sich
nicht mal groß bemühen.
Lawler: Wir verstanden uns auf Anhieb.
Dolores mochte die gleichen Bands wie
wir: The Smith, The Cure, Depeche Mode
und solche Sachen. Und sie hatte einen
guten Humor. Genau wie wir baute sie
gerne Mist.
Sie hatte es in ihrem Leben nicht immer
leicht. Als kleines Kind wurde sie missbraucht,
später war sie magersüchtig.
Nach dem Ende ihrer Ehe und dem Tod
ihres Vaters wurde 2015 dann eine bipolare
Störung diagnostiziert. Hat sie ihre
Probleme mit Ihnen geteilt?
Hogan: Die bipolare Störung entwickelte
sich ja erst später. Im Laufe der letzten
zehn Jahre merkten wir plötzlich, dass
etwas nicht stimmte. Mal war Dolores
seltsam, am nächsten Tag dann super gut
drauf. Aber wir sind halt auch keine Ärzte.
Ich glaube, sie hat lange Zeit eine Menge in
sich begraben. Irgendwann kommen diese
Geister zurück und verfolgen dich. Eines
Tages erzählte sie uns dann davon. Aber
wenn du so etwas plötzlich erfährst, was
machst du dann mit dieser Information?
Wir versuchten, Dolores so gut es geht zu
unterstützen. Auch ihre Mutter und ihre
Brüder waren immer für sie da.
In Songs wie „Pressure“ und „Lost“
scheint sie viele der genannten Dinge
zu verarbeiten. Wollte sie mit diesem
Album abschließen?
Hogan: Ja, ich glaube viele dieser Songs
handeln von diesen Jahren – die bipolare
Störung, ihr Alkoholproblem, ihre Scheidung.
Sie hatte mit all dem abgeschlossen
und blickt nach vorne.
Lawler: Dolores hat sich nie Gedanken
darüber gemacht, was die Leute über ihre
Texte denken. Wenn sie etwas loswerden
wollte, sagte sie es auch. Für sie war das ein
Weg, diese Gefühle hinter sich zu lassen.
Durch Künstler wie Chris Cornell,
Chester Bennington und Keith Flint
rückte mentale Gesundheit in der Musikbranche
zuletzt in den Fokus. Was muss
sich in unserer Gesellschaft ändern?
Lawler: Ich halte Therapie für sehr wichtig.
Ein großes Problem ist, dass einige Ärzte
einfach Pillen verschreiben, und dann sind
die Leute abhängig von ihren Tabletten.
Natürlich ist es schwerer, Stunden
um Stunden in Therapiesitzungen zu
verbringen, um über alles zu reden. Aber es
ist wichtig, dass die Leute, auch junge Kids,
wissen, dass es keine Schwäche ist, über
diese Dinge zu sprechen. Geteiltes Leid ist
halbes Leid – an dem Sprichwort ist wirklich
etwas dran. Wir müssen offener sein,
niemand sollte sich schämen.
Wie geht es für Sie und „The Cranberries“
nach diesem Album weiter?
Hogan: Das wurden wir in letzter Zeit oft
gefragt. Es war ein verrücktes Jahr, von
Dolores Todestag bis zu diesem Album.
Wir haben fast vergessen, darüber nachzudenken,
was als Nächstes kommt. Ich
denke, wir nehmen uns alle eine Auszeit
und versuchen, das Ganze zu verarbeiten.
Es wird wahrscheinlich Jahre dauern, bis
wir darüber hinweg sind. Mit „The Cranberries“
war’s das aber, das haben wir
bereits betont. Ich sehe „In The End“ als
Ende dieses Kapitels in meinem Leben.
Aber so alt sind wir ja auch noch nicht,
und ich kann mir nur schwer vorstellen,
nie wieder Musik zu machen. Wir machen
das jetzt seit 30 Jahren. Es ist zu spät, um
sich noch für einen Job in einer Bank zu
bewerben …
WEITERE INFORMATIONEN:
www.cranberries.com

NEUAUFLAGE
EINES KLASSIKERS
TAG HEUER
AUTAVIA CALIBRE 5
AUTORIN: Z. KHAWARY / FOTOGRAF: A. HOFFMAN

Die Neulancierung des Uhrenklassikers aus dem Jahre 1962, den TAG Heuer zusammen mit
Schauspieler Patrick Dempsey umgesetzt hat, ist ein wahres Schmuckstück: Die Autavia war bei
Rennbegeisterten und Streitkräften auf der ganzen Welt sehr beliebt und genoss bis zur Einstellung
ihrer Produktion im Jahr 1985 einen ausgezeichneten Ruf. Heute wird die Autavia als eigene
Kollektion wiedereingeführt – mit sieben Modellen, die den abenteuerlichen und kühnen Spirit
weiterführen, für den die Autavia bekannt ist.
Die Dreizeigermodelle der Autavia mit 42 mm Durchmesser verfügen über ein abgerundetes
Edelstahlgehäuse und abgeschrägte Bandanstösse. Eine sich bidirektional drehende Lünette mit
60-Sekunden-Skala aus schwarzer oder blauer Keramik oder Edelstahl verstärkt den sportlichen
Look der Uhr. Die XL-Krone ist von den Fliegeruhren und Zeitmessern inspiriert, die mit
übergrossen Kronen ausgestattet waren, um die Bedienung mit Handschuhen zu vereinfachen.
Das Automatikwerk Calibre 5, mit neuer hauseigener Isograph Spiralfeder ist Chronometerzertifiziert
und verfügt über eine Gangreserve von 38 Stunden.

ACTION
IST IHR FACH
JENNIFER GARNER
INTERVIEW & AUTOR: J. FINK

INTERVIEW / JENNIFER GARNER
BOLD INTERVIEW // 31
In den letzten Jahren sorgte Jennifer Garner vor allem als (inzwischen nicht
mehr) Ehefrau von Ben Affleck für Aufsehen und spielte auch im Kino die Mutterrolle
(„Love, Simon“). Doch mit ihrem neuen Film „Peppermint: Angel of Vengeance“
kehrt sie dorthin zurück, wo sie einst zum Star wurde: ins Action-Genre.
Wenn man in „Peppermint“ (ab 29.11. im
Kino) Jennifer Garner dabei zusieht, wie
sie mit Maschinengewehren, Pistolen
und anderem schweren Geschütz so
selbstverständlich hantiert als sei dies
Kinderspielzeug, wundert man sich
einen kurzen Moment. Denn statt
muskelbepackt und grimmig kennt
man sie doch sonst eher lieb und über
beide Ohren strahlend, so als hätte sie
es auf den Titel „America’s Sweetheart“
abgesehen.
Doch Letzteres ist natürlich nicht immer
so gewesen, im Gegenteil. Zum Star
wurde Garner, geboren 1972 im texanischen
Houston, nach allerlei kleineren
Rollen in Fernsehproduktionen
wie „Felicity“ oder Filmen wie „Ey Mann,
wo is’ mein Auto“ und „Pearl Harbor“
schließlich vor 17 Jahren ursprünglich
als Actionheldin. Damals gab ihr J. J.
Abrams die Hauptrolle in seiner Spionage-Serie
„Alias – Agentin“ – und fortan
prügelte und schoss sie sich fünf Staffeln
lang durch ein Dickicht aus Geheimmissionen
und Verschwörungen. Frauen,
die sich schwer bewaffnet und sexy zur
Wehr setzen zu wissen, waren damals
gerade angesagt (von „Buffy – Im Bann
der Dämonen“ bis „Lara Croft: Tomb
Raider“), und Garner machte ihre Sache
so gut, dass sie dafür sogar den Golden
Globe bekam. Den „Alias“-Ruhm nutzte
die Tochter eines Chemikers und einer
Lehrerin zum Sprung auf die Leinwand,
und auch dort setzte sie zunächst
auf Action. In der Comicverfilmung
„Daredevil“ übernahm sie 2003 an der
Seite ihres späteren Ehemanns Ben
Affleck die weibliche Hauptrolle, die
sie zwei Jahre später auch im Ableger
„Elektra“ spielte. Für Peter Berg stand
sie außerdem neben Jamie Foxx als
FBI-Agentin in „Operation: Kingdom“
vor der Kamera. Allzu große Kassenerfolge
wurden diese Kino-Auftritt
allerdings nicht, ganz anders als die
Komödie „30 über Nacht“, in der Garner
eine 13-jährige spielte, die plötzlich
im Körper einer 30-jährigen aufwacht.
Charmant und jugendfrei verzauberte
sie darin das Publikum – und das Image
für die Zeit nach „Alias“ war geboren.
Fortan spielte Garner bevorzugt leichtere
Kost: eine angehende Adoptivmutter
im Überraschungserfolg „Juno“,
die große Liebe von Matthew McConaughey
in „Der Womanizer – Die Nacht
der Ex-Freundinnen“ oder eine Nebenrolle
in All-Star-Ensemble von „Valentinstag“.
Und vor allem konzentrierte
sie sich aufs Privatleben. Mit Affleck,
den sie 2005 in zweiter Ehe (die erste
mit dem Schauspieler Scott Foley

32 // BOLD INTERVIEW INTERVIEW / JENNIFER GARNER
ging 2003 in die Brüche) heiratete,
bekam sie drei Kinder, und je häufiger
die Familie beim Einkaufen, Kürbisse
ernten und ähnlichen Aktivitäten fotografiert
wurde (und sie sich nebenbei
für Kinderrechte und Bildung engagierte),
desto mehr verblasste beim
Publikum die Erinnerung an Garners
Action-Abenteuer. Auch auf der Leinwand
war sie zuletzt vor allem Mutter,
in „Zeitgeist“, „Himmelskind“ oder erst in
diesem Jahr in der hübschen Coming-
Out-Geschichte „Love, Simon“ (ab Mitte
November auf DVD und Blu-ray erhältlich).
Auch in „Peppermint“ spielt die
46-jährige nun eine Ehefrau und Mutter,
doch Ehemann und Tochter werden im
neuen Film des „96 Hours“-Regisseurs
Pierre Morel früh von den Handlangern
eines Drogenbosses erschossen. Weil
der Polizei und Justiz in der Tasche hat,
wird allerdings niemand zur Rechenschaft
gezogen – und so schwört die
von Garner gespielte Protagonistin
schließlich auf Rache. Für Garner ist
der Film nun nicht nur eine Rückkehr
zum Action-Genre, sondern wohl auch
der Beginn eines neuen Kapitels. Die
Ehe zu Affleck wurde in diesem Jahr
nach einigen Jahren des Hin und Her
geschieden, und auch beruflich widmet
sie sich neuen Aufgaben. Um Waffen
und Stunts wird es dabei allerdings
künftig nicht ausschließlich gehen.
Als nächstes zumindest spielt sie die
Hauptrolle in der neuen Comedyserie
„Camping“, hinter der niemand anderes
als „Girls“-Macherin Lena Dunham
steckt.
Miss Garner, hat es Spaß gemacht,
dass „Peppermint“ Ihnen mal wieder
vollen Körpereinsatz abverlangte?
Oh ja. Und irgendwie fühlte ich geradezu,
dass es an der Zeit wäre, endlich
mal wieder einen Actionfilm zu drehen.
Ich war einigermaßen gut in Form und
wusste, dass in meinem Körper Fähigkeiten
steckten, die ich viel zu oft nicht
genutzt hatte. Natürlich gab es über die
Jahre immer mal wieder Drehbücher
für solche Filme, die auf meinem Tisch
landeten, aber einfach nicht das richtige
waren. Bei „Peppermint“ dagegen
hatte ich das Gefühl, dass mich nicht
nur die Action, sondern auch das Drama
der Geschichte wirklich packte. Denn so
sehr ich Lust darauf hatte, zu kämpfen
und körperlich zu sein, so sehr wollte ich
natürlich auch als Schauspielerin gefordert
sein.
Tatsächlich ist der Film für Sie als
Protagonistin ja sicherlich nicht nur
physisch, sondern auch psychisch
anstrengend gewesen. Auf den einen
Aspekt kann man sich im Fitnessstudio
vorbereiten, aber auf den
anderen?
Ich arbeite in solchen Fällen immer
mit Nancy Banks zusammen, die als
Schauspiel-Coach schon mit fast allen
bekannten Schauspielern in Hollywood
zu tun hatte. Ich habe uns ein Hotel-
zimmer gemietet, wo wir immer wieder
gemeinsam das Drehbuch durchgegangen
sind und ich Stück für Stück
versucht habe, mich in den Kopf dieser
Frau hineinzuversetzen, die ich spiele.
Was ihr zustößt, ist ja wirklich schrecklich,
aber solange ich als Schauspielerin nicht
aus den Augen verliere, dass nichts davon
real ist, kann ich auch damit umgehen.
Aus Trauer und Wut wird sie zu einer
Art Kampfmaschine …
Was natürlich keinesfalls als Bedienungsanleitung
zu verstehen ist. „Peppermint“
ist reine Phantasie, so wie auch Matt
Damon als Jason Bourne oder die „John
Wick“-Filme nicht den Anspruch haben,
ein realistisches Bild von Gewalt oder
Trauma zu zeigen. Was allerdings nicht
heißt, dass ich nicht die Aufgabe hatte,
meine Rolle so glaubwürdig wie möglich
zu verkörpern.
Dazu gehörte auch, dass Sie in vielen
Fällen Ihre eigenen Stunts übernommen
haben. Keine Angst, sich zu
verletzten?
Ach, das ist schon okay, das gehört
dazu. Ich bin ja auch ein bisschen was
gewöhnt, von „Alias“ früher oder auch
wenn ich mit meiner Tochter Karate trainiere.
Außerdem habe ich ein tolles Stuntdouble,
meine gute Freundin Shauna,
die schon seit fast 20 Jahren in solchen
Fällen an meiner Seite ist. Die ganz harten
Sachen hat sie übernommen. Was aber
nicht heißt, dass ich nicht ordentlich

Fotos: Universum Filmverleih

INTERVIEW / JENNIFER GARNER
BOLD INTERVIEW // 35
habe einstecken müssen. Eine Gehirnerschütterung
habe ich davon getragen und
auch einen kleinen Bruch in der Hand. Mit
der Physiotherapie dafür bin ich immer
noch nicht durch.
Im Kino haben Sie zuletzt oft die
perfekte Mutter gespielt. Sind Sie die
auch im echten Leben?
Puh, was für eine Frage. Ich würde eher
sagen, dass es perfekte Mütter gar nicht
gibt. Denn im Grunde ist es verdammt
schwer, Eltern zu sein. Gerade dann, wenn
man am meisten versucht, sein Kind
vor etwas zu beschützen, scheitert man
häufig am ehesten. Wie es überhaupt
jeden einzelnen Tag Situationen gibt,
in denen man es als Mutter vermasseln
kann.
Sind Sie als Mutter sehr besorgt und
ängstlich?
Wir haben hier leider nicht die Zeit, als
dass ich Ihnen alle Ängste aufzählen
könnte, die ich als Mutter habe. Aber
damit muss man umzugehen lernen. Und
dazu habe ich in einem der Elternkurse,
die ich im Laufe der Jahre besucht habe,
einmal was Kluges gehört: Bereite dein
Kind auf den Weg vor, nicht den Weg für
das Kind.
beim Sport versagt und nicht in die Mannschaft
kommt, statt den Coach anzubrüllen.
Auch der Film „#Zeitgeist“, in dem
ich vor ein paar Jahren mitgespielt habe,
hat mir da einiges klar gemacht. Man
wird nie verhindern können, dass Kinder
mit dem Internet in Berührung kommen.
Also sollte man von vornherein versuchen,
sie so gut wie möglich darauf vorzubereiten.
Und natürlich dafür sorgen, dass zu
Hause immer Offenheit und Gesprächsbereitschaft
herrscht.
Eine letzte Frage zu Ihrer beruflichen
Zukunft, schließlich nehmen immer
mehr Schauspielerinnen ihr Schicksal
selbst in die Hand und führen Regie
oder produzieren. Planen Sie so
etwas auch?
Reese Witherspoon macht das großartig.
Was sie alles schafft, mit Produktionen
wie „Big Little Lies“, verlangt mir größten
Respekt ab. Ich wünschte, sie würde mir
auch mal eine Rolle geben (lacht). Aber
ja, es gibt ein paar Sachen, die ich gern
produzieren würde. Allerdings habe ich
nun einmal drei Kinder und scheinbar
nicht so viel Energie wie Reese. Jedenfalls
warte ich im Moment eher darauf, ob sich
etwas ergibt und jemand bei mir anklopft,
als dass ich durch Hollywood laufen und
überall anklopfen würde.
Und das heißt?
Damals hatte das Beispiel mit Sport zu
tun. Man sollte seinem Kind beibringen,
dass die Welt nicht untergeht, wenn es
WEITERE INFORMATIONEN:
www.universumfilm.de

KING
OF COOL
SAMUEL L. JACKSON
INTERVIEW & AUTOR: P. HEIDMANN

38 // BOLD INTERVIEW INTERVIEW / SAMUEL L. JACKSON
Samuel L. Jackson ist nicht nur einer der fleißigsten Schauspieler, sondern für viele
auch der mit Abstand coolste. Vom Erfolg ganz zu schweigen, schließlich haben seine
Filme zusammengenommen bislang fast fünf Milliarden Dollar eingespielt. Nach
„xXx – Die Rückkehr des Xander Cage“ und „Kong: Skull Island“ ist „The Killer’s Bodyguard“
schon Jacksons dritter Film in einem Jahr – und die perfekte Gelegenheit, sein
Image als cooler Fiesling mal wieder aufs Korn zu nehmen.
„King of Cool“ ist eine der Bezeichnungen,
die am häufigsten fallen, wenn
die Sprache auf Samuel L. Jackson kommt.
poitation-Film „Together for Days“, steht
für diverse Fernsehproduktionen vor der
Kamera und versucht sich – zunächst in
„Spätstarter“ wäre allerdings genauso Atlanta, dann am Broadway in New York
zutreffend. Denn der große Durchbruch
als Schauspieler ließ für den Amerikaner,
der als Sohn einer alleinerziehenden
Mutter in Chattanooga im Bundesstaat
Tennessee aufwuchs, mehrere Jahrzehnte
auf sich warten. Dabei entdeckte er sein
Interesse für den Beruf als Schauspieler
durchaus früh: Noch während seines
Bachelor-Studiums in Atlanta wechselte
er sein Hauptfach von Meeresbiologie zu
Schauspiel, nachdem er am College auf
– am Theater. Drogen- und Alkoholprobleme
kosten ihn allerdings manches
Engagement, und noch in den achtziger
Jahren muss sich Jackson überwiegend
mit Kleinstjobs über Wasser halten: eine
Mini-Rolle in „Der Prinz von Zamunda“
hier, drei Jahre als Lichtdouble bei der
„Bill Cosby Show“ dort. Bis Spike Lee auf
ihn aufmerksam wird und ihm Nebenrollen
in „Do the right Thing“, „Mo’ better
Blues“ und „Jungle Fever“ gibt. Mit Lees
eine Theatergruppe gestoßen war. Viel Unterstützung im Rücken und einer
hätte aber nicht gefehlt, und aus Jacksons
Karriere wäre überhaupt nichts geworden.
Nach einer Protestaktion auf dem Campus
wird der bürgerrechtsbewegte Student
wegen Freiheitsberaubung verurteilt und
für zwei Jahre suspendiert. Außerdem
wäre er um ein Haar während des Vietnamkriegs
als Soldat eingezogen worden.
„Meine Einberufungsnummer war die 14
– und die wurde nicht gezogen“, erinnert
sich Jackson. „Aber viele Jungs in meinem
Umfeld hatten nicht so viel Glück. Einer
meiner Cousins verlor in Vietnam sogar
sein Leben.“ Stattdessen übernimmt er
1972 seine erste Kinorolle in dem Blax-
Entziehungskur hinter sich, wird in den
neunziger Jahren endlich ein größeres
Publikum auf Jackson aufmerksam, der
damals längst mit seiner früheren Kommilitonin
La Tanya Richardson verheiratet
und Vater einer Tochter ist. Beim Festival
in Cannes bekommt er für „Jungle Fever“
einen Preis, für Spielberg übernimmt er
eine Rolle in „Jurassic Park“, und auch in
„Die Stunde der Patrioten“ oder „Menace II
Society“ ist er mit von der Partie. Und dann
kommt es bei „True Romance“ zur folgenreichen
Begegnung mit Quentin Tarantino.
Die Rolle des Auftragskillers Jules in
„Pulp Fiction“ schreibt der aufstrebende
Kultregisseur Jackson auf den Leib – und
sie macht ihn mit 44 Jahren über Nacht
zum Star. Oscar-Nominierung (seine bis
heute einzige!) inklusive. Mit Tarantino
arbeitet er anschließend immer wieder
zusammen, sei es bei „Jackie Brown“ oder
„Kill Bill“, „Django Unchained“ oder zuletzt
„The Hateful Eight“. Doch längst wollen
sich auch andere eine Scheibe von Jacksons
Coolness abschneiden: George Lucas
führt ihn als Mace Windu ins wiederbelebte
„Star Wars“-Universum ein, er spielt
in Kultfilmen wie „Tödliche Weihnachten“,
„Unbreakable“ oder „Deep Blue Sea“ mit,
und mit Filmen wie „Eve’s Bayou“ oder der
Zeichentrickserie „Afro Samurai“ versucht
sich Jackson immer wieder auch als
Produzent. Seit gut zehn Jahren ist der
erklärte Fan des Wortes „Motherfucker“
fester Bestandteil des Marvel-Universums.
Nach seinem Einstand als S.H.I.E.L.D.-Chef
Nick Fury in „Iron Man“ unterschrieb er
einen Vertrag für neun weitere Filme; der
nächste folgt im kommenden Jahr „Avengers:
Infinity War“. Dass Jackson auch diese
Rolle seinem Image als „King of Cool“ zu
verdanken hat, versteht sich von selbst.
Zumindest gestalteten die Zeichner der
Comic-Reihe „Ultimate Avengers“ Fury
nach seinem Antlitz, so lässig fanden
sie den Schauspieler, lange bevor er die
Rolle selbst übernahm. Doch nicht alles
wird zu Gold, was der Ex-Veganer anfasst.
Filme wie „Snakes on the Plane“ klangen
auf dem Papier lässiger, als sie es im Kino
dann waren, und etliche seiner zweitklassigeren
Filme („Reasonable Doubt“, „Kite“,
„Cell“, „Barely Lethal“) wurden überhaupt
nur auf DVD veröffentlicht. Anders als dem

INTERVIEW / SAMUEL L. JACKSON
BOLD INTERVIEW // 39
Kollegen Nicolas Cage kann gelegentlicher
Trash Jacksons coolem Image allerdings
nicht das Geringste anhaben. Wie
sollte er auch? Selbst seine Stimme ist
schließlich längst so legendär und unverwechselbar,
dass er damit Animationsfilme
wie „Die Unglaublichen“ oder Dokumentationen
wie „I am Not Your Negro“ ebenso
veredelt wie Games wie „Grand Theft Auto:
San Andreas“ – und Gott in Audiobuchversion
des Neuen Testaments ebenso
spricht wie den Erzähler des Buchs „Go the
Fuck to Sleep“. Höchste Zeit also, mit dem
Fußball-Fan beim Interview-Termin in New
York ein paar Worte zu wechseln.
Mr. Jackson, in „The Killer’s Bodyguard“
spielen Sie einen der gefährlichsten
Auftragskiller der Welt. So
richtig unsympathisch ist der allerdings
nicht, oder?
Wir sprechen hier ja auch von einer Actionkomödie,
nicht von einem ernstgemeinten
Drama. Außerdem finde ich es immer
wichtig, dass man als Zuschauer auch für
solche Figuren etwas übrig hat. Gerade wenn
ich besonders verachtenswerte Figuren
spiele – so wie zum Beispiel damals in „Jackie
Brown“, versuche ich denen auch irgendwie
was Sympathisches abzugewinnen. So dass
man zwar keinen Zweifel daran hat, dass
man da ein echt gefährliches Arschloch vor
sich hat. Aber sich trotzdem vorstellen kann,
dass es ganz cool und lustig sein könnte, mit
ihm abzuhängen.
Lustig geht es ja in „The Killer’s Bodyguard“
auf jeden Fall zu. In welcher
Szene mussten Sie am meisten lachen?
Wenn man mit Ryan Reynolds dreht, passiert
einem das natürlich öfter. Aber das absurdeste
war vermutlich, mit einer Gruppe
singender Nonnen in einem Bus zu sitzen.
Die Szene mit Lionel Richies „Hello“ hat
auch viel Spaß gemacht. Den Song hatte
ich mir extra für den Film gewünscht – und
deswegen sogar persönlich bei Lionel angerufen.
Dass wir das Lied dann ausgerechnet
für eine große Kneipenprügelei einsetzen,
habe ich ihm natürlich nicht verraten.
Apropos Prügelei: Haben Sie eigentlich
den Ehrgeiz, so viele Stunts wie
möglich selber zu machen?
Wenn es nicht unbedingt sein muss, eigentlich
nicht. Ich habe seit vielen Jahren meinen
persönlichen Stuntman. Kiante Elam ist
zwar jünger als ich, aber sieht mir einigermaßen
ähnlich. Und er kommt aus einer
echten Stuntfamilie. Sein Vater war einer der
ersten schwarzen Stuntmen überhaupt, und
seine Brüder sind nun auch in dem Business.
Außer Kiante hatte ich dieses Mal auch noch
einen Kerl namens Remy als Unterstützung,
der all die Parkour-Sachen übernehmen
konnte. Denn einen Salto kann ja nun wirklich
niemand von mir verlangen.
In „The Killer’s Bodyguard“ ist Ryan
Reynolds Ihr Beschützer. Haben Sie in
echt auch einen ständigen Bodyguard?
Nur bei Bedarf. Die meiste Zeit kann ich
gut darauf verzichten. Am meisten gebrauchen
könnte ich einen Bodyguard eigentlich
immer, wenn ich in Deutschland bin.
Nirgends sind die Autogrammjäger aggressiver
drauf.
Ist das schon das Brenzligste, was Sie
bisher erlebt haben?
Richtig Schiss hatte ich, als ich das erste Mal
nach Johannesburg kam. Das war kurz nach
dem Ende der Apartheid – und damals ging
es in Südafrika ein bisschen zu wie im Wilden
Westen. Am Flughafen holten mich fünf
Kerle mit einem kugelsicher gepanzerten
Auto ab, die für meine Sicherheit zuständig
sein sollten. Ihre erste Ansage war: Wenn wir
versuchen, dich zu Boden zu werfen, leiste
keinen Widerstand. What the fuck? Ich sollte
doch eigentlich nur ein bisschen Pressearbeit
machen und wusste plötzlich gar nicht
mehr, wie mir geschieht.
Heute gelten Sie längst als „King of
Cool“. Lebt es sich eigentlich gut als die
personifizierte Coolness?
Ich will mich zumindest nicht beschweren.
Im Laufe der Zeit habe ich mich an dieses
Label gewöhnt. Und es gibt ja wahrlich
schlimmere Images. In meinem eigenen
Leben habe ich mich allerdings noch nie
als sonderlich cool empfunden. Außer es
ist cool, dass ich weiß, wer ich bin, was ich
kann und kein Blatt vor den Mund nehme.
Dieses Image ist aber eher einer jener Fälle,
wo einen die Öffentlichkeit gleichsetzt mit
den Rollen, die man spielt. Mich stört das
aber, wie gesagt, nicht sonderlich, deswegen
muss ich auch nicht auf Teufel komm raus
dagegen ankämpfen.

Fotos: Twentieth Century Fox

INTERVIEW / SAMUEL L. JACKSON
BOLD INTERVIEW // 41
Wann fing das denn eigentlich an, dass
Sie als cool galten?
Das verdanke ich wohl in erster Linie Tarantinos
„Pulp Fiction“ beziehungsweise meiner
Rolle darin. Vorher war ich einfach nur einer
von vielen Schauspielern. Aber dieser Jules
Winnfield war nun einmal ein verdammt
cooler Motherf**ker. Seine Körpersprache,
sein Aussehen, sein Sätze – da entstand
beim Publikum ein bestimmtes Bild. Und
danach kamen noch ein paar weitere Filme,
in denen ich lässige oder unerschütterliche
Kerle gespielt habe, also hat sich das verfestigt.
Sind Sie nun auf diesen Typ Mann für
immer festgelegt?
Eigentlich nicht, auch wenn man ihn mir
vielleicht besonders oft anträgt; und ich
spiele nicht ausschließlich Männer, die
immer alles im Griff haben – durch nichts
aus der Ruhe zu bringen sind. Denken Sie an
„The Champ“, da spiele ich einen Obdachlosen,
der auf der Straße lebt. In „187 – Eine
tödliche Zahl“ war ich damals einen Lehrer
ohne das geringste bisschen Selbstbewusstsein,
und in „Black Snake Moan“ ein alternder
Gitarrist. Das sind eben nur nicht die Filme,
mit denen mich die meisten Menschen assoziieren.
Viele dieser Filme hat kaum jemand
gesehen, einige kamen gar nicht erst
ins Kino, etliche waren auch nicht
besonders gut. Warum lehnen Sie sich
nicht entspannt zurück und picken sich
nur die Rosinen unter den Angeboten
heraus, sondern drehen lieber einen
Film nach dem anderen?
Ich bin nun einmal Schauspieler, also muss
ich doch auch schauspielen. Ein Maler steht
doch auch morgens auf, um zu malen. Aus
finanzieller Sicht könnte ich es mir ohne
Frage leisten, weniger zu arbeiten. Aber in
mir brennt auch nach all den Jahren noch
die Leidenschaft für diesen Beruf – und die
bleibt unbefriedigt, wenn ich nur zuhause
sitze und die Füße hochlege. Wenn ich es
mir aussuchen kann, möchte ich einfach
jeden Tag meines Lebens kreativ sein, egal
ob auf einer Broadway-Bühne oder vor einer
Kamera.
Selbst wenn das bedeutet, dass Sie
auch mit Regisseuren arbeiten müssen,
die weit entfernt von der Klasse eines
Tarantinos sind?
Sicher, das gehört doch dazu. Tarantino ist
einmalig darin, Dialoge zu schreiben, die aus
meinem Mund einfach großartig klingen.
Davon werden Sie sich auch in seinem
nächsten Film „Django Unchained“ wieder
überzeugen können. Wir haben eine großartige
Arbeitsbeziehung, die auf unserer
gemeinsamen Liebe fürs Kino basiert. Aber
weder würde es Sinn machen, mein Leben
lang nur alle paar Jahre mit ihm zu drehen,
noch kann ich von anderen Filmemachern
erwartet, dass sie so sind wie er.
Aber es muss doch ziemlich mühsam
sein, mit Regisseuren zu arbeiten, die
nicht nur nicht wie Tarantino, sondern
womöglich schlicht und einfach untalentiert
sind, oder?
Um mal eine Sport-Metapher heranzuziehen:
Mit einem guten Regisseur spielt man
im Sturm, bei einem schlechten zieht man
sich in die Verteidigung zurück. Und glauben
Sie mir: ich habe schon mit vielen schlechten
Regisseuren gearbeitet. In solchen Fällen
wird man zum stillen Beobachter und zieht
einfach sein Ding durch. Denn natürlich
habe ich auch ohne Zutun des Regisseurs
eine gewisse Vorstellung davon, wohin ich
mit einer Rolle will. Da muss man dann
einfach zusehen, dass man sich nicht durch
die Unfähigkeit anderer von seinem Weg
abbringen lässt.
Klingt fast, als würden Sie keinen Ihrer
schlechteren Filme bereuen ...
Das tue ich auch nicht. Ich fand meine
eigene Leistung eigentlich noch immer gut,
ganz egal, was ich mit dem Regisseur erlebt
habe. Außerdem sehe ich jeden meiner Filme
als Sprungbrett für etwas Neues, für das
nächste Projekt an. Eines führt immer zum
anderen. Deswegen trauere ich auch keinen
Rollen hinterher, die ich nicht bekommen
habe. Bestenfalls mache ich manchmal drei
Kreuze, wenn ich einen richtig schlechten
Film sehe, den ich um ein Haar gedreht hätte
und es dann zum Glück doch nicht getan
habe.
WEITERE INFORMATIONEN:
www.KillersBodyguard-Film.de

TIMELESS
ELEGANCE
COOL STUFF
AUTORIN: Z. KHAWARY
Ein Jahr nach der Lancierung der Serie AIKON Automatic Chronograph führt
eine limitierte Auflage von 500 Exemplaren ein neues Farbspiel bei Maurice
Lacroix ein. Mit ihren blauen Zählern und roten Zeigern lässt die AIKON
Automatic Chronograph Limited Edition ein faszinierendes Spannungsfeld
entstehen. Die energischen, schwungvollen Kurven des Edelstahlgehäuses
sorgen für die maskuline und moderne Dimension, die Maurice Lacroix seinen
Modellen verleiht. Die Einteilungen der Lünette sind poliert, genau wie ihre
sechs Reiter: ein starkes Erkennungsmerkmal der AIKON.

44 // BOLD INTERVIEW
COOL STUFF / BEGEHRENSWERT
Mit der jüngsten Designvariante in
exklusivem Edelmetall setzt Carl F.
Bucherer in seiner Manero Flyback
Kollektion im wahrsten Sinne des
Wortes ein goldenes Highlight. Der
Flyback-Chronograph im 18-Karat-
Roségoldgehäuse vereint Retrocharme
mit edlen Materialien und anspruchsvoller
Mechanik. Sein integriertes
Chronographenwerk mit Säulenradsteuerung
sorgt für Präzision und leichtgängige
Handhabung. Schwarz-rote
Akzente sowie ein Kudu-Lederband
vereinen den Vintage-Charakter stilvoll
mit zeitgemässer Eleganz. Historische
Modelle von Carl F. Bucherer aus den
1960er und 1970er Jahren standen Pate
für sein fein abgestimmtes Design. Die
43 mm Durchmesser sind von den Uhren
jener Jahrzehnte inspiriert, genau wie
sein gewölbtes Saphirglas, das markante
Profil der Pilz-Drücker, die durchbrochenen,
rotgoldfarbenen Lanzettzeiger
und die applizierten Keil-Indexe.

COOL STUFF / BEGEHRENSWERT BOLD INTERVIEW // 45
Ein Klassiker von Junghans, die Meister
Kalender, zeigt sich 2019 in italienischem
Chic. Die harmonische Kombination
aus dem cognacfarbenen Lederband
und einem Zifferblatt in dunklem
Blau ist eine der erfolgreichsten Farbkombinationen
der Meister-Linie. Sie
steht für Eleganz, aber vor allem für
Stilsicherheit. Die Liebe zum Detail
zeigt sich in der Gestaltung der Mondphasenanzeige,
die in der hauseigenen
Druckerei entsteht: Unter den
Himmelskörpern ist für den genauen
Betrachter ein Junghans Stern zu entdecken.
Ein ausgewogen gestaltetes Zifferblatt
mit harmonischen Proportionen
prägt bereits seit den 1930ern die
Meister-Linie, die mit den besten
Werken des Hauses ausgestattet ist.
In den 1950ern haben sich Uhrengestalter
der Herausforderung gestellt, das
Volumen der Uhr zu reduzieren und so
trotz relativ hoher Uhrwerke filigrane
Zeitmesser zu entwerfen.

46 // BOLD INTERVIEW
COOL STUFF / BEGEHRENSWERT
NOMOS Glashütte stellt die Erfolgsuhr
Tangente neomatik 41 Update in neuer
Version vor – mit Ruthenium veredelt,
also dunkel, ist das Zifferblatt nun. Für
die innovative Kalibertechnologie und
die völlig neue Datumsdarstellung war
die Manufaktur mit Tangente Update
erst zum Jahresende 2018 mit dem
Grand Prix d’Horlogerie de Genève
ausgezeichnet worden – uhrmacherisch
der wohl wichtigste Preis der Welt. Der
Datumsring trägt als Kontrast zwei rote
Markierungen, die den jeweiligen Tag
rahmen – ein solches Ringdatum gibt
es nur bei NOMOS Glashütte. „Das
Datum zeigt, was dieses Kaliber kann“,
sagt NOMOS-Gestalter Michael Paul:
„Die geballte Kompetenz lässt sich
hinter dem Zifferblatt erahnen.“ Mit
DUW 6101, dem zweiten neomatik-
Werk der Manufaktur, hat NOMOS
einen wegweisenden Standard gesetzt –
und zwar einen enorm flachen: Es misst
nur 3,6 Millimeter in der Höhe.

COOL STUFF / BEGEHRENSWERT BOLD INTERVIEW // 47
OMEGA lanciert Unisex-Modell im
Denim-Look: Was früher ein robuster
Stoff für Arbeitskleidung war, ist
heute eines der populärsten Materialien
der Mode-Industrie, und so ist
Denim von Laufstegen und Streetstyle
nicht mehr wegzudenken. Der
Schweizer Uhrenhersteller OMEGA
greift den Trend auf und lanciert das
Modell Railmaster mit einem Armband
aus Denim und verstärkter Lederrückseite.
Das Zifferblatt des 40 Millimeter
messenden Gehäuses ist ebenfalls im
Jeans-Look gestaltet; Kontrastnähte
in Beige runden die Anspielungen auf
das Kult-Kleidungsstück ab. Genauso
modern wie das Äußere der OMEGA
Denim-Look zeigt sich auch deren
Innenleben: Sie wird vom innovativen
Master Chronometer Automatikwerk
Kaliber 8806 angetrieben, welches
bis 15.000 Gauß anti-magnetisch ist.
Wahlweise ist dieser Zeitmesser auch
mit einem Edelstahlband erhältlich.

DESIGN / INTERVIEW
BOLD INTERVIEW // 49
CRESCENT CITY
ODER THE BIG EASY
WAS NEW ORLEANS
UND OOFOS-GRÜNDER
LOU PANACCIONE
GEMEINSAM HABEN
AUTOR & INTERVIEW: M. MAI / FOTOGRAF: D. SCHAPER

50 // BOLD INTERVIEW DESIGN / INTERVIEW
New Orleans ist bekannt für ihr pulsierendes Nachtleben, die dynamische Musikszene
und die einzigartige pikante Küche, in der sich kulinarische Einflüsse aus
der französischen, afrikanischen und amerikanischen Kultur verbinden. Paradebeispiel
für die unbändige Feierlaune von New Orleans ist der gegen Ende
des Winters mit ausgelassenen Kostümparaden und Straßenpartys gefeierte
Karneval am Mardi Gras. Hier treffen wir Lou Panaccione, Founder und CEO von
OOFOS, der uns mehr zu seinem Wunderwerk für die Füße erzählen wird.
Einladend, multikulturell, geschichtsträchtig,
überaus charmant und einzigartig
– all das und noch viel mehr ist
New Orleans, die Metropole am Mississippi
(USA). Die größte Stadt Louisianas,
auch „Crescent City” oder „The Big Easy“
genannt, ist bekannt für ihre historische
Altstadt, das French Quarter, die
imposanten Villen im Garden District,
die Architektur aus der spanischen
und französischen Kolonialzeit und die
lokale kreolische und Cajun-Küche. Die
Stadt gilt als Wiege des Jazz und in ihren
legendären Musikclubs traten Ausnahmekünstler
wie Louis Armstrong oder
Fats Domino auf. Darüber hinaus prägen
multikulturelle Traditionen wie Second
Lines oder der berühmte Karneval Mardi
Gras den Charakter der feierfreudigen
Stadt, die jährlich über 19 Millionen
Besucher aus aller Welt in ihren Bann
zieht.
Nach unserer gut 20-stündigen Anreise
machen wir zuerst einen ausgedehnten
Spaziergang durch den historischen
Garden District von New Orleans, der
die Kultur und den geschichtlichen
Ursprung der Stadt widerspiegelt. Gut
erhaltene Häuser aus dem 17. und 18.
Jahrhundert säumen die Straße, und
lassen mit ihrer Schönheit und Anmut
die alte Handwerkskunst erstrahlten,
als seien sie gerade erst fertig erbaut
worden.
Unbedingt empfehlenswert ist eine
Sumpftour durch den berühmten
Honey Island Swamp von Cajun
Encounters. Man gleitet auf einem
kleinen Boot mit flachem Boden durch
das Alligator-Territorium und erfährt
von lokalen, erfahrenen Kapitänen alles
über den Sumpf und seine natürlichen
Bewohner.
Frei nach dem Motto: „Wer rastet, der
rostet“, gehts für uns in den Caesars
Superdome zum American Football.
Die New Orleans Saints gegen die
Panthers, hoch oben in einer Loge, mit
perfektem Überblick über das gesamte
Spielfeld verfolgen wir das spannende
Spiel. OOFOS unterstützt die NFL Teams
mit ihren Recovery Schuhen, da die
Wirkung der absorbierenden OOfoam-
Sohlen in der spielfreien Zeit, die Erholung
der Füße, der Gelenke und des
Beckens, den Spielern so einige Zeit in
der Eistonne erspart.

DESIGN / INTERVIEW
BOLD INTERVIEW // 53
Nach einem ausgiebigem Dinner stürzen
wir uns natürlich noch ins laute,
musikalische Nachtleben der Bourbon
Street im French Quarter. Tanzendfröhlich
flaniert man durch unzählige
Clubs und Bars und genießt
den Lifestyle einer Stadt, die nie zu
schlafen scheint.
Am nächsten Tag treffen wir Lou Panaccione,
Founder und CEO von OOFOS –
der 2010 mit drei weiteren Veteranen
der Schuhindustrie (Paul Brown, Juan
Diaz und Steve Liggett) OOFOS gründete,
um sich fortan ausschließlich auf
die Erholung der Füße zu konzentrieren.
Heute ist das Unternehmen der weltweit
führende Anbieter von Active Recovery-
Schuhen. Hergestellt mit der revolutionären
OOfoam-Technologie sind die
Schuhe so konzipiert, dass sie Stöße und
Erschütterungen um 37% besser aufgefangen
und abfedern als herkömmliche
Treter. Dadurch wird die Belastung der
Füße und Gelenke minimiert.
Und das ist noch nicht alles: Das von
OOFOS patentierte Fußbett entlastet
die Fersen und Fußwölbung 47 Prozent
mehr, somit ist nicht nur das Laufen
angenehmer, sondern die Füße erholen
sich auch schneller. Von Profisportlern
bis hin zu Gelegenheitswanderern
sorgen OOFOS-Schuhe dafür, dass sich
hart arbeitenden Füße und der Körper
einfach besser fühlen!
Herr Panaccione, woher kommt die
Idee und der Mut eine neue Schuh-
marke mit einem völlig anderen
Ansatz in einem so hart umkämpften
Markt zu etablieren?
Nach meiner langen Historie im amerikanischen
Sportschuhsegment als Produktentwickler
bei Reebok und NIKE, war es
ein Zufall, der all dies ermöglichte. Bei
der Sohlenentwicklung eines anderen
Projekts entstand ein Sohlenschaum,
der all das nicht machte, was eigentlich
gewollt war. Er machte nicht schneller,
man konnte nicht höher springen –
und er absorbierte mehr Bewegungskraft
als jeder andere zuvor. Ich erkannte
das unglaubliche Potenzial und ließ ihn
patentieren. Der Rest ist Geschichte, 2011
gründete ich mit meinen Partnern OOFOS
und brachte den ersten Recovery Schuh
den es je gab heraus.
Was ist das Konzept der Marke?
To make people feel better: Diesem
Motto ist alles andere untergeordnet.
Das Tragen von OOFOS-Schuhen ist für
alle Menschen gedacht, die viel auf den
Beinen sind, Köche, Krankenschwestern,
Ärzte und all diejenigen, die alleine
durch das Laufen an sich einen wohligen
Effekt erlangen wollen. Auch in der
Reha nach Operationen im Bereich der
Füße, Beine und des Beckens erzielen wir
einmalige Effekte.
Welches sind die Hauptmärkte von
OOFOS?
USA, Japan und jetzt vermehrt Europa.
Ist es geplant OOFOS auch als Trend
und Modemarke zu etablieren?
Ja exakt, ist es das was wir begonnen
haben und in 2024 verstärkt umsetzen
wollen. Es wird Kooperationen mit The
Neighbourhood (auch The NBHD), einer
US-amerikanischen Alternative-Rockband
und japanischen Designern geben. Damit
werden wir einen neuen Markt erschließen
und mehr fashionable sein.
Übrigens: Warum gerade 2024 das ideale
Jahr ist, New Orleans einen Besuch abzustatten,
beantwortet die kürzlich veröffentlichte
Liste der 24 besten Unternehmungen,
die das Jahr für seine Besucher
bereithält. Wir geben einen kleinen
Vor-geschmack: Nummer Eins ist Mardi
Gras (6. Januar - 13. Februar 2024), hier ist
die ganze Welt eingeladen, den fantastischen
Paraden vom Straßenrand zuzujubeln
und mitzufeiern. Auch das Vietnamesisches
Neujahr (10. Februar 2024)
bietet erstklassige Unterhaltung. Let’s
Crawfish: zwischen Februar und Mai
lebt man in New Orleans nur zu gern
von der Hand in den Mund, denn es ist
Flusskrebs-Saison! Traditionell kommen
die köstlichen Schalentiere gekocht auf
den Tisch und dann wird gepult und
geschlemmt, was das Zeug hält.
WEITERE INFORMATIONEN:
www.neworleans.de
www.oofos.de

LERNPROZESS
ÄLTERWERDEN
ANTONIO BANDERAS
AUTOR & INTERVIEW: J. FINK

INTERVIEW / ANTONIO BANDERAS
BOLD INTERVIEW // 57
Er war Zorro und „Der gestiefelte Kater“, doch Hollywood hat Antonio Banderas inzwischen
den Rücken zugekehrt. Nicht nur als Wohnsitz, sondern auch beruflich. Für seinen alten
Wegbegleiter Pedro Almodóvar kehrt er mit „Leid und Herrlichkeit“ noch einmal zurück.
Wahrscheinlich ist es nicht übertrieben,
Antonio Banderas als weltweit berühmtesten
spanischen Schauspieler zu bezeichnen
(Javier Bardem möge es uns nachsehen). Und
verantwortlich dafür ist vor allem ein Mann:
der Regisseur Pedro Almodóvar, der seinen
Landsmann in den frühen achtziger Jahren am
Theater entdeckte und ihm in „Labyrinth der
Leidenschaften“ seine erste Kinorolle gab. Das
komplette Jahrzehnt über waren die beiden ein
eingespieltes Team und drehten immer wieder
zusammen.
Almodóvars damals exzentrisch-erotisches,
wildes und Skandal-umwittertes Kino machte
Banderas zum Star. In „Das Gesetz der
Begierde“ spielte er einen schwulen Mörder,
in „Fessle mich“ einen Psychiatrie-Patienten,
der einen Pornostar kidnappt. Auch im
Oscar-nominierten „Frauen am Rande des
Nervenzusammenbruchs“ war er mit von
der Partie. Schon damals war auch Madonna
Fan, die ihn sogar für ihren Dokumentarfilm
„In Bed with Madonna“ vor die Kamera
holte. Für eine Rolle im Musikfilm „Mambo
Kings“ klopfte dann 1992 Hollywood an die
Tür, und fortan verlegte der in Málaga geborene
Banderas seinen Lebensmittelpunkt nach
Los Angeles. In der Bestseller-Verfilmung
„Das Geisterhaus“ war er ebenso zu sehen
wie im Aids-Drama „Philadelphia“, er spielte
Hauptrollen in Mainstream-Welterfolgen wie
„Die Maske des Zorro“ oder „Spy Kids“ sowie
deren Fortsetzungen, drehte mit Angelina
Jolie („Original Sin“), Woody Allen („Ich
sehe den Mann deiner Träume“) und nochmals
Madonna („Evita“) und begeisterte als
Stimme des gestiefelten Katers in den „Shrek“-
Filmen (und einem eigenen Ableger) nicht nur
Millionen von Kindern. Dass er zwischendurch
auch gehörige Flops wie „Der 13te
Krieger“ oder Brian de Palmas „Femme fatale“
landete – geschenkt! 2011 tat sich Banderas
als unheimlicher Schönheitschirurg in „Die
Haut, in der ich wohne“ nach über 20 Jahren
erstmals wieder mit seinem alten Freund
Almodóvar zusammen. Als einige Jahre
später seine langjährige Ehe mit Hollywood-
Kollegin Melanie Griffith zu Ende ging (mit
der er nicht nur eine gemeinsame Tochter
hat, sondern sie auch in seinem Regiedebüt
„Verrückt in Alabama“ besetzte), zog er auch
privat zurück in die alte Heimat. Inzwischen ist
der 59-jährige mit der holländischen Bankerin
Nicole Kimpel liiert und besitzt in Málaga ein
Theater mit angeschlossener Schauspielschule,
in das er einen Großteil seiner Energie und
Einnahmen steckt. Doch auch vor der Kamera
läuft es für Banderas gut wie lange nicht.
Seine Rolle als Picasso in der zweiten Staffel
der TV-Serie „Genius“ brachte ihm Nominierungen
für den Emmy und den Golden
Globe ein. Und für seine Rolle in Almodóvars
neuestem Film „Leid und Herrlichkeit“
(ab 25. Juli in den deutschen Kinos) wurde er
im Mai beim Filmfestival in Cannes als bester
Darsteller ausgezeichnet. Wenige Tage zuvor
traf BOLD ihn dort zum Interview.

58 // BOLD INTERVIEW INTERVIEW / ANTONIO BANDERAS
Herr Banderas, schon Ihren ersten Kinofilm
1982 inszenierte Pedro Almodóvar,
man könnte sagen, dass er Sie entdeckt
hat. Erinnern Sie sich noch daran, wie Sie
sich damals begegnet sind?
Na klar. Wir waren jung, ich gerade einmal
Anfang 20. Wir machten nur, worauf wir
Lust hatten, und verließen uns ausschließlich
auf unsere Intuition. Es gab keine
Vergangenheit, nur den Moment – und
natürlich die Zukunft. Wir befanden uns
aber auch allgemein in einer aufregenden
Zeit in Spanien, denn die Diktatur war
endlich zu Ende und ein Gefühl von Freiheit
wehte durchs Land. Trotzdem war es
immer noch ein konservatives, katholisches
Land, deswegen war es so aufregend, dass
Pedro plötzlich alle Regeln brach. Nicht
nur im Kino, sondern auch gesellschaftlich.
Alles, was wir damals machten, wurde zum
Skandal.
Und das gefiel Ihnen?
Ich fand das wichtig und überfällig. Meine
Mutter war natürlich anfangs entsetzt.
Nachdem sie unseren Film „Das Gesetz der
Begierde“ gesehen hatte, war sie empört:
Warum hast du mich nicht gewarnt, dass du
da einen Mann küsst? Ich hatte alle meine
Freundinnen dabei! Aber auch sie, die in
einer ganz anderen Kultur aufgewachsen
ist, hat irgendwann realisiert und vor allem
akzeptiert, dass wir in einem neuen Spanien
angekommen waren. Dafür war Pedro
mitverantwortlich – und diese Veränderungen
aus der ersten Reihe mitzuerleben,
war eine einmalige Erfahrung.
In den neunziger Jahren haben Sie dann
trotzdem Spanien und Almodóvar den
Rücken gekehrt ...
Aber das war kein Bruch im Bösen, sondern
eine normale Entwicklung. Ich liebte es, Teil
von Pedros Team zu sein und fühlte mich
wie ein Rockstar. Egal, wo wir in Madrid
hinkamen, sorgten wir für Aufsehen: Oh, da
kommen die Almodóvar-Leute. Trotzdem
war immer klar, dass wir nicht ein Leben lang
und ausschließlich miteinander arbeiten
würden. Ich war bereit für mein eigenes
Abenteuer und er für neue Mitstreiter.
Doch wir blieben immer Freunde. Und dass
wir irgendwann auch in der Arbeit wieder
zusammenfanden, ist bis heute für mich das
Größte überhaupt.
Im neuen Film „Leid und Herrlichkeit“
spielen Sie nun einen Regisseur, der mit
Almodóvar viele Ähnlichkeiten aufweist.
Hatten Sie das Gefühl, Ihren Freund zu
verkörpern?
Natürlich ist diese Figur eine Fiktion und
damit eigentlich eine Rolle wie alle anderen
auch. Aber klar: Mit diesem Film nimmt
Pedro sich selbst und sein Leben unter die
Lupe, privates wie berufliches. Wahrscheinlich
ist „Leid und Herrlichkeit“ in gewisser
Weise eine Art Aussöhnung mit sich selbst.
Vieles habe ich aus dem echten Leben in
abgewandelter Form wiedererkannt, etwa
sein Verhältnis zu seiner Mutter. Und der
Schauspieler, zu dem der Regisseur im Film
viele Jahre nach einem Streit wieder Kontakt
aufnimmt, ist sicherlich eine Mischung aus
vielen Schauspielerinnen und Schauspielern,
mit denen Pedro im Laufe der Jahre
eng zusammengearbeitet hat. Mich selbst
eingeschlossen!
Sind Sie selbst auch schon an einem Punkt
in Ihrem Leben, an dem Sie anfangen,
Bilanz zu ziehen?
In gewisser Weise vielleicht. Vor zweieinhalb
Jahren hatte ich einen Herzinfarkt, und
das war eine Erfahrung, durch die ich viel
gelernt habe. Mit einem Mal sieht man viel
klarer auf die eigenen Prioritäten; vieles von
dem, was man die längste Zeit als unglaublich
wichtig erachtet hat, erweist sich als
alles andere als das. Dem Tod ziemlich
direkt ins Auge zu sehen und zu realisieren,
dass von einem Moment auf den nächsten
alles vorbei sein kann – das ist im Grunde
die beste Universität, die das Leben zu
bieten hat, um es einmal so auszudrücken.
Niemals sonst lernt man schneller.
Woran erinnern Sie sich am meisten,
wenn Sie an den Herzinfarkt zurückdenken?
Ich denke noch oft an eine ältere Krankenschwester,
die sich in London um mich
kümmerte, nachdem mir drei Stents eingesetzt
worden waren. Sie erinnerte mich
daran, dass das Herz nicht nur ein Organ
ist, das Sauerstoff durch den Körper pumpt,
sondern auch die Lagerhalle der Gefühle
ist. Und sie warnte mich, dass ich sehr
traurig und empfindsam werden würde.
Plötzlich fing ich zu weinen an, wenn ich
Filme sah oder ein schönes Gedicht las.
Pedro erkannte beim Dreh zu „Leid und

Fotos: Studiocanal Filmverleih

INTERVIEW / ANTONIO BANDERAS
BOLD INTERVIEW // 61
Herrlichkeit“ diese neue Seite an mir sofort
und ermahnte mich, sie bloß nicht zu unterdrücken.
Was haben Sie dann dort gefunden,
was man Ihnen in Spanien nicht bieten
konnte?
Im kommenden Jahr werden Sie 60 Jahre
alt. Haben Sie mit dem Älterwerden Ihren
Frieden gemacht?
Nur, weil ich einen Herzinfarkt hinter mir
habe, freue ich mich nicht automatisch
darüber, älter zu werden. Aber ich versuche
zumindest, die Dinge nicht so schwer zu
nehmen, die ich ohnehin nicht ändern kann.
So wie den 60. Geburtstag nächstes Jahr.
Das ist allerdings wirklich ein Lernprozess,
auch in der Arbeit vor der Kamera. Eine
ganze Weile lang fiel es mir nicht leicht,
mich damit abzufinden, dass ich nicht mehr
ohne weiteres die gleichen Rollen spielen
kann wie früher. „Leid und Herrlichkeit“
war auch deswegen wichtig für mich. Hier
hatte ich keine Angst, mich alt zu zeigen.
Wenn jemand diesen Film sieht und sich
beschwert, dass das da auf der Leinwand
aber nicht Zorro ist, kann ich damit leben.
Das Stichwort „Zorro“ bringt uns noch
einmal zurück zu Ihrem Sprung nach
Hollywood. War es früher immer Ihr Ziel,
dort zu landen?
Ich hatte mir nicht fest vorgenommen, in den
USA zu landen, das nicht. Das war tatsächlich
eher etwas, das sich ungeplant ergab, als
man mir eine Rolle in der US-Produktion
„Mambo Kings“ anbot. Aber klar, ich war
sofort neugierig und fasziniert. Hollywood,
wow, das konnte ich mir natürlich nicht
entgehen lassen.
Ganz klar: Filme wie „Zorro“. Filme dieser
Größenordnung hätte ich nie gedreht, wäre
ich in Europa geblieben. Für mich war die
Zeit in den USA das Abenteuer meines
Lebens: ich habe mit unglaublich tollen
Kollegen gearbeitet, spannende Menschen
kennengelernt, war dort verheiratet und
habe eine Tochter, die Halb-Amerikanerin
ist. Ich habe in Hollywood also viel Glück
erlebt, aber meine Heimat ist immer Europa
geblieben.
Ihre Scheidung von Melanie Griffith
verlief ungewöhnlich harmonisch ...
Melanie mag nicht mehr meine Frau sein,
aber sie ist immer noch meine Familie und
meine beste Freundin. Wann immer ich in
Los Angeles bin, sehen wir uns, und eigentlich
telefonieren wir alle zwei Tage. Auch
meine Kinder sind immer noch meine
Kinder, nicht nur meine leibliche Tochter
Stella, sondern auch Melanies Kinder
Dakota und Alexander. Alle besuchen mich
auch immer wieder in Spanien. Warum
auch nicht? Beziehungen und Liebe verändern
sich, aber das letzte, worauf ich käme,
wäre, so zu tun, als hätte es diese 20 Jahre
meines Lebens nicht gegeben.
WEITERE INFORMATIONEN:
www.studiocanal.de

THE
CHANGEABLE
MATTHEW
McCONAUGHEY
AUTOR & INTERVIEW: A. WAGNER

64 // BOLD INTERVIEW INTERVIEW / MATTHEW McCONAUGHEY
Anwälte und Astronauten, romantische Helden und verkrachte Ermittler – es gibt nichts,
was Matthew McConaughey nicht spielen kann. Doch selten war die Rollenauswahl des
Oscar-Gewinners so vielfältig und schräg: Nach seinen Auftritten als Waffenhändler in
„White Boy Rick“ und bekiffter Dichter in „Beach Bum“ ist er in dem Thriller „Im Netz
der Versuchung“ wiederum ganz anders zu sehen.
Viele Jahre ist es her, dass der Film „Texas
Chainsaw Massacre – Die Rückkehr“ in
einige amerikanische Kinos kam, und eigentlich
gibt es keinen guten Grund, sich daran zu
erinnern. Die dritte Fortsetzung des Horror-
Meilensteins war schlimmster Trash und
ein riesiger Flop, der in Deutschland gleich
in den hintersten Ecken der Videotheken
verschwand. In die Filmgeschichte eingegangen
ist sie trotzdem, denn es stellt so etwas
wie die Geburtsstunde zweier eindrucksvoller
Hollywoodkarrieren dar: Renée Zellweger
war damals in ihrer ersten Hauptrolle zu
tiefsten Südstaaten einen Afroamerikaner
vor der Todesstrafe bewahren soll, der die
Vergewaltiger seiner kleinen Tochter umgebracht
hat, bekam der vollkommen unbekannte
Schauspieler nicht zuletzt deswegen,
weil Grisham und Regisseur Joel Schumacher
bei allen prominenteren Anwärtern nicht
einig wurden. Der Film wurde zum Erfolg,
McConaughey (der sich während der Dreharbeiten
in seine Filmpartnerin Sandra Bullock
verliebte) als Mischung aus Paul Newman
und James Dean gefeiert – und ein neuer Star
war geboren, MTV Movie Award inklusive.
sehen – und Matthew McConaughey spielte
an ihrer Seite einen White Trash-Killer.
Völlig begeistert von der Neuentdeckung,
besetzten Hollywood-Produzenten
Der Texaner, geboren am 4. November 1969,
hatte damals gerade ein Bachelorstudium
und erste Gehversuche als Schauspieler hinter
sich, darunter einen Auftritt in einem Musikvideo
von Country-Star Trisha Yearwood und
eine Rolle im Kultfilm „Dazed & Confused“
von Richard Linklater. In „Kaffee, Milch
und Zucker“ verführte er anschließend als
naiver Polizist Drew Barrymore, und plötzlich
ging alles – eher trotz als wegen „Texas
Chainsaw Massacre“ – ganz schnell. Bestenfalls
Insider waren mit dem Namen Matthew
McConaughey vertraut, als er quasi aus dem
Nichts 1996 die Hauptrolle in der Verfilmung
des Bestsellers „Die Jury“ von John Grisham
bekam. Die Rolle eines Anwalts, der in den
McConaughey in einer Hauptrolle nach der
nächsten: Neben Jodie Foster stand er für
das anspruchsvolle Science Fiction-Drama
„Contact“ vor der Kamera, mit Steven Spielberg
drehte er das Historien-Epos „Amistad“,
dazu kamen „EDtv“ oder „U-571“. In einer
Folge von „Sex and the City“ durfte er sogar
sich selbst spielen, so hell leuchtete sein Stern
am Promi-Himmel. Der Haken an der Sache:
Die finanziellen Erwartungen konnte keines
dieser ambitionierten Projekte erfüllen. Und
so machte der Schauspieler Schlagzeilen
hauptsächlich als Südstaaten-Lebemann, der
schon mal nachts bekifft und nackt verhaftet
wird, weil er zu laut auf seinen Bongos
getrommelt hat.
Mit Beginn des neuen Jahrtausends begann
dann plötzlich ein neuer Abschnitt in
McConaugheys Karriere. Statt anspruchsvoller
Prestige-Produktionen versuchte er
es plötzlich mit leichter Kost, was prompt
zum Erfolg führte. Mit „Wedding Planner –
Verliebt, verlobt, verplant“, „Wie werde ich
ihn los – in 10 Tagen?“ oder „Zum Ausziehen
verführt“ wurde er im Handumdrehen zum
König der romantischen Komödie, der teure
Abenteuerfilm „Sahara“ zog eine von Paparazzi
begleitete Romanze mit Penélope Cruz
nach sich, und das People Magazin ernannte
ihn zum „sexiest man alive“. Dauerhaft glücklich
machte das Image des verliebten Schönlings
allerdings auch nicht. Die Begegnung
mit seiner späteren Ehefrau, dem Model
Camila Alves (mit dem er heute drei Kinder
hat), sowie eine zweijährige Auszeit von der
Schauspielerei änderten dann noch einmal
alles. Fortan nahm McConaughey nur
noch Rollen an, die er als Herausforderung
empfand und ihn mit spannenden Mitstreitern
zusammenführten. Das Ergebnis war
die sogenannte „McConaughnaissance“ (von
McConaughey + Renaissance, also Wiederauferstehung):
ein unvergesslicher Auftritt
als Stripper in „Magic Mike“, kleine schräge
Filme wie „Paperboy“ oder „Mud“, ein Welterfolg
mit Christopher Nolans „Interstellar“,
eine eindrucksvolle Nebenrolle in Scorseses
„Wolf of Wall Street“, dazu gab es einen Oscar
für seine beeindruckende Leistung als Aids-
Patient in „Dallas Buyer Club“ und für die
erste Staffel der Serie „True Detective“ Nominierungen
für den Emmy und den Golden
Globe. Natürlich konnte auch diese Erfolgssträhne,
die auch jede Menge Werbespots
für Bourbon und Autos umfasste, nicht

Fotos: Universum Film

INTERVIEW / MATTHEW McCONAUGHEY
BOLD INTERVIEW // 67
ewig halten, und so versucht McConaughey
– pünktlich zum 50. Geburtstag – aktuell
mal wieder, seiner Karriere eine neue Richtung
zu geben. Die Stephen King-Adaption
„Der dunkle Turm“ war vor zwei Jahren eine
herbe Enttäuschung, und in den vergangenen
Monaten konnten auch weder seine Nebenrolle
in dem Kriminalfilm „White Boy Rick“
(auf DVD & Blu-ray) noch Harmony Korines
Möchtegern-Kult „Beach Bum“ Fans und
Kritiker so richtig überzeugen. Die Wahrscheinlichkeit,
dass dies mit „Im Netz der
Verführung“ gelingt, ist auch nicht gerade
riesig, obwohl McConaughey und Anne
Hathaway unter der Sonne von Mauritius
zumindest hübsch anzusehen sind. Doch
allzu lange kann es eigentlich nicht dauern,
bis er einmal mehr ein neues Karriere-
Kapitel aufschlägt. Vielleicht ja sogar schon
mit Guy Ritchies neuem Gangster-Film „The
Gentleman“, der bereits abgedreht ist und
kommendes Jahr in die Kinos kommen soll.
Mr. McConaughey, was hat Sie denn an der
Rolle in „Im Netz der Versuchung“ gereizt?
Ich will gar nicht zu viel über die Geschichte
des Films verraten. Aber mir gefiel die Figur,
die ich darin spiele. Vor allem die tiefe Verbindung
zwischen Vater und Sohn sprach mich
an, denn darin habe ich mich selbst wiedererkannt.
Zehn Jahre lang versucht er, einen
bestimmten Fisch zu fangen um seinen Sohn
glücklich zu machen ... Diese Besessenheit,
für meine Kinder ein Held zu sein, habe ich
auch in mir.
Seit dem Beginn Ihrer Karriere sind Sie
nicht nur dreimal Vater geworden, sondern
haben auch den Oscar gewonnen und
riesige Erfolge an den Kinokassen ebenso
verbucht wie große Flops. Wie sehr haben
Sie sich in all diesen Jahren verändert?
Meine Persönlichkeit ist letztlich die gleiche
geblieben. Aber natürlich habe ich mich
verändert. Das tun wir doch im Idealfall alle;
jeden Tag lernen wir dazu. Trotzdem bin ich
kein anderer als früher, und viele Rollen, die
ich in den letzten Jahren gespielt habe, hätte
ich durchaus auch schon viel früher spielen
können. Ich habe es nur nicht getan. Und man
hätte sie mir vermutlich auch nicht gegeben.
Von daher würde ich sagen: Das Buch ist das
gleiche, aber das Kapitel ein neues!
Manches Kapitel haben Sie doch sicher
ganz bewusst neu aufgeschlagen ...
Das stimmt, vor allem vor zehn Jahren. Da
hatte ich nach einer Reihe von romantischen
Komödien das dringende Bedürfnis,
mal einen neuen Gang einzulegen. Ich hatte
keine Freude mehr an den Filmen, die ich
drehte. Verstehen Sie mich nicht falsch, einige
dieser Komödien mag ich bis heute, und vielleicht
drehe ich auch mal wieder eine. Aber ich
musste einfach mal eine andere Seite von mir
zeigen und suchte nach ganz neuen Erfahrungen
und Herausforderungen. Rollen, bei
denen ich das Gefühl hatte, dass ich ihnen
etwas abgewinnen könnte, was womöglich
niemand sonst schaffen würde. Die richtige
Entscheidung, kann ich sagen, wenn ich mir
die letzten zehn Jahre anschaue.
Prinzipiell meiden Sie Komödien ja
nicht, wenn man sich Ihren letzten Film
„Beach Bum“ ansieht ...
Nein, warum auch?! Aber vermutlich gibt es
kein schwierigeres Genre. Eine Komödie, die
wirklich über drei komplette Akte funktioniert,
ist schwer zu finden. Den meisten geht
spätestens in der Mitte die Luft aus. Von daher
halte ich die Augen offen nach einer, die mir
gefällt, setze mich aber nicht unter Druck.
Wonach ich suche, sind Filme, die für mich
eine Herausforderung darstellen und mir
vielleicht sogar ein bisschen Angst machen.
Zu welchem Genre sie gehören, ist da vollkommen
zweitrangig.
Als Produzent waren Sie bereits an einigen
Filmen beteiligt. Können Sie sich auch
vorstellen, mal auf dem Regiestuhl Platz zu
nehmen?
Daran arbeite ich, keine Sorge. Zum Üben
habe ich schon mal angefangen, hin und
wieder Werbespots für die Bourbon-Marke
Wild Turkey zu inszenieren. Das macht viel
Spaß und klappt auch deutlich besser als bei
den Kurzfilmen, an denen ich mich in den
Neunzigern versuchte. Das Endergebnis sah
jedenfalls ziemlich genau so aus, wie ich mir
das beim Schreiben vorgestellt hatte. Kann
also gut sein, dass ich mich demnächst auch
mal an einen Spielfilm wage. Zwei Drehbücher
liegen schon für den Fall der Fälle bei
mir in der Schublade.
WEITERE INFORMATIONEN:
www.universumfilm.de

68 // BOLD INTERVIEW IMPRINT
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