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GIACOMO MOZZI 

ARTISTI in 

VERSILIA

GIACOMO MOZZI 

ARTISTI in 

VERSILIA 

Introduzione 

LODOVICO GIERUT

COLLANA 

Artisti in Toscana 

18 

Diretta da 

FABRIZIO BORGHINI 

Coordinamento editoriale 

LUCIA RAVEGGI 

Il volume è realizzato da 

Iª edizione agosto 2015 

ISBN 978-88-6039-356-2 

Tutti i diritti riservati 

© Copyright Associazione Toscana Cultura 

e Masso delle Fate Edizioni 

Masso delle Fate Edizioni 

Via Cavalcanti, 9 - 50058 Signa (FI) 

www.massodellefate.it 

Finito di stampare nel mese di agosto 2015 

presso la Nova Arti Grafiche 

Via Cavalcanti, 9/D - 50058 Signa (FI) 

www.novaartigrafiche.it 

In copertina: 

Particolare della statua di Anna Chromy “Controvento” 

posizionata all’ingresso del pontile di Forte dei Marmi 

(Foto Giacomo Mozzi) 

Nel retro di copertina: 

Una foto in controluce al tramonto di una statua di Libero Maggini 

collocata sul Muraglione di Viareggio 

(Foto Giacomo Mozzi)

Artisti in Versilia 

Artisti in Versilia altro non è che un 

simbolico omaggio nei confronti 

di un territorio che da sempre è sia un 

punto di partenza per molti, sia di arrivo 

per altri – per la pittura, la scultura, 

la fotografia... – dato che è un luogo 

sempre in ascesa, ma già 

consegnato alla Storia dell’Arte dai 

vari Henry Moore, Pietro Annigoni, 

Igor Mitoraj, Lorenzo Viani, Galileo 

Chini, Franco Miozzo, Carlo Carrà, 

Giuseppe Viner..., posto tra le estreme 

propaggini di Forte dei Marmi verso 

nord, e il lago di Massaciuccoli di pucciniana 

memoria a sud. 

Si tratta di un pulsante contenitore, 

peraltro geograficamente non enormemente 

ampio il quale, nonostante 

mutamenti di vario ordine, è ormai famoso 

nel mondo per le soste di pensiero, 

per i positivi incontri anche delle 

diversità tecnico/estetiche, e poi c’è il 

marmo e il bronzo dei tanti laboratori 

e delle fonderie, le Apuane michelangiolesche 

di Stazzema e di Seravezza 

dalle bianche ferite, la Versiliana verde, 

le distese sabbiose viareggine e camaioresi 

e pietrasantesi e fortemarmine, i 

fremiti olivati delle colline tutte, comprese 

quelle del massarosese, la storia 

e le tradizioni dei sette Comuni che 

compongono la Versilia, a far vivere, 

raggrumando in modo diretto o indiretto 

su carta e su tela e con le materie 

più varie una sommatoria di emozioni 

e sensazioni, esperienze e sogni e altro 

ancora. 

Artisti in Versilia non è un’arida elencazione 

di nomi noti o poco conosciuti 

(per scriverne in maniera esaustiva 

servirebbero, in verità, migliaia di pagine 

di cronaca e di critica d’arte), 

bensì una spontanea onestissima 

unione che fa onore a quel grande palcoscenico 

in cui l’Arte cerca di rallentare 

i nostri giorni frettolosi, presi 

come siamo dal vivere e dal sopravvivere 

in un odierno scontro/incontro di 

luci e di ombre. 

Lodovico Gierut 

Scrittore e critico d’arte 

3

LIBUSE BABAKOVA 


136 Variazioni sul tema, 2014, acrilico su tela, 

cm. 80x80 

Libuse Babakova, d’origine 

cecoslovacca, da oltre 

trent’anni naturalizzata italiana. 

La sua formazione artistica si 

sviluppa nell’ambito di scuole 

ad indirizzo umanistico e 

musicale che ha svolto con 

successo nelle strutture scolastiche 

ed universitarie del 

suo paese d’origine, dove ha 

conseguito la laurea in Storia 

e Musicologia all’Università 

Purkyne di Brno, sua città natale. 

Nel corso degli anni la sua attenzione si è 

spostata sulle arti visive, focalizzandosi sulla 

pittura con produzioni di opere a sfondo 

figurativo, realizzate con tecnica ad olio, ad 

acrilico ed a pittura su vetro. Con la permanenza 

in Italia, la sua arte si è arricchita di 

elaborate tecniche espressive e di nuove 

esperienze, che man mano l’hanno indotta 

a lasciare il percorso figurativo, avviandola 

56 Intrusioni, 2013, acrilico su tela, cm. 30x30 

verso linguaggi più attuali e 

meglio inquadrabili nell’area 

dell’espressività contemporanea. 

Le sue recenti opere 

potrebbero trovare riferimento, 

quale punto di partenza, 

nella correntemente 

“Action Painting”, ma la Babakova 

si muove con elaborazioni 

cromatiche e configurazioni 

geometrico spaziali 

del tutto personali ed originali, 

conferendo alla nostra 

artista il merito di essere definita 

una pittrice in progressiva 

evoluzione, culturalmente preparata e 

degna di attenzione. 

Dal 2014 entra a far parte dell’associazione 

artistica Antica Compagnia del Paiolo e del 

Circolo Artistico “Casa di Dante”. 

Nel dicembre 2014, nel Salone dei Cinquecento 

in Palazzo Vecchio a Firenze, le è stato 

conferito il Fiorino d’Argento (XXXII Premio 

Firenze). 

libuse.babakova@gmail.com 

www.libusebabakova.com 

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LIBUSE BABAKOVA 

111 Intermezzi rusticani, 2014, acrilico su tela, cm. 50x70 

162 Silenzi in Diesis, 2015, 

acrilico su tela, cm. 40x40 

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MAURO BARONCINI 


La bellezza della musica, 2014, olio su tela, cm. 70x100 

Fedele alla miglior tradizione figurativa 

italiana, di costruire e coltivare la pratica 

pittorica sulle solide basi del disegno e 

dello studio del vero, Mauro Baroncini ci 

mostra al contempo come l’entusiasmo e la 

passione per l’arte abbia continuamente 

arricchito il suo percorso. Non si è fermato 

ai risultati pur edificanti raggiunti nel ritrarre 

con contorni più vividi della realtà i suoi 

paesaggi, le nature morte; è andato oltre e 

si è rimesso in gioco affrontando il difficile 

tema della figura umana. Le sue opere ora 

argomentano non solo col realismo di scene 

o di nudi o di volti, né solo con la bellezza, 

ma si qualificano ed impongono per un 

loro peculiare carattere, forte, dirompente, 

carico di energia ed abilmente sostenuto da 

un tessuto pittorico che unisce alla plasticità 

gli scontri emozionali di luce e d’ombra. 

Roberta Fiorini 

Nato a Pontassieve il 13 giugno 1944 vive a 

Firenze ed opera a Dicomano. Ha frequentato 

l’Istituto d’Arte; già membro del GADA 

negli anni Settanta, oggi socio del gruppo 

Dalle Terre di Giotto e dell’Angelico. La pittura 

di Mauro Baroncini esalta il particolare, 

evidenzia l’inquadratura passando da un 

soggetto all’altro con estrema facilità. 

Cell. 348 9172065 - maurobaroncini@yahoo.it 

Blog: maurobaroncinipittore.blospot.com 

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FEDERICA BERNER GHEZZI 

Nata a Lucerna (CH) il 14 maggio 

1949. Dopo studi ed esperienze 

nel campo della grafica arriva tardi 

alla pittura, da cui si è sentita attratta 

e che ha sempre coltivato, fin dalla 

più giovane età. Negli anni recenti si 

è dedicata alla celebrazione di Brera 

e dei suoi artisti, creando l’installazione 

“Maestri di Brera” che ha portato 

in giro per il mondo: New York, 

Shanghai e Bruxelles e si concluderà 

in ottobre a Milano, al Jamaica per 

Expo 2015. 

“Uno dei caratteri più spiccati nella 

pittura di Federica Berner Ghezzi è 

la capacità di assecondare la definizione 

figurativa dei suoi soggetti – 

che, originalmente, nel ciclo di opere 

più recente, vedono protagonista “il 

miglior amico dell’uomo”, il cane – 

arricchendola con una stesura della 

materia cromatica alla quale spesso 

attribuisce qualità espressive persino 

informali stabilendo così un efficace 

equilibrio tra sintesi ed eloquenza. 

Pochi elementi narrativi bastano infatti 

alla Berner per catturare il senso 

di movimento e la suggestione spaziale 

e riportarci, delle forme e della 

scena, il valore emozionale che li dice 

essere frammenti di realtà dei quali 

esalta - nella sapiente stratificazione 

di colore e luce, nel gioco di vibrazioni cromatiche 

- il ruolo poetico dell’immagine e del “ritratto” 

nutrendo il dato realistico di più autentica affettività.” 

Roberta Fiorini 

Via del Lauro, 10 – 20121 Milano - Cell. +39 348 9801117 

federica.berner@gmail.com - info@federicaberner.net - www.federicaberner.net 

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ADUA BIAGIOLI 


Blanc, acrilico su tavola, cm. 40x64 

Artista, scrittrice e poeta, vive a Pistoia. 

Consegue il diploma di maturità artistica 

presso il Liceo Artistico P. Petrocchi di 

Pistoia e dopo un corso di pittura all’Accademia 

di Belle Arti a Firenze ottiene la specializzazione 

di Operatrice Culturale rilasciata 

dalla Regione Toscana. Segue il corso 

di laurea in Lettere e Filosofia all’Università 

di Firenze con indirizzo critica del cinema. 

Scrive recensioni su cinema, arte e letteratura, 

partecipando a reading di poesia e 

concorsi letterari a livello nazionale e internazionale. 

Resta in contatto con una visione poliedrica 

ampia e totale delle arti e della letteratura, 

presente in diverse riviste d’arte e antologie 

letterarie. 

stellinavu@yahoo.it - audabi2008@yahoo.it 

www.aduabiagioli.it - Presente sui social FB e su TW 

9


SIMONE BILIOTTI 

Scultore fiorentino, si è formato a 

Pietrasanta nei migliori studi della 

Versilia, sotto la guida di artisti di livello 

internazionale. Scolpisce marmi 

pregiati e rari tra cui il portoro, il nero 

del Belgio, il marmo bianco di Carrara, 

l’alabastro blu, l’extra noir Saint Laurent... 

ll suo stile raffinato ed elegante 

è il frutto di una ricerca poetica 

dell’armonia. Fa parte dello storico 

Gruppo Donatello, del Circolo degli 

Artisti “Casa di Dante” di Firenze, 

dell’Antica Compagnia del Paiolo. La 

sua ultima scultura è l’“Ermafrodito”, 

aprile 2015, in marmo bianco statuario 

proveniente dalla famosa cava Michelangelo. 

Attualmente è impegnato 

nella realizzazione di una scultura 

monumentale, che sarà collocata 

all’entrata della Grotta del Vento in 

Garfagnana. Il 27 giugno 2015, nel Salone 

dei 500 in Palazzo Vecchio a Firenze, 

è stato insignito del “Collare 

Laurenziano”, conferitogli dall’Accademia 

Internazionale Medicea. 

Ermafrodito, marmo bianco statuario cava Michelangelo, 2015 

La verticalità della scultura “L’ermafrodito”, 

come pure la sua struttura 

curvilinea pacata e fluida, rivelano 

l’intenzione bivalente dell’opera, che 

congiunge nella sua forma segni sessuali 

opposti portandoli ad una integrazione 

fra loro. Tale connubio è sottolineato 

anche dall’uso del marmo 

statuario nella tonalità bianco-latte 

della superficie: il bianco simbolicamente 

rimanda a sentimenti di purezza 

e speranza, ma è anche la combinazione 

di tutti i colori dello spettro luminoso, 

raggiungendo così una sorta di totalità. In tal 

modo, questa scultura di Simone Biliotti, stilizzata 

ed astrattiva, costituisce idealmente e formalmente 

un’unione e una fusione fra diversi: nasce, 

di conseguenza, una nuova identità che qui si 

afferma come esistente. 

Federico Napoli 

Via dei Della Robbia 52 - Firenze 

Cell. 329 6026092 - scultoretoscana@gmail.com 

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CHRISTINE BÖKE 


Serie Zeitlos, vaso etrusco, cm. 100x120 

christine.boeke@tiscali.it 

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MASSIMILIANO BROGI 

Opera in Bianco P dal titolo Venere 

Massimiliano Brogi nasce a Pietrasanta 

nel 1971. Sin da giovanissimo mostra di 

possedere spiccate doti artistiche che lo 

portano, all’età di appena sedici anni, ad avvicinarsi 

ai laboratori artigiani della città 

natale. È in questo periodo che apprendendo 

l’arte dell’intarsio e della scultura vede 

affiorare la passione per quella che lui stesso 

ama definire la materia più affascinante: 

il marmo. 

Dopo una lunga fase d’apprendimento in 

cui continua ad affinare la propria tecnica, 

Brogi impreziosisce la sua esperienza grazie 

al sostegno di grandi scultori. 

Intanto il suo percorso artistico comincia a 

delinearsi: nel 2000 i critici si interessano 

con maggiore enfasi alle sue opere e alcune 

tra le più autorevoli riviste e gallerie 

d’arte iniziano a pubblicare ed esporre i 

suoi lavori. 

Negli ultimi anni si trasferisce a Firenze con 

l’intento di perfezionare la disciplina del disegno. 

Attualmente espone in varie location italiane 

grazie al curatore e critico d’arte Giorgio 

Grasso. 

Fondatore dello studio d’arte “Paros Arte di 

Terra”. 

Cell. 334 9483706 - https://www.facebook.com/pages/Paros-arte-di-terra/316254911790492 

www.parosbottegadarte.it/ 

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MASSIMILIANO BROGI 

Attesa, giallo oro, cm. 60x12x22 

Ascensione, marmo bianco di Carrara 

Donna, giallo reale, cm. 90x30x30 

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JOANNA BRZESCINSKA - RICCIO 

Nata in Polonia dove si è laureata 

nel 1985 presso la Facoltà di Pedagogia 

e Psicologia con indirizzo di 

Educazione Artistica e specializzazione 

in Grafica (acquaforte) all’Università 

Maria Curie - Sklodowska di Lublino. 

Dal 1989 risiede in Toscana, lavora 

come libero professionista e artista 

indipendente, il suo genere artistico è 

sopra tutto: grafica, disegno a china, 

anche su tela - tecnica propria, e disegno 

su ceramica. Per diversi anni ha 

vissuto in Versilia dove nel 1990 ha allestito 

la sua prima mostra personale 

in Italia a cura del critico d’arte Lodovico 

Gierut alla Cappella Medicea di 

Seravezza ed in seguito altre personali 

e ha preso parte a diverse collettive 

partecipando attivamente alla 

vita artistica versiliese come socio di 

varie associazioni artistiche e culturali 

fra le quali Movimento Artistico Versilia 

con sede alla Galleria “216” Promozioni 

Arte a Viareggio, il gruppo 

fondato e diretto dalla nota operatrice 

culturale e poetessa Alberta Rossana 

Bianchi. Negli anni 1992-97 con 

gli artisti del MAV ha partecipato a 

numerose mostre ed eventi artistici 

versiliesi. Attualmente vive in Lunigiana 

nel comune di Aulla ma continua a 

mantenere stretti rapporti con la Versilia 

e l’ambiente artistico versiliese; fa 

parte fra altro del Comitato Archivio 

artistico - documentario Gierut di Marina 

di Pietrasanta, con il quale partecipa 

nelle mostre ed eventi organizzati 

e curati da Lodovico Gierut, 

recentemente: “Arte per la ricerca. La 

nostra Versiliana” alla Villa “La Versiliana” 

a Marina di Pietrasanta, Artisti x 

Forte 100” a cura di Lodovico Gierut 

La magia delle pietre, 2014, disegno a china su carta Magnani, 

cm. 50x70 

e Vittorio Guidi al “Fortino” e Museo Ugo Guidi a 

Forte dei Marmi , “La memoria dell’olivo” al Palazzo 

Mediceo a Seravezza e l’evento Pietrasanta - 

Cefalù: Gemellaggio d’Arte. Fino ad ora ha realizzato 

31 mostre personali in Italia e all’estero e ha 

partecipato su invito ad oltre 140 mostre collettive 

e rassegne d’arte in Italia, Polonia, Francia, 

Gran Bretagna, Spagna, Belgio, Germania, Turchia 

ed altre. Per la sua opera artistica ha ottenuto circa 

40 importanti premi e riconoscimenti sin dai 

primi anni Novanta. Pur svolgendo l’attività artistica 

in Italia mantiene stretto contatto con la sua 

città polacca di Zamosc partecipando alla vita 

culturale e artistica della città; inoltre si dedica 

agli scambi culturali tra gli ambienti artistici e culturali 

polacchi ed italiani. 

“(…) le varie personali che l’hanno fatta notare a 

livello europeo, ci consentono di collocarla – per 

impegno e risultati ottenuti - nel gruppo degli artisti 

che credono fermamente alla ricerca tecnica 

ed interiore, lavorando per se e per altri. La sua 

visione è ampia e dinamica, quasi voler trasmettere 

un dialogo col nostro mondo ed oltre, per mezzo 

di un dipingere che assurge ad una armonia 

spirituale tale, da far pensare ad una fuga verso 

una Dimensione diversa dall’attuale.” 


Cell. 348 3017719 

joamass@alice.it - www.joannabrzescinska-riccio.com 

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ENRICO CARLISI 


Il profumo delle magnolie, dittico olio su tela, cm. 80x120 

Hanno parlato e scritto di lui il Corriere 

della Sera, La Nazione, la Repubblica, il 

Tirreno, il Corriere di Firenze e numerose 

riviste specializzate. Saggi, note e citazioni 

ricevute da Tommaso Paloscia, Domenico 

Viggiano, Giuse Benignetti, Corrado Marsan, 

Dino Pasquali, Walter Campani, Paolo 

Sfogli, Senzio Mazza, Federico Napoli, 

Alessandra Rontini, Raffaellla Galamini, Sonia 

Salsi ed altri critici e storici dell’arte. 

Socio dello storico Gruppo Donatello di Firenze, 

Vice Presidente di Gadarte fino al 

2014, dal 2006 è Direttore Artistico di “Art 

Esplanade Incontri” a Viareggio. 

I suoi dipinti sono presenti in numerose collezioni 

private, presso enti pubblici, banche, 

in Italia e all’estero. 

Alcune tra le più importanti mostre e riconoscimenti 

ottenuti: 

1973 Arezzo - Monterchi “Madonna del Parto”: 

1°classificato 

- Borselli – Cardo d’Argento – 1° Classificato 

1974 Scandicci – Comune Sala della Biblioteca: 

mostra personale 

1976 Firenze Galleria la Piramide: mostra 

personale 

1978 Scarperia- premio Il Ferro Battuto: 1° 

classificato. 

Galleria LA STUFA – Firenze: mostra personale 

1979 Barberino Val d’Elsa: Il Passignano – 

1° classificato 

1982 Parma – Rassegna Arte nel Novecento: 

1° classificato 

1983 Firenze “Arte e Sport”: - 2° classificato 

1984 Scarperia “Premio Primavera”: 1°classificato 

2005 mostra personale presso la Taverna 

degli Artisti “Lupululà” a Pistoia 

2006 mostra personale presso “Art Esplanade 

Incontri” a Viareggio 

- Firenze - concorso “L’acqua” 1° classificato. 

- Premio Coop “Il Cuore si scioglie” 2° clas- 

Via Paoletti, 26r – 50134 Firenze 

Cell. 333 1037719 – enrico.carlisi@alice.it 

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ENRICO CARLISI 

Mareggiata a Marina di Alberese (il volo), olio su tela, cm. 50x70 

sificato 

2007 Premio Coop “Il cuore si scioglie” 

1°classificato. 

- mostra personale presso Grand Hotel – Firenze, 

“Le ali del tempo” 

2008 Premio Primavera “Fantasie”: 1° classificato. 

- “Il Naturalismo Fantastico” presso il Gruppo 

Donatello a Firenze assieme all’amico 

pittore Marcello Boboli 

2009 “Di nuovo a chiacchierar d’arte assieme” 

esposizione di 25 dipinti con l’amico e 

maestro Giulio da Vicchio presso Art Esplanade 

Incontri a Viareggio. 

- “Poker d’Autori” – Omaggio a Pietro Annigoni 

– Ente Cassa di Risparmio di Firenze – 

Sala delle Colonne – Firenze 

2010 premio il Magnifico: Primo Classificato 

Firenze – Le Murate – “4 percorsi d’arte” 

- ottobre 2011 

2012 Personale “Caricentro Banca C.R. Firenze” 

Firenze 

- Artists in project – Viareggio. Art Esplanade 

Incontri 

- Novembre – Vincitore del 50° Premio Cardo 

d’Argento nella Sala del Basolato – Fiesole 

2013 Tris d’autori - Viareggio luglio-settembre 

2014 Personale Art Esplanade Incontri – 

Viareggio 

2015 Insignito del Collare Laurenziano nel 

Salone dei Cinquecento di Palazzo Vecchio. 

Sogni d’artista, olio su tela, cm. 80x60 

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DANIELE CERÙ 


Il burattino nella lanterna, 2015, affresco, tecnica mista, cm. 52x62 

Daniele Cerù è nato a Camaiore in provincia 

di Lucca nel gennaio 1970. È un 

pittore autodidatta che negli anni Novanta 

scopre l’arte della pittura per gioco trasformandola 

subito in un’autentica passione. Il 

suo percorso artistico comincia con la serie 

di opere ‘Tra favola e colore’ dove esprime 

la sua arte utilizzando tecniche a olio su 

tela. Questa serie é dedicata alla ‘fanciulla’, 

una sorta di madre natura che sarà il personaggio 

principale di tutte le sue opere e che 

seguirà l’autore durante tutto il percorso 

artistico. La fanciulla viene successivamente 

affiancata da altri personaggi per dare 

vita ad un’altra serie di dipinti ad olio su tela 

intitolata ‘Giochi nell’aria’. La tecnica di 

Cerù continua seguendo un percorso evolutivo 

che lo porterà a creare pochi anni 

dopo ‘Il mio teatro’ una serie di opere in cui 

l’artista, utilizzando una tecnica mista di incisione 

su affresco, pone la sua fanciulla su 

un palcoscenico con burattini e altri personaggi 

ispirati in parte alla favola di Pinocchio. 

Dal 2005 Daniele Cerù partecipa a numerose 

esposizioni sia collettive che persona- 

cerudaniele@gmail.com 

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DANIELE CERÙ 

Petali, 2015, affresco, tecnica mista, cm. 56x66 

li riscuotendo ottimi giudizi sia di critica 

che di pubblico. Inoltre, partecipa a diverse 

rassegne artistiche aggiudicandosi premi e 

riconoscimenti. Nell’ottobre del 2011 espone 

a Bruxelles presso la Banca Monte Paschi 

Belgio. In occasione di quella mostra i 

quadri di Daniele Cerù sono esposti con 

opere provenienti dai Musei Vaticani. Dal 

novembre 2011 Daniele Cerù entra far parte 

dell’esposizione permanente intitolata 

“Costellazioni d’artisti” presso L’Espace 

Banca Monte Paschi Belgio a Bruxelles. Nel 

giugno 2012 espone con una mostra personale 

nella splendida Salle Taj Mahal presso 

la Direzione Generale MARE della Commissione 

Europea, a dicembre 2012 presenta 

“La fanciulla nel teatro” nell’Istituto Italiano 

Culturale di Bruxelles e nel 2014 è presente, 

con altri, a “Viaggio di Artisti in Europa” a 

cura di Gigliola Fontanesi e Lodovico Gierut 

alla presenza di Antonio Tajani (Vice Presidente 

della Commissione Europea) presso 

Berlaymont President’s Gallery a Bruxelles. 

Sue opere sono in esposizione permanente 

presso il Centro Arte Moderna di Pisa. 

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CATIA CHICCHI 


10 Uscite, 2013, tecnica mista su tela, cm. 100x100 

Catia Chicchi nasce a Camaiore (LU), 

dove vive e lavora. 

Ha frequentato l’Istituto d’Arte Stagio Stagi 

di Pietrasanta e successivamente l’Accademia 

di Belle Arti di Firenze. Attualmente oltre 

all’attività di pittrice è docente di Discipline 

Grafiche e Pittoriche presso il Liceo 

Artistico di Pietrasanta. La pittura dell’artista 

Chicchi, si dipana tra figurativo ed 

astratto e con un linguaggio semplice, fatto 

di colore e pochi simbolici tratti, sottende a 

significati profondi, appena sussurrati. 

A partire dal 1986 espone in diversi luoghi 

d’Italia, dove riceve sempre molti apprezzamenti 

per le sue opere. Tra le varie esposizioni 

ricordiamo: Viareggio, Livorno, Pistoia, 

Camaiore, Pietrasanta, Pisa, Carrara, 

Venezia, Lucca, Seravezza, Forte dei Marmi, 

Milano, Marina di Massa, Bologna, Sarzana, 

Lido di Camaiore, Reggio Emilia, Arezzo, 

Massa, Pisa, Spezia, Genova e Parma. 

Studio: Via Paduletto, 348 - 55040 Capezzano Pianore (LU) 

Cell. 338 1501882 - catiachicchi@virgilio.it - www.quaz-art.it/ita-artista.php?id=43 

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CATIA CHICCHI 



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COBÀS (MARIO CARCHINI) 


Window with Three, tecnica mista su tela, cm. 100x100 

Pseudonimo artistico: Cobàs (con atto di 

notorietà). 

Dopo gli studi universitari, si dedica 

all’analisi della figura umana nel campo 

artistico. 

Nell’anno 1980 intervista il maestro Paul 

Delvaux per una tesi sulla figura femminile 

nell’arte. 

Nell’anno l986 collabora con i fratelli Paolo 

e Vittorio Taviani nel film, girato in Toscana, 

intitolato “Good Morning Babilonia”, 

FilmTre, Roma. 

Cobàs prende parte a diverse rassegne 

d’arte nazionali ed internazionali. L’artista, 

in seguito, lavora ad una ricerca pittorica, 

fotografica e video al cui centro si collocano 

problemi di frammentazione e rielaborazione 

dell’immagine, riferita all’analisi 

dell’inconscio tramite i sogni. 

Note critiche: 

le windows rappresentano delle finestre sul 

mondo interiore di Cobàs; il rosso magenta, 

rosso primario, fa da tramite tra l’inconscio 

e la tecnica pittorica personale dell’artista, 

in cui elementi simbolici vengono frantumati 

ed elaborati in nuove forme, nel tentativo 

di superamento della realtà contemporanea 

e costante proiezione nel futuro. 

Via Cucchiari, 14 - 54033 Carrara (MS) - Cell. 347 3459143 - mario.carchini@alice.it 

www.museodeibozzetti.it/index.php?id=288 - www.sacsarte.net 

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FERDINANDO COPPOLA 

Arcobaleno, collage su cartone, cm. 60x90 

Nasce nel 1945 a Viareggio dove vive e 

lavora. Iscritto all’Accademia di Belle 

Arti di Carrara nel 1971, si diploma al corso 

di Scultura. L’anno successivo si iscrive al 

corso di Pittura instaurando ottimi rapporti 

con docenti come Pier Carlo Santini, Luigi 

Bernardi, e Domenico Viggiano, docente di 

Tecniche Calcografiche. 

La sua attività artistica inizia nel 1970 con 

una mostra personale alla galleria Procellaria 

di Sarzana e, nello stesso anno, è scelto 

come rappresentante dell’Accademia alla 

“II Esposicao de Arte Universitaria” di Lisbona, 

ottenendo successo. Ancora studente 

frequenta lo studio di Carlo Mattioli 

e, a Viareggio, quelli di Renato Santini e di 

Mario Colzi. Nel 1974, insegnante di Discipline 

Pittoriche al I° Liceo Artistico a Roma. 

Conosce Giulio Turcato ed Emilio Greco e 

frequenta i loro laboratori. Espone alla Galleria 

E. Alfieri in via del Corso. Rientrato a 

Viareggio prosegue il percorso didattico 

presso il Liceo Artistico di Lucca. Pur avendo 

abbandonato la scultura frequenta i laboratori 

della ditta Henraux dove incontra 

Marino Marini, Henry Moore e altri maestri 

della scultura italiana. Nel 1974 è tra i fondatori 

dell’Associazione Amatori d’Arte 

(A.A.A) e collabora all’allestimento delle 

mostre del Premio Letterario Viareggio 

(Emilio Greco, Ugo Attardi, Renato Guttuso, 

Augusto Murer, ecc..). Nel 1980 è tra i 

fondatori dell’Associazione Artisti Versiliesi 

(A.A.V.) e ne sarà il vicepresidente fino al 

1993. Nel 1982 ottiene il Comando dalla 

S.B.A.A.A., presso il Museo di Palazzo Mansi 

a Lucca dove è responsabile della Sezione 

Didattica. Tiene corsi di pittura, scultura 

e grafica. Da alcuni anni si dedica alla progettazione 

grafica. Ha al suo attivo numerose 

mostre in Italia e all’estero (Francia, 

Germania, Portogallo, Giappone, ecc…). 

Hanno scritto di lui fra gli altri: Luigi Bernardi, 

Raffaello Bertoli, Antonella Capitanio, 

Dino Carlesi, Mario Colzi, Pier Francesco Listri, 

Antonella Malfatti, Nicola Micieli, Tommaso 

Paloscia, Dino Pasquali, Pier Carlo 

Santini. 

Studio: Via Bertini, 103 - Viareggio - Tel. 347 0763459 

info@coppolaferdinando.it - www.coppolaferdinando.it 

24


FERDINANDO COPPOLA 

Struttura spaziale, collage su cartone, cm. 90x60 

Quinte Viola, collage su cartone, cm. 90x60 

...Ci troviamo di fronte a quelle che potremmo 

chiamare strutture periodiche che Coppola 

ha realizzato sin dalla fine degli anni 

Settanta. Con tale espressione intendiamo 

funzioni che ripetono gli stessi valori a intervalli 

regolari con una variazione in crescita o 

in diminuzione tradotta in maniera scalare. 

Con un linguaggio meno tecnico potremmo 

dire che i suoi dipinti consistono di semplici 

elementi geometrici - linee quadrati circoli 

triangoli - e colori decisi. Alla fine degli anni 

Ottanta un critico letterario (Gian Luigi Beccaria), 

a proposito di certa letteratura e in 

particolare della poesia del Novecento, parlò 

di autonomia dei significanti: è quanto nel 

suo campo si propone Coppola, di lavorare 

su di essi alla luce di regole determinate 

sempre con precisione. ... 

E tuttavia una parte del fascino delle strutture 

periodiche è la complessità e ricchezza 

di esperienza che producono nello spettatore 

pur essendo servite da elementi semplici 

di base. Lo spettatore subisce l’incanto 

immediato provocato da interazioni che 

in seconda istanza può analizzare in regole 

compositive sempre rintracciabili senza 

che venga lesa la purezza formale dell’insieme. 

Paradossalmente in Coppola la caratteristica 

di queste strutture è che gli elementi 

diventano virtualmente anonimi: cioè 

è difficile isolarli, il contesto prevale, il tutto 

sopravanza la parte direbbero i gestaltisti 

(ancora problemi legati alla psicologia della 

percezione!). Come dire che ci troviamo di 

fronte ad un’arte legata alla pura otticalità. 

In effetti Coppola non è interessato a progettare 

soddisfacenti combinazioni di forma 

e colore, ma a farle funzionare, cioè reagire 

le une con le altre in modo da produrre 

una terza cosa, interamente nuova. ... 

Luigi Bernardi 

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EZIO DE ANGELI 

Ezio de Angeli è uno scultore nato a 

Massa nel 1962 che risiede a Casette, 

cittadina delle Alpi Apuane, 

dove lavora. Autodidatta che si dedica 

alla scultura e fin da subito riceve 

numerosi apprezzamenti; le sue opere 

non sono di semplice realizzazione: va 

dalle piccole alle grandi dimensioni. 

Lavora con vari materiali, quali la pietra 

ed il legno, il ferro ed il marmo, 

creando volti e figure umane; molto 

particolari sono le opere ottenute 

dalla pietra di fiume perfettamente 

levigate. 

Dal 2003 inizia ad avere un notevole 

successo tra Massa ed il territorio delle 

Alpi Apuane e con il passare del 

tempo espone alcune sue opere in 

Francia, Germania, e in molte regioni 

italiane. 

Dice di lui in una critica il prof. Imo 

Furfori: 

“Ezio è veramente un personaggio 

eclettico nell’arte, si occupa di scultura, 

di poesia. La scultura la affronta 

con diverso materiale, il marmo, il legno, 

il ferro battuto. [...] 

Nel suo primo catalogo, quando parla 

del padre riporta una citazione: “Tu 

padre mi hai dato l’esistenza dell’essere 

umano”. Ecco il personaggio, 

ecco la metamorfosi, ecco il cambiamento 

completo ormai, e lui dentro lo 

sente profondamente. […]” 

E l’onorevole Fabio Evangelisti: 

“Quello che immediatamente affiora 

alla mente, guardando le sculture di 

Ezio De Angeli, è il mistero della natu- 

ra primordiale, quel misto di sacralità e rispettosa 

diffidenza che la storia naturale ha sedimentato 

nella pietra grezza, nel menhir preistorico come 

nelle scogliere marine o nelle cime delle montagne. 

[…]” 

Non solo sculture, ma anche quadri si possono 

ammirare nel repertorio di Ezio de Angeli, un artista 

che, definirei, completo e con voglia di sperimentare 

e mettersi in gioco con nuove tecniche 

e sfide. 

Laboratorio: Via Comunale, 61/A - Casette - Massa Carrara 

edagemm@gmail.com - www.eziodeangeli.com 

26


EZIO DE ANGELI 

Scelsi di realizzare una scultura che attirasse l’attenzione dei bambini, un enorme Aquilone di marmo seguito da 

una coda di altri cuori bicromatici... 

La gioia più grande è stata quando ho visto numerosi bambini arrampicati sopra i cuori...felici. 

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GLAUCO DI SACCO 

Molo di Viareggio, fotografia su tela colorata a mano con colori fotografici, 

cm. 85x85 

Glauco di Sacco pittore è nato a Viareggio 

dove risiede, diplomato a Brera con 

Domenico Purificato ha al suo attivo un 

percorso artistico intenso e qualificato che 

si avvia agli inizi degli anni Settanta con 

mostre personali già allora di notevole 

spessore. 

Si può definire un ricercatore visivo, in 

quanto usa e sperimenta sempre nuove soluzioni 

di tecnica e colore che lo fanno essere 

all’avanguardia degli artisti che usano 

macchine tecnologiche a fini creativi. Partecipa 

alla vita culturale milanese e a manifestazioni 

in Italia ed all’estero, è stato presidente 

in varie edizioni delle fiere Expo 

Arte a Bari ed Arte Fiera a Bologna. 

I suoi elaborati fanno parte delle raccolte 

del museo dell’informazione – centro internazionale 

di copy art – a senigallia, di blocco 

per artisti – rassegna internazionale periodicamente 

itinerante - e omaggio degli artisti 

contemporanei a Giovanni Boccaccio. 

Quello di Glauco di Sacco è un linguaggio 

pittorico comunicativo teso dare una nuova 

ricerca espressiva tipica del nostro mondo 

attuale, un nuovo codice d’interpretazione, 

un nuovo metodo estetico, in questa 

prospettiva di arte e scienza, i lavori del di 

Sacco si pongono come opere aperte ad 

altre soluzioni espandendosi senza limiti 

espressivi. 

Tel. 0584 961885 – Cell. 331 9208312 

glaucodisacco@alice.it 

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GLAUCO DI SACCO 

Dedicata a Maxy, fotografia su tela, cm. 42x103 

Fine millennio, fotocopia in bianco e nero su tela colorata a mano, cm. 110x78 

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MARCO DOLFI 

Foglie, 2012, olio su tela, cm. 100x70 

Marco Dolfi nato a Viareggio ha studiato 

all’Accademia di Belle Arti di Carrara 

laureandosi nel 1975. Dal 1995 al 1998 ha insegnato 

all’Accademia di Belle Arti di Roma 

ed è entrato a far parte dell’ambiante artistico 

romano. Attualmente è docente presso 

l’Accademia di Carrara. 

La sua prima mostra personale si è tenuta 

Viareggio alla Galleria Magazzini del Sale nel 

1978 sue mostre personali sono state presentate 

dalle principali gallerie musei e spazi 

pubblici d’italia. Nel 1983 Tommaso Paloscia 

lo segnala come uno dei migliori pittori d’Italia 

nel catalogo Bolaffi Mondadori. 

È premiato alla mostra arte e sport al Palazzo 

Strozzi a Firenze, ha avuto un rapporto 

con la Galleria Ferretti che lo ha presentato 

nelle maggiori fiere d’arte e gli organizza 

mostre personali in diverse città d’Italia. 

Da segnalare mostra personale alla Versiliana 

di Marina di Pietrasanta e al museo 

di Palazzo Medici Riccardi a Firenze. 

Via Tabarracci, 32 

Viareggio (LU) 

30


MARCO DOLFI 

Composizione, 2014, olio su tela, cm. 50x70 

Fiori, 2014, olio su tela, cm. 50x70 

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FABRIZIO GATTA 

Dune mosse 

Perché c’è modo e modo di essere 

“[...] professionali; questi ha fatto della 

non – professionalità degli scatti il contenuto 

più professionale che potesse dare al suo 

lungo lavoro, che non è propriamente il suo, 

come dirò tra poco; negli anni infatti che 

vanno dal 1988 al 1992, pochi se vogliamo, 

ma molti in relazione alla sua ancor giovane 

età, ha realizzato fotografie quasi di sfuggita, 

nei più fortuiti intervalli, senza preparazione 

di sorta, fissando immagini viste con 

l’anima prima che con l’occhio e afferrate 

durante il suo lavoro – che è cineoperatore 

e regista. […]” 

Renzo Lucchesi 

dal libro fotografico 

“Fabrizio Gatta Special Guest” 

Cell. 377 2912132 

fabrizio.gatta58@gmail.com 

32


FABRIZIO GATTA 

Subway 

Visioni 

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PAOLO GHILARDUCCI 

Punto e immagine, cm. 50x70 

Paolo Ghilarducci è nato nel 1944 a Camaiore, 

dove vive e lavora. Espone dal 

1969. Sue opere si trovano in collezioni pubbliche 

e private tra cui il Museo d’Arte Sacra 

di Serrapetrona. Ha tenuto mostre personali 

in Italia (Firenze, Roma, Parigi, Sarzana, 

Reggio Emilia, Torino etc) e all’estero. 

Vincitore di importanti premi. Del suo lavoro 

hanno scritto Paolo Levi, Vittorio Sgarbi 

e Carlo Franza. Nel 2015 l’illustre storico 

dell’arte contemporanea prof. Carlo Franza 

lo invita a tenere una mostra personale dal 

titolo “Continuità nel cuore” nel progetto 

“Scenari” al Plus Florence di Firenze. 

“C’è uno schema classico alla base del percorso 

pittorico di Paolo Ghilarducci, alla 

base del suo racconto per immagini, giacchè 

esse esprimono una modernità dell’ispirazione 

e si accompagnano a una sorta 

di riecheggiamento favolistico, gravante da 

un senso incantato di lezione novecentesca, 

di ricerca decorativa e neoromantica, 

che vivacemente circola e avvolge tutte le 

figure, quel mondo rappresentato con mirabile 

miracolo, quel mondo quotidiano che 

Ghilarducci ci racconta come vissuto e desiderato 

compreso quel contatto tra uomo 

e natura. 

Cell. 339 6741172 

gisbertodomenici@virgilio.it 

34


PAOLO GHILARDUCCI 

Ghilarducci superbamente fa rivivere 

miti del presente e del passato, miracolose 

zoomate, immagini che una 

volta figurali poi via via si sono come 

alleggerite in una fasciolata geometrizzazione, 

in una magica danza di 

parti in libertà, fatta di accensioni, di 

toni a volte accesissimi e a volte acquerellati, 

e di classica nostalgia per 

un eden, un paradiso perduto e insieme 

ritrovato. Per tutto ciò, per l’impianto 

scenografico, per i toni di colore, 

e per la luce che in ogni tela si 

sciolglie, tutto svela quell’esuberante 

personalità del Ghilarducci artista e 

poeta. Ora i temi di questa poetica e 

di questa pittura sono come sospesi 

fra realtà e immaginazione, veicolano 

in una luce e in un chiarore che scava 

fra paesaggi e figure per individuarne 

il fondale segreto e rivelarne possibili 

e dense relazioni.” 

Carlo Franza 

Chiave e armonica, cm. 50x60 

L’altra sponda, cm. 70x50 

35


RINO GIANNINI 

Il viaggio infinito, marmo bianco 

“ La collina pre-apuana, su cui vive Rino 

Giannini, è ammantata di ulivi ed essenze. 

Vi si arriva per una strada a ripidi tornanti, 

che pochi riescono a percorrere. 

Giannini ha l’abitazione e lo studio laboratorio, 

che gli consentono di eseguire lavori di 

qualunque dimensione, aperti come sono 

ad una vista che arriva fino al mare. 

Questo luogo silenzioso e tranquillo diventa 

punto d’incontro fra artisti ed amici, essendo 

ciò conseguenziale al suo carattere 

espansivo e cordiale, senza però rinunciare 

alla privacy. Attorno a questo habitat sono 

sparsi i segni della sua operosità, sicchè si 

avverte immediatamente che siamo di fronte 

ad uno scultore che conosce a fondo il 

materiale per eccellenza di quest’arte, cioè 

il marmo. Per molti anni Giannini ha insegnato 

proprio “Marmo” come Corso Speciale 

all’Accademia di Belle Arti di Carrara. 

Di ciò ho una viva memoria, quando con il 

prof. Pier Carlo Santini andavamo ad incontrare 

gli studenti e i colleghi nel Laboratorio 

di Scultura. Questo annuale appuntamento 

avveniva in un’ottica particolare, perchè era 

l’occasione per conoscere veramente i ragazzi 

che frequentavano le nostre lezioni 

monografiche. Il loro linguaggio e il modo 

di esprimersi in una Scuola di Eccellenza 

come l’Accademia andava più ricercato nelle 

scelte tecnico – esecutive che nella qualità 

espressivo – teoriche. Tutti gli studenti 

italiani, europei e stranieri in senso più lato 

erano, in quanto iscritti al canale di scultura 

a Carrara, calamitati dal corso del prof. 

Via Ajolo, 3 - 55043 Pietrasanta (LU) 

www.rinogiannini.com 

36


RINO GIANNINI 

Donna mediterranea, marmo 

Giannini che incarnava la materia per eccellenza, 

come ho già accennato, cioè il “ 

marmo bianco”. Il nostro scultore ha con 

il marmo una dimestichezza che oserei 

dire naturale, in lui l’artigiano e l’artista si 

fondono come solo in questa terra apuo 

– versiliese si tramanda da sempre. L’artigiano 

e lo scultore convivono e si fondono. 

Ciò non vuol dire solo saper manovrare 

strumenti, ma vedere con occhi 

attenti ed esperti che vanno oltre la superficie. 

In questo quasi sesto senso, anche 

per il marmi di modeste dimensioni, 

spesso scaglie, piccoli blocchi irregolari 

di cui erano dotati gli studenti troviamo 

la differenza tra l’artista e la macchina di 

cui un artigiano è dotato. Un giorno, 

come ho già avuto modo di raccontare a 

Rino, ricordo come Santini lo avesse incoraggiato 

a continuare quel percorso. 

Lo spronava perchè quando Giannini 

aveva l’abitudine di lavorare fianco a 

fianco con gli studenti offriva il migliore 

esempio didattico possibile. I suoi movimenti 

sicuri, precisi senza errori erano 

l’insegnamento a cui i ragazzi miravano. 

Sotto la sua guida competente trasformavano 

la materia inerte in forme pulsanti 

e piene di levità. Nel lungo lasso di 

tempo a cui si riferiscono gli episodi del- 

le visite al laboratorio dell’accademia 

ebbi la prima occasione di conoscere i 

suoi lavori. Ma anche la sua opera esposta 

nel Chiostro della fondazione Luigi 

Russo di Pietrasanta evidenzia una regola, 

una disciplina che corregge l’emozione 

e che mantiene sotto controllo gli 

svolazzi più fantasiosi. Rino Giannini 

conserva intatte le energie, i valori e gli 

entusiasmi di sempre. Con lui ho spesso 

scambi ed incontri a Pietrasanta. È una 

gioia andare ad incontrare gli ex allievi, 

ora artisti affermati o ad ammirarne i lavori 

in mostra. Ho la certezza che qualche 

passeggero rimpianto per quella 

esperienza passata, non turbi la sua vicenda 

di vita ed i suoi progetti. “ 

Daniela Grassellini 

Pisa, 6 novembre 2012 

La Verna. Il prana di Francesco della Verna per il mondo, marmo, 

cm. 80x80x20 

37


ANDREA GRASSI 

Il muro del tempio (Romanità), 1995, bronzo, cm. 37x17x62,5 

Andrea Grassi nasce a Massa nel 1938. 

Dagli anni Sessanta in poi vive ed opera 

sia in Europa che in America, rivelandosi 

esponente di spicco nelle arti plastiche della 

seconda metà del 20° secolo. 

Partecipa a manifestazioni artistico - culturali 

d’importanza nazionale ed internazionale. 

Dall’anno accademico 1996/97 è docente 

di Scultura nell’Accademia di Belle 

Arti Italiane. Nella sua produzione artistica, 

un particolare spazio va alla scultura scolpita, 

nella quale è maestro e conosce tutti i 

segreti e le tecniche che la riguardano. L’artista 

vive a Camaiore, Lucca. 

Via Gusceri, 60 – Camaiore (LU) 

Tel. 0584 980105 

38


ANDREA GRASSI 

“[...] Oramai Grassi ha trovato una personale 

cifra stilistica su cui poter attuare le sue 

variazioni spazial - strutturali nell’ambito di 

una calcolata ideazione plastica movimentata, 

che alleggerisce visivamente la robustezza 

dell’impianto scultoreo sia quando si 

rivolge a bronzo ed all’acciaio che quando 

si rivolge al marmo... 

…La figura, del resto, è tornata come un’ombra 

di Banco a pararsi davanti all’immaginazione 

di scultori e si è consolidata storia 

aniconica – geometrica. È il caso di Andrea 

Grassi, il quale ha via via incorporato i suoi 

tipici dischi con cui ancora negli anni Ottanta 

e Novanta ha costruito composizioni plastiche. 

…Tuttavia l’opinione della proliferazione di 

dischi non è del tutto dimenticata, come 

non lo è la pulsione iconica, per cui l’una 

confluisce nell’altra. Con Grassi varchiamo il 

Rubicone che scorre tra la scultura aniconica 

e la scultura iconica. 

Giorgio di Genova 

Storia dell’Arte italiana dell’900, per generazioni 

Generazione Anni Trenta – Edizioni Bora – Bologna 2000 

“La scultura di Grassi torna a porsi come 

luogo dell’essere umano, suggestione di 

‘viluppi’ di sensuosa energia che monta 

dall’interno, espande le masse in una rinnovata 

fiducia vitalistica che non mortifica 

più i sensi a favore del gesto libero del pensiero, 

della concettualità, ma di essi esalta 

la funzione connettiva tra passato e presente 

dell’uomo e la capacità di alimentare 

una nuova progettualità per il futuro. Grassi 

intende risentire muovere e fremere i tessuti 

dell’uomo, le fibre intime: le sue opere 

più recenti in marmo rosso laguna o nel 

nero venato (portoro) mostrano un ritorno 

a forme organiche prepotenti, a fraseggi 

frammentari di anatomie descrittive, a figure 

di energia ancora ‘contenuta’, fasciata, 

ma che preme, urge, si modula, conquista 

una sorta di monumentalità vitalistica, 

qua e là vicina a certe soluzioni delle sculture 

dell’India e che propone la crescita, lo 

sviluppo, la metamorfosi, l’andamento sensuale 

come riscoperta dell’umano. O si 

veda ancora la Figura distesa, in marmo 

bianco, in cui certi movimenti boccioniani 

di apertura della forma si fondono alla figurazione 

ambigua (morbida e spigolosa insieme) 

di citazione picassiana, e al respiro 

di arcaica monumentalità di Moore, ma 

solo per ritrovare le ragioni più vere della 

propria scultura, dell’involucro come solida 

e mobile metafora dell’uomo, del suo tempo 

contingente e della sua storia passata e 

futura. Sono opere che portano a sempre 

più compiuta sintesi le esperienze della 

lunga attività di uno scultore che sa ormai 

ben dominare, con alta sapienza e capacità 

di intervento e di invenzione, la materia, e 

sente che in essa è indispensabile ricomporre 

il tessuto, la trama della vicenda 

dell’uomo restituendole così la funzione di 

‘materia – mater’, matrice ed emblema, 

monumento della e alla vita e alla inesausta 

potenzialità germinale e ideativa dell’essere 

(e dell’artista in particolare), totem magico 

che custodisce e tramanda la linfa vitale. 

In alcuni splendidi bronzetti affiorano 

sensibili richiami alla straordinaria energia 

plastica di certe sculture di Michelangelo 

(torso), ma in un contesto di movimento 

neobarocco che tende a ricomporre le lacerazioni, 

a rimarginare le piaghe, le consunzioni, 

con esiti efficacissimi di conquista 

e di tenuta dello spazio (nonostante le piccole 

dimensioni), di dialogo tra elementi 

figurali e tra superfici diversamente trattate 

(scabrose o lucide), di ritmo dei tocchi di 

luce, sapientemente dosati da un modellato 

che si rende sensibile nell’evidenza dei 

colpi di pollice. 

Questo ritorno di ‘energia muscolare’ e di 

evocazione di autenticità arcaica della figura, 

è testimoniato anche dalla bella e originale 

serie di disegni di studio delle lettere 

39


ANDREA GRASSI 

dell’alfabeto, progetti anche per l’esecuzione 

di grandi composizioni plastiche, 

o piccoli gioielli. Lì le figure si intrecciano 

con una plasticità che che 

coniuga Michelangelo a Picasso, a Sironi 

ed a Savinio, accentuando una 

sensorialità espansa a lungo desiderata, 

mitica, di commozione panica, una 

sensualità scoperta, scorticata quasi, 

eppure forte e conclusa, insieme memoria, 

emozione presente e tensione 

che guarda a un futuro ancora possibile 

per l’uomo. 

Giorgio Segato 

Padova 1991, da Andrea Grassi 

La piazzetta dell’arte, edizioni d’arte Pegaso 

“Allora ogni possibile volume ch’egli 

modella in una pietra si rapporta continuamente, 

si scambia e talora si fonde 

con l’effige del dramma umano. È il 

vigore plastico d’un’astrazione rigorosa, 

essenziale, limpida senza scadere 

mai a geometrica freddezza concettuale, 

convive e si amalgama con la 

tensione allusiva delle sue figure inquietanti. 

Purismo ed espressionismo 

si bilanciano senza scontrarsi mai: la 

sintesi più matura e originale di Andrea 

Grassi va ricercata proprio in 

questo connubio. Gli archetipi formali 

della struttura del cosmo e l’essenza 

del racconto mitico relativo alla fertilità 

(l’uovo della bellissima Leda fecondato 

dal Nume) s’innestano in un discorso 

coerente che esalta, sempre e 

comunque – in un secolo dominato da 

un apocalittico senso di catastrofe e di 

morte – un’impaziente volontà di procreazione. 

No, la morte non abita in 

Leda col cigno (Romanità), 1995, bronzo, cm. 40x20x66,5 

quest’opera! E sembra che qui Eros sia riuscito a 

separarsi per sempre dal suo lugubre fratello Tanatos 

e dalle sue sadiche insidie. 

Tratto da: Andrea Grassi “I segni dell’arte” 

Sculture e dipinti, 1975 – 1995. 

A cura di Giuseppe Cordoni 

Centro culturale “L. Russo” Pietrasanta 

40

GERDA HEGEDUS 


Quando il cielo abbraccia la terra, olio su tavola, cm. 60x45 

Gerda Hegedus è luce, è spazio toscano, 

è libertà pittorica, dato che in lei soggiorna 

una tale carica poetica accostabile 

alle parole nerudiane dedicate a Capri, là 

dove si legge di “Un lampo rosso e giallo / 

sotto la luce tersa / giaceva sonnolento / 

aspettando / di scatenare la sua forza”. 

Ludovico Gierut 

Giornalista e critico d’arte 

Gerda Hegedus 

Pittrice della luce 

I suoi paesaggi luminosi, i suoi ritratti misteriosi, 

i suoi piccoli personaggi che evolvono 

nei grandi spazi, evocando di volta in volta 

impressionisti, Turner, o dei paesaggi fiamminghi...” 

(Estratto dal dizionario E. Benezit editioni 1999) 

Espone dal 1974 in Europa, USA, Canada, 

Brasile, Marocco. 

Espone in permanenza dal 1984 fino al termine 

dell’attività alla Galleria Katia Granoff 

di Parigi. 

Membro dell’Accademia Europea delle Arti 

della Fondazione Taylor, Membro della Società 

degli Artisti Indipendenti, Grand Palais 

di Parigi, Membro d’onore dell’Accademia 

Gentilizia delle Arti e delle Lettere Il 

Marzocco di Firenze. 

Vostra luce evoca le Lorrain Eturner. Vostri 

personaggi sono viventi. Lei fa della vera 

grandissima pittura 

Herve Bazin 

Scrittore 

Tel. (Toscana) +39 0578 31324 

Tel. (Marrakech) +212 06 72 73 49 67 

41


GERDA HEGEDUS 

Riconoscimenti vari 

1987 - Primo Premio di pittura 

(Associazione Artistica e Culturale 

di Parigi) 

1996 - Nomina a professore 

Accademico ordinario (Accademia 

del Verbano - Italia) 

1999 - Croce d’onore delle arti 

e della scienza conferita a 

nome del Presidente della Repubblica 

d’Austria 

Pubblicazioni 

Chi è Chi 

Pienza, olio su tela, cm. 40x35 

Ufficiale dell’arte 

Casa toscana, olio su tela, cm. 60x45 

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MARLENE HORN 


Spiaggia di Torre del Lago, una tempesta è in arrivo, pittura su vetro, cm. 30x40. 

Premiato al XXV Premio Firenze, 2007 

Nata il 1° aprile 1946 in Baviera - pittrice, 

coltivatrice diretta. Dal 1992 vive in Toscana. 

Le più importanti mostre: Galleria Mentana 

Firenze 1999, premiata al Premio Firenze 

2007, Artistes du Monde Cannes 2012 conferito 

un diploma, Biennale di Venezia 2015. 

Marlene Horn 

Pittrice su vetro retroverso - Fiabe di vetro 

C’ è sempre un luogo, fantastico o della memoria, 

a cui la nostra mente ritorna con stupore 

infantile: è la regione dell’armonia, dei 

paesaggi ideali, i cieli limpidi e dei colori 

pieni. Le opere dipinte di Marlene Horn riescono 

ad accompagnarci in questo altrove 

con gioiosa cadenza, mostrandoci giardini, 

paesaggi, città e scene fiabesche con il nitore 

che appartiene al mondo dell’immaginazione 

pura e felice. Certamente Marlene 

non coltiva l’idea di una realtà utopica, ma il 

desiderio di elargire delle immagini cariche 

di magia, di esperienza, di memoria, poiché 

lei sa far vedere le cose e la loro essenza figurata 

da un’angolazione personale, affabulatoria. 

Quando l’artista dipinge le sue 

lastre di vetro (superficie che diventa tale 

solo nel momento in cui il colore la priva, 

anche se non totalmente, della sua trasparenza 

e quindi dei suo carattere di diaframma 

tra l’lo e la realtà) è come se dipingesse 

l’aria o i sogni della prima notte che ci accompagnano 

nel sonno profondo, e ciò 

senza seguire una teoria, ma valendosi di 

una speciale simbiosi con la poesia: il contenuto 

è un’equivalenza fra visto e percepito. 

Via delle Piastrelle, 814 - 51015 Monsummano Terme (PT) 

casadellarte.de@gmail.com - www.casadellarte.de 

43


MARLENE HORN 

Fiaba: Biancaneve. Pittura su vetro, cm. 30x40 

Monaco, Firenze, Venezia, le ville medicee, 

tutto è raffigurato con una levità che priva i 

luoghi dei suoi connotati geografici e li colloca 

in una dimensione straniata, immaginifica. 

Marlene Horn va al di là dei vero usando 

strumenti di artigiano, adoperando la tecnica 

pittorica che meglio conosce, ma facendo 

capire che al di sopra, oltre i suoi risultati, 

le sue risorse, c´è l’ansia di cogliere qualcosa 

di magico e di indicibile con le parole, che 

somigli almeno al luogo in cui la poesia non 

dispera di esistere. In un libro di Hermann 

Hesse si trova una giusta definizione che 

potrebbe essere offerta a Marlene: 

“La capacità di vedere porto con sé serenità, 

amore, poesia. Chi, per la prima volta, 

coglie un fiore per tenerlo con sé al lavoro, 

ha fatto un piccolo passo verso il piacere di 

vivere.” In questo senso le fiabe dipinte di 

Marlene, i suoi paesaggi oltrepassano la necessità 

espressiva e perfino il traguardo artistico, 

ma si configurano come una discreta 

dichiarazione di appartenenza alla 

variopinta fenomenologia della natura. 

Giungere all’essenzialità descrittiva di uno 

sguardo innocente non è stata una depurazione 

o una raffinazione di significati, ma 

una levitazione di quanto già c’era nel suo 

progetto narrativo, espressivo, di contenuto 

e di trasfigurazione lirica. 

Quanto Marlene Horn va dipingendo in 

questi anni che tengono la distrazione 

come cultura generale, ci appare un’oasi di 

gentilezza con tale percezione di poesia da 

farci apprezzare le sue opere come immagini 

da riporre tra molto intimi piaceri, alimentando 

quella vita che è la sola a scamparci 

dalla realtà. 

Nicola Nuti 

Firenze, settembre 1998 

44

ROLF HORN 


Viola dámore, scultura in legno d’ulivo, cm. 30x30x100 

Premiato al Premio Italia - Certaldo, 2010 

Nato il 22 dicembre 1944 a Praga. Pittore, 

poeta, scultore, coltivatore diretto. 

Da 1992 vive in Toscana. 

Le più importanti mostre: Galleria Mentana 

in Firenze 1999, premiato al Premio Italia 

Certaldo 2010, premiato al Premio Italia 

Capraia 2008, Premio Firenze 2011 conferito 

con la Medaglia Bronzo, Artistes du Monde 

Cannes 2012, Biennale di Venezia 2015. 

Quando ho incontrato la prima volta il maestro 

Rolf, ho subito catturato, dalla sua spiccata 

personalità, quell’intimo mondo dove 

alberga una sensibilità al limite della drammaticità 

di un vissuto duro e doloroso che 

ha lasciato le sue “cicatrici” che con il tem- 

po sono sì, sbiadite, ma non cancellate. Tutto 

questo bagaglio di esperienze di vita, 

Rolf ce le comunica a piene mani attraverso 

la sua arte. La curiosità. Ecco un’altra sua 

caratteristica e, quindi, domande, domande, 

domande. Domande che lui fa a sé stesso, 

alle quali cerca di dare risposte non facili, 

da tradurre attraverso làrte del dipingere 

e, cosa ancora più difficile, dello “scolpire”. 

Perfettamente integrato nel supporto oggettuale 

che funge da piano plastico, le sue 

sculture vivono ognuna irripetibile in un 

continuo fremito di crescita e di incontri 

esaltanti. La materia che predilige, per le 

sue opere, è il legno, il legno d’olivo, materiale 

vivo per sua natura. L’opera che riteniamo 

veramente importante è la “viola 

d’amore”, creata proprio con il suo materiale 

preferito e che solo guardandola ci comunica 

vive emozioni. Ciò che conta è il 

senso della temporalità espansiva che in 

essa tende sempre a protendersi in avanti, 

a concentrare nuovi spazi. Sul piano operativo 

dove sta il Maestro? Egli sta nell’intimo 

delle sue sculture, nel loro prodursi, incessante 

e costruttivo e non in un intento industrioso 

o calcolatore, bensì in poetiche 

composizioni di immagini mentali in aperto 

spazio musicale per il sensibile accordo dei 

timbri, degli accenti e dei suoni che scaturiscono 

spontaneamente dalle forme che nascono 

nel libero evolversi della luce dentro 

il possente respiro della natura. Quella natura 

che Rolf ama, cerca e condivide in 

quella sua oasi di serenità, felicità, circondato 

dall’amore della compagna della sua 

vita. Il suo è decisamente un discorso umanistico, 

inteso come svisceramento del subconscio 

dell’uomo. 

Il gesto ampio e deciso della mano scultorea 

parla di un temperamento al quale è impossibile 

porre un freno: egli balza, al di là 

Via delle Piastrelle, 814 - 51015 Monsummano Terme (PT) 

casadellarte.de@gmail.com - www.casadellarte.de 

45


ROLF HORN 

dell’ostacolo, senza esitazione e senza 

pentimenti. 

Vi è in lui la precisa conoscenza di un’anatomia 

espressiva e spirituale, che garantisce 

ad ognuna delle sue opere la più 

assoluta e genuina originalità. Ecco che 

lo scuro pulsare della storia millenaria 

dell’uomo è lì dietro, in agguato, pronto a 

svelarsi secondo il sentimento e la commozione 

dello spettatore. Queste opere, 

per tanti giorni hanno occupato la sua 

immaginazione, oggettivando una prorompente 

volontà di fare e che ci introducono, 

dunque, ad un desiderio dell’artista, 

rimasto per anni laggiù, in fondo 

alla sua anima, in quella miniera che poteva 

sembrare irraggiungibile. Così, oggi, 

ci troviamo di fronte alla purezza di questo 

desiderio divenuto, finalmente, un 

mondo tangibile. 

Giunge adesso il momento di scoprire il 

Rolf pittore. Pur restando fedele ad una 

base tradizionale che sottintende la serietà 

del suo impegno, l’artista si evolve 

in un vigore compositivo del tutto personale, 

rendendo vivi e palpitanti anche 

i soggetti più comuni che acquistano linfa 

vitale per esprimere, liricamente, in 

aspetti trascendenti il loro reale. Un reale 

con brividi emotivi e sogni, passioni che 

popolano l’intimo mondo della sua ispirazione 

artistica. Alla base delle sue allegoriche 

figurazioni, rinveniamo precisi 

contenuti alla concreta realtà oggettiva 

che, costantemente, sollecita la sua fantasia 

creativa. La struttura generale di 

ciascuna figurazione è sempre inserita in 

uno spazio pittorico organizzato per 

piani efficacemente rilevati dalla incidenza 

costruttiva dei fondi cromatici. 

Turandot, Puccini - Torre del Lago, 1994, acquerello, 

cm. 42x56 

Una realtà che recupera línvenzione dinamica 

dellídea di natura, caratterizzata da una 

carica di libertà interiore. Da uno slancio aperto. 

Un mondo di sensazioni segrete e dirompenti, 

di apparizioni improvvise dove è acuto il 

senso del rapporto tra il rapporto uomo-natura, 

dove esprimere con estro ed emozione, 

non è una prerogativa di tutti gli artisti, ma 

soltanto di coloro che possiedono manualità 

ed ispirazione poetico-pittorica. Nulla è lasciato 

al caso, anzi Rolf opera in una chiave 

meditata, riuscendo a portare alla ribalta, una 

dose lirica di pathos. 

Roberto Lasciarrea 

Cavaliere al Merito della Repubblica Italiana 

46

NICOLA MAURITIUS HORNÄCKER 


Wildsau, rovere stagionato, lavorazione con scalpelli dopo 

aver abbozzato la massa con la motosega e flessibile, 

cm. 75 alt. x 45 largh. x 110 lungh. 

Regal, frassino, lavorazione solo motosega, 

cm. 150 alt. x 40 prof. 

Nicola Mauritius Hornäcker è uno scultore 

designer tedesco, nato a Monaco nel 

1985 che ha studiato praticamente girando 

l’Europa. 

Ha studiato molto in Italia, infatti conosce 

bene la lingua, come ovviamente il tedesco 

e l’inglese. Tra i suoi studi si ricordano: 

Seit 2012 Studium von Produkt Design an 

der Freien Universität in Bozen, Italien 

2009 – 2012 Ausbildung zum Holzbildhauer 

an der Städtischen Berufsfachschule für 

das Holzbildhauerhandwerk. Abschluss im 

Juli 2012 In München 

2008 - 2009 Berufliche Bildungsmaßnahme 

IMAL (International Munich Art Lab) im Bereich 

Bildende Kunst, in München 

2007 Zusage der London Metropolitan Uni- 

Via rio Bechini, 2137 - 51015 Monsummano Terme 

Cell. +39 342 7747558 - n.hornaecker@gmx.net 

47


NICOLA MAURITIUS HORNÄCKER 

Polar Bär, gesso alabastro, lavorazione a forma persa, cm. 40 lungh. x 30 alt. 

versity zum Studium von Product and Furniture 

Design, in London, Großbritannien 

2006 - 2007 Studium Foundation Year in 

Art and Design an der London Metropolitan 

University in London, Großbritannien 

2005 - 2006 Studium Betriebswirtschaft 

an der Università di Firenze in Pistoia, Italien 

1999 - 2005 Gymnasium, Collucio Salutati 

in Montecatini Terme, Italien. Abitur im Juli 

2005 

1996 - 1999 Mittelschule, Galileo Galilei in 

Monsummano Terme, Italien 

1991 – 1996 Grundschule, Giuseppe Arinci in 

Monsummano Terme, Italien 

48

ROBERTA INCERPI 


Le impronte, 2014, tecnica mista, acrilico e sabbia su tela, cm. 50x60 

Roberta Incerpi nata il 4 novembre 1963 

a Viareggio vive a Pistoia, laureata in 

Scienze Biologiche, insegnante di scienze e 

biologia, dipinge e scrive poesie grazie agli 

insegnamenti dell’artista e scultore Valerio 

Gelli e della docente di lettere A. Tassitano 

Tovini. Ha partecipato a concorsi di pittura 

e poesia conseguendo riconoscimenti e 

premi, ha esposto in mostre collettive. Alcuni 

dipinti e poesie sono presenti nei volumi: 

élite 2007; Expo-arte n. 15 dicembre 

2012; Artisti di Pistoia e del suo territorio 

2013; Donne dell’Arte in Toscana 2013 e 

2014; Artisti in Toscana 2013; Poeti di Toscana 

2014, La bellezza dei miti Accademia 

Internazionale Gentilizia il Marzocco 2014, 

periodico n. 2 il Marzocco2014, silloge poesie 

in Alcyone 2000 Miano Ed. 

Conseguito il 1° premio Leonardo da Vinci 

“scrittori e artisti del nuovo rinascimento” 

Ed. 2015 con la silloge di poesie “ tra le pieghe 

dell’animo”. 

Tel. 0573 20590 - Cell. 338 1509134 

robertaincerpi@virgilio.it 

49


ROBERTA INCERPI 

PERSA 

Carta velina colorata avvolge il nudo corpo, 

stanco. 

Offuscati pensieri si abbandonano, 

spossati. 

Sguardi assenti, 

parole mancate, 

mani strette come pugni... 

La folla può trasmettere un’infinita solitudine. 

La carta leggera distacca la realtà 

dalla ragione del cuore. 

Stretto, l’animo stremato, 

tra una moltitudine di anonime figure. 

Si accartoccia la velina, 

speranza calpestata 

da noncuranti passi 

di genti impassibili. 

Roberta Incerpi 

Persa, 2015, acrilico e pasta acrilica su tela, cm. 50x70 

Roberta Incerpi una giovane biologa e i suoi 

colori. Così si potrebbe iniziare il percorso 

pittorico di questa artista, perché i colori 

hanno sempre avuto un ruolo essenziale 

nella sua vita e attraverso vari accostamenti 

e sfumature luminose ella ‘fotografa’, con 

personale suggestione, l’emozione di un 

momento, il suo intimo legame con la natura, 

dalle quali emerge un’immediata purezza 

di sentimenti, traspare la sua capacità 

comunicativa...”. 

Il percorso artistico di Roberta si è evoluto 

ed arricchito, ella scrive emozioni, sensazioni, 

riflessioni in poesia e traduce in immagini 

pittoriche i versi dando forma e 

spessore alla lirica, non più solo immagini 

di paesaggi, ma anche visioni interiori. 

“Si potrebbe definire un viaggio in parallelo 

quello ‘vissuto’ da Roberta sia sulla tela affidando 

ai colori la capacità di intensificare 

i sentimenti del passato, sia sulla carta con 

l’utilizzo di un linguaggio peculiare, che abbraccia 

i sentimenti intimamente personali 

e le atmosfere di paesaggi evocativi...” 

Cristina Bruni 

Storica dell’Arte 

50

PAMELA LAFRAGOLA 


Insieme 

Pamela Lafragola nasce a Firenze nel 

1964. Sin da bambina manifesta le sue 

doti espressive stimolata anche da una vicina 

pittrice. Trasferitasi in Versilia darà poi 

impulso alla sua vocazione grazie anche 

alla frequentazione dello studio artistico 

del maestro Bucci, a Viareggio. Qui oltre 

all’arte della pittura apprende anche le tecniche 

scultoree. 

La sua attività artistica, cha svolge da oltre 

un ventennio, si estrinseca sia nella pittura 

con opere di chiara tendenza espressionistica, 

sia nella scultura dove esprime forte 

sensibilità plastica e ricerca espressiva, con 

esiti lodevoli. Ha partecipato a collettive e 

rassegne d’arte riscuotendo consensi di 

pubblico e di critica e ha tenuto mostre personali 

che l’hanno fatta conoscere ed apprezzare 

soprattutto per la sua versatilità e 

la varietà dei temi trattati. 

Quartiere Butterfly, 21 - Torre del Lago - 55049 Viareggio (LU) 

Cell. 333 3625310 - pamelalafragola@gmail.com 

51


PAMELA LAFRAGOLA 

Serie “Gatti”, Gatto Bianco, 

ceramica, cm. 40x23x24 

Serie “Gatti”, Gatto Azzurro, 


Serie “Gatti”, Gatto Nero, 


Serie “Gatti”, Gatto Grigio, 


52

SUSI LA ROSA 


Dammi un bacittu cu sa buccuzza i rosa, 2015, tecnica mista su tela, cm. 100x100 

Di origine siciliana, è a Milazzo che forma 

la sua anima artistica conseguendo il 

diploma di Maestro d’Arte. 

Arricchisce la sua esperienza collaborando 

con la compagnia teatrale “Il Kersoneso 

d’Oro” allestendone le scenografie. 

Partecipa nel 1999 al progetto per il calendario 

della Lega Italiana per la Lotta Contro 

i Tumori. 

A Firenze approfondisce i suoi studi presso 

l’Accademia delle Belle Arti. 

Fonda con Orlando Poggi il laboratorio artistico 

“L’Oche”, mettendo in pratica la sua 

esperienza con creazioni e realizzazioni 

d’oggetti d’arredo con tecniche di riutilizzo 

e restauro di mobili e complementi. 

Esposizioni personali e collettive in varie 

città italiane tra cui Torino, Venezia, Firenze 

e provincia. 

Breve nota critica: 

Nelle sue opere restituisce alla propria terra 

di Sicilia la storia, l’energia, le emozioni; 

omaggiandola. 

Così come l’immagine impressiona la retina; 

l’anima ne incamera il ricordo; la tela ne 

diffonde il sapore di quel mare da cui tanto 

ha preso e a cui altrettanto ridà indietro. Intinge 

di passione il suo percorso materico 

frutto della propria esperienza che, generosa, 

non tiene per sé, ma condivide inebriandoci 

i sensi. 

Cell. 339 76 96 613 - larosasusi@gmail.com 

www.susilarosa.it 

53


SUSI LA ROSA 

Fammi ristari ‘nto menzu di to brazza, materico su tela, cm. 100x100 

E il mare cala il sipario, materico su tela, cm. 70x70 

54

ROBERTO LAZZARINI 


La Caduta del Mito, 2010, olio su tela con applicazioni tessili, cm. 100x80 

Magliette, pantaloni, giacche. Firmate, 

ma anche semplici pezzi di stoffa 

grezza strappata. È il tessuto, sempre unito 

al colore, il vero protagonista di questa 

nuova moda, una nuova corrente, abbracciata 

da Roberto Lazzarini. 

Il quotidiano entra nell’opera. Abiti comuni, 

che si indossano ogni giorno, creano movimento, 

volume, si integrano e a volte sembrano 

sostituire il colore. Gli indumenti parlano 

sulla tela, raccontano la vita dell’essere 

umano, spiegano gusti e ideali di una società, 

descrivono situazioni e ambienti. Le 

stoffe diventano elemento portante della 

composizione, attraverso le loro piegatura, 

i rialzi, modulato e scandiscono i colori che 

sono ora vibranti e accesi, ora forti, ora caldi 

e anche calmi. 

Infaticabile sperimentatore Roberto Lazzarini 

prova un senso di piacere nel plasmare 

la tela, come fosse una scultura. Con l’aggiunta 

di questi nuovi materiali le sue opere 

acquistano profondità, diventando quasi 

bassorilievi ed i giochi di luce ed ombra che 

si formano tra le stoffe accentuano il superamento 

della tradizionale bidimensionalità 

di un dipinto. 

Le forme, astratte o riconoscibili, prendono 

vita tra le mani dell’artista, il colore si fonde 

con e va ad evidenziare, quasi impreziosire, 

quello che già esiste. 

Roberta Filippi 

Studio: Via Don Bosco, 49 - 55045 Marina di Pietrasanta (LU) 

Cell. 335 5484138 - lazzariniroberto.artista@gmail.com 

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ROBERTO LAZZARINI 

Mostre 

- Personale al “Caffè del Teatro” in Prato 

- Collettiva “La Marguttiana” in Forte dei Marmi 

- Collettiva 4° Concorso di Pittura “Il Mare e la 

sua gente” 

- Mostra permanente all’Hotel “Villa Ombrosa” 

in Marina di Pietrasanta (LU) 

- 1^ Premio Internazionale “Boè” 

- Open Art – Regione Lazio 

- Premio Internazionale Montecarlo (Francia) 

2004 

- Collettiva Modigliani Milano 

- Torino “Olimpiadi 2006” (premiato) 

- 1° Premio Internazionale Città di Milano 

- Premio “Città di Prato” 

- Personale in Forte dei Marmi Galleria Vesidia 

anno 2003 

- 1° Premio Internazionale di Milano 2005 

- 1° Premio Internazionale Lugano 

- Esposizione Arte Padova 2005 

- Fiera Bari (2005) 

- “Mercante in Fiera” Fiera di Parma- Presente 

su myartinfo.com 

- Personale Galleria Bretoni Pietrasanta (2007) 

- Finalista Concorso “La Spadarina” (2007) 

- Presente su Catalogo Arte Moderna anno 

2007-2008 

- Personale “La Spadarina” (2008) 

- Personale “San’Agostino” – Patrocinato dal 

Comune di Pietrasanta (2009) 

- Sala delle Grasce – Centro Culturale “Luigi 

Russo” 16 gennaio – 4 febbraio 2010 

- “Proponendo” – Fiera Forte dei Marmi (2010) 

- “V Biennale Ferrara” – novembre 2010 

- “Proponendo“ – Fiera Forte dei Marmi (2011) 

- “Mercante in Fiera” - Fiera di Parma (2012) 

- “Fiera di Carrara” (2012) 

- Presente su Artetvlab 

- Galleria Pisarro 

- Selezionato “1^ Biennale di Palermo” 

- “Mostra Mercato d’Arte Contemporanea” Fiere 

di Genova (15-18 febbraio 2013) 

- Personale al “Caffè del Teatro” in Prato 

- Mostra personale “C’era una volta un cencio” 

a cura di Arianna Sartori “Arte & Object Design” 

(29/03-10/04 2014) 

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SYLVIA LOEW 


Dal Brasile all’Italia, dalla Liguria alla 

Toscana. 

A-Mare il Marmo. 

Dall’azzurro del Mar Ligure al bianco 

delle cave di marmo. Nelle cave di marmo 

in Toscana, dove vado a cercare i 

miei pezzi da scolpire trovo ispirazione 

per plasmare corpi marmorei fusi in sensuali 

abbracci. Il marmo è una materia 

solida, grezza, ma allo stesso tempo 

Madre con bimbo, 2008, marmo bianco di Carrara, marmo 

nero del Belgio, cm. 19x52x17 

dolce e fragile, che “lavorando diventa morbida 

ed elegante”. 

Come scriveva il maestro Lele Luzzati, le opere 

di Sylvia entrano a fare parte dell’ambiente in 

totale armonia e “guai se non ci fossero e stessero 

altrove”. Le opere dell’artista Sylvia 

Loew in questo momento sono esposte al Galata 

Museo del Mare di Genova ed all’Expo 2015 

a Milano, presso il padiglione di Israele. 

Sogni, 2014, 

marmo bianco Carrara, 

cm. 22x47x12 

Via Montani, 24 - 16148 Genova - Cell. 0039 3356234544 - sylloew@tin.it - www.sylvialoew.com 

Studio: Via Garibaldi, 28 - 55045 Pietrasanta 

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SYLVIA LOEW 

Life comesfrom earth, marmo bianco di Carrara, marmo 

nero del Belgio, legno, cm. 85x130x55. Questa installazione 

si trova nel padiglione Israele di Expo Milano 2015 

Figura in riposo, 2014, marmo bianco Carrara, cm. 12x18x38 

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ENRICA LUBRANO 


Tesori marini, olio su tela, cm. 50x70 

Enrica Lubrano è nata a Viareggio dove 

vive lavora e dipinge da molti anni. 

Significativa è stata, nel 1984, l’adesione 

all’associazione Artisti Versiliesi con la quale 

ha partecipate a numerose rassegne 

d’arte, attingendo esperienze che sono state 

fondamentali per la sua maturità di donna 

e di artista. 

La Lubrano, essendo poi divenuta segretaria 

della associazione, ebbe modo di seguire 

le attività più da vicino e, di conseguenza, 

partecipò anche all’importante mostra 

di gemellaggio tra Viareggio e Karlovy Vary 

nella Repubblica Ceca. 

Nel 1992 si è associata al Movimento Artistico 

Versilia, esponendo in tutte le mostre 

collettive organizzate dal M.A.V. 

Riproduzione di alcune sue opere figurano 

sui fascicoli degli “Argomenti della Poesia 

Italiana Contemporanea” pubblicati dal 

M.A.V. 

Ha fatto parte del gruppo Donna e Arte di 

Camaiore. 

Per il circolo filatelico Giacomo Puccini esegue 

cartoline in occasione di eventi culturali. 

Via Manin 33 - Viareggio 

Tel. 0584 47509 

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ENRICA LUBRANO 

L’ora sospesa, olio su tela, cm. 50x60 

Alba sulla darsena, olio su tela, cm. 50x70 

60

Lucca, dal 26 settembre all’11 ottobre 2015


LUCIANO MANARA 

Cenerentola 

La magia delle fiabe col passare del tempo 

diventano leggende...Magiche visioni 

che si colorano nella mente della nostra 

infanzia e si fissano per sempre,...e come un 

rispettoso ripetersi si narrano e poi si narrano...Fino 

a prendere forma...CENERENTO- 

LA chi veramente sei... 

Hai attraversato il tempo stando dentro al 

tempo...non sei invecchiata non sei cambiata 

e tutte le volte che ti si narra torni a essere 

principessa...Non credo che finirà...SEI 

leggenda oramai...Luciano Manara... 

Tel. 055 435003 

www.manaradesign.it 

62



Lola 

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MAURO MARCHI (MarMau) 

No problem con vin santo Berlusco - lamiera di ottone - cm. h39x30x17 base 

Mauro Marchi nato a Carrara, vive e lavora 

ad Avenza di Carrara (MS). 

Fin dalla più giovane età ha coltivato la passione 

per il disegno tecnico e la pittura in 

generale. Oggi pensionato, professionalmente 

(tecnico di allestimento navale) crea 

oggetti in vari metalli, che poi personalizza 

con tecniche particolari. Elabora le sue 

opere per hobby e per soddisfazione personale. 

Ha ottenuto come riconoscimento 

la pubblicazione di due sue realizzazioni 

sulla rivista “Nuova arte” edita da Mondadori 

(firma con lo pseudonimo di MarMau). 

“No Problem” con vin santo Berlusco 

Questa scultura ricavata da un vecchio porta 

ombrelli di ottone (riciclo), vuole esprimere 

il mio dissenso nei confronti della politica 

illusionista di oggi. Per questo ho 

pensato di creare un volto che raffiguri una 

persona in balia della crisi che sta attraversando 

il nostro paese, crisi che colpisce soprattutto 

la classe sociale più debole, più 

vulnerabile nell’affrontare le problematiche 

che si manifestano nella quotidianità. L’illusione 

del risolvere sta nella nella magia 

(come qualcuno dice) di bere ovviamente in 

senso metaforico vin santo e Berlusco cosichè 

tutti i problemi possano essere risolti. 

Via Covetta, 29 bis – 54033 Avenza Carrara (MS) 

Cell. 339 6668732 – mauro.marchi1938@libero.it 

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MAURO MARCHI (MarMau) 

Cristo Nero - in attesa di un Papa nero, cm. h42x10x10 

base 

Glamour, lamierino di rame, cm. h62x16x16 base 

Cristo Nero: “L’utilizzo da parte dell’artista 

di materiali diversi per sostanza e cromia 

crea un suggestivo contrasto tra la lucidità 

dorata della croce, la sostanza porosa del 

basamento e la drammatica figura del Cristo. 

Si tratta infatti di un corpo filiforme, 

che riporta alla memoria le esili figure di Alberto 

Giacometti, contrastando la corposità 

geometrica degli altri elementi plastici” 

Mitico GLAMOUR del 1900. Scultura in lamierino 

di rame assiemata e saldata con 

fiamma oss/propanica e lega Castolin 

(rame+argentana al 30%). L’opera per essere 

finita ha subito un trattamento chimico 

di decappaggio per eliminare la patina cosidetta 

verderame, poi pitturata con smalti 

lucidi acetonici (tipo smalto per le unghie). 

Paolo Levi 

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ANNAMARIA MAREMMI 

Marina blu - Rocce, 2015, olio su tela, cm. 50x70 

Annamaria Maremmi ha iniziato la sua 

carriera artistica a Firenze negli anni 

Settanta, con collettive e personali. 

Col passare del tempo ha esposto all’interno 

di diverse manifestazioni anche per 

mezzo delle associazioni a cui ha aderito, 

ricevendo altresì numerosi premi e riconoscimenti. 

Sue mostre personali sono state ospitate 

nelle sedi comunali di Campi Bisenzio, Signa 

e Pontassieve, con il patrocinio dei Comuni. 

Tra le esposizioni più recenti, quelle presso 

lo storico Caffè Le Giubbe Rosse di Firenze 

a cura di Roberta Fiorini, all’ Hotel Esplanade 

di Viareggio, novembre/febbraio 2014 a 

cura di Federico Napoli e al Museo Ugo Guidi 

di Forte dei Marmi a cura di Lodovico 

Gierut. 

Sue opere sono inoltre in mostra permanente 

sempre presso le Giubbe Rosse, al 

Telesia Museum di San Roberto (Rc) nel Comune 

di Pontassieve e presso il Museo Ugo 

Guidi. 

È del luglio 2015 la personale presso La Versiliana 

di Marina di Pietrasanta. 

L’artista svolge il suo lavoro in studio 

a Campi Bisenzio, oltre che a Signa e Marina 

di Pietrasanta. 

annamaria.maremmi@gmail.com 

annamariamaremmi.eu 

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ANNAMARIA MAREMMI 

Abbandono, 2015, olio su tela, cm. 120x100 

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ROBERTO MARI 

La Coscienza del Marmo, stampa Fine Art su carta cotone 100%, cm. 60x90 

Sono nato a Gorizia nel 1971 e ho vissuto 

tra mare e montagna in un luogo dove 

era facile il contatto con la natura. Fin da 

bambino ho mostrato una certa sensibilità 

e abilità artistica, che si esprimeva nel disegno 

e nella pittura. Sfogliando libri ero catturato 

dalle immagini di luoghi esotici, dai 

racconti degli esploratori e di mondi fantastici. 

Visitando i musei venivo affascinato dall’abilità 

e dalla maestria con cui erano state 

realizzate quelle opere, covando il desiderio 

di poter un giorno dare forma a qualcosa 

di simile. 

Con questi sentimenti ho affrontato un’educazione. 

A Milano mi sono laureato in 

Economia Aziendale, svolgendo in seguito 

la funzione di analista finanziario con impegno 

e soddisfazione. 

Eppure qualcosa non andava, attraverso i 

numeri non riuscivo a esprimermi completamente. 

Si perdeva il lato romantico, ed 

erano i numeri di qualcun altro. Non mi piaceva 

fare lo spettatore, volevo giocare 

anch’io. 

Ho lasciato il lavoro ed ho cominciato a dedicarmi 

alla fotografia. 

Non era qualcosa di nuovo. Dal periodo 

dell’università fotografavo principalmente 

allo scopo di “registrare” i luoghi che visitavo, 

le persone che mi piacevano e i momenti 

più importanti della mia vita, ma stavo 

Mobile: +39 347 46 25 234 

info@robertomariphoto.com - www.robertomariphoto.com 

70


ROBERTO MARI 

Il Peso del Cielo, stampa Fine Art su carta cotone 100%, cm.60x90 

Il Volo dell’Anima, stampa Fine Art su carta satinata, cm. 60x90 

incominciando a guardare diversamente 

luci e forme. 

Nel 2008 mi sono trasferito in Toscana, dove 

ho avuto la fortuna di incontrare il maestro 

Franco Fontana, di cui ricordo spesso le parole 

dai significati sempre nuovi. 

Da quel momento ho iniziato la mia personale 

ricerca. 

Vivo nella regione delle cave di marmo di 

Massa-Carrara, vicino a Pietrasanta, città in 

cui vengono esposte durante tutto l’anno 

opere dei più rinomati artisti internazionali. 

Le mie foto vogliono anche rendere omaggio 

a questo meraviglioso territorio. 

71


GIANFALCO MASINI 

Gianfalco Masini è nato a Lucca nel 

1945, ha iniziato l’attività pittorica 

sullo scorcio degli anni Settanta, partecipando 

a rassegne e premi in cui riceve 

lusinghieri consensi. Nel 1975 tiene la 

prima personale nella Galleria Spampanato 

di Lucca. Ha esposto in personali e 

qualificate rassegne in numerose città 

italiane ed estere. 

Nella pittura di Masini la surrealtà si spinge 

su un terreno ambiguo, in cui la forma 

spesso allude a qualcosa di diverso, in un 

gioco di rimandi ed evocazioni, sospeso 

tra la narrazione e il sogno, che non teme 

le contraddizioni interne e spesso le enfatizza 

attraverso lo sguardo di colui che 

ha molto viaggiato, a volte nostalgico a 

volte ironico, capace di trasformare ogni 

piccolo incontro in qualcosa di magico. I 

paesaggi della memoria si animano così 

di personaggi leggendari, figure create 

dal vento, magnifici animali fantastici, reperti 

archeologici, architetture di sabbia, 

oggetti quotidiani recuperati dal loro abbandono. 

L’immaginazione prende il 

volo e la realtà diviene solo un pretesto, è 

il codice, il linguaggio condiviso che vivifica 

e traduce il suo Teatro dell’anima. 

Al suo lavoro si sono interessati numerosi 

critici, tra i quali Ernesto Borelli, Nicola 

Micieli, Ennio Pouchard, Marcello 

Venturoli, Piercarlo Santini, Vittorio 

Sgarbi, Eleonora Romiti, Gianluigi Ruggio, 

Marco Palamidessi. 

Le sue opere si trovano in collezioni 

pubbliche e private in Italia e all’estero. 

Anime perse, 2014, tecnica mista su tavola, cm. 30x63 

Cell. 333 3485046 

info@gianfalcomasini.com 

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GIANFALCO MASINI 

I guardiani dell’albero magico, 2014, tecnica mista su 

tavola intelata, diam. cm. 50 

Delle mostre più recenti ricordiamo: 

1996 “Imago, four contemporary italian artist”, 

Hofstra University, New York • Occasioni 

di fine stagione, ex Ospedale Psichiatrico 

Maggiano • La pelle del muro dipinto, 

Comune di Santa Croce sull’ Arno 

1997 Immagini della fantasia, Arte Spazio, 

Lido di Camaiore • Libretto digitale Biblioteca 

Nazionale Centrale Firenze 

1998 Four contemporary of Commerce, 

Long Beach, New York • Occasioni in corso, 

ex Ospedale Psichiatrico Maggiano • Italian 

experience, Seton Hall, New Jersey 

2000 Comuniare per l’arte, Castello della 

Gherardesca, Castagneto Carducci • Ex 

Voto per il millennio, Museo Nazionale della 

Certosa di Calci 

2002 Gioco delle differenze, Camaiore, 

Lucca • Ritrovamenti, Villa Bottini, Lucca 

2004 Incontro con il sogno, Fondazione 

Lazzareschi, Capannori • Colori della sera, 

Pietrasanta 

2005 I diritti negati, Amnesty Internetional, 

Lucca 

2007 Liberi insieme, Galleria Europa, Lido 

di Camaiore 

Verso un posto incerto, 2014, olio su tavola, cm. 39x60 

2008 In Itinere, incontri e svelamenti in un 

luogo storico di Livorno, Bottini dell’olio 

2010 Le Stagioni Attraversate, Fondazione 

Banca del Monte, Lucca • La ciliegia nell’arte, 

Castello di Lari 

2011 Ri-Generazioni, percorsi e soste del Padiglione 

Italia, 54°esposizione internazionale 

d’arte della Biennale di Venezia, la Brilla, 

Massarosa • Galliarte, Gallicano • 

Fantasticarte, Carismi per l’arte, San Miniato 

2012 Mi stupisco ancora, Lodi Bros Antik, 

Lucca • Il mio fiume, Villa Pacchiani, Santa 

Croce sull’Arno 

2013 Ruote d’artista, Palazzo Ducale 

2014 Emozioni, Real Collegio Lucca 

2015 Bozzetto per un carro di Carnevale, 

Museo Michetti, Francavilla al Mare • Artisti 

Toscani, Galleria La Pigna, Roma • Formicolii 

Pietrificati, S. Michele degli Scalzi, Pisa 

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MIRANDA MENICUCCI ASCANI MEI 

Frammenti, 2007, olio spatola foglia oro, cm. 60x80 

Miranda Menicucci Ascani Mei, nasce a 

Pisa, città nella quale da ragazza condivide 

il clima dell’avanguardia pittorica 

concettuale, sperimentando le varie tecniche 

con il maestro Giuseppe Viviani. 

Nel 1970 e successivamente nel 1974 si stabilisce 

a Parigi e nel 1980 a Brussel, dove 

vive esperienze lavorative come art director, 

ma si occupa soprattutto di studiare la 

pittura nei più importanti musei e circoli cittadini. 

Rientrata nel 1985 a Firenze, rinuncia all’attività 

professionale per dedicarsi solo alla 

ricerca artistica in oreficeria artigiana frequentando 

anche il prestigioso studio del 

maestro Bino Bini. 

Artista dell’Antica Compagnia del Paiolo, 

ha esposto nel Museo del Principato di Monaco, 

nel Museo Reale di Abu Dhabi . 

Ha partecipato e partecipa a varie mostre 

in Italia (Firenze, Roma, Milano) ed all’estero 

(Parigi, Bruxelles, Monaco, Madrid) . 

Dal 2010 è Presidente dell’Associazione 

Culturale Firenze Arte. 

La passione, la sperimentazione ed il desiderio 

di vivere in sintonia con ciò “che sta 

intorno” sono il principio sul quale fonda 

l’arte integrata espressionista astratta, che 

fa di emozioni e spazio un tutt’uno. 

Il lavoro sulla percezione dei colori e dei volumi 

legati al linguaggio espressivo astratto, 

il suo vissuto, la ricerca attraverso il colore 

e la materia sfociano nell’armonica 

realizzazione delle sue opere. 

Abit.: via Don Lorenzo Perosi, 26 - 50127 Firenze - Studio: via Don Lorenzo Perosi, 13 - 50127 Firenze 

Tel. +39 055 4368598 - Cell. +39 339 2521039 - mirandamei@alice.it 

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MIRANDA MENICUCCI ASCANI MEI 

Vortice, 2014, olio tecnica mista, D. 80 

Serra, 2008, olio spatola, cm. 70x90 

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Borgo Allegri 15R - 50122 Firenze 

Tel. 055 2469346 - Cell. 339 2521039 

Presidente Miranda Mei (tel. 055 4368598 mirandamei@alice.it) 

info@firenzearte.org - firenzearteasscult@gmail.com 

www.firenzearte.org 

www.equilibriarte.org/firenzearte - www.exibart.com/firenzearte 

Realizzare attività dirette ad assicurare 

lo svago, promuovere la ricreazione 

del fisico e dello spirito 

oltre allo sviluppo sociale ed intellettuale 

degli iscritti attraverso 

iniziative culturali (corsi, conferenze, 

proiezioni, dibattiti), artistiche 

(pittura, scultura, poesia ed arti figurative), 

turistiche e ricreative in 

genere. Questi alcuni degli obiettivi 

dell’Associazione Firenze Arte 

(Borgo Allegri 15 R, Firenze), per 

il raggiungimento dei quali l’associazione 

si è attivata predisponendo 

gli spazi necessari per lo svolgimento 

delle diverse attività in un 

ambiente sereno, conviviale, aperto 

allo scambio di opinioni e di idee. 

La Galleria Cimabue, dell’Associazione Firenze Arte, è aperta 

dal 20 settembre, escluso il lunedì, dalle ore 16.00 alle 19.00 

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CRISTINA MENNI 


Anime, tecnica mista, cm. 120x80 

Cristina Menni vive e lavora a Pietrasanta. 

Nasce da una famiglia connotata da 

una forte vena artistica, sin da bambina frequenta 

lo studio del nonno pittore e del padre 

designer di gioielli, e quello che per 

anni è rimasto un hobby segreto, lasciandole 

il tempo di esercitare la professione di 

avvocato, da qualche anno è divenuta un’esigenza 

insopprimibile che esprime nella 

sperimentazione di stili e tecniche diverse. 

È la ricerca di equilibrio tra la forza inerte di 

una materia che continuamente si oppone 

ad essere plasmata e la forza volitiva umana 

che attraverso la delicatezza si esprime, 

che si legge nelle sue opere. La continua 

tensione tra la fragilità della figura femminile 

e l’universo maschile che la circonda, cercando 

quasi di dominarla, è il senso del suo 

dipingere. Le sue donne, racchiuse in posizione 

fetale, divengono impenetrabili da un 

mondo impetuoso e brutale, volte alla ricerca 

di un’armonia propria di una dimensione 

tutta interiore. Testimone di questo 

duello, anche la scelta stilistica di una matericità 

pesante e maschile, esaltata da colori 

forti o colori primari, in violento contrasto 

con le esili e minute donne dalla campitura 

piatta che, eteree, si chiudono in un’esistenza 

interiore serena e irraggiungibile, espressione 

di un universo altro. 

Cell. 339 5993475 

chichimenni@gmail.com 

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CRISTINA MENNI 



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MONICA MICHELOTTI 


Monica Michelotti, pittrice e scultrice, 

docente all’Accademia delle 

Belle Arti di Carrara, in questa opera 

rappresenta un’interpretazione 

creativa dell’idea di luce e del rapporto 

tra questa ed il colore inteso come 

nesso di comprensione tra visione ed 

emozione. “Guardare è un atto creativo 

di luce e colore” è non solo il titolo 

della stimolante tela dell’artista pontremolese, 

ma è, soprattutto, una comunicazione 

forte, un richiamo alla 

partecipazione attiva insita in ogni 

azione umana, un inno alla capacità 

dell’uomo di trasformare in atto creativo 

ogni corretta interazione tra interiorità 

ed esteriorità, tra sé e gli altri. 

La Michelotti realizza, così, un’opera 

inconsueta, in cui gli occhi e le mani 

dei fruitori possono integrarsi o sostituirsi 

per una lettura a più piani, da 

decodificare e godere, soprattutto a 

livello mentale, con emozioni, pensieri, 

sensazioni. È questo il concetto che 

progressivamente sboccia dalla tela 

che su uno sfondo bianco, dinamico 

e tattile, a sottolineare proprio l’idea 

che la visione non è un mai processo 

passivo ma anzi presuppone una cosciente 

e decisa dinamica di inclusione, 

vede stagliarsi, fronteggiandosi, 

due volti visti di profilo. E se la figura 

di sinistra è una persona vedente il cui 

cervello, creativo ed artistico, è un’insieme 

di connessioni delle tinte 

dell’arcobaleno che grazie alla luce ci 

permettono di realizzare un tipo di visione 

del mondo in cui i colori rappresentano 

una parte importante e sono 

Guardare è un atto creativo di luce e colore, 2015, tecnica mista su 

tela, cm. 100x80 

alla base di quasi tutte le nostre raffigurazioni 

mentali, la figura di destra rappresenta un cieco, 

che vede grazie ad una luce interiore, espressa da 

una linea luminosa e creativa, che rischiara il suo 

percorso di vita, caratterizzato dalle proprie sensazioni 

tattili della realtà esterna e dalle esperienze 

soggettive. Dietro tale figura un’ombra nera, 

proiezione di noi stessi nello spazio ed espressione 

insostituibile della corporeità dell’uomo nella 

sua dimensione psicologica e fisica, si contrappone 

al bianco dello sfondo, che disegna anche tattilmente 

i profili. a di tutti i colori. L’opera, decisamente 

notevole, riesce, così, a visualizzare il senso 

dell’integrazione, la capacità dell’uomo di superare 

ogni difficoltà trasformando un problema in 

una possibilità di arricchimento ed invitando ciascuno 

a non sottoutilizzare le proprie potenzialità 

ma a servirsene in maniera consapevole e, soprattutto, 

ci ricorda che solo valorizzando la luce, 

esteriore ed interiore, si può dare un contributo 

autentico alla crescita ed alla maturazione di 

quanto c’è di meglio in ognuno. 

Maria Pina Cirillo 

Studio: Via Cucchiari, 14 - 54033 Carrara (MS) 

Cell. +39 347 3459089 

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ROBERTO MICHETTI 

Marina di Vecchiano, la grande duna, olio su tavola, cm. 60x80 

Roberto Michetti nasce il 9 luglio 1940 a 

Viareggio. Inizia a disegnare e a dipingere 

fin da ragazzo; giovanissimo si iscrive 

all’Istituto d’Arte Passaglia di Lucca (lo frequenta 

soltanto due anni). Nel frattempo 

conosce il pittore R. Santini suo concittadino 

che gli insegna l’A B C del pittore. 

Nel 1960 allestisce a Viareggio la sua prima 

personale alla Bottega dei Vageri di Krimer. 

Di lui si sono occupati vari critici fra i quali 

Valerio Mariani di Roma e ne hanno scritto i 

più importanti quotidiani sia locali che nazionali. 

Ha partecipato a numerose collettive 

e premi di pittura di cui se ne annoverano 

alcuni: 1° premio exequo con A. Possenti 

(L’animale nell’arte 1960), 1° premio la Rotonda 

di Livorno 1961, La Tavolozza d’Oro 

Città di Napoli 1962, Premio acquisto colori 

di Tirrenia 1964 (4° premio), Premio acquisto 

Mino da Fiesole (FI) 1971, Premio Piero 

Della Francesca (medaglia d’oro) 1972 Arezzo, 

Premio acquisto Città di Prato 2006, 

Premio acquisto Provincia di Livorno 2007, 

1° Premio “A gente di mare” Lido di Camaiore 

2008, 1° Premio Larciano (PT) 2010 e più 

volte premiato con premi acquisto, 1° Premio 

Nannicini di Capannoli (PI) 2012. 

E presente in varie collezioni sia pubbliche 

che private, svolge la sua attività fra Viareggio 

e Firenze. 

Abit.: Via Trento, 645 - Campi Bisenzio (FI) - Via Machiavelli, 235 - Viareggio (LU) 

Tel. e fax 055 8739800 – Cell. 339 3839961 - michettimax@libero.it 

80


ROBERTO MICHETTI 

Il bosco e la bambina, olio su tavola, cm. 90x100 

I quadri di Roberto Michetti danno delle 

forti emozioni al fruitore perché ricchi di intensità 

cromatica e di grande prospettiva, 

dove il mare nell’infinito sembra attendere il 

volo dei gabbiani. 

Paesaggi dove sembra di sentire il tepore 

del sole, il rumore del vento, sapore di un 

ricordo legato al tempo maturato dall’esperienza 

di vita. 

È il sentimento dell’artista che riesce a fonderle 

fra loro come un pentagono di note 

musicali. 

Una creatività che scaturisce dal contrasto 

dei colori sapientemente disposti sulla tela, 

dipingere per assaporare il gusto della creatività 

che scaturisce dal suo io interiore, e 

costruendo una realtà sognata e assimilata, 

frutto di una fantasia ricca di inventiva. 

Lontano da rumori assordanti, da realtà violente 

nella ricerca di atmosfere che siano 

congeniali con la sua arte sensibile e matura, 

cogliendola in tutta la sua poesia. 

Lucia Mongardi 

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MUSEO UGO GUIDI 

La casa-museo testimonia 

la feconda 

stagione culturale 

del secondo Novecento 

a Forte dei Marmi. Il 

Museo Ugo Guidi – 

MUG – è il luogo dove 

lo scultore Ugo Guidi 

(1912-77) ha vissuto e 

realizzato tutte le sue 

opere, in esso si possono 

ammirare oltre 500 opere tra sculture, 

disegni e tempere che mostrano lo sviluppo 

del maestro da un classicismo naturalistico 

fino ad una libera interpretazione della 

natura nel periodo compreso dagli anni 

Quaranta al 1977. È luogo di cultura in cui 

vengono allestite mostre di artisti scomparsi, 

di artisti affermati, di giovani promettenti, 

di studenti di Accademie. 

Nel museo si presentano libri e si leggono 

poesie, nel giardino vengono allestite piccole 

rappresentazioni teatrali e concerti, 

viene inoltre proposta un’attività didattica 

per bambini e studenti. 

La casa-museo è inserita tra i Musei Toscani 

e nelle Case della Memoria della Toscana 

ed è stata aperta dal FAI (Fondo Ambiente 

Italiano) e segnalata da Italia Nostra tra le 

piccole realtà museali d’eccellenza in Italia. 

È inserita nelle guide del Touring Club Italiano 

e della Lonely Planet. La Soprintendenza 

di Lucca/Massa Carrara ha catalogato 

le sculture. Mostre e iniziative culturali in 

tutta Italia e dall’estero fanno richiesta del 

patrocinio del Museo che è inserito nel pre- 

Per informazioni su museo e spazi espositivi: 

Tel. 348 3020538 - museougoguidi@gmail.com - www.ugoguidi.it 

82


MUSEO UGO GUIDI 

stigioso sito delle Case Museo 

Italia www.casemuseoitalia.it e 

fa parte del “Circuito museale 

degli itinerari versiliesi della pietra 

e del marmo” che comprende 

sei musei della Versilia. 

Nel maggio 2015 il Museo ha festeggiato 

i 10 anni di vita con la realizzazione della 

centesima mostra allestita nei suoi spazi. Il MUG ha il 

sostegno di Maria Rosaria Lenzi - Private Banker della 

Banca Fideuram e ha come partner Art Institute of 

Nanjing University Nanchino (Cina), Villa Finaly Firenze 

Chancellerie des Universités de Paris - La Sorbonne 

e molte altre importanti istituzioni. 

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MARA NATUCCI 

Angeli in Paradiso, acrilico, cm. 60x70 

Mara Natucci è nata a Lucca. Pittrice, si 

esprime prevalentemente con tecnica 

ad olio ed acrilico. Ha tenuto mostre personali 

e partecipato a rassegne nazionali e internazionali, 

fra cui Autunno Veneziano 

1996, Grand Prix des Arts et des Lettres Ville 

de Nice 1997, Omaggio a San Marino 1997, 

Quadriennale città di Roma e Omaggio alla 

Città di Lugano 1998, ottenendo premi e riconoscimenti. 

Ha esposto anche alla Fiera 

del Levante di Bari nel 2003. Ha avuto importanti 

commissioni artistiche nel settore 

editoriale e della pubblicità, in particolare 

dall’APT di Lucca, con distribuzione in area 

europea. Ha creato per la casa francese di 

ceramiche Limoges il soggetto di Natale 

1998; nel 2000 ha dipinto l’immagine ufficiale 

dell’Azalea di Borgo a Mozzano. Fa 

parte dell’Associazione Lucchesi nel Mondo. 

È stata recensita da noti critici su giornali, 

riviste e volumi d’arte. Sue opere si trovano 

in diverse collezioni in Italia e all’estero. 

Cell. 336 907592 

maranatucci@maranatucci.it 

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MARA NATUCCI 

Papaveri fra l’oro, acrilico, cm. 40x80 

Magica emozione, acrilico, cm. 40x100 

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DARIA ORLANDINI 

Nata a Firenze nel 1973 da padre 

italiano e madre croata, dopo gli 

studi scientifici si è laureata in Medicina 

e Chirurgia, specializzata in Pediatria 

e attualmente lavora come 

Dirigente Medico presso il Nuovo 

Ospedale del Mugello. L’approccio 

alla fotografia è recente, casuale e 

fortuito; come casuale e fortuito è 

stato l’incontro con l’ambiente teatrale 

fiorentino, nel quale si scopre 

affascinata dall’osservare attraverso 

per osservare il dentro e l’oltre. Autodidatta, 

tutt’altro che professionista 

della tecnica, alla perfezione della 

foto preferisce la soggettività emotiva 

ritratta, da trasmettere in chi 

guarda. Per questo sceglie prevalentemente 

il bianco e nero per le sue 

foto perché, come dice Ted Grant, 

“Fare foto a colori significa fotografare 

gli abiti, farle in bianco e nero 

significa fotografare l’anima”. Ha ricevuto 

numerose segnalazioni su siti 

fotografici e in gruppi interazionali di 

fotografia artistica. Dal marzo 2014 

invitata dall’associazione culturale 

Gruppo Donatello di Firenze, uno dei 

più vecchi sodalizi artistici fiorentini, 

inizia a partecipare a numerose iniziative, 

sia collettive sia personali, del 

gruppo stesso. Dal 2015 è socio effettivo 

del Gruppo Donatello. 

Ballerine adolescenti 

Cell. 345 9071943 - dariaorlandini@virgilio.it 

www.facebook.com/daria.orlandini 

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DARIA ORLANDINI 

Addio giovinezza 

Settembre andiamo, è tempo di migrare 

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GIANFRANCO PACINI 

La costituzione ideale, tecnica mista, cm. 70x80 

“Gli stecchi usati per rumare i colori sono 

già pittura” 

Gianfranco Pacini pone un concetto semplice 

e a un tempo radicale e dunque 

ricco di portato: che lo “stecco” - il bastoncino 

con cui si mescolano i colori nei barattoli 

- per i depositi casuali delle tinte assume 

un aspetto nuovo, si permuta in segno. Lo 

stecco immerso nel colore è già pittura. 

Nasce a Guamo di Lucca, si dedica allo studio 

della storia dell’arte e al disegno sotto la 

guida dello scultore e incisore Fiorentino Vitaliano 

De Angelis, si accosta alle discipline 

plastiche e studia scultura e progettazione. 

Momento significativo nella formazione 

dell’artista e alimento per il suo lavoro creativo 

sono i viaggi nelle Americhe. Soggiorna 

a lungo in Venezuela, Brasile e Argentina 

dove alterna la sua ricerca artistica 

con il lavoro della terra a fianco degli “ultimi”, 

i campesinos sin tierra. 

Ultimamente realizza incisioni colorate 

dove “l’umile stecco”, girato il colore, diventa 

protagonista delle sue composizioni. 

Ha esposto un po’ dovunque in Italia e all’estero 

e chi si è voluto interessare alla sua 

opera lo ha fatto. 

Vive e lavora a Rigoli, S. Giuliano Terme (PI). 

Cell. 346 6600749 

gianfrancopacini@hotmail.it 

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GIANFRANCO PACINI 

Transumanza (part.) 

Paesaggio primaverile (part.) 

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SONIA PALADINI 

Sonia Paladini nasce a Firenze nel 1971, 

autodidatta ma con la passione del 

dipingere fin dall’infanzia. Ha frequentato 

la scuola Leonardo di Prato sperimentando 

alcune tecniche ma il modo istintivo 

e liberatorio con cui dipinge la 

distingue in maniera evidente dagli altri 

artisti. Non esistono disegni preparatori, 

non esistono progetti, tutto è segnato 

dallo stato d’animo, la fantasia dell’artista 

e soprattutto dall’inconscio. 

Incontro, olio su tavola, cm. 25x58 

soniapaladini24@gmail.com 

90


GIANMARCO PASSERINI 

Monna Lisa, acrilico su tela, cm. 100x100 

Acrilico su pittore 

Gianmarco Passerini, nasce a Pietrasanta 

il 29 maggio 1989. Ama sperimentare 

nuove tecniche, utilizza quasi sempre 

colori acrilici e colori ad olio, ma di tanto in 

tanto sperimenta con vernici per interni e 

smalti, utilizza anche veli di plastica, inchiostro 

e colle acriliche per giocare con l’effetto 

che danno asciugandosi e per sfruttare 

le sfumature di colore, forme e ombre che 

vengono con esse. 

Proprio per questo motivo, la maggior parte 

dei suoi dipinti sono realizzati con tecnica 

mista, dal momento che nessuna tecnica 

potrebbe portare gli effetti desiderati, da 

sola. Nel 2010 apre GP Art & More (www. 

gpartandmore), mentre nel 2011 ha inaugurato 

www.gianmarcopasserini.com, il sito di 

arte contemporanea, nato per dare sfogo al 

desiderio di far conoscere le sue opere e la 

sua visione del mondo. 

Oggi è il co-fondatore del Movimento 

Astrattuale®, in cui ha elaborato: 

1) “L’etica del sogno GЖP 2014” 

Che non è altro che l’analisi di tutte le regole 

logicamente illogiche dei sogni, e la successiva 

riproduzione su tela (quindi non è la 

rappresentazione dell’immagine del sogno, 

ma la spiegazione del concetto che esso 

esprime). 

Con le parole di Paolo Levi, critico d’arte, 

giornalista, saggista: 

“Un’esplosione di colori caratterizza questa 

composizione artistica informale, dove l’invisibile, 

che affonda le sue radici nell’inconscio, 

diventa visibile. Un caos apparentemente 

casuale, tende ad espandersi 

dinamicamente oltre i limiti della tela.” 

Paolo Levi 

Protagonisti dell’arte 2014 

GЖPArtStudio: Via Mario Paolini, 33 - 55049 Viareggio (LU) 

Cell. 347 2774987 - info@gianmarcopasserini.com - passerini.gianmarco@gpartandmore.com 

www.gianmarcopasserini.com - www.gianmarcopasserini.it - www.gpartandmore.com 

91


GIANMARCO PASSERINI 

Notte stellata 2.0, olio su tela, cm. 50x70 

2) “Status symbol GЖP 2014-2015” 

Nel quale un’immagine viene ridotta ad essere 

l’identificazione dello status del compratore, 

perdendo qualsiasi altro significato 

etico ed estetico; questi dipinti si distinguono 

in due sottocategorie; 

1) L’immagine che si può osservare nel lavoro 

finito è il solo nome dell’artista sulla tela. 

Questi lavori sono caratterizzati dal titolo 

bizzarro, quale il prezzo del dipinto. 

2) In questo secondo caso non vi è una vera 

e propria immagine da osservare, ma una 

banconota incollata sulla tela, con la firma 

dell’artista. Questa banconota, subisce una 

vera e propria metamorfosi: da oggetto per 

fare acquisti, ad oggetto che si desidera acquistare. 

a cura di Vittorio Sgarbi 

ARTISTI - Annuario d’arte contemporanea 

3) Indeterminazione determinata GЖP 2015” 

Anche in questo caso, ci sono due sottocategorie: 

1) - Acrilico - L’immagine che si può osservare 

nel lavoro finito , viene realizzata 

creando per prima cosa uno sfondo sulla 

tela già intelaiata e preparata (tela 1), poi si 

applica una seconda tela sul telaio la quale 

non viene preparata (tela 2) e su questa 

tela si dipinge l’immagine che si intende 

realizzare. Una volta finito di dipingere l’immagine, 

si procede rimuovendo la tela 2, 

che non essendo stata preparata lascia filtrare 

il colore sulla tela 1 creando cosi un 

impronta unica sullo sfondo precedentemente 

dipinto. 

2) - Olio - Anche nel secondo caso si crea 

uno sfondo sulla tela già intelaiata e preparata, 

ma questa volta vi si applica un secondo 

strato di colori sopra. Poi, prima che il 

colore asciughi, si va a “scavare” via il secondo 

strato creando l’immagine che si intende 

realizzare. 

In entrambi i casi, quello che contraddistingue 

questa tecnica è il fatto che, benché 

l’applicazione del colore sia determinata 

dall’artista, è impossibile prevedere il risultato 

finale, essendo esso generato da variabili 

indeterminabili. Ecco perché “Indeterminazione 

determinata”. 

92

GIANFRANCO PELLEGRINI 


Gianfranco Pellegrini è nato l’8 

settembre 1953 a Pisa, dove vive 

e lavora. Ha partecipato a numerosi 

simposi e concorsi di scultura, grafica 

e pittura. 

Nel 1989 riceve il suo primo riconoscimento 

al Concorso di Scultura indetto 

dal Comune di Pisa, conquistando 

i critici con il secondo premio. 

Il suo lavoro continua tra mostre personali 

e collettive, realizza un busto 

funebre in bronzo per il cimitero di 

Pisa, nel 2001 crea il busto di Padre 

Renzo Spadoni in marmo di Carrara 

per la chiesa di San Nicola, sempre in 

Pisa. 

Nel 2004 realizza lo stemma del comune 

dell’isola del Giglio (Gr). 

Gianfranco abbraccia anche la pittura, 

raffigurando prevalentemente ritratti 

androgeni con tratti graficopittorici, 

ma la scultura è l’arte che più 

lo rappresenta e lo appaga, riesce a 

tirare fuori l’opera d’arte nascosta 

nel pezzo da lavorare, che sia marmo 

o legno . 

Donna incinta 

Cell. 349 2968669 

info@fotopellegrini.it 

93


GIANFRANCO PELLEGRINI 

Pisa e le sue due chiese, cm. 400x 150 

MOSTRE PERSONALI 

1982 Pisa - Galleria d’arte “Il Navicello” 

1984 Pisa - Galleria d’arte “Il Navicello” 

1985 Pisa - Galleria delle Arti 

1989 Pisa - Palazzo Gambacorti 

1992 Pisa - Palazzo Gambacorti 

1996 Pisa - Centro San Paolo all’Orto 

2000 Pisa – Chiesa di S. Maria della Spina 

SIMPOSI 

1983 Pisa – Abbazia di San Zeno, Collettiva 

di scultura 

1988 Tirrenia (Pisa) – Simposio di Arte Contemporanea 

, Murales 

1989 Pisa – 1° Simposio Estemporaneo d’Arte 

Contemporanea “Pisa Open 89” 

1989 Seravezza (Lucca) – 5° Incontro Rassegna 

“Arte in piazza” 

1999 Condrieu (Francia) – 1° Biennale di 

scultura Contemporanea , 1° premio 

1999 Hinojosa De Jarque (Spagna) – 4°Simposio 

di Scultura “Alla Memoria dei Popoli” 

2000 Cicagna (Genova) – Campus “La Pietra 

Nera” 

2001 Cornia di Maconesi (Genova) – 3° Simposio 

Internazionale di scultura su ardesia 

2001 Belluno – 16° Extempore di scultura su 

legno 

94

GIUSEPPE PIERUCCI 


Rosso toscana, olio su tavola, cm. 60x60 

Diplomatosi al Liceo Artistico di Lucca, 

continua il suo percorso di interesse 

artistico presso l’Accademia di Belle Arti di 

Carrara. 

Alcune sue opere sono custodite in collezioni 

private in Italia ed all’estero; ha esposto 

in alcune collettive tra cui l’ultima a 

Milano. 

La narrazione pittorica dell’artista Giuseppe 

Pierucci è semplice e piana come i luoghi 

da lui descritti. 

Sono immersi nella quiete più grande conferendo 

tranquillità interiore all’osservatore. 

L’arte descrittiva fa sempre la sua buona 

impressione quando non mira soltanto a riprodurre 

un determinato soggetto, ma carica 

quest’ultimo di emotività spontanee 

che si trasmettono facilmente al fruitore. 

Pertanto la bellezza di un casolare immerso 

nel verde o l’aspetto decadente di un antico 

muro sono parti essenziali dell’opera. Costruiti 

da segno e da colore apposti con sapiente 

maestria rivelano la grandezza compositiva 

del pittore Giuseppe Pierucci. Non 

soltanto quindi un maestro della figurazione, 

ma una personalità dotata di qualità 

profonde che gli permettono la creazione 

di opere dal valido contenuto emotivo. 

Valdottavo Meino, 4 – 55023 Lucca 

Cell. 328 8130152 – niongep@virgilio.it 

95


GIUSEPPE PIERUCCI 

L’attesa, olio su tela, cm. 35x50 

La nostra vita è come una barca in mezzo al mare in balia delle onde, olio su tavola, cm. 100x60 

96

GIANNA PINOTTI 


Estate in Versilia, 2001, olio e pigmenti su tela, cm. 60x80 

Gianna Pinotti (Mn 1963) è artista e critico. 

Discendente da una importante 

bottega di scultura attiva per due secoli, 

pittrice per vocazione, è legata alla Toscana 

sin dall’infanzia e per un ventennio ha 

frequentato la Versilia con le sue suggestioni 

culturali e artistiche. Dopo la laurea in 

storia dell’arte e gli studi musicali, esordisce 

come astrattista tenendo alcune personali 

a Parigi tra 1993 e 1998. Seguono importanti 

antologiche tra cui Invito a Palazzo, 

Palazzo Strozzi, Mantova 2006; Le città 

cadute, Museo Virgiliano, Pietole 2012. Ha 

esposto in Italia e all’estero a fianco dei più 

rappresentativi autori del panorama artistico 

contemporaneo. Ha pubblicato testi in 

riviste e una trentina di libri, ricevendo premi 

nazionali. Nel 2015 ha ricevuto il prestigioso 

Collare Laurenziano per la pittura 

dall’Accademia Internazionale Medicea durante 

la cerimonia del Premio Europeo Lorenzo 

il Magnifico tenutasi a Palazzo Vecchio 

a Firenze. 

Cell. 347 2367011 

giannapinotti@libero.it 

97


ORLANDO POGGI 

Nasce a Catanzaro il 1° ottobre 1966 

da padre forlivese e madre fiorentina, 

coltiva la passione del disegno e della 

fotografia tramandatagli dal padre. 

Negli anni Novanta, pur occupandosi lavorativamente 

di impiantistica e nuove 

tecnologie, inizia un percorso insieme 

ad un amico fotografo che lo porta a cimentarsi 

sul bianco e nero e la fotografia 

di studio, poi servizi fotografici per 

matrimoni e cerimonie. Successivamente 

inizia a lavorare per due riviste milanesi 

e insieme a due amici e colleghi di 

lavoro, fonda l’Harmonizer Studio che si 

occupa prevalentemente di pubblicità. 

Cura la parte di immagine sia con il disegno, 

la grafica e la fotografia. 

Si cimenta nella fotografia di soggetti e 

corpo, che usa poi per dare spunto ai 

suoi disegni. Gli stati d’animo sono oggetto 

della sua ricerca, che prova ad 

esprimere tramite il disegno del corpo 

umano stilizzato tendente al fumetto. 

Dopo una lunga pausa di inattività insieme 

a Susi La Rosa crea un Laboratorio 

Artistico occupandosi insieme a lei di 

varie attività, come l’arte del riciclo, la 

pittura su tela, la lavorazione del legno. 

Riprende in mano i suoi vecchi disegni e 

li rielabora su tela con nuove tecniche 

per partecipare ad una mostra collettiva 

di pittori a Venezia. Nel maggio 2014 

presenta la sua prima personale con 5 

opere su tela intelaiate su pancali di legno 

poi verniciati. Oggi continua la rielaborazione 

del suo stile e dei corpi che 

disegna, dando un’anima piu sofisticata 

e tecnica alle sue opere. 

Black Spring, cm. 90x140 

“Dalla fotografia al disegno dal disegno alla 

pittura su tela le mie immagini stilizzano la figura 

femminile rendendo il corpo energico 

seppur sensuale; non esistono temi fissi, i tratti 

escono spontaneamente fuori senza un progetto 

principale rendendomi attratto ogni volta 

che che inizia un tratto sulla tela”. 

Via San Bonaventura, 24/E - 50145 Firenze 

Cell. 366 2777475 - orlandopoggi@gmail.com 

98


ORLANDO POGGI 

Around your world, 2015, tecnica mista su cartone telato, 

cm. 50x70 

Senti come mi batte forte il tuo cuore, 2015, tecnica mista su tela, cm. 70x100 

99


GIULIA SALIS 

Autoritratto doppio, 2012, acrilico su tela, cm. 100x100 

Nata nel 1975, vive e lavora a Viareggio 

(LU). Si diploma all’Accademia di Belle 

Arti di Carrara (sezione Scenografia, tesi in 

Costume per lo Spettacolo) con 110/110 e 

lode e realizza costumi per il teatro; attualmente 

si dedica soprattutto alla pittura 

(anche ritratti e dipinti su commissione, illustrazioni 

di cartoline) e alla decorazione su 

diversi tipi di supporto. Si occupa inoltre di 

grafica, design e video-art. 

Dal 1995 ad oggi partecipa a diverse mostre, 

le personali: 

2006: Caffè Battisti, Viareggio 

2009: “Dono di donna”, Ospedale Versilia, 

Lido di Camaiore (LU) 

info@giuliasalis.it www.giuliasalis.it 

www.facebook.com/GiuliaSalisPittrice 

100

ANDREA SALTARELLI 


Forma graffittica con testa e coda, 2006, tela, cm. 60x60 

Nato a Milano nel 1964, si trasferisce giovanissimo 

in Versilia, dove tuttora vive 

e lavora. 

S’interessa all’arte fin da ragazzino e inizia 

un’attività pittorica che si affina in tecniche 

e contenuti visitando gli studi dei pittori, 

scultori e designers amici di famiglia. 

Dal 1976 pratica il Judo, disciplina che lo 

avvicina alle dottrine orientali. 

Nel 1978 si iscrive all’Istituto Tecnico per 

Geometri di Lucca e solo successivamente 

al Liceo Artistico Passaglia di Lucca per 

studiare storia dell’arte e proseguire gli studi, 

abbandonati nel 1982. 

Appassionato alla cultura e alle religioni 

delle ‘popolazioni tradizionali’, intraprende 

numerosi viaggi studio in varie parti del 

mondo, collezionando così visite a musei, 

pinacoteche, monumenti e siti archeologici 

nei vari continenti. 

In Europa e in Italia non si stanca mai di visitare 

mostre e studi di artisti che intende 

conoscere personalmente, arriverà a collaborare 

con alcuni di loro per la creazione di 

sculture nei vari materiali plastici. 

Inventa un suo personale stilema che chiama 

“Antropogrittico”, e si specializza in una 

tecnica materica che definisce “graffittico”. 

Dal 2000 ha un suo studio in Pietrasanta 

(LU) in via del Marzocco, 120 denominato 

“Studio d’arte Aleph”. 

Nel 2012 inventa una nuova forma d’arte, 

affiggendo negli appositi spazi comunali, la 

stampa di un suo dipinto con sotto una didascalia 

che da senso all’opera, nei manifesti 

non c’è alcun riferimento tangibile 

all’autore o allo studio d’arte, così da evitare 

che venga confuso come una forma 

pubblicitaria: a questa forma d’arte ha dato 

il nome di “Arte Manifesta”. 

www.antropogrittico.com 

andrea.saltarelli64@gmail.com 

101


ANDREA SALTARELLI 

Forma graffittica, 2006, tela, cm. 60x60 

Forma graffittica dal lungo collo, 2006, tela, cm. 60x60 

102

VITTORIO SIMONINI 


Fra,menti, 2010, tecnica mista carta bruciata e strappata su tela, cm. 120x90 

Vittorio Simonini è nato nel 1964 a Viareggio 

dove vive ed opera. Il suo linguaggio 

artistico spazia dalla poesia alla 

scultura ed alle performance video - artistiche. 

Citiamo alcuni passi di una critica di Lodovico 

Gierut: “Scolpisce, disegna, unisce carte 

e foglie, fusioni metalliche e legni... […] in 

lui c’è figurazione ed astrazione, impeto, 

silenzio quasi d’attesa di tracciati dove vive 

la terracotta, anche smaltata, col bianco 

che è tangibilmente posto – come al nero – 

all’estremità della gamma cromatica e non 

certamente a caso. […] È - dicendone per 

chiudere – un artista che si affida alla “ricerca”, 

non si ferma e merita l’attenzione del 

pubblico.” 

Cell. 366 1196318 - vittorio64artista@gmail.com 

Facebook: Vittorio Simonini 

103


VITTORIO SIMONINI 

Meta morfosi di una idea, installazione, 2015, assemblaggio di materiali 

vari su un vecchio manichino, cm. 170x35x40 

CREAZIONE 

Raccogli 

la lacrima di un angelo. 

Accarezzala 

con il profumo del tuo desiderio. 

Ecco la tua creazione. 

DIO. 

Tratto da A UN AMICO. 

raccolta di poesie inedite di Vittorio Simonini 

104

LUCA SIRI 


Ai sognatori di ogni età, 2009, olio su tela, cm. 60x80 

Luca Siri (Genova 1978), artista poliedrico, 

pittore, scultore e musicista, esprime, 

attraverso i canali dell’esoterismo, un 

personale stile neoiconico non privo di una 

discorsiva intima incentrata sulla riadesione 

alla Natura da parte dell’uomo; in tal 

senso si interessa alle civiltà preromane 

della Lunigiana e dell’Etruria. Ha esposto in 

una trentina di mostre in Italia e all’estero 

(Firenze, Genova, Savona, Mantova, Milano, 

Padova, Torino, Berlino, Praga) e ha pubblicato 

testi di teoria estetica, tra cui Visionarkia 

(2007) e Biofilia e Biofollia (2014). Ha 

ricevuto premi nazionali e internazionali 

per la pittura e la grafica. Sue opere si trovano 

in collezioni pubbliche e private italiane 

e straniere. Nel 2015 ha ricevuto il prestigioso 

Collare Laurenziano per la scultura 

dall’Accademia Internazionale Medicea durante 

la cerimonia del Premio Europeo Lorenzo 

il Magnifico tenutasi a Palazzo Vecchio 

a Firenze. 

Cell. 340 8010755 

info@lucasiri.it - www.lucasiri.it 

105


MARIELLA TONELLI ROSSI 

Nata nel 1950 a Camaiore. Autodidatta. 

È iscritta all’Accademia Universale Guglielmo 

Marconi di Roma, all’Accademia del 

Novecento di Roma e al C.E.I.C. (Centro Europeo 

d’Iniziative Culturali) in Roma. 

“La pittura di Mariella Tonelli Rossi è un arabesco 

formale nel quale vivono e si completano 

immagini di altre culture ed altri 

mondi. 

Le nature morte sono ricche di particolari, 

molto suggestive e limpidamente risolte in 

un’armonia cromatica che avvolge ogni 

cosa. 

Il gusto del reale fa si che l’artista si ponga 

come osservatrice attenta di ogni evento 

ed il pretesto di un melagrano oppure di un 

cocomero è sufficiente per muovere la sua 

creatività. 

Le sue tele hanno avuto successo nella Rassegna 

di San Marino, il pubblico è rimasto 

affascinato dall’atmosfera che ella sa traslare 

nei soggetti e nel completamento che il 

colore regala ad ogni composizione. 

Anche a Barbarasco di Tresana Mariella Tonelli 

Rossi ha avuto un significativo riconoscimento. 

L’artista esegue, su richiesta, anche ritratti 

in “stile antico” (Bruno Cosignani) 

Cell. 347 3335344 

mariellatonelli@live.it 

106


MARIELLA TONELLI ROSSI 

Mostre: 1987 – Accademia Universale “Guglielmo Marconi”, Premio 

“Cavalieri della Fede e del Progresso”. 

1988 – Secondo premio, terza Rassegna d’arte omaggio a San 

Marino; Premio Speciale Gran Trofeo “Il Prestigio”; Secondo Premio, 

Terza Rassegna d’arte Città di Nizza; Medaglia d’oro, Giochi 

Olimpici di Seoul (C.E.I.C); Premio Topkapi, “Maestri Italiani ad 

Istanbul” . 

1989 – Secondo Premio “Incontri d’arte in Versilia”; Premio Speciale 

giornalistico “Rendes vous Mission” U.S.A.; Premio Coppa 

Aurea, “Maestri dell’arte italiana a Tokio”. 

1992 – Premio Speciale “Grand Prix des Arts”, Nizza. 

Ha frequentato la scuola di Miniature Persiane in Iran, conseguendo 

il Diploma. 

107


STEFANO CARLO VECOLI 

Medusa strabica, 2014, acrilico e olio su tavola, cm. 55x42 

Nato a Viareggio, in tempo per attraversare, 

nella sua adolescenza, i passionali 

anni Settanta. Architetto con il piacere di 

scrivere. Romanzi: “Il pranzo dei Burlanti” 

2002; “Il Pezzente di Denari” 2006; “Crescevano 

Sogni, Fiorivano Eskimi” 2013. Alcuni 

suoi racconti sono stati premiati a vari 

premi nazionali e pubblicati in raccolte. 

Si dedica alla pittura incontrando l’amicizia 

fervida e feconda del maestro Giorgio Michetti. 

Le sue opere spaziano dalle atmosfere sognanti 

della Toscana, alle bagnanti sulle 

rive del mare, ai miti antichi rivisitati in chiave 

moderna, al mondo onirico e infantile 

dalle fiabe a Pinocchio. 

Dopo anni di solitario e proficuo lavoro, inizia 

ad esporre il suo mondo con una personale 

nel 2012 alla Galleria Europa a Lido di 

Camaiore per continuare con collettive e 

personali. 

Vive e lavora in Toscana. 

www.stefanocarlovecoli.it 

108


STEFANO CARLO VECOLI 

Presenze Toscane, 2014, acrilico e olio su tavola, cm. 50x42 

Verelina, un po’ Venere e un po’ Velina, danza notturna, 2015, 

acrilico e olio su tavola, cm. 40x30 

109


MARIA RITA VITA 

Fili, olio su tela, cm. 70x100 

Maria Rita Vita nasce a Massa nel 1966. 

Autodidatta, coltiva, sin da bambina, 

la passione per l’arte dimostrando una spiccata 

inclinazione verso la pittura in particolare. 

Vive tra le Alpi Apuane e la Riviera Versiliese, 

terra colma di contasti e di forte 

sentire. Nella fierezza di tali origini, si nutre 

dei colori accesi e passionali, luminosi del 

territorio natio che costituiscono l’alfabeto 

della sua ricca tavolozza. 

Frequenterà per volontà paterna studi 

tecnici; una scelta accettata, ma mai condivisa 

che la porterà a lavorare nel mondo del 

commercio. 

L’amore per la pittura e il colore che albergano 

nel suo animo però continuano insistentemente 

ad ardere sotto la cenere. 

Maria Rita Vita infatti continua privatamente 

a dipingere e lo fa per proprio diletto, 

senza mai archiviare il sogno di poter 

dare sfogo un giorno al suo grande amore, 

la pittura. La voglia di dedicare più tempo al 

dipingere diventa sempre più forte e meno 

controllabile. 

Le sue letture preferite sono rivolte alla lezione 

dei grandi maestri del Rinascimento, 

del Barocco e dell’Espressionismo astratto 

americano dai quali apprende le leggi della 

prospettiva, l’interpretazione spaziale, la 

ricchezza del segno, la sontuosità cromatica, 

la ricerca introspettiva e la gestualità 

istintiva. 

Galleria d’Arte Maria Rita Vita: Via A. Guglielmi, 4 - 54100 Massa (MS) - Cell. 333 8217316 

info@mariaritavita.com - Studio d’arte Maria Rita Vita: Via Romana 366 - 54100 Massa (MS) 

110


MARIA RITA VITA 

Profumo di un ricordo, olio su tela, 2 pannelli cm. 100x70 

La sua ricerca si fonda su esplorazioni linguistiche 

di natura emozionale con indagini 

sulla fenomenologia del colore e investigazioni 

su percezioni interiori che traduce in 

elementi astratti con vaghi riferimenti al 

dato reale. Sarà una forte intima emozione 

sentimentale a far decidere l’artista di stravolgere 

la sua vita in campo lavorativo ed 

abbracciare quel destino al quale era segnata, 

dedicarsi finalmente completamente 

alla pittura; una vera e propria scelta 

di vita maturata: la “mia Vita è la mia Arte e 

la mia Arte è la mia Vita”. 

Proficua la sua attività espositiva indirizzata 

prevalentemente verso esposizioni personali. 

Nel 2012 illustra con l’immagine della propria 

opera “Fiori nel Gorgo” – il Romanzo 

Omicidio dell’Anima dello scrittore G. Perazzini 

(Il Ciliegio Ed.). 

Apre la propria Galleria d’Arte nel Centro 

Storico di Massa dove espone in permanente 

le sue opere pittoriche e nell’autunno 

2015 lancia la Collezione di Accessori Donna 

“VITA - Arte da indossare”. 

Sue opere si trovano in collezioni private e 

pubbliche. 

Maria Rita Vita vive e lavora a Massa. 

111

Artisti in Versilia altro non è che un 

simbolico omaggio nei confronti 

di un territorio che da sempre è sia un 

punto di partenza per molti, sia di arrivo 

per altri – per la pittura, la scultura, 

la fotografia... – dato che è un luogo 

sempre in ascesa, ma già consegnato 

alla Storia dell’Arte dai vari Henry Moore, 

Pietro Annigoni, Igor Mitoraj, Lorenzo 

Viani, Galileo Chini, Franco 

Miozzo, Carlo Carrà, Giuseppe Viner... 


ISBN 978-88-6039-356-2 

E 15,00 (IVA inclusa)

Versilia libro (1).pdf

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