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DORNBRACHT the SPIRITof WATER Beauty – the last Anarchy
compito di scoprire il suo nucleo più vivo. Forse oggi la chirurgia estetica ci
mette in condizioni di riconoscere il ruolo centrale di ciò che si discosta dal
bello. Volti cui iniezioni e lifting ridonano una perduta levigatezza e simmetria
si somigliano in modo spettrale, con un effetto spesso bizzarro, quasi una
parodia della bellezza. Tom Ford, che ha contraddistinto il corso degli anni
'90 come direttore del design per il marchio Gucci, ha di recente
sottolineato la nostra tendenza a subire il fascino delle forme esacerbate,
dell’esagerazione e della dismisura. Non solo le nostre macchine sembrano
dominare la strada come tozzi carri armati, anche le nostre labbra, guance,
seni e glutei hanno l’aria di cuscini gonfiabili. Questa bellezza manipolata
manca di sfumature: “siamo ormai abituati a guardare solo fotografie elaborate,
e così anche noi ci siamo trasformati in plastica. Sembriamo i personaggi
di un fumetto, ma millenni di studio sull’aspetto umano non permettono a
questi visi artificiali di convincerci davvero.”
Intanto i volti naturali diventano sempre più preziosi e la loro originalità li sta
trasformando in oggetti di culto. Per Ford non si tratta tanto di rarità, ma di
codifica genetica e di un istinto cui si sta chiedendo troppo, e che indietreggia
davanti a un volto vuoto. I nostri sensi sono colpiti dalla presenza di vita
e carattere, ricercano nell’altro i segni della loro storia. È bello ciò che si lega
a un’impressione di profondità, pienezza e complessità, in altre parole ciò
che di norma si definisce stile. Il termine stile ha assorbito molte implicazioni
del bello, soprattutto nella forma anglosassone “style” che abbraccia tutti
gli aspetti della vita. In quest’ambito il concetto di stile si estende dalla
presentazione personale di successo fino al branding di un’azienda specifica,
passando per la realizzazione di film, esposizioni e riviste.
Ciò che si applica al volto umano che si lascia influenzare dalla chirurgia
estetica vale anche per l’attrattiva di un marchio che intende imporsi sul mercato,
su cui preme un fiume di offerte globali. Sono soprattutto elementi
come rappresentazione della propria forza e tradizione e la decisione di non
voler piacere sempre e ad ogni costo che proteggono un marchio dal pericolo
di essere copiato e dalla tentazione di imitare le strategie di altri vincitori
del momento.
La mancanza di identità e il gioco di ruolo lasciano il posto all‘autenticità e
alla serietà. In questa cornice il ritorno a contesti spirituali porta benefici
effetti sinergici e suggerisce che l’individuo racchiude in sé un ideale, ed è in
un modo o nell'altro animato e sostenuto da uno spirito più elevato della mera
sensualità. Qui entra in gioco il concetto di aura, aspetto essenziale per la
natura del bello. Walter Benjamin l’ha definita “unica apparizione di una
distanza quanto più vicina possibile” e con questo si riferiva a qualsiasi
distanza che potesse rendere il bello non necessariamente freddo, ma non
fruibile. Sottraendosi, il bello si muove oltre il presente, risveglia sogni,
pensieri e ricordi.
Meglio ancora di ogni altra cosa il bello è caratterizzato dall´immediatezza
con cui ne diveniamo consapevoli e che lascia esplodere dentro di noi una
vitalità pari a quella di un cane da caccia troppo a lungo rimasto nella cuccia.
Siamo come trasformati, a volte per giorni rigenerati, e ci tornano alla mente
le nostre speranze e convinzioni più forti. Il bello si potrebbe descrivere come
unica forma di anarchia che non ha bisogno di discorsi politici per liberarci
da tutto ciò che ci appare vecchio e pauroso. Il bello non è quindi una
proporzione definita, una superficie levigata o una messa in scena secondo
regole prestabilite, ma l’ignoto che risveglia il nostro interesse per il mondo
come una scossa, in modo che il corso delle cose torni a dipendere da noi.
No hace mucho, a quien se consagraba a lo bello se le consideraba irremediablemente
anticuado. La era técnica veía en el respeto tributado a lo bello
reminiscencias de burguesía culta; la belleza era demasiado simple y a
menudo no se distinguía de lo kitsch, dado que sus medidas armónicas
habían pasado a producirse en masa por la industria y los medios. Ni
siquiera los hedonistas años 90 se entusiasmaron por la belleza, pues la
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generación “punto com” estaba demasiado ocupada con sus propias oportunidades
como para buscar la belleza que ya no llevaba a ninguna parte. Se
codiciaba todo lo que prometía prestigio; se disfrutaba lo caro, lo ostentoso
y lo ruidoso. En el remolino de infinitas posibilidades, el mundo global de la
red ardía por alcanzar esa promesa de un nuevo siglo. Desde entonces, el
ánimo ha cambiado.
La crisis económica mundial y la irrupción del terrorismo internacional le
dieron al Occidente obsesionado consigo mismo una lección de fugacidad.
Desde que se ha disipado el delirio, nos encontramos ante la decepcionante
certeza de que la tierra no se ha convertido en un paraíso. Ha empezado una
gran higiene mental que endereza las cosas y con la que se logra claridad. No
es casual, por tanto, que la belleza se haya convertido de nuevo en un tema
de debate público y de grandes exposiciones. El discurso estético intenta
arrebatar el gancho clave comercial para volver a otorgar fertilidad al arte.
Porque, al igual que en la moda, que es la que experimenta más rápidamente
los cambios de tendencia, también en el arte ha empezado una nueva Era.
Mientras que los choques de todo tipo están a la orden del día, los artistas han
perdido las ganas de provocar. Desde las subastas neoyorquinas de arte contemporáneo
se da cuenta de un interés cada vez mayor por los elementos
decorativos. También la moda se enamora desenfrenadamente de los detalles
decorativos, los bordados y un torrente de accesorios.
Lo que une ahora los creadores es el deseo de despertar emociones, conmover
en vez de extrañar, fascinar en vez de ofender. Desde que los clásicos alemanes
vieron encarnada esa idea en ella, se ha sentido un cierto tipo de belleza como
fría y enigmática. Los sentimientos que esa belleza pueda causar resbalan, da
igual si se trata de un Adonis ateniense de piedra, la Garbo o una silla
Barcelona. Un defensor típico de esta belleza rigurosa es el modernista
vienés Adolf Loos, quien equipara ornamento y crimen. Una opinión similar
tenía su colega Walter Gropius, para quien la bella forma era equiparable a
su aplicación en la función y todo lo funcional era bello.
“¿Qué le parece si le digo que su arquitectura simplemente no me gusta”?, le
preguntó un estudiante americano después de una conferencia. “Entonces, es
usted un neurótico”, replicó el maestro, para quien su propia opinión en
cuestión de gustos resultaba sagrada e inapelable. El valiente estudiante se
puso a defender una belleza que no fuera matemáticamente perfecta y reducida
a lo elemental. Pertenecía a las primeras voces de una posmodernidad
que, en su búsqueda de una belleza no dogmática, dio lugar a fenómenos tan
diversos como Mark Rothko y Roy Lichtenstein, dos artistas que en ese otoño
neoyorquino alcanzaron precios muy altos. Un idealista como Hegel hubiera
negado toda belleza a las delirantes superficies flotantes de Rothko y a los
motivos cómicos de Lichtenstein, que los hubiera encontrado demasiado
arbitrarios y sentimentales. Con la misma rigidez, la modernidad de Loos
trataba con obras en las que se podía observar la subjetividad del artista.
No obstante, los seguidores actuales de esa belleza emocional, lúdica,
demuestran que ésta, de nuevo, ha sobrevivido a sus críticos. Como bonito
sentimos ahora lo vulnerable y biográfico, la pincelada, la marca personal.
En las galerías neoyorquinas y berlinesas hay colgados dibujos que recuerdan
a experimentos de jardín de infancia o a garabatos de salvamanteles. Son
filigranas, realizadas a lápiz, de color pastel, íntimas, privadas y codificadas.
En su anti-monumentalidad, tienen el encanto de la estenografía pictórica, la
frescura de la instantánea y la modestia de los primeros bocetos. Sólo en una
segunda mirada reconoce el observador que en la obra hay manos expertas
que prefieren expresarse suavemente en vez de con óleos y acrílicos. Uno
debe tener una cierta confianza anticipada en su obra, inclinarse y penetrar
en ella con el pensamiento.
El mismo fenómeno se puede observar en el cine, como cuando una mujer
joven como Sophia Coppola en “Lost in Translation” convierte el proceso
interno de sus modestos héroes en el centro de interés, en vez de dejarse
absorber por la acción. El repentino éxito internacional de las películas coreanas
también expresa el desplazamiento de nuestras necesidades culturales.
El último festival Berlinale elogiaba a Im Kwon-Taek con una retrospectiva
The “unique
MANIFESTATION
of a DISTANCE,
however CLOSE it
MAY BE”
Walter Benjamin
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Humble
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