Vivaldi in - Rondo

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Klassik denken einstellen. Denn was den warmen Gesamtklang, die agogische Geschmeidigkeit und nicht zuletzt den (geglückten) Versuch angeht, die Einzelstimmen kammermusikalisch transparent zu gestalten, zeigen sich die russischen Musiker von ihren idealen Möglichkeiten. Bleibt dieser durch Mahlers Brille gesehene Schubert trotzdem ein interessantes Experiment, kann Bashmet bei den beiden anderen Schubert-Bearbeitungen auch in seiner eigentlichen Profession als Bratscher glänzen. Bei der von einem gewissen C.G. Wolff stammenden Einrichtung des „Erlkönigs“ für Violine und Viola lässt es Bashmet gemeinsam mit Alena Baeva schaurig schön und bittersüß pulsieren (ein ideales Zugabenstück!). Und da die Arpeggione-Sonate schon längst nicht mehr nur vom Cello, sondern auch von der Viola gespielt wird, vergrößerte der Solocellist der Münchner Philharmonide dem erhofften Hörgenuss entspricht. Zu Zeiten Gustav Mahlers war das nicht anders. So haderte der Perfektionist besonders mit den für Kammermusik tödlichen, akustischen Bedingungen eines noch so edel ausgekleideten Klangtempels. Um daher den Nuancenreichtum eines Beethoven- und Schubert-Streichquartetts bis in den hintersten Saalwinkel hörbar zu machen, machte Mahler aus der Not eine Tugend und bearbeitete die Werke einfach für Streichorchester. Nun muss man sich im Falle von Schuberts berühmtem Streichquartett Nr. 14 „Der Tod und das Mädchen“ erst einmal mit dem recht monumentalen Streicherklang speziell im 3. Satz anfreunden. Und kommt das Todes-Motiv im langsamen Satz nicht vielleicht doch zu luftig süß, zu unbeschwert daher? An Yuri Bashmet und seinen Moscow Soloists liegt es jedenfalls nicht, dass sich gegenüber Mahlers Schubert- Version immer wieder leichte Be- ihre mehr im Schatten wandelnden Gestalten, deren Spuren allzu schnell verschwinden. Eine solche Gestalt scheint Fernand de la Tombelle (1854–1928) zu sein, Schüler von Guilmant und Dubois (wer kennt wenigstens noch die?), im Jahre 1896 immerhin Mitbegründer der berühmten Pariser „Schola Cantorum“. Sein Stil weist vor allem Verbindungen zum Idiom Gabriel Faurés auf: Höchst geschmeidig und elegant auf melodischer und harmonischer Ebene, zu Hause im Spektrum jener breiten, ja der gesamten Tonartenpalette, die am Fin de siècle die filigranen Kantilenen einer feinnervig-sensiblen, leicht angespannten bis überspannten Kammermusik zu umschmeicheln pflegte. Elektrisierender Moment am Beginn des Streichquartetts op. 36: Irgendwo zwischen Bruckner und Strauss scheinen hier die ersten Takte angesiedelt zu sein, assoziativ rekapitulierend und vorwegnehmend, was diese dichker, Heinrich Klug, das Stück auf Konzertformat. Und das Resultat überrascht! Denn gemeinsam mit den Streichern fühlt sich die Bratsche in die volkstümlich-tänzerische Entspanntheit und idyllische Gelassenheit so ein, als wäre die Sonate genau für diese Besetzung geschrieben worden. Guido Fischer Fernand de la Tombelle Trio op. 35, Quatuor op. 36 ●●●●● Laurent Martin, Quatuor Satie Ligia/Klassik Center (62 Min., 9/2011) „Aber abseits, wer ist’s?“… Jede Epoche, jede nationale Schule hat ihre Mainstream-Figuren und, rechts und links der breiten Wege, Im Vergleich Johann Sebastian Bach Die Englischen Suiten BWV 806–811 46 ●●●○○ Richard Egarr harmonia mundi (2 CDs, 141 Min., 9/2011) Johann Sebastian Bach Die Englischen Suiten BWV 806–811 ●●●●○ Pascal Dubreuil Ramée (2 CDs, 142 Min., 10/2011) Sie heißen zwar „Englische Suiten“, doch welcher Nation Bachs früher großer Suitenzyklus wirklich gehört, bleibt umstritten. Laut einer Quelle aus dem Besitz von Bachs jüngstem Sohn wurden die Stücke ausdrücklich „pour les Anglais“, also „für die Engländer“ verfertigt. Dennoch weisen die Suiten deutlich französische und so gut wie keine britischen Stilmerkmale auf. Am besten ist es also, man entscheidet den Streit auf Interpretenebene – und da fügt es sich gut, dass fast zeitgleich zwei der bedeutendsten Cembalisten Frankreichs und Englands ihre Sicht auf die Werke vorgestellt haben: auf der einen Seite der Brite Richard Egarr und auf der anderen Seite des Kanals der Franzose Pascal Dubreuil. Als hätten sie sich auch noch auf gleiche Waffen verständigt, verwenden beide Nachbauten von Instrumenten der Amsterdamer Cembalobauerdynastie Ruckers. So spannend der Wettstreit auch scheint: Es dauert kaum länger als ein Präludium und wenige Tänze und die Sache ist entschieden. Ausgerechnet der innovative, brillante Egarr, der uns noch bei seiner Einspielung der Händelschen Orgelkonzerte mit überbordender Verzierungslust überraschte, scheint sich bei Bach aus übertriebenem Respekt selbst auszubremsen. Denn allzu oft schlägt sein Streben nach Klarheit in Nüchternheit um: So werden die Motive der Präludien oft nur gereiht, statt improvisatorisch auseinander hervorzugehen; die Tänze wirken stets einen Hauch zu stilisiert und die Jagdsignale der ersten Gigue wirken lustlos wie von einem Vegetarier geblasen. Eine ganz andere Welt tut sich bei Pascal Dubreuil auf: Sein interpretatorischer Ansatz besteht darin, die barocke Rhetoriklehre bis in feinste Details auf musikalische Strukturen zu übertragen. Die Akribie, mit der Dubreuil das tut, grenzt zwar theoretisch schon an eine fixe Idee, praktisch jedoch erweist sich die Anlehnung an die Redekunst als wirkungsvolle Inspirationsquelle für die Gestaltung von Spannungsbögen: Obwohl Dubreuil reichhaltiger und vielfältiger verziert als Egarr, verliert er niemals den roten Faden, sondern weiß seine Hörer in beständiger Aufmerksamkeit auf das Kommende zu halten. Dies gilt auch für die Suiten als Ganzes, in denen beispielsweise immer deutlich zwischen den anspruchsvollen, Konzentration heischenden Allemanden und den leichtgewichtigeren Modetänzen wie Gavotte, Menuett oder Passepied unterschieden wird. Es gibt allerdings auch Momente, in denen Dubreuil leicht über das Ziel hinausschießt: Den neckischen Terzentriller der schlichten zweiten Gavotte hat Egarr einfach besser verstanden und wenn Dubreuil auf das klopfende Achtelmotiv im Prélude der sechsten Suite mit einer kleinen Tempoverzögerung aufmerksam zu machen sucht, dann läuft auch er Gefahr, den Puls und improvisatorischen Gestus der Musik zu verlieren. In der abschließenden Gigue sind die Kräfteverhältnisse allerdings wieder klar: Ihre Triller, die auf Egarrs kammermusikalisch aufgenommenem Instrument klar und durchsichtig tönen, werden unter den halliger und orgelartiger inszenierten Klängen von Dubreuils farbenreichem Cembalo zu einem beeindruckend prasselnden Höllenfeuer. Carsten Niemann
te, bewegte Zeit bot und noch bieten würde … Es ist ein Glück, dass sich mit dem Quatuor Satie und dem Pianisten Laurent Martin fünf wahrhaft kompetente Künstler dieser großartigen Musik angenommen haben: Nicht nur auf CD, sondern überhaupt erstmals auf einem Tonträger erscheinen diese beiden überaus hörenswerten Kammermusikwerke, die ihren Hörer unmittelbar ergreifen und nicht so bald wieder loslassen. Michael Wersin Richard Wagner Der Ring des Nibelungen ●●○○○ Katarina Dalayman, Linda Watson, Waltraud Meier, Janina Baechle, Christopher Ventris, Stephen Gould, Albert Dohmen, Tomasz Konieczny, Eric Halfvarson u. a., Chor und Orchester der Wiener Staatsoper, Christian Thielemann Deutsche Grammophon/Universal (14 CDs & 2 DVDs, 872 Min., 11/2011) „A cast of today’s leading Wagner singers“ wird auf der Box großmundig versprochen. Doch wenn dieser „Ring“-Mitschnitt vom November 2011 aus der Wiener Staatsoper tatsächlich dem gegenwärtigen Beststand entspräche, wäre es schlimm um den Wagner-Gesang bestellt. So arg wie in Wien ist es aber (noch) nicht überall. Warum man allerdings meinte, ausgerechnet diese Produktion auf CD bannen zu müssen, bleibt das Geheimnis der Labelchefs. Christian Thielemann am Pult war da sicher eines der Hauptargumente, und ihm sowie dem Orchester der Wiener Staatsoper gebührt auch das größte Lob. Auf gesanglicher Seite aber gibt es mehr Schatten als Licht. Nur wegen seiner mehrjährigen Bayreuth-Erfahrung als Wotan (ebenfalls unter Thielemann), hätte man Albert Dohmen nicht auch noch in Wien engagieren müssen. Zugegeben, er ist ein er- fahrener Interpret der Rolle, verleiht dem Göttervater die nötige Autorität. Doch seine gestalterischen Qualitäten entsprechen nicht den gesanglichen. Die Höhe muss er sich mühevoll ertrotzen (und dennoch gelegentlich passen), gleichzeitig fehlen ihm die untersten Töne der Partie, in dramatischen Passagen klingt er zudem matt und angestrengt. Auch bei den Damen sieht es eher düster aus. Nach Katarina Dalaymans „Hojotoho“-Rufen zu Beginn des zweiten „Walküre“-Aktes fürchtet man, sie schon auswechseln zu müssen. Linda Watson, die Brünnhilde an den beiden anderen Abenden und einer der Pluspunkte des Mitschnitts, ist da viel verlässlicher und überzeugender, auch wenn ihr Vibrato mittlerweile etwas üppiger ausfällt. Der Sieglinde von Waltraud Meier hört man das stimmliche Alter leider an, dabei gäbe es doch gerade für diese Partie ausreichend Alternativen. Hätte Frau Meier stattdessen die Fricka übernommen, würde das Habenkonto dieser Produktion besser ausfallen. So aber muss man Janina Baechle als wild waberndes Waschweib über sich ergehen lassen. Die beiden Tenor- Helden schließlich schlagen sich wacker, Christopher Ventris überzeugt als Siegmund fast ohne Einschränkung, Stephen Goulds Siegfried ist zwar recht eindimensional und heftig gestemmt, aber stets sicher. Trotzdem reicht das nicht für eine positive Bilanz dieser Aufnahmen. Gerade im Wagner-Jahr bekommt man für weniger Geld deutlich bessere „Ring“- Versionen. Michael Blümke Die neuen Rezensionen, immer samstags aktuell auf www.rondomagazin.de Logo lizensiert durch ZDF Enterprises GmbH © ZDF 2013 - Alle Rechte vorbehalten DIE GROSSE GALA DER KLASSIK-STARS MIT DEN HERAUSRAGENDEN KÜNSTLERN DES JAHRES! www.deutschegrammophon.com 47
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