Festspielzeit Sommer 2023 - 2

DAS MAGAZIN DER
BREGENZER FESTSPIELE
FESTSPIEL
ZEIT
AUSGABE 4 | BREGENZER FESTSPIELE 19. JULI – 20. AUGUST 2023
ZAHLENSPIEL
AUF DEM SEE
Madame Butterfly: 360 Eimer
Verputz und 24 Probentage –
ein Einblick in Zahlen
»ES GIBT KEINE
EINFACHEN LÖSUNGEN«
Dirigent Walter Kobéra
im Interview zur Uraufführung
von Die Judith von Shimoda
VON LEBENSFREUDE
BIS ZU TIEFER TRAUER
Wenn südafrikanische
Beerdigungsgesänge und Mozarts
Requiem aufeinandertreffen

10
»Es gibt keine
einfachen Lösungen
für komplexe Dinge«
Dirigent Walter Kobéra im
Interview zur Uraufführung
von Die Judith von Shimoda
16
Goldrichtig
Kady Evanyshyn schlüpft in
Jules Massenets Werther in
die Rolle der Charlotte
INHALT
4
Zahlenspiel
auf dem See
Madame Butterfly: 360 Eimer
Verputz und 24 Probentage –
ein Einblick in Zahlen
8
Technik mit
Durchblick
14
Bregenz spielt
alle Stücke
19
One night in Fußach
Johann Wolfgang von
Goethe in Vorarlberg
Der Online-Röntgenblick der
Madame Butterfly-Kulisse
Entdeckungen zwischen
Bodensee und Pfänder
9
Deserta immensità –
Unendliche Einsamkeit
20
Reich verwobene
Erzählungen
Fotografien des Künstlers
Emanuele Scorcelletti im
Foyer des Festspielhauses
2
Das Kunsthaus Bregenz zeigt
Michael Armitage in seiner
Sommerausstellung

22
Von Lebensfreude
bis zu tiefer Trauer
Das südafrikanische Bochabela
String Orchestra spielt Zwischen
Himmel und Erde
26
»Dass die Geigen
fehlen, fällt nicht auf«
Impressum
BREGENZER FESTSPIELE GMBH
Platz der Wiener Symphoniker 1
6900 Bregenz | Austria
T +43 5574 407-5
www.bregenzerfestspiele.com
Herausgeber Bregenzer Festspiele GmbH
Intendantin Elisabeth Sobotka
INHALT
Der Schlagwerker und Dirigent
Martin Kerschbaum über das
Internationale Blasmusik-Camp
Redaktion Florian Amort, Kathrin Grabher,
Lisa Kloos, Axel Renner
Gestaltung moodley brand identity |
Bregenzer Festspiele – Kathrin Grabher
Druck Vorarlberger Verlagsanstalt GmbH
Lektorat Thorsten Bayer Text
Tex te Bregenzer Festspiele / red. (S. 4ff., S. 7) | Leica Camera
(S. 9) | Ingrid Lughofer (S. 10ff.) | Bregenz Tourismus & Stadtmarketing
(S. 14 f.) | Lea Fussenegger (S. 16ff., S. 25) | Alena
Pardatscher (S. 26ff.) | Jürgen Thaler (S. 19 l.) | Dallmayr
(S. 19 r.) | KUB / red. (S. 20f.) | Thorsten Bayer (S. 22ff.) |
Florian Amort (S. 30f.)
Abbildungsnachweise Anja Köhler, andereart (Titelbild –
Szene aus Madame Butterfly, S. 2 l. o., S. 3 r.o., S. 4, S. 6, S. 7,
S. 26, S. 28) | Emanuele Scorcelletti (S. 2 l. u., S. 9) | moodley
brand identity (S. 2 m. o., S. 3 r. u., S. 12, S. 30) | Udo Mittelberger
(S. 2 m. u., S. 15) | Lisa Mathis (S. 2 r. o., S. 16) | Markus Tretter
(S. 2 r. u.) | Martin Lindenthal (S. 3 l. o., S. 24) | akg-images /
TT News Agency / SVT (S. 3 r. u., S. 25) | Karl Forster (S. 5,
S. 18) | Screenpix (S. 8) | Armin Bardel (S. 11) | Christiane
Setz, visitbregenz (S. 14) | Dallmayr (S. 19) | White Cube
(Theo Christelis) /Courtesy the artist and Los Angeles County
Museum of Art, purchased with funds provided by Paul
Attanasio (M.2022.75) / © Michael Armitage (S. 20) | Pierce
van Heerden (S. 23)
Erschienen im Juli 2023. Es gelten die AGB
sowie die Datenschutzerklärung der Bregenzer
Festspiele GmbH. Änderungen vorbehalten.
Wir möchten darauf hinweisen, dass uns alle
Geschlechter gleich wichtig sind, selbst wenn es
uns manchmal nicht gelingen sollte, dies auch
schriftlich auszudrücken.
25
Grażyna Bacewicz
Die Komponist:innen
der Orchesterkonzerte
30
Vorschau: Bregenzer
Festspiele 2024
Vorverkaufstart am 2. Oktober
Die QR-Codes in diesem Heft erweitern Artikel
um Videos und Tonaufnahmen oder führen zu Webseiten
mit weiteren spannenden Infos zum Thema.
Mit diesem Link zum Beispiel gelangen Sie in die
Online-Bibliothek der Bregenzer Festspiele, in der
auch alle Ausgaben des Magazins »Festspielzeit«
zu finden sind.
bregenzerfestspiele bregenzfestival
3

ZAHLENSPIEL
AUF DEM SEE
26 Mal wird es in diesem Sommer gezeigt:
das Spiel auf dem See Madame Butterfly.
Ein Einblick in Zahlen.
4

26 Mal
MADAME BUTTERFLY
innerhalb von 33 Tagen zeigen
die Bregenzer Festspiele in
diesem Sommer Madame Butterfly.
Um die Solist:innen zwischen den
Aufführungen zu schonen, sind
gleich vier große Partien dreifach
besetzt: Cio-Cio-San (genannt
Butterfly), Suzuki, B. F. Pinkerton
und Sharpless. Die Mehrfachbesetzung
ist auch nötig, um
mögliche krankheitsbedingte
Ausfälle abzufangen.
339 Seiten
umfasst die Bregenzer Madame-
Butterfly-Partitur. Die Grundlage
bildet Giacomo Puccinis zweite
Fassung von 1904, die insgesamt
368 Seiten hat – in Bregenz wurde
die Musik also ein wenig gekürzt.
Das Spiel auf dem See dauert
üblicherweise rund zwei Stunden,
entsprechend werden die Werke
oftmals etwas angepasst.
69 Musiker:innen
spielen bei Madame Butterfly im
Orchester der Wiener Symphoniker.
Die musikalische Leitung verantworten
der Conductor in Residence,
Enrique Mazzola, sowie die Dirigentin
Yi-Chen Lin.
24 Tage
Zeit haben die Mitwirkenden für
die szenischen Proben von Madame
Butterfly. Ab Mitte Juni probieren
Sänger:innen, Statist:innen und
Techniker:innen fast täglich für
den großen Premierentag, zunächst
nur mit Klavierbegleitung bis zur
Klavierhauptprobe. In der letzten
Probenwoche stoßen die Wiener
Symphoniker zu den Bühnenorchesterproben
dazu. Bei der Orchesterhauptprobe
wird erstmals Publikum
anwesend sein: Die Young People’s
Night begeistert alljährlich bis zu
6.000 Kinder und Jugendliche.
5
97 Minuten
Bühnenpräsenz während der
gesamten Aufführungsdauer von
120 Minuten: Cio-Cio-San ist
während der Vorstellung fast
durchgehend auf der Bühne
zu sehen.
3 Stunden
vor Beginn der Aufführung
verwandelt sich die Sängerin der
Madame Butterfly in ihre Rolle.
In der Maske wird sie geschminkt
und erhält nach Bedarf ihre Perücke
oder Haarteile, die Kostümabteilung
hilft beim Ankleiden.

10 Sekunden
haben die Darsteller:innen der
Geishas Zeit, hinter der Bühne ihre
Schuhe zu wechseln. Ganz oben
am Rand des Papierbilds treten sie
auf und schreiten in luftiger Höhe
mit ihren roten Schirmen über
die Bühne. Dazu werden die Statist:innen
mit Gurten gesichert
und tragen feste Schuhe.
Während die letzten Geishas oben
hinter dem Papierbild verschwinden,
treten die ersten auf der Bühnenfläche
unten wieder auf. Damit
das funktioniert und der Eindruck
entsteht, die Reihe der Geishas sei
so lange wie das Bühnenbild hoch,
müssen die Darsteller:innen schnell
sein: 99 Stufen müssen sie hinter
der Bühne hinunterlaufen, die zum
Kostüm passenden Plateau-Schuhe
anziehen – und dann wieder in Ruhe
und elegant die Bühne betreten.
120 Cues
für Licht, Video, Bühnentechnik und
szenische Einsätze verantwortet
die Inspizienz bei Madame Butterfly.
Ein:e Inspizient:in koordiniert den
gesamten künstlerischen Ablauf
der Aufführung und fungiert als
Bindeglied zwischen Kunst und
Technik. Ein Cue ist ein Stichwort
oder ein Signal, das den Mitwirkenden
vor und hinter der Bühne ihren
Einsatz anzeigt. Die Cues werden
im Laufe der Proben von Regie
und Technik festgelegt.
370.000 Watt
beträgt die Gesamtleistung der
340 Lautsprecher beim Spiel auf
dem See. Davon sind 45 im Bühnenbild
verborgen, 25 sind in den
Tontürmen installiert und weitere
270 im Zuschauerraum. Sie ermöglichen
auf der offenen Tribüne einen
hochqualitativen Raumklang wie in
einem Konzerthaus und geben die
Stimmen der Sänger:innen immer
an jener Position wieder, an der sie
auf der großen Bühne auch zu sehen
sind. Das Tonsystem BOA (Bregenz
Open Acoustics) begeisterte bei
seiner Einführung vor 17 Jahren
gleichermaßen Publikum und Fachwelt.
In einem mehrjährigen Prozess
wurde es zu BOA 2.0 weiterentwickelt.
Das für Madame Butterfly
erarbeitete Sounddesign stammt
von Alwin Bösch und Clemens
Wannemacher in enger Abstimmung
mit Dirigent Enrique Mazzola.
2.400 Meter
Stoff wurden in den Werkstätten
der Bregenzer Festspiele mit rund
10.000 Meter Faden und 600 Druckknöpfen
zu 120 Kostümen verarbeitet.
Auch Hüte werden vor Ort
gefertigt. Seit 2020 ist die Kostümabteilung
der Bregenzer Festspiele
eine Ganzjahresabteilung mit acht
Mitarbeiter:innen – im Sommer
kommen 30 weitere dazu.
360 Eimer
Verputz verbrauchte das Kaschurteam,
um das 1.340 Quadratmeter
große Blatt zu grundieren. Das
Bühnenbild wurde aus 117 einzelnen
Elementen wie ein großes Puzzle
zusammengesetzt, verfugt, mit
Fassadenputz kaschiert und anschließend
mit japanisch anmutenden
Motiven bemalt. Zusammen mit
der Trägerkonstruktion aus Stahl
und Holz wiegt das Bühnenbild rund
300 Tonnen.
Die Hauptsponsoren
wünschen gute Unterhaltung.
6

54 Fächer
sind bei Madame Butterfly als
Requisiten im Einsatz. Nach einer
Choreographie von Lucy Burge
verstärken sie die Bewegungen
der Spirits und Geishas.
7

TECHNIK MIT
DURCHBLICK
SPIEL AUF DEM SEE
MIT DEM ONLINE-RÖNTGENBLICK DER BREGENZER
FESTSPIELE LASSEN SICH DIE TECHNISCHEN RAFFINESSEN
DER MADAME BUTTERFLY-KULISSE ERKUNDEN
Die Bregenzer Festspiele
laden erneut zu einer faszinierenden
Entdeckungstour
in und unter die Seebühne:
Mit dem Online-Röntgenblick auf
vtour.bregenzerfestspiele.com
lässt sich der Aufbau des Papierbilds
für Madame Butterfly von der
Außenhülle aus Fassadenputz
über die Trägerkonstruktion aus
Holz und Stahl bis zu den Unterwasser-Einrichtungen
Schicht für
Schicht entblättern. Auch sämtliche
Leitungen für Strom, Zu- und Abwasser
lassen sich einblenden.
VIRTUELL ERWEITERTE
REALITÄT
Ein großes Puzzle aus Stahl, Holz, Styropor und Verputz: Der Röntgenblick offenbart,
was dem Publikum normalerweise verborgen bleibt.
Besonders spannend ist der Röntgenblick
am Handy direkt vor Ort:
Wer auf der Tribüne Platz nimmt
und das Smartphone auf die Bühne
richtet, kann sowohl auf die echte
Opernkulisse blicken als auch gleichzeitig
in sie hinein. Der Bildschirm
zeigt dynamisch jeweils jenen Teil
der Bühne, auf den das Handy gerichtet
wird. So kann man sich vom
obersten Punkt in 23,2 Metern Höhe
bis ganz nach unten zu den Unterwasserkonstruktionen
bewegen.
Die unterschiedlichen Ebenen des
Röntgenblicks sind mit Info-Punkten
versehen, die Details zu den einzelnen
Bestandteilen liefern.
FÜHRUNGEN HINTER
DIE KULISSEN
Für alle, die das Bühnenbild
gerne nicht nur virtuell erkunden
möchten, bieten Führungen die
Möglichkeit, die größte Seebühne
der Welt einmal selbst zu betreten.
Interessierte erfahren außerdem
Wissenswertes über den Spielbetrieb,
die Geschichte der Bregenzer
Festspiele und die Inszenierung
von Madame Butterfly. Karten für
die täglich mehrmals stattfindenden
Führungen sind im Webshop der
Bregenzer Festspiele und im Ticket
Center erhältlich.
Hier geht es direkt
zum Röntgenblick
und mitten hinein
ins Bühnenbild von
Madame Butterfly:
8

AUSSTELLUNG IM FOYER
DESERTA IMMENSITÀ –
UNENDLICHE EINSAMKEIT
DIE BREGENZER FESTSPIELE UND LEICA PRÄSENTIEREN
FOTOGRAFIEN VON EMANUELE SCORCELLETTI
Diese einmalige Ausstellung
in Zusammenarbeit mit
der Leica Galerie Wien
ist das Ergebnis einer fesselnden
Begegnung des Künstlers Emanuele
Scorcelletti mit Giacomo Puccinis
Oper Madame Butterfly, welche
er in eine zarte und verschleierte
Erzählung verwandelte.
Das zentrale Element der fotografischen
Erzählung ist die weibliche
Figur, die durch Musik und
Text auf einfühlsame Weise dargestellt
wird. In drei Akten werden
die verschiedenen Nuancen des
»Verlustdramas« erkundet.
Im ersten Akt konzentriert sich
Emanuele Scorcelletti auf den
Mut der Protagonistin, ihre Kultur,
Traditionen und Identität aufzugeben,
um sich vollständig dem
Anderen hinzugeben. Das vorherrschende
Element in diesem Akt
ist die Erde.
Im zweiten Akt wird das zerreißende
und fließende Gefühl
des Wartens eingefangen, die
Momente, in denen undefinierte
Gefühle die Seele der Protagonistin
beherrschen, während sie auf eine
Rückkehr wartet. Es treten die
wiederkehrenden natürlichen
Elemente Wasser und Luft auf.
Im dritten Akt verschwindet und
brennt alles nieder. Die Protagonistin
wird sich bewusst, dass die
Rückkehr niemals geschehen wird,
opfert sich aus Liebe und geht dem
9
Tod entgegen. In dieser Phase lösen
sich die Bilder auf und beschwören
das Element Feuer herauf.
Die dargestellten Fotos besitzen
keine klare Trennung, sondern
vereinen sich und interagieren
miteinander. Die Elemente Feuer,
Wasser, Luft und Erde überlappen
und vermischen sich und nehmen
ähnliche Formen an, ohne sich
jedoch vollständig voneinander zu
lösen. Diese visuelle Symbolik betont
die Einheit und Verbindung der
verschiedenen Aspekte des Werkes.
Die Ausstellung findet während
der Bregenzer Festspiele im
Foyer des Festspielhauses statt.
Der Eintritt ist kostenlos.

WERKSTATTBÜHNE
»ES GIBT
KEINE EINFACHEN
LÖSUNGEN
FÜR KOMPLEXE
DINGE«
Walter Kobéra ist einer der führenden Dirigenten zeitgenössischen Musiktheaters
und prägte durch sein Schaffen das Wiener Musikleben entscheidend mit.
Im Interview spricht der musikalische Leiter und Intendant der Neuen Oper Wien
über die Uraufführung von Fabián Panisellos Die Judith von Shimoda,
gesellschaftliche Ausbeutung und unbequeme Klimakleber:innen.

11
DIE JUDITH VON SHIMODA

Herr Kobéra, seit 1991 sind
Sie musikalischer Leiter
der Neuen Oper Wien, seit
1993 auch ihr Intendant. Ist sie
Ihr Lebensprojekt?
WERKSTATTBÜHNE
Walter Kobéra: Die Neue Oper Wien
ist zu meinem Lebensprojekt geworden,
ich habe das so nicht geplant.
Ich bin eigentlich oft irgendwo hineingerutscht.
Nach der Matura war
es das Studium der Theologie und
Germanistik, gleichzeitig durfte ich
in verschiedenen Wiener Orchestern
substituieren, was sich auch eher
überraschend ergab. Daraus folgte
das Engagement als Geiger beim
Niederösterreichischen Tonkünstler-Orchester
und parallel das Dirigieren.
Und Wolfgang Amadeus
Mozarts Idomeneo. In den 80er-Jahren
war diese Oper quasi unbekannt.
Nikolaus Harnoncourt hat sie in
Zürich herausgebracht und als ich
sie auf Schallplatte hörte, war ich
begeistert und führte sie konzertant
auf. Olivier Tambosi [der in
Bregenz zuletzt Arrigo Boitos Nero
inszenierte] saß im Publikum und
sprach mich danach auf eine szenische
Umsetzung an. So machten wir
1993 den Idomeneo im Jugendstiltheater
in Wien. Ich liebe das unmittelbare
Theater und deshalb bauten
wir später für Alban Bergs Lulu in
der Messehalle – heute die Halle E
im Wiener MuseumsQuartier – eine
Zirkusarena. Der Journalist Karl
Löbl prägte dafür den Ausdruck
»sinnlich-hautnah« und das wurde
uns zum Antrieb. Die drei Säulen
der Neuen Oper Wien sind Uraufführungen,
Österreichische Erstaufführungen
und vergessene oder zu
wenig gespielte Werke. Letztere
durchaus im Zeichen der Nachhaltigkeit.
Kompositionen sollen mehrfach
aufgeführt werden, natürlich in
unterschiedlichen Lesarten.
Eine Uraufführung gibt es auch bei
den Bregenzer Festspielen zu sehen:
Die Judith von Shimoda. Die Geisha
und Sängerin Okichi muss den
ersten US-amerikanischen Konsul in
Japan besänftigen, um den Beschuss
der Stadt Shimoda zu verhindern.
Danach wird sie von der Gesellschaft
verstoßen. Was ist für Sie das zentrale
Thema der Oper?
Mir geht es darum zu zeigen, wie
unsere Gesellschaften agieren, dass
sie Menschen immer für ihre Zwecke
missbrauchen, instrumentalisieren,
und diese nach erfolgreicher Tätigkeit
wieder fallenlassen und nicht
einmal mehr in das Umfeld und die
Umstände zurückschicken, wo man
sie herausgeholt hat, sondern sie
degradieren. Das zeigt die dunkle
Seite des Menschen.
Darüber hinaus ist in diesem Stück
die instrumentalisierte Person eine
Frau, und mit Frauen wird das ohnehin
gerne gemacht. Sie stammt aus
einer gewissen gesellschaftlichen
Schicht, die man gerne benützt, aber
mit der man eigentlich nichts zu
tun haben will. Weil sie gesellschaftlich
nicht opportun ist. Ich verallgemeinere
hier, denn Geishas hatten
natürlich einen bestimmten Stellenwert.
Doch auch sie wird ins Elend
gestürzt, sodass sie dem Alkohol
verfällt und stirbt.
Das Stück beruht auf einem Schauspiel
von Yamamoto Yūzō, bearbeitet
von Bertolt Brecht und Hella
Wuolijoki – und einer wahren Begebenheit.
Hat Okichi eine Heldentat
vollbracht?
Brecht schrieb, es ist eine japanische
Judith, wobei ich die biblische Judith
in einer anderen gesellschaftlichen
Rolle sehe. Okichi erwähnt mitten
im Stück, dass sie aus Patriotismus
gehandelt hat. Das war ihr einziger
Beweggrund. Im Gegensatz zu ihrem
Verlobten, der den ökonomischen
Vorteil aus der Situation zu ziehen
versucht. Trotzdem wird ihr Han-
12

deln in keinster Weise honoriert.
Man nimmt gerne, aber wenn es
unbequem wird, wollen wir doch
nichts damit zu tun haben. Wie bei
der Klimakrise. Ich bin frustriert,
aber, hm, missen will ich vieles dann
doch nicht. Um bei dem Beispiel
zu bleiben: Die Klimakleber:innen
können auch von unterschiedlichsten
Richtungen instrumentalisiert
werden. Es ist schwierig, wie bei
der Judith von Shimoda, denn es
gibt keine einfachen Lösungen für
komplexe Dinge. Weder Brecht noch
wir können Lösungen aufzeigen,
sondern nur die Problematik als
Thema unserer Gesellschaft ins
Bewusstsein rücken.
Ich gehe davon aus, dass das Stück
weder zeitlich noch örtlich festgelegt
ist, oder anders ausgedrückt:
Es sind keine Kimonos auf der
Bühne zu sehen.
Wir sehen das Thema tatsächlich
universell, es ist nicht auf den
asiatischen Kulturkreis beschränkt.
Und während bei der thematisch
ähnlichen Madame Butterfly die
Arroganz des Westens mitschwingt,
gibt es hier eine Rahmenhandlung,
in der vier Theatergäste über das
Stück diskutieren. Sie sind emotional
betroffen und fragen immer
weiter nach, was aus Okichi wurde.
Das könnte man auch als Gewissen
bezeichnen.
ist völlig egal. Einzig das Resultat
zählt. Das kleine Zeitfenster ihres
Zusammenseins mit dem Konsul
wird heroisiert, aber dass sich
dahinter eine menschliche Tragödie
abspielt, ist nicht interessant. Okichi
ist Geisha und Sängerin und am
Ende taucht ein Straßensänger auf,
wie eine Art Spiegel. Er singt eine
Ballade über sie, die sich verändert,
eine Metamorphose passiert.
Der Komponist der Oper ist Fabián
Panisello. Er studierte in Buenos
Aires und Salzburg. Wie klingt die
Musik? Gibt es spezielle Effekte
oder Instrumente?
Fabián verwendet Klangfarben und
rhythmische Raffinessen, die eine
bestimmte Sogwirkung entfalten.
In der Rahmenhandlung spielt Elektronik
eine große Rolle. Fabián nahm
beispielsweise Bonshō-Glocken
aus Japan auf, die er im Studio verfremdet
hat und die alle Intermezzi
begleiten. Ferner setzt er Verzögerungen
und Wiederholungen ein
und erreicht eine tiefe musikalische
Raumwirkung, die das Publikum mitnimmt,
in gewisser Weise umarmt.
Außerdem wendet er im – übrigens
herzzerreißenden – Epilog eine
Technik an, die er als »Doppelgänger«
bezeichnet. Während live
gespielt wird, hört man zeitgleich,
elektronisch und komprimiert, die
ganze Oper.
am Ende ist nicht veristisch, oder
eigentlich doch veristisch.
Ein 2023-Verismo?
Genau! Da haben wir nun vom
Ausdruck her einen Bezugspunkt
zur Madame Butterfly gefunden,
in der Puccini zahlreiche Elemente
des Verismo verwendet. Okichi und
Butterfly verbindet ihre Opferbereitschaft.
Butterfly scheitert an diesen
unüberbrückbaren gesellschaftlich
festgefahrenen Strukturen. Bei Judith
geht es weniger um den Konflikt
zwischen den Vereinigten Staaten
und Japan, das ist nur der Auslöser.
Das Drama spielt sich innerhalb der
geschlossenen Gesellschaft ab, was
das Stück so zeitlos macht.
WERKSTATTBÜHNE
DIE JUDITH VON SHIMODA
Fabián Panisello
Musikalische Leitung
Walter Kobéra
Insze nie rung Philipp M. Krenn
Bühne | Kostüme | Video
Susanne Brendel
Wiener Kammerchor
amadeus ensemble-wien
PREMIERE
17. August 2023 – 20.00 Uhr
DIE JUDITH VON SHIMODA
Es scheint doppelt paradox zu sein:
Okichi befolgt eine Anweisung,
wird instrumentalisiert und danach
folgen Ächtung, Abstieg und Absturz.
Parallel dazu wird ein Lied
auf ihre Tat gesungen, sie wurde
zur Legende, während sie verarmt
und alkoholkrank vor der Vernichtung
steht.
Auch das ist eine weitere Facette
von Instrumentalisierung, wo die
Mächtigen alles so drehen, um selbst
in einem positiven Licht zu stehen.
Nach dem Motto: Wir haben alles
richtig gemacht, denn Okichi ist
eine Legende. Aber wie es ihr geht,
In der eigentlichen Handlung treten
Singstimmen direkt mit einem
Instrument in Dialog. Generell gesagt
reicht das Klangvokabular der
Sänger:innen von Gesprochenem
und Geflüster über Sprechgesang bis
zu halb oder voll Ausgesungenem.
Der Tonumfang ist extrem erweitert.
Das alles ist aber nicht Selbstzweck,
sondern dient der Verständlichkeit
der Figuren. Fabián Panisello
kreiert unglaubliche Klangerlebnisse,
er schafft es, dass wir allein
über die Klänge und den Sound eine
Geschichte erzählt bekommen. Dennoch
kommt seine komplexe Musik
komplett leicht daher, man wird
mitgerissen. Selbst das Lamento
VORSTELLUNG
19. August – 20.00 Uhr
Werkstattbühne
DER PODCAST DER
BREGENZER FESTSPILEE
HÖR-SPIELE
In der neusten Folge geht es um
Giacomo Puccinis Madame
Butterfly und Fabián Panisellos
Die Judith von Shimoda.
13

14

BREGENZ SPIELT
ALLE STÜCKE
ENTDECKUNGEN ZWISCHEN BODENSEE UND PFÄNDER
Ausstellung, Konzert,
Theater oder Festival-
Besuch? Für Kulturinteressierte
hat Bregenz beachtlich viel zu
bieten. Das vorarlberg museum beeindruckt
mit seinen Ausstellungen
und der Fassade: Über 16.000 Blüten
aus Beton schmücken den Bau, der
gekonnt Altes mit Neuem verbindet.
Wenige Meter daneben steht das
Kunsthaus Bregenz (KUB), gebaut
nach Plänen des Schweizer Architekten
Peter Zumthor. Das KUB
zählt zu den führenden Ausstellungshäusern
für zeitgenössische
Kunst in Europa. Besuchenswert
sind auch die zahlreichen Galerien
der Stadt.
BREGENZ ERLEBEN
Theater spielen rund ums Jahr
das Vorarlberger Landestheater
und das Theater KOSMOS, das sich
der neuen Theaterliteratur widmet.
Bekannte Orchester gastieren bei
den »Bregenzer Meisterkonzerten«
im Festspielhaus.
GENUSS-REPERTOIRE
Typisch österreichisch, französisch,
italienisch, mit Hauben gekrönt,
Kaffee oder Eis, ein Cocktail im
Sonnenuntergang? In Bregenz lässt
sich gut eine kulinarische Weltreise
unternehmen – mit bodenständigen
Akzenten. Die Köch:innen beziehen
ihre Zutaten zum großen Teil aus
Vorarlberg und dem Bodenseeraum.
Wer sich über das Sortiment ein Bild
machen will, schaut sich auf einem
Die autofreie Bregenzer Innenstadt lädt zum Bummeln und Verweilen ein.
der Wochenmärkte um. Im Frühling
und Sommer gibt es zahlreiche Möglichkeiten,
draußen zu speisen: mitten
im Geschehen in der Fußgängerzone
der Innenstadt, in schattigen
Gastgärten, mit Bodensee-Blick.
STADT-SZENERIE
Durch Bregenz zu schlendern, ist ein
Genuss. Seit 2022 ist die Innenstadt
weitgehend autofrei. In die Vergangenheit
entführt ein Abstecher in
die Oberstadt. Dort sind die ältesten
Häuser und Teile von Stadtmauern
sichtbar. Hoch ragt das Wahrzeichen
der Stadt empor: der Martinsturm
mit seiner barocken Zwiebelhaube.
Im Turm sind Ausstellungen
zu sehen. Einen Besuch wert sind
auch die kleinen, feinen Geschäfte.
Von Mode bis hin zu Spezialist:innen
für innovatives Handwerk,
Literatur, Brot und Süßes spannt
sich der Bogen.
Südliches Flair umfängt Spaziergänger:innen
und Radfahrer:innen
am Bodensee. Beliebte Treffpunkte
sind das Strandbad, die aus Holz
gebaute »Mili« und die frei zugänglichen
Badeplätze. Vom Hafen Bregenz
steuern die Schiffe Ziele rund
um den Bodensee an. Wunderschöne
See- und Bergblicke öffnen sich
vom Pfänder. Den Gipfel erreicht
man sportlich zu Fuß oder bequem
mit der Pfänderbahn.
15

OPERNSTUDIO AM KORNMARKT
GOLDRICHTIG
DIE KANADISCHE MEZZOSOPRANISTIN KADY EVANYSHYN SCHLÜPFT
IN JULES MASSENETS WERTHER IN DIE ROLLE DER CHARLOTTE.
DIE OPER BASIERT AUF JOHANN WOLFGANG VON GOETHES BRIEFROMAN
DIE LEIDEN DES JUNGEN WERTHER. IM INTERVIEW VERRÄT SIE,
MIT WELCHEN HERAUSFORDERUNGEN SIE KONFRONTIERT IST, WER
CHARLOTTE FÜR SIE IST UND WARUM DAS BREGENZER OPERNSTUDIO
FÜR SIE GENAU DER RICHTIGE ORT ZUR RICHTIGEN ZEIT IST.

Die meisten Menschen im
deutschsprachigen Raum
begegnen Werther zum ersten
Mal in der Schulzeit. Sie sind in
Kanada aufgewachsen: Liest man
dort die Werke von Goethe?
Kady Evanyshyn: Nein, Goethes
Literatur ist in Kanada nicht so
bekannt, aber man kennt ihn natürlich
schon in Bezug auf die Literaturgeschichte.
Sein Schaffen hatte
Einfluss auf viele nachfolgende Geschichten
und man merkt sein Wirken
noch heute. Mittlerweile habe
ich zur Vorbereitung Die Leiden des
jungen Werther gelesen. Ich verstehe
nun besser, warum es in der Schule
gelesen werden soll: Die Sprache ist
nicht besonders kompliziert und die
Gefühle sind leicht nachvollziehbar.
Was waren Ihre Gefühle, nachdem
Sie den Briefroman gelesen hatten
und wussten, dass Sie in die Rolle der
Charlotte schlüpfen werden?
Ich habe beim Lesen alles unterstrichen,
was Werther über Charlotte
sagt, denn sie hat im Buch keine
persönliche Perspektive. Für mich
waren zwei Dinge sehr interessant.
Zuerst: Goethes Stil ist so angenehm
zu lesen. Wie er die Natur
beschreibt, ist so detailliert, es fühlt
sich an, als könnte man wirklich alles
sehen. Zweitens: Werther ist sofort
komplett verliebt in Charlotte und
man sieht, dass alles, was sie macht,
in seinen Augen perfekt ist. Aber
zwischen den Zeilen erkennt man
auch die Zweifel, die sie hat: ob sie
eine gute Mutter für die Kinder ist
und Albert richtig liebt. Man muss
sich wirklich auf die Gefühle einlassen
und nicht einfach nur lesen.
Charlotte ist im Libretto zu
Massenets Oper Werther viel
präsenter als bei Goethe.
Wie ist sie dort charakterisiert?
Sie ist sehr jung. Und sie hat als
Halbwaise die Mutterrolle für ihre
Geschwister übernommen. Das ist
für mich ehrlich gesagt eine schwierige
Rolle zu spielen. Als junge Frau
wollte sie vielleicht einfach frei sein,
aber sie muss für vieles Verantwortung
übernehmen. Im ersten Akt
sieht man diese Augenblicke, in
denen sie wirklich frei ist: beispielsweise,
als sie auf den Ball geht. Aber
dann ist sie auf einmal wieder allen
und allem verpflichtet. In Bezug
auf Werther ist es nicht anders:
Vielleicht ist Charlotte zuerst ein
bisschen in ihn verliebt. Aber am
Ende will er so viel von ihr. Und ich
glaube – und deswegen ist für mich
die Geschichte so tragisch –, sie
denkt, sie sei schuld an seinem Tod.
Sie haben erwähnt, Charlotte sei
eine schwierige Rolle. Gibt es abseits
des Romans und des Librettos Dinge,
die Ihnen in der Vorbereitung geholfen
haben?
Es ist ein Prozess. Während meines
Studiums an der Hochschule habe
ich die Methode nach Konstantin
Stanislawski erlernt, einem russischen
Regisseur und Theoretiker,
der Anfang des 20. Jahrhunderts
das Theaterspiel reformierte und
von Schauspieler:innen die intellektuelle
Identifizierung mit einer Rolle
forderte: Was ist der Hintergrund
und das Hindernis von Charlotte?
Ich habe viel darüber nachgedacht.
Für mich kommt Inspiration von allem:
Ich kann nicht genau sagen, ich
habe dies oder jenes zur Vorbereitung
angeschaut oder gelesen.
Ich wollte beispielsweise auch
keine Videoaufzeichnungen von
Werther schauen, um mich nicht
beeinflussen zu lassen. Ich setze
mich mit Charlottes Grenzen auseinander:
Wie ist das, wenn man
zu etwas »Ja« sagt und später
»Nein« – was bedeutet das? Im März
habe ich zudem viele Bücher gelesen
über Beziehungen zwischen Mutter
und Kind. Und ich habe Bezüge zu
meiner Biographie gefunden: Meine
Großmutter verstarb, als meine
Mutter 25 Jahre alt war – und auch
meine Mutter hatte eine kleine
Schwester. Ihre Beziehung war
also ähnlich wie jene von Charlotte
und Sophie.
Also gibt es in der Oper viele
Themen, die in der heutigen Zeit
noch Gültigkeit haben.
Ja genau! Unsere Regisseurin Jana
Vetten möchte mit einem feministischen
Blick auf das Stück schauen.
Sie setzt Charlotte ins Zentrum. Ich
weiß noch nicht im Detail, was das
für meine Rolle bedeutet – das gilt es
während der Proben herauszufinden
und ich bin sehr offen dafür.
Im März gab es zur Vorbereitung
eine Meisterklasse. Sie haben
dort eng mit der Kammersängerin
Brigitte Fassbaender zusammengearbeitet
– der Charlotte des
letzten Jahrhunderts schlechthin.
Wie war das?
Mit ihr eine ganze Woche zu arbeiten,
war wunderbar – auch der frühe
Termin im März war ideal. So hatten
wir Zeit, alles zu verarbeiten und
weiterzuentwickeln. Die Meisterklasse
war einerseits sehr technisch:
Brigitte Fassbaender hat uns auf
schwierige Stellen hingewiesen und
erklärt, worauf wir besonders achten
müssen. Es gibt nicht viele, die das
Stück so gut kennen wie sie. Auch
die musikalischen Aspekte, die sie
ansprach, waren äußerst interessant.
Massenet schrieb klar und
deutlich, was er im Stück wollte, aber
man braucht wirklich einen feinen
WERTHER
17

Pinsel, um alles umzusetzen. Frau
Fassbaender hat diese Feinheiten
mit uns herausgearbeitet. Und ich
glaube, das ist der große Unterschied
zu den Vorbereitungen, die
wir Sänger:innen alleine machen.
Oftmals haben wir einen dicken
Pinsel, weil es so viel ist, was auf das
Bild gehört, das wir malen müssen.
Frau Fassbaender hat Feinheiten
in dieses Bild gebracht. Und in der
Zwischenzeit ist es für mich noch
detailreicher geworden.
OPERNSTUDIO AM KORNMARKT
Sie konnten im März auch schon
Jana Vetten, die Regisseurin,
kennenlernen. Ist es eine Herausforderung,
sich in ein neuartiges
Konzept einzudenken? Sie sagten,
es sei eine feministische Interpretation.
Beschäftigt Sie das?
Es ist ein Luxus, das Konzept schon
so früh diskutiert zu haben. Dadurch
haben wir alle mehrere Monate Zeit,
uns vorzubereiten. Jana hat uns
klargemacht, dass sie an die Oper
Fragen hat, die (noch) nicht beantwortet
sind. Und das freut mich zu
hören, weil ich auch eine Person bin,
die viele Fragen stellt. Eine feministische
Version von Werther ist sehr
gut möglich. Dem Zusammentreffen
von Charlotte und Werther gilt
besondere Interpretationssorgfalt.
Denn wenn Charlotte allein ist, sind
ihre Aussagen klar und deutlich:
Sie erklärt ihre Gefühle und ihren
Willen. Und diese Gefühle existieren,
dafür braucht man keine feministische
Lesart. Aber je mehr wir in
so ein Stück, in dem das Original
so sehr aus der Perspektive von
Werther geschrieben ist, hineintauchen,
desto wichtiger ist es
herauszufinden, wer Charlotte wirklich
ist. Welche Rolle spielt sie und
genießt sie diese oder nicht? Wie unterscheidet
sich ihr Verhalten, wenn
sie nicht allein ist, von dem, wenn
sie für sich ist? Gibt es eine andere
Interpretation oder eine andere
Seite der Geschichte? Denn in
Goethes Briefroman wird nur gezeigt,
was Werther sieht und glaubt.
Vielleicht hat Charlotte etwas ganz
anderes gemeint. Das sind einige
Kady Evanyshyn und Brigitte Fassbaender bei der
Meisterklasse zu Massenets Werther.
meiner Fragen und ich freue mich
bereits, während der Probenarbeit
Antworten zu suchen.
Mit Werther kommt eine schwierige
Oper mit großen Rollen zur Aufführung.
Ist das eine gute Wahl für
junge Sänger:innen?
Wir müssen – und das hat auch
Frau Fassbaender gesagt – alle
Acht geben, dass wir beim Singen
nicht forcieren, weil es wirklich laut
und emotional wird. Ich glaube, der
geschützte Rahmen einer Opernstudio-Produktion
ist eine sehr gute
Umgebung, um aus sich herauszugehen.
Die Orchesterbesetzung ist
kleiner, die Bühne nicht so groß.
Natürlich bin ich nervös, wer ist das
nicht? Aber ich glaube, für meine
Stimme und mich ist das genau die
richtige Rolle zur richtigen Zeit am
richtigen Ort.
OPERNSTUDIO AM KORNMARKT
WERTHER
Jules Massenet
Musikalische Leitung Claire Levacher
Inszenierung Jana Vetten
Bühne | Kostüme Camilla Hägebarth
Kinderchor der Musikmittelschule
Bregenz-Stadt
Symphonieorchester Vorarlberg
PREMIERE
14. August 2023 – 19.30 Uhr
WEITERE VORSTELLUNGEN
16., 18. & 19. August – 19.30 Uhr
Theater am Kornmarkt
FESTSPIELGESPRÄCHE
FESTSPIELFRÜHSTÜCK 2
Im gemütlichen Rahmen spricht
Regisseurin Jana Vetten über ihr
Leben und ihre Arbeit.
Moderation: Jasmin Ölz (ORF)
6. August 2023 – 9.30 Uhr
Frühstück bereits ab 9.00 Uhr
18

ONE NIGHT IN
FUSSACH
Sturm und
Trank
GOETHE IN VORARLBERG
Auf einem Blatt in Goethes
Nachlass findet sich ein
»Tageregister einer Italienischen
Reise 1786 Sept - 1788
Juni«. Während Goethes Bericht
über die »Italienische Reise«
schon zu Lebzeiten, nämlich 1817,
erschien, wurden solche Materialien
erstmals in der auf 133 Bänden
groß angelegten sogenannten
Weimarer- oder Sophienausgabe
1906 publiziert. Seit damals weiß
man um Goethes Stationen jenseits
seines ausformulierten Berichts,
der bis zum April 1788 und
zur Abreise aus Rom reicht.
Auf dem nachgelassenen Blatt
kann man lesen »Juni. 1. Vaduz.
2. Feldkirch. Abends Busach
am Bodensee«, von den Herausgebern
sogleich zu »Fußach am
Bodensee« korrigiert. Ob Goethes
falsches Notat der geringen Aufmerksamkeit
dem Ort gegenüber
oder dem schwer verständlichen
Dialekt geschuldet ist – es bleibt
im Ungewissen.
Wie kam Goethe nach Fußach
im Jahr vor der Französischen
Revolution? Mit seiner Begleitung,
dem engen Freund Philipp
Christoph Kayser, einem zur damaligen
Zeit bedeutenden Komponisten
und Interpreten, nahm er in
Mailand den »Mailänder Boten«.
Es handelte sich dabei um die Kutschenverbindung
zwischen Mailand
und dem Bodensee, die von der
Firma Spehler und Weiss betrieben
wurde. Die mehrtägige Fahrt, eine
der letzten langen Etappen auf der
Rückreise von Italien nach Weimar,
führte nach Norden über den
Splügenpass nach Chur, von dort
nach Vaduz, wo man übernachtete,
dann an Feldkirch vorbei nach
Fußach, dem Firmensitz des Fuhrunternehmens.
Dort kam man am
2. Juni, einem Montag, abends an.
In Fußach, einem damals bedeutenden
Knotenpunkt für den
Personen- und Warenverkehr am
Bodensee, wurde im Gasthaus
Krone im Ortszentrum übernachtet.
Insgesamt bezahlte man für
Fahrt und Unterkunft 122 Gulden –
ein heutiger Geldwert von circa
2.500 Euro. Am nächsten Tag
reisten Goethe und Kayser weiter
nach Romanshorn und Konstanz.
Goethes Aufenthalt in Vorarlberg
wird regelmäßig verhandelt,
in Heimatbüchern, Radio- und
Fernsehbeiträgen, Zeitungsberichten.
Dem Reiz, darauf hinzuweisen,
dass der bedeutendste
Autor der deutschsprachigen
Literatur kurz im bäuerlichen
Vorarlberg weilte, konnten sich
die Chronisten des Landes nicht
entziehen. Goethes Durchreise
birgt aber auch literarisches
Potenzial. So stellt zum Beispiel
der künstlerische Leiter des
Theater KOSMOS, Hubert
Dragaschnig, 2002 in seinem
Dialekthörspiel Muttersberg –
ein Flüchtlingsmonolog Goethes
Aufenthalt in Vorarlberg insofern
dar, als es letztlich Goethe war,
der auf der Reise durch Vorarlberg
vorgeschlagen hat, einen
Berg im Brandnertal nach seinem
Freund Friedrich Schiller zu benennen,
der niemals in Vorarlberg
war: den heutigen Schillerkopf,
immerhin 2.006 Meter hoch.
Wie hieß die »heimliche
Geliebte« von Goethe?
Kundige Außenstehende
werden sagen: Charlotte Buff, die
auch die literarische Vorlage für
Die Leiden des jungen Werther
bildete – den Schlüsselroman des
Sturm und Drang. Goethe selbst
bezeichnete »die Chemie« als seine
große Liebe. Der Universalgelehrte
war nicht nur ein Meister der Worte,
sondern auch leidenschaftlicher
Naturforscher. Mit zahlreichen Apothekern
pflegte er – bei der einen
oder anderen Tasse Kaffee – einen
intensiven Austausch. So inspirierte
Goethe einen Medizinstudenten,
die wachmachende Substanz des
Kaffees zu finden. 1820 isolierte
dieser als Erster reines Koffein
aus den Bohnen. Der eigentliche
Wachmacher war entdeckt. Was für
ein Genie!
Sein Werk Die Leiden des jungen
Werther verwandelte Jules Massenet
Jahrzehnte später in eine Oper:
jener berühmte französische
Komponist, der zu Beginn seiner
Karriere Klavier in Kaffeehäusern
spielte, um seinen Lebensunterhalt
zu bestreiten. Kaffee und Musik gehören
also untrennbar zusammen.
Dallmayr wünscht Ihnen viel
Genuss und eine wunderbare
Festspielzeit.
PARTNER DER BREGENZER FESTSPIELE
19

Seit seiner Eröffnung 1997
ist das KUB mit seiner
markanten Glasfassade aus
Bregenz und der internationalen
Kunstwelt nicht mehr wegzudenken.
Nur wenige Meter vom Bodenseeufer
entfernt – in unmittelbarer
Nachbarschaft zum Vorarlberger
Landestheater und dem vorarlberg
museum – prägt das KUB mit seinen
wechselnden Ausstellungen herausragender
zeitgenössischer Künstler:innen
die Identität der Stadt als
Zentrum für Kunst und Kultur.
KUB SOMMERAUSSTELLUNG
MICHAEL ARMITAGE — PATHOS AND THE TWILIGHT OF THE IDLE
In der diesjährigen Sommerausstellung
zeigt das KUB Werke
des 1984 in Nairobi geborenen
Künstlers Michael Armitage.
Er gilt als einer der wichtigsten
Maler der Gegenwart und ist vor
allem für seine großformatigen
Darstellungen von Figuren in traumwandlerischen
Landschaften
bekannt. Seine Motive sind von
Geschichte und tagespolitischen
Ereignissen geprägt. Er beobachtet
lokale Rituale und politische Kundgebungen,
daneben Pflanzenwelt
und Tierleben. Eine Besonderheit
seiner Gemälde ist der Bildträger:
Armitage nutzt die Rinde des
ugandischen Feigenbaums als
Malgrund. In einem aufwändigen
Prozess wird sie zu einem weichen,
spannbaren Stoff verarbeitet, der
»Lubugo« genannt wird. Armitage
vernäht die Fragmente zu beachtli-
20

REICH VERWOBENE
ERZÄHLUNGEN
Farbstark und im Großformat: Das Kunsthaus Bregenz zeigt
Michael Armitage in seiner Sommerausstellung
chen Formaten. Die Nähte bleiben
unter der Malschicht sichtbar, es
bilden sich Leerstellen und Narben.
Die Bilder sind farbstark, wuchernd
und bewegend. Ereignisse und
Imaginationen verwebt Michael
Armitage zu reichen Erzählungen.
Pathos and the twilight of the idle ist
der Titel eines Werks von 2019, das
nach einer Kundgebung der größten
kenianischen Oppositionspartei
2017 in Nairobi entstand. In der
Mitte des Bildes befindet sich eine
Figur, die auf die Betrachter:innen
zuschreitet. Ihre Körperhaltung
vermittelt die Bereitschaft zu Anklage
und Kampf. Vor ihrem Körper
hängen zwei Dosen mit Tränengas.
In den merkwürdig vervielfachten
Händen hält sie sandfarbene
Schleudern, im Hintergrund quellen
unzählige Farben.
Völker interessieren ihn mehr als
Führer:innen, so der britischkenianische
Künstler. Immer wieder
findet er auch Anreize in den
sozialen Medien und setzt sich mit
Bildern und Videos auseinander,
in denen Menschen aufgrund vermeintlicher
Schwächen öffentlich
verurteilt werden.
KUB COLLECTION
Während Armitages Werke in
den oberen drei Stockwerken
des KUB zu betrachten sind,
findet im Erdgeschoss eine
Ausstellung mit Werken von Anna
Jermolaewa statt. Das KUB ist eng
mit der Künstlerin verbunden,
mehrere ihrer Hauptwerke befinden
sich in der Sammlung. In Bregenz
zeigt Anna Jermolaewa die Installation
Chernobyl Safari (2014/23),
Famous Pigeons (2021), sowie
Dining Room (2017). Die in Sankt
Petersburg geborene Künstlerin
lebt und unterrichtet seit 1989
in Wien und wird Österreich auf
der Biennale in Venedig vertreten.
Vom 24. Juli bis zum 27. August,
jeweils von 21 bis 24 Uhr, werden
Ausschnitte von Chernobyl Safari
am Vorplatz des KUB auf Leinwand
projiziert.
KONZERT IM KUB
Am 9. August findet im Rahmen
der Bregenzer Festspiele zudem
das Konzert im KUB statt. Bereits
ein Jahr vor der Uraufführung des
Musiktheaters, das im Rahmen
des Opernateliers gerade entsteht,
wird dort ein Teil der Komposition
zu hören sein. Éna Brennan schrieb
die Musik für die Stimme der Sopranistin
Shira Patchornik, die das
Festspielpublikum bereits 2019 als
Tatjana in Peter I. Tschaikowskis
Eugen Onegin begeisterte. Neben
Brennans Neukomposition sind
im Konzert außerdem Stücke von
Claudio Monteverdi, Henry Purcell,
Barbara Strozzi, Philip Glass,
Jonathan Dove und anderen
zu hören.
KUB SOMMERAUSSTELLUNG
MICHAEL ARMITAGE
KUB COLLECTION
ANNA JERMOLAEWA
15. Juli – 29. Oktober 2023
Öffnungszeiten in
der Festspielsaison
Montag bis Sonntag:
10.00 – 18.00 Uhr
Donnerstag:
10.00 – 20.00 Uhr
www.kunsthaus-bregenz.at
KONZERT IM KUB
9. August – 21.00 Uhr
Sopran Shira Patchornik
Countertenor Gerben van der Werf
Cembalo | Orgel Rani Orenstein
Werke von Éna Brennan,
Claudio Monteverdi, Henry Purcell,
Barbara Strozzi u. a.
KUNSTHAUS BREGENZ
21

VON
LEBENSFREUDE
BOCHABELA STRING ORCHESTRA ZU GAST
BIS ZU TIEFER
TRAUER
DAS SÜDAFRIKANISCHE BOCHABELA STRING ORCHESTRA
UND DER VORARLBERGER LANDESJUGENDCHOR VOICES BRINGEN
MIT ZWISCHEN HIMMEL UND ERDE MOZARTS REQUIEM UND
SÜDAFRIKANISCHE BEERDIGUNGSGESÄNGE ZUSAMMEN.

ZWISCHEN HIMMEL UND ERDE
Ein Moment hat sich unauslöschlich
in sein Gedächtnis
gebrannt. »Wir saßen alle
im Foyer und plötzlich benutzte
jemand den Papierkorb als Trommel.
Dann stimmte eine Geige ein,
noch eine, ein Cello – nach wenigen
Minuten war eine Wahnsinns-
Jamsession im Gange. Diese jungen
Menschen ›machen‹ nicht Musik,
die Musik erfasst sie. Ich würde
das allen Menschen in unserer
Kultur wünschen, dass sie auch
einmal in die Nähe dieser Erfahrung
gelangen«, erzählt Klaus Christa,
künstlerischer Leiter der Kammermusikreihe
Pforte.
Es war das Jahr 2007, er war zu
Gast beim größten Kammermusikfestival
in Südafrika. Als Stipendiat:innen
waren auch Mitglieder
des Bochabela String Orchestra
1.000 Kilometer von Bloemfontein
nach Stellenbosch nahe Kapstadt
gereist. Christa, schon damals über
ein Jahrzehnt als Professor für
Viola am Vorarlberger Landeskonservatorium
tätig, der heutigen
Stella Vorarlberg Privathochschule
für Musik, unterrichtete sie in ver-
schiedenen Ensembles. Die Chemie
stimmte auf Anhieb. Das galt auch
für Peter Guy, den Gründer und
Leiter des Mangaung String Programmes,
dessen Botschafter das
Bochabela String Orchestra ist.
2010 wurde Christa gebeten, die
künstlerische Leitung des Orchesters
zu übernehmen: »Da musste
ich nicht nachdenken, ich war
diesen wunderbaren jungen Musiker:innen
schon völlig verfallen.«
VOLLER HINGEBUNG
Das Mangaung String Programme
richtet sich an Kinder und Jugendliche
aus den Townships von Bloemfontein,
Hauptstadt der Provinz
Free State, und ihrer Umgebung.
Wobei »Umgebung« sehr weit gefasst
ist, wie Christa weiß: »Auch in
einigen abgelegenen Orten der
Provinz ist das Programm aktiv.
Es ist berührend, mit welcher
Hingabe und Begeisterung die Kids
in diesen verlassenen Gegenden
üben und spielen. Die Lehrer:innen
nehmen jede Woche mehrstündige
Autofahrten in Kauf, um diese
Jugendlichen zu unterrichten.«
23
»
Wir wollen
Begegnung
zwischen den
Kontinenten
ermöglichen,
durch die sich
beide Seiten
bereichert
fühlen.
«
KLAUS CHRISTA

HIMMEL UND ERDE
BOCHABELA STRING ORCHESTRA ZU GAST
Von Südafrika auf die Bühnen Europas: das Bochabela String Orchestra.
In Europa hat das Bochabela
String Orchestra viel Aufmerksamkeit
geweckt, heuer geht es
hier zum neunten Mal auf Tour.
Rund ein Jahr nimmt die Vorbereitung
in Anspruch. Klaus Christa
fliegt selbst zwei- bis dreimal im
Jahr nach Südafrika. Die Tourneen
sind aus seiner Sicht der Motor, der
das Lernen in Gang setzt: »Es ist
beeindruckend, wie die Tourneen
das Niveau des Orchesters nach
oben gebracht haben.« In den
vergangenen Jahren spielte das
Ensemble ausverkaufte Konzerte
beispielsweise in Wien, Hamburg
und Zürich. In diesem Sommer
reisen 32 junge Menschen nach Bregenz.
Im Festspielhaus spielen sie
unter der Gesamtleitung von Gerald
Wirth gemeinsam mit dem Landesjugendchor
VOICES sowie weiteren
Musiker:innen aus der Region. Bei
der Veranstaltung Sound of Bregenz
am 9. August gibt es außerdem
Gratiskonzerte an verschiedenen
Orten der Stadt zu erleben. Der
(nicht nur musikalische) Austausch
zwischen dem Free State und Vorarlberg
funktioniert auch über die
Tourneen hinaus. Derzeit studieren
zwei Stipendiat:innen bei Klaus
Christa an der Stella Vorarlberg,
zwei weitere bereiten sich auf die
nächste Aufnahmeprüfung vor.
BEREICHERNDE BEGEGNUNG
Vor fünf Jahren beschäftigten
sich die »Bochabelas« mit Nelson
Mandela, der zu diesem Zeitpunkt
100 Jahre alt geworden wäre.
In diesem Jahr geht es um die
Kunst des Trauerns, umgesetzt
als musikalische Collage aus
Mozarts Requiem – passenderweise
seiner letzten Komposition – mit
südafrikanischen Beerdigungsgesängen.
Wie entstand die Idee zu
diesem Konzerprogramm?
»Wir wollen Begegnung zwischen
den Kontinenten ermöglichen,
durch die sich beide Seiten beschenkt
und bereichert fühlen.
Südafrika hat einen unglaublichen
Schatz an herrlichen Kirchenhymnen
und vor allem an gelebter
Musik. Das Mozart-Requiem ist
ein kultureller Schatz, der auch
weit über Europa hinausstrahlt«,
erklärt Christa.
Ein wichtiger Aspekt ist der
andere Umgang mit dem Tod in
Südafrika. Rund eine Woche dauert
dort der Abschied. Die Tage bis
zur eigentlichen Zeremonie sind
geprägt vom Zusammensein mit
der Familie. Es werden Geschichten
von der:dem Verstorbenen erzählt,
es wird gemeinsam gegessen, gesungen
und gespielt. Niemand darf
beim Leichenschmaus abgewiesen
werden. Viele Bewohner:innen der
Townships haben weder eine Kranken-
noch eine Rentenversicherung.
Doch für eine würdige Feier zahlen
sie in eine Beerdigungsversicherung
ein, selbst wenn das Geld denkbar
knapp ist.
24
Worin besteht für Klaus Christa
die Kunst des Trauerns? »Trauern
braucht Gemeinschaft und Zeit.
Wenn viele Menschen zusammenkommen,
sich Erinnerungen erzählen,
sich gegenseitig stützen
und einfach nur füreinander da
sind, dann hat das schon etwas
Verwandelndes. Ich kenne kaum
einen Anlass, der das Gefühl von
Zusammengehörigkeit so spürbar
werden lässt wie das Begräbnis.«
»Aus dem Himmel eine Erde
machen«, hat die Lyrikerin Rose
Ausländer einmal formuliert.
Das ist das Ziel des Programms,
sagt er: »In unserer Welt wollen
die meisten aus der Erde einen
Himmel machen und wohin das
führt, sehen wir ja.« In Südafrika
empfinde sich der Einzelne stärker
als Teil einer Gemeinschaft, die
ihn trägt. »Da können wir Europäer:innen,
von Unabhängigkeit und
Konkurrenz besessen, viel lernen.
Wir gehören alle zusammen und
das nicht als Kopfwissen, sondern
als sinnliche Erfahrung, die dieses
Konzert sein soll.«
Zwischen Himmel und Erde ist
am 8. August bei den Bregenzer
Festspielen zu erleben. Eine weitere
Vorstellung gibt es am 11. August
im Rahmen des Rheingau Musik
Festivals im Kloster Eberbach.
BOCHABELA STRING
ORCHESTRA ZU GAST
ZWISCHEN HIMMEL UND ERDE
Von der Kunst des Trauerns
Dirigent Gerald Wirth
Idee | Künstlerische Leitung
Orchester Klaus Christa
Choreinstudierung Paul Burtscher
Landesjugendchor VOICES
Bochabela String Orchestra & Friends
VORSTELLUNG
8. August 2023 – 19.30 Uhr
Festspielhaus | Großer Saal

SERIE: DIE KOMPONIST:INNEN DER ORCHESTERKONZERTE
GRAŻYNA BACEWICZ
Grażyna Bacewicz war
Violinistin: Dadurch erlangte
die am 5. Februar
1909 geborene Polin internationale
Bekanntheit. Sie war ab 1936 für
zweieinhalb Jahre Konzertmeisterin
des Nationalen Symphonieorchesters
des Polnischen Rundfunks.
Bereits im frühen Kindesalter erhielt
sie Musikunterricht. Sie studierte
Violine, Komposition sowie einige
Semester Klavier, kurze Zeit zudem
Philosophie. Nach ihrem Abschluss
besuchte sie 23-jährig in Paris die
legendäre Kompositionsklasse von
Nadia Boulanger.
Grażyna Bacewicz war Dozentin
und Professorin: Mitte der 1930er-
Jahre und dann noch einmal 1945|46
unterrichtete sie Violine und Musiktheorie
am Staatlichen Konservatorium
in Łódź, ihrer Geburtsstadt.
Seit 1999 trägt die Institution in
Andenken an sie und ihren Bruder
den Namen »The Grażyna and
Kiejstut Bacewicz Academy of
Music«. Nach einem schweren Autounfall
1954 musste sie ihre Konzerttätigkeit
aufgeben und widmete
sich vermehrt dem Komponieren
und Unterrichten. Ab 1966 lehrte
sie Komposition an der Warschauer
Musikhochschule und wurde ein
Jahr später zur ordentlichen Professorin
ernannt.
Grażyna Bacewicz war zudem
Schriftstellerin, Vereinsfunktionärin
und Jurorin: Sie schrieb ein
humoristisch-satirisches Theaterstück,
mehrere Erzählungen und
Romane sowie autobiographische
Anekdoten. Ab 1960 bis zu ihrem
Tod 1969 war sie Vizepräsidentin
des Verbandes Polnischer Komponisten.
Sie war zudem gefragte
Jurorin zahlreicher Instrumentalund
Kompositionswettbewerbe im
In- und Ausland.
Grażyna Bacewicz war aber vor
allem Komponistin: Sie hinterließ
über 200 Werke unterschiedlicher
Genres und Besetzungen. So besteht
ihr Œuvre unter anderem aus Symphonien,
Ballettmusik, Klaviersonaten,
einem Klavierquintett, Liedern
sowie weltlicher und geistlicher Chormusik.
Im Fokus ihres Komponierens
standen Streichinstrumente. Als Violinistin
brachte sie viele ihrer Werke
selbst zur Uraufführung – so auch
1949 das Konzert für Violine und
Orchester Nr. 3 mit der Baltischen
Philharmonie unter der Leitung
von Stefan Śledziński. Es ist eines
ihrer bekanntesten Werke und trug
entscheidend zur Verleihung des
»Awards of the Ministry of Culture
and Fine Arts« 1955 bei. Bacewicz
fängt in diesem Konzert ein polnisches
Kolorit ein: Typische melodische
Phrasen und rhythmische
Charakteristika hat sie aus Volksmusik
des Podhale, eine der südlichsten
Regionen Polens, extrahiert.
Dabei basiert beispielsweise das
Andante auf einer Melodie aus dem
Tatra-Gebirge. Das Finale entfaltet
sich aus einem Oberek, einem polnischen
Drehtanz, und basiert auf einer
Melodie aus Zakopane, ebenfalls
einem Ort in der Podhale-Region.
Die Vielfalt ihres Œuvres und ihr
Wirken über die Landesgrenzen
hinaus machten Grażyna Bacewicz
nicht nur zu einer der bedeutendsten
Musiker:innenpersönlichkeiten
Polens des 20. Jahrhunderts, sondern
auch zu einer der wichtigsten
Komponist:innen ihrer Zeit, deren
Opus es wiederzuentdecken gilt.
ORCHESTERKONZERT
WIENER SYMPHONIKER
Dirigentin Marie Jacquot
Violine Benjamin Schmid
Maurice Ravel Valses nobles
et sentimentales
Grażyna Bacewicz Konzert für
Violine und Orchester Nr. 3
Jean Sibelius Symphonie Nr. 1
e-Moll op. 39
7. August 2023 – 19.30 Uhr
Festspielhaus | Großer Saal
Die Orchesterkonzerte
werden präsentiert von
ORCHESTERKONZERTE
25

JUNGE FESTSPIELE
26

»DASS DIE
GEIGEN FEHLEN,
BRASS APPASSIONATO
FÄLLT NICHT AUF«
Der Schlagwerker der Wiener Symphoniker und Dirigent der
Vienna Classical Players Martin Kerschbaum leitet seit zehn Jahren
das Internationale Blasmusik-Camp (IBC). Er spricht im
Interview von seinem Weg zum Taktstock, der Begeisterung
junger Menschen für symphonische Blasmusik und darüber,
was die heutigen Brassbands alles spielen können.

JUNGE FESTSPIELE
Sie sind Schlagzeuger bei den
Wiener Symphonikern und
leiten seit über 20 Jahren Konzerte
als Dirigent. Woher kam das
Interesse an einem »Postenwechsel«?
Martin Kerschbaum: Mit dem
Dirigieren habe ich im Jahr 2000
begonnen und seither neben dem
Orchesterdienst mit den verschiedensten
Ensembles gearbeitet,
unter anderem mit den Wiener
Symphonikern, aber auch mit dem
Symphonieorchester Vorarlberg.
Früher habe ich sehr viele Schlagwerk-Kurse
gehalten und in einem
Kurs war ein Schlagzeuger namens
Christoph Indrist, der auch beim
Vorarlberger Blasmusikverband
tätig ist. Dieser hat mich darauf
angesprochen, ob es nicht eine
gute Idee wäre, so ein Projekt in
Bregenz zu starten. Wir haben uns
zusammengesetzt, ein Konzept
ausgearbeitet und das sowohl dem
Blasmusikverband als auch den
Bregenzer Festspielen angeboten,
da wir Partner brauchten. So ist
diese Kombination aus Christoph
und mir entstanden, mit der Idee,
viele meiner Kolleg:innen von den
Wiener Symphonikern als Gruppenleiter:innen
für die Stimmproben
der einzelnen Instrumente zu bestimmen.
Student:innen spielen, da kommt
sehr viel Begeisterung zurück.
Diese »US-amerikanischen Orchester«
sind Brassbands? Was macht
solche Bands aus?
Genau, das sind hauptsächlich
Brassbands, also Orchester aus
Blasmusiker:innen und Schlagwerk.
Einige sind auch mit Streichinstrumenten,
aber primär werde ich von
Brassbands eingeladen.
Sie geben ein Konzert mit symphonischer
Blasmusik. Was kann man sich
darunter vorstellen?
Es ist ein bisschen gefährlich, weil
die Leute den Ausdruck nicht gut
kennen. Daher ist es wichtig zu
sagen, dass symphonische Blasmusik
eben nicht die volkstümliche
Blasmusik im Sinne von
Märschen, Polkas und so weiter ist.
Symphonische Blasmusik besteht
aus sehr vielen Werken der klassischen
Orchesterliteratur, die
speziell für diese große Besetzung
arrangiert wurde. Es gibt auch unglaublich
viele wunderbare Stücke,
die gezielt im Stile eines großen symphonischen
Orchesters komponiert
wurden. Ich musste mich auch erst
einlesen. Das war für mich eine neue
Welt, denn ich komme ursprünglich
aus der Klassik. Diese Stücke sind
extrem schwer zu spielen, das wusste
ich bis dahin nicht. Blasmusik,
das spielt man halt.
Deshalb, und das ist auch wichtig,
dürfen nur Leute bei diesem Camp
mitspielen, die Goldniveau haben,
»Symphonische
Blasmusik war für mich
eine neue Welt.«
MARTIN KERSCHBAUM
Was interessiert Sie an Blasmusik
und der Zusammenarbeit mit
jungen Menschen?
Ich habe an der Musik-Universität
in Graz Schlagwerk unterrichtet
und dort 15 Jahre lang das Universitätsorchester
geleitet. Mir macht
es einfach Spaß, mit jungen Leuten
zu arbeiten. Ich werde oft für ein
Coaching oder zu Proben mit
US-amerikanischen Orchestern
eingeladen, die nach Europa kommen.
Das findet mehrmals im Jahr
statt und ist einfach eine tolle und
für mich sehr sinnvolle Aufgabe.
Mich freut vor allem, wie rasch
das Niveau gestiegen ist; es war
für mich überraschend positiv
zu sehen, wie toll diese jungen
28

also das höchste Niveau, das es
in Österreich gibt, oder eben das
gleiche Niveau aus einem anderen
Land. Wir geben das vor, nicht weil
wir böse sind und ausschließen
wollen; aber diese Literatur ist
unter anderem so anspruchsvoll
in ihrer Notation, dass weniger
Fortgeschrittene keinen Spaß
daran hätten und das die Probenzeit
verlängern würde. Wir haben
nur fünf Tage. Ich glaube, das wird
gerechtfertigt durch den Erfolg der
letzten zehn Jahre.
Sie möchten junge Menschen bereits
zum sechsten Mal im Blasmusikcamp
zu symphonischer Blasmusik
motivieren. Wie ist Ihnen das in den
letzten Jahren gelungen? Was für
Feedback erhalten Sie?
Das schaffe ich natürlich nicht
alleine, da gehören auch meine
Kolleg:innen dazu, welche die
Teilproben leiten und dabei
unglaublich Tolles leisten. Das
Spannende an diesem Projekt ist
auch, dass die Teilnehmer:innen
nicht nur diese Literatur spielen,
sondern auch Kontakt zu diesen
Spezialist:innen bekommen, zu
einem Solotrompeter oder einer
Solohornistin. Sie würden sich
vielleicht sonst nie trauen, zu
denen hinzugehen. Jetzt verbringen
sie fast eine Woche gemeinsam
und können eine unglaubliche
Beziehung aufbauen. Es hat schon
viele Student:innen gegeben, die
dann den Weg auf die Universität
gefunden haben oder anschließend
Privatstunden genommen haben.
Das Camp hat eine tolle Auswirkung,
das macht das Ganze sinnvoll
und nachhaltig für den Lebenslauf
der Teilnehmer:innen.
Mich freut auch, dass das Konzert
des IBC jedes Jahr vom ORF Vorarlberg
übertragen wird. Das ist wichtig,
damit das Publikum alles nachhören
kann; aber eben auch ein
toller Motivationsfaktor für die
jungen Musiker:innen. Es ist
aufregend, das erste Mal im Festspielhaus
zu spielen, während im
Rundfunk auch noch live aufgenommen
wird. Da kann man nicht viel
herumkorrigieren und das macht
es sehr spannend, das erhöht den
positiven Effekt der Konzentration.
Ein musikalischer Verweis auf das
diesjährige Programm der Bregenzer
Festspiele ist nicht von der Hand
zu weisen. Wie sehr wollen Sie an das
Festival anknüpfen und was haben
Sie dafür programmiert?
Das Programm mache immer ich,
natürlich in Absprache mit den
Festspielen, weil wir darauf Bezug
nehmen wollen, aber wir wollen kein
paralleles Projekt sein. In diesem
Jahr spielen wir eine Butterfly-
Fantasie und einen berühmten
Marsch aus der Hausoper Ernani
von Giuseppe Verdi. Wir versuchen
damit, Leute einzuladen, die für
diese Komponisten auch zum regulären
Festspielprogramm kommen.
Konkret ist es nicht immer ganz
einfach, etwas zu finden, das sinnvoll
und gut ist, aber in diesem Jahr
wird es, glaube ich, sehr spannend
und interessant.
Haben Sie ein persönliches
Highlight im Konzert?
Ich freue mich auf die ganz spezielle
Mischung aus Filmmusik und
klassischen Stücken, vor allem auf
den Tanz aus Salome von Richard
Strauss – eine extrem schwere
Oper, aber wirklich fantastisch für
symphonisches Blasorchester.
Die Proben werden sicherlich wieder
toll. Ich bin immer wieder aufs
Neue überrascht, wie das funktioniert,
denn mir fehlen die Streichinstrumente
nicht. Ich kenne diese
Stücke mit dem normalen Symphonieorchester
und wenn man
diese Arrangements hört, hat man
nie das Gefühl, dass etwas fehlt.
Viele Leute aus dem Publikum
kommen nachher zu mir und sagen
dasselbe: Der Klang ist da, auch in
der Rigoletto–Fantasie, die wir vor
zwei Jahren gespielt haben. Das ist
eine große Besonderheit.
JUNGE FESTSPIELE
BRASS APPASSIONATO
BLASORCHESTERMATINEE
Musikalische Leitung Martin
Kerschbaum
Absolvent:innen und Dozent:innen
des 6. Internationalen
Blasmusik-Camps
13. August 2023 – 11.00 Uhr
Festspielhaus | Großer Saal
Alfred Reed The Golden Year.
An Anniversary Celebration
for Winds
Giuseppe Verdi Marsch aus der
Oper Ernani, bearbeitet für Blas-
orchester von Hermann Egner
Giacomo Puccini Fantasie über
die Oper Madame Butterfly für
Blasorchester
Richard Strauss »Salomes Tanz«
aus der Oper Salome, bearbeitet
für Blasorchester von
Mark H. Hindslay
Irving Gordon Unforgettable,
bearbeitet für Blasorchester von
Toshio Mashima
Gustav Holst »Jupiter, the Bringer
of Jollity«, Nr. 4 aus: The Planets.
Suite für großes Orchester op. 32,
bearbeitet für Blasorchester
von Geert Schrijvers
John Williams »The Imperial
March (Darth Vader’s Theme)«
aus der Filmmusik zu Star Wars:
The Empire Strikes Back,
bearbeitet für Blasorchester von
Stephen Bulla
Harold Arlen und Edgar Yipsel Harburg
/ James Barnes Medley aus
der Filmmusik zu The Wizard of Oz
für Blasorchester
Amilcare Ponchielli »Tanz der
Stunden«. Ballettmusik aus dem
3. Akt der Oper La Gioconda,
bearbeitet für Blasorchester von
Carlo Morino, rev. von Simon Katz
BRASS APPASSIONATO
29

PROGRAMM
VORSCHAU 2024
AM 2. OKTOBER 2023 BEGINNT DER VORVERKAUF
FÜR DIE 78. BREGENZER FESTSPIELE
BREGENZER FESTSPIELE 2024
SPIEL AUF DEM SEE
DER FREISCHÜTZ
CARL MARIA VON WEBER
Ein unwirtliches Dorf in
Deutschland, kurz nach
dem Dreißigjährigen Krieg.
Der junge Amtsschreiber Max liebt
Agathe, die Tochter des Erbförsters
Kuno. Doch damit Max sie heiraten
kann, muss der ungeübte Schütze
sich einem archaischen Brauch
unterwerfen und einen Probeschuss
absolvieren. Für ihn eine unerfüllbare
Herausforderung. Das weiß
auch der zwielichtige Kriegsveteran
Kaspar, der Max dazu überredet,
mit ihm um Mitternacht in der
Wolfsschlucht Freikugeln zu gießen,
die niemals fehlgehen. Angesichts
seiner ausweglosen Situation
schließt Max in der Schlucht den
Pakt mit dem Teufel. Was er nicht
weiß: Sechs der verfluchten Freikugeln
treffen, die siebte aber lenkt
der Teufel …
»Ins Schwarze getroffen«, schrieb
Carl Maria von Weber jubilierend
seinem Librettisten Friedrich
Kind nach der Uraufführung ihrer
gemeinsamen Oper Der Freischütz.
Das Premierenpublikum in Berlin
feierte 1821 enthusiastisch das
neue Werk, das mit seiner emotionsgeladenen
und packenden Musik
schon bald zum Inbegriff der
deutschen romantischen Oper
werden sollte. Als eine der heute
populärsten Opern im deutschsprachigen
Raum ist Der Freischütz
zum ersten Mal auf der Seebühne
zu erleben.
Es ist vor allem die Lust am Unheimlichen
und schauerlichen
Spektakel, woraus der Regisseur
und Bühnenbildner Philipp Stölzl
eine faszinierende Welt im Bodensee
entwirft. Mit Witz und Sensibilität
lässt er das Publikum in eine gleichzeitig
vergangene und heutige Landschaft
eintauchen. Nach dem phänomenalen
Erfolg von Giuseppe Verdis
Rigoletto kehren Philipp Stölzl und
der Conductor in Residence Enrique
Mazzola für Der Freischütz nach
Bregenz zurück.
PREMIERE
17. Juli 2024 – 21.15 Uhr
WEITERE VORSTELLUNGEN
19., 20., 21., 23., 24., 25., 26., 27.,
28., 30. & 31. Juli – 21.15 Uhr
1., 2., 3., 4., 6., 7., 9., 10., 11., 13.,
16., 17. & 18. August – 21.00 Uhr
Seebühne | Festspielhaus
Musikalische Leitung
Enrique Mazzola, Erina Yashima
Inszenie rung | Bühne Philipp Stölzl
Kostüme Gesine Völlm
Wired Aerial Theatre
Statisterie der Bregenzer Festspiele
Bregenzer Festspielchor
Prager Philharmonischer Chor
Wiener Symphoniker
Romantische Oper in drei
Aufzügen (1821)
Libretto von Friedrich Kind
In deutscher Sprache mit
deutschen Übertiteln
30

OPER IM FESTSPIELHAUS
TANCREDI
GIOACHINO ROSSINI
Es ist ein packender Opernthriller
der Gefühle, mit dem sich
der erst 20-jährige Gioachino
Rossini 1813 von Venedig aus an die
Speerspitze der italienischen Komponisten
katapultierte. Obwohl ein
Frühwerk, zeugt Tancredi mit seinen
schwungvollen Melodien und den rauschenden
Finali vom musikalischen
Einfallsreichtum Rossinis.
Amenaide soll dem Willen ihres
Vaters gehorchen und einen Mann
heiraten, den sie nicht liebt, und
damit ihren Beitrag leisten, den
Machtkampf zwischen zwei verfeindeten
Familien in ihrer Heimatstadt
zu beenden. Denn nur vereint sei
man stark genug im Kampf gegen
feindliche Einflüsse. Amenaide,
zwischenzeitig als Verräterin verdächtigt
und mit dem Tode bedroht,
liebt allerdings Tancredi, der unerkannt
in seine Heimatstadt zurückkehrt,
von der Zwangsverlobung
erfährt und den Nebenbuhler tötet.
Doch das vertrauensvolle Verhältnis
zu Amenaide ist dahin, Tancredi ist
verzweifelt und möchte im Kampf
den Tod finden …
Diese spannungsgeladene Oper
über Liebe, Vertrauen und die
Unmöglichkeit, in Krisenzeiten
glücklich zu werden, wird Jan Philipp
Gloger inszenieren. Seit 2010 ist
der Schauspieldirektor am Staatstheater
Nürnberg auch international
als Opernregisseur tätig. Die musikalische
Leitung übernimmt Yi-Chen
Lin, die dem Publikum der Bregenzer
Festspiele als Dirigentin von Giacomo
Puccinis Madame Butterfly in Erinnerung
ist.
PREMIERE
18. Juli 2024 – 19.30 Uhr
WEITERE VORSTELLUNGEN
21. Juli – 11.00 Uhr
29. Juli – 19.30 Uhr
Festspielhaus | Großer Saal
Musikalische Leitung Yi-Chen Lin
Inszenie rung Jan Philipp Gloger
Bühne Ben Baur
Kostüme Justina Klimczyk
Prager Philharmonischer Chor
Wiener Symphoniker
Melodramma eroico in zwei Akten
(1813) – Ferrara-Fassung
Libretto von Gaetano Rossi nach
der Tragödie Tancrède von Voltaire
(1760) | In italienischer Sprache
mit deutschen Übertiteln
VORSCHAU
ORCHESTER
KONZERTE
WIENER SYMPHONIKER
22. Juli 2024 – 19.30 Uhr
Dirigentin Giedrė Šlekytė
Werk von Gustav Mahler
Symphonische Meisterwerke
und neu zu entdeckende
Klänge geben einander die
Hand: Die vier Orchesterkonzerte
lassen den Reichtum der Musik
vom 19. Jahrhundert bis in die
Gegenwart erahnen.
Mit Ludwig van Beethovens Pastorale,
Robert Schumanns »Rheinischer«
und Gustav Mahlers »Auferstehungssymphonie«
stehen drei der wohl
beliebtesten Konzertstücke auf dem
Programm, ergänzt von Werken
Carl Maria von Webers, Antonín
Dvořáks und Igor Strawinskis sowie
Emilie Mayer, die, als »weiblicher
Beethoven« betitelt, in der Mitte
des 19. Jahrhunderts mit ihren
Kompositionen zahlreiche Erfolge
erzielt. Sind Enrique Mazzola als
Conductor in Residence und Leo
McFall als Chefdirigent des Symphonieorchesters
Vorarlberg gerngesehene
Gäste, so geben Giedre
Šlekytė, aber auch Petr Popelka
als neuer Chefdirigent der Wiener
Symphoniker mit einem neuen chorsymphonischen
Werk von Thomas
Larcher ihre Debüts in Bregenz.
31
28. Juli 2024 – 11.00 Uhr
Dirigent Enrique Mazzola
Werke von Emilie Mayer, Carl Maria
von Weber und Igor Strawinsky
5. August 2024 – 19.30 Uhr
Dirigent Petr Popelka
Werke von Carl Maria von Weber,
Robert Schumann und Thomas Larcher
SYMPHONIEORCHESTER
VORARLBERG
18. August 2024 – 11.00 Uhr
Dirigent Leo McFall
Werke von Antonin Dvořak, Ondřej
Adámek und Ludwig van Beethoven

Viel Vorfreude wünschen
die Partner der Bregenzer Festspiele.
HAUPTSPONSOREN
GREEN ENERGY
PARTNER
PRODUKTIONSSPONSOREN
GrECo International AG
Hilti Foundation
LIEBHERR-Turmdrehkrane
Wiener Städtische Versicherung AG
CO-SPONSOREN & PARTNER
Coca-Cola
Dallmayr Kaffee
Hendrick’s Gin
Kryolan
Leica Camera
METRO
Mohrenbrauerei
Paul Mitchell
Pfanner & Gutmann
Rauch Fruchtsäfte
Red Bull
Römerquelle
Schlumberger (Wein- und
Sektkellerei)
SUBVENTIONSGEBER
PARTNER