Festspielzeit Frühling 2024

FESTSPIEL
ZEIT
DAS MAGAZIN DER
BREGENZER FESTSPIELE
AUSGABE 2 | BREGENZER FESTSPIELE 17. JULI – 18. AUGUST 2024
NUR EIN SUMPF
TRENNT PUBLIKUM
UND BÜHNE
Ein »See im See« wird zum
Spielort für Carl Maria von
Webers Der Freischütz
»DOPPELMORAL UND
HEUCHELEI VERGIFTEN
UNSER MITEINANDER«
Martin Kušej bringt
Molières Der Menschenfeind
ins Festspielhaus
»SOLANGE MAN TANZT
UND LEBT, GEHT ES
IRGENDWIE WEITER«
Hotel Savoy – Oder ich hol’ dir vom
Himmel das Blau: Operettenhits
von und mit Franui

11
Freischütz-Fans
der ersten Stunde
20
Von Talent und
Tatendrang
Von Anfang an ein echter Hit:
Der Freischütz, Inbegriff der
deutschen romantischen Oper
Die Komponist:innen der
Orchesterkonzerte: Robert
Schumann und Emilie Mayer
INHALT
4
Mythos Freischütz
Wie aus den Akten zu einem Hexen-
prozess eine der populärsten Opern
im deutschsprachigen Raum wurde
14
Auf Rossinis Spuren
Die Dirigentin Yi-Chen Lin
über Gioachino Rossinis
Oper Tancredi
22
»Doppelmoral und
Heuchelei vergiften
unser Miteinander«
Burgtheaterdirektor Martin Kušej
bringt Molières Der Menschenfeind
ins Festspielhaus
8
Nur ein Sumpf trennt
Bühne und Publikum
Ein »See im See« wird zum
Spielort für Der Freischütz
18
Das Festspieljahr
im Überblick
Der Spielplan der Bregenzer
Festspiele 2024
2

26
Oper aus der Nähe
Hold Your Breath – Uraufführung
zum »Wandeln und Erleben«
31
Musik macht
Freu(n)de
Der Verein der Freunde der
Bregenzer Festspiele
34
Kartenübersicht
Kategorien und Preise
im Überblick
Impressum
BREGENZER FESTSPIELE GMBH
Platz der Wiener Symphoniker 1
6900 Bregenz | Austria
T +43 5574 407-5
www.bregenzerfestspiele.com
INHALT
Herausgeber Bregenzer Festspiele GmbH
Intendantin Elisabeth Sobotka
28
»Solange man tanzt
und lebt, geht es
irgendwie weiter«
»Maximale Hitdichte«: Hotel
Savoy von und mit Franui und
Regisseurin Corinna von Rad
32
Von Saxophonflamingos
und
Fagottgiraffen
Zirkus Luft-i-Kuss gastiert
im Festspielhaus
Redaktion Florian Amort, Babette Karner, Kathrin Grabher
Gestaltung moodley brand identity |
Bregenzer Festspiele – Kathrin Grabher
Druck Vorarlberger Verlagsanstalt GmbH
Lektorat Thorsten Bayer Text
Tex te Florian Amort (S. 4 ff., S. 20 f., S. 31) | Jutta Berger
(S. 8 ff.) | Carl-Maria-von-Weber-Gesamtausgabe. Digitale Edition,
weber-gesamtausgabe.de / A050358 (Februar 2024 / red. (S. 11) |
Ingrid Lughofer (S. 14 ff.), Dallmayr (S. 21 r.) | Elisabeth Merklein
(S. 22 ff.) | Olaf A. Schmitt (S. 26 f.) | Gwendolyne Melchinger /
red (S. 28 ff.) | Kathrin Grabher (S. 32 f.)
Abbildungsnachweise Matthias Horn (Titelbild – Szene
aus Der Menschenfeind, S. 2 r. u., S. 24) | moodley brand identity
(S. 2 l. o., S. 2 r. o., S. 3 l. u., S. 27) | Lisa Mathis (S. 2 l. u., S. 31 l.) |
Ivo von Renner (S. 3 l. o., S. 29) | Yi-Chen Lin privat (S. 2 m., S. 14) |
Anja Köhler (S. 3 r. o., S. 10, S. 11 r., S. 12, S. 26, S. 31 m.) | Erin
Angelina Bereuter (S. 3 r. u., S. 32) | akg-images (S. 7) | Dietmar
Mathis (S. 9) | Kulturelles Erbe – Stadtarchiv Speyer, G II Nr. 659
(S. 11 l.) | Marta Carzola Soult (S. 16) | Lithografie Eduard Meyer
nach einer Zeichnung von Pauline Suhrlandt (S. 20 r.) | Lithografie
nach einer Zeichnung von Joseph Kriehuber (S. 20 l.) |
Dallmayr (S. 21) | Foto Fischer (S. 22) | Bernd Hofmeister (S. 31 r.)
Erschienen im März 2024. Es gelten die AGB
sowie die Datenschutzerklärung der Bregenzer
Festspiele GmbH. Änderungen vorbehalten.
Wir möchten darauf hinweisen, dass uns alle
Geschlechter gleich wichtig sind, selbst wenn es
uns manchmal nicht gelingen sollte, dies auch
schriftlich auszudrücken.
Die QR-Codes in diesem Heft erweitern Artikel
um Videos und Tonaufnahmen oder führen zu Webseiten
mit weiteren spannenden Infos zum Thema.
Mit diesem Link zum Beispiel gelangen Sie in die
Online-Bibliothek der Bregenzer Festspiele, in der
auch alle Ausgaben des Magazins »Festspielzeit«
zu finden sind.
bregenzerfestspiele
bregenzfestival
3

SPIEL AUF DEM SEE
MYTHOS
FREISCHÜTZ
WIE AUS DEN AKTEN ZU EINEM HEXENPROZESS
EINE DER POPULÄRSTEN OPERN
IM DEUTSCHSPRACHIGEN RAUM WURDE

Vom 14. auf den 15. August
1810 übernachtete der
23-jährige Carl Maria von
Weber auf Schloss Neuburg, einem
damals säkularisierten Stift bei
Heidelberg. Schenkt man Webers
Sohn und Biographen Max Maria
Glauben, so habe sein Vater dort
gemeinsam mit seinem Freund, dem
Juristen und späteren Diplomaten
Alexander von Dusch, ein erst kürzlich
in Leipzig veröffentlichtes Buch
entdeckt, das im ganzen deutschsprachigen
Raum für Furore sorgte:
August Apels und Friedrich Launs
Gespensterbuch. Insbesondere die
von Apel verfasste tragisch-düstre
Eröffnungsgeschichte Der Freischütz,
in der ein Schreiber um Mitternacht
in der verwunschenen Wolfsschlucht
Freikugeln anfertigt, um am nächsten
Tag durch einen erfolgreichen
Probeschuss die Hand seiner Geliebten
zu erringen, gefiel den beiden
so sehr, dass sie sofort ein Opernszenarium
entwarfen. Doch erst
1817, als Weber zum königlichen
Kapellmeister auf Lebenszeit und
Leiter des sogenannten Deutschen
Departements der Dresdner Oper
berufen wurde, sollte er gemeinsam
mit dem Schriftsteller Friedrich
Kind, einem Schulfreund Apels, das
Projekt wieder aufnehmen.
Nach mehreren unvorhersehbaren
Komplikationen und intensiv
diskutierten Titelvarianten – »Der
Probeschuß«, »Die Jägersbraut« –
fand schließlich am 18. Juni 1821
die langersehnte Uraufführung der
romantischen Oper Der Freischütz
statt. »Ins Schwarze getroffen«,
schrieb Weber jubilierend seinem
Librettisten Kind nach Dresden.
Das Premierenpublikum im kürzlich
eingeweihten Königlichen Schauspielhaus
in Berlin feierte enthusiastisch
das neue Werk, das mit
seiner emotionsgeladenen und
packenden Musik schon bald zum
Inbegriff der deutschen romantischen
Oper werden sollte.
Weber und Kind waren allerdings
nicht das erste Duo, das Apels
Freischütz vertonte. Schon 1812
hatten Franz Xaver von Caspar
(Libretto) und Carl Borromäus
Neuner (Komposition) das dramatische
Potenzial der Erzählung
erkannt und die letztlich nicht
aufgeführte romantische Tragödie
Der Freyschütze geschrieben.
1816 folgten gleich zwei Produktionen
in Wien: Am 20. November hob
sich im Theater in der Leopoldstadt
der Vorhang für Ferdinand Rosenaus
romantisch-komische Volkssage
mit Gesang Der Freyschütze, am
28. Dezember im Theater in der
Josefstadt das Schauspiel mit Musik
Die Schreckensstunde am Kreuzwege
um Mitternacht oder Der Freyschütze
von Joseph Alois Gleich
(Libretto) und Franz de Paula Roser
(Komposition). Auch Louis Spohr
arbeitete an einem Werk mit dem
Titel Der schwarze Jäger, gab
es jedoch auf, als er von Webers
Opernprojekt erfuhr.
All diese Titel belegen nicht zuletzt
auch die allgemeine Beliebtheit
von Gespenster- und Gruselgeschichten
zur Zeit der sogenannten
Schauerromantik oder schwarzen
Romantik. Mit ihren unheimlichen,
phantastisch-abseitigen und
dämonisch-grotesken Tendenzen
belegen sie eine gewisse Abkehr der
damaligen Menschen von der vernunftgeleiteten
Aufklärung – und
stehen in unmittelbarer Verbindung
zu den mit Gewalt und Schrecken
geführten napoleonischen Kriegen.
Schlösser, Klöster, Ruinen und
Friedhöfe, aber auch der Wald sind
die Schauplätze dieser Geschichten.
Beschwörungsrituale, Hexenmagie,
Erbflüche, Inzest, untote Ahnen
und unerklärliche Naturspektakel
bilden das Inventar dieser Stücke.
Der Mythos vom Freischütz, der
durch schwarzmagische Praktiken
oder durch sogenannte Freikugeln
die Fähigkeit erlangt haben soll,
jedes Ziel zu treffen, sei es auch weit
entfernt, nicht zu sehen oder um
die Ecke gelegen, ist in vielen Volkserzählungen,
Sagen, aber auch in
den Akten zu Hexenprozessen überliefert.
Die älteste heute bekannte
Quelle zum Freischütz-Mythos aus
dem Jahr 1449 stammt aus einer
solchen Akte aus Basel. Darin wird
einem Söldner vorgeworfen, er
habe drei Schüsse auf ein Jesusbild
abgegeben und dadurch Freikugeln
geschaffen, mit denen er anschließend
mehrere Menschen ermordet
habe. Er wurde durch Ertränken
hingerichtet. Diese Ausgestaltung
des Mythos findet sich nicht nur
prominent im Malleus maleficarum,
im Hexenhammer von 1486, sondern
auch in mehreren Sagenbüchern,
auch in einem aus Vorarlberg.
Laut einer Legende soll im Bregenzerwald
auf der Schnepfegg, einer
Anhöhe oberhalb der Ortschaft
Schnepfau, ein Schütze einen Pakt
mit dem Teufel geschlossen und in
DER FREISCHÜTZ
5

SPIEL AUF DEM SEE
DER PODCAST DER
BREGENZER FESTSPIELE
HÖR-SPIELE
Untermalt mit der emotionsgeladenen
und packenden Musik bietet
diese Podcast-Folge einen Einblick
in Webers Der Freischütz. Dramaturg
Florian Amort beleuchtet die Entstehung
und die zentralen Themen
der schaurig-schönen Oper.
der Weihnacht auf ein Kruzifix geschossen
haben. Dadurch erhielt er
treffsichere Freikugeln, mit denen
er jedes Wild erlegen konnte.
Vermutlich zeitgleich entstand
die Überzeugung, man könne Freikugeln
auch zu bestimmten Nächten
und mit besonderen Zutaten
wie Menschenblut, Tierherzen,
Blei von Friedhofskreuzen oder
Kirchenfenstereinfassungen herstellen.
Eine der ersten literarischen
Verarbeitungen des Gießens
von Freikugeln ist in dem Buch
Unterredungen von dem Reiche
der Geister zwischen Andrenio und
Pneumatophilo aus dem Jahr 1730
zu finden. Verfasst hat es der in
Innsbruck geborene und am preußischen
Hof wirkende Schriftsteller
Otto von Graben zum Stein. Die darin
geschilderte Episode von einem
Freischütz geht wiederum auf einen
Gerichtsprozess zurück, der 1710 in
Taus (heute: Domažlice, Tschechien)
geführt wurde. Angeklagt war ein
18-jähriger Schreiber namens Georg
Schmid, der gemeinsam mit einem
zauberkundigen Jäger insgesamt
63 Freikugeln gegossen haben soll.
Während des Vorgangs wurde er
Zeuge verschiedener Erscheinungen,
zuletzt erblickte er den Teufel selbst.
Er brach ohnmächtig zusammen,
wurde gefunden, nach seinem
Geständnis festgenommen und zum
Tode verurteilt, später allerdings
aufgrund seines jugendlichen
Alters begnadigt und stattdessen
zu einer sechsjährigen Haftstrafe
und Zwangsarbeit verurteilt. Diese
Geschichte, verbunden mit dem Topos
einer Brautwerbung, bildet die
Grundlage für Apels Erzählung vom
Freischütz, die wiederum von Kind
für Weber dramatisiert und von der
Gegenwart in die Zeit kurz nach der
Beendigung des Dreißigjährigen
Krieges zurückverlegt wurde.
Als Ende Mai 1817 die zweite
Librettofassung vorlag, schrieb
Weber euphorisch an seine Verlobte,
die Schauspielerin Caroline
Brandt: »Die Oper ist wirklich
trefflich geworden durch die neue
Bearbeitung. Kurz, gedrängt, schönes
Finale und andere Ensemble
Stücke, und nun glaube ich, daß in
dieser Gattung noch keine existirt.
Gott gebe seinen Segen dazu, es
sind entsetzliche Aufgaben darin,
und mein Kopferl wird mir oft brummen,
schadt aber nitz.« Dabei war
es vor allem das Religiöse, an dem
sich das Duo Kind-Weber im Streit
entzweite. Einig waren sie sich noch,
dass das pessimistisch-tragische
Ende der Vorlage – der Schreiber
Wilhelm tötet beim Probeschuss
seine Braut Klärchen und verfällt
dem Wahnsinn – kein geeigneter
Schluss für ihr Projekt war. Kind
fügte deshalb, wie übrigens schon
1812 Franz Xaver von Caspar und
Carl Borromäus Neuner in ihrer
Version, dem Drama die Figur des
Eremiten hinzu: Zu Beginn der Oper
überreicht er Agathe – ein Zeichen
ihrer Unschuld – weiße Rosen, jene
weiße Rosen, die später zum Brautkranz
gebunden sie von der Teufelskugel
schützen wird. Doch diese
Auftakt-Szene wurde von Weber
auf Anraten seiner Verlobten und
zum Leidwesen von Kind ersatzlos
gestrichen.
Geblieben ist jedoch das versöhnliche
Ende: Wie ein Deus ex machina
aus der Barockoper tritt der Eremit
als religiöse Autorität und Konfliktlöser
für den Schützen Max ein und
führt in einer nicht unheiklen Kehrtwende
die Sache doch noch zum
Guten: Ein Liebesglück sollte nicht
von einem Probeschuss abhängig
sein. Der archaische Brauch gehöre
abgeschafft und Max sollte eine
Bewährungsfrist von einem Jahr
bekommen. Bestehe er sie, könne er
die Erbförsterei übernehmen und
Agathe heiraten. Der Fürst ist einverstanden
und verzichtet auf seine
Bestrafung, großer Jubel am Ende.
6

DER FREISCHÜTZ
Die Wolfsschluchtszene: Max und Kaspar gießen die Freikugeln.
Kupferstich von Johann Gottfried Abraham Frenzel nach Johann Heinrich Ramberg (1821)
7

SPIEL AUF DEM SEE
NUR EIN SUMPF
TRENNT BÜHNE
UND PUBLIKUM
Auf dem See, zwischen Tribüne und Seebühne, entsteht ein riesiges Wasserbecken.
Für Der Freischütz wandelt sich dieser »See im See« zur unwirtlichen Landschaft.
Eine Herausforderung für die Festspieltechnik.

Frösteln soll es die Besucher:innen
beim Anblick
der Seebühne, wünscht
sich Regisseur und Bühnenbildner
Philipp Stölzl. Er lässt auf dem
Bodensee ein zerstörtes mittelalterliches
Dorf in winterlicher
Landschaft entstehen. Schneebedeckte
Hügel, verfallene Holzhäuschen
in einer unwirtlichen
Landschaft und kahle Bäume bilden
die Kulisse für Carl Maria von
Webers Der Freischütz. Zum Greifen
nahe wird das Drama um Liebe und
Teufelspakt für das Publikum sein.
Denn zwischen Bühnenkern und
Tribüne wird auf und mit dem
Bodensee eine künstliche Wasserlandschaft
geschaffen, die Bühne
und Zuschauerraum beinahe verschmelzen
lässt.
anzeigen, wird Wolfgang Urstadt,
technischer Leiter der Bregenzer
Festspiele, aufatmen. Dann liegen
hinter dem Technikteam Monate
intensiver Arbeit. Eine noch nie
da gewesene logistische Herausforderung
musste bewältigt werden:
der Bau eines neuen Bühnenbildes
parallel zum laufenden Abriss und
Wiederaufbau der gesamten Seebühne.
Der sogenannte Betonkern –
die eigentliche Seebühne – wurde
komplett erneuert, die Hinterbühne
abgerissen.
Wie baut man ein Bühnenbild,
wenn es keine Bühne gibt? Die Lösung:
Man nutzt den Raum, sprich
den See, zwischen Tribüne und Baustelle.
Während hinten noch am Betonkern
gearbeitet wurde, entstand
davor ein riesiges Wasserbecken für
das Bühnendorf. Hinter diesem Dorf
wird sich dann eine Hügellandschaft
über den neuen Bühnenkern ziehen.
So wird Der Freischütz nicht
nur über dem Wasser, sondern
auch im Wasser gespielt. Einiges
an Tüfteln und Probieren im extra
dafür gefertigten Testbecken sei
da schon notwendig gewesen, sagt
Wolfgang Urstadt: »Wir haben
zwar viel Erfahrung mit Technik
unter Wasser, aber die ganze
Bühnentechnik, die Hydraulik, die
Elektromotoren in ein künstliches
Becken einzubauen, das war Neuland
für uns.« Auch für die Künstler:innen
wird die Arbeit ungewohnt
nass. Sie stecken quasi knöcheltief
im Wasser. Entsprechend müssen
die Kostüme der Darsteller:innen
präpariert und zum Teil aus Neopren
gefertigt werden.
25 Zentimeter tief ist das Becken
an den meisten Stellen, doch es
verbirgt auch Gänge, seichtere und
tiefere Bereiche. Wolfgang Urstadt:
»Da werden Darsteller:innen plötzlich
verschwinden und woanders
wieder auftauchen.« Unsichtbare
Verbindungsgänge machen es möglich.
Damit nichts passieren kann,
wird das 1.400 Quadratmeter große
Becken, nachdem alle Kabel und
Zuleitungen verlegt sind, rutschsicher
ausgekleidet. Gefüllt wird das
Becken mit 500.000 Liter Seewasser,
das zweimal täglich mit Pumpen
umgewälzt wird, Keramikfilter hal-
DER FREISCHÜTZ
156 Holzstämme, sogenannte
Piloten, wurden für den Aufbau
des Holzbeckens in den See gerammt.
Über die gesamte Breite
des Zuschauerraums zieht sich das
künstliche Gewässer, aus dem in
den nächsten Monaten das Dorf
von Agathe und Max wachsen wird.
Acht Holzhäuser werden zurzeit
in der Montagehalle der Bregenzer
Festspiele gebaut. Darunter das
Wirtshaus, eine Mühle mit einem
sich drehenden Mühlrad, Agathes
kleines Häuschen und der schiefe
Kirchturm, mit zehn Metern das
höchste Gebäude. Sie sind Schauplätze
mit Überraschungseffekten,
verbergen aber auch Lautsprecher
und Bühnentechnik.
Wenn sich zur Premiere am 17. Juli
zum ersten Mal die Zeiger der Uhr
auf dem aus dem Wasser ragenden
Kirchturm rückwärts bewegen
und den Beginn einer Zeitreise
Direkt vor der ersten Reihe der Seetribüne entsteht als Teil des Bühnenbilds
ein 1.400 Quadramteter großes Wasserbecken. Im April wird das Bassin geflutet,
um die Freischütz-Szenerie mit dem Bodensee verschmelzen zu lassen.
9

SPIEL AUF DEM SEE
Spielen mit den Elementen: Mit dem künstlichen Wasserbecken lassen sich erstmals
die natürlichen Schwankungen des Bodenseepegels kontrollieren. Für die von Regisseur
und Bühnenbildner Philipp Stölzl ausgedachten Feuereffekte wird im Team der
Festspieltechniker:innen noch ein wenig getüftelt.
SPIEL AUF DEM SEE
DER FREISCHÜTZ
Carl Maria von Weber
ten das Wasser sauber. Zum ersten
Mal geflutet wird das Becken im
April, »dann wird man sehen«, sagt
Urstadt, »ob noch Verbesserungen
nötig sind.«
Während der Aufführung soll
das Wasserbecken wie eine Sumpflandschaft
aussehen. Wie wird
aus reinem Seewasser eine schlammige
Brühe? Nichts leichter als
das, würde man vermuten, man
könnte doch Sediment aus dem
See nehmen. Ähnliches habe man
im Team überlegt, sagt Wolfgang
Urstadt: »Wir haben gleich gemerkt,
dass das Einbringen von
Sedimenten kontraproduktiv wäre.
Es würden sich Algen ansiedeln,
der Boden würde rutschig, mechanische
Bauteile würden verschmutzt
und zerstört. Dazu kommt, dass
wir strenge Behördenauflagen zum
Schutz des Bodensees haben.«
Wie lässt man nun den Eindruck
einer Sumpflandschaft entstehen?
»Durch das Generieren von Nano-
bläschen, die wir mit Hochleistungspumpen
einbringen. Diese Technik
kennt man eigentlich aus der Abwasserreinigung
in Kläranlagen.
Für uns haben die Bläschen den
Effekt, dass sie das Wasser trüb
erscheinen lassen.« Nebelmaschinen
und Beleuchtung werden diesen
Effekt verstärken.
Wasser ist nicht das einzige Element,
mit dem sich das Technikteam
intensiv auseinandersetzen
muss. Beim Freischütz hat ja bekanntlich
der Teufel seine Hand
mit im Spiel und wo der Teufel,
da ist Feuer. Brennen muss es
auch im mittelalterlichen Dorf.
Feuersbrünste werden die Szenerie
noch dramatischer machen.
Rückstandslos, ohne Schlieren und
Asche im Wasser zu hinterlassen,
wird es im Sumpf brennen. Über die
Details spricht Wolfgang Urstadt
nicht, noch befinde man sich in der
pyrotechnischen Testphase und
außerdem: Alles soll ja noch nicht
verraten werden.
Musikalische Leitung
Enrique Mazzola, Erina Yashima
Insze nie rung | Bühne Philipp Stölzl
Kostüme Gesine Völlm
PREMIERE
17. Juli 2024 – 21.15 Uhr
WEITERE VORSTELLUNGEN
19., 20., 21., 23., 24., 25., 26., 27.,
28., 30., 31. Juli – 21.15 Uhr
1., 2., 3., 4., 6., 7., 8., 9., 10.,
11., 13., 14., 16., 17., 18. August –
21.00 Uhr
Seebühne | Festspielhaus,
Großer Saal
LIVE DABEI
Der Baufortschritt auf der
Seebühne lässt sich über eine
Aussichtsplattform auf der Tribüne
und via Webcam mitverfolgen.
10

FREISCHÜTZ-FANS
DER ERSTEN STUNDE
Oper leicht
gemacht
Quasi im Alleingang legte
Carl Maria von Weber am
18. Juli 1821 den Grundstein
für die deutsche romantische Oper.
Am Ende der von ihm selbst dirigierten
Uraufführung des Freischütz
brach das Publikum im neu eröffneten
Königlichen Schauspielhaus
Berlin in begeisterten Jubel aus,
bereits davor mussten die Ouvertüre
und das Lied der Brautjungfern
wiederholt werden. Menschen
sangen die Lieder auf den Straßen
und pfiffen von Webers Melodien.
Die deutsch gesungene Oper mit
ihrer volksmärchenhafte Handlung
traf das Herz und den Stolz einer
ganzen Nation. In den ersten zwei
Jahrzehnten nach der Uraufführung
wurde Der Freischütz allein in
Berlin rund 200-mal gespielt und
hielt Einzug in die Spielpläne der
Opernhäuser von Paris bis Moskau.
Ein begeisterter Besucher einer
Aufführung in Mannheim war der
Rittmeister Alois Spraul. 1823 maßgeblich
an der Gründung eines
»Belustigungsorts« unweit der
Domstadt Speyer beteiligt, ließ
er seine Begeisterung für den
Freischütz in die geplanten Attraktionen
einfließen. So ist im
Kaiserl. Königl. Oesterreichischen
Amts- und Intelligenz-Blatt von
Salzburg (1825) von einem »hüb-
schen, romantischen Wäldchen«
zu lesen, »mit allerley artigen
Anlagen, und mit mannigfaltigen
Erfrischungshäusern«. Benannt
waren die Wirtshäuser nach
Figuren und Schauplätzen
aus dem Freischütz: »Das eine
Wirthshaus darin nennt sich
Samiel, das andere der Erbförster
Kuno […]. Samiel soll vorzüglich
kochen, der Erbförster
das beßte Wildpret haben, der
Eremit vortreffliche Fastenspeise
(Fisch, Eierkuchen &c.)
zubereiten.« Der Vergnügungspark
lockte mit zahlreichen
»Belustigungen« wie Hahnenschlag
(einer Art Topfklopfen)
und Sacklaufen sowie mit Pferderennen,
Tontaubenschießen,
Tanzveranstaltungen und einer
Freilicht-Theaterbühne.
Während der Freischütz als
Vergnügungspark längst
Geschichte war, erfreute sich
das Stück auf der Bühne weiterhin
großer Beliebtheit und
gilt noch heute als eine der
populärsten Opern im deutschsprachigen
Raum. Und vielleicht
tragen diesen Sommer auch die
Besucher:innen der Bregenzer
Festspiele auf ihrem Heimweg
die Melodien über die Seeanlagen
bis nach Hause …
Dass man für einen Opernbesuch
weder große Roben
noch ein Studium braucht,
hat sich inzwischen glücklicherweise
herumgesprochen. Das beweisen
die rund 200.000 Besucher:innen
der Bregenzer Festspiele Jahr für
Jahr aufs Neue. Besonders das
Spiel auf dem See steht für den
Grundgedanken des Festivals:
qualitätsvolle Opern möglichst vielen
Menschen zugänglich zu machen.
Entsprechend unterschiedlich sind
auch die Besucher:innen: Junge Paare,
unternehmungslustige Senior:innen,
kulturaffine Opernkenner:innen
und Menschen mit der simplen Freude
am großen Freiluftspektakel kommen
hier zusammen. Und ohne die
cineastische Illusion rauben zu wollen:
Anders als im James-Bond-Film
Ein Quantum Trost dargestellt, in
dem 007 Bösewichte über das Festspielareal
jagt, kleiden sich längst
nicht alle in glitzernde Abendkleider
und Smokings – die sind tatsächlich
eher selten zu finden. Dresscode gibt
es keinen, und nachdem es abends
am See auch mal kühler werden
kann, empfehlen die Bregenzer Festspiele
ihrem Publikum im Zweifelsfall
warme und wetterfeste Kleidung.
Echte Seebühnen-Expert:innen
machen es sich mit einem Sitzkissen
auf der Tribüne gemütlich und sind
mit kühlendem Fächer und leichten
Decken für alle Eventualitäten gerüstet.
Diese »Festspiel-Grundausstattung«
ist neben allerlei anderen Artikeln
im Shop des Festivals erhältlich.
So lässt sich Festspielatmosphäre
auch mit nach Hause nehmen.
DER FREISCHÜTZ | SHOP
11

»So viele Menschen,
die auf denselben
Moment hören,
im selben Moment
erschrecken, lachen,
das ist ein Kraftwerk
an Gefühlen, die sich
unter freiem Himmel
wie ein Schwarm
zusammenfinden.«
PHILIPP STÖLZL,
REGISSEUR UND BÜHNENBILDNER DER FREISCHÜTZ

Gute Unterhaltung wünschen die Hauptsponsoren

OPER IM FESTSPIELHAUS
14

AUF
ROSSINIS
SPUREN
TANCREDI
Mit Gioachino Rossini fing alles an. Mit seiner Musik begann Yi-Chen Lin ihre
Karriere als Dirigentin und entwickelte unter Altmeister Alberto Zedda ein
Gespür für die lebendige Orchestrierung und schwungvollen Rhythmen, die den
Komponisten so populär machten. Bei den Bregenzer Festspielen dirigiert sie
erstmals eine seiner ernsten Opern: Tancredi, eine packende Geschichte über
Liebe, Vertrauen und die Unmöglichkeit, in Krisenzeiten glücklich zu werden.

Sie feierten Anfang des Jahres
an der Lyric Opera of Chicago
Ihr erfolgreiches US-Debüt als
Dirigentin von Gioachino Rossinis
La Cenerentola. Bei den Bregenzer
Festspielen folgt mit Tancredi
Rossinis erste Opera seria, die ihn
in die höchste Liga der italienischen
Komponisten hievte.
OPER IM FESTSPIELHAUS
Yi-Chen Lin: Mit Tancredi hat Rossini
begonnen, neue Welten zu erkunden.
In der Komik hat er sich wohlgefühlt
und nun – erst 20 Jahre alt – komponierte
er diese ernste Oper. Für
die Uraufführung in Venedig gestaltete
er einen heiteren Schluss, fast
wie in einer klassischen Komödie.
Doch schon die nächste Aufführungsserie
in Ferrara erhielt ein tragisches
Ende. Dieses haben wir für
Bregenz ausgewählt, weil es sowohl
den Regisseur Jan Philipp Gloger als
auch mich mehr gereizt hat. Ich finde
das Finale musikalisch großartig und
unglaublich berührend.
Tancredi wird im Kampf tödlich
verwundet und erfährt in den letzten
Atemzügen, dass seine Geliebte
Amenaide ihm entgegen seiner
Mutmaßung doch treu war.
Mit diesem Wissen kann er in
Frieden sterben, das Stück endet
in C-Dur. Es spielen nur mehr
wenige Instrumente und die Musik
wird immer leiser. Tancredi stirbt
wie eine Kerze, die ausgeht. Das hat
eine unschlagbare Wirkung …
… und erinnert ein wenig an Mimì in
Giacomo Puccinis Oper La bohème,
die über 80 Jahre später uraufgeführt
wurde. In Tancredi finden sich
neben wunderbar lyrischen Phrasen
Momente höchster melodramatischer
Intensität.
Nach zwei Jahren als Dirigentin beim Spiel auf dem See Madame Butterfly kehrt
Yi-Chen Lin 2024 für die Oper im Festspielhaus Tancredi nach Bregenz zurück.
In den einzelnen Arien brillieren die
Sänger:innen mit ihren Fähigkeiten.
Außerdem gibt es äußerst virtuose
Duette. Ein besonderes Juwel ist
das erste Duett. Wenn sich Tancredi
und Amenaide nach der langen Zeit
des Getrenntseins endlich wiedersehen,
scheint in diesem langsamen
Duett die Zeit stehenzubleiben.
Das kann man richtig genießen.
Die Chorstellen sind ebenfalls bemerkenswert
und fast musikalische
Vorreiter von Verdi. Ferner zeichnet
sich Rossini dadurch aus, Naturphänomene
klanglich umzusetzen.
Im Orchestervorspiel zu Tancredis
berühmter Auftrittsarie »Di tanti
palpiti« hört man das Boot, mit
dem er ankommt, im Wasser rhythmisch
ruckeln. Das finden wir
später in Giuseppe Verdis Simon
Boccanegra wieder.
Rossini prägte Ihr Leben als Dirigentin.
Sie wurden in Pesaro vom
Rossini-Experten Alberto Zedda
ausgebildet, traten beim dortigen
Festival auf und haben seither jede
Menge Opern des italienischen
Komponisten aufgeführt.
Tatsächlich war Zedda als Gründer
und Leiter des Rossini Opera
Festivals in Pesaro der Erste, der
mich als Dirigentin engagierte,
und so begann meine Karriere
mit Rossini. Zedda gab an der
Akademie drei Wochen lang Kurse,
16
bevor wir mit den Proben begonnen
haben. Da durfte ich an seiner
Seite sein, habe seine Liebe und
Leidenschaft zu Rossini hautnah
mitbekommen und viel von ihm
gelernt: wie man maßgeschneiderte
musikalische Verzierungen für die
Sänger:innen gestaltet, wie man Gespür
für das Leichtfüßige bei Rossini
entwickelt – und wie man richtig
Pasta kocht. Tancredi ist übrigens
die erste Opera seria von Rossini, die
ich dirigiere.
Als Dirigentin sind Sie in Bregenz
bereits bekannt – Sie haben Enrique
Mazzola zwei Jahre beim Spiel auf
dem See Madame Butterfly unterstützt,
leiteten Proben und Vorstellungen.
Wie waren die außergewöhnlichen
Bedingungen auf der Seebühne
für Sie?
Generell bedeutet mir Madame
Butterfly sehr viel – sie war im
Teenageralter mein Lieblingstitel
von Puccini und lange Zeit
überhaupt meine Lieblingsoper.
Ich komme aus Taiwan und kann
kulturell bedingt gut nachvollziehen,
was in der Geschichte passiert.

Doch auf die unfassbare Dimension
der Seebühne musste ich mich erst
einstellen. Als Zweitdirigentin hatte
ich den Vorteil, nicht die Gesamtverantwortung
zu tragen. Ich konnte
helfen und beraten, aber ganz
ohne Druck. Eine Besonderheit des
Spiels auf dem See ist ja, dass das
Orchester im Großen Saal des Festspielhauses
spielt und live übertragen
wird. Ich war überrascht, wie
gut der Kontakt via Monitore nach
draußen zu den Sänger:innen auf
der Seebühne funktioniert. Einmal
hörte ich merkwürdiges Räuspern
über den Lautsprecher und machte
mir Sorgen, doch später erfuhr ich,
dass die Sängerin eine Mücke im
Mund hatte.
Sie dirigierten in den vergangenen
zwei Festspielsommern insgesamt
26 Vorstellungen von Madame
Butterfly. Gab es ein besonders eindrückliches
Erlebnis?
Ja, mein allererstes Dirigat. Es war
die Generalprobe und als ich zum
Festspielhaus kam, sah ich die vielen
Menschen am Vorplatz und war
erst einmal geschockt. Fünf Minuten
lang hatte ich echt Bammel.
Während der Vorstellungen fehlte
es mir aber dann doch, das Publikum
zu spüren, das ja draußen auf
der Tribüne saß. Umso schöner
war es, am Ende auf die Seebühne
zu kommen und die Zuschauer:innen
beim Applaus endlich zu sehen.
Die beiden Festspielsommer waren
einzigartige Erfahrungen und ich
freue mich sehr, mit Tancredi noch
ein weiteres Jahr in Bregenz sein
zu dürfen!
Wie wurde in Ihnen der Wunsch
geweckt, Dirigentin zu werden?
Meine Mutter war Sopranistin.
Sie hat mit 15 Jahren im Radio in
Taiwan Johann Strauss’ Die Fledermaus
gehört und war so begeistert
von der Musik, dass sie nachforschte,
woher sie kommt. Daraufhin gab
sie drei Jahre Klavierunterricht,
um sich das Flugticket leisten zu
können und flog zum Studium nach
Wien. Dort hat sie meinen Vater,
einen Musiktheoretiker, kennengelernt.
Zurück in Taiwan hatte sie,
als ich sechs oder sieben Jahre alt
war, den Wunsch, ihren Kindern für
ein, zwei Jahre die Kultur zu zeigen,
die sie so liebt und so sind wir gemeinsam
nach Wien gegangen – wo
meine Familie bis heute lebt.
Meine zwei Geschwister und ich
haben von Kindheit an Musik gemacht.
Ich lernte Klavier bei Leonid
Brumberg, einem Schüler von
Heinrich Neuhaus und Dmitri
Schostakowitsch. Er hat mir beigebracht,
dass in den Klavierklängen
auch die Töne der Violine, der
Oboe, der Bässe stecken. Irgendwann
reichen Klavier und Geige
aber nicht mehr, um die Wirkung
zu erzeugen, die man sich vorstellt.
Mit einem ganzen Orchester gibt
es einfach mehr Möglichkeiten, mit
Klangfarben zu spielen. Also wählte
ich das Doppelstudium von Violine
und Dirigat.
Nach Abschluss des Studiums wirkten
Sie parallel als Geigerin in der
Orchesterakademie der Oper Zürich,
als Korrepetitorin in Valencia und
als Dirigentin. Wann fiel der Fokus
aufs Dirigat?
Ich habe in Zürich wichtige Erfahrungen
gesammelt und unter den
Meistern Zubin Mehta, Bernard
Haitink, Christoph von Dohnányi
und Franz Welser-Möst im Orchester
gespielt. 2019 wurde mir klar:
Jetzt muss eine Seite die Oberhand
gewinnen. So habe ich mich entschlossen,
ausschließlich Dirigentin
zu sein, war von 2020 bis Frühjahr
2023 an der Deutschen Oper Berlin
die Assistentin des Generalmusikdirektors
und arbeite seitdem freiberuflich.
Eine hoffentlich bald überflüssige
Frage: Haben Sie die Erfahrung
gemacht, als Frau am Pult unter
Vorbehalt zu stehen?
Vorbehalte gibt es allerlei. Gegen
junge Menschen am Pult. Gegen
Asiat:innen am Pult. Gegen Männer
am Pult. Gegen Frauen am Pult.
Letzteres ist jetzt sehr im Fokus.
Deshalb genießen wir als Frauen
momentan ein bisschen das Privileg,
manchmal bevorzugt zu werden,
damit gezeigt wird, dass ein Wandel
stattfindet. Das ist an sich eine gute
Sache. Aber ich persönlich würde
es noch mehr gutheißen, wenn
ich nur angefragt werde, weil die
Leistung stimmt und nicht, weil ich
eine Frau bin, wofür ich nichts kann.
Letztendlich geht es doch darum,
den Job gut zu machen und meine
Erfahrung ist: Wenn man zusammen
musiziert und alle sind mit an Bord,
dann zählt ohnehin nur die Qualität.
OPER IM FESTSPIELHAUS
TANCREDI
Gioachino Rossini
Musikalische Leitung
Yi-Chen Lin
Insze nie rung Jan Philipp Gloger
Bühne Ben Baur
Kostüme Justina Klimczyk
PREMIERE
18. Juli 2024 – 19.30 Uhr
WEITERE VORSTELLUNGEN
21. Juli – 11.00 Uhr
29. Juli – 19.30 Uhr
Festspielhaus | Großer Saal
TANCREDI
17

DAS FESTSPIELJAHR
IM ÜBERBLICK
EINBLICKE
OPER IM FESTSPIELHAUS
SPIELPLAN 2024
OPERNATELIER – EINBLICK 3
Einblicke in die Entstehung und die Musik
der neuen Oper Hold Your Breath
28. Mai – 19.00 Uhr
SCHAUSPIEL
BURGTHEATER ZU GAST
DER MENSCHENFEIND
Molière
Inszenierung Martin Kušej
30. März – 19.30 Uhr
31. März – 16.00 Uhr
DEUTSCHES THEATER BERLIN ZU GAST
DER ZERBROCHNE KRUG
Heinrich von Kleist
Inszenierung Anne Lenk
18., 19. Juni – 19.30 Uhr
THEATER KOSMOS
MONDMILCH TRINKEN
Josef Maria Krasanovsky
Inszenierung | Bühne Josef Maria Krasanovsky
1., 3., 4. August – 20.00 Uhr
SPIEL AUF DEM SEE
DER FREISCHÜTZ
Carl Maria von Weber
Musikalische Leitung Enrique Mazzola, Erina Yashima
Inszenierung | Bühne Philipp Stölzl
17., 19., 20., 21., 23., 24., 25., 26., 27., 28.,
30., 31. Juli – 21.15 Uhr
1., 2., 3., 4., 6., 7., 8., 9., 10., 11., 13., 14., 16.,
17., 18. August – 21.00 Uhr
TANCREDI
Gioachino Rossini
Musikalische Leitung Yi-Chen Lin
Inszenierung Jan Philipp Gloger
18., 29. Juli – 19.30 Uhr
21. Juli – 11.00 Uhr
WERKSTATTBÜHNE
UNMÖGLICHE VERBINDUNG
Ondřej Adámek
Musikalische Leitung Ondřej Adámek
Inszenierung Thomas Fiedler
27., 28. Juli – 20.00 Uhr
HOLD YOUR BREATH
Éna Brennan | Hugo Canoilas | David Pountney
Musik Éna Brennan
Inszenierung David Pountney
Raum | Kostüme Hugo Canoilas
15., 17. August – 20.00 Uhr
THEATER AM KORNMARKT
FRANUI ZU GAST
HOTEL SAVOY
Musicbanda Franui
Musikalische Leitung Andreas Schett
Inszenierung Corinna von Rad
21., 23., 24. Juli – 19.30 Uhr
OPERNSTUDIO AM KORNMARKT
DER EHEVERTRAG
Gioachino Rossini
GIANNI SCHICCHI
Giacomo Puccini
Musikalische Leitung Leo McFall
Inszenierung Brigitte Fassbaender
12., 14., 16., 17. August – 19.30 Uhr

Das ausführliche Programm der Bregenzer
Festspiele 2024 finden Sie auf unserer
Website www.bregenzerfestspiele.com.
KONZERTE
WIENER SYMPHONIKER 1
Dirigentin Giedrė Šlekytė
Violoncello Kian Soltani
Robert Schumann Konzert für Violoncello und
Orchester a-Moll, op. 129
Gustav Mahler Symphonie Nr. 1 (»Titan«) D-Dur
22. Juli – 19.30 Uhr
WIENER SYMPHONIKER 2
Dirigent Enrique Mazzola
Klarinette Sabine Meyer
Emilie Mayer Faust-Ouvertüre, op. 46
Carl Maria von Weber Konzert für Klarinette
und Orchester Nr. 1 f-Moll, op. 73
Modest Mussorgski Eine Nacht auf dem kahlen
Berge. Symphonische Dichtung für Orchester
Igor Strawinski Der Feuervogel. Ballettsuite für
Orchester (1945)
28. Juli – 11.00 Uhr
WIENER SYMPHONIKER 3
Dirigent Petr Popelka
Prager Philharmonischer Chor
Carl Maria von Weber Ouvertüre zur Oper Euryanthe
Robert Schumann Symphonie Nr. 3 (»Rheinische«)
Es-Dur, op. 97
Thomas Larcher Love and the Fever für Chor und
Orchester nach acht Gedichten von Miyazawa Kenji
5. August – 19.30 Uhr
ORCHESTERAKADEMIE
der Bregenzer Festspiele und der Wiener
Symphoniker in Zusammenarbeit mit der
Stella Vorarlberg Privathochschule für Musik
Dirigent Daniel Cohen
Sopran Marlis Petersen
Arnold Schönberg Kammersymphonie Nr. 1 für
großes Orchester, op. 9b
Richard Strauss Ausgewählte Orchesterlieder
Béla Bartók Konzert für Orchester, Sz 116
11. August – 11.00 Uhr
SYMPHONIE ORCHESTER VORARLBERG
Dirigent Leo McFall
Violine Franziska Hölscher
Antonín Dvořák Carneval. Ouvertüre für großes
Orchester, op. 92
Ondřej Adámek Follow me. Konzert für Violine
und Orchester
Ludwig van Beethoven Symphonie Nr. 6 (Pastorale)
F-Dur, op. 68
18. August – 11.00 Uhr
JUNGE FESTSPIELE
PINOCCHIO
Christof Dienz
Inszenierung Jevgenij Sitochin
Für Familien: 22. Juni – 18.00 Uhr
23. Juni – 11.00 Uhr
Für Schulen: 24., 25., 26., 27. Juni – 10.00 Uhr
SPIELPLAN 2024
KONZERT IM KUB
THE PRESENT
Sopran Hanna Herfurtner, Olivia Stahn
Alt Bernadette Beckermann
Tenor Tim Karweick
Bass Felix Schwandtke
6. August – 21.00 Uhr
ZIRKUS LUFT-I-KUSS
Dirigenten Martin Schelling, Mathias Schmidt
Sprecher George Nussbaumer
Musiker:innen des Vorarlberger Blasmusikverbandes
Für Familien: 2. Juni – 11.00 Uhr
Für Schulen: 3. Juni – 10.00 Uhr

SERIE: DIE KOMPONIST:INNEN DER ORCHESTERKONZERTE
VON TALENT UND
TATENDRANG
ORCHESTERKONZERTE
Am 2. September 1850 traf
Robert Schumann zusammen
mit seiner Frau, der
Klaviervirtuosin Clara Schumann,
und seinen Kindern in Düsseldorf
ein. Es war ein herzlicher Empfang,
den die Bevölkerung und das Konzertdirektorium
des Allgemeinen
Musikvereins dem 40-jährigen
Komponisten und neuernannten
Musikdirektor der Stadt bereitete.
Wenige Tage später folgte ein großer
Festakt zu Ehren des »bedeutendsten
aller lebenden deutschen Instrumentalkomponisten«.
Für Schumann
war die Ernennung zum städtischen
Musikdirektor von Düsseldorf in
der Nachfolge seines Freundes
Ferdinand Hiller der langersehnte
Ritterschlag. Vergessen waren
die erfolglose Bewerbung als musikalischer
Leiter der Gewandhauskonzerte
in Leipzig, die kargen
Jahre in Dresden, die zwiespältige
Aufnahme seiner Oper Genoveva
und die Quälereien um die letztlich
gerichtlich gegen den Willen des
Vaters Friedrich Wieck durchgesetzte
Eheschließung mit Clara.
Der unentdeckt an Syphilis erkrankte
Komponist mit labiler Gesundheit
konnte seine erste und einzige feste
Anstellung als professioneller Musiker
antreten.
Als Musikdirektor oblag Schumann
die Direktion des städtischen Orchesters,
des Gesangsvereins sowie
die Leitung der zehn Abonnementkonzerte
der Wintersaison. Hinzu
kamen Aufführungen von kirchenmusikalischen
Werken an hohen
Festtagen in den beiden katholischen
Kirchen der Stadt sowie die
Mitwirkung am Niederrheinischen
Musikfest, das Düsseldorf gemeinsam
mit den Städten Köln und
Aachen alljährlich austrug.
Die neue Position führte bei
Schumann zu einem regelrechten
Kreativitätsschub. Zahlreiche
Werke entstanden, darunter auch
die innerhalb von zwei Monaten
komponierte und orchestrierte
Symphonie Nr. 3 (»Rheinische«)
Es-Dur, op. 97, ein Standardwerk
der romantischen Orchesterliteratur.
Zur Aufführung gelang sie
am 6. Februar 1851. Der populäre
Beiname des mit volksmusikalischen
Elementen spielende Werk stammt
allerdings nicht von Schumann
selbst, sondern von seinem ersten
Biographen Wilhelm Joseph von
Wasielewski – angeblich in Anlehnung
an Schumanns Äußerung,
dass das Werk durch den Eindruck
inspiriert sei, den der noch unvollendete
Kölner Dom auf ihn gemacht
habe. Ebenfalls innerhalb kürzester
Zeit komponierte Schumann sein
Cellokonzert a-Moll. Doch anders
als die »Dritte« fand das Stück mit
seinen vielen Charakterwechseln
und dem skurrilen Finale zunächst
wenig Anklang – oder es war dem
Widmungsträger Emil Bockemühl
schlicht zu schwer, der eine Einstudierung
ablehnte. Eine Uraufführung
zu Lebzeiten des Komponisten
kann bis heute nicht
nachgewiesen werden.
Der Schaffensüberschwang
der ersten Monate sollte allerdings
schnell wieder verfliegen:
Der Chor und die Orchestermusiker
beschwerten sich zunehmend
über Schumanns Dirigat, dieser
Die vier Orchesterkonzerte des
kommenden Festspielsommers
lassen den Reichtum der Musik
vom 19. Jahrhundert bis in die
Gegenwart aufleben, unter anderem
mit Werken von Robert Schumann
und Emilie Mayer.
Das detaillierte Programm finden
Sie in der Heftmitte.
20

Zugabe!
wiederum über die administrativen
Aufgaben. Immer wieder traten
bei ihm psychische Störungen
auf, mutmaßlich zurückzuführen
auf seine Syphiliserkrankung.
Am Rosenmontag 1854, drei Jahre
nach der umjubelten Uraufführung
der »Rheinischen«, versuchte er,
sich in der Morgendämmerung
im Rhein das Leben zu nehmen.
Fischer zogen ihn aus dem Fluss,
anschließend wurde er in die Nervenheilanstalt
Endenich bei Bonn
eingeliefert, die er bis zu seinem
Tod zweieinhalb Jahre später nicht
mehr verlassen sollte.
Die Kunst scheint das Gebären
des Mannes zu sein, das
Trennungsphänomen vom
Koitus, von der innigen Vereinigung
der Liebe«, behauptete 1803 der
Philosoph Friedrich Schlegel, nur
um anschließend zu postulieren:
»Das Weib gebiert Menschen, der
Mann das Kunstwerk.« Schlegel
fasst in dieser für uns heute absurden
Aussage das radikal polare Geschlechtermodell
vieler Aufklärer
zusammen, das sich um 1800 endgültig
durchgesetzt hat: Männer
seien dazu berufen, in der Öffentlichkeit
aufzutreten. Dafür habe
sie die Natur mit Verstand, Kreativität
und Kampfgeist ausgestattet.
Die Aufgabe der Frau hingegen sei,
dem Mann zu dienen und Kinder
zu bekommen. Ihr Lebensraum sei
das Private – und daher brauche
sie auch keine besondere Bildung.
Angesichts dieser Geisteshaltung
ist es nicht verwunderlich, dass
im 19. Jahrhundert kaum Instrumentalistinnen
oder Komponistinnen
ausgebildet wurden. Dass die
Familie von Emilie Mayer, am
14. Mai 1812 im mecklenburgischen
Friedland geboren, ihr Talent nicht
unterdrückte, sondern aktiv förderte,
ist folglich die berühmte
Ausnahme von der Regel.
Mit weitreichenden Folgen:
Emilie Mayer sollte nie heiraten
und bis ins hohe Alter ein außergewöhnlich
selbstbestimmtes
Leben führen. Sie nahm Unterricht
bei den führenden Pädagogen
ihrer Zeit und gab sich nicht
mit der Komposition von Liedern
zufrieden, sondern veröffentlichte
in den »männlichen« Gattungen
Symphonie, Konzertouvertüre,
Streichquartett und Sonate.
Sie avancierte so zu einer der
bedeutendsten Komponistinnen
des 19. Jahrhunderts und erhielt,
als fragwürdiges Kompliment,
den Beinamen »Der weibliche
Beethoven«.
Am Ende ihres Lebens im Alter
von 70 Jahren widmete sie sich
Johann Wolfgang von Goethes
Faust. Doch anders als im originalen
Schauspiel, in der Faust-
Symphonie von Franz Liszt oder
der Faust-Ouvertüre von Richard
Wagner lag ihre Sympathie bei
aller dramatisch aufgewühlten
Musik nicht bei dem intellektuellen
Lüstling, sondern bei
Gretchen. So ist auch als einzige
Regieanweisung in ihrer Partitur
zu lesen: »Sie ist gerettet.«
Zwei Jahre nach der erfolgreichen
Uraufführung ihrer
Faust-Ouvertüre starb Emilie
Mayer 1883 in Berlin und geriet
in Vergessenheit. Dank den
intensiven Forschungen von
Musikwissenschaftlerinnen und
Historikerinnen entdeckt man
sie heute wieder neu.
Die Orchesterkonzerte werden
präsentiert von
Zu Lebzeiten galt sie als
»weiblicher Beethoven«.
Dann geriet sie in Vergessenheit:
die Komponistin Emilie Mayer.
Im Vergleich zu einigen ihrer Zeitgenossinnen,
wie Clara Schumann,
war sie finanziell unabhängig und
konnte sich ganz auf ihre Musik
konzentrieren. Selbst die Männerwelt
stand hinter ihr. So schuf sie
unzählige Werke in einer Zeit, die
sich selbst der Produktivität verschrieben
hatte: Die Industrialisierung
im 19. Jahrhundert war
in vollem Gange.
Die Erfindung der Dampfschifffahrt
revolutionierte das Transportwesen
und neue technische
Errungenschaften erleichterten
die Röstung sowie die Zubereitung
des Bohnenkaffees. Ob Emilie
Mayer das Getränk als Zugabe zu
kleinen Häppchen auch in ihrem
Berliner Salon reichte, der viele
Künstler:innen und Musiker:innen
anzog, wissen wir nicht. Aber eines
ist sicher: Kaffee ist immer eine
gute Idee.
Dallmayr wünscht Ihnen viel
Genuss und eine wunderbare
Festspielzeit.
PARTNER DER BREGENZER FESTSPIELE
21

BURGTHEATER ZU GAST
22

»DOPPELMORAL
UND HEUCHELEI
VERGIFTEN UNSER
DER MENSCHENFEIND
MITEINANDER«
Die ungeschminkte Wahrheit ist kein schöner Anblick. Alceste, Molières
berühmter Menschenfeind, ist trotzdem leidenschaftlich ehrlich – und bezahlt
dafür einen hohen Preis. Das Burgtheater bringt die kluge Komödie in einer
außergewöhnlichen Inszenierung seines Direktors Martin Kušej nach Bregenz.
Im Interview verrät der Regisseur, weshalb das Werk heute noch so aktuell ist
wie vor 358 Jahren, welche Rolle die Bundeshauptstadt dabei spielt und warum
er einen ganz besonderen Draht nach Vorarlberg hat.

BURGTHEATER ZU GAST
Molières Der Menschenfeind
ist eine Komödie: Herr
Kušej, macht es eigentlich
auch Spaß, dabei Regie zu führen?
Martin Kušej: Ja, ich hatte viel Freude
an dieser Inszenierung. Das lag
unter anderem an dem großartigen
Ensemble, an der langjährigen
und vertrauensvollen Zusammenarbeit
mit Bühnenbildner Martin
Zehetgruber, Kostümbildnerin
Heide Kastler und Bert Wrede für
Musik und Sound – und natürlich
an dem Stoff und dem Text in der
wunderbaren Übersetzung von
Hans Magnus Enzensberger.
Es ist Ihre erste Inszenierung von
Molière. Was hat Sie gerade an
diesem Stück gereizt?
Entscheidend ist die Spannung, die
zwischen der Gesellschaft, ihrer
Heuchelei und Oberflächlichkeit
und Alcestes Ideal der unbedingten
Aufrichtigkeit und Wahrhaftigkeit
besteht. Seine radikale Weigerung,
sich den gesellschaftlichen Spielregeln
anzupassen, und sein unbedingtes
Festhalten an Moral und
Wahrheit sind zugleich bewundernswert
und schmerzhaft, da
er sich damit einer existenziellen
Einsamkeit und Verlorenheit aussetzt.
Dabei darf nicht vergessen
werden, dass Alceste in seinem
Bestreben und in seiner Beharrlichkeit
natürlich auch sehr komisch
und lächerlich erscheint.
Letztendlich scheitert Alceste an
seinen hohen Ansprüchen. Ich halte
diese Ansprüche jedoch für unabdingbar
für unser gesellschaftliches
Zusammenleben. Doppelmoral und
Heuchelei vergiften unser Miteinander
und sind nicht zu rechtfertigen,
auch wenn man sich mit dieser
Meinung bisweilen ins Abseits zu
stellen scheint.
Aber hätten Sie Alceste gerne in
Ihrem Freundeskreis?
Ich habe persönlich eine große Sympathie
für ihn. Besonders wichtig
ist mir der Aspekt, der im Untertitel
des Stücks anklingt: Der verliebte
Melancholiker. Alcestes unglückliche
Liebesgeschichte gibt der
Situation eine ganz besondere Note,
mit der ich mich immer auch identifizieren
würde.
Neben Itay Tiran in der Hauptrolle
sind unter anderem auch Mavie
Hörbiger, Christoph Luser und
Markus Meyer im Festspielhaus zu
erleben. Wie haben Sie die künstlerische
Wechselwirkung in diesem
hochkarätigen Team empfunden?
Ich schätze das Ensemble des Burgtheaters
und die genannten Schauspieler:innen
enorm. Es ist sehr
inspirierend, mit diesen Persönlichkeiten
zusammenzuarbeiten.
Und wir hatten auch einfach eine
Menge Spaß bei den Proben.
Molière schrieb den Menschenfeind
mit der französischen Gesellschaft
in der Mitte des 17. Jahrhunderts
im Blick. Wie viel hat das mit uns
zu tun?
Unsere Gesellschaft ist heute eine
andere, allerdings scheinen gewisse
Strukturen, Wirkmechanismen
und gesellschaftliche Dynamiken
die Jahrhunderte zu überdauern.
In meiner Inszenierung zeige ich
bewusst die Parallelen zur Wiener
Gesellschaft auf – so wie ich sie jetzt
jahrelang wahrgenommen habe.
In dieser Ambivalenz wird Alceste
sehr unterschiedlich wahrgenommen:
Für die einen ist er ein aufrichtiger
Ehrenmann, für die anderen
ein selbstgefälliger Moralapostel?
Ich sehe beide Seiten an ihm und
nehme ihm seine ehrliche Aufrichtigkeit
und seine Verzweiflung ab.
Der mürrische Alceste (Itay Tiran) liebt die lebenslustige Célimène (Mavie Hörbiger).
Célimène mag zwar Alceste, liebt aber Partys. Eine komplizierte Ausgangslage für
eine Liebesbeziehung ...
24

Sie verwenden dazu die deutsche
Übersetzung von Hans Magnus
Enzensberger aus dem Jahr 1979.
Welche Rolle spielt die Musik des
deutschen Komponisten Bert Wrede?
Wie klingt sie?
Enzensberger hat meinen Intentionen
– nämlich eine heutige Großstadt
und ihre konkreten Personen
zu thematisieren – von allen Nachdichtungen
am besten entsprochen.
Seine Übersetzung ist voll Wortwitz
und verfügt über großen Einfallsreichtum.
Obwohl er in der traditionellen
Reim- und Versform schreibt,
gelingt es ihm, den Text in unsere
moderne Vergnügungsgesellschaft
zu transferieren.
Diese Nachdichtung haben Sie selbst
noch weiter adaptiert und für Ihre
Inszenierung maßgeschneidert.
Wie sind Sie dabei vorgegangen?
Bert Wredes Auftrag war es, einerseits
einen »Grund-Beat« zu schaffen
für diese permanenten Partys
und kollektiven Besäufnisse – und
dabei andererseits ganz konkret
mit Motiven umzugehen, die halt
mit Wien unauslöschlich zusammenhängen:
Trauermarsch, Donauwalzer,
Jägerball …
Das Burgtheater gastiert nun zum
vierten Mal bei den Bregenzer Festspielen,
als Regisseur waren Sie
dabei bereits 2022 mit Jean-Paul
Sartres Geschlossener Gesellschaft
vertreten. Verbindet Sie persönlich
noch mehr mit Bregenz?
BURGTHEATER ZU GAST
DER MENSCHENFEIND
Molière
Inszenierung Martin Kušej
Bühne Martin Zehetgruber
Kostüme Heide Kastler
DER MENSCHENFEIND
Es war mir wichtig, punktuell auch
aktuelle Bezüge zur österreichischen
Politik und den Figuren,
die hier das politische Klima bestimmen,
herzustellen. Auch das
Bühnenbild von Martin Zehetgruber
verstärkt den Effekt, dass der
Wiener Gesellschaft buchstäblich
der Spiegel vorgehalten wird.
In einem Spiegelraum multipliziert
sich Wiener Prunk – und darunter
gärt eine Jauchegrube …
Diese Jauche haben wir auch olfaktorisch
angedeutet und mit den Parfumcreateuren
Marie und Alexander
Urban zusammengearbeitet, die
den Raumduft »Le Misanthrope à
la ferme« (»Der Menschenfeind auf
dem Bauernhof«) kreiert haben.
Entstanden ist ein vielschichtiger
Duft – lassen Sie sich überraschen!
Haben Sie eine Lieblingsstelle,
ein Lieblingszitat?
Ich habe seit meinem Studium in
Graz immer noch eine Menge Freunde
im »Ländle«. Damals lebte ich
mit sieben Vorarlbergern in einer
Wohngemeinschaft … Insofern bin
ich auch sprachlich völlig fit für
»Gsi-Berg«.
In wenigen Monaten verabschieden
Sie sich vom Burgtheater: Wie blicken
Sie auf Ihre Amtszeit zurück?
Ich blicke ungern zurück – wie man
in meinem Buch Hinter mir weiß
nachlesen kann. Natürlich hatten
wir in den letzten Jahren sehr
schwierige und herausfordernde
Situationen zu meistern – im
Burgtheater wie in unserer ganzen
Gesellschaft. Diesen Job haben
wir verlässlich und gut gemacht.
Wir stehen gerade mitten in einer
erfolgreichen und spannenden letzten
Spielzeit. Vor mir liegt als nächstes
meine letzte Inszenierung von
Tennessee Williams’ Stück Orpheus
steigt herab.
Musik Bert Wrede
PREMIERE
30. März 2024 – 19.30 Uhr
WEITERE VORSTELLUNG
31. März – 16.00 Uhr
Festspielhaus | Großer Saal
Gastspiel des Burgtheaters
Hier geht es
zum Video-Trailer:
DER PODCAST DER
BREGENZER FESTSPIELE
HÖR-SPIELE
In der neuesten Folge
des Festspiel-Podcasts spricht
Dramaturg Florian Amort
über die Handlung und
Hintergründe von Molières
»Ihr nennts Gesellschaft, ich nenns
Metzgerei. / Tut, was ihr wollt, mir
ist es einerlei. / Das Messer hoch,
und macht einander nieder! / Ich
steige aus. Mich seht ihr hier nicht
wieder.« (Alceste)
Worauf freuen Sie sich am meisten
als Burgtheaterdirektor a. D.?
Auf jede Menge freie Zeit – vor allem
zum Reisen.
Der Menschenfeind.
25

OPER AUS
DER NÄHE
WERKSTATTBÜHNE
BEI HOLD YOUR BREATH AUF DER WERKSTATTBÜHNE
IST DAS PUBLIKUM EINGELADEN, DIE GESCHICHTE
AUS VERSCHIEDENEN PERSPEKTIVEN ZU ERLEBEN.
Ein immersives Erlebnis
versprechen
zahlreiche Computerspiele:
eintauchen in eine
Welt, die uns mit sämtlichen
Sinnen mitten ins Geschehen
zieht. Ganz ohne
Augmented-Reality-Brille
lädt im kommenden Sommer
eine neue Oper auf der
Werkstattbühne zu einer
besonderen immersiven
Erfahrung ein: Der Geschichte,
die mit Musik und
Spiel in einem einzigartigen
Raum erzählt wird, kann
das Publikum ganz nahekommen,
um sie im nächsten
Moment aus entfernter
Perspektive zu verfolgen.
Wer für Hold Your Breath
einen »Stehplatz – zum
Wandeln und unmittelbar
Erleben« bucht, gibt sich
selbst die Wahl, seine Wahrnehmung
immer wieder
zu verändern. Wie klingen
live gespielte Töne und
Klänge aus Lautsprechern
im gesamten Raum?
Hugo Canoilas, Éna Brennan und David Pountney beim
Einblick 2, im Gespräch mit Dramaturg Olaf A. Schmitt (v. l.)
Welche Energien verströmen
singende und tanzende
Körper? Und wie wirkt ein
visuelles Kunstwerk aus verschiedenen
Blickwinkeln?
Die Oper, die sich die
Komponistin Éna Brennan,
der bildende Künstler
Hugo Canoilas sowie der
Regisseur und Librettist
David Pountney ausgedacht
haben, handelt auch
von einem Oktopus, jenem
beeindruckenden Wesen,
das mit seiner Intelligenz,
Anpassungsfähigkeit
und komplexen Lebensweise
die Menschen seit
jeher fasziniert.
Vor mehreren Jahren
begann im Opernatelier
der Bregenzer Festspiele
und des Kunsthaus Bregenz
die intensive Zusammenarbeit
für diese Aufführung:
Seither beschäftigte sich
Hugo Canoilas mit diesem
wundersamen Tier in ver-
26

schiedenen Werken, die nun
auch Teil von Hold Your Breath
geworden sind. David Pountney
arbeitete weiter an seinem Text,
den Éna Brennan in Musik gesetzt
hat. Darin werden acht Instrumente
von Mitgliedern des Symphonieorchester
Vorarlberg an verschiedenen
Positionen im Raum gespielt:
Horn, Trompete, Posaune, Tuba,
Geige, Bratsche, Cello und Kontrabass.
Elektronische Klänge erweitern
dieses Spektrum. Fünf Sänger:innen
und drei Tänzer:innen
erzählen eine Geschichte, die auch
durch die Bewegung des umherwandelnden
Publikums entsteht: In einer
Gesellschaft, deren Leben emotionslos
von einzelnen Akteur:innen
organisiert wird, versucht eine junge
Frau, die Erinnerung an ihre Großmutter
wachzuhalten. Die Menschen
finden sich plötzlich mit einer Kreatur
konfrontiert, deren Bewegungen
alle ergreift und verändert.
Einige behaupten, dieses an einen
geheimnisvollen Oktopus erinnernde
Wesen geschaffen zu haben.
Was hat dieses Geschöpf mit den
Menschen selbst zu tun und haben
sie sein Leben in der Hand?
Bis diese Oper im kommenden
Festspielsommer ihre Uraufführung
erlebt, werden einzelne Elemente
in direkter Zusammenarbeit mit
Mitwirkenden und den Mitarbeiter:innen
in verschiedenen Abteilungen
im Festspielhaus weiter
konkretisiert. Hugo Canoilas liegt
der intensive Austausch mit den
Expert:innen in den technischen
Werkstätten der Bregenzer Festspiele
sowie der Kostümabteilung
besonders am Herzen: Hier werden
Materialien getestet, weiterentwickelt,
auch einmal verworfen und
neu gedacht. Éna Brennan arbeitete
bereits 2023 für das Konzert im
KUB mit einzelnen Musiker:innen
zusammen und intensiviert diese
enge Abstimmung Ende Mai, wenige
Monate vor der Uraufführung.
Einzelne Passagen ihrer Partitur
werden aufgenommen, von ihr
elektronisch verarbeitet und somit
Teil der Komposition, die dann
bei den Aufführungen zu hören
sein wird. Einige Stellen eröffnen
für die Musizierenden sogar Raum
für Improvisation.
Wie diese herausfordernde Idee
praktisch umgesetzt wird, ist
auch für das Publikum zu erleben:
Beim Einblick 3 im Seestudio des
Festspielhauses wird dies mit
ausgewählten Musiker:innen
erprobt. Dann ist auch die Choreographin
Caroline Finn zu erleben,
die das Publikum zum Wandeln
einladen wird. Um der immersiven
Opernerfahrung ein Stück näherzukommen
…
HOLD YOUR BREATH
Éna Brennan | Hugo Canoilas |
David Pountney
Musik Éna Brennan
Inszenierung David Pountney
Raum | Kostüme Hugo Canoilas
PREMIERE
15. August 2024 – 20.00 Uhr
WEITERE VORSTELLUNG
17. August – 20.00 Uhr
Werkstattbühne
In Zusammenarbeit mit dem
Kunsthaus Bregenz
OPERNATELIER – EINBLICK 3
Einblicke in die Entstehung
und die Musik der neuen Oper
Hold Your Breath.
28. Mai 2024 – 19.00 Uhr
Festspielhaus | Seestudio
27

»SOLANGE MAN TANZT
UND LEBT, GEHT ES
IRGENDWIE WEITER«
FRANUI ZU GAST
AUF VIELEN UMWEGEN KAMEN DIE MUSICBANDA FRANUI UND
DIE REGISSEURIN CORINNA VON RAD AUF JOSEPH ROTHS FRÜHEN
ROMAN HOTEL SAVOY. DARIN WIRD EIN HOTEL ZUR METAPHER
FÜR DIE DURCH DEN ERSTEN WELTKRIEG AUS DEN FUGEN GERATENE
WELT – DER PERFEKTE SCHAUPLATZ FÜR EINE HYBRIDOPERETTE
»MIT MAXIMALER HITDICHTE«.
Es geht um gestrandete Existenzen,
Träume und Hoffnungen –
und die größten Operettenhits
der Zeit von 1900 bis 1935: euer neues
Stück Hotel Savoy – Oder ich hol’ dir
vom Himmel das Blau. Wie kam es
zu dieser Zusammenarbeit und wie
entstand die Idee zu diesem Stück?
Andreas Schett: Wir haben schon
einmal vor mehr als zehn Jahren
bei den Kunstfestspielen Herrenhausen
und im Theater Basel ein
Musiktheater zusammen gemacht –
mit Texten von Robert Walser
und Musik sehr frei nach Robert
Schumann. Ich weiß nicht mehr
genau, wer bei der Entwicklung
unseres neuen Stücks zuerst das
Stichwort »Operette« gerufen hat.
Wir waren uns jedenfalls bald einig,
dass wir kein komplettes, bestehendes
Werk neu interpretieren
wollen, wir dachten eher an eine
Art »Hybridoperette«. Also haben
wir aus der sogenannten Silbernen
Operettenära bekannte Stücke von
Paul Abraham, Leo Fall, Franz Lehár,
Emmerich Kálmán, Oscar Straus,
Ralph Benatzky und anderen angehört,
aus jeder Operette jeweils die
größten Hits herausgenommen und
eine Playlist erstellt. Das ergab eine
maximale Hitdichte. Wir haben uns
allerdings auch gefragt: Ist es noch
auszuhalten oder werfen wir mit
Speck nach Mäusen? Und: Warum
eigentlich nennt man diese Epoche
»Silberne Ära«?
Nach kurzer Recherche stellte sich
heraus, dass es ein Kampfbegriff
der Nationalsozialist:innen war.
Sie wollten nach der sogenannten
Machtübernahme die mehrheitlich
jüdischen Komponisten und Librettisten
mundtot machen. Nahezu
alle mussten das Land verlassen
oder wurden in Konzentrationslagern
ermordet. Nur Franz Lehár
genoss einen besonderen Schutz,
da er Hitlers Lieblingsoperette
Die lustige Witwe geschrieben hatte.
Alle anderen wurden vertrieben
und vernichtet. In kürzester Zeit
wurde die komplette Unterhaltungsmusik
der Zeit völlig ausgelöscht!
Bis heute hat sich unser kulturelles
Gedächtnis davon nicht erholt.
Besonders berührt hat mich das
Schicksal des großen Paul Abraham:
In seinem New Yorker Exil, geistig
verwirrt, dirigierte er mit schneeweißen
Handschuhen inmitten der
dicht befahrenen Madison Avenue
ein imaginäres Orchester. Vor seiner
Flucht war er so unglaublich erfolgreich!
Dutzende Inszenierungen
seiner Werke liefen parallel in ganz
Europa. Hinter jeder Textzeile –
»Was kümmert mich die ganze Welt,
wenn mir das Leb’n gefällt?« – und
hinter jeder Melodie lauern die Abgründe,
die Katastrophen, die Tragödien.
Also benannten wir unsere Playlist
um in »Operette und Tragödie«.
Wir wollen nicht nur die Welt der
Operette erzählen, sondern auch
die Lebensverläufe ihrer Urheber.
Corinna, deine Aufgabe als Regisseurin
ist es, die Musik auf der Bühne
umzusetzen. Was verbindest du persönlich
mit dem Genre Operette?
Corinna von Rad: Operette riecht in
meinem Kopf sofort etwas ranzig.
Nach altem Parfüm vermischt mit
Staub aus verschwitzten Zeiten.
Gleichzeitig denke ich bei dem
Wort Operette auch an Anarchie.
28

HOTEL SAVOY
Das Ensemble des Schauspiels Stuttgart steht in Hotel Savoy gemeinsam mit der Musicbanda Franui auf der Bühne.
29

FRANUI ZU GAST
Zum Beispiel an Jacques Offenbach –
mit all der Kraft des politischen
Umsturzes. Mit der Lust am Chaos,
an der Schnelligkeit. Cancan. Beine
bis zum Umfallen. Zarah Leander und
die Bomben fallen. Peter Alexander.
Walzer drehen mit Damen, die sich
sanft an die Brust der starken Männer
schmiegen und sich führen lassen
in ihrer Einsamkeit … die Lust an
wunderbaren Melodien und gleichzeitig
der Drang nach Bewegung.
Solange man tanzt und lebt, geht
es irgendwie weiter. Lieber ewiges
Tanzen, während daneben das Chaos
ausbricht. Aber man muss nicht
hinsehen, sondern kann nur die
glitzernde Musik hören. Walzer,
Glitter und Glamour neben Sehnsucht,
Einsamkeit und Krieg.
Wie kann das alles auf der
Bühne zusammenkommen?
Andreas Schett: Es war ein großartiger
Moment, als wir schließlich
mit all diesen Gedanken im Kopf
und nach vielen Umwegen auf
Joseph Roths Roman Hotel Savoy
stießen. Vielleicht klingelte es auch
irgendwann, weil eine berühmte
Operette von Paul Abraham Ball
im Savoy heißt, die allerdings
nichts mit Roths Roman zu tun hat.
Wie auch immer: Das Hotel Savoy
war für uns der perfekte Spielort für
unsere Hybridoperette. Ein Platz,
an dem die Geflüchteten stranden
und unter ärmlichsten Verhältnissen
in den obersten Etagen hausen,
wohingegen die Reichen auf den
ersten beiden Etagen wohnen und
sich beim Fünfuhrtee vergnügen.
Alle warten sie auf die Ankunft
des großen Sohnes der Stadt, auf
Bloomfield, der es in den Vereinigten
Staaten zu Reichtum gebracht hat.
Und dazu wird ununterbrochen
Operette gespielt!
nach Revolution ist ja heute auch
wieder ein Thema. Gleichzeitig ist
es für mich auch eine Welt, in der
die Schönheit in ihrer inselhaften
berührenden Blase der Sehnsucht
Platz haben wird. Es gibt zahlreiche
wunderbare Figuren, die Roth mit
viel Humor, genauer Beobachtungsgabe
und großer Wärme beschreibt.
Skurriles trifft auf Schmerzliches
und auf Hoffnungsvolles. Ein Kosmos,
der – gerade in seiner Traurigkeit
– nach Musik und eigenwilligem
Humor ruft. Und natürlich hat das
alles viel mit uns heute zu tun.
Manche Sätze könnte man direkt
nach Kiew übersetzen.
Es ist für mich ein großes Glück, so
einen Stoff gemeinsam mit diesem
Team wirklich von Anfang an entwickeln
und erfinden zu dürfen.
Wenn ich Opern inszeniere, gerate
ich häufig in den Konflikt, dass
wir uns ein Konzept für ein geschriebenes
und auskomponiertes
Stück ausdenken und im Vorfeld
viele Fantasien entwickeln, dann
allerdings der Apparat der Oper
oder die musikalische Leitung
vielleicht ganz andere Ideen oder
Tempi hat. Da wird oft viel Kreativität
verschenkt, weil am Ende alles
schnell zusammenkommen muss.
Es ist für mich deswegen ein großes
Geschenk, dass wir für Hotel Savoy
wieder gemeinsam das Konzept,
die Welt, die Figuren, die Texte und
die Musik erfinden und finden dürfen,
sodass es ein wirklich gemeinsames
Ganzes wird. Wie der Name
eben sagt: Musik (und) Theater.
Die Musicbanda Franui versteht sich
als »Umspannwerk zwischen Klassik,
Volksmusik, Jazz und zeitgenössischer
Kammermusik«. Wie geht
ihr vor, wenn ihr bestehende Werke
musikalisch bearbeitet?
Harfe zusammensetzt. Es ist ein
Klang, den man sofort wiedererkennt,
wenn man ihn einmal gehört
hat. In diesem Jahr werden es
genau 30 Jahre, dass wir – in praktisch
unveränderter Besetzung –
zusammenspielen. Da hat sich
eine gewisse Eigensprachlichkeit
entwickelt. Ich schreibe gemeinsam
mit Markus Kraler die Musik. Die
Vorlagen, von denen wir ausgehen,
müssen wir zuerst einmal gernhaben
– im doppelten Wortsinn:
Wir müssen die Musik, die wir uns
anverwandeln, lieben, und gleichzeitig
kann sie uns ab einem gewissen
Punkt auch mal gernhaben.
Es geht um Zuneigung, Respekt
und einen maximalen Freiheitsgrad.
Wir werden die Schönheit dieser
Operetten-Melodien manchmal
in all ihrer Schönheit zelebrieren,
möglichst jenseits aller Interpretationsgewohnheiten;
an vielen
anderen Stellen werden wir das
musikalische Material skelettieren,
anreichern, weiterdenken, neu kontextualisieren
… insgesamt werden
wir so vorgehen, wie wir es schon
öfter formuliert haben: Wir blättern
nicht mehr um – und spielen einfach
weiter!
FRANUI ZU GAST
HOTEL SAVOY –
ODER ICH HOL’ DIR
VOM HIMMEL DAS BLAU
Musicbanda Franui
Musikalische Leitung Andreas Schett
Inszenierung Corinna von Rad
Bühne Ralf Käselau
Kostüme Sabine Blickenstorfer
PREMIERE
21. Juli 2024 – 19.30 Uhr
Corinna von Rad: Dieses Hotel
Savoy und die Welt von Joseph
Roth ist nicht nur literarisch
magisch, man spürt förmlich den
Kafka nebenan und den Horváth
gegenüber … Die Zeit zwischen
den Kriegen und der Wunsch
Andreas Schett: Zunächst einmal
hat Franui eine ganz eigenwillige
Klangbatterie, die sich aus Holzund
Blechblasinstrumenten,
Akkordeon, Streichinstrumenten
und Volksmusik-Saiteninstrumenten
wie Hackbrett, Zither und
WEITERE VORSTELLUNGEN
23., 24. Juli – 19.30 Uhr
Theater am Kornmarkt
Eine Produktion des Schauspiels
Stuttgart und der Staatsoper
Stuttgart
30

MUSIK MACHT
FREU(N)DE
FREUNDE DER BREGENZER FESTSPIELE
Seit den Anfängen ist der
Verein der Freunde die
treibende Kraft der Bregenzer
Festspiele. Die mehr als 1.700
Mitglieder aus dem In- und Ausland
tragen durch ihr finanzielles wie
ideelles Engagement entscheidend
zur Programmvielfalt und zum
Erfolg des Musikfestivals bei: von
großen Opernspektakeln am See,
über experimentelles Musiktheater
auf der Werkstattbühne bis hin
zu den Jungen Festspielen für die
jüngsten Besucher:innen.
Eine Vereinsmitgliedschaft
ermöglicht Ihnen, das gesellschaftliche
und kulturelle Geschehen
der Bregenzer Festspiele aktiv
mitzuerleben und in den Dialog
mit Gleichgesinnten, aber auch
mit den Festspielkünstler:innen
zu treten, sei es im Anschluss an
die Meisterklasse mit Kammer-
sängerin Brigitte Fassbaender
und den Mitgliedern des Opernstudios,
beim Werkstattgespräch
zur diesjährigen Oper im Festspielhaus
Tancredi oder bei den beliebten
Festspielfrühstücken, 2024
mit Philipp Stölzl (Der Freischütz),
Thomas Fiedler und Ondřej Adámek
(Unmögliche Verbindung) sowie
Brigitte Fassbaender (Der Ehevertrag
| Gianni Schicchi).
Zahlreiche weitere Vorteile wie
ein Vorzugsbestellrecht und Einladungen
zu exklusiven Veranstaltungen
wie die jährliche Programmpräsentation
durch die Intendantin,
Probenbesuche, das Seebühnen-
Richtfest sowie die Cercle Night
stärken die Verbindung des Vereins
mit den Bregenzer Festspielen
und machen die Mitgliedschaft
zum unverwechselbaren Erlebnis.
Vermehrt möchte der Verein auch
31
junge Menschen für das Sommerfestival
begeistern, unter anderem
mit einer kostenfreien Mitgliedschaft
für Junge Freunde bis
26 Jahre.
Wir würden uns freuen, Sie als
neues Mitglied des Vereins der
Freunde der Bregenzer Festspiele
begrüßen zu dürfen.
DABEI SEIN, FREUND SEIN
Für einen Jahresbeitrag von EUR 65/95
(Einzel-/Paar- und Partnermitgliedschaft),
EUR 500 (Förderer) oder
EUR 1.800 (Cercle) können Sie Teil
dieser besonderen Gemeinschaft werden.
T +43 5574 407 154
freunde@bregenzerfestspiele.com
www.freunde.bregenzerfestspiele.com

VON
SAXOPHONFLAMINGOS
UND FAGOTTGIRAFFEN
JUNGE FESTSPIELE
BEI DEN JUNGEN FESTSPIELEN VERWANDELT
SICH DER GROSSE SAAL DES FESTSPIELHAUSES
IN EIN MAGISCHES ZIRKUSZELT
32

Vor wenigen Jahren sorgte
ein Wanderzirkus für
Schlagzeilen in Vorarlberg.
Denn ausgerechnet über den von
ihm gewählten Standort wurde
eine tierärztliche Quarantänezone
verhängt. Der Zirkus saß mit seinen
Tieren für 90 Tage fest, die Tournee
musste schließlich abgesagt werden.
Eine finanzielle Katastrophe. Aber
es kam noch schlimmer: Kaum
war die Reisesperre aufgehoben,
geriet die Welt völlig aus den Fugen.
Zwei Jahre lang musste der Zirkus
aufgrund von Verordnungen zur
Pandemieeindämmung in Vorarlberg
pausieren. Durch Spenden und
die Unterstützung der Kommunen
fand die Geschichte schließlich doch
noch ein Happy End.
Von dieser außergewöhnlichen
Episode ließ sich der Klarinettist
und Komponist Martin Schelling
zu seiner musikalischen Erzählung
Zirkus Luft-i-Kuss inspirieren, einer
»magischen Blasmusik-Show« für
Kinder, erweitert um szenische
Elemente.
ZAUBERHAFTE
INSTRUMENTENTIERE
Neun Monate schrieb Schelling an
der Erzählung und komponierte
13 Musikstücke dazu. Jedes rückt
auf seine Weise ein Blasmusikinstrument
in den Vordergrund.
So sollen die jungen Besucher:innen
des Konzerts, aber auch Eltern und
Verwandte die Möglichkeit haben,
die einzelnen Instrumente besser
kennenzulernen.
Jedem Instrument hat Schelling
ein Tier zugeordnet – ein Tier
des Zirkus Luft-i-Kuss. Dieser ist,
so erzählt seine Geschichte, mit
einem Zug kurz vor der Schweizer
Grenze entgleist. Das Unglück zieht
unerwartete Probleme nach sich.
Schließlich muss der Direktor auch
noch die Auflösung seiner Zirkusband
beklagen. Doch zum Glück hat
die Magierin eine Idee: Kurzerhand
verzaubert sie alle Artist:innen in
wunderbare Instrumententiere,
um mit einem Benefizkonzert im
Bregenzer Festspielhaus die Weiterfahrt
zu retten.
Die Jungen Festspiele lassen die
Geschichte im Juni Wirklichkeit
werden. An zwei Terminen – einem
für Familien und einem für Schulklassen
– erobern die magischen
Fagottgiraffen, Saxophonflamingos,
Waldhornschnecken und Trommelelefanten
die Bühne des Großen
Saals im Festspielhaus.
LEIDENSCHAFTLICHER
VERMITTLER
Nachwuchsförderung und Musikvermittlung
sind Martin Schellings
Leidenschaft. Seit über 50 Jahren
macht der Musikschullehrer und
Leiter der Jugendkapelle Lauterach
Musik, davon drei Jahrzehnte als
Soloklarinettist im Symphonieorchester
Vorarlberg und seit 20 Jahren
mit der Gruppe Die Schurken.
Deren inszenierte Konzerte konnten
das junge Festspielpublikum
bereits mehrfach begeistern.
»Oft sind die schönsten und spannendsten
Momente meines Lebens
beim Musizieren passiert«, erzählt
Schelling. »Als kleines Dankeschön
möchte ich das gemeinsame Musizieren
weitergeben.« Das sei nicht
nur ein wichtiger Bestandteil der
Kultur, sondern auch der Gesellschaft.
»Ohne Musik kein Dorffest«,
so Schelling.
Sein Zirkus Luft-i-Kuss ist ebenfalls
ein Gemeinschaftsprojekt.
Beim Komponieren erhielt er für
die Schlagzeugstimmen Unterstützung
durch Mathias Schmidt, mit
dem sich Schelling auch die musikalische
Leitung des Konzerts teilt.
Als Erzähler führt der Pianist,
Sänger und Sprecher George
Nussbaumer durch die Handlung,
die liebevoll handgezeichneten
Illustrationen von Erin Angelina
Bereuter unterstützen visuell.
Gespielt wird das Konzert von
Mitgliedern des Vorarlberger Blasmusikverbands.
KONZERT ZUM MITMACHEN
Auch das junge Festspielpublikum
bekommt die Möglichkeit, in bewährter
Weise selbst mitzuwirken.
Im Vorfeld der Aufführung erhalten
die Kinder umfangreiches
Begleitmaterial, mit dem sie sich
gemeinsam mit ihren Eltern auf
ihr vielleicht erstes großes Konzerterlebnis
vorbereiten können.
Spielerisch lernen sie darin die
Geschichte des Zirkus Luft-i-Kuss
kennen und sind eingeladen, Lieder
einzuüben, die sie bei der Vorstellung
mitsingen können. Mit ihrer
Mithilfe wird die Blasmusik-Show zu
einem magischen Erlebnis.
JUNGE FESTSPIELE
ZIRKUS LUFT-I-KUSS
Eine magische Blasmusik-Show
Dirigenten Martin Schelling,
Mathias Schmidt
Sprecher George Nussbaumer
Musiker:innen des Vorarlberger
Blasmusikverbandes
VORSTELLUNGEN
Familien: 2. Juni 2024 – 11.00 Uhr
Schulen: 3. Juni 2024 – 10.00 Uhr-
Festspielhaus | Großer Saal
Eine Zusammenarbeit mit dem
Vorarlberger Blasmusikverband
Zirkus Luft-i-Kuss ist ein Spaß für
große und kleine Besucher:innen.
Empfohlen wird ein Mindestalter
von sechs Jahren.
Mit freundlicher Unterstützung
ZIRKUS LUFT-I-KUSS
33

KARTENÜBERSICHT
Oper im Festspielhaus Tancredi
PREISE Tancredi
Festspielhaus | Großer Saal
Kategorie 1 2 3 4 5 6 7
EUR 168 148 125 102 72 36 22
Premierenzuschlag
pro Ticket EUR 25 (Kate gorie 1 und 2).
Für die Premiere gilt ein eigener Sitzplan.
Orchesterkonzerte im Festspielhaus
PREISE Wiener Symphoniker
Festspielhaus | Großer Saal
Kategorie 1 2 3 4 5 6 7
EUR 98 82 72 60 50 36 20
PREISE Symphonieorchester Vorarlberg
Festspielhaus | Großer Saal
Kategorie 1 2 3 4 5 6 7
SITZPLÄTZE UND PREISE
EUR 60 50 42 35 28 24 20
PREISE Festspielhaus | Werkstattbühne | KUB | Theater am Kornmarkt | Theater KOSMOS
Der Menschenfeind
Der zerbrochne Krug
Der Ehevertrag | Gianni Schicchi
Festspielhaus | Großer Saal
Theater am Kornmarkt
Theater am Kornmarkt
Kategorie 1 2 3 4
EUR 52 42 32 20
Kategorie 1 2 3 4
EUR 52 42 32 20
Kategorie 1 2 3 4
EUR 56 44 34 22
Hotel Savoy
Theater am Kornmarkt
Kategorie 1 2 3 4
EUR 56 44 34 22
Orchesterakademie
Festspielhaus | Großer Saal
Kategorie 1 2 3
EUR 28 22 16
Mondmilch trinken
Theater KOSMOS
EUR 28
Unmögliche Verbindung
Werkstattbühne
EUR 38
Konzert im KUB
Kunsthaus Bregenz
EUR 20
Musik & Poesie
Festspielhaus | Seestudio
EUR 30
Hold Your Breath
Werkstattbühne
Kategorie 1 2 *
EUR 38 22
* Stehplätze – Zum Wandeln
und unmittelbaren Erleben
Meisterklasse Brigtte Fassbaender,
Wiener Symphoniker ganz persönlich
Festspielhaus | Seestudio
EUR 20
Pinocchio, Zirkus Luft-i-Kuss
Festspielhaus | Großer Saal
EUR 8
für Schulklassen und mit Familienpass
| Normalpreis: EUR 10
(Preise pro Person, inkl. Begleitmaterial)
FESTSPIEL-ABOS
Mit dem Seeplus-Abo erhalten Festspielbesucher:innen,
die gleichzeitig
mit dem Spiel auf dem See
noch mindestens zwei weitere
Veranstaltungen buchen, für diese
eine Preisreduktion von 30 Prozent.
Die Karten für das Spiel auf dem See
werden zum Vollpreis verrechnet.
Wer gleichzeitig mindestens drei
Orchesterkonzerte bucht, erhält
mit dem Festspiel-Abo 20 Prozent
Ermäßigung. Weitere Informationen
zu ermäßigten Karten finden Sie
auf www.bregenzerfestspiele.com.
Bitte beachten Sie, dass ermäßigte
Karten online nicht gekauft werden
können. Für Ihre Bestellung erreichen
Sie uns unter +43 5574 407-5.
34

Spiel auf dem See Der Freischütz
A
B
A
B
C
D
C
D
E
F
E
F
1
2
3
4
5
6
G
H
ROLLSTUHLPLÄTZE
ROLLSTUHLPLÄTZE
G
H
1
2
3
4
5
6
7
8
7
8
9
10
9
10
11
11
12
13
14
15
16
17
18
19
20
21
22
23
24
25
AUFGANG
C
AUFGANG
B
AUFGANG
A
AUFGANG
H
12
13
14
15
16
17
18
19
G
20
21
AUFGANG
22
23
24
25
26
27
26
27
28
29
28
29
30
31
30
31
AUFGANG
FESTSPIEL-LOUNGE
PREISE Der Freischütz
Seebühne, Festspielhaus | Großer Saal
D
PREMIUM - TICKET
AUFGANG
E
AUFGANG
F
32
33
34
35
36
37
38
39
40
41
42
43
44
45
SITZPLÄTZE UND PREISE
Kategorie 1 2 3 4 5 6 7
So–Do EUR 165 150 125 95 70 55 30
Fr EUR 178 163 138 108 83 68 43
Sa EUR 191 176 151 121 96 81 56
Kategorie 1plus* So–Do Fr Sa
EUR 180 193 206
* mit erweiterter Beinfreiheit
Premium-Ticket So–Do Fr Sa
EUR 305 318 331
Festspiel-Lounge So–Do Fr Sa
EUR 415 428 441
WETTERINFORMATION
Die Aufführung auf der Seebühne
ist eine Open-Air-Veranstaltung.
Die Entscheidung, ob die Vorstellung
auf der Seebühne gespielt werden
kann, wird erst kurz vor Beginn
getroffen, da die Wetterentwicklung
trotz hoher Vorhersage-Qualität
nicht völlig genau bestimmt werden
kann und aufgrund der tatsächlichen
Situation entschieden werden
muss. Bitte beachten Sie, dass gegebenenfalls
auch bei Regen gespielt
wird. Wir empfehlen allen unseren
Gästen daher, warmer und regensicherer
Kleidung den Vorzug zu
geben, auf Regenschirme aber zu
verzichten, da diese die Sicht beeinträchtigen.
Das Spiel auf dem
See wird ohne Pause gespielt.
KARTEN DER KATEGORIE 1PLUS,
1, 2, DER FESTSPIEL-LOUNGE UND
PREMIUM-TICKETS
sind bei Absage oder einer Spielzeit
der Seeaufführung unter 90 Minuten
für die halbszenische Aufführung
von Der Freischütz im Festspielhaus |
Großer Saal gültig und werden nicht
rückerstattet. Bei einer Verlegung
der Aufführung ins Festspielhaus
befinden sich die Plätze der Kategorie
1PLUS und 1 im Parkett, jene
der Festspiel-Lounge, Premium-
Tickets und Kategorie 2 im Rang.
Auf der Seetribüne nebeneinanderliegende
Plätze können aufgrund der
unterschiedlichen Reiheneinteilung
im Festspielhaus getrennt sein.
KARTEN DER KATEGORIE 3 BIS 7
sind nur für die Aufführung auf der
Seebühne gültig. Bei einer Verlegung
der Aufführung ins Festspielhaus
erhalten Besitzer:innen dieser
Karten den Kartenwert rückerstattet
bzw. können nach Verfügbarkeit
auf einen späteren Termin umtauschen,
wenn die Aufführung auf
der Seebühne nicht bzw. kürzer als
60 Minuten gespielt worden ist.
35

Viel Vorfreude wünschen
die Partner der Bregenzer Festspiele.
HAUPTSPONSOREN
GREEN ENERGY PARTNER
PRODUKTIONSSPONSOREN
GrECo International AG
Hilti Foundation
Wiener Städtische Versicherung AG
CO-SPONSOREN & PARTNER
Coca-Cola
Dallmayr Kaffee
Hendrick’s Gin
Kryolan
Leica Camera
METRO
Mohrenbrauerei
Paul Mitchell
Pfanner & Gutmann
Rauch Fruchtsäfte
Red Bull
Römerquelle
Schlumberger (Wein- und
Sektkellerei)
SUBVENTIONSGEBER
PARTNER