KB_Autunno_2023_NP

Magazin für Kunst und Kultur 

DER KUNSTBLITZ 

kostenlos 

Oktober - Dezember|2023 

www.kunstblitz.de 

16 | FONDATION BEYELER 

40 | VON DER HEYDT-MUSEUM 

06 | ALBERTINA, MICHELANGELO UND DIE FOLGEN 

52 | ART A10 Wildau

PIERLUIGI ISOLA 

LA VISIONE AUREA 

18. November 2023- 18. Februar 2024 

Panorama Museum 

Am Schlachtberg 9 

06567 Bad Frankenhausen / Thüringen 

Di bis So 10 - 17 Uhr 

24. Dezember geschlossen 

31. Dezember 10 - 15 Uhr 

Tel.: 034671 619-0 

www.panorama-museum.de

UNTER UNS 

Liebe Leser*innen, 

die ART A10 in Wildau (bei Berlin) zeigt 

in diesem Jahr die Arbeiten von 28 

Künstler*innen, die ihre Gemälde, Zeichnungen, 

Fotos und Skulpturen vom 19.10.2023 

bis 05.11.2023 einem sehr aufmerksamen 

Publikum jährlich präsentieren. Zusammen 

mit der Allee-Center-ART (Magdeburg) 

bieten beide Ausstellungen eine einzigartige 

Bühne für die Kunstszene der Regionen 

Berlin/Brandenburg (ART A10) und Sachsen 

Anhalt (ALLEE-CENTER-ART). 

Beide Kunstprojekte sind seit 2015 bewährte 

Publikumsmagnete. „Die leichteste ART, der 

KUNST zu begegnen“ hat sich auch deshalb 

unter den „Insidern“ sehr schnell etabliert. 

Die Präsentation ist ähnlich wie bei einer 

Kunstmesse, hat aber eine größere Besucherzahl 

zu verzeichnen, die so schnell nur wenige 

Kunstgalerien und Museen erreichen können. 

Für Künstler*innen ist die Beteiligung an 

der Ausstellung kostenlos! Die Kunstschaffenden 

haben keinerlei Gebühren zu tragen, 

während etablierte Kunstmessen bekanntlich 

sehr kostspielig sind! Zudem müssen die 

Künstler*innen beim Verkauf ihrer Werke keinerlei 

Provisionen abgeben. Zusätzlich haben 

sie die Chance, bei beiden Ausstellungen 

Preise zu gewinnen. 

Patrizio Medagli 

Unsere Empfehlung: Kunstschaffende aus 

der Region Sachsen Anhalt dürfen sich ab 

jetzt schon für die nächste Allee-Center-ART 

(Magdeburg, 19.02.2024 - 09.03.2024) bewerben. 

Wenn Sie in Wildau oder Umgebung sind, besuchen 

Sie die ART A10. Und wenn Sie das 

eine oder andere Kunstwerk für Ihre Sammlung 

entdecken, nehmen Sie die Gelegenheit 

wahr und machen Sie sich glücklich! 

„Ein Kunstwerk zu verschenken oder selbst zu 

erwerben, ist wie das Pflanzen eines Baumes, 

der nicht nur denjenigen belohnt, der ihn mit 

Sorgfalt pflegt, sondern auch den folgenden 

Generationen seine Früchte gibt“ 

Wir wünschen Ihnen eine angenehme Lektüre! 

3

DER KUNSTBLITZ | INHALT 

6 MICHELANGELO UND DIE FOLGEN 

ALBERTINA WIEN 

16 NIKO PIROSMANI 

FONDATION BEYELER 

22 PICASSO SPANISCHE DIALOGE 

BODE MUSEUM 

28 LOVE IS A BATTLEFIELD 

HORST JANSSEN 

34 ALICE SPRINGS 

RETROSPEKTIVE 

40 PABLO PICASSO 

MAX BECKMANN 

VON DER HEYDT-MUSEUM 

NIKO PIROSMANI, TATARISCHER KAMELTREIBER 

Öl auf Karton, 99,3 x 99,3 cm 

Sammlung des Shalva Amiranashvili Museum of 

Fine Arts of Georgia, 

Georgisches Nationalmuseum, Tbilissi 

© Infinitart Foundation 

IMPRESSUM Herausgeber und Eigentümer: Patrizio Medagli Verantwortlich 

für den redaktionellen Inhalt: Patrizio Medagli Redaktion: 

Patrizio Medagli, Helga Wicher, Giuliana Medagli, Ulrich Walter, 

Anke Elster, Elena Medagli. Redaktion Postadresse: Krutscheider 

Weg 82, 42327 Wuppertal (Germany) Telefon 0202 738217, info@ 

derkunstblitz.com, www.derkunstblitz.com. Verlag: Weinheimer 

Verlags-GmbH Konzeption/Layout: Eduardo Rahmani, Gertenbachstraße 

20, 42899 Remscheid, Tel: 02191 5658298, Fax: 02191 54598, 

info@bvg-menzel.de, www.bvg-menzel.de Bildmaterial: A10Center 

Wildau, Albertina Wien, Horst Janssen Museum Oldenburg, Fondation 

Beyeler Basel, Helmut Newton Foundation Museum für Fotografie 

Berlin, Von der Heydt-Museum Wuppertal, Bode-Museum Berlin, 

Wilhelm-Fabry-Museum. Titelseite/Quelle: Albertina Wien, Fondation 

Beyeler Basel, A10 Center Wildau, Von der Heydt-Museum Wuppertal. 

Für unverlangt eingesandte Manuskripte und Fotos wird keine 

Gewähr übernommen. Der Nachdruck ist – auch auszugsweise – nur 

mit Quellenangabe gestattet. Mit Namen oder Initialen gezeichnete 

Beiträge geben die Meinung des Verfassers, aber nicht unbedingt die 

der Edition ARTistica wieder. 

48 ÖSTERREICH - DEUTSCHLAND 

ALBERTINA WIEN 

52 ART A10 2023 

A10 CENTER WILDAU 

64 FESTGEHALTEN 

WILHELM-FABRY-MUSEUM 

66 KITSCH UND KUNST 

KUNSTRAUM GEWERBEPARK-SÜD 

4 

HERBST | 2023

FONDATION BEYELER 

17. 9. 2023 – 28. 1. 2024 

RIEHEN / BASEL 

Niko Pirosmani, Giraffe, Oil on oilcloth, 137.4 × 111.7 cm, 

The Collection of Shalva Amiranashvili Museum of Fine Arts of Georgia, © Infi nitart Foundation 

5

DER KUNSTBLITZ | PROPTER HOMINES HALLE | ALBERTINA 

MICHELANGELO 

Der Meister der Renaissance: Michelangelo 

gehört zu jener Handvoll von 

Künstlern, deren Ruhm seit Jahrhunderten 

ungebrochen ist. Obwohl seine Kunst 

und seine Ideale zutiefst im Denken seiner 

Zeit – der Blütezeit der Renaissance und des 

fortschreitenden 16. Jahrhunderts – verwurzelt 

sind, reicht die Wirkung seiner Kunst bis 

in die Gegenwart. Jedes Jahrhundert erlebt 

seine eigene Michelangelo-Renaissance und 

damit die Wiederbelebung jenes antiken 

Ideals, das der große Florentiner mit seinem 

Entwurf für das nie ausgeführte Fresko der 

Schlacht von Cascina, den Ignudi in der Sixtinische 

Kapelle und den Sterbenden Sklaven 

für das Grabmal von Papst Julius II. zu einem 

unübertroffenen Maßstab für den idealen 

Männerakt gemacht hat. 

Michelangelo und die Folgen handelt von 

der Entstehung und der Macht, dem Bedeutungsschwund 

und dem Verfall eines 

Kanons – jenes Kanons, den Michelangelo 

mit seinen Akten vor 500 Jahren nachhaltig 

prägt – und davon, wie die folgenden 

Generationen sich an diesem Vorbild abgearbeitet 

haben. 

UND 

DIE 

FOLGEN 

BIS 14.1.2024 

6 


MICHELANGELO BUONARROTI 

Sitzender Jünglingsakt und zwei Armstudien um 1510/11 

Rötel, weiß gehöht 28 x 19 cm ALBERTINA, Wien 

7


DIE DARSTELLUNG DES 

MENSCHLICHEN KÖRPERS 

Die reichen Bestände der grafischen Sammlung 

der ALBERTINA erlauben eine Auseinandersetzung 

mit Michelangelos Ideal, welches 

sich auf eindrucksvolle Weise in seinen 

Zeichnungen wie in seinen Skulpturen als 

athletischer und kraftvoller Männerakt präsentiert, 

der von inneren Spannungen bis 

hin zum Zerreißen geprägt ist. 

Der neue Status der Zeichnung als eigenständiges 

Kunstwerk im 15. Jahrhundert, 

das die künstlerische Idee und das Temperament 

des Künstlers wie ein Kondensat 

verdichtet, zeigt sich nicht zuletzt durch die 

hohe Nachfrage von Sammlern nach diesen 

Preziosen. Die Provenienz der Zeichnungen 

RAFFAELLO SANTI 

Junger Mann, einen Alten auf dem Rücken 

tragend (Aeneas und Anchises) 1514 Rötel 

30 x 17 cm, ALBERTINA, Wien 

CHARLES-JOSEPH NATOIRE 

Bacchantin mit Tamburin um 1740, Schwarze Kreide, 

Rötel, mit Deckweiß gehöht, braun laviert 


8 


des Renaissancemeisters in der ALBERTINA 

weist im 17. Jahrhundert Peter Paul Rubens 

als Besitzer aus und unterstreicht die 

Bedeutung des italienischen Genies in der 

folgenden Künstlergeneration. Der klassische 

Akt, wie er uns in den Zeichnungen der 

ALBERTINA von Michelangelo über Raffael 

und Beccafumi bis zu Bandinelli, da Volterra 

oder Salviati selbstbewusst entgegentritt, 

trachtet immer schon nach dem harmonischen 

Ausgleich zwischen allgemeinen 

Formeln wie standardisierten Posen, dem 

Studium der Anatomie nach antiken Skulpturen 

oder der maßstäblichen Gliederung 

der Körperteile nach den formalisierten 

Proportionen des Vitruv einerseits und dem 

Zeichnen nach der Natur andererseits. Die 

zwei Künstler Rembrandt und Rubens prä- 

GUSTAV KLIMT 

Studie für die linke der „Drei Gorgonen“ 

im Beethovenfries, 1901, Schwarze Kreide 

45 × 32 cm, ALBERTINA, Wien 

EGON SCHIELE 

Mädchenakt mit verschränkten Armen, 1910, 

Schwarze Kreide, Pinsel, Aquarell, auf braunem 

Papier 45 x 28 cm, ALBERTINA, Wien 

9


gen mit ihren gegensätzlichen Positionen 

den Barock. Rubens beschäftigt sich mit 

dem realen, lebenden Modell und erweckt 

die antike Nacktheit auf neue Weise zum 

Leben. Rembrandt wiederum scheut nicht 

davor zurück, die Hässlichkeit des realen Körpers, 

des Menschen in seiner Vergänglichkeit 

und Schwäche, darzustellen. Damit setzt er 

einen starken Kontrast zu den athletischen 

Körpern des Buonarroti. Im Klassizismus 

bleibt der Typus des schönen und muskulösen 

nackten männlichen Körpers, bestehen. Fast 

200 Jahre nach dem Tod des florentinischen 

Meisters findet der michelangeleske Kanon 

seine Fortsetzung in der vorherrschenden 

Vorstellung des idealen Akts. Die Maler ihrer 

Zeit, wie Anton Raphael Mengs oder Pompeo 

Girolamo Batoni, schaffen Werke, die in der 

PETER PAUL RUBENS 

Aktstudie eines Mannes in vorgebeugter Haltung 

um 1613. Schwarze Kreide und Rötel, mit weißer 

Kreide gehöht, 40 x 25 cm, ALBERTINA, Wien 

JOHANN PETER PICHLER 

Rückenakt 1789. Kreide, laviert, weiß gehöht, hellgraues Papier, 

50 x 42 cm 

ALBERTINA, Wien 

10 


Präzision der Modellierung der Muskulatur, 

der Darstellung komplizierter Posen und der 

durch komplexe Körperhaltungen bedingten 

perspektivischen Verkürzungen auf Michelangelo 

zurückgehen. Sie erinnern besonders 

an die meisterhaften Zeichnungen, die 

mit Werken wie der Schlacht von Cascina 

oder dem Deckenfresko in der Sixtinischen 

Kapelle in Verbindung stehen. Ebenso sklavisch 

wie anachronistisch ahmen Künstler 

noch im Zeitalter Klimts und Schieles die 

heroischen, athletischen Gestalten nach: 

nur mehr äußerlich, an der Oberfläche, 

ohne die geistige Tiefe des Buonarroti. Der 

von Michelangelo geprägte Kanon hat seinen 

Zenit endgültig überschritten, da die 

Darstellung des männlichen Akts als Symbol 

eines heroischen Individuums in der 


Studien für die Libysche Sibylle um 1510/11. Rötel 29 x 21 

cm The Metropolitan Museum of Art, New York, Purchase, 

Joseph Pulitzer Bequest, 1924, inv. no. 24.197.2 

Foto: © bpk / The Metropolitan Museum of Art 

UGO DA CARPI 

Diogenes um 1527 

Clair-obscur-Holzschnitt in vier Platten 


11



Männlicher Rückenakt um 1504 20 x 27 cm schwarze Kreide, weiß gehöht, 


modernen Gesellschaft immer weniger auf 

Resonanz trifft. Die Schau steht unter dem 

historischen Vorzeichen, dass jahrhundertelang 

nur Männer Männer zeichnen, und 

auch Frauen nur von Männern dargestellt 

werden. Der Mann definiert den Kanon des 

Männerakts so sehr wie jenen des Frauenakts. 

Michelangelo selbst zeichnet kaum 

eine nackte Frau, sondern verleiht männlichen 

Körpern weibliche Anmut. Die Frau 

ist für die Kunst wie die Rückseite des 

Mondes: Man weiß, dass sie existiert, sie 

ist aber terra incognita. In einigen wenigen 

exemplarischen Beispielen aus dem 17. und 

18. Jahrhundert wird in der Ausstellung das 

realitätsferne Ideal der Frau gezeigt. Lange 

Zeit wird die Darstellung der nackten Frau 

durch ihre Identifikation mit Laster, Sittenlosigkeit 

und Geschlechtstrieb diskriminiert 

und diffamiert. Die Sittenlosigkeit der Frau 

bringt Tod und Sünde in der Gestalt Evas; 

das Laster der Luxuria tritt eitel und nackt 

12 


VON DER HEYDT 

MUSEUM WUPPERTAL 

PABLO PICASSO | 

MAX BECKMANN 

MENSCH 

MYTHOS 

WELT 

17.9.23 — 7.1. 24 

Pablo Picasso, Der Maler bei der Arbeit, 1964, Sprengel Museum Hannover © Succession Picasso / VG Bild-Kunst, Bonn 2023 

Die Ausstellung wird gefördert durch 

Kulturpartner 

13


in Erscheinung. Die Tugenden sind weithin 

in wallende Gewänder gekleidet. Das Gegenbild 

zur tugendhaft verhüllten Frau beschreibt 

die nackte Frau als Weibermacht, 

als Hexe, als verführerische Venus. 

Der Ausblick am Ende der Ausstellung ist 

beispielhaft gewählt. Er steht stellvertretend 

für ein Jahrhundert, in dem Michelangelos 

Kanon seine Autorität verloren 

hat und widmet sich exemplarisch dem 

Gegensatz zwischen dem secessionistischen 

Schönheitskult anhand von Gustav 

Klimts kurvilinearer Idealität der Frau und 

der Hässlichkeit und Pathologisierung des 

erstmals seiner Sexualität nicht-beraubten 

Aktes bei Egon Schiele. 

Albertina 

Albertinaplatz 1 | 

1010 Wien 

T +43 (0)1 534 83 0 

www.albertina.at 

REMBRANDT HARMENSZ. VAN RIJN 

Adam and Eva (Der Sündenfall) 

1638 Radierung, 16 x 12 cm 


14 


15

DER KUNSTBLITZ | FONDATION BEYELER 

PIROSMANI 

NIKO 

NIKO PIROSMANI, FRAU MIT BIERKRUG 

Öl auf Öltuch, 112,6 x 90 cm. Sammlung des Shalva Amiranashvili 

Museum of Fine Arts of Georgia, Georgisches Nationalmuseum, Tbilissi 


Niko Pirosmani (1862–1918) ist 

eine mythenumwobene Legende. 

Der georgische Künstler ist 

einer der rätselhaften Einzelgänger 

der modernen Kunst. Wie Vincent 

van Gogh, Henri Rousseau und Marc Chagall 

gelang es ihm, Bilder zu malen die von 

16 


Bis 28. Januar 2024 

NIKO PIROSMANI, GIRAFFE 

Öl auf Wachstuch, 137,4 x 111,7 cm. Sammlung des Shalva 

Amiranashvili Museum of Fine Arts of Georgia, Georgisches 

Nationalmuseum, Tbilissi © Infinitart Foundation 

GIRAFFE 

ÖL AUF WACHSTUCH 

Dieses Bild wird von der Giraffe bestimmt, 

deren Körper das Format in Höhe und Breite 

komplett ausfüllt. Die Proportionen sind 

falsch und ebenso die Farbe und die 

Musterung des Fells. Dafür tritt das Wesen 

des Tieres umso deutlicher hervor. Der Blick 

mit geneigtem Kopf wirkt sanftmütig. Die 

Beine, über der Horizontlinie nicht monumental 

wiedergegeben, mit ihren zarten 

Enden, verschaffen der Giraffe Weitsicht. 

Sie ist gross, trotz Hufen wirkt sie elegant 

und eher scheu. Setzte Pirosmani gar eine 

Träne in den Winkel ihres Auges? Diese 

vermenschlichende Art der Tierdarstellung 

erinnert an die Gemälde seines französischen 

Zeitgenossen Henri Rousseau. Wie dieser ist 

Pirosmani den außereuropäischen Tieren aus 

seinen Bildern nie in der Realität begegnet. 

Die Giraffe kannte er wohl aus Illustrationen 

oder Schilderungen. Nachdem 1827 eine 

Giraffe namens «Zarafa» lebendig per Schiff 

von Alexandria nach Marseille gebracht 

worden war, verbreitete sich in ganz Europa 

eine beispiellose «Giraffomanie». 

den Menschen auf der Strasse ebenso 

geliebt werden wie von Avantgardekünstlern. 

Mit grosser Empfindsamkeit 

verwandelte der autodidaktische Künstler 

Alltägliches in Aussergewöhnliches. 

Oft blicken die würdevoll dargestellten 

Menschen und Tiere die Betrachtenden 

eindringlich und zugleich entrückt an. Dabei 

entwickeln sie in harmonischer Ruhe 

eine faszinierende Präsenz. In leuchtenden 

Farben auf schwarzem Hintergrund malte 

Pirosmani ikonische Bilder von glühender 

Intensität Die bisher bedeutendste internationale 

Ausstellung führt mit rund 50 

17


NIKO PIROSMANI, DIE SCHAUSPIELERIN MARGARITA 

Öl auf Wachstuch, 115,9 x 94 cm 

Sammlung des Shalva Amiranashvili Museum of Fine Arts of Georgia, 

Georgisches Nationalmuseum, Tbilissi 


Hauptwerken in die künstlerische Welt von 

Pirosmani ein. Der georgische Maler Niko 

Pirosmani (1862–1918) hat wie kaum ein 

anderer vermocht, in seiner Kunst Tradition, 

Volkskultur, Spiritualität und moderne 

Bildgestaltung zu verbinden. Bereits zu 

Lebzeiten erfreute sich seine Malerei hoher 

Wertschätzung sowohl in der breiten Bevölkerung 

als auch bei Künstler:innen und 

Schriftsteller:innen. 

Heute gilt Pirosmani als Georgiens Nationalkünstler. 

Auf den ersten Blick scheinbar 

unspektakulär, sprechen seine Bilder sehr 

grundsätzlich Menschliches an. Sie verwandeln 

alltägliche Motive in zeitlose Gleichnisse. 

Pirosmani besaß die Fähigkeit, mit 

wenigen Farben und Pinselstrichen das Wesentliche 

zu zeigen. Seine Werke gleichen 

Ikonen, die man nicht mehr vergisst. 

BIOGRAFIE 

Niko Pirosmani wird 1862 als Sohn einer 

Bauernfamilie im georgischen Dorf Mirsaani 

geboren. Nach dem frühen Tod der Eltern 

kommt der Achtjährige in eine Familie in 

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NIKO PIROSMANI, FISCHER IN ROTEM HEMD 

Öl auf Wachstuch, 111 x 89,5 cm 

The Collection of Shalva Amiranashvili Museum of Fine 

Arts of Georgia © Infinitart Foundation 

passepartout 

WERKSTATT 

Individuelle Lösungen für Ihre perfekte Präsentation. 

Le-Dantju und den georgischen Künstlern 

Kirill und Ilja Sdanewitsch entdeckt. Ein 

Jahr später werden vier seiner Gemälde in 

der Ausstellung «Mischen» (Zielscheibe) in 

Moskau gemeinsam mit Werken von Marc 

Chagall, Natalja Gontscharowa, Michail 

Larionow und Kasimir Malewitsch präsentiert. 

Ilja Sdanewitsch, der zeitweise über 

50 Bilder des Künstlers besitzt, versucht 

1914 eine Pirosmani-Ausstellung in Paris 

zu organisieren, was jedoch durch den Ausbruch 

des Ersten Weltkriegs vereitelt wird. 

1916 wird Pirosmani in die Gesellschaft der 

georgischen Künstler in Tbilissi eingeladen, 

der er jedoch bald schon wieder den Rüder 

Hauptstadt Tbilissi, wo er Georgisch und 

Russisch lesen und schreiben lernt. Er wird 

zu Theateraufführungen mitgenommen und 

bringt sich selbst das Malen bei. In einer 

Druckerei erlernt er den Beruf des Schriftsetzers; 

ab 1890 arbeitet er als Bremser für 

die Transkaukasische Eisenbahn. Für kurze 

Zeit betreibt er einen Milchladen. 

Parallel malt Pirosmani Schilder für Geschäfte 

und Tavernen. 1912 werden seine 

Werke von dem russischen Künstler Michail 

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NIKO PIROSMANI, DER ARZT AUF DEM ESEL 

Öl auf Karton, 79,4 x 99,6 cm 

Sammlung des Shalva Amiranashvili Museum of Fine Arts of Georgia, 

Georgisches Nationalmuseum, Tbilissi © Infinitart Foundation 

cken kehrt. Im Jahr 1918 stirbt Pirosmani in 

grosser Armut. Heute ist er der berühmteste 

Künstler Georgiens. 

Die Ausstellung wurde von Sam Keller, Direktor, 

und Irakliy Purtskhvanidze, Berater 

der Fondation Beyeler, entwickelt. Kuratiert 

wurde sie von Daniel Baumann; mit Beiträgen 

der georgischen Künstler:innen Thea 

Djordjadze und Andro Wekua. Als Projektleiterin 

verantwortlich war Regula Moser, 

Associate Curator der Fondation Beyerler. 

Fondation Beyeler 

Baselstrasse 101 

CH-4125 Riehen / Basel 

www.fondationbeyeler.ch 

20 


21

DER KUNSTBLITZ | MUSEUMSINSEL BERLIN, BODE-MUSEUM 

KASTILISCHE DAME 

um 1530 Halbfigur, Pinienholz, Eigentum des 

Kaiser Friedrich 

Museumsvereins© Staatliche Museen zu 

Berlin, Skulpturensammlung und Museum für 

Byzantinische Kunst / Antje Voigt 


Spanische Dialoge 

Picasso aus dem 

Museum Berggruen 

zu Gast im Bode- 

Museum 

Das Bode-Museum bewahrt die 

wichtigste Sammlung spanischer 

Skulptur vor 1800 in Deutschland 

auf. Die neue Ausstellungsreihe 

„Spanische Dialoge“ präsentiert 

den Besucher*innen diesen spektakulären 

Sammlungsbestand jenseits aller konventionellen 

kunsthistorischen Gattungs- und 

Epochengrenzen und lässt sie in Dialog mit 

eingeladenen Künstler*innen und Institutionen 

treten. Den Start machen in diesem 

Sommer acht ausgewählte Meisterwerke 

Pablo Picassos aus dem Museum Berggruen. 

22 


23


PABLO PICASSO FEMME ASSISE, 

1940 Öl, Pappe und Holz auf Karton© Staatliche Museen zu 

Berlin, Nationalgalerie, Museum Berggruen / Jens Ziehe / 

Succession Picasso / VG Bild-Kunst, Bonn 2023 

Aus Anlass des 50. Todestages von Pablo 

Picasso (1881–1973) beleuchtet „Spanische 

Dialoge: Picasso aus dem Museum 

Berggruen zu Gast im Bode-Museum“ die 

wichtige Rolle, die die historische spanische 

Kunst in ihrer Kontinuität als auch in 

ihren Brüchen in der künstlerischen Praxis 

des wohl wichtigsten spanischen Künstlers 

des 20. Jahrhunderts spielte. 

Für Picasso hatte Kunst weder eine Vergangenheit 

noch eine Zukunft. Sie entwickelte 

sich nicht, war weder alt noch modern, 

sondern sollte nur danach beurteilt werden, 

wie relevant sie aktuell ist. Picasso studierte, 

interpretierte und adaptierte das Werk 

seiner Vorgänger*innen und zeigte dadurch, 

wie wichtig der Blick in die Vergangenheit 

ist, um die Gegenwart zu verstehen und 

darzustellen. Auch deshalb bleibt Picasso 

im 21. Jahrhundert eine herausragende, 

wenn auch streitbare Figur. 

Schon früh erwarb Picasso unzählige 

Kunstreproduktionen und Originale von 

alten Meistern und Zeitgenoss*innen, die 

ihm als stetige Quelle der Reflexion für 

seine eigenen Werke dienten. Insbesondere 

die spanische Kunst nahm in seiner universalen 

Vorstellungswelt einen zentralen 

Platz ein, nachdem er sie während seiner 

Kindheit und seines Studiums in so unterschiedlichen 

und geografisch weit voneinander 

entfernten Regionen wie Andalusien 

(Málaga), Galicien (A Coruña), Katalonien 

(Barcelona) und Madrid in all ihrem Reichtum 

kennengelernt hatte. 

Die Ausstellung lädt Besucher*innen in vier 

Sektionen ein, sich multidisziplinär mit der 

spanischen Kunst auseinanderzusetzen. 

So schlägt die erste Sektion eine Brücke 

zwischen Spanien und Deutschland im 21. 

Jahrhundert und kontextualisiert historische 

Vorurteile, die bis heute zwischen beiden 

Ländern bestehen. Die zweite Sektion 

24 


PABLO PICASSO FEMME ASSISE DANS UN FAUTEUIL, 1939 

Öl auf Leinwand© Staatliche Museen zu Berlin, Nationalgalerie, Museum Berggruen / Jens Ziehe / Succession Picasso / VG Bild-Kunst, Bonn 2023 

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PABLO PICASSO PORTRAIT DE NUSCH, 1937 

Öl auf Leinwand© Staatliche Museen zu Berlin, 

Nationalgalerie, Museum Berggruen / Jens Ziehe / Succession Picasso / VG Bild- 

Kunst, Bonn 2023 

analysiert die Verwendung von Porträts als 

Machtinstrument seit dem 14. Jahrhundert. 

Die Kontrolle über das, was und wie wir etwas 

zeigen, ebenso wie Bildstrategien, die 

uns als Teil einer sozialen Gruppe definieren, 

beherrschen heute die Welt der sozialen 

Netzwerke. Ihr Ursprung ist jedoch fast 

so alt wie die Geschichte der Kunst selbst. 

Die Darstellung von Macht und der eigenen 

Persönlichkeit reflektiert die Ausstellung 

anhand von Picassos „Frau in einem 

Sessel“ (1939) und „Eine kastilische Dame“ 

aus dem 16. Jahrhundert. Die dritte Sektion 

widmet sich den Gefühlen und ihrer Darstellung. 

Dieses Thema ist keineswegs ein 

neues Phänomen, sondern stand bereits im 

16. und 17. Jahrhundert im Mittelpunkt der 

spanischen Kunst. Auf Picasso übten Emotionen 

eine große Faszination aus, was die 

spannungsvolle Gegenüberstellung seines 

„Bildnis Nusch“ (1937) und Pedro Roldáns 

(1624–1699) „Mater Dolorosa“ (1670/75) 

veranschaulichen. Die Illusion, das Transzendente 

real erscheinen zu lassen, wird in 

26 


der vierten Sektion verhandelt. In Zeiten der 

digitalen Kommunikation scheint es zunehmend 

schwieriger, zwischen Wirklichkeit 

und Fiktion zu unterscheiden. Ein Gros der 

vor 1800 in Spanien entstandenen Kunst 

sollte direkt mit seinem Publikum kommunizieren 

und versuchte dabei, die Grenzen 

der sichtbaren Welt zu überschreiten. So tat 

es Diego de Siloé (1490/95–1563), der wie 

die meisten spanischen Bildhauer*innen 

allein wie auch im Verbund mit Malern 

arbeitete, um künstlerische Illusionen zu 

erschaffen, die über die materielle Welt hinausgehen. 

Vier Jahrhunderte später brach 

Pablo Picasso mit dem Kubismus endgültig 

mit der Trennung von Malerei und Skulptur, 

von Fläche und Raum. 

Museumsinsel Berlin, 

Bode-Museum 

Am Kupfergraben, 

10117 Berlin 

Öffnungszeiten: Di – So 10 – 18 Uhr 

27

DER KUNSTBLITZ | HORST-JANSSEN-MUSEUM OLDENBURG 

Wie erotisch ist die Kunst von Horst Janssen? 

28Love is a Battlefield 



HORST JANSSEN 

„Gila - Die Zeus“, 1978, Bleistift, Farbstift, Aquarell © VG Bild-Kunst Bonn 2023 

29


HORST JANSSEN 

„Memorial“, 1988, Pastellkreide © VG Bild-Kunst Bonn 2023 

Das Horst-Janssen-Museum Oldenburg 

zeigt ab dem 14. Oktober 

2023 die Ausstellung „Love 

is a Battlefield – Wie erotisch 

ist die Kunst von Horst Janssen?“. Für den 

norddeutschen Grafiker und Zeichner konnte 

alles erotisch aufgeladen sein, selbst 

Landschaften oder Gegenstände wie eine 

geöffnete Geldbörse. Er selbst sprach von 

„lüsternen Linien“ und ließ in seinen Bildern 

Körper so miteinander verschmelzen, dass 

der bzw. die Betrachter*in kaum weiß, wo 

der eine Körper beginnt und der andere 

aufhört. „Janssens erotische Zeichnungen 

entpuppen sich mitunter als Suchbilder 

und erschließen sich oft erst nach längerem 

Hinsehen. Sie lassen sich – abhängig 

vom eigenen Erfahrungshorizont – sehr 

unterschiedlich interpretieren“, erläutert 

die Museumsleiterin Dr. Jutta Moster-Hoos. 

„Wir möchten in und mit dieser Ausstellung 

mit unseren Besucher*innen ins Gespräch 

kommen“, sagt die Kuratorin Dr. Sabine 

Siebel. „Wir möchten wissen: Wie erotisch 

30 


HORST JANSSEN 

„Love is a Battlefield“ Bis dass Hayn uns vereint, 1984, Radierung © VGBild-Kunst Bonn 2023 

31


HORST JANSSEN 

„Svanshall 10.00“, 1969, Bleistift und Buntstift © VG Bild-Kunst Bonn 2023 

ist die Kunst von Horst Janssen? Was sehen 

die Betrachter*innen? Wie unterschiedlich 

interpretieren verschiedene Generationen 

und Geschlechter Janssens Werke, die 

oftmals weibliche Figuren aus männlicher 

Sicht zeigen und aus einer Zeit (1960er bis 

1980er Jahre) stammen, als von #MeToo 

noch keine Rede war.“ Bereits im Vorfeld 

der Ausstellung findet eine Online-Umfrage 

zu ausgewählten erotischen Zeichnung 

Janssens statt (www.horst-janssenmuseum.de/ausstellungen/umfrage) 

und 

auch in der Ausstellung selbst sollen die 

Besucher*innen zu Wort kommen. 

„Love is a Battlefield – Wie erotisch ist die 

Kunst von Horst Janssen?“ ist vom 14. Oktober 

2023 bis zum 28. Januar 2024 im Horst- 

Janssen-Museum Oldenburg zu sehen. 

32 


HORST JANSSEN 

„Milly“, 1969, Blei-und Farbstifte © VG Bild-Kunst Bonn 2023 

KURZPORTRAIT HORST JANSSEN: 

Horst Janssen wurde am 14. November 

1929 in Hamburg geboren und 

wuchs in Oldenburg auf. Seine außerordentliche 

Begabung als Zeichner 

offenbarte sich schon während 

seiner Schulzeit. Bei Kriegsende, nach 

dem Tod von Mutter und Großeltern, 

nahm seine Tante den 16-jährigen 

Janssen zu sich nach Hamburg. 

Sie unterstützte seine künstlerische 

Ausbildung an der Landeskunstschule, 

wo Alfred Mahlau ihn als 

Meisterschüler annahm und förderte. 

Eine erfolgreiche künstlerische 

Laufbahn begann, die dem 

als Exzentriker und Egomane verschrienen 

Janssen Weltruhm einbringen 

sollte. 

Seine Ausstellungen wurden in 

New York, Chicago, Los Angeles, 

Tokio, Taipeh, Moskau, Venedig, 

Rom, Oslo, Paris, Hamburg, Dresden, 

Oldenburg und vielen anderen 

Städten gezeigt. 

In späteren Lebensabschnitten hat 

sich Janssen zunehmend an glückliche 

Jugendjahre in Oldenburg 

erinnert. 1992 erhielt er die Ehrenbürgerwürde 

der Stadt Oldenburg. 

Horst Janssen starb am 31. 

August 1995 und wurde auf eigenen 

Wunsch auf dem Oldenburger 

Gertruden-Kirchhof beigesetzt. 

Horst-Janssen-Museum 

Am Stadtmuseum 4-8 

26121 Oldenburg 

33

DER KUNSTBLITZ | HELMUT NEWTON FOUNDATION MUSEUM FÜR FOTOGRAFIE 

Alice Springs. Retrospektive 

Bis 19. November 2023 

34 


ALICE SPRINGS, SIRPA LANE, PARIS 1972, 

© Helmut Newton Foundation 

35


Die Berliner Helmut Newton Stiftung 

eröffnete ihre neue Ausstellung 

Alice Springs. Retrospektive. 

Anlässlich des 100. Geburtstag 

von June Newton alias Alice Springs werden 

über 200 Fotografien auf der gesamten 

Ausstellungsfläche im ersten Stock des Museums 

für Fotografie gezeigt. 

Während bereits 2010 und 2016 größere 

Alice Springs-Ausstellungen in der HNF 

realisiert wurden, wurden viele Aufnahmen 

dieser Retrospektive bislang noch nie gezeigt. 

Eine ausgiebige Recherche im hauseigenen 

Archiv, insbesondere des kürzlich 

nach Berlin verbrachten Bestandes aus der 

gemeinsamen Wohnung der Newtons in 

Monaco, hat einen neuen Einblick auch in 

das Schaffen von Alice Springs ermöglicht – 

und diese teilweise spektakulären Ergebnisse 

werden nun, als vintage oder exhibition 

prints, erstmals zu sehen sein. 

Unter dem Pseudonym Alice Springs arbeitete 

June Newton seit 1970 als Fotografin, 

insbesondere im Bereich Porträt. Am Anfang 

des eigenen Œuvres stand eine Grippe 

Helmut Newtons. June Newton ließ sich 

von ihm die Handhabung von Kamera und 

Belichtungsmesser erklären und fotografierte 

1970 in Paris ein Werbebild für die 

französische Zigarettenmarke „Gitanes“. 

Das Porträt des rauchenden Models war 

ALICE SPRINGS, CHARLOTTE RAMPLING, PARIS 

1982, © Helmut Newton Foundation 

der Startschuss für die neue Karriere der 

australischen Theaterschauspielerin, die in 

Frankreich aufgrund der Sprachbarriere nur 

wenig Aussicht auf ein Engagement besaß. 

In der Folgezeit vermittelte ihr José Alvarez, 

der damals in Paris eine Werbeagentur 

leitete, Aufträge für Werbeaufnahmen von 

pharmazeutischen Produkten. Und Alvarez, 

inzwischen Chef der „Editions du Regard“, 

war es auch, der 1983 den ersten Porträtband 

von Alice Springs verlegte. 

Ab Mitte der siebziger Jahre entstanden 

nämlich auch zahlreiche Porträts, Men- 

36 


ALICE SPRINGS, PRINCESS 

CAROLINE OF MONACO WITH 

HER SON ANDREA AND KARL 

LAGERFELD, LA VIGIE, 

MONACO 1986, 


schenbilder voller Empathie, die bis heute 

die für Alice Springs so charakteristische 

Mischung aus Einfühlung und Neugierde 

auf ihre Zeitgenossen transportieren. In den 

Porträts ihrer Fotografenkollegen – darunter 

Richard Avedon, Brassaï, Ralph Gibson, 

Sheila Metzner und Robert Mapplethorpe 

– sowie anderer Prominenter wie Nicole Kidman, 

Isabelle Adjani, Vivienne Westwood, 

Liam Neeson oder Claude Chabrol gelingt 

es Alice Springs nicht nur, das Aussehen der 

Dargestellten einzufangen, sondern auch 

deren Aura. 

Auch wenn die meisten der Porträtierten 

37


ALICE SPRINGS, JUNE 

AND MODEL, PARIS 

1970S, 

© Helmut Newton 

Foundation 

zum kulturellen Jetset gehören, macht 

Alice Springs grundsätzlich keinen Unterschied 

zwischen den gesellschaftlichen 

Schichten. Ihren Kamerablick auf die Menschen 

konzentriert sie meist auf deren 

Gesichter; zuweilen fasst sie sie im engen 

Bildausschnitt als Brust- oder Dreiviertelporträt. 

Die Porträtierten schauen neugierig, 

offen und direkt in ihre Kleinbildkamera. 

Nur wenige Studioporträts sind darunter, 

die Mehrzahl entstand vielmehr – meist bei 

natürlichem Licht – im öffentlichen Raum 

sowie vor oder in den Wohnungen der Protagonisten. 

So begegnen uns eitle Posen oder 

38 


ein natürliches Selbstbewusstsein ebenso 

wie schüchterne Blicke. Die Bildnisse, im 

Auftrag von Zeitschriften ebenso wie aus 

freiem Antrieb entstanden, werden zu visuellen 

Kommentaren, zu Interpretationen 

der Dargestellten. Alice Springs lässt jedem 

und jeder Porträtierten seine oder ihre Individualität. 

Dabei gelingt es ihr immer wieder, 

dem allgemeingültigen und bekannten 

Bild ein möglichst klischeefreies, neues 

und ungewöhnliches Abbild hinzuzufügen. 

Möglicherweise hilft ihr die tiefe Kenntnis 

des Schauspiels, gleichzeitig auf und hinter 

die Fassade des Menschlichen zu schauen. 

Interessant sind auch die Porträts ihres 

Mannes, häufig während seiner Shootings 

entstanden, die gemeinsam mit Newtons 

Porträts seiner Frau sowie ausgewählten 

Selbstporträts die repräsentative Werkschau 

abrunden. 

Diese privaten Bilder führen gewissermaßen 

die gemeinsame frühere Ausstellung 

Us and Them weiter. Im hinteren Ausstellungsraum 

sind Aufnahmen aus diesem legendären 

Gemeinschaftsprojekt und andere 

gegenseitige Porträts zu sehen. So schließt 

sich der Kreis gleich mehrfach, denn das 

Leben und das Werk von Helmut und June 

Newton war auf vielfältigste Weise verbunden 

und trifft in der Berliner Ausstellung 

nun erneut zusammen. 

ALICE SPRINGS, HELMUT AS A NUN, ADVERTISEMENT FOR 

JEAN-LOUIS DAVID, PARIS 1970S, 


Museum Helmut Newton Barberini Foundation 

Humboldtstraße Museum für Fotografie 5-6, 

14467 Jebensstrasse Potsdam2 

Telefon: D – 10623 0331 Berlin 236014499 

www.museum-barberini.de/ 

Telefon: +49 30 3186 4825 

39

MENSCH – MYTHO 

DER KUNSTBLITZ | VON DER HEYDT-MUSEUM 

PABLO PICASSO | 

PABLO PICASSO, LIEGENDER FRAUENAKT MIT KATZE, 1964 

Leinwand 97,5 x 195 cm, Von der Heydt-Museum Wuppertal © Succession Picasso / VG Bild-Kunst, Bonn 2023 

40 


MAX BECKMANN 

S – WELT Bis 07. Januar 2024 

41


PABLO PICASSO, RAUB DER SABINERINNEN, 1962 

Gemälde / Öl auf Leinwand 97 x 130 cm 

Centre Pompidou, Paris © bpk / CNAC-MNAM / 

Christian Bahier / Philippe Migeat 

© Succession Picasso / VG Bild-Kunst, Bonn 2023 

MAX BECKMANN, SELBSTBILDNIS ALS KRAN- 

KENPFLEGER, 1915 

Öl auf Leinwand 55,5 x 38,5 cm 

Von der Heydt-Museum Wuppertal 

Pablo Picasso (1881 – 1973) und 

Max Beckmann (1884 – 1950) 

sind Schlüsselfiguren der Moderne. 

Beide leisten in der ersten 

Hälfte des 20. Jahrhunderts entscheidende 

Beiträge zu einer Neudefinition der Möglichkeiten 

und der Aufgaben gegenständlicher 

Malerei. Auf breiter Basis und im 

Rahmen einer Ausstellung miteinander 

vergleichen konnte man ihre Werke und 

damit ihre künstlerischen Haltungen und 

Auffassungen indes noch nie. Das Von der 

Heydt-Museum Wuppertal und das Sprengel 

Museum Hannover haben sich zusammengetan, 

um dies erstmals zu ermöglichen. 

Das Von der Heydt-Museum ist mit 

seiner Ausstellungsstation offizieller Partner 

des internationalen Projekts „Celebration 

Picasso 1973-2023“, das 2023 an den 

50. Todestag des Künstlers erinnert. Für das 

gemeinsame Projekt stützen sich die beiden 

Museen in erster Linie auf ihre eigenen reichen 

Bestände. Das Von der Heydt-Museum 

war das erste Museum weltweit, das ein Gemälde 

von Pablo Picasso erworben hat, und 

zwar im Jahr 1911. Und eines der Schlüssel- 

42 


werke Max Beckmanns, sein „Selbstbildnis 

als Krankenpfleger“ (1915), wurde schon 

1925 durch den Barmer Kunstverein für den 

öffentlichen Kunstbesitz in Wuppertal gesichert. 

Beckmann und Picasso, die die bewegte 

Epoche vom Fin de Siècle über zwei 

Weltkriege bis in die Zeit nach 1945 durchlebten, 

haben mit ihrer Kunst unseren Blick 

auf das 20. Jahrhundert geprägt. Von unterschiedlichen 

Voraussetzungen ausgehend, 

gelangten sie eigenständig zu individuellen 

Lösungen großer Fragen der Kunst und kreisen 

mit ihrem Schaffen um Kernfragen der 

menschlichen Existenz. Trotz unterschiedlicher 

künstlerischer Auffassungen berühren 

ihre Positionen sich dabei immer wieder 

auf überraschende Weise. Während beide 

PABLO PICASSO, HUMMER UND SIPHON, 1948 

Leinwand 81,5 x 101 cm, Von der Heydt-Museum 

Wuppertal © Succession Picasso / VG Bild-Kunst, 

Bonn 2023 

MAX BECKMANN, INDERIN, 1943 

Öl auf Leinwand 77 x 59,5 cm 

Sprengel Museum Hannover 

Künstler einerseits alte Regeln der Bildordnung 

zerstörten, griffen sie andererseits auf 

kunsthistorische Traditionen zurück; sei es, 

wie bei Picasso, um die Kunstgeschichte 

nach neuen, eigenen Maßstäben fortzuschreiben, 

oder, wie im Falle Beckmanns, 

um einen von modernen Mythen geprägten 

Bildkosmos zu schaffen. Beides setzt 

eine intensive Auseinandersetzung mit dem 

43


PABLO PICASSO, DAS KÄRGLICHE MAHL, PARIS, 1904 

Blatt 1 der Folge La suite des saltim-banques 

Radierung von Zinkplatte, Blatt: 52 x 42,8 cm 

Sprengel Museum Hannover © Succession Picasso / 

VG Bild-Kunst, Bonn 2023 

Bild und seinen Möglichkeiten voraus: mit 

dem Verhältnis zu Gegenständlichkeit und 

Räumlichkeit, mit der Beziehung zwischen 

Figuration und Abstraktion sowie mit der 

Erneuerung und Umdeutung ikonografischer 

Traditionen. Aber auch das eigene 

Leben, ihr künstlerisches Selbstverständnis, 

die politischen und gesellschaftlichen 

Rahmenbedingungen ihrer kreativen Arbeit 

sowie das Zeitgeschehen wurden von 

Picasso und Beckmann mit Vitalität und 

Verve thematisiert. Picasso und Beckmann 

entwickelten ihre Lebenswerke unabhängig 

voneinander und bewegten sich in unterschiedlichen 

Netzwerken. Gerade deshalb 

ist bemerkenswert, wie sie in ihrem 

Bestreben, der gegenständlichen, auf den 

Menschen und sein Weltverhältnis sich 

konzentrierenden Malerei neuen Sinn und 

neue Richtung zu geben, oftmals gleichsam 

Schulter an Schulter agierten und zu parallelen 

Auffassungen kommen. Andererseits 

vertraten sie nicht selten auch einander 

diametral entgegengesetzte Haltungen. 

Wenngleich beide Künstler, Beckmann 

und Picasso, einander wohl nie persönlich 

begegnet sind, auch nicht während Beckmanns 

mehrfachen Paris-Aufenthalten, 

nahmen sie einander gegenseitig wahr. 

Tatsächlich fühlte Beckmann sich von Picassos 

beispiellosem Erfolg in der internationalen 

Kunstwelt lebenslang herausgefordert 

und angespornt. Nur zu gern hätte 

er seine Bilder neben denen seines heimlichen 

Rivalen ausgestellt gesehen. 

Von Picasso wiederum ist überliefert, dass 

er Beckmanns Werk schätzte. Nach dem 

Besuch von dessen erster Ausstellung in 

Paris 1931 soll er über ihn gesagt haben: 

„Il est très fort“. 

44 


45


CELEBRATION PICASSO 

Am 8. April 2023 jährte sich der Todestag 

des spanischen Künstlers Pablo 

Picasso zum fünfzigsten Mal. In diesem 

Jahr werden sein Werk und sein künstlerisches 

Vermächtnis in Frankreich, Spanien 

und international gefeiert. 

Die Picasso-Feier 1973-2023 umfasst 

rund fünfzig Ausstellungen und Veranstaltungen 

in renommierten Kultureinrichtungen 

in Europa und Nordamerika, die 

zusammen einen historischen Überblick 

über den Umgang mit Picassos Werk geben. 

Die Gedenkveranstaltung, die von 

offiziellen Feierlichkeiten in Frankreich 

und Spanien begleitet wird, wird eine Bestandsaufnahme 

der Forschungen und 

Interpretationen des Werks des Künstlers 

ermöglichen, insbesondere im Rahmen 

eines wichtigen internationalen Symposiums 

im Herbst 2023, das auch mit der 

Eröffnung des Zentrums für Picasso-Studien 

in Paris zusammenfällt. 

MAX BECKMANN, LUFTAKROBATEN, 1928 

Leinwand 215 x 100 cm 

Von der Heydt-Museum Wuppertal 

Von der Heydt-Museum 

Turmhof 8 

42103 Wuppertal 

von-der-heydt-museum.de 

46 


47

DER KUNSTBLITZ | ALBERTINA WIEN 

ALBERT OEHLEN 

Untitled, 2020. ALBERTINA, Wien – Dauerleihgabe 

Privatsammlung Düsseldorf 

© Bildrecht, Wien 2023 

Österreich – Deutschland 

Malerei von 1970 bis 2020 

Wie im Fußball so in der 

Kunst? Nein. Gewiss nicht. 

Das Länderverhältnis Österreich 

- Deutschland stellt 

sich in der bildenden Kunst gänzlich anders 

da als im Sport: Es gibt keine harten Fronten, 

keinen Wettkampf, keine Gewinner und 

Verlierer, kein Jung und Alt. 

48 


Bis 21. 1. 2024 

GEORG BASELITZ 

Hadendoa, 1972 Öl auf Leinwand 200 × 160 cm. 

ALBERTINA, Wien – The ESSL Collection 

© Georg Baselitz 2023 

Foto: Mischa Nawrata 

Die große Herbstausstellung der ALBERTI- 

NA MODERN widmet sich hervorragenden 

Künstlerinnen und Künstlern aus beiden 

Ländern. Sie thematisiert jedoch nicht die 

lange Geschichte, die uns verbindet, sondern 

lässt in einer direkten Gegenüberstellung 

wichtige Sammlungspositionen der 

ALBERTINA in einen spannenden Dialog 

treten – so etwa Maria Lassnig mit Georg 

Baselitz, Arnulf Rainer mit Gerhard Richter, 

Franz West mit Sigmar Polke. 

Der Österreicher Siegfried Anzinger und 

der Deutsche Daniel Richter, die beide der 

gleichen Generation angehören, zeigen den 

künstlerischen Aufbruch der 80er Jahre. 

Generationenübergreifende Dialoge eröffnen 

neue Bezüge wie etwa jener zwischen 

Wolfgang Hollegha und Katharina Grosse. 

Auch Albert Oehlen, der international 

etablierte Künstler aus Deutschland ist zu 

nennen: Vor Jahren entdeckte er als Kurator 

einer Schau der Sammlung Essl die 

– viel zu spät anerkannte – Österreicherin 

Martha Jungwirth und widmete dieser experimentellen 

Aquarellistin damals einen 

ganzen Raum. Die ALBERTINA nimmt nun 

den transgenerationalen Dialog zwischen 

diesen beiden Künstlern erneut auf. 

Durch diese Dialoge möchte die Ausstellung 

Konzepte und Intentionen präsentieren, 

welche sich stilistisch, ästhetisch und 

thematisch überschneiden. Diese Entgegenstellungen 

eröffnen einen neuen Blick auf 

die Werke von – weithin und vielfach seit 

langem etablierten 

–Künstlerinnen und Künstlern aus Deutschland 

und Österreich. Altbekanntes wird 

durch diese Gegenüberstellungen – nicht 

nur visuell – zu einem ganz neuen Erlebnis. 

Ben Willikens und Eduard Angeli teilen 

nicht nur die Generation und fundamentale 

Erfahrungen der sie prägenden 60er Jahre, 

sondern auch eine melancholische Weltsicht, 

die den Österreicher wie den Deut- 

49

DER KUNSTBLITZ | ALBERTINA WIEN 

XENIA HAUSNER 

EXILES 3, 2017 

240 × 330 cm 

Öl auf Papier auf 

Dibond 


– Familiensammlung 

Haselsteiner 

© Xenia Hausner 

/ Bildrecht Wien, 

2023 

schen Orte der Einsamkeit und Verlassenheit 

entdecken lassen. Xenia Hausner und Neo 

Rauch finden eine gemeinsame Basis in der 

Auseinandersetzung mit ihren Themen. In 

den hier ausgewählten Werken setzen sich 

beide mit dem Fremden und dem Ausgesetzt-Sein 

auseinander. So unterschiedlich 

die beiden koloristisch, maßstäblich und im 

Pathos der Figuren wirken mögen, basiert 

ihr räumliches Gestaltungsprinzip auf einer 

bühnenbildartigen Inszenierung. In ihren 

großformatigen Gemälden entfaltet sich 

die Intensität der Themen wie einst in der 

Historienmalerei mit dem genus grande, die 

beim Publikum starke, pathetische Affekte 

hervorrufen wollte. Dabei schaffen es beide 

Maler, dem Pathos – hier schwere Körper, 

die träge bewegt werden, und Gesten, 

die größer gemacht werden als im realen 

Leben – die ursprüngliche Würde zurückzugeben. 

Weder bei Hausner noch bei Rauch 

wirkt das überzogen oder hohl. Künstlerinnen, 

die erst in den letzten Jahren national 

und international breite Öffentlichkeit erfahren 

haben wie Isolde Maria Joham oder 

Liliane Tomasko, werden Seite an Seite mit 

den Bahnbrecherinnen der Kunstgeschichte 

Maria Lassnig und Brigitte Kowanz gezeigt. 

Das Künstlerkollektiv Gelitin begegnet der 

Kunst der transsexuellen deutschen Künstlerin 

Verena Bretschneider. Eine Ausstellung 

wie Österreich-Deutschland ruft geradezu 

50 


GERHARD RICHTER 

Abstraktes Bild Nr. 611 1, 1986, Öl auf Leinwand 

200 × 140 cm. ALBERTINA, Wien – Sammlung 

Batliner © Gerhard Richter 2019 

Foto: ALBERTINA, WIEN 

NEO RAUCH 

Kommen wir zum Nächsten, 2005 Öl auf Leinwand 

280 × 210 cm. ALBERTINA, Wien – The ESSL 

Collection, 2005 - courtesy Galerie EIGEN + ART 

Leipzig/Berlin / © Bildrecht, Wien 2023 

danach, das Österreichische in der österreichischen 

Kunst und das Deutsche in der 

deutschen Kunst zu definieren. Tatsächlich 

zeigt jedoch dieses bilaterale Konzept, dass 

das Prinzip des Nationalstils abgedankt hat. 

Der Individualstil – gespeist aus globalen 

Quellen und einem jederzeit abrufbaren 

internationalen Informationsfundus – verdrängt 

das Prinzip der Schule einer nationalen 

Kunst. Die Ausstellung wird von Dr. 

Klaus Albrecht Schröder und Constanze 

Malissa kuratiert. 

ALBERTINA 

1010 Wien 

T +43 (0)1 534 83 0 

www.albertina.at 

51

DER KUNSTBLITZ | A 10 CENTER, WILDAU 

ART A10 2023 

Im A10 Center Wildau 

19.10. - 05.11.2023 

Unsere Zeit befindet sich erneut 

vor einer technischen Revolution. 

Sie ahnen sicherlich schon, 

worüber ich gerade reden 

möchte: Es geht um die Künstliche Intelligenz, 

die zurzeit in aller Munde ist. 

Das Thema erweckt Neugier, Unsicherheiten, 

sowie Hoffnung und gleichzeitig auch 

Zweifel über die Zukunft der gesamten 

Menschheit. Mittlerweile ist die KI in den 

Schulen angekommen. Mit ihrer Hilfe werden 

Themenbereiche recherchiert, Statistiken 

leicht erfasst und ausgewertet. 

In der Kunst gibt es, wie in vielen anderen 

Gebieten, geteilte Meinungen darüber… 

Manche Kunstkritiker*innen gehen davon 

aus, dass KI in der Zeitgenössischen Kunst 

neue Ausdrucksmöglichkeiten bieten wird. 

Wir werden Zeuge von der unmittelbaren 

Geburt neuer Kunstbewegungen, die dieses 

Jahrhundert zwischen Illusionen, Realität, 

Visionen und Fälschungen prägen wird. 

Andere Beobachter und Kunstschaffende 

vermuten, dass ihre kreative Arbeit durch 

die Verwendung von KI überflüssig wird. 

Wie es bei technischen Fortschritten immer 

der Fall ist, gibt es am Ende Gewinner 

und Verlierer. Stillstand ist auf jeden 

Fall keine Lösung. Ich bin mir allerdings 

auch sicher, dass der Mensch zahlreiche 

Fähigkeiten besitzt, die keine Maschine so 

schnell kopieren wird. In der Kunst zum 

Beispiel, wird sich die Nutzung der Kreativität 

noch lange durchsetzen, während 

die einfache „Reproduktion“ von Bildern 

und Skulpturen oder das Kopieren von 

bekannten Stilen keine Verwendung mehr 

finden wird. Deswegen sind wir besonders 

stolz, auch in diesem Jahr die Werke von 

28 Künstler*innen präsentieren zu können, 

die uns ihr individuelles „Können“ 

beweisen wollen. Ihre Arbeiten sind nicht 

bloße Reproduktionen bekannter Motive, 

sondern die gelungenen Ergebnisse von 

Emotionen, Überlegungen, Inspirationen, 

Erfahrungen und stilistischen Experimenten, 

die sie mit ihrer „Seele“ durchgeführt 

haben, die bekannterweise noch keine Maschine 

ersetzt. 

Aus lauter Neugier habe ich den Versuch 

gestartet, eine Auskunft bei „Bard“ (die 

KI-App von Google) über die ART A10 zu 

bekommen. Ich muss zugeben, dass das 

Ergebnis mich positiv überrascht hat. Es 

zeigt, dass KI unsere Ziele mit Interesse 

verfolgt hat! 

52 


Die ART A10 Wildau ist eine Kunstausstellung, 

die jedes Jahr im A10 Center in Wildau stattfindet. 

Sie ist eine Plattform für regionale Künstlerinnen 

und Künstler aus Brandenburg und 

Berlin, um ihre Werke einem breiten Publikum 

zu präsentieren. Die Ausstellung findet in den 

Räumlichkeiten des A10 Centers statt, einem 

Einkaufszentrum mit rund 200 Geschäften und 

Restaurants. Dies macht die ART A10 zu einem 

attraktiven Ziel für Menschen aus der Region 

und darüber hinaus. Die Ausstellungsfläche 

umfasst rund 1.000 Quadratmeter und ist in 

verschiedene Themenbereiche unterteilt. Im 

Mittelpunkt stehen die Bereiche Malerei, Grafik, 

Fotografie und Bildhauerei. 

Jedes Jahr bewerben sich rund 200 Künstlerinnen 

und Künstler für die ART A10. Eine Jury 

wählt schließlich rund 30 Werke aus, die in der 

Ausstellung gezeigt werden. 

Die ART A10 ist ein beliebtes Kulturereignis in 

der Region. In den vergangenen Jahren haben 

rund 350.000 Besucher die Ausstellung besucht. 

DIE ART A10 VERFOLGT FOLGENDE ZIELE: 

• Den regionalen Kunstschaffenden eine Plattform 

bieten, um ihre Werke einem breiten Publikum 

zu präsentieren. 

• Die Kunst in die Öffentlichkeit bringen und 

für mehr Aufmerksamkeit in der Gesellschaft 

sorgen. 

•Den Austausch zwischen Künstlerinnen und 

Künstlern aus verschiedenen Bereichen fördern. 

BEDEUTUNG 

Die ART A10 ist eine wichtige Veranstaltung für 

die regionale Kunstszene. Sie bietet den Künstlerinnen 

und Künstlern die Möglichkeit, ihre 

Werke einem großen Publikum zu präsentieren 

und ihre Arbeit einem breiteren Publikum bekannt 

zu machen. 

Die Ausstellung ist auch ein wichtiger Beitrag 

zur kulturellen Vielfalt in der Region. Sie zeigt 

die Vielfalt der künstlerischen Ausdrucksformen 

und regt zum Dialog und zur Auseinandersetzung 

mit Kunst an. 

ZUKUNFT 

MICHAEL DITTRICH 

Center Manager 

Die ART A10 ist eine etablierte Veranstaltung, 

die sich in den vergangenen Jahren zu einem 

festen Bestandteil des Kulturkalenders in der 

Region entwickelt hat. 

Die Organisatoren der Ausstellung planen, die 

ART A10 auch in Zukunft fortzusetzen und weiter 

auszubauen. Ziel ist es, die Ausstellung zu 

einem noch attraktiveren Ziel für Künstlerinnen 

und Künstler und Besucherinnen und Besucher 

zu machen.“ 

In diesem Sinne: Entdecken Sie mit uns neue Talente 

der regionalen Kunstszene und lassen Sie 

sich von der Anziehungskraft der Kunst verführen! 

Wir wünschen Ihnen viel Freude, inspirierende 

Momente und gute Unterhaltung bei 

der Betrachtung der Kunstwerke! 

Text von Michael Dittrich 

Center Manager (A10 Center Wildau) 

53


„KUNST, DIE DICH AN DEINE LEBENSENERGIE ERIN- 

NERN MÖCHTE. INSPIRIERT VON DEN KÜSTEN UND 

DER WEITE DES UNIVERSUMS. DEM INNEREN KOM- 

PASS VERTRAUEN UND DEINE ENERGIE FLIESST.“ 

Heike Bobusch 

“KUNST IST ALLES!“ 

Diana Achtzig 

„OB ICH LANDSCHAFTSBILDER, PORTRÄTS ODER 

STILLLEBEN MALE: ICH MALE DIREKT AUS DER 

EMOTION HERAUS. VERÄRGERT, VERLETZT, VER- 

BLÜFFT, GREIFE ICH ZUM PINSEL ODER MALE MIT 

DEN BLOSSEN HÄNDEN. ICH MALE SO WIE ICH BIN; 

ICH MALE, ALSO BIN ICH!“ 

Christiane Cicéron 

„KUNST IST ABSICHT ZUR SENSIBILITÄT“ 

Günter Böhme 

54 


55


„JEDES EINZELNE KUNSTWERK BERÜHRT UNS AUF UNSE- 

RER PERSÖNLICHEN EBENE - JEDER EINZELNE MENSCH 

HAT SEINE LEIDENSCHAFT FÜR KUNST. WENN KUNST WIE 

EIN MUSIKSTÜCK IN DIR MITSCHWINGT, JUBELT DEIN 

UNTERBEWUSSTSEIN UND ES VERÄNDERT DICH MIT JEDER 

BETRACHTUNG. DEIN GEFÜHL ZEIGT DIR IMMER WIEDER 

NEUE BILDER. LASSE DICH DARAUF EIN, AUCH WENN MEI- 

NE WERKE NAMEN TRAGEN, FINDE DEINEN EIGENEN TITEL.“ 

Elfe 

„FOTOGRAFIE BEGREIFE ICH IN IHREM WORTSINN ALS 

ZEICHNEN MIT LICHT. JENSEITS DES DOKUMENTARI- 

SCHEN DIE GRAFISCHEN UND MALERISCHEN ASPEKTE 

DER FOTOGRAFIE AUSZULOTEN, IST MIR BEI MEINEN 

ARBEITEN WICHTIG.“ 

Katrin Heller 

“ICH HINTERFRAGE GEFÜHLE VON FREIHEIT UND 

SICHERHEIT UND ERFORSCHE HIERFÜR DIE GRENZE 

ZWISCHEN ERKENNBARKEIT UND ABSTRAKTION.“ 

Gerlind Hentze 

„MICH EINLASSEN UND ABTAUCHEN 

IN DIE WELT DER FARBEN, DAS 

LOSLÖSEN VOM DRANG, ETWAS 

GEGENSTÄNDLICHES ZU ERSCHAF- 

FEN UND AM ENDE EIN FERTIGES 

WERK ZU BETRACHTEN- DAS IST 

FÜR MICH LEIDENSCHAFTLICHE 

MALEREI!“ 

Franka Höhne 

56 


UROLOGISCHE PRIVATPRAXIS 

WUPPERTAL 

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57


“DIE NATUR DER „WILDEN 

FRAU“ LEBT IN UNS - NIE 

VERLOREN, NUR VERSCHÜT- 

TET. ICH ERGRÜNDE SIE MIT 

PINSEL UND STIFT.“ 

Lilou King 

„INSGESAMT STREBE ICH 

DANACH, EINE BALANCE 

ZWISCHEN REALISMUS UND 

FANTASIE ZU FINDEN, UM 

EINE EINZIGARTIGE UND 

FESSELNDE ERFAHRUNG 

FÜR DEN BETRACHTER ZU 

SCHAFFEN.“ 

Karin Koch 

AUF DIE IMMER WIEDER KEH- 

RENDE FRAGE/FESTSTELLUNG 

VIELER BETRACHTER OHNE 

KUNSTERFAHRUNG, WARUM 

DIE FIGUREN DENN SO ERNST 

SCHAUEN, MEINE ANTWORT: 

„ES SIND SKULPTUREN. KEINE 

PUPPEN!“ 

Ralf Kleine 

„MEINE WERKE 

SIND 3D FILME 

MIT EINER BILD- 

RATE VON EINEM 

BILD PRO EWIG- 

KEIT (1 FRAME 

PER ETERNITY)„ 

Mario Lehmann 

“IN MEINEN BILDERN STREITEN WIRKLICH- 

KEIT UND ILLUSION.“ 

Agnes Brigitte Schröck 

58 


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„GEDULD BEI DER LANDSCHAFT, DAS GEFÜHL FÜR 

DEN RICHTIGEN AUGENBLICK BEI DER REPORTAGE, 

DIE SENSIBILITÄT BEIM PORTRÄT GEHÖREN ZUR 

FOTOGRAFIE“ 

Frank Müller 

MICH BILDKÜNSTLERISCH AUSZUDRÜCKEN 

BEDEUTET AUCH : FREIRÄUME ZU SCHAFFEN 

UND ZU NUTZEN, UM DER ENGE ZU BEGEGNEN. 

Uli Mathes 

“REFLEXION MIT INTONATION, MEINE GE- 

GENWÄRTIGE AUSDRUCKSWEISE.“ 

Tatyana Mutig 

„MEINE STUDIE DER VERÄRGERUNG IST STILLE, DIE 

SICHTBAR WIRD. DIE SPANNUNG ZWISCHEN SPRACHE 

UND DER WELT, IN DER DAS EXISTIERENDE NACH SEINER 

MÖGLICHKEIT VERLANGT, UND NICHT DAS MÖGLICHE 

NACH SEINER EXISTENZ. DIES IST EINE LEIDENSCHAFT- 

LICHE AUSEINANDERSETZUNG MIT DER GEGENWART, IN 

DER DIE OBERFLÄCHE DER DINGE UND DIE OBERFLÄCH- 

LICHKEIT DER MENSCHEN WAHRHAFT BEDEUTSAM UND 

SCHMERZVOLL SIND. DIE SUCHE NACH DEM KONTEXT, 

MEIN WUNSCH, ZU ENTFLIEHEN, UND MEINE UNFÄHIG- 

KEIT DIESEM NACHZUGEHEN. DIE EINFÜHRUNG VON 

LEUCHTENDEN BLOCKFARBEN IN DIE ARBEIT MEINER 

NEUEN SERIE IST EINE KONZEPTIONELLE IDEE, UM EINEN 

WEG ZU FINDEN, DAS UNNÖTIGE ZU IDENTIFIZIEREN 

UND LOSZUWERDEN.” 

Kristine Narvida 

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ALLES FLIESST, BIS SICH EIN GEGENSTANDSLOSES 

BILD FORMT.” 

Detlef Polley 

„DURCH DIE VIELFALT IHRER ERSCHEINUNGSBILDER 

KÖNNEN FARBEN UND FORMEN BILDIDEEN SUG- 

GERIEREN, FANTASIE UND DARSTELLUNGSFREIHEIT 

AKTIVIEREN....„ 

Joachim Sachse 

“MEINE WERKE SIND IN IHRER FARBINTEN- 

SIVEN BEWEGTHEIT UND LEBENDIGKEIT VOR 

ALLEM EINES: LIEBESGESTÄNDNISSE ANS 

JETZT UND EINLADUNGEN ZUM INNEHAL- 

TEN - ZUM VERWEILEN IN EBENDIESEM 

MOMENT.“ 

Miriam Smidt 

AM 22. OKTOBER 2023 FINDET DIE VERNISSAGE UND 

DIE PREISVERLEIHUNG STATT. DIE KARIBISCH STÄM- 

MIGE SÄNGERIN Sara de Bourgeois BEREICHERT ZU- 

SÄTZLICH DIE VERANSTALTUNG MIT EINEM BUNTEN 

REPERTOIRE AN SONGS AUS SOUL, FUNK UND JAZZ. 

AUF DIE NEUESTEN EXPONATE DER KÜNSTLER*INNEN 

UND AUF DIE PERFORMANCE VON SARA DE BOUR- 

GEOIS SIND WIR SEHR GESPANNT! 

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„IN MEINEN ZEICHNUNGEN VERARBEITE ICH DIE 

FLÜCHTIGEN EINDRÜCKE, DIE MIR IM ALLTAG 

BEGEGNEN.“ 

Ulrike Basner 

„UNTER EINFLUSS VON LICHT UND FARBEN 

ENTSTEHEN NEUE KOMPOSITIONEN, 

DIE MICH FOTOGRAFISCH INSPIRIEREN.“ 

Petra Sommer 

“DAS SCHÖNE VERBIRGT SICH IM DETAIL… UND 

SPIEGELT SICH IM AUGE DER BETRACHTER.“ 

Violeta Vollmer 

“DIE NATUR IST MEINE INSPIRATION UND MEIN 

ATELIER” 

Rostylav Voronko 

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“ICH FINDE MEINE MOTIVE NICHT, ICH ERFINDE SIE. 

DENNOCH IST ES OFT EINE INTERPRETATION DER 

EINDRÜCKE, DIE ICH IN DER FREIEN NATUR“ VISUELL 

ERLEBT HABE. 

Heidrun von Haacke 

„MEINE FORMEN SIND WIE WESEN, DIE MAL 

VEREINZELT STEHEN, MAL VERBUNDEN ODER SIE 

KONKURRIEREN UM DIE AUFMERKSAMKEIT VON 

AUSSEN.“ 

Anne Winkler 

„DIE MALEREI IST WIE EIN BUCH. JEDES BILD HAT 

SEINE EIGENE GESCHICHTE.“ 

Anne Winkler 

„… FIGUREN IM ABSTRAKTEN RAUM GEZIELT AB- 

SICHTSLOS ERARBEITET …„ 

Marlies Ziemke 

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DER KUNSTBLITZ | WILHELM-FABRY-MUSEUM 

EIN BILD VON TINO ZIMMERMANN 

FESTGEHALTEN 

Kunst als Wegweiser im Dunkel der Psyche 

Die Ausstellung im Wilhelm-Fabry-Museum, 

kuratiert von der Kunsthistorikerin 

Manja Wilkens, setzt sich aus zwei Themen-Clustern 

zusammen. 

Zum einen stellt sie das Werk und 

das Schicksal des Arztes Matthias 

Kube vor. Kube, Nephrologe und 

fünffacher Vater aus Westfalen, 

erkrankte 2018 an Morbus Alzheimer. Um 

sich dem Grübeln wenigstens zeitweise zu 

entziehen, begann er mit der künstlerischen 

Bearbeitung von Holzstücken, die er auf 

Spaziergängen gefunden hatte. Daraus entwickelte 

er gemeinsam mit der Hamburger 

Fotografin Marianne Moosherr ein so faszinierendes 

Kunstprojekt, dass er kurz vor seinem 

Tod erheitert überzeugt war, er sei ein 

Künstler und kein Arzt. Kunst, so das Fazit, 

ist manchmal die bessere Medizin. Gezeigt 

werden seine virtuos geschnitzten Holzobjekte, 

sowie die konzeptuellen Aufnahmen 

der Porträtfotografin Moosherr, die seine 

Arbeiten im Wortsinne greifbar machen und 

zeigen, wie viel Kunst in der Natur steckt. 

Auch der zweite Themenkomplex wird 

64 


5.11.2023 - 25.2.2024 

mittels des Mediums Fotografie erfahrbar 

gemacht. Die Aufnahmen präsentieren die 

persönliche Geschichte des 1990 geborenen 

Tino Zimmermann, der über das Medium 

Fotografie einen Weg fand, sich von seiner 

Sucht und einer psychischen Erkrankung zu 

befreien. Das Fotografieren ermöglichte es 

ihm, wieder in einen geregelten Alltag zurückzufinden. 

Die zwischen 2011 und 2016 

entstandenen Arbeiten dokumentieren unverstellt 

das oft melancholische Leben in 

der abgelegenen brandenburgischen Provinz, 

in der Tino Zimmermann aufwuchs. Die 

Aufnahmen mündeten in einer 450 Seiten 

starken Publikation, für die der Autor 2019 

mit dem deutschen Fotobuchpreis ausgezeichnet 

wurde. Von 2016 bis 2018 studierte 

Zimmermann Fotojournalismus und Dokumentarfotografie 

in Hannover, nach vier 

Semestern wechselte er an die Kunstakademie 

Karlsruhe, um Freie Kunst zu studieren.. 

Mit beiden Ausstellungspositionen wird die 

Bandbreite des Vergessens, bedingt durch 

Krankheit, Medikation, Drogen sowie das 

Bewahren über das Haptische und Visuelle, 

veranschaulicht. 

Das ZDF-Kulturmagazin „Aspekte“ widmete 

2022 Matthias Kube und Morbus Alzheimer 

unter dem Titel „Vom Vergessen und Verschweigen, 

wenn Menschen ihr Gedächtnis 

verlieren“ einen längeren Beitrag. 

Wilhelm-Fabry-Museum 

Benrather Straße 32a I 40721 Hilden 

www.wilhelm-fabry-museum.de 

E-Mail: wilhelm-fabry-museum@hilden.de 

Tel. 0 21 03 - 59 03 

65

DER KUNSTBLITZ | KUNSTRAUM GEWERBEPARK-SÜD IN HILDEN 

Kitsch und Kunst. Konfrontation und Grenzgänge 

Bis 03.12.2023 

Ist Kitsch definierbar? Und was überhaupt ist Kitsch? 

Das Thema der Ausstellung stellt eine Herausforderung 

dar, denn zu dem Begriff Kitsch und seiner Bedeutung 

gibt es historisch bis in die Gegenwart betrachtet die 

konträrsten Positionen. Von den einen geliebt und gehätschelt, 

von den anderen verteufelt und verflucht. Gar 

als Inbegriff des Bösen und des schlechten Geschmacks 

verdammt, verbinden viele mit ihm etwas Alltägliches, 

Triviales und in Masse Reproduziertes. Auch der Gedanke 

an Kleinbürgerlichkeit, Spießigkeit, Sentimentalität 

wird mit diesem Phänomen verknüpft. Von den 

negativen Konnotationen hat sich der Begriff heute 

weitgehend gelöst und einen Wandel in seiner Wahrnehmung 

und Definition erfahren. Diese Metamorphose 

einer friedlichen Koexistenz von Kitsch und Kunst, einem 

klaren hierarchischen Ordnungssystem, geht jedoch 

viel weiter. Spielarten, Funktionen, Bedeutungen 

und Instrumentalisierungen von Kunst, eingestuft als 

Kitsch bis hin zur Geschmacksvorliebe hin zum Existenziellen, 

werden an ausgewählten Themenkomplexen 

gezeigt. So war der röhrende Hirsch einst ein Muss in 

jedem adligen Haushalt oder Jagdschloss und beliebter 

Topos für Macht, Stärke und Potenz in der Malerei und 

Plastik, ein Motiv, das als Reproduktion in den bürgerlichen 

Haushalt einzog und sich zum Inbegriff des Kitsches 

wandelte. Ausgewählte Landschaftsbilder sowie 

eine Skulptur des Bildhauers Thomas Virnich werden in 

diesem Zusammenhang präsentiert. Dem in Serie reproduzierten 

Aquarell des Dürer Hasen, als Kunstdruck aus 

den Wohnzimmern ganzer Epochen nicht mehr wegzudenken, 

zollt der Künstler Ottmar Hörl Tribut mit seinem 

multiplen goldenen Dürer Hasen. Bereits in den frühen 

1970 Jahren zeigte der Konzeptkünstler Hans-Peter 

BILD: ALIBABA 

Feldmann, dass sich Kunst aus dem Alltäglichen und 

Profanen speisen lässt und spätestens mit dem Ankauf 

seines „Ladens“ durch das Münchner Lehnbachhaus 

wird deutlich, dass Souvenirs und Nippes als Gesamtkonzept 

zur Kunst erhoben werden können. Neben den 

genannten Beispielen setzt sich die Ausstellung mit Traditionen, 

dem Sammeln, dem Glauben und einfach nur 

„schönen“ Bildern auseinander. Dafür werden ausgewählte 

Werke etwa von Dominik Hebestreit, Hans-Peter 

Feldmann, Cornelia Schoenwald, Pierre & Gilles, Ansgar 

M. van Treeck, Damien Hirst, Dennis Josef Meseg, Thomas 

Virnich und vielen weiteren Künstlern präsentiert. 

Kunstraum Gewerbepark-Süd 

Hofstraße 64 

40723 Hilden 

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