La era de la degradación del arte y de la política cultural ... - Kulturklik

vergüenza” que supone el gasto público en un determinado proyecto artístico, el conjunto de
comentarios de usuarios es abrumadoramente favorable a la cancelación del soporte público a
las artes. Se está produciendo una coyuntura especial entre medios, administración y público
para condenar la práctica artística como si esta fuera una tomadura de pelo en un momento de
recortes generales; como si ejercer el arte fuera especialmente insultante ante la precariedad
de los mundos educativos o sanitarios. Esta conjunción tiene una trayectoria larga, pero es
ahora, gracias a las posibilidades de opinión de los medios digitales, que se hace más
evidente. Todavía más. Si desde el mundo de la cultura se producen cada día manifestaciones
públicas en contra del recorte de derechos laborales de muchos ámbitos sociales y
profesionales, son pocas las voces que desde fuera de la cultura expresan apoyo a las
demandas propias del sector cultural. Esto se ha podido ver, incluso, en el movimiento del 15M.
¿A qué se debe este menosprecio abierto hacia las artes contemporáneas? Naturalmente, no
podemos establecer aquí todas las razones de este proceso. Deberíamos tocar muchas teclas
que afectan a la propia estructura artística, educativa, política, económica, social, etc. La crítica
y la sociología del arte se han hecho esta pregunta durante muchos años. Pero intentaremos,
al menos, apuntar algunas cuestiones que pueden iluminar la situación tal y como se da en el
presente y en nuestro contexto.
En primer lugar, hay que entender el problema en la clave que ofrecemos en algunas
secciones de este texto. Si la política cultural de los tiempos de la transición se articuló
mediante la idea de que la cultura serviría de cola, de aglutinante, para crear ciudadanía,
alejando el tradicional conflicto y disensión de la realidad política y social española o catalana,
los ciudadanos fueron invitados a entender las producciones contemporáneas también bajo
criterios desconflictuadores. Lo que había en los museos eran los ejemplos de una sensibilidad
homogenizadora (la política cultural) capaz de adiestrar la pluralidad conflictiva de la creación
(cultura). En este camino, la oferta de arte contemporáneo ha sido asumida en clave de
bienestar o de ejemplo de relatos identitarios (que también incluyen visiones rebeldes y anti
institucionalistas como iconos de los artistas nacionales). Ha triunfado una percepción del arte
actual que desmotiva las aproximaciones críticas y explorativas respecto a las obras;
percepción que, en un momento de intenso cuestionamiento sobre la productividad de las
mercancías, sale reforzada al interpretar de un modo todavía más ornamental (cierto bienestar
que no es prioritario) la práctica artística.
En segundo lugar, la calidad de bienestar asumida por las artes la hacen, paradójicamente,
mucho más próxima a una actividad de carácter estrictamente privado. En los años ochenta se
produjo un consenso alrededor de la idea de que la cultura y el arte eran un “plus” colectivo
(en parte ganado por el papel de la cultura en la lucha antifranquista) que había que mantener
lejos de condicionamientos productivos y comerciales y que se manifestaba incluso con dinero
a “fondo perdido” (de aquí la gran cantidad de museos construidos). El papel de los
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