journées d'étude - Palais des Beaux Arts de Lille

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Histoire de l’Art | Histoire des Arts
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4. Transmettre
C’est le fondement de votre présence à tous
ici. Maintenant les musées possèdent des
services culturels et pédagogiques composés
d’enseignants détachés, de conférencières
patentées, et d’un service de communication
pour assurer la publicité, la communication et
le lien avec les publics multiples et variés. Cette
branche de service des musées – qui œuvre à
partir des actions des conservateurs – prépare
des dossiers et documents destinés à être
divulgués auprès des divers publics ciblés.
Pour Echappées Nordiques, il y a eu une très
belle collaboration avec nos enseignants
détachés qui a permis la réalisation d’un livret
pédagogique destiné aux enseignants du
primaire et du secondaire comme support de
visite : il développait les informations relatives
à l’histoire, la littérature et l’art de ces pays
nordiques à la fin du XIX e s. J’ai d’ailleurs reçu
des félicitations pour la qualité de ce travail.
III La lecture de l’œuvre d’art
Le musée des Beaux-Arts de Lille a été l’un des
premiers musées français, dans les années
1970, à se doter d’un département pédagogique
et culturel mené par un conservateur, avec une
volonté qui ne s’est jamais démentie depuis.
J’ai sélectionné quelques œuvres que vous avez
certainement vues lors de votre visite du
musée... Pour nous, conservateurs, il est avant
tout important de replacer l’œuvre dans son
contexte et de tenir compte de sa part de
créativité.
La grille de lecture d’une œuvre d’art repose sur
la prise en compte de paramètres essentiels : la
lumière, la composition, les couleurs, la
perspective et le matériau ou la technique
choisis… paramètres auxquels l’artiste est
confronté lors de son exercice de création,
face à la toile ou au bloc de glaise, dans sa
recherche de beauté, d’harmonie, d’expression,
de vérité. Jusqu’au début du XX e siècle, les
artistes se réfèrent et prennent appui sur les
grands maîtres du passé. Ensuite, l’art – dit
contemporain – se métamorphose privilégiant
le monde des sensations et des sentiments
d’un point de vue chromatique, composition,
choc des matières.
La peinture d’histoire. Voici une œuvre manifeste
du peintre David Bélisaire demandant
l’aumône, datée 1781 5 , qui a engendré le
considérable courant artistique appelé néoclassisisme,
issu de la découverte des sites
d’Herculanum et de Pompeï, en Italie, au milieu
du XVIII e siècle. David est le premier peintre à
étudier scrupuleusement ces découvertes pour
créer des décors crédibles aux valeureuses
actions des héros de l’Antiquité. Ici, le peintre
s’inspire de l’histoire de ce victorieux général
byzantain, Bélisaire ; tombé en disgrâce, il se
trouve réduit à la mendicité à la grande stupeur
de l’un de ses anciens soldats.
L’esthétique est radicalement différente de
celle colorée et superficielle de l’époque rococo,
menée par Boucher et Fragonard : elle privilégie
la lumière qui fait saillir les volumes sculpturaux
des formes et réduit la profondeur de champ.
Les coloris sont limités au rouge à gauche et au
bleu à droite ; le profil de la tête du général,
beau et noble visage réaliste rappelle les profils
des médailles antiques.
Les chefs d’œuvre sont d’une richesse complexe ;
ils ne sont absolument pas réductibles aux
courants qu’ils incarnent. Par exemple, dans le
cas du Bélisaire de David, l’éclairage contrasté,
la description du visage ridé et des pieds
aux ongles sales jouent un rôle qui annonce
le réalisme, au milieu du XIX e s. Les mêmes
composantes peuvent servir des styles
différents. Enfin, le chef d’œuvre de David est
un tableau dont l’itinéraire s’avère capital et
significatif : il a appartenu à l’oncle de Napoléon,
le cardinal Fesch à Ajaccio, puis à Lucien
Bonaparte, ensuite à Marie-Laetitia, la mère
de Napoléon.
Restons dans la peinture d’histoire, le genre
suprême pour un artiste, conformément à la
hiérarchie des genres définie par l’Académie
des Beaux-Arts, et arrêtons nous sur Médée de
Delacroix, 6 exécutée quelque cinquante
années plus tard par le maître du Romantisme.
Le sujet se rapporte à la mythologie antique :
amoureuse de Jason, Médée l’a aidé à voler la
toison d’or. D’après la légende, elle eut sept fils
et sept filles de lui. Cependant, Jason s’éprend
de la fille d’un autre roi et abandonne Médée
qui, par vengeance, décide de tuer ses enfants.
Delacroix a recours à un éclairage fort contrasté,
destiné à renforcer la charge dramatique de
la scène, extrêmement poignante puisqu’il
s’agit d’un double infanticide. On sent les
5
Jacques-Louis David
Bélisaire demandant l’aumône
Photo © H. Maertens
6
Eugène Delacroix, Médée
Photo © H. Maertens
enfants qui se débattent des bras de leur mère
et veulent s’échapper alors qu’en même temps
le regard de Médée se porte à l’arrière plan,
geste qui évoque la fuite éperdue. Là également,
comme chez David, les couleurs sont réduites
mais symboliques, le rouge et le noir évoquant
la violence et la passion, comme dans le roman
contemporain de Stendhal,
Mais, revenons en arrière au XVII e siècle, à l’âge
baroque avec cette œuvre majeure de Rubens
qui provient du couvent des Récollets à Lille. 7
La lumière y est également très importante :
elle éclaire une composition en X, deux diagonales
qui se croisent au niveau du corps du
Christ où se focalise l’attention du spectateur.
Une symbolique s’applique au soutien du corps
du Christ par saint Jean et à Marie-Madeleine
qui baise la main du Christ. L’iconographie est
moins accessible que celle de Médée ou de
Bélisaire. Cependant, le visage exsangue de la
Vierge exprime fortement sa douleur alors que
l’on voit on voit les larmes couler comme des
perles sur le visage de Marie Madeleine. Autre
choc des couleurs, propre à l’époque baroque :
le rouge et sa complémentaire le vert, le jaune
et sa complémentaire le violet.
Le portrait dans la hiérarchie des genres est le
deuxième par son importance. Tout artiste
formé par les Beaux-Arts voulait être peintre
d’histoire mais il devait passer devant un
conseil qui donnait l’agrément ; ils n’étaient
donc pas tous reçus et se repliaient sur le
portrait officiel dont regorgent les XVII, XVIII et
XIX e siècles. J’ai choisi celui ci pour illustrer le
portrait au début du XVIII e 8 : il se trouve dans
la galerie Chardin et a été peint par un artiste
d’origine flamande Largillière, venu faire
carrière à Versailles comme beaucoup de
Flamands en ce temps. Il représente ici un
portrait familier, son beau père Jean-Baptiste
Forest avec ses attributs, présenté d’une
manière martiale, le poing sur la hanche, la
palette et les pinceaux dans l’autre main face
au tableau sur lequel il travaille. Il a une tenue
qui nous parait étrange mais qui est en fait la
tenue de travail des artistes dans les ateliers qui
étaient peu ou pas chauffés : une houppelande
et un bonnet fourré. Des origines flamandes
du peintre découle l’habileté à rendre les
textures telle la fourrure et cette carnation
riche et fleurie du visage que Largillière, l’un
des meilleurs portraitistes du XVIII e siècle,
réussit à rendre vivant, mobile.
Dans la hiérachie des genres, les deniers,
la nature morte et la scène de genre. Par
exemple, malgré ses efforts, Greuze, l’un des
plus grands peintres du XVIII e siècle, ne sera
jamais reconnu comme peintre d’histoire mais
comme peintre de genre. Je vous présente ici le
célèbre peintre de nature morte : Chardin,
appelé peintre de la vie silencieuse. Lui aussi
aurait aimé être reconnu comme peintre
d’histoire. à défaut, il s’attache aux objets
quotidiens et non aux objets de luxe que l’on
peut rencontrer notamment dans les natures
mortes flamandes et hollandaises. Voici donc
ce Gobelet d’argent qui donne son nom à
l’œuvre 9 (ill. p. 26), cette bouteille, ce morceau
de saumon dans l’assiette, cette miche de pain
et le couteau qui indique la profondeur de la
composition par sa position oblique, sinon
les autres objets sont présentés quasiment sur
le même plan. Là aussi la lumière est
déterminante et se reflète sur l’argent du
gobelet, l’étain de l’assiette, ou le verre de
la bouteille. Chardin mettait beaucoup de
temps à peindre ses œuvres, disant qu’il fallait
oublier son modèle, une démarche somme
toute assez contemporaine… il voulait parvenir
à restituer l’essence de ces objets qui évoquent
la vie de tout le monde.
Tournons nous maintenant vers une scène
de genre de grand format qui illustre la
transposition d’une banale scène de genre en
scène d’histoire sous le pinceau de Courbet 10 ,
le maître du réalisme au milieu du XIX e siècle :
c’est à dire, une scène de genre n’est présentée
jusqu’alors que sur de petits ou moyens
formats, mais pas sur de grandes toiles
réservées au genre noble de la peinture
d’histoire. En 1849, L’après-dîner à Ornans fait
scandale. La lumière joue là encore un rôle
déterminant, supplantant la couleur comme
chez David, 70 ans plus tôt. L’œuvre est peinte
dans les tons mordorés, bruns, gris pour
suggérer une scène de tous les jours, dans le
pays de Courbet, à Ornans, aux conditions de
vie rude. Courbet évoque ses amis qui se
retrouvent une fin d’après midi, en novembre ;
la table est occupée par les reliefs d’un repas ;
ces amis ont bien mangé, des taches maculent
la nappe – cela va choquer –, un molosse est
coincé sous la chaise et les deux personnages
au premier plan, l’un vu de profil, peint
de manière rapide, l’autre nous tourne
délibérément le dos.
7
Pierre Paul Rubens La Descente de Croix
Photo © H. Maertens
8
Nicolas de Largillière Jean-Baptiste Forest
Photo © H. Maertens
10
Gustave Courbet L’Après-dîner à Ornans
Photo © H. Maertens
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