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JAZZ
VIJAY IYER
Félix-Antoine Hamel
Àla fin du mois, la grande foire musicale
du FIJM accueillera, encore
une fois, sa kyrielle d’artistes de
renom, tous genres confondus (ou
presque). Perdu un peu dans cette
cohue se trouve un musicien qui mérite le
détour, ne serait-ce que pour le plaisir de
découvrir un «nouveau» nom. Il serait un peu
mal venu d’associer le pianiste Vijay Iyer à la
relève; mais si l’on jette un coup d’œil à la programmation
de cette 31 e édition du festival,
force est de constater qu’auprès des Herbie
Hancock (70 ans), Ahmad Jamal (79 ans),
Keith Jarrett (65 ans), Steve Kuhn (72 ans) et
Dave Brubeck (89 ans), Iyer, à 38 ans, fait
figure de jeunot. Quoi qu’il en soit, ce musicien
sera au rendez-vous le 25 de ce mois et à
deux reprises le même soir, d’abord en solo
puis en trio. Question de le situer, voici
quelques repères et deux chroniques de disques
récents qui mettent ses talents bien en évidence.
Musicien d’ascendance indienne mais né
aux États-Unis, Vijay Iyer s’est bâti une solide
réputation depuis une dizaine d’années grâce à
un jeu robuste et à quelques disques dynamiques
avec un quartette mettant également
en vedette son compatriote et contemporain,
le saxophoniste alto Rudresh Mahanthappa.
Faisant appel autant à un langage jazzistique de
pointe qu’à des rythmes et mélodies influencés
par la musique indienne, ces deux musiciens se
sont fait remarquer par une série d’enregistrements
dont Panoptic Modes (2000), Black
Water (sous le nom de Mahanthappa, 2002) et
Blood Sutra (2003). Cela dit, Iyer semble prêt
à entamer une nouvelle phase de son développement
musical, cette évolution s’illustrant à
merveille par la parution de Historicity.
Applaudi par la critique à sa sortie l’an dernier,
ce nouvel album en trio offre la chance d’entrer
un peu plus qu’avant dans son monde musical,
de palper ses influences, même de déchiffrer sa
vision de l’histoire. ■
www.vijay-iyer.com
PHOTO: PRASHANT BARGHAVA
» ALLER AUX DEVANTS de L’HISTOIRE
Vijay Iyer Trio : Historicity
ACT 9489-2 (www.actmusic.com)
★★★★✩✩
De toute évidence,
un musicien
comme Iyer ne saurait
prodiguer une
leçon d’histoire en
se limitant à de
simples relectures
de thèmes et de
techniques du
passé. Il chercherait plutôt à intégrer à sa
conception divers morceaux composés par
d’autres musiciens de tous horizons – par
exemple, une version inattendue de
Somewhere de Bernstein et Sondheim qui
côtoie une interprétation de Galang (de l’artiste
électro/hip-hop d’origine tamoule
M.I.A.) –, le tout bien arrondi par de nouvelles
versions de ses propres pièces. Le jeu
percussif du pianiste est soutenu à merveille
par le contrebassiste Stephan Crump et le
batteur Marcus Gilmore: leur façon de traiter
le répertoire conjuguée à l’interaction
explosive entre ces trois protagonistes donnent
à l’ensemble une qualité que le pianiste
qualifie lui-même de perturbatrice (disruptive).
De ce fait, Iyer s’inscrit dans la lignée des
Ellington, Monk et Taylor, ces «apôtres du
discontinu», comme les avait surnommés le
critique français Michel-Claude Jalard. On
décèlera du reste l’influence d’un autre pianiste
issu de cette lignée illustre, Andrew
Hill, dont la composition Smoke Stack, avec
ses harmonies disjointes et sa construction
dense, est rendue avec justesse par Iyer et ses
acolytes. Ayant hérité de son ancien patron
Steve Coleman un goût pour les rythmes très
appuyés et souvent complexes, Iyer va lorgner
aussi bien du côté de Stevie Wonder
(Big Brother) que de l’organiste de soul jazz
Ronnie Foster (Mystic Brew); toutefois, c’est
une solide relecture de Dogon A.D. de Julius
Hemphill qui permet de constater l’énorme
influence que ce musicien exerce encore
parmi les plus créatifs des jazzmen new-yorkais,
de Tim Berne à Marty Ehrlich (ce dernier
ayant aussi livré une version de cette
pièce presque mythique sur l’un de ses
disques récents). Si certains pouvaient reprocher
à Iyer de se répéter (ses disques en quartette,
pourtant excellents, sont souvent
quelque peu interchangeables), il affirme
toutefois avec cet opus remarquable sa
volonté de dépasser les limites qu’il s’était
lui-même fixées.
Wadada Leo Smith : Spiritual Dimensions
Cuneiform Rune 290/291 (www.cuneiformrecords.com)
★★★★✩✩
Comme sideman, le
pianiste a su gagner
le respect de ses
pairs, autant parmi
les rappeurs (Mike
Ladd, Dead Prez)
que du côté des
musiciens d’avantgarde,
entre autres
les vétérans de l’AACM Roscoe Mitchell et
Wadada Leo Smith. Proche collaborateur de ce
dernier dans le Golden Quartet, Iyer fait figure
de pilier dans cet ensemble après avoir pris la
relève d’Anthony Davis, la formation étant
complétée par le contrebassiste John Lindberg
et un nouveau batteur, Pheeroan akLaff. Sur le
premier disque de cette double parution intitulée
Spiritual Dimensions, on entend le
concert intégral de ce groupe au Vision Festival
de New York en 2008, mais avec un invité de
marque, le batteur Don Moyé de l’Art
Ensemble of Chicago. Comme toujours chez
Smith, la frontière est floue entre composition
et improvisation, la musique évoluant de façon
très organique, constamment relancée par les
cinq instrumentistes qui réagissent au moindre
événement sonore. Les mélodies dépouillées et
incantatoires de Smith, d’un lyrisme austère,
trouvent un interlocuteur attentif en Iyer, qui
sait ponctuer les phrases du trompettiste d’un
commentaire judicieux. Dialoguant le plus
souvent de manière soutenue entre eux, les
deux batteurs poussent le pianiste vers un jeu
plus robuste et percussif. Lindberg, quant à lui,
livre un long et impressionnant solo sur Umar
at the Dome of the Rock, qui se termine par une
dense fanfare de percussions et de trompette.
L’autre pièce de résistance du disque, South
Central L.A. Kulture, présente une version partiellement
électrifiée du groupe, le son de la
basse et de la trompette étant fréquemment
modifié, Iyer passant occasionnellement au
synthétiseur. Ce morceau constitue une
parfaite transition vers le deuxième disque,
enregistré un an plus tard par Organic, un
groupe électrique du trompettiste comptant
deux bassistes, un violoncelliste, un batteur et
jusqu’à quatre guitaristes. Smith semble développer
ici les conceptions jazz-rock du Miles
Davis des années 1970, auquel il avait
d’ailleurs déjà fait référence plus explicitement
au sein d’un projet antérieur (Yo Miles!), en
tandem avec le guitariste Henry Kaiser.
18 Juin 2010 June