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Let It Be
gli altri brani, ma è sempre pronto a raddoppiare la
chitarra di Harrison nei fill di chiusura o nei riff.
Ecco che in “Dig a Pony” affianca George nei riff
iniziale e finale, mentre in “I’ve Got a Feeling”, oltre
a suonare il caratteristico riff-accompagnamento,
raddoppia, ma un’ottava più in basso, i passaggi di
chiusura del brano suonati da Harrison. Famoso è
anche il bending di due battute eseguito da George
a metà canzone, prima ascendente e poi calante,
sulla realizzazione del quale c’era stato un battibecco
con McCartney!
Harrison mostra tutta la sua bravura ed esperienza
nelle parti soliste di “One after 909”, con un assolo
graffiante, double stops e passaggi che accompagnano
tutta la canzone. Anche in “Dig a Pony” il
suo lavoro non è da poco e mai banale. In “Don’t Let
Me Down” non c’è assolo, ma la chitarra di Harrison
ha comunque un ruolo fondamentale.
L’aspetto più interessante di questi brani è che le
due chitarre non suonano mai la stessa cosa e non
si sovrappongono mai. Ognuno dei due chitarristi
sa sempre cosa suonare e come farlo!
In “Let It Be” e “The Long and Winding Road” il
basso originale è suonato da Lennon col Fender VI
Bass, ma nelle versioni ufficiali è stato doppiato in
fase di sovraincisione. Ad entrambe le canzoni furono
aggiunte parti orchestrali e cori.
“Let It Be” è stata pubblicata in tre differenti versioni,
ognuna con un assolo differente dall’altro,
anche se sempre realizzati da Harrison. Il primo,
l’originale in presa diretta, è presente nella versione
Naked, il secondo è ascoltabile sul 45 della canzone,
il terzo nell’LP.
Negli altri pezzi predominano le chitarre acustiche.
Interessante è l’arrangiamento di “Two of Us”,
in cui John e Paul imbracciano le loro Martin D-28
mentre George esegue una linea di basso con la
sua Telecaster.
In “For You Blue” George suona la Gibson J-200
con capo al quinto tasto, John è alla steel guitar
(una Hofner da appoggio accordata DADF#CD),
Paul al piano e Ringo alla batteria. Non c’è basso!
Durante le session furono provati numerosi brani
che poi avrebbero visto la luce sull’album Abbey
Road. Val la pena ricordare una “I Want You” in stile
funky cantata in coppia da Lennon e Preston, “Old
Brown Shoes”, “Something”, “Octopus’s Garden”.
Altri pezzi non videro mai la luce, come “Wake up
this morning” scritta da McCartney ma cantata da
Lennon; altri ancora entreranno negli LP da solista
dei veri componenti della band: “All Things Must
Pass” di Harrison, “Teddy Boy” di McCartney, “Gimme
Some Truth” di Lennon per citarne solo alcune.
Manzoni vs. Lennon-McCartney – 2
di Giuseppe Cesaro
Il primo gruppo di ‘cantautori’
Altro fatto la cui portata rivoluzionaria viene raramente
sottolineata, è che i Beatles sono il primo
grande gruppo di cantautori. I songwriter, beninteso,
erano sempre esistiti, ma, fino ad allora, nel
music business era come se esistessero due mondi
separati: chi scriveva canzoni e chi le interpretava.
Ebbene, fin dall’inizio, i Beatles pretesero (e ottennero)
di incidere brani propri, spuntandola sulla tradizione
e sulle perplessità iniziali di George Martin,
che avrebbe preferito cominciare con brani di autori
‘collaudati’.
Con loro, quella che era un’eccezione (che l’autore
cantasse le proprie canzoni), divenne una regola.
Fu grazie a Lennon, McCartney, Harrison e – permettetemelo
– Martin, se la figura del cantautore si
impose come centrale nella ‘musica popolare’ di
tutto il mondo. Una svolta di fondamentale importanza
per l’evoluzione della cultura rock-pop. Non
solo per i vantaggi creativi che derivano dal fondere
la figura dell’autore con quella dell’interprete (si
semplifica la ‘filiera’ creativa, in favore di maggiore
immediatezza, aderenza e intensità e si moltiplica
esponenzialmente la ‘platea’ degli autori), ma soprattutto
perché l’asse dell’accento espressivo –
culturale, esistenziale, sociale e politico – si sposta
definitivamente su quella che allora era definita la
‘generazione giovane’. Per la prima volta un’intera
generazione che non aveva mai avuto voce, non
solo diventava protagonista della scena, ma cominciava
addirittura a dettare mode, filosofie, linguaggi,
politiche e, naturalmente, orientare consumi e mercati.
Una tendenza che a tutt’oggi non si è ancora
invertita. Nel bene e nel male, ovviamente.
Dalla ‘pancia’ alla ‘testa’: andata e ritorno
Dal punto di vista più strettamente musicale, l’aspetto
più ‘rivoluzionario’ e interessante risiede nel
fatto che il proliferare dei ‘cantautori’ (Dylan su tutti,
ovviamente, ma anche Simon & Garfunkel, Crosby,
Stills, Nash & Young, James Taylor, Jackson
Browne, Joni Mitchell, Van Morrison, Patti Smith,
Bruce Springsteen, Johnny Cash, Leonard Cohen,
ecc. ecc. ecc.), spostò l’accento della musica, alzandone
il baricentro dalla ‘pancia’ alla ‘testa’. Mi
spiego: ciò che era nato come espressione quasi
puramente ‘fisica’, si faceva, infatti, più rarefatto,
più ‘metafisico’. La ‘natura’ veniva filtrata e affinata
dalla “cultura”. La ‘passione’ si faceva presupposto
alla ‘riflessione’. Ecco, allora, che una musica la
cui funzione – fino a tutti gli anni cinquanta – era
stata quasi esclusivamente quella di accompagnare
il ballo (con tutto ciò che questo simboleggiava:
ritualità, magia, sessualità e, in generale, la vitalità
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chitarra acustica 5 duemilaundici