La TOSCANA - Dicembre 2013

la
TOSCANA
Toscana Cultura - Anno 1 - Numero 11 - Dicembre 2013 - Registrazione Tribunale di Firenze n. 5905 del 6-2-2013 - Iscriz. Roc. 23227. E 2
Speciale
anniversario
1

Costruzione Strumenti Oftalmici S.r.l.
via degli Stagnacci 12/e - 50018 Badia a Settimo - Scandicci (FI)
Ufficio commerciale 055 7221913 - Ufficio contabilità 055 7221912
Ufficio acquisti 055 7221911 - Fax 055 721557
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Con il patrocinio del
Artisti e autori alle Giubbe Rosse
a cura di JACOPO CHIOSTRI
PROGRAMMA DEL MESE DI DICEMBRE 2013
Venerdì 6 ore 18 presentazione libro di
Luca Monti “Firenze città dei templari”
Sabato 7 ore 17 presentazione libro di
susanna fontani “L’amore nei giorni del coraggio”
Sabato 7 ore 20,30 performance
“L’amore nell’arte o l’arte di amare” e “Cena ad arte”
Da domenica 8 a venerdì 13 mostra delle opere selezionate per il
Premio di pittura MUSicA
Domenica 8 ore 18,30 Inaugurazione - ore 20 Cena degli artisti
Venerdì 13 ore 18,30 Premiazione
Sabato 14 ore 17 inaugurazione della mostra di
LUCIA MENCHINI - MOSAICI
Domenica 15 ore 17 inaugurazione della mostra di pittura di
mario russo
Sabato 21 ore 20,30 cena a conclusione del
CONCORSO LETTERARIO ISTANTANEO 2013
consegna della pubblicazione (ed. Giubbe Rosse) con i nomi dei vincitori e notizie sull'evento
Le manifestazioni saranno riprese da Toscana Tv e trasmesse nella rubrica “Incontri con l’arte” condotta da
FABRIZIO BORGHINI
Servizi fotografici di MARCO CHIARANTINI
Info: JACOPO CHIOSTRI jacopochiostri@libero.it
RICCARDO GHIRIBELLI riccardoghiribelli@virgilio.it
Giubbe Rosse - Piazza della Repubblica 13/14 - 50123 Firenze
Tel. 055 212280 - info@giubberosse.it - www.giubberosse.it

Sommario
Sommario
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I dipinti in stile
di FattoriArte
In Palazzo Vecchio gli abiti
scultura di Pola Cecchi
Il Calendario 2014
di Antonio Manzi
Il Gonfalone d'Argento
a Giuliano Ghelli
Antonio Ciccone
l'arte del disegno
Ester Cecere
dallo Jonio al Tirreno
Giorgio Rossi
e le sue Muse
Piero Bertelli
maestro della scultura
Enrico Bertelli
un talento dell'incisione
Un chimico eclettico
Giovanni Speroni
Quelli del Bafomet
al Gruppo Donatello
Da Atene a Firenze
Konstantina Daskalaki
Il "Desinare di Natale" della
Compagnia del Paiolo
Versus
i Volti e i Paesaggi
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Innocente Foglio
poeta del mondo
Mario Catalano
e il suo simbolismo
Double Excess
le t-shirt d'arte
I "Valori di Continuità"
della Galleria Mentana
Le forme di luce e d'ombra
di Lorenzo Galligani
Pier Nicola Ricciardelli
il colori del suo Mugello
Il cARTEllo
è nato un nuovo blog
Yuné Hikosaka
e il suo mondo animale
Andrea Simoncini
tra memoria e immaginario
A Viareggio
Dimensione Donna
Luigi Tamanini
l'essenza del reale
Giampiero Niccoli
le sue sculture in ferro
Prato
Natale in Arte
La Toscana compie un anno! Celebra degnamente
il primo anniversario regalando
ai lettori un'edizione speciale di 56
pagine, con una tiratura di 5.000 copie, rivolte
alle più svariate realtà della nostra regione.
La copertina e le pagine d'apertura sono dedicate
alla stilista fiorentina Pola Cecchi e alla elegante
serata a favore dell'ANT che l'ha vista protagonista
nel Salone dei Cinquecento di Palazzo Vecchio.
A seguire una galleria di importanti artisti che con
le loro mostre hanno conquistato l'attenzione dei
quotidiani, da Antonio Manzi a Giuliano Ghelli, da
Antonio Ciccone a Piero Bertelli, da Andrea Simoncini
a Luigi Tamanini, da Giampiero Niccoli a
Versus (Giuseppe Verso Paoletti) e Pier Nicola Ricciardelli.
Accanto a loro, segnaliamo alcuni giovani
artisti di sicuro avvenire come Enrico Bertelli, il
giapponese Yuné Hikosaka, la greca Konstantina
Daskalaki, Mario Catalano e lo scultore Lorenzo
Galligani; e un'iniziativa originale, quella dei giovani
autori che hanno dato vita al blog Il cARTEllo.
La vetrina riservata alla poesia porta alla ribalta il
piemontese Innocente Foglio e la pugliese Ester
Cecere protagonisti alle Giubbe Rosse. Ampio
spazio è riservato anche allo scultore Giorgio Rossi,
artista di gran talento che verrà ricordato grazie
a una mostra che si inaugura in questi giorni a
Palazzo Medici Riccardi. Un'altra figura da non dimenticare
della quale ci siamo occupati è quella
del chimico Giovanni Speroni che meriterebbe da
parte della sua città l'intestazione di una via. Per le
rassegne che guardano al passato proponiamo un
ricordo del gruppo Bafomet mentre per quelle
dell'immediato futuro e del presente i Valori di
Continuità della Galleria Mentana, Prato Natale in
Arte, Dimensione Donna all'Esplanade di Viareggio
e la serie di eventi espositivi promossi da Toscana
Cultura e Villa Gisella presso il celebre ristorante
4 Amici per festeggiare il primo anno di
attività della nostra rivista.
Fabrizio Borghini
fabrizio.borghini@toscanacultura.it
In copertina: Abiti scultura da indossare by Pola Cecchi nel
Salone dei Cinquecento in occasione della serata per l'ANT.
la Toscana
Periodico di attualità, arte e cultura
dell’Associazione Toscana Cultura
Registrazione Tribunale di Firenze
n. 5905 del 6-2-2013 - Iscriz. Roc. 23227
Numero 11 - Dicembre 2013
Direzione e Redazione:
Via Valdichiana, 42 - 50127 Firenze
Tel. 333 3196324
redazione@toscanacultura.it
www.toscanacultura.it
Direttore responsabile:
Fabrizio Borghini
Segretario e curatore sito web:
Emanuele Mecca
Responsabile Marketing:
Giuliana Paolieri
Capo Redattore:
Leonardo Landi
Redazione:
Giuse Benignetti
Lorenzo Borghini
Rossella Campana
Carmelo Consoli
Roberta Degl'Innocenti
Roberta Fiorini
Yuné Hikosaha
Pier Francesco Listri
Marco Moretti
Gigliola Melani Paciscopi
Federico Napoli
Lucetta Risaliti
Barbara Santoro
Grafica, impaginazione e stampa:
Nova Arti Grafiche srl
50058 Signa (FI)
4 Sommario

Laboratorio artistico,
galleria espositiva
e scuola di disegno
La ditta artigiana fiorentina
FATTORIARTE nasce nel 1965
in via Ghibellina a Firenze,
col nome “Studio Artistico
Fattori”. In quel periodo, il
quadro è molto apprezzato
come riproduzione di stile
fiammingo: fiori, paesaggi,
nature morte e marine; e così
lo studio inizia a proporre
opere secondo quei principi.
Nella seconda metà degli
anni Novanta, tuttavia, la comparsa delle stampe Made in China
inabissa del tutto la moda del fiammingo. Il laboratorio continua
però la sua attività a Sesto Fiorentino, realizzando affreschi su
tele appositamente preparate, ritratti e copie d’autore, restauri
su opere antiche e moderne.
La svolta arriva nel gennaio 2011, quando lo studio si sposta
in via Giachetti 17, nel centro di Sesto Fiorentino. Qui, oltre al
laboratorio, è presente la Galleria FattoriArte, che con un ampio
spazio espositivo
permette un contatto
diretto con il
pubblico. La ditta,
a questo punto,
viene coinvolta
dalle nuove tendenze
nel settore
dell’arredamento
ed inizia con successo
a realizzare
quadri moderni
e astratti, personalizzati
su richiesta, studiati insieme al cliente, per soddisfare le
esigenze di spazi e colori ai quali le stampe difficilmente riescono ad
adattarsi; e così, grazie anche alla familiarità con la quale le persone
iniziano ad approcciarsi ad internet e agli acquisti on line, i quadri
FattoriArte vengono venduti e apprezzati in tutta Italia. Nello stesso
tempo continua il lavoro di restauro di opere d’arte antiche, moderne
e contemporanee realizzate sia con tecniche e materiali abituali
come dipinti su tela, dipinti su tavola, opere su carta, affreschi, dipinti
murali, sculture in pietra e in gesso, sia non tradizionali come
assemblaggi polimaterici, arte povera, opere cinetiche, ecc.
Nel 2012 viene inaugurata “Seminario d’Arte”, scuola di apprendimento
delle tecniche del disegno e della pittura, formazione
artistica per bambini e adulti. L’ultima novità sono gli accessori in
pelle dipinti a mano, tutti rigorosamente Made in Italy. Col marchio
Maynò la ditta vuole ancora andare avanti e guardare ad un
futuro in cui l’artigianalità e il “dipinto a mano” rimangono simbolo
di un valore italiano, da sempre apprezzato in Italia e all’estero.
La Galleria
La galleria è lo spazio espositivo, che ospita mostre di artisti affermati
o emergenti; un ambiente versatile, dai colori neutri e
un’ottima illuminazione che da particolare risalto alle opere d’arte.
I servizi che vengono offerti a chi decide di esporre qui sono
molteplici e curati nei minimi dettagli: brochure personalizzate,
inviti, locandine, manifesti,
inaugurazione, tutto
viene valutato insieme
all’artista.
Seminario d’arte
Apprendimento delle tecniche
del disegno e della
pittura, formazione artistica
e attività creative.
I corsi sono suddivisi in 3
fasce di età:
1) Bambini 7-10 anni
2) Adolescenti 11-14 anni
3) Ragazzi 14-18 anni
Il concetto di formazione artistica pone l’arte al centro di tutti I processi
educativi rendendola un valore essenziale per la propria gratificazione
e conoscenza nella quotidianità.
I corsi di Seminario d’Arte hanno come finalità lo sviluppo del patrimonio
creativo che è prerogativa di quella fascia d’età che per
questo motivo noi prediligiamo. L’apprendimento delle tecniche del
disegno e della pittura vengono considerate solo un mezzo per raggiungere
possibilità di espressioni appaganti e libere dal vincolo di
scarsa capacità manuale.
Seminario d’arte organizza anche corsi di Flash-Art per adulti. Caposcuola
di questa tecnica è il maestro Francesco Mancini, che è stato
ospite della nostra galleria dal 6 al 12 febbraio 2013.
FattoriArte
Via A. Giachetti, 17
Sesto Fiorentino - Firenze
www.fattoriarte.com
info@fattoriarte.com
Tel. 055/9754501
Fattori Arte 5

Nel Salone dei Cinquecento
gli abiti scultura di
Pola
Cecchi
Le sue creazioni per
interpretare il concetto
di solidarietà sostenuto
dall'Associazione
Nazionale Tumori
di Daniela Pronestì
Pola Cecchi durante la premiazione nel Salone dei Cinquecento. Laura Freddi, testimonial
della serata, le fissa la collana di Swarovski
Una visione d’impresa che mette al centro la tradizione
artigianale e l’alta specializzazione della sartoria
italiana per andare incontro alle esigenze di una
clientela amante dell’eleganza e del prodotto esclusivo.
Questi i presupposti su cui si fonda la storia della casa di
moda GiuliaCarla Cecchi, fiore all’occhiello dell’haute couture
fiorentina alla cui guida è Pola Cecchi, imprenditrice e stilista.
Donna creativa, versatile e tenace, da diversi anni si divide tra
l’atelier e lo Studio Most, azienda di arredamento fondata nel
1970 dal fratello Marzio - brillante architetto tragicamente
scomparso nel 1990 - e riaperta nel 2013 dopo dieci anni di fermo.
A chi le domanda come affrontare gli effetti di una crisi economica
che non risparmia le eccellenze del made in Italy, Pola
risponde che la qualità è il primo criterio da rispettare nell’ideazione
e nella realizzazione di un capo o di un complemento di
arredo fatti a misura del committente. Distinguersi in questo
settore significa, infatti, proporre qualcosa di speciale e non du-
6 Pola Cecchi

plicabile, un “pezzo unico” che interpreta i
gusti di chi sa riconoscere e apprezzare una
manifattura attenta ai dettagli. Le ultime
creazioni, eseguite su richiesta della Fondazione
Ant per il Gran Galà del 18 ottobre
scorso nel Salone dei Cinquecento in Palazzo
Vecchio a Firenze, confermano il modus operandi
di una lavorazione sartoriale che si serve
esclusivamente di tessuti pregiati come la
seta, il raso e il caschemere, con qualche
apertura alle reti metalliche e al cardato.
Sono abiti-scultura ottenuti con l’intreccio di
nastri di vario colore - leitmotiv della maison
Cecchi - e avvolti da una striscia di organza
che completa e rende ancora più raffinato
l’insieme. Gli abiti in seta beige, invece, hanno
reti di cashmere bluette punteggiate da
strass. Altre quattro creazioni interpretano il
concetto di solidarietà sostenuto dall’ANT:
ciascun vestito è composto di sessantacinque
strisce di organza colorata appuntate
con uno strass e contornate da una rifinitura
in tinta che le sostiene rendendole simili a
dei petali, e tutti insieme descrivono la solidarietà
come sentimento che nasce da un’azione
corale e sinergica. Anche nel caso del
design, il motto di Pola Cecchi è “qualità e
unicità”. Riavviare lo Studio Most dopo dieci
anni di pausa ha significato ripartire dai punti
fermi della produzione passata, a cominciare
da alcuni classici come il piumino da
letto in seta reversibile dotato di un soffietto
che consente di muoversi comodamente
senza il rischio di disturbare il partner. Come
già in passato, anche oggi la regola dell’azienda
è arredare gli spazi abitativi unendo
l’estetica alla funzionalità degli oggetti. Lo
conferma il progetto da poco realizzato
all’interno di un elegante appartemento fiorentino,
la cui camera da letto è stata trasformata
in uno scrigno. Ne fanno parte un lettoscultura
dotato di comodino e di una testata
rivestita di fasce di seta sui diversi toni
dell’arancio; un armadio di legno laccato
arancio, coperto di ottone molato in modo da
creare delle onde che si propagano lungo
tutta la parete e proseguono sopra le tende
della portafinestra. Un ambiente raffinato
che ha richiesto la collaborazione di sapienti
maestri artigiani, molti dei quali lavorano da
tempo per l’azienda. Tra le idee in cantiere,
un premio nazionale per festeggiare i cento
anni dell’atelier GiuliaCarla Cecchi: un anniversario
importante in occasione del quale
una giuria di esperti premierà un giovane
stilista tra quelli provenienti dalle accademie
e dai corsi universitari. Per quanto riguarda
le sfide, invece, l’istituzione di un
master di alta formazione rivolto ai giovani
che hanno voglia di fare esperienza sul campo
e di capire concretamente cosa significa
creare un capo d’alta moda.
Il letto scultura dotato di comodino e di una testata rivestita di fasce di seta sui diversi toni dell'arancio e un armadio di legno laccato arancio e coperto di ottone molato
Pola Cecchi 7

Antonio
Manzi
In anteprima
per i nostri lettori
il suo Calendario
d'Arte 2014
di Barbara Santoro
Sotto il termine calendario si nascondono molteplici significati.
Innanzitutto la parola calendario deriva dal calendarium
il registro romano delle tasse, che venivano riscosse
nei primi giorni di ogni mese appunto alle calende. Il mese
infatti era tradizionalmente diviso in calende, none e idi e per colmare
la differenza con il mese lunare venivano aggiunti altri giorni.
Tale sistema fu in uso a Roma fino alla monarchia di Numa Pompilio.
Ma fu sotto Giulio Cesare (per questo Calendario Giuliano) che si
definì l’anno diviso in 12 mesi e 365 giorni. Poi ogni quattro anni veniva
aggiunto un giorno (il sesto prima delle calende di marzo) al
mese di febbraio. Da qui nasce la parola bisestile.
Nonostante varie riforme il Calendario Giuliano rimase in vigore dal
46 a. C. fino al 1582 d. C., con la differenza che se prima gli anni veni-
vano contati ab urbe condita (dalla fondazione di Roma avvenuta nel
753 a.C.), dal 532 d.C. furono contati gli anni a partire da quello successivo
alla nascita di Cristo: I° d.C.
Durante tutto il medioevo in gran parte di Europa si contavano i giorni
secondo un proprio sistema e solo Gregorio XIII pose fine a questa
grande confusione con un calendario denominato Gregoriano dal suo
fondatore. È questo ancora oggi il calendario in vigore nella maggior
parte del mondo.
La rappresentazione grafica del calendario è quella che tutti conosciamo:
una rappresentazione in serie di numeri da consultare sul tavolo
o da attaccare al muro per una rapida occhiata.
Ma visto così il calendario è un po’ freddo, forse anche triste, perché
evidenzia l’inarrestabile progredire del tempo.
Ed allora ecco la necessità di abbellirlo con fotografie, disegni, pitture
fino a farne talora vere e proprie opere d’arte.
Alla fine degli anni Ottanta nacque la moda dei calendari; tutti creavano
calendari chi per beneficenza, chi a scopo pubblicitario, come il
famoso calendario Pirelli per far vedere le donne più belle, le indossatrici
più pagate, le attrici più sexy.
Ma il calendario della Polistampa è davvero uno strepitoso oggetto
d’arte.
Così ogni anno il secondo sabato di dicembre alla galleria dell’artista
Pio Fedi rilevata molti anni fa da Mauro Pagliai si tiene il grande
evento con un pubblico che arriva da ogni parte d’Italia per portarsi a
casa questo famoso capolavoro di editoria.
La casa editrice Polistampa con sede a Firenze in via Livorno 8/32 è
oggi una fra le più grandi realtà editoriali italiane.
Il suo catalogo è composto da oltre 3000 titoli, tra letteratura contemporanea,
classica e moderna, preziosi libri d’arte, saggi universitari e
accademici, epistolari, raccolte di poesia, romanzi storici, gialli, biografie
e libri di cucina.
La sede operativa è strutturata su una superficie di oltre 4000 mq
suddivisi fra redazione, prestampa, tipografia, legatoria e magazzini.
Il creativo editore Mauro Pagliai ebbe l’idea di realizzare un’opera,
appunto in forma di calendario, dove potesse essere presentato il
lavoro di un grande artista contemporaneo.
8 Antonio Manzi

Così nel 1997 fu Marcello Guasti con i suoi splendidi gatti ad aprire
questa iniziativa. Da allora in poi Polles (1998), Enzo Faraoni (1999),
Sergio Scatizzi (2000), Silvio Loffredo (2001), Elena Salvaneschi
(2003), Luciano Guarnieri (2004), Pietro Annigoni (2005), Giampaolo
Talani (2006), Paolo Frosecchi (2007), Romano Stefanelli (2008), Luca
Alinari (2009), Giuseppe Gavazzi (2010), Marcello Scuffi (2011), Fernando
Farulli (2012), Anna Maria Bartolini (2013) hanno riempito con
le loro opere le pagine di questo prezioso oggetto.
Il prossimo dicembre toccherà ad Antonio Manzi e già c’è un gran
fermento perché il noto artista ha precisato che le pagine avranno in
anteprima opere inedite.
Antonio Manzi è un artista a 360 gradi che utilizza tutte le materie e
tutte le forme d’arte.
Nato a Montella in provincia di Avellino nel 1953 viene in Toscana da
bambino accolto dai nonni materni a Lastra a Signa. Qui trascorre
un’infanzia triste e solitaria in un collegio che gli è ostile e che lo
rende ancora più chiuso in sé stesso creandogli una grande rabbia e
un forte disagio.
Solo l’arte riesce a liberare quella creatività innata nel fanciullo, che
diventerà segno con la maturità.
Autodidatta, si forma all’antica bottega fiorentina cercando di volta
in volta di carpire ai grandi artigiani i segreti delle varie materie per
poi esprimersi al meglio nelle varie tecniche artistiche.
Così da un lacerante dolore primordiale espresso nelle opere giovanili,
il suo tratto si evolve fino a diventare un segno così personale
che distingue tutte le opere manziane siano esse oli, affreschi, ceramiche,
collage, puntesecche, grafiti o sculture in bronzo e in marmo.
Numerose le mostre e le esposizioni, tra le quali ricordiamo la personale
del 1972 alla Galleria Guelfa di Firenze, quella del 1978 alla
Galleria Pananti di Firenze, l’esposizione del 1989 al Teatro San Babila
di Milano, la personale del 2005 “Antonio Manzi a corte” al
Giardino di Boboli di Firenze.
Questa esposizione verrà visitata da oltre 20.000 persone. Nel 2007
l’Archivio di Stato presenta il volume dal titolo “Il linguaggio dell’arte
tra trauma e riparazione” e immediatamente dopo viene allestita la
mostra “Manzi, il segno”.
Nello stesso anno il Comune di Campi Bisenzio destina all’artista
alcune sale al piano terra di Villa Rucellai per farle diventare il Museo
Antonio Manzi che nasce alla fine del 2007 grazie alla donazione
che l’artista fa all’amministrazione comunale di 111 opere.
Nell’aprile del 2011 il maestro esegue insieme a tanti manufatti
anche un ineguagliabile polittico in ceramica di grandi dimensioni
intitolato “Alba del mondo” esposto nel catino absidale per la mostra
intitolata “Custode di attimi” nella Basilica di Sant’Alessandro
a Fiesole.
Nel febbraio 2012 nella Sala delle Colonne a Pontassieve si inaugura
la mostra antologica dal titolo “Ricorda con rabbia” con l’esposizione
di alcune fra le opere più significative della prima parte della
produzione artistica di Manzi.
Durante il periodo natalizio 2012 si inaugura a Palazzo Medici Riccardi
la mostra “Vorrei baciare le tue mani” dedicata all’amore, non
tanto quello platonico e retorico figlio del romanticismo, ma piuttosto
quello fisico nelle sue manifestazioni emozionali e carnali.
Ma è sempre il museo che attira migliaia di persone, studenti, scolaresche,
parrocchie, gruppi qualificati, collezionisti, perché Antonio
non si tira mai indietro, anzi accoglie e segue con grande entusiasmo
e passione tanta gente, disponibile a raccontarsi e a farci
entrare dentro la sua materia e perciò dentro la sua anima, pronto
ad insegnare e a spiegare ogni minimo particolare, ogni piccolo
frammento.
Nelle cinque sale raffinatamente allestite del suo museo con didascalie
perfette e luci idonee, le opere di Manzi dialogano fra di loro
in un crescendo costante affrontando sempre una nuova stagione
artistica. A quelle pareti sarà fra poco appeso anche questo calendario
2014 che l’abilità dell’editore Mauro Pagliai ha saputo realizzare...arte
con arte!
Antonio Manzi
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RASSEGNA D’ARTE CONTEMPORANEA
a cura di Daniela Pronestì e Fabrizio Borghini
4 MAESTRI AI 4 AMICI
GIULIANO GHELLI
ottobre 2013
ANTONIO CICCONE
novembre 2013
FRANCESCO NESI
dicembre 2013
SERGIO NARDONI
dicembre 2013 - gennaio 2014
Villa
Gisella

Giuliano
Ghelli Cinquant’anni
di storia tra pittura
e scultura
di Daniela Pronestì
Cinquant’anni di storia tra pittura e scultura. Cinquant’anni
di passione e dedizione all’arte. Un traguardo importante
a cui Giuliano Ghelli è arrivato senza mai venire meno alla
coerenza e all’onestà del suo lavoro. La mostra “50 anni
di viaggio tra pittura e scultura” inaugurata a Firenze venerdì 8 novembre
nelle sale di Palazzo Panciatichi, sede della Regione Toscana,
racconta la sua biografia artistica attraverso una selezione di
opere che vanno dagli esordi ad oggi. Un’occasione unica per ricostruire
le fasi di una storia iniziata nella Firenze degli anni Sessanta,
città allora animata da grandi fermenti culturali e profondamente
divisa tra “consevatori”, ovvero i figurativi, e “progressisti”, cioè gli
astrattisti e quanti seguivano gli esiti della ricerca informale, dell’Espressionismo
astratto americano e dell’arte concettuale. All’epoca
questa categoria d’artisti trovava un punto di riferimento nella Galleria
Numero di Fiamma Vigo, intellettuale raffinata e lungimirante,
portatrice di una visione dell’arte che, precorrendo il polimorfismo
contemporaneo, legittimava sperimentazioni e linguaggi diversi da
quelli tradizionali, a condizione che fossero motivati da ragioni forti
e convincenti. Sulle pagine della sua rivista sono passati artisti
come Capogrossi, Vedova, Pomodoro e Scanavino, mentre la sua
galleria ha accolto, tra gli altri, gli astrattisti classici capeggiati da
Vinicio Berti e Gualtiero Nativi, unico gruppo di avanguardia allora
attivo a Firenze. Intorno a lei gravitava un cenacolo culturale che
univa arte, musica, cinema e letteratura e che contribuiva alla formazione
di una generazione di giovani leve tra cui Giuliano Ghelli.
Del periodo trascorso al seguito di Fiamma Vigo, l’artista fiorentino
ricorda con piacere la grande varietà di stimoli che hanno contribuito
a fare della storica galleria la sua “libera e affascinante università”,
come lui stesso ama dire. Per un giovane di belle speranze e d’indubbio
talento esporre nella sede milanese della Galleria Numero significò
ricevere una prima importante attestazione del suo lavoro, che
all’epoca lo vedeva impegnato in un registro espressivo di tipo
astratto-informale. Sono gli anni delle tempere e dei bottoni su tela,
delle sabbie e dei sugheri, in cui già emerge quella “purezza fiduciosa”
nei valori dell’arte che Giancarlo Oli gli attribuisce nella recensione
critica delle sue opere giovanili. Una tappa fondamentale a cui
fanno seguito, negli anni Settanta, i contatti con l’ambiente artistico
americano, tra Action Painting, New Dada e Pop Art, che consolidano
il suo bisogno di vivere il momento creativo come esperienza libera
e totalizzante. La gestualità energica della pittura d’azione, i
combine-paintings di Rauschenberg, i colori acidi e irreali delle icone
pop lo affascinano senza influire però sulla sua produzione, che
fin da subito assume un carattere e una riconoscibilità propri. In questo
periodo si avverte una prima apertura alla figurazione fantastica
con l’introduzione del robot-burattino, che da questo momento in poi
Giuliano Ghelli
11

tra arte e sapere scientifico, come aspetti della conoscenza
strettamente interconnessi che vivono e si sviluppano
contaminandosi reciprocamente. Entrambi si avvalgono
dell’osservazione e dell’intuizione per interpretare la realtà,
ma un ruolo spetta anche alla fantasia, che incarna il
momento creativo in cui si comprende la relazione tra le
cose. “Il contatto che Ghelli ha stabilito con Leonardo -
scrive Carlo Pedretti - è a livelli di affinità elettive”. Ed è
un’affinità quella che viene a crearsi tra le invenzioni leonardesche,
i disegni sul volo e sui moti dell’acqua e la
macchina della finzione fantastica di cui Giuliano Ghelli è
maestro concertatore. Fanno parte di questo caleidoscopico
congegno visivo le porte spalancate sul sogno, sul mito
e sulla storia, le scatole magiche che custodiscono il vissuto
dell’artista, i paesaggi, gli arcobaleni e le lune che
raccontano il legame con la sua terra, le buste chiuse che
sono scrigni di lontane memorie, i busti di donna che indicano
la continuità tra il presente e il passato dell’arte. Un
immaginario che vive di certezze già acquisite e di nuovi
approdi raggiunti attraverso un meccanismo autorigenerante
al cui timone è l’artista e la sua inesausta ricerca di
libertà.
Tra i recenti appuntamenti espositivi si ricorda la mostra a
Firenze nel Ristorante i 4 Amici avvenuta alla fine di ottobre
nell’ambito di una rassegna che, fino a gennaio, vedrà
esporre alcuni tra i più noti artisti toscani.
entra a far parte del suo immaginario. Nei lavori dei primi anni Ottanta,
invece, accosta la scrittura all’elemento figurale, facendo sì che il
supporto non sia più un campo neutro che subisce l’agire artistico, ma
un luogo dove parole e figure rimandano a una dimensione narrativa
che comprende il tempo e la memoria individuale. L’attenzione al linguaggio
verbale rivela, inoltre, un interesse per il mondo della poesia
e della letteratura che Ghelli pone in continuo dialogo con la pittura. Il
verso poetico e il racconto letterario sono alle origini di molti dei suoi
lavori figurativi, non solo come spunto ispirativo, ma come presenze
vive nell’imbanditura scenica delle visioni fantastiche. La parola che
diventa figura prende parte alla complessa coreografia di cui l’immaginazione
si serve per spiegare le proprie vele, e quando la derivazione
di un tema da un testo letterario non è riconoscibile fin da subito, interviene
il titolo a dichiararla apertamente. E’ lunga la lista dei grandi
nomi della cultura italiana e straniera che Giuliano Ghelli ha “incontrato”:
Calvino, Saramago, Neruda, Garcia Marquez, Montale, Kavafis,
Zavattini, Hemingway e molti altri. Incontri che a volte sono frutto
di nuove letture, a volte hanno la familiarità dei vecchi amici che si
ritrovano per rammentare il tempo della giovinezza. Altre volte, invece,
nascono come riflessioni sulle invenzioni figurali di artisti del passato
lontano o recente, di cui offre un’interpretazione del tutto originale,
una vera e propria rilettura e non un omaggio. Picasso, Magritte,
Matisse, i Futuristi e soprattutto Leonardo, che diversi anni fa l’ha visto
impegnato in uno studio dei trentasei fogli che compongono il
Codice Hammer e che raccolgono le osservazioni del genio fiorentino
sulle acque e sull’astronomia. Un’occasione per celebrare il rapporto
12 Giuliano Ghelli

Nato a Firenze nel 1944 vive a San
Casciano Val di Pesa (Fi). Esordisce
a Milano nel 1963. Nel 1975
e 1980 è “Segnalato Bolaffi”. Dopo Parigi
nel 1974, ha esposto negli U.S.A, Australia,
Germania, Belgio, Grecia, Portogallo,
Spagna, Giappone, Russia, con oltre centocinquanta
mostre personali in gallerie
pubbliche e private.
Da segnalare: 1992 Castello Sforzesco a
Milano, In viaggio con Leonardo a cura di
Carlo Pedretti. 1995 ciclo di grandi dipinti
per la Mercedes-Benz Italia, Direzione di Roma. 2000 personale a Sidney per i Giochi
Olimpici. 2001 Prato, Museo Pecci, La Parola Colorata. 2002 i suoi busti dipinti diventano
il Premio Milano per la Moda. 2003 calendario ufficiale Toyota per il Giappone
in 1.500.000 esemplari. 2005 Le vie del tempo, monografia edita da Carlo Cambi
Editore a cura di Maurizio Vanni. 2008 Tokyo, Istituto Italiano di Cultura, in contemporanea
del lancio della Nuova Fiat 500 della quale realizza un esemplare unico per
beneficenza. 2009 Firenze, Sala d’Arme di Palazzo Vecchio, Le porte della Fantasia.
Dal 2002 espone con i dipinti il suo Esercito di Terracotta a Villa Demidoff e Convitto
della Calza a Firenze, Certaldo Palazzo Pretorio, Massa Marittima Museo Archeologico,
Fiesole Teatro Romano, Poppi Castello dei Conti Guidi e a Radda in Chianti
Palazzo del Podestà. 2008 Firenze Palazzo Medici Riccardi per il Genio Fiorentino,
Modena Galleria Modenarte e Istituto d’Arte Venturi, Padova Scuderie di Palazzo
Moroni, Cetona Ex Chiesa SS. Annunziata, Prato Castello dell’Imperatore, Lucca
Centro LU.C.C.A. 2010 Impruneta, Sala d’Arme Chiostro Monumentale di Santa Maria
e Fornace M.I.T.A.L per Tuscia Electa. Agosto 2009, drappellone del Palio di Siena.
2011 Pontedera Museo Piaggio a conclusione del Cantiere d’Arte Ghelli: La Fabbrica
della Fantasia. 2012 Ponte de Sor Portogallo e
Frontignan Francia, nei Centri Sete Sóis Sete Luas.
Firenze, Museo di Scienze Naturali La Specola.
2013 Pontassieve, Sala delle Colonne, Poppi Castello
dei Conti Guidi. Firenze, Palazzo Panciatichi, Consiglio
Regionale della Toscana, ”50 anni in viaggio
tra pittura e scultura”. Vetulonia (Gr) Museo Archeologico
Isidoro Falchi. È presente su L’Arte del 900 di
Lara Vinca Masini, edizioni Giunti-L’Espresso.
Nel 2007 ha costituito la Fondazione Giuliano Ghelli
a Poppi, dove nel 2011 ha ricevuto la cittadinanza
onoraria. Il 2 giugno 2013 gli è stata conferita dal
Presidente della Repubblica Giorgio Napolitano l’Onorificenza
di Commendatore dell’Ordine “Al Merito
della Repubblica Italiana”. Il 6 dicembre il Consiglio
Regionale della Toscana gli conferirà il Gonfalone
d'Argento per meriti artistici.
www.giulianoghelli.it
www.fondazionegiulianoghelli.org
Giuliano Ghelli
13

Situato nel centro storico di Firenze, dal 1986 è l'approdo sicuro per gli amanti del
pesce fresco e delle crudités. Al ristorante i 4 amici si servono i migliori prodotti ittici
che arrivano giornalmente dalle coste italiane, dalla Francia e dall’Atlantico, selezionati
secondo canoni di freschezza e bontà. Entrando, la cucina a vista e la vetrina
del pescato conducono al Salone Venere, raffinato nel suo gusto minimal
chic, mentre la terrazza degli Alisei è perfetta per cocktail party o una cena al
lume di candela, nelle calde estati fiorentine. Da qui si accede alla Cantina delle
Grottesche, uno scrigno prezioso, la cui volta è affrescata con scene marinare e
ammalianti sirene che un recente restauro ha riportato alla loro originaria bellezza.
Ristorante i 4 amici
Via degli Orti Oricellari, 29/R - Firenze
Tel. +39 055 215413
www. ristoranteiquattroamici.it
prenotazioni@ristoranteiquattroamici.it

ANTONIO
CICCONE
Il disegno come
atto di fede,
una preghiera muta,
un inno di lode a Dio
di Daniela Pronestì
Self-Statement, 2012, carboncino, cm. 78x58
Tiana e Oliver, 2003/2008, carboncino e pastello, cm. 100x70
Il disegno, diceva Ingres, è la probità dell’arte. Esprime il
modo di sentire e di pensare dell’artista, l’onestà dei suoi
mezzi e della sua ispirazione. Non è solo una delle tante
manifestazioni della creatività umana, ma è qualcosa di
più complesso. È espressione del comportamento dell’uomo,
della sua personalità, dell’esperienza, delle idee; è uno strumento
per esprimere, conoscere, immaginare, comunicare, indagare
criticamente la realtà. Non è un caso che un secolo di avanguardie
e di ricerche volte a scardinare i valori tradizionali dell’arte
non sia bastato a confutare l’utilità della pratica disegnativa come
aspetto centrale nel procedimento costruttivo di un dipinto, e non
solo. Nel caso di Antonio Ciccone, il disegno non sempre rappresenta
la fase di studio che precede la visione pittorica, ma spesso è
un’opera organicamente compiuta e autonoma, a cui il colore nulla
può aggiungere se non contribuire ad accentuare l’illusione della
realtà. Osservo i suoi disegni e penso alle parole di Cennino Cennini:
“L’intelletto al disegno si diletta solo, perchè da loro medesimi la
natura a ciò gli trae, sanza nulla guida di maestro, per gentilezza
d’animo”. Prima di essere disciplinato con l’osservazione e con l’esercizio,
il disegno è manifestazione di un’inclinazione naturale che alberga
in un animo gentile, sensibile al bello, capace di riconoscere la
grazia e l’armonia del creato ed esserne intimamente colpito e commosso.
Se così non fosse, non si spiegherebbe il senso di stupore
che emana da ogni suo lavoro, stupore che nasce nello spettatore al
cospetto di tanta maestria tecnica e prima ancora nell’artista, che
osserva la realtà con religioso rispetto e con l’umiltà di chi vive l’atto
Antonio Ciccone
15

Toro maremmano, 1983/2013, carboncino e pastello, cm. 70x100
creativo come epifania di qualcosa di più
grande a cui compartecipa come attore e
spettatore al contempo. Attore perché nella
creazione artistica l’uomo di fede sente di
condividere la potenza creatrice di Dio, di
essere, al contempo, sua immagine e strumento,
artefice che ri-crea l’esistente per
dargli forma e significato. Spettatore perché
quanto più l’artista è consapevole della
sua vocazione tanto più prova riconoscenza
e meraviglia per essere stato investito di un
dono che è anche una missione. Per Antonio
Ciccone, il disegno è un atto di fede, una
preghiera muta, un inno di lode a Dio. Non
solo quando lo porta a misurarsi con un soggetto
religioso - sono noti i numerosi ritratti
del Santo di Pietrelcina e le imprese decorative
all’interno di chiese e conventi - ma
anche quando lo vede alle prese con i volti
degli uomini e delle donne che il suo occhio
indagatore e la sua mano sapiente traducono
in immagini senza tempo. Pur offrendo
una riproduzione millimetrica e analitica
del vero, i suoi ritratti non si fermano ai soli
valori di superficie ma recuperano il significato
del verbo latino retrahĕre, cioè trarre
fuori, estrarre. In effetti, ciò che fa di lui un
grande ritrattista è la capacità di scandagliare
la vita interiore del soggetto a tal
punto da “estrarne” l’essenza intima, un’estrazione
che tocca il cuore dell’uomo e lo
mette a nudo. Allo stesso tempo, però, non
gli basta cogliere i tratti e le peculiarità che
contraddistinguono l’identità del singolo
ma cerca di riconoscere nei caratteri individuali
le leggi universali che presiedono il
mistero della vita. Mistero che accomuna
l’artista e l’effigiato, e che li avvicina nel
momento in cui ritraendo chi ha di fronte il
pittore mette in gioco anche una parte di se
stesso. E non potrebbe essere altrimenti,
perché per “trarre fuori” l’interiorità dell’altro
occorre essere disposti ad andare verso
di lui, a riconoscere in quel corpo e in quel
volto i mirabili segni della creazione divina.
Gli individui che popolano la galleria dei
suoi ritratti descrivono complessivamente
la storia dell’intera specie umana: singole
voci che intonano un solo canto. Un grandioso
affresco, un’opera unica in cui anche
lo spazio è una dimensione vitale, energetica,
luminosa. Il bianco del foglio, infatti,
non è uno schermo su cui proiettare il visibile
o un vuoto che funge da contraltare
cromatico ai grigi argentei del tratto
disegnativo; al contrario, è un insieme
corpuscolare di luce e aria in cui
le figure si muovono, respirano, in
altre parole, vivono. Poco importa il
soggetto rappresentato: che si tratti
di uomini o di possenti figure animali
- penso al toro maremmano - Ciccone
riconosce in entrambi i casi gli
esempi di una bellezza creata e consegnata
al mondo perché sappia interpretarli
come segni incontrovertibili
dell’amore che regge la storia universale
e le leggi della natura, amore
che, come scrive Dante, “move il sole
e le altre stelle”. Quella che propone,
quindi, è un’idea di bellezza che non
solo seduce e incanta, che si dà, qui e
ora, come folgorazione improvvisa,
momento di grazia, ma che schiude
all’essere umano l’orizzonte di una conoscenza
profonda e vera della realtà.
Maddie and her cat, 1996, carboncino, cm. 100x70
Gargano: la maciara, 1980, acrilico/tela su tavola, cm. 70x100
16 Antonio Ciccone

La sua formazione artistica avviene a Firenze, negli
studi d’arte di Pietro Annigoni, Nerina Simi e
alla Scuola Libera del Nudo all’Accademia delle
Belle Arti.
Il suo primo affresco di rilievo risale al 1959. Un
compassionevole San Francesco d’Assisi occupa una parete
della Sala S. Francesco nel convento di Santa Maria
delle Grazie a San Giovanni Rotondo.
È del 1959 la Crocefissione nella Badia Fiorentina, Firenze,
commissionata e donata nel 1964 dalla Marchesa
Mila Niccolini. Nel 1962 fu incaricato di affrescare la
Resurrezione e le Stimmate di San Francesco (1964) nel
Battistero dello stesso convento.
Nel 1962 affrescò il tabernacolo in memoria di Carlo
Vannucci con il Crocefisso nel cimitero di Fontebuona
nel Mugello. Durante gli anni Sessanta, fece dei viaggi
in Inghilterra, Irlanda e negli Stati Uniti dove si trasferì
nel 1968.
Ciccone tenne importanti esposizioni negli Stati Uniti:
Palm Beach Galleries, Florida; Guild Hall Galleries, Chicago;
Southampton College, N.Y.; Parrish Art Museum, Southampton,
N.Y.; Elaine Benson Gallery, Bridgehampton,
N.Y., e Tower Gallery, Southampton, N.Y., per nominare
solo alcuni luoghi.
Tornò a Firenze nel 1980 con la sua famiglia. Durante gli
anni Ottanta, produsse molte opere a carboncino dedicate
a Padre Pio, oltre a numerosi maestosi paesaggi del
Gargano, ad olio e in acrilico. Questa collezione di opere
costituì la mostra itinerante Padre Pio e il Gargano, che
fu esposta nelle cattedrali d’Inghilterra e Irlanda per un
anno intero. Il 1987 vide il maestro impegnato nell’esecuzione
del bellissimo affresco La Natività nella chiesa di
Nostra Signora del Buonconsiglio a Ponte Buggianese,
Pistoia. È del 1988 una commissione da parte di Giorgio
Dal Lago per La Resurrezione, un grande dipinto
(4,20x8,50 m). L’opera fu poi collocata nel Palazzo Municipale
di San Giovanni Rotondo nel 2007.
Gli anni Novanta sono caratterizzati da un fervido periodo
con opere dedicate a ritratti, gatti, nudi e danzatori. È significativa
la quantità di ritratti a carboncino compiuti in
questo decennio. Ritratti dedicati ad alcuni personaggi si
svilupparono in intere serie: Pietro Annigoni, Moira
Forbes, Amintore Fanfani.
Composizione 1992-1993 è stata commissionata nel
1991 dalla Cassa Rurale ed Artigiana di San Giovanni
Rotondo. Una serie magnifica intitolata Marga e Keith è il
risultato dell’osservazione e dello studio da parte dell’artista
al tema della danza, che ha fornito ispirazione e di
conseguenza ha portato alla creazione di straordinarie,
importanti composizioni: L’uovo ritrovato, Il senso della
misura, Atlete, Concerto, Nello studio, ecc.
In questo periodo prolifico, l’artista ha inoltre colto i suoi
gatti intenti al gioco e alle cure quotidiane con intriganti
disegni a china.
Nel 2002 Ciccone ha tenuto una mostra formidabile intitolata
Omaggio a Padre Pio, Santo, al museo della Porziuncola,
Assisi. Nel 2004, la Lydia Series fu inaugurata al
Palazzo Panciatichi di Firenze e a New York presso The
Forbes Galleries. Nell’estate del 2007 la mostra fu riproposta
a Milano nel Museo di Storia Contemporanea,
sponsorizzata dalla Forbes Foundation. L’anno 2006 vide
la nascita della sua bellissima Avery Series.
Ciccone ha dedicato il 2009 agli studi e all’esecuzione
dei suoi recenti affreschi nella Basilica di Assisi, che rappresentano
alcuni episodi della vita di San Francesco.
Una nuova serie di ritratti, intitolata Spring Song, viene
mostrata per la prima volta alla Società delle Belle Arti -
Circolo degli Artisti “Casa di Dante” nel 2010.
San Giovanni Rotondo riceve due esposizioni eccellenti
nel 2011: San Giovanni Rotondo ed i suoi abitanti nella
memoria artistica di Antonio Ciccone e Padre Pio nell’arte
ispirata di Antonio Ciccone.
Nel Mistero dell’Uomo - Ritratti di Antonio Ciccone è il
titolo della sua mostra in Palazzo Medici Riccardi a Firenze,
curata da Stefano De Rosa e tenutasi nell'autunno
del 2012.
Le opere di Antonio Ciccone si trovano in musei e collezioni
private. Fra queste ricordiamo: Collezione Padri Cappuccini,
San Giovanni Rotondo; Forbes Magazine Collection,
N.Y.; Guild Hall, East Hampton, N.Y.; La Casa Sollievo
della Sofferenza, San Giovanni Rotondo; Parrish Art Museum,
Southampton, N.Y.; Carlo Alhadeff Collection, Milano;
Bruce e Eleanor Dix Bistrian Collection, Massachusetts;
Dixie Carter Collection, Los Angeles; Collezione
Onofrio Canistro, San Giovanni Rotondo; Collezione Giovanni
Fini, San Giovanni Rotondo; Lady Christina Hoare
Collection, London; Collezione Tiana Ciccone, Firenze;
Collezione Marchesi Lorenzo e Alessandra Niccolini, Camugliano,
Ponsacco (PI); Robert D. Schweizer Collection,
Arizona e Collezione Rolando Vannucci, Arezzo. The Avery
Series è il decimo libro dell’artista (2008). In precedenza
sono stati pubblicati: Antonio Ciccone–Vita di Pittore
scritto da Alberto Maria Fortuna (1991); Composizione
1992-1993 con presentazione di Giovanni Scarale (1994);
Gatti, testo di Roberta Fiorini (1995); Nello Studio, testo di
Paola Bortolotti (1996); Cercando Padre Pio (1997), commenti
di R. Fiorini, G. Scarale e G. Setti; Padre Pio di Antonio
Ciccone (1999), testo di A. M. Fortuna, e Metamorphosis
(omaggio a Pietro Annigoni) pubblicato nel 2000,
testi critici di Maurizio Vanni, Antonio Paolucci e Tommaso
Paloscia, The Lydia series con saggio di John T.
Spike (2003); La Resurrezione con saggio di Stefano De
Rosa (2007). Il maestro vive e lavora a Firenze dove tiene
il suo studio.
www.antoniociccone.com
info@antoniociccone.com
Chiara d’Assisi, 2010, carboncino e pastello, cm. 100x70
Antonio Ciccone 17

Ester
Cecere
Dall’azzurro Jonio
alla verde Toscana
di Carmelo Consoli
L’autrice con i poeti e critici letterari Carmelo Consoli e Roberta Degl’Innocenti
al Caffè Storico Letterario Le Giubbe Rosse di Firenze
Viene proprio da lontano la poetessa Ester Cecere,
dall’azzurro Jonio di Taranto, bellissima
città dei due mari, antichissima e già importante
realtà di vita e di ricchezze ai tempi della
Magna Grecia. Qua da noi, nella nostra superba Firenze, è
ormai di casa; una frequentazione, la sua, datata da lungo
tempo per motivi sia personali che artistici.
L’accompagno in giro per la città. Dal Duomo giriamo verso
via dei Servi e poi oltre fino al Caffè Storico Letterario delle
Giubbe Rosse e poi ancora verso la Camerata dei Poeti,
poco distante. Infine, una puntata verso l’Accademia Alfieri;
lei conosce proprio tutte le associazioni culturali fiorentine
ed è amica di tanti poeti e scrittori che arricchiscono
con le loro opere la vita della città. Mi racconta della propria
storia, di quella sua terra travagliata e affascinante al
contempo.
La nostra città l’ha adottata come una delle sue concittadine,
acquisendone fragranze e cromie tipiche di un Sud an-
Ester Cecere con il poeta e critico letterario Nazario Pardini
Premio Il Forte 2013: La poetessa ritira il primo premio a Forte dei Marmi (Premio Il Forte 2013)
cora intatto nel suo splendido contenitore naturale e donandole le dolcezze e
gli incantevoli colori delle colline toscane.
Una fusione cromatica tra il celeste delle acque marine e il verde dei colli toscani
che è stato da sempre il marchio che contraddistingue gli artisti meridionali
che rendono omaggio a Firenze e da Firenze sono ospitati e portati alla
ribalta. Biologa marina, con l’impegnativo incarico di prima ricercatrice nel
Consiglio Nazionale delle Ricerche, ha sempre subito, sin dalla prima gioventù,
il richiamo della poesia dove il mare non poteva che essere l’humus fondante
del suo pensiero poetico, il suo liquido amniotico, come ama ripetere.
Si è quindi venuta a creare la fusione ideale tra un mondo equoreo e una
scrittura ricca di personalità e umanità dando vita a opere poetiche che hanno
incontrato subito favorevoli consensi tra la critica letteraria nazionale.
Oggi Ester Cecere è una poetessa premiatissima; per rendersene conto basterebbe
visitare il suo sito www.estercecere.weebly.com dove la si può
anche ammirare in una bella e ricca galleria fotografica. Ma qual è il segreto
del fascino personale e poetico di Ester Cecere
Ebbi l’occasione, durante la presentazione del suo ultimo libro Come foglie in
autunno, alla Camerata dei Poeti di Firenze, di definire la sua poesia con tre
aggettivi: dolce, tenace e saggia, aggettivi che servono anche a raffigurare
efficacemente le sue qualità umane e caratteriali.
Dolce nel volto, profonda nello sguardo, solare nei sorrisi, con quel taglio
18 Ester Cecere

mediterraneo degli occhi, della bocca, tenace come chi viene dal
Sud nel raggiungere obbiettivi e stabilire contatti, spinta da un irrefrenabile
desiderio di umanizzazione e di realizzazione con il mondo
che la circonda e nell’ambiente che frequenta, sia nella vita quotidiana
che nella sua arte, saggia per preziose, consolidate esperienze
e matura consapevolezza della vita.
Ester è un apprezzato personaggio a Firenze, gradevole amica di tutti
gli artisti che contano da Roberta Degl’Innocenti a Lia Bronzi, da
Anna Balsamo a Duccia Camiciotti, tanto per fare qualche esempio
anche se l’elenco potrebbe essere molto più lungo.
Le sue frequentazioni artistiche ci portano ai luoghi simbolo della
cultura fiorentina, dalle già citate Camerata dei Poeti e Giubbe Rosse
alle sale letterarie del Consiglio Regionale e del Comune, compreso
lo storico Palagio di Parte Guelfa.
Ma la sua fama ha travalicato i confini della Toscana e della sua
Puglia, per estendersi in campo nazionale e coinvolgere moltissimi
personaggi della cultura italiana che si sono interessati di lei a vario
titolo nella critica delle sue opere o semplicemente in contatti di
amicizia e stima. Da queste frequentazioni sono nati i suoi legami
L’autrice con la poetessa e critico letterario Paola Lucarini a Palazzo Panciatichi a
Firenze per la presentazione di “Come foglie in autunno” nell’ambito degli incontri
dell’associazione culturale “Sguardo e Sogno”
con molteplici associazioni nazionali, dal Porticciolo di La Spezia a
Insieme per la Cultura (I.P.LA.C) di Abano, e internazionali in qualità
di Accademica della Università della Svizzera Italiana, passando ovviamente
per la realtà letteraria fiorentina. Un transito ideale da
Nord a Sud e viceversa nel ricevere premi e stabilire contatti.
Insomma, un vero personaggio umano e letterario che non passa
inosservato nel panorama culturale nazionale, vuoi per la preziosità
della sua arte, vuoi per l’empatia calda e dirompente che emana sin
dal primo contatto e a cui non si può resistere.
Una donna che viene, come ama dire, dalla Terronia intendendo con
questo termine un Sud talora sottostimato ma che al contrario apporta
valori ed elementi di arricchimento vitale ed una carica di simpatia
ad iniziare dalla cadenza tipica della sua parlata meridionale.
Ester Cecere è autrice di due pubblicazioni di poesia: la prima dal
titolo Burrasche e Brezze edita dalle edizioni Gruppo Albatros-Il Filo
di Roma e la seconda intitolata Come foglie in autunno delle Edizioni
Tracce di Pescara con la prefazione della grande poetessa e critico
letterario Ninnj di Stefano Busà.
La sua poesia è testimonianza artistica della sua umanità, travaglio
d’anima, coinvolgimento emotivo negli eventi della vita. Una lirica
dal tono forte, talora lapidario sempre alla ricerca di luminosità e
certezze, espressa sia nelle modalità dei dialoghi interiori che attraverso
proiezioni esteriori, verifiche, nostalgie, stupori, smarrimenti.
Prima di copertina della seconda silloge
di Ester Cecere
In questo contesto il mare è
l’utero materno atto alla rigenerazione
vitale. Una poesia
che all’apparenza può apparire
velata di pessimismo ma dove
le ombre ed i chiaro scuri sono
terra fertile per la rinascita.
Ed in fondo il dolore, il mistero,
lo sconforto sono travalicati attraverso
l’amore, la meraviglia
per la natura, la consapevolezza
di un “Oltre” salvifico.
Soprattutto l’amore è l’arma
vincente della sua poetica, un
abbandono fresco ed incantato
alle purezze, alle gioie minute,
agli stupori naturali, alla fede. Alcune sue poesie appaiono come
inni alla vita. Sul piano lessicale e della stesura metrica la poesia
di Ester ci appare come un distillato di visioni, sempre teso ad
esaltare la singola parola, il suo contenuto, l’immagine, il senso
ed il fine. Una poesia che si presenta talora inizialmente come una
visione diretta, apparentemente lontana dagli eventi narrati da
cui poi il verso discende velocemente, estremamente scarno, contenuto,
ma prezioso ed incisivo nel significato. E ancora una volta
poesia e poeta si saldano in una unica ricerca: quella della luce,
della certezza che la vita è meraviglia e a cui bisogna partecipare
con il cuore e con l’anima.
Ed Ester approdata nella nostra meravigliosa città di Firenze continua
a stupirci con la sua carica di umanità, il suo ottimismo, la
sua solida e coinvolgente testimonianza poetica.
Ed ogni volta dal Sud viene a noi ambasciatrice di colori e fragranze
e nel Sud ritorna carica di esperienze ed emozioni, nuove amicizie
e immagini sempre più belle del nostro territorio.
La riaccompagno alla stazione di Santa Maria Novella. Da via Cavour
a via Panzani ed ecco alla fine le pensiline della stazione, la
folla dei treni, i binari che si perderanno nella notte dei campi.
Ester ci lascia, elegante nel suo tailleur blu, in sintonia con il mare
della sua Taranto che l’aspetta, affacciata sulle onde.
Domani e poi ancora sarà altrove, forse a rilasciare interviste, a
ritirare premi o a trovare altri amici sparsi ovunque.
Il suo sorriso nel voltarsi, prima di partire, è la certezza che tornerà
presto tra noi a Firenze.
Ester Cecere ritira la targa per il I° posto al Premio Europa 2013 a Lugano
Ester Cecere
19

Giorgio Rossi
e le sue Muse
Da domenica 8 dicembre
a Palazzo Medici Riccardi
"Volti del passato"
per ricordare l'importante
scultore toscano
Donna supina con Cupido sulle spalle, 1920, bronzo, cm. h.57x31
di Rossella Campana
La nuova mostra dedicata a Giorgio
Rossi, Volti dal passato. Gior-
quando l’artista rivolge la sua attenzione al
rinnegata nei suoi fondamenti, ma che
gio Rossi e le sue Muse, che si variegato universo femminile si manifesta
inaugura il 7 dicembre a Palazzo con note di peculiare efficacia espressiva.
20 Giorgio Rossi
Medici Riccardi, fortemente voluta dalla
sua famiglia dopo quelle del 2009, 2010 e
2011, ben rappresenta con la variegata produzione
scultorea dell’artista, nato a San
Piero a Sieve nel 1892, il fertile humus
culturale della Toscana della prima metà del
Novecento, in anni cioè in cui un giovane
dotato della provincia, giunto nella città che
aveva grandemente contribuito alla storia
dell’arte italiana, poteva acquisire gli strumenti
del mestiere e proporsi nell’agone
con tutte le carte in regola per affrontare
una carriera non necessariamente di successo
mondano ma sicuramente di soddisfazione
creativa.
La scelta, in questa occasione, è stata di
privilegiare come filo conduttore l’immagine
della donna, con ciò evidenziando l’attenzione
dell’artista per un tema non per lui
univoco ma certamente negli anni prediletto.
Ne sono la prova molteplici ritratti e nudi,
solo parte dei quali viene qui presentata,
modellati o scolpiti con sicura maestria,
specchio di una sensibilità sempre vigile nei
confronti del dato naturale acquisita da
Rossi alla scuola di Antonio Bortone e mai
Pur con accenti diversi a seconda del percorso
di ricerca stilistica intrapreso, infatti,
che dall’idealismo giovanile lo porta nel
ventennio fra le due guerre a sperimentare
le stilizzazioni del déco e quindi a scoprire
l’umanità più complessa dell’arte etrusca, la
donna gli suggerisce forme di volta in volta
sinuose, forbite o fragili ma comunque eloquenti,
e la sua immagine domina, fino quasi
a identificarsi con lo stesso far arte dello
scultore. Non per caso un autoritratto recentemente
donato agli Uffizi ce lo mostra intento
a plasmare una piccola testa muliebre,
che appare al suo fianco come l’idolo di
un’erma antica, al tempo stesso musa ispiratrice
e nume tutelare.
Nelle belle sale espositive di Palazzo Medici
Riccardi, oltre a un altro, squisito, autoritratto
giovanile in bronzo, potremo dunque
ammirare corpi e volti teneri di bambine e
affabili belle signore, ma anche enigmatiche
maschere di pietra dura e impenetrabili
gorgoni, a fianco di statue e statuine
nelle quali l’artista s’impegna in eleganti
soluzioni decorative, o, ancora, nella rappresentazione
del corpo femminile come semplice
tramite di bellezza, immagini tutte
Autoritratto, collezione degli Uffizi, Galleria degli Autoritratti
nel Corridoio Vasariano

Bambina, opera non datata, marmo, cm. h.65
create per un mondo che aveva ancora coscienza
dell’importanza dell’immagine viva e
commossa del ‘vero’ e della necessità per
così dire quotidiana dello spirito di misurarsi
con esso.
Presente fin dal secondo decennio alle esposizioni
della Società di Belle Arti di Firenze,
ottiene un premio alla Mostra del
Soldato del 1917. Giovanissimo, nel 1918,
riceve un prestigioso riconoscimento dall’
Accademia delle Arti del Disegno di Firenze
che lo inserisce nei ruoli degli “ accademici
onorari ”. Partecipa alla Primaverile Fiorentina
del 1920 e del 1921. Nel 1923 esegue il
Monumento funebre per i Fratelli Fiorini al
Cimitero delle Porte Sante di Firenze e il
Monumento ai caduti di Lezza, nel 1927 il
Monumento ai caduti di Borgo San Lorenzo.
Sempre nel 1927 diventa docente presso la
Scuola Artistico-Industriale di Volterra. Dal
1928 espone alle Mostre Regionali Sindacali
della Toscana. Nel 1930 e nel 1936 è
alla Biennale di Venezia. Nel secondo dopoguerra,
conclusa l’attività d’insegnamento,
torna stabilmente a Firenze nello studio di
via dei della Robbia dove continua a dedicarsi
alla scultura con la passione di sempre
fino alla morte avvenuta a Firenze nel 1963.
Lo scultore muore nel 1963 lasciando una serie di
opere inedite rigorosamente custodite dalla famiglia
che ha iniziato un percorso di rivalutazione
dell’artista con le recenti mostre a Palazzo Panciatichi
(2009), presso la sede dell’Ente Cassa di
Risparmio (2010) e nel Palazzo Comunale di Pontassieve
(2011).
L’autoritratto dello scultore è entrato nelle Collezioni
degli Uffizi trovando posto nella Galleria
degli Autoritratti nel Corridoio Vasariano insieme
ad altre 126 opere di grandi maestri.
A Palazzo Medici Riccardi saranno in mostra una
sessantina di ritratti plastici - perlopiù femminili
- eseguiti in bronzo, marmo, terracotta, gesso insieme
ad alcuni dipinti.
L’inaugurazione avrà luogo, presso la Sala Luca
Giordano, sabato 7 dicembre alle ore 16.00.
Mentre la mostra sarà allestita nella Limonaia di
dello storico palazzo mediceo, in via Cavour 3, e
sarà aperta al pubblico da domenica 8 a martedì
31 dicembre dalle 9 alle 18 (chiuso il mercoledì).
Info:
biglietteria@palazzo-medici.it
www.ilcasseroperlascultura.it
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facebook: Cassero Per la Scultura
Ufficio Stampa della Provincia di Firenze
Tel. 055 2760237
Il Cassero per la scultura italiana
dell’Ottocento e del Novecento
Tel. 055 9108274
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Autoritratto, bronzo, cm. h.50x36,5
Volti dal passato.
Giorgio Rossi e le sue Muse
Dall’8 al 31 dicembre a Palazzo Medici Riccardi
Organizzata dal Museo Civico Il Cassero per la
scultura italiana dell’Ottocento e del Novecento
di Montevarchi (AR) e dall’Associazione Amici de
Il Cassero, patrocinata dalla Provincia di Firenze,
la mostra, curata da Rossella Campana e Alfonso
Panzetta, si inserisce in un progetto di rivalutazione
degli scultori toscani attivi nella prima
metà del XX secolo.
Giorgio Rossi (1892-1963) è stato un eccellente
comprimario dei più importanti protagonisti
dell’arte in Toscana nel primo Novecento: nato a
San Piero a Sieve (FI), allievo di Antonio Bortone,
membro onorario dell’Accademia delle Belle Arti
di Firenze.
Maestro versatile nell’uso di tutti i materiali tradizionali
della scultura (bronzo, marmo, terracotta,
legno, alabastro). Scultore raffinato e di grande
forza soprattutto nella ritrattistica dove, parallelamente
alla ricerca della somiglianza esteriore
Ritratto della moglie Pia, opera non datata, gesso, del soggetto, si concentra in una delicata introspezione
psicologica.
Ritratto di donna, opera non datata, bronzo, cm. cm. h.25x32 h.49
Giorgio Rossi
21

Piero Bertelli
Un maestro della scultura contemporanea cresciuto alla scuola dei grandi
del passato per approdare alla ribalta internazionale
di Marco Moretti
Piero Bertelli nato a Montelupo
Fiorentino nel 1940 si è formato
scultore nell’egesi dell’antica sostanza
oggettiva della forma. E
quella sostanza, rafforzata dai risultati del
mestiere, si può dire abbia vissuto. Ed è
straordinaria la constatazione di come quella
sostanza lo abbia plasmato, sia come
scultore rigorosamente figurativo, sia proprio
in quell’acuta curiosità d’osservazione
indotta dai meccanismi oggettivi d’indagine
che il mestiere comporta…
Ritratto di Beppe Serafini, bronzo
Prima dell’arte del plasmare Bertelli aveva
appreso le tecniche della fusione, le finezze
del ritocco ed i segreti delle patinature. Per
San Giorgio, bronzo
22
tali meriti il vecchio Manzù gli aveva chiesto
negli anni Ottanta di trasferirsi da lui, ad Ardea, quale responsabile
della sua fonderia…. Da ragazzo aveva espresso il desiderio di recarsi
a Firenze per lavorare nella fonderia d’Arte Marinelli. Nei locali
di via Corridoni circolavano scultori come Berti, Granchi, Tafanari,
e da questo diuturno lavoro fianco fianco con gli scultori s’impresse
l’amore per l’armonia plastica della forma regolata da un’attenta
misura delle cose.
Mostre personali Palazzo Appiani, Piombino (Li), 2009. Campiglia
Maternità, bronzo
Piero Bertelli
Marittima (Li), Ex-cinema Mannelli (Apriti Borgo), 2012. Scriptorium,
Abbazia di S.Galgano, Chiusdino (Si). Mostra personale in Consiglio
Regionale della Toscana, Palazzo Bastogi, Firenze, 2013.
Membro dell’Accademia Giampaoli per la medaglia d’arte a Roma.
Membro dell'Antica Compagnia del Paiolo di Firenze.
Le sue opere si trovano: Chiesa di S. Maria di Fibbiana, Chiesa di S.
Donato a Livizzano, Millar Gallery di Cincinnati, Life Nihon Gallery di
Tokio, Horison Co.Ontario-Canada, Gallery l’Artique Hillside New
Jersey, e in moltissime gallerie private di Milano, Toronto-Ontario,
Okinawa, ecc. È presente nel Museo del Bargello a Firenze. Ha esposto
permanentemente alla Benjamin Gallery di Chicago, Wellfleet
Art Gallery, Cape Cod, Massachusset e ancora alla stessa Palm
Beach Florida. Espone permanentemente alla Galleria Pietro Bazzanti
di Firenze. Ha lavorato due anni ai modelli per il rifacimento
delle Sale Imperiali del Cremlino a Mosca.
Piero Bertelli
Via Giovanni XXIII, 4 - 50056 Montelupo F.no (Fi)
Studio: Via del Ponte Nuovo, 75 - 50056 Montelupo F.no (Fi)
Tel. 0571 541156 - Cell. 347 4685445
Enrico_ bertelli@virgilio.it
Don Chisciotte, bronzo

Enrico Bertelli
Un giovane incisore di talento
di Lorenzo Borghini
Enrico Bertelli nasce a Empoli il 18 settembre 1981, appassionato di arte e fumetto
frequenta il Liceo Artistico Leon Battista Alberti e poi l’Accademia di
Belle Arti di Firenze in cui ha l’occasione di conoscere Vairo Mongatti e Paolo
Ciampini, docenti che l’avvicineranno all’incisione ed alle tecniche di stampa
in cui si specializzerà sotto la guida del professor Domenico Viggiano.
Nel 2010 vince la borsa di studio come “tecnico di laboratorio” all’Accademia di Belle Arti
di Firenze e la borsa di studio elargita dalla Cassa di Risparmio di Livorno per la Fondazione
per lo studio dell’arte grafica Il Bisonte di Firenze.
Tra le sue esposizioni più importanti spiccano la VII Biennale di Incisione di Monsummano
Terme 2007, la II Biennale di Incisione di Bassano del Grappa 2011, la Printing International
Triennial di Cracovia 2012, “I luoghi di Giovanni Fattori” per il centenario della morte
presso la Galleria dell’Accademia di Firenze 2008, la Guanlan International Print Biennial,
Guanlan, Shenzen, Cina nel 2013. Come fumettista-illustratore si ricordano “Storie di Toscani
che fecero l’Italia” edito dal Consiglio Regionale della Toscana e distribuito nel sistema
scolastico regionale e le illustrazioni per la fondazione lirica Mito di Milano.
Mostre personali Palazzo Appiani, Piombino (Li), 2009. Campiglia Marittima (Li), Ex-cinema
Mannelli (Apriti Borgo), 2012, Scriptorium, Abbazia di S.Galgano, Chiusdino (Si), 2013.
Alberi alberi, 2008, acquaforte, acquatinta, puntasecca,
cm. 50x70
Fiasco e vino, 2004, acquaforte,
cm. 35x50
Via dell'Arno, 2007, acquaforte,
acquatinta, puntasecca, cm. 50x70
La vecchia vetreria, 2012 acquaforte, acquatinta,
bulino, cm. 100x70
Gatto, 2004 acquatinta, acquaforte,
morsura aperta, puntasecca, brunitoio,
cm. 50x70
Verso Firenze, 2012, acquaforte, acquatinta, bulino,
cm.100x70
Surano, 2008, acquaforte, acquatinta al
sale, cm. 50x70
Enrico Bertelli
23

Giovanni Speroni
Un chimico eclettico
di Duccio Ricciardelli
La Toscana, come nei precedenti
numeri della rivista, è andata a
trovare altri personaggi importanti
per la cultura e la storia
della nostra regione. Questo mese parliamo
di Giovanni Speroni, accademico e studioso
di scienze fiorentino che potremmo definire:
un chimico eclettico. Giovanni Speroni nasce
nel capoluogo fiorentino il 4 giugno del 1910
e muore a Genova il 14 marzo del 1984. Si
formò come chimico organico alla scuola
di Adolfo Quilico, durante la permanenza di
questi a Firenze (1937 - 1943) come titolare
della cattedra di Chimica Generale e Inorganica.
Insieme riconobbero il ruolo dell’acido
fulminico e dei nitrilossidi, come intermedi
chiave nella sintesi di derivati isossazzolici,
la cosiddetta “sintesi fulminica dell’isossazolo”.
Speroni ebbe
uno spiccato interesse,
oltre che per la sintesi
organica, per lo studio
delle proprietà fisiche dei
composti: dalla tensione
superficiale, alla spettroscopia,
ai momenti
dipolari. Mise le sue conoscenze
a disposizione
della conservazione del
patrimonio culturale,
delle prime ricerche
rama toscano ma anche di difficile collocazione.
sui reperti archeologici
dell’Etruria (1950) fino
Vita universitaria con gli assistenti: Speroni è il secondo da destra
all’emergenza per l’alluvione
di Firenze nel 1966. Per questo impegno
meritata pensione.
sociale e culturale gli fu attribuito un Ma i meriti di Speroni furono soprattutto
riconoscimento da parte del Ministro della dovuti a gesti ed imprese avvenute al di fuori
Pubblica Istruzione (Medaglia d'Argento),
del mondo accademico. Dopo l’alluvione
nel primo anniversario dell’alluvione. Per la fiorentina del 1966, infatti sviluppò la sua
Società Montecatini organizzò e diresse un passione per il recupero delle opere d’arte,
Ancora un momento di vita universitaria con gli assistenti:
Speroni è il primo da destra
laboratorio per lo studio degli antiparassitari ottenendo dal CNR un Centro presso l’Istituto
di Chimica Organica (Centro di Studio
in agricoltura, i “fitofarmaci”, da cui nacque
il Rogor, un prodotto di larga diffusione per sulle cause di deperimento e sui metodi di
24 Giovanni Speroni
la sua bassa tossicità. Molti furono in seguito
i suoi brevetti collegati alle scoperte
e ricerche effettuate nella chimica organica.
In questo periodo diresse ed ottenne il Cenconservazione
delle opere d’arte) diretto poi
dal professor Piacenti.
L’eclettismo e la poliedricità del personaggio
rendono la figura di Speroni unica nel panopartecipazione
La scrittura, la passione per l’arte, la
alla Resistenza e l’amore per
la propria città, sono solo alcune tappe di
una vita vissuta con pienezza e con partecitro
di studio sulla chimica della struttura dei
composti eterociclici e loro applicazione. Nei
primi anni Settanta, con l’allargamento dei
Consigli di Facoltà, il professor Speroni fu
chiamato a gestire questo passaggio delicato
come Preside della Facoltà di Scienze
Matematiche Fisiche e Naturali dell’Università
(dal 1973 al 1976) e anche Pro - Rettore
(già dal 1968). Giovanni Speroni era capace
di iniziative lungimiranti dalle quali nacquero
in seguito: i Convegni Nazionali della Divisione
di Chimica Organica delle S.C.I.; il Centro
di studi sui Composti del CNR; eterociclici
“Centro Interuniversitario di Ricerca sulle
Reazioni Periciliche”. Già straordinario dal
1953 e successivamente ordinario dal 1957,
venne collocato fuori ruolo nel novembre del
1980. Giunse poi, nel dicembre del 1983, a

Medaglia d'Argento per meriti sul lavoro durante
l'Alluvione
Medaglia d'Oro per la Chimica ad Ancona
pazione. Esempio lampante dell’approccio
“umanistico” di Speroni è il suo bellissimo
Diario di guerra del fronte Russo. Scritto
durante la campagna di Russia, stese a
mano questo diario mentre passava di
grado nell'artiglieria come Ufficiale Chimico
Farmacista. Questo manoscritto, mai pubblicato
e conservato in originale dal figlio
Giampaolo, è uno degli esempi più belli
di diario di guerra che sia stato prodotto e
necessiterebbe di una pubblicazione e di
un approfondimento adeguati al valore dei contenuti.
Commoventi le parole scritte dal giovane chimico sul
frontespizio del suo diario: “Sarò grato a chiunque
ritrovi questo diario, se vorrà farlo recapitare alla mia
famiglia, al seguente indirizzo:
Speroni - Firenze - Via Laura 58
(Italia)” . Sono le parole sentite
e disperate di un ragazzo
al fronte che pensa alla sua
Firenze e alla famiglia lontana,
sono i pezzi dolorosi della storia
che attraverso una scrittura
secca ed evocativa ci portano
dal passato impressioni e testimonianze
molto importanti.
Tornò a Firenze nel 1943 durante
il periodo della Resistenza,
rocambolescamente e quasi
per caso, Speroni si accostò al
gruppo di persone che in quel
periodo a Firenze gravitavano
intorno alle attività di Radio Cora. Radio Cora (COmmissione
RAdio), costituitasi nel 1943 per collegare la
resistenza armata in Italia, vedeva la collaborazione
di molti giovani intellettuali e professionisti toscani
Il professor Speroni riceve una delle innumerevoli onorificenze
suddivisi in vari reparti di azione. I progetti e i piani
di Radio Cora venivano fatti in una casa in via Magalotti.
Ci fu all’epoca una tragica irruzione dei soldati
tedeschi nell’appartamento di piazza D’Azeglio, dove
Luigi Morandi fu ucciso proprio davanti alla sua postazione
della trasmittente. Quelli furono i giorni della
ricostituzione del gruppo e della ricerca di
un nuovo apparecchio. Fu in quel periodo
che Speroni entrò a far parte del comitato
di Radio Cora. L’organizzazione riusciva ad
inviare e a trasmettere messaggi tra le varie
postazioni nascoste nelle abitazioni, in
diversi punti strategici della città di Firenze.
L’impresa più ardua era quella di agire di
nascosto dalle pattuglie tedesche che di
tanto in tanto tentavano di interrompere le
comunicazioni radio, staccando la luce a interi
quartieri. Speroni, insieme ad un gruppo
di giovani chimici, aveva il compito di ricaricare
le batterie delle radio presso gli istituti
Ancona 1980 - Speroni riceve la Medaglia d'Oro
universitari del centro di Firenze. Sembra di
vederlo il giovane Speroni che corre da una
parte all'altra della città con nascoste sotto
il pastrano invernale le grosse batterie,
fondamentali per la sopravvivenza di Radio
Cora. Anche durante l’alluvione fiorentina
del 1966 Speroni dette prova di valore, curando
a fondo la sistemazione di quadri e
di opere d’arte in legno, portando tutto il
materiale danneggiato al Giardino di Boboli
in Palazzo Pitti e sistemandolo in una
serra dove poter conservare e controllare
l’umidità dell’ambiente in maniera stabile.
Bisogna poi ricordare che Speroni contribuì
alla sistemazione del Cristo di Cimabue
nella chiesa di Santa Croce. Per queste
memorabili imprese ricevette in vita 5 medaglie
all’Onore, 4 d’Oro e 1 d'Argento. La
sua preferita, a detta dei suoi familiari, fu
quella per l’alluvione data dal Ministero
della Pubblica Istruzione ma anche quella
d’Oro del Convegno di Chimica Organica di
Ancona rimane un momento fondamentale
della sua luminosa carriera.
Il 18 aprile 2007 al Sindaco Domenici fu
rivolta la richiesta di dedicare una via a
Giovanni Speroni, con la raccolta di 67 firme
e di una documentazione molto approfondita
sul suo lavoro accademico. Purtroppo
questa richiesta non è stata ancora valutata
ed esaudita, e alla sua memoria non viene
ancora dato il giusto valore.
Speriamo che questo nostro ricordo possa
risvegliare o muovere di nuovo l’interesse
delle istituzioni verso un così importante
fiorentino.
Giovanni Speroni
25

35 anni dopo
Quelli del Bafomet
Cozzi - Crinelli - Ghiribelli - Margonari -
Oliveti - Scuderi - Vadalà
In un libro di Cozzi e Oliveti la storia del gruppo
fiorentino e della galleria di Borgo Pinti
di Giuse Benignetti
Il
21 ottobre 1977, nella galleria
posta al 24 rosso di Borgo
Pinti, alcuni giovani artisti,
capeggiati da Riccardo Ghiribelli e
Lorenzo Crinelli, davano vita al gruppo
che, per alcuni anni, avrebbe costituito
il motore di un nuovo modo di
concepire il rapporto sociale dell’arte.
Da lì, infatti, “quelli del Bafomet”, rompendo
gli schemi in cui il gallerista
Mauro Cozzi - Prospetto d’isola, 1979
mercante era il solo mediatore deputato
fra il fruitore e l’artista, vollero
allacciare un dialogo diretto con il loro
pubblico, nell’intento di coinvolgerlo e
di educarlo, di sgombrare il campo da
alcune storture artificiose in cui vedevano
dibattersi il mercato, e rendere
l’arte alla portata dei più, sia nella
comprensione che, per quanto possibile,
nel prezzo.
Nacque un movimento auto-gestito a
cui presero parte artisti di indirizzi
diversi ma tutti ugualmente impegnati
a sostenere una riqualificazione del
mestiere in senso tecnico-artigianale,
in opposizione a troppo facili improvvisazioni
che alcuna critica dell’epoca
spingeva, favorendo produzioni numericamente
cospicue che il fiorente
mercato di quegli anni aveva capacità
di “piazzare” facilmente.
Oggi, dopo oltre 30 anni, Mauro Cozzi
e Gianni Oliveti hanno voluto documentare
nell’esauriente volume
“BAFOMET ALLO SPECCHIO” -
(Feeling Groovy & Le Giubbe Rosse
Editori, € 18), l’intera storia del Gruppo
negli anni 1977-1981. Il libro, introdotto
da scritti di Ugo Barlozzetti,
Stefano De Rosa e Giovanna Giusti,
ha visto la luce il 23 novembre al
Gruppo Donatello, in occasione
di una personale che i componenti
il nucleo fondante hanno
tenuto dal 23 novembre al
5 dicembre. In questa circostanza
i sei artisti hanno presentato
alcuni lavori dell’epoca
accanto ad altri di oggi con
l’intento di verificare la persistenza
e la validità dei temi di
allora. Con loro anche Renzo
Margonari, ideologo che, dalla
sua Mantova, si affiancò al
nucleo fondante fiorentino.
Così Ugo Barlozzetti nel preambolo
al catalogo:
idea di documentare
“L’ l’attività degli artisti che
operarono riconoscendosi nel gruppo
“intitolato” Bafomet è particolarmente
utile quanto significativa. Ripensare
agli anni tra il 1977 e il 1981 è necessario
per cercare di capire un’esperienza
che ha coinvolto personalità
interessanti e sviluppato un dibattito
capace di confrontarsi con il “fare”
come “saper fare” in pittura, scultura,
grafica e fotografia. Proprio sul piano
del “fare” il contributo di Bafomet si
rivela importante come produzione e
testimonianza e quindi come storia di
un periodo di grandi mutamenti culturali
oltre che politici ed economici,
determinanti per l’avvio alla situazione
che Firenze vive (subisce) e corrisponde
alla tendenza complessiva
di buona parte del pianeta. Si cominciava,
tra la fine degli anni ‘70 e gli
inizi degli anni ‘80, a subire l’impatto
devastante di una mercificazione che
si avvaleva di un sistema poderoso
ove era (ed è) determinante la subalternità
degli aspetti culturali alla logica
della speculazione incentrata sulla
“finanziarizzazione” globale. La massificazione
e l’orientamento dei consumi
non può che utilizzare una manipolazione
della comunicazione,
adeguando soprattutto la formazione
delle nuove generazioni a cominciare
da una scuola sistematicamente privata
di qualità e una disinformazione
“giocata” sull’evasione e l’effimero. La
presunzione e l’ignoranza di gran
parte sia dei burocrati a tutti i livelli,
sia degli eletti (dagli enti locali al Parlamento),
sia dell’indifferenza sostanziale
del mondo accademico e soprattutto,
ovviamente, di quella dei
“padroni del vapore”, hanno permesso
l’avvio di un processo che mette in
crisi la civiltà che trova le proprie radici
nell’Umanesimo e nei principi della
Rivoluzione Francese.
Lorenzo Crinelli - Il sacro ritratto profanato
di Riccardo Magno XVII con paramenti da
cerimonia, 1978
26 Bafomet

Riccardo Ghiribelli - Corto Maltese pensa
al suo amico-nemico Rasputin, 1978
A ciò nell’ambito specifico delle tecniche
della comunicazione visiva, si è
aggiunto e rapidamente cresciuto e
diffuso grazie al parallelo aumento
della distanza culturale, un
“sottobosco” ottusamente conservatore
o semplicemente disinformato. Si
stava aggiungendo, negli anni Ottanta,
una critica militante sempre più
Renzo Margonari - Rendez-vous a quattro, 1977
alla ricerca di linguaggi spesso condizionati
dalla volontà di dimostrarsi
aggiornati secondo un dibattito sulla
fruizione estetica complesso e testimone
della difficoltà di “uscire” dal XX
secolo che non capivano, limitandosi
a citazioni capaci di esercitare sì il
terrorismo ideologico ma dissolvendo
in chiacchierologia temi e tesi particolarmente
delicati e controversi. Nel
processo di “bruttificazione” (e addirittura
di avvelenamento) dell’Italia ha
contato, e conta, l’analfabetismo di
ritorno. La scelta del favorire il consumo
di Firenze che si è sviluppata
negli anni della “Milano da bere”, sta
culminando in quella della centralità
del sistema - moda e/o della svendita della
fruizione dei luoghi della civiltà. I due fenomeni
però si elidono a vicenda proprio
per la specificità della comunicazione nella
quale l’effimero svolge un ruolo decisivo,
consumando e decostruendo “aura” e prestigio.
Le oscillazioni del gusto sono state
ribaltate nell’accelerazione dell’annichilimento
della memoria. Dalla Biennale di
Venezia a Kassel, peraltro, è evidente la
catastrofe della cultura borghese, nell’orgia
bulimica di oggetti, immagini e parole,
all’insegna di un’autoreferenzialità di esistenze
in gran parte fittizie che non permette
di far emergere anche proposte di autentico
rinnovamento e qualità estetica. Tutto
è perduto Non è così, proprio perché questo
impegno per recuperare l’attività di
Bafomet, permette di continuare a lavorare
per capire anni decisivi, mentre scomparivano
gallerie e case editrici e qualche
pseudo intellettuale modaiolo che, inserito
in istituzioni e nella cronaca d’arte, scambiava
il provincialismo delle retroguardie
delle neoavanguardie come la creatività di
“emergenti”.
Cosi, dopo l’ormai classico “Firenze ricerca.
Arti visive. Documenti dal dopoguerra
ad oggi a cura dello Studio d’Arte il Moro”
risalente all’assessorato alla Cultura di
Giorgio Morales, quindi ormai di quasi
trent’anni fa, un altro gruppo formatosi
spontaneamente documenta della propria
attività permettendo di cogliere la ricchezza
di quegli anni e al tempo stesso la percezione
del rischio incombente.
Proprio la consapevolezza del ruolo della
creatività e della responsabilità di Firenze
ha indotto Mauro Cozzi e Gianni Oliveti a
Franco Scuderi - Senza titolo, 1976
Gianni Oliveti - Trappola indolore per un
pellicano, 1974
Angelo Vadalà - Strutture metalliche
su una chiesa barocca,1977
dare speranza a partire da un luogo
come le “Giubbe Rosse”. Infatti operano
e continuano a operare, anche
“sottotraccia”, realtà attive e attente.
Da via Toscanella all’Affratellamento,
all’impegno di Antonio Natali perché
l’eredità consegnataci non sia immeritata,
ai giardini restituiti da Villa Bardini
a Villa Peyron, alle iniziative stesse
di alcuni Comuni della grande Firenze,
i segni della ripresa ci possono
essere, dipende, per renderli funzionali
dall’esperienza maturata e non
certo dalla faciloneria di un apprezzamento
esclusivo di un giovanilismo
che tanto sa del “largo ai giovani” di
mussoliniana memoria”.
Le foto delle opere sono tratte
dal libro Bafomet allo specchio
Bafomet
27

Konstantina
Daskalaki
Da Atene a Firenze passando per
Manchester per completare un percorso
artistico di respiro internazionale
di Daniela Pronestì
Van Gogh e all’organicismo architettonico di Guadì e che rimanda
a un’interpretazione giocosa e gioiosa dell’esistente. Le sue città
Un’artista greca innamorata
ondeggiano nello spazio come immagini riflesse nell’acqua increspata
dal vento, oppure si allungano in arditi scorci prospettici e
dell’Italia e della sua cultura.
Stiamo parlando di Konstantina
ampie panoramiche che si stagliano su sfondi dalle cromie sature
Daskalaki, pittrice ateniese che
e irrealistiche. Hanno colori intensi e ben definiti che solo raramente
sfumano nelle trasparenze luminose dell’orizzonte. Le gu-
ha scelto Firenze per completare la sua formazione
artistica, estendendola all’incisione
glie delle chiese sono acrobati che sfidano l’azzurro del cielo, mentre
i portali e le finestre ricordano le escrescenze di una parete
e alla lavorazione della carta pesta. Non è un
caso che il paesaggio toscano sia uno dei
rocciosa o si compongono in andamenti lineari e simmetrie simili a
soggetti che più ricorre nei suoi dipinti, spesso
trasfigurato in chiave fantastica. L’imma-
prende spunto dai viaggi in diverse località d’Europa e del mondo
certi merletti antichi. Con tono lieve e tanta fantasia, Konstantina
ginazione è uno specchio deformante che fa
per disegnare i suoi
confluire la natura e le cose in una visione
ricordi e farli confluire
in un racconto
ènata ad Atene e si è laureata in
che, pur non allontanandosi dalla realtà, ha i
Filologia Greca all’Università di
colori e i contorni indefiniti del sogno. Una
denso di miraggi e
Manchester in Inghilterra. A Firenze
ha frequentato la Libera
linea avvolgente, serpentinata e dinamica
incantamenti; quasi
percorre i profili dei palazzi come un nastro
una favola che sovverte
e annulla il
Accademia delle Belle Arti (LABA)
che si contorce e anima le superfici infondendo
loro un soffio vitale. Un linearismo Firenze. Via Cerretani tempo per conse-
per l’incisione; inoltre, ha preso lezioni per
dove ha studiato pittura e la scuola Il Bisonte
e il Duomo
quasi calligrafico che si avvicina al segno di
gnarci un microuniverso
in cui ha diritto di cittadinanza soltanto la ca tecnica della cartapesta. Ha partecipato a
imparare la tecnica di Yuzen e Sumie e l’anti-
felicità. Per quanto riguarda invece le maschere numerose mostre collettive organizzate dalle
di cartapesta, l’intento è servirsi di una tecnica
antica per dare forma a un immaginario che in
parte guarda al passato - dal culto funerario al
teatro - recuperandone i simboli e i repertori
espressivi, in parte attinge spunti e contenuti
dalla rappresentazione pittorica. Ritroviamo
quindi le città, che in questo caso diventano un
prezioso copricapo, oppure scopriamo il volto
associazioni culturali fiorentine come La Pergola
e ha esposto a Palazzo Medici Riccardi.
Diverse le mostre personali realizzate in questi
anni (Città del Mondo, Giubbe Rosse,
2005; Viaggio, Caffè Chiaroscuro, Firenze,
2009; Luoghi Policromatici, Hotel Art Atelier,
Firenze, 2011; The Colours of Tango, Atene,
2013) e i premi ricevuti, tra cui il Premio Piccolo
Formato promosso nel 2008 dall’asso-
della vendetta, dal sorriso pungente e sardonico.
Altre volte l’ispirazione proviene dalle sue
ciazione culturale Regola d’Arte e consegnatole
dal Presidente del Consiglio Comunale di
radici culturali che la vedono impegnata in uno
Firenze Eugenio Giani. Al 2010 risalgono le
studio filologico degli antichi idoli greci e del
partecipazioni a una collettiva presso l’Art
loro valore cultuale. Maschere da esporre o da
Fusion Gallery di Miami e all’asta di beneficenza
della FiorGen tenutasi nel Museo Ar-
indossare, riccamente decorate o risolte in
modo da far prevalere gli effetti plastico-volumetrici,
espressioni tutte del bisogno di muo-
citano il suo lavoro, si ricordano: Catalogo
cheologico di Firenze. Tra le pubblicazioni che
versi liberamente da un ambito creativo all’altro,
Premio Celeste (2005), Creative Minds U.S.A
Firenze. Piazza Duomo
senza mai rinunciare a un’uniforme caratte-
rizzazione stilistica del suo lavoro.
(2005), Winies (2007), La Pergola Arte - Firenze
Artisti (2007).

A Villa Viviani
di Settignano
il “Desinare di Natale”
dell’Antica Compagnia
del Paiolo
di Fabrizio Borghini
Èancora intorno ad una tavola, come avvenne oltre cinquecento
anni fa, che si riuniranno sabato 14 dicembre gli
artisti dell'Antica Compagnia del Paiolo e i loro amici per
il consueto scambio di auguri. Come ogni anno sarà la
splendida Villa Viviani di Settignano a fare da cornice all'evento che
sarà arricchito dalla tradizionale cerimonia della nomina dei nuovi
Paiolanti d'Onore
che andranno ad
aggiungere i loro
nomi a quelli dei
personaggi di rilevante
importanza
che li hanno preceduti,
da Spadolini
a Montanelli, da
Henry Moore a
Segovia, da Annigoni
a Severino
Gazzelloni, da Zeffirelli a Antonio Paolucci.
Quest'anno riceveranno il "Paiolo" il costumista teatrale e cinematografico
Piero Tosi, che proprio in queste settimane ha ricevuto l'Oscar
alla carriera, Rossella Segreto Annigoni, impegnata sul doppio
fronte di portare il proprio prezioso contributo di solidarietà alle popolazioni
del Burkina Faso e di continuare a divulgare la conoscenza
dell'opera del marito,
il grande Pietro
Annigoni, Gabriele
Canè, direttore
della Nazione,
Cosimo Ceccuti,
docente universitario,
storico e fedele
custode dei
lasciti culturali del
suo maestro Giovanni
Spadolini,
Alessandro Sarti, Carla Fracci e Giuliano Borselli
Eugenio Giani, il prof. Manfredo Fanfani e Giuliano Borselli
Antonio Possenti, artista lucchese conosciuto e riconosciuto a livello
mondiale, e il presidente della Fiorentina Andrea Della Valle che con
il fratello Diego ha restituito dignità calcistica a Firenze.
Oltre a queste presenze d'eccellenza, la fervida fantasia del presiden-
Domenico Viggiano, con i Paiolanti d'Onore Silvano Campeggi,
Eugenio Giani, Pier Francesco Listri insieme a Borselli
te Giuliano Borselli
ha programmato le
abituali sorprese
natalizie rappresentate
da tante
opere d'arte, che
verranno assegnate
nel corso del
"desinare", e da un
vero e proprio valore
aggiunto rappresentato
dall'Agenda
2014 realizzata da Luca Giannelli con la sua casa editrice, la
Scramasax, non nuova a ricostruire la storia di Firenze con pubblicazioni
di vario genere. Con questa, regala un viaggio affascinante
alla scoperta di fatti e personaggi
del passato narrandoci eventi di
sangue, d'amore, di tradimento
che hanno segnato il corso della
storia della città.
Giuliano Borselli e Eugenio Giani consegnano
il Paiolo d'Onore a Sergio
Scatizzi
L'investitura a Paiolante d'Onore di Franco Zeffirelli
La copertina dell'Agenda
2014 della Scramasax
realizzata per i soci
dell'Antica Compagnia
del Paiolo
Antica Compagnia del Paiolo
29

Giovanni Spadolini
Luigi Montanarini
Henry Moore
André Segovia
Giacomo Devoto
Piero Bargellini
Rodolfo Siviero
M. Alberto Bucciolotti
Cardinale Giovanni Benelli
Max Kohnstamm
Pietro Annigoni
Severino Gazzelloni
Franco Scaramuzzi
Raffaello Torricelli
Franco Zeffirelli
Giovanni Nencioni
Marisa Lino
Fedora Barbieri
Umberto Benedetto
Mario Luzi
Antonio Paolucci
Paolo Blasi
Riccardo Berti
Marcello Fantoni
Bino Bini
Roberto Zaccaria
Lamberto Dini
Tommaso Paloscia
Bruno Bartoletti
Giuliano Gori
Narciso Parigi
Luisa Boccuzzi
Francesco Mazzoni
Silvio Loffredo
Maria Luigia Guaita
Gino Terreni
Alberto Brasca
Claudio De Polo
Manfredo Fanfani
Sergio Scatizzi
Fioretta Mazzei
Giorgio La Pira
Paiolanti d’Onore
Eugenio Giani
Pier Francesco Listri
Silvano Campeggi
Riccardo Saldarelli
Cristina Acidini
Vito Cappellini
Domenico Viggiano
Mariella Zoppi
Francesco Carrassi
Carlo Conti
Mauro Pagliai
Luca Alinari
Franco Torrini
Giuliano Ghelli
Giuseppe Mascambruno
Antonio Ciccone
Torello Latini
Paolo Padoin
Francesco Gurrieri
Carla Fracci
Amalia Ciardi Dupré
Marcello Mancini
Giampiero Maracchi
Giampaolo Talani
Cinzia Torrini
Cesare Prandelli
Giuliano Vangi
Franco Lucchesi
Alberto Tesi
Laura Gucci
Nuovi Paiolanti d’Onore
che verranno nominati al
"Desinare degli Auguri"
del 14 dicembre 2013
Piero Tosi
Cosimo Ceccuti
Rossella Annigoni
Gabriele Canè
Antonio Possenti
Andrea Della Valle
Villa Viviani: consegna del Paiolo d'Onore al poeta Mario Luzi
Altri nuovi Paiolanti: Vito Cappellini, Cristina Acidini e Riccardo Saldarelli
Max Kohnstamm riceve il Paiolo d'Onore da Antonio Berti
Fedora Barbieri riceve il Paiolo d'Onore da
Marcello Fantoni e Giuliano Borselli
L'investitura di Pietro Annigoni con Panichi, Fantoni, Borselli e Berti
Comitato dell’Antica Compagnia del Paiolo
Presidente del Comitato: Comm. Giuliano Borselli
Vice Presidente: Dr. Roberto Ariani, Prof. Domenico Viggiano, Avv. Cesare Novi
Consiglieri: Arch. Aldo Andreoli, Dr.ssa Susanna Bausi, Prof. Anna Bini, Pittrice Giuliana Signorini, Avv. Carlo Rizzo
Sezione Arti Figurative: Presidente Prof. Riccardo Saldarelli - Vice Presidente: Arch. Vittorio Panero
Sezione Amatori: Presidente Dr. Salvatore Belli - Vice Presidente Dr.ssa Pola Cecchi
Sezione Lettere: Presidente Prof. Enrico Spagnesi - Vice Presidente Dr. Alfredo Scanzani
Settore Scienze: Presidente Ing. Vito Cappellini - Vice Presidente Dr. Franco Samoggia
Sezione Musica e Spettacolo: Presidente Sira Borgiotti - Vice Presidente Narciso Parigi
Sindaci Revisori: Avv. Giorgio Bompani, Mauro Boninsegni, Comm. Angiolo Buti
Segretaria: Lorena March - Collaboratori: Brunella Pieri, Chiara Cerbai
30 Antica Compagnia del Paiolo

Giuseppe Verso Paoletti
Alla Galleria Via Larga in mostra
“I volti e i paesaggi” di Versus
di Pier Francesco Listri
Versus fra Pier Francesco Listri e Giuliano Borselli
Sebbene intrinsecamente fiorentino
Versus non è minimamente
vittima del provincialismo pittorico
toscano, lo salvano una solidissima
cultura classica e non solo, le sue
tante soste all’estero e perfino, sebbene
sembri strano, il lungo sodalizio discepolare
col grande Annigoni, dal quale semmai ha
preso quelle incantate suggestioni nordiche
del pittore lombardo.
Inutile aggiungere che impressionismo ed
espressionismo sono rimasti nella memoria
fondamento.
Versus, sebbene appartato, è una presenza
di cultura non solo figurativa nel caotico panorama
dell’attualità. La sua coerente e costante
attività testimonia di una arte pittorica
che sebbene con radici profonde nella
sua terra, si esprime con ricchezza europea.
Versus è un narratore unico di volti e di paesaggi
sempre nuovi, seppure carichi di tanta
storia non solo pittorica.
artistica di Versus e ne tornano echi nelle
sue opere.
Guardando la sua ormai ultracinquantennale
pittura, del resto già universalmente riconosciuta
e affermata, se ne traggono alcune
abbastanza ovvie notazioni. La prima è la
ricchezza dei materiali su cui opera che accanto
all’innocenza della tela ne arricchiscono
la matericità, legni sugheri stoffe e
quant’altro a dare una anche fisica consistenza
alla raffigurazione pittorica. La seconda
notazione è che prima di tutto Versus
è un davvero grande ritrattista. Le sue sanguigne
hanno una libertà di segno e insieme
una fedeltà fisiognomica che i suoi ritratti
sono tra i più belli della nostra stagione.
Ma accanto ai ritratti, ci sono i suoi paesaggi,
quasi tutti colti nella molteplice realtà
toscana ma mai ‘toscaneggianti’, qui
meglio che altrove si esprime quella sua
pittura di forme sommosse e di dense apparizioni
pittoriche che rendono queste tele
subito riconoscibili e cariche di solidità e di
Versus
31

Innocente
Foglio
Poeta del mondo
di Roberta Degl'Innocenti
Il Premio Nobel Gao Xingjian con il poeta Innocente Foglio
gli occhi, incredibilmente azzurri, sul mondo, con un rigore e un’attenzione
verso tutti ma anche la delicata innocenza (pare un gioco di
parole ma non lo è) bambina.
Nel corso della sua prima esperienza fiorentina, presso il Caffè Storico
Letterario Giubbe Rosse, per la presentazione del libro Ultima
fermata prima dell’inferno, si era venuta a creare un’atmosfera particolare,
un momento di grande partecipazione emotiva, una tregua
nell’odierna crocifissione delle ore.
Viene ancora in mente la parola condivisione.
Si trattava dell’ultimo libro pubblicato da Innocente, ma preceduto
da tante altre pubblicazioni. Di seguito un estratto dalla mia presentazione…"Parlando
di Innocente Foglio poeta non è possibile
scindere la sua bella persona dalla poesia che ascolteremo: potente
Non ho voluto identificare Innocente Foglio nella sua Carmagnola,
in una casa piena di poesia, ricordi e amore e connubio di forza a fascinazione. Ultima fermata prima dell’inferno
e dolcissima…chiara ma che riesce a intrigare le parole in un
neppure nella sua, fra virgolette, Firenze, città con la è il libro della e per la vita e ne raccoglie quindi grida e sussurri,
quale ha un rapporto di privilegio.
potenza e dolcezza in una scrittura essenziale dove le parole assumono
Tante sono le vie percorse, e da percorrere, dal poeta, sempre in
movimento, e non solo per la poesia, l’arte, ma nello stare insieme e
con gli altri, pensiero che conduce e sorprende.
L’attenzione per il sociale, per ogni sopruso, una mano tesa verso il
prossimo, quando la poesia diviene anche unione, fratellanza.
Partiamo dall’uomo e dal poeta, anche se le due figure sono ugualmente
tese a formare un unicum d’ineffabile bellezza, efficacia e
malinconica dolcezza.
Incontrare Innocente Foglio significa parlare di poesia e spalancare
un significato diretto. Il poeta colloquia con noi: ci esterna
emozioni e sentimenti. Dice e racconta, si spoglia di ogni retaggio,
si abbandona alla pulsione dolce e violenta della parola. Il libro
inizia con il testo Vorrei che un Cristo, che, leggo dalla bella prefazione
di Annamaria Nigro, era già presente in una precedente raccolta.
Si tratta dell’unica poesia con il titolo. Ammalia la forza delle
parole, la semplicità e l’abbandono dell’uomo, umile fra gli umili,
che raccolga tutti i dolori della terra e che tuteli un’umanità smarrita
e dolorosa. Il libro continua poi, aprendosi al mondo del poeta
La pittrice Elisa Zadi autrice del ritratto del poeta Innocente Foglio
Giubbe Rosse. Presentazione del libro Ultima fermata prima dell'inferno

Gao Xingjian legge Ultima fermata prima
dell'inferno
dolcezza furtiva, versi frutto di
uno spirito ribelle ma anche di
una carezza leggera come il soffio,
appunto, di malinconia che
pervade le ore e le seduce. Nel
susseguirsi delle pagine che ci
raccontano il mondo del poeta
talora la natura intreccia e circonda
le immagini di un’aura
quasi fiabesca".
Mi corre l’obbligo di inserire
una, seppur breve, biografia
dell’autore, attingendo dal suo
sito ufficiale: Innocente Foglio
nasce a Bagolino nella Val Sabbia
nel 1951 e inizia a scrivere sin da giovanissimo, vincendo subito
numerosi e prestigiosi premi in tanti concorsi letterari che gli valgono
la pubblicazione della prima raccolta poetica, Autunno (Edizioni
Mondo Letterario Milano). Il premio Nobel Eugenio Montale si
esprime in maniera lusinghiera definendolo “poeta di una sensibilità
straordinaria dettata dalla sofferenza”. Dopo questa importante
recensione il poeta prende a volare con le sue liriche nel mondo
letterario italiano. Seguono anni intensi con molti libri che riscuotono
sempre grande successo. Sono 12 le sillogi finora pubblicate.
Nel 2013 è recensito dal Premio Nobel 2000 Gao Xingjian con il
quale ha un incontro a Parigi. Innocente Foglio è impegnato da
sempre nel sociale, per questo nel 1997 ha fondato “l’Associazione
nazionale per l’abbattimento delle barriere architettoniche” della
quale è presidente.
Nerio e Innocente Foglio
pagina dopo pagina, fra presente e ricordi, ed i versi si susseguono
l’uno dopo l’altro senza titoli ma con grande intensità espressiva. La
parola diventa essenziale, trasmette in maniera diretta e ci conduce
lontano, pur rimanendo stretta alle nostre mani, ai sentimenti che
esprime, al dolore, ai sogni. Ultima fermata prima dell’inferno è il
libro, come già espresso, della vita, che affaccia il suo dolore alla
finestra del mondo, ne respira gli aneliti e li trasforma in parole.
Nell’unicità dell’Uomo respira l’uomo del mondo che ha scarpe
grandi per viaggiare ed offrirsi agli altri, respirarne i sussulti, la
gioia, il ricordo…In tutto questo, e anche molto di più, troviamo il
senso del verso che caratterizza l’ultimo libro di Innocente Foglio di
una unicità che incanta e nello stesso tempo ci accomuna a lui partecipi
e consapevoli del tutto e del niente, emozionati e vivi come lo
è questa poesia talvolta dura, talvolta dolcissima. L’immagine della
copertina, Maschere alla finestra del maestro Antonio Stagnoli, è
un’opera straordinaria, sospesa in una realtà di sogno: nei tratti dei
volti che osservano, curiosi o compiacenti, troviamo l’ironia e il mistero
della vita. Il riso e il pianto senza che fra di loro ci sia una linea
di demarcazione precisa. La dinamica del libro ci accoglie come un
lungo viaggio del quale ogni pagina segna una tappa e ci permette
di camminare nelle emozioni, di penetrare questa vita-viaggio nella
sua complessa semplicità.
Il rapporto con la morte è quotidiano, semplificato in parole piane tra
ragione e sentimento, accettazione o grido: “Non puoi spiegarla / La
morte è irrazionale / La morte fa paura … La morte è un’avventura”.
Questa conclusione ci riporta alle maschere, ai volti che ci osservano
dalla copertina: farsa e malinconia. Il libro è pervaso anche da una
La pittrice norvegese Danielsen Linee autrice del ritratto del poeta Innocente Foglio
Innocente Foglio
33

Mario
Catalano
Le sue opere si rifanno
allo spirito e alla cultura
orientale per approdare
ad un simbolismo
del tutto personale
di Lucetta Risaliti
Mario Catalano con Lucetta Risaliti
Il percorso artistico di
Mario Catalano si
svolge attraverso
la sperimentazione di
tecniche pittoriche, che accolgono
l’esperienza di vari
movimenti culturali europei
ed orientali.
Indirettamente l’espressionismo
di Kokoschka, in particolare,
è forse la lezione che
più ha influenzato la sua pittura, ciò si avverte nel modo veloce di
stendere il colore. Infatti con una pennellata lunga e decisa, l’artista
è in grado di costruire un gioco compositivo nel quale, però,
fa capolino anche l’estro creativo di Chagall e la lezione compositiva
di Munch.
Tuttavia Catalano supera le grandi lezioni del secolo scorso abbandonandone
i toni cupi e drammatici, per approdare ad uno stile
originale, più sereno, seppur venato da una sottile malinconia,
lasciando emergere
un vibrante espressionismo
lirico.
Il colore di preferenza
blu e verde, con accenti
arancio, rosa e
garanza, si estende
sulla tela come una
trama a maglie larghe,
dove gli spazi
vuoti suggeriscono
sorprendenti paesaggi lontani.
È anche evidente come il fascino dei maestri della grande tradizione
giapponese Hiroshige, Hokusai, Utamaro sia recepito subliminalmente
dall’autore e fatto proprio nei suoi quadri.
I colori si fondono tra loro dialogando anche per dissonanze cosi
come si fondono e dialogano gli elementi della natura.
Il mare che incontra il cielo all’orizzonte viene tagliato da uno
scoglio che scende verso un’insenatura, dove una barca è trainata
verso il sole da un raggio di luce.
Si possono ammirare
delicati contrasti tonali,
dove le luci non
producono ombre
profonde ed il volume
viene suggerito
dal segno piuttosto
che dal chiaroscuro. I
linguaggi dei miti
sono ancora presenti
in questo artista.
Gli scenari luminosi
che Catalano rappresenta ci svelano donne giovani ed eleganti,
che a volte indossano dei cappelli - nostalgia forse di un ricordo
materno e non solo - che si muovono con leggerezza, quasi in
dissolvenza nel baluginìo del colore del fondo.
I ritratti della madre, come della musa ispiratrice orientale,
come della ballerina, o delle altre figure femminili rappresentate
hanno un unico comune denominatore: la bellezza e la sua ricerca
al di là della forma, nel concetto stesso del pensiero della
rappresentazione reale oltre il ricordo, fusione oramai tra pas-
34 Mario Catalano

sato e presente, conviventi
dove ad esempio la linea longilinea
delle silhouette, sembra
quasi mirata ad impersonare la
mitica Urania, una Venere eccentrica
e originale il cui strumento
di seduzione non è l’avvenenza
delle forme, ma la sagacia
del pensiero. Il tutto spinto
fino ad attrarre lo spettatore,
ammiccando con lo sguardo,
verso qualcosa che sta fuori o
all’interno del quadro stesso: un
pianoforte, tramite cui il senso
dell’udito viene coinvolto, oltre
a quello della vista, come se
una musica uscisse dalla tela in
uno spazio pieno, emozionale,
proprio del vissuto dell’autore.
Mario con le sue opere ci parla
di paradisi perduti, malinconici
Eden presenti e speranze di
gioie future, inventa la barca
dalla vela arancione e con essa,
come Ulisse, naviga in tutti i
suoi quadri, in tutti i suoi mondi
sempre pronto a salpare verso
nuovi lidi e forse verso un nuovo
ideale di vita e di arte, ancora
da scoprire o da inventare.
Suggestioni visive generate
magistralmente dal genio e
dalla passione di questo singolare
artista in viaggio che attrae
l’osservatore dentro un vortice
di colori ed emozioni con uno
stile decisamente personale.
Mario Catalano
in giugno ha fatto
realizzare, ad un suo
alunno certificato,
l'elaborato grafico (con
tecnica di collage) vincitore
del concorso riservato alle
scuole secondarie superiori
di Firenze per il logo ed
il catalogo del Festival
Salute Mentale 2013
Le opere riprodotte nell'articolo
sono attualmente esposte
in tre locali fiorentini:
- Caffè Sole in via Guelfa
- Kortile in via Masaccio
- Grifone in via Aretina
Colori come
spazi/dimensioni
nella intensità
del segno
gestuale
ondulatorio
La mia vuol essere un’arte che
nasce dalle sensazioni provate al
di là della tecnica ed i condizionamenti
stilistici. Nei miei quadri dialogo
con me stesso, conservando comunque
nella memoria i processi evolutivi
dell’arte, dei suoi linguaggi mescolati
al mio presente, passato e futuro,
affidandomi alla gestualità della forma
colorata significante.
La molteplicità nell’unitarietà ispirativa...il
movimento, la contemporaneità
espressiva...un’arte meditativa per cui
è necessaria l’ispirazione che è creativa
e rielaborativa, non controllabile
o controllata a seconda che si parta da
una idea o la si voglia raggiungere dai
segni. Così, mi riallaccio allo spirito ed
alla cultura orientale, matrice di ricerca
verso un simbolismo personale, accogliendo
le ascendenze ricevute e maturate
in questi ultimi anni in un bilanciamento
espressivo/formale dove il mio
io trova nel mare il senso del mio nome
(mar-io)”.
Mario Catalano
Contatti:
blu_mario@tin.it
www.facebook.com/bluartgallery
www.youtube.com/user/blueart6699
Mario Catalano
35

Double Excess
“Le nostre T-shirt sono delle tele bianche dove
i pittori possono esprimersi”
Double Excess nasce da un’idea
di Edoardo Zeloni e Riccardo
Pinzuti, dal garage di
casa ai negozi di eccellenza di
tutta Italia in soli tre anni.
Double Excess è la tela Made in Italy, dove
l’artista è libero di esprimersi. Ricerca, innovazione,
rispetto del territorio e delle sue
eccellenze artistiche e artigianali sono la
filosofia del brand.
La Double Excess è un marchio di abbigliamento
total look di altissima qualità, 100%
Made in Italy, infatti le materie prime sono
rigorosamente italiane e i processi produttivi
di filatura, tessitura, nobilitazione e confezionamento
sono tutti eseguiti da aziende
dell’area pratese, da sempre sinonimo di
eccellenza.
Il brand è conosciuto per le sue t-shirt artistiche,
la maglia come un quadro, l’ artista
T-Art Collection - Una collezione di t-shirt creata da artisti internazionali solo per Double Excess.
Photo by Alessandro Scerbo e Giacomo Pusceddu.
come un artigiano, l’opera non in un museo
ma appesa alla persona, con semplicità
ed eleganza. Una nuova filosofia
che ha trovato nei negozi d‘élite il suo
canale di espressione.
Sul sito ufficiale www.doubleexcess.com
è presente l’e-commerce che permette di
effettuare acquisti con estrema facilità e
sicurezza, dove oltre all’abbigliamento si
possono acquistare anche le opere degli
artisti che collaborano con il marchio
nell’apposita sezione “Work of art”.
Double Excess non è solo moda ma an-
T-Art "Last Sleep #02" - Cristiana Palandri
Lighthouse Moon - Davide Sacchett
"Nata da giochi di colore ed emozioni, ci
accompagna nei nostri infiniti viaggi"
Photo by Paco Matteo Li Calzi
36 Double Excess

Visita il sito ufficiale:
www.doubleexcess.com
T-Art "Dirty White #01" - EB
che eventi (www.doubleexcesseventi.com),
dalle sfilate alla musica dal vivo, dai locali
alla gallerie. Proprio in questo mese si sta
tenendo nel locale “Il Magnifico in Vaj” di
Prato, una mostra espositiva di t-shirt che
sono appese alle mura del locale come
opere d‘arte con tanto di descrizioni e nome
dell’artista. Un nuovo modo di vivere l‘arte
e la moda facendola interagire con i clienti.
Grazie agli eventi, la galleria d’arte online,
e ovviamente le t-shirt, Double Excess sta
diventando sempre più una vetrina importante
per gli artisti che vogliono ritagliarsi
il loro spazio ed avere visibilità, tenendo
conto che doubleexcess.com viene visitato
ogni giorno da ogni parte del mondo.
Non ci resta che augurare buona fortuna a
questo nuovo brand, che ha tutte le carte
in regola per poter rappresentare in futuro
l’eccellenza del Made in Italy nel mondo.
Le 4 fiere - Leonardo Borri
La t-shirt è stata disegnata in onore dell'antico gioco
della Palla Grossa di Prato. Photo by Cristian Sauchelli
Double Excess
37

Galleria Mentana
La XIV edizione di "Valori di Continuità"
di Daniela Pronestì
Se esistono dei punti di riferimento
imprescindibili nell’arte
contemporanea, la Galleria
Mentana, storica realtà attiva
sul territorio fiorentino da oltre quarant’anni,
cerca di individuarli attraverso
la rassegna Valori di continuità giunta
quest’anno alla quattordicesima edizione.
Si tratta di un evento che coniuga linguaggi
differenti - pittura, grafica, fotografia,
scultura - con l’intento di rappresentare
la varietà di ricerche e di tecniche che contraddistinguono
la creatività artistica del
nostro tempo. La formula espositiva convalidata
dall’esperienza prevede di affiancare
alle opere di grandi maestri storicizzati facenti
parte della collezione permanente della
Mentana, come Antonio Corpora, Ugo
Nespolo, Meloniski, Emilio Tadini, Mimmo
Rotella, Salvatore Fiume, Giampaolo
Talani, Salvotore Magazzini, Mario
Schifano, Riccardo Licata e Vittorio Tessaro,
quelle di artisti italiani e stranieri acquisiti
di recente o che già da tempo collaborano
con la galleria. In questa edizione
dell’evento saranno in mostra: Janice Alamanou,
Giammarco Amici, Angele Audi-
bert Beltramo, Rosario Bellante, Odo
Camilli Turrini, Francesca Coli, Alina
Dettori, Emilio Facchini, Annie Gheri,
Daria Gravilina, Margaret Karapetian
d’Errico, Yury Koush, Carla Monti, Bruno
Rasia, Hector Rodriguez, Clara Polvani,
Renzo Sbolci, Bianca Vivarelli, Maria
Zaslavskaya, Letizia Zombory. Una rassegna
che offre al pubblico la possibilità di
fare un viaggio nell’arte di oggi attraverso le
proposte di nomi già affermati e giovani promesse,
senza mai dimenticare il contesto
internazionale opportunamente rappresentato
dalla presenza di importanti e quotati
artisti stranieri. Internazionalità e dialogo
tra le culture sono i due concetti che caratterizzano
da sempre la politica artistica di Giovanna
Laura Adreani, art director della gal-
Antonio Corpora
Alina Dettori
Bianca Vivarelli
Janice Alamandoli
Clara Polvani
Carla Monti
Emilio Facchini
Angele Audibert Beltramo
Daria Gavrilina
Meloniski
38 Galleria Mentana

Annie Gheri
Salvatore Magazzini
leria, e che ritornano ancora una volta in
questo imperdibile evento natalizio che si
aprirà sabato 14 dicembre 2013 alle ore
18.00. Un momento d’incontro per artisti, appassionati
d’arte e collezionisti, con cui la
Galleria Mentana si riconferma tra le più attive
e dinamiche realtà espositive della città,
sempre in prima linea nella promozione artistica
e nell’organizzazione di iniziative culturali
di ampio respiro.
Giampaolo Talani
Sergio Benvenuti
La mostra si protrarrà fino al 15 gennaio e rimarrà
aperta al pubblico dal lunedì al sabato
negli orari 10.30 - 13.00 e 16.30 - 19.30.
Per info: galleriamentana@galleriamentana.it
Yury Koush
Hector Rodriguez
Giammarco Amici
Margaret Karapetian d'Erico
Francesca Coli
Letizia Zombory
Rosario Bellante
Luigi De Giovanni
Odo Camillo Turrini
Ugo Nespolo Maria Zaslavkaya Renzo Sbolci Vittorio Tessaro
Galleria Mentana
39

40
Finita la stagione
al Parco dei Renai.
Per il futuro si punta
al turismo-natura

Lorenzo Galligani
“Forme di luce e d'ombra”
di Roberta Fiorini
Intrisa, e culturalmente nutrita, di classicismo e modernismo,
di romanticismo e realismo, la scultura di Lorenzo
Galligani, seppure ancora esperienza in divenire, già
segnala i suoi contorni espressivi in una scelta di campo
impegnativa ma appassionata dal punto di vista materico e
tecnico, prediligendo l’uso del marmo e del “levare” con mezzi
manuali e non meccanici, quanto da quello più propriamente
linguistico nell’affrontare la forma come una sinergia tra levigatezza
e “non finito”, tra concretezza e sospensione. Soprattutto
nei volti delle sue figure, certamente ritratti dal vero, trapela
l’esigenza di una sublimazione non tanto destinata ad eternizzare
il soggetto quanto a farne veicolo per esprimere una sorta di languida
malinconia, quasi fosse uno stato transitorio e riflessivo
sull’esistenza, sull’identità, per dar corpo e forma ad un afflato
che sembra appartenere all’autore piuttosto che ai suoi personaggi.
Scultura marmo figura, temi dei quali è ricca di esempi
illustri la storia dell’arte da far paura e, invece, proprio ciò dimostra
quanto questo giovane artista sia motivato: Lorenzo non ha intrapreso
scorciatoie, né alibi concettuali e sta già delineando una
sua impronta, di carattere intimista; ha raccolto, come lui stesso
dichiara, “la sfida con questo stupendo materiale, con rispetto e
con entusiasmo, che ogni volta lancia e che mi lascia intravedere
in tutta la sua completa sobrietà di luci ed ombre, quasi a volersi
far tramite, in una vicendevole soddisfazione, tra la vista e il tatto,
il sentimento e il pensiero”.
Bea
Nei primi anni Novanta ha
frequentato un corso per
scalpellino-restauratore di
materiali lapidei presso Vasco Baldi,
Maestro dell’Opera del Duomo, ed
uno regionale per il restauro del legno
e la doratura. Dal 1996 ha aperto una
propria “bottega”.
Ha lavorato con la Meridiana Restauri
partecipando ad importanti
cantieri fra i quali quelli di Palazzo
Pitti e Santa Croce a Firenze, “Forma
squadrata con taglio di Henry
Moore” a Santa Maria delle Carceri,
ed altri monumenti, a Prato e al Colosseo
a Roma. Ha esposto a Gadarte,
Firenze, nel 2006, al Palazzo
Ghibellino di Empoli nel 2009 e nel
2013 alla Biennale della Pietra di
Castel S. Niccolò.
Dal 8 al 23 dicembre 2013 sarà presente
alla Biblioteca Comunale di
San Casciano in Val di Pesa con la
mostra "FormaLuceColore", incontro
tra pittura e scultura.
Ghega
FB lorenzo galligani sculptor
galliganilorenzo@gmail.com
Lorenzo Galligani 41

L’Associazione Artistico Culturale
dalle Terre di Giotto e dell’Angelico
PRESENTA IL PITTORE
Pier Nicola
Ricciardelli
e i colori magici del Mugello
Attività alla Casa Museo di Giotto
L'Associazione artistico-culturale "Dalle Terre di Giotto e
dell'Angelico" ed il Comune di Vicchio inaugurano la collettiva di
Natale sabato 7 dicembre 2013 alle ore 15,30 presso la Casa di
Giotto nel Colle di Vespignano. Dalla domenica 8 saranno esposti
anche alcuni presepi artistici. La mostra presenterà così varie
forme di espressioni artistiche da visitare il sabato e la domenica
dalle ore 10 alle ore 13 oppure dalle ore 15 alle ore 19 fino al
12 gennaio 2014. Si ricevono anche visite su prenotazione.
Da alcuni anni l'Associazione si incontra alla Casa di Giotto per
brindare il primo dell'anno e scambiarsi gli auguri: tutti sono invitati
mercoledì 1 gennaio 2014 alle ore 16,00.
Con Giotto e l'Angelico vi salutiamo ed un augurio vi facciamo!
Per contatti:
www.dalleterredigiottoedellangelico.it
info@dalleterredigiottoedellangelico.it
Cell. 328 5990920 - 329 9293044 - 339 2593932
Dopo la grande mostra
personale tenuta alla
Casa di Giotto con 80
pezzi (olio, acrilico, incisioni
ad acquaforte e disegni) tenuta
nell’estate del 2012, l’Associazione
Artistico Culturale dalle
Terre di Giotto e dell’Angelico ha
dato a Pier Nicola Ricciardelli l'incarico
di realizzare lo stendardo
per il Palio di Vicchio, che viene
assegnato per commemorare l’assedio
del 1529. Per una fortunata
coincidenza il corteo storico, con lo
stendardo dipinto su tela e posto
sullo scudo ligneo che precede il corteo, è partito da sotto le logge di
piazza della Vittoria di Vicchio, dove l’artista ha un grande pannello in
acrilico che mostra l’arrotino del dopoguerra che affila, con l’aiuto
della sua bicicletta, gli utensili tipici dell’artigianato mugellano. Nelle
campagne intorno a Vicchio e più precisamente in località La Gracchia,
sulla parete di una casa colonica,
è possibile vedere un altro dipinto
di Pier Nicola che raffigura un vivace
ritratto rurale. Ricciardelli è un
pittore molto attivo e sempre impegnato
in attività espositive con varie
associazioni culturali. Tra le società
frequentate: Gadarte, Anla (esposizioni
di Arte Sacra), Galleria Cimabue
di Miranda Mei. Frequenta la
prestigiosa scuola de Il Bisonte in
San Niccolò a Firenze dove si sta
specializzando in acqueforti a colori.
In questo momento Pier Nicola sta
portando avanti una serie di ritratti
realizzati con la delicata tecnica del
pastello Rembrandt.
Arrotino, acrilico su legno marino, cm. 100x150
Riproduzione della Madonna dell'Annunciazione del Beato Angelico
Pier Nicola Ricciardelli nasce a Firenze nel 1936.
- Corso quinquennale alla Scuola Libera del Nudo
presso l’Accademia delle Belle Arti di Firenze
anni accademici 1999 - 2004
- Corso quinquennale di calcografia presso l’Accademia
delle Belle Arti di Firenze (1999 - 2004)
- Corso di tecniche calcografiche presso il centro
culturale per l’arte grafica “Il Bisonte”, Firenze
Contatti:
Pier Nicola Ricciardelli
Via Villamagna, 58 - 50126 Firenze
Tel. 055 689306 - cell. 340 2428363
pnricciardelli@alice.it
42 Dalle Terre di Giotto e dell’Angelico

di Leonardo Landi
Il cARTEllo è un blog che nasce dall’idea di Daniele Minucci e Lorenzo
Borghini. La loro esigenza era quella di far sentire la voce di giovani
arrabbiati, disgustati dalla situazione artistica italiana in continuo
declino.
“I giovani ormai non hanno più modo di esprimersi” ci dice Borghini.
“Le case editrici puntano sopratutto sull’usato sicuro piuttosto che
sulle nuove leve” tuona Minucci.
Dopo una lunga chiacchierata con i due ideatori del progetto veniamo
a conoscenza dell’origine del nome.
Minucci ci confida, quasi segretamente, che loro si sentono un po’
come i trafficanti del Cartello di Medellín, dei trafficanti di cultura,
che agiscono segretamente sotto false spoglie, i cui nomi sono celati
da pseudonimi. Il loro obiettivo è quello di stimolare la gente, ormai
pigra, alla lettura, tramite articoli di ogni genere.
Il cARTEllo ha una rubrica dedicata al cinema che esce ogni lunedi
con recensioni accurate di novità presenti nelle sale o fantastici cult
difficili da dimenticare.
Il martedi è un giorno davvero interessante per chi segue il blog,
perché i ragazzi toscani propongono racconti o altri elaborati scritti
da loro stessi e ogni trenta giorni sarà presente una recensione sul
libro del mese, consigliato caldamente ai lettori più esigenti.
Il giovedi è il giorno dedicato alla musica in cui sarà proposto un
singolo ogni settimana e una volta al mese un album o uno speciale
dedicato ad artisti che hanno segnato la storia della musica o a concerti
alla quale hanno assistito i ragazzi del cARTEllo.
Il venerdi si apre con una rubrica assai insolita intitolata Notizie dal
futuro, è un modo di affrontare tematiche di attualità ipotizzando
scenari futuri.
Il sabato è il giorno della fotografia o delle illustrazioni a seconda
delle settimane.
“Chi sono gli altri componenti del blog” chiediamo incuriositi.
“Mmm...” risponde Borghini prendendosi una pausa.
La domanda lo turba, sembra quasi che non voglia rivelare i nomi dei
suoi collaboratori, quasi per paura di perderli, di tenerli in incognito
tutti per sé. Dopo un iniziale scetticismo ci risponde ammettendo
che rivelerà i nomi a malincuore e dalle sue risposte possiamo formare
una griglia assai interessante con gli pseudonimi di ogni collaboratore
scritto fra parentesi.
Cinema - Lorenzo Borghini (Elle Bi), Daniele Castellani (Diccì).
Letteratura - Lorenzo Borghini (Elle Bi), Daniele Minucci (Mi.Di), Umberto
Sereni (Ernesto Meribù).
Musica - Daniele Minucci (Mi.Di) più collaboratori vari che variano di
mese in mese. Una menzione speciale per Dario Bracaloni (Radio) e
Francesco Bondi (F.B).
Notizie dal futuro - Iacopo Tonini (IT), Valentino Masucci (Maste).
Fotografia - Matilde Spinelli.
Illustrazioni - Francesco Briganti (Briga).
Infine mi dicono di rivolgere un ringraziamento speciale a colui che
ha permesso tutto questo, il loro informatico di fiducia che ha pro-
gettato la parte tecnico/grafica del blog, Francesco Maino.
“Vi siete circondati proprio di un bel po’ di collaboratori!” chiediamo
ormai contagiati dall'entusiasmo dei giovani blogger.
“E non è finita qui” ci risponde a tono Borghini.
“E cos’altro nascondete” chiediamo impazienti.
“Lo scopo del blog non è solo quello di far sentire le nostre voci ma
anche quello di coinvolgere tutti coloro che vorranno partecipare
come freelance al nostro blog, inviando recensioni, fotografie, disegni
e racconti di ogni genere. Accettiamo volentieri nuovi personaggi da
aggiungere alla nostra famiglia. Basta inviare del materiale inedito
all’indirizzo email: ilcartelloblog@gmail.com, mentre la pagina di riferimento
alla home del blog è il-cartello.blogspot.it. Semplice no”.
Chiudiamo l’intervista stringendo la mano ai due giovani coraggiosi
fondatori del blog, la loro ci sembra un’idea forte poiché sono fra i
pochi a coprire tanti campi assai diversi
all’interno di un unico blog. Ci piace la loro
idea di smuovere la massa, di svegliarla
dal torpore generale che ha creato internet
e la tecnologia; quindi ci auguriamo di
cuore che questo progetto possa espandersi
velocemente come un virus digitale,
un virus culturale.
Il cartello è un’idea notturna che si intrufola nella tua stanza,
il cartello è la sosta giornaliera dal nostro mondo,
il cartello è l’immagine di una legge pura come il vento,
il cartello è la pioggia che ti coglie di sorpresa,
il cartello è la lacrima versata per un libro, per un film, una
canzone,
il cartello è l’incredulità dinanzi a,
momenti incerti,
lacune lunari,
abissi di classe,
il cartello è il pugno che ti colpisce,
il cartello è la mano che accarezza l’erba,
il cartello è la sensazione di cadere che hai mentre sogni,
il cartello è la sigaretta delle tre di notte,
è l’alba inchiodata nel sole,
il tramonto evaporato tra le nuvole,
la ribellione assaporata in afosi pomeriggi,
la scopa che spazza la tua mente,
il ricordo di un’emozione già provata,
neve chimica cadente da un cielo bugiardo,
oscurato,
il cartello è la memoria dell’inchiostro, della pellicola,
il cartello è il bambino che gioca per strada,
il cartello è rabbia
e amore
e abnegazione
e gioia,
paura
stupidità
follia
finzione
rumore
amicizia
rimpianti,
e tutto il resto che può assalire la tua immaginazione.
E,
infine,
il cartello è la tua arte
Il Cartello
45

Yuné Hikosaka
Il mio dialogo artistico con il mondo animale
“ Sin dal bambino sono stato affascinato fortemente da
tutti gli animali, soprattutto dai dinosauri e dagli animali
fantastici.
Sono i simboli del grande passato che non perde ancora
oggi il suo splendore. E per me, inoltre, sono come “i vicini di
casa” e fanno parte anche della mia vita quotidiana.
Questa sensibilità particolare è sicuramente cresciuta grazie
all’influenza e alla cultura giapponese, non quella recente ma antica.
La nostra cultura si basa originariamente sulla religione animistica
(che oggi molti confondono con scintoismo) e questo vuol
dire che per noi gli dei (o gli spiriti) potevano essere trovati dappertutto
ed erano innanzitutto i simboli della natura in cui vivevamo
insieme.
invece sempre più difficile.
Può darsi anche che una fortissima repulsione per questa situazione
sia stato uno dei motivi che mi hanno spinto a disegnare il mondo
che io vedo e sento: i dinosauri che vivono in città come fossero degli
amici.
E una cosa importante per vedere le mie opere è che questi animali
preistorici “personificati” non sono rappresentati come i ritratti di
una persona stravagante ma come una persona qualunque, e proprio
per questo motivo eviterei di dargli un nome personale. Così agli
spettatori potrebbero sembrare dei loro conoscenti o persone di famiglia,
oppure casomai loro stessi. Secondo me nell’arte deve esserci
lo spazio per l’immaginazione”.
Dunque io li disegno (o probabilmente loro mi fanno disegnare)
perché mi piacciono e mi sento molto vicino a loro.
In generale i dinosauri sono rappresentati più o meno come una
creatura mostruosa, terribile; dunque l’opposto di noi. Ma perché
non immaginiamo i dinosauri dolci, affettuosi, saggi, o buffi È
possibile. Oppure si, forse avevano anche degli aspetti violenti.
Ma possiamo dire che dentro di noi non c’è la crudeltà, o la mostruosità
Le troviamo assolutamente, basta rileggere la nostra
storia e capiremo subito che siamo peggiori degli animali.
Poi, ora che la gente perde i contatti con la natura e diventa sempre
più “meccanica” (purtroppo proprio nel mio paese questa tendenza
è rilevante), riscontrare amore e rispetto per la natura tra la gente è
Nato a Tokyo nel 1988. Laureato in Arte-Scienza (Storia
dell'Arte) presso Tama Art University a Tokyo nel 2012.
Diplomato in Pittura presso l'Accademia Riaci a Firenze nel
2013.
Premio di Yoshiaki Tono (2012, con tesi di laurea Le orme
dei "Grifoni con testa d'aquila" nella sfera culturale della
Cina).
Mostra personale "Egregi Signor Formaggi" (2012, in Fromagerie
Fermier a Tokyo).
Mostra personale "Quid agis amici mei" (2013, in Bar Sei
Divino a Firenze).
Mostra collettiva (2013, Taverna degli Artisti a Firenze).
Mostra personale "Dino alle Giubbe Rosse" (2013, Caffè
Giubbe Rosse a Firenze).
46 Yuné Hikosaka

Andrea Simoncini
Tra memoria ed immaginario
di Roberta Fiorini
Quella di Andrea Simoncini è una ricerca sempre in progress,
dalle opere su carta, disegni e acquerelli d’inattesa
vena naturalistica, agli oli e tecniche miste, con recenti
intrusioni anche materiche, in rilievo, su tela e su
tavola, di clima metafisico, eppure fedele ad una costante, ispirativa
ed espressiva, che consiste in quell’inconfondibile timbro enigmatico
e teatrale permeante tutta la sua pittura. Le sue figurazioni mettono
in scena il mito, la storia, la spiritualità e insieme vizi e virtù
della contemporaneità, non necessariamente separati ma anzi spesso
sagacemente coniugati in un metamorfismo visivo e di senso. Nel
tempo le forme arcaicizzanti, la sintesi e la plasticità dei volumi, figure
e spazio scanditi dalla luce, sono divenuti emblematici del suo
stile mentre la sua tavolozza, a lungo consacrata ai toni caldi della
terra, ha introdotto di recente una nuova esaltazione del colore che
ora imbeve di nuova energia e dinamismo le composizioni, quasi una
ulteriore contaminazione tra passato e futuro, tra memoria e immaginazione.
Le sue opere mantengono comunque un sapore letterario,
come racconti brevi, ermetici nel congiungere un accento di mistero
ad uno di concretezza e talvolta persino di ironia, consentendo a
profondità e leggerezza di coesistere anziché contrapporsi, secondo
una narrativa pittorica mai immediata o esplicita, meno che mai illustrativa
seppure di un concetto, ma neppure criptica né solipsisticamente
introspettiva. Perché quelle che Simoncini ci porge sono immagini
riflesse (e riflessioni) della confluenza tra “presenze del passato”
e “tempi moderni” come segno di continuità storica, di superamento
dei confini culturali, di fluidità di pensiero.
La calunnia, 2013, olio.
Niobe, 2013, olio.
Nato nel 1950 a Firenze, dove risiede
ed opera, dopo la maturità ha iniziato
a dedicarsi alla pittura frequentando
lo studio di Mario D’Elia.
Ha esposto in mostre personali, rassegne e
fiere in varie città italiane, conseguendo numerosi
riconoscimenti. Sue opere sono presenti
in gallerie e collezioni private e nella
collezione del Consiglio Regionale della Toscana.
Nel 2012 ha allestito una personale
nell’ambito di ArtExpo Pisa alla Stazione
Leopolda e nei locali della Provincia di Firenze
della Galleria Via Larga ed ha partecipato
a “Verso la Terra Promessa” presso la Basilica
della Santissima Annunziata a Firenze.
Nel 2013 la piccola personale presso la sede
della Società di Belle Arti, Circolo degli Artisti
Casa di Dante di Firenze di cui fa parte del
consiglio direttivo e a Bratislava, Palazzo
Palfy della Accademia delle Arti, in rappresentanza
del circolo medesimo.
A dicembre è prevista la mostra personale,
“FormaLuceColore”, presso la Biblioteca
Comunale di San Casciano Val di Pesa.
www.andreasimonciniarte.it
andreasimoncini1@yahoo.it
Andrea Simoncini 47

Dimensione Donna
L’arte al femminile
all'Esplanade di Viareggio
Mara Faggioli
Carla Fossi
Annamaria Maremmi
di Leonardo Landi
Nella suggestiva atmosfera dell’Hotel
Esplanade a Viareggio, situato nella
storica piazza Puccini, affacciata sul mitico
lungomare, sede di manifestazioni
legate al mondo dell’arte curate da Enrico Carlisi,
vice presidente dell’Associazione Culturale Gadarte
di Firenze, è stata inaugurata, domenica 24 novembre,
una rassegna che ha per interpreti le tre pittrici
fiorentine.
Quasi 50 opere vengono proposte nel salotto dedicato
all’arte dello storico residence versiliese e gli
Annamaria Maremmi, Carla Fossi e Mara Faggioli all'Esplanade in occasione dell'inaugurazione
ospiti potranno sostare tra le diverse espressioni e visioni di un mondo
esclusivamente “al femminile”. Ognuna delle artiste propone percezioni
diversificate su temi che spaziano tra tecniche del ritratto, incisioni, delicato
figurativo e composizioni materiche.
La mostra è stata presentata e illustrata nei dettagli al pubblico versiliese
dallo storico dell’arte Federico Napoli. L’inaugurazione è avvenuta nell’ambito
di un “mattinèe” culturale tutto al femminile, che ha visto la presentazione
in esclusiva di un libro di narrativa e, a seguire, della “Guida artistica
2013/2014” della Versilia; all’appuntamento hanno partecipato numerose
personalità del mondo culturale, l’Associazione Women to be e, naturalmente,
gli ospiti abituali dell’hotel. La mostra sarà visitabile in qualsiasi ora
del giorno, e si protrarrà per i mesi di dicembre e gennaio, per concludersi
il 28 febbraio.
Vernissage: Federico Napoli, Annamaria Maremmi, Mara Faggioli, Carla Fossi e Enrico Carlesi
48 Dimensione Donna

Mara Faggioli, Hadas Yaron
Carla Fossi, Il torrente
Annamaria Maremmi, Cavallo baio
TRE PROTAGONISTE
IN VERSILIA
di Federico Napoli
Tre interpreti al femminile - Mara Faggioli, Carla Fossi,
Anna Maria Maremmi - sono le protagoniste della mostra
dal titolo “Dimensione donna”. Nell’elegante contesto che
accoglie l’esposizione, le tre autrici presentano tendenzialmente
immagini di donne, seguendo un preciso tema
lungo il quale si dipana l’intera mostra. Delicati ritratti dagli
intensi sguardi e assorte figure colte in momenti di riflessione
connotano la pittura quasi appartata di Mara
Faggioli, il cui sapore meditativo appare vicino a tante
composizioni poetiche di cui è autrice. Materica, decisa
nel segno e nei materiali appare Carla Fossi, che si muove
dall’incisione alla pittura sempre sostenuta da un segno
netto, seppure l’autrice non di rado faccia trasparire un
sentimento di velata malinconia. Infine, dinamica e vitalistica
è la pittura di Anna Maria Maremmi, scorrevole nel
colore che costruisce lo spazio delineando vigorose immagini
in movimento, fra luci e vaporose rifrazioni, con un
avvertibile senso di libertà. La mostra, nelle forme eleganti
dei soggetti presentati trova rispondenza nel fascino
soft della sede espositiva che ancora reca precise tracce
dell’aggraziato stile liberty, nonché rintraccia assonanze
nella vicinanza alla casa che fu di Giacomo Puccini, straordinario
interprete di indimenticabili figure femminili, che in
certa misura riecheggiano proprio in questa mostra.
Dimensione Donna
49

LuigiTamanini
L'ovvietà della rappresentazione pittorica
per arrivare all'essenza del reale
di Daniela Pronestì
Molto Agitato, olio su tavola, cm. 28,6x28,4
Coniglio bianco, coniglio nero, olio su tela, cm. 80x80
Ho davanti, mentre scrivo, la lettura, va ricercata nella latenza e nell’ambiguità
dell’opera. Non si tratta di un caso iso-
foto di un quadro di Luigi
Tamanini. Il titolo Coniglio lato nella produzione pittorica di Tamanini. Da
bianco, coniglio nero stende
anni, da quando ha abbandonato la figurazione
50 Luigi Tamanini
un manto d’innocenza, quasi un’into-
nazione favolistica, su di un soggetto
che risulta, invece, misterioso e inquietante.
Una figura dallo sguardo torvo,
non umana ma d’ispirazione fantastica,
ha tra le braccia la testa insanguinata di
una donna, il cui corpo giace inerme
sull’angolo del letto. Alle loro spalle,
due conigli - uno bianco, l’altro nero -
iperrealista degli esordi, dipinge un mondo
che, pur continuando ad organizzarsi in apparenze
realistiche, si stacca da ogni riferimento
mimetico. E lo scopo è far emergere i desideri,
gli impulsi, le fantasie inconfessabili che
giacciono nel limbo della coscienza, nella
rassegnata accettazione del vivere quotidiano.
Niente nella sua pittura è come appare,
assistono alla scena ignari, forse, di ciò
che sta accadendo. Un senso di violenza
pervade la scena e alimenta l’impressione
di essere spettatori di un efferato
delitto. L’ambientazione irreale ci impedisce,
tuttavia, di sciogliere l’enigma
del quadro, obbligando il nostro sguardo
a spingersi alla ricerca di un dettaglio
che ci aiuti a capire più a fondo. Un
tentativo destinato a fallire, perché la
parte di senso che sfugge ad una prima
Dittico della discordia 1,
olio su tela, cm. 60x60
Abbracadabbra, olio su cartone, cm. 32x30
niente è come dovrebbe essere,
neanche la figura, sottoposta ad
un lento e inesorabile processo
corrosivo indotto dal colore che
cancella la morfologia dei volti e
dei corpi per generare un ibrido tra
l’umano e il ferino. Oltre a questo,
altri elementi richiamano la lezione
baconiana e l’Espressionismo
tedesco: l’estrema libertà con cui
scompone e deforma le immagini;
la potente resa cromatica che alterna
alle tinte piatte e antinaturalistiche
dei fondi le stesure pastose
dei colori mescolati direttamente sulla
tela; la dimensione psicologica del vedere,
per cui l’insieme è un tutto e non la somma
delle singole parti; la tendenza a rappresentare
l’individuo come la maschera e insieme
lo specchio di una naturalità istintiva e per
questo difficilmente controllabile. E tuttavia
la strada scelta da Tamanini conduce ad
un’altra destinazione. Ne è conferma la sottile
vena ironica che fa da sfondo sia alle scene
in cui il conflitto, specie quello tra i due sessi,

Connessioni, olio su tela, cm. 80x80
Ambarab+†..1, dittico, olio su tavola, cm. 35.2x30.1
Dipinge un mondo che,
pur continuando ad
organizzarsi in
apparenze realistiche,
si stacca da ogni
riferimento mimetico
vano dalla letteratura infantile (Ambarabà
ciccì coccò / tre civette sul comò, Abbracadabbra,
Bla bla bla, C’era una volta), dai modi
di dire (Povero diavolo) e dal frasario poetico
o musicale (Amata mia, Molto agitato). Dichiarazioni
a prima vista semplici e rassicuranti
che al contrario rivelano la necessità di
spingersi oltre l’ovvietà delle parole, come
oltre l’ovvietà della rappresentazione pittorica,
per arrivare all’essenza del reale.
Amata mia 1, olio su tela, cm. 20x30
Ambarab+†..2, dittico,
olio su tavola, cm. 30.2x30.1
è il principale motivo ispiratore
- penso, ad esempio, al Dittico
della discordia -, sia a quelle
che, con tono più bonario, raccontano
le piccole grandi contraddizioni
dell’esistenza. Ed è
proprio questo il punto: nutrire la
visione artistica di uno spirito
ludico che non manipoli né eluda
la realtà, ma che, al contrario, la
osservi più da vicino, nel profondo,
come attraverso una lente
d’ingrandimento capace di rendere
visibili le segrete connessioni tra gli eventi. Ogni suo quadro è un progressivo
avvicinamento, mai un approdo definitivo, ad una verità che si nasconde
nella giustapposizione di elementi all’apparenza tra loro disarmonici;
elementi che si dispongono sul piano come in un bassorilievo e che vincono
la bidimensionalità della superficie suggerendo l’idea di uno spazio senza
inizio e senza fine, esperibile all’infinito. Un paradosso visivo che svela la
somiglianza e la parentela tra realtà esteriormente distanti e inconciliabili,
mettendole in relazione l’una con l’altra per mezzo dell’immagine e della
parola usata come chiave di accesso ad una dimensione fantastica. Una pittura
intessuta di traslati, metonimie e intrecci semantici che spesso avvengono
sul piano del linguaggio, come si evince dalla scelta dei titoli, che deri-
Luigi Tamanini, TAM TAM,
nasce a Trento, vive e lavora a Firenze.
Dopo la laurea in Architettura, si dedica
alla pittura frequentando nel capoluogo
toscano l’atelier della pittrice Joke Frima e,
dal 1983 al 1987, la scuola di Disegno e
Pittura dal vero della maestra Nerina Simi.
È socio del Gruppo Donatello. Nel 2001
vince il Premio Fiorino d’Oro, nella sezione
Grafica, e numerose sono le mostre
personali e collettive a cui ha preso parte
dagli anni Settanta ad oggi.
Luigi Tamanini 51

Giampiero Niccoli
Le sue sculture in ferro
esprimono la solida
concretezza dell'intima
natura di chi le ha forgiate
di Daniela Pronestì
In un celebre saggio pubblicato nel 1945, Arturo Martini definiva
la scultura “lingua morta”, mettendo in luce quella che, a
suo dire, era l’incapacità di questa forma d’arte d’interpretare
a pieno le istanze della modernità senza farsi vincolare dalle
pastoie della cultura accademica. Negli anni in cui Martini scriveva,
la pratica scultoria prevedeva già l’uso di materiali diversi da quelli
tradizionali, essendo in atto quel processo che, dalle avanguardie in
poi, ha scardinato il concetto di scultura per accogliere opere d’arte
La Croce di Giampiero Niccoli esposta in piazza Mino in occasione della mostra
sviluppo di un percorso che l’ha sempre visto interessarsi alla
bellezza dell’oggetto artigianale, e cioè a quella perfetta unione
di ingegno e fantasia che preserva la funzionalità senza sconfinare
nella gradevolezza e nella serialità. “Seguendo una spinta interiore
mi sono trovato sui sentieri della scultura”, dichiara con
una semplicità così vera e disarmante da far sembrare più che
mai sterili i concettismi di tanta arte odierna, rispetto alla quale
egli mantiene un approccio genuino al fare artistico, unendo intuito,
esperienza e tecnica. La mostra fiesonala intitolata Il ferro,
la forma, lo spazio, curata da Gigliola Melani Paciscopi nella Sala
del Basolato dal 7 al 22 settembre scorso, ha evidenziato i momenti
salienti della sua produzione: si va dalle sculture aperte
nello spazio come un
Il Sindaco di Fiesole Fabio Incatasciato con l'assessore alla Cultura Paolo Becattini, a
sinistra, inaugurano la mostra personale di Giampiero Niccoli, l'ultimo a destra, nella Sala ventaglio a quelle antropomorfe
d’impian-
del Basolato. Al centro, la curatrice dell'esposizione Gigliola Melani Paciscopi
to più orizzontale, per
combinatorie come l’assemblage e l’installazione. Una dilatazione concettuale
e tecnica da cui deriva, oltre al polimorfismo dell’arte contempo-
astratto - geometri-
arrivare alle forme
ranea, la tendenza a favorire la dimensione progettuale dell’opera, affidandone
la realizzazione a un’equipe di specialisti che spesso coadiuva sintesi di materia,
che in cui prevale la
l’artista. Siamo lontani dalla figura tradizionale dello scultore che coltiva spazio e luce. A differenza
degli scultori
un rapporto speciale con la materia delle sue creazioni di cui è ideatore e
insieme esecutore; lontani sì, ma non del tutto, perché sono ancora in che nel secolo scorso
molti quelli che, come l’artista fiesolano Giampiero Niccoli, non ammettono
intromissioni in quello che ritengono essere il risultato di un’opera-
hanno adottato i metalli
poveri per esprimere
la poetica del
La Sala del Basolato con le opere e l'acciottolato
di marmo ideato da Gigliola Melani Paciscopi
zione che va portata a termine nella solitudine dello studio. Il suo carattere
schivo, da persona discreta e misurata che apprezza il consenso pur rottame recuperato e riqualificato dall’invenzione artistica,
non cercandolo ad ogni costo, si esprime liberamente nelle sculture in Giampiero Niccoli attribuisce al ferro una nobile bellezza che l’intervento
creativo si limita a disvelare. Gran parte delle sculture
ferro, che hanno la stessa solida concretezza dell’intima natura di chi le
ha forgiate. La familiarità con questo materiale è maturata nei tanti anni sono ottenute da una sola lastra metallica, un corpo unico che il
della sua vita dedicati al lavoro artigiano, a cui deve la perizia tecnica che taglio netto e preciso dell’artista trasforma in una complessa armonia
di linee e volumi. La sua ricerca però non si ferma alle sole
gli permette di operare con destrezza nella definizione della forma scultorea.
A quest’ultima è giunto non per calcolo, ma seguendo il naturale qualità espressive della materia, ma indaga il rapporto di questa
52 Giampiero Niccoli

con la densità e la profondità dello spazio, chiamando in causa le
capacità percettive del fruitore nel conflitto tra l’apparente bidimensionalità
e la reale tridimensionalità dell’opera. Per apprezzare l’impatto
plastico-volumetrico delle sue creazioni occorre passare da una
visione frontale, in cui emerge la complessa e articolata dialettica di
pieni e di vuoti, a una laterale, che consente di cogliere la reale
espansione spaziale dell’oggetto. L’allestimento della mostra ha previsto
la disposizione delle sculture lungo un percorso fatto di frammenti
marmorei con cui la curatrice ha inteso offrire una riflessione
sul passaggio che nel Novecento ha visto l’arte plastica affiancare ai
materiali nobili quelli di riuso. Una soluzione efficace non solo sul
piano concettuale ma anche su quello visivo, perché se da un lato ha
garantito la piena fruizione delle opere da parte dell’osservatore,
dall’altro le ha esaltate nel contrasto cromatico tra il metallo e il
materiale lapideo. Tra le sculture esposte una in particolare evoca,
attraverso le pagine di un grande libro metallico, le vicende che hanno
segnato la biografia artistica di Niccoli: il sodalizio con il fratello
Gabriele, da sempre al suo fianco nel lavoro di bottega, e l’incontro
con Leopoldo Paciscopi e sua moglie Gigliola Melani, ai quali spetta
il merito di aver riconosciuto subito il suo talento nutrendolo di consigli
e parole di sostegno. La mostra allestita a Fiesole sarà ospitata
nella Limonia di Palazzo Medici nel mese di settembre 2014 con il
patrocinio del Comune di Firenze.
Vernissage: Gigliola Melani Paciscopi intervistata da Toscana TV
di Gigliola Melani Paciscopi
Dopo l’esperienza futurista e costruttivista, la scultura si è
avventurata per decenni in sperimentazioni materiche
d’ogni tipo: feltro, polistirolo, spazzoloni colorati, rame,
mattoni, tubi fluorescenti, gommapiuma, stoffe e montagne
di stracci. Abbiamo visto etichettare scultura anche tavolate di
frutta e verdura (al Forte Belvedere di Firenze) o il corpo nudo dello
stesso artista (alla Biennale di Venezia). In un simile affollato panorama
si presenta Giampiero Niccoli con la materia delle sue sculture, la
più elementare, il ferro, ed è bene sottolineare in cosa egli si differenzi
da chi in passato ha già usato quel metallo e con esempi illustri,
come Tatlin e il suo Progetto per il monumento alla Terza Internazionale
del 1919, o Picasso con Il monumento ad Apollinaire del 1928, fatto
di esili fili di ferro saldati a una base di lamiera e realizzato grazie ai
consigli di Julio Gonzáles che aveva appreso la tecnica della saldatura
nelle officine Renault. Non è marginale l’annotare che una simile
Leopoldo Paciscopi con Giampiero Niccoli all'inaugurazione della mostra
eventualità, la pratica alla forgia e al saldatore, ha consentito a David
Smith di conquistare i musei con i Tank Totem e a Richard Serra di
affermarsi con le sue monumentali lastre arrugginite. Queste opere
che ho ricordato, racchiudono in sé stesse le ragioni della loro esistenza.
Chiedono al visitatore solo di essere guardate e meditate. La
scultura di Giampiero Niccoli, invece, dichiara di voler creare rapporti
fra l’opera, lo spazio e l’osservatore, con l’intento di stabilire con lui
un colloquio fatto di atmosfere, sensazioni, pensieri. E, in quei tagli
che aprono varchi nelle opere, chiede a ognuno di proiettare la propria
contemporaneità, apponendo
titoli che sono veri suggerimenti:
Risveglio, Probabilità,
Guardando oltre, Tensione.
Persino mentre ci sovrasta
con le proporzioni di una croce,
nel titolo avverte che si
tratta di Un dramma umano,
la croce che i popoli e noi tutti
ci trasciniamo addosso. Così
si è andati al di là dell’apparenza.
E nel Libro ritroviamo i
momenti della nostra stessa
vita, come nelle Pagine, delle
quali ci è proposto solo il bordo
esterno e nell’interno uno
spazio assente invita riflettere
su un destino che ci attende
ma che ignoriamo. Dovendo
curare la mostra di Giampiero
Niccoli nel Basolato del
Comune di Fiesole, ho avvertito
l’esigenza di creare una installazione
che mantenesse
vivo il rapporto da lui programmaticamente
voluto fra
le sue sculture e gli osservatori,
ma vi ho considerato anche
l’ambiente in cui dovevano
essere collocate. E’ così
nata l’idea del percorso
sull’acciottolato di marmo,
capace di unire due materie
fondamentali nella storia della
scultura. E il percorso non
l’ho pensato lineare poiché
non lo è l’esistenza e neppure
lo stesso tracciato dell’arte.
Giampiero Niccoli è nato il 13
maggio 1948 a Borgo San
Lorenzo. Si trasferisce a Fiesole
insieme al fratello maggiore
Gabriele e nel 1968 apre con lui la
fucina che definiscono “Bottega del
ferro forgiato” creando i pressuposti
per il suo futuro destino artistico.
Fu osservando e ammirando un
vecchio maniscalco di Luco di Mugello
che, fin da ragazzo, Giampiero
scoprì la sua predisposizione verso
l’arte del forgiare il ferro. Di questo
mestiere più tardi conobbe la storia
e seppe di come i Romani lo avessero
appreso da Galli e Celti e poi via
via si fosse conquistato, nel Rinascimento
toscano, grazie alle opere
di maestri come Niccolò il Grosso
detto il Caparra, il titolo di “nuova
arte maggiore”. Per anni accanto al
fratello Gabriele ne ha esplorato i
segreti, lavorando con lui nella bottega
fiesolana. La scoperta della
scultura è arrivata gradualmente,
confortata dall’incoraggiamento di
intellettuali come Leopoldo Paciscopi
e di sua moglie Gigliola Melani.
Della mostra nella Basilica di
Sant’Alessandro, Luigi Cavallo, lo
storico dell’arte che ha illuminato
con i suoi studi l’opera di maestri
come Soffici e Rosai, dichiarò: “L’equilibrio
fra l’ambiente e i ferri del
Niccoli avvantaggiava sia il monumento
sia le opere, che con il loro
rispetto dei vuoti, cioè del silenzio
della materia, parevano forgiate
proprio per essere allogate in quegli
spazi e in quel clima”.
Giampiero Niccoli 53

Prato Natale 2013
Rassegna d’arte contemporanea
8 dicembre 2013 - 6 gennaio 2014
Inaugurazione:
domenica 8 dicembre - ore 11.00
ORE 21.00
SPETTACOLI TEATRALI DELLA COMPAGNIA MALD'ESTRO
(Diretta da Alessandro Calonaci)
Spazio Espositivo Polivalente Interculturale Centro Studi Arti Visive
Presidente Paolo Calamai
Prato - Via San Giorgio, 27
Apertura al pubblico: giorni feriali: 10:00 / 12:00 - 16:00 / 19:00 - Chiuso la domenica
Patrocinio del Comune di Prato Diocesi di Prato Centro Studi Arti Visive www.pratoreporter.it
di Leonardo Landi
Un nuovo appuntamento nello Spazio Espositivo
Centro Studi Arti Visive Spazio Polivalente interculturale
di Prato. “Prato: Natale in Arte” - ideato
da Fabrizio Borghini, con il patrocinio del Comune
di Prato, Diocesi di Prato curato da Roberta Fiorini, Daniela
Pronestì, Paolo Calamai, coordinato da Claudio Caioli e Enrico
Biancalani - riunisce più di cento artisti italiani e stranieri,
prevalentemente operanti in Toscana ma non solo. E se l’alto
numero dei partecipanti attesta il favore riscosso dall’iniziativa,
va detto che, a “rigor di cronaca”, cospicuo è anche quello
delle adesioni degli artisti che non si sono potute accogliere
- per ovvie ragioni organizzative - tanto da pensare già ad un
prossimo secondo evento nel mese di febbraio 2014.
La grande rassegna Arte per Strada (2013-2014) consente di
incontrare i diversi linguaggi delle arti visive, dalla pittura alla
scultura, la grafica e la fotografia, vetro e ceramica, installazioni,
nella condivisione di un tempo e di uno spazio collettivi
venendo così a creare un palcoscenico carico di suggestioni
nel quale, grazie alla ricca varietà dei singoli contributi
espressivi, si apre, tra e per protagonisti e fruitori, un dialogo
che intreccia astratto e figurativo, segno colore e materia,
reale e virtuale, in un superamento di confini che ben riflette
l’ampia e libera dimensione del fare arte oggi, tendente a valorizzare
il progetto del centro storico della città di Prato, voluto
dal Sindaco Roberto Cenni.
Una veduta dello Spazio Espositivo Polivalente Interculturale
Paolo Calamai e il Sindaco Roberto Cenni inaugurano il Centro Studi Arti Visive
54 Prato Natale 2013

Artisti presenti alla manifestazione
Andrich Paola
Aringhieri Manola
Babbini Marta
Balbo Ornella
Baroncini Mauro
Baroni Roberto
Bartalesi Riccardo
Bassi Katia
Bazolli Cristina
Beretta Paola
Consorti Lorella
Cortesi Sandra
Crisci Mattia
Danti Grazia
Daresta Pietro
Del Vecchio Laura
Di Napoli Grazia
Diotalevi Mario
Dolfi Rita
Facchini Emilio
Martino Gabriella
Masselli Luca
Mauro Domenico
Morozzi Marusca
Nesi Stefania
Nisticò Elisabetta
Pagani Otello
Paladini Sonia
Palla Ermanno
Pallazzoli Ramona
Paolo Calamai, il Sindaco Cenni e l'attore Alessandro Calonaci al Centro Studi Arti Visive
Bernardeschi Claudio
Bettarini Federica
Bianchi Francesca
Bianchi Gianfranco
Bianconi Francesca - Kikaf
Bini Loriana
Bonaffino Dario
Bonanni Luca
Bonechi Eliana
Boni Marco
Bottari Elena
Brandaglia Mario
Bruno Antonio
Busillo Clelia
Cappellini Roberto
Cardenas Fernando
Carraretto Elisabetta
Casalini Massimo
Castagnoli Daniele
Castagnozzi Eleonora
Castellani Lorenzo
Cattani Ornella
Claudio Cavallini - Kevo
Celli Roberto
Ceselli Mauro
Cini Luca
Coccoloni Roberto
Coleschi Alfiero
Falcini Cristina
Fantacci Franco
Fantuzzi Alfonso
Fossati Silvia
Franceschini Marcello
Gabbrielli Giorgio
Galanti Debora
Galletti Paolo
Gambacorta Maria
Gelli Matilde
Gennaioli Stefano
Gérard Alberta
Giussani Maura
Grieco Vincenzo
Guidotti Perla
Guillon Nicole
Ianniciello Vincenzo
Jindackova Helena
Lazzerini Roberto
Magnolfi Carlo
Magrini Enza
Magrini Paola
Malinconi Giovanna
Mancini Andrea
Mancino Nicola
Manneschi Giuseppe
Marchetti Luigi
Mariotti Stefano
Pergolini Angiolo
Pianadei Silvana
Picci Agnese
Pigolotti Gino
Possenti Elisa
Prosperi Elena
Pubblici Lorella
Rapicano Ferruccio
Remondini Paolo
Ricci Loreno
Ridi Simone
Rindi Luigi
Rocchi Marzia
Roedan Melissa
Salvo Gennarino
Savino Valerio
Sensi Giorgio
Sestini Laura
Socci Gabriella
Sordi Silvano
Tambo Rieko
Tanzini Donatella
Vaggelli Sara
Valle Antonia
Veccia Annamaria
Verhalle Nicole
Villani Massimo
Viti Angela
Zanchini Luciana
Prato Natale 2013
55

Sede sociale e direzione
Signa
piazza Michelacci 7 - 50058 Signa
Tel. 055 879101 - fax 055 8732067
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San Mauro a Signa
(Comune di Signa)
via della Chiesa 19 - 50050 S. Mauro a Signa
Tel. 055 8739764/5 - fax 055 8739693
Viottolone
(Comune di Scandicci)
via di Castelpulci 3 - 50018 Scandicci
Tel. 055 7310678 - fax 055 720145
Montelupo Fiorentino
via Centofiori 14 - 50056 Montelupo Fiorentino
Tel. 0571 913188 - fax 0571 913216
Malmantile
(Comune di Lastra a Signa)
via Vecchia Pisana 235
50050 Malmantile (Lastra a Signa)
Tel. 055 8729244 - fax 055 8784412
Firenze
Piazza della Libertà 32R - 50129 Firenze
Tel. 055 5088114 - fax 055 578832
Sede distaccata
Castelfranco di Sotto
via Provinciale Francesca Nord 78
56022 Castelfranco di Sotto (Pisa)
Tel. 0571 488730 - fax 0571 488740
Sportelli ATM
Signa
Parco dei Renai
Badia a Settimo
(Comune di Scandicci)
via la Comune di Parigi 34
Capannori
Via del Popolo 5
55012 Capannori (Lucca)
Firenze
Nuovo Ospedale San Giovanni di Dio
via Torregalli 3 - 50143 Firenze
Fucecchio
Piazza dei Seccatoi
56
San Miniato
Viale Marconi 20