rebekka bakken - Sono-Magazin

Musik für erwachsene Hörer 

www.sonomagazin.de 

sept./OKT. 2011 

80.000 Exemplare 

Chris Rea 

über den Kampf gegen 

den Krebs und 

warum er kreativer 

ist denn je 

rebekka 

bakken 

Die schöne Norwegerin und 

ihr Stilwechsel: Aus den Jazzclubs 

hinaus in die frische Country-Luft 

Nigel Kennedy 

Der Punk an der 

Geige startet mit 

Vivaldi in neue 

Soundwelten 

Pink Floyd 

Wie die Briten den 

Klassiker „The 

Dark Side Of The 

Moon“ schufen 

Außerdem: Tori Amos, Tony Bennett, 

Hubert von Goisern, Wynton 

Marsalis & Eric Clapton u. a. 

Und immer: CD-Besprechungen 

und Tourneedaten aus 

Pop, Rock, Klassik und Jazz!

KLASSIK TRIFFT POP 

SEAL 

ALISON MOYET 

NILE RODGERS & CHIC 

STANFOUR 

DIV4S (Sopran) 

JOHN MILES 

HAMBURG FR 25.11.2011* 20.00 UHR 

O2 WORLD SA 26.11.2011 20.00 UHR 

BREMEN 

BREMEN ARENA 

HANNOVER 

TUI ARENA 

SO 27.11.2011* 18.00 UHR 

DI 29.11.2011* 20.00 UHR 

FRANKFURT MI 30.11.2011 20.00 UHR 

FESTHALLE DO 01.12.2011* 20.00 UHR 

ERFURT FR 02.12.2011 20.00 UHR 

MESSEHALLE 

BERLIN 

O2 WORLD 

SA 03.12.2011* 20.00 UHR 

MANNHEIM 

SAP ARENA 

STUTTGART 

SCHLEYERHALLE 

MÜNCHEN 

OLYMPIAHALLE 

DI 06.12.2011* 20.00 UHR 

MI 07.12.2011* 20.00 UHR 

DO 08.12.2011* 20.00 UHR 

FR 09.12.2011* 20.00 UHR 

SA 10.12.2011* 20.00 UHR 

SO 11.12.2011 15.00 UHR 

DORTMUND DI 13.12.2011 20.00 UHR 

WESTFALENHALLE MI 14.12.2011 20.00 UHR 

KÖLN 

FR 16.12.2011* 20.00 UHR 

LANXESS ARENA SA 17.12.2011 20.00 UHR 

OBERHAUSEN SO 18.12.2011 18.00 UHR 

ARENA 

Bundesweiter Ticketversand: 01805 570 000 (0,14 €|Minute, Mobilfunkpreise können abweichen) 

Tickets: www.eventim.de und an den bekannten Vorverkaufsstellen | Alle Infos unter www.notp.com 

* VIP-Karten erhältlich: Tel. 089 - 9 45 28 10 | vip@pse-germany.de 

Daten unter Vorbehalt | Produktion: P.S.E. Germany GmbH · Feldkirchen | München

inhalt 

t r ailer 

News aus der Welt der Musik 4 

Der letzte Crooner: die späte 

Blüte des Sängers Tony Bennett 22 

leserpost + Impressum 

Anregungen, Wissenswertes, 

Fragen, Schmähkritik 5 

Interview: Chris Rea über sein 

Mammutwerk „Santo Spirito“ 

und den Kampf gegen den Krebs 24 

Wie die norwegische Jazzbeauty 

Rebekka Bakken die Schönheit der 

US-amerikanischen Roots-Musik 

entdeckt. Die SONO-Titelstory 6 

Die Popsängerin und -komponistin 

Tori Amos wandelt jetzt auf 

den Spuren von Franz Schubert 26 

26 

Tori Amos 

Der Trompetenstar und der Gitarrengott: 

Wie Wynton Marsalis & 

Eric Clapton in New York der Tradition 

huldigten 8 

Geigenpunk Nigel Kennedy nutzt 

neuerdings Vivaldi als Startrampe 

für Trips durch allerlei 

moderne Musikstile 28 

backstage-lektüre 

Was liest Rolf Zacher? 9 

Bei Hubert von Goisern ist stetiger 

Wechsel die größte Konstante 10 

CD-Rezensionen Rock, Pop & Co. 

Charles Aznavour, Glen Campbell, Keb Mo, 

Mike Oldfield, Frank Ramond u. a. 30 

CD-Rezensionen Klassik 

Ludovico Einaudi, Sol Gabetta, Lang Lang, 

Kent Nagano, „Poetica“ u. a. 34 

8 

Eric Clapton & 

Wynton Marsalis 

CD- Rezensionen Jazz & world 

Nirvanas Meisterwerk „Nevermind“ 

– in der SONO-Umfrage 12 

Woody Allen, Cristina Branco, Charles Lloyd, 

Céline Rudolph, Tinariwen, Tingvall Trio u. a. 36 

neue gesichter 

Milos Karadaglić, Seide, 

Gabe Dixon 13 

Wie funktioniert eigentlich das 

Spiel mit den Charts? Ein Streifzug 

durch Vergangenheit und Gegenwart 

der Hitparaden 14 

schatzkiste 

Neue Boxsets, Editionen und Re-Issues 

von Jimi Hendrix, Sting, Queen u. a. 38 

Media-mix 

Neue Bücher und DVDs 43 

Tourneen Pop 

Claudia Koreck, Scott Matthew u. v. a., Rückblick: 

Robert Randolph & The Family Band 46 

Tourneen Klassik 

10 

Hubert 

von Goisern 

Foto: Alex Schütz; Titel: Mike Hill, Paul Marc Mitchell 

Rückblick – die besten Veröffentlichungen 

des Sommers 2011 16 

Magie aus der Mülltonne: Wie 

Pink Floyd ihr Meisterwerk „The 

Dark Side Of The Moon“ schufen 18 

die sono-liste 

12 Musiker, die ihre besten Platten 

erst mit über 50 aufnahmen 20 

Rotterdam Philharmonisch Orkest mit 

Yannick Nézet-Séguin u. v. a. 48 

Tourneen Jazz 

Lisa Bassenge, Trombone Shorty u. v. a. 49 

Promi-Hörer-Steckbrief 

Tatort-Kommissar Udo Wachtveitl 50 

E x k l u s i v f ü r A b o n n e n t e n : 

16 Seiten SONO plus 

22 

Tony 

Bennett 

3

Trailer 

Heimarbeiter: David Lynch (l.) nahm sein Debütalbum im eigenen 

Tonstudio auf. Hank Williams (r.) wird von Dylan (u. r.) geehrt. 

Ohne Bühne und Lightshow: 

der Indiekünstler I Am Kloot 

(o.) bei einem sogenannten 

„Instore-Gig“ im Rahmen der 

Plattenladenwoche 2010. 

Martin Scorsese (l.) kümmerte sich filmisch um George Harrison, 

während Jeff Bridges (ganz rechts) mal Pause vom Kino machte 

Manchmal braucht es im 

Leben offenbar erst einen 

großen Erfolg im 

Hauptberuf, bevor man sich frei 

fühlt, auch lange vernachlässigte 

Neigungen einmal zu ihrem Recht 

kommen zu lassen. Der Regisseur 

David Lynch etwa, mit Box-Office-Hits 

wie „Blue Velvet“ und 

„Mulholland Drive“ eine große 

Nummer in Hollywood, veröffentlicht 

am 7. November im zarten 

Alter von 65 Jahren sein erstes 

Album als Musiker – aufgenommen 

im eigenen Tonstudio. 

Auch nicht mehr wirklich im 

Berufsanfänger-Alter ist Jeff 

Bridges, laut New York Times 

der „am meisten unterbewertete 

große Schauspieler seiner Generation“. 

Der 62-jährige bekam 

im vergangenen Jahr nach vier 

vergeblichen Anläufen endlich 

den verdienten Oscar. Offenbar 

hat das den Kalifornier bewogen, 

die Musikerkarriere noch einmal 

richtig anzupacken, die er eigentlich 

schon lange mal starten wollte. 

Zwar hatte Bridges 1999 schon 

einmal ein Album zusammen mit 

Michael McDonald und David 

Crosby veröffentlicht („Be Here 

Soon“), doch das ging unter wie 

ein Stein. Das dürfte sich mit seinem 

im modernen Country-Stil 

gehaltenen und für Oktober angekündigten 

Debüt für Blue Note 

Records, schlicht „Jeff Bridges“ 

betitelt, kaum so wiederholen. 

Denn diesmal hatte Bridges seinen 

guten Freund T-Bone Burnett 

als Produzenten an seiner Seite 

– und der hat momentan ein goldenes 

Händchen, wie jüngst seine 

Erfolge mit Gregg Allman, Robert 

Randolph, Robert Plant und Alison 

Krauss zeigten. 

Stöbern kann man nach den beiden 

Werken beispielsweise im 

Rahmen der dritten „Plattenladenwoche“, 

mit der zwischen 

10. und 15. Oktober bundesweit 

in 70 Städten in den beteiligten 

Tonträgergeschäften der „heilige 

Ort des Tonträger-Kultes“ gefeiert 

werden soll – zum Beispiel 

mit sogenannten „Instore Gigs“. 

Künstler wie Götz Alsmann, Ina 

Müller und der Tenor Jonas Kaufmann 

haben ihre Unterstützung 

zugesagt. Infos gibt es unter www. 

plattenladenwoche.de. 

Apropos Country-Musik: Ein Vorhaben 

ihres Idols, über das unter 

gut informierten Dylanologen 

schon länger gemunkelt wurde, 

ist inzwischen wohl Realität geworden. 

Der gute Bob hat selbst 

nämlich auch Idole – eines davon 

ist Hank Williams, und dem 

setzt Dylan auf seine Art nun ein 

Die zahl 

3,1 

Millionen Mal ging „21“, das Hitalbum 

der Sängerin Adele, in diesem Jahr 

allein in den USA bereits über den 

Ladentisch – damit ist es in den Staa - 

ten das bestverkaufte Album aus 

England seit 1987. 

klingendes Denkmal: Er versandte 

Texte aus dem Nachlass des 

Country-Pioniers an befreundete 

Kollegen mit der Bitte um Vertonung. 

Das Resultat soll am 4. Oktober 

unter dem Titel „The Lost 

Notebooks Of Hank Williams“ 

auf Dylans eigenem Egyptian- 

Record-Label im Vertrieb von 

Sony erscheinen, mit Beitragen 

vertreten sind u. a. Alan Jackson, 

Rodney Crowell, Levon Helm, 

Jack White, Lucinda Williams 

und Sohnemann Jakob Dylan. 

Nochmal zurück zur Verbindung 

von Hollywood und der 

Popmusik: Der vielleicht beste 

Nebenerwerbs-Rockfilmer dieses 

Planeten, Martin Scorsese 

(„Taxi Driver“, „The Last Waltz“, 

„Casino“, „No Direction Home“, 

„Shine A Light“), hat sich der 

längst überfälligen Aufgabe angenommen, 

eine Dokumentation 

über das Leben des „stillen Beatle“ 

George Harrison zu drehen. „Living 

In The Material World“, so 

der Titel des Films (nach einem 

von Harrisons Soloalben), soll 

im Oktober auf DVD herauskommen, 

kurz zuvor wird er in den 

USA vom Pay-TV-Sender HBO 

als Zweiteiler ausgestrahlt. 

Fotos: Durdan, David Gahr 

4

✹NACH 

✹NEU! 

leserPost 

Respektierter Udo 

Betrifft: Udo Jürgens in SONO 2/2011 

Wie wohltuend ist es, in einem 

reinen Musikmagazin eine ernsthafte 

und respektvolle Auseinandersetzung 

mit der Musik von 

Udo Jürgens zu lesen. Sonst findet 

er ja hauptsächlich in Klatschmagazinen 

statt, dabei spielt dieser 

großartige Sänger doch seit 

Jahrzehnten künstlerisch in einer 

ganz eigenen Liga. 

Patricia Hagemeyer, Bremen 

Wo bleiben Videos? 

Betrifft: SONO online 

Ich habe in der Sommerpause 

seit dem letzten Heft Ihre Website 

(www.sonomagazin.de; Anm. 

d. Red.) wegen den wöchentlich 

neuen Plattentipps schätzen gelernt. 

Allerdings wäre es schön, 

darauf auch Videos mit Musik für 

den erwachsenen Geschmack zu 

finden. So was muss heutzutage 

doch machbar sein! 

Erhard Grazowsky, per E-Mail 

Zu wenig LoFi 

Betrifft: SONOplus 

Eine 12-seitige Bestandsaufnahme 

über die Country-Szene 

im Abonnentensonderteil 

von SONO 

zu lesen, hat mich sehr 

gefreut. Allerdings kam 

die moderne „Alternative Country“ 

oder „LoFi-Country“ genannte 

Strömung darin für mein Empfinden 

deutlich zu kurz . Vielleicht 

könnt ihr diesem Phänomen 

mal eine eigene Story widmen? 

Dennoch hat sich allein für das 

Country-Spezial schon mein Abo 

gelohnt. 

Hans Neumüller, Lehrte 

Mischung stimmt 

Betrifft: SONO allgemein 

Besonders gut finde ich an SONO, 

dass in Ihrem Magazin die Mischung 

zwischen bekannten 

und beliebten Künstlern einerseits 

(über die man einfach gerne 

mal wieder Neues lesen bzw. 

von deren neuen CDs 

hören möchte) und 

neuen Künstlern andererseits 

stimmt. So lernt 

man Neues kennen, auf 

das man sonst vielleicht 

nicht gestoßen wäre, 

aber man fremdelt nicht 

zwischen lauter unbekannten 

Namen. Wobei die Rubrik „Neue 

Gesichter“ für meinen Geschmack 

gerne auf zwei Seiten ausgedehnt 

werden könnte. 

Robin-Peter Diltz, Bietigheim- 

Bissingen 

Ihre meinung 

ist uns wichtig! 

Haben Sie Fragen, Kritik, Anregungen 

oder Ergänzungen zu den 

Artikeln in SONO? Dann schreiben 

Sie uns – die Redaktion freut 

sich auf ihr Feedback unter post@ 

sonomagazin.de oder per Post 

an Inmedia, Redaktion SONO, Lucile- 

Grahn-Str. 37, 81675 München 

Impressum 

Verlag: INMEDIA Verlagsund 

Redaktionsbüro GmbH 

Lucile-Grahn-Str. 37 

81675 München 

Telefon 089 / 457 261-0 

Fax 089 / 457 261-50 

Mail post@sonomagazin.de 

Herausgeber: Günter F. Bereiter 

Redaktion: Christian Stolberg 

(c.stolberg@inmedia.de, 

Tel. 0 89 / 45 72 61-41) 

Autoren dieser Ausgabe: Marcel 

Anders, Svevo Bandini, Ralf Dombrowski, 

Guido Fischer, Heiko Große, 

Raoul Gulbenkian, Ernst Hofacker, 

Wolf Kampmann, Dagmar Leischow, 

Reinhard Lemelle, Felix Marondel, 

Steffen Rüth, Michael Sailer, Hans- 

Jürgen Schaal, Uwe Schleifenbaum, 

Robert Wallner 

Bildredaktion: Fritz Osskar 

Termine: Michael Sailer 

Design: Arndt Knieper 

Produktion: Viola Müller-Hergerdt 

Anzeigenmarketing: Maren Kumpe 

(m.kumpe@inmedia.de, 

Tel. 089 / 457 261-35) 

Abo + Vertrieb: Susanne Lanzinger 

(s.lanzinger@inmedia.de, 

Tel. 0 89 / 45 72 61-45) 

Druck: Augsburger 

Druckhaus ADV 

Aindlinger Str. 17–19 

86167 Augsburg 

SONO erscheint sechsmal jährlich 

Ilja Richter präsentiert 

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Rebekka Bakken 

Für immer jung? 

Wer kennt nicht den Wunsch nach ewiger Jugend? 

Die norwegische Sängerin Rebekka Bakken covert 

auf ihrer neuen CD den Alphaville-Song „Forever 

Young“. Doch ihr Album spielt sich auf der Scheide 

zwischen Sommer und Herbst des Lebens ab. 

Von Wolf Kampmann 

ihren Gesang bislang ausmachte: Sie kommt 

ohne jede Sophistication aus. Ein Song ist ein 

Song, sie füllt ihn mit ihrer Stimme, ihrem 

Klavierspiel und der zurückhaltenden Begleitung 

ihrer Band aus und fertig. Einfachheit 

statt Verstiegenheit im Sinne poetischer 

Reduktion. „Ich würde diese Musik vor allem 

als organisch bezeichnen“, bestätigt die frischgebackene 

Country-Chanteuse. „Diese Aufnahmen 

gingen mir ganz leicht von der Hand. 

Während der Arbeit fiel mir immer wieder ein 

Satz ein, den ich unlängst gehört hatte: Repariere 

nichts, das nicht vorher zerbrochen ist. 

Wollte ich etwas verbessern, das eigentlich gut 

ist, würde ich es nur verderben. Wir ließen 

also alles Überflüssige weg. Das fing mit dem 

Songwriting an, erstreckte sich auf die Stimme 

und ging bis zur Produktion.“ 

Als außergewöhnliche Sängerin hat 

sich Rebekka Bakken in Jazzkreisen 

längst einen Namen gemacht. 

Auf ihrer neuen CD „September“ schlägt die 

41-Jährige nun ganz neue Töne an. Mit der 

unwiderstehlich kraftvollen Zartheit ihres 

Timbres intoniert sie unschuldige Songs zwischen 

Country und Folkpop. Die Produktion 

ist unerwartet zurückhaltend, nahezu minimalistisch, 

sodass die Sängerin mit ihrer ganzen 

Persönlichkeit viel mehr in den Vordergrund 

tritt als auf früheren Alben. Der Titel 

der CD ist nicht nur ein zufällig gewähltes 

Bild. „Man weiß nie so recht, ob der September 

Teil von etwas Altem ist oder bereits etwas 

Neues ankündigt“, sinniert die charmante 

Norwegerin in ihrem Apartment in New 

York. „Im September stecken gleichermaßen 

Sommer und Winter. Mit dieser Offenheit will 

ich auch dem Hörer entgegentreten. Erst wenn 

er das Album gehört hat, wird er sich für eine 

der beiden Jahreszeiten entscheiden können.“ 

Organischer Sound statt 

Studiokosmetik 

Wobei diese CD schon öfter als einmal gehört 

werden will, um diese Entscheidung zu treffen. 

„September“ besteht zum größten Teil 

aus Balladen. Das getragene Tempo und die 

Themenauswahl drücken anfangs auf die Gesamtstimmung. 

Doch Song für Song klart der 

Himmel über der Sängerin auf, wird freundlicher 

und positiver. Diese Klarheit führt den 

Hörer ohne Umwege direkt zu ihr selbst. 

Rebekka Bakken spricht davon, dass sie 

auf dieser CD mehr denn je ihre eigene musikalische 

Welt geschaffen habe, um die sich 

alle Geschichten drehen. Das mag nach einem 

Gemeinplatz klingen, der so oder ähnlich zu 

jeder neuen Veröffentlichung sämtlicher Musiker 

der Welt geäußert wird, doch im Fall 

von „September“ fehlt tatsächlich all die Studiokosmetik, 

die Frau Bakkens frühere Platten 

zuweilen überfrachtet haben. Plötzlich 

kann sie loslassen. Die Kommunikation erfolgt 

nicht auf halbem Weg zwischen Künstlerin 

und Hörer, sondern die Song-Poetin öffnet 

weit ihre Pforten, auf dass sich der Hörer 

voll und ganz auf ihren Kosmos einlasse. „Ich 

habe großes Glück, meine eigene Welt auf diese 

Weise erforschen zu können“, sagt sie nachdenklich. 

„Für den Hörer dürfte es kein Problem 

sein, sich in diese Welt hineinzuversetzen. 

Es geht ja auch um den Standpunkt, von dem 

aus ich meine Außenwelt betrachte. Ich selbst 

mag mich verändert haben, aber meine Umgebung 

ist dieselbe geblieben. Auf dieser Platte 

geht es um meine Filter, meine Wahrnehmung 

und meine Sprache.“ 

Sie spricht eine Einladung an ihr Publikum 

aus, für die sie sich auch noch eines wesentlich 

persönlicheren Aspekts entledigt, der 

Rebekka und die Jazzmänner 

Frühe Wegbegleiter der Sängerin 

Dass die 1970 in Oslo geborene Rebekka Bakken 

meist als Jazzsängerin gehandelt wird, obwohl sie 

sich (trotz unbestrittener Liebe zum Jazz) eigentlich 

nicht als solche sieht, hat viel mit ihren früheren 

musikalischen Partnern zu tun: Mit dem österreichischen Gitarristen 

Wolfgang Muthspiel (oberes Bild) spielte sie die Duo-Alben 

„Daily Mirror“ (2001) und „Beloved“ (2002) ein, 

der einflussreiche norwegische Soundtüftler Bugge 

Wesseltoft (li.) war eine treibende Kraft hinter ihrem 

ersten Soloalbum „The Art Of How To Fall“ (2003). 

Eine Rückkehr zu sich selbst 

Dabei machte Rebekka Bakken die einzigartige 

Erfahrung, in den Songs die Songs 

zu entdecken. Das war nicht immer leicht. 

Die Arbeit mit den Musikern war nicht das 

Problem, aber um sich zu besagter Klarheit 

zu zwingen, musste sie ein erhebliches Maß 

an Selbstehrlichkeit aufbringen. Daher auch 

das ungewöhnliche Experiment mit „Forever 

Young“. Sie war sich bewusst, dass niemand 

diesen Song, der eine ganze Generation gespalten 

hat, vorurteilsfrei hören kann. „In 

den 80er Jahren gab es ja so viele gute Songs, 

die in grässliche Produktionen eingesperrt waren“, 

seufzt sie munter. „Für mich persönlich 

war dieses Lied damals sehr wichtig, und ich 

wollte es endlich einmal ohne diese 80er-Jahre- 

Brille singen. Jetzt macht es mir selbst Spaß, 

mich in diesem Song zu hören.“ 

Für die noch immer jugendlich gestylte 

Blondine kam die mondäne Wende zu intimen 

Americana-Songs keineswegs plötzlich, 

denn schon als Jugendliche habe sie diese Art 

von Liedern geschrieben, sagt sie. Damals natürlich 

nur für sich selbst. Wenn 

sie heute in den Spiegel blickt, 

sieht sie sicher nicht das spielerisch 

kostümierte Cowgirl, das 

auf dem Cover von „September“ 

posiert, sondern eine Persönlichkeit, 

die sie lange nicht mehr war 

und endlich wieder sein darf. 

„Meine Musik gelangt an einen 

Punkt, an dem ich schon immer 

gewesen bin“, lautet ihr Credo. 

Willkommen zu Hause! 

Neu: Rebekka Bakken „September“ 

(Emarcy/Universal) erscheint am 

16. September 

6

Spielerisch geht Rebekka Bakken 

hier mit Country-Klischees um, 

nicht ohne Grund: Vom Jazz hat 

sich die Sängerin auf der neuen CD 

hin zu Country und Folk bewegt 

Foto: Tina Axelsson 

7

Wynton Marsalis & Eric Clapton 

Zeitreise in Blau 

Die zwei Großmeister zelebrieren auf ihrem Live- 

Album den Blues auf eine Weise, die vor allem die Fans 

des Gitarristen überraschen dürfte. Von Christian Stolberg 

Viele Clapton-Fans, die zum ersten 

Mal in „Wynton Marsalis & Eric 

Clapton Play The Blues“ hineinhören, 

werden überrascht sein, was ihnen da 

im ersten Stück entgegenschallt: Louis Armstrongs 

„Ice Cream“, ein Traditional, das man 

sonst von Dixieland-Kapellen hört, fetzt da 

in einer heftig swingenden Version aus den 

Boxen. Eine Auffassung vom Blues, die Welten 

entfernt ist von dem, was man sonst von 

Clapton kennt. Doch wenn nach drei Minuten 

Slowhands unverkennbare Leadgitarre zum 

Solo anhebt, werden seine Anhänger durchatmen. 

Es ist der Auftakt eines Mitschnitts 

von zwei Konzerten und einer Gala, die die 

beiden Ausnahmemusiker Anfang April im 

Rose Theatre des New Yorker Lincoln Center 

bestritten. 

Der englische Rockgitarren-Gott und der 

Jazzstar aus New Orleans – eine ungewöhnliche 

Kombination, doch sie haben mehr gemeinsam 

als ihre Virtuosität und Prominenz: 

ein fast schon musikethnologisches Wissen 

In der Vorbereitung der Konzerte gab es 

eine Aufgabenteilung: Marsalis stellte die 

Band zusammen (aus Mitgliedern seines 

Lincoln Center Jazz Orchestra plus Claptons 

Keyboarder Chris Stainton), schneiderte die 

Arrangements für sie zurecht – und orientierte 

sich dabei offensichtlich am Vorbild 

Gitarristen neu, mit einer Ausnahme: Claptons 

Superklassiker „Layla“ kam auf Drängen 

von Marsalis-Bassist Carlos Henriquez 

auf die Setliste. „Ich hätte nicht geglaubt, dass 

das funktioniert“, gestand Clapton, doch das 

ungewohnte Arrangement im schwermütigsinnlichen 

Creole Jazz Style macht den vielgespielten 

Pophit zu einem der Überraschungstreffer 

im Programm. 

Es war nicht nur eine liebevolle Verbeugung 

vor der Blues- und Jazztradition, was 

sich da auf der Bühne abspielte, sondern 

auch ein Triumph der schieren Spielfreude: 

Clapton und Marsalis solieren reichlich, aber 

auch Posaunist Chris Crenshaw, Klarinettist 

Victor Goines und die Pianisten Dan Nimme 

und Chris Stainton kommen ausgiebig zum 

Zuge. Man spürt, wie schnurzegal es ihnen 

ist, ob die Musik gerade cool und angesagt ist, 

die sie da mit heißem Engagement wieder ins 

Rampenlicht holen. Das Spiel des Gitarristen 

harmoniert verblüffend gut mit Marsalis’ 

Spitzenjazzern. Und so witzelt der Brite: 

Gutgelaunte Traditionspflege: Marsalis und Clapton im Kreis der Jazzer vom Lincoln Center 

über die Bluestradition und Leidenschaft für 

ihre Erhaltung für die Nachwelt. Ganz ohne 

Vorgeschichte waren die Auftritte ohnehin 

auch nicht: Auf Erics 2010er Album „Clapton“ 

gastierte Marsalis mit Teilen seiner Band 

auf immerhin vier Titeln. 

von King Olivers legendärer Creole Jazz 

Band. Clapton wählte das Repertoire aus – 

und stöberte dabei im New Orleans Jazz der 

20er und im Jump Blues der 30er Jahre, Gefilden, 

mit denen Marsalis und seine Leute 

vertrauter sind als er, der sich bisher eher 

am Countryblues sowie am elektrifizierten 

Chicagoblues der 50er Jahre orientiert hatte. 

Alle diese Stücke sind im Repertoire des 

„Ich hab immer allen Bluesleuten, mit denen 

ich gespielt habe, gesagt: Ich mach das bloß, 

bis ich endlich in einer Jazzband mitspielen 

darf!“ Zum Finale steigt dann noch der New 

Yorker Bluesveteran Taj Mahal mit ein. 

Neu erschienen: „Wynton Marsalis & Eric Clapton 

Play The Blues – Live From Jazz At Lincoln 

Center“ (Warner), als Audio-CD und CD + DVD 

8

Foto: Lutz Voigtländer 

backstage-lektüre 

Rolf Zacher 

Er ist ein liebenswertes Enfant terrible unter den 

deutschen TV-Darstellern: Der Berliner Schauspieler 

Rolf Zacher, ein immer noch unangepasster 

Vertreter der 68er-Generation, hat nicht nur 

in über 200 deutschen Fernsehfilmen tragende 

Rollen gespielt und seine markante Stimme als 

Synchronsprecher Hollywoodstars wie Robert 

de Niro und Nicholas Cage geliehen, 

sondern ist auch immer wieder als Musiker 

aktiv. Am 23.9. erscheint seine zweite 

eigene CD „Danebenleben“, auf der er unter 

anderem Musik von Bruce Springsteen, 

Queen und Georg Friedrich Händel interpretiert. 

Zwischen musikalischen Sessions 

und Schauspielengagements liest Zacher 

derzeit das Buch „Irre! - Wir behandeln 

die Falschen: Unser Problem sind die Normalen 

- Eine heitere Seelenkunde“ von 

Manfred Lütz, denn, so Zacher, Anarcho 

aus Überzeugung: „Das 

ist einfach ein gut geschriebenes 

und unterhaltsames 

Buch! Die Normalen sind 

die Irren und umgekehrt. Das 

stellt die Welt auf den Kopf, 

und das find ich spannend!“ 

Hörstoff: Rolf Zacher 

„Danebenleben“ (Premium 

Records/Soulfood) 

erscheint am 23.9. 

verlosung 

„After Hours – 

The Collection“ 

Die Compilation „After Hours: The 

Collection – Northern Soul Masters“ 

präsentiert Northern 

Soul – 75 legendäre 

Aufnahmen aus den 

Jahren 1965-1974 in 

einer kultigen Drei- 

CD-Box, mit Künstlern 

wie Ike & Tina Turner, 

Deon Jackson, Barbara Lynn, Archie 

Bell & The Drells, The Drifters und 

The Three Degrees. 

Wir verlosen drei Exemplare 

dieser wertigen Soul-Box!! 

Einfach eine Postkarte mit dem Stichwort 

„Northern Soul“ abschicken an: 

Inmedia, Redaktion SONO, 

Lucile-Grahn-Str. 37, 81675 München. 

Einsendeschluss ist der 1. Oktober 2011. 

7 

10 

All Time Best 

8 

11 

Reclam 

Musik Edition 

9 

12 

Durchnummerierte 

Edition zum 

Sammeln! 

Weitere Künstler Ende 2011! 

Noch mehr Musik-Ikonen und ihre größten Aufnahmen - jetzt in der „Reclam Musik Edition“! 

Die CD-Serie von Sony Music startete im März 2011 und bietet auf jeweils einer „Best of“-CD ein Kompendium des Musikschaffens legendärer 

Künstler. Die größten Aufnahmen, 16-Seiten-Booklet mit Biographie, Diskographie, Zeitstrahl, Photographien… Die 6 Titel der ersten 

Staffel u.a. mit Johnny Cash, Bob Dylan und Elvis Presley werden im August 2011 um die Alben von Leonard Cohen, Falco, Rory Gallagher, 

Whitney Houston, Willie Nelson und Lou Reed ergänzt. Fortsetzung der CD-Serie im Winter 2011. 

Erhältlich als CD und mp3-Download auf . Sowie im Buch- und Tonträgerhandel! Mehr Infos: www.legacy-club.de/reclam-musik

Hubert vo n G oisern 

Das Achleitnersche Pendel 

Zwei Jahre nach seiner spektakulären Donautournee suchte 

der Alpinpop-Star aus dem Salzkammergut den Weg zurück 

zur Einfachheit – mit dem Album „Entwederundoder“ und 

einer Tour durch abgelegene Landgasthöfe. Von Christian Stolberg 

Fans, die den künstlerischen 

Werdegang des 

Hubert Achleitner, der 

sich nach seinem Geburtsort 

in Oberösterreich so wohlklingend 

Hubert von Goisern nennt, 

schon länger verfolgen, kennen 

das Phänomen: Der charismatische 

Star des Alpenrock verfolgt 

in seiner Arbeit beileibe keine 

gerade Linie: Da folgte auf die 

erste Erfolgsphase mit seinen 

Alpinkatzen eine zurückgezogenere 

Periode mit Filmmusiken, 

da wechseln sich Alben mit vergleichsweise 

hohem Pop- und 

Weltmusikanteil mit stilleren, 

traditionelleren Arbeiten ab, 

fix bleibt nur eines: Bei Goisern 

muss mit Überraschungen gerechnet 

werden. 

„Ich investiere mich in meine 

Projekte immer so total, dass ich 

in dieser Zeit zwangsläufig vieles 

andere vernachlässigen muss. 

Und die Folge ist, dass es mich, 

wenn sich ein Projekt dem Ende 

zuneigt, dann immer mit aller 

Macht weg von diesem Thema in 

eine ganz andere, oft völlig entgegengesetzte 

Richtung zieht“, 

kommentiert der viel jünger wirkende 

58jährige im Gespräch mit 

SONO diese Pendelausschläge. 

Auch mit seinen beiden 

jüngsten Projekten schlägt der 

Musiker aus dem Salzkammergut 

wieder einen Haken: Nach 

seiner medial stark beachteten 

„Linz Europa Tour“ auf der 

Do nau, bei der Goisern in den 

Jahren 2007 bis 2009 in 60 Konzerten 

zwischen Schwarzmeer 

und Nordsee mit vielen Gästen 

(darunter Konstantin Wecker, 

Xavier Naidoo, Zap Mama) auf 

vier Schiffen seine Vision einer 

„kulturellen Osterweiterung“ 

Auch im Umgang mit seinem 

Lieblingsinstrument pendelt 

Goisern zwischen gegensätzlichen 

Polen: mal inwendig ... 

verfolgte, einer Unternehmung, 

„bei der ich eigentlich mehr eine 

Rolle wie ein Impresario hatte, 

wollte ich wieder ein etwas persönlicheres, 

privateres Album aufnehmen, 

etwas, was wieder mehr 

mit mir als Person zu tun hat“. 

Zwar hat Goisern nach eigener 

Aussage keinen „Masterplan“ 

im Kopf, wenn er ein neues 

Album angeht, „aber in mir 

entsteht nach und nach ein akustisches 

Bild, eine Vorstellung davon, 

was für eine musikalische 

Anmutung eine Platte haben soll. 

Und wenn die soweit ist, dass sie 

fast aus mir herausplatzt, dann 

mach’ ich mich ans Aufnehmen.“ 

Von Herbst 2010 bis Februar 2011 

spielte Goisern nun mit seiner 

verschlankten Band die zwölf 

Lieder seines neuen Albums 

„Entwederundoder“ ein, geradlinige, 

bisweilen intime Songs 

mit aufs Wesentliche reduzierten 

Arrangements. 

Fotos: Helmut Berg, Jürgen Skarwan 

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Eine wichtige Farbe in Goiserns 

„akustischem Bild“ für 

„Entwederundoder“ kommt von 

der modernen Countrymusik: 

„Ich habe nach dieser Qualität 

gesucht, wie sie etwa in den Alben 

der ‚American Recordings‘- 

Serie von Johnny Cash steckt, 

dieses totale Auf-den-Punkt- 

Kommen“. Auch der Blues spielt 

in zwei Stücken („I versteh di 

nit“, „Suach da an Andern“) eine 

tragende Rolle – damit knüpft 

der Österreicher an ein frühes 

Schlüsselerlebnis an: „Ich war 

vielleicht 16 oder 17 Jahre alt und 

hatte gerade gelernt ein bisschen 

Gitarre zu spielen, als ich zum 

ersten Mal in einem Club bei einer 

Session einsteigen durfte. Ich 

hatte noch keine Ahnung vom 

Blues, hab aber schnell gemerkt, 

wie leicht man diese Form mit 

seinen eigenen Gefühlen füllen 

kann. Auch, weil es da keine ‚verbotenen‘ 

Töne gibt.“ Bluesplatten 

von Alexis Korner, John Mayall, 

John Lee Hooker und anderen 

wurden von da ab Bestandteil 

seiner musikalischen Sozialisation. 

Nicht nur was den Sound, 

auch was die Songthemen angeht, 

zog Hubert von Goisern 

auf dem neuen Album die Kreise 

wieder enger: wehmütige Meditationen 

(„Ees is wias is“, „Lebwohl“), 

Zorn („Suach da an andern“), 

die zwischenmenschliche 

Kommunikation („I versteh di 

nit“) – er thematisiert hier nicht 

die große Weltpolitik, sondern 

„Dinge, die in meiner Umgebung 

passieren, Problemfelder, mit denen 

ich als Person immer wieder 

zu tun hab“. 

Therapie im Wirtshaus 

Nachdem die Rückkehr zur Einfachheit 

im Studio vollzogen 

war, drängte es Goisern auch 

live wieder zu bodenständigeren 

Erfahrungen. Und so unternahm 

er im April mit seiner Band eine 

Kurztournee durch acht abgelegene 

österreichische Wirtshäuser, 

gab dort Konzerte ohne großen 

Showfirlefanz, auf kleinen 

Bühnen und mit denkbar direk- 

... dann wieder „krachert“ wild 

und ekstatisch 

tem Publikumskontakt. „Das 

war eigentlich zunächst als eine 

Art Therapie für meine Band gedacht. 

Ich hab gefunden, dass die 

sich a bisserl sehr an die großen 

Bühnen, des tolle Licht und das 

ganze Drumherum gewöhnt hatten.“ 

Schließlich aber, gesteht der 

Bandleader, stellte sich heraus, 

„dass es vor allem eine Therapie 

für mich selbst war“. Im normalen 

Konzertbetrieb ziehen sich 

Goisern und seine Band wie die 

meisten ähnlich erfolgreichen 

Kollegen in abgesperrte Bereiche 

zurück, „aber im Wirtshaus 

geht das natürlich ned – eine Erfahrung, 

die uns wieder ganz gut 

geerdet hat“. 

Neu erschienen: Hubert von 

Goisern „Entwederundoder“ (Sony) 

Tournee: Hubert von Goisern 

ist mit seiner Band ab Januar 2012 

durch Deutschland/Österreich/ 

Schweiz unterwegs 

THE BEST OF 

25 YEARS 

Das Box Set zum 25-jährigen 

Jubiläum seiner Solokarriere 

Inhalt: 

• Drei CDs mit 45 remasterten und von Sting persönlich kuratierten 

Songs, darunter neun von Robert Orton und Steve Fitzmaurice exklusiv 

für diese Sammlung geremixte Songs. 

• Die DVD Rough, Raw & Unreleased: Live At Irving Plaza, das bisher 

unveröffentlichte Livekonzert, zehn Tracks, gefilmt in New York beim 

letzten Konzert von Stings “Broken Music” US-Tour 2005. 

Ab dem 23. September 

• Hardcover Buch mit Hintergrundbildern und seltenen Fotos, sowie den 

kompletten Songtexten, einem persönlichen Kommentar und einem 

neugeschriebenen Einleitungstext von Sting. 

www.sting.com

hat. Es hat den Heavy Metal beendet und den 

Alternative-Rock zum neuen Mainstream werden 

lassen. Womit es allerdings auch die Türen für Limp 

Bizkit und Puddle Of Mudd geöffnet hat. Von daher 

hat es eine Menge Blut an seinen Händen.“ (lacht) 

SONO-Umfrage 

20 Jahre „Nevermind“ 

Mit ihrem zweiten Album verdrängten Nirvana 

im September 1991 nicht nur Michael Jackson von 

der Spitze der globalen Charts. Es leitete auch 

eine musikalische Revolution namens Grunge ein, 

die bis heute viele illustre Freunde hat: 

Alison Krauss 

„Das Album hatte eine unglaubliche 

Energie und eine so starke Identität, 

dass es die Welt verändert hat. Denn so etwas wie 

,Nevermind‘ lässt sich nicht ignorieren – weil es 

den Geist und die Herzen der Menschen berührt. Es 

ist faszinierend, wie kraftvoll Kunst sein kann.“ 

Ric Ocasek (The Cars) 

„Ich mochte ,Smells Like Teen Spirit‘. Das 

war das Erste, was ich gehört habe. Und 

mir gefiel der Gitarrensound. Also wie groß er war – 

und wie rau und ungeschliffen. Außerdem hatte der 

Song einen tollen Text. Ich meine, ich hätte nie gedacht, 

dass sich daraus eine Bewegung entwickeln 

würde, aber es hat sich als gutes Sprungbrett für 

eine Menge talentierter Bands erwiesen.“ 

Dave Grohl (Foo Fighters) 

„Dieses Album hat mein Leben verändert. 

Schließlich war es etwas, womit 

keiner gerechnet hatte. Als es dann explodiert ist, 

war das einfach verrückt. Das hätte nie passieren 

dürfen. Genau wie Kurts Selbstmord, der alles 

beendete. Und das einfach so – quasi über Nacht. 

Es war eine emotionale Achterbahnfahrt.“ 

Moby 

„Ich halte ,Nevermind‘ nicht wirklich für 

einen Meilenstein. Ich meine, ich mag 

die Band, Kurt war ein großartiger Songwriter, Krist 

und Dave sind nette Jungs, aber das Album an sich 

finde ich gar nicht so toll. Es hat eigentlich nur drei 

gute Stücke. Aber was es so relevant macht, ist die 

Art, wie es die Musik der damaligen Zeit verändert 

Flea (Red Hot Chili Peppers) 

„Nirvana ist die beste Band ihrer Zeit. 

Und das Album ist verdammt noch mal 

umwerfend. Jeder einzelne Song ist der Wahnsinn. 

Der Geist, der sich durch dieses Album zieht, ist unglaublich 

kraftvoll. Deshalb gibt es für mich auch 

nichts Besseres.“ 

Patti Smith 

„Mit dieser Gruppe konnte ich mich wirklich 

identifizieren. Also mit ihrer Welt und 

ihren Fans. Ich habe Bilder von den sogenannten 

Grunge-Kids gesehen, und sie sahen aus wie meine 

eigenen – wie ich. Und ich mochte die Einstellung 

und die Musik von Nirvana. Sie haben wirklich tolle 

Songs geschrieben. Wobei ,Nevermind‘ mein absolutes 

Lieblingsalbum ist. Es ist eine Tragödie, dass 

er sich das Leben genommen hat. Ein riesiger Verlust. 

Ich habe tagelang geweint.“ 

Tori Amos 

„Ich war auf Tour in Schweden, und das 

Video zu ,Smells Like Teen Spirit‘ lief auf 

MTV. Ich wusste sofort, dass es etwas Besonderes 

war, etwas völlig Neues – der Sound einer Generation. 

Und die Tatsache, dass es jetzt 20 wird, gibt 

mir nicht nur das Gefühl, unglaublich alt zu sein, 

sondern es erinnert mich auch an eine Zeit, als es 

noch kein Internet gab. Als wir noch anders miteinander 

kommuniziert haben. Und ich muss sagen: 

Irgendwie war das kreativer, die Musik war besser, 

die Leute haben mehr Konzerte besucht und den 

direkten Kontakt zueinander gesucht – statt sich 

in einer digitalen Welt zu bewegen.“ 

Gesammelt von Marcel Anders 

Foto: Ellen von Unwerth 

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neue gesichter 

Miloš Karadaglić 

Mittelmeerromantik auf 

hohem Niveau 

[Klassik] Als musikalische Reise ans Mittelmeer 

hat der montenegrinische Gitarrist sein 

Debütalbum bei der Deutschen Grammophon 

angelegt: Werke von Komponisten wie Isaac 

Albéniz, Enrique Granados, aber auch von 

Mikis Theodorakis interpretiert der 28-Jährige 

mit solch ausdrucksvoller Sensibilität und 

gelassener Reife, das man ihn trotz der Dressman-Fotos 

auf dem CD-Cover schnell künstlerisch 

ernst nimmt. Zwar erfüllt die CD atmosphärisch 

die Versprechungen auf mediterrane 

Romantik durchaus, die mit der Optik 

geweckt werden – aber eben auf hohem Niveau. 

Karadaglić, der an der Royal Academy 

Of Music in London ausgebildet wurde, hat 

klug daran getan, sowohl den östlichen als 

auch den westlichen Mittelmeerraum in seine 

Repertoireauswahl einzubeziehen – so wirkt 

der Reigen dieser 17 Stücke auch ohne Gimmicks 

abwechslungsreich. Raoul Gulbenkian 

Die Latin-Lover- 

Pose mag täuschen: 

Hier sitzt ein ernsthafter 

Interpret 

Miloš Karadaglić „Mediterraneo“ (DG/Universal) 

Seide 

Schimmernder Hörstoff 

zwischen Jazz und Pop 

Will Aufmerksamkeit 

und 

belohnt sie 

auch: Sabine 

Müller 

[Vocal Jazz] „Lausche dieser Musik am besten über 

gute Kopfhörer oder gute Lautsprecherboxen. Schenke 

dir Zeit. Befreie dich von allen Ablenkungen“, fordert 

das Nürnberger Trio mit dem schillernden Namen 

Seide im Booklet seines Debütalbums „Passion, 

Pain & Poetry“. Wer das von seinen Hörern verlangt, 

muss auch etwas zu bieten haben: Sabine Müller 

(Stimme, Glockenspiel), Tino Derado (Tasten) 

und Christoph Müller (Posaune) belohnen die 

ungeteilte Aufmerksamkeit des Hörers mit 

fragilen, fein nuancierten Jazzsongs in mal 

englischer, mal deutscher Sprache. Nicht 

zuletzt dank der ungewöhnlichen 

Instrumentierung entfalten 

sie ein ganz eigenes, intimes 

Flair. Felix Marondel 

Seide „Passion, Pain & 

Poetry“ (A Jazz/ NRW) 

Gabe Dixon 

Auf den Spuren von Elton und Billy 

[Pop] Er erinnert an die glänzendste Zeit des US-Popradios, 

die frühen 70er, als Künstler wie Elton John und 

Billy Joel textlichen Anspruch genial mit eingängigen 

Songs, frische Musikalität perfekt mit gut polierter Produktion 

verbanden. Der Sänger und Pianist Gabe Dixon 

überzeugt mit unterhaltsamem melodiösem, klaviergetriebenem 

Pop ganz in der Tradition von Elton und 

Billy. Als Duettgast mit dabei: Bluegrass-Königin Alison 

Krauss. Felix Marondel 

Gabe Dixon „One Spark“ (Fantasy/Universal) 

13

Eine kleine Charts-Historie 

Von Pferdehalftern 

& Fußballhymnen 

Hit oder Niete? Abzulesen ist das an den 

Charts. Wie aber funktioniert das Spiel 

mit den Platzierungen, wer steckt 

dahinter, und wie wird abgerechnet? Ein 

Streifzug durch Gegenwart und Vergangenheit 

der Hitparaden. Von Ernst Hofacker 

Liese-Lotte Helene Berta Bunnenberg aus Bremerhaven war die 

Erste: Unter ihrem Künstlernamen Lale Andersen gelang der 

blonden Sängerin in den Weltkriegsjahren mit „Lili Marleen“ 

der erste verbürgte Millionenseller in Deutschland. Nummer eins war 

sie trotzdem nicht. Denn eine Hitparade, also eine verlässliche Rangliste 

der bestverkauften Schallplatten, gab es zu jener Zeit in Deutschland 

nicht. Erstmals im Dezember 1953 druckte die Branchenzeitschrift 

„Der Automatenmarkt“ eine Liste der hierzulande in den Jukeboxes 

verbreitetsten Platten ab. An der Spitze damals: „Es hängt ein Pferdehalfter 

an der Wand“ von der niederländischen Gruppe Kilima Hawaiians 

– mithin der erste dokumentierte Nr.-1-Hit in Deutschland. 

Bis heute wird der Titel indes mit einem anderen Interpreten verbunden, 

dem ebenfalls aus den Niederlanden stammenden Sänger 

Bruce Low. In die Hitparade schaffte es seine Version jedoch nie. Dass 

Lows Pferdehalfter nach Charts-Maßstäben deutlich tiefer hing als 

das von den Kilima Hawaiians, im Gedächtnis des Publikums aber 

weit präsenter blieb, zeigt zweierlei: Die Hitparadenplatzierung sagt 

nicht unbedingt etwas darüber aus, wie bekannt eine Platte ist. Und: 

die Charts des Jahres 1953 spiegelten natürlich einen gänzlich anderen, 

kleineren und von unterschiedlichen Medien bestimmten Markt wider 

als die des Jahres 1973 oder die aus heutiger Zeit. 

Jeder kochte seine eigenen Charts 

So wie heute in die Verkaufslisten selbstverständlich neben den eigentlichen 

CD-Absätzen anteilig die Radioeinsätze und die Online-Verkäufe 

einer Platte einfließen, so spielte in der Frühzeit der Charts die Jukebox 

eine entscheidende Rolle. Kein Wunder, wenn man bedenkt, dass 1940 

in den USA bereits 60 Prozent der gepressten Schellackplatten in den 

rund 400.000 Jukeboxen landeten. In späteren Jahren stieg dieser Anteil 

Schätzungen zufolge gar auf zeitweise 75 Prozent. 

Die Jukeboxes waren also der – neben dem eigentlichen Handel 

und dem Radio-Airplay – wichtigste Absatzmarkt für die Schallplattenindustrie. 

Folgerichtig fügte das US-Branchenmagazin Billboard 

seinen Absatzstatistiken, die auf Angaben der Plattenlabels sowie Erhebungen 

bei Radiosendern beruhten, im Jahr 1938 auch eine Liste 

der beliebtesten Jukebox-Titel hinzu. Erstmals hatte Billboard im Jahr 

1913 eine Verkaufsstatistik veröffentlicht, damals dokumentierte diese 

jedoch noch die Absätze der sogenannten Music Sheets, also Notenblätter 

– die Schallplatte war noch kaum verbreitet. 1936 dann gab es 

Illustration: Max Ott 

14

die Jukebox 

Frühe Hitmaschine 

Die Jukeboxes, wie wir sie heute 

kennen, hatten einen Vorläufer: den 

Phonographen, der Musik von 

Wachswalzen abspielte. Als in den 

30er Jahren die Schellackplatten 

immer populärer wurden, verdrängten 

die Jukeboxen die Phonographen. 

Bereits in den 40er Jahren bekamen 

die Geräte ein Design, dessen 

Grundzüge sich bis 

heute erhalten 

haben. Jahrzehntelang 

hatten vor 

allem Jukeboxes 

in öffentlichen 

Lokalen großen 

Einfluss auf den 

Plattenverkauf. 

in Billboard die erste echte Hitparade. Im Laufe der Jahrzehnte legten 

Billboard und Konkurrenzmagazine wie Cash Box und Record World 

ihren Charts eine jeweils eigene Mischung aus Verkaufsstatistiken und 

Airplay zugrunde. 

Ähnlich die Charts-Historie in Deutschland. Ab 1959 kümmerte 

sich das Fachblatt Der Musikmarkt um die systematische Erstellung 

einer Hitparade. Der Verlag rief die Verkaufsstatistiken bei ausgesuchten 

Händlern ab und kombinierte Angaben zu Platten- und Notenverkäufen 

und die Verbreitung in den Automaten zu einer einheitlichen 

Bestenliste. Erster Spitzenreiter dieser nun zuverlässigeren Charts war 

Freddie Quinn mit „Die Gitarre und das Meer“. Zunächst erschienen 

die Musikmarkt-Charts monatlich, seit 1965 14-tägig, seit 1971 wöchentlich. 

1976 trat das Baden-Badener Marktforschungsinstitut Media Control 

auf den Plan und liefert seitdem im Auftrag des Bundesverbandes 

der Phonographischen Wirtschaft die offiziellen Charts für Deutschland. 

Zur Berechnung dienten lange Zeit ausschließlich die Verkaufszahlen 

der Tonträger (Schallplatten, Musikkassetten), seit 1989 wurden 

auch die Radioeinsätze eines Titels berücksichtigt. Die digitale Revolution 

schlägt sich seit 2001 auch in den Media-Control-Charts nieder, 

wo seitdem die Online-Verkäufe 

einfließen. Heute melden wöchentlich 

2.000 Geschäfte – kleine 

Läden genauso wie große 

Handelsketten und Online-Riesen 

wie iTunes und Amazon – 

ihre Zahlen an ein automatisches 

Registrierungssystem. 

Der Nr.-1-Hit, 

den keiner kennt 

Allerdings ist der Absatz von 

physischen Tonträgern seit dem 

Siegeszug des Online-Handels 

in den Keller gefallen. Beeindruckender 

Beleg: Die kalifornische 

Sängerin Sara Bareilles eroberte 

im Jahr 2010 mit gerade noch 

89.500 verkauften Exemplaren 

ihres Albums „Kaleidoscope 

Heart“ in der ersten Woche nach 

der Veröffentlichung Platz eins 

in den US-Billboard-Charts – 

so wenig Verkäufe hatten dafür 

bis dahin noch nie ausgereicht. 

Zum Vergleich: Im Jahr 1998 schlug der US-Countrybarde Garth 

Brooks von seinem Live-Album „Double Live“ in der ersten Woche 

knapp 1,1 Millionen Exemplare los, ein Rekord, der natürlich ebenfalls 

für Platz eins reichte. 

Wie wenig die Chartsplatzierung gelegentlich über den Erfolg eines 

Songs aussagt, belegt das Beispiel einer der populärsten Melodien des 

letzten Jahrzehnts: Als „Seven Nation Army“ von der US-Indieband 

The White Stripes im Jahr 2003 erstmals auf Single erschien, kam es in 

den USA über Platz 76 nicht hinaus. In Deutschland blieb es praktisch 

unbemerkt. Erst nachdem es die Fußballfans entdeckt und im Sommer 

2008 zur heimlichen Hymne in den Stadien der Europameisterschaft 

gemacht hatten, wurde es eilig ein weiteres Mal als Single ausgekoppelt 

und schaffte es im Juli bis auf Platz vier der deutschen Hitlisten. 

Auf Platz eins thronte in diesen Wochen der DSDS-Sieger Thomas 

Godoj mit der Ballade „Love Is You“. Kennt die noch jemand? 

15

Rückblick 

Das Beste des Sommers 

Seit dem Erscheinen der letzten Printausgabe von 

SONO ist erneut ein bewegter Sommer ins Land 

gegangen. So wechselhaft er hinsichtlich des 

Wetters wieder war, so reich die Ernte in musikalischer 

Hinsicht. Wir rufen vier Highlights 

unter den Musikveröffentlichungen dieses Sommers 

2011 hier noch einmal in Erinnerung. 

Das Rockalbum des Sommers: 

Tedeschi Trucks Band 

„Revelator“ 

Die Vorfreude vor allem in den 

USA war groß, als sich herumsprach, 

dass diese beiden ihre 

Bands zu einem 11-köpfigen Ensemble vereinigt haben: 

Derek Trucks Neffe von Allman-Brothers-Band 

Drummer Butch Trucks und einer der meistgefeierten 

jüngeren Bluesgitarristen der USA, und seine Frau 

Susan Tedeschi, selbst Gitarristin, Sängerin und Songschreiberin 

von hohen Graden. Weil in ihren bisherigen 

Bands die Instrumentalkunst hoch gehalten wurde 

und Trucks ja auch Gitarrist bei den Allman Brothers 

ist, erwarteten manche, dass das Debüt der Tedeschi- 

Trucks-Band ein typisches Jam-Band-Produkt würde. 

Es kam anders: nirgendwo zielloses Gejamme; „Revelator“ 

ist ein Album, das sich konsequent auf sorgfältiges 

Songwriting der beiden Leader stützt und dabei eine 

Art Tour durch die heute noch relevanten Südstaaten- 

Roots-Styles macht. Ein überzeugendes Debüt dieser 

neuen First-Class-Southern-Combo. Man wird noch 

viel von dem famosen Musikerehepaar hören! (Masterworks/Sony 

Music) 

Christian Stolberg 

Die Klassik-Überraschung 

des Sommers: 

Heinz Hölliger, Erich 

Höbarth, Camerata Bern 

Johann-Sebastian Bach Konzerte 

und Sinfonien für Oboen: 

„Ich hatte viel Bekümmernis“ 

Preziosum für Barock-Liebhaber: Der renommierte 

Schweizer Oboist Heinz Hölliger setzt seine langjährige 

Zusammenarbeit mit der Camerata Bern mit einigen 

der schönsten Werke Johann Sebastian Bachs für die 

Oboe fort: Die Eröffnungen zweier Kantaten, das Konzert 

in c-Moll (BWV 1060), das Konzert in A-Dur (BWV 

1055) und das Konzert in d-Moll (BWV 1059), jeweils 

in (teils auf Rekonstruktionen basierenden) Fassungen 

für Oboe, Streicher und Basso Continuo, dazu das 

Adagio aus der Sinfonie des Oster-Oratoriums (BWV 

249) und ein von Bach bearbeitetes Konzert in d-Moll 

seines Zeitgenosssen Alessandro Morcello gelingen interpretatorisch 

wie klanglich exquisit. Wunderbar, wie 

sich Hölligers Oboe und die von Erich Höbarth gespielte 

Solo-Violine in der Sinfonia zur Kantate „Ich hatte 

viel Bekümmernis“ umgarnen; ein spezieller Genuss, 

die seltener als Soloinstrument eingesetzte, tiefer und 

voller klingende Oboe d’amore im A-Dur-Konzert zu 

hören; bewegend, wie Hölliger die Solostimme im Adagio 

des d-Moll-Konzerts gestaltet. Die Transparenz des 

Ensembleklangs geht nirgends zu Lasten seiner barocken 

Sinnlichkeit. Am Ende steht man wieder vor dem 

Bach-Paradoxon: Wie selbst Kompositionen, die mollschwer 

existentiellen Kummer thematisieren, durch 

ihre strahlende Schönheit doch zu einem jubilierenden 

Preis der Schöpfung geraten. (ECM/Universal) 

 

Christian Stolberg

Das Jazz-Highlight des Sommers: 

Johannes Enders 

„Billy Rubin“ 

Das hat etwas von diesen legendären 

Aufnahmen im Wohnzimmerstudio 

von Rudy van Gelder, 

bei denen sich nahezu alle wesentlichen Gestalten des 

modernen Jazz trafen, nur dass „Billy Rubin“ im vergangenen 

Jahr in Weilheim bei Johannes Enders festgehalten 

wurde. Mit ihm im Heimstudio waren Drummer 

Billy Hart, Pianist Jean Paul Brodbeck und Bassist 

Milan Nicholic, ein Team, das mit dem Saxofonisten in 

symbiotischer Intimität musizierte. „Billy Rubin“ speist 

seine Präsenz und Kraft aus einem gemeinsamen Gestaltungswillen 

und einer Erzählkompetenz, die Musik 

als natürlichen Fluss der Melodien und Improvisationen 

erscheinen lässt. Besonders Saxofonist Enders 

phrasiert und intoniert betörend persönlich. (Enja Yellowbird 

/ Edelkultur) 

Ralf Dombrowski 

Das DVD-Schmankerl des Sommers: 

Sheryl Crow „Live At 

the Pantages Theatre“ 

In Deutschland wurde ihre für Oktober 

2010 geplante Tournee abgesagt. 

Das ist schade, denn wie die 

am 3. Juni erscheinende DVD dieser 

Tour zeigt, hat man einiges verpasst – vorausgesetzt, 

die Künstlerin hätte die Energie und Dynamik, die sie 

im November 2010 im Pantages Theatre hoch in den 

Hollywood Hills an den Tag legte, mit nach Deutschland 

gebracht. Es galt, mit ihrer toughen neuen Band 

das von Stax und Motown inspirierte aktuelle Album 

„100 Miles From Memphis“ auf der Bühne umzusetzen, 

wobei eine Bläser-Sektion druckvolle Akzente lieferte. 

(Eagle Vision/Edel) 

Heiko Große 

20 JAHRE 

2-CD DELUXE EDITION 

mit dem neu gemasterten 

Original Album plus B-Seiten 

und 14 bisher 

unveröffentlichten Tracks 

Auch als LTD. SUPER DELUXE EDITION (s. Abb), 

4-LP BOXSET und DOWNLOAD 

· CD 1: Das Original Album neu 

gemastert plus B-Seiten 

· CD 2: 18 Tracks, davon 14 unveröffentlicht, 

mit Boombox-Sessions, 

Demos und BBC Aufnahmen 

· CD 3: die unveröffentlichten Devonshire 

Mixes von Butch Vig 

· CD 4+DVD: Live At The Paramount, 

Seattle, 1991 – auf CD und DVD, 

96-seitiges Hardcoverbuch mit 

zahlreichen Fotos, einem Poster 

u.v.m. 

LIVE AT THE PARAMOUNT, 

SEATTLE, 1991 

Das bis dato unveröffentlichte Konzert in 

bester Filmqualität auf DVD und Blu-ray 

Ab 23.09. 

1991: THE YEAR PUNK BROKE 

Foto: Getty Images 

17 

Der legendäre Film von David 

Markey, der während der 

Sonic Youth Europa-Tour 1991 

aufgenommen wurde. 

ERSTMALS AUF DVD 

Featuring Performances von 

NIRVANA, The Ramones, 

Dinosaur Jr., Babes In 

Toyland & Gumball sowie 

Bonusmaterial 

AB JETZT

pink floy d 

Geheimnisse unter 

der Oberfläche 

Als die britische Artrock-Band vor 

40 Jahren die Arbeit an einem neuen 

Album begann, deutete wenig auf die 

Geburt eines Superklassikers hin. Doch 

es entstand der Dauerbrenner „The 

Dark Side Of The Moon“. Von Michael Sailer 

Es ist das Wesen der Gigantomanie, dass sie kein Wesen hat. 

Man steht vor aufragenden Wolkenkratzern, deren vermeintliche 

Schönheit und Bedeutung in ihrer schieren Größe liegt, 

und ahnt, dass sie hohl sind, erfüllt lediglich von banalen Verrichtungen. 

Je größer etwas ist, desto mehr wird darüber reflektiert, und je 

mehr man darüber spricht, desto größer wird es. Das kann auch einer 

Schallplatte passieren. Zum Beispiel „The Dark Side Of The Moon“: 

1973 erschienen, ist darauf nichts von der zeittypischen brütenden 

Elegie nach dem großen Glam-Karneval zu finden, aber auch nichts 

von deren Widerpart, dem stratosphärisch abgehobenen Irrwitz der 

späten Progressive-Bands. Es ist einfach: Rock. Eine makellose Klangtapete, 

die perfekte Beschallung für lange Abende, an denen man auch 

anderes zu tun hat als Musik zu hören (zum 

Beispiel kiffen). 

Und doch war und ist etwas daran, was 

unwiderstehlich wirkt, das große Rätsel vermeintlicher 

Leere, symbolisiert schon durch 

die Verpackung, die keinerlei Signifikanz 

transportiert als sich selbst. Auch der Autor 

dieser Zeilen, ansonsten damals als Prä-Teenager 

an Mainstreamrock kaum interessiert, 

konnte sich dem nicht entziehen, es aber auch 

später nicht erklären. Und so wurde „Dark 

Side Of The Moon“ größer und immer größer. 

Es stand als erstes Floyd-Album an der 

Spitze der US-Charts und hielt sich länger 

in den Hitlisten als irgendein Album vorher 

und nachher: 741 Wochen. 

18 

„The Dark Side Of The 

Moon“ ist eine Art Klanghörspiel, 

perfekt und 

zugleich experimentell, 

bebend vor Pathos 

und packend intim 

Sie waren alles andere als ein Rockdinosaurier 

Entstanden ist dieses historische Unikum, das wirkt wie aus einem 

Guß, höchst fragmentarisch: Roger Waters, David Gilmour, Rick 

Wright und Nick Mason waren alles andere als ein etablierter Rockdinosaurier, 

als sie sich nach Abschluß einer US-Tour am 30. November 

1971 in einem Londoner Probestudio trafen, um ein neues Album zu 

schreiben. Seit sich Syd Barrett 1968 ins Reich der Psychose verabschiedet 

hatte, waren drei Alben erschienen, mit denen die Band überwiegend 

unzufrieden war und die sich mäßig verkauft hatten; die letzte 

(und erste) Top-ten-Single „See Emily Play“ lag viereinhalb Jahre zurück. 

Geld brachten hauptsächlich Filmsoundtracks, denen Pink Floyd 

daher mehr Aufmerksamkeit widmeten. Zudem sollte am 20. Januar 

ihre erste UK-Tour seit vier Jahren starten, der Konzertplan war bis 

1973 gut gefüllt – so blieben nur kurze Pausen, um an „Dark Side Of The 

Moon“ zu arbeiten, dessen Entwicklung sich auch inhaltlich hinzog. 

Die Psychedelic-Welle, die sich „um uns, aber nicht in uns“ (Mason) 

abgespielt hatte, der die Band aber ihren frühen Ruhm verdankte, war 

längst abgeebbt, und Roger Waters hatte die Nase voll von verstiegener 

Symbolik und enigmatischen Anspielungen. Seine Texte, beschloß er, 

sollten diesmal das absolute Gegenteil sein: klar, simpel, direkt und 

ohne vierfachen Wortsinn. Die entscheidende Idee hatte er nach einigen 

Tagen des Herumwühlens in alten Aufnahmen („die Mülltonne 

plündern“, wie Gilmour es nennt), aus denen man noch etwas machen 

könnte (etwa einem von Michelangelo Antonioni abgelehnten Stück 

für den Film „Zabriskie Point“, aus dem „Us And Them“ entstand). Ein 

Gesamtkonzept sollte die ganze Platte umspannen: Nöte und Ängste 

des modernen Lebens, die den Menschen an positivem Handeln hindern. 

In Diskussionen entschied man sich schließlich für die ganz großen 

Themen – Geld, das Altwerden, Gewalt, Tod. Persönliche Erfahrungen 

spielten dabei jedoch eine wichtige Rolle, der Tod von Waters’ 

Vater im Zweiten Weltkrieg ebenso wie Syd Barretts schleichender 

Wahnsinn. 

Das meistgedeutete Album der Popgeschichte 

Musikalisch war die Herangehensweise ähnlich generalistisch. Wo keine 

Ideen aus der Luft materialisieren, die Inspiration nicht brennt, setzt 

der Künstler auf Experimente und Detailgefummel, spielt tausende 

Male dasselbe Gitarrenriff, denselben Akkord, in dem unbestimmten 

Gefühl, das sei schon was, aber etwas fehle. Diese Arbeitsweise hatten 

Pink Floyd mit „Meddle“ etabliert, als die Band nächtelang herumsaß, 

Wein trank, Joints rauchte und „nichts zustandebrachte“, wie sich 

Toningenieur John Leckie später erinnerte. Statt Songs zu schrei ben, 

suchten die Musiker nach exotischen Geräuschen 

und Effekten, ließen sensationell neue 

Synthesizer und Haushaltsgeräte erklingen, 

erfreuten sich an seltenen Zufällen und gingen 

„nach Hause zum Abendessen, während Roger 

Stunden über Stunden am Konzept und den 

Texten feilte“, wie sich Gilmour später etwas 

schuldbewußt erinnerte. 

Die entscheidende Stärke des Albums 

sind daher auch nicht die Songs, sondern das, 

was man heute „Arrangement“ nennt, und die 

Produktion: enigmatische Stimmschnipsel 

(eine Reihe von Kollegen und Bekannten, die 

spontan Fragen wie „Hast du Angst vor dem 

Tod?“ beantworteten), Uhren, fallende Münzen, 

imitierte Herzschläge, klappernde Schritte, 

reißendes Papier, eine Registrierkasse, der wortfreie Gesang von 

Clare Torry, regelwidrig eingesetzte Maschinen (etwa ein Gerät zur 

Verhinderung von Feedback) und jede Menge technische Tricks (für 

die teilweise Toningenieur Alan Parsons verantwortlich war, der sich 

im Gegenzug die Floyd-typischen schleppenden Konsens-Rhythmen 

und gemächlichen Akkordfolgen für sein „Project“ auslieh) machen 

„Dark Side Of The Moon“ zu einer Art Klanghörspiel, perfekt und zugleich 

experimentell, bebend vor Pathos und packend intim.

Von der Livepremiere am 17. Februar 1972 

im Londoner Rainbow waren nicht nur Kritiker 

begeistert: Schon kurz darauf erschien ein Bootleg 

der Show, der sich 120.000 Mal verkaufte, bis 

nach langwierigen, immer wieder unterbrochenen 

Feinarbeiten am 1. März 1973 endlich das Original in den Läden 

stand. Als dann die Single „Money“ zum Hit wurde, zeigte sich, dass 

der Ansatz, Probleme, die jeden drücken, auf verständliche, möglichst 

allgemeingültige Weise anzusprechen und in Musik zu verpacken, die 

niemanden überfordert, gleichzeitig aber mit einer Reihe von Oh!-Effekten 

beeindruckt, der ideale Mittelweg in Millionen Herzen war. 

Roger Waters meint, der Erfolg der Platte beruhe darauf, dass 

„nachkommende Generationen von Jugendlichen sie kaufen wollen, 

wenn die Hormone ihren Blutkreislauf überschwemmen und sie gegen 

die herrschenden Zustände aufbegehren“. „Man kann eine direkte Linie 

von diesem Album zur heutigen globalen ‚Politik der verbrannten Erde‘ 

ziehen“, sagte Nick Mason 1998 etwas verschwurbelt, aber durchaus 

treffend. Gegen Umwelt- und Klimakatastrophen bleibt alle Betroffenheit 

wirkungslos, aber deren Wortführer werden zu Lichtgestalten, 

und aus der geheimnisvollen Undergroundgruppe der späten 60er 

wurde die größte Mainstream-Rockband aller Zeiten – was den Musikern 

persönlich wie künstlerisch bleibende Schäden zufügen sollte, 

Rick Wright, Roger Waters, Nick Mason und 

David Gilmour (v. l.) flog die Inspiration 

zu den Stücken des Albums nicht locker zu 

– sie zwangen sie nach und nach herbei 

von denen sie 1973 noch nichts ahnten. Die anhaltende 

Attraktivität der offenbar alterslosen 

Platte hat aber noch einen anderen Grund: Wo 

scheinbar wenig ist, beginnt der Hörer zu suchen, 

lädt periphere Details mit Bedeutung auf 

und entdeckt immer neue Tiefen unter dem Spiegel der Oberfläche. 

So wurde „Dark Side Of The Moon“ auch zum meistgedeuteten (und, 

logisch: mißdeuteten) Album der Popgeschichte, bis hin zu der Vermutung, 

es sei ein heimlicher Soundtrack zu dem Film „The Wizard 

Of Oz“ von 1939. 

Wahrscheinlich liegt das Geheimnis von „Dark Side Of The Moon“ 

in seiner schlichten Perfektion, Perfektion der Schlichtheit. Darin ähnelt 

das Album der Bibel, die alle Geschichten enthält, die in den zweitausend 

Jahren danach (und davor) immer wieder neu erzählt, variiert 

und ausgesponnen wurden, – oft so grob umrissen, dass man sie mehr 

hinein- als herauslesen muss. Und vielleicht deshalb ist „Dark Side Of 

The Moon“ wenn auch nicht mehr die meistverkaufte, so doch zweifellos 

die erfolgreichste Schallplatte aller Zeiten. 

Neu: Am 23. September erscheint „The Dark Side Of The Moon“ (EMI) in 

technisch überarbeiteten Deluxe- und Special-Edition-Versionen als erster 

Teil einer groß angelegten Pink-Floyd-Wiederveröffentlichungskampagne. 

19

Die Sono-liste 

Sie meinen, Musiker 

über 50 hätten in Rock 

und Jazz nichts Neues 

mehr zu sagen? 

Hier sind ein Dutzend Gegenbeweise. 

Von Hans-Jürgen Schaal 

Illustration: Fornfest 

20

1. Adrian Belew „Side One“ 

In den 80ern kannte man von 

dem Mann aus Kentucky vor 

allem exquisite Gastauftritte, 

bizarre Gitarrensounds und 

schräge Songs über Nashörner. 

Manches Skurrile brachte er in 

die Band King Crimson ein, aber 

er hat sich umgekehrt von dort 

auch einiges geholt: verzwickte 

Gitarrenstrukturen, massive 

Soundwände, einen dröhnenden 

Rockbeat. Mit dem Soloalbum 

von 2004 – da war er 54 – hievte 

sich Adrian Belew auf ein neues 

Niveau. (Sanctuary) 

2. Ry Cooder 

„Chávez Ravine“ 

Ob Blues, TexMex oder Country: 

Der Kalifornier war immer ein 

kreativer Roots-Verwerter und 

Weltmusik-Pionier. Sein größter 

Erfolg kam 1997 mit „Buena 

Vista Social Club“, wozu Cooder 

musikalisch allerdings wenig 

beitrug. Wesentlich origineller 

verfuhr er 2006 – nun 59-jährig – 

beim atmosphärischen Porträt 

eines ehemaligen Latino-Viertels 

in L.A. namens Chávez Ravine: 

eine mutig verfremdete Hör- 

Baustelle aus Mambo, Mariachi, 

Blues und Jazz. (Nonesuch) 

4. Deborah Harry 

(Blondie) 

„The Curse Of Blondie“ 

Nicht nur sind frühe Songs der 

New-Wave-Band ins Jazz-Repertoire 

eingegangen, Sängerin Harry 

selbst hat zwischendurch als 

Jazzvokalistin und Schauspielerin 

geglänzt. Das hört man ihrer 

Stimme an, ohne dass sie das 

Burschikose oder Sirenenhafte 

verloren hätte. Auf dem zweiten 

Studioalbum (2003) ihrer wiedergeborenen 

Band finden sich 

neue Attitüden, elektronische 

Beimischungen, überraschende 

Tonfälle. Das hat nichts mehr 

von Retro. (Epic) 

5. Dave Holland 

„What Goes Around“ 

Miles Davis holte den Engländer 

einst nach Amerika, weil er 

auch E-Bass spielen konnte wie 

ein Rockmusiker. Einige Jahre 

später war Holland eine lebende 

Jazzbass-Legende und ein 

echter New Yorker. Mit 57 Jahren 

– 2002 – kam er auf die Idee, 

die verschränkten Linien seiner 

Quintettmusik ins totgesagte 

Bigband-Format zu übersetzen – 

und schuf damit eine völlig neue 

Ästhetik des Jazz-Orchesters. 

Das Album brachte ihm seinen 

ersten Grammy. (ECM) 

7. Joe Jackson „Rain“ 

Mal Rock, mal Jazz, mal Klassik: 

Es ist schwer, all den stilistischen 

Kehrtwendungen zu folgen, die 

der maßlos talentierte, aber 

völlig unberechenbare Brite im 

Lauf seiner Karriere hingelegt 

hat. Auch 2008 – mit 54 Jahren – 

war der Wahl-Berliner noch 

lange nicht an seinem Ziel angekommen, 

aber wieder einmal um 

eine Station weiter. Eigenwillig 

beispiellose Songs zwischen den 

Genres, nur von Klavier, Bass 

und Drums begleitet. (Warner) 

8. Rolf Kühn 

„Rollercoaster“ 

Mit 25 Jahren der „beste Jazzklarinettist 

Europas“, dann eine 

Bigband-Karriere in den USA, 

Pionier des europäischen Freejazz 

und Jazzrock, Orchesterleiter, 

Filmkomponist ... Schon 

vor langer Zeit hätte sich Rolf 

Kühn zurücklehnen und auf seinen 

Lorbeeren ausruhen können. 

Stattdessen gründet er mit 

79 (!) Jahren ein junges, freches 

Berliner Jazzquartett und macht 

die aufregendste Musik seines 

Lebens. Erstes Stück auf dem 

Album: „What A F ... Day“. (Jazzwerkstatt) 

10. Gary Moore 

„Close As You Get“ 

Bei bekannten Bands war er 

immer nur kurzzeitig engagiert, 

dafür kreuzte er bei allen möglichen 

All-Star-, Konzept- und 

Kollegenprojekten als Gaststar 

auf. Der Rockgitarren-Virtuose 

aus Nordirland wurde zu seiner 

eigenen Marke: Mehr als 25 Soloalben 

hat er gemacht und zum 

Schluss alles auf die zwölftaktige 

Form reduziert, den Blues. Denn 

es kam auf das Wie an, nicht das 

Was: Die Gitarre war der Star – je 

später, desto mehr. (Eagle Rock) 

11. Robert Plant 

„Mighty Rearranger“ 

Irgendwie steckte alles schon damals 

bei Led Zeppelin drin, aber 

erst im neuen Jahrtausend lässt 

er es richtig heraus. Der Mann 

mit der heiseren Stimme, dessen 

„Stairway To Heaven“ nicht totzukriegen 

ist, hat sich zum Dompteur 

der Weltmusiken gewandelt, 

kreuzt afrikanische Trommeln 

mit Rockriffs, orientalische 

Streichermusik mit Bluesformen, 

Folk-Gitarren mit jazzy Rhythmen. 

Dagegen wirken Jimmy 

Pages Hardrock-Wiederholungen 

senil. (Sanctuary) 

3. Steve Hackett 

„To Watch The Storms“ 

Schon bei den frühen Genesis 

(1971–1977) wirkte der Londoner 

seltsam intellektuell und eigenbrötlerisch, 

völlig versunken in 

seine Gitarre, die er grundsätzlich 

im Sitzen spielte. Bald nach 

seinem Ausscheiden startete er 

eine Solokarriere und scheint 

über die Jahre immer weiter zu 

wachsen: Das Album von 2003 

war das etwa 18. Solowerk des 

damals 53-Jährigen. Hypnotische 

Melodien, verwirrende Gitarrenkunst, 

Ergreifendes zwischen 

Melancholie und Abgrund. 

(Camino) 

6. Annette Humpe 

(Ich + Ich) 

„Vom selben Stern“ 

Ihre coolen Erfolge mit der NDW- 

Band Ideal („Berlin“, „Blaue Augen“) 

schienen einst ein kurzlebiges 

Modephänomen. Doch 2004 

überarbeitete Annette (früher: 

Anete) Humpe mit dem fast 30 

Jahre jüngeren Sänger Adel Tawil 

ihr Rezept für deutschsprachigen 

Pop – und erstürmte 2007 

mit dem zweiten Album von Ich + 

Ich die Charts. Auch für Max 

Raabe schreibt sie schlaue Songs 

für die Ewigkeit. (Universal) 

9. Joni Mitchell 

„Shine“ 

Mit 60 Jahren wollte sich die 

Grandma der Singer/Songwriter-Szene 

eigentlich für immer 

von der Musik verabschieden. 

Aber es kam anders: 2007 veröffentlichte 

Joni Mitchell dieses 

Album mit neuen Songs, frisch 

erschüttert von der „Dummheit 

unserer Spezies“. Ja, sie hat immer 

noch etwas zu sagen – auch 

in der Art, wie sie es sagt. Nach 

Jazz-Experimenten und Orchesteraufwand 

genügen ihr jetzt ein 

paar billige digitale Sounds zur 

Begleitung des Wesentlichen. 

(Hear Music) 

12. Tom Waits 

„Real Gone“ 

Der ehemalige Folksänger aus 

Kalifornien hat sich in jedem 

Jahrzehnt immer wieder neu 

erfunden – immer verstörender, 

immer radikaler. Auf diesem 

sehr politischen Album aus dem 

Jahr 2004 – mit 54 Jahren – klang 

er manchmal, als wuchtete er 

mit den eigenen Händen diese 

massiven Soundwände über den 

Asphalt und müsste sich mit der 

Stimme selbst dabei anfeuern. 

Ein letzter Gerechter gegen den 

Lärm der Welt: Sinnfälliger als 

hier hat Tom Waits das niemals 

vorgeführt. (Anti) 

21

TONY BENNETT 

Im Glanz der späten Jahre 

Die Krisenzeiten 

sind längst passé – 

im Alter steht 

Gentleman Bennett 

besser da denn je 

Mit stolzen 85 erlebt der einstige Protegé von Frank 

Sinatra den Höhepunkt seiner abenteuerlichen Karriere – 

künstlerisch wie kommerziell. Von Marcel Anders 

Generationendialog: Bennett und Lady Gaga 

In den USA ist Anthony Dominick Benedetto 

das, was man eine Showbiz-Institution nennt: 

Seit Ende der 40er im Geschäft, zuerst Teeniestar, 

dann anerkannter Jazz-Sänger, gut Freund 

mit den Größen von Broadway und 52nd Street 

(Fred Astaire, Billie Holiday, Sarah Vaughan etc.), 

allererster weißer Sänger des Count Basie Orchestra, 

Lieblingsstimme von Frank Sinatra und jemand, 

der sämtliche Höhen wie Tiefen der 

Musikindustrie durchlaufen hat. „Ich kann 

wirk lich nicht behaupten, dass mein Leben 

lang weilig gewesen wäre“, lacht er beim Sono- 

Interview in London. „Als ich anfing, war 

New York die aufregendste Stadt der Welt – 

mit den besten Musikern der Zeit, die dort in 

winzigen Clubs auftraten. Und die mich mit 

offenen Armen aufgenommen haben. Warum, 

weiß ich bis heute nicht. Aber Komplimente von 

Ella Fitzgerald zu bekommen, war das Größte. 

Etwas, das ich nie vergessen werde.“ 

Genauso wenig wie den tiefen Fall der 70er und 

80er, als seine Platten auf schwindendes Interesse 

stießen, er sich trotzdem weigerte, seinen Stil zu 

ändern und letztendlich vor dem finanziellen wie 

gesundheitlichen Aus stand: „Ich hatte ein Drogenproblem. 

Aus dem simplen Grund, weil ich versucht 

habe, so vor meinen Problemen zu fliehen – 

was einfach dumm war. Aber mit Hilfe meiner Söhne, 

die mein Management übernommen haben, bin 

ich wieder auf die Beine gekommen.“ 

Nicht nur das: Seit den frühen 90ern ist Bennett 

sogar erfolgreicher denn je. Einfach weil er 

genau das macht, was er am besten kann: Er singt 

das „Great American Songbook“ der 20er, 30er 

und 40er Jahre, komponiert von George Gershwin, 

Irving Berlin und Co., das er stolz als „klassisch“ 

bezeichnet und mit so viel Inbrunst und Leidenschaft 

interpretiert, dass die Versuche eines Rod 

Stewart dagegen wie Weichspüler klingen. „Was 

er da macht, ist Muzak – es ist nett, aber belanglos. 

Denn wenn man schon Stücke bringt, die so gut 

geschrieben sind, dann muss man auch das Beste 

aus ihnen rausholen. Man muss sie so bringen, als 

hätte man sie selbst zu verantworten.“ 

Genau das exerziert er auf seinem neuesten 

Werk „Duets 2“ vor. Mit Stücken, die seit sieben 

Dekaden Bestandteil seines Live-Repertoires sind 

und die er nun u. a. mit K.D. Lang, Michael Bublé, 

Sheryl Crow, John Mayer, Lady Gaga und Aretha 

Franklin singt – wobei er eine glänzende Figur 

abgibt. „Ich bin in der Form meines Lebens, und 

ich hoffe, das hält noch ein paar Jahre an“, lacht 

er. Schließlich ist er hyperaktiv: Er versucht sich 

als Maler und Bildhauer, leitet diverse Benefiz- 

Organisationen, hat gerade zum dritten Mal geheiratet 

und träumt von seiner ersten Deutschland-Visite 

seit 1946. „Aus irgendeinem Grund ist 

es nie dazu gekommen. Dabei würde ich alles dafür 

tun. Schließlich verdanke ich euch meine Karriere. 

Der II. Weltkrieg hat mir die Gesangsausbildung 

finanziert. Und schaut, was aus mir geworden ist.“ 

Nämlich der letzte der sogenannten „Crooner“ – 

und ein wunderbarer Mensch. 

Neu erschienen: Tony Bennett „Duets II“ (Sony 

Music) erscheint am 16. September 

22

www.warnermusic.de

Chris Rea 

„Ich bin ein Boxer“ 

Seit zehn Jahren kämpft der britische Sänger und 

Songschreiber mit der Racke-rauchzart-Stimme gegen 

den Krebs. Warum seine Kreativität darunter nicht 

leidet, offenbart er im SONO-Interview. 

Interview: Steffen Rüth 

Den gibt es, und das hat mich anfangs auch 

überrascht. Als ich vor sechs Jahren „Blue 

Guitars“ veröffentlichte, ein Kompendium 

mit elf CDs, auf denen ich die Geschichte des 

Blues nachzeichne, hätte ich nicht geglaubt, 

dass sich jemand dafür interessiert. Und 

dann kaufen 165.000 Menschen dieses Werk 

zu 30 bis 40 Euro. Das hat mir bewiesen, dass 

die Leute noch da sind, sie wollen nur umhegt 

und auch verwöhnt werden mit besonderen 

Produkten. Auf der anderen Seite brauchen 

die Menschen nämlich nicht unbedingt ein 

weiteres, sozusagen normales Album ihres 

Lieblingskünstlers. Man muss sich 

nichts vormachen, ich bin Realist. 

Der Mann mit der rauchigen Stimme 

und der lässig gespielten Bluesgitarre 

ist seit fast vier Jahrzehnten 

im Geschäft – mit Klassikern wie „Road To 

Hell“ und „Josephine“. Doch vor zehn Jahren 

erkrankte der Brite an Bauchspeicheldrüsenkrebs 

und musste um sein Leben 

kämpfen. Heute ist er wieder so weit hergestellt, 

dass er arbeiten kann und auch will. 

Das neue Album von Chris Rea heißt „Santo 

Spirito“ und besteht aus satten fünf Tonträgern. 

Wir sprachen mit dem 60-Jährigen in 

einem Hotel im Londoner Westend. 

Chris, du bringst jetzt ein wahres Mammutwerk 

heraus – „Santo Spirito“ besteht aus 

einem klassischen Chris-Rea-Bluesrockalbum 

mit neuen Songs, den zwei Filmen „Bull 

Fighting“ und „Santo Spirito“ sowie jeweils 

deren Soundtracks. Woher kommt dieser Tatendrang? 

Einfach nur ein Album zu machen, ach das 

wäre langweilig gewesen. Blues und Songs, 

das mache ich ja schon seit Jahrzehnten, das 

hat mich nicht genug herausgefordert. Die 

Leinwand, auf der man im Rock’n’Roll malen 

kann, ist sehr übersichtlich, eigentlich eher 

klein. Es gibt nur eine gewisse Anzahl von 

Elementen, die auf diese Leinwand passen. 

Also habe ich mir eine größere Leinwand gebaut. 

Ich habe Filme gedreht und dazu passende 

Instrumentalmusik geschrieben. 

„Santo Spirito“ ist ein collagenhafter Schwarzweißfilm, 

der in Florenz spielt und die Malerei 

der Renaissance zum Thema hat, „Bull Fighting“ 

beschäftigt sich mit der Tradition des 

spanischen Stierkampfes. Gibt es dafür einen 

Markt? 

Chris Reas Gesicht 

ist gezeichnet von 

der Krankheit, doch 

sein Schaffensdrang 

ist ungebrochen 

Beide Filme wirken ausgesprochen 

morbide. 

Wundert dich das wirklich? 

Ich habe sehr, sehr oft über 

den Tod nachgedacht in 

den vergangenen zehn 

Jahren. Neun Mal habe 

ich die Narkosemaske 

aufbekommen, um 

operiert zu werden, 

und neun Mal stellte 

ich mir vor, ich wache 

nie wieder auf. 

Wie geht es dir heute? 

Bist du wieder gesund? 

Es ist ganz in Ordnung, 

gesund werde ich aber 

nie mehr. Mir feh- 

„Die Käufer sind noch da, 

aber sie wollen umhegt und 

auch verwöhnt werden 

mit besonderen Produkten“ 

24

E 

Foto: Mike Hill 

len die Bauchspeicheldrüse und die Gallenblase, 

dazu Teile des Magens. Ich muss täglich 

30 Tabletten und sieben Insulinspritzen 

nehmen, denn seit der Krankheit bin ich auch 

Diabetiker. Und gerade erst dieses Jahr kam 

der Krebs in begrenzter Form zurück. Es ist 

nicht dramatisch, aber man muss es genau 

beobachten. 

Du hast 2005 angekündigt, dich vom aktiven 

Geschehen zurückzuziehen, um noch ein 

bisschen das Leben zu genießen. Dann hast 

du jedoch einen neuen Plattenvertrag unterschrieben, 

ein Best-Of-Album veröffentlicht, 

bist auf Tournee gegangen, und jetzt kommt 

„Santo Spirito“. Was ist aus den Rentenplänen 

geworden? 

Ich wollte ja gar nicht wirklich aufhören, ich 

hatte nur Angst, dass meine Krankheit mir 

keine andere Wahl lässt. Es sah lange so aus, 

als könnte ich nicht mehr touren. Und man 

bekam das Gefühl, als wollte das Musikgeschäft 

von uns älteren Leuten, von Leuten wie 

Kate Bush, Peter Gabriel, Jeff Beck und mir, 

nichts mehr wissen. „Blue Guitars“ hat mich 

neu motiviert. Und an die Einschränkungen 

durch die Krankheit gewöhnt man sich. Ich 

toure halt langsamer, nehme mir mehr freie 

Tage und habe ein dickes Buch dabei, in dem 

exakt steht, was ich essen darf und was nicht. 

Ganz aufhören bekäme mir bestimmt nicht 

gut. Ich lebe für die Musik. Sie gibt mir Kraft 

und ist, neben meiner Familie, der wichtigste 

Antrieb weiterzumachen. 

In „Never Tie Me Down“, einem der neuen 

Songs, singst du davon, wie du dem Tod immer 

wieder entwischst. 

So fühle ich mich auch. Ich muss Rücksicht 

nehmen auf meinen Magen, doch ich habe 

neue Energie. Ich bin ein Boxer. Man kriegt 

mich nicht so schnell kaputt. 

Kann man die neuen Lieder als altmodisch 

bezeichnen? 

Natürlich, sie sind altmodisch. Ich sehe mich 

als ein Relikt. Ich gebe mich auch keinen Illusionen 

hin. Ich bin mir sicher, dass die besten 

Songs der Welt schon geschrieben worden 

sind. Richtig hervorragende Musik gibt 

es ja kaum noch. Und wenn, dann wird sie 

überwiegend von uns Alten gemacht. Es ist 

ja auch so: Tradition muss nicht schlecht sein, 

nur weil sie alt ist. Nehmen wir deutsche Bratwürste 

– warum sollte man sie ändern? Sie 

sind wunderbar so, wie sie sind. Oder schöne 

alte Autos. Die neuen Sportwagen werden 

immer größer und klotziger. Unschön. 

Du warst meist eher ein Geheimtipp, wurdest 

aber mit „On The Beach“ und „The RoadTo 

Hell“ zum Popstar, der in einer Liga mit Kollegen 

wie Phil Collins spielte. Wie siehst du 

im Rückblick diese Zeit? 

Zwiespältig. Ich wollte Bluesmusiker sein, 

doch plötzlich war ich dieses Charts-Gesicht. 

Anfangs freut man sich über den Erfolg und 

die finanzielle Freiheit, irgendwann jedoch 

habe ich ihn gehasst, den Popstar-Chris. 

Meine Plattenfirma ließ mich nicht einfach 

heimgehen und machen, wozu ich Lust hatte. 

Ich musste weiter Hits liefern und wurde immer 

unglücklicher. Dann kam die Krankheit, 

und seitdem mache ich nur noch das, was ich 

wirklich machen will. 

Neu erschienen: Chris Rea „Santo Spirito“ (CD) 

und „Santo Spirito Box-Set“ (3 CDs+ 2 DVDs) 

(Warner) 

05.02. KARLSRUHE Tollhaus 

06.02. STUTTGART Liederhalle 

07.02. FRANKFURT Jahrhunderthalle 

08.02. LEIPZIG Haus Auensee 

10.02. DRESDEN Alter Schlachthof 

10.03. KÖLN E-Werk 

11.03. HANNOVER Capitol 

12.03. BERLIN Admiralspalast 

15.03. HAMBURG Docks 

16.03. BREMEN Pier 2 

18.04. NÜRNBERG Meistersingerhalle 

19.04. MANNHEIM Rosengarten 

21.04. MÜNCHEN Circus Krone 

alle Tourneetermine unter www.blankomusik.de & www.hubertvongoisern.com

Tori Amos 

Talent allein genügt nicht 

Die Pfarrerstochter aus North Carolina wagt sich auf 

neues musikalisches Terrain: Mit ihrer Version eines 

klassischen Liederzyklus erzählt sie die Geschichte 

einer erlöschenden Liebe. Interview: Dagmar Leischow 

mich das ein bisschen genauer erklären. Für 

„Nautical Twilight“ habe ich Mendelssohns 

„Venetianisches Gondellied“ variiert. Bei anderen 

Nummern standen Stücke von Mozart, 

Debussy und Schumann Pate. 

Selbst Klassik-Experten dürften jedoch die 

Vorlagen nicht immer heraushören. 

Da haben Sie Recht. Nicht mal meine Musiker 

konnten die Wurzeln jedes einzelnen Titels 

ganz genau definieren. Oft haben sie sich 

den Kopf darüber zerbrochen, ohne zu einem 

Ergebnis zu kommen – so verwirrt waren 

sie! Beispielsweise hat keiner erkannt, dass 

„Cactus Practice“ auf Chopins „Nocturne“ 

basiert. 

Ihr Markenzeichen: ihre Eigenwilligkeit. 

Dass sich Tori Amos (48) musikalisch in 

Richtung Mainstream bewegt, ist schlicht 

undenkbar. Mit ihrem Album „Night Of 

Hunters“ stellt die US-amerikanische Singer/ 

Songwriterin musikalische Grenzen infrage. 

Sie holt mit ihren Improvisationen Schubert 

und Chopin ins 21. Jahrhundert. Dabei kippen 

die Liedstrukturen von Klassik zu Pop. 

Sie veröffentlichen viel mehr Alben als viele 

Ihrer Kollegen. Sind Sie zwanghaft kreativ? 

Die Wahrheit ist: Als Frau über 40 muss ich 

sehr hart arbeiten, um weiterhin meine Position 

im Musikgeschäft behaupten zu können. 

Talent allein genügt längst nicht mehr. 

Regelmäßig neue Platten, alle zwei Jahre eine 

Tournee – das ist für mich inzwischen Pflichtprogramm. 

Obendrein texten und komponieren Sie derzeit 

für ein Musical. 

Genau. Ich hoffe, es kommt 2012 auf die Bühne 

des Royal National Theatre in London. Die 

Geschichte basiert auf einem Märchen aus 

dem 19. Jahrhundert: „The Light Princess“ 

von George MacDonald, um genau zu sein. 

Dieses Projekt ist für mich eine echte Herausforderung. 

Ich habe etliche Jahre da hinein 

investiert, mein wirklich großartiges Team 

stand mir dabei zur Seite. Mein Plan war es, 

musikalische Grenzen zu durchbrechen. Ich 

weiß noch, wie schwer es mir anfangs fiel, 

mich hier und da jenseits des Popkontextes 

zu bewegen. Aber ich wollte unbedingt ein 

paar klassische Themen einbringen. 

Mit Klassik setzen Sie sich auch auf Ihrer neuen 

CD „Night Of Hunters“ auseinander. Warum? 

Das hat sich eher zufällig ergeben. Irgendwann 

nahm ein Mitarbeiter der Deutschen 

Grammophon Kontakt zu mir auf. Seine Idee 

Auf den Spuren 

von Franz 

Schubert: Grenz - 

gängerin Tori 

Amos 

war, dass ich einen klassischen Musikzyklus 

in der Tradition von Schubert entwickeln 

sollte. Dieses Angebot kam überraschend, 

aber dann fand ich es faszinierend. Ich habe 

mich in Schuberts „Winterreise“ vertieft. Je 

häufiger ich sie hörte, desto klarer wurde mir, 

welchen Weg ich einschlagen wollte. 

Sie hatten also einen richtigen Masterplan? 

Sozusagen. Jeder Song basiert auf dem Werk 

eines namhaften Komponisten. Lassen Sie 

Heißt das, dieses Lied kam bei Ihren Mitstreitern 

nicht besonders gut an? 

Im Gegenteil: Sie haben es geliebt, allen voran 

Andreas Ottensamer, der ja der Solo-Klarinettist 

der Berliner Philharmoniker ist. 

„Nicht mal meine 

Musiker konnten die 

Wurzeln jedes 

einzelnen Titels ganz 

genau definieren“ 

Wie war für Sie als Popkünstlerin die Zusammenarbeit 

mit Klassikvirtuosen wie ihm? 

Sagenhaft. Durch Andreas habe ich ständig 

etwas gelernt. Ein Ausnahmemusiker. Bei 

unserem Klavier-Klarinette-Duett „Seven Sisters“ 

hat er mich richtig gefordert. Ich spielte 

da auf einem höheren Level als jemals zuvor. 

Erzählen Sie ein bisschen über Ihre Heldin. 

Steht Sie vor dem Aus ihrer Beziehung? 

Mit ihrer Partnerschaft steht es sicher nicht 

zum Besten. Um ehrlich zu sein: Ihr gesamtes 

Leben ist in Schieflage geraten. Sie fühlt 

sich schuldig, weil sie oft zu feige war. Statt 

dauernd zurückzustecken, hätte sie mehr riskieren 

müssen. Diese Erkenntnis macht ihr 

arg zu schaffen, sie geistert voller Wut und 

Verzweiflung durch die Nacht. 

Neu erschienen: Tori Amos „Night Of Hunters“ 

(DG / Universal) erscheint am 16. September 

Die Tournee: Tori Amos gastiert ab 10. Oktober 

mit den neuen Stücken in Deutschland. Genaue 

Termine unter www.sonomagazin.de 

Foto: Victor de Mello 

26

DAS VOCAL-ALBUM 

DES JAHRES! 

„Beatles, Dylan und schön verhangene 

Eigenkompositionen zwischen Blues, 

Folk und Jazz … Nicht zu greifen, aber 

sehr, sehr gut“ 

STERN 

„Ihre herbe Stimme umgibt wie immer der 

Hauch einer Billie Holiday!“ 

SZENE HH 

„Poppig, folkig … schön!“ 

BRIGITTE 

LIVE: 13.11. Berlin - Postbahnhof 

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the JAYHAWKS 

nach16 JAHREN endlich wieder in 

16 JAHREN 

ORIGINALBESETZUNG 

mit MARK OLSON 

und GARY LOURIS! 

Rolling Stone 

Album des 

Monats 

Das neue Album 

mockingbird time 

Klingt wie Kitsch, doch Karen Grotbergs zartes 

Pianospiel und diese beiden Männer, die Einsicht in 

die Notwendigkeit hatten und begriffen, dass sie 

zusammengehören, um für uns die Einsamkeit, das 

Glück und den strömenden Regen im Morgengrauen 

zu begleiten, machen einem das Herz ganz schwer. 

Die Jayhawks und das zauberhafte Land - bitte 

schluchzen Sie jetzt. 

8 von 10 Punkten Spiegel Online 

Perfekte Harmonie – Wenn Gary 

Louis und Mark Olson zusammen 

singen, ist alles wieder wie 

früher, nur ein bisschen lauter. 

Album des Monats / 

Rolling Stone 

“Mockingbird Time” klingt manchmal nach 

Neil Young, manchmal nach Wilco, aber 

letzendlich immer so, wie die “echten” Jayhawks 

uns, mit Olson verlassen hatten: Bewegend, 

herzergreifend, fast nicht von dieser Welt. 

Besser wird Americana nicht mehr. 

Eclipsed September 2011

Nigel Kennedy 

„Ich wollte nie provozieren“ 

Als unberechenbarer Grenzgänger zwischen E- und 

U-Musik, zwischen Klassik, Jazz und Pop ist der 

Brite berühmt geworden. Jetzt nutzt er Vivaldi als 

Startrampe für eine Tour de Force durch allerlei 

zeitgenössische Musikstile. Von Steffen Rüth 

Mit hochroter Birne sitzt 

Nigel Kennedy, 54, auf 

dem Balkon des Berliner 

„Intercontinental“-Hotels. 

Es ist früher Abend, die Sonne 

brennt, es ist sehr warm. Kennedy 

hält trotzdem wacker die 

Stellung, ihm mache das Spaß, 

in der prallen Hitze zu sitzen, 

überdies wirkt er ein wenig angeschickert, 

obwohl er den ganzen 

Nachmittag nur Tee getrunken 

habe. Ohnehin ähnelt seine 

Erscheinung der eines britischen 

Working-Class-Urlaubers. Nigel 

trägt Schlappen, kurze weite 

Hose und ein Trikot seines langjährigen 

Lieblingsvereins Aston 

Villa. Das Team spiele zwar 

schrecklichen Fußball, sei aber 

weder im Besitz eines Oligarchen 

noch eines Scheichs und 

daher zu unterstützen. 

Nigel Kennedy hat ein neues 

Album eingespielt. Es heißt 

„Four Elements“ und ist so interessant 

wie gewöhnungsbedürftig. 

Konzeptionell hat er 

es sehr locker angelehnt an Vivaldis 

„Vier Jahreszeiten“, mit 

deren Interpretation Kennedy 

1989 seine Weltkarriere begann. 

Er lässt es hier erstaunlich krachen. 

Kennedy geigt sich durch 

Dance, Trance, Blues, Rock, 

orientalische Musik, es gibt 

elektrische Gitarren und Keyboards, 

weibliche Nachwuchsgastsängerinnen 

sowie mit Damon 

Reece einen Kollaborateur, 

der schon mit Popgruppen wie 

Goldfrapp und Massive Attack 

gearbeitet hat. „Ich wollte die 

‚Four Seasons‘ quasi aufpeppen 

und meiner Fantasie aussetzen“, 

sagt der Engländer, der rund 

die Hälfte seiner Zeit mit seiner 

zweiten, polnischen Ehefrau in 

Krakau verbringt. „Ich hatte anfangs 

auch ruhige Stücke eingeplant, 

doch dann rockte das ganze 

Teil so richtig laut und wild 

und derb los.“ 

Nicht nur Vivaldi, sondern auch 

der Fußballclub Aston Villa ist 

Kennedys Herz ganz (haut)nah 

Foto: Paul Marc Mitchell 

28

„Ich habe keine 

Lust, tausend 

Mal den selben 

Scheiß zu spielen“ 

Menuhin war „verwirrt“ 

Auf seiner Herbsttournee will 

Kennedy die „Four Elements“ 

mit den „Four Seasons“ kreuzen, 

letztere will er dabei „aus einer 

neuen Perspektive betrachten, 

denn ich habe keine Lust, tausend 

Mal den selben Scheiß zu 

spielen“. „Scheiße“ sagt er übrigens 

oft, was wohl ein Teil dieser 

ganzheitlichen Geigen-Rebellen-Inszenierung 

ist, wegen 

der Nigel Kennedy so berühmt 

ist und wegen der er in gewissen 

Kreisen bis heute verachtet 

wird. „Ich hatte nie den Drang, 

zu polarisieren oder zu provozieren“, 

behauptet der Vater eines 

14-jährigen Sohnes aus erster 

Ehe, und man tut sich schwer, 

ihm die Aussage abzunehmen. 

Immerhin hat er mit seinem 

Wüster-Junge-Image die Klassikszene 

in den 80ern schwer 

schockiert. Ja, selbst sein Lehrmeister 

Yehudi Menuhin, bei 

dem Nigel schon mit sieben in 

die Ausbildung ging, sei „sehr 

verwirrt“ gewesen, als dieser 

plötzlich lospunkte. „Man verstand 

mich nicht. Dabei wollte 

ich nur so sein, wie ich bin, und 

mich nicht für die Klassik verstellen 

müssen. Den Nebeneffekt, 

Aufsehen zu erregen, fand ich 

freilich ganz in Ordnung.“ 

Inzwischen sind bald 25 Jahre 

vergangen, andere Crossover- 

Geiger bestimmen die Schlagzeilen 

(Kennedy über David 

Garrett: „Ein verbraucherfreundliches 

Leichtgewicht“), während 

Was denkt wohl Kennedys 

Gattin über sein Outfit? Ihres 

ist jedenfalls klassischer ... 

Nigel Kennedy sein Repertoire 

über die Jahre stark erweitert 

hat. Neben Bach und Beethoven 

hat er auch Jimi Hendrix und 

The Doors im Programm, 

manchmal 

spielt er mit der polnischen 

Rockband 

Kroke, und 2005 veröffentlichte 

er sein 

erstes Jazz-Album 

beim berühmten 

„Blue Note“-Label. 

„Jazz habe ich richtig 

lieben gelernt. Du 

kannst Jazz nicht auf 

Autopilot spielen, es 

geht nicht um Perfektion, 

sondern um 

Interaktion, das Gemeinsame.“ 

Zugleich 

sei Jazz geselliger. „Die Jungs im 

Orchester sind oft steif, das Klischee 

stimmt. Jazzer sind locker 

drauf, mit denen kannst du nach 

einem Konzert noch super einen 

saufen gehen.“ 

Neu: Nigel Kennedy „Four Elements“ 

(Sony Classical) erscheint 

am 7. Oktober 

WHY Pink FloYd ? 

AB 23. SEPTEMBER 2011 

DIE REMASTERS 

ALLE LEGENDÄREN 14 STUDIOALBEN REAMSTERED 

IM DELUXE-DIGIPACK + NEUE BOOKLETS 

THE DARK SIDE OF THE MOON 

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THE WALL 

3CD SPECIAL EDITION (INKL. ALBUM IN DEMO-VERSION) 

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POP, Rock & co 

Charles Aznavour 

„Toujours“ 

EMI 

[Chanson] Momentan verabschiedet 

sich der nur 1,61 Meter 

große Chanson-Riese Charles 

Aznavour von seinen französischen 

Fans mit einem wahren 

Konzertmarathon. Mit 87 Jahren 

muss ja mal Schluss sein. Dabei 

ist Aznavour nicht nur weiterhin 

blendend bei Stimme. Nach 

über 1.000 Chansons, die er auch 

für Kollegen wie Edith Piaf und 

Gilbert Bécaud geschrieben hat, 

fließen diesem ewigjungen Melancholiker 

immer noch Melodien 

für die Ewigkeit aus der Feder. 

Mit Top-Sidemen wie Jazz-Pianist 

Jacky Terrasson zieht Aznavour 

so noch mal alle Register von sanften 

Balladen über Swing bis zur 

jüdischen und spanischen Musik. 

Und natürlich drehen sich seine 

Texte wieder um die Flüchtigkeit 

der Jugend, um die unerbittlich 

verrinnende Lebenszeit. Dabei 

steht doch längst fest: Charles 

Aznavour ist unsterblich. 

 

Guido Fischer 

Downloadtipp: „La vie est faite de 

hasard“ 

Besonderheit: Seinen Welthit „She“ 

hat Aznavour mit dem Sohn von 

Françoise Hardy, Thomas Dutronc, 

neu aufgenommen. 

30 

die pop-cd des monats 

The Jayhawks 

„The Mockingbird Time“ 

Rounder/Universal 

Acht Jahre haben die Fans jener Band aus Minneapolis, die in den 90er 

Jahren maßgeblich zum Wiederaufblühen der wurzelnahen US-amerikanischen 

Rockmusik beigetragen hat, auf ein neues Studioalbum warten 

müssen. Als besonders schöne Nachricht dürften sie empfunden haben, 

dass außerdem auch der vor 16 Jahren aus privaten Gründen ausgeschiedene 

Mitgründer Mark Olson wieder mit an Bord war. Jetzt liegt das Album vor und 

man kann gottlob feststellen, dass die Jahre nicht spurlos an den Jayhawks 

vorbei gegangen sind: Man hört, dass die beiden Bandköpfe Mark Louris und 

Olson in der Zwischenzeit ihre Ohren durchaus offen für neuere musikalische 

Entwicklungen hatten. Hier gibt es immer wieder sachte Indie-Tendenzen zu 

vernehmen: Songs wie der Opener „Hide Your Colours“ und „Closer To Your Side“ 

könnten mit ihrem melancholischen Aroma auch von einem R.E.M.-Album 

stammen. Und wenn die Jayhawks eine Art zeitgemäßer Westcoast-Hymne 

versuchen („High Water Blues“), dann nicht ohne eine leicht schräge Schlagseite. 

Also: Kontinuität durch maßvollen Wandel, denn die prägenden Jayhawks- 

Tugenden sind alle da: erstklassiges Songwriting, feine Arrangements und 

Vollblut-Musikantentum. 

Passt zu: spätsommerlichen Überlandfahrten 


Klingen ähnlich: R.E.M., The Byrds, Crosby Stills Nash & Young, John Hiatt 

Glen Campbell 

„Ghost On The Canvas“ 

Surfdog/Neo/Sony Music 

[Country, Pop] Mit „Rhinestone 

Cowboy“ gelang ihm in den 70er 

Jahren ein globaler Megahit. Aber 

auch sonst hat sich Glen Campbell 

mehr als vier Dekaden lang 

als hochkompetenter Studiomusiker, 

Sänger mit einem seidigen 

Tenor und Songwriter mit Faible 

für große Melodien zwischen 

Country und Pop profiliert. Nachdem 

bei dem 75 jährigen jetzt die 

ersten Anzeichen von Alzheimer 

diagnostiziert wurden, entschloss 

er sich, noch ein letztes Mal ein 

Studioalbum mit komplett neuem 

Material einzuspielen. Darauf 

interpretiert Campbell Songs 

von jüngeren Autoren wie Paul 

Westerberg (The Replacements), 

Robert Pollard (Guided By Voices), 

Jakob Dylan und Teddy Thompson, 

hat aber auch zusammen mit 

seinem Produzenten Julian Raymond 

einige Stücke geschrieben. 

Und es gelingt ihm, noch einmal 

jenen souveränen Weg zwischen 

geerdeter Country-Tradition und 

großem Popgefühl zu finden, der 

ihn groß machte. Welch stilvoller 

Abschied! Christian Stolberg 

Gäste: The Dandy Warhols, Chris 

Isaak, Smashing-Pumpkins-Gründer 

Billy Corgan, Surfgitarrenkönig Dick 

Dale und Brian Setzer 

Ry Cooder 

„Pull Up Some Dust And 

Sit Down“ 

Nonesuch/Warner 

[Americana] Eine Zeitlang 

wirkte Ry Cooder hauptsächlich 

als Musikethnologe, spürte 

siechende und vergessene Traditionen 

von Afrika über Kuba 

bis Mexiko auf, manche immens 

erfolgreich, andere einfach nur 

pittoresk. Dann aber war der 

inzwischen 64-Jährige offenbar 

genug gereist und begann, sich 

langsam an sein Alterswerk zu 

machen. „Pull Up Some Dust And 

Sit Down“ ist die aktuelle Runde 

seiner Protestlieder, die von der 

Haltung klar Randy Newman im 

Blick haben, musikalisch aber von 

keltischem Folk über Texmex-Impressionen 

bin hin zu Louisiana- 

Blues und Cajun-Motiven einen 

Bilderbogen amerikanischer 

Klangintarsien integrieren. Cooder 

singt von den Soldaten, die in 

Plastiksäcken nach Hause kommen 

und dem Revolverhelden 

Jesse James, der im Himmel seinen 

Revolver zurückfordert, um 

bei den Banken von heute mal so 

richtig aufzuräumen. Er mimt 

den Clapton und den John Lee 

Hooker, pflegt einen stellenweise 

skurrilen Humor, wenn er etwa 

die Einwanderungspolitik an der 

mexikanischen Grenze kritisiert. 

Viele Saiteninstrumente spielt er 

selbst, lässt sich aber auch von alten 

Freunden wie dem Akkordeonisten 

Flaco Jimenez helfen und 

gestaltet auf diese Weise ein Kapitel 

Americana mit dem spröden 

Charme des alten Mannes. 

 


Wissenswertes: In den 90ern 

verhalf Ry Cooder dem Afrikaner Ali 

Farka Touré zur zweiten Karriere. 

Downloadtipp: „Humpty Dumpty 

World“ 

Rea Garvey 

„Can’t Stand The Silence“ 

Island/Universal 

[Rock/Pop] Nach der Ankündigung 

einer längeren Kreativpause 

seiner Band Reamonn war es 

wirklich nur eine Frage der Zeit, 

bis Sänger Rea Garvey sein erstes 

Soloalbum vorlegen würde. Auf 

„Can’t Stand The Silence“ entfernt 

sich der Wahl-Berliner zum Teil 

sehr deutlich vom bekannten Reamonn-Sound. 

Im Mittelpunkt 

von Songs wie „Heart Of An 

Enemy“ und „Hole In My Heart“ 

steht natürlich seine unverwechselbare 

Stimme, mit der er dieser 

Platte einmal mehr seinen Stempel 

aufdrückt, aber musikalisch 

geht er durchaus ein paar Wagnisse 

ein. Für die Umsetzung 

seiner Ideen verpflichtete Garvey 

mit Produzent Andy Chatterley 

(Muse, Kylie Minogue, Kanye-

West), Singer/Songwriter Iain Archer 

(Snow Patrol), Komponist Julio 

Reyes Copello (Jennifer Lopez, 

Nelly Furtado), Jam El Mar (Jam 

& Spoon) und nicht zuletzt Xavier 

Naidoo lauter Branchenschwergewichte, 

die sich erstaunlich gut 

ergänzen. Vor allem mit Tracks 

wie dem bombastischen „How I 

Used To Be“ und der einfühlsamen 

Ballade „My Child“ dürfte 

Rea Garvey auch Hörer überzeugen, 

die Reamonn bisher nichts 

abgewinnen konnten. 

 


Info: Bevor Rea Garvey 1999 bei 

Reamonn einstieg, war er als Gitarrist 

und Sänger bei der irischen 

Band Reckless Pedestrians aktiv. 

Matthew Herbert 

„One Pig“ 

accidental/PIAS 

[Avantgarde/Elektro] Die einen 

nennen es überspannt, die anderen 

visionär. Der Brite Matthew 

Herbert arbeitet gerne mit Klängen, 

und er gibt sich nicht damit 

zufrieden, dass sie aus der Dose 

kommen. Also geht er mit seinen 

Mikrofonen raus aus dem Studio 

und sampelt, was das Zeug hält. 

Mal lässt er bei einem Konzert 

Tausende Menschen gleichzeitig 

für einen Sound in einen Apfel 

beißen, mal nimmt er Panzer auf, 

die über eine Wiese rollen. Oder 

ein Schwein wie bei „One Pig“. 

Ein halbes Jahr lang hat Herbert 

das Tier begleitet, alle zwei Wochen 

von der Geburt bis zum Verzehr 

die Töne eingefangen, die es 

macht. Das ergab die Grundlage 

für sein Album, das die Trilogie 

aus „One One“ (nur Sounds des 

eigenen Körpers) und „One Club“ 

(nur Sounds eines Disko-Abends 

in Berlin) vervollständigt. Auf der 

Basis dieser Eindrücke erstellt er 

dezente Clubbeats, die aus den 

Tierklängen heraus zu wachsen 

scheinen. Resultat des akustischen 

Feldversuchs ist ein organisch 

wirkendes und manchmal 

irritierendes Hörgemenge, das auf 

die Spitze treibt, was technisch 

möglich ist, und dabei zugleich 

eine Ästhetik schafft, wenn auch 

eine grunzende. 

 


Wissenswertes: Herbert verbirgt 

sich auch hinter Doctor Rockit, Radio 

Boy und Wishmountain. 

Downloadtipp: ganz oder gar nicht 

Mike Oldfield 

„Incantations“ 

(Deluxe Edition) 

Mercury/Universal 

[New Age/Pop] Fünf Jahre 

nachdem er mit seinem aufsehen- 

(oder besser aufhorchen-) 

erregenden Debütalbum „Tubular 

Bells“ nicht nur seinen persönlichen 

(und für ihn mit allerlei problematischen 

Begleiterscheinungen 

verbundenen) Durchbruch 

geschafft, sondern nebenbei auch 

zum Aufkommen der New-Age- 

Musik beigetragen hatte, veränderte 

der Brite auf seinem vierten 

Album „Incantations“ erstmals 

die Zusammensetzung seiner 

Musik grundsätzlicher: Wo er 

bisher hauptsächlich auf bereits 

in der Rockmusik üblichem Instrumentarium 

seine ganz persönliche 

Kombination aus Motiven aus 

der irischen Folklore (und später 

auf „Ommadawn“ aus der afrikanischen 

Msuik), klassischen 

Einflüssen, Minimal Music und 

Elektronik inszeniert hatte, setzte 

er nun stärker auf klassische 

Instrumente (vor allem Streicher) 

und Chöre. Die keltischen Quellen 

wurden zum Teil durch indianische 

Elemente abgelöst, zudem integrierte 

Oldfield zwei literarische 

Texte („The Song Of Hiawatha“ 

des Dichters Henry Wadsworth 

Longfellow und „Ode To Cynthia“ 

des Shakespeare-Zeitgenossen 

Ben Jonson). 

In der Zwei-CD+DVD-Deluxe- 

Edition kommt „Incantations“ in 

einer ganz neuen Stereo-Remaster-Version, 

deren Entstehung 

von Mike Oldfield persönlich 

überwacht wurde. Die begleitende 

DVD enthält neben einem neuen 

5.1-Surround-Mix verschiedener 

Auszüge diverses Bewegtbild- 

Material, darunter Passagen von 

Oldfields spektakulärer 1979er 

Tournee. Felix Marondel 

Besonderheit: Diese Wiederveröffentlichung 

trägt auf der Frontseite 

ein anderes Foto als das Originalcover. 

Das ursprünglich vorne platzierte 

Motiv findet sich nun auf der 

Rückseite der Verpackung. 

Klingt ähnlich: Tangerine Dream, 

Klaus Schulze, Vangelis 

Erdmöbel 

„Retrospektive“ 

Edel 

[Deutschpop] Lakonie will gekonnt 

sein. Markus Berges hat 

seinen Spaß an Mehrdeutigkeiten 

und dem Rhythmus der Worte, an 

überraschenden Verdrehungen 

und semantischen Spielereien. 

Seit bald zwei Jahrzehnten spitzt 

der inzwischen zur Kölner Szene 

gehörende Münsteraner mit 

seiner Band Erdmöbel die deutschen 

Sprache zu und lässt in seinen 

poetischen Experimenten eigenständige 

Bildwelten entstehen. 

Mit „Retrospektive“ blickt er nun 

zurück, präsentiert 17 Lieder aus 

16 Jahren plus einem neuen Song 

und dokumentiert mit wunderbarer 

Beiläufigkeit, wie schön 

es sein kann, deutschen Pop zu 

hören. Denn Erdmöbel pflegen 

auf der einen Seite das scheinbar 

so Dahingesungene, die verbale 

Lakonie, verstehen es darüber 

hinaus aber auch, pointierte, auf 

das Nötigste konzentrierte Arrangements 

zu schreiben und damit 

eine stilistische Breite von dezentem 

Independent Sound bis zum 

versteckten Jazz abzudecken. Das 

hat Klasse und macht die „Retrospektive“ 

zu einem Portfolio poppoetischer 

Kraft. Es muss ja nicht 

immer Sven Regener sein. 

 


Wissenswertes: Mit „No. 1 Hits“ 

verhalfen Erdmöbel 2007 englischen 

Hits zu deutscher Cover-Größe. 

Downloadtipp: „Lied über gar 

nichts“ 

Nick Lowe 

„The Old Magic“ 

Proper/Rough Trade 

[Rock/Pop/Country] Vier Jahre 

nach seinem letzten Studioalbum 

„At My Age“ meldet sich der Songwriter 

und legendäre Produzent 

(Elvis Costello, The Damned) aus 

England mit einer wundervoll relaxten 

Platte zurück. Eingespielt 

hat Nick Lowe „The Old Magic“ mit 

Hilfe seiner Band um Keyboarder 

Geraint Watkins, Gitarrist Steve 

Donnelly und Schlagzeuger Robert 

Treherne sowie einigen mehr oder 

weniger prominenten Gastmusikern 

wie Ron Sexsmith, Rory Mc- 

Leod, Paul Carrack, Jimmie Vaughan 

und Annie Whitehead. Man 

hört den elf Songs förmlich an, in 

welch entspannter Atmosphäre 

sie eingespielt wurden. Zu den 

Höhepunkten des Albums zählen 

vor allem die drei bereits live 

ausführlich getesteten Balladen 

„Stoplight Roses“, „House For Sale“ 

und „I Read A Lot“. Aber auch die 

drei Coverversionen, „Poisoned 

Rose“ von Elvis Costello, „Shame 

On The Rain“ von Tom T. Hall und 

„You Don’t Know Me At All“ von 

Jeff West, rechtfertigen durchaus 

überschwängliches Lob. 

 


Hintergrund: Nick Lowe produzierte 

nicht nur die ersten fünf Alben 

von Elvis Costello, sondern mit „New 

Rose“ von The Damned auch die erste 

englische Punk-Single überhaupt. 

31

POP, Rock & co 

Joe Henry 

„Reverie“ 

Anti/Indigo V.Ö. 7.10. 

[Singer/Songwriter] Joe Henry 

war noch nie ein sogenannter Singer/Songwriter, 

der sich mit der 

einfachen Lösung zufrieden gegeben 

hätte. Seine Songs brauchen 

Zeit, bis sie ins Blut gehen, doch 

hat man sich einmal mit ihnen infiziert, 

gibt es keine Heilung mehr. 

Wie schon all seine letzten Alben 

hinterlässt auch sein neuester 

Streich wieder den Eindruck eines 

groß angelegten Opus. Henry 

ist ein Rembrandt der Americana, 

der in feinsten Nuancen zu kolorieren 

und schraffieren weiß und 

sich auf fein konturierte Unschärfen 

versteht. Er ist ein Meister der 

spontan anmutenden Dramatik 

und des präzise gesetzten musikalischen 

Effekts, der einmal so sitzt, 

dass er keiner Wiederholung bedarf. 

In seinen Songs ist kein Platz 

für Zufälle, alles ist bis ins kleinste 

ausgeklügelt. Und doch wirkt es 

niemals starr oder blutleer, denn 

Henry schafft Zwischenräume, in 

denen sich Emotionen entladen 

können. Eine nahezu perfekte 

Songlandschaft, in der man sich 

endlos verlieren kann. 

 

Wolf Kampmann 

Weiterhören: Daniel Kahn, Geoff 

Berner 

Downloadtipp: Sticks And Stones 

Nena 

„Balladen“ 

Sony Music 

[Pop] Ende 2010 erschien mit 

„Best Of“ die erste von Nena 

höchst persönlich autorisierte 

Zusammenstellung, mit der sie 

sich gegen die Flut von Nena-Hit- 

Compilations zur Wehr setzen 

wollte. Nun ist die etwas lieblos 

benannte „Balladen“-CD zwar 

auch kein von ihr selber betreutes 

Album, aber einen Grund, 

sich dagegen zu wehren, hätte 

Deutschlands Darling-Sängerin 

im Grunde nicht. Denn die 18 hier 

versammelten Songs aus allen 

Abschnitten ihrer langen Karriere 

sind mit Bedacht und viel Einfühlungsvermögen 

ausgewählt 

worden. So unterstreichen eben 

diese „Balladen“, dass Nena viel 

mehr ist als ein NDW-Partykult. 

Denn gerade mit Stücken wie 

„Der Anfang vom Ende“, „Lass 

mich dein Pirat sein“ und dem 

berührenden „Weißen Schiff“, 

in dem sich Nena mit dem Tod 

auseinandersetzt, überzeugt sie 

als grandiose Sängerin, die stets 

die richtigen Töne für die großen 

Gefühle findet. Heiko Große 

Weiterhören: „Best Of“ und den 

aktuellen Konzertmitschnitt „Made 

In Germany Live“ auf DVD 

Helgi Jonsson 

„Big Spring“ 

Finest Gramophone/Indigo 

[Independent] Es ist schwer, in 

einem Text über einen Künstler 

aus Island nicht mit den isländischen 

Klischees zu operieren – 

vor allem wenn sie wie im Fall 

des jungen Sängers, Songwriters 

und Multi-Instrumentalisten auch 

noch zutreffen. Denn die Musik 

von Helgi Jonsson, der viel mit der 

dänischen Sängerin Tina Disco zusammengearbeitet 

hat, ist tatsächlich 

so idyllisch und verschroben 

wie Island selbst. Seine mal melodisch, 

mal atmosphärisch ausgerichteten 

Kompositionen erinnern 

an die karge Natur des Landes, 

unter der es jedoch brodelt – und 

der nächste Vulkan- oder Geysir- 

Ausbruch nie weit ist. Ein Island- 

Klischee, das jedoch nicht auf den 

klassisch ausgebildeten Musiker 

zutrifft, ist Björk. Von den Elektronikexperimenten 

der großen 

Exzentrikerin hat Jonsson so gut 

wie nichts. Helgi Jonsson ist Natur 

pur. 

Heiko Große 

Weiterhören: weitere großartige 

Musik aus Island etwa von Mugison, 

Pétur Ben, Lay Low, Sigur Rós oder 

Ólafur Arnalds 

Patti Smith 

„Outside Society“ 

Columbia/Arista/Legacy/ 

Sony 

[Rock] Das war wirklich überfällig: 

Verblüffenderweise erscheint 

erst 36 Jahre nach ihrem Albumdebüt 

eine Best-Of-CD, die wirklich 

alle Schaffensphasen der so 

eigenwilligen wie tapferen Rockpoetin 

aus Chicago abdeckt. Und 

wie schon der für eine solche Retrospektive 

ungewöhnliche Titel 

(ein Zitat aus „Rock’n’Roll Nigger“) 

andeutet, ist dies keine Routinepackung 

von der Stange. Smith selber 

hat die Zusammenstellung der 

CD begleitet, sie kommentiert im 

Booklet sehr persönlich jeden der 

16 Tracks. So entfaltet sich hier von 

den punkigen Anfängen mit ihrer 

düsteren Version von Van Morrisons 

„Gloria“ vom Debütalbum 

„Horses“ und dem scheppernden 

„Ain’t It Strange“ von „Radio 

Ethiopia“ (1976) über den Welthit 

„Because The Night“, ihr programmatisches 

Kampflied „Rock’n’Roll 

Nigger“, das bewegende „Beneath 

The Southern Cross“ vom 1996er 

Comeback-Album „Gone Again“ 

(mit Jeff Buckley und Tom Verlaine) 

bis hin zu ihrer Fassung 

von Nirvanas „Smells Like Teen 

Spirit“ das musikalisch vielschichtige 

und faszinierende Werkporträt 

einer großen Künstlerin. 

 


Wissenswert: Patti Smith wurde 

2007 in die Rock’n’Roll Hall Of Fame 

aufgenommen. 

Info: Dies ist die erste CD, die Labelübergreifend 

die Highlights von 

Patti Smiths Karriere dokumentiert. 

David Sylvian 

„Died In The Wool – The 

Manafon Variations“ 

Samadhisound/Galileo MC 

[Avantgardepop] David Sylvian 

gibt Rätsel auf. Mit Pop hat 

seine Musik schon lange nichts 

mehr zu tun. Und mit „Died In 

The Wool“ baut er seine akustische 

Welt noch ein Stückchen 

weiter aus und überlässt es dem 

Hörer, wie er sich auf die Sammlung 

mal finster neumusikalisch 

wirkender, mal elektronisch verklausulierter 

Soundwanderungen 

einlassen will. Im Zentrum 

steht Sylvians Bariton, der introvertiert 

und manchmal theatralisch 

poetisch verschlüsselte 

Botschaften unter anderem von 

der Dichterin Emily Dickinson 

verkündet. Um diesen Nukleus 

bauen Remixer wie Jan Bang, Eric 

Honoré, verschiedene Streichinstrumente 

und Jazzmusiker wie 

der Saxofonist Evan Parker irrlichternde 

Assoziationen. Sechs 

Stücke stammen von dem vorangegangenen 

Album „Manafon“ 

und werden umgedeutet, 

die andere Hälfte ist neu, aber 

mindestens ebenso in sich versunken 

wie das frühere Material. 

Manches erinnert an skandinavische 

Soundarchitekturen nach 

Art des Labels rune grammofon, 

manches an Klanginstallationen, 

die Bonus-CD bietet 20 Minuten 

Soundscapes von einer Kunstaktion. 

So macht es David Sylvian 

seinen Hörern nicht leicht. Er 

fordert Zeit, Ruhe und Konzentration. 

Aber er bietet auch Entdeckungen 

voll dunkel poetischer 

Strahlkraft. Ralf Dombrowski 

Wissenswertes: David Sylvian 

begann seine Karriere als Sänger der 

Wave-Band Japan. 

32

Barbra Streisand 

„What Matters Most“ 

Columbia/Sony Music 

[Pop/Jazzpop] Schon als Barbra 

Streisand in den 60er Jahren 

ihre ersten Alben veröffentlichte, 

wirkte ihre Musik wie aus der Zeit 

gefallen. Ihre Art, wie sie Standards 

aus dem Great American 

Songbook interpretierte, schien 

schon damals um Jahrzehnte zu 

spät gekommen zu sein. Diesen 

Eindruck könnte man auch bei 

„What Matters Most“ haben – und 

doch ist er falsch. Denn allein 

mit ihrem zurückhaltenden und 

doch so ausdrucksreichen Vortrag 

gelingt es ihr immer wieder, 

die Songs zu etwas ganz Persönlichem 

zu machen und sie ins 

Hier und Jetzt zu holen. Gerade 

die zehn mit dezenten Jazz-Arrangements 

versehenen Stücke auf 

der neuen CD müssen ihr besonders 

am Herzen gelegen haben – 

sind es doch alles Songs, zu denen 

Alan und Marilyn Bergman die 

Texte geschrieben haben. Mit den 

beiden renommierten Textdichtern 

ist Streisand seit Jahrzehnten 

eng befreundet – und das spürt 

man: So emphatisch hat man die 

Streisand schon lange nicht mehr 

gehört. 

Heiko Große 

Anspieltipps: „The Windmills Of 

Your Mind“, „Nice ’N’ Easy“, „That Face“ 

Keb’ Mo 

„The Reflection“ 

Yolabelle/Warner V.Ö. 30.9. 

[Blues/Soul/Folk] Fünf Jahre 

hat Kevin Moore alias Keb’ Mo seit 

seinem letzten Album „Suitcase“ 

verstreichen lassen, bevor er jetzt 

mit „The Reflection“ endlich einen 

ebenbürtigen Nachfolger präsentiert. 

Der Sänger und Gitarrist, der 

am 3. Oktober seinen 60. Geburtstag 

begeht, überzeugt mit zwölf 

extrem groovigen und angenehm 

relaxten Songs im Spannungsfeld 

zwischen Blues, Jazz und Folk, 

eingespielt mit Unterstützung 

von India.Arie, Vince Gill, Dave 

Koz, Marcus Miller, Mindi Abair 

und David T. Walker. Drei Jahre 

arbeitete Keb’ Mo zusammen mit 

seinem Toningenieur John Schirmer 

in Los Angles und Nashville 

an der Fertigstellung der Platte. 

Die Sorgfalt hat sich ausgezahlt. 

Keb’ Mo glänzt in Songs wie „All 

The Way“ und „One Of These 

Nights“ mit seinem ausdrucksstarken 

Gitarrenspiel und verleiht 

den Stücken eine unverwechselbare 

Note. Robert Wallner 

Anspieltipps: „The Whole Enchilada“, 

„Crush On You“ und „My Baby’s 

Tellin’ Lies“ 

Frank Ramond 

„Ganz klar“ 

105music/Sony Music 

[Chanson/Pop] Auch wer in seinem 

Leben noch nie von Frank 

Ramond gehört hat, kennt garantiert 

einen seiner Songs, die 

er in den letzten Jahren für Annett 

Louisan, Roger Cicero und 

Ina Müller geschrieben hat. Aber 

auch als Solokünstler sorgte der 

Songwriter und Produzent, der 

nur ungern im Rampenlicht steht, 

mit seinem Debütalbum „Große 

Jungs“ bereits 2009 für Aufsehen. 

Auf seinem zweiten Solowerk 

überzeugt Frank Ramond 

erneut mit wundervoll hintersinnigen 

Chansons in deutscher 

Sprache. Als Geschichtenerzähler 

übertrifft er sich mit Songs wie 

„Golf-Generation“ und „Wer nicht 

fällt (hat nie gestanden)“ wieder 

einmal selbst. Weit entfernt von 

allen Klischees und in einer sehr 

klaren, direkten Sprache berichtet 

Frank Ramond mit viel Humor 

über all die kleinen und großen 

Katastrophen, die das Leben so 

bereithält. Robert Wallner 

Wissenswert: Frank Ramond 

wurde in Istanbul geboren, verbrachte 

seine Kindheit in Mexiko und 

Spanien und lebt seit vielen Jahren 

in Hamburg. 

Jasmin Tabatabai & 

David Klein Orchester 

„Eine Frau“ 

Edel: Content 

[Pop/Chanson] Das Frauenwunder 

im erwachsenen deutsprachigen 

Pop nimmt kein Ende. 

Es vergeht kein Quartal, in dem 

nicht eine Interpretin mit einem 

Album um die Ecke kommt, auf 

dem sie chansoneske deutsche 

Texte zu mal poppiger, oft jazziger, 

häufig eben auch chansonesk-arrangierter 

Musik vorträgt, 

von Annett Louisan bis 

Lisa Bassenge, von Ina Müller 

bis Celine Rudolph. Und jetzt also 

Jasmin Tabatabai. Okay, dass die 

deutsch-iranische Schauspielerin 

auch eine begabte Musikerin 

ist, wusste man nicht nur durch 

den Kino-Blockbuster „Bandits“, 

sondern auch von ihrer Zeit in der 

Berliner Band Even Cowgirls Get 

The Blues und von ihren ersten 

beiden Soloalben. Aber die waren 

voller englischer Popsongs 

aus Tabatabais eigener Feder. 

Hier geht es nun ganz anders 

zu. Die Texte sind alle deutsch, 

stammen von fremden Autoren 

(etwa Kurt Tucholsky), die Musik 

swingt und groovt im Bigbandund 

Loungejazz-Style der 60er 

Jahre, sehr cool und lässig urban. 

Das ist auch das Verdienst 

des Schweizer Produzenten David 

Klein und seines Orchesters – 

und die Zusammenarbeit mit ihm 

laut Tabatabai keine Reaktion auf 

das eingangs beschriebene Phänomen, 

sondern ein langgehegter 

Plan, seit man sich vor zehn Jahren 

am Set des Films „Gripsholm“ 

kennenlernte. Gut, dass sie den 

nun verwirklicht haben. 

 


Erinnert an: Hildegard Knef 

Passt in: jede Cocktailbar 

Gillian Welch 

„The Harrow & The 

Harvest“ 

Acony Records/Warner 

[Folk, Country] Von der Herkunft 

einer Interpretin auf ihre 

Musik zu schließen, kann ganz 

schön in die Irre führen: Die 

43-jährige Sängerin, Gitarristin 

und Autorin Gilian Welch etwa 

stammt aus New York City und 

wuchs in Los Angeles auf – aber 

die Alben, die sie mit ihrem Kreativpartner, 

Co-Produzenten und 

Gitarristen David Rawlings aufnimmt, 

sind Paradebeispiele für 

die zeitlose Schönheit des Ländlichen: 

delikate, rein akustisch instrumentierte 

Songs, deren Roots 

im ganz frühen Country, im Bluegrass 

und im Appalachen-Folk 

liegen. Neben Welchs kehligem, 

aber keineswegs herbem Organ 

und Rawlings unaufdringlichem 

Begleitgesang sind oft nur akustische 

Gitarren, gelegentlich auch 

ein Banjo zu hören, aber man vermisst 

nichts – weil die Melodien 

so stark und die Saitenarrangements 

so effektiv und klangvoll 

wie filigran sind. Die Songs stammen 

alle aus der Schreibwerkstatt 

dieses kongenialen Künstlerpaars, 

aber sie hören sich an, als wären 

sie schon vor hundert Jahren 

entstanden, in einer Welt ohne 

Musikmoden, ohne Kommerzkalkül. 

Lieder voller stiller Sehnsucht 

und Romantik, meisterlich 

gesungen und gespielt, klanglich 

makellos produziert. 

 


Weiterhören: Daniel Lanois, Bert 

Jansch, Natalie Merchant 

33

Klassik 

Sol Gabetta 

„Il Progetto Vivaldi 2“ 

Sony Classical 

Die argentinische Cellissima Sol 

Gabetta macht ihrem Vornamen 

alle Ehre. Denn egal, was sie spielt – 

bei ihr geht auf den vier Cellosaiten 

ständig die Sonne auf. So 

auch auf ihrem zweiten Album 

mit Cello-Konzerten von Antonio 

Vivaldi. Mit wärmender Innigkeit, 

schmelzendem Ton und glühender 

Brillanz küsst La Gabetta da 

drei selten zu hörende Concerti 

des venezianischen Barockstars 

wach. Und klanghistorisch schnittigen 

Drive bietet dazu die Cappella 

Gabetta auf, die Sol mit ihrem 

Bruder Andres Gabetta gegründet 

hat. Weil Sol Gabetta aber von 

jeher eine Bank für Repertoire- 

Entdeckungen ist, hat sie zudem 

zwei Cello-Konzerte von Vivaldi- 

Zeitgenossen nicht einfach eingespielt. 

Mit ihrem Temperament 

verwandelt Gabetta sie in wahre 

Meisterwerke. Reinhard Lemelle 

Besonderheit: Das Cello-Konzert 

von Giovanni Battista Platti ist eine 

Weltersteinspielung. 

Diverse 

„Poetica“ 

Sony Classical, VÖ. 30.9. 

Nicht erst seit den großen Erfolgen 

des Duos Schönherz & Fleer 

mit seinem „Rilke Projekt“ erfreut 

sich die Verbindung von Lyrik 

und klassischer Musik im Land 

der Dichter und Denker großer 

Beliebtheit. Eine Verbindung, die 

vor allem dann reizvoll ist, wenn 

großartige Kompositionen auf 

ebensolche Schauspieler treffen – 

schließlich besitzt Lyrik ihre eigene 

Musikalität, die so richtig 

zur Entfaltung kommt, wenn sie 

von wohlklingenden Stimmen mit 

Feingefühl und klugem Textverständnis 

vorgetragen wird. Die 

vorliegende Compilation bringt 

Musik von Brahms, Holst, Bizet, 

Debussy, Fauré, Dvorak, Kreisler, 

Mozart und Bach mit Texten 

von Goethe, Eichendorff, Erich 

Fried, Rilke, Kästner und Hebbel 

und mit prominenten Mimen 

wie Martina Gedeck, Otto 

Sander, Hannelore Hoger, Katharina 

Thalbach, Ulrich Noethen, 

Suzanne von Borsody und 

Matthias Brandt zusammen – 

da wird auch fündig, wem Rilke 

nicht so zusagt. Felix Marondel 

Passt zu: herbstlichen Sonntagnachmittagen 

Ludovico Einaudi 

„Islands Essential 

Einaudi“ 

Decca/Universal 

Selten ist die Devise „Weniger ist 

mehr“ in der Musik seelenvoller 

beherzigt worden als in den Kreationen 

des Turiner Komponisten 

Ludovico Einaudi. Aus Klassik, 

Folklore, New Age und Minimal 

Music schöpft der Pianist, doch 

die Ingredienzen, die Einaudi 

aus diesen Bereichen gewinnt, 

verdichtet er in stimmungsvollen, 

trügerisch einfach wirkenden 

Stücken. In deren Zentrum 

steht sein Klavierspiel, meist um 

einen dezenten Streicherhintergrund 

ergänzt. Doch was die 

hoch emotionale Wirkung dieser 

Musik ausmacht, sind die herrlichen 

Melodieeinfälle – es gibt 

hier keine Angst vor der Schönheit. 

„Islands“ vereint 14 Kompositionen 

aus Einaudis Schaffen, 

darunter inzwischen hochpopuläre 

wie „Nightbook“, „Divenire“ 

und „Nefelli“. Ein bisschen mutet 

der Norditaliener an wie ein 

musikalischer Seelenverwandter 

des Bestsellerautors Paulo Coelho: 

Sein Publikum findet bei ihm 

klingenden Seelenbalsam. 

 


Wissenswert: Jüngst schuf Ludovico 

Einaudi den Soundtrack zum Kinohit 

„Black Swan“. 

Kent Nagano 

„Beethoven: Symphonies 

Nos. 6 & 8, Grosse Fuge“ 


Als Beethoven mit seiner 6. Symphonie 

dem Ideal von Mutter Natur 

nachspürte, gab es noch kein 

Waldsterben, und der sanft dahinfließende 

Bach, den Beethoven in 

seiner „Pastorale“ verewigte, war 

glasklar. 200 Jahre später ist der 

Raubbau an der Natur in vollem 

Gange. Stardirigent Kent Nagano 

zieht dagegen jetzt ungewöhnlich 

zu Felde: Nach einer kräftig 

leuchtenden wie empfindsam lyrischen 

Einspielung der Sechsten 

mit dem Orchestre Symphonique 

de Montréal lässt Nagano jenes 

Umweltschutz-Manifest verlesen, 

das 1992 beim Weltgipfel in 

Rio verabschiedet wurde. Weg 

von Beethoven als quasi geistigem 

Urvater der Ökobewegung 

hin zum geistvollen Humoristen 

geht es dann in seiner 8. Symphonie. 

Und als Krönung präsentiert 

Nagano Beethovens „Grosse Fuge“ 

als intellektuell wie sinnlich umwerfendes 

Abenteuer. 

 

Guido Fischer 

Lang Lang 

„Liszt: My Piano Hero“ 


Seine erste Begegnung mit Liszt 

hatte Lang Lang vor der Glotze, 

als er als Kind einen „Tom 

& Jerry“-Zeichentrickfilm sah, 

in dem Tatzen-Tom die 2. Ungarische 

Rhapsodie von Liszt 

in die Tasten prügelte. Auf seinem 

ersten Liszt-Album hat der 

29-Jährige auch zwei Rhapsodien 

aufgenommen. Wie er da atemberaubend 

lässig Gas gibt und 

übermenschlich den Flügel wüten 

lässt, ist Klavierspiel in einer 

neuen Dimension. Aber Lang hat 

nicht nur sehnige, sondern auch 

sensible Finger, mit denen er etwa 

dem magischen „Ave Maria“ farbintensiven 

Klangzauber entlockt. 

Nach neun Solostücken steigt 

Lang Lang dann mit Valery Gergiev 

und den Wiener Philharmonikern 

in den Konzertring – und 

trifft in Liszts 1. Kla vierkonzert 

punktgenau den Ton fürs Glitzernde 

und Rhapsodische. 

 

Guido Fischer 

O-Ton des Künstlers: „Als Liszt- 

Interpret wünscht man sich manchmal, 

vier Hände zu haben.“ 

Quatuor Ebène 

„Mozart: Streichquartette“ 

Virgin Classics/EMI, VÖ. 16.9. 

Für Goethe war das Streichquartett 

die Königsklasse in der Kammermusik, 

denn hier konnte er einer 

„Unterhaltung zwischen vier 

vernünftigen Menschen“ beiwohnen. 

Hätte er aber jetzt miterlebt, 

wie das Quatuor Ebène Mozart 

spielt, er wäre rundum verblüfft 

über den Tiefgang, aber auch den 

Humor in diesen musikalischen 

Gesprächen zu viert. 1783 bzw. 

1785 komponierte Mozart die beiden 

Quartette KV 421 & 465, die 

er seinem Vorbild Joseph Haydn 

widmete. Wie modern aber ihre 

Gedankenvielfalt und gestalterische 

Experimentierfreudig - 

keit sind, macht das Quatuor 

Ebène bis in die letzte Noten faser 

deutlich. Guido Fischer 

O-Ton der Künstler: „Wir sind ein 

altes Quartett mit jungen Musikern.“ 

34

jazz & world 

Tinariwen 

„Tassili“ 

Cooperative Music/Universal 

[Desert Blues] Die Tuareg-Band 

Tinariwen zeigt uns seit einigen 

Jahren, dass der archaische Blues 

nicht nur am Mississippi zu Hause 

ist. Ihre schweren, schleppenden 

Grooves scheinen den großen 

Sand der Jahrtausende zu transportieren. 

Auf ihrem neuen Album 

„Tassili“ gehen sie jedoch ein 

Stück weiter aus sich heraus als 

auf früheren Platten. Die Band 

hat sich stets um die Öffnung 

der Welt für die Probleme ihres 

Stammes bemüht. Um diesen Fokus 

zu verstärken, haben sie sich 

diesmal ein paar Gäste ins Studio 

geladen, so den jazzerprobten 

Wilco-Gitarristen Nels Cline 

und Mitglieder der Dirty Dozen 

Brass Band. Es mag anfangs 

befremdlich klingen, wenn die 

Wüstensöhne streckenweise erstmals 

englisch singen, und doch 

unterstreicht gerade diese Zäsur 

die äußerst bewusst angestrebte 

Verbindung von offener Landschaft 

und urbaner Enge. 

 

Wolf Kampmann 

Weiterhören: Tamikrest, Bombino 

Dee Dee Bridgewater 

„Midnight Sun“ 

Emarcy/Universal 

[Vocal Jazz] Die in ihrer Karriere 

bereits mit unzähligen Awards 

ausgezeichnete Sängerin erfüllt 

sich mit „Midnight Sun“ einen 

langgehegten Wunsch: ein persönlich 

von ihr zusammengestelltes 

„Mix Tape“-Album. Die Platte, 

remastered von Doug Sax im legendären 

Mastering Lab in Ojai, 

Kalifornien, enthält elf ausgewählte 

Balladen vornehmlich aus den 

letzten beiden Jahrzehnten. Eröffnet 

wird diese aufsehenerregende 

Reise durch die Gefühlslandschaften 

der Liebe passenderweise 

mit dem Titel „Midnight Sun“ 

aus ihrem 1997 veröffentlichten 

meisterhaften Ella-Fitzgerald- 

Tribute-Album „Dear Ella“. Im 

Folgenden reiht sich ein musikalischer 

Höhepunkt an den anderen, 

angefangen mit „Angel Eyes“ 

aus ihrem Longplayer „Keeping 

Tradition“ (1993) über „My Ship“ 

(„This Is New“, 2002) und „Lonely 

Woman“ („Love & Peace: A 

Tribute To Horace Silver“, 1995) 

bis hin zum Titel „L’Hymne a 

l’Amour“, der bisher ausschließlich 

in Japan erhältlich war. 

 


Wissenswert: Ihre ersten drei 

Alben, „Dee Dee Bridgewater“ 

(1976), „Just Family“ (1977) und 

„Bad For Me“ (1978), standen 

musikalisch noch ganz im Zeichen 

der Discowelle. 

Charles Lloyd/Maria 

Farantouri 

„Athens Concert“ 

ECM/Universal 

[Ethno Jazz] Jazzsaxofonist 

Charles Lloyd hat sich seit den 

60er Jahren einen Ton bewahrt, 

der leidenschaftliche Coltrane- 

Nachfolge mit hippyesker Spiritualität 

verbindet. Seine physischen 

Kräfte mögen in den letzten 

Jahren ein wenig gewichen sein, 

seine hypnotische Verführungskunst 

hat eher noch zugenommen. 

Doch wie soll das mit dem 

fülligen Alt der griechischen Gesangslegende 

Maria Farantouri 

zusammengehen? Indem beide 

Demut und Zurückhaltung üben. 

Es ist erstaunlich, wie innig die 

Inspiration des einen das Timbre 

der anderen umarmt. Egal ob es 

sich um griechische Songs, zum 

Beispiel von Mikis Theodorakis, 

oder um Originale des Saxofonisten 

handelt, die Intentionen der 

beiden großen Künstler werden 

hier auf einem Altar der integrierten 

Traditionen dargebracht, 

bei dem es auf die jeweilige Herkunft 

gar nicht mehr ankommt. 

 

Wolf Kampmann 

Weiterhören: Jason Moran 

Cristina Branco 

„Fado Tango“ 

Emarcy/Universal 

[Worldmusic] Topmodel-Schönheit 

und künstlerische Glaubwürdigkeit 

gehen selten zusammen. 

Eine Ausnahme stellt die 39-jährige 

Cristina Branco dar, die seit 

mehr als einem Jahrzehnt als 

die „Zukunft des Fado“ gepriesen 

wird und mit jedem ihrer 

Alben diese Vorschusslorbeeren 

ein bisschen mehr rechtfertigt. 

Für ihr neues Album ging die 

Portugiesin an ihre künstlerischen 

Wurzeln zurück, verließ 

dafür aber auch bewährte Pfade: 

Auf „Fado Tango“ spürt die 

Interpretin der Verbindung zwischen 

dem Fado, dieser melancholischen 

Liedkultur aus den 

Hafenkneipen Lissabons, und 

dem Tango, der tragisch-erotischen 

Musik aus den Tanzhallen 

und Bordellen von Buenos Aires, 

nach. Dafür stellte sie sich Lieder 

unterschiedlichster Autoren zusammen, 

während sie sonst häufig 

Kompositionen ihres Mannes 

Custodo Castelo aufnimmt. Kleine 

Abstecher gibt es nach Belgien, 

mit Jacques Brels „Les Désespérés“, 

und Kuba, mit der Son-Perle 

„Los Gardenias“, die man in unseren 

Breitengraden vor allem 

vom Buena Vista Social Club her 

kennt. In jedem dieser Stücke mit 

ihren würdevoll leidenschaftlichen 

Melodien beweist Cristina 

Branco Tiefe. Raoul Gulbenkian 

Passt zu: Rotwein-Abenden 

Nils Petter Molvaer 

„Baboon Moon“ 

Columbia/Sony 

[Prog Jazz] Der norwegische 

Trompeter Nils Petter Molvaer 

ist stetig auf der Suche nach sich 

selbst, aber selten vermittelte er 

derart überzeugend das Gefühl 

der Ankunft wie auf „Baboon 

Moon“. Dazu bedurfte es eines 

völligen Neubeginns. Molvaer löste 

seine alte Band auf und stellte 

mit Stian Westerhus, dem derzeit 

wohl abenteuerlustigsten Gitarristen 

der Welt, und dem ehemaligen 

Madrugada-Drummer 

Erland Dahlen ein neues Trio 

auf, das wesentlich stärker in 

Richtung Progrock tendiert. Der 

symbiotische Sound der Troika 

wird nicht mehr von Molvaers 

verfremdeten Trompetensounds 

dominiert, sondern besticht durch 

integrierte Schwärze aller drei Beteiligten. 

Der Trompeter selbst 

pendelt nicht mehr zwischen 

verschiedenen Polen seiner extremen 

Persönlichkeit, sondern 

hat mit seinen neuen Gespielen 

auch die eigene Mitte gefunden. 

Man muss mit Jazz überhaupt 

nichts am Hut haben, um mit diesem 

Stück instrumentalem Freigeist 

in Verzückung zu geraten. 

 

Wolf Kampmann 

Downloadtipp: „Recoil“ 

Céline Rudolph 

„Salvador“ 

Verve/Universal 

[Vocal Jazz] Einen feinen, exotisch-sinnlichen 

Akzent setzt die 

Ber liner Chanteuse Celine Rudolph 

mit ihrem ersten Album für 

Universal: Sie hat elf Chansons 

des französischen Sängers und 

36

Komponisten Henri Salvador neu 

betextet und mit dem Bassisten 

Rodolfo Stroeter in Bossa- und 

Jazz-Arrangements verpackt, 

die so edel wie einfallsreich geraten 

sind. Mit einer Truppe von 

Bossa-Spezialisten in Sao Paulo 

und Könnern aus der Crème de 

la Crème des deutschen Jazz wie 

dem Trompeter Sebastian Studnitzky 

und dem Schlagzeuger 

Wolfgang Haffner in Berlin eingespielt, 

verströmen diese Stücke 

ein entspanntes, mitunter 

auch sanft melancholisches Lebensgefühl. 

Céline Rudolphs geschmeidig 

fließende, oft augenzwinkernde 

Texte, die sich oft, 

aber nicht nur um Amouröses 

drehen, verbinden sich kongenial 

mit dieser Musik. Eine subtil 

vergnügliche Sommerplatte für 

anspruchsvolle Freunde deutschsprachigen 

Liedguts. 

 

Raoul Gulbenkian 

Klingt ähnlich: Lisa Bassenge 

Max von Mosch 

Orchestra 

„Black Périgord“ 

Embab/RTD 

[Modern Jazz] Vor allem in Süddeutschland 

hat in den letzten 

Jahren der melodiöse Gruppensound 

der Band max.bab Furore 

gemacht. Das aus vier ehemaligen 

Schulfreunden bestehende 

Quartett begeisterte auch viele 

Hörer für sich, die mit Jazz bisher 

eher weniger am Hut hatten. 

Stark geprägt wurde der Stil der 

Gruppe vom Spiel des Saxofonisten 

Max von Mosch. Der tummelt 

sich inzwischen munter in der 

New Yorker Jazzszene, hat dort 

mit anderen jungen Musikern 

ein Tentett gebildet – und mit 

diesem jetzt ein wirklich beeindruckendes 

Album eingespielt: 

So sorgfältig dieser moderne 

Fast-schon-Bigband-Jazz konstruiert 

ist, so gelöst und lebendig 

klingen die Akteure. Ein spezielles 

Highlight ist der Dialog der 

beiden solierenden Posaunen in 

„Shades Of Red“, den der junge 

Michael Dease mit dem angeblich 

ersten auf Tonträger festgehaltenen 

Altposaunensolo der Jazzgeschichte 

(!) eröffnet und der prominente 

Gaststar Robin Eubanks 

souverän beschließt. Weltklasse! 

 


Tingvall Trio 

„Vägen“ 

Skip Records/Soulfood 

(Modern Jazz) Derzeit gibt es 

eine Flut von Pianotrio-Veröffentlichungen 

im Jazz, da ist nicht 

alles Gold, was glänzen will. Aber 

es gibt doch immer wieder Herausragendes 

– so auch das vierte 

Album der Gruppe des Hamburger 

Pianisten Martin Tingvall. 

In dichtem, gleichberechtigtem 

Ensemblespiel mit dem Bassisten 

Omar Rodriguez Calvo und 

dem agilen Schlagzeuger Jürgen 

Spiegel begeistert Tingvall mit 

einer bruchlosen Folge wunderschöner 

Melodiemotive, die er 

mal in lyrische, dann wieder in 

rockig zupackende Klänge packt. 

Die drei verlieren nie die Bodenhaftung 

im bluesbasierten Jazz, 

obwohl sie das reiche europäische 

Erbe aus Romantik und Impressionismus 

immer wieder nutzen 

und auch moderne Clubgrooves 

anklingen lassen. 

 


Klingt ähnlich: Esbjörn Svensson 

Trio, Brad Mehldau Trio, Tord Gustavsen 

Trio 

präsentiert 

präsentiert 

präsentiert 

NEULAND CONCERTS & STARWATCH MUSIC PRÄSENTIEREN 

Neuland Concerts & Starwatch Music präsentieren 

15.09. Baden-Baden - SWR 3 New Pop Festival 

16.09. Frankfurt - Batschkapp 

17.09. Nurnberg - Hirsch 

20.09. Munchen - Ampere 

22.09. Koln - Kulturkirche 

24.09. Hamburg - Reeperbahn festival 

01.10. Berlin - Postbahnhof 

02.10. Bochum - Zeche 

22.09. LAUSANNE (CH) 

21.10. HAMBURG 

24.10. BERLIN 

25.10. NEU-ISENBURG 

26.10. KÖLN 

28.10. WIEN (AT) 

29.10. GRAZ (AT) 

30.10. MÜNCHEN 

01.11. ZÜRICH (CH) 

03.11. PRATTELN (CH) 

06.11. FELLBACH 

DAS 

AKTUELLE ALBUM 

“STRINGS’ N’ 

STRIPES” ÜBERALL 

ERHÄLTLICH 

HAUDEGEN 

17. 09. ESSEN 

25. 09. BERLIN 

24. 10. WÜRZBURG 

25. 10. STUTTGART 

27. 10. MÜNCHEN 

28. 10. HAMELN 

29. 10. OSNABRÜCK 

30. 10. POTSDAM 

01. 11. KREFELD 

02. 11. AACHEN 

03. 11. FREIBURG 

04. 11. ZUG (CH) 

06.11. FRANKFURT 

07. 11. INGOLSTADT 

08. 11. WIEN (AT) 

09. 11. GRAZ (AT) 

11. 11. DORTMUND 

12. 11. EISENACH 

14. 12. MÜNSTER 

16. 12. FLENSBURG 

17. 12. LÜBECK 

18. 12. BIELEFELD 

WWW.NEULAND-CONCERTS.COM 

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schatzkiste 

Queen 

„The Works“ / „A Kind Of Magic“ / „The Miracle“ / 

„Innuendo“ / „Made in Heaven“ 

Island / Universal 

2011 ist Queen-Jahr! Vor genau vier Jahrzehnten formierte sich in England 

eine der erfolgreichsten Rock-Bands aller Zeiten. Und der 1991 an 

Aids verstorbene Frontman Freddie Mercury hätte am 5. September 

seinen 65. Geburtstag feiern dürfen. Anlässlich dieser beiden Stichtage 

erscheinen noch mal die fünf letzten Alben von Queen – remastered 

sowie mit jeweils einer Bonus-EP mit durchweg bekannten Live-Aufnahmen, 

Maxi-Versionen und Single-B-Seiten. Nach einer zweijährigen 

Pause und bereits zahllosen, bis heute unverwüstlichen Dauerbrennern 

wie „We Are The Champions“ und „We Will Rock You“ waren Queen 

1984 ins Studio zurückgekehrt. Und gleich mit dem Eröffnungssong 

von „The Works“, „Radio GaGa“, lief die Hitmaschine sofort wieder auf 

Hochtouren. Natürlich finden sich auch auf den nachfolgenden Alben 

Songs für die Ewigkeit und jede Party. Auf „A Kind of Magic” (1986) ist 

es „One Vision“ und auf „The Miracle“ (1989) „I Want It All”. Und auf 

„Innuendo” (1991) steht allein solch eine Hymne wie „The Show Must Go 

On” für das geniale, vierköpfige Komponistenkollektiv. Sind all diese 

Songs längst auf „Greatest Hits“-Samplern verewigt, spiegelt aber gerade 

jedes einzelne komplette Album die große Kunst der musikalischen 

Verwandlung wider, die so nur Queen beherrschten. Von lupenreinem 

Rock’n’Roll bis zu Disco-Beats, von Hardrock über Gospel bis zu herrlich 

pathetischen Pop-Arien zog man da nahezu immer treffsicher alle 

Register. Erst bei dem vier Jahre nach Mercurys Tod veröffentlichten 

Album „Made In Heaven“ packt einen trotz solcher Ohrwürmer wie 

„I Was Born To Love You“ endgültig die Wehmut. Schließlich dokumentiert 

es die allerletzten Schritte des charismatischen Sängers und 

Paradiesvogels Mercury – bis hin zum Song „Mother Love“, dessen 

letzte Strophe nun Gitarrist Brian May singen musste. Guido Fischer 

Weitersehen: die Doppel-DVD „Queen: Live At Wembley Stadium“ 

Downloadtipp: „I Was Born To Love You“ in der Klavierfassung 

Verschiedene 

Interpreten 

„Fauré: Sämtliche 

Kammermusik für 

Streicher und Klavier” 

Virgin Classics / EMI 

Gabriel Fauré (1845–1924) war zu 

Lebzeiten eine Instanz im französischen 

Musikleben. Und mit seiner 

würdevollen Orchester-„Pavane“ hat 

er immerhin einen Langzeithit komponiert. 

Doch gerade seine faszinierende 

Kammermusik ist schändlicherweise 

nur selten zu hören. Das 

wird sich ab sofort ändern. Denn für 

die Gesamteinspielung von Faurés 

Werken für Streicher und Klavier (u. a. 

Streichquartett, Klavierquartette) 

hat sich ein wahres Dreamteam zusammengetan. 

Die French Connection 

um die Brüder Renaud & Gautier 

Capuçon sowie das Quatuor Ebène 

hält mit dem US-amerikanischen Pianisten 

Nicholas Angelich ein Fauré- 

Plädoyer, dass es die reine Wonne 

ist. Angesichts der wundervoll melosreichen 

Schwelgens, Singens und 

Seufzens bedauert man nur, dass 

man nach fünf CDs wieder aus dieser 

Klangwunderwelt entlassen wird. 

 

Gabriel Fauré 

gibt das 

Signal zum 

Schwelgen 

Reinhard Lemelle 

Weiterhören: Debussy, Ravel, Satie 

Downloadtipp: „Berceuse” op. 16 

Geniales Kollektiv nebst 

proletarisch gewandetem 

Paradiesvogel: Taylor, May, 

Mercury und Deacon (v. l.) 

38

Chef Les (o. Mitte) 

war nicht immer so 

freundlich wie hier 

The Les Humphries 

Singers 

„Original Albums Series“ 

Warner 

Die Les Humphries Singers stehen 

für ein von der Nachwelt eigentlich 

nicht hinreichend gewürdigtes Kapitel 

in der deutschen Popgeschichte: 

Zwischen 1971 und 1976 machte die 

von dem britischen Keyboarder Les 

Humphries in Hamburg gegründete 

Truppe mit einem Sound, der sich 

gleichermaßen bei schwarzen Gospelchören 

wie den Edwin Hawkins 

Singers und bei psychedelischem 

Pop bediente, europaweit Furore. 

Mehr als 60 Millionen Exemplare 

wurden von ihren ersten fünf Alben 

verkauft, die nun in einer kompakten 

Fünf-CD-Box, jeweils in Repliken der 

Originalcover, versammelt wieder erhältlich 

sind. Neben den schmissigen, 

meist von Les Humphries und dem 

Sänger James Bilsbury verfassten 

Hits wie „Mama Loo“, „Mexico“ oder 

„Kansas City“ und ihren clever in 

kommerziellen Pop umgearbeiteten 

Gospel-Originalen („Old Man Moses“, 

„We Are Goin’ Down Jordan“) machte 

sich das teils aus Ex-Darstellern des 

Hippie-Musicals „Hair“ rekrutierte 

Ensemble auch über Evergreens 

her: Ob Jimi Hendrix‘ Paradenummer 

„Hey Joe“, CSNYs „Love The One 

You’re With“, oder Leonard Cohens 

„Suzanne“ – sie alle bekamen den 

ekstatischen Les-Humphries-Sound 

verpasst. Als fruchtbarer Kniff erwies 

sich dabei Humphries‘ Methode, die 

Sänger der Leadstimmen von Stück 

zu Stück wechseln zu lassen. 1991 

kam es zu einer kurzzeitigen Reunion 

der Gruppe. Gründer Les Humphries 

starb 2007 in seiner englischen Heimat. 

 

Felix Marondel 

Info: In der „Original Album Series“ 

erschienen kürzlich außerdem Fünf- 

CD-Boxen von a-ha, Anita Baker, 

Al Jarreau, Antonio Carlos Jobim, 

Hildegard Knef, Herbie Mann, John 

Coltrane, Ornette Coleman und den 

Violent Femmes. 

Miles Davis 

„Live In Europe – The Bootleg 

Series Vol. 1“ 

Columbia Legacy/Sony Music, VÖ. 14.10. 

Nachdem zuletzt das Werk von Miles Davis in 

allen möglichen (und unmöglichen) Formen 

verkompiliert, verboxt und gar verramscht 

wurde, steht passend zum 20. Todestag am 

28. September eine Veröffentlichung für Kenner 

und Sammler an, die höchsten Maßstäben 

genügt. Als Folge eins der „Bootleg Series“ des 

Jahrhundertkünstlers hat sich sein Label Columbia 

entschieden, in einer handlichen Verpackung 

drei CDs und eine DVD unter dem 

Motto „Live In Europe 1967“ zu veröffentlichen. 

In dem Jahr flog das Miles Davis Quintet mit 

Wayne Shorter, Herbie Hancock, Ron Carter 

und Tony Williams auf den Alben jener Zeit 

von einem Höhenflug zum nächsten. Und auch 

live hatte die Band den höchsten Abstraktions- 

grad erreicht, während sie gleichzeitig – vorangepeitscht 

vom genialischen Williams – auch 

im obersten Energielevel spielte. Das kann 

man auf den hier in durchweg annehmbarer 

Klangqualität versammelten Mitschnitten mit 

Gewinn verfolgen. Die drei CDs bieten Auszüge 

aus drei Konzerten (28. Oktober Antwerpen, 

2. November Kopenhagen und 6. November 

Paris). Highlight von „Live In Europe 1967“ ist 

jedoch die DVD mit zwei TV-Auftritten: Am 31. 

Oktober schnitt das schwedische Fernsehen einen 

Gig in Stockholm mit, und am 7. November 

präsentierte der unvergessene Joachim-Ernst 

Berendt das Quintett in der Karlsruher Stadthalle. 

Während Miles und seine Männer 

äußerlich unbewegt bleiben, 

treiben sie die Jazz voran in ein 

Reich der Freiheit, das die beschauliche 

Stadthalle in ihren 

Grundfesten erschüttert haben 

dürfte. 

Heiko Große 

Weiterhören: Zum Vergleich 

bieten sich die Studioalben 

aus der Zeit an, „Miles Smiles“, 

„Sorcerer“ und „Nefertiti“ 

39

schatzkiste 

An Englishman in 

Schwarz: Gordon 

Sumner kann entspannt 

Zwischenbilanz 

ziehen 

Sting 

„Sting: 25 Years – The Definitive Box Set Collection“ 

Cherrytree / A&M Records / Universal, V.Ö.: 23.9. 

Abenteuer eines „Ex-Polizisten“: Seit Gordon Sumner alias Sting 1984 

den Trümmern seiner zerstrittenen Band Police entstieg, um seine 

Solokarriere zu starten, hat sich der so charismatische wie ehrgeizige, 

neugierige wie stets lernfähige Sohn eines Milchmannes aus Newcastle 

auf eine stilistisch interessante Reise begeben. Vom spektakulären Jazzrock 

seiner „Blue Turtles“-Band mit jungen Spitzenjazzern wie Branford 

Marsalis und Omar Hakim in den Eighties über den Edelpop mit Ethno- 

Beimischungen auf „Brand New Day“ (1999) bis hin zu seinen jüngsten 

Ausflügen in die Renaissance-Musik und die Arbeit mit Klassikorchester 

hat Sting immer die kreative Herausforderung gesucht – und geschickt 

mit breitenwirksamer Zugänglichkeit unter einen Hut gebracht. Das 

Resultat ist nicht nur enorme Popularität, sondern auch eine stattliche 

Anzahl von Songs, die heute bereits als Popklassiker gelten (u. a. 

„Englishman In New York“, „Fragile“ und „Fields Of Gold“). 

Zum 25-jährigen Karrierejubiläum gibt es nun eine standgemäße 

Box, die auf drei CDs mit 45 remasterten Tracks Stings Solokarriere 

nachzeichnet. Neben den obligatorischen Highlights (alle Top-40-Hits 

und die Grammy-Gewinner „Brand New Day“, „The Soul Cages“, „If I 

Ever Lose My Faith In You“ und „Whenever I Say Your Name“ feat. Mary 

J. Blige) stehen auch Raritäten und neun exklusiv für diese Sammlung 

remixte Songs. Nicht bloß eine Dreingabe: die DVD „Rough, Raw & 

Unreleased: Live At Irving Plaza“, mit einem bisher 

unveröffentlichten Livekonzert von Stings „Broken 

Music“ US-Tour 2005. Die CDs und DVD befinden 

sich in einem Hardcover Buch mit Hintergrundbildern, 

seltenen Fotos, sowie den kompletten 

Songtexten, einem Kommentar und einem Einleitungstext 

von Sting. 


Kaum zu glauben, aber wahr: Sting wird am 2. 

Oktober 60 Jahre alt 

Ramones 

„Ramones“ / 

„Leave Home“ / 

„Rocket To Russia“ / 

„Road To Ruin“ 

Rhino/Warner 

Soll nur keiner glauben, dass Punkfans 

nicht die Vorzüge gediegener 

Produktqualität zu schätzen wüssten. 

Zumindest die Musikmanager 

beim auf Re-Issues spezialisierten 

Label Rhino vertrauen darauf – haben 

sie doch kürzlich die ersten vier 

Alben der Ramones auf hochwertigem 

180-Gramm-Vinyl veröffentlicht. 

Die Longplayer „Ramones” 

(1976), „Leave Home” (1977), „Rocket 

To Russia” (ebenfalls 1977) und 

„Road To Ruin” (1978) enthalten 

solche Drei-Akkord-Klassiker wie 

„Blitzkrieg Bop,“ „Sheena Is Punk 

Rocker,“ „Beat On The Brat,“ „Now I 

Wanna Sniff Some Glue“, „Pinhead“, 

„Rockaway Beach“ und „I Wanna Be 

Sedated“. Sie stehen in exakten Reproduktionen 

der originalen LP-Hüllen 

in den Läden. Joey, Johnny, Dee 

Dee und Tommy Ramone sowie Marky 

Ramone, der 1978 zur Band stiess, 

leisteten mit diesen vier inzwischen 

als Klassiker eingestuften Platten 

wesentliche Pionierarbeit für den 

Punk; der Einfluss, den ihr lauter, 

bewusst minimalistischer Rock bis 

heute hat, ist kaum zu überschätzen. 

 


Info: Die Urmitglieder der Band 

stammten alle aus dem New Yorker 

Stadtteil Queens – indem sie ihre 

jeweiligen Familiennamen durch 

„Ramone“ ersetzten, erweckten 

sie den Eindruck eines (in Wahrheit 

nicht bestehenden) Verwandtschaftsverhältnisses. 

Foto: Laszlo 

40

Die tiefgründige Songpoesie von Leonard Cohen wird jetzt in gelb kanonisiert 

Verschiedene Interpreten 

Tango – An Anthology (15 CDs) 

Sony 

„Tango – An Anthology“ greift tief ins Archiv und spannt auf 

15 CDs den Bogen über ein knappes Jahrhundert Musikgeschichte, 

mit deutlichem konzeptuellem Schwerpunkt auf 

traditionellen Aufnahmen. Die modernen Entwicklungen, 

die sich aus der Perspektive von Clubbing und Remixing 

mit der Musik beschäftigen, werden ausgespart, ebenso 

die Experimente der Verknüpfung mit improvisierender 

Musik oder zeitgenössischer Klassik. Die Avantgarde besteht 

in Astor Piazzolla aus der frühen 60erjahren, der auf 

einer weiteren CD-Folge auch unter der Kategorie „Legends“ 

wieder zu finden ist. Aber das entspricht der inhaltlichen 

Ausrichtung, die sich die künstlerischen Leiter des Projektes 

vorgenommen hatten. Tango wird hier als Tanzmusik 

verstanden, als ein Teil des musikalischen Alltags, nicht als 

Spielwiese für Experimentatoren. Er ist die Musik aus dem 

Volk und auch da nicht der mythisch verklärte Sound aus 

den Vorortkneipen von Buenos Aires, sondern ein Tanz, 

den zahlreiche brillante Orchester und kleine Gruppen 

gespielt haben, der große Sänger wie Roberto Goyeneche 

oder auch Carlos Gardel hervorgebracht hat und inzwischen 

in seiner traditionellen Form von Sängerinnen wie Lidia 

Borda und Gabriela Torres fortgesetzt wird. So ermöglicht 

die sorgfältig (mit Ausnahme der fehlenden Besetzungen) 

edierte und umfassend kommentierte Sammlung einen 

gelungenen Einstieg in die Welt des Tangos für alle die, die 

vor allem den klassisch unterhaltsamen und in der Folklore 

verwurzelten Klang suchen. 


Verschiedene Interpreten 

„Reclam Musik Edition“ 

RCA / Sony Music 

Go Yellow: Der einigermaßen gebildete Bürger kennt sie schon 

lange: die gelb leuchtenden Bändchen der „Reclam Universal 

Bibliothek“, in denen überall im Buchhandel Klassikertexte und 

Nachschlagewerke zum günstigen Preis zu haben sind. In den 

sogenannten „Reclam-Heften“ des einst in Leipzig gegründeten 

gleichnamigem Verlags erscheinen seit Mitte des 19. Jahrhunderts 

Klassikerausgaben, die durch ihren geringen Preis und ihre einheitliche 

Gestaltung auffallen. Die Universalbibliothek oder auch 

„gelbe Reihe“ ist die älteste deutschsprachige Taschenbuchreihe. 

Ihre Nachkriegsauflage liegt bei über 35 Millionen Exemplaren. 

Ganzen Generationen von Schülern hat Reclam während ihrer 

Schulzeit die Klassiker der Weltliteratur nahe gebracht. 

Seit dem Frühjahr bietet der Verlag erstmals auch Enzyklopädisches 

zum Hören an - in einer Kooperation mit Sony Music. 

Ende März kamen sechs in typischer Reclam-Optik gelb leuchtende 

CDs in den Handel, die als „Reclam Musik Edition“ unter dem 

Titel „All Time Best“ die erfolgreichsten Stücke legendärer Acts 

versammelten: Johnny Cash, Miles Davis, Bob Dylan, Elvis Presley, 

Santana und Simon & Garfunkel. Entsprechend dem Bildungs- 

und Informationsanspruch des Verlags enthalten die CDs jeweils 

ein 16-seitiges Booklet mit Biografien, Diskografien, Zeitstrahl 

und ausgewählten Fotos der Künstler. Die Kooperation zwischen 

Plattenfirma und Buchverlag war offenbar erfolgreich, denn 

Ende August folgte nun eine zweite Veröffentlichungsstaffel mit 

sechs CDs, ebenfalls in der auffälligen gelben Optik. Sie führen 

kompakt in das jeweilige Werk von Leonard Cohen, Falco (dem 

ersten deutschsprachigen Künstler in der Edition), Rory Gallagher, 

Whitney Houston, Willie Nelson und Lou Reed ein. (FMA) 

Thelonious Monk 

„Original Album Classics“ 

Columbia / Legacy / Sony Music 

Gelegenheit für Jäger und Sammler, die Lücken in ihrem CD-Bestand 

schließen wollen: Seit Herbst 2008 offeriert Sony Music 

die CD-Box „Original Album Classics“ als interessante Alternative 

zu Downloads. Die Boxsets bieten jeweils fünf oder in der 

kleineren Variante drei CDs eines Künstlers zu einem besonders 

attraktiven Preis. Die Ausstattung der Boxen ist zweckmäßig in 

so genannten „Cardboard-Sleeves“ mit den Originalcovern gehalten. 

Die Rückseite der Boxen zeigt die Cover-Abbildungen der 

enthaltenen Alben mit der jeweiligen Titelliste und Angaben zu 

Bonustiteln. Neben Klassikern aus dem Repertoire des Labels ist 

die Serie auch als Schatzkiste für lange nicht mehr aufgelegte 

Alben und Raritäten konzipiert . Mehr als 150 Sets aus den Bereichen 

Rock, Pop, Klassik und Jazz wurden seit dem Start bereits 

veröffentlicht. 


Info: Tango gehört seit 2009 zu den UNESCO-„Meisterwerken 

des mündlichen und immateriellen Erbes der Menschheit“ 

Info: Am 7. Oktober erscheinen in der Reihe u. a. Sets von George 

Benson, Jeff Buckley, Deep Purple, und Thelonious Monk 

41

Schatzkiste jimi hendrix 

Ekstase im Tempel 

41 Jahre nach dem Tod des vielleicht größten 

Rockgitarristen aller Zeiten erscheinen 

im September diverse Hendrix-Veröffentlichungen 

auf CD und DVD, darunter 

seine hoch geschätzten Konzerte 

in San Franciscos „Winterland“. 

Trotz Querelen 

in Hochform: 

Jimi Hendrix in 

San Francisco 

In seinem 

Buch „The 

Hendrix Experience“ 

hat Schlagzeuger 

Mitch Mitchell das 

Jahr 1968 nicht ohne 

Grund mit der Zeile „Have 

contract, must travel“ überschrieben: 

Der 1967 begonnene 

Tourneewahnsinn näherte 

sich seinem Höhepunkt, denn 

alle Welt wollte die Jimi Hendrix 

Experience hören und sehen. Europa war vergleichsweise 

schnell zufrieden zu stellen, ein Kontinent 

der kurzen Wege, doch als im Februar die zweite 

US-Tournee begann, mussten binnen 66 Tagen 60 

Städte angeflogen werden. Selbst in Orten wie Muncie, 

Indiana, und Lewiston, Maine, machte die Experience 

Station. Nach kurzem Zwischenspiel in Europa ging 

es dann im Sommer erneut in die Staaten. 

Natürlich klingelten die Kassen, natürlich ist es 

der Job eines Musikers, Konzerte zu geben – doch 

Hendrix hegte viel weitergehende Ambitionen, 

die unter all dem Termindruck nicht so ohne 

weiteres zu realisieren waren. Wann immer es 

ging, arbeitete er an seinem kommenden Studioalbum 

„Electric Ladyland“, mit dem er die 

für ihn ausgetretenen Pfade endgültig verlassen 

wollte. Doch die Konzertrealität 

war streckenweise ernüchternd: 

Es nervte ihn beträchtlich, dass 

nicht unerhebliche Teile des Pu- 

blikums offenbar nur gekommen waren, um „Hey 

Joe“ zu hören – oder, besser noch, Zeuge zu werden, 

wie Hendrix seine Stratocaster zerlegt. Zudem war 

die Dauertournee des Jahres 1968 ein Grund dafür, 

dass es im Bandgefüge kräftig krachte. Man ging sich 

zunehmend auf die Nerven, vor allem das Verhältnis 

zwischen Hendrix und Bassist Noel Redding litt 

dramatisch. Letzterer hatte aufgrund des real existierenden 

Rockstar-Zirkus’ offenbar Blut geleckt, sah 

sich als Sideman sträflich unterprivilegiert, wollte 

am liebsten mit eigener Band selbst im Mittelpunkt 

stehen. Auch künstlerisch machte sich mitunter 

Verschleiß bemerkbar: An manchen Abenden 

spielte die Jimi Hendrix Experience brillant, 

an anderen mittelprächtig, an wieder anderen 

sogar ziemlich uninspiriert. 

Zu den sehr guten bis brillanten gehören 

die Shows, die Hendrix an der Westküste 

in einem heute legendumwobenen 

Rocktempel spielte: Insgesamt 

acht mal gastierte das Trio 

1968 in Bill Grahams „Winterland“ 

in San Francisco, fünf Shows hatte 

man im Februar absolviert, drei 

weitere folgten im Oktober – und 

wurden erfreulicherweise mitgeschnitten. 

Für viele Beobachter 

gelten diese Konzerte als die 

letzte große Aufwallung der Experience 

auf der Livebühne. 

Am 16. Oktober 1968 erschien endlich 

das Doppelalbum „Electric Ladyland“ und 

ging erwartungsgemäß auf Platz eins der 

US-Charts. Die Experience hielt noch ein 

paar Monate durch, doch am 29. Juni 1969, 

erneut auf US-Tournee, folgte in Denver die 

Trennung. Noel Redding ging fortan seine eigenen 

Wege, Hendrix schlug das nächste Kapitel auf. 

 

Uwe Schleifenbaum 

Gleichzeitig erscheinen: Jimi Hendrix „Winterland“ (4-CD- 

Deluxe-Box), Jimi Hendrix „Winterland – Highlights“ 

(CD), „Hendrix In The West” (CD), Jimi Hendrix “Blue Wild 

Angel: Jimi Hendrix Live At The Isle Of Wight“ (DVD), Jimi 

Hendrix „Dick Cavett Show“ (DVD) 

42

MEDIA-MIX 

„Tut uns leid, 

alle vergriffen!“ 

Was Ilja Richter in 

der „ZDF disco“ so 

trieb, folgte oft 

mehr der spontanen 

Intuition als einem 

Plan 

Wenn Sie diesen Satz nie mehr 

hören wollen, können Sie ihn hier unten 

löschen – jetzt und für immer. 

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JA, ich bestelle ein SONO-Abonnement zum Preis von € 12* pro Jahr 

(6 Ausgaben mit SONOplus, dem Sonderteil für Abonnenten). Ich 

kann das Abo jederzeit ohne zusätzliche Kosten kündigen. 

DVD: Diverse 

„40 Jahre ZDF disco 2 – Die Zugabe“ 

Sony Music Catalog & Concept 

Die erste DVD-Box mit Originalmaterial aus Ilja 

Richters „disco“ war ein Sensationserfolg mit knapp 

30.000 verkauften Einheiten. Doch Folge zwei 

ist nun kein schnell nachgeschobener Abklatsch, 

um von der grassierenden Retrowelle des „disco“- 

Fiebers noch einmal zu profitieren. Die 60 neuen 

Clips – ohne Überschneidungen mit Folge eins – sind wieder kompetent und 

unterhaltsam zusammengestellt: Da wechseln sich Stücke von Roxy Music, 

Clout, Silver Convention, Marianne Rosenberg, T. Rex, Udo Jürgens und Udo 

Lindenberg fröhlich ab. Sicher könnte man lange streiten, ob nicht doch komplette 

Folgen die bessere Wahl gewesen wären – allein schon um den kulturellen 

Wert der von 1971 bis 1982 gelaufenen Musiksendung zu demonstrieren. 

Denn die wegen der Sketche von Ilja Richter heute oft belächelte Show hatte 

den unschätzbaren Vorteil, dass dort in einer Sendung Heino, Deep Purple und 

Bob Dylan (zumindest in Form der unvergessenen „London Pop News“-Einspielungen) 

zu sehen waren – eine Leistung, die in der heute zu Tode formatisierten 

Musikmedienwelt schlichtweg nicht mehr denkbar wäre. Punktabzug 

gibt lediglich für die Disc 4: eine Bonus-CD mit modernen Coverversionen alter 

Disco-Klassiker. Das hätte es nicht gebraucht – wo doch noch immer so viele 

ungehobene Schätze in den „disco“-Archiven liegen. 

Heiko Große 

Weitersehen: die Gesamtausgabe des „Beatclubs“, die bislang einzige Komplettedition 

einer legendären Musikshow. Und wo bleiben „ZDF Hitparade“, 

„Musikladen“ und „Rock Pop In Concert“? 

43 

Foto: Getty 

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StraSSe/Hausnr. 

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81675 München. Oder per Fax senden an 089 / 457 261 – 50 

*Ausland: € 24 pro Jahr

MEDIA-MIX 

DVD: „Sounds And Silence – unterwegs mit Manfred Eicher“ 

von Peter Guyer und Norbert Wiedmer ECM/Arthaus 

Es gibt weltweit kaum ein Schallplattenlabel, 

das sich so durchgängig einem bestimmten 

Klangideal verschrieben hat wie das deutsche 

Jazz- und Neue-Musik-Label ECM. Musiklieb- 

haber rund um den Globus kennen die typische 

ECM-Klangästhetik durch berühmte Alben 

von Künstlern wie Keith Jarrett, Jan Garbarek 

und Arvo Pärt. Das Label transportiert diese 

Klangvision durch eine entsprechende Ästhetik 

bei der Covergestaltung in die sichtbare 

Welt. Bücher, Ausstellungen und Designpreise 

dokumentieren sie. Aber der Ursprung dieses 

Ideals sitzt im Kopf Manfred Eichers, des Produzenten 

und Labelgründers. Wollte man es 

zur Gänze ergründen, müsste man in diesen 

Kopf gewissermaßen „einsteigen“. 

Genau das hätten die Schweizer Filmemacher 

Peter Guyer und Norbert Wiedmer 

wohl am liebsten getan, die mit „Sounds And 

Silence“ versuchen, dessen „Welt der Töne, 

Klänge und Geräusche“ mit den Mitteln des 

Films erfahrbar zu machen. Eicher ist auf 

der Jagd nach tiefen Klangerlebnissen ständig 

unterwegs, von Konzerthalle zu Flughafen, 

von Hotel zu Tonstudio. Guyer und Widmer 

beobachten ihn bei Orchesteraufnahmen mit 

Arvo Pärt in einer estnischen Kirche, mit Eleni 

Kairandrou in einem Amphitheater, mit dem 

Schweizer Nik Bärtsch im Tonstudio, mit Gi- 

Klangjäger Eicher (o. l.) bei der Arbeit mit 

Marylin Mazur, Nik Bärtschs Gruppe Ronin 

und Komponist Arvo Pärt 

anluigi Trovesi, Anouar Brahem und anderen 

bei Proben. Dazwischen setzen die Schweizer 

zur Musik Bilder von den Wegesrändern der 

Eicherschen Reisen: Landschaften aus dem 

Zugfenster, Städte, Straßen. Interviewsequenzen 

mit Eicher, Anouar Brahem, Arvo Pärt, 

Gianluigi Trovesi und anderen gibt es auch, 

doch in erster Linie leisten hier die Bilder die 

Erklärung. 


Wird ergänzt durch: das Soundtrack-Album 

„Music For The Film Sounds And Silence“ (ECM) 

Buch: Peter Bölke 

„Jazz Icons“ 

EDel: Earbooks 

Heldenverehrung mag ein zweischneidiges 

Schwert sein, und 

über die Frage welchen Einfluss 

Einzelpersonen auf den Lauf der 

Geschichte haben, werden sich die 

Historiker noch lange streiten. In der 

mehr als hundertjährigen Geschichte 

des Jazz allerdings haben einige 

herausragende Musiker mit ihrem 

technischen Können, ihren Ideen 

und ihrer Leidenschaft in der Tat 

Bahnbrechendes bewirkt. Von daher 

ist das kürzlich erschienene Earbook 

„Jazz Icons“ für Neugierige nicht das 

schlechteste Einstiegspaket: Es stellt 

in Wort und Bild sowie auf acht CDs 

acht Jazz-Größen vor, die diesen Musikstil 

entscheidend geprägt haben: 

Louis Armstrong, John Coltrane, Miles 

Davis, Dizzy Gillespie, Coleman 

Hawkins, Sonny Rollins, Billie Holiday 

und Dave Brubeck. 

In den acht nicht allzu langen 

Portraits führt der Ex-SPIEGEL- 

Redakteur und Jazz-Experte Peter 

Bölke unterhaltsam und allgemein 

verständlich durch die Biografien der 

einzelnen Musiker und beleuchtet 

gegenseitige Einflüsse und Querverbindungen 

der Jazz-Szene. Eindrucksvolle, 

sehr gut reproduzierte 

Fotografien ergänzen die Kapitel 

und runden das übrigens in Druck, 

Bindung und Papier sehr hochwertig 

gestaltete „Jazz Icons“– zusammen 

mit seinen acht Musik CDs – zu einem 

Erlebnispaket ab, das manchem 

Neueinsteiger Lust auf tiefere Beschäftigung 

mit dem Genre machen 

dürfte. Die acht beiliegenden CDs 

stellen einen kundig zusammengestellten, 

(soweit das beim umfangreichen 

Schaffen dieser Jazzikonen 

geht) repräsentativen Querschnitt 

des musikalischen Schaffens der einzelnen 

Künstler vor. Felix Marondel 

Fazit: Audiovisuelles Startpaket für 

Jazz-Einsteiger. Fakten: 156 Seiten, 

145 Bilder, 8 CDs, € 49.95 

44

Buch: Karl Lippegaus 

„John Coltrane – Biografie“ 

Edel: Vita 

John Coltrane gehört zu den wichtigsten Musikern 

in der Geschichte des Jazz – und damit auch gleichzeitig 

zu jenen, über die es am meisten Bücher gibt. 

Dass man die Coltrane-Literatur aber immer noch 

sinnvoll bereichern kann, zeigt Karl Lippegaus’ so 

anschauens- wie lesenswerter Coffetable-Wälzer 

„John Coltrane Biografie“ im Verlag Edel:Vita. 

Er war, wenn man so will, eine Art Monomane, ein Besessener: John Coltranes 

Leben war Musikspielen. Niemand erkundete sein Instrument so tief und so 

besessen wie der Saxofonist aus North Carolina in den nur zwölf Jahren seiner 

beispiellosen Karriere. Als er 1967 mit 40 Jahren starb, hinterließ er ein musikalisches 

Universum, dessen Faszination bis heute ungebrochen ist. Coltranes 

Einfluss beschränkte sich nicht auf den Jazz, sondern erfasste auch große Teile 

der progressiven Rockmusik: Bands wie Cream und Grateful Dead fühlten sich 

durch ihn zu langen kollektiven Improvisationen animiert. 

Der renommierte Jazzjournalist Karl Lippegaus (u. a. WDR, Süddeutsche 

Zeitung) zeichnet in seinem Buch „John Coltrane Biografie“ das Porträt des 

größten Saxofonisten im Jazz anhand seiner musikalischen Entwicklung nach: 

vom schüchternen Sideman im Quintett von Miles Davis bis zum Künder einer 

spirituellen „höchsten Liebe“ – der „Love Supreme“, nach der er sein bedeutendstes, 

heute millionenfach verkauftes Album benannte. Der Autor erkundet 

sehr anschaulich den Kosmos Coltrane, obwohl er mit Schilderungen des 

Privatlebens seines Protagonisten eher zurückhaltend ist. Vor allem aber verführt 

Lippegaus zum Hören von Tranes Musik und erzählt nebenher zahllose 

Geschichten vom Jazz. 

Dem Haupttext vorangestellt ist ein anrührendes Vorwort von Steve Lake. 

Was den Band aber so besonders macht, ist auch seine überragende Ausstattung. 

Groß im Format (25,4 x 19 cm), auf hochwertigem, dickem Papier gedruckt, 

geschmack- und liebevoll gestaltet, mit zahlreichen kundig ausgesuchten und 

exzellent reproduzierten Fotos, macht sich „John Coltrane Biografie“ auch als 

Coffeetable-Wälzer nicht schlecht – nur dass es im Gegensatz zu den meisten 

Bänden dieser Kategorie eben auch über einen fundierten und umfangreichen 

Textteil verfügt. Der Leser bekommt hier Augenschmaus, Denkstoff und Höranregung 

gleichermaßen – zu einem erstaunlich zivilen Preis. 


„Eine Stimme, wie ein Lichtstrahl, der ins 

Dunkel bricht, funkelnd, schillernd (...) 

und überwältigend schön“ Audio 

Der junge Römer Vittorio Grigolo ist der 

neue Startenor. Das Publikum an der MET, 

der Mailänder Scala, der Covent Garden Opera 

und der Deutschen Oper Berlin lag ihm zu 

Füßen und die Kritik war von seinem ersten 

Album begeistert. 

Jetzt präsentiert Grigolo 

seine zweite CD mit 

berühmten italienischen 

Arien und „Evergreens“ 

wie Arrivederci Roma, 

Voglio vivere così u.a. 

Limitierte 

Deluxe Edition 

Fakten: 304 Seiten, zahlreiche Abbildungen, 29,95 € 

Unterwegs in 

höhere Sphären: 

John Coltrane am 

Sopransaxofon 

88697911352 

Erhältlich ab 16.9.2011 

45 

www.sonymusicclassical.de 

www.vittoriogrigolo.com

tourneen POP, Rock & co 

Alle Tourneedaten 

fortlaufend aktualisiert 

und mit 

genauen Ortsangaben 

finden Sie unter 

sonomagazin.de 

A 

Tori Amos 

10.10. Hamburg 

11.10. Berlin 

25.10. Frankfurt 

31.10. Essen 

b 

Barclay James 

Harvest feat. 

Les Holroyd 

19.10. Neustadt an der 

Weinstraße 

20.10. Rastatt 

21.10. Bitburg 

22.10. Heilsbronn 

23.10. Augsburg 

The Baseballs 


24.10. Berlin 

25.10. Neu-Isenburg 

26.10. Köln 

30.10. München 

6.11. Fellbach 

James Blunt 

6.10. Rostock 

7.10. Kiel 

8.10. Halle 

9.10. Mannheim 

10.10. Düsseldorf 

Bush 

5.11. Hamburg 

7.11. Berlin 

8.11. Köln 


c 

Clueso 

13.10. Freiburg 

14.10. Würzburg 

15.10. Kempten 

17.10. Saarbrücken 

18.10. Koblenz 

19.10. Hannover 


23.10. Magdeburg 

24.10. Kassel 

Adam Cohen 

26.11. Berlin 


29.11. Köln 


Sharon Corr 


8.11. Bochum 

9.11. Berlin 

Claudia Koreck 

Mit ihrer traumhaft entspannten Sommerhymne 

„Fliang“ machte die Sängerin vom Chiemsee 2007 

erstmals Furore, zwei Jahre später besang sie 

die Freuden des Globetrotting („Barfuaß um die 

Welt“). Jetzt nimmt die sympathische Oberbayerin 

Grundsätzliches ins Visier: „menschsein“ heißt ihr 

neues Album. Das Aufundab im Leben durchzieht 

das Album „menschsein“ wie ein Leitmotiv: „Ich 

bin im Moment grad wahnsinnig glücklich – und 

da passt’s mir gar ned, dass natürlich auch irgendwann 

wieder eine Krise kommt im Leben“, erklärt 

die 25-jährige die philosophierende Grundstimmung 

der meisten Songs. Das gegenwärtige Glück 

hat durchaus konkrete Gründe: Claudia Koreck hat 

geheiratet und ist im September letzten Jahres 

Mutter geworden. 

Tournee von 30.9. bis 5.11. 2011. Genaue Termine 

unter www.sonomagazin.de 

Crosby & Nash 


19.10. Essen 

20.10. Essen 

27.10. Niedernhausen 

d 

Chris De Burgh 

15.9. Kempten 


21.9. Rostock 

23.9. Kiel 


26.9. Alsfelde 

27.9. Koblenz 


30.9. Münster 

3.10. Dresden 

4.10. Erfurt 

Joy Denalane 

3.9. Braunschweig 

3.11. Köln 


6.11. Berlin 

7.11. Hamburg 

9.11. Nürnberg 

Julian Dawson 

13.10. Bonn 

Mando Diao 


7.10. Oberhausen 


The Dubliners 



3.11. Stuttgart 

5.11. Dortmund 

6.11. Göttingen 

8.11. Dresden 


11.11. Berlin 


25.11. Bielefeld 

26.11. Aurich 

28.11. Lübeck 

30.11. Bremen 

e 

Elbow 

7.11. Köln 


10.11. Berlin 

Beady Eye 


14.10. Berlin 

19.10. Offenbach 

f 

Die Fantastischen 

Vier 

10.9. St. Goarshausen 



16.12. Leipzig 



21.12. Regensburg 


Peter Frampton 

21.11. Berlin 

22.11. Mainz 

g 

Rea Garvey 


7.10.· Stuttgart 


10.10. Köln 



14.10. Berlin 

Bob Geldof 

7.10. Berlin 

9.10. Köln 



Josh Groban 

16.9. Berlin 



h 

Hurts 





5.10. Erfurt 

j 

Jamaram 




Jean Michel Jarre 



3.11. Hamburg 


5.11. Köln 

7.11. Dresden 

8.11. Berlin 

9.11. Erfurt 

10.11. Trier 


Jennifer Rostock 




3.11. Bremen 

4.11. Dresden 

5.11. Erfurt 


9.11. Osnabrück 





16.11. Köln 

18.11. Kiel 

Jon Lord Blues 

Project 

15.11. Regenstauf 

17.11. Berlin 


New Fall Festival 

19.11. Isernhagen 

20.11. Bochum 

Cowboy Junkies 

3.11. Hamburg 


5.11. Berlin 

k 

Toby Keith 


7.11. Köln 

8.11. Hamburg 

19.11. Berlin 

The Kooks 

28.10. Ludwigsburg 




3.11. Hamburg 

5.11. Berlin 

Das im Oktober erstmals stattfindende New Fall 

Festival will auf eine veränderte Konzert- und Ausgehkultur 

reagieren, indem es einen besonderen 

Rahmen für besondere Musik bietet: 13 Acts, von 

Singer/Songwritern bis zu Elektro-Künstlern, wurden 

eingeladen, in zwei der schönsten Konzertsäle 

Deutschlands zu spielen, in der Düsseldorfer Tonhalle 

und im holzvertäfelten Robert-Schumann- 

Saal des Museum Kunst Palast. 

Zu Gast: Gentleman(live & acoustic), Scott 

Matthew, Nouvelle Vague, Jens Lekman, Ólafur Arnalds, 

Jochen Diestelmeyer, Agnes Obel u. a. 

Konzerte Düsseldorf, 11.-16.11.2011 

www.new-fall-festival.de 

Scott Matthew 

46

Ließ seine Sitz - 

gitarre jubeln: 

l 

Lenny Kravitz 


4.11. Hamburg 


7.11. Berlin 


LaBrassBanda 

4.9. Bochum 


14.9. Hamburg 

15.9. Bremen 

16.9. Kiel 



1.11. Erfurt 

2.11. Leipzig 

3.11. Dresden 

4.11. Berlin 


8.11. Köln 




Annett Louisan 

13.10. Timmendorf 

15.10. Gera 

16.10. Halle/Saale 

17.10. Cottbus 

19.10. Berlin 


22.10. Köln 

24.10. Chemnitz 


26.10. Kassel 

27.10. Bremen 

29.10. Karlsruhe 





5.11. Erfurt 


8.11. Essen 




23.11. Dresden 

25.11. Bamberg 

28.11. Kiel 

29.11. Lübeck 


2.12. Rostock 

4.12. Oldenburg 

5.12. Hamburg 


m 

Wolf Maahn 

30.9. Unna 


22.10. Kirchheim/Teck 

28.10. Berlin 

8.11. Kassel 

9.11. Kiel 

12.11. Stemwede 

13.11. Leverkusen 

Bob Dylan & Mark 

Knopfler 





29.10. Berlin 



Bruno Mars 

5.10. Hamburg 

6.10. Berlin 


Ina Müller & Band 


12.11. Ilsenburg 



20.11. Kassel 

25.11. Fürth 

26.11. Linz 

27.11. Bamberg 

1.12. Bremerhaven 

2.12. Kiel 


9.12. Bremen 

10.12. Flensburg 




George Michael – 

Symphonica 

5.9. Berlin 

7.9. Köln 

8.9. Mannheim 







Kevin Costner & 

Modern West 

16.9. Dresden 

17.9. Rostock 

18.9. Berlin 



Mogwai 


1.11. Leipzig 

3.11. Bremen 


Christy Moore 

1.10. Hamburg 

2.10. Bochum 


n 

Nena 


9.12. Bamberg 

11.12. Berlin 

12.12. Neu-Ulm 




Heather Nova 

9.11. Berlin 



14.11. Köln 


r 

Achim Reichel 

3.11. Neuruppin 

4.11. Berlin 

7.11. Rostock 

8.11. Hamburg 

11.11. Rheine 

12.11. Mülheim an der 

Ruhr 

13.11. Witten 

15.11. Mainz 

16.11. Wolfenbüttel 

17.11. Kiel 

Roachford 

21.11. Aschaffenburg 

23.11. Lorsch 


2.12. Hamburg 

3.12. Unna 

Roxette 



14.10. Halle/Westfalen 




24.10. Berlin 



s 

Söhne Mannheims 




14.11. Berlin 



21.11. Köln 



Schiller 

2.12. Gera 

3.12. Aachen 

4.12. Neuss 


6.12. Bonn 


8.12. Bremen 

9.12. Schwerin 

10.12. Erfurt 




15.12. Heilbronn 



18.12. Suhl 


21.12. Neubrandenburg 

t 

Ten Years After 

23.9. Memmingen 

24.9. Annaberg- 

Buchholz 

28.9. Koblenz 

29.9. Köln 

Blick zurück: 

Funky Druckwellen 

Robert Randolph 

& The Family Band 

München, Tollwood 

Die langen Gesichter gab es zu 

Beginn: Gregg Allman, der blondmähnige 

Star des Südstaatenrock, 

schon im Vorjahr nach einer Lebertransplantation 

nur knapp dem Tod 

entgangen, war am Morgen seines 

geplanten Münchengastspiels mit 

einer Lungeninfektion zusammengebrochen 

und musste seine Europatournee 

auf dringenden ärztlichen 

Rat abbrechen. Doppelt schade, 

nicht nur weil immer zweifelhafter 

wird, ob man den Mann mit der legendären 

Grizzly-Stimme überhaupt 

noch jemals in unseren Breitengraden 

live erleben wird, sondern auch 

weil er mit „Low Country Blues“ 

kürzlich das beste Soloalbum seiner 

Karriere eingespielt hat. Dessen Produzent, 

T-Bone Burnett, hat auch 

„We Walk This Road“, das neue Werk 

von Robert Randolph & The Family 

v 

Vonda Shepard 



w 

Wilco 



12.11. Berlin 

y 

Yes 







Paul Young 

6.10. Kaiserslautern 

7.10. Recklingshausen 

Robert Randolph 

,verantwortet – der in den USA inzwischen 

groß gefeierte Lapsteel-Gitarrist 

avancierte mit seiner Band durch 

Allmans Ausfall vom Support- zum 

Hauptact und wusste diese Chance 

zu nutzen. Allerdings unter erschwerten 

akustischen Bedingungen: Der 

Mann am Mischpult vernachlässigte 

zugunsten überbetonter Bassdrum 

und Höhen aller Instrumente den 

gesamten mittleren Frequenzbereich 

– so konnte man nicht nur die 

funky Basslines von Danyel Morgan 

gerade mal als Druckwellen spüren, 

überhaupt ging viel von der Wärme 

in Robert Randolphs Blues-Gospel- 

Rock-Funk-Gemisch verloren. Ein 

Ärgernis, das man in ähnlicher Form 

leider viel zu häufig erlebt. Aber die 

pure Spielfreude, die Randolph und 

sein Quintett ausstrahlten, der jubilierende 

Sound seiner Lapsteel-Soli 

und seine enorme Bühnenpräsenz 

setzten sich beim anfangs nur neugierigen 

Münchner Publikum am 

Ende doch durch. Felix Marondel 

8.10. Jüchen 



z 

Zucchero 

3.11. Leipzig 



7.12. Straßburg 

23.11. Bozen 

47

tourneen klassik 



und mit 




b 

Joshua Bell 


17.10. Berlin 



Kristian Bezuidenhout 

5.9. Bremen 

28.9. Köln 

Gábor Boldoczki 

15.9. Gauting 

1.10. Bad Wörishofen 

Pierre Boulez 


Khatia Buniatishvili 

26.9. Elmau 


29.11. Berlin 


9.12. Mainz 


c 

Cuarteto Casals 

17.11. Köln 

Riccardo Chailly 

2.9. Leipzig 

3.9. Leipzig 

8.9. Leipzig 

9.9. Leipzig 

11.9. Leipzig 

12.9. Bonn 

d 

Philadelphia 

Orchestra & Charles 

Dutoit 

2.9. Dresden 

3.9. Berlin 


6.9. Köln 

7.9. Essen 

Xavier de Maistre 

6.10. Krefeld 



14.11. Köln 


Regensburger Domspatzen 


Rotterdam Philharmonisch 

Orkest mit Yannick 

Nézet-Séguin 

Das Rotterdam Philharmonisch Orkest veranstaltet 

seit 1995 eines der wichtigsten Klassikfestivals 

der Niederlande: Das 16. Rotterdam Philharmonic 

Gergiev Festival findet unter dem Motto „Sea 

& The City“ vom 8. bis 18. September 2011 statt. 

Oper, symphonische Musik, das Happening „C the 

City“ mit u. a. Valery Gergiev, Chor und Orchester 

des Mariinsky-Theaters, außerdem dem hauseigenen 

Orchester mit seinem Chefdirigenten Yannick 

Nézet-Séguin. Nach dem Festival gehen Orchester 

und Dirigent auf Deutschlandtournee. 

Konzerte von 25.9.2011 bis 2.10.2011. Genaue 

Termine unter www.sonomagazin.de 

e 

Huelgas Ensemble 

2.9. Berlin 

8.9. Bersenbrück 

9.9. Lüneburg 

10.9. Stadthagen 

11.9. Fischbeck 

Trio Ex Aequo 

5.10. Leipzig 


f 

Isabelle Faust 

23.9. Berlin 

24.9. Berlin 

25.9. Berlin 

7.10. Köln 


12.10. Bremen 

25.10. Bad Reichenhall 

g 

Sol Gabetta 

14.9. Donaueschingen 




Jan Garbareck 

16.10. Bremen 


Christian Gerhaher 


9.10. Bonn 

16.10. Coburg 

19.10. Tutzing 

Kirill Gerstein 



25.9. Leipzig 

Howard Griffiths 

2.10. Frankfurt/Oder 


15.10. Potsdam 


Vittorio Grigolo 

30.12. Berlin 

Tal Groethuysen 

4.9. Traunstein 

7.10. Olpe 

17.10. Heilbronn 

h 

Daniel Harding 

11.9. Dornbirn 

14.9. Heidelberg 


Nikolaus Harnoncourt 

28.10. Berlin 

29.10. Berlin 

Maximilian Hornung 

5.9. Elmau 

24.9. Berlin 

21.10. Köln 


30.10. Mainz 

i 

Steven Isserlis 

4.10. Bonn 

5.10. Bonn 

6.10. Baden-Baden 

k 

Sharon Kam 



27.10. Köln 

29.10. Gauting 

Nigel Kennedy 

1.11. Leipzig 









13.11. Berlin 



Simone Kermes 

10.9. Dresden 

1.11. Baden-Baden 

l 

Lang Lang 

5.10. Köln 

Louis Lortie 

5.9. Schwerin 

6.9. Schwerin 

7.9. Schwerin 

22.10. Berlin 

m 

Nino Machaidze 

6.9. Hamburg 

10.9. Hamburg 

13.9. Hamburg 

8.10. Hamburg 




Nils Mönkemeyer 

20.9. Celle 


14.10. Wiesloch 

Alexander Melnikov 

18.9. Berlin 

7.10. Bonn 

Olli Mustonen 


18.10. Pullach 

Anne-Sophie Mutter 

9.9. Bonn 

11.9. Berlin 

o 

Dorothee Oberlinger 

4.9. Kloster Irsee 

11.9. Frankfurt a. M. 

18.9. Schweich 

9.10. Duisburg 

David Orlowsky 

4.9. Honrath 

13.9. Harsefeld 

14.9. Meppen 

23.10. Erbach 

30.10. Bremen 


Alice Sara Ott 

24.9. Bad Wörishofen 



23.10. Pforzheim 

p 

Murray Perahia 

3.9. Redefin 



4.10. Essen 

6.10. Bonn 

Hille Perl 

6.9. Freiburg 

15.9. Bernau 


25.9. Oberried 

25.10. Wittenberg 

Maria João Pires 

2.9. Leipzig 

11.9. Leipzig 

12.9. Bonn 

16.9. Linz 

17.9. Linz 

Maurizio Pollini 

19.9. Berlin 

20.9. Berlin 

q 

Belcea Quartet 

2.10. Hamburgl 

13.11. Essen 

Pacifica Quartet 

4.10. Polling 



9.10. Aachen 


Bennewitz Quartett 

25.9. Neu Hohenfelde 

27.9. Bad Segeberg 

28.9. Sülfeld 

16.10. Schloss 

Schwanberg 

18.10. Grünwald 

24.10. Coburg 

Hagen Quartett 

25.9. Wiesloch 

26.9. Bonn 

27.9. Bonn 

21.11. Bremen 

Kuss Quartett 

3.9. Weimar 

4.9. Leipzig 


Minguet Quartett 

1.10. Leipzig 

7.10. Erlangen 

9.10. Tutzing 

r 

Daniel Raiskin 

3.9. Mayen St. Veit 

11.9. Wiesbaden 

18.9. Mainz 


s 

Fazıl Say 

2.9. Traunstein 

19.10. Köln 

Andreas Scholl 

7.9. Schwarzenberg 

Martin Stadtfeld 

13.9. Koblenz 

15.9. Leipzig 

17.9. Rudolstadt 

18.9. Rudolstadt 

24.9. Bonn 

2.10. Halle 

3.10. Halle 

9.10. Kie 

10.10. Wilhelmshaven 

12.10. Köln 

22.10. Bramsche 

t 

Nikolai Tokarev 

22.9. Ingolstadt 

24.9. Bonn 




v 

Jan Vogler 


28.10. Elmau 

Arcadi Volodos 

8.10. Bonn 


w 

Alisa Weilerstein 



Carolin Widmann 

29.9. Bonn 



Ingolf Wunder 

1.9. Bad Schallerbach 


48

tourneen jazz & world 

sono präsentiert: 

Lisa Bassenge 

Sie hat eine der interessantesten Stimme des jungen 

Jazz made in Germany und mit ihren Bands 

Micatone, Nylon und unter eigenem Namen schon 

reichlich Akzente mit eleganten, in kühlem Understatement 

vorgetragenen Songs gesetzt. Zu Jahresbeginn 

hat Lisa Bassenge nun mit „Nur Fort“ ihr 

erstes beinahe ausschließlich deutsch betextetes 

Album aufgenommen (siehe auch SONO 1/2011), 

auf dem sie sowohl reizvolle Eigenkompositionen, 

als auch moderne Klassiker der deutschen Musikgeschichte 

singt. 

Tournee noch bis 29.09. 2011 

www.karsten-jahnke.de 



und mit 




a 

Andi Kissenbeck’s 

Club Boogaloo 


6.10. Leipzig 

7.10. Jena 

13.10. Pforzheim 



b 

Rebekka Bakken 

11.11. Essen 


13.11. Mainz 

15.11. Köln 



18.11. Berlin 

19.11. Kiel 


Mo’ Blow 

15.9. Köln 


23.9. Lübeck 

28.9. Wiesbaden 

29.9. Kassel 



9.10. Dinslaken 

13.10. Lübbenau 

15.10. Jameln 

23.10. Greifswald 

5.11. Wolfsburg 

Nik Bärtsch’s Ronin 


8.10. Tübingen 


Hotel Bossa Nova 

7.9. Potsdam 

9.9. Bremen 

10.9. Bremerhaven 

d 

Barbara Dennerlein 


22.10. Gunzenhausen 


e 

Echoes Of Swing 

20.9. Frankfurt a. Main 


22.9. Schweinfurt 

25.9. Schalksmühle 


5.10. Langenargen 

6.10. Neckartenzlingen 

7.10. Vilshofen 

8.10. Bad Reichenhall 

6.11. Duisburg 

Pee Wee Ellis 

1.10. Siegen 

g 

Jan Garbarek & 

Hilliard Ensemble 

16.10. Bremen 




12.11. Hamm 

13.11. Essen 

Marla Glen 

8.11. Köln 

9.11. Hamburg 

10.11. Ratingen 

Rigmor Gustafsson 

Trio 

8.10. Burghausen, 

Jazzclub 

9.10. Straubing 

10.10. Darmstadt 


14.10. Allensbach 

15.10. Waldshut- 

Dogern 


17.10. Tübingen 



21.10. Worpswede 

22.10. Wuppertal 

h 

The Harlem Gospel 

Singers Show 



Caroline Henderson 

15.10. Rostock 

Chris Hopkins & His 

Piano Friends 

15.9. Bonn 

16.9. Bochum 

17.9. Bochum 

18.9. Kamen 

19.9. Rüdesheim 

j 

Andy P. & 

Jideblaskos 

24.10. Illingen 

Joachim & Rolf 

Kühn Quintet 

2.10. Detmold 

29.10. Frankfurt/Main 

4.11. Schorndorf 

5.11. Bayreuth 

6.12. Hamburg 


m 

Tania Maria 

14.9. Bremen 

Pat Metheny Trio 


31.10. Rüsselsheim 

1.11. Ludwigshafen 


n 

Silje Nergaard 


26.11. Wuppertal 




30.11. Mainz 

r 

Max Raabe & Das 

Palast Orchester 

18.10. Rosenheim 

8.11. Erfurt 

9.11. Gera 

10.11. Cottbus 









2.12. Kassel 

Céline Rudolph 

10.9. Kempten 


18.9. Hamburg 

21.9. Berlin 


23.9. Leipzig 

24.9. Minden 

25.9. Frankfurt/Main 

27.9. Köln 



1.10. Weilerbach 


6.10. Elmau 

8.10. Neuhardenberg 


12.11. Halle/Saale 


s 

Ryuichi Sakamoto 


Diknu Schneeberger 

Trio 

2.12. Sulzbach- 

Rosenberg 

t 

Tingvall Trio 

23.9. Neumünster 



28.10. Penzberg 


5.11. Neuwied 

6.11. Dresden 

12.11. Burghausen 


8.12. Hamburg 

Olivia Trummer 


12.9. Ulm 


9.10. Grafenau 

15.10. Esslingen 



27.12. Bad Kissingen 

Trombone Shorty 

Troy Andrews alias Trombone Shorty ist ein Alleskönner. 

Sein Künstlername verrät, dass er von klein 

auf mit der Posaune verbunden ist, aber er spielt 

ebenso gut Trompete, singt und rappt wie ein 

Weltmeister, trommelt ganz manierlich, ist mit seinen 

25 Jahren ein glänzender Bandleader und Dirigent 

und weiß wie kein anderer seiner Generation 

die Energie des frühen New Orleans Jazz in packenden 

Funk des 21. Jahrhunderts zu übersetzen. Nur 

eines gelingt noch nicht so recht: den virulenten 

Puls seiner Liveperformance auf CD festzuhalten. 

Live lässt er sich einfach gehen und behält alle Fäden 

in der Hand, im Studio ist er hingegen noch zu 

vorsichtig. Auf seiner neuen CD „For True“ kommt 

er der Wahrheit aber schon erheblich näher. Das 

Album ist gespickt mit namhaften Gästen. W.Ka. 

Tournee von von 20.09. bis 9.12.2011. 

www.jazzecho.de 

Tumba-ito 

2.9. Rostock 

3.9. Rostock 

w 

Shanna Waterstown 


8.10. Rutesheim 

13.12. Emmendingen 

14.12. Kandern 

16.12. Weinheim 

Bugge Wesseltoft 

27.11. Neuhardenberg 

30.11. Bochum 


49

der Promihörer 

Udo Wachtveitl 

Sein weites musikalisches Herz 

bewies der BR-„Tatort“-Kommissar 

kürzlich als Rezitator bei „Klassik 

am Odeonsplatz“ in München. 

Welche Platte haben Sie sich als erste selber 

gekauft? 

„Band Of Gypsies“ von Jimi Hendrix. 

Haben Sie ein Instrument gelernt? 

Autodidaktisch das Übliche, nämlich Gitarre. 

Was war Ihr bisher eindrucksvollstes Konzerterlebnis? 

Am eindrucksvollsten war für mich mein erstes 

Konzert, ich war 12 oder 13. Meine Musiklehrerin 

hatte mich in den Circus Krone zu einem Zappa- 

Konzert mitgenommen. Meine Mutter hielt es 

für eine Schulveranstaltung und ermahnte mich, 

nur ja etwas Ordentliches anzuziehen. 

Was singen Sie unter der Dusche? 

Nichts. 

Sind Sie selbst als Musiker aufgetreten? 

Ja, im Rahmen der Benefizkonzerte der Münchner 

„Tatort“-Kriminaler, sogar mit Selbstkomponiertem. 

Mit welchen Songs bringt man Sie auf die Tanzfläche? 

Zappa, einiges von Prince, den Stones und ach, 

noch so manchem … 

Und mit welchen wieder herunter? 

Mit seelenlosem, rhythmisch durchpulstem 

Elektroschrott. 

Mit welcher Platte testen Sie die Belastbarkeit 

Ihrer Boxen? 

Mit der Boxenbelastbarkeitsplatte aus dem Boxenbelastbarkeitsplattencenter. 

Womit sonst? 

Was läuft bei Ihnen zum Sonntagsbrunch? 

Dasselbe, was ich unter der Dusche singe. 

Erscheinungstermin der nächsten Ausgabe: 20. Oktober 2011 

Foto: BR/Ralf Wilschewski 

50

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