in göttingen

14. — 25. Mai
rend der Proben gezielt nach diesen „sweet spots“. Das hilft
Sängerinnen und Sängern, denn auf jeder Bühne gibt es bedingt
durch die Architektur oder durch das Bühnenbild eben
immer auch Bereiche, an denen können Sie sich als Sänger
noch so sehr bemühen, Ihre Performance wird den Regisseur
während der Proben und später das Publikum während der
Aufführungen nie ganz zufrieden stellen.
Beeinflusst Ihr Werdegang auch Ihre grundsätzliche
Herangehensweise an Opern?
Ich glaube schon. Zu Beginn einer Regiearbeit versuche ich,
jede Oper zunächst immer auf das zu reduzieren, was für mich
das Wichtigste an Musiktheater ist: Die Stimmen und die Beziehungen
zwischen den Figuren auf der Bühne. Kostüme und
Bühnenbild übernehmen natürlich auch eine wichtige Funktion,
sie sollten den Kern der Oper aber nur unterstützen und
dürfen das Publikum nicht von ihm ablenken.
Was ist der Kern von „Agrippina“, der diesjährigen
Oper der Internationalen Händel Festspiele Göttingen?
Wie bei vielen Opern geht es um die Frage, wer was wann wem
erzählt. Es wird geheuchelt, gelogen und intrigiert. Und es ist nie
ganz klar, ob das jeweilige Gegenüber die Lügen und Intrigen
wirklich nicht bemerkt oder nur so tut, als ob er oder sie sie nicht
bemerken würde. Händel hat dies meisterhaft ins Musikalische
übersetzt. „Agrippina“ ist sicher eine seiner kompositorischen
Glanzleistungen und ich freue mich sehr auf die Inszenierung.
hndl.de
2015
Künstlerischer Leiter: Laurence Cumming
In der Oper treten auch drei Countertenöre auf. Ist es für
einen Regisseur nicht schwierig, drei Figuren mit einer so
markanten Gesangstechnik gut voneinander abzugrenzen?
Nein, denn zunächst einmal ist bei Countertenören die Bandbreite
zwischen den einzelnen Sängern ähnlich groß wie bei
anderen Stimmlagen. Außerdem geht es auch bei dieser Stimmlage
darum, bereits beim Casting der Sänger denjenigen zu finden,
dessen Timbre am besten zur jeweiligen Rolle passt.
Nun noch zu der im Zusammenhang mit Händels Musik
immer wieder gestellte Frage: Wie halten Sie es mit der
historischen Aufführungspraxis, also dem Konzept, barocke
Musik möglichst so aufzuführen, wie es zur Zeit ihrer
Entstehung üblich war?
Klar ist, dass man Barockmusik klanglich natürlich anders behandeln
muss als etwa eine Oper von Verdi. Aber man sollte
sich dabei nicht zum Sklaven der historischen Aufführungspraxis
machen. Als Sänger habe ich mit den Dirigenten John
Eliot Gardiner und Nikolaus Harnoncourt gearbeitet, die alle
beide für großartige Aufführungen im Sinne der historischen
Aufführungspraxis stehen. Das Interessante ist jedoch, dass
beide dieselben Werke oft ganz unterschiedlich interpretiert
haben. Es gibt also nicht die einzig richtige, historisch korrekte
Interpretation. Es geht auch bei Barockmusik immer um
einen persönlichen Blick des Dirigenten, der Sänger und des
Regisseurs auf eine Oper. Das Ziel muss stets sein, der Musik,
den Charakteren und der Geschichte gerecht zu werden.