TONALi17 Journal

Es gibt aber noch ein zweites, fröhlicheres Thema. Es ist mit tranquillo,
d.h. ruhig, überschrieben. Dieser Teil ist leicht zu erkennen, da sich die
Musik deutlich beruhigt und zuversichtlicher und gelassener klingt.
Hörst du in der Mitte des Satzes auch die Kadenz? Die Kadenz wurde
früher improvisiert, damit der Solist sein Können unter Beweis stellen
konnte. Nach der Kadenz steigt das Orchester sanft mit der Melodie ein.
Der Übergang vom 1. zum 2. Satz ist fließend. Du erkennst die Vorbereitung
des 2. Satzes daran, dass die Musik dramatischer wird: Es erklingen
die beiden ersten Takte des Hauptthemas in verschiedenen Varianten,
und dann wird es plötzlich nochmal schneller, bevor der Satz in das
Andante mündet.
2. Satz: Andante (dt.: gehend, schreitend)
Das Andante ist ein lyrischer, ruhiger 6/8-Takt, der leidenschaftlich
dahinfließt. Diesen Satz könnt ihr einfach genießen. Achtet auf das Zwiegespräch
von Orchester und Solist. Welche Instrumente des Orchesters
passen besonders gut zum Klang der Geige?
Auch der Übergang vom 2. zum 3. Satz ist fließend und daran zu erkennen,
dass die Musik wieder schneller wird und in einen pfiffigen,
lustig-heiteren Satz mündet.
3. Satz: Allegro (dt.: heiter, schnell)
Der letzte entsteht aus zwei Ideen, die abwechselnd, aber auch vermischt,
von Geige und Orchester gleichermaßen erklingen. Das erste
vorwitzige und spritzige Thema wird zunächst von der Geige in hoher
Lage vorgestellt. Das Orchestermotiv ist breiter und majestätischer und
steht in deutlichem Gegensatz zum Geigenthema. Die Themen sind daher
leicht voneinander zu unterscheiden. Dieses Zwiegespräch von Orchester
und Solist rauscht förmlich ins Ende des Konzertes.
nach Paris, und in den Wirren der Geschichte wurde das
Werk dann doch erst Ende Oktober 1923 das erste Mal
aufgeführt. Und auch da lief es zunächst nicht rund. Einige
Geiger lehnten es ab, eine solche Musik einzustudieren.
Zu kompliziert war der Solopart den einen, zu
sentimental den anderen.
1. Satz: Andantino
(dt.: ein wenig schneller gehend, schreitend)
In diesem Violinkonzert spielt die Violine am Anfang eine
sehr schöne lyrische Melodie mit einer reinen Seele. Die
Violine setzt über dem Tremolo der Streicher zu ihrer weit
ausgesponnenen Melodie an – die sie im Grunde über
den gesamten Satz hinweg fortspinnt. Wie ein großer
Monolog wirkt der Violinpart, mal versonnen, mal heftig
aufbrausend – und kaum Raum zum Atmen lassend.
Ganze zehn Takte nur pausiert die Sologeige während
des ersten Satzes.
2. Satz: Scherzo. Vivacissmo
(dt.: heiter, sehr lebhaft)
Im 2. Satz begegnet die reine Seele plötzlich dem Teufel.
Der Soloviolinist verwandelt sich in einen Teufelsgeiger.
Man hört Ketten rasseln und es werden Messer geschliffen.
Somit bildet dieser Satz den kompletten Gegensatz
zum ersten Satz. Er ist rhythmisch, akzentuiert, spukhaft
und grotesk. Prokofjew nutzt die Klangpalette des
Sophie Werkmeister
Sergej Prokofjew (1891-1953)
Eine Bosheit, ein Fehlurteil
Prokofiews Musik ist rein verstandesmäßig, seine Melodie
geschmacklos. Er ist der Psychologe der häßlichen Gefühle.
— Richard Aldrich, 1918
Violinkonzert Nr. 1
Es war ein etwas holpriger Beginn: 1915, im Alter von 24 Jahren, hatte
Prokofjew mit den Arbeiten an dem Werk begonnen, das er zunächst
bewusst klein halten wollte. Im Herbst 1917 hätte die Uraufführung des
nun doch zum vollgültigen Concerto angewachsenen Konzerts stattfinden
sollen. 1918 emigrierte Prokofjew erst in die USA und später dann
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