Anna Lea Hucht H - Weltkunst

Weitere Magazine

Empfehlungen

Info

– das Gegenständliche aus der Welt aktueller Tatsachen reißend und das Erlebnis in seinem Tempo, seinem Hitzegrad herausschleudernd. Die andere, mehr den zeitlos-gültigen Gegenstand suchend, um daran im Bereiche der Kunst ewige Daseinsgesetze zu verwirklichen“ 13 . In der Ausstellung, die mit der Begriffsprägung einherging, waren neben Künstlern wie Otto Dix und George Grosz, Georg Schrimpf oder Alexander Kanoldt auch Karl Hub- buch, Wilhelm Schnarrenberger und Georg Scholz vertreten; alle drei lehrten an der Badischen Landeskunstschule, alle drei wurden nach der Machtübernahme der Nationalsozialisten aus dem Dienst entlassen. 1947 wurden Hubbuch und Schnarrenberger wieder an die Karlsruher Hochschule berufen, Scholz, der nach Kriegsende von der französischen Militärregierung zum Bürgermeister seiner Heimatstadt Waldkirch ernannt worden war, ist zu diesem Zeitpunkt bereits tot. Magische Objektivität Einige Arbeiten von Anna Lea Hucht könnten aktuelle Adaptionen des neusachlichen Impetus sein. Es gibt von ihr Stillleben eines Porzellanservices, einer Gruppe fragil geflochtener Körbe und eines Sets funktionalistisch gestalteter Schalen; all diese Arbeiten weisen die akzentuierte, manchmal nahezu dämonische, von zeitgenössischen Autoren auch als magisch empfundene Objektivität auf, mit der neusachliche Künstler die Dinge der Alltagswelt in ihren Malereien und Zeichnungen registrierten und überhöhten. Huchts als Grisaille angelegtes Blatt Untitled (Schalen) von 2005 (Abb. 14) ließe sich bei flüchtigem Hinsehen sogar als eine der Schwarzweißfotographien auffassen, mit denen in der Zwischenkriegsepoche banale Industrieprodukte, aber auch Pflanzen, Früchte, Stühle, Musikinstrumente in ein neues Licht gerückt wurden. Namen wie Albert Renger-Patzsch, Paul Outerbridge oder Ralf Steiner stehen für diese fotografische Richtung, die den einzelnen Gegenstand, der durch den gewöhnlichen Umgang mit ihm unscheinbar bleibt, in 6 Es fehlt nicht an Symbolen, Zeichen und Strukturen, die darauf verweisen, dass in diesen Blättern ein weiter Horizont ins Auge gefasst wird.« den Rang einer makellosen Kostbarkeit erhebt. Die Ausleuchtung der Objekte hat entscheidenden Anteil an der visuellen Aufwertung, und dieses fotographische Gestaltungsmittel kehrt bei den gezeichneten und aquarellierten Stillleben von Anna Lea Hucht wieder: Von ihren weißen Schalen geht ein ähnliches scheinbar schattenloses, sachlich kaltes und doch geheimnisvolles Licht aus, wie es etwa bei den Aufnahmen einer Aenne Biermann, bei einer „Tüte mit Nüssen“ (1929) oder einem „Gummibaum“ (1926), zu beobachten ist. Hucht ist mit dieser Ästhetik vertraut, aber sie hat sich mit ihr weder systematisch befasst, noch hat sie versucht, sie zu adaptieren. Ihre Zeichnungen resultieren nicht aus einem gesteigerten Interesse an der Neuen Sachlichkeit. Die Akademie in Karlsruhe hätte einer rein sympathetischen Adaptation ohnehin keinen Vorschub geleistet. Trotz der Wiedereinstellung einiger ehemals veristisch orientierter Hochschullehrer in den ersten Nachkriegsjahren hat sich die Einrichtung nie als Hort eines einzigen Stils, einer spezifischen Richtung oder einer singulären Tendenz begriffen. Eher schon waren die jeweiligen Kollegien bestrebt, das Haus offen zu halten für gegenwartsnahe Entwicklungen. Während Huchts Studium unterrichteten so unterschiedliche Künstlerpersönlichkeiten wie Silvia Bächli oder John Bock, Harald Klingelhöller oder Gustav Kluge, Meuser oder Marijke van Warmerdam an der Kunstakademie Karlsruhe. Hucht entschied sich für Erwin Gross, der Bilder aus der niederländischen Landschaftsmalerei, aber auch eigene Natureindrücke zum Anlass oftmals großformatiger Arbeiten nimmt, wobei die malerische Gestaltung nicht selten von automatischen Prozessen der Formbildung beeinflusst ist. Eine der Techniken, die Gross anwendet, besteht darin, auf ausgedehnten Leinwandflächen Lachen wässriger Farblösungen stehen zu lassen, so dass sich während des Austrocknens Pigmentpartikel in wechselnder Dichte an vorher nicht festgelegten Stellen ablagern: Malen als Analogie zu natürlichen Prozessen. Mit dieser Methode gelingen Gross Bilder von überaus zurückhaltender, schwebender, ephemerer Farbigkeit und mit Flächen, deren Konturen teils verschwimmen,
teils verschwinden. Huchts zeichnerische Sorgsamkeit hat mit dieser gleichsam alchimistischen Vorgehensweise auf den ersten Blick nichts gemein. Andererseits weisen in Huchts Arbeiten jene Bildzonen, die anscheinend eine großzügigere Behandlung erlauben, eine weiche, nachgerade wattige Struktur auf. Sie zeigt sich bei den Wänden der Innenräume ebenso wie beim Blick durch die diversen Fenster, denen Hucht ganz so wie den Vasen und Augen vermehrte Aufmerksamkeit schenkt. Blicke nach draussen Ein wiederkehrendes Motiv: Kaum eine Zeichnung, in der nicht ein Fenster den Blick nach draußen freigäbe. Die Natur, die dort eher winterstarr daliegt, als zu wachsen und zu grünen, ist mit zurückhaltendem, sparsam andeutendem Strich zu Papier gebracht, und diese offenlockere Textur lässt sich leicht in Verbindung bringen mit den flüchtigen Farbspuren, die sich in den Malereien von Erwin Gross atmosphärisch verdichten. Allerdings gilt: Wie weit die Kunst eines Lehrers im Schüler nachwirkt, ist, außer bei Verhältnissen sklavischer Nachfolgerschaft, generell schwer zu bestimmen. Insofern verbieten sich lineare Schlussfolgerungen und direkte Kausalableitungen. Zumal bei Anna Lea Hucht noch zu erwägen wäre, in welchem Maß ihre Erfahrungen aus einer Sommerakademie mit Franz Hitzler nachwirkt, dessen Objekte, Gemälde und Druckgraphiken auffällige Bezüge zur sperrig-expressiven, anarchisch-farbbetonten Ästhetik der Cobra-Gruppe aufweisen. Wenn, dann sind also Affinitäten zu möglichen Vorbildern nur mit aller Vorsicht zu konstatieren. Gleichwohl sind sie nicht völlig ohne Belang – erst recht nicht, wenn wie bei Anna Lea Hucht jede ausdrückliche Anlehnung an einzelne bestimmte Künstler unterbleibt. Die möglichen Vorblider geben den formalen Fundus zu erkennen, auf dem Hucht aufbaut, und sie belegen zugleich die Unabhängigkeit, mit der sie verfährt, denn nirgends ahmt sie nach oder kopiert sie, was sie bei ihren Lehrern gesehen hat. Die Selbstverständlichkeit, mit der Hucht Kenntnisse, die sie erworben, ästhetische Positionen, die sie reflektiert hat, in ihre Arbeit einbindet oder aber schlichtweg links liegen lässt, wie es eben dem Gesamtergebnis förderlich ist, diese Selbstverständlichkeit teilt Hucht mit vielen Künstlern einer jüngeren Generation, deren Protagonisten grob gesehen in den Jahren zwischen 1970 und 1980 Anna Lea Hucht geboren sind; zu ihnen zählen Sebastian Hammwöhner (*1974), Uwe Henneken (*1974), David Thorpe (*1972) oder auch Gabriel Vormstein (*1974), der in seine konzeptuell vielschichtigen, zuweilen der Arte povera nahe stehenden Arbeiten gerne Bildzitate aus Werken von Gustav Klimt oder Egon Schiele einfügt. Als Grund-Tuning ihrer Einstellung zur Kunst verbindet Zeichner und Maler wie Vormstein, Hammwöhner oder eben auch Hucht ein unbefangener Umgang mit dem Figurativen und Gegenständlichen. Bei etlichen Künstlern, die in den Jugendjahren dieser Generation tonangebend waren, mag eine solche Haltung aus dem Bedürfnis der Postmoderne entsprungen sein, eine vermeintlich lineare Entwicklung umzukehren, die konsequent vom Realismus der Alten Meister zu den Reduktionen, Abstraktionen und Minimalisierungen der Moderne führte. Für die Künstlergeneration, der Anna Lea Hucht angehört, ist das kein Thema mehr. Ihre ästhetische Sozialisation erfolgte diesseits hegelianischer (Kunst)-Geschichtsmodelle, die bei fortschreitenden Abstraktionsprozessen in der Auflösung und Ablösung der Kunst durch die Philosophie münden. Eine ästhetische Position, die sich darauf stützt, dass die Diskussion um die Rolle und Zukunftsfähigkeit der Moderne überwunden ist, ferner die dezidierte Distanz zu Dogmen verbunden mit dem Verzicht auf Ironisierungen, die nur die spiegelverkehrte Fortsetzung einschlägiger Argumentationen zur modernen und nachmodernen Kunst wären – all dies gehört zu den Voraussetzungen, von denen Künstler und Künstlerinnen wie Anna Lea Hucht ausgehen. Der Freiheit kommt dabei einiges Gewicht zu. Anlass für eine Reihe kleinformatiger Aquarelle, die ein spindeldürres Mädchen in ekstatischen Bewegungen beim Abtanzen zeigen, war das Bedürfnis freier zu gestalten, nachdem Hucht zuvor unter beachtlichem Zeitaufwand großformatige Kohlezeichnungen gefertigt hatte. Dass diese kleinen Blätter an James Ensor erinnern, ist Zufall, erklärt die Künstlerin. So wie es Sache des Betrachters ist, gedankliche Verknüpfungen zu historischen Motiven wie etwa der „danse macabre“ herzustellen. Historische Bildformeln Hucht öffnet Räume, die Innenräume und in ebensolchem Maß Interpretationsräume sind. In ihnen finden sich Momente, die historische Bildformeln (wie etwa den 7
Seite 1 und 2: KÜNSTLER KRITISCHES LEXIKON DER GE
Seite 3 und 4: 2 3 4 5 2 Das Auge, 2007 Aquarell a
Seite 5 und 6: 13 14 13 Ohne Titel, 2007 Aquarell
Seite 7 und 8: 17 Hanswurst, 2006 Aquarell auf Pap
Seite 9 und 10: Anna Lea Hucht Ich konstruiere Räu
Seite 11 und 12: die im Sinne einer ästhetischen St
Seite 13: in Manets Atelier, der lässig an e
Seite 17 und 18: 9 10 Anna Lea Hucht 9 Warten auf Fl
Seite 19 und 20: 12 Maske, 2005 Aquarell auf Papier

Anna Lea Hucht H - Weltkunst

Sie wollen auch ein ePaper? Erhöhen Sie die Reichweite Ihrer Titel.

Template löschen?

Als Template speichern?