Cuadernos de Picadero - Instituto Nacional del Teatro

Entregarse a un sinfín de llamados externos e internos
para finalmente entender que una está tomada por algo que
necesita ser parido
-En los diversos aspectos que hacen a la producción de
un lenguaje teatral, destacaría la importancia de ser consciente
del nivel en que se está trabajando. El espectáculo
puede estimular sólo una percepción literal. De comprensión
unívoca. Obvia. O también puede ser tan hermético que sea
indescifrable. Bizarro.
Un desafío interesante, que no siempre se logra, es trabajar
en varios planos simultáneamente, desde lo literal hasta
lo metafórico, para que todos los espectadores se puedan
identificar en algún nivel.
En la dramaturgia sucede algo similar, está la forma tradicional
que une las imágenes desde una evolución lógica y
consecuente con la temática a desarrollar, influenciada por
reflexiones del tipo especulativo. Y también está la forma
azarosa e intuitiva, que determina de un modo aleatorio la
secuencia de los acontecimientos. Esta forma tendría que
ver con la lógica de lo poético.
-Un actor poderoso rescata un texto endeble. Un actor sin
recursos hunde el mejor texto.
-Cuando se encara un montaje y no hay previamente un
texto escrito, surge, por lo menos en mi experiencia, la necesidad
de un entrenamiento con los actores. De una puesta a
punto de los instrumentos físicos, para luego poder encarar
la tarea específica pero ya partiendo de ciertos acuerdos
estéticos comunes. Generalmente estos son trabajos que
demandan un prolongado tiempo de elaboración. Y donde los
actores tienen un alto protagonismo creativo. El espectáculo
se va armando con ellos, y a partir de ellos.
Son propuestas que generalmente crecen en los márgenes
de las estructuras de poder. No son redituables y algunas
veces tampoco del todo prestigiosas. Demandan mucho compromiso
y entrega, y el acento está puesto en la exploración
de nuevos lenguajes.
-La ficción impone una realidad y no a la inversa.
-En la dirección teatral me parece importante entrenar
una mirada radiográfica que trate rigurosamente cada
resolución, cada detalle.
El trabajo sobre el detalle se logra a través de la repetición.
Desde ese rol directriz se necesita generar las condiciones
para que el actor cree en la permanente tensión
de un movimiento abierto (improvisación) y luego cerrado
(repetición) .
Esta técnica actoral, con semejanzas a la preparación de
un músico, en cuanto a su estructura de repetición e improvisación,
fue creada por el director teatral ruso Meyerhold,
que era violinista.
Y él mismo, en los ensayos de sus espectáculos acostumbraba
a trabajar con un músico, para que sus actores no
perdieran el ritmo. La partitura.
La repetición permite al actor mecanizar los movimientos
hasta olvidarse de ellos. Y pareciera que recién ahí puede
concentrarse en cargarlos de un sentido particular y potente.
Lo que se dice, cabalgar su propio caballo.
-Muchas veces he comprobado que las soluciones más
adecuadas y auténticas surgen del encuentro con las limitaciones
y obstáculos.
Como diría Bacon :”Una lucha cuerpo a cuerpo y luego un
gesto, un accidente”
-El acto creativo pone en primer plano algo que antes no
estaba. Es un objeto presente evocando lo ausente. Para
hacerlo posible nos nutrimos de lo desconocido. De lo que
todavía no tiene nombre ni sustancia. El caos. Lo informe.
Si logramos atravesar la aridez de lo confuso e inasible, si
la posibilidad del fracaso no nos paraliza, hay un momento,
-después de una máxima tensión-, en donde el rompecabezas
comienza a armarse. Las piezas asombrosamente encajan
con fluidez, mostrándonos signos inesperados. Son instantes
plenos de vitalidad y fascinación, donde la creatividad se
hace presente. Y el ojo se pasea en estado salvaje.
-El teatro es un sistema de comunicación entre gente viva,
10 CUADERNOS DE PICADERO