Cuadernos de Picadero - Instituto Nacional del Teatro

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Reflexiones sobre el arte escénico en el “capitalismo de ficción” por Alejandra Cosín Quisiera ser muy sencilla: un poco esquemática y un tanto didáctica, para reflexionar sobre la necesidad -que es lo que quiero defender, en lo que sigo creyendo- de seguir haciendo arte fuera del mercado del arte. Lejos, extremadamente pretérito, quedó el artista de figura totémica, dueño del halo protector de cualquier mundana terrenidad. También, pena me da, quedó atrás el artista capás de cambiar el mundo con su revolución formal, su movida estética o su actitud expulsiva... Hoy incluso se cuestiona el rol del artista como autor en un mundo ficcionado, es decir, más que estetizado: entregado todo él a la fantasía, a la explotación de la fantasía. Así pues, el artista es un productor más. Pero no cualquier productor de entretenimiento más. Pero bienvenida sea ya que no hay otro mundo, esta movilización sociocultural y económica que tuvo el quehacer artístico, y cuando la creatividad se cotiza el doble que todo un imperio tecnológico vacío de innovación, entonces no es dejando de ser creativos que nos liberaremos de las devoradoras garras de la mediocridad del mundo hecho un espectáculo... Si no dándole a la producción artística sentido, un significado particular y oportuno, inaudito, propicio, pleno de dudas a resolver en el futuro (el futuro que el capitalismo de ficción detesta tanto) que den el empujón para seguir creando. ¡Sudor de artista!!! La ‘idea’ es nada, gritemos, frente a la muchedumbre de nuevos empresarios de la cultura top-pro-pop-post-X: lo importante, lo que 42 CUADERNOS DE PICADERO
nos hace individuales es cómo y para qué la producimos. ¡Nuevas utopías artísticas, que sean más coherentes que la misma materia, ya que también el objeto terminado quedó en desuso; propósitos lúdicos, utopías antitópicas que nos liberen de la remake! Las artes escénicas y presenciales brindan una supercotizada chance a la búsqueda de nuevas sensaciones -siempre más, siempre novedad- de las masas consumidoras (ya no se calcula por cientos, miles... hoy se habla de millones como si fueran absolutamente manejables, dando por hecho que todos son uno, ‘el Hombre globalizado’). No es el objeto si no el acontecimiento lo importante hoy en el mundo del arte presencial, pero he ahí la posibilidad de generar en ese acontecimiento (tales como los eventos multimedia, las intervenciones ciudadanas de artistas, los festivales que toman la esfera pública para realizarse, etc) el choque con la deuda: deuda con el tiempo de la presencia, con los sentidos que estamos dejando de utilizar, con la madurez como ciudadanos, la reflexión frente a lo desconocido -no el temor: la reflexión, la elección, la afrenta con la identidad-, la deuda con la historia. Se mató casi todo, murió desde Dios hasta la Patria, la Revolución, los padres, la guerra cuerpo a cuerpo, los mitos... matamos la modernidad... sin embargo no matamos la necesidad de belleza, de ternura, de compañía. La vida todavía no se convirtió totalmente en reality show, la vida no es sólo el hecho de saber si genéticamente estoy o no preparado para morir, la vida también es la búsqueda de la belleza, la ternura, la compañía: las propias en la red de otros propios. En ese momento es que el artista es productor capás de introducir semillas de cambio, ¿hacia algo mejor Al menos hacia algo que exista después, después del famoso super presente que lo devora todo. Proyectos, aunque no tengamos ninguna esperanza en el futuro. Pero como la culpa es un sentimiento legado de la modernidad que declaramos acabada (no es estrategia la interpelación del pasado porque también está absolutamente velado), no será apelando a sus punzantes dagas como hará el productor de arte escénico para hacer tambalear la reiterativa demanda de los consumidores de ficción, sino que el choque con la deuda que refiero más arriba es apelando a los sentidos menos mimados por el capitalismo espectacular. La vista lo tiene todo, y todo a su favor. Pero en la demasía ya dejó de ser efectiva. Sin embargo es posible a través de su medio llegar a alguna sensación olvidada. La combinación de otros sentidos, como cuando se produce sinestesia, es un efecto que debemos buscar, y en ese salto arrítimico de la percepción, interferir la respuesta pavloviana de los espectadores -a un tempo ya no del videoclip o del e-mail, un tiempo de encuentro que abra el juego al pensamiento, a la sensación más profunda y más incierta, a la espera-. En particular la danza y la performance en la que el cuerpo es protagonista, apelan además a otro sentido menoscabado: el kinestésico. Se dirá que también lo hacen las gym en los megagimnasios, pero estoy hablando de la sensación de movimiento en el espacio -kinestesia-, que produzca extrañamiento, ensoñación, que despierte la imaginación. Que traspase la piel, que llegue directo a las articulaciones y de ellas a la imaginación. ¿Es que es otra cosa la danza Estaré pecando de evidente, pero de un tiempo a esta parte creo que la danza y las performances de movimiento se han convertido en pura destreza, en pura exposición -exclusividad de la vista-, en desmedro de la exploración de lenguaje, de recursos y de metodologías, acordes a una época. ¿Será justamente la respuesta a ésta Sería una lectura por parte de los productores de danza y performance bastante lineal y superflua, de ninguna manera artística... Por supuesto: si lo que se sigue haciendo o queriendo hacer es arte. Ha sido hasta acá más que una sugerencia, una expectativa. (1) Vicente Verdú, (2003) El estilo del mundo. La vida en el capitalismo de ficción, Anagrama (Barcelona) IDA & VUELTA 43
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