Revista Quid 47

De la serie Number One (1948).
El crítico italiano Bruno Alfieri
describió la obra de Pollock como
una manifestación de caos con
una absoluta falta de armonía.
Sin embargo, reconoció que se
sentía ante un pintor moderno “de
los más avanzados” y concluyó:
“Comparado con Pollock, Picasso
se convierte en un conformista
tranquilo, un pintor del pasado”.
períodos de tiempo ebrio o bloqueado y que su fuerza creativa se descargaba a empellones.
Cuando estaba sobrio era un hombre reservado y silencioso, pero si tomaba, era capaz de
destruir muebles, cuadros de otros pintores, instalaciones de lugares públicos y no omitía, en
una lógica de imparable acumulación de errores, las peleas con enemigos ocasionales. A lo
largo de estos años, Pollock presentó algunas de sus obras más conocidas como la celebradísima
Number one, de 1948. Su alcoholismo, sus peleas y el compromiso físico de su trabajo,
facilitaron a la prensa la tarea de posicionarlo en el panteón de los ídolos. El crítico de arte
Rafael Jackson describió la tapa de la revista Life que lo consagró mediáticamente: “Una de
sus drip paintings ocupa el fondo como una cenefa en un deliberado segundo plano, acaso por
expreso deseo del fotógrafo. La obra es, por tanto, una mera ornamentación que acompaña el
retrato del artista representado como un ícono, antecedente directo de actores como James
Dean o el Marlon Brando de A Streetcar Named Desire. Nos mira de soslayo como un macho
pendenciero, un perdonavidas ante todo aquel que pretenda hacerle sombra. El titular
destruye cualquier resquicio de dudas con contundencia: ‘¿Es Jackson Pollock el mejor artista
vivo?’. Sabiendo de antemano que Picasso había reinado en la primera mitad del siglo XX, la
frase y la pose le aseguraban su reinado en la segunda mitad de la centuria. Lo malo es que su
supuesto cincuentenario tuvo el mismo recorrido que una estrella fugaz”.
Pollock tuvo una mujer que soportó pacientemente sus excesos hasta poco antes de su muerte.
Lee Krasner (1908-1984) también era artista, pero dejó su trabajo en un segundo plano para
buscar galerías para su marido, aunque hacia 1950 comenzó a emerger con su obra propia, en
tanto a Pollock se le hacía cada vez más difícil levantar un pincel. Fue ella quien lo convenció
para mudarse al campo, en 1945 a Long Island, lejos de las tentaciones de la gran ciudad. Se
dice que en 1950, un fotógrafo lo retrató trabajando a cielo abierto, algo que despertó tanta
repugnancia en el pintor como para decidirse a volver al alcohol, tras dos años de abstinencia.
Durante una entrevista para una publicación dedicada a la arquitectura, se le preguntó por
qué prefería vivir en Nueva York, a lo que respondió: “Vivir en Nueva York es más agudo, más
exigente, la vida es más intensa y extensa en Nueva York que en Occidente”. Desde entonces,
todo fue cuesta abajo. En 1952 prácticamente abandonó la pintura. Dos años antes, en una
entrevista radial que le realizó William Wright, Pollock fue nuevamente instado a hablar de
su técnica y las justificaciones o pulsiones ocultas detrás de ella. Aunque buena parte de su
celebridad se basa, justamente, en el desarrollo técnico de sus obras, él recalcó, en cierto detrimento
del proceso creativo en sí mismo, que el resultado de la obra terminada era lo importante:
“La mayor parte de la pintura que uso es una especie de líquido que fluye de la pintura.
Los pinceles que uso se utilizan más como palos que como pinceles porque la cerda nunca
toca el lienzo. (…) Yo no uso el accidente –porque yo niego el accidente– sino que tengo una
noción general y previa de los resultados que obtendré. El resultado es lo que más me importa
y no me hace mucha diferencia cómo la pintura llega al lienzo porque la pintura e incluso la
obra no son más que un medio para llegar a una declaración”. Aunque aseguró tener un orden
previo y una idea concreta y clara de lo que deberían transmitir sus obras, no todo el público y
la crítica coincidieron en ver algo de eso, pero sí otras cosas.
o7