Revista Quid 47

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El crítico italiano Bruno alfieri describió la obra de Pollock como una manifestación “de
caos con una absoluta falta de armonía, falta de organización estructural, una ausencia total de
técnica y un estilo muy rudimentario”. Sin embargo, reconoció que se sentía ante un pintor
moderno que se ubicó a la vanguardia “de los más avanzados” y remató con una frase polémica:
“Comparado con Pollock, Picasso se convierte en un conformista tranquilo, un pintor del
pasado”.
En La CIA y la guerra fría cultural una investigación de Frances Stonor Saunders editada
en 2001 se habla de las estrategias del gobierno de Estados Unidos y la CIA para imponer su
sistema capitalista del mercado del arte y de la cultura en general, a nivel mundial, derribando
así a su antagonista europeo del comunismo soviético. Stonor Saunders sondea los orígenes
del proceso de colocación de los Estados Unidos, y concretamente de Nueva York, como
centro hegemónico cultural mundial, tras la Segunda Guerra Mundial. El autor indaga en el
proceso de gestación del mercado del arte actual y cuenta cómo la introducción del llamado
Arte Moderno en Estados Unidos, en los años 40, molestó a políticos como el republicano de
Missouri George Dondero quien juzgaba a movimientos de vanguardia como el cubismo, el
futurismo o el expresionismo de tendencias antiartísticas venidas desde el Kremlin. Sin embargo,
según Stonor, Estados Unidos terminó sirviéndose de artistas adscritos al expresionismo
abstracto como Pollock, Gottlieb y William Baziotes para generar un antagonista perfecto
al realismo socialista soviético. Equiparando a la nueva movida artística con el símbolo
del cowboy americano, hubo consenso en que el expresionismo abstracto nacional enarbolaba
la bandera de la libertad en contra de la esclavitud comunal del leninismo y el estalinismo.
El libro consigna que los artistas accedieron, gracias a contactos de la CIA, al sector privado
que terminó subsidiando exposiciones, adquiriendo obras, publicando reportajes en medios
de comunicación y gestionando presentaciones en el extranjero. Nelson Rockefeller, presidente
del MoMA desde1939, y el crítico estadounidense y editor de la influyente The Partisan
Review, Clement Greenberg, fueron algunos de los que subvencionaron proyectos artísticos.
La estrategia mantenida desde mediados de los 40 daría sus frutos más jugosos en la década
siguiente. Con el apoyo ya del todo el gobierno y de los grupos de presión o lobbies estadounidenses
en los 50, estos artistas eran encumbrados mundialmente, generando ingresos enormes
a partir de la compra-venta de sus piezas por coleccionistas privados. En esta particular guerra
ganaban también lo más valioso para el gobierno central, que era la lucha contra el “fantasma”
del comunismo. En resumen, el libro habla de Pollock como el símbolo de un movimiento
artístico profundamente ligado a instituciones políticas que lo promocionaron como tal para
enfrentarlo al realismo socialista.
Con el tiempo, las acciones de prensa jugadas a favor de Nueva York como capital del arte
primero, y en Pollock como artista de moda después, rindieron frutos indeseables para cualquier
artista.
Stonor Saunders arriesgó una teoría sobre la percepción del atormentado autor sobre su éxito
final y su masivo rango de influencia: “No debió sentarle bien a su autor que sus pinturas, ejecutadas
con la vehemencia propia de quien llega al límite físico y mental en cada una de ellas,
acapararan imaginarios visuales más cercanos al dominio de la baja cultura –o directamente
del kitsch–”.
Ya en 1948 Leigh Ashton, director del Victoria and Albert Museum de Londres, escribió con
la mejor de las intenciones que una de sus obras maestras, Cathedral, “podría convertirse en
la más encantadora seda estampada”. Un poco después, en 1951 y en las páginas de la revista
de Vogue, el británico Cecil Beaton fotografiaba a sofisticadas modelos ante los enormes
cuadros de Pollock; pero no cualquiera de ellos, sino los que presentaban tonalidades en armonía
con los exclusivos vestidos de temporada. Por desgracia para el artista, estos no serían
los únicos deslizamientos kitsch de su estilo, especialmente teniendo en cuenta que algo más
tarde el popcorn ceiling se ponía de moda, que aun después aparecerían los primeros patterns
inspirados en sus obras en las prendas de vestir y que finalmente los chefs más reputados han
tomado la costumbre de jugar al dripping con el sirope de chocolate o el vinagre balsámico
sobre blancos platos de diseño
Bibliografía
http://fmls.oxfordjournals.org
http://www.jornada.unam.
mx/2012/01/06/cultura/a02n1cul
http://www.marinanunez.net/textos/
jackson-pollock-y-las-maquinas-dedibujar/