BILLBOARD Bolivia Diciembre 2021

WISIN Y

YANDEL

TAINY

DRACO ROSA

TIAGO PZK

LLANE

cómo los hermanos

monte y avery lipman llevaron

republic records desde un

departamento en nueva york

a la cima de los sellos en 2021

ISSN 2344-9276 · Año 1 · Nº 4· Diciembre 2021

Rosevalley Productions,

la productora audiovisual asociada a

Billboard Boliva

Nuestra meta: Descubrir y producir nuevos talentos bolivianos con el potencial de traspasar fronteras.

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DATOS DE LA SEMANA 18.12.2021

Adele continúa en el número 1º con “Easy on Me”

FOTO ADELE: SIMON EMMET

E

l comando de adele al Billboard

Hot 100 con “Easy on

Me” se extiende a una séptima

semana, mientras que el álbum

en el que aparece, “30”, gobierna

el Billboard 200 por tercera semana.

En el Hot 100, la carrera de la cantautora

británica es histórica, ya que se convierte en la

primera artista en reinar durante al menos siete

semanas con un sencillo principal de tres álbumes

consecutivos (desde el origen del chart en

1958). Antes de “Easy on Me” (del álbum “30”),

lideró durante siete semanas en 2011 con “Rolling

in the Deep” (el primer sencillo de “21”),

y regresó con “Hello” (el sencillo introductorio

de “25”), que registró 10 semanas en el 1° en

2015-16.

“Easy on Me” atrajo 85,4 millones de impresiones

de audiencia de radio y 20,7 millones de

streams en EE. UU. y vendió 9,200 descargas en

la semana de seguimiento del 3 al 9 de diciembre,

según MRC Data.

“30” también mantiene su lugar en la cima del

Billboard 200, con 193,000 unidades de álbumes

equivalentes obtenidas en los Estados Unidos

en la semana de seguimiento. Captura la tercera

semana más grande para un álbum desde que

“Scorpion”, de Drake, obtuvo 260,000 en su tercera

semana en julio de 2018. “30” además supera el

millón de copias vendidas en los Estados Unidos,

con 149,000 en la última semana de seguimiento,

aumentando su total a 1.07 millones desde su

lanzamiento el 21 de noviembre. Es el álbum más

nuevo en alcanzar ese umbral desde “Folklore” de

Taylor Swift, que llegó en julio de 2020 y superó el

millón vendido en octubre. “30” y “Folklore” (cuyas

ventas hasta la fecha ascienden a 1,56 millones)

son hasta ahora los únicos álbumes lanzados

en esta década que logran la hazaña.

— GARY TRUST Y KEITH CAULFIELD

BILLBOARD.BO

3

H

HOT 100

DATOS DE LA SEMANA DEL 18.12.2021

D A T A F O R W E E K O F 10.09.2021

27

RYAN HURD WITH

MAREN MORRIS

“Chasing After You”

2 WKS.

AGO

LAST

WEEK

THIS

WEEK

24 22 21

23 21

22

11 15 23

- 10

24

37 25 25

43 29 26

TITLE CERTIFICATION

PRODUCER (SONGWRITER)

IF I DIDN’T LOVE YOU

M.KNOX (J.MORGAN,

T.KENNEDY, K.M.ALLISON, L.VAUGHAN)

TAKE MY BREATH

MAX MARTIN, O.T.HOLTER, THE WEEKND

(A.TESFAYE, A.BALSHE, MAX MARTIN, O.T.HOLTER)

Jason Aldean & Carrie Underwood

MACON/CAPITOL NASHVILLE/

BROKEN BOW

15 10

The Weeknd

6 8

XO/REPUBLIC

FAIR TRADE Drake Feat. Travis Scott

OZ, J.A.SWEET, PATRON, TRAVIS SCOTT, WONDAGURL (A.GRAHAM, TRAVIS SCOTT, O.YILDRIM, J.A.SWEET,

E.N.OSHUNRINDE, R.S.ANTOINE, C.DAY WILSON, BABYFACE, T.HALM, V.J.L.WADE, D.EMILE II, B.L.BANKS, M.O.GORDON, K.F.MOSOV)

OVO SOUND/

REPUBLIC

3 4

THATS WHAT I WANT Lil Nas X

10 2

COLUMBIA

O.FEDI, B.SLATKIN, R.B.TEDDER, KBEAZY

(M.L.HILL, O.FEDI, B.SLATKTIN, R.B.TEDDER, K.C.BACH)

TRAITOR Olivia Rodrigo

D.NIGRO (O.RODRIGO, D.L.NIGRO)

GEFFEN/INTERSCOPE

COLD BEER CALLING MY NAME Jameson Rodgers Feat. Luke Combs

C.FARREN, J.D.MITCHELL (J.RODGERS,

H.PHELPS, BRETT TYLER, A.VANDERHEYM)

Artist

IMPRINT/PROMOTION LABEL

RIVER HOUSE/

COLUMBIA NASHVILLE

PEAK

POS.

WKS. ON

CHART

9 19

26 13

FOTO BILLIE EILISH: KELIA HURD: ANNE NICK MACCLUSKEY

FLETCHER. DRAKE: COURTESY OF REPUBLIC RECORDS.

he 34-year-old

alamazoo, Mich., native’s

rst Hot 100 entry also

olds its No. 4 high on the

ot Country Songs chart.

ow did “Chasing After You”

ome together?

YAN HURD It’s an older song

hat was on hold for other artists.

n Nashville, everybody knew the

ong from it being played at writrs’

rounds. The fact that it fell

o me and [spouse] Maren, we

till can’t believe it. I’m proud of

ongwriters] Brinley Addington

nd Jerry Flowers — I’d never

eard anything in Nashville like it

efore. It has that guitar part that

ollows the vocal melody, and it

akes the entire song.

4

DRAKE

FEAT. FUTURE AND

YOUNG THUG

“Way 2 Sexy”

he song becomes

rake’s recordxtending

and miletone

40th No. 1 on the

ainstream R&B/Hipop

Airplay chart. He

ow has twice as many

aders as runner-up

il Wayne.

How has writing songs

for others shaped your

own solo career?

I put my first music out as an

artist in 2017. I had to learn so

much between then and now.

Going from being a staff writer

in Nashville and having a couple

of hits under my belt, you think

that’ll translate into either people

giving a shit about your career

or into actually being a good

artist. The fact is, songwriting and

being a recording artist have very

little to do with each other.

21 18

16

TAKE A DAYTRIP, O.FEDI, R.LENZO

(M.L.HILL, D.M.A.BAPTISTE, D.BIRAL, O.FEDI, R.LENZO)

D.BAYLEY (D.BAYLEY)

Tell me the story behind

your debut album title,

Pelago [out Oct. 15].

I wrote “Coast” with Aaron Eshuis,

and it was a hard song to get

right. We needed a placeholder

word that rhymed with Chicago.

We said “pelago,” not knowing

anything. Then we realized this

is the exact word we needed. It

means open sea and overwhelming

passion [in Latin], and those

two themes run through the

entire album. It just clicked.

WOLF TONE/POLYDOR/REPUBLIC

NEED TO KNOW Doja Cat

DR. LUKE (A.Z.DLAMINI, L.S.GOTTWALD)

KEMOSABE/RCA

10 13 17 GIRLS WANT GIRLS Drake Feat. Lil Baby

18

19 18

30 20 19

50 35 20

OZ, AMBEZZA (A.GRAHAM, D.A.JONES, O.YILDRIM, M.D.LIYEW)

OVO SOUND/

REPUBLIC

YOU RIGHT Doja Cat & The Weeknd

DR. LUKE (A.Z.DLAMINI, L.S.GOTTWALD, A.TESFAYE)

KEMOSABE/RCA

BEGGIN’ Maneskin

L.FABBRI (P.FARINA, B.GAUDIO)

SONY MUSIC LATIN/ARISTA

WOCKESHA Moneybagg Yo

YC, REAL RED, J.ROCKAMORE (D.D.WHITE, JR., E.B.JORDAN,

M.DEBARGE, C.PEARSON, J.D.NELSON, J.ROCKAMORE)

CMG/N-LESS/

INTERSCOPE

15 37

14 16

2 4

11 14

19 14

20 23

39 32 27

NEW 28

34 27

29

20 23 30

CHASING AFTER YOU Ryan Hurd With Maren Morris

A.ESHUIS, T.REIMER (B.ADDINGTON, J.FLOWERS)

ARISTA NASHVILLE

BAD MORNING YoungBoy Never Broke Again

DUBBA-AA, M.LAURY, THE LOTTERY

(K.MATTOX, A.LOCKHART, M.LAURY, W.G.MOSLEY JR.)

27 22

28 1

NEVER BROKE

AGAIN/ATLANTIC Billie Eilish’s

“Happier Than

CARBON Ever FIBER/SONY ”- MUSIC producido

y coescrito LATIN/THE ORCHARD por su

hermano, FINNEAS

– alcanza GEFFEN/ un nuevo

puesto INTERSCOPE entre los No.

15 en el Mainstream

Top 40.

PEPAS Farruko

IAMCHINO, V.CARDENAS, SHARO TOWERS, K4G, GHETTO (C.E.REYES-ROSADO, F.J.MARTINEZ, M.G.PEREZ,

K.QUIROZ, A.BAUZA, A.R.QUEZADA FULGENCIO, V.A.CARDENAS OSPINA, J.M.GOMEZ, J.C.GARCIA)

DEJA VU Olivia Rodrigo

D.NIGRO (D.L.NIGRO, O.RODRIGO,

T.SWIFT, J.M.ANTONOFF, A.E.CLARK)

36 28 31 HAPPIER THAN EVER Billie Eilish

FINNEAS (B.E.O’CONNELL, F.B.O’CONNELL)

DARKROOM/INTERSCOPE

NEW 32

31 33 33

26 10

3 26

11 9

YOUR HEART ¿Cómo Joyner se dio “Happier Lucas & J. Than Cole Ever”?

32 1

PALAZE, LC BEATS, HAGAN (G.M.LUCAS, JR., J.COLE)

TWENTY NINE

FINNEAS: Estuvimos en Dinamarca en

LEAVE THE DOOR OPEN 2 Silk Sonic (Bruno Mars & Anderson .Paak)

BRUNO MARS, D’MILE (BRUNO

verano

MARS,

del 2019 y con mucho jet-lag. 1 30

AFTERMATH/ATLANTIC

B.ANDERSON, D.EMILE II, C.B.BROWN)

Tenía esta pequeña guitarra de juguete

HURRICANE Kanye West

6 5

que conseguí en Guitar Center por $80, y comenzamos a escribir la melodía del

primer 26 coro. 31 Ocho 34meses K.WEST, BOOGZDABEAST, después, M.G.DEAN, estábamos DJ KHALIL, RONNY J, OJIVOLTA encerrados (K.O.WEST, A.TESFAYE, D.A.JONES, y revisamos J.GWIN, G.O.O.D./ esa idea;

K.ADBDUL-RAHMAN, R.O.SPENCE JR., M.G.DEAN, R.CUBINA, M.WILLIAMS, M.MBOGO, D.SEEFF, S.BARSH, J.MEASE) DEF JAM

ahí escribimos la segunda parte con una guitarra acústica, la gente no esperaría al

escuchar. Terminamos A-O-K de escribir en junio de 2020. Por lo general, Tai Verdes las canciones se

46 39 35 A.FRIEDMAN (T.J.COLON,

35 13

escriben rápidamente ARISTA

A.FRIEDMAN, y creo que M.T.KONIJNENBURG, es un testimonio B.W.BRUNDAGE) de lo larga y sinuosa que es esa

canción. Fue un proceso realmente gratificante.

BUTTER BTS

14 24 36 R.GRIMALDI, S.KIRK, R.PERRY (J.ANDREWS,

HYBE/BIGHIT 1 19

¿Qué inspiró el formato R.GRIMALDI, de S.KIRK, varias RM, A.BILOWITZ, partes S.GARCIA, de la R.PERRY) canción? MUSIC/COLUMBIA

Intento producir música de la ON forma MY en SIDE que siento YoungBoy que la Never canción Broke merece Again sonar.

- 71 37 STM LEOR, HAZE, CHEESE

NEVER BROKE 37 2

La canción merecía algo dinámico, (K.D.GAULDEN, y quería L.SHEVAH, asegurarme E.HAYES, J.GOLDBERG) de que AGAIN/ATLANTIC la producción no

se interpusiera en la voz, pero que ayude a impulsar esa emocionalidad: el asunto

sobre el que

TOO EASY Gunna & Future

NEWcanta 38es muy WHEEZY, vulnerable. S.MOMBERGER (S.G.KITCHENS, Lograr que esa combinación GUNNA/YOUNG de guitarra 38 y 1

voces al principio de la

N.D.WILBURN,

canción

W.T.GLASS,

sonara

S.MOMBERGER)

perfecta fue un verdadero

STONER

desafío,

LIFE/300

porque

—JESSICA NICHOLSON

quería que tuviera mucha

LEAVE

vibra

BEFORE

y textura.

YOU LOVE ME Marshmello X Jonas Brothers

32 26 39 19 19

MARSHMELLO, ALESSO, HEAVY MELLOW, N.GALE (MARSHMELLO, P.J.PLESTED, N.J.GALE,

R.P.B.BOARDMAN, P.BOWMAN, W.E.VAUGHAN, A.R.R.LINDBLAD, E.ROMANO, C.ARNOLD, G.MARROW, D.MARTIN)

JOYTIME COLLECTIVE/

REPUBLIC

Entre nominaciones al Grammy, premios en los charts y la reciente actuación

TITLE NO WHERE YoungBoy Never Broke Again

CERTIFICATION

Artist

NEW 40 TNTXD, DMAC, EINER BANKZ, CHEESE (K.D.GAULDEN,

NEVER BROKE 40 1

PRODUCER (SONGWRITER)

IMPRINT/PROMOTION LABEL en Saturday Night Live, ¿por qué crees que está resonando en la gente?

T.HORTON, D.H.MCDOWELL, E.BANKZ, J.GOLDBERG)

AGAIN/ATLANTIC

17 14 11

No creo que a los oyentes les importe lo convencional, lo que les importa es cómo

ESSENCE Wizkid Feat. Justin Bieber & Tems

PEACHES 2 Justin Bieber Feat. Daniel Caesar & Giveon

P2J, LEGENDURY BEATZ (A.I.BALOGUN,

11 13responden 40 emocionalmente. 36 41

STARBOY/RCA

HARV, SHNDO Esa (J.D.BIEBER, canción A.WOTMAN, es G.D.EVANS, muy cómoda B.HARVEY, de interpretar RAYMOND en un 1 28

R.ISONG, O.E.ONIKO, U.E.ONIKO, T.OPENIYI, J.D.BIEBER)

entorno como Saturday

L.M.MARTINEZ

Night Live.

JR., L.B.BELL,

Ahí

F.KING,

es

M.S.LEON,

donde

K.YAZDANI,

se supone

A.SIMMONS)

que tiene

BRAUN/DEF

que

JAM

vivir la

12 12 12

SAVE YOUR TEARS 3 The Weeknd & Ariana Grande canción. Cuando hicimos

FAMILY

su primer

TIES

álbum, Baby siento Keem que lo & hicimos Kendrick en Lamar un dormitorio,

MAX MARTIN, O.T.HOLTER, THE WEEKND (A.TESFAYE,

1 42 25

38 42

A.BALSHE, J.QUENNEVILLE, MAX MARTIN, O.T.HOLTER, A.GRANDE)

XO/REPUBLIC para que los niños lo escuchen BABY KEEM, CARDO ON en THE BEAT, su OUTTATOWN, habitación. ROSELILAH, DEATS, Hicimos J.L.HARRIS, FRANKIE “Happier BASH Than BABY KEEM/ Ever” 18 para 5

(H.CARTER JR., K.L.DUCKWORTH, R.LATOUR, T.DEKKER, R.L.BACHA, D.PATRZEK, J.L.HARRIS, C.FRANKEN) PGLANG/COLUMBIA

tocar en estadios y festivales. Realmente disfruté eso.

13 9

13

MONTERO (CALL ME BY YOUR NAME) 3 Lil Nas X

1 27 62 54 43 MEMORY I DON’T MESS WITH Lee Brice

COLUMBIA B.GLOVER, K.JACOBS, L.BRICE (L.BRICE, B.MONTANA, B.DAVIS)

CURB

43 10

2 WKS.

AGO

LAST

WEEK

THIS

WEEK

SHIVERS Ed Sheeran

16 17 14 E.SHEERAN, STEVE MAC, FRED

14 3

(E.C.SHEERAN, J.MCDAID, STEVE MAC, K.LAVELLE)

ATLANTIC

Mayores

15 16 15 HEAT WAVES Glass Animals ventas

PEAK

POS.

WKS. ON

CHART

49 45 44

38

34 45

LATE AT NIGHT Roddy Ricch

20 17

ATLANTIC

MUSTARD, GYLTTRYP (R.W.MOORE, JR.,

D.I.MCFARLANE, S.R.KHAN ZAMAN KHAN)

THINGS A MAN OUGHTA KNOW Lainey Wilson

J.JOYCE (L.WILSON, J.D.SINGLETON, J.NIX)

BROKEN BOW

COLD HEART (PNAU REMIX) Elton John & Dua Lipa

98 74 46 SAL

Mayor

cantidad de

streamings

64 44

47

63 79 48

56 53 49

Mayor

cantidad de

Airplays

- 80 50

N.LITTLEMORE, P.MAYES, S.LITTLEMORE, C.THOMAS, G.DUDGEON

(E.JOHN, B.J.P.TAUPIN, P.MAYES, N.LITTLEMORE, S.LITTLEMORE)

MERCURY/EMI/

INTERSCOPE

MEET ME AT OUR SPOT THE ANXIETY: WILLOW & Tyler Cole

W.SMITH, T.COLE (T.COLE, W.SMITH)

MSFTSMUSIC/ROC NATION

LIFE SUPPORT YoungBoy Never Broke Again

SMASH DAVID, SMPLGTWY, RAVIS, STUNNER SAMPLES

NEVER BROKE

(K.D.GAULDEN, S.D.JIMENEZ, M.SAMUELS JR., T.TATAD, M.MORA, J.GOLDBERG) AGAIN/ATLANTIC

I WAS ON A BOAT THAT DAY Old Dominion

S.MCANALLY, OLD DOMINION (M.RAMSEY, T. ROSEN,

W.SELLERS, G.SPRUNG, B.F.TURSI, S.MCANALLY, J.OSBORNE)

ARISTA

NASHVILLE

LOVE NWANTITI (AH AH AH) CKay

CKAY, TEMPOE (C.EKWEANI, A.M.CHIGOZIE)

CHOCOLATE CITY/ATLANTIC

32 20

46 4

44 3

48 3

49 13

50 2

SALES, AIRPLAY &

THE WEEK’S MOST POPULAR CURRENT SONGS ACROSS ALL GENRES, RANKED BY RADIO AIRPLAY AUDIENCE IMPRESSIONS AS MEASURED BY MRC DATA, SALES DATA AS COMPILED BY MRC DATA AND STREAMING ACTIVITY DATA BY ONLINE MUSIC SOURCES TRACKED BY MRC DATA. SONGS ARE DEFINED AS CURRENT

STREAMING DATA

IF THEY ARE NEWLY RELEASED TITLES, OR SONGS RECEIVING WIDESPREAD AIRPLAY AND/OR SALES ACTIVITY FOR THE FIRST TIME. SEE CHARTS LEGEND ON BILLBOARD.COM FOR COMPLETE RULES AND EXPLANATIONS. © 2021 BILLBOARD MEDIA LLC AND MRC DATA INC. ALL RIGHTS RESERVED.

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4 BILLBOARD BOLIVIA | DICIEMBRE 2021

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R

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Billboard Bolivia 2021. Prohibida la reproducción total o parcial de los artículos sin la previa

autorización del director. El material periodístico es de absoluta responsabilidad de sus autores.


Contenidos

CHARTS

3 Adele continúa en el número 1º por

siete semanas con “Easy on Me” en el

Billboard Hot 100.

INTRO

13 10 Grammys 2022: La música se

reúne en Los Ángeles.

ENTREVISTAS Y PERFILES

16 Sebastián Carlomagno

18 Rodrigo Alonso

20 Enigma

22 Llane

24 SanLuis

26 Wisin y Yandel

28 Los N°1

44 Tainy

48 Tiago PZK

56 Draco Rosa

60 Keytin

62 BB Asul,

64 Sarai

66 Delaossa

68 Dulce María

70 Maxiolly

72 Diego Torres

74 Parcels

76 Álbumes del mes

78 Bodas de Oro – 50 Años de

Álbumes Clave: Hunky Dory, David

Bowie

-

EN LA TAPA

Avery y Monte Lipman

fotografiado por David Needleman

-

FOTO: SAMI DRASIN


Intro

Nathy Peluso, nominada por Calambre

64th Annual Grammy Awards

La premiación de lo mejor

del 2021 ya tiene fecha

y nominados

La entrega se llevará a cabo el próximo 31 de enero en el Staples

Center de Los Ángeles, California.

EL SEMÁFORO

El streaming salvó a la

industria musical en 2021, en

algunos países el aumento

fue de dos dígitos.

L

a nueva edición de los premios otorgados

por la Academia Nacional de Artes y

Ciencias de la Grabación de los Estados Unidos

ya está en marcha. Los nominados fueron

anunciados desde el Grammy Museum de Los

Ángeles, California, desde un estudio a puertas cerradas,

BTS, Maneskin, H.E.R, el comediante Nate Bargatze, Gayle

King, Tayla Parx, Carly Pearce y Harvey Mason Jr. han sido

los artistas encargados de desvelar la lista completa de los

posibles galardonados en 2022.

De esta forma, encabezan las nominaciones Jon Bastiste

con 11, seguido de Justin Bieber, Doja Cat y H.E.R, quienes

empataron con 8 nominaciones y Olivia Rodrigo y Billie

Eilish, quienes acumularon 7. Nathy Peluso también será

protagonista en la 64ª gala de los premios al estar nominada

a Mejor Álbum Latino Rock o Alternativo por Calambre.

Por su parte, Rauw Alejandro, con Afrodisíaco, integra la

lista de artistas que van por el Mejor Álbum de Música Urbana,

junto a El Último Tour del Mundo, Bad Bunny; José, J

Balvin, y KG0615 de Karol G.

En cuanto a Álbum del Año, algunos de los nominados

son: Love for Sale, Tony Bennett y Lady Gaga; Justice

(Triple Chucks Deluxe), Justin Bieber; Planet Her (Deluxe),

Doja Cat; Happier Than Ever, Billie Eilish y Evermore de

Taylor Swift.

Y en cuanto a Canción del Año: “Bad Habits”, Ed Sheeran;

”Drivers License”, Olivia Rodrigo; ”Happier Than Ever”, Billie

Eilis; ”Kiss Me More”, Doja Cat Featuring SZA; ”Leave the

Door Open”, Silk Sonic y “Peaches” de Justin Bieber Featuring

Daniel Caesar & Giveon, entre otros, son los elegidos.

Cierra el año con shows

con salas al 100%, pero

está latente la amenaza del

aumento constante de casos

de coronavirus.

La actuación del rapero

Travis Scott en el festival

de música Astroworld en

Houston, Texas, acabó el

viernes por la noche en

tragedia.

FOTO: GENTILEZA SPOTIFY


INDUSTRIA

I

FOTO: BILLBOARD

¿Una tragedia evitable?

¡Astroworld tenía una configuración inadecuada para una multitud ruidosa y poca o ninguna

supervisión por parte de los ejecutivos de festivales más experimentados de Live Nation

ravis scott alienta

a la audiencia de sus

T conciertos a "enfurecerse",

por lo que su festival

Astroworld, que el 5 de noviembre

atrajo a 50.000 fanáticos al NRG

Park en Houston, debió organizarse

de manera que mantenga seguros a

los asistentes.

Pero ScoreMore Shows, que produce

y promueve el evento, lo organizó

de una manera al que varias

fuentes comerciales de conciertos

dicen que puede haber contribuido

inadvertidamente al aumento de

público que resultó en 10 muertes y

cientos de heridos. También que la

empresa matriz, Live Nation, rara

vez ejerce una supervisión sobre los

eventos organizados por sus subsidiarias

que podrían haber señalado

estos problemas antes de que fuera

demasiado tarde.

Eso es por diseño. El director

ejecutivo de Live Nation, Michael

Rapino, dirige la empresa con una

POR DAVE BROOKS

estrategia de gestión descentralizada

que anima a los promotores

que adquiere, como ScoreMore, a

funcionar como unidades independientes,

cada una responsable de

sus propios ingresos y gastos. Eso

fomenta el tipo de estrategias de

reserva agresivas que mantienen la

cartera de eventos de Live Nation

llena de programas que generan tarifas

de Ticketmaster, patrocinios y

otros ingresos. Pero también significa

que la experiencia de su personal

más experimentado no siempre se

comparte internamente.

Rapino "ve a los promotores como

emprendedores y no ve ninguna

ganancia neta en forzar un enfoque

único para todos", explicó un ex ejecutivo

de Live Nation. "Las docenas

de promotores regionales e independientes

comprados por Live Nation

operan más como una federación

que como una corporación con su

fuerza extraída de su alineación".

A raíz de la tragedia del 5 de noviembre,

Live Nation y ScoreMore,

una empresa con sede en Austin que

el megapromotor adquirió en 2018

y ahora opera esencialmente como

una subsidiaria, han sido criticadas

por supuestamente tomar atajos en

Astroworld, pero no por haber reducido

costos. De hecho, el escenario

creado solo para la actuación de Scott

en el festival costó US$ 5 millones,

según ScoreMore. El promotor también

contrató a más de 500 policías,

además de otros 700 guardias de

seguridad para el festival, más de lo

que es típico para un evento de ese

tamaño. Sin embargo, al menos parte

de la falla radica en la organización

del evento, y aunque Live Nation tiene

una gran cantidad de expertos en

sus filas que podrían haber detectado

problemas potenciales, las diversas

divisiones de la compañía operan

con considerable independencia. A

veces eso los deja solos.

La noche del 5 de noviembre, el

cofundador y director ejecutivo de

ScoreMore, Sascha Stone Guttfreund,

estaba enfermo en casa, según

numerosas fuentes, y cuando Astroworld

se sumió en el caos, la responsabilidad

de detener el espectáculo

recayó en Brad Wavra, un veterano

ejecutivo de giras. quien, según

fuentes de la industria, no tiene mucha

experiencia en la organización

de festivales. (Wavra y ScoreMore

no respondieron a múltiples solicitudes

de comentarios, y Live Nation

se negó a comentar sobre los eventos

en Astroworld, más allá de las declaraciones

públicas de simpatía).

Astroworld presentó actos en dos

escenarios: uno para los otros artistas

en la alineación y otro para Scott,

con el área de visualización frente a

Scott's dividida en cuatro secciones

por cuatro barricadas.

Uno corría perpendicular al escenario,

dividiendo al público en dos;

los otros se colocaron paralelos al

escenario: uno justo enfrente, otro

a la mitad del área de visualización

principal y otro frente a las cámaras

de video al final de esa área. Tales

configuraciones, que son comunes

en los festivales de admisión general,

están destinadas a proteger a los fanáticos

cerca del escenario al limitar

la cantidad de personas que pueden

avanzar hacia ellas.

Sin embargo, a diferencia de la

mayoría de festivales con multitudes

potencialmente agresivas, el área

frente al escenario de Scott no tenía

barreras en los lados izquierdo y derecho.

Su escenario tenía 200 pies de

largo, más de tres veces la longitud

del escenario principal en Coachella,

y dado que casi toda la acción

tuvo lugar en el centro, los asistentes

al concierto entraron en el área de

visualización principal desde ambos

lados, luego empujaron hacia el medio,

según a numerosas cuentas.

A medida que la multitud empeoraba,

los fanáticos terminaron

rodeados por tres lados por barreras

destinadas a protegerlos. Incluso antes

de que Scott subiera al `escenario,

la multitud estaba tan apretada

que algunos fanáticos comenzaron

a saltar sobre las barricadas para escapar

de una situación que algunos

decían que ya se sentía peligrosa.

Luego empeoró. La mayoría de

los festivales programan las actuaciones

de los principales artistas

para que se superpongan con el fin

de distribuir a la audiencia, pero

Scott estaba programado para actuar

después de que todos los demás

actos hubieran terminado.

BILLBOARD.BO

13


FOTO: GENTILEZA ROSEVALLEY PRODUCTIONS

Año Nuevo

Más de 30 artistas y un pedido

de “Paz”

Así se denomina el villancico interpretado por artistas de todo el país en el trabajo de

Rosevalley Productions, productora audiovisual asociada a Billboard Bolivia.

POR BILLBOARD CONTENIDOS

E

dward rosenthal,

responsable de la letra,

mencionó que la producción

total de la canción,

desde su concepción hasta la postproducción

del videoclip, demoró más de tres meses, “teniendo

por resultado un sublime villancico” de cuatro

minutos de duración, cuyo productor ejecutivo

resultó ser su hermano Enrique Rosenthal. El autor

también indicó que realizó la canción junto a

Daniel Arroyo quien compuso la música e hizo los

arreglos musicales en colaboración de Jaime Ciero,

mientras que los talentosos Ángel Blanchard y MC

Chulo interpretaron la parte del rap.

Daniel Arroyo, el compositor de la música,

nos dijo que tenía una larga amistad basada

en la música con Edward Rosenthal: “Cuando

Billboard llegó a Bolivia, conocimos a muchos

artistas talentosos en el primer gran concierto

en Cochabamba, la mayoría de ellos de la nueva

generación. Estuve pensando en cómo podríamos

producir música con ellos cuando se me ocurrió

la idea de unirlos a todos en una sola canción. Así

nació la idea del villancico. Nunca antes había habido

una producción de 34 artistas, y a todos les

gustó la canción. Aprovechamos para transmitir

un mensaje de paz tan importante en estos tiempos

de conflicto y enfrentamiento que vivimos.”

Algo parecido nos comentó Carlos Pipo Olmos,

el director del video. “Era oportuno realizar

este proyecto y reunir a tantos artistas para dar un

mensaje de paz y armonía mediante de un villancico

boliviano en estas circunstancias conflictivas

en las que nos encontramos”, señaló. Pipo,

viajando por todas las ciudades, grabando en los

diferentes estudios de grabación, vivió el crecimiento

de la música que fue sencilla al principio y

sumaba cuerpo con cada artista que entraba para

poner voces o tocar instrumentos.

Artistas consolidados como Jacob Aranibar,

Mariana Massiel, Leo Rosas, Israel Alarcón, Gary

Suárez, Wally Zeballos, Fher Rivero, Marco Veizaga,

Dan Valdés y Vitorio Lema, entre otros,

se unieron con figuras emergentes en la música

nacional para regalarnos una hermosa interpretación

que busca dar un poco de “Paz” a través de

sus melodías; es por eso que esa significativa palabra

le da el título a la canción.

“Este villancico boliviano ya por sí demuestra

unidad, armonía, fe y amor, que es justo lo que

Jesucristo quiere para nuestras vidas. En estas

fechas, hace muchos años, José y la Virgen María,

embarazada, caminaban en busca de albergue

para dar a luz y no lo encontraban, pero no

perdieron la esperanza. Justamente de eso trata

la canción y nos invita a que podamos abrir una

puerta a otros que necesitan ayuda y también

quieren ser felices. El mismo Jesús llama a nuestra

puerta y quiere que lo dejemos entrar en nuestro

corazón”, comentó Edward Rosenthal, añadiendo

que Rosevalley Productions y Billboard Bolivia

desean ser también una luz, queriendo que la música

y los músicos crezcan en el país, que haya colaboración,

que se amplíen horizontes, que haya

buenos proyectos e ideas y que haya más gente

que apoye el arte.

“Nunca pensamos que nos tomaría tanto tiempo

esta producción, pero lo logramos y estamos

muy contentos por ello”, nos relata Daniel Arroyo.

“En el proceso se tomó el tiempo suficiente para

contactar a cada artista y conocerlo en persona.

Revisé el material de cada cantante para poder

clasificarlo y ver qué parte sería ideal para cada

uno de ellos. Era importante que cada asistencia

fuera especial y no forzada por la cantidad de

cantantes. Fue una de las tareas más difíciles que

me tocó, todo un rompecabezas, ya que la canción,

además, sube dos veces de tono. Se grabó en

cinco diferentes ciudades y tuvimos que coordinar

la producción con los estudios de grabación

online. Para las voces se usaron 200 pistas de

audio: 60 para las partes de cada uno y otras 140

para el gran coro del final donde logramos dar

la impresión de que estaban todos juntos en una

gran sala de grabación.”

Referente a la producción, la canción se grabó

en diversos estudios a nivel nacional. En Sucre,

fue en el estudio Inti (Gustavo Orihuela en el violín),

en La Paz, en Gravity Studios (Marco Maciel,

Wally Zeballos, Fher Rivero y Cristian del Rio),

en Santa Cruz de la Sierra, fue en Parlamento Records

(Mariana Massiel, Fer Gómez, Leydi Lach,

Israel Alarcón, Isis Alvarado, Lucia Camacho, Leo

Rosas, Ángel Blanchard, MC Chulo, Laura Ede,

Gary Suárez y So Myung Jung en la guitarra), en

Cochabamba, en Da Works Interaudio (Cami Pavisic,

Jacob Araníbar, Edward Rosenthal, Mariana

Giacoman, Luis Fernández, Beto Marileo, George

Cenit, Enrique Daniel Rosenthal, María Elizabeth

Rosenthal, Marco Veizaga, Dan Valdés y Luciel

Izumi en el charrango), y finalmente en Tarija, se

grabó en Living Room Studio (Vitorio Lema, Edu

Moreno, Matías La Compañía, Roye Campero y

Carlo Frigeri).

“Son 34 artistas en total. Se invitaron a más,

pero no pudieron participar debido a sus agendas;

sin embargo, el resultado es increíble y estamos

más que satisfechos”, afirmó Marco Valenzuela,

CEO de Billboard Bolivia, acotando que la canción

también tuvo la contribución de Jaime Ciero

(EEUU) que, a su vez, introdujo a otros geniales

profesionales como Chris Robles (quién colaboró

a Jaime Ciero en la edición y mezcla), y Mark

Santello (quién realizó el mastering) al proyecto

para lograr el mejor villancico que se haya producido

en Bolivia.

BILLBOARD.BO

15

POWER PLAYERS

SEBASTIÁN CARLOMAGNO

“La pandemia nos ayudó a

profundizar nuestro negocio”

Además de los shows en vivo, Move Concerts se introdujo en los últimos dos años en áreas como

management, desarrollo de artistas, editorial y creación de contenidos para nuevos medios. El

fenómeno de Tiago PZK, el regreso de Justin Bieber a Argentina y los espectáculos post pandemia bajo

la mirada de uno de los ejecutivos más respetados de la región.

POR SANTIAGO TORRES

l ceo de move concerts

para Latinoamérica

E

Sebastián Carlomagno

profundiza acerca de

la nueva etapa 360º adoptada en la

organización a raíz de la pandemia

y el trabajo por consagrar a Tiago

PZK como uno de los representantes

de Argentina en el mundo siendo

el primer artista en español que

Phil Rodriguez, reconocido Power

Player y mentor del Rock In Rio

decidió desarrollar de esta nueva

camada de artistas que renuevan la

escena. “Hemos traído la cultura y

los valores de Phil desde el mundo

de la producción y creo que eso ha

llevado a que hoy estemos con Tiago”,

cuenta Carlomagno.

¿Cómo vivieron la venta de

entradas del show de

Justin Bieber en Argentina?

Se agotó en pocas horas, fue un éxito

la salida a la venta de la vuelta de

Justin Bieber a la Argentina. El sistema

de ticketing funcionó muy bien

durante el stress que se produjo por

la alta demanda que hubo. Tenemos

muchos más shows por anunciar,

piensen que todo lo que no se hizo

durante la pandemia se hará en los

próximos dos años.

¿Cómo se calcula el precio

del ticket de un artista

como él?

Tenemos el histórico de Justin Bieber

y la información que logramos

cuando vino la última vez. Hacemos

un análisis teniendo en cuenta el

precio en dólares de la última vez y

la inflación. Desde ahí vamos construyendo

los precios de los diferentes

sectores. En la Argentina todo el

tiempo hay devaluación, inflación y

demás, por ende, este trabajo ya es

algo habitual en nosotros. Tratamos

de mantener una lógica igualmente,

tenemos que ser justo con el fan y

encontrar el equilibrio.

¿Los soldouts están pasando

en la Argentina o es un factor

común en más regiones?

Está pasando en todos lados. En la


INDUSTRIA

I

FOTO: TUTE DELACROIX

oficina de Puerto Rico, que fue la que

primero comenzó, nos dimos cuenta

cómo artistas de la talla de Rauw,

Balvin o Jhay Cortez han duplicado

la cantidad de shows y presentaciones

que hacían antes. Hay una

cuestión de querer disfrutar mucho

más después de la pandemia. También

creo que durante la pandemia la

gente consumió mucho más música.

Muchos nos refugiamos en la música

frente a semejante situación.

¿Crees que es una tendencia

que llegó para quedarse?

Sin duda hay un antes y un después

para todo. El concepto del disfrute

ha cambiado y esto vino para quedarse,

por lo menos por un buen

tiempo. Fue muy difícil estar encerrado

y sentir esa rara sensación de

no saber si iba a pasar. Esa parte psicológica

tocó la sociedad y sin duda

que todos queremos disfrutar más de

las cosas linda de la vida.

¿Se encontraban en un plan

de expansión regional?

Justo antes de la pandemia está-

bamos trabajando en un plan de

expansión que tenía como objetivo

abrir nuevos mercados. Estamos

retomando el plan y mucho más

agresivo. Por ejemplo, en Brasil, que

es nuestro principal mercado, hicimos

una alianza estratégica que nos

va a permitir crecer mucho más.

También durante la pandemia abrimos

nuevas unidades de negocio

que no están transformando en una

compañía más 360. Estamos muy

entusiasmados, tenemos mucho

para trabajar.

¿Cómo fue el proceso de

conseguir un artista como

Tiago?

Durante la pandemia nos vimos

obligados a investigar la industria

digital de la música, ante el freno de

los shows en vivos. Lo parte digital

de la música era lo que seguía funcionando.

Durante la investigación,

no encontramos con un semillero

de artistas argentinos generando

streaming y ocupando lugares importantes

dentro de las plataformas

digitales. Empezamos a ponerle

mucha atención ahí y a partir de ese

momento nos cruzamos con Tiago,

fue algo orgánica y natural. A partir

de esa conexión profundizamos

muchísimo más y entendimos el negocio

digital. Hay un cambio generacional,

son artistas que vienen del

mundo digital y no de Los shows en

vivo, que fue la forma tradicional

como surgían las grandes bandas

de antes. Tocar de bar en bar. Creo

que ahora el desafío está en llevar

a estos artistas digital a que vendan

tickets y en todo el mundo, el vivo

sigue siendo lo más importante

para un artista, y ahí es en donde

nosotros con nuestra experiencia y

nuestros nexos con el mundo anglo,

tenemos mucho para aportar.

¿Solo en Argentina Move

se transformó en un 360?

Hemos desarrollado un modelo llevando

el 360 a toda la región. Abrimos

Move Management, GrandMove

Récords y GranMove Publishing

en los EEUU y Argentina

con estructura propia especializa

en Markentig, Digital, Prensa y Manager.

Esta estructura se amplifica

con nuestras oficinas de Move en

cada mercado y con un acuerdo de

licenciamiento con Warner / ADA /

Sony Publising que nos permite llegar

a todo el mundo.

¿Podrían aparecer Tiagos

en distintos países?

Hoy estamos focalizados en Tiago,

es clave acompañar al artista en

este momento de su carrera y todo

va pasando muy veloz. Somos una

compañía que lo está acompañando

en todo su desarrollo. Pero si duda

estamos haciendo un trabajo en

donde está dejando bases importantes

para cualquier nuevo talento que

surja en Latinoamérica.

¿Es la era de los equipos? ¿Cómo

juegan las majors en estos artistas?

El modelo discográfico ha combinado

con el surgimiento de las

plataformas digitales. Hoy un artista

tiene que tener un equipo pensando

todo el tiempo en su proyecto, con

una mirada 360 y ese equipo debe

apoyarse junto con el equipo de

una majors para llevar el proyecto

a todo el mundo. Ese es el modelo

que nosotros estamos proponiendo.

Un trabajo especializado con un alcance

internacional.

¿Desde la independencia

no se puede lograr lo

mismo?

Yo creo que todo puede pasar. Subir

una canción a las plataformas es

algo que está al alcance de la mano,

pero creo que para tener un proyecto

con más alcance y de largo plazo,

el artista necesita de un equipo que

lo acompañe.

¿Qué rol juega Phil

Rodriguez?

Phil tiene una trayectoria increíble,

él ha visto crecer a muchos artistas

internacionales desde arriba de una

tarima, The Police, Bruno Mars,

Maroon 5, Ed Sheeran entre otros.

Es un productor que ha colaborado

en el desarrollo de artistas anglos

en Latinoamérica. Es el socio perfecto

para los manager’s y agentes

que necesitan entender un mercado

que es especial por el lugar que

ocupamos. Entender la lógica de

Latinoamérica son años de trabajo.

Que se haya entusiasmado con el

proyecto Tiago, se me pone piel de

gallina. Su rol es clave para llegar a

niveles más altos, el mundo anglo.

Él tuvo un primer sueño que fue

llevar los artistas anglos a Sudamérica

y ahora tiene otro sueño, el de

llevar un artista de Sudamérica al

mundo anglo. El haber entendido el

mundo digital, el haber preparado

un modelo negocio especializado en

ese mundo, nuestra experiencia en

los shows en vivos y transformarse

todo en un nuevo sueño de Phil, me

entusiasma mucho, creo que podemos

llegar muy lejos.

¿En qué quedó Rock in

Buenos Aires?

En un momento se habló, se iba a

hacer, se iba mantener su nombre

original como paso en Lisboa y Madrid,

pero para llevar adelante un

festival se necesita tiempo e inversión

y a veces asusta mucho hacer

semejante esfuerzo en un país muy

inestable política y económicamente.

En un momento vamos por acá, en

otro momento vamos para allá. Difícil

con tantos cambios de dirección.

¿Cómo manejás tu agenda

con el regreso de los

shows?

Obviamente, todavía nos estamos

nos estamos acomodando, los

shows aparecieron de un momento

a otro. Pero estamos acostumbrados

a estos cambios bruscos. Estamos

contentos, siempre decíamos, cuando

vuelvan los shows vamos a volver

más fuertes, y creo que lo hemos

logrado. En estos dos años donde

la industria se paró, el objetivo era

mantener la cabeza arriba del tsunami

y , profundizar nuevas unidades

de negocios y nos volvimos una

compañía 360º.

¿Cómo ves el regreso del

trabajo presencial en las

oficinas?

Depende de la unidad de negocio,

pero creo que la oficina, el trato, el

día a día, resuelve muchas cosas más

que un zoom. La industria es dinámica,

tenés que estar comunicándote

todo el tiempo, es clave. Para nosotros

creo que es el trabajo de oficina.

Igual, si nos permitió estar mucho

más comunicados con la región, un

diálogo constante y eso para todo lo

que está pasando es muy bueno.

¿NFT, Metaverso,

Zuckerberg?

Es algo que viene creciendo día a

día. Nosotros no dimos ese paso

aún, pero lo tenemos en nuestras

agendas de trabajo. Es un mundo

que viene, que está y que va a seguir

creciendo, obviamente lo tenemos

que involucrar en nuestro esquema

de negocios. Tenemos muchísimas

ideas, pero también hay una agenda

de trabajo y creemos en la focalización,

poner foco en los proyectos

es lo que tenemos que hacer para

poder lógralos. Pero está en nuestra

agenda de trabajo.

BILLBOARD.BO

17

FOTÓGRAFOS

Rodrigo Alonso

“La magia está en

saber mirar”

FOTÓGRAFO; DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA; DIRECTOR Y PRODUCTOR AUDIOVISUAL, DEDICADO

MAYORMENTE A ESPECTÁCULOS Y DOCUMENTALES: “LA MÚSICA SIEMPRE ME ACOMPAÑÓ,

Y PODER COMBINARLA CON LA FOTOGRAFÍA GENERA UN AMBIENTE EN EL QUE ME SIENTO

CÓMODO Y PARTE DE ÉL”.

POR BILLBOARD CONTENIDOS · FOTOS: RODRIGO ALONSO

RETRATO DE RODRIGO ALONSO: FRANCO ALONSO

Fui fotógrafo repetidas

veces de casi todos

los festivales musicales en

Argentina, los que disfruté,

hice muchos amigos y aprendí

muchísimo. Me gusta dar una mano

a quienes lo necesitan y pasar mis

conocimientos sin guardarme nada”,

abre la charla Rodrigo Alonso.

¿Qué fotógrafos son una

inspiración?

Me inspiran las fotografías independientemente

del autor, me inspira la

obra no el artista. Es tan subjetivo

que resuena con cada uno de manera

distinta.

¿Cuál es tu mejor foto?

Intento llevarme la mejor foto de

cada trabajo que realizo. No tengo

una mejor foto, tengo un montón de

fotos que están buenísimas. No sé

cómo se sentiría eso, ¿y ahora que

tengo la mejor foto, que hago? Creo

que esa foto me la da los momentos

que vivo para hacerla. Las fotos para

publicar suelen ser las que menos

esfuerzo me dieron, para mí las fotos

que te cuesta sacar son las que

con más cariño vas a recordar.

¿Cuáles son las cámaras y equipos

que más usas?

En estos momentos para foto

solo estoy usando una Canon

5DMark III, y los objetivos que más

uso son el 17-40, 24-70 y 70-200,

con esto cubro todo lo que necesito

y para salir liviano llevo el 24-105

que es todo terreno. La cámara

nunca fue fundamental para sacar

una buena foto, pero tener un buen

equipo que responda a tus necesidades

ayuda muchísimo.

¿El futuro de la fotografía incluye

video o movimiento?

La foto es todo, el video es una secuencia

de fotos, la fotografía como

foto estática va a seguir siendo única,

pero el video la va a sobrepasar.

La foto como la conocemos no creo

que desaparezca mañana, pero es

cuestión de tiempo. Las cartas ya

casi no se envían, mandamos mails,

los teléfonos particulares ya fueron,

usamos celular, hasta hace no mucho

nos llamábamos y ahora nos

mandamos audios. Todo se mueve

¿pensás que las fotos no?

¿Cómo analizás la evolución de

la profesión?

Antes éramos pocos los que teníamos

una cámara de fotos, entonces

vos dependías de esa persona que

tenía ese conocimiento y esa herramienta.

Con la aparición de las

cámaras digitales cualquiera puede

ponerse a probar y si no te gusta

la foto la borrás sin costo alguno.

Luego, al explotar las redes sociales,

todos tuvieron la necesidad de sacar

fotos, entonces el fotógrafo sigue

siendo valorado como profesio-


nal, pero se ve solapado por nuevas

imágenes con nuevos dispositivos

y nuevas formas de trabajar que en

la profesión en sí se superpone con

el trabajo del Fotógrafo Profesional

Clásico. En la música también sucede:

hoy día no hace falta saber música

para poder generarla, pasó a estar

al alcance de todos. Ahora para destacarte

tenés que hacer la diferencia,

por eso hoy lo que vale es la foto, es

la obra, desde mi perspectiva.

¿Qué tiene que tener un fotógrafo

para destacarse?

Lo principal que tiene que tener es

un buen ojo, decir corazón ya no

va más para mí, conozco muchos

fotógrafos sin corazón que sacan

muy buenas fotos y músicos que interpretan

canciones hermosamente

y no tienen corazón. Un fotógrafo te

saca la mejor foto con una cámara

de papel, tiene que mostrar su subjetividad.

En lo profesional hay otros

aspectos, pero sobre todo tratar de

ser originales, espontáneos, desde

su propio ser -algo difícil por la gran

contaminación visual que vemos

día a día-. Creo que la magia está en

eso, no en una foto copiando técnicas

sino desde la originalidad, que

muestre la subjetividad; allí creo que

están las mejores fotos. Si creo válido

buscar inspiración en otras obras que

pueden alimentar tu creatividad y jugar

con eso. Así salen cosas buenas.

¿A quién le falta sacarle una

foto?

No me faltan fotos, no tomo a la

fotografía como una colección de

imágenes. Pero dentro de este juego

imagino que me faltaría Luis Alberto

Spinetta, Gustavo Cerati o Michael

Jackson, por ejemplo, que son artistas

con los que crecí y ya no están.

Pero me siento afortunado de poder

sacarle fotos y trabajar con artistas

que formaron parte de mi historia.

BILLBOARD.BO

19

I

INDUSTRIA

Manuel Migoya,

Matías Loizaga y

Facundo Migoya.

“Es una revolución, llegó la

era crypto al arte”

Destacan que han creado el primer marketplace de NFTs relacionado a la música y al arte en

general de Latinoamérica. “Tendemos un puente entre los fans, los artistas emergentes y sus

artistas favoritos, a través de la tecnología blockchain”.

POR BILLBOARD CONTENIDOS

roponemos un esacio de unión

entre el entorno crypto y la cultura,

I fomentando una red autentificada de

apoyo mutuo entre artistas, coleccionistas

y fans, donde confluyan todos los que se

preocupan por el futuro de la expresión digital.

Con los NFTs se crea un activo, o experiencia

única e irrepetible, que incluso da la oportunidad

a artistas emergentes de colaborar con sus pares

consagrados en la creación de nuevas obras de

arte. ENIGMA.ART pretende construir una nueva

economía creativa”, señalan.

Ellos son Manuel Migoya, Matías Loizaga y

Facundo Migoya.

¿Cuánto hay de mito y de verdad que

pueden ser la salvación para los creadores

de contenido?

M. L.: Es cien por ciento verdad y estamos muy

contentos y entusiasmados y nos sentimos partícipes

de este movimiento que llegó para quedarse.

Es una revolución, un cambio de paradigma.

Llegó la era crypto en el arte y es una forma nueva

que le da al artista otra manera de vincularse con sus

fanáticos. Es disruptivo. Estamos creando la primera

plataforma, un Marketplace, que luego va a evolucionar

con otras herramientas crypto.

F. M.: Nos dimos cuenta de que ningún gran

artista estaba “minteando” [proceso de acuñar un

NFT, creación de un activo único representado

digitalmente] y lo vimos como una oportunidad.

De todas maneras, la idea no solo es ofrecer un

Marketplace sino reinventar la manera en que financian

los artistas.

¿Qué proyectan a corto plazo?

M.L.: Nos interesa expandirnos y tener artistas de

Brasil, Colombia, España… de toda Iberoamérica

para empezar y después el mundo entero, colaborando

con nosotros, desarrollando NFTs. Ponemos

un equipo a disposición del artista.

De esta manera, la plataforma brinda una conjunción

de NFTS intangibles y novedosos (en música:

versiones inéditas de grandes artistas, multitracks de

canciones, reversiones, demos, videos inéditos, venta

de loops, samples; en imágenes: gifs, animaciones,

colaboraciones entre artistas plásticos y músicos,

etc) junto a la innovación de ofrecer NFTs combinados

a experiencias tangibles aspiracionales (tickets

a shows en ubicaciones únicas y con asistencia al

soundcheck, master classes, golden tickets, meet

& greets, compra de merchandising autografiado,

memorabilia o instrumentos de artistas certificados,

freestyle con tu artista favorito, etcétera). La forma

de venta es a través de precio fijo o subasta directa

con o sin precio de base y por tiempo determinado.

El precio de cada NFT será determinado instantáneamente

por la demanda del mismo. El contenido

del catálogo inicial de ENIGMA.ART será curado y

seleccionado especialmente junto a sus creadores.

“ENIGMA.ART es el ecosistema donde convive

lo más destacado de la cultura musical Latinoamericana

y sus artes complementarias. El pasado, el

presente y el futuro del arte confluye aquí”, indican.

Cualquiera puede crear un perfil en el portal

para comenzar a recopilar NFT. Todo lo que necesario

es una billetera digital, Portal (RIPIO)/Meta-

Mask y ETH, la criptomoneda utilizada para pagar

todas las transacciones en Ethereum. Los artistas

ponen a la venta sus NFTs de diferentes formas.

Con precio de venta directa, el comprador puede

adquirir el NFT por el precio fijo definido por el

vendedor. Además, se puede subastar a un precio

mínimo de reserva y una vez que se realiza la primera

oferta, comienza una cuenta regresiva en la

subasta de 24 horas.

¿Se puede crear un NFT sin ponerlo a

la venta?

El site es curado, por lo tanto, no cualquiera puede

subir sus NFTs. Sin embargo, se pueden comprar

NFTs que están a la venta y venderlos de nuevo.

¿Cómo funcionan las regalías?

Cuando un artista crea un NFT, este puede decidir

sobre el porcentaje de regalías que recibe de

cada transacción secundaria que se realiza con el

NFT. Esto permite que los artistas sigan recibiendo

una parte de los ingresos por las transacciones

secundarias de su NFT.

FOTO: GENTILEZA ENIGMA.ART


LLANE

“Me gusta sentir espíritu de

rock en el escenario”

El oriundo de Medellín, ciudad que afirma está “llena de artistas

enormes y se convirtió en una de las ciudades principales del mundo

en cuanto a música”, presentó hace un mes la primera colaboración de

este nuevo trabajo: “Puñales”, junto a Boza.

POR SANTIAGO TORRES Y JULIÁN MASTRÁNGELO

Luego del comienzo de su etapa

solista hace dos años con el lanzamiento

de “Más De Ti” - cuyo videoclip superó

los 20 millones de reproducciones en su

canal de YouTube - Llane continuó trabajando a

lo largo de este tiempo en vista de lanzar su álbum

debut. “El álbum tendrá colaboraciones sorpresa

y será increíble, tengo muchas ganas de que el

público pueda escuchar lo que estamos preparando”,

afirmó.

Previo a esta unión, más precisamente hace ya

un año, el colombiano se reunió con su compatriota

Manuel Turizo para lanzar “Será” - hoy en

día con más de 17 millones de visualizaciones.

“Manuel es un gran artista, estoy muy contento

cómo salió esa conexión. Siento que tiene un gran

camino por delante”, completó.

¿Cómo te sentís en esta etapa con tantos

singles?

Estoy excelente. Esta última canción junto a Boza

la compusimos hace muy poquito tiempo y salió

realmente rápido. Ha sido difícil que la gente

pueda creer en una canción tan rápidamente. A él

lo invité con la total libertad de que hiciera lo que

quisiera y tuviera ganas.

¿Para cuándo un artista del cono sur?

Dentro del álbum habrá muchos artistas que sorprenderán.

Este es el primero y empezamos con

Colombia y Panamá, pero quiero traer a gente

que represente diferentes partes del mundo.

¿En algún momento dudaste de vos

mismo?

Todo el tiempo, es normal que uno tenga

momentos de duda. Ahí es donde se tiene que

encontrar la fuerza de voluntad desde el corazón.

Si hay personas que creen en ti y te quieren, es

cuestión de tiempo que todo salga bien.

¿Te sientes alguien nuevo con toda esta

experiencia?

Claro, obvio, y me encanta. Con respecto a algunos

de los artistas del álbum, son muy fresquitos

y me doy cuenta de que me siento ahí. La vida

me ha llevado a una situación increíble artísticamente.

Lo importante es tener humildad y dársela

a los nuevos talentos, que son quienes permiten

al final del día que nosotros podamos hacer algo

novedoso. Me gusta mirar y aprender.

¿Qué diferencia hay entre los chicos

de 20 años hoy y la época cuando vos

tenías su edad?

Me parece que lo más importante es entender

cómo uno puede mantenerse en la carrera y eso

se logra con el tiempo. Existe el caso concreto

de artistas argentinos que salen de las batallas de

gallos y del freestyle y que logran dar el paso al

mundo artístico con un trasfondo importante.

Hay muchos artistas que han logrado un camino

muy fuerte y hay otros que llegan a ser pioneros

en lo que hicieron, como Paulo Londra, J Balvin,

Juanes, Shakira… Ellos nos abren las puertas.

¿Existe un camino más allá de la música?

Siempre supe que dentro de lo que yo hacía

podía estar en otro tipo de lugares como alguna

serie o película y por suerte lo he podido lograr.

Sin embargo, para mí la música lo es todo,

diría que lo que más feliz me hace es subirme a

un escenario y volver a conectar con el público.

¿Por qué la diferencia entre el vivo y el

estudio?

Me gusta que mi banda suene en el álbum pero

que se sienta en un show. Cuido mucho el sonido

y los arreglos, me gusta sentir ese espíritu de rock

en el escenario.

FOTO: GENTILEZA WARNER


I

INDUSTRIA

Música y dinero

Los ganadores se llevan todo

or años, los ejecutivos de medios

y tecnología dijeron que la era de

P los éxitos había terminado. Ahora que

los consumidores en línea pueden elegir

de entre las decenas de millones de pistas disponible

en línea, los hits se volverían inevitablemente

en menos importantes en relación con la gran cantidad

de música existente (el autor Chris Anderson

escribió sobre el modelo “the long tail” en 2004).

Anderson escribió que los hits ya no tendrían “la

fuerza económica que alguna vez tuvieron”.

La realidad del mercado del streaming de mú-

Olvidémonos del modelo de long tail, en el negocio del streaming de música,

los hits importan más que nunca.

POR ED CHRISTMAN

sica es muy diferente. El año pasado, Drake obtuvo

6.160 miles de millones de transmisiones de

audio on demand en los Estados Unidos, según

MRC Data - más que cualquier otro artista, y el

0,7% de los 877,2 mil millones en total. Eso supera

los 4,74 mil millones de streamings generados

por los 53,69 millones de pistas que se reprodujeron

menos de 1000 veces cada uno.

Por todos los cambios en el negocio de la música

(ahora dominado por lo digital sobre lo físico y

streaming en lugar de ventas), los hits siguen siendo

importantes como siempre. En 2020, casi la mitad

de los 877,2 mil millones de streamings on demand

en los Estados Unidos vino de solo 13,521 canciones

que se reprodujeron más de 10 millones de veces,

o 0.022% de los títulos que MRC Data rastreó.

Para tener una idea de si (o cuánto) los éxitos

dominan el negocio, Billboard utilizó un análisis

de datos MRC de transmisión on demand para

separar el mercado de 2020 en cinco “cubos”:

canciones reprodujeron más de 10 millones de

veces; entre 1 millón y 10 millones de veces; entre

50.000 y 1 millón de veces; entre 100.000 y

50.000 veces; y menos de 100 veces. Al comparar

LIL NAS X. FOTO: DIMITRIOS KAMBOURIS/GETTY IMAGES FOR THE MET MUSEUM/VOGUE /

JUSTIN BIEBER. FOTO: SAMI DRASIN / THE WEEKND. FOTO: ABEL BRIAN ZIFF /


INDUSTRIA

I

MERCADO

23.39 M

5,9%

TOTAL DE STREAMS ON DEMAND

SEMANA A SEMANA

El número de transmisiones de

audio y video on demand que

termina la semana del 9 de

diciembre.

18,53 M

3,9%

CONSUMO DE ALBUMS POR UNIDAD

SEMANA A SEMANA

Las ventas de álbumes más el

equivalente de la pista álbumes

más equivalente de transmisión

de álbumes para la semana que

termina el 9 de diciembre.

1.062 T

9,9%

TOTAL DE STREAMS ON DEMAND

AÑO TRAS AÑO HASTA LA FECHA

El número de transmisiones de

audio y video para 2021 hasta

ahora el mismo período en 2020

OLIVIA RODRIGO FOTO: THEO WARGO / GETTY IMAGES /

DRAKE. FOTO: GENTILEZA REPUBLIC RECORDS / DUA LIPA. FOTO: GENTILEZA WARNER MUSIC

la industria actual con la de 25 años atrás, Billboard

examinó un informe de 1995 de la empresa

predecesora de MRC Data, Nielsen SoundScan,

que separó las ventas de ese año en álbumes que

vendieron más de 250.000 copias; entre 25.000 y

250.000 copias; entre 5.000 y 25.000 copias; y menos

de 5,000 copias.

Los éxitos siguen siendo importantes en cualquier

medida. Combinados, los dos primeros cubos

de canciones se reprodujeron más de 1 millón

de veces (lo que incluye 96.779 pistas, o solo el

0,16% de la 61,2 millones disponibles) representaron

ligeramente más de las tres cuartas partes

del total del streaming on demand. En el otro

extremo del espectro, incluso cuando se descuenta

el 68,72% de las canciones que se reprodujeron

menos de 100 veces, muchas de las cuales fueron

subidas por aficionados, los 18,26 millones de

canciones reproducidas entre 100 y 50.000 veces -

el long tail muy cacareado que cuenta

para el 29,8% de las pistas, solo cuenta para el

6.25% de la escucha total. Culturalmente, la fácil

accesibilidad de lo digital al streaming representa

una revolución. En la música, sin embargo, no es

un súper negocio.

En 1995, los 336 álbumes que vendieron más

de 250.000 copias - 0,2% de los casi 147.000 lanzamientos

disponibles en ese momento, generaron

casi 40% de las ventas. Combinado con el

segundo cubo de álbumes que se vendieron entre

25.000 y 250.000 copias, eso significó 3328 álbumes,

o 2,2% de emisiones, representó el 72,5% de

ventas totales.

Al menos parte de la razón por la que el pequeño

porcentaje de canciones ahora representa un

gran porcentaje en el streaming total es que hay

mucha más música disponible de la que había

antes. Mientras que los consumidores en 1995 elegían

entre 146.693 álbumes - que, combinados,

probablemente contenían entre 1,5 millones y

1,75 millones de canciones - en 2020, MRC registró

61,189,195 canciones, y un equivalente a alrededor

de 5 millones a 6 millones de álbumes. Pero

el negocio de la música impopular no está explotando

exactamente. En 1995, el 91,3% de los lanzamientos

que vendieron menos de 5.000 copias

contabilizadas representaron el 11% de las ventas,

mientras que en 2020, el 98,56% de lanzamientos

reproducidos menos de 50.000 veces constituyeron

el 6,34% de consumo de streaming.

La idea de que la cola larga representa una

oportunidad comercial significativa tampoco se

sostiene, al menos en lo que respecta a la transmisión

de música. En 1995, el cubo inferior de

134.000 álbumes que vendieron menos de 5,000

copias cada una representaron 67 millones en

ventas totales y generó alrededor de US$536

millones en ingresos para los sellos, asumiendo

un promedio precio mayorista de $8 por álbum.

Sin embargo, el último año, los 60,3 millones

de canciones en los dos cubos inferiores (que se

reprodujeron menos de 50.000 veces cada uno y

representa el 98,6% de pistas disponibles) contabilizan

un total combinado de 55,64 mil millones

de streams, es decir un 6,43% del total, y solo generaron

$295 millones en ingresos, asumiendo un

promedio por stream de US$ 0.0053.

En otras palabras, incluso antes de incluir la

inflación, el negocio de la música impopular está

debajo de la mitad del cuarto que implicaba hace

un siglo. Resulta que los éxitos tienen algo de vida

después de todo.

BILLBOARD.BO

25

WISIN Y YANDEL

“En este disco van a poder

disfrutar del reggaetón de antes”

Bajo el nombre de La Última Misión esta nueva producción marcará el

cierre de un ciclo para los dos intérpretes.

El dúo wisin y yandel se juntó este

mes de diciembre para ofrecer a todos sus

fanáticos el single y video musical titulado

“Recordar”.

El corte musical formará parte del nuevo álbum

de los líderes puertorriqueños que está pautado

para su salida al mercado la primavera del 2022.

Bajo el nombre de La Última Misión esta nueva

producción marcará el cierre de un ciclo para los

dos intérpretes.

“Recordar” es una canción que evoca la nostalgia

de una relación del pasado y un himno a

la celebración de las personas significativas en

nuestras vidas. El video musical dirigido por Jessy

Terrero, fue filmado en la República Dominicana y

lleva plasmado esa característica explosiva que les

caracteriza.

El tema, llega a casi dos años del lanzamiento del

pasado álbum de Wisin y Yandel, Los Campeones

del Pueblo “The Big Leagues,” que fue el décimo

álbum de estudio del dúo, y estrenó el 14 de diciembre

de 2019. En ese entonces, tras una pausa

de cinco años, Wisin y Yandel se unieron para su

Como Antes Tour y no pasó mucho tiempo para

que el dúo hiciera historia una vez más. En tiempo

récord vendieron ocho espectáculos en el prestigioso

Coliseo de Puerto Rico, estableciendo un récord

para la mayoría de los espectáculos consecutivos

que se han celebrado en el lugar, así como en el

mayor número de espectáculos realizados allí por

cualquier acto desde la inauguración del lugar, con

un gran total de 25 exitosas presentaciones.

POR FLORENCIA MAURO

Están con nuevo lanzamiento en puerta,

¿va a ser algo para Recordar?

Yandel: Asimismo, estamos muy contentos de

tener un sencillo como este, musicalmente es un

afro beat, queríamos ir por ese estilo de ritmos

donde nunca nos hemos enfocado, estamos muy

contentos con el técnico que pudo captar esa vibra.

¿Se fueron para el lado del romanticismo?

Wisin: Quiero darle las gracias a David Guetta

también, que tiene que ver con la producción, y a

toda la gente talentosa que estuvo trabajando en

esto. Creo que cuando tenemos la oportunidad de

unir diferentes personas con diferentes talentos,

visiones, culturas y estilos musicales ocurren este

tipo de proyectos así que espero que les guste,

“Recordar” es un tema que tiene esos tonos

románticos, pero a la vez te hace bailar, tiene

fusiones increíbles.

Ustedes siempre logran hacer cosas

nuevas, ¿saben de dónde sale eso?

Yandel: Sale natural de nosotros, somos bien creativos,

nos gusta evolucionar. El video lo hicimos

en Santo Domingo con Jessy Terrero, combinamos

el barrio, la humildad, de donde somos, con lo

clásico, lo caro y eso se siente en el video, van a

disfrutar de algo muy bueno.

Wisin: En el 2010 cuando lanzamos Los Extraterrestres

nos atrevimos a hacer cosas diferentes

con Sexy movimiento que tiene una combinación

electrónica muy diferente y este nuevo lanzamiento

me recuerda a eso porque estamos saliendo

de lo que están acostumbrados a escuchar de

Wisin y Yandel, pero sin perder esa rítmica y ese

sabor caribeño.

¿Será esta la última misión?

Yandel: De verdad que estamos disfrutando este

momento, en el 2022 tendremos una gira y la

gente podrá disfrutar del dúo de la historia. Ya

tuvimos un show en México y fue impresionante,

más de 90 mil personas, todos cantando las canciones

y lo disfrutamos mucho.

Wisin: Yo creo que después de dos décadas de

música es necesario ir pensando no en un final,

sino en cerrar ciclos de manera correcta, por eso

estamos en esta última misión tratando de hacer

cada detalle con mucho detenimiento y profesionalismo

porque hay millones de personas esperando

cosas grandes de nosotros, por eso creo que va

a ser una gira épica, nosotros somos soñadores y

todos los días nos levantamos con ganas de hacer

cosas grandes, esperamos que nos apoyen en este

nuevo capítulo y la pasen bien con nosotros.

¿Hay cosas que les gustan hacer como

antes?

Yandel: En este disco van a poder disfrutar de

ese reggaetón de antes, nos pusimos para eso, tenemos

esa sazón de la raíz mezclado con la evolución

musical de ahora, los ritmos actuales, de

verdad que tenemos un gran disco con muchos

estilos musicales, pero siempre enfocados en el

reggaetón.

Wisin: Creo que siempre es necesario ver lo que

ha dado resultado, nosotros estamos sumergidos

en el negocio todos los días para darle al público

lo que quiere escuchar, creo que si ves “Rakata”,

“Mírala Bien”, “Noche de Sexo”, “Sexy Movimiento”,

“Algo me gusta de Ti”, “Te Siento”, se puede ver

que muchos de ellos son reggaetón pero varios

también son fusiones, la gente está acostumbrada

a escuchar cosas refrescantes de nuestra parte,

partimos del reggaetón pero siempre tratamos de

evolucionar, esa es la mezcla.

FOTO: GENTILEZA WISIN Y YANDEL


PARA

EL ÉXITO

HACEN

FALTA

DOS

INICIARON REPUBLIC RECORDS EN UN

PEQUEÑO DEPARTAMENTO. DÉCADAS

DESPUÉS, ES EL SELLO PRINCIPAL

DE BILLBOARD DE 2021 Y EL VÍNCULO

DE HERMANOS ES TAN SÓLIDO

(Y LUCRATIVO) COMO NUNCA.

POR JASON LIPSHUTZ

FOTOS: DAVID NEEDLEMAN


Avery (izquierda) y Monte

Lipman fotografiados el 16 de

noviembre en el East River

Ferry en Nueva York.

BILLBOARD.BO

29

LOS N° 1

quí es donde empieza

A

todo”, dice Avery Lipman,

apoyado en una elegante mesa

de caoba en un apartamento

del Upper East Side. “Republic

Records”.

En esta fresca tarde de noviembre,

está sentado junto a

su hermano mayor, Monte, en

el pequeño apartamento con jardín donde, hace

un cuarto de siglo, se acurrucaron y empezaron

un sello discográfico. No hay mucho espacio común,

ni siquiera espacio para muebles, y los dos

“dormitorios” están separados por una sola losa

de pared. Unos metros por encima de las cabezas

de los Lipman, tres ventanas rectangulares ofrecen

un vistazo a los pies de los transeúntes que

se arrastran por la calle 76; Debido a que el apartamento

está debajo del nivel de la calle, explica

Monte, las plagas nocturnas a menudo se arrastraban

y arañaban las paredes.

En aquel entonces, los hermanos de veintitantos

pasaban incontables horas en esta mesa preparando

anuncios publicitarios para una industria

de la música pre-digital. Los Lipman se convirtieron

en una mini línea de montaje insertando,

grabando y etiquetando discos de vinilo y escribiendo

cartas personales en un intento desesperado

por lanzar sus carreras. “Cuando miramos a

nuestro alrededor, lo único que recordamos son

pilas y pilas de discos de vinilo, cartón y sobres”,

dice Monte, acariciando el borde de la mesa. “Este

era nuestro mostrador de correos”. Avery coloca

la mano sobre el centro: “Aquí es donde llené el

papeleo del Capítulo 11”. Aproximadamente dos

años después de lanzar Republic como un sello

independiente en 1995, gastando cada momento

libre y esforzándose por una gran oportunidad,

los Lipman se encontraron al borde de declararse

en bancarrota.

Luego, unos días después, llegó esa ruptura:

KROQ, el gigante de la radio alternativa de Los

Ángeles, acababa de tocar “Fire Water Burn” de

Bloodhound Gang, tontos del rap-rock que fueron

los primeros firmantes de los Lipman. De repente,

los teléfonos de los Lipman no dejaban de

sonar con preguntas sobre las ofertas de acuerdos

de grupo y asociación. Finalmente, los hermanos

podrían escapar del apartamento bajo la acera y,

según observa Monte con una sonrisa, actualizarse

a una oficina de Times Square que anteriormente

se usaba como armario de escobas.

“Creo que probablemente haya algún beneficio

en no saber realmente qué tan alta era esta

montaña”, recuerda Avery con un brillo en los

ojos. “Empezamos en una pista sin darnos cuenta

de que era el Monte Everest. Pero dijimos:

‘Vámonos’”. Los Lipman han escalado ese pico y

algo más. En sus oficinas actuales en el edificio

de Universal Music Group (UMG) en Broadway,

están a solo unas pocas avenidas al oeste, pero a

mundos de distancia, de esa sucia primera sede

de la República.

Tienen una vista impresionante del West Side

de Manhattan y el río Hudson, sin mencionar una

variedad de premios y una colección de recuerdos

a la par con los del Museo Grammy. Ellos supervisan

una lista repleta no de actos novedosos, sino

de las superestrellas del pop más importantes de

la actualidad. Sin embargo, Monte, 57 (presidente

/ director ejecutivo de Republic), y Avery, 55

(presidente / director de operaciones del sello),

hablan de sus luchas pasadas con un aire de reverencia.

Ellos rematan las anécdotas de mala suerte

del otro con sonrisas tímidas y asienten con la

cabeza hacia el álbum Bloodhound Gang enmarcado

escondido en la oficina de Monte detrás de

una guitarra Taylor Swift firmada.

Eso no es solo porque su historia tenga un final

feliz, sino porque se ha compartido entre ellos.

Como los únicos directores actuales de una marca

importante que también fundaron, su longevidad

en la industria no tiene precedentes. Republic

termina 2021 como el sello número uno en la lista

de fin de año de Billboard, la quinta vez que termina

en la cima en los últimos siete años, gracias

a una lista repleta de estrellas como Swift, Drake,

The Weeknd y Ariana Grande. Este año, por primera

vez, Republic encabeza las tres clasificaciones

de etiquetas líderes de fin de año de Billboard,

ubicándose en la cima de las listas de Top Labels,

Billboard 200 Labels y Billboard Hot 100 Labels.

“Lo que es particularmente excepcional acerca

de Monte y Avery es su exitosa evolución de emprendedores

enérgicos a ejecutivos globales sin


FOTO TAYLOR SWIFT: GENTILEZA BETH GARRABRANT

dente ejecutivo y gerente general de la etiqueta a

partir de 2018. “Hay costos que van con eso, hay

desafíos logísticos, hay cambios de última hora.

Pero somos capaces de procesar eso y, afortunadamente,

después de 18 meses o incluso más, tenemos

mucha experiencia en eso y lo aprovechamos

al máximo “.

En 2021, eso significó satisfacer la necesidad de

flexibilidad del nuevo mundo con la persistencia

de la vieja escuela. Algunos de los mayores éxitos

de Republic fueron el resultado de campañas promocionales

rigurosas que duraron meses (a veces

años). “Blinding Lights” de The Weeknd se lanzó

a fines de 2019, alcanzó el número 1 a principios

de 2020 y se convirtió en el mayor éxito de Hot

100 de todos los tiempos a fines de 2021, gracias a

un impulso prolongado que ayudó a mantenerlo

en la lista para un récord. 90 semanas. El logro es

la culminación de la propia inversión a largo plazo

de Republic en The Weeknd, una vez un artista

de mixtape de Toronto que ocultaba su rostro en

las fotos de prensa y ahora el cabeza de cartel del

espectáculo de medio tiempo del Super Bowl del

año pasado, que nunca se desvió de su sonido o

estilo en el camino hacia arriba.

“Monte y Avery son los mejores en el negocio”,

dice The Weeknd, quien firmó con Republic a

través de la asociación del sello con su propio XO

Records. “Y lo que me encanta de asociarme con

ellos es su apertura a la visión del artista y los extremos

que hacen para defenderla sin ajustarse a

las presiones habituales de la industria”.

Tomemos otro acto de Republic muy diferente:

el grupo de rock británico Glass Animals. “Heat

Waves” de la banda se benefició de una campaña

de radio similar: después de aparecer en TikTok a

principios de 2021, el sencillo de Dreamland del

año pasado (el debut de la banda en Republic)

obtuvo un impulso multiformato y finalmente

llegó al top 10 de Hot 100 en su 42ª semana en la

lista de noviembre. Republic estaba promocioperder

de vista lo que les trajo su éxito en primer

lugar: impulso, enfoque y pasión”, dice el presidente

/ director ejecutivo de UMG, Lucian Grainge.

“El hecho de que, a través de los años y los

cambios del mercado y los cambios de la industria,

sigan construyendo su negocio, sin dejar de

romper con los artistas globales, es nada menos

que extraordinario”.

Y aunque ahora son profesionales pragmáticos

con una trayectoria histórica, Monte y Avery

aún se complementan perfectamente, tal como

lo hicieron cuando eran niños que, en 1970, empezaron

a trabajar juntos dirigiendo un puesto

de limonada. Son igualmente cálidos y sociables,

aunque Monte posee el tono ecuánime de un político

y su afición por las metáforas deportivas,

mientras que Avery es un narrador más caprichoso,

sus cejas rebotan sobre una sonrisa traviesa.

“Avery puede leer las hojas de té en un disco”,

dice Wendy Goldstein, copresidenta de Republic,

quien hasta hace poco era presidenta de West

Coast Creative. “Avery pudo ver el futuro, lo que

está despegando y lo que no, y leer muy bien. El

conjunto de habilidades de Monte proviene de la

promoción: comprender cómo a veces tienes que

golpear a la gente con algo para que les guste “.

Sin embargo, un rasgo destacado que comparten

los hermanos es un impulso insaciable por

llegar a la cima: tienen el sello número uno porque,

están de acuerdo, cualquier cosa menos sería

insatisfactoria. “Monte y Avery son competidores

A-plus”, dice la vicepresidenta ejecutiva de UMG,

Michele Anthony. “Son rudos, ingeniosos pero

humildes, y nunca dan nada por sentado”.

l último gran año de

E

REPUBLIC llegó en un momento

precario. Después del

cierre de la pandemia de CO-

VID-19 el año pasado, la industria

ha tratado gradualmente

de recuperar su equilibrio,

con una nueva normalidad

que aún no se ha resuelto. A

diferencia de 2020, cuando todos los principales

eventos en persona cesaron después de mediados

de marzo, las giras se reanudaron en 2021, con

nuevas precauciones de seguridad y preocupaciones

que varían según el artista y el mercado. A artistas

importantes de Republic como The Weeknd

se pospusieron las fechas de su gira y se cambiaron

los lugares; Los artistas de la lista en ascenso,

como el acto pop de Nueva Zelanda BENEE,

desarrollaron nuevos fanáticos en los Estados

Unidos durante el cierre, pero aún no han podido

tocar para ellos.

“Sabemos cómo solíamos hacerlo, sabemos

cómo lo hacemos ahora, y luego está esta área

intermedia que es muy gris e híbrida y un poco

incómoda y se reinventa todos los días”, dice Jim

Roppo, recientemente nombrado por Republic.

copresidente que se desempeñó como vicepresi-

“Monte tiene

un instinto muy

agudo. Él fue quien

defendió mi paso

del country al pop “.

—TAYLOR SWIFT

nando otro sencillo de Dreamland a principios de

este año después de que “Heat Waves” tuviera una

carrera en 2020, pero cuando los Lipman notaron

algunos de los primeros datos sobre “Heat Waves”

en línea, presionaron para volver a la pista pop

rítmica.

“Ellos vieron eso cuando yo no”, dice el líder de

Glass Animals, Dave Bayley. “Nuestro chico de

A&R siguió adelante, lo que sucede a veces. Y recuerdo

que Monte y Avery dijeron: “Lo haremos”.

Y nosotros pensamos: “¿Estás seguro?”. ¿Con qué

frecuencia sucede eso? Ese es un enfoque práctico

para ti allí mismo “. A lo largo de Republic, los

Lipman cultivan ese tipo de ética de trabajo. “La

mayoría de las personas que trabajan con nosotros

tienen un chip en el hombro, tienen algo que

demostrar”, dice Monte. Le gusta repetir la frase

“No es un trabajo, es un estilo de vida”, un mantra

diseñado para fomentar la pasión y crear un

entorno en el que siempre haya un nuevo puntaje

alto. En las manos equivocadas, eso podría resultar

agotador.

Pero Goldstein, un antiguo ejecutivo de hiphop

A&R a quien los Lipman desafiaron para

ayudar a extraer éxitos pop para Republic hace

casi una década, dice que los hermanos, particularmente

Monte, hacen que esa racha competitiva

parezca entrañable.

“Si ves Ted Lasso, ves todos estos aspectos diferentes

de lo que hace a un gran equipo”, dice

Goldstein. “Monte es Ted Lasso. Él es la inspiración

y lo hace con tanto amor que te hace trabajar

más duro “.

Monte y Avery se han estado entusiasmando

con la música desde la década de 1970, cuando

eran niños sentados junto a la radio, clasificando

sus canciones favoritas de la colección de discos

de su padre o la cuenta atrás de Casey Kasem. Su

madre y su padre, orgullosos hippies que se convirtieron

en padres en la adolescencia, se divorciaron

y arruinaron. Cuando su padre, el propietario

de la lavandería automática Cary Lipman, se

mudó a Los Ángeles desde Brooklyn en 1971, su

madre, Gilda, una instructora de fitness, tomó a

los niños y los siguió, haciendo autostop por todo

el país hasta Boulder, Colorado, y decidió establecerse.

en su lugar durante dos años.

“Nos encontramos a una edad muy, muy joven

y necesitábamos depender el uno del otro”,

recuerda Avery. En Boulder, los Lipman se enamoraron

de The Beatles, Stevie Wonder y Marvin

Gaye, y continuaron devorando nueva música

durante las visitas a su padre en Malibú, California,

y cuando su madre se mudó de regreso a la

costa este. En la adolescencia, algunos hermanos

se distancian, pero no los Lipman: eran tan cercanos

como lo son hoy, y pasaban los veranos como

salvavidas en Brighton Beach de Brooklyn mientras

vivían en Sheepshead Bay y veían a Mork &

Mindy y Happy Days hombro con hombro. Al

principio de sus carreras, a menudo compartían

habitación en viajes de negocios, incluso cuando

podían pagar la suya propia; como dice Monte,

BILLBOARD.BO

31


BILLBOARD.BO

33

LOS N° 1

cualquier otra cosa “nos parecía ajena”. Hoy, agrega

Avery, “Yo diría que al menos una vez, dos veces

por semana, usamos la misma ropa. Hay una

fotografía de Monte en el apartamento de nuestra

madre en Brooklyn con su traje de bar mitzvah. Y

justo al lado, está mi foto de bar mitzvah, el mismo

traje “.

Sin embargo, el sueño de llevar un sello discográfico

juntos no fue un plan de la niñez, nació de

“la angustia y la frustración”, dice Monte. Antes de

fundar Republic, los hermanos ocuparon varios

puestos en sellos como Arista, Atlantic y EMI (incluido,

para Monte, una temporada en la promoción

de radio entre los 40 principales en Atlantic,

lo que lo convierte, ahora, en un raro veterano

de la radio en un mar de jefes de grandes sellos

discográficos). proveniente de A&R). Pensaron en

convertirse en gerentes (así es como comenzaron

a trabajar con Bloodhound Gang) pero se dieron

cuenta de que no era el rol correcto: no tenían el

control que querían.

“Pasábamos casi todos los días tratando de convencer

al sello de que hiciera cosas que sabíamos

que eran importantes, que sabíamos que podían

marcar la diferencia, que sabíamos que podrían

servir como catalizador, y llegamos al punto en

que dijimos: ‘Tú Sabemos qué, vamos a preparar

el plan ‘”, recuerda Monte. Los Lipman comenzaron

Republic Records con una actitud entusiasta,

maximizando las tarjetas de crédito y reservando

un vuelo de último minuto a Suiza para convencer

a Chumbawamba de que firmara con ellos

porque pensaban que “Tubthumping” podría

“Tienen esa

ambición cuando,

como artista, a

veces te sientes

un poco débil y no

necesariamente lo

tienes tú mismo”

—DAVE BAYLEY, GLASS ANIMALS

apoderarse del mundo (y luego, lo hizo). Esas

primeras victorias dieron lugar a una empresa

conjunta con UMG en 2000, lo que permitió a los

Lipman trabajar con una variedad de talentos más

vendidos, desde Prince hasta Amy Winehouse y

Jack Johnson.

Trabajar con Prince en su álbum de 2006, 3121,

preparó particularmente a Monte para su realidad

actual manejando una lista llena de superestrellas.

Prince tenía grandes ambiciones para la promoción

y las perspectivas comerciales de 3121,

y Monte trató de moderar las expectativas de la

leyenda. “Era joven, era ingenuo y me encontraba

constantemente tratando de explicarle por qué no

se podían hacer las cosas”, dice.

Después de casi un año de desacuerdos, Monte

se rindió y dejó de intentar reprimir las ideas de

Prince, y el artista se llenó de alegría. “Fue una

gran experiencia de aprendizaje para mí”, dice

Monte. “Cuando se habla de las grandes personalidades,

aceptamos la curiosidad de los artistas

con los que trabajamos”.

Caso en cuestión: Swift, que ha pasado los últimos

dos años lanzando un par de álbumes seguidos

grabados en secreto con algunos amigos del

indie-rock, simultáneamente comenzó a lanzar la

ambiciosa regrabación de sus primeros seis discos

en un esfuerzo por controlar a sus maestros. Esos

proyectos pueden haber parecido apuestas comerciales

y creativas incluso para la estrella más

grande del mundo, pero han sido éxitos inequívocos,

produciendo cuatro álbumes número 1 en el

Billboard 200, tres éxitos en las listas Hot 100, dos

álbumes del año. Nominaciones al Grammy y una

victoria en la categoría de folclore en 2021 (compite

cada vez más en 2022).

En una proyección para fans en Nueva York del

cortometraje All Too Well de Swift a mediados de

noviembre, Monte se paró en la parte trasera de

la sala de cine, con los brazos cruzados, balanceándose

ligeramente mientras Swift culminaba

la proyección con una actuación acústica de la

nueva película de 10 minutos. versión de la canción.

Cuando ella dejó su guitarra, él aplaudió tan

salvajemente como el resto de los fans.

“Monte tiene un instinto muy agudo sobre los

proyectos, y me siento muy afortunado de haberme

beneficiado de ese don que tiene”, dice Swift.

“Él fue quien defendió mi paso del country al

pop, y nunca olvidaré que me dijo que ‘Shake It

Off ’ fue el que pensó que debería ser el primer

“Lo que me encanta

de asociarme con

ellos es su apertura

a la visión del artista

y los extremos

que hacen para

defenderla”

— THE WEEKND


sencillo. O llamarlo para decirle a él y a mi equipo

de Republic que había hecho un álbum secreto

en cuarentena llamado folklore y que quería

publicarlo la semana siguiente. Había preparado

un discurso para persuadir a mi sello de que me

dejara hacerlo. Debería haber sabido que no necesitaría

usarlo, porque Monte reaccionó como si le

hubiera dado la mejor noticia de su vida. Se entusiasma

con la música de una manera que es muy

contagiosa. El trabajo duro no le asusta.

Los desafíos no lo fatigan. Tengo mucha suerte

de estar en su equipo “.

FOTO GLASS ANIMALS: ELLIOTT ARNDT / FOTO THE WEEKND: EMMA MCINTYRE/NBC

equipos XO de Weeknd y Grande’s Schoolboy, socios

que participan en decisiones estratégicas.

Dangerous aún terminó 2021 como el mejor

álbum del año de Billboard 200, generando $ 23.4

millones en los Estados Unidos y $ 30.4 millones

a nivel mundial para Republic y Big Loud, según

estimaciones de Billboard. Y, aparte del comportamiento,

el surgimiento de Wallen fue un referente

de las formas en que el liderazgo de la República

ve la expansión de la etiqueta en 2022.

El nuevo año traerá el lanzamiento completo de

un espacio de grabación propiedad de Republic

en Manhattan recién inaugurado, una contraparte

del estudio Century City del sello inaugurado

en 2017, así como los álbumes muy esperaiene

sentido que ejecutivos

T

adaptables y amigables con los

artistas como los Lipman prosperarían

en la industria musical

actual, donde los creativos

controlan cada vez más cuándo

y cómo los fanáticos pueden

escuchar su música. Hace tres

años, Republic tuvo que llamar

a un audible cuando Ariana Grande quiso

interrumpir sus promociones de Sweetener para

lanzar su álbum Thank U, Next, que se convirtió

en un éxito de taquilla comercial aún mayor, así

como en un momento decisivo en la forma en

que la música pop se comercializa.

“Ella dijo: ‘Es mi arte, es mi música, y esa es la

forma en que quiero compartirlo con mis fans’”,

recuerda Monte. “Y yo dije, ‘¿Sabes qué? Estás

bien. Vamos ‘. ¿Y adivinen qué? Ella cambió

el paradigma de la radio ”. De hecho, en 2021,

Grande hizo historia en la radio: tres sencillos de

su álbum Positions (“34 + 35”, “pov” y la canción

principal) se convirtieron simultáneamente en

los 10 primeros éxitos en la lista de Pop Airplay,

el primer álbum en lograrlo. en los 29 años de la

encuesta.

Drake, otra estrella de la República, es el mejor

ejemplo de cómo un artista puede doblegar

el mundo de la música a su voluntad. Y este año,

el equipo de Republic tuvo que permanecer ágil

cuando terminó su tan esperado Certified Lover

Boy, lanzando el EP Scary Hours 2 de tres canciones

en marzo antes de que llegara el álbum

completo en septiembre. Ninguno de los dos tuvo

sencillos de presentación, pero ambos produjeron

éxitos número uno en el lanzamiento, y Certified

Lover Boy obtuvo la semana de transmisión más

grande para un álbum desde el último larga duración

de Drake en 2018, Scorpion.

Monte señala que la base de la asociación de

Republic con Drake es la alianza a largo plazo del

sello con su sello OVO Sound y la confianza mental

con sede en Toronto. Tales asociaciones se han

convertido en la base de las operaciones diarias

de Republic a lo largo de los años: su acuerdo de

una generación con Cash Money Records produjo

lanzamientos masivos de Lil Wayne, luego

los protegidos de Wayne Nicki Minaj y Drake, y

ahora incluyen 13 Management de Swift, The Los

dos de Post Malone y Nicki Minaj. También hay

muchas promesas en la lista de artistas, desde el

rapero Coi Leray con sede en Los Ángeles, así

como BoyWithUke, un firmante reciente con una

identidad oculta pero números de transmisión

llamativos.

“Escribe, produce, adopta un enfoque de escuela

de noticias con su oficio y cómo crear anticipación”,

dice Avery con entusiasmo por BoyWith-Uke.

Así es como los Lipman todavía hablan

sobre los artistas emergentes, como si todavía estuvieran

en ese pequeño apartamento del Upper

East Side: completamente confiados en su atractivo

masivo, desesperados por tener la oportunidad

de luchar por ellos.

BILLBOARD.BO

35

MENTE

LOS N° 1

SOBRE

C

UANDO KALI UCHIS

le dijo a su padre que quería

faltar a la universidad para convertirse

en música profesional,

su respuesta no fue exactamente

lo que ella esperaba. “‘Hay

muchas chicas más bonitas que

tú y que tienen mejor voz que tú’”, recuerda Uchis

que le dijo. “¿Qué te haría destacar de ellas?” Ella

no se desanimó. “Bueno, puede haber un millón

de chicas más bonitas que yo y con mejor voz que

yo”, respondió. “‘Pero ellas nunca serán yo’”.

Hoy en día, es precisamente esa otredad lo que

ha llevado a Uchis, de 27 años, la cantante y compositora

bilingüe, bicultural, que dobla el género

y cuya voz fluye sin esfuerzo entre el inglés y el

español. convertirse en una estrella insólita con

la canción “Telepatía”, una fantasía alucinante en

la que canta sobre querer “hacer el amor a través

de la telepatía”, que se convirtió en su gran éxito a

principios de este año.

“Mi motivación siempre ha sido estar conectada

con mi cultura, con lo que soy como artista”, dice

Uchis, quien nació en Estados Unidos y creció entre

allí y Colombia. “En mis primeros shows, cantaba

en spanglish o español, y la gente estaba tan

confundida y se reía de mí y se alejaba. No estaban

preparados para eso en ese momento. Sentí que

realmente no había un espacio para mí porque

soy bilingüe, tengo doble ciudadanía, crecí en dos

países diferentes y, además, no me limito a un solo

género. Era mucho más difícil para la gente poner

su dinero en mí”.

Si bien ya no es inusual ver éxitos cruzados en

español y remixes bilingües en lo alto de las listas

principales de Billboard, los éxitos en solitario bilingües

siguen siendo una anomalía. Y, sin embargo,

“Telepatía” subió al número 1 en tres listas, que

incluyen, en particular, tanto Latin como Rhythmic

Airplay, un testimonio de la singularidad y

versatilidad de Uchis.

“Una canción como ‘Telepatía’ que no cabe en

ninguna caja, la mayoría de la gente no hubiera

esperado que le fuera bien en la radio”, dice Matt

Morris, vicepresidente senior de A&R en Interscope

Records. (Uchis está suscrito a una empresa

conjunta entre Interscope Geffen A&M en los Estados

Unidos y Virgin UK).

“Pero se siente muy generacional para las personas

que aman la música ambigua de género y

hablan muchos idiomas. Esta canción es muy representativa

de este artista y de esta generación”.

Uchis exploró por primera vez la idea de una

canción sobre telepatía después de su debut en

2018 en un sello discográfico importante, Isolation

(Virgin UK / EMI). Pero lo dejó a un lado para

concentrarse en su próximo álbum, que insistió en

CUERPO

AL CRECER, KALI UCHIS SABÍA

QUE ERA ÚNICA, PERO SE

SENTÍA COMO SI NO ENCAJARA

EN NINGUNA PARTE. CON SU

ÉXITO BILINGÜE, “TELEPATÍA”,

POR FIN HA LLEGADO A SU

VISIÓN DE LA INDUSTRIA

POR LEILA COBO

que estuviera en español, a pesar, dice, de la fuerte

resistencia de Virgin UK / EMI. “Literalmente le

dijeron a mi manager: ‘Si ustedes hacen la mierda

española, están solos’”, recuerda Uchis.

La etiqueta habría tenido buenas razones para

inquietarse. Uchis siempre había cantado y grabado

en ambos idiomas, pero era relativamente desconocida

en el mercado latino principal: su base

de fans era diversa, pero su éxito naciente provino

principalmente de la música alternativa de habla

inglesa (“10%”, su colaboración de 2019 con

Kaytranada, ganó el Grammy a la mejor grabación

de baile), no hablantes nativos de español.

Sin embargo, con Interscope de su lado, un

sello con una larga historia de impulsar actos latinos

(como Enrique Iglesias y Daddy Yankee) y

que recientemente abrió una oficina en Miami

centrada en el repertorio latino, Uchis finalmente

podría comenzar a cerrar esa brecha. “Cuando

intentas comercializar canciones en dos idiomas,

es un desafío; hay un mundo anglosajón y un

mundo latino y no siempre están alineados”, dice

José Cedeño, vicepresidente senior de ingresos y

estrategia de Interscope en Miami. “Pero Kali es

alguien que entra y sale de [ambos] idiomas como

si fuera uno”.

Finalmente, pudo grabar su ansiado álbum en

español. Y cuando le enviaron una nueva pista instrumental

de ensueño que recordaba a su sencillo

en inglés de 2018 “After the Storm” (con Tyler, The

Creator y Bootsy Collins), se dio cuenta de que

podría ayudar a dar forma al concepto de telepatía

que había comenzado a esbozar meses antes.

“Ese tipo de música me suena muy cómodo

para montar”, dice Uchis. “Las melodías vinieron

súper naturales, y las palabras, realmente no sabía

de dónde venían, pero también vinieron muy rápido.

Fue un proceso tan natural, y siento que así es

como surgen mis mejores canciones “.

Aún así, nadie, y menos la propia Uchis, esperaba

mucho de “Telepatía”. El tema casi ni siquiera

llega al álbum Sin Miedo (Del Amor y Otros

Demonios), cuando fue lanzado el pasado mes de

diciembre. En las muchas críticas entusiastas que

siguieron, a menudo ni siquiera se mencionó; la

atención, en cambio, se centró en “La Luz”, un sencillo

con la estrella del reggaetón en ascenso Jhay

Cortez, y su versión de “Que Te Pedí” de La Lupe,

temas con más atractivo comercial que la producción

de Uchis que anteriormente se inclinaba

hacia las alturas.

Luego, llegó un nuevo año y, poco después, el

brote.

FOTO PRINCIPAL: TAYLOR JEWELL / INVISION / AP


LOS N° 1

I DE AQUÍ, NI DE ALLÁ,

N

así creció la artista nacida Karly-Marina

Loaiza. Nacida en

Virginia pero criada entre allí

y la pequeña ciudad de Pereira,

Colombia, Kali Uchis se

sintió un poco privado de sus

derechos en ambos lugares.

“En Virginia, la gente siempre

decía: ‘No eres de aquí, ¿de dónde eres? ¿Eres de

la costa oeste o algo así?”, Recuerda Uchis hoy. “Y

nunca antes había estado en la costa oeste. Pero en

Colombia, también, la gente siempre decía, ‘¿De

dónde eres?’ “

Crecer en Pereira, una ciudad enclavada en la

región montañosa de cultivo de café del país, se

sintió muy lejos de los centros de la industria musical

de Bogotá, Medellín y Cali. Había patos, pavos

y gallinas en el patio trasero y primos, tíos, tías

y los cuatro hermanos de Uchis que aparentemente

ocupaban cada centímetro del espacio habitable.

“Siempre he vivido en casa llena”, dice. “Cuando

regresamos a los Estados Unidos, nuestra casa

era la casa por la que pasaste al venir a Estados

Unidos, el lugar donde viviste hasta que pudiste

ponerte de pie. Mi habitación era la de las niñas y,

literalmente, solo tenía camas para mis tías y mis

primas. Supongo que por eso ahora, como adulta,

soy una persona tan reservada y valoro tanto mi

espacio “.

En Pereira, Uchis absorbió las tradiciones musicales

ricamente diversas de Colombia y comenzó

a explorar su propia identidad artística, aunque

nunca soñó con pedir apoyo financiero a sus

padres. “Mi papá estaba literalmente sin hogar

cuando era niño. Tenía una educación de cuarto

grado y vino a los Estados Unidos simplemente

descubriéndolo desde abajo”, dice Uchis. “Así que

me criaron para ser muy ingeniosa y muy agradecida”.

Ayudó a su familia con trabajos de limpieza

y construcción y eventualmente encontró su

propio ajetreo: trabajo de cajera, servicio al cliente,

compra y venta de ropa vintage, haciendo videos y

haciendo diseño gráfico para otros.

A los 19 años, Uchis tomó sus ahorros y se

mudó a Los Ángeles para triunfar como artista.

Incluso en su debut autoeditado en 2015, Por

Vida, su estética se sintió notablemente desarrollada:

voces sinuosas flotando sobre un soul exuberante

y ritmos y producción de R&B. Su video

para el primer sencillo “Ridin Round” llamó la

atención de artistas latinos importantes como su

compatriota colombiano Juanes (quien, para el

deleite de la familia de Uchis, le pidió que cantara

en su canción de 2017 “El Ratico”) y la izquierda

de la corriente principal estadounidense. artistas

como Tyler, The Creator, uno de los primeros fanáticos.

“Él era la única persona [al principio] que

realmente se acercó a mí y que no me pidió nada

[a cambio], que tenía un relato real y detallado de

las cosas que eran especiales sobre lo que hice”, recuerda

Uchis. (Terminó apareciendo en su sencillo

de 2017 “See You Again” y él en “After the Storm”).

Hablando desde su nuevo hogar en Los Ángeles,

Uchis es increíblemente abierta y consciente

de sí misma, relatando los primeros días de tratar

de conseguir un contrato discográfico y promocionar

su música por su cuenta. “Pasé por mi

pequeño trauma con la industria”, dice con pesar.

“Te cansas un poco porque sientes que la gente

finge que les importa, pero en realidad no es así.

Pero hice el trabajo en mí misma que necesitaba

hacer y todavía lo sigo haciendo. Ojalá todos los

artistas tuvieran acceso a la terapia porque es súper,

súper importante”.

Para 2019, Uchis estaba decidida a grabar un

álbum en español, y estaba frustrada por las complejidades

de tratar con un sello con sede en el

extranjero. Ella y sus gerentes, Shakira Kalite y Jon

Lieberberg, trajeron al veterano de la industria latina

Yamile Fernández para, como él dice, “conectar

los puntos” con Interscope para el lanzamiento

de Sin Miedo. Fue un paso decisivo: los equipos

digitales y de marketing de la etiqueta podrían

apuntar a su base de seguidores leales en EE. UU.,

mientras que su oficina centrada en América Latina

podría ayudar a construir la audiencia latinoamericana

que la eludía. “Al principio, al menos,

era una base de fans muy especializada, central,

casi de culto para Kali”, dice Kimberly Barrena, gerente

de marketing global de Interscope. “Así que

mi estrategia inicial fue intentar conectarla con

una base de fans más grande a nivel mundial”.

Dos de los primeros sencillos que precedieron

al lanzamiento de Sin Miedo en 2020 no funcionaron

particularmente bien: “Aquí Mando Yo”, con

Rico Nasty, no llegó a las listas, y “La Luz” alcanzó

el puesto 15 en Latin Pop Airplay. Entonces, en

enero, Barrena y el gerente senior de marketing

digital Murdoc Hardy comenzaron a buscar en las

redes sociales, YouTube y TikTok para descubrir

a qué canciones respondían los fanáticos y dónde.

“Telepatía” siguió apareciendo, especialmente en

TikTok. Así que probaron una idea para impulsar

la canción a un territorio de éxito viral.

“El éxito en TikTok no significa necesariamente

que consigas que [una superestrella] haga tu baile”,

dice Barrena. “El éxito puede significar que las

personas solo quieran hacer videos y literalmente

ver contenido con su canción adjunta. La gente

simplemente viviendo con la música es siempre el

mejor escenario “.

Seleccionaron un segmento lírico - “You know

I’m just a flight away/If you wanted you can take a

private plane / A kilómetros estamos conectando /

Y me prendes aunque no me estás tocando” - que

pensaron que tendría el máximo impacto, y, trabajando

con los equipos de Universal en México

y Brasil, reclutó personas influyentes (primero en

México, donde la canción fue especialmente popular

en TikTok) para crear sus propios clips.

La respuesta fue tan instantánea, una amplia

variedad de contenido, en gran parte con usuarios

que cantaban o sincronizaban los labios con

la canción, que el sello grabó un video musical

en abril en Colombia para elevar aún más el per-

fil de Uchis allí. “Realmente se puede saber qué

tan impactante es una canción para una audiencia

por cuánto tiempo dura la tendencia”, dice

Hardy. “Había tres o cuatro partes diferentes de

la canción que la gente usaba [orgánicamente], y

decidimos usar esta en particular. Fue literalmente

un puente entre los dos idiomas [en la canción] y

entre las dos culturas “.

Para mayo, “Telepatía” se convirtió en el primer

número uno de Uchis en la lista Hot Latin Songs,

convirtiéndola en la primera mujer solista sin

un acto que la acompaña en liderar la lista desde

2012, y Sin Miedo alcanzó el número uno en álbumes

de pop latino. Para agosto, “Telepatía” había

subido al top 10 de las listas de Streaming y Radio

Songs de todos los géneros y alcanzó el puesto 25

en el Billboard Hot 100, el segundo y más alto de

Uchis, mostrando allí hasta ahora. Un año después

de su lanzamiento, finaliza 2021 como la segunda

pista latina más consumida del año, solo detrás

de “Dákiti” de Bad Bunny, con 646 millones de

transmisiones de audio bajo demanda en todo el

mundo (de las cuales 241 millones fueron en los

Estados Unidos). al 2 de diciembre, según MRC

Data. Y Uchis, la niña que alguna vez sintió que

no pertenecía a ninguna parte, es la cuarta artista

latina más consumida en el país.

“Nunca, nunca me hubiera imaginado que vería

que eso sucediera, como nunca”, dice. “Simplemente

nunca, nunca tuve ese tipo de motivo o

intención. Creo que la gente nunca me consideró

comercializable, y yo siempre me vi a mí mismo

como un artista, así que nunca me preocupé de

cómo iba a vender o recibir elogios ni nada por

el estilo. No pensé que fuera posible que alguien

como yo tuviera este tipo de éxito “.

“No creo que puedas replicarlo”, dice Morris.

“Pero creo que Kali va a ser un faro para el cambio”.

Sin Miedo acaba de obtener una nominación

al Grammy al mejor álbum de música urbana, y

en febrero, Uchis abrirá para Tyler, The Creator en

gira. Hay nueva música en camino, así como denim,

gafas de sol y líneas de belleza.

¿En cuanto a la familia que una vez se preocupó

de que tuviera problemas para hacerse un nombre

en la música? “Están muy orgullosos”, dice Uchis.

“Más que nada, ahora desean haber sido de apoyo

cuando comencé. Pero, sinceramente, no pensé

demasiado en si las cosas me iban a salir bien o

no. Fue, ‘Esta es mi vida. Estas son las cartas que

me repartieron. Voy a hacer lo máximo con lo que

Dios me dio ‘. Siempre reconocí que Dios me hizo

único. No hay mucha gente que tenga mi experiencia

o mi espíritu “ .

FOTO KALI UCHIS : GENTILEZA SAMANTHA T. VARGAS


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FOTOS: PEYTON FULFORD

‘BABY’

JACK HARLOW MARCÓ SU PRIMER

NO. 1 BILLBOARD HOT 100 CON

“INDUSTRY BABY”. AHORA QUIERE

DARLE AL HIP-HOP EL “IMPULSO DE

ENERGÍA” QUE CREE QUE LE FALTA

POR CARL LAMARRE // FOTOS: PEYTON FULFORD

RES AÑOS ATRÁS, un enérgico joven de

T

20 años que parecía un joven boxeador

hambriento de su gran pelea subió al pequeño

escenario en Iron City Bham, una

histórica sala de conciertos en Birmingham,

Alabama. Fue la primera parada en

La primera gira de Jack Harlow, pero no

tuvo un gran comienzo: solo unas 20 personas

habían asistido al espectáculo. Aún

así, sin inmutarse por la baja participación,

el rapero se acercó a su set con el entusiasmo de un cabeza

de cartel de Coachella, mostrando una sonrisa arrogante

y haciendo bromas con las pocas personas en la audiencia, incluso

quedándose después de posar para fotos con cualquiera

que quisiera una.

Avance rápido hasta noviembre, y Harlow está de regreso

en Birmingham, en el mismo lugar, frente a una multitud

agotada de 1300 personas. El propio Harlow es ahora una

estrella del rap con ventas de platino que ha pasado de ser un

MC desaliñado y con gafas a un showman elegante y uno de

los nombres más animados del hip-hop. (Apropiadamente, la

caminata se llama Créme de la Créme Tour).

La otra noche, Drake asistió a uno de sus shows, el último

co-firmante de un joven de 23 años de Louisville, Ky., Que

vino a idolatrarlo, pero igual de emocionante para Harlow fue

el momento en que reconoció a un fan en la multitud de ese

concierto de 2018.

“Estos momentos ... simplemente siguen sucediendo”, dice

Harlow todavía asombrado en Zoom días después del espectáculo.

“Le da mucho significado a todo el viaje. Lo aprecio

más porque sé cómo se sentía cuando no estaba allí. Estoy

desesperado por mantener la atención de mis fans durante los

shows porque todo me parece muy frágil. Creo que hago un esfuerzo

adicional, la milla extra, porque es como si tuviera este miedo en

el fondo de mi mente de perderlos. Recuerdo cuando no lo tenía “.

Harlow podría ser perdonado si simplemente se permitiera disfrutar

este momento. Pero desde el lanzamiento en junio de 2020 de

“Whats Poppin”, un escaparate nominado al premio Grammy por su

ingeniosa destreza lírica que saltó de TikTok al número 2 en el Billboard

Hot 100 gracias a un remix repleto de estrellas con Lil Wayne,

DaBaby. y Tory Lanez - Harlow apenas se ha ralentizado. Su álbum

debut, Eso es lo que todos dicen, lanzado en 2020 en el creciente sello

Atlántico Generation Now, generó otros tres éxitos en las listas y

fue certificado platino recientemente, lo que demuestra que no solo

tenía un don para los juegos de palabras, sino también una perspec-

BOOMER

LOS N° 1

tiva sincera mientras rapeaba. sobre temas como el

síndrome del impostor (“Keep It Light”) y el privilegio

blanco (“Baxter Avenue”). A lo largo del año

pasado, también pasó rápidamente por las paradas

clave de los festivales, Rolling Loud, Lollapalooza,

Austin City Limits, antes de emprender su propia

gira como cabeza de cartel.

“No soy disruptivo”, dice Harlow pensativo.

Aunque puede parecer revoltoso en sus canciones

y videos, en la conversación es casi meditativo, y se

toma el tiempo para reflexionar sobre sus pensamientos

antes de hablar. “Existe una cierta realidad

de que soy blanco, y creo que siempre habrá algo

adjunto a eso. No importa cuán compenetrado

esté, nunca habrá un día en que sea negro. Habiendo

dicho eso, hay una cierta responsabilidad que

conlleva ser un hombre blanco en un género negro,

y hay ciertas cosas que me han hecho ver de manera

diferente. Pero hay algo emocionante en saltar

las barreras que puedan existir y crear unidad “.

Y eso es exactamente lo que hizo como invitado

destacado en uno de los éxitos más explosivos del

año: “Industry Baby” de Lil Nas X. Coproducido

por el dúo Take A Daytrip y Kanye West, el himno

triunfal sobre perseverar contra los detractores

encabezó el Hot 100 en octubre: el primer número

1 de Harlow en la lista y una vuelta de la victoria

tanto para él como para Nas, novatos del hip-hop

que había superado el escepticismo inicial en torno

a sus monstruosos éxitos de debut para convertirse

en estrellas innegables y multifacéticas por derecho

propio. “Lo que más me impresionó de los versos

de Jack fue que antes de que lo hiciéramos, se acercó

directamente y le hizo saber a Nas que quería

trabajar” con él, recuerda Denzel Baptiste, mitad

de Take A Daytrip. “Cuando recuperamos el verso

era una idea superlarga. Normalmente no encajaría

en la estructura de una canción pop, pero hubo

tantos momentos increíbles en ella. Producimos a

su alrededor de una manera que lo convirtió en un

gran punto focal de la canción “.

Lanzado en julio, “Industry Baby” llegó con el

tipo de fanfarria y efectos visuales deslumbrantes

que se han convertido en la norma para un lanzamiento

de Lil Nas X. Saliendo de su video “Montero

(Llámame por tu nombre)”, en el que bailó hasta

el infierno y le dio a Satanás un baile erótico antes

de matarlo, Nas subió la apuesta para “Industry

Baby”. En el clip de éxito de taquilla, burlándose

del agarre de perlas que inspiró “Montero”, Nas es

sentenciado a tiempo en la Prisión Estatal de Montero,

donde se hace cargo de una pandilla carcelaria

de hombres vestidos de rosa fluorescente; baila

con ellos en las duchas totalmente desnudos (salvo

alguna pixelación estratégica); y finalmente escapa

con la ayuda de su amigo Harlow.

Aunque Nas atrajo la mayor parte de la atención

de la crítica por el video, tanto positiva como

menos de las esquinas conservadoras habituales,

el verso de Harlow que roba la escena (con frases

como “La envié de regreso a su novio con la huella

de mi mano en la cola”) y la presencia adorable y

tonta (en el video y en las actuaciones televisadas

que siguieron) también provocaron mucha con-

BILLBOARD.BO

41

LOS N° 1

versación. “Tenía total fe en que iba a tomar una

decisión de buen gusto por mí”, dice Harlow, quien

pronuncia su verso mientras la presa aparentemente

solitaria se pone manos a la obra con él. “Me

sentí bien por eso. Que alguien piense que Nas no

es lo suficientemente consciente o inteligente como

para crear un tratamiento que no encajaría conmigo

no es analizarlo muy a fondo porque esa era la

menor de mis preocupaciones. Él sabe lo que es.

Es muy consciente y sabe que no somos la misma

persona”.

Harlow fue el único rapero que apareció en el

disco Montero de Nas, lo que no pasó desapercibido

para algunos de los detractores de este último.

(Cuando un usuario de Twitter sugirió su elección

entre los artistas invitados del álbum, que son mujeres

o hombres blancos, era parte de una “agenda”

para socavar a los hombres negros, Nas respondió:

“Quizás muchos de ellos simplemente no quieren

trabajar conmigo”). En entrevistas posteriores,

Nas también reveló que primero había intentado

que su ídolo, Nicki Minaj, apareciera en” Industry

Baby “, pero que no funcionó:” No estoy seguro de

lo cómodo que se habría sentido Nicki sentí con

ese video o lo que sea”, reflexionó más tarde a GQ.

Harlow, sin embargo, no dudó.

“Siempre ha sido un aliado sin dejar de ser él

mismo auténticamente”, dice Baptiste. “Nunca ha

sido performativo”. En última instancia, “Industry

Baby” permitió a Harlow ascender en la corriente

principal a su manera: un crossover sin concesiones.

“Honestamente fue mi primer momento pop.

Había rechazado algunos momentos importantes

del pop, momentos que podrían haber sido importantes

para mi carrera”, dice.

“Quería seguir siendo hip-hop. La gente piensa

en raperos blancos que utilizan el hip-hop como

un vehículo. Es importante que la gente sepa que

amo el hip-hop, quiero seguir en el hip-hop y quiero

ser parte del hip-hop, y lo estoy usando como

un vehículo para alimentar mis sueños “.

E

N MARZO, los fanáticos pudieron

vislumbrar cómo se veía

Jack Harlow antes de que el

estrellato del pop fuera siquiera

un destello en sus ojos. En un

clip de 10 segundos que publicó

en Instagram, un Harlow de secundaria rapea

y baila junto a sus amigos (muestra de la letra:

“Quiero decir, lo siento, desearía poder asistir a

tu fiesta de cumpleaños”), mostrando al nerd personalidad

desafiante que lo convirtió en un niño

prodigio de Louisville. Se volvió viral, obtuvo 4,6

millones de visitas y llamó la atención de Kendrick

Lamar, quien rompió su pausa de dos años

en las redes sociales para dar me gusta al tweet,

y Drake, a quien Harlow llama “el rostro de mi

adolescencia”.

Cuando Drake asistió a la parada de Toronto del

Créme de la Créme Tour en noviembre, Harlow

pausó el espectáculo para gritarle y rendir homenaje.

“Me crié en Drake. Salió del armario cuando

yo estaba en sexto grado. Recuerdo que fui a la

escuela secundaria y ‘Best I Ever Had’ estaba en

la radio sin parar “, dice hoy. “Ni siquiera puedo

expresar con palabras la validación [que sentí].

Quiero darme una palmadita en la espalda como

[mi] hijo de 13 años: ‘Lo que pensabas que podía

pasar, pasó’ “.

La afinidad de Harlow por la música rap y su

ética de trabajo se desarrollaron temprano. Cuando

tenía 10 años y crecía en Louisville, escarbó en

los álbumes A Tribe Called Quest, Public Enemy y

NWA de su madre, y luego puso la pluma sobre el

papel por primera vez por su cuenta un año después,

grabando su primer CD, Rippin and Rappin,

en un micrófono Guitar Hero. (Más tarde vendió

copias por $ 2 cada una en su escuela secundaria).

En séptimo grado, hizo un mixtape, Extra Credit,

y regaló 100 copias. Para cuando cursaba el primer

año de secundaria, Harlow llamó la atención

de Def Jam Recordings después de que un amigo

pusiera sus videos de YouTube frente al entonces

presidente Joie Manda.

Pero durante las negociaciones del contrato,

Manda salió del sello, dejando a Harlow sin saber

si otros en Def Jam tenían el mismo entusiasmo

por él. Rechazó el trato, rechazó la oportunidad

perdida y se recuperó. Lanzó más proyectos de

forma independiente, The Handsome Harlow de

2015 y 18 de 2016, que capturaron su personalidad

magnética y su ingenio como creador de

palabras, y construyó un público fiel en la ciudad,

vendiendo espectáculos locales y generando millones

de transmisiones gracias a pistas animadas

como “Ice Cream. “

Con su mixtape de 2017, Gazebo, y su impactante

sencillo “Dark Knight”, Harlow se puso en

el radar de sus siguientes campeones: DJ Drama y

Leighton “Lake” Morrison, los fundadores del sello

de hip-hop Generation Now, que anteriormente

dirigió Lil Uzi Vert al éxito general. Ambos se

habían enterado de Harlow por separado. Drama

había comenzado a seguirlo en Instagram después

de que un amigo lo hablara, mientras que Lake se

enteró de él a través de KY Engineerin’, un famoso

ingeniero de Louisville que contribuyó a Gazebo

y es mejor conocido por su trabajo con Lil Wayne,

2 Chainz y Meek Mill. Cuando los dos ejecutivos

finalmente se reunieron con Harlow en Atlanta en

2018, supieron de inmediato que era un partido.

“Nos gustó lo que estaba pasando y vimos el

potencial”, recuerda Drama. “Pensamos, ‘Tenemos

que atrapar a este niño. Es especial”. “El

futuro de Jack tiene un potencial infinito “, añade

Morrison. “Es el paquete completo, un gran artista,

creativo, carismático e inteligente. Digo esto

tan humildemente como puedo, pero él tiene la

capacidad de ser el mejor en el juego si continúa

por este camino”.

Harlow firmó con Generation Now y Atlantic

Records en agosto de 2018 y, como de costumbre,

no perdió el tiempo. Lanzó un nuevo sencillo,

“Sundown”, el día en que salió el anuncio de su

firma, y luego lanzó el mixtape Loose dos semanas

después. Los co-firmas llegaron, con Diddy

doblando a Harlow como su “rapero favorito” y su

compañero de Louisvillian Bryson Tiller uniéndose

a él para la canción de 2019 “Thru the Night”,

solidificando el control de Harlow en el corazón de

la escena del rap de su ciudad natal.

El mismo encanto que se muestra en su video viral

de retroceso estaba demostrando ser su mayor

punto de venta como estrella emergente. “Yo era el

chico nuevo de 22 años y conocía a todas las chicas

de la ciudad, y estábamos organizando fiestas y

filmando videos, y todo fue realmente improvisado”,

dice Harlow de esta época. “Estaba bebiendo y

divirtiéndome y haciéndome accesible. Fui cálido

y acogedor. Fui muy inclusivo con la ciudad y fue

una gran época. Todos en mi círculo recuerdan esa

época con mucha alegría “.

O, como lo expresó en su verso “Industry Baby”:

“I’m just a late bloomer/I didn’t peak in high

school, I’m still out here getting cuter”.

BILLBOARD BOLIVIA | DICIEMBRE 2021

F

UERA DE MTV Video Music

Premios en septiembre, una

multitud de fanáticos comienza

a aullar incesantemente. Harlow

está haciendo su ronda en

la alfombra roja fuera del Barclays

Center de Brooklyn, y grita “¡Harlow, estás

tan caliente!” ondular a través de la multitud, haciendo

que el joven soltero se tambalee momentáneamente.

Lil Nas X, vestida con un conjunto

lila de Versace que es mitad traje, mitad vestido,

atrapa a Harlow y le da un cálido abrazo.

Harlow, una incorporación tardía a la alineación

de los VMA, está allí para interpretar “Industry

Baby” con Nas por primera vez, aunque a

principios del verano lo había hecho en solitario

en Rolling Loud Miami, dos días después del lanzamiento

de la canción. “Este MFer me ganó en la

primera interpretación de la canción”, bromeó Nas

en Twitter después de ver un video del festival.

“Lo que admiro de Nas es su humor y, [incluso]

más, su naturaleza rebelde, cómo realmente

le importa una mierda. Creo que es poderoso y

envejece bien”, dice Harlow. “Va a dejar un largo

legado detrás de él. Creo que algunas personas

lo han confundido con un truco o una novedad,

pero es más grande que eso. Creo que habla en

nombre de muchos niños que no suelen tener voz

en la cultura pop “.

A raíz de “Industry Baby”, el mundo del hiphop

está notando el potencial de Harlow para ser

un arma secreta también para los posibles éxitos.

Se ha unido a otro de sus héroes, Eminem, en un

remix de su “Killer”, pero todavía está haciendo

tiempo para artistas emergentes, como cuando se

lanzó a una nueva versión de “Paperwork” del rapero

de Detroit Babyface Ray en mayo.

“Los grandes raperos siempre saben cómo ofrecer

citas interesantes dentro de las canciones. Jack

es increíble para establecer momentos dentro de

las canciones que permiten diferentes tipos de

respuesta de la multitud”, dice David Biral, la otra

mitad de Take A Daytrip. “Esos momentos también

informan lo que hacemos como productores,

brindándonos piezas de desempeño dinámicas

sobre las cuales construir”. Mientras Harlow trabaja

en su próximo álbum, que espera lanzar a fines

de la primavera o principios del verano de 2022,

disfruta de su propio momento, incluidas las nominaciones

al Grammy por “Industry Baby” en la

categoría de mejor interpretación de rap melódico

y por álbum del año. , como artista destacado

en Montero, mientras se preparaba para retribuir

a Louisville con cinco presentaciones en cinco de

los lugares emblemáticos de la ciudad en diciembre.

Últimamente ha pensado mucho en su lugar

en el hip-hop, en lo que trae a la mesa y planea hacerlo

en consecuencia con su nueva música.

“Creo que el juego necesita algo de urgencia,

con todo en una especie de vibración en este momento”,

dice Harlow. “Será un impulso de energía

para la gente. Podrás escuchar en mi voz que me

estoy dando cuenta de lo que soy y de lo que podría

ser y de lo que necesito trabajar duro para

ser. Mi estrella está subiendo, y estoy documentando

ese proceso y mostrándoles hacia dónde

quiero llevarlo a continuación. Me estoy convirtiendo

en una estrella cómodamente. Quiero

entretener”.

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BILLBOARD BOLIVIA | DICIEMBRE 2021

EXCLUSIVO

DIGITAL

en español

TAINY

El sonido caribeño que

conquistó los charts

El artista puertorriqueño superó las 100 semanas en lo más alto de la lista de

productores y compositores latinos de Billboard. Su visión sobre los Grammys, el

futuro de la industria y cómo es trabajar con Bad Bunny, Ricardo Montaner, J Balvin y

Wisin & Yandel entre otros referentes de una escena de exportación global.

POR SANTIAGO TORRES

FOTOGRAFIADO POR: TOMAS STOCKTON

BILLBOARD.BO

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a sido un año in-

súper cool, Hcreíble,

diferente, de cosas

nuevas”, dice Tainy,

seudónimo de Marco

Efraín Masís. El

puertorriqueño de 32 años, es uno

de los productores de mayor éxito

en el género urbano. Sobresalió en

el cooperando en la producción Más

Flow 2 con tan solo 16 años y posteriormente

junto a Luny Tunes en el

álbum Más Flow: Los Benjamins a

los 18. En su carrera ha colaborado

con Bad Bunny, Wisin & Yandel, Janet

Jackson, David Guetta, Jennifer

López, Paris Hilton, Alejandro Sanz,

Shakira, Anuel AA, Ozuna y Jhay

Cortéz, entre otros artistas.

¿Cómo manejás tu agenda

con tantos proyectos en

simultáneo?

La verdad que es una de las cosas

más difíciles: poder manejar todo.

A mí no me gusta decir que no,

me gusta poder estar en todos los

discos, poder seguir trabajando

con todos los artistas que a uno

le gusta, que quiere trabajar, pero

humanamente a veces se llega a

un punto donde no es posible. He

aprendido tal vez no a decir que

no, pero por lo menos saber cuál

proyecto tiene un poquito más de

prioridad o necesita salir más rápido.

También tener mi equipo ayuda

mucho, el poder delegar a veces

ciertas responsabilidades. Igual yo

trato lo más que pueda, si me toca

amanecer o tengo que estar durante

todo el día pegado a la computadora

lo hago. Porque es algo que

me gusta, me apasiona poder estar

ahí con los artistas y formar parte

de sus proyectos. De verdad que

ha sido mucho trabajo y eso es una

bendición.

¿Se han reducido los tiempos

de producción?

Yo creo que de cierta manera sí lo

he podido reducir. El tiempo que

llevo produciendo me ha ayudado a

entender cómo llegar a cierto punto

un poco más rápido de como lo

hacía antes. Entender el proceso de

cada artista y ver que necesito hacer

con cada uno de ellos para poder

llegar al resultado que queremos.

Me ha ayudado tener más conocimiento

y ver cómo puedo trabajar

en las cosas. También es importante

gestionar el tiempo al trabajar entre

cinco canciones en un día. Así he

podido adelantar mucho en un proceso

que implica trabajar un rato en

una y luego pasar a otra y así.

¿Cómo te das cuenta de no

repetir tu propia fórmula

y de que una canción está

terminada?

Eso me ha costado. Saber que la canción

está lista. Porque hasta el día

de hoy escucho canciones y todavía

siento que podía haberle cambiado

esto, o podría haberla arreglado

lo otro. Tener también una buena

comunicación con los artistas, de

ver dónde están ellos. Si ellos sienten

una conexión y se sienten felices

de cómo se escucha el tema, es una

indicación para mí también de que

tal vez ya estoy excediéndome en

perfeccionar. Hay veces en que uno

continúa agregando cosas y termina

dañando. Respecto a repetirme o de

hacer cosas que se sienten igual a

otras, personalmente he llegado a un

punto que mientras estoy haciendo

la canción, si yo no siento esa conexión,

ese feeling, que me mueva,

yo como fanático de la música voy

a decir que todavía la canción no

está donde debe ser. Cuando siento

que es algo que ya ha hecho, o que

suena igual a algo que he escuchado

por ahí, necesito seguir trabajando

la canción. Eso me ayuda mucho

también a que cada canción tenga

su propia personalidad e identidad.

Siempre van a haber un par de cositas,

pues al final del día están siendo

producidas por la misma persona,

pero trato de darle la mayor identidad

posible.

¿Creés que hay una saturación

sobre la utilización del

dembow?

Es como todo lo que tiene éxito:

tiende a ser lo que todo el mundo

quiere hacer y es la manera más fácil

para llegar a las personas. Pues sí,

llegamos a un punto donde sentí que

había cierta saturación del mismo

ritmo o del mismo tipo de tema. Ahí

es donde está la responsabilidad de

uno de, tal vez, tener conciencia de

esos detalles que es lo que a la gente

le gusta, pero al mismo tiempo ver

cómo podemos hacerlo de una de una

manera diferente y seguir evolucionando

y creciendo. Siempre trato de

incorporar, aunque sea el detalle más

mínimo, en cuestión de instrumentación

o los sonidos que escojo, aunque

tenga el mismo compás. Por lo menos

una variación que tu oído sienta que

está escuchando algo diferente. Ayuda

a esta generación de artistas que

tienen una mentalidad distinta, y no

tienen miedo de tal vez arriesgarte a

cómo responda el público, o el sello,

o la radio, sino hacer las cosas porque

te gusta porque tú lo escuchaste en el


estudio y se siente increíble. Yo sé que

cuando lo saque mis fanáticos van a

acompáñame, por eso son fanáticos,

yo creo que esa forma de pensar me

ha ayudado a que esté donde estoy, y

que siga creciendo y que las canciones

no se escuchen solamente en el país de

donde es el artista sino en el mundo

entero. Eso ayuda bastante a que no

nos quedemos en un momento monótono,

sino que si al final del día hay

bastantes diferencias entre cada uno

de los artistas y productores.

¿Qué te pasa cuando escuchas

tus beats en canciones

que no hiciste vos?

Para mí es bien cool, y me da el

propósito que quería. Lo hablaba

con muchos productores de la

generación nueva y también de los

de los anteriores: antes tenías que

irte en una búsqueda de un tesoro a

buscar ciertos sonidos, y rogarle a la

gente y estar en el lugar y el momento

indicado para que alguien te pudiera

darlos. Es como una batalla porque

hay mucha gente que no les gusta dar

sus sonidos, pues piensan que le van a

quitar su sonido. Me he dado cuenta

de que, con el pasar del tiempo, tú y

yo podemos tener la misma herramienta,

exactamente la misma, pero

la música no va a ser la misma. Tu

mentalidad, cómo tú procesas y piensas

es bien diferente. Es por eso por

lo que no hay por qué guardarse las

herramientas. Cuando yo pueda darte

algunas cosas que te puedan ayudar,

lo voy a hacer. Cuando escucho mis

bits en otras canciones yo creo que

eso era lo que quería lograr. Es super

cool ver que esa canción se vuelve un

éxito también y que mi trabajo ayuda

a seguir haciendo música buena.

Trabajaste con artistas muy

diferentes entre sí: ¿Qué tan

lejos están Justin Bieber,

Drake o The Weeknd de los

artistas latinos?

Creo que hemos llegado a un punto

donde no está ese gap, esa diferencia.

Igual yo lo veía así también desde mi

lado de productor: sentir que estoy haciendo

música, pero no al nivel de los

mejores como David Guetta, Calvin

Harris o Timbaland. Eso siempre me

empujaba a tratar de seguir aprendiendo,

de seguir explorando en diferentes

cosas y puedes llegar a un punto donde

yo siento que estamos a la par…

Bueno te están llamando

ellos a vos ahora...

Siento que hay diferentes patrones rítmicos

y melodías, pero respecto a los

sonidos que utilizamos y a la manera

que estamos trabajando, estamos a la

par. Eso ha sido algo que también ha

elevado el género a dónde está: que la

calidad vaya a la par. Tú sabes, la lírica

que escriben los artistas, el estilo y el

alcance que tienen… que la gente lo

pueda escuchar y que otros productores

van a escucharlo y apreciarlo,

y decir: “esto no es algo de alguien

que no sabe hacer música”. He tenido

conversaciones con gente que admiro

y me cuentan que sienten que estamos

haciendo un buen trabajo. Para

mí eso es un galardón grandísimo:

saber que llegamos al punto donde

queríamos trabajar y elevar la música.

Estamos en un momento en el que

no copiamos lo que hacen los artistas

anglo, sino que nos combinamos y

hacemos colaboraciones.

¿Cómo te llevás con el rock?

Me encanta. Cuando empecé a

enamorarme de la música y a tener

mis influencias allá por el 2000, el

rock era bien dominante, no tal vez

el rock clásico, pero si las bandas que

sea System of a Down o Limp Bizkit.

En Puerto Rico no era eso lo que

estaba haciendo y era el reggaetón

lo que estaba en la delantera. Pero

nunca dejé de escuchar rock, de detenerlo

con influencia y de aprender.

Me gusta poder desatar ese fanático

de 14 años y poder estar haciendo

algo cercano a lo que uno escuchaba

en ese momento es un sentimiento

súper increíble para mí como como

productor. Sigo explorando y es muy

bueno que se me den esas oportunidades

que tal vez antes no eran

posibles. Para mi la instrumentación

en vivo es súper importante, y siento

que es algo que no se debe perder.

¿Qué tiene que hacer un

productor nuevo a la hora de

empezar a trabajar para defenderse

económicamente?

Una gran diferencia para mí desde mi

comienzo a hoy es poder conseguir

un manager, una persona en la que

uno confíe. Es que al final del día va

a batallar por el mejor interés tuyo,

o hacer esas batallas tú solo, y tener

un equipo detrás de ti. Nosotros

hacemos música, uno se mantiene en

el lado creativo, fluyendo y haciendo

su trabajo. Por eso lo más importante

es tener alguien de confianza,

que puedas decir este es mi equipo

de trabajo y esto es lo que me va a

ayudar a llegar al próximo nivel.

Porque él se va a encargar de tener ese

conocimiento de los negocios que te

va a ayudar a continuar a crecer en tu

carrera. Así puedes enfocarte en hacer

tu música.

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T I A G O P Z K

“Quiero ser un artista

completo al que no

encasillen en uno

u otro género”

A los 20 años es el único artista con cuatro puestos número uno en la historia del

Billboard Argentina Hot 100 que se realiza desde 2018 y se consolida como uno de

los más escuchados de la región. Los primeros shows, la expansión internacional,

el apoyo de Phil Rodriguez de Move Concerts y cómo un adolescente con

problemas familiares encontró en la música su camino para brillar.

POR SANTIAGO TORRES, JULIÁN MASTRÁNGELO Y JOSEFINA ARMENDÁRIZ

FOTOGRAFIADO POR THOMÁS RAIMONDI


BILLBOARD.BO

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A

además de mí” en el remix de

Rusherking, María Becerra, Lit

Killah, Duki & Khea, “No Me Conocen”

de Bandido con Duki y Rei,

“Entre Nosotros” nuevamente con

Lit Killah y “Salimo De Noche” junto

a Trueno hicieron que conozca la

cima en varias ocasiones. Reconocido

por su versatilidad, reconoce

que es uno de sus pilares a la hora de

componer y crear canciones. Así, el

artista de Monte Grande, Provincia

de Buenos Aires, no se limita a un

estilo en particular: “De ahora en

adelante, no me quiero encasillar.

No quiero que la gente diga “Tiago

es esto”, sino que digan que soy un

artista completo que puede hacer lo

que quiera”.

Cómo algunos de sus amigos y

otros artistas de la escena argentina,

Tiago Uriel Pacheco comenzó en

el mundo de las plazas y el freestyle

desde el 2015 cuando tenía 15 años.

En las batallas logró ser campeón

Nacional de BDM 2017, subcampeón

internacional de ACDP y participó

en las más reconocidas competencias

de freestyle, como God Level,

Nike Battle Force, Las Vegas, Cultura

Rap, El Halabalusa, Anfree27, Supremacía

y Gold Battle. Su presencia en

El Quinto Escalón impulsó en paralelo

su lanzamiento como cantante:

“La primera canción que saqué la

subí a los 15, coincidió con el Quinto

y tuvo 50.000 reproducciones en

2017 que era un montón.”

Luego llegó la presentación de

“Finde”, track que formó parte de

las Damommiosession, una serie de

Live Sessions a cargo del productor

Andrés Damommio en donde

ya desplegó sus letras cargadas de

vivencias y experiencias personales.

Fue la antesala de “Sola”, una canción

dedicada a su madre que sirvió

para su despegue definitivo y que fue

utilizada para concientizar sobre violencia

familiar y de género. Sus rimas

confesionales llamaron la atención

de comunicadores como Marcelo

Longobardi quién lo entrevistó

mano a mano en su ciclo para CNN

en Español. Además se convirtió en

el primer artista latinoamericano en

ser convocado para la campaña de

Spotify “Only You”. Bajo su propio

lema “La plaza me llama” participó

de un documental sobre sí mismo.

A eso le sumó distintas acciones con

fines sociales como ser jurado junto

a Bhavi en el concurso Rap Digital

de UNICEF en el que invita a todos

los jóvenes del país a rapear hablando

sobre ciberbullying, el grooming,

la difusión de imágenes íntimas sin

consentimiento y el cuidado de la

huella digital o junto a UNICEF en

#AmigoDateCuenta, con el objetivo

de promover una reflexión entre los

varones sobre su rol en la prevención

de la violencia hacia niñas y mujeres

a partir de la construcción de un

modelo de masculinidades no violentas

y responsables.

“Cuando se lanzó, estuvo dos semanas

con menos de 30 mil visitas,

no explotó al momento. Más allá de

esas reproducciones, que igualmente

estaba muy contento por ellas, fue

un antes y un después porque pude

sacarme algo de adentro que tenía

guardado hace años”, afirma.

Esta primera versión del single

fue presentada originalmente el 19

de noviembre de 2019 y a día de hoy

cuenta con más de 4.9 millones de

reproducciones en su canal de You-

Tube. Sin embargo, no sería hasta

mediados del 2020 cuando esa canción

lograría el reconocimiento que

tiene hoy en día. Tiago fue invitado

a participar en nuestro Festival Online

Argentina En La Casa y decidió

formar parte del mismo con una versión

acústica de esta canción a cargo

de Neuen en sus “NEUEN Live Session”.

Ese videoclip cuenta hasta el

momento con más de 73 millones de

reproducciones únicamente en You-

Tube y se ha convertido en uno de

los tracks más escuchados del 2020

en las distintas plataformas digitales.

Su color de voz, afinación y versatilidad

a la hora de componer se

potenció en la primera canción de la

que formó parte junto a otro artista:

“Cerca de Ti”, con Rusherking -quien

forma parte importante de la carrera

e incluso de la vida de Tiago durante

estos años-. Gracias a esto, y de manera

orgánica, como define Sebastián

Carlomagno CEO de Move Concerts

para Latinoamérica se convirtió en

el primer artista en español que Phil

Rodriguez, reconocido Power Player

y mentor del Rock In Rio decidió

desarrollar de esta nueva camada de

artistas que renuevan la escena. “Phil

está muy entusiasmado con Tiago

y pensamos que hoy no hay límites

para creer que puede llegar a ser un

artista importante a nivel global”.

Todos hablan de un crecimiento

meteórico, pero

estás en la música desde

hace más de cinco años.

Sí, le venimos dando duro y parejo

hace un par de añitos ya, pero creo

que este año subió al máximo. Pasan

cosas todo el tiempo y te tenés que ir

acostumbrando a todo eso. Mi vida

cambió un montón y el nivel de trabajo

no bajó, de hecho aumentó.

¿Cuán importante es el freestyle

en tu carrera?

Yo era un espectador de El Quinto

Escalón. Me hice parte, pero no

me sentía tan parte, era el nuevito.

En 2017 estaba cerca del final y era

masivo, estaba muy bueno, pero ya

no me sentía tan clave. Se valoraba

más el pibe que salía de la plaza que

“Justin Bieber es uno de

los pilares que hacen a

Tiago como artista”.

TIAGO PZK

del Quinto escenario. No me fue tan

bien, llegué a una semifinal contra

MKS, a un cuartos de final contra

Nacho. Siendo de Monte Grande

fue el primer respiro, el primer relajo

de decir “wow la gente me está

empezando a conocer”.

¿Ya hacías canciones?

Sí, hago temas desde los 15. Hoy

en día están todos bajados, no me

gustan, pero la primera canción que

saqué la subí a los 15, coincidió con

el Quinto y tuvo 50.000 reproducciones

en 2017 que era un montón.

¿Sentís qué Argentina está

ahora más cerca del mundo?

Creo que Argentina debe tener

el movimiento con más unión de

todos los que hay. Siempre hay

competencia, hay buenos exponentes

afuera pero no los ves unidos o

tirando para el mismo lado, compartiendo

público. En algunos lugares

sigue la mentalidad que había

con el rock de Soda Estéreo contra

Los Redondos. Ahora compartimos

público, nos quieren ir a ver

las mismas personas. Al estar todo

el tiempo compartiendo con gente

amiga que pasa cosas así es zarpado.

Cuando a Mari la llamó J Balvin

nos quedamos asombrados, pero

también nos dio una pista de que

estaban poniendo el ojo acá y que

somos gran parte de eso. También

pasa a ser una responsabilidad y

cada vez va desapareciendo el techo

que nos ponemos de que no podemos

llegar a tal cosa porque están

poniendo el ojo acá.

J Balvin para María Becerra,

LIT Killah dijo Daddy Yankee…

¿quién sería para vos?

Daddy Yankee y Bad Bunny. A DY

lo vi hace poquito en Puerto Rico en

el estudio. No lo quise molestar, lo vi

en acción, grabando para su disco.

Eran tres estudios, yo iba al del fondo,

cuando paso por el de él estaba

DY grabando. Fui y me hice el boludo

preguntando dónde está el baño

para pasar de nuevo y lo vi ahí de

productor ejecutivo. El chabón tiene

45 años y es un ejemplo. Ejemplo

de artista trabajador, creo que es mi

ejemplo a seguir.

¿Puede ser que tu generación

valore más la constancia, el

trabajo y la disciplina?

Pasa que cambiaron las cosas en el

país. Hoy en día vas a Miami, pegás

un tema y ya estás manejando una

Ferrari, tenés tu casita. Acá en Argentina,

cuesta más con cómo está el

país, entonces tenemos más hambre.

Por eso no existe mucho el personaje

de cadenas, que esto que lo

otro, somos tercer mundo. Cuando

uno va allá vé lo tercer mundo que

somos, pero está bueno porque al

final te da más hambre, no solo por

nosotros, sino por el país también.

Hace poco hablábamos con el Duko

en Miami y él me decía “imaginate

el día de mañana, que la escena

argentina crezca tanto que hayan

70 artistas millonarios, viviendo en

Estados Unidos y que entre todos

mandemos plata para que se levante

el pueblo. Flasheamos esa porque

cada vez está más complicado salir,

cada vez hay menos recursos.

¿Cómo haces para no perder

ese hambre?

Yo mantengo los pies en la tierra.


BILLBOARD.BO

51


Sigo estando con la misma gente

con la que empecé antes de que me

pasara todo. Todos mis amigos son

artistas y veo el hambre en ellos,

quizá no tienen la puerta abierta.

Trato de ayudarlos, pero quizá a veces

voy y veo realidades diferentes

a la mía - quizá la mía hace un año

- y vuelvo y veo la responsabilidad

que tengo en mi cabeza. Y cómo

tengo que valorar todo lo que me

pasa. Veo cómo lo viven otras personas

que hacen lo mismo que yo,

pero desde otra perspectiva. Siento

que mis amigos son ese motor, vivo

con los pibes, son mis hermanos,

pero están en otra situación, tienen

los suyo, están trabajando, de gira.

De repente ver el otro lado, a los

artistas que están peleando y tienen

hambre me mantiene el sentimiento

vivo.

Además sos el más chico…

Sí, soy el más chico, pero no hay

tanta diferencia. Nos cuidamos entre

nosotros, las actitudes, es más persona.

Somos amigos por fuera de la

música. Podemos hablar de lo que

sea y nos ayuda a crecer. También

nos pasan tantas cosas que la cabeza

deja de estar en un “ritmo normal”,

maduramos, dejamos de lado cosas,

priorizamos el trabajo. Hay que salir

del país a corta edad a trabajar. Nos

re ayudamos con eso y estamos todos

apuntando hacia el mismo lado.

¿Creés que esa cofradía y

forma de trabajar juntos se

hereda de Puerto Rico?

Me di cuenta de que en Puerto Rico

hasta los artistas grandes necesitan

de la calle. Es una islita, 3 millones

de personas. Más allá de los pocos

habitantes, Bad Bunny tiene que

hacer un tema con Lugar la L para

sonar en la calle, porque si no sonás

en la calle, por más que seas Bad

Bunny, no te respetan. Eso acá no es

tan así, podés ser super mainstream

y un personaje y si a la gente le gusta

tu tema te va a ir a ver y bancar. Allá

la calle tiene un peso más grande,

está más involucrada en la música.

Allá la música es lo más grande

que tienen. Bad Bunny, DY, Ricky

Martin. La música es su orgullo. Acá

también está Messi, Maradona, se

dividen los públicos. Allá centralizado

en la música. A su vez, acá no hay

un artista que realmente te impulse

mundialmente si comparte un tema.

Allá viene DY, Bad Bunny o Balvin,

te hacen un remix y pasás a Estados

Unidos. Porque en Estados Unidos

hoy en día lo que sale de Puerto Rico

entrá más rápido por sus grandes

exponentes. En su momento estaba

Paulo, pero era una escena chiquita,

10 caras.

Tampoco hay un artista

de 45 años como Daddy

Yankee…

Me di cuenta de la diferencia, allá

arrancó hace 20 años, acá hace 5. Se

nota la diferencia en el negocio, en

cómo se manejan. Creo que no estamos

yendo mal por la situación del

país, pero allá hay más facilidades.

Hay menos artistas, todos se mueven

en la misma rama, acá hay variedad,

somos millones, hay diversidad de géneros.

Cuando Bad Bunny sacó YHL-

QMDLG con temas de rock y la gente

dijo que era un genio por hacer algo

distinto, y en verdad es rock. Y acá el

rock es más común…

En diciembre de 2020 llegaría la

versión original de lo que hoy se

conoce como el “himno de la nueva

generación de artistas argentinos”,

“Además De Mí”. Esa primera versión

fue lanzada en el canal de You-

Tube de Rusherking y cuenta a día

de hoy con cerca de 30 millones de

reproducciones. Luego, ya comenzado

el 2021, ambos artistas convocaron

a María Becerra, Khea, Duki y

LIT Killah en su versión remix, a día

de la fecha con más de 218 millones

de visualizaciones.

Ese lanzamiento fue el primero

de Tiago en llegar a lo más alto del

Billboard Argentina Hot 100, marcando

también el crecimiento tanto

personal como de la nueva escena

nacional. El track mantuvo el primer

lugar por más de cinco semanas, un

récord tanto para Tiago como para

todos los integrantes de esta nueva

versión por aquel entonces.

Ya continuado este 2021, el cantante

de 20 años ha demostrado que

“Sola” y sus demás éxitos de este año

no llegaron de casualidad. Él mismo

afirma haber invertido mucho tiempo

y dedicación en formarse como

artista completo y también da las

gracias a su equipo de trabajo, con

los que afirma “no sería lo mismo

sin ellos”. “Hoy en día el equipo es

el otro 50% del artista. El artista se

encarga de cantar y realizar su performance,

pero hay todo un equipo

atrás que hace que llegue ahí”.

En cuanto a performances se refiere,

formó parte de múltiples proyectos

online durante el tiempo de

cuarentena, siendo el Festival Suena

en Tik Tok el más reciente de ellos.

En esta ocasión, interpretó “Flow De

Barrio”, “Sola”, “Cerca de Ti” y “Házmelo”

acompañado de una banda

que da pie a sus shows en vivo y con

público, que todavía no cuentan con

fecha. “Tik Tok, fue mi mejor show

sin duda, si hubiera habido gente no

paraba de saltar seguro, la energía se

siente y se transmite”, completa.

Además de los lanzamientos, colaboraciones

y presentaciones en

vivo centradas en la música, Tiago

se desarrolla como artista 360°. Su

papel protagónico en la película

“Cato” del director y guionista Peta

Rivero y Hornos auspicia un futuro

actoral. Para este film, no solamente

recurrió a la actuación, sino que

también creó su banda sonora, en

la que destaca el single “Loco”, una

balada donde se lo puede ver en sintonía

con “Sola”, reflexivo, introspectivo

y sentimental.

¿Cuánto después de que se

publicó “Sola” notaste que

hubo un antes y un después?

Apenas salió esa canción fue un antes

y un después en mi vida. Cuando

se lanzó, estuvo dos semanas con

menos de 30 mil visitas, no explotó

al momento. Más allá de esas reproducciones,

que igualmente estaba

muy contento por ellas, fue un antes

y un después porque pude sacarme

algo de adentro que tenía guardado

hace años. Cuando es orgánico

es cuando más se valora. Después

de un tiempo me di cuenta lo que

ese tema pudo haber generado en la

sociedad, de mujeres que se guardan

sentimientos o situaciones como las

que cuento, pero realmente lo hice

para mí y para mi mamá.

¿Cómo se hace para no estar

resentido con la situación?

La vida pasa. Uno tiene que empezar

a soltar para madurar. Me di cuenta

que había una espina que tenía clavada…

Tenía pesadillas… Llegó un

momento en el que dije “ya está, mi

vieja está bien, estoy cumpliendo el

sueño con la música… Ya está”. Yo

perdoné a mi viejo, se lo dije y me

sentí más ligero.

¿Nunca tuviste el miedo de

caer en la mala?

Mi vieja siempre me mantuvo tranquilo,

igual no soy una persona

agresiva ni nada por el estilo. En el

fondo sé que si haces cosas malas,

vuelve, y si haces cosas buenas también

vuelven.

¿Tenes miedo que te encasillen

como trappero?

Justamente ese concepto lo flashee

para mi disco. En “Házmelo” subo

una puerta con la misma campera,

en “Entre Nosotros” salgo en otra

con la misma campera, después

entro en otra puerta, quién sabe en

el próximo. Está bueno jugar con

los mundos, no encasillarse en el

mismo molde: te aburrís vos, te

BILLBOARD.BO

53

La línea de tiempo

2001 Nació el 3 de

agosto en Monte

Grande, provincia de

Buenos Aires.

2016 Durante los

primeros años de su

adolescencia, Tiago

comenzó a asistir a

las batallas de rap

para aficionados;

también se interesó

en la producción

musical por lo

que utilizando la

computadora empezó

a editar pequeños

videos y pistas.

En 2016 cuando

se inició en las

competencias.

2017 Participó por

primera vez en El

Quinto Escalón,

competencia

en la terminó

enfrentándose contra

Paulo Londra.

Si bien no ganó,

su actuación fue

muy destacada.

Este mismo año,

fue campeón de

la BDM Batalla de

Maestros. Saltó a la

escena musical con

el lanzamiento de

“Andamo’ en la cima”,

junto a Kin.

2018 Presenta “Nadie

es mejor”.

2019 Firmó contrato

con SyP Records,

discográfica con

la que estrenó

“Bendíceme”, “Home


quedás sin recursos, la gente se

aburre porque escucha siempre

lo mismo y no evolucionás. De

ahora en adelante, no me quiero

encasillar. No quiero que la gente

diga “Tiago es esto”, sino que digan

que soy un artista completo

que puede hacer lo que quiera.

Dicen que el que mucho abarca

poco aprieta, pero no está de

más probarlo. Es como cerrarse

al trap y no probar el reggaeton.

Tengo amigos que hacen trap

y están pegados y no quieren

probar el reggaeton, después me

mandan un reggaeton y la rompen.

Al pepe encasillarse.

¿Es verdad que Justin Bieber

es uno de tus principales

referentes?

Es uno de los pilares que hacen

a Tiago como artista. Siento que

es un artista completo en todo

sentido: toca todos los instrumentos,

baila, canta, hace todo bien.

Siempre lo faneé mucho, lo fui

a ver a los 11 años y bailaba y lo

admiraba mucho. Pensaba en ser

artista y ser como él, romperla y

llenar estadios. Él me dio el empujón

a ser un artista que se tire

más por lo mainstream, hacer esos

temas lindos que no podés dejar

de cantar. Por otro lado, tenía más

a EMINEM, más underground y

un Daddy Yankee que era la mezcla

perfecta entre mainstream y

underground.

¿Te interesaría componer

para otros?

Sí, me gustaría. Lo practiqué con

varios artistas. Mi hermana tiene

14 años y le compuse un tema, es

una bestia cantando. Me divierte

también, igual yo escribo todos mis

temas.

¿Permitís qué otros escriban

para vos?

No me cierro a eso ni a palos. De hecho,

vivo con FMK, el compositor más grande

en el género urbano y es increíble. Lo

ha ayudado a Duki, a Rusher, a Lit, a mí.

Es una bestia, es de los mejores que hay

acá, sin duda. Al principio me pasaba

lo mismo con no escribir las letras, después

me di cuenta que está bueno que

haya ideas frescas, que no sea solo lo

que vos hacés, que venga otro con otro

criterio y estilo está bueno. Como buen

compositor, tengo que meterme en tu

estilo, aportando algo nuevo, pero sabiendo

que tenés que cantarlo vos. Eso

hace FMK muy bien

Hay letras tuyas de desamor,

¿ya viviste tantas experiencias

de pareja?

Soy una persona bastante emocional.

No me gusta mucho estar solo, la soltería.

Me gusta estar en pareja y esa data.

Desde los 15 estuve de novio, a los 17

me separé y volví a estar de novio. Casi

que desde los 15 hasta los 20 estuve

de novio. Obviamente cuando uno es

chico no entiende mucho las cosas de

la pareja, pero intenté retratarlo de una

forma más madura como lo veo hoy.

No tengo las mil y una, pero son cosas

reales que sentí.

¿Cuál es tu visión sobre el underground?

Es que a mí me gusta también lo under.

Que no haga algo under no significa que

no me guste, me gusta lo experimental,

los artistas no tan conocidos. Eso

me quedó del freestyle también. Hace

poco nos fuimos con Rusher a una plaza

a competir, ya teníamos “Además de

Mí” (remix) y bajamos con la gente,

cagándonos de risa. Al fin y al cabo,

nosotros salimos de ahí, salimos

del underground. Tampoco me da

verguenza decir que hago música

mainstream, tampoco tengo porqué

discutir por qué hago o no música

mainstream, porque es la realidad.

Si alguien me lo dice de una forma

insultante, bien ahí, yo sé que hago

mainstream. Respeto a todos los

gustos musicales y también me gusta

eso, hace poco fuimos con FMK a

un festival en Saldías y tocaron un

montón de artistas under que la gente

no conoce tanto, pero lo recontra

disfrutamos.

¿Cómo imaginás un show

tuyo?

Recién arranca mi carrera, pero

me queda un montón por delante,

mucho por aprender: a tocar instrumentos,

cantar, tocar la guitarra,

bailar. Quiero dar un show para

que la gente quede ida. Hoy lo estoy

complementando con mis músicos,

voy y hago show de banda. En

Miami la mayoría toca con pista,

bailarines y todo, pero la banda da

otro color.

¿Sí o sí hay que mezclar la

pista con el vivo?

Hay muchos músicos que logran

adaptar las canciones con banda

y queda muy bien. Es imposible

replicar los high hats que da

el Big One con unos platillos pero

sí es verdad que la música tocada

transmite más, incluso me dan más

ganas de cantarlo. Me pasó con el

festival en Tik Tok, fue mi mejor

show sin duda, si hubiera habido

gente no paraba de saltar seguro, la

energía se siente y se transmite.

¿Crees que el equipo que

acompaña a los artistas es

clave en su desarrollo?

Totalmente, el artista se encarga de

cantar y realizar su performance,

pero hay todo un equipo atrás que

hace que llegue ahí. Uno mientras

más grande se va haciendo, más

son las expectativas y más son las

responsabilidades.

¿Cómo te llevás con los nuevos

géneros que van saliendo

como el Turreo?

Increíble porque en el barrio siempre

se escuchó Cumbia. Otra onda quizás

pero sí que se sentía como algo de acá.

Siento mucho respeto porque esas

canciones me encantan. Creo que los

pibes lo pudieron fusionar de forma

zarpada con reggaetón y algo más urbano.

Hay una confusión del público

general con la cumbia, RKT o trap que

hace que no se den cuenta que en la

Argentina están creciendo un montón

de movimientos a la par.

¿Cuál es tu máxima meta?

Creo que no hay que ponerse techo,

pero siento que me falta un montón

todavía. Recién arranca mi carrera,

literal. Pensá que ni di un show mío

todavía. Yo me subí a un escenario

hace muy poquito, con Mau y Ricky,

con Duki en Pilar, me subí con cero

fe de que la gente me iba a hacer el

aguante y nada que ver. Gritaron,

se cantaban los temas, los gritaban.

Siento que me queda mucho camino

por recorrer y tengo muchas ganas

de tocar en vivo, un sueño - como

el de todo artista - es llenar un estadio

grande, de afuera. Colaborar

con artistas con los que uno sueña y

piensa que es imposible, pero al fin y

al cabo, nada es imposible.

de TIAGO PZK

Run” y “Mauro” (con

Emkier y Trash).

Lanza su primer EP,

Valor de la calle:

producido por

Emkier, con temas

como “Finde”, “Nena

mal”a y “3 AM”. Pero

este año su gran

éxito fue “Sola”, con

millones de vistas

en YouTube, fue su

primera canción en el

top 10 del Billboard

Argentina Hot 100.

2020 Tiago lanzó

“En la oscuridad” a

los que le siguieron

“Papichulo”,” Game”,

“Ella es bella” con

Daka y “Cerca de

ti”, con Rusherking.

Participó en la Red

Bull Batalla de Los

Gallos y luego publicó

el sencillo “Además

de mí”.

2021 dejó su antiguo

sello y firmó con

Grand Move Records.

Lanzó “Flow de

barrio” y colaboró

con Lula Miranda en

“Y si dices que no”.

Con posterioridad,

estrenó “Dime si

te vas”, junto a Lil

Anxiety, seguido de

“Házmelo”, “Cazame”

y “Prende la Cámara”.

El 8 de julio salió

“Entre Nosotros”, su

colaboración con Lit

Killah.

BILLBOARD.BO

55

DRACO ROSA

“El álbum es una contribución

al bienestar”

Así refiere el artista a Sound Healing 1:11, un viaje interior de 11 canciones y

en las que dos de ellas superan los 10 minutos de duración.

POR SANTIAGO TORRES

FOTO: JESSICA MENDA

Draco rosa lanzó un disco que

nace de la iniciativa de ayudar a

la gente a sanar y meditar. Sound

Healing 1:11 es un álbum creado

durante la pandemia en frecuencias benéficas

para el cuerpo con sonidos naturales de aves, ríos

y mares. El artista planeaba hacer un álbum convencional

con músicos y la experiencia completa,

pero la pandemia lo obligó a trabajar solo. Así, se

volcó a utilizar instrumentos que había comprado

para meditar y hacer yoga en su finca. A su vez,

la finca se volvió una fuente de inspiración en sonidos

como los cantos de pájaros, el correr de un

río, las cascadas.

¿Cuán bien te hizo este disco?

Hasta ahora es una caminata linda. Tanto el

proceso, los últimos once años, donde descubrí

estas frecuencias, a través de amistades. Antes de

la pandemia había un plan de grabar un disco y

se canceló todo. Había hecho unas inversiones

para la comunidad de la finca, donde yo vivo,

para aprender un poco más, me encontré con

estos juguetes, estos instrumentos exóticos y me

dejé llevar. Se dieron colaboraciones increíbles.

Me parece que me tocó esto en mi vida y para mi

catálogo de música este es de los proyectos más

especiales porque es una contribución al bienestar.

El álbum tiene un sonido muy inmersivo,

especialmente “El Río de la Vida”…

¡Sí! Nos dejamos llevar con el flow y el momento.

Esa pieza quedó bien linda. La hicimos con la Orquesta

Filarmónica de Praga. Se dieron las cosas

al natural, sin mucho misterio. Uno trata de hacer

mil cosas y algunas no se dan y otras sí.

¿Por qué elegiste hacer canciones

largas?

Bueno, tengo el privilegio de contar con un grupo

de gente bien interesante en Sony Latin. Siento que

se trabaja con el artista, con explorar y encontrar

algo. Creo que el compañero más grande de los

artistas es el riesgo y estás haciendo arte para esto.

Obviamente ha cambiado y ha crecido el mundo

más corporativo, pero en algunas disqueras existen

personajes que sienten y entienden mucho la música.

Trataron de buscar gente que la entiende. Por

ahora estoy en un sitio donde creen en la música y

es interesante que lo menciones porque cuando lo

presenté por primera vez dije “sí, el sencillo dura

esto” y me dio una satisfacción enorme. La música

es para sentirla y es un crimen acortar, este disco

de meditación y once minutos de “Selva” vienen

muy bien al cuerpo. Si te dejas llevar, porque no es

fácil, no todo el mundo puede. Uno se encuentra

con el miedo, el caos, hasta que encuentras serenidad,

pero para llegar hay que hacer el ejercicio.

Me quedé tan tranquilo escuchando…

Qué lindo, siento que es para eso. En tu casa quizá

te distraes, te llaman y pones pausa. Es como ir a

un retiro, si dejas todo de lado y prestas atención

al interior, tienes ese romance contigo mismo. Es

difícil, pero cuando entras al vacío te llevas una

sonrisa, claridad y fuerza.

Hablás mucho de la vida y la muerte,

¿cómo es tu relación con Dios?

Estoy bien, creo que ser inclusivo en todo. Colaborar

más, intercambio de comida, de frutales,

tratar de representar inspiración, colaboración.

Estoy enfocado en la hermandad y lo que significa

eso, el peso que tiene. Estamos en un momento

“hacia arriba”, es importante ser inclusivos. No

lo vamos a encontrar en los gobiernos, pero sí

en nuestros hermanos. El sistema está roto y ya

nobleza no hay. Hay que regresar a ser los seres

humanos que entienden lo que es vivir.

¿Cuánto hay de verdad y de mentira en

que te has curado a vos mismo con la

meditación?

No es un mito, porque al final del día yo he hecho

un poco de todo. Llegué a arruinar mis finanzas

casi por completo. El sistema es arcaico, desastroso,

he tratado de enfocarme en lo mejor posible y sigo

aprendiendo, pero sigo en pañales. Así que intento

tener una vida balanceada. Seguimos respirando

toxinas con las máscaras y la respuesta está en la

naturaleza. La respuesta es la intuición, cuando te

sientas a comer algo sabes qué necesitas pedir y

qué no por la intuición. Uno tiene que tener confianza,

amor propio y respeto, un delirio de amor

personal. Es difícil saber dónde está la verdad, así

que hay que buscarla en el interior, abrir el portal

y te va a dar una sonrisa. A mí me cuesta, hago

esfuerzos, me apunto a retiros, pero estamos todos

en la misma, intentando buscar un poco de serenidad.

Vengo siguiendo a Sadhguru, quien ofrece

cómo ser el ingeniero del interior, inner engineering.

Me dijo de colaborar algún día y un día me

envió el mantra. Le hice música encima y se dio.

¿Qué pensás de las nuevas oportunidades

tecnológicas para la música?

Creo que es un momento lindo. Podés ingresar

en el blockchain, NFT y demás. Para la música

y para otras industrias. Hay tanto pasando tan

rápido que es fascinante. Para los artistas es una

joyita poder tener control de su música y saber

que al final del día la gente también puede participar.

Le veo un gran futuro, me parece genial.

Es un momento bien bonito para el que está por

empezar en la música.

¿El álbum tiene un destino audiovisual?

Seguro, tomé algunas piezas del catálogo y

hacerles unas modificaciones de frecuencias para

que puedan contribuir a ese enfoque. Algunos

temas representan un lado oscuro que me aburre

un poco, no puedo mantener la autenticidad con

algunas de las composiciones, a veces recordar

es sufrir. Así que prefiero dejarlo en el olvido y

estar presente en el momento. Voy a hacer una

investigación para llevar las piezas en esa línea.

El mejoramiento de mi salud es lo importante al

final del día, es un proceso de por vida. Si me funciona

algo, quiero compartirlo. Este Soundhealing

es una pequeña ventana a esa posibilidad.

¿Creés que Puerto Rico ha realizado

un gran aporte a la música en cuanto a

sonido y colaboración?

No lo sé, no he analizado mucho. Está en las

negociaciones, a veces los juntes no son juntes

reales, solo digitalmente.

¿Sentís el respeto de las nuevas

generaciones?

No sé, pero uno no tiene que buscar el respeto de

nadie. Uno tiene que respetarse a uno mismo. El

respeto está muy distorsionado, al final del día, el

trabajo es coleccionar, juntar las piezas, como Van

Gogh. Su vida fue una necesidad de recrear sus

piezas. Dejó ese legado lindo. Algunos quieren hacer

cosas lindas y romper, otros quieren fama. No

creo que el respeto sea importante, en el mainstream

se habla mucho de eso. Yo pienso que es

lindo que la gente se reúna para no sé, comer una

pizza, hacer un meme, que cada cual sea feliz.

¿Después del álbum que llega?

Mira, el sueño mío ahora son las metas de la vida.

Tuve la suerte de tocar con La Familia Sagrada de

Phantom Box y me encanta, pero esto ha sido muy

personal e íntimo. Usamos instrumentos asiáticos,

africanos y cositas que fuimos coleccionando en el

estudio, algunas más viejas, otras no.

BILLBOARD.BO

57

KEYTIN

“Creo que el género urbano es

grande gracias a las colaboraciones”

El compositor que está definiendo la historia de la música en español en el mundo

refuerza su veta como intérprete con el lanzamiento de “Repeat” junto a Beele.

POR JOSEFINA ARMENDÁRIZ

En plena era dorada

de la canción en español,

se podría decir que Kevyn

Cruz – Keityn – es uno de

los responsables. El artista oriundo

de Palmira, Cali, Colombia escribió

algunos de los éxitos que más

suenan en la última década: “Tusa”

y “Hawaii” son algunos de ellos. El

primero (para Karol G y Nicki Minaj)

rompió el récord de semanas en

la cima del Billboard Argentina Hot

100 (24 semanas) y el segundo (para

Maluma) ocupó el 1º del ranking

durante ocho semanas. Ahora, luego

de inaugurar su faceta de intérprete

con “Nueva Versión”, el artista vuelve

a pasarse al otro lado de la ecuación

y presenta el segundo sencillo de su

trayecto como intérprete “Repeat”. Se

trata de una colaboración junto a su

amigo y colaborador, Beéle.

¿Qué sentís con la salida de

“Repeat”?

Es muy gratificante, es mi segundo

sencillo en la calle. Esta canción

significa mucho para mí, colaboro

con Beele, un gran artista y amigo.

¿Qué se siente estar del otro

lado?

¡Se siente bien! Es una nueva experiencia,

tengo que cojerle el gusto y

la comba, aprender a vivir con ella.

¿Por qué Beele?

Es un gran artista y creo que la canción

lo ameritaba. una voz como

Beele. Aparte es un gran amigo mío,

quería darme la oportunidad de hacer

un feat con él.

¿Y qué hay del video?

¡Disfruté mucho el video! Es muy

duro. La cámara siempre dando

lo que viene, me disfruté mucho

haciéndolo.

Sos un compositor de miles de

canciones y hits, ¿sos consciente

de que estás definiendo

la historia de la música?

Claro que sí. Es lo mío, nunca voy a

dejar de hacerlo. Componer canciones

es mi esencia y no quiero dejar

de componer para los demás. Se

siente bien que tales canciones han

salido de uno, nunca lo voy a dejar

de hacer.

¿Qué es lo más emocionante

de ponerse en la piel de otro

artista?

Casi nunca busco ponerme en los

FOTO: GENTILEZA WARNER MUSIC


zapatos de otro artista, simplemente

dejo fluir. Cuando tengo la canción,

busco el padre de la canción,

un artista.

¿Qué diferencia hay en componer

para uno y para un

otro?

¡No mucha! Aprendí a notar que mis

canciones tienen un sello, no hay

mucha diferencia. Aunque cada tipo

de canción es diferente, entonces

intento buscarle un padre que pueda

sacarle el máximo jugo a esa canción.

Una “Tusa” no podía ponérsela

a Balvin, por ejemplo.

Componés canciones increíblemente

populares, ¿qué

se siente que tanta gente

conozca tu obra y no tanto

a vos?

Bueno yo decidí eso, ser el que está

detrás de la vuelta. Me gusta ser bajo

perfil, siempre preferí la tranquilidad.

Con tal de que se me respeten

los porcentajes, autoría, derechos

morales, estoy contento con eso.

¿Creés que tenés un don?

No sé si llamarlo don. Conozco

muchos compositores y escritores

demasiado duros. Creo que es un

talento que he perfeccionado con el

tiempo y que aún me falta mucho

por perfeccionar.

¿Qué aprendiste en este

oficio?

Es muy relativo. Siempre me he sentado

con mi guitarra, pero la vuelta

ha crecido mucho y me tengo que

sentar con grandes productores

y personas, así que he tenido que

cambiar mi estilo de trabajo. Siempre

trato de mantener la esencia con

la empecé, la guitarrita.

¿Cuándo sabés que una canción

es buena?

No te lo puedo decir porque es algo

que tú tienes que sentir. Uno no

sabe cuál es el palo. Mis canciones

favoritas no han sido el hit mundial,

al contrario. Es muy raro saber qué

va a pegar. Tienes que sentirlo. Lo

que sí puedo aconsejar es que hagan

canciones que los hagan felices,

nada solo porque sientan que va a

pegar, porque esa es la canción que

te va a dar a conocer como compositor,

artista, cantante; y si no te gusta

lo que expones a la gente, no te vas

a sentir tú.

¿Cuáles son tus preferidas?

“Falsas Promesas” de Sech me encanta

y nunca fue un boom, “Anaranjado”

de Jowell y Randy también.

Sonaron, pero no a nivel de “Hawai”

o “Tusa”, que no son mis favoritas.

¿No hay fórmulas?

No hay fórmulas. Uno no sabe qué

va a pegar y en estos tiempos menos.

¿Emocionante?

Sí, es demasiado loco. A veces frustra…

en verdad no frustra, pero da

mucha incertidumbre.

¿Qué te sirve a vos a la hora

de componer?

Fluir, si no te sale algo no esforzarte.

No te quemes la cabeza. Cambia. El

ocio es también importante, tener

la cabeza fresca. Dejar el negocio a

otra persona y enfocarte en el arte y

distraerte, hacer cosas diferentes.

¿Cuál es tu distracción?

Me gusta jugar al FIFA, ir al cine,

dormir mucho, estar con mis perros,

viajar.

Muchos compositores dicen

que para escribir hay que vivir,

¿qué pensás de eso?

Si te soy sincero, el 90% de mis

canciones no las he vivido. Mis

canciones tienen letras muy pensadas

a partir de cosas que les pasan a

mucha gente. Son cosas que pasan

en la vida cotidiana. No tienes que

vivir cosas, simplemente tienes que

saber historias.

¿Alguna anécdota?

“Repeat” la hice en pandemia. Se la

mandé a muchos artistas y no pasaba

mucho. Se la mandé a Karol G, le

gustó, pero nunca pasó nada porque

es una mujer muy ocupada. Me gustaba,

así que la hice yo.

¿Con qué artista te queda

pendiente trabajar?

“Anaranjado” iba a ser para Bad

Bunny, la había cogido, pero cuando

se volvió productor ejecutivo del

álbum de Jowell y Randy, decidió

dejársela a ellos. Todavía me queda

sacarme esa espinita con Benito.

Estamos ahí, tiene música mía, pero

hasta que la suelte es otro paso.

¿Algún artista que ya no

esté?

Soy muy salsero. Rubén Blades, Gilberto

Santa Rosa, son artistas que

me influyeron mucho. Me gustaría

hacer algo con ellos.

¿Explorarías otros géneros

para componer? ¿Cuánto?

Me gusta mucho salirme de lo mío.

He hecho mucha bachata, funky,

rock, ska, he hecho mucho y espero

que este año salgan. Escucho de

todo, tengo una playlist “inspiración”,

hay de todo y mucho en inglés.

Que no hablo, pero escucho.

¿De Argentina?

Me encanta lo que está pasando en

su país. La nueva ola y el apoyo que

se dan, es muy loco, no paran. He

hablado con Bizarrap, me enviaron

un beat para trabajar con un artista.

Me gusta mucho lo que está haciendo

Maria Becerra, TINI, Sael. Los

argentinos están muy poblados.

Nunca tomaste clases, más

que músico, ¿te considerás

un poeta?

¡Poeta es una palabra bastante grande!

Si tú lo dices, yo no puedo autodenominarme

poeta. Me da cosa.

Pero si tú lo dices. Mucha gente ha

dicho que mis canciones fácilmente

pueden volverse poesía si las lees

como tal, pero no me puedo poner

en esa posición.

¿Qué tal con el escenario?

Es algo demasiado heavy. Soy social,

pero un poco tímido, escondido. Tengo

que practicar mucho, no e veo aún

en un escenario. Creo que se irá dando

con el ritmo de la vida de artista.

¿Qué sigue en tu proyecto?

Como artista, cero expectativas con

este sencillo. Quiero ser feliz, soltar

cosas que me hagan feliz y esperar.

Como compositor, vienen grandes

colaboraciones que no he hecho

antes, con Ricky Martin, con Balvin

otra vez, con Shakira, artistas que

no había explorado. Artistas nuevos

para mí.

Es la era de las colaboraciones,

¿qué pensás de eso?

Creo que el género urbano es grande

gracias a las colaboraciones. A que

no hubo ese ego de “hago lo mío”

de otros géneros. Creo que en otros

géneros era muy difícil verlo. Aquí el

ego se deja de lado, así que apoyo esa

etapa de los feats. No apoyo mucho

los remixes, depende el caso, pero

no soy tan dado con eso.

BILLBOARD.BO

61

ENTRELAZADOS


Disney+ apuesta a los talentos

argentinos con Entrelazados

La primera Serie Original Disney+ realizada íntegramente en Latinoamérica llegó al

servicio de streaming en la región, Estados Unidos y Europa simultáneamente. Algunas

de sus protagonistas Carolina Domenech, Elena Roger y Clara Alonso celebraron el

lanzamiento en conversación con Billboard Bolivia.

POR SANTIAGO TORRES

Emilia Carolina Domenech Kevsho Elena Roger José Giménez Zapiola

FOTO: GENTILEZA DISNEY+

Los suscriptores de

Disney+ ya pueden disfrutar

de Disney Entrelazados,

la primera Serie Original

Disney+ realizada íntegramente en

Latinoamérica que ya está disponible

en la plataforma con todos sus

episodios. Realizada por Pampa

Films y Gloriamundi Producciones,

Disney Entrelazados sigue la historia

de Allegra (Carolina Domenech),

una chica que siente pasión por la

comedia musical y se embarca en

un viaje a través del tiempo para

unir a su familia y cumplir su sueño

profesional. Lideran el elenco de la

serie Domenech, Elena Roger, Clara

Alonso, José Giménez Zapiola “El

Purre” y Kevsho.

Elena, ¿qué se siente ser

parte de esta producción de

comedia musical?

Elena: Me encantó. No hago mucho

porque dejan esas cosas para los jóvenes,

a mí me dejan como la voz de

la sabiduría. Me puse muy contenta,

estuve contando que, cuando mi

hija miraba Soy Luna yo miraba y

pensaba “Qué lindo hacer algo que

a mi hija le cope, que me vea en otro

rol, con música y baile y comparta

conmigo”. Quedé en el casting y

me encantó la trama de la serie: la

sanación de los vínculos familiares,

la comprensión, el agradecimiento,

entender el linaje femenino.

Por supuesto rodeado de esta música,

baile y juventud, muy copado.

También, estar posicionados para

estrenar el 12, que sea un producto

argentino, que lo vean en todo el

mundo, es enorme. Ser parte de un

proyecto de Latinoamérica que nace

en Argentina, es emocionante. Le da

una calidad muy interesante.

¿Caro da un poco de miedo

reversionar a esos grandes?

Caro: Una responsabilidad enorme

tener que cantar esto, cumplir con lo

que te pide la serie, y que le guste a

la gente. Va a haber gente a la que le

encanten las reversiones y va a haber

a quienes no. Es difícil. Se trata de

hacerlo con todo el respeto, valorando

lo enormes que son estos artistas.

Para mí la serie tiene algo muy

bueno que es inculcar esa música de

los 90’s en los chicos. Yo no había

escuchado “Carnaval toda la vida”,

la puse en el auto, la escuché con mi

mamá y ella no lo podía creer. Ver la

emoción de mi mamá de ponernos a

cantar esos temas me encantó.

Clara, ¿creés que Entrelazados

tiene el vigor de Violeta?

Clara: Creo que “Entrelazados” tiene

todo el potencial para convertirse en

una serie muy potente internacionalmente.

Si me preguntabas en el pasado

qué ingredientes transformaron a

Violeta en algo tan grande, te podría

decir que Entrelazados los tiene:

tiene alma, música espectacular, un

elenco espectacular, un elenco maravilloso.

Encima, está lanzada desde

el día 1 en una plataforma que llega a

todo el mundo. Violeta fue un boom

y, no sé si va a haber shows, pero Entrelazados

como serie va a viajar.

Elena, ¿qué relación tenés

con las ficciones de estas

temáticas?

Elena: Obviamente “Volver al futuro”

es “la” película del viaje al tiempo.

Acá suceden cosas distintas cuando

viaja en el tiempo, de mundos paralelos,

las dimensiones y demás. Esto

fue súper interesante, tener que hacer

con mi persona una persona joven

y una persona no tan vieja. Una

de 60, una de 60 juvenil, fue recontra

difícil. Que haya diferencia, que no

sea tan vieja… Con los looks, con

cómo se vincula con su hija, su nieta,

hacen que las diferencias existan.

Caro, ¿te ves con un proyecto

de música?

Caro: Me veo y me encanta, y me encantaría,

pero con Entrelazados me

di cuenta que me gustaría profundizar

100% mi actriz, y después, si

estoy segura y confiada, meterme en

algo más como solista. Pero por ahora

estoy muy feliz con esto de actriz

que me lleva a cantar, bailar y actuar,

pero si se da en el futuro será. No

estoy pensando en eso, estoy 100%

pensando en la Caro actriz. Hubo un

momento en el que quise y me dio

miedo, porque me gusta hacer las

cosas cuando estoy al 100%.

¿Qué es lo que viene para la

Elena cantante?

Elena: Hago una fecha el 10 de di-

ciembre en La Trastienda. Va a haber

rock nacional, folklore, tango,

otros idiomas. Va a estar bueno porque

es reencontrarme con a banda y

el público como Elena sola. También

hago cosas con Escalandrum, giras

por el interior, pero estoy súper

metida en lo que hago sola. Aún no

grabando nada.

Clara, ¿si tuvieses que viajar

al pasado a quién te gustaría

conocer?

Clara: Me encantaría estar en los

primeros conciertos de Freddy

Mercury.

¿Estás en algún otro proyecto?

Clara: No, aprendiendo, tomando

clases de canto, de guitarra, pero por

ahora es un camino muy personal.

Es un lugar tan conectado con mi

alma, que todavía me da pudor.

Elena, ¿qué te gustaría ver

en el futuro?

Elena: Me encantaría ser parte del

momento de la armonía y paz universal.

Está pasando, siento que lo

puedo llegar a ver. Ojalá.

Caro, ¿cómo disfrutas el presente

sin estar loca con el

futuro? ¿Cuál es tu consejo?

Caro: Respirar, fluir y al mismo

tiempo que la vida misma te va a ir

llevando por donde tenés que ir. Pisar

fuerte donde estás que todo va a

ir fluyendo. Lo dejo a todo al destino,

me saca la ansiedad.

BILLBOARD.BO

63

SARAI

“Quería verme más seria,

poderosa y sexy”

“Capsulón” fue producido por Joey Gazmey y el videoclip fue dirigido por

Jose Javy Ferrer y filmado en Miami.

POR FLORENCIA MAURO

La artista venezolana-americana

en ascenso Sarai está lista para llevar su

carrera al próximo nivel. Tras el lanzamiento

de su primer proyecto discográfico

bajo su mismo nombre Sarai, esta vez presenta

su tema “Capsulón” junto al artista puertorriqueño

Anonimus. El tema y video es distribuido por

The Orchard y continúa llevando el mensaje de

empoderamiento a las mujeres.

El tema fue producido por Joey Gazmey y el

videoclip fue dirigido por Jose Javy Ferrer y filmado

en Miami. En las escenas el audiovisual

lleva a la audiencia a través de un tour visual

nocturno donde destaca a los artistas en un auto

recorriendo las calles de Miami, disfrutando y

cantando al ritmo de “Capsulon”. También se

aprecian bailarines y autos y motoras como piezas

de colección.

“El tema ‘Capsulón’ marca un antes y un después

en mi carrera musical. Es el resultado de lo

que estoy experimentando actualmente con nuevos

sonidos y géneros musicales dentro del reggaetón.

Es la era de Sarai en donde continúa siendo

mi esencia mi línea musical”, expresó Sarai.

¿Cómo trabajaste en “Capsulon”?

Anonimus me presento el tema, su parte ya estaba

grabada así que la desarrollamos un poco más y

terminamos juntos la canción.

En el video sos toda una mujer empoderada

y valiente, ¿te sentís así?

Si 100%, yo quería trasmitir esa energía y por

suerte se logró, fue súper divertido de hacer.

¿Cómo te ves hoy luego de todo lo vivido

desde Candela Remix?

Siento que he madurado y aprendido un montón,

tanto sobre la industria, de cómo ser una artista y

de mi vida personal. También estoy aprendiendo

sobre cómo organizar mis cosas porque estoy en

la universidad a la vez que trabajo en mi carrera,

pero gracias a Dios sigo adelante aprendiendo

todos los días.

¿Tomaste TikTok como una herramienta

para difundir tu música?

Sí, me pareció una opción buenísima y me encantaron

todos los tiktoks que vi, amo haber puesto a

la gente a bailar.

¿Qué te queda de tus primeras canciones

como Bésame?

Bésame siempre va a estar en mi corazón, es una

de mis canciones favoritas porque es del comienzo

de mi carrera y pude aprender con ella, además

siento que necesitamos amor y unirnos, espero

siempre poder fomentar ese mensaje porque amo

ese concepto, me gusta hablar de temas difíciles y

poder trasmitir.

¿Por qué decidiste sacar el disco tan

rápido?

Decidí soltar el disco porque las 10 canciones que

hice y luego termine de producir durante la cuarentena,

marcaban mi transición de chica a mujer,

mi madurez, y quise que eso quede bien marcado

en un mismo concepto de un álbum.

¿Por qué pasaste del naranja a la noche?

Con Candela quería mostrar fuerza y confianza,

pero con Capsulon quería mostrar confianza y

amor propio de otra manera, quería verme más

seria, poderosa y sexy.

¿Hay alguna cosa que no hayas cumplido

todavía?

Muchas, tengo mis metas y sueños guardados,

espero crear un cambio y que la gente se sienta

identificada con mis canciones, busco trasmitir

emociones y generar un impacto en las personas.

FOTO: GENTILEZA NEVAREZ COMMUNICATIONS


DELAOSSA

“Soy un artista del vivo, me

da la vida desde siempre”

El artista español presentó recientemente la versión orquestal de su

éxito “Veneno” – single lanzado originalmente hace más de un año y

convertido hoy en día en un “clásico” en su país, tal como afirma el autor

Algo que no sabe nadie es que

la versión orquestal lleva hecha

desde febrero de este año. Nos juntamos

con el productor y le dije que

quería llevarlo a una versión mucho más clásica”,

afirma sobre la nueva versión de “Veneno”, que

se realizó bajo el marco de las Gallery Sessions,

donde los artistas llegan de forma acústica a un

escaparate en la ciudad de Barcelona e interpretan

sus canciones junto a un grupo de músicos

que los acompañan.

Si haces balance de este año, ¿dirías

que es uno de tus mejores?

Quitando lo malo, que todo el mundo sabe qué

es y cómo afectó a los conciertos y las producciones,

sigo trabajando en mi música y ahora

POR JULIÁN MASTRÁNGELO

estoy recogiendo sus frutos. El trabajo no paró y

eso se refleja.

¿Qué expectativas tenías en cuanto al

regreso al show en vivo?

Soy un artista del vivo, me da la vida desde siempre.

Cuando no podíamos tocar no me sentía tan

artista, necesitaba ese imput que te da tocar en

frente a la gente. Desde junio venimos tocando

en España así que nos vamos acostumbrando a

los protocolos.

¿A qué shows fuiste como espectador?

Me gusta mucho ir a los shows del Cigala, lo vi en

Marbella y fue increíble. En cuanto al panorama

urbano, a uno de los últimos que vi fue a Duki,

que coincidí con su gira por aquí.

Sigues haciendo el rap con el que

empezaste, ahora flamenco, algo de

trap… Vas variando tus producciones.

Claro, me quité el estigma de tener que hacer

siempre una cosa. Hay gente que pide que hagas

algo en concreto pero me divierto probando e

intentar sacar lo mejor en cada estilo. Lo que sí es

cierto es que seguiré haciendo rap, cuando la gente

menos se lo espere tengo algo listo para ellos.

¿Por qué elegiste “Veneno” para sus

versiones en la Gallery Session y

Orquestal?

Algo que no sabe nadie es que la versión orquestal

lleva hecha desde febrero de este año. Nos

juntamos con el productor y le dije que quería llevarlo

a una versión mucho más clásica. Vinieron

los violinistas, chelos, pianistas… pero no quería

estrenarla hasta poder mostrarla en un formato

como Gallery, todo súper limpio. Estuvimos esperando

hasta la ocasión y así fue, una vez que ellos

dieron luz verde, le dimos para adelante.

¿La letra de “Veneno” surje de una situación

real?

Aquí en España se ha convertido en una especie

de “clásico”, todo el mundo siente lo que estoy

diciendo y lo hace suyo. Es una historia que me

pasó a mí durante muchos años. No la escribí en

una sola parte, me acuerdo que la empecé en Argentina

y después de un año la terminé, se cocinó

a fuego lento.

¿El cambio de audio en la Gallery fue

idea tuya?

Me costó decidirme pero el resultado fue mejor

de lo que esperaba. Era una buena forma de cerrar

el círculo. La canción siempre va dirigida a

ella pero realmente una relación tóxica de verdad

no la tiene una persona.

¿Crees que lo digital puede suplantar

a los instrumentos?

Creo que nada sea ni mejor ni peor. Me gusta escuchar

instrumentos reales pero no hace mucho

era así, siempre fui de beats, elementos digitales,

FL, y demás. Últimamente me estoy aventurando

en la creación con instrumentos reales, sí es cierto

que es más laborioso y más caro pero a mí me llena

más. Igualmente cualquier cosa es válidad, un

chico con un ordenador en alguna parte del mundo

puede hacer un beat espectacular.

¿Hasta qué punto te metes en la producción

de las canciones?

Con el tiempo he aprendido a delegar de alguna

forma. Antes era mucho de beats y la estructura

pero me guío mucho por la intuición, no sé de

música. Es verdad que a la hora de la mezcla dejo

que mi productor se encarga, pero al final me

gusta dar el visto bueno por si hay que cambiar

algo. No tengo el conocimiento para decir “haz

esto o haz lo otro” así que dejo que me enseñen.

FOTO: GENTILEZA DALEPLAY RECORDS


DULCE MARÍA

“Es un acto de

rebelión”

La cantante presentó su cuarto álbum de estudio,

Origen, que contiene once canciones, cinco de

ellos son temas inéditos.

Con el nombre

Origen, Dulce María

rescata composiciones

escritas a lo largo de su

carrera en el genero folk pop y totalmente

autoral, que promete revelar

todas sus facetas como artista. Mezclando

teclados, batería, bajo, guitarras,

violín y mandolina, la cantante

presentó al público 11 canciones,

siendo cinco temas inéditos. “Origen”

la canción que lleva el nombre

del proyecto y presentado también

como sencillo principal, cuenta con

un video musical.

Desde 2020, la cantante ha empezado

a lanzar las primeras canciones

del proyecto: “Más Tuya Que Mia”,

“Te Daría Todo”, “Tú y Yo”, “Lo Que

Ves No Es Lo Que Soy”, “Nunca” y

”Amigos Con Derechos” que superan

los 7 millones de reproducciones

POR FLORENCIA MAURO

en plataformas digitales.

¿Cómo estás viviendo este

período de tu carrera?

Bien, creo que vamos viendo poco

a poco la luz de todo lo que hemos

vivido por la pandemia; estoy contenta

de estar con mi bebé, que esté

sana, es algo cansador para nosotros

porque no hacemos todo lo que

queremos con antes, pero es hermoso

verla disfrutar, la llevamos a la

playa hace poco y fue una experiencia

hermosa.

¿Y el lanzamiento del

álbum?

Estoy muy contenta de que se complete

este ciclo de Origen porque

efectivamente ha sido un largo camino.

El disco estaba listo desde

el 2018, de hecho en ese año di mi

último concierto y lo disfrute al

máximo, vinieron fans de muchos

lugares y pretendía anunciar ahí el

lanzamiento, pero decidí hacerlo de

manera independiente y eso llevó

un proceso legal para que no haya

ningún problema, por eso mismo

y por la pandemia se atrasó hasta

este momento, pero es un disco muy

libre y muy personal, no hay nada

que este hecho por moda sino que

es algo que hice porque necesitaba y

quería hacerlo. Origen es la canción

que escribí recientemente y resuena

con todo lo que estuvo pasando en

este tiempo.

¿A quién le dedicas “Sin Ti”?

Esta canción me la mandaron y yo le

puse la letra, estaba sentada en el sillón

de mis papás, muy triste porque

acababa de terminar una relación

y siento que describí de la manera

más literal que encontré todo lo que

sentía en ese momento, afortunadamente

eso ya pasó, pero por suerte

me dejó esta canción.

¿Cuántas veces en tu vida

apareció ese “Cupido

criminal”?

¡Muchísimas veces! Esa canción me

divierte mucho porque de alguna

forma narra todo lo que puede salir

mal, pareciera que Cupido te flecha

mal y por eso es un criminal, flecha

sin piedad. Este tema lo tengo desde

el 2013 y siempre quise sacarlo un

14 de febrero porque tuve mi etapa

de ser hater de esa fecha, pero quizás

para el próximo Día de los enamorados

hago una nueva versión…

Contanos acerca de “Quién

serás…”

Esta canción la había hecho para Extranjera

y habla sobre cómo sería esa

persona con quien yo iba a estar, me

preguntaba si ya lo conocí, si lo iba a

encontrar en algún momento, cómo

y cuándo lo iba a encontrar y demás.

¿Te da una sensación especial

cada disco?

Es un gran trabajo porque es un

proceso de muchas etapas, con mis

discos anteriores yo debía componer,

luchar para ver qué canciones

aceptaban y escoger el repertorio de

lo que me proponían, con Origen

fue completamente distinto porque

está hecho de manera independiente,

fue un acto de rebelión para mostrar

que mi libertad no tiene un precio,

no quería vivir haciendo lo que

los demás querían, no me importa

que ahora mi música pueda llegar a

menor cantidad de gente, lo que me

importa es que es algo honesto, de

corazón, algo que necesitaba como

artista y como persona.

FOTO: GENTILEZA UNIVERSAL MUSIC


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MAXIOLLY

“Siempre supe que

‘Parcera’ era algo

especial”

El colombiano acaba de presentar su nuevo

sencillo junto a Adso y Blessd.

POR JULIÁN MASTRÁNGELO

Hace cinco años, con el lanzamiento

de “Niña”, Maxiolly daba comienzo

a su carrera como artista en

su canal oficial de YouTube. Algunos

años más tarde, en 2019, lanzaría lo que considera

a día de hoy como su mayor éxito, “Fanático”,

en compañía de Feid – video que cuenta a día de

hoy con más de siete millones de reproducciones

-. “El público entendió esa canción hace poco

tiempo y eso dio pie a que hiciéramos el remix.

La considero mi canción más importante hasta la

fecha”, afirmó el oriundo de Medellín. El remix se

realizó en colaboración de Lenny Tavárez y Rels B

y a día de hoy supera las 7.8 millones de reproducciones

en su canal de YouTube, siendo así el

videoclip más visto hasta la fecha. Posterior a este

lanzamiento, el colombiano presentó “Parcera”,

junto a Adso y Blessd, a lo que comenta: “Siempre

supe que esta canción tenía algo especial y quería

encontrar los ideales para poder contarlo”

¿Cómo fue este 2021?

Fue muy raro porque los temas más grandes de

mi carrera surgieron hace dos meses como mucho.

Llevo años trabajando en esto pero mi mayor

éxito que fue “Fanático” se activó hace dos meses.

¿El remix surgió a raíz de la pandemia

o ya estaba planeado?

Siento que surgió por la vida misma… Al público

le tardó casi dos años entender la canción y cuando

eso sucedió logramos unirnos para ese remix.

Siento que todo pasa por algo.

¿Los shows son necesarios para vos?

Muy necesarios. Energéticamente nos activa un

montón. Uno escucha mucho pensando en verlos

en vivo alguna vez, la sensación de estar en tarima

y que el público cante junto a uno es lo mejor

que hay.

¿Tenés algo pensado para la

Argentina?

Me encantaría. Todavía no hay nada arreglado,

pero sé que sería espectacular. Además, todavía no

conozco su país por lo que sería la primera vez.

¿Notas que hay un crecimiento de la

escena urbana latinoamericana?

Totalmente, el movimiento es impresionante y

hay artistas nuevos cada semana.

¿Sentís presión con los tiempos de

lanzamiento?

No diría que es presión, sino que hay una saturación

de producto enorme y no todo es calidad. Eso

en sí frena la cantidad, pero para el lado positivo, la

gente es consciente cuando un producto es bueno

y malo. Es importante no apresurarse y buscar la

calidad. Además, el tiempo de consumo es una locura,

si llego a sacar un álbum en enero, para mediados

de febrero ya están pidiendo más música.

¿Cómo decidieron con quién presentar

“Parcera”?

Realmente he sido siempre muy meticuloso con

mi música. Siempre supe que esta canción tenía

algo especial y quería encontrar los ideales para

poder contarlo. Adso fue el primero que monté

porque me parecía realmente interesante lo que

hacía en Venezuela. A Blessd lo conocí en Medellín

hace un tiempo y teníamos realmente ganas

de poder presentar algo juntos, es más, esta no es

la primera canción que hicimos.

¿Cómo fue tu experiencia en los Latin

GRAMMY?

Fue como tachar un sueño. Esta vez fui como invitado

y no como invitado, pero solo el hecho de

estar ahí me motivó un montón. Estar ahí es estar

al lado de gente que admiras, respetas y es algo

que has visto en TV toda una vida. Salí de ahí diciendo

“tengo que estar nominado la próxima vez

sí o sí”.

FOTO: GENTILEZA WARNER MUSIC COLOMBIA



FOTO: GENTILEZA

Diego Torres

“Con las canciones

acompañamos la vida de

mucha gente”

A 20 años del lanzamiento del álbum que consagró su éxito y popularidad en todo el

mundo y con un nuevo trabajo discográfico en circulación, Diego Torres se prepara para

regresar a los escenarios en el 2022.


Ya pasaron 20 años de un mundo

Diferente, el álbum que, con canciones

como “Color Esperanza”, “Sueños”

y “Que No Me Pierda”, catapultó la

carrera del músico y actor Diego Torres. Si bien

muchas cosas cambiaron desde ese entonces,

analiza: “Creo que Un Mundo Diferente tiene un

mensaje muy actual. Seguimos luchando por los

cambios que a veces tardan en llegar: en el país,

en la región, en el mundo. Me hace dar cuenta

de la responsabilidad que tenemos al hacer una

canción o un disco”. Este año, Torres compartió su

noveno álbum: Atlántico a Pie. Un elepé de trece

canciones meticulosamente trabajadas junto a su

coequiper Miguel Yadam González Cárdenas. El

artista presentará las canciones en una gira que

comenzará el 19 y 20 de mayo en el Teatro Gran

Rex de Buenos Aires. Como autor de clásicos que

edificaron las bases de la cultura musical de un

país y una región, Torres es consciente de su lugar

en el corazón de quienes lo escuchan: “Con las

canciones acompañamos la vida de mucha gente

y crecemos juntos”.

Pasó mucho en un año, ¿estás bajando

a tierra todo lo que sucedió?

Sí, disfruto todo lo que vengo haciendo. Hacer el

disco fue un trabajo intenso y artesanal. También

fue un lugar donde refugiarme: el estudio, las canciones,

la música. Para él convoqué muchísimos

artistas y colegas y viajé a través de las canciones,

en la mente. Ese es el recorrido que propone el

disco, en sus canciones, en sus temáticas, así me

lo planteé. Arranca con un reggae, sigue con un

pop-folklórico, un charleston, etcétera. Estoy

muy contento de anunciar la fecha, imaginarme

la presentación, pero vivimos tan castigados que

intento vivir el presente, pasito a pasito. Tengo

muchas ganas de visitar ciudades y llevar este

disco para volver a conectarme con la gente, algo

que extraño mucho.

¿Por qué “Atlántico a Pie”?

El nombre sale porque el disco juega con la metáfora

náutica, las canciones son como una hoja de

ruta náutica que conecta los países de los artistas

que colaboran. Encontré en esa metáfora una

identificación, ando mucho en lancha, soy pisciano

y me gusta la naturaleza en sí. Atlántico a Pie

identifica esta aventura de estar viajando con las

canciones hace mucho tiempo y – en este mundo

detenido – viajar con las canciones a pie.

¿Cuál fue tu brújula en este proyecto?

El compromiso con las canciones, trabajar, cuidarlas

en el detalle. Hicimos un trabajo muy meticuloso,

por más que suene fresco. Construimos

un mundo con ese horizonte amplio que me gusta

a mí (el reggae, la balada, el charleston, etcétera).

Soy inquieto y creo que esa es la brújula. Es

buscar todo el tiempo una ruta nueva, un nuevo

destino, con el sonido de uno, pero siempre renovándose.

Y sigo en ese camino, ya estoy haciendo

cosas nuevas con otros sonidos. En constante

movimiento, siempre.

Esto aplica para todos tus discos:

¿entendés qué estás haciendo en el

proceso o una vez que los lanzás?

Siempre uso la metáfora del rompecabezas gigante.

Arrancamos a trabajar con Yadam componiendo,

empiezan a aparecer las piezas, intento

encajarlas, armar el repertorio, va apareciendo el

mapa del disco. Ahí veo qué tengo, qué no, qué

se repite, salgo a buscar lo que me falta. Eso tiene

que ver mucho con el hábito de coproducir los

discos. Desde jovencito busco coproducir por

una necesidad de aporte a mis ideas. Ahí aparece

el mapa, la química, las canciones y sus cambios,

el título, todo. Muchas veces las canciones se

conducen solas…

¿Te pasó con alguna del disco?

¡Sí! “Atlántico a Pie” sufrió un montón de cambios.

Quería llevarla por un lado, no me convencía

y se fue por otro lado solita. Es una de las

pocas baladas del disco. Al rato, sentí que el título

era el nombre del disco, no solo de una canción.

Imaginé el mundo que identificaba con ese título,

“Atlántico a Pie”.

Muy 2020, que nos sorprendió a todos

Sí, lógicamente esta situación nos cambió a todos.

Por suerte a mí me permitió trabajar, terminé el

disco sinfónico y saqué adelante más proyectos.

Estamos a 20 años de Un Mundo Diferente,

¿cómo es el mundo de hoy en

comparación al de ayer?

Creo que es muy actual el mensaje de Un

Mundo Diferente. Seguimos luchando por los

cambios que a veces tardan en llegar: en el país,

en la región, en el mundo. El álbum me hace

dar cuenta de la responsabilidad que tenemos al

hacer una canción o un disco, aunque nunca me

lo tomé de una manera menor. Cuando elijo qué

palabra, qué frase, sé que va a quedar para toda

la vida. Cualquier cosa que estés grabando va a

quedar para siempre, pero hay que conservar la

frescura de fluir. Hay que trabajar para que las

canciones perduren en el tiempo, y eso implica

una responsabilidad.

¿Te seguís sorprendiendo con lo que

generan esas canciones?

Me encanta volver a pasar por esas canciones

20 años después, me encanta que se vuelvan

clásicos. Veo lo importante que es el trabajo

minucioso en todo el proceso del álbum, del

unplugged, de todo. Es una suerte y una alegría

enorme acompañar a la gente con un disco. Eso

me confirma el compromiso que hay que tener a

la hora de hacerlo, no hay canciones de relleno:

amo a todas por igual. Está bueno ver para atrás

cuando pasan los años, ver lo que construimos,

pero vivir el presente sin detenerse. Con las

canciones acompañamos la vida de mucha gente

y crecemos juntos. Me encanta ver cómo algunos

antes venían solos, de jóvenes, y hoy vienen con

sus hijos. Les ponen mis canciones y no les queda

otra (se ríe).

¿Cómo hacés para bajar tus canciones

a un show?

Es un trabajo súper lindo imaginar como espectador

qué me gustaría ver arriba del escenario.

Tratar de hacer convivir las canciones, ver los momentos

más íntimos, los momentos más power. Es

diseñar qué querés transmitir a la gente, y ese viaje

abarca diferentes áreas: producción, sonido, músicos,

ahí aparece el equipo. Arranca todo en una

hoja en blanco en mi mente viendo qué intro, qué

tema 1, cuándo pasa esto, qué podemos enganchar.

Es todo un trabajo y esa es la idea.

BILLBOARD.BO

73


Parcels

“Hacemos música para

que la gente escuche de

forma involucrada”

A tres años de “Parcels” (2018), su debut discográfico, el grupo australiano presenta su

segunda obra acompañada del videoclip de “Famous”.


FOTO: REMI FERRANTE

Day/night es el nuevo

álbum de Parcels. Un

trabajo de 19 canciones,

hermanadas

en dos discos independientes,

el día y

la noche. Se trata de un viaje que

comienza en el exterior, luminoso y

ambientado en la ciudad que, atravesando

el amor y las relaciones humanas,

concluye en la noche, solitaria y

reflexiva.

Para el grupo, uno de los mayores

desafíos de este álbum fue la curaduría

de las más de 150 canciones creadas:

“Una mañana, antes de ensayar

con Jules, me puse a llorar por lo que

me estaba afectando el proceso de

cortar partes de mí para crear un álbum”,

confiesa Patrick Herherington,

tecladista y guitarrista del quinteto.

Si bien no acostumbraban a lanzar

sencillos, el grupo preparó el terreno

con “Free”, “Comingback”, “Somethinggreater”

y “Theworstthing”.

Hoy, presentan e invitan a escuchar

el total: “Queremos que la gente tenga

la historia completa”.

¿Qué se siente estar volviendo

a sacar música?, ¿cómo

manejas la ansiedad por el

lanzamiento del álbum?

Se siente raro haber lanzado singles.

Es raro sacar pedacitos, porque

creamos un cuerpo entero. Queremos

que la gente tenga la historia

completa. Me emociona mucho que

salga esa historia entera.

Contanos esta historia completa,

¿qué trae de nuevo?

El proceso entero de grabación cambió.

Entramos al estudio para grabar

como una banda en vivo, muy, muy

ensayados. Tampoco habíamos hecho

esto de tener un concepto, una

idea, un camino. Fue muy diferente.

¿Cómo sería el disco si fuera

una persona?

Serían dos personas. Decimos que

son dos discos, hay dos personas

involucradas acá. La persona del día

es un niño suave, abierto a todo el

mundo. La persona de la noche es

cerrada, solitaria, y está inmersa en

un viaje dentro de su cabeza.

¿Qué preferís?

Si hablamos de mundo interno o

externo, en mi vida, probablemente

encuentro más belleza en el mundo

interno, en la noche. Ir al yo, descubrir

verdades y la creatividad.

¿Qué fue lo más desafiante?

Empezamos con 150 canciones. Nos

encantaron las que quedaron, pero

dejamos mucha música atrás, y fue

duro, porque nunca había sentido

tanta conexión con música que había

escrito. Es la primera vez que sentí

el dolor de perder pequeñas partes

de mí, ¡no lo esperaba! Una mañana,

antes de ensayar con Jules, me puse a

llorar por lo que me estaba afectando

el proceso de cortar partes de mí

para crear un álbum. Eso fue difícil,

pero lo pudimos hacer.

¿Cómo eligieron estas canciones?

Tuvieron diferentes momentos y

motivos. Primero, creo que estamos

todos buscando lo mismo, vamos

detrás de un mismo sentimiento.

Una canción con energía pura y

emoción que sale de su simplicidad.

Buscamos eso, y todos podemos

sentir cuando conectamos con esa

emoción. Después está el proceso:

probarla, hacer arreglos, elegir,

ahí nos ayudó mucho el concepto.

Después, entrar al estudio. A veces

funcionan y a veces no, si se pierde

la emoción, es porque cambiamos.

Una pregunta tonta, ¿qué les

pasa con los espacios en los

títulos?

Creo que no es una pregunta tonta,

es algo tonto que nosotros hacemos

(ríe). Tiene que ver con mantenernos

en nuestras raíces, así arrancó

todo. Cuando empezamos, tenía que

mandarle las canciones a los chicos

desde mi computadora y mi tecla de

espacio estaba rota. Así de sencillo

es. Es gracioso, se volvió una especie

de chiste hacer títulos de una sola

canción, así que lo dejamos.

Hablemos de su cuenta de

Tik Tok. Se nota lo mucho

que se divierten entre ustedes,

¿es ese el motor de

Parcels?

Creo que eso es verdad. Especialmente

con la composición.

Componemos para nosotros. Perseguimos

lo que queremos escuchar,

perseguimos los sentimientos que

queremos sentir. Siempre hay una

voz que nos rodea, y en nosotros,

que nos sugiere hacer un tipo de

álbum – pop, dance – pero creo

que somos buenos siguiendo lo que

sentimos. Aunque también está

la gente, más ahora que podemos

regresar a los escenarios. Queremos

llevar algo de alegría, una conexión

con ellos y sus emociones. Miramos

a la gente para la que hacemos

música también.

¿Cómo les gustaría que se

escuche este álbum?

La intención es que se escuche

en una experiencia completa. O a

lo sumo dos, Day y Night. Esa es

una buena idea, porque es largo,

y escucharlo entero puede cansar.

Pensando mejor, no importa como

sea. Lo mismo con el significado de

la canción, me gustaría que alguien

refleje su vida ahí y que tenga su

propia experiencia.

¿Cuánto les interesa América

Latina?

Nos emocionó muchísimo ver fans

de Latinoamérica y sobre todo Argentina

comentándonos, enviándonos

mensajes. ¡Es raro y loco! Nos

llena de ganas de ir a tocar ahí, se

nota que hay emoción y alegría, lo

queremos hacer.

¿Tenés una canción preferida?

Cambia todo el tiempo, pero una

canción me interpela desde el

principio, una que escribió Jules,

“NowIcaresomemore”. Es uno de los

primeros demos que él me mostró

desde el principio. Me enamoré de

la canción, tiene un mensaje muy

simple y hermoso. Le soy muy fiel.

En 10 años…

¡Es un montón! Me cuesta pensar

en no sé, diciembre. Creo que eso

está con nosotros desde siempre.

Intentamos no mirar hacia adelante

con desesperación y nos abrimos a

lo que el futuro nos depara. Vamos a

seguir haciendo música mientras sea

divertido, tengamos algo para decir,

y lo disfrutemos. Si eso no está,

haremos otra cosa, cambiaremos.

¿Cuál es tu mayor esperanza

con el lanzamiento del

álbum?

¡No sé! Espero que la gente pueda

sacar su propio significado de esta

música. Espero que la gente pueda

escucharla de forma activa. Porque

hacemos la música para que la

gente escuche de forma involucrada,

profunda y refleje en sus vidas.

Esperamos seguir sonando y tener

noches divertidas tocando por todo

el mundo.

BILLBOARD.BO

75

A

ÁLBUMES DEL MES

Conociendo Rusia

“La Dirección”

GEISER DISCOS | 12-11-2021

La banda de mateo

sujatovich presentó su tercer

álbum con cuatro presentaciones

en el Teatro

Gran Rex. "La Dirección es el camino

de cada uno. Es ir para adelante,

chocarse, retomar, dar un volantazo

y encontrar en lo más profundo de

uno mismo el próximo destino. Las

grandes aventuras siempre son mejores

en compañía, por eso en este

disco le canto a mis amigos, a mi

familia y a los amores", dice el músico

de 30 años sobre el significado de

este nuevo material que contó con

la producción de Nico Cotton y los

arreglos de su padre, Leo Sujatovich,

en conjunto con Javier Malosetti.

Las nueve canciones que forman

este último disco tienen una impronta

del rock argentino de los 80´s

y los 90´s, música con la que Sujatovich

creció. Por eso no es casualidad

que "No Aguanto Más" suene a Los

Rodríguez; es adrede, un homenaje

a sus ídolos. A su vez, incluye los

singles “Se Me Hizo Tarde” y “Mundo

de Cristal” (con el español Leiva),

que cargan con la presión generada

por el éxito de su antecesor, que

cosechó siete nominaciones a los

premios Gardel y tres para los Latin

Grammy.”.

Adele

“30”

SONY MUSIC | 19-11-2021

Luego de seis años, la

artista regresó a la industria

musical con un álbum

alabado por sus fans y

la crítica. El disco refleja el proceso

de separación con el ejecutivo

Simon Konecki, con quien compartió

ocho años de relación y tuvo un

hijo llamado Angelo. Fue precedido

por el lanzamiento de varias

piezas, incluido el sencillo principal

“Easy On Me”. Actualmente, la

artista encabeza el ranking Artist

100 de Billboard, el álbum lidera el

Billboard 200 (álbums) y “Easy On

Me” está 1º en el Billboard Hot 100

y en Billboard Global 200. El sencillo

también ha batido récords de

transmisión, radio y listas de éxitos

en todo el mundo. Adele también

estrenó tres canciones adicionales,

“I Drink Wine”, “Hold On” y “Love

Is A Game” durante su reciente es-

pecial de televisión Adele One Night

Only. El especial de televisión fue el

programa de entretenimiento más

visto este año, y atrajo a una audiencia

aún mayor que la de los Oscar.


YSY A

“Trap de Verdad”

SPONSOR DIOS | 12-11-2021

El pasado 12 de noviembre,

YSY A regresó para

sacudir la escena con su

cuarto disco de estudio:

Trap de verdad. El trabajo está

dividido en dos álbumes de once

canciones cada uno y retrata los cimientos

en los que se forjó el movimiento

del trap en la Argentina. La

producción estuvo a cargo de Club

´Hats. El varón del trap presentará

la obra en el Luna Park el próximo

27 de noviembre. El LP comprende

colaboraciones con Pablo Chill-E y

Alemán (“Inolvidable”); Bhavi (“De

casa en casa”); Akapellah y Neutro

Shorty (“Todo automático”); El

Doctor (“En el infierno”) y Obie

Wanshot (“Acá no se salva ninguno”),

Sixto Yegros (“Una Dosis” y

“Acelera2”) y HitBoy (“No Hook”),

Panther (“Otra Noche”), Franux BB

(“Seteado”).

Taylor Swift

“Red”

REPUBLIC | 12-11-2021

Red (Taylor’s Version)

es el segundo álbum regrabado

de la cantante y

compositora estadounidense.

Fue lanzado el 12 de noviembre

de 2021 a través de Republic

Records. El disco es una regrabación

del cuarto trabajo de estudio

de Swift, Red (2012), y sucede a su

primer álbum regrabado, Fearless

(Taylor’s Version), que fue lanzado

en abril de 2021. La regrabación es

la contramedida de Swift contra el

cambio de propiedad de los másteres

de sus primeros seis álbumes de

estudio. El LP cuenta con colaboraciones

con Phoebe Bridgers, Chris

Stapleton y Ed Sheeran en las canciones

“From the Vault”, conformado

por canciones que fueron escritas

para Red, pero que no llegaron

al corte final. Comprende “Better

Man” (2016) y “Babe” (2018), dos

canciones que escribió Swift pero

que fueron grabadas por las bandas

de música country estadounidenses

Little Big Town y Sugarland, respectivamente,

y su sencillo benéfico de

2012, “Ronan”. Swift promocionó el

álbum con apariciones en televisión

en NBC e inspirada en la premisa de

All Too Well, escribió y dirigió All

Too Well: The Short Film. La artista

logró que “All Too Well (10 Minute

Version)” es la canción más larga en

ingresar al número 1º del Billboard

Hot 100.

BILLBOARD.BO

77


Un cambio saludable

La carrera de David Bowie abunda en cambios de dirección, tanto en lo musical como en

lo estético. Pero en los primeros años de su carrera hubo un álbum que anticipó el rumbo

rockero, entre glam, espacial y misterioso, que iba a darle su primer gran roce con la fama

en la primera mitad de los años ’70. Ese disco se llamó Hunky Dory.

Por Alfredo Rosso

Hunky dory es

una expresión inglesa

que significa

“todo bien” o

“viento en popa”,

pero cuando David Bowie decidió

ponerle ese título a su cuarto álbum

de estudio, editado a fines de 1971,

la frase era más una expresión de

deseos que un reflejo de la realidad.

Bowie venía de editar tres álbumes

muy personales en los que había hecho

lo que iba a ser una constante en

su vida: seguir a su musa artística sin

importarle los vaivenes de la industria.

Así, “David Bowie”, de 1967, lo

mostraba como un “crooner” de 20

años, más cercano a Jacques Brel que

al mundo de los Beatles, los Rolling

Stones y el rhythm and blues en torno

al cual había crecido. Una obra

singular, aunque algo errática, que recién

ahora obtiene la apreciación que

amerita. Luego vino su primer hit

“Space Oddity”, a caballito del cual

salió su segundo álbum, del mismo

nombre, en 1969, una ecléctica colección

que se inclinaba al pop y al folk

como vectores inspiradores, mientras

que 1971 mostraba a Bowie en

pleno proceso de maduración como

compositor con una visión -con la

aparición de “The Man Who Sold

the World” en abril de ese año- y los

primeros indicios de la consolidación

de su personalidad artística con este

cuarto disco que ahora cumple medio

siglo de vida.

Ayudó también el hecho de tener

a su lado la compañía de músicos

capaces y con empatía hacia su propuesta,

como Mick Ronson en guitarra,

Trevor Bolder en bajo y Woody

Woodmansey en batería –los futuros

Spiders From Mars- más la destreza

de Rick Wakeman al comando de

los teclados.

“Honky Dory” fue grabado en los

Trident Studios de Londres y producido

por Ken Scott, con asistencia

del propio Bowie, que figura en ese

crédito como The Actor. En el álbum

predomina una atmósfera acústica y

baladística que quizás se vuelve más

conspicua después del hard-rock que

había asomado en el álbum previo,

“The Man Who Sold the World”.

Este cuarto álbum de Bowie comienza

con “Changes”, un tema que más

que cualquier otro en el repertorio de

Bowie ha cobrado con los años carácter

de manifiesto. Además de servir

como insignia del espíritu siempre

cambiante del músico, se hizo famoso

por ese tartamudeo característico

de su estribillo. La letra también

enfatiza esa característica de David

de contemplar un poco al medio que

lo cobija desde afuera, de allí la frase

“Look out all you rock-and-rollers”

(cuídense todos ustedes, rockeros)

como si les estuviese hablando a sus

colegas desde una cierta distancia.

La canción siguiente “Oh! You pretty

things” había sido grabado a esa

altura por Peter Noone, el cantante

de los Herman’s Hermits, y había llegado

al puesto 12 en el chart inglés.

La estructura del tema tiene un aire a

lo Paul McCartney pero la letra deja

entrever un cierto coqueteo con la locura,

al hablar de “grietas en el cielo”

y otros simbolismos asociados a la

personalidad dividida.

No hay mucho para decir acerca

de “Eight line poem”, excepto que

tiene una bonita parte de guitarra de

Mick Ronson y que mantiene una

calma casi pastoral en su desarrollo.

Después llega el que se ha convertido

en uno de los más recordados de

Bowie en este período y que, al ser

editada en single tiempo más tarde

-en el apogeo de la popularidad del

cantante- llegó al puesto 3 del ranking

de Inglaterra, en julio de 1973.

El título se pregunta “Life on Mars?”

(¿Habrá vida en Marte?)

Con un ambiente casi de vaudeville,

“Kooks” tiene un tono caprichoso

y casi psicodélico y cierto aire

folk. Una canción que Bowie dedicó

a su hijo Zowie, por entonces recién

nacido. Hay consejos típicos de padre,

con un tono de humor, como

“No te busques peleas con los matones

/ porque no soy demasiado bueno

en el arte de pegarle a los papás de

tus compañeritos.”

La atmósfera de “Hunky Dory”

se enrarece y oscurece cuando nos

encontramos con “Quicksand” (Arenas

movedizas), una breve y efectiva

reflexión sobre la futilidad de la condición

humana. Puede parecer grandilocuente

pero resulta atractiva por

tratarse de una de las melodías mejor

construidas del repertorio de Bowie.

Enseguida nos encontramos con otra

canción vaudevillesca, un resabio

del Bowie a mitad de camino entre

el Mod, la psicodelia y el crooner

“camp” del primer álbum. El tema,

de aire despreocupado, se llama

“Fill your heart” y es en realidad un

cover del estadounidense Biff Rose

un cantautor de culto que tuvo sus

quince minutos de fama en los años

60. Y justamente, la persona que

acuñó esa célebre frase sobre la fama

es el destinatario de un homenaje, en

forma de canción acústica, que lleva

su nombre.

En este ecléctico y variado cuarto

larga duración de Bowie hay otro

tributo, “Song for Bob Dylan”, donde

el oyente no queda del todo seguro si

el tono de la canción es de homenaje

o de parodia, pero no importa demasiado,

porque la letra está unida a

una buena melodía.

Cuando Velvet Underground surgió

en los años 60s fueron pocos los

que repararon en el poder renovador

de su música y sus letras. Su enorme

influencia en la explosión punk y sus

derivados y su fama mundial sólo se

consolidaron muchos años después

de su separación. Sin embargo, hubo

algunos iluminados que cantaron

loas a VU muchos años antes y entre

ellos se contaba el propio David

Bowie, quien reconoce la influencia

que el grupo comandado por Lou

Reed tuvo en el décimo tema del disco,

“Queen Bitch”.

“Hunky Dory” llega a un dramático

final con “The Bewlay Brothers”,

tema que alude, a través de la ficción,

a la relación de Bowie con su hermanastro

Terry. La letra está llena de

imágenes centradas, una vez más, en

la maleabilidad y las engañosas cualidades

del ser humano. “Ahora mi

hermano yace sobre las rocas / puede

que esté muerto / puede que no / puede

que seas vos...”

Editado el 17 de diciembre de

1971, “Hunky Dory” capturó a Bowie

en un momento de transición. Es

bien posible que sea el primer disco

en que David descubrió esa combinación

mágica de estilos, interpretación,

letras y carisma que lo instalaría

en poco tiempo más como una

personalidad única en el campo del

rock. Por delante estaban hitos como

“Ziggy Stardust”, “Diamond Dogs”,

“Heroes” y “Scary Monsters”, por

nombrar algunos clásicos que Bowie

acuñaría en el siguiente lustro en su

fase Glam y luego en su productivo

pasaje creativo por Berlín, pero

“Hunky Dory”, además de exhibir

una personalidad propia solida, fue

un mirador hacia el mundo de posibilidades

que el músico inglés tenía

por delante.

BILLBOARD.BO

79

INFORMACIÓN DE LA SEMANA 18.12.2021

Khalid

Scenic Drive (The Tape)

El álbum de nueve pistas sumó 16.000

unidades en la semana que terminó

el 9 de diciembre, según MRC Data

(84% de eso proviene del streaming),

y también debuta en el número 8 en la

lista de los mejores álbumes de R&B.

POST MALONE FOTO: MATT WINKELMEYER/GETTY IMAGES

Green Day

Greatest Hits: God’s Favorite Band

El álbum vuelve a entrar en la lista

(11,000 unidades; un aumento del

428%) por primera vez desde mayo

de 2020 y obtiene así su puesto más

alto desde el 16 de diciembre de 2017,

No. 100, después de su lanzamiento

exclusivo en vinilo azul.

Blake Shelton

Body Language

El álbum vuelve al número 117 en el

chart (11.000 unidades; un aumento

del 242%) después de que se reeditó

el 3 de diciembre con cuatro nuevos

bonus tracks, incluido su último éxito

ubicado entre los 20 principales

Country Airplay: “Come Back As a

Country Boy”.

Por segunda semana consecutiva, el

debut más alto de la lista cae fuera del

top 10: “Nardo Wick’s Who Is Nardo

Wick?” El disco debuta en el puesto 19

(29.000 unidades equivalentes a álbumes

vendidas en los Estados Unidos durante

la semana que finalizó el 9 de diciembre,

según MRC Data). Una semana antes, en

la lista del 11 de diciembre, el debut más

alto fue “Las Leyendas Nunca Mueren”,

de Anuel AA en el n. ° 30. El calendario de

lanzamientos fue un tanto tranquilo en las

dos semanas posteriores a la llegada del 19

de noviembre de Adele’s 30, que debutó en

No. 1 en la tabla del 4 de diciembre.

—KEITH CAULFIELD

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POST MALONE FOTO: MATT WINKELMEYER/GETTY IMAGES

MARIAH CAREY’S “ALL I WANT fue la reina

de la Navidad, “ALL I WANT for Christmas Is

You” regresó al número 1 en el Billboard Global

200, con 76,3 millones de reproducciones

(suba de un 25%) y 14.000 unidades vendidas

(un 28% más) en todo el mundo en la semana

de seguimiento del 3 al 9 de diciembre, de

acuerdo con MRC Data. El clásico navideño de

1994 encabezó la lista durante cuatro semanas

la temporada pasada de vacaciones.

Por su parte, el sencillo de Wham!, de 1984, “Last Christmas”, vuelve a visitar los

cinco primeros lugares de Global 200, con un récord de 8-4 con 56,4 millones de

reproducciones (27%+) y 7.400 vendidas (35%+) en todo el mundo. Subió al número 2

durante la temporada navideña de 2020.

Mientras tanto, otros dos favoritos navideños regresan al top 10 de Global 200:

“Rockin ‘Around the Christmas Tree” de Brenda Lee (de 1958), con un aumento

de 13-6 (45 millones de reproducciones, un aumento del 25%; 7900 vendidos, un

aumento del 9%) y “Jingle Bell Rock” de Bobby Helms (de 1957), galopando 14-8

(41,7 millones de reproducciones, un 23% más; 4.800 vendidas, un 60% más). Las

canciones alcanzaron los números 3 y 4, respectivamente, durante las vacaciones de

2020.

En el Billboard Global que excluye EE. UU., “ALL I WANT for Christmas Is You”

de Carey salta 7-2 (47,7 millones de reproducciones, un aumento del 29%; 6,900

vendidas, un aumento del 38%, en territorios fuera de los Estados Unidos), después

de liderar durante una semana la temporada navideña pasada. . En medio del montón

de canciones navideñas, el “abcdefu” no estacional de GAYLE sube 4-3 en cada lista.

El exitoso sencillo del cantautor de 17 años, nacido en Dallas y residente en Nashville,

atrajo 62,6 millones de reproducciones y se vendieron 18.000 en todo el mundo,

un 18% más en cada métrica. A nivel nacional, la pista continúa su rápido ascenso,

incluso en la radio, ya que avanza 40-27 en su segunda semana en la lista Mainstream

Top 40, un 197% más en reproducciones, con su audiencia de todos los formatos

aumentando en un 436% a 4.9 millones

—GARY TRUST

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BILLBOARD Bolivia Diciembre 2021

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