BILLBOARD Bolivia Diciembre 2021

WISIN Y 

YANDEL 

TAINY 

DRACO ROSA 

TIAGO PZK 

LLANE 

cómo los hermanos 

monte y avery lipman llevaron 

republic records desde un 

departamento en nueva york 

a la cima de los sellos en 2021 

ISSN 2344-9276 · Año 1 · Nº 4· Diciembre 2021

Rosevalley Productions, 

la productora audiovisual asociada a 

Billboard Boliva 

Nuestra meta: Descubrir y producir nuevos talentos bolivianos con el potencial de traspasar fronteras. 

¿Cantas en español o en inglés? ¿Eres compositor, músico profesional (de estudio y de concierto), modelo o actor? 

¿Necesitas videos musicales, quieres grabar tus canciones con calidad internacional 

o precisas de una poderosa plataforma de lanzamiento? 

Entonces contáctate con nosotros: 

www.rosevalleyproductions.com 

contacto@rosevalleyproductions.com

DATOS DE LA SEMANA 18.12.2021 

Adele continúa en el número 1º con “Easy on Me” 

FOTO ADELE: SIMON EMMET 

E 

l comando de adele al Billboard 

Hot 100 con “Easy on 

Me” se extiende a una séptima 

semana, mientras que el álbum 

en el que aparece, “30”, gobierna 

el Billboard 200 por tercera semana. 

En el Hot 100, la carrera de la cantautora 

británica es histórica, ya que se convierte en la 

primera artista en reinar durante al menos siete 

semanas con un sencillo principal de tres álbumes 

consecutivos (desde el origen del chart en 

1958). Antes de “Easy on Me” (del álbum “30”), 

lideró durante siete semanas en 2011 con “Rolling 

in the Deep” (el primer sencillo de “21”), 

y regresó con “Hello” (el sencillo introductorio 

de “25”), que registró 10 semanas en el 1° en 

2015-16. 

“Easy on Me” atrajo 85,4 millones de impresiones 

de audiencia de radio y 20,7 millones de 

streams en EE. UU. y vendió 9,200 descargas en 

la semana de seguimiento del 3 al 9 de diciembre, 

según MRC Data. 

“30” también mantiene su lugar en la cima del 

Billboard 200, con 193,000 unidades de álbumes 

equivalentes obtenidas en los Estados Unidos 

en la semana de seguimiento. Captura la tercera 

semana más grande para un álbum desde que 

“Scorpion”, de Drake, obtuvo 260,000 en su tercera 

semana en julio de 2018. “30” además supera el 

millón de copias vendidas en los Estados Unidos, 

con 149,000 en la última semana de seguimiento, 

aumentando su total a 1.07 millones desde su 

lanzamiento el 21 de noviembre. Es el álbum más 

nuevo en alcanzar ese umbral desde “Folklore” de 

Taylor Swift, que llegó en julio de 2020 y superó el 

millón vendido en octubre. “30” y “Folklore” (cuyas 

ventas hasta la fecha ascienden a 1,56 millones) 

son hasta ahora los únicos álbumes lanzados 

en esta década que logran la hazaña. 

— GARY TRUST Y KEITH CAULFIELD 

BILLBOARD.BO 

3

H 

HOT 100 

DATOS DE LA SEMANA DEL 18.12.2021 

D A T A F O R W E E K O F 10.09.2021 

27 

RYAN HURD WITH 

MAREN MORRIS 

“Chasing After You” 

2 WKS. 

AGO 

LAST 

WEEK 

THIS 

WEEK 

24 22 21 

23 21 

22 

11 15 23 

- 10 

24 

37 25 25 

43 29 26 

TITLE CERTIFICATION 

PRODUCER (SONGWRITER) 

IF I DIDN’T LOVE YOU 

M.KNOX (J.MORGAN, 

T.KENNEDY, K.M.ALLISON, L.VAUGHAN) 

TAKE MY BREATH 

MAX MARTIN, O.T.HOLTER, THE WEEKND 

(A.TESFAYE, A.BALSHE, MAX MARTIN, O.T.HOLTER) 

Jason Aldean & Carrie Underwood 

MACON/CAPITOL NASHVILLE/ 

BROKEN BOW 

15 10 

The Weeknd 

6 8 

XO/REPUBLIC 

FAIR TRADE Drake Feat. Travis Scott 

OZ, J.A.SWEET, PATRON, TRAVIS SCOTT, WONDAGURL (A.GRAHAM, TRAVIS SCOTT, O.YILDRIM, J.A.SWEET, 

E.N.OSHUNRINDE, R.S.ANTOINE, C.DAY WILSON, BABYFACE, T.HALM, V.J.L.WADE, D.EMILE II, B.L.BANKS, M.O.GORDON, K.F.MOSOV) 

OVO SOUND/ 

REPUBLIC 

3 4 

THATS WHAT I WANT Lil Nas X 

10 2 

COLUMBIA 

O.FEDI, B.SLATKIN, R.B.TEDDER, KBEAZY 

(M.L.HILL, O.FEDI, B.SLATKTIN, R.B.TEDDER, K.C.BACH) 

TRAITOR Olivia Rodrigo 

D.NIGRO (O.RODRIGO, D.L.NIGRO) 

GEFFEN/INTERSCOPE 

COLD BEER CALLING MY NAME Jameson Rodgers Feat. Luke Combs 

C.FARREN, J.D.MITCHELL (J.RODGERS, 

H.PHELPS, BRETT TYLER, A.VANDERHEYM) 

Artist 

IMPRINT/PROMOTION LABEL 

RIVER HOUSE/ 

COLUMBIA NASHVILLE 

PEAK 

POS. 

WKS. ON 

CHART 

9 19 

26 13 

FOTO BILLIE EILISH: KELIA HURD: ANNE NICK MACCLUSKEY 

FLETCHER. DRAKE: COURTESY OF REPUBLIC RECORDS. 

he 34-year-old 

alamazoo, Mich., native’s 

rst Hot 100 entry also 

olds its No. 4 high on the 

ot Country Songs chart. 

ow did “Chasing After You” 

ome together? 

YAN HURD It’s an older song 

hat was on hold for other artists. 

n Nashville, everybody knew the 

ong from it being played at writrs’ 

rounds. The fact that it fell 

o me and [spouse] Maren, we 

till can’t believe it. I’m proud of 

ongwriters] Brinley Addington 

nd Jerry Flowers — I’d never 

eard anything in Nashville like it 

efore. It has that guitar part that 

ollows the vocal melody, and it 

akes the entire song. 

4 

DRAKE 

FEAT. FUTURE AND 

YOUNG THUG 

“Way 2 Sexy” 

he song becomes 

rake’s recordxtending 

and miletone 

40th No. 1 on the 

ainstream R&B/Hipop 

Airplay chart. He 

ow has twice as many 

aders as runner-up 

il Wayne. 

How has writing songs 

for others shaped your 

own solo career? 

I put my first music out as an 

artist in 2017. I had to learn so 

much between then and now. 

Going from being a staff writer 

in Nashville and having a couple 

of hits under my belt, you think 

that’ll translate into either people 

giving a shit about your career 

or into actually being a good 

artist. The fact is, songwriting and 

being a recording artist have very 

little to do with each other. 

21 18 

16 

TAKE A DAYTRIP, O.FEDI, R.LENZO 

(M.L.HILL, D.M.A.BAPTISTE, D.BIRAL, O.FEDI, R.LENZO) 

D.BAYLEY (D.BAYLEY) 

Tell me the story behind 

your debut album title, 

Pelago [out Oct. 15]. 

I wrote “Coast” with Aaron Eshuis, 

and it was a hard song to get 

right. We needed a placeholder 

word that rhymed with Chicago. 

We said “pelago,” not knowing 

anything. Then we realized this 

is the exact word we needed. It 

means open sea and overwhelming 

passion [in Latin], and those 

two themes run through the 

entire album. It just clicked. 

WOLF TONE/POLYDOR/REPUBLIC 

NEED TO KNOW Doja Cat 

DR. LUKE (A.Z.DLAMINI, L.S.GOTTWALD) 

KEMOSABE/RCA 

10 13 17 GIRLS WANT GIRLS Drake Feat. Lil Baby 

18 

19 18 

30 20 19 

50 35 20 

OZ, AMBEZZA (A.GRAHAM, D.A.JONES, O.YILDRIM, M.D.LIYEW) 

OVO SOUND/ 

REPUBLIC 

YOU RIGHT Doja Cat & The Weeknd 

DR. LUKE (A.Z.DLAMINI, L.S.GOTTWALD, A.TESFAYE) 

KEMOSABE/RCA 

BEGGIN’ Maneskin 

L.FABBRI (P.FARINA, B.GAUDIO) 

SONY MUSIC LATIN/ARISTA 

WOCKESHA Moneybagg Yo 

YC, REAL RED, J.ROCKAMORE (D.D.WHITE, JR., E.B.JORDAN, 

M.DEBARGE, C.PEARSON, J.D.NELSON, J.ROCKAMORE) 

CMG/N-LESS/ 

INTERSCOPE 

15 37 

14 16 

2 4 

11 14 

19 14 

20 23 

39 32 27 

NEW 28 

34 27 

29 

20 23 30 

CHASING AFTER YOU Ryan Hurd With Maren Morris 

A.ESHUIS, T.REIMER (B.ADDINGTON, J.FLOWERS) 

ARISTA NASHVILLE 

BAD MORNING YoungBoy Never Broke Again 

DUBBA-AA, M.LAURY, THE LOTTERY 

(K.MATTOX, A.LOCKHART, M.LAURY, W.G.MOSLEY JR.) 

27 22 

28 1 

NEVER BROKE 

AGAIN/ATLANTIC Billie Eilish’s 

“Happier Than 

CARBON Ever FIBER/SONY ”- MUSIC producido 

y coescrito LATIN/THE ORCHARD por su 

hermano, FINNEAS 

– alcanza GEFFEN/ un nuevo 

puesto INTERSCOPE entre los No. 

15 en el Mainstream 

Top 40. 

PEPAS Farruko 

IAMCHINO, V.CARDENAS, SHARO TOWERS, K4G, GHETTO (C.E.REYES-ROSADO, F.J.MARTINEZ, M.G.PEREZ, 

K.QUIROZ, A.BAUZA, A.R.QUEZADA FULGENCIO, V.A.CARDENAS OSPINA, J.M.GOMEZ, J.C.GARCIA) 

DEJA VU Olivia Rodrigo 

D.NIGRO (D.L.NIGRO, O.RODRIGO, 

T.SWIFT, J.M.ANTONOFF, A.E.CLARK) 

36 28 31 HAPPIER THAN EVER Billie Eilish 

FINNEAS (B.E.O’CONNELL, F.B.O’CONNELL) 

DARKROOM/INTERSCOPE 

NEW 32 

31 33 33 

26 10 

3 26 

11 9 

YOUR HEART ¿Cómo Joyner se dio “Happier Lucas & J. Than Cole Ever”? 

32 1 

PALAZE, LC BEATS, HAGAN (G.M.LUCAS, JR., J.COLE) 

TWENTY NINE 

FINNEAS: Estuvimos en Dinamarca en 

LEAVE THE DOOR OPEN 2 Silk Sonic (Bruno Mars & Anderson .Paak) 

BRUNO MARS, D’MILE (BRUNO 

verano 

MARS, 

del 2019 y con mucho jet-lag. 1 30 

AFTERMATH/ATLANTIC 

B.ANDERSON, D.EMILE II, C.B.BROWN) 

Tenía esta pequeña guitarra de juguete 

HURRICANE Kanye West 

6 5 

que conseguí en Guitar Center por $80, y comenzamos a escribir la melodía del 

primer 26 coro. 31 Ocho 34meses K.WEST, BOOGZDABEAST, después, M.G.DEAN, estábamos DJ KHALIL, RONNY J, OJIVOLTA encerrados (K.O.WEST, A.TESFAYE, D.A.JONES, y revisamos J.GWIN, G.O.O.D./ esa idea; 

K.ADBDUL-RAHMAN, R.O.SPENCE JR., M.G.DEAN, R.CUBINA, M.WILLIAMS, M.MBOGO, D.SEEFF, S.BARSH, J.MEASE) DEF JAM 

ahí escribimos la segunda parte con una guitarra acústica, la gente no esperaría al 

escuchar. Terminamos A-O-K de escribir en junio de 2020. Por lo general, Tai Verdes las canciones se 

46 39 35 A.FRIEDMAN (T.J.COLON, 

35 13 

escriben rápidamente ARISTA 

A.FRIEDMAN, y creo que M.T.KONIJNENBURG, es un testimonio B.W.BRUNDAGE) de lo larga y sinuosa que es esa 

canción. Fue un proceso realmente gratificante. 

BUTTER BTS 

14 24 36 R.GRIMALDI, S.KIRK, R.PERRY (J.ANDREWS, 

HYBE/BIGHIT 1 19 

¿Qué inspiró el formato R.GRIMALDI, de S.KIRK, varias RM, A.BILOWITZ, partes S.GARCIA, de la R.PERRY) canción? MUSIC/COLUMBIA 

Intento producir música de la ON forma MY en SIDE que siento YoungBoy que la Never canción Broke merece Again sonar. 

- 71 37 STM LEOR, HAZE, CHEESE 

NEVER BROKE 37 2 

La canción merecía algo dinámico, (K.D.GAULDEN, y quería L.SHEVAH, asegurarme E.HAYES, J.GOLDBERG) de que AGAIN/ATLANTIC la producción no 

se interpusiera en la voz, pero que ayude a impulsar esa emocionalidad: el asunto 

sobre el que 

TOO EASY Gunna & Future 

NEWcanta 38es muy WHEEZY, vulnerable. S.MOMBERGER (S.G.KITCHENS, Lograr que esa combinación GUNNA/YOUNG de guitarra 38 y 1 

voces al principio de la 

N.D.WILBURN, 

canción 

W.T.GLASS, 

sonara 

S.MOMBERGER) 

perfecta fue un verdadero 

STONER 

desafío, 

LIFE/300 

porque 

—JESSICA NICHOLSON 

quería que tuviera mucha 

LEAVE 

vibra 

BEFORE 

y textura. 

YOU LOVE ME Marshmello X Jonas Brothers 

32 26 39 19 19 

MARSHMELLO, ALESSO, HEAVY MELLOW, N.GALE (MARSHMELLO, P.J.PLESTED, N.J.GALE, 

R.P.B.BOARDMAN, P.BOWMAN, W.E.VAUGHAN, A.R.R.LINDBLAD, E.ROMANO, C.ARNOLD, G.MARROW, D.MARTIN) 

JOYTIME COLLECTIVE/ 

REPUBLIC 

Entre nominaciones al Grammy, premios en los charts y la reciente actuación 

TITLE NO WHERE YoungBoy Never Broke Again 

CERTIFICATION 

Artist 

NEW 40 TNTXD, DMAC, EINER BANKZ, CHEESE (K.D.GAULDEN, 

NEVER BROKE 40 1 

PRODUCER (SONGWRITER) 

IMPRINT/PROMOTION LABEL en Saturday Night Live, ¿por qué crees que está resonando en la gente? 

T.HORTON, D.H.MCDOWELL, E.BANKZ, J.GOLDBERG) 

AGAIN/ATLANTIC 

17 14 11 

No creo que a los oyentes les importe lo convencional, lo que les importa es cómo 

ESSENCE Wizkid Feat. Justin Bieber & Tems 

PEACHES 2 Justin Bieber Feat. Daniel Caesar & Giveon 

P2J, LEGENDURY BEATZ (A.I.BALOGUN, 

11 13responden 40 emocionalmente. 36 41 

STARBOY/RCA 

HARV, SHNDO Esa (J.D.BIEBER, canción A.WOTMAN, es G.D.EVANS, muy cómoda B.HARVEY, de interpretar RAYMOND en un 1 28 

R.ISONG, O.E.ONIKO, U.E.ONIKO, T.OPENIYI, J.D.BIEBER) 

entorno como Saturday 

L.M.MARTINEZ 

Night Live. 

JR., L.B.BELL, 

Ahí 

F.KING, 

es 

M.S.LEON, 

donde 

K.YAZDANI, 

se supone 

A.SIMMONS) 

que tiene 

BRAUN/DEF 

que 

JAM 

vivir la 

12 12 12 

SAVE YOUR TEARS 3 The Weeknd & Ariana Grande canción. Cuando hicimos 

FAMILY 

su primer 

TIES 

álbum, Baby siento Keem que lo & hicimos Kendrick en Lamar un dormitorio, 

MAX MARTIN, O.T.HOLTER, THE WEEKND (A.TESFAYE, 

1 42 25 

38 42 

A.BALSHE, J.QUENNEVILLE, MAX MARTIN, O.T.HOLTER, A.GRANDE) 

XO/REPUBLIC para que los niños lo escuchen BABY KEEM, CARDO ON en THE BEAT, su OUTTATOWN, habitación. ROSELILAH, DEATS, Hicimos J.L.HARRIS, FRANKIE “Happier BASH Than BABY KEEM/ Ever” 18 para 5 

(H.CARTER JR., K.L.DUCKWORTH, R.LATOUR, T.DEKKER, R.L.BACHA, D.PATRZEK, J.L.HARRIS, C.FRANKEN) PGLANG/COLUMBIA 

tocar en estadios y festivales. Realmente disfruté eso. 

13 9 

13 

MONTERO (CALL ME BY YOUR NAME) 3 Lil Nas X 

1 27 62 54 43 MEMORY I DON’T MESS WITH Lee Brice 

COLUMBIA B.GLOVER, K.JACOBS, L.BRICE (L.BRICE, B.MONTANA, B.DAVIS) 

CURB 

43 10 

2 WKS. 

AGO 

LAST 

WEEK 

THIS 

WEEK 

SHIVERS Ed Sheeran 

16 17 14 E.SHEERAN, STEVE MAC, FRED 

14 3 

(E.C.SHEERAN, J.MCDAID, STEVE MAC, K.LAVELLE) 

ATLANTIC 

Mayores 

15 16 15 HEAT WAVES Glass Animals ventas 

PEAK 

POS. 

WKS. ON 

CHART 

49 45 44 

38 

34 45 

LATE AT NIGHT Roddy Ricch 

20 17 

ATLANTIC 

MUSTARD, GYLTTRYP (R.W.MOORE, JR., 

D.I.MCFARLANE, S.R.KHAN ZAMAN KHAN) 

THINGS A MAN OUGHTA KNOW Lainey Wilson 

J.JOYCE (L.WILSON, J.D.SINGLETON, J.NIX) 

BROKEN BOW 

COLD HEART (PNAU REMIX) Elton John & Dua Lipa 

98 74 46 SAL 

Mayor 

cantidad de 

streamings 

64 44 

47 

63 79 48 

56 53 49 

Mayor 

cantidad de 

Airplays 

- 80 50 

N.LITTLEMORE, P.MAYES, S.LITTLEMORE, C.THOMAS, G.DUDGEON 

(E.JOHN, B.J.P.TAUPIN, P.MAYES, N.LITTLEMORE, S.LITTLEMORE) 

MERCURY/EMI/ 

INTERSCOPE 

MEET ME AT OUR SPOT THE ANXIETY: WILLOW & Tyler Cole 

W.SMITH, T.COLE (T.COLE, W.SMITH) 

MSFTSMUSIC/ROC NATION 

LIFE SUPPORT YoungBoy Never Broke Again 

SMASH DAVID, SMPLGTWY, RAVIS, STUNNER SAMPLES 

NEVER BROKE 

(K.D.GAULDEN, S.D.JIMENEZ, M.SAMUELS JR., T.TATAD, M.MORA, J.GOLDBERG) AGAIN/ATLANTIC 

I WAS ON A BOAT THAT DAY Old Dominion 

S.MCANALLY, OLD DOMINION (M.RAMSEY, T. ROSEN, 

W.SELLERS, G.SPRUNG, B.F.TURSI, S.MCANALLY, J.OSBORNE) 

ARISTA 

NASHVILLE 

LOVE NWANTITI (AH AH AH) CKay 

CKAY, TEMPOE (C.EKWEANI, A.M.CHIGOZIE) 

CHOCOLATE CITY/ATLANTIC 

32 20 

46 4 

44 3 

48 3 

49 13 

50 2 

SALES, AIRPLAY & 

THE WEEK’S MOST POPULAR CURRENT SONGS ACROSS ALL GENRES, RANKED BY RADIO AIRPLAY AUDIENCE IMPRESSIONS AS MEASURED BY MRC DATA, SALES DATA AS COMPILED BY MRC DATA AND STREAMING ACTIVITY DATA BY ONLINE MUSIC SOURCES TRACKED BY MRC DATA. SONGS ARE DEFINED AS CURRENT 

STREAMING DATA 

IF THEY ARE NEWLY RELEASED TITLES, OR SONGS RECEIVING WIDESPREAD AIRPLAY AND/OR SALES ACTIVITY FOR THE FIRST TIME. SEE CHARTS LEGEND ON BILLBOARD.COM FOR COMPLETE RULES AND EXPLANATIONS. © 2021 BILLBOARD MEDIA LLC AND MRC DATA INC. ALL RIGHTS RESERVED. 

COMPILED BY 

4 BILLBOARD BOLIVIA | DICIEMBRE 2021 

2 GO TO BILLBOARD.COM FOR COMPLETE CHART DATA

R 

REDES 

STAFF 

PRESIDENTE 

Enrique Rosenthal 

CEO 

Marco Valenzuela 

DIRECTOR 

Javier Pavisic 

RELACIONES INSTITUCIONALES 

Carla Ortíz 

MARKETING: 

Twiiti 

IMPRESIÓN 

American Iris Printing Company 

COLABORA EN ESTA EDICIÓN 

Vitorio Lema 

PRESIDENTE 

Jorge R. Arias 

CEO 

Juan Pedro Dondo 

DIRECTOR 

Santiago Torres 

CONTENIDOS 

Santiago Torres, Gustavo Serna, Julián 

Mastrángelo 

y Josefina Armendáriz 

COMERCIALIZACIÓN Y MARKETING 

comercial@grupoabc1.com 

0810 444 ABC1 (2221) 

Paula Alfaro 

ADMINISTRACIÓN 

administracion@grupoabc1.com 

CONTACTO 

info@grupoabc1.com 

Dardo Rocha 2188 (1640) 

Martínez, Buenos Aires 

PRESIDENT 

Julian Holguin 

EDITORIAL DIRECTOR 

Hannah Karp 

SVP CHARTS & DATA DEVELOPMENT 

Silvio Pietroluongo 

CREATIVE DIRECTOR 

Alexis Cook 

VP/LATIN INDUSTRY LEAD 

Leila Cobo 

INTERNATIONAL EDITOR 

Alexei Barrionuevo 

CHAIRMAN & CEO 

Jay Penske 

COLABORADORES 

DISEÑO 

Tute Delacroix 

FOTOGRAFÍA 

Tute Delacroix 

VIDEO 

Popi Graña 

COLABORAN EN ESTA EDICIÓN 

Alfredo Rosso, Flor Mauro y Benjamín 

García. 

DISTRIBUCIÓN 

Brihet e Hijos S.A. / Agustín Magaldi 

1448 (C1286AFH) 

011 4301 3601 (líneas rotativas) 

DISTRIBUCIÓN EN EL INTERIOR 

D.G. P. (Distribuidora General de 

Publicaciones S.A.) 

Alvarado 2118 / C.A.B.A. 

Billboard Argentina es una licencia de 

ABC1 Sociedad de Editores 

Dardo Rocha 2188, Martínez. Tel: 0810 

444 ABC1 (2221) 

info@billboard.com.ar 

www.billboard.com.ar 

CHIEF OPERATING OFFICER 

George Grobar 

MANAGING DIRECTOR, INTERNATIONAL 

MARKETS 

Debashish Ghosh 

ASSOCIATE VICE PRESIDENT, 

INTERNATIONAL MARKETS 

Gurjeet Chima 

ASSOCIATE DIRECTOR, INTERNATIONAL 

BRAND & PARTNERSHIP OPERATIONS 

Francesca Lawrence 

Billboard Bolivia 2021. Prohibida la reproducción total o parcial de los artículos sin la previa 

autorización del director. El material periodístico es de absoluta responsabilidad de sus autores. 

6 BILLBOARD BOLIVIA | DICIEMBRE 2021

Contenidos 

CHARTS 

3 Adele continúa en el número 1º por 

siete semanas con “Easy on Me” en el 

Billboard Hot 100. 

INTRO 

13 10 Grammys 2022: La música se 

reúne en Los Ángeles. 

ENTREVISTAS Y PERFILES 

16 Sebastián Carlomagno 

18 Rodrigo Alonso 

20 Enigma 

22 Llane 

24 SanLuis 

26 Wisin y Yandel 

28 Los N°1 

44 Tainy 

48 Tiago PZK 

56 Draco Rosa 

60 Keytin 

62 BB Asul, 

64 Sarai 

66 Delaossa 

68 Dulce María 

70 Maxiolly 

72 Diego Torres 

74 Parcels 

76 Álbumes del mes 

78 Bodas de Oro – 50 Años de 

Álbumes Clave: Hunky Dory, David 

Bowie 

- 

EN LA TAPA 

Avery y Monte Lipman 

fotografiado por David Needleman 

- 

FOTO: SAMI DRASIN 


Intro 

Nathy Peluso, nominada por Calambre 

64th Annual Grammy Awards 

La premiación de lo mejor 

del 2021 ya tiene fecha 

y nominados 

La entrega se llevará a cabo el próximo 31 de enero en el Staples 

Center de Los Ángeles, California. 

EL SEMÁFORO 

El streaming salvó a la 

industria musical en 2021, en 

algunos países el aumento 

fue de dos dígitos. 

L 

a nueva edición de los premios otorgados 

por la Academia Nacional de Artes y 

Ciencias de la Grabación de los Estados Unidos 

ya está en marcha. Los nominados fueron 

anunciados desde el Grammy Museum de Los 

Ángeles, California, desde un estudio a puertas cerradas, 

BTS, Maneskin, H.E.R, el comediante Nate Bargatze, Gayle 

King, Tayla Parx, Carly Pearce y Harvey Mason Jr. han sido 

los artistas encargados de desvelar la lista completa de los 

posibles galardonados en 2022. 

De esta forma, encabezan las nominaciones Jon Bastiste 

con 11, seguido de Justin Bieber, Doja Cat y H.E.R, quienes 

empataron con 8 nominaciones y Olivia Rodrigo y Billie 

Eilish, quienes acumularon 7. Nathy Peluso también será 

protagonista en la 64ª gala de los premios al estar nominada 

a Mejor Álbum Latino Rock o Alternativo por Calambre. 

Por su parte, Rauw Alejandro, con Afrodisíaco, integra la 

lista de artistas que van por el Mejor Álbum de Música Urbana, 

junto a El Último Tour del Mundo, Bad Bunny; José, J 

Balvin, y KG0615 de Karol G. 

En cuanto a Álbum del Año, algunos de los nominados 

son: Love for Sale, Tony Bennett y Lady Gaga; Justice 

(Triple Chucks Deluxe), Justin Bieber; Planet Her (Deluxe), 

Doja Cat; Happier Than Ever, Billie Eilish y Evermore de 

Taylor Swift. 

Y en cuanto a Canción del Año: “Bad Habits”, Ed Sheeran; 

”Drivers License”, Olivia Rodrigo; ”Happier Than Ever”, Billie 

Eilis; ”Kiss Me More”, Doja Cat Featuring SZA; ”Leave the 

Door Open”, Silk Sonic y “Peaches” de Justin Bieber Featuring 

Daniel Caesar & Giveon, entre otros, son los elegidos. 

Cierra el año con shows 

con salas al 100%, pero 

está latente la amenaza del 

aumento constante de casos 

de coronavirus. 

La actuación del rapero 

Travis Scott en el festival 

de música Astroworld en 

Houston, Texas, acabó el 

viernes por la noche en 

tragedia. 

FOTO: GENTILEZA SPOTIFY 


INDUSTRIA 

I 

FOTO: BILLBOARD 

¿Una tragedia evitable? 

¡Astroworld tenía una configuración inadecuada para una multitud ruidosa y poca o ninguna 

supervisión por parte de los ejecutivos de festivales más experimentados de Live Nation 

ravis scott alienta 

a la audiencia de sus 

T conciertos a "enfurecerse", 

por lo que su festival 

Astroworld, que el 5 de noviembre 

atrajo a 50.000 fanáticos al NRG 

Park en Houston, debió organizarse 

de manera que mantenga seguros a 

los asistentes. 

Pero ScoreMore Shows, que produce 

y promueve el evento, lo organizó 

de una manera al que varias 

fuentes comerciales de conciertos 

dicen que puede haber contribuido 

inadvertidamente al aumento de 

público que resultó en 10 muertes y 

cientos de heridos. También que la 

empresa matriz, Live Nation, rara 

vez ejerce una supervisión sobre los 

eventos organizados por sus subsidiarias 

que podrían haber señalado 

estos problemas antes de que fuera 

demasiado tarde. 

Eso es por diseño. El director 

ejecutivo de Live Nation, Michael 

Rapino, dirige la empresa con una 

POR DAVE BROOKS 

estrategia de gestión descentralizada 

que anima a los promotores 

que adquiere, como ScoreMore, a 

funcionar como unidades independientes, 

cada una responsable de 

sus propios ingresos y gastos. Eso 

fomenta el tipo de estrategias de 

reserva agresivas que mantienen la 

cartera de eventos de Live Nation 

llena de programas que generan tarifas 

de Ticketmaster, patrocinios y 

otros ingresos. Pero también significa 

que la experiencia de su personal 

más experimentado no siempre se 

comparte internamente. 

Rapino "ve a los promotores como 

emprendedores y no ve ninguna 

ganancia neta en forzar un enfoque 

único para todos", explicó un ex ejecutivo 

de Live Nation. "Las docenas 

de promotores regionales e independientes 

comprados por Live Nation 

operan más como una federación 

que como una corporación con su 

fuerza extraída de su alineación". 

A raíz de la tragedia del 5 de noviembre, 

Live Nation y ScoreMore, 

una empresa con sede en Austin que 

el megapromotor adquirió en 2018 

y ahora opera esencialmente como 

una subsidiaria, han sido criticadas 

por supuestamente tomar atajos en 

Astroworld, pero no por haber reducido 

costos. De hecho, el escenario 

creado solo para la actuación de Scott 

en el festival costó US$ 5 millones, 

según ScoreMore. El promotor también 

contrató a más de 500 policías, 

además de otros 700 guardias de 

seguridad para el festival, más de lo 

que es típico para un evento de ese 

tamaño. Sin embargo, al menos parte 

de la falla radica en la organización 

del evento, y aunque Live Nation tiene 

una gran cantidad de expertos en 

sus filas que podrían haber detectado 

problemas potenciales, las diversas 

divisiones de la compañía operan 

con considerable independencia. A 

veces eso los deja solos. 

La noche del 5 de noviembre, el 

cofundador y director ejecutivo de 

ScoreMore, Sascha Stone Guttfreund, 

estaba enfermo en casa, según 

numerosas fuentes, y cuando Astroworld 

se sumió en el caos, la responsabilidad 

de detener el espectáculo 

recayó en Brad Wavra, un veterano 

ejecutivo de giras. quien, según 

fuentes de la industria, no tiene mucha 

experiencia en la organización 

de festivales. (Wavra y ScoreMore 

no respondieron a múltiples solicitudes 

de comentarios, y Live Nation 

se negó a comentar sobre los eventos 

en Astroworld, más allá de las declaraciones 

públicas de simpatía). 

Astroworld presentó actos en dos 

escenarios: uno para los otros artistas 

en la alineación y otro para Scott, 

con el área de visualización frente a 

Scott's dividida en cuatro secciones 

por cuatro barricadas. 

Uno corría perpendicular al escenario, 

dividiendo al público en dos; 

los otros se colocaron paralelos al 

escenario: uno justo enfrente, otro 

a la mitad del área de visualización 

principal y otro frente a las cámaras 

de video al final de esa área. Tales 

configuraciones, que son comunes 

en los festivales de admisión general, 

están destinadas a proteger a los fanáticos 

cerca del escenario al limitar 

la cantidad de personas que pueden 

avanzar hacia ellas. 

Sin embargo, a diferencia de la 

mayoría de festivales con multitudes 

potencialmente agresivas, el área 

frente al escenario de Scott no tenía 

barreras en los lados izquierdo y derecho. 

Su escenario tenía 200 pies de 

largo, más de tres veces la longitud 

del escenario principal en Coachella, 

y dado que casi toda la acción 

tuvo lugar en el centro, los asistentes 

al concierto entraron en el área de 

visualización principal desde ambos 

lados, luego empujaron hacia el medio, 

según a numerosas cuentas. 

A medida que la multitud empeoraba, 

los fanáticos terminaron 

rodeados por tres lados por barreras 

destinadas a protegerlos. Incluso antes 

de que Scott subiera al `escenario, 

la multitud estaba tan apretada 

que algunos fanáticos comenzaron 

a saltar sobre las barricadas para escapar 

de una situación que algunos 

decían que ya se sentía peligrosa. 

Luego empeoró. La mayoría de 

los festivales programan las actuaciones 

de los principales artistas 

para que se superpongan con el fin 

de distribuir a la audiencia, pero 

Scott estaba programado para actuar 

después de que todos los demás 

actos hubieran terminado. 


13


FOTO: GENTILEZA ROSEVALLEY PRODUCTIONS

Año Nuevo 

Más de 30 artistas y un pedido 

de “Paz” 

Así se denomina el villancico interpretado por artistas de todo el país en el trabajo de 

Rosevalley Productions, productora audiovisual asociada a Billboard Bolivia. 

POR BILLBOARD CONTENIDOS 

E 

dward rosenthal, 

responsable de la letra, 

mencionó que la producción 

total de la canción, 

desde su concepción hasta la postproducción 

del videoclip, demoró más de tres meses, “teniendo 

por resultado un sublime villancico” de cuatro 

minutos de duración, cuyo productor ejecutivo 

resultó ser su hermano Enrique Rosenthal. El autor 

también indicó que realizó la canción junto a 

Daniel Arroyo quien compuso la música e hizo los 

arreglos musicales en colaboración de Jaime Ciero, 

mientras que los talentosos Ángel Blanchard y MC 

Chulo interpretaron la parte del rap. 

Daniel Arroyo, el compositor de la música, 

nos dijo que tenía una larga amistad basada 

en la música con Edward Rosenthal: “Cuando 

Billboard llegó a Bolivia, conocimos a muchos 

artistas talentosos en el primer gran concierto 

en Cochabamba, la mayoría de ellos de la nueva 

generación. Estuve pensando en cómo podríamos 

producir música con ellos cuando se me ocurrió 

la idea de unirlos a todos en una sola canción. Así 

nació la idea del villancico. Nunca antes había habido 

una producción de 34 artistas, y a todos les 

gustó la canción. Aprovechamos para transmitir 

un mensaje de paz tan importante en estos tiempos 

de conflicto y enfrentamiento que vivimos.” 

Algo parecido nos comentó Carlos Pipo Olmos, 

el director del video. “Era oportuno realizar 

este proyecto y reunir a tantos artistas para dar un 

mensaje de paz y armonía mediante de un villancico 

boliviano en estas circunstancias conflictivas 

en las que nos encontramos”, señaló. Pipo, 

viajando por todas las ciudades, grabando en los 

diferentes estudios de grabación, vivió el crecimiento 

de la música que fue sencilla al principio y 

sumaba cuerpo con cada artista que entraba para 

poner voces o tocar instrumentos. 

Artistas consolidados como Jacob Aranibar, 

Mariana Massiel, Leo Rosas, Israel Alarcón, Gary 

Suárez, Wally Zeballos, Fher Rivero, Marco Veizaga, 

Dan Valdés y Vitorio Lema, entre otros, 

se unieron con figuras emergentes en la música 

nacional para regalarnos una hermosa interpretación 

que busca dar un poco de “Paz” a través de 

sus melodías; es por eso que esa significativa palabra 

le da el título a la canción. 

“Este villancico boliviano ya por sí demuestra 

unidad, armonía, fe y amor, que es justo lo que 

Jesucristo quiere para nuestras vidas. En estas 

fechas, hace muchos años, José y la Virgen María, 

embarazada, caminaban en busca de albergue 

para dar a luz y no lo encontraban, pero no 

perdieron la esperanza. Justamente de eso trata 

la canción y nos invita a que podamos abrir una 

puerta a otros que necesitan ayuda y también 

quieren ser felices. El mismo Jesús llama a nuestra 

puerta y quiere que lo dejemos entrar en nuestro 

corazón”, comentó Edward Rosenthal, añadiendo 

que Rosevalley Productions y Billboard Bolivia 

desean ser también una luz, queriendo que la música 

y los músicos crezcan en el país, que haya colaboración, 

que se amplíen horizontes, que haya 

buenos proyectos e ideas y que haya más gente 

que apoye el arte. 

“Nunca pensamos que nos tomaría tanto tiempo 

esta producción, pero lo logramos y estamos 

muy contentos por ello”, nos relata Daniel Arroyo. 

“En el proceso se tomó el tiempo suficiente para 

contactar a cada artista y conocerlo en persona. 

Revisé el material de cada cantante para poder 

clasificarlo y ver qué parte sería ideal para cada 

uno de ellos. Era importante que cada asistencia 

fuera especial y no forzada por la cantidad de 

cantantes. Fue una de las tareas más difíciles que 

me tocó, todo un rompecabezas, ya que la canción, 

además, sube dos veces de tono. Se grabó en 

cinco diferentes ciudades y tuvimos que coordinar 

la producción con los estudios de grabación 

online. Para las voces se usaron 200 pistas de 

audio: 60 para las partes de cada uno y otras 140 

para el gran coro del final donde logramos dar 

la impresión de que estaban todos juntos en una 

gran sala de grabación.” 

Referente a la producción, la canción se grabó 

en diversos estudios a nivel nacional. En Sucre, 

fue en el estudio Inti (Gustavo Orihuela en el violín), 

en La Paz, en Gravity Studios (Marco Maciel, 

Wally Zeballos, Fher Rivero y Cristian del Rio), 

en Santa Cruz de la Sierra, fue en Parlamento Records 

(Mariana Massiel, Fer Gómez, Leydi Lach, 

Israel Alarcón, Isis Alvarado, Lucia Camacho, Leo 

Rosas, Ángel Blanchard, MC Chulo, Laura Ede, 

Gary Suárez y So Myung Jung en la guitarra), en 

Cochabamba, en Da Works Interaudio (Cami Pavisic, 

Jacob Araníbar, Edward Rosenthal, Mariana 

Giacoman, Luis Fernández, Beto Marileo, George 

Cenit, Enrique Daniel Rosenthal, María Elizabeth 

Rosenthal, Marco Veizaga, Dan Valdés y Luciel 

Izumi en el charrango), y finalmente en Tarija, se 

grabó en Living Room Studio (Vitorio Lema, Edu 

Moreno, Matías La Compañía, Roye Campero y 

Carlo Frigeri). 

“Son 34 artistas en total. Se invitaron a más, 

pero no pudieron participar debido a sus agendas; 

sin embargo, el resultado es increíble y estamos 

más que satisfechos”, afirmó Marco Valenzuela, 

CEO de Billboard Bolivia, acotando que la canción 

también tuvo la contribución de Jaime Ciero 

(EEUU) que, a su vez, introdujo a otros geniales 

profesionales como Chris Robles (quién colaboró 

a Jaime Ciero en la edición y mezcla), y Mark 

Santello (quién realizó el mastering) al proyecto 

para lograr el mejor villancico que se haya producido 

en Bolivia. 


15

POWER PLAYERS 

SEBASTIÁN CARLOMAGNO 

“La pandemia nos ayudó a 

profundizar nuestro negocio” 

Además de los shows en vivo, Move Concerts se introdujo en los últimos dos años en áreas como 

management, desarrollo de artistas, editorial y creación de contenidos para nuevos medios. El 

fenómeno de Tiago PZK, el regreso de Justin Bieber a Argentina y los espectáculos post pandemia bajo 

la mirada de uno de los ejecutivos más respetados de la región. 

POR SANTIAGO TORRES 

l ceo de move concerts 

para Latinoamérica 

E 

Sebastián Carlomagno 

profundiza acerca de 

la nueva etapa 360º adoptada en la 

organización a raíz de la pandemia 

y el trabajo por consagrar a Tiago 

PZK como uno de los representantes 

de Argentina en el mundo siendo 

el primer artista en español que 

Phil Rodriguez, reconocido Power 

Player y mentor del Rock In Rio 

decidió desarrollar de esta nueva 

camada de artistas que renuevan la 

escena. “Hemos traído la cultura y 

los valores de Phil desde el mundo 

de la producción y creo que eso ha 

llevado a que hoy estemos con Tiago”, 

cuenta Carlomagno. 

¿Cómo vivieron la venta de 

entradas del show de 

Justin Bieber en Argentina? 

Se agotó en pocas horas, fue un éxito 

la salida a la venta de la vuelta de 

Justin Bieber a la Argentina. El sistema 

de ticketing funcionó muy bien 

durante el stress que se produjo por 

la alta demanda que hubo. Tenemos 

muchos más shows por anunciar, 

piensen que todo lo que no se hizo 

durante la pandemia se hará en los 

próximos dos años. 

¿Cómo se calcula el precio 

del ticket de un artista 

como él? 

Tenemos el histórico de Justin Bieber 

y la información que logramos 

cuando vino la última vez. Hacemos 

un análisis teniendo en cuenta el 

precio en dólares de la última vez y 

la inflación. Desde ahí vamos construyendo 

los precios de los diferentes 

sectores. En la Argentina todo el 

tiempo hay devaluación, inflación y 

demás, por ende, este trabajo ya es 

algo habitual en nosotros. Tratamos 

de mantener una lógica igualmente, 

tenemos que ser justo con el fan y 

encontrar el equilibrio. 

¿Los soldouts están pasando 

en la Argentina o es un factor 

común en más regiones? 

Está pasando en todos lados. En la 


INDUSTRIA 

I 

FOTO: TUTE DELACROIX 

oficina de Puerto Rico, que fue la que 

primero comenzó, nos dimos cuenta 

cómo artistas de la talla de Rauw, 

Balvin o Jhay Cortez han duplicado 

la cantidad de shows y presentaciones 

que hacían antes. Hay una 

cuestión de querer disfrutar mucho 

más después de la pandemia. También 

creo que durante la pandemia la 

gente consumió mucho más música. 

Muchos nos refugiamos en la música 

frente a semejante situación. 

¿Crees que es una tendencia 

que llegó para quedarse? 

Sin duda hay un antes y un después 

para todo. El concepto del disfrute 

ha cambiado y esto vino para quedarse, 

por lo menos por un buen 

tiempo. Fue muy difícil estar encerrado 

y sentir esa rara sensación de 

no saber si iba a pasar. Esa parte psicológica 

tocó la sociedad y sin duda 

que todos queremos disfrutar más de 

las cosas linda de la vida. 

¿Se encontraban en un plan 

de expansión regional? 

Justo antes de la pandemia está- 

bamos trabajando en un plan de 

expansión que tenía como objetivo 

abrir nuevos mercados. Estamos 

retomando el plan y mucho más 

agresivo. Por ejemplo, en Brasil, que 

es nuestro principal mercado, hicimos 

una alianza estratégica que nos 

va a permitir crecer mucho más. 

También durante la pandemia abrimos 

nuevas unidades de negocio 

que no están transformando en una 

compañía más 360. Estamos muy 

entusiasmados, tenemos mucho 

para trabajar. 

¿Cómo fue el proceso de 

conseguir un artista como 

Tiago? 

Durante la pandemia nos vimos 

obligados a investigar la industria 

digital de la música, ante el freno de 

los shows en vivos. Lo parte digital 

de la música era lo que seguía funcionando. 

Durante la investigación, 

no encontramos con un semillero 

de artistas argentinos generando 

streaming y ocupando lugares importantes 

dentro de las plataformas 

digitales. Empezamos a ponerle 

mucha atención ahí y a partir de ese 

momento nos cruzamos con Tiago, 

fue algo orgánica y natural. A partir 

de esa conexión profundizamos 

muchísimo más y entendimos el negocio 

digital. Hay un cambio generacional, 

son artistas que vienen del 

mundo digital y no de Los shows en 

vivo, que fue la forma tradicional 

como surgían las grandes bandas 

de antes. Tocar de bar en bar. Creo 

que ahora el desafío está en llevar 

a estos artistas digital a que vendan 

tickets y en todo el mundo, el vivo 

sigue siendo lo más importante 

para un artista, y ahí es en donde 

nosotros con nuestra experiencia y 

nuestros nexos con el mundo anglo, 

tenemos mucho para aportar. 

¿Solo en Argentina Move 

se transformó en un 360? 

Hemos desarrollado un modelo llevando 

el 360 a toda la región. Abrimos 

Move Management, GrandMove 

Récords y GranMove Publishing 

en los EEUU y Argentina 

con estructura propia especializa 

en Markentig, Digital, Prensa y Manager. 

Esta estructura se amplifica 

con nuestras oficinas de Move en 

cada mercado y con un acuerdo de 

licenciamiento con Warner / ADA / 

Sony Publising que nos permite llegar 

a todo el mundo. 

¿Podrían aparecer Tiagos 

en distintos países? 

Hoy estamos focalizados en Tiago, 

es clave acompañar al artista en 

este momento de su carrera y todo 

va pasando muy veloz. Somos una 

compañía que lo está acompañando 

en todo su desarrollo. Pero si duda 

estamos haciendo un trabajo en 

donde está dejando bases importantes 

para cualquier nuevo talento que 

surja en Latinoamérica. 

¿Es la era de los equipos? ¿Cómo 

juegan las majors en estos artistas? 

El modelo discográfico ha combinado 

con el surgimiento de las 

plataformas digitales. Hoy un artista 

tiene que tener un equipo pensando 

todo el tiempo en su proyecto, con 

una mirada 360 y ese equipo debe 

apoyarse junto con el equipo de 

una majors para llevar el proyecto 

a todo el mundo. Ese es el modelo 

que nosotros estamos proponiendo. 

Un trabajo especializado con un alcance 

internacional. 

¿Desde la independencia 

no se puede lograr lo 

mismo? 

Yo creo que todo puede pasar. Subir 

una canción a las plataformas es 

algo que está al alcance de la mano, 

pero creo que para tener un proyecto 

con más alcance y de largo plazo, 

el artista necesita de un equipo que 

lo acompañe. 

¿Qué rol juega Phil 

Rodriguez? 

Phil tiene una trayectoria increíble, 

él ha visto crecer a muchos artistas 

internacionales desde arriba de una 

tarima, The Police, Bruno Mars, 

Maroon 5, Ed Sheeran entre otros. 

Es un productor que ha colaborado 

en el desarrollo de artistas anglos 

en Latinoamérica. Es el socio perfecto 

para los manager’s y agentes 

que necesitan entender un mercado 

que es especial por el lugar que 

ocupamos. Entender la lógica de 

Latinoamérica son años de trabajo. 

Que se haya entusiasmado con el 

proyecto Tiago, se me pone piel de 

gallina. Su rol es clave para llegar a 

niveles más altos, el mundo anglo. 

Él tuvo un primer sueño que fue 

llevar los artistas anglos a Sudamérica 

y ahora tiene otro sueño, el de 

llevar un artista de Sudamérica al 

mundo anglo. El haber entendido el 

mundo digital, el haber preparado 

un modelo negocio especializado en 

ese mundo, nuestra experiencia en 

los shows en vivos y transformarse 

todo en un nuevo sueño de Phil, me 

entusiasma mucho, creo que podemos 

llegar muy lejos. 

¿En qué quedó Rock in 

Buenos Aires? 

En un momento se habló, se iba a 

hacer, se iba mantener su nombre 

original como paso en Lisboa y Madrid, 

pero para llevar adelante un 

festival se necesita tiempo e inversión 

y a veces asusta mucho hacer 

semejante esfuerzo en un país muy 

inestable política y económicamente. 

En un momento vamos por acá, en 

otro momento vamos para allá. Difícil 

con tantos cambios de dirección. 

¿Cómo manejás tu agenda 

con el regreso de los 

shows? 

Obviamente, todavía nos estamos 

nos estamos acomodando, los 

shows aparecieron de un momento 

a otro. Pero estamos acostumbrados 

a estos cambios bruscos. Estamos 

contentos, siempre decíamos, cuando 

vuelvan los shows vamos a volver 

más fuertes, y creo que lo hemos 

logrado. En estos dos años donde 

la industria se paró, el objetivo era 

mantener la cabeza arriba del tsunami 

y , profundizar nuevas unidades 

de negocios y nos volvimos una 

compañía 360º. 

¿Cómo ves el regreso del 

trabajo presencial en las 

oficinas? 

Depende de la unidad de negocio, 

pero creo que la oficina, el trato, el 

día a día, resuelve muchas cosas más 

que un zoom. La industria es dinámica, 

tenés que estar comunicándote 

todo el tiempo, es clave. Para nosotros 

creo que es el trabajo de oficina. 

Igual, si nos permitió estar mucho 

más comunicados con la región, un 

diálogo constante y eso para todo lo 

que está pasando es muy bueno. 

¿NFT, Metaverso, 

Zuckerberg? 

Es algo que viene creciendo día a 

día. Nosotros no dimos ese paso 

aún, pero lo tenemos en nuestras 

agendas de trabajo. Es un mundo 

que viene, que está y que va a seguir 

creciendo, obviamente lo tenemos 

que involucrar en nuestro esquema 

de negocios. Tenemos muchísimas 

ideas, pero también hay una agenda 

de trabajo y creemos en la focalización, 

poner foco en los proyectos 

es lo que tenemos que hacer para 

poder lógralos. Pero está en nuestra 

agenda de trabajo. 


17

FOTÓGRAFOS 

Rodrigo Alonso 

“La magia está en 

saber mirar” 

FOTÓGRAFO; DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA; DIRECTOR Y PRODUCTOR AUDIOVISUAL, DEDICADO 

MAYORMENTE A ESPECTÁCULOS Y DOCUMENTALES: “LA MÚSICA SIEMPRE ME ACOMPAÑÓ, 

Y PODER COMBINARLA CON LA FOTOGRAFÍA GENERA UN AMBIENTE EN EL QUE ME SIENTO 

CÓMODO Y PARTE DE ÉL”. 

POR BILLBOARD CONTENIDOS · FOTOS: RODRIGO ALONSO 

RETRATO DE RODRIGO ALONSO: FRANCO ALONSO 

Fui fotógrafo repetidas 

veces de casi todos 

los festivales musicales en 

Argentina, los que disfruté, 

hice muchos amigos y aprendí 

muchísimo. Me gusta dar una mano 

a quienes lo necesitan y pasar mis 

conocimientos sin guardarme nada”, 

abre la charla Rodrigo Alonso. 

¿Qué fotógrafos son una 

inspiración? 

Me inspiran las fotografías independientemente 

del autor, me inspira la 

obra no el artista. Es tan subjetivo 

que resuena con cada uno de manera 

distinta. 

¿Cuál es tu mejor foto? 

Intento llevarme la mejor foto de 

cada trabajo que realizo. No tengo 

una mejor foto, tengo un montón de 

fotos que están buenísimas. No sé 

cómo se sentiría eso, ¿y ahora que 

tengo la mejor foto, que hago? Creo 

que esa foto me la da los momentos 

que vivo para hacerla. Las fotos para 

publicar suelen ser las que menos 

esfuerzo me dieron, para mí las fotos 

que te cuesta sacar son las que 

con más cariño vas a recordar. 

¿Cuáles son las cámaras y equipos 

que más usas? 

En estos momentos para foto 

solo estoy usando una Canon 

5DMark III, y los objetivos que más 

uso son el 17-40, 24-70 y 70-200, 

con esto cubro todo lo que necesito 

y para salir liviano llevo el 24-105 

que es todo terreno. La cámara 

nunca fue fundamental para sacar 

una buena foto, pero tener un buen 

equipo que responda a tus necesidades 

ayuda muchísimo. 

¿El futuro de la fotografía incluye 

video o movimiento? 

La foto es todo, el video es una secuencia 

de fotos, la fotografía como 

foto estática va a seguir siendo única, 

pero el video la va a sobrepasar. 

La foto como la conocemos no creo 

que desaparezca mañana, pero es 

cuestión de tiempo. Las cartas ya 

casi no se envían, mandamos mails, 

los teléfonos particulares ya fueron, 

usamos celular, hasta hace no mucho 

nos llamábamos y ahora nos 

mandamos audios. Todo se mueve 

¿pensás que las fotos no? 

¿Cómo analizás la evolución de 

la profesión? 

Antes éramos pocos los que teníamos 

una cámara de fotos, entonces 

vos dependías de esa persona que 

tenía ese conocimiento y esa herramienta. 

Con la aparición de las 

cámaras digitales cualquiera puede 

ponerse a probar y si no te gusta 

la foto la borrás sin costo alguno. 

Luego, al explotar las redes sociales, 

todos tuvieron la necesidad de sacar 

fotos, entonces el fotógrafo sigue 

siendo valorado como profesio- 


nal, pero se ve solapado por nuevas 

imágenes con nuevos dispositivos 

y nuevas formas de trabajar que en 

la profesión en sí se superpone con 

el trabajo del Fotógrafo Profesional 

Clásico. En la música también sucede: 

hoy día no hace falta saber música 

para poder generarla, pasó a estar 

al alcance de todos. Ahora para destacarte 

tenés que hacer la diferencia, 

por eso hoy lo que vale es la foto, es 

la obra, desde mi perspectiva. 

¿Qué tiene que tener un fotógrafo 

para destacarse? 

Lo principal que tiene que tener es 

un buen ojo, decir corazón ya no 

va más para mí, conozco muchos 

fotógrafos sin corazón que sacan 

muy buenas fotos y músicos que interpretan 

canciones hermosamente 

y no tienen corazón. Un fotógrafo te 

saca la mejor foto con una cámara 

de papel, tiene que mostrar su subjetividad. 

En lo profesional hay otros 

aspectos, pero sobre todo tratar de 

ser originales, espontáneos, desde 

su propio ser -algo difícil por la gran 

contaminación visual que vemos 

día a día-. Creo que la magia está en 

eso, no en una foto copiando técnicas 

sino desde la originalidad, que 

muestre la subjetividad; allí creo que 

están las mejores fotos. Si creo válido 

buscar inspiración en otras obras que 

pueden alimentar tu creatividad y jugar 

con eso. Así salen cosas buenas. 

¿A quién le falta sacarle una 

foto? 

No me faltan fotos, no tomo a la 

fotografía como una colección de 

imágenes. Pero dentro de este juego 

imagino que me faltaría Luis Alberto 

Spinetta, Gustavo Cerati o Michael 

Jackson, por ejemplo, que son artistas 

con los que crecí y ya no están. 

Pero me siento afortunado de poder 

sacarle fotos y trabajar con artistas 

que formaron parte de mi historia. 


19

I 

INDUSTRIA 

Manuel Migoya, 

Matías Loizaga y 

Facundo Migoya. 

“Es una revolución, llegó la 

era crypto al arte” 

Destacan que han creado el primer marketplace de NFTs relacionado a la música y al arte en 

general de Latinoamérica. “Tendemos un puente entre los fans, los artistas emergentes y sus 

artistas favoritos, a través de la tecnología blockchain”. 

POR BILLBOARD CONTENIDOS 

roponemos un esacio de unión 

entre el entorno crypto y la cultura, 

I fomentando una red autentificada de 

apoyo mutuo entre artistas, coleccionistas 

y fans, donde confluyan todos los que se 

preocupan por el futuro de la expresión digital. 

Con los NFTs se crea un activo, o experiencia 

única e irrepetible, que incluso da la oportunidad 

a artistas emergentes de colaborar con sus pares 

consagrados en la creación de nuevas obras de 

arte. ENIGMA.ART pretende construir una nueva 

economía creativa”, señalan. 

Ellos son Manuel Migoya, Matías Loizaga y 

Facundo Migoya. 

¿Cuánto hay de mito y de verdad que 

pueden ser la salvación para los creadores 

de contenido? 

M. L.: Es cien por ciento verdad y estamos muy 

contentos y entusiasmados y nos sentimos partícipes 

de este movimiento que llegó para quedarse. 

Es una revolución, un cambio de paradigma. 

Llegó la era crypto en el arte y es una forma nueva 

que le da al artista otra manera de vincularse con sus 

fanáticos. Es disruptivo. Estamos creando la primera 

plataforma, un Marketplace, que luego va a evolucionar 

con otras herramientas crypto. 

F. M.: Nos dimos cuenta de que ningún gran 

artista estaba “minteando” [proceso de acuñar un 

NFT, creación de un activo único representado 

digitalmente] y lo vimos como una oportunidad. 

De todas maneras, la idea no solo es ofrecer un 

Marketplace sino reinventar la manera en que financian 

los artistas. 

¿Qué proyectan a corto plazo? 

M.L.: Nos interesa expandirnos y tener artistas de 

Brasil, Colombia, España… de toda Iberoamérica 

para empezar y después el mundo entero, colaborando 

con nosotros, desarrollando NFTs. Ponemos 

un equipo a disposición del artista. 

De esta manera, la plataforma brinda una conjunción 

de NFTS intangibles y novedosos (en música: 

versiones inéditas de grandes artistas, multitracks de 

canciones, reversiones, demos, videos inéditos, venta 

de loops, samples; en imágenes: gifs, animaciones, 

colaboraciones entre artistas plásticos y músicos, 

etc) junto a la innovación de ofrecer NFTs combinados 

a experiencias tangibles aspiracionales (tickets 

a shows en ubicaciones únicas y con asistencia al 

soundcheck, master classes, golden tickets, meet 

& greets, compra de merchandising autografiado, 

memorabilia o instrumentos de artistas certificados, 

freestyle con tu artista favorito, etcétera). La forma 

de venta es a través de precio fijo o subasta directa 

con o sin precio de base y por tiempo determinado. 

El precio de cada NFT será determinado instantáneamente 

por la demanda del mismo. El contenido 

del catálogo inicial de ENIGMA.ART será curado y 

seleccionado especialmente junto a sus creadores. 

“ENIGMA.ART es el ecosistema donde convive 

lo más destacado de la cultura musical Latinoamericana 

y sus artes complementarias. El pasado, el 

presente y el futuro del arte confluye aquí”, indican. 

Cualquiera puede crear un perfil en el portal 

para comenzar a recopilar NFT. Todo lo que necesario 

es una billetera digital, Portal (RIPIO)/Meta- 

Mask y ETH, la criptomoneda utilizada para pagar 

todas las transacciones en Ethereum. Los artistas 

ponen a la venta sus NFTs de diferentes formas. 

Con precio de venta directa, el comprador puede 

adquirir el NFT por el precio fijo definido por el 

vendedor. Además, se puede subastar a un precio 

mínimo de reserva y una vez que se realiza la primera 

oferta, comienza una cuenta regresiva en la 

subasta de 24 horas. 

¿Se puede crear un NFT sin ponerlo a 

la venta? 

El site es curado, por lo tanto, no cualquiera puede 

subir sus NFTs. Sin embargo, se pueden comprar 

NFTs que están a la venta y venderlos de nuevo. 

¿Cómo funcionan las regalías? 

Cuando un artista crea un NFT, este puede decidir 

sobre el porcentaje de regalías que recibe de 

cada transacción secundaria que se realiza con el 

NFT. Esto permite que los artistas sigan recibiendo 

una parte de los ingresos por las transacciones 

secundarias de su NFT. 

FOTO: GENTILEZA ENIGMA.ART 


LLANE 

“Me gusta sentir espíritu de 

rock en el escenario” 

El oriundo de Medellín, ciudad que afirma está “llena de artistas 

enormes y se convirtió en una de las ciudades principales del mundo 

en cuanto a música”, presentó hace un mes la primera colaboración de 

este nuevo trabajo: “Puñales”, junto a Boza. 

POR SANTIAGO TORRES Y JULIÁN MASTRÁNGELO 

Luego del comienzo de su etapa 

solista hace dos años con el lanzamiento 

de “Más De Ti” - cuyo videoclip superó 

los 20 millones de reproducciones en su 

canal de YouTube - Llane continuó trabajando a 

lo largo de este tiempo en vista de lanzar su álbum 

debut. “El álbum tendrá colaboraciones sorpresa 

y será increíble, tengo muchas ganas de que el 

público pueda escuchar lo que estamos preparando”, 

afirmó. 

Previo a esta unión, más precisamente hace ya 

un año, el colombiano se reunió con su compatriota 

Manuel Turizo para lanzar “Será” - hoy en 

día con más de 17 millones de visualizaciones. 

“Manuel es un gran artista, estoy muy contento 

cómo salió esa conexión. Siento que tiene un gran 

camino por delante”, completó. 

¿Cómo te sentís en esta etapa con tantos 

singles? 

Estoy excelente. Esta última canción junto a Boza 

la compusimos hace muy poquito tiempo y salió 

realmente rápido. Ha sido difícil que la gente 

pueda creer en una canción tan rápidamente. A él 

lo invité con la total libertad de que hiciera lo que 

quisiera y tuviera ganas. 

¿Para cuándo un artista del cono sur? 

Dentro del álbum habrá muchos artistas que sorprenderán. 

Este es el primero y empezamos con 

Colombia y Panamá, pero quiero traer a gente 

que represente diferentes partes del mundo. 

¿En algún momento dudaste de vos 

mismo? 

Todo el tiempo, es normal que uno tenga 

momentos de duda. Ahí es donde se tiene que 

encontrar la fuerza de voluntad desde el corazón. 

Si hay personas que creen en ti y te quieren, es 

cuestión de tiempo que todo salga bien. 

¿Te sientes alguien nuevo con toda esta 

experiencia? 

Claro, obvio, y me encanta. Con respecto a algunos 

de los artistas del álbum, son muy fresquitos 

y me doy cuenta de que me siento ahí. La vida 

me ha llevado a una situación increíble artísticamente. 

Lo importante es tener humildad y dársela 

a los nuevos talentos, que son quienes permiten 

al final del día que nosotros podamos hacer algo 

novedoso. Me gusta mirar y aprender. 

¿Qué diferencia hay entre los chicos 

de 20 años hoy y la época cuando vos 

tenías su edad? 

Me parece que lo más importante es entender 

cómo uno puede mantenerse en la carrera y eso 

se logra con el tiempo. Existe el caso concreto 

de artistas argentinos que salen de las batallas de 

gallos y del freestyle y que logran dar el paso al 

mundo artístico con un trasfondo importante. 

Hay muchos artistas que han logrado un camino 

muy fuerte y hay otros que llegan a ser pioneros 

en lo que hicieron, como Paulo Londra, J Balvin, 

Juanes, Shakira… Ellos nos abren las puertas. 

¿Existe un camino más allá de la música? 

Siempre supe que dentro de lo que yo hacía 

podía estar en otro tipo de lugares como alguna 

serie o película y por suerte lo he podido lograr. 

Sin embargo, para mí la música lo es todo, 

diría que lo que más feliz me hace es subirme a 

un escenario y volver a conectar con el público. 

¿Por qué la diferencia entre el vivo y el 

estudio? 

Me gusta que mi banda suene en el álbum pero 

que se sienta en un show. Cuido mucho el sonido 

y los arreglos, me gusta sentir ese espíritu de rock 

en el escenario. 

FOTO: GENTILEZA WARNER 


I 

INDUSTRIA 

Música y dinero 

Los ganadores se llevan todo 

or años, los ejecutivos de medios 

y tecnología dijeron que la era de 

P los éxitos había terminado. Ahora que 

los consumidores en línea pueden elegir 

de entre las decenas de millones de pistas disponible 

en línea, los hits se volverían inevitablemente 

en menos importantes en relación con la gran cantidad 

de música existente (el autor Chris Anderson 

escribió sobre el modelo “the long tail” en 2004). 

Anderson escribió que los hits ya no tendrían “la 

fuerza económica que alguna vez tuvieron”. 

La realidad del mercado del streaming de mú- 

Olvidémonos del modelo de long tail, en el negocio del streaming de música, 

los hits importan más que nunca. 

POR ED CHRISTMAN 

sica es muy diferente. El año pasado, Drake obtuvo 

6.160 miles de millones de transmisiones de 

audio on demand en los Estados Unidos, según 

MRC Data - más que cualquier otro artista, y el 

0,7% de los 877,2 mil millones en total. Eso supera 

los 4,74 mil millones de streamings generados 

por los 53,69 millones de pistas que se reprodujeron 

menos de 1000 veces cada uno. 

Por todos los cambios en el negocio de la música 

(ahora dominado por lo digital sobre lo físico y 

streaming en lugar de ventas), los hits siguen siendo 

importantes como siempre. En 2020, casi la mitad 

de los 877,2 mil millones de streamings on demand 

en los Estados Unidos vino de solo 13,521 canciones 

que se reprodujeron más de 10 millones de veces, 

o 0.022% de los títulos que MRC Data rastreó. 

Para tener una idea de si (o cuánto) los éxitos 

dominan el negocio, Billboard utilizó un análisis 

de datos MRC de transmisión on demand para 

separar el mercado de 2020 en cinco “cubos”: 

canciones reprodujeron más de 10 millones de 

veces; entre 1 millón y 10 millones de veces; entre 

50.000 y 1 millón de veces; entre 100.000 y 

50.000 veces; y menos de 100 veces. Al comparar 

LIL NAS X. FOTO: DIMITRIOS KAMBOURIS/GETTY IMAGES FOR THE MET MUSEUM/VOGUE / 

JUSTIN BIEBER. FOTO: SAMI DRASIN / THE WEEKND. FOTO: ABEL BRIAN ZIFF / 


INDUSTRIA 

I 

MERCADO 

23.39 M 

5,9% 

TOTAL DE STREAMS ON DEMAND 

SEMANA A SEMANA 

El número de transmisiones de 

audio y video on demand que 

termina la semana del 9 de 

diciembre. 

18,53 M 

3,9% 

CONSUMO DE ALBUMS POR UNIDAD 

SEMANA A SEMANA 

Las ventas de álbumes más el 

equivalente de la pista álbumes 

más equivalente de transmisión 

de álbumes para la semana que 

termina el 9 de diciembre. 

1.062 T 

9,9% 

TOTAL DE STREAMS ON DEMAND 

AÑO TRAS AÑO HASTA LA FECHA 

El número de transmisiones de 

audio y video para 2021 hasta 

ahora el mismo período en 2020 

OLIVIA RODRIGO FOTO: THEO WARGO / GETTY IMAGES / 

DRAKE. FOTO: GENTILEZA REPUBLIC RECORDS / DUA LIPA. FOTO: GENTILEZA WARNER MUSIC 

la industria actual con la de 25 años atrás, Billboard 

examinó un informe de 1995 de la empresa 

predecesora de MRC Data, Nielsen SoundScan, 

que separó las ventas de ese año en álbumes que 

vendieron más de 250.000 copias; entre 25.000 y 

250.000 copias; entre 5.000 y 25.000 copias; y menos 

de 5,000 copias. 

Los éxitos siguen siendo importantes en cualquier 

medida. Combinados, los dos primeros cubos 

de canciones se reprodujeron más de 1 millón 

de veces (lo que incluye 96.779 pistas, o solo el 

0,16% de la 61,2 millones disponibles) representaron 

ligeramente más de las tres cuartas partes 

del total del streaming on demand. En el otro 

extremo del espectro, incluso cuando se descuenta 

el 68,72% de las canciones que se reprodujeron 

menos de 100 veces, muchas de las cuales fueron 

subidas por aficionados, los 18,26 millones de 

canciones reproducidas entre 100 y 50.000 veces - 

el long tail muy cacareado que cuenta 

para el 29,8% de las pistas, solo cuenta para el 

6.25% de la escucha total. Culturalmente, la fácil 

accesibilidad de lo digital al streaming representa 

una revolución. En la música, sin embargo, no es 

un súper negocio. 

En 1995, los 336 álbumes que vendieron más 

de 250.000 copias - 0,2% de los casi 147.000 lanzamientos 

disponibles en ese momento, generaron 

casi 40% de las ventas. Combinado con el 

segundo cubo de álbumes que se vendieron entre 

25.000 y 250.000 copias, eso significó 3328 álbumes, 

o 2,2% de emisiones, representó el 72,5% de 

ventas totales. 

Al menos parte de la razón por la que el pequeño 

porcentaje de canciones ahora representa un 

gran porcentaje en el streaming total es que hay 

mucha más música disponible de la que había 

antes. Mientras que los consumidores en 1995 elegían 

entre 146.693 álbumes - que, combinados, 

probablemente contenían entre 1,5 millones y 

1,75 millones de canciones - en 2020, MRC registró 

61,189,195 canciones, y un equivalente a alrededor 

de 5 millones a 6 millones de álbumes. Pero 

el negocio de la música impopular no está explotando 

exactamente. En 1995, el 91,3% de los lanzamientos 

que vendieron menos de 5.000 copias 

contabilizadas representaron el 11% de las ventas, 

mientras que en 2020, el 98,56% de lanzamientos 

reproducidos menos de 50.000 veces constituyeron 

el 6,34% de consumo de streaming. 

La idea de que la cola larga representa una 

oportunidad comercial significativa tampoco se 

sostiene, al menos en lo que respecta a la transmisión 

de música. En 1995, el cubo inferior de 

134.000 álbumes que vendieron menos de 5,000 

copias cada una representaron 67 millones en 

ventas totales y generó alrededor de US$536 

millones en ingresos para los sellos, asumiendo 

un promedio precio mayorista de $8 por álbum. 

Sin embargo, el último año, los 60,3 millones 

de canciones en los dos cubos inferiores (que se 

reprodujeron menos de 50.000 veces cada uno y 

representa el 98,6% de pistas disponibles) contabilizan 

un total combinado de 55,64 mil millones 

de streams, es decir un 6,43% del total, y solo generaron 

$295 millones en ingresos, asumiendo un 

promedio por stream de US$ 0.0053. 

En otras palabras, incluso antes de incluir la 

inflación, el negocio de la música impopular está 

debajo de la mitad del cuarto que implicaba hace 

un siglo. Resulta que los éxitos tienen algo de vida 

después de todo. 


25

WISIN Y YANDEL 

“En este disco van a poder 

disfrutar del reggaetón de antes” 

Bajo el nombre de La Última Misión esta nueva producción marcará el 

cierre de un ciclo para los dos intérpretes. 

El dúo wisin y yandel se juntó este 

mes de diciembre para ofrecer a todos sus 

fanáticos el single y video musical titulado 

“Recordar”. 

El corte musical formará parte del nuevo álbum 

de los líderes puertorriqueños que está pautado 

para su salida al mercado la primavera del 2022. 

Bajo el nombre de La Última Misión esta nueva 

producción marcará el cierre de un ciclo para los 

dos intérpretes. 

“Recordar” es una canción que evoca la nostalgia 

de una relación del pasado y un himno a 

la celebración de las personas significativas en 

nuestras vidas. El video musical dirigido por Jessy 

Terrero, fue filmado en la República Dominicana y 

lleva plasmado esa característica explosiva que les 

caracteriza. 

El tema, llega a casi dos años del lanzamiento del 

pasado álbum de Wisin y Yandel, Los Campeones 

del Pueblo “The Big Leagues,” que fue el décimo 

álbum de estudio del dúo, y estrenó el 14 de diciembre 

de 2019. En ese entonces, tras una pausa 

de cinco años, Wisin y Yandel se unieron para su 

Como Antes Tour y no pasó mucho tiempo para 

que el dúo hiciera historia una vez más. En tiempo 

récord vendieron ocho espectáculos en el prestigioso 

Coliseo de Puerto Rico, estableciendo un récord 

para la mayoría de los espectáculos consecutivos 

que se han celebrado en el lugar, así como en el 

mayor número de espectáculos realizados allí por 

cualquier acto desde la inauguración del lugar, con 

un gran total de 25 exitosas presentaciones. 

POR FLORENCIA MAURO 

Están con nuevo lanzamiento en puerta, 

¿va a ser algo para Recordar? 

Yandel: Asimismo, estamos muy contentos de 

tener un sencillo como este, musicalmente es un 

afro beat, queríamos ir por ese estilo de ritmos 

donde nunca nos hemos enfocado, estamos muy 

contentos con el técnico que pudo captar esa vibra. 

¿Se fueron para el lado del romanticismo? 

Wisin: Quiero darle las gracias a David Guetta 

también, que tiene que ver con la producción, y a 

toda la gente talentosa que estuvo trabajando en 

esto. Creo que cuando tenemos la oportunidad de 

unir diferentes personas con diferentes talentos, 

visiones, culturas y estilos musicales ocurren este 

tipo de proyectos así que espero que les guste, 

“Recordar” es un tema que tiene esos tonos 

románticos, pero a la vez te hace bailar, tiene 

fusiones increíbles. 

Ustedes siempre logran hacer cosas 

nuevas, ¿saben de dónde sale eso? 

Yandel: Sale natural de nosotros, somos bien creativos, 

nos gusta evolucionar. El video lo hicimos 

en Santo Domingo con Jessy Terrero, combinamos 

el barrio, la humildad, de donde somos, con lo 

clásico, lo caro y eso se siente en el video, van a 

disfrutar de algo muy bueno. 

Wisin: En el 2010 cuando lanzamos Los Extraterrestres 

nos atrevimos a hacer cosas diferentes 

con Sexy movimiento que tiene una combinación 

electrónica muy diferente y este nuevo lanzamiento 

me recuerda a eso porque estamos saliendo 

de lo que están acostumbrados a escuchar de 

Wisin y Yandel, pero sin perder esa rítmica y ese 

sabor caribeño. 

¿Será esta la última misión? 

Yandel: De verdad que estamos disfrutando este 

momento, en el 2022 tendremos una gira y la 

gente podrá disfrutar del dúo de la historia. Ya 

tuvimos un show en México y fue impresionante, 

más de 90 mil personas, todos cantando las canciones 

y lo disfrutamos mucho. 

Wisin: Yo creo que después de dos décadas de 

música es necesario ir pensando no en un final, 

sino en cerrar ciclos de manera correcta, por eso 

estamos en esta última misión tratando de hacer 

cada detalle con mucho detenimiento y profesionalismo 

porque hay millones de personas esperando 

cosas grandes de nosotros, por eso creo que va 

a ser una gira épica, nosotros somos soñadores y 

todos los días nos levantamos con ganas de hacer 

cosas grandes, esperamos que nos apoyen en este 

nuevo capítulo y la pasen bien con nosotros. 

¿Hay cosas que les gustan hacer como 

antes? 

Yandel: En este disco van a poder disfrutar de 

ese reggaetón de antes, nos pusimos para eso, tenemos 

esa sazón de la raíz mezclado con la evolución 

musical de ahora, los ritmos actuales, de 

verdad que tenemos un gran disco con muchos 

estilos musicales, pero siempre enfocados en el 

reggaetón. 

Wisin: Creo que siempre es necesario ver lo que 

ha dado resultado, nosotros estamos sumergidos 

en el negocio todos los días para darle al público 

lo que quiere escuchar, creo que si ves “Rakata”, 

“Mírala Bien”, “Noche de Sexo”, “Sexy Movimiento”, 

“Algo me gusta de Ti”, “Te Siento”, se puede ver 

que muchos de ellos son reggaetón pero varios 

también son fusiones, la gente está acostumbrada 

a escuchar cosas refrescantes de nuestra parte, 

partimos del reggaetón pero siempre tratamos de 

evolucionar, esa es la mezcla. 

FOTO: GENTILEZA WISIN Y YANDEL 


PARA 

EL ÉXITO 

HACEN 

FALTA 

DOS 

INICIARON REPUBLIC RECORDS EN UN 

PEQUEÑO DEPARTAMENTO. DÉCADAS 

DESPUÉS, ES EL SELLO PRINCIPAL 

DE BILLBOARD DE 2021 Y EL VÍNCULO 

DE HERMANOS ES TAN SÓLIDO 

(Y LUCRATIVO) COMO NUNCA. 

POR JASON LIPSHUTZ 

FOTOS: DAVID NEEDLEMAN 


Avery (izquierda) y Monte 

Lipman fotografiados el 16 de 

noviembre en el East River 

Ferry en Nueva York. 


29

LOS N° 1 

quí es donde empieza 

A 

todo”, dice Avery Lipman, 

apoyado en una elegante mesa 

de caoba en un apartamento 

del Upper East Side. “Republic 

Records”. 

En esta fresca tarde de noviembre, 

está sentado junto a 

su hermano mayor, Monte, en 

el pequeño apartamento con jardín donde, hace 

un cuarto de siglo, se acurrucaron y empezaron 

un sello discográfico. No hay mucho espacio común, 

ni siquiera espacio para muebles, y los dos 

“dormitorios” están separados por una sola losa 

de pared. Unos metros por encima de las cabezas 

de los Lipman, tres ventanas rectangulares ofrecen 

un vistazo a los pies de los transeúntes que 

se arrastran por la calle 76; Debido a que el apartamento 

está debajo del nivel de la calle, explica 

Monte, las plagas nocturnas a menudo se arrastraban 

y arañaban las paredes. 

En aquel entonces, los hermanos de veintitantos 

pasaban incontables horas en esta mesa preparando 

anuncios publicitarios para una industria 

de la música pre-digital. Los Lipman se convirtieron 

en una mini línea de montaje insertando, 

grabando y etiquetando discos de vinilo y escribiendo 

cartas personales en un intento desesperado 

por lanzar sus carreras. “Cuando miramos a 

nuestro alrededor, lo único que recordamos son 

pilas y pilas de discos de vinilo, cartón y sobres”, 

dice Monte, acariciando el borde de la mesa. “Este 

era nuestro mostrador de correos”. Avery coloca 

la mano sobre el centro: “Aquí es donde llené el 

papeleo del Capítulo 11”. Aproximadamente dos 

años después de lanzar Republic como un sello 

independiente en 1995, gastando cada momento 

libre y esforzándose por una gran oportunidad, 

los Lipman se encontraron al borde de declararse 

en bancarrota. 

Luego, unos días después, llegó esa ruptura: 

KROQ, el gigante de la radio alternativa de Los 

Ángeles, acababa de tocar “Fire Water Burn” de 

Bloodhound Gang, tontos del rap-rock que fueron 

los primeros firmantes de los Lipman. De repente, 

los teléfonos de los Lipman no dejaban de 

sonar con preguntas sobre las ofertas de acuerdos 

de grupo y asociación. Finalmente, los hermanos 

podrían escapar del apartamento bajo la acera y, 

según observa Monte con una sonrisa, actualizarse 

a una oficina de Times Square que anteriormente 

se usaba como armario de escobas. 

“Creo que probablemente haya algún beneficio 

en no saber realmente qué tan alta era esta 

montaña”, recuerda Avery con un brillo en los 

ojos. “Empezamos en una pista sin darnos cuenta 

de que era el Monte Everest. Pero dijimos: 

‘Vámonos’”. Los Lipman han escalado ese pico y 

algo más. En sus oficinas actuales en el edificio 

de Universal Music Group (UMG) en Broadway, 

están a solo unas pocas avenidas al oeste, pero a 

mundos de distancia, de esa sucia primera sede 

de la República. 

Tienen una vista impresionante del West Side 

de Manhattan y el río Hudson, sin mencionar una 

variedad de premios y una colección de recuerdos 

a la par con los del Museo Grammy. Ellos supervisan 

una lista repleta no de actos novedosos, sino 

de las superestrellas del pop más importantes de 

la actualidad. Sin embargo, Monte, 57 (presidente 

/ director ejecutivo de Republic), y Avery, 55 

(presidente / director de operaciones del sello), 

hablan de sus luchas pasadas con un aire de reverencia. 

Ellos rematan las anécdotas de mala suerte 

del otro con sonrisas tímidas y asienten con la 

cabeza hacia el álbum Bloodhound Gang enmarcado 

escondido en la oficina de Monte detrás de 

una guitarra Taylor Swift firmada. 

Eso no es solo porque su historia tenga un final 

feliz, sino porque se ha compartido entre ellos. 

Como los únicos directores actuales de una marca 

importante que también fundaron, su longevidad 

en la industria no tiene precedentes. Republic 

termina 2021 como el sello número uno en la lista 

de fin de año de Billboard, la quinta vez que termina 

en la cima en los últimos siete años, gracias 

a una lista repleta de estrellas como Swift, Drake, 

The Weeknd y Ariana Grande. Este año, por primera 

vez, Republic encabeza las tres clasificaciones 

de etiquetas líderes de fin de año de Billboard, 

ubicándose en la cima de las listas de Top Labels, 

Billboard 200 Labels y Billboard Hot 100 Labels. 

“Lo que es particularmente excepcional acerca 

de Monte y Avery es su exitosa evolución de emprendedores 

enérgicos a ejecutivos globales sin 


FOTO TAYLOR SWIFT: GENTILEZA BETH GARRABRANT 

dente ejecutivo y gerente general de la etiqueta a 

partir de 2018. “Hay costos que van con eso, hay 

desafíos logísticos, hay cambios de última hora. 

Pero somos capaces de procesar eso y, afortunadamente, 

después de 18 meses o incluso más, tenemos 

mucha experiencia en eso y lo aprovechamos 

al máximo “. 

En 2021, eso significó satisfacer la necesidad de 

flexibilidad del nuevo mundo con la persistencia 

de la vieja escuela. Algunos de los mayores éxitos 

de Republic fueron el resultado de campañas promocionales 

rigurosas que duraron meses (a veces 

años). “Blinding Lights” de The Weeknd se lanzó 

a fines de 2019, alcanzó el número 1 a principios 

de 2020 y se convirtió en el mayor éxito de Hot 

100 de todos los tiempos a fines de 2021, gracias a 

un impulso prolongado que ayudó a mantenerlo 

en la lista para un récord. 90 semanas. El logro es 

la culminación de la propia inversión a largo plazo 

de Republic en The Weeknd, una vez un artista 

de mixtape de Toronto que ocultaba su rostro en 

las fotos de prensa y ahora el cabeza de cartel del 

espectáculo de medio tiempo del Super Bowl del 

año pasado, que nunca se desvió de su sonido o 

estilo en el camino hacia arriba. 

“Monte y Avery son los mejores en el negocio”, 

dice The Weeknd, quien firmó con Republic a 

través de la asociación del sello con su propio XO 

Records. “Y lo que me encanta de asociarme con 

ellos es su apertura a la visión del artista y los extremos 

que hacen para defenderla sin ajustarse a 

las presiones habituales de la industria”. 

Tomemos otro acto de Republic muy diferente: 

el grupo de rock británico Glass Animals. “Heat 

Waves” de la banda se benefició de una campaña 

de radio similar: después de aparecer en TikTok a 

principios de 2021, el sencillo de Dreamland del 

año pasado (el debut de la banda en Republic) 

obtuvo un impulso multiformato y finalmente 

llegó al top 10 de Hot 100 en su 42ª semana en la 

lista de noviembre. Republic estaba promocioperder 

de vista lo que les trajo su éxito en primer 

lugar: impulso, enfoque y pasión”, dice el presidente 

/ director ejecutivo de UMG, Lucian Grainge. 

“El hecho de que, a través de los años y los 

cambios del mercado y los cambios de la industria, 

sigan construyendo su negocio, sin dejar de 

romper con los artistas globales, es nada menos 

que extraordinario”. 

Y aunque ahora son profesionales pragmáticos 

con una trayectoria histórica, Monte y Avery 

aún se complementan perfectamente, tal como 

lo hicieron cuando eran niños que, en 1970, empezaron 

a trabajar juntos dirigiendo un puesto 

de limonada. Son igualmente cálidos y sociables, 

aunque Monte posee el tono ecuánime de un político 

y su afición por las metáforas deportivas, 

mientras que Avery es un narrador más caprichoso, 

sus cejas rebotan sobre una sonrisa traviesa. 

“Avery puede leer las hojas de té en un disco”, 

dice Wendy Goldstein, copresidenta de Republic, 

quien hasta hace poco era presidenta de West 

Coast Creative. “Avery pudo ver el futuro, lo que 

está despegando y lo que no, y leer muy bien. El 

conjunto de habilidades de Monte proviene de la 

promoción: comprender cómo a veces tienes que 

golpear a la gente con algo para que les guste “. 

Sin embargo, un rasgo destacado que comparten 

los hermanos es un impulso insaciable por 

llegar a la cima: tienen el sello número uno porque, 

están de acuerdo, cualquier cosa menos sería 

insatisfactoria. “Monte y Avery son competidores 

A-plus”, dice la vicepresidenta ejecutiva de UMG, 

Michele Anthony. “Son rudos, ingeniosos pero 

humildes, y nunca dan nada por sentado”. 

l último gran año de 

E 

REPUBLIC llegó en un momento 

precario. Después del 

cierre de la pandemia de CO- 

VID-19 el año pasado, la industria 

ha tratado gradualmente 

de recuperar su equilibrio, 

con una nueva normalidad 

que aún no se ha resuelto. A 

diferencia de 2020, cuando todos los principales 

eventos en persona cesaron después de mediados 

de marzo, las giras se reanudaron en 2021, con 

nuevas precauciones de seguridad y preocupaciones 

que varían según el artista y el mercado. A artistas 

importantes de Republic como The Weeknd 

se pospusieron las fechas de su gira y se cambiaron 

los lugares; Los artistas de la lista en ascenso, 

como el acto pop de Nueva Zelanda BENEE, 

desarrollaron nuevos fanáticos en los Estados 

Unidos durante el cierre, pero aún no han podido 

tocar para ellos. 

“Sabemos cómo solíamos hacerlo, sabemos 

cómo lo hacemos ahora, y luego está esta área 

intermedia que es muy gris e híbrida y un poco 

incómoda y se reinventa todos los días”, dice Jim 

Roppo, recientemente nombrado por Republic. 

copresidente que se desempeñó como vicepresi- 

“Monte tiene 

un instinto muy 

agudo. Él fue quien 

defendió mi paso 

del country al pop “. 

—TAYLOR SWIFT 

nando otro sencillo de Dreamland a principios de 

este año después de que “Heat Waves” tuviera una 

carrera en 2020, pero cuando los Lipman notaron 

algunos de los primeros datos sobre “Heat Waves” 

en línea, presionaron para volver a la pista pop 

rítmica. 

“Ellos vieron eso cuando yo no”, dice el líder de 

Glass Animals, Dave Bayley. “Nuestro chico de 

A&R siguió adelante, lo que sucede a veces. Y recuerdo 

que Monte y Avery dijeron: “Lo haremos”. 

Y nosotros pensamos: “¿Estás seguro?”. ¿Con qué 

frecuencia sucede eso? Ese es un enfoque práctico 

para ti allí mismo “. A lo largo de Republic, los 

Lipman cultivan ese tipo de ética de trabajo. “La 

mayoría de las personas que trabajan con nosotros 

tienen un chip en el hombro, tienen algo que 

demostrar”, dice Monte. Le gusta repetir la frase 

“No es un trabajo, es un estilo de vida”, un mantra 

diseñado para fomentar la pasión y crear un 

entorno en el que siempre haya un nuevo puntaje 

alto. En las manos equivocadas, eso podría resultar 

agotador. 

Pero Goldstein, un antiguo ejecutivo de hiphop 

A&R a quien los Lipman desafiaron para 

ayudar a extraer éxitos pop para Republic hace 

casi una década, dice que los hermanos, particularmente 

Monte, hacen que esa racha competitiva 

parezca entrañable. 

“Si ves Ted Lasso, ves todos estos aspectos diferentes 

de lo que hace a un gran equipo”, dice 

Goldstein. “Monte es Ted Lasso. Él es la inspiración 

y lo hace con tanto amor que te hace trabajar 

más duro “. 

Monte y Avery se han estado entusiasmando 

con la música desde la década de 1970, cuando 

eran niños sentados junto a la radio, clasificando 

sus canciones favoritas de la colección de discos 

de su padre o la cuenta atrás de Casey Kasem. Su 

madre y su padre, orgullosos hippies que se convirtieron 

en padres en la adolescencia, se divorciaron 

y arruinaron. Cuando su padre, el propietario 

de la lavandería automática Cary Lipman, se 

mudó a Los Ángeles desde Brooklyn en 1971, su 

madre, Gilda, una instructora de fitness, tomó a 

los niños y los siguió, haciendo autostop por todo 

el país hasta Boulder, Colorado, y decidió establecerse. 

en su lugar durante dos años. 

“Nos encontramos a una edad muy, muy joven 

y necesitábamos depender el uno del otro”, 

recuerda Avery. En Boulder, los Lipman se enamoraron 

de The Beatles, Stevie Wonder y Marvin 

Gaye, y continuaron devorando nueva música 

durante las visitas a su padre en Malibú, California, 

y cuando su madre se mudó de regreso a la 

costa este. En la adolescencia, algunos hermanos 

se distancian, pero no los Lipman: eran tan cercanos 

como lo son hoy, y pasaban los veranos como 

salvavidas en Brighton Beach de Brooklyn mientras 

vivían en Sheepshead Bay y veían a Mork & 

Mindy y Happy Days hombro con hombro. Al 

principio de sus carreras, a menudo compartían 

habitación en viajes de negocios, incluso cuando 

podían pagar la suya propia; como dice Monte, 


31



33

LOS N° 1 

cualquier otra cosa “nos parecía ajena”. Hoy, agrega 

Avery, “Yo diría que al menos una vez, dos veces 

por semana, usamos la misma ropa. Hay una 

fotografía de Monte en el apartamento de nuestra 

madre en Brooklyn con su traje de bar mitzvah. Y 

justo al lado, está mi foto de bar mitzvah, el mismo 

traje “. 

Sin embargo, el sueño de llevar un sello discográfico 

juntos no fue un plan de la niñez, nació de 

“la angustia y la frustración”, dice Monte. Antes de 

fundar Republic, los hermanos ocuparon varios 

puestos en sellos como Arista, Atlantic y EMI (incluido, 

para Monte, una temporada en la promoción 

de radio entre los 40 principales en Atlantic, 

lo que lo convierte, ahora, en un raro veterano 

de la radio en un mar de jefes de grandes sellos 

discográficos). proveniente de A&R). Pensaron en 

convertirse en gerentes (así es como comenzaron 

a trabajar con Bloodhound Gang) pero se dieron 

cuenta de que no era el rol correcto: no tenían el 

control que querían. 

“Pasábamos casi todos los días tratando de convencer 

al sello de que hiciera cosas que sabíamos 

que eran importantes, que sabíamos que podían 

marcar la diferencia, que sabíamos que podrían 

servir como catalizador, y llegamos al punto en 

que dijimos: ‘Tú Sabemos qué, vamos a preparar 

el plan ‘”, recuerda Monte. Los Lipman comenzaron 

Republic Records con una actitud entusiasta, 

maximizando las tarjetas de crédito y reservando 

un vuelo de último minuto a Suiza para convencer 

a Chumbawamba de que firmara con ellos 

porque pensaban que “Tubthumping” podría 

“Tienen esa 

ambición cuando, 

como artista, a 

veces te sientes 

un poco débil y no 

necesariamente lo 

tienes tú mismo” 

—DAVE BAYLEY, GLASS ANIMALS 

apoderarse del mundo (y luego, lo hizo). Esas 

primeras victorias dieron lugar a una empresa 

conjunta con UMG en 2000, lo que permitió a los 

Lipman trabajar con una variedad de talentos más 

vendidos, desde Prince hasta Amy Winehouse y 

Jack Johnson. 

Trabajar con Prince en su álbum de 2006, 3121, 

preparó particularmente a Monte para su realidad 

actual manejando una lista llena de superestrellas. 

Prince tenía grandes ambiciones para la promoción 

y las perspectivas comerciales de 3121, 

y Monte trató de moderar las expectativas de la 

leyenda. “Era joven, era ingenuo y me encontraba 

constantemente tratando de explicarle por qué no 

se podían hacer las cosas”, dice. 

Después de casi un año de desacuerdos, Monte 

se rindió y dejó de intentar reprimir las ideas de 

Prince, y el artista se llenó de alegría. “Fue una 

gran experiencia de aprendizaje para mí”, dice 

Monte. “Cuando se habla de las grandes personalidades, 

aceptamos la curiosidad de los artistas 

con los que trabajamos”. 

Caso en cuestión: Swift, que ha pasado los últimos 

dos años lanzando un par de álbumes seguidos 

grabados en secreto con algunos amigos del 

indie-rock, simultáneamente comenzó a lanzar la 

ambiciosa regrabación de sus primeros seis discos 

en un esfuerzo por controlar a sus maestros. Esos 

proyectos pueden haber parecido apuestas comerciales 

y creativas incluso para la estrella más 

grande del mundo, pero han sido éxitos inequívocos, 

produciendo cuatro álbumes número 1 en el 

Billboard 200, tres éxitos en las listas Hot 100, dos 

álbumes del año. Nominaciones al Grammy y una 

victoria en la categoría de folclore en 2021 (compite 

cada vez más en 2022). 

En una proyección para fans en Nueva York del 

cortometraje All Too Well de Swift a mediados de 

noviembre, Monte se paró en la parte trasera de 

la sala de cine, con los brazos cruzados, balanceándose 

ligeramente mientras Swift culminaba 

la proyección con una actuación acústica de la 

nueva película de 10 minutos. versión de la canción. 

Cuando ella dejó su guitarra, él aplaudió tan 

salvajemente como el resto de los fans. 

“Monte tiene un instinto muy agudo sobre los 

proyectos, y me siento muy afortunado de haberme 

beneficiado de ese don que tiene”, dice Swift. 

“Él fue quien defendió mi paso del country al 

pop, y nunca olvidaré que me dijo que ‘Shake It 

Off ’ fue el que pensó que debería ser el primer 

“Lo que me encanta 

de asociarme con 

ellos es su apertura 

a la visión del artista 

y los extremos 

que hacen para 

defenderla” 

— THE WEEKND 


sencillo. O llamarlo para decirle a él y a mi equipo 

de Republic que había hecho un álbum secreto 

en cuarentena llamado folklore y que quería 

publicarlo la semana siguiente. Había preparado 

un discurso para persuadir a mi sello de que me 

dejara hacerlo. Debería haber sabido que no necesitaría 

usarlo, porque Monte reaccionó como si le 

hubiera dado la mejor noticia de su vida. Se entusiasma 

con la música de una manera que es muy 

contagiosa. El trabajo duro no le asusta. 

Los desafíos no lo fatigan. Tengo mucha suerte 

de estar en su equipo “. 

FOTO GLASS ANIMALS: ELLIOTT ARNDT / FOTO THE WEEKND: EMMA MCINTYRE/NBC 

equipos XO de Weeknd y Grande’s Schoolboy, socios 

que participan en decisiones estratégicas. 

Dangerous aún terminó 2021 como el mejor 

álbum del año de Billboard 200, generando $ 23.4 

millones en los Estados Unidos y $ 30.4 millones 

a nivel mundial para Republic y Big Loud, según 

estimaciones de Billboard. Y, aparte del comportamiento, 

el surgimiento de Wallen fue un referente 

de las formas en que el liderazgo de la República 

ve la expansión de la etiqueta en 2022. 

El nuevo año traerá el lanzamiento completo de 

un espacio de grabación propiedad de Republic 

en Manhattan recién inaugurado, una contraparte 

del estudio Century City del sello inaugurado 

en 2017, así como los álbumes muy esperaiene 

sentido que ejecutivos 

T 

adaptables y amigables con los 

artistas como los Lipman prosperarían 

en la industria musical 

actual, donde los creativos 

controlan cada vez más cuándo 

y cómo los fanáticos pueden 

escuchar su música. Hace tres 

años, Republic tuvo que llamar 

a un audible cuando Ariana Grande quiso 

interrumpir sus promociones de Sweetener para 

lanzar su álbum Thank U, Next, que se convirtió 

en un éxito de taquilla comercial aún mayor, así 

como en un momento decisivo en la forma en 

que la música pop se comercializa. 

“Ella dijo: ‘Es mi arte, es mi música, y esa es la 

forma en que quiero compartirlo con mis fans’”, 

recuerda Monte. “Y yo dije, ‘¿Sabes qué? Estás 

bien. Vamos ‘. ¿Y adivinen qué? Ella cambió 

el paradigma de la radio ”. De hecho, en 2021, 

Grande hizo historia en la radio: tres sencillos de 

su álbum Positions (“34 + 35”, “pov” y la canción 

principal) se convirtieron simultáneamente en 

los 10 primeros éxitos en la lista de Pop Airplay, 

el primer álbum en lograrlo. en los 29 años de la 

encuesta. 

Drake, otra estrella de la República, es el mejor 

ejemplo de cómo un artista puede doblegar 

el mundo de la música a su voluntad. Y este año, 

el equipo de Republic tuvo que permanecer ágil 

cuando terminó su tan esperado Certified Lover 

Boy, lanzando el EP Scary Hours 2 de tres canciones 

en marzo antes de que llegara el álbum 

completo en septiembre. Ninguno de los dos tuvo 

sencillos de presentación, pero ambos produjeron 

éxitos número uno en el lanzamiento, y Certified 

Lover Boy obtuvo la semana de transmisión más 

grande para un álbum desde el último larga duración 

de Drake en 2018, Scorpion. 

Monte señala que la base de la asociación de 

Republic con Drake es la alianza a largo plazo del 

sello con su sello OVO Sound y la confianza mental 

con sede en Toronto. Tales asociaciones se han 

convertido en la base de las operaciones diarias 

de Republic a lo largo de los años: su acuerdo de 

una generación con Cash Money Records produjo 

lanzamientos masivos de Lil Wayne, luego 

los protegidos de Wayne Nicki Minaj y Drake, y 

ahora incluyen 13 Management de Swift, The Los 

dos de Post Malone y Nicki Minaj. También hay 

muchas promesas en la lista de artistas, desde el 

rapero Coi Leray con sede en Los Ángeles, así 

como BoyWithUke, un firmante reciente con una 

identidad oculta pero números de transmisión 

llamativos. 

“Escribe, produce, adopta un enfoque de escuela 

de noticias con su oficio y cómo crear anticipación”, 

dice Avery con entusiasmo por BoyWith-Uke. 

Así es como los Lipman todavía hablan 

sobre los artistas emergentes, como si todavía estuvieran 

en ese pequeño apartamento del Upper 

East Side: completamente confiados en su atractivo 

masivo, desesperados por tener la oportunidad 

de luchar por ellos. 


35

MENTE 

LOS N° 1 

SOBRE 

C 

UANDO KALI UCHIS 

le dijo a su padre que quería 

faltar a la universidad para convertirse 

en música profesional, 

su respuesta no fue exactamente 

lo que ella esperaba. “‘Hay 

muchas chicas más bonitas que 

tú y que tienen mejor voz que tú’”, recuerda Uchis 

que le dijo. “¿Qué te haría destacar de ellas?” Ella 

no se desanimó. “Bueno, puede haber un millón 

de chicas más bonitas que yo y con mejor voz que 

yo”, respondió. “‘Pero ellas nunca serán yo’”. 

Hoy en día, es precisamente esa otredad lo que 

ha llevado a Uchis, de 27 años, la cantante y compositora 

bilingüe, bicultural, que dobla el género 

y cuya voz fluye sin esfuerzo entre el inglés y el 

español. convertirse en una estrella insólita con 

la canción “Telepatía”, una fantasía alucinante en 

la que canta sobre querer “hacer el amor a través 

de la telepatía”, que se convirtió en su gran éxito a 

principios de este año. 

“Mi motivación siempre ha sido estar conectada 

con mi cultura, con lo que soy como artista”, dice 

Uchis, quien nació en Estados Unidos y creció entre 

allí y Colombia. “En mis primeros shows, cantaba 

en spanglish o español, y la gente estaba tan 

confundida y se reía de mí y se alejaba. No estaban 

preparados para eso en ese momento. Sentí que 

realmente no había un espacio para mí porque 

soy bilingüe, tengo doble ciudadanía, crecí en dos 

países diferentes y, además, no me limito a un solo 

género. Era mucho más difícil para la gente poner 

su dinero en mí”. 

Si bien ya no es inusual ver éxitos cruzados en 

español y remixes bilingües en lo alto de las listas 

principales de Billboard, los éxitos en solitario bilingües 

siguen siendo una anomalía. Y, sin embargo, 

“Telepatía” subió al número 1 en tres listas, que 

incluyen, en particular, tanto Latin como Rhythmic 

Airplay, un testimonio de la singularidad y 

versatilidad de Uchis. 

“Una canción como ‘Telepatía’ que no cabe en 

ninguna caja, la mayoría de la gente no hubiera 

esperado que le fuera bien en la radio”, dice Matt 

Morris, vicepresidente senior de A&R en Interscope 

Records. (Uchis está suscrito a una empresa 

conjunta entre Interscope Geffen A&M en los Estados 

Unidos y Virgin UK). 

“Pero se siente muy generacional para las personas 

que aman la música ambigua de género y 

hablan muchos idiomas. Esta canción es muy representativa 

de este artista y de esta generación”. 

Uchis exploró por primera vez la idea de una 

canción sobre telepatía después de su debut en 

2018 en un sello discográfico importante, Isolation 

(Virgin UK / EMI). Pero lo dejó a un lado para 

concentrarse en su próximo álbum, que insistió en 

CUERPO 

AL CRECER, KALI UCHIS SABÍA 

QUE ERA ÚNICA, PERO SE 

SENTÍA COMO SI NO ENCAJARA 

EN NINGUNA PARTE. CON SU 

ÉXITO BILINGÜE, “TELEPATÍA”, 

POR FIN HA LLEGADO A SU 

VISIÓN DE LA INDUSTRIA 

POR LEILA COBO 

que estuviera en español, a pesar, dice, de la fuerte 

resistencia de Virgin UK / EMI. “Literalmente le 

dijeron a mi manager: ‘Si ustedes hacen la mierda 

española, están solos’”, recuerda Uchis. 

La etiqueta habría tenido buenas razones para 

inquietarse. Uchis siempre había cantado y grabado 

en ambos idiomas, pero era relativamente desconocida 

en el mercado latino principal: su base 

de fans era diversa, pero su éxito naciente provino 

principalmente de la música alternativa de habla 

inglesa (“10%”, su colaboración de 2019 con 

Kaytranada, ganó el Grammy a la mejor grabación 

de baile), no hablantes nativos de español. 

Sin embargo, con Interscope de su lado, un 

sello con una larga historia de impulsar actos latinos 

(como Enrique Iglesias y Daddy Yankee) y 

que recientemente abrió una oficina en Miami 

centrada en el repertorio latino, Uchis finalmente 

podría comenzar a cerrar esa brecha. “Cuando 

intentas comercializar canciones en dos idiomas, 

es un desafío; hay un mundo anglosajón y un 

mundo latino y no siempre están alineados”, dice 

José Cedeño, vicepresidente senior de ingresos y 

estrategia de Interscope en Miami. “Pero Kali es 

alguien que entra y sale de [ambos] idiomas como 

si fuera uno”. 

Finalmente, pudo grabar su ansiado álbum en 

español. Y cuando le enviaron una nueva pista instrumental 

de ensueño que recordaba a su sencillo 

en inglés de 2018 “After the Storm” (con Tyler, The 

Creator y Bootsy Collins), se dio cuenta de que 

podría ayudar a dar forma al concepto de telepatía 

que había comenzado a esbozar meses antes. 

“Ese tipo de música me suena muy cómodo 

para montar”, dice Uchis. “Las melodías vinieron 

súper naturales, y las palabras, realmente no sabía 

de dónde venían, pero también vinieron muy rápido. 

Fue un proceso tan natural, y siento que así es 

como surgen mis mejores canciones “. 

Aún así, nadie, y menos la propia Uchis, esperaba 

mucho de “Telepatía”. El tema casi ni siquiera 

llega al álbum Sin Miedo (Del Amor y Otros 

Demonios), cuando fue lanzado el pasado mes de 

diciembre. En las muchas críticas entusiastas que 

siguieron, a menudo ni siquiera se mencionó; la 

atención, en cambio, se centró en “La Luz”, un sencillo 

con la estrella del reggaetón en ascenso Jhay 

Cortez, y su versión de “Que Te Pedí” de La Lupe, 

temas con más atractivo comercial que la producción 

de Uchis que anteriormente se inclinaba 

hacia las alturas. 

Luego, llegó un nuevo año y, poco después, el 

brote. 

FOTO PRINCIPAL: TAYLOR JEWELL / INVISION / AP 


LOS N° 1 

I DE AQUÍ, NI DE ALLÁ, 

N 

así creció la artista nacida Karly-Marina 

Loaiza. Nacida en 

Virginia pero criada entre allí 

y la pequeña ciudad de Pereira, 

Colombia, Kali Uchis se 

sintió un poco privado de sus 

derechos en ambos lugares. 

“En Virginia, la gente siempre 

decía: ‘No eres de aquí, ¿de dónde eres? ¿Eres de 

la costa oeste o algo así?”, Recuerda Uchis hoy. “Y 

nunca antes había estado en la costa oeste. Pero en 

Colombia, también, la gente siempre decía, ‘¿De 

dónde eres?’ “ 

Crecer en Pereira, una ciudad enclavada en la 

región montañosa de cultivo de café del país, se 

sintió muy lejos de los centros de la industria musical 

de Bogotá, Medellín y Cali. Había patos, pavos 

y gallinas en el patio trasero y primos, tíos, tías 

y los cuatro hermanos de Uchis que aparentemente 

ocupaban cada centímetro del espacio habitable. 

“Siempre he vivido en casa llena”, dice. “Cuando 

regresamos a los Estados Unidos, nuestra casa 

era la casa por la que pasaste al venir a Estados 

Unidos, el lugar donde viviste hasta que pudiste 

ponerte de pie. Mi habitación era la de las niñas y, 

literalmente, solo tenía camas para mis tías y mis 

primas. Supongo que por eso ahora, como adulta, 

soy una persona tan reservada y valoro tanto mi 

espacio “. 

En Pereira, Uchis absorbió las tradiciones musicales 

ricamente diversas de Colombia y comenzó 

a explorar su propia identidad artística, aunque 

nunca soñó con pedir apoyo financiero a sus 

padres. “Mi papá estaba literalmente sin hogar 

cuando era niño. Tenía una educación de cuarto 

grado y vino a los Estados Unidos simplemente 

descubriéndolo desde abajo”, dice Uchis. “Así que 

me criaron para ser muy ingeniosa y muy agradecida”. 

Ayudó a su familia con trabajos de limpieza 

y construcción y eventualmente encontró su 

propio ajetreo: trabajo de cajera, servicio al cliente, 

compra y venta de ropa vintage, haciendo videos y 

haciendo diseño gráfico para otros. 

A los 19 años, Uchis tomó sus ahorros y se 

mudó a Los Ángeles para triunfar como artista. 

Incluso en su debut autoeditado en 2015, Por 

Vida, su estética se sintió notablemente desarrollada: 

voces sinuosas flotando sobre un soul exuberante 

y ritmos y producción de R&B. Su video 

para el primer sencillo “Ridin Round” llamó la 

atención de artistas latinos importantes como su 

compatriota colombiano Juanes (quien, para el 

deleite de la familia de Uchis, le pidió que cantara 

en su canción de 2017 “El Ratico”) y la izquierda 

de la corriente principal estadounidense. artistas 

como Tyler, The Creator, uno de los primeros fanáticos. 

“Él era la única persona [al principio] que 

realmente se acercó a mí y que no me pidió nada 

[a cambio], que tenía un relato real y detallado de 

las cosas que eran especiales sobre lo que hice”, recuerda 

Uchis. (Terminó apareciendo en su sencillo 

de 2017 “See You Again” y él en “After the Storm”). 

Hablando desde su nuevo hogar en Los Ángeles, 

Uchis es increíblemente abierta y consciente 

de sí misma, relatando los primeros días de tratar 

de conseguir un contrato discográfico y promocionar 

su música por su cuenta. “Pasé por mi 

pequeño trauma con la industria”, dice con pesar. 

“Te cansas un poco porque sientes que la gente 

finge que les importa, pero en realidad no es así. 

Pero hice el trabajo en mí misma que necesitaba 

hacer y todavía lo sigo haciendo. Ojalá todos los 

artistas tuvieran acceso a la terapia porque es súper, 

súper importante”. 

Para 2019, Uchis estaba decidida a grabar un 

álbum en español, y estaba frustrada por las complejidades 

de tratar con un sello con sede en el 

extranjero. Ella y sus gerentes, Shakira Kalite y Jon 

Lieberberg, trajeron al veterano de la industria latina 

Yamile Fernández para, como él dice, “conectar 

los puntos” con Interscope para el lanzamiento 

de Sin Miedo. Fue un paso decisivo: los equipos 

digitales y de marketing de la etiqueta podrían 

apuntar a su base de seguidores leales en EE. UU., 

mientras que su oficina centrada en América Latina 

podría ayudar a construir la audiencia latinoamericana 

que la eludía. “Al principio, al menos, 

era una base de fans muy especializada, central, 

casi de culto para Kali”, dice Kimberly Barrena, gerente 

de marketing global de Interscope. “Así que 

mi estrategia inicial fue intentar conectarla con 

una base de fans más grande a nivel mundial”. 

Dos de los primeros sencillos que precedieron 

al lanzamiento de Sin Miedo en 2020 no funcionaron 

particularmente bien: “Aquí Mando Yo”, con 

Rico Nasty, no llegó a las listas, y “La Luz” alcanzó 

el puesto 15 en Latin Pop Airplay. Entonces, en 

enero, Barrena y el gerente senior de marketing 

digital Murdoc Hardy comenzaron a buscar en las 

redes sociales, YouTube y TikTok para descubrir 

a qué canciones respondían los fanáticos y dónde. 

“Telepatía” siguió apareciendo, especialmente en 

TikTok. Así que probaron una idea para impulsar 

la canción a un territorio de éxito viral. 

“El éxito en TikTok no significa necesariamente 

que consigas que [una superestrella] haga tu baile”, 

dice Barrena. “El éxito puede significar que las 

personas solo quieran hacer videos y literalmente 

ver contenido con su canción adjunta. La gente 

simplemente viviendo con la música es siempre el 

mejor escenario “. 

Seleccionaron un segmento lírico - “You know 

I’m just a flight away/If you wanted you can take a 

private plane / A kilómetros estamos conectando / 

Y me prendes aunque no me estás tocando” - que 

pensaron que tendría el máximo impacto, y, trabajando 

con los equipos de Universal en México 

y Brasil, reclutó personas influyentes (primero en 

México, donde la canción fue especialmente popular 

en TikTok) para crear sus propios clips. 

La respuesta fue tan instantánea, una amplia 

variedad de contenido, en gran parte con usuarios 

que cantaban o sincronizaban los labios con 

la canción, que el sello grabó un video musical 

en abril en Colombia para elevar aún más el per- 

fil de Uchis allí. “Realmente se puede saber qué 

tan impactante es una canción para una audiencia 

por cuánto tiempo dura la tendencia”, dice 

Hardy. “Había tres o cuatro partes diferentes de 

la canción que la gente usaba [orgánicamente], y 

decidimos usar esta en particular. Fue literalmente 

un puente entre los dos idiomas [en la canción] y 

entre las dos culturas “. 

Para mayo, “Telepatía” se convirtió en el primer 

número uno de Uchis en la lista Hot Latin Songs, 

convirtiéndola en la primera mujer solista sin 

un acto que la acompaña en liderar la lista desde 

2012, y Sin Miedo alcanzó el número uno en álbumes 

de pop latino. Para agosto, “Telepatía” había 

subido al top 10 de las listas de Streaming y Radio 

Songs de todos los géneros y alcanzó el puesto 25 

en el Billboard Hot 100, el segundo y más alto de 

Uchis, mostrando allí hasta ahora. Un año después 

de su lanzamiento, finaliza 2021 como la segunda 

pista latina más consumida del año, solo detrás 

de “Dákiti” de Bad Bunny, con 646 millones de 

transmisiones de audio bajo demanda en todo el 

mundo (de las cuales 241 millones fueron en los 

Estados Unidos). al 2 de diciembre, según MRC 

Data. Y Uchis, la niña que alguna vez sintió que 

no pertenecía a ninguna parte, es la cuarta artista 

latina más consumida en el país. 

“Nunca, nunca me hubiera imaginado que vería 

que eso sucediera, como nunca”, dice. “Simplemente 

nunca, nunca tuve ese tipo de motivo o 

intención. Creo que la gente nunca me consideró 

comercializable, y yo siempre me vi a mí mismo 

como un artista, así que nunca me preocupé de 

cómo iba a vender o recibir elogios ni nada por 

el estilo. No pensé que fuera posible que alguien 

como yo tuviera este tipo de éxito “. 

“No creo que puedas replicarlo”, dice Morris. 

“Pero creo que Kali va a ser un faro para el cambio”. 

Sin Miedo acaba de obtener una nominación 

al Grammy al mejor álbum de música urbana, y 

en febrero, Uchis abrirá para Tyler, The Creator en 

gira. Hay nueva música en camino, así como denim, 

gafas de sol y líneas de belleza. 

¿En cuanto a la familia que una vez se preocupó 

de que tuviera problemas para hacerse un nombre 

en la música? “Están muy orgullosos”, dice Uchis. 

“Más que nada, ahora desean haber sido de apoyo 

cuando comencé. Pero, sinceramente, no pensé 

demasiado en si las cosas me iban a salir bien o 

no. Fue, ‘Esta es mi vida. Estas son las cartas que 

me repartieron. Voy a hacer lo máximo con lo que 

Dios me dio ‘. Siempre reconocí que Dios me hizo 

único. No hay mucha gente que tenga mi experiencia 

o mi espíritu “ . 

FOTO KALI UCHIS : GENTILEZA SAMANTHA T. VARGAS 


Paseo Aranjuez es el primer Centro 

Comercial - Empresarial, Cultural 

y Artístico de Bolivia, que propone 

crear una nueva experiencia en el 

mundo empresarial cochabambino. 

EL TIEMPO NO EXISTE! 

Pasea, haz negocios, compra, come, 

bebe y experimenta la cultura en 

todas sus expresiones! 

Contamos con: 

- Centro Comercial 

- Terraza Gourmet “El Cuarto” 

- Galería de arte 

- Paseo de Comidas 

- 2 torres de Oficinas 

- Co-Work 

- Diversión y entretenimiento 

Visita nuestras Redes Sociales: 

paseoaranjuez 

Paseo Aranjuez 

elcuartobypaseo 

El Cuarto by Paseo 

Paseo Aranjuez: (+591) 61795513 

Whatsapp: +1 (310) 801-0151 / 797 969 63 

Web: www.paseoaranjuez.com 

Sede oficial de:


FOTOS: PEYTON FULFORD

‘BABY’ 

JACK HARLOW MARCÓ SU PRIMER 

NO. 1 BILLBOARD HOT 100 CON 

“INDUSTRY BABY”. AHORA QUIERE 

DARLE AL HIP-HOP EL “IMPULSO DE 

ENERGÍA” QUE CREE QUE LE FALTA 

POR CARL LAMARRE // FOTOS: PEYTON FULFORD 

RES AÑOS ATRÁS, un enérgico joven de 

T 

20 años que parecía un joven boxeador 

hambriento de su gran pelea subió al pequeño 

escenario en Iron City Bham, una 

histórica sala de conciertos en Birmingham, 

Alabama. Fue la primera parada en 

La primera gira de Jack Harlow, pero no 

tuvo un gran comienzo: solo unas 20 personas 

habían asistido al espectáculo. Aún 

así, sin inmutarse por la baja participación, 

el rapero se acercó a su set con el entusiasmo de un cabeza 

de cartel de Coachella, mostrando una sonrisa arrogante 

y haciendo bromas con las pocas personas en la audiencia, incluso 

quedándose después de posar para fotos con cualquiera 

que quisiera una. 

Avance rápido hasta noviembre, y Harlow está de regreso 

en Birmingham, en el mismo lugar, frente a una multitud 

agotada de 1300 personas. El propio Harlow es ahora una 

estrella del rap con ventas de platino que ha pasado de ser un 

MC desaliñado y con gafas a un showman elegante y uno de 

los nombres más animados del hip-hop. (Apropiadamente, la 

caminata se llama Créme de la Créme Tour). 

La otra noche, Drake asistió a uno de sus shows, el último 

co-firmante de un joven de 23 años de Louisville, Ky., Que 

vino a idolatrarlo, pero igual de emocionante para Harlow fue 

el momento en que reconoció a un fan en la multitud de ese 

concierto de 2018. 

“Estos momentos ... simplemente siguen sucediendo”, dice 

Harlow todavía asombrado en Zoom días después del espectáculo. 

“Le da mucho significado a todo el viaje. Lo aprecio 

más porque sé cómo se sentía cuando no estaba allí. Estoy 

desesperado por mantener la atención de mis fans durante los 

shows porque todo me parece muy frágil. Creo que hago un esfuerzo 

adicional, la milla extra, porque es como si tuviera este miedo en 

el fondo de mi mente de perderlos. Recuerdo cuando no lo tenía “. 

Harlow podría ser perdonado si simplemente se permitiera disfrutar 

este momento. Pero desde el lanzamiento en junio de 2020 de 

“Whats Poppin”, un escaparate nominado al premio Grammy por su 

ingeniosa destreza lírica que saltó de TikTok al número 2 en el Billboard 

Hot 100 gracias a un remix repleto de estrellas con Lil Wayne, 

DaBaby. y Tory Lanez - Harlow apenas se ha ralentizado. Su álbum 

debut, Eso es lo que todos dicen, lanzado en 2020 en el creciente sello 

Atlántico Generation Now, generó otros tres éxitos en las listas y 

fue certificado platino recientemente, lo que demuestra que no solo 

tenía un don para los juegos de palabras, sino también una perspec- 

BOOMER 

LOS N° 1 

tiva sincera mientras rapeaba. sobre temas como el 

síndrome del impostor (“Keep It Light”) y el privilegio 

blanco (“Baxter Avenue”). A lo largo del año 

pasado, también pasó rápidamente por las paradas 

clave de los festivales, Rolling Loud, Lollapalooza, 

Austin City Limits, antes de emprender su propia 

gira como cabeza de cartel. 

“No soy disruptivo”, dice Harlow pensativo. 

Aunque puede parecer revoltoso en sus canciones 

y videos, en la conversación es casi meditativo, y se 

toma el tiempo para reflexionar sobre sus pensamientos 

antes de hablar. “Existe una cierta realidad 

de que soy blanco, y creo que siempre habrá algo 

adjunto a eso. No importa cuán compenetrado 

esté, nunca habrá un día en que sea negro. Habiendo 

dicho eso, hay una cierta responsabilidad que 

conlleva ser un hombre blanco en un género negro, 

y hay ciertas cosas que me han hecho ver de manera 

diferente. Pero hay algo emocionante en saltar 

las barreras que puedan existir y crear unidad “. 

Y eso es exactamente lo que hizo como invitado 

destacado en uno de los éxitos más explosivos del 

año: “Industry Baby” de Lil Nas X. Coproducido 

por el dúo Take A Daytrip y Kanye West, el himno 

triunfal sobre perseverar contra los detractores 

encabezó el Hot 100 en octubre: el primer número 

1 de Harlow en la lista y una vuelta de la victoria 

tanto para él como para Nas, novatos del hip-hop 

que había superado el escepticismo inicial en torno 

a sus monstruosos éxitos de debut para convertirse 

en estrellas innegables y multifacéticas por derecho 

propio. “Lo que más me impresionó de los versos 

de Jack fue que antes de que lo hiciéramos, se acercó 

directamente y le hizo saber a Nas que quería 

trabajar” con él, recuerda Denzel Baptiste, mitad 

de Take A Daytrip. “Cuando recuperamos el verso 

era una idea superlarga. Normalmente no encajaría 

en la estructura de una canción pop, pero hubo 

tantos momentos increíbles en ella. Producimos a 

su alrededor de una manera que lo convirtió en un 

gran punto focal de la canción “. 

Lanzado en julio, “Industry Baby” llegó con el 

tipo de fanfarria y efectos visuales deslumbrantes 

que se han convertido en la norma para un lanzamiento 

de Lil Nas X. Saliendo de su video “Montero 

(Llámame por tu nombre)”, en el que bailó hasta 

el infierno y le dio a Satanás un baile erótico antes 

de matarlo, Nas subió la apuesta para “Industry 

Baby”. En el clip de éxito de taquilla, burlándose 

del agarre de perlas que inspiró “Montero”, Nas es 

sentenciado a tiempo en la Prisión Estatal de Montero, 

donde se hace cargo de una pandilla carcelaria 

de hombres vestidos de rosa fluorescente; baila 

con ellos en las duchas totalmente desnudos (salvo 

alguna pixelación estratégica); y finalmente escapa 

con la ayuda de su amigo Harlow. 

Aunque Nas atrajo la mayor parte de la atención 

de la crítica por el video, tanto positiva como 

menos de las esquinas conservadoras habituales, 

el verso de Harlow que roba la escena (con frases 

como “La envié de regreso a su novio con la huella 

de mi mano en la cola”) y la presencia adorable y 

tonta (en el video y en las actuaciones televisadas 

que siguieron) también provocaron mucha con- 


41

LOS N° 1 

versación. “Tenía total fe en que iba a tomar una 

decisión de buen gusto por mí”, dice Harlow, quien 

pronuncia su verso mientras la presa aparentemente 

solitaria se pone manos a la obra con él. “Me 

sentí bien por eso. Que alguien piense que Nas no 

es lo suficientemente consciente o inteligente como 

para crear un tratamiento que no encajaría conmigo 

no es analizarlo muy a fondo porque esa era la 

menor de mis preocupaciones. Él sabe lo que es. 

Es muy consciente y sabe que no somos la misma 

persona”. 

Harlow fue el único rapero que apareció en el 

disco Montero de Nas, lo que no pasó desapercibido 

para algunos de los detractores de este último. 

(Cuando un usuario de Twitter sugirió su elección 

entre los artistas invitados del álbum, que son mujeres 

o hombres blancos, era parte de una “agenda” 

para socavar a los hombres negros, Nas respondió: 

“Quizás muchos de ellos simplemente no quieren 

trabajar conmigo”). En entrevistas posteriores, 

Nas también reveló que primero había intentado 

que su ídolo, Nicki Minaj, apareciera en” Industry 

Baby “, pero que no funcionó:” No estoy seguro de 

lo cómodo que se habría sentido Nicki sentí con 

ese video o lo que sea”, reflexionó más tarde a GQ. 

Harlow, sin embargo, no dudó. 

“Siempre ha sido un aliado sin dejar de ser él 

mismo auténticamente”, dice Baptiste. “Nunca ha 

sido performativo”. En última instancia, “Industry 

Baby” permitió a Harlow ascender en la corriente 

principal a su manera: un crossover sin concesiones. 

“Honestamente fue mi primer momento pop. 

Había rechazado algunos momentos importantes 

del pop, momentos que podrían haber sido importantes 

para mi carrera”, dice. 

“Quería seguir siendo hip-hop. La gente piensa 

en raperos blancos que utilizan el hip-hop como 

un vehículo. Es importante que la gente sepa que 

amo el hip-hop, quiero seguir en el hip-hop y quiero 

ser parte del hip-hop, y lo estoy usando como 

un vehículo para alimentar mis sueños “. 

E 

N MARZO, los fanáticos pudieron 

vislumbrar cómo se veía 

Jack Harlow antes de que el 

estrellato del pop fuera siquiera 

un destello en sus ojos. En un 

clip de 10 segundos que publicó 

en Instagram, un Harlow de secundaria rapea 

y baila junto a sus amigos (muestra de la letra: 

“Quiero decir, lo siento, desearía poder asistir a 

tu fiesta de cumpleaños”), mostrando al nerd personalidad 

desafiante que lo convirtió en un niño 

prodigio de Louisville. Se volvió viral, obtuvo 4,6 

millones de visitas y llamó la atención de Kendrick 

Lamar, quien rompió su pausa de dos años 

en las redes sociales para dar me gusta al tweet, 

y Drake, a quien Harlow llama “el rostro de mi 

adolescencia”. 

Cuando Drake asistió a la parada de Toronto del 

Créme de la Créme Tour en noviembre, Harlow 

pausó el espectáculo para gritarle y rendir homenaje. 

“Me crié en Drake. Salió del armario cuando 

yo estaba en sexto grado. Recuerdo que fui a la 

escuela secundaria y ‘Best I Ever Had’ estaba en 

la radio sin parar “, dice hoy. “Ni siquiera puedo 

expresar con palabras la validación [que sentí]. 

Quiero darme una palmadita en la espalda como 

[mi] hijo de 13 años: ‘Lo que pensabas que podía 

pasar, pasó’ “. 

La afinidad de Harlow por la música rap y su 

ética de trabajo se desarrollaron temprano. Cuando 

tenía 10 años y crecía en Louisville, escarbó en 

los álbumes A Tribe Called Quest, Public Enemy y 

NWA de su madre, y luego puso la pluma sobre el 

papel por primera vez por su cuenta un año después, 

grabando su primer CD, Rippin and Rappin, 

en un micrófono Guitar Hero. (Más tarde vendió 

copias por $ 2 cada una en su escuela secundaria). 

En séptimo grado, hizo un mixtape, Extra Credit, 

y regaló 100 copias. Para cuando cursaba el primer 

año de secundaria, Harlow llamó la atención 

de Def Jam Recordings después de que un amigo 

pusiera sus videos de YouTube frente al entonces 

presidente Joie Manda. 

Pero durante las negociaciones del contrato, 

Manda salió del sello, dejando a Harlow sin saber 

si otros en Def Jam tenían el mismo entusiasmo 

por él. Rechazó el trato, rechazó la oportunidad 

perdida y se recuperó. Lanzó más proyectos de 

forma independiente, The Handsome Harlow de 

2015 y 18 de 2016, que capturaron su personalidad 

magnética y su ingenio como creador de 

palabras, y construyó un público fiel en la ciudad, 

vendiendo espectáculos locales y generando millones 

de transmisiones gracias a pistas animadas 

como “Ice Cream. “ 

Con su mixtape de 2017, Gazebo, y su impactante 

sencillo “Dark Knight”, Harlow se puso en 

el radar de sus siguientes campeones: DJ Drama y 

Leighton “Lake” Morrison, los fundadores del sello 

de hip-hop Generation Now, que anteriormente 

dirigió Lil Uzi Vert al éxito general. Ambos se 

habían enterado de Harlow por separado. Drama 

había comenzado a seguirlo en Instagram después 

de que un amigo lo hablara, mientras que Lake se 

enteró de él a través de KY Engineerin’, un famoso 

ingeniero de Louisville que contribuyó a Gazebo 

y es mejor conocido por su trabajo con Lil Wayne, 

2 Chainz y Meek Mill. Cuando los dos ejecutivos 

finalmente se reunieron con Harlow en Atlanta en 

2018, supieron de inmediato que era un partido. 

“Nos gustó lo que estaba pasando y vimos el 

potencial”, recuerda Drama. “Pensamos, ‘Tenemos 

que atrapar a este niño. Es especial”. “El 

futuro de Jack tiene un potencial infinito “, añade 

Morrison. “Es el paquete completo, un gran artista, 

creativo, carismático e inteligente. Digo esto 

tan humildemente como puedo, pero él tiene la 

capacidad de ser el mejor en el juego si continúa 

por este camino”. 

Harlow firmó con Generation Now y Atlantic 

Records en agosto de 2018 y, como de costumbre, 

no perdió el tiempo. Lanzó un nuevo sencillo, 

“Sundown”, el día en que salió el anuncio de su 

firma, y luego lanzó el mixtape Loose dos semanas 

después. Los co-firmas llegaron, con Diddy 

doblando a Harlow como su “rapero favorito” y su 

compañero de Louisvillian Bryson Tiller uniéndose 

a él para la canción de 2019 “Thru the Night”, 

solidificando el control de Harlow en el corazón de 

la escena del rap de su ciudad natal. 

El mismo encanto que se muestra en su video viral 

de retroceso estaba demostrando ser su mayor 

punto de venta como estrella emergente. “Yo era el 

chico nuevo de 22 años y conocía a todas las chicas 

de la ciudad, y estábamos organizando fiestas y 

filmando videos, y todo fue realmente improvisado”, 

dice Harlow de esta época. “Estaba bebiendo y 

divirtiéndome y haciéndome accesible. Fui cálido 

y acogedor. Fui muy inclusivo con la ciudad y fue 

una gran época. Todos en mi círculo recuerdan esa 

época con mucha alegría “. 

O, como lo expresó en su verso “Industry Baby”: 

“I’m just a late bloomer/I didn’t peak in high 

school, I’m still out here getting cuter”. 

BILLBOARD BOLIVIA | DICIEMBRE 2021

F 

UERA DE MTV Video Music 

Premios en septiembre, una 

multitud de fanáticos comienza 

a aullar incesantemente. Harlow 

está haciendo su ronda en 

la alfombra roja fuera del Barclays 

Center de Brooklyn, y grita “¡Harlow, estás 

tan caliente!” ondular a través de la multitud, haciendo 

que el joven soltero se tambalee momentáneamente. 

Lil Nas X, vestida con un conjunto 

lila de Versace que es mitad traje, mitad vestido, 

atrapa a Harlow y le da un cálido abrazo. 

Harlow, una incorporación tardía a la alineación 

de los VMA, está allí para interpretar “Industry 

Baby” con Nas por primera vez, aunque a 

principios del verano lo había hecho en solitario 

en Rolling Loud Miami, dos días después del lanzamiento 

de la canción. “Este MFer me ganó en la 

primera interpretación de la canción”, bromeó Nas 

en Twitter después de ver un video del festival. 

“Lo que admiro de Nas es su humor y, [incluso] 

más, su naturaleza rebelde, cómo realmente 

le importa una mierda. Creo que es poderoso y 

envejece bien”, dice Harlow. “Va a dejar un largo 

legado detrás de él. Creo que algunas personas 

lo han confundido con un truco o una novedad, 

pero es más grande que eso. Creo que habla en 

nombre de muchos niños que no suelen tener voz 

en la cultura pop “. 

A raíz de “Industry Baby”, el mundo del hiphop 

está notando el potencial de Harlow para ser 

un arma secreta también para los posibles éxitos. 

Se ha unido a otro de sus héroes, Eminem, en un 

remix de su “Killer”, pero todavía está haciendo 

tiempo para artistas emergentes, como cuando se 

lanzó a una nueva versión de “Paperwork” del rapero 

de Detroit Babyface Ray en mayo. 

“Los grandes raperos siempre saben cómo ofrecer 

citas interesantes dentro de las canciones. Jack 

es increíble para establecer momentos dentro de 

las canciones que permiten diferentes tipos de 

respuesta de la multitud”, dice David Biral, la otra 

mitad de Take A Daytrip. “Esos momentos también 

informan lo que hacemos como productores, 

brindándonos piezas de desempeño dinámicas 

sobre las cuales construir”. Mientras Harlow trabaja 

en su próximo álbum, que espera lanzar a fines 

de la primavera o principios del verano de 2022, 

disfruta de su propio momento, incluidas las nominaciones 

al Grammy por “Industry Baby” en la 

categoría de mejor interpretación de rap melódico 

y por álbum del año. , como artista destacado 

en Montero, mientras se preparaba para retribuir 

a Louisville con cinco presentaciones en cinco de 

los lugares emblemáticos de la ciudad en diciembre. 

Últimamente ha pensado mucho en su lugar 

en el hip-hop, en lo que trae a la mesa y planea hacerlo 

en consecuencia con su nueva música. 

“Creo que el juego necesita algo de urgencia, 

con todo en una especie de vibración en este momento”, 

dice Harlow. “Será un impulso de energía 

para la gente. Podrás escuchar en mi voz que me 

estoy dando cuenta de lo que soy y de lo que podría 

ser y de lo que necesito trabajar duro para 

ser. Mi estrella está subiendo, y estoy documentando 

ese proceso y mostrándoles hacia dónde 

quiero llevarlo a continuación. Me estoy convirtiendo 

en una estrella cómodamente. Quiero 

entretener”. 


43

BILLBOARD BOLIVIA | DICIEMBRE 2021

EXCLUSIVO 

DIGITAL 

en español 

TAINY 

El sonido caribeño que 

conquistó los charts 

El artista puertorriqueño superó las 100 semanas en lo más alto de la lista de 

productores y compositores latinos de Billboard. Su visión sobre los Grammys, el 

futuro de la industria y cómo es trabajar con Bad Bunny, Ricardo Montaner, J Balvin y 

Wisin & Yandel entre otros referentes de una escena de exportación global. 


FOTOGRAFIADO POR: TOMAS STOCKTON 


45

a sido un año in- 

súper cool, Hcreíble, 

diferente, de cosas 

nuevas”, dice Tainy, 

seudónimo de Marco 

Efraín Masís. El 

puertorriqueño de 32 años, es uno 

de los productores de mayor éxito 

en el género urbano. Sobresalió en 

el cooperando en la producción Más 

Flow 2 con tan solo 16 años y posteriormente 

junto a Luny Tunes en el 

álbum Más Flow: Los Benjamins a 

los 18. En su carrera ha colaborado 

con Bad Bunny, Wisin & Yandel, Janet 

Jackson, David Guetta, Jennifer 

López, Paris Hilton, Alejandro Sanz, 

Shakira, Anuel AA, Ozuna y Jhay 

Cortéz, entre otros artistas. 

¿Cómo manejás tu agenda 

con tantos proyectos en 

simultáneo? 

La verdad que es una de las cosas 

más difíciles: poder manejar todo. 

A mí no me gusta decir que no, 

me gusta poder estar en todos los 

discos, poder seguir trabajando 

con todos los artistas que a uno 

le gusta, que quiere trabajar, pero 

humanamente a veces se llega a 

un punto donde no es posible. He 

aprendido tal vez no a decir que 

no, pero por lo menos saber cuál 

proyecto tiene un poquito más de 

prioridad o necesita salir más rápido. 

También tener mi equipo ayuda 

mucho, el poder delegar a veces 

ciertas responsabilidades. Igual yo 

trato lo más que pueda, si me toca 

amanecer o tengo que estar durante 

todo el día pegado a la computadora 

lo hago. Porque es algo que 

me gusta, me apasiona poder estar 

ahí con los artistas y formar parte 

de sus proyectos. De verdad que 

ha sido mucho trabajo y eso es una 

bendición. 

¿Se han reducido los tiempos 

de producción? 

Yo creo que de cierta manera sí lo 

he podido reducir. El tiempo que 

llevo produciendo me ha ayudado a 

entender cómo llegar a cierto punto 

un poco más rápido de como lo 

hacía antes. Entender el proceso de 

cada artista y ver que necesito hacer 

con cada uno de ellos para poder 

llegar al resultado que queremos. 

Me ha ayudado tener más conocimiento 

y ver cómo puedo trabajar 

en las cosas. También es importante 

gestionar el tiempo al trabajar entre 

cinco canciones en un día. Así he 

podido adelantar mucho en un proceso 

que implica trabajar un rato en 

una y luego pasar a otra y así. 

¿Cómo te das cuenta de no 

repetir tu propia fórmula 

y de que una canción está 

terminada? 

Eso me ha costado. Saber que la canción 

está lista. Porque hasta el día 

de hoy escucho canciones y todavía 

siento que podía haberle cambiado 

esto, o podría haberla arreglado 

lo otro. Tener también una buena 

comunicación con los artistas, de 

ver dónde están ellos. Si ellos sienten 

una conexión y se sienten felices 

de cómo se escucha el tema, es una 

indicación para mí también de que 

tal vez ya estoy excediéndome en 

perfeccionar. Hay veces en que uno 

continúa agregando cosas y termina 

dañando. Respecto a repetirme o de 

hacer cosas que se sienten igual a 

otras, personalmente he llegado a un 

punto que mientras estoy haciendo 

la canción, si yo no siento esa conexión, 

ese feeling, que me mueva, 

yo como fanático de la música voy 

a decir que todavía la canción no 

está donde debe ser. Cuando siento 

que es algo que ya ha hecho, o que 

suena igual a algo que he escuchado 

por ahí, necesito seguir trabajando 

la canción. Eso me ayuda mucho 

también a que cada canción tenga 

su propia personalidad e identidad. 

Siempre van a haber un par de cositas, 

pues al final del día están siendo 

producidas por la misma persona, 

pero trato de darle la mayor identidad 

posible. 

¿Creés que hay una saturación 

sobre la utilización del 

dembow? 

Es como todo lo que tiene éxito: 

tiende a ser lo que todo el mundo 

quiere hacer y es la manera más fácil 

para llegar a las personas. Pues sí, 

llegamos a un punto donde sentí que 

había cierta saturación del mismo 

ritmo o del mismo tipo de tema. Ahí 

es donde está la responsabilidad de 

uno de, tal vez, tener conciencia de 

esos detalles que es lo que a la gente 

le gusta, pero al mismo tiempo ver 

cómo podemos hacerlo de una de una 

manera diferente y seguir evolucionando 

y creciendo. Siempre trato de 

incorporar, aunque sea el detalle más 

mínimo, en cuestión de instrumentación 

o los sonidos que escojo, aunque 

tenga el mismo compás. Por lo menos 

una variación que tu oído sienta que 

está escuchando algo diferente. Ayuda 

a esta generación de artistas que 

tienen una mentalidad distinta, y no 

tienen miedo de tal vez arriesgarte a 

cómo responda el público, o el sello, 

o la radio, sino hacer las cosas porque 

te gusta porque tú lo escuchaste en el 


estudio y se siente increíble. Yo sé que 

cuando lo saque mis fanáticos van a 

acompáñame, por eso son fanáticos, 

yo creo que esa forma de pensar me 

ha ayudado a que esté donde estoy, y 

que siga creciendo y que las canciones 

no se escuchen solamente en el país de 

donde es el artista sino en el mundo 

entero. Eso ayuda bastante a que no 

nos quedemos en un momento monótono, 

sino que si al final del día hay 

bastantes diferencias entre cada uno 

de los artistas y productores. 

¿Qué te pasa cuando escuchas 

tus beats en canciones 

que no hiciste vos? 

Para mí es bien cool, y me da el 

propósito que quería. Lo hablaba 

con muchos productores de la 

generación nueva y también de los 

de los anteriores: antes tenías que 

irte en una búsqueda de un tesoro a 

buscar ciertos sonidos, y rogarle a la 

gente y estar en el lugar y el momento 

indicado para que alguien te pudiera 

darlos. Es como una batalla porque 

hay mucha gente que no les gusta dar 

sus sonidos, pues piensan que le van a 

quitar su sonido. Me he dado cuenta 

de que, con el pasar del tiempo, tú y 

yo podemos tener la misma herramienta, 

exactamente la misma, pero 

la música no va a ser la misma. Tu 

mentalidad, cómo tú procesas y piensas 

es bien diferente. Es por eso por 

lo que no hay por qué guardarse las 

herramientas. Cuando yo pueda darte 

algunas cosas que te puedan ayudar, 

lo voy a hacer. Cuando escucho mis 

bits en otras canciones yo creo que 

eso era lo que quería lograr. Es super 

cool ver que esa canción se vuelve un 

éxito también y que mi trabajo ayuda 

a seguir haciendo música buena. 

Trabajaste con artistas muy 

diferentes entre sí: ¿Qué tan 

lejos están Justin Bieber, 

Drake o The Weeknd de los 

artistas latinos? 

Creo que hemos llegado a un punto 

donde no está ese gap, esa diferencia. 

Igual yo lo veía así también desde mi 

lado de productor: sentir que estoy haciendo 

música, pero no al nivel de los 

mejores como David Guetta, Calvin 

Harris o Timbaland. Eso siempre me 

empujaba a tratar de seguir aprendiendo, 

de seguir explorando en diferentes 

cosas y puedes llegar a un punto donde 

yo siento que estamos a la par… 

Bueno te están llamando 

ellos a vos ahora... 

Siento que hay diferentes patrones rítmicos 

y melodías, pero respecto a los 

sonidos que utilizamos y a la manera 

que estamos trabajando, estamos a la 

par. Eso ha sido algo que también ha 

elevado el género a dónde está: que la 

calidad vaya a la par. Tú sabes, la lírica 

que escriben los artistas, el estilo y el 

alcance que tienen… que la gente lo 

pueda escuchar y que otros productores 

van a escucharlo y apreciarlo, 

y decir: “esto no es algo de alguien 

que no sabe hacer música”. He tenido 

conversaciones con gente que admiro 

y me cuentan que sienten que estamos 

haciendo un buen trabajo. Para 

mí eso es un galardón grandísimo: 

saber que llegamos al punto donde 

queríamos trabajar y elevar la música. 

Estamos en un momento en el que 

no copiamos lo que hacen los artistas 

anglo, sino que nos combinamos y 

hacemos colaboraciones. 

¿Cómo te llevás con el rock? 

Me encanta. Cuando empecé a 

enamorarme de la música y a tener 

mis influencias allá por el 2000, el 

rock era bien dominante, no tal vez 

el rock clásico, pero si las bandas que 

sea System of a Down o Limp Bizkit. 

En Puerto Rico no era eso lo que 

estaba haciendo y era el reggaetón 

lo que estaba en la delantera. Pero 

nunca dejé de escuchar rock, de detenerlo 

con influencia y de aprender. 

Me gusta poder desatar ese fanático 

de 14 años y poder estar haciendo 

algo cercano a lo que uno escuchaba 

en ese momento es un sentimiento 

súper increíble para mí como como 

productor. Sigo explorando y es muy 

bueno que se me den esas oportunidades 

que tal vez antes no eran 

posibles. Para mi la instrumentación 

en vivo es súper importante, y siento 

que es algo que no se debe perder. 

¿Qué tiene que hacer un 

productor nuevo a la hora de 

empezar a trabajar para defenderse 

económicamente? 

Una gran diferencia para mí desde mi 

comienzo a hoy es poder conseguir 

un manager, una persona en la que 

uno confíe. Es que al final del día va 

a batallar por el mejor interés tuyo, 

o hacer esas batallas tú solo, y tener 

un equipo detrás de ti. Nosotros 

hacemos música, uno se mantiene en 

el lado creativo, fluyendo y haciendo 

su trabajo. Por eso lo más importante 

es tener alguien de confianza, 

que puedas decir este es mi equipo 

de trabajo y esto es lo que me va a 

ayudar a llegar al próximo nivel. 

Porque él se va a encargar de tener ese 

conocimiento de los negocios que te 

va a ayudar a continuar a crecer en tu 

carrera. Así puedes enfocarte en hacer 

tu música. 


47

T I A G O P Z K 

“Quiero ser un artista 

completo al que no 

encasillen en uno 

u otro género” 

A los 20 años es el único artista con cuatro puestos número uno en la historia del 

Billboard Argentina Hot 100 que se realiza desde 2018 y se consolida como uno de 

los más escuchados de la región. Los primeros shows, la expansión internacional, 

el apoyo de Phil Rodriguez de Move Concerts y cómo un adolescente con 

problemas familiares encontró en la música su camino para brillar. 

POR SANTIAGO TORRES, JULIÁN MASTRÁNGELO Y JOSEFINA ARMENDÁRIZ 

FOTOGRAFIADO POR THOMÁS RAIMONDI 



49

A 

además de mí” en el remix de 

Rusherking, María Becerra, Lit 

Killah, Duki & Khea, “No Me Conocen” 

de Bandido con Duki y Rei, 

“Entre Nosotros” nuevamente con 

Lit Killah y “Salimo De Noche” junto 

a Trueno hicieron que conozca la 

cima en varias ocasiones. Reconocido 

por su versatilidad, reconoce 

que es uno de sus pilares a la hora de 

componer y crear canciones. Así, el 

artista de Monte Grande, Provincia 

de Buenos Aires, no se limita a un 

estilo en particular: “De ahora en 

adelante, no me quiero encasillar. 

No quiero que la gente diga “Tiago 

es esto”, sino que digan que soy un 

artista completo que puede hacer lo 

que quiera”. 

Cómo algunos de sus amigos y 

otros artistas de la escena argentina, 

Tiago Uriel Pacheco comenzó en 

el mundo de las plazas y el freestyle 

desde el 2015 cuando tenía 15 años. 

En las batallas logró ser campeón 

Nacional de BDM 2017, subcampeón 

internacional de ACDP y participó 

en las más reconocidas competencias 

de freestyle, como God Level, 

Nike Battle Force, Las Vegas, Cultura 

Rap, El Halabalusa, Anfree27, Supremacía 

y Gold Battle. Su presencia en 

El Quinto Escalón impulsó en paralelo 

su lanzamiento como cantante: 

“La primera canción que saqué la 

subí a los 15, coincidió con el Quinto 

y tuvo 50.000 reproducciones en 

2017 que era un montón.” 

Luego llegó la presentación de 

“Finde”, track que formó parte de 

las Damommiosession, una serie de 

Live Sessions a cargo del productor 

Andrés Damommio en donde 

ya desplegó sus letras cargadas de 

vivencias y experiencias personales. 

Fue la antesala de “Sola”, una canción 

dedicada a su madre que sirvió 

para su despegue definitivo y que fue 

utilizada para concientizar sobre violencia 

familiar y de género. Sus rimas 

confesionales llamaron la atención 

de comunicadores como Marcelo 

Longobardi quién lo entrevistó 

mano a mano en su ciclo para CNN 

en Español. Además se convirtió en 

el primer artista latinoamericano en 

ser convocado para la campaña de 

Spotify “Only You”. Bajo su propio 

lema “La plaza me llama” participó 

de un documental sobre sí mismo. 

A eso le sumó distintas acciones con 

fines sociales como ser jurado junto 

a Bhavi en el concurso Rap Digital 

de UNICEF en el que invita a todos 

los jóvenes del país a rapear hablando 

sobre ciberbullying, el grooming, 

la difusión de imágenes íntimas sin 

consentimiento y el cuidado de la 

huella digital o junto a UNICEF en 

#AmigoDateCuenta, con el objetivo 

de promover una reflexión entre los 

varones sobre su rol en la prevención 

de la violencia hacia niñas y mujeres 

a partir de la construcción de un 

modelo de masculinidades no violentas 

y responsables. 

“Cuando se lanzó, estuvo dos semanas 

con menos de 30 mil visitas, 

no explotó al momento. Más allá de 

esas reproducciones, que igualmente 

estaba muy contento por ellas, fue 

un antes y un después porque pude 

sacarme algo de adentro que tenía 

guardado hace años”, afirma. 

Esta primera versión del single 

fue presentada originalmente el 19 

de noviembre de 2019 y a día de hoy 

cuenta con más de 4.9 millones de 

reproducciones en su canal de You- 

Tube. Sin embargo, no sería hasta 

mediados del 2020 cuando esa canción 

lograría el reconocimiento que 

tiene hoy en día. Tiago fue invitado 

a participar en nuestro Festival Online 

Argentina En La Casa y decidió 

formar parte del mismo con una versión 

acústica de esta canción a cargo 

de Neuen en sus “NEUEN Live Session”. 

Ese videoclip cuenta hasta el 

momento con más de 73 millones de 

reproducciones únicamente en You- 

Tube y se ha convertido en uno de 

los tracks más escuchados del 2020 

en las distintas plataformas digitales. 

Su color de voz, afinación y versatilidad 

a la hora de componer se 

potenció en la primera canción de la 

que formó parte junto a otro artista: 

“Cerca de Ti”, con Rusherking -quien 

forma parte importante de la carrera 

e incluso de la vida de Tiago durante 

estos años-. Gracias a esto, y de manera 

orgánica, como define Sebastián 

Carlomagno CEO de Move Concerts 

para Latinoamérica se convirtió en 

el primer artista en español que Phil 

Rodriguez, reconocido Power Player 

y mentor del Rock In Rio decidió 

desarrollar de esta nueva camada de 

artistas que renuevan la escena. “Phil 

está muy entusiasmado con Tiago 

y pensamos que hoy no hay límites 

para creer que puede llegar a ser un 

artista importante a nivel global”. 

Todos hablan de un crecimiento 

meteórico, pero 

estás en la música desde 

hace más de cinco años. 

Sí, le venimos dando duro y parejo 

hace un par de añitos ya, pero creo 

que este año subió al máximo. Pasan 

cosas todo el tiempo y te tenés que ir 

acostumbrando a todo eso. Mi vida 

cambió un montón y el nivel de trabajo 

no bajó, de hecho aumentó. 

¿Cuán importante es el freestyle 

en tu carrera? 

Yo era un espectador de El Quinto 

Escalón. Me hice parte, pero no 

me sentía tan parte, era el nuevito. 

En 2017 estaba cerca del final y era 

masivo, estaba muy bueno, pero ya 

no me sentía tan clave. Se valoraba 

más el pibe que salía de la plaza que 

“Justin Bieber es uno de 

los pilares que hacen a 

Tiago como artista”. 

TIAGO PZK 

del Quinto escenario. No me fue tan 

bien, llegué a una semifinal contra 

MKS, a un cuartos de final contra 

Nacho. Siendo de Monte Grande 

fue el primer respiro, el primer relajo 

de decir “wow la gente me está 

empezando a conocer”. 

¿Ya hacías canciones? 

Sí, hago temas desde los 15. Hoy 

en día están todos bajados, no me 

gustan, pero la primera canción que 

saqué la subí a los 15, coincidió con 

el Quinto y tuvo 50.000 reproducciones 

en 2017 que era un montón. 

¿Sentís qué Argentina está 

ahora más cerca del mundo? 

Creo que Argentina debe tener 

el movimiento con más unión de 

todos los que hay. Siempre hay 

competencia, hay buenos exponentes 

afuera pero no los ves unidos o 

tirando para el mismo lado, compartiendo 

público. En algunos lugares 

sigue la mentalidad que había 

con el rock de Soda Estéreo contra 

Los Redondos. Ahora compartimos 

público, nos quieren ir a ver 

las mismas personas. Al estar todo 

el tiempo compartiendo con gente 

amiga que pasa cosas así es zarpado. 

Cuando a Mari la llamó J Balvin 

nos quedamos asombrados, pero 

también nos dio una pista de que 

estaban poniendo el ojo acá y que 

somos gran parte de eso. También 

pasa a ser una responsabilidad y 

cada vez va desapareciendo el techo 

que nos ponemos de que no podemos 

llegar a tal cosa porque están 

poniendo el ojo acá. 

J Balvin para María Becerra, 

LIT Killah dijo Daddy Yankee… 

¿quién sería para vos? 

Daddy Yankee y Bad Bunny. A DY 

lo vi hace poquito en Puerto Rico en 

el estudio. No lo quise molestar, lo vi 

en acción, grabando para su disco. 

Eran tres estudios, yo iba al del fondo, 

cuando paso por el de él estaba 

DY grabando. Fui y me hice el boludo 

preguntando dónde está el baño 

para pasar de nuevo y lo vi ahí de 

productor ejecutivo. El chabón tiene 

45 años y es un ejemplo. Ejemplo 

de artista trabajador, creo que es mi 

ejemplo a seguir. 

¿Puede ser que tu generación 

valore más la constancia, el 

trabajo y la disciplina? 

Pasa que cambiaron las cosas en el 

país. Hoy en día vas a Miami, pegás 

un tema y ya estás manejando una 

Ferrari, tenés tu casita. Acá en Argentina, 

cuesta más con cómo está el 

país, entonces tenemos más hambre. 

Por eso no existe mucho el personaje 

de cadenas, que esto que lo 

otro, somos tercer mundo. Cuando 

uno va allá vé lo tercer mundo que 

somos, pero está bueno porque al 

final te da más hambre, no solo por 

nosotros, sino por el país también. 

Hace poco hablábamos con el Duko 

en Miami y él me decía “imaginate 

el día de mañana, que la escena 

argentina crezca tanto que hayan 

70 artistas millonarios, viviendo en 

Estados Unidos y que entre todos 

mandemos plata para que se levante 

el pueblo. Flasheamos esa porque 

cada vez está más complicado salir, 

cada vez hay menos recursos. 

¿Cómo haces para no perder 

ese hambre? 

Yo mantengo los pies en la tierra. 



51


Sigo estando con la misma gente 

con la que empecé antes de que me 

pasara todo. Todos mis amigos son 

artistas y veo el hambre en ellos, 

quizá no tienen la puerta abierta. 

Trato de ayudarlos, pero quizá a veces 

voy y veo realidades diferentes 

a la mía - quizá la mía hace un año 

- y vuelvo y veo la responsabilidad 

que tengo en mi cabeza. Y cómo 

tengo que valorar todo lo que me 

pasa. Veo cómo lo viven otras personas 

que hacen lo mismo que yo, 

pero desde otra perspectiva. Siento 

que mis amigos son ese motor, vivo 

con los pibes, son mis hermanos, 

pero están en otra situación, tienen 

los suyo, están trabajando, de gira. 

De repente ver el otro lado, a los 

artistas que están peleando y tienen 

hambre me mantiene el sentimiento 

vivo. 

Además sos el más chico… 

Sí, soy el más chico, pero no hay 

tanta diferencia. Nos cuidamos entre 

nosotros, las actitudes, es más persona. 

Somos amigos por fuera de la 

música. Podemos hablar de lo que 

sea y nos ayuda a crecer. También 

nos pasan tantas cosas que la cabeza 

deja de estar en un “ritmo normal”, 

maduramos, dejamos de lado cosas, 

priorizamos el trabajo. Hay que salir 

del país a corta edad a trabajar. Nos 

re ayudamos con eso y estamos todos 

apuntando hacia el mismo lado. 

¿Creés que esa cofradía y 

forma de trabajar juntos se 

hereda de Puerto Rico? 

Me di cuenta de que en Puerto Rico 

hasta los artistas grandes necesitan 

de la calle. Es una islita, 3 millones 

de personas. Más allá de los pocos 

habitantes, Bad Bunny tiene que 

hacer un tema con Lugar la L para 

sonar en la calle, porque si no sonás 

en la calle, por más que seas Bad 

Bunny, no te respetan. Eso acá no es 

tan así, podés ser super mainstream 

y un personaje y si a la gente le gusta 

tu tema te va a ir a ver y bancar. Allá 

la calle tiene un peso más grande, 

está más involucrada en la música. 

Allá la música es lo más grande 

que tienen. Bad Bunny, DY, Ricky 

Martin. La música es su orgullo. Acá 

también está Messi, Maradona, se 

dividen los públicos. Allá centralizado 

en la música. A su vez, acá no hay 

un artista que realmente te impulse 

mundialmente si comparte un tema. 

Allá viene DY, Bad Bunny o Balvin, 

te hacen un remix y pasás a Estados 

Unidos. Porque en Estados Unidos 

hoy en día lo que sale de Puerto Rico 

entrá más rápido por sus grandes 

exponentes. En su momento estaba 

Paulo, pero era una escena chiquita, 

10 caras. 

Tampoco hay un artista 

de 45 años como Daddy 

Yankee… 

Me di cuenta de la diferencia, allá 

arrancó hace 20 años, acá hace 5. Se 

nota la diferencia en el negocio, en 

cómo se manejan. Creo que no estamos 

yendo mal por la situación del 

país, pero allá hay más facilidades. 

Hay menos artistas, todos se mueven 

en la misma rama, acá hay variedad, 

somos millones, hay diversidad de géneros. 

Cuando Bad Bunny sacó YHL- 

QMDLG con temas de rock y la gente 

dijo que era un genio por hacer algo 

distinto, y en verdad es rock. Y acá el 

rock es más común… 

En diciembre de 2020 llegaría la 

versión original de lo que hoy se 

conoce como el “himno de la nueva 

generación de artistas argentinos”, 

“Además De Mí”. Esa primera versión 

fue lanzada en el canal de You- 

Tube de Rusherking y cuenta a día 

de hoy con cerca de 30 millones de 

reproducciones. Luego, ya comenzado 

el 2021, ambos artistas convocaron 

a María Becerra, Khea, Duki y 

LIT Killah en su versión remix, a día 

de la fecha con más de 218 millones 

de visualizaciones. 

Ese lanzamiento fue el primero 

de Tiago en llegar a lo más alto del 

Billboard Argentina Hot 100, marcando 

también el crecimiento tanto 

personal como de la nueva escena 

nacional. El track mantuvo el primer 

lugar por más de cinco semanas, un 

récord tanto para Tiago como para 

todos los integrantes de esta nueva 

versión por aquel entonces. 

Ya continuado este 2021, el cantante 

de 20 años ha demostrado que 

“Sola” y sus demás éxitos de este año 

no llegaron de casualidad. Él mismo 

afirma haber invertido mucho tiempo 

y dedicación en formarse como 

artista completo y también da las 

gracias a su equipo de trabajo, con 

los que afirma “no sería lo mismo 

sin ellos”. “Hoy en día el equipo es 

el otro 50% del artista. El artista se 

encarga de cantar y realizar su performance, 

pero hay todo un equipo 

atrás que hace que llegue ahí”. 

En cuanto a performances se refiere, 

formó parte de múltiples proyectos 

online durante el tiempo de 

cuarentena, siendo el Festival Suena 

en Tik Tok el más reciente de ellos. 

En esta ocasión, interpretó “Flow De 

Barrio”, “Sola”, “Cerca de Ti” y “Házmelo” 

acompañado de una banda 

que da pie a sus shows en vivo y con 

público, que todavía no cuentan con 

fecha. “Tik Tok, fue mi mejor show 

sin duda, si hubiera habido gente no 

paraba de saltar seguro, la energía se 

siente y se transmite”, completa. 

Además de los lanzamientos, colaboraciones 

y presentaciones en 

vivo centradas en la música, Tiago 

se desarrolla como artista 360°. Su 

papel protagónico en la película 

“Cato” del director y guionista Peta 

Rivero y Hornos auspicia un futuro 

actoral. Para este film, no solamente 

recurrió a la actuación, sino que 

también creó su banda sonora, en 

la que destaca el single “Loco”, una 

balada donde se lo puede ver en sintonía 

con “Sola”, reflexivo, introspectivo 

y sentimental. 

¿Cuánto después de que se 

publicó “Sola” notaste que 

hubo un antes y un después? 

Apenas salió esa canción fue un antes 

y un después en mi vida. Cuando 

se lanzó, estuvo dos semanas con 

menos de 30 mil visitas, no explotó 

al momento. Más allá de esas reproducciones, 

que igualmente estaba 

muy contento por ellas, fue un antes 

y un después porque pude sacarme 

algo de adentro que tenía guardado 

hace años. Cuando es orgánico 

es cuando más se valora. Después 

de un tiempo me di cuenta lo que 

ese tema pudo haber generado en la 

sociedad, de mujeres que se guardan 

sentimientos o situaciones como las 

que cuento, pero realmente lo hice 

para mí y para mi mamá. 

¿Cómo se hace para no estar 

resentido con la situación? 

La vida pasa. Uno tiene que empezar 

a soltar para madurar. Me di cuenta 

que había una espina que tenía clavada… 

Tenía pesadillas… Llegó un 

momento en el que dije “ya está, mi 

vieja está bien, estoy cumpliendo el 

sueño con la música… Ya está”. Yo 

perdoné a mi viejo, se lo dije y me 

sentí más ligero. 

¿Nunca tuviste el miedo de 

caer en la mala? 

Mi vieja siempre me mantuvo tranquilo, 

igual no soy una persona 

agresiva ni nada por el estilo. En el 

fondo sé que si haces cosas malas, 

vuelve, y si haces cosas buenas también 

vuelven. 

¿Tenes miedo que te encasillen 

como trappero? 

Justamente ese concepto lo flashee 

para mi disco. En “Házmelo” subo 

una puerta con la misma campera, 

en “Entre Nosotros” salgo en otra 

con la misma campera, después 

entro en otra puerta, quién sabe en 

el próximo. Está bueno jugar con 

los mundos, no encasillarse en el 

mismo molde: te aburrís vos, te 


53

La línea de tiempo 

2001 Nació el 3 de 

agosto en Monte 

Grande, provincia de 

Buenos Aires. 

2016 Durante los 

primeros años de su 

adolescencia, Tiago 

comenzó a asistir a 

las batallas de rap 

para aficionados; 

también se interesó 

en la producción 

musical por lo 

que utilizando la 

computadora empezó 

a editar pequeños 

videos y pistas. 

En 2016 cuando 

se inició en las 

competencias. 

2017 Participó por 

primera vez en El 

Quinto Escalón, 

competencia 

en la terminó 

enfrentándose contra 

Paulo Londra. 

Si bien no ganó, 

su actuación fue 

muy destacada. 

Este mismo año, 

fue campeón de 

la BDM Batalla de 

Maestros. Saltó a la 

escena musical con 

el lanzamiento de 

“Andamo’ en la cima”, 

junto a Kin. 

2018 Presenta “Nadie 

es mejor”. 

2019 Firmó contrato 

con SyP Records, 

discográfica con 

la que estrenó 

“Bendíceme”, “Home 


quedás sin recursos, la gente se 

aburre porque escucha siempre 

lo mismo y no evolucionás. De 

ahora en adelante, no me quiero 

encasillar. No quiero que la gente 

diga “Tiago es esto”, sino que digan 

que soy un artista completo 

que puede hacer lo que quiera. 

Dicen que el que mucho abarca 

poco aprieta, pero no está de 

más probarlo. Es como cerrarse 

al trap y no probar el reggaeton. 

Tengo amigos que hacen trap 

y están pegados y no quieren 

probar el reggaeton, después me 

mandan un reggaeton y la rompen. 

Al pepe encasillarse. 

¿Es verdad que Justin Bieber 

es uno de tus principales 

referentes? 

Es uno de los pilares que hacen 

a Tiago como artista. Siento que 

es un artista completo en todo 

sentido: toca todos los instrumentos, 

baila, canta, hace todo bien. 

Siempre lo faneé mucho, lo fui 

a ver a los 11 años y bailaba y lo 

admiraba mucho. Pensaba en ser 

artista y ser como él, romperla y 

llenar estadios. Él me dio el empujón 

a ser un artista que se tire 

más por lo mainstream, hacer esos 

temas lindos que no podés dejar 

de cantar. Por otro lado, tenía más 

a EMINEM, más underground y 

un Daddy Yankee que era la mezcla 

perfecta entre mainstream y 

underground. 

¿Te interesaría componer 

para otros? 

Sí, me gustaría. Lo practiqué con 

varios artistas. Mi hermana tiene 

14 años y le compuse un tema, es 

una bestia cantando. Me divierte 

también, igual yo escribo todos mis 

temas. 

¿Permitís qué otros escriban 

para vos? 

No me cierro a eso ni a palos. De hecho, 

vivo con FMK, el compositor más grande 

en el género urbano y es increíble. Lo 

ha ayudado a Duki, a Rusher, a Lit, a mí. 

Es una bestia, es de los mejores que hay 

acá, sin duda. Al principio me pasaba 

lo mismo con no escribir las letras, después 

me di cuenta que está bueno que 

haya ideas frescas, que no sea solo lo 

que vos hacés, que venga otro con otro 

criterio y estilo está bueno. Como buen 

compositor, tengo que meterme en tu 

estilo, aportando algo nuevo, pero sabiendo 

que tenés que cantarlo vos. Eso 

hace FMK muy bien 

Hay letras tuyas de desamor, 

¿ya viviste tantas experiencias 

de pareja? 

Soy una persona bastante emocional. 

No me gusta mucho estar solo, la soltería. 

Me gusta estar en pareja y esa data. 

Desde los 15 estuve de novio, a los 17 

me separé y volví a estar de novio. Casi 

que desde los 15 hasta los 20 estuve 

de novio. Obviamente cuando uno es 

chico no entiende mucho las cosas de 

la pareja, pero intenté retratarlo de una 

forma más madura como lo veo hoy. 

No tengo las mil y una, pero son cosas 

reales que sentí. 

¿Cuál es tu visión sobre el underground? 

Es que a mí me gusta también lo under. 

Que no haga algo under no significa que 

no me guste, me gusta lo experimental, 

los artistas no tan conocidos. Eso 

me quedó del freestyle también. Hace 

poco nos fuimos con Rusher a una plaza 

a competir, ya teníamos “Además de 

Mí” (remix) y bajamos con la gente, 

cagándonos de risa. Al fin y al cabo, 

nosotros salimos de ahí, salimos 

del underground. Tampoco me da 

verguenza decir que hago música 

mainstream, tampoco tengo porqué 

discutir por qué hago o no música 

mainstream, porque es la realidad. 

Si alguien me lo dice de una forma 

insultante, bien ahí, yo sé que hago 

mainstream. Respeto a todos los 

gustos musicales y también me gusta 

eso, hace poco fuimos con FMK a 

un festival en Saldías y tocaron un 

montón de artistas under que la gente 

no conoce tanto, pero lo recontra 

disfrutamos. 

¿Cómo imaginás un show 

tuyo? 

Recién arranca mi carrera, pero 

me queda un montón por delante, 

mucho por aprender: a tocar instrumentos, 

cantar, tocar la guitarra, 

bailar. Quiero dar un show para 

que la gente quede ida. Hoy lo estoy 

complementando con mis músicos, 

voy y hago show de banda. En 

Miami la mayoría toca con pista, 

bailarines y todo, pero la banda da 

otro color. 

¿Sí o sí hay que mezclar la 

pista con el vivo? 

Hay muchos músicos que logran 

adaptar las canciones con banda 

y queda muy bien. Es imposible 

replicar los high hats que da 

el Big One con unos platillos pero 

sí es verdad que la música tocada 

transmite más, incluso me dan más 

ganas de cantarlo. Me pasó con el 

festival en Tik Tok, fue mi mejor 

show sin duda, si hubiera habido 

gente no paraba de saltar seguro, la 

energía se siente y se transmite. 

¿Crees que el equipo que 

acompaña a los artistas es 

clave en su desarrollo? 

Totalmente, el artista se encarga de 

cantar y realizar su performance, 

pero hay todo un equipo atrás que 

hace que llegue ahí. Uno mientras 

más grande se va haciendo, más 

son las expectativas y más son las 

responsabilidades. 

¿Cómo te llevás con los nuevos 

géneros que van saliendo 

como el Turreo? 

Increíble porque en el barrio siempre 

se escuchó Cumbia. Otra onda quizás 

pero sí que se sentía como algo de acá. 

Siento mucho respeto porque esas 

canciones me encantan. Creo que los 

pibes lo pudieron fusionar de forma 

zarpada con reggaetón y algo más urbano. 

Hay una confusión del público 

general con la cumbia, RKT o trap que 

hace que no se den cuenta que en la 

Argentina están creciendo un montón 

de movimientos a la par. 

¿Cuál es tu máxima meta? 

Creo que no hay que ponerse techo, 

pero siento que me falta un montón 

todavía. Recién arranca mi carrera, 

literal. Pensá que ni di un show mío 

todavía. Yo me subí a un escenario 

hace muy poquito, con Mau y Ricky, 

con Duki en Pilar, me subí con cero 

fe de que la gente me iba a hacer el 

aguante y nada que ver. Gritaron, 

se cantaban los temas, los gritaban. 

Siento que me queda mucho camino 

por recorrer y tengo muchas ganas 

de tocar en vivo, un sueño - como 

el de todo artista - es llenar un estadio 

grande, de afuera. Colaborar 

con artistas con los que uno sueña y 

piensa que es imposible, pero al fin y 

al cabo, nada es imposible. 

de TIAGO PZK 

Run” y “Mauro” (con 

Emkier y Trash). 

Lanza su primer EP, 

Valor de la calle: 

producido por 

Emkier, con temas 

como “Finde”, “Nena 

mal”a y “3 AM”. Pero 

este año su gran 

éxito fue “Sola”, con 

millones de vistas 

en YouTube, fue su 

primera canción en el 

top 10 del Billboard 

Argentina Hot 100. 

2020 Tiago lanzó 

“En la oscuridad” a 

los que le siguieron 

“Papichulo”,” Game”, 

“Ella es bella” con 

Daka y “Cerca de 

ti”, con Rusherking. 

Participó en la Red 

Bull Batalla de Los 

Gallos y luego publicó 

el sencillo “Además 

de mí”. 

2021 dejó su antiguo 

sello y firmó con 

Grand Move Records. 

Lanzó “Flow de 

barrio” y colaboró 

con Lula Miranda en 

“Y si dices que no”. 

Con posterioridad, 

estrenó “Dime si 

te vas”, junto a Lil 

Anxiety, seguido de 

“Házmelo”, “Cazame” 

y “Prende la Cámara”. 

El 8 de julio salió 

“Entre Nosotros”, su 

colaboración con Lit 

Killah. 


55

DRACO ROSA 

“El álbum es una contribución 

al bienestar” 

Así refiere el artista a Sound Healing 1:11, un viaje interior de 11 canciones y 

en las que dos de ellas superan los 10 minutos de duración. 


FOTO: JESSICA MENDA 

Draco rosa lanzó un disco que 

nace de la iniciativa de ayudar a 

la gente a sanar y meditar. Sound 

Healing 1:11 es un álbum creado 

durante la pandemia en frecuencias benéficas 

para el cuerpo con sonidos naturales de aves, ríos 

y mares. El artista planeaba hacer un álbum convencional 

con músicos y la experiencia completa, 

pero la pandemia lo obligó a trabajar solo. Así, se 

volcó a utilizar instrumentos que había comprado 

para meditar y hacer yoga en su finca. A su vez, 

la finca se volvió una fuente de inspiración en sonidos 

como los cantos de pájaros, el correr de un 

río, las cascadas. 

¿Cuán bien te hizo este disco? 

Hasta ahora es una caminata linda. Tanto el 

proceso, los últimos once años, donde descubrí 

estas frecuencias, a través de amistades. Antes de 

la pandemia había un plan de grabar un disco y 

se canceló todo. Había hecho unas inversiones 

para la comunidad de la finca, donde yo vivo, 

para aprender un poco más, me encontré con 

estos juguetes, estos instrumentos exóticos y me 

dejé llevar. Se dieron colaboraciones increíbles. 

Me parece que me tocó esto en mi vida y para mi 

catálogo de música este es de los proyectos más 

especiales porque es una contribución al bienestar. 

El álbum tiene un sonido muy inmersivo, 

especialmente “El Río de la Vida”… 

¡Sí! Nos dejamos llevar con el flow y el momento. 

Esa pieza quedó bien linda. La hicimos con la Orquesta 

Filarmónica de Praga. Se dieron las cosas 

al natural, sin mucho misterio. Uno trata de hacer 

mil cosas y algunas no se dan y otras sí. 

¿Por qué elegiste hacer canciones 

largas? 

Bueno, tengo el privilegio de contar con un grupo 

de gente bien interesante en Sony Latin. Siento que 

se trabaja con el artista, con explorar y encontrar 

algo. Creo que el compañero más grande de los 

artistas es el riesgo y estás haciendo arte para esto. 

Obviamente ha cambiado y ha crecido el mundo 

más corporativo, pero en algunas disqueras existen 

personajes que sienten y entienden mucho la música. 

Trataron de buscar gente que la entiende. Por 

ahora estoy en un sitio donde creen en la música y 

es interesante que lo menciones porque cuando lo 

presenté por primera vez dije “sí, el sencillo dura 

esto” y me dio una satisfacción enorme. La música 

es para sentirla y es un crimen acortar, este disco 

de meditación y once minutos de “Selva” vienen 

muy bien al cuerpo. Si te dejas llevar, porque no es 

fácil, no todo el mundo puede. Uno se encuentra 

con el miedo, el caos, hasta que encuentras serenidad, 

pero para llegar hay que hacer el ejercicio. 

Me quedé tan tranquilo escuchando… 

Qué lindo, siento que es para eso. En tu casa quizá 

te distraes, te llaman y pones pausa. Es como ir a 

un retiro, si dejas todo de lado y prestas atención 

al interior, tienes ese romance contigo mismo. Es 

difícil, pero cuando entras al vacío te llevas una 

sonrisa, claridad y fuerza. 

Hablás mucho de la vida y la muerte, 

¿cómo es tu relación con Dios? 

Estoy bien, creo que ser inclusivo en todo. Colaborar 

más, intercambio de comida, de frutales, 

tratar de representar inspiración, colaboración. 

Estoy enfocado en la hermandad y lo que significa 

eso, el peso que tiene. Estamos en un momento 

“hacia arriba”, es importante ser inclusivos. No 

lo vamos a encontrar en los gobiernos, pero sí 

en nuestros hermanos. El sistema está roto y ya 

nobleza no hay. Hay que regresar a ser los seres 

humanos que entienden lo que es vivir. 

¿Cuánto hay de verdad y de mentira en 

que te has curado a vos mismo con la 

meditación? 

No es un mito, porque al final del día yo he hecho 

un poco de todo. Llegué a arruinar mis finanzas 

casi por completo. El sistema es arcaico, desastroso, 

he tratado de enfocarme en lo mejor posible y sigo 

aprendiendo, pero sigo en pañales. Así que intento 

tener una vida balanceada. Seguimos respirando 

toxinas con las máscaras y la respuesta está en la 

naturaleza. La respuesta es la intuición, cuando te 

sientas a comer algo sabes qué necesitas pedir y 

qué no por la intuición. Uno tiene que tener confianza, 

amor propio y respeto, un delirio de amor 

personal. Es difícil saber dónde está la verdad, así 

que hay que buscarla en el interior, abrir el portal 

y te va a dar una sonrisa. A mí me cuesta, hago 

esfuerzos, me apunto a retiros, pero estamos todos 

en la misma, intentando buscar un poco de serenidad. 

Vengo siguiendo a Sadhguru, quien ofrece 

cómo ser el ingeniero del interior, inner engineering. 

Me dijo de colaborar algún día y un día me 

envió el mantra. Le hice música encima y se dio. 

¿Qué pensás de las nuevas oportunidades 

tecnológicas para la música? 

Creo que es un momento lindo. Podés ingresar 

en el blockchain, NFT y demás. Para la música 

y para otras industrias. Hay tanto pasando tan 

rápido que es fascinante. Para los artistas es una 

joyita poder tener control de su música y saber 

que al final del día la gente también puede participar. 

Le veo un gran futuro, me parece genial. 

Es un momento bien bonito para el que está por 

empezar en la música. 

¿El álbum tiene un destino audiovisual? 

Seguro, tomé algunas piezas del catálogo y 

hacerles unas modificaciones de frecuencias para 

que puedan contribuir a ese enfoque. Algunos 

temas representan un lado oscuro que me aburre 

un poco, no puedo mantener la autenticidad con 

algunas de las composiciones, a veces recordar 

es sufrir. Así que prefiero dejarlo en el olvido y 

estar presente en el momento. Voy a hacer una 

investigación para llevar las piezas en esa línea. 

El mejoramiento de mi salud es lo importante al 

final del día, es un proceso de por vida. Si me funciona 

algo, quiero compartirlo. Este Soundhealing 

es una pequeña ventana a esa posibilidad. 

¿Creés que Puerto Rico ha realizado 

un gran aporte a la música en cuanto a 

sonido y colaboración? 

No lo sé, no he analizado mucho. Está en las 

negociaciones, a veces los juntes no son juntes 

reales, solo digitalmente. 

¿Sentís el respeto de las nuevas 

generaciones? 

No sé, pero uno no tiene que buscar el respeto de 

nadie. Uno tiene que respetarse a uno mismo. El 

respeto está muy distorsionado, al final del día, el 

trabajo es coleccionar, juntar las piezas, como Van 

Gogh. Su vida fue una necesidad de recrear sus 

piezas. Dejó ese legado lindo. Algunos quieren hacer 

cosas lindas y romper, otros quieren fama. No 

creo que el respeto sea importante, en el mainstream 

se habla mucho de eso. Yo pienso que es 

lindo que la gente se reúna para no sé, comer una 

pizza, hacer un meme, que cada cual sea feliz. 

¿Después del álbum que llega? 

Mira, el sueño mío ahora son las metas de la vida. 

Tuve la suerte de tocar con La Familia Sagrada de 

Phantom Box y me encanta, pero esto ha sido muy 

personal e íntimo. Usamos instrumentos asiáticos, 

africanos y cositas que fuimos coleccionando en el 

estudio, algunas más viejas, otras no. 


57

KEYTIN 

“Creo que el género urbano es 

grande gracias a las colaboraciones” 

El compositor que está definiendo la historia de la música en español en el mundo 

refuerza su veta como intérprete con el lanzamiento de “Repeat” junto a Beele. 

POR JOSEFINA ARMENDÁRIZ 

En plena era dorada 

de la canción en español, 

se podría decir que Kevyn 

Cruz – Keityn – es uno de 

los responsables. El artista oriundo 

de Palmira, Cali, Colombia escribió 

algunos de los éxitos que más 

suenan en la última década: “Tusa” 

y “Hawaii” son algunos de ellos. El 

primero (para Karol G y Nicki Minaj) 

rompió el récord de semanas en 

la cima del Billboard Argentina Hot 

100 (24 semanas) y el segundo (para 

Maluma) ocupó el 1º del ranking 

durante ocho semanas. Ahora, luego 

de inaugurar su faceta de intérprete 

con “Nueva Versión”, el artista vuelve 

a pasarse al otro lado de la ecuación 

y presenta el segundo sencillo de su 

trayecto como intérprete “Repeat”. Se 

trata de una colaboración junto a su 

amigo y colaborador, Beéle. 

¿Qué sentís con la salida de 

“Repeat”? 

Es muy gratificante, es mi segundo 

sencillo en la calle. Esta canción 

significa mucho para mí, colaboro 

con Beele, un gran artista y amigo. 

¿Qué se siente estar del otro 

lado? 

¡Se siente bien! Es una nueva experiencia, 

tengo que cojerle el gusto y 

la comba, aprender a vivir con ella. 

¿Por qué Beele? 

Es un gran artista y creo que la canción 

lo ameritaba. una voz como 

Beele. Aparte es un gran amigo mío, 

quería darme la oportunidad de hacer 

un feat con él. 

¿Y qué hay del video? 

¡Disfruté mucho el video! Es muy 

duro. La cámara siempre dando 

lo que viene, me disfruté mucho 

haciéndolo. 

Sos un compositor de miles de 

canciones y hits, ¿sos consciente 

de que estás definiendo 

la historia de la música? 

Claro que sí. Es lo mío, nunca voy a 

dejar de hacerlo. Componer canciones 

es mi esencia y no quiero dejar 

de componer para los demás. Se 

siente bien que tales canciones han 

salido de uno, nunca lo voy a dejar 

de hacer. 

¿Qué es lo más emocionante 

de ponerse en la piel de otro 

artista? 

Casi nunca busco ponerme en los 

FOTO: GENTILEZA WARNER MUSIC 


zapatos de otro artista, simplemente 

dejo fluir. Cuando tengo la canción, 

busco el padre de la canción, 

un artista. 

¿Qué diferencia hay en componer 

para uno y para un 

otro? 

¡No mucha! Aprendí a notar que mis 

canciones tienen un sello, no hay 

mucha diferencia. Aunque cada tipo 

de canción es diferente, entonces 

intento buscarle un padre que pueda 

sacarle el máximo jugo a esa canción. 

Una “Tusa” no podía ponérsela 

a Balvin, por ejemplo. 

Componés canciones increíblemente 

populares, ¿qué 

se siente que tanta gente 

conozca tu obra y no tanto 

a vos? 

Bueno yo decidí eso, ser el que está 

detrás de la vuelta. Me gusta ser bajo 

perfil, siempre preferí la tranquilidad. 

Con tal de que se me respeten 

los porcentajes, autoría, derechos 

morales, estoy contento con eso. 

¿Creés que tenés un don? 

No sé si llamarlo don. Conozco 

muchos compositores y escritores 

demasiado duros. Creo que es un 

talento que he perfeccionado con el 

tiempo y que aún me falta mucho 

por perfeccionar. 

¿Qué aprendiste en este 

oficio? 

Es muy relativo. Siempre me he sentado 

con mi guitarra, pero la vuelta 

ha crecido mucho y me tengo que 

sentar con grandes productores 

y personas, así que he tenido que 

cambiar mi estilo de trabajo. Siempre 

trato de mantener la esencia con 

la empecé, la guitarrita. 

¿Cuándo sabés que una canción 

es buena? 

No te lo puedo decir porque es algo 

que tú tienes que sentir. Uno no 

sabe cuál es el palo. Mis canciones 

favoritas no han sido el hit mundial, 

al contrario. Es muy raro saber qué 

va a pegar. Tienes que sentirlo. Lo 

que sí puedo aconsejar es que hagan 

canciones que los hagan felices, 

nada solo porque sientan que va a 

pegar, porque esa es la canción que 

te va a dar a conocer como compositor, 

artista, cantante; y si no te gusta 

lo que expones a la gente, no te vas 

a sentir tú. 

¿Cuáles son tus preferidas? 

“Falsas Promesas” de Sech me encanta 

y nunca fue un boom, “Anaranjado” 

de Jowell y Randy también. 

Sonaron, pero no a nivel de “Hawai” 

o “Tusa”, que no son mis favoritas. 

¿No hay fórmulas? 

No hay fórmulas. Uno no sabe qué 

va a pegar y en estos tiempos menos. 

¿Emocionante? 

Sí, es demasiado loco. A veces frustra… 

en verdad no frustra, pero da 

mucha incertidumbre. 

¿Qué te sirve a vos a la hora 

de componer? 

Fluir, si no te sale algo no esforzarte. 

No te quemes la cabeza. Cambia. El 

ocio es también importante, tener 

la cabeza fresca. Dejar el negocio a 

otra persona y enfocarte en el arte y 

distraerte, hacer cosas diferentes. 

¿Cuál es tu distracción? 

Me gusta jugar al FIFA, ir al cine, 

dormir mucho, estar con mis perros, 

viajar. 

Muchos compositores dicen 

que para escribir hay que vivir, 

¿qué pensás de eso? 

Si te soy sincero, el 90% de mis 

canciones no las he vivido. Mis 

canciones tienen letras muy pensadas 

a partir de cosas que les pasan a 

mucha gente. Son cosas que pasan 

en la vida cotidiana. No tienes que 

vivir cosas, simplemente tienes que 

saber historias. 

¿Alguna anécdota? 

“Repeat” la hice en pandemia. Se la 

mandé a muchos artistas y no pasaba 

mucho. Se la mandé a Karol G, le 

gustó, pero nunca pasó nada porque 

es una mujer muy ocupada. Me gustaba, 

así que la hice yo. 

¿Con qué artista te queda 

pendiente trabajar? 

“Anaranjado” iba a ser para Bad 

Bunny, la había cogido, pero cuando 

se volvió productor ejecutivo del 

álbum de Jowell y Randy, decidió 

dejársela a ellos. Todavía me queda 

sacarme esa espinita con Benito. 

Estamos ahí, tiene música mía, pero 

hasta que la suelte es otro paso. 

¿Algún artista que ya no 

esté? 

Soy muy salsero. Rubén Blades, Gilberto 

Santa Rosa, son artistas que 

me influyeron mucho. Me gustaría 

hacer algo con ellos. 

¿Explorarías otros géneros 

para componer? ¿Cuánto? 

Me gusta mucho salirme de lo mío. 

He hecho mucha bachata, funky, 

rock, ska, he hecho mucho y espero 

que este año salgan. Escucho de 

todo, tengo una playlist “inspiración”, 

hay de todo y mucho en inglés. 

Que no hablo, pero escucho. 

¿De Argentina? 

Me encanta lo que está pasando en 

su país. La nueva ola y el apoyo que 

se dan, es muy loco, no paran. He 

hablado con Bizarrap, me enviaron 

un beat para trabajar con un artista. 

Me gusta mucho lo que está haciendo 

Maria Becerra, TINI, Sael. Los 

argentinos están muy poblados. 

Nunca tomaste clases, más 

que músico, ¿te considerás 

un poeta? 

¡Poeta es una palabra bastante grande! 

Si tú lo dices, yo no puedo autodenominarme 

poeta. Me da cosa. 

Pero si tú lo dices. Mucha gente ha 

dicho que mis canciones fácilmente 

pueden volverse poesía si las lees 

como tal, pero no me puedo poner 

en esa posición. 

¿Qué tal con el escenario? 

Es algo demasiado heavy. Soy social, 

pero un poco tímido, escondido. Tengo 

que practicar mucho, no e veo aún 

en un escenario. Creo que se irá dando 

con el ritmo de la vida de artista. 

¿Qué sigue en tu proyecto? 

Como artista, cero expectativas con 

este sencillo. Quiero ser feliz, soltar 

cosas que me hagan feliz y esperar. 

Como compositor, vienen grandes 

colaboraciones que no he hecho 

antes, con Ricky Martin, con Balvin 

otra vez, con Shakira, artistas que 

no había explorado. Artistas nuevos 

para mí. 

Es la era de las colaboraciones, 

¿qué pensás de eso? 

Creo que el género urbano es grande 

gracias a las colaboraciones. A que 

no hubo ese ego de “hago lo mío” 

de otros géneros. Creo que en otros 

géneros era muy difícil verlo. Aquí el 

ego se deja de lado, así que apoyo esa 

etapa de los feats. No apoyo mucho 

los remixes, depende el caso, pero 

no soy tan dado con eso. 


61

ENTRELAZADOS 


Disney+ apuesta a los talentos 

argentinos con Entrelazados 

La primera Serie Original Disney+ realizada íntegramente en Latinoamérica llegó al 

servicio de streaming en la región, Estados Unidos y Europa simultáneamente. Algunas 

de sus protagonistas Carolina Domenech, Elena Roger y Clara Alonso celebraron el 

lanzamiento en conversación con Billboard Bolivia. 


Emilia Carolina Domenech Kevsho Elena Roger José Giménez Zapiola 

FOTO: GENTILEZA DISNEY+ 

Los suscriptores de 

Disney+ ya pueden disfrutar 

de Disney Entrelazados, 

la primera Serie Original 

Disney+ realizada íntegramente en 

Latinoamérica que ya está disponible 

en la plataforma con todos sus 

episodios. Realizada por Pampa 

Films y Gloriamundi Producciones, 

Disney Entrelazados sigue la historia 

de Allegra (Carolina Domenech), 

una chica que siente pasión por la 

comedia musical y se embarca en 

un viaje a través del tiempo para 

unir a su familia y cumplir su sueño 

profesional. Lideran el elenco de la 

serie Domenech, Elena Roger, Clara 

Alonso, José Giménez Zapiola “El 

Purre” y Kevsho. 

Elena, ¿qué se siente ser 

parte de esta producción de 

comedia musical? 

Elena: Me encantó. No hago mucho 

porque dejan esas cosas para los jóvenes, 

a mí me dejan como la voz de 

la sabiduría. Me puse muy contenta, 

estuve contando que, cuando mi 

hija miraba Soy Luna yo miraba y 

pensaba “Qué lindo hacer algo que 

a mi hija le cope, que me vea en otro 

rol, con música y baile y comparta 

conmigo”. Quedé en el casting y 

me encantó la trama de la serie: la 

sanación de los vínculos familiares, 

la comprensión, el agradecimiento, 

entender el linaje femenino. 

Por supuesto rodeado de esta música, 

baile y juventud, muy copado. 

También, estar posicionados para 

estrenar el 12, que sea un producto 

argentino, que lo vean en todo el 

mundo, es enorme. Ser parte de un 

proyecto de Latinoamérica que nace 

en Argentina, es emocionante. Le da 

una calidad muy interesante. 

¿Caro da un poco de miedo 

reversionar a esos grandes? 

Caro: Una responsabilidad enorme 

tener que cantar esto, cumplir con lo 

que te pide la serie, y que le guste a 

la gente. Va a haber gente a la que le 

encanten las reversiones y va a haber 

a quienes no. Es difícil. Se trata de 

hacerlo con todo el respeto, valorando 

lo enormes que son estos artistas. 

Para mí la serie tiene algo muy 

bueno que es inculcar esa música de 

los 90’s en los chicos. Yo no había 

escuchado “Carnaval toda la vida”, 

la puse en el auto, la escuché con mi 

mamá y ella no lo podía creer. Ver la 

emoción de mi mamá de ponernos a 

cantar esos temas me encantó. 

Clara, ¿creés que Entrelazados 

tiene el vigor de Violeta? 

Clara: Creo que “Entrelazados” tiene 

todo el potencial para convertirse en 

una serie muy potente internacionalmente. 

Si me preguntabas en el pasado 

qué ingredientes transformaron a 

Violeta en algo tan grande, te podría 

decir que Entrelazados los tiene: 

tiene alma, música espectacular, un 

elenco espectacular, un elenco maravilloso. 

Encima, está lanzada desde 

el día 1 en una plataforma que llega a 

todo el mundo. Violeta fue un boom 

y, no sé si va a haber shows, pero Entrelazados 

como serie va a viajar. 

Elena, ¿qué relación tenés 

con las ficciones de estas 

temáticas? 

Elena: Obviamente “Volver al futuro” 

es “la” película del viaje al tiempo. 

Acá suceden cosas distintas cuando 

viaja en el tiempo, de mundos paralelos, 

las dimensiones y demás. Esto 

fue súper interesante, tener que hacer 

con mi persona una persona joven 

y una persona no tan vieja. Una 

de 60, una de 60 juvenil, fue recontra 

difícil. Que haya diferencia, que no 

sea tan vieja… Con los looks, con 

cómo se vincula con su hija, su nieta, 

hacen que las diferencias existan. 

Caro, ¿te ves con un proyecto 

de música? 

Caro: Me veo y me encanta, y me encantaría, 

pero con Entrelazados me 

di cuenta que me gustaría profundizar 

100% mi actriz, y después, si 

estoy segura y confiada, meterme en 

algo más como solista. Pero por ahora 

estoy muy feliz con esto de actriz 

que me lleva a cantar, bailar y actuar, 

pero si se da en el futuro será. No 

estoy pensando en eso, estoy 100% 

pensando en la Caro actriz. Hubo un 

momento en el que quise y me dio 

miedo, porque me gusta hacer las 

cosas cuando estoy al 100%. 

¿Qué es lo que viene para la 

Elena cantante? 

Elena: Hago una fecha el 10 de di- 

ciembre en La Trastienda. Va a haber 

rock nacional, folklore, tango, 

otros idiomas. Va a estar bueno porque 

es reencontrarme con a banda y 

el público como Elena sola. También 

hago cosas con Escalandrum, giras 

por el interior, pero estoy súper 

metida en lo que hago sola. Aún no 

grabando nada. 

Clara, ¿si tuvieses que viajar 

al pasado a quién te gustaría 

conocer? 

Clara: Me encantaría estar en los 

primeros conciertos de Freddy 

Mercury. 

¿Estás en algún otro proyecto? 

Clara: No, aprendiendo, tomando 

clases de canto, de guitarra, pero por 

ahora es un camino muy personal. 

Es un lugar tan conectado con mi 

alma, que todavía me da pudor. 

Elena, ¿qué te gustaría ver 

en el futuro? 

Elena: Me encantaría ser parte del 

momento de la armonía y paz universal. 

Está pasando, siento que lo 

puedo llegar a ver. Ojalá. 

Caro, ¿cómo disfrutas el presente 

sin estar loca con el 

futuro? ¿Cuál es tu consejo? 

Caro: Respirar, fluir y al mismo 

tiempo que la vida misma te va a ir 

llevando por donde tenés que ir. Pisar 

fuerte donde estás que todo va a 

ir fluyendo. Lo dejo a todo al destino, 

me saca la ansiedad. 


63

SARAI 

“Quería verme más seria, 

poderosa y sexy” 

“Capsulón” fue producido por Joey Gazmey y el videoclip fue dirigido por 

Jose Javy Ferrer y filmado en Miami. 


La artista venezolana-americana 

en ascenso Sarai está lista para llevar su 

carrera al próximo nivel. Tras el lanzamiento 

de su primer proyecto discográfico 

bajo su mismo nombre Sarai, esta vez presenta 

su tema “Capsulón” junto al artista puertorriqueño 

Anonimus. El tema y video es distribuido por 

The Orchard y continúa llevando el mensaje de 

empoderamiento a las mujeres. 

El tema fue producido por Joey Gazmey y el 

videoclip fue dirigido por Jose Javy Ferrer y filmado 

en Miami. En las escenas el audiovisual 

lleva a la audiencia a través de un tour visual 

nocturno donde destaca a los artistas en un auto 

recorriendo las calles de Miami, disfrutando y 

cantando al ritmo de “Capsulon”. También se 

aprecian bailarines y autos y motoras como piezas 

de colección. 

“El tema ‘Capsulón’ marca un antes y un después 

en mi carrera musical. Es el resultado de lo 

que estoy experimentando actualmente con nuevos 

sonidos y géneros musicales dentro del reggaetón. 

Es la era de Sarai en donde continúa siendo 

mi esencia mi línea musical”, expresó Sarai. 

¿Cómo trabajaste en “Capsulon”? 

Anonimus me presento el tema, su parte ya estaba 

grabada así que la desarrollamos un poco más y 

terminamos juntos la canción. 

En el video sos toda una mujer empoderada 

y valiente, ¿te sentís así? 

Si 100%, yo quería trasmitir esa energía y por 

suerte se logró, fue súper divertido de hacer. 

¿Cómo te ves hoy luego de todo lo vivido 

desde Candela Remix? 

Siento que he madurado y aprendido un montón, 

tanto sobre la industria, de cómo ser una artista y 

de mi vida personal. También estoy aprendiendo 

sobre cómo organizar mis cosas porque estoy en 

la universidad a la vez que trabajo en mi carrera, 

pero gracias a Dios sigo adelante aprendiendo 

todos los días. 

¿Tomaste TikTok como una herramienta 

para difundir tu música? 

Sí, me pareció una opción buenísima y me encantaron 

todos los tiktoks que vi, amo haber puesto a 

la gente a bailar. 

¿Qué te queda de tus primeras canciones 

como Bésame? 

Bésame siempre va a estar en mi corazón, es una 

de mis canciones favoritas porque es del comienzo 

de mi carrera y pude aprender con ella, además 

siento que necesitamos amor y unirnos, espero 

siempre poder fomentar ese mensaje porque amo 

ese concepto, me gusta hablar de temas difíciles y 

poder trasmitir. 

¿Por qué decidiste sacar el disco tan 

rápido? 

Decidí soltar el disco porque las 10 canciones que 

hice y luego termine de producir durante la cuarentena, 

marcaban mi transición de chica a mujer, 

mi madurez, y quise que eso quede bien marcado 

en un mismo concepto de un álbum. 

¿Por qué pasaste del naranja a la noche? 

Con Candela quería mostrar fuerza y confianza, 

pero con Capsulon quería mostrar confianza y 

amor propio de otra manera, quería verme más 

seria, poderosa y sexy. 

¿Hay alguna cosa que no hayas cumplido 

todavía? 

Muchas, tengo mis metas y sueños guardados, 

espero crear un cambio y que la gente se sienta 

identificada con mis canciones, busco trasmitir 

emociones y generar un impacto en las personas. 

FOTO: GENTILEZA NEVAREZ COMMUNICATIONS 


DELAOSSA 

“Soy un artista del vivo, me 

da la vida desde siempre” 

El artista español presentó recientemente la versión orquestal de su 

éxito “Veneno” – single lanzado originalmente hace más de un año y 

convertido hoy en día en un “clásico” en su país, tal como afirma el autor 

Algo que no sabe nadie es que 

la versión orquestal lleva hecha 

desde febrero de este año. Nos juntamos 

con el productor y le dije que 

quería llevarlo a una versión mucho más clásica”, 

afirma sobre la nueva versión de “Veneno”, que 

se realizó bajo el marco de las Gallery Sessions, 

donde los artistas llegan de forma acústica a un 

escaparate en la ciudad de Barcelona e interpretan 

sus canciones junto a un grupo de músicos 

que los acompañan. 

Si haces balance de este año, ¿dirías 

que es uno de tus mejores? 

Quitando lo malo, que todo el mundo sabe qué 

es y cómo afectó a los conciertos y las producciones, 

sigo trabajando en mi música y ahora 

POR JULIÁN MASTRÁNGELO 

estoy recogiendo sus frutos. El trabajo no paró y 

eso se refleja. 

¿Qué expectativas tenías en cuanto al 

regreso al show en vivo? 

Soy un artista del vivo, me da la vida desde siempre. 

Cuando no podíamos tocar no me sentía tan 

artista, necesitaba ese imput que te da tocar en 

frente a la gente. Desde junio venimos tocando 

en España así que nos vamos acostumbrando a 

los protocolos. 

¿A qué shows fuiste como espectador? 

Me gusta mucho ir a los shows del Cigala, lo vi en 

Marbella y fue increíble. En cuanto al panorama 

urbano, a uno de los últimos que vi fue a Duki, 

que coincidí con su gira por aquí. 

Sigues haciendo el rap con el que 

empezaste, ahora flamenco, algo de 

trap… Vas variando tus producciones. 

Claro, me quité el estigma de tener que hacer 

siempre una cosa. Hay gente que pide que hagas 

algo en concreto pero me divierto probando e 

intentar sacar lo mejor en cada estilo. Lo que sí es 

cierto es que seguiré haciendo rap, cuando la gente 

menos se lo espere tengo algo listo para ellos. 

¿Por qué elegiste “Veneno” para sus 

versiones en la Gallery Session y 

Orquestal? 

Algo que no sabe nadie es que la versión orquestal 

lleva hecha desde febrero de este año. Nos 

juntamos con el productor y le dije que quería llevarlo 

a una versión mucho más clásica. Vinieron 

los violinistas, chelos, pianistas… pero no quería 

estrenarla hasta poder mostrarla en un formato 

como Gallery, todo súper limpio. Estuvimos esperando 

hasta la ocasión y así fue, una vez que ellos 

dieron luz verde, le dimos para adelante. 

¿La letra de “Veneno” surje de una situación 

real? 

Aquí en España se ha convertido en una especie 

de “clásico”, todo el mundo siente lo que estoy 

diciendo y lo hace suyo. Es una historia que me 

pasó a mí durante muchos años. No la escribí en 

una sola parte, me acuerdo que la empecé en Argentina 

y después de un año la terminé, se cocinó 

a fuego lento. 

¿El cambio de audio en la Gallery fue 

idea tuya? 

Me costó decidirme pero el resultado fue mejor 

de lo que esperaba. Era una buena forma de cerrar 

el círculo. La canción siempre va dirigida a 

ella pero realmente una relación tóxica de verdad 

no la tiene una persona. 

¿Crees que lo digital puede suplantar 

a los instrumentos? 

Creo que nada sea ni mejor ni peor. Me gusta escuchar 

instrumentos reales pero no hace mucho 

era así, siempre fui de beats, elementos digitales, 

FL, y demás. Últimamente me estoy aventurando 

en la creación con instrumentos reales, sí es cierto 

que es más laborioso y más caro pero a mí me llena 

más. Igualmente cualquier cosa es válidad, un 

chico con un ordenador en alguna parte del mundo 

puede hacer un beat espectacular. 

¿Hasta qué punto te metes en la producción 

de las canciones? 

Con el tiempo he aprendido a delegar de alguna 

forma. Antes era mucho de beats y la estructura 

pero me guío mucho por la intuición, no sé de 

música. Es verdad que a la hora de la mezcla dejo 

que mi productor se encarga, pero al final me 

gusta dar el visto bueno por si hay que cambiar 

algo. No tengo el conocimiento para decir “haz 

esto o haz lo otro” así que dejo que me enseñen. 

FOTO: GENTILEZA DALEPLAY RECORDS 


DULCE MARÍA 

“Es un acto de 

rebelión” 

La cantante presentó su cuarto álbum de estudio, 

Origen, que contiene once canciones, cinco de 

ellos son temas inéditos. 

Con el nombre 

Origen, Dulce María 

rescata composiciones 

escritas a lo largo de su 

carrera en el genero folk pop y totalmente 

autoral, que promete revelar 

todas sus facetas como artista. Mezclando 

teclados, batería, bajo, guitarras, 

violín y mandolina, la cantante 

presentó al público 11 canciones, 

siendo cinco temas inéditos. “Origen” 

la canción que lleva el nombre 

del proyecto y presentado también 

como sencillo principal, cuenta con 

un video musical. 

Desde 2020, la cantante ha empezado 

a lanzar las primeras canciones 

del proyecto: “Más Tuya Que Mia”, 

“Te Daría Todo”, “Tú y Yo”, “Lo Que 

Ves No Es Lo Que Soy”, “Nunca” y 

”Amigos Con Derechos” que superan 

los 7 millones de reproducciones 


en plataformas digitales. 

¿Cómo estás viviendo este 

período de tu carrera? 

Bien, creo que vamos viendo poco 

a poco la luz de todo lo que hemos 

vivido por la pandemia; estoy contenta 

de estar con mi bebé, que esté 

sana, es algo cansador para nosotros 

porque no hacemos todo lo que 

queremos con antes, pero es hermoso 

verla disfrutar, la llevamos a la 

playa hace poco y fue una experiencia 

hermosa. 

¿Y el lanzamiento del 

álbum? 

Estoy muy contenta de que se complete 

este ciclo de Origen porque 

efectivamente ha sido un largo camino. 

El disco estaba listo desde 

el 2018, de hecho en ese año di mi 

último concierto y lo disfrute al 

máximo, vinieron fans de muchos 

lugares y pretendía anunciar ahí el 

lanzamiento, pero decidí hacerlo de 

manera independiente y eso llevó 

un proceso legal para que no haya 

ningún problema, por eso mismo 

y por la pandemia se atrasó hasta 

este momento, pero es un disco muy 

libre y muy personal, no hay nada 

que este hecho por moda sino que 

es algo que hice porque necesitaba y 

quería hacerlo. Origen es la canción 

que escribí recientemente y resuena 

con todo lo que estuvo pasando en 

este tiempo. 

¿A quién le dedicas “Sin Ti”? 

Esta canción me la mandaron y yo le 

puse la letra, estaba sentada en el sillón 

de mis papás, muy triste porque 

acababa de terminar una relación 

y siento que describí de la manera 

más literal que encontré todo lo que 

sentía en ese momento, afortunadamente 

eso ya pasó, pero por suerte 

me dejó esta canción. 

¿Cuántas veces en tu vida 

apareció ese “Cupido 

criminal”? 

¡Muchísimas veces! Esa canción me 

divierte mucho porque de alguna 

forma narra todo lo que puede salir 

mal, pareciera que Cupido te flecha 

mal y por eso es un criminal, flecha 

sin piedad. Este tema lo tengo desde 

el 2013 y siempre quise sacarlo un 

14 de febrero porque tuve mi etapa 

de ser hater de esa fecha, pero quizás 

para el próximo Día de los enamorados 

hago una nueva versión… 

Contanos acerca de “Quién 

serás…” 

Esta canción la había hecho para Extranjera 

y habla sobre cómo sería esa 

persona con quien yo iba a estar, me 

preguntaba si ya lo conocí, si lo iba a 

encontrar en algún momento, cómo 

y cuándo lo iba a encontrar y demás. 

¿Te da una sensación especial 

cada disco? 

Es un gran trabajo porque es un 

proceso de muchas etapas, con mis 

discos anteriores yo debía componer, 

luchar para ver qué canciones 

aceptaban y escoger el repertorio de 

lo que me proponían, con Origen 

fue completamente distinto porque 

está hecho de manera independiente, 

fue un acto de rebelión para mostrar 

que mi libertad no tiene un precio, 

no quería vivir haciendo lo que 

los demás querían, no me importa 

que ahora mi música pueda llegar a 

menor cantidad de gente, lo que me 

importa es que es algo honesto, de 

corazón, algo que necesitaba como 

artista y como persona. 

FOTO: GENTILEZA UNIVERSAL MUSIC 


Lorem ipsum 

Lorem ipsum 

How to invest 

in real estate 

Invierte con inteligencia 

financiera en Bienes Raices 

www.jorgelazartepropiedades.com 

example.com 

COMPROMISO-EXPERIENCIA-RESULTADOS 

591 703 41300

MAXIOLLY 

“Siempre supe que 

‘Parcera’ era algo 

especial” 

El colombiano acaba de presentar su nuevo 

sencillo junto a Adso y Blessd. 

POR JULIÁN MASTRÁNGELO 

Hace cinco años, con el lanzamiento 

de “Niña”, Maxiolly daba comienzo 

a su carrera como artista en 

su canal oficial de YouTube. Algunos 

años más tarde, en 2019, lanzaría lo que considera 

a día de hoy como su mayor éxito, “Fanático”, 

en compañía de Feid – video que cuenta a día de 

hoy con más de siete millones de reproducciones 

-. “El público entendió esa canción hace poco 

tiempo y eso dio pie a que hiciéramos el remix. 

La considero mi canción más importante hasta la 

fecha”, afirmó el oriundo de Medellín. El remix se 

realizó en colaboración de Lenny Tavárez y Rels B 

y a día de hoy supera las 7.8 millones de reproducciones 

en su canal de YouTube, siendo así el 

videoclip más visto hasta la fecha. Posterior a este 

lanzamiento, el colombiano presentó “Parcera”, 

junto a Adso y Blessd, a lo que comenta: “Siempre 

supe que esta canción tenía algo especial y quería 

encontrar los ideales para poder contarlo” 

¿Cómo fue este 2021? 

Fue muy raro porque los temas más grandes de 

mi carrera surgieron hace dos meses como mucho. 

Llevo años trabajando en esto pero mi mayor 

éxito que fue “Fanático” se activó hace dos meses. 

¿El remix surgió a raíz de la pandemia 

o ya estaba planeado? 

Siento que surgió por la vida misma… Al público 

le tardó casi dos años entender la canción y cuando 

eso sucedió logramos unirnos para ese remix. 

Siento que todo pasa por algo. 

¿Los shows son necesarios para vos? 

Muy necesarios. Energéticamente nos activa un 

montón. Uno escucha mucho pensando en verlos 

en vivo alguna vez, la sensación de estar en tarima 

y que el público cante junto a uno es lo mejor 

que hay. 

¿Tenés algo pensado para la 

Argentina? 

Me encantaría. Todavía no hay nada arreglado, 

pero sé que sería espectacular. Además, todavía no 

conozco su país por lo que sería la primera vez. 

¿Notas que hay un crecimiento de la 

escena urbana latinoamericana? 

Totalmente, el movimiento es impresionante y 

hay artistas nuevos cada semana. 

¿Sentís presión con los tiempos de 

lanzamiento? 

No diría que es presión, sino que hay una saturación 

de producto enorme y no todo es calidad. Eso 

en sí frena la cantidad, pero para el lado positivo, la 

gente es consciente cuando un producto es bueno 

y malo. Es importante no apresurarse y buscar la 

calidad. Además, el tiempo de consumo es una locura, 

si llego a sacar un álbum en enero, para mediados 

de febrero ya están pidiendo más música. 

¿Cómo decidieron con quién presentar 

“Parcera”? 

Realmente he sido siempre muy meticuloso con 

mi música. Siempre supe que esta canción tenía 

algo especial y quería encontrar los ideales para 

poder contarlo. Adso fue el primero que monté 

porque me parecía realmente interesante lo que 

hacía en Venezuela. A Blessd lo conocí en Medellín 

hace un tiempo y teníamos realmente ganas 

de poder presentar algo juntos, es más, esta no es 

la primera canción que hicimos. 

¿Cómo fue tu experiencia en los Latin 

GRAMMY? 

Fue como tachar un sueño. Esta vez fui como invitado 

y no como invitado, pero solo el hecho de 

estar ahí me motivó un montón. Estar ahí es estar 

al lado de gente que admiras, respetas y es algo 

que has visto en TV toda una vida. Salí de ahí diciendo 

“tengo que estar nominado la próxima vez 

sí o sí”. 

FOTO: GENTILEZA WARNER MUSIC COLOMBIA 



FOTO: GENTILEZA

Diego Torres 

“Con las canciones 

acompañamos la vida de 

mucha gente” 

A 20 años del lanzamiento del álbum que consagró su éxito y popularidad en todo el 

mundo y con un nuevo trabajo discográfico en circulación, Diego Torres se prepara para 

regresar a los escenarios en el 2022. 


Ya pasaron 20 años de un mundo 

Diferente, el álbum que, con canciones 

como “Color Esperanza”, “Sueños” 

y “Que No Me Pierda”, catapultó la 

carrera del músico y actor Diego Torres. Si bien 

muchas cosas cambiaron desde ese entonces, 

analiza: “Creo que Un Mundo Diferente tiene un 

mensaje muy actual. Seguimos luchando por los 

cambios que a veces tardan en llegar: en el país, 

en la región, en el mundo. Me hace dar cuenta 

de la responsabilidad que tenemos al hacer una 

canción o un disco”. Este año, Torres compartió su 

noveno álbum: Atlántico a Pie. Un elepé de trece 

canciones meticulosamente trabajadas junto a su 

coequiper Miguel Yadam González Cárdenas. El 

artista presentará las canciones en una gira que 

comenzará el 19 y 20 de mayo en el Teatro Gran 

Rex de Buenos Aires. Como autor de clásicos que 

edificaron las bases de la cultura musical de un 

país y una región, Torres es consciente de su lugar 

en el corazón de quienes lo escuchan: “Con las 

canciones acompañamos la vida de mucha gente 

y crecemos juntos”. 

Pasó mucho en un año, ¿estás bajando 

a tierra todo lo que sucedió? 

Sí, disfruto todo lo que vengo haciendo. Hacer el 

disco fue un trabajo intenso y artesanal. También 

fue un lugar donde refugiarme: el estudio, las canciones, 

la música. Para él convoqué muchísimos 

artistas y colegas y viajé a través de las canciones, 

en la mente. Ese es el recorrido que propone el 

disco, en sus canciones, en sus temáticas, así me 

lo planteé. Arranca con un reggae, sigue con un 

pop-folklórico, un charleston, etcétera. Estoy 

muy contento de anunciar la fecha, imaginarme 

la presentación, pero vivimos tan castigados que 

intento vivir el presente, pasito a pasito. Tengo 

muchas ganas de visitar ciudades y llevar este 

disco para volver a conectarme con la gente, algo 

que extraño mucho. 

¿Por qué “Atlántico a Pie”? 

El nombre sale porque el disco juega con la metáfora 

náutica, las canciones son como una hoja de 

ruta náutica que conecta los países de los artistas 

que colaboran. Encontré en esa metáfora una 

identificación, ando mucho en lancha, soy pisciano 

y me gusta la naturaleza en sí. Atlántico a Pie 

identifica esta aventura de estar viajando con las 

canciones hace mucho tiempo y – en este mundo 

detenido – viajar con las canciones a pie. 

¿Cuál fue tu brújula en este proyecto? 

El compromiso con las canciones, trabajar, cuidarlas 

en el detalle. Hicimos un trabajo muy meticuloso, 

por más que suene fresco. Construimos 

un mundo con ese horizonte amplio que me gusta 

a mí (el reggae, la balada, el charleston, etcétera). 

Soy inquieto y creo que esa es la brújula. Es 

buscar todo el tiempo una ruta nueva, un nuevo 

destino, con el sonido de uno, pero siempre renovándose. 

Y sigo en ese camino, ya estoy haciendo 

cosas nuevas con otros sonidos. En constante 

movimiento, siempre. 

Esto aplica para todos tus discos: 

¿entendés qué estás haciendo en el 

proceso o una vez que los lanzás? 

Siempre uso la metáfora del rompecabezas gigante. 

Arrancamos a trabajar con Yadam componiendo, 

empiezan a aparecer las piezas, intento 

encajarlas, armar el repertorio, va apareciendo el 

mapa del disco. Ahí veo qué tengo, qué no, qué 

se repite, salgo a buscar lo que me falta. Eso tiene 

que ver mucho con el hábito de coproducir los 

discos. Desde jovencito busco coproducir por 

una necesidad de aporte a mis ideas. Ahí aparece 

el mapa, la química, las canciones y sus cambios, 

el título, todo. Muchas veces las canciones se 

conducen solas… 

¿Te pasó con alguna del disco? 

¡Sí! “Atlántico a Pie” sufrió un montón de cambios. 

Quería llevarla por un lado, no me convencía 

y se fue por otro lado solita. Es una de las 

pocas baladas del disco. Al rato, sentí que el título 

era el nombre del disco, no solo de una canción. 

Imaginé el mundo que identificaba con ese título, 

“Atlántico a Pie”. 

Muy 2020, que nos sorprendió a todos 

Sí, lógicamente esta situación nos cambió a todos. 

Por suerte a mí me permitió trabajar, terminé el 

disco sinfónico y saqué adelante más proyectos. 

Estamos a 20 años de Un Mundo Diferente, 

¿cómo es el mundo de hoy en 

comparación al de ayer? 

Creo que es muy actual el mensaje de Un 

Mundo Diferente. Seguimos luchando por los 

cambios que a veces tardan en llegar: en el país, 

en la región, en el mundo. El álbum me hace 

dar cuenta de la responsabilidad que tenemos al 

hacer una canción o un disco, aunque nunca me 

lo tomé de una manera menor. Cuando elijo qué 

palabra, qué frase, sé que va a quedar para toda 

la vida. Cualquier cosa que estés grabando va a 

quedar para siempre, pero hay que conservar la 

frescura de fluir. Hay que trabajar para que las 

canciones perduren en el tiempo, y eso implica 

una responsabilidad. 

¿Te seguís sorprendiendo con lo que 

generan esas canciones? 

Me encanta volver a pasar por esas canciones 

20 años después, me encanta que se vuelvan 

clásicos. Veo lo importante que es el trabajo 

minucioso en todo el proceso del álbum, del 

unplugged, de todo. Es una suerte y una alegría 

enorme acompañar a la gente con un disco. Eso 

me confirma el compromiso que hay que tener a 

la hora de hacerlo, no hay canciones de relleno: 

amo a todas por igual. Está bueno ver para atrás 

cuando pasan los años, ver lo que construimos, 

pero vivir el presente sin detenerse. Con las 

canciones acompañamos la vida de mucha gente 

y crecemos juntos. Me encanta ver cómo algunos 

antes venían solos, de jóvenes, y hoy vienen con 

sus hijos. Les ponen mis canciones y no les queda 

otra (se ríe). 

¿Cómo hacés para bajar tus canciones 

a un show? 

Es un trabajo súper lindo imaginar como espectador 

qué me gustaría ver arriba del escenario. 

Tratar de hacer convivir las canciones, ver los momentos 

más íntimos, los momentos más power. Es 

diseñar qué querés transmitir a la gente, y ese viaje 

abarca diferentes áreas: producción, sonido, músicos, 

ahí aparece el equipo. Arranca todo en una 

hoja en blanco en mi mente viendo qué intro, qué 

tema 1, cuándo pasa esto, qué podemos enganchar. 

Es todo un trabajo y esa es la idea. 


73


Parcels 

“Hacemos música para 

que la gente escuche de 

forma involucrada” 

A tres años de “Parcels” (2018), su debut discográfico, el grupo australiano presenta su 

segunda obra acompañada del videoclip de “Famous”. 


FOTO: REMI FERRANTE 

Day/night es el nuevo 

álbum de Parcels. Un 

trabajo de 19 canciones, 

hermanadas 

en dos discos independientes, 

el día y 

la noche. Se trata de un viaje que 

comienza en el exterior, luminoso y 

ambientado en la ciudad que, atravesando 

el amor y las relaciones humanas, 

concluye en la noche, solitaria y 

reflexiva. 

Para el grupo, uno de los mayores 

desafíos de este álbum fue la curaduría 

de las más de 150 canciones creadas: 

“Una mañana, antes de ensayar 

con Jules, me puse a llorar por lo que 

me estaba afectando el proceso de 

cortar partes de mí para crear un álbum”, 

confiesa Patrick Herherington, 

tecladista y guitarrista del quinteto. 

Si bien no acostumbraban a lanzar 

sencillos, el grupo preparó el terreno 

con “Free”, “Comingback”, “Somethinggreater” 

y “Theworstthing”. 

Hoy, presentan e invitan a escuchar 

el total: “Queremos que la gente tenga 

la historia completa”. 

¿Qué se siente estar volviendo 

a sacar música?, ¿cómo 

manejas la ansiedad por el 

lanzamiento del álbum? 

Se siente raro haber lanzado singles. 

Es raro sacar pedacitos, porque 

creamos un cuerpo entero. Queremos 

que la gente tenga la historia 

completa. Me emociona mucho que 

salga esa historia entera. 

Contanos esta historia completa, 

¿qué trae de nuevo? 

El proceso entero de grabación cambió. 

Entramos al estudio para grabar 

como una banda en vivo, muy, muy 

ensayados. Tampoco habíamos hecho 

esto de tener un concepto, una 

idea, un camino. Fue muy diferente. 

¿Cómo sería el disco si fuera 

una persona? 

Serían dos personas. Decimos que 

son dos discos, hay dos personas 

involucradas acá. La persona del día 

es un niño suave, abierto a todo el 

mundo. La persona de la noche es 

cerrada, solitaria, y está inmersa en 

un viaje dentro de su cabeza. 

¿Qué preferís? 

Si hablamos de mundo interno o 

externo, en mi vida, probablemente 

encuentro más belleza en el mundo 

interno, en la noche. Ir al yo, descubrir 

verdades y la creatividad. 

¿Qué fue lo más desafiante? 

Empezamos con 150 canciones. Nos 

encantaron las que quedaron, pero 

dejamos mucha música atrás, y fue 

duro, porque nunca había sentido 

tanta conexión con música que había 

escrito. Es la primera vez que sentí 

el dolor de perder pequeñas partes 

de mí, ¡no lo esperaba! Una mañana, 

antes de ensayar con Jules, me puse a 

llorar por lo que me estaba afectando 

el proceso de cortar partes de mí 

para crear un álbum. Eso fue difícil, 

pero lo pudimos hacer. 

¿Cómo eligieron estas canciones? 

Tuvieron diferentes momentos y 

motivos. Primero, creo que estamos 

todos buscando lo mismo, vamos 

detrás de un mismo sentimiento. 

Una canción con energía pura y 

emoción que sale de su simplicidad. 

Buscamos eso, y todos podemos 

sentir cuando conectamos con esa 

emoción. Después está el proceso: 

probarla, hacer arreglos, elegir, 

ahí nos ayudó mucho el concepto. 

Después, entrar al estudio. A veces 

funcionan y a veces no, si se pierde 

la emoción, es porque cambiamos. 

Una pregunta tonta, ¿qué les 

pasa con los espacios en los 

títulos? 

Creo que no es una pregunta tonta, 

es algo tonto que nosotros hacemos 

(ríe). Tiene que ver con mantenernos 

en nuestras raíces, así arrancó 

todo. Cuando empezamos, tenía que 

mandarle las canciones a los chicos 

desde mi computadora y mi tecla de 

espacio estaba rota. Así de sencillo 

es. Es gracioso, se volvió una especie 

de chiste hacer títulos de una sola 

canción, así que lo dejamos. 

Hablemos de su cuenta de 

Tik Tok. Se nota lo mucho 

que se divierten entre ustedes, 

¿es ese el motor de 

Parcels? 

Creo que eso es verdad. Especialmente 

con la composición. 

Componemos para nosotros. Perseguimos 

lo que queremos escuchar, 

perseguimos los sentimientos que 

queremos sentir. Siempre hay una 

voz que nos rodea, y en nosotros, 

que nos sugiere hacer un tipo de 

álbum – pop, dance – pero creo 

que somos buenos siguiendo lo que 

sentimos. Aunque también está 

la gente, más ahora que podemos 

regresar a los escenarios. Queremos 

llevar algo de alegría, una conexión 

con ellos y sus emociones. Miramos 

a la gente para la que hacemos 

música también. 

¿Cómo les gustaría que se 

escuche este álbum? 

La intención es que se escuche 

en una experiencia completa. O a 

lo sumo dos, Day y Night. Esa es 

una buena idea, porque es largo, 

y escucharlo entero puede cansar. 

Pensando mejor, no importa como 

sea. Lo mismo con el significado de 

la canción, me gustaría que alguien 

refleje su vida ahí y que tenga su 

propia experiencia. 

¿Cuánto les interesa América 

Latina? 

Nos emocionó muchísimo ver fans 

de Latinoamérica y sobre todo Argentina 

comentándonos, enviándonos 

mensajes. ¡Es raro y loco! Nos 

llena de ganas de ir a tocar ahí, se 

nota que hay emoción y alegría, lo 

queremos hacer. 

¿Tenés una canción preferida? 

Cambia todo el tiempo, pero una 

canción me interpela desde el 

principio, una que escribió Jules, 

“NowIcaresomemore”. Es uno de los 

primeros demos que él me mostró 

desde el principio. Me enamoré de 

la canción, tiene un mensaje muy 

simple y hermoso. Le soy muy fiel. 

En 10 años… 

¡Es un montón! Me cuesta pensar 

en no sé, diciembre. Creo que eso 

está con nosotros desde siempre. 

Intentamos no mirar hacia adelante 

con desesperación y nos abrimos a 

lo que el futuro nos depara. Vamos a 

seguir haciendo música mientras sea 

divertido, tengamos algo para decir, 

y lo disfrutemos. Si eso no está, 

haremos otra cosa, cambiaremos. 

¿Cuál es tu mayor esperanza 

con el lanzamiento del 

álbum? 

¡No sé! Espero que la gente pueda 

sacar su propio significado de esta 

música. Espero que la gente pueda 

escucharla de forma activa. Porque 

hacemos la música para que la 

gente escuche de forma involucrada, 

profunda y refleje en sus vidas. 

Esperamos seguir sonando y tener 

noches divertidas tocando por todo 

el mundo. 


75

A 

ÁLBUMES DEL MES 

Conociendo Rusia 

“La Dirección” 

GEISER DISCOS | 12-11-2021 

La banda de mateo 

sujatovich presentó su tercer 

álbum con cuatro presentaciones 

en el Teatro 

Gran Rex. "La Dirección es el camino 

de cada uno. Es ir para adelante, 

chocarse, retomar, dar un volantazo 

y encontrar en lo más profundo de 

uno mismo el próximo destino. Las 

grandes aventuras siempre son mejores 

en compañía, por eso en este 

disco le canto a mis amigos, a mi 

familia y a los amores", dice el músico 

de 30 años sobre el significado de 

este nuevo material que contó con 

la producción de Nico Cotton y los 

arreglos de su padre, Leo Sujatovich, 

en conjunto con Javier Malosetti. 

Las nueve canciones que forman 

este último disco tienen una impronta 

del rock argentino de los 80´s 

y los 90´s, música con la que Sujatovich 

creció. Por eso no es casualidad 

que "No Aguanto Más" suene a Los 

Rodríguez; es adrede, un homenaje 

a sus ídolos. A su vez, incluye los 

singles “Se Me Hizo Tarde” y “Mundo 

de Cristal” (con el español Leiva), 

que cargan con la presión generada 

por el éxito de su antecesor, que 

cosechó siete nominaciones a los 

premios Gardel y tres para los Latin 

Grammy.”. 

Adele 

“30” 

SONY MUSIC | 19-11-2021 

Luego de seis años, la 

artista regresó a la industria 

musical con un álbum 

alabado por sus fans y 

la crítica. El disco refleja el proceso 

de separación con el ejecutivo 

Simon Konecki, con quien compartió 

ocho años de relación y tuvo un 

hijo llamado Angelo. Fue precedido 

por el lanzamiento de varias 

piezas, incluido el sencillo principal 

“Easy On Me”. Actualmente, la 

artista encabeza el ranking Artist 

100 de Billboard, el álbum lidera el 

Billboard 200 (álbums) y “Easy On 

Me” está 1º en el Billboard Hot 100 

y en Billboard Global 200. El sencillo 

también ha batido récords de 

transmisión, radio y listas de éxitos 

en todo el mundo. Adele también 

estrenó tres canciones adicionales, 

“I Drink Wine”, “Hold On” y “Love 

Is A Game” durante su reciente es- 

pecial de televisión Adele One Night 

Only. El especial de televisión fue el 

programa de entretenimiento más 

visto este año, y atrajo a una audiencia 

aún mayor que la de los Oscar. 


YSY A 

“Trap de Verdad” 

SPONSOR DIOS | 12-11-2021 

El pasado 12 de noviembre, 

YSY A regresó para 

sacudir la escena con su 

cuarto disco de estudio: 

Trap de verdad. El trabajo está 

dividido en dos álbumes de once 

canciones cada uno y retrata los cimientos 

en los que se forjó el movimiento 

del trap en la Argentina. La 

producción estuvo a cargo de Club 

´Hats. El varón del trap presentará 

la obra en el Luna Park el próximo 

27 de noviembre. El LP comprende 

colaboraciones con Pablo Chill-E y 

Alemán (“Inolvidable”); Bhavi (“De 

casa en casa”); Akapellah y Neutro 

Shorty (“Todo automático”); El 

Doctor (“En el infierno”) y Obie 

Wanshot (“Acá no se salva ninguno”), 

Sixto Yegros (“Una Dosis” y 

“Acelera2”) y HitBoy (“No Hook”), 

Panther (“Otra Noche”), Franux BB 

(“Seteado”). 

Taylor Swift 

“Red” 

REPUBLIC | 12-11-2021 

Red (Taylor’s Version) 

es el segundo álbum regrabado 

de la cantante y 

compositora estadounidense. 

Fue lanzado el 12 de noviembre 

de 2021 a través de Republic 

Records. El disco es una regrabación 

del cuarto trabajo de estudio 

de Swift, Red (2012), y sucede a su 

primer álbum regrabado, Fearless 

(Taylor’s Version), que fue lanzado 

en abril de 2021. La regrabación es 

la contramedida de Swift contra el 

cambio de propiedad de los másteres 

de sus primeros seis álbumes de 

estudio. El LP cuenta con colaboraciones 

con Phoebe Bridgers, Chris 

Stapleton y Ed Sheeran en las canciones 

“From the Vault”, conformado 

por canciones que fueron escritas 

para Red, pero que no llegaron 

al corte final. Comprende “Better 

Man” (2016) y “Babe” (2018), dos 

canciones que escribió Swift pero 

que fueron grabadas por las bandas 

de música country estadounidenses 

Little Big Town y Sugarland, respectivamente, 

y su sencillo benéfico de 

2012, “Ronan”. Swift promocionó el 

álbum con apariciones en televisión 

en NBC e inspirada en la premisa de 

All Too Well, escribió y dirigió All 

Too Well: The Short Film. La artista 

logró que “All Too Well (10 Minute 

Version)” es la canción más larga en 

ingresar al número 1º del Billboard 

Hot 100. 


77


Un cambio saludable 

La carrera de David Bowie abunda en cambios de dirección, tanto en lo musical como en 

lo estético. Pero en los primeros años de su carrera hubo un álbum que anticipó el rumbo 

rockero, entre glam, espacial y misterioso, que iba a darle su primer gran roce con la fama 

en la primera mitad de los años ’70. Ese disco se llamó Hunky Dory. 

Por Alfredo Rosso 

Hunky dory es 

una expresión inglesa 

que significa 

“todo bien” o 

“viento en popa”, 

pero cuando David Bowie decidió 

ponerle ese título a su cuarto álbum 

de estudio, editado a fines de 1971, 

la frase era más una expresión de 

deseos que un reflejo de la realidad. 

Bowie venía de editar tres álbumes 

muy personales en los que había hecho 

lo que iba a ser una constante en 

su vida: seguir a su musa artística sin 

importarle los vaivenes de la industria. 

Así, “David Bowie”, de 1967, lo 

mostraba como un “crooner” de 20 

años, más cercano a Jacques Brel que 

al mundo de los Beatles, los Rolling 

Stones y el rhythm and blues en torno 

al cual había crecido. Una obra 

singular, aunque algo errática, que recién 

ahora obtiene la apreciación que 

amerita. Luego vino su primer hit 

“Space Oddity”, a caballito del cual 

salió su segundo álbum, del mismo 

nombre, en 1969, una ecléctica colección 

que se inclinaba al pop y al folk 

como vectores inspiradores, mientras 

que 1971 mostraba a Bowie en 

pleno proceso de maduración como 

compositor con una visión -con la 

aparición de “The Man Who Sold 

the World” en abril de ese año- y los 

primeros indicios de la consolidación 

de su personalidad artística con este 

cuarto disco que ahora cumple medio 

siglo de vida. 

Ayudó también el hecho de tener 

a su lado la compañía de músicos 

capaces y con empatía hacia su propuesta, 

como Mick Ronson en guitarra, 

Trevor Bolder en bajo y Woody 

Woodmansey en batería –los futuros 

Spiders From Mars- más la destreza 

de Rick Wakeman al comando de 

los teclados. 

“Honky Dory” fue grabado en los 

Trident Studios de Londres y producido 

por Ken Scott, con asistencia 

del propio Bowie, que figura en ese 

crédito como The Actor. En el álbum 

predomina una atmósfera acústica y 

baladística que quizás se vuelve más 

conspicua después del hard-rock que 

había asomado en el álbum previo, 

“The Man Who Sold the World”. 

Este cuarto álbum de Bowie comienza 

con “Changes”, un tema que más 

que cualquier otro en el repertorio de 

Bowie ha cobrado con los años carácter 

de manifiesto. Además de servir 

como insignia del espíritu siempre 

cambiante del músico, se hizo famoso 

por ese tartamudeo característico 

de su estribillo. La letra también 

enfatiza esa característica de David 

de contemplar un poco al medio que 

lo cobija desde afuera, de allí la frase 

“Look out all you rock-and-rollers” 

(cuídense todos ustedes, rockeros) 

como si les estuviese hablando a sus 

colegas desde una cierta distancia. 

La canción siguiente “Oh! You pretty 

things” había sido grabado a esa 

altura por Peter Noone, el cantante 

de los Herman’s Hermits, y había llegado 

al puesto 12 en el chart inglés. 

La estructura del tema tiene un aire a 

lo Paul McCartney pero la letra deja 

entrever un cierto coqueteo con la locura, 

al hablar de “grietas en el cielo” 

y otros simbolismos asociados a la 

personalidad dividida. 

No hay mucho para decir acerca 

de “Eight line poem”, excepto que 

tiene una bonita parte de guitarra de 

Mick Ronson y que mantiene una 

calma casi pastoral en su desarrollo. 

Después llega el que se ha convertido 

en uno de los más recordados de 

Bowie en este período y que, al ser 

editada en single tiempo más tarde 

-en el apogeo de la popularidad del 

cantante- llegó al puesto 3 del ranking 

de Inglaterra, en julio de 1973. 

El título se pregunta “Life on Mars?” 

(¿Habrá vida en Marte?) 

Con un ambiente casi de vaudeville, 

“Kooks” tiene un tono caprichoso 

y casi psicodélico y cierto aire 

folk. Una canción que Bowie dedicó 

a su hijo Zowie, por entonces recién 

nacido. Hay consejos típicos de padre, 

con un tono de humor, como 

“No te busques peleas con los matones 

/ porque no soy demasiado bueno 

en el arte de pegarle a los papás de 

tus compañeritos.” 

La atmósfera de “Hunky Dory” 

se enrarece y oscurece cuando nos 

encontramos con “Quicksand” (Arenas 

movedizas), una breve y efectiva 

reflexión sobre la futilidad de la condición 

humana. Puede parecer grandilocuente 

pero resulta atractiva por 

tratarse de una de las melodías mejor 

construidas del repertorio de Bowie. 

Enseguida nos encontramos con otra 

canción vaudevillesca, un resabio 

del Bowie a mitad de camino entre 

el Mod, la psicodelia y el crooner 

“camp” del primer álbum. El tema, 

de aire despreocupado, se llama 

“Fill your heart” y es en realidad un 

cover del estadounidense Biff Rose 

un cantautor de culto que tuvo sus 

quince minutos de fama en los años 

60. Y justamente, la persona que 

acuñó esa célebre frase sobre la fama 

es el destinatario de un homenaje, en 

forma de canción acústica, que lleva 

su nombre. 

En este ecléctico y variado cuarto 

larga duración de Bowie hay otro 

tributo, “Song for Bob Dylan”, donde 

el oyente no queda del todo seguro si 

el tono de la canción es de homenaje 

o de parodia, pero no importa demasiado, 

porque la letra está unida a 

una buena melodía. 

Cuando Velvet Underground surgió 

en los años 60s fueron pocos los 

que repararon en el poder renovador 

de su música y sus letras. Su enorme 

influencia en la explosión punk y sus 

derivados y su fama mundial sólo se 

consolidaron muchos años después 

de su separación. Sin embargo, hubo 

algunos iluminados que cantaron 

loas a VU muchos años antes y entre 

ellos se contaba el propio David 

Bowie, quien reconoce la influencia 

que el grupo comandado por Lou 

Reed tuvo en el décimo tema del disco, 

“Queen Bitch”. 

“Hunky Dory” llega a un dramático 

final con “The Bewlay Brothers”, 

tema que alude, a través de la ficción, 

a la relación de Bowie con su hermanastro 

Terry. La letra está llena de 

imágenes centradas, una vez más, en 

la maleabilidad y las engañosas cualidades 

del ser humano. “Ahora mi 

hermano yace sobre las rocas / puede 

que esté muerto / puede que no / puede 

que seas vos...” 

Editado el 17 de diciembre de 

1971, “Hunky Dory” capturó a Bowie 

en un momento de transición. Es 

bien posible que sea el primer disco 

en que David descubrió esa combinación 

mágica de estilos, interpretación, 

letras y carisma que lo instalaría 

en poco tiempo más como una 

personalidad única en el campo del 

rock. Por delante estaban hitos como 

“Ziggy Stardust”, “Diamond Dogs”, 

“Heroes” y “Scary Monsters”, por 

nombrar algunos clásicos que Bowie 

acuñaría en el siguiente lustro en su 

fase Glam y luego en su productivo 

pasaje creativo por Berlín, pero 

“Hunky Dory”, además de exhibir 

una personalidad propia solida, fue 

un mirador hacia el mundo de posibilidades 

que el músico inglés tenía 

por delante. 


79

INFORMACIÓN DE LA SEMANA 18.12.2021 

Khalid 

Scenic Drive (The Tape) 

El álbum de nueve pistas sumó 16.000 

unidades en la semana que terminó 

el 9 de diciembre, según MRC Data 

(84% de eso proviene del streaming), 

y también debuta en el número 8 en la 

lista de los mejores álbumes de R&B. 

POST MALONE FOTO: MATT WINKELMEYER/GETTY IMAGES 

Green Day 

Greatest Hits: God’s Favorite Band 

El álbum vuelve a entrar en la lista 

(11,000 unidades; un aumento del 

428%) por primera vez desde mayo 

de 2020 y obtiene así su puesto más 

alto desde el 16 de diciembre de 2017, 

No. 100, después de su lanzamiento 

exclusivo en vinilo azul. 

Blake Shelton 

Body Language 

El álbum vuelve al número 117 en el 

chart (11.000 unidades; un aumento 

del 242%) después de que se reeditó 

el 3 de diciembre con cuatro nuevos 

bonus tracks, incluido su último éxito 

ubicado entre los 20 principales 

Country Airplay: “Come Back As a 

Country Boy”. 

Por segunda semana consecutiva, el 

debut más alto de la lista cae fuera del 

top 10: “Nardo Wick’s Who Is Nardo 

Wick?” El disco debuta en el puesto 19 

(29.000 unidades equivalentes a álbumes 

vendidas en los Estados Unidos durante 

la semana que finalizó el 9 de diciembre, 

según MRC Data). Una semana antes, en 

la lista del 11 de diciembre, el debut más 

alto fue “Las Leyendas Nunca Mueren”, 

de Anuel AA en el n. ° 30. El calendario de 

lanzamientos fue un tanto tranquilo en las 

dos semanas posteriores a la llegada del 19 

de noviembre de Adele’s 30, que debutó en 

No. 1 en la tabla del 4 de diciembre. 

—KEITH CAULFIELD 

INGRESÁ EN BILLBOARD.COM PARA VER EL CHART COMPLETO 


POST MALONE FOTO: MATT WINKELMEYER/GETTY IMAGES 

MARIAH CAREY’S “ALL I WANT fue la reina 

de la Navidad, “ALL I WANT for Christmas Is 

You” regresó al número 1 en el Billboard Global 

200, con 76,3 millones de reproducciones 

(suba de un 25%) y 14.000 unidades vendidas 

(un 28% más) en todo el mundo en la semana 

de seguimiento del 3 al 9 de diciembre, de 

acuerdo con MRC Data. El clásico navideño de 

1994 encabezó la lista durante cuatro semanas 

la temporada pasada de vacaciones. 

Por su parte, el sencillo de Wham!, de 1984, “Last Christmas”, vuelve a visitar los 

cinco primeros lugares de Global 200, con un récord de 8-4 con 56,4 millones de 

reproducciones (27%+) y 7.400 vendidas (35%+) en todo el mundo. Subió al número 2 

durante la temporada navideña de 2020. 

Mientras tanto, otros dos favoritos navideños regresan al top 10 de Global 200: 

“Rockin ‘Around the Christmas Tree” de Brenda Lee (de 1958), con un aumento 

de 13-6 (45 millones de reproducciones, un aumento del 25%; 7900 vendidos, un 

aumento del 9%) y “Jingle Bell Rock” de Bobby Helms (de 1957), galopando 14-8 

(41,7 millones de reproducciones, un 23% más; 4.800 vendidas, un 60% más). Las 

canciones alcanzaron los números 3 y 4, respectivamente, durante las vacaciones de 

2020. 

En el Billboard Global que excluye EE. UU., “ALL I WANT for Christmas Is You” 

de Carey salta 7-2 (47,7 millones de reproducciones, un aumento del 29%; 6,900 

vendidas, un aumento del 38%, en territorios fuera de los Estados Unidos), después 

de liderar durante una semana la temporada navideña pasada. . En medio del montón 

de canciones navideñas, el “abcdefu” no estacional de GAYLE sube 4-3 en cada lista. 

El exitoso sencillo del cantautor de 17 años, nacido en Dallas y residente en Nashville, 

atrajo 62,6 millones de reproducciones y se vendieron 18.000 en todo el mundo, 

un 18% más en cada métrica. A nivel nacional, la pista continúa su rápido ascenso, 

incluso en la radio, ya que avanza 40-27 en su segunda semana en la lista Mainstream 

Top 40, un 197% más en reproducciones, con su audiencia de todos los formatos 

aumentando en un 436% a 4.9 millones 

—GARY TRUST 

INGRESÁ EN BILLBOARD.COM PARA VER EL CHART COMPLETO

BILLBOARD Bolivia Diciembre 2021

Create successful ePaper yourself

Delete template?

Save as template?