xiv biennale internazionale di scultura di carrara postmonument

energia, di spostamenti cosmici, di connessioni tra la terra e l’universo, tra Oriente e
Occidente. Alcune mostre recenti hanno segnato il percorso di antimonumentalità
dell’arte degli ultimi anni. La prima, nel 2004, alla Deste Foundation di Atene, Monument
to Now, continuata poi con Fractured Figures (2005), spaccati del- la collezione Jannou
dove il pop e la precarietà della vita quotidiana acquistano caratteri monumentali. Lo si
vede bene in questa Biennale con la presenza di Paul McCarthy, che realizza in pietra un
oggetto in sé basso e scurrile, un grande escremento di travertino la cui forma è però
fortemente scultorea. L’altra è la mostra di apertura del New Museum, curata da
Massimiliano Gioni e Laura Hoptman, Unmonumental, che ha teso a riportare al centro la
scultura, ma in una dimensione frammentata, esplosa, precaria. Sam Durant, Urs
Fischer, Carlos Bunga, rappresentano ora questo percorso. Che non ci siano oggi
direttrici preminenti, che la ricerca artistica si muova libera tra più direzioni, è un fatto che
questa Biennale intende evidenziare. Non mancano recuperi di forme, tipologie e
materiali tradizionali. Già da qualche anno artisti come Maurizio Cattelan e Gillian
Wearing sono tornati a investigare il modello del monumento, il primo con All, nove corpi
sdraiati e coperti da un panneggio, utilizzando proprio il marmo di Carrara per realizzare
una sorta di monumento orizzontale a un’umanità distrutta, abbattuta. La seconda, già a
Trento nel 2007, con Family Monument, in cui la relazionalità presente in tutto il suo
percorso di ricerca si è andata a condensare in un monumento in bronzo alla “famiglia
trentina tipo”, ambigua rappresentazione “eterna” di una definizione sempre meno stabile
come quella della famiglia. A Carrara la Wearing ritrova un diverso modo di intrecciare
l’istantaneo, l’individuale, lo psicologico, con il modello duraturo, chiedendo alle persone
di mettersi in posa su un basamento per rappresentare le proprie idee e passioni. Ma
l’occasione di lavorare a Carrara ha spinto molti a utilizzare il marmo, talvolta per la prima
volta. È il caso di Antony Gormley, in realtà già scultore in senso pieno, ma che ora
affronta una materia tradizionalmente preziosa invece che il bruto ferro che ha
caratterizzato la scultura d’avanguardia nei decenni passati. È così anche per un’artista
“dura” come Monica Bonvicini, che lascia i suoi metalli e i muri di cemento per innalzare
una parete di marmo, all’apparenza leggera e quasi di aspetto decorativo; o anche
Damián Ortega, che anziché espandersi, dissipare nella stanza un oggetto smontato,
questa volta lo racchiude, lo ingloba in una forma sferica che ne contiene in nuce la
progressione di crescita. Santiago Sierra, autore spesso di azioni tra le più immateriali,
conclude il viaggio del suo No, Global Tour con un No di marmo posato sulla piazza di un
nuovo e anonimo complesso residenziale. Terence Koh, invece, figlio di una generazione
cresciuta nella convulsione e nella fugacità di un’età dagli idoli mediatici, ripiega su
stesso, ritraendosi piccolo e solo, rannicchiato in riva al mare, usando ovviamente il
materiale tipico del candore michelangiolesco. Il marmo non può non portare con sé la
sua storia, conferendo alla scultura una qualità antica pur nell’ambiguità del racconto di
una fase di trapasso. Sono casi eccezionali, anche determinati dall’occasione carrarese,
e dalla disponibilità della materia. Ma che ci sia un certo ritorno al fare manuale, all’uso di
mezzi tradizionali, è ben confermato da una serie di artisti emergenti: Huma Bhabha,
pakistana che risiede a New York, Thomas Houseago, inglese ora a Los Angels, e Ohad
Meromi, rappresentano esattamente questo ripiegamento, in cui la produzione artistica
torna ad essere un fatto individuale, una ricerca artigianale attenta ai particolari e alle
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