O que resta dos grandes sonhos de um país pequeno - Fonoteca ...

Sexta-feira
2 Abril 2010
www.ipsilon.pt
Pedro Costa Clarice Lispector Field Music Manuel Alegre Tiago Bettencourt
NUNO FERREIRA SANTOS ESTE SUPLEMENTO FAZ PARTE INTEGRANTE DA EDIÇÃO Nº 7302 DO PÚBLICO, E NÃO PODE SER VENDIDO SEPARADAMENTE
O que resta dos grandes sonhos de um país pequeno
Com“Ruínas” Manuel Mozos faz um belíssimo filme-ensaio sobre Portugal

Flash
Sumário
Manuel Mozos 6
Filma, em “Ruínas”, um
Portugal mais de misérias do
que de grandezas
O som e a fúria 11
de uma geração
Jens Lapidus 16
Um advogado que escreve na
pele do criminoso
Manuel Alegre 18
Uma escrita que puxa pela
memória
Clarice Lispector 20
Chegou a hora da estrela
Field Music 22
São ingleses, gostam de
futebol e fizeram um grande
disco duplo
Tiago Bettencourt 26
A música que faz não
é a música que ouve
Ficha Técnica
Directora Bárbara Reis
Editor Vasco Câmara, Inês Nadais
(adjunta)
Conselho editorial Isabel
Coutinho, Óscar Faria, Cristina
Fernandes, Vítor Belanciano
Design Mark Porter, Simon
Esterson, Kuchar Swara
Directora de arte Sónia Matos
Designers Ana Carvalho, Carla
Noronha, Mariana Soares
Editor de fotografia Miguel
Madeira
E-mail: ipsilon@publico.pt
Anda mal
o casamento
de Julianne Moore
“Chloe”, o novo filme de Atom
Egoyan, é uma análise à instituição
casamento. Conta a história de
Catherine Stewart, uma médica
( Julianne Moore) que se sente
infeliz com o casamento. Quando
suspeita da traição de David, o
marido (Liam Neeson), decide
contratar Chloe, acompanhante
de luxo (Amanda Seyfried). O
combinado era que Chloe revelasse
a Catherine os pormenores dos
encontros com David, mas Chloe
parece ter os seus próprios planos,
que poderão mesmo destruir a
família de Catherine. “Este filme é
sobre uma mulher desencantada
com o seu casamento. Começa
a sentir que já não é a mesma,
mas escolhe uma maneira muito
particular para tentar compreender
o marido”, disse Julianne Moore ao
“The Washington Post”.
A MTV e as Spice
Girls mataram a
fúria feminina
A pergunta é colocada do ponto de
vista de quem se recorda de Joan
Jett, do punk de Siouxsie Sioux e do
“riot grrrl” das Bikini Kill, de quem
se vê agora num cenário onde
figuras femininas estão no topo das
tabelas e concentram atenção
mediática como nunca antes. Dessa
posição, surgiu no “Guardian” a
pergunta: “O que aconteceu às
estrelas femininas furiosas?”
“Nos últimos vinte anos – aponta
Tahita Bulmer, vocalista dos New
Young Pony Club, ao diário
britânico –, as mulheres jovens
aceitaram uma determinada
‘persona’. Há a ideia que tens de ser
obcecada pela fama, e parecer
convencional ou sensual”. A culpa,
argumenta-se no artigo, tem dois
nomes. MTV e Spice Girls. A
primeira, escreve-se, transformou a
cultura popular, deixando para trás
bandas punk feministas como Slits
ou Raincoats: “A imagem tornou-se
o mais importante, e mulheres
zangadas que não queriam saber
dela não se enquadravam nesse
cenário”. Já as segundas,
apropriaram-se do vocabulário das
“riot grrrls” e proclamaram “girl
power”, mas, argumenta Jude
Rogers, a autora do artigo, fizeramno
seguindo o “modelo
convencional de banda pop
fabricada por homens para
mulheres adolescentes”.
Cazz Balse, co-autora do livro
“Riot Grrrl: Revolution Girl Style
Now!”, assinala que, num mundo
de X-Factors e Ídolos, arriscar é
perigoso. “Perseguindo a música
Julianne Moore em “Chloe”
Charlotte Rampling interpreta
Yourcenar no Festival de Almada
A actriz inglesa Charlotte
Rampling vai estar na
próxima edição do Festival
de Teatro Almada, em Julho,
com “Yourcenar/Cavafy”,
um diálogo ficcionado entre
a autora de “Memórias de
Adriano” e o poeta grego de
Alexandria, interpretado
pelo actor Polydoros
Vogiatzis. O espectáculo,
concebido por Jean-Claude
Feugnet a partir de uma
cenografia de Lambert
Wilson, será apresentado no
Teatro Nacional de S. João,
no Porto (16 de Julho), e na
sala Garrett do Teatro
Nacional D. Maria II (dias 17 e
18).
Mais conhecida pelos seus
papéis no cinema – ao longo
de quase meio século de
carreira, trabalhou com
Roger Corman, Luchino
Visconti, Liliana Cavani,
Woody Allen, Sidney Lumet,
Nagisa Oshima, Claude
Lelouch ou, mais
recentemente, te, François
Ozon e Todd d Solondz –,
Rampling nunca
deixou inteiramente
o palco, ao qual
agora regressa sa com
este “Yourcenar/
Cavafy”, que tem
itinerado por vários
países da Europa.
Cruzando
excertos de
romances e
ensaios de
Marguerite
Yourcenar
(1903-1987),
como
“Memórias de
Adriano”, “A
Obra ao Negro”
ou “Fogos”, e
poemas de
Konstandinos os
Kavafis (1863-
1933), esta
espécie de
conversa
literária
imagina um
encontro que nunca existiu a
três dimensões. Yourcenar
passou o Verão de 1936 em
Atenas e foi nessa ocasião
que conheceu a poesia de
Kavafis, através de
Konstandinos Dimaras. O
poeta tinha morrido três
anos antes, de cancro na
laringe, e a primeira edição
reunida dos seus poemas
fora postumamente
publicada em 1935.
A romancista rapidamente
se apercebeu de que tinha
bastante em comum com o
esteta de Alexandria.
Homossexual, hedonista,
fascinado pela História,
Kavafis viveu em Inglaterra,
durante a sua infância e
adolescência, mas, de resto,
salvo algumas breves
viagens, raramente saiu de
Alexandria, onde era
corretor da Bolsa. Escreveu
pouco mais de
centena ena e
meia de
poemas,
muitos deles
relacionados
com
temas da
história
grega e
romana,
outros de teor
homoerótico,
apresentados como
rememorações da
juventude.
Yourcenar começou a
traduzi-lo nos anos
quarenta, mas só em 1958
saiu na Gallimard a sua
tradução integral dos
poemas de Kavafis, coassinada
com Dimaras, que
contestou muitas das
soluções propostas pela
romancista, mas que
raramente a terá conseguido
persuadir dos seus pontos
de vista. Dimaras veio
mesmo a dizer, mais tarde,
que Yourcenar não captou
“o clima particular da poesia
de Kavafis” e que a sua
tradução é, sobretudo, “a
obra de uma grande estilista
francesa”. O próprio
executor literário de Kavafis,
Alexandros Singopoulos,
não apreciou o trabalho de
Yourcenar, cuja publicação
terá procurado impedir, e
apadrinhou a tradução
francesa de G. A.
Papoutsakis, editada no
mesmo ano.
Em Portugal, o primeiro
tradutor de Kavafis foi Jorge
de Sena, que publicou em
1970, na editora Inova,
“Constantino Cavafy: 90 e
Mais
Quatro Poemas”. As
suas
versões foram
altamente elogiadas pela
própria Yourcenar, numa
extensa carta que esta lhe
enviou.
No final dos anos 80, o poeta
e ensaísta Joaquim Manuel
Magalhães e Nikos Pratsinis
começaram a traduzir e a
publicar poemas e prosas de
Kavafis, tendo finalmente
saído, em 2005, na Relógio
d’Água, a tradução integral
dos 154 poemas que o
poeta, antes de morrer,
considerara terminados.
Luís Miguel Queirós
Rampling é Yourcenar num espectáculo
que ficciona um diálogo entre a autora
de “Memórias de Adriano” e o poeta
grego Konstandinos Kavafis

Flash
Concertos
Gala Drop
e Manuel
Mota farão
a primeira
parte dos
concertos dos
Sonic Youth
em Lisboa. Não foi escolha ao
acaso, antes pedido expresso
dos nova-iorquinos. Dia 22 de
Abril, no Coliseu de Lisboa,
estará a banda de Nélson Gomes,
Tiago Miranda, Afonso Simões e
Guilherme
Gonçalves, com
disco homónimo reeditado
(um dos destaques de 2008) e
semanas depois de abrir para
outro histórico, o ex-Can Holger
Czukai (9 de Abril, Lux). Dia 23,
no Coliseu do Porto, chegado de
uma digressão pela Bélgica e
por França, a vez do guitarrista
Manuel Mota.
MARTA PINA
como o equivalente a um
emprego das nove às cinco, e
querendo tê-lo durante muitos
anos, é do seu interesse não agitar
as águas.” Estaremos então
resignados a esta formatação do
feminino na música popular
urbana, onde artistas como
Florence And The Machine –
considera Tahita Bulmer – são
quase “um regresso à ideia
vitoriana da mulher histérica”?
Não necessariamente. A
reportagem aponta brechas.
Refere que, actualmente, as
formas de expressar essa “fúria
feminina” são diversas do
passado.
Surgem de forma discreta em
cantoras como Laura Viers ou
Laura Marling ou, mais
exuberante, em Rihanna ou Lady
Gaga. “A Monster Ball Tour de
Lady Gaga – descreve Cazz Balse –
baseia-se na ideia de monstruoso,
e nessa expressão zangada do
feminino. Ele pode não o estar a
gritar, e a sua música não é punk,
mas esses sentimentos estão lá”.
“Sinto que estamos a
regressar
Rihana:
a fúria
feminina
à espreita?
Marina Abramovic no átrio do MoMA
a terreno fértil, quando as pessoas
se fartam do estado de coisas.”
“Uma nova geração está a pegar em
guitarras e baterias e a dizer: ‘Estou
aqui! Vamos lá!” A conclusão é de
Joan Jett, “rock’n’roller” furiosa
original.
Marina Abramovic
impressiona os
visitantes do MoMA
Marina Abramovic senta-se em
silêncio a uma
pequena mesa, no
átrio do Museu
de Arte Moderna de
Nova Iorque (MoMA). Sem
pestanejar, fixa os visitantes que se
sentarem a seu
lado. A
performance faz parte da
retrospectiva sobre a artista que o
MoMa apresenta até 31 de Maio.
“Marina Abramovic: The Artist is
Present” é uma exposição
cronológica de
50 trabalhos, que
abrange os 40 anos de
performances, fotografias,
instalações e vídeos imaginados por
Abramovic.
O destaque vai
para a peça “Rhythm
O”, de 1974. Marina utilizou facas
afiadas, fita adesiva, gaze, loção de
barbear, uma rosa de pé comprido
e uma arma carregada e pediu a um
grupo de napolitanos que usasse os
objectos à vontade, no corpo da
artista. Quando
um homem pegou
na arma, outro
parou a
performance. Na altura, Marina
disse querer “explorar o limite e o
quanto podia aguentar”.
Marina Abramovic nasceu na
Jugoslávia em 1946, filha de dois
dirigentes do Partido Comunista
Jugoslavo. Estudou na Academia
de Belas-Artes em Belgrado e em
Zagreb e deu aulas em Novi Sad,
na Sérvia.
Nessa altura,
começou a fazer
performances. Em 1976,
mudou-se para
Amesterdão, onde
conheceu o artista
alemão Uwe Laysiepen,
conhecido como Ulay.
Os vídeos que
resultaram da parceria
de 12 anos de Marina
e Ulay também estão no MoMA. O
trabalho dos dois consistiu em
testar os limites do público
europeu, em intransigentes
façanhas de resistência e loucura, a
que os dois chamaram
“trabalho de relação”.
Em 1977, sentaram-se
de costas, sem
se mexerem ou
falarem, ligados
pelo cabelo, durante 16
horas. Essa é uma das cinco
performances de Abramovic
recriadas ao vivo, pela
primeira vez, para esta
exposição. Foi ela que treinou
os intérpretes.
Os trabalhos de Abramovic
exploram a relação
entre o performer e o
público, os limites
do corpo, as
possibilidades da
mente, desafiam o
perigo.
Linda Yablonsky,
crítica de arte do
“Washington Post”,
Vídeos de Lady Gaga
ultrapassam mil
milhões de visitas
na Web
Lady
Gaga
tornou-se
na primeira
artista a superar mil
milhões de visitas nas
plataformas de vídeo online.
O portal Visible
Measures precisou de somar
apenas os números de
visualizações de três singles
daquela que muitos apelidam de
“nova rainha da pop”. Extraídos
dos dois discos da saga “The
Fame”, “Poker Face”, “Bad
Romance” e “Just Dance”
contribuíram, cada um, com
valores entre os 380 e 270
milhões de visitas para a soma
recordista. Curiosamente,
nenhum deles entra, por si só,
no top 5 geral, no qual constam
quatro vídeos musicais. Uma
estrela global da actualidade
musical (Beyoncé com “Single
Ladies” em 3.º), um ídolo cujo
desaparecimento impulsionou
uma revitalização do legado
(Michael Jackson com “Thriller”
em 4.º) e um vídeo musical da
categoria infantil (“The Gummy
Bear Song” em 5.º) sucedem à
excepção proveniente do cinema
(“Lua Nova”, da saga “Twilight”,
em 2.º) na lista liderada por um
artista cujo reconhecimento é
desproporcional nos dois lados
do Atlântico: “Crank dat”, do
norte-americano Soulja Boy, que
já superou os 700 milhões de
visitas. Numa lista com 65
vídeos – 37 respondem à
temática música –, com
presenças de artistas como Miley
Cyrus, Katy Perry, Avril Lavigne,
Alicia Keys ou Mariah Carey, não
encontramos nomes de bandas
europeias às quais
costumamos apontar o epíteto
de fenómenos de
popularidade como os U2,
Muse ou Arctic Monkeys. O
primeiro vídeo musical
europeu a integrar a lista –
descontamos o 9.º lugar do
despontar de Susan Boyle no
Britain’s Got Talent – é da
britânica Leona Lewis
(“Bleeding Love” em 18.º), ao
qual se segue um videoclip
dos Coldplay (“Viva la Vida”,
em 40.º).
chama-lhe a “imperatriz
internacional da performance
artística”. Diz que a performance de
Marina no MoMA “é uma presença
imponente e benevolente que não
se esconde, com o propósito de
arranjar tempo para que os outros
se vejam a si próprios no reflexo
dela. A ideia é eliminar todos os
pensamentos do passado ou do
futuro e viver apenas o
momento presente”.
4 • Sexta-feira 2 Abril 2010 • Ípsilon

AGENDA CULTURAL FNAC
entrada livre
APRESENTAÇÃO AO VIVO LANÇAMENTO EXPOSIÇÃO
LANÇAMENTO
OS SORRISOS DO DESTINO
Filme de Fernando Lopes
A Fnac e a Clap Filmes apresentam o lançamento, em DVD, do último filme de Fernando Lopes. Com a
presença do realizador, do protagonista Rui Morrison e do crítico de cinema Jorge Leitão Ramos.
06.04. 19H00 FNAC CHIADO
AO VIVO
THE SOAKED LAMB
Hats & Chairs
Os The Soaked Lamb apresentam o seu segundo álbum, inspirado pela música das décadas de 1920 a 1940.
03.04. 17H00 FNAC CHIADO
04.04. 17H00 FNAC ALFRAGIDE
07.04. 21H30 FNAC COLOMBO
09.04. 21H30 FNAC CASCAIS
10.04. 17H00 FNAC COIMBRA
14.04. 21H30 FNAC ALMADA
16.04. 18H00 FNAC STA. CATARINA
17.04. 16H00 FNAC GUIMARÃESHOPPING
18.04. 17H00 FNAC GAIASHOPPING
AO VIVO
HOMENS DA LUTA
A Cantiga é uma Arma
Nesta apresentação os Homens da Luta, Jel e Falâncio, contam-lhe tudo sobre a nova arma da revolução:
o Lpod.
O álbum de estreia “A Cantiga É uma Arma” tem data de lançamento prevista para dia 1 de Maio.
07.04. 16H30 FNAC CHIADO
AO VIVO
TIAGO BETTENCOURT & MANTHA
Em Fuga
Após o sucesso do disco, O Jardim, com o single Canção Simples; Tiago Bettencourt e os Mantha apresentam,
ao vivo, o seu mais recente trabalho intitulado Em Fuga. Para ver e ouvir ao vivo, no Fórum Fnac.
09.04. 21H30 FNAC VASCO DA GAMA
EXPOSIÇÃO
RETROSPECTIVA CINEMA PORTUGUÊS
Composta por material pertencente ao Arquivo Fotográfico da Cinemateca Portuguesa - Museu do Cinema,
esta série de fotografias de rodagem, feitas entre os anos 20 e os anos 70, focaliza-se sobretudo em
dois períodos: o período clássico do cinema português, nos anos 30 e 40, e o Cinema Novo, nos anos 60.
20.03. - 20.05.2010 FNAC MAR SHOPPING
Consulte a agenda cultural Fnac em
Apoio:

Manuel Mozos
nas ruínas das gra
O cineasta Manuel Mozos filmou edifícios em decadência e
textos fala-se, em “Ruínas”, de um país mais de misérias do
mas, ao mesmo tempo, de uma certa mesquinhez, uma
NUNO FERREIRA SANTOA
Capa
Há quanto tempo ninguém andava
por aqui? Quem se lembra ainda do
que aqui se passou?
Manuel Mozos tem por hábito ir
anotando num caderno coisas destas:
lugares, uma notícia que leu numa
revista, uma referência de um texto.
O que queria fazer em “Ruínas” – o
filme, uma produção de O Som e a
Fúria, que estreou esta semana – era
cruzar essas coisas. Queria filmar os
espaços vazios, sim, mas queria povoá-los,
dar-lhes vozes, sons, fazê-los
habitar por fantasmas que, se calhar,
não eram os fantasmas desses espaços
– eram outros, que obrigaram os
primeiros a chegar-se para o lado e a
deixá-los instalar-se também.
“Ruínas” é uma sucessão de imagens
de espaços que o país deixou
para trás, que esqueceu, mas que não
desapareceram. Muitos permanecem,
de pé, numa dignidade silenciosa,
abandonados mas não vencidos.
Ninguém passa por eles, mas eles ainda
ali estão.
“O que me interessa, quer nos espaços
quer nos outros materiais que
utilizo no filme, é serem coisas que
acho interessantes e que se diluem,
se perdem. Achava importante darlhes
alguma vida, tentar que não
desaparecessem completamente”,
diz o realizador. Não se trata de um
olhar nostálgico ou saudosista, sublinha.
“Mas são sítios que têm um
lado poético, de coisas que existiram,
que fizeram parte de histórias
deste país.”
Inicialmente pensou usar excertos
de filmes antigos, postais, ou até encontrar
pessoas que pudessem contar
histórias sobre aqueles sítios. Pensou,
inclusivamente, em alargar o filme a
outras coisas que estavam a desaparecer,
“profissões, jardins, matas,
falar da transformação de certas coisas,
da construção de campos de golfe
ou do efeito das auto-estradas nos
percursos dos animais”, não numa
perspectiva sociológica mas apenas
como uma constatação de que é assim.
Mas à medida que ia filmando
foi abandonando essa ideia. O filme
“Penso que não
fugimos a um lado
pequenino mesmo
quando se tentam
coisas mais
majestosas
ou grandiosas”
6 • Sexta-feira 2 Abril 2010 • Ípsilon

andes esperanças
ofereceu-lhes histórias. Nesse cruzamento de imagens e de
que de grandezas. Isto é Portugal. “De grandes esperanças
coisa de remediado”. Belíssimo. Alexandra Prado Coelho
Mozos tem por
hábito anotar
num caderno
coisas destas:
lugares,
notícias em
revistas,
referências
textos. Em
“Ruínas” quis
cruzar isso;
filmar os
espaços
vazios, mas
dar-lhes
vozes, fazê-los
habitar por
fantasmas
foi-se tornando cada vez mais depurado
até chegar ao essencial: espaços
vazios e sons.
O que vemos e o que ouvimos
E o que faz a força de “Ruínas” é esse
cruzamento, sempre ligeiramente
deslocado, entre o que os nossos
olhos vêem e a história que estamos
a ouvir. No Restaurante Panorâmico
de Monsanto, enquanto a câmara
mostra uma escadaria, a janela panorâmica,
os murais, uma voz lê uma
ementa de um livro de receitas do
século XVI – uma lista de iguarias que,
para Mozos, “se conjugava com aquela
monumentalidade”.
Às vezes, como no caso do sanatório
das Penhas da Saúde, o que ouvimos
– neste caso: relatórios médicos
com todos os pormenores sobre o
estado de saúde dos doentes à entrada
e à saída do internamento – tem a
ver com a história do sítio. Outras vezes
é apenas uma história que podia
pertencer àquele lugar, e só por acaso
não pertenceu – como a carta a
perguntar quais os preços de um fimde-semana
para um grupo de amigos
num hotel, lida sobre a imagem da
Estalagem de São José, em Porto da
Barca, junto ao mar, um sítio onde
Mozos chegou a ficar alojado antes de
o estabelecimento fechar e começar
a resvalar para o esquecimento.
“Na recolha de textos interessavame
ir para coisas que não ficam como
grande literatura, procurava mais literatura
de cordel, epistolar, relatórios,
ementas”. Ficaram três poemas.
O resto são textos como o edital “Ao
povo do Barreiro sobre o lançamento
de uma bomba”, de 1934, ou uma carta
com um pedido de empréstimo –
“coisas um pouco fúteis, do dia-a-dia,
que as pessoas guardam, mas que
nunca ficarão como nada de importante
a não ser para quem faz e para
quem recebe”.
Os “makavenkos” [“Memórias e
Receitas Culinárias dos Makavenkos”,
de Francisco de Almeida Grandella,
1919], por exemplo, aparecem mais
do que uma vez, sem qualquer ligação
aparente com o que estamos a ver.
Mas este clube de “bon vivants”, formado
para os prazeres da comida,
fundado em 1884 por Grandella e alguns
amigos, apareceu naturalmente
no processo de pesquisa de Mozos.
“Vi uma vez numa revista uma notícia
sobre a construção de um sanatório
que nunca tinha sido terminado
no Cabeço de Montachique, e percebi
que o Grandella, dos Armazéns
Grandella, tinha feito parte das pessoas
que se juntaram para esse projecto.”
Mais tarde, descobriu numa livraria
o livro de Grandella e interessouse
primeiro pelo lado da gastronomia.
Só depois encontrou uma
Ípsilon • Sexta-feira 2 Abril 2010 • 7

Às vezes,
como no caso
do sanatório
das Penhas da
Saúde, o que
ouvimos em
som –
relatórios
médicos com
os
pormenores
sobre o estado
de saúde dos
doentes – tem
a ver com a
história do
sítio. Outras
vezes é
apenas uma
história que
podia
pertencer
àquele lugar, e
só por acaso
não pertenceu
série de outras histórias. “Havia
uma lenda de que haveria um cofre
enterrado no Cabeço de Montachique
com moedas a que eram para pagar
o sanatório. O edifício é estranhíssimo,
tem uma configuração de estrela,
o que tem a ver com [sociedades
secretas como] as maçonarias, as carbonárias.”
Soube que o realizador
António Macedo fizera lá um filme,
e quis vê-lo. Depois filmou o sanatório
que nunca chegou a existir, mas
as imagens acabaram por praticamente
não entrar no filme, à excepção
de dois planos ao cair da noite –
como se o edifício não conseguisse
libertar-se da maldição de nunca conseguir
materializar-se.
Um país pequeno
Mas os textos dos “makavenkos” ficaram,
entre a história de “Henriqueta,
uma heroína do século XIX” e o
livro de ciências naturais para a 4.ª
Classe do Ensino Primário e Elementar
do ano de 1961. Com esses textos,
os espectadores são conduzidos para
a história que o realizador quer contar,
seguem atrás dos fantasmas que
ele ali quis projectar. Mozos não tem
“Na recolha de textos
interessava-me ir
para coisas que não
ficam como grande
literatura, procurava
mais literatura
de cordel, epistolar,
relatórios, ementas”
dúvidas sobre isso. “Um texto ligado
a uma imagem atira obviamente para
um lado.” As mesmas imagens com
outro texto contariam outra história.
Durante a montagem experimentou
vários textos (houve um enorme trabalho
de pesquisa prévia sobre os
lugares, com Ana Gomes e Dulce
Mendes) combinados com diferentes
imagens. “A construção ia-se fazendo
por experiências, justaposição de
imagens com sons, até eu achar que
ficava assim. Mas era um jogo que
podia tornar-se infindável.”
O que ficou é também uma história
do país. Ou melhor, são histórias de
um certo país. Alguns espaços podem
ser grandiosos, mas o que ouvimos
são histórias pequenas, pequenas
misérias. Um país pequeno?
“Penso que não fugimos a um lado
pequenino mesmo quando se tentam
coisas mais majestosas ou grandiosas.
Em alguns dos textos há uma espécie
de impotência, um lado quase tragicómico.
Como na primeira história
dos ‘makavenkos’, de um senhor que
quer muito escrever uma peça de teatro
e nunca consegue, ou o rapazinho
que eles adoptam e depois a mãe
leva embora. Há um lado, que sinto
que é um bocadinho o país, de grandes
esperanças mas, ao mesmo tempo,
de uma certa mesquinhez, uma
coisa de remediado.”
Não é um filme sobre o Estado Novo,
mas este insiste em espreitar aqui
e ali, nos textos, nas imagens – nos
velhos livros de escola e mapas do
Centro Educativo do Mosteiro de Santa
Clara ou no enumerar de serviços
disponíveis (por categorias) para os
funcionários da Hidro-Eléctrica do
Douro. “Apercebi-me de que, se calhar,
estaria excessivamente centrado
no Estado Novo, mas não era isso que
queria, para mim era o século XX,
porque é o que eu conheço bem, vivi
nele uma parte razoável da minha
vida.”
Há, em todo o filme, uma única
cena com pessoas. É logo no início,
no cemitério do Prado do Repouso,
no Porto, no dia de Finados. Antes
disso, apenas uma imagem: a implosão
das torres de Tróia. “Quer esse
plano de Tróia (quis filmar antes da
implosão mas não foi possível) quer
a sequência no Prado do Repouso
têm um carácter metafórico para o
resto do filme. O primeiro porque é
a única coisa em todo o filme que desaparece.
Depois da implosão só fica
pó. E essa ideia do pó conduz-nos à
questão do cemitério. Se não houvesse
pessoas, o filme seria lido de outro
modo. Nós, pessoas, temos uma memória.
Mesmo quando as coisas desaparecem
ficamos ligados a elas.”
É por isso que os espaços vazios
estão cheios de vozes.
Ver crítica de filme págs. 42 e segs
Cemitério do Prado do Repouso
Manuel Mozos encontrou um dia uma pequena notícia
que falava de um jazigo no cemitério do Prado do
Repouso, no Porto, e contava que no dia de Todos os
Santos havia uma romaria à campa para depositar
flores no local onde estavam enterradas duas mulheres:
Henriqueta e Etelvina. A história, que vem contada no
livro “Henriqueta ou uma heroína do século XIX”, de
A. J. Duarte Júnior, “tem um lado macabro, mas tem um
lado de paixão entre elas que acho muito bonito”, diz
Mozos. Henriqueta fora vítima de abusos e ficara orfã
cedo, e aos 16 anos começou a viver sozinha e a dedicarse
à prostituição. Tomou sob sua protecção Etelvina, e as
duas prometeram nunca mais se separar. Mas Etelvina
tinha uma saúde débil e acabou por morrer. Henriqueta
conseguiu ficar a sós com o corpo, cortou-lhe a cabeça
e guardou-a para sempre consigo em casa. Quando
morreu foi enterrada no jazigo que mandara construír
para Etelvina, e desde então, apesar de nenhuma delas
ter deixado família, no dia dos finados há sempre flores
frescas na campa.
Centro Educativo do Mosteiro
de Santa Clara
Quando Mozos filmou, o espaço estava vazio há pouco
tempo. Até 2003 funcionou como um reformatório
para rapazes. E o que o cineasta encontrou parecia
exactamente isso: um reformatório do Estado Novo,
parado no tempo. “É um edifício enorme, com partes que
é impossível visitar. No interior havia mapas e muito
material espalhado, bandas desenhadas, catecismos.
Tudo aquilo remetia para a minha infância, parecia
que estava nos anos 60 e já não no século XXI”. Havia
as camaratas dos rapazes, as oficinas, os campos de
basquete, um ginásio. Mas o que mais o impressionou
foi a forma como as coisas tinham sido deixadas. “Em
toda a ala médica, a sensação era a de que tinha vindo
algum exército e as pessoas tinham abandonado tudo
de repente”. Instrumentos médicos desarrumados,
deixados em cima de mesas, uma cadeira de dentista,
com a broca, como se pudesse começar a funcionar
a qualquer momento. “Por vezes parecia uma
coisa de ficção científica pós-apocalíptica em que
desapareceram todos os seres vivos”.
Sanatório das Penhas da Saúde
O problema era a rádio. Conta Mariana Morais no
jornal on-line “urbi et orbi” (texto lido no filme) que
nos anos 40 alguns doentes tuberculosos do Sanatório
dos Ferroviários das Penhas da Saúde, na Serra da
Estrela, criaram uma rádio a que chamaram Pinóquio.
O entusiasmo era tanto, a dedicação tão absoluta, que “a
certa altura, os médicos aperceberam-se que os doentes
em vez de melhorar pioravam”, já não cumpriam os
tratamentos, descuidavam-se com a alimentação. As
divergências levaram a que a rádio fosse transferida
para a papelaria Sicol “na rua Ruy Faleiro, em frente
ao antigo Banco de Portugal”. A partir desse posto
“faziam emissões diárias de dez horas. Desdobravamse
em actividades múltiplas. Programas de discos
pedidos, divulgação do folclore, espectáculos para
os doentes pelo Natal, tudo era feito apenas com o
trabalho voluntário e o entusiasmo dos colaboradores.
A Rádio Pinóquio foi das primeiras rádios regionais
a acompanhar o Sporting da Covilhã nos jogos fora
de casa.” Hoje a Rádio Pinóquio está silenciosa e o
sanatório vazio.
8 • Sexta-feira 2 Abril 2010 • Ípsilon

Destroços
O filme de Manuel Mozos não se ocupa de nós como somos, mas como acabámos de ser. Paulo Varela Gomes*
“Ruínas” é sobre os destroços do passado
recente, muito recente, o passado
de há 50 anos. Estes destroços
estão mesmo ao nosso lado, mesmo
à nossa vista (tanto que não os vemos),
ou estão escondidos por detrás
dos nossos separadores de autoestrada,
esquecidos para lá das colinas
das nossas eólicas, no meio das
nossas matas de eucalipto.
O filme começa com uma história
do século XIX, uma história excessiva,
pela qual perpassa a paixão à
qual o filme recusa depois ceder,
servindo-nos a emoção apenas a frio.
É uma história que nos coloca imediatamente
fora do nosso tempo mas
não muito longe do nosso tempo, não
num passado histórico dignificado
pela distância. Aquele é o passado
em que os nossos avós morriam de
amor.
Todos os destroços que o filme
mostra estão num estado de delapidação
e abandono completos (por
isso os designo por destroços), cujo
símbolo maior talvez seja a Estalagem
Gado Bravo na chamada “recta
do Pegões”, por onde passavam todos
os veraneantes que, antes de
haver auto-estradas, escolhiam seguir
para o Algarve pela ponte de
Vila Franca. É um edifício digno que
ainda está ali, cada vez mais escancarado
e partido. Merece de nós um
olhar de esguelha, quanto muito.
Manuel Mozos foi gravar a sua destruição
e o seu ruído de fundo, o impiedoso
zumbido do trânsito.
As imagens e a banda sonora de
“Ruínas” não são, portanto, sobre um
passado de ruínas ou monumentos.
Vemos antes a devastação, tão calma
e distante que arrepia, do belíssimo
restaurante panorâmico de Monsanto.
Vemos o silêncio do Bairro de Habitação
Económica do Estado Novo
no Alvito, os edifícios abandonados
da Hidroeléctrica do Douro, a ruína
da Pousada das Penhas da Saúde.
Vemos um extraordinário hotel sobre
o mar, sossegados sanatórios do início
do século XX. Tudo isto são restos
de épocas em que os empreendimentos
do Estado alimentavam centenas
de famílias e lhes garantiam casa,
cuidavam da paisagem e da arquitectura,
deixavam uma ideia de eternidade
e segurança em cada pedra
assente num parapeito, em cada viga
de betão lançada sobre o vazio. Mozos
filmou também minas, barcaças
e estações de caminho de ferro varridas
pelo vento e o desmazelo, a ferrugem
que restou dos sonhos de um
Portugal autónomo industrialmente.
E gravou para a banda sonora destroços
de quando se utilizavam fórmulas
de boas maneiras que não
eram menos sinceras que as nossas
mensagens de uma cordialidade de
teclado e se escreviam cartas pondo
um tempo vagaroso em cada frase,
cartas que eram escritas tanto para
o seu destinatário quanto para a arte
de escrever cartas.
Os destroços materiais para que
este filme olha fixamente, sem o pestanejar
ou o exame mais empenhado
dos movimentos de câmara, foram
quase todos magníficas peças
da arquitectura e da arte modernas
e também isso intensifica a estranheza
com que olhamos a sua decrepitude.
São os melhores sonhos
de ontem, o melhor Estado de ontem,
as melhores maneiras de ontem, que
“Ruínas” expõe como obsoletos e
desprezados.
Os melhores
sonhos de ontem
“Ruínas” não é sobre o país degradado,
o país-subúrbio, o país-lixo em
que se transformou todo o Portugal
entre a costa e 50 km para o interior
por causa do sucessivo falhanço do
Estado nas sucessivas modernidades:
a do iluminismo após Pombal,
a do liberalismo oitocentista, a da
modernização a partir da década de
1960. As imagens da Cova do Vapor
e da Fonte da Telha incluídas no filme
deviam, em minha opinião, ter
ficado de fora na montagem final
(embora sejam testemunho da obsolescência
rapidíssima de uma vida
que é suburbana e pobre mas
também digna e aldeã, certamente
melhor do que aquela que decorre
nos horríveis arredores de Lisboa
ou do Porto).
Ao país-subúrbio dedicou em
2006 Daniel Blaufuks o seu filme
“Um pouco mais pequeno que o Indiana”,
uma obra à qual a “opinião”
preferiu o politicamente correcto
“Lisboetas” de Sérgio Tréfaut, mais
conforme as canções de embalar
que gostamos de nos cantar a nós
próprios sobre nós próprios. Durante
muito tempo, o país-subúrbio foi
“descoberto”, fotografado, pensado,
apenas pelos arquitectos e por aqueles
que com eles privavam. Hoje,
vem ainda da cultura dos arquitectos
– e de geógrafos como Álvaro
Domingues – a consciência de que
esse país não tem já remédio, e que
o feio, o subúrbio, terá de constituir
a base sobre a qual construir uma
vida com a civilidade possível.
O filme de Manuel Mozos não se
ocupa disso. Não se ocupa de nós
como somos, mas como acabámos
de ser... há tão pouco tempo que, nas
imagens de um consultório de dentista
os instrumentos estão largados
sobre as mesas como se o médico
tivesse ido lá fora por um momento,
talvez atender o telefone.
“Ruínas” não é bom título para o
filme. O conceito de ruínas tem uma
linhagem pesada. Imagens figurando
monumentos arruinados constituíram
um tema muito importante
para a cultura europeia do final do
Ancién Régime. Face às ruínas, filósofos
e pensadores sentiam mais
agudamente o Fim da História que
se aproximava, que as Revoluções
confirmariam, que Hegel constataria.
Ora, não é o futuro que interessou
Manuel Mozos e o seu filme não
tem nada que ver com o Fim da História,
antes com a suspensão portuguesa
da história. Aliás, é neste ponto
que “Ruínas” deixa de ser apenas
(mais) uma meditação em imagem
e palavra sobre a transitoriedade ou
a distracção modernas e passa a ser
também um testemunho português
sobre Portugal.
Os destroços de Manuel Mozos são
a história recente de Portugal, de um
Portugal orgulhoso e de destino próprio,
que fazemos em destroços sem
dignidade nenhuma e tentamos esconder
no escuro, no sítio onde desaparece
a garrafa de plástico que
atiramos pela janela do carro, o lugar
para lá dos arbustos e do lixo onde
jaz a faixa de estrada morta, sem
princípio nem fim, que ainda hoje as
raposas têm medo de atravessar.
Mas “Ruínas” não nos mete pelos
olhos e ouvidos dentro apenas a obsolescência
destes destroços. Faznos
também pressentir a sua ensurdecedora
recusa de partir em paz
para dentro da noite, recusa que a
opinião dominante portuguesa gostaria
que o passado tivesse o bom
gosto de abdicar. Em Portugal é preciso
deixar que à memória colectiva
mais recente caia a tinta, apodreça
o tecto, enferrujem as dobradiças e
os carris, corroa a erva daninha, se
partam com o vento as vidraças. Portugal
não quer recordar nem quer
ver aquilo que foi ontem, ainda ontem,
há bocadinho. Quando aceita
fazê-lo, esconde a vergonha e o remorso
debaixo de estatísticas (que
mentem e triunfam porque simplificam
tudo).
Há no filme um plano enigmático:
vemos nele a tranquilidade do mar
embalado pela praia. A vista perdese-nos
no horizonte aberto. Que faz
aqui o mar, entre madeiras podres,
estuques caídos, carris ferrugentos.
Descansa-nos os olhos? Aponta-nos
o caminho secular da fuga? Gosto de
pensar que está ali a assegurar-nos
de que tudo será um dia limpo pelo
sal e pelo sol e que os crânios dos
animais de um passado morto ainda
ontem, que surgem aqui e ali nas
imagens, serão transformados nas
formas reverberantes de brancura
que encontramos por vezes na areia
e conseguimos tomar por vestígios
fósseis de um tempo imemorial.
*Historiador
O filme de
Mozos ocupase
de nós como
acabámos de
ser... há tão
pouco tempo
que, nas
imagens de
um
consultório de
dentista os
instrumentos
estão largados
sobre as
mesas como se
o médico
tivesse ido lá
fora por um
momento,
talvez atender
o telefone.
Os destroços de Mozos são a história recente de Portugal, de um Portugal
orgulhoso , que fazemos em destroços sem dignidade nenhuma
Ípsilon • Sexta-feira 2 Abril 2010 • 9

O irmão
mais velho
A presença de Mozos no cinema português tem uma função
simbólica crucial: ele é uma testemunha de algo que deixou
de ser o que noutro tempo foi. Luís Miguel Oliveira
Que “Ruínas” (o filme de Manuel Mozos) se estreie em conjunto com
“Canção de Amor e Saúde” (o filme de João Nicolau) será um facto
ditado por questões de conveniência logística - os dois filmes têm
origem na mesma produtora, a O Som e a Fúria. Mas, depois desse
facto concreto, a porta fica aberta para um simbolismo interessante,
que mais não é do que a confirmação de outro facto: a relação
privilegiada entre Mozos (que nasceu em 1959 e começou a filmar
no final dos anos 80) e um conjunto de cineastas mais novos do que
ele, nascidos já nos anos 70. Como que um apadrinhamento e uma
adopção, mútuos e simultâneos.
É verdade que a maior parte desses cineastas gravita em torno da O
Som e a Fúria - Mozos participou em mais do que um filme de Miguel
Gomes, e montou “Tony”, a estreia na realização de Bruno Lourenço,
também uma produção O Som e a Fúria recentemente distribuida
em sala - tornando natural que também ele tenha chegado a essa
produtora com “Ruínas”. Mas não só: vimo-lo no “Veneno Cura”
de Raquel Freire e, coincidência ou não, João Salaviza, o jovem
realizador do premiado “Arena”, foi actor no “...Quando Troveja” que
Mozos dirigiu em 1999.
Que afinidades existem entre o cinema de uns e de outros, o que é
que está na origem desta transformação de Mozos numa espécie
de “irmão mais velho” de cineastas nascidos dez, quinze, vinte
anos depois dele? Convém registar um dado curioso que se liga aos
modos (e aos tempos) da recepção dos filmes de toda este gente.
A carreira de Mozos, se bem que iniciada em finais da década de
80, foi fértil em impasses e azares tremendos. Do seu primeiro
filme - “Um Passo, Outro Passo e Depois”, 1989 - despareceram os
materiais originais, e só se pode vê-lo hoje em transcrições vídeo
que danificam as qualidades da imagem e do som. “Xavier”, que
teria sido o seu filme seguinte, encontrou problemas de produção
que atrasaram significativamente a sua conclusão e a sua estreia
- rodado em 1992, só chegou a uma versão “acabada” já no século
XXI. De certa maneira, a obra de Mozos só “arrancou”, em termos
de regularidade e visibilidade, numa data relativamente recente:
1999 e “...Quando Troveja”. O que vale por dizer que, em termos de
recepção, se tivesse criado um efeito de contemporaneidade entre
os filmes de um e de outros, e a “descoberta” de Mozos fosse, de facto,
simultânea à descoberta de Gomes, Sandro Aguilar, João Nicolau...
Fazer cinema em Portugal já é difícil mesmo sem ter em conta
a indiferença do público, as eventuais injustiças da crítica e a
hostilidade de “opinion makers” enfatuados. O percurso de Mozos
faz dele um “sobrevivente”, e um exemplo vivo de obstinação
perante as dificuldades, um exemplo de “resiliência” - e isto é algo
que os mais jovens vêem e admiram nele. Por outro lado, pelos seus
filmes passa ainda a sombra de um cinema português (o dos
anos 80) que viveu - visto de hoje, com inusitada felicidade
- a encruzilhada entre a afirmação de uma identidade e a
fidelidade “familiar” a toda aquela geração de cineastas
(os do Cinema Novo, os que vieram logo a seguir) que
praticamente construiu a própria noção de “cinema
Comentário português”. O cinema português e a noção de “cinema
português” mudaram na última década e meia, mas ainda
há algo que responde a esse cinema português dos anos
70 e dos anos 80. Quando se vê um filme como “Canção de
Amor e Saúde” percebe-se bem que, sendo já “outra coisa”, é
ainda um filme que tem algo a dever (e que sabe que tem algo
a dever) a João César Monteiro. Os “filhos” já não serão “filhos”
mas reconhecem os “pais”, e mesmo que seja para partir para outros
territórios esse reconhecimento mais ou menos próximo, mais ou
menos remoto, ainda está nos filmes. Nessa medida a presença
de Mozos no cinema português actual tem uma função simbólica
crucial: ele é uma testemunha de algo que deixou de ser o que
noutro tempo foi, mas que desse tempo traz ainda alguma coisa para
transmitir e para depositar junto dos que vieram - dos que nasceram
- depois dele. Alguém dirá que “Ruínas”, obra sobre lugares
abandonados e memórias adormecidas, não é justamente um filme
sobre isto mesmo?
10 • Sexta-feira 2 Abril 2010 • Ípsilon

Canções, amor
e fantasia
A acompanhar a exibição de “Ruínas”, de Mozos está “Canção de Amor
e Saúde”, de João Nicolau. É mais uma produção O Som e a Fúria: filmes
marcados por um fantasioso imaginário que irrompe pelo quotidiano dos
protagonistas. Sem aviso nem fricção. Francisco Valente
MIGUEL MANSO
Em “Canção de Amor e Saúde”,
João Nicolau filma o músico
Norberto Lobo como
empregado de uma loja de
chaves num centro comercial.
Os seus dias dividem-se entre
a procura de um novo amor e a
tentativa de compreensão do
seu mistério
Na sua primeira obra, “Rapace”
(2006) – Grande Prémio do 14º Festival
de Vila do Conde –, João Nicolau
mostrava-nos um recém-licenciado
com pouca vontade de enfrentar as
responsabilidades. O filme passava-se
no bairro de Telheiras, em Lisboa, e
a personagem preferia refugiar-se em
códigos de fantasia e comunicação
nos seus encontros. Nos locais que
filmou, entre a casa e a rua, Nicolau
abria portas para a intervenção do
imaginário no quotidiano do protagonista,
juntando, por vezes no mesmo
plano, elementos realistas a uma
fantasia regressiva, infantil.
Na nova curta, “Canção de Amor e
Saúde”, que acompanha a exibição
de “Ruínas”, Nicolau passa a uma nova
cidade: Porto. Aí, Norberto Lobo
(músico e amigo do realizador) é João,
empregado de uma loja de chaves
num centro comercial. Os seus dias,
temperados pela realidade de um espaço
comercial vazio no centro da
cidade, acabam por se dividir entre a
procura de um novo amor e a tentativa
de compreensão do seu mistério.
Após alguns encontros (reais ou sonhados),
João conhecerá Marta do
Monte, que lhe entregará a chave que
irá abrir a porta do seu imaginário.
Ao contrário de “Rapace”, em que
a personagem tenta fugir a regras de
um comportamento adulto, João Nicolau
concentrou-se, em “Canção de
“A música é
a associação
de acontecimentos
sonoros no tempo
e é também utilizada
em ‘Canção de Amor
e Saúde’ de maneiras
diversas, para
o tempo correr mais
rápido ou para
se criar uma bolha,
como na sequência
vermelha do filme,
que o dilata”
João Nicolau
Amor e Saúde”, na passagem da inocência
para a assunção dos sentimentos
e, porventura, na possibilidade de
uma vida adulta.
“‘Rapace’ é um filme fundado na
impossibilidade do encontro amoroso.
‘Canção de Amor e Saúde’ é o contrário:
acaba com um beijo. O João é
um jovem que já trabalha. E, no entanto,
há sempre um reduto de inocência,
que depois possibilita o amor.
O Hugo, no ‘Rapace’, acabou os estudos,
está num momento de pausa.
Mas é curioso ver que esses redutos
mais íntimos não têm a ver com o
amor ou com o trabalho, mas com
resignação ou, outras vezes, com o
querer romper com o mundo que nos
rodeia. O que me interessa é o momento
em que isso pode ser transformado”.
Em “Canção de Amor e Saúde” essa
transformação surge quando João
abre a porta da loja com a chave de
Marta do Monte. No plano seguinte,
os dois encontram-se num jardim, um
local aberto para viverem dentro de
uma fábula. Algo só possível graças à
fantasia que o cinema de Nicolau concede
aos seus lugares, num jogo permanente
entre o físico filmado e o
imaginário que este sugere.
Ípsilon • Sexta-feira 2 Abril 2010 • 11

“Quando faço esses planos em que
vejo o Norberto a entrar na cave do
pai, e quando a Marta lhe dá a chave
e eles passam para o jardim, o que me
interessou, também, foi tirar o lado
metafórico. Ali, há o lado físico, são
mesmo portas que se abrem. É por
isso que os ‘décors’ são tão importantes:
conferem essa materialidade que
não está nas personagens, que são
quase seres fantasiosos”.
O jardim é o da Fundação de Serralves
(“se pudesse, filmava um filme
só com pássaros”), onde as personagens
de repente falam uma nova língua:
o francês. “Uma semana antes
da rodagem, o Canal+ comunicou que
para apoiar o filme ele teria de ser
falado, em 50 por cento, em francês.
Essa dificuldade acabou por jogar melhor
com o tempo dos planos, e com
a lógica de mudança de décor, de língua
e de relação”.
Méliès e Lumière
A quebra das normas nos filmes de
João Nicolau (com uma primeira longa,
“A Espada e a Rosa”, para breve),
tanto em termos espaciais como narrativos,
é uma das marcas mais importantes
de um conjunto de filmes
Há sempre um
lado infantil em cada
espectador quando
se deixa levar pelo
filme. Isso sempre fez
parte do imaginário
cinematográfico”
Bruno Lourenço
Grande parte de “Tony” , de
Bruno Lourenço, é passado
num clube onde imitadores de
figuras conhecidas da música
portuguesa se juntam para
recriarem as interpretações
das vidas com que sonham.
que têm chegado ao cinema português:
marcados por um fantasioso
imaginário, que irrompe pelo quotidiano
dos protagonistas sem aviso
nem fricção, pontuados por uma liberdade
musical e um interesse pelas
possibilidades da sua representação.
E há colaborações recorrentes entre
colegas. Miguel Gomes, realizador
de “A Cara que Mereces” (2004) e
“Aquele Querido Mês de Agosto”
(2009), tem contado com João Nicolau
para vários papéis nos seus filmes.
Na curta de Gomes “Cântico das Criaturas”
(2006), Nicolau foi actor e
montador, tendo mais tarde sido actor
em “A Cara que Mereces”, onde
as personagens cantam sem aviso e
recusam viver segundo a realidade da
vida adulta. Participam em jogos tirados
da infância, testando até que ponto
poderão continuar a viver na fábula
que criaram. O cinema, aqui, surge
ainda como plataforma privilegiada
para o imaginário.
“O cinema serve para isso”, diz Miguel
Gomes. “Esta dupla vertente do
Méliès e do Lumière, uma que tem a
ver com o registo do real e outra que
tem a ver com a criação de mundos
paralelos ao nosso, está na origem do
cinema desde o início”.
“Aos doze anos”, continua, “li ‘As
Mil e Uma Noites’, um livro sobre a
necessidade e o prazer de escutar histórias,
onde fazê-lo é literalmente
questão de vida ou de morte. Dentro
de uma história vem outra, e dentro
dessa história vem outra, até à vertigem...
O cinema, para mim, vem também
das ‘Mil e Uma Noites’. Tem essa
possibilidade de conseguirmos voltar
a olhar para o mundo de maneira
mais livre: há um lado libertário, a
evocação da infância serve para isso,
para as coisas poderem voltar a ser
possíveis. Existe uma ligação muito
forte entre sonho, infância e cinema,
as regras são muito mais flexíveis e
livres do que no universo normativo
onde vivemos”.
Bruno Lourenço, assistente de
realização nos filmes de Miguel Gomes
(conheceram-se na mesma turma
da escola de cinema), lançou recentemente
“Tony” nas salas, a sua primeira
curta (onde João Nicolau também
participa como actor). É centrada
num jovem que imita o seu ídolo,
o cantor Tony de Matos, e o realizador
sublinha a importância da infância no
filme: “Mas tudo isso tem a ver com
o cinema, é como ir ver um filme. Há
sempre um lado infantil em cada espectador
quando se deixa levar pelo
filme. Isso sempre fez parte do imaginário
cinematográfico”.
Quem canta,
os males espanta
Grande parte de “Tony” é passado
nesse clube onde imitadores de figuras
conhecidas da música portuguesa
se juntam para recriarem as interpretações
das vidas com que sonham.
“Aquele Querido Mês de Agosto”, de
Miguel Gomes, oferecia um regresso
a um local de férias, em Arganil, para
o retrato de uma paixão adolescente
de Verão no cenário musical e festivo
dos verdadeiros habitantes da região
PEDRO CUNHA
12 • Sexta-feira 2 Abril 2010 • Ípsilon

onde o filme foi rodado. Em cada palco
os músicos dão aos espectadores
e a quem os filma a interpretação dos
seus sentimentos e das histórias de
amor criadas nesse local.
“A primeira ideia para o filme foi
tentar construir um melodrama a partir
daquele universo musical físico,
das festas de aldeia com aquelas canções”,
diz Gomes. Como quem chega
a um novo local e observa a realidade
por entre as notas escritas pelos protagonistas,
tirando daí o seu cinema.
A canção surge, então, como uma
oportunidade, um lugar onde as personagens
podem partilhar o que sentem.
“Isso vem do meu gosto pela
música, de sentir que faz parte da minha
vida escutar canções e de achar
que há espaço para isso no cinema”.
Interessa-lhe “perceber até que ponto
uma canção consegue sintetizar o
universo mental e emocional de uma
personagem num momento”.
Para João Nicolau, o cinema e a música
estão também próximos na sua
vida. Nicolau integra o grupo München,
a banda escreve os momentos
musicais dos seus filmes. “Numa lógica
de prazer que procuro manter
para orientar a minha actividade,
aquilo que gosto de ver num filme é
a experiência do tempo. A música é
a associação de acontecimentos sonoros
no tempo e é também utilizada
em ‘Canção de Amor e Saúde’ de maneiras
diversas, para o tempo correr
mais rápido ou para se criar uma bolha,
como na sequência vermelha do
filme, que o dilata”.
“Há um momento no ‘Cara que Mereces”,
diz, por seu lado, Miguel Gomes,
“em que as personagens começam
a entoar a melodia de uma canção
que se ouve num filme, ‘Rio
Bravo’ [Howard Hawks]. É o momento
em que decidem tomar uma série
de soporíferos e entrar para dentro
de um quarto onde vive um monstro.
A canção surge no ‘Rio Bravo’ no momento
em que os protagonistas se
metem na prisão com o bandido e
esperam que, a qualquer momento,
entre o gangue dele para os matar a
todos. E cantam para não ter medo,
tal como as minhas personagens cantam
para não ter medo”.
Recordações de João César
A liberdade destes filmes traz recordações
do cinema português: personagens
que recusam a responsabilidade
das normas, preferindo o mundo
fantasioso que os protege. São
recordações de uma casa de outras
cores, recordações de João César
Monteiro.
De todos, João Nicolau é aquele a
quem tem sido detectada uma colagem
mais forte ao cineasta. Foi o montador
de “Vai-e-Vem” (2003), último
filme de Monteiro, e trabalhou, dois
anos depois, na organização do catálogo
dedica do ao realizador editado
pela Cinemateca Portuguesa. Reconhece
a importância de Monteiro no
seu percurso, sem ver, contudo, uma
herança: “Muitas vezes sou apresentado
como discípulo, o que não faz
sentido. Claro que é um realizador
importantíssimo. É alguém que nos
diz muito pela liberdade que trouxe
aos filmes. No meu caso pelos diálogos,
no caso do Miguel [Gomes] pelo
olhar mais documental”.
Miguel Gomes salienta a importância
de “Recordações da Casa Amarela”
(1989): “A minha relação com o
cinema português passou muito por
esse filme, que vi quando tinha 16 ou
17 anos, e que me impressionou pelo
facto de se perceber que era possível
filmar Lisboa, a minha cidade, daquela
maneira, que era possível articular
um filme com aquela liberdade. Foi
marcante”.
Talvez a homenagem mais directa
“Esta dupla vertente
do Méliès e do
Lumière, uma que
tem a ver com
o registo do real
e outra que tem a ver
com a criação
de mundos paralelos
ao nosso, está
na origem do cinema
desde o início”
Miguel Gomes
esteja em “Tony” de Bruno Lourenço:
o plano final evoca o plano de abertura
desse filme de Monteiro, com a
entrada na Lisboa de Alfama pelas
águas do Tejo. Bruno Lourenço confirma:
“Sinto Lisboa ali, no plano do
barco. É uma homenagem ao Tony de
Matos, por causa daquela música maravilhosa
de que gosto muito, e ao
César Monteiro, a pessoa que melhor
filmou Lisboa”.
No entanto, dizem todos, trata-se
menos de um legado, do que de manter
um olhar atento ao que os rodeia.
João Nicolau: “Há outros realizadores
contemporâneos do João César Monteiro,
o Luc Moullet, o [Otar] Iosseliani,
o [Aki] Kaurismäki, que recusam
e ao mesmo tempo interagem com o
que os rodeia; o próprio Godard. Esta
relação de estar ou não estar com
o mundo é necessária à construção
de um filme: esse desfasamento, esse
lado fora da lei, é o que faz existir uma
tensão qualquer sobre a personagem
no filme”.
PEDRO VILELA
Na curta de Miguel Gomes
“Cântico das Criaturas” (2006-
em baixo) João Nicolau foi
actor e montador, tendo mais
tarde sido actor em “A Cara
que Mereces”, onde as
personagens cantam sem
aviso e recusam viver segundo
a realidade da vida adulta (ao
lado, a curta “Inventário de
Natal”)
Que lugar para uma geração
E todos estes filmes se juntam ainda
num ponto: são produzidos pela O
Som e a Fúria, produtora criada em
1998 e gerida por Luís Urbano e Sandro
Aguilar. “Há uma série de comunicações
e colaborações de trabalho”,
reconhece Sandro, também realizador.
“Nunca houve um espírito de
movimento, cada um é muito individualista
e quer o seu próprio universo.
Os filmes são muito diferentes. Ao
mesmo tempo, há quem diga que se
reconhece o que sai de O Som e a Fúria.
Isso não tem a ver com a especificidade
da linguagem, tem a ver com
um mesmo desejo de afirmar um universo
individual e procurar que os
filmes traduzam uma forma de ver o
cinema. O que há de comum é que
raramente são filmes de rotina”.
“Todos eles têm uma coisa comum”,
continua Luís Urbano, “uma
lógica de liberdade criativa, que não
é de restrição na produção mas de
parceria, sendo que na maior parte
dos projectos estamos na sua génese,
do início até ao fim”.
Daí a empatia criada no seio deste
grupo, baseada no respeito pela liberdade
criativa de cada um dos intervenientes.
Daí, também, a necessidade
de um pacto entre o espectador e o
imaginário que lhe é oferecido. Nada
de novo no cinema, mas algo muito
discutido actualmente em Portugal.
“Os filmes que fazemos, e é essa a força
do cinema português”, enfatiza
Luís Urbano, “não tentam conduzir
o espectador. Um filme como ‘Rapace’
ou ‘Aquele Querido Mês de Agosto’,
que foi muito bem sucedido comercialmente,
apresentam um imaginário,
um conjunto de imagens e
sons, um esboço de narrativa, mas
procuram estar sempre cheios de espaços
abertos para serem preenchidos
pelo espectador. E neste momento
é muito complicado quando existe
uma cultura audiovisual que tem um
pavor desse espaço vazio”.
Ípsilon • Sexta-feira 2 Abril 2010 • 13

Fontainhas não é palavra para um
americano, apesar de ser um território
familiar em certos circuitos – cinéfilos,
críticos – dos EUA, e de, por estes dias,
aparecer impressa em publicações
como o “New York Times”, a “New
Yorker” ou a “Interview”, a revista
fundada por Andy Warhol.
“Não sei dizê-lo correctamente, por
isso nem vou tentar”, adverte Kim Hendrickson,
produtora de DVDs na Criterion.
Seria de imaginar que alguém
pensasse duas vezes antes de lançar
uma caixa de quatro DVDs com um
título que não consegue pronunciar –
“Letters From Fontainhas” –, mas a
Criterion não é conhecida por escolher
o caminho fácil, e Kim Hendrickson
encontrou alternativas para se referir
à trilogia de filmes de Pedro Costa que
aquela editora acaba de lançar no mercado
norte-americano.
Anunciada em 2008, na sequência
da “descoberta” de Costa nos EUA
(uma retrospectiva da sua filmografia
que entre 2007 e 2008 percorreu as
principais cidades norte-americanas),
a caixa contém os três filmes que o cineasta
português realizou entre 1997
e 2006, “Ossos”, “No Quarto da Vanda”
e “Juventude em Marcha”, em resultado
do seu encontro com o bairro
das Fontainhas, no concelho da Amadora,
e com a sua comunidade maioritariamente
composta por imigrantes
cabo-verdianos. A edição desta trilogia
em DVD é justificadíssima, porque permite
avaliar a evolução do “corpus”
cinematográfico de Costa no interior
da mesma unidade territorial e temática
(e, apetece dizer, ética), e também
porque os dois últimos filmes em particular
são reconhecidos como obras
maiores, de expansão, quer da filmografia
do autor, quer do próprio cinema
contemporâneo “tout court”.
“Estes filmes, nomeadamente ‘No
Quarto da Vanda’ e ‘Juventude em Marcha’”,
resume Kim Hendrickson, “são
os que valeram ao Pedro a atenção de
um público internacional mais vasto,
por causa da sua singular temática e
cenário, mas também por causa das
suas opções estilísticas e estéticas.”
A imprensa americana não está a
reagir como se fosse um pequeno
RICHARD DUMAS
Os americanos aprendem a dizer
Fontainhas
A América está-se nas tintas para os filmes de um cineasta de uma cinematografia periférica e
Portugal é um reduto de cinefilia? Pensem duas vezes: a Criterion acaba de lançar uma caixa
de DVDs com a “trilogia” de Pedro Costa sobre as Fontainhas.. Kathleen Gomes, em Nova Iorque
14 • Sexta-feira 2 Abril 2010 • Ípsilon

Na “New
Yorker”,
Richard Brody
qualificou o
lançamento
dos filmes de
Costa pela
Criterion
como
“histórico”
As curtas
“Tarrafal” e
“The Rabbit
Hunters”
como bónus
da edição da
Criterion
acontecimento: na “New Yorker”, Richard
Brody qualificou o lançamento
dos filmes de Costa pela Criterion como
“histórico”, o que atesta o estatuto
(e a defesa apaixonada) que o realizador
conquistou entre os críticos
americanos, mas também é um elogio
à atitude temerária de uma editora em
apostar num autor que nunca teve
distribuição comercial nas salas de
cinema dos EUA. E reconheça-se: a
Criterion ganhou reputação intocável
graças ao seu catálogo de clássicos do
cinema de autor, filmes que já passaram
há muito o teste do tempo – Bergman,
Fellini, Antonioni, Godard, Truffaut
–, portanto a edição de um cineasta
exigente de uma cinematografia
periférica dificilmente pode ser acusada
de golpe comercial; parece uma
coisa que se volatilizou, em especial
nos agentes de distribuição, exibição
e edição cinematográfica: a boa e velha
cinefilia.
“Ele é um desafio, não é um cineasta
fácil”, admitia Kim Hendrickson em
Novembro de 2008, quando o Ípsilon
visitou pela primeira vez a Criterion
em Nova Iorque, numa altura em que
o trabalho sobre a edição estava numa
fase inicial. “Não temos muitos filmes
desse género no nosso catálogo. Temos
alguns”, dizia, acrescentando, a
título de exemplo, o cineasta experimental
Stan Brakhage. É o tipo de “experiência
cinematográfica”, explica,
que precisa de um contexto para chegar
a grande parte das pessoas. “E nós
temos capacidade para trazer esse
contexto aos filmes dele que mais nin-
guém conseguiu trazer antes.”
No início de Março, regressámos
à Criterion. Apesar de
a
caixa ainda não ter sido lançada
nessa altura, perguntámos
a Hendrickson se já havia
reacções por parte da comunidade
cinéfila sobre a edição dos
filmes de Costa. “Muitas pessoas
reagiram com surpresa. Não no
mau sentido, mas porque já não fazíamos
um projecto como este há
algum tempo, em que apostássemos
tanto num novo cineasta. Outra questão:
ele é adorado pelos críticos e tem
reputação junto da comunidade cinéfila,
mas não há muita gente que o conheça
cá. Espero que isso mude com
esta caixa.”
A melhor do mundo
Hendrickson, que está a trabalhar
nas edições em DVD de “Deserto
Vermelho” de Antonioni, e vários
títulos de Ozu e Kurosawa, explica
como é que surgiu a ideia de editar
Pedro Costa na Criterion. “Temos
imensos amigos no mundo do cinema.
E eles estão constantemente a
enviar-nos sugestões: ‘Deviam fazer
isto, deviam fazer aquilo...’ E nós
valorizamos essas recomendações,
aliás, perguntamos-lhe: quais são os
filmes que devíamos conhecer? É
uma questão com a qual temos de
lidar o tempo todo: se vamos introduzir
uma cinematografia nova, por
exemplo, cineastas brasileiros, por
onde devemos começar? Temos de
fazer algo que não assuste as pessoas
ao ponto de nunca mais quererem
ver outro filme brasileiro e que ao
mesmo tempo seja representativo
de uma história do cinema, de uma
cultura. Esse é o tipo de perguntas
a que temos de responder constantemente.
E por isso pedimos ajuda
a amigos, que nos fornecem todo o
tipo de informações sobre quem são
os realizadores, a quem é que devíamos
estar atentos... No caso do Pedro,
podia mostrar-lhe a quantidade
de mails que recebi de pessoas a dizer:
‘O Pedro vem cá, vais encontrarte
com ele?’ Foi através de abordagens
desse género que consegui, por
fim, ver os filmes dele e começar um
diálogo.”
Os escritórios da Criterion ficam no
quinto andar de um edifício junto a
Union Square. É um “open space” de
150 ou 200 metros quadrados, e com
divisórias que separam diferentes zonas
de trabalho – um escritório com
melhores posters na parede (“Eclipse”,
“O Império dos Sentidos”, “Berlin Alexanderplatz”...
com aquela excelência
gráfica a que a Criterion nos habituou
com as capas das suas edições) e cheio
de luz, o que o torna acolhedor.
Do lado direito situam-se as salas
do departamento de controlo de qualidade
e restauro de imagem e de som
– vários cubículos semelhantes a salas
de montagem onde técnicos trabalham
frente a computadores. A Criterion
não aceita cópias de terceiros,
mas reúne os melhores materiais originais
em arquivos, cinematecas americanas
e internacionais e detentores
dos direitos para produzir a sua própria
remasterização digital em alta
definição. No caso de “Ossos”, Costa
trabalhou com um técnico da Tóbis,
Gonçalo Ferreira, em Lisboa, no restauro,
correcção de cor e transferência
digital (dos três filmes, é o único em
película de 35 mm), que depois serviu
de referência para a Criterion, que
criou a sua cópia. Com os outros dois
filmes, esse processo teve lugar em
Burbank, Califórnia, onde Costa trabalhou
com Joe Gawler, “étalonneur”
(técnico de correcção de cor) de Jim
Jarmusch ou Wes Anderson. Costa
nota com ironia que na sala ao lado se
trabalhava em “Avatar”.
É na fase seguinte que os filmes chegam
aos escritórios de Nova Iorque,
onde são submetidos processos de limpeza
de imagem e de som. “Basicamente,
isto é Photoshop em movimento”,
resume Russell Smith, técnico de restauro
de imagem. A sua função é escrutinar
pacientemente, fotograma a
fotograma, e ampliando a imagem, a
qualidade visual da cópia, para reparar
os danos provocados pelo tempo e pelo
uso, e eliminar todo o tipo de “ruído”
visual que se tenha introduzido nos
originais – poeira, cabelos, riscos. Num
filme como “Os Sete Samurais” de Kurosawa
esse processo levou mais de um
mês. No caso de “Deserto Vermelho”,
em curso, Russell diz que consegue
corrigir cinco minutos de filme por dia
e que isso é um ritmo rápido... Noutra
sala, Ryan Hullings, supervisor áudio,
faz o mesmo com o som do filme. “O
nosso processo de restauro é subtractivo:
implica sempre retirar coisas. Não
podemos acrescentar um som fantástico
aos filmes”, ri-se. “O som fantástico
tem de estar lá desde o início, e nós
limitamo-nos a retirar todo o tipo de
distorção sonora – estalos, silvos, esse
género de coisas. A ideia por trás de
todos os nossos restauros é tentar atingir
aquele estado original em que o
realizador proclamou: ‘É assim que eu
quero que o filme soe’.” O objectivo é
não deixar qualquer impressão digital
MARIANA VIEGAS
ou qualquer traço do nosso trabalho,
mas, antes, ser o mais transparente
possível.”
Este rigor, juntamente com a riqueza
e qualidade editorial que a Criterion
costuma incutir nas suas edições –
com uma abordagem aos filmes comparável
à de um “curator”, um programador
ou comissário, que não tem
apenas a preocupação de mostrar um
objecto, mas também ou sobretudo a
de como mostrá-lo, criando um contexto
para a sua recepção – é o que faz
com que seja considerada a melhor
editora de DVDs do mundo. E é uma
prática, diz Kim Hendrickson, que
vem do alto: “A maneira como toda a
gente aqui encara o trabalho é uma
coisa que já vem da atitude do Peter
[Becker] e do John [Jonathan B. Turell,
fundadores da Criterion] para com o
trabalho que fazemos aqui. Se tivermos
um problema num dos nossos
DVDs, eles nunca dirão: ninguém vai
“Já não fazíamos um
projecto como este há
algum tempo, em que
apostássemos tanto
num novo cineasta”
Kim Hendrickson,
produtora de DVDs
na Criterion
notar. Nesse sentido, este sítio é fora
do comum.”
Os extras
O quarto disco de “Letters From Fontainhas”
é composto de suplementos,
como acontece nas edições da Criterion
(o DVD de cada filme também inclui
bónus, nomeadamente, em todos eles,
uma conversa entre Costa e o cineasta
e crítico Jean-Pierre Gorin). Eles incluem
um comentário do crítico francês Cyril
Neyrat e do filósofo Jean Rancière a cenas
de “Juventude em Marcha”, as curtas
“Tarrafal” e “The Rabbit Hunters”,
o documentário de Aurélien Gerbault
sobre Costa e as Fontainhas “Tout Refleurit”,
rodado durante a filmagem e
montagem de “Juventude em Marcha”,
e a instalação “Minino Macho, Minino
Fêmea”, composta por dois ecrãs com
imagens não-editadas de “No Quarto
da Vanda” e “Juventude em Marcha” e
que foi mostrada em vários museus. A
caixa inclui ainda um “booklet” de 46
páginas, com seis ensaios, cinco deles
inéditos (grande parte dos nomes são
reincidentes da monografia “Cem Mil
Cigarros” que Costa publicou no ano
passado em Portugal).
É ao falar dos suplementos que surge
a tal palavra que Kim não consegue
pronunciar. “Era esse mundo [Fontainhas]
– e eu não sei dizê-lo correctamente,
por isso nem sequer vou tentar
– que queríamos apresentar aqui, em
todas as encarnações e possibilidades
que conseguíssemos.”
Enquanto a filmografia de Costa vai
sendo alvo de atenção e edições criteriosas
noutros países – Japão, Espanha,
Reino Unido, EUA, França – em Portugal
“No Quarto da Vanda” e “Juventude
em Marcha” nunca tiveram edição
em DVD.
DVD
As longas
“Ossos”,
“No Quarto
de Vanda”
e “Juventude
em Marcha”, a
“Trilogia das
Fontainhas”
junta
Ípsilon • Sexta-feira 2 Abril 2010 • 15

A capa anuncia “um romance cru e
urbano sobre a droga, a máfia e a justiça
no submundo de Estocolmo”.
Aha, um policial sueco? Jens Lapidus,
o autor de “Easy Money”, diz que não.
“Queria escrever algo que se pudesse
chamar a antítese da novela policial
sueca. Na Europa é um fenómeno novo,
mas na Suécia já tem 20 ou 30
anos. Estava cansado, porque é quase
sempre a mesma coisa. Disse para
mim próprio: vou escrever um livro
que vire isso do avesso”, contou ao
Ípsilon.
O primeiro livro de Lapidus já vendeu
600 mil exemplares na Suécia, já
foi traduzido para várias línguas europeias
– a inglês, no entanto, só chega
no final do ano. “Na Suécia temos
um termo para a literatura policial,
‘deckare’, histórias de detectives, mas
os críticos não chamam isto aos meus
livros. E está correcto, porque pertencem
mais a uma tradição americana”,
afirma.
Certo é que “Easy Money” já se
transformou num filme (sueco), que
estreou há dois meses, em que as três
personagens principais ganharam
corpo na tela: Mrado, o mafioso sérvio
que opera na Suécia caído em desgraça;
J.W., o jovem arrivista, que vem
de uma família humilde mas se fez
amigo de ricos quando veio para Estocolmo
estudar, ocultando as suas
origens, e acabou por se transformar
em traficante de cocaína, a estoirar
de dinheiro; e Jorge, o imigrante chileno
traficante de cocaína, que faz
uma espectacular fuga da prisão. Todos
acabam por convergir por causa
da coca e, vai-se percebendo, estão
unidos pelo desejo de vingança.
Lapidus cumpriu o seu objectivo
de ser o anti-policial nórdico: “Não
ter um polícia, ou um inspector como
personagem principal. Quis fazer o
livro do ponto de vista dos criminosos
e ser autêntico, escrever sobre aquilo
que está a acontecer nas ruas de Estocolmo”,
explicou o autor, numa
passagem por Lisboa para promover
o livro.
“A maioria dos policiais suecos são
acerca de homicídios, mas só acontecem
35 homicídios por ano na Suécia.
O crime não acontece como nos livros”.
Ele sabe, porque é advogado
criminal – trabalha num escritório de
advogados especializado na defesa de
acusados de delitos graves, nada de
crimes de colarinho branco. “Decidi
que ia escrever como realmente acontece.”
Está a contar os seus próprios casos,
Jens Lapidus? “Não. Não posso
16 • Sexta-feira 2 Abril 2010 • Ípsilon
“Não há muitos
escritores na Suécia
que tentem retratar
o mundo do crime.
Na verdade, não
conheço nenhum.
Normalmente,
escrevem sobre
a classe média, sobre
outra parte
da sociedade. Mas eu
escrevo sobre
os marginalizados,
os guetos, os jovens”
A Estocolmo de “Easy Money” é
uma cidade perigosa. O autor
diz que a imagem feita da
Suécia, de um paraíso do Estado
providência, “não é verdade nos
últimos 20 anos, e se calhar
nunca foi verdade”
escrever sobre pessoas reais, nem casos
reais, pelo menos sobre os meus
clientes, não seria ético. Tenho de estabelecer
fronteiras muito claras entre
a minha escrita e o meu trabalho como
advogado. E isso torna-se complicado,
por causa da memória – muitas
vezes não consigo lembrar-me se uma
ideia me veio do trabalho ou não. Mas
sou muito cuidadoso, peço aos meus
colegas para lerem o que escrevo.”
Chama no coração
Os clientes de Jens Lapidus são, sobretudo,
homens jovens. Que crimes
cometeram? “Que a acusação diz que
cometeram”, corrige, zombeteiro, o
advogado de defesa-escritor. “Pode
ser de tudo. Desde uma zaragata num
bar, que não é muito grave, só uns
socos, até tráfico de droga, assaltos a
bancos, qualquer coisa.”
E como é que alguém escolhe defender
estes crimes? “Depende da
pessoa que se é, acho. Antes trabalhava
em direito comercial, é complexo,
intelectualmente estimulante, e muito
bem pago. Já o trabalho de direito
criminal não é bem remunerado, mas
trabalha-se com seres humanos. E
para mim, mudar para direito criminal
teve a ver com...fogo. Precisava
de me sentir arder, sentir que fazia
algo que me despertava uma chama
no coração”, diz, com uma chispa nos
olhos muito azuis.
“Trabalhar em direito comercial é
algo que se faz com o cérebro, enquanto
o direito criminal se faz directamente
com seres humanos, de carne
e osso, trabalha-se com os assassinos
da sociedade. Assegura-se, todos
os dias, o direito a um julgamento justo,
garante-se a aplicação dos direitos
Na pele do
criminos
As ruas de Estocolmo escondem um mundo negro de crime que se esperaria mais ver num
“Easy Money”, um advogado de defesa criminal, diz que quis escrever o

so
DANIEL ROCHA
humanos, que ninguém seja condenado
sendo inocente. Para mim pareceu-me
certo, ainda que não me
tenha parecido bem reduzir o salário
em 50 por cento.”
O trabalho do dia-a-dia, então, é a
sua fonte de inspiração. “Tenho acesso
a material que muito poucos autores
terão, todos os dias leio relatórios
policiais, falo com testemunhas, leio
relatórios laboratoriais – isto são coisas
reais, não estou a falar de CSI na
televisão, é o que faço todos os dias.
É uma grande fonte de inspiração.
Mas o contraponto, claro, é que me
limita.”
Livros
Motas e máfia sérvia
A Estocolmo de “Easy Money” é uma
cidade surpreendentemente perigosa,
com tantos pobres escondidos sob
o brilho da superfície que enoja. É
mesmo assim tão feia a capital sueca,
se a desembrulharmos como um rebuçado?
“Isso tem muito a ver com a
imagem feita da Suécia, que é muito
romanceada, de um paraíso do Estado
providência, sem pessoas pobres,
muito seguro”, responde Lapidus.
“Não é verdade nos últimos 20 anos,
e se calhar nunca foi verdade. Estocolmo
é como as outras grandes cidades
europeias, tem bastante crime, e
tem crime organizado”.
O que ele descreve é um submundo
de crime organizado, em que a máfia
jugoslava (sérvia) é uma força importante,
dominada por homens ligados
aos Tigres de Arkan, que lançaram o
terror na guerra da ex-Jugoslávia, nos
anos 1990, e continuam ainda hoje a
dominar redes de tráfico de mulheres
para prostituição, tabaco, álcool e
droga. Mas há ainda os gangues de
motoqueiros, os Hell’s Angels e os
Bandidos, que não são apenas pacíficos
apreciadores de motas: tornaramse
forças importantes de tráfico de
droga, extorsão e outras actividades
criminais na Escandinávia. Nos anos
1990, uma guerra entre eles travou-se
com rockets, granadas e armas antitanque,
fazendo várias vítimas mortais
– não foi, decididamente, uma
brincadeira de vikings montados em
motocicletas.
“Os gangs de motoqueiros foram
importados do EUA, via Alemanha,
Dinamarca e Europa Central, há cerca
de 15 anos, e representam uma
percentagem importante do crime
organizado. Os gangs de prisão, outro
fenómeno americano, também estão
a crescer, e funcionam fora das prisões.
Os grupos étnicos também se
organizam para cometer crimes [como
o gang de Naser, albanês, e os Original
Gangsters, de base síria, mas
juntando outras etnias, incluindo latinos
e nórdicos]. A máfia jugoslava é
um problema relativo, não é como a
máfia italiana, com acesso aos políticos
e à polícia. Mas é crime organizado.
Isto começou a acontecer durante
os anos 90, antes não existia crime
organizado na Suécia”, explica Lapidus.
“Mas a Suécia é ainda um bom sítio
para se viver, comparando com a Rússia,
ou outros países, há menos corrupção,
menos crime. Mas há crime,
e eu descrevo-o”, afirma. Só que o faz
de uma forma diferente dos outros
escritores: põe-se na pele dos criminosos.
“Não há muitos escritores na
Suécia que tentem retratar o mundo
do crime. Na verdade, não conheço
nenhum. Normalmente, escrevem
sobre a classe média, sobre outra parte
da sociedade. Mas eu escrevo sobre
os marginalizados, os guetos, os jovens.”
Os clientes do advogado sabem que
ele é também escritor? “Claro. Toda
a Suécia me conhece.” E confiam nele?
“Penso que a maioria dos meus
clientes considera que compreendo
a forma como vivem e como vêem o
mundo, e confiam mais em mim.”
Agora que começou a retratar o
submundo de Estocolmo, que parece
fasciná-lo esta capacidade de relatar,
ficcionando – já está a escrever o terceiro
livro desta trilogia, aliás passou
por Lisboa a caminho de Paris, onde
ia fazer trabalho de campo para o terceiro
volume, o que vem a seguir?
“Para ser honesto, não disse que ia
necessariamente escrever uma trilogia,
disse que ia escrever mais do que
um livro, talvez três, ou quatro, a editora
é que pensou numa trilogia. Mas
para mim o importante é descrever
esta arena que é Estocolmo: a cidade
é como um círculo e eu descrevo uma
fatia. Senti que precisava de mais do
que um livro para terminar este trabalho.
Mas tenho muito medo de ficar
preso neste esquema tradicional do
policial escandinavo, de ficar preso
na mesma personagem. Para mim
escrever é expandir as fronteiras do
que pode ser boa ficção, experimentar.
Depois do meu segundo livro fiz
uma novela gráfica, foi a primeira vez
que se fez algo assim na Suécia. É uma
maneira de fazer algo novo, mudar a
forma das pessoas lerem novelas de
crime”, sublinha.
“Sabe, eu aborreço-me facilmente.
Tenho de encontrar novas formas de
me expressar.”
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anti-policial sueco. Clara Barata
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Ípsilon • Sexta-feira 2 Abril 2010 • 17

Manuel Alegre
soltou a memória
e o livro fez-se
O regresso de Manuel Alegre à prosa, com “O Miúdo Que Pregava Pregos Numa Tábua”, faz-se
com uma escrita que puxa pela memória – e a memória puxa pela palavra. Isabel Coutinho
Quando Manuel Alegre escrevia “O
Miúdo Que Pregava Pregos Numa Tábua”,
um amigo perguntou-lhe se era
uma história. Na altura não soube
responder-lhe. Agora já sabe. É isso
que conta ao Ípsilon, numa poltrona
da sala de sua casa, em Lisboa. A pergunta
foi feita pelo editor João Rodrigues,
num jantar no Algarve. “Matutei,
reli algumas coisas e achei que
sim.” Esta é a história de um miúdo
que pregava pregos numa tábua e depois
começou a contar as sílabas pelos
dedos. “A pergunta foi boa, porque
resolveu um problema que tinha comigo
e com este livro, feito de vários
fragmentos que têm uma certa coerência
interna.”
Trata-se, aqui, de uma escrita sobre
a escrita. “No fundo, é uma escrita
que puxa pela memória. A palavra
puxa palavra, a memória puxa palavra.
É uma escrita sobre o processo
que leva à escrita, sobre os muitos
ritmos do mundo que fazem parte do
meu ritmo de escrita, na poesia e na
prosa”, explica o autor de “Trova do
vento que passa”.
Por impulso
Esta novela começou mesmo pelo
princípio e por aquelas que são as suas
primeiras frases: “É difícil escrever
um livro. Não se sabe por onde começar
nem por onde seguir.” No processo
de criação de Alegre, um livro começa
sempre por uma cadência (mesmo
a prosa tem um ritmo próprio).
“Não escrevo de maneira programada,
escrevo por impulso e, às vezes,
das maneiras mais inesperadas. Começa
pela cadência e por uma frase”,
explica. E depois soltou a caneta, soltou
a memória e o livro fez-se.
Na escrita, tal como na vida, diz,
“anda-se para a frente, anda-se para
trás, escreve-se em ziguezague”. E,
sobretudo, “a memória anda muito
aos saltos. Há grandes buracos negros
na memória. É muito selectiva”. Apesar
disso, neste processo, que para
Alegre está muito próximo do processo
da escrita poética, despertam-se
coisas adormecidas. “Às vezes, já não
sabemos se aquilo é realidade ou se
é ficção. Ou onde acaba uma coisa e
começa a outra.”
No entanto, o livro começa com a
memória mais antiga que Alegre tem
de si mesmo: a de estar sentado num
pátio, a pregar pregos numa tábua.
“De certa maneira todos os livros começam
por aí, pela primeira memória
que se tem. Depois há as histórias que
nos contam e que nós contamos a nós
próprios. Há coisas que não tenho a
certeza de se terem passado exactamente
assim: se as sonhei ou imaginei.
Nem isso é importante.” Por isso,
“O Miúdo Que Pregava Pregos Numa
Tábua” (ed. Dom Quixote) não é uma
autobiografia, nem uma biografia,
nem historiografia. Mas tem muito da
vivência do poeta.
Aliás, o escritor já tinha contado
muitas das histórias deste livro. Mas
tinha-as contado de outra maneira.
“Não as tinha contado bem assim,
nem eram bem as mesmas histórias.
O clima, a vivência, a infância, não
propriamente as histórias.”
Por isso não só lhe deu prazer escrever
este livro, como tinha necessidade
de o fazer. Para que as coisas
não se percam? “Ou para que eu não
as perdesse para mim mesmo, para
as transmitir a alguém”, talvez aos
netos que acabam por aparecer em
vários capítulos da história. Manuel
Alegre quis também perceber por que
escreve assim, por que é que certas
coisas o marcaram e de onde é que
vem a sonoridade, a estrutura rítmica
que sempre marcou a sua poesia.
Lembrou-se do pai a cantar fado, voz
bonita e rouca; da tia-avó que lhe revelou
a poesia; outra vez do pai, que
lhe lia Camões, mas também António
Nobre; das lengalengas que as criadas
lhe contavam. E descobriu que sem
tudo isso não escrevia como escreve.
Ou nem escreveria. Lembrou-se da
rua da sua infância e do que por lá se
passava. Do circo que um dia se foi
embora, dos ciganos com quem co-
“Todos os livros
começam pela
primeira memória
que se tem. Depois há
as histórias que nos
contam e que
contamos a nós
próprios. Há coisas
que não tenho
a certeza de se terem
passado assim: se as
sonhei ou imaginei”
mia ouriços, das idas à pesca, dos robalos,
do rio, das feiras.
“Naquela altura, numa vila quase
aldeia, em Águeda, naquela rua com
muitos ofícios (o marceneiro, o sapateiro,
a padeira) havia também os cegos
que cantavam ‘rimances’ que distribuíam
em folhas. Tudo isso ficava: a toada,
as histórias das pessoas da terra, as
criadas que contavam histórias de feiticeiras,
de bruxas, de lobisomens. A
história da Carmencita, a cigana mais
bonita que havia na caravana, ouvia-a
ali, na rua, antes de se ter transformado
num fado cantado.”
Os tambores cá dentro
Aos sábados, em Águeda, havia uma
feira que “parecia saída de um poema
de António Nobre”, onde mendigos
e doentes expunham as suas chagas.
“Gente muito pobre, descalça, vendedores
de banha da cobra que também
tinham a sua toada e muitos cantadores.
Traziam os seus ‘rimances’
e histórias, às vezes de factos acontecidos,
mortes matadas. Tudo isso fica
a fazer parte de nós. São a música da
língua e fazem parte da nossa estrutura
rítmica dentro dessa música da
língua. Isso marcou-me muito: a sonoridade.”
De tal maneira que, quando começou
a fazer versos, Alegre tinha necessidade
de os ler imediatamente a
alguém. Se não houvesse ninguém,
lia-os em voz alta, e fez isso mesmo
quando estava na prisão.
“Escrevi alguns poemas da ‘Praça
da Canção’ [1965] na prisão, sem papel,
e dizia-os em voz alta. Mesmo
depois quando tinha papel, ia lá o Pide
ver o que se passava e estava eu a
dizer os poemas em voz alta. Isso depois
passou-me.” Porquê? Consequência
da maturidade? “Não sei,
talvez venha de uma maior confiança
na escrita. Talvez eu murmure aquilo
silenciosamente para mim mesmo”,
diz o poeta que contava as sílabas pelos
dedos. “Tenho realmente a coisa
dos dedos, mas a Sophia [de Mello
Breyner]} também tinha e outros que
eu conheço também têm. Não quer
dizer que se esteja a marcar o compasso
das sete sílabas. São os tambores,
os tambores cá dentro.”
Mas, a determinada altura da sua
vida, este miúdo perdeu o ritmo. “Numa
fase inicial, fazia uns poemas horríveis
mas que tinham ritmo, tinham
essa toada das coisas de que falámos.
Depois comecei a ler Rilke, Pessoa, os
poetas modernos. Ficou uma grande
salgalhada dentro de mim e aconteceu-me
como ao violino do João, foise
o ritmo, foi-se a toada. Não tinha o
meu próprio ritmo. Levou o seu tempo
até que um dia me aparecesse um
verso que sentisse que era meu, que
era novo. Por acaso lembro-me desse
verso mas não digo. É segredo”, ri-se.
Não quer mesmo deixar uma pista aos
estudiosos da sua obra? “Aparece
num grupo de cinco poemas meus
que foram publicados na revista Via
Latina.”
A intervenção na História
A verdade é que já não há muitos interlocutores
com quem pode conversar
sobre estas coisas. As pessoas vão desaparecendo.
“Morreram os amigos, morreram
os pais, morreu a tia, morreram
as criadas, toda essa gente. Já não há
muito com quem relembrar esses episódios
e essas vivências. Mesmo às vezes
quando conto certas histórias, os meus
filhos já as sabem... Então há uma vontade
de as contar de outra maneira.
Contá-las a mim mesmo e contá-las aos
outros, escrevendo-as.”
A determinada altura deste livro
Alegre conta o seu encontro surrealista
em Paris com Daniel Cohn-Bendit,
fala de Che Guevara que conheceu
em Argel e de “ter vivido na ilusão de
que a intervenção na História poderia
ser uma forma de poema em acto”.
Esses tempos de utopia foram uma
desilusão? “Não, não é isso. Naquela
altura toda a gente estava convencida
de que ia mudar o mundo. Cada um
ia fazer a revolução mais perfeita que
as outras. Era um período de utopia.
Existiam os Beatles, os hippies, os
guerrilheiros. Toda a gente tinha a
nostalgia da guerrilha da Bolívia ou
de outra parte do mundo. Se não se
fazia na Bolívia, fazia-se dentro de si
mesmo, no Quartier Latin ou num
café de Argel. Tínhamos a sensação
ou a ilusão de que estávamos a mudar
a História. Bem, alguns de nós – os
portugueses, os angolanos, os caboverdianos,
os moçambicanos – acabamos
mesmo por contribuir para
mudar a História. Não há dúvida. Mas
não propriamente naquela perspectiva
– e aí é que está a ilusão lírica da
utopia – de acreditarmos que finalmente
iríamos fazer a revolução que
nem russos, cubanos ou chineses foram
capazes de fazer. Não foi
assim por causa das lógicas
da Guerra Fria, mas
fizemos o essencial:
a liberdade,
a paz, a independência das colónias
portuguesas.”
Em tempos, escreveu uma crónica
em que dizia “Portugal é difícil, é difícil
ser português.” E a identidade de
Portugal está presente neste livro, um
Portugal tradicional, do fado, dos touros.
Mas quando se pensa na Esquerda
não se pensa habitualmente nesse
país... “A minha Esquerda, a da minha
geração, pensava. Está na música do
Carlos Paredes, no Zeca Afonso, nas
canções do Adriano também. Pensava
por oposição até à mitificação que
o Salazar fez e à maneira como o salazarismo
se apropriou e deformou
alguns dos mitos fundadores. Acredito
que um dos segredos do êxito de
‘A Praça da Canção’ é a estrutura rítmica
dos poemas, as trovas, e o ter
virado esses mitos do avesso.”
Repete ao longo do livro a ideia de
que a poesia está aquém e além da
literatura. Fala também de uma certa
literatice? “Eram os movimentos literários,
os compadrios literários, as
revistas literárias. Para nós, a poesia
era algo mais mágico, mais sagrado.
Talvez fosse – como dizer? – uma atitude
arrogante ou sobranceira em
relação a outros poetas, mas acontece
em todas as jovens gerações.”
Mesmo depois de crescido, o miúdo
que pregava pregos numa tábua
está convencido de que a poesia é um
processo mágico.
Ver crítica de livros págs. 36 e segs
18 • Sexta-feira 2 Abril 2010 • Ípsilon

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Ípsilon • Sexta-feira 2 Abril 2010 • 19

Chegou a hora
da estrela para
Clarice
Lispector
Benjamin Moser passou cinco anos a investigar
a biografia de Clarice Lispector. Da Ucrânica ao Brasil,
passando pela Suíça e EUA, traçou a geografia
da enigmática escritora de nome estrangeiro que
mudou a literatura brasileira. “Why this World” foi um
sucesso no Brasil, acompanhando o “boom”
de publicações sobre Lispector. Chega a Portugal
em Setembro. Raquel Ribeiro
Quando Benjamin Moser, 33 anos,
autor americano da primeira biografia
em inglês sobre a escritora brasileira
Clarice Lispector, ligou para a
companhia KLM na madrugada do
início do Festival Literário de Paraty
de 2005, sabia que estava a cometer
uma loucura. “‘Tem um voo para São
Paulo ainda hoje?’ Nunca tinha feito
uma coisa dessas. Comprei a passagem
e às onze da manhã estava a embarcar”,
explicou Moser ao Ípsilon,
num português com sotaque brasileiro
nordestino, numa entrevista telefónica
a partir da sua casa no Utrecht,
na Holanda.
O impulso foi desencadeado quando,
no seu jardim, contava a um amigo
quem era aquela figura, Clarice
Lispector, que o “tinha pegado, como
muito poucas coisas na vida”, era ainda
estudante na Brown University,
EUA. “Vivia com isso na cabeça: um
dia quero fazer algo com ela, trazê-la,
explicá-la para o mundo. Mas também
queria entendê-la eu próprio”, explica.
Naquele Julho, o Festival de Paraty
homenageava Clarice e o amigo
perguntou-lhe: “O que está fazendo
aqui, na Holanda? Você tem é que estar
lá, com todos os especialistas.
Nunca vai haver tanta gente empolgada
assim.”
Foram cinco anos de pesquisa para
publicar “Why This World”, biografia
de 400 páginas que saiu em 2009 nos
EUA (Oxford University Press). Após
a tradução brasileira, a Civilização vai
publicar a edição portuguesa em Setembro.
A biografia era a melhor maneira
de dar a ver “Clarice como uma
coisa toda e não um pedaço: você lê
os livros dela, lê a crítica, mas é sempre
um lado”, diz Moser.
Não foi fácil compor o puzzle da
enigmática escritora de nome estrangeiro
– Lispector –, uma das maiores
da língua portuguesa do século XX.
Moser começa a biografia com a visita
de Clarice ao Egipto e com uma
carta sua sobre a esfinge: “Não a decifrei.
Mas ela também não me decifrou.”
O mito vive aí, nessa bela figura
esfíngica que “veio de um mistério”
(escreveu Carlos Drummond de Andrade).
Ela era “estrangeira na terra”,
e essa condição nunca a largou – o
nome estranho, o sotaque esquisito,
a linguagem fragmentada, inovadora,
difícil.
Porquê este mundo
Nascida em Tchechelnik, na Ucrânica,
em Dezembro de 1920, Chaya Pinkhasovna
Lispector, Clarice, é a mais nova
de três irmãs, de uma família judaica
que fugiu para o Brasil em 1921
na sequência das perseguições antisemitas
na guerra civil russa. A família
chegou ao nordeste brasileiro onde
adoptou nomes portugueses, e fixouse
no Recife. Aí Clarice passou a infância
e adolescência.
Do Recife ao Rio, estuda Direito,
torna-se jornalista, casa com um diplomata.
Segue-se Belém (do Pará),
Nápoles, Berna, Torquay (Reino Unido),
Washington, até regressar ao Rio,
onde morre em 1977, de cancro. De
“Perto do Coração Selvagem” (1943)
a “A Hora da Estrela” (1977), a vida
confunde-se com a obra.
A biografia de Moser estabelece esse
diálogo entre a vida e a obra da
escritora, na procura de “ir dentro, ir
ao âmago que não é só fazer literatura:
é ser assim”, explica Carlos Mendes
de Sousa, especialista em Lispector,
professor de literatura brasileira
na Universidade do Minho. Moser tentou
decifrar essa busca incessante:
“Sei que me encontrei diante de um
dos grandes assuntos da cultura humana,
perguntas sobre o que fazemos
nesse mundo, porque estamos aqui,
porque vamos morrer. Coisas que
nunca tinha visto pensadas de maneira
tão profunda.”
Daí o título, “Why this World”, que
vem de uma citação de Lispector: “É
que eu fui uma adolescente confusa
e perplexa que tinha uma pergunta
muda e intensa: ‘como é o mundo? E
por que esse mundo?’”
Para pintar o retrato desta “mulher
insolúvel” (disse o jornalista brasileiro
Paulo Francis), Moser traçou a geografia
dos lugares de Clarice. Foi à
Ucrânia? “Fui.” E aos lugares onde
Clarice viveu? “Claro.” Isto foi quase
uma volta ao mundo.
“Boom” de publicações
Esta biografia vem no momento em
que os brasileiros andam “doidos por
Clarice”, que se reflecte no “boom”
de publicações sobre a autora nos últimos
anos. Em 2007, saiu “Clarice
Lispector – Entrevistas” (Rocco), compilação
das entrevistas da autora a
personalidades brasileiras, por Claire
Williams, investigadora em Oxford;
“Minhas Queridas” (Rocco, 2007),
cartas inéditas da escritora às irmãs;
“Só para Mulheres” (Rocco, 2008),
colectânea de crónicas femininas;
“Clarice na Cabeceira” (2009), contos
escolhidos por personalidades; “Clarice
Lispector, Fotobiografia” (2009),
por Nádia Gotlib; e o documentário
“De Corpo Inteiro” (2009), realizado
por Nicole Algranti, sobrinha da escritora.
Efemérides vencem-se todos os
anos. Isto, aliado às reedições dos mances e contos, edições limitadas e
ro-
novos grafismos, pode ajudar a explicar
a febre.
“Os livros dela estão à venda no
metrô de São Paulo”, conta Moser.
“Com quatro reais, numa máquina,
você compra um livro dela como
quem compra uma coca-cola.” E não
duvida: “Há um ‘momentum’ à volta
dela. E só vai crescendo. Estamos vivendo
a hora da estrela da Clarice.”
Mendes de Sousa diz que a proliferação
de publicações é “indiscutível”.
Há semanas, regressava do Rio e, no
aeroporto, entre “best-sellers” mun-
Benjamin Moser: foram
cinco anos de pesquisa
para publicar “Why
This World”, biografia
de 400 páginas que
saiu em 2009 nos
EUA
TESSA POSTHUMA DE BOER
diais estavam num escaparate, lado a
lado, a biografia de Benjamin Moser
e “Clarice na cabeceira”. O livro de
Moser, explica, “tem um cunho americano
muito forte, com um grande
trabalho de investigação, intercalando
a biografia com a escrita da Clarice”.
Será importante para “abrir Clarice
para fora de um circuito académico”.
Em vida, Clarice era uma escritora
de culto “num grupo restrito de intelectuais”
brasileiros. Nos anos 80,
com o impulso de Hélène Cixous e
das feministas francesas, passa a pertencer
à “literatura de mulheres”.
Giovanni Ponteiro, professor em Manchester,
tradutor de Saramago, tinha
um projecto para uma biografia que
não chegou a concluir: queria “tirar
Clarice da gaveta das feministas”, conta
Mendes de Sousa.
Moser afirma ter sentido uma gran-
20 • Sexta-feira 2 Abril 2010 • Ípsilon

Tudo nela
era raro,
começando
pelo “nome
estranho e até
desagradável,
pseudónimo
sem dúvida”,
escreveu um
crítico. Foi esse
o jogo
(pertencer,
não-pertencer)
que ela jogou
toda a vida
Livros
de liberdade para contar esta história,
apesar dos rumores de que os herdeiros
de Lispector controlam tudo o que
sai. Moser desmente: “Todo o mundo
me falava isso, mas felizmente esse
problema não apareceu.” Diz que há
“a família” e há Paulo, filho de Lispector,
detentor dos direitos. “Paulo entendeu
desde o início que eu era uma
pessoa muito séria e que estava a fazer
uma coisa que era uma missão de divulgação
muito grande da obra dela
fora do Brasil.”
As suas origens judaicas, por exemplo,
são um dos aspectos mais sublinhados
no livro. “Não havia nada que
Clarice Lispector desejasse mais do
que reescrever a história do seu nascimento”,
escreve Moser. “Sua reputação
é de ter sido um tanto mentirosa.”
Mendes de Sousa admite que
esse mistério “faz parte da complexidade
da figura, esse jogo de revelação
e ocultação” que Clarice alimentava.
Ela foi “sempre muito consciente do
seu papel e dessa encenação”.
Nesse jogo de sombras, a fuga da
Ucrânia é um dos grandes temas da
sua vida. Moser foi a Tchechelnik
comprovar a cena da violação da mãe
de Clarice e uma crença, contada pela
autora, de que a gravidez pode
curar uma mulher de uma doença
venérea. Foi de aldeia em aldeia à procura
da resposta. O estupro era uma
das polémicas que a família não deixaria
passar, mas Paulo Lispector deixou:
“Não houve nada de absolutamente
censurado. Paulo levou bronca
da família porque permitiu que isso
fosse publicado.”
Suspensa numa vírgula
Quando “Perto do Coração Selvagem”
foi publicado em 1943, Lispector iniciava
uma obra “ao contrário do que
FOTOGRAFIAS DE “CLARICE FOTOBIOGRAFIA”, DE NADIA BATTELLA GOTLIB
era a ordem dominante, e nesse sentido,
uma obra desterritorializadora da
tendência da literatura brasileira sobre
a terra, o lugar, o ufanismo brasileiro”,
explica Carlos Mendes de Sousa. Clarice
rompe “com o modelo do romance
nordestino” e cria “uma obra estranha
a todas essas referências”.
Tudo nela era raro, começando pelo
“nome estranho e até desagradável,
pseudónimo sem dúvida”, escreveu
um crítico. Foi esse o jogo (pertencer,
não-pertencer) que ela jogou toda a
vida. “Tenho a certeza de que no berço
a minha primeira vontade foi a de pertencer,
por motivos que aqui não importam,
eu de algum modo devia estar
sentindo que não pertencia a nada e a
ninguém”, escreveu Clarice.
Clarice era assim: um animal em bruto
como Joana de “Perto do Coração
Selvagem”, e domesticada como a Lídia
do mesmo romance, vivendo nessa
“Os livros dela estão
à venda no metrô
de São Paulo. Com
quatro reais, numa
máquina, você
compra um livro dela
como quem compra
uma coca-cola”
Benjamin Moser
intensa contradição de ser mulher, feminina,
esposa e mãe, e de ser rebelde,
livre, no limiar da loucura, na explosão
mística dos encontros com Espinosa,
comendo a barata como G.H. de “A
Paixão segundo G.H.”.
Quando publica “Perto do Coração”
é uma “mulher à frente do seu
tempo”, a sua linguagem “é tão diferente,
tão estranha”, diz Mendes de
Sousa, que “não houve um único mês
em 1944 que não saísse uma crítica
ao romance”. Tudo estava ali na novidade
“do fragmento, do interior, do
feminino”.
Essa estranheza na língua é tão
grande que, ainda hoje, conta Moser,
os revisores da Cosac Naify, a editora
brasileira da biografia, “tentaram corrigir
o português da Clarice. São pessoas
que trabalham com linguagem,
acham que ela escreve português errado.
O que é, de facto, verdade. Ela
própria diz isso, mas ela escreve do
jeito que quer, é uma escolha.”
No fundo, Clarice é isto: “Não, não,
nenhum Deus, quero estar só! E um
dia virá, sim, um dia virá em mim [...],
eu romperei todos os nãos que existem
dentro de mim, provarei a mim
mesma que nada há a temer, que tudo
o que eu for será sempre onde haja
uma mulher com meu princípio.” Ou
ainda: “Basta me cumprir e então nada
impedirá o meu caminho até a
morte-sem-medo, de qualquer luta e
descanso me levantarei forte e bela
como um cavalo novo.”
Na edição brasileira o título é apenas
“Clarice,”. Nessa vírgula, há uma
vida que se suspende. A vírgula está
lá porque “Clarice é um assunto tão
grande, que nunca vai ser um Clarice
ponto final, vai ser Clarice vírgula porque
não pretendia, nem pretendo,
dizer a última palavra sobre ela.”
Curiosamente, também o seu livro
“Uma aprendizagem, ou o livro dos
prazeres” (1969) começa com uma
vírgula e termina com dois pontos.
Em Clarice, “nada está por acaso: a
pontuação dá-nos a ideia de contínuo,
de estar-entre, estar no meio”, explica
Mendes de Sousa.
Hoje, diz Mendes de Sousa, Clarice
“tem todos os ingredientes para ser
uma escritora de culto”. Em 100 anos,
diz Moser, “Lispector vai ser um nome
como Eça de Queirós, que até a
criança na aldeia vai saber”.
Ípsilon • Sexta-feira 2 Abril 2010 • 21

Os rapazes n
também têm
Os Field Music s
grande disco d
são arrogantes. Só q
IANWEST
Música
No Reino Unido, terra em que um lalala
vale ouro, os códigos da pop de
guitarras foram refinados ao longo de
décadas ao ponto de sabermos o que
cada aspirante a estrela tem de fazer
e dizer para atingir o seu alvo.
No caso dos homens, tem de se ter
guitarras, jurar devoção aos Beatles,
ser adepto de um clube de futebol,
ter um passado de rufia, uma atitude
arrogante e ser “working-class”. Mais
ainda: ter orgulho em ser “workingclass”.
Querelas com drogas também
ajudam.
A conjugação destes factores, mediada
por uma total inabilidade em
raciocinar sobre os mesmos, conduz
a futura estrela ao momento em que,
preparando-se para lançar o primeiro
single no mundo, anuncia: “Não há
ninguém melhor que eu no mundo
da pop e todos os outros são lixo”.
Este ritual foi praticado “in excelsis”
até à boçalidade pelos Oasis, conjunto
de iletrados de Manchester que
descobriu que trocando a ordem dos
acordes dos Beatles mas mantendo o
plágio às melodias, um tipo podia ter
uma carreira e ganhar muito dinheiro
à conta dos seus semelhantes.
O ligeiro problema com o ritual foi
ter-se tornado uma imagem única da
pop de guitarras do Reino Unido.
Mas cinco minutos ao telefone com
Peter Brewis e eis que a ideia de arrogância
dos “working-class brits” vai à
vida. Peter, que com o irmão David
lidera os Field Music, louvável instituição
pop que acaba de editar um
disco duplo, homónimo, de pop disfarçada
de riffalhada, funk branco,
balada melosa e o que mais quiserem,
é o oposto dos Oasis deste mundo. É
um tipo com talento, sentido de humor
e à vontade na arte de conversar
de igual para igual.
A dado momento de uma conversa
cujo tema era a grandiosidade de
“Field Music”, Peter faz a mais cómica
queixa que alguma vez ouvimos
um músico inglês fazer. Reportandose
ao passado que partilhou com o
irmão, afirmou com bonomia e uma
gargalhada no fim: “Nunca nos faltou
comida, nunca nos metemos em grandes
problemas, crescemos bem. Não
é nada sensual dizer isto, pois não?”
Esticar a corda
Talvez não. No entanto, as quase vinte
canções de “Field Music” são-no:
mapeiam os mais diversos territórios,
conjurando os fantasmas dos XTC, de
Prince, dos Led Zeppelin e da música
exótica, e criando um dos mais esplêndidos
reportórios de música inglesa
não-electrónica dos últimos
anos – afirmação que pode em si conter
algum esquecimento factual, facto
que deve ser menorizado em nome
do entusiasmo juvenilesco que o disco
proporciona.
22 • Sexta-feira 2 Abril 2010 • Ípsilon

normais
talento
são ingleses, irmãos e gostam de futebol. Fizeram um
duplo, à sombra de Prince, Led Zeppelin e XTC. Mas não
queriam “fazer o melhor disco do mundo”. João Bonifácio
Peter e David Brewis cresceram em
Sunderland, onde ainda vivem e, como
bons ingleses, adoram futebol.
Vêm da “working-class”, certo, mas
os pais “safaram-se bem academicamente”
e “melhoraram um pouco a
sua situação”. Pelo menos ao ponto
de poderem comprar instrumentos
musicais para os filhos – que hoje têm
32 (Peter) e 29 anos (David).
Os instrumentos foram postos a
funcionar em 2004, com a dupla a ser
acompanhada por Andrew Moore.
Nessa altura os Field Music tinham os
seus anátemas: “Não estávamos numa
de rock, de Led Zeppelin ou de Cream,
e resolvemos não nos meter nisso.
Queríamos Penguin Cafe Orchestra
e Brian Eno, mas com a ‘experiência’
integrada na estrutura”.
Se quiséssemos ser simplistas podíamos
dizer que eram uma banda
indie, mas Peter rejeita o epíteto:
“Quisemos fazer uma
declaração de
princípios, voltar a
dar amor a essa ideia
de álbum enquanto
álbum e não mero
conjunto de canções”
Peter Brewis
“Nem sequer sabia que fazíamos música
indie. Queríamos fazer boas melodias
e boas harmonias, só isso. Mas
agora queríamos esticar a corda”.
O “agora” refere-se a “Field Music”,
terceiro longa-duração e primeiro em
três anos. No interregno os manos
formaram cada um a sua banda, após
o que renovaram os Field Music com
as entradas de Kev Dosdale e Ian Black,
que substituem Andrew Moore.
E a corda foi esticada, não só em
termos estilísticos como em duração:
um duplo álbum tão diversificado é
coisa que já não se usa. Mais ainda: é
coisa de melómanos com uma crença
indefectível no LP. Mas por trás desta
ambição está também algo de retorcido
e perverso: a vontade de ir contra
as regras da indústria e, numa altura
em que toda a gente lança faixas
de mp3, produzir em massa.
“Vamos ser honestos. Eu estou com
32 anos e o David está com 29 – está
a ficar demasiado tarde para o sucesso.
Estamos num ponto em que só
queremos fazer o melhor disco do
mundo. Ou o melhor que conseguirmos
fazer. Não espero que muita gente
compre – mas deviam”.
Foi esta vontade que já não se usa
de “fazer o melhor disco do mundo”
e a certeza de que ninguém ligaria
peva ao que fizessem que estiveram
na base de “Field Music”. “Queríamos”,
justifica Peter, “deixar um testemunho,
algo diferente, algo forte,
porque antes fazíamos discos pequenos”.
Os manos começaram a reparar
que “hoje toda a gente faz canções e
não álbuns”, pelo que resolveram fazer
o oposto: “Quisemos fazer uma
declaração de princípios, voltar a dar
amor a essa ideia de álbum enquanto
álbum e não mero conjunto de canções.
Os álbuns têm de encontrar um
mundo próprio e são esses os discos
de que gostamos”.
Deram por si a colocar questões
existenciais pertinentes, como “O que
é lançar um álbum?”. Sabiam que
queriam “um disco que fosse uma
experiência”. Ponderavam na melhor
forma de “subverter a indústria”.
Começaram a namorar com a ideia
de um disco duplo, mas os discos duplos
têm aquele velho problema de
serem conotados com o rock-progressivo,
conceitos estrambólicos e capas
ridículas. Mas depois pensaram “nos
discos duplos dos Beatles, no ‘Sign O’
The Times’ do Prince”, e concluíram
que “esses discos disparam para todo
o lado”. “À superfície parecem não
fazer sentido mas têm uma coerência
interna que os une. Por isso não é o
comprimento e a variedade que os
torna coerentes”.
E foi aí que a ideia se cristalizou:
“Fazer um disco incoerente”. Fazer
o disco funcionar “exactamente por
não funcionar”.
“Por norma tentamos fazer um todo
coerente, tentamos que um disco
funcione como um todo, desta vez
queríamos um disco incoerente”. É
com pena que Peter anuncia que falharam,
porque “apesar da variedade”
o disco lhe soa a Field Music.
“Field Music” “tem os seus temas,
mas não é uma narrativa fechada”,
como um “Lamb Lies Down On Broadway”,
dos Genesis. É, acima de tudo,
um disco de quem papou muita
música e de quem mandou às malvas
o bom gosto.
“Neste disco resolvemos não negar
o nosso amor pelo Jimmy Page”, diz
Peter, comentando o impressionante
número de riffs oleosos que percorre
o disco. “Que posso dizer? Gostamos
de punk e de groove. Gostamos dos
Wire e do Prince e da soul. E resolvemos
pôr isso tudo no álbum”.
Chega ao cúmulo de dizer que grandes
influências foram bandas como
Aerosmith ou Poison. “Nos anos 70
faziam-se canções enormes que por
vezes tinham graça”. Admite: gosta
dos Poison. “Têm dois discos bonzinhos
e algumas canções muito boas”.
Resumindo: “Queríamos divertir-nos
e não queríamos fingir que não nos
divertimos”.
Este tipo de admissão com o seu
próprio mau gosto trouxe libertação
à banda. Peter pára um pouco para
reflectir sobre “Let’s write a book”,
belíssimo tema de funk deslavado de
“Field Music” que, segundo diz, tem
feito algumas pessoas torcer o nariz.
“Muita gente pode achar que é de
mau gosto. Mas temos prazer em tomar
esses riscos. De qualquer modo
ninguém compra os nossos discos,
por isso não é assim um risco e tão
grande. E por não sê-lo pudemos dizer
‘Vamos ser funky’ e divertir-nos à
grande”.
“Não queremos fazer de conta que
somos negros”, explica, “isso seria
ridículo”. Por estes dias pensam em
si próprios como “uma espécie de
Hall & Oates”, dupla que produziu
sucessivos êxitos (não obrigatoriamente
de bom gosto) e que “faziam
funk, mas muito muito branco”.
Mas a imprensa não tem ido nesta
cantiga. Tem elogiado o disco, tem-se
atirado ao ar com o disco, e inevitavelmente
tem-nos comparado com os
XTC. “Não percebo bem a comparação,
porque não ouvi mais que os dois
primeiros discos. Nunca ouvi o ‘Skylarking’
e nunca gostei muito do ‘Nonesuch’”,
confessa Peter, que levou logo
ali uma ensaboadela. “Mas se as pessoas
conseguem ouvir coisas que eu
não consigo, isso é óptimo. Mas a minha
opinião é a mais importante”, diz,
desatando a rir. “Não, se quiserem
dizer que é uma merda também podem”.
Quem ainda não tem muita opinião
sobre o disco é o próprio Peter. “Só o
acabei há seis meses. Temos uma
ideia do que estamos a fazer, mas é
uma ideia toldada pela ansiedade de
fazer”.
“Só agora” voltou a ouvir o disco.
“Comprei um exemplar e gostei. Pensei
‘Eu compraria isto’”. Perguntamos-lhe
se o sucesso já chegou ao
ponto de se disfarçar para comprar o
seu disco. “Confesso: disfarcei-me
para não ser reconhecido. Deixei crescer
a barba e pus óculos de sol como
o Joaquin Phoenix”. Desata a rir e depois
diz num tom lamuriento verdadeiramente
cómico: “Honestamente:
se eu fosse tão bonito quanto o Joaquin
Phoenix ,não fazia música”.
Da próxima vez que vos disserem
que os músicos ingleses de talento são
rufias arrogantes lembrem-se dos
Field Music.
Ver crítica de discos págs. 49 e segs.
Ípsilon • Sexta-feira 2 Abril 2010 • 23

As canções de Maria
take 2
É possível unir Nino Rota e José Afonso, Toti Soler e Victor Jara? Maria de Medeiros acha que
sim e volta à aventura do canto com novo disco. “Penínsulas & Continentes” chega aos palcos
portugueses a 7 e 8 de Abril, primeiro em Lisboa e depois em Gaia. Nuno Pacheco
Os primeiros sons ainda nos remetem
para o Brasil: a secção rítmica, as notas
sincopadas, a voz em onomatopeias.
Mas é uma ilusão, porque Maria
de Medeiros mudou de cenário. Da
abordagem do reportório brasileiro
(Chico, Caetano, Gil, Ivan Lins) que
fez em 2007 em “A Little More Blue”,
o seu disco de estreia, a actriz, cineasta
e cantora voltou-se agora para
Portugal e, através deste, para o mundo.
“Penínsulas & Continentes” tem
Nino Rota e José Afonso, Sérgio Godinho
e Amélia Muge, Duo Ouro Negro
e Waldemar Bastos, Toti Soler e Raimon,
Victor Jara e El Último de la Fila
e, para ninguém dizer que não falou
do Brasil, Lenine, numa bela canção
que ela adora.
Mas há outros brasis no som do disco,
desde logo nos músicos que nele
tocam e que, com ela, co-assinam colectivamente
os arranjos. Como, por
exemplo, Edmundo Carneiro nas percussões.
Não só. “As viagens”, diz Maria,
“levaram-nos a enriquecer a formação,
conhecendo artistas que tocaram
connosco. É o caso do Itacyr
Bocato, trombonista da Elis Regina,
que tocou connosco em São Paulo e
no Rio, ou o Rubem Dantas, o mítico
percussionista do Paco de Lucía que
tocou connosco várias vezes Espanha.”
E foi durante as muitas viagens
que fez, cantando “A Little More Blue”
que Maria foi dando corpo à ideia do
novo disco. Até que a UNESCO fez dela
artista pela paz e se deu o clique:
“O concerto na sede da UNESCO fezme
buscar um reportório que fosse
muito português. Então à volta desse
reportório, que já por si é navegador
e viajante, lancei este projecto.”
Que nasceu em palco e só daí passou
a disco. “O título veio a partir do reportório
que se foi estabelecendo. Procurei
um fio condutor, o que podia unir
o Nino Rota ao Zeca Afonso, que é um
compositor justamente reconhecido
em Portugal mas que ainda se pode
fazer muita coisa pelo seu reconhecimento
fora do país. E ele tem uma dimensão
à Nino Rota, é um compositor
universal.” A José Afonso, Maria foi
buscar três canções. “A primeira, ‘O
homem voltou’, é talvez o meu tema
favorito de entre todo o reportório dele.
Aliás, integrei-o no filme ‘Capitães
de Abril’, assim como o ‘Coro da Primavera’,
pedi ao meu pai [o maestro
António Victorino de Almeida] que lhe
acrescentasse um troço sinfónico. ‘O
homem voltou’ escrevi partes do guião
a ouvi-lo, para mim tinha tudo a ver
com a atmosfera dos militares, aquela
coisa muito portuguesa e masculina.
Já ‘Paz poeta e pombas’, adoro-a, achoa
extraordinária, é muito atrevida. E
tem aquele lado de salsa que remete
para o continente sul-americano.”
Mais híbrido
Mas há mais, de Portugal. “Não vás
contar que mudei a fechadura”, de
PEDRO FERREIRA
Música
“Eu ouvia muitas
músicas a pensar
em bandas sonoras,
agora talvez pense
mais nelas com um
ouvido de cantora”
Da abordagem do
reportório brasileiro em
“A Little More Blue”,
Maria voltou-se agora
para Portugal e, através
deste, para o mundo
Sérgio Godinho: “Era o meu tema
querido. Os meus amigos riam-se,
mas eu achava que esse é que era preciso
fazer, é uma das minhas eleições
de criança, quase.” E “Quem à janela”,
de Amélia Muge: “O tema é lindíssimo.
É impossível superar a versão
do Camané em fado, que é absolutamente
maravilhosa, a própria
Amélia Muge canta-a maravilhosamente,
então o que eu quis foi levá-lo
para o universo de uma adolescente,
numa garagem, aos berros, aproveitando
os ecos da garagem e com dois
amigos a fazer a secção rítmica.”
Do Brasil, desta vez, escolheu “Tudo
por acaso”, de Lenine: “Adoro-a e
identifico-me muito com o conteúdo,
porque muita coisa aconteceu na minha
vida por acaso. Ele diz: por qualquer
poesia, por qualquer magia. Eu
tenho a sensação de que muitas das
coisas me acontecem assim. Há alguma
coisa muito honesta, muito sincera,
nessa canção.”
E há África, claro. “Muxima”, popularizada
pelo Duo Ouro Negro (“é
emblemática em Angola, toda a gente
a canta”) e “Velha chica”, de Waldemar
Bastos, onde pôs as suas duas filhas
pequenas, Júlia e Leonor, a cantar
também. “Quis colocar-me na pele das
crianças que perguntam à velha chica
o sentido dessa falta de razão que nos
rodeia.”
O pai das meninas, o cenógrafo catalão
Agustí Camps, marido e manager
de Maria, ajudou-a na busca do
reportório da Catalunha, e foi assim
que ela descobriu Toti Soler e Raimon.
Já o grupo espanhol El Último
de La Fila conheceu-o quando fez um
filme com Bigas Luna, nos anos 90. E
o italiano Nino Rota aprendeu a conhecê-lo
melhor por via de um espectáculo
que faz há anos com Mauro
Gioia, com uma orquestra napolitana
e cantoras como Catherine Ringer ou
Martírio. “É uma festa, esse concerto.
Tem andado por toda a Europa, infelizmente
não foi a Portugal.” Por fim,
Victor Jara e “Te recuerdo Amanda”,
“canção essencial”: “Tentei abordá-la
da forma mais nua possível, só voz e
contrabaixo. É tão cinematográfica,
aquela mulher que anda debaixo da
chuva, o riso, a fábrica, tudo isso se
constrói diante dos nossos olhos pelo
poder evocativo das palavras.”
Apresentado só em Barcelona e
Montreal, o disco é mostrado ao vivo
em Lisboa dia 7 (no São Jorge) e em
Gaia dia 8 (no Auditório Municipal).
Com Maria Medeiros (voz) estarão
Pascal Salmón (piano), Edmundo Carneiro
(percussão) e Ricardo Feijão
(baixo). No São Jorge, cantará pela
primeira vez ao vivo com Legendary
Tiger Man, em dueto.
Mais híbrido do que o anterior, diz
Maria, o disco aborda ainda “a música
de uma forma dramatúrgica, quase
cinematográfica”. Com uma diferença:
“Eu ouvia muitas músicas a
pensar em bandas sonoras, agora talvez
pense mais nelas com um ouvido
de cantora”.
24 • Sexta-feira 2 Abril 2010 • Ípsilon

joana
amendoeira
sétimo
fado
espectáculo de apresentação do novo disco
SÁB 10 ABR 23:00
SALA 2
DICK DALE & BAND
THE SONICS
YACHT & The Straight Gaze
SALA SUGGIA
MEN JD Samson, M O’Neill
e Ginger Brooks Takahashi
BARES 1 e 2
PIXEL 82
PFADFINDEREI VJ
CYBERMUSICA
BANSURICOLLECTIF
SALA ROXA
Álvaro Costa apresenta:
Rock Progressivo: Yes or No?
Um referendo na Sala Roxa…
RESTAURANTE
JETTOKI
www.casadamusica.com | www.casadamusica.tv | T 220 120 220
9 de abril 21h00
lisboa: ccb
grande auditório
BARES 1 e 2
AGORIA
17 de abril 21h30
porto: coliseu
TODOS OS ESPAÇOS 18€
OUTROS ESPAÇOS (TODOS EXCEPTO DICK DALE E THE SONICS) 7,5€
ENTRADA LIMITADA À LOTAÇÃO DE CADA ESPAÇO
MEDIA PARTNERS
Apoios Concerto Lisboa
Apoios Concerto Porto
PATROCÍNIO
MECENAS CASA DA MÚSICA
APOIO INSTITUCIONAL
MECENAS PRINCIPAL CASA DA MÚSICA
Bilhetes à venda em www.ticketline.pt Reservas 707234234
Locais de Venda: Abreu | CC Dolce Vita | El Corte Inglés | Fnac | Megarede | Ticketline (sede) | Worten
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Tiago Bettencourt
não se comove por tudo e por nada
O Tiago Bettencourt que nos fala de “emoção” e de “carga de verdade” é aquele que
conhecemos. Mas essa é, parcialmente, uma ideia feita. Conclusões da jukebox Ípsilon?
Tem os Radiohead no altar mas também se emociona com Michael Jackson; acha o reggae
actual insuportável e o “mosh” prática digníssima. Mário Lopes
Tiago Bettencourt estava atrasado
para um programa de rádio e ainda
tinha que passar pelo estúdio para
apanhar a guitarra. Anda bastante
atarefado, como se intui pelo primeiro
lugar que “Em Fuga”, o seu segundo
álbum a solo, ocupa na tabela de
vendas nacional. Tiago Bettencourt,
recuperamos, estava atrasado e só
tínhamos tempo de lhe mostrar mais
uma canção. Já tinha elogiado um
concerto de Boyz Noise no Lux, já o
ouvíramos descrever “moshada” (dele)
durante os Arctic Monkeys, já percebêramos
que Vampire Weekend
não é com ele e que reggae menos
ainda.
Dado que Tiago Bettencourt, o ouvinte
de música, se mostrara diferente
da imagem que as suas canções
projectam, achámos por bem “sacar
um coelho da cartola” e encerrar em
grande a “jukebox” que preparámos
para ele. O Rei da Pop. Michael Jackson,
ele mesmo, gloriosamente disco-funk
em “Rock with you”. Tiago
lança um sorriso de satisfação. Conta-nos
que o primeiro CD que comprou
foi “Dangerous” (“ou um dos
Beach Boys”) e que há uns tempos
se passou com a versão remasterizada
de “Thriller”. Tiago, atentem, até
foi ver “This Is It”, o filme da digressão
que não chegou a acontecer. “Fiquei
comovido com aquilo. Estava à
espera que fosse horrível mas não.
Saí de lá a pensar, ‘vou fazer música,
vou fazer bem às pessoas, vou fazêlas
todas felizes’”. Tiago comovido.
Tiago em êxtase. Soaria a cliché dizer
que é um homem de emoções, mas
é verdade – ainda que não se comova
por tudo e por nada. O seu novo
álbum, assim como “Jardim”, o primeiro
que assinou depois do fim dos
Toranja, é maioritariamente viagem
íntima: são cartas e conselhos de
amor, num tom reflectivo com piano
e guitarra acústica como pano de
fundo.
Tiago Bettencourt nasceu em 1979
e despertou a sério para a música
com o grunge. O que lhe ouvimos enquanto,
em fundo, Kurt Cobain canta
“Heart shaped box” soará familiar
àqueles que com ele partilham a mesma
geração. Começar a tocar guitarra
no 9º ano e apanhar com o “Nevermind”:
“muito gritei Nirvana no
meu quarto, com o meu irmão a gritar
para que me calasse”. Ver os Nirvana
na televisão pela primeira vez,
“a cantar o ‘Lithium’, ‘yeah yeah,
yeh, yeeeeaaaah’, ver pela primeira
vez um gajo a atirar-se para o público
e pensar, ‘o que é isto? Está tudo doido?’”.
O grunge “e aquela coisa muito
de entranhas” despertou-o verdadeiramente
para a música, mas não
o comoviam. Isso, percebemos aqui,
chegou depois. Chegou quando os
Radiohead enquanto jovens se fizeram
ouvir nos escritórios da Univer-
“Adoro Bob Marley, mas já não sei para onde querem ir
[as novas bandas]. São tão previsíveis. Sejam de que país
forem, têm que ter pronúncia jamaicana, o que é
absolutamente ridículo”
“O meu pai é o maior fã que
conheço e uma das imagens que
guardo de pequeno é Jacques Brel
a cantar, empapado em suor.
Pegar nas cassetes [vídeo] que o
meu pai tinha e vê-lo a cantar
aquele francês tão bem dito era
das poucas coisas que me faziam
sentar na sala”
sal, onde instalámos a jukebox Ípsilon.
Ainda vamos nos primeiros segundos
de “Fake plastic trees” e ele já
suspirou, “esta canção mudou toda
a minha vida”, já se deixou levar pela
memória. Adolescência, pois claro:
“Faz-me lembrar as férias em Porto
Covo antes dos ‘hippies’ invadirem
as praias. Esta canção era uma das
minhas especialidades”. Os Radiohead
são tanto que Tiago Bettencourt
não se importa de ser sacrílego. “Certa
vez, fui vê-los a Londres e, poucos
meses depois, vi o Tom Waits em Barcelona”,
conta antes de largar a bomba:
“Ele não me tocou muito porque
ainda estava completamente fascinado
com o concerto dos Radiohead. É
muito bom, mas já não tem o Marc
Ribot na guitarra e foi muito calminho.
O concerto dos Radiohead? Fora
do normal. Apesar de terem álbuns
muito produzidos, não se esquecem
de pôr na música uma carga de verdade
muito grande. Ouves Radiohead
e tens tudo”.
A emoção é tudo
O Tiago Bettencourt que nos fala de
“emoção” e de “carga de verdade” é
aquele que conhecemos das canções
e das entrevistas. Mas essa é, parcialmente,
uma ideia feita. Há um momento
na conversa em que lhe perguntamos
se não será escolhido pela
música que ouve. Isto porque lhe
mostráramos os frenéticos Vampire
Weekend de “Cousins” e, ele, primeiro
pensativo, brinca depois um pouco:
“se se pusesse agora um saxofone,
parecia Primitive Reason”. Pausa.
“Faz-me lembrar skas, mas esta coisa
do ska... ” Nova pausa: “Só te sei dizer
26 • Sexta-feira 2 Abril 2010 • Ípsilon

Música
“Apesar de terem álbuns
muito produzidos, não se
esquecem de pôr na
música uma carga de
verdade muito grande.
Ouves Radiohead e tens
tudo”
“Ouves as canções [dos Beach House] e
pensas que, ao vivo, serão melhores,
maiores, mas o concerto não foi nada de
especial. Fiquei tão desiludido que ainda
não comprei o CD”
“Percebo que digam que [Fleet Foxes] é
muito Mamas & Papas, mas eu que andei
no coro dos Salesianos do Estoril acho
óptimo tornar isto cool. Está a trazer de
volta a fogueira”
que isto não me toca”. Este “só” explica
muita da relação que estabelece
com a música. Se há um momento
em que “a música não o toca”, segue
em frente e despede-se dela. Aconteceu-lhe
com os Beach House, como
descobrimos ao oferecer-lhe
“Norway”.
Ouviu “Teen Dream” no MySpace,
achou-o um grande disco e foi com
grandes expectativas para o concerto
da banda no último Super Bock em
Stock. Saiu de lá desiludido: “Ouves
as canções e pensas que, ao vivo, serão
melhores, maiores, mas o concerto
não foi nada de especial. Fiquei
tão desiludido que ainda não comprei
o CD”.
Os Beach House não são caso único.
Algum tempo depois, estava no
meio da plateia de um Campo Pequeno
lotado para ver os Arctic Monkeys.
Anda bastante
atarefado, com
o primeiro lugar
que “Em Fuga”
ocupa na tabela
de vendas
nacional
“Fiquei comovido com aquilo [“This is
It”, com Michael Jackson]. Estava à espera
que fosse horrível mas não. Saí de lá a
pensar, ‘vou fazer música, vou fazer bem
às pessoas, vou fazê-las todas a felizes’”
sawsx
Entrou lá “muito fã”, saiu de lá sem
fanatismo. Justifica-o de forma curiosa,
com uma lição de veterano sobre
dinâmicas do “mosh”. “Desde muito
cedo que vou para o ‘mosh’, desde
os concertos dos Pearl Jam no Dramático
[de Cascais] ou os primeiros
[em Portugal] dos Metallica. O bom
nestes concertos é estar a ‘bombar’,
mas depois haver pausas onde se cria
tensão e se ganha força para voltar.
E os Arctic Monkeys não tiveram pausas.
A certa altura andava ali aos saltos
a pensar que já não havia qualquer
pretexto para o fazer”. Foi beber
uma cerveja ao bar, achou que os Arctic
Monkeys se submetem a uma fórmula
e riscou-os da sua lista de preferências.
A música deixou de o tocar,
abandonou-a.
A melomania de Tiago Bettencourt
reage impulsivamente. Os seus pais,
descreve, “ignoraram tudo o que se
passou depois dos Beatles”. Em casa,
a música disponível ia até José Afonso
e, sendo a família de Coimbra,
ouvia-se muito fado. Fado que ele recusou
até tarde. Até que, aos 17 anos,
um amigo o levou a uma casa de fados
e ele voltou, quinta-feira após quintafeira,
“apaixonado por aquele ambiente”.
Ouve-se “Com que voz”, de
Amália Rodrigues – “na mouche, é o
meu fado preferido”.
Jacques Brel, por sua vez, ficou preservado
desde a infância. Descobrimo-lo
ao passar “Ne me quitte pas”:
“O meu pai é o maior fã que conheço
e uma das imagens que guardo de
pequeno é Jacques Brel a cantar, empapado
em suor. Pegar nas cassetes
[vídeo] que o meu pai tinha e vê-lo a
cantar aquele francês tão bem dito
era das poucas coisas que me faziam
sentar na sala”. Nos seus afectos musicais,
tudo remete para a emoção,
para a tal noção de verdade. Mais
uma prova? Os Fleet Foxes. “Quiet
houses” e uma exclamação: “Muito
bons!” Se as harmonias vocais têm
SÃO
LUIZ
1O ABR
SALA PRINCIPAL
Há uns tempos,
estava no Lux a ver
Boyz Noise, a dançar
e a apanhar toda
aquela descarga
rítmica. Aparece-lhe
um tipo à frente:
“Tu não és o gajo
dos Toranja? E gostas
de electrónica?”
Na altura, limitou-se
a responder que sim.
Agora, aproveita
a deixa: “Gosto de
tudo o que me altera
o organismo”
alguma predominância no seu último
álbum, tal deve-se aos bucólicos barbudos
de Seattle. “Percebo que digam
que é muito Mamas & Papas, mas eu
que andei no coro dos Salesianos do
Estoril acho óptimo tornar isto cool.
Está a trazer de volta a fogueira”. E
Tiago, no que à “freakice” diz respeito,
é “a favor da fogueira e contra o
djembé”. Aliás, sempre contra a praga
do djembé. Estão os Fleet Foxes a
harmonizar vozes e guitarras acústicas
e ele a lamentar, divertido, que
“a partir do momento em que apareceu
o djembé, não havia música nenhuma
que não o tivesse, porque o
gajo que tem o djembé não consegue
parar de tocar. E o pior é que normalmente
toca mal”.
Tiago Bettencourt continua a explicar
porque se tornou insuportável
a democratização do djembé, falanos,
contraponto feliz, do quanto
adora ir aos concertos de Buraka
Som Sistema e atira ao ar um “não
escolho géneros de que gosto”. Acto
contínuo, acrescenta, “mas há coisas
para as quais sei que não tenho paciência”.
Como por exemplo? “Reggae.
Adoro Bob Marley, mas já não
sei para onde querem ir [as novas
bandas]. São tão previsíveis. Sejam
de que país forem, têm que ter pronúncia
jamaicana, o que é absolutamente
ridículo”.
Há uns tempos, estava no Lux a
ver Boyz Noise, a dançar e a apanhar
toda aquela descarga rítmica.
Aparece-lhe um tipo à frente, com
ar espantado: “Tu não és o gajo dos
Toranja? E gostas de electrónica?”
Na altura, limitou-se a responder
que sim às duas perguntas. Agora,
aproveita a deixa e resume-se enquanto
ouvinte: “Gosto de tudo o
que me altera o organismo”. Até,
quem sabe, de um djembé tocado
com a devida perícia.
Uma sonoridade doce, feita com referências ao pop,
à bossa nova e ao jazz, enraizado naquilo que
tem de mais particular: a música portuguesa.
SÃO LUIZ TEATRO MUNICIPAL
RUA ANTÓNIO MARIA CARDOSO, 38; 1200-027 LISBOA
GERAL@TEATROSAOLUIZ.PT / T: 213 257 640
BILHETEIRA DAS 13H ÀS 20H
T: 213 257 650; BILHETEIRA@TEATROSAOLUIZ.PT
BILHETES À VENDA NA TICKETLINE E NOS LOCAIS HABITUAIS
PRODUÇÃO APOIO À
DIVULGAÇÃO
Ípsilon • Sexta-feira 2 Abril 2010 • 27

Música
André Fernandes, guitarrista,
um dos mais brilhantes improvisadores
nacionais, dirige a editora Tone
of a Pitch, que este fim de semana tem
o seu primeiro festival, inteiramente
dedicado a projectos nacionais
Gerida a partir de uma estrutura minimal,
a editora Tone of a Pitch (TOAP)
tem marcado os caminhos do novo jazz
português. Na verdade, é apenas o
próprio André Fernandes, guitarrista
consagrado como um dos mais brilhantes
improvisadores nacionais, colaborador
habitual de figuras como Lee
Konitz ou Mário Laginha, que acumula
as actividades de direcção, produção
e promoção da editora. Com um catálogo
que atinge já as 38 referências e
que integra colaborações dos mais reputados
jazzmen nacionais - Mário
Laginha, Bernardo Sassetti, João Paulo,
Joana Machado, Pedro Moreira e Afonso
Pais, entre outros - a TOAP proporciona
aos músicos uma estrutura para
editar, sem restrições artísticas, baseando-se
numa premissa apenas: qualidade.
Quase 10 anos passados sobre a sua
criação, surge o primeiro Festival TOAP
Records. Porquê agora? “É uma ideia
antiga que só agora foi possível concretizar”,
diz André Fernandes. “Um pouco
por pressão dos próprios músicos
que gravam para a editora. O local mais
óbvio para o festival seria o Hot Clube
mas, agora que deixou de existir, surgiu
a hipótese de o fazer na Lx Factory”,
em Lisboa.
“Gostava muito de o fazer todos os
anos”, continua. “Claro que esta primeira
edição está a ser feita com condições
precárias e estou a conseguir
fazê-lo muito devido à vontade dos músicos.
Gostava também de alargar o
festival a outros pontos do país ou convidar
alguns músicos estrangeiros que
integram o catálogo”.
Identidade nacional
Apesar de ter no seu catálogo participações
internacionais de peso - Ben
Monder, Julian Arguelles, Avishai Cohen,
David Binney, Geral Cleaver ou
Dan Weiss, entre outros - esta primeira
edição do festival surge inteiramente
dedicada a projectos nacionais, integrando
os grupos de Bruno Santos
(Trioangular), Nuno Costa (em quinteto),
Nelson Cascais (e Os Cossacos),
“Quando viajo para
Nova Iorque
ou algumas cidades
europeias sinto que
as pessoas do meio
conhecem a editora.
Recebo muitas
propostas”
Todo esse Jazz
Fundada em 2001 pelos irmãos
André e Alexandre Fernandes, a
editora de jazz Tone of a Pitch
assinala o 9º aniversário com a
primeira edição do seu festival.
Hoje e amanhã na Lx Factory.
Rodrigo Amado
Nelson Cascais e Os Cossacos
RUI GAUDÊNCIO
André Fernandes (Imaginário), Demian
Cabaud (o seu Group, em quarteto) e
Jeff Davis (Haunted Gardens).
“Tentei misturar projectos mais antigos,
dando prioridade a músicos que
participam em vários discos do catálogo
- casos do Bruno Pedroso, Alexandre
Frazão, Bernardo Moreira ou Nelson
Cascais - com grupos que editaram há
pouco tempo, como Demian Cabaud,
Jeff Davis ou Nuno Costa”.
Em Portugal, pequenas editoras independentes,
como a Clean Feed, com
o jazz de vanguarda, a Creative Sources,
com uma música experimental, e
a Tone of a Pitch, com um jazz moderno,
mais próximo do “mainstream”,
formam as bases e a estrutura para a
identidade jazz do país, sem apoios,
lutando para conseguir um reconhecimento
internacional.
Sem estar demasiado preocupado
com a visibilidade internacional do
projecto, André assume uma evolução:
“A certa altura, o catálogo da Tone of
a Pitch começou a ganhar personalidade,
consistência. Isso aconteceu de
forma natural e fez com que as propostas
que recebo agora sejam todas relativamente
ligadas ao perfil da editora.
Quando viajo para Nova Iorque ou algumas
cidades europeias sinto que as
pessoas do meio conhecem a editora.
Recebo muitas propostas. É um reconhecimento
artístico que se dá mais
no meio dos músicos”.
Mas as dificuldades são muitas. Às
questões características da conjuntura
económica somam-se outras como
o IVA (taxado a 5 por cento nos livros
e 20 por cento na música) e a falta de
apoios à edição discográfica. Só uma
enorme dedicação à causa as pode
vencer: “É ainda mais difícil ultrapassar
algumas dificuldades pelo facto de
ser apenas eu a acumular todas as funções
na editora. A minha vida é de
músico. Isto é uma coisa paralela ao
que faço habitualmente e torna-se difícil
dispender o tempo e energia necessários
a uma eficaz promoção do
catálogo. Mas é uma coisa que adorava
fazer...e adorava ter alguém que me
ajudasse a fazer isso.”
Numa época em que é comum o
facto de as pessoas descarregarem
música da net sem pagarem, sendo
isso encarado pelas novas gerações
como natural, um novo desafio se coloca
às editoras. “Há várias possibilidades
para o futuro. Por um lado, os
discos podem passar a ser apenas um
meio de divulgação da música, ganhando
o circuito de concertos uma
outra importância na remuneração
dos músicos - as editoras cada vez
mais acumulam funções de agenciamento
e ‘management’, exactamente
para ir buscar algum do dinheiro dos
concertos. Por outro lado, há a possibilidade,
um pouco mais distante, de
ser criada uma taxa, a ser paga de diversas
formas, nomeadamente pelos
sites de ‘download’ gratuito de música,
para ser depois distribuída pelas
editoras e pelos músicos”.
Mas André revela optimismo relativamente
ao futuro da editora. “Queria
dar uma volta às limitações que tenho
tido, sem grandes ambições irrealistas.
Uma das coisas que surgiu, numa conversa
com o Pedro Guedes da Orquestra
Jazz de Matosinhos [OJM], foi a hipótese
de uma parceria. Em princípio
isso será concretizado em Maio. As edições
da OJM passam a ser integradas
no catálogo da Tone of a Pitch que passa,
por seu lado, a beneficiar da estrutura
da OJM. É uma parceria que nos
dá excelentes perspectivas para as actividades
futuras da editora.”
Hoje e amanhã, na LXFactory comprova-se
a surpreendente vitalidade
do jazz feito no nosso país.
Programação completa em www.toapmusic.com
28 • Sexta-feira 2 Abril 2010 • Ípsilon

Que fazer de Rob
salvador e assas
A vida de Robespierre confunde-se com a Revolução Francesa de 1789 e com os anos
Quererá a França recordar? “Notre terreur”, em cena na Culturgest na próxima semana,
Teatro
Surge impecavelmente vestido, como
se de um político do nosso século se
tratasse. Camisa, gravata e calças de
um fato que para ser completo apenas
precisaria de um blazer. Surge impecável,
mas em desconcerto. Entre ele
e o abismo é apenas uma questão de
tempo. Robespierre é um herói, sim,
mas um herói por poucos meses.
“Está a construir-se o cenário para
a minha morte”, diz antes da queda.
Mas isso será mais à frente, num instante
de lucidez, quando os espíritos
entrarem em estado de embriaguez
revolucionária e suicidária. Agora,
ainda se está num princípio. E o discurso
de Robespierre é firme e eloquente.
Mas o olhar vagueia, o corpo
estremece. Como se já soubesse.
Nesse princípio, os revolucionários
que agora governam no Comité da
Salvação Pública esperam a sua chegada.
É a ele que ouvem, é ele que
seguem, como a um respeitado líder.
Para depois nele depositarem a culpa
e o peso do que de mais terrível aconteceu
na Revolução Francesa.
Lindet, Billaut, Collot, Couthon e
os outros – aqui representados como
homens comuns, dos dias de hoje –
aguardam então à volta de uma mesa
comprida. Um espaço, ocupado por
nove homens, mas sobretudo de palavras,
na criação colectiva que a companhia
francesa “d’ores et déjà” traz
na próxima semana a Lisboa. Palavras
que, juntas, criam o equilíbrio justo
entre o peso filosófico e a leveza poética.
Palavras que, de tão verdadeiras,
não se esgotam. Sobre o ideal da
revolução e o pesadelo do seu reverso.
“Notre terreur” (“O nosso terror”)
estará em cena no Grande Auditório
da Culturgest nos dias 8, 9 e 10. A peça
estreou em Setembro de 2009 no
La Colline – Théâtre National. É uma
criação sobre os anos do Terror (1793
e 1794) que se seguiram à Revolução
Francesa de 1789 que derrubou a monarquia.
E é colectiva porque nela não
se distingue (nem se hierarquiza) o
trabalho do encenador, Sylvain Creuzevault,
e dos actores, Samuel Achache,
Benoit Carré, Antoine Cegarra,
Éric Charon, Pierre Devérines, Vladislav
Galard, Lionel Gonzalez, Arthur
Igual e Léo-Antonin Lutinier.
É sempre esta a forma do grupo
trabalhar. Mas nesta peça, serve de
via natural para os actores entrarem
na cabeça e na pele dos revolucionários.
São-no já na forma de fazer teatro.
“O nosso objectivo é fazer de ‘Notre
terreur’ um conflito que emane de
uma experiência colectiva política e
não de uma dominação psíquica e
social de um encenador. [O nosso objectivo
é] Quebrar os códigos da propriedade
intelectual. Ficarmos de pé
nas nossas posições, nunca sentados
nos nossos lugares”, diz Creuzevault
numa entrevista por email antes da
“troupe” vir para Lisboa.
Mas nada que se possa vislumbrar
de um discurso político na peça tem
a ver com os dias de hoje. Nada do
que aqui se diz é metáfora para os excessos
do século XXI. “O terror de
então era totalmente diferente daquilo
que hoje nomeamos o terrorismo
de Estado”, esclarece o encenador.
“O primeiro [terror] foi mais uma figura
da resistência à opressão quando
o segundo é uma opressão.” Porém
reconhece: “Esta não é efectivamente
uma peça histórica. É política por
natureza, mas sem uma função política.”
A escrita é também colectiva, feita
“no tempo dos ensaios e que continua
frente aos espectadores”, em cena,
no palco, inspirada de alguns discursos
de figuras da revolução, Georges
Couthon, Saint-Just e Robespierre.
Denunciar a impostura
Maximilien Marie Isidore de Robespierre.
Advogado, excelente orador,
deputado da Convenção Nacional e
um dos chefes do governo revolucionário.
Revolucionário da ala mais radical
dos jacobinos que combateu a
facção dos girondinos, fundador do
Comité de Salvação Pública e personalidade
da Revolução que mais divide
os franceses. Figura sem medo no
olho do furacão. Depois da vitoriosa
revolta, personifica o Terror dos anos
que se seguem. em.
Num breve e momento
de glória antes do
fim, acredita que o
seu nome sobreviverá
à morte: ce Robespierre! A
moi la gloire! (A
“Pla-
mim a Glória!)”.
Mas a França,
hoje, não o lebra. Ou mui-
to pouco.
ce-
As poucas ruas
ou praças com o seu
nome não são em Paris
– no ano passado a Câmara
Municipal votou essa restrição.
“Termos uma ‘rua Robespierre’
em Paris significava dizer que se
aceitava que Robespierre não foi
aquilo que, durante muito po, se fez dele e que ainda hoje
se faz. Só uma tradição marxis-
temta
tentou perceber o governo
revolucionário e não apenas
julgar Robespierre”, ra Sylvain Creuzevault.
Por isso, também, só algu-
considemas
cidades de políticas comunistas
na chamada cintura
vermelha em redor de
Paris, têm ruas, praças ou
estações de metro (como
30 • Sexta-feira 2 Abril 2010 • Ípsilon

É uma criação sobre os anos do
Terror (1793 e 1794) que se
seguiram à Revolução Francesa
onde não se distingue o
trabalho do encenador e dos
actores. É sempre esta a forma
deste grupo trabalhar, mas
nesta peça isso serve de via
natural para os actores
entrarem na cabeça e na pele
dos revolucionários
bespierre,
ssino?
s de Terror que se seguiram. Mas em Paris não existe uma rua ou uma praça com o seu nome.
, assume-se como experiência colectiva política. Ana Dias Cordeiro
“Termos uma ‘rua
Robespierre’ em Paris
significava dizer
que se aceitava
que Robespierre não
foi aquilo que,
durante muito tempo,
se fez dele e que ainda
hoje se faz. Só uma
tradição marxista
tentou perceber
o governo
revolucionário e não
apenas julgar
Robespierre”
Sylvain Creuzevault,
encenador
em Montreuil) em homenagem a Robespierre.
O resto é censura, diz o encenador.
Mas quererá a França recordar? “Os
franceses têm uma relação com esta
época que surpreende, em que a exaltação
se confunde com o medo”, continua.
A visão ou versão dominante deste
período faz-se quase de um só lado
– o contra-revolucionário. O que a
companhia quis fazer, explica Creuzevault,
foi questionar essa visão de
Robespierre como “de uma máscara
do inimigo a abater, e sobre o seu corpo
abatido, o lugar de um símbolo
que ainda hoje é transmitido como
reaccionário: o homem do sangue do
Terror”, diz. “Queríamos pelo teatro
denunciar esta impostura, contrariála.”
O peso e a aura
Robespierre carrega o peso desse terror
mas também a aura de um libertador.
Chamavam-lhe o “incorruptível”
por defender o povo. E também
o tirano, o ditador, o fanático. Levou
ao extremo o ideal da liberdade, esmagando-o.
Disso foi acusado. Foi
mandado para a guilhotina e executado
em 28 de Julho de 1794.
É dessa lenta descida ao inferno
que trata “Notre terreur”. Ele não implorará
nada no fim. Acusará. O que
era lúcido, nebuloso se tornará. Palavras
sem nexo, faces pintadas, vestes
rasgadas, objectos em desarrumo e a
mesa que, de tão comprida e direita,
parecia apontar para um caminho,
está agora desalinhada.
“Já não há linha a direito”, diz um
dos membros do comité. Já não há
uma luz, um sinal a mostrar por onde
ir.
Quando pronuncia as últimas palavras
– “a pátria queixa-se da nossa
fraqueza” – Robespierre não procura
compaixão, nem reconhece o impossível
do seu ideal. Antes ataca, para
se defender. Será isso que fez na realidade
quando dele fizeram o tal
monstro a abater? “Decidimos tomar
esse risco no teatro, e pensamos que
ele o tomou também historicamente”,
explica Creuzevault.
“Que fazer de Robespierre, salvador
e assassino?” pergunta Saint-Just,
amigo de Robespierre e um dos membros
mais radicais do comité, na primeira
cena em que não representa a
sua personagem mas recita um texto
sobre a relação entre Robespierre e
o povo.
E continua: “Viemos, Grande Robespierre,
para te celebrar
E, querido representante, para depositar
as cores da pátria a teus pés/
E viemos ver no teu rosto de que são
feitos os traços de um tirano.”
Na récita, o actor deixa que o seu
corpo seja tomado pela força das palavras.
Fala para alguém, mas está
sozinho. Estende a mão e, em representação
do povo, declara: “Glória a
ti, Grande Robespierre, representante
do povo francês, salvador, libertador
da primeira República deste
mundo
E maldito sejas tu, assassino, tirano
da opinião, burguês sequioso de sangue
inocente, de quem o sangue não
devia ter derramado, do qual és culpado,
e por isso serás castigado.”
Nesta récita de introdução, o actor
exalta-se e comove-se, contorce-se,
antes de se converter na personagem
que representa no resto da peça,
Saint-Just, e juntar-se à mesa comprida
do Comité da Salvação Pública, no
princípio.
Aqui comenta-se a execução de
Danton. “Como é ver lá do alto uma
execução?
Calmo/ Havia uma espécie de silêncio,
um sentimento patriótico humilde
que se apoderou da multidão. (...)
Não imaginava um silêncio assim.”
“Danton era amado do povo”, diz
um ainda tomado pela dúvida. Era um
inimigo da revolução, remata Robespierre
assim que surge, impecável, de
camisa e gravata, mas sem blazer:
“[Danton] Virou o seu pensamento e
a sua pluma contra nós. Está morto.”
“Regozijemo-nos
A última facção caiu e o povo estava
reunido em torno da sua queda”,
continua um elemento do grupo.
“Reunido? Estava era aterrorizado”,
completa outro.
Como Danton – a quem o dramaturgo
alemão do século XIX Georg
Büchner dedicou uma peça “A Morte
de Danton” – outros, além do rei Luís
XVI, executado em 1793, serão depois
disso impiedosamente executados.
Na peça realça-se a morte de Cécile
Renault (e de toda a família), acusada
de tentar assassinar Robespierre
na rua entre a multidão. E de Lucille
(mulher do Camille Desmoulins) que
“espalha boatos, panfletos” contra o
comité de salvação.
Será a primeira república também
a primeira ditadura deste mundo? E
será o seu representante um assassino?
Diz Creuzevault: “A questão não
é saber se foi ou não uma ditadura
mas se o Terror surgiu da vontade da
soberania popular, como resistência
à opressão.”
Robespierre diz que agiu em nome
da virtude. “Tu salvaste a França e
por isso mataste franceses. Disseste
que não poderia ser feito de outra
forma”, é-lhe dito na récita de Saint-
Just, no início. “Não queríamos que
ninguém morresse. Não te elegemos
para que houvesse guerra, mas paz.
Uma coisa é seres culpado, outra é
ignorares sê-lo. Um vício.” Essa é a
distância que vai do vício à virtude.
Ípsilon • Sexta-feira 2 Abril 2010 • 31

Aleksandar
Hemon “O Projecto Lazarus”
é um romance comovente sobre
identidade, desilusão
e perda e luto,
por um
autor já
comparado
a Nabokov
e a Conrad.
Pág. 37
Field Music Vão ser tão
grandes quanto a inteligência humana
permitir. Pág. 49
Robert Wise Um cineasta
mal amado a (re)descobrir – caixa
DVD da Costa do Castelo. Pág. 45
Maria de Medeiros
Leva “Penínsulas & Continentes” a
Lisboa, dia 7, e a Gaia, dia 8. Pág. 46
Broken Bells Meia
dúzia de grandes canções e mais um
punhado de muito razoáveis melodias:
nada mau para este mini-super-duo formado
por Danger Mouse e James Mercer. Pág. 49
António Osório A
poesia completa, emotiva, cuidadosa,
compassiva. Pág. 36
Ípsilon • Sexta-feira 2 Abril 2010 • 33

Teatro/Dança
A pintora
que não
consegue
encontrar
o branco
Um texto interpela o
público sobre a guerra,
a desumanidade, os
acontecimentos violentos.
Ana Maria Henriques
Terra sem Palavras
De Dea Loher. Pela Assédio.
Encenação de João Cardoso. Com
Rosa Quiroga.
Porto. Estúdio Zero. R. do Heroísmo, 86. De 27/03 a
11/04. 3ª a Sáb. às 21h30. Dom. às 16h. 2,5€ a 8€.
Em K. – que pode ser Kabul, mas
também Bagdade ou Sarajevo -, uma
artista partilha connosco a sua
frustração criativa: “não consegue
encontrar o branco”. Mas não é um
“branco qualquer”, conta-nos Rosa
Quiroga, a actriz que interpreta a
pintora sem nome em “Terra sem
Palavras: o branco em questão é a
cor, ou a ausência da mesma, que
resulta da violência das explosões,
daquelas que povoam as cidades em
guerra. É o branco momentâneo, tão
difícil de imortalizar.
Em cena no portuense Estúdio
Zero, com produção da Assédio –
Associação de Ideias Obscuras,
“Terra sem Palavras” é um texto de
Dea Loher, dramaturga alemã que
decidiu escrever sobre o bloqueio
Agenda
Teatro
Estreiam
O Nosso Terror
De D’ores et Déjà. Encenação de
Sylvain Creuzevault. Com Samuel
Achache, Benoit Carré, Antoine
Cegarra, Éric Charon, Pierre
Devérines, Vladislav Galard, Lionel
Gonzalez, Arthur Igual, Léo-Antonin
Lutinier.
Lisboa. Culturgest - Grande Auditório. Rua Arco do
Cego - Edifício da CGD. De 08/04 a 10/04. 5ª a Sáb.
às 21h30. Tel.: 217905155. 5€ a 15€.
Ver texto na págs. 30 e 31
Tuning
De Rodrigo Francisco. Pela
Companhia de Teatro de Almada.
Encenação de Joaquim Benite.
Almada. Teatro Municipal de Almada - Sala
Experimental. Av. Professor Egas Moniz. De 08/04
a 02/05. 4ª a Sáb. às 21h30. Dom. às 16h. Tel.:
212739360. 5€ a 11€.
Die Maiers - Episódio I
De Sabine Maier, Yogi Mohr.
Encenação de Yogi Mohr. Com
Sabine Maier, Yogi Mohr, Luca Maier,
Branca Maier, August Maier.
Dea Loher, dramaturga alemã, escreveu sobre
o bloqueio criativo que uma cidade devastada
pode causar a um artista
criativo que uma cidade devastada
pode causar num artista.
Dirigida por João Cardoso, Rosa
Quiroga dá vida a mais um monólogo
produzido pela Assédio. A diferença
é que desta vez o sentimento “não é
tão palpável como nos espectáculos
anteriores”. Rosa explica: “alguém
está encalhado num quadrado da sua
vida”. E o “quadrado” da pintora que
vive em K. é o seu atelier, uma divisão
preenchida com um quadro de
ardósia onde se reflecte a passagem
dos dias e das noites e um tapete que
é uma manta de retalhos. Enquanto
beberica chá, descalça, a pintora
divaga sobre a inevitabilidade da
podridão do corpo humano: “já
ninguém aceita o que é
Lisboa. Chapitô. R. Costa do Castelo, 1/7. De 08/04
a 18/04. 5ª a Dom. às 22h. Tel.: 218855550. 8€ a 12€.
Continuam
Antígona
De Sófocles. Encenação de Nuno
Carinhas. Com Alexandra Gabriel,
António Durães, Emília Silvestre,
João Castro, Jorge Mota, José
Eduardo Silva, Lígia Roque, Maria do
Céu Ribeiro, Paulo Freixinho, Pedro
Almendra.
Porto. Teatro Nacional São João. Pç. Batalha. Até
23/04. 4ª a Sáb. às 21h30. Dom. às 16h00. Tel.:
223401910. 3,75€ a 16€.
Uma Família Portuguesa
De Filomena Oliveira, Miguel Real.
Pelo Teatro Aberto. Encenação de
Cristina Carvalhal. Com Bruno
Simões, Carlos Malvarez, João Maria
Pinto, Luísa Salgueiro, Teresa Faria.
Lisboa. Teatro Aberto - Sala Vermelha. Pç.
Espanha. Até 02/05. 4ª a Sáb. às 21h30. Dom. às
16h. Tel.: 213880089. 7,5€ a 15€.
Num Dia Igual aos Outros
De John Kolvenbach. Encenação de
Marco Martins. Com Nuno Lopes,
Gonçalo Waddington.
Lisboa. Teatro Nacional D. Maria II - Sala Estúdio.
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
verdadeiramente belo, como o cheiro
de um amigo. Como se pinta isso?”.
Quando damos por ela já é noite
outra vez, a luz já não ilumina o
quadro de ardósia, a música indica
que o dia está no fim e a pintora
volta-se de costas para o público,
como no início desta viagem entre
quatro paredes. Ouvem-se sons de
carroças, cabras e crianças na rua,
crianças que vão acabar por perder
um braço ou uma perna por
pisarem uma mina perdida na
estrada de terra batida. É esta
realidade de violência, pobreza e
desespero que bloqueia a nossa
artista. “And then you are stuck”,
repete, num esforço de afirmação
constante.
Pç. D. Pedro IV. Até 18/04. 4ª a Sáb. às 21h45. Dom.
às 16h15. Tel.: 213250835. 12€.
A Balada da Margem Sul
De Helder Costa, Jorge Palma
(canções). Pela Barraca. Encenação
de Helder Costa. Com Sérgio Moras,
Ciomara Morais, Adérito Lopes,
Pedro Borges, entre outros.
Lisboa. A Barraca - Teatro Cinearte. Lg Santos, 2.
Até 31/12. 5ª a Sáb. às 21h30. Dom. às 16h. Tel.:
213965360. 5€ a 12,5€.
Dança
Estreiam
Kings Cross
De Pedro Pires.
Porto. Teatro Helena Sá e Costa (ESMAE). R.
Alegria, 503 (entrada pela R. da Escola Normal,
“Este texto interpela o público
sobre a guerra, a desumanidade, os
acontecimentos violentos. Põe o
artista em confronto consigo, com a
sua obra e com o que o leva a
executá-la”, explica João Cardoso,
acrescentando que não se pretende
que “Terra sem Palavras” seja um
espectáculo “tão virado para fora,
mas mais intimista”.
“E a dor? E a felicidade?”,
questiona-se – ou questiona-nos a
nós -, ao mesmo tempo que a luz e
a música voltam a mudar, e as
memórias passam a ser mais
difusas, frases e conceitos lançados
arbitrariamente: “You have seen
the surface; pretty much the
surface”.
39). De 07/04 a 08/04. 4ª e 5ª às 21h30. Tel.:
225189982.
Continuam
Maiorca
De Paulo Ribeiro. Pela Companhia
Paulo Ribeiro. Com Erika
Gustamacchia, Gonçalo Lobato,
Marta Cerqueira, Pedro Mendes,
Romulus Neagu, Pedro Burmester.
Torres Vedras. Teatro-Cine. Av. Tenente Valadim,
19. Dia 03/04. Sáb. às 21h30. Tel.: 261338131. 5€.
34 • Sexta-feira 2 Abril 2010 • Ípsilon

Teatro/Dança
A pintora
que não
consegue
encontrar
o branco
Um texto interpela o
público sobre a guerra,
a desumanidade, os
acontecimentos violentos.
Ana Maria Henriques
Terra sem Palavras
De Dea Loher. Pela Assédio.
Encenação de João Cardoso. Com
Rosa Quiroga.
Porto. Estúdio Zero. R. do Heroísmo, 86. De 27/03 a
11/04. 3ª a Sáb. às 21h30. Dom. às 16h. 2,5€ a 8€.
Em K. – que pode ser Kabul, mas
também Bagdade ou Sarajevo -, uma
artista partilha connosco a sua
frustração criativa: “não consegue
encontrar o branco”. Mas não é um
“branco qualquer”, conta-nos Rosa
Quiroga, a actriz que interpreta a
pintora sem nome em “Terra sem
Palavras: o branco em questão é a
cor, ou a ausência da mesma, que
resulta da violência das explosões,
daquelas que povoam as cidades em
guerra. É o branco momentâneo, tão
difícil de imortalizar.
Em cena no portuense Estúdio
Zero, com produção da Assédio –
Associação de Ideias Obscuras,
“Terra sem Palavras” é um texto de
Dea Loher, dramaturga alemã que
decidiu escrever sobre o bloqueio
Agenda
Teatro
Estreiam
O Nosso Terror
De D’ores et Déjà. Encenação de
Sylvain Creuzevault. Com Samuel
Achache, Benoit Carré, Antoine
Cegarra, Éric Charon, Pierre
Devérines, Vladislav Galard, Lionel
Gonzalez, Arthur Igual, Léo-Antonin
Lutinier.
Lisboa. Culturgest - Grande Auditório. Rua Arco do
Cego - Edifício da CGD. De 08/04 a 10/04. 5ª a Sáb.
às 21h30. Tel.: 217905155. 5€ a 15€.
Ver texto na págs. 30 e 31
Tuning
De Rodrigo Francisco. Pela
Companhia de Teatro de Almada.
Encenação de Joaquim Benite.
Almada. Teatro Municipal de Almada - Sala
Experimental. Av. Professor Egas Moniz. De 08/04
a 02/05. 4ª a Sáb. às 21h30. Dom. às 16h. Tel.:
212739360. 5€ a 11€.
Die Maiers - Episódio I
De Sabine Maier, Yogi Mohr.
Encenação de Yogi Mohr. Com
Sabine Maier, Yogi Mohr, Luca Maier,
Branca Maier, August Maier.
Dea Loher, dramaturga alemã, escreveu sobre
o bloqueio criativo que uma cidade devastada
pode causar a um artista
criativo que uma cidade devastada
pode causar num artista.
Dirigida por João Cardoso, Rosa
Quiroga dá vida a mais um monólogo
produzido pela Assédio. A diferença
é que desta vez o sentimento “não é
tão palpável como nos espectáculos
anteriores”. Rosa explica: “alguém
está encalhado num quadrado da sua
vida”. E o “quadrado” da pintora que
vive em K. é o seu atelier, uma divisão
preenchida com um quadro de
ardósia onde se reflecte a passagem
dos dias e das noites e um tapete que
é uma manta de retalhos. Enquanto
beberica chá, descalça, a pintora
divaga sobre a inevitabilidade da
podridão do corpo humano: “já
ninguém aceita o que é
Lisboa. Chapitô. R. Costa do Castelo, 1/7. De 08/04
a 18/04. 5ª a Dom. às 22h. Tel.: 218855550. 8€ a 12€.
Continuam
Antígona
De Sófocles. Encenação de Nuno
Carinhas. Com Alexandra Gabriel,
António Durães, Emília Silvestre,
João Castro, Jorge Mota, José
Eduardo Silva, Lígia Roque, Maria do
Céu Ribeiro, Paulo Freixinho, Pedro
Almendra.
Porto. Teatro Nacional São João. Pç. Batalha. Até
23/04. 4ª a Sáb. às 21h30. Dom. às 16h00. Tel.:
223401910. 3,75€ a 16€.
Uma Família Portuguesa
De Filomena Oliveira, Miguel Real.
Pelo Teatro Aberto. Encenação de
Cristina Carvalhal. Com Bruno
Simões, Carlos Malvarez, João Maria
Pinto, Luísa Salgueiro, Teresa Faria.
Lisboa. Teatro Aberto - Sala Vermelha. Pç.
Espanha. Até 02/05. 4ª a Sáb. às 21h30. Dom. às
16h. Tel.: 213880089. 7,5€ a 15€.
Num Dia Igual aos Outros
De John Kolvenbach. Encenação de
Marco Martins. Com Nuno Lopes,
Gonçalo Waddington.
Lisboa. Teatro Nacional D. Maria II - Sala Estúdio.
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
verdadeiramente belo, como o cheiro
de um amigo. Como se pinta isso?”.
Quando damos por ela já é noite
outra vez, a luz já não ilumina o
quadro de ardósia, a música indica
que o dia está no fim e a pintora
volta-se de costas para o público,
como no início desta viagem entre
quatro paredes. Ouvem-se sons de
carroças, cabras e crianças na rua,
crianças que vão acabar por perder
um braço ou uma perna por
pisarem uma mina perdida na
estrada de terra batida. É esta
realidade de violência, pobreza e
desespero que bloqueia a nossa
artista. “And then you are stuck”,
repete, num esforço de afirmação
constante.
Pç. D. Pedro IV. Até 18/04. 4ª a Sáb. às 21h45. Dom.
às 16h15. Tel.: 213250835. 12€.
A Balada da Margem Sul
De Helder Costa, Jorge Palma
(canções). Pela Barraca. Encenação
de Helder Costa. Com Sérgio Moras,
Ciomara Morais, Adérito Lopes,
Pedro Borges, entre outros.
Lisboa. A Barraca - Teatro Cinearte. Lg Santos, 2.
Até 31/12. 5ª a Sáb. às 21h30. Dom. às 16h. Tel.:
213965360. 5€ a 12,5€.
Dança
Estreiam
Kings Cross
De Pedro Pires.
Porto. Teatro Helena Sá e Costa (ESMAE). R.
Alegria, 503 (entrada pela R. da Escola Normal,
“Este texto interpela o público
sobre a guerra, a desumanidade, os
acontecimentos violentos. Põe o
artista em confronto consigo, com a
sua obra e com o que o leva a
executá-la”, explica João Cardoso,
acrescentando que não se pretende
que “Terra sem Palavras” seja um
espectáculo “tão virado para fora,
mas mais intimista”.
“E a dor? E a felicidade?”,
questiona-se – ou questiona-nos a
nós -, ao mesmo tempo que a luz e
a música voltam a mudar, e as
memórias passam a ser mais
difusas, frases e conceitos lançados
arbitrariamente: “You have seen
the surface; pretty much the
surface”.
39). De 07/04 a 08/04. 4ª e 5ª às 21h30. Tel.:
225189982.
Continuam
Maiorca
De Paulo Ribeiro. Pela Companhia
Paulo Ribeiro. Com Erika
Gustamacchia, Gonçalo Lobato,
Marta Cerqueira, Pedro Mendes,
Romulus Neagu, Pedro Burmester.
Torres Vedras. Teatro-Cine. Av. Tenente Valadim,
19. Dia 03/04. Sáb. às 21h30. Tel.: 261338131. 5€.
34 • Sexta-feira 2 Abril 2010 • Ípsilon

Livros
Próximo de um discurso
cristão, António Osório não
revela inclinações metafísicas,
acredita apenas nas emoções
e nas coisas
36 • Sexta-feira 2 Abril 2010 • Ípsilon
Poesia
Gratidão
A poesia completa de
António Osório: emotiva,
cuidadosa, compassiva.
Pedro Mexia
A Luz Fraterna
António Osório
Assírio & Alvim
mmmmm
Edição
António Osório
estreou-se em 1972
com “A Raiz
Afectuosa”, e
quatro décadas
depois publica a
sua poesia reunida
em “A Luz
Fraterna”. Os
títulos são emotivos, compassivos,
benevolentes, tal como toda esta
poesia.
Desde o início que Osório
reivindicou o regresso a uma
emotividade perdida, numa escrita
intimista e cuidada. Numa “autoentrevista”,
o autor definiu assim a
sua poética: limpar as palavras da
sujidade, usar poucos adjectivos,
dizer o inominável de forma brutal.
As palavras usadas por Osório são
limpas, buriladas, poucos poetas
portugueses têm uma tal mestria
prosódica e estrófica, mas isso não
significa uma legibilidade ingénua,
porque muitas vezes a palavra
exacta é arcaica ou enigmática.
Herdeiro de alguns poetas italianos
ditos herméticos, Osório nunca cede
ao hermetismo nem à facilidade. Os
poemas usam a enumeração, o
adjectivo suspenso entre vírgulas, a
densidade imagística e a concisão
epigramática. Comunicam e são
comunicantes.
Colectâneas como a já citada e
como “A Ignorância da Morte” (1978)
e “O Lugar do Amor” (1981)
estabelecem um espaço
essencialmente privado. É a família o
grande tema, sobretudo o pai
português e a mãe italiana. Cada
recordação continua uma conversa
interrompida, é um instante de amor
saudoso e sofrido. O poema
florentino do pombo que sobrevoa a
casa dos pais é uma das mais
pungentes elegias em língua
portuguesa: “(…) Agora sou eu quem
voa amando por ti/e por mim a sua
triste e orgulhosa/alma, pouso no
Battistero/porque sei que Dante foi ali
baptizado/e conspurco em
Orsanmichele a cabeça de San
Giorgio/tocando no bronze que teve a
mão de Donatello. /Ó coisas ocres, de
açafrão, enegrecidas,/sobre as quais
voo buscando pedaços de pão/que
transeuntes davidosos oferecem. /E à
espera que uma persiana se abre/e
encontre, Mãe, um rosto que lembre
o teu/e onde nessa mão eu chegue e
coma” (pág. 124).
E não são apenas os pais, mas
também os filhos, ou a felicidade
conjugal. E os outros: Osório tornouse
conhecido como poeta dos
“ofícios”, e por aqui passam
calceteiros, cangalheiros,
apicultores, geralmente pessoas
“The Short Second Life of
Bree Tanner: An Eclipse
Novella”, de Stephenie
Meyer, vai ser editado
a 5 de Junho. A autora
da saga de vampiros
“Twilight” recupera neste
livro uma personagem
secundária que apareceu
humildes, que os poemas elevam
por causa do seu trabalho e do seu
sofrimento. A piedade e a
compaixão são traços essenciais
desta poesia, que também não
esquece os animais. A segunda parte
de “Planetário e Zoo dos Homens”
(1990) irmana homens e bichos
nessa “perversão edénica” que é o
jardim zoológico, com o sofrimento
quase intermutável, num
franciscanismo laico. “Aforismos
Mágicos” (1985) e “D. Quixote e os
Touros” (1991) são, respectivamente,
uma apologia do cavalo e uma
meditação sobre o touro. Animais
sagrados, o primeiro representa a
nobreza, a elegância, a velocidade.
Já o touro é um símbolo da morte,
um “símbolo abusivo”, precisa
Osório. A questão taurina é
problemática, mas a opção de
Osório é equânime: a tourada é um
acto de bravura mas também um
ritual bárbaro. Elogiando a coragem
e destreza dos toureiros, o poeta
sabe que há uma tradição, do Egipto
a Lorca, que acentua a tragédia
simbólica da festa brava. Mas “matar
a morte” é tarefa enganadora,
quixotesca, feita de medo e
violência.
Próximo de um discurso cristão, o
escritor não revela inclinações
metafísicas, acredita apenas nas
emoções e nas coisas. Até invoca o
pai do materialismo filosófico: “Anda
ver, Lucrécio, as tuas constelações. /
Na noite bebem, animais vagarosos./
Vénus rodeia ainda o sol e sirius / na
esfera celeste que foi tua. / Sem
deuses, como querias, a máquina /
do mundo. Ali tens, em Roma, a tua
exacta / longitude. As marés chegam
e partem – / ondas pontuais como as
estações. / E Março tudo renova,
menos o homem, / matéria volátil”
(págs. 303-304). À mortalidade,
opõe a experiência sensual. Não
apenas o idílio carnal (“Adão, Eva e o
Mais”, 1983), mas também “a
felicidade da pintura”. “Ut pictura
poesis”, diziam os antigos, na poesia
assim como na pintura, e a
irmandade dessas artes está em
muitos poemas: “Felicidade da
pintura: / eis vivo, duplo, evidência
cósmica, o que amaste / e tu dentro
delas, sangue, carnação, a luz /
distante, orgulhosa, dolorida de seus
olhos” (pág. 188). Tão altos como os
pintores, só os músicos. E a
santíssima trindade poética Homero,
Dante e Camões. O auge desse
tributo é o esplêndido “Décima
Aurora” (1982).
António Osório sempre cultivou a
prosa, mas a partir da década de
1990, a prosa torna-se dominante. O
registo vai do mais comum “poema
em prosa” à página memorialística,
passando por homenagens e
histórias de vidas alheias. Eis a
descrição que o autor fez de
“Crónica da Fortuna” (1997): “Este é
um livro de curadores, de sectários,
de muitos animais, de árvores, de
ofícios em extinção (…), de
pela primeira vez em
“Eclipse”, o terceiro
volume da saga, mas
morreu pouco depois.
Uma versão digital estará
disponível gratuitamente
entre 7 de Junho e 5
de Julho no site www.
breetanner.com.
ecologistas incómodos, de meninos
que se alegram num picadeiro e
duma criança sobredotada, dum
dúplice ‘espectador divino’, da
última amada de Homero, e de
outros poetas, alguns de vida
desastradas, caso de Tshanyang
Gytasho, o Sexto Dalai-Lama, com a
tentação dos versos e das doces
amigas, de um ‘inimigo da poesia’,
por sinal bem ilustre, Italo Svevo”
(pág. 322). Muitos destes textos são
sobre pequenos vigaristas, videntes,
magos, cartomantes, ou sobre
doentes e pedintes, textos
humanamente disponíveis e
condoídos. No desconcerto do
mundo, encontramos toda a espécie
de fortunas e infortúnios: “Fortuna
dos que não morrem em vida. Dos
que passam por dentro e pelo fundo
da sua tristeza, e vão além. Dos que
se contentam com o súbito pão das
palavras. Dos que não causam dano
nem semeiam culpa. Dos que
poderiam apresentar-se limpamente
diante de Deus” (pág. 366).
E quem nos liberta dessa peste da
transitoriedade e da miséria? Os
poetas, que tanto podem ser os
ambientalistas como aqueles
fabulosos autores desconhecidos
aqui “mudados para português”
(índios, monges, generais). Mesmo
quando vê o que está à sua beira,
António Osório acredita na
transfiguração, acredita numa
poesia órfica que responda aos
mistérios da nossa iniquidade e
grandeza (“Libertação da Peste”,
2002).
Esta edição, com prefácio de
Eugénio Lisboa e uma entrevista
de Ana Marques Gastão, traz um
punhado de inéditos e dispersos,
uma antologia crítica e uma
bibliografia exaustiva. A estes
poemas não é devida apenas
admiração mas também gratidão:
“Gratidão de ser / por estes anos /
e partículas restantes. // Pela
amizade, / que chega a confundir
o amor. // Pela bondade, / que
torna a solidão desvalida. // Pela
hombridade, / à altura do céu. //
Pela beleza, / que só à santidade /
sobrepassa. / E é flagrante,
perdulária, / noutros renascente.
// Gratidão / que nem sabe / a
quem deve ser grata” (págs. 149-
150).
Ficção
Escrita e
ressurreição
Um romance comovente
sobre identidade, desilusão
e perda e luto, por um autor
já comparado a Nabokov
e a Conrad. José Riço
Direitinho

aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
O Projecto Lazarus
Aleksandar Hemon
(traduzido por Isabel Alves)
Civilização
mmmmm
Quando as tropas
sérvias cercaram
Sarajevo, em Abril
1992 (terminou em
Fevereiro de 1996,
tornando-se assim
no mais longo
cerco da história da
guerra moderna), o
jovem bósnio Aleksandar Hemon (n.
1964) estava de visita aos EUA. Viuse
assim impedido de regressar à
sua, então sitiada, cidade natal. Uma
prevista estada de alguns meses na
América tornou-se definitiva. Três
anos depois, Hemon escreveu o
primeiro conto em inglês, e em
pouco tempo as suas histórias
começavam a aparecer em
publicações como a “Granta” ou a
“The New Yorker”. Em 2000
publicou o primeiro livro, “The
Question of Bruno” (edição
portuguesa na ASA, em 2003, “A
Questão de Bruno”), e dois anos
depois “Nowhere Man – The Pronek
Fantasies”, finalista do National
Book Critics Circle Award. Com estas
obras, tornou-se num dos mais
promissores autores norteamericanos
(entretanto, adquiriu a
nacionalidade).
A confirmação chegou em 2008
com “O Projecto Lazarus”, que foi
finalista do National Book Award.
Hemon baseou-se numa história
verídica acontecida há um século, a
de Lazarus Averbuch, de 19 anos de
idade, imigrante judeu russo que
escapou, com a irmã, ao “pogrom”
de Kishinev, na Páscoa de 1903, e
que conseguiu chegar a Chicago,
onde numa manhã de 1908 foi morto
a tiro pelo chefe da polícia local
quando lhe tentava entregar, em
mão, uma carta; a polícia pensou
tratar-se de uma conspiração
anarquista, o que provocou uma
histérica onda xenófoba que
avassalou a cidade. Escreve Hemon:
“A América estava obcecada com o
anarquismo. (…) os pregadores
patriotas arrazoavam
acaloradamente contra os perigos
pecaminosos da imigração
descontrolada, contra os ataques à
liberdade americana e ao
cristianismo.” Mas “O Projecto
Lazarus” é também a moderna
história do narrador (obviamente
autobiográfica), o imigrante bósnio,
já nacionalizado norte-americano,
Vladimir Brik, que, numa tentativa
desesperada de dar sentido e de
ordenar a sua própria vida, pretende
escrever um romance baseado no
incidente ocorrido com o jovem
imigrante russo. Ambas as
narrativas, separadas quase cem
anos, são apresentadas em capítulos
alternados, num pretenso
Aleksandar Hemon, bósnio de origem, já é um
dos mais promissores autores norte-americanos
(entretanto, adquiriu a nacionalidade)
hibridismo de géneros entre ficção e
autobiografia, estabelecendo-se, no
equilíbrio das identidades dos dois
imigrantes, um inesperado
paralelismo. “A guerra contra o
anarquismo era muito semelhante à
guerra actual contra o terrorismo – é
interessante constatar que os velhos
hábitos nunca morrem.”
Brik, o narrador, que vive a
expensas da mulher americana com
quem se casara, uma médica de
sucesso, recebe uma inesperada
bolsa para escrever o livro sobre
Lazarus. Por essa altura, ele
encontra um antigo companheiro do
liceu em Sarajevo, o enigmático
fotógrafo Rora, um mitómano
contador de estranhas histórias,
como a do louco que durante o
cerco corria pelas ruas de Sarajevo
com um limão enfiado na boca, ou a
da equipa feminina de “hóquei
subaquático” da Moldávia. E, com o
dinheiro da bolsa, ambos partem
numa viagem a Kishinev, que acaba
por se prolongar pelo Leste Europeu
(com retorno a Sarajevo) numa
espécie de périplo ao contrário do
que cem anos antes Lazarus fizera,
pois Brik “precisava de ver o que
não conseguia imaginar”. (Para
reforçar o lado autobiográfico,
Hemon realizou de facto esta viagem
na companhia de um amigo
fotógrafo, Velibor Bosovic – o livro é
ilustrado com algumas fotografias
suas e outras dos arquivos da polícia
de Chicago em que aparece o corpo
de Lazarus Averbuch.) As descrições
vívidas da viagem – a par do
ambiente da Chicago de 1908 – são
das partes mais conseguidas do
romance. (Na Ucrânia hospedam-se
num hotel-bordel, o Centro de
Negócios Bukovina. São guiados por
um taxista louco atravessando
cidades que mais pareciam um
‘décor’ de filmes pós-cataclismo.
Entram na Moldávia numa
camioneta em que todos “cheiravam
mal, eram feios, estavam bêbados e
eram apáticos”. A atmosfera de
vileza impregna toda a viagem.)
Mas é a ressonância bíblica do
nome Lazarus, o que ressuscitou
para uma nova vida, que oferece a
ideia principal do romance. “Terá
[Lazarus] tido de ‘desmemorar’ a
sua vida anterior e começar do zero
como um imigrante?” Aleksandar
Hemon apresenta a emigração como
uma espécie de morte seguida de
ressurreição, depois do desespero,
das desilusões e das perdas. E,
também no caso do narrador, essa
morte metafórica foi necessária para
que ele começasse finalmente a
Litvínov: tem dignidade e bom
senso, mas falta-lhe a chama que
atiça uma grande paixão. O enredo,
as características gerais dos
protagonistas, temas e enfoque
social até são comuns aos dois livros,
mas a locomotiva emocional de
Tolstói é substituída em Turguénev
por subtis estados de
intranquilidade.
A constância de Turguénev
permite-lhe aproximar-se das
personagens principais como num
passeio a pé pelas ruas de Baden.
Enquanto elas não aparecem,
atentemos na descrição de uma
florista (e não “floreira”, p. 17), que
diz bem da atmosfera social que as
aguarda: depois de ignorar o aceno
de um cliente mal vestido, ela nem
agradece a outro que lhe deu uma
gorjeta generosa: “Vorochílov estava
vestido com muita elegância, até
mesmo com um certo refinamento,
mas os olhos experientes da
parisiense detectaram logo nos seus
modos, no seu ar, na própria
maneira de andar, que trazia
vestígios de um treino militar desde
novo, a ausência de um ‘chic’
autêntico, puro sangue.”
A atmosfera em que “Fumo” irá
mergulhar é a da aristocracia russa.
E os seus encantos estão destinados
a excluir o protagonista Litvínov
(educado na Europa Central, filho de
um grande proprietário, mas sem
título de nobreza), como se adivinha
desde o início: “uma gargalhada
geral chegou até aos seus ouvidos.
Não estavam a rir-se dele, mas do há
muito aguardado Monsieur Verdier,
que surgira subitamente na
esplanada com um chapéu tirolês,
uma blusa azul e montado num
burro; mas o sangue subiu às faces
de Litvínov, que se sentiu amargo
(…) ‘Gente vulgar, desprezível!’,
murmurou.”
Litvínov foi noivo da bela Irina (as
páginas mais inspiradas do livro
acontecem quando estão juntos) e
foi abandonado por ela depois de
Irina triunfar como debutante num
baile a que só foi por insistência sua.
O reencontro de ambos em Baden
vem revelar a fragilidade de Litvínov.
Quanto a Irina, o seu futuro
estava esboçado antes de
conhecê-lo:
“Era uma rapariga alta,
bem constituída, com o
peito um pouco chato e
os ombros estreitos da
juventude, com a pele
muito branca, raro
na sua idade, pura
e suave como
porcelana, com uma
farta cabeleira loira,
onde havia tufos escuros
alternando com outros
mais claros. As suas feições,
refinadas, quase
irrepreensivelmente
regulares, não tinham
ainda perdido
completaescrever
o livro que ambicionava e
que iria ordenar a sua vida,
incluindo o casamento. Por isso,
depois de visitar o cemitério de
Kishinev, diz: “Uma parte da minha
vida acabou ali, entre aqueles
túmulos vazios; foi então que
comecei o meu luto.” O túmulo
vazio é ao mesmo tempo sinal de
ressurreição e de perda.
Como fumar
o encanto
Se fosse um filme diríamos
que “Fumo” é uma produção
de baixo orçamento, que aos
grandes prefere os pequenos
gestos. Rui Catalão
Fumo
Ivan Turguénev
(trad. Manuel de Seabra)
Relógio d’Água
mmmmn
No seu “ranking”
pessoal dos
grandes escritores
russos, Vladimir
Nabokov, o
professor, colocava
Tolstói em
primeiro lugar,
Gógol em segundo,
Tchékov em terceiro, e em quarto, já
fora das medalhas, Ivan Turguénev
(1818-1883). Mais lembrado por “Pais
e Filhos” e “O Primeiro Amor”,
“Fumo” (1867) foi escrito quando
Turgénev vivia entre Paris e Baden-
Baden. É nesta cidade (que
Dostoievski disfarçou de
Roletemburgo em “O Jogador”) em
que ocorre o dilema de Litvínov,
dividido entre o dever amoroso para
com a sua noiva e a tentação de uma
paixão antiga.
Em comparação com “Anna
Karenina” (1877) o lugar de “Fumo”
na história da literatura russa do
século XIX é periférico, e assemelhase
em muito ao
lugar que Tatiana
ocupa no
coração do
protagonista

Livros
Feira
A cantora e actriz Barbra
Streisand é uma das
convidadas da Book
Expo America (de 25 a
27 de Maio no Jacob K.
Javits Center, em Nova
Iorque). Streisand falará
do seu primeiro livro,
“My Passion for Design”,
que mostra “outro
aspecto do seu talento”:
o gosto e o estilo que
inspiraram a arquitectura
e a decoração das suas
casas. Outros convidados:
Cory Doctorow, Sarah
Ferguson, William
Gibson, John Grisham,
Sara Gruen e Christopher
Hitchens
mente aquela expressão de
ingenuidade natural no início da
juventude; mas na curva lânguida do
seu belo pescoço, no seu sorriso,
distraído ou indiferente, via-se a
jovem aristocrata temperamental, e
nas próprias curvas daqueles lábios
finos, num imperceptível sorriso e
naquele nariz pequeno, fino e um
pouco aquilino havia algo obstinado
e apaixonado, algo perigoso para os
outros e para ela própria (…) Uma
das professoras disse-lhe que o seu
temperamento a havia de arruinar
– ‘vos passions vous perdront’, mas
outra acusou-a de ser fria e
insensível e chamou-lhe ‘une jeune
fille sans coeur’. As colegas
achavam-na orgulhosa e reservada,
os irmãos e irmãs tinham-lhe medo,
a mãe não confiava nela e o pai
sentia-se pouco à vontade quando
ela o fitava com os seus olhos
misteriosos; mas inspirava, tanto ao
pai como à mãe, um involuntário
respeito, não pela força do seu
carácter, mas pelas esperanças vagas
e muito peculiares que acordava
neles, sabe-se lá porquê.”
A arte de Turguénev revela-se na
sua força maior quando a narrativa é
suspensa para as personagens serem
retratadas. Os acontecimentos vêm
inscrever no espaço-tempo algo que
já ficou descrito no retrato. Ou seja,
a história é apenas uma
consequência de um choque entre
personalidades. O autor parece
sublinhar isso numa transição entre
dois capítulos (XVI-XVII): no
momento mais dramático, em que o
futuro de ambos está em jogo,
Litvínov deixa a amante Irina
afundada numa cadeira com as mãos
a cobrirem o rosto. Quando regressa
horas depois, Irina ainda se
encontra na mesma posição. E no
entanto, a decisão dele não vale de
nada: Irina, sem se mexer, irá
destruir todos os seus planos de vida
com uma frase oca, mas cheia de
ressonância: “Porque eu amo-o”.
É na dramatização de quadros
fixos que Turguénev põe em
relevo a vida das personagens:
a tensão aumenta por via da
sua consciência, sem que a
acção se torne necessária.
Dois exemplos: o sorriso “fixo
e desagradável” de Litvínov
para a noiva Tatiana, acabada
de chegar a Baden, quando
declara que tem de ausentar-se
(para se encontrar com a
amante) sabendo que a noiva
espera ficar a sós com ele
naquele exacto
momento; mais à
frente “estava
sentado
ao
lado da noiva, e a poucos
centímetros dela, no bolso do lado,
estava o lenço de Irina”.
Se fosse um filme diríamos que
“Fumo” é uma produção de baixo
orçamento, que aos grandes prefere
os pequenos gestos e, às cenas de
acção, a demora. Aliás, o autor
parece só ter dois interesses:
parodiar os “grandes temas” que
obcecavam a sociedade russa e
concentrar-se nos pormenores
terrenos em que a vida interior das
personagens vem à superfície.
Para quem desconhece o original
em russo, a tradução de Manuel de
Seabra parece clara. Só não entendi
o que é “um bom homem, da
variedade vazia” (p. 15); nem os
“cabelos negros no lábio superior”
(p. 21) de uma senhora que
felizmente ficou incógnita, ou teria
ficado muito zangada por não lhe ter
sido aparado o buço.
Manuel
o herói
A ironia está excluída, tratase
de uma epopeia. Maria
Conceição Caleiro
O Miúdo Que Pregava Pregos
Numa Tábua
Manuel Alegre
Dom Quixote, 12 €
a
O Miúdo Que Pregava Pregos Numa Tábua”:
o triunfo do ornamento pelo ornamento
Se Manuel Alegre não tivesse a
exposição pública que tem, se fosse
um cidadão qualquer a fazer uma
figura triste num concurso
televisivo, ficaria apenas
incomodada e até
humildemente
condoída. Não é o
caso. Acaba de
editar “O Miúdo
Que Pregava Pregos
Numa Tábua”.
Trata-se de uma
caricatura,
emblema, aliás, de toda a sua poesia,
isto é, triunfo do ornamento pelo
ornamento com uma função apenas
decorativa (e vazia). Isso dá também
o primeiro embalo à recensão ou, se
quiserem, ao serpentear a teoria e
prática literárias do autor, assim
como o “ethos” da obra que julgo ser
sempre gabarola, hiperbólica e
nacionalista, heróica qual epopeia
em devir.
O “Miúdo...” oferece-se como
novela sobre memórias escolhidas,
apresentadas em ziguezague,
entrelaçando a infância e a
maturidade de alguém, cruzando
tempos e espaços. Esse alguém é um
miúdo. Novela na terceira pessoa –
ele, “o miúdo que”: que pregava
pregos; que não gostava de mangas
curtas; que engoliu os comprimidos
do avô; que contava as sílabas, que
queria continuar ‘Os Lusíadas’, etc...
Identificamo-lo facilmente com o
autor por razões referenciais que
não nascem da natureza nem
necessidade intrínseca do textual,
mas sim do (re)conhecimento que o
leitor possa ter da biografia
sublinhada do autor (Coimbra,
Águeda, o futebol, a caça, os toiros,
a resistência política, a guerra
colonial, o exílio, o Prémio Pessoa, a
enfermidade cardíaca que haveria
de superar escrevendo aqui que
antes, “enquanto o preparavam para
a angioplastia e a dilatação da artéria
bloqueada, ele pede com insistência:
‘Deixem-me acabar o livro’. Os
médicos ficaram espantados. – Já
ouvi gritar pela mãe, mas por
um
livro é a primeira vez”). Autor
que
dobra o narrador, que por seu
turno
gradualmente se funde no “miúdo
que” e que aquele – o autor – amiúde
insiste ser o “ele” ou retoricamente
pergunta se não será ele. Mas
então
não teria sido necessário simular
uma história desajeitada que
não se
sustenta na terceira pessoa.
Procedimento cujo grau de
literalidade (a ironia está excluída,
trata-se de uma epopeia), singeleza e
transparência máximas torna
o
sabor falso e pueril, trazendo à tona
o próprio dispositivo e não aquilo
que nele se quer conter.
Este livro é a recta final para herói
de uma mesma voz que
detona o tempo todo.
Apoteose até no
campo da
natação, no
campeonato
nacional, na
Piscina da
Praia das
Maçãs.
Apesar da
pleurisia e de não poder treinar no
Inverno como os de Lisboa no Algés
e Dafundo, “continua em primeiro
aos cento e cinquenta metros (...) as
pernas já não obedecem, mas desta
vez o miúdo a quem o pai ensinou a
não ter medo do mar não sente o
peso (...) acelera o ritmo das
braçadas, é quase como contar as
sílabas pelos dedos”. Ainda um
“flashback” quase final de sua mãe
criança, fantasma reverberando
nele: “Quero ir contigo de mãos
dadas visitar o Presidente António
José de Almeida como fazíamos
quando eu era pequenina (...). O
miúdo que pregava pregos sente que
o mundo, as sílabas e os ritmos estão
desorganizados (...). E acontece
outro fenómeno: o miúdo que há
muitos anos riscou a ‘Ode Marítima’
no exemplar de ‘Orfeu’ começa a ler
Dante no original. Nunca estudou
italiano, nunca leu senão traduções
do autor de ‘Vita Nuova’. De
repente, vá lá saber-se por que
milagre, lê, compreende, de certo
modo conversa com Dante,
escrevendo quatro ou cinco sonetos
por dia. (...)
Como é que consegues? –
pergunta-lhe a mulher.
– Está muita gente a escrever
comigo”.
O “de repente”, a “paulada” ou
“pancada da literatura no ser”, “a
batida da poesia com força”, o
milagre que se dá (sei lá!), e revela
um dom adormecido, são ideias
reiteradas, ideias de criação, ou de
superação, em qualquer domínio.
São concepções a usar com
moderação, podem ser perigosas,
podem impor-se como totalitárias,
porque da ordem do mistério, do
divino, tornando-se por natureza
inquestionáveis.
Não podemos deixar de apontar
alguns riscos da concepção de
poesia de Manuel Alegre e da
primazia quase absoluta da
musicalidade, do ritmo e rima, sobre
a necessidade e o sentido; ao mesmo
tempo, transporta para a prosa
hábitos e prosódias próprias da
poesia, o que não engendra
necessariamente uma prosa poética,
mas por vezes um “non-sense”
musical: “tenho vinte e seis anos (...)
não sei se o rosto será o mesmo,
nem o rosto nem o resto. As balas
assobiam, batem na chapa das
viaturas, haverá sempre uma bala a
assobiar, na prosa e no verso, na
escrita e na vida...”; “como explicar
que o miúdo conte pelos dedos as
badaladas dos sinos de Águeda? (...)
cada um com seu tom, cada um com
seu ritmo (...) O júbilo, a dolência, o
luto. E o alarido, o alarme e o alarme
dos sinos a tocar a fogo”; um último
exemplo: “‘Lá vão elas! As caravelas’
(...) são os primeiros versos que o
miúdo, suponho que eu próprio,
aprendeu de cor. Ficarão sempre
dentro de mim (...) E das naus de
uma estrofe de ‘Os Lusíadas’ e, aliás,
estão sempre a passar, ainda agora
estou a vê-las, da varanda onde
escrevo, olhando o mar, na Foz do
Arelho. São elas as caravelas. Lá vão
elas. Se calhar em todos os poemas”.
A escrita de Alegre parece
cimentar o texto num vasto e vazio
Império da Aliteração e Assonância,
isto é, num musical pesado de sons
consoânticos e vocálicos (aqui em
“v” e “a”). Império cujos pilares
marítimos se sedimentam em
Camões (épico) e na sombra da
Nação que outrora galgou o mar
despertados pelo miúdo que desde
cedo quis “continuar ‘Os Lusíadas’”.
Garantindo o nosso autor ser este o
desejo de qualquer poeta português.
Filosofia
Foucault,
mais actual
do que nunca
Tradução portuguesa de
um dos cursos leccionados
por Foucault no Collège de
France. António Fernando
Cascais
O Nascimento da Biopolítica
Michel Foucault
(trad. de Pedro Elói Duarte)
Edições 70
mmmmn
“Nascimento da
Biopolítica” é o
título de um dos
cursos leccionados
por Michel
Foucault no
Collège de France,
de 1971 até à morte
em 1984, na sua
cátedra de História dos Sistemas de
Pensamento. De um total de 13
cursos, oito encontram-se já
publicados em França, sob a
direcção de François Ewald e
Alessandro Fontana, que com ele
trabalharam. A sequência da
publicação não segue a ordem
cronológica dos cursos, que
ficaram inéditos até 1997, data de
início do imenso trabalho de
transcrição e estabelecimento dos
textos, a partir das gravações áudio
originais. Tanto explica as marcas
de coloquialidade omnipresentes
ao longo deles e que a tradução
portuguesa elegantemente
reproduz.
A despeito do título, “Nascimento
da Biopolítica” é o menos
“biopolítico” dos textos de Foucault
sobre este tema, que ele aqui apenas
aflora de maneira lateral.
Respeitante ao ano lectivo de 1978-
1979, este curso sucede a
“Segurança, Território, População”

aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
O pensamento de Foucault é mais actual do que
nunca e tudo o que tem decorrido desde o seu
desaparecimento permite-nos compreendê-lo
porventura melhor do que ele o foi no seu tempo
(de 1977-1978) e a “É Preciso
Defender a Sociedade” (de 1976),
eles, sim, bem mais importantes
para o estudo da biopolítica, cujo
livro de referência é “A Vontade de
Saber” (1976), primeiro volume da
“História da Sexualidade”. Foucault
já utilizava o termo de biopolítica
pelo menos desde 1974, mas é em “A
Vontade de Saber” que lhe fixa o
sentido, juntamente com os termos
solidários de “bio-história” e
“biopoder”. Os três confluem para
definir o limiar de modernidade
biológica que a sociedade ocidental
transpôs a partir do momento em
que o homem, enquanto espécie,
passou a estar em jogo nas suas
próprias estratégias políticas, de tal
maneira que o homem moderno é
um animal na política do qual a sua
vida de ser vivo está em causa. A
importância política assumida pela
sexualidade neste contexto torna-se
clara quando se sabe que, para a
medicina do século XIX, o sexo é
simultaneamente aquilo que permite
o acesso à vida do corpo e à vida da
espécie. Na relação consigo próprio,
mediada pela sexualidade que
transmite hereditariamente (tanto as
boas como as más) características
familiares e raciais, o indivíduo é
assim colocado em posição de
responsabilidade biológica
relativamente à espécie.
Substituindo-se à religião, o
moderno Estado-nação não pode
deixar que cada um fique
simplesmente entregue a si próprio
na sua relação consigo mesmo e com
os outros e que o estado de saúde
individual e colectivo fique sujeito
ao alvedrio desregulado de cada
cidadão. Daí o projecto biopolítico
de uma gestão estatal da
nupcialidade, da natalidade, da
morbilidade e da sobrevivência que
tanto englobou a medicina das
perversões, de que a
homossexualidade haveria de
constituir o modelo, como os
programas de controlo eugénico da
população, por mor da boa saúde da
descendência, como inclusivamente
do seu apuramento biológico. O
darwinismo social encarregou-se da
sua difusão generalizada, de tal
maneira que o Estado “biologisch”
nazi não precisou de muito para
transformar na sua própria higiene
racial as políticas de higiene social já
antes postas em marcha nos regimes
democráticos, dos países
escandinavos a alguns estados norteamericanos.
Por isso se pode dizer
que há um antes e um depois da
biopolítica foucauldiana no que toca
à abordagem do totalitarismo
moderno e do holocausto nazi em
particular. A biopolítica, que se
ocupou da matéria-prima humana
que há que fazer crescer e
multiplicar, acumular, tornar
indefinidamente disponível e
mobilizar, constitui uma dimensão
inextricável do processo mais geral
de arrancada económica, técnica e
científica do Ocidente na
modernidade. Ora, no preciso
momento em que a teorização da
biopolítica moderna se consolida,
Foucault dá sinais de querer
encaminhar a pesquisa sobre ela
para os campos claramente
delimitados da “economia política”,
que incluía a vontade de saber sobre
a carne e o corpo, a socialização dos
comportamentos procriadores do
casal, a pedagogização da
sexualidade infantil, a
psiquiatrização do prazer perverso,
a histerização do corpo da mulher, o
governo da população e das raças,
em outros tantos volumes do
anunciado projecto da “História da
Sexualidade”. Tal não aconteceu.
Foucault apercebe-se claramente
que o governo, ou a “arte de
governar” em que se desdobra a
biopolítica moderna, exige um
estudo sobre a governamentalidade.
É da governamentalidade que trata
“Nascimento da Biopolítica”.
Foucault avisa no final da primeira
lição que a análise da biopolítica só
se pode fazer depois de se
compreender o regime geral de uma
razão governamental inteiramente
referida à questão da verdade, o que
acontece com o liberalismo
económico moderno. “Nascimento
da Biopolítica” desenvolve-se assim
como uma digressão, tão minuciosa
e informada quanto árida (inclusive
para os iniciados), sobre o mercado,
no liberalismo económico, como
governamentalidade integral, ou
seja, como algo que, para além de
princípio organizador da vida
económica, é instância de veridicção
para a prática governamental, aquilo
que pode dar uma resposta
verdadeira à questão de saber “o que
é governar?” Acontece que,
intimidada com as consequências
inesperadas da mobilização geral
de matéria-prima natural e
humana, a arte liberal de governar
passa a aplicar à gestão estatal da
economia o tipo de racionalidade
tecnocientífica tida por válida no
interior da natureza, daí
resultando uma “darwinização”
global da vida económica e social.
Assim se explica, em “Nascimento
da Biopolítica”, a génese do
nazismo no seio da história do
capitalismo e da modernidade em
geral.
O pensamento de Foucault é mais
actual do que nunca e tudo o que
tem decorrido desde o seu
desaparecimento permite-nos
compreendê-lo porventura melhor
do que ele o foi no seu tempo. Nem
por isso “Nascimento da
Biopolítica”, e a despeito do
indiscutível mérito intrínseco da sua
publicação, constitui a mais
coerente introdução ao conjunto dos
cursos de Collège de France, que
agora, mais do que antes, se impõe
editar em português.
silva!designers
apoio
organização
JORGE SALAVISA DIRECTOR ARTÍSTICO SLTM
SÃO LUIZ /ABR~1O
8ª FESTA
DO JAZZ DO
SAO LUIZ
A FESTA DO JAZZ
PORTUGUÊS
16, 17, 18 ABR
SEXTA, SÁBADO
E DOMINGO
SALA PRINCIPAL
JARDIM DE INVERNO
TEATRO-ESTÚDIO MÁRIO VIEGAS
SPOT SÃO LUIZ
DIRECÇÃO ARTÍSTICA:
CARLOS MARTINS
PRODUÇÃO EXECUTIVA:
LUÍS HILÁRIO
ORGANIZAÇÃO:
SLTM / SONS DA LUSOFONIA
WWW.TEATROSAOLUIZ.PT
M/3
“É simplesmente
impossível desistir.
A energia positiva que
se desprende de todos
e de cada um é a Festa
do Jazz do São Luiz.
É impressionante como
nos podemos surpreender
após oito anos.”
Carlos Martins, Director Artístico da Festa do Jazz
SÃO LUIZ TEATRO MUNICIPAL
RUA ANTÓNIO MARIA CARDOSO, 38; 1200-027 LISBOA
GERAL@TEATROSAOLUIZ.PT / T: 213 257 640
BILHETEIRA DAS 13H ÀS 20H
T: 213 257 650
BILHETEIRA@TEATROSAOLUIZ.PT
Ípsilon • Sexta-feira 2 Abril 2010 • 39

Livros
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
Isabel
Coutinho
Ciberescritas
Mesmo para os mais
cépticos, uma coisa
é certa: depois
de amanhã nada
ficará como antes
iPad
http://www.
apple.com/pt/
Revista Wired
http://www.
wired.com/
Na ponta dos dedos
É
amanhã, 3 de Abril, que chega às lojas
americanas o iPad, o tablet da Apple, que
servirá para ler livros, jornais e revistas, jogar,
ouvir música, ver vídeos, navegar na Internet,
brincar com fotografias e milhentas outras
coisas de que me estou a esquecer. Por enquanto o
aparelho, que tem um ecrã táctil e é uma espécie de
iPhone gigante mas não serve para telefonar, não estará à
venda em Portugal. Lá virá o tempo.
Tal como é costume acontecer quando é lançado um
“gadget” deste calibre, que se imagina vir a mudar os
hábitos de muitas pessoas em todo o mundo (foi assim
no caso do iPhone e do Kindle), começa o “sururu”
nos média. Lembram-se de Nicholas Negroponte, o
cientista do Media Lab, do Instituto de Tecnologia do
Massachusetts? Pois Negroponte, que há uns anos publicou
o livro “Ser Digital” (ed. Caminho), reapareceu na última
edição da revista “Wired”, onde durante anos escreveu
uma coluna de opinião. É uma das 13 personalidades a
quem a revista perguntou sobre os Tablet.
O fundador da associação One Laptop per Child (um
computador por criança) surpreende o leitor ao afirmar
logo na primeira frase: “Quando se fala de ebooks,
nunca se realça a grande vantagem que é serem lidos na
cama. As páginas dos livros impressos não desaparecem
ou reaparecem, temos que as folhear, o que é bastante
estúpido e nem sempre é fácil quando estamos na cama,
deitados de lado. Por isso, porquê os tablets? A resposta
é curta: só precisamos de uma mão para os usar. E isto
não é válido só para quando estamos na cama. Alguma
vez imaginaram a quantidade de pessoas que pode andar
a olhar para a mão? Mensagens escritas estão a substituir
a fala e os polegares estão a substituir os lábios.” E
depois, Negroponte explica que por enquanto somos
obrigados a estar sentados para usar os computadores
mas com os tablets isso
vai mudar: vamos poder
utilizá-los em pé e não nos
sentiremos desconfortáveis.
“São o novo livro, o novo
jornal, a nova revista, o
novo ecrã de televisão, e
potencialmente o novo
computador portátil. Alguma
coisa que transportamos – e,
sim, que podemos perder”, afirma este especialista que
vê neles a resolução para o acesso aos livros por parte
das crianças em aldeias remotas em África. Pode ser
que sim, que seja um visionário e que a versão tablet do
computador XO, da One Laptop per Child, a ser lançado
em 2012, seja a resolução para a falta de bibliotecas em
lugares inóspitos.
Como se já não nos bastasse o entusiasmo de Nicholas
Negroponte, também o jornalista norte-americano
Steven Levy, outro especialista nestes assuntos, parece
eufórico. Escreveu também na “Wired” um artigo
intitulado “Como o Tablet vai mudar o mundo” e fala no
início de um novo paradigma.
Mesmo para os mais cépticos, uma coisa é certa:
depois de amanhã nada ficará como antes. O
computador portátil tal como o concebemos hoje, com
pastas e ficheiros a que acedemos com o clique num
rato, deixará de fazer sentido. Os nossos dedos vão
deslizar e batucar em ecrãs tácteis, oh yeah, e vamos
descobrir um admirável mundo novo na ponta dos
dedos.
isabel.coutinho@publico.pt
(Ciberescritas já é um blogue http://blogs.publico.pt/
ciberescritas)
Biografia
O professor
de Siracusa
Operação da Pide ou
do KGB, o assassinato
de Mondlane entregou
a Frelimo ao marxismoleninismo.
Eduardo Pitta
Eduardo Mondlane. Um homem
a abater
José Manuel Duarte de Jesus
Almedina
mmmnn
Nunca
perceberemos o
século XX
português se
fizermos de conta
que as colónias
ultramarinas não
existiram. A
emigração para os
territórios de África, as
consequências do Pacto Colonial,
as leis do indigenato, a
industrialização de Angola e
Moçambique, a oposição larvar à
“Metrópole”, o clamor
independentista e, por fim (1961-75),
a guerra, moldaram o país que
somos. Para o bem e para o mal, a
nossa história passa pelo Ultramar.
E, goste-se ou não deles, os líderes
dos movimentos de libertação são
parte da narrativa portuguesa dos
últimos 50 anos.
Por razões fúteis de explicar, o
moçambicano Eduardo Mondlane,
fundador e primeiro presidente da
FRELIMO, tem sido um alvo
privilegiado de rasura. Motivo
acrescido para saudar a obra que o
embaixador José Manuel Duarte de
Jesus lhe dedica: “Eduardo
Mondlane. Um homem a abater”.
Escrito no âmbito de uma
investigação académica, o livro
excede o formato de uma simples
biografia. O autor analisa o contexto
geopolítico dos anos 1960, em África,
na Europa, na URSS e na China; os
protagonistas das “independências”
(Ben Bella, Leopold Senghor,
Kenneth Kaunda, Sekou Touré e
outros); as tentativas de persuadir
Salazar (em 1962); as relações de
Mondlane com a administração
Kennedy; o papel da Fundação Ford;
o Acordo entre Portugal e a África do
Sul (em 1964); os anticorpos
suscitados por Mondlane; o papel da
Pide e de Jorge Jardim; o assassinato
(em 1969); as acusações mútuas; etc.
O autor efectuou dezenas de
entrevistas, tendo consultado
arquivos portugueses (incluindo o da
Pide/DGS, bem como os de Salazar e
Caetano), americanos (Departamento
de Estado incluído), franceses,
Eduardo Mondlane (à direita) com Samora Machel
alemães (RFA e RDA), ingleses e
chineses. Não foi esquecida a
recensão da imprensa de inúmeros
países europeus, africanos e
americanos. Além de bibliografia, o
volume colige vários apêndices:
quadros cronológicos, índices
onomásticos, listas de governantes e
diplomatas, etc. A fechar, cinquenta
páginas de iconografia e fac-similes
de índole diversa: retratos, panfletos,
recortes de jornal, correspondência,
documentos oficiais. Nisto tudo, só
não se percebe a razão de não ter
sido traduzido o prefácio de Janet
Rae Mondlane, nem vários extractos
da imprensa estrangeira.
Contrariamente a outros líderes
emancipalistas (como Agostinho
Neto, Amílcar Cabral ou Samora
Machel), Mondlane gozou de
efectivo prestígio fora dos círculos
marxistas e dos países nãoalinhados.
Nos EUA foi sempre
recebido ao mais alto nível no
Departamento de Estado; na
Europa, em particular na Suécia,
Noruega, Dinamarca, Finlândia,
Alemanha (RFA) e Países Baixos,
recebia tratamento equivalente ao
de um chefe de governo. No Reino
Unido fez conferências na London
School of Economics, em Oxford e
na Chatham House, o famoso
instituto de relações internacionais.
O nosso embaixador em Londres
tentou impedir que assim fosse, mas
o Foreign Office deixou sem resposta
os ofícios. A imprensa, mesmo a
conservadora (o “Times”), tratava
Mondlane como líder incontestado
da oposição ao regime colonial.
Filho de um régulo Tsonga de
língua banto, Eduardo Mondlane
nasceu em Manjacaze a 20 de Junho
de 1920. A mãe quis que estudasse
“para melhor conhecer o feitiço dos
homens brancos e lutar contra ele”.
Ele fez-lhe a vontade: aprendeu a ler
e escrever na missão calvinista suíça
de Manjacaze, passou por Lourenço
Marques, Joanesburgo e Lisboa,
antes de, nos Estados Unidos, obter
“os mais altos graus académicos”.
Doutor em sociologia e
antropologia, foi professor das
universidades de Chicago e Siracusa
(Nova Iorque). Enquanto redigia a
tese de doutoramento (“Role
Conflict, Reference Group and
Race”, 1960), trabalhou nas Nações
Unidas como Associate Social
Scientist. O casamento com Janet
Rae, uma americana WASP, foi o
corolário de um perfil que em tudo o
distinguiu dos outros líderes
africanos. Nas suas passagens por
Lisboa era visita de casa de Adriano
Moreira, que conhecera em Nova
Iorque, durante a assembleia-geral
de 1957 das Nações Unidas (a
primeira em que Portugal
participou), e o convidou a escrever
para o Boletim de Estudos Políticos
do ministério do Ultramar um artigo
sobre anticolonialismo americano.
O seu assassinato em Dar-es-
Salaam, a 3 de Fevereiro de 1969
(morreu ao abrir uma encomenda
armadilhada), provocou uma onda
de acusações mútuas: o KGB acusou a
Pide, que devolveu a sugestão. Bem
vistas as coisas, Moscovo tinha mais a
lucrar do que Lisboa. Contudo, não
são de excluir outras hipóteses: um
episódio da Operação Gladio, ou
iniciativa de rivais (após a sua morte,
a Frelimo aderiu às teses do
marxismo-leninismo). Tendo visitado
mais de uma vez Moscovo e Pequim,
as ligações americanas de Mondlane
e o apoio que recebia da socialdemocracia
escandinava, suscitavam
controvérsia a Leste. Por outro lado,
era pública a sua discordância com a
aplicação do ‘modelo’ cubano a
Moçambique. Convidado por Che
Guevara (em 1965) a visitar Havana,
recusou. Os jornais cubanos disseram
dele o que Mafoma não disse do
toucinho. Mondlane continuou a
privilegiar o diálogo com Edward
Kennedy, Olof Palme, Willy Brandt,
Harold Wilson, Bruno Kreisky, Golda
Meir, etc. E pagou cara a heterodoxia.
Muito mais haveria a dizer deste
estudo do embaixador José Manuel
Duarte de Jesus, o qual, a partir de
aspectos particulares da vida de
Mondlane, abrange o largo espectro
dos anos de brasa da colonização
portuguesa.
40 • Sexta-feira 2 Abril 2010 • Ípsilon

SÃO
LUIZ
ABR~1O
9, 10 E 11 ABR
SEXTA E SÁBADO ÀS 21H00
DOMINGO ÀS 17H30
SALA PRINCIPAL M/16
CARLA BLEY
STEVE SWALLOW
ORQUESTRA JAZZ DE MATOSINHOS
CICLO JAZZ GALP
DOM 11 ABR 22:00
SALA SUGGIA € 20
Carla Bley piano e direcção musical
Steve Swallow baixo
www.casadamusica.com | www.casadamusica.tv | T 220 120 220
MEDIA PARTNERS
MÚSICA
HUGO RIBEIRO
LIBRETO
ARMANDO
NASCIMENTO ROSA
ENCENAÇÃO
PAULO MATOS
DIRECÇÃO MUSICAL
JOÃO PAULO SANTOS
CENOGRAFIA E FIGURINOS
BRUNO GUERRA
DESENHO DE LUZ
PAULO GRAÇA
VÍDEO E PROJECÇÕES
NUNO NEVES
INTERPRETAÇÃO
MADALENA BOLÉO
MARGARIDA MARECOS
RAQUEL ALÃO
SANDRA MEDEIROS
SÓNIA ALCOBAÇA
SUSANA TEIXEIRA
ORQUESTRA SINFÓNICA
PORTUGUESA DIRIGIDA PELO
MAESTRO JOÃO PAULO SANTOS
CO-PRODUÇÃO
SLTM ~ TNSC
MECENAS CICLO JAZZ
MECENAS CASA DA MÚSICA
APOIO INSTITUCIONAL
MECENAS PRINCIPAL CASA DA MÚSICA
SÃO LUIZ TEATRO MUNICIPAL
RUA ANTÓNIO MARIA CARDOSO, 38; 1200-027 LISBOA
GERAL@TEATROSAOLUIZ.PT / T: 213 257 640
BILHETEIRA DAS 13H ÀS 20H
T: 213 257 650; BILHETEIRA@TEATROSAOLUIZ.PT
BILHETES À VENDA NA TICKETLINE E NOS LOCAIS HABITUAIS
SEJA UM DOS PRIMEIROS A APRESENTAR HOJE ESTE JORNAL COMPLETO NA CASA DA MÚSICA E GANHE UM CONVITE
DUPLO PARA ESTE CONCERTO. OFERTA LIMITADA AOS PRIMEIROS 10 LEITORES.

Cinema
série ípsilon II
Sexta-feira,
dia 9 de Abril,
o DVD “A Esquiva”,
de Abdellatif Kechiche
Todas as sextas,
por €1,95.
20
anos
“Ruínas”: o país revisitado pela noção de perda
Estreiam
Terra
sem vida
Portugal revisitado pela
noção de perda, substituindo
à monumentalidade da
História a anonimidade do
fragmento irrisório. Mário
Jorge Torres
Ruínas + Canção de Amor e Saúde
Ruínas
De Manuel Mozos
MMMMn
Lisboa: Medeia King: Sala 3: 5ª Sábado Domingo
2ª 3ª 4ª 14h30, 17h, 22h 6ª 22h;
Porto: Medeia Cine Estúdio do Teatro Campo
Alegre: Cine-Estúdio: 5ª 6ª Sábado 2ª 3ª 4ª
18h30, 22h;
“Com estes fragmentos escorei
as minhas ruínas”
T.S. Eliot, “The Waste Land”
Manuel Mozos ocupa no panorama
do actual cinema português um
lugar singular: por um lado, o de
construtor de arrojadas ficções que
inscrevem um olhar renovador na
geografia de uma Lisboa proletária,
marginal e povoada por oníricos
sinais, entre a (im)perfeita
completude dessa obra-prima
impura e dialéctica que dá pelo
nome de um herói desgarrado,
“Xavier” (1992, mas estendendo-se
As estrelas do público
Jorge
Mourinha
Luís M.
Oliveira
Mário
J. Torres
Vasco
Câmara
Alice no País das Maravilhas mmnnn mmmmn mmmmn mmnnn
Amar é Complicado nnnnn nnnnn mnnnn mnnnn
Cinerama mnnnn mnnnn mnnnn nnnnn
Fora de Controlo mmmnn nnnnn mmnnn nnnnn
Lembra-te de Mim nnnnn nnnnn mnnnn nnnnn
Parnassus - O Homem que Queria Enganar o Diabo mmmnn nnnnn nnnnn mnnnn
Ruínas mmmmn mmmmn mmmmn mmmnn
Solomon Kane nnnnn nnnnn A nnnnn
Shutter Island mmmmn nnnnn mmmnn mnnnn
Um Sonho Possível nnnnn nnnnn mmnnn nnnnn
ao longo de anos de difícil produção,
para estrear demasiado tarde, de
modo a poder entender-se a sua
radical importância), o curioso
fracasso de uma obra confusa e algo
megalómana como “Quando
Troveja” (1999) e o recente
descentramento de “Quatro Copas”
(2008), a traçar uma visão
suburbana, quase irreconhecível, do
seu mundo de fantasmas vivos, ao
encontro do quotidiano moderno;
por outro, o de rigoroso
documentarista, oscilando entre o
brilho incontroverso da “biografia
cultural” (“José Cardoso Pires –
Diário de Bordo”, 1998) e o fascínio
pela colagem arquivística, mas
infinitamente criativa, de pequenas
preciosidades históricas: o magnífico
“Cinema Português?” (1997) ou o
inventivo “Censura: Alguns Cortes”
(1999), um dos mais transversos e
importantes olhares sobre as
intrínsecas contradições do Estado
Novo.
Este intróito revela-se
fundamental para falar de “Ruínas”,
na medida em que este filme-ensaio
funciona na curta obra de Mozos
como súmula de todo o seu universo
conceptual. Se não vejamos: o filme
assume-se como “biografia”
subterrânea de um país condenado
pelo abandono da memória,
transformada em lixo cultural; faz da
“collage” modernista o seu método
caótico de investigação sobre um
passado contraditório e algo
desconexo; inscreve nos intervalos
de um documentário aleatório e
prospectivo o desejo de ficções
miniaturais, tendentes a recompor
um retrato de meio-corpo de
personagens ausentes e perdidas na
voragem do tempo: os habitantes
anónimos daquele sanatório
gigantesco que agride a paisagem da
Serra da Estrela, feito esqueleto de
uma doença passada, mas
perpetuado pela permanência dos
seus sinais físicos na paisagem; os
actores fantasmáticos daquele
Parque Mayer desertificado no
centro de uma Lisboa transformada
em lixo urbano e transtornada por
um progresso sem sentidos; os
turistas “mortos” da ribatejana
Estalagem Gado Bravo, de que
saltaram letras da insígnia
identificativa, numa tétrica
“natureza morta” povoada por
dejectos e por restos quase
fossilizados de caveiras de animais;
os frescos modernistas de um
restaurante em Monsanto, com
panorama sobre a capital do
Império perdido, como se ainda
convidassem a lautos banquetes de
tempos que já lá vão e não voltarão
nunca mais; as viagens impossíveis
de chegada à estação de Barca de
Alva, desactivada e inoperante, no
coração do Douro Internacional,
com carruagens enferrujadas e
marcas de uma impotência atávica
em operar uma arqueologia da
memória; os vestígios desfeitos de
uma mina abandonada que sinaliza
o impasse de uma produção
obsoleta de riquezas miríficas.
Há riscos neste retrato de um país
“arruinado” e inútil (ou inutilizado?)
visto a partir da incúria de um
património menor? Há e muitos,
mas Mozos tem consciência do jogo
da (in)glória que desenha, evitando
a demagogia fácil das imagens de
decadência, como se procurasse ver
Portugal pelo lado das inevitáveis
“derrotas”. O que se torna fascinante
é o modo como toma partido,
deixando em aberto a perspectiva
crítica de cada espectador, embora
conduzindo sempre o seu olhar com
implacável direccionalidade. Se
existe possível rima interna,
subjacente a este projecto, ela faz-se
com Manoel de Oliveira, como se se
tratasse de um contraponto
documental a “Non, ou a Vã Glória
de Mandar”: o país revisitado pela
noção de perda, substituindo à
monumentalidade da História a
anonimidade do fragmento irrisório,
tornado significativo pela
acumulação geográfica de gestos
sem saída. Ao Portugal dos
Pequenitos que um arquitecto do
antigamente construíra para
glorificar uma ridícula noção do
património imaginário, apõe Mozos
um Portugal dos “Grandes”,
devastado e espectral, monstruoso
porque verdadeiro.
Haverá quem conteste que esta
negatividade passa por alguma
pretensão poética, uma poética
pobre, contraditada (mas também
acentuada) pelo certeiro recurso à
textualidade de Ruy Belo, por
exemplo, um poeta da “habitação” e
do território. Uma coisa não
podemos negar: estamos perante
uma corajosa frontalidade, perante a
nossa incapacidade de lidar com a
pequena História de nós, com o
terror de termos de escorar a nossa
realidade entre ruínas. E
regressamos, para concluir, a T. S.
Eliot, citado, como na epígrafe, da
tradução portuguesa de Maria
Amélia Neto: “Penso que estamos na
viela dos ratos/Onde os mortos
perderam os seus ossos”.
Continuam
Um Sonho Possível
The Blind Side
De John Lee Hancock,
com Sandra Bullock, Tim McGraw,
Quinton Aaron. M/12
MMNNN
Lisboa: Atlântida-Cine: Sala 1: 5ª 6ª 2ª 3ª 4ª
15h30, 21h30 Sábado Domingo 15h30, 18h15,
21h30; Castello Lopes - Loures Shopping: Sala 2: 5ª
6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h10, 15h50, 18h40,
21h20, 00h10; CinemaCity Alegro Alfragide: Sala 8:
5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h50, 16h25,
“Um Sonho Possível”: o apelo aos valores éticos da Nação americana
42 • Sexta-feira 2 Abril 2010 • Ípsilon

aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
Festival
Pedro Costa é, a par do
húngaro Miklos Jancso,
um dos cineastas em
destaque na 11ª edição
do Jeonju International
Film Festival (29 de
Abril a 7 de Maio), na
Coreia do Sul. A obra do
português vai ser alvo de
uma retrospectiva que
passará pela publicação
– em inglês e coreano – de
dissertações e críticas
por parte de realizadores
e críticos reconhecidos
internacionalmente. Na
programação também
constam a exibição de
excertos inutilizados de
filmes como “No Quarto
de Vanda” e “Juventude
em Marcha” e sessões de
perguntas e respostas
com o realizador.
18h55, 21h35, 00h05; CinemaCity Beloura
Shopping: Cinemax: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª
4ª 13h50, 16h25, 18h55, 21h45, 00h15; CinemaCity
Campo Pequeno Praça de Touros: Sala 2: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h30, 16h20, 18h55,
21h40, 00h15; Medeia Saldanha Residence: Sala 6:
5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 14h30, 17h,
19h30, 22h, 00h30; UCI Cinemas - El Corte
Inglés: Sala 12: 5ª 6ª Sábado 2ª 3ª 4ª 14h10,
16h45, 19h15, 21h45, 00h15 Domingo 11h30, 14h10,
16h45, 19h15, 21h45, 00h15; UCI Dolce Vita
Tejo: Sala 9: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 14h,
16h30, 19h15, 21h45, 00h25; ZON Lusomundo
Amoreiras: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
13h30, 16h10, 19h, 21h50, 00h30; ZON Lusomundo
CascaiShopping: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
13h, 15h50, 18h40, 21h40, 00h20; ZON Lusomundo
Colombo: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h05,
15h50, 18h40, 21h25, 00h15; ZON Lusomundo Oeiras
Parque: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h05,
15h55, 18h40, 21h30, 00h15; Castello Lopes - Rio Sul
Shopping: Sala 3: 5ª 2ª 3ª 4ª 15h20, 18h10, 21h20,
24h 6ª Sábado Domingo 12h40, 15h20, 18h10,
21h20, 24h; ZON Lusomundo Almada Fórum: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 12h50, 15h40, 18h20,
21h20, 00h10; ZON Lusomundo Fórum Montijo: 5ª
6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h15, 16h10, 18h45,
21h25, 00h10;
Porto: Arrábida 20: Sala 16: 5ª 6ª Sábado Domingo
2ª 3ª 4ª 14h, 16h40, 19h20, 22h, 00h40; ZON
Lusomundo Dolce Vita Porto: 5ª 6ª Sábado Domingo
2ª 3ª 4ª 13h20, 16h,19h, 21h50, 00h35; ZON
Lusomundo NorteShopping: 5ª 6ª Sábado Domingo
2ª 3ª 4ª 12h30, 15h40, 18h40, 21h20, 00h15; ZON
Lusomundo Parque Nascente: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 13h10, 15h50, 18h30, 21h10,
23h50; ZON Lusomundo Glicínias: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 14h30, 17h30, 21h10, 00h10;
De cada vez que a América muda de
rumo ideológico e sobe ao poder
uma administração mais liberal,
aflora na produção ficcional
dominante a sombra idealista de
Frank Capra, representante da
recuperação rooseveltiana da Grande
Depressão, na década de 30.
Aconteceu, assim, nos tempos de
Clinton e repete-se agora neste “Um
Sonho Possível”, veículo por medida
para uma estrelinha (a possível, nos
tempos que vão correndo), Sandra
Bullock, com os resultados
conhecidos em termos dos Óscares.
O “sonho americano” aparece
mitigado por alguma parcimónia,
mas a “mensagem” resulta clara e
inequívoca: é possível a um
rapazinho negro, sem abrigo e filho
de uma família disfuncional, aspirar
ao triunfo como grande nome do
futebol americano. Filme sem
grandes complexidades, simpático e
despretensioso, “Um Sonho
Possível” joga com lágrimas e sorrisos
(quanto bastem), tendo em vista um
objectivo único e bem explicitado, o
de fazer renascer as esperanças em
tempo de crise. Nada de novo, nada
de muito excitante, mas o suficiente
para apelar aos valores éticos da
nação americana, a fim de apaziguar
consciências e de realizar o “milagre
por uns dias”. M.J.T.
Parnassus - O Homem que Queria
Enganar o Diabo
The Imaginarium of Dr.
Parnassus
De Terry Gilliam,
com Johnny Depp, Heath Ledger, Jude
Law, Colin Farrell, Christopher
Plummer, Tom Waits. M/12
MNNNN
Lisboa: Castello Lopes - Cascais Villa: Sala 1: 5ª
16h10, 18h50, 21h40, 00h10 6ª Sábado 13h20,
16h10, 18h50, 21h40, 00h10 Domingo 13h20, 16h10,
18h50, 21h40 2ª 3ª 4ª 16h10, 18h50,
21h40; CinemaCity Classic Alvalade: Sala 3: 5ª
Domingo 2ª 3ª 4ª 14h, 16h20, 18h40, 21h30 6ª
Sábado 14h, 16h20, 18h40, 21h30, 24h; Medeia
King: Sala 3: 5ª 6ª Sábado 2ª 19h30, 00h30
Domingo 3ª 4ª 19h30; Medeia Monumental: Sala 1:
5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 14h15, 16h45,
19h15, 21h45, 00h15; UCI Cinemas - El Corte
Inglés: Sala 5: 5ª 6ª Sábado 2ª 3ª 4ª 14h05,
16h45, 19h25, 22h, 00h30 Domingo 11h30, 14h05,
16h45, 19h25, 22h, 00h30; ZON Lusomundo
Alvaláxia: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
CICLO JAZZ GALP
TER 06 ABR
22:00 SALA SUGGIA
€ 30
TO BILLY
WITH LOVE
A Celebration of «Lady Day»
Dee Dee Bridgewater é uma
exploradora que se move tão à
vontade no repertório americano
como na canção francesa, no
teatro musical e nas origens
africanas do jazz. O seu
novo álbum volta-se para as
canções imortalizadas por
Billie Holiday e assinala os 50
anos desde o desaparecimento
prematuro da cantora lendária.
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MEDIA PARTNERS
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Ípsilon • Sexta-feira 2 Abril 2010 • 43

Cinema
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
Cinemateca Portuguesa R. Barata Salgueiro, 39 Lisboa. Tel. 213596200
Terça, 06
Boomerang!
De Elia Kazan. Com Dana Andrews,
Jane Wyatt, Lee J. Cobb. 88 min.
15h30 - Sala Félix Ribeiro
O Bobo
De José Alvaro Morais. Com
Fernando Heitor, Paula Guedes, Luís
Lucas. 120 min.
19h - Sala Félix Ribeiro
L’ Oeil de Vichy
De Claude Chabrol. Com Michel
Bouquet, Brian Cox. 110 min.
19h30 - Sala Luís de Pina
Fata Morgana + Visione del
Deserto
Fata Morgana
De Werner Herzog. Com Lotte
Eisner, Eugen Des Montagnes,
Wolfgang von Ungern-Sternberg. 79
min.
21h30 - Sala Félix Ribeiro
Quarta, 07
O Quarto Mandamento
The Magnificient Ambersons
De Orson Welles. Com Anne Baxter,
Joseph Cotten, Tim Holt. 85 min.
M12.
15h30 - Sala Félix Ribeiro
Un Homme Sans L’’occident +
Tibesti Too
Un Homme Sans L’’occident
De Raymond Depardon. Com Ali
Hamit, Brahim Jiddi, Wodji
Ouardougou. 105 min.
19h - Sala Félix Ribeiro
Un Lac
De Philippe Grandrieux. Com
Dimitry Kubasov, Alexei Solonchev,
Natalie Rehorova. 90 min.
19h30 - Sala Luís de Pina
A Calúnia + O Fauno das
Montanhas
A Calúnia
De Manuel Luis Vieira. Com Nadine
Menut, Ermelinda Vieira, Maria
Augusta. 85 min.
22h - Sala Luís de Pina
Aves de Rapina
Greed
Amar Foi a Minha Perdição
Leave Her to Heaven
De John M. Stahl. Com Cornel Wilde,
Jeanne Crain, Vincent Price. 110 min.
19h - Sala Félix Ribeiro
Fata Morgana + Visione del
Deserto
Fata Morgana
De Werner Herzog. Com Lotte
Eisner, Eugen Des Montagnes,
Wolfgang von Ungern-Sternberg. 79
min.
19h30 - Sala Luís de Pina
A Última Sessão
The Last Picture Show
De Peter Bogdanovich. Com Ben
Johnson, Cloris Leachman, Cybill
Shepherd, Ellen Burstyn, Jeff
Bridges, Timothy Bottoms. 115
min.
21h30 - Sala Félix Ribeiro
The Desert People +
Desertert
The Desert
People
De David
Lamelas.
50 min.
22h - Sala Luís
de Pina
13h20, 16h05, 18h50, 21h40, 00h30; ZON
Lusomundo Amoreiras: 5ª 6ª Sábado Domingo
2ª 3ª 4ª 13h10, 15h50, 18h30, 21h30, 00h15; ZON
Lusomundo Almada Fórum: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 12h55, 15h45, 18h35, 21h25,
00h15;
Porto: Arrábida 20: Sala 14: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 13h55, 16h30, 19h15, 21h55,
00h35; Medeia Cidade do Porto: Sala 1: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 14h30, 17h, 19h30,
22h; Nun`Álvares: Sala 1: 5ª 6ª Sábado 14h, 16h30,
21h15, 23h30 Domingo 2ª 3ª 4ª 14h, 16h30,
21h15; ZON Lusomundo Dolce Vita Porto: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h, 15h50, 18h45,
21h40, 00h30; ZON Lusomundo Parque Nascente:
5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h15, 16h,
18h50, 21h40, 00h30; ZON Lusomundo Glicínias:
5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 14h50, 17h55,
21h, 00h05;
É um filme acidentado, por várias
mortes, e não só a da Heath Ledger.
É verdade. Mas não é o caso do
“grande filme que nunca foi”. Este
até poderá ser o caso do filme que
vive do azar que o tramou (e até
pode ser este o caso do realizador
que se alimenta da lenda de
azarado). Mas está gravado nas
imagens, deste e dos outros filmes
de Terry Gilliam, que o homem é
menos um “visionário” e mais um
(simpático) “impostor”. O que até
liga com o bricabraque de
“Parnassus - o homem que queria
enganar o diabo”. Obviamente não é
Fellini quem quer. Vasco Câmara
Heath Ledger por
Terry Gilliam
De Erich von Stroheim. Com Gibson
Gowland, Jean Hersholt, Zasu Pitts.
120 min. M16.
22h - Sala Luís de Pina
Quinta, 08
Relíquia Macabra
The Maltese Falcon
De John Huston. Com Elisha Cook Jr.,
Humphrey Bogart, Mary Astor, Peter
Lorre, Sidney Greenstreet. 100 min.
15h30 - Sala Félix Ribeiro
44 • Sexta-feira 2 Abril 2010 • Ípsilon

DVD
Caixa Robert Wise – Costa
do Castelo
Mademoiselle Fifi
mmmnn
Extras
mmmnn
O Túmulo Vazio
The Body Snatcher
mmmmn
Sem extras
Nasceu para Matar
Born to Kill
mmmmn
Extras
mmnnn
Nobreza de Campeão
The Set Up
mmmmn
sem extras
“Nobreza de Campeão”: não terá a
grandeza que se lhe atribuiu na época,
mas mantém uma inacreditável força
Cinema
Série B
no coração
Esta caixa vem permitir aos
cinéfilos desinformados
lançar um novo olhar sobre
a obra de Robert Wise.
Mário Jorge Torres
Robert Wise transformou-se para
muitos sectores da crítica no
protótipo do cineasta mal amado,
sobretudo em função dos seus
títulos de maior sucesso e
visibilidade, ambos amplamente
oscarizados: a despreocupação
açucarada de “Música no Coração”
(1965), a fazer cantar as montanhas e
as criancinhas (bem mais divertido
do que sempre se propalou), ou a
discutível truculência de “Amor Sem
Barreiras/West Side Story” (1961),
este sim um perigoso travesti de um
grande musical da Broadway,
irremediavelmente datado e
lacrimejante, apenas resgatável pelo
arrojo coreográfico de Jerome
Robbins. A partir desta leitura
parcelar e facciosa, insistiu-se em
fazer tábua rasa de tudo o resto,
rejeitando de forma quase liminar
um dos mais influentes filmes de
ficção científica, “O Dia em que a
Terra Parou” (1951), um curioso
“peplum” precursor do muito que
estava para vir em termos de
cooperação ítalo-americana,
“Helena de Tróia” (1955), um
interessante “western” impuro,
“Honra a um Homem Mau” (1956),
com um fabuloso James Cagney, um
dos mais complexos “filmes de
boxe”, “Marcado pelo Ódio” (1956),
a dar a Paul Newman um dos seus
primeiros grandes papéis, o
melodrama comedido de “Quero
Viver” (1958), a comedia amarga de
“Baloiço para Dois” (1962), o
estilizado terror de “A Casa Maldita”
(1963), ou, pior do que tudo, a fase
RKO dos seus primórdios como
realizador (1944-1949), prova
provada de como a série B se lhe
ajustava como uma luva. Decidiu-se
precipitadamente que percurso de
Wise pelos géneros não exibia estilo
próprio e que tudo o que de bom
fizera se devera sempre à
contribuição de outros.
Esta caixa, em excelentes cópias,
vem repor alguma justiça e permitir
aos cinéfilos desinformados lançar
um novo olhar sobre a sua obra,
precisamente centrado sobre os
pequenos filmes produzidos na RKO,
com poucos meios e muitas vezes
com actores incipientes ou de
segunda linha, prolongando de certo
modo a sua inquestionável força de
montador de duas das obras-primas
de Orson Welles: “O Mundo a Seus
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
“Nasceu para Matar”: “film
noir”, atmosférico e atabafante, é
surpresa maior da colectânea
Pés” (1941) e “O 4º Mandamento”
(1942) que salvou, inclusive, da pior
das sortes, a de nunca ter existido.
Cronologicamente, o primeiro de
todos (o opus 1, o excelente “A
Maldição da Pantera”, co-realizado
com Gunther Von Fritsch, já existe
como extra de “Cat People”, no
catálogo da editora) é “Mademoiselle
Fifi” (1944), estranhíssimo filme de
propaganda, adaptando a novela de
Guy de Maupassant, em que a
invasão da França durante a guerra
Franco-Prussiana serve de metáfora
da Grande Guerra: a resistência
passiva de uma jovem lavadeira
(espantosa Simone Simon, quase
sonâmbula) à confraternização com
o inimigo desencadeia fantasmas
renovados e encena preciosos
momentos de interioridade (filma-se
com certeira singeleza o interior de
uma carruagem, a claustrofóbica
torre de uma igreja ou as salas de
uma estalagem, bem delimitadas “à
Welles”, com escadas e
travejamentos do tecto), com um
forte sentido da decoração de época,
bem como de gosto pelo pormenor,
muito mais próximo de Wise (a
lembrar a posterior parafernália
tragicómica dos símbolos nazis em
Trevor, no centro da narrativa,
constrói uma desmedida “femme
fatale”, vítima de si-própria e
carrasco dos homens vulneráveis
que dela se acercam – o impulsivo
assassino (o excelente Lawrence
Tierney), o masoquista comparsa
deste (Elisha Cook Jr., frágil e
diminuto, a lembrar outras
personagens, como a de “À Beira do
Abismo”) ou o venal detective de
Walter Slezak. Tudo medido ao
milímetro, entre “raccords” de
telefones e sombras omnipresentes
nos rostos e nos corpos. Como extra,
temos um “insignificante”
filmezinho de tribunal, “Entre Dois
Fogos”/ “Criminal Court” (1946),
ainda assim da maior relevância
para entender como o telefilme da
década seguinte instrumentaliza as
menoridades da série B, na sua
lógica narrativa: parece o
antepassado rarefeito de um
episódio de “Perry Mason”,
recheado de reviravoltas de enredo e
de personagens estereotipadas e
irónicas, sempre consciente do valor
de cada pormenor e de cada plano.
“Nobreza de Campeão” (1949), o
mais conhecido de todos, dispensa
encómios pelo modo como revisita
os bastidores do boxe (cerca de
metade do filme decorre no espaço
fechado da sala onde os chegam os
ecos dos combates e onde os
pugilistas interiorizam os seus
medos e sonhos frustrados) e como
integra a figura do herói envelhecido
(sublime Robert Ryan) numa noite,
povoada de sombras e de néons,
entrevista de uma janela aberta ao
mundo ameaçador das lutas
forjadas, do gangsterismo
ameaçador, do impasse do sonho
americano. As sequências de boxe
primam pela montagem artificiosa (é
sobretudo a visão de um montador)
e pelo gosto (por vezes demasiado
ostensivo) da mudança de escala,
entre planos de conjunto da
multidão ululante e denunciados
“close-ups”: não terá a grandeza que
se lhe atribuiu na época, mas
mantém uma inacreditável força
representativa, a mostrar como vale
a pena desafiar ideias feitas e ver os
filmes.
direcção artística Cesário Costa
“Música no Coração”) do que do
produtor Val Lewton, a quem todos
atribuem a “autoria”. Como extra,
METROPOLITANA
T E M P O R A D A 2 0 0 9 | 2 0 1 0
uma pequena pérola desconhecida,
“Mistério no México”/ “Mistery in
Mexico” (1948), “thriller”
económico, com extraordinários
“raccords” e um delicioso sabor a
exótico, aproveitando o pretexto de
um colar cobiçado pelo vilão e
defendido por dois detectives de
uma agência de seguros. O cuidado
com a atmosfera “noir” aparece
contrabalançado por uma forte dose
de humor, tendo a perfeita noção do
“timing” e do efeito da pobreza
representativa de meios, sem um
minuto a perder.
“O Túmulo Vazio” (1945), fábula
gótica, livremente inspirada em
Concerto de Páscoa
Sexta-feira, 2 de Abril, 21h30 – Aula Magna
Stevenson, requinta nos delírios do
Ana Quintans soprano
Armando Possante barítono
“chiaroscuro” e encaixa na estética
Lewton, não sem que se perceba no Håkan Rosengren clarinete Robertas Šervenikas direcção musical
romantismo patético da história da
Coro Sinfónico Lisboa Cantat · Orquestra Metropolitana de Lisboa
criança hemiplégica um toque
melodramático atribuível a Wise:
CARL NIELSEN – Concerto para Clarinete e Orquestra, Op. 57
tudo o resto, desde a sardónica
GABRIEL FAURÉ – Requiem, Op. 48
personagem de Karloff ou a rábula
de Bela Lugosi, até às derradeiras
fantasias visuais da morta
transfigurada e fantasmática,
cumpre o programa de um terror
controlado e eficaz, jogado em
sombras e delírios consentâneos
com um expressionismo longínquo e
adaptado à tensa brevidade de
pouco mais de uma hora – a lição da
série B em todo o seu esplendor.
OML Júnior
Sábado, 3 de Abril, 18h00 – Teatro Camões
Concerto de encerramento do Workshop da Páscoa 2010
Pedro Neves e Rui Carreira direcção musical
“Nasceu para Matar” (1947)
constitui a surpresa maior da
colectânea. Este “film noir”,
+info: www.metropolitana.pt · telefone: 213 617 320
atmosférico e atabafante, veicula
uma visão universal do Mal que se
agarra às personagens como um
vício ou uma inevitabilidade, sem
tréguas, nem meias medidas: Claire
Ípsilon • Sexta-feira 2 Abril 2010 • 45

Concertos
27 DE MARÇO A 11 DE ABRIL*
ESTÚDIO ZERO
TRADUÇÃO | MARIA HERMÍNIA BRANDÃO
ENCENAÇÃO | JOÃO CARDOSO
CENOGRAFIA | SISSA AFONSO
FIGURINOS | BERNARDO MONTEIRO
DESENHO DE LUZ | NUNO MEIRA
SONOPLASTIA | FRANCISCO LEAL
INTERPRETAÇÃO | ROSA QUIROGA
*excepto 4 de Abril
M12
COMPANHIA SUBSIDIADA POR:
APOIO DE:
Clássica
Excelência
juvenil
Entre 8 e 16 de Abril
a Orquestra Juvenil
Gustav Mahler estará em
residência na Gulbenkian.
Cristina Fernandes
Regresso
A Orquestra Juvenil Gustav Mahler regressa
a Portugal para realizar três concertos
Um ano
após a
morte de João
Aguardela, A
Naifa está de volta.
Sob a forma de livro dvd
Orquestra Juvenil Gustav Mahler
Lisboa. Fundação e Museu Calouste Gulbenkian.
Avenida de Berna, 45A. 5ª às 19h00. Tel.:
217823700. 12,5€ a 25€.
No Grande Auditório. Obras de
Strauss, Janacek e Stravinsky.
A Orquestra Juvenil Gustav Mahler
(OJGM), formação que no ano
passado protagonizou uma
memorável interpretação da Sinfonia
nº3 de Mahler no Coliseu de Lisboa,
regressa a Portugal para realizar três
concertos no âmbito do ciclo
Orquestra Convidadas e em
Residência da temporada
Gulbenkian. O primeiro (dia 8, às
19h) será preenchido com um
aliciante programa onde poderemos
apreciar separadamente os seu
excelentes instrumentistas de cordas
e sopros. Serão interpretados o
Prelúdio para Sexteto de Cordas da
ópera “Capriccio” e “Metamorfoses”,
estudo para 23 instrumentos de
cordas solistas, de Richard Strauss;
“Mladi” ( Juventude), para sexteto de
sopros, de Leos Janacék; e o Octeto
para sopros, de Igor Stravinsky. No
dia 11, a OJGM tocará o “Adagio” da
Sinfonia nº10, de Mahler, e a Sinfonia
nº 13, de Chostakovich, sob a
direcção de David Afkham, e no dia
16 regressa à música de
Chostakovitch e R. Strauss sob a
batuta de Antonio Pappano e tendo
como solista a jovem violoncelista
coreana Han-na Chang.
Criada em 1986 pelo maestro
Claudio Abbado, a OJGM destinava-se
inicialmente à colaboração entre os
jovens instrumentistas austríacos e os
seus colegas das então Repúblicas
Socialistas da Checoslováquia e da
Hungria. A partir de 1992, a orquestra
passou a admitir também elementos a
partir dos 26 anos, provenientes de
toda a Europa e seleccionados em
biográfico dos primeiros
quatro anos de carreira
e digressão nacional.
Neste regresso aos
palcos, Luís Varatojo
e Maria Antónia
audições anuais feitas em mais de 25
cidades por um júri presidido por
Claudio Abbado. A maior parte dos
membros transita depois para as
principais orquestras mundiais,
beneficiando assim de uma
experiência prévia ao mais alto nível.
A OJGM tem sido dirigida por
maestros de grande envergadura
(além de Abbado destacam-se Boulez,
Haitink, Jansons, Ozawa e Welser-
Möst) e tem colaborado com solistas
tão ilustres como Martha Argerich,
Yuri Bashmet, Evgeni Kissin, Radu
Lupu, Anne-Sophie Mutter, Jessye
Norman, Anne Sofie von Otter ou
Maxim Vengerov. O seu repertório
estende-se da música clássica até à
contemporânea, mas são as grandes
Fernando Miguel Jalôto: cravo e direcção
do Ludovice Ensemble
Mendes contam com a
companhia de Sandra
Baptista (ex-Sitiados)
no baixo e de Samuel
Palitos (ex-Sitiados e
Censurados) na bateria.
obras sinfónicas do século XIX e do
Romantismo tardio que formam o seu
núcleo principal de especialização.
Cantatas francesas
pelo Ludovice
Ensemble
Ludovice Ensemble
Fernando Miguel Jalôto (cravo e
direcção), Hugo Oliveira (barítono)
Lisboa, Instituto Franco-Português, dia 7, às 19h
(transmissão em directo pela RDP-Antena 2).
Espinho, Auditório de Espinho, dia 8, às 21h30.
Fundado em 2004 pelo cravista
Fernando Miguel Jalôto e pela flautista
Joana Amorim, o Ludovice Ensemble
é um agrupamento de câmara
especializado na interpretação de
música antiga que tem centrado a sua
actividade no repertório dos séculos
XVII e XVIII, com destaque para a
música francesa. O nome do grupo
presta homenagem ao arquitecto e
ourives alemão Johann Friedrich
Ludwig (1673-1752) que esteve ao
serviço de D. João V e foi um dos
pilares da reforma artística e cultural
efectuada pelo Rei Magnânimo.
Sediado em Portugal, o Ludovice
Ensemble conta com a colaboração
de instrumentistas e cantores de
várias nacionalidades, cujo número
varia em função dos projectos.
Testemunho do salto qualitativo que
a música antiga deu em Portugal
graças à formação especializada que
um considerável número de jovens
músicos obteve no estrangeiro, o
Ludovice Ensemble distingue-se pelo
cuidado na concepção dos seus
programas, os quais dão grande
atenção ao contexto histórico e
remetem para áreas temáticas
específicas, escolas estilísticas ou
relações com outras artes.
46 • Sexta-feira 2 Abril 2010 • Ípsilon

Concertos
Tem nome de multidão
mas é um duo. Susanna
and The Magical Orchestra
é o projecto que, pela
mão de Morten Qvenild,
combina elementos da pop,
da electrónica e do jazz em
ambientes hipnóticos aos
quais somos conduzidos
pelo canto de sereia de
Susanna Wallumrød. Os
noruegueses têm tripla
data marcada para o
nosso país – Ovar (Centro
de Arte, dia 9), Braga
(Theatro Circo, 10) e
Lisboa (Teatro Maria de
Matos, 12).
Jorge Cruz com
Diabo na Cruz
Agenda
sexta 2
Santos & Jahmmin Band
Lisboa. Armazém F. R. Cintura Porto Lisboa,
Armazém 65, Cais do Gás, às 00h00. Tel.:
213220160. 20€. Pré-venda: 18€.
Black Uhuru, Burning Spear, Bob
Marley... Os grandes do reggae
pairam sobre “Escape from Babylon”,
de Alborosie. O músico, que é
apontado como uma das maiores
esperanças da música jamaicana,
mostra como se fazem pontes entre a
herança e os dias de hoje.
Orquestra Metropolitana de
Lisboa
Direcção Musical: Boguslav
Dawidow. Com Hakan Rosengren
(clarinete), Ana Quintans (soprano),
Armando Possante (barítono). Com
Coro Sinfónico Lisboa Cantat.
Lisboa. Aula Magna. Alam. Universidade, às 21h30.
Tel.: 217967624. Entrada livre.
13.º Encontro Internacional de
Clarinete de Lisboa.
Rodrigo Amado Quarteto + Luís
Lopes
Lisboa. Galeria Zé dos Bois. R. da Barroca, 59 -
Bairro Alto, às 23h00. Tel.: 213430205. 6€.
Samuel Úria
Guimarães. CC Vila Flor. Av. D. Afonso Henriques,
701, às 00h00. Tel.: 253424700. 4€.
Diabo Na Cruz
Com Jorge Cruz (guitarra e voz), B
Fachada (viola braguesa e voz),
Bernardo Barata (baixo e voz), João
Gil (sintes), João Pinheiro (bateria e
percussão).
Portalegre. Centro de Artes do Espectáculo. Pç. da
Republica, 39, às 22h00. Tel.: 245307498. 5€. No
Grande Auditório. M4.
Claire Michael Quarteto
Com Thierry Le Gall (bateria),
Patrick Chartol (baixo), Jean-Michel
Vallet (piano), Claire Michael
(saxofones; flute e voz).
Lisboa. Onda Jazz. Arco de Jesus, 7 - ao Campo das
Cebolas, às 22h30. Tel.: 919184867. 7€.
Virgem Suta
Igreja. Kastrus River Klub. Av. Eng. Arantes Oliveira
- Complexo das Piscinas, às 23h00. Tel.: 962557267.
sábado 3
Carminho
Vilamoura. Tivoli Marina. Sáb, 21h30. Tel.:
289303303. 15€.
Vânia Fernandes + Júlio
Resende
Lisboa. Onda Jazz. Arco de Jesus, 7 - ao
Campo das Cebolas, às 22h30.
Tel.: 919184867. 7€.
Gomo
Tomar. Cine-Teatro Paraíso.
R. da Infantaria, 15 - Ed.
Teatro, às 21h30. Tel.: 249329190. 9190.
5€.
Tomar Jovem 2010.
Apresentação de
“Nosy”. Cinco anos depois, Gomo
regressa com mais música colorida,
animada e exuberante. “Nosy” é o
novo trabalho, que vai ser
apresentado em Tomar, a 3 de Abril.
Orquestra Filarmonia das Beiras
Direcção Musical: António Vassalo
Lourenço. Com José Corvelo (baixo),
João Cipriano Martins (tenor), Paula
Dória (mezzo-soprano), Isabel
Alcobia (soprano). Com Coro
Odysseia, Coro Regina Coeli.
Óbidos. Santuário do Senhor Jesus da Pedra. Lg.
Igreja Senhor da Pedra, às 18h00. 5€.
Diabo Na Cruz
Com Jorge Cruz (guitarra e voz), B
Fachada (viola braguesa e voz),
Bernardo Barata (baixo e voz), João
Gil (sintes), João Pinheiro (bateria e
percussão).
Sines. Centro de Artes. R. Cândido dos Reis (centro
histórico), às 21h30. Tel.: 269860080. 5€.
Kirk Lightsey
Olival Basto. CC da Malaposta. R. Angola, às 21h30.
Tel.: 219383100. 10€ (sujeito a desconto). No
auditório.
domingo 4
JazzMingus
Lisboa. R. dos Bacalhoeiros, 125 - 2º, às 21h30. Tel.:
218864891.
Com Cat’s Craddle e Dubfunkey (dia
4), Oh It’s Better Again e
JellyJumpers (dia 11), Selma Uamusse
Nu-Jazz Ensemble e DJ Orquestra
Invisível (dia 18), Rita Martins & Ana
Paula Sousa e DJ Orquestra Invisível
(dia 25).
segunda 5
Leaves Eyes
Lisboa. Café Teatro Santiago Alquimista. R.
Santiago, 19. 2ª às 21h30. Tel.: 218884503. 22€.
Apresentação de “Njord”.
terça 6
Lisa Germano + Philip Selway
Lisboa. Aula Magna. Alam. Universidade, às 21h00
(portas abrem às 20h). Tel.: 217967624. 22€ a 30€.
Dee Dee Bridgewater
Porto. Casa da Música. Pç. Mouzinho de
Albuquerque, às 22h00. Tel.: 220120220. 30€.
Jantar-concerto: 45€. Na Sala Suggia.
To Billie with Love - A Celebration of
“Lady Day”. 5 Anos Casa da Música.
Carlos Barretto Trio: Lokomotiv
Lisboa. Cinema São Jorge. Av. Liberdade, 175, às
21h30. Tel.: 213103400. 5€. Na Sala 1. M4.
quarta 7
Tokio Hotel
Lisboa. Pavilhão Atlântico. Pq. das Nações, às 19h30
(portas abrem às 18h). Tel.: 218918409. 8 28€ a 40€.
Apresentação de “Humanoid”.
Lisa Germano +
Philip
Selway
Porto. Casa da Música. Pç. Mouzinho de
Albuquerque. 4ª às 21h30. Tel.: 220120220. 22€. Na
Sala 2.
Red Trio + John Butcher
Com Rodrigo Pinheiro (piano),
Hernâni Faustino (contrabaixo),
Gabriel Ferrandini (bateria), John
Butcher (saxofone).
Lisboa. Culturgest. R. Arco do Cego - Ed. da CGD, às
21h30. Tel.: 217905155. 5€. No Pequeno Auditório. M 12.
Ciclo Isto É Jazz?
Maria de Medeiros
Lisboa. Cinema São Jorge. Av. Liberdade, 175, às
21h30. Tel.: 213103400. 18€ a 30€.
Na Sala 1. Apresentação de
“Penínsulas & Continentes”.
quinta 8
Sepultura + Crowbar + Hamlet +
Armed For Apocalypse
Corroios. Cine-Teatro do Ginásio Clube. R. Ginásio
Clube de Corroios, 19, às 20h00 (portas abrem às
19h). Tel.: 212532666. 25€. Pré-venda: 23€.
Foge Foge Bandido
Lisboa. Aula Magna. Alam. Universidade, às 21h30.
Tel.: 217967624. 18€ a 22,5€.
Apresentação de “O Amor Dá-me
Tesão.
Não Fui Eu que Estraguei”. Manel
Cruz, o ex-Ornatos Violeta dotado de
uma veia lírica ímpar, lançou-se
recentemente a solo. Foge Foge
Bandido é o nome do projecto com
que se apresenta.
Diabo Na Cruz
Com Jorge Cruz (guitarra e voz), B
Fachada (viola braguesa e voz),
Bernardo Barata (baixo e voz), João
Gil (sintes), João Pinheiro (bateria e
percussão).
Guarda. Teatro Municipal da Guarda. R. Batalha
Reis, 12, às 22h00. Tel.: 271205241. 4€.
Café-concerto. Apresentação de
“Virou!”.
Red Trio + John Butcher
Com Rodrigo Pinheiro (piano),
Hernâni Faustino (contrabaixo),
Gabriel Ferrandini (bateria), John
Butcher (saxofone).
Portalegre. Centro de Artes do Espectáculo. Praça da
Republica, 39, às 22h00. Tel.: 245307498. 5€. No
Pequeno Auditório. M4.
Samuel Úria
No dia 7, às 19h, o Ludovice
Ensemble apresenta no Instituto
Franco-Português, em Lisboa, o
programa “Amour, viens animer ma
voix !”, composto por cantatas
francesas do início do século XVIII,
com a colaboração do barítono Hugo
Oliveira. O concerto será transmitido
em directo pela RDP-Antena 2 e
repetido no dia seguinte, às 21h30, no
Auditório de Espinho. O programa
versa temáticas como os mitos de
Orfeu e Pigmalião e inclui as cantatas
“Pygmalion”, de Clérambault; “Le
Jaloux”, de Campra; “L’Enlévement
d’Orithie”, de Montéclair; e “Orphée”,
de Courbois; bem como trechos
instrumentais (“Concerts de
Simphonies”) de Dornell. C.F.
O mais sereno dos
“Requiem”
Orquestra Metropolitana de
Lisboa
Coro Sinfónico Lisboa Cantat
Ana Quintans (soprano), Armando
Possante (barítono), Hakan
Rosengren (clarinete), Robertas
Servenikas (direcção)
Lisboa, Aula Magna da Reitoria da Universidade
Clássica, dia 2, às 21h30.
“É tão suave como eu”, escreveu
Gabriel Fauré (1845-1924) numa carta
a um amigo a propósito do seu
“Requiem”, obra que troca o
dramatismo da morte expresso pela
maior parte dos compositores que o
precederam pela serenidade
consoladora e por uma estética
despojada de uma beleza etérea.
“Mais do que o terror da morte, o
meu Requiem expressa o sossego do
descanso eterno. É assim que eu
visualizo a morte: uma feliz redenção,
uma aspiração a deleites mais
elevados e não uma transição lúgubre
para um sinistro desconhecido”,
escreveu o compositor.
Foi esta obra célebre, estreada
numa versão mais reduzida em 1888
na Igreja da Madeleine de Paris e
objecto de uma orquestração mais
ampla para a apresentação em 1900
por ocasião da Exposição
Ípsilon • Sexta-feira 2 Abril 2010 • 47

Concertos
Regresso
Robert Plant vai
ressuscitar uma banda
para lançar novo disco -
entre o Verão e o Outono
- e voltar à estrada, mas
arrefeçam os ânimos:
não são os Led Zeppelin.
Band of Joy é o nome de
um projecto que Plant e
o baterista John Bonham
criaram ainda antes
de se tornarem lendas
da música. O vocalista
recrutou quatro novos
elementos com os quais,
em Julho, vai percorrer
doze palcos norteamericanos.
Universal da capital francesa, que
a Orquestra Metropolitana de Lisboa
seleccionou para o seu Concerto de
Páscoa deste ano. Hoje, às 21h30,
será possível apreciar a sua
interpretação na Aula Magna da
Reitoria da Universidade de Lisboa,
sob a direcção de Robertas
Servenikas. Serão solistas a soprano
Ana Quintans – a quem cabe uma
das passagens mais famosas da
composição (“Pie Jesu”) — e o
barítono Armando Possante. O
programa do concerto inclui ainda
uma peça relativamente pouco
interpretada: o Concerto para
Clarinete e Orquestra, Op. 57, do
compositor dinamarquês Carl
Nielsen (1865-1931), com Hakan
Rosengren como solista. C.F.
Pop
Phil Selway não
é só baterista dos
Radiohead
Philip Selway+ Lisa Germano
Lisboa. Aula Magna. Alam. Universidade, 3ª, 6, às
21h00 (portas abrem às 20h). Tel.: 217967624. 22€ a
30€.
Philip Selway + Lisa Germano
Porto. Casa da Música. Pç. Mouzinho de
Albuquerque. 4ª, 7, às 21h30. Tel.: 220120220. 22€.
Na Sala 2.
Estamos habituados a vê-lo no fundo
do palco, de crânio luzidio e bom
toque de baqueta, mas Phil Selway, o
baterista dos Radiohead, não é
“apenas o baterista”. Selway pega na
guitarra e canta e, se já o faz desde
2001 nos 7 Worlds Collide, a banda
de beneficência reunida por Neil
Finn, o ex-Crowded House, agora
tudo é mais sério. Está a gravar um
álbum a solo e marcou uma
digressão para mostrar as suas
canções Europa fora. Actua em
Portugal terça-feira, no Pequeno
Auditório do Centro Cultural de
Belém (o concerto esteve marcado
para a Aula Magna, mas o local foi
alterado esta semana), sobe ao
Porto, à Casa da Música, no dia
seguinte, e vem em boa companhia.
Lisa Germano, a cantora de
neuroses e psicoses, de uma invulgar
violência lírica, ela que marcou a
década de 1990 com álbuns como
“Excerpts from a love circus”,
conheceu Selway nos 7 Worlds
Collide e ocupar-se-á das primeiras
partes dos concertos. Reúne-se
depois ao baterista que não é só
baterista e, com a companhia do
baixista Sebastian Steinberg, o trio
apresentará em formato mais
despido a música do álbum que
ouviremos no final do ano. Selway
está a gravá-lo com os companheiros
de digressão, mas também com dois
Wilco, o baterista Glenn Kotche e o
multi-instrumentista Pat Sansone.
A banda que
Tarantino ainda não
descobriu
Vermillion Sands + Black Leather
Leiria, Orfeão Velho, hoje, 22h30; tel.: 962312547 /
910255776. Bilhetes a 5€ (sócios Fade In), 6€ (venda
antecipada) e 7,5€ (no próprio dia)
Algures numa crítica escreve-se que
os Vermillion Sands são a banda
que Quentin Tarantino ainda não
descobriu. E se não os descobriu,
ele que é homem atento, será
menos por desatenção e mais
porque é difícil pôr a vista em cima
desta banda. Falamos, afinal, de
pessoal que resgatou nome a um
livro de contos de J.G. Ballard, que
edita pela Fat Possum e que toca
um rock’n’roll mais americano que
a América, com uma magnífica
vocalista de timbre familiar ao da
igualmente magnífica Holy
Golighlty. Acontece que os
Vermillion Sands, pessoal de
rugosidades “garage” e faiscar fuzz,
são de Treviso, no Norte de Itália.
Por isso perdoamos a Quentin
Tarantino não ter ainda reparado
neles e agradecemos à história ter
feito desta coisa chamada
rock’n’roll expressão universal.
Estes Vermillion Sands que
chegam ao Orfeão Velho, em Leiria,
incluídos na programação do Fade
In 2010, vivem da personalidade de
Anna Barattin, ela que plana naquela
dimensão “miúda coquette, mulher
vivida” que dá às canções um
delicioso travo de perversidade.
Depois, têm os músicos certos para
construir os cenários indicados aos
passeios daquela voz. Há memórias
de country & western, há garage
para que a dança se instale, há a
ideia de criar standards onde cabe
toda a iconografia rock’n’roll
americana. Standards com a noção
certa das coisas: “Wake me when I
die”, como ouvimos cantar algures a
vivíssima Anna Barattin A primeira
parte será assegurada pelos
portugueses Black Leather, pintados
a negro gótico e com uma versão de
“Sweet Dreams” a condizer. M.L.
Jazz
Labirintos
Apresentação, ao vivo, do
novo registo dos Lokomotiv,
uma das grandes formações
do jazz português. Rodrigo
Amado
Carlos Barretto Lokomotiv
Com Mário Delgado e José Salgueiro
Lisboa São Jorge, 6, 21h30; 5 euros
Carlos Barretto, contrabaixista luso
de excepção, sempre teve como
ponto forte o ritmo, revelando uma
capacidade única para a construção
de uma poderosa teia rítmica, feita
do pós-bop que tocou durante anos
e marcado ainda por forte influência
mediterrânica. Recrutado
frequentemente por figuras de topo
do jazz nacional, como Bernardo
Sassetti ou Carlos Martins, é nos
seus próprios projectos que alcança
uma maior consistência e equilíbrio;
a solo, com o projecto Solo
Pictórico, com os In Loko, sexteto
vocacionado para uma fusão entre
rock, funk e jazz, ou com os
Lokomotiv, trio que partilha com
duas outras grandes figuras do jazz,
o guitarrista Mário Delgado e o
baterista
percussionista José Salgueiro.
Com um único registo gravado
em 2003 para a editora Clean Feed
e dezenas de concertos realizados,
os Lokomotiv constituem um
veículo de excepção para a música
de Carlos Barretto e para a
exuberante criatividade
instrumental dos seus três músicos.
Conjugando elementos do jazz, do
rock e da música tradicional
portuguesa, integra ainda
influências dos muitos nomes
internacionais com os quais
Barretto colaborou, entre eles
figuras como Lee Konitz, Gary
Bartz, Steve Lacy, Kirk Lightsey ou
Mal Waldron.
48 • Sexta-feira 2 Abril 2010 • Ípsilon

Discos
Meia-dúzia de grandes canções
e mais um punhado de muito
razoáveis melodias – nada mau
para um mini-super-duo
Pop
Mini-superduo
Este disco respira os vapores
arroxeados que ainda hoje
emanam de obras-primas
como “Pet Sounds”, dos
Beach Boys, ou “Odessey and
Oracle”, dos Zombies. João
Bonifácio
Broken Bells
Broken Bells
Columbia; distri. Sony
mmmmn
Os super-grupos,
como a obra dos
Travelling Wilburys
tão bem demonstra,
não costumam ser
uma grande ideia.
Mas os Broken Bells não são bem um
super-grupo, antes um ajuntamento
de mini médias estrelas. Ou, vá, um
duo de valentes lanternas, já que
Lançamento
tanto o produtor Danger Mouse
como James Mercer são gente
conhecida mas estão longe de ter a
exposição ridícula de uma Lady
Gaga.
Danger Mouse surpreendeu o
mundo com o seu “Grey Album”, em
que misturava Beatles e Jay-Z, e
encetou proveitosas colaborações
com os Gorillaz, Cee-Lo (nos Gnarls
Barkley) e com Mark Linkous dos
Sparklehorse.
Mercer foi o líder dos Shins, que
fizeram um extraordinário disco,
“Oh, Inverted World” (2001), e mais
dois engraçadinhos. Ambos são
fanáticos da pop dos anos 50 e 60,
tolinhos da psych, da exótica e seus
derivados, pelo que não admira que
o disco seja atravessado por uma
indie-pop vagamente psicadélica. As
melodias são tão melosas como uma
namoradinha adolescente e os
arranjos polvilham cada canção de
ganchos e truques pop
deliberadamente retro e
referenciais. “Vaporize” vive de
deliciosos órgãos vintage, “The
ghost inside” tem beat impecável,
ritmo semi-disco, palminhas e
falsete, registo que regressa em “The
Mall & Misery”, enquanto “Sailing to
nowhere” tem órgãos à Procol
Harum em dueto com um beat
quase-bossa. Nos seus melhores
momentos o disco respira os
vapores arroxeados que ainda hoje
emanam de obras-primas como “Pet
Sounds”, dos Beach Boys, ou
“Odessey and Oracle”, dos Zombies.
Exemplo disso é a sinfónica “Your
head is on fire”, uma espécie de
encontro entre Esquivel e os Olivia
Tremor Control, “Trap doors”,
cruzamento de banda-sonora de
jogo para o Spectrum com singles
obscuros de Martin Denny e a
magnífica “High road”. Meia-dúzia
de grandes canções e mais um
punhado de muito razoáveis
melodias – nada mau para um minisuper-duo.
Erudição
festiva
Trio de miúdos afroamericanos
causam
sensação, desencantando
sons esquecidos no baú dos
avós. Luís Maio
Carolina Chocolate Drops
Genuine Negro Jig
Nonesuch, distri. Warner
mmmmn
Ben Harper e os
Relentless 7, o trio
que o acompanha
há dois anos,
preparam-se para
lançar novo disco
e contam com um
convidado especial.
“Give ‘Till It’s
Começam por ser
uma novidade na
rubrica “música de
outros tempos”. Os
Carolina Chocolate
Drops são um trio
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
Gone” foi concluído
e, numa faixa,
teve Ringo Starr
sentado na bateria.
O lançamento do
sucessor de “White
Lies for Dark Times”
está previsto para
Outubro.
“Genuine Negro Jig” surpreende pela erudição e pela ousadia
de jovens afro-americanos de classe
média e educação académica que
mergulhou a fundo num estilo de
música ancestral, originário da
região do Piedmont, na Carolina do
Norte. É a tradição das “string
bands”, bandas de negros
conjugando banjo, “fiddle” e
guitarra num estilo de música
festiva, a meio caminho entre o
blues, o hillbilly e os jigs irlandeses.
Uma fatia ultra refundida e insólita –
as origens africanas do banjo, a
apropriação negra da música dos
brancos - que os Drops recriam
numa atitude ainda mais aberta e
descomplexada.
Há temas tradicionais, a começar
por “Genuine negro jig”, que dá
nome ao álbum, original de Dan
Emmett com 200 anos, “standards”
como “Why don’t you do right?”
(1936), à mistura com versões de
títulos tão recentes como “Hit ‘em
up style”, êxito na voz da cantora
soul Blu Cantrell em 2001 e
“Trampled rose” de Tom Waits.
Todo o alinhamento sem excepção
recebe o tratamento típico das
“string bands” com Justin Robinson
em “fiddle”, Rhiannon Giddens no
banjo e Don Flemons em percussões
(que envolvem tamborilar ritmos
nos joelhos e em caixas de sapatos).
Mas eles rambém gostam de mudar
de posições e cada um é voz solista
num par de canções.
São confessas as influências do
guitarrista Joe Thompson, veterano
do som dos Appalaches, agora com
90 anos de idade, mas também do
canto das gargantas profundas de
Tuba, e a conexão celta está patente
na solene versão do tradicional
“Reynadine” na voz de Rhiannon.
De modo geral o som clássico das
“string bands” é abordado com uma
atitude actual. Há um baile punk, ou
um sarau hip hop latente nos temas
dançantes, enquanto nas baladas
espreita a sensibilidade da folk mais
negra e confissional.
“Genuine Negro Jig” surpreende
pela erudição e pela ousadia, pelo
notável ziguezague entre passado e
presente que as suas canções põem
em jogo. Largamente investigado,
intelectualizado e sempre com
várias camadas de leitura, nem por
isso deixa de ser um disco tão
brincalhão e festivo quanto se
presume que o eram as antigas
string bands.
Field Music
Field Music
Memprhis Industries; distri. Popstock
mmmmn
O duplo disco
homónimo dos
Field Music, sendo
um disco duplo,
não tem –
felizmente –
Ípsilon • Sexta-feira 2 Abril 2010 • 49

Discos
Os Libertines
estão de volta. O
hiato já durava
desde 2004, mas o
resfriar das quezílias
entre Pete Doherty e Carl
Barât parece ter um preço.
Segundo o “Guardian”,
os valores propostos
Regresso
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
pelos festivais de
Reading e Leeds,
ambos com datas
marcadas para
Agosto, permitem
o regresso da banda de
“Can’t stand me now”.
Novas datas e até a
criação de novo reportório
são uma possibilidade.
Tudo isto depende do
desfecho do mais recente
escândalo em torno
de Doherty, preso por
alegado envolvimento
na morte por “overdose”
da cineasta Robin
Whitehead.
qualquer significado
transcendental associado, antes é
atravessado por canções que
disparam em todas as direcções:
riffalhada à Jimi
Hendrix,
cordas
Field Music: Não é tudo
grandioso, mas espremido
temos uma dezena de tremendas
canções com uma imaginação
como já não se vê
sumptuosas, funk branco, soluções
melódicas à XTC e até baladas. Mas
mais que profusão de géneros o que
faz de “Field Music” um grande
disco é a baixa percentagem de
faixas falhadas e a criatividade das
soluções dentro
de cada
canção. “Let’s
write a book”
tem a ideia
maluca de
unir uma
percussão
sintética a
um xilofone dissonante, como se
Prince dançasse num tanque com
lixívia. “Them that do nothing”
estrutura-se em guitarras à XTC
antes de derrubar a estrutura prévia,
numa saudável demonstração de
sabotagem. A sombra dos Beatles
acerca-se no jogo de cordas de
“Measure”. O truque, aqui, reside no
uso do contra-ponto. Por diversas
vezes temos versões brancas de riffs
hendrixianos a coincidirem com
quase-falsetes ou a acabarem em
refrões melosos. Num momento de
suprema inspiração, “Choosing
numbers”, a percussão lo-fi parece
emular o grau de complexidade dos
melhores momentos dos Beach Boys
e raiar a música exótica antes de se
abrir num refrão solar. O irmão
Dennis Wilson parece tutelar o
empernanço de piano e metais em
“See you later” e os Big Star levam a
segunda parte de “First comes the
wish” a um lugar de beleza. No
resto, proto-funk deslavado convive
com plágios aos Beatles, guitarrada
fatela acaba em dança, canções pop
desaguam em codas sinfónicas. Não
é tudo grandioso, mas espremido
temos uma dezena de tremendas
canções com uma imaginação como
já não se vê. Vão ser tão grandes
quanto a inteligência humana
permitir. João Bonifácio
Um trovador
competente
Tiago Bettencourt & Mantha
Em Fuga
Universal
mmmnn
Em crítica a
“Jardim”, o
primeiro álbum
de Tiago
Bettencourt no
pós-Toranja,
escrevemos que se identificavam
nele dois caminhos possíveis. O do
pianista de baladas de coração
exposto, demasiado devedor de
Jorge Palma, e uma libertação dessas
amarras, com Bettencourt
descobrindo alguma vivacidade rock
e novas soluções estéticas. “Em
Fuga”, o seu segundo álbum,
mostra-nos que os Toranja estão lá
longe, perdidos numa memória
distante, e que o meio Bettencourt
que víramos antes é agora
Bettencourt inteiro. Um cantor de
“amores”, sempre amores, com o
outro, o amado, como inspiração e
receptor de todos os versos.
Num álbum dominado pelas
guitarras acústicas e pelo piano,
novamente produzido por Howard
Bilerman (Arcade Fire, Godspeed
You! Black Emperro), Tiago
Bettencourt mostra-se um
competentíssimo escritor de
canções. Não existe ferida a exigir
que a voz se liberte ou sensação de
Tiago Bettencourt oferece conforto a vidas confortáveis
arrebatamento, antes estas melodias
com “pa pa pás” no sítio certo
(“Chocámos tu e eu”), um pouco de
sonoplastia americana em cenário
de trovador português (“Parece que
o destino nos quebrou”, a melhor
canção do álbum), um híbrido
Coldplay / Jorge Palma em “Só mais
uma volta” (sendo que Bettencourt é
melhor que os primeiros mas não
atinge a profundidade do segundo)
e, genericamente, um conjunto de
canções escorreitas onde o verbo é
conselho e carícia para vidas sem
sobressaltos. Há muitos anos, Cat
Stevens serviu de psicanalista para
uma geração que não sabia o que
fazer dos seus sonhos desfeitos – e
ele deu-lhes o conforto do rumo
apontado em “Father & son”.
Tiago Bettencourt, que não
psicanalisa, até pode ceder
momentaneamente à “rockalhada”
de dentes afiados (“O Lobo”,
curiosamente), mas é um pouco
como Cat Stevens: oferece conforto
(a vidas confortáveis). M.L.
Maria de Medeiros
Penínsulas & Continentes
Universal
mmmmn
A rodagem em
palco do bem
recebido “A Little
More Blue” levou
Maria de Medeiros
a ampliar a sua
primeira aventura no canto.
“Penínsulas & Continentes”, que daí
Maria de Medeiros: muito
bons arranjos, bom reportório;
quemais pedir?
Fhjn
resultou, já não é só mais um passo
lateral de uma actriz que canta mas
o esteio de uma faceta assumida na
sua carreira. Dito isto, o cinema
continua a marcar a dramaturgia dos
sons, desde logo na escolha de três
temas de Nino Rota (“La dolce vita”,
“Speak soflty love”, “Che scherzi fa
l’amore”; ou Fellini, Coppola,
Wertmüller) ou em canções que
podiam ser pequenos filmes: “Te
recuerdo Amanda”, de Victor Jara,
ou “Não vás contar que mudei a
fechadura”, de Sérgio Godinho,
numa versão, aliás, pouco
convincente. Já a interpretação de
três temas de José Afonso (“O
homem voltou”, “Paz, poeta e
pombas” e “Coro da primavera”) é
efusiva e brilhante, como brilhante é
a abordagem a dois catalães ilustres,
Raimon e Toti Soler (“Epigrama” é
uma pequena maravilha na voz
dela). “Muxima”, do Duo Ouro
Negro, e “Velha chica”, de Waldemar
Bastos, têm versões eloquentes e
dignas e “A jazmín”, do grupo
espanhol El Último de la Fila, meio
rumba, meio bolero, respira
espreguiçando-se. Por último,
“Quem à janela”, de Amélia Muge,
surpreende numa batida rock meio
“bluesy” com refrão a piscar o olho
aos “riffs” de bailes antigos. Muito
bons arranjos, bom reportório, bom
disco. Que mais pedir? Nuno
Pacheco
Jazz
One man
band
Pat Metheny volta a
surpreender com um
dos trabalhos mais
experimentais da sua
carreira. Paulo Barbosa
Pat Metheny
Orchestrion
Nonesuch, distri.Warner
mmmmn
Em “Orquestrion” a música é
produzida por uma imensa
50 • Sexta-feira 2 Abril 2010 • Ípsilon

Pat Metheny: um improvisador em forma superior
of the air”. Não obstante,
“Orchestrion” apresenta motivos
de sobra para que não sejam
apenas os mais fiéis seguidores do
guitarrista a dedicar-lhe atenção.
Odisseia
sem chama
Incapaz de um disco
mau, o clarinetista e
saxofonista assina um
disco sem a chama que lhe
é reconhecida. Rodrigo
Amado
panóplia de
instrumentos
(guitarras,
baixos, pianos,
marimba,
vibrafone,
percussões diversas) e de vários
outros artefactos, tendo em vista a
sua adequação à arquitectura
sonora típica do universo de
Metheny, mais concretamente o de
“Still Life (Talking)” e “Letter From
Home”, ambos da década de 80, e
do mais ambicioso “Secret Story”
(1992).
Sem que tenha aqui lugar uma
detalhada explanação do processo
de criação das diferente partes
deste “Orchestrion” e do modo
incrivelmente preciso através do
guitarrista o coloca em acção, o
aspecto mais louvável de toda esta
aventura – um sonho de infância
para Metheny – será o facto de
apenas em alguns momentos bem
concretos a música acusar o
carácter mecânico que está na
base da sua criação. Se a isso se
adicionar a presença de um
improvisador em forma
claramente superior àquela em
que o havíamos encontrado nas
suas parcerias com o pianista Brad
Mehldau ou no trio que formou
com Christian McBride e Antonio
Sanchez, “Orchestrion” deverá ser
visto como o mais interessante
registo do trajecto recente do
guitarrista.
Em “Soul search”, tema mais
fraco do álbum, dá-se uma
situação problemática quando o
guitarrista, na tentativa de abrir
espaço para a sua faceta mais
fundada em Wes Montgomery e
Kenny Burrell, decide dar ordens
ao seu “orchestrion” para (tentar)
“swingar”, efeito que uma
máquina, ainda que tão
perfeitamente concebida e
manuseada, jamais seria capaz de
reproduzir. Há ainda a lamentar a
simulação de um procedimento
característico do Pat Metheny
Group que se ouve no final de
“Expansions”, onde o guitarrista
incorre numa série de trocas com
os instrumentos de percussão do
seu “orchestrion”, tentativa cujo
resultado volta a denunciar a
artificialidade do processo,
sensação que se repete ainda na
forma como um baixo eléctrico
“telecomandado” introduz “Spirit
Louis Sclavis
Louis Sclavis
Lost On The Way
ECM, dist. Dargil
mmmnn
A maior virtude
de “Lost On The
Way”, oitavo
ábum gravado
por Louis Sclavis
para a ECM, é
dar-nos a confirmação de que o
clarinetista e saxofonista francês
não grava nunca dois álbuns iguais,
apesar do seu som inconfundível e
da personalidade musical forte
como poucas. Um dos mais
brilhantes músicos europeus,
habituou-nos a não esperar dele um
conceito musical fechado, antes
pelo contário: fez sempre questão
de abordar as mais diversas áreas,
do folk à música progressiva, free
jazz, clássica contemporânea ou
mesmo rock, utilizando como
elemento unificador a sua própria
identidade musical, e ultrapassando
em muito o rótulo que lhe é colado
como músico de free jazz ou de
vanguarda.
Inspirado na “Odisseia” de
Homero e gravado com um
quinteto – Sclavis em clarinetes e
saxofone soprano, Matthieu
Metzger em saxofones alto e
soprano, Maxime Delpierre na
guitarra, Olivier Lété no baixo e
François Merville na bateria –
“Lost On The Way” é um dos seus
registos mais convencionais, com
algumas partes da guitarra e do
baixo demasiado sintetizadas,
acentuadas ainda pelos uníssonos
de clarinete e saxofone. É nas
partes em que Sclavis se liberta da
rigidez de Metzger (longe da
frescura de Marc Baron), fazendo
soar o seu clarinete sobre os
ritmos orgânicos de Merville, que
a música mais vibra. Com algumas
excelentes composições e
improvisações brilhantes por parte
de Sclavis e Delpierre, “Lost On
The Way” fica preso numa
excessiva formatação
dos arranjos.
Ípsilon • Sexta-feira 2 Abril 2010 • 51

Discos
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
Comentário
A ignorância mata e o hip-hop
também salva
João
Bonifácio
No dia 14 de Março deste ano foi publicada no “DN” uma crónica que faria corar de
inveja os mais prendados revisionistas históricos ao serviço do regime estalinista. No
texto, intitulado “O hip-hop também mata”, Alberto Gonçalves, sociólogo, parte da
morte de um rapper, MC Snake, às mãos da polícia, em circunstâncias ainda por
apurar, para defender a tese de que os responsáveis pelo estereótipo que a polícia
tem sobre os rappers negros é da exclusiva responsabilidade dos próprios rappers negros.
Gonçalves afirma que o hip-hop, “no seu primarismo”, “tem pouco a ver com música e muito
a ver com uma atitude de confronto face a uma sociedade que [...]se imagina discriminatória”,
atitude verificável “no vestuário ridículo e nos gestos animalescos”, bem como nas letras
que “além de analfabetas”, são “manifestações de rancor social” e “glorificações do crime e
panfletos misóginos”. Resumindo: “O hip hop nasceu na América enquanto braço “musical” e
tardio do “black power” e a “identidade negra” define-se “numa postura de desafio e fúria que
a ‘inteligência’ julga legitimada por uma suposta opressão”.
Isto não é uma tese – é tentar ser politicamente incorrecto à força para irritar o povo. É uma
manifestação de exibicionismo. É, no fundo, um pedido de ajuda e merece a nossa pena.
Quando Gonçalves usa “primarismo” para qualificar o hip-hop não está certamente falar de
música, já que o hip-hop é um género musical múltiplo e quase inqualificável, que usa os mais
variados ritmos, tem técnicas difíceis de dominar e implica – para os MCs – um controlo da
métrica assinalável.
É certo que no início era feito com dois pratos e um microfone e nesse sentido esse hip-hop
específico é “primário” – tal como o rock’n’roll, a folk, o fado e o tango, a salsa e o blues o
são. Nesse sentido, toda a música “popular” é “primária”, o que não impediu Haydn, Sibelius,
Brahms, Mendhelson, Bartók e Wagner de irem lá pilhar melodias. Aplicando o critério
que Gonçalves usa para recusar o valor musical do hip-hop (o
“primarismo”) teríamos de atirar para o lixo toda a música popular
Façamos um exercício
à sr. Gonçalves. Uma
senhora entra num
bairro de gandulos
vestida com uma minisaia
vermelha, é
perseguida por eles e
violada. Segundo o sr.
Gonçalves, é possível
que tenha sido violada
por causa de um
estereótipo, mas a
responsabilidade do
estereótipo é inteirinha
dela
que inspirou estes compositores e consequentemente a obra destes,
por usarem melodias “primárias”.
É igualmente sintomático que Gonçalves use o adjectivo “ridículo”
para o vestuário das gentes do hip-hop e “animalesco” para os gestos.
Ser sociólogo e despachar qualquer leitura que se possa fazer da
indumentária e da dança de um grupo social com um comentário de
porteirinha é o mesmo que ser antropólogo e perante um vaso do
Neolítico homenageando a Deusa-Mãe dizer que aquilo é tudo cacos
e a mulher pintada é gorda e parola.
Vamos ser claros: Gonçalves, com esta escolha de palavras, quer
chamar símios analfabetos aos hip-hoppers. Que, segundo o cronista,
fazem “glorificações do crime e panfletos misóginos”. Mesmo
fazendo de conta que não existe hip-hop que fale de outros assuntos
ou que advirta contra a violência e a misoginia, fico perplexo com a
ignorância literária de Gonçalves: a Bíblia, por ter pragas, homens
que subjugam mulheres, crimes e vinganças é uma glorificação do
crime e um panfleto misógino? “O Teatro de Sabath”, de Philip Roth,
o “Psicopata Americano”, de Bret Easton Ellis, são glorificações
de crimes e panfletos misóginos? E a “Kalevala”? A “Medeia”? A
“Odisseia”?
A ignorância de Gonçalves chega ao cúmulo quando diz que o
hip-hop é o braço “rapado” do black power. O “black power” era
um “slogan” usado nos anos 60 por ideólogos negros, estando
ligados a movimentos não-violentos. Nos anos 60 não havia hip-hop,
que começou no Bronx, na década de 70, sem qualquer conotação
política: tratava-se apenas de fazer festas que juntavam o maior
número de pessoas possível (incluindo gangs rivais). Os primeiros temas de hip-hop politizado
surgem já nos anos 80 e só com os Public Enemy é que o hip-hop devém um veículo de reflexão
sobre a identidade negra.
Façamos então um exercício à sr. Gonçalves só para que se perceba a periculosidade destas
brincadeiras irresponsáveis. Uma senhora entra num bairro de gandulos vestida com uma minisaia
vermelha, é perseguida por eles e violada. Segundo o sr. Gonçalves, é possível que tenha
sido violada por causa de um estereótipo, mas a responsabilidade do estereótipo é inteirinha
dela. Um pensamento nada primário, que daria origem a uma belíssima sociedade.
52 • Sexta-feira 2 Abril 2010 • Ípsilon

A obra de Chafes e de Carneiro,
possuem em comum o
pensamento sobre um corpo
ausente
BommmmmmExcelentee
Os lugares representados por Rosa Carvalho têm algo de inóspito, de uma estranheza inquietante
mapeamentos das desoladas
O lugar entre paisagens do extremo norte de
Os prazeres
Portugal, fixadas em fotografia e
o desenho
documentação abundante, onde o
da
escultor se mostrava
simultaneamente como agente de
e o mundo
uma inscrição primordial na terra ou
imaginação
na pedra e receptor da energia
Dois grandes nomes da
gerada por essa acção. Em Rui
As pinturas de Rosa
Chafes, pelo contrário, é a história e a
escultura portuguesa
pujança do metal que o motivam, Carvalho convidam o
apresentam uma exposição desde anos 90, como elo de espectador a embrenhar-se
conjunta de desenho. Luísa ligação entre a contemporaneidade e nas paisagens. Óscar Faria
a história. Ciente de uma perda de
Soares de Oliveira
raiz romântica, Chafes persegue
In a Different Place
Khora
incansavelmente essa ausência que,
De Rosa Carvalho.
De Alberto Carneiro, Rui Chafes.
como a “khora” platónica, nunca
Porto. Galeria Presença. Rua Miguel Bombarda 570.
será preenchida.
Lisboa. Fundação Carmona e Costa. Ed de Espanha
Tel.: 226060188. Até 10/04. 2ª a 6ª das 10h às 12h30
Os desenhos de Chafes traduzem, e das 15h às 19h30. Sáb das 15h às 19h30.
ExposaMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito 217803003. Até 21/05. 4ª a Sáb. das 15h às 20h. quase labirinticamente, esta
Pintura.
Desenho, Escultura, Outros.
demanda original. Num traço muito
fino e preciso, órgãos por identificar,
mmmmn
mmmmn
vísceras, seres aparentemente
unicelulares primordiais e, em geral, A categoria estética do sublime é
Rui Chafes e Alberto Carneiro têm
obras e percursos incontornáveis
quando se considera a escultura
portuguesa contemporânea. Em
Khora, exposição conjunta
comissariada por Sara Antónia Matos
para a Fundação Carmona e Costa,
que tem dedicado atenção a esta
disciplina, provam como é possível
trabalhar conjuntamente sem perder
as características que definem a arte
de cada um considerada
individualmente.
“Khora”, termo vindo de
Platão, define um lugar que,
paradoxalmente, apenas existe
em termos conceptuais. Antes
do mito,
antes da palavra, as
dicotomias que fundam o
pensamento poderiam ser
resolvidas neste conceito
que, literalmente,
significa “lugar” ou
“região”. Contudo,
segundo a moderna
filosofia, este lugar
não é fixo: trata-se da
zona da instabilidade, da
errância, do mutável, e que
por isso pré-existe a toda a
nomeação e classificação.
A obra de Chafes e de
Carneiro, que possuem
em
comum o
pensamento sobre um
corpo ausente, situam-
se conceptualmente
neste lugar não
nomeável, indizível.
Há obviamente
diferenças entre os
dois. Activo desde
os anos 60,
Carneiro
construiu a sua
obra num
enraizamento
profundo entre
autor, corpo e
tudo o que está para lá da pele vai-se
desvelando na folha de papel, por
vezes em ambos os lados de cada
suporte. Tudo o que se cobre da
aparência de ordem que o próprio
acto de ver encerra é exposto,
desenhado, coberto com líquidos de
cores francas que nos dizem ser
medicamentos ou chás. Numa ou
noutra obra, um corpo fragmentado
– silhueta, penteado, um braço ou um
ombro – acentuam um tipo de visão
que a comissária classifica como
estetoscópica. Em certas salas,
esculturas de parede projectam
sombras que se constituem como
duplos das linhas desenhadas sobre o
papel, reforçando a constituição de
fronteiras (de peles) entre a aparente
ordem do traço e a desordem da
forma.
De Alberto Carneiro não se
mostram esculturas, mas séries
específicas de desenhos que
reforçam a ideia de uma espécie de
ancoragem do corpo na matéria da
terra de que falávamos no início.
“Sobre o meu corpo o rasto da
serpente”, uma peça de 71, apresenta
aliás uma dupla composição em duas
bandas horizontais, onde a imagem
de um chão de floresta se encima
pelos olhos do artista, duplicados
pelos dedos a imitar a forma de
óculos. Noutra peça, “Raízes, caules,
folhas, flores e frutos”, de 1966, as
imagens são quase idênticas às de Rui
Chafes, sendo apenas o título que nos
permite diferenciar a referência de
cada trabalho.
A montagem da exposição concluise
com um desenho feito
directamente na parede por
Carneiro: uma linha sinuosa que liga
a última sala ao corredor, e a frase
‘esta linha que percorre as memórias
dos nossos tempos vivos é uma obra
de arte’. Neste caso, o desenho
reforça a união entre as obras dos
abordada por Rosa Carvalho (Lisboa,
1952) nas suas pinturas. Esta
dimensão adquire particular
relevância nas obras em que a artista
representa paisagens. Na galeria, são
natureza.
dois escultores, mesmo quando elas,
Recordem-se
no trabalho do dia a dia que mais os
caracteriza, se afastam uma da outra.
Esta é, também por este motivo, uma
notável exposição.
três os trabalhos que traduzem esta
pesquisa, todos homónimos do nome
da exposição, “In a different place”,
que se pode traduzir como “Num
lugar diferente”. Este título encerra
em si um deslocamento: não é no
presente nem na racionalidade que
se devem ler as telas e as maquetas
agora reveladas, elas constituem
antes portas abertas para o passado e
para o sonho. Um espaço de fantasia
repleto de microcosmos.
Mais do que buscar a solução para
estas pinturas em “Acerca do
sublime”, escrito por um anónimo, o
chamado Pseudo-Longino, cuja vida
é situada entre os século III e I a.C.,
talvez seja exercício mais produtivo
ler “Pleasures of the imagination”,
uma série de artigos publicados por
Joseph Addison na revista “The
Spectator”, em 1712 (números 411 a
421) – os textos sintetizavam ideias
trabalhadas no âmbito da filosofia
empirista britânica –, nos quais cria
ainda uma nova categoria: o
pitoresco. “(…) um horizonte
Ípsilon • Sexta-feira 2 Abril 2010 • 53

Expos
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
Da figura do artista e do culto da celebridade aos humores do sistema
artístico, quase nada tem sido poupado ao beliscão de Sara e André
Agenda
Inauguram
VSP - Visual Street Performance
2010
De HBSR, Hium, Klit, Mar, Vhils,
Caos, Mr.Dheo, Oker, Youth One,
Best & Ever.
Porto. Fundação Escultor José Rodrigues. R. da
Fábrica Social. Tel.: 220109020. De 08/04 a 11/04.
5ª, 6ª, Sáb. e Dom. das 14h30 às 02h00.
Pintura, Graffiti, Outros.
Continuam
A Matéria Negra da Luz dos
Media
Porto. Museu de Serralves. R. Dom João de Castro,
210. Tel.: 226156500. Até 04/07. 3ª a 6ª das 10h às
17h. Sáb., Dom. e Feriados das 10h às 20h.
Vídeo, Outros.
Um Percurso, Dois Sentidos
- A Colecção do MNAC-MC, da
actualidade a 1850.
De Columbano Bordalo Pinheiro,
José Malhoa, Amadeo de Souza-
Cardoso, Eduardo Viana, Almada
Negreiros, Paula Rego, Helena
Almeida, Julião Sarmento, Pedro
Cabrita Reis, João Tabarra,
Alexandre Estrela, entre outros.
Lisboa. MNAC - Museu do Chiado. R. Serpa Pinto,
4. T. 213432148. Até 6/6. 3ª a dom. das 10h às 18h.
Pintura, Outros.
Outros Olhares
De Columbano Bordalo Pinheiro,
Julião Sarmento.
Lisboa. MNAC - Museu do Chiado. R. Serpa Pinto,
4. T. 213432148. Até 18/5. 3ª a dom. das 10h às 18h.
Obras em destaque na Colecção do MNAC.
Conversa com José Augusto França: “O Grupo do
Leão” de Columbano Bordalo Pinheiro, 18/4 às 13h;
Conversa com Alexandre Melo: “Landscape” de
Julião Sarmento, 18/5 às 13h.
Pintura, Outros.
A Privilege of Autovalorization
De Koenraad Dedobbeleer.
Lisboa. Culturgest. R. Arco do Cego - Ed. da CGD.
Tel.: 217905155. Até 18/04. 2ª, 4ª, 5ª e 6ª das 11h às
19h (última admissão às 18h30). Sáb., Dom. e
Feriados das 14h às 20h (última admissão às
19h30).
Instalação, Outros.
And
Or
De Asier Mendizabal.
Lisboa. Culturgest. R. Arco do Cego - Ed. da CGD.
Tel.: 217905155. Até 18/04. 2ª, 4ª, 5ª e 6ª das 11h às
19h (última admissão às 18h30). Sáb., Dom. e
Feriados das 14h às 20h (última admissão às
19h30).
Escultura.
Supervisão
De Alexandre Estrela.
Porto. Culturgest. Av. dos Aliados, 104 - Ed. da
CGD. Tel.: 222098116. Até 10/04. 2ª, 4ª, 5ª e 6ª das
11h às 19h (última admissão às 18h30). Sáb., Dom. e
Feriados das 14h às 20h (última admissão às
19h30).
Desenho.
Lourdes Castro e Manuel
Zimbro: A Luz da Sombra
Porto. Museu de Serralves. R. Dom João de Castro,
210. Tel.: 226156500. Até 13/06. 3ª a 6ª das 10h às
17h. Sáb., Dom. e Feriados das 10h às 22h.
Escultura, Outros.
Sem Rede
De Joana Vasconcelos.
Lisboa. Museu Colecção Berardo. Pç. do Império
- CCB. Tel.: 213612878. Até 18/05. Sáb. das 10h às
22h (última admissão às 21h30). 2ª a 6ª, Dom. e
Feriados das 10h às 19h (última admissão às
18h30).
Instalação, Outros.
Judith Barry
Lisboa. Museu Colecção Berardo. Pç. do Império
- CCB. Tel.: 213612878. Até 25/04. Sáb. das 10h às
22h(última admissão às 21h30). 2ª a 6ª e Dom. das
10h às 19h (última admissão às 18h30).
Vídeo, Instalação, Outros.
BES Photo 2009
De André Cepeda, Filipa César,
Patrícia Almeida.
Lisboa. Museu Colecção Berardo. Pç. do Império
- CCB. Tel.: 213612878. Até 04/04. Sáb. das 10h às
22h(última admissão às 21h30). 2ª a 6ª e Dom. das
10h às 19h (última admissão às 18h30).
Fotografia.
Jane e Louise Wilson: Tempo
Suspenso
De Jane & Louise Wilson.
Lisboa. Centro de Arte Moderna - José de Azeredo
Perdigão. R. Dr. Nicolau Bettencourt. Tel.:
217823474. Até 18/04. 3ª a Dom. das 10h às 18h.
Vídeo, Escultura, Outros.
O Ofício de Viver
De Daniel Blaufuks.
Lisboa. Carlos Carvalho - Arte Contemporânea. R.
Joly Braga Santos, Lote F - r/c. Tel.: 217261831. Até
15/05. 2ª a 6ª das 10h30 às 19h30. Sáb. das 12h às
19h30.
Fotografia, Vídeo.
Lost Istambul
(Anos 50-60)
De Ara Güler.
Lisboa. CCB. Pç. do Império. Tel.: 213612400. Até
01/04. 2ª a 6ª das 14h às 18h. Sáb. e Dom. das 14h
às 19h. Na Galeria Mário Cesariny.
Fotografia.
Auto-Retratos do Mundo :
Annemarie Schwarzenbach
(1908-1942)
De Annemarie Schwarzenbach.
Lisboa. Museu Colecção Berardo. Pç. do Império
- CCB. Tel.: 213612878. Até 25/04. Sáb. das 10h às
22h (última admissão às 21h30). 2ª a 6ª e Dom. das
10h às 19h (última admissão às 18h30).
Fotografia.
Poignant
Adaptation
De Lawrence Weiner.
Lisboa. Cristina Guerra - Contemporary Art. R.
Santo António à Estrela, 33. Tel.: 213959559. Até
17/04. 3ª a 6ª das 11h às 20h. Sáb. das 12h às 20h.
Instalação.
amplo é uma imagem de
liberdade no qual o olho tem
espaço para se abrir ao
exterior, para espalhar-se e na
imensidão das vistas, e para
perder-se na variedade de
objectos que se oferecem à
sua observação. Tais
amplas e ilimitadas vistas s
são tão agradáveis à
fantasia como à
compreensão o são as
especulações acerca da
eternidade e do
infinito”, pode ler-se na
publicação fundada
por aquele ensaísta
inglês.
As pinturas de Rosa
Carvalho convidam o
espectador a embrenhar-se nas
paisagens. Contudo, esse e
chamamento pode conter em si uma
armadilha: os lugares representados
têm algo de inóspito, de uma
estranheza inquietante. A visível
natureza parece esconder um
qualquer perigo - a paleta de cores
escolhida ajuda a intensificar a
perturbação presente em cada tela;
há fenómenos atmosféricos que
parecem estar a formar-se, sem ser
possível identificar quais as
consequências dessas situações
perceptíveis sobretudo na forma
como são tratados os céus. Há um
certo terror que habita estas telas:
uma ideia de solidão em confronto
com um território não só indomável,
desabitado, mas também sedutor na
sua imensidão, propícia à fantasia.
Se as categorias de paisagem e de
sublime têm sido abordadas por Rosa
Carvalho em inúmeras obras – vejase,
por exemplo, o livro publicado
pela Assírio & Alvim em 1998, que
abre justamente com uma pintura de
grandes dimensões datada desse
mesmo ano –, a grande surpresa da
exposição é, porém, um conjunto de
oito maquetas realizadas em 2009, as
quais podem ser lidas enquanto
contraponto, complemento ou
mesmo prolongamento das pinturas.
O elemento humano, ausente das
telas, surge agora em trabalhos que
descrevem situações situadas entre o
sonho e a realidade. O carácter
enigmático das peças, visualmente
apelativas, é novamente evidente.
Uma rocha fendida, um círculo de
pessoas sentadas, uma varanda,
casas destruídas: nada nos oferece
uma resposta para a proveniência
destas imagens. Sente-se, porém, que
ao serem retiradas do incessante
fluxo do quotidiano, elas produzem
uma qualquer ressonância: visíveis
numa pequena ilha, instalados sobre
plintos, cortados ao meio, esmagados
por um acidente, estes objectos
constituem-se também enquanto
fragmentos de uma fábula sem
princípio nem fim. Hipotéticos
monumentos à imaginação, eles
evocam igualmente uma infância
distante, quanto tudo parecia
possível.
O beliscão da
Sara & André
A terceira exposição
individual desta dupla serve
de pausa para revisão de
uma obra que não se esgota
na ironia. José Marmeleira
Claim To Fame
De Sara e André.
Lisboa. Espaço Fundação PLMJ. R. Rodrigues
Sampaio, 29. Tel.: 210964103. Até 15/05. 4ª, 5ª, 6ª e
Sáb. das 15h às 19h.
Escultura, Outros.
mmmnn
As obras de Sara & André têm humor,
um efeito desopilante e, entre a
abordagem conceptual e a irrisão
mais ou menos livre, lá vão trilhando
esse corpo que dá pelo nome de arte
contemporânea (portuguesa?). Da
figura do artista e do culto da
celebridade aos humores do sistema
artístico, quase nada tem sido
poupado ao seu beliscão. Basta, para
isto confirmar, dar um pulo ao
Espaço Fundação PLMJ e ver “Claim
to Fame”, individual centrada nos
primeiros anos da dupla (2004-
2007), embora com espaço para
trabalhos mais recentes (incluindo
um inédito).
Sara & André nasceram,
respectivamente, em 1980 e 1979. Ela
estudou Realização Plástica do
Espectáculo na Escola Superior de
Teatro e Cinema, ele cursou Artes
Plásticas na Escola Superior de Arte e
Design, nas Caldas da Rainha. E são
um “casal”, uma pequena
“sociedade” que nesta exposição dá a
(re)ver um corpo definido de
trabalhos.
Mas voltemos ao “beliscão”. O
território de Sara & André é o de uma
arte com ambições críticas que
assume, com prazer, o uso da
derrisão ou da ironia: têm
interrogado de forma recorrente, e
em obras
distintas, as
noções de autoria
e originalidade, os
mecanismos de
legitimação e a
construção da
identidade do
artista.
O gesto,
todavia,
não é novo
(tal como
os seus
objectos)
e numa
primeira
leitura até
parece espúrio.
Acontece
que não
reivindica
um lugar
acima do estado das
coisas; pelo
contrário
avança apressadamente
para o seu interior, não se
furtando às ambiguidades
que o acompanham.
Veja-se o vídeo “Sara e
André chegam ao Porto” (2007), uma
sequência de planos fixos da dupla
transformada em celebridade pelos
flashes dos paparazzi. Fascínio ou
repulsa? Prazer ou desdém? Ou os
textos manipulados de “Claim to
Fame” (2004) onde Sara & André
roubam para si os parágrafos
consagrados a outros artistas:
apropriação que sorri
respeitosamente diante dos processo
de legitimação, ou riso escarninho
dirigido à própria produção de textos
de arte? Há um lado lúdico, até
primário, nestes modos de fazer e a
paródia está sempre por perto. Por
exemplo, em “Sara André comeram
Dan Graham” (2007) ou “Sara e
André são mais rápidos que
Duchamp” (2007), frases pintadas
nas paredes de Lisboa por Miguel,
um autor de grafitis. Na sala da
Fundação PLMJ, documentos
revelam aquilo que lhes deu: uma
colaboração, estratégia que matiza
uma boa parte do percurso dos dois
artistas.
Por vezes, também se descobre um
traço mais introspectivo, como nas
imagens da série “Flash”. Vemos o
“casal” auto-retratado no interior de
lugares onde expôs individualmente;
espectros não muito distantes dos
rostos “indiferentes”, protegidos por
molduras douradas, de “Auto-retrato
(2007). Mas este beliscão, desferido
na história e no mundo de arte (com
as suas disputas, regras e faces),
corre o risco de ser pouco mais que
um toque na pele. Violento, rápido,
mas indolor. Será talvez mais
interessante pensá-lo partir de outros
lugares. A saber: a condição de Sara
& André enquanto artistas-curadores
de uma exposição cujo “tema” é a
sua obra (ver a série “Fundação); e a
colaboração-encomenda como um
encontro regenerador com outros
artistas (Paulo Mendes, Isabel Brisson
ou Gonçalo Pena) e áreas (o grafiti de
Miguel, a música de Norberto Lobo
em “My son Bruno Martelli”). A
recriação generosa de uma arte
crítica pode passar por esses lugares.
54 • Sexta-feira 2 Abril 2010 • Ípsilon

2009
ANA BRAGA, INÊS MOURA E SUSANA PEDROSA
APRESENTAM OS TRABALHOS PREMIADOS PELA
5ª EDIÇÃO DO BES REVELAÇÃO.
DE 15 DE ABRIL A 18 DE JUNHO
/// ENTRADA GRATUITA
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Praça Marquês de Pombal
nº3, 1250-161 Lisboa
// TELEFONE
21 359 73 58
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Segunda a Sexta
das 9h às 21h
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CENTRO CULTURAL DE BELÉM
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INFORMAÇÕES
PREÇOS DOS BILHETES
Concerto Inaugural 10 ‹ galerias 5
Grande Auditório 8 ‹ galerias 5
Restantes Salas 6
Sala Amália Rodrigues 4
Concertos para as Famílias 4
Bilhete de Recinto 3 (Permite o acesso apenas às actividades
complementares: concertos nos espaços Música Livre,
encontros com os artistas Aqui há conversas com... (Sala
de Leitura), venda de livros, CD e zonas de restauração.
Não há Descontos.
Não se aceitam reservas de bilhetes.
VENDA DE BILHETES
HORÁRIOS
Sexta-feira dia 23 de Abril ‹ o Concerto Inaugural
tem início às 21h
Sábado dia 24 de Abril ‹ abertura do recinto às 10h,
os concertos têm início às 11h
Domingo dia 25 de Abril ‹ abertura do recinto às 10h,
os concertos tem início às 11h
Nº DE CONCERTOS
São 72 concertos em 7 salas.
ITINERÁRIOS
Para o ajudar na escolha dos concertos desenhámos
6 itinerários: Diversidade, Viagens no tempo, Invulgar,
Espírito Livre, Romântico e Sortilégios da voz.
OUTROS ESPAÇOS
Música Livre Nos espaços de circulação decorrem
concertos e recitais por alguns dos intérpretes presentes,
assim como por alunos e professores de música convidados.
Pianos avulso Uma série de pianos estão instalados no
CCB para que o público possa dar pequenos concertos ou
descobrir este instrumento.
Aqui há conversas com... Encontros informais entre
o público e os artistas na Sala de Leitura (Centro de
Reuniões).
e ainda: Espaço de venda de CD, livros e outros objectos
alusivos ao Festival.
NA CINEMATECA PORTUGUESA
Esta edição dos Dias da Música em Belém conta ainda com
uma parceria com a Cinemateca Portuguesa: entre 14 e 22
de Abril, nas instalações da Cinemateca, poderá assistir a
um ciclo de 5 filmes também dedicado às Paixões da Alma:
14 ABRIL \ 21H30
I’ve Always Loved You de F. Borzage
19 ABRIL \ 22H
Eika Katappa de Wener Schroeter
20 ABRIL \ 19H30
Herr Arnes Pengar (O Tesouro de Arne) de Mauritz Stiller
21 ABRIL \ 19H30
Neskolko Dnej Iz I. I. Oblomova de N. Mikhalkov
22 ABRIL \ 21H30
Song of Love de Clarence Brown
WWW.CCB.PT ‹ Bilheteira online: Traga o seu bilhete de casa
\ Bilheteiras do CCB \ www.ticketline.pt \ Lojas FNAC: Chiado \
Colombo \ CascaiShopping \ Almada Fórum \ GaiaShopping \
Braga Parque NorteShopping \ Santa Catarina \ Atrium Saldanha
\ Centro Vasco da Gama \ AlgarveShopping \ Fórum Coimbra \
MadeiraShopping \ Worten \ Abep \ Alvalade \ El Corte Inglês \
C.C. Dolce Vita \ Agência Abreu e Mega Rede.
NUMERAÇÃO DOS CONCERTOS
A numeração dos concertos é sempre antecedida de uma
letra. A letra A corresponde aos concertos de Sexta-feira, a
letra B aos concertos de Sábado e a letra C, aos de
Domingo. Não há lugares marcados, excepto no Grande
Auditório. Os lugares são ocupados por ordem de chegada.
Faça a sua escolha com antecedência e leve a numeração dos
concertos já preparada para ser mais fácil e rápida a compra
dos bilhetes.
PROGRAMAÇÃO PARA OS MAIS NOVOS
Nos dias 24 e 25 de Abril encontra no CCB/Fábrica das
Artes um conjunto de oficinas pensadas para os mais novos.
As oficinas funcionam sábado e domingo a partir das 10h,
nos espaços da Fábrica das Artes (situada no Jardim das
Oliveiras). As marcações deverão ser feitas até ao dia 23 de
Abril através do tel. 213 612 899, ou no CCB/ Fábrica das
Artes nos dias do festival. Crianças até aos 7 anos só podem
participar nas oficinas acompanhadas por um adulto.
A participação nestas oficinas é sujeita à capacidade das salas
para quem possua um bilhete para um concerto dos Dias da
Música, ou um bilhete de recinto. Crianças até aos 4 anos
não pagam entrada.
CONCURSO ESCOLAS EM PALCO
Reconhecendo o êxito da parceria desenvolvida com o
Ministério da Educação, os Dias da Música em Belém
reedita, este ano, uma programação de concertos
apresentados por alunos das escolas de música de todo
o país, intitulada Escolas em Palco nos Dias da Música.
Sábado e Domingo na Sala Amália Rodrigues e no Espaço
Música Livre.
LINHA DE INFORMAÇÃO
Através do telefone 213 612 555, todos os dias das
10h às 19h.
A programação pode ser alterada por motivos
imprevistos.
PRODUÇÃO PARCEIROS INSTITUCIONAIS PATROCINADORES PARCEIRO MEDIA CONCURSO ESCOLAS EM PALCO
APOIOS

Em 1649, ano em que parte para Estocolmo a convite da rainha Cristina da Suécia, René
Descartes (1596-1650) publica o Tratado das Paixões, correntemente conhecido como
As Paixões da Alma. Descartes aprofunda aí a sua especulação sobre o pensamento humano,
desmistificando a crença de que os sentimentos se localizavam no coração e insistindo em que é
o cérebro que comanda todas as manifestações exteriores das paixões da alma, e contribui para
uma longa tradição de tentativas de sistematização das paixões.
Dos artigos 53 a 67 enumera todas as paixões, mas no artigo 69 sustenta que há apenas seis
“que são simples e primitivas”. Todas as outras derivam destas. Ei-las: a admiração, o amor,
o ódio, o desejo, a alegria e a tristeza.
Este conjunto de paixões revelou-se o ponto de partida perfeito para os Dias da Música 2010.
Na escolha das obras e compositores a ser apresentados nesta edição do festival, procurámos
abranger os mais variados géneros e épocas, fazendo apelo à comunidade musical para que
reflectisse connosco uma programação transversal aos séculos, abrangente e, esperamos,
surpreendente na evocação das paixões que cada obra inspira. No fundo, queremos proporcionar-lhe
três dias em que possa divertir-se, desfrutando de obras já bem conhecidas e de outras
por descobrir, tudo sob uma perspectiva diferente: a das paixões da alma.
Assim, como já é tradição, o Centro Cultural de Belém vai acolher centenas de músicos de proveniências,
gerações e afinidades diferentes nas sete salas de concerto que funcionam em
simultâneo. Vai acolher miúdos, graúdos e famílias inteiras que vão “pôr as mãos na massa” na
Fábrica das Artes. Vai revelar os talentos de amanhã com o projecto Escolas em Palco, uma
parceria com o Ministério da Educação, e com os concertos de entrada gratuita do espaço
Música Livre. Vai apresentar conferências, conversas e ainda filmes (na Cinemateca Portuguesa)
para todos aqueles que querem saber ainda mais. E, claro, vai ter pianos espalhados pelo
centro, para que todos possam experimentar e dar voz às suas próprias paixões da alma.
Sejam bem-vindos!

PROGRAMAÇÃO
Sexta-feira 23 Abril
PEQUENO AUDITÓRIO
SALA EDUARDO PRADO COELHO
GRANDE AUDITÓRIO
11h ‹ SÓ PARA ESCOLAS
As palavras na barriga
Orquestra Filarmonia das Beiras
Coro Leioa Kantika Korala
Vasco Negreiros DIRECÇÃO ARTÍSTICA
A1
21h ‹ CONCERTO INAUGURAL
GEORGE FRIDERIC HANDEL
L’Allegro, il Penseroso ed il Moderato, HWV55
Retrospect Ensemble, coro e orquestra
Matthew Halls DIRECÇÃO
DURAÇÃO APROX. 2H20
PROGRAMAÇÃO
Sábado 24 Abril
GRANDE AUDITÓRIO
PEQUENO AUDITÓRIO
12h
B1
Obras de BRAHMS, BRUCKNER E SCHUBERT
Oscar Camacho PIANO
Coro da Fundação Príncipe das Astúrias
José Esteban García Miranda DIRECÇÃO
11h
B8
As Palavras na Barriga
Orquestra Filarmonia das Beiras
Coro Leioa Kantika Korala
Vasco Negreiros DIRECÇÃO ARTÍSTICA
SALA LUÍS DE FREITAS BRANCO
14h
16h
18h
B2
B3
B4
CHOPIN Concerto para piano n.º 2, em Fá menor
MOZART Sinfonia n.º 35, em Ré maior, Haffner
Jorge Moyano PIANO
Orquestra de Câmara Portuguesa
Pedro Carneiro \ José Eduardo Gomes DIRECÇÃO
Os Elementos
JEAN-FÉRY REBEL Les Éléments, simphonie nouvelle
RAMEAU Suite de Pigmaleão
Retrospect Ensemble, orquestra
Matthew Halls DIRECÇÃO
BERLIOZ Sinfonia Fantástica, op.14
Orquestra Sinfónica Metropolitana de Lisboa
Nir Kabaretti DIRECÇÃO
B9
B10
B11
Tumultos Passionais nos Conventos Portugueses
Música e Textos do Barroco Português Seiscentista
Capela Joanina & Flores de Música
João Paulo Janeiro DIRECÇÃO \ Luísa Cruz LEITURAS
Degli umani affetti
TELEMANN Abertura burlesca e outras obras
VANNI MORETTO Degli umani affetti, sete ostinatos
para orquestra de cordas
Orquestra Atalanta Fugiens
Vanni Moretto DIRECÇÃO
Anima e Corpo
Obras de CASTELLO, MONTEVERDI, MARCO ANTONIO
FERRO, B. MARINI, B. STROZZI, M. WECKMANN
Céline Scheen SOPRANO
Ensemble La Fenice
Jean Tubéry DIRECÇÃO
B14
B15
B16
Poemário Música Coral a cappella de
compositores portugueses
Obras de PEDRO F. GOMES, JOÃO CAMACHO, EURICO
CARRAPATOSO, VASCO PEARCE DE AZEVEDO, NUNO
CORTE-REAL E FERNANDO LOPES-GRAÇA
Coro de Câmara Lisboa Cantat
Jorge Carvalho Alves DIRECÇÃO
Flaming Heart I
Obras de CLAUDIO MONTEVERDI
Ensemble I Fagiolini
Robert Hollingworth DIRECÇÃO
Cantigas de Amigo de Martin Codax
Ensemble Eloqventia
Mariví Blasco CANTO \ Rami Alqhai VIELA
David Mayoral SALTÉRIO E PERCUSSÃO
Alejandro Villar FLAUTAS E DIRECÇÃO MUSICAL
20h
B5
ERKKI-SVEN TÜÜR Ardor, para marimba e orq.
de câmara
BEETHOVEN Sinfonia n.º 3, op.55, Eroica
Orquestra de Câmara Portuguesa
Pedro Carneiro MARIMBA E DIRECÇÃO
B12
Bem-me-quer, mal-me-quer
WAGNER O Idílio de Siegfried
MAHLER/SCHOENBERG Canções de um Viandante
Ensemble Mediterrain
Bruno Borralhinho DIRECTOR ARTÍSTICO E VIOLONCELO
B17
Palavras e Paixões
Obras de MONTEVERDI, GESUALDO E SCHOENBERG
Retrospect Ensemble, coro
Matthew Halls DIRECÇÃO
22h
B6
Vozes Ibéricas
Oscar Camacho PIANO
Coro da Fundação Príncipe das Astúrias
José Esteban García Miranda DIRECÇÃO
B13
LEONID CHIZHIK Fantasia sobre Rondo Krakowiac
de Chopin / Fantasia sobre um tema de Mozart
Leonid Chizhik PIANO
Orquestra do Algarve
Osvaldo Ferreira DIRECÇÃO
B18
O amor é…
Obras de HANDEL, RAMEAU, VIVALDI, BACH, TELEMANN
La Basse Discontinue
Orlanda Isidro Velez SOPRANO
António Carrilho FLAUTAS DE BISEL
Anne Hermant VIOLONCELO BARROCO
Cécile Pomorski CRAVO
24h
B7
Gospel
London Community Gospel Choir

RETROSPECT ENSEMBLE, CORO E ORQUESTRA
ORQUESTRA SINFÓNICA METROPOLITANA DE LISBOA
ORQUESTRA ATALANTA FUGIENS
ENSEMBLE I FAGIOLINI
CORO SINFÓNICO LISBOA CANTAT
ORQUESTRA SINFÓNICA PORTUGUESA
DIVINO SOSPIRO
ORQUESTRA DE CÂMARA PORTUGUESA
ORQUESTRA DO ALGARVE
CORO DA FUNDAÇÃO PRÍNCIPE DAS ASTÚRIAS
ENSEMBLE LA FENICE
ENSEMBLE ELOQVENTIA
QUARTETO AVIV
LEIPZIGER STRING QUARTET
LONDON COMMUNITY GOSPEL CHOIR
ORCHESTRUTOPICA
OS MÚSICOS DO TEJO
SCHOSTAKOVICH ENSEMBLE
SA CHEN, FAZIL SAY, COREY HARRIS,
LEONID CHIZHIK, MIGUEL BORGES COELHO,
JORGE MOYANO, JEAN TUBÉRY, MICHAL KANKA,
LUÍSA TENDER, BRUNO BORRALHINHO,
SOLVEIG KRINGELBORN, ANA QUINTANS,
MARIE-PIERRE LANGLAMET, ENTRE OUTROS.
CONSULTE A PROGRAMAÇÃO
DETALHADA EM WWW.CCB.PT
SALA AMÁLIA RODRIGUES
SALA ALMADA NEGREIROS SALA SOPHIA DE MELLO BREYNER SALA FERNANDO PESSOA
B34
Escolas em Palco - I
Concerto de Alunos de Escolas
de Música, numa colaboração
com o Ministério da Educação.
12h
B19
SCHUBERT Sonata para arpeggione e piano
JANÁCEK Fairy Tales
MARTIN U Variações sobre um tema eslovaco
Michal Kanka VIOLONCELO
Miguel Borges Coelho PIANO
B24
Alma Russa
Obras de BORODIN, BALAKIREV, CÉSAR CUI,
RIMSKY-KORSAKOV, MUSSORGSKY
Filipe Pinto-Ribeiro PIANO
B29
Crystal Organ
Obras de CHICK COREA, MOZART,
RÖLLIG, BLOCH, VON HOLT SOMBACH,
MICHEL REDOLFI
Thomas Bloch HARMÓNICA DE VIDRO
14h
B20
LIGETI Seis Bagatelas p/ Quinteto de Sopros
BRAHMS Sonata p/ violoncelo, quinteto de
sopros e contrabaixo \ CARRAPATOSO Cinco
Miniaturas p/ Quinteto de Sopros
Ensemble Mediterrain
Bruno Borralhinho DIRECTOR ARTÍSTICO E VIOLONCELO
B25
BRAHMS Intermezzi op. 117
BEETHOVEN Sonata n.º 8, op.12, Patética
LISZT Sonetos de Petrarca n.ºs 47 e 104
Luísa Tender PIANO
B30
HAYDN Quarteto de cordas, op.76/3,
Imperador
SCHOSTAKOVICH Quarteto de cordas n.º 3
Quarteto Aviv
B35
Escolas em Palco - II
Concerto de Alunos de Escolas
de Música, numa colaboração
com o Ministério da Educação.
16h
B21
No Teatro das Emoções
Canções de SCHUBERT, DEBUSSY, WOLF, F. PIRES,
BRAHMS, BRITTEN, FILIPE DE SOUSA, MAHLER,
SCHUMANN, NED ROREM, A. FRAGOSO, SATIE,
BERNSTEIN, POULENC e CORIGLIANO
O Guardador de Canções (canto e piano)
B26
BEETHOVEN Sonata n.º 17, op. 31/2,
A Tempestade
BACH/BUSONI Chaconne, BWV 1004
WAGNER/LISZT A morte de Isolda
Fazil Say PIANO
B31
L’âme en peine
Música de LOUIS COUPERIN, FRANÇOIS
COUPERIN, J. J. FROBERGER
Fernando Miguel Jalôto CRAVO
18h
B22
Schubertíada
FRANZ SCHUBERT Quinteto de Cordas,
em Dó maior, D. 956
Schostakovich Ensemble
B27
GUBAIDULINA Chaconne
PROKOFIEV Sarcasmos, op. 17, n.º 1 \
Visions Fugitives (selecção)
MUSSORGSKY Quadros de uma Exposição
Sa Chen PIANO
B32
BACH Suite para violoncelo n.º 3
HINDEMITH Sonata solo, op. 25 n.º 3
KODÁLY Sonata para violoncelo, op. 8
FELD Partita Solo
Michal Kanka VIOLONCELO
B36
Escolas em Palco - III
Concerto de Alunos de Escolas
de Música, numa colaboração
com o Ministério da Educação.
20h
B23
O velho e o novo tango
Obras de ASTOR PIAZZOLLA, RAÚL GARELLO,
MARIANO MORES, PEDRO LAURENZ,
ALEJANDRO SCARPINO/JUAN CALDARELLA,
JULIAN PLAZA
Lusotango
B28
ARENSKI Trio em Ré menor
BRAHMS Trio em Dó Maior
Trio.pt
Pedro Morais Andrade VIOLINO
Paulo Gaio Lima VIOLONCELO
Paulo Pacheco PIANO
B33
Blues a solo
Corey Harris GUITARRA E VOZ
22h

PROGRAMAÇÃO Domingo 25 Abril
GRANDE AUDITÓRIO
PEQUENO AUDITÓRIO
SALA LUÍS DE FREITAS BRANCO
11h
C1
Amor Vincit Omnia
Obras de GEORG MUFFAT, GIOVANNI BONONCINI,
VIVALDI, HANDEL
Pietro Prosser ALAÚDE
Cenk Karaferya CONTRATENOR
Divino Sospiro
Massimo Mazzeo DIRECÇÃO
C7
As Palavras na Barriga
Orquestra Filarmonia das Beiras
Coro Leioa Kantika Korala
Vasco Negreiros DIRECÇÃO ARTÍSTICA
C12
Cantigas de Amor de D. Dinis de Portugal
Ensemble Eloqventia
Mariví Blasco CANTO
Rami Alqhai VIELA
David Mayoral SALTÉRIO E PERCUSSÃO
Alejandro Villar FLAUTAS E DIRECÇÃO MUSICAL
13h
C2
Árias de Ópera de Haydn e Mozart
Solveig Kringelborn SOPRANO
Orquestra Metropolitana de Lisboa
Cesário Costa DIRECÇÃO
C8
Anima e Corpo
Obras de CASTELLO, MONTEVERDI, MARCO ANTONIO
FERRO, MARINI, STROZZI, WECKMANN
Céline Scheen SOPRANO
Ensemble La Fenice
Jean Tubéry DIRECÇÃO
C13
Flaming Heart II
Obras de CLAUDIO MONTEVERDI
Ensemble I Fagiolini
Robert Hollingworth DIRECÇÃO
15h
C3
HANDEL Ode para o Dia de Sta. Cecília
Gillian Keith SOPRANO
James Gilchrist TENOR
Retrospect Ensemble, coro e orquestra
Matthew Halls DIRECÇÃO
C9
Il combattimento delle passioni umani
Obras de GLUCK, TELEMANN, DITTERSDORF
Orquestra Atalanta Fugiens
Vanni Moretto DIRECÇÃO
C14
A Paixão Segundo Gesualdo
Música de CARLO GESUALDO DI VENOSA
Vocal Ensemble
Vasco Negreiros DIRECÇÃO
17h
C4
MOZART Requiem
Dora Rodrigues SOPRANO \ Cátia Moreso CONTRALTO
Musa Nkuna TENOR \ Nuno Dias BAIXO
Coro do Teatro Nacional de São Carlos
Orquestra Sinfónica Portuguesa
Michael Guettler DIRECÇÃO
C10
Poemas de Amor
ISAAC ALBÉNIZ Poèmes d’Amour e Suite Española
Ensemble Mediterrain
Bruno Borralhinho DIRECÇÃO ARTÍSTICA E VIOLONCELO
C15
Pentagrama, ou a longa sombra do peripatético
Obras de HOLBORNE, BYRD, ANTÓNIO CARREIRA,
GIOVANNI TRABACI, FRESCOBALDI, ROSENMÜLLER,
PIERRE ATTAIGNANT,CLEMENS NON PAPA
A Imagem da Melancolia
Inês Moz Caldas, Marco Magalhães, Paulo Gonzalez,
Susanna Borsch, Pedro Sousa Silva FLAUTAS DE BISEL
19h
C5
SÉRGIO AZEVEDO Concerto para piano e orquestra*
MANUEL DE FALLA El Amor Brujo
António Rosado PIANO
Orquestra do Algarve
Osvaldo Ferreira DIRECÇÃO
* Estreia absoluta | Encomenda CCB/Dias da Música 2010
C11
Anima
Obras de GÉRARD GRISEY, JOÃO PEDRO OLIVEIRA,
LUÍS ANTUNES PENA, VASCO MENDONÇA
OrchestrUtopica
Pedro Pinto Figueiredo DIRECÇÃO
C16
Sementes do Fado
Os Músicos do Tejo
Marcos Magalhães CRAVO E DIRECÇÃO
Ana Quintans CANTO
Ricardo Rocha GUITARRA PORTUGUESA
21h
C6
CONCERTO DE ENCERRAMENTO
BEETHOVEN Sinfonia n.º 9, op. 125, Coral
Sónia Alcobaça SOPRANO \ Paz Martinez CONTRALTO
Mário Alves TENOR \ Alfredo García BARÍTONO
Coro Sinfónico Lisboa Cantat
Jorge Alves DIRECÇÃO DO CORO
Orquestra Sinfónica Metropolitana de Lisboa
Cesário Costa DIRECÇÃO
ESPECTÁCULO
IMAGEM BEATRIZ SILVA
OFICINAS Sábado/Domingo 24/25 Abril
OBRA EM
ESTREIA
As palavras na barriga
Vasco Negreiros \ Orquestra Filarmonia das Beiras
23 Abril 11h > escolas
24 e 25 Abril 11h > famílias
a partir dos 6 anos
Ópera infantil baseada no livro O menino
que guardava as palavras na barriga,
de Juva Batella.
DIRECÇÃO MUSICAL VASCO NEGREIROS
ENCENAÇÃO LUCA APREA
MAESTRO DO CORO BASÍLIO ASTULEZ
CENOGRAFIA E FIGURINOS LUÍS SANTOS
DESENHO DE LUZ ANTÓNIO DA COSTA
PERSONAGENS E INTÉRPRETES
BEATRIZ BAGULHO GÚNDÚNGÚM
CAMILA ROBERT JOAQUINZINHO
REBECA AMORIM MARILÚ
CORO LEIOA KANTIKA KORALA (PAÍS BASCO, ESPANHA)
ORQUESTRA FILARMONIA DAS BEIRAS
CO-PRODUÇÃO
CCB/FÁBRICA DAS ARTES | ORQUESTRA FILARMONIA DAS BEIRAS
COM O APOIO DA EMBAIXADA DE ESPANHA
PROGRAMAÇÃO PARA A FAMÍLIA
O som dos sentimentos
Joana Bagulho \ Joana Amorim
14h e 17h duração > 1h
M/4 anos
Por que é que a música nos acelera o
coração? Por que é que esta música me
faz chorar? O espectáculo é protagonizado
por um actor e dois músicos que constroem
uma história com as crianças, montando uma
obra musical com base numa história sem
tempo, mas repleta de sentimentos e emoções.
A composição será baseada nos princípios de
Retórica Musical de J. Burmeister e em peças
renascentistas.
COMPONENTE MUSICAL COMPOSTA E ARRANJADA
VASCO NEGREIROS
ACTOR F. PEDRO OLIVEIRA
CRAVO JOANA BAGULHO
TRAVERSO RENASCENTISTA E FLAUTA DE BISEL JOANA AMORIM
FIGURINOS KUSTURICAS
Só cordas!
11h \ 14h30 \ 16h
3 aos 6 anos
A Clara, o Ri e o Nete eram bons amigos.
Brincavam juntos... dançavam juntos. Mas o
melhor de tudo era gostarem de tocar juntos.
Um dia viram outros instrumentos a caminho
de uma festa e quiseram juntar-se a eles… mas
não foi nada fácil entrar na festa das cordas...
A apresentação dos instrumentos e dos
elementos musicais é feita a partir de uma
história, num trabalho dos alunos do curso de
Música na Comunidade da Escola Superior de
Música de Lisboa e Escola Superior de Educação
de Lisboa.
CONCEPÇÃO E REALIZAÇÃO DOS ALUNOS DO PRIMEIRO ANO
DO CURSO DE MÚSICA NA COMUNIDADE
ADÉRITO COSTA \ ANDRÉ MENDÃO \ ÂNGELO SALVADO
MARIA MEIRELES \ NUNO VARÃO \ PATRÍCIA SILVA \
PEDRO MOTA \ VÍTOR ANJO
COLABORAÇÃO DOS PROFESSORES
JOANA BAGULHO \ PAULO RODRIGUES \ MANON MARQUES

SALA ALMADA NEGREIROS SALA SOPHIA DE MELLO BREYNER SALA FERNANDO PESSOA
SALA AMÁLIA RODRIGUES
C17
BEETHOVEN Quarteto de cordas n.º 11, op.95
P. GLASS Quarteto de cordas n.º 2, Company
HUGO RIBEIRO Mensagens Soltas*
ANDRÉ CAPLET Conto fantástico p/ quarteto
de cordas e harpa
Leipzig String Quartet e convidados
* estreia em Portugal
C22
ARVO PÄRT Für Alina
SCHUMANN Três Fantasiestücke, op.111
CHOPIN Mazurkas; Polonaise, op.44
RAVEL La Valse
Sa Chen PIANO
C27
Crystal Organ
Obras de CHICK COREA, MOZART,
RÖLLIG, BLOCH, SOMBACH, REDOLFI,
ROLIN
Thomas Bloch HARMÓNICA DE VIDRO
C32
Escolas em Palco - IV
Concerto de Alunos de Escolas
de Música, numa colaboração
com o Ministério da Educação.
11h
C18
BEETHOVEN Quarteto de cordas n.º 16, op.135
JANÁCEK Quarteto de cordas n.º 1,
Sonata a Kreutzer
Quarteto Aviv
C23
PROKOFIEV Sonata para piano n.º 7
BERG Sonata, op.1
FAZIL SAY Black Earth
MOZART Doze Variações sobre
“Ah, vous dirais-je, Maman”
Fazil Say PIANO
C28
Blues a solo
Corey Harris GUITARRA E VOZ
13h
C19
BRITTEN Quarteto Fantasia, para oboé
e cordas
BARTÓK Quarteto de cordas n.º 6
Ricardo Lopes OBOÉ
Quarteto Vianna da Motta
C24
DEBUSSY Pour le piano
SCHOENBERG Suite op.25
SCRIABIN 5 prelúdios, op. 74
BARTÓK En plein air
Miguel Borges Coelho PIANO
C29
As Formas dos Sentimentos
CONCERTO COMENTADO
SOR Sonata Prima “Grand Solo”
WALTON Bagatelas \ BACH Prelúdio e Fuga
da Suite p/ alaúde, em Dó menor
PONCE Thème Variée et Finale
Eurico Pereira GUITARRA SOLO
E COMENTÁRIOS
C33
Escolas em Palco - V
Concerto de Alunos de Escolas
de Música, numa colaboração
com o Ministério da Educação.
15h
C20
DEBUSSY Prélude à l’après-midi d’un Faune
DANIEL MOREIRA Trio para flauta, clarinete
e piano
JACQUES IBERT Aria
MAURICE EMMANUEL Sonata
Trio Impressões
C25
Erik Satie, o “peripatético”
Obras de SATIE, ADAMS,
MARECOS, PÄRT, SCRIABIN
Joana Gama PIANO
C30
Cartas Íntimas
MENDELSSOHN Quarteto de cordas n.º 6,
Requiem para Fanny
JANÁCEK Quarteto de cordas n.º 2,
Cartas Íntimas
Leipzig String Quartet
17h
C21
Tchaikovskiana
TCHAIKOVSKI Souvenir d’un lieu cher /
Souvenir de Florence
Schostakovich Ensemble
C26
SCHUMANN Kreisleriana, op.16
CHOPIN Sonata n.º 3, op.58
Miguel Henriques PIANO
C31
Impromptu
Obras de FAURÉ, ROUSSEL, SCHUBERT,
GLIÈRE, CRAS E PIERNÉ
Marie-Pierre Langlamet HARPA
C34
Escolas em Palco -VI
Concerto de Alunos de Escolas
de Música, numa colaboração
com o Ministério da Educação.
19h
Cantar juntos 2
10h \ 12h30 \ 15h30 duração > 40m
dos 0 aos 6 anos
Agora com o segundo livro (com CD) da
série Cantar juntos, como objecto inspirador,
esta oficina / concerto pretende, mais uma vez,
envolver pais e crianças num universo musical
com raízes na tradição oral. A palavra, o som e
o gesto interagem, transportando-nos para um
mundo mágico e surpreendente. Este projecto
musical é promovido pela Associação Aprender
em Parceria, no âmbito do Projecto A PAR, uma
iniciativa de intervenção educativa social.
DIRECÇÃO MUSICAL E PEDAGÓGICA
ANA SOFIA SEQUEIRA \ RUTE PRATES \ MARIA PRATES
MÚSICOS ANA SOFIA SEQUEIRA (GUITARRA)
FLÁVIA ALMEIDA CASTRO (CRAVO) \ JAIME BACHAREL (VOZ)
JOANA AMORIM (FLAUTAS) \ LUÍS SILVA (VIOLONCELO)
MARCO SANTOS (PERCUSSÃO) \ FILIPA COSTA MACEDO (VOZ)
CORO INFANTIL DE SANTO ANTÓNIO DE CAMPOLIDE
DIRECÇÃO RUTE PRATES
Sons sentidos
(Há som no laboratório)
Nuno Cintrão \ Catarina Vasconcelos \
José Oliveira
10h30 \ 14h \ 17h duração > 1h30
M/5 anos
Há sons por toda a parte e, por vezes, há
sons que estão por perto e dos quais nem nos
apercebemos. Existem sons que nos metem
medo, outros que nos acalmam. Mas será que
nós vibramos mesmo com o som ou será que
é ele que vibra connosco? E seremos nós a ter
sons preferidos ou será que são eles que nos
escolhem? E os sons também podem namorar
ou serão só amigos? Nesta oficina vamos ouvir,
descobrir, inventar e brincar com universos
sonoros e musicais.
Conversas com músicos
Artistas dos Dias da Música em Belém
Sessões de 20m
a partir dos 4 anos
Nesta sala vais poder conhecer músicos de
verdade, ouvir e vê-los tocar mesmo perto de ti
e, finalmente, fazer todas as perguntas que
sempre desejaste fazer.
Todas as oficinas decorrem
no espaço CCB / Fábrica
das Artes, Jardim das Oliveiras.
Inscrições pelo telefone
213 612 899

ITINERÁRIOS
Propomos um conjunto de 6
itinerários para uma possível
viagem, nos dias 24 e 25
de Abril, às Paixões da Alma:
DIVERSIDADE
‹ Diversidade de estilos, períodos,
compositores, instrumentos e
formações.
12h
14h
16h
18h
DIA 24
B1
B2
B10
B31
DIVERSIDADE
DIA 25
11h C27
13h C23
15h C3
17h C30
SORTILÉGIOS DA VOZ
DIA 24
12h
14h
16h
18h
B1
B14
B15
B21
11h
13h
15h
17h
DIA 25
C12
C2
C14
C4
SORTILÉGIOS DA VOZ
‹ Um itinerário em torno da
música vocal e coral. Para se
deixar enfeitiçar pela magia que a
voz humana exerce sobre nós.
20h
22h
24h
B27
B33
B7
19h
21h
C31
C6
20h
22h
24h
B17
B6
B7
19h
21h
C16
C6
VIAGENS NO TEMPO
‹ Percorra num só dia vários
períodos da história da música.
Viaje através dos séculos no
mesmo concerto.
12h
VIAGENS NO TEMPO
DIA 24 DIA 25
B1 11h C22
ROMÂNTICO
DIA 24
12h B1
11h
DIA 25
C1
ROMÂNTICO
‹ Um itinerário romântico nos
dois sentidos da palavra. Música
inspirada no amor e uma viagem
pela música do período do
romantismo.
14h
16h
18h
20h
B9
B30
B16
B32
13h
15h
17h
19h
C8
C9
C20
C11
14h
16h
18h
20h
B24
B25
B4
B12
13h
15h
17h
19h
C13
C19
C10
C26
ESPÍRITO LIVRE
‹ Para quem prefere o imprevisto,
um itinerário que privilegia a
música improvisada e a música
de compositores que ficaram
célebres pelo seu espírito livre.
INVULGAR
‹ Conheça instrumentos e
formações invulgares.
Oiça instrumentos fora
do seu contexto habitual.
22h
24h
12h
14h
16h
B23
B7
DIA 24
B1
B19
B3
21h C6
ESPÍRITO LIVRE
DIA 25
11h C27
13h C18
15h C24
22h B28
24h B7
INVULGAR
DIA 24
12h B1
14h B29
16h B20
21h
11h
13h
15h
C6
DIA 25
C17
C28
C29
Encontra no quadro ao
lado a ordem dos concertos
numerados a que se refere
cada um dos 6 itinerários.
18h
20h
22h
24h
B26
B5
B13
B7
17h
19h
21h
C25
C5
C6
18h
20h
22h
24h
B11
B22
B18
B7
17h
19h
21h
C15
C21
C6