Festspielzeit Frühling 2016

Die Kostümbildnerin Gesine
Völlm begann mit einer
Schneiderlehre. Wieviel
Handwerk braucht eine Kostümbildnerin?
OPER IM FESTSPIELHAUS
Gesine Völlm: Mit 18 Jahren habe
ich mich nicht getraut, auf die
Kunstakademie zu gehen, denn
ursprünglich wollte ich Malerin
werden. Außerdem hätte ich gern
Germanistik studiert, stellte mir
dann aber vor, mit 300 Studenten im
Hörsaal zu sitzen. Und wer braucht
schon noch eine Lehrerin? Also habe
ich aus Not beschlossen, eine Schneiderlehre
zu machen, weil ich immer
genäht und Dinge für mich hergestellt
habe. Es gibt Kostümbildner,
die brauchen gar kein Handwerk.
Sie haben den Mut, völlig ohne handwerkliche
Grundlage an Gestalten
heranzugehen. Ich dagegen habe
ein Hinterland, das mich aber auch
manchmal einschränkt, weil ich so
einen Respekt vor dem Handwerk
habe. Deshalb kann ich auch nicht
so leicht wieder etwas umwerfen.
Gab es zu diesem Zeitpunkt schon
den Wunsch, selbst zu entwerfen,
und zwar für das Theater und nicht
für den Laufsteg?
Mode war für mich auch eine Möglichkeit,
aber ich merkte schnell,
dass ich in diese Welt nicht hineinpasse.
Ich hatte damals einen
Freund, der sich sein Studium als
Bühnentechniker an der Staatsoper
Stuttgart finanzierte. Er hat mich
mitgenommen und ich stand auf
der Seitenbühne. Fast jeden Abend
habe ich mir auf diese Weise Stücke
angehört und angeschaut. Bei
Dornröschen in der Ausstattung von
Jürgen Rose lief eine Fee mit einem
Klingelkäppchen vorbei. Diese Feen
mit ihren bestickten Tutus haben in
mir etwas gezündet. Ich wusste ab
diesem Moment: Genau das möchte
ich machen und nichts anderes!
An der Seite von Regisseur Olivier Tambosi begibt sich die Kostümbildnerin Gesine Völlm
in die Welt von nächtlichen Geistererscheinungen und verräterischem Theaterspiel:
Die Bregenzer Festspiele zeigen Franco Faccios »Hamlet« als Oper im Festspielhaus.
Welche Rolle spielt das Zeichnen
für die Arbeit? Kommen dort
Gedanken nur zu Papier oder ist
es ein Denkprozess?
Wenn ich etwas zeichnen kann,
stimmt es. Das heißt, wenn sich
etwas noch nicht zeichnen lässt,
ist es auch noch nicht so weit. Es
gibt eine Art von innerer Form, die
aufs Papier gebracht werden will.
Beim Zeichnen entstehen Typen.
Entweder schaue ich mir an, wie die
Sänger in Wirklichkeit aussehen,
oder ich erfinde die Typen, ohne die
Menschen vorher zu kennen, was
meistens beim Chor der Fall ist. Ich
habe immer wieder die Erfahrung
gemacht, dass die Chorsänger in
den Typen konkrete Personen erkannt
haben. Offensichtlich gibt es
Charaktere, die man typisieren kann.
Bei den Anproben halte ich mich daran
fest, was ich Wochen und Monate
vorher erfunden habe. Dann kommt
aber der Charakter hinzu, der im
Kostüm steckt und vielleicht etwas
ganz anderes verlangt. Also da ist
das Bild und dort die Wirklichkeit.
Diese beiden übereinanderzuschieben,
ist der Sinn der Anprobe.
Je klarer eine Figurine ist, desto besser
lässt sie sich auch modifizieren.
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Was macht ein gutes Kostüm aus?
Das ist schwierig zu sagen. Es muss
Membran sein, die dem Darsteller
noch Freiheiten gibt, die Rolle zu
gestalten. Es muss ihm aber auch genügend
Fassung geben. Es muss unbedingt
mit dem Bühnenbild zu tun
haben. Kostüme, Möbel, Requisiten,
was auch immer auf der Bühne ist,
muss ursächlich miteinander zu tun
haben. Es muss in die Gesamtklammer,
die man vorher als Regieteam
beschlossen hat, hineinpassen.
Ihre Kostüme kennzeichnen oft eine
unglaubliche Phantasie und Opulenz,
sie unterscheiden sich extrem von
der Kleidung auf der Straße. Woher
kommt die Inspiration?
Manchmal beziehe ich mich auf eine
geschichtliche Wirklichkeit. Wenn
das Stück und die Inszenierung eine
konkrete Zeit vorgeben, schaue ich
mir Hunderte von Bildern aus dieser
Epoche an und speichere sie auf
meinem Computer. Ich gehe gern in
die Lipperheidesche Kostümbibliothek
in Berlin und mache tagelang
dort Fotos. Dann sitze ich an meinem
ovalen Zeichentisch und habe
die Vorstellungen des Regisseurs
von der Qualität der Kostüme, die