Herbert Brandl B - Zeit Kunstverlag

Farbe, in die man gerne fällt
Hans Gercke
Der österreichische Pavillon, im ruhigen Randbereich
der Giardini jenseits des Kanals gelegen, ist einer der
schönsten im venezianischen Biennale-Gelände. Der
1934 von Josef Hoffmann errichtete Bau gilt als wichtiges
Spätwerk der Wiener Sezessionsarchitektur. Bei der vorigen
Biennale war er von einem monströsen Kunst-Gebirge
verschüttet worden, zur zweiundfünfzigsten wurde er
dann wieder freigelegt, sorgfältig restauriert, mit einer
beruhigten Eingangssituation versehen und einem neuen,
hellgrauen Boden, »um das venezianische Licht und die
Wand- und Bilderfarben besser zur Wirkung kommen zu
lassen« 1 .
Zu sehen war tatsächlich Malerei – am Ende eines
anstrengenden Biennale-Rundgangs ein fast anachronistisch
anmutendes, im konkreten Fall aber ausgesprochen
erfrischendes Kontrasterlebnis. Künstler und Kommissär
(wie es auf österreichisch heißt) hatten ein faszinierendes
Fest des Lichtes und der Farben in Szene gesetzt,
oszillierend zwischen Beinahe-Monochromie und teilweise
gewagter Buntheit, zwischen Opulenz und prägnanter
Kargheit, Spontaneität und Kalkül, Gegenstand und Abstraktion,
Bewegung und Ruhe, Fläche und Raum.
Es lohnt, diese Gegensatzpaare etwas genauer zu
betrachten. Dabei wird sich herausstellen, dass sie eng
miteinander vernetzt sind und dass es in allen Fällen
nicht nur Kontraste, sondern vor allem auch nahtlose
Übergänge gibt. Beginnen wir mit dem zuletzt genannten,
wobei sowohl vom Zusammenspiel der Bilder mit
dem realen Raum – dem architektonisch vorgegebenen
und der diesen umfassenden Natur – die Rede sein muss
als auch von der für Brandls Schaffen spezifischen bildimmanenten
Räumlichkeit. Da aber Raum immer auch
mit Zeit und Bewegung zu tun hat, liegt hier zugleich der
Schlüssel zur angesprochenen Koinzidenz von Bewegung
und Ruhe.
»Ich habe mich für Herbert Brandl entschieden«, erläutert
Kommissär Robert Fleck, »weil er sich seit Jahren
ein Werk von Weltrang erarbeitet hat und eine große Risikobereitschaft
zusammen mit einem überaus sicheren
künstlerischen Gefühl besitzt. Das volle Risiko, das ich
insgeheim von ihm erwartete, ist Herbert Brandl auch
bei der Umsetzung des Pavillons eingegangen. Es ist in
gewisser Weise völlig verrückt und gewagt, eine Ausstellung
in diesem Pavillon über derart unterschiedliche Bilder
und Formate anzugehen. Dies zeigt aber die Dimension,
die Brandl seiner künstlerischen Arbeit gibt. Das
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Ergebnis ist eines der dichtesten, vielfältigsten und in
der Erinnerung nachwirkenden Erlebnisse der Malerei,
denen ich überhaupt begegnet bin.« 2
Bilder, Sonne, Wind
Herbert Brandl hat seine dreizehn Bilder für Venedig
eigens für die Biennale gemalt und dabei Anzahl, Maße
und geplante Anordnung sorgfältig bedacht, einschließlich
einiger kleiner, aber wesentlicher Eingriffe: In den
beiden Haupträumen wurde das »Velum«, die weiße Textilfläche,
wieder angebracht, die bereits Hoffmann in seiner
Zeit als österreichischer Biennale-Kommissar (1948-
1956) verwendet hatte, und der offene Skulpturenhof
wurde durch eine temporär aufgerichtete freistehende
Wand optisch nach hinten geschlossen. Auf diese Weise
entstand unter freiem Himmel, durch eine Art weißes
Passepartout von der umgebenden Natur getrennt, ein
faszinierender Ort für ein eigens hierfür gefertigtes 250 x
501 cm großes Bild.
Wie alle anderen trägt es keinen Titel, ist 2007 entstanden
und wurde als Ölmalerei auf Leinwand ausgeführt. Mehrere
Monate lang wurde es, noch nicht einmal durch eine
Firnis-Schicht geschützt, Sonne, Wind und Wetter ausgesetzt.
Das Bild hat die Biennale trotz etlicher Regentage
gut überstanden und wurde auch von der Tierwelt der
Gärten einigermaßen pfleglich behandelt. Es hat, sagt
Brandl, dabei sogar noch gewonnen: Manches Detail
habe der Regen ausgewaschen, wodurch die Transparenz
und Leuchtkraft des Ganzen merklich gesteigert
worden sei. Bemerkenswert ist daran nicht nur Brandls
nonchalante Haltung zum Ewigkeitsanspruch der Kunst,
sondern auch seine Lust am Experimentieren. Davon,
dass das partielle Zerstören, das Wegnehmen, Auslöschen,
Teil seiner künstlerischen Strategie ist, wird noch
die Rede sein.
In seiner geradezu klassisch komponierten Aufteilung in
Vordergrund, Mittelgrund und Hintergrund lässt sich das
erwähnte Bild eindeutig als Landschaft, ohne Schwierigkeit
aber auch als eine Art postminimalistische Farbfeldmalerei
lesen. Dem dunkleren chromoxydgrünen Vordergrund
sind durch zugefügte und weggenommene Farbe
grafische Strukturen eingeschrieben, die als Vegetation
interpretiert werden können. Der mit helleren Grün-,
Gelb- und Brauntönen angelegte Mittelgrund zitiert die
Duftigkeit eines typisch venezianischen Sfumato, der
lichte blaugraue »Himmel« darüber schließt das Bild in