Herbert Brandl B - Zeit Kunstverlag

und dabei wie von selbst Analogien zu Naturerfahrung
und Naturprozessen hervorruft. Pinselschläge unterschiedlicher
Richtung und Geschwindigkeit, manche
eher tektonisch gesetzt, andere orgiastisch wirbelnd,
bilden eine dichte, dann wieder offene Textur, wobei die
Materialität der Farbe das Bildgeschehen entscheidend
mitbestimmt. Auf die Frage von Hans Ulrich Obrist, welche
Rolle dabei der Zufall spiele, antwortet Brandl: »Den
gibt es im Detail, aber nicht im Großen und Ganzen. Ich
arbeite sehr oft nur mit den physikalischen Gegebenheiten
der Farbe: dass sie herunterrinnt oder -tropft,
dass sie Batzen macht und man sie wegspachtelt. Dieses
ganze Repertoire spiele ich durch und versuche, einen
absichtslosen Zustand zu erreichen (was immer das auch
sein mag!).« 5
Die Bildwerdung selbst ist bei Brandl ein langwieriger
Prozess mit ganz unterschiedlichen Vorgeschichten und
Anläufen, Unterbrechungen zur Distanzgewinnung, Wiederaufgreifen,
Abstand nehmen, Wiederannäherung, und
dies alles im Kontext von Bildfamilien mit höchst eigen-
willigen Mitgliedern, wobei jedes Mal das ultimative, das
vorläufig letzte Bild entsteht, das später jedoch keineswegs
zwangsläufig zum Vorläufer des nächsten, wiederum
neuen und ersten, wird. Denn Brandl dokumentiert
seine Bilder in Atelierbüchern, in Fotoalben, die er immer
wieder durchblättert, und es kann sein, dass das jeweils
neue erste Bild nicht an das unmittelbar zuvor entstandene,
sondern an ein wesentlich älteres anknüpft.
Der eigentliche Malprozess ist dann ein heftiger, spontaner
Akt, eine direkte Malerei ohne Vorzeichnung, ein
immer neues Abenteuer, ein irreversibler Prozess, der
selten länger dauert als zwanzig Minuten, dessen Resultat
nicht korrigierbar ist, und in dem es darum geht, die
ursprüngliche Bildidee »herauszumalen«, nicht herauszuarbeiten,
sondern ganz im Gegenteil zu tilgen, um
dem Neuen, Authentischen, auch für den Künstler selbst
Überraschenden, Platz zu machen. Manchmal beginnt
Brandl mit einer Art Karikatur, einer Zeichnung auf der
leeren Fläche, die anschließend zugemalt wird. Brandl
ist im übrigen ein exzellenter Zeichner, neuerdings betä-
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Der Malprozess ist ein heftiger, spontaner Akt,
eine direkte Malerei ohne Vorzeichnung, ein immer
neues Abenteuer. «
tigt er sich nach längerer Pause wieder häufiger auch auf
diesem Gebiet.
Man hat dieses Zumalen mit der Übermaltechnik von
Brandls Landsmann Arnulf Rainer verglichen, was vor
allem für eine Phase in den 80er Jahren zutrifft, in der
Brandl seine Bilder mit Chromspray teilweise abdeckte,
doch in den neuen Bildern spielt eher das Gegenteil
eine Rolle: Das Wegnehmen von Farbe, das Hineingreifen
in das noch feuchte Bild mit den Fingern, das Freilegen
des weißen Grundes, wodurch ein Leuchten entsteht, wie
es in der traditionellen Ölmalerei auf umgekehrte Weise
durch das sogenannte Höhen mit weißer Farbe zustande
kam. Hier kommt in Brandls Malerei, die nach seinen
eigenen Worten nicht von der Form, sondern der Farbe
ausgeht, im Nachhinein ein grafisches, ein lineares
Moment zum Tragen.
Bilder, Gräser, Grün
Neue und unkonventionelle Wege geht Brandl auch in
der Farbwahl: Eine erstmals im November 2007 in der
Frankfurter Galerie Bärbel
Grässlin unter dem Titel Grün
riecht übernatürlich vorgestellte
Serie grüner Bilder zeigt, dass
Brandl sich nicht scheut, sich
dieser lange Zeit als schwierig
angesehenen, wegen ihres allzu eklatanten Naturbezugs
gemiedenen und mitunter sogar als langweilig und phantasielos
geschmähten Farbe anzunehmen. Und wenn er
dies tut, so tut er es wie alles, was er in Angriff nimmt,
mit engagierter Intensität.
Der Bezug zum Gegenstand Gras – einem nicht erst seit
Dürers »Rasenstück« in der Kunstgeschichte relevanten
Thema – ist evident, allerdings könnte man auch an in
klaren Bächen unter der Oberfläche flutende Wasserpflanzen
denken. Brandl selbst fühlt sich an das Ballett
im Licht aufblitzender Schwärme kleiner Fische erinnert,
die sich in geschlossener Formation mit faszinierender
Eleganz, wie ein einziges Wesen, unter Wasser fortbewegen.
Thomas Kellein äußert sich geradezu hymnisch über
diese Bilder: »Ein duftendes, ein leuchtendes Grün! Fast
eine Schlangengrube, die voll ›lebender‹ Pinselstriche
steckt. Wir sehen Farbe, in die man gerne fällt. Als hätten
William Turner, Claude Monet und Clyfford Still in kühnen
Träumen einen weiteren Zyklus zur Natürlichkeit von
Bildräumen aufgesetzt«. Kellein nennt weitere Bezugs-