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Artisti in Versilia
ANDREA GRASSI
“[...] Oramai Grassi ha trovato una personale
cifra stilistica su cui poter attuare le sue
variazioni spazial - strutturali nell’ambito di
una calcolata ideazione plastica movimentata,
che alleggerisce visivamente la robustezza
dell’impianto scultoreo sia quando si
rivolge a bronzo ed all’acciaio che quando
si rivolge al marmo...
…La figura, del resto, è tornata come un’ombra
di Banco a pararsi davanti all’immaginazione
di scultori e si è consolidata storia
aniconica – geometrica. È il caso di Andrea
Grassi, il quale ha via via incorporato i suoi
tipici dischi con cui ancora negli anni Ottanta
e Novanta ha costruito composizioni plastiche.
…Tuttavia l’opinione della proliferazione di
dischi non è del tutto dimenticata, come
non lo è la pulsione iconica, per cui l’una
confluisce nell’altra. Con Grassi varchiamo il
Rubicone che scorre tra la scultura aniconica
e la scultura iconica.
Giorgio di Genova
Storia dell’Arte italiana dell’900, per generazioni
Generazione Anni Trenta – Edizioni Bora – Bologna 2000
“La scultura di Grassi torna a porsi come
luogo dell’essere umano, suggestione di
‘viluppi’ di sensuosa energia che monta
dall’interno, espande le masse in una rinnovata
fiducia vitalistica che non mortifica
più i sensi a favore del gesto libero del pensiero,
della concettualità, ma di essi esalta
la funzione connettiva tra passato e presente
dell’uomo e la capacità di alimentare
una nuova progettualità per il futuro. Grassi
intende risentire muovere e fremere i tessuti
dell’uomo, le fibre intime: le sue opere
più recenti in marmo rosso laguna o nel
nero venato (portoro) mostrano un ritorno
a forme organiche prepotenti, a fraseggi
frammentari di anatomie descrittive, a figure
di energia ancora ‘contenuta’, fasciata,
ma che preme, urge, si modula, conquista
una sorta di monumentalità vitalistica,
qua e là vicina a certe soluzioni delle sculture
dell’India e che propone la crescita, lo
sviluppo, la metamorfosi, l’andamento sensuale
come riscoperta dell’umano. O si
veda ancora la Figura distesa, in marmo
bianco, in cui certi movimenti boccioniani
di apertura della forma si fondono alla figurazione
ambigua (morbida e spigolosa insieme)
di citazione picassiana, e al respiro
di arcaica monumentalità di Moore, ma
solo per ritrovare le ragioni più vere della
propria scultura, dell’involucro come solida
e mobile metafora dell’uomo, del suo tempo
contingente e della sua storia passata e
futura. Sono opere che portano a sempre
più compiuta sintesi le esperienze della
lunga attività di uno scultore che sa ormai
ben dominare, con alta sapienza e capacità
di intervento e di invenzione, la materia, e
sente che in essa è indispensabile ricomporre
il tessuto, la trama della vicenda
dell’uomo restituendole così la funzione di
‘materia – mater’, matrice ed emblema,
monumento della e alla vita e alla inesausta
potenzialità germinale e ideativa dell’essere
(e dell’artista in particolare), totem magico
che custodisce e tramanda la linfa vitale.
In alcuni splendidi bronzetti affiorano
sensibili richiami alla straordinaria energia
plastica di certe sculture di Michelangelo
(torso), ma in un contesto di movimento
neobarocco che tende a ricomporre le lacerazioni,
a rimarginare le piaghe, le consunzioni,
con esiti efficacissimi di conquista
e di tenuta dello spazio (nonostante le piccole
dimensioni), di dialogo tra elementi
figurali e tra superfici diversamente trattate
(scabrose o lucide), di ritmo dei tocchi di
luce, sapientemente dosati da un modellato
che si rende sensibile nell’evidenza dei
colpi di pollice.
Questo ritorno di ‘energia muscolare’ e di
evocazione di autenticità arcaica della figura,
è testimoniato anche dalla bella e originale
serie di disegni di studio delle lettere
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