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Arte
Entre azules acuáticos, amarillos desérticos y rosados iridiscentes, la obra
de DAVID HOCKNEY, presentada en la monumental retrospectiva del Museo
Nacional de Arte Moderno del Centro Georges Pompidou de París, presenta el
derrotero del artista vivo más importante de nuestros días: un camino lleno de
desvíos, de sorpresas, de ideas, formas y colores siempre en evolución, que
mantiene a la libertad como mira, tanto la del artista como la de la persona
Portrait of an Artist (Pool with Two Figures) 1972 | Acrylique sur toile | 213,5 x 305cm. © David Hockney | Photo : Art Gallery of New South Wales / Jenni Carter Lewis Collection
Lúdico y sensual
POR Esteban Ulrich DESDE PARÍS
Proclamado el artista vivo más influyente del siglo XX, la obra
de David Hockney nos sorprende con un colorido golpe de
frescura y energía. Sus líquidos celestes parecen, al contacto
con nuestro espíritu, tan estimulantes como el agua fresca
que eriza nuestra piel quemada por el sol del verano. Nacido
en 1937, David Hockney encarna a una época: su obra puede
funcionar como un eslabón entre su admirado Picasso y el Pop
Art de su amigo Andy Warhol, pasando por los cuerpos y
perspectivas deformadas de Francis Bacon. En esta segunda
retrospectiva que le dedica el Centro Pompidou (la primera
fue en 1999, limitándose a sus paisajes), realizada para celebrar
los 80 años del artista y producida en colaboración con la Tate
Gallery de Londres y el Museo Metropolitano de Nueva York,
nos encontramos con la muestra más completa de su obra,
con más de 60 pinturas que recorren los distintos períodos de
su obra, sus trabajos fotográficos, grabados, instalaciones de
video, dibujos, ilustraciones digitales, etc.
La puesta está organizada por períodos, dando forma a un
pasillo enroscado de numerosas salas. En la primera nos
encontramos con los trabajos de sus inicios en Bradford,
donde cursó la Escuela Primaria. Entonces pensaba en un
arte que buscaba tanto interpretar el mundo, como entretener
y seducir a sus espectadores. Desde el principio la figura
de Picasso constituyó un vector en su trabajo. En estas
primeras obras se puede imaginar la influencia temprana del
cubismo en el joven Hockney en la manera en que pinta las
manos y piernas de su padre en Portrait of my Father (1955),
estas aparecen planas y con bordes rectos, una ambigüedad
formal, entre un trazo abstracto y una composición figurativa,
que será una marca de estilo constante en su obra.
Abiertamente homosexual, Hockney rápidamente expresó
su sexualidad con humor en Cleaning Tooth, Early Evening
(10PM) (1962) obra que puede verse en la segunda sala junto
a otros trabajos más abstractos donde las líneas y colores
se combinan con palabras escritas, Shame (1960) y Love
Painting (1960).
Formado en el Royal College of Art de Londres, heredero
pacifista de su padre, quien fuera objetor de conciencia durante
la Segunda Guerra, dijo sobre Picasso: “domina todos los
estilos, la lección que retengo es que hay que utilizarlos todos”.
Siguiendo esta máxima participó de la muestra colectiva Jóvenes
Contemporáneos, en 1961, junto a Peter Blake, considerada
el punto de partida del Arte Pop británico. Allí el joven
Hockney hizo una declaración de estilo, siguiendo al maestro
malagueño con cuatro cuadros bajo el título de “Demostrations
of Versality”. Así, a lo largo de su carrera, numerosas influencias
podrán verse en sus distintos períodos, desde el Pop Art
de Jasper Johns, hasta los clásicos renacentistas, pasando por
el “color field” abstracto de Morris Louis, el expresionismo
figurativo de Francis Bacon, o hasta la representación de
formas planas de las obras de arte del Egipto antiguo, reinterpretadas
de manera lúdica y narrativa.
En la sala siguiente viajamos con él a California en donde una
nueva transformación se opera: enormes cuadros capturan el
cielo límpido del desierto, la pintura acrílica entra en acción
para producir formas y colores más puros. Arizona (1964)
es una pintura que parece simular un collage, debido a su
composición fragmentada. Los colores toman otra intensidad,
los azules, fucsias y rosas. En California Art Collector (1964)
podemos apreciar el juego con la perspectiva y los distintos
niveles de profundidad de campo a partir de la alineación de
formas planas.
Como resultado de este permanente estudio de la perspectiva,
publicó un ensayo, en 2001: Conocimiento secreto; en
el que señala el uso de lentes y aparatos ópticos por parte de
numerosos pintores de la antigüedad, una demostración muy
detallada que no dejó de generar polémica entre numerosos
pintores e historiadores de arte, en la que analiza numerosas
obras desde el Renacimiento hasta nuestros días, subrayando
diferencias notables a partir de ciertos períodos. En un
mismo momento las telas plegadas devienen perfectas, los
reflejos de las armaduras o las sombras en los rostros parecen
fotografiados. Por ejemplo, la pintura del flamenco Jan van
Eyck, Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa, presenta de
manera sugerente en el fondo del cuadro un espejo convexo,
representando el punto de vista de los personajes. Pintores
como Canaletto utilizaron la “cámara oscura”, mientras
otros hacían lo mismo con espejos cóncavos para proyectar
imágenes sobre la tela.
Al girar sobre nosotros mismos, colgados frente a los paisajes
californianos, podemos apreciar en todo su esplendor la serie
de cuadros célebres dedicados a las piscinas y las diversas
formas en que el inglés logra representar el movimiento y los
reflejos del agua. Desde la abstracción jubilosa de The Sun Bather
(1966) hasta el colorido realismo de Portrait of an Artist
(Pool With two Figures) (1972), pasando por los planos arquitectónicos
de la icónica A Bigger Splash (1967) y las manchas
de humedad de Pool and Steps, Le Nid du Duc (1971).
En las numerosas salas que siguen, veremos su serie de
retratos íntimos, donde dibuja solo a aquellos a los que ama
o admira, luego sus amplios Doble Retratos, donde técnica
y sensibilidad parecen alcanzar su equilibrio perfecto: frente
a American Collectors (Fred and Marcia Weisman) (1968)
el juego entre planos y perspectiva produce una inexplicable
sensación de vértigo. Y aún faltan varias salas más: sus
autorretratos, sus piscinas nocturnas, su maravilloso trabajo
con Polaroids, donde crea retratos con numerosas perspectivas
distintas de una misma imagen, lo que llama joiners, una
suerte de cubismo fotográfico que luego inspirará su monumental
Bigger Trees Near Warter (2007), que aparece hacia
el final de la muestra.
Cada cuadro, cada idea, con su cuestionamiento de la perspectiva
por un lado, la búsqueda constante de nuevas formas
y colores por otro, delinean un intrincado camino pero que,
lleno de vitalidad, siempre parece seguir el rumbo de una
misma estrella: la libertad
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