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INTERVIEW
ÉTIENNE RUSSO
Né en Belgique, de parents italiens, Étienne Russo a fait l’école hôtelière de
Namur avant de devenir mannequin et barman dans la boîte de nuit bruxelloise
le Mirano au début des années 80. Promu directeur artistique de ce club, il se lie
avec les jeunes stylistes anversois qui posent alors les bases de la mode belge.
Débute une longue collaboration avec Dries Van Noten,
dont il prend en charge la production des défilés.
Suivront des collaborations avec Hermès, Chanel,
Hugo Boss, Céline, Sonia Rykiel… 700 défilés et événements
en 22 ans de carrière, mais une constante : une
touche de surréalisme en empreinte sur nombre de ses
projets – esprit belge oblige.
En quel sens ?
La mode me passionne, car elle raconte des
choses sur les gens qui la porte. On s’habille toujours
pour des raisons précises : pour se faire respecter au
boulot, se faire baiser, montrer sa réussite ; pas juste
parce qu’il fait froid et qu’il faut bien se couvrir. Et puis
cela donne de l’énergie : un T-shirt qui vous va bien, ça
vous porte !
[…] On pouvait autrefois
faire traverser Paris aux
journalistes ; il faut maintenant
se coller à proximité du défilé
précédent et pas loin
du suivant. La presse n’a
plus le temps – et ne souhaite
plus se déplacer
Vous avez débuté avec Dries Van Noten.
Nous avons organisé son premier défilé à
Paris, en 1991 dans les sous-sols de l’hôtel Saint James &
Albany. On avait construit un petit théâtre à l’italienne
orné d’un soleil que l’on tirait à l’aide d’une corde, une
toile peinte descendait et remontait pour illustrer la tombée
de la nuit ; c’était naïf et poétique. On a créé beaucoup
de décors avec Dries Van Noten, même s’il préfère
aujourd’hui s’inscrire dans des lieux qu’il met en valeur
à travers un travail de lumière, un parcours spécifique
des mannequins et un placement du public déstructuré.
Quelles activités recouvre votre métier ?
C’est à géométrie variable ; cela va du choix de
la salle à la conception d’un décor en passant par la
chorégraphie des mannequins. Cela concerne tout ce
qui touche l’organisation des shows ; disons que c’est
un mélange entre production, scénographie et direction
artistique. À mes débuts, je faisais même la cuisine
pour Dries !
En vingt-deux ans de carrière, qu’est-ce qui vous
semble avoir le plus évolué ?
Le temps. L’accélération du temps. À tous les
niveaux. Les défilés duraient 30 minutes à la fin des
années 80, ils sont aujourd’hui expédiés en moins d’un
quart d’heure. Je passais à mes débuts quatre jours à
Paris et je visitais 80 lieux pour en proposer 20 à mes
clients. Aujourd’hui, quand j’en ai trois à recommander
c’est extraordinaire. Les raisons sont multiples, mais la
principale difficulté réside en un calendrier de présentations
surchargé : 10 à 12 shows par jour ! On pouvait
autrefois faire traverser Paris d’un bout à l’autre aux
journalistes, il faut maintenant se coller à proximité du
défilé précédent et pas loin du suivant. La presse n’a
plus le temps – et ne souhaite plus se déplacer. Et si on
l’y oblige, mieux vaut avoir de bonnes raisons de le faire,
au risque de voir débarquer un public énervé… et encore
plus remonté à la sortie si la collection n’a pas plu.
Dans les années 90, mouvance grunge oblige, la
vogue était aux défilés dans des entrepôts désaffectés,
des salles de concerts et autres terrains vagues. Plus
franchement l’humeur du moment…
Il y avait une forme de légèreté dans la première
partie des années 90 ; les créateurs étaient à la
recherche d’endroits atypiques et pleins de charme pour
présenter des collections assez arty. Dans la seconde
partie de la décennie, avec l’arrivée de gens comme Tom
Ford chez Yves Saint Laurent, les défilés sont devenus
des grosses productions. C’était à qui ferait le plus
grand, le plus fort, le plus cher… La crise de 2008 nous
a ramenés à des choses plus parcimonieuses.
On a connu l’engouement des présentations « séances
de travail » réservées à quelques happy few, les
mégas shows des géants du luxe, comment défile-ton
aujourd’hui ?
L’important, c’est d’être au plus
près de l’univers du créateur. Avec
Phoebe Philo, pour les décors de Céline,
on recentre au maximum. Le résultat a
souvent l’air extrêmement simple, mais
cette simplicité découle d’une multitude
de pistes ; parfois jusqu’à 40 propositions
différentes, rien que pour le
choix d’un sol qui colle parfaitement
aux murs et prenne bien la lumière. Il
y a des gens plus expansifs, comme Karl
Lagerfeld, qui ont des visions de décors
narratifs. Pour Chanel, il peut décider de
transformer le Grand Palais en jardin à
la française ou d’y reproduire la Place
Vendôme. Mais d’une façon générale, les
choses demeurent assez allusives.
Les passages des défilés sont aujourd’hui relayés dans
la presse et sur Internet par des photographies frontales
prises en bout de podium, hormis dans quelques
quotidiens et de rares retransmissions télévisées, on
perçoit moins l’ampleur des décors.
Il ne faut pas oublier que dans les années 80,
quand les défilés se déroulaient sous des tentes à la
cour carrée du Louvre, les photographes se plaçaient
tout autour du podium, on bénéficiait donc d’une plus
grande diversité d’images. Les photographes faisaient
d’ailleurs partie du show, on les voyait circuler, interpeller
les mannequins. Les filles posaient pour eux,
effectuant des arrêts sur le catwalk. Tout cela avait un
côté bon enfant. Les défilés étaient un peu improvisés :
on montait un podium, on fixait trois spots, on branchait
la musique et on lançait les filles ! Le métier s’est
depuis beaucoup professionnalisé et plus rien n’est
laissé au hasard.
Les mannequins ne prennent d’ailleurs plus vraiment
de poses sur les podiums…
La manière même de défiler a changé. À
l’époque, c’étaient des femmes – et je dis bien des
femmes – qui défilaient. Aujourd’hui, ce sont des filles
entre 16 et 20 ans. L’attitude ne peut pas être la même.
Les supermodels de la période Naomi Campbell, Christy
Turlington et Linda Evangelista jouaient, j’ai envie de
dire, sur scène. Les filles d’aujourd’hui ne jouent pas,
elles marchent. L’idée même de scénographier les
shows est devenue compliquée. D’abord parce que les
filles elles-mêmes ne sont pas là-dedans ; jouer ne les
intéresse pas, cela ne vient pas naturellement. Et puis
pour développer des scénographies, il faut du temps.
Et le problème, une fois encore, c’est qu’en raison de
ce calendrier ultra chargé, les mannequins sont peu
disponibles. On pouvait autrefois négocier de les faire
venir cinq heures avant le show pour organiser des
répétitions, aujourd’hui c’est trois heures grand maximum.
Dans ce laps de temps, elles doivent se faire
coiffer, maquiller, habiller… Mais bon, j’ai trouvé la
solution ; quand le show prévoit des déambulations
compliquées, je fais appel, non pas pour l’attitude mais
pour construire le déroulé, à des figurants. Nous répétons
avec eux quatre heures la veille pour être parfaitement
calés. Le jour du show, quand elles arrivent, je
fais asseoir les mannequins à la place du public et les
figurants défilent pour leur indiquer le parcours. Dans
un premier temps, elles regardent, puis les figurants
les prennent par la main et ils font une fois le parcours
ensemble. Au troisième filage, les mannequins défilent
seules. C’est ce que j’ai trouvé de plus rapide !
C’est délirant !
Oui, mais indispensable. Et puis cela sécurise
les filles. Il faut bien comprendre qu’elles ont enchaîné
New York, Londres et Milan. Lorsqu’elles arrivent à
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