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[…] Les supermodels
de la période Naomi Campbell,
Christy Turlington et Linda
Evangelista jouaient, j’ai envie
de dire, sur scène. Les filles
d’aujourd’hui ne jouent pas,
elles marchent
Paris, elles sont déjà très fatiguées. Chaque nuit, elles
effectuent leurs essayages dans les Maisons jusqu’à
trois heures du matin ; elles se lèvent aux aurores pour
les préparatifs des premiers shows – qui débutent à
9 h 30 : comment exiger d’elles de la concentration ? ce
n’est humainement pas possible.
Quel regard portez-vous sur la nouvelle génération de
mannequins ?
Les stéréotypes physiques, féminins comme
masculins, sont calés depuis le milieu des années 90.
Quize ans, c’est assez long quand on y pense ! On ne
voit plus de filles avec des seins, ni de mecs baraqués ;
dans les deux cas, les corps sont assez androgynes. Les
physiques sont très formatés dans la mode ; on trouve
plus de variétés morphologiques dans le cinéma ou la
musique. Un créateur, qui a une plus grande proximité
avec le corps et le vêtement, vous en parlerait sans
doute mieux que moi, mais il me semble que les corps
actuels, assez stylisés, servent davantage le vêtement.
Des corps plus formés et donc plus présents, voire plus
sexuels, détourneraient l’attention.
Les podiums appartiennent au passé…
Si on en fait, ils ont tout au plus 7 cm de haut.
La façon de voir la mode a changé. Le podium, c’était
un truc des années 70 et 80 ; période où les stylistes
ont été déifiés créateurs. Le podium crée une distance.
Aujourd’hui, l’idée serait plutôt de mettre la mode dans la
rue, on défile donc au ras du sol pour plus de proximité.
Percevez-vous, entre New York, Milan et Paris, une
grande différence dans la façon de défiler ?
Paris ! Paris ! Paris ! Je suis fan de cette ville
pour mille raisons. D’abord parce qu’y défilent des collections
de stylistes venant du monde entier, d’où une
grande diversité de façons de présenter entre recueillement
à la japonaise et shows à l’anglaise. À Paris,
chaque talent développe son univers propre, d’où des
prises de risque scénographiques. À Milan – où 90 %
des marques qui défilent sont italiennes –, l’approche
est plus commerciale ; les shows se cantonnent le plus
souvent à des allers et retours sur podium. Tout est plus
standardisé : les choix musicaux, la lumière, les décors…
New York, hormis quelques talents qui se comptent
sur les doigts de la main : Thom Browne, Marc Jacobs,
Proenza Schouler, les sœurs Rodarte…
Nombreux sont ceux qui tentent des expériences
autres que le défilé pour présenter leurs collections,
comme des courts métrages. Pensez-vous que ces films
de mode puissent à terme remplacer les shows ?
Non. Les gens qui réalisent des films, souvent
très beaux d’ailleurs, sont pour beaucoup, avec tout
le respect que je leur dois, de jeunes créateurs dotés
de petits budgets ne leur permettant pas de défiler.
Le phénomène des films de mode est apparu avec la
crise et rencontre un succès via Internet. On assiste
aujourd’hui à une démultiplication des médias, en
plus des magazines traditionnels et de la télévision, il
faut désormais compter avec les blogs, les vidéos en
streaming, Twitter… Les films de mode ont leur place
dans ce contexte. Ils permettent de communiquer différemment
dans le cadre d’un marketing mix, mais ils
ne peuvent en aucun cas se substituer aux défilés, car
personne n’envisage sérieusement de ne présenter les
collections que sur le Net. Un défilé va au-delà d’une
simple présentation de vêtements, c’est un moment de
socialisation et une formidable machine à rêve. Sans
premier rang, Anna Wintour ne sera plus ce qu’elle est,
et Suzie Menkes, isolée derrière un ordinateur… Quand
on se rend à un show qui compte, il y a de l’électricité
dans l’air ! Rien ne remplacera jamais le plaisir de
voir une robe sur une fille évoluant devant vous. Un
modèle qui défile, c’est comme un plat qui passe dans
un restaurant, on sent l’odeur – l’air du temps –, cela
vous donne envie, vous ouvre l’appétit.
Quels sont les enjeux d’un show pour les marques ?
On est clairement dans le cadre d’une compétition
de haut niveau. Chaque créateur dispose de
huit à quatorze minutes pour marquer le plus profondément
possible son empreinte sur la saison. Il
faut que les journalistes aient envie de s’étendre sur
la collection dès le lendemain dans les quotidiens et
sur le Net – de façon positive si possible. Mais plus
que tout, il s’agit de marquer les esprits pour que
trois mois plus tard les rédactrices se souviennent de
vos pièces et les photographient. Il est donc important
de communiquer un message clair. Pour une
griffe, un défilé réussi repose sur la parfaite combinaison
entre make-up, musique, lumière, décor, scénographie,
attitude des mannequins et collection. Un
subtil mélange d’informations.
Et pour vous, c’est quoi un défilé réussi ?
Un moment suspendu.
Parallèlement aux shows, vous organisez de plus en
plus d’événements, quelles différences voyez-vous
entre ces deux activités ?
Un défilé, c’est cadré : on arrive, on s’assied, on
regarde, on applaudi et on file au prochain show. Même
s’il y a des moments de poésie dans la scénographie, de
la folie dans les passages, on ne prend pas son temps. Un
événement s’étale sur plusieurs heures. On communique
tout autant, mais il y a une partie de détente, on
joue avec le temps. Il faut donc développer des histoires
ponctuées de rebondissements. Cela passe par des décors,
des attractions, des buffets, de la musique…
La fête que vous avez organisée pour célébrer le lancement
de la collection de Sonia Rykiel pour H&M, sous
la verrière du Grand Palais, en 2009, reste culte.
C’était la crise. On allumait la radio dans la
voiture et ça déblatérait sur la crise. Au café, on ne parlait
que de ça ! En rentrant à la maison, à la télé : encore
la crise ! À un moment, j’ai dit stop : il faut retrouver un
peu de légèreté ! Et la mode est là pour ça ; pour apporter
du positivisme ! Je voulais que les gens retrouvent
cet émerveillement propre aux enfants. Qu’ils redeviennent
des enfants le temps d’un soir. Mon inspiration
résultait d’une escapade, quelques mois auparavant, à
Disneyland, avec mes enfants. J’avais adoré l’attraction
« It’s a small world » : tu pars en barque visiter les pays
du monde entier stylisés par des décors naïfs. Il y a
plein de petites lumières, des gens qui dansent, des
couleurs vives. Le travail fut de retranscrire cet esprit
dans le style Sonia Rykiel, six mois de travail… Mais,
l’inspiration, c’est toujours un peu ta vie.
Crise ou pas crise, on assiste à une démultiplication
des mondanités liées à la mode. Comment expliquer
ce phénomène ?
Les événements permettent d’inviter des gens
bien souvent négligés par le système de la mode, mais
pourtant importants, car faisant fonctionner toute la
machine, à savoir les consommateurs. Les défilés sont
réservés aux professionnels et à quelques « socialites »,
les fêtes permettent aux clients de participer au rêve.
Certaines Maisons invitent désormais leurs meilleurs
clients à voir leur show en streaming en temps réel
dans leurs boutiques, d’autres donnent des soirées à
tout casser. Je rentre de Chine, et là-bas les fêtes sont
démesurées. De ma vie, je n’ai jamais vu autant d’argent
dépensé, ni en Europe, ni aux États-Unis.
Qui se rend dans ces fêtes ?
Comme partout, des gens qui viennent asseoir
ou faire progresser leur image.
Vous organisez des événements dans les grandes capitales
de la mode, quelles différences percevez-vous ?
Il faut s’adapter à chaque ville. À New York,
mieux vaut être certain que sa manifestation se déroule
à proximité des autres soirées – surtout pendant une
fashion week –, car les Américains passent d’une fête à
l’autre. À Berlin, les endroits sont immenses, les gens
hauts en couleur. Paris, ce n’est jamais gagné d’avance.
On en a vu des fêtes dotées de gros moyens où, la sauce
ne prenant pas, les gens partaient vite fait… Paris, c’est
un public éduqué et, avouons-le, un brin snob. Mais
quand ça part, ça monte en flèche. Pour cela, il faut
savoir mixer les publics.
Vous développez également des décors pérennes.
Je ne suis pas architecte, mais j’ai réalisé un
concept store de 500 mètres carrés à Berlin, pour Hugo.
Ces rois du merchandising, capables d’ouvrir au doigt et
l’œil des boutiques ultraperformantes aux quatre coins
du globe, souhaitaient une approche plus conceptuelle.
Je viens également de terminer un musée d’histoire naturelle
dans une université à Manchester. Travailler avec
des scientifiques sur une exposition permanente, soulevant
des questions environnementales, programmée
pour durer quinze ans, m’a passionné. Dans la mode, mes
gestes architecturaux ne perdurent que le temps d’un
show, disons que je fais des polaroïds de l’air du temps…
Propos recueillis par
Cédric Saint André Perrin
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Thom Browne Fall-Winter 2011, ©B2 photographers pour Villa Eugénie
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