2 - Parliamo di Videogiochi

RiNG 02 – NOVEMBRE 2002
The Dreaming – Fabio Timpanaro
.:ALFiERi DELL’iRREALE:.
www.project-ring.com

:NOVEMBRE 2002: Ring#2
SOMMARIO____________________________
[Ring#2]
Rubriche
Cover Story: Alfieri dell’Irreale [di Nemesis Divina] . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 3
(R)umorismo: Metal Gear Strip [di Sator Arepo, STRIX e Gatsu]. . . . . . . . . . 4
Tesori Sepolti: Jumpin’ Flash [di Marco Barbero] . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 39
People: Hiroshi Yamauchi [di Gatsu]. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 41
Me Nintendo: Game N [2 di 2] [di Gatsu] . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 44
Sega Saga: Wow Entertainment [di Emalord] . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 47
Opera Rotas: Videogiocatori o memorizzatori di pattern? [2 di 2] . . . . . 53
Il davide Videoludico DUE [di Nemesis Divina]. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 56
Cotta di Maglia [di Federico Res]. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 57
Frames
L’insostenibile leggerezza dell’RPG [di Gatsu]. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 5
Enada 2002: stato di salute del coin-op [di Paolo “Jumpman” Ruffino] . . 11
God is a Gamer [di Sator Arepo] . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 13
Mostrare il Videogioco [di Paolo “Jumpman” Ruffino] . . . . . . . . . . . . . . . . . . 15
Play a While, Play Forever [di Joseph Joestar] . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 16
Indepth
ICO [di DarknessHeir] . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 19
Super Mario Sunshine [di Federico Res] . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 21
Recensioni
Super Mario Sunshine [di Emalord e Paolo “Jumpman” Ruffino] . . . . . . . . . . 24
Onimusha 2 [di Emalord e Amano76] . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 27
Ikaruga [di Emalord] . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 30
Pro Evolution Soccer 2 [di Sator Arepo] . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 33
Super Metroid [di Federico Res] . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 35
F-Zero X [di Federico Res] . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 36
Castlevania: Harmony of Dissonance [di Nemesis Divina] . . . . . . . . . . . 37
2
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:RUBRICHE: Ring#2
Alfieri dell’Irreale___ _______ ____
[Cover Story]
di Nemesis Divina
Da qui si decide la rotta. Siamo
ad un bivio per raggiungere il
quale abbiamo bruciato le tappe
in un furibondo e rivoluzionatesi
trentennio. A braccetto
con l’amato tecnologico, siamo
balzati d’era in era sino a giungere
‘qua’, dove nessun sognatore
s’è mai spinto prima. Cos’è
che muove questa nostra strana
passione? Di moti astrusi ed
inestricabili è distinta, un vorticare
affannato e vociante che
mulina i suoi bracci senza mira
precisa e che pure, sottilmente,
offre scampoli di savietà e un
panorama futuro possibile, da
taluni auspicato. Quante volte
ci siamo chiesti cosa ci attrae
del VG? Quante volte abbiamo
provato a spiegarlo, a spiegarcelo?
Liquidiamo sovente con
‘Divertimento’ l’annosa domanda,
emozione che affiora ovunque
nell’umano agire e che
spesso si arroga il centro delle
nostre faccende. Ed è dunque
Divertimento la damigella che
quieta ci compagna lungo il
viaggio nostro? Divertimento è
dama piacevole, aggraziata e
ben disposta ma rappresenta
un traguardo sin troppo prossimo
per poterci guidare nel
tempo a venire (che ci auguriamo
essere molto ancora).
I motori del videodivertimento
sono incorsi in grandi cambiamenti:
se dapprima a scuoterci
erano sufficienti pochi blocchi
bicromatici, ora a malapena ci
smuovono le variopinte legioni
poligonali. Il panorama tecnoludico
ribolle attorno a noi, el
suo slancio verso il futuro sembra
non prospettare un termine.
E noi ancora miriamo a Divertimento,
rimanendo immobili
mentre tutto intorno a noi
muta? Non Divertimento ma,
più largamente, “Sogno”: ecco
la nuova fiamma che ci deve
guidare nei giorni futuri. Il VG
è un linguaggio in continuo
variegare, si reinventa e si
rilegge ad ogni pagina e con
esso noi pure dobbiamo seguire
l’update; preparatevi al
download di password rinnovate
e degli ultimi aggiornamenti
del programma Sogno, perché
senza di esso rimarrete fermi
ad uno stolto iterare che porta
completa fede ad una definizione
giurassica: ‘passatempo’. Ma
è dunque ‘una perdita di tempo’
quella cui anelate? E’ di vuoto
trascorrere degli attimi ciò verso
cui muovete? E’ sempre e
solo Divertimento la vostra inseparabile
compagna?
Del Sogno, si diceva. Noi siamo
i cavalcatori del fantastico, mutevoli
e agili, che manovrano in
lande insensate ma a noi tanto
gradite, non esiste scenario che
non ci abbia accolto e cui non si
sia tributato il dovuto saluto. In
Sogno, abbiamo sì pure Divertimento,
ma molto altro e molto
di più. Tutto il ricreabile si stende
a perdita d’occhio, lontano
sfuma nei contorni ma ci basterà
raggiungere quei confini per
avere a portata di mano nuove,
palpitanti emozioni, pensieri e
parole. Eppure Sogno non va
scoperto chissà dove, va semplicemente
ritrovato. E’ una
chiave che tutti noi possediamo
ma che troppi smarriscono
strada facendo, abbandonando
Sogno per Reale senza intuire
che, così facendo, anche il Reale
ne esce menomato, privo
d’una controparte che ne definisce
i confini. E il cuore di Sogno
è in noi, non nella macchina.
E’ nostra la capacità di far
vivere l’irreale, di credere nell’
incredibile e di vedere l’impossibile.
Siamo figli dell’illusione e
del miraggio di un mondo che
va migliorando, edifichiamo dimensioni
e universi, ed è dentro
di noi (non su schermo) che
il videomondo esiste davvero,
che pulsa vitale (incurante di
pop-up e fps) e in cui i personaggi
non sono righe di codice
ma esseri vividi e caldi. No, l’Emotion
Engine non è dentro
3
PS2, ma pulsa nelle nostre teste,
in continuazione mosso
dall’inesauribile carburante della
fantasia; quando viviamo su
schermo non stiamo srotolando
chilometri di pagine in C++,
stiamo piuttosto reinterpretando
il Sogno di un Game Designer
con gli occhi della nostra
mente el gusto della nostra
passione.
La Console Definitiva siamo noi,
poiché quello che si agita nel
televisore è un vuoto spettacolo
senza un cuore di Sogno.
[dissolvenza]
comunicazione di servizio: Da
questo numero Ring propone
uno spazio di discussione riservato
ai nostri lettori. Il Forum
di Ring si propone come uno
spazio dove dibattere, a più livelli,
le manifestazioni della videointerazione;
saranno previste
tanto disquisizioni altissime
quanto raccolta di info su questo
o quel titolo, parteciperete
a cruente hardWAR e pure gioirete
nell’attesa dell’ennesimo
avvento tecnomessianico. Questo
Ring offre, sappiatene fare
buon uso.

:RUBRICHE: Ring#2
(R)UMORISMO_________________________
[Metal Gear Strip]
Storia: Sator Arepo
Sceneggiatura
e disegni:
STRIX
A cura di: Gatsu
4

:FRAMES: Ring#2
L’insostenibile leggerezza degli RPG_________
[Del perché e del percome nessun videogioco riuscirà
mai a competere con il gioco di ruolo classico]
di Gatsu
________Once Upon A Time
Anno 1913. Un simpatico omino,
chiamato H.G Welles, pubblica
Piccole Guerre, il nonno
del wargame 3D come noi oggi
lo conosciamo (mi auguro che
vi sia noto perlomeno il celebre
Warhammer; se pur sfruttando
l’11% della vostra materia
grigia non capite di cosa sto
parlando, bhè, sappiate che si
tratta di una sorta di “gioco da
tavolo” dove ogni giocatore comanda
e gestisce un esercito
estremamente personalizzabile
di miniature fantasy o fantascientifiche,
nel tentativo di
raggiungere determinati obiettivi
decisi a priori). Nel suo libro,
Welles insegnava come ricreare
la guerra in salotto,
armati solo di primitivi soldatini
e di tanta fantasia. Con il passare
degli anni, il wargame attira
nuovi appassionati e conseguentemente
si arricchisce di
regole aggiuntive, nuovi modellini,
nuove ambientazioni. Basandosi
probabilmente sul leggendario
War Games del 1962,
il bollettino della società Castle
& Crusade pubblica nel 1972 un
regolamento dedicato alla simulazione
di guerra medievale
battezzato Chainmail. Il tomo
riportava le firme di due ragazzi
destinati a diventare famosi:
Gary Gigax e Jeff Perren. Narra
la leggenda che modificando ed
espandendo Chainmail nel corso
di svariate sessioni di gioco,
Gary Gigax ebbe una geniale
intuizione: creare un gioco che
lasciasse molta più libertà d’azione
ai giocatori e che permettesse
loro di aggirarsi per sinistri
e oscuri labirinti sotterranei.
L’idea si concretizzò nel
1974, quando assieme a Dave
Arneson diede alle stampe la
prima, mitologica, edizione di
D&D, denominata all’epoca
Dungeons & Dragons: Rules
For Fantastic Wargames
Campaignes Playable With
Paper And Pencil And Miniature
Figures. Nacque il primo
gioco di ruolo della storia, e per
nostra somma gioia i regolamenti
seguenti ebbero titoli più
corti.
______________Definizioni
Non ci soffermeremo nell’analizzare
la successiva evoluzione
del gioco di ruolo nel corso degli
anni (troppo lungo, troppo
fuori tema), vi basti sapere solo
che gli RPG classici possono essere
attualmente raggruppati in
tre categorie abbastanza distinte
ma, volendo, complementari:
Sistema Tradizionale, Sistema
Storytelling e Sistema
Diceless.
E’ innanzitutto necessario definire
in maniera semplice il
gioco di ruolo:
«Gioco che consente ai giocatori
di impersonare (a vari livelli
interpretativi, si va dalla
sola interpretazione astratta fino
a quella fisica) svariate entità,
ognuna (presumibilmente)
coerente con l’ambientazione di
gioco, dotata di tratti peculiari
e personalità ben precisa, sottostante
a determinati vincoli
dettati dal regolamento (riportati
generalmente in una “scheda”)
e con background e obiettivi
definiti o quantomeno definibili.
Giocare ad un gioco di
ruolo è come interpretare una
parte a teatro, con l’unica differenza
che il giocatore NON co-
5
nosce né l’intera trama dello
“spettacolo” (o avventura o
campagna) né particolari che il
personaggio che interpreta
NON può conoscere per coerenza
con il suo background. »
La definizione di cui sopra è
lungi dall’essere perfetta ma
cercheremo di farcela bastare.
Vediamo ora brevemente, prima
di passare agli “RPG videoludici”,
le differenze fra le tre
categorie entro cui si possono
classificare gli RPG classici.
Sistema Tradizionale.
Nel gioco di ruolo tradizionale,
le regole detengono una funzione
fondamentale per il corretto
svolgimento della sessione. Se
da una parte questo avvantaggia
la corretta risoluzione di ogni
possibile eventualità, dall’
altra spesso inficia pesantemente
la scorrevolezza della
narrazione. Sistemi del genere
presentano spesso problemi come
il powerplay (giocatori che
tendono a rendere i loro personaggi
delle indistruttibili macchine
da guerra) e quello di una
certa macchinosità di fondo,
che limita pesantemente la fantasia
del Master (colui che “narra”
gli eventi e interpreta tutti i
personaggi secondari con cui i
giocatori si troveranno ad interagire).
Sono generalmente
RPG apprezzati dai giocatori più
inesperti o da chi non desidera
“concentrarsi troppo” sull’interpretazione.
Vedremo più avanti che la
maggioranza degli RPG videoludici
si basano su questo
Sistema. Qualche esempio
di gioco appartenente a questa
categoria si ha con: D&D,
AD&D, GURPS, Martelli Da
Guerra, Cyberpunk, Shadowrun,
ecc.
Nota: ognuno dei giochi menzionati
presenta un diverso bilanciamento
fra regole e am-

:FRAMES: Ring#2
bientazione, tanto che alcuni
potrebbero sconfinare in altre
categorie anche a seconda della
condotta del Master (che ad
esempio potrebbe infischiarsene
delle regole per favorire la
scorrevolezza…Tali pratiche sono
tutt’altro che rare nel mondo
degli RPG, quindi non prendete
per oro colato tutto quello che
vi sto raccontando…).
Sistema Storytelling.
Ritenuto generalmente un “sistema
avanzato”, ha la pregevolissima
caratteristica di concentrarsi
principalmente sullo
sviluppo dell’ambientazione e
sull’interpretazione dei giocatori
rispetto ai loro personaggi. Le
poche regole che ci sono, coprono
le eventualità più carat -
teristiche dell’ambientazione a
cui fanno riferimento e lasciano
al Master la facoltà di improvvisare
in tutti gli altri casi. Non
più costretto da rigidi regolamenti,
il Master può anche
permettersi di incentrare un’intera
sessione sulla narrazione e
sui dialoghi fra i personaggi. I
giochi che sfruttano questo sistema,
affrontano generalmente
tematiche “adulte” o comunque
favorevoli ad un gioco di
stampo più interpretativo che
regolistico. Celebre esempio è
la collana dedicata al World Of
Darkness della White Wolf , che
comprende: Vampire : The
Masquerade, Mage – The Ascension,
Wraith – The Oblivion,
Werewolf – The Apocalypse
e Changeling – The
Dreaming. Impossibile non
nominare anche il GDR più “pesante”
e discusso della storia
(ma per quel che mi riguarda, il
più affascinante) Kult: Reality
Is A Lie, talmente “estremo”
nei contenuti che alcuni dei
suoi supplementi furono ritirati
dal mercato. Notevole anche
The Call Of Cthulhu, basato
sui racconti del Solitario di Providence,
H.P. Lovecraft. Il
nostro confronto con gli RPG
videoludici riguarderà soprat -
tutto l’attuale impossibilità tecnica
di replicare questo tipo di
approccio al GDR.
Sistema Diceless.
Per certi versi simile o addirittura
sovrapponibile al Sistema
Storytelling, il Sistema Diceless
di distingue per una caratteristica
fondamentale: la totale
mancanza di dadi. Il che non
significa necessariamente l’impossibilità
di determinare casualmente
alcuni eventi, anzi,
ci sono alcuni sistemi che sfruttano
carte, tarocchi o altro e
che garantiscono dei risultati di
gioco molto diversi da quelli
ottenibili con l’utilizzo di un
semplice valore numerico. Emblematico
il caso di Everway,
che tramite evocative illustrazioni,
dava spunti a Master e
giocatori per continuare a
“creare” il mondo di gioco in
maniera coerente. Ad ogni modo
in questo approccio le regole
non hanno praticamente nessuna
importanza, caratteristica
che lo avvicina notevolmente
ad una sorta di teatro improvvisato.
Molti giochi Storytelling
possono essere adattati a Diceless
senza difficoltà, ma il genere
presenta anche giochi nativi
come Amber o il già citato
Everway.
___Oriente e Occidente: due
diverse scuole di pensiero
Concluse le doverose premesse,
passiamo ad un argomento
che più si addice alle pagine di
Ring: la trasposizione videoludica
degli RPG. Fin dai tempi
del Commodore 16 (probabilmente
anche prima, ma per
manifesta non-esistenza non
posso confermare) ci furono innumerevoli
tentativi di trasportare
su video il complesso mondo
dei giochi di ruolo. Ora, questo
articolo non si propone di
analizzare nascita e storia dell’
RPG per console/computer, ma
piuttosto di determinare perché
6
al giorno d’oggi, anche avendo
a disposizione macchine potentissime,
siamo ancora molto
distanti dalla riproduzione di un
vero gioco di ruolo. Se ne può
sicuramente discutere a lungo
(se volete scatenare flame
mortali, vi consiglio di porre la
questione su it.hobby.giochi.
GDR), ma penso che ogni navigato
giocatore possa confermare
senza esitazione che il
vero scopo di un RPG è in
primo luogo quello di favorire
interpretazione e trama,
e solo successivamente
quello di simulare qualcosa.
Tale principio venne bellamente
ignorato nel corso degli
anni, tanto che ambedue le
principali correnti di pensiero
sugli RPG videoludici (occidentale
e orientale) tendono
piuttosto a concentrarsi sulla
simulazione che non sull’interpretazione,
seppur con alcune
sostanziose differenze.
Per favorirne l’analisi mi avvarrò
di due recenti titoli rappresentativi
di ciascuna categoria:
la serie Baldur’s Gate per gli
uomini dell’Ovest e quella di
Final Fantasy per il popolo
dell’estremo oriente. Badate
bene che quello che dirò avrebbe
lo stesso valore anche rapportando
titoli come la saga di
Ultima o quella di Diablo con
Secret Of Mana, Chrono
Trigger, Dragon Quest, Valkyrie
Profile, Breath Of Fire
et similia.
Dunque, partiamo dalla concezione
euro-americana di RPG
videoludico: è un dato di fatto
come Baldur’s Gate consenta
una sostanziosa personalizzazione
dell’avatar. All’inizio del
gioco siamo chiamati a dargli
un nome, un sesso, un volto
(scegliendo fra varie opzioni/
immagini/modelli), una classe
di appartenenza e a stabilirne
le caratteristiche di base. Pur
dovendo osservare pedissequamente
le regole imposte da
AD&D (d’altra parte il gioco si
avvale della licenza ufficiale del
celebre GDR), siamo liberi di
creare un personaggio del tutto
nuovo, che non “è mai esistito”
prima che noi decidessimo di
crearlo. Modelliamo il nostro
avatar nella maniera che più ci

:FRAMES: Ring#2
aggrada dando il via anche ad
una serie di spiacevoli conseguenze:
se prima che noi mettessimo
mano all’editor il nostro
personaggio non ha mai
“vissuto”, che schifo di caratterizzazione
psicologica potrà
avere?
Prendiamo per vero il fatto che
anche nel gioco di ruolo classico
sia regola comune che ogni
giocatore crei il suo personaggio
dal nulla (in realtà non è
sempre così, anzi). Se da una
parte i giocatori godono di un
certo potere nello sviluppo del
proprio alter ego (come può accadere
in Baldur’s), spesso sono
anche subordinati alle
necessità del Master (ad esempio,
una campagna ambientata
nelle miniere di mithril può
presupporre tutti personaggi
nani). Ad ogni modo, anche un
personaggio appena creato
dovrebbe avere un proprio
background e conseguenti obiettivi
primari e secondari (es.
vendicare l'assassinio della famiglia
brutalmente trucidata da
un clan rivale e abbandonare le
proprie terre in cerca di fortuna
per riabilitare il nome in declino
della casata di appartenenza),
elementi CHE DECIDE IL GIO-
CATORE e che possono essere
attivamente inglobati nell'avventura
(fra un evento e l'altro,
il Master può decidere di
disseminare indizi sui presunti
colpevoli), cosa che non trova
nessun parallelo nei videogiochi.
Il personaggio videoludico
occidentale è spesso
così neutro che di più c’è solo
il bagnoschiuma della Roberts.
Tutto questo per ovvie
necessità di trama (che non si
può modificare a seconda del
passato di ogni ipotetico personaggio
creato), mentre in un
vero RPG il personaggio del
giocatore "ha già vissuto" anche
se è stato appena creato, e
i suoi trascorsi tendono ad influenzare
sia il suo presente
che il suo futuro.
E’ sicuramente vero che nel
corso del gioco le circostanze ci
costringeranno a decidere per
una certa condotta piuttosto
che per un’altra (dandoci la
sensazione di manovrare un
personaggio rispettivamente
buono/malvagio/bastardo/avido
/caritatevole, ecc..), ma nonostante
tutto, questo tipo di
approccio evade più di un requisito
fondamentale fra quelli
elencati nella definizione di RPG
(Gioco che consente ai giocatori
di impersonare svariate entità
[…] ognuna [..] coerente con
l’ambientazione di gioco, dotata
di tratti peculiari e personalità
ben precisa, sottostante a determinati
vincoli dettati dal regolamento
(riportati generalmente
in una “scheda”) e con
background e obiettivi definiti o
quantomeno definibili). Ci sono
alcuni sotterfugi che i programmatori
spesso hanno usato per
ovviare a questo problema:
paradigmatico il caso di Planetscape:
Torment, dove il
personaggio si risveglia e non
ricorda più nulla del suo passato.
Caso plausibile, certo, ma
per quanto tempo si potrà ricorrere
al trucchetto dell’eroe
che non si ricorda una mazza?
Oltretutto, la vera e propria
condotta di gioco si avvicina
troppo all’approccio ruolisticamente
chiamato EUMATE (Entra
Uccidi Mostro Arraffa Tesoro
Esci), in voga spesso fra i giocatori
inesperti e adattabile SO-
LO al Sistema Tradizionale
(l’EUMATE è praticamente inesistente
negli altri due Sistemi).
Va comunque dato atto a Baldur’s
Gate e colleghi di rappresentare
piuttosto bene l’universo
di AD&D e ambientazioni
derivative, con la possibilità di
raccogliere migliaia di oggetti,
compiere subquest di varia
natura (quasi tutte incentrare
sul combattimento, purtroppo),
guadagnare punti esperienza,
risolvere le questioni in modi
anche molto diversi fra loro e
arruolare i membri del party a
seconda delle necessità. Ad
ogni modo, questa “Via
dell’RPG videoludico all’occidentale”
non permette altro
che non sia la simulazione
del solo regolamento
e della parte più superficiale
dell’ambientazione di un
GDR basato sul Sistema Tradizionale:
pur spesso impreziositi
da una trama interessante,
è quasi del tutto assente
la libertà d’azione che dovrebbe
7
contraddistinguere un RPG appartenente
ad uno qualsiasi dei
tre Sistemi.
Leggermente più vicino al Sistema
Storytelling appare invece
l’approccio di una saga come
Final Fantasy e dei migliaia
di giochi simili prodotti da
svariate case Giapponesi fino
ad oggi. Sarebbe più giusto dire
che i giapponesi tendono ad
utilizzare un sistema “misto” fra
quello Tradizionale e quello
Storytelling, pur favorendo nettamente
il primo a dispetto del
secondo. Se è vero infatti che
molti RPG giapponesi propongono
punti esperienza, collezione
di armi, oggetti, incantesimi
o complesse meccaniche di avanzamento
in modo più o
meno simile alle controparti occidentali
(cambia lo stile, ma la
sostanza è quella), è anche
vero che nella stragrande maggioranza
dei casi tali giochi possono
vantare una caratterizzazione
dei personaggi di gran
lunga più profonda ed una trama
generalmente più complessa,
fantasiosa ed epica rispetto
alle produzioni euro-americane
(spesso anche grazie al fatto di
non doversi basare necessariamente
su un archetipo di
“mondo di gioco” già esistente).
Prendiamo qualche eroe tipico
della saga: Cloud sarebbe
stato lo stesso se il suo passato
non fosse stato tanto tormentato?
Ma soprattutto, se Cloud
non avesse avuto QUEL passato,
lo svolgimento di FF7
sarebbe stato lo stesso? E Tidus
avrebbe avuto un senso se
avessimo potuto crearlo noi
dall’inizio? E’ forse un caso che,
in FFX, Tidus dica “Questa è la
MIA storia”? E’ palese come lo
stesso Sakaguchi voglia sottolineare
questa differenza fra i

:FRAMES: Ring#2
due modi di intendere il videogioco,
ed a questo proposito è
essenziale una sua dichiarazione
divenuta celebre:”Non penso
di poter fare un buon action game,
preferisco raccontare storie”.
Ecco qui la chiave.
Il gioco di ruolo in primo
luogo deve raccontare storie,
anzi, meglio, deve creare
storie con l’aiuto di tutti i
giocatori coinvolti. Ovviamente
Sakaguchi esagera, ogni
episodio di Final Fantasy ci
racconta certamente una bella
storia, ma ci costringe troppo
spesso a combattere per ingannare
il tempo. E questo è purtroppo
un grave difetto di tutti
gli RPG di stampo nipponico (e
non solo), quello di rendere
valida l’equazione “gameplay
di un RPG = tanti combattimenti
+ compravendita
di armi/oggetti + un paio di
enigmi insulsi”. Nel prossimo
paragrafo vi dimostrerò che esistono
numerose situazioni che
vengono totalmente escluse
dagli RPG per computer/ console
per pigrizia creativa e per
insuperabili (?) limiti hardware.
__________Venezia Dismal
Prendiamo ora in analisi il
background perfettamente plausibile
di un personaggio di
Vampiri: I Secoli Bui, versione
medievale di Vampiri :
La Masquerade:
«Valentino Venier nasce a
Ve-nezia nell’anno del Signore
1167 d.C. La sua famiglia, i Venier,
appartiene alla casta dei
piccoli mercanti di spezie, molto
diffusa all’epoca. Valentino
cresce in una condizione economica
abbastanza soddisfacente,
tanto che il padre, Mario, si può
permettere l’acquisto di una
lussuosa abitazione nelle vicinanze
di Piazza San Marco (divenuta
poi residenza fissa della
famiglia), una villa nell’entroterra
veneto e decine di ettari
di terra lavorati da contadini al
suo servizio. All’età di 5 anni
Valentino inizia ad essere seguito
da un maestro che lo inizia
alla scienza e alla filosofia.
Pochi anni più tardi un secondo
maestro si aggiunge al primo
con il compito di rendere Valentino
un provetto musicista. Valentino
impara a suonare la fidula
e l’arpa, sua grande passione.
Il 12 giugno 1180 d.C. la madre
viene rinvenuta annegata in
un canale. Viene accusato di
omicidio Gustavo Tonon, grande
rivale del padre, che però
viene rilasciato per mancanza
di prove. Valentino rimane
sconvolto dall’accaduto e da
quel momento viene tormentato
ininterrottamente da incubi
e visioni. Il padre, anche lui
molto provato, si rinchiude in
sé stesso e si dedica esclusivamente
ai suoi affari, facendo
decadere drasticamente il rapporto
padre-figlio che fino a
quel momento non si era mai
incrinato.
All’età di 20 anni inizia a frequentare
Caterina Valdor, una
splendida ragazza di Venezia
proveniente da una famiglia di
rinomati mercanti di stoffe, con
la quale si sposa due anni dopo.
Caterina si ammala però
durante la gravidanza di un
male incurabile e perisce durante
il parto, portandosi con
sé anche Roberto, il figlio appena
nato di Valentino.
Sconvolto, Valentino, abbandona
il padre e la sua città natale
per viaggiare senza meta
in tutta Europa, alla ricerca di
un buon motivo per continuare
a vivere. Dopo aver girovagato
a lungo, giunge finalmente a
Parigi, dove ha occasione di conoscere
e di conversare con alcuni
dei più importanti filosofi
dell’epoca. E’ qui che si stabilisce
per alcuni mesi, guadagnandosi
da vivere come trovaliere.
E’ a Parigi che viene a
conoscenza della morte del
padre, defunto di morte naturale
il 6 dicembre 1190. Valentino
mantiene i rapporti con la
famiglia di Caterina, scrivendo
periodicamente corpose lettere
e concedendo loro anche qualche
sporadica visita.
Durante la sua permanenza
in città conosce Vladimir Enrique,
attore di teatro drammatico
e grande appassionato
d’arpa. Fra i due nasce un’ami-
8
cizia molto forte, tanto che Vladimir,
soccorrendo un Valentino
ormai moribondo dopo esser
stato assalito per strada da un
malintenzionato, decide di rivelargli
la sua vera natura, cioè
quella di vampiro Cappadocio.
Vladimir abbraccia Valentino
per sottrarlo alle braccia della
morte, ma la gioia di Valentino
per questa sua nuova condizione
non dura a lungo: con il
passare dei giorni si rende conto
di essere diventato un mostro
assetato di sangue umano.
Come se la sua profonda disperazione
non fosse sufficiente,
anche Vladimir lo abbandona:
durante un furioso combattimento
con Sebastian Sundin,
un Cainita Malkavo di ottava
generazione, Vladimir soccombe
e viene prosciugato.
Sono passati 8 mesi dall’accaduto,
ma Valentino non riesce
ancora a farsene una ragione
, e medita vendetta. Inoltre
non si è ancora abituato alla
sua condizione di vampiro, e,
quando può, si ciba di animali.
Conosce solo superficialmente i
compiti del suo clan, ma non è
molto interessato allo studio
della morte. Sogna di poter tornare
a vivere a Venezia e rimpiange,
ogni giorno di più, la
sua condizione di mortale.»
Già ad una rapida analisi mi
sembra palese che esistano pochissimi
videogiochi che possano
vantare fra le loro fila un
personaggio tanto realistico e
complesso (ma, vi faccio
notare, descritto in due colonne).
Tralasciamo pure l’ambiente
nel quale il nostro Valentino
è cresciuto, e trasportiamo
la sua vicenda in un qualsiasi
mondo fantasy pseudo-medievale:
perché quasi nessun
viggì ci mette nei panni di un

:FRAMES: Ring#2
personaggio così pregno di carisma?
Le risposte sono abbastanza
ovvie, e cioè che pur
rappresentando un’entità interessante,
l’applicazione in termini
di gameplay del background
di Valentino è pressoché
nulla. E’ ovvio che non è il
personaggio adatto per affrontare
centinaia di scontri casuali
o di subquest per ricevere
particolari oggetti in cambio.
Nonostante tutto, le potenzialità
espressive del veneziano
sono enormi: basti pensare alla
condizione nella quale si trova il
nostro neo-cainita, costretto a
cibarsi dei suoi simili contro la
sua volontà, traumatizzato per
la perdita di moglie, figlio e
maestro, desideroso di vendetta
nei confronti di Sebastian
e, soprattutto, condannato a
vivere per sempre senza motivi
che lo spingano a desiderarlo.
Non è difficile immaginare
Valentino Venier come protagonista
di un film drammatico
o di un libro, e allora
perché è così complesso immaginarlo
come protagonista
di un videogioco?
La risposta è piuttosto semplice,
e si può riassumere prendendo
atto dell’inadeguatezza
del modello strutturale
del videogioco come noi oggi
lo conosciamo. Gli RPG sono
costretti entro rigidi argini
da una scarsa spinta innovatrice
di matrice commerciale/
economica (quanti anni sono
che ci vengono riproposti in
modi sostanzialmente identici?)
ma anche da grossi limiti di
programmazione e dell’hardware
su cui il software è destinato
a girare. Perché al nostro personaggio
non è concesso di fare
la pipì in mezzo alla strada? In
un vero RPG si può, e ad ogni
azione corrisponde una reazione
appropriata (che ne so, il
poliziotto lì vicino tenta di arrestarvi
per atti osceni in luogo
pubblico). Perché non posso insultare
un paesano che non
sopporto? Perché non posso
decidere IO cosa far dire al mio
personaggio, senza avvalermi
di frasi preconfezionate?
Provate a pensare alle potenzialità
di una tale applicazione:
il paesano che abbiamo insul-
tato potrebbe spargere la voce
e far si che in paese il nostro
eroe venga visto con diffidenza,
o il poliziotto potrebbe dar luogo
ad un divertente dialogo dove
dobbiamo tentare di convincerlo
che in realtà stavamo annaffiando
un povero fiore morente.
Cosa serve dunque per raggiungere
tali risultati, senza che
i programmatori impieghino 10
anni per sviluppare un gioco
che preveda tutte le nostre
possibili azioni?
_Ritenta, sarai più fortunato
Prima di passare alla soluzione
del problema, credo sia doveroso
fare una breve panoramica
su alcuni giochi che in un
certo senso si avvicinano di più
al concetto di RPG che vorrei
veder realizzato…
Va innanzitutto spezzata una
lancia in favore dei MMORPG
come Ultima Online o Phantasy
Star Online. Pur sostanzialmente
privi di una “solida
trama di fondo” che possa coinvolgere
in termini epici il giocatore
(nessuno ha notato delle
similitudini a livello di storia fra
FFX e Il Signore Degli Anelli?),
godono del grosso vantaggio di
dare all’utente una discreta libertà
d’azione e la possibilità di
far dire al proprio personaggio
quello che si desidera. Che
questo poi risulti macchinoso
(scrivere con la tastiera mentre
si gioca è un flagello) e spesso
privo di poesia (Giocatore 1:
“Ehi, andiamo a fare il culo a
qualche non morto, che mi servono
2000 PX?”; Giocatore 2:
“Si, ma aspettiamo anche ErPatata
che è andato a ciulare oggetti
ad un niubbo che ha appena
iniziato a giocare”) è un
altro discorso, ma l’idea è sicuramente
vincente. Certo c’è la
necessità di interagire con altri
giocatori, e la cosa può essere
più un difetto che un pregio
(per i motivi esposti sopra).
Manca ancora una reale libertà
d’azione (nel senso che ci è
permesso fare solo determinate
cose) e la possibilità di partecipare
ad una storia realmente
coinvolgente (sorry, NON consi-
9
dero coinvolgente pompare il
personaggio).
Promettente sembra anche
essere il famoso Project Ego,
recentemente rinominato Fable,
che fa sperare per un’interazione
nettamente più marcata
fra giocatore ed ambiente
circostante (cosa che, fra l’altro,
è già concessa dal tene -
rissimo Animal Crossing di
Nintendo, che pur non essendo
un RPG in senso stretto presenta
diverse idee innovative in
merito). Vedremo se le promesse
saranno mantenute.
Personalmente ritengo che lo
stesso Shen Mue (1&2) di Yu
Suzuki sbatta sul tavolo diverse
idee che molti RPG di stampo
nipponico (ma anche occidentale)
dovrebbero rielaborare
ed ampliare (in quanto spesso
solo abbozzate), a partire dalla
cura maniacale con cui sono
riprodotti gli ambienti (basti
pensare alla quantità di negozi
in cui è bello anche solo entrare
a chiedere informazioni), l’opportunità
di interagire con ogni
abitante, la necessità di lavo -
rare per guadagnarsi il pane, la
possibilità di perdere tempo e
soldi semplicemente intrattenendosi
nei vari locali o quella
di influenzare la trama a seconda
delle scelte di gioco.
Molto deludente l’adattamento
videoludico di Vampiri La
Masquerade, esempio lampante
di come NON si dovrebbe
rovinare un RPG basato sul
Sistema Storytelling: pur tecnicamente
valido e supportato da
una trama interessante, il gioco
si riduce ad un mero clone di
Diablo in 3d, caratteristica peraltro
lontanissima dalla filosofia
di fondo del manuale White
Wolf.

:FRAMES: Ring#2
______Format C: for cortex
Il futuro è nell’intelligenza artificiale,
o quasi. Se questa
conclusione sembra forse troppo
ovvia, bisogna anche vedere
perché la questione non è così
facile come sembra. Cercherò
di essere sintetico e chiaro, ma
mi sto apprestando ad esporvi
qualche interessante concetto
di informatica, quindi mi auguro
una certa elasticità mentale
da parte vostra.
Poniamoci intanto un importante
interrogativo: perché è
difficile far pensare un computer
come noi?
A questo risponderemo in seguito,
per il momento concentriamoci
sul QUANTO è difficile
far pensare un computer come
noi. Per presentarvi la questione,
mi aiuterò con il celebre
“Problema del Commesso Viaggiatore”
che sarà ben noto a
tutti gli ingegneri all’ascolto.
Un commesso viaggiatore deve
visitare un certo numero di
città (N); conosce la lunghezza
(o il tempo o il costo, a seconda
dei casi) dello spostamento necessario
per recarsi da una città
all’altra: vuole determinare il
percorso più breve (o più veloce
o più economico) che gli
permetta di partire da casa sua
e di farvi ritorno dopo aver visitato
ogni città una sola volta.
Come può fare?
Ora, senza entrare troppo nel
dettaglio, vi basti sapere che,
supponendo ad esempio il numero
di città uguale a 6 (N=6),
il numero di cammini possibili
(non necessariamente più brevi,
veloci o economici) è 446.
Per N=7, la cifra sale a 2678.
E così via, in progressione esponenziale.
Va detto che il suddetto problema,
rappresentato su carta,
può essere risolto (perlomeno
finché N è abbastanza basso)
da un essere umano in pochissimi
secondi, effettuando minimi
calcoli, semplicemente perché
la nostra capacità razionale
ci consente di scartare
a priori tutte le possibilità
palesemente inaccettabili.
Provate ad immaginare il sud-
detto problema per un N molto
grande: per risolverlo un computer
sarebbe costretto ad effettuare
migliaia (quando non
milioni) di calcoli, mentre una
persona qualsiasi potrebbe essere
in grado di trovare la soluzione
effettuando al più qualche
decina di passaggi.
___Celebrate The New Skin
Appare quindi evidente come
sia improponibile adottare
l’attuale tecnologia per simulare
il pensiero umano:
se per risolvere un problema
relativamente semplice come
quello appena esposto sono necessarie
montagne di conti, come
è possibile pensare di avvicinare
la macchina al nostro
modo di pensare, così poco definito
e in continuo subbuglio? I
nostri processi logici sono poco
prevedibili e spesso soggetti a
migliaia di stimoli diversi, quindi
il problema è tutt’altro che elementare.
E’ tempo di iniziare a parlare
di Reti Neurali.
Innanzi tutto, cos’è una Rete
Neurale? In parole semplici,
può essere definita come una
struttura artificiale che può
produrre risultati intelligenti,
simulando il funzionamento
della mente.
Ma perché il nostro cervello è
così potente (parlo di quello dei
redattori di Ring)? Per almeno
tre ragioni fondamentali:
1 - elevatissimo numero di
neuroni
2 - elevatissimo numero di dendriti,
che generano reti di collegamento
tra i neuroni
3 - elevato numero di vescicole
e funzionamento analogico delle
stesse, il che vuol dire che la
quantità di sostanze chimiche
rilasciate variano impercettibilmente
a seconda dei segnali
10
ricevuti e dalla direzione da cui
provengono e concorrono a generare
infinitesime sfumature
di valore e combinazioni con altre
sinapsi e dendriti
So che vi state addormentando,
cercherò di concludere
qui la parentesi biologica: il ragionamento,
quindi, avviene
tramite il percorso che le scariche
elettriche effettuano all’interno
del cervello e tra un
neurone e l’altro. I sentieri
seguiti dai segnali vengono determinati
in base all’apprendimento,
secondo determinate
mappe neurali. Come questo
sia possibile, non lo so, ma credetemi,
la meccanica tramite
cui funziona la vostra materia
grigia è circa questa.
Una Rete Neurale artificiale è
composta, similmente al nostro
cervello, da neuroni. Ciascun
neurone è un’entità di elabora -
zione di valori a sé stante (ma
connessa con tutte le altre) e
presenta un vettore di ingresso,
una funzione di trasformazione,
un livello soglia e un valore di
uscita. I neuroni vengono generalmente
disposti in strati, da
cui il nome Reti Neurali Gerarchiche.
Il numero di neuroni da
disporre su ciascun livello non
dipende da qualche legge o
regola di costruzione delle Reti,
ma dall’esperienza che si è accumulata
nel corso del tempo.
Non esistono certezze per le
Reti Neurali, ma solo dati empirici,
esperienza e una certa
dose di intuito che deriva dalla
familiarità con il problema che
si vuole risolvere. Ciascun neurone
elaborerà i dati tramite
una funzione caratterizzata da
una data forma e da parametri
che possono essere modificati.
La modifica avviene in sede di
addestramento della rete,
ovvero nel momento in cui la
rete impara, generalmente effettuata
automaticamente dalla
rete stessa e non subordinata
agli utenti o ai programmatori.
E’ ovvio che utilizzando una
Rete Neurale per gestire un
RPG, sarà necessario un addestramento
preventivo da
parte dei programmatori,
per impedire che all’inizio del
nostro gioco l’AI sia di basso
livello e che si porti a soglie

:FRAMES: Ring#2
accettabili solo dopo prolungate
sessioni di gioco. Una volta che
un neurone ha elaborato un
risultato, il valore viene trasmesso
ad uno, più o tutti i
neuroni dello strato successivo,
basando il criterio di scelta sulle
precedenti esperienze.
La Rete Neurale sopra descritta,
può essere realizzata
sia a livello hardware (ciascun
neurone sarà un piccolo processore
connesso ad altri esemplari
simili tramite piste di ingresso/uscita)
che software
(ogni neurone sarà un processore
virtuale, ovvero una procedura
che, giunto il suo turno,
effettuerà le elaborazioni che le
competono). Ambedue questi
approcci presentano svantaggi
e vantaggi che dovrebbero essere
attentamente vagliati da
un’eventuale team di sviluppo
hardware/software, ma che io
non vi starò ad elencare per
misericordia nei vostri confronti.
______________Here again
Appaiono ad ogni modo evidentissimi
i vantaggi che
l’utilizzo delle Reti Neurali potrebbe
portare al mondo dei videogiochi
(e non solo), magari
incrociandolo con quello dei Sistemi
Esperti, entità informatiche
in grado di specializzarsi in
determinati argomenti. Opportunamente
addestrata, una
Rete Neurale potrebbe permettere
un dialogo libero
paragonabile solo a quello
ottenibile giocando con un
altro giocatore (risponderebbe
in modo coerente alle nostre
sollecitazioni verbali) o ancora
farebbe agire i PNG e l’ambiente
di gioco nella maniera più
logica rispetto al mondo di cui
fanno parte, senza appesantire
il lavoro dei programmatori che
11
dovrebbero preoccuparsi solo di
addestrare bene la Rete e di
creare un’interfaccia utenterete-gioco
flessibile e potente.
Per il momento questa è solo
fantascienza, ma chissà che un
giorno gli RPG su computer/
console non possano davvero
raggiungere e superare i loro
vecchi fratelli cartacei, aggiungendo
oltre all’esperienza
“creativa” pure quella audiovisiva.
“Ci siamo sbarazzati di quel che
era brutto. Ci resta da creare il
bello”
Oscar Wilde
_____________Bibliografia
- Kaos n°34 – Marzo 1996 –
Nexus Editrice
- Informatica – Database e
Sistemi Informativi vol.3 –
Jackson Libri
Enada2002: stato di salute del coin-op_______
[Level Report]
di Paolo “Jumpman” Ruffino
E’ stato davvero come fare visita
ad un malato.
La 30° edizione dell’ENADA,
esposizione degli apparecchi da
divertimento automatici (leggi
“cabinati”), si è svolta alla Fiera
di Roma dal 9 all’11 di Ottobre
ed ha mostrato lo stato di salute
dei coin-op per quel che
riguarda la produzione mondiale
e l’industria italiana. Ed è
stato come far visita ad un uomo
anziano, a guardarlo in faccia
non ci si può astenere da un
confronto tra come era prima,
in gioventù, e com’è adesso.
Ma il coin-op non fa nulla per
uscire bene da questo confronto,
anzi perde anche l’onore abbassandosi
ad una conversione
di un gioco da casa (Pro Evolution
Soccer the Arcade) e a
cabinati in cui è possibile scegliere
a cosa giocare, una volta
inserito il gettone, da una lunga
lista di vecchie glorie. Insomma,
un MAME a pagamento.
Ma, ancora come accade per
gli anziani, ad essere scanda-
loso non è tanto il naturale invecchiamento
o il degrado a cui
ci si può ridurre talvolta in età
avanzata, ma la totale mancanza
di rispetto da parte di chi
non sa stimare il lavoro svolto
durante il resto della vita. Il videogioco
da sala, al giorno
d’oggi, non solo è gravato da
una povertà di offerte e di idee,
ma è anche costretto a combattere
nel nostro paese contro
l’ottusità di certi provvedimenti
legislativi che rischiano di dargli
il colpo di grazia. E i videogiocatori,
come se non bastasse,
se ne stanno infischiando bellamente.
L’attività svolta dalla SAPAR-
AGIS, l’organizzazione che tutela
sindacalmente circa 2500
operatori del settore e mette su
questa fiera ogni anno dal
1972, sta svolgendo un’attività
eroica. La sua proposta di modifica
alla legge che sta facendo
la fortuna di chi specula con i
videopoker è volta a portare
chiarezza e trasparenza. La SA-
PAR si impegna da anni per una
regolamentazione che separi videogioco
e videopoker, una distinzione
necessaria affinché
non vengano penalizzati i gestori
che non hanno nulla a che
fare col gioco d’azzardo, e necessaria
anche per evitare disastri
come quello avvenuto recentemente
in Grecia. La proposta
della SAPAR sarebbe
dovuta rientrare nel decreto
omnibus del 7 luglio scorso, ma
nonostante il Governo avesse
espresso la sua piena approvazione,
al momento della discussione
in aula gli on.li Benvenuto,
Giorgetti e La Malfa si sono
scagliati veementemente in
suo sfavore. Anche molte testate
giornalistiche hanno visto la
proposta della SAPAR come un
tentativo di liberalizzare il videopoker
quando invece l’obiettivo
era esattamente quello
opposto.
La proposta della SAPAR
chiedeva di predisporre gli apparecchi
in modo da impedire

:FRAMES: Ring#2
manomissioni dei gestori, limitare
la vincita massima a 10
euro (oggi alcuni gestori convertono
eventuali vincite con
premi in denaro anche di 200
euro, vero e proprio gioco d’azzardo!)
e limitare il costo di una
partita ad un massimo di 50
centesimi. Infine di proibire il
gioco ai minori di 18 anni. Una
simile regolamentazione avrebbe
permesso di far sopravvivere
molti gestori onesti, e capirete
quanto questo interessi
anche noi videogiocatori che
non vorremmo avere nulla a
che fare coi videopoker.
L’atmosfera per quest’anno è
stata molto sotto tono, ed è un
peccato perché il lavoro svolto
per renderla piacevole è stato
fatto. Gli appassionati di videogiochi
non hanno trovato moltissimo,
ormai si può dire che il
videogioco da sala tiri avanti
più con le idee originali che con
le prodezze grafiche. Konami è
andata avanti con la sua serie
Mocap proponendo Mocap
Golf, un simulatore di golf in
cui bisogna impugnare un bastone
elettronico con dei sensori
di movimento. Ogni spostamento
viene percepito e visualizzato
su uno schermo posto
per terra in cui è raffigurata la
pallina da mandare in buca.
Muovendo questo stecco del
cazzo per l’aria dobbiamo cercare
di colpire la pallina virtuale.
Risultato: la gente vi prenderà
per idioti, e tali vi sentirete
nelle prime partite perché
riuscirete solo a sfiorare la
stramaledetta pallina di merda.
Quando vi sarete calmati se avrete
ancora voglia di giocare
forse troverete in Mocap Golf
un buon simulatore, originale
nella forma e realistico nell’uso
delle strategie. Sempre di Konami
è Pro Evolution Soccer
The Arcade, già citato in precedenza.
E’ possibile formulare
tattiche e sostituire giocatori
come nella versione casalinga,
ed anche la giocabilità, a parte
qualche modifica nei controlli
dovuta al passaggio dal Dual
Shock ai bottoni del coin op, è
abbastanza fedele all’originale.
Da segnalare anche la nuova
versione di Dancing Stage
Euromix, sostanzialmente identico
al predecessore a parte
nuove basi musicali e qualche
ritocco grafico.
Namco ha presentato Soul
Calibur2 e Sega Virtua Fighter
4 Evolution, diverso da
VF4 per l’aggiunta di due personaggi
e per la possibilità di
cambiamenti climatici durante i
combattimenti. Ancora da Sega
Virtua Striker 2002: più
squadre (63), più stadi (13),
più poligoni e più intelligenza
artificiale, il tutto grazie alla
Triforce di Namco, Sega e Nintendo,
che a questo punto fanno
davvero bene ad unirsi se
vogliono fare qualcosa di decente.
Divertente Soul Surfer,
simulatore di Sega dove nei
panni di un surfista dobbiamo
compiere una serie di tricks in
un certo limite di tempo muovendoci
sopra una pedana. Imbarazzante
The King of Route
66 (Sega-AM2), simulatore di
camion giganti che, in alcuni
precisi momenti, chiede al gio-
12
catore di dare dei comandi vocali
in una radiolina collegata al
coin-op. Un altro modo per
sembrare dei perfetti cretini.
Buona l’idea di Sega per Initial
D, gioco di corsa in cui possiamo
salvare i nostri progressi
su una scheda di memoria personale,
da inserire ad inizio
partita. Idea buona, se mai i
gestori italiani ne vorranno sentir
parlare. Infine da segnalare
Metal Slug 4. Il passaggio da
SNK a Mega Enterprise si sente,
mancano quegli spunti geniali
che hanno reso grande la
serie anche se alla fine l’esperienza
rimane più che degna
della vostra attenzione.
Insomma, il coin-op sta male.
Per tanti motivi, perché è naturale
il passaggio all’home entertainment,
perché la faccenda
videopoker toglie soldi ai gestori
nostrani in modo vergognoso,
perché è vecchio e secondo
i dottori, a questo punto,
non c’è più niente da fare.
:AVOID MISSING BALL:
Presentato alla fiera ed edito dalla stessa Sapar, Avoid Missing Ball è un testo
decisamente interessante per gli obiettivi che si propone e per il modo
con cui li raggiunge. Marco Cerigioni, l’autore del libro, è da anni attento
agli sviluppi del mercato del coin-op, come dimostra la sua attività presso la
rivista Automat, testata dedicata all’intrattenimento a gettone ed organo
della stessa Sapar. Con questo testo vuole ripercorrere la storia dei videogiochi
da sala che, per quanto strano possa sembrare, non è mai stata fatta
in modo adeguato. Cerigioni lascia da parte il mercato casalingo ed offre un
quadro completo del mercato coin-op, comprensivo anche di quegli anni a
noi più vicini in cui questo settore ha perso il suo ruolo dominante. Più che
una limitazione, la scelta di analizzare solo il coin-op permette di approfondire
aspetti altrimenti sottovalutati. Ma a rendere più piacevole la lettura
sono soprattutto i continui riferimenti al nostro mercato, a come i coin-op
sono arrivati in Italia e a come sono stati accolti. Attraverso aneddoti e statistiche
che difficilmente si possono trovare in altri testi, Cerigioni offre
spunti di riflessione e fornisce dati significativi anche sulle industrie di coinop
nostrane che pure si sono dimostrate valide concorrenti sul mercato internazionale
(Zaccaria in primis).
Molto il materiale attinto da una fonte preziosa come la rivista Automat,
in attività da ormai 30 anni, e molti gli spunti che po-trebbero interessare
chiunque voglia approfondire le proprie conoscenze sulla storia dei videogiochi.
Due difetti sono però da considerare. Il primo, poco grave, è la tendenza
di Cerigioni a mettere l’articolo davanti ai nomi dei videogiochi (il Pong, il
Pac Man, la Sega Daytona…), deformazione professionale che alla lunga
infastidisce! Secondo problema è la difficoltà nel reperire questo testo, per il
quale bisogna contattare la stessa Sapar sul sito www.sapar.it o all’indirizzo
e-mail: sapar@sapar.it.
Marco Cerigioni
Avoid Missing Ball: trent’anni
di storia dei coin-op videogames
in Italia e nel mondo
Sapar editore –332 pagine – 25 euro

:FRAMES: Ring#2
God is a Gamer_________________________
[Intervista al padre del mondo così come lo conosciamo]
di Sator Arepo
__________Dietro le quinte
«Buongiorno, sono Roxy e sto
chiamando dagli uffici del Paradiso,
se per lei va ancora bene,
posso fissarle un incontro di
quaranta minuti con il CEO.»
Mai messaggio in segreteria
causò un simile spruzzo di cibo
in via di deglutizione. Quella
nata come una proposta cabarettistico/provocatoria
per il secondo
numero di Ring, era stata
accolta senza problemi dalle
alte sfere celesti; e senza la richiesta
di visionare prima le
domande.
Era incredibile.
Era uno scherzo? Sarei rimasto
ateo ancora a lungo? Con
tali quesiti a corto raggio sul
glottide, prendo l’eurostar per
la capitale e mi presento in perfetto
orario, bello come il sole,
alla reception degli uffici vaticani.
Roxy – che scopro essere la
segretaria factotum del Padre
dell’umanità – mi accoglie con
un sorriso da srotolameto di
lingua fino al pavimento. Mi
stringe la mano, la pelle levigata
ed un profumo angelico, mi
consegna alcuni depliant e mi
accompagna in quella sala con
quell’affresco ispirato alla copertina
del doppio album dei
Guns ’n’ Roses.
Una leggera pressione sul
pulsante nascosto sotto il piede
di San Loreto da Cigoli, ed un
tubo in plexiglass compare al
centro della sala. Alla base dello
stesso giunge una pedana in
stile Metroid, sulla quale montiamo.
Pochi istanti dopo sono
in grado di vedere le previsioni
del tempo senza l’ausilio della
computer grafica. La terra
diventa sempre più
piccola mentre l’ascensore
sale alla velocità del
pensiero; certo non il
mio, troppo concentrato
sulla scollatura di Roxy.
Il Paradiso non è male.
Le strade presentano
concentrazioni minime di accattoni
e i palazzi sono tutti coloratissimi
e tondeggianti. Sembra
di essere in un sogno di
Gaudì. O in un videogioco Nintendo.
Mentre salgo la scalinata che
conduce all’ufficio del Big Boss,
mi ricordo di una cosetta. Non
mi confesso dal ’91. Ho decine
di peccati non denunciati. Sono
un evasore confessionale. Mi
chiedo se Dio possa essere al
corrente di questa macchia nel
mio curriculum. Proprio mentre
un portone bianco si apre, rivelando
un ufficio più ikeiano di
quanto non fossi disposto a
credere, mi persuado che no,
Dio non può certo essere ovunque
nello stesso momento…
____L’ intervista da Pulitzer
Ring: Prima di tutto mi lasci
dire che la immaginavo diverso.
Dio: Diverso in che senso? Ti
aspettavi di essere ricevuto da
un triangolo con un occhio al
centro? Oppure avevi in mente
la classica figura del vecchio-
barba-lunga-capelli-lunghibianchi?
Ring: La due!
Dio: Sì, è un’immagine classica,
presente, tra l’altro, anche su
quel soffitto dipinto…
Ring: Intende la Cappella Sistina?
Dio: Proprio lei. Guarda, una
autentica vergogna le maestranze
dell’epoca: tu chiedi una
mano di bianco e quelli ti
13
disegnano la storia della Bibbia
a fumetti…
Comunque fino a poco tempo
fa avevo proprio quel look. Decisi
di smetterlo in seguito all’
incendio in una convention di
tolkeniani a Phoenix, accaduto
qualche anno addietro. Tutti
quegli appassionati di fantasy
periti tra le fiamme, per un
madornale errore degli impiegati
celesti, finirono qui in Paradiso.
Ed allora non ti dico che
due palle ogni volta che li incrociavo:
«Wow, he’s Gandalf!»
gridavano, e poi tutti a chiedermi
autografi in elfico e a tagliarmi
frammenti di barba per
farci non so quale pozione magica,
o per venderli su internet,
non ricordo.
Ring: Comunque il pizzetto
le dona; toglie un due/tremila
anni dall’età che le Sacre
Scritture non si fanno
scrupolo di attribuirle. Sono
invece dubbioso sulla tintura
dei capelli.
Dio: Sto male?
Ring: Male no. Però io l’avrei
estesa a tutta la capigliatura.
Così com’è mi va un po’
troppo sul Nathan Never.
Dio: Capisco. Scusa un attimo
– preme il pulsante dell’interfono
comunicante con la segretaria
– Roxy? Schedula per piacere
tre mesi di Purgatorio al
barbiere in via Tre Lame… no,
non quello vicino alla rosticceria,
quell’altro, quello pieno
di riviste delle Edizioni Paoline…
Ring: Er… ingegnere? Vogliamo
iniziare a parlare di
videogiochi?

:FRAMES: Ring#2
Dio: Video che?
Ring: *Plonk*
Dio: Ah ah! Scherzo. Inizia pure
con le domande figliolo.
Ring: A quale gioco sta giocando
al momento?
Dio: Ho iniziato Devil May Cry
spinto dall’accattivante titolo.
Volevo massacrare a colpi di
fatality quel lucifero di un Lucifero.
Però sono rimasto molto
infastidito dalla lentezza del
gioco, nonché dalle bande nere
e l’immagine deformata.
Ring: Dio gioca con i prodotti
PAL. Scoop!
Dio: Eh, io non vorrei, ma le
consolle (sic) me le passa il Vaticano,
e sono tutte europee.
Comunque ho già provveduto a
sollecitare mio figlio; mi pare
sia già riuscito a produrre un
chip per PS2 che risolve ogni
problema di incompatibilità territoriale,
inoltre assicura al possessore
l’Indulgenza Plenaria.
Ring: Quali giochi non incontrano
i gusti del Padreterno?
Dio: Sicuramente gran parte
dei titoli prodotti da quel Moulinex
(sic), ma io dico: uno fa la
divinità tutti i giorni dalle nove
alle cinque (domeniche escluse),
con tutte quelle cavallette
e le noiose comparsate nelle
visioni degli ubriachi, e poi,
tornato a casa, allentata la tunica
e tolta la dentiera, secondo
loro io dovrei mettermi a
giocare ad una simulazione di
Dio?! Ma siamo impazziti?
Ring: Quello di quest’anno è
stato senz’altro uno dei più
scoppiettanti E3 degli ultimi
tempi, quale titolo le è rimasto
maggiormente impresso
su ogni console?
Dio: Sulla PS2 direi il Final
Fantasy online, per la possibilità
di fare i party con altra
gente. Non vedo l’ora di organizzarne
uno, inviterò senz’ altro
quella vecchia spugna di Allah,
e sicuramente non mancherò
di avvertire Manitù, anzi,
Roxy perpiacere fai un post-it
per ricordami di avvertire Ma-
nitù, porta sempre un sacco di
fumo, luilì.
Ring: Guardi che con “party”
in questo genere di giochi
non si intende una festa tra
amici, si tratta in verità di…
Dio: Tu senza dubbio non sarai
invitato al mio party.
Ring: Okaaay. Passiamo alle
altre console.
Dio: Del Crossbox (sic) non conosco
molto, ma ne apprezzo la
forma e la consistenza: si sposa
alla perfezione con il celebre
versetto Giovanni 23:10 – non
guardare l’orologio, pagano! –
che mi accingo a citare:
«Il peccatore, che dalla vita
vorrà trarre divertimento, dopo
il duro lavoro nei campi, sarà
costretto a trascinare per la
sua abitazione una pesante lapide.
Una lapide con una croce
sopra impressa. Tale sarà il divertimento
del peccatore. Un
telecomando venduto a parte
consentirà inoltre al peccatore,
per un modico prezzo, di usare
la lapide crociata al fine di vedere
lungometraggi in DVD»
Ring: Nella Bibbia c’è veramente
scritto “DVD”?
Dio: Certo. O almeno, c’è nella
versione writer’s cut.
Ring: Per quanto riguarda
Nintendo?
Dio: Del parco giochi Nintendo
sono molto attratto dalla grafica
del nuovo Zelda, ma credo
non faccia testo, visto che sono
parte in causa della stessa.
Ring: In che senso?
Dio: Nel senso che l’idea del
cel-shading è stata mia. Ho
mandato quel trombone dell’
Angelo Gabriele…
Ring: Non era Arcangelo?
Dio: Declassato. Troppi glu glu
e vrooom e skrieeee e spatapam.
Ha decimato la schiera
dei cherubini, quello lì. Non gli
era bastato lo sbaglio di persona
durante l’Annunciazione…
Stavo dicendo? Ah sì! Ho
mandato Gabriele per quaranta
notti consecutive a bisbigliare a
Miyamoto durante il sonno:
“Cel-shadiiiiiiiiing”.
14
Ring: Ma perché?
Dio: E’ lo stesso motivo per cui
ho fatto inserire le scalette ed il
flickering nei titoli PS2: non mi
piace la piega che stanno prendendo
i giochi delle ultime generazioni.
Troppo realistici. I
programmatori implementano,
che so, l’environment mapping
non tanto per realizzare giochi
più belli: essi in realtà desiderano
creare un mondo ad immagine
e somiglianza di quello
vero, vogliono costruire un’altra
Torre di Babele, anelano ad elevarsi
al rango di Dio. E questa
è una bestemmia! ED IO NON
POSSO TOLLERARE UN SIMILE
AFFR…
Ring: Ingegnere si calmi!
Non si anticotestamentizzi,
la prego. Mi dica, le piace
Miyamoto?
Dio: Da pazzi. E ti dirò una cosa.
Quando egli passerà oltre,
avrà l’onore di sedere alla destra
del Padre.
Ring: Ma non è il posto di
Gesù?
Dio:Oh, lui lo manderò dove c’è
più azione: a fare lo standista
allo SMAU. Adora lanciare magliette
e tappetini per il mouse
a folle di ragazzotti zainati; gli
ricorda quella storia dei pani e
dei pesci.
Ring: Mi parli più diffusamente
di suo figlio.
Dio: E’ il vero hardcore gamer
della famiglia, ricordo benissimo
quanto era preso per quell’
interpretazione in Metal Gear
Solid 2…
Ring: Alt. Stop. Fermi tutti.
Gesù Cristo in MGS2?
Dio: Ma sì: giorni di provini per
il casting del gioco, e poi la delusione
di essere stato scritturato
solamente per interpretare

:FRAMES: Ring#2
il mercenario russo numero dodici.
Sicchè il figlio di Dio ha
fatto ciò che tutti nella medesima
situazione farebbero: ha
chiesto aiuto al genitore potente.
Da principio Kojima era inamovibile.
Parlava di genetica
mancanza di talento. Ed ha
continuato su questa lunghezza
d’onda almeno fino alla quarta
piaga. Poi, stremato, ha tirato
fuori dal kimono la pappardella
sul maggior impatto di Snake
sul videogiocatore se quest’ ultimo
prende i comandi di un altro
personaggio.
Ring: Sta cercando di dirmi
che Raiden e Gesù Cristo…
Gesù Cristo e Raiden…
Dio: Non dirmi che non te ne
eri accorto.
Ring: Er… senza barba non
lo avevo riconosciuto. Certo
che una raccomandazione
simile non la si riceve tutti i
giorni!
Dio: Eh eh! Come diceva il Poeta:
“Vuolsi così colà dove si
puote”.
Ring: Purtroppo non conosco
granché del Lucio Battisti
seconda maniera.
Cambiamo argomento, qual
è il suo joypad preferito?
Dio: Sicuramente il Dual Shock.
Ne apprezzo il simbolismo fortemente
cristiano dei pulsanti:
il quadrato rappresenta le quattro
virtù cardinali, la croce non
credo necessiti di spiegazioni, il
cerchio è un occhio stilizzato e,
se lo sovrapponi al triangolo,
ottieni il Divino Occhiotriangolo
TM .
Ring: E i tasti dorsali?
Dio: I tasti dorsali non significano
nulla.
15
Ring: Molti lamentano l’assenza
dei “continue” nella
vita reale.
Dio: E cosa c’entro io?
Ring: Come cosa c’entro io?
Lei è o non è il Fattore?
Dio: Fattore sì, ma con alcuni
distinguo. Io ho creato il pianeta
Terra: ho stirato pianure lasciando
qua e là grinze di montagne,
ho pettinato foreste, ho
pisciato fiumi, ho scorreggiato
venti, ho fumato vulcani ed espulso
boccate di nuvole. Ma gli
esseri umani no e poi no. C’era
dietro troppo lavoro di R&D da
svolgere. Mi sono limitato ad
acquistarne il format da una civiltà
aliena di passaggio in questo
quadrante. E’ un concetto di
marketing molto semplice, si
chiama make or buy.
Ring: Quindi le religioni sono
sbagliate.
Dio: Tutte. Ma questo è meglio
che non lo scrivi.
Mostrare il Videogioco____________________
[E3]
di Paolo “Jumpman” Ruffino
E3, ovvero fare la festa al videogioco,
mostrandolo. Esposizione
dell'Intrattenimento Elettronico.
Intratteniamo il Vostro
Sistema Nervoso.
Fare la festa all'immagine del
videogioco, guardandolo. Guardiamo
ciò che toccheremo. Esposizione
dell'immagine della
merce, che è a sua volta immagine.
E se pensiamo che chi visita
l'E3 fotografa o filma le immagini
dei videogiochi quelle
che noi vediamo sono immagini
di immagini di immagini.
Immagine alla terza.
I3.
E3 come videogioco, cioè gioco
di immagini, CON le immagini
(l'E3 del futuro sarà un vi -
deogioco in cui potrai giocare
quello che giocherai).
Gioco di fantasia su quello
che sarà il futuro, perché il vi -
deogioco è sempre in divenire,
non è mai fermo in nessuna
sua manifestazione (strano che
gli screenshot non vengano mai
"mossi").
Come Gianni Canova ha notato
che è il cinema l'unico vero
video-gioco perché gioco-di-occhi,
così possiamo dire che il
videogioco è l'unico vero cinema
perché gioco di movimento.
Movimento sullo schermo, nell'
hardware, sulle dita del giocatore.
Movimento di immagine e di
ciò che forma l'immagine.
Lo screenshot è una forzatura,
un voler costringere il videogioco
a stare immobile. La
promessa che sottintende lo
screenshot è che sarà libero a
breve, o non appena il giocato-
re lo vorrà. Non esistono videogiochi
dove niente si muova. La
scena non interattiva è innaturale
(ma non per questo da eliminare).
La scelta di Sony di chiamare
Emotion Engine l'hardware di
Playstation2 è in fondo voler
spacciare per nuovo qualcosa
che non lo è. E i videogiocatori
se ne sono accorti presto.
Emotion, emozione, cioè movimento
di sentimenti.
Qualunque videogioco è movimento
emozionale perché
gioca col sistema nervoso. Giusto
è infatti chiamarlo electronic
entertainment.
E giusto è festeggiarlo immaginando
immagini di immagini
di immagini.

:FRAMES: Ring#2
PLAY A WHILE, PLAY FOREVER______________
[Per una breve grammatica della struttura arcade: forme, modi, evoluzioni]
di Joseph Joestar
Il genere arcade ha incarnato
per anni, ad occhi profani, la
sola possibile espressione del
videogiocare. Fosse respingere
una pallina, mangiarla o distruggerla,
l’arcade ha imposto
l’immagine del videogioco come
prodotto di consumo veloce e
poco impegnativo, tutto sommato
stupido, viste le minime
capacità percettivo -motorie che
gli “occhi profani” hanno sempre
considerato richiedesse.
Quante difficoltà a spiegare gli
adventure-text, o le simulazioni
strategiche, a chi al massimo
ha riconosciuto a malavoglia la
folgorante giocabilità di Tetris.
Figuriamoci cercare di far capire
l’ingegno richiesto e la soddisfazione
derivante dall’utilizzo
dello sparo singolo invece che
del laser multiplo per affrontare
e sconfiggere quella particolare
ondata di nemici nei pertugi
posti a tre quarti del secondo
livello. Eppure l’arcade, assieme
a degli stereotipi negativi
tutt’oggi duri a morire, ha fornito
per primo delle strutture
narrative e modali in grado di
rendere plausibilmente interattivo
il porsi di fronte ad uno
schermo.
Intento dichiarato del presente
articolo sarà quello di chiarire
alcuni punti fondamentali
dell’arcade, approfondirne altri,
tentare di definire i perché l’arcade
si possa considerare non
solo un genere specifico, ma
parte fondamentale dell’idea e
del procedere stesso del medium
videogioco.
___________Back to basics
In un saggio sul cinema di azione,
e più in particolare sul
così detto “arcade movie”, Simone
Bedetti e Lorenzo De Luca
individuano il fondamentale
schema narrativo arcade nei
seguenti tre elementi base: 1)
il raggiungimento di un obiettivo;
2) il superamento di livello;
3) il percorso di ascesa (spaziale
e/o simbolico). Il raggiungi-
mento di un obiettivo (tipicamente
riassunto in: salvare la
situazione, conquistare/ottenere
un premio o sconfiggere un
nemico, con tutte le possibili
variazioni derivanti dall’incrocio
di questi tre motivi) si attua
tramite l’attraversamento, da
parte dell’eroe protagonista, di
un percorso particolare costellato
da ostacoli e prove di varia
natura. Il percorso da superare
è suddiviso in un insieme di livelli,
di difficoltà sempre maggiore,
e si esplicita in un movimento
di ascesa, a volte spaziale,
altre volte metaforico, nel
sistema dato. La struttura temporale
di tale schema, poi, procede
a blocchi-livelli separati da
segmenti: il segmento che unisce
un blocco-livello al successivo
viene inteso in senso narrativo
come una pausa nella
storia, a livello tecnico come la
volgare pausa hardware del
computer durante il caricamento
di un software (o comunque
durante il pur breve accesso ai
dati in memoria), e, nel cosmo
fittizio del videogioco, come la
fine del livello precedente e
l’inizio del successivo; mirabile
tentativo di annullare almeno
due di queste tre pause è lo
storico SWIV – pur presentando
dei momenti morti nell’azione-narrazione
(alcuni secondi
in cui sullo schermo non
comparivano avversari da affrontare),
mascherava la pausa
hardware/software e quella di
cambio del livello in un unico
flusso continuo di caricamento
dati/scorrimento della grafica.
Altri arcade assimilano a regola
procedurale o semplicemente
mascherano nel proprio continuum
queste pause in diverse
maniere, a volte mischiandole
in maniera opportuna fra di loro:
dal cambio di avversario nei
picchiaduro (esempio: un qualsiasi
Street Fighter), al conteggio
dei bonus accumulati
durante il livello, a brevi intermezzi
grafici (esempio: 1941 il
16
refill di carburante sulla portaaerei).
Esplicitata in forma il più possible
brevis la matrice narrativa
dell’arcade consideriamo ora
con maggior attenzione due aspetti
derivanti dal precedente
schema: il ruolo dell’eroe e il
tempo-spazio arcade (comprese
le possibilità di azione, del
giocatore e del computer, all’
interno di quest’ultimo piano).
__So you want to be a hero
Il “viaggio” dell’arcade presenta
quasi sempre un eroe solitario
– sia esso un’astronave, una
figura antropomorfa o altro –
spoglio, unico, isolato. Durante
il viaggio egli acquisisce poteri
ed esperienza necessaria per
rimettere in ordine il proprio
mondo, eliminandone le parti
ipertrofiche o aliene che, specularmente,
assume o addirittura
assimila, rendendoli parte
della propria identità. Nemici
eliminati ed ostacoli superati
donano infatti all’eroe bonus ed
oggetti che egli deciderà o meno
di caricare su di sé per un
eventuale utilizzo, spesso vitale
per il proseguio del viaggio o il
successo finale dell’avventura.
Non solo chiavi, quindi, ma anche
tipi differenti di armi o di
utensili da poter modificare o
potenziare. Il movimento dell’
eroe nell’arcade, sia a livello
macro che micro testuale, si
realizza dalla semplicità alla varietà,
dall’uniformità alla co mplessità,
e dalla indefinitezza
alla personalizzazione. Non è
raro che, già all’inizio della partita,
venga sottoposta al giocatore
una rosa di alter-ego fra i
quali operare una prima scelta
distintiva e personalizzante. Le
armi poi, nel loro specifico, sono
considerate come vocazione,
modo per essere qualcosa, atti-

:FRAMES: Ring#2
vità che fanno il personaggio –
e di riflesso anche la persona
che guida quel personaggio 1 .
Beam, sparo multiplo, laser,
pod-slave, fucili a più canne,
barre energetiche maggiorate,
vite bonus e quanto altro sono
aggettivi necessari sia per garantire
la varietà del testo che il
suo corretto svolgimento.
La forza di un personaggio
arcade è stata per anni nella
sua riconoscibile iconicità, una
via raffigurativa che permettesse
un confine labile e fertile fra
tratti distintivi dell’eroe virtuale
(necessari soprattutto in seguito,
esternamente al gioco stesso,
per renderlo vendibile come
pupazzo, portachiavi, figurina
ed ogni altro merchandise possible)
e possibilità identificat orie
da parte del giocatore. Oggi,
a fronte di personaggi più caratterizzati
e distinti graficamente
e narrativamente, la
componente primaria dell’immedesimazione
continua a funzionare:
non tanto per un cambio
nei gusti dei giocatori quanto
per l’allineamento, da parte
dei personaggi dei videogiochi,
a trasformazioni riscontrabili in
ambiti differenti da quello videoludico.
In tal senso la linea
che da Rick Dangerous porta a
Lara Croft non è meno marcata
e sintomatica di quella che da
Pac-Man porta a Pikachu, evoluzioni
che hanno compresso e
riassunto in sé, nell’arco di una
ventina d’anni, movimenti storici
più generali e di amplissima
portata secolare.
Nel caso RickLara assistiamo
al ribaltamento del concetto
“maschile-movimento vs femminile-stanzialità”,
e cioè al
sovvertimento o quanto meno
alla confusione dei punti cardinali
associati alla superfluità
spermatica e alla parsimonia
dell’uovo, vale a dire all’orientamento
centrifugo maschile e
a quello centripeto femminile.
Una soluzione post-moderna,
che va sicuramente oltre quella
che potremmo definire la “fascinazione
glutinea” esercitata
dalle chiappe idealmente e poligonalmente
scolpite di Lara
Croft. Nel trapasso digitale
PacPika siamo testimoni di
una trasmutazione a più ampio
spettro dei valori personali e
sociali: entrambi gialli e rotondi,
sono espressioni piene di
quell’impulso mediatico intrinseco
al medium del videogioco
che va sotto il nome di elettricità.
Ma mentre agli albori, o
quasi, del videogioco dobbiamo
guidare una pallina gialla tutta
bocca sempre uguale a se stessa
nonostante ogni trasformazione,
all’ultimo, o quasi, estremo
evolutivo della scala ci
troviamo ad allenare e curare
una bestiola tutta pelo e carineria
sorretta dal proteismo delle
proprie ed altrui forme fornite
da un campo identitario che
ammette in sé ogni tipo di moltiplicazione
immaginabile –
un’infinita età dell’adolescenza
nella quale la persona può accettare
o meno, può rendere
fattivi o meno i cambiamenti
indotti nell’io dall’esperienza.
Pac-Man risulta essere la realizzazione
di un’unica identità
compatta alla disperata assimilazione
di quel cibo che è disponibile
in quantità limitata e
sempre fissa, per soddisfare la
semplice necessità del vivere,
in lotta contro i fantasmini della
storia (i “né produttori né consumatori”
che bloccano il mercato
e chi di mercato vive);
Pikachu è l’emblema dell’assillo
del collezionismo e dell’accumulazione
di quel superfluo che
sono segni primi e più evidenti
dei periodi di vacche troppo
grasse. Se Pac Man è il precapitalismo
inglese dei signorotti
di campagna, Pikachu è il
neo-liberismo consumistico di
fine millennio.
___________Time and tide
Il tempo del gioco, in questo
caso specifico dell’arcade, è un
tempo-livello necessariamente
ripetuto e ripetibile, un insieme
di blocchi lineari ai quali, una
volta dato il via 2 , è inevitabile
sottrarsi se non in maniera
completa. Il tempo-livello dell’
arcade diverge dal tempo linea-
17
re della scienza così come dal
tempo ciclico del mito, tanto
che l’eterno ritorno del mito si
trasforma nell’eterno presente
del gioco. Non esiste un passato
che non possa essere rivissuto
non solo come se fosse
nuovo, ma come realmente
nuovo grazie al reset di impostazioni,
record e memorie che
si verifica all’atto della morte
dell’eroe (a meno di una risposta
affermativa al classico
“Continue?” – vedi ancora la
nota 2 ), né un futuro che non
sia stato già programmato o
programmabile, a prescindere
dalle proprie azioni, previste e
programmate esse stesse. Vale
la pena di citare un esempio
meritevole come Gods, nel
quale una struttura complessa
di eventi a tempo dava l’illusione
di un gioco maggioramente
vivo e modificabile.
Il videogioco quindi somiglia
in sé al tornado che all’inizio
del “Mago di Oz” stravolge ogni
coordinata di riferimento del
reale pur lasciando tutto e tutti
al proprio posto di partenza.
Eppure questo tempo, e soprattutto
le azioni compiute dall’
eroe nel suo corso, tende verso
una fine, un obiettivo: un tempo
la cui concezione escatologica
non priva il giocatore del
libero arbitrio, la possibilità di
muovere, pur all’interno di un
numero multiplo ma finito di
pixels, lo sprite che lo rappresenta,
il simulacro con il quale
si è concesso l’immersione attraverso
lo specchio del monitor.
Nel mondo oltre lo specchio,
formato da valori nuovi ed
altri, non solo invertiti, il giocatore
ha a propria disposizione
una qualche chance di variazione
personale, sia intrinsecamente
al modello di gioco proposto,
sotto forma di snodi narrativi
o percorsi multipli, che
estrinsecamente ad esso, come
la decisione di quale mossa
compiere fra quelle messe a disposizione
ed in che momento.
A loro volta le combinazioni di
mosse possono essere in non
poche occasioni di gioco ferreamente
predeterminate, al fine
di superare un dato punto –
basti ricordare i laser game di
Don Bluth, costruiti su di una

:FRAMES: Ring#2
esasperante ginnastica percettivo-reattiva,
una sorta di esperimento
pavloviano leggero – e
pur senza giungere a questi eccessi,
in quanti arcade capita di
imbattersi nella scelta fra di un
pattern di cui si conosca la
comprovata efficacia ed una soluzione
personale? Il non usare
quella tale combinazione di
mosse-armi, magari rivelata dai
programmatori stessi in qualche
sede, comporterà la punizione
del giocatore da parte del
gioco. Sarà forse possible sup erare
il nemico/prova in questione,
ma ad un prezzo (vite, soldi,
tempo, fatica) sicuramente
superiore.
Gli avversari virtuali al contrario
non hanno alcuna possibilità
di scelta. A tale riguardo,
nel corso della storia degli arcade,
due sono le fondamentali
idee progetturali basandosi sulle
quali si sono sovente decisi e
programmati i pattern che governano
il comportamento degli
antagonisti dell’eroe: una
d’origine, ancora oggi in uso,
che chiameremo “ad inverso”,
ed una piu’ recente, che indicheremo
con l’etichetta “per
analogia” – tenendo come punto
di riferimento uno dei funzionamenti
più semplici ed allo
stesso tempo più pervasivi dei
processi cognitivi che si verificano
nella mente umana: lo
schema 3 .
Nella concezione ad inverso,
in maniera appunto inversa che
nella mente umana, piccoli pezzi
di informazione decisi a priori
danno vita a comportamenti eternamente
ripetuti: le ondate
di nemici sono anticamente
sempre uguali a se stesse,
mentre odiernamente risultano
organizzate in maniera più varia
e variabile ma comunque riconducibile
a degli uguali movimenti
base (basti pensare ad
un qualsiasi shooter 3d in prima
persona).
Nella elaborazione per analogia
ci troviamo invece di fronte
ad un parziale adeguamento
del processo informatico di
fronte alle mosse del giocatore:
il computer è di fatti in grado di
“leggere” gli schemi di comportamento
del giocatore, proponendo
a sua volta, sulla base di
tale lettura, degli schemi antagonisti.
_________Colonne portanti
Inventariati e discussi i precedenti,
nodali, aspetti dell’arcade,
sono ancora molte le sfaccettature
sulle quali varrebbe la
pena spendere qualche parola,
in un modo o nell’altro tutte
collegate e discendenti dagli
ambiti “eroe” e “spazio-tempo”
dell’arcade, ma nel presente
articolo si è ritenuto opportuno
limitarsi a sottolineare quegli
aspetti che, prima e più di altri,
rivelano il genere arcade come
un macro-genere, un sistema di
principi, regole e convenzioni
che non solo hanno dato vita
ad intere schiere diacroniche di
tipi fortemente caratterizzati di
giochi, ma hanno anche e soprattutto
attraversato trasversalmente
l’intera produzione videogiochistica
della storia.
Arcade come fonte primaria
dell’intero discorso videoludico,
quindi, come corpo nel quale
poter rinvenire quei segni che,
opportunamente analizzati, catalogati
e comparati, si possono
astrarre a fondamento generale
di tutto il passato e presente operare
videogiochistico.
__________________Note
[ 1 Tramite una salutare alienazione
che permette al giocatore
la sperimentazione ludica sembra
qui possibile il recupero di
una dimensione “ingenua” della
personalità infantile; non la riscoperta
del fanciullino, ma la
possibilità di un nuovo inizio, di
una rinascita virtuale nella quale
è concesso essere, ancora
ma da capo, se stessi o qualcosa
di completamente diverso,
pur sempre nei modi e nelle
forme previste dal gioco.]
18
[ 2 Grazie ad un’operazione che
ha sia del sacro che del laico:
mettendo il gettone nella fessura,
o versando al sacerdotecassiere
del negozio di videogiochi
il proprio obolo, ci si
spoglia dei beni terreni per
compiere un particolare viaggio
in un altrove composto da regole
diverse che nell’attuale qui
fisico. D’altra parte, ben meno
metaforica, si può benissimo
considerare il meccanismo “denaro
in cambio di divertimento”
(o, al posto di divertimento,
“sospensione dall’abitudine
quotidiana della vita”) come ultimo
corollario, in ordine di
tempo, dell’odierna industria
dello spettacolo, della quale il
videogioco risulta in questi anni
il figlio prediletto.]
[ 3 Con tale concetto si intende
un processo cognitivo nel quale
i comportamenti ripetuti, propri
o altrui, vanno a formare degli
schemi di risposta e di interpretazione
del reale, i quali a loro
volta, sedimentandosi nella
struttura neurale del cervello,
permettono alla persona di dare
una pronta risposta ad ogni
situazione, sia nuova che conosciuta,
di reagire in maniera
tutto sommato vantaggiosa e
“giusta” agli accadimenti più o
meno prevedibili nei quali incappa
quotidianamente - senza
dover impegnare tutto il proprio
ammontare di risorse cognitive,
ma attivando solo una
minima struttura necessaria (lo
schema, appunto).]
_____________Bibliografia
-Bedetti S., De Luca L., 2000, Il
cinema secondo Van Damme,
Castelvecchi, Roma
-Leed E. J., 1992, La mente del
viaggiatore, il Mulino, Bologna
-Taggi P., 2001, Vite da For-mat: la
tv nell’era del Grande Fratello,
Editori Riuniti, Roma
-Caprettini G.P., 1997, Segni, testi,
comunicazione, Utet Li-breria,
Torino
-Stella R., 2002, Corso di Teo-ria e
Tecniche delle Comunica-zioni di
Massa, pro manuscrip-to, Padova

:INDEPTH: Ring#2
ARCHETIPI E STIMOLAZIONE DIRETTA_______
[ICO]
di DarknessHeir
Spesso, ci si trova in situazioni
per descrivere le quali le parole
sono inadeguate, insufficienti.
Spesso un’immagine vale più di
mille parole.
Due verità non scritte: odiose
e malestrue, in quanto nel corso
degli anni sublimate in tedianti
frasi fatte. Ma delle frasi
fatte, è davvero giusto disprezzare
il valore intrinseco solo
perché il villico di turno se n’è
servito per riempirsi la bocca,
per l’ennesima volta?
Archetipi... Fumito Ueda ne
utilizza diversi nel suo splendido
Ico. E poche parole, di cui
una buona parte (prima di aver
completato l’avventura almeno
una volta) incomprensibili.
______...Più di mille parole
Archetipi: Ico e Yorda ne sono
due esempi lampanti. Il primo è
il classico bambino da manga/
anime/rpg nipponico: un piccolo,
agile imberbe che grazie alla
sola volontà riesce a trionfare
in una situazione apparentemente
oltre la sua portata. La
sua “normalità” (riferita al contesto
in cui vive, ovvero un villaggio
presumibilmente modesto
e poco civilizzato) è manifesta
in ogni aspetto della sua
figura: nei tratti rustici, indigeni,
nelle vesti elaborate quanto
lo può essere il vestiario del
suo ambiente sociale/culturale/
economico, nelle movenze
sciolte ed ingenue tipiche dei
ragazzini della sua età. Nel rispetto
della (minimalista) trama
del gioco, poi, sul capo egli
porta un paio di infami corna:
distintivo apodittico della nega-
tività che, suo malgrado, si trascina.
Una caratterizzazione, la
sua, che certamente non brilla
per creatività: corna a parte,
l’impressione di “già visto” permane
piuttosto insistentemente.
Lo stesso discorso vale per
Yorda: la fanciulla misteriosa e
silente (sotto molti aspetti, dall’
apparenza molto simile a quella
di Rei Ayanami di Evangelion),
fragile nonché latrice di risorse
ben nascoste dietro alla sua apparente
futilità. Anche la sua
caratterizzazione è dunque
decisa: tutte queste caratteristiche
sono subito evidenti nell’
osservare il candore che ne adorna
vesti e sembiante, le
movenze insicure, il viso diafano
che di rado s’accende di espressioni
smussate, evanescenti.
Due personaggi stereotipati,
infine. Due “frasi fatte”. Semplici,
attorniati dall’aura del dejà-vu:
ma per questo poco efficaci?
Niente affatto.
____________Stimolazione
Evocativo come non mai è invece
l’aspetto scenografico del
titolo. Un impatto emotivo addirittura
più forte di quello con
cui gli splendidi Another
World e Flashback lasciarono
a bocca aperta ai tempi dell’Amiga.
Il castello è immenso, e
si estende a perdita d’occhio:
nel groviglio di torri e strutture
di incomprensibile funzione è
difficile capacitarsi riguardo al
luogo in cui ci si trova; gli unici
attimi in cui è possibile sviluppare
un’adeguata idea sulla
propria posizione, sono solitamente
quelli seguenti alla risoluzione
degli enigmi di una
data zona; ci si accorgere di
trovarsi ancora all’inizio dello
schema, solo in una posizione
che era prima occultata od apparentemente
irraggiungibile.
Oltre il castello, ecco che il
19
mare dispiega le sue calme spire;
una distesa piatta e corrusca,
impossibile da rimirare per
intero con il semplice sguardo,
così come col semplice sguardo
risulta impossibile cogliere particolari
dell’entroterra che si estende
al di fuori delle mura
dell’ottundente fortezza. Sopra,
il cielo; il terzo ed ultimo elemento
scenografico principale,
come gli altri sconfinato e brillante.
La presenza del sole non
è mai esplicita, così come le
condizioni del cielo non sono
mai completamente definibili.
Una danza di luci ed ombre enfatizza
la duplicità della volta
celeste: anche quando del tutto
splendente, essa infatti non
appare mai nitida; una sorta di
caligine superiore la attornia.
Allo stesso modo, capita di rimanere
accecati dal sole levando
lo sguardo all’indirizzo di un
cielo che si credeva essere
livido.
Il coinvolgimento emotivo è
dunque alto: l’atmosfera che si
respira in ogni anfratto del
mondo di Ico si impone sin dai
primi istanti di gioco. Con un
background così efficace, dei
personaggi più originali od approfonditi
sarebbero davvero
necessari?
No, e questo lo deve aver
pensato lo stesso Ueda. Più
opportuno è sfruttare i vantaggi
di una caratterizzazione talmente
diretta. Il coinvolgimento
è presente,si diceva, i personaggi
“funzionano”… Cosa
manca? Un “messaggio”, un significato
nascosto.
E di conseguenza, ecco affacciarsi
nuovi archetipi.
_______________Archetipi
Sin dall’antichità, il tenere per
mano un individuo di sesso opposto
denota la presenza di un
legame affettivo. L’usanza è
tuttora presente, ed utilizzata
dalla maggior parte delle strut-

:INDEPTH: Ring#2
ture sociali: da quella di tipo
occidentale a quelle delle tribù
più selvagge.
Quale, degli atteggiamenti
“corali” di Ico e Yorda, è quello
che si è visto il maggior numero
di volte?
Ecco un secondo strato della
caratterizzazione dei due protagonisti:
i due incarnano pedissequamente
la concezione della
“coppia” presente nella mentalità
collettiva: fattezze e caratteri
opposti (ricordiamo qui
le differenze somatiche, le domande
di Ico ed il silenzio di
Yorda, e molto altro), eppure
comuni, nel profondo. Entrambi
si ritrovano infatti confinati nella
fortezza, senza speranze di
sopravvivere.
Tenere per mano Yorda,
nell’economia del gameplay, ha
un duplice valore. A volte è irrinunciabile:
per difenderla più
efficacemente dagli attacchi
delle ombre, o per rendere possibile
la materializzazione di
particolari passaggi. Per il resto
è accessorio: la fanciulla viene
condotta per mano per evitare
tempi morti durante l’esplorazione.
Che sia irrinunciabile o accessorio,
è rilevante il fatto che
tenere Yorda per mano,
(perpetuando in tale modo
un comportamento universalmente
riconosciuto come
“gesto d’amore”) ha un ruolo
fondamentale nell’ambito
del titolo.
Uno dei due perni sui quali si
basa l’intero gameplay: l’altro,
essenziale per il proseguimento,
è la collaborazione.
I due devono collimare, per
proseguire. Sono una “entità unica”
divisa in due corpi, di cui
il giocatore controlla una metà.
Sono, necessari l’uno all’altra,
poiché nell’aiutarsi il beneficio
che traggono è comune.
Ora, togliete i riferimenti videoludici
al precedente paragrafo.
Avrete il messaggio lanciato
da Ueda: il vero significato
della parola “amore”. La
sua accezione più nitida, avulsa
da tutti gli elementi secondari
che ne hanno decretato la capitolazione
nell’epoca attuale.
Un messaggio straordinario
nella sua semplicità: no, non si
faranno divagazioni romanti-
che. Si prenderà coscienza che
Ico è il primo titolo in grado di
comunicare il proprio significato
attraverso il gameplay.
_____________Essenzialità
Ma non è finita. Il capolavoro
Sony è infatti foriero di un ulteriore
significato: e per spiegarlo,
torniamo per l’ennesima
volta a parlare di archetipi e
stimolazione diretta.
La Regina è il personaggio
che ci interessa: oltre ad essere
la malvagia figura muliebre di
turno, essa colpisce per la sua
somiglianza a Yorda: somiglianza
che ha portato molti ad identificarla
con la madre. Ricordiamoci
di quest’impressione.
Altra stimolazione diretta: il
castello, il mare, il cielo. Tre
elementi estesi, giganteschi, i
cui contorni sono sfumati da
luci ora abbacinanti, ora quasi
assenti. Quale l’impressione suscitata
da un simile impianto
scenico? Il ricordo d’infanzia.
L’atmosfera favolistica ed irreale
fatta di ricordi che si fanno
man mano sempre meno nitidi,
soprattutto nella componente
visiva. Il retrogusto malinconico
che si assapora tanto negli spazi
del castello quanto nel richiamare
alla mente un (piacevole)
ricordo del periodo in
cui il mondo era, nelle dimensioni
e nel funzionamento,
troppo grande perché noi potessimo
comprenderlo appieno.
Procediamo. Ico deve uscire
dal castello: per farlo, non c’è
altra via se non sconfiggere la
Regina.
Prima dello scontro finale, a
partire dal momento in cui si ritorna
nel salone iniziale, alcuni
elementi degni di essere colti si
prospettano agli occhi del giocatore.
20
La Regina rivela di voler utilizzare
il corpo di Yorda perché
il suo va gradualmente disfacendosi:
queste brevi parole,
assieme all’impressione materna
della nemica finale ed all’atmosfera
da ricordo infantile,
suggeriscono una riflessione
che l’autore muove, riguardo al
gap generazionale. Senza perderci
in eccessivi dibattimenti,
è possibile notare come il più
diffuso degli errori che i genitori
commettono, di norma, nell’educazione
dei figli, è il voler
imporre loro il proprio modello
di vita. Errore: sbagliato alla luce
delle lapalissiane differenze
che contraddistinguono due generazioni
differenti, a prescindere
dalla quantità di anni che
le separa. Nello spingere i figli
a condurre un’esistenza uguale
alla propria, i la categoria dei
genitori commette un altro grave
sbaglio: considerare la progenie
quale semplice emanazione
del proprio essere. Una
sorta di traccia del loro passaggio
sul mondo.
In virtù di questo, le analogie
tra queste considerazioni ed il
comportamento della regina
appaiono dunque ovvie.
Per concludere, ecco che le
corna del giovanissimo protagonista
si colorano di significato:
esse sono una maledizione.
Non solo, esse sono la causa
per cui gli è stato imposto il
sacrificio. Un’amara considerazione:
Ico non è libero. Ico è
malvisto, allontanato, sacrificato
con il consenso della sua
stessa famiglia. Ico aspira alla
libertà, e per aprirsi la via al
confronto con la Regina, oltre al
quale la libertà giace, deve ne-

:INDEPTH: Ring#2
cessariamente combattere, sopraffare
i ragazzini come lui che
non hanno avuto la forza (e la
fortuna) per farlo, e che per
questo si ritrovano ad essere
inutili, innocue ombre. Un rifiuto
all’appiattimento ed alla
mentalità massificata, per altro
favorita dall’influenza negativa
di genitori in torto.
Un incitamento a combattere:
semplicemente sfidando la
Regina, Ico perde un corno,
quasi a significare che egli si
trova sulla giusta strada per
liberarsi: ed ecco che, non a
caso, il secondo corno gli viene
reciso in seguito allo scontro.
______________“On tuà…”
Aggirandoci sulla spiaggia,
chiedendo per quale motivo abbiamo
combattuto tanto se la
nostra “amata” non è più con
noi, scorgiamo un’inconfondibi-
21
le presenza femminile. Un sospiro
di sollievo. Yorda…
Ci sarebbero diversi aspetti
della ragazza (ma non solo) da
esaminare, aspetti che renderebbero
quest’analisi variegata
oltre il limite dell’utilità. L’invito
è manifesto attraverso un cordiale
“On tuà”: continuate a seguirci,
ci sono altre meraviglie
celate nella splendida opera di
Fumito Ueda, che meritano un’
attenta analisi…
Chiare e fresche e dolci acque _
[Super Mario Sunshine]
di Federico Res
Evoluzione. Rivoluzione.
Buttando un occhio sull’albero
genealogico di Mario emerge
un moto periodico dove rotolano
– alternandosi – questi due
termini/forze. Evoluzione, rivoluzione.
Mario Bros, Super
Mario Bros. Super Mario
World, Mario 64. Super Mario
Sunshine. Evoluzione, rivoluzione,
evoluzione ad libitum…
ma nell’ultimo periodo
troppa gente s’è riempita la
bocca di evoluzione/rivoluzione,
e darci un morso adesso farebbe
schifo a chiunque. Contando
poi la buona quantità di bile
vomitata su Dolphic Island. Per
cui concediamoci un rapido
flashback al 1995, dove, giulivo
e giocondo, se ne sta beato
Yoshi’s Island: la cellula impazzita
che sfugge al fato ciclico.
Pensiamo a come siano simili,
in fondo, Yoshi’s Island
e Super Mario Sunshine: entrambi
in vacanza in luoghi
splendidi e lontani – l’isola degli
Yoshi al tempo dell’infanzia di
Mario nel primo caso, l’isola
tropicale Delfinia nel secondo –
entrambi latori di approcci innovativi
e freschi. Esiste pure
un link più diretto, che va oltre
la semplice presenza del dinosauro
mangiafrutta in SMS, ma
avremo tempo per discuterne.
Ora limitiamoci ad osservare
come, al pari di Yoshi’s Is-
land, SMS sia una splendida/
splendente vacanza. In un tempo
e un luogo ben distanti dallo
spirito dei tempi, fatto di tecnocentrismo
e mediocrità al chilo.
SMS è volontà di scuotersi di
dosso l’ingombranza del genitore;
l’invadenza di un futuro
tendente alla videoesperienza
[si veda più avanti] e inteso come
l’unico possibile. SMS è una
‘vacanza’ nel puro game design.
E tanto forte è la metafora
da sembrar quasi voluta…
Sfonderemo una porta aperta,
preparatevi. In una progressione
incalzante di quattro
assiomi e relative disamine,
metteremo a nudo l’essenza di
Super Mario Sunshine. Per
quale motivo lo scoprirete poi,
intanto inforcate gli occhiali da
sole ché la luce potrebbe abbagliarvi…
Artwork di Chiara Belvisi
Primo Assioma
L’universo ludico deve catturare
lo spettatore nella propria
dimensione, senza mai
assumere la forma di una sterile
successione di livelli.
Uno dei tratti che distingue
Mario dalla pletora di platform
game odierni è la capacità di
offrire al giocatore veri e propri
mondi. Mondi che ad ogni episodio
della saga si rigenerano –
come accade in Zelda, anche
se lì il processo avviene su scala
parecchio più alta – per configurarsi
in fogge inedite e
fresche. Super Mario Sunshine
è l’apoteosi di questo processo:
il suo mondo è organico,
avvolgente, splendido ed esuberante
come le bollicine di una
bibita ghiacciata. E’ palpabile la
spinta ad avvolgere chi gioca
già nel fulcro stesso di Dolphic
Isle: l’acqua, l’elemento più fresco
che esista e anche quello
più diffuso in SMS, che spesso
tracima i confini del tv per invadere
salotti e camerette… E il
sole, la luce: presupposti ancestrali
che istillano linfa ad un
sistema di livelli/regioni eccezionalmente
coerente. Un sistema
che è un punto d’approdo
nell’evoluzione di Mario:
Delfinia (o Dolphic Town) è
raccordo anulare tra i livelli/regioni,
e al tempo stesso

:INDEPTH: Ring#2
regione vera e propria. Risultato
di un processo che ha visto
la mappa di SMB3 divenire prima
luogo d’esplorazione esclusivamente
visiva [SMW], poi
raccordo e luogo d’azione secondario
[il castello di Peach in
Mario 64] e infine livello/regione
a sé stante. Delfinia è
zuppa di miniquest, livelli segreti
e Shine da scovare, centinaia
di monete da raccogliere,
e al tempo stesso svolge appieno
il ruolo di portale per tutti
i livelli/regioni di SMS: queste
cifre (unite alla facoltà di conservare
nel tempo le mutazioni)
ne fanno un elemento parte
dell’esperienza di gioco al pari
degli altri livelli, e tutto ciò concorre
a creare un mondo che
cattura e che mai sfocia in rigide
riprese…
Secondo assioma
In ogni momento il giocatore
deve sentirsi appagato, stimolato
all’azione e all’esplorazione.
Nuove prospettive gli
si devono aprire costantemente.
Super Mario Sunshine offre
una massa debordante di opportunità.
La consueta profusione
di meccaniche tipica delle
produzioni miyamotiane è qui
meravigliosamente incrementata…
in soldoni, SMS è pieno di
roba da fare. Ma c’è di più: esplorare
i livelli/regioni lungo i
tre assi svela micromondi
concepiti per donar totale libertà
al giocatore, enormi
spazi (parecchio più estesi rispetto
ai prequel) che si adattano
alla fisionomia di ogni episodio
e sanno intrattenere il
fruitore in ogni istante. Mario
Sunshine è fatto di pongo.
Quasi un modello latore di
meccaniche random a sola discrezione
di chi intenda viverlo…
e ancora. Poderosa rilevanza
ha assunto l’asse Z: la
trazione verso l’alto è assoluta,
il gioco stimola a dominar le
vette e questo accresce notevolmente
l’immersione nella –
freschissima – dimensione interattiva…
[prodursi in scalate di
mesneriana memoria è pratica
di cui si usa e spesso si abusa,
perché richiesto dal gioco e per
il semplice gusto (masochistico)
di farlo…]
Terzo assioma
Nell’universo ludico niente
deve essere fine a se stesso.
E questa è una cosa che gente
come Jason Rubin non capirà
mai. Nemmeno se ci sbattesse
il naso, sotto la piena luce del
sole… SMS offre al giocatore la
possibilità di raccogliere 120
Soli Custodi (o Shine, in originale).
Ma è il modo in cui lo fa
a deliziar l’utente: l’accumulo
degli artefatti lucenti è
splendidamente rivolto alla
conquista di nuove terre
promesse, all’innesco di evoluzioni
nella ‘trama’ [si veda più
avanti]; alla scoperta di segreti
prima nemmeno immaginati.
Completare una missione vuol
dire ottenere un nuovo Sole.
Ma il giocatore è cosciente che
questa non è l’unica via: la raccolta
di monete paga. Quelle
d’oro si trovano ovunque, e ne
servono 100. Scovar quelle blu
non è invece impresa da poco,
ma dieci sono sufficienti per
‘acquistare’ un Sole. Ed ogni
sottogioco – dar la caccia ad
uccelli tropicali, ripulire dalla
melma le campane di Delfinia -
al di là del piacere immediato
che offre, regala Soli e monete
in quantità…
SMS è costante gratificazione.
Dove ogni progresso è un
premio e uno stimolo a mirar
ad altri obiettivi; anche quando
s’intuisce che il dedalo di segreti
è stato penetrato fino in
fondo, ma si continua perché a
quel punto diventa un obbligo…
Quarto assioma
Ogni azione deve essere eseguibile
nel modo più semplice
e intuitivo possibile.
SMS è un ulteriore passo avanti
nel gameplay. Se il predecessore
ha praticamente inventato
il 3D, Mario Sunshine
ha saputo offrirne un controllo
maggiore. L’evoluzione – d’oh –
in questo senso è data dallo
strumento cardine in mano al
22
giocatore: lo Splac 3000 (Flud).
Compagno inseparabile di Mario,
è determinante nella quasi
totalità dell’esperienza di gioco,
ma è anche strumento tramite
cui Miyamoto e la sua combriccola
di programmatori definiscono
un approccio al platform
3D più ‘morbido’, in certa
misura derivato da Yoshi’s
Island 1 : in modalità jetpak il
Flud permette di fluttuare nell’
aria grazie alla potenza dei
reattori ad acqua, e tale meccanismo
sorprende per flessibilità
nell’agire sulla gittata di
salti e planate. Insieme alle
modalità ‘spruzzoturbo’ (che
spinge Mario a velocità warp) e
‘spruzzorazzo’ (che permette
decolli verticali) il jetpak è strumento
di controllo sul mondo
3D, e ha permesso al Mario
Team di concepire livelli difficilmente
affrontabili senza tale
aggeggio… perché il Flud non
è solo uno strumento in più,
è il fulcro intorno al quale i
programmatori hanno realizzato
ogni singola stringa
del codice di SMS. La struttura
verticale della gran parte
dei livelli è allo stesso tempo
causa ed effetto del Flud, come
quest’ultimo è causa ed effetto
dell’estensione verticale. Agire
sul dorsale destro per chiamare
in causa i getti del Flud è fin da
subito immediato, intuitivo, anche
grazie alla foggia per-fetta
del pad GC. E sebbene SMS sia
tutt’altro che una passeggiata,
mirare alla cima non spaventa
e non scoraggia come avrebbe
fatto sei anni fa… perché, amici
roditori, qui risiede uno dei
grandi segreti della scuola Nintendo:
‘Innovazione non vuol
dire implementare una serie di
feature nell’impianto di gioco,
senza preoccuparsi di modellare
di conseguenza il level design.
Ma significa concepire il
gioco sulla base di presupposti
inediti’, e SMS, come sette anni
fa il precursore Yoshi’s Island,
ne è ben consapevole…
_________Penne alla panna
“Prova a dire dieci volte ‘penne
alla panna’. Scommetto che ti
è venuta fame!”

:INDEPTH: Ring#2
Pensate bene alla frasetta riportata
qui sopra. E fate caso al
termine videogioco 2 . La citazione
è un frammento di dialogo
tra Mario e un esponente carapacico
della tribù dei Noki. E, in
tutta la sua amabile idiozia, sta
lì ad incarnare la completa negazione
di un qualsivoglia valore
narrativo nella ‘trama’ e
nelle interazioni coi personaggi
in SMS… allo stesso modo in
cui il termine ‘videogioco’ sta lì
ad inquadrare un prodotto dove
non v’è nulla che non sia concepito
per divertire. SMS è in
straordinaria antitesi con ogni
slancio evolutivo [riferito al VG]
che assuma la forma di videoesperienza
3 . Per quale motivo
abbiamo dedicato spazio all’analisi
della struttura di Mario
Sunshine? Perché abbiamo insistito
sull’immediatezza e l’intuitività
dei comandi, sul co -
stante appagamento che si ricava
dal gioco, sull’ampia autarchia
concessa al fruitore? Non
per offrire a programmatori in
erba un manuale di game design
– ma nessuno vieta di
usare questo scritto in tal senso,
all’occorrenza – ma per illustrare
nel dettaglio l’anima di
un grande, meraviglioso giocattolo.
L’anima di Mario Sunshine,
ben diversa da qualsiasi
opera si fregi del titolo di videoesperienza.
Perché, laddove
Mario non avanza pretese di
validità assoluta dei propri presupposti
– nessuna videoesperienza
ha realmente bisogno di
soddisfare i quattro assiomi sopra
discussi, potendo contare
su concezioni laterali al semplice
‘gioco’ – è evidente la sua
volontà di ribadire il valore del
videogioco. Un proposito soddisfatto
– lo si accennava qualche
riga più sopra – con la pratica
di inglobare e far proprio ogni
elemento che risulti necessario
nel mercato attuale (SMS non
ha mai nascosto la volontà di
raggiungere più capillarmente
le masse): la spinta all’esercizio
tecnico si focalizza nella realizzazione
– stupefacente – dell’
acqua; l’aumento di early adopters
tra i fruitori si risolve in
una longevità sensibilmente più
bassa nei confronti dei prequel
(ma pur sempre dignitosa);
l’eccessiva importanza del fat-
tore trama (abusato da platform
come Sonic Adventure
2) porta all’implementazione di
un costrutto narrativo più sviluppato
rispetto al passato. Mario
però non si piega certo a
dettami esterni, ma utilizza tali
elementi al solo scopo di migliorarsi:
l’attenzione alla tecnica
è riposta sull’elemento chiave
di Mario, l’acqua, al fine di
renderla il più fresca e ‘bagnata’
possibile [leggete più sopra
per capire perché] e in
netta antitesi con un engine poligonale
invero datato; la longevità
ridotta sta lì ad impedire
che ci si stanchi di giocare e si
abbandoni il giocattolo prima
del tempo; la trama si riduce
ad un nuovo elemento con cui
divertire. Perché SMS è un
mondo dove interagire con personaggi
e nemici – mentre
s’improvvisano sessioni di Mario
Soccer per le vie di Delfinia,
o si cerca d’evitare un bagno a
Yoshi saltando di nave in nave
– è sempre e comunque finalizzato
all’entertainment. E’ un
mondo dove le ovvietà della
trama – il puntuale rapimento
di Peach, la sorte tragi-comica
del Flud nel finale del gioco –
non vogliono raccontare, ma indurre
al sorriso.
SMS è ideale espressione di
videogioco, nella sua accezione
più immediata e antica: contrapposto
a videoesperienza
(videogioco e videoesperienza
potrebbero essere gli ideali antipodi
del VG, tra i quali si
colloca il 99 per cento dei prodotti
odierni) è tra i primi posti
nella schiera dei rappresentanti
del puro e semplice intrattenimento.
Perché ne rappresenta
l’essenza, si nutre di divertimento
al solo scopo di
23
divertire. Ma stiamo sfondando
una porta aperta, capirete, aperta
e spalancata…
__________________Note
[ 1 Yoshi’s Island dava la possibilità
di prolungare la durata
di un salto tramite pressione
prolungata del tasto. Mario
Sunshine evolve l’idea e al
tempo stesso la ripresenta nella
sua forma originaria (Mario può
saltare in groppa a Yoshi e guidarlo
come faceva sette anni
fa). Sta qui il misterioso ‘link’
cui si accennava in apertura…]
[ 2 Uso il termine ‘videogioco’
(minuscolo) contrapposto a ‘videoesperienza’
(minuscolo) dove
entrambi rappresentano due
diverse accezioni di ‘Videogioco’
(maiuscolo, abbr. VG). Semplice,
no?]
[ 3 Il termine ‘videoesperienza’
definisce bene tutte quelle opere
che, contrariamente a Mario
Sunshine, veicolano contenuti
emotivi più complessi del semplice
entertainment. MGS,
REZ, Silent Hill sono solo alcune
di esse…]

:RECENSIONI: Ring#2
L’Idraulico in Vacanza____________________
[Super Mario Sunshine]
di Emalord
“Quando cerchi un idraulico, non lo trovi mai”
Antico detto popolare
“La Sindrome di Stoccolma rientra nei disturbi post-traumatici da stress
e si verifica nei soggetti presi in ostaggio in diverse situazioni (atti terroristici,
sequestri a scopo di estorsione, etc.). E' una dimensione psicologica
nella quale il soggetto in ostaggio, dopo un periodo variabile di
tempo dall'inizio dell'evento traumatico, sviluppa un sentimento di attaccamento
e comportamenti di protezione nei confronti dei suoi rapitori,
frutto di una identificazione proiettiva nei loro riguardi, che ha lo scopo
di contenere l'angoscia del soggetto. Il nome della Sindrome si riferisce
ad un evento di questo tipo realmente accaduto a Stoccolma”
Dal block-notes di Rufus Tool, psicanalista [suicida] della Principessa Peach
Quando il sole
ti brucia i capelli
e la canicola
ti toglie il
fiato, quando
l’oasi nel deserto
della tua sete infernale si
materializza sotto forma di frutta
annegata nel ghiaccio tritato,
non c’è niente di meglio di un
cocktail con agrumi spremuti al
momento e spumante frizzante
per deliziarti i sensi.
Questa semplice riflessione,
questo pensiero stupendo di un
uomo arso dalla sete e seduto
in un bar del centro, viene bruscamente
interrotto dall’ apparire
di un paio di scarpe.
Davanti a me non c’è un cameriere
alto e slanciato nella
sua livrea, con bicchiere, cannuccia
e ombrellino d’ordinanza
alla mano. No. Davanti a me si
staglia nel suo metro e quaranta
circa di altezza, un tizio baffuto
armato di sturalavandini,
chiavi inglesi, bicchiere, cannuccia
e ombrellino alla mano.
Indeciso se protestare con la
direzione o assaporare il mio
cocktail in pace, apro il sac-
chetto della spesa e osservo
con le lacrime agli occhi la confezione
di Super Mario Sunshine,
appena acquistata.
_________WHITE RUSSIAN
5/10 VODKA 3/10
LIQUORE AL CAFFE’
2/10 CREMA DI
LAtTE OLD
FASHIONED CON
GHIACCIO, CREMA
IN SUPERFICIE
Nel 1996, la geniale mente di
Shigeru Miyamoto dimostrò al
mondo che il 3D non era una
barriera che ostacolava la giocabilità.
Un platform in treddì
ben programmato, e con un
controller fatto su misura, poteva
essere divertente e genialmente
strutturato come lo erano
stati i suoi predecessori.
In fondo, i cocktail insegnano
che una fetta di anguria che
spazia in profondità può essere
più polposa e dolce di una fetta
di anguria in Polaroid. E se non
è saggezza questa.
Super Mario 64 è stato una
rivoluzione copernicana. Uno di
quei prodotti che hanno cambiato
il Gioco, con la ‘G’ maiuscola.
Ed è per questo che la prima
domanda che chiunque di noi si
pone nel 2002 è: ma l’anguria,
24
Genere: Platform
Etichetta: Nintendo
Sviluppatore: Interno
Sistema: Game Cube
Giocatori: 1
Versione: PAL
Anno: 2002
sarà ancora fresca, sug osa e
saporita come sei anni fa?
________________MOJITO
4 CL. RUM CHIARO
SODA 2 GOCCE AN-
GOSTURA 1 CUC-
CHIAINO DI ZUC-
CHERO SUCCO DI
1/2 LIME NEL TUM-
BLER, PESTARE LA
MENTA SULLO ZUC-
CHERO CON IL LIME.
AGGIUNGERE
GHIACCIO, RUM E
SODA. MESCOLARE
BENE E SERVIRE
CON CANNUCCE E
GERMOGLI DI MEN-
TA
Inserire il minidisk nel Giococubo
e sentirsi intrappolati in
un vortice spazio-temporale è
questione di un attimo. Non affannatevi
a domandare, la risposta
è: SI. Super Mario
Sunshine è una mera evoluzione
del suo predecessore su
Nintendo64. E’ sempre un platform
in 3D, ci sono ancora stelle
da trovare e collezionare [ora
si chiamano Shines], diverse
subquest da completare e mondi
segreti che si paleseranno

:RECENSIONI: Ring#2
man mano che si procede nell’
avventura.
Gli ingredienti del vecchio
cocktail sono predominanti,
nell’economia del bibitone Nintendo.
Mario salta, corre, scivola.
Rimbalza di muro in muro per
raggiungere lucernari, tetti,
campanili. E da lì osserva quali
nuove aree è possibile raggiungere,
magari con l’aiuto del dinoccolato
Yoshi.
Le innovazioni, se tralasciamo
quelle di carattere tecnologico
che elenchiamo con apposita ricetta
a parte, si limitano all’introduzione
del water-pack.
Tutto qui? Direte. Beh, questo
waterpack è a tutti gli effetti il
gin della situazione. Perché il
gin, se bevuto da solo, non è
poi ‘sto gran ché. Ma a ben
vedere arricchisce ben più di un
cocktail, valorizzandolo.
Questo “zainetto-parlantespruzz’acqua”
che Mario trova
all’inizio della sua avventura ha
duplice valenza: di arma contro
gli esseri melmosi che hanno
invaso il villaggio ove Mario è in
vacanza, e di ‘propulsore ad
acqua’ per volare per brevi
tratti, o per fiondare l’idraulico
ad altezze altrimenti irraggiungibili.
Cosa che invero il gin non fa,
ma solo se lo assumete nelle
dosi minime consigliate.
____________MARGARITA
5/10 TEQUILA
3/10 COINTREAU
2/10 SUCCO DI
LIMONE O LIME
SHAKER, COPPET-
TA DA DOPPIO
COCKTAIL BOR-
DATA DI SALE
Come un buon cocktail dipende
da ingredienti, mixer e bicchiere
adatto, un buon videogame
dipende da grafica, gameplay
e sonoro, possibilmente
serviti freschi.
Mettere la grafica sotto la
lente di ingrandimento significa
essere catapultati in un mondo
che fa dei cromatismi il suo
punto di forza. Mario si muove
in un mondo di colori primari
stordente. Un arcobaleno multi-
livello che comincia dal mare e
si spegne in cima alla più alta
montagna.
Il mondo 3D è ottimamente
realizzato. Non solo nell’ architettura
dello stesso, [Ricco
Harbour è splendido per cromatismi
e design] ma anche
per la sua vitalità. Basta saltare
sulle piattaforme più alte e
vedrete il paesaggio estendersi
fino ad un lontanissimo orizzonte
che contempla [quasi] tutti
gli stage che vi ritroverete a
visitare. Nintendo ha sostituito
il castello che faceva da anticamera
ai livelli di Mario64 con
un villaggio turistico [Nintour?]
ricco di segreti da scoprire, shines
da raccogliere, e nuovi
portali da spalancare per accedere
agli stage avanzati. Un
mondo vivo, pulsante, pieno di
gente intenta a fare del commercio,
o semplicemente a farsi
i fatti propri. Il tutto con un
frame rate stabile a 30Fps.
Nella nostra forbice di giudizio
merita svariati encomi la rappresentazione
dell’acqua in tutte
le sue forme, biasimabili sono
invece alcune textures particolarmente
sfocate e poco ispirate.
Difficile dire se sia una
scelta per alleggerire il motore
grafico, o per simulare una certa
‘pastellosità’ degli ambienti,
sta di fatto che a volte l’effetto
che ne risulta non è piacevolissimo
a vedersi.
Mettere la voce ‘Gameplay’
sotto la lente di ingrandimento
significherebbe invece aumentare
la grandezza del font a dismisura,
quindi diremo solo che
è presa di peso dall’episodio
precedente. Ma non venitemi a
dire che è un difetto. Mario [il
videoplayer] può fare quello
che vuole: decidere di affrontare
uno qualsiasi dei livelli a
scelta oppure passeggiare senza
una meta, sicuro che comunque
qualcosa da fare salterà
fuori: una so ttomissione,
un bonus stage, una sfida con
un personaggio seminascosto in
qualche angolo dei livelli.
Libertà di fare qualsiasi cosa,
e la sicurezza che quando una
decisione sarà presa Mario
obbedirà fedelmente agli ordini
impartiti grazie al controller che
sembra fatto apposta per questo
gioco [ed infatti lo è].
25
E le musiche? Se mai un paragone
coi cocktail calza a pennello
è proprio quello riguardante
la colonna sonora. Le
melodie di tipo caraibico sono
un vero mix di colore, allegria,
gioia, sole. Rispecchiano in toto
lo spirito giocoso e divertito del
prodotto Nintendo, risultando
sempre un piacevole accompagnamento,
valorizzato anche
dai remix di precedenti colonne
sonore. Il tutto nello splendore
del Dolby Surround Pro-Logic
II, che per fortuna non necessita
di lenti di ingrandimento
per essere apprezzato.
Qualcuno noterà a questo
punto la mancanza di un seppur
vago accenno alla trama.
Ecco, non so come dirvelo,
ma anche in vacanza Peach ha
trovato il modo di farsi rapire.
Riuscirà Mario a liberarla? Chi è
il misterioso clone mariesco che
imbratta tutto il villaggio Nintour
e fa rinchiudere il nostro
eroe in prigione? E soprattutto:
perché lo psicanalista di Peach
si è suicidato? Si sentiva forse
inutile, un fallito? La risposta,
per lo meno all’ultima domanda,
nella nostra intro.
___________MARTINI DRY
2/10 VERMOUTH
DRY 8/10 GIN
MIXING-GLASS,
COPPETTA DA
COCKTAIL,
FETTINA DI
LIMONE O OLIVA
VERDE
Osservo il mio bicchiere, ormai
vuoto. E osservo quel bizzarro
cameriere armato di stura lavandini
e chiavi inglesi allontanarsi.
Ripensando a quel mitico
1996, è davvero difficile immaginarsi
fattori di innovazione
così alti nel ludomondo contemporaneo.
Possiamo dire che con Super
Mario Sunshine, Nintendo ha
semplicemente aggiunto un’
oliva [il concept del waterpack]
ed un ombrellino nuovo
[le nuove prestazioni grafico -
sonore] ad un cocktail che era
già di per sé perfetto.

:RECENSIONI: Ring#2
Il giudizio finale è quindi
strettamente legato alla personale
filosofia degustativa.
Se avete gradito gli ingredienti
del vecchio mix non avete alcun
motivo per disprezzare il nuovo,
e l’aggiunta dell’oliva può risultare
una piacevole variazione sul
tema, anche se la sua reale
incisività sul risultato finale può
essere fonte di infiniti dibattiti.
Un poco come la presunta necessità
della mosca nella sambuca.
Se invece siete sperimentatori
sempre affamati di novità a prescindere
dalla bontà delle degustazioni
passate, potreste pensare
che in fondo un’oliva come
unico elemento di novità può
essere sintomo di scarso impegno
e fantasia, e rivolgere quindi
il vostro interesse e gradimento
altrove. A prescindere dalla bontà
delle degustazioni passate, si
faceva notare.
Il che significa: Super Mario
Sunshine è sempre e comunque
splendido. Non quella novità
epocale che alcuni si aspettavano,
ma sicuramente il miglior
platform 3D da 64 bit a questa
parte.
E’ comunque il caso di festeggiare.
Beveteci sopra, offre la
casa.
Super Mario, Extra Mario
di Paolo “Jumpman” Ruffino
Niente di più banalmente geniale. Super Mario Sunshine, uno
dei capolavori più scontati che vi possa capitare di giocare. La
storia è un pretesto per giustificare l’ambientazione, a ben vedere
non c’è una trama da raccontare, ci sono solo delle cose
da fare, degli obiettivi da completare sconnessi tra di loro. Ed è
ovvio che sia così. La grafica è colorata, gioiosa, adatta alla
sensazione di vivacità trasmessa dal gameplay. E vi aspettavate
qualcosa di diverso? Il gioco scorre fluido, tra Shines banali
e Shines geniali, da prendere trattenendo il fiato. Il jetpack
è una ciliegina che in realtà (la realtà è spesso dura da accet -
tare) semplifica il tutto permettendo di correggere qualche salto
imperfetto, di colpire nemici da distanza di sicurezza e di
abbreviare dei percorsi altrimenti noiosi da ripetere ad ogni errore.
E’ ovvio che sia così, è ovvio che Nintendo si adegui alla
tendenza a semplificare il completamento dei videogiochi. Come
è ovvio che Nintendo faccia Super Mario e che lo faccia così
come te lo aspetti, fottutamente divertente, ovviamente imperdibile.
Originalità prevedibile.
SMS è un manifesto. Nintendo vuole cancellare i graffiti (Jet
Set Radio?) a forma di M (Microsoft?!), e vuole che sia tu a farlo,
nei panni del baffutone. Nintendo ti chiama ad ammettere
che il videogioco è questo, è saltare e divertirsi senza tante parole.
Nintendo rifiuta con forza, con questo SMS, qualunque cosa
che non sia gameplay puro, allontana come fosse peste la
tendenza a fare del videogioco qualcosa di complesso o che in
un qualche modo inviti a riflettere sul nostro mondo. In un periodo
in cui il videogioco sta cambiando SMS vuole dimostrare
che è solo e solamente un giocattolo (per citare lo stesso Miyamoto)
e che tale resterà.
E in fondo, a pensarci bene (ma solo dopo le ovviamente sudatissime
120 Shines, prima è proibito pensare) c’è qualcosa di
profondo nell’apparente superficialità di Nintendo. Se riuscissimo
a dimostrare che SMS è Arte, che il gameplay è di per sé
una forma d’Arte, allora Nintendo avrebbe permesso una grande
scoperta.
Ma a questo penseremo in futuro. Per ora rimane solo un dato
di fatto, inconfutabile come il “cogito ergo sum” cartesiano:
Super Mario Sunshine è uno spasso da giocare e da vedere. Un
continuo stare a bocca aperta, un continuo scoprire cose nuove
da fare e modi nuovi per farle.
Ancora una volta.
P.S.: ma il rapimento della principessa voleva essere un colpo
di scena?
26
:COMMENTO EXTRA:

Cameriere, c’è una Mosca bianca nel mio Franchise__
[Onimusha 2]
di Emalord
Artisti Vari- “Zuppa di verdure
con Fetta di Pane”- Una zuppa
scevra da mosche bianche in
quanto perfettamente uguale a
tutte le altre zuppe
Onimusha, il primo
episodio, è
stato una piacevole
variazione
sul tema del
“Survival Horror”. Di fatto Capcom
ha creato il “Fantasy Survival
Horror”. Un samurai al
posto di agenti speciali, un castello
nippofeudale costruito
sulle fondamenta di una mansion
del secolo scorso e samurai
in putrefazione al posto di
zombi in putrefazione. Si,
okkei, non è stato un grande
passo avanti, lo possiamo ammettere
tutti. D’altronde un
franchise nato sulle orme di un
altro franchise può essere tutto
tranne che una novità assoluta.
Eppure l’uscita sul mercato di
Onimusha2 non è stata una
biechissima operazione commerciale
basata sulla clonazione
di idee già clonate all’
origine. La Capcom che ricicla
lo stesso Street Fighter per
una decina di volte con variazioni
miserrime, per un mercato
che sembrava comunque
ben felice di ingerire cibo rigurgitato
da altri, sembra solo un
ricordo. E Ring se ne felicita,
perché noi si ama la buona
cucina e possibilmente di prima
mano. Non che Onimusha2 sia
una rivoluzione culturale, questo
no. Ma motivazioni valide
per un minimo di standing ovation
ci sono. Diamo a Capcom
quello che è di Capcom, e che
Cesare chiuda un occhio.
Fermo restando che la trama
ha subìto variazioni minime [in
pratica cambia il personaggio
principale ma tutto il resto è
fotocopia del prequel, Nobunaga
compreso], che il gameplay
è sempre basato sullo
slash’em’ up con enigmi e che
l’impianto grafico è la commistione
bitmap/poligoni già vista
con Resident Evil et similia,
vediamo di focalizzare la nostra
attenzione su cosa realmente
caratterizza questo prodotto.
Katsushika Hokusai [1760-
1849]– “Il Drago di Fumo
fuoriesce dal Monte Fuji” –
Un dragone si alza dal monte
Fuji. Quella che agli occhi di un
osservatore distratto è una
semplice stampa, in realtà è la
perfetta sintesi della doppia
anima del Sol Levante. Da una
parte un monte millenario, testimone
silenzioso della Storia
di un paese ricchissimo di cultura
e tradizione. Dall’altra un’icona
delle sue leggende e fantasie
più prolifiche. Il Giappone,
una terra da sempre divisa tra
samurai e demoni, tra la Storia
che si studia sui libri e quella
che si trasmette da nonno a
nipote. Capcom, da sempre
osservatrice attenta di questa
forte bivalenza culturale, con il
franchise Onimusha ha probabilmente
ricreato il Giappone
feudo-fantasy più affascinante
di sempre, e visti gli sforzi
produttivi non stupisce che già
alla fine del primo epi
Genere: Avventura
Etichetta: Capcom
Sviluppatore: Interno
Sistema: Playstation 2
Giocatori: 1
Versione: PAL
Anno: 2002
sodio si potesse osservare un
promo dell’episodio a seguire.
Utagawa Kunichika [1835-
1900]– “Attore Kabuki nella
Parte di Kagemasa”
In Onimusha2 l’ambientazione
feudonipponica è rimasta la
medesima del prequel. Splendidi
fondali in bitmap, sparati
ad una risoluzione così alta da
risultare perfettamente integrati
con i personaggi poligonali,
brillano per calore del colore e
microcesellature. Il legno è caldo
come non mai, il rischio di
bruciare il tubo catodico della
vostra Tv è sempre in agguato
ma ogni singola inquadratura
meriterebbe di essere osservata
per ore, questo è un dato
di fatto. Il villaggio che fa da
checkpoint per la prima parte
del gioco è persino commovente.
Contadini stanchi, mercanti
furbi come faine e donnine dai
facili costumi calpestano le vie
polverose di un borgo medievale
così ben riprodotto da portare
ai massimi livelli la sospensione
dell’incredulità e farci
perdere delle mezz’ore a cercare
la zucca con il sakè appoggiata
sul divano. O che credevamo
di avere appoggiato sul
divano. Ma è nella seconda
parte della storia che percepiamo
i cambiamenti più radi-

cali. Dopo aver ripercorso nelle
prime ore di gioco i medesimi
livelli del Castello Gifu già cal -
pestati nel prequel, l’idea di
essere vittime dell’ennesimo
plagio capcomiamo era viva e
dolorosa come un cactus infilato
nei pantaloni ad altezza
garrese. Eppure questa tensione
anale si scioglie intorno alla
quinta ora di gioco. La supposta
di glicerina è il cavallo che vi
riporta dal castello Gifu al villaggio.
Un cavallo meccanico. Il
primo degli elementi steampunk,
o feudo-fantasy che dir si
voglia, di una schiera sempre
più numerosa con l’avanzare
del gioco. Questa componente
tecnologica di ferro, vapore e
bulloni cambia completamente
lo spirito del gioco, molto più di
quanto sia lecito pensare. Di
fatto siamo passati da un
Giappone feudale in preda a
schiere di demoni, ad un Giappone
feudale in preda a schiere
di demoni che usano navi
volanti, motoscafi a vapore e
robot ante-litteram fatti di legno
e metallo grezzo. Per
quanto quest’innovativa ambientazione
abbia un impatto
minimo sul senso globale della
trama e non cambi assolutamente
un gameplay che punta
tutto sul versare ettolitri di
sangue e sulla risoluzione di
enigmi, la sensazione di vivere
un gioco ed una storia sostanzialmente
differenti rispetto al
predecessore è molto forte.
Shibata Zeshin (1807-1891)-
“Ghiaccio, Sega e Coppa”
Altra nota di merito per l’alunno
Capcom è stata l’introduzione
dei compagni d’arme di Jubei
Yagyu [Il nuovo protagonista,
un mezzo-oni che per vendicare
la propria famiglia ed il villaggio
distrutto diventerà più feroce e
crudele dei suoi stessi nemici.
No, non credo che Capcom abbia
pagato le royalties a Nagai].
Il novello cacciatore di demoni
troverà sul suo cammino quat-
tro personaggi in cerca d’autorità.
Un panzone amante dell’
alcool, un giovane ninja, un
esperto di armi da fuoco ed una
guerriera dal passato oscuro.
Innovazione assoluta in un gioco
del genere, Jubei dovrà passare
parte del suo tempo colloquiando
con tutti gli NPC o
facendo acquisti in appositi negozi
alfine di ottenere regali e
oggetti speciali da dare ai nuovi
amici, che come risposta lo
affiancheranno durante le battaglie
più impegnative o lo premieranno
con medicine, proiettili
ed oggetti speciali. Perché a
volte può bastare del ghiaccio
tagliato fine con qualche goccia
di limone a conquistare l’amicizia
di qualcuno, come insegna
anche Shibata Zeshin. Per
quanto anche questo “fattore
umano” non sia fondamentale a
variare la sostanza del gioco rispetto
al suo prequel, il peso di
questa innovazione sulla differenziazione
dell’esperienza ludica
è rilevante. Mentre in
Onimusha solo i giochi enigmistici
interrompevano il ripetitivo
slashing di Samanosuke,
in questo secondo episodio, soprattutto
nella prima fase, l'interazione
con i comprimari abbisognerà
di tempo, energie ed
impegno, rendendo di fatto meno
monotono il susseguirsi delle
sequenze narrative.
Utagawa Kuniyoshi [1797-
1861]- “Il Ronin Oboshi Rikiya
Yoshikane”
Come Kuniyoshi evidenzia con
questa sua opera, un samurai
senza un’appropriata vestizione
potrebbe essere scambiato per
un contadino qualsiasi [e non
venitemi a parlare di Itto Ogami,
viaggiava con la carrozzella
di legno solo perché sponsorizzato
dall’Ikea]. Ed infatti,
viene riconfermata anche in
questo episodio la microcomponente
RPG presente nel
2001. Ogni demone passato a
fil di spada, e se ne contano a
centinaia, emanerà una o più
auree colorate che saranno
prontamente assorbite ed immagazzinate
dal nostro eroe.
Non con un guanto apposito,
come faceva Akechi, ma direttamente
tramite un tatuaggio
[tribale] presente sul palmo
della mano. In ogni punto di
salvataggio Jubei convertirà
tutto il mana accumulato in
energia per evolvere armi ed
armature, rendendoli ancora
più efficienti e mutandone l’estetica.
I modelli poligonali dei
personaggi sono tanto splendidi
quanto i fondali bitmap per i
quali abbiamo già standigovato
in precedenza. Perfettamente
proporzionati ed animati
[grazie anche all’opzione 60hz
presente nella versione PAL],
splendidamente vestiti con abiti
d’epoca [a volte sgargianti e
teatrali, ma non sembra un difetto]
e soprattutto con delle
espressioni facciali realistiche
come non mai. I visi dei protagonisti
riescono a essere dolci,
fragili, iracondi, sprezzanti, stupiti.
Manifestano come mai prima
le emozioni più vere dell’essere
umano più vero.
Menzione speciale per l’eccezionale
Godandantess [“il miglior
spadaccino fra tutti i demoni”],
il boss nemico più
sbruffone, logorroico, teatrale e
commovente a memoria d’uomo.
Due righe per un demone
che meriterebbe tonnellate di
testo.
Aggiungete a tutto questo
ben di dio una colonna sonora
eccezionale [molto più calda ed
espressiva della precedente],
una grafica così pulita e nitida
da rendere le sequenze in FM
tanto spettacolari quanto quelle
di FFX ed avrete le idee chiare
su un quadro che forse riproduce
cose già viste in altri dipinti,
ma che per la sua qualità,
potenza visiva e tentativo di
differenziarsi dai precedenti lavori
del suo autore merita comunque
l’appellativo di opera
d’arte.
Il più bel gioco su PS2 a
oggi, a pari merito con altri,
secondo a nessuno.

:COMMENTO EXTRA:
Full motion slice________________________
[Onimusha 2]
di Amano76
"Capire la mente delle persone e controllare il loro destino è l' obiettivo delle tecniche ninja"
Jubei Ninpucho
"Sei contagiato da una maledizione? beh, lo è anche questo paese"
Mononoke Hime
Da qualche parte qualcuno ha
deciso che è il momento delle
trilogie.
Tre parti per Matrix, tre parti
per Il Signore degli Anelli (non
vale!), tre parti per Spiderman,
tre parti per Onimusha. Una
per lanciarli, una per migliorarli,
una per sputtanarli e nel
buio incatenarli.
Questa Banda Bassotti, che
ha rubato il cuore di mezzo
mondo con le sue gesta cinematografiche,
è il risultato di
un mercato che si reinventa restando
sempre identico a se
stesso. Associazione fuori luogo?
può darsi, ma sfido chiunque
a trovare una serie più
"cinematografica" di questa,
con protagonisti degli attori
veri, con colonna sonora e filmati
che competono tranquillamente
con il mainstream americano,
e con una ambientazione
da puro jidaigeki 1 .
Perciò diamo per scontato
che il secondo Onimusha non
sia granché originale, diamo
per scontato che il passo in avanti
compiuto da Capcom ancora
una volta è un piccolo
passo per le avventure grafiche
e un passo altrettanto piccolo
sul sentiero della novità. Cosa
resta?
_____Ti spacco il culo sotto
la luce obliqua della luna
La giocabilità, tanto per dirne
una. Quella parola brutterrima
che non si può fare a meno di
2
usare quando si deve riassumere
il fascino di un gioco che
non dipende nè dalle rotondità
dei poligoni, nè dal prezzo
economico, nè dal nome di chi
lo ha concepito, ma da qualcosa
che si trasmette viralmente
dal cd al joypad. Nel caso
specifico di Onimusha 2, si
possono distinguere le medesime
premesse di Onimusha
(1) listandole come segue:
colpo letale unico, combo, calcio
imparabile, supermossa;
tuttavia in questo sequel l'applicazione
di tali elementi è
passata da una corrispondenza
univoca (un certo tipo di attacco
per un certo tipo di avversario)
alla possibilità di utilizzare
un arma in modo tale che
risulti versatile contro ogni
tipologia di avversario, e
questo anche grazie all'introduzione
di colpi caricati e di un
tipo più complesso di combo,
che aggiunti al sistema di
combattimento precedente ne
colmano il vuoto costituito dallo
schematismo tattico. E' possibile
inventare decine di soluzioni
semplicemente imparando
come ma soprattutto quando
attaccare: il ritmo è la pietra
angolare su cui è possibile
costruire sequenze personali,
ma è anche la chiave per scardinare
gli accerchiamenti più
complessi, e cioè quelli con
avversari di diverso tipo, ognuno
con un proprio tempo d'attacco
e reazione. Si passa da
una cognitività strat egica elementare
(calcio per aprire la
guardia, combo per mandare
l'avversario a terra, colpo a
terra per ucciderlo) a una più
complessa (combo fino a stordire
senza mandare a terra, attendere
che l'avversario carichi
nuovamente, ancora combo
fino a ucciderlo) fino a giungere
alla libertà di elaborare coreografie
che fanno sentire dei piccoli
Bruce Lee armati di katana.
Ne risulta un interesse a rigiocare,
a sperimentare, a editare
nuove soluzioni, che per un picchiaduro
a scorrimento di oggi...
scusate, per un adventure
game di oggi è un eccezione
eclatante. A questo va aggiunta
la possibilità di control-lare altri
quattro personaggi, di cui due,
Kotaro e Magoichi, con un stile
di combattimento talmente lontano
da quello del protagonista
da soffiare una potente ventata
di freschezza sulla strategia di
attacco e quindi costituendo un
ulteriore elemento di interesse
a ripetere l'avventura almeno
due volte ancora.
_Per una manciata di bambù
Poi c'è il carattere cinematografico
del tutto. Scegliere attori
di successo come Kaneshiro
(Samanosuke) o leggendari come
Matsuda (Jubei) già di per
sé è un elemento di fascino
decisivo. Il senso di grandeur è
notevole, perchè si tratta di
personalità di grosso calibro
che con la loro semplice presenza
bastano a rendere epica
la narrazione, sovrapposta in
maniera lampante a quella di
un vero e proprio jidaigeki.
D'accordo che per un occidentale
non significa nulla, ma provate
a immaginare come sarebbe
Devil May Cry senza il suo
carattere stylish.

:RECENSIONI: Ring#2
E così ecco la sceneggiatura
leggera ma costellata di momenti
di forte emozione, la dscrizione
della dura realtà del
periodo feudale accanto a scene
di lotta assolutamente al di
fuori del possibile, il bene che
trionfa sul male ma a caro
prezzo, e la scontata storia romantica
tra il samurai e la nobile
in astinenza di atti passionali
(amore impossibile perchè
caste diverse non potevano
sposarsi tra loro). A questo si
aggiunge poi la consueta cifra
horror della storia, con demoni
e orchi sempre intenti a spartirsi
le sfortune di esseri umani
che finiscono puntualmente tra
l'incudine e il martello, manifestazioni
infernali il cui design ha
perso un po’ di tono per colpa
(o merito) di Keita Amemiya,
folle illustratore giapponese che
preferisce l'inquietante allo spaventoso.
Un passaggio di mano
piuttosto evidente se si presta
un occhiata ai boss del gioco,
fantozziani oltremisura, sicuramente
più motivati e caratteristici
rispetto al primo Onimusha
ma comunque troppo
scanzonati per incutere tanto
timore quanto i predecessori.
Lacrimuccia infine per gli
sfondi delle pergamene, ora più
banali e non separabili dal testo.
_____Appunti sulle tecniche
shinobi di Jubei
Onimusha 2 si conclude col
botto, in un tour de force di
filmati adrenalinici e di difficili
combattimenti all'ultimo sangue,
in un culmine narrativo e
ludico che è il loto all'occhiello
di questo sequel. Longevo, curato,
con il migliore sistema di
combattimento mai visto in un
adventure: più vario di quello
del primo capitolo, più bilanciato
di quello di Devil May
Cry, più frenetico di quello dei
vari Resident Evil o Dino
Crisis. Un Ninja Scroll in poligoni
(o quasi) che scavalca in
ogni ambito il suo predecessore.
Da comprare ora.
__________________Note
30
[ 1 jidaigeki (da leggere: gidai
ghechi): film di costume. Il jidaigeki
è l'unico genere cinematografico
giapponese che
riesce a competere con lo strapotere
nel mercato interno dei
film gialli e di quelli romantici.
Vengono quasi tutti girati a
Kyoto, città che ospita giganteschi
teatri di posa e uno sterminato
centro storico perfetto
per girare scene d'ambientazione
medievale. Al vantaggio
di questa specie di Hollywood
naturèe, si deve sommare il costo
pressoché irrisorio dei costumi
(i kimono, anche quelli
da cerimonia, sono usati tutt'
oggi) l'impeccabile stato in cui
sono mantenuti templi e castelli
(tutti in assi di legno che vengono
periodicamente sostituite)
e l'incontaminazione delle campagne.
Sia in ambito produttivo
che tematico condivide molti aspetti
con il western americano.]
[ 2 Le immagini a corredo di
questo commento corrispondono
alla versione di Onimusha
per i cellulari.]
Chi non salta è Bianco o Nero______ ________
[Ikaruga]
di Emalord
Hop, Hop, Sal-tellare Sal-tellare
Hop, Hop, Sal-tellare Sal-tellare
Ore 8.00, suona la sveglia. BIP
BIP. Mi alzo, indosso
le mie pantofole
bianche, il
mio accappatoio
nero e mi diri-go
verso il bagno. Mentre mi lavo i
denti mi rendo conto che oggi
non mi sarei dovuto sve-gliare
alle 8.00. Sono in ferie, perdio.
Il bagliore nero di un’
otturazione su sfondo avorio mi
ricorda che in effetti il mondo
non è perfetto, e mentre scaravento
dalla finestra la sveglia
che continua a fare BIP BIP ogni
sessanta secondi mi chiedo
perché non ho studiato da odontoiatra.
Attraverso le persiane
la sento esalare l’ultimo
BIP, mentre il suo châssis bianco
si disintegra sul nero asfalto.
Un attimo dopo sono in cucina,
metto a scaldare un caffellatte
e scendo a ritirare la posta.
Tra quintali di promozionali
cartacei e due quotidiani, una
busta attira la mia attenzione.
Mentre degusto il caffelatte
leggo l’invito contenutovi:
“La Signoria Vostra è invitata
al ricevimento che si terrà nel
Centro Sportivo Treasure della
sua città martedì prossimo alle
ore 16.00. E’ gradito un abito
nero oppure bianco. Si prega di
evitare colori sgargianti”
Genere: Sparatutto
Etichetta: Treasure
Sviluppatore: Interno
Sistema: Dreamcast
Giocatori: 1-2
Versione: NTSC-JAP
Anno: 2002
Il martedì successivo mi presento
con un carico di curiosità
all’indirizzo indicato sull’invito.
Una torreggiante quantità di
casse stereo disposte lungo tutto
il palco appositamente allestito
fa da cornice al Presidente
di Treasure, che pochi istanti
dopo comincia il suo discorso
introduttivo.

:RECENSIONI: Ring#2
“Amici, benvenuti.
I centri sportivi Treasure sono
orgogliosi di annunciare che
da oggi il mondo degli shooter
a scorrimento ha fatto un concreto
passo avanti. L’introduzione
di una nuova disciplina,
il puzzle-shooting, ha di fatto
reso obsolete tutte le passate
tecniche di allenamento e preparazione
sportiva prendendo
le distanze dalla concorrenza
più agguerrita. Il puzzleshooting
non è altro che l’evoluzione
naturale degli shooter a
scorrimento tipicamente arcade.
Fino a ieri Treasure ha subito
la feroce ma costruttiva concorrenza
di altri centri sportivi
tra i quali Technosoft, Konami,
Sega, Squaresoft, che con attrezzature
all’avanguardia come
i modelli Thunderforce, Einhänder,
Gradius, Panzer
Dragoon hanno nel corso degli
anni contribuito a sviluppare
scrolling in orizzontale, verticale,
puntando sull’irrobustimento
sia delle due che delle tre dimensioni.
Ma il limite comune
di tutte queste precedenti metodologie
era un allenamento
mirato alle articolazioni e ai riflessi
motori. Da oggi Treasure
fa un sostanzioso passo in avanti
e punta anche all’irrobustimento
e sviluppo della mente
sincronizzando come mai prima
reazioni motorie con reazioni
neurali, rendendoci di fatto il
franchise di centri sportivi più
innovativo attualmente sul
mercato.
Abbiamo ospite sul nostro tatami
il Professor Ikaruga, fautore
del fenomeno e professore
di Puzzle Shooting a Tokyo,
promotore di questa nuova
attività sportiva in Italia e nel
resto d’Europa, vincitore di diversi
trofei di atletica a livello
intercontinentale.
Lasciamogli la parola.”
“Grazie, esimio collega.
Da quando lo shooting si è
diffuso come attività in tutto il
mondo, abbiamo pensato come
dovevamo approfondirne e migliorarne
le peculiarità se volevamo
sperare di trarne nuova
linfa e nuovi guadagni. Per fare
ciò, abbiamo dovuto esaminare
a fondo le caratteristiche base
dell’esercizio fisico e vedere
quali parti del corpo non sviluppava.
Innanzitutto abbiamo notato
una certa staticità essenziale
delle navette.
In tutti gli shooter del passato
le astronavi in-game erano
una e sola. Upgradabile, evolvibile,
con o senza marmitta
catalitica ma assolutamente dotata
di una sola ed unica personalità.
In Ikaruga [cfr. “Ho dato al
progetto di puzzle shooting il
mio nome”] l’astronave ha di
fatto due personalità. In pratica
il caccia interstellare racchiude
una doppia anima plasmatica
che lo rende di fatto due astronavi
diverse, in una. Basta la
semplice pressione di un pulsante
del joypad e l’astronave
gira su se stessa, modificando
cromatismi dello châssis e dello
scudo. La differenza con gli
shooter del passato è che questa
sua doppia anima influisce
in maniera determinante sul
gameplay, risultandone in un
fattore fondamentale per la sopravvivenza
e non puramente
estetico o legato ad un differente
arsenale di armi.
Per distinguere le due anime
del caccia abbiamo scelto i colori
base Yin e Yang: il bianco e
il nero. Positività e negatività.
Un richiamo ad un vecchio progetto
Treasure, chiamato Silhouette
Mirage, che viste le
sue premesse e potenzialità è
31
E’ usanza, il giorno del matrimonio, che la sposa vesta
di bianco e lo sposo di scuro. Ma da recenti studi è
emerso che nel corso della vita coniugale l’atteggiamento
di vestirsi con colori omogenei porti una
maggiore serenità di coppia. Il Vaticano sta vagliando la
possibilità di celebrare il rito del matrimonio solo in
presenza di sposi in tuta da palombaro.
stato rivisto in maniera sostanziale
nella forma ma non nella
sostanza.
Per stimolare un rapido e tonificante
scambio tra le due anime
dell’astronave abbiamo
messo di fronte all’atleta un
team fortemente motivato diviso
in due sezioni, che bersaglierà
l’utente con proiettili di
plasma bianco o nero con un
unico risultato: la morte, o in
alternativa la crescita della barra
energetica per il super-shot.
A questo punto entra in campo
il fattore “puzzle” di cui andiamo
particolarmente fieri, e
che rappresenta la novità sostanziale
del prodotto Ikaruga.
L’aeronave può assorbire plasma
bianco, quando il suo scudo
plasmatico è dello stesso colore,
mentre sarà irrimediabimente
spazzata via da una folata
di plasma nero se non inverte
subito i cromatismi.
Questo “saltare” dallo scudo
plasmatico positivo a quella negativo,
questo intercambiarsi
dell’aeronave per poter sopravvivere,
non solo apre nuovi orizzonti
sullo sviluppo di cosce,
glutei e polpastrelli ma abbisogna
soprattutto di un fattivo
uso neuronale.
All’inizio sembra tutto facile.
Un sapiente dosaggio delle ondate
nemiche porta il cliente
Treasure ad assorbire i primi
attacchi con una bassa emissione
di sudore e di energie ma
con un lento ma costante riscaldamento
dei fasci muscolari
che così saranno pronti ad affrontare
i livelli più avanzati.
Dal secondo livello, entrano
in campo postazioni fisse che in
alternanza alle veloci astronavi
avversarie cominceranno a
mettere seriamente alla prova
prontezza di riflessi e capacità
Il Tao simboleggia l’ambiguità delle cose. L’assenza di
un’unica realtà e la possibilità di vedere in ogni oggetto o
fatto valenze assolutamente contrapposte. I Level Boss di
Ikaruga si fanno forza di questa filosofia per bersagliare con
combinazioni bicromatiche l’utente in preda al panico, al
quale resta solo da inveire contro chi ha inventato le
filosofie orientali.

:RECENSIONI: Ring#2
decisionale dell’utente.
Ed è in queste fasi concitate
che risalta la legge di Radiant
Silvergun, altro famoso shooter
di Tresure: “non esistono
colpi impossibili”.
Un perfetto dosaggio del gameplay,
una ben definita velocità
e direzione dei proiettili
nemici, il succitato e ben studiato
fattore di puzzling già intravisto
anche in Bangaioh
[Treasure, Dreamcast, 1999], -
rendono questo prodotto difficile
ma non impossibile, tanto
che con una certa pratica ed
uno studio approfondito dei
pattern avversari è possibile
passare attraverso livelli apparentemente
imbattibili senza
perdere una vita.
Completa il quadro una colonna
sonora di tutto rispetto,
che senza essere mai noiosa
accompagna in maniera a tratti
sorprendente tutta l’esperienza
atletica, dando il necessario ritmo
di fondo per sincronizzare le
dita, la mente, ed il piedone
che batte a tempo sul pavimento”
Sono uscito dal centro sportivo
prima della fine della conferenza,
tra i continui applausi
degli astanti e con un gran mal
di testa. Non mi è stato facile
comprendere il discorso del
professor Ikaruga, forse perché
non ho mai seguito corsi di
shooting in passato, forse perché
non capisco cosa possano
avere in comune le astronavi
con i corsi di cultura fisica.
Shooter a scrolling verticale,
plasma bianconero, innovazione,
frenesia, gameplay perfettamente
studiato, prestazioni
tecniche impeccabili, grafica
stupefacente, elementi puzzle,
sono alcuni dei frammenti di
conferenza che mi ronzano in
32
Durante un’eclisse, l’aureola bianco-abbacinante del sole
diventa una corona di luce intorno ad un disco nero che
si staglia su un cielo nero. Difficile dire se il fascino di
questo fenomeno risieda nella presenza della luce o nella
sua assenza. Ikaruga non solo non risponde alla
domanda, ma blasta senza pietà chiunque si ponga simili
assurdi quesiti.
testa la mattina seguente, dopo
un risveglio improvviso e traumatico
causato dall’assenza del
fedele BIP BIP cui ero abituato
da anni.
In soccorso mi viene il quotidiano
regolarmente infilato
nella cassetta della posta.
Mentre sorseggio la mia dose
minima giornaliera di caffelatte,
Rubens Barry mi chiarisce con
un articolo di poche ma incisive
parole l’impatto che Ikaruga ha
avuto sulla comunità ludica,
convincendomi tra l’altro a ripresentarmi
pochi giorni dopo
al centro sportivo Treasure per
iscrivermi alla prima serie di
corsi in programma. Perché
quando un prodotto è della portata
di Ikaruga, vale la pena di
fare qualche sforzo pur di avere
un corpo ed una mente in forma
perfetta anche se non si ha
molta esperienza di shooting e
non si comprende cosa possano
avere in comune le astronavi
con i corsi di cultura fisica.

:RECENSIONI: Ring#2
Finalizza Fantasista!_____________________
[Pro Evolution Soccer 2]
di Sator Arepo
“Rispettate il Calcio, e domate la F.I.F.A.”
Tom Cruise in Magnolia.
Assieme a titoli
come Gran Turismo,Automodellista
e Libero
Grande, Finalizza Fantasista!
testimonia quanto l’idioma
del Bel Paese riesca ad affascinare
gli sviluppatori nipponici;
dispiace pertanto constatare
che, nella versione PAL, tale
suggestivo titolo sia stato cambiato
in favore di un banaleggiante
Pro Evolution Soccer
2. Ma questo, come vedremo, è
uno dei pochissimi difetti attribuibili
al gioco.
La cover della versione giapponese
La serie FF! ha ormai raggiunto
un numero di episodi tale da aver
maturato la sua personalissima
concezione del genere…
Un sistema di organizzazione
tattica e gestione del party forse
più completo di quello dell’
ottimo Final Fantasy Tactics,
con possibilità pressoché infini -
te di variazioni, molte delle
quali attuabili in tempo reale,
senza cioè il tedioso accesso al
menù a tendina, che rimane comunque
privo di eguali per praticità
e completezza di informazioni.
Una dinamica dei combattimenti
al tempo stesso altamen-
te strategica e spettacolare, capace
di unire il tatticismo degli
scontri del sopracitato gioiello
Square con i più immediati
duelli di Grandia. Aggiungendo
al tutto la bellezza di undici
membri del party a combattere,
contemporaneamente sul playground,
un identico numero di
avversari, per mezzo di un sistema
di turni che avremmo
potuto chiamare sferografia, se
non lo avessero già usato altri.
In pratica il susseguirsi dei turni
è scandito dal possesso di
una sfera di cuoio; il giocatore
controlla il personaggio più vicino
ad essa e può decidere se
attaccare l’avversario, oppure
se passare ad un altro membro
del party. Ma in verità è tutto
molto più complesso, e tanto
difficile da spiegare quanto, per
fortuna, semplice nella pratica.
In fine, un numero di personaggi
talmente elevato da far
sembrare in confronto i 108
playing characters di Suikoden
uno scherzo di pessimo gusto.
___Knights of the round ball
Come era logico attendersi, i
combattenti costituiscono il fulcro
di questo RPG. Un impressionante
sistema di statistiche
definisce con grande dettaglio
tutte le razze che popolano il
mondo digitale di Finalizza
Fantasista!…
Ci sono gli Elfi, come Owen
(97 in accelerazione), capaci di
muoversi con tale leggadria da
non spostare al loro passaggio
un solo filo d’erba, così come
nel celebre romanzo di Tolkien
non affondavano nella neve. Ci
sono i Maghi, come Zidane (98
in tecnica), in grado, tramite
sortilegi, di nascondere la sfera
alla vista dell’avversario. Ci sono
i Golem, come Vieri (96 in
equilibrio), che non li fai cadere
a terra neanche con le canno-
33
Genere: Strategic RPG
Etichetta: Konami
Sviluppatore: Konami TYO
Sistema: P(E)S2
Giocatori: 1 2 3 4 5 6 7 8
Versione: PAL
Anno: 2002
nate. Oppure i due Argonath
Nesta e Cannavaro: maestosi.
Tutto questo non considerando
gli innumerevoli multi-classe,
ottimi in diversi reparti, come
Totti.
Un uso accorto di ogni combattente
è naturalmente il modo
migliore per ottenere una
vittoria sul campo; impensabile
infatti effettuare un cross a difesa
piazzata ed un Nano come
Del Piero solitario in area a
ricever palla. Addirittura criminale
sarebbe incaricare la costruzione
del gioco ad un Troll
Gattuso, abile solo nel distruggere.
________Summon Gigi Riva
La conversione PAL di FF!, una
volta tanto, non è quel disastro
a cui molte produzioni “quadrate”
ci hanno abituato: abbiamo
bande nere al minimo storico –
manca però l’opzione per centrare
lo schermo – ed una velocità
di gioco ottimizzata ai 50
Hz che, unitamente alla raggiunta
assenza di rallentamenti,
garantiscono una ottimale risposta
dei comandi. In PES2
non avrete più la possibilità di
giustificarvi con un: “Ma cazzo,
io avevo tirato!”, inoltre potrete
giocare più spesso la carta dell’
azione personale, con maggiori
possibilità di successo, grazie
alla reattivissima corsa del tasto
R2 e ad una variegata scelta
di dribbling.
Tra i difetti segnaliamo l’immancabile
presenza del famigerato
renderware e l’impossibilità
di spostare personaggi da

:RECENSIONI: Ring#2
una squadra all’altra senza passare
per l’editor. Dispiace inoltre
che non sia stato corretto
un difetto di lunga data, ovvero
l’impossibilità di lanciare la magia
off-side se l’avversario non
è entrato in possesso della sfera.
Pare una cosa da poco, questa,
ma di fatto impedisce l’attuazione
del fuorigioco in seguito
ad una respinta con i pugni
del portiere: invece di far salire
istantaneamente la difesa, bisogna
attendere che un avversario
tocchi il pallone, e a quel
punto è in genere troppo tardi
per usare tale tattica.
___This is my football story
E’ risaputo come ogni RPG originario
del Sol Levante ponga
grande attenzione sull’elemento
trama. Producendo, nel corso
dell’avventura, intrecci complessi
e ricchi quanto più possibile
di colpi di classe.
Finalizza Fantasista! non è
assolutamente da meno, anzi,
questo è forse il reparto che, di
episodio in episodio, ha subìto
più migliorie. In particolare sono
le trame di centrocampo a
raggiungere in PES2 lo stato
dell’arte. Ogni passaggio della
sfera deve essere attentamente
ponderato dal giocatore, tenendo
in considerazione l’abilità di
scambio dell’esecutore, la presenza
di elementi di disturbo e
le capacità del ricevente in fatto
di corsa e stop. Un importante
numero di animazioni, aggiunte
in questa edizione, rendono
inoltre possibili tutta una casistica
di eventi che attaccante e
difensore devono giocoforza tenere
in considerazione: infatti
un pallone potrebbe essere male
agganciato e scivolare lontano
dal possessore, oppure un
leggero contrasto potrebbe sbilanciare
quest’ultimo quel tanto
che basta per perdere momen-
taneamente il controllo della
sfera, il tutto senza fare fallo.
Ovviamente sbagliare un passaggio,
soprattutto a centrocampo,
implica il cancel dell’azione
d’attacco e la conseguente
counter avversaria a difesa
indebolita.
______________Meta-RPG
Le più famose riviste americane
del settore hanno parzialmente
stroncato FF! per via di un – a
loro dire – macroscopico errore
di progettazione. Tale errore
consisterebbe nel fatto che le
pur dettagliate statistiche dei
vari personaggi non incrementano
col proseguire del gioco.
Verrebbe così meno un concetto
basilare in ogni RPG esistente:
la crescita del personaggio.
In effetti è vero: con l’eccezione
di alcune voci, come l’affiatamento
con la squadra e la
forma fisica, i personaggi di FF!
sono statici. Nessuna evoluzione
degli stessi. Ma allora, direte
voi, cosa ci azzecca quel “Pro
Evolution” nel titolo occidentale?
E’ presto detto: i miopi magazine
d’oltreoceano non si sono
resi conto che FF! presenta
una innovativa concezione di
crescita. Seguendo la moda
della metareferenzialità in vo -
ga di questi tempi – non dimentichiamoci
che FF! è di Konami
– non sono le statistiche
dei playing characters ad aumentare,
bensì quelle del videogiocatore.
Finalizza Fantasista! è infatti
un RPG che pone grande
affidamento sull’esperienza accumulata
dal giocatore durante
anni di pratica; tutto questo a
discapito dei giocatori casuali,
le cui chances di vincere contro
un avversario più “navigato”
34
sono praticamente nulle. Siamo
di fronte ad un sistema perfetto:
un gioco in cui tutto –
perfino un evento apparentemente
casuale come uno stop
errato – ha una sua precisa ragion
d’essere. In tale meritocratico
sistema, il novellino non
può in alcun caso appellarsi alla
proverbiale botta di culo, ed il
solo modo che avrà per battere
un giocatore di livello superiore
sarà quello di raggiungere e fi -
nanche superare tale livello,
mediante pratica, pratica ed
ancora pratica.
Quindi, per rendere più coreografica
questa crescita metareferenziale,
ogni volta che
completate una giochessa spettacolare,
ogni volta che sforbiciate
a mezzaria, ogni volta che
anticipate il portiere ed insaccate
con un tuffo di testa, ogni
volta che pennellate una punizione
al sette, ricordatevi di posare
a terra il joypad, poi spiccate
un salto e, con un pugno
alzato, gridate: “LEVEL UP!”.
Un simile gesto andrà ad accrescere
la sospensione d’incredulità
e non mancherà di far incazzare
il vostro avversario. Ma
fa tutto parte del gioco.
Un acquisto obbligatorio.
Ultimora
Dopo centania di migliaia di caratteri
spesi dai fan in illazioni nei
newsgroup di mezzo mondo, pare
ormai assicurata la conversione
di Finalizza Fantasista! per il
Nintendo Gamecube. Quasi sicuramente
non si tratterà di un porting
fedele; i combattimenti, infatti,
si avvarranno di meccaniche
di gioco semplificate – arcade, direbbe
qualcuno – rispetto all’originale
per PS2, inoltre, per rendere
evidente il summenzionato
divario stilistico, verrà cambiato il
titolo in: Chronista Crossa!
L’uso di termini italiani nei giochi
giapponesi pare aver raggiunto
livelli di guardia…

:RECENSIONI: Ring#2
Tensione al controllo ____ _
[Super Metroid]
di Federico Res
Non uno shooter
– anche se potrebbe
sembrarlo
– nemmeno un
platform. Non un
adventure, né un RPG. Ma tutte
queste cose insieme. Brani consistenti
di DNA tecnoludico –
estratti da generi diversi – mescolati
nel calderone fumante
delle officine Nintendo, ricetta
di papà Miyamoto. Perché, sebbene
nei titoli di coda il nome
del creatore di Mario non compaia,
sarebbe da orbi non riconoscere
il suo tocco genial/innovatore
nella struttura gamedesignica
di Super Metroid.
Come sarebbe da fessi non accorgersi
degli intimi legami esistenti
tra i fondamenti di SM e
quelli di Zelda, vero manifesto
dell’opera miyamotiana. Ma
non è nostra intenzione incensare
il designer Nintendo ad libitum,
vogliamo dar spazio ad
un’opera d’eccezione, squisitamente
unica. E se avete fame
di nomi, segnatevi questi: Yoshio
Sakamoto, Makoto Kanoh
e Kenji Yamamoto, rispettivamente
regista, produttore e
musicista di Super Metroid.
Imparateli bene, perché si tratta
di alcune delle menti dietro
ad uno dei migliori giochi mai
prodotti su SNES...
Caccia.
Violenta e cervellotica. Samus
Aran è in lizza per il ruolo di distruttrice
della stirpe Metroid,
più che mai decisa a compiere
la propria missione di sterminio.
Costretta nel proprio esoscheletro,
plasma gun e cartuc-
ciera alla mano. Nel profondo
dei submeandri di Zebes, ove
tutto ebbe inizio...
Bastardamente complesso.
Intricato da far paura. Ventre
pulsante di Zebes è un insieme
di sei regioni intrecciate a mo’
d’ecosistemi diversi e simbiotici.
Crateria, Maridia, Wrecked
Ship, Brinstar, Norfair e Tourian:
inutile rilevare come ogni
regione ostenti il proprio campionario
di flora/fauna indigena,
e come i pattern del gioco
tendano a molestare/lambire i
tratti geo-architettonici di ogni
ecosistema. Superfluo sottolineare
la prestanza del reparto
offensivo - si va dai missili alle
super-mine, dai proiettili one
shot ai laser multipli. Fottutamente
necessario osservare come,
accanto ad un eccellente/
eterogeneo level design, il gioco
offra un altrettanto variegato/intrigante
gameplay, e un
sistema di controllo prossimo
alla perfezione. Samus corre,
salta, spara, distrugge. E’ in
grado di ‘deporre’ bombe a orologeria
dai molteplici usi, è solita
mutare il proprio esoscheletro
in una sfera capace d’insinuarsi
nei cunicoli più stretti.
Azioni semplici, azioni composte.
Otto direzioni, otto tasti...
Tensione al controllo.
Super Metroid è un mondo.
Vortica sopra un nucleo action/
adventure per concedersi
splendide incursioni nel platform
e intelligenti tratti enigmistici.
Ma ciò che sottende a
tutto il resto, il senso ultimo di
SM è qualcosa di più... è qualcosa
chiamato controllo. Perché,
alla fin fine, ogni caccia
che si rispetti si basa sul controllo,
e SM non fa eccezioni: è
una geniale escalation di stampo
gdr, una necessaria/costante
tensione verso l’evoluzione.
Quella dell’avatar, quella del
gameplay: in SM il controllo su
Zebes si conquista a suon di
35
Genere: Sh/Adv/Plat/RPG
Etichetta: Nintendo
Sviluppatore: interno
Sistema: SNES
Giocatori: 1
Versione: PAL
Anno: 1996
nuovi hardware trovati. Ogni
oggetto raccolto è un traguardo,
una rosa di possibilità ine -
dite, un’evoluzione nel gameplay.
Samus ottiene l’Ice Beam
=> il giocatore è in grado di
congelare i nemici e usarli
come piattaforme per raggiungere
zone prima fuori mano.
Samus scova la Gravity Suit
=> il giocatore si libera dall’ingombrante
attrito dei fluidi. E
ancora. Quando saggiare il terreno
a suon di bombe perde il
fascino e l’utilità iniziali, il gioco
fornisce a Samus l’X-Ray: al
giocatore è data la possibilità di
sondare ogni centimetro della
mappa di gioco coi raggi x, e il
controllo sul mondo di Zebes
cresce esponenzialmente...
Contrappunti parossistici.
Super Metroid invita il giocatore
in spazi enormi e sterili,
per poi scaraventarlo in passaggi
angusti e stipati di trappole
e nemici. La superficie deserta
e spazzata dal vento di
Zebes è una fredda accoglienza,
un preludio agli infidi sotterranei.
I corridoi deserti, la
latitanza di forme di vita diverse
da Samus stimolano i nervi
a fior di pelle. Attesa. Fraseggi
di bassi tenaci sferzano la neb-

:RECENSIONI: Ring#2
bia e il silenzio. Samus S’imbatte
in una statua che reca in
mano un misterioso dono. Lo fa
suo: si tratta di cinque missili
per il suo fucile. Non la vediamo,
però sorride… improvvisamente
la terra trema, le sferzate
del sub woofer esplodono
in temi sinfonici di raro impatto,
la statua si anima e Samus
è costretta allo scontro: l’essenza
di SM si palesa in tensione
parossistica. Il controllo,
si diceva, si nasconde nelle movenze
di Samus. Otto direzioni,
otto tasti, una quantità imbarazzante
di azioni performabili:
lo scontro costringe ad agire, a
pensare, a ragionare sul modo
d’agire. E’ uno schema strategico,
minuziosamente preparato,
e solo in rare occasioni
lascia correre un’azione avventata
o un colpo sparato a vuoto…
36
Accanto ad un mirabile concept,
Super Metroid affianca
un altrettanto superbo design.
E’ un rincorrersi di contrappunti,
una tensione al controllo,
una caccia dove ogni errore
può rivelarsi fatale. Al di là d’o -
gni descrizione, SM è uno dei
più grandi giochi mai prodotti
per SNES. E dunque uno dei
migliori di sempre…
Lo spirito nel guscio _
[F-Zero X]
di Federico Res
_____________1998/2002
“L‘impatto con F-
Zero è sconcertante.
Non per opulenti
barocchismi estetici,
bensì per la loro
assenza: i tempi esigono il sangue,
quello della macchina,
l’orgia visivo-uditiva veicolata
dalle nuove tecnologie. In tal
senso, F-Zero X è un pestone
in un occhio. Un frame rate
graniticamente stabile, fluidità
fuori del comune, ma numero
poligonale [numero dei poligoni
contemporaneamente su
schermo] pressoché ininfluente.
Velocità e fluidità in asettici
condotti [piste] librati su fondali
poliedricamente inesistenti.
Colori vividi e luminosi, tutto il
contrario delle atmosfere cupe/
cyberpunkeggianti wipeoutiane.
A Nintendo frega poco delle apparenze
e, per dio, si vede eccome.”
_____________1998/2002
“L’impatto con F-Zero X è devastante.
E non per - assenti –
ridondanze tecniche. Quanto
perché, nel suo guscio stilizzato,
F-Zero racchiude un gameplay
- IL gameplay - che è spirito
e soffio vitale. E viene subito
fuori, dopo pochi istanti di
gioco, quando l’iniziale riluttanza
dovuta alle mancanze del
lato tecnico ha ormai i secondi
contati. Ti esplode in faccia, folgore
rivelatrice nei neofiti, ennesima
conferma (come se ancora
ce ne fosse bisogno) presso
i fan di vecchia data. Selezionato
il veicolo - scelta obbligata:
Blue Falcon - e il primo
dei cinque campionati a disposizione
- Jack Cup - F-Zero X è
più che disponibile a regalare
un’esperienza ludica unica, sorretta
dai possenti pilastri made
in Nintendo:
Libertà di movimento: le
piste di F-Zero sono immense
per estensione, sia in lunghezza
sia in larghezza. Dentro a quel
guscio c’è tutto lo spazio di cui
si ha bisogno per accelerare,
frenare, roteare, girare intorno
alle navi avversarie… F-Zero X
dona al giocatore una libertà
spaziale che scongiura - anche
se non del tutto - intransigenze
e pretese di perfezione curvistica.
Giocabilità: i trenta veicoli
di F-Zero X si lasciano guidare
come gusci di noce sull’acqua.
Un tasto per accelerare, uno
per richiamare il superboost
Genere: Futurace
Etichetta: Nintendo
Sviluppatore: Interno
Sistema: Nintendo 64
Giocatori: 1-4
Versione: PAL
Anno: 1998
(disponibile dal secondo giro in
avanti), i dorsali L e R adibiti ad
aerofreni/inclinatori. E una leva
analogica che funge da sterzo:
un modello di guida che permette
d’inclinare l’asse longitudinale
del veicolo soltanto durante
i salti, liberando il giocatore
dal controllo di un parametro
fondamentale - quanto
ostico da padroneggiare - nel
psygnosyano Wipeout.
Longevità: oltre alle varie
modalità di gioco (Death Race,
Time Attack, etc.) F-Zero X
propone cinque campionati diversi
(Jack Cup, Queen Cup,
King Cup, Joker e X Cup) costituiti
da sei tracciati ciascuno,
per un totale di...
Nintendo Difference: per
un totale, si diceva, umanamente
non calcolabile. Le piste
di F-Zero X sono virtualmente

:RECENSIONI: Ring#2
infinite, grazie ad un algoritmo
abilmente implementato da
Nintendo nella X Cup. Ad ogni
partita le sei piste dell’ultimo
campionato si reinventano da
zero, mantenendo un’architettura
strutturale semplice ma
sempre efficace: alcune puntano
sulla pura velocità – prendendo
a modello il tracciato Silence
-, altre prediligono gallerie
interne/esterne o manto
stradale parabolico - rifacendosi
a White Land 2; altre ancora
offrono loop e superfici ghiacciate,
assenza di guard rail,
tratti infidi e curve a gomito. La
X Cup è un mutevole crogiolo
d’idee, prende spunto dai primi
quattro campionati e rielabora -
costantemente - tutti gli elementi
inseriti da Nintendo in F-
Zero X...”
_____________1998/2002
…allo stesso modo, F-Zero X è
la straordinaria sintesi di tutti
gli elementi portanti dei racing
futuristici, epurata dagli orpelli
più tecnici. Nel sistema di controllo
– ispirato a quello di Wipeout,
a sua volta derivato dal
primo F-Zero per SNES -, nella
conformazione dei tracciati,
nella semplicità del modello di
guida collimano alla perfezione
tradizione e modernità. F-Zero
37
X è un gioco puro, il più puro
che esista. Un guscio perfettamente
sferico, cesellato con
cura da Nintendo, ripieno di un
antico spirito che se ne frega
delle apparenze…
Crepuscolo… el di Lei abbraccio _
[Castlevania Harmony of Dissonance]
di Nemesis Divina
_________Clavicembalo nel
chiar di Luna
“When the sun has wept upon
the waveless lake, and the
mists steal in with ease…”
E’ un sangue predestinato,
quello
che scorre nelle
mie vene. Mia la
memoria degli Avi,
eredità d’altissimo lignaggio
che ha attraversato gli oceani
del tempo e che arriva oggi a
me, immacolato e scarlatto
flutto di vita. Carico a spalle la
nomea di antichi e gloriosi, Essi
han fatto Leggenda e vergato
pagine di vicende e perigli contro
il demone Uno, progenitore
infernale, padre di tutti i succubi,
immonda schiatta d’una
dimensione di grido e disperio,
ove l’incauto soccombe el tiranno
governa con scettro impietoso
e sordido fare. Serro nei
pugni una stringa di cuoio, arma
leggendaria dei miei passati,
eroici Cacciatori in sigillo
Belmont. La Storia rimembra se
stessa, si guarda e si ritrae in
nuove misure, sempre diverse
e pur’anco medesime. Come
molti prima di me affaccio Castlevania,
angoscioso maniero
dimora del Principe Avverso,
una stele nera e penosa che
sfida ringhiante le terre d’accanto.
M’appresto con sprezzo
in cerca di gloria, mia di diritto,
e sento me presso lo spirito indomito
di gesta trascorse, forse
mai vissute. E che pur ben conosco.
_____ Un rintocco elegante
in foggia pregiata
“A black velvet painting sprung
to elegant life, like a poignant
Madonna perverted to night…”
E son aule fastose che m’appresto
a calcare;
è Morte che arreda e di gusto
Ella abbonda.
Arazzi eccellenti e drappi
orlettati;
Genere: Adventure
Etichetta: Konami
Sviluppatore: Interno
Sistema: Game Boy Adv.
Giocatori: 1
Versione: EUR
Anno: 2002
Bellezza! Ricchezza! Son dame
mai dome.
Impareggiabili artigiani dovettero
servire il Tristo Signore,
ché mai nessun Belmont ebbe
ad incontrare siffatta opulenza.
Di passo spedito dunque mi
muovo, ma lo sguardo sobbalza
d’un capo e dall’altro e maraviglie
inaudite s’impongono agli
occhi: ori ed argenti, candelabri
e lampioni e tessuti regali che
ricoprono le forme e infatuano
il core. E di colori pure accesi,
variegati e di certo splendenti,
per quanto inopportuna bruma
ne offuschi il sembiante. Ed è
un opaco infausto che già cono -
sco dalle cronache del “Circolo
della Luna”, misterioso velo
che cala impietoso sul destino
di taluni frai Belmont. Una nebbia
artifizia che non fermerà il
mio passo come pure non fanno
gli assurdi, aberranti servi-

:RECENSIONI: Ring#2
tori del Maleficiante. Discendenza
corrotta e d’astratte fattezze,
numerosissimi bravi al
soldo del Nero ma pure mostruosi
eccellenti, di pernicioso
splendore, coperte d’orrida aura
eppur sì composte nel sembrare
e nel fare che non posson
che muovere l’ammirazione entro
me. Osceno di tutte le razze
e grandezze mi appare davanti,
corpuscoli scialbi e corazzati titani
e su tutti i Luogotenenti
del Signore del Vuoto:
Sulfurea semina del Principe
Notte;
aborti del buio che calano a
frotte.
Su gambe ferrose o con ali
piumate;
fra vesti di fuoco e in squame
annerite.
Davvero un circo complicato,
grosso e arlecchino ma, nel nome
di Belmont, tutto questo
non avrà benché minimo sentor
di vittoria:
Crollano inermi sotto corda
ferale;
Un sibilo! Un colpo! El nemico è
sepolto.
Avanzo indefesso, con rapido
passo;
nell’aria una nenia di malo
composta.
Il musico di corte esegue svogliato.
Eppur rammento d’altri
temi eccellenti che ebbero a
scortare gli Avi miei noti. Musicamenti
fatti di voci solenni e
d’orchestre capaci, ottoni
splendenti ed archi sì arditi.
Or’io che sento? Strimpelli e
steccate su composti annoiati;
null’altro che un sinfonico incompleto.
Eppur tollerato compagno,
ché nel silenzio che ottunde
persino il gracidare d’un
rospo è tristemente gradito…
___Dal sepolcro, la memoria
alleata
“Lo! The pale moonlight, waves
a poetic spell of vital death and
decline…”
Ma non di Belmont è il mio ricordo
più grande. Ché di queste
stanze ho distinta memoria e
mi si tramanda dal tetro compagno
dell’avo mio Richter, impenetrabile,
gelido et pallido
Alucard. Giacché questa stessa
fortezza mi ritorna alla mente
attraverso i suoi occhi: stessi
gli informi, mostruosi miei avversi,
uguali le sale, di foggia e
fattura. E come pure il mesto
Alucardo, io anche affronto
due aspetti di medesima
rocca; ma ben più sinistro il
mio ardire, ch’egli al tempo ebbe
ad affrontare un chiaro rovescio
di medaglia mentre io
sobbalzo e divido di continuo
fra due spettri vicini, un’immagine
riflessa del castello istesso
eppur svilita, tumida, più violenta
e animosa. E di porte assai
tante è seminata la via, che
portano d’un capo all’altro del
gelido mausoleo e dell’infame
miraggio suo cupo. E innanzi e
in ritorno, la via è smarrita di
spesso e continuo. E legioni e
legioni di morti e feroci:
In soccorso magie ed incanti
superni;
fantastici accrocchi e le armi
fatate;
che di scure o pugnale ferisce
lo corpo;
o con liquido e croce
scongiurano il morbo.
E ancora:
Vocabolo sacro che d’un libro
se n’esce;
e muta con l’arma in giudizio
celeste.
Acqua! Soffiore! Di Fiaccola in
Lampo!
38
Magico Spirito, errante
irrequieto!
Che cangia repente in fantasma
adirato.
Agile mi muovo, imprendibile a
tutti. Sono il padrone di scarti
felini e balletti inconsulti:
Due balzi nell’aere e slittate
feroci,
e su fin nel cielo in colonna di
luce.
e passeggio il soffitto con stile
e diletto
mordi la sferza, indi giaci
disfatto!
Stoccata rapace per l’inerme
nemico! Essi crollano come fusti
novelli, è una messe danzata
che non richiede fatica e così
fino al Vampiro, satanasso impunito,
che di Castlevania è
reggente nonché simbolo osceno.
Il suo incanto su Maxim,
come un giorno su Richter, è
un misfatto celato dapprima ai
miei occhi. Vago in cerca di reliquie:
le parti di un corpo, del
Negro Sovrano, che giacion disgiunte
in remoti passaggi. Io
cerco e non trovo, e sento che
Morte, di laggiù, ride sempiterna
ché dietro v’è Lei e l’orrenda
cospirazione della Tenebra Occulta.
Ma’l tempo scarseggia e
l’ombra è calante.
Il Sole s’acceca, pauroso a
ponente.
Rotea la stringa che schiocca
funesta
Vampiro! Ammorbante!
Preparati in resta!
La cinghia di cuoio nel sangue
si bagna…
Ombroso! Sciacallo! Sei pronto
alla pugna?
Le note d’apertura di paragrafo
fanno riferimento alla canzone:
“Dusk… and Her Embrace” contenuta
nell’omonimo album
composto dai “Cradle of Filth”
[1996 - Music for Nations]

:TESORI SEPOLTI: Ring#2
Vertigo, ovvero l’elogio della verticalità______
[Jumping Flash]
di Marco Barbero
Più che un tesoro
sepolto, uno
dimenticato. Molto
si potrebbe
scrivere a riguardo
di Jumping
Flash!, ma non
che abbia dato il
La ad una rivoluzione. Jumping
Flash! è un sovversivo in
un mondo conformista, è un
profeta nel deserto. E’ pure un
po’ sfigato, perché è davvero
iettatura fantozziana essere il
pioniere storico dei terreni tridimensionali,
colui che ha conquistato
e colonizzato le piattaforme
sull’asse Z, e non vedersi
riconosciuto alcun merito e/o
primato. E’ avversione cosmica
sfidare le regole del game design
e non figliare alcun filone.
Un precedente isolato, ecco cos’è
Jumping Flash!. Alla faccia
di chi “Oh, Super Mario 64 è il
primo platform 3D della storia”.
_______L’ignoranza detersa
Terra, 1995. Il poligono fagocitava
pixel su pixel di mondi in
bitmap. Era il nuovo che avanzava,
era la seconda repubblica
e come tale era identica alla
prima. Cambiavano le facce,
quasi per nulla le abitudini. Picchiaduro,
sparatutto, giochi
d’azione… erano poligonali, non
tridimensionali. Tra i pochi a
convogliare la potenza (da non
sottovalutare) di PlayStation in
approcci genuinamente nuovi
alla res ludica, Exact si ritagliò
un posto d’onore: un futuro loculo.
Quello che sarebbe venuto,
tuttavia, non è oggi pane da
addentare. Oggi è il giorno
dell’elogio della verticalità, della
vertigine, del cunnilinguus del
dito saettante come un’appendice
rettiliana che, accarezzando
in triplice manovra un umidiccio
tasto X, proiettava un
coniglio robotico nomato Robbit
nella stratosfera digitale, tra le
inebrianti sferzate del vento
d’altura.
Un’idea semplice bastò a
spiazzare tutti. Guardando le
immagini di Jumping Flash!,
inchiodati come si era a una
mentalità a due dimensioni, si
faticava a coglierne il concept.
Asserragliando le proprie dita al
pad, di converso, non si poteva
fare a meno di picchiarsi in testa,
accendendo la metaforica
lampadina in un implicito “come
hanno fatto a non pensarci
prima?!”. Jumping Flash! era
il platform visto da Doom. Incastrare
la telecamera virtuale nel
capoccione di Robbit fu sufficiente
a dare, letteralmente, un
nuovo punto di vista al genere.
Jumping Flash! lo giocavi in
prima persona, vivendone ogni
balzo, propendendo all’infinito
in slanci potenzialmente illimitati.
Come se fosse naturale, ci
si muoveva rapidi in una sinfonia
di piattaforme, isole fluttuanti
in un mare di giocabilità,
sospese. Vedere il mondo dagli
occhi del protagonista rimescolava
non solo i meccanismi ludici,
srotolava metri su metri di
intestino per poi rimescolarli ad
ogni caduta. In un mondo videoludico
che viveva le sue prime
esperienze tridimensionali,
le cadute verticali messe in
scena da Exact smuovevano
qualcosa dentro: dall’eccitazione
al tacchino di Natale. La perfidia,
e l’attenzione alla fruibilità,
posta nella gestione del sal -
to prevedeva infatti che il balzo
successivo al primo inclinasse
automaticamente all’ingiù la te-
39
Genere:
(Oryctolagus cuniculus)
Coniglio
Domestico
Etichetta: SCEI
Sviluppatore: Exact
Sistema: Playstation
Giocatori: 1
Versione: NTSC-JAP
Anno: 1995
stina metallica di Robbit inquadrandone
i piedi. E’ facile immaginare
quanto questo piccolo
espediente, oltre a permettere
di gestire al meglio gli atterraggi,
amplificasse enormemente
la portata ansiolitica del terreno
che si allontanava o si avvicinava
a velocità da sfracellamento.
La meccanica sottesa al folle
saltellare non era geniale. Sospese
nell’aria, camionate di
piattaforme: grosse, piccole,
piatte, voluminose, quadrate,
triangolari, presidiate da nemici
incazzosi o abitate da utili power
up (tempo aggiuntivo o armi
più potenti dello sparo standard).
Tra di loro Robbit, in
voli pindarici proteso verso la
raccolta di quattro carote quattro.
E poi via verso l’uscita. Il
conto alla rovescia scandiva il
ritmo da imporre al proprio
deambulare: tranquillo nei primi
livelli, quasi forsennato nelle
fasi finali. A spezzare la routine
il trittico composto da quadri
bonus, scontri con mastodontici
boss e sezioni (invero un po’
povere) da sparatutto in prima
persona. Tutto qua, effettivamente
sul lungo periodo un po’
poco. Jumping Flash! avrebbe
di certo beneficiato di qualche
colpo di genio in più, di un design
più ambizioso, eppure era
ed è pieno di magia. L’esplosione
del triplo salto di Robbit
donava libertà. Vagando so -
gnanti tra le masse poligonali si
perdeva poco a poco peso. Ci si
sintonizzava interiormente sulla
leggerezza esteriore dei luoghi,
sul coro di spazi aperti, sugli

:TESORI SEPOLTI: Ring#2
assoli di longitudine poligonale.
Ora coccolati dal soffio leggero
del vento d’altura, ora risvegliati
dalla vertigine, si scandagliavano
e apprezzavano gli
orizzonti e i profili dei paesaggi:
il clima bucolico del primo mondo,
la gioia bambinesca del luna
park del terzo e poi le musiche,
serrate quando serviva,
ariose nella maggioranza dei
casi nel riuscito tentativo di donare
ancora più spazialità a un
esistenza ludica apparentemente
priva di confini. Nei primi minuti
si perdeva l’orientamento,
curiosi di raggiungere ogni anfratto
del livello, in quelli successivi
il tempo incalzava e i
ritmi cambiavano forma.
Jumping Flash! era un brano
drum n’ bass da interpretare:
lento e rilassante nella
sua forma estetica e indiavolato
nelle ritmiche. Jumping Flash!
era da ballare fuori tempo, accompagnandosi
a un cantato
cadenzato
“Slancio longitudinale
soppressione gravitazionale
spazi da colonizzare in vuoti
pneumatici
palle di vetro avvolgono
mondi catartici
isole fluttuanti in treddì
poligonale
esplosione verticale
esplosione verticale
esplosione verticale”
__Odierno disseppellimento
Jumping Flash! è vincente
nel suo riuscire a rappresentare
tutt’oggi qualcosa.
Prodotti del genere, facenti leva
pesantemente sulla rottura tecnologica
portata da nuove
tecniche, rischiano un’obsolescenza
prematura. L’indirizzo
stilistico operato da Exact, invece,
risulta pregevole anche ai
giorni nostri. La chiave è nel ri-
fiuto del realismo a tutti i costi.
La forte stilizzazione di ogni
elemento grafico trasmette una
vitalità e una classe che, se
maneggiata da artisti meno capaci,
avrebbe strillato da ogni
pixel una genesi forzata da limitatezze
computazionali. I
pellicani disegnati con una decina
scarsa di poligoni, per esempio,
avrebbero denunciato sicuramente
l’arretratezza del motore
grafico rispetto alle brillanti
cosmesi odierne, ma così
non è. Jumping Flash! è minimalista,
mai povero. La forza di
tale scelta estetica è evidente
nei rari momenti in cui il platform
di Exact palesa i limiti tecnologici
del ’95, ricercando
sprazzi di verosimiglianza visiva.
Le primordiali texture che
adornano il livello à la Doom
all’interno della piramide egizia
imbarazzano, simulando effetti
di luce eccedenti l’allora livello
di conoscenza dei chip di Play-
Station. E se nell’Anno Domini
2002 i vuoti d’aria virtuali non
ingarbugliano lo stomaco con la
stessa intensità di allora, la
capacità di divertire è la mede -
sima di quando lo sguardo vacuo
fissava lo schermo immaginando
a cosa un tale approccio
ludico avrebbe portato. Il
futuro avrebbe risposto pragmatico:
un paio di seguiti, una
sorta di spin off (il tie-in di
Ghost in the Shell) e poco più.
L’anno successivo Super Mario
64 avrebbe monopolizzato la
scena, impallando con la sua
mole ingombrante la telecamera
di chi aveva scelto di riprendere
il mondo delle piattaforme
dal punto di vista di Doom, dagli
occhi di un robottino conigliforme
con il vizio del decollo
(e caduta) verticale.
40
Errata Corrige
Nel precedente numero di
Ring, all'interno della Errata
Corrige di pagina 19, è stata
corretta la definizione “genere”,
nella recensione di Virtua
Fighter 4, da “platform” a
“picchiaduro”. Abbiamo controllato
e, in effetti, Virtua
Fighter 4 è proprio un platform.
Il revisore probabilmente
è stato tratto in inganno dall’
intrinseco difetto del titolo di
essere troppo incentrato sui
combattimenti.

:RUBRICHE: Ring#2
L’Ultimo Samurai________________________
[Hiroshi Yamauchi: il nonno che non si spezza e non si piega]
di Gatsu
Prima che Microsoft si rassegnasse
a fare tutto da sola a
proposito del progetto Xbox,
Bill Gates e i suoi scagnozzi
provarono a sondare il terreno
in diverse direzioni, cercando di
accaparrarsi con la forza la collaborazione
di alcune storiche
aziende nipponiche. Fra queste,
Sega e Nintendo. I fatti hanno
fortunatamente dimostrato che
nessuna delle due ha ceduto alle
lusinghe dei fruscianti dollaroni
americani, ma mentre per
la prima l’acquisizione da parte
di Microsoft sarebbe potuta essere
una concreta possibilità
(evidentemente i dirigenti “segaioli”
hanno intravisto maggiori
guadagni in una politica
multipiattaforma sulla lunga distanza,
come effettivamente è
stato), per Nintendo esiste un
divertente aneddoto. Minoru Arakawa
(ex presidente di Nintendo
Of America) ha dichiarato:
“Prima del lancio del Gamecube
in Giappone ricevetti la
telefonata di uno dei dirigenti
Microsoft. Mi disse che la sua azienda
intendeva comprare Nintendo.
Lì per lì pensai che si
trattasse di uno scherzo. Noi
non avevamo bisogno di denaro!”.
Appare evidente come Microsoft
non avesse nemmeno
messo in conto che un’azienda
potesse rifiutare di essere acquisita
a suon di vagonate d’oro…ma
agli occhi di un hardcore
gamer tutto si fa nitido e distinto…forse
ce l’hanno insegnato
anche i videogiochi: “non tutto
è in vendita”. L’atteggiamento
di Arakawa rispecchia pienamente
il modo di porsi di Hiroshi
Yamauchi, l’uomo che
per 53 anni guidò Nintendo
e che plasmò l’azienda a sua
immagine e somiglianza.
_______________L’infanzia
Nel 1927 Shikanojo e Kimi Yamauchi
ebbero un figlio, Hiroshi,
il primo maschio Yamauchi
in ben 3 generazioni. Quando
Hiroshi aveva solo 4 anni il padre
abbandonò lui e sua madre
Kimi. Kimi si trasferì poi da una
delle sue sorelle, lasciando ai
genitori (Sekiryo e Tei) il compito
di crescere Hiroshi. I genitori
di Kimi crebbero Hiroshi in
maniera severa, ansiosi di trasformare
il ragazzo in un uomo
di buone maniere. Come era logico
aspettarsi, Hiroshi si ribellò
ai nonni divenendo sempre più
intrattabile e arrogante. Era un
ragazzo robusto, di bell’aspetto
e che si vestiva in abiti eleganti
e costosi. Nel 1940 iniziò a frequentare
la scuola di Kyoto, ma
presto venne la guerra…
Felice
________La Scuola Militare
Tei si rifiutò di mandare Hiroshi
nell’esercito, e lo spedì alla
scuola militare, dove perlomeno
avrebbe potuto mangiare senza
problemi la sua porzione di riso
giornaliera (vi ricordo che in
quegli anni in Giappone il cibo
era molto scarso, e la gente si
cibava principalmente di patate,
alimento notoriamente di
scarso valore nutritivo). Già a
quest’età Hiroshi iniziava a dimostrare
la stoffa del leader:
intortandosi uno dei superiori
(spartendo con lui le sue porzioni
di cibo) Hiroshi riuscì a evitare
gran parte del lavoro che
aspettava gli allievi della scuola
militare e garantendosi quasi
ogni giorno il pomeriggio libero.
41
_____________La Famiglia
Quando suo padre Shikanojo
tornò per rincontrarlo, Hiroshi
si rifiutò di parlargli e lo umiliò
per quello che aveva fatto in
gioventù. Non vide mai più
nemmeno sua madre. Quando
Hiroshi fu vicino ai 30 anni lo
contattò una sua sorellastra di
cui non conosceva l’esistenza, e
gli disse che Shikanojo era
morto d’infarto. Hiroshi decise,
dopo un intero giorno di riflessione,
di partecipare al suo funerale,
dove conobbe la seconda
moglie di Shikanojo e 4 fratellastri
di cui non conosceva
l’esistenza. Quando uno di loro
gli disse che somigliava molto
al padre, Hiroshi si pentì di non
essersi riconciliato con il genitore,
e da quel giorno il suo carattere
divenne meno aggressivo
(per modo di dire… continuate
a leggere…).
Triste
_______________Nintendo
Quando la guerra finì, Hiroshi
iniziò a studiare all’Università di
Waseda e più tardi si sposò con
Michicko Inaba. Suo bisnonno
Fosajiro aveva fondato una società
chiamata Nintendo Koppai
nel 1889, che dal 1929 cominciò
a produrre carte Hanafuda
(in sostanza carte per un complesso
gioco giapponese). Nel
1949 Hiroshi divenne il 3° presidente
di Nintendo introducendo
immediatamente importanti
cambiamenti: primo fra tutti il
licenziamento di tutti i suoi parenti
stretti e la precisa volontà
di non essere contraddetto in
quanto unico detentore del potere
su Nintendo! Dal 1965 Nin-

:RUBRICHE: Ring#2
tendo Company Ltd. si dedicò
alla produzione di giocattoli, e i
primi passi verso l’elettronica
furono opera di Gunpei Yokoi,
un geniale impiegato che progettò
l’UltraHand (1970) e un
fucile a raggi di luce (1971),
successivamente utilizzato per
simulare il tiro al piattello (Laser
Clay Pigeon System). Nel
1977 uscì la prima console Nintendo,
chiamata Color Tv Game
6, frutto di accordo con Mitsubishi.
La console fu accolta con
un moderato entusiasmo, ma,
sappiamo, Yamauchi non è mai
stato il tipo d’uomo che si accontenta…Fu
così che Nintendo
assunse uno sconosciuto ma
talentuoso programmatore, tale
Shigeru Miyamoto, che iniziò a
lavorare ben presto ad un gioco
ispirato a Popeye. Vistisi negati
però i diritti sui nomi, sorse la
necessità di modificare i protagonisti:
fu così che Bruto venne
sostituito da uno scimmione
(Donkey Kong), Braccio Di Ferro
divenne il baffuto Jumpman
(che venne poi ribattezzato Mario,
vista la somiglianza con
uno dei magazzinieri Nintendo)
e Olivia divenne la principessa
Peach. Nacque Donkey Kong,
un videogioco destinato ad entrare
nella storia. Yamauchi decise
così di investire nuove risorse
in una console tecnicamente
eccezionale, in grado di
sbaragliare tutta la concorrenza:
doveva essere economica
ma in grado di far girare centinaia
di giochi diversi…nacque
così il NES…tutto il resto è storia
(che prima o poi vi racconteremo).
Confuso
_______L’affare Squaresoft
C’è un frangente particolare
della storia dei videogames che
i Nintendari ricordano bene, e
che in un certo senso ha influenzato
il nostro modo di gio-
care degli ultimi anni. Correva
l’anno 1996 quando fu presentato
la prima volta Final Fantasy
7 al pubblico. Nelle intenzioni
di Squaresoft FF7 avrebbe
dovuto essere l’episodio migliore
della saga, grazie al passaggio
dal 2d al 3d che una macchina
come il Nintendo 64 avrebbe
potuto gestire senza
problema alcuno. Ricordo ancora
quando con le lacrime agli
occhi rimiravo le pochissime foto
rilasciate dalla stampa specializzata:
ripetevo fra me e me
“Se il Nintendo 64 può muovere
questa roba, sta per nascere la
console definitiva”. Ma, si sa, le
release date Nintendo non
sempre vengono mantenute, e
il fantomatico 64DD continuava
a subire ritardi sempre più consistenti
(uscì molti anni dopo
solo in Giappone, e per quel
che ne so io fu il più grosso fallimento
di Nintendo dopo il Virtual
Boy), tanto che Squaresoft
decise di spostare il progetto
sulla promettente Playstation
Sony, dotata di un capiente
supporto cd e totalmente in
grado di gestire grafica poligonale.
Fu una ferita crudele
quella che Squaresoft inflisse a
Nintendo, e probabilmente questa
decisione influì negativamente
anche sulle prospettive
di vita del 64 bit (non è un mistero
che anche in seguito
l’N64 rimase quasi totalmente a
secco di RPG). Fu un cambiamento
epocale, una scelta così
grave che comportò la totale
rottura dei rapporti fra Squaresoft
e la grande N, in passato
strettissime alleate. Hiroshi Yamauchi
interpretò questa decisione
come una sorta di tradimento
(non gli si può dar torto,
d’altra parte, visto che la saga
di Final Fantasy rappresentava
già all’epoca un passaporto per
il successo) e promise a se
stesso che mai più Nintendo
avrebbe avuto a che fare con
Squaresoft. All’epoca Squaresoft
non sembrò dispiacersi
molto della notizia: in fondo aveva
trovato in PSX la sua
gallina dalle uova d’oro, e così
è stato fino a qualche anno fa,
quando i conti della casa di FF
hanno iniziato a tingersi pericolosamente
di rosso…
42
Nel tentativo di risollevarsi finanziariamente,
Squaresoft decise
di provare il colpaccio e di
buttarsi nel cinema: un film in
CG ispirato a FF avrebbe sicuramente
giovato alle finanze
dell’azienda. Così non fu, anzi:
Squaresoft sostenne contemporaneamente
le spese per il film
(137 milioni di dollari) e quelle
per la costruzione degli studios
dove il film sarebbe stato realizzato,
per un ammontare
complessivo superiore ai 400
milioni di dollari. Gli incassi furono
tragicamente più bassi
delle aspettative, tanto da non
coprire nemmeno le spese di
realizzazione del solo film. I
motivi principali di questo flop
sono da ricercare in un’attinenza
pressoché nulla con la saga
(giusto qualche accenno ai temi
ricorrenti di alcuni episodi) e da
una sceneggiatura a tratti banale
e noiosa (ma, diciamolo, in
alcuni punti davvero poetica,
come nel finale). Squaresoft si
trovò così in braghe di tela, con
i conti divenuti ormai scarlatti e
ben poche speranze di risollevarsi
senza qualche colpo di genio.
La sorte volle che in quei
giorni venisse presentato il Game
Boy Advance, piattaforma
sulla quale Squaresoft avrebbe
potuto convertire a costo zero
(vista la somiglianza fra l’hardware
del GBA e quello dello
SNES) decine di titoli che nella
loro rinnovata forma portatile
avrebbero potuto garantire valanghe
di denaro in breve tempo
(pensate solo a FFIV, FFV,
FFVI, Secret Of Mana, Chrono
Trigger…).
A questo punto Squaresoft si
accorse dell’errore compiuto
inimicandosi Nintendo, e cercò
di rimediare calandosi i pantaloni
e adulando all’inverosimile
il nuovo hardware della grande
N, confidando nel fatto che anche
Nintendo avrebbe tratto
vantaggio (vendendo più GBA)
da conversioni del genere.
Suzuki Sakaguchi, il presidente
di Squaresoft dichiarò a
proposito del portatilino Nintendo:
“Veramente attraente. Voglio
vedere i nostri titoli su
GBA, vogliamo sviluppare su
questa piattaforma. Faremo del
nostro meglio per avere i nostri

:RUBRICHE: Ring#2
titoli su questa piattaforma” e
ancora “Come presidente sto
lavorando duro per portare la
saga di Final Fantasy sui sistemi
Nintendo, e penso che continuerò
a farlo anche in futuro”.
I nostri però non avevano fatto
i conti con Hiroshi, integerrimo
samurai incapace di recedere
sulla parola data, che commentò
così le dichiarazioni di Suzuki,
gettando nella disperazione
sia i dirigenti Squaresoft, sia i
fan Squaresoft possessori di
piattaforme Nintendo (come
me): “Non c’è nessun contratto
con Squaresoft, e su questo
punto non intendo più discutere
in futuro. Square può dire quello
che preferisce, Nintendo non
ha nessuna intenzione si firmare
un contratto, e ci sono poche
possibilità che questo avvenga
in futuro”.
In seguito i rapporti sembrarono
ammorbidirsi (nonostante
Yamauchi continuasse a negare
ogni relazione, indifferente alle
continue lusinghe di Suzuki),
tanto che un’insistente rumor
parlava di progetti per GBA e
GC che Squaresoft aveva intenzione
di presentare – si dice –
allo Spaceworld Nintendo del
2001. A complicare la situazione
ci pensò Sony, che pochi
giorni prima della presentazione
di questi progetti annunciò
di aver acquistato il 19% delle
azioni di Squaresoft, guadagnando
di fatto l’esclusiva delle
serie Final Fantasy. Nonostante
le crudeli leggi della finanza
non gli lasciassero apparenti alternative,
Sakaguchi perseverò
segretamente nelle sue trattative
con Nintendo (tanto che
venne ufficialmente richiamato
da Ken Kutaragi in persona,
ignaro della cosa), fino a giungere
ad un accordo con Yamauchi:
una neonata divisione
di Squaresoft, la Game Designer
Studios, si sarebbe dedicata
solo ed esclusivamente allo
sviluppo di progetti per GBA
e GC, fra cui una nuova edizione
portatile dell’eccellente Final
Fantasy Tactics e un nuovo
gioco chiamato Final Fantasy
Chrystal Chronicles, sviluppato
su tutte e due le piattaforme e
definito “rivoluzionario”. Tutto
questo nonostante il parere avverso
di Sony, fermamente intenzionata
a non permettere
che il marchio Final Fantasy arrivi
su GC. La possibilità di
infastidire Sony sembrò solleticare
Yamauchi a tal punto (anche
se, a dirla tutta, Sony, in
quanto azionista, non potrà che
guadagnarci) che decise di finanziare
personalmente Game
Designer Studios, sollevando
contemporaneamente i cuori di
tutti i Nintendari ansiosi di poter
rivedere Square sulle proprie
console. Vedremo come si
evolverà la faccenda in futuro…
Arrabbiato
___________Il Personaggio
Abita a Kyoto nella casa che
una volta apparteneva al dottore
dell’Imperatore Giapponese.
E’ stato per 53 anni il presidente
di Nintendo, e sotto la
sua egemonia Nintendo non ha
registrato un singolo anno di
perdita per più di 20 anni filati
(1981-2001). E’ il principale azionista
dei Seattle Mariners,
team di baseball che cresce
ogni anno di più (l’anno scorso
in positivo di 2.6 milioni di dollari).
E’ l’uomo sotto la cui supervisione
sono nati tutti i personaggi
storici di Nintendo: da
Mario, a Link, a Zelda, a Donkey
Kong, ai Pokemon. Chi è (o
cos’è sarebbe meglio dire),
davvero Hiroshi Yamauchi?
La domanda non ha sicuramente
una facile risposta, ma
analizzando la sua storia personale
e le vicende che l’hanno
visto protagonista in tutti questi
anni di presidenza, possiamo
sicuramente dire: un gran bastardo.
Uno con la testa dura,
uno arrogante ma che sa il
fatto suo, un uomo cresciuto in
Giappone quando si andava
ancora in giro con la spada al
fianco, un uomo che non ha di-
43
menticato la lezione che i suoi
progenitori gli hanno tramandato:
l’onore prima di tutto.
Diceva Musashi Miyamoto (il
più grande spadaccino che l’oriente
abbia mai conosciuto. A
lui è ispirato il famosissimo libro
La Leggenda Dei Cinque Anelli,
di Eiji Miyamoto): “Diventerò
il più forte”. Hiroshi sembra
quasi un antico guerriero
voglioso di ripercorrere i sentieri
tracciati da Musashi, più
disposto a fare harakiri che non
a recedere di fronte alle avversità
e ai traditori. E finora ha
avuto ragione lui, se in 53 anni
di onorato servizio è riuscito a
trasformare un’azienda di carte
nella società che conosciamo
noi oggi: una compagnia che
ha inventato un modo di intendere
il videogioco a cui tutti gli
altri poi si sono ispirati, sempre
in grado di innovare un mercato
tendenzialmente stantio e
con un fatturato indecentemente
alto e in perenne crescita.
Forse ora, come un vecchio e
realizzato maestro di katana
preferisce ritirarsi per godersi
gli ultimi anni di vita in pace,
nella consapevolezza di aver
creato una “scuola” destinata a
durare nel tempo. Chissà se il
suo successore Iwata supererà
il maestro, prima o poi. Nel
frattempo noi rendiamo omaggio
all’ultimo dei samurai.
Yamasan Samurai
è opera di STRIX

:RUBRICHE: Ring#2
Game N ________________________________
[Me Nintendo #2]
di Gatsu
Eccoci qui a riprendere in mano il
discorso iniziato nel primo numero
di RING. Cosa ha permesso a Nintendo
di mantenere sempre un livello
qualitativo in-discutibile nel
corso degli anni? Scopriamolo insieme…
___The Nintendo Difference
l 1996 fu l’anno in cui la famosa
Nintendo Difference esplose in
tutta la sua potenza: nonostante
il Nintendo 64 (nome definitivo
del Project Reality o Ultra
64 che dir si voglia) sia stata
una console segnata da scelte
errate e dal “gioco sporco”
della concorrenza, nessuno può
negare che per il popolo videoludico
il suo lancio fu come una
manna dal cielo in termini di
innovazioni hardware e software.
Partiamo dalla console: l’N64
introdusse le quattro porte per i
joypad (oggi quasi un’ovvietà,
escludendo PS2) evitando all’utente
l’acquisto di costosi addon,
una porta d’espansione dedicata
al 64 Disk Drive (periferica
che analizzeremo fra poco)
e la possibilità di espandere
la RAM tramite l’acquisto di un
supporto a parte. Se le quattro
porte pad si rivelarono una
scelta vincente (giochi come
Mario Kart 64 in multiplayer
sono ancor oggi semplicemente
irraggiungibili), e l’espansione
RAM venne sfruttata da più di
un gioco (Turok 2, ad esempio,
visualizzava le texture in
alta definizione, mentre Legend
Of Zelda: Mask Of Majora
ne abbisognava per gestire
il motore grafico), il 64DD si
rivelò un fallimento già dal suo
lungo e travagliato concepimento.
Destinato ad uscire pochi
mesi dopo la console base,
nelle intenzioni dei dirigenti
Nintendo avrebbe dovuto essere
una periferica in grado di
sconvolgere il modo di giocare:
dotata di supporti ottici parzialmente
riscrivibili (più capienti
delle cartucce) e di un orologio
interno (accessorio che adesso
fa ridere, ma vi ricordo che la
prima console ad averlo integrato
fu il Dreamcast), avrebbe
consentito all’utente di “riscrivere”
alcune sezioni del videogames
che stava giocando (le
effettive modalità rimasero
sempre nebulose). In più, l’uso
dell’orologio apriva la strada a
interessanti possibilità: giocando
di notte ad un RPG, ad esempio,
avremmo trovato davvero
il mondo di gioco immerso
nelle tenebre. Il 64DD fu anche
la vera causa dello storico
litigio fra Nintendo e
Squaresoft, che si lamentava
per la limitata capienza delle
cartucce e per i continui ritardi
dell’add-on (per approfondimenti
su questo argomento vi
rimando alla rubrica People,
dedicata a Hiroshi Yamauchi).
La periferica uscì infine, dopo
averci fatto sognare per anni
con i mai mantenuti Earthbound
(Mother 3) e Ura Zelda,
solo in Giappone, quando
sul mercato dominava già PSX
e l’imperatrice PS2 aveva già
buttato sostanziose fondamenta,
rivelandosi un inevitabile insuccesso.
Tornando al N64: la caratteristica
più interessante era il suo
pad, un vero concentrato di
buone idee e tecnologia. Tanto
per cominciare introdusse per
la prima volta lo stick analogico
nel mondo delle console. La
portata di tale rivoluzione si
può valutare oggi: sia il Dual
Shock di Sony (che copiò spudoratamente
l’idea in corsa, visto
che il pad originario di PSX
non aveva levette di alcun tipo),
che il pad del Dreamcast,
che quello dell’Xbox oggi sarebbero
profondamente diversi se
Miyamoto non avesse pensato
di combinarne una delle sue.
Altra novità: la memory card
(un po’ inutile per l’N64 visto
che molti giochi permettevano
di salvare direttamente su cartuccia)
andava inserita nel retro
del pad, idea ripresa sia da
Sega per il Dreamcast (che a
44
sua volta la modificò introducendo
la geniale Visual Memory
Card) sia dall’Xbox di Microsoft.
Ed ancora: a chi si deve il
“rumbling” dei joypad? Ma
sempre a lui, Miyamoto, ed al
suo pad che, seppur in maniera
un po’ rozza (il Rumble Pak era
infatti un accessorio esterno da
attaccare alla porta dedicata alla
memory card) tracciava ancora
una volta la strada da seguire.
Ma la vera ragione per cui
l’N64 rimase nel cuore di molti
(io ne ho avuti due, pensate un
po’…), fu il suo software. Pur
indebolito da un parco giochi di
molto inferiore a quello che
poteva permettersi PSX, l’N64
fu forse l’unica console a
poter eguagliare lo SNES come
qualità della proposta.
Senza esagerare, il rapporto
“capolavoro-gioco” era su N64
di circa 1:15, cifra molto più interessante
rispetto a quella che
poteva offrire PSX. Fra i giochi
storici vanno ricordati l’esagerato
Mario 64 (il primo platform
in vero 3D, a mio parere
ancora oggi insuperato), Zelda
Ocarina Of Time (best videogame
ever, e non solo per il
sottoscritto), Legend Of Zelda:
Mask Of Majora, Banjo -
Kazooie, Banjo - Tooie, Mario
Kart 64, Goldeneye 007,
Perfect Dark, Turok, Conker,
Lylat Wars, F-Zero X, Super
Smash Bros., Mario Golf,
Mario Tennis, Donkey Kong
64, Diddy Kong Racing…
Il grosso “errore” di Nintendo
fu quello di affidarsi ancora una
volta al supporto cartuccia:
sebbene la capienza massima
arrivasse a 512 Mega Bit (64
Mega Byte), non poteva certo
competere con i 650 Mega Byte
dei cd rom usati da Saturn e
PSX. Anche se diversi team
hanno dimostrato che in 64
Mega Byte ci stanno tranquillamente
capolavori in grado di
spazzare via la concorrenza,
nulla ha potuto convincere alcune
third parties (Squaresoft

:RUBRICHE: Ring#2
in primis) a rinunciare ai FMV,
filmati in grado di attrarre la
gente ma estremamente esosi
in termini di memoria. Un altro
svantaggio fu quello di avere
come concorrente una console
vergognosamente piratabile: la
diffusione dei cd rom masterizzati
su PSX (verosimilmente
non ostacolata da Sony, che
puntava a raggiungere la maggior
base installata possibile ed
a consolidare il brand Playstation),
permise al colosso
degli elettrodomestici di spuntarla
contro Nintendo, una
compagnia molto più esperta
ma forse meno preparata al
“marketing sporco”.
Nintendo piazzò 500.000 unità
della console al primo giorno
di lancio in Giappone, e
350.000 in tre giorni al lancio
americano, cifre tutt’altro che
disprezzabili. Nonostante la
spietata concorrenza di PSX, il
Nintendo 64 piazzò in tutto il
mondo circa 60 milioni di pezzi.
Non male per un sistema da
molti ritenuto fallimentare.
________Quel che ci riserva
il presente
All’E3 del 1999 Nintendo annunciò
di essere al lavoro sul
successore dell’N64, nome in
codice Dolphin. La cosa che
stupì tutti fu la collaborazione
con il colosso dell’informatica
IBM, incaricata di sviluppare la
CPU della nuova console: un
processore in rame denominato
Gekko, costruito con tecnologie
totalmente inedite (Custum
IBM Power PC "Gekko": 0.18
micron IBM Copper Wire Technology,
frequenza di clock 485
Mhz)
Lo sviluppo del media destinato
al software fu invece affidato
a Mastushita, che mise a
disposizione un supporto ottico
a tecnologia proprietaria, i celebri
mini DVD da 8 cm, in
grado di contenere circa 1,5
giga di dati.
Tre anni dopo il Dolphin era
una realtà. Preceduto dal
lancio del fratello minore
Game Boy Advance (21 marzo
2001), il Dolphin, rinominato
per l’occasione Game-
Cube, si proponeva come la
console in grado di riscattare
Nintendo dal piano secondario
in cui vari eventi
l’avevano relegata.
Il GBA si presentava invece
come il naturale successore del
vetusto Game Boy, che dopo
anni di onorato servizio, stava
mostrando gli ultimi, invalicabili,
limiti tecnici. Dotato di uno
schermo “panoramico” in simil
16:9 in grado di visualizzare
32.000 colori contemporaneamente
e di un processore a 32
bit eccezionale nel 2D (giochi
come Yoshi Island o Golden
Sun sono lì a dimostrarlo), con
un’indefinita capacità 3D (ini -
zialmente parevano molto limitate,
V-Rally 3 ha spazzato via
ogni dubbio), il GBA è letteralmente
l’asso nella manica
di Nintendo; una console in
grado di vendersi praticamente
da sola. Come se non bastasse
i progettisti del portatile Nintendo
hanno ben pensato di
imparare da Sony (per una volta),
dotando il loro pargolo di
retrocompatibilità con tutti i
giochi usciti finora per le precedenti
versioni del Game Boy,
espandendo in modo esponenziale
il parco giochi della console.
Le cartucce del GBA, minuscole
in confronto a quelle del
suo progenitore, possono contenere
ben 512 Mega Bit di dati,
esattamente come le cartucce
più capienti del Nintendo 64!
Questa esagerata quantità di
spazio (ricordiamoci che stiamo
pur sempre parlando di un portatile)
ha già permesso a Konami
di inserire i primi FMV della
storia dei portatili in uno dei
suoi giochi (Silent Hill Novel,
una sorta di versione raccontata
del primo Silent Hill).
Ma non finisce qui: sono numerosissime
le applicazioni a
cui il GBA sembra prestarsi. Sono
già in vendita, ad esempio,
accessori in grado di leggere
MP3 o di trasformare il GBA in
una tv portatile (Game Gear
docet). Inoltre internet pullula
di applicazioni (come gli emulatori
del NES, accessibili però
solo agli utenti in possesso del
non proprio legale Flash Linker
& Flash ROM) e di leggende sul
portatile Nintendo: fake o meno,
si dice che smanettando
45
con il GBA alcuni individui siano
riusciti a connettere un player
DVD alla console, o a sviluppare
addirittura un word processor
portatile! Solo il tempo ci
svelerà se si tratta di scherzi
ben organizzati (ma date un’
occhiata qui: www.gbadev.org)
o di feature realmente applicabili
al GBA: se pensiamo che
Nintendo è riuscita a connettere
in rete il vecchio Game
Boy, quanto detto non appare
poi così improbabile.
La caratteristica sicuramente
più interessante del nuovo Game
Boy è però la sua alta interattività
con il GameCube.
Tramite un apposito cavetto, è
infatti possibile connettere le
due console. L’utilità di tale
operazione è multipla: il GBA
può essere utilizzato ad esempio
come pad aggiuntivo (ma
limitato) del GC, una bella comodità
visti i prezzi non proprio
esaltanti dei pad. Oppure,
possedendo giochi compatibili
(mi sovvengono Sonic Adventure
2 Battle per GC e Sonic
Advance per GBA) si possono
scaricare minigiochi sul GBA e,
viceversa, uploadare dati o
altro sulla memory card del Cubo.
Altre applicazioni comprendono
il gioco contemporaneo su
ambedue le console: immaginate
un gioco di calcio dove sia
possibile impostare schemi e
squadra all’insaputa degli altri
giocatori agendo sul portatile,
oppure un RPG che scarica il
salvataggio sulla sua versione
portatile e vi consente di continuare
il gioco anche in viaggio.
L’effettiva validità di tale
idea potrà essere valutata so lo
fra qualche anno, quando i giochi
predisposti al suo supporto
saranno numerosi, nel frattempo
Nintendo tenterà ancora una
volta di imporre un nuovo standard
(in questo senso, Animal
Crossing sembra essere davvero
una dimostrazione di forza).
Non va dimenticata la possibilità
di realizzare LAN fino a 4
giocatori senza l’ausilio di nessun
HUB (necessario nel vecchio
Game Boy per il gioco a
4), oppure quella di giocare in
multiplayer con una singola
cartuccia.

:RUBRICHE: Ring#2
L’unico appunto che si può
muovere a Nintendo, riguardo
lo sviluppo del GBA, è quello di
averlo dotato di uno schermo
troppo scuro: l’inserimento di
un interruttore per la retroilluminazione
avrebbe sicuramente
reso più agevole l’utilizzo della
console anche in condizioni di
bassa luminosità.
Inattaccabile sembra invece
essere il pedigree del GameCube:
piccolo, leggero, esteticamente
geniale, facile da programmare,
dotato di 4 porte
per i joypad, munito di un supporto
capiente e attualmente
immune alla pirateria, predisposto
per il gioco online e per
tutte le periferiche del caso
(tastiera, mouse, modem a 56k
o a banda larga…), la nuova
console “madre” potrebbe davvero
rompere le uova nel paniere
a Sony (piazzata dannatamente
bene in termini di vendite)
o a Microsoft, anche considerando
che Nintendo possiede
l’arma videoludica finale:
Shigeru Miyamoto. Vale la pena
spendere qualche parola in più
riguardo alle innovazioni hardware
introdotte dall’ultimo sistema
della casa di Kyoto: partiamo
dal joypad, elemento perennemente
rinnovato da
Nintendo. Questa volta nessuno
stravolgimento di sorta,
ma solo lievi perfezionamenti
che portano Nintendo
sempre più vicina al “pad
perfetto”: il nuovo controller
del Cubo vanta due stick analogici
disposti in maniera asimmetrica
(lo stick destro C dovrebbe
servire, più che altro, a
gestire le telecamere), una crocetta
direzionale (inizialmente
esclusa, ma fortunatamente
ripristinata nelle fasi finali di
progettazione), 4 tasti principali
(A, B, X, Y) di dimensioni e
altezze diverse, posizionati in
modo da essere perfettamente
riconoscibili anche senza doverli
guardare (idea che non ha
nemmeno sfiorato i progettisti
ubriachi del pad Xbox, a mio
parere il meno intuitivo mai
creato), un tasto Start, un dorsale
destro (tasto Z, l’unico
scomodo da raggiungere) e
altri due dorsali analogici e simmetrici
con l’interessante caratteristica
di fornire un ulteriore
“click” a fine corsa. Altamente
ergonomico (a patto di non
avere le mani grandi come badili),
in definitiva il pad del
GameCube è da molti ritenuto il
migliore attualmente sul mercato,
sia per la sua intuitività,
sia per il fatto di presentare dei
pulsanti analogici degni di questo
nome (256 livelli di pressione
sul Dual Shock 2? Ah ah!)
Passando ad altro, finalmente
Nintendo sembra aver capito
l’antifona: più spazio è disponibile
sul supporto, più gli sviluppatori
potranno realizzare i loro
oscuri desideri. I nuovi mini
DVD sono stati ben accolti dalla
comunità videoludica: oltre alla
buona capienza (minore rispetto
a quella di un normale DVD,
ma più che sufficiente), i mini
DVD hanno un tempo di accesso
ai dati praticamente nullo
(vera spina nel fianco di PS2 e
Xbox) e impediscono il diffondersi
della pirateria (fattore che
ha già colpito sia la console So -
ny che quella Microsoft). E’ innegabile
comunque che un supporto
riscrivibile e capiente (come
ad esempio l’HD di Xbox)
possa favorire lo sviluppo di
nuove tipologie di gioco, anche
se il conseguente avvicinamento
al mondo PC ha fatto storcere
il naso a più di qualcuno.
La risposta Nintendo a questa
domanda è per il momento solo
parziale, ma ricca di interessanti
sviluppi per il futuro. Nell’
arco dei prossimi mesi è prevista
infatti la commercializzazione
di memory card dotate di
un’entrata atta ad ospitare le
SD Card, sorta di memorie
flash di capienza variabile fra i
16 e i 1024 Mega Byte; è evidente
quindi come questa tecnologia
potrebbe essere sfruttata
in maniera simile ad un
hard disk, con il vantaggio di escludere
a priori qualsiasi crash
del sistema. Personalmente ho
qualche dubbio a riguardo dell’
attuabilità della cosa: i prezzi di
supporti del genere sono ancora
molto elevati, e le diminuzioni
saranno sensibili, presumo,
solo a partire dalla prossima
generazione di console. Si
dice comunque che la speranza
sia l’ultima a morire, chissà che
Nintendo non abbia visto giusto
sull’uso di questa tecnologia
46
che in ogni caso ben si presta a
sostituire il disco fisso.
Sul fronte software il GameCube
rappresenta un deciso
cambio di rotta nella
politica “kids oriented” di
Nintendo (anche se qui ci
sarebbe molto da discutere, rimando
l’appuntamento ad una
dei prossimi articoli di Me Nintendo):
oltre alle nuove puntate
dei caratteristici franchise della
casa di Kyoto (Super Mario
Sunshine, Super Smash Brothers
Melee, F-Zero GC, Star
Fox Adventures, Star Fox
Armada, Metroid Prime, o il
sorprendente Legend Of Zelda
: Tact Of The Wind in cel shading),
Nintendo si è assicurata,
ad esempio, l’esclusiva per gli
episodi 0, Rebirth, 2, 3 e 4 di
Resident Evil, o ha già proposto
il buonissimo Eternal
Darkness, dimostrando un
certo interesse anche per il
pubblico adulto. Come se non
bastasse numerose case che in
passato le voltarono le spalle
(Squaresoft, Enix, Namco) sono
seriamente intenzionate a supportare
il binomio GBA-GC. Se
a questo aggiungiamo il pieno
appoggio di Sega, fino a qualche
anno fa pericolosissima rivale,
otteniamo un quadro
molto soddisfacente a proposito
degli sbocchi futuri per la console
della grande N.
___The end is the beginning
is the end
Che il GameCube riesca a imporsi
come prima console del
mercato appare inverosimile (il
distacco in termini di vendite da
PS2 è incolmabile, miracoli a
parte), ma è altamente probabile
che vinca la lotta per il secondo
posto a spese del nuovo
arrivato Xbox (giuro, non odio
la console Microsoft ☺), riportando
agli splendori di un tempo
il nome di una compagnia a
cui si deve, senza esagerare,
gran parte del patrimonio videoludico
oggi disponibile. E come
qualsiasi amante dei videogiochi
dovrebbe dire, “lunga vita
a mamma Nintendo”.

:RUBRICHE: Ring#2
Wow Entertainment________________________
[Sega Saga #1]
di Emalord
Quella che vi apprestate
a leggere
è una nuova rubrica
di RING, che si
occuperà a partire
da questo mese del
mondo Sega.
Una software house
che dopo i fasti
conosciuti con Master
System e
Megadrive [Genesis]
è andata incontro
negli anni a
seguire ad insuccessi
clamorosi
[nell’ordine: 32X –
Me-ga CD – Saturn
e Dreamcast]
e sovente
immeritati, frutto
soprattutto di una
pessima politica gestionale, più
che di un pessimo parco software.
Dopo il game over di Dreamcast,
lo smembramento della
casa madre in tante piccole software
houses indipendenti e al
servizio dei loro antichi rivali ha
garantito la sopravvivenza della
casa del porcospino, nonché un
suo ritorno sul mercato più motivata
e combattiva che mai.
Franchise come Virtua
Tennis, Nba 2k, Jet Set
Radio, Virtua Fighter, Sonic,
Sakura Taisen, Panzer Dragoon,
Shen Mue ed innumerevoli
altri altrettanto famosi ed
importanti, stanno lì a significare
che Sega vive, e può dire la
sua anche nel nuovo millennio.
Questa rubrica si occuperà
del passato-presente-futuro
della casa di Sonic. Recensioni
di giochi nuovi e di retrogaming,
nonché speciali e news
su tutto quanto è mondo Sega.
Il tutto con un occhio didascalico,
da fan attento ma disincantato,
che non rinuncia
all’ironia e alla battuta. Perché
Sega è un mito, ma questo non
significa che non abbia fatto
passi falsi, e che non ci si possa
ridere sopra.
Il Dream-Team Sega
da sinistra in altro: Rikiya Nakagawa (Wow Entertainment),
Yu Suzuki (AM2), Toshihiro Nagoshi
(Amusement vision), Kenji Sasaki (Sega Rosso),
Shun Arai (Smilebit), Tetsuya Mizuguchi (UGA),
Tetsu Kayama (Sega COO), Hisao Oguchi (Hitmaker),
Yukifumi Mukino (Wave Master), Yuji Naka
(Sonic Team), Noriyoshi Oba (Overworks)
Signori, si va ad incominciare.
Anno 2000. Si entra nel futuro.
Ma non è fantascienza,
quella che si paventa alla popolazione
videoludica. All’alba della
morte dell’ultima console
prodotta, Sega si smembra in
dieci parti e si diffonde come un
virus per contaminare tutte le
macchine dell’attuale Console
War. Non è una disfatta, quella
di Sega, quanto piuttosto una
trasformazione. Liberi da politiche
di marketing errate e da
una gestione fallimentare sia
nel mondo occidentale che orientale,
i dieci clan Sega possono
seguire le ondate emozionali
della generazione a 128bit
senza costrizioni dall’alto. Liberi
di andare dove comanda il cuore,
ed il mercato.
Nell’anno che da sempre identifica
l’immaginario di un
futuro splendente nascono:
Wow Entertainment – Sega-
AM2 – Amusement Vision –
Hitmaker – Overworks –
Smilebit – Sega Rosso – Sonic
Team – United Game Artists
e Wavemaster.
A questi dieci, in realtà, bisognerebbe
aggiungere Visual
Concepts, di fatto undicesimo
clan Sega. Ma per motivi che ci
47
accingiamo a spiegare, VC è
parte di Sega solo sulla carta.
Di fatto, questo team stabilitosi
in California e con dirigenza di
nazionalità statunitense, viene
sovente escluso dalla stampa
stessa dalla rosa delle affiliate.
Ciò è dovuto al carattere tipicamente
yankee delle sue produzioni
[le serie NBA2K,
NFL2K, NHL2K, World Series
Baseball2K], rivolte ad un
pubblico specifico e caratterizzato
da una cultura ben definita,
dettaglio tutt’altro che irrilevante
quando si pensa a Sega
e agli altri team di sviluppo in
genere, con produzioni che
mietono successi [e critiche]
indistintamente nel mondo.
Nel pieno retto dei valori individuali,
senza assurde scale
di valori e di fama, cominceremo
questo speciale proprio da
Wow Entertainment nasce il
21 Aprile 2000 dalle ceneri di
AM1, storico reparto Sega classe
1992.
Alla direzione troviamo Rikiya
Nakagawa [classe 1959]
che si occupa di supervisionare
e dirigere il lavoro dei 107 dipendenti
attualmente attivi e
che ci svela il significato neanche
troppo recondito del nome
da lui scelto: “con Wow volevamo
semplicemente simboleggiare
lo stupore che ci auguriamo
di far provare a chiunque
metta mano sui nostri prodotti”
Obbiettivo ambizioso, certo,
ma il gruppo di Nakagawa ha
delle frecce ben appuntite al
suo arco [leggi: dei franchise
solidi come la roccia] e solo
scelte troppo avventate o lavori
inusualmente superficiali potrebbero
rovinare la buona reputazione
costruita finora.
Ecco nel dettaglio la produzione
di Wow Ent. dalle sue radici
ad oggi.
Nota bene: i commenti a
margine sono basati su esperienze
reali dei membri di Ring.

:RUBRICHE: Ring#2
______________Wow Saga
1992
Puyo Puyo [Arcade]
Il format di Tetris elaborato alla
giapponese, terribilmente additivo
e divertente. Una combo di
quattro goccioline di gel dello
stesso colore può provocare
sorprendenti effetti a catena a
danno del proprio antagonista.
Quando i videogames provocano
assuefazione. Sempre meglio
che sniffare colla.
1995
Virtua Fighter Remix [Arcade
/ Sega Saturn]
Evoluzione di Virtua Fighter, si
pregia di poligoni mappati [assenti
nel preistorico originale]
con una risoluzione leggermente
minore
1996
Dynamite Deka [Arcade/Sega
Saturn] a.k.a. Dynamite
Cop a.k.a. Die Hard Arcade.
Sparatutto poligonale a scorrimento,
concettualmente basato
sul film Die Hard con Bruce
Willis. Intrigante, ma di brevissima
durata. Più o meno la
stessa del film con Bruce Willis.
1997
The House of The Dead [Arcade]
Storico shooter con pistola, è
probabilmente il franchise più
soddisfacente di AM1 per l’impatto
avuto sull’utenza. Impatto
che ha generato decine di
cadaveri, arruolati da Wow come
comparse a perdere.
1998
Sega Bass Fishing [Arcade/
Dreamcast]
Simulatore di pesca, che per
quanto fuori dai canoni e dalle
mode ha riscosso un discreto
successo generando cloni e seguiti.
Il tutto rientra nella politica
di sperimentazione Sega e
nei suoi piani per i fondi a perdere.
The House of The Dead [Sega
Saturn]
Un porting fedele dell’originale
coin-op. Peccato per la grafica
assolutamente deludente, molto
al di sotto delle possibilità
della console Sega. Effetto collaterale
della necrosi?
The House of The Dead 2
[Arcade]
Splendido arcade. Grafica avanzatissima
per il periodo, bivi
nello story mode e gore senza
ritegno. Il miglior shooter con
pistola di sempre, a parere di
chi scrive.
1999
The House of the Dead 2
[Dreamcast]
Conversione arcade-perfect di
un arcade-perfect. Un ottimo
motivo per possedere un DC,
ma ce ne sarebbero molti altri.
Sega Tetris [Arcade/Dreamcast]
Evidentemente Wow apprezza i
puzzle games, ma clonare giochi
di successo non è certo indice
di fantasia sbrigliata
World Series Baseball '99
[Arcade]
Un Arcade dall’ottima grafica,
per uno sport molto apprezzato
soprattutto oltre oceano. Probabilmente
a causa dell’overdose
quotidiana di calcio dell’utente-medio
europeo.
Zombie Revenge [Arcade /
Dreamcast]
La saga di House of The Dead
diventa un fighting-shooter a
scorrimento, una sorta di Streets
of Rage poligonale con
zombies assortiti. L’idea non è
male, ma lo spin-off si risolve
in un banale pigiare sul bottone
del fuoco. Peccato perché il
monster-design è più che dignitoso.
Brave Fire Fighters [Arcade]
Follia nipponica allo stato brado.
Impugnate un estintore e
spegnete le fiamme. Ennesimo
shooter, con grafica eccellente
[ merito di Sega Hikaru, evoluzione
della scheda Naomi] e
un concept innovativo. Anche
48
se in fondo ci sono le pistole
[gli estintori] ed i nemici da abbattere
[le fiamme]. E’ davvero
innovazione? Se si porta a termine
il gioco, si può rigiocare
nei panni del piromane. Era una
battuta.
2000
Sega GT [Dreamcast]
Il tentativo di Sega di spodestare
Gran Turismo, successo
mondiale editato per console
Sony. Tentativo lodevole, ottimi
spunti, ma il mercato ne decreta
la sconfitta, seppur onorevole.
Sega Marine Fishing [Arcade
/ Dreamast]
Ennesima simulazione di pesca,
ennesimo successo tra gli appassionati
del genere. Tutti gli
altri giocano a House of The
Dead 2.
World Series Baseball 2K1
[Dreamcast]
Dopo l’esperienza arcade del
1999, Wow riprende in mano
mazza e guantone con risultati
non proprio onorevoli. Negli
Stati Uniti il gioco viene subissato
di critiche. Quando la grafica
non è tutto.
Sega Strike Fighter [Arcade]
Un simulatore di caccia da combattimento.
Ma portare a termine
il gioco non garantisce una
licenza Top-Gun.
2001
Sports Jam [Arcade]
Coin-op sportivo multievento,
gradevole ma non epocale
Alien Front [Arcade/Dreamcast
[on-line version]
Un gioco di guerra. Con alieni,
carri armati e tanta azione, anche
on-line su Dreamcast
2002
Columnus Crown [GBA]
Il vecchio puzzle game Columnus,
riproposto sul portatile
Nintendo. Niente di più di
quanto già riportato a titolazione.
Quando i commenti a margine
non servono a nulla di par-

:RUBRICHE: Ring#2
ticolare.
Vampire Night [PS2-edito
da Namco–collaborazione]
Ennesimo shooter con pistola,
ma stavolta esce sotto l’egida
di Namco. Wow firma uno storyboard
simile a House of The
Dead, con vampiri al posto dei
morti viventi. Una differenza
non esattamente abissale, a dire
il vero.
Homerun King [Gamecube]
Wow ama il baseball. E probabilmente
lo vuole far sapere al
mondo intiero colonizzando tutte
le console esistenti.
_____________ Wow !
Non è citato nella lista delle
uscite ufficiali, eppure se mai vi
capiterà di sentir nominare l’arcade
Inu No Osampo, sappiate
che anche questo è opera di
Wow Entertainment. Già presentato
all’ AOU del 2001, questo
gioco è stato ribattezzato
dagli yankees, semplicemente,
Walking The Dog. Lo scopo?
Come la titolazione americana
lascia intuire, si tratta semplicemente
di un “simulatore di
passeggiata di cane”. Il Joystick
è un guinzaglio vero e proprio,
ed il protagonista del gioco, se
così vogliamo chiamarlo, è un
botolo che ha tanta voglia di
farsi quattro passi. Chiunque
sia così folle da comprarsi un
gettone, proverà l’ebbrezza di
portare a spasso un quadrupede
che ha bisogno di sgranchirsi
le zampe, fare i suoi bisognini,
e dare eventualmente la
caccia ai gatti del quartiere.
Non osiamo pensare ai fiumi di
adrenalina che si scateneranno
in quest’ultimo caso. Di certo
questo cabinato avrà una sua
schiera di seguaci, che probabilmente
porteranno anche paletta
e sacchetti di plastica per
rendere il tutto ancora più emozionante.
Atro gioco japan-only di Wow
Entertainment è Candy Stripe
per Dreamcast. Classico simulatore
di appuntamenti, genere
di grande successo là dove batte
il sol levante, vi porterà a
conoscere e sedurre [ma solo
se siete in gamba] un gruppo di
deliziose infermiere disegnate
nel più classico stile manga.
Atmosfere solari e ridenti, con
tanti sentimenti ed un erotismo
all’acqua di rose più concettuale
che reale, per un genere che
si spera prima o poi possa
sfondare anche nei paesi latini.
Meno singolare, ma degno di
menzione i quest’angolo anche
il coin-op di Lupin III, sottotitolato:
The Shooting. Prodotto
nel 2001 e presentato al 39°
Jamma Show, basato sulla tecnologia
Naomi-GDRom, questo
shooter con pistola è una simpatica
variante dei classici a
tema, con il giocatore che non
solo deve eliminare i nemici del
pronipote di Arsenio Lupin ma
anche, ad esempio, guidare la
sua auto ruotando il volante a
colpi di pistola. Dopo questa
affermazione, però, siamo per
legge obbligati a scrivere: Ring
raccomanda, non fatelo anche
voi a casa. Un must per tutti gli
amanti del ladro dalla giacca
verde, sempre che non preferiate
imitarlo rapinando banche.
Clonando le sue stesse idee
[l’aveva già fatto con House of
The Dead 2], Wow ha poi dato
un seguito al coin-op lupiniano,
intitolandolo Lupin III: The
Typing. Al posto di una lightgun,
una tastiera. Più velocemente
il videoplayer scrive le
frasi che compaiono a video e
maggiormente accurata sarà la
sua mira. Quando ne ferisce più
la penna della spada.
Nakagawa San
Ultima in questo atto di cronaca,
ma nondimeno bizzarra,
la notizia che Mr. Nakagawa in
persona comparirà in un breve
cameo nella trasposizione cinematografica
di The House of
The Dead. E’ stato infatti visto
49
aggirarsi sul set canadese allestito
da MindFire Entertainment
truccato da zombie con
una tibia in mano. No, quella
della tibia era una battuta. Il
film, girato quasi interamente a
Vancouver, narra di un gruppo
di studenti che organizza un
rave-party su un’isola trovandosi
improvvisamente assalito
da una legione di zombie affamati
di carne umana. Ai giovani
non resterà altro che rinchi udersi
in una casa non molto
lontana. The House of The
Dead, per l’appunto. Contrariamente
alla saga zombistica
romeriana, il motivo del risveglio
dei morti viene chiarito
verso la mezz’ora del primo
tempo: il volume della musica
techno era troppo alto.
Con la regia di Uwe Boll, il
film si pregia della presenza di
Jurgen Prochnow (Air Force
One), Clint Howard (Apollo 13),
Will Sanderson (Wolf Lake), Jonathan
Cherry (Final Destination
II), ed Enuka Okuma
(Double Jeopardy) ed è previsto
uscire nel corso del 2003.
______Ultimissime da Wow
Sega GT 2002 è ormai realtà
dopo mesi di screenshots e
previews, e sta riscuotendo un
ottimo successo sia in versione
PAL che NTSC tanto che sarà
incluso in bundle nella nuova
confezione di X-BOX, in compagnia
di Jet Set Radio Future,
a dimostrazione che il successo
della console Microsoft
non può prescindere da Sega e
dai suoi prodotti.
Anche stavolta l’avversario da
battere era la versione a 128bit
di Gran Turismo, e anche stavolta
il racing game di Poliphony
è uscito vincitore nei
confronti del prodotto Wow. Ma
non è il caso di piangere lacrime
amare. A livello tecnico il
prodotto Sega sfrutta l’architettura
XBOX in maniera esemplare,
con una grafica eccellente
ricca di effetti speciali ed un
sonoro avvolgente. Quello che
ancora manca è una maggiore
varietà di circuiti, ed una grat ificazione
più rapida del giocatore,
obbligato anche con questa
versione del franchise a maci-

:RUBRICHE: Ring#2
nare chilometri e ore di gioco
per avere un parco auto minimamente
decente, scordandosi
nel contempo di una maggiore
varietà di circuiti gommabili.
Qualità, queste, ancora retaggio
del prodotto concorrente.
Pinball of The Dead per Gameboy
Advance mostra una
grafica pseudo-3D eccellente,
ma anche una fisica dei rimbalzi
ancora da perfezionare. Tre
enormi tavole su cui scagliare
le biglie argentate, sei boss da
affrontare ed i soliti pigroni in
decomposizione che vagabondano
in lungo e d in largo ad
ostacolare le traiettorie. Il prodotto,
come tutti i simulatori di
flipper in genere, ha una longevità
limitata come gioco in senso
stretto, mentre come passatempo
potreste riscoprirvi a rispolverarlo
più spesso di quanto
immaginiate.
House of The Dead 3 era
senza dubbio uno dei giochi
most-wanted per XBOX e ha da
poco fatto il suo esordio sul
mercato occidentale. Negli Stati
Uniti è stato accolto in maniera
positiva, anche se non mancano
alcune critiche circostanziate.
Seppur presenti positive analogie
con il suo illustre prequel,
l’accusa più dura è quella
relativa alla longevità del prodotto
finale: intorno alla mezz’ora.
Dal primo colpo sparato
alla sconfitta del boss finale intercorre
lo stesso tempo di durata
della vostra sit-com preferita.
Critica pesante, visto il costo
del software originale. Una
maggiore longevità è garantita
comunque dalla presenza di bivi
nello story-mode, retaggio
dell’episodio precedente, e da
una grafica al top prestazionale
della macchina Microsoft. La
modellazione dei poligoni, gli
strabilianti effetti di luce, ed alcuni
dei Boss finali più carismatici
ed originali di sempre evite-
ranno di certo la sindrome da
“una partita e via”, garantendo
molteplici ritorni nella Casa Dei
Morti. L’inclusione in bundle
dell’episodio precedente, che si
sblocca al termine dello story
mode, è un incentivo in più
all’acquisto ma Ring interpreta
questa generosità di Wow come
un’ammissione di colpa, più che
come un’opera di bene. Dalle
prime impressioni raccolte
sembrerebbe che HOTDIII
soddisfi pienamente i fan del
franchise rischiando però di lasciare
assolutamente indiffrente
il resto del mondo. Nell’attesa
che la versione PAL arrivi al più
presto per verificare lo stato
delle cose, Ring si augura che
la versione europea sia accompagnata
da una light-gun ufficiale
di Microsoft, inspiegabilmente
assente per la versione
yankee del gioco [che garantiscono
giocabilissimo sia col joypad
ufficiale che con la light-gun
di terze parti, che sembra
funzioni perfettamente a patto
di non allontanarsi troppo dal
video [sic].
___ Considerazioni finali
Dalla disamina della produzione
Wow dagli albori a oggi, risulta
abbastanza chiara la politica di
sviluppo intrapresa da Nakagawa
e dai suoi colleghi.
Una politica orientata prima
di tutto verso l’eccellenza tecnica,
certificata da giochi tecnicamente
rocciosi e all’avanguardia,
con uno studio approfondito
della macchina su cui
operare per poterla sfruttare
nel migliore dei modi sia a livello
grafico che sonoro.
Si riscontrano per contro
delle lacune a livello di gameplay,
progettazione e longevità.
Una grossa fetta della produzione
soffre di una certa “sindrome
da arcade” anche quando
non si tratta di conversioni
50
da coin-op, ed è un fattore da
tenere seriamente in considerazione
quando si pensa ai costi
che questo nostro passatempo
comporta.
Lacune che però intaccano
solo parzialmente la credibilità
e la solidità di una softco comunque
relativamente giovane,
che ha ancora molta strada davanti
e tutto il tempo per correggere
queste imperfezioni.
Per quanto riguarda la politica
multipiattaforma adottata da
Sega, Wow Entertainment si
schiera palesemente dalla parte
di XBOX, allineandosi a molti
altri dei team di sviluppo di famiglia.
Atteggiamento che invero
sta meravigliando Ring in
tutta la sua circonferenza. Nessuno
di noi si sarebbe aspettato
di vedere schierati i pezzi più
grossi di Sega sulla console di
Gates. Shen Mue, Panzer
Dragoon Orta, House of The
Dead, Sega GT, Jet Set Radio,
sono i franchise più solidi
di Sega, se escludiamo il Virtua
Fighter di SEGA-AM2 finito
su console Sony. Vero: Phantasy
Star Online, Virtua
Tennis, Rez, Space Channel
5, Sega Beach Spikers sono
finiti su macchine concorrenti,
ma la politica Sega è abbastanza
limpida in ogni caso: sperimentare
su macchine mainstream
[Playstation2 in primis]
e tenere i franchise più rocciosi
e tecnicamente all’avanguardia
per la macchina più potente sul
mercato.
Difficile dire se Sega abbia
preso questa decisione all’unanimità
o se è solo un caso
che più clan contemporaneamente,
e all’insaputa l’uno
dell’altro, abbiano scelto la
macchina con la X verde per
rappresentare i loro franchise
più famosi. Ed è altrettanto difficile
dire ora se la scelta si rivelerà
vincente o, come trist emente
più volte avvenuto nel
passato recente, questa politica
si rivelerà l’ennesimo grave errore
di Sega.
Mentre il futuro si rivelerà
giorno dopo giorno ai nostri occhi
fornendo le risposte ai nostri
quesiti, non ci resta che
succhiare questo momento di
grande fermento fino al midollo.

:RUBRICHE: Ring#2
Il “grafico Ring” esposto qui a
fianco ha valore puramente
simbolico e si basa sull’insieme
delle esperienze ludiche che i
membri di Ring hanno avuto
con i prodotti Wow. E’ solo una
sintesi del nostro pensiero,
niente di grave. Non nuoce alla
salute.
:RECENSIONI:
Carne morta su Dreamcast ________________
[The House of The Dead 2]
di Emalord
Riprendere in mano
oggi House of The
Dead 2 significa
porsi domande sulla
fine di Dreamcast, domande
che purtroppo non a-vranno
mai una risposta defini-tiva, se
non il sentore che più che un
omicidio su commissio-ne la
fine della splendida con-sole a
128bit di Sega sia stato un vero
e proprio suicidio.
Mentre il 1999 trotterellava
disinvoltamente verso il 2000,
usciva in Giappone la conversione
per Dreamcast dell’Arcade
che aveva riscosso unanimi
consensi in tutto il mondo,
Stivale compreso. House of
The Dead 2 aveva rivoluzionato
gli shooter con pistola, presentando
uno story mode con
bivi, numerosissime locazioni,
bonus e power-up, il tutto confezionato
con una grafica brillante
merito dell’allora avanzatissima
scheda Naomi.
Molti erano i dubbi circa questa
conversione. Retaggio sicuramente
della precedente conversione
del franchise su Saturn,
conversione perfetta per
quanto riguarda il gameplay,
ma assolutamente insoddisfacente
per l’uso che faceva delle
possibilità tecniche del 32bit
100
90
80
70
60
50
40
30
20
10
0
PRESTAZIONI
TECNICHE
Sega. In altre parole: la grafica
era penosa, ben sotto i limiti estremi
di Saturn, ed era proprio
questo il timore degli utenti
Dreamcast: che la brillante
console Sega non ce la facesse
per l’ennesima volta a reggere
il confronto con l’arcade di provenienza.
Timore accentuato
proprio dalla bontà tecnica del
coin-op, assolutamente di qualità
sopraffina. Ma la durata di
tali dubbi era destinata ad essere
registrata dal personale
del Guinnes dei Primati come
“Il periodo di tempo più breve
mai registrato in assenza di orologi
atomici”. Bastava inserire
il GD-ROM nel tray Dreamcast,
battere le ciglia, ed ogni dubbio
era destinato a svanire come
nebbia al sole. House of The
Dead 2 era l’esatta riproduzione
di un coin-op favoloso, e
l’entusiasmo dei Sega Hardcore-fans
saliva alle stelle.
Dal punto di vista della tecnica,
Dreamcast ripeteva per
l’ennesima volta una lezione
che gli utenti Sega ormai conoscevano
a memoria: grafica cristallina,
totale assenza di popup,
antialiasing come se fosse
birra all’Oktober Fest [a fiumi].
Insomma, le solite prestazioni
eccellenti da primo della classe
51
Wow Entertainment
GAMEPLAY LONGEVITA
Genere: Survival Shooter
Etichetta: Sega
Sviluppatore: Wow
Entertainment
Sistema: Dreamcast
Giocatori: 1 – 2
Versione: NTSC-JAP
Anno: 1999
che alza sovente il gomito.
Ma quello che stupiva veramente,
quello che dava a questo
gioco la cosiddetta marcia
in più, erano il monster ed il
path-design. I protagonisti putrescenti
deambulavano per i livelli
in varietà notevole: nei
primi stage si affrontano zombie
asciamuniti, nudi scarnificati,
obesi con cappuccio di pelle
nera molto fetish. Mentre in
quelli più avanzati si segnalano
zombie green-beret e persino
techno-morti-viventi che però
cominciavano a mostrare segni
di stanchezza, risultando meno
ispirati dei primi.
Niente da dire per i Boss di fine
livello. Tutti splendidi, ma
anche qui si registra una preferenza
per i primi a comparire,
quasi Wow fosse cosciente che
non tutti i giocatori dell’arcade
potessero giungere ai livelli più
avanzati, e che quindi la carne
al fuoco più saporita dovesse
essere messa fin da subito in

:RUBRICHE: Ring#2
bella mostra.
Per quanto concerne il path
design, se nella parte finale i
bivi scompaiono, nei primi tre
Chapter sono innumerevoli i
cambi di strada attuabili: spara
in scioltezza e seguirai una certa
strada tra gli appartamenti
della città, se invece abbatti lo
zombie che assedia la macchina
di quel poveraccio ti farai un
giretto nei vicoli. Colpisci la
chiave dorata per terra ed entrerai
in uno splendido quartiere,
se non noti la chiave
entrerai nella torre dell’orologio.
La grafica nel villaggio è
ispiratissima e ricca di dettagli
ed oggetti da colpire per ricavarne
bonus assortiti, mentre
nel percorso verso la sede della
multinazionale responsabile degli
abomini, tutta l’ambientazione
diviene più fredda e asettica,
a simulare l’ambiente sterile
necessario per un esperimento
genetico.
A livello di gameplay e longevità,
il prodotto si segnala
per la presenza di un arcade
mode [identico alla sala giochi]
e di un original mode, dove è
possibile fare colletta di item
preziosi [continue infiniti, proiettili
perforanti] per finire un
gioco altrimenti impossibile da
portare a termine, mutuando
l’incredibile difficoltà dei due ul -
timi boss dalla versione arcade,
dove quello che contava davvero
era che gli utenti avrebbero
pagato oro [ed infatti lo facevano]
pur di vedere la fine del
gioco [era così vicina ormai!].
Si segnalano inoltre negli special
del GD-ROM alcune prove
di tiro a segno ed un Boss Mode,
per abbattere in tempi
sempre più brevi tutti i “datori
di lavoro” degli zombie. Insomma,
non si può negare che si è
cercato almeno in questo caso
di alzare la longevità del prodotto
il più possibile, sia con gli
special che con i bivi nello story
mode.
Tutto questo ben di dio alla
fine è pesato su doppiaggio e
colonna sonora. Se chiedete agli
hardcore fans più accaniti, vi
diranno che la colonna sonora
monocorde è adrenalinica e
restituisce l’atmosfera tesissima
dell’ambientazione, mentre il
doppiaggio slavato e senza
inflessioni è un omaggio voluto
a tutti i film di serie B aventi
i morti viventi come protagonisti.
Ring accetta questi suggerimenti
più che volentieri, ma
continua a pensare che entrambi
siano atroci, sia la cosa
voluta o meno.
L’avrete capito anche voi:
Ring ritiene House of The
Dead 2 il miglior shooter con
pistola di tutti i tempi. Adrenalico,
splendido graficamente,
vario e soprattutto piacevole da
rigiocare.
Per sintetizzare il nostro pensiero
è sufficiente portare ad esempio
“il teorema di Soul Calibur”:
“quando un gioco dopo
anni dalla sua uscita è ancora il
migliore, lo si rigioca ad libitum
in attesa di un nuovo numero
uno”
Notizia Flash 1
In un recente incontro con la
stampa, il portavoce dello studio
di sviluppo Konami TYO, alla
domanda su quale fosse l’aspetto
di Pro Evolution Soccer
2 di cui andasse più fiero,
ha risposto: “La telecronaca”.
Dopo un breve silenzio da parte
dell’intera sala stampa, letteralmente
sbigottita, l’inviato di
Ring alza timidamente la mano
e puntualizza con educazione
che la telecronaca in PES2 è
piuttosto mediocre: con commenti
monocorde, errori nel
raccontare la partita e sovrapposizioni
delle voci del cronista
e del secondo commentatore.
“Esatto – risponde il portavoce
di Konami TYO – proprio come
nelle telecronache vere!”
52
Notizia Flash 2
Prime immagini rilasciate e notizie
col botto su Metal Gear
Solid 3!
Reduce dal suo tour presso gli
studios Konami, l’inviato di
Ring ha avuto l’abilità di carpire
informazioni in esclusiva,
sul prossimo capitolo del videogioco
di Snake (e quell’altro…),
orecchiando una telefonata tra
Kojima e la moglie, che si mormora
essere la vera mente dietro
alla serie.
Pare che il gioco sarà costituito
da un’unica location, tra l’altro
molto ridotta: una tipica cameretta
giapponese, provvista, tra
le altre cose, di una console
PS2 ed un Joypad.
Dietro a tanta povertà geografica
si cela la nuova idea geniale
di Kojima San (oppure Sama?):
Metal Gear Solid 3
avrà una metareferenzialità ta -
le che sarà Snake stesso, dalla
propria abitazione, a giocare
pad alla mano con il videogiocatore,
facendogli affrontare
missioni pericolosissime nei
quartieri più malfamati della
sua città.
Una sola vita e niente barra di
energia.
Geniale.

:RUBRICHE: Ring#2
Videogiocatori o Memorizzatori di Pattern?___
[Opera Rotas #2]
di Sator Arepo
“Nel prossimo numero di Ring scopriremo se un altro mondo è possibile.”
Opera Rotas #1
Parte 2 di 2
«10 David, qui Centro, avete
raggiunto il luogo del crimine?»
«Qui 10 David, affermativo
Centro. Attendiamo istruzioni
sull’operazione in corso»
«Abbiamo un duezeronove
barra quattro: un numero imprecisato
di terroristi, appartenenti
al gruppo sovversivo dei
Nazisti-Comunisti, ha preso in
ostaggio un’intera famiglia residente
in West Los Angeles.
Pare che, se non verrà approvato
un disegno di legge che
obblighi le persone a indossare
i calzini sopra le scarpe, uccideranno
un ostaggio ogni settimana.
Vi inoltro i dati degli ostaggi.
Donald Foreman. Maschio.
Caucasico. E’ il capofamiglia.
Ama il Risiko e l’aroma di caffè.
Odia le giornate uggiose.
Linda Foreman. Bianca. Moglie.
Piuttosto forte di petto.
Vorrebbe aprire un ristorantino
sulla settantasettesima, ma il
marito pare ostacolarla.
Jacob e Emily Foreman. Bambini.
Non abbiamo altri dati al
riguardo.»
«E’ un bel problema Centro,
come faremo a distinguerli dai
terroristi?»
«Di solito i bambini sono di
dimensioni molto ridotte rispetto
agli adulti, inoltre, vista la
tarda ora, dovrebbero indossare
pigiamini variopinti, ripeto,
pigiamini variopinti.»
«Ricevuto Centro. Operativi
tra sessanta secondi.
Ok ragazzi, avete sentito tutti
la rogna che dobbiamo affrontare.
Mi raccomando, facciamo
un lavoretto pulito, evitando
magari un bagno di sangue tipo
quello di martedì scorso al lebbrosario,
e solo perché ci era
sembrato di essere stati toccati
da un ostaggio. Scarpelli, passami
la mappa dell’edificio.»
«Eccola capo.»
«Ma, insomma, l’hai tutta
scarabocchiata!»
«Ammazzavo il tempo mentre
dal Centro illustravano il briefing,
capo.»
«Sei proprio ottuso Scarpelli.
Veniamo a noi. Ho deciso che
entreremo dall’ingresso posteriore
perché la pattuglia in elicottero
ci ha segnalato un possibile
movimento nei pressi dell’
entrata principale. Voglio che il
Team Rosso si avvicini alla finestra
e, usando lo specchietto
in dotazione SWAT, controlli
che non vi sia nessuno all’interno…
Scarpelli, chi diamine è
Laura?»
«E’ la mia ragazza, capo.»
«…»
«E’, uh, un’amica della chat.»
«…»
«E’ una donna che ho incontrato
una volta in ascensore e
che non ho più rivisto.»
«Sei proprio ottuso Scarpelli.
Team Rosso, una volta sincerativi
che nella stanza visibile
dalla finestra non vi sia nessuno
voglio che, sempre dall’esterno,
puntiate i fucili contro la
porta che conduce alla camera
del fantacalcio, in modo da
freddare all’istante ogni malvivente
che potrebbe fare ingresso
da lì [fig. 1].
53
Team Blu, noi procediamo
ad entrare…
Ok, zona libera. Team Blu: io
mi posiziono ai piedi delle scale
per beccare eventuali terroristi
che potrebbero giungere dal
piano di sopra [fig. 2], voi, passando
per la stanza “Laura ti
amo”, entrate in quella del fantacalcio,
perlustrate e ripulite
[fig. 3].»
«Capo, si è mai reso conto
che tende a delegare sempre a
me i lavori più pericolosi?»
«E’ perché non perdo mai fiducia
nel destino, Scarpelli. E’
perché non perdo mai fiducia
nel destino.»
«Capisco, beh, allora io entro…»
«Vai con Dio Scarpelli.»
«Oh… Cristo! AAARGH!»
«Che succede? Ci sono terroristi
nascosti?»
«Capo, qui Rosso 1, riesco a
distinguere chiaramente Scarpelli
con la lingua incastrata nel
tostapane.»
«Centro, qui squadra d’assalto,
missione fallita, ripeto,
missione fallita, voglio cambiare
mestiere…»
«Anf’io fafo!»
«Zitto Scarpelli.»

:RUBRICHE: Ring#2
[fig. 1]
[fig. 2]
[fig. 3]
_Un altro mondo è possibile
Nel precedente numero di Ring
avevamo evidenziato come, in
molti titoli sia “antichi” che delle
ultime generazioni, per il superamento
delle varie situazioni
di gioco si facesse eccessivo affidamento
sulla memorizzazione
di prestatibilitissimi pattern.
Avevamo inoltre isolato un
personaggio, Rick Dangerous,
come simbolo di tale “indole”,
ed eravamo arrivati a chiederci
se questa non fosse a conti fatti
una caratteristica irrinunciabile
del mezzo in oggetto. Vediamo.
Nel paragrafo precedente avete
assistito ad un estratto del
rapporto della quarta missione
di SWAT 3 (PC, Sierra, 2000);
romanzato meno di quanto
possiate immaginare. La sensazione
più facilmente estrapolabile
dalla sessione di gioco descritta
– fatta salva l’idiozia
dell’agente Anthony Scarpelli –
è l’incertezza.
Ogni stanza potrebbe contenere
uno o più malviventi; ma
anche no. In ogni istante qualcuno
potrebbe improvvisamente
comparire da una porta qualsiasi
e spianare il mitra sulla
nostra persona; ma anche no.
E, badate bene, tutto ciò non è
valido solo la prima volta che si
affronta una data missione, si
estende invece a tutte le successive
iterazioni; questo perché
in SWAT 3, udite udite,
niente si ripete.
All’inizio di ogni missione, nemici
e ostaggi trovano una casuale
disposizione sul terreno di
gioco e, da lì, cominciamo a recitare
il proprio ruolo senza alcun
pattern prestabilito, all’infuori
di una certa necessaria
coerenza a livello comportamentale
ed emotivo.
Quindi un terrorista che sente
movimenti nella stanza adiacente
può decidere di irrompervi
arma in braccio, oppure di
posizionarsi in un angolo e tendere
un agguato, oppure di
sparare ad un ostaggio. Stessa
cosa per questi ultimi, che se
ne possono restare buoni e
fermi in attesa della liberazione
oppure, terrorizzati, correre
mani alzate tra nuvole di proiettili,
oppure scappare dagli
stessi agenti SWAT.
Si tratta di un’idea tanto geniale
quanto semplice. E’ l’ovomaltina
del tenente Colombo.
Con una premessa simile viene
di fatto annullata ogni speranza
di superare un certo frangente
grazie all’esperienza accumulata
durante il tentativo
precedente. In un gioco che
non implementa una simile feature,
infatti, entrare in una
stanza, non controllare a sinistra
ed essere freddati da un
nemico ivi situato, risulta sì essere
un errore da game over,
ma alla partita successiva il
giocatore, una volta fatto ingresso
nella medesima stanza,
si volterà immediat amente a sinistra,
commettendo un analogo
errore – non ha controllato
la zona a destra – ma scovando
istantaneamente il nemico in
agguato. Si giunge quindi al
paradosso in cui, pur sbagliando,
si è ricompensati dal sistema
con la prosecuzione del gioco.
Orribile.
54
SWAT 3 invece è diverso. Il
titolo Sierra, prima di iniziare a
giocare, invita l’utente a seguire
un esauriente tutorial sulle
tattiche da adoperare in tutta
una casistica di situazioni. Qual
è ad esempio il modo migliore
per entrare in una stanza che
presenta una porta già aperta?
Usare la tecnica del taglio della
torta; ovvero porsi di fianco
all’entrata e, mediante un movimento
laterale e circolare, visualizzare
una sezione via via
maggiore dell’ambiente in cui si
vuole fare ingresso, offrendo
però un’ esposizione ridotta del
proprio corpo all’altrui fuoco.
Una volta assimilato il tutorial,
ciò che rimane al giocatore
è la sua applicazione in maniera
ottimale in tutte le situazioni
che si troverà ad affrontare.
Anzi, a differenza di giochi simili,
sarà letteralmente costretto
a farlo, in quanto non potrà disporre
di quella coperta di Linus
che è l’Effetto Rick Dangerous.
Altro positivissimo effetto collaterale,
riscontrabile in un simile
contesto, è il fatto che il
game designer non è più costretto
a spingere sull’acceleratore
della difficoltà, causando
sovente situazioni assurde in
cui non si riesce a superare una
certa missione pur non commettendo
macroscopici errori.
La maggior difficoltà in SWAT
3 non è infatti distribuita negli
scontri o in disparità sove rchianti
di forze in gioco; è invece
da ricercarsi in questa sorta
di horror vacui in cui tutto può
succedere 1 . Bisogna quindi riporre
grandissima attenzione
negli ordini da impartire alle –
splendide – IA dei compagni, e
nel rispondere con prontezza di
riflessi ai numerosi imprevisti
che si susseguono, scaturendo
spesso sequenze originali e difficilmente
ripetibili 2 nonché momenti
di assoluta suspence: un
punto di collegamento con
quell’indeterminatezza propria
del gioco online 3 .
Verrebbe da chiedersi come
mai una tecnica tanto banale –
concettualmente – non venga
utilizzata in altri titoli appartenenti
a generi compatibili. Forse
perché è più semplice posizionare
le comparse in prestabiliti
luoghi e dire loro cosa fa-

:RUBRICHE: Ring#2
re, piuttosto che dotarli di una
intelligenza artificiale più elaborata,
volta a fare loro affrontare
situazioni non propriamente deterministiche.
O forse perché – cattiveria
inside – una simile tecnica provocherebbe
un sensibilissimo
incremento della longevità, andando
ad incidere pesantemente
su un aspetto in genere poco
contemplato: la rigiocabilità, e
minando quindi pericolosamente
la voglia del giocatore di
comprare un altro titolo della
stessa serie.
Anthony
Scarpelli.
Matricola:
148937
__________________Note
[ 1 Per questo motivo siete moralmente
invitati a settare subito
il livello di difficoltà su hard.
Niente paura: tale irrobustimento
di complessità non si
traduce in nemici più abili, veloci
e duri da abbattere; insomma,
in una giocabilità frustrantemente
impossibile. Aumentano
semplicemente le possibilità
decisionali dell’IA avversaria,
assicurandone un comportamento
più realistico e garantendo
missioni varie ed appassionanti.]
[ 2 Ad esempio c’era questa
missione in cui dovevo irrompere
in una chiesa ortodossa e liberare
tutti i sacerdoti ivi tenuti
in ostaggio. Con tutte le cautele
del caso, entro in un ampio
stanzone insieme ad un compagno
gestito dalla CPU. Deserto.
E’ quindi con una ritrovata
serenità che inizio a perlustrare
gli armadi, operazione generalmente
di routine e poco pericolosa:
è difficile infatti trovare
terroristi nascosti al loro interno.
Al limite gli ostaggi.
Ma in quel particolare caso fu
proprio un malvivente a palesarsi
una volta aperta un’anta.
Il bastardo, la camicia seven-
ties e un accenno di calvizie,
stringe con due mani una pistola;
ma la punta verso terra. In
quel caso la direttiva è: catturarli
vivi. Gli punto il mitra contro,
il mio compagno fa altrettanto,
gli ordino la resa mediante
pressione del pulsante
corrispondente all’esclamazione:
«ALZA LE MANI, SACCO DI
MERDA!», o qualcosa del genere.
Sono così teso che premo
diverse volte tale tasto, cosicché
la frase mi va in loop. Il
terrorista non mi presta ascolto,
guarda per terra e ripete tra
sé e sé: «E’ finita, non c’è più
niente da fare». Però non si decide
a mollare quella dannata
pistola. Non so cosa fare, sono
pronto a premere il tasto sinistro
del mouse, per mandarlo
al creatore alla prima mossa
falsa, ma vorrei evitarlo, e non
perché sono un buon samaritano,
quanto perché sarebbe uso
scorretto di forza letale: perderei
rispetto agli occhi dei miei
sottoposti.
Allora penso a una cosa, ma
poi mi dico seee, non funzionerà
di certo; però mi rispondo
proviamo lo stesso dài, male
che vada non succede niente.
Poso il mitra e seleziono la pistola,
mi avvicino e gliela punto
sulla fronte, poi la sposto leggermente
verso destra e faccio
fuoco. Il proiettile si conficca
nel legno dell’armadio, a pochi
centimetri dall’orecchio del soggetto.
Questi – giuro – strabuzza
gli occhi, dice: «Eh? Oh? Mi
arrendo!», lascia cadere la pistola,
alza le mani, si mette in
ginocchio. Fico no? Il gioco non
solo mi ha portato a pensare
lateralmente, ma ha anche previsto
un simile spunto personale
e implementato un’adeguata
risposta.
Senz’altro un argomento per
un futuro Opera Rotas…]
[ 3 SWAT 3 supporta il gioco
online previo aggiornamento alla
versione Elite Edition – 50
mega ben spesi anche per via
dei sensibili miglioramenti all’IA
–. Purtoppo la mia esperienza
wired con tale titolo non è stata
delle migliori; colpa degli americani
con cui ho giocato. In
pratica non ubbidivano alle mie
55
direttive: ordinavo loro di lanciare
il gas, e quelli mi rispondevano
di lanciarmelo da me.
Chiedevo loro di coprirmi, e
quelli mi sfottevano sparando al
mobilio, rivelando così la nostra
presenza al nemico. Allora mi
sono incazzato come una iena e
li ho freddati uno a uno con un
colpo di fucile alla nuca. Poi mi
sono sconnesso e non vi ho più
fatto ritorno. Sono diventato un
terrorista latitante.]
Nel prossimo Opera Rotas parleremo
di etica nei videogiochi.
Forse.

:RUBRICHE: Ring#2
Enter the Videogioco el Palmo Accecante _
[Il Davide Videoludico DUE]
di Nemesis Divina
“be’, ti ringrazio per questa domanda. In effetti Davide
lo sento molto vicino, cioè, ho molti tratti comuni
a lui e alla sua storia… no, senti, fa finta che non
l’abbia detto…”
Nemesis Divina
Il Davide Videoludico era bimbo elementare d’anni dieci quando incontrò il videogioco
per la volta prima. Il videogioco in questione, è importante notarlo, era di
genere metareferenziale, tipo MGS2 che una volta ho letto un indepth che ci capivo
meno ancora che’l gioco. Comunque, il bello di questo videogioco era che
l’ambiente ludico el giocatore si fondevano in un’unica e talvolta indistinta entità,
il quadro finale era assimilabile ad opera d’arte. Ecco dunque di che si trattava:
Vuolsi un giorno che’l Davide Videoludico scorrazzava ridente entro i confini
d’una discarica in quel del paese suo bello. Davide amava quell’ampia decadenza,
in tutta la rovina circostante Egli si ergeva incorrotto e sublime. Così almeno
si beava di pensare. Trotterella trotterella e che ti vedo? Il Davide s’acquattò con
scatto felino ed abile mossa. Mugugni e lamenti provenivan aldilà d’un cumulo
marcescente e Davide, curioso come una perpetua sciancata e modenese, si
guardò bene dal girar tosto i talloni pe’ errare altrove. Oltre il colle giacevan due
corpi completamente ignudi che con perizia e sollazzo si dedicavano a pratiche
irripetibili. Davide avvertì un pizzicorìo alla base del collo ma non lo collegò al ragno
radioattivo che poc’anzi l’aveva morso, piuttosto liquidò il prurito con una
schiusa di uova piddochine. L’accorpamento fisico cui stava assistendo si protraeva
per tempi di siffrediana memoria, tant’è che uno degli avambracci davidiani
ebbe un principio di cancrena. Il formicolio diffuso costrinse il Davide a
variar postura e mal gliene incolse che pressò, fra palmo e polso, una molle
merda scura. Detta merda, per note proprietà fluidodinamiche, funse da lubrificante
fra’l manto rifiutizio e quel rifiuto di Davide. Ed egli rotolò strillando e
guaendo sin nei pressi dei due cupidi amanti. Tumido come un caco avvizzito,
Davide si resse in piedi e, con rapido pensare, stirando le labbra in minaccioso
sorriso dicette: “E=MC 2 ”. I due gli furono subito indosso evidentemente non cogliendo
a fondo le implicazioni della formula. Fu così che presero a percuoterlo
con inaudita bestialità sicché Davide, di ceffone in ceffone, passava dalle mani di
uno (ragazzo sulla ventina, capello corto e petto imberbe) a quelle dell’altro
(quarantenne esageratamente nerboruto con un pendolo infrainguinale oscenamente
protratto). Le botte feceronsi di sempre più forti e violente ma Davide
non raggiunse mai la velocità iperluminare, da lui presagita, che ne avrebbe permesso
la trasformazione in essere di pura energia…
Riposte le oscene pudenda, l’Enorme si accertò che Davide avesse il suo primo
e pieno contatto col videogioco. Presolo per l’idrocefalica nuca lo immerse con vigore
e ripetutamente in un vecchio televisore ivi disposto alla bisogna. Dalle risate
che udiva, Davide desunse che tale videogioco fosse molto coinvolgente. Poi
le orecchie gli s’empirono di sangue quindi si limitò ad annotare la notevole longevità
dell’intrattenimento in questione. A quanto ne ricorda, Davide fece prima
ad addormentarsi per la noia che a svenire dal dolore. Bei tempi, proprio il giorno
l’altro il Davide si domandava perché nessuno fosse ancora riuscito ad aggiornare
un concept così palesemente vincente…
Passarono anni prima che la geografia facciale del Davide riprendesse completamente
la disposizione originaria, nel frattempo la pangea anatomica che portava
in viso veniva accolta dagli altri pazienti in modi completamente differenti:
alcuni, quando lo incrociavano nei corridoi, vomitavano le interiora. Altri vomitavano
pure i pantaloni. I dottori confidavano che non sarebbe stato mai più lo
stesso. Come avremo a scoprirne, tristemente, si sbagliavano. I medici avvisarono
pure che il trauma avrebbe indotto in Davide una visione ‘originale’ delle
cose. Fu per questo che, quando il padre gli regalò il PONG, tutti tollerarono che’l
ragazzo vi cacasse sopra. Ma PONG amava Davide, gli voleva un bene tenero e
56

:RUBRICHE: Ring#2
paterno, per quanto ne comprendesse le meccaniche limitate e primitive. Cioè,
lo schermo era lì, fisso e immutabile che presentava sempre e solo i medesimi
squallidi elementi in perenne e poca iterazione fra sé. Dico, non è mica Resident
Evil che volendo ti rolli pure i cannoni, no, sempre la stessa cosa reiterata ad libitum.
L’ad libitum (ah, questi inglesismi…) si riferiva alle volte che Davide se lo
menava davanti alla TV dicendo cose tipo “ehi, stai parlando con me? No, dico,
parli proprio con me?!” e robe del genere. Insomma, diciamolo, alla fine il gioco
era sempre lo stesso. Accendevi il mondo e che ti trovavi davanti? ‘sto rimbambito
dal design scontato e completamente privo di caratterizzazione, faceva
solo tre cose (1) se lo menava (2) spostava la rotella verso destra (3) spostava
la rotella verso sinistra. Non c’è da stupirsi se alla fine il PONG implorò l’eutanasia
binaria e, di lassù, tosto gliela concessero. Una vampa accesa e gioiosa
investì in pieno il Davide che, in quel mentre, stava eseguendo una difficile stringa
di comando che si traduce nella seguente forma scritta:
(1)(1)(1)(1)(1)(1)(1)(1)(1)(1)(1)(1)(1)(1)(1)(1)(1)(1)(1) …
Davide, da tutto questo, avrebbe dovuto trarre un’importante lezione: i videogiochi
erano sì fonte di divertimento ma si sarebbero al contempo rivoltati contro
di lui, nella maniera più disparata e virulenta possibile. Lezione che Davide si
guardò sempre bene dall’imparare…
[continua…]
Cotta di Maglia_________________________
[???]
di Federico Res
Benvenuti al primo numero di
Cotta di Maglia. L’angolo della
posta di Ring, per capirci. In
questo numero – com’è giusto
che sia – troverete un vivido
spaccato dei commenti e delle
reazioni conseguenti alla nascita
di Ring, o meglio, al Neonascimento
Digitale del progetto
Ring: ad un mese dalla messa
online del primo numero i
lettori si sono fatti sentire, discutendo
Ring presso i newsgroup
(parte degli interventi qui
pubblicati proviene da
it.comp.console), in mail private
o scrivendo direttamente a
Cotta di Maglia. Abbiamo letto
ogni cosa, anche i commenti
più brevi e occasionali. Abbiamo
assimilato, metabolizzato. E
ora siamo qui a rispondere.
Perché tutto ciò che non ci uc-
cide ci rende più forti… Ma dal
prossimo mese pretendo un sostanzioso
ingrossamento nel
volume di mail spedite a Cotta
di Maglia. Se avete qualcosa da
dire, ditela qui:
cottadimaglia@project-ring.com
Se volete esprimere idee generali
sui contenuti di Ring, fatelo
al medesimo indirizzo. Se vi
va di discutere con qualche redattore
in particolare, e al contempo
volete essere pubblicati,
rifatevi alla stessa mailbox.
Laddove le circostanze e/o le
epistole lo richiederanno, il sottoscritto
girerà le mail ai diretti
interessati, facendosi elegantemente
da parte. Tutto chiaro?
Bene, cominciamo…
First of all
Grazie per aver dato vita al un
sito così profondamente diverso
rispetto a tutti quelli esistenti
fino ad ora sulla rete.
Finalmente qualcuno che non si
limita a giudicare soltanto l'apparenza
delle cose e non sto
parlando solo di videogames....
Mi è piaciuto moltissimo l'incipit
su Silent Hill 1-2! Allora non
57
sono l'unico ad essere stato
male dopo averlo giocato, premetto
che nonostante i molti
difetti tecnici considero il gioco
Konami un autentico capolavoro;
ricco di emozioni, capace
di tener incollato allo schermo il
giocatore che è disposto ad analizzare
tutto quello che il gioco
può offrire senza cadere in
banalità tipo: "Che due palle le
ambientazioni esterne sono
mediocri".
Insomma sono semplicemente
felice che qualcun altro guardi
più in là del proprio naso e analizzi
le varie cose come Cristo
comanda! Non m’interessa se
mi pubblicate o meno sul numero
in uscita... non scrivo per
poi bullarmi con gli amici. Una
risposta sarebbe gradita però!
Anche in forma privata.
Ciao raga vado ad ascoltare i
Nevermore e mi faccio qualche
altra sega mentale…
String
Facciamo tutti un bell’inchino a
String per i graditi complimenti
e per aver dato il calcio d’inizio
a questo numero di CdM. Manifestare
il mio totale consenso

:RUBRICHE: Ring#2
circa il tuo pensiero sarebbe
pleonastico, ma correrò il rischio.
Hai colto appieno il significato
di Ring, e ciò non solo
dimostra che sei un tipo in
gamba, ma anche che la nostra
voce si è fatta sentire, almeno
un po’… il fatto poi che
Ring abbia – per il momento,
andiamo di corna – conquistato
un seguito superiore alle aspettative
non può che farci
piacere. Come ha scritto Nemesis
nella Grand Declaration
of War del mese scorso, puntiamo
al cuore, ma solo con chi,
nel suo cuore, ha ancora la
sensibilità del videogiocatore
curioso. Vedere che ci sono ancora
individui del genere è confortante,
perché significa che
ciò che stiamo facendo non è
del tutto inutile…
Al giorno d'oggi pare che
l'impegno faccia decisamente
tendenza. Prendiamo una
rivista generica di videogiochi:
le anteprime sono le press-release
trascritte paripari, le recensioni
sono delle prove di beta
se non dei giochi scaricati da
qualche sito wa**z, tanto che
nessuno parla mai della confezione,
delle istruzioni, ecc. E'
chiaro che tutto ciò informi, ma
lo fa in maniera impersonale,
fredda. Creare l'informazione
impegnandosi, come pare voglia
fare RING, crea tendenza
in un mondo dove l'ambito
commerciale la fa da padrone
[1]. Dal mio canto, pur mettendoci
tanta voglia, voi semplicemente
non create in-formazione.
Se pensate di riuscire
a coinvolgere un numero
sufficiente di spettatori intorno
ad un’analisi storico-sociale-didattica
del videogioco penso
che otterrete scarsi risultati.
Per me potete tranquillamente
auto-lodarvi quanto pare a voi
(vedi Grand Declaration). Secondo
me il sito ha le ore contate.
Il videogioco e' sì una esperienza
appagante, ricca di
spunti e di stimoli, però prima
di tutto serve a far divertire, e
le letture che riguardano il videogioco
oltre a informare devono
appagare ricollegandosi
all'essenza del divertimento
stesso. Le pagine di Ring che
ho letto non mi hanno ne' informato,
ne' divertito, ne' appagato.
Sono uscito che ne
sapevo come prima, ma forse
potrebbe anche essere che, essendo
un po' un pioniere del
videogioco, le mie aspettative
siano molto elevate per tematiche
simili [2]. Voi fate bene e
cercare di distinguervi. Per me,
però, dovete essere più chiari.
Dovete chiarire quale sia il vostro
target. Come inizio mi
sembra che stiate un po' brancolando
nel buio. Sapete secondo
me dove sbagliate? Pensate
di essere molto avanti, ma non
vi rendete conto che la magia
del videogioco sta nell'essenza
stessa della più o meno breve
esperienza che ti accompagna
durante quella che vi piace
chiamare "videoiterazione" [3].
Chi videogioca lo fa per distrarsi,
per uscire da un mondo
reale ed entrare in una realtà
diversa. Se poi ci si vuole ragionare
intorno e usarli come
spunto di riflessione, l'idea non
è malvagia, anzi, assai lodevole.
Però, il terreno è minato
(visto che i videogiochi che
permettono tale approccio si
contano sulla punta delle dita)
e il confine fra articoli-frasi leggibili
e le seghe mentali (come
la Declaration of War) è assai
ridotto. [4]
Ciao
MASTER
Salute Master, di seguito le mie
considerazioni al tuo pensiero.
Divise per punti ché far tutto
insieme mi mette paura…
[1] Oddio. Il fatto che “al giorno
d’oggi l’impegno faccia tendenza”
è fortunatamente solo
un tuo parere. Nella tua concezione
del presente andare oltre
la superficialità significa essere
di tendenza? Giuro, per quanto
mi sforzi non riesco a farlo un
concetto mio. E’ un paradosso
imbarazzante… ma forse dipende
dalla definizione di ‘tendenza’
che entrambi abbiamo. Nel
mio caso è un tantino diversa
da quella di “impegno”, anzi,
direi che sono come il diavolo e
l’acqua santa… a dirla tutta, mi
deprime vedere che c’è chi, davanti
al cambiamento (a prescindere
dalla validità di que-
58
sto), parla di ‘tendenza’. Ma
siamo qui per discutere,
l’indirizzo lo conosci…
[2] Forse potrebbe anche essere
che si tratti solo di una tua
opinione, a prescindere dal fatto
che tu sia o no un pioniere
del vg. Ho detto forse, non mi
picchiare ché se mi tocchi sanguino.
Sembra che per tanta
gente Ring sia stato informativo,
appagante, divertente. Sei
certo che il pezzo su MGS2 non
abbia nessuna utilità? Neanche
per chi dei significati di MGS2
ha colto poco e, guardandosi
bene dal gridare allo scandalo,
vuole vederci un po’ più chiaro?
E per chi non ha mai sentito
parlare di dodecafonia o Kandinskij,
il pezzo su Rez è davvero
inutile? Le stri-sce a
fumetti su Ico non ti hanno divertito?
Il bellissimo Opera Rotas
di Sator non ti ha informato?
Non ti ha divertito? Non
ti ha appagato (‘no, è finito
subito!’ ^_^)? Non dico che avrebbe
dovuto farlo per forza,
chiedevo soltanto. Ripeto, per
tanta gente Ring è stato appagante,
informativo e divertente.
Per tanta gente tra cui spiccano
numerosi pionieri del vg,
e questo potrei giurartelo sul
mio dek macchiato del venerdì
sera…
[3] Magari ce ne rendiamo conto,
ma tu non ti rendi conto che
ce ne rendiamo conto. Ma a chi
dovremmo render conto? Francamente,
fra tutto ciò che hai
scritto questa è l’unica co-sa
che potrebbe offenderci. Potrebbe,
per fortuna, perché la
parte di chi si sente ‘avanti’ la
stai recitando tu. T’invito caldamente
a dare uno sguardo al
nuovo Opera Rotas, all’ intervista
a Dio, all’indepth su Ico, a
quello su Super Mario Sunshine.
E a renderti conto [stronzomode
on].
[4] Questo sarebbe un problema
se l’attenzione di Ring si
rivolgesse unicamente al vitanaturaldurante.
Ma così non è.
Sarebbe un problema se in Ring
ci fossero soltanto gli in-depth,
ma così non è. E sareb-be un
problema se mancassero le
idee. Ma così non è. Insom-ma,
sarebbe un problema ma così
non è…

:RUBRICHE: Ring#2
Secondo me il problema di
RING è che vuole essere troppo
di "rottura" e risulta poco
"propositivo". La cosa fastidiosa
è cogliere una sorta di compiacimento
nell'essere di rottura e
di controtendenza.
Una sorta di vuota rivoluzione
fine a se stessa.
Sicumera
No, ragazzi, non scherziamo.
Siamo di tendenza o siamo di
rottura? Ho capito: ‘tendenzialmente
rompiamo’. Le palle, ovvio…
Ciò che dico del sito nulla ha
a che vedere con la considerazione
personale che ho
per i suoi creatori / collaboratori,
anzi. Fatta la dovuta
precisazione, devo dire con
rammarico che mi aspettavo di
molto meglio. Graficamente
non mi piace (ma questo è probabilmente
l'aspetto più soggettivo
di tutto): ricalca fin
troppo i gusti metal dei suoi redattori,
il che secondo me con i
videogiochi ci entra come i cavoli
a merenda. [Ti dirò, in Ring
di metallari ce ne sono pochi, e
personalmente provo una forte
allergia per il metal. Ecco, mi
sono appena guadagnato l’espulsione
dai lidi ringhici:)]
Da un sito di viggì mi aspetto
un aspetto molto più vivo (anche
se con sfondo nero, prendiamo
Gamespot), oltre che immensamente
più ordinato (e
qui passiamo alla struttura).
Sembrano pagine a sé stanti,
senza un filo comune che le
tenga insieme. I contenuti poi,
videoludicamente parlando,
davvero sono la cosa peggiore
(mi raccomando, leggetevi la
premessa) che abbia mai letto,
a pari merito con i deliri di MBF.
Voglio dire che lo stile ampolloso
usato, pieno di termini ricercati
mal si adatta alla lettura
dell'appassionato che ricerca
invece un giudizio su un gioco
senza doverlo estrapolare da
fiumi di parole che necessitano
di vocabolario. Ovviamente c'è
chi pensa il contrario di tutto
ciò (mi riferisco ancora al linguaggio),
ma alcuni fattori mi
fanno credere che la maggio-
ranza la pensi come me (il fatto
che MBF per esempio non vada
oltre la paginetta qua e là non
credo sia legato solo ai suoi
molti impegni di docente).
Detto questo non posso che
chiudere augurando al Gatsu e
soci il migliore futuro possibile,
e sperando (personalmente) in
un secondo numero più immediato
e meno "compito di scuola
superiore".
Fabio
Ho l’impressione che tu non abbia
letto la Grand Declaration of
War. Nono, non cercare scuse.
Vai a leggertela e poi torna.
Dai, su…
[Risponde Nemesis Divina su
ICC. Fabio legge la Grand
Declaration (mi auguro) e torna
in classe.]
Beh, se mi dici che non siete
un vero e proprio sito allora
mi scarico la versione stampata
e me la leggo a mo’ di
rivista, dato che è quello che
sembrate preferire. ^_^ Per il
resto (grafica, linguaggio, etc)
sono sicuro che avrete fatto le
vostre brave considerazioni prima
di imbarcarvi nell'impresa,
e ciò, unito al fatto che non
volete essere fruibili da tutti,
giustifica il fatto che (più che
giustamente) non intendete
cambiare lo stile.
Tuttavia permettimi di esprimere
perplessità relativamente
alla produzione di un prodotto
che non cerca di essere apprezzato
dai più. Intendo dire: che
incentivi può avere una persona
a scrivere qualcosa che sa essere
letta da una piccolissima
(se va bene) percentuale di
anime? Mi fa molto pensare alla
sola autocelebrazione. [Il contatore
degli accessi di Ring ha
lavorato parecchio. S’è pure resettato
per stress da super
lavoro. Sembra sia parecchia la
gente che ci segue, e questa è
in un certo senso una scommessa
vinta…] Se poi aggiungi
che sembra (spero per voi)
dover avere molti seguiti periodici,
la cosa diventa di difficile
gestione anche economica (trovare
spunti, scrivere, impaginare,
le immagini da mettere...).
59
[…] Non è materialismo, ma del
resto la maggior parte dei siti
(o riviste) che noi/voi tutti leggiamo
un pochino di pubblicità
la fanno per rimanere vivi.
Fabio
E un pochino di pubblicità pure
Ring se l’è fatta, non dubitare
:) Perdonami, per caso stai cercando
di diventare il manager
di Ring? A parte gli scherzi,
posso assicurarti che finora il
prezzo di Ring si è calcolato –
semplicemente - in impegno e
tempo libero. E soprattutto in
idee. E per nostra fortuna è un
prezzo che ci siamo potuti permettere.
Non so dirti per quanto
ancora sarà così, ma una
cosa è certa: se arriverà il giorno
in cui per saldare il conto
dovremo prostituirci, quello sarà
anche il giorno in cui Ring
chiuderà i battenti…
Bello questo RING. Sorpresa,
stupore e incredulità. Eccoti un
presente inatteso e il VG assume
i contorni di qualcosa di
nuovo. Spero solo non siate
fuoco di paglia, che di gran
fiamma s'accende per poi avvizzire
in fretta... più di tutto
gradisco la partecipazione di chi
scrive. In particolare il pezzo su
Manfred Trenz: ragazzi, io non
ho vissuto il periodo di mio
(son piccolino) ma leggendo ho
percepito l'emozione di chi
ha giocato quei giorni. Mi auguro
che questo sia uno degli elementi
imprescindibili dei prossimi
RING e che non perdiate
ciò che le riviste su carta hanno
smarrito da tempo e che gli
altri siti non hanno mai neppure
avuto. State facendo un
buon lavoro ma un numero lo
possono fare tutti... pensate di
farcela a continuare così? Me lo
auguro. Attenti, vi tengo d'occhio...
Rebel Extravaganza
PS: a quando il Forum?
Mi dicono che pure l’autore del
pezzo fosse piccolino al tempo.
Nell’ottantanove aveva, uh, nove
anni circa. Ma aveva pure
qualche amico cui scroccare ore
al C64 e pagine e pagine di
Zzap! e TGM… e soprattutto era
curioso…

:RUBRICHE: Ring#2
Ah, un messaggio dalla regia.
Nemesis ha lasciato due righe
per te: “Bello il tuo nick, ma
questo non ti rende automaticamente
mio successore. Devi
fare di più, devi fare meglio.
”Cosa questo significhi immagino
lo sappiate solo tu e lui…
P.S. Tocchi un punto sensibile.
Ci stiamo lavorando sopra per
metterlo online con l’uscita del
secondo numero di Ring. Ci
vorranno una quindicina di
giorni – Zzap! – fatto. Fiondati
all’ home page e vedi se ci siamo
riusciti…
Bene, bene, anzi... molto bene.
Andate avanti così. Ci voleva
un sito come questo, che faccia
un po' da coscienza per questi
malcitati e maltrattati hardcore
gamers. Una rivista cartacea
sicuramente non potrebbe
permettersi certe cose ma,
come giustamente hanno fatto
notare, se non lo fa un sito, per
di più non a pagamento, chi altri
lo può fare? E poi non se ne
poteva più di questi siti tutti
uguali, allineati e coperti, con il
loro Php-Nuke d'ordinanza, il
forum d'ordinanza, le news (
oddio, "news" è una parola
grossa, chiamiamoli pure "pettegolezzi"
) d'ordinanza, le recensioni,
i maledetti pop-up, i
banner, le pubblicità delle suonerie
SMS, e tutti gli altri trick
e track, flash e shock e sia santificato
il tasto "skip intro"... La
grafica va benissimo, non date
retta, è coerente con quello che
c'e' scritto, il nero d'ordinanza è
troppo inflazionato ormai per
impressionare. E poi ci sono
pure Munch e Kandinskij, che
pretendiamo di più? Unico appunto?
Le Forbici, please. Meno
ampollosità e più sintesi. Date
forza ai concetti, purificandoli
degli orpelli inutili, talvolta si
scivola un po' nell'autocompiacimento,
e passa la voglia di
leggere.
E’ meglio che mi sbatti in faccia
una frase che sia il risultato
di una tua riflessione, senza
dovermi per forza spiegare come
ci arrivi, così costringi a riflettere
anche me...
Umberto
Ma come. Tutti i filosofi scrivono
così… okay, abbiamo afferrato
il concetto. Sempre che
non ci sfugga… ad ogni modo,
da questo numero in poi anche
Ring avrà il suo forum (il link lo
trovi nell’home page). E sarà
60
ben lontano dalla mediocrità
dei ‘forum d’ordinanza’ tanto
diffusi in rete, inutile dirlo…
Dico solo questo. In bocca al
lupo.
Simone
Ricordatevi che per entrare
nel mito non bisogna solo fare
grandi cose, ma anche morire
giovani. Tirate le debite conseguenze.
Ivan
COMPLIMENTI!
Al Didimo il Ring piace proprio
un sacco :) Un abbraccio, e in
bocca al lupo.
Simone
Capolinea, si scende. Il mese
prossimo pretendo un sostanzioso
ingrossamento nel
volume di mail spedite a
Cotta di Maglia. E soprattutto
pretendo che qualcuno
mi spieghi il significato di
‘Cotta di Maglia’. Pensate,
riflettete, scrivete e spedite.
A Cotta di Maglia.
Prossimo anello…_______________________
[Ring#3]
L’Europa entra nella Console War.
E non intende fare prigionieri!!!1