Ring 099 - Parliamo di Videogiochi

99
SOMMARIO
speciale speciale
so crossover//04
virtual, so real//04
rubriche rubriche
tesori The ivory sepolti tower//10
jojo’s 20 puzzle park//64
game making era 03
dar vita ai pixel//65
arena
Grand Theft Auto//20
The ivory tower
Two cultures//24
kakka banzai
avventure testuali//26
frames
i voti di edge//28
indepth
PES-parte II//29
recensioni
gta san andreas//34
fable//37
wrc 4//40
the chronicles of
riddick//41
burnout 3//43
psi ops//46
second sight//49
xenosaga II//51
doom3//53
gradius v//56
katamary damacy//58
panic maker//60
zelda minish cap//62
pes: non-recensione//63
th century davide
capitolo tre//59
frames
100 cose dei vg che
ameremo sempre//12
Polygons killed the
bitmap stars//15
Gyakuten saiban//20
indepth
piaceri proibiti//24
recensioni
splinter cell chaos
theory//29
brothers in arms//31
ace combat 5//33
resident evil 4//35
devil may cry 3//37
god of war//40
shadow of rome//42
berserk//44
ghost in the shell stand
alone complex//47
bard’s tale//49
playboy the mansion
//50
cold fear//52
world of warcraft//54
jade empire//57
Ring, la rivista più amata dai
videogiocatori meno rincoglioniti,
giunge con questo novantanovesimo
numero al termine
del suo ciclo vitale. È sempre
un trauma quando le riviste
chiudono. Molti di voi ricorderanno
una situazione analoga
vissuta qualche anno fa. Un
magazine nel cuore di tutti noi
dovette chiudere i battenti lasciando
i suoi affezionati lettori
nel completo vuoto editoriale.
Le proteste, gli inviti a proseguire,
furono vani allora così
come lo sono oggi. Nessuno
potrà più ridarci Lotta Continua
e nessuno potrà più ridarci
Ring.
Oppure no?
www.project-ring.com//luglio 2005
F I S S I O N M A I L E D
Ring chiude.
Ma quantomeno cerca di farlo con stile. Quello stile che ci ha sempre
contraddistinto o che, almeno, abbiamo sempre pensato ci contraddistinguesse.
Che parola lunga e strana questa… “contraddistinguesse”. Oh be’,
l’importante è che sia giusta… Siamo uomini di mondo noi, no? O comunque
ci piace far credere di esserlo e allora via, voltiamo pagina e andiamo
avanti, voltiamo le pagine seguenti e sempre avanti, una pagina via l’altra
e poi chiudiamo il libro e poi… sempre avanti.
Ring tira le cuoia e qualcuno, lì di fronte allo schermo (o indomito fanatico,
davanti alla pagina stampata) magari si chiede anche il perché. I Misteri
della Morte sono insondabili e ci sono cose che l’uomo non dovrebbe
sapere e soglie che non è bene oltrepassasse, ma ok, siete stati lettori
fidati e un po’ vi vogliamo bene.
Ring stramazza al suolo per svariate ragioni, non tutte esplicabili. Quello
che ci piace pensare è che si tratti di una dipartita naturale, a cui in
fondo non abbiamo molto da biasimare. L’Anello si è spezzato un po’ perché
Ring non è diventato quello che credevamo, un po’ perché non avevamo
mai avuto un’idea precisa di cosa Ring dovesse diventare. E dietro a
Ring le persone che formavano l’Anello: alcune hanno imboccato nuove
strade, altre hanno un po' smarrito la passione, altre ancora che vista la
figa chi ci pensa più ai videogiochi…
Ring penzola dal patibolo, cappio al collo, con la lingua bluastra che
ciondola fuori.
E Ring osserva il paesaggio sotto di sé, che ondeggia placido, calmo e
tranquillo. Nemmeno Ring se la prende troppo, che ci volete fare, la sua
vita l’ha vissuta, magari corta, magari riposta in un angolo di web, ma pur
sempre la sua vita, degna di qualche menzione.
Di qualcosa si deve pur morire e tanto vale farlo con un minimo di stile.
Una lingua bluastra e gonfia è il nostro ideale di stile.
E Ring guarda un po’ indietro, nel filmino della sua vita, breve e intenso.
Ring è nato come… difficile a dirsi… come sfogo ormonale, forse. È nato
come una fisiologica ed ineluttabile impellenza, la necessità di dire le
cose che non si leggevano altrove, possibilmente senza render conto a
nessuno. Poi Ring è cresciuto e si è fatto meno fracassone, più accettabile
ma non meno sovversivo. Poi si è fatto un po’ ruffiano, pieno di reci, ma
cosa non si farebbe per due lettori in più… (abbiamo anche piazzato donne
nude in copertina, cfr. Ring #10).
Ring era il Dito nel Culo di un’editoria moribonda, affetta da malattie
neurodegenerative (note e non) e martoriata da incontinenza intestinale.
Noi abbiamo tentato di porre un certo rimedio, un tappo a quell’incontinenza.
Poi il buco s’è allargato e il dito non è bastato più.
Ma il voler cambiare il mondo non è mai stato pieno interesse di Ring.
Ring voleva fare un po’ di baccano, divertirsi e magari arrivare a tanto
così dal traguardo per dire poi ‘mi son rotto, ho visto la meta, adesso torno
indietro’. Forse il fatto stesso che Ring si fondasse su un presupposto
farraginoso come questo ne ha decretato la morte termica, per mancanza
di nuovi stimoli, nuove idee, nuove menti che riuscissero a smuovere il leviatano
redazionale, ormai perso nella contemplazione della propria anarchia
nichilista.
Eppure qualcosa, ne siamo convinti, Ring è riuscito a dare, a noi e a
voi.
È stata un’esperienza importante, divertente, istruttiva, irritante, asfissiante
e liberatoria, tutto assieme, in un amalgama caotico che aveva certamente
le proprie lacune, ma anche una manciata di impagabili meriti.
Ring ha fatto cose buone e meno buone. E cose eccellenti, anche.

www.project-ring.com
E ora è lì che penzola, e i suoi carnefici stanno davanti a quel macabro
pendolo con il sorriso sulle labbra. E i suoi carnefici siamo noi.
Noi che facevamo parte dell’Anello e che l’Anello abbiamo infranto.
Per strada ci siamo persi e ritrovati, abbiamo combattuto contro gli
altri e più sovente fra di noi, ce la siamo goduta… parecchio direi. E
siamo qui, che guardiamo la nostra vittima, serena, morta perché
non aveva più ragioni di restare viva.
L’accanimento terapeutico di cui Ring è vittima da svariati numeri
non era più accettabile e alla fine il bivio ci è apparso chiaro: spremerci
in modo da rendere Ring quello che poteva diventare, sforzarci
di spingerlo oltre, spingerlo su in alto, dove merita di stare. Oppure,
piantare baracca e burattini e grattarci la panza sorseggiando una
cola.
Ora, noi siamo bravi-buoni-belli ma anche affetti da pigrizia cosmica,
straordinariamente letargici, siamo l’apoteosi dell’ignavia, sublime
iperbole dell’indolenza. Date le basi, la scelta è quella che intuite.
Ma non siamo qui a lagnarci e in fondo un saggio disse, su Ring
#2, ‘ricordate che per entrare nel mito non bisogna solo fare grandi
cose, ma anche morire giovani’. Siamo grati a Ring di averci unito e
tenuto assieme sotto il suo abbraccio, e siamo contenti di avergli dato
una mano a crescere fino a diventare un qualcosa di valido, per
quanto piccolo. Ma davvero, nel nostro cuore non c’è posto per la tristezza
o il rammarico. Ring finisce qui, chiude, muore.
Con la lingua blu a penzoloni…
Grazie per averci seguito lungo gli impervi sentieri.
[Fade in black]
… la piazza è deserta.
Nessuno spettatore, nessuno spettacolo ormai.
Il sipario è sceso, muto e deciso. Un’ombra soppiatta striscia e osserva,
il corpo morto, freddo che oscilla. Accarezza con devozione il
cadavere e poi fissa il suo viso sbiancato, sereno… con la lingua di
fuori. Estrae un pinzetta e un bisturi affilato, recide una porzione della
mucosa orale per poi precipitarlo nell’abbraccio vetroso di una fialetta.
L’ingegneria genetica è la strada primaria verso una razza di super
formiche atomiche sterminatrici e figlie di puttana, ma qualcuno
manterrà a -272,8° anche il codice genetico di Ring, la sua eredità
funesta e rivoluzionaria, la sua anima irrequieta e storta.
Da qualche parte, una rosa di eminenze grigie sobilla, sorride nel
buio, ghigna e sogna il futuro.
Un giorno, forse…
Nemesis Divina
F I S S I O N M A I L E D
//luglio 2005
99
RING
copertina,
copertina
grafica online e
tommaso “gatsu” de benetti
grafica
grafica
PDF
a cura
a cura
di
di
tommaso “gatsu” “gatsu”de benetti
sezione de benetti online a cura di
sezione tommaso online “musta”collini
a cura di
PDF tommaso e tappi “musta” a cura di
collini gianluca “sator” belvisi
sezione sito e forum PDF a ospitati cura di da
federico www.bitpower.it res
sito PDF e ospitati forum ospitati da da
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www.qb3project.net
redazione
PDF ospitati da
gianluca “sator” belvisi
www.qub3.net
cristiano “cryu” bonora
redazione
emanuele “emalord” bresciani
gianluca
tommaso
“sator”
“musta”
belvisi
collini
cristiano tommaso “cryu” “gatsu” bonora de benetti
emanuele nemesis divina “lord” bresciani
tommaso cristiano “musta” “amano76” collini ghigi
tommaso federico res “gatsu” de benetti
nemesis paolo “jumpman” divina ruffino
cristiano giacomo “amano76” “gunny” talamini ghigi
paolo andre “jumpman” “andrea23” ruffino da roit
federico davide videoludico
res
hanno giacomo collaborato “gunny” talamini
lucio “Lux” sampietro
hanno collaborato
nathan garrelts
il pupazzo gnawd
marco benoit carbone
mr. yo
Julian Kücklich
hob
per andrea23 collaborare
per posta@project-ring.com
collaborare
posta@project-ring.com
Avvertenza per la
stampa
Il PDF di Ring è pensato come
una vera e propria rivista e
va stampato sfruttando entrambe
le facciate dei fogli.
Per far ciò seguite quattro
semplici operazioni:
1) Inserite 34 fogli nella
stampante.
2) Assicuratevi che le dimensioni
di stampa siano
impostate sul 100%.
3) Stampate SOLO le pagine
dispari selezionando
“pagine dispari” dalla casella
in basso a sinistra della
finestra di stampa di Acrobat
Reader.
4) Girate i fogli e stampate
anche le pagine pari. Et voilà!

N
CROSSOVER
di Yellow Sator (si ringrazia Ivan Fulco per la consulenza)
onostante fosse solamente una pizza margherita
che i limiti tecnologici dell’epoca avevano
imposto priva di condimenti, Pac
Man arrivò nel mondo dei videogiochi con l’obiettivo
di restarci. Il suo insegnamento non lasciava
spazio a dubbi: i videogiocatori avevano talmente
bisogno di personaggi verso i quali nutrire affetto
da innamorarsi perfino un insignificante farinaceo
giallo. C’era dunque un urgente bisogno di eroi,
originali o meno, e se dal mondo di celluloide potevano
giungere icone dal potenziale pazzesco come
E.T., anche i fumetti ben si prestavano a generare
tie-in di successo.
“Come tutti i prodotti realizzati su licenza”, spiegano
i Kappa Boys Andrea Baricordi e Andrea
Pietroni, “a nostro avviso non è sempre stato ottenuto
il massimo che si poteva sperare. Nei giocatori
più esperti e smaliziati, questo genere di
prodotti non suscita quasi mai un entusiasmo tale
da far gridare al miracolo: in questi casi, infatti, i
produttori basano il progetto quasi esclusivamente
sulla popolarità dei personaggi, e non sulle innovazioni
o sulla giocabilità. Ma avviene lo stesso
quando il cinema si ispira a fumetti e videogiochi
(e viceversa), quindi non c’è di che stupirsi. Pochissime
volte le trasposizioni da un medium
all’altro sono davvero degne di nota. Nonostante
questo, per i fan dei personaggi originali il prodotto
resta sicuramente godibile, e anche nelle produzioni
minori resta comunque il divertimento di agire
in prima persona nei panni dei propri eroi”.
Le eccezioni per fortuna non mancano, come
Buck Rogers: Planet of Zoom, uno sparatutto
prodotto da Sega nel 1982 che anticipava di tre
anni il concept alla base di Space Harrier. Certo,
dopo qualche partita veniva spontaneo chiedersi
dove fosse il personaggio creato da Philip Francis
Il Fumetto è una forma di comunicazione che ha origine nelle
grotte del 18000 AC e che, passando per l’antico Egitto e soffermandosi
sugli arazzi medievali, giunge ai giorni nostri nelle
sembianze di un linguaggio che unisce prosa e pittura, facendo
proprie le tecniche cinematografiche di inquadratura e montaggio.
Per convenzione, il Fumetto moderno nasce il 16 febbraio
del 1896, il giorno in cui un balloon comparve per la prima
volta sopra la testa di Yellow Kid. Un secolo di storia che il
Videogioco non solo non poteva ignorare, ma che con il passare
degli anni ha fatto proprio, acquisendone parte dell’estetica e
del linguaggio.
Nowlan che dava il titolo all’opera. Dentro
all’astronave, probabilmente. Luogo ove rimarrà
per tutto il gioco.
Nello stesso anno, Braccio di Ferro si rivelava
meno riservato. Dopo un primo tentativo abortito
con il videogame in seguito noto come Donkey
Kong, Popeye giunse nelle sale giochi sempre a
cura di Nintendo. I due titoli avevano molto in comune:
gli stage costituiti da piattaforme collegate
da scale, le protagoniste femminili collocate sulla
sommità dello schermo e gli spinaci e il martello a
fare le veci delle pillole energetiche. Tuttavia
l’obiettivo del gioco, recuperare cuoricini e note
musicali lasciate cadere dalla dinoccolata Olivia,
non aveva molto a che vedere con il fumetto di
Elzie Crisler Segar, quindi poco sarebbe cambiato
se i protagonisti fossero stati, ancora una volta, un
falegname ed un gorilla.
Buck Rogers
Popeye
Esistono tuttavia esempi in cui il Fumetto, oltre ad
occuparsi del reparto visivo, suggerisce anche
meccaniche innovative. È il caso del folgorante
Spy vs Spy, tratto dall’omonima striscia pubblicata
da Mad Magazine. Uscito nel 1983 su Commodore
64, Spy vs Spy adoperava lo split-screen per
permettere alle due spie protagoniste di vagare

liberamente per gli ambienti, recuperando oggetti
di scena attraverso i quali allestire trappole mortali,
in una sublimazione del multiplayer che anticipava
di molti anni i frag tournament.
In Spy VS Spy due agenti di fazioni opposte si esibiscono
in reciproche crudeltà degne di un Grattachecca e Fichetto.
Non è una coincidenza che una striscia del genere risalga
al 1960, in piena guerra fredda, ad opera dell’esule
cubano Antonio Prohias.
Del resto lo slugfest, il festival del cazzotto, è il
sottogenere narrativo più sfruttato dai fumetti di
largo consumo. Per il Videogioco, un invito a nozze.
In Teenage Mutant Ninja Turtles (1989),
Konami approfittava dei quattro fratelli ‘pittori’ per
proporre un picchiaduro multigiocatore frenetico e
divertente. Anche Asterix (1992) si lasciava apprezzare
sia per un tratto fedelissimo alle atmosfere
di Goscinny e Uderzo che per un gameplay evoluto,
che contemplava la possibilità di raccogliere i
nemici da terra per poi scaraventarli contro legioni
(in tutti i sensi) di Romani.
Capcom invece si servì delle licenze fumettistiche
per proporre sotto una nuova veste i suoi maggiori
hit. In The Punisher (1993) il giustiziere ideato
da Jerry Conway, affiancato da un improbabile Nick
Fury, era protagonista di un picchiaduro a scorrimento
erede poco diversificato di Final Fight.
Marvel Super Heroes (1995) si presentava invece
come l’ennesima variante di Street Fighter,
anche se l’introduzione delle gemme dell’infinito –
un ciclo narrativo delle serie “cosmiche” della Marvel
– riusciva a dar luogo ad un gameplay sufficientemente
originale.
The Punisher
Marvel Super Heroes
E in Italia? Nel Bel Paese l’industria dei videogiochi
ha sempre incontrato enormi difficoltà di inserimento.
È quindi comprensibile la scelta di pionieristiche
software house come Simulmondo di appoggiarsi
a passioni ben radicate negli italiani,
pubblicando titoli di sicuro richiamo come F1
Manager e I Play 3D Soccer. Tuttavia i successi
maggiori per la casa bolognese arrivarono con
l’acquisto delle licenze dei fumetti Bonelli: operazione
culminata con una linea di videogiochi serializzati
e proposti mensilmente nelle edicole.
“L'idea mi venne incrociando due passioni mie e
degli italiani: quella dei games e quella dei fumetti”
ci racconta l’allora direttore di Simulmondo Francesco
Carlà. “Conoscevo già Bonelli, Canzio e
Sclavi e gli parlai della mia idea. All'inizio coinvolgeva
solo Dylan Dog, poi fu il turno di Tex, Diabolik,
Spiderman, gli X-Men e Martin Mystere”.
Secondo quali criteri commerciali e artistici
sceglieste il genere di videogiochi da produrre?
“L'idea era quella di essere seriali come erano i
fumetti, e di usare le stesse tecniche distributive e
gli stessi stili narrativi, naturalmente aggiungendo
animazione e interattività. Il genere fu scelto in
base alla mia passione e ai risultati delle vendite in
edicola. Non ci furono grandi problemi: prendevamo
il soggetto e la copertina e adattavamo tutto il
resto. Ogni game era corredato da un piccolo fumetto
inedito realizzato dagli autori. Quei fumetti
oggi sono introvabili cult per collezionisti. Me li
chiedono di continuo. Io ne ho ancora un po' nella
mia collezione privata”.
La Bonelli impose particolari vincoli al progetto?
“No assolutamente. Abbiamo sempre avuto un
rapporto personale e collaborativo con loro. Bonelli,
Canzio e Sclavi si dimostrarono molto partecipi e
tutta l'operazione fu un bel mix di creatività e business.
Non a caso realizzammo quasi 20 games di
Dylan Dog, 14 di Tex, 13 di Diabolik e 3 de L’Uomo
Ragno”.
Quale fu il responso del pubblico?
“Il responso fu eccezionale. Abbiamo stabilito record
di vendite irrepetibili in edicola, sia con Dylan
Dog che con Diabolik, Tex e Spiderman. Le serie
nostre poi, Simulman e soprattutto Time Runners,
hanno fatto il giro del mondo. Time Runners
fu realizzato in 8 lingue e venduto insieme
con la Rizzoli in moltissimi paesi. In Italia il numero
1 vendette, anche grazie al traino TV, oltre
200.000 copie. Potenza dei fumetti”.
Il primo adattamento ludico di
Dylan Dog fu acclamato in
Francia per le animazioni dell’
indagatore dell’incubo, paragonabili
a quelle di un classico
come Prince of Persia. Purtroppo
gli accostamenti con il
capolavoro di Jordan Mechzer
finivano lì.
Francesco Carlà

Il linguaggio
La commistione tra videogiochi e fumetti, con il
Cinema a fare spesso da intercapedine, va oltre il
semplice tie-in ed è al giorno d’oggi radicata al
punto che non è semplice stabilire con certezza chi
influenza chi. Tomb Raider ad esempio, prima
ancora di esordire al cinema, era diventato una
serie a fumetti sotto il marchio Top Cow, ma Lara
Croft è a sua volta un character ispirato a Indiana
Jones: palese omaggio di George Lucas al mondo
dei comics di avventura.
Il Videogioco, del resto, vanta numerose collaborazioni
con alcuni dei più celebri autori del Fumetto,
come Akira Toriyama, legato a Dragon
Quest, Chrono Trigger e Tobal, oppure Takehiko
Inoue (Slam Dunk), che ha disegnato i personaggi
del gioco di basket One or Two. E presto li
rivedremo entrambi fare coppia con Hironobu Sakaguchi
su XBox 360.
Negli Stati Uniti l’approccio dei cartoonist verso i
videogiochi è stato inizialmente timido. La causa è
da ricercarsi probabilmente nella natura sempre
sull’orlo del baratro dell’industria dei comics, che
ha quindi avuto paura di essere soppiantata dal
nuovo medium. La tendenza è recentemente cambiata:
Todd McFarlane, oltre a curare il monster
design di un’espansione di Ultima Online, ha concesso
il suo Spawn all’utenza Xbox di Soul Calibur
2, creando inoltre il personaggio di Necrid. Larry
Hama, autore di lunga data di Wolverine, ha scritto
la sceneggiatura di Wolverine’s Revenge, mentre
l’ideatore di Darkminds Pat Lee non manca di
rivelare ad ogni intervista la sua volontà di trarre
un comic da Metal Gear Solid.
Wolverine’s Revenge, pur sfruttando il traino pubblicitario
dei film sugli X-Men diretti da Bryan Singer, non riproduce
le fattezze di Hugh Jackman, ispirandosi invece al
tratto di Joe Matsuda.
A livello visivo, sono molti i videogiochi che hanno
cercato nei fumetti stili grafici che si allontanino da
una vincolante ricerca del fotorealismo. Bastano
poche sessioni di gioco a Viewtiful Joe per notare
la quantità di omaggi ai comics americani presenti
nel titolo Capcom, ed esistono casi limite, come F-
Zero GX, in cui i richiami sono talmente spinti da
risultare indigesti ai più.
Oltre al semplice citazionismo, i fumetti si rivelano
utili ai videogiochi anche per migliorare in settori
poco evoluti, come l’espressività facciale. Costretti
a rappresentare intere scene per mezzo di
pochi “fotogrammi”, i fumetti hanno alle loro spalle
un attentissimo studio delle espressioni dei volti.
Questo vale a maggior ragione per le strisce umoristiche,
che riescono a trasmettere gag anche solo
con una variazione minima delle dimensioni degli
occhi.
VIDEOGIOCHI A FUMETTi/1
Metal Gear
Se progettare uno stealth
game non è mai
semplice, progettarne
uno nel 1987 può
sembrare addirittura
improponibile. Tra i
tanti problemi che Hideo
Kojima dovette affrontare,
uno dei più
ostici riguardava come rappresentare, in una
manciata di pixel, i diversi stati di allerta dei nemici.
La soluzione fu quella di prendere in prestito
dai fumetti i balloon con all’interno punti interrogativi
ed esclamativi, nonché le classiche ‘Z’ per
le guardie addormentate. Si tratta di un’idea vincente
non solo per lo scarso ingombro computazionale,
ma anche per l’universalità del codice
comunicativo adottato.
Mario e Luigi: Superstar Saga
Nei titoli che, per ragioni economiche o per limiti
di hardware, scelgono di non includere il doppiaggio,
i dialoghi avvengono mediante caselle di
testo. Questi riquadri tendono però a staccare
molto con l’immagine a video, risultando fastidiosi.
Molti giochi, come il recente RPG di Alpha
Dream, hanno quindi dato a tali caselle il layout
dei balloon, che si integrano maggiormente con
la scena e permettono svariate soluzioni grafiche
ereditate dai fumetti: ad esempio la nuvoletta a
linea spezzata e con caratteri grandi ad indicare
grida isteriche.
Max Payne
Molti videogiochi
fanno uso di tecniche
dei fumetti per
le cut scene, ma
spesso la scelta è
stata quella di visualizzare
una vignetta
per schermata,
omettendo
quindi la closure: la visione dell’intera tavola
che ritma il passaggio di vignetta in vignetta,
generando l'evocazione narrativa. Max Payne
garantisce questo passaggio costruendo a video
l’intera tavola. Non sarà Frank Miller,
mal’atmosfera hard boiled è assicurata.

“Senza certe espressioni anche la battuta non ha la
stessa forza” confida a Ring l’autore di Ratman
Leo Ortolani. “[Le espressioni dei volti] sottolineano
in maniera anche esasperata ciò che sta succedendo.
Quando siamo arrabbiati non abbiamo lo
sguardo alterato e la fronte corrugata? Nel fumetto
comico, dove la faccia è di gomma, queste caratteristiche
vengono accentuate in una smorfia chiaramente
impossibile per un essere umano e già
comica per questo motivo”.
Fino a poco tempo fa la ridotta potenza di calcolo
aveva impedito ai videogiochi di entrare così nel
dettaglio dei personaggi, e ancora oggi si incontrano
difficoltà per la scarsa applicabilità del motion
capture sui volti degli attori. Capita quindi frequentemente
di vedere, addirittura in kolossal come
Halo, protagonisti che muovono la bocca come
marionette. Non è pertanto casuale che uno dei
titoli che meglio è riuscito a narrare per mezzo della
mimica facciale sia The Wind Waker, il cui studio
delle espressioni dei volti deriva prepotentemente
dal Fumetto.
E la narrazione è sicuramente il reparto in cui il
Videogioco rivela i suoi legami più espliciti con i
fumetti popolari, innanzitutto nella continua ricerca
del sense of wonder.
“Il sense of wonder si ha quando ci troviamo di
fronte a qualcosa che non accade tutti i giorni e ci
lascia, appunto, pieni di meraviglia” spiega Ortolani.
“È importante nella narrazione di una storia a
fumetti, perché la normalità non interessa a nessuno.
La viviamo ogni giorno e chi comprerebbe
fumetti che parlano della normalità?”. Lo stesso
accade nei videogiochi: ambientati in mondi fantastici
ed in cui la credibilità dell’intreccio è spesso
secondaria, cedendo il passo a stravolgimenti della
trama ideati appositamente per stupire il giocatore.
Entrambi i media tendono inoltre ad adottare
una narrazione di tipo character driven. Con una
simile tecnica, la trama non viene scritta avendo
come base un’idea narrativa originale: si inizia invece
dalla caratterizzazione dei personaggi. Una
volta formato il cast, gli attori vengono “lasciati
liberi” di muoversi nel contesto scelto. Lo sceneggiatore
sviluppa quindi la storia pensando ogni volta
a quale possa essere il comportamento più coerente
di ogni personaggio di fronte a semplici
stimoli narrativi, come lo scontro con un nemico, il
tradimento di un alleato etc.
Se ben impiegata, la narrazione character driven
può dare luogo a ottimi prodotti come la serie televisiva
E.R., e si rivela ideale per il Videogioco,
VIDEOGIOCHI A FUMETTi/2
Accolade Comics
Uscito su Commodore
64 nel 1987,
Accolade Comics
è un vero e proprio
videogioco a fumetti.
Compito dell’ utente
è di premere
il tasto “fire” per
visualizzare, vignetta dopo vignetta, una spy
story umoristica. Occasionalmente è possibile interagire
con la trama per mezzo di dialoghi a risposta
multipla oppure risolvere elementari enigmi.
Purtroppo l’interazione era giusto di
facciata: i bivi finivano tutti in un binario morto
eccetto uno e i puzzle consistevano in una semplice
permutazione oggettistica.
Comics Zone
Molto più interessante è l’esperimento effettuato
in Comics Zone (Megadrive, 1995). Sketch Turner
è un cartoonist che si ritrova proiettato
all’interno del proprio fumetto. Saltando di vignetta
in vignetta e, letteralmente, calandosi nei
riquadri sottostanti, Sketch dovrà combattere i
nemici e risolvere puzzle niente affatto banali fino
alla fine di ogni livello, vale a dire di ogni tavola.
Una serie di tecniche come le onomatopee e i
dialoghi nello stile dei fumetti americani (“What
the *@#?!”) danno a Comics Zone un appeal
accattivante ancora oggi. Purtroppo la recente
conversione su Game Boy Advance non regge il
confronto con l’originale.
XIII
Se i due titoli precedenti si limitano a rappresentare
la tavola di un fumetto, XIII conduce il giocatore
fin dentro la stessa, grazie a scenari celshaded
e vignette inserite nell’immagine a video.
Le onomatopee danno il tocco finale
all’emulazione di medium in atto e riportano alla
mente le scene di lotta dei vecchi telefilm di Batman.
Non sembra quindi casuale che il protagonista
di tale serie, Adam West, sia uno dei doppiatori
del gioco.

che necessita soprattutto di protagonisti carismatici
con i quali far interagire l’utente. Tuttavia quello
che spesso accade è che i personaggi vengano caratterizzati
facendo un pesante uso di cliché:
l’eroe, la spalla, l’eterna fidanzata, l’acerrimo rivale,
l’animale parlante. Senza una solida base narrativa,
personaggi del genere non possono che originare
intrecci molto simili tra loro. Le storie nei
videogiochi tendono infatti a seguire più o meno le
solite linee evolutive, spesso riconducibili a quelle
dei manga di combattimento.
“Solitamente ogni protagonista di questo genere
di manga inizia le sue avventure da inesperto”
spiega Andrea Baricordi, “una vera e propria lavagna
vuota su cui saranno gli eventi stessi a scrivere
la storia del personaggio. Pochissimi sono i
manga in cui il protagonista conosce già ciò che sta
per accadergli, o in cui, se non altro, ha già a disposizione
certe abilità o certi poteri che lo aiuteranno
a superare le avversità. E, anche in questi
casi, ciò che viene raccontato è comunque un percorso
di crescita, di accumulo di esperienza, di capacità,
di amici e/o compagni di viaggio, di presa
di coscienza e di responsabilità. In maniera molto
velata, addirittura quasi involontaria, ogni autore
giapponese tende a far compiere ai propri personaggi
questo genere di percorso, anche grazie al
fatto che fin dal primo episodio di un manga si sa
perfettamente che prima o poi ci sarà una conclusione,
a differenza dei fumetti seriali europei o statunitensi.
Tutto deve avere un inizio e una fine,
insomma. E, in qualche modo, al termine di una
storia un personaggio sarà comunque cambiato, in
bene o in male, a seconda di ciò che ha vissuto.
Alla fine dei conti, anche nei manga dove più si
combatte o in quelli più intrisi di avventura allo
stato puro, l’elemento più importante e distintivo è
proprio questo, la crescita”.
Un percorso di crescita presente praticamente in
tutti i videogiochi di avventura, da Zelda a Final
Fantasy, e non sono certo gli unici aspetti in comune:
“Solitamente viene usata la formula del
viaggio per permettere ai personaggi di affrontare
nuove sfide, di uscire dai propri confini geografici e
mentali. Il viaggio permette il confronto con culture
diverse dalla propria, abitudini, modi di fare e di
vivere. C’è una sorta di epica moderna, nei manga,
dove il corrispettivo del Santo Graal occidentale
non è la cerca di un oggetto simbolico (o a volte, lo
è, come in Dragon Ball), ma di qualcosa legato al
protagonista stesso, alla propria condizione, alla
salvezza di una o più persone a esso legate (vedi
Le Bizzarre Avventure di JoJo, o anche One
Piece)”.
I videogiochi tratti da Capitan Tsubasa hanno cercato di
riprodurre la complessità di una partita di calcio di Holly e
Benji introducendo menù a tendina come nei JRPG. Il risultato
è un’azione frammentata e poco divertente. La
medesima sorte è toccata ai tie-in di Slam Dunk.
COSA PUO’ ANCORA
OFFRIRE IL FUMETTO
L’onomatopea
Si tratta di un artificio che restituisce la percezione
del suono in un medium, il Fumetto, che non
ne dispone. È una comunicazione aggiuntiva fondamentale
per lo story-telling: una vignetta completamente
nera, eccetto due “snikt”, racconta
perfettamente ciò che sta accadendo.
In XIII l’onomatopea serve anche per assicurare
al giocatore la percezione tridimensionale del
suono. È una tecnica che attenua quel senso di
smarrimento tipico degli FPS e può essere usata,
con opportune variazioni grafiche, anche in giochi
non riconducibili ai fumetti.
Il team-up
Il team-up è l’incontri di due o più personaggi di
serie diverse, che si coalizzano contro la minaccia
di turno. Il team up è un espediente classico del
fumetto dei supereroi e serve a far conoscere
nuovi personaggi ai lettori. Applicato ai videogiochi,
il team up avrebbe un potenziale enorme.
Basti pensare ad un platform con protagonisti
Sonic e Mario, oppure uno stealth game in cui
Solid Snake e Sam Fisher indagano sui fatti di
Black Mesa.
Il cliffhanger
L’interruzione della vicenda sul più bello, in seguito
ad una rivelazione o alla vigilia di una scena
madre. Secondo Leo Ortolani: “[Il cliffhanger] ha
la doppia funzione di incuriosire il lettore a comprare
l'albo successivo e di finire comunque in
bellezza, con un colpo di scena, la storia che non
si riesce a narrare su un unico albo, per questioni
semplici come il fatto che più di tante pagine al
mese un autore non può fare. Ha i suoi pregi, è
ovvio, perché uno poi si aspetta di vedere come
la situazione si sblocca, e l'attesa fa crescere le
aspettative. L'unico difetto è quando le aspettative
dell'albo seguente non sono soddisfatte da
una risoluzione almeno pari, in genialità, con il
colpo di scena”.
Nonostante la natura seriale di molti titoli, il
Videogioco conta pochissimi cliffhanger veri e
propri. La scelta ricade nella maggior parte dei
casi nei finali aperti, nei quali la vicenda a tutti gli
effetti si conclude, ma ciononostante viene lasciato
un margine di incertezza necessario per un sequel.
Uno dei migliori finali aperti mai apparsi un
videogioco è senz’altro il volo verso l’ignoto del
protagonista di Another World. Tra i pochi cliffhanger
segnaliamo invece i finali di XIII e di
Shenmue 2, proprio a ridosso di sequenze fondamentali.
In altri casi, ad esempio Soul Reaver,
più che precisa scelta narrativa si può parlare
di finale volutamente troncato per non
ritardare ulteriormente il rilascio dell’opera.

Tuttavia la narrazione fumettistica applicata ai videogiochi
deve tenere conto di alcuni vincoli fondamentali.
“Finché si tratta di azione, un videogioco
può sicuramente trarre spunti da un fumetto”
precisa infatti Baricordi, “ma sarebbe piuttosto difficile
rendere ludica una storia d’introspezione, un
dramma, una commedia. Basti pensare a un
manga come Rocky Joe, di cui pur sono state realizzate
diverse trasposizioni videoludiche: il gioco si
basa per ovvie ragioni sugli incontri di pugilato, ma
non può tenere in considerazione tutto ciò che Joe
vive fuori dal ring, i suoi difficili rapporti con gli altri
personaggi, la sua drammatica crescita, i suoi
sbalzi di umore, la sua psicologia da ragazzo dei
bassifondi scagliato sotto i riflettori, i suoi momenti
di depressione, le sue paure, e così via. Se vogliamo
guardare nel dettaglio un manga d’azione, poi,
ci renderemo conto che il combattimento vero e
proprio non è altro che la punta dell’iceberg dello
scontro fra due personaggi: spesso non si tratta di
semplici confronti di forza, bensì di tattica, strategia,
astuzia”.
L’RPG di scuola nipponica sembra pertanto un genere
studiato appositamente per ovviare a questi
limiti, assicurando un’approfondita introspezione
nei personaggi, con i buoni dalla personalità contraddittoria
e i cattivi che non sono mai troppo cattivi,
il tutto condito da combattimenti fondati sulla
strategia e sulla pianificazione delle mosse. Un
tentativo di avvicinamento all’epica dei manga che
però costituisce un allontanamento dalla concezione
classica di Videogioco, sacrificando parte dell’interazione
concessa da questo medium. Infatti, come
conclude Andrea Baricordi: “Alla fine dei conti,
a mio avviso, fumetto e videogioco combaciano fra
di loro solo per un lieve tratto di confine, e benché
possano fornire ottimi spunti l’uno all’altro, è probabilmente
un errore (almeno basandoci su ciò che
è stato realizzato finora) ritenere che siano due
generi strettamente legati”.
Maus, di Art Spiegelman, è considerato uno dei capolavori
degli ultimi anni, ed è una testimonianza storica talmente
dettagliata da essere anche un ottimo strumento didattico.
Un traguardo ancora lontano per un videogame.

NATHAN GARRELTS //
riuscirà mai master chief a fraggare moby dick?
Ogni mese un membro della DiGRA
(Digital Games Research Association),
una associazione che riunisce
studiosi e critici del videogioco, esprimerà
in questo spazio i suoi pensieri,
le sue riflessioni, le sue scoperte.
Gli sguardi di queste persone,
coinvolte in modo diverso nel mondo dei game studies o nell'industria del videogioco propriamente detta, saranno
uno spunto per arricchire i nostri dibattiti e per crearne di nuovi.
La IGDA (www.igda.org) (International Game Developers Association), da sempre impegnata nello studio
del videogame e proprietaria degli scritti degli uomini della DiGRA, ha acconsentito alla pubblicazione in
lingua italiana su Ring di questi articoli. Ringraziandoli ancora una volta, ci auguriamo che le nostre pagine
siano degne della passione che la IGDA nutre per il proprio lavoro.
Al fine di stimolare la curiosità di chi volesse approfondire l’argomento, abbiamo deciso di conservare i riferimenti
e i link presenti nei testi originali.
a cura di Paolo Ruffino
Questo numero vede come ospite Nathan Garrelts,
Assistant Professor of English presso la Saginaw Valley
State University. È fondatore e direttore dell’area
di Video Game Studies alla Popolar Culture Association
National Conference, e recentemente si è occupato
come editor di una raccolta di saggi per la McFarland
Press riguardante i videogiochi, i videogiocatori,
e i rapporti tra questi due, il cui titolo sarà annunciato
a breve. L’argomento di cui discute è uno di quelli di
cui si sente parlare poco: cosa accade quando gli studi
sui videogiochi entrano davvero nelle accademie?
Come vengono visti dalla maggioranza dei professori
che non si occupano di questi argomenti, e li hanno
sempre tenuti in scarsissima considerazione? Basta
entrare in un’accademia per essere rispettati nella
Torre d’Avorio?
RIUSCIRÀ MAI MASTER CHIEF A FRAGGARE MOBY DICK?
di Nathan Garrelts
O
gni volta che parlo coi miei colleghi dei
miei interessi di studio mi sento come se
stessi confessando qualche perversa devianza
ad un gruppo di recupero. Anche se molto è
stato scritto riguardo al rapporto tra gli studiosi e i
programmatori di videogiochi, un aspetto che non
viene mai discusso è il rapporto tra i ricercatori di
questa materia e i loro colleghi estranei a questi
argomenti. Tra i realizzatori di giochi le proprie
opere sono sempre prese in seria considerazione,
ma tra i membri della Torre d’Avorio vivono molti
che ancora non sanno bene di cosa si tratti e non
si preoccupano del valore culturale del mezzo.
L’ignoranza diffusa su questo argomento, unito al
fatto che spesso i computer games sono studiati ai
margini di diverse discipline, crea una situazione
che obbliga gli studiosi a dovere spiegare la loro
scelta e quasi giustificarsi ogni volta.
Io, personalmente parlando, in quanto dottore in
American Studies presso la Michigan State University,
non ho avuto difficoltà ad includere i vide-
ogiochi nelle mie ricerche. Vengo da un campo di
studi dove c’è chi studia la cultura del circo o le
politche riguardanti l’obesità, per cui, anche se del
tutto nuovo, il mio non era un interesse così stravagante.
Mi sono reso conto di quante domande e
perplessità potesse sollevare questo studio solo
quando ho iniziato a fare colloqui di lavoro in alcuni
dipartimenti d’Inglese. Era inevitabile la domanda:
“Come pensi che i videogiochi possano entrare
qui dentro?”
Tre anni e due cattedre dopo, mi sono reso conto
che non è difficile giustificare i videogiochi come
forma di letteratura contemporanea degna di essere
studiata in un dipartimento d’Inglese. Anche se
di solito si chiama letteratura qualcosa di artistico
realizzato su stampa, il termine ha un significato
molto più ampio. Lasciando stare la percezione
delle masse, e le lamentele di alcuni accademici, la
letteratura non è neccessariamente stampata, ed
infatti non lo è sempre stata.

L’unico requisito è che si tratti di un oggetto che
faccia uso di un sistema simbolico, intenzionale,
creativo o artistico per comunicare un’esperienza.
Quindi i videogiochi non solo rientrano nella definizione,
ma racchiudono al loro interno alcune
forme classiche della letteratura: dialoghi scritti,
narrazioni che si svolgono, personaggi ed ambientazioni
complesse. Inoltre i digital games hanno
ripreso e sviluppato il complesso rapporto col pubblico
nato con la poesia ed il dramma. Come nella
poesia i giochi sottolineano la costruzione di significato
basata sulla duplice azione dell’autore e del
lettore, e, come nel dramma, l’esperienza non è
solo coinvolgente a livello intellettuale ma spesso
richiede anche l’azione del giocatore (anche più di
quanto Barthes sosteneva che accadesse nel testo
scritto).
A dire il vero, proprio in quanto mezzi che spingono
ai limiti le convenzioni letterarie, i videogiochi
possono essere considerati esempi perfetti di letteratura
postmoderna. Una delle caratteristiche più
ricorrenti della letteratura postmoderna è infatti la
narrazione frammentata e giocosa, il prendere la
cultura popolare sul serio, presentare la prospettiva
dimenticata del soggetto che vive al limite, incoraggiare
domande ontologiche, e premiare
l’ambiguità (Waugh 1 ). La conseguenza è che i lettori
devono faticare parecchio per giungere ai significati
più interni dei testi postmoderni. Chiunque
abbia giocato Silent Hill, Metal Gear Solid 2 o
Final Fantasy VII può confermare che è esattamente
quello che accade anche in molti videogiochi.
Ovviamente molti accademici storcono il naso,
notando che i videogiochi non sono stampati. Io
credo che la forma espositiva di un testo, il modo
in cui viene trasmesso, non sia un fattore cruciale
al fine di stabilire se si tratti o meno di letteratura.
Per esempio, considerando i tre generi letterari più
tradizionali – la poesia, il dramma e la prosa – si
nota come già i primi due non fossero inizialmente
vincolati alla stampa. La poesia ed il dramma sono
indubbiamente letteratura, ma non sono nati come
testi stampati, anzi, lo sono diventati solo accidentalmente.
La poesia nasce come forma di trasmissione orale:
il poema stampato è un modo per preservare, o
veicolare con un altro mezzo, il testo originale trasmesso
a voce. Anche se molta poesia oggi viene
trascritta nello stesso momento in cui è composta,
l’attenzione alla sonorità la distingue e ne testimonia
le origini orali. La forma di poesia più popolare
oggi, la canzone, può essere registrata oppure trascritta.
Non a caso Bob Dylan è stato indicato per il
Premio Nobel per la letteratura in più di una occasione.
Spesso questi discorsi confondono i puristi,
e ci si perde nell’elitarismo quando si parla di accettare
i testi dei moderni songwriter come letteratura.
Come per la poesia stampata, anche il dramma
iniziò ad essere trascritto in modo da preservarlo,
trasmetterlo e dunque recitarlo nuovamente; qualcosa
di molto simile a quanto accade con la musica
riportata sul pentagramma. In realtà trattare il
dramma come un testo scritto è una perversione
dei dipartimenti d’Inglese. Invece i rapporti tra il
testo, la visione e il momento irripetibile della performance
sono essenziali per la comprensione del
messaggio da parte del pubblico, anche se poi il
rapporto tra testo e rappresentazione è ignorato o
relegato al dipartimento di teatro.
Sfortunatamente nella Torre d’Avorio tutto deve
superare i giochi di potere, e lo studio dei digital
games non fa esclusione. Anche se diversi accademici
sono riusciti ad ampliare l’ambito degli studi
di letteratura per includere opere a voce o basate
su performance, come i testi di musica hip-hop o i
film di Hollywood, queste forme alternative sono
viste come bastarde o ai margini, e la letteratura
tradizionale resta oggetto di ricerca e studi generali
oltre che di corsi appositi. Certo, questo atteggiamento
viene difeso sostenendo che gli studenti
non possono che beneficiare dalla lettura dei testi
canonici, che probabilmente non leggerebbero mai
per conto loro. Ma, pur non essendoci prove che gli
studenti traggano davvero aiuto da questa pratica,
resta certo che chi si specializza su questi testi poi
guadagni più facilmente un impiego nelle accademie.
Ed inoltre risulta chiaro che questo non permette
agli studenti di ricevere aiuti per pensare su
quella letteratura con cui davvero hanno a che fare
tutti i giorni. Anche se spero che i game studies
trovino un loro posto nelle accademie, mi sembra
molto difficile che si possa fare meglio dei cugini
bastardi già emarginati nei dipartimenti d’Inglese.
Note
1. Waugh, Patricia. Metafiction: The Theory and
Practice of Self-Conscious Fiction. New York,
Routledge, 1988
LOCALIZE THIS!
Preparati per l’appuntamento con ‘MTV at:
Xbox Los Angeles Party’. Terremo il piito
party del mondo per festeggiare la presentazione
di uno dei videogame piti mai creati, ti
farimpazzire! A presentare la serata ci sar
‘attore Hollywoodiano Elijah Wood, star de ‘Il
Signore degli Anelli’ e ‘Sin City’, oltre che insaziabile
maniaco dell’Xbox.
Il pindaloso party del mondo ha bisogno della
musica piita. Per questo saranno presente
due delle pindi band del momento per dare
un sound speciale alla serata. I rocker celtici,
Snow Patrol, e le leggende di Las Vegas, The
Killers, si uniranno ai festeggiamenti e faranno
muovere gli invitati per tutto il party.
Non perderti l’appuntamento con la rivoluzione
dei giochi per console.
Dal sito unificato Xbox-Southpark

LE 100 COSE DEI VIDEOGAMES CHE AMEREMO SEMPRE
di Cryu
1. Sparare ai barili infiammabili.
2. Tagliare il traguardo in testacoda.
3. Tentare di uccidere PNG alleati.
4. Infilare bombe a miccia negli orifizi di creature
di grossa taglia.
5. Provare a tagliare i tornanti di un tracciato
rally.
6. Occultare cadaveri anche se nel raggio di un
miglio non c’è nessuno che li possa rinvenire.
7. Trovare lo shotgun in un survival horror.
8. Schiantarci a 300 all’ora contro un muro per
ridurre la vettura in briciole.
9. Provare la nuova ‘summon’.
10. Recidere con un’arma da taglio corde a cui è
agganciato qualcosa di molto pesante.
11. Sparare da una postazione fissa. Meglio se
con un fucile a canne rotanti.
12. Verificare tutto quello che si può rompere con
l’arma in dotazione e lamentarsi per quel muricciolo
di legno, che resiste imperterrito ai caramelloni
del nostro bazooka.
13. Sperare che il tasto start metta in pausa una
cut-scene, quando no, regolarmente la skippa.
14. Imbucarci nel tunnel della Morte Nera.
15. Lanciare un hadoken a un avversario in parata
al quale rimane solo un pixel d’energia.
16. Salvare prima del boss di fine livello.
17. Contare di superare un giro della morte anche
se lo si imbocca a 34Km/h.
18. Nei giochi con light gun, perdere una vita perché
invece che ai nemici ci si è messi a sparare
a frutta, bottiglie e finestrini delle automobili.
19. Il selettore 50/60Hz.
20. Falciare l’attaccante avversario in fuga.
21. Controllare la mappa ogni 20 secondi.
22. Salvare ogni 15.
23. Passare alla visuale in soggettiva per guardare
com’è fatta la cupola sopra di noi.
24. Puntare il fucile da cecchino agli uccelli.
25. Lanciarsi da un auto in corsa un metro prima
che rovini in mare.
26. Scrivere con il mitragliatore il proprio nome su
una parete.
27. Cambiare memory card senza spegnere la
console.
28. Acquistare inutili suppellettili in giochi dove
non si disporrà mai di una casa in cui posizionarli.
29. Tuffarsi in acqua da altezza vertiginose.
30. Anche senz’acqua, a patto di avere appena
salvato.
31. Inclinare il pad verso destra o sinistra quando
la macchina non ne vuole sapere di sterzare
abbastanza.
32. Rifare il livello perché abbiamo sprecato troppe
munizioni.
33. Tentare un improbabile pallonetto quando con
il piattone si andrebbe a botta sicura.
34. Saltellare su ponti fatti di legno e funi compiacendoci
del moto oscillatorio così prodotto.
35. Cavalcare rinoceronti e struzzi.
36. Passare sotto i ponti nei simulatori di volo.

37. Scaraventare i nemici in acqua, fuoco, burroni
e pozzi irti di lame.
38. Invertire i comandi lungo l’asse Y, a prescindere
dalla configurazione originale.
39. Infilare la barra verticale nella fessura ad hoc
formata dai pezzi già posizionati. Altolà Freud!
40. Eseguire il defrag dell’hard disk nella pia illusione
che poi DOOMIII girerà più fluido.
41. Incolpare frame rate, pad, lag o incursioni parentali
per una sconfitta.
42. Comprare il massimo numero di pozioni trasportabili
presso quell’aguzzino del venditore
ambulante.
43. Visionare il replay di ogni gol da tutte le possibili
angolazioni, specie se l’avversario è umano
e preme forsennatamente i tasti nel pad
nell’inutile tentativo di skippare.
44. Andare ai box per scoprire se si vedono i meccanici.
45. Scegliere il fondale quando si gioca a un picchiaduro
in multiplayer.
46. Lanciare nei genitali del battitore in prima base.
47. Conservare il salvataggio prima di un bel FMV.
48. Spendere di più per acquistare la versione italiana
e poi impostare la lingua originale per
fuggire l’immorale doppiaggio nostrano.
49. Firmarci ‘AAA’ dopo aver totalizzato un punteggio
patetico.
50. Sbellicarci per gag che nella realtà o in TV non
ci strapperebbero neanche un sorriso.
51. Con visuale impedita, muovere fisicamente la
testa verso i margini del televisore, nella convinzione
che si riesca a scorgere oltre gli ostacoli
rappresentati a video.
52. Sentirci intelligenti dopo aver risolto un enigma
di Resident Evil, cinque minuti dopo aver
abbandonato per evidente inadeguatezza il
cruciverba in copertina della Settimana Enigmistica.
53. Premere nuovamente il pulsante per parlare di
fronte a un personaggio di un RPG, nella vana
speranza che pronunci una frase diversa da
quella che è stato condannato a ripetere
all’infinito.
54. Prendercela con le galline di Zelda, con i topi
di Ninja Gaiden, con le vacche di Resident
Evil 4 e con tutti gli animali innocui che popolano
incautamente i pascoli digitali. NB: Nessun
animale è stato realmente maltrattato
nella redazione di questo articolo.
55. Percorrere una discesa rotolando.
56. Appropriarci di soldi e averi recuperati in casa
di gente per bene di cui si è violato indebitamente
l’accesso.
57. Ricorrere al freno a mano non appena possibile.
58. Controllare il corretto funzionamento dei bagni:
sciacquone azionabile, specchi effettivamente
riflettenti, carta igienica consumabile,
ecc.
59. Sperperare soldi virtuali in mini-game, scommesse
e souvenir. Quindi riprendere
dall’ultima partita salvata.
60. Il fischio degli pneumatici che perdono aderenza.
61. Guardare il sole per vedere se il lens-flare è
fatto come si deve.
62. Zoomare sulle zone erogene dei personaggi
femminili.

63. Provocare tamponamenti a catena.
64. Sentirci realmente eroi dopo aver salvato un
mondo fittizio.
65. Tagliare erba e alberi a colpi di spada. I videogiocatori
sono tutti giardinieri mancati.
66. Suonare il clacson e/o attivare la sirena.
67. Quando all’avversario rimane un solo pixel
d’energia, tentare di sconfiggerlo con una
mossa stylish, operazione che conduce spesso
al recupero e alla vittoria dell’avversario.
68. Muoversi come deficienti per la mappa di un
RPG, con gli altri personaggi del party che si
muovo a serpente dietro di noi.
69. Saltare. Sempre e comunque. Specie per coprire
lunghe distanze, nella curiosa convinzione
che saltando si vada più veloci che correndo.
70. Adottare un approccio stealth. Muoversi nell'ombra
e, lentamente, osservare con il binocolo
il campo d'azione. Calcolare i tempi delle
ronde, poi entrare in azione e morire con una
pallottola in fronte. Ricaricare il salvataggio e
rifare il tutto con approccio John Rambo.
71. Calcio volante, spazzata.
72. Inserire il god mode in un FPS e giocare per
dei quarti d’ora senza alcuno scopo.
73. Brasile All Stars VS Cina.
74. 'Crash-test-dummie’ perché si sta discutendo
del dettaglio di un fondale.
75. Invulnerabilità. Specie se corredata da gradevoli
effetti di illuminazione e un frenetico
jingle ad hoc.
76. Trasformarsi in morfosfera, soprattutto quando
non serve, per vedere se
il level design è degno di Super Monkey
Ball.
77. Posizionarsi di fronte a un getto di vapore solo
per far appannare il visore.
78. Montanti che scagliano l’avversario per aria
condannandolo a una combo infinita.
79. Sorpasso all’interno portiera contro portiera.
80. Premere due volte X per vedere se c’è il doppio
salto.
81. Sgasare prima della partenza.
82. 60fps.
83. Infierire sull’avversario nell’intervallo di tempo
che separa il KO dal replay.
84. Proiettili infiniti.
85. Esplosioni. Tante, grosse, luminose, roboanti.
86. Verificare se dalla visuale in soggettiva si vedono
i piedi.
87. Tentare di respingere al volo proiettili che potremmo
comodamente schivare.
88. Costumi extra sexy.
89. Effetti domino che esaltino la fisica Havock.
90. Il tasto per riportare la telecamera alle spalle
dell’avatar.
91. Trasformarci. Animali, demoni, automobili. In
qualsiasi cosa, basta di trasformarci. Possibilmente
dopo aver riempito un’apposita barra.
92. Il replay di una gara vinta all’ultima curva.
93. Skippare l’animazione d’ingresso a un negozio.
94. Zittire la colonna sonora, che fa SCHI-FO.
95. Vite extra. Sarà un retaggio dei classici arcade,
ma quando si vince una vita extra ci si
sente sempre dei fenomeni.
96. Instant kill per strangolamento alle spalle o
botta in testa.
97. Il ‘click’ del tasto R3.
98. Demenziali bonus game in cui non si può morire.
99. Personaggi comprimari del tutto ininfluenti sul
gameplay ma ottimamente doppiati nelle cutscene.
100. Giochi in 2D.

POLYGONS KILLED THE BITMAP STARS
di Marco Benoît Carbone
http://marcobenoit.blogs.com
L’
abbandono della rappresentazione bidimensionale
in favore dell’utilizzo dei poligoni è
una verità storica nelle vicende espressive
del gioco elettronico. Per questo, le recriminazioni
dei nostalgici radicali su quello che il 2D avrebbe
ancora potuto esprimere non andrebbero rigettate
in toto come vacui sentimentalismi. In parte, è vero
che il 2D avrebbe potuto dare molto di più. La
violenta frattura tecnica determinatasi a metà dei
novanta, con l’adozione progressiva del 3D, ha
provocato un lento ma inesorabile tramonto delle
tecniche di rappresentazione bitmap, con il conseguente
abbandono di interi generi che proprio su
queste formule espressive si erano costituiti. Molti
di questi non sono riusciti a re-innestarsi in formule
basate su rappresentazioni poligonali. In questo
momento alcuni generi “classici” dell’era bidimensionale
sono praticamente scomparsi dal mercato,
come i brawlers a scorrimento orizzontale. Oppure,
se si sono mantenuti fedeli alle proprie tradizioni e
meccaniche 2D pur componendosi di poligoni
(Contra: Shattered Soldiers, Gradius V…), sono
diventati fenomeni da baraccone underground per
pochi freaks del pollice fumante, ignorati dai cosiddetti
casual gamers e così inattuali rispetto allo
zeitgeist videoludico da risultare inadatti persino
ad avvicinarsi ai posti alti delle classifiche.
Beninteso, il 2D in senso lato esiste ancora. Tanto
per cominciare lo schermo è piatto. Per quanto
triviale possa suonare questa osservazione, andrebbe
ricordato che gli ambienti 3D capaci di far
spostare la testa insieme al controller nell’illusione
del varco della soglia sono ancora molto rari. C’è
poi da osservare che tantissime meccaniche ludiche
e svariati generi sfruttano ancora un modello
di interazione del tutto bidimensionale nella concezione
della fisica, salvo poi non produrlo esteticamente
per matrici di punti. Infine c’è la questione
del texture mapping, che è e rimane bitmap. Insomma,
le tecniche grafiche a mappa di punti hanno
perso la centralità nella costruzione dell’ambiente
come coordinate X e Y, e con questa concezione
si sono inariditi interi approcci ludici; eppure,
nell’ingresso nella dimensione Z, le stesse tecniche
sono tornate utili per nuovi usi e consumi. In fondo,
però, anche l’estetica 2D continua a esercitare
un fascino evidente in remake ed esperimenti di
varia natura. Per non parlare, poi, del “ritorno al
2D” dell’abusatissimo Cel Shading: la dimostrazione
contemporanea e insieme indiscutibilmente atemporale
del fascino della linea non fotorealistica,
dell’impressione di volumi essenziali.
Su tutto questo si potrebbe dire moltissimo. Qui
si riporterà solo il modo in cui Nintendo abbia “riflettuto”
su questa transizione, portando 2D e 3D
allo scontro pur nel rispetto di una transizione storicamente
inarrestabile. Non c’è soltanto il fatto
che il GBA abbia favorito un ritorno, in versione
portatile, al 2D in cui Nintendo eccelleva. Su questa
console il bidimensionale non ha espresso altro
che remake, compilation, pastiche e risciacqui di
meccaniche di gioco classiche o poco ispirate, viziate
generalmente dall’atteggiamento in stile “fi-
niamolo presto e facile” o “mettici su due extra e
riutilizziamolo” della gran parte di questa generazione
di produttori (e consumatori). Su un diverso
piano produttivo, al contrario, fatto di una lunga
storia di episodi estetici, Nintendo ha prodotto teoria
giocabile dello scontro tra i due paradigmi. Per
carità, senza arrivare a uno statuto riflessivo dalla
portata veramente artistica: eppure, avvicinandosi
quantomeno a un discorso artistoide. Il percorso
inizia in era 16bit. Il 3D di Nintendo era ancora da
venire: i poligoni erano sperimentazione laterale in
StarFox o presenza aleggiante e minacciosa di
altre compagnie. Il punto di arrivo di questo processo,
invece, una decina di anni dopo, è in Paper
Mario 2 per GameCube. Nel corso di questi anni si
può tracciare una piccola storia della grafica nintendiana,
dall’epoca del suo impero al tracollo sotto
la tirannia poligonale.
Ora, su questo piccolo contributo per Ring: il
pensiero statistico e quantitativo non solo non mi
si addice, ma non appartiene alla critica degli stili.
Nella sua forma impoverita, poi, rischia di diventare
citazionismo superficiale, una costellazione impressionistica
di dati ammassati senza un significato
comune, sparati disordinatamente come sfoggio
di conoscenza. Quindi, nessuno me ne voglia se a
questo approccio – barocco, forse, nei contenuti -
sostituisco una breve e asistematica rassegna su
episodi-chiave privi di validità universale, eppure
legati da elementi di continuità del tutto evidenti
nel percorso nintendiano (e, ovviamente, non solo
nintendiano). Un’ultima avvertenza. Un’analisi più
sistematica su questo tema dovrebbe andare alla
ricerca, nei crediti e con le interviste, delle persone
reali che hanno determinato queste scelte espressive:
cosa, questa, che non ho la minima intenzione
di affrontare senza le risorse e gli strumenti adeguati.
Nell’attesa che la storia dei videogiochi si
possa leggere in facili, trasparenti, esaustive, pubbliche
risorse di credits su chi i videogiochi li crea e
negozia, ci riferiremo per pigrizia “alla Nintendo”.
La lista di esempi che segue, d’altronde, è solo uno
spunto, un dubbio se alla Nintendo ci sia davvero
chi l’incontro/scontro tra 2D e 3D lo ha pensato
organicamente, per poi farcelo giocare. Una cosa è
probabile: alla Nintendo, qualcuno ha letto Flatlandia.

Il naïve come progetto
Yoshi’s Island (Super NES - 1995)
Yoshi’s Island è forse il primo esempio di rappresentazione
grafica dallo stile ispirato esplicitamente
al disegno infantile e ai libri-album di figure
pop-up. Nintendo aveva appena schiacciato il
Megadrive con il fenomeno commerciale Donkey
Kong Country, che cavalcava i sogni del popolo
ludico con la famosa tecnica pre-renderizzata ACM,
un inno estetico alle future e progressive sorti
dell’animazione del gioco elettronico. Yoshi’s Island
era il secondo colpo letale ai danni di Sega.
Esteticamente, però, questo primo platform del
dinosauro più amato dal merchandising cambia
stile: e si presenta con fiorellini che spuntano piatti
in primo piano, disegni in stile naïve, stelline e soli
colorati fatti di tratti di matitoni imprecisi, altri espedienti
grafici di questo tipo. Di per sé, questo
stile non è un ragionamento autoriflessivo rispetto
alla rappresentazione in due dimensioni: questo
discorso arriverà a compimento più tardi, ma è già
in nuce in Yoshi’s Island.
Un voto? A
Pre-rendering e isometria contro il 2D cattivo
Super Mario RPG (Super NES -1996)
Nintendo e Square insieme, a detta di molti, hanno
consegnato un risultato dalla classe notevole. Super
Mario RPG non era solo un ottimo gioco di
ruolo, ma aveva una gran bella grafica. Narrativamente,
così al grado zero e autoironico, era sicuramente
meno stantio di molti RPG dell’epoca.
Figuriamoci il suo valore rispetto alla new wave of
japan RPGs contemporanea, popolata di bambocci
dalle estetiche stra-abusate e derivative, impegnati
in imbarazzanti salvataggi del mondo o dell’uni-
Polygons killed the bitmap stars
Super Mario 64 (Nintendo 64 - 1996)
Cosa c’entra un gioco interamente in 3D – e anzi
famoso per il salto di Mario nel poligonale - con un
percorso di riflessioni sul rapporto tra 3D e 2D?
Semplicemente, e proprio rimanendo sul tema,
Mario 64 è una frattura epocale per la rappresentazione
videoludica. E lo è anche e soprattutto per
Nintendo. Tutti gli sforzi di Miyamoto e collabora-
verso (se siamo fortunati, del pluriverso). Sia come
sia, sul piano estetico Mario RPG era ancora
un altro, grande salto sul carrozzone del nuovo
stile renderizzato, coerente con la svolta estetica
minacciata che ha svecchiato la grafica a 16bit degli
ultimi anni sotto la minaccia dei nuovi modelli
poligonali. I poligoni, si era visto con Starfox e
altri esperimenti, sui 16bit funzionavano poco e
male. Meglio l’ACM della RARE, quindi, o qualunque
espediente per dare volume e campiture più
ricche al 2D. Il lavoro di pre-rendering per Super
Mario RPG, poi, si accompagnava all’isometria,
che già da sola era stata il primo procedimento del
gioco elettronico per suggerire la tridimensionalità
dell’ambiente di gioco (come ai bei tempi di Crafton
e Xunk). In Super Mario RPG non c’è solo la
tensione e il lavorio verso questo varco espressivo,
ma pure un riferimento esplicito al rapporto tra 2D
e 3D. In un livello, abbastanza avanti nello svolgimento
del gioco, c’è un’occasione in cui lo sprite
renderizzato di Mario regredisce temporaneamente
all’estetica di Super Mario Bros, stridendo notevolmente
con l’isometria e l’illusione di tridimensionalità
dell’ambiente circostante. Ancora poco,
ma un bel pugno nell’occhio.
Un voto? B (e un tuffo al cuore)
tori si concentrano nel trasportare nella terza dimensione
la sensazione di sovrastante superiorità
di design tipica dei Mario bidimensionali. Missione
riuscita, e da allora Mario non è ancora tornato in
2D con un platform inedito del calibro dei classici
del passato. Caso o necessità?
Un voto? S

Textures, cuciture e libri pop-up
Yoshi’s Story (Nintendo 64 - 1998)
Il seguito di Yoshi’s Island era un platform penoso.
In parte, per il target. Yoshi ormai faceva già
guadagnare più soldi come pupazzo che da avatar
videoludico. In parte, però, scelte di design vergognose
sono al lavoro nel gioco e capaci di fare inorridire
bambini e adulti di ogni età. Yoshi’s
Story ha quantomeno il pregio di segnare in maniera
netta il momento in cui qualcuno alla Nintendo
ha deciso di esplicitare la vocazione di rimediare
elettronicamente lo stile estetico e l’illu-
A clash between 2D and 3D
Paper Mario (Nintendo 64 - 2001)
Paper Mario è una svolta espressiva nelle intenzioni,
il punto cruciale della riflessione sul rapporto
tra stile 2D e 3D elaborata da Nintendo. Fondali in
3D e personaggi piatti che si voltano come fogli di
carta esplicitano la riflessione di Nintendo sulla stilistica
dimensionale. Paper Mario è però una riflessione
incompiuta, più che altro uno spunto. La
lavorazione è una delle più travagliate che si ricordi.
Nella transizione da Super Mario RPG a questo
semi-sequel si era anche consumato il divorzio
commercialmente disastroso con Squaresoft. Il
nome definitivo del gioco, dal canto suo, e di conseguenza
la sanzione ufficiale di questa riflessione
sul libro pop-up, arriva dopo quattro anni di ritardi.
Quando finalmente si mostra, tuttavia, Paper Mario
non delude. Invece di costruire illusione di profondità
e tridimensionalità, Nintendo cambia direzione:
scardina questa concezione e la mette in
The Golden Age of LCDs
Super Smash Bros Meleé (GameCube - 2001)
Già in Super Smash Bros per Nintendo 64 iniziava
la stagione dell’autocitazionismo selvaggio di
Nintendo. Mentre iniziavano i remake, le compilation,
i recuperi storici, nel primo brawler multiplayer
della casa di Kyoto era possibile sbloccare un
livello speciale, ispirato alla grafica bidimensionale
di Super Mario Bros: l’opposizione stilistica rispetto
agli ambienti poligonali falso-realistici del
gioco era netta. Sotto questa forma, l’extra sembrava
avere sprazzi di autoironia: Smash Bros
era tutto fuorché 3D nell’interazione, e una simile
aggiunta funzionava come clausola di onestà per
l’osservatore più attento. Nel seguito per GameCube
- che è poi un gioco nettamente più raffinato e
riuscito del primo - la citazione diventa sistemati-
sione di “profondità piatta” dei libri pop-up per
bambini. Pieno di figure di cartoncino che si alzano
all’apertura della pagina, stoffe (textures, appunto)
nei fondali e altre amenità, Yoshi’s Story è -
in maniera finalmente dichiarata - una storia giocabile
all’interno di un libro per bambini. Peccato
che questo si rifletta sul solo piano estetico, senza
alcuna ripercussione degna di nota sulla blanda
interazione.
Un voto? D
discussione facendo scontrare una rappresentazione
dotata di profondità - quella dei fondali - con
una irrimediabilmente piatta e ad essa apparentemente
inconciliabile, quella degli sprite 2D dei personaggi.
Le case si aprono allora come costruzioni
in cartoncino, Mario entra nelle coperte per riposare
scivolandovi dentro come un foglio, i personaggi
si voltano e scompaiono momentaneamente in
profondità nel cambiare direzione di marcia. Operazione,
questa, certamente più artistica o eversiva
di qualunque sfoggio grafico da team cinematografico-industriale
del solito fainal fantasi, anche
se a ben vedere le ripercussioni di questa estetica
sul piano interattivo sono inesistenti e il livello narrativo
è ancora a un grado troppo semplice perché
in Paper Mario si possa trovare un manifesto dello
scontro di paradigmi.
Un voto? B
ca, e il ricorso alla riflessione sul rapporto 2D/3D
esplicito. I fondali ispirati allo stile bidimensionale
si moltiplicano, ma l’elemento cruciale nell’autoanalisi
estetica è rappresentato da Mr. Game &
Watch. A patto di avere Smash Bros, con l’omino
degli storici handheld a LCD di Nintendo da oggi
potrete pestare anche Mario o Link: tuttavia, a differenza
degli altri eroi Nintendo, il protagonista dei
Game & Watch non ha guadagnato la dimensione
Z. Inserito nella rosa dei combattenti sbloccabili,
Mr Game & Watch rimane piatto com’era sugli
schermi dei piccoli scacciapensieri anni ottanta.
Inoltre, continua a muoversi a scatti, senza un’animazione
continua tra una posizione prefissata e
l’altra. In sostanza, non è mai uscito dal Game &
Watch originale, pur attraversando la storia tecnologica
con un balzo immane e improvviso. Il suo
livello è poi ambientato proprio all’interno di un
Game & Watch Nintendo, con un geniale warp
temporale: l’intero hand-held è ri-mediato e rappresentato
all’interno dello schermo. Di Super
Smash Bros, andando off topic, si potrebbe anche
ricordare la grande metafora delle statuine che
prendono vita, trapassando idealmente lo schermo
per ricordarci della connessione tra videogioco,
collezionismo e vecchi giocattoli. Cosa che alcuni
potrebbero ritenere eccessivamente infantile, salvo
poi ritrovarsela in Resident Evil 4 puntuale come
uno schiaffo.
Un voto? A

Per sguardi adulti
Legend of Zelda: The Wind Waker (GameCube
- 2003)
La svolta narrativa
Mario & Luigi Superstar Saga (GameBoy Advance
- 2003)
Seguito non ufficiale di Paper Mario, Mario &
Luigi Superstar Saga prende in prestito dall’RPG
per Nintendo 64 la sola meccanica di gioco, con
l’obbiettivo di arricchirla e perfezionarla. Il bizzarro
RPG di Nintendo e AlphaDream (tipi dietro un leggendario
Tomato Adventure) si avvale di una
grafica bidimensionale piacevolmente ricca di occhi
stilizzati alla Disney primissima maniera, lontana
dal fumettismo dozzinale di certi approcci nintendiani
precedenti. Mario & Luigi è praticamente
privo di spunti riflessivi sulla profondità di campo,
anche se involontariamente disorientante a causa
del difficile colpo d’occhio del giocatore sul fondale.
Leggero e ironico, autoriflessivo e umoristico, Mario
& Luigi è lontano anni luce dalla pesantezza e
scontatezza della maggior parte dei JRPG fantasy.
Lo stile estetico non riflette su se stesso come in
Paper Mario. Tuttavia, come in Paper Mario era
l’estetica a riflettere su se stessa, in Mario & Luigi
questo aspetto autoriflessivo agisce al livello della
narrazione. In questo senso si può sostenere che
Mario & Luigi Superstar Saga non sia affatto
Poligoni e fogli, secondo round
Paper Mario 2 (GameCube - 2004)
Paper Mario 2 è la tappa finale di un percorso
sulla rappresentazione estetica tra 2D e 3D fatto a
tentoni e durato una decina d’anni, per il quale il
primo Paper Mario per Nintendo 64 aveva impresso
una direzione fondamentale senza riuscire a
portare pienamente a compimento l’obbiettivo. Ma
è anche la rilettura di un’idea estetica originale,
quella di Paper Mario, sotto la specie di una nuova
visione narrativa: quella di Mario e Luigi Superstar
Saga. Paper Mario 2 ritorna allo scontro tra
fondali dotati di profondità e figure piatte con una
nuova potenza di calcolo a disposizione, ma soprattutto
con un progetto più ambizioso che affonda
oltre la superficie, arrivando fino all’interazione
Asciugato degli eccessi modaioli e riportato a uno
stato di stilizzata bellezza, il Cel Shading torna ad
essere tecnica per la creazione di mondi estetici
sobri, netti ed eleganti e conferisce al nuovo episodio
di Zelda una connotazione unica, che fa tuttuno
con il progetto interattivo della creatura di
Miyamoto, Iwata e Tezuka. In quanto mondo possibile
costruito su un’estetica dirompente e “altra”
rispetto all’eredità fantasy/naturalistica di Ocarina
of Time, Wind Waker è un manifesto di volontà
poetica: Nintendo vuol fare la Disney del gioco interattivo,
costruire mondi d’animazione giocabili,
offrire immersioni fantastiche. E vuol farlo evocando
un mondo mosso da poligoni ma che si mostra
“piatto” come un film d’animazione. Il progetto è
certo più maturo della sensibilità estetica di quanti
pensano che il nuovo filmato di Zelda: The Twilight
Princess sia “dark”.
Un voto? A
una tappa estranea al percorso seguito in questo
articolo: la nuova “stagione filosofica” nelle narrazioni
ed interazioni di ruolo di Nintendo, battezzata
in questo gioco per GBA, troverà pieno compimento
confluendo in Paper Mario 2, insieme all’approccio
estetico di Paper Mario.
Un voto? B
ludica. Uno spirito autoironico e parodistico, nel
processo, lo porta a un grado meta-narrativo, di
riflessione divertita sulla sua stessa natura e su
quella dal genere. In primo luogo, visto che Mario
e il suo party sono piatti, è adesso giustamente
possibile farli ruotare di profilo per passare in spazi
angusti o tra le sbarre; oppure, trasformare i personaggi
in aeroplanini di carta, o infine arrotolarli
come tubi per oltrepassare ostacoli di varia natura.
Le ripercussioni sull’interazione non sono certo rivoluzionarie,
ma evidenti. Quel che più conta è che
questi procedimenti sfondano la generale arbitrarietà
tra interazione ed estetica in azione fino a
questo momento negli esperimenti di Nintendo sul
tema, fondendole in un progetto finalmente coerente.
Infatti, a livello narrativo Paper Mario 2 si

ivela altrettanto evoluto. Sotto le spoglie di una
trama bambinesca si celano dialoghi a doppio strato
verso il giocatore, infarciti di riflessioni satiriche
sulle narrazioni tipiche degli RPG, divertita autocritica
sulla trama, la grafica e i risibili eventi del
gioco, momenti di genuina inquietudine (come
quando il dragone-cattivone divora inaspettatamente
decine di funghetti senzienti), citazioni per
frequentatori nintendiani di vecchissima data, persino
caute allusioni sessuali con doppi sensi che
E il futuro?
Considerare Paper Mario 2 come un approdo ultimo
della riflessione nintendiana sulle dimensioni
estetiche videoludiche equivarrebbe a fare una riflessione
decisamente finalistica: di certo, qualcosa
di altro arriverà. Cosa aspettarsi, allora? Personalmente,
chi scrive è fiducioso sull’evoluzione del
livello estetico e autoriflessivo delle proposte della
vecchia N. A questo proposito, è rincuorante pensare
a quanto possa accadere sul Nintendo DS. È
economico: quindi andrà benissimo per il target
universale, ma con baricentro sui più giovani, tipico
di Nintendo. Allo stesso tempo, però, il double/touch-screen
è un ammennicolo per veri geeks,
che consentirà sperimentazioni altre rispetto
al semplice (e fantastico) sfoggio audiovisivo e di
convergenza mediatica del portatile Sony. Nintendo,
dal canto suo, ha il vantaggio di una tradizione
da recuperare e su cui eventualmente ironizzare.
Non è solo l’unica compagnia con un forte senso
del recupero storico, dell’autoriflessione sulle tecniche
e sugli stili, sul valore di gioco come innovazione
non per forza soggetta alla crescita di calcolo:
accanto a schifezze come i dialoghi di Mario
Party (per le quali Nintendo dovrebbe flagellare il
team della Hudson), si può anche trovare un livello
narrativo discretamente dissacrante e adulto come
quello del “bambinesco” Paper Mario 2. Pertanto,
si può solo sperare che ad andare avanti nella
compagnia siano i migliori. Il lavoro della critica
dovrebbe essere quello di imparare a sciogliere il
paradosso per il quale i giochi da bambini hanno la
faccia da adulti e viceversa, ma nessuno smaschera
questi travestimenti. A volte, il fatto di riflettere
sul mezzo che si utilizza passa non passa attraverso
il solo gioco estetico o narrativo, ma li intreccia
a favore di vari livelli di apprezzamento. Premiare i
lavori capaci di riflettere su questo piano enunciativo
non significa soltanto favorire il discorso del
gioco su se stesso, ma anche premiare i singoli al
lavoro: chiunque essi siano.
mantengono sempre un livello di guardia sul target
di base dei più piccini. Un doppio livello di dialogo
col fruitore, questo, che sembra recentemente adottato
anche in molti altri casi (qualcuno se ne
sarà accorto in Resident Evil 4, dove si contrappongono
– sic! – Kennedy e Salazar), come espediente
dei designers contemporanei per ironizzare
lateralmente su trame scontate quanto necessarie.
Tutto Paper Mario 2 è pervaso da un senso di
post-modernismo autocompiacente, che si incarna
addirittura in un attante (auto)dissacratore: Luigi.
Per ottenere dei bonus da parte sua occorre sorbirsi
le sue lunghe, insostenibili narrazioni delle
avventure intraprese nei mondi improbabili del
Waffle Kingdom nonché le seriali e ridicole narrazioni-tipo
videoludiche che produce ai nostri danni,
durante le quali Mario e i suoi compagni non possono
fare altro (come chi ha in mano il controller)
che addormentarsi russando rumorosamente. Insomma,
Paper Mario 2 è un gioco con una trama
da adulti, lontano anni luce dai giochini per bambini
che si beccano il rating ‘Mature’ per via dei mostracci
e di sangue e budella a catinelle.
Un voto? B

HARRY MC BEER gyakuten saiban
di Amano76
Spiegare il fascino di Gyakuten Saiban (“Processo
a Colpi di scena”) è un'impresa sfiancante.
Un titolo di questo tipo, con un sistema tanto insolito,
fatto di umorismo spiccatamente giapponese
e appartenente ad un genere del tutto inconsueto
per il pubblico occidentale, rappresenta l'incubo
di ogni recensore che aspira ad avere del
tempo libero per la propria vita privata.
Ma io vi amo. Vi amo, lettori di Ring. Quindi ci
proverò.
Per voi.
Ryu Naruhodo, nella sua posa più rappresentativa..
Gyakuten Saiban nasce nel 2001 per mano di
Shu Takumi, regista di tutti i capitoli sinora pubblicati.
Tanto l'umorismo atipico quanto il genere di
appartenenza (l'avventura testuale) lo rendono
forse un prodotto destinato a non vedere mai l'occidente.
Ma se la serie è passata, dal primo al terzo
capitolo, da meno di centomila a oltre duecentomila
copie vendute, un motivo ci sarà.
Da un punto di vista risolutivo Gyakuten non
offre sfide ardue, ma si deve anche tenere conto
della sua uscita su console portatile: una difficoltà
troppo alta avrebbe finito col decapitare un titolo
di questa categoria, poco avvezzo a prestarsi alle
rapide sessioni per cui l'Advance è stato progettato.
L'intuizione di Takumi è stata quindi quella di
spettacolarizzare la narrazione facendo il verso ai
blockbuster americani, un po' come in passato aveva
fatto Mikami in Resident Evil, condendo il
tutto con spiccata (e riuscita) comicità giapponese.
La particolarità del gioco è ovviamente la singolare
ambientazione processuale, ma per quanto
anomalo sembri il concept, bastano pochi minuti
ad accorgersi che le soluzioni scelte non si discostano
di molto da quelle delle altre avventure testuali.
La prima parte di ogni capitolo richiede la raccolta
degli indizi sulle scene del delitto o in casa dei
sospetti, attraverso un ordinario sistema di puntamento
che facilita non poco il giocatore, segnalando
con una breve animazione del cursore gli e-
lementi interagibili. Come se non bastasse durante
i processi si ricevono innumerevoli suggerimenti,
alcuni riconoscibili dal colore blu del testo che indica
in modo più o meno vago cosa fare, altri annunciati
dal suono di un campanello che sottolinea
le dichiarazioni più importanti. Oltre ad essere
quasi perennemente sostenuto da questi riferimenti,
il giocatore non va incontro a grosse difficoltà
neanche quando si tratta di compiere scelte fatidiche,
dato che di bivi a tutti gli effetti non vi è traccia.
Nonostante siano presenti diverse scelte multiple,
infatti, qualunque decisione si prenda si
otterranno sempre le medesime conseguenze: ad
essere modificato sarà esclusivamente il dialogo
successivo e non la trama stessa.
Gli indizi vengono poi catalogati in due liste che
possono essere richiamate sullo schermo in qualsiasi
momento, premendo il tasto R: una riporta i
nomi, le professioni e le caratteristiche salienti dei
personaggi partecipanti, l'altra elenca la totalità
delle prove raccolte, alcune inerenti al caso altre
svianti.
A questo punto si arriva al cuore del gioco, la
sessione giuridica.
Il giocatore nei panni del protagonista Ryu Naruhodo
deve assistere alle deposizione dei testimoni,
premendo il tasto L ogni qualvolta ritiene sia
stato dichiarato il falso. In tal caso Ryu grida ad
alta voce "Obiezione!" e se questa viene riconosciuta
come legittima, Naruhodo deve fornire la
prova che ritiene corroborante. Qualora sia fornita
la prova sbagliata il giocatore farà perdere progressivamente
la pazienza al Giudice, segnalata da
una barra verde che una volta esaurita comporterà
il game-over.
Attraverso questo iter la trama prosegue scoccando
un Colpo di Scena dopo l'altro, attenendosi
ad un registro tematico paradossale dove le logiche
risolutive sono totalmente assurde. Non ci sono
le trovate geniali di certe avventure Lucasarts
ma quanto a tensione umoristica siamo decisamente
da quelle parti.
Grazie all’intuitivo sistema di puntamento, ispezionare gli
ambienti di gioco si rivelerà una mera formalità. Chi ha
spillato sangue sulle avventure grafiche di Sierra lo troverà
un insulto.

Tempo fa, durante i mondiali di calcio del 2002,
assistevo ad una partita del Giappone contro non
ricordo chi. Forse il Brasile. Comunque, guardavo
la partita assieme degli amici mentre la squadra
del Sol Levante si faceva centrare la porta da missili
di ogni tipo: a lunga gittata, a breve gittata, rasoterra,
terra-aria. Sennonché uno dei miei compari
fa: "ma che cazzo c'hanno da ridere?", alludendo
alle facce apparentemente spensierate degli
atleti nipponici nonostante il punteggio da partita
di tennis.
Ci sono due grossi fraintendimenti che si commettono
riguardo l'umorismo dei giapponesi: 1)
non si divertono affatto nel vedere gente che soffre
2) il 99% delle volte che ridono non lo fanno
perché sono contenti.
Numero 1. Ciò che fa sbellicare i giapponesi è sì
la messinscena del dolore ma solo quando questa
ha a che fare con la resistenza al dolore: vedere
qualcuno che reagisce in modo esagerato ad una
ferita microscopica o assistere ai tentativi di chi
cerca di non mostrare la sofferenza fisica costituisce
per loro uno spettacolo esilarante, soprattutto
se si tratta di un maschio. Ecco il perché nei film di
Jackie Chan (inutile che citi sconosciuti epigoni
giapponesi) ricorrono le scene in cui l'attore becca
una botta, lì per lì sembra non sentire nulla, poi
tutto d'un tratto smette di fare quel che stava facendo
per massaggiarsi le parti contuse.
Numero 2. Per i giapponesi esprimere troppo direttamente
le emozioni è un male. Non perché sia
sbagliato da un punto di vista morale, ma perché
una persona che rivela apertamente il suo stato
d'animo lo impone al gruppo di cui fa parte, sia
che si tratti del personale di un ufficio o degli elementi
di una squadra. È visto come un atteggiamento
infantile, un modo come un altro di chiedere
le tacite attenzioni di chi sta intorno e che
quindi distoglie il gruppo dalla ragione per cui è
costituito, si tratti di amministrare pratiche o di
vincere una partita. O si ride tutti o non ride nessuno,
o si piange tutti o non piange nessuno. Per
la mentalità nipponica un adulto non deve imparare
a sopportare soltanto il dolore fisico ma anche
quello spirituale, ed ecco perché in genere viene
usato un sorriso, possibilmente accompagnato da
un centinaio di inchini, per camuffare l'effettivo
stato d'animo.
Cos'è allora che li fa divertire veramente?
Principalmente il mancato rispetto delle più basilari
regole dell'etichetta, ma in particolare le figure
di merda e la superbia. Quello che fa sbellicare i
giapponesi, insomma, sono i cafoni.
In una società dove mantenere una facciata di
rispettabilità e attenersi alle buone maniere riscuote
tanta importanza, vedere una persona che viene
spogliata della sua apparente austerità o della sua
impassibilità (al dolore o alla rabbia) è naturale
che faccia divertire. Perciò tanto più è "alto" il prestigio
di un individuo, tanto più vederlo finire in
situazioni inequivocabilmente volgari, come avere
attacchi di diarrea o torcere il viso in espressioni
ridicole, contribuisce a far spanciare i nipponici.
Nello stessa categoria ricade la sfrontatezza: se
la figura di merda è divertente perché una persona
viene spogliata del suo contegno (o della sua dignità,
in questo sì che i giapponesi sono crudeli) lo
è altrettanto l'atteggiamento altezzoso di chi proclama
spudoratamente di essere più forte, più intelligente
o più bello degli altri.
In Gyakuten è un elemento umoristico il fatto
che il Giudice, la carica più in vista all'interno di
un'aula di tribunale, sia la figura del cast meno ri-
A GRAN VOCE
Il bionico Godo in azione. La sua passione per il
caffè è palese anche dalle sue battute a tema,
come “Naruhodo, le tue capacità sono come il
caffè freddo: rivoltanti”.
In quanto prodotto su cartuccia Gyakuten
non vanta alcun doppiaggio, fatta eccezione
per tre esclamazioni ricorrenti: Igi ari!,
Matta! e Kurae!. La prima si legge ighi ari
e significa semplicemente "obiezione!". La
seconda invece è un termine più particolare:
il significato letterale della parola è "ti
aspettavo!", o, tradotto più liberamente,
una sorta di "fermo lì!". Questa seconda
esclamazione è originaria del Kabuki, il teatro
popolare giapponese che pone l'accento
sulla spettacolarizzazione della messa
in scena. Matta! ("ti aspettavamo"!) è
l'incitamento pronunciato dagli spettatori
quando un interprete fa il suo ingresso sul
palcoscenico, come ad annunciare l'arrivo
del colpo di scena. Anche nella scelta di
questo termine Shu Takumi ha dimostrato
non poca sensibilità creativa. La terza esclamazione
infine significa "Beccati questo!"
e viene pronunciata ogni qualvolta
Naruhodo sottopone una prova al Giudice.
Tirandogliela, naturalmente.
Questi campionamenti sono stati realizzati
dagli autori stessi: Takumi per Naruhodo,
il capo-programmatore per Mitsurugi e, in
veste di guest star d'eccezione per Gyakuten
3, il noto Hideki Kamiya (regista di
Devil may cry e Viewtiful Joe) come
"voce" del bionico Godo.
spettata di qualsiasi altra: viene preso in giro perché
è pelato, viene preso a frustate, messo a tacere
perentoriamente dai testimoni, si fa manipolare
dalle smancerie di ragazzine adolescenti. Allo stesso
modo è risibile il comportamento sprezzante di
Reiji Mitsurugi che considera chiunque un idiota,
tacciando con sorrisi beffardi e mettendo alla berlina
gli "stolti" che lo contraddicono. Un personaggio
da amare.
Gyakuten Saiban è stato uno dei pochi, pochissimi,
titoli per Game Boy Advance a sperimentare
nuove soluzioni, senza alcuna necessità di
fesserie come doppio schermo o penna elettronica.
L'intuizione di Takumi non solo ha donato freschezza
al genere delle avventure dal punto di vista
ludico, ma ha anche dimostrato come questa
tipologia di titoli sia in grado di abbracciare un'ambientazione
umoristica in alternativa a quelle hard

oiled.
Il primo capitolo è arrivato come un fulmine a
ciel sereno, e nonostante le vendite piuttosto contenute
rispetto alle serie di maggiore richiamo
(Pokemon, Rockman Exe, Famicom-mini), sin
dall'inizio è stato apertamente coccolato dalla redazione
di Famitsu.
Ogni uscita contiene quattro episodi: un primo
introduttivo e molto breve, due di media lunghezza
e per finire un quarto particolarmente esteso. Nel
complesso si arriva ad una decina di ore di gioco.
Poche? Già, ma con un mercato che tende a contrarre
sempre più la longevità dei titoli, Gyakuten
Saiban non ha l'obbligo di fare eccezione.
I protagonisti principali sono tre: Ryu Naruhodo,
l'avvocato al centro delle vicende; Mayoi, una maldestra
evocatrice di spiriti che fa da spalla a Ryu;
Itonokogiri, un imbranatissimo ispettore di polizia
il cui nome (tradotto letteralmente "sega-fili") lo
mette sempre al centro delle beffe di tutti i personaggi
in scena. Ad essi si affiancano la supercarrozzata
avvocatessa Chihiro, che muore nel secondo
episodio per poi ritornare come spettro in tutti i
successivi, e il supponente, saccente, gustosamente
stylish Reiji Mitsurugi.
Il cast di Gyakuten è la spina dorsale della serie.
In questo senso è lampante l’esempio di Ryu
Naruhodo, un fighetto che si presenta in aula con i
capelli "a gallina", acconciatura molto in voga tra i
giovani giapponesi in cui i capelli sono tirati completamente
in su in stile “Super Sayan”: nella realtà
sarebbe automaticamente considerato un insulto
alla Corte. Per non parlare del suo vizio di
indicare col dito i testimoni, altro atteggiamento
screanzato (i giapponesi considerano volgare chi
gesticola eccessivamente) a cui Ryu ricorre con la
massima naturalezza, come a sbeffeggiare la teatralità
dei tribunali americani e della cinematografia
ad essi ispirata. Ma a ritagliarsi i ruoli e le battute
migliori sono soprattutto i comprimari che di
volta in volta si alternano nei vari capitoli, rispettando
fedelmente i canoni umoristici della commedia
popolare nipponica descritti nei paragrafi precedenti.
Colpevoli che quando vengono scoperti si
tolgono il tupé e lo tirano in faccia al Giudice, avvocatesse
che prendono a frustate i testimoni per
farli parlare, procuratori cyborg che si alimentano
col caffè, medici che confessano apertamente di
palpeggiare le pazienti svenute, fantasmi che testimoniano
in aula: l'improbabilità della situazioni
è talmente estrema che non può non suscitare
spasso.
In alto nella foto i quattro comandi disponibili durante le
investigazioni preliminari: Esamina, Vai a, Parla, Mostra
MA NZAI! DAVVERO?!
La comicità giapponese è suddivisa in diverse
categorie di solito denominate in
modo tale da confondere chi non conosce
la lingua. Eppure non si tratta di generi
tanto anomali. Due tra i più popolari, ad
esempio, sono il manzai, cioè duetti alla
Stanlio e Ollio, e il rakugo, un monologo di
stampo ironico o satirico.
Per quanto simili ai canoni da noi conosciuti,
tuttavia, tanto il manzai quanto il
rakugo sono due generi radicalmente nipponici.
Il manzai è infatti basato su quel legame
tutto giapponese che si instaura tra i senpai
e i kohai, una distinzione che di solito è
legata all’anzianità cronologica o professionale.
Questo tipo di gerarchia è uno dei
valori morali più assoluti su cui è fondata
la loro società, in quanto è dato per scontato
che l’individuo con maggiore esperienza
sulla spalle (il senpai) sia tenuto a
ricevere favori, servizi e soprattutto rispetto
da parte di chi è più giovane o ha meno
esperienza lavorativa (il kohai). Lo scopo
del manzai è appunto quello di divertire il
pubblico mettendo in scena le angherie
che i kohai devono sopportare dai loro
senpai, come una sorta di umorismo nero
sulle crudeli regole sociali che quotidianamente
i giapponesi si trovano ad osservare.
A differenza del manzai, che è considerato
umorismo popolare, il rakugo è invece un
genere molto più elitario. Fondamentalmente
si tratta di una lunga barzelletta,
strutturata su tre elementi: una morale,
una battuta conclusiva che solleva il pubblico
dalla necessità di ridere, e una calcolatissima
mimica dell’interprete. Per chi
fosse interessato a questa comicità tanto
contorta, in rete sono presenti diversi siti
che riportano i monologhi più conosciuti.
Naturalmente in inglese.
Di tutti i capitoli pubblicati sino ad oggi il secondo
si dimostra il più riuscito. È da questa edizione che
si inaugura lo psycho-lock, una feature che implementa
il sistema di risoluzione usato durante i processi
applicandolo alle interviste preliminari: quando
un testimone oculare risulta eccessivamente
reticente è possibile metterlo alle strette mostrandogli
prove inoppugnabili e costringerlo a rivelare
quanto sa. In questo modo le due parti di ogni episodio
sono meno "staccate" una dall'altra, e il giocatore
è notevolmente aiutato nel capire quale sarà
il passo successivo da compiere per completare
la raccolta degli indizi.
La vera gemma di Gyakuten 2 è tuttavia l'episodio
dedicato al circo Tachimi, retto da una sceneggiatura
in cui l'autore si è sbizzarrito più che
poteva. C'è il clown esperto di giochi di parole e
doppi sensi, la tanto avvenente quanto idiota Mirika,
il ventriloquo Ben che soffre di sdoppiamento
di personalità, e un pellerossa di nome Acro, ammaestratore
di leoni talmente pacifico che è sempre
coperto di canarini. Attraverso questo impro-

abile cast Takumi da prova di un’innegabile conoscenza
dei meccanismi umoristici, passando dalla
comicità aulica di Tommy il clown, condannato a
non trovare un pubblico sufficientemente colto da
apprezzare le sue battute, allo slapstick di Mirika,
che non capisce assolutamente nulla e inciampa
ovunque. Fino ad arrivare agli spassosi duetti
manzai (vedi box) tra il timido Ben e il suo pupazzo,
fornito di una imbarazzante personalità scurrile.
L’episodio dedicato al circo Tachimi è anche uno
dei più tristi, visto che dapprima descrive malinconicamente
il senso di famiglia creatosi tra i vari
membri, che all’esterno del circo sarebbero dei
reietti, per poi mandare in pezzi l’armonia del
gruppo nel corso del racconto. L’omicidio a origine
di tutto è quello ai danni del giovane Bat, provocato
da uno scherzo dell'ingenua Mirika che regala al
ragazzo, suo fidanzato, una sciarpa coperta di pepe
allo scopo di farlo starnutire come un matto.
Così, quando Bat si reca alle prove nella gabbia dei
leoni con la sciarpa indosso e mette la testa nella
bocca dell'animale...
Questa trama è piuttosto rappresentativa di un
qualsiasi episodio di Gyakuten: l'omicidio al centro
del dramma è sempre ridicolo o assurdo, inoltre,
nonostante il criminale venga immancabilmente
svelato e messo in carcere, diversi elementi
vengono lasciati irrisolti.
L’incoscienza infantile di Mirika, che con la sua
stupidità causa la morte del suo stesso fidanzato, è
un argomento su cui l'autore non lancia alcuna riflessione:
i personaggi parlano attraverso le loro
azioni, dando voce alla propria individualità in quel
modo unico che contraddistingue lo story telling
nipponico, dove il ragionamento sui grandi temi
passa in secondo piano alle descrizioni psicologiche.
Nel terzo capitolo tutti i nodi sono venuti al pettine.
Sono stati conclusi tre anni di sottotrame lasciate
in sospeso e tirati i fili di tutti i personaggi,
strettamente legati uno all'altro come nella più
scontata delle soap opera. L'effetto, naturalmente,
è voluto.
Quest'ultima uscita denota però un palpabile calo
qualitativo. Le trovate sono meno acute, le battute
meno spassose, qualche personaggio è privo
di mordente. Nel terzo Gyakuten le vicende si sono
fatte più serie e più intricate, annacquando così
il caratteristico registro della saga, finora spensierato
e grottesco. Gli stessi intrecci inoltre non hanno
più la potenza umoristica dei precedenti.
È quindi evidente che un capitolo all'anno si sia
rivelato un ritmo proibitivo per le capacità dell'autore,
che nelle interviste pubblicate su Famitsu ha
dichiariato di aver subito un fatale crollo nervoso a
causa dell'impegno richiesto per mantenere il ritmo
disumano imposto dai produttori.
Il successo è ormai stabile: la serie sarà tra i
primi titoli a battezzare il varo del Nintendo DS, sia
in versione giapponese che americana, e il gioco è
perennemente idolatrato dalla redazione di Famitsu,
ma la solita formula "ogni centomila copie un
franchising" ha puntualmente danneggiato anche
questo titolo come già era successo per Resident
Evil, la serie di Onimusha e quella di Devil may
Cry.
I produttori di Capcom, loro sì che dovrebbero finire
in tribunale…
LA LETTERA DEL MESE
(l’unica, okay)
Volete la verità?
Non mi giunge proprio alcuna motivazione
accettabile per giustificare il fatto che io vi
stia scrivendo.
È stato un istinto, una propensione del tutto
spontanea, una mano (sudata) Smithiana
che mi ha paccato sulla spalla col tipico gesto
che sottolinea: "Embè!?! Fagli un saluto,
no?".
Mi googlizzavo alla ricerca frenetica di un Silent
Hill 1 d'occasione, di un regazzetto che
nell'intento estremo di accontentare la madre
sbraitante svuotasse il proprio playscaffale
dando in pasto a bagarini al contrario
copie di giochi d'autore, di esemplari dimenticati
dal mercato ma eternamente impressi
nella mente di chi in un videogioco
cerca termini come esperienza, sensazione,
trasmissione, comunicazione in luogo di inutilità
tecniche come giocabilità, animazione e
longevità oppure merdate pseudo-anglofone
come gameplay.
E la mia ricerca mi ha così condotto a voi,
alla vostra pagina, al vostro progetto. All'articolo
di Cryu su Thief: Deadly Shadows
che conteneva richiami più o meno espliciti
alla collina silenziosa, oggetto del mio googlico
peregrinare.
Non so ancora se a prevalere è la smadonnatio
nel non aver trovato nessun spacciatore
di ricordi che cercavo o la soddisfazione
nell'aver scoperto il vostro covo ed aver conosciuto
l'altrettanto vostro, come mi piace
chiamarlo, "mondo di pensare".
Un mondo diritto ma parallelo, dove il guardare
vince sul vedere, il vivere sul provare
ed il condividere sull'insegnare.
Mi siete piaciuti praticamente subito.
Solo questo volevo dirvi.
Sestacchina
La redazione di Ring non ha pianto quando
ha visto il pelato sosia del tipo dei REM annunciare
che Xbox360 punta a raggiungere
un miliardo di persone; non ha pianto nemmeno
di fronte al boomerang di serie per
PS3, e figuriamoci se ha pianto quando Nintendo
ha mostrato l’autoradio della cinquecento
di Reggie spacciandola per una console.
Ma la redazione di Ring piangerà adesso!
Grazie Sestacchina (se questo è il tuo vero
nome) per le buone parole. È con il supporto
di persone come te che Ring ha raggiunto la
ragguardevole vetta di 99 numeri. Adesso
non ci resta che spargere la benzina, dare
fuoco a tutto e chiamare la compagnia assicurativa.
Excelsior!

PIACERI PROIBITI
di Julian Kücklich
«Up, up, down, down, left, right, left, right, B, A, start
just because we use cheats doesn't mean we’re not smart»
The Moldy Peaches: Anyone Else But You
Il cheating come fenomeno estetico
Quello di “imbrogliare” è un aspetto dei computer
games che finora ha ricevuto scarsa attenzione nel
campo dei game studies.
I cheat, d’altra parte, sono una parte importante
della “gaming culture”, come risulta chiaro consultando
tutte quelle riviste e siti web che offrono pagine
e pagine di trucchi.
Inoltre, è piuttosto difficile incontrare un gioco
privo di qualsivoglia “built-in cheat”. In altre parole:
da quando esistono i videogiochi, i cheat fanno
parte delle opzioni. Indipendentemente dall’impiegarli
o meno, l’esperienza di gioco è sempre influenzata
dalla possibilità di essere manipolata “illegalmente”.
Nei giochi multiplayer, i cheat non cambiano solo
l’esperienza di chi li utilizza, ma anche l’esperienza
di tutti gli altri giocatori. In un gioco come
Counterstrike, i giocatori equipaggiati con algoritmi
di puntamento automatico, o “aimbots”, sono
così immensamente superiori agli altri giocatori
che i loro avatar si rivelano virtualmente invulnerabili.
In molti casi, la vera sfida dei cheater di
professione si sposta dalla competizione con gli altri
giocatori all’impedire il riconoscimento dei cheat
Cosa sono i cheat?
Definire la pratica del cheating si rivela piuttosto
complesso, visto che le tipologie di cheat sono diverse
tra loro almeno quanto le varie tipologie di
gioco. La maggior parte dei cheat dà al giocatore
un vantaggio che generalmente le regole del gioco
non permetterebbero, ma non sempre è così. Alcuni
cheat cambiano semplicemente l’aspetto delle
cose. Per esempio, in Germania, la rappresentazione
grafica della violenza è generalmente rimossa
dai giochi prima della loro pubblicazione in modo
da compiacere la rating board, ma quasi tutto
può essere ripristinato semplicemente cambiando i
settaggi sulla località.
Impiegare questi cosiddetti “blood-cheat” non
costituisce una contravvenzione alle regole del
gioco, ma richiede spesso una manipolazione diretta
dei file (tramite patch), una pratica che va
oltre l’uso previsto del gioco. Possiamo quindi definire
i cheat come l’usare il gioco in un modo non
previsto dai designer? Non credo. Prima di tutto,
dal sistema di controllo dei server. Quando si spinge
così lontano, la pratica del cheating diventa
un’attività “illegale”, il cui piacere deriva presumibilmente
dal fatto che metterla in atto significa in
qualche modo trasgredire le norme sociali.
non è sempre possibile determinare “l’uso previsto”
di un gioco. Un mod come Counterstrike può
essere visto come un modo di giocare Half-Life
che non è stato previsto dai designer di Valve, ma
non è certo un cheat.
Imbrogliare non richiede sempre la manipolazione
diretta del codice. Le guide sono una pratica
comune di cheating in giochi che richiedono forti
dosi di puzzle-solving (come Tomb Raider, ad
esempio).
Ovviamente, i designer hanno progettato i puzzle
perché qualcuno li risolvesse, quindi il criterio
di “uso improprio” non si applica in casi del genere.
I cheat sembrano avere solo una carateristica in
comune per definirli: cambiano il modo in cui il
giocatore vive l’esperienza. Lo fanno sia modificando
letteralmente il look e il feeling di gioco, sia
rendendo gli ostacoli progettati dai designer immediatamente
sormontabili…

Un approccio teorico ai cheat
Un approccio teorico alla pratica del cheating deve
tener conto del contesto. I giochi dovrebbero essere
considerati non solo come testi nei quali i cheat
possono essere usati per skippare certi passaggi,
ma anche come media che incoraggiano nuove
forme di interazione simbolica fra gli individui, e
anche come sistemi cibernetici, nei quali la pratica
del cheating rappresenta una sorta di “re-entry”
dell’ambiente nel sistema stesso (ma di questo
parleremo in seguito).
Giochi in single-player
I giochi d’avventura sono per molti versi simili a
testi letterari, e a parte alcuni dettagli possono essere
studiati con gli stessi strumenti dell’analisi
testuale. Il modo in cui i cheat distorcono lo spazio
narrativo dei giochi d’avventura può essere dunque
collegato a strategie letterarie simili. Nonostante
il gioco d’avventura generico sia deceduto
nei primi anni novanta, videogame come Ico richiamano
ancora una somiglianza strutturale con
questo genere. I cheat usati più comunemente negli
adventure sono le guide strategiche. In molti
casi, documenti di questo genere forniscono al giocatore
istruzioni dettagliate su come procedere attraverso
l’esperienza.
Negli adventure il piacere deriva dall’equilibrio
tra i puzzle che i giocatori si trovano ad affrontare
e le risorse che il gioco gli fornisce per risolvere gli
enigmi. Più in dettaglio, il piacere dei giocatori deriva
dalla sensazione che essi provano quando capiscono
che esiste una soluzione. Se questa soluzione
può essere trovata al primo tentativo, il
piacere di cui sopra viene a mancare, ma se non
può essere trovata affatto il tutto diventa in breve
tempo frustrante. Ne consegue che “il piacere del
gioco” perso durante un’esperienza frustrante, può
essere riguadagnato solamente imbrogliando in
qualche modo.
Possiamo quindi considerare i cheat negli adventure
come un mezzo per superare le “costrizioni
topologiche” (Aarseth 56) del gioco. Dopo tutto, il
piacere derivante da ogni gioco dipende dall’equilibrio
fra le sue regole e la libertà che queste regole
lasciano al giocatore nell’interazione. Bloccarsi in
un adventure game può essere considerata una
situazione di sovra-codificazione, visto che sussistono
più condizioni necessarie per la progressione
narrativa di quelle che il giocatore è in grado di
riconoscere. Usare cheat risolve il dilemma diminuendo
la percentuale di costrizioni, e rimettendo
in moto il processo ludico.
Giochi in multi-player
I giochi in multi-player possono essere considerati
come media che promuovono nuove forme di interazione
tra i giocatori. La comunicazione che ha
luogo attraverso il gioco è una forma di metacomunicazione
sul processo del giocare. Questa
viene identificata come una caratteristica fondamentale
della qualità del gioco nell’articolo di Gregory
Bateson “A Theory Of Play And Fantasy”, nel
quale l’autore espone alcune sue osservazioni riguardanti
le scimmie allo zoo:
«Vidi due scimmie giocare, impegnate in una sequenza
interattiva in cui le azioni o i segnali erano
simili, ma non uguali, a quelli di un combattimento.
Era evidente ad un osservatore umano che
l’intera sequenza non era un combattimento, e che
neppure le scimmie lo consideravano tale (315).»
Da questo esempio, Bateson conclude che: «il
gioco […] poteva avere luogo solo se gli organismi
che vi partecipavano si dimostravano capaci di un
certo grado di meta-comunicazione, per esempio
scambiarsi segnali che trasportano il messaggio
‘questo è un gioco’.»
Questo significa che le regole del gioco possono
esse stesse diventare oggetto del gioco: «Rompere
le regole sembra essere parte del giocare» (Sales
e Zimmerman 268). Il comune denominatore di
queste pratiche è la loro natura sociale: un cambio
delle regole deve essere accordato fra tutti i giocatori
coinvolti.
Questo sembra potersi applicare pure ai videogiochi.
«Giocando ad un videogioco, il giocatore
deve decidere qual’è il comportamento appropriato,
esplorando lo spazio di violazione delle regole.»
(Salen e Zimmerman 281). Questo diviene evidente
in molti giochi multi-player, dove i “power gamers”
sono spesso sospettati di aver imbrogliato in
qualche modo.
«I power gamer spesso spingono il sistema ai limiti
cercando quei punti dove l’architettura del gioco è
contraddittoria o malleabile. In molti casi è questo
genere di comportamenti che viene visto dalla comunità
(e spesso dagli amministratori) come troppo
simile alla pratica del cheating.»
(Taylor 304)

È dunque la stessa comunità dei giocatori che determina
le modalità di cheating. Se le avventure in
single-player creano uno spazio narrativo da esplorare,
i giochi multi-player creano uno spazio sociale
ad-hoc che è costituito tanto dal consenso del
giocatore quanto dall’architettura di gioco. È dunque
il contesto, più che dei criteri oggettivi, a stabilire
se un giocatore sia un “power gamer” o un
cheater.
All’interno delle gaming cultures, wallhacks, aimbots
e altre manipolazioni ‘illegali’ vengono definite
attività che fanno parte della cultura del gioco tanto
quanto lo sono i clan o i mod. Nonostante alcune
di queste attività siano accettate dai publisher
per il loro potenziale economico (uno degli esempi
più rilevanti è il fenomenale successo di Counterstrike,
mod per Half Life), altre sono fonte di disappunto
per l’industria visto il disturbo che arrecano
ai giocatori comuni.
Quest’attitudine schizofrenica che attraversa la
creatività incontrollabile della comunità, indica che
lo spazio sociale creato dai giochi è ben lontano
dall’essere un territorio incontestato. Infatti, la veemenza
con cui l’industria propugna misure anticheating
è una manifestazione reale di un modello
culturale meno incentrato sull’autore, un modello
che ha ormai iniziato a rimpiazzare quello tradizionale
della produzione, distribuzione e ricezione dei
media.
MMORPG
L’estetica sociale è probabilmente più pronunciata
nei giochi di ruolo online di massa (MMORPG), come
Ultima Online. È soprattutto qui che il problema
del cheating è sentito maggiormente, sia dai
giocatori che dai provider. Mentre usare cheat in
un gioco single player può creare un conflitto interno
per il singolo giocatore, e farlo in un gioco
multi player può favorire facilmente la tensione
nelle dinamiche sociali fra giocatori, le implicazioni
di imbrogliare nei MMORPG sono di gran lunga più
sentite. La ragione di questo immenso potenziale
distruttivo è da ricercarsi nel fatto che i giochi di
ruolo online si sforzano di creare mondi persistenti
che sono influenzati e plasmati da tutti i loro abitanti.
L’esempio più eclatante dei danni che i cheater
possono fare in un gioco di ruolo online riguarda il
famigerato Diablo di Blizzard. Rilasciato nel 1997,
è stato un precursore di giochi con mondi persistenti
come Everquest e Asheron’s Call, e per
questa ragione si è fatto trovare impreparato
all’invasione dei cheater che ha seguito la sua uscita.
In un’intervista a Games Domain, un rappresentante
di Blizzard ha ammesso che la compagnia
rimase sorpresa dalla quantità di gente che cercava
di imbrogliare in Diablo, e di essere stata praticamente
“sommersa” dai cheater (Greenhill 1997).
Quello che è successo è descritto da Andy Kuo nel
suo articolo “A (very) brief history of cheating”:
«E arrivarono i cheater. In quanto società organizzata,
indipendentemente dal fatto di essere virtuale,
il mondo di Diablo diventava suscettibile agli
imbroglioni tanto quanto il mondo reale. Fate finta
di essere un giocatore che ha speso innumerevoli
ore a sviluppare laboriosamente il proprio personaggio
ad un livello altissimo, e che possiede un
equipaggiamento molto potente. Poi un giorno incontrate
un personaggio di livello ridicolmente alto,
dotato di un equipaggiamento inimmaginabile, che
vi chiede cose del tipo ‘Come faccio ad attaccare
un mostro?’. Improvvisamente i newbie avevano
trovato un modo illegale di alterare i loro personaggi.
Usando una tecnica chiamata dumping, potevano
replicare ogni item in loro possesso, oppure
fabbricarli dal nulla.»
In Diablo, l’incubo di ogni società capitalistica divenne
realtà: i meccanismi di produzione erano in
mano alle masse, e le masse potevano usare uesto
potere per destabilizzare l’attentamente bilanciata
economia di gioco: “Qualunque sia la ragione, è
innegabile che ogni item creato dal nulla contribuirà
a deprezzarne completamente il valore” (Greenhill).
Altri tipi di cheat, in particolare gli infami comandi
“townkill” e “autokill”, danneggiarono il tessuto
sociale di Diablo, più che il suo modello economico.
Nel gioco originale non era possibile
uccidere un altro giocatore all’interno di uno spazio
urbano, in modo che i giocatori nuovi e privi di esperienza
vi ci si potessero rifugiare. Una volta introdotto
il cheat “townkill”, i novellini venivano
massacrati con tale frequenza che la loro unica alternativa
era imbrogliare a loro volta. Ad ogni modo,
la pratica del player-killing non dovrebbe essere
condannata del tutto.
Come dichiara Elizabeth Reid a proposito dei
MUD:
«Su alcuni MUD i personaggi dei giocatori possono
uccidere qualcun altro. Per alcuni utenti, la possibilità
del playerkilling aggiunge profondità e pepe al
mondo virtuale. L’aggiunta di un maggior pericolo
all’universo virtuale rende capaci gli utenti di identificarsi
più fortemente con il loro avatar.»
I MMORPG si possono inquadrare meglio come sistemi
cibernetici complessi, nei quali un cambio in
una delle loro parti costituenti va ad influenzare
tutte le altre parti in un qualche modo. Il modello
economico del mondo di gioco e tutti i differenti
sistemi sociali possono essere visti come sottosistemi
del sistema-gioco. Prendendo in prestito un

termine dalla teoria dei sistemi, la pratica del cheating
è una sorta di “re-entry”, un modo di reintrodurre
nel sistema la distinzione basilare che
permette di differenziare il sistema dal suo ambiente.
Nel caso dei giochi, questa distinzione è
segnata dalla differenza fra giocare stando alle regole
e di giocare con le regole.
Nella vita reale, ci viene continuamente richiesto
di aggiustare le regole dell’interazione sociale con
gli altri, a seconda dei vari contesti, il che causa un
livello piuttosto alto di contingenza nelle interazioni
non-standard. In maniera diversa, i giochi stabiliscono
una struttura per le interazioni basate su
regole che non lasciano molto spazio per la contingenza,
dunque costituiscono uno spazio sociale “sicuro”:
“C’è un tipo speciale di lucidità e intelligibilità
nei giochi. La ‘vita reale’ è piena di ambiguità e
di informazioni conosciute a metà […] Nella vita
ordinaria è raro trovarsi in un contesto con un tale
grado di chiarezza artificiale” (Salen e Zimmerman
123).
Attraverso la reintroduzione della possibilità di
giocare con le regole del gioco, i cheater reintroducono
simultaneamente la contingenza della vita
reale, il che spiega la rabbia dei non-cheater verso
Conclusione
Nella vita reale, le attività che ci portano a porci
delle domande sulla validità delle nostre assunzioni
rispetto al mondo in cui viviamo sono spesso identificate
come opere d’arte. Nei mondi di gioco,
questo genere di attività sono prevalentemente
considerate come vandalismo, a meno che esse
non siano non-distruttive, come Summons To Surrender
di Eddo Stern’s, una collezione di personaggi
per MMORPG programmati per mettere in
atto la stessa azione all’infinito. Da un punto di vista
estetico, è difficile differenziare queste attività
“sovversive”, dal momento che si differenziano solo
per la diversa portata dei loro effetti. Nonostante
i progetti artistici nel mondo reale difficilmente
possano destabilizzare i sistemi economici o concludersi
con la perdita di vite o di possedimenti,
questi pericoli sono piuttosto “reali” nei mondi virtuali.
Sebbene la perdita di item virtuali o personaggi
possa significare una perdita finanziaria reale per
la persona che li possiede, ora che anche questi
item si possono vendere per soldi veri, il pericolo
vero risiede nella disillusione dei giocatori.
Imbrogliare in un mondo di gioco segnala ai giocatori
che questi mondi non sono esentati dalle
regole del mondo reale. O per meglio dire, i giochi
chi imbroglia. Alla luce di questa concettualizzazione,
sembra piuttosto ironico che nella citazione qui
sopra i cheat siano pubblicizzati come in grado di
dare ai giocatori poteri “divini”. Dopo tutto, un
mondo governato da divinità testarde è una metafora
piuttosto azzeccata di un universo contingente,
un universo nel quale tutto può succedere in
ogni momento.
sono soggetti alle stesse relazioni di potere del sistema
sociale a cui siamo stati abituati dalla nostra
vita di tutti i giorni. Questo non rende necessariamente
il cheating un’attività nobile, ma serve come
a ricordarci che il campo di gioco si estende ben al
di fuori dei limiti dei mondi virtuali, e ciò che è in
ballo è la nostra percezione dei giochi come oggetti
culturali.
In breve, possiamo dire che i cheat meritino
maggiore attenzione critica di quella che hanno
ricevuto finora, dal momento che contribuiscono
alla nostra comprensione e percezione dei giochi
digitali. La pratica del cheating fornisce piaceri e
gratificazioni e rimarrà una parte integrante della
cultura del gioco. Inoltre, lo studio dei cheat evidenzia
come i giochi siano avvolti in un contesto
sociale e culturale più ampio, collegato indubbiamente
al mondo in cui abitiamo. Il fenomeno dei
cheat è di particolare interesse nei MMORPG, forme
nuove di partecipazione mediatica infuse di codici
culturali tratti dal mondo reale, come la presenza
del denaro e dei beni materiali. In questo
modo, dal momento che i personaggi stessi diventano,
nei MMORPG, dei beni, i cheat che indirizzano
questa trasformazione posseggono evidentemente
un potenziale critico. Il fatto che questa
critica sia intenzionale o meno non è rilevante.
Come in tutti i giochi, le intenzioni degli autori
perdono di autorità di fronte all’uso creativo delle
regole. Se non altro, i cheat meritano una particolare
menzione perché evidenziano questa “estetica
sociale” dei giochi con cui ci dilettiamo.

Bibigliografia e riferimenti
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Ask Them". The New York Times, March 27, 2003.
Winnicott, Donald. The Family and Individual Development,
London: Tavistock Publications, 1965.
Wright, Talmadge, Eric Boria and Paul Breidenbach.
"Creative Player Actions in FPS Online Video
Games. Playing Counter-Strike". Game Studies,
Vol. 2.2, December 2002.
UNA PAGINA DI BIBLIOGRAFIA?
o_O
Normale che accada, quando si chiedono
pezzi ai parrucconi accademici. Vi distraiamo
quindi da tutto ciò copincollando un post apparso
in origine su it.comp.console sul quale
siamo sicuri vi rispecchierete…
UN BRANCO DI NERD
Avevo già il sentore di essere un nerd e ne
ebbi la prova circa un annetto (e più) fa.
L'altra sera ho avuto conferma che anche
molti dei miei amici sono dei nerd, a livelli
ben superiori il mio. Per caso ci siamo imbattuti
in un video di certi rappers americani in
cui donne nude ballano, si toccano e si fanno
trombare. Immagini succulente con queste
strafighe puttanone che lesbicano. Ho capito
che eravamo un branco di nerds quando nel
video per pochi secondi si vede una tv, un
mio amico, abbandonando lo stato quasi disinteressato,
esclama con vigore crescendo
"Ma cos'è...? Una playstation è una playstation!"
Non faccio in tempo a vederla sta cazzo
di playstation quando l'altro amico mio
che stava sulla mia sinistra, si alza di scatto
saltellando davanti alla tv, puntando il dito
verso lo schermo come un bimbo di quattro
anni gridando "Un dreamcast, un dreamcast!
Torna indietro, ferma l' immagine , vai a
rallentatore..."
Vi dico solo che in tre abbiamo 97 anni e
che siamo tutti dei single dentro, dopo pochi
istanti eravamo in system link a sportellarci
con PGR2. Ma quanto può durare?
Crude

SISTEMA XBOX VERSIONE PAL SVILUPPATORE INTERNO ETICHETTA UBISOFT MULTIPLAYER 2-4 ONLINE/SYSTEM LINK
LANTERNE VERDI
di Gunny
Idue più celebri infiltratori del mondo dei videogiochi
sembrano appena reduci da una vittoriosa
battaglia sindacale per il miglioramento delle loro
condizioni lavorative. Snake (dove con ‘Snake’ si
intende qualunque protagonista della serie di Metal
Gear, non necessariamente the solid one) e
Sam si liberano l’uno dell’oppressione imposta dalle
mura che il level design della serie gli edificava
attorno, l’altro delle soffocanti limitazioni di game
design in cui Ubisoft lo imprigionava.
Essendo il caso in esame quello di Sam (e essendo
già stato a suo tempo esaminato quello di
Snake), ricordiamo in breve da quali limitazioni
Sam fosse imprigionato:
A- Costante riproporsi di situazioni risolvibili attraverso
l’unica e tassativa procedura imposta dal
tema di sviluppo;
B- Assoluta ingestibilità delle eventuali situazioni
di azione dinamica/sparatoria;
C- Fisica/animazioni e gestione delle collisioni
opinabile;
D- Trama/colonna sonora/aspetto artistico trascurabili.
Pandora Tomorrow aveva riproposto esattamente
questi difetti, facendosi perdonare con l’aggiunta
di una riuscitissima modalità online, ma non
convincendo del tutto. Chaos Theory, fortunatamente,
conferma con il passare delle ore che il suo
predecessore era poco più di un add-on, e che il
vero Splinter Cell 2 ce l’abbiamo sotto gli occhi
solo ora.
L’impressione emerge già dopo una manciata di
secondi di gioco: il motore grafico tramandato a
Pandora Tomorrow dal primo Sprinter Cell è
stato accantonato a vantaggio di un nuovo, spettacolare
motore tridimensionale. I giochi di rifrazione
e gli effetti texturali sono fantastici, in particolare
la sensazione di ‘bagnato’ di determinate
superfici è resa in maniera sbalorditiva. Il passo in
avanti non è altrettanto radicale per quanto riguarda
i personaggi, alcuni dei quali anzi impressionano
lo spettatore con volti abominevoli (e purtroppo,
mentre si procede nell’interrogatorio di
occasionali ostaggi, la telecamera è generosa nel
rivelare lo scempio). Al di là di piccolezze simili,
comunque, deambulare negli ambienti di Chaos
Theory significa subire un bombardamento costante
di dettagli tecnico/grafici che certo non possono
essere motivo di dispiacere. A Ring insistere
su questi aspetti non piace, ma anche Ring ammette
di aver passato il suo buon minutino di
bambinesca curiosità di fronte ad un alluminio ondulato
o ad un pavimento di pietra inumidito dalla
pioggia.
Passando ad altre buone nuove, già dal primo livello
di gioco (e a maggior ragione nel prosieguo
dell’esperienza), è possibile notare un elemento
quasi blasfemo per la tradizione della serie: i bivi.
Non si tratta di nulla di rivoluzionario, ma spesso e
volentieri il gioco consente di scegliere tra un percorso
breve e maggiormente esposto, o uno più
evasivo ma meno rischioso. In alcuni livelli (come
quello della nave, vagamente parente di Cold Fear),
la verosimiglianza architettonica ha palesemente
la priorità sulla prosecuzione lineare, e
quindi le locazioni divengono addirittura sovrabbondanti,
a tutto vantaggio della credibilità.
Il passo avanti non è affatto trascurabile; dalla
prossima avventura di Sam, Ring spera di ricevere
in dono anche la facoltà di esaminare preventivamente
la pianta dell’edificio e decidere autonomamente
la strategia di ingresso: elisbarco, lancio
HALO, fogne, cavo, arrampicata, pacco celere3.
Sarebbe il paradiso dello spy gaming. Ma forse non
è questo il momento di avanzare pretese.
Passiamo ad un altro limite storico della serie che
Chaos Theory getta dal finestrino: la condotta
d’azione. Afferrare il fucile d’assalto e aprire il fuoco,
un tempo, significava vedersi rovesciare addosso
una pioggia di nemici. In condizioni di completa
padronanza motoria, non si sarebbe trattato
di un problema irrisolvibile: i nemici in questione
erano stupidi come girini. La legnosità terrificante
del sistema di fuoco e puntamento, tuttavia, finiva
col dare vita ad una sorta di regolamento di conti
tra handicappati, che spesso risultava fatale per la
pazienza del giocatore, prima ancora che per la
salute del suo avatar. Uscirne perdente significava
assistere all’orribile schermata di game over (pro-

lema ora risolto con soluzioni grafiche più piacenti)
e imprecare pensando a dove si trovasse
l’ultimo checkpoint (problema anch’esso risolto con
il comodissimo quicksave); uscirne vincenti dava la
sensazione di aver fatto del male a dei diversamente
abili in condizione di ubriachezza. Come se
non bastasse, superati i tre allarmi (non due, non
quattro: tre), Lambert decideva che il lavoro non
faceva per te e la missione finiva. Ma in Chaos
Theory, la sensazione che si sia scelto di operare
una svolta si ha già da un dialogo che appare in
una delle prime missioni:
«Fisher, non fare troppo rumore.»
«Fammi indovinare, tre allarmi e la missione è
finita.»
«Certo che no, Sam. Non siamo in un videogioco.
Però facendo rumore te li troverai addosso,
quindi cerca di essere prudente.»
Divertito dal simpatico scambio di battute, il giocatore
è spinto a verificare se quanto detto da
Lambert corrisponda a verità. E fortunatamente si,
la corrispondenza è assoluta.
Agire in modo aggressivo in Chaos Theory non
significa rovinarsi la fiancata contro il guard-rail
del sistema di gioco: significa semplicemente assumersi
un rischio. Sin dall’inizio della missione è
possibile scegliere tra un equipaggiamento più votato
all’intrusione silente ed uno più adatto al confronto
armato, oltre ad una terza opzione definita
‘Redding’: essendo Redding il nome di uno dei
consulenti di Sam, chi scrive pensa che si tratti del
bilanciamento giudicato ottimale dal brav’uomo
della NSA.
La comparsa di un coltello nella dotazione di
Sam (e anche qui le conquiste sindacali paiono essersi
estese all’intera categoria) consente una certa
capacità d’offesa a corto raggio, mentre le armi
sono lievemente più gestibili e facili da usare in
combattimento: in particolare, l’efficacia terminale
delle munizioni 5,7mm della pistola di Sam sembra
aver finalmente superato quella della controparte
softair. La stessa pistola ha una curiosa funzione
secondaria che consente di accecare le telecamere
e disabilitare temporaneamente le luci, e in generale
di agire su vari dispositivi elettronici (brillante
la trovata dei vetri dall’opacità variabile, nella missione
ambientata nella sede di Displace).
In un’ottica più generale, si ha l’impressione che
il videogioco si plasmi attorno alla condotta preferenziale
del giocatore, mettendolo alla prova richiedendo
impegno, ma punendolo solo nella eventualità
di una gaffe della cui evidenza sarà
probabilmente il primo a rendersi conto. Le situazioni
al limite del paranormale che infestavano i
precedenti episodi sono ridotte al minimo. In passato
una guardia, tentando di aprire una porta ostruita
da Sam, dopo alcuni angoscianti secondi di
convulsioni da collisione disfunzionante diceva ‘non
era niente’ e se ne andava. Ora la stessa guardia
si insospettisce e sfonda la porta, travolgendo
nell’impatto anche il dispettoso agente. Tutto l’impianto
ludico è studiato con maggiore buon senso,
meglio calibrato, perfezionato, contrito e redento.
Da un punto di vista artistico, invece, il DNA della
serie esige il suo tributo di banalità: trama debole
(per quanto comunque più chiara e vagamente
più interessante rispetto a quella di Pandora
Tomorrow), musiche non indimenticabili, Zio Sam
in pericolo, cowboys dal cuore d’oro e musi gialli
dall’infinita perfidia. Ma non ci si aspettava seriamente
un cambio di rotta sotto questo aspetto,
quindi bando a piagnistei eccessivi. Volendosi spingere
in critiche più concrete, si può ancora rimpro-
verare Ubisoft per la qualità delle animazioni, sicuramente
migliorate ma ancora non del tutto convincenti,
e per alcune incongruenze relative alle
azioni performabili (i grandi classici: salti davanti
ad un tubo a due metri dal terreno e ci rimani aggrappato;
salti davanti ad un gradino di un metro
e non riesci ad inerpicartici).
Ma sono dettagli che non possono sminuire in alcun
modo quella che è la migliore (per ora) concretizzazione
del potenziale della serie. Forte delle
sue correzioni di rotta, della sua appassionante
modalità online e del suo abbagliante motore grafico,
Chaos Theory è il miglior saluto possibile
che Ubisoft poteva dare agli aficionados di Sam il
Pescatore. Il saluto è chiaramente un arrivederci, e
con tutta probabilità è riferito alla prossima generazione:
ritorno che a questo punto Ring non può
che attendere con ritrovata fiducia e curiosità.
VOTO: S A B C D
SMS REVIEW
MORE SPANDULI!
La parte LIVE fa cagare. La parte RELOADED
è invecchiata male.
VOTO: S A B C D
LUCY IN THE SKYZZO
Bello soprattutto se si è drogati.
VOTO: S A B C D
BATEMAN’S BATMAN
È piaciuto ad Amano76.
VOTO: S A B C D

SISTEMA XBOX VERSIONE PAL SVILUPPATORE GEARBOX ETICHETTA UBISOFT MULTIPLAYER 2-4 ONLINE/SYSTEM LINK
AIRBORNE BROTHERHOOD
di Gunny
Q
uantificare l’impatto di Salvate il Soldato
Ryan sul mondo dei videogiochi bellici è veramente
un lavoro da piramidi egizie; a sette
anni dall’uscita della pellicola di Spielberg, continua
imperterrito il saccheggio della leggendaria
scena del settore Green Dog di Omaha, come se
l’ispirazione degli sviluppatori fosse rimasta impigliata
in quei monumentali venti minuti senza riuscire
più a divincolarsene.
Brothers in Arms, ennesimo FPS ambientato
nei luoghi del D-Day, si presenta senza costringere
all’ennesima rivisitazione di quella dannata spiaggia,
che ormai ogni videogiocatore conosce come
nemmeno Von Rustedt o Eisenhower hanno mai
conosciuto. Per contro, prima della conclusione ci
sarà l’occasione di proporre un’insolita citazione
dal summenzionato colossal di Spielberg, “Oh mia
forza, guida la mia mano…”
La storia è quella di una squadra della 101a divisione
aviotrasportata, le celebri ‘Screaming Eagles’,
che oggi sono diventati l’unica divisone da
assalto elitrasportato al mondo: gli uomini della
suddetta divisione furono impiegati nella ‘fortunata’
delle due spiagge americane, quella di Utah. La
storia di questi uomini, che dura otto giorni, comincia
con quello che in concreto è il suo epilogo:
il resto del gioco sarà un lento ritornare a quel
traumatico evento, avvenuto ad una settimana di
distanza dal ‘giorno più lungo’. Carentan, cruciale
‘città cerniera’ che divideva i due settori americani
(l’uno costituito dall’entroterra di Omaha fino a
Caen e l’altro dalla penisola di Cherbourg), è
l’obiettivo finale di questa squadra di soldati.
Gearbox promette realismo, promette immedesimazione,
promette rispetto verso la realtà dei fatti
storici. La volontà appare sincera: nessuna musica
accompagna le convulse sparatorie, nessuna (o
quasi) concessione cinematografica interrompe
l’esperienza in prima persona; interessante, benché
non certo inedita, la possibilità di visitare documenti
storici nell’apposita sezione ‘extra’. Il contenuto
di questa sezione, ampiamente pubblicizzata
dagli sviluppatori, ha tuttavia dei limiti ben
precisi. Le informazioni sono frammentarie, giusto
una collezione di ‘pillole’, inadatta a chi si aspettasse
un’analisi dell’operato del Generale Bradley o
una descrizione approfondita dei veicoli militari
dell’epoca: “Questo è il carro M3 Sherman. Ha un
Cannone da 75mm. Ce n’erano tanti. Fine.”
Il gioco non è un prodigio di tecnica, come certi
filmati (quello dell’E3 2004 ad esempio), lasciavano
sperare. La pulizia è notevole, gli effetti delle
esplosioni convincenti, i modelli di uomini e mezzi
ben fatti. Detto questo, si assiste al pop-up selvatico
dei ciuffi d’erba a una decina di metri di distanza,
le ambientazioni non sono mai particolarmente
imponenti (Carentan esclusa, che tuttavia è
in massima parte panorama non interattivo) e la
quantità di uomini e mezzi su schermo raramente
supera la ventina, tra amici e nemici. Audio buono,
se si esclude il doppiaggio italiano: per quanto sia
fastidioso doverlo ripetere ciclicamente, è inaccettabile
che un videogioco totalmente incentrato sulla
fedele ricostruzione di un episodio bellico drammatico
sia motivo di convulsioni da ilarità incontrollata
sin dal filmato di presentazione. Il protagonista,
Baker, gode di una voce tutto sommato
credibile e piacevole, e le riflessioni che intervallano
le missioni si lasciano ascoltare senza fastidio.
Sfortunatamente, ci sono altri personaggi: sulla
fatidica collina del fattaccio, il radiofonista Legget
afferra la sua .45 e, disperato, spara nel nulla urlando
“prendeeetemiii, crucchi di meeeerda!” (inevitabilmente,
un colpo di artiglieria lo riduce a frattaglie
nell’istante immediatamente successivo).
Ora, se con un certo sforzo si può chiudere un
occhio sull’utilizzo del più banale espediente da
war movie che possa esistere (il soldato ormai disperato
che viene ucciso mentre urla e spara esponendosi
senza alcuna ragione), non è possibile
fare altrettanto quando un doppiaggio tanto ridicolo
consegna alla prima missione un giocatore che
sembra reduce da un box DVD contenente 18 puntate
di Zelig e quattro bottiglie di spumante. Questo
difetto non inciderà sulla valutazione finale:
vista la buona qualità del parlato inglese, non è
giusto che il lavoro di Gearbox Software sia penalizzato
per un problema estraneo al lavoro dei creatori
veri e propri. Ma se avete un minimo di dimestichezza
con l’inglese, fatevi un favore e procuratevi
la versione britannica.
Tralasciando la personale rappresaglia che Ring
minaccia di scatenare sulle abitazioni di certuni
doppiatori dell’italico stivale, vi è ragione di chiedersi
che cosa distingua, a livello prettamente ludico,
il titolo in esame dai suoi innumerevoli predecessori.
La risposta è: i dettagli. Questo perché
nulla di quello che appare in Brothers in Arms è
realmente innovativo: il gioco consente di farsi seguire
dai propri compagni di sezione, gestendo nel
frattempo spostamenti e fuoco di un’altra unità
tramite la semplice pressione del grilletto sinistro.
Il sapore è un po’ quello di un Full Spectrum
Warrior o di un Operation Flashpoint in scala
ridotta. Il fuoco di soppressione della squadra di
supporto costringe il nemico a non esporsi, il lavoro
di accerchiamento del giocatore e della squadra
d’assalto lo stringono sotto il fuoco incrociato. Saltuariamente,
viene fornito il supporto di un carro
armato. Chiarito che il sistema è militarmente verosimile
e ludicamente efficace, non è che una a-

deguata riproposizione di qualcosa che si era già
visto su scala più vasta diversi anni or sono. La
mappa tattica (tasto ‘menu’) è uno strumento puramente
contemplativo, considerando che la coordinazione
delle unità controllabili si effettua sempre
durante l’azione vera e propria.
L’intelligenza artificiale si attesta su discreti livelli:
nessuno compie miracoli, ma nessuno fa fesserie. I
compagni cercano riparo ogni volta che è loro possibile,
ma si dimostrano abbastanza utili anche
mentre seguono Baker in un assalto all’arma bianca.
Le truppe naziste tendono a conservare la posizione
fino all’annientamento, e anche quando attaccano
non sono certo dei fulmini di guerra; lo
stesso vale per i carri armati, che si lasciando comodamente
scalare e imbottire di bombe a mano.
Scricchiola un po’, il ‘realismo innanzitutto’, quando
il protagonista compie dieci giri trotterellando
attorno ad un Panzer che non riesce a puntargli il
cannone addosso, e continua goffamente a ruotare.
Il discorso sulla limitata scala tattica dell’azione
va applicato anche alla mobilità. Lo scenario è un
puzzle che offre sempre una ridotta gamma di ragionevoli
soluzioni. Non è un fronte bellico in continuo
mutamento, è il livello di un videogioco che
nel 2005 deve guardare ancora in faccia i suoi limiti,
laddove un noto gioco del 2001 questi limiti li
aveva ampiamente aggirati. Alle volte, le limitazioni
al peregrinare appaiono poco plausibili (un torrente
chiaramente attraversabile per aggirare una
posizione MG42; una staccionata parzialmente
spezzata alta non più di 30 centimetri da terra).
GTA non ci ha viziati, e non sentiamo il bisogno
di un GTA bellico: non ne abbiamo bisogno non
perché l’idea sia abominevole, ma perché quel noto
gioco del 2001 ha già soddisfatto qualunque assurda
fantasia potessimo nutrire. Sempre sia lodato
Operation Flashpoint, profeta inascoltato. Se
Ring ci fosse stata, gli avrebbe forse conferito la
sua ambita ‘S’. Ma torniamo ai nostri parafratelli.
Di fronte ad una miscellanea di influenze diluite
(un Call of Duty senza la sua azione di massa; un
Full Spectrum Warrior senza il suo realismo tattico;
un Operation Flashpoint senza il suo illimitato
problem-solving), il rischio è quello di un prodotto
totalmente anonimo. Rischio in parte
scongiurato dai quei dettagli distintivi cui si accennava
poc’anzi. Dettagli in massima parte orientati
ad una rappresentazione realistica della condizione
di soldato: l’assenza della croce di puntamento impone
di fermarsi e fare uso degli organi di mira
delle armi per mettere a segno i propri colpi. Colpi
che peraltro si riveleranno assai imprecisi se il giocatore
non si trova in posizione inginocchiata.
Il realismo dei danni: un paio di colpi ben assestati
sono sufficienti a stendere ogni nemico, così
come tre/quattro proiettili bastano a causare la
morte di Baker. La difficoltà del gioco è già considerevole
a livello normale; a livello difficile o reale,
l’accresciuta vulnerabilità e il grande volume di
fuoco generato dagli avversari trasformano ogni
movimento esposto in una angosciante roulette
russa. Come è giusto che sia, in un gioco che intende
narrare quanto abbiano rischiato e sofferto
quei soldati piovuti dal cielo.
L’esperienza si chiude con una contraddizione:
senza voler entrare nei dettagli narrativi,
l’atmosfera da tragedia annunciata che si respirava
fino alla penultima missione mal s’accosta ai toni
retorici e fracassoni del filmato conclusivo. Viene
quindi da chiedersi se la consapevolezza con cui
molti (americani?) si vantano di trattare il tema
bellico sia effettivamente tale. L’impressione è che
questi ‘molti’ ritengano sufficiente una robusta dose
di scene violente (e in Brothers in Arms non
mancano, dall’headshot con schizzo alla pizza
margherita in cui si trasforma uno dei componenti
della squadriglia durante un attacco aereo) e qualche
spruzzatina di pessimismo/lieve introspezione
per giudicare la propria una trattazione ‘matura’
della guerra. Se qualcuno riferisse al sottoscritto
che nelle menti di questi ‘molti’ perlomeno un dubbio
esiste, il sottoscritto ne sarebbe alquanto sollevato.
Al di là di queste considerazioni, Brothers in
Arms è un’esperienza valida, impegnativa e a tratti
emozionante, sorretta da un gameplay piacevole,
da scelte coerenti, da una Normandia molto ben
ricostruita (le colline ondulate, le chiesette gotiche,
le inconfondibili bocages che dividono i campi e le
stradine) e da un multiplayer ben supportato. Non
vi è una ragione particolare che imponga di preferirlo
ai suoi rivali, ma non vi è nemmeno un motivo
che suggerisca ai wargamers di lasciarlo sullo scaffale.
VOTO: S A B C D

SISTEMA PS2 VERSIONE USA SVILUPPATORE INTERNO ETICHETTA NAMCO MULTIPLAYER NO
EVERYTHING’S SO BLURRY
di Sator Maverick
Sin dall’antichità, l’Uomo ha sempre cercato di
liberarsi da quei limiti fisiologici che lo volevano
animale di terra, ottenendo così la capacità
di volare. Questo naturalmente per poi esibirsi in
mortali duelli aerei.
Il 21 novembre del 1783, a Parigi, il professore
di chimica Jean Francois de Rozier e il marchese
Francois d'Arlandes furono i primi esseri umani a
sollevarsi in cielo senza l’ausilio di una catapulta.
La geniale intuizione che rese possibile la rivalsa
dell’uomo sul pennuto fu opera dei fratelli Montgolfiere,
e consisteva nel riempire d’aria calda un pallone
del diametro di 15 metri. Come spesso accade,
i due fratelli ebbero l’idea quasi per caso,
durante un festino a Lione conclusosi con un
contest in cui bisognava scoreggiare all’interno di
un preservativo.
Certo, la mongolfiera non era esattamente un
mezzo dinamico nei movimenti, ma ciò bastò al
lungimirante Luigi XVI per organizzare i primi
combattimenti aerei della storia. Tali scontri, tenuti
ogni domenica dopo le funzioni religiose, consistevano
per lo più in lanci di pietre con la fionda da
parte dei piloti dei lentissimi palloni, nonché offese
all’altrui albero genealogico quando le munizioni
andavano esaurendosi. Vista la noia generale di
simili manifestazioni, il popolo francese si disaffezionò
ben presto alla cosa, e sviluppò un crescente
malcontento che culminerà con la Rivoluzione del
1789.
La paura di un’analoga insurrezione popolare
spinse gli inglesi fratelli Wright a ideare un mezzo
volante dai movimenti un attimo meno sonnolenti.
Stavano nascendo gli aeroplani. Stava nascendo il
mito del dogfight.
Due guerre mondiali e svariati attacchi preventivi
dopo, l’antica arte del dogfight si è perfezionata
a tal punto da perdere completamente il suo fascino
originale a base di complicate evoluzioni e procedure
balistiche ai limiti dell’umana (tr)aspirazione.
Gli odierni combattimenti aerei, infatti, sono
quasi esclusivamente di natura BVR (Beyond Visual
Range), in cui il massimo del coinvolgimento
consiste nel premere un pulsante quando un reticolo
di mira ci dice di farlo. Anche il cannone di
bordo, arma un tempo gloriosa che decretò l’insuperabilità
di personaggi come il barone e il porco
rossi, sono oggi optional che non vengono adoperati
da anni, come il casco per i motociclisti napoletani.
Con il ritorno della noia per simili duelli aerei,
è tornato anche il rischio di una nuova
insurrezione popolare, e i disordini del G8 sono lì a
dimostrarlo.
L’obiettivo che Namco sta portando avanti con la
serie Ace Combat, è quindi quello di traghettare
questa disciplina nel ventunesimo secolo mantenendo
una parvenza di interesse. Ciò è stato possibile
battendo la pista tracciata da due dei migliori
film di sempre: Star Wars e Top Gun.
L’opera lucasiana non dedica molto metraggio di
pellicola al dogfight – preferendogli le più zen ed
economiche scene di cappa e spada – ma quello
che c’è, ha influito pesantemente su tutto ciò che è
venuto dopo. Ci riferiamo ovviamente alla scena
della distruzione della Morte Nera.
Se ad una certa altitudine i paesaggi di Ace Combat 5
danno l’illusione del fotorealismo, anche perdendo quota
non si ha una perdita di dettaglio degna di nota. I paesaggi
montani sono anzi graziati da un’accurata modellazione
delle catene montuose. Tuttavia i mezzi corazzati a
terra, sia nemici che alleati, sanno ancora di micromachines
poste su un presepe.
Grazie ad una realizzazione tecnica eccellente – ci
troviamo forse di fronte al Gran Turismo dei giochi
d’aerei – Ace Combat 5 può permettersi un
largo utilizzo di missioni a bassa altitudine senza
che venga meno la sospensione d’incredulità a
causa di texture belle solo sopra i tremila piedi. Ed
è proprio a pochi metri dal suolo che il paesaggio
perde la sua mera funzione di skin e diventa un
elemento attivo del gameplay, proprio come la
Morte Nera per Luke. Liberarsi del nemico eseguendo
uno slalom tra i pilastri di un ponte, duellare
tra le pareti di uno stretto canyon, inseguire il
capo squadriglia all’interno di alcune grotte ed effettuare
una scorribanda in una lunga galleria sono
sicuramente le situazioni più adrenaliniche che Ace
Combat 5 ha da offrire. E un aggiornamento
dell’immagine che non dimentica nemmeno uno
dei sessanta fotogrammi al secondo rende l’esperienza
estremamente precisa, oltre che elettrizzante.
Per quanto riguarda Top Gun, il capolavoro di
Tony Scott, oltre a decretare l’immortalità artistica
di Tom Cruise e aver educato generazioni di elettori
della famiglia Bush, ha anche l’enorme merito di
aver impresso nel cinefilo il fascino dell’uomo
all’interno della carlinga, il mito dell’accademia aeronautica,
l’amicizia e le invidie tra compagni di
squadriglia. Si tratta di persone super addestrate
che sfrecciano nel cielo a svariati G proteggendo la
Democrazia, ma si tratta anche di semplici esseri
umani. Tutti vorremmo poter essere come loro.
Casi di omosessualità in caserma a parte.
Ace Combat 5 raccoglie il testimone di Top Gun
raccontandoci le vicissitudini della squadriglia di
Sand Island, un avamposto militare di Osea in perenne
vigilanza dei movimenti del nemico di sempre:
quella Yuctobania che 15 anni prima aveva
fatto esplodere una guerra sanguinosa.
Con l’eccezione del complesso personaggio di
Nagase – un’orientale, naturalmente – i comprimari
e il protagonista stesso risultano caratterizzati
facendo un pesante utilizzo di cliché recuperati

Il filmati sono talmente belli che in alcuni frangenti raggiungono
lo statuto di ‘artwork’. La storia non ci abbandona
nemmeno nelle sequenze in-game, dove i vari personaggi
non fanno che tempestarci di domande a cui
dobbiamo rispondere ‘sì’ o ‘no’ con il d-pad. Considerato
che l’inglese dei dialoghi è sporcato dalle interferenze radio,
e che i sottotitoli sono difficili da leggere nello stesso
momento in cui eseguiamo qualche complessa manovra,
accade spesso di rispondere ‘sì’ alla cieca, sperando poi di
non aver ammesso niente di compromettente sulla propria
vita sessuale.
dalla libreria standard dei racconti a sfondo militare:
il giovane “puro”, la testa calda, il buffone, il
generale ottuso, il meccanico che la sa lunga,
l’eroico caposquadra, il patriottico Presidente etc.
Questa narrazione di tipo object oriented è tuttavia
lungi dal rappresentare un danno. In Ace Combat
5 c’è un entusiasmo talmente candido nel suo raccontare,
che pur non aggiungendo niente di particolarmente
originale al genere, riesce comunque
ad appagare il giocatore. Questo anche grazie a
filmati in computer grafica di qualità esageratamente
Namco e ad una delle colonne sonore più
belle e azzeccate degli ultimi anni.
Nonostante alcuni eccessi retorici del pre-finale
– con una detestabile melodia patriottica cantata
da tutta la squadriglia in volo – la sensazione che
dà la trama di questo quinto capitolo della serie è
quella di infilarsi un paio di comode scarpe vecchie.
E la narrazione è fondamentale, in Ace Combat
5. Senza di essa, infatti, non ci sarebbe tutta questa
necessità di aggiornamento del già ottimo
quarto episodio, anche per via della mancanza del
multiplayer online.
La novità strutturale più importante – se non
l’unica – introdotta nella serie è la gestione degli
ordini da assegnare alla squadriglia. Tramite dpad,
è possibile chiedere ai propri compagni di volo
di stare in copertura, rompere la formazione, adoperare
l’arma secondaria e attaccare un certo bersaglio.
La prima opzione è utile soprattutto se vogliamo
scrollarci dalla coda un nemico cocciuto, oppure
impedire tout court che ci arrivi, dietro alla nostra
coda. C’è da segnalare però che a livello normal i
missili lanciati contro di noi possono essere evitati
con estrema facilità eseguendo una semplice manovra
evasiva all’ultimo momento (spesso basta
girare sul proprio asse), e anche ad hard si è colpiti
solo se ci comportiamo negligentemente. Non si
rivela pertanto granché necessario ‘sprecare’ i
compagni a guardarci le spalle.
La possibilità di dividere la formazione e fare in
modo che ogni aereo pensi per sé è al tempo stesso
la strategia più fruttuosa, ma anche la più invisibile.
I compagni di squadriglia, forti anche della
loro invulnerabilità, ci faciliteranno il compito (non
di troppo) prendendo di mira alcuni bersagli, ma ci
daranno anche l’illusione di essere nuovamente
soli, lassù.
L’autorizzazione ad usare l’arma secondaria avrebbe
anche qualche effetto a livello strategico se
i compagni di stormo la adoperassero veramente.
Dopo aver finito il gioco due volte, non ricordiamo
di aver visto un solo pilota gestito dalla cpu lanciare
ad esempio una bomba a caduta libera contro
un avversario a terra; ma forse è una questione di
timidezza.
L’ordine di attaccare un determinato bersaglio è
l’abilità che useremo più spesso, e quella che ci
indisporrà maggiormente. Questo perché i nostri
sottoposti non sono ometti autosufficienti che, se
gli dai un bersaglio, lo martelleranno fino a distruggerlo.
Sarà infatti sufficiente dedicarsi ad altro
dopo aver assegnato l’ordine, perché loro facciano
altrettanto. L’opzione pertanto non consente
di suddividersi i bersagli ed effettuare così un più
rapido repulisti, ma solo di avere un supporto –
lento ed impreciso – sull’attuale oggetto del nostro
dogfighting. A conti fatti, la gestione strategica
dello stormo pare una buona idea sulla carta, in
attesa di vederla sfruttata a dovere si spera già nel
prossimo capitolo.
La visuale dal cockpit è naturalmente la più evocativa, e la
possibilità di guardarsi intorno intervenendo sullo stick
destro aumenta sensibilmente l’illusione di ‘esserci’. Purtroppo
alcuni modelli di aereo – come l’F117 – hanno una
strumentazione così invasiva da lasciare solo una minima
porzione di esterno visibile. A quel punto, conviene dirottare
la propria scelta sulla visuale ‘paraurti’ (oppure in
quella ‘after burner’, se siete dei lamer)…
La serie Ace Combat risulta ancora una volta l’unico
e il miglior compromesso possibile tra la noia
di una fedele simulazione in ambito PC e la troppa
spensieratezza arcade dei vari sparatutto in stile
After Burner. Questo quinto episodio saprà entusiasmarvi
con un impianto tecnico prossimo alla
perfezione ed una storia avvolgente. E al pensiero
di come potrà essere Ace Combat 6 su PS3 viene
voglia di fracassarsi la testa contro il muro inneggiando
a satana per avere anche solo un misero
screenshot.
VOTO: S A B C D

SISTEMA GAMECUBE VERSIONE PAL SVILUPPATORE PRODUCTION STUDIO 4 ETICHETTA CAPCOM MULTIPLAYER NO
SURVIVAL SHOOTER
di Federico Res
La genesi di Resident Evil 4 è stata difficile.
Quattro anni di sviluppo, quattro versioni distinte,
un’esclusiva GameCube inizialmente inattaccabile
poi sgretolatasi in favore di Sony. E
una testa – quella di Shinji Mikami – virtualmente
mozzata e rotolata nel cestino dei rifiuti (“the day
it goes to the PS2, I’ll cut my head off”). Una gestazione
sofferta che si è riflessa, inevitabilmente,
sul prodotto finale. RE4 si fregia di un motore grafico
eccellente – sul quale sarebbe inutile tessere
nuovi elogi – ma fa i conti con cadute di stile e
cambi di ritmo, localizzati tanto nel level design
quanto nel gameplay. A momenti di grande ispirazione
e pathos, l’opera Capcom frappone fasi inutili
e prolisse; alla messa in scena di ambientazioni
splendide e credibili fa seguire vedute incoerenti,
frutto di cenni artistici e architettonici confusi.
Non c’è costanza, nell’ultimo gioco di Mikami.
Eppure giocarlo è un’esperienza unica, irresistibile...
La meccanica di gioco innescata dal ritrovamento di Ashley
prevede che Leon si prenda cura della ragazza, proteggendola
dagli attacchi dei ganados e dalle trappole disseminate
lungo gli ambienti. Quando il level design separa
i due protagonisti, proteggere Ashley richiede l’uso del
fucile di precisione: RE4 introduce così fasi di cecchinaggio
particolarmente appaganti, seppure semplici nelle
meccaniche.
Via le camere fisse, ora l’obiettivo inquadra ogni
cosa dalle spalle del protagonista. Via il puntamento
automatico, ora Leon è libero di mirare ad ogni
parte anatomica dei nemici. Via gli zombie, ora il
bestiario si distingue per agilità e ostinazione. Restano,
invece, due leggi inflessibili: si spara solo da
fermi, e i proiettili non sono mai abbastanza. Da
qui in poi Resident Evil 4 esplode viscerale potenza.
Gli ambienti di gioco sono territori di caccia
entro cui i ganados (gli abitanti del pueblo) incalzano
Leon allo scopo di massacrarlo. A nulla serve
fuggire, nascondersi in qualche cascina, volare dalle
finestre o guadagnare i piani alti degli edifici. I
ganados sfondano porte, adoperano scale a pioli, si
inerpicano sui tetti. Escono dalle fottute pareti. La
lotta è l’unica via. Ma non si tratta di svuotare caricatori
fino a che ogni nemico è stramazzato al
suolo. Prendersi cura di un ganados infuriato – data
la forzata immobilità che ciò implica – significa
esporsi agli attacchi di svariati suoi simili. La prima
legge vibra. Un paio di colpi all’indirizzo del villano
più prossimo, poi è tempo di ricaricare, allontanar-
si ed elaborare fulmineamente il prossimo schema
d’attacco. Ogni punto sensibile del nemico, quando
colpito, produce un effetto diverso: un colpo alla
spalla disarma, uno alla testa stordisce, uno alle
gambe fa perdere l’equilibrio. In mezzo a un branco
di paesani armati di forche e asce, usare queste
informazioni costruttivamente è il solo modo per
sopravvivere. A maggior ragione considerate le
esigue scorte di proiettili a disposizione (cfr didascalia).
La seconda legge ruggisce. Due colpi di
pistola devono piantarsi nell’addome del ganados
che impugna una forca, un colpo di fucile deve allontanare
quello che imbraccia la motosega, una
granata accecante deve ammansire un gruppo più
compatto di ostili, cosicché Leon possa occuparsene
con calma. Ogni proiettile deve avere la sua destinazione,
ogni attacco il suo ruolo preciso, in
un’azione sistematica di offesa e difesa. Ma non c’è
nulla di predefinito, nulla di scriptato. Leon può
gestire la battaglia come meglio crede, ogni volta
in modo diverso...
Il misterioso venditore fornisce a Leon qualsiasi tipo di
fucile o pistola. I suoi prezzi spesso alti non scoraggiano,
per la facilità con cui è possibile accumulare denaro (mietendo
nemici o raccogliendo i “tesori” sparsi per le location)
e per la possibilità di rivendere l’artiglieria inutile
riottenendo parte del denaro speso per acquistarla. Non
sono in vendita, invece, le munizioni: al giocatore è lasciato
il compito di procurarsele da sé, scandagliando gli ambienti
di gioco e frugando nelle tasche dei ganados abbattuti.
Con il progredire del gioco, la disponibilità di nuove
armi (acquistabili e potenziabili in un particolare
negozio, cfr didascalia) moltiplica le variabili tattiche
della battaglia. Il fucile di precisione consente
l’azione dalla distanza; il lanciamine permette di
conficcare ordigni a tempo nelle carni o nelle vicinanze
dei nemici; il potente lanciarazzi apre la via
ad una distruzione di livello superiore. A ciò fa eco
un progressivo ispessimento del grado d’acredine
dei nemici, i quali all’uso di falci e bastoni affiancano
balestre (a dardi infuocati e non), mazze ferrate,
candelotti di dinamite e perfino mitragliatrici. Il
meglio viene durante gli assedi, con decine di ostili
che circondano Leon, o nelle battaglie contro avversari
dotati di difese particolari, quali corazze
protettive o sistemi di mimetizzazione ottica.
I combattimenti contro i boss, frequenti e scenicamente
splendidi, sono un ottimo complemento
all’azione ordinaria. Sebbene ogni scontro si riduca

all’assimilazione e alla ripetizione di pattern poco
complessi, è degna di lode la volontà di affrancare
il giocatore da una condotta troppo basata sull’uso
delle armi, per spingerlo a sfruttare la conformazione
della mappa al fine di scovare i punti deboli
del nemico.
Che ci si trovi alle prese con un semplice ganados
o con un boss colossale, la limitatezza dell’inventario
scoraggia condotte troppo sfrontate (il
lanciarazzi garantisce potenza, ma la sua mole toglie
spazio alle altre armi e ai curativi), e costringe
a selezionare con pignoleria il proprio bagaglio.
Pad alla mano, RE4 dimostra un bilanciamento al
limite della perfezione. Ed è questo il suo pregio
più grande: offrire una sfida mai banale né eccessiva,
che punisce e gratifica senza mostrarsi mai
ingiusta.
Altri due fattori contribuiscono ad esaltare l’esperienza
e ad aumentare la piacevolezza del titolo.
Il primo è rappresentato dai “Quick Timer Event”,
mutuati da Shen Mue, ottimi nel tramutare
le scene di intermezzo in frenetiche schegge di “laser
game” e nel pompare nuova adrenalina nelle
vene; il secondo consiste nel formidabile character
design di Yamanaka Masaki. Dai ganados a El Gigante,
da Salazar a Lord Saddler, RE4 pullula di
creature umane e di loro degenerazioni genetiche,
mirabolanti tanto nell’aspetto quanto nelle movenze,
imponenti e superbamente caratterizzate. Tra
le creature più fantasiose, i fan di Ridley Scott riconosceranno
l’omaggio ad Alien più riuscito di
sempre...
Gli extra disponibili una volta terminato il gioco sono di
tutto rispetto. Oltre ad un costume alternativo e alcune
nuove armi (come la pistola automatica “Matilda”), si
sbloccano le modalità Mercenaries e Assignment Ada. La
prima, come già accadeva in RE3: Nemesis, mette al
comando di mercenari armati fino ai denti alle prese con
orde infinite di nemici, da massacrare incondizionatamente.
La seconda, ambientata sull’isola, vede Ada Wong infiltrarsi
nelle installazioni degli Illuminados allo scopo di raccogliere
alcuni campioni di plagas, da consegnare al
proprio misterioso datore di lavoro. Un nuovo livello di
difficoltà, “Esperto”, diventa inoltre selezionabile.
Si è già accennato in apertura all’incostanza creativa
cui Resident Evil 4 paga dazio. I problemi
partono dal level design e giungono sino al gameplay:
l’ariosità e la libertà di movimento respirate
nelle prime fasi si rivelano, purtroppo, esclusiva
del pueblo e dei suoi dintorni. I primi momenti di
RE4 sono anche gli unici dove sia davvero possibile
coreografare battaglie frenetiche ed imprevedibili,
in ragione di locazioni via via più anguste e
lineari. Non a caso, quando l’avventura si sposta
all’interno del castello e successivamente sull’isola,
il versatile concetto di “azione rapida” – riguardante
tutte le azioni eseguibili con la sola pressione
del tasto A, come saltare dalle finestre o abbattere
scale – perde progressivamente di senso, non potendo
più essere applicato a location composte da
stretti corridoi e piccole stanze.
Accanto al problema della “blindatezza” degli
ambienti successivi al pueblo, va aggiunto quello
della loro verosimiglianza. Se il pueblo era realistico,
credibile e visivamente splendido, il castello e
l’isola appaiono architettonicamente incoerenti ed
esteticamente traballanti. Qui non si discute il livello
di dettaglio o la definizione delle texture, ma
l’adesione – quasi certamente dettata da limiti di
tempo – a un concetto di level design che ammette
setting inverosimili, non sostenuti da alcun principio
architettonico o iconografico. Pensate al maniero
di un qualunque Castlevania e avrete un’idea
di ciò che si vuole intendere. Un simile approccio,
in un gioco dal taglio così ricercatamente cinematografico,
è per forza di cose deleterio. RE4 pullula
di edifici dalla morfologia astrusa e ambientazioni
fuori luogo (come la stanza dei draghi di fuoco nel
castello) a totale detrimento di quella sospensione
dell’incredulità così ben convogliata nella prima
parte del gioco. Quel che è peggio, è che il gameplay
non trae alcun vantaggio da simili location,
ma ne è invece limitato, sfociando talvolta nella
pretestuosità. Nel castello ciò si ravvisa durante le
sezioni basate sui precetti del vecchio Resident
Evil, che tentano di riabbracciare le suggestioni
del passato ma finiscono per smarrire i presupposti
del presente; sull’isola la sensazione è di un action
game che, pur conservando i tratti da “shooter di
sopravvivenza” sopra esposti, non si esprime al
meglio a causa di una sensibile carenza di varietà.
In ultimo, la trama non sembra fare alcuno sforzo
per mascherare la propria piattezza e mancanza
d’ispirazione: un intreccio pessimo, a tratti ridicolo,
raccontato attraverso dialoghi serrati ma inverosimili,
in cut scene palesemente ispirate ai bullet
time di Matrix. Nonostante queste ultime siano visivamente
appaganti, l’impressione generale è di
un lavoro di contorno, svolto a tempo perso, nella
convinzione che la natura action del titolo non abbisogni
di grossi sussidi a tema narrativo. Il che è
vero in buona parte, giacché l’inutilità della trama
è il difetto a cui meno si fa caso. Tuttavia, chi conosce
il fertile background narrativo della saga si
rammaricherà all’idea di tanti spunti interessanti
sistematicamente ignorati, in favore di un nuova
sceneggiatura decisamente squallida.
Al di là di pregi e difetti, è scritto che Resident
Evil 4 deluda chi deve essere deluso. Il fan irriducibile,
rimasto all’asciutto di paura e tensione, sarà
deluso. Il critico, inappagato da un quid ludico utile
al soddisfacimento di pulsioni violente e poco altro,
sarà deluso. E forse l’esteta, ammaliato dal fenomenale
carattere del pueblo ma insoddisfatto dal
raffazzonato design del castello e dell’isola, resterà
pure lui scontento. Chi deve essere deluso, alla
fine dei giochi, tale rimarrà. Ma resta il fatto che
l’opera Capcom sia un gioco nuovo, violentemente
votato a sensazioni action difficilmente sperimentate
in altri prodotti. Un gioco orfano della connotazione
da horror psicologico prevista in precedenza,
mutato in carneficina, dove per sopravvivere
non si fugge l’orrore ma lo si fronteggia in duelli
all’ultimo sangue: welcome to the world of Survival
Shooter...
VOTO: S A B C D

SISTEMA PS2 VERSIONE PAL SVILUPPATORE PRODUCTION STUDIO 1 ETICHETTA CAPCOM MULTIPLAYER NO
PARADISO PERDUTO
di Cryu
Dante sceglie la sua preda nel mucchio, si avventa
sul malcapitato e infila una successione
di tre fendenti fulminei, l’ultimo dei quali
proietta l’avversario nel vuoto; allora lo imbocca
con un’ostia di fucile a pompa, spicca un balzo
prodigioso e una volta a mezz’aria lo battezza con
il ferro della spada. Fin qui nulla di nuovo.
Quindi inizia Devil May Cry 3: Dante incorona
ripetutamente il nemico a suon di fendenti, dopodiché
rimpiazza al volo lo spadone con una coppia
di lame elementali, e con queste lo benedice tre,
quattro volte, per poi cambiare cannoni e redimerlo
col fuoco purificatore di Ivory & Ebony. E ricomincia
il giro: spada, lame, pistole. Anzi, fucile.
Anzi, pistole. Colpo di grazia: un miracoloso fendente
rotante in picchiata. Esatto, tutto in volo.
Roba da perdere il conto dei secondi trascorsi da
quando è iniziata la combo aerea.
La verità è che questo è davvero nulla, perché
quando di mezzo ci saranno altri cinque stili di
combattimento (l’uno ispirato a ZOE2, l’altro a
Ninja Gaiden, l’altro a…), lanciarazzi, nunchaku e
chitarre elettriche (don’t ask), il campionario di
combinazioni d’attacco eseguibili fuggirà qualsiasi
velleità di descrizione.
Ma per non confondere nessuno, è bene precisarlo
fin da subito: Devil May Cry 3 è un titolo
attaccabilissimo un po’ in tutti i reparti, salvo nel
più importante: il sistema di combattimento. Semplicemente
senza rivali. Se questo da solo riesca o
meno a tenere in piedi la baracca è un interrogativo
a cui chi scrive ha dato una risposta personale
coronata da tre punti esclamativi, ma che non vuole
esprimere nel corso di questa recensione, preferendo
fornire al lettore tutti gli indizi necessari a
capire se DMC3 sia o meno il gioco che fa per lui.
Cut-scene all’insegna dello humour grottesco e dell’azione
impossibile compensano egregiamente una trama che,
eufemisticamente, definiremmo “di genere”. Veri e propri
siparietti comici introducono personaggi caricaturali orchestrati
da un Dante scanzonato e “simpa” come non
mai. Menzione d’onore anche per i gustosi intermezzi celebrativi
dell’eccesso trash: sarebbe interessante assistere
a una gara di velocità tra Dante e Sonic sulle pareti di un
grattacielo…
Prefiggendosi l’obiettivo di ambire alla palma di
miglior action game per PS2, DMC3 tenta la strada
dell’ispessimento di stampo ruolistico. Sei stili di
combattimento e relativi stadi evolutivi, una dozzina
di armi da potenziare (e rifornire nelle funziona-
STYLISH!
Si è fatto un gran parlare dei famigerati sei
stili di combattimento di DMC3. Ma di che
cosa si tratta esattamente? Semplice, a seconda
dello stile selezionato, al tasto cerchio
viene assegnato un particolare ventaglio di
azioni. Qualche esempio? Schivate multiple,
wall run e sprint aerei con Trickster, spettacolari
fendenti aerei con Swordmaster, pistole
puntate su due avversari contemporaneamente
con Gunslinger, stop del tempo con
Quicksilver. La ragionata progettazione delle
sfide contenute in ciascuna missione attribuisce
una valenza strategica alla scelta
dell’uno o dell’altro stile, concessa solo a inizio
stage o presso le statue-negozio a cui ci
ha abituato la serie. Oltre agli stili e alla possibilità
di equipaggiare due armi per tipo alla
volta, un’ulteriore evoluzione del sistema originale
è data dalla potenziabilità delle armi
da fuoco, che garantisce l’efficacia delle
amate pistole anche nell’ultima frazione di
avventura. Azzeccata anche l’idea di assegnar
loro una funzione di collante tra le
combo inanellate con le armi da mischia.
lità) costituiscono terreno fertile alla coltivazione
del Dante che più da vicino interpreta la propria
concezione di stylish fighting. Ma se già come
action DMC3 paga la ripetitività di situazioni,
location e avversari continuamente riciclati, le abilità
in palio raramente sono sufficienti a garantire
la ripetibilità cui aspira dando l’opportunità di rigiocare
le missioni superate. La prospettiva di costruirsi
un Super Dante rodato in tutti gli stili e
munito d’ogni genere di attacco è allettante, ma il
“meno male” con cui si saluta la conclusione di
tanti capitoli la dice lunga sulle probabilità che vogliate
cimentarvi nella ripetizione di missioni che
già non brillano per varietà, ispirazione e ricercatezza
scenografica. A chi serba nel cuore furibonde
battaglie contro marionette demoniache, rettili

FIGLI DI UN DIAVOLO MINORE
Colonne portanti dell’originale DMC, i boss di
questa edizione esaltano, impegnano sino
allo sfinimento ma non rivaleggiano con i
campioni del sommo predecessore. Penalizzati
da una modellazione mai troppo accattivante
e da un combattuto rapporto con la
regia virtuale, risentono soprattutto nell’imperfetto
“incastro” con le abilità di Dante. Il
segreto è quasi sempre colpirli alle spalle o
quando abbassano la guardia, ma anche
quando la loro risoluzione richiede un’interazione
fisica più complessa, lasciano sempre
una sensazione di incompiutezza e casualità.
Gli equilibrismi sul dorso del Gigapede sono
vertiginosi, ma il rodeo sullo scorpione lavico
del primo capitolo rimane storia a sé. Fin
troppo evidenti, infine, certe fonti di ispirazione:
Beowolf, il bestiale guardiano bipede,
non è altri che lo Zodd del manga Berserk.
gladiatori e impalpabili felini in agguato negli spazi
raffinati della bio-cattedrale di Mallet Island, spiace
comunicare che questa volta si combatte contro
dei… dei… boh, all’interno di un… di una… boh. Solo
l’ultimissima frazione di gioco regalerà vedute
più visionarie ispirate agli scherzi prospettici di
Maurits Cornelis Escher. Inoltre, benché graziato
dal selettore dei 60hz e da un frame rate generalmente
ancorato ai 60fps, DMC3 sconta una personalità
artistica discutibile e un motore grafico con
prestazioni da prima generazione (c’è tutto: aliasing,
blur, rallentamenti, pessimo texturing, cromatismi
sgradevoli). In altre parole, il terzo DMC è
estraneo alla pulizia video del secondo, e dista anni
luce dalla riuscite sperimentazioni neogotiche
del capostipite. Discorso analogo per la colonna
sonora, una nenia di estenuanti ritornelli rauchi
che neanche POP: Spirito Guerriero, solo alla
fine ringalluzzita dalle necessarie cavalcate epicheggianti.
L’opinione di chi scrive è che lo stylish gaming
non abbia a che fare soltanto con azioni di gioco
che sbeffeggiano la legge di gravità, ma che costituisca
un sottogenere del videogiocare in cui ciascuna
componente, interattiva e non, concorra a
inscenare uno spettacolo audiovisivo esteticamente
importante. Senza una cornice immaginifica all’altezza,
senza una colonna sonora che esalti l’azione
contenuta, senza animazioni che ricreino l’eleganza
del bel gesto atletico, non si può parlare di stylish
a tutto tondo. Piuttosto che l’eccentrico lord sbruffone
dell’esordio, il giovanissimo Dante di questo
prequel è uno starnuto della MTV generation: bat-
tuta facile e sorriso da spot, ma sotto sotto carente
nei fondamentali, vedi la sgraziata posa rannicchiata
che assume durante il fuoco aereo o l’approssimativa
posizione di parata dello stile Royal
Guard. Fortunatamente, il parco animazioni del
protagonista è talmente vasto e perlopiù riuscito
da autorizzarci a chiudere un occhio su certe cadute
di… stile.
Se la certezza di un gameplay granitico può comunque
rassicurare il partito dei “me ne sbatto
della grafica”, tre elementi critici si intromettono a
ridimensionare sensibilmente il piacere della lotta
pura: regia virtuale, sistema di lock-on e bilanciamento
della difficoltà.
La telecamera non funziona, c’è poco da fare.
Nemici costantemente esclusi dalla scena sono liberi
di attentare indisturbati all’incolumità di Dante,
peccato veniale nelle situazioni di massa, ma
reato capitale nel momento in cui gli avversari sono
solo un paio. Il sistema deputa al giocatore
l’onere di supplire alle deficienze della regia automatica,
assegnando allo stick destro la rotazione
della visuale (laddove concessa); tuttavia, questa
possibilità è parzialmente vanificata dalla lentezza
della camera manuale e dal sovraccarico di azioni
che gravano sulla mano destra, già alle prese con
sei pulsanti.
L’agganciamento del bersaglio viene ancora una
volta attivato dal tasto R1, demandando a L3 il
trasferimento del mirino da un avversario all’altro.
Il problema è che ciò avviene senza obbedire a criteri
di prossimità o criticità. In un gioco dai ritmi
telecinetici come DMC3 non è ammissibile che per
incrociare un attacco in arrivo sia necessario passare
in rassegna tutti i soggetti nei paraggi. In
ZOE2 il sistema è analogo: R1 per il lock-on di
primo livello, L2 perché l’intelligenza artificiale inquadri
puntualissima l’obiettivo secondario più impellente.
In ZOE2 funziona, in DMC3 no. Risultato:
nelle situazioni di mischia si rinuncia spesso al
lock-on ripiegando sull’indirizzo manuale dei colpi.
La difficoltà è argomento spinosissimo. Confidando
nell’abilità del giocatore occidentale medio
(?), Per le edizioni occidentali Capcom ha deciso di
imbastardire il livello ‘normal’ della versione giapponese,
eliminando altresì i checkpoint da cui ripartire
infinite volte in caso di decesso. Morale? Un
livello facile giustamente soft, e un livello normale
impietoso, anche per chi ha completato l’originale
DMC ai livelli più elevati. Questo inizialmente. Da
metà gioco in poi la curva di difficoltà si affloscia
inspiegabilmente tornando su livelli accettabilissimi.
Ma signori, che Via Crucis muovere i primi passi
nell’avventura ripetendo la stessa missione cinque-sei
volte prima di avere la meglio sul boss di
turno! A complicare il tutto pesa l’avarizia con cui
vengono elargiti i ‘continue’ e gli oggetti curativi
(anche acquistabili, ma a prezzi esorbitanti). Certo,
ripetere ogni missione un paio di volte dopo
averla risolta garantirà i potenziamenti necessari a
destreggiarsi nella successiva con relativa disinvoltura;
ma come già sottolineato, la ripetitività delle
situazioni scoraggia questo approccio, che tanto
puzza di backtracking travestito da componente
RPG. Per contro, il gioco si gode assai di più a una
seconda tornata lampo, confortata dai poteri già
acquisiti nel corso del primo giro e con il pepe aggiunto
dal livello di difficoltà superiore. Tuttavia, il
nostro messaggio è questo: DMC3 è roba hardcore,
entrate a vostro rischio e pericolo.
Per i fanatici della dietrologia, ci sentiamo di non
indicare in Shinji Mikami il grande assente di cui
questa serie denuncia l’assenza da quando la cari-

ca di producer è passata a Tsuyoshi Tanaka, bensì
nel director Hideki Kamiya, che pur avendo dichiarato
a chiare lettere di aver “creato il sistema di
gioco, l’aspetto generale, la storia”, nonché “supervisionato
e diretto un po’ tutto, dallo sviluppo al
doppiaggio” del primo DMC, manca sempre
all’appello quando la stampa si arrabatta per attribuire
una teorica paternità al capostipite della serie.
E poco sorprende che in termini di direzione
artistica il Viewtiful Joe di Kamiya si sia dimostrato
molto più coerente del discontinuo Resident
Evil 4 di Mikami.
Acquisito circa a metà avventura, il ‘Devil Trigger’ non
ricopre il medesimo peso che nei precedenti capitoli, e
capita anzi spesso di dimenticarne l’esistenza. Si segnala
il curioso aspetto retrò del Dante in forma demoniaca, che
tanto ricorda i telefilm giapponesi anni ’80 a base di maschere
di gomma e tutine aderenti.
I giocatori delusi dall'inqualificabile DMC2 hanno
tuttavia motivo di rallegrarsi, Dante’s Awakening
incarna davvero il risveglio del franchise dall'incubo
in cui era sprofondato. E quasi a voler tendere
ai fan una mano di pace fatta, questo nuovo seguito
pullula di citazioni e richiami al capitolo originale.
Le sequenze di apertura e chiusura, in particolare,
rendono un doveroso tributo al Dante che
quattro anni fa sconvolse tutti i canoni vigenti in
materia di character design.
D’altro canto, la storia voleva che Dante giungesse
in Paradiso passando prima dall’Inferno e
poi dal Purgatorio. Centrando il Paradiso al primo
colpo, per i due seguiti a venire Capcom si è ritrovata
sul groppone Inferno e Purgatorio. Ma dopotutto,
i diavoli sono angeli caduti. E il figlio di
Sparda almeno ci sta provando a riguadagnare il
cielo.
VOTO: S A B C D
PHILOSOPHER NEMESIS
Dire che gli atei vivono una vita priva di speranza
è un tormentone che mi sono sentito
ripetere più volte e lo trovo davvero sintomo
di una visione limitata della vita stessa.
È così difficile capire che dio è la risposta
diretta della paura dell'uomo della morte?
Che poi è pure la risposta di gran lunga più
semplice: dovremmo ammirare chi si sforza
di ricercare soluzioni più complesse, o chi,
con filosofia zen e robe simili, accetta che la
vita si compia e basta.
Azz, forse siamo più osservanti noi atei,
che ci pieghiamo al vero verbo divino della
natura, del destino e del caso, che è nonscritto
e mai-detto.
Tra l'altro ho sempre trovato divertente
l'escamotage teologico per evitare il suicidio
di massa e arginare così l'estinzione del genere
umano, alla rincorsa di un'eternità di
gioia e luce.
Ma poi, mi son sempre chiesto, a cosa serve
per i cristiani la vita sulla terra?
Dio dà la vita a Pierferdinando Casini, che
vivrà in maniera retta e si guadagnerà il paradiso.
Dio dà la vita a 'Mbutu, che nasce in
africa e muore a tre anni. Ma se Pierferdinando
Casini vive centoventi anni, avrà probabilisticamente
più opportunità di cedere
alla tentazione e peccare, mentre 'Mbutu si
guadagna l'aldilà senza sforzo.
Questo pensiero mi ha portato a formulare
la tesi BOT, ossia che tutte le persone che
soffrono al mondo siano solo delle comparse,
il cui scopo è unicamente quello di tentare e
mettere alla prova le vere anime che dovranno
poi guadagnarsi l'eternità.
Sapendolo, ovviamente, non c'è più ragione
di compatire gli sfortunati, dato che non
sono veri esseri viventi.
Nemesis Divina

SISTEMA PS2 VERSIONE USA SVILUPPATORE SANTA MONICA STUDIOS ETICHETTA SCEA MULTIPLAYER NO
OLIMPIC SLAM
di Nemesis Divina
La volontà di riuscire è talvolta la scintilla capace
di divampare in glorioso incendio.
Quando la divisione americana di SCEI raccolse
uno dei suoi team, allora reduce da Kinetica
(trascurabile clone di Wipeout), si era già deciso
che God of War dovesse percorrere il sentiero dei
blockbuster, un titolo pesante da sostenere e spingere,
così come sostenuto e spinto è stato Killzone.
La volontà di riuscire, talvolta, è sufficiente per
farcela. D’altra parte, lo sforzo produttivo non è
ininfluente, ed è anzi determinante nella misura in
cui si occupano strutture e uomini per tre anni,
all’inseguimento di un risultato d’eccellenza.
Inusuale, a dire il vero, il terreno scelto come
campo di gioco per questo nuovo titolo: GoW prosegue
infatti il discorso action attualizzato da Devil
May Cry, solo con una maggiore propensione narrativa
ed enigmistica. La sfida è grande, specie per
i team occidentali, in genere poco avvezzi al genere,
ma GoW si presenta subito con buone carte da
giocare ed uno stile sufficientemente distintivo,
nonostante i forti richiami alla serie Capcom. La
struttura di gioco è più fluida e progressiva rispetto
al percorso a missioni di Dante, ma permane la
necessità di un’applicazione stilosa delle numerose
mosse, concatenabili in più modi, l’uso coreografico
di certe inquadrature, l’imponenza della architettura
e le immancabili missioni in cui l’eliminazione
di tutti i nemici in un’area sblocca l’accesso alle
stanze successive.
Il cammino di Kratos verso la redenzione della propria
anima prava, stupisce per la sua fluidità. Di rado un titolo
PS2 ha avuto un frame rate tanto soddisfacente, supportato
da masse poligonali imponenti e contorni levigatissimi.
Solo qualche difetto di tearing e alcuni modelli poco
convincenti ledono un quadro visivo comunque maestoso.
Il protagonista Kratos si rivela presto un abile portatore
delle nostre aspirazioni brutali: fatta un po’
di pratica, e potenziate le armi tramite l’investimento
di poco originali globi rossi, è possibile
inanellare combo che si estendono da un nemico
all’altro, toccando senza problemi conteggi a tre
cifre. Pur senza raggiungere l’appeal stylish del
buon Dante, Kratos mette in scena movimenti
colmi di vigore e gusto macabro, infilzando gli avversari
con le sue lame e roteandoli grazie alle catene
che tengono le due spade ancorate agli a-
vambracci, percuotendo a terra gli avversari,
decapitando o disarticolando i nemici, fino a malmenarli
con le loro stesse membra. È un riversamento
di plasma continuo ed eccitante, volutamente
forzato, utile a disegnare i contorni della
perversa etica violenta da cui trae origine Kratos,
figlio di quella Sparta amante e cultrice della guerra.
A rendere ancora più appagante il mulinar
d’arma e il mutilar d’arto, viene in aiuto una regia
virtuale sempre attenta e che solo in rarissime occasioni
nasconde l’eroe allo sguardo del giocatore.
La regia è completamente gestita dalla CPU, una
scelta saggia dal momento che quasi sempre punta
l’obiettivo nella direzione migliore sottolineando
certi passaggi con suggestivi movimenti di macchina:
l’attraversamento di un ponte, la discesa per
una scala a chiocciola o la corsa lungo un costone
di roccia, guadagnano rilievo grazie a una semplice
ma sapiente variazione prospettica. Inoltre, la regia
automatica solleva lo stick destro dalla sua
funzione tradizionale, autorizzandola a gestire
l’evasione laterale durante i combattimenti. Inclinando
lo stick in avanti, indietro o di lato, si avvia
una capriola o un balzo che può fare la differenza
fra una mazzata raccolta in fronte e il ritrovarsi
incolumi sul lato sguarnito dell’avversario.
Le opzioni d’attacco sono numerose e facilmente
attuabili, senza contorsionismi delle dita bensì
tramite lo studio intuitivo della tempistica e una
buona dose di creatività: attacchi aerei, parate,
prese e soprattutto i ‘mini-eventi’, che portano ad
un’uccisione spettacolare, dettati da diverse tipologie
di movimenti (una serie di pulsanti da premere
in successione, il martellamento di un tasto o
una sequenza di movimenti dello stick).
Ma per quanto nutrito, il parco mosse, rimpinguato
da quattro magie di supporto e una barra
‘berserker’, non può valere da solo il gusto del giocare.
A stimolare il gusto per l’ecatombe perpetrata
da Kratos è la variegata fauna ostile, che raccoglie
e rivisita la mitologie greca, scenario principe
del gioco. Ciclopi, gorgoni e centauri, satiri e cerberi,
arpie, minotauri e persino un’Idra: il bestiario
ellenico è ricco di sfumature e differenti pattern
d’attacco al punto che, davanti a una schiera di
nemici misti, la difficoltà registra una degna impennata
imponendo una precisa strategia, almeno
ai livelli di difficoltà superiori.
Ma è proprio nel livello di difficoltà che GoW tradisce
uno degli aspetti peggio interpretati dell’industria
attuale: il livello di base, quello NORMAL, è
accondiscendente in maniera irritante, tanto da
rovinare quasi del tutto il gusto guerresco degli
scontri, che si piegano alle mani di Kratos senza
lasciare cicatrici a testimonianza del suo valore.
Persino il combattimento finale può essere completato
premendo a caso i tasti, affidandosi alla fortu-

na e ad una pressoché inesauribile barra energetica.
Decisamente diverso l’andazzo in HARD, dove gli
scontri assumono un tenore più maschio e fisico,
con l’occhio che fugge spesso in alto a sinistra, dove
la barra verde si consuma con equa rapidità rispetto
ai colpi ricevuti. Non possiamo esitare a
consigliare (imporre) l’Hard Mode sin dall’inizio. Si
segnala però un errore odioso, assurdamente endemico
del genere: come in DMC, la ripetuta morte
in una stessa sezione porta il gioco a suggerire
l’idea di abbassare il livello di sfida. In Hard, esistono
in effetti una manciata di frangenti che richiedono
un attento studio di strategie nonché una
copiosa dose di testardaggine e reiterazione della
missione. La distribuzione frequente e saggia dei
checkpoint allevia l’irritazione da replay, ma in alcune
occasioni la tentazione di passare a livello
inferiore è grande. Purtroppo, e qui sta l’infamia,
una volta ridotto il livello di difficoltà, non è possibile
ripristinare quello di partenza compromettendo
così la restante porzione di gioco, ormai molle come
un budino.
Le inusuali armi di Kratos, due lame assicurate alle braccia
tramite grosse catene, garantiscono coreografie visive
che soddisfano anche il gusto del bello, oltre a quello del
macabro. Molto interessanti i prototipi di Kratos scartati,
visionabili a gioco ultimato.
Il cammino che conduce verso lo scontro con il dio
della Guerra è poi disseminato di un’enigmistica
sufficientemente elaborata, mai cervellotica, da
appagare il giocatore e rilassarlo fra una sessione
di scontri e l’altra. Esistono poi battaglie di massa,
in cui si falcidiano i nemici come in una messe estiva,
o duelli con pochi avversari coriacei, o ancora,
combattimenti gravati dal contesto ambientale
(trappole e precipizi) o situazioni specifiche (schiere
di arcieri o palle infuocate da schivare). In generale
è la varietà la caratteristica vincente di
GoW, che si dimena fra porzioni subaquee e scalate
verticali, combattimenti appesi ad una fune sospesa
nel vuoto e duelli a distanza, estenuanti
combinazioni di colpi e ricorso alla magia.
Anche lo scenario muta in maniera significativa e
apprezzabile snodandosi fra le mura della gloriosa
Atene, fino alle viscere dell’Ade, passando per gli
abissi dominati da Nettuno e poi su fino al Monte
Olimpo. È un viaggio, una cerca appassionante che
porta il giocatore a svelare il passato tormentato
del protagonista e ad intravedere, nel contempo, il
destino degli dèi.
A coronare un’esperienza che in modalità Hard si
protrae per una pregna decina d’ore, giunge una
lista di extra mai così grassa. La Sfida degli Dei
consiste in una quest ulteriore composta da dieci
prove di varia natura, ci sono poi making of, un
notevole book artistico, una divertente galleria interattiva
sui modelli scartati nella versione finale
del gioco e quattro vestiti sbloccabili da riutilizzare
nei replay (ognuno dei quali conferisce differenti
abilità).
Durante i combattimenti la strategia è d’obbligo. Schivare,
parare, prolungare combinazioni, eseguire magie o industriarsi
per recuperare energia dai relativi scrigni: è una
violenta partita scacchi con esiti mai scontati. A livello
Hard, Kratos ha il suo bel da fare per sopravvivere e ogni
assalto nemico può nascondere insidie impreviste.
GoW è un lavoro egregio ed energico, fortemente
voluto dai suoi creatori e sapientemente pianificato
a tavolino, prima ancora che in formato binario, lo
testimonia l’accurato lavoro artistico, superbo
nell’estetica dei livelli e nei bozzetti preparatori per
il bestiario. L’accompagnamento sonoro è sontuoso
e sprizza kolossal da ogni nota, così come l’impianto
visivo non fa che ribadire la fortissima intenzione
di sfondare. E infine, GoW riesce nell’intento
appagando il giocatore che lo affronta in maniera
adeguata (hard) e che accetta di sviscerarne
il sistema di combattimento, complesso ma versatile
e mai astruso. GoW getta basi solide per il futuro
di un brand che tornerà a far parlare di sé e
che sussurra promesse di sequel già durante i titoli
di coda.
Tuttavia, se pure GoW trasuda di elmenti ben
riusciti, situazioni intriganti e passaggi epici, tuttavia
il risultato finale manca dell’eccellenza che contraddistingue
le sue parti costitutive. Su tutto si
percepisce l’aura di artificiosità, il sentore di un
progetto della testa, del calcolo, prima ancora che
della mente e del cuore, di un autore che vuole
creare. GoW riesce in maniera eccellente nel suo
intrattenere ma non riesce a fare altro: la storia,
per quanto ben redatta, non ci tocca mai da vicino,
le peregrinazioni di Kratos non evadono mai dalla
loro ineluttabile contesto ludico e in generale tutto
il mondo percorso appare fin troppo evidentemente
come una scenografia su cui recitano degli attori
in maniera poco spontanea.
Ma per gli amanti dell’action, il Dio della Guerra è
qui, massiccio e incazzoso, a reclamare il trono che
sino ad oggi è stato del suo ispiratore. La parola a
Dante…
VOTO: S A B C D

SISTEMA PS2 VERSIONE USA SVILUPPATORE PRODUCTION STUDIO 2 ETICHETTA CAPCOM MULTIPLAYER NO
IO SO’ ROMEO, ER MEJO DER COLOSSEO
di Amano76
Shadow of Rome è l’ennesima avventura Capcom,
genere di cui la softco di Osaka ha abusato
più di qualunque altra e con minore fantasia.
Mentre Irem, Sony e Sega sono riuscite a
tirare fuori il meglio dalla simbiosi tra sequenze
cinematografiche e attività ludica, Capcom ha più
spesso puntato a rivendere la stessa minestra (le
serie di Onimusha e Resident Evil su tutte) o
ancora peggio ad annacquarla (Chaos Legion).
Complessivamente, Shadow of Rome è un lavoro
malriuscito. L’intreccio narrativo ha un suo
fascino ma non decolla mai a causa di colpi di scena
telefonati e della mancanza di un tema di fondo.
Le locazioni, benché ricostruite con la dovizia
utile a catturare l’attenzione degli appassionati del
contesto storico romano precristiano, sono di numero
sparuto. Le texture sfoggiano spudoratamente
pixel, i poligoni non fanno economia di aliasing,
e un fastidioso effetto di blur delle immagini in
movimento rende nauseante guardarsi intorno dalla
soggettiva per ammirare le architetture. Le stesse
fasi di stealth alla Metal Gear Solid, che riprendono
senza vergogna oggettistica e procedure
risolutive dal titolo Konami, non fanno altro che
frammentare criminosamente il cuore dell’esperienza
di questo Shadow of Rome: i combattimenti
tra gladiatori.
Le fasi stealth ai comandi di Ottaviano non brillano per
ispirazione. Gli obiettivi consistono nella raccolta di informazioni
e di monete d’argento con cui acquistare gadget,
decorazioni e mobili per l’appartamento di Ottaviano. Collezionare
questi oggetti non incide sul prosieguo del gioco
se non mediante l’acquisizione di nuovi camuffamenti,
comunque accessori e ininfluenti sul successo delle infiltrazioni.
Ottaviano può inoltre tramortire gli avversari per
poi rapinarli delle loro vesti, ma queste non potranno essere
conservate nella missione successiva.
Di fatto, vestire i panni di Ottaviano celandosi alla
vista di guardie e senatori alla ricerca di prove che
dimostrino il complotto dietro la morte di Cesare è
poco più che un diversivo. Sono le sessioni
all’arma bianca che hanno luogo nelle arene il meglio
che la nuova avventura di Capcom ha da proporre,
e l’offerta è di quelle che meritano di essere
rese note.
Il sistema di combattimento in sé non presenta
alcuna caratteristica che non sia già stata vista altrove:
si può parare, schivare e colpire a propria
volta, mettere a segno delle combo e caricare i
colpi tenendo premuti i pulsanti del pad: un po’ di
tutto quello che si è abituati a vedere in questo
genere di produzioni.
Ciò che distingue Shadow of Rome è il suo peculiare
sistema di acquisizione del punteggio, che
introduce nelle meccaniche di lotta un soggetto
inedito: il pubblico. I punti chiamati Salvo! (il significato
è quello letterale in italiano) vengono assegnati
dagli spettatori assiepati sugli spalti, che
accompagnano le gesta in atto con grida di gioia,
incitamento, imprecazioni e coriandoli. Il pubblico
vuole vedere dolore, violenza gratuita sugli animali
(tigri ed elefanti, naturalmente), ossa rotte, cadaveri
dissacrati e corpi pressati sotto gigantesche
trappole fino ad esplodere come buste di sangue.
Al giocatore spetta il compito di soddisfarlo.
Questo concept tanto pulp risulterebbe riprovevole
se non fosse per lo spirito umoristico celato
nei dialoghi che lo incorniciano, davvero esilaranti,
e per le eufemistiche nomenclature associate ai
Salvo!. Esistono circa duecento azioni eseguibili
per compiacere il pubblico romano, da quelle più
automatiche come Guard and Counter (colpire subito
dopo aver parato un colpo avversario) a quelle
più anomale come The End of Pompei (abbattere
tutte le colonne presenti in un’arena) o perverse
come Sadist’s Kick (giocare a calcio con la testa di
un avversario appena decapitato).
Ne citiamo qualche altra:
My Fellow Romans: gettare una rosa al pubblico.
Può capitare che qualche fan lanci una rosa sul terreno,
in quel caso si può scegliere se lanciarla a
propria volta contro un avversario (Thorns of the
Rose), lanciarla in mezzo agli spalti o gridare selvaggiamente
con il fiore in mano per moltiplicare il
numero di Salvo! ottenuti (Rose Call).
Master Thief: rubare le armi ad un avversario
per più di cinque volte. L’equipaggiamento può essere
selezionato prima di fare ingresso nell’arena,
può essere raccolto da terra durante i combattimenti
o rubato dalle mani stesse degli avversari.
Big Roman Balls: entrare nell’arena a mani nude.
Stand and Deliver: raccogliere da terra un nemico
in fin di vita, posizionarlo in piedi e poi impalarlo/decapitarlo/sgozzarlo.
Esistono più di venti armi
e ad ognuna di esse è assegnata una “fatality”
specifica.
Fire Fighter: colpire un avversario mentre è avvolto
dalle fiamme. Alcune arene, come quelle adibite
alla Battle Royal, sono fornite di trappole incendiare,
a pressione, lame rotanti e altro ancora,
in cui è possibile spingere avversari ignari mandandoli
incontro a dolorose e spettacolari morti.
Human Catapult: afferrare un avversario alle
spalle e gettarlo in aria. Questo “lancio del peso
umano” rende possibile fracassare la testa di un
nemico contro un muro (Walled-in), contro un altro
nemico (Domino Effect) o proiettarlo in qualche
trappola.

E infine Red Volcano (tagliare un avversario a
metà) Juicy Tomato (far esplodere la testa di qualche
malcapitato con una mazza ferrata) Meat Collector
(tranciare in un solo colpo tre parti del corpo
di un nemico) Take one for Team (farsi scudo di un
avversario bloccandolo alle spalle con una presa) e
tante altre tutte da scoprire in una festa sadica di
rigenerante, catartica ultraviolenza.
La fantasia con cui sono stati realizzati i volti, gli abbigliamenti
e le posture dei vari villain meriterebbero un
articolo a sé. Notevole anche la coerenza delle architetture,
sorprendente se si pensa a quanto distino dall’estetica
nipponica e alla disgraziata incapacità degli autori occidentali
quando si tratta di riprodurre locazioni e iconografie
giapponesi.
A nobilitare una simile filosofia di combattimento,
altrimenti fine a sé stessa e inutilmente volgare, ci
pensa anzitutto la profondità strategica offerta dalla
selezione delle armi, ognuna con proprietà peculiari.
Come il gladio, mirato a inanellare sequenze
di combo assieme al pugnale qualora si privilegi
l’approccio diretto, o ad essere usato in coppia con
lo scudo per affidarsi a tattiche più caute. Abbiamo
poi la scimitarra, fragile e inefficace contro le armature,
ma che può recidere qualsiasi arto; la
mazza, adibita a smantellare le pesanti corazze
degli atleti più alti e nerboruti; le versioni con impugnatura
a due mani delle tre armi appena citate
(nell’ordine Master Sword, Alabarda, Maglio); la
lancia, che permette sensazionali impalamenti
nonché di avere la meglio nelle mischie più gremite;
più diverse altre ancora dall’uso sempre più
complesso.
Come se non bastasse l’enorme mole di ore di gioco offerta
dalla sperimentazione di approcci alla battaglia sempre
diversi, ottenendo tutte le coppe in modalità normal, hard
ed expert si sbloccano dei riuscitissimi mini-game che
danno fondo alle molteplici sfumature del sistema di combattimento.
Ennesima sfaccettatura di Shadow of Rome è che
il gioco premia sì la furia omicida, ma ancora di più
la varietà di utilizzo delle molteplici tattiche offensive,
difensive e assassine. Ogni arena non deve
soltanto essere conquistata in ragione della semplice
vittoria sugli avversari, il giocatore deve anche
accumulare un determinato numero di Salvo!
che difficilmente potrà totalizzare se si dedicherà
esclusivamente a un’arma.
Una volta superata la sfida ci si potrà inoltre cimentare
nel tentativo di ottenere le coppe d’oro,
garantite solo a chi sfrutterà appieno l’estrema libertà
risolutiva concessa. La difficoltà sta nel fatto
che oltre all’esperienza e alla fantasia in fatto di
coreografie omicide sarà richiesto di invocare più
volte il tifo dagli spalti, quando cioè il gladiatore
grida ferocemente verso il pubblico subito dopo
aver ottenuto dei Salvo!, raddoppiandone così la
cifra appena acquisita ma esponendosi al rischio di
linciaggio da parte di una folla di avversari.
Difficoltà, si diceva. Un’ultima saporita leccornia
offerta da Shadow of Rome è il suo bilanciamento
pressoché millimetrico: già a livello normal (il
più basso), si finisce in più di un frangente con la
barra vitale ridotta all’osso, ma mai il giocatore
viene penalizzato dalla scarsa reattività dei controlli,
dalla telecamera o da qualsiasi altra cosa che
non sia la propria inesperienza o avventatezza. Se
anche il titolo Capcom ha delle colpe imperdonabili,
di fronte alla cura, alla fantasia e allo spessore
strategico delle battaglie gladiatorie (che occupano
la maggior parte del gioco), non si può non regalare
una menzione d’onore agli autori di questa ode
alla sete di sangue.
VOTO: S A B C D
INTERVALLO
Gunny (al centro) con viso in caucciù e scimmiame
assortito.
Panorama: gli unici 4 giapponesi che toccheranno
una Xbox360

RUSH HOUR
di Amano76
SISTEMA PS2 VERSIONE JAP SVILUPPATORE YUKES ETICHETTA BANDAI MULTIPLAYER NO
Questa nuova produzione vanta circa 70 minuti di filmati
che rievocano le vicende del manga, dall'incontro con il
rinato Grifis fino alla sfida con uno dei suoi Angeli. Le sequenze
sono gestite attraverso il motore poligonale, fatta
eccezione per il sacrificio della Squadra dei Falchi (realizzato
con dettagliata computer grafica). Degne di nota le
inquadrature, rispettosamente fedeli al fumetto.
Yukes è un team che mi ha sempre affascinato.
Provo un certo disprezzo per chi si occupa di
giochi dedicati al wrestling (la serie di Toukon
Retsuden, in questo caso) ma non ho potuto fare
a meno di prendere a cuore le loro produzioni, dopo
aver provato Ertzvaju (PSX) e Berserk - La
Mandragola dell'Amnesia (DC). Il primo mi affascinò
per la folle spettacolarizzazione dei combattimenti,
il secondo per l'opportunità allora unica di
interpretare il Cavaliere Nero (guai a chi lo chiama
"spadaccino") e di vedersela con il coriaceo Zod in
un faccia a faccia memorabile. Ora che Yukes stessa
ha messo in campo un nuovo concorrente al
titolo di "tie-in definitivo del manga di Miura", le
considerazioni da fare fioccano come la forfora.
L'impatto iniziale ci mette poco a spazzare via lo
spessore ludico e audiovisivo del predecessore.
Dopo una maestosa introduzione, accompagnata
da un formidabile brano di Susumu Hirata – già
autore della colonna sonora del capitolo per Dreamcast
– si ha l'opportunità di cimentarsi immediatamente
con un esauriente tutorial. Un faccione
di neve gigante (che fa quasi simpatia) permette di
sperimentare su di sé il sistema di controllo, che
rivela subito la meccanica di gioco inedita del prodotto.
Mentre ne La Mandragola dell’Amnesia
l’efficacia degli attacchi era proporzionale al numero
di combo andate a segno, nel titolo per PS2 gli
autori hanno impostato il sistema di combattimento
in modo da enfatizzare la pesantezza dell'Ammazzadraghi
e la versatilità dell'equipaggiamento.
Il gioco ne ha considerevolmente guadagnato in
coerenza, rispetto alle dinamiche di lotta viste nel
manga: stavolta Gatsu, piuttosto che vedersi costretto
ad interrompere i movimenti terminata una
sequenza di combo, può continuare a scagliare
fendenti in ogni direzione finché un qualche avversario
non lo colpisce.
Per quanto riguarda l'armamentario, ogni arma
assume una spiccata e nuova dimensione tattica:
bombe a mano per farsi largo quando si è chiusi
agli angoli, pugnali per bloccare gli attacchi a testa
bassa degli avversari, balestra/mitra per accumu-
lare più facilmente combo. Infine, il mitico cannone
"portatile" per avere la meglio sui coriacei boss del
gioco.
Le munizioni di ciascuna arma si ripristinano dopo
un certo lasso di tempo (specifico per ogni pezzo
dell’armamentario), consentendone un uso frequente
e garantendo maggiore varietà in fase
d'attacco. Naturalmente la combinazione cannonata/spadata-su-rinculo
è presente in tutto il suo
splendore, così come i colpi caricati, stavolta decisamente
più efficaci (nonché vitali nell'ultima parte
del gioco). Enfatizzato da una credibile lentezza nei
movimenti del Cavaliere Nero e dalle vibrazioni del
Dual Shock, il sistema di combattimento si rivela
una sadica goduria, tanto visiva quanto tattile.
Premendo i tasti R2 e L2 si attivano rispettivamente Equipaggiamento
e Azioni di Supporto. I personaggi e gli avversari
sono catalogati nell'enciclopedia in-game, dove è
possibile ammirare da vicino i modelli poligonali (utilizzando
effetti di zoom) e selezionarne versioni alternative,
se disponibili. È anche presente un catalogo comprensivo
di tutte le sequenze cinematografiche.
Alcuni passi falsi dei programmatori hanno però
finito con lo stemperare tanta catartica viulenza.
I primi avversari che ci si trova contro sono dei
pupazzi di neve! Non solo campioni del ridicolo ma
anche vittime ben poco appaganti da macellare. Se
durante il terzo capitolo i massacri ai danni dei troll
coprono schermo, alberi, case e Gatsu stesso con
dosi macroscopiche di sangue e fette di carne pelosa
che volano ovunque, nelle prime ore (non minuti,
ore!) di gioco si va incontro ad avversari decisamente
poco soddisfacenti in termini di sfida e
monster design.
Per fortuna i vari gradi di difficoltà selezionabili e
la ghiotta antologia di boss compensano egregiamente
le sbavature dei combattimenti di massa. A
livello hard ed expert Berserk è un vero incubo.
Le mischie contro gli avversari comuni, prive di
qualunque rischio in modalità normal, diventano
un pericolo da non sottovalutare: ad aumentare
non è solo la quantità di danno causata da un singolo
colpo, ma anche il numero di individui che attaccano
contemporaneamente. Basta una distrazione
e non appena si finisce chiusi in un angolo ci
si ritrova con l'energia vitale dimezzata e l'acqua
alla gola.
Per non parlare degli scontri con i boss. Dal punto
vista coreografico e tattico i combattimenti contro
gli avversari di fine livello sono davvero avvincenti:
giocando prima a difficoltà normal e poi
aumentandola gradualmente, si può gustare la

fedeltà "cinematografica" con cui sono stati riprodotti
i duelli più celebri, per esplorare in seguito
ogni sfaccettatura delle strategie di attacco elaborate
da Yukes.
La funzione delle combo (in basso a destra dello schermo)
è quella di moltiplicare il numero di punti esperienza acquisiti.
Ogni nemico è associato ad un numero fisso di
punti esperienza che cresce esponenzialmente in base alla
quantità di combo andate a segno, cioè di colpi inferti
senza subire attacchi. Una volta ottenuti, i punti esperienza
possono essere impiegati per aumentare le caratteristiche
fisiche di Gatsu, la rapidità di ricarica dell'armamentario
e l'efficacia delle azioni di supporto dei compagni.
Lo spessore offerto dalle battaglie con i boss è garantito
da due novità assenti nel capitolo precedente:
le contromosse e gli attacchi imparabili.
Per attivare le contromosse occorre premere il
tasto deputato alla guardia (la croce) un attimo
prima di incassare un colpo. Nel caso se ne effettui
una con successo, si attiverà una brevissima animazione
non-interattiva (un po' come avveniva in
Erztvaju), ripresa da una diversa angolazione dipendente
dalla posizione dei personaggi sul terreno
di gioco. Ai livelli di difficoltà più alti la contromossa
è uno strumento di sopravvivenza imprescindibile:
con essa non solo si possono respingere
gli attacchi ordinari, ma anche le imparabili, che se
andate a segno comportano una consistente perdita
di energia vitale. Padroneggiare la risorsa strategica
delle contromosse rende possibile concludere
un combattimento senza versare una sola
goccia del proprio sangue.
Le imparabili possono essere effettuate colpendo
un avversario in procinto di attaccare: sullo
schermo apparirà il glifo del Sacrificio, e premendo
il tasto triangolo Gatsu eseguirà un colpo che il suo
bersaglio non potrà evitare (sottolineato anch’esso
da un’animazione particolare, diversa, questa volta,
per ogni nuovo avversario affrontato).
Tanto la contromossa quanto le imparabili non
sono ad esclusivo uso del giocatore: i boss possono
compierne a piacimento ed è fondamentale sapere
come prevenirle entrambe, a livello hard ed
expert, poiché quando la difficoltà viene incrementata
gli avversari utilizzano i colpi a loro disposizione
variando più spesso angolazione e velocità,
nonché attaccando del tutto inaspettatamente.
Queste due risorse, unite ad ingegnose strategie
risolutive, rendono i duelli con i boss una vera
gioia, soprattutto nel caso in cui vengano selezionati
i due gradi di difficoltà più elevati.
Prive della confusione che in genere intacca le
produzioni tridimensionali, dove un inaspettato
cambio di inquadratura provoca immeritati errori o
occulta porzioni del terreno di gioco (non faccio
nomi, dico solo "Capcom"), le battaglie di Berserk
si distinguono per l'impostazione impeccabile della
I SEGRETI DI BERSERK
Meritevoli di menzione le opzioni che saranno
sbloccate una volta concluso il gioco.
Una è il 100 Beast Murder, composta
da dieci missioni che richiedono condizioni
particolari da soddisfare per vincere; l'altra
è il "solito" Boss Mode, particolarmente
benvenuto considerato lo spessore coreografico
e ludico offerto da questa produzione.
Completando con successo il 100
Beast Murder si possono sbloccare dieci
armi da taglio differenti, utilizzate dai personaggi
più conosciuti del manga: il pugnale
infuocato di Isidoro, il fioretto di Grifis,
la bastarda di Gatsu ai tempi della sua
militanza nella Squadra dei Falchi, l'ascia
dentata di Zod e persino una chitarra elettrica.
Ognuna di esse ha delle proprietà
specifiche (raggio d'azione, rapidità, efficacia)
che però non sono rese specificamente
note ma devono essere intuite dall’uso.
Ogni lama ottenuta potrà in seguito essere
selezionata sia nel Boss mode che nello
Story mode, ma non nell'ostico 100 Beast
Murder, dove tra le altre cose sarà possibile
affrontare una versione di Zod che richiederà
sforzi e riflessi sovrumani per essere
sconfitta.
Queste modalità, assieme alle difficoltà
hard ed expert, stirano considerevolmente
la durata effettiva del gioco, rendendo il
prodotto valido anche dal punto di vista
della longevità. Tentare di risolvere lo
Story Mode senza passare prima per la difficoltà
normal andrà a tutto danno del vostro
buonumore, vi avverto.
telecamera e per lo spiccato bilanciamento tra le
capacità di Gatsu e quelle degli avversari di fine
livello. La sensazione di combattere praticamente
ad armi pari è forse la caratteristica più marcata
del titolo prodotto da Yukes, e non mancherà di
affascinare la maggior parte dei fan del manga.
Infine, ma questo non tutti lo riterranno un difetto,
la cooperazione con i compagni di gruppo non è
resa nel migliore dei modi. Ad esempio, viene
spontaneo domandarsi perché gli autori non abbiamo
preso a modello Ico per riprodurre le condizioni
di viaggio di Gatsu, costretto, nel fumetto, a
badare contemporaneamente a se stesso e a Caska.
Ancora. È accettabile che Puck appaia dal nulla,
quando lo si richiama coi comandi (anche se mi
domando cosa costasse rappresentarlo tramite una
pallina verde luminosa, fluttuante per lo schermo).
Stonano palesemente con lo spirito del gioco, invece,
le entrate in scena di Isidoro, di Silke e di Ser-

pico. Da una parte ci sono sequenze cinematografiche
che ricalcano l'opera originale, dall'altra i
compagni di Gatsu si eclissano magicamente non
appena si passa da un full motion video al gioco
vero e proprio.
Quest'interpretazione macchietistica si fa sentire
anche nella narrazione. Nonostante la durata consistente
i filmati fanno economia di pathos, trascurando
molti dialoghi – sia di gruppo che introspettivi
– che nel manga erano serviti a definire i
personaggi. Ad esempio, Farnese ha due battute in
IL BESTIARIO DAVIDIANO
Benritrovati al bestiario. Ci scusiamo
per l’interruzione del dibattito
portato avanti negli ultimi mesi riguardante
l’argomento: “ma quanto
è scemo Teokrazia?”. Essendo questo
l’ultimo numero di Ring (as we
know it), abbiamo deciso di sfruttare
questo spazio per fare una breve
cronologia della rivista che ha spaccato
svariati culi in questo settore
pieno di effeminati incompetenti.
Ring nasce dall’unione di un gruppo
di intellettuali di sinistra ritrovatisi
sul newsgroup it.comp.console a
parlare di lotta proletaria e invidia
del pene. Dopo un anno di acceso
dibattito in mailing list, il progetto
iniziale – scrivere una versione ‘Ultimate’
della Bibbia – muta in quello
di una rivista terroristica sul sopravvalutato
medium dei videogames.
Il primo numero di Ring, ‘Neonascimento
Digitale’, conteneva un
tasso di seghe mentali tale che Enrico
Ghezzi fu ricoverato d’urgenza
per un repentino calo di zuccheri.
Già dal secondo numero, ‘Alfieri
dell’Irreale’, Ring si assicurava uno
scoop epocale intervistando Dio, il
quale confidava a microfono spento
che non solo un embrione è una
persona, ma che anche un barattolo
di maionese lo è.
Con il terzo numero, Avantgarde,
Amano76 approdava in redazione e
contemporaneamente il concetto di
deadline diventava un qualcosa di
astratto. Anche Gunny giungeva in
quei giorni sulle sponde ringhiche
insieme al suo amico immaginario
John Wayne.
Il quarto numero, oltre ad avere
un editoriale completamente privo
di virgole (in stile Nextgame), com-
prendeva lo scoop ‘Philips Cucina’,
un articolo incomprensibilmente amato
dai lettori. Nel frattempo degli
agenti dormienti di Ring approdavano
in Super Console con l’intento di
demolirla dall’interno. L’obiettivo fu
raggiunto in un solo mese. Ricordiamo
che i redattori di Ring sono
responsabili della chiusura di un
numero di riviste tale che la Microsoft
è recentemente venuta a trovarci
in redazione per studiare la
nostra tecnica di lavoro.
Ring 5 aveva come titolo 101101
000, ossia la versione binaria del
numero ‘360’. L’intento era chiaramente
quello di anticipare il nome
della nuova console Microsoft. Cristiano
Bonora entrava nel Soviet
Ringhico dopo un arduo test iniziale
che consisteva nell’operare il paziente
de ‘L’allegro chirurgo’ senza
far scattare il naso-allarme.
Ring 6 vedeva l’introduzione della
rubrica Versus, una delle tante innovazioni
prodotte da Ring per il
suo popolo di mentecatti. Un trend
continuato nel numero successivo
con il mastodontico VS dedicato a
Wind Waker e l’esordio della rubrica
!Spoiler!.
Ring 8 è il numero dell’anniversario.
Oltre ad articoli ricolmi d’odio,
come da costume per i numeri di
anniversario, si segnala per i bellissimi
Ring Awards. Il gruppo è ormai
affiatato, nella ML regnano litigi tra
componenti, i quali poi si ritrovano
uniti nel lanciare offese alle spalle di
tutte le altre riviste. Un ambiente
sano e produttivo, quindi.
Ring 9 cadeva a Natale con una
overdose di recensioni, tra cui quella
dedicata al gioco più bello di que-
tutta la vicenda, mentre non c'è che una debole
traccia degli spassosi punzecchiamenti tra Isidoro
e Puck.
Viene da chiedersi perché non si sia optato per
sfruttare in modo migliore la compagnia di Caska e
la collaborazione con gli altri protagonisti, che il
motore grafico non avrebbe avuto difficoltà a visualizzare
considerata la cornucopia di animazioni
e modelli poligonali che manda a video. Ciò avrebbe
anche permesso di scongiurare gli accenni di
monotonia che di tanto in tanto colpiscono gli
scontri di massa, unica ragione del gameplay (ma
dei quali comunque non ci si stanca, viste le setteotto
ore di durata del gioco).
Berserk per PS2 è un gioco a modo suo degno
dell'opera originale, più consistente del predecessore
su DC e riuscito negli obiettivi che i suoi autori
si sono preposti. Peccato per la traduzione ludica,
letterale per certi aspetti ma assolutamente
libera per altri. Boss memorabili.
VOTO: S A B C D
sta generazione: Beyond Good &
Evil.
Ring 10 vedeva un ineguagliabile
special sui racing games a cura di
un Pupazzo Gnawd prossimo alle
nozze e una serie tale di articoli da
meritarsi l’appellativo di best issue
ever. Ring 11 era parimenti grandiosa,
con uno specialone sui giochi
di guerra a cura del pacifista Gunny
e l’introduzione delle rubriche Ivory
Tower e Arena. C’era nell’aria la
consapevolezza che tutte le altre
riviste, in confronto, facessero cagare.
Ring 12 offriva al suo pubblico il
suo primo Ring Gift: il libro ‘Le affinità
elettive’ del compianto Bruno
Fraschini. Inoltre vedeva il primo
editoriale sottratto ad un Nemesis
ancora scalciante (non come quello
di adesso: grasso, pelato e berlusconiano),
e si segnala per l’esordio
della rubrica Game Making Era, poi
copiata a stretto giro di posta da
TFP.
Ring 13 e 14 si attestavano su livelli
di insana qualità, ma i tempi di
sviluppo si allungavano oltremodo.
Ring 15 sotto questo punto di vista,
fu un parto come si suol dire anale.
Da lì al numero 99, con la decisione
di bruciare baracca e burattini e trasferirsi
in uno stato che consenta il
matrimonio tra gay, il passo è stato
breve.
E adesso? Come farete voi senza
nemmeno uno straccio di rivista
veramente ganza da leggere? Come
faremo noi senza un mezzo attraverso
il quale vomitare diarrea sul
lavoro altrui, in un mondo sempre
più votato all’autodistruzione?
La risposta verrà dal cielo sotto
forma di piaga.

SISTEMA PS2 VERSIONE PAL SVILUPPATORE CAVIA ETICHETTA BANDAI/PRODUCTION IG MULTIPLAYER 1-2
GIÚ NEL CYBER-MANGA
di Federico Res
Motoko Kusanagi è in piedi, le spalle contro il
muro, un fucile automatico AR-27 stretto
tra le mani. Al di là della parete uno scorcio
di cielo al tramonto e il ronzare meccanico di un
elicottero d’assalto. Un segnale audio annuncia
l’arrivo di una chiamata sul canale criptato.
– Maggiore, qui Ishikawa. Pare che l’unico punto
d’accesso ai registri di Key Yazuka si trovi sull’Oniyanma.
L’unica chance che abbiamo per scoprire le
attività segrete della regione autonoma di Tohoku
è salire a bordo del mezzo.
Il maggiore resta in silenzio per qualche secondo.
– Roger – dice infine. Il suo sguardo si posa in
un punto indefinito per un lungo istante. Poi la
donna si stacca dalla parete, esce allo scoperto e
scarica una raffica contro i mitragliatori anteriori
dell’Oniyanma. Un lampo bianco, un missile a ricerca
si proietta verso il Maggiore. Motoko esegue
una capriola, schiva il missile e atterra in perfetto
equilibrio. Getta via l’AR-27, imbraccia un M23-GL
e mira al portellone spalancato dell’Oniyanma, dal
quale tre guardie puntano le loro armi. L’esplosione
spazza via i nemici. Mentre la nube di fumo si
dirada, il Maggiore corre verso il bordo del grattacielo
su cui si trova, spicca un balzo e si aggrappa
con le dita rinforzate in titanio al pianale d’acciaio
dell’Oniyanma. Un guizzo, e in un attimo è a bordo...
Il multiplayer di Stand Alone Complex prevede un’unica
modalità: deathmatch tutti contro tutti o a squadre di 2.
Le arene a disposizione dei giocatori sono gli stessi livelli
di gioco, che si sbloccano dopo il completamento nella
modalità in singolo.
Non si può dire che Ghost in the Shell: Stand
Alone Complex non dia modo al fan dell’universo
di Masamune Shirow di calarsi al meglio nei panni
dei suoi intriganti personaggi. Cavia, coadiuvata da
Bandai e dallo stesso Production IG, cattura ottimamente
lo spirito della serie animata: l’azione
scorre fluida, mai interrotta da sequenze precalcolate,
costantemente integrata da una fitta rete di
dialoghi via codec in tempo reale. La natura fortemente
arcade del gameplay permette di giocare e
al tempo stesso prestare attenzione alle informazioni
ricevute via codec, che svelano i retroscena
della trama; ma è la possibilità di dettare noi stessi
il ritmo dell’azione – decidendo di ascoltare un dialogo
piuttosto che buttarci subito nella lotta – a
fare di Stand Alone Complex un buon tie-in.
La trama si dipana secondo lo stile di Production
IG, attraverso indagini minuziose e rivelazioni costanti.
Il ritmo serrato e la complessità dei dialoghi
possono talvolta nuocere alla comprensione delle
vicende narrate, ma un comodo e completo logbook
– che permette di riascoltare i dialoghi e rivedere
i filmati – sopperisce all’occasionale mancanza
di chiarezza della sceneggiatura.
Come era logico aspettarsi, la storia di Stand
Alone Complex è uno degli aspetti su cui maggiormente
si è puntato per la riuscita generale
dell’opera: dispiace pertanto rilevarne l’ispirazione
non eccelsa e l’incapacità di coinvolgere fino in
fondo, anche per la mancanza del sostrato filosofico
comune a manga e film. Si rivela dannoso per il
coinvolgimento, inoltre, il presentare personaggi
già formati e non soggetti a crescita interiore. Tale
aspetto della trama, seppur non lo si possa declamare
come difetto, fa si che il prodotto Cavia si
dimostri più appetibile per chi conosce la serie animata
– di cui questo gioco sembra a tutti gli effetti
un episodio inedito, collocabile tra la prima e
la seconda stagione televisiva – piuttosto che per i
giocatori non in confidenza con l’universo cyberpunk
di Shirow.
Ad ogni buon conto è doveroso citare tra i meriti
di Stand Alone Complex i FMV che aprono e
chiudono ogni missione, discreti sotto il lato tecnico
e forti di un’ottima regia, e alcuni momenti di
gioco particolarmente riusciti: tra questi lo stage
finale, dove riecheggiano le suggestioni visive sperimentate
nel primo lungometraggio di Oshii e si
avverte con maggior efficacia lo spirito della saga.
Infine il particolare aspetto grafico, sobrio ed essenziale,
si rivela azzeccato per le linee estetiche
sensibilmente vicine alle tinte di film e serie animata.
Niente che un buon cel shading non avrebbe
fatto meglio, ma vista la solidità del frame rate –
fisso a 30 fps – e la natura tie-in del gioco, il lavoro
di Cavia non può certo essere biasimato.
Dal punto di vista ludico, purtroppo, Stand Alone
Complex si rivela un action game basico e superficiale.
Non c’è meccanica che non si sia già vista
in uno qualsiasi degli action-shooter in terza
persona; non c’è momento di gioco che non rimandi
a titoli analoghi, nella maggior parte dei casi
qualitativamente superiori. In Stand Alone Complex
si spara per la maggior parte del tempo, ma
il divertimento non va di pari passo al volume di
fuoco liberato. Kusanagi e Bato si passano costantemente
il testimone lungo livelli mediamente estesi,
quasi sempre lineari, popolati da BOT che
atterriscono per la congenita stupidità. Sordi e ciechi
a un palmo dal naso, i nemici non si scompongono
per una raffica di mitra esplosa a pochi metri
dalla loro testa e non modificano i pattern di vigilanza
alla vista dei cadaveri dei propri compagni.
L’evidente artificiosità delle loro comunicazioni radio
non confonde mai il giocatore – come invece
accadeva in Half Life – che resta sempre ben consapevole
della loro totale mancanza d’iniziativa.

Stand Alone Complex permette di recuperare le armi dei
nemici dopo averli uccisi, garantendo così una disponibilità
praticamente infinita di munizioni. Ciò compensa la diffusa
– e voluta – carenza di upgrade.
In un contesto simile, a poco serve l’ottimo sistema
di controllo allestito da Cavia: comandi in stile
FPS – con l’uso di entrambe le leve per spostarsi e
mirare e dei dorsali per fare fuoco – e lock-on limitato
all’uso di alcune armi particolari ma generalmente
trascurabile, vista l’agilità della mira manuale.
Un sistema di controllo quasi perfetto, in sé
appagante ma insufficiente a sollevare l’esperienza
dalla soglia della semplice piacevolezza. Da rilevare
come la particolare agilità di Motoko (provvista
tra l’altro di una mossa evasiva fortemente coreografica)
determini spesso pattern di gioco direttamente
riconducibili a quanto visto nei primi Tomb
Raider. Il salto da parete a parete è spesso incentivato,
mentre la comprensione e la dominazione
degli ambienti gioca spesso un ruolo fondamentale.
Vista la bontà del sistema di controllo tale feature
non può che risultare gradita, anche in considerazione
delle labili meccaniche action.
In ultimo, l’hacking si rivela un extra pressoché
inutile e malamente implementato. Necessario in
una sola occasione (durante la prima missione), il
processo che permette di prendere il controllo degli
avversari è macchinoso e poco gratificante,
nonché già ampiamente sperimentato in Metal
Arms di Swingin’ Ape Studios, uscito oltre un anno
fa.
Ghost in the Shell: SAC è un tie-in migliore del
titolo sfornato da Bandai nel 1997, ma incapace di
avere senso al di là del franchise del quale rappresenta
la licenza videoludica, e proprio per questo
degno di considerazione unicamente da parte dei
fan della saga. Tuttavia, anche se si appartiene a
quest’ultima categoria, un sano testing precedente
all’acquisto è cosa buona e giusta.
VOTO: S A B C D
PHILOSOPHER GUNNY
Credo che non ci sia UN evento della mia vita
includente un medio/alto bisogno di locomozione
che non sia coinciso con uno sciopero
dei treni. I ferroviari sono ancora fermi al
secondo gradino del mio concetto di adesione
sociale, che a questo punto espongo…
Primo Grado: irrilevanza
Il grado delle persone terribilmente stupide e
dei bambini. La sovrastruttura esiste, ma loro
non la colgono, in quanto passano il tempo
a truccare il motorino/riempire le discoteche
(gli stupidi), e a meravigliarsi di quanto
sia marrone la cacca che fanno (i bambini,
ma talvolta anche gli stupidi). Non rendendosi
conto della sovrastruttura, ad ogni modo
ne sono ricompresi e non costituiscono un
elemento di discontinuità
Secondo Grado: ribellione inconsapevole
Appena scorti i tratti della sovrastruttura,
questa categoria tende a combatterla, per
paura dell'ignoto o necessità di farsi bello
con l'amica/l'amico intellettuale. Sintomi:
acquisto di scarpe già rovinate, autogestione
scolastica, odio verso le forze dell'ordine. La
categoria comprende spesso anche persone
molto intelligenti, ma mai e in nessun caso
comprende persone rilassate.
Terzo Grado: aquiescienza amorale
Il singolo si rende conto che la seconda fase
è improduttiva e cessa di lottare, riconoscendo
che la sovrastruttura/il sistema esiste
e che bene o male c'è sempre stato e che
insomma io che cazzo posso farci c'ho l'erba
in giardino da tagliare e da qualche anno ho
anche difficoltà ad avere erezioni.
Quarto Grado: pimpante consapevolezza
Il singolo realizza che tutto è Bene, evince
l'universale dal particolare e si compiace nel
constatare che la macchina stritolatrice del
sistema (qualunque sistema esso sia) trionfa
in modo sistematico sulle pulsioni innovatrici.
Forte di questo egli ringrazia, e svolge il suo
ruolo di misero, anonimo e insignificante (ma
felice!) ingranaggio confidando che un giorno
il sistema stesso non lo divori (ma si sbaglia!
infatti i più illuminati prevedono questo e
passano al…)
Quinto Grado: Martire della Grande Ruota
La mia fase! In pratica è come quando un
buddhista riesce a spezzare il cerchio delle
rinascite. Il singolo, totalmente accecato dalla
luce emanata dal sistema e dai suoi infiniti
mezzi di livellamento (fisico, mentale, morale
e in futuro chissà anche sessuale), arriva infine
alla Verità. In sostanza, diviene vittima
consenziente del sistema da lui stesso teorizzato
come il migliore possibile. Con sistema
non s'intende niente di che, eh, un qualsiasi
McDonald va benissimo. Tutto questo per
dire che se i ferroviari arrivassero infine alla
quarta fase, viaggiare con i treni in italia sarebbe
bello. Soprattutto magari passare su
un tratto rovinato da uno smottamento pochi
secondi prima, e dove gli operai hanno creato
coi loro corpi un binario di carne provvisorio
per evitarti a tutti i costi un ritardo. Ecco,
io un pò mi commuoverei.
Gunny

SISTEMA PS2-XBOX VERSIONE PAL SVILUPPATORE INXILE ETICHETTA UBISOFT MULTIPLAYER NO
YE BARD’S SONG
di Nemesis Divina
Le disquisizioni sulla necessità di creare contenuti originali
si sprecano o, comunque, si sono sprecate. Tuttavia
– qualcuno se ne è pur reso conto – non sempre
originalità corrisponde ad eccellenza e non sempre la
via del ‘mai-fatto-prima’ significa un totale stravolgimento
delle regole del gioco. Anzi, spesso lo ‘sbalordimento’ riesce
meglio se si mantiene un contesto anonimo, conosciuto,
nel quale si introduce un elemento anarchico e impazzito.
Lo ha capito bene certo cinema horror, quello meno
fracassone e gore, dove una normalità squassata da eventi
insondabili non fa che amplificare l’effetto sullo spettatore.
Allo stesso modo, con genio, InXile fa proprio uno dei
generi più stereotipati e immutabili e lo stravolge, sottilmente
ma irrevocabilmente.
Bard’s Tale è un clone di Diablo e nulla più, parrebbe.
Anzi, per rendere meglio l’immagine, Bard’s Tale è un
clone diretto di quel Champions of Norrath da cui eredita
anche il motore grafico. La solfa è sempre quella: un
eroe solitario contro il mondo, un mondo tridimensional/isometrico
nel quale aggirarsi alla cerca di tesori, acquisendo
magie e acquistando armamentari via via più
potenti, sino a salire sulla vetta del mondo e sconfiggere
un qualche demone assetato di potere, o di sangue, o di
potere e sangue.
Nulla di nuovo sotto il sole: quest e sub-quest di varia
natura che si aprono dialogando con i numerosi NPC, nemici
che attaccano in folti gruppi, boss da sconfiggere,
persone rapite/scappate da ricercare, bande di briganti da
liquidare, dungeon da ripulire, tesori da scovare e… principesse
da salvare, ovvio. Proprio un monumento al cliché…
Stacco.
L’umorismo, specie quello demenziale, tende a trarre ispirazione
dal costume e dalle consuetudini. Ora, esiste
occupazione più reiterativa del Videogioco? Forse sì, ma
ciò non toglie che il medium Videogioco, negli ultimi (e
anche primi) decenni di vita sia un coacervo di stereotipi,
di situazioni viste e riviste e, in gran parte, di situazioni
intrinsecamente stupide.
Il fatto che l’umorismo, specie quello autoreferenziale,
non si sia molto diffuso nel Videogioco stupisce, dacché
una delle cose che i giocatori prediligono è divertirsi, e
dunque perché non farlo ridendo del nostro passatempo
preferito? Forse che l’umorismo non è una scienza esatta,
replicabile a piacere, ma deriva da menti creative e predisposte
e che queste non siano così diffuse, in un’industria
che prima di tutto insegue il venduto.
Evidentemente, InXile deve essere riuscita a trovare un
paio di teste burlone e ispirate che riescono a ridere di se
stesse: requisito indispensabile per far ridere gli altri.
Bard’s Tale nasce da questo presupposto.
Su un contesto come detto noto e a tratti scontato,
l’avventura prende vita attorno alla carismatica e insolita
figura del Bardo, un ‘eroe’ mosso non dai propositi di Gloria
e Giustizia, quanto piuttosto da quelli di Denaro e
Ghiandola Mammaria. Alle richieste dei bisognosi, il Bardo
risponde per le rime chiedendo/chiedendosi cosa può guadagnarci.
E anche una notte fra le coperte di qualche ragazza
è moneta bene accetta…
Se i dialoghi ben dispongono il giocatore per la loro goliardia
e le risposte pepate del bardo (e di certi suoi arguti
interlocutori), e il parlato diverte con un doppiaggio teatrale
a dir poco sontuoso nella sua interpretazione, quello
che maggiormente colpisce è il dono raro dell’autoironia.
Sono diversi e preziosi gli esempi che meriterebbero
menzione, ma è inopportuno rovinare la sorpresa. Basta
però dare un’occhiata all’incipit narrativo, con l’Eroe impegnato
a disinfestare dai topi la cantina (dungeon) di una
locanda. Diamine! Tre stereotipi del fantasy videoludico
riuniti in un istante (senza parlare dell’ilare conclusione
della vicenda).
Ma ancora, il primo lupo ucciso rilascia una quantità obesa
di tesori, monete, armi e armature. La voce narrante
inizia a descrivere le meraviglie ritrovate, quando ad un
tratto si ferma e s’interroga sulla giustezza di quanto va
dicendo. Ed è proprio il Bardo ad intervenire, rendendo
noto che “in questi lupi si trova sempre un sacco di roba”.
E via così, con dialoghi surreali fra il Bardo e il Narratore,
divisi fra i bassi istinti della carne, il primo, e la ricerca di
un bene superiore, il secondo.
Bard’s Tale prende letteralmente per il culo – e con stile
– quello che il Videogioco di genere ci ha insegnato fino
ad oggi: il Bardo si secca di fare avanti indietro per le terre,
con l’unica ragione di diluire le ore di gioco, così come
si lagna dei negozi che espongono armi con prezzi assurdamente
alti, il cui acquisto è impensabile nelle prime fasi
di gioco. È un continuo vorticare di situazioni che il giocatore
conosce e riconosce, spesso con largo anticipo, e a
cui il gioco dona una luce nuova e imprevedibile in quanto
sa che noi sappiamo come vanno le cose, o meglio, come
dovrebbero andare.
Bard’s Tale è gradevole alla vista e non soffre grossi inciampi,
sebbene caricamente più snelli (su PS2) avrebbero
reso più fluida la pratica di gioco. Il Bardo affronta in solitario
le sue avventure, ma grazie alle sue melodie magiche
è possibile richiamare creature amiche, il cui numero
è determinato dallo strumento usato per le evocazioni.
Seppur con meriti innegabili, Bard’s Tale cede sotto una
struttura di gioco trita e, soprattutto, sulla mancata localizzazione.
Il doppiaggio, certo, è di livello tale che non
avrebbe potuto avere un adeguato impatto in italiano, e
pure lo scritto rimanda alla parlata arcaica e fa ampio uso
di giochi di parole legati alla tradizione o ai modi di dire.
Non stupisce quindi che UbiSoft abbia evitato la traduzione
(impresa improba), ma ciò non toglie che la conoscenza
linguistica necessaria debba essere alta per godere delle
battute, spesso accennate e sottili, ed in genere anche
per la comprensione del gioco, resa ostica da un ampio
uso di arcaismi e parole di uso poco comune.
Se avete un inglese di livello non buono e siete francamente
stufi di pigiare ripetutamente un tasto all’indirizzo
dei nemici, allora l’ironia di Bard’s Tale non vi solleverà
dal peso di una struttura di gioco che ha nelle fondamenta
i propri difetti. Per tutti gli altri, il viaggio in compagnia
del Bardo sarà invece occasione di ridere con lui e di noi,
trasformando i limiti del genere in uno spunto per una
battuta sagace o una stoccata velenosa all’indirizzo di chi
gioca.
VOTO: S A B C D

SISTEMA PC SVILUPPATORE CYBERLORE ETICHETTA ARUSH INTERACTIVE MULTIPLAYER NO
IL GIOCO COL PORNO DENTRO
di Paolo Ruffino
Playboy The Mansion è, potenzialmente, la
migliore idea che un produttore di videogiochi
potesse avere. Essenzialmente, l’idea è quella
di unire due delle industrie dell’intrattenimento più
solide, attraenti e redditizie, quella dei videogiochi
e quella della pornografia, attraverso i due brand
più simbolici dei rispettivi mercati, The Sims e
Playboy. Per essere più corretti, il gioco di Maxis
non è riprodotto in modo ufficiale, ma il tentativo
di emularlo in molti dei suoi aspetti è talmente palese
da rischiare la denuncia.
Dicevamo che si tratta del concept più geniale
che si possa immaginare. Allora cos’è che rende
questo titolo una schifezza immane? Innanzitutto,
due punti evidenti: il primo è che l’unione di questi
due brand può facilmente avere successo in termini
di vendite, ma che l’alchimia abbia successo in
termini di gameplay è cosa assai più difficile. Il secondo,
è che una miscela così esplosiva non può
funzionare semplicemente come un’addizione, aggiungendo
nient’altro che le tette a un titolo di
successo. Sarebbe stato più corretto cercare un
buon bilanciamento. Approccio che Playboy The
Mansion per certi aspetti prova ad abbracciare,
ma con risultati modesti.
Notate il colore della pelle del maggiordomo e dello scribacchino.
Ed ora quello del ricco playboy per antonomasia
e della rockstar...no, lasciate perdere, non è per questi
motivi che questo gioco fa disperare...
Perché non è The Sims
Vestiamo i panni, o meglio la vestaglia, di Hugh
Hefner, celebre fondatore della rivista che rivoluzionò
il mondo della pornografia negli anni ’60 e
che non ha mai smesso di vantarsene. Le modalità
di gioco sono due. Una è ricalcata sul The Sims
originale, cioè data una certa quantità di soldi iniziale
dobbiamo far nascere e proliferare la nostra
villa e la rivista guadagnando e trombando sempre
più. Modalità che chiameremo, per restare nel
campo semantico continuamente evocato dal testo,
‘palle all’aria’. La seconda modalità riprende la
versione console di The Sims (piccolo il mondo,
vero?) ed è strutturata su missioni che ricostruiscono
la scalata al successo di Mr. Hefner. Uno
story mode che, compensando con oggetti, locazioni
e fighe sempre nuove, ci spinge a completare
i vari numeri del magazine rispettando certi criteri.
Chiariamo subito che, comunque si voglia giocare,
la sfida è inesistente. Non esiste, innanzitutto, che
una playmate neghi il fiore della sua giovinezza al
sessantenne in vestaglia, né che si trovi a disagio
nel posare per una copertina. Ogni personaggio ha
delle caratteristiche, dei gusti e degli stati d’umore,
ma sono dettagli in un mondo decisamente
masturbatorio, dove tutti e tutte sono sempre ben
lieti di assecondare i nostri piaceri. Manca dunque
la profondità, o supposta tale, delle relazioni sociali
dei Sim. Manca in generale una cura per il dettaglio
nella caratterizzazione fisica e morale dei personaggi.
Le donne sono descritte in termini binari:
selezionabili per le copertine/non selezionabili, tettone/piatte,
playmate/non playmate. Lo stesso vale
per gli uomini: i loro peni sono eretti/a riposo,
sono in boxer/vestiti, amici/non amici (‘nemici’ sarebbe
troppo complesso, porterebbe eccessive
preoccupazioni). È difficile anche solo distinguere
sullo schermo un personaggio da un altro perché
appaiono, e questo è interessante, tutti uguali. E
così l’interfaccia macchinosa viene ulteriormente
appesantita e resa meno intuitiva.
Di The Sims tralascia alcuni degli aspetti che ne
hanno decretato il successo. Non esiste la possibilità
di scambiare modelli prodotti dagli utenti attraverso
Internet, mentre invece sarebbe stato bello,
ad esempio, creare il personaggio di sé stessi ed
inserirsi nel gioco travestiti da coniglietta/o. O dare
sfogo ad altre idee possibilmente più felici.
Sono presenti vari elementi d’arredo ma non sono
abbastanza diversificati da incentivare il desiderio
di abbellire la Mansion. Oltetutto lo stile generale
della villa è sempre lo stesso, e l’unico sfizio
con un minimo d consistenza che ci si può togliere
è appendere ai muri quadri famosi dell’arte contemporanea.
Non si capisce bene perché, per quel
che riguarda i quadri, ci si sia sforzati di riprodurre
opere famose di Van Gogh o Toulouse Lautrec,
considerato che non danno particolari soddisfazioni
e non vengono di certo preferiti alle bocce virtuali
di qualsivoglia mademoiselle.
Abbandonati questi aspetti, non resta che accettare
il gioco solo per il suo lato pornografico. Peccato
anche questo manchi all’appello.
Scegliete con quali di queste concludere la vostra festa,
basta cliccarci sopra. Bello vero? Ed invece riesce ad essere
noioso.

Arredare la Mansion non porta a nulla, ma in fondo tutti
moriremo e scompariremo nel nulla, per cui nessuna azione
ha senso. Forse che Playboy voglia farci riflettere sul
sesso, scusate, senso ultimo delle cose?
Perché non è Playboy
Ispiratosi ad una rivista che, storicamente, ha
sempre promosso la libertà sessuale, Playboy The
Mansion è un triste manifesto di una sorta di eccesso
razionalizzato e controllato. Anche l’ubriacatura
della rockstar invitata al party esclusivo è regolata,
prevedibile. Chiaccherare cinque volte con
una playmate di amore/affari/argomenti vari porta
ad un sua risposta positiva alla richiesta di farlo sul
divano/letto/sdraio. Non è tanto un problema la
mancanza del nudo integrale, che certo lascia perplessi,
ma la totale assenza di motivi di eccitazione.
I quattro poligoni che formano le tette extra
large sono raggiungibili con un rapido calcolo ed
un’ottimizzazione dei tempi. Spendere una certa
quantità di denaro per un party esclusivo comporta
un proporzionale aumento di fama. Più alto il numero
delle stelline, cioè maggiore la bravura, di un
giornalista, un fotografo o una playmate, più alto il
valore complessivo del numero che stiamo per
pubblicare. Il quale, state tranquilli, a detta dei
nostri aiutanti sarà sempre il ‘migliore mai prodotto’.
Ci si annoia ben presto di accumulare punti in
questo modo. A poco vale la possibilità di accedere,
come bonus, ad un archivio di copertine ed interviste
che sono rimaste alla storia, come quelle a
Michael Jordan e Bill Gates, e difficilmente si può
credere che chi si avvicini a questo titololo lo faccia
per un interesse filologico. Se è possibile invitare
una playmate nella piscina, decidere come vestirla
(o svestirla), e farle delle foto per la paginona centrale,
sconforta poi scoprire che anche se si sceglie
lo scatto fatto al suo mignolo la qualità del lavoro
avrà lo stesso valore. È, insomma, la totale perdita
del pensiero critico a favore di una poetica del puro
effetto. Non importa come, importa cosa tu stia
facendo: una foto, una scopata, valgono tutte lo
stesso.
È il ‘primitivismo percettivo’ di cui parla Gianfranco
Pecchinenda, citando Provenzo, al suo massimo
splendore, una “situazione in cui ogni distinguo
viene eliminato e si tende a ricondurre tutto
ad un unico comune denominatore”. 1 Se questo
può essere vero per ogni videogioco, e per la stessa
pornogafia, qui si alza la posta in gioco perché
ad essere ridotto a numero è qualcosa di complesso,
sottile, delicato e prezioso come il rapporto tra
un uomo ed una donna. Rispetto alla rivista, poi, il
gioco perde tutta quella dimensione provocatoria,
coraggiosa ed imprevedibile che aveva l’iniziativa
editoriale.
Unica via di fuga è la lettura in chiave ironica.
Ironia verso The Sims ed il mondo della pornografia
al tempo stesso, mostrati nel loro lato più riprovevole.
Ma, e non mi si accusi di malafede, mi
riservo un ampio margine di dubbio sulla possibilità
di una simile sottigliezza, che certo però trasformerebbe
il gioco di Cyberlore in una delle più
interessanti opere degli ultimi tempi.
Playboy è sempre stato un trampolino di lancio per la carriera
politica nel nostro Paese, come dimostra il numero
del Novembre 1983 dell’edizione tedesca.
Che si diventa ciechi
Non eccita, non diverte. Playboy The Mansion è
la viva dimostrazione della difficoltà di unire due
industrie apparentemente così vicine. Se è masturbazione
arredare casa, come ci ricordava il
protagonista di Fight Club 2 che aveva sostituito i
cataloghi Ikea a Playboy, arredarne una virtuale è
un’azione ancora più spinta. Peccato non valga lo
stesso per ogni ambito della sfera sessuale: scopare
una playmate non è mai stato così noioso.
Segnaliamo in chiusura la buona colonna sonora,
con un Felix da Housecat (cioè la sua versione virtuale)
che può essere adddirittura invitato ai propri
party privati.
Il giudizio su Playboy The Mansion è insomma
fortemente negativo, ma resta vivo un ultimo sospetto.
A capo del progetto c’è una donna, tale
Brenda Brathwaite. Che il movimento femminista
sia finalmente riuscito a colpire il suo nemico di
sempre con un’inviata segreta?
Riferimenti
1) Gianfranco Pecchinenda, Videogiochi e cultura
della simulazione: la nascita dell’homo game, Editori
Laterza 2003
2) David Fincher, Fight Club, 1999. Tratto dall’omonima
novella di Chuck Palahniuk.
VOTO: S A B C D

SISTEMA XBOX VERSIONE PAL SVILUPPATORE DARKWORKS ETICHETTA UBISOFT MULTIPLAYER NO
ONDE
di Nemesis Divina
Copiare è importante.
Chiunque si sia avvicinato ad un’arte, privo
di un talento superiore, sa bene che il modo
più rapido e proficuo per migliorarsi è copiare dai
maestri, da chi ha già percorso la strada del mestiere.
E copiare, a differenza di quanto sia comune
pensare, non è pratica semplice. Il Cold Fear
di Darkworks, già artefici del controverso Alone in
the Dark 4, aiuta a delineare i contorni di questo
pensiero.
Il progetto prende il via come malcelato epigono
di quel Resident Evil 4 che ha suscitato ampio
clamore sulla scena mondiale. Fino al recente e
inaspettato annuncio di conversione per il sistema
Sony, infatti, RE4 prometteva di terrorizzare la
sola utenza GameCube. Insopprimibile, per Ubisoft,
la tentazione di coprire (almeno commercialmente)
il posto lasciato vacante su PS2 e, perché
no, Xbox.
Con invidiabile opportunismo, Cold Fear si palleggia
fra il plagio e la citazione oscena in luogo
pubblico. Il sistema di mira è infatti mutuato da
quello mostrato nei primi filmati di RE4 diffusi da
Capcom, con il protagonista spostato sulla sinistra
in una semi-soggettiva di sicuro effetto. Un simile
angolo di ripresa, attivabile a piacere, aumenta
l’immedesimazione e permette di portare a segno
precisi headshot, indispensabili per eliminare definitivamente
le nutrite mostruosità ambulanti. Se
normalmente la deambulazione è ripresa in terza
persona con inquadrature fisse, negli scontri a fuoco
diventa indispensabile l’uso della semisoggettiva.
Diversamente da RE4, Cold Fear
permette però di muoversi anche in questa modalità.
Il risultato è un ritmo circospetto, con arma
spianata e pronta al fuoco, che esalta la tensione
di un contesto cupo e ansiogeno già di suo. Una
trovata di design brillante, che si impone come
chiave ludica preferenziale, al punto che in terza
persona andranno percorsi solo i passi di fuga dai
pericoli più urgenti.
La gestione della mira risulta precisa e puntuale,
almeno sulla media distanza, nel breve, invece, si
impasta lasciando spesso il giocatore spaesato,
con il nemico a gettargli le braccia al collo con fare
tutt’altro che amichevole. Al di là dell’ovvia irritazione
che segue ogni colpo subito, questo difetto
impone un approccio saldo e freddo ai corpo a corpo.
L’eliminazione dei nemici va condotta con criterio
e rapidità, in modo da evitare scontri ravvicinati.
Purtroppo, Cold Fear non contempla i danni
localizzati, con l’esclusione della testa, che in caso
di headshot sboccerà in un fiore di materia cerebrale
e ossa craniche. Coreograficamente appagante
e strategicamente vantaggioso, l’head-shot
si rivela ben presto la soluzione preferibile a tutte
le situazioni di combattimento. Tuttavia, presa dimestichezza
con la sensibilità dello stick adibito
alla mira, le teste esploderanno una via l’altra in
uno show splatter alla lunga stanchevole e privo di
strategia. Le variabili aggiunte delle diverse armi
non incidono in modo significativo, sebbene siano
disponibili un robusto lanciafiamme e uno sparaarpioni
con fiale proteiche, che distraggono gli avversari
per alcuni preziosi momenti.
La verità è che Cold Fear risulta presto ludicamente
insapore, in quanto privo di acuti dettati da
un’idea innovativa di fondo o da un’intuizione portante.
Una trama banale e sgraziatamente diretta
non è che la scusa per una sequela di sparatorie
mai troppo impegnative e un’esplorazione rada di
eventi. Quindi? Quindi Cold Fear è un gioco onesto,
un buon gioco che per molti versi anticipa un
futuro possibile dei survival horror: la riduzione
delle scampagnate nei menu, il richiamo rapido
dell'arsenale disponibile, la scomparsa di enigmi
pretestuosi e alcuni dettagli di design conferiscono
al gioco di Darkworks un credito che queste produzioni
minori generalmente non meritano.
Da tenere d’occhio, i ragazzi di Darkworks: encomiabile la
loro attenzione all’atmosfera, troppo spesso lontana dai
tavoli degli sviluppatori. Molti i frangenti di gioco emotivamente
carichi e numerose le ‘stanze’ che favoriscono il
torcicollo. Un’ambientazione, quella di Cold Fear, che ti
entra nelle osse, come l’acqua che si rovescia dal suo cielo
digitale.
Su tutto cala imprescindibile l’ambientazione.
Un Renderware mai così bello fuori dalle piste di
Burnout, traduce uno scenario di impatto devastante.
La baleniera che ospita la prima sezione di
gioco è un’imbarcazione lugubre, silenziosa e ostile,
attorno alla quale ruggisce una tempesta che
scuote il mare impennando cavalloni. Gli strattoni
cui è sottoposta la nave sono convincenti e solidi,
mentre il vento e le gocce sferzano graziosamente
lo schermo.
Ma non è solo questione di poligoni o effetti.
Cold Fear propone un valore aggiunto all’estetica
del gioco: il movimento. Il continuo caracollare
della baleniera rende sottilmente viva la nave.
L’orizzonte visivo è vittima di oscillazioni e spostamenti
degli oggetti mobili, mentre sul ponte
danzano le ombre di numerose strutture svettanti,
ombre gettate dai fari e dalle fiamme di uno scenario
catastrofico che sta cannibalizzando se stesso.
Un movimento estetico che si ripercuote anche
negli interni, con stanze che ondeggiano ora placide
ora funeste. In tal senso, è grande il rammarico
per una pressoché nulla interazione ambientale,
che avrebbe incrementato di molto la sensazione
di precarietà.
Per chi scrive, in fatto di resa estetica dello scenario
viene qui fotografata una delle migliori cartoline
ricordo di questa generazione, da affiancare

all’estro architettonico di Devil May Cry ed i giochi
di luci/ombre in ICO.
Ma Darworks paga dazio per la necessità di rincorrere
la data d’uscita di RE4 e perde per strada
quello sporgente bernoccolo di game design che, a
conti fatti, affiora soltanto qua e là. Al di fuori della
scarsa componente narrativa e di alcuni disgraziati
interventi in FMV (nella convinzione, tutta occidentale,
che essi rafforzino la tensione, quando è vero
il contrario…), Cold Fear mette in campo sensibili
ingenuità a livello di struttura. La mappa, saggiamente
rimossa dal novero delle opzioni consultabili,
è assente gradita per gran parte della lineare
avventura, salvo suscitare nostalgia in due frangenti,
che richiedono un po’ di insano backtracking.
Ma è soprattutto in quella che si profilava
come la novità più concreta, che Cold Fear delude.
Frustata dalle onde e dal vento, la nave è perenne
vittima di scossoni e sobbalzi che si ripercuotono
sulla stabilità del protagonista. Proprio in prospettiva
di queste eventualità è possibile aggrapparsi
a ricorrenti balaustre, corrimani e parapetti,
con l’ulteriore opzione di mirare e far fuoco con
una sola mano, mentre l’altra è occupata a garantire
una salda presa. Purtroppo, però, il pericolo di
finire in mare o scaraventati a terra è remoto, e in
più aggrapparsi comporta una disorientante rotazione
di novanta gradi della precedente posizione
di mira. Se si aggiunge che così facendo la mira
NON diventa più stabile, è inevitabile dimenticarsi
alla svelta del tasto incaricato di quest’azione dal
potenziale notevole ma dallo sviluppo increscioso.
Non solo RE4, perché Cold Fear scimmiotta anche il
claustrofobico e buio DOOMIII, passando per la rugginosa
e traballante prigione di Butcher Bay, direttamente
dall’ottimo Riddick. Un riuscito mix di elementi scenografici
che, in diverse situazioni, affianca per qualità i suoi
blasonati ispiratori.
Cold Fear non mira alle alte vette della classifica e
nemmeno a quel posticino nel cuore dedicato ai
VG. È un lavoro onesto, che si gioca e si gode in
scioltezza, ideale per un noleggio o un acquisto
d’occasione. Perché, sul serio, l’estetica del movimento
vale da sola il prezzo del biglietto.
VOTO: S A B C D
TROVA L’INTRUSO
Uno dei controller qui sotto esposti non va
d’accordo con gli altri. Quale?
1 2
3
5
7
8
6
4
La risposta corretta è ovviamente la 6. Il
bunny-controller di Philips Cucina infatti è
l’unico che, oltre ad esistere veramente, non
fa del tutto schifo.

4 GNOM3REGAN!
di Andrea23
SILICON & SYNAPSE
Blizzard, da che è nata, è sinonimo di divertimento
elettronico. Una software house atipica,
che ha perseguito fin dai suoi albori una filosofia
ben precisa nel creare le proprie PI e riassumibile
nel celebre “adagio videoludico” easy-toplay/hard-to-master.
Così sono nati Warcraft,
Diablo e Starcraft ciascuno dei quali, a modo
proprio, ha segnato in maniera indelebile la concezione
alla base dell’on-line gaming.
Alla luce di questo passato glorioso e forte delle
esperienze maturate in questi anni grazie a Battle.net,
network per la gestione online nato con
Diablo e sopravvissuto fino al recente Warcraft
III: The Frozen Throne, l’annuncio di un MMO-
RPG targato Blizzard solo questione di tempo. Il
brand di Warcraft, ormai rinomatissimo, non solo
sarebbe capace di trascinare anche l’ultima porcata
low budget al successo planetario, ma si sposa
talmente bene all’intuizione di quel geniaccio di
Lord British (aka Richard Garriott, creatore di Ultima
Online) che viene spontaneo chiedersi se Bill
Roper (ex VP di Blizzar North) e soci non avessero
in mente, già undici anni fa, il concept alla base
della loro ennesima gallina d’oro. Confinati dalla
potenza computazionale dell’epoca, si limitarono
alla grottesca rappresentazione di una scaramuccia
tra due fazioni, abbozzate a suon di bitmap e campionamenti
midi: Warcraft: Orcs and Humans.
Negli anni successivi il tema della guerra rimarrà
una costante e a cambiare progressivamente sarà
invece la tipologia di gioco, con una Blizzard prima
impegnata ad offrire una valida alternativa al pionieristico
Command & Conquer Red Alert
(Warcraft II: Tides of Darkness) e poi a creare
il perfetto punto di incontro tra strategico in tempo
reale ed il gioco di ruolo: Warcraft III: Reign of
Chaos. L’ultimo step di questo processo segna il
completo distaccamento dalla componente strategica,
dando la massima precedenza a quella RPG,
anche se rigorosamente in… “chiave Blizzard”. Una
ipotesi romantica, ma forse non così lontana dalla
realtà.
In ogni caso Blizzard ci riprova, portando quella
che nel ’94 era un’Azeroth isometrica ad una tridimensionalità
su scala umana, in un’epica guerra
finalmente combattuta in prima (terza) persona
con e contro centinaia di altri giocatori.
PIVIE
Cronologicamente, World of Warcraft si colloca
in un periodo immediatamente postumo agli eventi
narrati in Warcraft III e relativa espansione: con
la Legione Infuocata sconfitta nella memorabile
battaglia del Monte Hyjal, la tregua siglata tra Umani,
Orchi ed Elfi sembra destinata a durare,
mentre in realtà fratture interne alle stesse tre
razze accelerano un destino ineluttabile. Il conflitto
non tarda a riaccendersi e ciascuna etnia, in un
complesso intreccio di interessi, compromessi e
incomprensioni, ha un proprio motivo per mettere
nuovamente mano alle armi.
SISTEMA PC SVILUPPATORE BLIZZARD ETICHETTA BLIZZARD GIOCATORI TROPPI
Un druido e due troll si coalizzano contro un nemico comune,
pazzia? No, se l’obiettivo è esplorare la Caverns of
Time, una delle tante locazioni al momento precluse ai
giocatori e su cui Blizzard mantiene il massimo riserbo.
Inizialmente, WoW non si discosta dai suoi concorrenti
e propone la classica e indispensabile selezione
di razza e classe del proprio avatar, più altre
opzioni secondarie atte a personalizzare il
proprio alter ego digitale. I primi passi nel mondo
di Azeroth sono tanto indimenticabili quanto problematici,
specie per i meno avvezzi alle esperienze
online. Per ovviare ad un’impatto troppo brusco,
Blizzard ha oculatamente predisposto delle aree
d’ingresso ben protette dalle minacce esterne, dove
impratichirsi con una serie di quest a difficoltà
crescente. Grazie a questo espediente, il giocatore
è portato non solo ad una progressiva conoscenza
del sistema di gioco, ma soprattutto è invitato a
‘migrare’ gradualmente verso territori esterni e più
inospitali. Un percorso preferenziale e ben strutturato,
dal quale sarà possibile deviare in ogni momento,
personalizzando dunque il corso della propria
avventura.
Pur venendo incentivata, grazie a quest abbordabili
ed appaganti, l’esperienza in solitario a lungo
termine cessa d’aver mordente rendendo l’ingresso
in una gilda non solo consigliabile, ma addirittura
imprescindibile se il proprio scopo è di avere
accesso ai contenuti di più alto livello. Una gilda
ben organizzata sotto il profilo socio-econo-mico
sarà in grado di collezionare/produrre celermente
item epici, di cui beneficiano tutti i membri, e di
mettersi quindi nelle condizioni ideali per affrontare
dungeon altrimenti proibitivi e boss di forza inarrestabile,
con caratteristiche mitologiche. Specializzarsi
in una o più professioni permette inoltre
di arricchirsi rivendendo le materie prime raccolte
(pelli, erbe, minerali, etc…) o elaborarle in prodotti
finiti (tra cui armi, armature, pozioni) sia per uso
personale che, ancora una volta, in ottica commerciale.
Fin qui nulla di rivoluzionario, dove WoW prende
però le distanze dalla concorrenza è in quest peculiari
che porteranno più giocatori, organizzati in
party, ad esplorare i meandri di dungeon che, per
dovizia di particolari e level-design, non hanno nulla
da invidiare alle controparti single-player. Queste
aree, denominate Instance, hanno la particolarità
di essere, a conti fatti, dei piccoli ‘universi

paralleli’: sullo stesso server risiedono più copie
della stessa Instance, tante quanti sono i gruppi di
giocatori che vi prendono parte. Il vantaggio è duplice:
permettere ai partecipanti di completare le
proprie missioni in tranquillità e senza interferenze
indesiderate, nonché di prevenire (sulla carta, vedi
BOX1) seccature derivate da eventuali lag e
crash.
Ecco che fine ha fatto Grisù, abbandonati i sogni di gloria
nel corpo dei pompieri, ha ripiegato sul ruolo di cameo in
World of Warcraft. Nome d’arte Azuregos, massima attenzione
perché è davvero incazzato!
PIVIPI
Fino ad ora è stata trattata solo una faccia della
medaglia, quella che in gergo viene identificata
come PvE (Player Vs Environment), l’altra è il PvP
(Player Vs Player) ed è forse la caratteristica più
importante, specie dopo i cambiamenti apportati
dalla patch 1.4 che ha rigirato come una frittata i
server dedicati. Un aspetto, quello del PvP, che al
lancio del gioco era già enfatizzato a livello di gameplay,
tenendo in considerazione che l’unica interazione
permessa tra orda e alleanza è quella
violenta, che ogni tentativo di comunicazione verbale
è impedito dalla barriera linguistica creata ad
hoc dagli sviluppatori e che la stessa organizzazione
territoriale incentiva a tenere una condotta difensiva
o offensiva a seconda che ci si trovi all’interno
di confini amici, nemici o in contesa fra due
fazioni. Già questi espedienti sono bastati in passato
ad acuire la lotta intestita tra i due schieramenti,
ma è solo con l’introduzione recentissima
dell’Honor System (un sistema molto sofisticato,
attraverso cui viene stilata una classifica settimanale
a seconda delle uccisioni che sono state conseguite)
che il conflitto si è esplicitato in tutta la
sua violenza, rendendo praticamente impossibile
la vita dei giocatori alle prime armi.
Attualmente questo sbilanciamento dei server
PvP è un problema serio e si pensa verrà mitigato
dall’introduzione dei Battlegrounds, grazie ai quali
convogliare la maggior parte dell’attività PVP in
aree dedicate. Del tutto simili come impostazione
tecnica alle Instance, ma dal gameplay totalmente
agli antipodi, laddove queste ultime sono il perfetto
connubio tra single-player e MMORPG, i BG saranno
quanto di più vicino ci possa essere ad una
partita online di Warcraft III, con la piccola variante
di essere giocata non dal punto di vista del
comandante onnisciente, ma da quella della singola,
microscopica, unità di fanteria. Non è ancora
chiaro il loro funzionamento preciso, non essendo
CRASH(RIDGE), LAG &
POSTEPAY
La realtà dei fatti, fino a qualche settimana
fa, era esattamente all’opposto di quanto
descritto nel corpo della recensione. Nonostante
le innumerevoli fasi di betatesting,
la distribuzione scaglionata e le code (infinite)
per accedere ai server, latenze altissime
e crash erano all’ordine del giorno e,
si badi, non è certo un modo di dire né un
fenomeno isolato. Una situazione insostenibile,
alla quale è stato posto rimedio solo
da poco grazie alla migrazione di innumerevoli
account su altri server meno popolati.
Ma questo è ancora il meno… sempre più
utenti riscontrano ingenti difficoltà utilizzando
la carta prepagata Postepay per aggiornare
il proprio abbonamento. Una soluzione
provvisoria sarebbe quella di
selezionare nell’account billing page il circuito
“VISA” e non “VISA electron”, peccato
che molti, una volta fatto ciò, siano stati
costretti a ripetere la procedura ogni 24
ore, pena l’impossibilità a giocare. May
God bless Blizzard!
ancora stati implementati, ma si parla già di battaglie
campali tra raid di decine di giocatori, ai
quali sarà richiesto di coordinarsi e studiare strategie
di attacco, grazie anche a mezzi da assedio
coi quali devastare difese, edifici, risorse rivali e,
nel caso, prenderne direttamente il controllo.
Chi è quel cane che ha il coraggio di contare i poligoni?
Questa è Theramore Isle, suggestivo avamposto alleato
nelle terre di Kalimdor comandato dall’incantatrice Jaina
Proudmoore.
LEROYYYYY!
Le foto a corredo della recensione lasceranno trasparire
una certa carenza di dettaglio: poligoni in
difetto e qualche texture slavata di troppo, ma mai
come in questo caso WoW va visto dal vivo per
essere giudicato. Non che su video i poligoni si
moltiplichino e le texture aumentino risoluzione,
ma come rimanere impassibili alla prima trasvolata
sopra le infernali Burning Steppes? O dinanzi la
ciclopica Ironforge, millenaria città nanica scavata

COMING SOON
Come da abitudine la softco. Californiana,
una volta raggiunto puntualmente lo scorso
novembre il rendez-vous con lo scaffale,
non si è seduta sugli allori ed a cadenza
tanto lenta quanto inesorabile ha aggiornato
il proprio pargolo digitale: ora limando
qualche imperfezione, ora aggiungendo
inedite feature o ancora cercando di bilanciare
al meglio la delicata alchimia sulla
quale si fonda un gameplay talmente complesso.
Nel breve periodo, come già detto,
verranno introdotti i Battlegrounds e nel
medio e lungo termine la situazione è altrettanto
prosperosa tra nuovi raid-dungeon,
l’implementazione delle classi ‘Hero’,
più innumerevoli contenuti riservati ai giocatori
hi-level.
La lista della spesa:
http://www.worldofwarcraft.com/info/unde
rdev/
nel cuore di una montagna? Per non parlare della
mozzafiato capitale umana, Stormwind.
La forza visiva di WoW sta nel suo riuscire a
rendere alla perfezione maestosi skyline e nel poter
contare su un senso del monumentale con pochi
eguali, mentre le scelte cromatiche ed il tratto
fumettistico gli donano uno stile inconfondibile,
permettendo al contempo di sfuggire agli scomodi
raffronti che un design più realistico avrebbe
comportato. A coronare questo quadro già
d’eccellenza ci sono l’assenza dei caricamenti, che
aumenta non di poco l’immersione nell’universo di
gioco, e l’accompagnamento sonoro orchestrato,
virato su toni solenni ed epici con forti richiami
alla trilogia cinematografica tolkeniana.
Le caratteristiche a video, sono poi largamente
scalabili a pieno vantaggio delle configurazioni
meno prestanti, tanto che PC non più vecchi di
due riusciranno comunque a gestire WoW senza
problemi. L’unica nota dolente riguarda le prestazioni
in situazioni di sovraffollamento, sarebbe
dunque opportuno, anche se non indispensabile
visto che si sta parlando di circostanze straordinarie,
dotare il personal computer di almeno un
gigabyte di ram.
È INTELLIGENTE MA NON SI IMPEGNA!
Sebbene qualche problema di troppo a livello distributivo
e tecnico abbia fatto sorgere dubbi sul
futuro europeo delle battaglie tra Orchi & Umani,
Blizzard non pare darsi per vinta e, per quanto
molti grattacapi siano ancora lungi dall’essere risolti,
il suo supporto alla comunità rimane tangibile
e costante (vedi BOX2). Tolti i problemi più
tecnici (pur sempre rilevanti, visto quel che si
fanno pagare) rimane un gran bel pezzo di
MMORPG, al quale va riconosciuto il merito di aver
limato i difetti congeniti che affliggevano la
categoria, non richiedendo maratone davanti al
computer per poter giocare con profitto, né tanto
meno obbligando ad avere un party anche solo
per completare il più inutile degli incarichi. Ultimo,
ma non meno importante, offre uno dei
background fantasy più suggestivi che si siano
mai visti e che gli altri sviluppatori possono solo
invidiare. Per farla breve World of Warcraft è
riuscito dove tutti hanno fallito: rendere accessibile
un un genere elitario per definizione come il
MMORPG.
L’aquila è uno dei numerosi “mezzi di trasporto” grazie ai
quali coprire notevoli distanze, altrimenti improponibili
da percorrere a piedi. Ed è proprio in questi frangenti
che WoW da il meglio di sé esteticamente parlando: orizzonti
sterminati, effetti di luce abbacinanti e scenografie
da favola la fanno da padrone.
Dopo Ultima Online ecco la nuova pietra miliare.
Blizzard, esattamente come il Re dei Lich al termine
di Frozen Trone, Arthas, osserva altezzosa
gli avversari sconfitti e prostrati. Avanti il prossimo!
VOTO: S A B C D

SISTEMA XBOX VERSIONE PAL SVILUPPATORE BIOWARE ETICHETTA MICROSOFT MULTIPLAYER NO
ORIENT EXPRESS
di Nemesis Divina
Bioware persegue una strada strana, avviata
con Star Wars: KOTOR e rafforzata con
questo Jade Empire. Una strada che porta
all’action RPG in chiave occidentale e con un forte
risvolto ‘etico’ delle azioni e delle scelte fatte durante
l’avventura. Un modo di intendere il gioco
che, dati alla mano, ha pagato e paga, soddisfacendo
sia i produttori sia i consumatori, tanto avvezzi
all’illusione di ‘libertà totale’ da inseguire
ogni chimera si fregi di questo motto.
Più concretamente, proprio come in KOTOR,
Bioware innalza una struttura con una certa discrezionalità
concessa al giocatore e una sontuosa
mole di sottomissioni che, però, non riescono
mai a guizzare verso l’eccellenza e non offrono
scampoli di storia videoludica come invece faceva,
seppur con i suoi difetti, Shen Mue.
La via che attraversa Jade Empire appare tutto
sommato stereotipata, senza acuti, così come
convenzionale è la propensione verso il bene o
verso il male, divisi in una dualità in genere tanto
netta da rendere limitata l’interpretazione del
ruolo da parte del giocatore: cercare di dar vita
ad un personaggio originale attraverso azioni e
dialoghi, nel tentativo di uscire dal clichè Buono
o Cattivo, si traduce spesso in comportamenti
contraddittori o sconclusionati. Succede dunque
che non si riesca a creare un contesto credibile
sino in fondo, supportati da un personaggio che
sa essere solo piamente devoto al Bene oppure
mosso da una malsana predisposizione al Male.
Durante l’avventura incontreremo, come di consueto,
personaggi pronti ad offrirci i loro servigi per simpatia,
comunità d’intenti o necessità. Durante le battaglie, un
solo compagno può seguire il protagonista, fornendo le
proprie abilità distintive e influendo su vari aspetti del
protagonista (aumento di Ki, ripristino della Resistenza,
ecc…).
Essendo la discrezionalità etica il fulcro presunto
del gioco, stupisce che fin troppo limitate siano le
conseguenze effettive delle nostre azioni. Certo,
differenze esistono, ma incidono talmente poco a
livello ludico da far mancare l’appunta-mento con
il cuore del giocatore che, infine, procede un po’
come meglio crede, senza attenersi a intenzioni
morali o a ragionamenti che gli si potrebbero
suggerire con una pianificazione più attenta.
E anche nel finale, dove finalmente si rintraccia
la prima (e unica) scelta rilevante dalle sensi-
bili conseguenze, il risultato viene vanificato dalla
imperizia dei designer, che fraintendono completamente
il potenziale di tale decisione (vedi Box
SPOILER).
Davvero fastidioso, dopo le dimostrazioni di interazione
gioco/giocatore portate in mostra da
MGS2, vedere come temi di un certo rilievo siano
trattati in modo superficiale e come si continui ad
attribuire al concetto di ‘libertà ludica’ il significato
di ‘quantità di percorsi disponibili’. Sul sentiero
di Jade Empire di rado si ritrovano bivi etici su
cui il giocatore è indotto a riflettere e, quando
questo sembra accadere, le trame si distendono
in modo tale che una decisione, magari sofferta,
culmina con uno sterile happy end il quale sminuisce
la condotta di gioco con la semplice attribuzione
di un ‘premio alla bontà’, semplicistico e
fuori luogo.
Se, come in KOTOR, l’impianto etico lascia
ancora a desiderare, il resto, come in KOTOR,
brilla discretamente. Jade Empire si struttura
come un RPG dichiaratamente action dove il peregrinare
attraverso i villaggi di una Cina mitologica
si interrompe di frequente per dare spazio a
scontri che, diversamente dal precedente gioco,
sfruttano un approccio completamente in real
time. Abbandonato l’ibrido ‘tempo reale/strategico
a turni’ di KOTOR, ci si trova ora davanti alla
richiesta di riflessi, rapida capacità decisionale ed
il ricorso ad una strategia di stampo picchiaduristico
più che da scacchista. Le opzioni bellicose
sono elevate, rilevanti e personalizzabili grazie ai
punti esperienza accumulati. Ci sono mosse d’attacco
e magie di supporto, come tecniche speciali
o l’uso di armi da taglio e da fuoco. La disponibilità
del Ki influenza sia magie che recupero fisico,
mentre la barra della Concentrazione regola l’uso
delle armi e, alternativamente, attiva uno slow
BUG CONCETTUALI
Jade Empire tradisce la matrice occidentale
grazie ad un numero di sviste e trascuratezze
sin troppo elevato: dall’incapacità
di rendere vivi i personaggi, sino alla
presenza di animazioni rigide e banali
(come quelle in prossimità degli scrigni che
vedono il/la protagonista muoversi meccanicamente
davanti al forziere, dacché di
lato è impossibile avviare l’animazione di
apertura). Più tragica ancora è l’incombenza
di cut scene registicamente pessime
e talvolta anche inverosimili, con il protagonista
che combutta ad alta voce, mentre
il nemico è chiaramente visibile a pochi
passi. O ancora, infiltrato in una setta di
assassini, non solo si permette al protagonista
di mantenere le vesti abituali, ma gli
è persino consentito avere appresso uno
dei compagni, quando l’accesso al covo era
a titolo personale. Molto più semplice prevedere
una solo mission, invece di frantumare
la credibilità dei nemici e, con essi,
buona parte della storia.

motion in stile Matrix. È inoltre possibile infondere
il Ki nelle magie di supporto, che in genere apportano
solo status negativi, in modo da provocare
un danno fisico aggiuntivo.
A fronte dei vantaggi offerti dall’approccio
action, il nuovo sistema di combattimento mostra
anche il fianco ai difetti critici del genere: i frequenti
scontri ad alto numero di partecipanti non
facilitano il compito della regia virtuale e d’altra
parte, le collisioni non impeccabili e alcuni bug
dell’Intelligenza Artificiale generano tecniche di
lotta ‘scorrette’.
Fuori dai campi di battaglia si gode di un ampio
grado di personalizzazione, fondato su una
serie di gemme – da selezionare fra quelle in possesso
– che influiscono su svariati parametri, relativi
sia al combattimento che alla personalità dei
PG. La personalità si manifesta durante i dialoghi:
avere un alto punteggio di Carisma acuisce la forza
delle nostre parole, mentre un importante livello
di Intuizione può svelare nuove scelte fra
quelle a disposizione
Così come in KOTOR, le conversazioni rivestono
un’aspetto ponderante dell’avventura e si rendono
indispensabili per accumulare informazioni,
sbloccare sotto-missioni e conoscere meglio l’ambientazione.
Nulla di nuovo, dunque, anche se va
segnalato il lodevole tentativo di offrire un’infarinata
di filosofia orientale, diffusa attraverso la
bocca di numerosi saggi e fra le pagine dei libri
consultabili. Triste, invece, lo stuolo di comprimari
che non riescono ad incidersi nella memoria del
giocatore, risultando infine come una componente
scenografica e un supporto in battaglia (nemmeno
il sacrificio di uno dei compagni riesce a sollevare
l’andazzo emotivo del gioco).
Se in generale le ambientazioni soffrono dell’effetto ‘palcoscenico
teatrale’ (con un’urbanistica e un’arredamento
banali), alcuni scenari appaiono sinceramente ispirati. E’
il caso del regno celeste e degli strani esseri che la popolano.
Dove Jade Empire eccelle è nella scelta dell’ambientazione,
inusuale e ispirata. La mitologia cinese,
anche se rielaborata e forse un po’ spicciola,
è fonte di grande suggestione ed è un piacevole
stacco rispetto al classico fantasy occidentale
di stampo tolkieniano. Meno convincente la componente
estetica che, seppur dotata di cromatismi
accesi e ben dosati, non dimostra, salvo alcune
eccezioni, un design degno della portata del titolo.
Troppo spesso ci si trova poi in un vacuo andirivieni
per missioni di scarso interesse, se non il
vantaggio in termini di punti esperienza e soldi.
Qualche difetto in sede d’animazione e la virulenza
di frequenti caricamenti e di savepoint disposti
in maniera pessima, non possono comunque affondare
un block buster che si configura tale nella
SPOILER
Nella porzione finale del gioco è offerta la possibilità
di accogliere nel party un guerriero straordinariamente
forte, che per tutta l’avventura è
risultato un temibile nemico. Questa scelta, però,
impone la prigionia dell’anima irrequieta del
guerriero e dunque si configura come azione
malvagia. Asservire la sua anima provoca la minaccia
di ammutinamento di buona parte dei
compagni. Accettando di perdere compagni in
luogo di un soldato ben più forte, si scopre via
FMV che il protagonista non accetta le defezioni
dei propri vassalli e decide di imprigionare anche
le loro anime, in un azione che assolutamente
non corrisponde alle intenzioni del giocatore ma
che tiene conto solo delle banali etiche dei
designer.
Molto meglio sarebbe stato accettare l’abbandono
dei compagni e, in una situazione successiva,
rendere sensibile questa mancanza (e difatti
questa situazione esiste nel gioco, in una battaglia
onirica combattuta nella propria mente, solo
che i compagni prestano aiuto spirituale incuranti
della nostra azione di poco prima, che ci aveva
dipinto ai loro occhi come futuro despota e non
come un salvatore).
Con poca sorpresa, le azioni offensive si basano sugli
archetipi elementali e sull’imposizione di status negativi
che ben conosciamo (paralisi, pietrificazione, cecità…).
Più interessante il discorso legato alle numerose arti
marziali, che si presentano sotto forma di mosse basiche
da concatenare con gli altri stili.
qualità elevata del doppiaggio, con migliaia di linee
di testo e una traduzione italiana esemplare.
Le circa venti ore di gioco scorrono fra situazioni
convincenti e inciampi fastidiosi ma mai tragici,
sullo sfondo evocativo della tradizione cinese.
Il finale offre tre conclusioni diverse e un
gustoso colpo di scena, che rischia di cambiare le
carte in tavola (salvo non riuscirci troppo).
Un’avventura a tratti stanca, ma nel complesso
appagante, che riesce a trasmettere il senso epico
del crescendo, della ricerca e dello scontro.
Jade Empire paga dazio per una filosofia ludica
intrinsecamente errata e lo sterile ricorso al ‘sistema
etico’ che continua a venir ridotto ad un
bilanciamento fra ‘numeri, azioni e scelte’, quando
dovrebbe invece mostrarsi solo nelle ‘conseguenze’.
VOTO: S A B C D

I PERSONAGGI…
CAPITOLO 2
di Gianluca “Sator” Belvisi
2.1 SAN D’ORIA
«…e con questo, cara Alessandra, credo di aver esposto con il più puntiglioso dei
dettagli i motivi per cui voi donne non diventerete mai delle brave scrittrici, poetesse,
pittrici, filmaker, game designer, eccetera eccetera. Ho seri dubbi anche sulla
vostra effettiva abilità ai fornelli, ma tant’è…» concluse Nemesis Divina. Stava passeggiando
insieme ad Alessandra C lungo un vicolo poligonale di San D’Oria. Le
mani giunte dietro la schiena.
«Che dire. Le tue parole mi sconvolgono nel profondo» commentò Alessandra C
dopo alcuni istanti di silente sgomento. «Penso che quando questa storia sarà finita
dovrò sedermi e ripensare completamente la mia vita. Grazie Nemesis!»
«Non c’è di che mia giovane padawan. Siamo una squadra, dopo tutto.»
Svoltarono in una delle vie principali della città. A parte loro, sembrava non vi
fosse nessun altro.
«Già, una squadra. Che ne pensi degli altri membri del party?»
«Be’, Gunny è come un fratello, ma che dico fratello?, un cugino. Soprattutto da
quando mi ha dato una parte nel suo film. Sto progressivamente mutando la caratterizzazione
del mio personaggio da un agente infiltrato della C.I.A. al Kakihara di
Ichi the Killer. Su Jason Rubin invece non mi sono fatto un’idea precisa. I suoi giochi
mi piacciono perché sono usciti su piattaforme Sony, ma se guardo all’essere
umano dietro al game designer, allora mi sorgono dubbi sulle sue reali qualità. Forse
si tratta di uno di quei personaggi destinati a morire subito: un po’ come Vicks e
Wedge di Final Fantasy.»
«Speriamo di no. Gli ho abbastanza messo gli occhi addosso, se capisci cosa intendo.»
«Miyamoto invece è una piacevole conferma. Nei forum l’ho sempre definito un
rincoglionito sopravvalutato che si è completamente bevuto il cervello, ma dentro di
me non potevo non cercare di essere obbiettivo, ed ero giunto alla conclusione che
si tratta in realtà di un genio: uno che ha rivoluzionato il mondo dei videogiochi in
ogni reparto. Adesso che lo conosco di persona scopro invece che è un rincoglionito
sopravvalutato che si è completamente bevuto il cervello. L’insegnamento che ne
posso trarre è che bisogna sempre fidarsi dei pregiudizi.»
«Amen. Ehi, credi sia stata una buona idea quella di dividerci per cercare l’ingresso
delle Miniere?» disse Alessandra guardandosi intorno. «Non vediamo gli altri già
da un pezzo, inoltre queste strade deserte mi stanno mettendo i brividi.»
«Strade deserte?» Nemesis smise di camminare e fece segno ad Alessandra C di
fare altrettanto. Pochi istanti dopo, decine di figure più o meno umanoidi iniziarono
a comparire dal nulla. La strada si fece ben presto brulicante di vita digitale. «Visto?
Non siamo mai stati soli. È colpa del lag se non vedevamo nessuno. Deve es-

sere una feature che hanno importato da Shenmue. Personalmente preferisco se
continuiamo a camminare: odio le patetiche forme di vita che giocano online, anzi,
a dir la verità sto incominciando a detestarlo tutto questo ambiente… questo per
così dire medium…»
«Sul serio? Non me lo sarei mai aspettato. Dopo tutto scrivi su una delle migliori
riviste del pianeta… e non sto parlando di Gameplus.»
«Guarda, Ring è praticamente l’unico collante che mi è rimasto con il mondo dei
videogiochi. Per questo voglio tenermela ben stretta. Allora, riprendiamo la passeggiata?»
«No, aspetta» lo interruppe Alessandra, «credo di aver visto Jason!»
Aveva ragione. Jason Rubin si trovava a poche decine di metri da loro, seduto sul
bordo di una fontana nella piazza principale della città. Stava dialogando con una
cassetta della posta. Quando Nemesis e Alessandra furono più vicini, notarono che
la cassetta della posta era in realtà Gunny in mimetica urbana.
«Eccovi finalmente!» disse Alessandra C. «Ma che sono quelle facce sconsolate?»
«Brutte notizie, purtroppo. Gunny ha appena avuto un’estenuante conversazione
al codec con Nick Fury. Pare che il Davide Videoludico abbia colpito ancora.»
«Oh no, qualche vittima?»
«Nessuna, se si esclude la lingua italiana» rispose Gunny. «A pagina 7 di Videogiochi
numero 13 è stata rinvenuta la parola “localazzioone”. Nonostante ore di
brainstorming, gli esperti dello S.H.I.E.L.D. non sono riusciti a risalire al significato
originale del termine, pertanto ritengono che non sia un semplice refuso. Il sospetto
è che si tratti di un messaggio in codice inserito dal Davide. Un messaggio che
preannuncia un imminente attentato. In questo momento stanno compiendo su di
esso una serie di analisi filologico/settimana-enigmistiche nel tentativo di decodificarlo…»
«Santa merda» fece Nemesis stringendo il pugno. «Diabolicamente geniale!»
«Purtroppo» continuò Rubin, «nell’incertezza sul da farsi, lo S.H.I.E.L.D. ha ricevuto
ordine dal Governo di eseguire un attacco preventivo contro tutte le riviste videoludiche
che abbiano legami col Davide, e che quindi potrebbero essere ricettacolo
di ulteriori parole in codice…»
«Questo significa che…»
«Che Ring è la prima nella lista di queste riviste canaglia. Proprio adesso una
squadra SWAT sta assaltando la sede della redazione di Ring…»
Nemesis Divina crollò in ginocchio con lacrime di rabbia: «stanno invadendo casa
di Emalord?!»
«Già» confermò Gunny. «Ema sarà probabilmente condotto al lager di Guantanamo,
dove degli aguzzini governativi getteranno nel cesso in sua presenza delle
confezioni di Radiant Silvergun. Con tanto di fascetta.»
Preso dallo sconforto, Gunny si interruppe e, rivolto verso terra, vomitò alcune
raccomandate.
Nemesis fece il gesto come di togliersi un invisibile casco: «dobbiamo uscire da
qui e salvare la rivista e la salute mentale di Emalord!»
«Fermati! Fury ha detto che se ti togli il casco virtuale farai partire un’istanza potenziata
del programma Cura Ludovico, con l’obiettivo di invertire per sempre la tua
sessualità!»
«Dov’è Miyamoto? Lui è l’unico che può cavarsi dalla Matrice e trovarne perfino
giovamento!» gridò un isterico Nemesis.
«Shigeru è andato a comprare lo zucchero filato» lo informò Gunny. «Ma è inutile:
Fury si è detto dispiaciuto per come sono andate le cose, e che lui non ne ha
colpa. Io gli credo: la colpa è del Governo, anche se c’è la possibilità che sia il Davide
a cercare di metterci l’uno contro l’altro.»
Alessandra C fece sì con la testa: «siamo costretti a rimanere qui fino al termine
della missione, quindi l’unica cosa che possiamo fare è finirla al più presto.»
«Hai ragione» disse Nemesis rialzandosi e assumendo determinatezza. «Ma non
completeremo questo incarico così come ci è stato assegnato. Troveremo Donkey,
sì, ma invece di pedinarlo fino al nascondiglio del Davide, ci faremo dire dove si nasconde
a suon di sganassoni. Faremo il lavoro sporco, poi, una volta usciti da qui,
sarà il turno del Governo. Diventeremo Liverpool ai loro occhi!»
Nemesis Divina protese in avanti il braccio destro. Gunny appoggiò la propria
mano sul dorso di quella di Nemesis. Jason Rubin e Alessandra C fecero altrettanto.
«Tutti per uno e uno per t…»
«Ah, voglio partecipare anch’io a questa stucchevole rappresentazione di spirito
di squadra!» esclamò un accorrente Miyamoto gettando via lo steccolo dello zucchero
filato. E così fece. Una volta liberatisi dalle mani appiccicose del nipponico, i
Cinque erano pronti a riprendere la missione.
«Bene, che facciamo adesso?» disse Alessandra C controllando per l’ennesima
volta se il suo fucile da cecchino era carico.
«Dobbiamo uscire da San D’Oria» replicò Gunny.
«Ma fuori da qui ci sarà senz’altro una prateria-hub ricolma di mostri: dovremo
sorbirci combattimenti più frequenti delle figure di merda del Presidente del Consiglio…»
si lamentò la ragazza.

«L’ingresso delle Miniere non si trova in città. Dobbiamo varcare la porta ad ovest
e dirigerci verso il vicino lago Hylia» disse Gunny, che aveva smesso l’uniforme cittadina
per indossare l’outfit ufficiale di Solid Snake.
«Come fate a saperlo?» domandò Nemesis.
«Abbiamo messo insieme alcuni fondamentali indizi» rispose Rubin. «La porta a
sud della città è ostruita da invalicabili coni di plastica arancione, la porta ad est ha
un cane da guardia che non lascia passare nessuno, la porta a nord per essere attraversata
necessita di un pollo di gomma, che non abbiamo. Inoltre tutti gli NPC
che abbiamo interrogato ci hanno detto di prendere la porta ad ovest e andare al
lago Hylia. Sono stati molto chiari: le parole “ovest” e “Hylia” erano celesti grassettate.»
«Dio benedica i videogiochi lineari» rifletté Nemesis Divina mentre controllava
l’affilatura della sua ammazzadraghi.
«Okay, allora possiamo partire» disse Alessandra C incrociando lo sguardo dei
compagni. «Ehi Shigeru, hai un martello in tasca o sei solo contento di vedermi?»
«Ho un martello in tasca!» rispose, ed estrattolo, assunse una posa a metà strada
tra il potente Thor e un maniscalco che si è appena fracassato il pollice. «Conosco
perfettamente questo territorio: sono pronto ad assumermi le mie responsabilità
verso il party e condurvi incolumi a destinazione!»
Gli altri membri del gruppo applaudirono galvanizzati, mentre i passanti facevano
largo spreco di emoticon entusiastici.
Tredici ore dopo, i Cinque giunsero al lago Hylia stanchi morti e con la barra di
energia rossa lampeggiante.
2.2 HYLIA
«Be’, ragazzi l’importante è che vi abbia condotto a destinazione, no?» disse Miyamoto.
«Per quanto riguarda le peripezie che abbiamo dovuto affrontare durante il
tragitto, sono convinto che abbiamo tutti il coraggio di dimenticarcene…»
«Vaffanculo muso giallo!» squarciagolò Alessandra. «Tredici ore per fare un paio
di chilometri?! Ci avremmo messo molto meno se tu non ti fossi fermato a pisciare
su ogni masso alla ricerca di monete blu. E che bisogno c’era di offendere la madre
della Ultimate Weapon? Eh, Nemesis Divina?»
«Guarda che non ho parlato per sentito dire. E poi ragioni tu, che hai cercato per
tutto il tempo di riprodurre il jingle dello spot della Barilla con l’ocarina, per poi fartela
rubare dal primo thief di passaggio. Adesso come facciamo a chiamare Epona e
mangiarcelo per cena?»
«È chiaro che non funzioniamo come squadra» disse Gunny.
«No, è chiaro che TU non funzioni come squadra!» replicò Jason Rubin. I due iniziarono
ad azzuffarsi per terra.
«Compagni!» esclamò Alessandra C con tono materno. «Abbiamo forse già dimenticato
l’appiccicosa promessa fatta poche ore fa?» Gunny e Rubin smisero di
prendersi a morsi. «Siamo una squadra di reietti in un mondo che ci odia. Per questo
dobbiamo rimanere uniti, senza concederci il lusso di distrarci nemmeno per sei
minuti. Perché non si sa quanti gol possiamo prendere, anche in soli sei minuti…
«Ehi, guardate là! Sulla sponda occidentale del lago c’è una parete di roccia con
alla base una freccia lampeggiante. Non sono brava come voi nella detection, ma
credo che dovremmo andare a controllare…»
Nemesis Divina aiutò Gunny e Rubin a rialzarsi. I due si concessero un abbraccio
di scuse. Poi il gruppo si diresse, più unito che mai, verso il punto indicato dalla
freccia. Una volta arrivati a destinazione, la freccia scomparve, rivelando al suo posto
un gigantesco portone, sprangato per mezzo di una spessa catena e con la seguente
scritta incisa sul legno…
QUESTA È LA OUTER DOOR CHE CONDUCE
ALLE SACRE MINIERE DI SAN D’ORIA
DITE IL GIOCO ORIGINALE ED ENTRATE
«È un enigma» concluse Jason Rubin. «Fortuna che sono bravissimo con gli enigmi
nei videogiochi!» Si guardò intorno. «Uhm, vediamo…» disse toccandosi il
mento con indice e pollice. Socchiuse gli occhi e continuò ad esplorare la zona per
alcuni secondi. «Non capisco. Non mi pare di vedere nessun cubo da spostare…»
Prese a grattarsi la nuca. «Okay, ho finito il mio repertorio» ammise sconsolato.
Nemesis Divina volse lo sguardo al cielo con rassegnazione: «è chiaramente un
puzzle ad attivazione vocale. Credo che dobbiamo semplicemente pronunciare il
nome del videogame originale per eccellenza e la porta si aprirà.»
«Quale gioco può essere più originale del primo mai fatto?» disse Gunny tra gli
assensi generali. Poi, dopo essersi schiarito la voce: «dico Tennis for two!»
Non accadde niente.

«Certo, Tennis for two è stato il primo» si intromise Nemesis, «ma non si può
parlare di originalità, visto che è l’adattamento del gioco del tennis. Dico Spacewar!»
Niente.
Miyamoto si sistemò il cappello di Mario sulle ventitré e calò l’asso di briscola
Donkey Kong.
Nulla.
Allora rilanciò con Mario Bros, Devil World, Excite Bike, Duck Hunt, Hole’s Gun Alley,
Super Mario Brothers, Legend of Zelda, Doki Doki Panic, Super Mario Kart,
Starfox, F-Zero, Doctor Mario…
Ma la porta non si scompose.
«…Mario 64, Ocarina of Time, Super Smash Bros, Waverace, 1080°, Animal
Crossing, Advance Wars, Pikmin, Metroid Prime, Four Swords, Wario Ware e la mia
arma finale: NINTENDOGGUSUUUUUU!»
La porta non fece peh.
«N1NT3ND0 1S D00M3D!!!» esultò Nemesis Divina.
«Brutta figlia di puttana di una outer door!» abbaiò il nipponico prendendo a calci
lo stipite. «Tu non sai chi sono io! Guarda che se mi girano ti faccio trasferire nel
mondo di Resident Evil 1 a fare le animazioni di loading! Ti mando a Silent Hill a
fare una di quelle porte arrugginite che non si aprono mai!» Quindi si accasciò a
terra e pianse moltissimo.
«Scusatemi» disse poi asciugandosi il naso con la cravatta. «Credo di essere un
tantinello uscito dal personaggio!»
Alessandra C, seduta su una roccia vulcanica e per nulla turbata dal poco edificante
spettacolo, cercava di pensare lateralmente: «un momento, la scritta è in italiano,
ma non esistono giochi nativi in italiano – o almeno, non giochi decenti –
quindi mi sa che c’è stato a monte un lavoro di localizzazione…»
«Già, e allora?» commentò Rubin.
«Niente, pensavo a voce alta… uhm… gioco originale… original game…»
«Vabbe’, sentite» fece Jason Rubin, «io ci provo, hai visto mai che… Jak & Daxter!»
Il legno della outer door iniziò a scricchiolare. Per un attimo parve che la porta
stesse per aprirsi, ma si trattava soltanto dell’onda d’urto prodotta dalla stronzata
appena detta.
«Eureka, ci sono!» disse Alessandra C scattando in piedi. «Bolla, salto, bolla, salto,
bolla, salto, destra, player 1!»
Si udì il jingle da enigma risolto di Zelda e la porta magicamente si spalancò.
«Ma certo, l’original game, la gabola da inserire nella schermata dei titoli di Bubble
Bobble!» esclamò Nemesis Divina battendo il pugno destro sul palmo sinistro.
«Ehi c’era pure il power up, te lo ricordi?»
«Nessuno ricorda mai il power up. Per questo ogni cabinato di Bubble Bobble lo
aveva inciso da qualche parte con il temperino» spiegò la ragazza.
«Be’, non mi stupisce che sia stata Alessandra C a risolvere l’enigma. Quel videogame
era uno dei pochi ad essere appositamente progettato per le femmine» commentò
Jason Rubin, forse un po’ invidioso.
«Per tua informazione» chiarì Alessandra, «Bubble Bobble lo giocava il mio fidanzatino.
Io a quei tempi finivo già Ikari Warriors con un credito…»
Gunny raccolse il suo backpack e fece per incamminarsi all'interno delle Miniere,
quando si accorse che pochi metri oltre l'apertura appena formatasi vi era un’altra
porta chiusa.
«Chi l’avrebbe mai detto che dietro all'outer door ci sarebbe stata una inner door?»
disse Rubin. «Vai Alessandra: risolvici anche questo puzzle, ché noi siamo
uomini d’azione. Ahr ahr!»
«È un enigma semplice» si intromise Miyamoto. «Vedete quella stella disegnata
sulla porta e il numero cinque al centro? Significa che prima di entrare dobbiamo
raccogliere cinque stelle. Suggerisco di dividerci. Io faccio la quest delle monete
rosse. Mi raccomando se ne trovate una di avvert…»
«Basta, non ho tempo per queste cazzate» sbuffò Nemesis Divina. Quindi abbatté
con un calcio la inner door e passò oltre.
«ERESIA! ERESIA! Ha appena varcato una soglia senza il richiesto numero di
stelle! BESTEMMIA!» gridò Miyamoto, poi incominciò a rotolarsi per terra tirandosi
ripetuti cazzotti sulla testa.
Gunny e Rubin immobilizzarono il giapponese, impedendogli di infliggersi altro
danno, mentre Alessandra C gli fece ingoiare un’amanita muscaria, che sortì subito
i suoi effetti rilassanti proibiti dalla legge. Dopo aver cantato tutta la discografia di
Janis Joplin, Miyamoto fu pronto a riunirsi al gruppo e varcò insieme ai compagni la
soglia per le Miniere di San D’Oria.
Nemesis Divina li aspettava poco oltre, seduto su un’antica scalinata a tagliarsi le
unghie dei piedi.

2.3 IL DUNGEON
«Dove siamo?» domandò Alessandra C mentre cercava di abituarsi all’oscurità.
«A occhio e croce mi pare una via di mezzo tra le miniere di Pitfall e uno stage
sotterraneo di Super Mario» rispose Nemesis Divina.
«Ottimo!» saltellò Miyamoto ancora leggermente in preda agli effetti del fungo allucinogeno.
«Conosco queste gallerie come le mie tasche. In verità conosco un sacco
di caverne, dungeon e sottopassaggi pedonali…»
«Ah sì, devo averlo letto su un People dedicato a te» disse Alessandra C. «Fin da
piccolo ti piaceva andare in questi luoghi per il puro gusto dell’esplorazione: lo stesso
che hai messo praticamente in ogni tuo gioco!»
«Er, veramente ci andavo per mastur…»
Jason Rubin era rimasto vicino all'entrata, allarmato come da qualcosa: «compagni,
non vorrei spaventarvi, ma credo che là fuori un Calamarcio sia appena sorto
dalle acque del lago e stia venendo tipo ad ucciderci.»
«Perfetto, avevo giusto voglia di mangiare qualcosa di vivo» commentò Nemesis
impugnando l’ammazzadraghi.
Gunny gli pose una mano sulla spalla. «Non andare. Anche se uccidi questo Calamarcio,
ne verrà subito un altro, poi un altro e un altro ancora, nel più disgustoso
dei boss recycle…»
«Capisco. Allora rinuncio al mio spuntino di mezzanotte. Suggerirei di spostarci a
destra dello schermo fino a quando non succede qualcosa.»
Guidato da Shigeru Miyamoto, il party si incamminò per i cunicoli bui del dungeon.
Trascorsero minuti di pathfinding alternato a backtracking.
«Ehi, che ve ne pare di tutta questa storia?» chiese ad un certo punto Nemesis
Divina per interrompere una conversazione che stava prendendo una piega fin troppo
calcistica. «Voglio dire: il Davide che in realtà è un terrorista ricercato... l'upload
del suo cervello nella Matrice... cioè, tra l’altro ‘sta cosa mi suona anche un po’ familiare.
Avete per caso letto Vox Mundi?»
«No.»
«No.»
«No.»
«No.»
«No.»
«Okay, vaffanculo. Comunque dovremmo stare attenti a non farci manipolare da
nessuno. Credo sia importante scoprire come stanno le veramente cose, perché la
verità ha tante facce eccetera eccetera. Quello che per il Governo è un terrorista,
potrebbe in realtà essere un ribelle anarchico tipo V for Vendetta, e sinceramente
non credo che sarei in grado di uccidere un anarchico…»
«Non preoccuparti Nemesis» lo tranquillizzò Gunny. «Anche se adesso è tutto un
po’ nebuloso, penso che sia normale, visto che siamo solo agli inizi. Mano a mano
che andremo avanti nella missione, le cose dovrebbero diventare sempre più chiare,
quindi potremo fare le nostre scelte, valutando da quale parte schierarci con
maggior cognizione di causa. Certo, questo a meno che la storia col procedere non
diventi un segone mentale tipo Evangelion. In tal caso potremmo sempre mandare
a fare in culo tutto e andarcene allegramente a troie.»
La galleria che stavano percorrendo si aprì in una vasta area sotterranea. Un largo
e profondo crepaccio tagliava trasversalmente il luogo. L’uscita era posta al di là
del burrone, alla stessa altezza dell’ingresso. Una scalinata di roccia, scolpita lungo
la parete del lato sul quale era giunto il gruppo, scendeva ripida e tortuosa. I tratti
finali della scalinata, così come il fondo del crepaccio, erano avvolti nell'oscurità.
Il party si fermò sull’orlo del precipizio a contemplare lo scenario.
«Sentite anche voi un rumore in fondo a questo budello, come di migliaia di esseri
che danno lo straccio per terra?» domandò Alessandra C.
«Lo sento, sì. Dite che siamo in pericolo?» fece Jason Rubin.
«Non saprei» commentò Nemesis Divina. «Il mio senso di ragno ha smesso di
pizzicare da quando ho ripreso a farmi il bidet.»
Gunny estrasse il binocolo per la visione notturna e dette un'occhiata in basso:
«ma quelli sono mudokon. Centinaia, migliaia di mudokon che stanno lucidando il
pavimento!»
«Allora non c’è niente da temere. Lo sanno tutti che i mudokon sono imbelli» disse
un rassicurato Nemesis Divina.
Gunny fece per annuire, ma: «aspettate, mi sta vibrando il codec. Chi sarà? Ah,
è Nick Fury. Che vuole a quest’ora? Oh, io non rispondo…»
«No, dài, e se poi è importante?»
«Vabbe’, vabbe’, un attimo… Ciaaao Nick! Dove sei? Sì, sì, no, certo… Maddai…
Uh-uh… Ah-ah. Occhei, senti, ti mando un messaggino quando abbiamo fatto. Ciao,
sì ciao, ciao. Era Nick Fury.»
«Buone nuove?» chiese Alessandra C.
«Certo che no. Mi ha rivelato che dopo il ritiro di Oddworld Inhabitants dal mondo
dei videogiochi, un incazzato Lorne Lanning ha attivato una personalità nascosta in
tutti i mudokon rimasti a Videogamia. In pratica adesso sono malvagi.»
«Non ci credo. Quei docili schiavi affetti da meteorismo?»

«Quei docili schiavi hanno sbranato la redazione di Nintendo Rivista Ufficiale in
un bordello di Delfinia.»
«Oh no! E adesso?»
«Non vi preoccupate. Anche se perfidi, i mudokon sono pur sempre anime semplici.
Se qualcuno gli si avvicina con cautela, li saluta e dice loro una semplice azione
da compiere, loro la eseguiranno. Adesso scenderò da solo queste scale e gli ordinerò
di addormentarsi profondamente. A quel punto potremo passare.»
Detto ciò, Gunny iniziò la discesa armato di determinazione.
«Ehi Shigeru» sussurrò Rubin mentre attendeva lo svolgersi degli eventi, «guarda
la mia PSP: è l’unico modello al mondo senza nemmeno un pixel bruciato.»
Shigeru Miyamoto prese in mano la PSP di Rubin, si sedette su una bassa roccia
dalla forma cilindrica – probabilmente la base di una colonna poi crollata – e si incantò
ad osservare quello schermo perfetto con l’espressione di un siciliano di fronte
ad un piatto di pasta con le sarde.
Dal fondo del crepaccio si udì Gunny dire: «Ciao!»
Vi fu come risposta un corale: «CIAAAAAAOOOOOO!»
«Amici mudokon, c'è una cosa che vorrei che faceste...»
«Allora, ti piace la PSP?» continuò Rubin rivolto al giapponese.
«AMMAZZA!»
Dal fondo del crepaccio si levarono rumori agghiaccianti, come se migliaia di ghepardi
fossero scattati all’unisono su un’unica preda. Le grida di Gunny, intervallate
da orribili suoni di carni lacerate, raggelarono gli altri membri del team, che inforcarono
le proprie armi, ma non ebbero il coraggio di discendere le scale.
Dopo alcuni drammatici minuti, una figura strisciò dolorosamente fino alla cima
del crepaccio. Era Gunny.
«Okay, voglio solo sapere chi è stato.»
Il party si dimostrò compatto nell’indicare istantaneamente Shigeru Miyamoto.
Con le ultime tacche di stamina, Gunny rilasciò ad un lacrimante Miyamoto un
cazzotto dall’alto verso il basso che si infranse sulla nipponica testa. La base cilindrica
su cui era seduto il game designer si rivelò essere non il rimasuglio di una colonna,
bensì un pulsante, che in seguito alla sollecitazione si abbassò. Il terreno
prese a tremare. La scalinata crollò su se stessa come un castello di carte, mentre
un meccanismo nascosto fece spuntare da una sponda del precipizio uno stretto
ponte di roccia che si congiunse con l’altro lato del crepaccio, a poche decine di metri
dall’uscita.
«La fortuna finalmente ci sorride» disse Nemesis Divina evitando alcuni massi
che continuavano a cadere dal soffitto. «Coraggio, attraversiamo lesti il crepaccio
prima che venga giù tutta la baracca!» Poi si caricò Gunny sulle spalle e iniziò a
correre sul lungo ponte di roccia, seguito da Alessandra C.
Jason Rubin tese la mano a Miyamoto, che si rialzò dolorante. Insieme intrapresero
una lenta traversata.
«Volevo chiederti scusa, Shigeru, per come ci siamo comportati con te fino ad
ora. Non so, forse ci aspettavamo che il creatore di Mario, Zelda e così via fosse
una figura tipo semidivina, e ci siamo dimenticati che sei pur sempre un essere
umano – per di più giapponese – con le tue debolezze, infantilismi e perversioni che
ti caratterizzano come individuo e che sono specchio del tuo genio.»
«Jason, queste tue parole mi colpiscono. Sai, forse è la mia commozione cerebrale
a parlare, ma credo che ci sia posto in Nintendo per un game designer che ha
appena abbandonato la compagnia che ha contribuito a fondare… »
«Parli di me? Vuoi davvero che entri in Nintendo? Cavoli, sto sognando!»
«No, non stai sognando. Che ne dici? Insieme tu e io daremo alla luce una nuova
età dell’oro!»
TUM.
«Che è questo rumore?»
TUM.
«Dobbiamo sbrigarci!» gridò Miyamoto. «Lui non deve raggiungerci mentre siamo
ancora sul ponte!»
«Lui chi?!»
Con un balzo, una gigantesca creatura verdognola atterrò sul fragile ponte, vicino
ai due game designer. Vi furono severi scricchiolii che non lasciavano presagire
niente di buono. La creatura ruttò lingue di fuoco.
«Un Bowser! Non possiamo batterlo! Presto, scappiamo, raggiungiamo l’uscita!»
Jason Rubin, ubriaco di paura, iniziò a correre come un disperato, lasciandosi indietro
un ancora indolenzito Miyamoto. Giunto alla fine del ponte, vide una leva:
«Gunny! Non è questo il momento di travestirsi da meccanismo che fa scomparire il
ponte. Vieni, dobbiamo fuggire!» e così dicendo allungò il braccio per strattonare
l’amico, ma l’emulo di Solid Snake si trovava già al sicuro con Nemesis e Alessandra
vicino all’uscita, e ciò che Rubin aveva tirato era veramente la leva connessa al
meccanismo che fa scomparire il ponte, il quale non poté far altro che ubbidire
all’input.
Sia il Bowser che Shigeru Miyamoto videro svanire la roccia da sotto i loro piedi:
si scambiarono un’occhiata di disperazione e caddero nel baratro.

«Complimenti Vicks, hai appena ammazzato Wedge» disse Nemesis Divina avvicinandosi.
«Oh no. Miyamoto è morto. Questo è il peggior giorno della mia vita dopo quella
volta in cui subii un “otorinolaringoiatra” durante la finale del campionato di Scarabeo»
pianse Alessandra C.
«Non facciamo a tempo a finire il tutorial, e già perdiamo un membro del gruppo.
Perché non mi stupisce il fatto che si tratti di Shigeru?» fece sarcastico Gunny.
Ma Jason Rubin era in lacrime. «Voi non capite, questa è una tragedia per tutti,
ma soprattutto per me! La morte di Miyamoto in questo mondo significa che subirà
la Cura Ludovico nell’altro, quindi perderà la sua passione più grande: non potrà più
realizzare videogiochi! OMFG SONO ROVINATOOUUOO! A CHI MI ISPIRERÒ DA ORA
IN POI? E MI AVEVA PURE PROMESSO CHE… BUAAAAAAAH!»
«Coraggio Jason, cerca di farti forza» disse Nemesis Divina tenendolo saldo per
impedirgli il suicidio. «Io non so che cosa cancellerà la Cura Ludovico. Non so quale
sia la più grande passione di Shigeru Miyamoto, ma di una cosa sono sicuro: non
erano i videogiochi.»
«E comunque puoi sempre prendere come modello Peter Molyneux» disse Gunny.
Fu troppo. Jason Rubin svenne.
2.4 DONKEY
«Ohi, la mia testa! Dove mi trovo?»
«Perché tutte le persone che rinvengono devono sempre chiedere dove sono?» si
interrogò Alessandra C.
Si trovavano in una vasta cavità sotterranea di forma semisferica. L’ambiente,
stranamente illuminato a giorno, era quasi del tutto spoglio, se si escludevano alcuni
alberi, rocce e una bassa vegetazione.
«Che è successo?»
«E figurati se non chiedeva pure questo… Dopo che sei svenuto per lo shock di
aver ammazzato il tuo idolo Shigeru Miyamoto – ops, scusa per avertelo ricordato!
– ti abbiamo messo su una lettiga costruita con alcuni poligoni e portato con noi. Il
percorso ci ha condotti in questo geofront, da cui non sembra che vi siano uscite.
Adesso dobbiamo capire che fare…»
Nemesis Divina, che fino a quel momento aveva osservato in silenzio la location,
sollevò di scatto l’ammazzadraghi.
«Ho capito dove siamo! Dài ragazzi, pensateci: un luogo così vasto e vuoto non
può essere che un boss stage. Abbiamo trovato la tana di Donkey!»
«Finalmente affronteremo quel grasso gorilla peloso!» ringhiò Gunny impugnando
la combo socom-coltello.
«Grasso gorilla peloso?» domandò Alessandra C.
«Grasso gorilla peloso, certo!»
«Stai parlando di Donkey? Tu conosci Donkey?»
«Ovviamente no, ma mi sono fatto un’idea su chi possa essere.»
«Fammi capire» cercò di far chiarezza la ragazza, «tu ritieni che Donkey, l’unico
e migliore amico del Davide Videolurido, sia in realtà…»
«Peter Jackson, sì!»
«AH AH AH AH AH! Poveri stolti!»
«Chi ha parlato?» gridò Alessandra C terrorizzata.
Gunny si girò in tutte le direzioni: «deve essere lui!» disse. «Oppure è Fran
Walsh, non saprei.»
«Avete fatto male i vostri conti, eroi! Non sono un regista neozelandese, non sono
un gorilla scaricabarili e non sono nemmeno Giobbi. Sono semplicemente Donkey!»
Con grande impiego di effetti particellari, una figura umanoide alta tre metri
e con una tuta in lattice rossa si materializzò davanti a loro. Aveva la testa di un
asino e una coda con un ciuffo di peli all’estremità. L’essere ragliò soddisfatto per la
qualità del suo ingresso: «tuttavia, visto che siamo all’interno della Matrice, potete
chiamarmi con il mio nome digitale… eDonkey!»
«Argh! Il re di tutti i sistemi peer to peer!» esclamò Nemesis Divina, trattenendosi
a stento dall’inginocchiarsi.
«Vabbe’, ho sbagliato pronostico, ma come hai fatto a sapere che stavamo arrivando?
Abbiamo tenuto un approccio stealth per tutto il tempo!» disse Gunny togliendosi
i ramoscelli d’ulivo che aveva tra i capelli. Ormai non servivano più.
«Aprire la inner door senza l’ammontare richiesto di stelle ha fatto scattare
l’allarme silenzioso. Sono andato a controllare indossando una mimetica da Calamarcio
e ho trovato voi. Quindi vi ho seguito. Vi sono stato a stretto contatto per
tutto il tragitto nelle Miniere.»
Jason Rubin osservò Nemesis Divina con lacrime di rabbia. «La tua bestemmia ci
costerà la vita!»
«Un momento. Hai detto che ci sei stato a stretto contatto? Ecco perché quando
Nemesis ha chiesto di Vox Mundi ha ricevuto come risposta cinque “no”, invece di
quattro» disse la puzzle-solver Alessandra C.
eDonkey gongolò come un Galliani alla fine del primo tempo.

«Ma come mai non ci siamo accorti della tua presenza?»
«Mi sono reso invisibile grazie alla mia perfetta conoscenza della programmazione
di questi luoghi.»
«Stai dicendo che hai sfruttato il lag?»
«Preferisco di più come l’ho spiegato io.»
«Senti» disse Nemesis Divina, «è chiaro che muori dalla voglia di esibirti in un
monologo…»
«Non ho bisogno di monologhi, caro il mio capellone, io sono eDonkey! Sono
l’alfa e l’omega, l’entità a cui tutti quotidianamente si collegano e rendono grazie.
Sono il reattore della condivisione, il flagello dei diritti d’autore, il re del dvdrip,
l’imperatore dello screener, il mullah dello scan, colui che ha preso la trasformata di
Fourier e l’ha fatta diventare Contenuto. Sono il supremo manipolatore di menti, la
nemesi dei patriot, l’alfiere dell’irreale, l’anti-etico per eccellenza, il maestro del relativismo.
Io sono il cugino di chiunque: il magnanimo parente che tutto ha e tutto
concede.
«Pazzi siete voi che decidete di sfidarmi, giacché le mie armi sono i vostri stessi
segreti. Affrontare me significa affrontare il vostro lato oscuro!»
«Signor “non ho bisogno di monologhi” permettimi una domanda» disse Gunny:
«e se uno non avesse segreti? Potrebbe, come dire, infliggere una curetta medioevale
al tuo culo?» E così minacciando lanciò contro eDonkey una stun grenade.
Ma la granata non sortì alcun effetto. Incredibilmente, eDonkey aveva previsto la
tipologia d’attacco di Gunny e si era coperto gli occhi in tempo.
«Ooh, chi abbiamo qui… nientepopodimeno che Gunny: il nuovo Kojima, il nuovo
Lucas, il nuovo Mollica! Tu sostieni di non avere segreti, Gunny, ma adesso ti dico
che male facesti a scagliare la prima pietra. Io, che tutto posseggo e tutto condivido,
ti domando: che ne sarà della tua carriera di regista quando la gente vedrà il
tuo primo “lungometraggio”?»
«Nessuno lo vedrà mai. Era una tale stronzata! Figuriamoci se mi sogno di distribuirlo!
Ah ah! Non c’è niente da temere!»
«Ne sei sicuro?»
«Certo!»
«Sicuro sicuro?»
«Er… non dovrei?»
«Non dovresti. Ho dato incarico a dei topi d’appartamento albanesi di procurarmene
una copia. Proprio in questo momento lo sto mettendo in power-share. Presto
tutto il mondo potrà ammirare Blood Brothers, un film di Giacomo Talamini!»
«NUOOOOOO!»
Gunny crollò in ginocchio. Le sue statistiche ebbero un tracollo alle voci Carisma
e Sex Appeal.
Alessandra C, pur provando per lui una minore ammirazione e attrazione fisica,
cercò di consolarlo: «coraggio Gunny, non ti devi vergognare per un film sbagliato
girato quando eri giovane. Lo abbiamo fatto tutti! Pure io una volta che avevo bisogno
di soldi ho partecip…»
«Alessandra» la interruppe eDonkey, «forse ti interesserà sapere che sto condividendo
il filmato della finale di Unreal Tournament: torneo che hai miseramente
perduto perché nella mappa “Via Montenapoleone” ti fermavi sempre a guardare le
vetrine!»
La scrittrice si vide dimezzata la Concentrazione e l’Autostima, mentre la voce
Fashion aumentò di diversi punti.
«E Nemesis, caro Nemesis, che pena mi fai tu che scarichi filmati di finti stupri ai
danni di ragazze giapponesi.»
«Finti?!»
Nemesis Divina, adombratosi, andò in blind.
«Sir… Per me niente?» domandò Jason Rubin, che forse si sentiva emarginato.
«A te dirò una sola cosa: BUKKAKE.»
Jason Rubin iniziò a tossire violentemente e a sputare per terra, come se tutto ad
un tratto ricordasse un’esperienza rimossa.
Pur nella momentanea cecità, Nemesis Divina fece due passi in avanti roteando
l’enorme ammazzadraghi.
«Bene eDonkey, nonostante l’enorme rispetto che nutro per te e per il tuo lavoro,
le nostre priorità nei confronti di Ring e del povero Emalord ci impongono di riempirti
di botte fino a quando non cagherai il nascondiglio del Davide Videoludico.
Quindi se non ti spiace, considerata la nostra premura, salterei tutta la parte dei
discorsi e passerei subito alle mazzate!»
«Non vi darò mai l’informazione che cercate, luridi fascisti governativi! Presto il
Davide Videoludico farà la sua prima e più importante mossa per la conquista di
Videogamia. A quel punto…»
«Ma che è questa cazzata di conquistare Videogamia?» protestò Nemesis Divina.
«Ma siete veramente così nerd da non rendervi conto che state cercando di occupare
una terra inutile? I videogiochi sono il medium più sopravvalutato che esista!
Tutto ciò che c’è dentro un videogame… i mondi, le storie, i personaggi… tutte queste
cose che tanto appassionano le ignoranti anime videogiocatrici non appartengono
al medium, ma sono state prese di peso dai film, dai libri, dai fumetti. Il Video-

gioco non è altro che un plagio, una carta carbone di altri media con in più l’illusione
dell’interattività. Per la puttana: abbiamo appena fatto una sequenza ricalcata
pari pari dal Signore degli Anelli, e adesso ci troviamo in un geofront. Ti rendi conto?
Un geofront!»
«Non ho la più pallida idea di ciò che stai dicendo.»
«Cerca di fare uno sforzo. Ficcatelo in quella testa di ciuco: non c’è NIENTE di
bello nel videogiocare. È solo un modo come un altro per sprecare la propria esistenza!»
Alessandra C rimase esterrefatta da queste parole: «Nemesis, non avrei mai pensato
che tu…»
«Lasciami in pace!»
Gunny era all’apice dell’ira: «eDonkey, hai appena fatto piangere Nemesis Divina.
Pagherai anche per questo. Formazione d’attacco!»
Il party si posizionò a delta con le armi un pugno.
«Bene! Se questo è ciò che volete…» eDonkey assunse la posa dell’uomo vitruviano:
«SLOT AMICI, VENITE A ME!» La sua muscolatura iniziò a gonfiarsi in maniera
preoccupante, mentre le orecchie asinine emettevano i Carmina Burana a 320
kilobyte al secondo.
«Siamo. Nella. Merda» fece Alessandra C.
«Forse no» disse Gunny. «Chiederò aiuto via codec al mio consulente militare
Motosada Mori. Lui saprà dirci quale tecnica adottare per sconfiggere eDonkey!» Il
sosia di Snake poggiò un ginocchio a terra, si infilò due dita nell’orecchio e disse:
«pronto, casa Mori?»
La situazione si faceva drammatica: eDonkey aveva quasi finito il suo trattamento
ormonale e un forte vento aveva incominciato a soffiare all’interno del geofront.
Gunny si rialzò in piedi togliendosi le dita dall’orecchio.
«Allora? Ti ha dato qualche hint?» domandò Nemesis Divina.
«A dire il vero Motosada si è un po’ incazzato» rispose Gunny mentre si puliva le
dita sulla giacca di Rubin. «Ha detto che non mi conosce, che sono le tre di notte e
che se non la smetto di telefonargli mi farà avere notizie dal suo avvocato.»
«Allora non abbiamo speranza? Vi mostrerò dunque il significato della C in Alessandra
C!» e così dicendo la scrittrice voltò le spalle al gruppo e prese a correre in
direzione di alcune insenature rocciose, poste vicino al limite esterno del geofront.
Jason Rubin la osservò fuggire: «credo che la C stia per ‘Codarda’.»
Gunny cercò di lasciarsi Blood Brothers alle spalle: capì che il gruppo aveva bisogno
di un leader.
«Lasciatela andare. Siamo noi tre adesso e dobbiamo comportarci da party affiatato.
Rubin, voglio che ti scagli addosso a eDonkey picchiandolo a tambur battente.
Io e Nemesis ti lanceremo da dietro le pozioni di cura.»
«Occhei!» Jason Rubin partì a testa bassa come un torello: «ti faccio il culoooo!»
«Ma tu hai pozioni di cura?» chiese Nemesis Divina a Gunny. «No perché io non
le ho prese: il dottore si è scordato di farmi la ricetta…»
«Be’, ho una vigorsol.»
Con un uppercut, eDonkey lanciò Jason Rubin in aria e iniziò un’interminabile
juggle, poi azionò lo zero shift, raggiunse Rubin in volo e si esibì in una presa a 69
con successivo schienamento a terra.
Jason Rubin vomitò la milza.
Equipaggiato con il lanciarazzi, Gunny cercava il momento giusto per sparare.
Nemesis Divina, la vista ancora un po’ annebbiata, corse a liberare Rubin dalla
presa mortale: sollevò l’ammazzadraghi sopra la testa e rilasciò un fendente verticale.
Il boss ragliante rotolò via all’ultimo momento e la lama tranciò l’avambraccio
destro del game designer, il quale lanciò una bestemmia talmente lunga e variegata
che eDonkey ne fece un mp3 e la mise istantaneamente in condivisione. Gunny
inquadrò il boss mentre stava per rialzarsi e fece fuoco con il lanciarazzi. Il missile
disegnò una parabola di fumo e si diresse contro eDonkey, ma questi compì un balzo
e camminò sopra il razzo deviandone la traiettoria contro un albero.
«RAZORBACK 2!» gridò poi. Dalla schiena gli uscirono due lame rotanti che si diressero
contro i membri del party ancora in piedi. Nemesis Divina parò il colpo con
l’ammazzadraghi, ma fu orrendamente scagliato all’indietro contro una roccia.
Gunny fu colpito di striscio all’addome e si accasciò a terra in preda al dolore.
«Avete perso» disse pacatamente eDonkey osservando i suoi antagonisti agonizzanti.
«Del resto non avevate alcuna possibilità. Ho la velocità di una dorsale in fibra
ottica, ho un sistema di recupero da errori e una funzione di anteprima che mi
permette di conoscere ogni vostro attacco nel momento stesso in cui lo pensate.
Ammettete la sconfitta?»
«La ammettiamo» disse Gunny con una smorfia. «Ti chiedo solo una cosa: finiscimi
con un colpo netto. Non mutilarmi, ti prego: non voglio fare la fine del protagonista
di E Johnny prese il fucile…»
«Perché, che fine ha fatto?»
«Be’, lui ha avuto diciamo un…» iniziò a spiegare Gunny. «Aspetta un attimo: tu
non conosci E Johnny prese il fucile?»
«A-al momento non…»

«È un bellissimo film di guerra, anzi, sulle conseguenze della guerra. Certo, è un
film vecchio, e non è famosissimo presso i non appassionati del genere, ma non
capisco come fai a non conoscerlo, visto che l’ho scaricato proprio dal tuo network.»
«Sì, sto condividendo un film con quel nome, ma…»
Gunny si illuminò: «ma non l’hai mai visto, vero?»
«…»
«Ma certo, ho capito! Tu impieghi tutta la giornata a mettere roba in condivisione,
quindi non hai il tempo di vedere i film, provare i giochi, ascoltare la musica che
tu stesso fai scaricare agli altri. Sarai anche la cosa più vicina che ci sia all’Aleph di
Borges, ma sei l’unico a non giovarsi dei tuoi stessi benefici!»
«N-non…»
Nemesis Divina intuì dove stava andando a parare il compagno di squadra: «lascia
che ti faccia qualche domanda caro eDonkey. Un trivia semplice semplice: con
quale frase finisce Via col vento?»
«Mumble… e tutti vissero felici e cont…»
«PROT! Risposta sbagliata. Come fa il ritornello di Nel blu dipinto di blu?»
«Qualcosa come tarizùm larillallero?»
«PROT! Risposta sbagliata. Guarda, te ne faccio una facile: chi era il padre di Luke
Skywalker?»
«La so, la so!» lo prendeva in giro Gunny alzando la mano.
«Zitto che mi deconcentri! Questa ce l’ho sulla punta della lingua…» Stava sudando
freddo. «…Saruman!»
«ROOOTFL!»
Gunny e Nemesis Divina iniziarono a contorcersi dalle risate.
«Cazzo ridete? Guardate che se mi girano chiudo i rubinetti, così non potrete scaricare
più niente!»
«Ridiamo perché abbiamo appena scoperto come fotterti!» disse Nemesis.
«Impossibile, posso prevedere ogni vostro attacco nel momento stesso in cui vi si
forma il pensiero in testa!»
«L’hai già detto, ma se invece di pensare a quale azione eseguire, ci limitassimo
ad esempio a citare il nome di un film? Ti faccio vedere: Alessandra? Il nemico alle
porte!»
«Il nemico alle porte, ricevuto Gunny!»
eDonkey fu colpito da un proiettile sparato dalla distanza. L’urto lo fece indietreggiare
di qualche passo e perdere un’incredibile quantità di energia.
«Chi è stato, com’è possibile?»
«Quando Alessandra C se n’è andata, ho capito subito che la C del suo cognome
stava per ‘Cecchina’, pertanto sapevo che si sarebbe appostata da qualche parte
tenendoti nel suo mirino. Le ho solamente dato il segnale di sparare in un modo
che ero sicuro non avresti predetto, perché chiaramente non hai visto il bel film di
Annaud.»
«Ah, la C sta per ‘Cecchina’? Io avrei detto ‘Campeggiatrice’» commentò Nemesis.
«Adesso, caro eDonkey, sono sicuro che Jason Rubin, alle tue spalle, sarebbe lieto
di riservarti il trattamento che Mario dedicò a Bowser in Super Mario 64…»
«Ottima scelta, Gunny!» Con il braccio sano, Jason Rubin afferrò eDonkey per la
coda, lo fece roteare sempre più velocemente per poi scagliarlo contro un masso.
«P-pietà!» ragliò eDonkey. Il volto tumefatto.
«Nessuna pietà» disse sprezzante Jason Rubin. «Non hai giocato a Super Mario
64. Questo significa che sei un asino…»
«E adesso Nemesis» continuò Gunny. «Che ne dici di torturare un po’ il nostro
amico con lo stile di Hannibal Lecter?»
«No, no! Chiedimi Miike! Chiedimi Miike!»
«Che Miike sia! Direi di iniziare con Ichi the Killer…»
Snikt. Una lama comparve sul tallone di Nemesis Divina, che con un colpo di tacco
amputò le gambe di eDonkey.
«…poi potremmo continuare con Audition…»
Un Nemesis sempre più eccitato si munì di due aghi da sarta, che conficcò pazientemente
negli occhi dell’agonizzante boss.
«…e terminiamo con… Gozu!»
«Ehi che cosa vuoi fare con quel mestolo?» gridò eDonkey. «NO! NO! AAAA-
ARGH!!!»
«Avete visto? Uniti ce l’abbiamo fatta!» disse Alessandra C arrivando di corsa
come un portiere dopo che la sua squadra ha segnato.
«Siamo stati grandi!» esultò Jason Rubin, niente affatto preoccupato per la mutilazione
subita.
Gunny si avvicinò ai resti ancora in vita di eDonkey: «e adesso, ammetti la tua
sconfitta e dicci dove si trova il Davide.»
«Giammai! Te l’ho detto: sono provvisto di un sistema di recupero da errori!»
Due gambe spuntarono dai moncherini. eDonkey scattò in piedi a pochi centimetri
da Gunny: «ti mangerò vivo!» disse aprendo la bocca.

Ma l’essere asinino non riuscì a completare l’attacco. Alessandra C era rimasta
attenta ad eventuali colpi di reni da parte di eDonkey e, da quella distanza, non poté
che centrarlo con un headshot da instant kill. eDonkey ricadde a terra. Il suo
corpo si liquefece in pochi istanti.
Alessandra C fu avvolta da un’aura viola. Sulla sua testa comparve la scritta:
“LEVEL UP!”
«Oh no! Siccome il colpo di grazia glielo ha dato lei. Adesso si beccherà anche i
nostri punti esperienza. Che stronza!» protestò Rubin.
La scrittrice parlò con voce evangelica: «l’Alessandra C che conoscevate non esiste
più. D’ora in poi, il mio nome sarà Alessandra B!»
Vicino ai resti di eDonkey si formò una colonna di luce che raggiungeva il soffitto
del geofront. I membri del party vi entrarono e furono trasportati in superficie. Si
trovavano di nuovo a San D’Oria.
«Che bellissima avventura!» esclamò giocondo Nemesis Divina. «Mi spiace Jason
per il tuo braccio…»
«Oh, fa niente: mi ci farò montare sopra un mitra come quello di Barret.»
«Se solo Shigeru fosse qui con noi ad impiastricciarci col suo zucchero filato…»
disse Alessandra B.
«Già… Ehi Gunny, perché sei così serio? Qualcosa non va?» domandò Nemesis.
«Sei ammattito? Certo che qualcosa non va. Non abbiamo trovato il nascondiglio
del Davide!»
«Oh, non preoccuparti. Avevo pensato ad un’eventualità simile. Inizieremo un’indagine:
interrogheremo i personaggi più famosi dei videogiochi. Se il Davide è veramente
venuto a Videogamia, sarà senz’altro andato a conoscere qualcuno dei
suoi eroi. Vedrete che prima o poi salterà fuori qualcosa. Suggerisco di iniziare recandoci
allo SCUMM BAR: mi è venuta voglia di grog.»
«Ottima idea Nemesis!» si complimentò Rubin.
«Grazie! D’un tratto mi è ritornato l’amore per questo medium che temevo di aver
perduto per sempre. Vi dico che non solo riusciremo nel nostro compito, ma
faremo anche risorgere Ring dalle sue ceneri!»
Vi fu un commosso applauso da parte di tutti i passanti.
«Allora sarà meglio farlo in fretta» disse Gunny, «perché ho appena decifrato il
messaggio segreto contenuto nel refuso di Videogiochi 13.»
«Intendi “localazzioone”?»
«Esatto. È l’anagramma di: “EA CAZZONI, LOOL!”»
Nemesis Divina fece la faccia così: o_O.
«OMFG… Lo aveva detto eDonkey che il primo bersaglio sarebbe stato anche il
più importante: Electronic Arts sta per essere attaccata dal Davide Videoludico. E a
quanto pare ci sarà da ridere.»
SECRET STAGE
Nella sala briefing dello S.H.I.E.L.D., Nick Fury e l’uomo celato nell’oscurità spensero
i monitor che inquadravano il party vittorioso a San D’Oria.
«Così ci sono riusciti. Donkey è morto» commentò Nick Fury appoggiandosi allo
schienale.
«È andato tutto secondo i piani» disse l’uomo celato nell’oscurità. «Anzi, meglio,
se si considera che i Cinque non ci ritengono responsabili della chiusura di Ring.»
«Che intende farne?»
«Lasciamoli alla loro inutile detection. Chissà, in seguito potrebbero ritornarci utili.»
«Come desidera» disse Fury. «Adesso che Donkey è stato tolto di mezzo, abbiamo
libero accesso alla sua enorme rete di PC. Finalmente disponiamo della potenza
computazionale necessaria a realizzare il nostro progetto: il computer ad embrioni
sarà presto una realtà.»
«Emani subito gli ordini necessari all’avvio del progetto, Generale Fury.»
«Sarà fatto… signor Videoludico.»
PROSSIMAMENTE…
20th CENTURY DAVIDE
forse