Ring 099 - Parliamo di Videogiochi

che necessita soprattutto di protagonisti carismatici
con i quali far interagire l’utente. Tuttavia quello
che spesso accade è che i personaggi vengano caratterizzati
facendo un pesante uso di cliché:
l’eroe, la spalla, l’eterna fidanzata, l’acerrimo rivale,
l’animale parlante. Senza una solida base narrativa,
personaggi del genere non possono che originare
intrecci molto simili tra loro. Le storie nei
videogiochi tendono infatti a seguire più o meno le
solite linee evolutive, spesso riconducibili a quelle
dei manga di combattimento.
“Solitamente ogni protagonista di questo genere
di manga inizia le sue avventure da inesperto”
spiega Andrea Baricordi, “una vera e propria lavagna
vuota su cui saranno gli eventi stessi a scrivere
la storia del personaggio. Pochissimi sono i
manga in cui il protagonista conosce già ciò che sta
per accadergli, o in cui, se non altro, ha già a disposizione
certe abilità o certi poteri che lo aiuteranno
a superare le avversità. E, anche in questi
casi, ciò che viene raccontato è comunque un percorso
di crescita, di accumulo di esperienza, di capacità,
di amici e/o compagni di viaggio, di presa
di coscienza e di responsabilità. In maniera molto
velata, addirittura quasi involontaria, ogni autore
giapponese tende a far compiere ai propri personaggi
questo genere di percorso, anche grazie al
fatto che fin dal primo episodio di un manga si sa
perfettamente che prima o poi ci sarà una conclusione,
a differenza dei fumetti seriali europei o statunitensi.
Tutto deve avere un inizio e una fine,
insomma. E, in qualche modo, al termine di una
storia un personaggio sarà comunque cambiato, in
bene o in male, a seconda di ciò che ha vissuto.
Alla fine dei conti, anche nei manga dove più si
combatte o in quelli più intrisi di avventura allo
stato puro, l’elemento più importante e distintivo è
proprio questo, la crescita”.
Un percorso di crescita presente praticamente in
tutti i videogiochi di avventura, da Zelda a Final
Fantasy, e non sono certo gli unici aspetti in comune:
“Solitamente viene usata la formula del
viaggio per permettere ai personaggi di affrontare
nuove sfide, di uscire dai propri confini geografici e
mentali. Il viaggio permette il confronto con culture
diverse dalla propria, abitudini, modi di fare e di
vivere. C’è una sorta di epica moderna, nei manga,
dove il corrispettivo del Santo Graal occidentale
non è la cerca di un oggetto simbolico (o a volte, lo
è, come in Dragon Ball), ma di qualcosa legato al
protagonista stesso, alla propria condizione, alla
salvezza di una o più persone a esso legate (vedi
Le Bizzarre Avventure di JoJo, o anche One
Piece)”.
I videogiochi tratti da Capitan Tsubasa hanno cercato di
riprodurre la complessità di una partita di calcio di Holly e
Benji introducendo menù a tendina come nei JRPG. Il risultato
è un’azione frammentata e poco divertente. La
medesima sorte è toccata ai tie-in di Slam Dunk.
COSA PUO’ ANCORA
OFFRIRE IL FUMETTO
L’onomatopea
Si tratta di un artificio che restituisce la percezione
del suono in un medium, il Fumetto, che non
ne dispone. È una comunicazione aggiuntiva fondamentale
per lo story-telling: una vignetta completamente
nera, eccetto due “snikt”, racconta
perfettamente ciò che sta accadendo.
In XIII l’onomatopea serve anche per assicurare
al giocatore la percezione tridimensionale del
suono. È una tecnica che attenua quel senso di
smarrimento tipico degli FPS e può essere usata,
con opportune variazioni grafiche, anche in giochi
non riconducibili ai fumetti.
Il team-up
Il team-up è l’incontri di due o più personaggi di
serie diverse, che si coalizzano contro la minaccia
di turno. Il team up è un espediente classico del
fumetto dei supereroi e serve a far conoscere
nuovi personaggi ai lettori. Applicato ai videogiochi,
il team up avrebbe un potenziale enorme.
Basti pensare ad un platform con protagonisti
Sonic e Mario, oppure uno stealth game in cui
Solid Snake e Sam Fisher indagano sui fatti di
Black Mesa.
Il cliffhanger
L’interruzione della vicenda sul più bello, in seguito
ad una rivelazione o alla vigilia di una scena
madre. Secondo Leo Ortolani: “[Il cliffhanger] ha
la doppia funzione di incuriosire il lettore a comprare
l'albo successivo e di finire comunque in
bellezza, con un colpo di scena, la storia che non
si riesce a narrare su un unico albo, per questioni
semplici come il fatto che più di tante pagine al
mese un autore non può fare. Ha i suoi pregi, è
ovvio, perché uno poi si aspetta di vedere come
la situazione si sblocca, e l'attesa fa crescere le
aspettative. L'unico difetto è quando le aspettative
dell'albo seguente non sono soddisfatte da
una risoluzione almeno pari, in genialità, con il
colpo di scena”.
Nonostante la natura seriale di molti titoli, il
Videogioco conta pochissimi cliffhanger veri e
propri. La scelta ricade nella maggior parte dei
casi nei finali aperti, nei quali la vicenda a tutti gli
effetti si conclude, ma ciononostante viene lasciato
un margine di incertezza necessario per un sequel.
Uno dei migliori finali aperti mai apparsi un
videogioco è senz’altro il volo verso l’ignoto del
protagonista di Another World. Tra i pochi cliffhanger
segnaliamo invece i finali di XIII e di
Shenmue 2, proprio a ridosso di sequenze fondamentali.
In altri casi, ad esempio Soul Reaver,
più che precisa scelta narrativa si può parlare
di finale volutamente troncato per non
ritardare ulteriormente il rilascio dell’opera.