LA TOSCANA OTTOBRE

La Toscana - Anno 5 - Numero 9 - Ottobre 2017- Registrazione Tribunale di Firenze n. 5905 del 6-2-2013 - Iscriz. Roc. 23227. E 1. Poste Italiane SpA Spedizione in Abbonamento Postale D.L. 353/2003 (conv.in L 27/02/2004 n°46) art.1 comma 1 C1/F

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Sommario ottobre 2017
6 Una Finestra sul Giappone a Palazzo Coppini
8 Firenze nascosta: il Canto alla Quarconia
9 Un libro di Aldo Fittante per la tutela delle eccellenze italiane
10 La mostra del pittore Andrea Alfani alla Galleria Gadarte
12 Il Masgalano del maestro orafo Paolo Penko
14 La varietà dei cromatismi dell’artista Roberto Corradori
15 L’alone mistico delle opere del maestro Enrico Fornaini
16 Moving Gallery: dal 2016 per favorire la cooperazione artistica
18 A Palazzo Strozzi, Arte a Firenze nella seconda metà del Cinquecento
20 In Mugello a scuola d’intaglio thailandese
21 Benessere e relax alla Fattoria I Ricci di Rostolena
22 A Palazzo Coveri i cartoni murali di Antonio Giuseppe Santagata
24 Un’opera scultorea di Lea Monetti ispira una nuova fragranza
26 La collettiva degli artisti di Toscana Cultura all’Auditorium al Duomo
27 Natura e cultura nelle opere dell’artista cinese Hao Yang Sun
28 Luciano Manara: genio e sarcasmo nelle opere di un artista atipico
29 Gli artisti del Gruppo Soffici per il Festival Suoni e Colori della Toscana
31 Le digisculture di Andrea Tirinnanzi invadono il quartiere del Pignone
30 Temi naturalistici e figure femminili nelle opere di Elena Gheri
32 La prima edizione del Premio Claudio Cavallini “Kevo”
33 La “vita nuova” delle creazioni di Mario Mannini alla Firenze Art Gallery
34 Innovazione e creatività al Ristorante Miseria e Nobiltà di Vicchio
36 Luciano Selvi sedotto dal fascino della fotografia
37 Le tradizioni delle isole Kerkennah nelle foto di Silvano Silvia
38 Sandra Ceccarelli: la parola...alle immagini
41 Il realismo permeato di memorie della pittrice Joanna Southcote Aston
42 La personale del maestro cinese Lin Mao all’Archivio di Stato di Firenze
46 Le geniali creazioni del designer Maurizio Balducci a Firenze
48 Bagni di vini: dialogo fra cultura e enogastronomia
49 La Fondazione Foemina per la prevenzione e la cura dell’endometriosi
50 Arte contemporanea e enogastronomia alla Villa Le Pancore di Vorno
51 Arte del vino: le varie espressioni del Chianti
52 Intervista al dottor Marco Lepori sull’agopuntura riflessogena
54 Passaggi: la strepitosa mostra di Paola e Paolo Staccioli a Scandicci
58 Spazio360Firenze mecenate per la promozione dell’arte contemporanea
59 Sfaccettature fiorentine: il quartiere delle Cure e la storia del “toni”
60 Enzo Faraoni: Firenze piange la scomparsa di un grande artista
62 Davanti alla collina di Fiesole, nella casa-studio di Grazia Tomberli
Maison
Giulia Carla
Cecchi
Trasformazione di un solo
kimono bianco giapponese
originale antico in tre abiti
“europei” di grande importanza, coniugando
inventiva, originalità, professionalità,
tradizione e classe. Da
questo connubio nascono le seguenti
creazioni:
1. Abito da sposa bianco, invernale,
completamente intarsiato e trapuntato
a onde a formare la grande
gonna asimmetrica con strascico.
Acconciatura di leggerissimi fiori
ecosostenibili.
2. Abito da sera più giacca giocata sul
bianco e nero con gonna a grandi
balze
3. Abito da sera, monospalla, con tagli
sbiechi evidenziati dal pizzo e
mini-giacca con rouches
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Jacopo Celona
Francesco Civita
Maria Grazia Dainelli
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Gabriella Gentilini
Annalisa Ignesti
Sandra Lucarelli
Francesco Mariani
Amedeo Menci
Elisabetta Mereu
Anita Norcini Tosi
Elena Maria Petrini
Daniela Pronestì
Barbara Santoro
Irene Silvia
Michele Taccetti
Anita Valentini
Foto:
Alessandro Bornaghi
Piero Campioni
Sandra Ceccarelli
Francesco Civita
Anna Collavo
Maria Grazia Dainelli
Francesco Mauro
Maurizio Mattei
Amedeo Menci
Elisabetta Mereu
Carlo Midollini
Elena Maria Petrini
Enrico Ramerini
Roberto Ristori
Luciano Selvi
Silvano Silvia
Andrea Ungar
Riccardo Verdiani
In copertina e nella pagina:
La nuova galleria
Florence Art Gallery
www.florenceartgallery.com
Presentati a Palazzo Pitti (Cortile
dell’Ammannati) il 7 Giugno 2014
in occasione della mostra Evoluzioni
ed Emozioni (il kimono diventa moda),
organizzata da Firenze Magnifico
Club di Junko Fukui.
Foto Alessandro Bornaghi
Giulia Carla Cecchi
Via Jacopo da Diacceto, 14
50123 Firenze
Showroom: Tel: 055284269
Email: polacecchi@gmail.com
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Eventi in
Toscana
Una Finestra sul Giappone
Quattordici lezioni per scoprirne cultura e tradizioni
Dal 28 novembre a Palazzo Coppini, sede del Museo Fondazione Del Bianco
Testo e foto di Francesco Civita
Francesco Civita, ideatore e relatore del corso
sulla cultura giapponese
Ho sempre avuto una grande
passione per il Giappone,
fin da piccolo. Probabilmente
per aver visto alla televisione (allora in
bianco e nero) i film di Akira Kurosawa
sull’epopea dei Samurai, che proprio
agli inizi degli anni ’60 iniziavano ad essere
trasmessi anche in Italia; oppure
perché evidentemente c’era qualcosa
d’altro, che tutt’oggi ancora non riesco
a spiegarmi. Avevo sei anni quando per
la prima volta vidi Il trono di sangue,
l’opera che forse più mi ha affascinato,
più degli splendidi I sette Samurai o
Rashomon o La Fortezza nascosta, tutti
con quell’incredibile talento di attore
che fu Toshiro Mifune. Ancora oggi provo
la stessa passione, forse più viva e
più profonda, e dopo quarant’anni come
studioso del Giappone e della sua
cultura, della sua arte e della sua storia,
ho deciso di condividerla, cercando
di raccontare a tutti voi il mio pensiero
e quanto ho appreso sul popolo giapponese,
sul suo percorso millenario fino
ad oggi, attraverso i miei studi con
Fosco Maraini e i suoi indimenticati insegnamenti,
i trent’anni e più di curatela
della Sezione Giapponese in un museo
unico in tutto il mondo, il Museo Stibbert;
e ultimo ma non per questo meno
importante il mio rapporto con la tradizione
ed il carattere giapponese attraverso
lo studio del Kendo, praticato per
più di trent’anni. Il Giappone, questo arcipelago
così lontano ma per certi versi
anche così desiderato, è un esempio
unico nella storia delle nazioni e dei popoli
di questa nostra Terra. Mi piace citare
le parole di Fosco, prese da uno dei
suoi ultimi capolavori, Mandala, edito
postumo nel 2006: «Il Giappone è una
lezione di umiltà storica e nel contempo
un potente radar focalizzato sugli intimi
meccanismi dell’uomo e delle sue civiltà.
Osservando attentamente il Giappone
impariamo non solo a conoscere
una parte del mondo o una cultura a noi
poco familiari, ma apprendiamo anche
qualcosa su noi stessi». Giappone: non
si accettano compromessi, o lo si ama
o lo si detesta… oppure… produce un
sentimento particolare fatto di attrazione
e avversione nello stesso tempo. Comunque
sia, non lo si può ignorare, in
un caso o nell’altro. Ma allora, mi chiedo,
anche questo sentimento di attrazione-avversione
non è forse una sorta
di amore? Ho parlato con tante persone
occidentali che vi hanno vissuto per
qualche tempo o per una vita intera, e
tutti, nessuno escluso, mi hanno parlato
di un sentimento contrastante, viscerale,
profondissimo, nei confronti
del Giappone e del suo popolo: si parla
tanto del “Mal d’Africa”, ma si può ben
parlare anche di un “Mal del Giappone”.
Una volta visitato, non si può non provare
il desiderio di rimanervi ancora un
poco di più, magari anche solo una settimana
in più… E non c’è niente da fare,
perché una volta ritornati ai propri
lidi, si pensa poco dopo di ritornarci sicuramente
l’anno successivo, o anche
prima… Perché? E già: perché? Ognuno
di noi avrà una risposta, certamente
diversa a seconda del proprio carattere
o dei propri interessi; ma una cosa
è certa: chi è stato “toccato” dal Giappone
non può non ritornarci. E se vi ritorna,
carico di pregiudizi o speranze,
il più delle volte viene immancabilmente
deluso, per poi accorgersi che forse
per un paese come il Giappone, è meglio
andarci e basta, senza immaginarsi
nulla durante quelle interminabili ore
di aereo. Magari quelle ore potrebbero
servire a cancellare sulla propria lavagna
immaginaria tutto ciò che vi avevate
scritto e appuntato, su cosa fare,
dove andare, cosa trovare…No, niente
di tutto questo. E’ meglio cancellare tutte
le scritte su quella lavagna e lasciarla
pulita… Se poi sarà il caso, scriverci
dopo, una volta “vissuto” il Giappone.
Io, con poche e veloci parole cercherò
di darvi delle risposte, le mie risposte.
Tutto ciò che viene espresso dal Giappone
è per me una grande emozione,
fatta di mille colori, dal rosso più
accesso fino ad arrivare al grigio più
scuro, quasi nero, passando attraverso
mille sfumature. Emozioni che sfociano
anche in moltissimi casi anche in
commozioni, pensando alla natura immensamente
bella di quel paese, pensando
al coraggio e alla dignità del suo
popolo, alla sua distaccata presenza e
compostezza. Stupore ed incredulità nel
vedere anche la disciplina e la durezza,
la tenace volontà, la regolarità giornaliera,
la precisione, l’apparenza ingannevole,
molto ingannevole specie ai
nostri occhi occidentali, dei loro comportamenti,
che è come uno scudo di
cui forse si liberano una volta raggiunto
il proprio “oku”, cioè il luogo più intimo,
fisicamente, cioè nella propria casa
e spiritualmente, quando, ad esempio,
contemplando la bellezza della natura,
ritrovano se stessi e la pace. Perché il
loro rapporto con la natura è davvero
speciale e straordinario; è un rapporto
individuale e molto personale, che affascina
noi occidentali, perché forse noi
lo abbiamo dimenticato, nonostante le
bellezze naturali che abbiamo in questo
nostro emisfero; o meglio, forse noi ab-
biamo perso il modo di osservare e di
vivere la natura, compenetrarla e farla
entrare in noi. Probabilmente perché
noi abbiamo trovato altri modi, oppure
forse anche perché siamo stati instradati
in altro modo, lasciando la natura
in una sorta di complementarietà nella
nostra vita di tutti i giorni, il più delle
volte la viviamo ignari della forza e
dell’energia che essa può darci. Forse i
giapponesi la vivono in maniera diversa,
anzi certamente, ma sicuramente in
modo estremamente personale, attraverso
certi loro meccanismi che a noi
possono sembrare misteriosi. Ma questo
aspetto della cultura giapponese è
solo uno dei tanti che ci attraggono e ci
affascinano. Ma come spiegarli? Come
esperto per l’Estremo Oriente presso la
Fondazione Romualdo Del Bianco - Life
Beyond Tourism e membro del Comitato
Scientifico dell’Istituto Internazionale
Life Beyond Tourism, e sapendo bene
quanto sia difficile comprendere una
cultura come quella giapponese, ho
deciso di creare questo corso dal titolo
Una Finestra sul Giappone: l’inizio
di un viaggio per comprendere il fascino
della sua cultura, che si terrà presso
la sede della Fondazione, il Palazzo
Coppini, storico palazzo fiorentino, pieno
di storia e di testimonianze da tutto
il mondo del grande lavoro della Fondazione,
quale ponte fra le diverse culture
nel rispetto delle proprie identità. È
un corso che ha lo scopo di presentare
gli aspetti noti e meno noti del popolo
e della cultura del Giappone; verrà suddiviso
in cinque moduli per un totale di
quattordici lezioni. Il corso, dal carattere
non accademico, è destinato a chiunque
voglia conoscere ed approfondire
la conoscenza di questa straordinaria
cultura: studenti, professionisti, amatori
e chiunque sia interessato a sapere
qualcosa di più. Inizierà il 28 novembre
prossimo e si terrà ogni martedì e giovedì
dalle ore 17.00 alle 19.00 in Palazzo
Coppini (via del Giglio 10) a Firenze.
Nell’ambito dell’iniziativa I Mercoledì al Caffè,
il 25 ottobre alle ore 17.00 al
Caffè Astra al Duomo (via de’ Cerretani 56r)
di Firenze, si terrà un incontro di presentazione
sulla cultura giapponese.
Ingresso libero
Per informazioni:
conferences@lifebeyondtourism.org
6 UNA FINESTRA SUL GIAPPONE
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Firenze
Nascosta
Il Canto alla Quarconia
Un angolo di Firenze per l’infanzia
Testo e foto di Amedeo Menci
Tabernacolo della Quarconia
Pia Casa del Lavoro
A
Firenze, vengono detti “Canti”
gli angoli formati dall’incrocio
di due strade; punto di
ritrovo dei fiorentini, vi sorgevano in
passato logge e botteghe. Il Canto alla
Quarconia è situato all’angolo tra via
de’ Cerchi e via del Canto alla Quarconia.
Il suo nome deriva dall’espressione
“quare quoniam”, locuzione latina che
aveva valore giuridico per indicare una
sentenza di colpevolezza e di condanna
(quare = per quale motivo, quoniam
= perché). Con questa formula, iniziava
il documento con il quale il Granduca
Ferdinando II° istituì l’Ospizio della
Quarconia. Realizzato come istituzione
caritatevole nel 1650, in via dei Cimatori,
da Ippolito Francini, amico del
Granduca, costituì un ricovero per dare
alloggio, vitto, protezione e istruzione a
bambini orfani e vagabondi, che spesso
versavano in pessime condizioni di vita.
L’Istituto, detto anche Casa dei monellini,
fu poi rinominato Ospizio di San
Filippo Neri. La benefica attività di Ippolito
Francini (che aveva in precedenza
ospitato i bambini nella propria abitazione
e poi nel chiasso Baroncelli, in un
magazzino concesso dal cardinale Leopoldo
de’ Medici) non cessò con la sua
morte avvenuta per le ferite “da spada”
riportate nel tentativo di portar pace
fra due duellanti; poco prima di morire,
raccomandò, infatti, i suoi “monellini”
a due carissimi amici: il sacerdote
Filippo Franci e Benedetto Salvi. Il suo
desiderio fu rispettato: per concessione
del Granduca fu aperto, in prossimità di
Piazza della Signoria, il grande edificio
detto “della Quarconia”, che divenne rifugio
per poveri ragazzi di strada. Don
Franci, della congregazione di San Filippo
Neri, s’impegnò molto riorganizzando
l’istituzione in tutte le sue attività e
pose particolare attenzione all’igiene dei
ragazzi con lo scopo di debellare, con un
suo speciale unguento, la diffusa malattia
della tigna. Con il passare del tempo,
l’Istituto si trasformò in un riformatorio,
forse il primo del quale si abbia conoscenza,
che costituì un severo provvedimento
disciplinare nei confronti dei
ragazzi per le loro attività di accattonaggio,
furto e vagabondaggio e per i loro
comportamenti che causavano disturbo
ai cittadini. I giovani venivano confinati,
per meditare sulle proprie “colpe”,
in otto piccole celle: non era solamente
rieducazione spirituale quella a cui venivano
sottoposti i monellini! L’istituto
rimase aperto fino al 1766, anno della
sua soppressione, quando i monellini
vennero trasferiti nella Pia Casa di Lavoro
di Montedomini situata tra via de’
Malcontenti e via delle Casine. La presenza
dell’orfanotrofio viene ricordata
nel tabernacolo della Quarconia, dove
è raffigurato San Filippo Neri che presenta
i monelli alla Vergine Maria. Nella
sede dell’Istituto, nel 1789, Gioacchino
Cambiagi, sfidando le ingiunzioni del
Granduca che ne chiedeva la demolizione,
inaugurò il Teatro della Quarconia,
luogo di divertimento popolare noto per
le recite in vernacolo e per il debutto
della maschera fiorentina di Stenterello.
Nel 1840 il teatro venne acquistato
dall’imprenditore Lucherini, che lo fece
restaurare dall’architetto Vittorio Bellini
che gli conferì l’aspetto attuale: cinque
ordini di palchi e una pregevole scalinata
neoclassica. Dopo l’annessione al
Regno d’Italia divenne Teatro Nazionale,
palcoscenico per commedie brillanti;
nel dopoguerra si trasformò in Cinema
Nazionale, chiuso nella seconda metà
degli anni 80. Nel 2010, è stato deliberato
dal Consiglio Comunale di Firenze il
recupero di questo storico edificio.
I libri del
Mese
Brand, Industrial Design e Made in Italy:
una monografia del professor Aldo Fittante sulla
tutela giuridica delle eccellenze italiane nel mondo
di Fabrizio Borghini
Aldo Fittante
Brand, Industrial Design e Made
in Italy: la tutela giuridica è
una monografia di Aldo Fittante
– edita da Giuffrè Editore 2017 – interamente
dedicata alla tutela giuridica delle
più elevate eccellenze del nostro paese
e del Made in Italy. L’opera si propone
di approfondire la disciplina nazionale e
comunitaria in tema di marchio – quale
tipico strumento di tutela del brand
– nonché la normativa sui disegni e modelli,
l’istituto giuridico specificamente
dedicato dal legislatore alla protezione
dell’industrial design. Dopo un approfondimento
dedicato alla possibile protezione
del design anche attraverso la
protezione prevista dal diritto d’autore,
viene dedicata una specifica sezione
dell’opera ai valori e alla normativa
in tema di Made in Italy, marchio evocativo
di una qualità e di un’eccellenza
uniche e che trovano nel design e nel
brand la loro massima espressione.
L’attuale rilevanza del mondo di internet
viene approfondita in una nuova sezione
dell’opera dedicata alla tutela giuridica
della proprietà intellettuale nel web.
L’opera si rivolge a quanti necessitino
di uno strumento di consultazione agile
e completo: non soltanto cultori della
materia, quali giuristi, professionisti
e studenti universitari che si approccino
ai temi affrontati, ma anche imprese
operanti nell’ampio contesto del Made
in Italy. Il testo è aggiornato con le ultime
riforme normative ed i più recenti
interventi giurisprudenziali e comprende
una breve rassegna giurisprudenziale
ed una sintetica bibliografia.
Docente in Diritto della Proprietà
Industriale dell’Università degli
Studi di Firenze e ricercatore
a contratto presso la medesima Facoltà,
avvocato in Firenze e Bruxelles, già
membro della Commissione ministeriale
per il recepimento della Direttiva Comunitaria
n. 98/71/CE sulla protezione
giuridica dei disegni e dei modelli e della
Commissione costituita dal Ministero
delle Attività Produttive per la redazione
del Codice della Proprietà Industriale,
già Consulente della Commissione
Parlamentare di Inchiesta sui Fenomeni
della Contraffazione e della Pirateria
in Campo Commerciale istituita in seno
alla Camera dei Deputati. È promotore
di molti convegni e autore di numerose
pubblicazioni scientifiche, articoli nelle
riviste più prestigiose, saggi e monografie
in materia, tra le quali il saggio
La nuova tutela dell’industrial design
(Milano, Giuffrè, 2002), il Commentario
Il Codice della Proprietà Industriale
(Padova, CEDAM, 2005) di Aldo Fittante,
Massimo Scuffi, Mario Franzosi e
la monografia Il marchio per la tutela
e la valorizzazione dei prodotti agricoli
e agroalimentari italiani. Il panorama
dei finanziamenti regionali, nazionali
e comunitari” (Edizioni Agricole de
Il Sole 24 Ore, 2010) di Aldo Fittante
e Nino Ferrelli. La monografia ha conseguito
nella prima edizione riconoscimenti,
quali: Segnalati Giubbe Rosse,
con il patrocinio di Regione Toscana e
Toscana Cultura; Medaglia Laurenziana
conferita dall’Accademia Internazionale
Medicea; Brand Made in Italy – ricerca
e innovazione prospettive e scenari,
Università degli Studi di Firenze; Premio
Ulivo d’Oro; Premio Brigantino d’Oro
(Girifalco – CZ).
8 CANTO ALLA QUARCONIA
ALDO FITTANTE 9

Anteprima
Mostre
Andrea Alfani
Dal 17 al 30 novembre l’artista toscano sarà presente
con i suoi dipinti alla galleria Gadarte di Firenze con
una mostra intitolata Amor che intelligenza illumini
di Anita Norcini Tosi / foto Piero Campioni
Il percorso pittorico dell’artista Andrea Alfani
si caratterizza per una evidente ricerca
interiore: lo si può definire come
ricerca “metastorica” dell’essenza del Sé.
Sarà proprio il termine metastorico il filo
di Arianna che si dipanerà fra le opere
dell’artista. L’arte di Andrea Alfani si proietta
verso l’Infinito di leopardiana memoria.
Si avverte, leggendo i suoi quadri, come lui
stesso si trovi nella condizione intima di
andare oltre quella “siepe” che chiude l’orizzonte
a chi non ha la sapienzialità di oltrepassare
l’umano per il divino. Intuizione
e fantasia sono le due qualità che operano
nell’artista. Intuizione in quanto si lega
all’Intelletto Dei, fantasia come luce intima,
dato che la parola racchiude in sé la luce
che vibra dentro ciascun uomo. Lo spettatore
attento, che ammira le opere pittoriche
di Alfani, ritrova il tratto dell’artista
romantico e lui stesso si riconosce come
poeta di quella corrente: nostalgia dell’Infinito
nel finito, del divino nella Natura, di cui
è strumento essenziale l’intuizione, sono
le caratteristiche del movimento romantico.
In questi suoi ultimi dipinti i colori sono
Al di là dello scibile umano, 2016, olio su pannello telato, cm 50x70
tenui, sfumati, quasi si confondono l’uno
con l’altro e l’armonia concettuale del bianco
offre una luce di spiritualità vissuta e
sentita. La Natura, quale essenza di Dio, è
presenza costante, avvolgente in tutti i dipinti
dell’artista, ne è, infatti, la sua qualità
spirituale. Lo spessore umano di Andrea
Alfani si lega anche, in parte, alla materialità
dell’oggi, ma inevitabilmente sente di essere
sulla soglia che lo separa dall’Infinito.
In lui si esprimono in maniera serena sia
l’aspetto femminile sia l’aspetto maschile:
è noto come in psicanalisi il maschile
e il femminile di una persona devono essere
in equilibrio per dare la giusta forma
all’essere. Ecco, perciò, come la figura del
ragazzo che si specchia nell’acqua (dipinto
intitolato L’umano riflesso della divina bellezza)
rappresenti l’umanità nel momento
in cui si accinge al percorso di conoscenza
del proprio “io” per superarne i limiti. Mentre
la figura femminile del dipinto intitolato
Al di là dello scibile umano vede una donna
angelicata in primo piano, al principio della
scalinata che porta a un castello di fantasia,
la quale esprime colei che conduce
lo spirito dell’uomo verso Dio. Nel quadro
Riflessi d’armonia si può ammirare un giovane
suonatore di chitarra immerso in una
natura che offre l’occasione di accordare il
suono al divino che è in ogni forma naturale.
La musica è l’elemento fondante nella
creazione dell’Universo; come non volgere
il pensiero alla mistica pitagorica che riconosce
nel numero l’accordo con le note
musicali! Sette sono le note musicali, sette
è il numero che esprime il tempo dell’uomo
cioè il tempo in cui l’essere umano
dipana la sua vita all’equilibrio con la coscienza
cosmica. Il dipinto che Andrea Alfani
ha realizzato dandogli il titolo I riflessi
del tuo amore nella Senna vede la figura di
una ragazza su un ponte parigino; la ragazza
volge lo sguardo verso un punto indefinito,
quasi volesse ricercare l’ignoto che
vibra in ciascun essere umano come anelito
di un mistico incontro. Il ponte assume
il significato del mezzo che unisce l’umano
con il divino, infatti l’artista invita l’osservatore
a riflettere sulla capacità intellettiva
che l’uomo possiede di creare nel proprio
inconscio ponti che gli permettono di andare
oltre l’umano. L’ineffabile sussurrare
dell’acqua della vita è un quadro che invita
ad una profonda meditazione, in quanto
il ragazzo eremita seduto vicino ad una cascata
offre la visione del perenne scorrere
dell’acqua intesa come rinascita spirituale.
L’acqua, la natura, sono in perfetta sintonia
di luce, colore e movimento. Lo sguardo
viene attratto dall’armonia dei colori
lasciandosi pervadere da un senso di profonda
pacatezza: la rinascita e il ritrovarsi
dell’anima nella sua essenzialità è vivere
pienamente la trasformazione interiore. Le
opere pittoriche dell’artista Andrea Alfani
posseggono nella loro capacità comunicativa
la qualità di essere un ponte che invita
ad attraversare la vita della materia per
approdare a quella perfezione di forma che
solo il divino possiede.
I riflessi del tuo amore nella Senna, 2015,
olio su pannello telato, cm 40x20
Riflessi d’armonia, 2017,
olio su pannello telato, cm 30x20
L’ineffabile sussurrare dell’acqua della vita, 2017, olio su pannello telato, cm 50x70
L’umano riflesso della divina bellezza, 2017, olio su pannello telato, cm 40x60
Amor che intelligenza illumini
Dal 17 al 30 novembre
a cura di Anita Norcini Tosi
Galleria Gadarte, Via Sant’Egidio 27/r, Firenze
Inaugurazione venerdì 17 novembre ore 16.30
Sabato 25 novembre alle ore 16.30 serata speciale: l’artista spiegherà ai presenti
la sua poetica pittorica
Orari e giorni: da martedì a sabato 15 -19 / domenica e lunedì 15 -18
Per informazioni: www.gadarte.it / galleriagadarte@gmail.com
055 2480333
www.andreaalfani.it / alfani@andreaalfani.it
+ 39 333 8583134
10 ANDREA ALFANI
ANDREA ALFANI 11

Eventi in
Toscana
Paolo Penko
L’artista fiorentino realizza il
Masgalano, un vero e proprio
gioiello assegnato quest’anno
alla Nobil Contrada dell’Oca
di anita valentini / foto courtesy dell’artista
Il Masgalano è il premio che a Siena
viene annualmente assegnato alla
Contrada la cui Comparsa risulta
essere la migliore per eleganza, per dignità
di portamento e per coordinazione
nel corso dei cortei storici che precedono
il Palio di luglio e di agosto. Il premio
consiste solitamente o in un piatto
d’argento (bacile), come da tradizione,
o in una scultura e viene donato, di anno
in anno, da enti pubblici e privati che
operano nel territorio senese. Quest’anno
il manufatto d’arte suntuaria è stato
realizzato da Paolo Penko, maestro d’arte
orafa, scultore e designer ed è stato
offerto dal Lions Club Siena, in occasione
del 60° anniversario del club senese
e dei 100 anni del Lions International.
Fiorentino di nascita e senese d’origine,
l’artista è tornato alla tradizione nella
scelta della forma per il Masgalano,
che ha reso “unico” e di grande valore,
dando a esso un aspetto scultoreo
oltreché prezioso. La capacità artistica
di Penko è riuscita a raccontare la filosofia
del Lions, la storia della città e
quella del Palio in tale oggetto-simbolo
della festa, lavorando l’argento e i metalli
che lo accompagnano. Gli stemmi
in smalto del Comitato Amici del Palio,
del Magistrato delle Contrade e del Comune
di Siena danno un tocco di colore
e di luce, potenziando gli elementi figurati.
Al centro, si mostra a noi, in rilievo,
lo stemma del Lions Club International
che è reso a mo’ di classica effigie a
protezione della città, la cui silhouette è
sbalzata su una lastra che occupa parte
del piatto. Il blu cobalto dello stemma
rimanda al blu dorato delle perle di
lapislazzulo, che chiudono nel bordo il
piatto - ricordando i berberi - e che si
alternano ai nomi incisi delle Contrade.
Ogni dettaglio, anche il più piccolo,
è stato lavorato come fosse un gioiello
e a esso è stato attribuito uno specifico
significato, che rimanda alla città e al
connubio forte fra il Lions e Siena: «Ho
cercato di dare significato a ogni parte
del Masgalano, coniugando tradizione
e modernità - commenta Penko -. Il
mio è stato innanzitutto un atto d’amore
per Siena. Ho posto al centro del piatto,
partendo dallo stemma del Lions, dei
cartigli incisi con frasi che propongono
i motti del club committente, per ricordare
che gli obiettivi del Lions senese
sono a favore della città: i cartigli sono
allocati sull’immagine che richiama
i mattoni di Piazza del Campo e, quindi,
emblematicamente, su tutta la città.
Ad abbracciare Siena, lungo il bordo del
piatto, vi sono i nomi delle Contrade».
Quest’anno il Masgalano per il Palio
2017 è stato vinto dalla Nobil Contrada
dell’Oca ed è stato consegnato dal
sindaco Bruno Valentini in Piazza del
Campo, alla presenza delle autorità cittadine
e delle rappresentanze contradaiole.
PENKO BOTTEGA ORAFA ARTIGIANA
Via F. Zannetti 14/16r - 50123
Firenze ITALY
www.paolopenko.com
info@paolopenko.com
+39 055 211661
Paolo Penko, Francesco Cottini e Anita Valentini durante la presentazione del Masgalano nel
Cortile del Podestà del Palazzo Pubblico
12 PAOLO PENKO
13

Ritratti
d’artista
Ritratti
d’artista
Roberto Carradori
Uno stile all’insegna del colore
Enrico Fornaini
Immagini avvolte da un alone mistico
di Gianluca Barni / Foto courtesy dell’artista
di Sandra Lucarelli / foto courtesy dell’artista
Relax a Lisbona
Uno, nessuno e tanti altri. Come
ognuno di noi, Roberto
Carradori è stato ed è tutto e
il contrario di tutto. Persona, non ancora
personaggio (speriamo non lo diventi
mai!), dalle mille sfaccettature, vede e
percepisce laddove noi, spesso, vediamo,
osserviamo, ma non percepiamo.
Nato a Pistoia il 24 gennaio 1954, ha superato
i 60 anni lui che di spirito ne dimostra
almeno 20 di meno, nella città di
Giano vive e lavora come medico anestesista,
prima all’ormai dismesso, ma storico
Ospedale del Ceppo poi nella sanità
privata. Un hobby, quello della pittura,
mai venuto meno, preso e lasciato a più
Pistoiese, medico anestesista di
professione; da molto tempo si
esprime con l’arte pittorica, anche
se con fasi alterne ma con grande
professionalità, raggiungendo risultati
eccellenti. Il punto di osservazione principale
nei quadri di Carradori, è costituito
dalla varietà di cromatismi, dai tagli d’immagine
caratterizzato da uno stile che
solitamente è tipico dell’obbiettivo fotografico.
Il suo amore per la vitalità del
colore, lo mette al servizio del tema sociale:
la quotidianità come lotta del vivere,
la sensibilità di chi vorrebbe cambiare
gli eventi conscio di non poter risolvere i
grandi problemi del mondo. Usa una forma
d’arte che gli consente di far vedere
ciò che spesso passa inosservato: composizioni
geometrizzanti, un sofisticato e
sintetico gioco di luci e colori, una scena
silenziosa che sconfina dal quadro; un felice
e necessario richiamo alla pittura statunitense.
Uomo con cani, cm 90x60
Il riposo, cm 120x80
riprese. Da sempre affascinato dai colori,
innamorato della pittura a olio, all’inizio la
sua pittura era improntata all’astrattismo,
poi man mano che le sue capacità nel disegno
andavano migliorando, si è dedicato
alla pittura figurativa. Carradori, ha
iniziato a girare il mondo, ha incominciato
a immortalare figure e figuri. Si è interessato
alla persona, cercando di trovare
la sublime imperfezione nella perfezione
del Creato. Si è fermato a guardare e,
sovente, ha percepito l’anima del prossimo,
in special modo dei disagiati, di coloro
che soffrono, dei disadattati, da qui è
fluita la maggior parte delle sue opere pittoriche:
scene di vita quotidiana, osservando
la vita di strada come specchio
delle vicende umane e sociali. In ogni
quadro c’è dietro una storia e la racconta
a chi è capace di ascoltarla visivamente.
La personale d’esordio, nel 2013, ad
Art Shop Gallery di Pistoia e successivamente,
anche grazie al successo ottenuto
dalla sua prima esposizione, la replica
delle sue “Derive Urbane”, titolo della
rassegna che si è tenuta a Palazzo Panciatichi,
sede prestigiosa del Consiglio
Regionale toscano. Quadri da ammirare,
storie del quotidiano più disparato,
d’Italia, d’Europa, dell’America centrale.
Da seguire, da sentire, sino ad arrivare
all’animo dell’autore.
Corpi morbidi che hanno un che
di delicato e sacrale, anche nella
loro laicità. Donne come “Dee”,
immerse in un tutto naturale ed armonico
con un susseguirsi di effetti cromatici
che liberano, in ogni particolare, una
raffinata grazia compositiva. Ogni soggetto,
persino il più piccolo, partecipa
in combinate associazioni che integrano
i vissuti. Un realismo integrativo ed
integrante che vive e respira in fusioni
e simbiosi con il tutto. La componente
naturalistica, in Fornaini, è un elemento
naturale, un luogo spirituale, in cui ogni
“creatura”, sprigiona un lato angelico,
un’aura complementare che “deterge”
Nasce a San Giuliano Terme, Pisa,
il 15 agosto 1944. All’età
di diciotto anni si trasferisce
a Firenze, dove frequenta la bottega
dei maestri Annigoni e Stefanelli, imparando,
tra le altre, le tecniche pittoriche
dell’affresco, della tempera
grassa, dell’acquerello, della pittura
a olio. Nel 2015 ha festeggiato nella
città di Pisa, dove vive e lavora come
professionista, i suoi cinquanta anni di
attività, con una mostra personale composta
di oltre ottanta dipinti. Nella sua
carriera professionale, le mostre personali
(senza contare quelle collettive)
sono state più di cinquanta, documentate
nei giornali e nelle riviste del settore.
Le sue opere sono state esposte
presso gallerie private e raccolte museali
a New York, Teheran, Roma, Firenze,
Siena, Lucca, Milano e, tra le altre,
anche presso il Museo del marmo di
Carrara e nel Palazzo Ducale di Massa.
Ha ritratto personaggi famosi come
Madre Teresa di Calcutta, Rita Levi
ogni immagine di una sua innata purezza.
Maddalena, ritratta distesa, od in
mezzo agli oggetti che hanno connotato
la sua vita, non certo facile, non ha nulla
di volgare, ma sprigiona una delicatezza
infinita, che va ad espandersi nella
memoria delle sue frequentazioni. Ogni
elemento che la circonda, diventa iconico:
il Volto Santo è il trait-d’union tra
la terra ed il cielo, tra l’ombra del peccato
di una meretrice e l’apice divino di
un’apparente percezione d’amore che si
trasforma in qualcosa di santo: un cuore
sacro. Quando ci troviamo di fronte
alla luce di Enrico, c’è sempre un’esclamazione
di stupore, perché questa fa rimanere
sospese le sue “creature “ tra la
terra ed il cielo. La luce gioca una sorta
di dimensione catartica, quando trasfigura
le immagini immergendole in un
alone mistico e purificatorio. Maddalena
ci appare grandemente umana, come
tutte le creazioni di Enrico Fornaini,
nelle sue forme plastiche, quanto angeliche,
travalica le miserie del mondo e
si fa simbolo. Un pittore Enrico, che va
dritto al cuore delle cose e non dimentica
mai che, lo scheletro della vita, la sua
spina dorsale, sono i sentimenti, delicati
come il tocco di una piuma, implosivi
come una sinfonia d’organo
Montalcini, Eduardo de Filippo, conservando
preziosi documenti autografati.
Per l’ordine di Malta ha ritratto Fra Curcio
Rubertini, Fra Paternò di Montelupo,
ritratti questi presenti nelle raccolte
di Napoli e Pisa. Nella sede di San Domenico
è esposta una grande pala dedicata
alla protettrice pisana dell’ordine.
Enrico Fornaini ha dipinto grandi cicli
di affreschi commissionati dai vescovi
di Pisa, Lucca, Pescia, San Miniato
e ha realizzato grandi pale d’altare e dipinti
su tela collocati in chiese e palazzi
civici. Per i privati ha affrescato soffitti
con opere allegoriche di varie dimensioni.
Nel suo studio insegna la tecnica
dell’affresco (buon fresco) originale rinascimentale
ad allievi italiani e stranieri.Il
consorzio Pisa Ricerche e Divisione
informatica ha prodotto un dvd riguardante
un affresco dipinto in diretta dal
pittore Fornaini.
www.enricofornaini.com
La Maddalena, olio su tavola, cm 120x100
14 ROBERTO CARRADORI
ENRICO FORNAINI 15

Eccellenze toscane
in Cina
A cura di
Michele Taccetti
Moving Gallery
Un’associazione nata nel 2016 per favorire lo
scambio culturale e la cooperazione artistica
fra eccellenze e giovani promesse internazionali
Moving Gallery è un’associazione
nata nel 2016 su iniziativa
del sottoscritto e di alcuni artisti
che hanno partecipato con successo
alla mostra organizzata a Shanghai
nel giugno 2015 dalla società China
2000 Srl, ed a cui hanno partecipato
artisti contemporanei italiani, per
lo più toscani. L’associazione è rivolta
ad artisti emergenti provenienti da vari
paesi del mondo e la mission principale
è favorire lo scambio culturale e
la cooperazione artistica fra eccellenze
e giovani promesse internazionali.
L’attività di Moving Gallery consiste
nella promozione ed organizzazione di
eventi e mostre nei vari paesi di origine
degli associati, in modo che si
possa creare anche una opportunità
commerciale facilitata dallo scambio
culturale fra i soci e dall’abbattimento
delle barriere culturali che ne impediscono
l’integrazione sociale, il dialogo
e, di conseguenza, lo sviluppo commerciale.
Nel 2016 Moving Gallery ha
organizzato presso la sala del Basolato
a Fiesole (Firenze) una mostra denominata
Atmosfere a Confronto a cui
hanno partecipato dieci artisti: cinque
italiani e cinque cinesi. L’evento, patrocinato
dalla Regione Toscana, dal Comune
di Fiesole e dall’Associazione
Lando Conti, ha rappresentato il lancio
di Moving Gallery ed ha avuto un
buon successo di stampa e presenze,
nonostante sia stata organizzata in appena
due mesi. La mostra ha coinvolto
artisti cinesi per dare continuità all’evento
di Shanghai dell’anno precedente
e cementare i rapporti fra i due pae-
si. Entrambi gli eventi sono stati resi
possibili grazie ai rapporti commerciali
intrattenuti con la Cina, da tre generazioni,
dalla famiglia del sottoscritto e
dalla società China 2000 Srl, con sede
a Firenze e Shanghai. Proprio con una
importante galleria/museo di Shanghai,
in occasione dell’ultimo viaggio in Cina
dei primi di settembre, è stato siglato
un accordo di collaborazione per la
cooperazione fra artisti e l’organizzazione
di eventi sia in Cina che in Italia.
Come primo passo di questa collaborazione
Moving Gallery sarà presente alla
Shanghai Art Fair dal 2 al 5 novembre
2017 nello stand del partner con oltre
220 mq di mostra e 40mq di area destinata
alla vendita. Gli associati Moving
Gallery potranno concorrere in via
preferenziale e gratutitamente alla sele-
L’evento espositivo organizzato a Shanghai nel 2015 dalla società China 2000
Il taglio del nastro alla mostra di Shanghai
Un momento dell’inaugurazione a Fiesole
zione dei prodotti destinati alla vendita.
L’associazione sta inoltre organizzando
per i prossimi mesi un evento artistico
su Firenze. Gli artisti che si associano
a Moving Gallery potranno beneficiare
di una serie di vantaggi quali: la vetrina
online, una sede e partner in Cina, con
mostra permanente, promozione, collaborazione
e visibilità su riviste di settore.
Inoltre Moving Gallery ha siglato
accordi e convenzioni per agevolazioni
agli associati quali: assistenza legale,
assistenza contabile amministrativa,
pubblicità sui media, finanza agevolata,
logistica e trasporti. In un mondo pieno
di divisioni, guerre e odio l’arte può essere
uno strumento per unire i popoli e
favorire il dialogo fra le diverse culture,
ed in questo contesto Moving Gallery
cerca di dare il suo contributo.
Michele
Taccetti
Laureato in Scienze Politiche con una tesi sulla Cina, rappresenta la terza
generazione della sua famiglia che opera con il grande paese asiatico.
Questa attività è iniziata con il nonno Arnolfo nel 1946 e proseguita dal padre
Ubaldo nel 1980. Dal 1995 assiste le aziende italiane interessate ad aprire il
mercato cinese in vari settori merceologici ed in particolare per la promozione
e vendita del Made in Toscana in Cina. Dal 1998 svolge attività di formazione in
materia di Marketing ed Internazionalizzazione focus Cina ed è consulente per il
Ministero dello Sviluppo Economico.
Per info:
michele.taccetti@china2000.it
Moving Gallery
Via Foggini 37/45 - 50142 Firenze
movinggallery@hotmail.com
Associazione Moving Gallery
Uno scorcio della mostra Atmosfere a Confronto nella Sala del Basolato a Fiesole
ECCELLENZE TOSCANE 17

Firenze
Mostre
Arte a Firenze nella seconda metà del Cinquecento
A Palazzo Strozzi un confronto serrato tra “maniera moderna” e
controriforma attraverso capolavori assoluti di Michelangelo, Pontormo,
Rosso Fiorentino ed altri grandi maestri del tardo Rinascimento
di Barbara Santoro / foto Enrico Ramerini - CGE
Dal 21 settembre al 21 gennaio
2018 Palazzo Strozzi ospita Il
Cinquecento a Firenze, un’altra
straordinaria mostra dedicata alla “maniera”
fiorentina. E’ l’ultimo atto di una
trilogia, a cura di Carlo Falciani e Antonio
Natali, iniziata nel 2010 con Bronzino
e proseguita nel 2014 con Pontormo
e Rosso Fiorentino per raccontare un’epoca
di straordinario splendore artistico
e culturale, la stessa a cui s’ispirò la
mostra che nel 1940 sancì l’inaugurazione
del Palazzo come sede di grandi
eventi espositivi. Il percorso ideato dai
due curatori riunisce per la prima volta
capolavori assoluti di Michelangelo,
Andrea del Sarto, Pontormo, Rosso
Fiorentino, Bronzino, Giambologna ed
altri illustri maestri del tardo Rinascimento,
in un confronto serrato tra “maniera
moderna” e controriforma, sacro
e profano. La Pietà di Luco di Andrea
del Sarto e il Dio fluviale di Michelangelo
accolgono i visitatori nella prima sala,
proseguendo poi nella seconda sala
con la visionaria Deposizione dalla croce
di Rosso Fiorentino, l’allucinata Deposizione
di Pontormo e il raffinato
Cristo deposto di Bronzino. Un appassionante
excursus attraverso tutto il
XVI secolo, alternando opere di grandi
maestri a quelle di artisti meno noti ma
altrettanto rappresentativi di quest’ultima
fase del Rinascimento. In mostra
oltre settanta dipinti e sculture provenienti
da musei internazionali e importanti
collezioni private, per un totale di
quarantuno artisti: fra questi, Giorgio
Vasari, Michele Tosini, Alessandro Allori,
Federico Zuccari, il Cigoli, Jacopo
Zucchi, Giovanni Stradano, Girolamo
Macchietti, Mirabello Cavalori, Michele
di Ridolfo del Ghirlandaio, Jacopo Coppi,
Maso da San Friano, Giovan Battista
Naldini, Andrea Boscoli, Gregorio
Pagani, il Poppi, Santi di Tito e Pietro
Candido come pittori e Bartolomeo
Ammannati, Benvenuto Cellini, Vincenzo
Danti e Pietro Bernini come scultori.
Numerose imponenti pale d’altare,
abitualmente ospitate nelle chiese toscane
e non solo, sono state sottoposte
per l’occasione ad una campagna di
restauri senza precedenti che le ha riportate
allo splendore originario, grazie
soprattutto al contributo dei Friends
of Florence. La mostra è prodotta e organizzata
da Fondazione Palazzo Strozzi
con Arcidiocesi di Firenze, Direzione
Centrale per l’Amministrazione del Fondo
Edifici di Culto-Ministero dell’Interno,
Soprintendenza Archeologia Belle
Arti e Paesaggio per la città metropolitana
di Firenze e per le province di
Pistoia e Prato, con il supporto di Comune
di Firenze, Camera di Commercio
di Firenze, Associazione Partners Palazzo
Strozzi e Regione Toscana, e con il
contributo di Fondazione Cassa di Risparmio
di Firenze. Main sponsor Gruppo
Unipol. Ottimo il supporto dato da
Moretti, Enel e Poste Italiane e da alcuni
sponsor tecnici quali: Trenitalia, Ataf
gestioni, Busitalia-Sita Nord, Feltrinelli,
Ufficio turismo della Città metropolitana
di Firenze, Toscana Aeroporti Spa, l’Unicoop
Firenze, Firenze Parcheggi, Rinascente
e Mercato Centrale. Main media
partner la RAI. L’ufficio stampa è stato
curato da Antonella Fiori e Lavinia Rinaldi.
Main media partner la RAI. Catalogo
edito da Mandragora.
Un particolare delle opere che aprono il percorso espositivo: in primo piano il Dio fluviale di
Michelangelo Buonarroti, sullo sfondo il Compianto su Cristo morto di Andrea Del Sarto
Uno scorcio della seconda sala: a partire da sinistra, la Deposizione dalla croce di Rosso Fiorentino, la Deposizione
di Pontormo e il Cristo deposto del Bronzino; in primo piano, Apollo e Giacinto di Benvenuto Cellini
Il Cinquecento a Firenze “maniera moderna”
e controriforma. Tra Michelangelo,
Pontormo e Giamologna.
21 settembre 2017 - 21 gennaio 2018
A cura di Carlo Falciani e Antonio Natali
Palazzo Strozzi (piazza Strozzi, Firenze)
Tutti i giorni 10.00 - 20.00, giovedì
10.00 - 23.00
Michele di Ridolfo del Ghirlandaio, La Notte (1555-1565), olio su tavola, cm 135 x 196, Galleria
Colonna, Roma
Giambologna, Mercurio, bronzo, 1585, Kunsthistorisches
Museum, Vienna
www.palazzostrozzi.org
Un particolare della sezione dedicata ad allegorie e miti: in primo piano, Fata Morgana di Giambologna
e alla parete La Liberalità e la Ricchezza di Girolamo Macchietti
18 IL CINQUECENTO A FIRENZE
IL CINQUECENTO A FIRENZE 19

Cronache
Mugellane
A cura di
Elisabetta Mereu
Percorsi in
Toscana
A scuola di intaglio thailandese
con Francesco Scravaglieri
Per la prima volta in Mugello un corso di
specializzazione con lo chef e maestro
dell’antica arte di creare sculture con
frutta e verdura
di Elisabetta Mereu / foto www.lartedellintaglio.it
Un anno fantastico per il Mugello
e in particolare per Vicchio,
in quanto paese natale di Giotto
di cui si celebrano i 750 anni dalla
nascita. Evento su cui ha ruotato una
serie di importanti iniziative che hanno
portato sulle colline di questo stupendo
territorio in pieno fermento e continuo
sviluppo eccellenze di caratura
nazionale ed internazionale dell’ambito
culturale, storico, artistico ma anche
gastronomico. Proprio in questo settore
c’è da segnalare l’arrivo nel mese
di novembre di Francesco Scravaglieri,
quotatissimo chef siciliano, nonché
plurimedagliato maestro nell’Arte
dell’Intaglio Thailandese di frutta e verdura.
Uno dei dieci mestieri più antichi
in quella nazione tanto da essere coeva
del sopracitato pittore mugellano e
che dal 1939 è stata addirittura introdotta
nel programma scolastico in Thailandia.
L’importanza delle decorazioni,
questo è il nome del corso di specializzazione
aperto ad intagliatori ed appassionati
già esperti di tutta Italia, che
Lo chef Francesco Scravaglieri
Informazioni e contatti sul corso d’intaglio:
+ 39 328 8879739 / info@lartedellintaglio.it
Scravaglieri farà per la prima volta in
Mugello, il 7 e 8 novembre, in località
Piazzano, a pochi chilometri da Vicchio,
presso la Fattoria Didattica Agriturismo
Palazzo Vecchio, promotore dell’iniziativa
insieme a Terre di Toscana Mugello,
azienda di promozione del prodotto tipico
del territorio, rappresentato da Stefano
Caruana (di cui abbiamo parlato nel
numero di giugno), che si può considerare
il più abile realizzatore mugellano
di sculture vegetali. «Le iscrizioni - dice
Caruana - sono aperte fino alla prima
settimana di novembre e per chi arriverà
da lontano c’è la possibilità di soggiornare
nello stesso agriturismo in cui
si svolge il corso e degustare anche i
prodotti freschi della fattoria. Al termine
verrà rilasciato un attestato di specializzazione
e le composizioni artistiche
create nei due giorni di lavoro saranno
esposte presso il Gran Disìo Bistrot,
Osteria Il Galletto di Borgo San Lorenzo
e Miseria e Nobiltà di Vicchio. Questa
iniziativa - conclude Caruana - non
ha un’importanza solo fine a se stessa
ma rappresenta un’ulteriore possibilità
di attrazione qui in Mugello che ogni
anno di più si conferma come un catalizzatore
di eccellenze nei più svariati
settori, creando un importante indotto
economico per tutto il comprensorio.
E, grazie alle innumerevoli squisitezze,
che in questo florido angolo di Toscana
vengono prodotte, quello gastronomico
rappresenta, senza dubbio, uno dei
principali punti di forza ed attrazione».
Fattoria I Ricci
Là dove anche l’olio regala benessere e relax
di Elisabetta Mereu / foto courtesy Antica Fattoria I Ricci
Percorrendo le strade del Mugello
si scorgono straordinari paesaggi
e con essi numerose ville secolari,
incastonate come gioielli preziosi nel
verde di queste colline. Testimoni storici
non solo dell’architettura, ma di un intero
patrimonio culturale, queste perle nella
maggior parte dei casi sono state recuperate
e rivalutate dando loro nuova dignità
e vitalità. Un esempio importante lo troviamo
a Rostolena, a pochi chilometri da
Vicchio, paese di Giotto, dove - immersa
in un parco di piante secolari, cedri del libano,
sequoie e lecci - c’è quella che in
una pubblicazione storica del 1748 veniva
chiamata Villa Casanova, dal nome del
proprietario, il Cavalier Raffaello Casanova
Jerserinch. Nei secoli successivi passò
alla famiglia Quentin, della prestigiosa
manifattura
di vetri
e specchi
sorta a Firenze
nel
1850, che
vi ha abitato
fino
alla prima
metà del
ʼ900. Uno
Alfonso Quentin, sindaco di Vicchio
nel 1909
(ph. Archivio Aldo Giovannini)
dei discendenti,
Alfonso
Quentin
(foto storica
dell’Archivio
di
Aldo Giovannini), nel 1909 fu anche eletto
sindaco e i più anziani di Vicchio lo ricordano
ancora! Nei primi Anni ’60 fu
acquistata da Renato Abrumi, che da ragazzo
aveva lavorato in questa fattoria
vicina alla sua casa natale. «Mio nonno
materno, prima di diventare un imprenditore
internazionale nel settore borse e
pelletteria - dice Caterina Cecchini, che
nonostante la laurea in Farmacia ha deciso
di dedicarsi in toto alla gestione di
quello che è diventato l’Agriresort & Spa
Fattoria I Ricci - da ragazzo collaborava
alla raccolta e frangitura delle olive». In
suo ricordo infatti è stata lasciata la vecchia
macina in pietra, all’interno dell’antico
frantoio pubblico, attivo fino alla fine
degli Anni ’50, trasformato l’anno scorso
nella zona benessere della Spa Oro
Verde, dal nome dei prodotti a base di
olio extravergine di oliva toscano IGP.
Lasciando inalterate le strutture originarie,
esaltate nei dettagli più caratteristici,
gli attuali proprietari hanno trasformato
gli immobili in ambienti eleganti, dotati
di tutti i comfort, destinati all’ospitalità
familiare e alla ristorazione genuina. Al
piano superiore, dove un tempo c’erano
i granai o veniva fatta essiccare l’uva per
il Vinsanto, ci sono tre deliziosi appartamenti
e una suite per gli ospiti. Stessa
destinazione data a La Casina (dopo
il terremoto del 1919 primo esempio di
prefabbricato in mattoni e legno recuperato
dai vecchi tini ndr.), antico ritrovo di
caccia dei Quentin e poi casa delle bambole
di Caterina. La zona scuderia ospita
un bellissimo patio con vista mozzafiato
sulla vallata sottostante, mentre la grande
tinaia è stata adibita alla colazione e
alla cena, in cui gustare gli straordinari
La Spa Oro Verde con la macina dell’antico frantoio
prodotti dell’orto o a filiera corta proposti,
secondo la stagionalità, dalle cuoche
Letizia e Brigida e accompagnati da vini
toscani. «Con mio marito Riccardo abbiamo
deciso di vivere e crescere qui nostra
figlia Emma, insegnandole l’amore
e il rispetto per la Natura e gli animali.
La mattina ci piace prendere il caffè con
gli ospiti che arrivano da tutto il mondo
e parlare con loro consigliandoli, cartina
alla mano, sui luoghi belli e incontaminati
di cui questo territorio è ricco. Mia
mamma Gabriella invece si occupa dei
fiori e dei limoni che ama e cura come
fossero altri figli. Perciò non vi meravigliate
se la trovate a parlare con loro!».
www.fattoriairicci.it
Caterina Cecchini con i familiari e l’inseparabile
bassotta Rosy
20 FATTORIA I RICCI 21

Firenze
Mostre
I Cartoni Murali di Antonio Giuseppe Santagata
in mostra a Firenze alla Galleria del Palazzo Coveri
di Barbara Santoro / foto courtesy Cambi Casa d’Aste
Un’importante mostra dedicata
ad Antonio Giuseppe Santagata
e curata da Lucia Morganti
e Valentina White in collaborazione con
Cambi Casa d’Aste, è stata inaugurata alla
Galleria del Palazzo Coveri sul Lungarno
Guicciardini, dove resterà visibile fino
al 26 ottobre. Nato a Genova nel 1888,
Antonio Giuseppe Santagata si forma
all’Accademia Ligustica di Belle Arti con
il pittore Tullio Quinzio, lo scultore Lorenzo
Massa e l’architetto Oreste Grondona.
Partecipa come volontario alla Prima
Guerra Mondiale e documenta con il disegno
la vita dei soldati in trincea, studiando
in modo particolare la luce che
costruisce le masse ed i corpi. Ferito nella
battaglia del Monte Sabotino a nord di
Gorizia, entra in contatto con Carlo Delcroix,
creatore dell’Associazione Nazionale
Mutilati e Invalidi di Guerra. Grazie
all’amicizia nata fra i due, Santagata riceve
commissioni nelle varie dimore di
mutilati ed invalidi, dove vengono messi
in risalto i sentimenti e il sacrificio di
tutti coloro che avevano combattuto per
la pace e la vittoria. Vincitore del Pensionato
d’arte quinquennale Duchessa
di Galliera, si trasferisce a Roma nel
1921, dove, in occasione del decennale
e del ventennale della vittoria della Prima
Guerra Mondiale, gli vengono commissionati
due cicli di affreschi dall’ANMIG
(Associazione Nazionale Mutilati e Invalidi
di Guerra), sotto la direzione dell’architetto
Marcello Piacentini e di Carlo
Delcroix, presidente dell’associazione.
In questi anni studia i grandi maestri
del passato e i cicli pittorici di Piero della
Francesca, Masaccio, Paolo Uccello,
Luca Signorelli e Michelangelo. A Bergamo
vince il concorso per celebrare l’eroe
bergamasco Antonio Locatelli, aviatore,
politico e giornalista italiano ucciso dai
guerriglieri abissini a Lechemti il 27 giugno
del 1936 durante la guerra d’Etiopia.
Qui nell’ex Casa Littoria affresca l’apoteosi
dell’eroe triplice medaglia d’oro
al valore militare. Nella mostra a Palazzo
Coveri si possono vedere i cartoni La
Vittoria che trasporta l’anima dell’eroe,
Locatelli e la vittoria, Il soldato ferito,
Guerra d’Abissinia, combattimento uno
contro mille, Nascondiglio nella rocca
cupa e il Gruppo viennese che guarda in
alto l’aereo che vola su Vienna. A Milano
affresca la Casa del Mutilato e il Palazzo
di Giustizia, a Roma la Casa Madre dei
Mutilati, il santuario della Regina Apostolorum
e la cappella di San Giuseppe
in San Paolo fuori le mura. A Genova l’ospedale
Duchessa di Galliera, la Casa dei
Mutilati e il Palazzo della Società Eridania.
A Ravenna e a Palermo la Casa del
Mutilato. A Venezia il Padiglione italiano
della XXI Biennale. Nel 1980 l’opera ad
olio Le oranti entra a far parte della collezione
dei Musei Vaticani. Decora libri ed
incide medaglie. Muore nel 1985. I cartoni
in mostra sono relativi ai cicli dipinti
dall’artista nell’arco di un decennio e
dimostrano come il cartone preparato-
Apoteosi di Antonio Locatelli, guerra in Abissinia 1 conto 1000
carboncino su carta da spolvero, cm 241x301
rio diventi una vera forma d’arte degna
di essere apprezzata e compresa in maniera
autonoma, in grado di comunicare
al meglio l’idea della composizione murale.
Nelle splendide sale della galleria i
grandi cartoni, che risaltano sulle pareti
bianche, si animano di vita propria esprimendo
al meglio il sentimento di quei
duri anni di guerra. Degno di nota il cartoncino
su carta da spolvero (1,77x2,40
m) dal titolo La pausa della sigaretta,
dove due commilitoni si concedono di
fumare insieme in un’atmosfera di grande
umanità. Conservati grazie alla sensibilità
della Casa d’Aste Cambi, qui si
rivelano nella loro integra bellezza, regalando
ai fiorentini un’esperienza unica.
La pausa della sigaretta,1936,carboncino su carta da spolevero, cm 177x240
2 6
22 ANTONIO GIUSEPPE SANTAGATA
23

Firenze
Mostre
Arte e profumo all’Officina de’ Tornabuoni. Una nuova fragranza
ed una scultura di Lea Monetti, entrambe dedicate alla ginestra
di Barbara Santoro / foto courtesy dell’artista
La ginestra era una pianta molto
apprezzata già nell’antichità
sia dai Greci sia dai Romani che
la coltivavano per attirare le api e produrre
miele. Fu Plinio il Vecchio a citarla
più volte in età classica perché
si credeva che nelle sue ceneri ci fosse
l’oro. Durante il Medioevo con i rami
tagliati della ginestra si facevano ottime
scope. In Inghilterra fu considerata
una pianta nobile e famosa, forse perché
lo stemma della famiglia del re Enrico
II (1133-1189) raffigurava un ramo
di ginestra. In Francia, durante il regno
di Luigi IX (1214-1270), fu fondato l’ordine
cavalleresco della Ginestra, al quale
parteciparono 100 membri scelti della
guardia Reale. In Spagna fu molto apprezzata
per le sue radici, le quali venivano
lavorate per creare robuste corde
per le imbarcazioni. Dalla fibra delle radici
si possono ottenere indumenti pesanti
e resistenti e spesso è usata anche
nella confezione di abiti. La frutta veniva
spesso messa a seccare su cannicci fatti
dai rami della ginestra e “giugliai” erano
coloro che li intrecciavano. Oggi è ancora
molto utilizzata perché dai residui di
lavorazione del suo legno si ottiene una
cellulosa di ottima qualità. La ginestra
spartium junceum, appartiene alla famiglia
delle leguminose. Cresce nelle regioni
mediterranee e contenendo azoto
può consolidare i terreni franosi, aridi e
rocciosi. Molte le leggende nate intorno
a questo fiore; una davvero divertente è
quella scozzese che narra di una ragazza
alla quale l’uomo che amava chiese
una “prova” per conoscere l’illibatezza
della giovane. La famiglia per paura che
ricevuta la prova d’amore l’uomo non la
sposasse più, su consiglio di una strega
portò il giovanotto in un bosco di ginestre.
Stordito dai baci della ragazza e
inebriato dal profumo dei fiori, il ragazzo
cadde in un sonno profondo. Al risveglio
convinto di aver posseduto la donna come
voleva, acconsentì alle nozze. Da pochi
giorni all’Officina de’ Tornabuoni (via
Tornabuoni 19) è nato il profumo Ginestra
ispirato alla scultura di Lea Monetti,
artista di fama internazionale, dal
titolo Ginestra e la lucertola. La bellissima
statua bronzea, esposta a Palazzo
Larderel - sede dell’Officina - in concomitanza
con la Biennale Internazionale
dell’Antiquariato di Firenze, è stata creata
in omaggio alla sua figlia, allora adolescente,
che ha questo curioso nome.
Nella meravigliosa location dell’Officina,
dove si producono cosmetici naturali e
profumi dalle fragranze personalizzate
grazie alle tecnologie innovative e alle
materie di prima qualità, i nostri sensi
saranno ammaliati, quindi, dalla bellezza
dell’opera e dagli effluvi del magico
profumo. Arte e fragranze coinvolgeranno
gli spettatori in uno scenario di grande
raffinatezza.
Il profumo Ginestra creato dall’Officina de’ Tornabuoni ispirandosi
all’omonima scultura di Lea Monetti
Lea Monetti
Ginestra e la lucertola, bronzo
Palazzo Larderel, sede dell’Officina de’ Tornabuoni
24 OFFICINA DE’ TORNABUONI
OFFICINA DE’ TORNABUONI 25

Anteprima
Mostre
Hao Yang Sun
Mostra collettiva di arte contemporanea
dal 4 al 24 ottobre
A cura di Lucia Raveggi
Inaugurazione 4 ottobre ore 17.00
VINICIO POLIDORI
GIANNI PANCIROLI
FRANCO GIOMINI
PAOLO BUTERA
GABRIELLA MARTINO
ISABELLA ROMBOLÀ
DAVIDE SIGILLÒ
SALVATORE SARDISCO
LUCIANO FAGGI
Riprese televisive Toscana TV
per la rubrica Incontri con l’Arte
AUDITORIUM AL DUOMO
Via Cerretani 54, FIRENZE
Natura e cultura nei paesaggi del giovane artista
cinese protagonista della mostra Atmosfere - 融
all’Auditorium al Duomo di Firenze
di Rosa Canfora / foto courtesy dell’artista
Con la mostra Atmosfere, personale
del giovane artista
emergente HaoYang Sun, prosegue
il progetto da me iniziato al ristorante
galleria Golden View per
creare un ponte culturale tra Firenze
e la Cina. È la volta di un giovane
artista che, terminato il percorso
di studi a Firenze, rientra a Pechino.
La sua pittura offre un’originale interpretazione
di entrambe le culture:
si va dai paesaggi toscani alla grande
muraglia cinese, dagli scorci fiorentini
o delle Cinque Terre allo Jello
River. A venticinque anni HaoYang
sente la necessità di mostrarci con
forza ciò che vede nel paesaggio che
lo circonda, trattando luoghi pur così
distanti fra loro con la medesima intensità
espressiva.
La mostra, organizzata e curata dalla
scultrice Rosa Canfora in collaborazione
con Ines Cui, si terrà presso
l’Auditorium al Duomo (via de’ Cerretani
54) di Firenze con inaugurazione
sabato 28 ottobre alle ore 18.00.
艺 术 经 历 : 孙 昊 阳 , 中 国 青 年 艺 术
家 ,1992 年 7 月 27 日 出 生 于 石 家 庄
市 , 师 从 于 费 正 先 生 ,2012 年 进
入 意 大 利 佛 罗 伦 萨 美 术 学 院 学 习 。
2016 年 进 入 Florence Academy of Art
美 术 学 院 学 习 ,2016 年 9 月 参 加 意
大 利 斯 波 勒 托 艺 术 节 ,2017 年 3 月
参 加 mace 米 兰 国 际 艺 术 中 心 Creatori
di sogni 联 展 ,2017 年 5 月 参
加 Treviso MIXART 国 际 艺 术 展 。 青
年 艺 术 家 孙 昊 阳 个 展 , 是 Golden
View 创 造 佛 罗 伦 萨 与 中 国 之 间 的
文 化 桥 梁 的 艺 术 项 目 之 一 。 这 位 年
轻 艺 术 家 在 佛 罗 伦 萨 进 修 之 后 , 即
将 结 束 他 的 在 意 大 利 的 绘 画 研 究 课
程 返 回 中 国 。 他 的 绘 画 作 品 , 来 自
意 大 利 托 斯 卡 纳 、 佛 罗 伦 萨 、 五 渔
村 , 中 国 黄 河 和 中 国 长 城 的 景 致 ,
更 以 其 独 有 的 视 角 展 现 了 我 们 意 大
利 和 中 国 两 个 世 界 。25 岁 的 昊 阳 ,
他 感 受 到 表 现 他 周 围 所 见 所 感 景 观
的 必 要 性 , 以 他 本 身 强 有 力 的 绘 画
表 现 手 法 探 讨 这 几 个 相 距 非 常 遥 远
的 地 点 。 本 次 个 展 所 囊 括 的 作 品 是
艺 术 家 在 佛 罗 伦 萨 的 研 修 阶 段 的 系
列 作 品 。 一 个 感 恩 的 祝 福 , 再 见 。
Hao Yang Sun (Cina, 1992) è un artista visivo formatosi
all’Accademia di Belle Arti di Firenze (2012), dove ha seguito
i corsi di Scenografia e Pittura. Ha studiato pittura ad
olio con il grande maestro cinese Zheng Fei. A Firenze consegue la
laurea in pittura presso Accademy art Firenze. Ha esposto a: Spoleto
Art Festival (2016), Creatori di sogni - MA-EC Milan Art & Event
Center (201, Treviso MIXART esposizione internazionale (2017).
Per info: + 39 333 97 04 402
27

Ritratti
d’artista
Luciano Manara
Genio e sregolatezza di un artista
fuori dal comune
di Daniela Pronestì / foto courtesy dell’artista
www.manaradesign.it
Geniale, ironico, stravagante, maestro
della provocazione intelligente:
modi di essere e qualità a cui l’artista
e designer fiorentino Luciano Manara
unisce una vivacità inventiva fuori dal comune.
Da oltre un anno le pagine di questa
rivista raccontano, con uno spazio dedicato,
le tante sfaccettature del suo estro
creativo, che spazia dall’oggetto - scultura
al complemento d’arredo, coniugando,
in entrambi i casi, ricercatezza dei materiali
e originalità delle forme. Rispettando
l’equilibrio fra estetica e funzione, invenzione
artistica e progetto, Manara opera
nei termini di una contiguità tra linguaggi
che s’incontrano nel segno di una potente
immaginazione. All’ardore della fantasia,
declinata in maniera ora più giocosa
e scanzonata ora più vicina al rigore classico
della forma, le sue creazioni uniscono
una vena dissacrante e trasgressiva che
traduce in espressione artistica una riflessione
complessa e profonda sul mondo
contemporaneo. Lo confermano opere come
Il guardiano dell’anima, Melamangio,
L’attesa, Ego Sum, E’ tutto un bluff,
Pravda, dove le note dell’ironia si accordano
ad una pungente critica sulle contraddizioni
che attraversano la società e
la cultura del nostro tempo. Opere nate
spesso da una ricerca sugli stili e su antichi
motivi simbolico - decorativi che rivivono
nell’interpretazione di questo indomito
sperimentatore. La varietà delle soluzioni
formali è supportata dal pregio dei materiali,
spesso proposti secondo inediti accostamenti
di consistenze, lucentezza e
colori. Si va dal Candeluovo, inedita rielaborazione
di un uovo Fabergè mutato in
un elegante porta candela, alla cappa - cupola
ispirata all’architettura di Brunelleschi,
dall’applique - scultura in cromo e cristallo
alle tante lampade concepite come oggetti
unici e preziosi. Senza dimenticare i raffinati
arredi nati dalla recente collaborazione
con l’artista Andrea Stella, in una proficua
sinergia creativa. Un artigianato di altissima
qualità che diviene opera d’arte nella
conquista di uno stile unico e riconoscibile.
Eventi in
Toscana
Gruppo Arti Figurative Ardengo Soffici
Un sodalizio nato nel 1985 con l’intento di promuovere
la conoscenza e la diffusione di varie espressioni artistiche
di Fabrizio Borghini / foto di Roberto Ristori
Nell’ambito della XXVIII edizione
del Festival Suoni e Colori
in Toscana che si è tenuta dal
31 agosto al 12 settembre in sei splendide
location (Villa Pitiana di Reggello,
Villa Il Palagio, Fattoria di Castiglionchio
e Fattoria di Pagnana di Rignano
sull’Arno, Pieve di San Leolino, Villa
Francesca di Torri) una mostra d’arte
contemporanea organizzata dal Gruppo
Arti Figurative Ardengo Soffici che è andata
ad integrare la ricca proposta teatrale
e musicale dell’evento. Il gruppo,
che ha tratto la sua denominazione dalla
figura del pittore Ardengo Soffici nato
nella frazione di Bombone del comune
di Rignano, nasce nel 1985 raccogliendo
intorno a sé quanti, sul territorio e
dintorni, si occupano o producono arte.
L’intendimento del sodalizio è di avere
un ruolo di stimolo e di aggregazione
nei confronti di tutti coloro che gravitano
intorno al mondo dell’arte in modo
da non disperdere le energie creative
disponibili e al contempo di promuovere
l’avvicinamento, la conoscenza e la
diffusione dell’arte e delle sue tecniche
nell’intera comunità nella convinzione
che l’incontro e il confronto delle varie
espressioni artistiche rappresenti un
momento di arricchimento sia individuale
che collettivo. A tal fine, numerose
sono state le iniziative che il gruppo
ha portato avanti negli anni a partire
dalle mostre personali e collettive con il
coinvolgimento anche di artisti di chiara
fama come Aligi Sassu, Antonio Possenti,
Luca Alinari, Nino Tirinnanzi ed
altri. Si sono tenute nella Sala Consiliare
del comune di Rignano e a Firenze alla
Biblioteca Nazionale, nell’ex Convento
del Carmine, al Caffè Storico Letterario
Giubbe Rosse, alla Galleria Via Larga e
nella sede del Gruppo Donatello. Inoltre,
sono stati organizzati concorsi di
pittura estemporanea, interventi nelle
scuole sulle tecniche pittoriche, partecipazione
ad iniziative storico-culturali
promosse dall’amministrazione comunale
di Rignano tra le quali la Fiera del
Bestiame, la Festa del Perdono e, appunto,
il Festival Suoni e Colori in Toscana
che in ogni edizione propone un
colore come segno distintivo al quale
gli artisti del gruppo ispirano le loro
opere. Quest’anno è stato scelto il rosso
che ha contraddistinto i lavori degli
artisti Rita Angeloni, Giancarlo Barbieri,
Lucia Bettoni, Mechtild Carlini, Maurizio
Ferruzzi, Gabriella Pancrazi, Nadia Pinzani,
Roberto Ristori, Jenny Spatafora
esposte il 12 settembre alla Fattoria di
Pagnana in occasione dello spettacolo
musicale Le dive dello swing.
Il Gruppo Arti Figurative Ardengo Soffici riunito in occasione della mostra d’arte contemporanea promossa nell’ambito della XXVIIIª edizione
del Festival Suoni e Colori in Toscana
28 LUCIANO MANARA
GRUPPO ARTI FIGURATIVE ARDENGO SOFFICI 29

Firenze
Mostre
Performance con le digisculture di
Andrea Tirinnanzi
di Gabriella Gentilini / foto courtesy dell’artista
In una vita a contatto quotidiano con
l’arte e con gli artisti, Andrea Tirinnanzi,
esperto tra i più attenti e qualificati,
ha riempito un fornitissimo bagaglio di
studi e di esperienze che hanno alimentato
il suo innato estro creativo e le sue
capacità tecniche. Dagli esordi caratterizzati
dai suggestivi smalti informali al collage
e decollage, fino ad approdare all’uso
dell’insostituibile strumento che ci ha rivoluzionato
la vita, ovvero il computer. Il lavoro
accurato e continuo sull’immagine in
tutte le sue più impercettibili sfaccettature,
ha portato Andrea Tirinnanzi ad aprire un
nuovo orizzonte artistico. La foto digitale
ed una non comune dimestichezza davanti
allo schermo, gli hanno consentito di produrre
immagini sorprendenti eppure frutto
della realtà, come il “fotosmontaggio”
con cui ha creato il famoso “autobus diviso”
o il “fotomontaggio” con la “cascata
delle 500”. Con questa tecnica Tirinnanzi
ha realizzato una serie di opere uniche in
cui realtà e fantasia viaggiano sulla stessa
lunghezza d’onda e molte delle quali
sono state premiate, pubblicate ed hanno
fatto il giro del mondo. Ma l’incontenibile
verve artistica di Andrea Tirinnnanzi
e la sua voglia di ricercare e sperimentare
sempre nuove, ingegnose e interessanti
forme espressive, ha dato vita alle
ormai celeberrime “digisculture”, le originalissime
sagome bifacciali in legno a
grandezza naturale, profilate su una foto
elaborata con procedimento digitale e manuale.
Ogni opera è un pezzo unico, frutto
di un grande lavoro sia manuale sia tecnico
sulla figura, le dimensioni, lo spazio,
l’espressività. É nata così una ricchissima
galleria di personaggi con cui Tirinnanzi
ha reso omaggio a I grandi del cinema
(Vittorio Gassman, Totò, Alberto Sordi,
Fernandel, Marilyn Monroe, Sophia Loren,
Roberto Benigni...) e ancora al mondo
dello sport con Gino Bartali e Fausto
Coppi, dello spettacolo con Conti, Pieraccioni
e Panariello, della musica con cui
l’artista ha raggiunto i vertici più alti della
sua ricerca: dai Beatles che attraversano
Abbey Road ai big nostrani come Mina e
Celentano, da Bob Dylan a Marco Masini.
Ma non basta: il maestro si è spinto ancora
più in alto: Obama e perfino Papa Francesco.
Così reali da impressionare. Non
per niente molti di questi lavori, oggetto di
grande attrazione e curiosità, fanno parte
di importanti collezioni tra cui il Museo Gino
Bartali, sono stati esposti in occasione
di eventi e mostre, sono presenti in prestigiosi
stores e in permanenza presso la sede
di Firenzeart Gallery. Ma attenzione, le
“digisculture” non sono oggetti, non sono
statue fisse ed inerti. Tirinnanzi ha voluto
dare loro un’anima, vuole che i suoi personaggi
siano veri, dinamici, sempre in movimento
ed interagiscano con le persone
che li osservano con stupore. Per questo,
il 13 settembre scorso Firenzeart Gallery
ha organizzato una strepitosa performance
che si è svolta nel quartiere del glorioso
Pignone in San Frediano. Le coppie celebri
della musica, dell’arte, dello spettacolo,
delle istituzioni, in testa i Beatles sulle
strisce pedonali, hanno percorso le strade
del rione, sono entrate ed uscite dai negozi,
dai bar e dai ristoranti, si sono soffermate
sul sagrato della chiesa per giungere
in galleria, in via della Fonderia 42r, dove
le attendevano altre coppie famose ed altre
personalità tra cui l’ospite d’onore Dante,
in una grande e festosa partecipazione
di pubblico. Un modo intelligente, stimolante
e coinvolgente per far dialogare arte
e tecnologia, cultura e fantasia e portarle
tra la gente.
FirenzeArt Gallery
Via della Fonderia 42r, Firenze
www.firenzeart.it - info@firenzeart.it
055 224028
Elena Gheri
Ritratti
d’artista
Ampie fughe dello sguardo e preziosismi cromatici
convivono nei dipinti della pittrice fiorentina, spaziando
dal tema naturalistico alla figura femminile
di Daniela Pronestì / foto courtesy dell’artista
Il percorso artistico di Elena Gheri
abbraccia il paesaggio naturale
e la figura umana, permeandoli
entrambi di una sensibilità espressiva
declinata tanto sul piano compositivo
quanto nell’accostamento armonico
dei colori. Negli scorci naturalistici,
tratti per lo più dal paesaggio toscano,
la costruzione spaziale risponde
ad un’attenta proiezione prospettica,
con ampie fughe dello sguardo lungo
sentieri dalla profondità luminosa.
Quando il punto di osservazione si allontana
dal primo piano, le forme vetegali
e le altre presenze all’interno del
paesaggio - si pensi al dipinto La casa
di bambù - appaiono disposte come
in un fregio dove gli arabeschi tracciati
dal colore s’intrecciano in un’originale
composizione. In altri casi, la
natura diviene cornice di un’immagine
lontana nel tempo che rivive nell’attitudine
graziosa di una giovane donna
con abito bianco e parasole come
in un quadro di Fattori o di Monet. Un
gusto retrò che nell’opera Fleur des
Lys associa la figura femminile al tema
floreale, con linee sinuose e preziosismi
cromatici liberamente ispirati
all’Art Nouveau. Dalla sfera degli affetti
familiari affiorano, invece, vivaci
scene di vita quotidiana, come il primo
giorno di scuola di Francesco, nipote
dell’artista ritratto nel quadro Il remi-
gino con l’aria teneramente imbronciata
e lo sguardo lontano di chi sogna
i giochi dell’estate. Talvolta, il contenuto
della rappresentazione rimanda
a significati meno evidenti: la corsa
dei cavalli sul litorale soleggiato diviene
metafora di una libertà ritrovata nel
contatto diretto con la natura, così come
un vaso blu colmo di fiori bianchi
si trasforma in un frammento di cielo
stellato. Alla varietà dei soggetti corrisponde
una gamma altrettanto varia di
tecniche pittoriche - olio, acrilico, acquerello
- tutte abilmente eseguite, ad
ulteriore conferma di una pittura condotta
con dedizione ed impegno.
Cascata di 500
Le digisculture di Matteo Renzi, Obama e
Papa Francesco
E’ nata a Firenze (1942) dove tuttora risiede. Dedita al disegno
fin da piccola, ha trasmesso questa passione ai
suoi alunni, avendo svolto per molti anni la professione
di maestra elementare. Un insegnamento che ancora oggi, a
distanza di tempo, i suoi alunni ricordano con affetto e gratitudine.
Una volta in pensione, si è avvicinata alla pittura frequentando
un corso tenuto dalla pittrice Antonia Fontana. Nel 2014
ha vinto il premio Farfalla d’oro nell’ambito della 32ª edizione
del concorso nazionale 50&Più - Città di Baveno e nel 2016 è
stata premiata per l’opera Fleur de Lys in occasione della mostra
Colori e Sogni organizzata dall’Anteas con il patrocinio della
città Metropolitana di Firenze e della Regione Toscana presso
la Galleria di Via Larga (Palazzo Medici-Riccardi). Ama spaziare
sia nei soggetti rappresentati - paesaggi, animali, persone - che
nelle tecniche adottate, coniugando l’amore per la pittura a quello
per la montagna soprattutto della Valle d’Aosta, dove trascorre
un mese all’anno.
gherielena@libero.it +39 328. 5375811
La signora col parasole, olio su tela, cm 50x70
30 ANDREA TIRINNANZI
ELENA GHERI 31

Eventi in
Toscana
Al via la prima edizione del Premio Claudio Cavallini-Kevo
Promosso dall’associazione culturale
Operarte di Campi Bisenzio per
omaggiare lo scultore fiorentino
a due anni dalla scomparsa
Anteprima
Mostre
A FirenzeArt Gallery Mario Mannini,
a vita nuova...
di Gabriella Gentilini / foto courtesy dell’artista
di Daniela Pronestì / foto di Carlo Midollini
Un premio in memoria dell’artista
fiorentino Claudio Cavallini,
meglio noto come Kevo, a due
anni dalla sua scomparsa. Così l’associazione
culturale Operarte di Campi Bisenzio
ha voluto ricordarlo, facendosi
promotrice di un’iniziativa che gli rende
omaggio nel segno dell’arte. Patrocinato
dai comuni di Campi Bisenzio,
Calenzano, Borgo San Lorenzo e Pontassieve
e realizzato con il contributo
di Patrizia Montagni Cavallini, Domenico
Montuoro, Franco Berretti e Gamont
srl, il premio Claudio Cavallini - Kevo
è strutturato in quattro sezioni (Pittura,
Grafica, Scultura e Fotografia) a te-
ma libero ed è rivolto ad artisti italiani e
stranieri, senza limiti di età, sesso e nazionalità.
Ogni sezione prevede la designazione
di tre vincitori, premiati nel
2018 con le seguenti mostre: ai primi
classificati una personale nel Palazzo
Comunale di Borgo San Lorenzo, oltre
ad una medaglia realizzata dal maestro
Franco Berretti; le opere seconde classificate
saranno esposte secondo l’abbinamento
pittura e scultura, grafica e
fotografia nella Biblioteca Civica di Calenzano;
ai terzi classificati una collettiva
al Teatrodante Carlo Monni di Campi
Bisenzio, dove, a partire dal 15 ottobre
(inaugurazione ore 17) e fino al 21
dello stesso mese, si terrà la mostra
di tutte le opere in concorso. La cerimonia
di premiazione avrà luogo nella
stessa sede domenica 22 ottobre con
inizio alle ore 17. La manifestazione si
inserisce nelle attività dell’associazione
culturale Operarte, nata a Campi Bisenzio
nel 1999 con l’intento di promuovere
e valorizzare le arti visive attraverso
eventi e rassegne che offrono momenti
di riflessione e di scambio culturale,
spesso in collaborazione con altre associazioni
anche fuori dalla Toscana e
dal territorio nazionale.
Claudio Cavallini nasce a Firenze nel
1952, nel rione Gavinana, dove gli
amici d’infanzia lo soprannominano
Kevo. Dopo una lunga attività come
imprenditore, improvvisamente, all’età
di 50 anni avverte l’irresistibile attrazione
a realizzare forme scultoree dal legno.
Dal figurativo di carattere primitivo-etnico
procede verso il realismo simbolico,
per poi raggiungere un’espressione più
matura con la sintesi originale della forma.
Tra le mostre principali si ricordano:
2012, Una favola moderna, Pontassieve,
Sala Eroine, Palazzo Comunale; Tra forma
e sintesi, Vicchio del Mugello, Museo Casa
di Giotto; Espone Kevo, Campi Bisenzio,
Cappella Villa Rucellai; All’ombra degli
etruschi, Dicomano, Museo Etrusco, Palazzo
Comunale; 2013, Naturalmente arte,
Firenze, Museo di Storia Naturale La Specola;
Legno e colore in Viterbo, Viterbo,
Museo Colle del Duomo; 2014, I due volti
dell’arte, Carpi, Palazzo dei Pioa; Poppi,
Galleria Comunale d’Arte Contemporanea,
Palazzo Giorgi. Ha più volte partecipato al
Premio Firenze, conseguendo il secondo
ed il terzo premio.
Dal 14 al 28 ottobre prossimo Firenzeart
Gallery (via della Fonderia
42r, Firenze) ospita una
particolarissima, inusuale mostra di Mario
Mannini dal titolo A vita nuova. Infatti,
per fare un tavolo ci vuole il legno...
ma ci vuole soprattutto l’abilità, la perizia
tecnica e la creatività di Mario Mannini.
Sì, perché non si tratta di un tavolo
qualsiasi prodotto in serie, ma di un manufatto
unico, realizzato, ad esempio, utilizzando
vecchi scuri o persiane di una
finestra. Materiale di recupero che opportunamente
ripulito, levigato, verniciato,
insomma lavorato da mani sapienti
mosse da una mente estrosa e concreta,
si trasforma in mobili e oggetti di arredamento
che uniscono utilità, originalità
e senso estetico. Nell’object trouvé (già
protagonista della pop art) ormai inservibile
e destinato alla distruzione, ma
anche in un pezzo antico reperito o acquistato
chissà dove, Mario Mannini intuisce
la possibilità di un nuovo utilizzo
che lo farà rinascere sotto un’altra forma,
che lo restituirà a vita nuova. Self made
artisan di prim’ordine grazie ad una vastissima
esperienza acquisita nel corso di
una vita di appassionato lavoro nel settore
dell’edilizia, Mario Mannini da qualche
anno ha impresso un valore aggiunto
alla sua apprezzata e qualificata attività.
La svolta è nata dalla collaborazione con
l’arredatrice Manola Ferretti, la quale, notate
le sue geniali capacità, lo ha spinto
a seguire e a valorizzare la propria vena
artistica. E’ l’inizio di una febbrile ricerca
che si snoda su più fronti: il materiale,
l’idea, la forma. Il legno, materia viva
dalle mille potenzialità e dagli infiniti impieghi,
sollecita lo spirito inventivo di Mario:
accuratamente restaurato in modo da
farne emergere le vibrazioni delle venature,
adattato, assemblato, accostato ad altri
materiali, ovviamente con chiodi mai
nuovi ma anch’essi riciclati, va a costruire
una libreria, un mobiletto ad ante o un
tavolo da fumo. Pur senza scomodare il
pensiero neoplatonico o le filosofie orientali
secondo cui tutte le cose possiedono
un’anima, certo è che racchiudono e raccontano
un vissuto: rispettarle, salvarle e
donare loro una nuova struttura è emozionante,
per potersene servire ancora
e tenerle accanto a noi. Mario osserva i
suoi preziosi reperti e già ne vede la metamorfosi,
le nuove identità che andranno
ad assumere, studia le soluzioni pratiche
e le più diverse interpretazioni che il suo
estro e la sua maestria potranno crea-
re. Una porta ed un paio di sci diverranno
un attaccapanni, una vecchia finestra
sarà una specchiera, un antico scaldino
per il letto diventerà un moderno lampadario
a led e da un rovinatissimo scaleo
uscirà fuori un’originale piantana. Tutto
perfettamente funzionante e pronto all’uso,
curato nei minimi dettagli e corredato
da rifiniture di grande pregio e raffinatezza.
E ogni oggetto è un pezzo unico, irripetibile,
dunque un’opera d’arte. Mario
Mannini ci offre testimonianza di come
l’artigianato artistico, ovvero le cosiddette
“arti minori” di memoria storica, frutto
di ingegno e manualità e oggi purtroppo
in via di estinzione, possano ancora
rappresentare un elemento distintivo della
tradizione fiorentina che non deve andare
perduto, ma trovare sempre nuove
forme di espressione, inserendosi a pieno
titolo nel più vasto panorama dell’arte.
Il trascorrere del tempo che usura e rinnova
ci ricorda il continuo divenire della
natura, il ciclo perenne della vita, che non
ha mai fine.
FirenzeArt Gallery
Via della Fonderia 42r, Firenze
www.firenzeart.it - info@firenzeart.it
055 224028
Kevo Cavallini nel suo studio mentre scolpisce il Don Chisciotte
www.kevo-firenze.it
Sedia realizzata con persiana sverniciata con
seduta foderata
Tavolino realizzato con tagliere dei primi del
‘900, tubolare in rame ricoperto di corteccia
d’albero, ruota di vecchio carro e cristallo
Particolare di attaccapanni realizzato con
frontale di un cassetto di comodino con appendiabiti
in ceramica
32 PREMIO CLAUDIO CAVALLINI-KEVO
MARIO MANNINI 33

Cronache
Mugellane
A cura di
Elisabetta Mereu
Miseria e Nobiltà
In un prestigioso ambiente storico
la migliore tradizione gastronomica si
coniuga con l’innovazione e la creatività
di due talentuosi cuochi mugellani
Articolo e foto di Elisabetta Mereu
BAG - Cabreo Mugello - La Villa di Casanuova (R1101) c.68 Sec.XVIII (Foto archivio Aldo Giavannini)
Da un cabrèo, raro documento
cartografico conservato all’Accademia
dei Georgofili di Firenze,
risalente forse al 700 (l’introduzione
del catasto grafico inizia in Toscana verso
il 1830 ndr.), si evidenzia l’esistenza
di un’imponente colonica con torrione e
colombaia, detta Casa Nuova, di chiara
origine padronale situata all’inizio dell’antica
via di accesso alla porta di Ponente
del Castello di Vicchio, dove sfociava
la strada maestra proveniente da Borgo
San Lorenzo, prima di essere intercettata
dalla ferrovia che ha stravolto la topografia
di quella zona. Però la via intitolata
nel secolo scorso al Carducci che d’estate
soggiornava in zona, è ancora nota
tra i vicchiesi come Andrellina, dal nome
dei vecchi possidenti che nel 1738 erano
succeduti ai Bartolini Baldelli, una delle
più grandi famiglie di proprietari terrieri
della Toscana di allora. Contraddistinta
da una delle 10 antiche meridiane esistenti
a Vicchio, questa stupenda villa,
che all’interno conserva gli affreschi originali
sul soffitto di alcune sale e nell’attuale
cucina, da molti anni è stata adibita
a ristorante, che dal novembre 2016 si
chiama Miseria e Nobiltà. Oltre che un
velato omaggio al celebre film con Totò,
l’idea ispiratrice dei nuovi gestori Flavio
Giuliano e Giuseppe Giordano è l’intento
di mantenere in un contesto davvero
unico, prestigioso e storico, ottime proposte
gastronomiche ma accessibili a
tutti. Il locale, che si sviluppa su 3 livelli,
è magistralmente condotto da questi due
grandi amici, prima ancora che soci, entrambi
27enni, che facendo tesoro dell’esperienza
acquisita in oltre un decennio
presso altri locali mugellani hanno deciso
di intraprendere insieme con passione,
impegno e professionalità la strada
di una ristorazione davvero degna di nota.
«Ci siamo conosciuti alla scuola al-
berghiera di Borgo San Lorenzo - dice
Flavio, il socio burocrate, un sorridente
ragazzone che si divide fra la pizzeria e il
servizio ai tavoli - e anche se inizialmente
le nostre strade professionali erano separate,
la passione per questo lavoro ha
fatto rinsaldare l’amicizia e la comunione
d’intenti». « Quello che a me piace di più
- aggiunge Giuseppe, chef insolitamente
magro, cresciuto tra i sapori e i profumi
delle pietanze preparate dalla nonna
siciliana - è proporre piatti nuovi e combinazioni
diverse ispirate alla migliore
tradizione della straordinaria cucina italiana,
con serate a tema per ogni regione,
ma sopratutto di quella toscana e mugellana
in particolare!». Lontani dunque
dai prodotti e dai sapori esotici, sia con i
menù del ristorante che con le pizze i due
cuochi/imprenditori, coadiuvati in sala da
Eleonora e Michela, riescono ad esaltare
con maestrìa le eccellenze enogastronomiche
di ogni territorio regionale senza
rinunciare ad una buona dose di originalità.
I palati anche dei clienti più esigenti
vanno in visibilio con i loro fagottini di
ricotta e spinaci conditi con pomodorini
confit e cosparsi di crema di burrata,
davanti al tris di sformati vegetariani, oppure
al goloso castello di cial-de di cioccolato
e mousse di ananas o di fronte alle
pizze proposte in mille varietà speciali,
come quelle ispirate al nome del locale:
Miseria, con salsiccia, cipolle e funghi e
Nobiltà, con bufala e tartufo! Chissà che
non decidano in futuro di proporre una
nuova pietanza, magari a base di carne
ovina, ispirandosi alla storia di questo
ambiente chiamandola… cabrèo! Il talento
e la fantasia ai fornelli non mancano
di certo. «Per noi cucinare vuol dire mettere
sul piatto i colori della vita, i profumi
della terra, i suoni della Natura e attraverso
il cibo portare beneficio anche all’animo
delle persone!».
Una selezione di piatti proposti nel menù del ristorante Miseria e Nobiltà
Antica meridiana
Facciata del ristorante
Flavio Giuliano e Giuseppe Giordano davanti al murale di Miseria e Nobilta, fatto realizzare da
loro all’interno del ristorante
Miseria & Nobiltà
Ristorante Pizzeria
Via Carducci 43
50039 Vicchio
055 0511348
Miseria & Nobiltà
34 MISERIA E NOBILTA’
MISERIA E NOBILTA’ 35

Obbiettivo
Fotografia
A cura di
Maria Grazia Dainelli
A cura di
Maria Grazia Dainelli
Obbiettivo
Fotografia
Luciano Selvi
Silvano Silvia
Ha per amante la fotografia
Lampadina
Catturato dal fascino del fotoritocco,
realizza lavori di Digital
Art mostrando un’ ottima capacità
di utilizzo di tutte le macchine
fotografiche analogiche e digitali,
scanner e tavolette grafiche, acquisita
in anni di lavoro come fotografo
non professionista. Tra i suoi scatti
si ammirano nudi perfetti nei quali i
toni delicati del bianconero accarezzano
morbidamente il corpo femminile
che è sempre guardato con grande
pudore e con ammirazione, esaltando
e rispettando la sua dignità e bellezza.
Luci e ombre ne disegnano le
curve mai soffermandosi sui particolari.
Libera poi la fantasia in costruzioni
oniriche che richiamano l’arte
di particolari autori di fumetti, con
la sua fervida fantasia si trasforma in
un mago e conduce lo spettatore in
un sogno popolato da visioni irreali.
«Vieni con me» sembra dire Luciano
«metti da parte per un attimo
i problemi quotidiani e andiamo dove
tutto è possibile, dove convivono
mostri immaginari e luoghi conosciuti,
dove strumenti e oggetti della
nostra quotidianità si trasformano
magicamente e diventano elementi
ora minacciosi, ora rassicuranti».
Un mondo nel quale cambiano le dimensioni
e le leggi della fisica, dove
le persone sono oggetti e gli oggetti
vivono. Ecco che la macchina fotografica
digitale diventa per lui uno
strumento che serve a creare un’
opera d’arte.
LUCIANO SELVI
VIA FELICE FONTANA 16
selviluciano@yahoo.it
0039 371 1297340
Un reportage fotografico sulle tradizioni
delle isole Kerkennah a sud della
Tunisia. In mostra al Caffè Serafini di via
Gioberti a Firenze fino alla fine di ottobre
di Irene Silvia e Daniele Di Stefano / foto courtesy dell’artista
Kerkennah - Le isole senza tempo
è il titolo della personale del fotografo
fiorentino Silvano Silvia
in corso al Caffè Pasticceria Serafini di
via Gioberti a Firenze. La mostra raccoglie
gli scatti di un viaggio nell’omonimo
arcipelago tunisino in occasione di
una regata a Vela Latina, unica nel suo
genere anche per il supporto logistico
ed organizzativo del governo tunisino.
Le isole della Kerkennah non offrono
grandi possibilità di lavoro e la pesca a
bordo di feluche a vela latina, prive di
motore, è uno dei principali mezzi di sostentamento
degli abitanti. In particolare,
il mare abbonda di polpi, pescati con
le gargoulette che al rientro dalla pesca
vengono sistemate sulle banchine dei
vari porticcioli. Questi scatti raccontano
le tradizioni, la quotidianità e le storie
di un popolo legato fortemente alla propria
terra e orgoglioso della propria vita.
Appassionato di fotografia sin da giovane,
Silvano Silvia inizia l’attività di fotografo
nei primi anni ʼ80. Nel corso della
sua carriera affianca la fotografia ad altre
passioni, come quella per la musica
e per il teatro, collaborando ad eventi
musicali e teatrali non solo come direttore
della fotografia, ma anche come direttore
luci. Oltre al lavoro in studio, si
dedica alla realizzazione di reportage fotografici
sportivi, in particolare legati a
regate veliche, tornei di golf e gare automobilistiche
in pista. Il grande amore
per il mare lo porta ad aprire negli anni
80 uno dei primi centri di fotografia subacquea
italiani, dove la fotografia fa da
supporto alla ricerca biologica marina,
ed a collaborare con riviste di settore.
L’interesse e l’entusiasmo per i soggetti
delle sue fotografie lo portano ancora
oggi, dopo anni di esperienza, a creare
immagini uniche, cariche di storia ed
emozioni.
www.silvanosilvia.it
silvano.silvia@gmail.com
silvano.silvia@tiscali.it
Silvano Silvia
Il terrore della vecchiaia
Depravazione umana
La mia anima e il demonio
36 LUCIANO SELVI
37

Obbiettivo
Fotografia
A cura di
Maria Grazia Dainelli
Sandra Ceccarelli
Con uno scatto dà voce
alle sue immagini
Di Francesca Mariani / foto courtesy dell’artista
Lo smettere di lavorare e andare
in pensione a volte ti fa sedere
e, guardando davanti a te, ti accorgi
che il tuo orizzonte è sparito dietro
a un ciuffo d’erba o a un mucchietto
di sassi sdruciti. Sandra invece, dopo
essersi seduta e guardando dentro di sè
ha scoperto un sacco di cose che se ne
stavano quiete o addormentate. Come
una bambina ha cominciato a sorprendersi
del mondo intorno a lei. Non le bastavano
gli occhi perchè le immagini e
le idee erano veloci, si sovrapponevano.
E così ha scoperto il mondo fotografico.
Averle messo in mano una macchina
fotografica ha arricchito la sua capacità
di inventiva e di memoria e ha dato modo
alla sua anima, piena di buon gusto
e d’amore, di parlare, di rivelarsi. Certo
con la consapevolezza si rischia di perdere
leggerezza e spensieratezza, ma
dietro i suoi occhi azzurri c’è una gioia
infinita. Guardare attraverso di lei le
immagini di un mondo presente o passato
diventano preziose, come trasformate
da un filtro incantato. Allora nelle
sale del Castello di Sammezzano ti chiedi
se quelle figure diafane che danzano
siano reali o il sogno di una notte primaverile
di Sandra e ti senti trasportare
da una musica, perchè ovviamente
le sue immagini nascono accompagnate
da rondò e sospiri melodiosi, piena
di promesse attese o scordate, ansie di
cuori che fremono o solo ombre moresche
dimenticate.
Sandra Ceccarelli nasce nel 1946 a Firenze,
dove tuttora risiede. Si avvicina
al mondo dei fotoamatori nel
2010, diventando socia del Gruppo Fotografico
Il Prisma di Scandicci, unendosi in
seguito al GAT Gruppo Audivisivi Toscana
di cui fa parte. La vediamo protagonista di
diverse mostre personali ed espone le sue
opere negli spazi messi a disposizione da
locali pubblici e privati del comprensorio
toscano in collaborazione con Il Prisma. La
sua mostra Gente di Toscana è stata ospite
da giugno ad agosto di quest’anno al Castello
di Romena in Casentino; le fotografie
di Sammezzano, Ultimo Ballo sono state
scattate in occasione di una visita al castello
omonimo insieme ad un gruppo di
amici ballerini. Nel 2016 in occasione del
suo settantesimo anno di età, ha pubblicato
una raccolta di fotografie e poesie dal titolo
Dar voce alle immagini.
ceccarelli.sandra@gmail.com
+ 39 338 4335463
Dal 2007 Paolo svolge ininterrottamente l’attività di
ristorazione affiancato dalla figlia Paola e coadiuvato
da validissimi collaboratori che con competenza,
serietà servono con un servizio impeccabile una
grande varietà di piatti sia di carne che di pesce,
antipasti vari e un ottima Pizza.
FOTOGRAFIA PASSIONE PROFESSIONE IN NETWORK
www.universofoto.it
Via Ponte all’Asse 2/4 - 50019 Sesto F.no (Fi) - tel 055 3454164
Viale Spartaco Lavagnini, 40
50129 FIRENZE
Tel 0554684536
Cell 3333077211
map.la.cima.srl@gmail.com
Orari di apertura
Dal lunedì al venerdì
12.00 - 14 30 / 19.00 - 23.00
Sabato
19.00 - 23.00
Domenica chiuso
38 SANDRA CECCARELLI

Solidarietà
Autodeterminazione del popolo saharawi, diritto inalienabile
A Vitry sur Seine, comune in prossimità di Parigi, si terrà, i prossimi 21 e 22 ottobre, la 42° Conferenza
di solidarietà e coordinamento degli aiuti alla Repubblica saharawi. Un’occasione molto importante per i
nostri amici saharawi alla quale vi invitiamo caldamente a partecipare.
Pubblichiamo di seguito il programma della conferenza in lingua francese.
Maggiori informazioni visitando il link https://eucoco2017.eucocolemans.org/programme/
Joanna Southcote Aston
La meraviglia del quotidiano nelle opere dell’artista
inglese in mostra alle Giubbe Rosse di Firenze dal
15 dicembre al 3 gennaio
Anteprima
Mostre
di Daniela Pronestì / foto courtesy dell’artista
La conférence européenne de coordination du soutien au peuple sahraoui se tient les 21 et 22 octobre 2017 à la Halle des
Sports de Vitry-sur-Seine, Rue Pierre et Marie Curie 94, 400 Vitry sur Seine (commune toute proche de Paris dans le département
du Val-de-Marne).
L’ensemble des travaux, plénière et ateliers ainsi que les repas se tiennent dans ce même lieu.
• L’interprétation des séances plénières et de tous les ateliers se fera en 3 langues : français, espagnol et anglais
• Cette année, l’accent sera mis sur le travail en ateliers, principalement sur trois thèmes : la situation politique, les droits
de l’homme et les ressources naturelles, en articulant interventions en plénières et travaux en ateliers.
• Les hôtels que nous vous indiquons se situent à une distance raisonnable du lieu de conférence, et sont accessibles
par les moyens de transport public.
• Le montant de l’inscription s’élève cette année à 160 euros
Cette inscription correspond aux frais d’organisation de la conférence (salles, interprétariat, prise en charge de la délégation
du Front Polisario) et pour chacun des participants 3 repas et les différentes pauses café.
Samedi 21 octobre
8.30 / 9.30
Accueil des congressistes
10.00 / 13.00
Première Plénière – Interventions
générales, point de situation politique
et humanitaire, la parole
aux élus hôtes (45mn)Interventions
sur les thèmes retenus par la
42ème EUCOCO
• Politique: introduction à l’atelier
politique
• La construction de l’Etat
sahraoui en exil (santé, jeunesse,
éducation, culture, aide
humanitaire)
• Les ressources naturelles: introduction
à l’atelier correspondant
• Les droits de l’homme: introduction
à l’atelier correspondant
13.00 / 14.00
Buffet froid
14.30 / 16.30
Ateliers
16.30 / 17.00
Pause café
17.00 / 20.00
Ateliers
20.30
Repas officiel offert par la ville de
Vitry
Dimanche 22 octobre
9.00 / 13.30
Plénière de conclusion : la parole
aux associations, élus, représentants
d’institutions, d’Etats.
Les quatre thèmes qui vont structurer
nos débats et conclusions seront
traités en plénière et ateliers
le samedi et dimanche matin avec
des intervenants désignés, juristes,
experts, avocats, responsables associatifs
et politiques. La traduction
simultanée pour la plénière
comme pour les ateliers (français,
espagnol, anglais) permettra à chacun
de s’exprimer au mieux.
14.00
Repas sahraoui
Un realismo permeato di memorie,
squarci di vita fissati sulla
tela, sottratti al divenire del
tempo: visioni scoperte nel quotidiano,
soffermandosi ora sugli affetti più cari,
sui volti amati e familiari, ora invece sulla
magia di uno sguardo sconosciuto,
sul regalo prezioso di un sorriso inatteso.
Piccole e semplici cose che le opere
di Joanna Southcote Aston riscattano
dalla banalità dell’ovvio per consegnarle
all’universalità della pittura. Un’artista
dotata del raro dono della grazia, che le
consente di andare in profondità, di superare
l’apparenza consueta delle cose,
senza mai perdere il senso dell’armonia
e dell’equilibrio. Anche il sentimento,
che pure c’è ed è forte nel suo dire
pittorico, mantiene sempre la discrezione
delle parole sussurrate, dell’emozione
espressa senza strepiti ed eccessi.
Speranze, sogni, amori inconfessati
trapelano dai volti delle giovani donne
immortalate nei suoi dipinti, ancelle di
un tempio sacro nascosto nell’intimità
delle mura domestiche. Raccontano
Isabel, olio su tela
Nata in Inghilterra, dove giovanissima
ha studiato pittura, si
è trasferita a Firenze, dove ha
frequentato prima la scuola di Nerina
Simi, figlia del noto pittore di fine ottocento
Filadelfo, e poi l’Accademia di
Belle Arti, dove si è laureata in Pittura
con il massimo dei voti. Ha lavorato
come disegnatrice tecnica al Genio
Civile di Firenze, scegliendo la via del
prepensionamento per potersi dedicare
con continuità alla pittura. Ha esposto
in diverse mostre collettive, molte
delle quali organizzate dall’associazione
Toscana Cultura.
jsouthcote@aim.com
di una bellezza autentica,
priva di ornamenti,
vestita di
spensieratezza; le
vediamo sorridere
senza civetteria,
offrirsi timidamente
alla curiosità
dell’artista che le
osserva con attenzione,
sapendo bene
di non poter
accedere allo scrigno
della loro interiorità.
Spetta alle
stanze dove ogni
giorno segretamente
si consuma
la vita il compito di
rivelare il non detto:
angoli della casa
custodi di momenti
lieti, ricordi e malinconie,
testimoni
silenziosi di un vissuto
effimero che
la pittura trasforma
in poesia. Una lirica composta di attimi,
suggestioni fugaci, verità che si
mostrano il tempo necessario affinché
il colore, steso con tocchi rapidi e sapienti,
le catturi nella sua rete. Ad un’artista
capace di tanta sensibilità bastano
poche pennellate condotte con mano
sicura per mutare in linguaggio le sensazioni
ispirate dalla realtà. Un’immediatezza
espressiva riconoscibile tanto
nei quadri di figura quanto nelle nature
morte e nei paesaggi, altre declinazioni
di un immaginario pittorico che celebra
la meraviglia del quotidiano. La creazione
artistica, ci ricorda Joanna, è un atto
dello spirito; è la ricerca di una bellezza
che duri, dentro ed oltre l’incanto breve
dell’esistenza umana.
40 REPUBBLICA SAHARAWI
JOANNA SOUTHCOTE ASTON 41

Anteprima
Mostre
Terra: il ricordo
della nostalgia
Dal 16 ottobre all’11 novembre
l’Archivio di Stato di Firenze ospita la
personale dell’artista cinese Lin Mao.
Promossa dall’Associazione degli
Artisti Cinesi in Italia, la mostra
s’inserisce nel programma di eventi
collaterali della XIª Biennale
Internazionale d’Arte contemporanea
di Firenze
In quel momento, olio su tela, cm 20x240, 2017
di Jacopo Celona, direttore Florence Biennale / foto courtesy dell’artista
Poter ammirare le bellezze di un
paese come la Cina attraverso
gli occhi di un artista di talento
è un’occasione rara. Ancora di
più se la sua prima mostra personale in
Italia è ospitata in un luogo di così alto
profilo istituzionale come l’Archivio
di Stato di Firenze. Vorrei dunque ringraziare
l’Associazione Artisti Cinesi in
Italia (AACI), che da diversi anni collabora
con la Florence Biennale e che da
tempo si distingue nella città medicea
per l’organizzazione di mostre di illustri
artisti cinesi. Fin dalla sua fondazione,
nel 1997, la Florence Biennale persegue
l’obiettivo di promozione del dialogo
interculturale e interdisciplinare che
ha consentito a centinaia di artisti da
tutto il mondo di esporre, confrontarsi
e dialogare nella città che è stata culla
del Rinascimento. In questi anni ha promosso
diversi progetti e mostre personali
e collettive, con l’intento di favorire
attraverso l’arte una visione di bellezza
e pace in cui le diversità siano un valore.
Terra: il ricordo della nostalgia, mostra
personale di Lin Mao, s’inserisce
nel programma di eventi collaterali della
XI Biennale Internazionale d’Arte contemporanea
di Firenze eARTh: creatività
e sostenibilità. Il tema di questa edizione
non è estraneo all’opera di Lin Mao,
che ho il piacere e l’onore di presentare.
La natura è da sempre fonte di ispirazione
per gli artisti e in special modo è
amata da coloro che si sentono in simbiosi
con essa. Lin Mao ha vissuto la
sua giovinezza nelle campagne del Sichuan,
nel sudovest della Cina, dove ha
potuto apprezzare le bellezze di quei territori
e sviluppare una spiccata sensibilità
per la natura. Nei suoi paesaggi si
riflette l’Io interiore di un artista estremamente
sensibile, soprattutto in un
contesto globale dove l’Uomo mette a
rischio ogni giorno il patrimonio naturale
e culturale del nostro pianeta. Emozioni
e natura si diluiscono nei dipinti
di Lin Mao, che usa un linguaggio visivo
universale, di silenziosa, pacata e
riverente meditazione. Egli ci rivela la
sua poetica attraverso “paesaggi interiori”
che offre all’osservatore sulla tela,
predisponendolo a una riflessione sul
rapporto tra Uomo e Natura. Nella pittura
di Lin Mao, infatti, assume spiccata
importanza l’uso degli elementi, tra
tutti la raffigurazione del vento, percepito
come una patina distesa dal tempo
sul paesaggio, quasi a costituire un
diaframma ideale tra passato e presente.
Tecniche storiche e della contemporaneità
si amalgamano nella pittura di
questo artista raffinato, le cui velature
e cromie delicate rivelano uno studio
delle tradizioni cinesi ma anche l’assimilazione
dell’arte occidentale del Novecento,
guardando in particolare alla
Russia. Questa mostra è un’occasione
unica per poter ammirare a Firenze,
all’Archivio di Stato, le opere di Lin
Mao in contemporanea con la XI Florence
Biennale alla Fortezza da Basso, che
per l’occasione ospita oltre quattrocento
artisti da cinque continenti con una
nutrita partecipazione dalla Cina. Il successo
della manifestazione e dei suoi
eventi collaterali svela il crescente interesse
della città, a lungo focalizzata
quasi esclusivamente sulle glorie del
proprio passato, e ora a tutta evidenza
attenta alle espressioni artistiche contemporanee
internazionali. Espressioni
di eccellenza, innovazione e originalità
che la Florence Biennale contribuisce
a diffondere da un ventennio a questa
parte. Concludo questa mia breve presentazione
con l’augurio di una sempre
maggiore collaborazione tra la Florence
Biennale, la AACI e altre organizzazioni
prestigiose con le istituzioni fiorentine
per dar voce agli artisti contemporanei
di talento come Lin Mao, che con le lo
loro opere offrono un arricchimento alla
nostra città e al mondo.
42 43

Terra: il ricordo della nostalgia
Opere di Lin Mao
16 ottobre - 11 novembre
A cura dell’Associazione degli
Artisti Cinesi in Italia
Archivio di Stato / viale della
Giovine Italia, 6, 50122
Firenze
Orari e giorni di apertura:
dal lunedì al venerdì
10.00 - 17.00
sabato mattina
10.00 - 13.00
Ingresso libero
Ruscello di montagna a primavera, olio su tela, cm 83x131, 2015
Nasce nel 1975 nella Contea Yuechi,
a Guang’an, provincia di Sichuan.
Vice direttore del Centro
dello sviluppo di arte del Ministero della
Cultura della Repubblica Popolare Cinese,
è professore associato dell’Accademia
Nazionale Cinese di Belle Arti, pittore
dell’Accademia cinese di pittura ad olio,
assistente del presidente dell’Istituto di
Arte Contemporanea Cinese e direttore
generale e editore della rivista Mondo
dell’arte cinese. Ha ricoperto anche l’incarico
di vice ricercatore dell’istituto dell’arte cinese del Ministero di Cultura della
Repubblica Popolare Cinese e segretario generale dell’Accademia di pittura ad
olio cinese. Dal settembre 1992 al luglio 1996 ha studiato presso la scuola media
dell’Accademia Centrale Cinese di Belle Arti. Nel settembre 1996 è stato ammesso
all’Accademia Centrale di Belle Arti di Pechino, classificandosi al secondo posto, e
ha continuato a studiare presso la stessa accademia fino al luglio 2000, conseguendo
il Bachelor of Arts. Nello stesso anno la sua opera presentata come tesi di laurea,
dal titolo Stato, ha vinto la borsa di studio di Wang Jialian. Dall’agosto 2000 al luglio
2007 ha lavorato al Centro di Scambi Culturali Esteri del Ministero della Cultura, ricevendo
poi l’incarico di direttore. E’ stato anche direttore della galleria Zhong Wai
Boyi. Nel luglio 2007 ha iniziato a prestare servizio all’Accademia Centrale di Belle
Arti, lavorando come docente di corsi di pittura del paesaggio nei master per studenti
in pittura a olio. Ha partecipato a importanti mostre in patria e all’estero; molte sue
opere si trovano in collezioni ben note in patria e all’estero, e alcuni suoi lavori sono
stati donati a capi stranieri in occasione di cerimonie di Stato. Mentre continuava
a svolgere la propria ricerca artistica, Lin Mao ha anche organizzato una serie di importanti
attività culturali e artistiche per istituzioni nazionali, come l’Accademia di Arte
Contemporanea Cinese. Nel 2013 è stato invitato a partecipare alla China - France
art exhibition insieme ad altri artisti cinesi. A novembre 2014 è stato invitato al Salone
d’arte e cultura cinese e francese (Le Salon Comparaisons), mentre nel 2015
ha esposto in personale a Tokyo, alla presenza dell’ ex primo ministro del Giappone
Yukio Hatoyama. Nel 2017 ha ricevuto la medaglia del Chevaleresque in Francia.
Stato, olio su tela, cm 153x420, 2000

Firenze
Mostre
Maurizio Balducci
La forma dell’arte è il titolo della mostra personale
dell’artista e designer toscano in corso fino alla fine di ottobre
allo Spazio360Firenze. Un percorso tra complementi
d’arredo, sculture e installazioni che uniscono talento creativo
e innovazione dei materiali
di Daniela Pronestì / foto Maria Grazia Dainelli
Uno scorcio della mostra con le sculture della serie Individui
E’ designer ed artista. Eppure,
chiedendogli in quale di questi
ruoli si riconosca maggiormente,
Maurizio Balducci risponde
di preferire la definizione di “creativo”,
più generica rispetto alle altre
due, ma proprio per questo adatta
a riassumere i tanti indirizzi del suo
percorso. La mostra che lo vede protagonista
fino alla fine di ottobre allo
Spazio360 di via Simone Martini
a Firenze, esemplifica la varietà di
esperienze da lui maturate negli anni,
partendo dalla progettazione di originali
complementi d’arredo ed approdando
nel 2013 alle arti visive, con
particolare attenzione alla scultura -
installazione. Se è vero, come scriveva
Bruno Munari, che l’artista opera
con la fantasia, mentre il designer
lavora con la creatività, nel caso di
Balducci questa distinzione perde di
significato visto il suo modo di concepire
tanto gli oggetti d’uso quanto
le opere d’arte secondo un criterio
estetico costante in entrambi i casi.
Al rigore del progetto unisce, infatti,
uno studio della forma e una scelta
dei materiali che confluiscono in una
cifra stilistica originale e distintiva di
ogni sua creazione. L’unica differenza
consiste forse nella scelta di destinare
l’opera d’arte a tematiche di
maggiore impegno rispetto all’ironia
ludica spesso riconoscibile negli
oggetti di design. Lo vediamo, ad
esempio, nel ciclo dei Liberi pensatori,
dove la figura umana, stilizzata e
ripetuta in più varianti di colore, diviene
simbolo di una posizione intellettuale
fieramente contrapposta
alla schiavitù del così detto “pensiero
unico”. Oppure nella serie degli Esserini
- sculture in ceramica proposte
nella mostra fiorentina come repliche
su scala minore di un’installazione
monumentale - e degli Individui, titoli
che sottendono una riflessione sull’universalità
della condizione umana e
sull’identità della singola persona. Le
sculture del ciclo Legami descrivono,
invece, un rapporto profondo ed
indissolubile tra due individui, chiaramente
evocato dall’unione di due
corpi in uno solo. Si tratta di opere
che sottendono, dietro colori vivaci
ed accattivanti, un rapporto tutt’altro
che scontato tra semplificazione formale
ed immediatezza comunicativa,
oltre ad una continua ricerca e sperimentazione
di materiali ad alta innovazione
tecnologica. Negli oggetti
di design ricorre spesso il tema della
Maurizio Balducci con il tavolo retroilluminato realizzato per l’occasione dall’azienda Boffetto
natura rivisitata in chiave di artificio:
basti pensare all’appendiabiti Tippy,
sorta di totem sormontato da una testa
di coniglio, alle librerie a dondolo,
molto simili alla forma di una ghianda,
ai vasi coronati da grandi fiori colorati.
Altre volte, l’ispirazione viene
dalla figura umana, giocosamente rielaborata,
ad esempio, nei portafiori
dalla foggia antropomorfa. Allo
strumento dell’ironia, sapientemente
Gli appendiabiti Tippy
usato come via di fuga dalla banalità
di un design vincolato alla funzione,
si affianca la ricerca di dettagli eleganti
ed insoliti, capaci di trasformare
un oggetto d’uso in una presenza
esteticamente gradevole tra le mura
domestiche. E’ il caso del lavabo concepito
come una scultura in pietra o
del raffinato tavolo retroilluminato
esposto in quest’occasione grazie al
prototipo dell’azienda Boffetto. Rifiutando
ogni “etichetta”, eccezion fatta
per quella di creativo, Balducci rivendica
la possibilità di esprimersi senza
subire alcun condizionamento. Una
libertà che, unita ad un grande talento,
fa di lui un vero fuoriclasse.
www.mauriziobalducciarte.it
www.studioarchetipo.eu
E’ nato artisticamente nel 2013, e fin
da subito si è distinto per l’originalità
e la coerenza del suo registro stilistico,
che lo vede esprimersi in una pluralità di
percorsi espressivi, dalla scultura all’installazione,
dal quadro tridimensionale all’opera
dipinta. Tra i principali eventi espositivi realizzati
in questi anni, si ricordano: 2013, San
Gimignano, V’erticalismo / Natura ed Artificio,
mostra personale; Forte dei Marmi, Fish
and Cheers, mostra personale; Milano,
Fuorisalone, collettiva di artisti e designer;
2014, Firenze, Florence Design Week, Biblioteca Centrale Nazionale; Firenze, Palazzo
Panciatichi (Regione Toscana), mostra personale; Volterra, Palazzo dei Priori, mostra
personale; Chiusdino, Abbazia di San Galgano, mostra personale; Remangen – Germania,
Galleria Rosemarie Bassi; 2015, Firenze, Palazzo Medici Riccardi, ARTOUR– O, collettiva;
Rosignano Solvay, Galleria In Villa, mostra personale; 2016, Barberino Val d’Elsa,
mostra personale; San Donato in Poggio, Palazzo Malaspina, IN Chiantiere, mostra collettiva.
Ha esposto inoltre a Singapore, Hong Kong e in Spagna (Merida e Marsiglia). Nel
2016 due sue installazioni sono state collocate in permanenza nei pressi di Casole d’Elsa.
Come scultore, è stato tra i finalisti del Premio Cairo (Milano, 2015) e del Premio Tricolore
(Reggio Emilia, 2013).
46 MAURIZIO BALDUCCI 47

Fuori
Confine
Eventi in
Toscana
Da un’idea di Sofia Malagoli, giovane imprenditrice modenese,
nasce Bagni di vini, una manifestazione dove cultura ed
enogastronomia dialogano nel segno dell’eccellenza
A Villa Bardini una serata di solidarietà promossa
dalla Fondazione Foemina per sensibilizzare le donne
sul tema dell’endometriosi
di Elena Maria Petrini / foto di Anna Collavo
di Elena Maria Petrini / foto di Andrea Ungar e Elena Maria Petrini
Dall’idea di Sofia Malagoli, giovanissima
e intraprendente
imprenditrice modenese proprietaria
dell’Acetaia Daniele Malagoli di
Modena, nasce l’evento Bagni di vini. Ci
troviamo in Umbria, per la precisione a
Bagni di Orvieto, una zona vocata all’agricoltura
e all’enogastronomia dove Sofia
trascorreva le vacanze con la sua famiglia.
Dal legame affettivo con questo territorio
nasce l’idea di un evento per valorizzarlo
attraverso scambi culturali ed enogastronomici.
Sede della manifestazione è
Villa Giulietti, di proprietà de Il Capitello
Srl con amministratore unico Mirella Cavani,
di cui il padre di Sofia, Daniele Malagoli,
é socio. Gli spazi verdi della villa
ben si prestano ad una degustazione in
vigna e ad approfondimenti enogastronomici
sulle vie della storia e sul tema delle
popolazioni etrusche ed italiche. L’associazione
culturale Arkiwine ha voluto sostenere
e promuovere questa iniziativa,
che si è svolta lo scorso 3 agosto, alla
presenza del sindaco di Orvieto Giuseppe
Germani e di professionisti ed addetti ai
lavori di altissimo livello, tra cui Maurizio
Dante Filippi, miglior sommelier d’Italia
in carica e gestore di due locali, il Bistrot
9-19 e il ristorante Sala della Comitissa,
in provincia di Terni. La manifestazione
si è aperta con un brindisi “firmato”
dal vino bianco delle aziende Alberto Fiorini
e Maria Elena Sinibaldi. Erano presenti,
inoltre, Andrea Russo, esperto in
analisi sensoriale del salume e maestro
assaggiatore O.N.A.S., gli esperti in grappa
ed acquaviti Massimo Tortoioli e Stefano
Florio, rispettivamente presidente
e delegato A.N.A.G. Umbria, e Giuseppe
Pandolfo, delegato A.N.A.G. per la provincia
di Siena, con cui abbiamo potuto
degustare i distillati dell’azienda Bonollo.
L’evento ha previsto anche la presentazione
di due libri: I segreti della via etrusca
di Gianfranco Bracci e Marco Parlanti
accompagnato dalla degustazione di una
“coppa” di vino etrusco, prodotto dall’azienda
Rasenna in Tuscany secondo i
dettami dell’enologia etrusca interpretata
da Francesco Mondini, e Viteliù e Il nome
della Libertà di Nicola Mastronardi, a cui
si ispira l’omonimo vino della Cantina Cirulli
di Orvieto. Tra gli altri prodotti offerti
in degustazione, si segnalano: i salumi
dell’azienda Gerini (salame toscano, lardo
e finocchiona), la ricotta del caseificio
Roberto Reggiani, l’olio Evo dell’Oleoficio
Poldo di Lorenzo Polacco, l’aceto balsamico
tradizionale Dop di Modena dell’Acetaia
Daniele Malagoli, i piatti realizzati
con le farine dell’azienda Il Molino Cofelice
di Annarita Cofelice, e, dulcis in fundo,
l’oro edibile di Andrea Barillaro. Non
vanno dimenticati l’atteso cooking show
di Luca Tabarelli di F.I.C.O. (dove si è esibito
nella preparazione della pasta sfoglia
e tagliatelle) e la degustazione di Alchimia
Caffè, il tutto con la cornice musicale
ed inebriante del musicista Alessandro
Di Marco.
Giovedì 20 luglio 2017 nello
splendido scenario del giardino
di Villa Bardini a Firenze, la Fondazione
Foemina, Onlus nata a Firenze nel
2007 per volere del professor Mauro Marchionni
e dell’attuale presidente professor
Gianfranco Scarselli con l’intento di tutelare
la maternità e la salute della donna
e del neonato, ha organizzato una serata
di solidarietà dal titolo Cena con le stelle
sul tema dell’endometriosi. «E’ una patologia
invalidante per molte donne - afferma
il presidente Scarselli intervistato da
Fabrizio Borghini - a causa del dolore che
provoca, e che porta ad un progressivo
isolamento delle pazienti dal mondo e dalla
società, un’esperienza vissuta come un
incubo anche per i familiari. lo scopo di
questa cena è stato raccogliere fondi per
fare innanzitutto informazione, per i medici
e per la popolazione, e inoltre l’incasso
di questa serata sarà devoluto per creare
un opuscolo informativo sull’endometriosi,
in modo che la popolazione venga
adeguatamente e dettagliatamente informata
sulla patologia e la sua cura». Le
sale di Villa Bardini ospitano anche la mostra-evento
del pittore toscano di origine
gallese Llewelyn Lloyd dal titolo Paesaggi
italiani del ’900, che rimarrà aperta fino
al 7 gennaio 2018. «E’ la Toscana del
Novecento, che affonda le proprie radici
nelle immagini dei pittori macchiaioli»,
affema Lucia Mannini curatrice della mostra
che racconta, attraverso un’attenta
selezione di opere, i vari periodi dell’artista
livornese. Ma torniamo alla Cena con
le stelle, stelle che hanno brillato non solo
nel cielo di Firenze, ma anche in cucina
grazie all’opera di cinque chef stellati
che hanno preparato una cena indimenticabile:
Filippo Saporito, che gestisce, insieme
alla chef Ombretta Giovannini, il
ristorante La Leggenda dei Frati al primo
piano di Villa Bardini, ha presentato
un antipasto molto fresco ed estivo a base
di diversi tipi di pomodori accompagnati
da salame di cinta e pane; Cristiano
Tomei, del ristorante lucchese L’imbuto,
ha proposto un’insalata di calamari con
qualche sorpresina (una salsa di coniglio
ed un sale particolare ottenuto dalle interiora
di calamaro); Marco Stabile, patron
del ristorante L’Ora d’Aria a Firenze, ha
preparato un risotto allo champagne con
gelato al peperone arrosto e polvere di alloro;
Paolo Trippini, titolare dell’omonimo
ristorante di Civitella del Lago, vicino Terni,
si è invece cimentato in una guanciola
con senape e radici. Il menù della serata
si è concluso con l’immancabile dessert
del pastry chef Antonio Ciabattoni: un
sorbetto leggero a base di limone e salvia
(biologici) con crema di zenzero. Il tutto
accompagnato dagli equilibrati vini delle
aziende Maremma Alta e Campastrello I
Socci, dall’acqua San Benedetto e dall’olio
Evo del Frantoio di Santa Tea. Una serata
magica che ha unito scienza, arte e
convivialità nel segno della beneficenza.
Da sinistra, Egidio Forasassi, chef, Elisabetta Rondelli, Fabrizio Borghini, giornalista, Massimo
Tortoioli Ricci e Stefano Florio, rispettivamente presidente e delegato ANAG, Nicola Mastronardi,
giornalista e scrittore, Roberto Massari, editore; al centro, Maurizio Dante Filippi,
miglior sommelier d’Italia, Valentino Cirulli, enologo e produttore di vino, Marco Lodi, Elena
Maria Petrini, presidente Arkiwine, Giuseppe Pandolfo, delegato Anag provincia di Siena, Giuseppe
Germani, sindaco di Orvieto, Andrea Russo, maestro assaggiatore Onas; in basso da
destra, Francesco Mondini col vino etrusco della sua azienda Rasenna in Tuscany, Lorenzo
Polacco dell’Oleificio Poldo, Sofia Malagoli, proprietaria dell’Acetaia Daniele Malagoli e Maria
Elena Sinibaldi titolare dell’omonima azienda Maria Elena Sinibaldi
L’associazione Arkiwine ringrazia sentitamente
Sofia Malagoli e i sostenitori della manifestazione
elencati di seguito: Alchimia Caffè (Claudio Scaltriti),
Artepasta (Marco Lodi, Gigliola Guidi e Carlo
Lodi), Poderi Fiorini (Alberto Fiorini), Acetaia Daniele
Malagoli, Cantine Cirulli (Valentino Cirulli), Azienda
Rasenna in Tuscany - vino etrusco, Caseificio
Roberto Reggiani, Distillerie Bonollo, Gerini Carni
e Salumi, Goldeat - oro edibile di Andrea Barillaro,
Fleur Gros (Sandra Nadini), Incofar di Modena, LGI
Rental&Service, Luci.do di Nadia Polloni Mielitaly,
Molino Cofelice, Maria Elena Sinibaldi (azienda vitivinicola
omonima), Enoteca/Ristorante La Comitissa
(Maurizio Dante Filippi), Nicola Mastronardi,
Gianfranco Bracci, Marco Parlanti, Oleoficio Poldo
(Lorenzo Polacco di Anapoo), Andrea Russo di Onas,
Paola Soldi presidente nazionale ANAG, Massimo
Tortoioli presidente Anag Umbria, Marcello Del
Vecchio presidente Anag Toscana, Stefano Florio
di Anag Umbria, Giuseppe Pandolfo di Anag Siena,
Muratori Assicurazioni. Un ringraziamento va anche
ad Anna Collavo, Elisabetta Rondelli, Luca Tabarelli,
Cecilia Buonagurelli, Concept Arkiwine, Marco Lodi,
Ermes Melotti, Alessio Piccioli, Ario Sonnati, Mauro
Gallinella e Don Peppino
Da sinistra: Lucia Mannini, curatrice della mostra, Fabrizio Borghini,
giornalista Toscana Tv, Mauro Marchionni, Marcella Antonini Nardoni
e Gianfranco Scarselli, rispettivamente presidente onorario, vice presidente
e presidente della Fondazione Foemina
Gli executive chef Paolo Trippini (a partire da sinistra), Marco Stabile,
Antonio Ciabattoni, Cristiano Tomei, Ombretta Giovannini e Filippo
Saporito
48 BAGNI DI VINI
VILLA BARDINI 49

Eventi in
Toscana
A cura di
Paolo Bini, relatore Associazione Italiana Sommelier
Arte del
Vino
Arkiwine Art
Presentata a Vorno la collezione
privata di arte contemporanea
“Nunzia e Vittorio Gaddi”
di Elena Maria Petrini / Foto di Maurizio Mattei e e Anna Collavo
Domenica 24 Settembre 2017 a Vorno
(Lucca), Arkiwine ha voluto coniugare
l’arte contemporanea all’enogastronomia,
presentando l’evento: Arkiwine
Art- visita alla Collezione privata d’Arte Contemporanea,
Nunzia e Vittorio Gaddi, con
percorsi gustativi ad hoc, che si è svolto
presso la Villa quattrocentesca Le Pancore
dove il Notaio Vittorio Gaddi detiene
una vera e propria pinacoteca che iniziò
nei primi anni ‘90 con la prima opera dello
scultore Giò Pomodoro per arrivare ad
oggi con moltissime opere internazionali.
La visita in gruppi è stata guidata personalmente
dal Notaio Vittorio Gaddi, Presidente
dei Notai della provincia di Lucca,
proprietario di una delle più rinomate collezioni
private d’Arte Contemporanea presenti
in Italia, composta da circa trecento
opere d’arte. Fabrizio Borghini ha intervistato
per Toscana TV sia il Collezionista
Vittorio Gaddi, sia altri illustri ospiti come
il Direttore del Centro d’Arte Spaziotempo
di Firenze, Carlo Frittelli che ci ha sottolineato
il valore del collezionismo di opere
d’arte, Barbara Lombardi Santoro che ha
apprezzato questa meravigliosa collezione
privata ed Angelo Parpinelli, Presidente
del Museo d’Arte Contemporanea di Lucca.
A seguire abbiamo presentato i percorsi
gustativi creati ad hoc, con i prodotti
tipici locali, guidati da professionisti d’eccellenza,
ed un’artistica sciabolata tricolore
col Metodo Classico 2013, Pas Dosè
Blanc de Blancs di Alessandro Nieri proprietario
della Tenuta Montellori. Si è aperta
così la seconda parte dell’evento dove
è stato possibile apprezzare le caratteristiche
organolettiche sia dell’Olio Evo Vertigo
ed Essentia gocce d’oro dell’Azienda Matrix
di Giovanni Donnini di Fiesole (abbinato
con la zuppa di verdure alla Frantoiana
realizzata dal Catering Alessandro Stefani
di Lucca e col pane locale), sia dei salumi
delle due Aziende selezionate da Arkiwine:
Salumificio Gerini di Pontassieve (FI) e
Salumificio Benvenuti di Annunziata (LU),
abbinandoli in base alle loro caratteristiche
con l’acqua Fonte Ilaria (LU), con i due vini
Chianti delle Aziende Tenuta Maiano e
Fattoria Montellori, decantati entrambi in
un altro articolo di questo stesso numero,
da Paolo Bini, Sommelier Relatore AIS. A
chiudere le degustazioni due abbinamenti
di fuoco con il lardo e grappa ed acquaviti
dell’Azienda Distillerie Bonollo Spa guidati
da Giuseppe Pandolfo, Tecnico dell’Azienda
e Delegato ANAG della provincia di
Siena. Anche qui un ospite illustre come
il professor Roberto Barale, che insegna
Genetica del Gusto presso il Dipartimento
di Biologia dell’Università degli Studi di
Pisa, che ci ha deliziato della Sua presenza
dando spunti per altri approfondimenti.
https://youtu.be/y6ylOl0iB1o
Le prossime attività Arkiwine coinvolgeranno
altri esperti nel settore agroalimentare come
il Docente Gastronomo Andrea Russo (nella
foto qui accanto) esperto in analisi sensoriale
degli alimenti e delle bevande che ci
consiglierà sull’acquisto più consapevole e rispettoso
dei ritmi stagionali.
il Docente Gastronomo Andrea Russo
Espressioni del Chianti
La serata d’arte contemporanea organizzata
recentemente da Arkiwine a
Vorno, ha avuto un epilogo con percorsi
gustativi enogastronomici che hanno
regalato i sapori del territorio toscano e
spunti interessanti per suggerirvi oggi sfiziosi
abbinamenti raccontando la nostra tradizione
enoica regionale. Il Chianti DOCG è
una delle denominazioni più conosciute nel
mondo e rappresenta certamente una delle
realtà più prolifiche nel panorama del vino
nazionale. L’area di produzione, che non deve
essere confusa con quella del Chianti Classico,
è vasta e si insinua all’interno delle province
di Arezzo, Firenze, Pisa, Pistoia, Prato
e Siena includendone solo quei territori ovviamente
adatti alla viticoltura di qualità. Oltre
alla generica denominazione Chianti, è possibile
trovare in etichetta il nome di una delle
sette sottozone che ne identificano ancor più
rigorosamente la provenienza: Colli aretini,
Colline pisane, Colli senesi, Montalbano,
Rufina, Montespertoli e Colli Fiorentini.
Proprio dall’areale Chianti Colli Fiorentini
proviene il Vigneto San Quirico DOCG, vino
rosso brioso di Tenuta Maiano. Azienda
con sede in Montespertoli, lavora da anni in
regime biologico certificato cercando di trasferire
la purezza e il ritmo della natura all’interno
del bicchiere. Il vino di annata 2015 si
presenta rubino, con trama ben raccolta grazie
anche alla presenza di uve Cabernet che
assistono il Sangiovese anche nel percorso
olfattivo attraverso nitide sfumature balsamiche
di sfondo a preminenti percezioni di violetta
e marasca con soffi di macis. In bocca è
buona la sinergia fra acidità e tannini e il gusto
di amarena è percettibile e giustamente
lungo. L’abbinamento testato per l’occasione
con il rigato avvolto e ancor più con le
salamelle dolci di Salumi Benvenuti non ha
lasciato dubbi ma strategico è anche l’accostamento
con primi piatti al ragù d’anatra.
Fattoria Montellori, altro partner della
manifestazione, ha invece tenute che spaziano
fra San Miniato e Cerreto Guidi. Azienda
di grande tradizione, opera nel mondo vinicolo
da fine ‘800 con la certezza che il vitigno
Sangiovese rappresenti la personalità e la vera
anima del proprio territorio. Il suo Chianti
DOCG 2015 ha rossi riflessi traslucidi con
sfumature porpora che invitano alla degustazione.
Profumi di rosa e lavanda sono i tratti
caratteristici olfattivi arricchiti da aromi di
ciliegia con note minerali. L’approccio al palato
è freschissimo, con acidità in primo piano
che dona sensazioni di agrume miscelato
a frutta rossa e contiene un alcol comunque
buon protagonista. Vino snello e vivace che
perfettamente si è accompagnato al prosciutto
toscano DOP di Salumificio Gerini, una liaison
appagante da cui si potrebbe uscire solo
con una tentatrice pappa al pomodoro.
Info e consulenza: wine@bini.eu
Arkiwine Art
di Elena Maria Petrini
Arkiwine per questo evento che coniuga
l’arte contemporanea al territorio toscano
ha voluto far decantare con il simposio
di Paolo Bini (Relatore dell’Associazione
Italiana Sommelier) due meravigliosi vini
portati in degustazione creando così abbinamenti
ad hoc di altissimo valore culturale
enogastronomico del nostro territorio,
in modo da mantenere un livello altissimo
non solo per la parte artistica in senso
stretto della collezione privata di arte contemporanea
“Nunzia e Vittorio Gaddi” ma
anche per quella multi sensoriale enogastronomica.
Chianti Colli fiorentini DOCG 2015, Tenuta Maiano
Foto Maurizio Mattei
Ringraziamo tutti i soggetti che hanno consentito questa realizzazione partendo da: Nunzia e Vittorio Gaddi, Giovanni Iacomini, Alessio
Piccioli (Referente eventi per Arkiwine), Carlo Frittellidel Centrod’ArteSpaziotempo, Giovanni Donnini di Matrix Srl, Alessandra ed
Antonella del Salumificio Gerini, Guido del Salumificio Benvenuti, Alessandro Nieri della Fattoria Montellori, Gianfranco Nigi della Tenuta
Maiano, Giuseppe Pandolfo ANAG Siena, Distillerie Bonollo Spa, Paolo Bini AIS Firenze, Marco Gaddini di Fonte Ilaria Spa, Rocco
Sabatino di Citysightseen e Florentia Bus.
Da sinistra Nicholas Gaddi, Giovanni Donnini,
Roberto Barale, Nunzia e Vittorio Gaddi, Elena
Maria Petrini, Carlo Frittelli ed Alessio Piccioli
Sequenza della sciabolata di Elena Maria Petrini
utilizzando tre nastri della bandiera italiana ed
una bollicina italiana della Tenuta Montellori
Prodotti di Salumi Benvenuti
Prodotti di Salumificio Gerini
Chianti DOCG 2015, Fattoria Montellori
50 ARKIWINE ART
ARTE DEL VINO 51

Dimensione
Salute
A cura di
Anita Norcini Tosi
Agopuntura riflessogena per la terapia dei dolori:
ne parliamo con uno specialista, il dottor Marco Lepori
Foto archivio Lepori
Pubblichiamo di seguito l’intervista
di Anita Norcini Tosi al dottor
Marco Lepori, specialista in
Agopuntura Riflessogena per la terapia
dei dolori.
Dottore ci spiega brevemente cosa è
l’agopuntura riflessogena?
É l’agopuntura rivista, negli anni Settanta,
con l’occhio della medicina moderna,
mentre l’agopuntura classica cinese
si basa sulle antiche e rispettabilissime
teorie energetiche, quella riflessogena
si basa sulla neurologia moderna.
Per cui quando si infigge un ago in uno
dei 362 punti dell’agopuntura, vengono
stimolati degli specifici recettori nervosi,
che poi, con le loro fibre, si connettono
al midollo spinale, dove attivano
meccanismi di controllo della trasmissione
del dolore. Infine, lo stimolo arriva
al cervello e produce una liberazione
di endorfine, nostri analgesici naturali.
Questo vuol dire, quindi, che lo stimolo
agopunturale innesca meccanismi antidolorifici
già presenti dentro di noi.
Dell’auricoloterapia cosa ci dice?
L’auricoloterapia è una riflessoterapia
agopunturale (detta anche auricolopuntura)
che nasce negli anni Cinquanta dagli
studi del medico francese Nogier di
Lione. La famosa rappresentazione di un
neonato a testa in giù sul padiglione auricolare,
è una realtà neurologica dovuta
a una connessione, a livello della prima/
seconda vertebra cervicale, tra il midollo
spinale, dove passano tutti i messaggi
sensitivi verso il cervello, e il nucleo del
nervo trigemino che, con un suo ramo,
ribalta tutti questi messaggi su zone ben
precise del padiglione auricolare. I punti
corrispondenti a zone corporee dove c’è
dolore diventano molto sensibili; con apposite
tecniche troviamo questi punti e
ci infiggiamo un ago. Parte così uno stimolo
agopunturale verso il cervello, ove
si attivano tutta una serie di meccanismi
naturali di controllo del dolore. Spesso,
specie nei casi acuti, l’auricoloterapia dà
risultati di miglioramento immediati, in
2-3 secondi.
Quali sono le patologie che tratta con
l’agopuntura?
Con l’agopuntura si trattano tante patologie
sia somatiche che viscerali o
endocrine. Da oltre trentotto anni, mi
occupo solo dei dolori somatici. Le patologie
dolorose nelle quali, modestia
a parte, ho maturato molta esperienza
sono: i dolori della colonna sia cervicale
che lombare, la sciatica, i dolori delle
anche, ginocchi, caviglie e i dolori di
polsi, gomiti, spalle, queste ultime anche
nei casi di blocco funzionale, calcificazioni
o lesioni tendinee. Tratto anche
tendiniti e nevriti in genere e, casi questi
molto impegnativi, cefalea, emicrania e
nevralgia del trigemino.
Come avviene il trattamento e quante
sedute occorrono?
L’agopuntura è una medicina “integrativa”,
cioè di supporto alla medicina
ufficiale e non “alternativa” come erroneamente
da alcuni è indicata. Noi
siamo medici e quindi, prima di tutto,
dobbiamo fare la diagnosi. Per questo,
oltre all’anamnesi e all’esame clinico
del paziente, esaminiamo anche tutte
le indagini cliniche eseguite (RX-TC-R-
MN, etc) e, se è il caso, suggeriamo l’esecuzione
di ulteriori accertamenti. A
quel punto prospettiamo la possibilità
di eseguire un ciclo di agopuntura che
si compone, in media, di sei sedute, per
una terapia la cui durata è generalmente
di un mese. Fanno eccezione le cefalee
e le nevralgi trigeminali, per le quali
occorrono circa dieci sedute. La seduta
ha una durata di circa quaranta minuti;
si comincia con l’auricoloterapia e
si prosegue con l’agopuntura su determinati
punti del corpo (somatica), alcuni
dei quali vengono sottoposti ad una
lieve stimolazione elettrica con specifici
elettrostimolatori (elettroagopuntura).
Quali sono in genere i risultati della
terapia?
A fine ciclo esprimo un giudizio sul risultato,
ovviamente sempre indicato
dal paziente, usando i termini “scarso,
discreto, buono, ottimo”. Non esiste
il giudizio “nessun risultato”, perchè
se non vedo alcun miglioramento dopo
3/4 sedute, cosa abbastanza rara, consiglio
al paziente di interrompere subito
il trattamento.
Il dottor Marco Lepori riceve a Firenze al
poliambulatorio PAS di Campo di Marte,
presso la Salus Medica in via Arrigo
da Settimello n° 5. Per fissare una visita,
rivolgersi al centralino unico PAS 055-
711111. Per quanto riguarda i costi, è
possibile usufrire di una tariffa agevolata
(47 euro a seduta) diventando soci PAS
(10 euro annui).
Laureato in Medicina e Chirurgia
all’Università di Firenze (1975),
per quant’anni il dottor Marco
Lepori ha esercitato la professione
nel comune di Vaglia, dove per un lungo
periodo è stato anche medico condotto
e ufficiale sanitario. Tra il 1977 e
il 1979 si è dedicato allo studio dell’agopuntura
frequentando la S.I.R.A.A.
(Società Italiana Riflessoterapia Agopuntura
e Auricoloterapia) presso la clinica
chirurgica dell’Università di Torino.
Nel 1978 ha preso parte ad un viaggio
di approfondimento su questa materia
in Cina, sotto l’egida del Ministero della
Sanità. Pratica l’agopuntura riflessogena
per la terapia dei dolori somatici dal
1979. E’ autore di due trattati: Meccanismi
neurofisiologici della analgesia in
agopuntura (2002) e Viscerotopia nella
conca auricolare e nel meato acustico
esterno (2017).
52 DIMENSIONE SALUTE
DIMENSIONE SALUTE 53

Eventi in
Toscana
Passaggi
É il titolo della mostra di Paolo e Paola Staccioli in
corso fino al 3 dicembre all’Auditorium di Scandicci
di Maria Grazia Dainelli / Foto Riccardo Verdiani e Francesco Mauro dell’Associazione Prisma Scandicci
Si intitola Passaggi, la mostra di
Paola e Paolo Staccioli che sino
al 3 dicembre 2017 sarà ospitata
nell’Auditorium di Scandicci, sconfinando
anche negli spazi esterni del
piazzale della Resistenza e della pensilina
della fermata della Tramvia, che
collega la città con Firenze. La mostra,
curata da Marco Tonelli, promossa dal
Comune di Scandicci, con il contributo
della Regione Toscana e della Città Metropolitana
di Firenze, in collaborazione
con Fondazione Museo di Montelupo
Fiorentino e del Centro Pecci di Prato,
testimonia metaforicamente e concretamente
la storia di un viaggio, di un
passaggio appunto. Tra i due artisti, innanzi
tutto, che sono padre e figlia e
che si tramandano uno stesso mestiere,
ma anche tra i luoghi che ospitano
la mostra, collegati e al contempo divisi
dalle grandi vetrate dello splendico
edificio di Rogers. Passaggi dunque
tra Paolo, classe 1943, e Paola Staccioli,
nata invece nel 1972, che sono legati
da una storia ereditaria che li vede lavorare
entrambi, anche se in modalità
poetiche molto diverse, lo stesso materiale:
la ceramica. Raccontando nelle
loro opere, grandi quelle di Paolo,
di piccole dimensioni quelle di Paola,
storie di due viaggi indipendenti, fatti
di continui rimandi, avvicinamenti e
lontananze. E poi Passaggi attraverso
confini fisici veri e propri, le piazze e le
architetture di Scandicci, in un percorso
espositivo che conduce il visitatore
nel racconto della mostra. Scandicci,
dove i due artisti vivono e lavorano,
rende loro omaggio, aprendo per la prima
volta all’arte contemporanea i suoi
edifici e il suo centro più rappresentativo.
Ma grandi opere in bronzo e ceramica
di Paolo Staccioli hanno invaso
anche gli spazi esterni della città. Sculture
giganti che rappresentano figure
del mito e figure del quotidiano, accoglieranno
i viaggiatori in arrivo e in partenza
dalla fermata della Tramvia per e
da Firenze, mentre guerrieri, guerriere
e cavalli su ruote, anch’essi in bronzo,
sono stati messi a guardia del piazzale
antistante il Nuovo Centro, realizzato
nel 2013 su progetto dell’architetto
Richard Rogers e accompagneranno il
visitatore fino alla grande hall dell’Auditorium,
dove e stata installata una piattaforma
in legno affollata da 40 figure
in ceramica dipinta a lustro di Paolo e
15 gruppi di oggetti in ceramica smaltata
di Paola. Oggetti che hanno l’apparenza
di un’utilità domestica (teiere,
piatti, vasi e tazzine), ma che sono
ogni volta inventati come non dovessero
servire ad altro che ad essere ammirati.
Il percorso è aperto al pubblico
occasionale o interessato, che potrà
confrontarsi con le grandi sculture dei
viaggiatori di Paolo, per essere scortato
da sentinelle arcaiche fin dentro l’architettura
moderna, al piano superiore,
dove l’esposizione è articolata in una
sorta di installazione di sculture in ceramica
di ogni dimensione, colore e lucentezza,
anch’esse opera di Paolo, per
terminare con i manufatti-scultorei di
Paola, tra cui spiccano teiere e vasi. Il
catalogo, con testi del curatore e di Antonio
Natali e Ornella Casazza, è pubblicato
dalla casa editrice Gli Ori (15,00
euro). La mostra è organizzata grazie
al prezioso contributo di Metal Studio e
Chianti Banca.
In questa e nelle altre foto alcune opere di entrambi gli artisti esposte nella piazza antistante l’Auditorium
Alcune delle opere di Paola Stacciola in mostra a Scandicci
Le sculture di Paolo Staccioli
54 PAOLO E PAOLA STACCIOLI
55

La Pragma srl, azienda di Prato,
opera nel settore dell’Outsourcing
Alberghiero e dei Servizi Fiduciari
PRAGMA s.r.l. opera specificamente nel
campo dei servizi di Vigilanza Non Armata,
di Guardianato e Sorveglianza, di Portierato
e Accoglienza Clienti.
Il punto di forza qualitativo di PRAGMA
è nella sua capacità di essere presente in
modo capillare e radicato sul territorio, del
quale sviluppa una conoscenza mirata, unita
all’efficace collaborazione con aziende
che rappresentano la storia e l’eccellenza
della vigilanza in Italia.
Lo scopo di PRAGMA è quello di fornire,
in ogni luogo e situazione in cui c’è bisogno
di ordine, organizzazione e pulizia, un
servizio completo ed efficace mettendo insieme,
procedure, tecnologie e personale
selezionato e affidabile per soluzioni flessibili
e personalizzate.
La Pragma srl, fondata sull’esperienza lavorativa
acquisita dai soci nel corso degli
anni, opera nel settore dell’Outsourcing Alberghiero
e dei Servizi Fiduciari.
Il servizio base che l’azienda ha introdotto
sul mercato è la gestione di appalti all’interno
di Strutture Alberghiere, Centri Commerciali,
Cantieri Edili e Strutture Pubbliche
e Private, attraverso accordi di Partnership
che tengano conto delle potenzialità recettive
del partner prescelto e della volontà
del cliente a voler sviluppare il proprio core
business, concentrandosi su quest’ultimo e
terziarizzando il resto. L’Azienda è ormai una
realtà ben attestata sul territorio della Regione
Toscana, in particolar modo nelle città di
Firenze e Prato.
La lunga esperienza maturata negli anni,
ha dato a PRAGMA l’opportunità di servire
importanti aziende leader nel settore
del turismo, riferendosi soprattutto a strutture
alberghiere a 3 e 4 stelle. La soddisfazione
del Cliente è massima quando riesce
ad ottenere un ottimo servizio; per il raggiungimento
di questo risultato PRAGMA è
orientata a una scrupolosa organizzazione e
gestione dei piani dell’Albergo, per permettere
al Cliente di mantenere sempre alti gli
standard di pulizia e qualità.
I soci Francesco Bellantuono e Marco Vignoli
Gioco della Pallagrossa, Prato
Pragma srl
Via Traversa Fiorentina 6
59100 Prato
tel. 0574-636564
fax 0574-635935
www.pragmasrl.eu
info@pragmasrl.eu
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Eventi in
Toscana
A cura di
Giorgia Armellini
Sfaccettature
Fiorentine
La forma dell’arte
Spazio360Firenze si fa mecenate dell’arte promuovendo la
personale di Maurizio Balducci
di Annalisa Ignesti / foto courtesy spazio360
Oltre 1.500 ospiti per l’inaugurazione
della mostra personale
dell’ artdesigner Maurizio
Balducci presso lo Spazio360Firenze,
organizzata da Flamingo Firenze Srl.
Porcelanosa, azienda spagnola numero
uno al mondo nella produzione di superfici
per l’architettura e main sponsor
della serata, ha reinterpretato, insieme
a Boffetto, specializzato nella lavorazione
del Krion Porcelanosa Solid Surface,
un materiale innovativo ed estremamente
versatile, alcuni pezzi dell’artista
e alcuni elementi di design messi
in palio tra i partecipanti. Tante novità
per gli ospiti intervenuti e un catering
d’eccezione che ha proposto specialità
della cucina valenciana, hanno fatto
da cornice a questa bella serata di fine
estate dove arte, design e cultura hanno
fatto da padrona. Il progetto Spazio360Firenze
rappresenta un concreto
esempio di riconversione e riutilizzo di
spazi originariamente adibiti a scopo
artigianale e manifatturiero. Al centro
della trasformazione c’è proprio l’idea
di un luogo dalla forte valenza culturale
e simbolica, un capannone industriale
che si trasforma e diventa un grande
loft, un contenitore creativo ed innovativo
che, nel rispetto della passata vocazione
produttiva, sviluppa una nuova
ed affascinante funzionalità: Spazio Arredamento,
Spazio Design, Spazio Cucina,
Spazio Benessere, Spazio Eventi,
ma soprattutto Spazio al Cliente. E’ proprio
in quest’ottica che Spazio360Firenze
si rinnova e diventa un referente
importante per quei professionisti del
settore, che fanno della qualità e della
ricerca sui materiali, un tratto distintivo
del loro lavoro. Facilmente raggiungibile
e dotato di ampio parcheggio, con i
suoi oltre 3.000 mq di showroom, Spazio360Firenze
rappresenta la sapienza
artigianale italiana e lo stile più attuale
per arredare in modo unico. Partners
dell’evento: l’associazione ADA Donne
Architetto, Gaggenau, Birra Ichnusa e
i ragazzi dell’Istituto Superiore Federigo
Enriques di Castel Fiorentino. E’ possibile
visitare la personale di Maurizio
Balducci presso lo Spazio360Firenze fino
alla fine di ottobre 2017.
Perché il quartiere delle Cure si chiama così?
Il quartiere delle Cure si sviluppò come
quartiere residenziale in seguito all’ampliamento
della città con i lavori della Firenze
Capitale. Fino ad allora era stato
un piccolo insediamento fuori le storiche
mura cittadine, dedito per secoli alla
lavorazione di corde e tessuti, e qui
sorto per la presenza del torrente Mugnone
che garantiva l’acqua indispensabile
per tali attività artigianali. Lungo
gli argini del Mugnone lavoravano i funaioli
e i curandai. I primi realizzavano
funi e corde ricavandole dalle matasse
di canapa che stendevano lungo il corso
d’acqua. Invece, i secondi lavavano,
sbiancandole - in latino “cura” è sinonimo
di mondatura e da qui “curandai”
- le tele di lino con il ranno, che poi
risciaquate venivano stese sui fili posti
sugli argini del torrente. Sul finire
dell’Ottocento la “curatura” delle tele divenne
prevalentemente un lavoro femminile
e poi un semplice lavaggio della
biancheria sporca che era ritirata nelle
case dei fiorentini il lunedì mattina e riconsegnata
pulita il sabato. Piano piano
tale attività scomparve dalla zona, ma
rimase nella toponomastica. Non a caso,
il quartiere fu battezzato “le Cure” a
ricordo dei curandai che qui per secoli
furono attivi.
“I toni”: la tuta fiorentina
Evento Porcelanosa presso lo Spazio360Firenze
Via Simone Martini,7
Firenze
www.spazio360firenze.it
info@spazio360firenze.it
Intervista a Stefano Gualandi C.E.O.. Spazio360Firenze-Termomarket Srl.
Maurizio Balducci e le titolari della Flamingo Firenze
Mettiti i’ toni! Dal relax casalingo ai lavori
domestici, dal classico jogging nel
parco, all’ora di educazione fisica al liceo,
quante volte questa frase entra nella
quotidianità fiorentina? Praticamente
sempre! Un modo di dire consolidato
che ancora oggi la fa da padrone a Firenze
e che lascia interdetto l’interlocutore
non avvezzo al nostro vernacolo. Ma
perché si dice così? E perché solo a Firenze
e dintorni? Mentre le sue origini
risalgono indubbiamente al periodo del
secondo dopoguerra, esistono diverse
versioni sulla comparsa di questa parola
nel dialetto fiorentino. La prima, forse
la più diffusa, racconta che, a guerra finita,
i soldati americani di stanza a Firenze,
ricevuto l’ordine di rimpatrio, cucirono
sulle loro tute la sigla TO N.Y, acronimo
di To New York (a New York). Non potendo
però spedire negli Stati Uniti molte
cose, gli indumenti sportivi furono tra i
prescelti per rimanere in Italia: regalo per
tutti i fiorentini che dovevano affrontare
un durissimo periodo di ricostruzione.
Fu così che dal 1945 in poi le numerose
tute “yankee” rimasero a Firenze e furono
messe in vendita fra le cose usate
al mercato di San Lorenzo. Il toni (inizialmente
con la y finale) andò così ad
identificare uno specifico indumento
sportivo, che in Italia era sostanzialmente
inedito. Una seconda voce, certo meno
romantica della prima, identifica la
parola con l’acronimo, stavolta tutto italiano,
di Tuta Olimpica Nazionale Italiana,
realizzata in occasione delle Olimpiadi
di Berlino del 1936, dove gli atleti della
squadra italiana per la prima volta si presentarono
tutti con indosso la stessa tuta
sportiva confezionata per l’occasione
proprio a Firenze. Insomma, perché da
queste parti si usi questo modo di dire
rimane ancora un mistero, ma almeno ai
“forestieri” che domandano ridendo cosa
sia il “toni”, avrete belle storie da raccontare!
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SFACCETTATURE FIORENTINE 59

Omaggi
A cura di
Barbara Santoro
Firenze dice addio ad Enzo
Faraoni, raffinato interprete
della pittura italiana
a cavallo tra due secoli
Barbara Santoro con il maestro Enzo Faraoni
di Barbara Santoro / foto di archivio
La notizia della scomparsa di
Enzo Faraoni rattrista il mondo
culturale fiorentino anche
se ormai da anni il pittore si
era ritirato in quella sua villa all’Impruneta
nella campagna toscana a
causa della cecità che lo affliggeva
da lungo tempo. Nato il 29 dicembre
1920 a Santo Stefano Magra
(La Spezia), era cresciuto a Montelupo
Fiorentino e quindi a Carmignano
dove visse i tragici fatti del
1944. La sua esperienza personale,
il padre ferroviere, i problemi della
guerra e l’interpretazione di quel
mondo che lo circondava furono
espresse nelle prime acqueforti realizzate
dopo l’iscrizione all’Istituto
d’Arte di Porta Romana. Lì ebbe per
maestri Chiappelli, Lunardi e Pietro
Parigi. Si diplomò nel 1939 e grazie
ad Ottone Rosai, che ne riconobbe
il grande talento, ebbe la sua prima
mostra fiorentina nel 1942 alla
galleria Il Fiore. Presente nelle maggiori
rassegne in Italia e all’estero,
dalle Biennali veneziane alle Quadriennali
romane, nel 1961 vinse il
premio Il Fiorino e il primo premio
per la xilografia alla Biennale di Venezia
del 1968. Lunga e duratura fu
la sua collaborazione con scrittori
poeti, narratori e critici: Santi, Luzi,
Parronchi, Betocchi, Gatto, Testori,
Trombadori, Santini, Berti, Baldini,
Paloscia e tanti altri. Faraoni dedicò
una parte significativa della sua
opera all’acquaforte e alla xilografia,
ma con la stessa tenacia dipinse
tele di grande tensione tra cui i suoi
autoritratti e le numerose nature
morte. Bellissimi i suoi fiori: i giaggioli,
i ciclamini, i gerani, le pansè
e le piante di sassifraga. Nel volgere
degli anni, cambiò molti studi,
da quello di via Panicale a quello di
via Guelfa, per poi finire in una serra
in via della Robbia subito dopo
la guerra. Nel 1951 conobbe Dianora
Morandino, una stilista geniale
che divenne sua moglie nel gennaio
1953. A partire dal 1963 trasferì
“il suo luogo di polvere” (così amava
definire il suo studio) in piazza
Donatello, nel cuore del quartiere
degli artisti,
dove rimase
fino al 2005,
dopo la perdita
dell’adorata
moglie per
la quale ebbe
un affetto immenso
ed una
condivisione
spirituale ed
artistica. Faraoni
si è spento
nella sua
grande casa in
mezzo alla natura
e agli animali
che tanto
amava. Nella
più assoluta
autonomia stilistica
fu capace
di tradurre
magistralmente
l’incertezza
esistenziale
della vita, sia
nel ritratto
che nelle nature
morte,
ma soprattutto
nel disfacimento
del suo Maria Pia, acquaforte,1993
corpo negli autoritratti. Nel 2015
ha donato all’Accademia delle Arti
del Disegno l’intero corpus di opere
eseguite in acquaforte durante
la sua vita consistente in quasi
1000 incisioni che oggi si conservano
con cura nell’archivio dell’Accademia.
Firenze perde con lui un
testimone fedele di un’epoca e un
grande artista molto amato dai fiorentini.
Nudo seduto, olio su tela, 1966 Ritratto di ragazza, olio su tavola, 1969
Ragazza con golf bianco, olio su tavola, 1970
Vaso di fiori, olio su tela, 1974
60 ENZO FARAONI
ENZO FARAONI 61

Case
d’artista
Grazia Tomberli
L’artista fiorentina ci accoglie nella sua
casa - studio con vista sulle colline di Fiesole
di Barbara Santoro / foto courtesy dell’artista
In una bella casa fiorentina, nella
zona detta “Il Salviatino” (dal
nome dato dalla famiglia Salviati
alla villa più piccola rispetto
a quella grande sulla via Bolognese),
vive e lavora la pittrice Grazia
Tomberli. Figlia del pittore Sergio
Tomberli, scomparso giovanissimo
quando lei aveva solo diciotto anni,
questa donna dall’apparenza fragile
dimostra una forza ed una energia
davvero notevole. Nonostante
le “batoste” che la vita le ha dato,
ha sempre ricominciato con i suoi
pennelli a ricreare quel tessuto vitale
che le permette oggi di essere
annoverata fra i pittori di grande talento.
Qualcuno l’ha definita “l’artista
che fa muovere il vento tra gli
ulivi” e che fa “battere la schiuma
del mare sulla battigia”. Bruna, elegante,
con un sorriso che incanta,
Grazia accoglie le committenze
senza mai sgomitare o venir meno
al suo innato savoir-faire, senza
montarsi la testa e mantenendo
sempre i piedi per terra, anche
quando la sua creatività la farebbe
volare verso esperienze pittoriche
sconosciute. Il lirismo delle composizioni,
il cromatismo sgargiante
dei fiori, la facilità con cui schizza
i ritratti, la maestria nell’uso del
flo-master sono qualità che ha recepito
sin da bambina e che fanno
parte di quel patrimonio genetico
ereditato e mai dimenticato. Come
ebbe a dire Mario Luzi quando vide
i suoi quadri per la prima volta:
«Davvero Grazia non è venuta meno
al suo “omen” è stata ed è pari
al suo nome». Hanno scritto su di
lei critici di fama: Cristina Acidini,
Giovanni Cipriani, Eleonora D’Aquino,
Stefano De Rosa, Giovanna Giusti,
Pierfrancesco Listri, Giampiero
Masieri, Elvio Natali, Riccardo Nencini,
Tommaso Paloscia, Antonio
Paolucci, Donata Spadolini, Anita
Valentini e molti altri. Tantissime le
mostre collettive e personali realizzate
nella sua carriera. Ricordo con
piacere l’ultima alla Galleria del Palazzo
Coveri per festeggiare i suoi
cinquant’anni di attività pittorica.
Grande la presenza di noti personaggi
e di molti artisti che senza invidie
e gelosie hanno condiviso con
lei questo successo per quella positività
che fuoriesce dalle sue tele,
per quel suo garbo innato che solo
poche artiste dimostrano di possedere.
Dal giardino, attraverso una
scala rivestita di gelsomino, si accede
al salone, dove comodi divani
ci accolgono, mentre lo sguardo
è attirato dalle grandi tele di Sergio
(il padre) e di Grazia, ma anche
dall’enorme quantità di coppe
e trofei che il marito Paolo ha vinto
come giocatore di golf. Attraverso,
poi, un’altra scala decorata da
quadri di piccole dimensioni e affollata
da libri d’arte distribuiti per
dimensioni e genere, si arriva allo
studio della pittrice, una stanza
luminosa a tetto che ricorda le
romantiche soffitte delle romanze
d’amore ottocentesche. Qui, tra
cavalletti e tele ammassate, è quasi
difficile raggiungere la finestra
che guarda la collina di Fiesole, ma
se ci riusciamo conquistiamo quel
pezzo di paradiso che Grazia tiene
spesso per sè e che le permette
di isolarsi dalle brutture del mondo.
Ed è qui che l’artista crea le sue
magnifiche tele, il cui solo difetto
è di essere tutte incantevoli, tanto
che non è facile preferire l’una
all’altra. Il 1° dicembre Grazia ci regalerà
una mostra di ritratti all’Officina
Farmaceutica di Santa Maria
Novella, dove il direttore Eugenio
Alphandery le ha messo a disposizione
uno spazio particolare. Sarà
questo uno dei grandi eventi del
Natale fiorentino e molti saranno i
volti ritratti con grande abilità dalla
pittrice a cominciare dall’indimenticata
Litta Maria Medri,direttrice del
Giardino di Boboli, alla quale è dedicato
il catalogo della mostra edito
da Polistampa da me curato insieme
ad Elena Capretti.
Meditazione, ritratto dell’architetto Giovanni Michelucci, china, cm 35x25, 2008
Azeglio Ciampi, china, cm 70x50,2006 Barbara Santoro, china, cm 70x50, 2006
L’architetto Spadolini, china, cm 70x50, 2010
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