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começaram a inundar o mercado europeu e, entre essas curiosidades, a xilogravura japonesa foi imediatamente apreciada por seus méritos artísticos. Muitos artistas franceses tornaram-se colecionadores entusiásticos das gravuras de Hokusai e Utamaro, e não tardou que a influência de tais mestres japoneses se tornasse evidente na obra de muitos impressionistas. Uma gravura japonesa aparece no fundo do retrato de Zola por Manet (1868); outra, no Tio Tanguy (1886-8), de Van Gogh, ainda outra no Auto-retrato com uma orelha cortada (1889), no Instituto Cortauld; a Natureza-morta com uma gravura japonesa (1889), de Gauguin, é outro exemplo. Mas isso constitui meramente prova da popularidade das gravuras; a sua influência é evidente nas mudanças que tiveram gradualmente lugar no estilo dos pintores franceses: o uso de arabescos lineares para fechar áreas planas de cor não modulada, o abandono da perspectiva tridimensional e uma concepção de pintura como heráldica, alegórica ou simbólica. READ, Herbert. História da pintura moderna, p. 21-22. 28 “Gauguin, extraordinário renovador da xilo, usou pranchas mal aplainadas, não lixadas, ou grosseiramente lixadas, para dar maior aspereza à superfície, e, na tiragem, calcava o papel com a palma da mão, sobre as desigualdades da matriz”. FERREIRA apud BOTELHO. Teatro da gravura no Brasil, Rio de Janeiro: EBA/UFRJ, no prelo, p. 53. 29 “Edvard Munch, em 1896, dedicou-se á gravura em madeira, e neste campo introduziu algumas inovações técnicas, sendo, por exemplo, o primeiro a fazer uso dos veios da madeira, permitindo assim que o material ajudasse a ditar a forma, Também desenvolveu um novo método para cortar os blocos. Influenciadas por Gauguin e pelas gravuras japonesas, estas gravuras em madeira atingiram uma firmeza de estilo jamais encontrada noutros aspectos da sua obra”. GROLIER apud BOTELHO, op. cit. p. 53. 30 N. A. - Odilon Redon (1840 -1916) foi um artista que conviveu com os impressionistas, mas estava muito mais interessado no mundo interior do que na luminosidade exterior que aqueles buscavam. Sua obra, com isso, se volta para o fantástico, com referências à mitologia clássica, aos mistérios da natureza e aos devaneios líricos, tudo colorido delicadamente a pastel ou a óleo. Mas antes da descoberta da cor, Redon começou pelo negro do carvão passando depois a utilizar a litografia e a gravura em metal para expressar-se com estes tons sombrios – “as minhas sombras”. Várias destas gravuras foram editadas em álbuns. 31 Honoré-Victorin Daumier (Pintor francês), 1808 – 1879 - Pintor francês nascido em Marselha, considerado em seu tempo apenas um caricaturista político, com o tempo passou a ser visto como um dos mais importantes representantes da tendência realista que dominou a pintura francesa em meados do século XIX. Radicado com a família em Paris (1815), onde freqüentou a Academia de Belas-<strong>Arte</strong>s e foi influenciado, principalmente de Rubens e Rembrandt, e dos tipos pitorescos das ruas de Paris. Embora tenha realizado muitas xilogravuras, seu principal meio de expressão foi a litografia, produzindo cerca de quatro mil peças, a maior parte delas de conteúdo satírico social e político. Suas ilustrações e charges começaram (1830) a aparecer em La Caricature, publicação de sátira política. Uma sátira a Luís Filipe lhe valeu seis meses de prisão (1832) e com a ascensão do regime autoritário de Napoleão III, sua carreira de chargista foi definitivamente interrompida e ele se retirou para Valmondois (1848), onde ficou até morrer, dedicando-se à pintura de cenas rústicas, explicitando costumes e conteúdo social. Fonte: http://www.netsaber.com.br/biografias/ver_biografia_c_2215.html Acesso em: 22/07/2012. 32 Félix Vallotton nasceu em Lausanne, na Suíça em 28/12/1865, numa família de classe média alta. Aos dezessete anos foi para Paris onde estudou na Academia Julian. Começou sua carreira artística pintando retratos, fazendo-se conhecer mais tarde por cenas de interior (pintura de gênero). Foi por aqui que desenvolveu sua maneira própria de pintar, seu estilo caraterístico: trabalhando com pequenas e precisas pinceladas, prestando atenção aos detalhes. Começou a se interessar pela gravura em metal em 1897, mas se apaixonou pela xilogravura e produziu um grande número de xilogravuras e ficando bastante famoso com elas. Também desenhou muitos pôsteres. Em 1897, ele se desvencilhou dos laços que havia mantido com a Societé de Artistes Français e entrou no Salon des Indépendents, onde foi inicialmente muito atacado pelos críticos mais conservadores. Juntou-se ao movimento dos Nabis e participou de suas exposições. Em 1900 ganhou a cidadania francesa. Expos freqüentemente na companhia de Bonnard, Vuillard e Rouseel. Morreu em Paris, em 19/12/1925. Fonte: 289
http://peregrinacultural.wordpress.com/2010/01/03/imagem-de-leitura-felix-valloton/ Acesso em: 22/07/2012. 33 N. A. - Apesar da citação seguinte se referir mais ao contexto da arte brasileira, das mudanças que nela foram gradualmente sendo introduzidas durante o século XIX por artistas como Rodolpho Amoedo, Almeida Junior, Pedro Weingärtner, Belmiro de Almeida e Henrique Bernadelli, parece-nos que seu teor também é plenamente aplicável à realidade européia daquela época no que se refere às mudanças na arte que se processavam no Velho Continente, pois também por lá os artistas insatisfeitos queriam mudanças em relação ao modelo de arte imposto pela Academia. Contudo, a diferença deles para com os nossos artistas é que não viviam num país que fora colônia e, portanto, possuíam um lastro cultural que lhes permitiu serem muito mais ousados em suas atitudes e experiências artísticas. O desarme das poses e da gestualidade teatral codificadas pela academia, a celebração da vida e da variedade sociológica e verista dos tipos populares, o culto do anonimato da metrópole, do detalhe realista, mas também o fascínio pelo requinte egocêntrico ou pela apatia do dândi, pela sensualidade perversa ou intimista dos nus, a autorevelação lírica do mundo penumbroso do ateliê como metáfora do artista, como objeto de uma pintura “sem tema”, a busca de um naturalismo despojado e por vezes agressivamente cru dos modelados, o abandono de todo idealismo plástico e da grande retórica compositiva [grifo nosso], tais são alguns dos traços distintivos que começam a prevalecer nessa geração. MARQUES, Luiz apud COELHO DE SÁ, Ivan. 30 Mestres da pintura no Brasil, p. 39,40. Disponível em: Acesso em : 05/12/2011. 34 Nem a “fidelidade à natureza”, nem a”beleza ideal”, que eram temas gêmeos da arte européia, pareciam ter perturbado as mentes daqueles artífices [pertencentes às culturas “primitivas” não européias], mas suas obras possuíam precisamente o que a arte européia parecia ter perdido nesta longa busca – expressividade intensa, clareza de estrutura e uma simplicidade linear na técnica. GOMBRICH, E. H. Op. cit. p. 447. 35 N. A. - Um exemplo desta insatisfação geral com a arte oficial de seu tempo é apontado por Argan ao tratar da decadência geral da arte produzida nas academias não só da França como as de outros países europeus, citando Klimt como um artista que percebeu esta decadência, mas ao invés de combatê-la preferiu vivenciá-la em sua arte: Nos países da Europa central os artistas modernistas formaram grupos que assumiram o nome de Secessão, aludindo à separação radical da tradição acadêmica: em 1892 funda-se a Secessão de Munique, tendo à frente Franz Von Stuck; em 1893, a Secessão de Berlim, liberada por Max Liebermann; em 1897, a secessão de Viena, que publica a revista Ver Sacrum e tem como líder Gustav Klimt. Assim se determina, paralela à corrente francesa ligada ao Impressionismo, uma cultura figurativa centro-européia. G. Klimt (1862-1918) é um artista extremamente culto e sensível, refinado às raias da morbidez, mas também ligado a uma fórmula decorativa própria, cheia de implicações simbolistas. Dir-se-ia consciente da lenta e inelutável decadência da sociedade, sentindo-se seu melancólico cantor: a sociedade do velho império austro-húngaro, que agora conserva apenas a lembrança do antigo prestígio de instituição teocrática. Klimt sente profundamente o fascínio desse crepúsculo histórico; associa a idéia de arte e do belo à da decadência, da dissolução do todo, da precária sobrevivência da forma ao final do conteúdo. Seu pensamento se dirige á arte bizantina, esplêndida e exangue, na qual se reflete um processo histórico análogo: o declínio de um império teocrático, a sobrevivência estética para além da morte histórica. ARGAN, G. C. Op. cit. p. 212, 213. 36 Sob o termo genérico Modernismo resumem-se as correntes artísticas que, na última década do século XIX e na primeira do século XX, propõem-se a interpretar, apoiar e acompanhar o esforço progressista, econômico-tecnológico, da civilização industrial. São comuns à tendência modernistas: 1)a deliberação de fazer uma arte em conformidade com sua época e a renúncia à invocação de modelos clássicos, tanto na temática como no estilo; 2)o desejo de diminuir a distância entre artes “maiores” (arquitetura, pintura e escultura) e as “aplicações” aos diversos campos da produção econômica (construção civil corrente, decoração, vestuário, etc.); 3) a busca de uma funcionalidade decorativa; 4) a aspiração a um estilo ou linguagem internacional ou européia; 5) o esforço em interpretar a espiritualidade que se dizia (com um pouco de ingenuidade e um pouco de hipocrisia) inspirar e redimir o industrialismo. Por isso, mesclam-se nas correntes modernistas, muitas vezes de maneira confusa, motivos materialistas e espiritualistas, técnico-científicos e alegóricos-poéticos, humanitários e sociais. Por volta de 1910, quando ao entusiasmo pelo progresso industrial sucedeu-se a consciência da transformação em curso nas próprias estruturas da vida e da atividade social, formar-se-ão no interior do Modernismo as 290
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