Marlene Dumas - Fonoteca Municipal de Lisboa

Sexta-feira
9 Julho 2010
www.ipsilon.pt
Marlene Dumas
E a realidade entrou por Serralves adentro
PAULO PIMENTA ESTE SUPLEMENTO FAZ PARTE INTEGRANTE DA EDIÇÃO Nº 7400 DO PÚBLICO, E NÃO PODE SER VENDIDO SEPARADAMENTE
Vergílio Ferreira Miles Cleret Charlotte Rampling

Flash
Sumário
Marlene Dumas 6
A aventura de uma pintora
atenta à realidade
Vergílio Ferreira 12
O que ele não publicou, mas
também não destruiu
Dave Eggers 14
Escritor com causas
São José Almeida 18
Abriu o armário da
homossexualidade na
ditadura
Mi Ami 22
O rock como celebração
tribal
Miles Cleret 26
O homem que reinventou
África para o século XXI
Charlotte Rampling 28
Entrevista com a actriz
Ficha Técnica
Directora Bárbara Reis
Editor Vasco Câmara, Inês Nadais
(adjunta)
Conselho editorial Isabel
Coutinho, Óscar Faria, Cristina
Fernandes, Vítor Belanciano
Design Mark Porter, Simon
Esterson, Kuchar Swara
Directora de arte Sónia Matos
Designers Ana Carvalho, Carla
Noronha, Mariana Soares
Editor de fotografia Miguel
Madeira
E-mail: ipsilon@publico.pt
Alguém adopta um
Hitchcock mudo?
A iniciativa foi já experimentada em
diferentes áreas, nomeadamente
em museus, bibliotecas e... jardins
zoológicos. Trata-se de propor a
alguém — uma empresa ou um
privado — que, ao abrigo do
mecenato, “adopte” e cuide do
restauro ou da sobrevivência de um
quadro antigo, de um livro raro ou
de... um animal da sua estimação.
Coube agora ao British Film
Institute (BFI) recorrer a este
expediente para tentar restaurar os
primeiros filmes de Alfred
Hitchcock (1899-1980). Com o mote
“Adopte um Hitchcock”, a
campanha arranca com uma lista
de nove títulos, entre os quais está
“The Lodger: A Story of the London
Fog”, tido como obra-prima na
altura do seu lançamento (1926). Os
outros oito são igualmente filmes da
fase inicial da carreira do grande
mestre do suspense, ainda em
versão muda e realizados em
Inglaterra, e que têm em comum
estarem a precisar de restauro para
poderem voltar a ser visionados
com mais qualidade. Os restantes
títulos em causa são “The Pleasure
Garden”, (1925), “The Ring” (1927),
“Downhill” (1927), “Easy Virtue”
(1927), “The Farmers Wife” (1927),
“Champagne” (1928), “The
Manxman” (1929) e “Blackmail”
(1929).
O montante desta operação é
estimado pelo BFI em cerca de 1,2
milhões de euros, e pode-se aceder
a mais informação sobre a
campanha no “site” do BFI:
(www.bfi.org.uk/nationalarchive/
hitchcock), onde todo o tipo de
contribuições são “most welcome”.
Por exemplo, um quarto de libra
(30 cêntimos) chega para restaurar
50 centímetros de filme; uma
contribuição de 5 mil libras (6 mil
euros) já dá direito a que o nome do
dador passe a figurar nos créditos
de agradecimento; 100 mil libras
(120 mil euros) chega para restaurar
todo um filme, diz o BFI, que
considera os nove títulos de
Hitchcock “uma parte crucial da
história britânica”. E sublinha:
Hitchcock
Afinal,
Bacon
desenhavaa
Francis Bacon dizia que não
sabia desenhar. Mas os
cerca de 41 desenhos da
autoria do pintor angloirlandês
(1909-1992) que
desde o dia 5 podem ser
vistos na Fundação Eugénio
Almeida, em Évora, na
exposição “Bacon: A Ponta
do Iceberg”, desmentem
essa ideia. São os
chamados “Desenhos
Italianos”, produzidos nos
anos 1980 por um Bacon
já septuagenário, e
oferecidos a um jovem
jornalista italiano,
Cristiano Ravarino, com
o qual Bacon manteve uma
relação durante um período
que passou em Itália.
Despreocupado,
descontraído, longe da
fama e das atenções que o
incomodavam em
Inglaterra, Bacon
desenhava — e distribuía os
seus desenhos por
Ravarino, mas também por
“homens e mulheres que
não podiam sequer
imaginar o valor do
presente, donos de bares,
restaurantes e pequenas
pousadas, ao que parece
como pedido de desculpa
pelos seus estados de
embriaguez”, conta
Alessandro Riva num texto
do catálogo.
O inglês Eduard Lucie-
Smith, comissário da
exposição e um dos
principais estudiosos de
Bacon, explicou ao Ipsílon
que existiu uma grande
controvérsia sobre a
autenticidade destes
desenhos, em parte
motivada pelo facto de o
pintor ter assumido
publicamente,
variadíssimas vezes, não
desenhar, mas também por
ser normal deitar fora
trabalhos ou oferecê-los a
amigos, entre os quais o
Os desenhos de Francis Bacon não eram feitos para
escritor vender. O pintor distribuía-os por donos de bares
Steven
como pedido de desculpa pela sua embriaguez
Spender e
oactor
Paul
Danquah.
Segundo
Lucie-
Smith, a
Ravarino
terá dado
“250
desenhos,
talvez mais”.
São
desenhos em
vários
formatos de
papel, a cores
e a preto e
branco, a
maior parte
de grande
dimensão,
assinados e
autónomos.
Os desenhos de
célebre
Bacon não
retrato do Papa Inocêncio X
eram feitos para vender, (a partir de Velázquez),
pelo contrário: uma grande crucificações e autoretratos.
parte do trabalho foi
escondida do público. Sendo hoje evidente que a
“Alguns desenhos repensam obra de Bacon é fértil em
e recapitulam” trabalhos desenhos, o que se pode
anteriores, explica ainda o deduzir da repetida
comissário. “Mais velho e afirmação do pintor, e de
com mais experiência”, outros, de que nunca criou
Bacon regressa a temas que qualquer tipo de desenho?
já tinha trabalhado, como o Maria Lisboa
Ípsilon • Sexta-feira 9 Julho 2010 • 3

Flash
Música
Antony cantou duas
canções em “Volta”,
de Björk, e a islandesa
devolve agora a cortesia.
No alinhamento de
“Swanlights”, álbum de
Antony & The Johnsons
com edição marcada
para 11 de Outubro,
encontramos um dueto
entre os dois, “Fletta”. O
álbum é uma
edição
especial,
um livrodisco
de
144 páginas
com pinturas,
fotografias e
textos assinados por
Antony Hegarty.
Meryl Streep vai ser Margaret Thatcher no cinema
“Cada cêntimo conta”.
Para além destes, o BFI está a lançar
uma campanha paralela para
encontrar 75 filmes desaparecidos
de vários realizadores britânicos.
Entre os “most wanted”, há
também um Hitchcock, “The
Mountain Eagle” (1926), tido como
o “Santo Graal” da filmografia do
realizador; segundo o BFI, trata-se
do único da mais de meia centena
de filmes que terá realizado que se
considera hoje perdido.
Não é preciso
esperar 11 anos por
um novo álbum dos
Portishead
Já estávamos preparados para nova
longa espera, mas alegrem-se os
corações: não será necessário. Os
Portishead estão prestes a entrar
em estúdio para começar a
trabalhar no sucessor de “Third” e é
certo que não se repetirão os 11 anos
que o separaram de “Portishead”, o
segundo álbum da banda britânica,
editado em 1997. A revelação foi
feita por Geoff Barrow à BBC 6
Music, numa entrevista em que o
multi-instrumentista e produtor da
banda adiantou ainda que o novo
álbum será editado por uma
multinacional, a Universal.
“Disseram-nos que podemos fazer o
que quisermos. Vendemos discos
suficientes para os manter
contentes.”
Fazer o que quiserem significa que,
depois desse “Third” em que
mandaram às malvas o trip-hop que
ajudaram a definir em favor de
electrónica mais rugosa e dos
ritmos kraut rock dos Can ou Neu!,
não há retrocesso possível. “Estarei
a compor para os Portishead entre
Julho e Agosto e só quero pôr outro
álbum cá fora. Tenho esperança
que seja bem mais rápido [que
anteriormente] porque estamos
todos mais velhos e mais sábios.”
Se tomarmos como referência
“Chase The Tear”, o “single” de
beneficência
para a
Amnistia
Martin Scorsese não pára: está a rodar “A Invenção
de Hugo Cabret”, a que se seguirá “Silêncio” e um
“biopic” de Frank Sinatra
Internacional que editaram em
Dezembro, o novo álbum
aprofundará a hibridez electrónicoorgânica
e a força propulsora de
“Third”. “É isso que somos agora.
Quebrámos o molde daquilo que as
pessoas esperavam de nós”,
confessou Barrow.
Antes do trabalho no novo álbum,
Adrian Utley, guitarrista, baixista,
teclista e também produtor dos
Portishead, gravou com Will
Gregory, dos Goldfrapp, uma nova
banda sonora para “A Paixão de
Joana D’Arc”, o histórico filme de
Carl Dreyer, apresentada ao vivo em
Bristol, em Maio. Geoff Barrow, por
sua vez, lançou em Novembro de
2009 o álbum de estreia homónimo
da sua nova banda, os BEAK>, que
vem apresentando em digressão. E
a discreta Beth Gibbons? Mantém-se
na sombra? “Está ocupada a
compor”,
esclareceu
Barrow à BBC6.
Martin Scorsese para
crianças
Depois de “Shutter Island”, Martin
Scorsese está a adaptar ao cinema
3D o romance “A Invenção de Hugo
Cabret”, com texto e ilustrações de
Brian Selznick (ed. Gailivro). A
rodagem já começou em Londres, e
a estreia está marcada para 9 de
Dezembro de 2011 nos Estados
Unidos, estando também prevista
uma versão 2D.
“A Invenção de Hugo Cabret” é a
história de um órfão de 12 anos,
Hugo, que vive na Gare de
Montparnasse, a movimentada
estação de comboios parisiense,
onde a sua sobrevivência depende
de
segredos e do anonimato.
Pela estação passam
uma excêntrica
rapariga amante
de livros e um
velho amargo,
dono de uma
lojinha de
brinquedos (que se descobre ser o
cineasta Georges Méliès), um
desenho misterioso, uma chave
roubada, um homem mecânico e
uma mensagem escondida. É a
primeira adaptação que Scorsese
faz de uma história infanto-juvenil.
Ben Kingsley, Chloe Moretz, Sacha
Baron Cohen, Jude Law,
Christopher Lee e Mathieu Amalric
integram o elenco
A seguir, o realizador irá adaptar
“Silêncio”, romance de Shusaku
Endo, e rodar um “biopic” sobre o
cantor e actor Frank Sinatra.
Meryl Streep vai
ser A Dama de
Ferro?
Meryl Streep poderá estar
prestes a voltar a trabalhar com
a realizadora de “Mamma
Mia!”, Phyllida Lloyd,
depois do sucesso de
2008 com as músicas
dos Abba. Segundo o
“Hollywood
Reporter”, a actriz, com dois
Óscares e 61 anos, mostrou
interesse em interpretar o papel da
Dama de Ferro e os seus agentes
estão a negociar a sua participação
no “biopic” “Thatcher”, onde
interpretaria Margaret Thatcher. O
actor Jim Broadbent poderá vir a
interpretar Denis, o marido da exprimeira-ministra
britânica.
A rodagem está prevista para o final
do ano. O filme baseia-se num
argumento escrito por Abi Morgan,
que escreveu as séries de televisão
“Brick Lane” e “Sex Traffic”, e fala
do “poder e do preço que se paga
pelo poder”, sendo “um retrato
surpreendente de uma mulher
extraordinária e complexa.”
Conta o “Hollywood Reporter” que
esta biografia filmada de Thatcher
se situa nos 17 dias que
antecederam a Guerra das
Malvinas, em 1982. E mostra como
aquela a quem chamam “Dama de
Ferro” lutou para salvar a sua
carreira.
James Cameron
filma os Black Eyed
Peas em 3D
A seguir a “Avatar”, James Cameron
vai realizar um documentário em
3D sobre os Black Eyed Peas. A
novidade foi dada por Will.I.Am à
revista “Vibe”. “Temos o melhor
realizador porque somos o melhor
grupo do planeta”, disse, sem
modéstias, o líder da banda norteamericana.
O filme mostrará o
grupo em digressão e em concerto.
Ainda não se sabe se vai
ser rodado em 3D ou se
vai ser convertido
depois. A rodagem
será na América do
Sul e a estreia está
prevista para 2011.
James Cameron tem um “feeling”
Os Portishead só querem “pôr outro álbum cá fora”
4 • Sexta-feira 9 Julho 2010 • Ípsilon

AGENDA CULTURAL FNAC
entrada livre
entrada livre
APRESENTAÇÃO AO VIVO LANÇAMENTO EXPOSIÇÃO
LANÇAMENTO
AS VIAGENS DE LOIS - PORTUGAL
Livro de Jacques Martin e Luís Diferr
Chama-se Portugal e será o quinto volume criado em torno de Loïs, um herói do século XVII que foi das últimas
personagens imaginadas pelo recentemente falecido Jacques Martin, autor das famosas aventuras de Alix.
10.07. 17H00 FNAC CASCAISHOPPING
LANÇAMENTO | INAUGURAÇÃO
OS POSTAIS DA PRIMEIRA REPÚBLICA
Professor António Ventura
No ano da comemoração do centenário da República, a FNAC inaugura uma exposição que revisita os tempos
da Primeira República em Portugal e convida-o a participar numa conversa em torno do tema O Bilhete Postal
Ilustrado na Propaganda Política, no âmbito da Tertúlia Letras Com(n)Vida.
12.07. 18H30 FNAC CHIADO
AO VIVO
MADAME GODARD
Galapagos
Galapagos é o título do longa-duração de estreia da banda de Viana do Castelo. O single Atlas 1977, divulgado
nas rádios nacionais, será um dos temas em destaque no Fórum FNAC.
10.07. 22H00 FNAC LEIRIASHOPPING
11.07. 17H00 FNAC COIMBRA
APRESENTAÇÃO
VIVA O VINIL
Henrique Amaro, João Lopes, Nuno Galopim,
Paulo Furtado e Vítor Belanciano
A FNAC convida alguns dos "pesos-pesados" da música, do jornalismo e da rádio para um "combate" onde
cada um terá de defender a sua selecção musical.
15.07. 18H00 FNAC CHIADO
EXPOSIÇÃO DE FOTOGRAFIA
RETROSPECTIVA CINEMA PORTUGUÊS
Composta por material pertencente ao Arquivo Fotográfico da Cinemateca Portuguesa - Museu do Cinema,
esta série de fotografias de rodagem, feitas entre os anos 20 e os anos 70, focaliza-se sobretudo em
dois períodos: o período clássico do cinema português, nos anos 30 e 40, e o Cinema Novo, nos anos 60.
03.06. - 03.09.2010 FNAC VISEU
Consulte todos os eventos da Agenda Fnac,
assim como outros conteúdos culturais em http://cultura.fnac.pt
Apoio:

Marlene D
uma pintora da
The Wall, de
2009, que
representa o
muro erigido por
Israel para isolar
a Cisjordânia,
poderá ser
interpretada
como uma obra
própalestiniana.
Capa
6 • Sexta-feira 9 Julho 2010 • Ípsilon

Dumas
vida moderna
“Contra o Muro”, no
Museu de Serralves,
não é apenas uma
viagem à obra e ao
percurso de Marlene
Dumas. É uma das mais
importantes exposições
de pintura dos últimos
anos. E um reencontro,
sempre renovado, com
algumas das questões
que marcam a vida da
pintura contemporânea.
José Marmeleira
(textos) e Paulo
Pimenta (fotos)
Numa das salas de “Contra o Muro”,
pinturas de cabeças e rostos acompanham,
entre a circunspecção e a indiferença,
a conversa do Ípsilon com
Marlene Dumas (Cidade do Cabo,
1953). A artista responde desembaraçada
e com humor às perguntas. Por
vezes, surpreende-se, divaga, mas
não perde o rumo, regressa sempre.
Afinal, está num mundo cujos segredos
conhece como ninguém: a sua
pintura. De resto, o cenário da entrevista
não foi casual: foi a própria artista
que propôs a realização da entrevista
junto às suas obras.
Esclarecido o contexto, convém
dizer que Marlene Dumas é uma das
mais relevantes pintoras contemporâneas.
Alcançou um sucesso crítico
que, embora não sendo consensual,
é acompanhado por sucesso comercial
e “Contra o Muro”, no Museu de
Serralves até Outubro, promete ser
um dos momentos mais singulares
da sua carreira. Ao todo são 40 obras
feitas na última década, incluindo
algumas já deste ano – a grande maioria
revelada em Abril, na Galeria David
Zwirner, em Nova Iorque – e nunca
antes mostradas na Europa. É
provável até que dificilmente voltem
ser apreciadas nestas condições num
país europeu. Culpa de constrangimentos
financeiros e logísticos do
actual contexto internacional que
muito provavelmente impedirão que
voltem a ser reunidas.
Mas estes são assuntos relativamente
mundanos. “Contra o Muro”
é uma exposição marcante e, enquanto
individual de pintura, um acontecimento.
Por duas razões. A primeira
revela-se naquilo que mostra de inédito
da obra da artista: elementos
arquitectónicos e construções humanas
que identificam o conflito israelopalestiniano
como motivo pictórico;
e pinturas que representam a na-
Ípsilon • Sexta-feira 9 Julho 2010 • 7

“Child Waving”
(Criança a
acenar), de 2010
“The Mother”
(A mãe), de
2009
Pormenor da
série
“Blindfolded”
(Vendados),
de 2002,
durante a
montagem de
“Contra o
Muro”, em
Serralves
tureza-morta, tema que durante décadas
Dumas se recusou a trabalhar.
A segunda é a obra, com as suas preocupações,
desencontros e progressos,
numa aventura individual que é
também a aventura de toda a arte
contemporânea atenta à realidade.
Representar o muro
A representação do mundo pela pintura,
ou a pintura como forma de
representar o mundo: comece-se por
aqui. Porquê Israel e a Palestina?
“E porque não? Não sou historiadora
ou política, mas penso que na
nossa sociedade global continua a ser
um drama muito importante, indissociável
até de outros mais traumáticos
como a II Guerra Mundial ou o
Holocausto. Em 2010 ainda testemunhamos
muitas coisas relacionadas
com o que se vive no Médio Oriente.
Não acho despropositado trazer o
tema para a minha pintura.”
Foi a partir de 1976 que a artista,
já a viver na Europa, vinda da África
do Sul, descobriu as raízes europeias
do conflito. Na verdade, o assunto
tinha aflorado na série “Man Kind”
(2002-2006), inspirada em fotografias
de corpos e rostos muçulmanos
– a série está em Serralves. Em “Contra
o Muro”, porém, estamos diante
de um cenário político mais explícito
e de uma posição, assinalada pela
representação do muro erigido por
Israel (e de imagens da repressão
exercida pelo exército israelita), que
muitos interpretarão como pró-palestiniana.
Por exemplo, o governo
sedeado em Jerusalém, é um comprador
improvável das pinturas “po-
“Não sou uma
historiadora ou
política, mas penso
que na nossa
sociedade global
[o conflito israelopalestiniano]
continua a ser um
drama muito
importante”
líticas” de Marlene Dumas. Ou
não?
“Não sei [risos]. Quando inaugurei
a exposição em Nova Iorque ouvi
críticas. Disseram-me que este não
era o caminho. Que eu não estivera
lá, não conhecia a realidade. Compreendo
essa perspectiva, mas não
a aceito. Vivi o ‘apartheid’ na África
do Sul, mas, por ter lutado contra
esse regime, não faço de todos os
negros anjos e de todos os branco
demónios. O mesmo acontece aqui.
Apenas quis representar um muro.
Quando se vê o outro como inimigo,
o efeito é devastador. Não apenas a
um nível político mas num plano
mais existencial”.
Marlene Dumas viveu e estudou
na África do Sul até 1976, contornando
como podia as limitações impostas
pela censura, nomeadamente no
meio estudantil britânico da Michaelis
School of Fine Arts da University
of Cape Town.
“Foram anos formativos, muito
importantes. Estávamos longe da
sociedade e era fácil escapar aos censores.
Víamos coisas proibidas no
clube de cinema [da escola]. Filmes
do [Ingmar] Bergman, do Godard,
do Alain Resnais”.
A relação com pintura era, entretanto,
vivida de forma dolorosa, confusa.
Mais natural parecia o afecto
por certos fotógrafos: “Nessa altura
não havia muitos pintores de que
gostasse. Não conseguia gostar de
Rembrandt. Não me ajudava na minha
arte, ao contrário da fotografia
da Diane Arbus e do Richard Avedon
com quem sentia partilhar sensibilidades
comuns e que me permitiam
chegar à pintura de outra maneira.
Da Arbus gostava da intensidade, o
Avedon influenciou-me formalmente.
Gostava dos seus fundos neutrais,
sobretudos os das fotografias do pai
antes de morrer. Tinha um distanciamento
face aos retratados que me
lembrava o Andy Warhol.”
O desejo da realidade
A relação de Marlene Dumas com a
pintura iniciou-se assim por vias
Marlene
Dumas
fotografada
em Serralves
em frente a
“The Sleep of
Reason”, de
2009, um
auto-retrato
da artista
8 • Sexta-feira 9 Julho 2010 • Ípsilon

Ípsilon • Sexta-feira 9 Julho 2010 • 9

Figure in a
Landscape
(Figura numa
paisagem,
2010)
exteriores, “estrangeiras”. Na opinião
da artista, não existiam outros
caminhos: “Vivia inserida numa sociedade
que não valorizava a pintura
ou que a submetia a um ensino
caduco. Não respondia aos meus
desejos e aspirações. Chegava a sentir-me
culpada por ser uma pintora,
actividade que na África do Sul todos
achavam insignificante e não tinha
modelos. Vivia um conflito com
aquilo de que gostava. Por isso, criei
a minha própria história pessoal
com o suporte.”
“Contra o Muro” parece retomar
essa velha e difícil relação, reconciliando
a pintora com géneros e temas
como a abstracção que se insinua no
muro de “Em Construção” (2009) e
nos blocos azuis de “Barreira mentais”
(2009).
“Sempre quis ser uma pintora abstracta,
adorava os expressionistasabstractos,
mas a abstracção não era
suficiente para mim, pois também
queria a realidade. Esse foi outro conflito
que experimentei”, conta. O impasse
acabou resolvido, ou pelo menos
atenuado, com o cinema da Nouvelle
Vague. “Não deixo de pensar a
pintura enquanto abstracção, enquanto
construção de uma realidade.
Não pretendo testemunhar a realidade,
apenas confrontar-me com ela.
Daí, para mim, nos meus tempos de
estudante, a importância de filmes
como ‘Hiroshima mon amour’, do
Alain Resnais. Combinava uma história
de amor, uma dimensão política
ou documental e uma reflexão sobre
a linguagem artística, que naquele
caso se tratava do cinema. Era essa
“Sempre quis ser uma
pintora abstracta,
mas a abstracção não
era suficiente para
mim, pois também
queria a realidade.
Não pretendo
testemunhar
a realidade, apenas
confrontar-me
com ela”
coexistência que queria encontrar na
pintura”.
Uma arte ou uma pintura que possa
representar, também, o que é estar
apaixonado, como sugeriu numa entrevista?
“Ah [risos], aí queria apenas
mostrar os meus ciúmes em relação
ao cinema e à música pop. Gosto de
uma arte inteligente, tanto estética
como conceptualmente, mas [que
seja] também sensual e emocional.
Encontro-a em artistas como Luc Tuymans,
Louise Bourgeois, Francis Bacon
ou Steve McQueen.”
O interesse pela representação e a
vontade de abordar motivos narrativos
não implicaram um afastamento das
premissas do conceptualismo, abraçadas
no início da carreira. Pelo contrário.
A reflexão sobre as possibilidades
da pintura, e a relação desta com
a fotografia, bem como o questionar
das imagens, foram atitudes cultivadas
e com frequência passadas para o papel
em pequenos textos assinados pela
pintora. O canadiano Jeff Wall, conhecido
pelas suas fotografias de situações
do dia-a-dia, foi, nesse sentido,
uma inspiração. “Quando se interroga
sobre o lugar e a condição do pintor
da vida moderna, e faz do médium
fotográfico um instrumento pictórico,
[o Jeff Wall] enuncia algumas das minhas
preocupações e ideias. [Ele mostrou-me
que] era possível e legítimo
aceitar o desafio que certos temas nos
colocam” e, dessa forma, abordar o
“For Whom
the Bell Tolls “
(Por quem os
sinos
dobram), de
2008
Mortos e vivos, grupos de
pessoas, bebés, modelos
femininos, mulheres em
lágrimas. A obra de Marlene
Dumas é uma galeria de figuras,
corpos e rostos, construída
através da pintura e do desenho,
num confronto repetido com
o conceito de retrato e com o
próprio espectador.
Um mundo de retratos
Na obra de Marlene Dumas, o retrato não é apenas um motivo para levar a realidade à tela ou ao papel. É também um meio
de questionar a construção de identidades, a empatia do espectador e a própria pintura.
Em “Contra o Muro” há uma
série que se destaca nesse
confronto: “Man Kind”, com os
seus anónimos homens árabes,
sob os títulos de “The Semite”,
“The Mediator” (um Cristo
tímido ou indiferente?) ou “The
Lookalike”. São pinturas a óleo
de um mundo pós-11 de Setembro
– as imagens originais reportam
à guerra no Iraque e em Gaza
– e propõem mais do que uma
posição política, propõem um
questionamento da identidade
privada e pública. Ou não fossem
rostos abertos ao sentido, nesse
espaço de tensão psicológica que
é superfície pintada segundo
Marlene Dumas.
Em 1986, no conjunto de
desenhos e litografias “Fear
of Babies”, a artista quebrou a
familiar docilidade dos bebés
em esgares inquietantes, antes
de regressar ao tema, cinco
anos depois, com “The First
People I-V” (1991), retratando
querubins em poses adultas,
rectas e frontais. No início dos
anos 90, foi a vez dos “Black
Drawings [Desenhos negros]”,
e, pela primeira vez, Dumas fez
Propõe-se mais do
que uma posição
política, propõe-se
um questionamento
da identidade
privada e pública
das pessoas negras assunto da
sua obra. Em diferentes tons de
preto, sobre papel, cada rosto
numa folha à espera da empatia
do espectador.
Depois da representação
do medo e dos rostos negros,
o desejo e a pornografia com
“Porno as Collage (1993) e
“Porno Blues” (1993), grupos
de desenhos feitos a partir
fotografias de revistas
pornográficas. O traço,
levemente expressionista,
compunha corpos anónimos
em actos sexuais e que se
aproximavam da abstracção.
Nos anos seguintes, chegou o
erotismo com “Group Show”
(1994) ou “We Were All All in
Love with Cyclopes (1997)”,
obras inspiradas em fotografias
de modelos femininos.
A vida pessoal acaba
igualmente transportada
para a pintura. Em “The First
People I-V” – Marlene Dumas
foi mãe pouco antes iniciar este
trabalho – e sobretudo em “The
Eyes of Night Creatures”, uma
série de 16 telas, onde reuniu
imagens encontradas em
revistas e polaróides de amigos,
familiares e conhecidos. São
retratos de rostos, por detrás
dos quais não há nada para
ver: o palco pertence às faces,
aos olhares, à pintura na sua
dimensão mais “autoritária” e
sensual. É o que acontece noutra
série revelada no Museu de
Serralves: a das mulheres que
choram, em “For Whom the Bell
Tolls”, “Selfportrait at Noon”
ou “Crying at Public”. Mais do
que a realidade do sofrimento
humano, a artista evoca a
realidade, a dimensão física e
interior da pintura. Com que o
espectador se confronta.
“Living on
your Knees”
(A vida de
joelhos), de
2010
10 • Sexta-feira 9 Julho 2010 • Ípsilon

A pintura, a fotografia
e o efeito Tuymans
Embora próxima das motivações de outros artistas que
utilizaram a fotografia enquanto material da pintura, como
Luc Tuymans, Marlene Dumas não dispensa o gestualismo e
a dimensão física do acto de pintar.
quotidiano sem produzir imagens anedóticas
ou propaganda.
Pensar as imagens
com a pintura
O gesto porém acarretou críticas, algumas
dirigidas à técnica de Dumas.
“Há pintores acham que sou uma má
pintora. Dizem que a minha pintura
não tem ‘pintura’ suficiente. Mas para
mim tem sido um desafio fazê-la
com meios mínimos. Talvez seja melhor
desenhadora que pintora. Aliás,
as minhas melhores pinturas são como
desenhos. Estou mais próxima do
Picasso do que do Matisse.”
Outra crítica (injusta) tem a ver com
a selecção das imagens fotográficas
que antecede o trabalho sobre a tela.
“Faço-a desde jovem, sempre gostei
de imagens. É um método e um gosto
que partilhei com o Richard Prince e
a Barbara Kruger e outros artistas da
Pictures Generation. Mas, talvez por
ter ficado na Europa, não desenvolvi
a mesma atracção pela publicidade e
o design que eles.”
Data deste período um certo afastamento
de Marlene Dumas de práticas
e processos como a apropriação, a colagem
e o uso do texto, que havia experimentado
entre os anos 70 e 80 do
século XX. “Quando fiz as primeiras
pinturas de cabeças e rostos, em meados
da década de 80, quis logo pôr o
título por baixo da tela [risos]. Não sei
o que teria acontecido se tivesse ido
para Nova Iorque. Se calhar, tinha ficado
parecida com a arte do John Baldessari
ou da Barbara Kruger”. E isso
seria mau? “Não sei, havia ali um formalismo
demasiado frio e rígido,
quando eu queria o calor, a emoção
da pintura dos loucos ou do expressionismo-abstracto.
Mas a reflexão
sobre as imagens sempre me interessou
e continua a interessar-me. Por
exemplo, que tipo de imagem é hoje
a do homem mais temido? O rosto do
‘criminoso’? Aquele que tememos? É
o muçulmano, como há sessenta anos
era o negro. Quero fazer uma pintura
tradicional, ‘parecida’ com a do século
XIX, mas também quero pensar a
forma como as imagens influenciam
o nosso pensamento.”
Tornemos à natureza-morta, género
que durante décadas Dumas se
recusou a pintar e que em “Contra o
Muro” está representado em “Caridade”
(2010), “As Vinhas da Ira”
(2009) e “As Vinhas da Abundância”
(2009). “Quando era estudante, detestava-o.
Não significava nada para
mim. Era uma coisa burguesa, ‘kitsch’,
sem valor. Uma composição com
a qual não conseguia lidar. Mais tarde
apercebi-me que não era minha inimiga.
Lembro-me de ver, num catálogo,
uma natureza-morta com três
pedaços de salmão [“Tres rodajas de
salmón”]. Era uma pintura do Goya
(1746 – 1828), muito simples, com todos
os elementos formais do género,
muito comovente. E percebi que era
possível fazer naturezas-mortas com
a mesma força e emoção”.
Uma reconciliação, portanto?
“Quando somos jovens artistas queremos
fazer sempre coisas diferentes,
novas, mas à medida que envelhecemos,
se tivermos sorte, aquilo que procuramos,
por vezes inconscientemente,
surge de uma forma inesperada”.
Assim, também se deitam abaixo
(velhos) muros.
Em cima,
“Charity “
(Caridade), de
2010, de
Marlene
Dumas; em
baixo, “Tres
rodajas de
salmón (1808-
12), de Goya,
que inspirou
Dumas a
trabalhar o
tema da
naturezamorta
Marlene Dumas não é a primeira
artista a usar a fotografia como
modelo ou alimento principal
da pintura. No primeiro caso,
existiram antes Van Gogh ou
Degas, no segundo, Gerhard
Richter. Também não está
sozinha na resposta à apregoada
dificuldade de pintura em
expressar as “verdades” do
seu tempo. Lembre-se (outra
vez) Richter, mas também Luc
Tuymans, Wilhelm Sasnal,
Eberhard Havekost ou Peter
Doig e, no contexto português,
Bruno Pacheco, Diogo Pimentão
e Carlos Correia.
Será no entanto justo afirmar
que, nessa demanda, a pintora
encontrou o seu território. Como
alguns dos nomes referidos,
negou e aceitou a pintura, foi
influenciada por Luc Tuymans
e fez da imagem fotográfica
(encontrada ou produzida
originalmente) um campo de
experimentação que estende
as possibilidades formais
e conceptuais da prática
pictórica.
Mas a sua assinatura
dificilmente pode ser associada
ao conjunto de artistas que
Jordan Kantor agregou no artigo
“O Efeito Tuymans”, publicado
em 2004 na revista americana
Artforum. Faltam à pintura de
Dumas alguns dos aspectos
identificados pelo crítico e
ensaísta: as cores pálidas,
o trabalho com as imagens
em movimento da televisão
e do cinema (e não apenas
com os “stills” dos filmes) e,
principalmente, falta á pintura
de Dumas a indiferença violenta
que caracteriza a obra do artista
belga. Em comum, permanecem
somente certos temas que
remetem para a cultura e
história europeias, embora
sem a presença espectral das
telas de Sasnal ou Tuymans. O
que sobressai nesse encontro
da pintora com a fotografia
é antes um gestualismo que
distorce e satura as formas – um
trabalho físico diante da tela
como se fosse uma dança – e
uma atracção pela superfície
plana da imagem fotográfica.
Cores, expressão, sensualidade,
empatia e excesso em vez de
uma impenetrabilidade suave e
congelada.
A propósito das relações
entre a fotografia e pintura, a
artista discorre: “Não digo que,
usando a fotografia, a pintura
inventa uma realidade superior
à fotografia ou que torna a
fotografia melhor. Eu limito-me
a usar a fotografia, gosto da sua
bidimensionalidade, do facto
de ser plana. Não me interessa
a tridimensionalidade”. E
profetiza: “A pintura vai
continuar como uma forma
artística, como forma de
expressão visual. Será um pouco
tradicional, quase primitiva,
mas vai ficar entre nós. E vai
continuar porque estamos
cheios de ecrãs. Nas televisão,
nos computadores. Estão em
todo o lado”.
Petrus &
Paulus (1998),
de Luc
Tuymans
Ípsilon • Sexta-feira 9 Julho 2010 • 11

Livros
Manuscritos
da novela “A
Curva de Uma
Vida”, agora
editado
Eça de Queirós achava
que se deviam pu-
blicar de um homem
célebre até as “contas
do alfaiate”. Quem con-
ta isto é o escritor Vergílio
Ferreira num dos
volumes do seu diário
“Conta-Corrente”, a propósito
de uma discussão que teve com
a sua mulher, Regina Kasprzykowski,
sobre se é lícito ou não publicar-se o
que um autor rejeitou. Para Vergílio
Ferreira, “um autor não dá garantias trabalhado, deixado
para a posteridade. Tive
quase nenhumas (mormente quando
grande autor) sobre a valia do que realiza.
E não há obra medíocre alguma de mexer em papéis de vários autores
oportunidade na Biblioteca Nacional
de um autor que lhe destrua a obra e nem todos têm essa consciência de
superior.”
os deixar arrumadinhos”, conta. Através
do estudo do espólio a investiga-
O escritor foi mais longe: “Saber
como se errou, progrediu, hesitou — dora percebeu que Vergílio Ferreira
tudo são modos de ampliar o conhecimento
de um autor. De qualquer e, às vezes, até datava essas visitas.
ia revisitando os seus papéis. “Mexia
modo, se um artista não quer que se Às vezes chegamos lá pelos instrumentos
utilizados, pelas canetas, pe-
lhe conheça a obra, destrua-a ele”.
Vergílio Ferreira não destruiu a sua e las tintas.”
deixou o acervo tão organizado que “Ele estava a preparar o espólio para
o futuro. Tinha essa noção de que
só poderia estar a pensar no futuro.
Dois inéditos do autor chegam agora
às livrarias, editados pela Quetzal: um escritor fez para substanciar a
era necessário conhecer tudo o que
uma novela (“A Curva de Uma Vida”, apreciação que fazemos dele”, acrescenta
Helder Godinho.
1938) e um romance (“Promessa”, de
1947). Passados tantos anos depois da
publicação de “Cartas a Sandra”, o As hesitações do autor
último romance do Prémio Camões Vergílio Ferreira morreu aos 80 anos,
1992, já saíram do seu espólio “Escrever”
(livro em que estava a trabalhar cadas, muitos dos seus títulos foram
a 1 de Março de 1996. Nas últimas dé-
quando morreu), um “Diário Inédito” desaparecendo das livrarias. “A publicação
dos inéditos veio agitar as
e estas duas obras. “Promessa”, que
teve como primeiro título “Sequência”,
é o único romance inédito com-
adormecimento”, considera o inves-
águas e ter o efeito contrário a esse
pleto que existe no espólio e a decisão tigador. “Houve uma má gestão da
de o trazer a público não foi fácil de edição e do catálogo. Há muitos livros
tomar para a equipa de investigadores que se deixaram esgotar”, lamenta.
e professores que está a estudar, catalogar
e anotar a sua obra.
Em 1997, a família de Vergílio Ferreira
doou o espólio do escritor à Biblioteca
Nacional e, por sua sugestão,
foi criada uma equipa para o estudar
dirigida pelo académico Helder Godinho,
seu aluno e amigo, que fez a
tese sobre a sua obra.
A investigadora Ana Isabel Turíbio,
“Se um artista não
que faz parte do grupo de estudo e
inventariou o espólio, diz que este
quer que se lhe
estava organizado a pensar nos estudiosos
futuros. “O espólio vinha muito
organizado, com as abreviaturas
conheça a obra,
desenvolvidas, com alguns comentários
para ele próprio (‘anotei outra
destrua-a ele”,
cópia e agora não sei onde está’; ‘críticos
de lábia fácil não imaginam o
escreveu Vergílio
Ferreira
esforço...’). Vê-se que é um espólio
LUÍS RAMOS/ARQUIVO
Vergílio Ferreira deixou o seu
acervo tão organizado que só
poderia estar a pensar no futuro
Como Vergílio Ferreira
preparou o fut
Uma novela e um romance inéditos, que Vergílio Ferreira optou por não publicar em vida, saíram
completa. A equipa de investigadores que está a trabalhar o seu espólio conta ao Ípsilon as razões
12 • Sexta-feira 9 Julho 2010 • Ípsilon

NAMING SPONSOR PRESENTING SPONSOR OFFICIAL SPONSOR OFFICIAL CAR INSTITUTIONAL SPONSOR
MEDIA PARTNERS PARTNERS
Francisco José Viegas, editor da
Quetzal, está a reeditar a obra completa
e a publicar os inéditos encontrados
no espólio. A reedição de “Na
Tua Face” sai este mês, as reedições
“Cartas a Sandra” e “Carta ao Futuro”
estão previstas para Setembro. No
próximo ano deverão publicar a edição
crítica de “O Caminho Fica Longe”
(por Ana Isabel Turíbio). Em preparação
está a edição genética de
“Onde Tudo Foi Morrendo”, bem como
uma edição de “Sobre o humorismo
de Eça de Queirós” — no espólio
existe uma segunda edição completamente
preparada que deveria ter
saído em 1945, mas que Vergílio Ferreira
não chegou a publicar. Em negociação
está um contrato com uma
agente literária internacional que ficará
com os direitos da obra para o
mundo inteiro.
Esta equipa que estuda o espólio,
e que inclui ainda Fernanda Irene
Fonseca e Cátia Barroso, assumiu a
responsabilidade de trazer a público
o romance e a novela que o autor
não publicou em vida por várias razões.
Uma delas é o facto de Vergílio
Ferreira ter emprestado há 30 anos
o original dactiloscrito do romance
“Promessa” (1947) a Helder Godinho
quando ele estava fazer a sua tese.
“Portanto, ele não rejeitava o livro”,
afirma o académico. “Eu estava a
fazer a tese de doutoramento e o
Vergílio Ferreira disse-me que havia
um romance que não tinha publicado
mas que achava que eu devia ler.
Li-o e percebi por que não o publicou.”
Os investigadores têm consciência
do “carácter datado” deste romance
escrito antes de “Mudança” (1949).
“‘Promessa’ é um romance em que
falta o equilíbrio do sentimento, a
emoção poética na escrita que ‘Mudança’
já tem. Mas é importante porque
é o primeiro romance de ideias,
escrito na época em que o autor acabara
de ler Hegel e Sartre. Escreveu a
seguir ‘Mudança’, que na obra publicada
passou a ser o primeiro romance
de ideias”, explica o investigador.
“Promessa” mostra também que a
ruptura de Vergílio Ferreira com a
temática neo-realista foi anterior a
“Mudança”.
“A leitura de ‘Promessa’ pode ser
difícil para o leitor comum. É um livro
cheio de ideias secamente expostas
sem aquela dimensão poética com
que ele vai depois adoçar as ideias”,
afirma Helder Godinho. “Há muitos
turo
diálogos, mais do que ele fará posteriormente.
‘Promessa’ é o momento
de mudança de um tipo de romance
neo-realista para um romance de
ideias. Vê-se que ele está à procura do
estilo, no sentido forte do termo.”
Em 1956, Vergílio Ferreira escreveu
na página de rosto do dactiloscrito de
“Promessa”: “Releio trechos. O livro
não é precisamente uma tolice. Está
quase certo, embora à sua maneira.
Com pequenas emendas…” Anos depois,
em 1980, contam os investigadores
no prefácio do livro agora publicado,
o escritor voltou a reler o
romance e acrescentou um outro comentário:
“Livro medíocre e precipitado.
Talvez re-escrito possa aguentar-se.
Ou talvez não muito ‘medíocre’,
mas apenas ultrapassado. Se o
tivesse publicado antes de ‘Mudança’,
estaria certo, talvez.”
Ao longo do tempo, Vergílio Ferreira
vai mudando de opinião em relação
aos seus livros. O escritor contou a
Helder Godinho que quando publicou
“Alegria Breve”, andou preocupado
uns dias a pensar que se calhar o livro
não prestava. “Este livro, que é talvez
o maior de Vergílio Ferreira, foi publicado
em francês na colecção Gallimard
e penso que foi até Jean Bloch-
Michel que disse que ao ler-se aquele
livro via-se que um dos grandes escritores
europeus vivia em Lisboa. As
hesitações dele, opinativas, não eram
significativas”, afirma Godinho.
O primeiro escrito
Quando Ana Isabel Turíbio pegou no
espólio de Vergílio Ferreira para o inventariar
teve de dar várias voltas
para organizar os papéis. Foi nessa
altura que encontrou o manuscrito
da novela “A Curva de Uma Vida”, que
é o primeiro escrito de Vergílio Ferreira,
e foi agora publicada.
“É difícil pegar nos papéis porque
temos a presença do autor, física, ainda
muito próxima. À medida que o
tempo vai passando conseguimos
criar distância e espaço para reflectir,
e já sem emoção trabalhar com os
critérios que a Biblioteca Nacional
utiliza”, explica a investigadora, que
fez a edição genética e crítica da novela
com Cátia Barroso, bolseira no
Centro de Estudos do Imaginário Literário,
e que se tornou “uma ilustre
vergiliana aos 22 anos”.
As especialistas consideram que em
“A Curva de Uma Vida” se encontra
muito do que irá ser a maneira como
Vergílio escreverá no futuro. Estão lá
na Quetzal, que está a reeditar a obra
da decisão. Isabel Coutinho
Alguns dos investigadores que
estão a trabalhar no espólio de
Vergilio Ferreira: Ana Isabel
Turíbio, Helder Godinho e Cátia
Barroso
Em 1956, Vergílio
escreveu sobre
“Promessa”: “O livro
está quase certo.”
E, em 1980, quando o
releu: “Livro medíocre
e precipitado”
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temas como a morte, a partida, a relação
com os pais. “Vergílio Ferreira
integrou na novela outros tipos de
registo: o diarístico, o epistolar e o
lírico, que serão géneros que o vão
acompanhando depois em outras
obras”, explica Ana Isabel para quem
a publicação desta novela se justifica
em função da obra que veio depois.
“Isto era publicável quando ele tinha
22 anos, hoje é publicável como documento
histórico”, acrescenta Helder
Godinho. “E como prova de coerência,
já aqui se encontra muito daquilo
que foi a sua obra”, nota Ana
Isabel.
No espólio encontra-se correspondência
que ainda não foi publicada.
“Nem será”, dizem os investigadores.
É muito privada, faz referências pessoais
e envolve pessoas vivas. Grande
parte da correspondência é trocada
com Eduardo Lourenço (que Vergílio
considerava ser o seu melhor amigo),
Jorge de Sena, Mário Dionísio, André
Malraux, com brasileiros que fizeram
teses sobre a sua obra, com o pintor
Júlio Resende, etc.
No espólio também estão as fotografias
que Vergílio Ferreira usava na
construção dos seus romances.
“É muito interessante visitar o ‘dossier’
genético de ‘Para Sempre’ e de
outros romances. Vê-se que ele tirava
fotografias às ruas para depois as descrever”,
conta Helder Godinho. Vergílio
fotografou “a zona do Saldanha,
da Casal Ribeiro [Lisboa], e para a
descrever com rigor” na obra “Em
Nome da Terra”. “Em ‘Rápida, a Sombra’
usou uma fotografia de um calendário
com uma rapariga com uma
camisola transparente para descrever
a situação em que a personagem sai
das águas como uma Vénus.”
Depois de reunir essa documentação,
conta Ana Isabel Turíbio, Vergílio
perguntava “Para quê, se tudo o
mais está na imaginação?”. Mas logo
a seguir explicava que era para não
cometer “gaffes”.
Ver crítica de livros pág. 46 e segs.
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Ípsilon • Sexta-feira 9 Julho 2010 • 13

Dave Eggers, Nova
e o empreiteiro Z
Um dos meninos de ouro da nova literatura americana pôs mais uma vez o seu talento (enorme) ao s
resultado, inquietante, é uma narrativa não-ficcional que se lê com a avidez de um romance. Sobre os me c
ROBERT GALBRAIT/REUTERS
Livros
Em 2005 Nova Orleães
transformou-se num cenário
pós-apocalíptico
Em 2004, o escritor norte-americano
Dave Eggers (n. 1970) – fundador da
editora McSweeney’s, autor de livros
que já foram finalistas do Pulitzer
Prize e do National Book Critics Circle
Award, e nesse ano considerado pela
“Time” uma das 100 pessoas mais
influentes no mundo – deu algumas
aulas no curso de jornalismo da Universidade
de Berkeley (Califórnia).
Foi nessa altura que, com a professora
e activista dos direitos humanos
Lola Vollen, criou a colecção de livros
“Voice of Witness” que se propunha
recorrer à história oral, narrada na
primeira pessoa, para ilustrar crises
de direitos humanos um pouco por
todo o mundo. O primeiro volume
da série coligiu testemunhos de norte-americanos
que tinham sido vítimas
de erros judiciais, a que se seguiu
outro dedicado a refugiados
sudaneses. No final de 2005 surgiu
“Voices from de Storm” (Vozes da
Tempestade), que recolhia dúzias de
narrativas de habitantes de Nova Orleães
acerca das suas vidas antes,
durante e após o furacão Katrina;
entre essas vidas encontravam-se as
de Abdulrahman e Kathy Zeitoun, um
casal muçulmano – ele americano de
origem síria, ela americana do Louisiana
convertida ao islamismo ainda
antes de ter conhecido o marido –
pais de quatro crianças e donos de
uma bem sucedida empresa de construção
civil, a Zeitoun A. Pinturas e
Empreitadas Lda.
Já no pós-livro, a história do pesadelo
“kafkiano” vivido por esta família
não saía da cabeça de Eggers, e na
primeira oportunidade o escritor visitou
os Zeitoun em Nova Orleães. Era
para ele evidente que havia ali muito
mais do que aquilo que fora incluído
em “Voices from de Storm”, e por
isso deu início a um processo de entrevistas
e de investigações, em Nova
Orleães e na Síria, que durou três
anos. Passado esse período, Dave Eggers
escreveu “Zeitoun”, publicado
originalmente em 2009 (a tradução
portuguesa acaba de sair), uma surpreendente
obra não-ficcional em
DARRON CUMMINGS
“De certa maneira,
era um mundo novo,
sem mapa. Ele
[Abdulrahman] podia
ser um explorador.
Podia ver tudo
em primeira-mão”
Alguns dos habitantes que não
abandonaram a cidade
ajudaram nos trabalhos de
limpeza
que todos os factos, segundo o autor,
“foram confirmados por fontes independentes,
bem como nos registos
históricos”. O dinheiro obtido com
os direitos deste livro reverte a favor
da Fundação Zeitoun – entretanto
criada pela família, por Dave Eggers
e pela editora McSweeney’s – cujo
objectivo é contribuir para a reconstrução
de Nova Orleães e promover
o respeito pelos direitos humanos nos
EUA e no mundo.
Debaixo do furacão
Do principio: a 27 de Agosto de 2005
o Centro Nacional de furacões avisa
que o Katrina poderá atingir a categoria
5 quando chegar a terra e que
se dirige em direcção a Nova Orleães.
Kathy Zeitoun decide sair da cidade
com os quatro filhos e alojar-se em
casa de familiares. O marido teima
em ficar. Quer olhar pela casa e pelas
outras propriedades, alguns prédios
com inquilinos. Um dia depois chega
o furacão. Durante a madrugada Zeitoun
consegue ir remendando as brechas
que se abrem na casa. A água
escoa-se das ruas. Mas um dia depois
rompem-se os diques da cidade e o
nível da água atinge os quatro metros.
Ele mudara entretanto alguns dos
seus pertences do andar de baixo para
o de cima, e lembra-se que há alguns
anos comprara em segunda mão
uma canoa de cinco metros, feita de
alumínio, que quase nunca utilizara.
Foi buscá-la à garagem. “Imaginou-se
a flutuar, sozinho, pelas ruas da cidade.
De certa maneira era um novo
mundo, sem mapa. Ele podia ser um
explorador. Podia ver tudo em primeira-mão.”
Abdulrahman aventura-se naque-
RICK WILKIN/REUTERS
14 • Sexta-feira 9 Julho 2010 • Ípsilon

a Orleães
Zeitoun
música
serviço de uma causa, a dos direitos humanos no seu país. O
e canismos “kafkianos” da justiça americana. José Riço Direitinho
A zona de Treme, sob vários
metros de água, a 29 de Agosto
de 2005
le cenário pós-apocalíptico. Começa
a navegar e a salvar pessoas. A primeira
foi uma mulher que estava
dentro de casa, a flutuar perto do
tecto, agarrada ao topo de uma estante
havia um dia. “O vestido axadrezado
dela estava espalhado sobre
a superfície da água como uma grande
flor flutuante.”
Sem nunca perder o rigor da forma
do relato verídico, Eggers não deixa
de usar o seu talento de romancista
nas descrições que faz, como a da
citação anterior. Toda a história, apesar
de seguir uma ordem cronológica
com enumeração das datas, está repleta
de analepses, de lembranças
da infância e da juventude de ambos,
de pormenores laterais que fazem
desta grande narrativa não-ficcional
um romance (no sentido mais lato da
palavra).
Eggers sabe como prender o leitor,
adiando desfechos ou tornando-os
imprevisíveis. É assim que a meio do
livro, e depois de vários salvamentos
e encontros com outros homens que
se recusaram a abandonar a cidade,
assistimos à prisão de Zeitoun, e de
outros três homens, e ao seu transporte
para um estranho campo militar
montado no Terminal de Passageiros
de Nova Orleães. “(…) Detido
à boca das armas numa casa que era
sua, trazido para uma base militar de
campanha montada dentro de uma
estação de carros, acusado de terrorismo
e fechado numa jaula ao ar livre.”
Só muitas páginas adiante se lêem
as palavras “al-Qaeda” e “talibãs” e
nos apercebemos de que no campo
os guardas utilizam gás pimenta contra
os prisioneiros mais mal-comportados
(mais tarde balas de borracha);
também a descrição do lugar não deixa
prever nada de bom. “Já antes vira
estruturas semelhantes àquela, nas
propriedades dos seus clientes que
criavam cães. Esta gaiola, tal como
essas outras, era um recinto vedado
e dividido em recintos mais pequenos.
Parecia um canil gigante, e no
entanto tinha um aspecto ainda mais
familiar que isso. Parecia-se mais precisamente
com as imagens que ele já
vira da baía de Guantánamo.”
Depois de alguns dias neste campo,
Zeitoun é levado para uma prisão de
alta segurança. Depois da detenção
não foi autorizado a fazer um único
telefonema, nem à mulher nem a um
advogado.
Eggers tem o cuidado de mencionar
que este relato reflecte a visão
dos eventos por parte da família Zeitoun,
o que não torna este livro excepcional
menos inquietante. O autor
chegou a entrevistar os polícias que
prenderam os quatro homens.
Filantropia do autor
Mas esta história “kafkiana” do empreiteiro
Zeitoun, não é a primeira
que apela ao lado filantrópico de Dave
Eggers – autor do recente “O Sítio
das Coisas Selvagens” (Quetzal, 2010).
Já em 2002, e por achar que a escola
não promove devidamente o acto da
escrita, ajudou a criar em São Francisco
uma organização sem fins lucrativos,
a 826 Valencia, que se destina
a ensinar crianças e jovens entre
os seis e os dezoito anos a escrever
ficção, uma espécie de cursos de escrita
criativa para os mais novos. (Recentemente
doou para esta organização
cerca de 250 mil dólares.) O
que nasceu em São Francisco como
um projecto local estendeu-se em
poucos anos a outras cidades como
Los Angeles, Nova Iorque, Seattle,
Chicago e Boston. Ainda nesta área
da promoção da escrita e da leitura,
e também desde 2002, Dave Eggers
é o editor de uma antologia anual
(uma das mais vendidas nos EUA) intitulada
“The Best American Nonrequired
Readings”, que publica os
melhores trabalhos de um grupo de
alunos do ensino secundário que periodicamente
se reúne com ele nos
escritórios da McSweeney’s para ler
e debater textos.
Esta costela filantrópica de Eggers,
que parece querer fazer carreira como
“escritor com causas”, tem ainda
uma forte expressão literária: um dia,
conheceu Valentino Achak Deng, um
refugiado sudanês, e durante meses
conversou com ele (à semelhança do
que viria a fazer com os Zeitoun), ouviu
as suas muitas histórias de menino
perdido na guerra civil do Sudão, nos
vários campos de refugiados por onde
passou, como chegou aos Estados
Unidos e como foi a sua difícil adaptação
a um mundo que desconhecia.
Depois pôs mãos à obra e com a sua
talentosa criatividade escreveu um
romance brilhante, “What Is the
What” (“O Que É o Quê”, Casa das
Letras, 2009), uma autobiografia ficcionada
que se tornou num “bestseller”
e que foi finalista do “National
Book Critics Circle Award”. O dinheiro
obtido com os direitos do livro
entregou-o a Achak Deng, que criou
uma fundação que se propõe construir
escolas secundárias no sul do
Sudão; a primeira foi inaugurada em
Maio do ano passado.
Para breve está anunciado um volume
do “Voice Witness” dedicado a
vítimas do regime do Zimbabué. Que
mais se seguirá?
Hanne Hukkelberg
Blood from a stone
14 Julho 22h00 M/6
palestra-performance
Jeremy Xido
Cabula6
The Angola Project
16 Julho 21h30 M/12
Em inglês, sem legendagem
www.teatromariamatos.pt
© Carina Musk-Andersen
Ípsilon • Sexta-feira 9 Julho 2010 • 15

Há uma piada eclesiástica que diz que
nem o Espírito Santo sabe quantas
ordens e congregações femininas
existem na Igreja. A partir de agora,
esse problema está resolvido, pelo
menos no que a Portugal se refere. A
Gradiva acaba de publicar o “Dicionário
Histórico das Ordens e Instituições
Afins em Portugal”, realizado
por uma equipa de 136 autores, coordenados
pelo Centro de Literaturas e
Culturas Lusófonas e Europeias e pelo
Centro de História da Faculdade de
Letras de Lisboa.
Dirigido por José Eduardo Franco,
José Augusto Mourão e Ana Cristina
da Costa Gomes, o dicionário inclui
376 entradas, divididas em sete capítulos:
ordens cristãs (o maior, com
240, incluindo uma ordem protestante/evangélica);
hindus e budistas (duas);
esotéricas (11); maçónicas (77);
templárias, neotemplárias e míticas
(13); honoríficas e civis (21); e profissionais
(12). No total, são mil páginas,
incluindo introduções a cada capítulo,
índices antroponímicos, bibliografias
específicas e uma profusão de
ilustrações.
Ficamos, assim, a saber tudo sobre
a história, dados, objectivos e regras
de instituições tão diferentes quanto
os jesuítas ou franciscanos, a Ordem
dos Advogados ou a Ordem de Malta,
a Ogyen Kunzang budista ou a Ordem
dos Pastores Baptistas, a Ordem dos
Trovadores ou a Federação Maçónica
Portuguesa, a Ordem Templária de
Portugal, a Ordem Hebraica ou a Ordem
do Infante Dom Henrique.
O pioneirismo e novidade do projecto
traduziram-se já no seu acolhimento
positivo pela comunidade científica.
De tal modo que a sua concretização
DANIEL ROCHA
RUI GAUDÊNCIO
Em cima: monjas carmelitas do
Mosteiro de Bande. Em baixo:
os frades da Ordem dos
Cartuxos em Évora
em Portugal levou investigadores de
outros países a iniciar ou programar
iniciativas semelhantes. É o caso de
Espanha, França, Angola, Moçambique
e Brasil (onde o projecto tem já cerca
de mil entradas).
Em ano de centenário da República,
pode pensar-se que o Dicionário
aparece também como forma de celebrar
a efeméride. Sim e não: os organizadores
assinalam apenas a “feliz
coincidência”. Iniciado em 2000, o
projecto foi pensado para estar concluído
cinco anos depois, mas alguns
atrasos acabaram por ditar a decisão
de o publicar em 2010.
Feliz coincidência, já que o dicionário
reflecte agora a evolução plural
da sociedade portuguesa neste último
século. Há 100 anos, um projecto destes
seria impensável: já com a República
instaurada, membros de ordens
maçónicas protagonizaram perseguições
e humilhações de membros de
ordens religiosas — é conhecida a foto
dos republicanos a “medir” o cérebro
de padres jesuítas. Hoje, realidades
como essa seriam inconcebíveis e intoleráveis.
Diferentes grupos e sectores que
estiveram em conflito estão, agora,
juntos num mesmo volume. O que
remete para o que os coordenadores
caracterizam como “ecumenismo
cultural” e aprofundamento da democracia
“também no plano cultural
e científico”.
Na introdução geral, escrevem a
propósito os responsáveis do dicionário:
“Alguns perguntarão pelas razões
que presidem à integração numa
mesma obra de instituições aparentemente
tão diversas como as ordens
religiosas católicas e as ordens maçónicas.
Tanto mais que, nomeadamente
estes dois tipos de ordens, viveram,
num determinado período do curso
da sua história, experiências fracturantes
de hostilidade grave e estiveram
de costas voltadas umas para as
outras, digladiando-se em polémicas
de carácter ideológico, disputando
espaços de poder, particularmente
ao longo do séc. XIX e primeiras décadas
do séc. XX, período em que a
questão religiosa subiu ao rubro!”
O que une, então, esta tão grande
diversidade de instituições? Desde
logo, o nome (ordem, congregação,
associação em alguns casos) e os aspectos
formais que as constituem
(uma regra, uma constituição ou um
estatuto).
Num estudo publicado há quatro
anos na revista “Brotéria”, em que se
apresentava o projecto, José Augusto
Mourão falava da noção de ordem no
discurso e no sentido de pertença às
instituições religiosas: “A noção de
ordem evoca de imediato a ideia de
relação entre um antes (‘prius’) e um
depois (‘posterius’), as partes e o todo.
Em matemática como em tudo.
Os valores trazem a ganga da história
que os deu à luz. (…) A noção de ordem
apela à noção de tempo, de espaço,
de normativo, de comum, de
conexão.”
Para além desses aspectos, há ainda,
no universo destas organizações,
uma dimensão ritual, iniciática e integradora
comuns a todas elas. O tempo,
aliás, é uma nota dominante no
universo das ordens religiosas — das
quais serão reproduzidos outros modelos,
como adiante se verá: é o tempo
que organiza a vida dessas comunidades,
à volta de momentos rituais
como a oração, a refeição ou a liturgia.
Um tempo que se impregna de
quotidiano, mas que está para além
dele. Um tempo vivido sem pressas,
na ideia de harmonizar circunstância
e intemporalidade, conjuntura e eternidade.
Um mundo que mudou
Não é por acaso que predominam no
dicionário as ordens religiosas católicas.
O ideário que organiza estas instituições,
nota José Eduardo Franco
em conversa com o Ípsilon, bem co-
RUI GAUDÊNCIO
Um dicionário
que vem
pôr ordem nas
ordens
Ordens religiosas junto de ordens
maçónicas e esotéricas, ordens
profissionais e militares. Um
dicionário inédito acaba de ser
publicado em Portugal, recenseando
todas as ordens e instituições afins.
O projecto será imitado em vários
países. António Marujo
16 • Sexta-feira 9 Julho 2010 • Ípsilon

mo as etapas do processo de integração,
apresentam processos semelhantes
entre diferentes tipos de ordens.
Aos votos religiosos correspondem,
por exemplo, os graus maçónicos ou
os diferentes processos de integração
profissional.
“São processos decalcados da experiência
monástica, mais evidentes
no caso da maçonaria”, diz o investigador.
No caso das ordens civis ou
honoríficas, é o tipo de ideário que as
organiza — seja regra, constituição ou
estatuto — que se assemelha ao das
ordens religiosas. “O religioso continua
a modelar muitas experiências
sociais contemporâneas”, diz José
Eduardo Franco. Mas esta diversidade
de instituições evidencia também
um mundo que mudou: de uma sociedade
“unificada pelo religioso”
para uma era de secularização e de
autonomização da vida social em relação
ao sagrado.
Apesar dessa evolução, percebe-se
a relação de diálogo ou tensão em que
estas instituições se foram estabelecendo
com o restante corpo social.
Bastará, aliás, folhear a obra num primeiro
olhar para se perceber essa
relação na diversidade dos factores:
a influência na arquitectura ou nas
artes, os fundos patrimoniais, a acção
social ou caritativa, a participação em
debates culturais ou políticos da sociedade
portuguesa…
Deslizes e excessos
O rigor factual, histórico e documental
das entradas é apreciável. Mas há pequenos
deslizes de linguagem que deveriam
ter sido evitados: a utilização
de expressões como “Santo Padre”
(mais própria do interior do catolicismo)
em vez de Papa, por exemplo (p.
662); ou a adjectivação por vezes utilizada,
sobretudo quando se fala da actualidade
e não existe ainda suficiente
distância histórica (“grande figura de
referência espiritual”, p. 644).
Aliás, no que respeita aos mais recentes
movimentos católicos, a controvérsia
que essas instituições ainda hoje
levantam é quase omitida. É o exemplo
da entrada sobre a Comunhão e
Libertação, grupo nascido nos meios
universitários italianos, que se identifica,
entre outras coisas, pelo anúncio
militante do cristianismo, pela afirmação
da unidade em torno do Papa e
pela adesão à moral tradicional veiculada
pela hierarquia católica.
Noutro caso como a Opus Dei, apenas
se apresentam as críticas genéricas
que se fazem à instituição e os
argumentos de defesa que esta costuma
utilizar: o secretismo confundido
com o recato, o conservadorismo
e as elites contra o trabalho em “todos
os meios sociais”, o poder económico
versus “os orçamentos muito modestos”
de parte dos membros, as críticas
a “O Código Da Vinci” que “erradamente
fantasia e colabora” para a
“lenda negra” da Opus Dei… Mas tudo
isto é enumerado sem qualquer aprofundamento
de dados que sustentem
os argumentos evocados.
Se a distância é mais difícil em relação
a aspectos actuais, a adjectivação
ou a formulação genérica sem os
factos que a fundamentem deveriam
ter sido evitadas.
Estes movimentos e associações
contemporâneas são aqui apresentados
também com razões que se justificam
na respectiva introdução — e
que se aceitam. Elas “são herdeiras,
Diferentes grupos e
sectores que
estiveram em conflito
estão, agora, juntos
num mesmo volume.
Esta diversidade de
instituições evidencia
um mundo que
mudou: de uma
sociedade “unificada
pelo religioso” para
uma era de
autonomização da
vida social em relação
ao sagrado
ou comungam, de elementos representativos,
colhidos na milenar experiência
ascética e institucional do
monaquismo católico”.
Se há excessos em alguns casos,
noutros, como na entrada respeitante
ao Grande Oriente Lusitano, pecase
por defeito, ficando-se com a sensação
de que muito ficou por dizer.
Com tudo o que já há publicado sobre
a instituição e a sua história, a entrada
respectiva deveria ser mais completa.
Durante este ano serão ainda publicados
os primeiros de oito dicionários
reunindo os diferentes temas:
ordens católicas; ordens de inspiração
franciscana; ordens maçónicas;
ordens honoríficas; ordens profissionais;
ordens hindus e budistas; ordens
esotéricas; ordens templárias.
Cada um destes volumes a publicar
em separado terá entradas mais desenvolvidas
em relação à versão original.
A Aletheia acaba de publicar
também um volume dedicado apenas
à Ordem dos Pregadores, ou Dominicanos,
da responsabilidade do mesmo
Gabinete de Estudos das Ordens criado
para assegurar a continuidade destes
projectos.
Este Dicionário das Ordens terá
uma outra continuação: entre os dias
2 e 5 de Novembro próximo, um grande
congresso internacional aprofundará
a “Memória, Presença e Diásporas”
das ordens e congregações religiosas
em Portugal. A dimensão pode
medir-se também pelo facto de, inicialmente,
o congresso estar previsto
para dois dias. Há 200 intervenções
já previstas entre 700 participantes
inscritos, sobre áreas tão distintas
quanto a história da arte, a assistência,
a cultura, a missionação ou a relação
com a política.
A última etapa será, depois de publicados
os diferentes volumes, a disponibilização
da informação em suporte
digital, com actualização permanente.
Uma nota sobre a iconografia e o
tratamento gráfico: como, em muitos
casos, a ilustração esteve dependente
dos arquivos das instituições, acabam
por coexistir bons exemplos de
tratamento (icono)gráfico, a par de
outros menos interessantes.
No primeiro caso, estão sobretudo
as ordens mais antigas, onde é possível
recorrer a peças de arte, monumentos
ou símbolos mais marcantes
(é o caso de algumas ordens religiosas,
mas também maçónicas). No segundo,
devem referir-se sobretudo
instituições mais contemporâneas,
como sucede com as ordens profissionais.
Por exemplo, o friso de bastonários
da Ordem dos Médicos Veterinários
era evitável. Deveria mesmo
ter-se optado por não reproduzir fotos
de actuais dirigentes das diferentes
instituições, evitando o aspecto
“desactualizado” que a obra poderá
aparentar assim que um desses dirigentes
mude.
Esta limitação reflecte-se também
no desenho gráfico de algumas páginas,
menos cuidadoso. E não ajuda o
facto de a bibliografia não aparecer
num corpo de letra diferente do resto
do texto — o que marcaria uma ruptura
mais evidente entre as diferentes
entradas.
Outro pormenor: em alguns casos,
as legendas de fotos ou ilustrações
denotam falta de edição: onde se lê
apenas “Fundador” ou um mais extenso
“Soberano Grande Comendador
do Supremo Conselho de Portugal”
deveriam, antes, ler-se os nomes
respectivos.
Nota final: fala-se, ainda, em instituições
“dicionarizadas” e em “siglários”.
Numa época em que a língua
portuguesa é tão pontapeada em tantos
lados, uma obra como esta deveria
ter tido a cautela de evitar neologismos
feios e desnecessários.
Pormenores, todos eles, a merecer
revisão nas futuras edições parciais,
mas que só reafirmam o ineditismo,
relevância e abrangência desta obra.
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Ípsilon • Sexta-feira 9 Julho 2010 • 17

São José Almeida abriu
dos homossexuais na
“Os Homossexuais no Estado Novo” traça a homossexualidade (masculina e feminina) d
do século XX português. Raquel Ribeiro
Livros
Na apresentação do livro “Os Homossexuais
no Estado Novo”, de São José
Almeida (ed. Sextante), há um mês,
no Porto, a poeta e professora universitária
Ana Luísa Amaral começava
por questionar, citando Judith Butler
(uma das mais proeminentes investigadoras
americanas em estudos “queer”
e activista de direitos LGBT), qual
a necessidade de se falar em direitos
dos homossexuais quando a Palestina
ainda estava sob domínio israelita.
Resposta de Butler: “Tudo tem a ver
com a violência, por isso é impossível
estabelecer prioridades.”
Ao Ípsilon, Ana Luísa Amaral completou
esta ideia, explicando, a propósito
do livro da jornalista do PÚBLI-
CO São José Almeida, que “a forma
mais conservadora de dar prioridade
a determinados assuntos é dizer que
assuntos políticos, como a crise económica,
são mais importantes”. “Não
me parece: todos eles exibem violência.
Uma sociedade que resolve as
suas crises económicas, mas não resolve
as suas crises sociais e de identidade,
é uma sociedade injusta também.”
Nesse sentido, continua Amaral,
“Os Homossexuais no Estado
Novo” é um livro “completamente
político, porque os assuntos de visibilidade
são sempre políticos, digam
respeito aos sem-abrigo, aos homossexuais
ou às mulheres”.
Esta obra começou por ser uma
investigação jornalística de São José
Almeida sobre como viviam os homossexuais
durante o Estado Novo,
publicada na revista “Pública” no Verão
de 2009. A autora explica na introdução
que a investigação não parou
aí, ainda que este seja um princípio,
“um livro inacabado”, ou até
uma porta que se abre para um caminho
que a sociedade portuguesa
deverá percorrer de forma a “revisitar
a história”, e “se reencontrar consigo
mesma”. É altura, escreve, “de
Portugal começar a ajustar contas
com a História”.
Uma história de Portugal
São José Almeida colige uma pesquisa
totalmente original reunindo uma
série de vozes de especialistas portugueses
e estrangeiros, de testemunhos
pessoais, de investigações, mas
também recorrendo a um enquadramento
teórico, científico e jurídico
das problemáticas envolvendo a homossexualidade
no século XX português.
António Fernando Cascais, professor
na Universidade Nova de Lisboa
e especialista em história da
homossexualidade em Portugal , é
uma das fontes fundamentais usadas
pela jornalista para compor a história
dos homossexuais durante a ditadura.
Ao Ípsilon afirma que esta investigação
“é uma incursão num terreno
que não estava pura e simplesmente
desbravado”.
Almeida traça a história da homossexualidade
em Portugal entre 1912
(ano da Lei sobre a Mendicidade) e
1982, quando entra em vigor o novo
Código Penal (de que foram eliminados
os artigos 70º e 71º, referentes
àqueles que “se entreguem habitualmente
à pratica de vícios contra a natureza”).
A autora mostra como a
homossexualidade é a “sexualidade
transgressora numa sociedade patriarcal”,
sublinhando dois eixos no
contexto português: um referente à
“diferença de classe social, a diversidade
de tratamento para quem é das
elites e das aristocracias do regime e
para quem é do povo”; e outro relacionado
com os não-ditos, os silenciamentos,
a “inexistência de uma
identidade” que permita uma noção
de comunidade, “partilha de grupo”,
Mário Cesariny Figura maior do surrealismo português, “foi um
dos homossexuais portugueses que mais se expôs publicamente na
assunção plena da sua homossexualidade”, transformando-se “numa
figura de referência da homossexualidade portuguesa durante o Estado
Novo”. O poeta “sempre se assumiu como um ser com uma sexualidade
desviante, como um ser estigmatizado devido à sua não-inserção no
padrão de família patriarcal e heterosexual”.
ADRIANO MIRANDA
18 • Sexta-feira 9 Julho 2010 • Ípsilon

o armário
ditadura
PEDRO CUNHA
) durante o Estado Novo, reescrevendo a história
PEDRO CUNHA
A história dos
homossexuais no
Estado Novo é
coincidente com a
história do país nesse
período. A repressão e
exclusão social a que
estavam sujeitos
relegou-os para uma
semi-clandestinidade
comum durante estes anos. Ouvindo
um número considerável de testemunhas
que contam, em primeira mão,
as suas experiências vividas sob a ditadura,
São José Almeida demonstra
os dois pesos e as duas medidas do
regime relativamente aos homossexuais
(das elites e das classes baixas),
tendo em conta como a “repressão e
a exclusão social a que estavam votados
no Estado Novo levavam a que a
sua vivência — em que a sexualidade
ocupa um lugar central, como em todas
as pessoas — fosse relegada para
uma semi-clandestinidade, uma espécie
de submundo, muitas vezes
identificados como os ‘bas-fonds’ e o
crime”.
Este trabalho mostra, assim, como
a história dos homossexuais no Estado
Novo é, no fundo, coincidente com
a história do próprio país durante esse
período e da resistência ao regime.
“Evidentemente que os homossexuais,
enquanto grupo, nunca é apenas
aquilo que é: é aquilo que é mais o
que lhe acontece. É uma história do
país durante esse período, uma história
do regime e das suas características”,
explica Cascais.
Ana Luísa Amaral diz que a obra
“dá voz às vozes que estiveram em
silêncio durante esse período”, e são
os testemunhos que a professora diz
poderem vir a ser úteis nas suas aulas
de Introdução aos Estudos Feministas,
na Universidade do Porto, por
exemplo: “Alguns testemunhos são
muito importantes, pungentes, até.
Esta disciplina pode sensibilizar os
alunos para questões sobre o outro,
aprender a ver o outro como um semelhante.
Quem está ali podia ser
eu. Mas [os testemunhos] também
[servem] para os alunos se chocarem
e se sensibilizarem com a estupidez
da violência pela qual estas pessoas
tiveram de passar.” A noção de testemunho
é sublinhada por Cascais
que diz que “Os Homossexuais no
Estado Novo” é, em termos metodológicos,
“uma história oral, na primeira
pessoa”. Mas há uma “relevância
histórico-política” que tem que
ver com a “dar voz a quem não a tinha,
reescrever a história noutros
termos que não nos existentes: os
do silenciamento, do enviesamento,
dando rosto a estereótipos, humanizando-os.”
Natália Correia É um dos exemplos da “clandestinidade em que era
vivido o lesbianismo e a sua invisibilidade pública era uma realidade
mesmo no meio artístico”. A poeta frequentava o círculo de amizades na
casa de Fernanda de Castro (mulher de António Ferro, chefe de
propaganda do regime) “que se juntava em férias no Algarve, [e que] era
claramente um círculo de relações homossexuais”, conta António
Fernando Cascais no livro.
Poetas e escritores, pioneiros
Salientando sempre a diferença de
classes que se estabelecia na “comunidade”
homossexual em Portugal
(entre aspas porque, precisamente,
essa comunidade não existia enquanto
tal), a autora recorre a exemplos
das artes e da literatura que, até certo
ponto, foram pioneiros de uma
forma de sentir a sexualidade durante
a ditadura (António Botto, Eugénio
de Andrade, Mário de Cesariny, Natália
Correia, João Villaret, entre muitos
outros). Essa é também a leitura
de Eduardo Pitta no livro “Fractura
— A condição homossexual na literatura
portuguesa contemporânea”
(2003), onde textos de autores portugueses
são analisados segundo uma
perspectiva “gay” ou “queer”.
Nos anos 20, “uma nova ordem se
anuncia”, com a censura dos livros e
posterior ostracização dos poetas Judith
Teixeira, Raul Leal e António Botto.
Botto foi saneado e exilou-se no
Brasil no final dos anos 40. Citando
Cascais, a autora escreve: “A partir
daí, a homossexualidade exprime-se
na literatura de forma cifrada, críptica.
[...] Ninguém queria ter a sorte de
Botto e de Teixeira, o próprio Eugénio
de Andrade disse que não queria pagar
em vida o que Botto pagou.” Só
mais tarde, na geração dos surrealistas
com Cesariny (o “único homossexual
português?”, pergunta ironicamente
Almeida), com Natália Correia
e Ary dos Santos haveria uma maior
abertura (social e até política) relativamente
à homossexualidade.
A referência a figuras de proa da
literatura portuguesa pode ser polémica,
nomeadamente no que diz
respeito ao caso Jorge de Sena, já
falecido, mas cuja família está ainda
hoje viva. Ana Luísa Amaral diz que
o livro de Almeida levanta a questão
dos limites entre o público e o privado
de “forma interessante”: até
que ponto, pergunta Amaral, “é que
se deve questionar a eventual homossexualidade
de Jorge de Sena
partindo ou de entrevistas, ou do
texto do autor? É complexo e polémico.
Essa questão é saudável porque
pode levantar um debate interessante
sobre a crítica literária em
Portugal.”
Fernando Lopes Graça Músico e compositor, pertenceu ao PCP e
foi um opositor do regime de Salazar. Cesariny aprendeu música com
ele. Era amigo de Ary dos Santos, “homossexual absolutamente
assumido e explícito na noite lisboeta”, nos anos 60. O dirigente do PCP
Ruben de Carvalho conta no livro: “Fernando Lopes Graça descobriu-se
comunista e homossexual ao mesmo tempo; o Ary, primeiro, percebeu
que era homossexual e, depois, que era comunista”.
Ípsilon • Sexta-feira 9 Julho 2010 • 19

MANUEL ROBERTO
Eugénio de Andrade Nunca afirmou a sua homossexualidade,
mas era pública. Foi provavelmente marcado pela ostracização do poeta
António Botto (no final dos anos 40) devido à assunção da sua
homossexualidade. António Fernando Cascais diz, no livro, que
“ninguém queria ter a sorte de Botto (...), o próprio Eugénio de Andrade
disse que não queria pagar em vida o que Botto pagou”.
O “caso” Sena diz respeito à suposta
homossexualidade do autor de
“Sinais de Fogo”, ainda hoje tido por
vários especialistas como um dos romances
pioneiros da literatura “queer”
em Portugal. Citando Fernando
Dacosta, a autora escreve: “[Sena]
casou. Fazia, praticamente, um filho
por ano, o que é uma atitude muito
normal nos homossexuais. Conhecio”.
Dacosta conta (corroborado por
Eduardo Pitta) que Sena foi expulso
da Marinha por ter sido apanhado
com um rapaz. O conto de Sena,
“Grã-Canária”, incluído em “As Andanças
do Demónio” é, “nesse sentido,
autobiográfico”, conta Pitta à
autora. São José Almeida explica como
a polémica estalou em 1982 quando
o “Expresso” apresentou um trabalho
de Arnaldo Saraiva sobre a
homossexualidade em Jorge de Sena.
Grupos de intelectuais escreveram
cartas inflamadas (e indignadas) sobre
o assunto. Para a autora, o “caso”
Sena é, por isso, exemplar de toda a
sua investigação: “Pela forma como
tem sido interpretado e pelas polémicas
que tem gerado, [Sena] é demonstrativo
de como os passos para
identificar as referências que permitam
a construção de uma identidade
‘gay’ em Portugal são, muitas vezes,
impossíveis de dar até muito tarde
no século XX português”.
“Os Homossexuais no
Estado Novo” é “uma
história oral, na
primeira pessoa”, que
dá voz a quem esteve
em silêncio nesse
período
Mulheres e linguagem
Além da história oral, o enquadramento
científico e jurídico do homossexual
é uma das mais-valias do livro
de Almeida. Com base nas teorias de
Egas Moniz e Asdrúbal António de
Aguiar, da década de 20 do século
passado, a autora explica que a homossexualidade
era “vista como doença,
que pode e deve ser tratada, e
como perversão, que tem de ser corrigida,
a bem da nova ordem social
burguesa”. Essa percepção (e as categorias
desenvolvidas a partir desta)
dominou o discurso oficial na ditadura.
Para Ana Luísa Amaral, este enquadramento
é uma primeira contribuição
para a criação de “um léxico inclusivo
para a cidadania”. Isto quer
dizer que “designações, categorias,
o próprio conceito de homossexual
e a sua naturalização, conceitos que
dizem respeito às sexualidades, tornam-se
abertos a toda a sociedade”.
O livro mostra, portanto, “como se
esboroaram essas categorias e é um
novo léxico que se vai construir”.
Cascais concorda: “Normalmente, os
homossexuais não têm história, têm
uma tipologia de doença, têm uma
patologia.” Com este livro, “isto está
desfeito. A outra coisa que está desfeita
é o preconceito histórico de que
uma história dos homossexuais diz
apenas respeito aos homossexuais, é
uma micro-história ou a história de
uma minoria. Ora, não há histórias
só de minorias, porque as minorias
nunca estão isoladas.”
Anna Klobucka, investigadora de
Estudos Portugueses na Universidade
de Massachusetts-Dartmouth, nos
Estados Unidos, tem-se debruçado
sobre questões de género e teorias
feminista e “queer” na literatura portuguesa.
“Do meu ponto de vista,
que é também o da minha agenda
de pesquisa e daquilo que me interessa
pessoalmente, o que me parece
mais útil e original [neste livro] é
que permite desenvolver uma perspectiva
de análise muito mais bem
informada sobre o que se poderia
chamar, segundo o livro de Eve
Sedgwick, a ‘epistemologia do armário
português’.” A ideia de “armário”
(ou neste caso da sua “abertura”,
com o livro de Almeida) é, diz Klobucka,
“um fenómeno universal no
ocidente” que tem a ver com a relação
que a homossexualidade estabelece
com o (in)cumprimento “das
regras em vários contextos culturais”.
Mas há diferenças entre países
e épocas: “Usar fontes que se baseiam
na realidade dos EUA ou da
Inglaterra, ou mesmo de Espanha,
para pensar e analisar o caso português
é deslocado.” O contexto português
“é bastante distinto de outros
que tenho estudado em obras teóricas
e isso é muito precioso”.
O “armário” aqui aberto está na
voz dos testemunhos, mas também
no facto de Almeida tentar estabelecer
sempre uma certa paridade
entre a homossexualidade feminina
e masculina. A autora escreve que,
na história, a “mulher surge sempre
como segunda figura”, e a “concepção
do lesbianismo” é decalcada da
dos homens. Nesse sentido, tanto
para Klobucka como para Ana Luísa
Amaral o capítulo dedicado ao lesbianismo,
“Mas isso existe?”, é relevante.
Klobucka afirma que a autora
“faz muito com o pouco material que
tem”, dando máxima “inclusividade
à esfera do lesbianismo que é particularmente
invisível e usualmente
mal documentada por comparação
à homossexualidade masculina na
Pedro Homem de Mello O autor do poema
“O rapaz da camisola verde” (1954), cantado por
Amália dez anos depois, “vê os [seus] versos em que
o homoerotismo é cristalinamente assumido serem
silenciados pela censura do pudor hipócrita da
cultura social vigente”. Ainda assim, era protegido
pelo regime, mesmo no “ambiente fechado da
sociedade portuense na época”: “A única pessoa que
tinha coragem de não se retirar se lhe atirassem
alguma boca era o Eugénio de Andrade. No Pedro
Homem de Mello também não se atreviam a tocar”,
diz, no livro, o artista plástico Óscar Alves.
Jorge de Sena A suposta homossexualidade do
autor de “Sinais de Fogo” é levantada num trabalho
no “Expresso” em 1982, coordenado por Arnaldo
Saraiva, que deu origem a reacções acesas de
grupos de intelectuais portugueses. “Pelos vistos, em
1982, e para alguns intelectuais, a simples alusão à
hipótese de homossexualidade — imediatamente
excluída com elementos plausíveis — é ainda um
sinal de suspeita e perversidade. Quem é que é
perverso? Quem simplifica? Quem é o puritano?”,
escreveu Saraiva na altura.
cultura portuguesa”. Klobucka acrescenta
ainda que “a situação das mulheres
portuguesas durante o Estado
Novo era muito diferente do estatuto
social dos homens e naturalmente
a questão homossexual também
tem de ser construída de uma forma
diferente”.
20 • Sexta-feira 9 Julho 2010 • Ípsilon

Mi Ami
Este punk não é
aquilo que pensamos
Os Mi Ami são um ritmo que jorra de forma incessante, como se o rock’n’roll se
transformasse em celebração tribal, em funk dilacerado, em violento psicadelismo.
Em “Steal Your Face”, o segundo álbum, põem Bob Marley na capa para lançar uma
pergunta: “Como viver num mundo em que tudo é trivializado e transformado
em lixo?” Mário Lopes
Música
Daniel Martin-McCormick, à
esquerda, irrita-se quando lhe
falam em supostas influências
africanas na música dos Mi Ami
Antes, entre 2001 e 2004, existiram
os Black Eyes. Canções de guitarras
nervosas e ritmo tenso, com um vocalista
cuja estridência do canto, quase
demencial, potenciava uma sensação
de catarse neurótica. Os Black
Eyes, da mesma Washington de Fugazi
e Q And Not U, eram uma banda
perfeitamente alinhada numa época
de redescoberta e apropriação criativa
de pós-punk e da no-wave. Agora
existem os Mi Ami, que continuam a
revelar muita da catarse neurótica dos
Black Eyes, mas são completamente
diferentes, inclassificáveis. Um ritmo
que jorra de forma incessante, como
se o rock’n’roll se transformasse em
celebração tribal, em funk dilacerado,
em violento psicadelismo que nos
transporta na sua voragem.
Daniel Martin-McCormick, guitarrista
e vocalista dos Mi Ami, ex-guitarrista
e vocalista dos Black Eyes,
canta da mesma forma, mas atinge
uma dimensão diferente. Quando ouvimos
o segundo álbum da banda,
“Steal Your Face”, imaginamos um
trio (Daniel, o baixista Jacob Long,
também vindo dos Black Eyes, e o baterista
Damon Palermo) que aprofundou
a empatia musical ao estado de
“jam” de músicos clássicos de jazz:
não há pontes ou refrães, antes música
como um fluxo contínuo que se
vai modulando dinamicamente, enquanto
a guitarra se ergue num turbilhão,
enquanto o “cowbell” surge e
sugere contenção eléctrica para que
o “groove” diabólico se destaque.
Daniel Martin-McCormick, agora a
viver em São Francisco mas formado
na fértil e influente cena punk de Washington
D.C. — a dos supracitados
Fugazi e da sua mítica editora, a Dischord
—, é um homem que denuncia
no discurso a ética em que cresceu.
Fala de forma pausada, pesando as
palavras, tentando assegurar que
transmite com exactidão as ideias que
quer fazer passar. Tem a sua grelha de
valores bem definida, tão bem definida
quanto a visão musical. “O disco
mostra-nos a tocar ao vivo no estúdio,
é uma ‘performance’ ao vivo e é apenas
nesse sentido que haverá algo de
‘jazzmen’ na nossa forma de operar.”
Dito isto, acrescenta rapidamente,
para não deixar espaço a dúvidas:
“Não funcionamos, de todo, em ‘fluxo
de consciência’. Isso implicaria reproduzir
o que quer que nos passasse
pela cabeça naquele momento, quando
o que acontece é precisamente o
contrário”. Cada uma das seis longas
canções de “Steal Your Face” foi desenvolvida
em ensaios durante um
mês antes de chegar a estúdio. “Temos
muito bem definido o que estamos a
fazer e aquilo que será a canção antes
de a gravarmos. O que fazemos no estúdio
é dar-lhe vida.”
Quando o punk se irrita
Paralelamente a um percurso discográfico
que, em longa duração, conta
com a estreia “Watersports”, editada
em 2009, e o “Steal Your Face” que
agora lançam, os Mi Ami vão mantendo
actividade contínua, quer em palco
— o vocalista assegura que as constantes
digressões foram indispensáveis
para que a música “ganhasse
22 • Sexta-feira 9 Julho 2010 • Ípsilon

VIVA A SARDINHA!
14 MAIO / 15 JULHO
contornos muito intensos” —, quer
através da edição de “singles” de 12
polegadas. Títulos como “African
rhythms”, uma remistura para os
nova-iorquinos Telepathe (“Devil’s
trident”) e os padrões rítmicos circulares
que compõem as suas canções,
a par do fascínio recente por toda a
música exterior ao padrão anglo-saxónico,
fazem com que Daniel Martin-McCormick
seja confrontado mais
vezes do que gostaria com supostas
influências africanas. Abordar tal
questão é ver o homem com quem o
Ípsilon conversa irritar-se com o facilitismo
da comparação. É ver o velho
punk de Washington passar ao
ataque. “Nos últimos anos todos temos
mais consciência da ‘world music’,
porque antes era difícil obtê-la e
agora está muito disponível. É excitante
ter acesso a toda essa música,
mas chegámos a um ponto em que a
vemos referida constantemente e a
despropósito. Claro que os Konono
nº1 deram alguns dos melhores concertos
que vi na vida e é provável que
alguns dos meus motivos de guitarra
sejam influenciados por eles. Mas
quando ouço a nossa música parece
tão óbvio que não estamos a tentar
de forma alguma soar africanos que
essas referências deixam-me perplexo.
O Damon [Palermo] não toca bateria
da forma habitual num baterista
rock, mas não anda à procura de
polirritmos nigerianos. Parece-me
que as pessoas querem ouvi-los na
nossa música, mas nós não procuramos
segui-los.”
Percebemos o desconforto de Martin-McCormick.
Não existe realmente
nada de “africano” ou de “world music”
na música dos Mi Ami. As suas
canções nascem num espaço íntimo,
partilhado por três músicos. É o som
de quem descobriu nessa empatia
partilhada a ignição para que algo novo,
feérico, fosse despoletado. É a
música de punks que entendem o
punk como espaço de liberdade total,
que não têm pachorra para discursos
puristas e são avessos a que os cristalizem
numa imagem. “Não sei quão
relevante é o punk como estilo definido
historicamente. Quando comecei
a tocar [em Washington] havia
uma rede de bandas vagamente enraizada
na ideia de punk mas para
quem a noção de liberdade era mais
importante do que a história do movimento.”
E é aqui que regressamos
a “Steal Your Face”.
O vocalista dos Mi
Ami não gosta de
Doors nem de Bob
Marley. “Não consigo
ouvir a música de
nenhum desses tipos
sem ver tudo aquilo
que foi construído à
sua volta desde a
morte. Já não tem
qualquer relação com
música”
A piada Bob Marley
Na capa, um Bob Marley retalhado
ganha dentes de vampiro. Na contracapa,
Jerry Garcia, guitarrista dos
Grateful Dead, surge desfigurado. No
interior, Jim Morrison é um fantasma
irreconhecível, um contorno de face
sobre o qual foi sobreposta uma figura
feminina. As colagens fotográficas
são, explica Daniel Martin-McCormick,
a ilustração de uma pergunta:
“Como viver num mundo em que tudo
é trivializado e transformado em
lixo?”
Ele não gosta de Jerry Garcia, acha
que Jim Morrison terá sido um ser humano
intragável e diz que Bob Marley
é uma piada recorrente na banda.
“Não consigo ouvir a música de nenhum
desses tipos sem ver tudo aquilo
que foi construído à sua volta desde
a morte. Já não tem qualquer relação
com música”. Os Doors: “Não penso
neles como poesia, penso na cultura
que lhes presta devoção, que é repugnante
e pateta.” Bob Marley: “Nem sei
se gosto da música dele, sei que o culto
dos fãs é deprimente. A noção de
que aquilo corresponde a uma ideia
grandiosa de liberdade quando não
passa de um produto vendido aos milhões...
Toda essa conversa revolucionária,
neste contexto, transforma-se
num monte de esterco.” Daniel não
chega a abordar Jerry Garcia, mas está
imparável: “E esse processo não
termina ali. Agora temos os Red Hot
Chili Peppers como a nova escola de
tudo isto. Com um ‘twist’. Música de
qualidade notoriamente inferior que
atinge o mesmo estatuto.”
O vocalista dos Mi Ami, o ex-Black
Eyes que trocou Washington por São
Francisco com uma bolsa para estudar
guitarra clássica — “não toco guitarra
clássica e não era isso que me
interessava para a banda, mas [os estudos]
mudaram a forma como abordo
o instrumento e como me relaciono
com a música como um todo”—,
irá falar-nos então de como o aborrece
música que seja “tudo tensão ou
tudo redenção”, sem zonas cinzentas.
Irá dizer-nos que, neste momento,
depois de todos os concertos e do
tempo passado em ensaios, raramente
discute questões musicais com os
companheiros de banda: “Desenvolvemos
uma empatia suficientemente
intensa para dispensar discursos filosóficos”.
Reafirma que vê a música como algo
“muito volátil e abstracto, sem regras”,
e conclui: “Interessa-nos estabelecer
uma ligação forte com o público,
sentir que o hipnotizamos”. O
espaço íntimo que se abre de forma
intensa e incontrolável ao exterior.
Sem mediações e sem mistificações.
“It’s the music, man”, diria Jerry Garcia.
Seria das poucas frases que Daniel
Martin-McCormick aprovaria ao líder
dos Grateful Dead.
Ver crítica pág. 34 e segs.
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Ípsilon • Sexta-feira 9 Julho 2010 • 23

Ao terceiro
álbum,
continua a
haver uma
atmosfera de
intimidade,
mas as
canções são
mais
enérgicas
Há três anos, a norueguesa Hanne
Hukkelberg foi responsável por um
concerto inesquecível no Lux, em Lisboa.
A sua música é complexa, pequenas
sinfonias pop com jazz, electrónica
e vários exotismos lá dentro.
Poder-se-ia imaginar que na passagem
para palco se iria perder qualquer
coisa de essencial, de tal maneira a
sua música é habitada por detalhes.
Mas não. Não só as propriedades se
mantiveram intactas, como foram até
apuradas.
Nessa altura, a norueguesa tinha
lançado dois álbuns, “Little Things”
(2005) e “Rykestrasse 68” (2007). Desde
então criou mais uma obra, “Blood
From Stone” (2009), e será sobre esta
última que o concerto da próxima
quarta-feira, no Teatro Maria Matos,
em Lisboa, irá incidir. Se os dois primeiros
registos eram constituídos por
canções minuciosas, de grande insinuação
melódica, retocadas por instrumentos
convencionais mas também
por materiais sónicos menos
convencionais (rodas de bicicleta, velhas
máquinas de escrever, sinos, copos
e outros apetrechos de cozinha),
o novo álbum é diferente.
“Está mais de acordo com aquilo
que são as convenções da pop e do
rock, embora também não seja exactamente
isso”, ri-se ela, tentando explicar
o que lhe ia na mente quando
gravou o último álbum. “Estava saturada
de fazer música com todos aqueles
instrumentos estranhos que comecei
por utilizar por acaso, e queria
criar qualquer coisa mais convencional,
mas sem esse peso de ter de ser
segundo a medida padrão. É um álbum
rock, talvez. É um disco de grupo,
mais pensado para ser exposto
em palco.”
A formação que vem tocar com ela
reflecte-o. Há três anos pareciam um
bando de saltimbancos multi-instrumentistas
em palco. Agora, serão apenas
três. Hanne canta e toca guitarra.
Ivar Grvdeland ocupa-se da guitarra,
do baixo e dos “samplers”, enquanto
Kenneth Kapstad estará na bateria e
na percussão. “É mais confortável
viajar apenas com dois músicos e é
também, de alguma forma, mais desafiante.
As canções dos dois primeiros
álbuns eram muito exigentes ao
nível dos pormenores. Estas são mais
descarnadas e mais inteligíveis na
transposição para palco.”
Nas canções dos dois primeiros álbuns
havia uma voz esguia que se
movia por entre um torvelinho de
pianadas, violinos, banjos, acordeões,
harpas e manipulação de sons concretos.
No terceiro, existe uma ideia
de composição mais definida. Continua
a haver uma atmosfera de intimidade,
mas as canções são mais enérgicas
e musculadas. Até a sua forma
de cantar está diferente. Menos introspectiva
e sussurrada. Agora sobressai
e é virada para o exterior. Há
três anos, em entrevista, dizia-nos que
preferia ser comparada aos Radiohead
do que à islandesa Björk, como
acontece normalmente. O terceiro
álbum veio dar-lhe razão.
“Na preparação para este disco ouvi
uma série de coisas dos anos 80,
Cocteau Twins, Sonic Youth ou Pixies,
que eram algumas das bandas que me
marcaram quando fiz parte de bandas
rock antes de enveredar por um percurso
solo.” Para além da música,
existe um ou outro elemento que teve
influência na feitura de qualquer
disco: lugares, cidades, países. O primeiro
álbum era marcado pela atmosfera
de Oslo, “pelas longas viagens de
bicicleta” pela cidade. O segundo era
uma alusão directa aos seis meses que
habitou em Berlim. O terceiro foi concebido
num dos recantos mais isolados
da Noruega, na ilha de Senja, 300
quilómetros a norte do círculo polar
Há três anos dizia
que preferia
ser comparada aos
Radiohead do que
à islandesa Björk.
O novo álbum veio
dar-lhe razão
árctico, onde permaneceu durante
sete meses.
“Depois de ter composto um disco
numa cidade tão vibrante como Berlim,
e de viajar um pouco por todo o
lado, tinha necessidade de estar num
lugar sossegado. Talvez por isso, como
reacção ao facto de estar num
lugar tão tranquilo, o álbum acabou
por adquirir uma forma mais enérgica
do que pensava no início.”
Agora está, outra vez, numa cidade
agitada. Vive há seis meses em Nova
Iorque, mais exactamente em
Brooklyn, o bairro onde parece viver
toda a gente que é gente na música.
Em gestação está um novo álbum.
“Tem sido óptimo estar aqui, dar concertos,
conhecer pessoas, mergulhar
no ambiente, mas não vim para
Brooklyn com a ideia de fazer qualquer
coisa de específico. Aconteceu,
apenas. O ambiente onde se cria é
importante, mas o mais determinante
é aquilo que se quer, as pessoas
com quem estamos, as possibilidades
e as ferramentas que se têm à mão.”
O seu percurso tem sido feito de
aparentes contradições. Começou a
cantar no coro da igreja, passou por
bandas de metal, acabou a criar fantasias
pop. O disco que vem apresentar
a Portugal é mais pragmático que
os anteriores, mas aquilo que lhe interessa
é a criação de um universo
encantado, inspirado em lugares reais.
De preferência, sítios que preencham
uma condição importante — onde
se possa circular à-vontade de bicicleta.
“Não posso viver sem isso.”
Ver agenda de concertos pág. 38 e segs.
Música
Os lugares de
Hanne Hukkelberg
Oslo, Berlim, Ilha de Senja, Brooklyn. É esta a geografia íntima de Hanne Hukkelberg, a cantora
norueguesa que cria fantasias pop a partir dos lugares onde habita. Quarta-feira é a vez de
Lisboa. Vítor Belanciano
24 • Sexta-feira 9 Julho 2010 • Ípsilon

A Optimus Discos lança “Os Dias de Raiva”, um projecto original do Pacman.
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Miles Cleret deu bom
ao Panamá e à Colô
Nunca ninguém tinha posto tão ao claro a grandeza da música africana e da América Latina.
SoundWay, Miles Cleret mostrou que os negros estavam muito à frente. Foi ele que nos reedu
Um tipo
precoce, Miles
Cleret tornouse
DJ aos 14
anos e
investiga
música
africana
desde os 17
Música
“Em Inglaterra,
a ‘world music’ era
o cúmulo do ‘uncool’.
Eu mostrei-lhes
que não era assim,
que era música com a
qual se podiam
identificar”
Ao leme da sua editora SoundWay,
Miles Cleret deitou cá para fora alguma
da mais extraordinária música
alguma vez feita: cumbias, salsas,
calypsos, highlife, disco, géneros obscuros
mesmo nos seus países de origem,
como o Gana, a Nigéria, a Colômbia
e o Panamá. O príncipe da
“world music” não purista esteve entre
nós.
Seis da tarde de sábado passado e
ali para os lados da esplanada do Centro
de Arte Moderna da Fundação
Gulbenkian, em Lisboa, tudo ia bem:
os passantes apessoavam-se do pequeno
espaço e deixavam-se embalar
pela estranha música que um tipo
com ar pachola ia escolhendo meticulosamente.
Era um cenário familiar — no sentido
em que famílias (pai, mãe, filhos,
avós também) passavam, ouviam,
gostavam e por ali ficavam mais um
pouco. Ao todo, não devem ter estado
mais de 30 pessoas de cada vez, mas
do que vimos não houve ninguém que
passasse e ficasse indiferente.
Tudo graças ao apurado ouvido do
sujeito que cuidava da selecção dos
vinis, um moço alto, de cabelo a ameaçar
chegar aos ombros (com pontas
rebeldes “ma non troppo”), vestido
de boné e uma camisa preta que nos
dias seguintes trocaria por padrões
havaianos.
O nome dele é Miles Cleret e não é
um DJ qualquer a quem a Fundação
Gulbenkian pediu que entretesse os
passantes de sábado à tarde. Ele é o
fundador e ideólogo da SoundWay,
possivelmente a melhor editora do
mundo no negócio de reedições de
música africana e da América Latina
— ou seja, aquilo a que hoje, com medo,
chamamos música preta.
Miles dobrava-se para as suas malas
e de lá saltava um vinil raro, isto vez
após vez após vez, levando as gentes
não a um estado de euforia (não há
euforias à tarde), mas sim de libertação
do corpo sem recurso a drogas
ou excesso de álcool. Bastou, para tal,
recorrer a cumbias, salsas, psicadelismos,
funks e que mais. Nigérias,
Ganas, Colômbias, Panamás.
Um mundo admirável que, já antes
da SoundWay aparecer, desconfiávamos
existir, mas só graças à editora
de Miles pudemos fruir na sua inteireza.
E não coisa pequena: foi Cleret
que tornou homens Victor Olaya, Oscar
Sulley ou Joe Mensah em heróis.
Foi ele quem mais fez pela total reescrita
do cânone musical da segunda
metade do século XX, com as suas
constantes compilações temáticas,
resgatando “singles” esquecidos ou
nunca editados, na sua maior parte
gravados nas décadas de 1960 e 1970.
Foi ele que nos mostrou que os negros
estavam muito à frente. Foi ele que
nos reeducou na arte da dança.
O primeiro grande sucesso da SoundWay
surgiu logo
ao primeiro ro CD (antes
só tinha havido “singles”): “Ghana
Soundz”, editado em 2002, mostrava
ao mundo as maravilhas de um género
chamado ado “highlife”, feito de guitarras
rendilhadas e ritmos em constante
tropeção. Não era uma obraprima
absoluta como “Guitar and The
Gun”, a melhor compilação de pre dedicada ao “highlife” do Gana,
mas estava perto. E não teria existido
se não fosse a obsessão de Cleret.
sem-
Em 200101 Miles estava no Gana, “na
casa de um amigo” e o amigo “punha
disco após disco de música do Gana”
e os discos eram “ todos espantosos”.
Logo ali, contou-nos Miles, ficou “com
vontade de editar aquele material”.
Seguiu-se e o óbvio: “Falei com várias
editoras mas elas não quiseram editar
aquelas canções”. Como é que fazem
aqueles que foram educados na tura punk? DIY, não é? Exacto: “Por
isso, resolvi editar eu próprio”.
cul-
E assim nasceu a SoundWay, apenas
e só para que o mundo, uma pequena
parte do mundo pudesse ouvir
aquelas canções.
Perfil de vendedor
Mas mesmo mo isto foi, de certa forma,
um acaso. Foi o Gana, como podia ter
sido outro país qualquer. Acontece
que há uma década Cleret “viajava
muito”. Queria “conhecer África” e,
sem saber a que país ir primeiro, op-
tou pelo Gana por uma razão simples:
“Todas as pessoas que eu conhecia
do Gana eram extremamente simpáticas”.
Mal recebeu as negas das editoras,
Cleret, assombrado pela beleza de
tudo o que ouvira, sou ao Gana decidido
a compilar material
regres-
para editar. Isto,
note-se, não
era a vida dele,
mas há
muito que
ele sabia
que mais cedo ou mais tarde seria a
sua vida. Durante anos tinha aguentado
com “trabalhos de merda só para
poder viajar e comprar discos”. Na
altura em que descobriu o Gana “trabalhava
à comissão, em vendas”. “O
meu pai trabalhava em publicidade,
por isso acho que tenho um lado de
vendedor, que é essencial num negócio
destes”, conta, sem pudores nem
manias (Miles é um tipo absolutamente
à-vontade).
Dessa segunda vez, esteve no Gana
um mês — foi só aí que percebeu “a
quantidade enorme de música extraordinária
ria que nunca nca tinha saído de
lá”. Tinha os dias
mais que ocupados:
os:
havia que “fazer listas de pessoas soas
com
quem devia falar, bater a portas,
ouvir gravações de discos
que nunca tinha ouvido”.
Tudo para reunir
suficiente material
para uma compila-
ção.
“Começava a
minha saga às sete
da manhã e acaba
doze ou catorze ho-
ras depois”, conta.
“Em certos dias não
encontrava nada,
enquanto noutros
dava de caras
com
um tipo
que
tinha 50
discos. Ia
juntando as pe-
ças e construinn
do uma narrativa
do que foi
aquela música.”
Um mês depois,
“Ghana
Soundz” estava
pronto. Em oito
anos vendeu 15 mil
exemplares — ele só
queria que vendesse
quatro mil, de modo a
pagar as despesas, “com
as viagens incluídas”.
Do Gana foi para a Nigéria,
a seguir Colômbia e
Panamá. A lista de discos
da SoundWay foi-se tornando
gradualmente
mais preciosa:
em 2004
lançou “Afro-Baby: The Revolution of
the Afro-Sound In Nigeria 1970-1979”.
No mesmo ano editou o segundo volume
de “Ghana Soundz” e o extraordinário
“The Kings of Benin Urban
Groove 1972-1980”, uma compilação
do melhor da Orchestre Poly-Rhytmo,
que ainda recentemente tocou em
Portugal.
Mas a grande novidade veio em
2006, quando lançou “Panama!”, uma
colectânea dos milhentos géneros bastardos
que fizeram furor nas caves do
país durante as décadas de 1960 e
1970. Nunca ninguém tinha posto tão
ao claro a grandeza da música da Amé-
rica
do
Sul (ex-
26 • Sexta-feira 9 Julho 2010 • Ípsilon

nome
ômbia
Fundador e ideólogo da editora
cou na arte da dança. João Bonifácio
ceptuando os tangos e os sambas dos
países do costume). “Panama!” foi um
sucesso tão grande que, entretanto,
já saíram “Panama! 2” e Panama! 3”,
qual deles o melhor.
A seguir veio “Colombia!”, outro
estrondo de miscigenação musical.
Seguiram-se várias compilações dedicadas
à Nigéria (ao blues, ao highlife,
ao disco local) e um disco inteiro
só com temas do genial guitarrista Sir
Victor Uwaifo, “Guitar-Boy Superstar
1970-1976”. Destaque ainda para o
fabuloso “Tumbelélé”, para “Palenque
Palenque” e para as magistrais
reedições do enorme Geraldo Pino.
Isto, obviamente, é uma obra de
amor.
“Não sei fazer mais nada”, dizia-nos
Miles no seu jeito desassombrado de
olhar o mundo. “O meu pai era melómano.
Tornei-me DJ aos 14 anos,
mas não fazia dinheiro nenhum. Isto
é o que sempre me interessou: procurar
discos. Investigo este tipo de
música desde os 17 anos. Mas mesmo
em Londres, com todas as comunidades
africanas que lá existem, era difícil
ter acesso a estes discos. Só se encontrava
a ponta do icebergue. Na
altura ouvia muito funk americano e
hip-hop. Interessei-me por afrobeat
e foi a partir daí que comecei a ouvir
música africana.”
Durante anos, tudo o que dizia respeito
à SoundWay era feito por Miles.
“Era eu que viajava, escolhia, encontrava
pessoas desaparecidas há 35
anos, fazia os contratos, colava as embalagens,
enviava os discos.”
De entre as múltiplas tarefas decorrentes
da sua função, uma é mais importante
que as outras: escrever os
textos. “Hoje, para vender os discos,
é preciso oferecer mais que música.
Os textos das nossas compilações são
essenciais para explicar a história da
música, das migrações, da colonização.”
Andar atrás da música
Apenas para que se perceba como
esta indústria é pequena, conte-se a
história que levou à feitura de “Panama!”.
“Eu tinha encontrado uns discos
no eBay e, mal os ouvi, comprei
bilhetes de avião para ir lá. Depois,
acabei por falar com o tipo a quem
tinha comprado coisas no eBay, o Enrico,
que morava na Costa Rica e me
ajudou a procurar as coisas certas.”
Tão simples quanto isto: um tipo que
ele nunca tinha visto ajudou-o a encontrar
os discos certos. “Não tenho
dúvidas que não teria este sucesso
sem a Internet”, conta.
“Isto é um mercado muito pequeno,
mas alguns destes tipos que agora reeditamos
eram grandes estrelas antigamente.
Alguns não acreditam que
na melhor das hipóteses só vendemos
10 mil discos. Porque antes vendiam
facilmente 100 mil. Claro que não estão
cheios de dinheiro, porque em muitos
casos foram enganados por produtores
que só queriam o dinheiro.”
O mais porreiro destes anos a divulgar
música “é que algumas faixas
foram usadas em filmes ou sampladas
por tipos do hip-hop em canções que
acabaram vendidas em anúncios —
tipos como Usher. Graças a ele, já pude
entregar um cheque de 40 mil
dólares a músicos que não faziam dinheiro
há muitos anos”.
O curioso é verificar como entretanto
as coisas mudaram: “Voltei ao
Gana há pouco tempo e os discos agora
valem dez vezes mais na rua”. Sempre
de pés na terra, Miles desconfia
que a febre actual com Ganas e Nigérias
“não vai durar, como a febre com
o reggae ou o funk não duraram”. E,
sem vergonhas, diz que vai “ficar cansado
disto”. “Não da música”, acrescenta,
“mas de andar atrás dela”.
Mas, ao menos, já deixou um legado.
“Em Inglaterra, a ‘world music’
era o cúmulo do ‘uncool’. As pessoas
pensavam em música de África e da
América Latina como ‘world music’
e eu mostrei-lhes que não era assim,
mostrei-lhes que era música com a
qual se podiam identificar.”
Os brancos “cool” agora podem
dançar ao som de pretos “uncool”
que ninguém conhece. E isso só dá
saúde.
Ver crítica de discos pág. 34 e segs.
Ípsilon • Sexta-feira 9 Julho 2010 • 27

Teatro
À frente do importante Théâtre de le
Ville, em Paris, Emmanuel Demarcy-
Mota, 40 anos, filho de pai francês e
mãe portuguesa, habita o teatro desde
cedo. A sua relação com os textos
fundamentais da dramaturgia mundial,
dos quais já vimos “Seis personagens
em busca de um autor”, de
Pirandello (CCB, 2003), “Rinoceronte”,
de Ionesco (S. João e D. Maria,
2006), “Tanto Amor Desperdiçado
(D. Maria, 2007), de Shakespeare e
“Homem por Homem”, de Brecht (D.
Maria, 2007), está novamente presente
em “Casimiro e Carolina”, de Odon
von Horvath, peça com a qual regressa
ao Festival de Almada, depois de
Pirandello e Ionesco.
Estreada em 2009, mas pensada
“muito antes da crise”, diz-nos em
entrevista, “é uma peça que prevê o
que se vai passar”. Situada em 1929,
portanto, anunciando a ascensão do
nazismo, reflecte sobre as relações
entre diferentes figuras que Demarcy-
Mota não quer ver tratadas “pela melancolia”,
numa festa da cerveja numa
floresta. Temas como o desemprego
e as dificuldades económicas, a ambição
e a inveja, estão presentes num
texto que, segundo o encenador “não
precisa ser actualizado, é actual”. A
pequena história cruza-se com a grande
história, num exercício de reflexão
que o encenador utiliza para se dirigir
à responsabilidade de cada um na
previsão da catástrofe.
A escolha, diz Demarcy-Mota, “implica
uma responsabilidade”. “Fazer
teatro também”, acrescenta.
É comum encontrarmos no
seu trabalho uma distância
em relação ao que é proposto
pelo autor, mas não estamos
exactamente perante uma
simplificação dos textos,
que facilite a sua inscrição
contemporânea. É uma
preocupação?
Não me interessa falar senão das intuições.
Esta peça interessa-me por
isso, primeiro as intuições, depois o
trabalho sobre elas. Discuto muito
com François Regnault, o tradutor,
vemos as versões em inglês, em alemão,
e escolhemos as palavras em
francês que sirvam o que queremos
dizer. Há uma responsabilidade e é
por isso que é um trabalho esgotante
que dura dois ou três meses. Depois
retiro todas as didascálias, todas as
descrições, nem mesmo os actores as
sabem, ficam só os diálogos.
Nessa recusa de transposição
para a contemporaneidade,
permanecemos num território
abstracto, sem um tempo, quase
imaginário. Como se todas as
suas peças habitassem uma terra
de ninguém.
A questão me interessa, nesta peça,
é o que significa 1929 hoje. Não me
apetece recriar 1929, não sei o que é,
não estava lá. E o hoje, por si só, também
não me interessa, preciso dos
dois. Preciso do concreto. No caso dos
figurinos, por exemplo — e tenho
grandes discussões com a figurinista
—, há personagens que têm ténis comprados
na feira da ladra e, ao lado,
uma que tem um chapéu do fim do
século XIX.
Sugerindo um diálogo com o
tempo teatral e não com o tempo
real?
É uma questão difícil para mim. É o
tempo teatral que me leva à realidade,
é o tempo teatral que também dá conta
da realidade. O que me interessa
nesta peça não é a melancolia, mas o
pessimismo que a peça transporta.
De qualquer forma, há sempre
um lugar privilegiado para o
sentido das palavras. A escolha
dos autores é feita sabendo
também o poder das palavras,
como as trabalhar e apresentar?
Sentimos sempre que, no fim,
o essencial, o que se queria dar
a ver, era o texto, e as imagens
estão lá para servir...
Para servir ou estar ao lado, não estou
certo.
Li numa entrevista que se tivesse
feito esta peça há uns anos seria
sobre a juventude.
É verdade. É uma peça que conheço
há muito tempo. Que gostava de ter
montado quando tinha 25 anos.
Podem montar-se textos destes
quando não se tem ainda uma
experiência de vida tão rica, tão
múltipla?
Se aos 25 ou 30 tivesse feito esta peça,
seria, de facto, sobre a juventude, o
protagonista seria um jovem, e não
um actor de 60 anos, que é frágil apenas
aparentemente. Talvez não resultasse,
não sei. Não haveria uma pesquisa
precisa sobre o peso de uma
existência, e sobretudo existência no
início do século XX. Para mim, todas
as questões da peça estão presentes
na imagem inicial, podíamos terminar
o espectáculo ali. Aqui estão eles, em
Emmanuel Demarcy-Mota
O teatro sem artifícios
Emmanuel Demarcy-Mota faz de “Casimiro e Carolina”, de Odon von Horvath, um grande
fresco teatral, impondo uma leitura pessimista no que podia ser só melancolia. Hoje no S. João,
e dias 15 e 16 no D. Maria, o futuro que não se imaginava em 1929 alerta-nos para o presente
em que vivemos. Tiago Bartolomeu Costa, em Paris
28 • Sexta-feira 9 Julho 2010 • Ípsilon

“Para mim, o teatro
está entre a infância
e o científico, nas
questões que coloca
ao mundo. Não há
senão hipóteses.
Um espectáculo
transporta uma nova
hipótese sobre
uma questão”
grupo, atrás umas sombras, um fresco.
Podíamos agradecer, dizer “boa
noite”, fazer descer a cortina e ir embora.
Porque procura, também, um
trabalho ao nível da imagem,
mas uma imagem rente à carne,
perto do osso?
Sim, onde os actores se expõem. É
um espectáculo fisicamente muito
duro. Mas é preciso que isso passe
pelo cenário, pela maquinaria de cena,
pelo actor, que exista em todo o
espectáculo e não apenas num aspecto.
O cenário não me interessa. Fiz
espectáculos onde o cenário falhou,
não era o que queria. Há coisas de que
gosto e outras de que não gosto. Nesta
gosto de quase tudo. É como se o
cenário fosse uma máquina de destruição.
É preciso que se passe qualquer
coisa física entre a maquinaria
e o actor.
Para que se torne real?
[longa pausa] Para que encontre uma
realidade, se é para ser real, não sei.
Não sei o que é o real.
Porque quando falamos de
artificial, e de artificialidade,
é sempre ambicionando uma
proximidade com o real.
Absolutamente. Gosto imenso do que
dizia Grotowski sobre o artificial. Na
mesma palavra está contido o termo
“arte” e “fictício”. É uma palavra com
diferentes significados. Há o lado do
artifício, que é falso, que está longe
da realidade, há “artefacto”, e é partindo
disso que trabalho. A imagem
está ao serviço do texto, talvez. Mas
eu não o diria, ou pelo menos não
desse modo. De qualquer forma, não
acredito num teatro onde exista uma
fabricação da imagem, o teatro deve
sustentar-se numa outra coisa. Já o
experimentei, em três ou quatro momentos,
mas são dois campos paralelos.
O que se sente nas suas peças é
que se pede aos espectadores
para procurarem não tanto
compreender, mas estarem
presentes e dialogar com o que
é proposto. Como se fosse mais
importante ser-se intuitivo antes
de se ser racional.
Sim, e isso passa muito pela minha
experiência de espectador. Comecei
a ver espectáculos muito novo, e houve
muitos que, mesmo não os compreendendo,
me deixavam muito
feliz, porque me perguntavam o que
havia ali que eu pudesse investir. Só
mais tarde é que surge a elaboração
a partir da intuição.
Há, ao mesmo tempo, um
trabalho sobre a hierarquia dos
elementos cénicos, anulando
uma construção em pirâmide?
Completamente. Mas eu gosto de contar
histórias. E gosto que mas contem.
Podemos contá-las de diferentes formas,
pelo inverso, linearmente, mas
as histórias são importantes. E essa é
uma noção que foi muito criticada,
por exemplo, em França, porque implicava
contar as histórias entendidas
como valores tradicionais. Eu não
acredito nisso. O efeito teatral pode
passar por contar as histórias.
Quando falamos de texto
falamos de um texto enquanto
elemento escrito porque, depois,
há todo o texto que existe no
corpo, na luz...
Sim, quando falo do texto falo no sentido
primário das palavras, a presença
das palavras, a sonoridade das palavras.
Adoro as sonoridades, as vozes
diferentes dos actores que contrastam,
que são particulares. Quando
ensaio penso no som e no modo como
desenha uma arquitectura espacial.
Depois há o sentido da frase e o sentido
geral. Mas gosto de contar histórias
e de voltar a elas. Por exemplo,
no próximo ano voltarei a “Rinoceronte”,
de Ionesco. Quero contá-la,
mas ao contrário.
Porque a sua relação com o texto
mudou?
Mudou a minha relação com o próprio
espectáculo. A peça conta uma
catástrofe, e quero partir, não da previsão
dessa catástrofe, mas do fim,
quando o homem está sozinho. Quero
trabalhar sobre a ideia da cumplicidade,
quando já se sabe o que aconteceu
e qual a nossa responsabilidade
hoje, quando já conhecemos a catástrofe.
Penso que a conhecemos, não
vale a pena lamentarmo-nos. Os franceses
lamentam-se muito, os portugueses
também. É uma questão que
diz muito a autores da Europa Central,
como Ionesco, de pai romeno e
mãe francesa, mas também Horvath
e Kafka.
Pegando nessa ideia de
cumplicidade e catástrofe:
em “Casimiro e Carolina”,
se reconhecemos que há a
possibilidade de escolher,
não podemos dizer que fomos
surpreendidos pelo que
aconteceu. A sua apresentação
é uma reflexão sobre o modo
como o teatro, ou o dispositivo
teatral, se pode dirigir aos
outros e clamar que a inocência
não é uma desculpa?
Sim. A inocência, pelo menos em
francês tem um sentido ligado à infância
e que está ligado à capacidade
de maravilhamento. Interessa-me a
ingenuidade no sentido não pejorativo
mas no grande sentido do termo.
Da grande ingenuidade do homem
perante as grandes questões: o que é
o céu, o que são as estrelas, porque é
que a terra é redonda? Os cientistas
fazem as mesmas perguntas que as
crianças quando olham o mundo. Para
mim, o teatro está entre a infância
e o científico, nas questões que coloca
ao mundo. Não há senão hipóteses.
E um espectáculo transporta uma nova
hipótese sobre uma questão. Ionesco
e Horvath tinham, para mim,
guardada uma parte da infância. Horvath
ainda tem uma parte da infância
nele, que vai ser destruída. Quando
Ionesco escreve que viu o seu pai
transformar-se em monstro, na Roménia
fascista, é de alguém que, em
criança, vê a infância ser transformada.
Isso é uma questão muito pessoal
que se relaciona com o olhar que
achamos que as crianças têm, mas
que não é o olhar que elas mesmas
têm sobre o mundo.
“Casimiro e
Carolina”:
Demarcy-
Mota diz que
“é como se o
cenário fosse
uma máquina
de destruição”
Ípsilon • Sexta-feira 9 Julho 2010 • 29

O que propõe
é uma reflexão
do papel do
espectador, da sua
responsabilidade
em trabalhar
com aquilo que lhe
é apresentado, não se
colocando à margem?
Exactamente. Quando fiz “Homem
por Homem” houve pessoas que saíram
e me disseram que era complicado,
perguntaram-me o que deviam
pensar. Foi a primeira vez que me irritei
a sério. “Que quer Galy Gay? Ele
quer ser outro homem, ele quer ser
um monstro?”, disseram-me. “Atenção,
tens o direito de reflectir”, respondi.
Estamos numa época onde o
teatro, pelo texto — e falo por mim
que não sou coreógrafo, não sou artista
visual, e preciso do texto, não o
sei fazer de outra forma — me permite
interrogar o outro sobre o que eu
penso que pode ser importante. Ou
então dizemos que Horvath não tem
interesse, nem Ionesco, nem Brecht,
e que as questões que eles colocam
não são pertinentes.
Seria necessário encontrar
autores contemporâneos que
trabalhassem sobre os mesmos
temas com um ponto de vista
diferente.
Mas essa questão do lugar do espectador
face a essas imagens está no
modo como o espectáculo é construído,
nesse lugar que é o teatro-edifício.
E isso é o mais importante. Às
vezes saio e penso que os espectadores
não estavam lá. Não quero ser
dogmático mas se isso persistir, esse
abaixamento do nível de exigência,
então será o político que vai ganhar
na discussão do lugar da arte na sociedade.
E o papel do espectador é
fundamental. É preciso um pouco de
arrojo.
Discutem-se apenas as formas, mas
poucas vezes o sentido. Não estou a
falar da qualidade artística, mas do
debate artístico.
Isso porque as pessoas têm uma
memória de peixe...?
Sim, é por isso que monto estas peças,
porque tenho a impressão que as pessoas
ficam surpresas quando se fala
de crise, que se esquecem que houve
uma II Guerra Mundial, que a Shoah
aconteceu. Paremos. Um pouco de
dignidade, por favor. Há escolhas difíceis
a fazer e devem ser difíceis — se
forem fáceis não são importantes.
A escolha pede-nos uma
posição?
Sim, uma posição que vai criar contrastes
e dificuldades em cada um. As
coisas discutem-se. A televisão impõe
a ausência de liberdade individual,
mas a escolha deve ser definida pelas
dificuldades. Quando Bérenger diz
em “Rinoceronte”, que não pode ser
um rinoceronte, quer mas não pode,
isso interessa-me. Se uma pessoa diz
que não pode ser racista ou anti-semita
em vez de dizer que não o quer
ser, essa é uma escolha moral. E, aí,
preciso de um autor que trabalhe isto
de verdade, e estes autores tiveram
tempo de as pensar.
Há uma distância temporal em
relação ao texto que nos permite
identificar esse tratamento dado
ao pensamento.
Sim. Por vezes gosto que as coisas não
sejam completamente realistas, e que
existam formas que quando as vemos
não resultem numa discussão natu-
Casimiro
e Carolina
De Odon von Horvath
Encenação de Emmanuel
Demarcy-Mota
6ª, 9, no Teatro S. João
Dias 15 e 16 no Teatro
D. Maria II
ralista e teatral. É
isso que procuro.
Há um natural no
teatro?
Não. Preciso que as coisas
tenham uma forma.
Quando aos 18 anos vi “O Sétimo
Selo”, do Bergman, ou os filmes
do Visconti, estava perante uma
“mise-en-forme”, mas hoje o que se
discute é o gosto, a estética. Há espectáculos
dos quais gosto imenso mas
que detesto. Gosto da forma mas não
gosto da estética, porque reconheço
a intenção. Que pluralidades de sentido
são pesquisadas? À força de se
criarem etiquetas, como em Avignon
— teatro-dança, teatro-texto, teatropoema,
teatro-visual —, quando é só
teatro parece uma coisa jurássica, são
dinossauros. Quando Claude Régy
faz isso [com “Ode Marítima”], fá-lo
porque tem 85 anos, mas se tivesse
40 ia ter um problema. Escolher fazer
Régy para 600 pessoas no Théâtre de
la Ville é um acto político, porque não
é uma peça, é um poema que as pessoas
conhecem mal — mesmo em Portugal,
onde todos dizem ter lido Pessoa
mas não o leram realmente —, que
merece 600 pessoas e não 200. Tenho
a responsabilidade de o fazer, não
apenas como encenador, mas como
director desse teatro. Houve sete mil
pessoas na Place du Châtelet que o
viram, em Avignon foram quatro mil.
Como fazer o nosso trabalho, então?
Devemos responder às coisas, devemos
ser responsáveis — adoro essa
palavra.
A ideia de ritual, que o
teatro carregou, é algo que
lhe interessa? Olhando para
algumas das imagens que cria,
fica a sensação de estarmos
perante quadros, de encenações
ritualistas. E, no entanto, parece
haver uma proximidade ao ritual
que depois nos leva para outra
zona, menos clara.
Poderia dizer que isso não me interessa,
mas é isso. Há um ritual profundo
na pintura, por exemplo, cujos
ecos das minhas influências pictóricas
estão presentes, de Rembrant a Brueghel,
autores que tinham uma grande
liberdade e que explodiram com a
imagem. Mas não quero fazer crer que
há um ritual. É um artificio que não
me interessa e falseia as coisas porque
as legitima de forma errada. Vejo teatro
desde os cinco anos. Tirar os sapatos
antes de subir ao palco, como
na tenda da Ariane Mnouchkine, fazer
as pessoas esperar à porta do Théâtre
des Bouffes du Nord para que se veja
que há um ritual, são rituais que estão
já desconstruídos e descodificados,
para mim. Isso não me interessa. É
muito claro que é preciso uma distância
para se ser verdadeiro, e que é
isso que dá a liberdade. É preciso criar
formas para as coisas aparecerem, e
digo-o tanto em relação ao futuro do
teatro como ao seu sentido actual.
Mas é verdade que não é o discurso
contemporâneo que me interessa. Há
uma ritualização, sim, mas não a fabricação
de um ritual. É preciso ir
mais longe, o ritual existe depois, não
é antes, não se convoca um ritual. É
uma questão muito pessoal, muito
profunda, que dita também uma forma
de fazer um espectáculo, de preparar
uma peça.
O Ípsilon viajou a convite do Festival de
Teatro de Almada
VINCENT KESSLER/REUTERS
Enigmática, distante e
fria são ideias que se
colaram ao corpo e ao
rosto — mas sobretudo
à figura — de Charlotte
Rampling, actriz
de “O Porteiro da Noite”
(1974, Liliana Cavani),
“Os Malditos” (1969,
Luchino Visconti) ou “Max,
mon amour” (1986, Nagisa Oshima).
Chega ao Porto e a Lisboa por
via do Festival de Teatro de Almada,
com uma peça que não é, pelo menos
Charlot
São raras e recentes as experiências teatrais d
provoque”, diz, nesta entrevista, em que deixa q
Yourcenar/
Cavafy
Encenação de Jean-
Claude Feugnet, dia 16 de
Julho no Teatro Nacional
S. João, dias 17 e 18 no
Teatro Nacional
D. Maria II.
para ela, um espectáculo, mas “um
encontro” entre
Marguerite
Yourcenar e
nos Constanti-
Cava-
fy, conduzido pela força das palavras
destas duas figuras.
A sua experiência no teatro é bastante
mais reduzida e recente: “La
Fause Suivante”, de Marivaux, por
Martin Crimp, “A Dança da Morte”,
de Strindberg, e “Pequenos
Crimes Conjugais”, de Eric-Emmanuel
Schmitt, são escolhas que reflectem
essa procura de um encontro
com personagens, mais do que
uma carreira. Tal como o disco
“Comme Une Femme” (2002), onde
as letras falam de uma mulher que
se pergunta quem é, e deixa que se
confunda actriz, personagem e mu-
lher.
Ao longo do seu percurso, tem
interpretado personagens
fortes, mesmo se fictícias. Como
foi entrar nos universos, reais,
de Marguerite Yourcenar e
Contantinos Cavafy, também
eles figuras com personalidades
marcantes?
São, efectivamente, personagens for-
tes e é necessário encontrar um modo
de as trabalhar a partir das palavras
escritas do autor. De qualquer forma,
e no caso específico de “Yourcenar/
Cavafy”, não se trata de interpretar
uma personagem, mas, através da
récita dos seus textos, fazê-la viver e
evoluir a partir do que escreveu
e ir
mais além.
Vendo os filmes que interpretou,
é característica uma distância
entre a personagem e a actriz.
Especulou-se que essa seria uma
característica biográfica sua.
Mas o que acontece quando o
que se lhe pede é para se colocar
ao serviço de uma figura
real, ela própria com uma
biografia, e num exercício
que exige ao actor um
despojamento da sua
própria vida?
Para mim, o que é interes-
sante é o modo como o
faço.
E faço-o interpretando os
dois papéis ao mesmo
tempo, o da actriz e
o da
personagem. Quando
interpreto, invisto em
mim m e na persona-
gem e isso emana
da força das
pala-
vras de Yource-
nar. São essas
palavras que
alimentam
essa ideia e
constro-
em
um
universo
onde o
possa fa-
zer.
Um
universo
que se
sustenta
numa
pesquisa, ou
uma procura
constante, certo?
Sim, a poesia é uma
pes-
quisa emocional absoluta,
a literatura também. São
via-
30 • Sexta-feira 9 Julho 2010 • Ípsilon

tte, absolutamente
s de Charlotte Rampling. “Só faço coisas quando sei que me vou confrontar com algo que me
a que se confunda actriz, personagem e mulher. Tiago Bartolomeu Costa
Charlotte Rampling e Polydoros
Vogiatzis na peça “Yourcenar/
Cavafy”
“A interpretação
surge de um encontro
emocional.
É, sobretudo, uma
viagem com
uma pessoa”
gens. E são encontros através das viagens,
feitas com um material que é a
vida de outra pessoa. A interpretação
surge de um encontro emocional, que
parte do coração, e prossegue através
da linguagem, e da palavra. É, sobretudo,
uma viagem com uma pessoa.
Ao mesmo tempo, é-lhe pedido
que se ponha em causa, ou seja,
que parta da sua experiência
para nos conduzir nessa viagem.
Sim, absolutamente. Penso que as
coisas só podem ser tratadas — se as
quisermos tratar de forma inteligente
e interessante — se nos colocarmos
em causa face à personagem. É uma
parceria fundamental e a única forma
que tenho de trabalhar.
E como faz as suas escolhas?
Procurando personagens que
queiram fazer um pacto consigo?
Ao longo da minha vida, fui encontrando
personagens no caminho. Personagens,
realizadores, poetas. Nunca
as procurei, e não o faço hoje. A
dado momento da viagem, junto-me
a uma personagem que encontro, não
sei porquê, nunca soube, mas foi sempre
assim.
É isso que explica a colagem
eterna a uma imagem fria e
gelada, que se coloca numa
posição de distância em relação
ao espectador? É uma protecção
da actriz?
É como eu sou. Eu sou uma actriz, é
certo, mas sou, realmente, assim. E é
assim no teatro, e no cinema, sou
sempre eu, e a personagem acompanha-me.
Se me diz que sou fria — infelizmente,
não gosto dessa palavra
— mas se me diz que sou impenetrável,
não posso achar isso senão como
um contra-senso para um actor. Trabalho
a um nível mais profundo, se
as pessoas acham isso, lamento por
elas.
O que me agrada nessa ideia de
frieza, de gelo, é a sua própria
ambiguidade, porque é algo
provisório que se esfuma.
Ouvindo as suas canções, por
exemplo, ficamos sempre
na dúvida se a estamos a
ouvir falar de si, se há uma
personagem que fala sobre
coisas que lhe acontecem, ou se
é algo distante. E essa mistura,
quadridimensional diria, é mais
do que real porque não se deixa
cair numa só categorização. É,
por isso mesmo, um corpo que,
apresentando-se, não deixa
nunca de ser abstracto.
Você fez uma muito bela descrição
[risos].
Pergunto-lhe isto porque se
tornou frequente encontrar
actrizes que traçam projectos
de carreira que também passam
pela música, ou por trabalhos
com realizadores menos
evidentes, com o objectivo de
escaparem a uma padronização
e a um modelo. Até mesmo
tentando escapar a uma imagem
que se lhes colou. O que está a
dizer é que as coisas são fruto do
acaso e não de um planeamento
estratégico?
É isso, absolutamente. Só faço aquilo
em que sei que posso investir. É a única
forma de me apresentar ao mundo
exterior. A carreira não me interessa,
interessa-me a viagem. E uma estratégia
não é, certamente, a viagem que
quero fazer.
As experiências teatrais
chegaram mais tarde. E
chegaram como?
Sim, bastante mais tarde. Fi-las para
saber como funcionaria esta minha
ideia de envolvimento face a um público,
com um texto, e atendendo ao
rigor do teatro. Encontrei três peças,
duas em França e uma em Inglaterra.
Só faço coisas quando sei que me vou
confrontar com algo que me provoque
e com alguém que me entusiasme.
De qualquer forma, não é o teatro
tradicional que me interessa.
É por isso que as escolhas que
fez não são evidentes?
Sim, enfrento a vida como uma falta
e uma prova. Como se fosse uma representação
todos os dias. Quando
escolho o que vou fazer, quando mer-
gulho no que vou fazer, procuro ver
se vou passar essa prova, e, depois,
não me interessa repeti-la. É preciso
ser muito inventiva, para não me
aborrecer nem cair numa rotina. Não
é evidente nem é muito confortável,
mas é como é, é o que me satisfaz. Ao
mesmo tempo, é recompensador
quando acontecem coisas que se correspondem
e que dialogam com o que
procuro. Mas esta é só uma forma de
estar aqui. E é só a minha.
É um percurso, de vida
e profissional, que se
complementa através da música,
do teatro e do cinema, ou que
alimenta, e se complementa,
com a vida?
Nunca poderemos dizer se o que veio
primeiro foi a galinha ou o ovo. É uma
coreografia constante. “Faço, não faço”,
“quero fazer, não quero fazer”.
E depois há coisas que me forçam a
encontros, como no caso de Yourcenar
e Kavafi. É algo que é visceral e
que me dá imenso medo.
Essa era a palavra que me
ocorria, medo. Quer combater o
medo que as provas lhe causam?
Sim, sim.
Sem medo de perder?
Sim, sobretudo sem medo de perder.
É outra coisa.
É o prazer de jogar?
É o prazer de me expor.
Expor-se, procurando dar e
receber?
Sim, absolutamente, porque o acto
de se expor em cena tem de ser, para
CONCURSO
JOVENS CRIADORES
2010
.ARTES PLÁSTICAS.
.BANDA DESENHADA.
.ILUSTRAÇÃO.
.ARTES DIGITAIS.
.FOTOGRAFIA. FI
.VÍDEO.
.DANÇA.
TEATRO
.MÚSICA.
.DESIGN DE EQUIPAMENTO.
.DESIGN GRÁFICO.
.JOALHARIA.
.MODA.
.LITERATURA.
INSCRIÇÕES S ATÉ
26 DE JULHO
REGULAMENTOS EM
ARTESIDEIAS.COM
JUVENTUDE.GOV.PT
mim, absoluto. Eu entro, absolutamente.
Sou assim, é preciso que eu o
sinta. Se não o sentir estou morta.
No teatro há exposição mais
próxima do real, porque existe
todas as noites, enquanto no
cinema é uma exposição mais
distante, é isso?
Não, é apenas diferente. Mas o processo
para lá chegar é o mesmo.
E no caso das canções?
Eu não as canto em cena. Não considero
que tenha voz para cantar em
cena. É algo muito íntimo, sou eu em
frente a um microfone.
Mas também é uma exposição.
É uma exposição sim, mas que é à
porta fechada, sou eu e três músicos
num estúdio.
Ao ouvirmos as canções,
imaginamos que seja você,
Charlotte, a expor-se?
É um pouco isso, sim. É por isso que,
neste momento, não faço questão de
as cantar em público. São para mim
um diário. É uma experiência que não
é para ser partilhada com os outros,
nem é para os outros. Quando as pessoas
me falam do disco, acabo por
oferecê-lo, não tenho objectivos comerciais.
Talvez um dia o coloque
“online”. Mas é de uma outra ordem
de partilha este disco, é mais pessoal.
Mas quem é que se expõe:
a Charlotte Rampling ou a
Charlotte?
[risos] Good question, I have no
answer for that!
Ípsilon • Sexta-feira 9 Julho 2010 • 31

Matthias Langhoff
Tesouro nacional vivo
“Cabaret Hamlet” é um espectáculo que não se conta, vive-se. O encenador é alguém que não
se descreve, sente-se. No CCB, dias 14 e 15, vamos poder estar mais perto de uma lenda viva do
teatro. Tiago Bartolomeu Costa, em Paris
DA MAIA NOGUEIRA
Matthias
Langhoff
regressa ao
Festival de
Teatro de
Almada pelo
segundo ano
consecutivo
Matthias Langhoff é um tesouro nacional
vivo. A expressão foi cunhada
pelo crítico francês Bruno Tackels na
revista “Mouvement”, e diz bem da
grandiosidade deste homem, figura
maior do teatro, discípulo de Brecht,
herdeiro de um passado com o qual
“nem sempre soube lidar”.
“Tudo o que me move, tudo aquilo
em que sempre acreditei, foi exactamente
o que tentei colocar nas minhas
peças, desde o início. E não tenho
a certeza de alguma vez o ter
conseguido.”
O pretexto do encontro é “Cabaret
Hamlet”, monumental obra panteísta,
“um resquício do que Shakespeare
escreveu”, a apresentar no Centro
Cultural de Belém, em Lisboa, no âmbito
do Festival de Teatro de Almada,
que visita pelo segundo ano consecutivo,
depois de ter mostrado “Dieu
comme patient — ainsi parlait Isidore
Ducasse”, a partir de Lautréamont. É
uma peça longa — “o tempo precisa
de tempo para acontecer” —, que trabalha
os antagonismos das personagens
de Shakesperare, que podiam
ser entendidas como um espelho do
mundo, como diria Shakespeare,
“mas que são só sombras preparadas
para serem descobertas”. “Como
nós”, acrescenta Langhoff.
Esta peça é apenas uma janela para
um universo feito “de escolhas programadas”,
responde o encenador,
que já dirigiu teatros, e escolheu Brecht,
Büchner, Schnitzler, Kafka ou
Eurípides para “falar
sempre com o
passado, tando imagi-
tennar
ser possível
viver
um futuro”.
“A intuição
é importante
para outras
coisas: a intuição
está na
“O teatro foi sempre
solitário, porque
as escolhas levam
à solidão. Falar
do que
fazemos com
alguém que faça
o mesmo não significa
que falemos
da mesma coisa”
pesquisa proporcionada pela peça,
não está na escolha da peça. As peças
são escolhidas para responderem a
dúvidas que temos. São escolhas pes-
soais, não são abstractas.” “A prepa-
ração de
um trabalho é um momen-
to para questionar tudo, uma situa-
ção muito complexa e ambígua.” “É
preciso ter paciência”, alerta. E é
preciso “estar sempre à espera de
tudo.” Cada apresentação “é uma
oportunidade para não deixar cair
a pergunta, mais do que para responder.”
O desafio está “na pró-
pria persistência, no fazer face
ao medo. Queiramos ou não, o
medo é a vida. Quando a tomamos,
temos de nos deixar ir.
Fazer um espectáculo é como
uma vida, nasce-se e morrese.
E morre-se como se é.
Fazemos uma descoberta de nós, dos
nossos medos, está tudo lá dentro. É
preciso ter paciência. E isso vem com
o tempo”.
Hamlet sou eu
“O drama do príncipe da Dinamarca
é o meu próprio drama”, lança para
cima da mesa. “Com Hamlet enfrento
a minha própria memória, a de regressar
a um país ao qual não pertenço,
obrigado a seguir uma herança
que não quero e com a qual não estou
de acordo.”
De origem suíça, Langhoff mudouse
cedo para a Alemanha — “onde
habitam todos os meus mortos” — vivendo
há anos em França, o país que
o devia considerar como um tesouro.
“O exílio de Hamlet é o meu exílio” ,
diz. “Penso nos meus pais, penso nos
que já cá não estão, coloco-me em
frente à minha memória”, confessa
este homem “já sem pares”.
“O teatro foi sempre solitário, porque
as escolhas levam à solidão. Falar
do que fazemos com alguém que faça
o mesmo não significa que falemos
da mesma coisa.” Recorda que este
Hamlet é tão dele quanto a sua vida
lhe pertence — “e disso estou pouco
certo”.
A peça surge “da impossibilidade
de dialogar com um passado de 500
anos”. “Não é para saber se há espaço
para Hamlet no presente, é para perguntar
se há presente em Hamlet”,
diz. “Procurei Hamlet toda a minha
vida. Esperei por ele.” A primeira vez
que ele se apresentou foi ao telefone.
Era Heiner Muller, seu companheiro
na direcção do Berliner Ensemble.
“Ligou-me e disse: Não venhas já para
o ensaio. Quando chegares tenho
uma peça pronta para ti.” A peça
chamava-se “Máquina Hamlet”. Estávamos
em 1977. “Este regresso é uma
coisa muito especial”, diz Langhoff.
“O objectivo não é tornar a coisa acessível.
As questões estão ao nível da
impossibilidade, de não saber o que
vamos fazer com as consequências
da escolha, mas saber que essas consequências
resultam da liberdade de
se poder escolher”, resume.
“O que é tocante é que, mesmo sendo
difícil, as pessoas são capazes de
encontrar as coisas que lhe tocam,
onde o teatro as leva a um outro
lugar, e que produzem um
debate, que as engrandece.
De tempos a tempos
pode mesmo aparecer
alguém que se diz profundamente
alterado
e, nessas alturas,
achamos que podemos
prosseguir.” Por
isso, Langhoff não acredita
num regresso aos
clássicos que impliquem
uma inscrição do texto na contemporaneidade.
“Tornar algo compreensível
pode ser um problema.
Mudar uma história não a torna, por
si só, compreensível. Porque, muitas
vezes, se o é, é outra coisa.”
O Ípsilon viajou a convite do Festival de
Teatro de Almada
François
Chattot e
Agnès Dewitte
em “Cabaret
Hamlet”
Cabaret
Hamlet
Encenação de Matthias
Langhoff
Dias 14 e 15, no CCB,
Lisboa
32 • Sexta-feira 9 Julho 2010 • Ípsilon

Saul Bellow Se isto é um
“homem moderno” Pág. 46
Laurie Anderson
Recomeçar, dez anos depois Pág. 35
M.I.A.
Porque é que ela é
um ícone do nosso
tempo Pág. 34
m/18
Pedro Abrunhosa
& Comité Caviar
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Reservas:
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Programa sujeito a alterações

Discos
Pop
Ninguém
cala M.I.A.
É o álbum mais contrastante
da polémica cantora. Há
canções dançantes e lúdicas,
mas também momentos de
catarse claustrofóbica. Vítor
Belanciano
M.I.A.
Maya
XL Recordings, distri. PopStock
mmmmn
Desde que deu nas
vistas, em 2005, o
percurso de Maya
Arulpragasam, ou
seja, M.I.A., tem
estado envolto em
polémicas. Só nos últimos meses,
foram os sucessivos problemas com
o governo americano por causa do
seu cartão de residente; ameaças do
governo do Sri Lanka para que não
se meta em assuntos de Estado; um
“videoclip” para “Born free”, que foi
censurado pelo Google por causa do
seu alegado conteúdo violento; ou
uma troca de piropos hostil com o
“New York Times” por causa de uma
entrevista em que terá sido citada
fora de contexto.
No meio deste ruído, é fácil
esquecermo-nos da música. E no
entanto, ao longo de dois álbuns
(“Arular”, de 2005 e “Kala”, de
2007), M.I.A. conseguiu criar uma
sonoridade nova feita de
sobreposições inesperadas num
ambiente sincrético colorido. Foi
uma das primeiras a perceber o
potencial que existia em criar um
vocabulário o pop a partir de algumas
das linguagens gens urbanas emergentes,
como o dubstep, baile funk, kuduro
ou dancehall. all.
“Maya” não contém,
naturalmente, nte, o travo de novidade
dos seus antecessores, mas é mais
arriscado e
diverso. Como outros
nomes marcantes da cultura
pop
actual, de James
Murphy (LCD
Soundsystem)
M.I.A. cria um caldo
pop a partir da mais
estimulante música
urbana da actualidade
Espaço
Público
Este espaço vai ser
seu. Que filme, peça de
teatro, livro, exposição,
disco, álbum, canção,
concerto, DVD viu e
gostou tanto que lhe
apeteceu escrever
aos Animal Collective, M.I.A. é
alguém capaz de prenunciar o
tempo, tornando-se representação
dele em simultâneo. A faceta
politizada, o controle sobre a
imagem e a forma como utiliza as
potencialidades de difusão da
Internet fazem dela um ícone do
nosso tempo, mas também um alvo
fácil de críticas. E não será com este
álbum que isso se desvanecerá.
No primeiro tema, “The message”,
faz questão de dizer de imediato ao
que vem, abordando as facetas
sombrias da Internet através de um
som electronicamente saturado.
Quase todas as características
nucleares dos dois álbuns anteriores
estão presentes no novo registo —
misto de balanço digital, subgraves,
batidas gordurosas, climas exóticos e
electrónica encardida — embora os
cenários sejam mais claustrofóbicos.
Há convidados repetentes (Diplo e
Switch), mas também novidades,
como Rusko, Derek E. Miller dos
Sleigh Bells, Blaqstrarr e Igor
Cavalera, dos Sepultura.
Como nos anteriores álbuns, há
uma canção assumidamente de
gosto duvidoso (“XXX0”), incursões
pelo dancehall mais lúdico (“It takes
a muscle” ou “It iz what it iz”),
tentativas de repetir o sucesso de
“Paper planes” (“Tell me why”), mas
os temas que acabam por marcar
são aqueles onde aposta num som
ruidoso, misto de electrónica
musculada e deformação roqueira,
como “Born free” — o tal do
“videoclip” polémico, inspirado nos
Suicide — “Steppin up” e,
principalmente, “Meds and feds”,
admirável catarse de agitação
dançante para guitarra distorcida.
O melhor do pós-punk dos anos
80 aconteceu quando o rock
encontrou nos sons físicos do funk,
disco ou dub, a sua possibilidade de
recriação. M.I.A. tem aplicado os
mesmos princípios, mas
noutro contexto,
criando um caldo
pop a partir de
alguma da mais
estimulante
música física e
urbana da
actualidade.
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
sobre ele, concordando
ou não concordando
com o que escrevemos?
Envie-nos uma nota até
500 caracteres para
ipsilon@publico.pt. E
nós depois publicamos.
Os Mi Ami fazem
música onde tudo o que
interessa é o ritmo
Um violento
ataque aos
sentidos
Álbum negro, canções
que vergastam em vez de
acariciar, que distorcem em
vez de definir. Mário Lopes
Mi Ami
Steal Your Face
Thrill Jockey; distri. Mbari
mmmmn
Tudo é
incrivelmente
intenso, de forma
extenuante, em
“Steal Your Face”.
A secção rítmica
que se prende num “groove” para
não mais largar, as guitarras que
expelem ruído em golfadas, a voz
andrógina que berra e berra, entre a
catarse e a paranóia, entre a
excitação e a ironia nada discreta: “I
want to dance with somebody / I
wanna feel the heat with
somebody”, ouve-se em “Latin
lover”, para a qual nunca
pensaríamos convocar a imagem da
jovem Whitney Houston. Este
pormenor, contudo, é importante
para apreciar devidamente o novo
álbum dos Mi Ami.
Aquilo que às primeiras audições
soa a um violento ataque aos
sentidos (que é), a uma orgia de
ruído que apenas os movimentos
circulares da secção rítmica
impedem de resvalar para o caos,
vai-se pouco a pouco revelando
como algo mais. Álbum negro,
iminentemente nocturno, “Steal
Your Face” faz-se de divagação
psicadélica e de choques eléctricos
pós-punk. Sugere algo de dub na
reverberação constante que o
atravessa mas não deixa qualquer
espaço para serenidade —
psicadelismo, certamente, mas nada
de sonhos cósmicos de “hippies” de
olhos nas estrelas.
Quando o vocalista Daniel Martin-
McCormick canta “Is it cool? I get
excited”, na supracitada “Latin
lover”, não está a apelar a euforia
dançante: este é o som de uma
acusação e se dançamos
furiosamente, é porque essa parece
ser a única forma de resistir
incólume a canções que vergastam
em vez de acariciar, que distorcem
em vez de definir, que se eximem a
qualquer tipo de conforto. Mesmo
“Dreamers”, com as suas guitarras
estelares e os timbalões percutidos
em ondulação, com a voz perdida
entre os instrumentos, qual sussurro
de “jam” opiácea, não mantém o
tom encantatório muito tempo. A
distorção há-de crescer até nada
restar da placidez anterior e a
canção há-de encarrilar naquele que
é o tom de “Steal Your Face”: música
onde tudo o que interessa é o ritmo,

Fela Kuti e Paulson
Kalu: a diversidade
de abordagens ao
afro-beat é imensa
música que cobre de matéria
perigosa e desafiante esse esqueleto
que dança furiosamente.
Quando, em “Secrets”, prestamos
atenção à linha de sintetizador que
se desenha em fundo, é como se
estivéssemos perante um
surpreendente híbrido de Caravan,
Health e At The Drive In. O resultado
é tão magnífico quanto
desconcertante. Exactamente como
o álbum que o alberga.
Mais um dia
na América
A América olhada pela
lente de Laurie Anderson,
numa das suas obras mais
conseguidas de sempre.
Vítor Belanciano
Laurie Anderson
Homeland
Nonesuch Records, distri. Warner
mmmmn
Tematicamente, é
a América olhada
ao microscópico.
Sonoramente, são
temas lentos,
feitos de
ambientes electrónicos,
envolvimentos de violino e aquela
forma particular de dizer as
palavras, entre o falado e o cantado.
Nenhum local que não tenha já
visitado inúmeras vezes. Mas a
verdade é que o novo álbum de
Laurie Anderson — o seu primeiro na
última década — é capaz de ser o seu
melhor desde a estreia com “Big
Science” (1982).
Essa extraordinária obra inaugural
foi criada a partir de excertos das
suas “performances” da época.
Entre a ideia de concerto, a
narração de histórias e a criação
audiovisual, nas apresentações
ao vivo dessa fase interrogava a
sociedade do consumo ou as
reacções pré-computador aos
desenvolvimentos ntos tecnológicos.
Agora regressa com um disco
também ele resultante de um
espectáculo (“United
States”), que passou há
três anos por Lisboa e
Braga, uma espécie de
concerto-poema, onde
encarnava uma
personagem que
evocava a autoridade
dos homens, e
funcionava como
consciência da
América conflituosa
que se ergueu no pós-11
de Setembro.
A confiança cega na
autoridade, a apetência
dos meios de
comunicação pelo
espectáculo, o colapso
financeiro ou a política externa
da Administração Bush são
reflectidos num registo que
consegue ser tão cómico como
trágico. Produzido pela própria e
pelo marido Lou Reed, e contando
com um naipe de importantes
convidados (Antony, Hal Willner,
Alva Noto, Steven Bernstein ou Four
Tet), é uma obra de meditações
envolvidas por uma certa aura de
mistério, entrecortadas pela sua voz
— angélica umas vezes, processada
digitalmente noutros casos — e por
ocasionais incursões pelo tecno e
jazz, mas convergindo sobretudo
para uma sonoridade electrónica
expansiva, mas grave e melancólica.
O tema que domina o álbum é
“Another day in América”, longa
reflexão de 11 minutos — feita de
climas sombrios, orquestração
dissonante e voz robotizada — que é,
ao mesmo tempo, uma divagação
pelo lixo e glória, actuação política
precoce e hesitação cívica da
sociedade americana, questionando
“how do we begin again?”. Anderson
soube como recomeçar numa obra
que exige total disponibilidade, mas
da qual se sai satisfeito.
Vários
Nigeria Special:
Volume 2, Modern
High life, Afro
Sounds & Nigerian
Blues
SoundWay; distri. Massala
mmmmn
Massala
Laurie Anderson não
gravava um álbum há
uma década
Vários
Nigeria AfroBeat
Special: The New
Explosive Sound In
1970’s Nigeria
SoundWay; distri.
mmmmn
É curioso como os
nomes evoluem.
Como o próprio nome
indica, o género
musical “highlife”,
(“high” pela parte da
mãe Nigéria e “life”
pela parte do
pai Gana) não
era
exactamente
música de
gente
pobre.
Estes, numa
espécie de
ânsia de
igualdade
social
começaram a
nomear a sua
música como
“highlife”, pelo
que a música hoje
assim conhecida (e que é música
rural do Gana ou da Nigéria feita
com guitarras eléctricas e combos de
percussão) está longe do que era o
“highlife” original (mais próximo do
conceito de orquestra africana). A
partir da belíssima compilação
“Nigeria Special: Volume 2, Modern
High life, Afro Sounds & Nigerian
Blues” podemos determinar as
diferenças face ao “highlife” ganês:
este último deve mais a guitarras
dedilhadas e ritmos em constantes
quebrantes, enquanto no caso
nigeriano a mistura dos géneros é
maior e menos estratificada. Não
deixando de ser um extraordinário
conjunto de canções, fica a dois
palmos de “Guitar and The Gun”, a
melhor compilação de “highlife” que
alguma vez ouvimos (e onde podem
ouvir o magnífico guitarrista Jean
Noel). Já “Nigeria Afrobeat Special” é
conceptualmente mais forte. Tem
um único defeito: incluir um tema
de Fela Kuti, homem por demais
versado em compilações do género.
Por outro lado pode ser a primeira
oportunidade para quem não
conhece este género (que se baseia
num “beat” simultaneamente
quebrado e propulsor da dança) de
ouvir a extraordinária música de
Orlando Julius. Melhor que tudo:
aqui se demonstra que a diversidade
de abordagens ao afro-beat é imensa
e que o género está longe de se
reduzir a Fela Kuti. Certos autores
preferem pôr órgãos “vintage” à
frente, outros confiam mais nas
guitarras, por vezes há “jams”,
noutras confia-se nos arranjos de
metais. Nem só de suor se fez o afrobeat
e aqui há psicadelismo de todas
as cores. Uma grande compilação.
João Bonifácio
Tame Impala
Innerspeaker
Modular Records
mmmmn
Uma audição
apressada de
“Innerspeaker”, o
disco de estreia dos
Tame Impala, pode
levar os mais
distraídos a, de súbito, qualificá-los
como nostálgicos de um certo
psicadelismo arroxeado da década
de 1960 com uma possível tendência
para a citação — tendência
suficientemente lata para abarcar
desde os United States of America
aos Stone Roses. E, de facto, os
homens psicadelizam e citam (os
19ª edição
10, 17, 24 JUL
2010, 18h00
Ténis do Parque de Serralves
Programação: António Curvelo
10 JUL
VIJAY IYER TRIO
17 JUL
BERNARDO SASSETTI TRIO
COM PERICO SAMBEAT
24 JUL
“CONTACT”
Dave Liebman / John Abercrombie /
Marc Copeland / Drew Gress / Billy Hart
Bilhetes à venda na recepção de Serralves e em www.serralves.pt
Apoio Institucional
Apoio à Internacionalização
Apoio
Apoio Media
Patrocinador do Jazz do Parque
Fundação de Serralves / Rua D. João de Castro, 210 - Porto
o/ww
www.serralves.pt / serralves@serralves.pt / Informações: 808 200 543
Ípsilon • Sexta-feira 9 Julho 2010 • 35

Discos
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
Ratatat: a “trip” nunca se concretiza
Tame Impala
United States of America, os Stone
Roses e muitos mais). Mas isso não
os menoriza de todo. Tome-se, por
exemplo, “Alter Ego”, a estupenda
quarta canção do disco: pilha um
“beat” usado milhares de vezes na
electrónica moderna, rodeia-o de
guitarras “glam” e dá-lhe um “rouge
soul” na face: estamos tanto em
território dos Broadcast como num
lado B dos Beatles (fase
“Revolution”) nunca lançado, um pé
na melodia clássica, outro na pista
de dança. O rei aqui é a guitarra, ora
em “riffs” ora em dedilhados, ambos
psicadélicos e etéreos. Quando a
melodia se apruma lembramo-nos
dos Stone Roses, até porque o baixo
não está só a fazer figura de corpo
presente. Quase sempre as vozes são
“naives” e filtradas e podíamos jurar
que, em “It’s not meant to be”, a
bateria é passada pelos mesmos ecos
e filtros usados pelos United States
of America (e as guitarras usam os
mesmos efeitos que os Byrds em
“Eight Miles High”) . Ora mais pop,
ora mais dançável, ora mais
púrpura, o grande mérito dos Tame
Impala é juntar todas essas
influências numa voz adormecida no
mar de gaze das guitarras. Vão ser,
obviamente, os próximos grandes
qualquer-coisa e alguém de bom
senso devia editá-los cá e trazê-los
para uma desbunda de seis cordas a
berrar alto. Muito alto. J.B.
Tudo negro neste
“Dark Side Of The
Moon”
The Flaming Lips & Stardust And
White Dwarfs
The Dark Side Of The Moon
Warner
mmmnn
A ideia
parece
descabida. a.
Uma releitura,
canção por canção,
de “Dark Side Of
The Moon”, clássico
dos clássicos dos
Pink Floyd que, não
sendo necessariamente o melhor
disco da banda, é o mais
emblemático. À primeira vista, não
passa de uma perda de tempo que
chamará a atenção durante 15
minutos antes de desaparecer de
cena. Assim seria, não se desse o
caso de falarmos dos Flaming Lips,
que gravaram em tempos um álbum
quádruplo chamado “Zaireeka”, que
só poderíamos ouvir tal como
idealizado tocando os quatro CDs
em simultâneo, em quatro
aparelhagens diferentes. Ou seja, os
Flaming Lips, que voltaram a soar
urgentes e “psicadelicamente”
excessivos em “Embryonic” (o
último álbum, de 2009), lançaramse
às canções de “Dark Side Of The
Moon” porque, muito simplesmente,
podiam fazê-lo.
Convocaram Stardeath And White
Dwarfs, a banda de Dennis Coyne,
sobrinho de Wayne Coyne, deram
um toque a Henry Rollins e outro a
Peaches e montaram uma bizarria
que, ao contrário da maioria dos
álbuns de versões, soa melhor na
prática que em teoria.
Editado em formato digital em
Janeiro, conhece agora edição física.
Nele, os Flaming Lips e os Stardeath
And White Dwarfs transportam o
psicadelismo “technicolor” e a
limpidez sonora do original para o seu
próprio território. Ou seja, o ambiente
torna-se denso, as guitarras distorcem
e planam em “feedback”, o
existencialismo ganha contornos de
neurose. Henry Rollins, responsável
pelo “spoken word” entre canções, dá
o tom logo a início: “I’ve been mad for
fucking years! I’m mad, I’ve always
been mad!” E Peaches, mais à frente,
ao recriar o solo vocal de “The great
gig in the sky” em gritos enfurecidos,
dementes, prova que o “lunatic” deste
novo “Dark Side Of The Moon” é
realmente diferente do original
imaginado por Roger Waters —
digamos que, impulsionado pelo som
dos Flaming Lips em “Embryonic”, foi
criado da perspectiva da “cançãopsicose”
dos Pink Floyd, “Careful with
axe, Eugene”.
Ao contrário da maioria dos álbuns de versões, a releitura dos Pink
Floyd pelos Flaming Lips soa melhor na prática do que na teoria
Mais curiosa que brilhante, a nova
versão põe toques de telemóvel no
lugar dos relógios de corda de
“Time”, transforma “On the run” em
disco-funk “janado” (tudo
reverberações e guitarras silvando
como sirenes de nave espacial),
transforma “Breath” em hino às
maravilhas do “fuzz” aplicado ao
som de baixo e faz de uma trôpega
caixa de ritmos o suporte para a
preguiçosa e falhada versão de
“Money” — o momento “ao lado” do
álbum.
“There’s no dark side of the moon,
really. As a matter of fact, it’s all
dark”, despede-se Henry Rollins. Os
Pink Floyd matizavam essa
constatação com música grandiosa,
de uma luminosidade reconfortante.
Os Flaming Lips preferem brincar na
escuridão. E, apesar de
continuarmos sem saber por que
raio se aventuraram numa coisa
destas, saem-se bem. Não
deslumbram, divagam livremente. E
divertem. M.L.
Psicadelismo de
designer
Ratatat
LP4
XL Recordings; distri. Popstock
mmmnn
O álbum anterior
tinha como título
“LP3”. Este, o
quarto, foi
baptizado “LP4”,
como se fosse a
continuação da série. Faz todo o
sentido. O som dos Ratatat, duo
americano formado por Mike Stroud
e Evan Mast, mantém-se inalterável
desde a edição do álbum homónimo
em 2004.
Neste momento, podem ser nome
em ascensão enquanto produtores
hip-hop, tendo trabalhado com Kid
Cudi no seu álbum de estreia, “Man
On The Moon: The End Of Day”, mas
enquanto Ratatat mantêm o rumo
inalterado: prosseguem pela autoestrada
cósmica pejada de
sintetizadores ambientais, guitarras
planantes e ritmos de um
minimalismo eficiente. São
psicadelismo de designer,
impecavelmente construído. Mas a
verdade é que, apesar das
produções luxuriantes (até
acrescentaram tablas ou percussões
turcas à equação), não passam de
música de fundo (de bom gosto
inatacável, mas música de fundo
ainda assim).
Apreciamos as guitarras
floydianas e o som do
“harpsichord”, gostamos dos Moogs,
da elegância das batidas, das
sugestões funk e das orquestrações
apontando a Oriente; apreciamos
tudo isso e esta ideia de uns Daft
Punk alegremente vendendo a alma
ao “space-rock” (sem rock,
naturalmente), mas a “trip” nunca
se concretiza. Limita-se a ficar lá
longe, incógnita, a acariciar o
subconsciente. M.L.
Uma questão
de ritmo
PAUS
É uma Água
Enchufada
mmmmn
O EP de estreia dos PAUS confirma
os sinais muito
positivos que os
lisboetas andavam
a transmitir nos
palcos. União de
músicos dos If Lucy
Fell e Linda Martini com um ex-
Vicious Five, os PAUS inventam uma
música de difícil classificação,
fortemente ancorada no ritmo. A
culpa é da “bateria siamesa” (dois
bateristas tocam em duas baterias
unidas pelo mesmo bombo), uma
criação do grupo que é a força
propulsora das quatro canções aqui
reunidas. Acompanham-na cânticos
comunais (com palavras, em “Pelo
pulso”, ou sem elas, a lembrar os
ritos vocais dos Animal Collective,
como em “Mete as mãos à boca”),
um baixo a desempenhar as suas
funções habituais e as de uma
guitarra e sintetizadores.
“Lupiter Deacon” é um espantoso
momento de fervilhar percussivo,
sintetizador alienígena e dinâmicas
crescendo-explosão — e um
divertido momento “na na na na
na”, que sublinha o apelo lúdico
destas canções. “Mete as mãos à
boca” lembra uns Battles sem os
histerismos e mais dados aos
encantos libertários da selva,
enquanto “Mudo e surdo” inventa
uma espécie de “stoner” suave, com
teclados aos círculos e cantorias
gloriosamente desprovidas de
sentido. “É uma Água”, interessante
cruzamento de referências com a
dose certa de idiossincrasias, augura
um futuro radiante para os PAUS.
Pedro Rios
PAUS: o futuro é radiante
Afrobeat
futurista
Donso
Donso
Comet, distri. Megamúsica
mmmnn
Álbum de estreia de
um novo quarteto
com um pé na
cultura tradicional
do Mali e outro na
cena de dança de
colheita francesa. De um lado estão
Gedeon Papa Diarra, cantor de voz
carinhosa, Guimba Kouyate,
virtuoso do n’goni e doutras cordas,
reforçados por um punhado de
instrumentistas malis. Do outro há
Thomas Guillaume, típico
percussionista entre cá e lá, e Pierre-
Antoine Grison, que na editora
tecno Ed Banger responde pelo
nome artístico de KrazyBalhead.
Juntos, o que fazem é música de
fusão raízes afro-electrónica, o que
nos tempos que correm está longe
de ser uma novidade.
Não será muito original, portanto,
mas os Donso exibem na estreia um
leque de trunfos que também não
são de desprezar. Gedeon Papa
Diarra é, para começar, um cantor
notável num estilo a meio caminho
entre o purificador dos espíritos e o
encantor de serpentes, tão à
vontade nas grandes paisagens
desérticas, como no espaço
acanhado das caves dançantes
europeias. A equação de ritmos
africanos com prestigiditação
electrónica raramente terá soado
tão harmónica e natural como nesta
sequência de misturas elásticas e
pulsantes.
Por vezes, o convite a dançar é
irresistível, outras, porventura a
maior parte, é uma coisa mais
anímica, uma vibração que não anda
longe do devaneio e da hipnose.
Poderá não adiantar grande coisa,
mas a estreia dos Donso destaca-se
por este “groove” contagioso, que
(melhor que muita concorrência) faz
justiça ao programa de um afrobeat
futurista. Luís Maio
36 • Sexta-feira 9 Julho 2010 • Ípsilon

Jos van Immerseel: a sua interpretação de Berlioz
diverge das propostas com orquestras modernas
Clássica
Radiografia
da “Sinfonia
Fantástica”
A magia tímbrica dos
instrumentos de época e o
rigor de Van Immerseel e
da Anima Eterna acentuam
ainda mais as inovações de
Berlioz. Cristina Fernandes
Berlioz
Sinfonia Fantástica
Anima Eterna Brugge
Jos van Immerseel (direcção)
Zig-Zag Territoires
mmmmn
Composta em
1830, a “Sinfonia
Fantástica”, de
Berlioz, é um
exemplo
revolucionário da
arte da orquestração e um
paradigma da música programática
do Romantismo, mesmo se mais
tarde o autor prescindiu do
argumento que relatava a paixão
obsessiva de um artista por uma
jovem mulher (representada
musicalmente por uma “ideia fixa”
que percorre toda a obra) e as suas
alucinações motivados pelo ópio. As
interpretações desta obra em
instrumentos de época não são
inéditas, mas são escassas. Depois
de Norrington, Gardiner e
Minkowski, surgiu há pouco tempo a
reveladora versão de Jos van
Immerseel com a sua orquestra
Anima Eterna. Conhecendo-se o
perfil meticuloso do maestro belga,
era previsível que o resultado fosse
de grande rigor e se revestisse de um
colorido e de uma transparência que
diverge das propostas com
orquestras modernas, normalmente
caracterizadas por uma massa
sonora mais compacta. A direcção
As composições de Pascal Dusapin têm sido
dirigidas por Rostropovitch, Krivine, Simon Rattle
ou Michel Plasson
de Immerseel é de uma
objectividade quase anti-romântica,
mas a obra nunca perde a sua força.
Pelo contrário: a percepção de um
tecido orquestral onde cada linha e
pormenor se distinguem com
enorme nitidez, assim como a
sedução tímbrica — ouçam-se as
madeiras na “Cena nos Campos” ou
os oficleides associados ao “Dies
Irae” —, contribuem para tornar
ainda mais evidente o carácter
inovador da composição. No
burlesco Sabbath das bruxas
retratado no último andamento,
Immerseel usa dois pianos Érard em
lugar dos sinos, solução que teria
sido seguida pelo próprio Berlioz
nalgumas salas de concerto, e
recorre à sugestiva técnica do “col
legno” (as cordas são percutidas pela
vara do arcos dos violinos) na
evocação da grotesca dança dos
esqueletos. É conhecida a atracção
de Berlioz pelas orquestras de
dimensões megalómanas, mas
Immerseel opta aqui por um efectivo
médio (pouco mais de 60 músicos),
apoiando-se no facto de o
compositor ter ficado satisfeito com
o resultado obtido com orquestras
alemãs de 50 instrumentistas. É
possível que esta opção se deva
também a questões de economia,
mas por outro lado vem ao encontro
da estética habitual da Anima
Eterna, caracterizada por uma
clareza quase camarística que
parece aspirar a obter uma
radiografia da estrutura interna da
música. A “Sinfonia Fantástica” é
complementada por uma versão
igualmente depurada da abertura “O
Carnaval Romano”.
Uma odisseia
orquestral
Pascal Dusapin
7 Solos pour orchestre
Orchestre Philharmonique de Liège
Wallonie Bruxelles
Pascal Rophé (direcção)
Naive, 2 CD
mmmmn
Pascal Dusapin
(França, 1955) é um
dos mais destacados
compositores da
actualidade, senhor
de um extenso
catálogo de obras, tocadas
regularmente por prestigiados
agrupamentos em todo o mundo, as
quais se encontram, em grande
parte, gravadas pela editora Naïve.
Sendo indiscutível o seu sucesso no
domínio da ópera e no da música
concertante, Dusapin tem um
inquestionável domínio da escrita
orquestral, na qual demonstra a sua
“verve” melódica e o largo espectro
de influências no seu trabalho.
Os “7 Solos para orquestra”
resultam de um conjunto de obras
escritas entre 1991 e 2008. Aquando
das suas respectivas estreias, foram
dirigidos por maestros da craveira
de Rostropovitch, Krivine, Simon
Rattle ou Michel Plasson, facto que
atesta o reconhecimento
internacional do compositor. Desta
vez, foram todos gravados pela
mesma orquestra, sob a direcção de
Pascal Rophé, maestro muito
associado a Dusapin.
No seu percurso de 18 anos, fica
demonstrado um cunho pessoal de
escrita extremamente consistente e
de grande dramatismo. Sendo a
origem das peças autónoma, mesmo
se primordialmente consideradas
como parte de um conjunto maior, a
sua audição na íntegra parte de um
pressuposto legítimo mas
extremamente ambicioso. É que as
suas relações harmónicas e
motívicas, ou a exploração de certos
efeitos aparentados, pode tornar a
experiência confusa ou cansativa,
mesmo tendo em conta que umas
obras são mais “harmónicas”, outras
mais “melódicas” ou, ainda, que
exploram atmosferas mais estáticas
ou contrastantes. A direcção de
Pascal Rophé é atenta aos detalhes e
perfeita no domínio das atmosferas,
deixando, contudo, a sensação de
ainda haver espaço para uma maior
beleza no potencial das partituras de
Dusapin.
Jazz
Somos todos
bicaenses
O novo projecto de Carlos
Bica supera as expectativas.
Nuno Catarino
Carlos Bica
Matéria Prima
Clean Feed
mmmmn
Carlos Bica
andava
satisfeito com o
seu trio
Azul,
uma
parceria com Jim
Black e Frank
Möbus, mas
resolveu avançar ançar
para um projecto
alternativo.
Juntou o
bateristarevelação
João
Lobo, o
experiente
guitarrista
Mário Delgado
e o brilhante
pianista João o
Paulo
(parceria
reforçada
com o
disco
“White Works”). Convidou ainda o
jovem trompetista alemão Matthias
Schriefl, para acrescentar dinâmica.
Neste disco gravado ao vivo, o
quinteto trabalha alguns temas do
repertório de Bica, mas não só. Para
além de reinventar temas antigos
como “Believer”, “Iceland” ou
“Roses for you” (entre outros),
inclui ainda inesperadas versões:
“For Malena”, de Marc Ribot, ou o
tema principal do filme “Paris,
Texas”, de Ry Cooder. É inevitável
fazer a comparação desta música
com o trio Azul, mas este projecto
consegue surpreender: a guitarra de
Delgado faz esquecer a frieza de
Frank Möbus; João Lobo não será
Jim Black, mas aguenta o ritmo
sempre com segurança; o piano (e o
pontual acordeão) de João Paulo
acrescenta novas cores; o trompete
de Schriefl brilha quando solicitado;
e Bica continua o irrepreensível
mestre do contrabaixo, versátil,
criativo. Nada a apontar às
composições (apenas a ausência de
novidades), mas o mais importante é
ver o modo como são
transformadas: cada canção é
investida com uma intensa energia,
todos os músicos revelam um
impecável acerto e cada tema vai
ganhando asas à medida que é
desenvolvido, e a força das melodias
(tão açucaradas que nos conquistam
com facilidade) vão sendo
reforçadas pelos arabescos
individuais. Vivendo entre a
sofisticação e o “kitsch”, a música
balança mesmo até à fronteira do
piroso, mas é tudo sabiamente
controlado o pelo líder contrabaixista.
Este disco não é (só) jazz,
esbate fronteiras de
estilo: é pop, é rock, é
afro-cubana, é
latina, tanta coisa
ao mesmo tempo.
Bica tem aqui um
grande disco, muito
bem desenhado,
muito bem
executado, muito
acessível.
O novo projecto de Carlos Bica
consegue surpreender
Ípsilon • Sexta-feira 9 Julho 2010 • 37

Concertos
Vijay Iyer, um pianista jazz capaz
de enveredar por múltiplos rumos,
de M.I.A. aos clássicos
Jazz
Parque &
Jazz
O jazz regressa ao campo
de ténis de Serralves. Nuno
Catarino
Jazz No Parque 2010
Vijay Iyer Trio / Bernardo Sassetti
Trio & Perico Sambeat / Contact
Porto. Parque de Serralves. R. Serralves, 997. Tel:
226156500. Sáb., 10, às 18h. De 10/07 a 24/07.
Bilhetes entre €5 e €10.
O palco é original, já bem conhecido
para os fregueses do costume: o
campo de ténis do Parque de
Serralves. Mais um ano, mais uma
edição do Jazz No Parque, o festival
de jazz de Serralves, três concertos
em três sábados consecutivos: 10, 17
e 24 de Julho, sempre às 18h. A
programação deste ano volta a ser
da responsabilidade de António
Curvelo e serão apresentadas três
propostas do melhor jazz que se vai
fazendo por aí.
No primeiro dia do festival, 10 de
Julho, actua o trio do pianista Vijay
Iyer, que recentemente editou
“Historicity”. Este disco, que foi
reconhecido como um dos melhores
do ano transacto, mostra um
pianista em excelente forma a
enveredar por múltiplos rumos e
capaz de absorver a modernidade:
veja-se esse exemplo supremo que é
a versão de “Galang” de M.I.A., a
conviver bem ao lado de
reinterpretações
de clássicos
como Andrew Hill (“Smoke
Stack”) ou Julius
Hemphill
(“Dogon A.D.”).
No dia 17 actua o trio de
Bernardo Sassetti, com um
convidado especial, o
espanhol Perico Sambeat.
Sassetti acaba de editar o disco
“Motion”, mais uma vez muito
bem acompanhado pelo
contrabaixista Carlos
Barretto e
pelo baterista
Alexandre Frazão,
que já se afirmou
como um dos
grandes
marcos
discográficos
do ano. Além
do convidado
saxofonista, este
concerto vai ser
marcado pela
estreia de novas
composições do
pianista. O Jazz no
Parque
encerra com
a actuação, no dia 24
de Julho, do grupo
Contact, que reúne um
quinteto de intérpretes
de primeira linha: Dave
Omar Souleyman
Liebman (saxofone), John
Abercrombie (guitarra), Marc
Copeland (piano), Drew Gress
(contrabaixo) e Billy Hart (bateria).
Com músicos brilhantes como estes,
será difícil conter as expectativas.
Pop
Omar para dançar
Omar Souleyman
Porto. Casa da Música. Pç. Mouzinho de
Albuquerque. Tel.: 220120220. 3ª, 13, às 22h. 10€.
Lisboa. Lux Frágil. Av. Infante D. Henrique -
Armazém A (Cais da Pedra a Santa Apolónia). 5ª,
15, às 23h. Tel.: 218820890. 10€.
Há cerca de um ano, o sírio Omar
Souleyman e o seu colectivo de
músicos converteram o Anfiteatro
da Gulbenkian, em Lisboa, numa
invulgar pista de dança, através de
uma música física e sintética. Não
custa acreditar que poderá
acontecer o mesmo na Casa da
Música (com os Coup deBam) e no
Lux. Autêntica lenda pop na Síria, a
música de Souleyman só agora tem
sido dada a conhecer no ocidente. A
sua sonoridade de combina
influências turcas, curdas e
árabes, dissolvidas numa
abordagem electrónica ectrónica
repleta de cordas e
percussão. É uma
sonoridade no fio da
navalha do cor-de-rosa
para ouvidos
ocidentais, mas é
precisamente o
à-vontade dos
músicos, e a
dinâmica de
festa que é
imposta, que
acabam por
conquistar.
Pertencente aos
quadros da
Sublime
Frequencies,
editora americana especialista em
lançar músicos desconhecidos do
continente africano e asiático,
Souleyman lançou este ano o álbum
“Jazeera Nights: folk and pop sounds
of Syria”, compilação de temas
anteriormente apenas disponível em
cassete. Não deve ter sido fácil
compilar uma dúzia de canções
provenientes dessas cassetes — é que
nos últimos anos, lançou cerca de
500, apenas na Síria. Vítor
Belanciano
Os imperdíveis
Strange Boys
The Strange Boys
Lisboa. MusicBox. R. Nova do Carvalho, 24 - Cais do
Sodré. 4ª, 14, às 22h30. Tel.: 213430107. 8€.
Os Strange Boys são das bandas mais
entusiasmantes que o rock’n’roll nos
ofereceu nos últimos anos e isso é
óbvio para quem lhes conhece “The
Strange Boys And Girls Club” e “Be
Brave”, os dois álbuns que
compõem a sua discografia. Isso é
ainda mais óbvio para quem já os viu
em concerto. Sobem a palco para ser
sonho Dylanesco alimentado a
hormonas de adolescente, para ser
elo moderno
numa
cadeia
muito
antiga (e
sai uma
versão de
The Strange Boys: canções urgentes e imediatas no MusicBox
Creedence
Clearwater
Revival).
Eles que
Morcheeba
veremos no
Musicbox, em
Lisboa, na
próxima quartafeira
(o ano
passado
passaram pelo
Lounge e pelo
festival Paredes de Coura), recuam
às raízes sem pulsões puristas: it
interessa-lhes aquele momento em
que uma canção se reduz à sua
forma mais urgente e imediata, sem
filtro, e captam nesse movimento
uma ideia de presente, de agora, que
reconhecemos nos melhores. E os
Strange Boys de Ryan Sambol, o
vocalista/guitarrista de voz
estridente, imediatamente
reconhecível, são claramente uns
dos melhores.
Filtraram toda a história de
garage-rock, perceberam ao ver os
Black Lips em concerto a força
incorruptível do rock’n’roll e,
quando lhe deram voz própria, a
pessoalíssima voz de Ryan Sambol,
cantautor desalinhado em banda
eléctrica, tornaram-se vitais. O
concerto é, obviamente, imperdível.
Mário Lopes
Os consagrados e a
nostalgia do Festival
Marés Vivas
Festival Marés Vivas 2010
Vila Nova de Gaia. No recinto junto à foz do Rio
Douro (Cabedelo). 5ª, 15, às 18h00 (portas). 25€
(dia). Passe Festival: 45€. Informações: 223703735
(Posto Turismo Gaia).
Palco TMN: GNR, Goldfrapp,
Morcheeba, Edward Maya. Palco
Moche: Dr1ve, Lobo.
A partir da próxima quinta-feira
haverá Marés Vivas no Cabedelo, em
Gaia. Marés Vivas, o festival,
entenda-se. Chega este ano à oitava
edição e mantém-se fiel ao espírito
que o vem
caracterizando.
Ou seja, aposta
38 • Sexta-feira 9 Julho 2010 • Ípsilon

Norah Jones no
Cool Jazz Fest
Dead Combo em trio com o realizador Bruno de
Almeida no Festival de Curtas de Vila do Conde
James Murphy vai
aos pratos no Lux
Dee Dee
Bridgewater
Quinteto
Agenda
em consagrados pelo grande
público e na carga nostálgica de
nomes do passado.
Na próxima quinta-feira, primeiro
dia de um festival que terminará
sábado, dia 17, veremos os GNR,
cabeças de cartaz do primeiro dia, e
Goldfrapp apresentarem os seus
novos álbuns, “Retropolitana” e
“Head First”. Ouvir-se-ão os
regressados Morcheeba,
recentemente reunidos, mostrar o
novo álbum, “Blood Like
Lemonade”, e passar em revista
uma carreira que começou no triphop
antes de ganhar protagonismo
com a conversão a uma pop tingida
de motivos soul (não faltará
certamente “Rome wasn’t built
in a day”).
Depois chegarão os Placebo,
cabeças de cartaz de sexta-feira, e o
seu glam, versão anos 1990, de
“Without you I’m nothing”,
chegarão o furacão Peaches e o
espectáculo de David Fonseca, no
mesmo dia, e o habitué Ben Harper,
presença habitual em palcos
portugueses e que para encerrar
o festival traz consigo os Relentless
7, a banda que o vem
acompanhando em estúdio e em
palco desde 2008, e com quem
gravou “White Lies for Dark Times”
(regresso ao rock mais agreste dos
primeiros tempos) e “Live From
The Montreal International Jazz
Festival”. A noite de Sábado conta
ainda com os dEUS, banda querida
dos indies portugueses de há duas
décadas, e com os Editors, os mais
bem-sucedidos representantes do
revivalismo pós-punk p britânico.
Para além
Goldfrapp no Festival
Marés Vivas
sexta 9
Optimus Alive! 10
Algés. Passeio Marítimo de Algés. Às 17h00. 50€
(dia). Passe Festival: 90€.
Palco Optimus: Jet (18h30), Mão
Morta (19h50), Manic Street
Preachers (21h10), Skunk Anansie
(22h50), Deftones (00h30). Palco
Super Bock: Hurts (17h), Holy Ghost!
(18h10), The Maccabees (19h20),
New Young Pony Club (20h35),
Gossip (21h55), Booka Shade
(23h20), Bloody Beetroots Death
Crew 77 (00h55), Steve Aoki (02h).
Palco Optimus Clubbing: Enchufada
DJs (17h), Macacos do Chinês
(18h40), Paus (19h55), Zombies for
Money (20h50), Octa Push (22h05),
Sinden (23h), Buraka Som Sistema
(24h), Benga (01h), Laidback Luke
(02h30).
Aldina Duarte por Olga Roriz
Direcção Musical: Olga Roriz. Com
Aldina Duarte (voz), José Manuel
Neto (guitarra portuguesa), Carlos
Manuel Proença (viola), Pedro
Wallenstein (contrabaixo), Manuel
Paulo (piano), João Lucas
(acordeão), Sebastian Scheriff
(percussão), Ana Isabel Dias (harpa).
Lisboa. Teatro Municipal de S. Luiz. R. Antº Maria
Cardoso, 38-58. 6ª e sáb. às 21h00. Tel.: 213257650.
10€ a 20€ (sujeito a desconto).
Dee Dee Bridgewater Quinteto
Estoril. Casino. Pç. José Teodoro dos Santos. Às 22h.
Tel.: 214667700. 30€ (dia). Assinatura: 90€. No
D.Lounge.
XXIX Estoril Jazz - Jazz Num Dia de
Verão 2010. Informações: 214827862.
Opera(ções) Barrocas
Encenação: Catarina Molder,
Etienne Lamaison. Direcção
Musical: Marcos Magalhães. Com
Catarina Molder (soprano), Luis
Rodrigues (barítono), Etienne
Lamaison (clarinete), Marcos
Magalhães (cravo), António Carrilho
(flauta de bisel), Catherine Strynckx
(violoncelo). Com Companhia de
Ópera do Castelo.
Lisboa. Castelo. Às 22h00. Tel.: 218800620. 7,5€.
Crianças: 5€.
Obras de Rameau, Haendel,
Pergolesi, Rebel e Couperin.
Bill Orcutt
Porto. Culturgest. Av. dos Aliados, 104 - Ed. da CGD.
Às 22h00. Tel.: 222098116. 5€.
Horse Meat Disco + James
Murphy + Luke Howard +
Severino
Lisboa. Lux Frágil. Av. Infante D. Henrique -
Armazém A (Cais da Pedra a Santa Apolónia). Às
23h00. Tel.: 218820890.
Consumo mínimo.
Sérgio Godinho
Aveiro. Teatro Aveirense. Pç. República. Às 22h00.
Tel.: 234400922. 12€ (sujeito a desconto).
Bernardo Sassetti, Jean-
François Lézé e Orquestra
Nacional do Porto
Porto. Casa da Música. Pç. Mouzinho de
Albuquerque. Às 21h00. Tel.: 220120220. 10€.
Ciclo Jazz Galp/Verão na Casa 2010.
Obras de Sassetti, Jarre, Freitas,
Massenet, Barry e Falla.
Orquestra Juvenil da Bahia
Lisboa. CCB. Pç. do Império. Às 21h00. Tel.:
213612400. 5,5€ a 15,5€ (sujeito a desconto).
Miklós Perényi e Jenö Jandó
Espinho. Auditório. R. 34, 884. Às 22h00. Tel.:
227340469. 7€ (sujeito a desconto).
36.º Festival Internacional de Música
de Espinho.
Freddy Cole Quartet
Figueira da Foz. Centro de Artes e Espectáculos. R.
Abade Pedro. Às 22h00. Tel.: 233407200. 5€ a 15€.
3D - Festival Internacional de Jazz da
Figueira da Foz.
Lura + Zé Pedro dos Xutos + Las
Gafas + Lovemakers
Torres Novas. Jardim das Rosas. Av. Principal. Às
22h00. Entrada livre.
Jane Duboc + Al Di Meola World
Sinfonia
Funchal. Pq. de Santa Catarina. Av. do Infante. Às
21h30. Tel.: 291200930. 15€ (dia). Passe Festival: 30€.
11.º Funchal Jazz Festival.
Cacus
Com José Peixoto (guitarra), Carlos
Zíngaro (violino), Ulrich Mitzlaff
(violoncelo).
Lisboa. Galeria Arthobler - Lisboa. R. Rodrigues
Faria, 103 - Lx Factory (Ed. G. 03). Às 22h30. Tel.:
965865186. 5€.
The Underdogs + Cacique’97
Aveiro. Rossio. Às 21h30.Entrada livre. Tel: 234406300.
Sean Riley & The Slowriders +
Contraband
Vilar Formoso. Pavilhão Multiusos. Via Estruturante.
Às 21h30. Tel.: 271571080. Entrada livre.
Diabo Na Cruz
Com Jorge Cruz (guitarra e voz), B
Fachada (viola braguesa e voz),
Bernardo Barata (baixo e voz), João
Gil (sintes), João Pinheiro (bateria e
percussão).
Freamunde. Paços de Ferreira. Às 22h00. Entrada
livre.
Quaiss Kitir+Julian
Marley+Finley Quaye.
Cascais. Pq. Marechal Carmona. Às 20h00. 20€.
Júlio Pereira
Com Júlio Pereira (bandolim), Miguel
Veras (viola), Sofia Vitória (voz e
teclados).
Castelo Branco. Cine-Teatro. Av. General Humberto
Delgado. Às 21h30. Tel.: 272349560. 5€ (sujeito a
desconto).
Emily Jane White
Aveiro. Mercado Negro. R. João Mendonça, 17. Às
22h00. Tel.: 234100052.
El Gran Silencio
Lisboa. MusicBox. R. Nova do Carvalho, 24 - Cais do
Sodré. Às 00h00. Tel.: 213430107. 8€.
sábado 10
Optimus Alive! 10
Algés. Passeio Marítimo de Algés. Às 17h. 50€ (dia).
Passe Festival: 90€.
Palco Optimus: Gomez (18h30),
Dropkick Murphys (19h50), Gogol
Bordello (21h20), Pearl Jam (23h),
LCD Soundsystem (01h30). Palco
Super Bock: Girls (17h), Sean Riley +
The Slowriders (18h05), Miike
Snow (19h20), The Big Pink
(20h45), Peaches (22h05), Simian
Mobile Disco (23h30), Crookers
(00h45), Boys Noize (02h15).
Palco Optimus Clubbing:
Enday (17h), The Kaviar
(17h45), Noiserv (18h30),
Becky Lee e Drunkfoot
(19h30), Cibelle (20h30),
The Legendary
Tigerman e Convidados
(21h45), Micro Audio
Waves (23h40), Phoebe
Norberto Lobo
Killdeer + The Short Straws
(00h45), The Bellrays
(01h50), Homens da Luta
(03h10).
Trio 3: Oliver Lake + Reggie
Workman + Andrew Cyrille
Com Oliver Lake (saxofone), Reggie
Workman (contrabaixo), Andrew
Cyrille (bateria).
Estoril. Casino. Pç. José Teodoro dos Santos. Às
22h00. Tel.: 214667700. 30€ (dia). Assinatura: 90€.
XXIX Estoril Jazz - Jazz Num Dia de
Verão 2010.
Freddy Cole Quartet
Sintra. CC Olga Cadaval. Pç. Dr. Francisco Sá
Carneiro. Às 22h00. Tel.: 219107110. 15€ a 20€
(sujeito a desconto).
B Fachada
Faro. Teatro Lethes. R. Portugal, 58. Às 21h30. Tel.:
289820300. 7€.
Bernardo Sassetti, Jean-François
Lézé e Orquestra Nacional do
Porto
Caldas da Rainha. CC e Congressos. R. Doutor Leonel
Sotto Mayor. Às 21h00. Tel.: 262889650.10€ a 15€.
Obras de Sassetti, Jarre, Freitas,
Massenet, Barry e Falla.
Barclay James Harvest
Vila Nova de Gaia. Miradouro da Serra do Pilar.
Santa Marinha. Às 22h00. Entrada livre.
Informações: 223742400.
Bill Orcutt
Lisboa. Museu do Chiado. R. Serpa Pinto, 4. Às
22h30. Tel.: 213432148. 5€.
Melech Mechaya
Sesimbra. Cine-Teatro Municipal João Mota. Av.
Liberdade, 46. Às 22h00. Tel.: 212234034. 5€.
Sérgio Godinho
Viana do Castelo. Jardim da Marina. Av. Marginal. Às
21h45. Entrada livre.
Ana Moura
Águeda. Lg. 1º de Maio. Às 22h30. Entrada livre.
Jordi Savall
Com Jordi Savall (rebab; lira de arco e
viela), Driss El Maloumi (oud),
Dimitris Psonis s (santur e moresca),
Pedro Estevan (darbouka; def;
tambor e pandeireita).
Póvoa de Varzim. Igreja de N. Sra. da Conceição,
Matriz. R. Igreja e R. São
Pedro.
Às 21h45. Tel.: 252615791. 5791. 6€
(sujeito a desconto).
Passe Festival: 35€.
Informações:
252614145.
Festival
Internacional de
Música da
Póvoa de
Varzim.
Emily Jane
White
Braga. Velha-a-
Branca, Estaleiro
Cultural. Lg.
Senhora a Branca,
23.
Às 22h00. Tel.:
253618234.
Bruno de
Almeida
+ Dead
Combo
Esperanza
Spalding
Vila do Conde. Teatro Municipal –
Sala 1. Av. Dr. João Canavarro. Às
00h30. Tel.: 252290050. 10€.
Concerto-instalação “Esse Olhar Que
Era Só Teu”. Remixed. Curtas - 18.º
Festival Internacional de Cinema.
DJ Jazzanova + Mike Stellar
Lisboa. MusicBox. R. Nova do Carvalho, 24 - Cais do
Sodré. Às 02h00. Tel.: 213430107. 8€.
domingo 11
Cyro Baptista
Coimbra. Pç. do Comércio. Às 22h00. Entrada livre.
Esperanza Spalding Quarteto
Com Esperanza Spalding
(contrabaixo e voz), Leo Genovese
(piano), Ricardo Vogt (guitarra),
Dana Hawkins (bateria).
Estoril. Casino. Pç. José Teodoro dos Santos. Às
22h00. Tel.: 214667700. 30€ (dia). Assinatura: 90€.
XXIX Estoril Jazz - Jazz Num Dia de
Verão 2010.
segunda 12
Tiken Jah Fakoly + Terrakota
Porto. Casa da Música. Pç. Mouzinho de
Albuquerque. Às 21h00. Tel.: 220120220. 10€.
Mor Karbasi
Manta Rota. Praia de Manta Rota - Vila Real de
Santo António. Às 22h00. Entrada livre.
Informações: 214408565.
Festival Sete Sóis Sete Luas 2010.
terça 13
Norah Jones
Gandarinha. Hipódromo Manuel Possolo. R.
Visconde da Gandarinha. Às 22h00. Tel.:
214844299. 20€ a 60€.
Cool Jazz Fest 2010.
quarta 14
Deep Purple
Lisboa. Coliseu. R. Portas St. Antão, 96. Às 21h30
(portas abrem às 20h30). Tel.: 213240580. 28€ a
32€. Camarotes: 150€ a 192€.
Hanne Hukkelberg
Lisboa. Teatro Municipal Maria Matos. Av. Frei
Miguel
Contreiras, 52. Às 22h00. Tel.: 218438801.
15€ (sujeito a desconto).
Norberto Lobo
Lisboa. A Barraca - Teatro Cinearte. Lg Santos, 2.
Às 22h00. Tel.: 213965360. 6€.
Sei Miguel
Lisboa. Galeria Zé dos Bois. R. da Barroca, 59 -
Bairro Alto. Às 22h00. Tel.: 213430205. 5€.
quinta 15
Samuel Úria
Tondela. Cine Tejá - Novo Ciclo ACERT. R. Dr.
Ricardo Mota. Às 22h00. Tel.: 232814400. 10€.
Passe Festival: 22,5€. Desconto para sócios.
Phill Niblock + Katherine
Liberovskaya
Guarda. Teatro Municipal. R. Batalha Reis,
12. Às 21h30. Tel.: 271205241. 5€.
Quarteto
Com Pedro Burmester (piano),
Fausto Neves (piano), Miquel
Bernat (percussão), Manuel
Campos (percussão).
Espinho. Auditório. R. 34, 884. Às 22h00.
Tel.: 227340469. 7€ (sujeito a desconto).
36.º Festival Internacional de
Música de Espinho.
Pop Dell’Arte + Corsage
Lisboa. MusicBox. R. Nova do Carvalho,
24 - Cais do Sodré. Às 23h00. Tel.:
213430107. 10€.
Ípsilon • Sexta-feira 9 Julho 2010 • 39

Concertos
Ben Harper e os seus Relentless 7 vão estar no Festival Marés Vivas
deles, o Marés Vivas conta no
palco principal com concertos de
Edward Maya (dia 15), A Silent Film
(dia 16) e Nikolaj Grandjean (dia 17).
O palco secundário, cem por cento
português, recebe Dr1ve e Lobo (dia
15), Azeitonas, André Indiana e
Mónica Ferraz (dia 16), e João Só E
Os Abandonados e Caim (dia 17).
M.L.
Clássica
Viagem
musical à
volta do
globo
O conjunto de violas da
gamba Fretwork apresenta
em Espinho o projecto
“The World Encompassed”,
recriação musical da
viagem de Francis Drake
entre 1577 e 1580. Cristina
Fernandes
musicais e experimentar novos
repertórios. Desde as mais antigas
obras instrumentais impressas em
Veneza em 1501 à música
contemporânea, passando pelos
compositores ingleses dos séculos
XVI e XVII (Byrd, Gibbons, Lawes,
Purcell, Locke, Dowland), por J. S.
Bach ou pelas sonoridades da
música “klezmer”, o grupo tem
explorado em concerto e em disco
uma vasta gama de estilos e épocas.
Tem assumido também um
importante papel no incentivo à
criação de novas peças através de
encomendas a compositores tão
importantes como George
Benjamin, Michael Nyman, John
Tavener, Gavin Bryars, Elvis
Costello, Alexander Goehr, Tan
Dun, Barry Guy, Thea Musgrave ou
Simon Bainbridge.
Na sua estreia no Festival
Internacional de Música de Espinho
(dia 12, às 22h), o grupo irá
apresentar precisamente um dos
seus últimos projectos criativos,
desenvolvido em parceria com o
compositor Orlando Gough (n.
1953). Sob o título “The World
Encompassed”, será realizado um
percurso musical alusivo às viagens
marítimas de Francis Drake entre
1577 e 1580. Sabe-se que o corsário e
explorador inglês foi acompanhado
durante a sua épica jornada por
quatro intérpretes de viola da
gamba, que tocavam nos momentos
de culto religioso, serviam de
acompanhamento a hinos
e canções e o entretinham
durante as refeições, para
além de terem servido para
impressionar os nativos da Ámerica
do Sul e de Java. A obra de
Orlando Gough, compositor
que se tem dedicado sobretudo a
escrever para espectáculos de
dança e teatro, combina trechos
musicais originais do século XVI (de
John Taverner, Robert Parsons ou
Alonso Mudarra) com peças
novas e com a recriação dos
exóticos ambientes desta viagem à
volta do mundo. Este programa já
foi apresentado em vários países,
incluindo numa digressão
de dez concertos à América do
Norte.
Éric Le Sage e os
segredos da música
de Schumann
Éric Le Sage
Póvoa de Varzim. Auditório Municipal. R. D. Maria
I, 56. 3ª, 13, às 21h45. Tel.: 252614145. 6€ (sujeito a
desconto). Passe Festival: 35€.
32º Festival Internacional de Música da
Póvoa de Varzim. Obras de Schumann.
Para Éric Le Sage, a música de Robert
Schumann parece não ter segredos.
Pode mesmo dizer-se que se trata do
pianista do momento no que diz
respeito à interpretação do extenso
repertório deste compositor
romântico nascido há 200 anos.
Vencedor dos concursos
internacionais de piano do Porto
(1985) e Robert Schumann de Zwickau
(1989), o pianista francês encontra-se
desde 2006 a realizar a gravação
integral da produção para piano de
Schumann na etiqueta Alpha, tendo
obtido por esse trabalho alguns
importantes prémios da crítica
discográfica internacional. A sua
presença no Festival Internacional de
Música da Póvoa de Varzim com um
recital destinado a assinalar o
bicentenário de Schumann era, pois,
uma escolha óbvia e pertinente. No dia
13, Éric Le Sage tocará no Auditório
Municipal as “Blumenstück” op. 19, os
três Romances op. 28, a “Humoresque”
op. 20 e os Estudos Sinfónicos op. 13.
A sensibilidade, a subtileza de
fraseados, o lirismo poético e a
capacidade de variar o colorido da
sonoridade fazem de Le Sage um
intérprete de eleição do universo
schumaniano. Apesar de o seu
repertório ser bastante mais extenso,
nos últimos tempos tem sido
sobretudo um embaixador do
compositor alemão no mundo
através de concertos em numerosos
países. Éric Le Sage tem tocado nos
mais importantes festivais e salas de
concertos internacionais e já foi
dirigido por maestros tão ilustres
como Armin Jordan, Louis Langrée,
Michel Plasson ou Sir Simon Rattle.
Além da etiqueta Alpha, já gravou
para a RCA-BMG, a Naïve e a EMI,
destacando-se os seus registos da
música de Francis Poulenc. C.F.
Ensemble Fretwork
Espinho. Auditório. Rua 34, 884. 2ª, 12, às 22h00.
Tel.: 227340469. 7€ (sujeito a desconto).
36.º Festival Internacional de
Música de Espinho.
O agrupamento britânico Fretwork
não é apenas mais um “consort” de
violas da gamba especializado em
música do Renascimento e do
Barroco. É um projecto artístico
abrangente que ao longo das duas
últimas décadas tem procurado
quebrar barreirras entre géneros
Os britânicos Fretwork têm procurado quebrar
barreiras entre géneros musicais
Éric Le Sage interpreta Schumann na Póvoa de Varzim
40 • Sexta-feira 9 Julho 2010 • Ípsilon

Concertos
Ben Harper e os seus Relentless 7 vão estar no Festival Marés Vivas
deles, o Marés Vivas conta no
palco principal com concertos de
Edward Maya (dia 15), A Silent Film
(dia 16) e Nikolaj Grandjean (dia 17).
O palco secundário, cem por cento
português, recebe Dr1ve e Lobo (dia
15), Azeitonas, André Indiana e
Mónica Ferraz (dia 16), e João Só E
Os Abandonados e Caim (dia 17).
M.L.
Clássica
Viagem
musical à
volta do
globo
O conjunto de violas da
gamba Fretwork apresenta
em Espinho o projecto
“The World Encompassed”,
recriação musical da
viagem de Francis Drake
entre 1577 e 1580. Cristina
Fernandes
musicais e experimentar novos
repertórios. Desde as mais antigas
obras instrumentais impressas em
Veneza em 1501 à música
contemporânea, passando pelos
compositores ingleses dos séculos
XVI e XVII (Byrd, Gibbons, Lawes,
Purcell, Locke, Dowland), por J. S.
Bach ou pelas sonoridades da
música “klezmer”, o grupo tem
explorado em concerto e em disco
uma vasta gama de estilos e épocas.
Tem assumido também um
importante papel no incentivo à
criação de novas peças através de
encomendas a compositores tão
importantes como George
Benjamin, Michael Nyman, John
Tavener, Gavin Bryars, Elvis
Costello, Alexander Goehr, Tan
Dun, Barry Guy, Thea Musgrave ou
Simon Bainbridge.
Na sua estreia no Festival
Internacional de Música de Espinho
(dia 12, às 22h), o grupo irá
apresentar precisamente um dos
seus últimos projectos criativos,
desenvolvido em parceria com o
compositor Orlando Gough (n.
1953). Sob o título “The World
Encompassed”, será realizado um
percurso musical alusivo às viagens
marítimas de Francis Drake entre
1577 e 1580. Sabe-se que o corsário e
explorador inglês foi acompanhado
durante a sua épica jornada por
quatro intérpretes de viola da
gamba, que tocavam nos momentos
de culto religioso, serviam de
acompanhamento a hinos
e canções e o entretinham
durante as refeições, para
além de terem servido para
impressionar os nativos da Ámerica
do Sul e de Java. A obra de
Orlando Gough, compositor
que se tem dedicado sobretudo a
escrever para espectáculos de
dança e teatro, combina trechos
musicais originais do século XVI (de
John Taverner, Robert Parsons ou
Alonso Mudarra) com peças
novas e com a recriação dos
exóticos ambientes desta viagem à
volta do mundo. Este programa já
foi apresentado em vários países,
incluindo numa digressão
de dez concertos à América do
Norte.
Éric Le Sage e os
segredos da música
de Schumann
Éric Le Sage
Póvoa de Varzim. Auditório Municipal. R. D. Maria
I, 56. 3ª, 13, às 21h45. Tel.: 252614145. 6€ (sujeito a
desconto). Passe Festival: 35€.
32º Festival Internacional de Música da
Póvoa de Varzim. Obras de Schumann.
Para Éric Le Sage, a música de Robert
Schumann parece não ter segredos.
Pode mesmo dizer-se que se trata do
pianista do momento no que diz
respeito à interpretação do extenso
repertório deste compositor
romântico nascido há 200 anos.
Vencedor dos concursos
internacionais de piano do Porto
(1985) e Robert Schumann de Zwickau
(1989), o pianista francês encontra-se
desde 2006 a realizar a gravação
integral da produção para piano de
Schumann na etiqueta Alpha, tendo
obtido por esse trabalho alguns
importantes prémios da crítica
discográfica internacional. A sua
presença no Festival Internacional de
Música da Póvoa de Varzim com um
recital destinado a assinalar o
bicentenário de Schumann era, pois,
uma escolha óbvia e pertinente. No dia
13, Éric Le Sage tocará no Auditório
Municipal as “Blumenstück” op. 19, os
três Romances op. 28, a “Humoresque”
op. 20 e os Estudos Sinfónicos op. 13.
A sensibilidade, a subtileza de
fraseados, o lirismo poético e a
capacidade de variar o colorido da
sonoridade fazem de Le Sage um
intérprete de eleição do universo
schumaniano. Apesar de o seu
repertório ser bastante mais extenso,
nos últimos tempos tem sido
sobretudo um embaixador do
compositor alemão no mundo
através de concertos em numerosos
países. Éric Le Sage tem tocado nos
mais importantes festivais e salas de
concertos internacionais e já foi
dirigido por maestros tão ilustres
como Armin Jordan, Louis Langrée,
Michel Plasson ou Sir Simon Rattle.
Além da etiqueta Alpha, já gravou
para a RCA-BMG, a Naïve e a EMI,
destacando-se os seus registos da
música de Francis Poulenc. C.F.
Ensemble Fretwork
Espinho. Auditório. Rua 34, 884. 2ª, 12, às 22h00.
Tel.: 227340469. 7€ (sujeito a desconto).
36.º Festival Internacional de
Música de Espinho.
O agrupamento britânico Fretwork
não é apenas mais um “consort” de
violas da gamba especializado em
música do Renascimento e do
Barroco. É um projecto artístico
abrangente que ao longo das duas
últimas décadas tem procurado
quebrar barreirras entre géneros
Os britânicos Fretwork têm procurado quebrar
barreiras entre géneros musicais
Éric Le Sage interpreta Schumann na Póvoa de Varzim
40 • Sexta-feira 9 Julho 2010 • Ípsilon

42 • Sexta-feira 9 Julho 2010 • Ípsilon
Cinema
Sábado Domingo 11h, 13h20, 14h10, 15h30, 16h30,
17h40, 18h40, 19h50, 21h20, 22h, 23h30, 00h10 (V.
Port./3D) 3ª 14h10, 16h30, 18h40, 19h50, 21h20, 22h,
23h30, 00h10 (V.Port./3D); ZON Lusomundo
Amoreiras: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
14h30, 17h, 19h20, 22h, 00h15 (V.Port./3D); ZON
Lusomundo Amoreiras: 5ª 6ª Sábado 2ª 3ª 4ª
13h30, 16h10, 18h50, 21h10, 23h30 (V.Port./3D)
Domingo 11h, 13h30, 16h10, 18h50, 21h10, 23h30
(V.Port./3D); ZON Lusomundo CascaiShopping: 5ª
6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h30, 16h10, 18h40,
21h30, 23h50 (V.Port./3D); ZON Lusomundo
CascaiShopping: 5ª 6ª Sábado 2ª 3ª 4ª 12h50,
15h10, 17h25, 19h40, 22h, 00h15 (V.Port./3D)
Domingo 11h, 12h50, 15h10, 17h25, 19h40, 22h, 00h15
(V.Port./3D); ZON Lusomundo Colombo: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 12h45, 15h15, 17h35,
21h50, 00h10 (3D); ZON Lusomundo Colombo: 5ª 6ª
Sábado 2ª 3ª 4ª 13h30, 16h, 18h20, 21h10, 23h30 (V.
Port./3D) Domingo 11h, 13h30, 16h, 18h20, 21h10,
23h30 (V.Port./3D); ZON Lusomundo Dolce Vita
Miraflores: 5ª 6ª Sábado 2ª 3ª 4ª 15h30, 17h40,
19h50, 22h, 00h10 (V.Port./3D) Domingo 11h, 15h30,
17h40, 19h50, 22h, 00h10 (V.Port./3D); ZON
Lusomundo Odivelas Parque: 5ª 2ª 3ª 4ª 13h,
13h30, 15h, 16h, 17h15, 18h10, 19h30, 21h, 21h40, 24h
(V.Port./3D) 6ª 13h, 13h30, 15h, 16h, 17h15, 18h10,
19h30, 21h, 21h40, 23h30(V.Port./3D) Sábado 11h,
13h, 13h30, 15h, 16h, 17h15, 18h10, 19h30, 21h, 21h40,
23h30(V.Port./3D) Domingo 11h, 13h, 13h30, 15h, 16h,
17h15, 18h10, 19h30, 21h, 21h40 (V.Port./3D); ZON
Lusomundo Oeiras Parque: 5ª 6ª Sábado 2ª 3ª 4ª
13h, 15h10, 17h30, 19h50, 22h10 (V.Port./3D) Domingo
10h45, 13h, 15h10, 17h30, 19h50, 22h10 (V.
Port./3D); ZON Lusomundo Oeiras Parque: 5ª 6ª
Sábado 2ª 3ª 4ª 14h, 16h20, 18h40, 21h15, 23h40 (V.
Port./3D) Domingo 11h15, 14h, 16h20, 18h40, 21h15,
23h40 (V.Port./3D); ZON Lusomundo Torres Vedras:
5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h15, 15h30, 18h,
21h, 23h20 (V.Port./3D); ZON Lusomundo Torres
Vedras: 5ª 6ª Sábado 2ª 3ª 4ª 13h45, 16h15, 18h45,
21h45, 00h05 (V.Port./3D) Domingo 11h, 13h45, 16h15,
18h45, 21h45, 00h05 (V.Port./3D); ZON Lusomundo
Vasco da Gama: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
13h30, 16h, 18h50, 21h10, 23h50 (3D); ZON
Lusomundo Vasco da Gama: 5ª 6ª 2ª 3ª 4ª 13h10,
15h25, 17h35, 19h45, 21h50, 24h (V.Port./3D) Sábado
Domingo 11h, 13h10, 15h25, 17h35, 19h45, 21h50, 24h
(V.Port./3D); Auditório Charlot: Sala 1: 5ª 6ª 2ª 3ª
4ª 21h30 (V.Port.) Sábado Domingo 16h, 21h30 (V.
Port.); Castello Lopes - C. C. Jumbo: Sala 1: 5ª
Domingo 2ª 3ª 4ª 13h, 15h10, 17h20, 19h30, 21h40
(V.Port./3D) 6ª Sábado 13h, 15h10, 17h20, 19h30,
21h40, 23h50 (V.Port./3D); Castello Lopes - Fórum
Barreiro: Sala 1: 5ª Domingo 2ª 3ª 4ª 12h50, 15h10,
17h20, 19h30, 21h40 (V.Port./3D) 6ª Sábado 12h50,
15h10, 17h20, 19h30, 21h40, 23h40 (V.
Port./3D); Castello Lopes - Rio Sul Shopping: Sala 4:
5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h, 15h10, 17h20,
19h20, 21h20, 24h (V.Port./3D); UCI Freeport: Sala 1:
5ª 2ª 3ª 4ª 15h30, 18h10, 21h10 (V.Port.) 6ª 15h30,
18h10, 21h10, 23h15 (V.Port.) Sábado 13h15, 15h30,
18h10, 21h10, 23h15 (V.Port.) Domingo 13h15, 15h30,
18h10, 21h10 (V.Port.); ZON Lusomundo Almada
Fórum: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 12h55,
15h05, 17h15, 19h20, 21h50, 00h15 (3D); ZON
Lusomundo Almada Fórum: 5ª 6ª Sábado 2ª 3ª
4ª 13h05, 15h15, 17h25, 19h35, 21h40, 23h55 (V.Port.)
Domingo 11h, 13h05, 15h15, 17h25, 19h35, 21h40,
23h55 (V.Port.); ZON Lusomundo Almada Fórum: 5ª
6ª Sábado 2ª 3ª 4ª 13h25, 15h40, 18h15, 21h, 23h25
(V.Port./3D) Domingo 11h, 13h25,
15h40, 18h15, 21h,
23h25
(V.Port./3D); ZON Lusomundo Fórum Montijo: 5ª 6ª
Sábado 2ª 3ª 4ª 13h, 13h30, 15h30, 17h, 18h30,
19h20, 21h, 21h40, 23h30, 00h10 (V.Port./3D)
Domingo 10h30, 11h, 13h, 13h30, 15h30, 17h, 18h30,
19h20, 21h, 21h40, 23h30, 00h10 (V.Port./3D);
Porto: Arrábida 20: Sala 1: 5ª 6ª Sábado Domingo
2ª 3ª 4ª 14h, 16h25, 18h50, 21h20, 24h (V.
Port./3D); Arrábida 20: Sala 20: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 14h15, 16h50, 22h15, 00h45 (V.
Port./3D) 3ª 4ª 16h50, 22h15, 00h45 (V.
Port./3D); Arrábida 20: Sala 15: 5ª 6ª 2ª 3ª 14h30,
17h, 19h (V.Port./3D), 22h, 00h25 Sábado Domingo
4ª 14h30 (V.Port./3D), 22h, 00h25; Cinemax -
Penafiel: Sala 1: 5ª 2ª 3ª 4ª 15h30, 21h50 (V.Port.)
6ª 15h30, 21h50, 23h50 (V.Port.) Sábado 15h, 17h30,
21h50, 23h50 (V.Port.) Domingo 15h, 17h30, 21h50
(V.Port.); Nun`Álvares: Sala 1: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 14h30, 16h30, 19h30; Vivacine -
Maia: Sala 1: 5ª 6ª Sábado 2ª 3ª 4ª 13h40, 16h10,
18h30, 21h20, 23h40 (V.Port./3D) Domingo 11h10,
13h40, 16h10, 18h30, 21h20, 23h40 (V.
Port./3D); ZON Lusomundo Dolce Vita Porto: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h30, 16h, 18h30,
21h20, 23h50 (V.Port./3D); ZON Lusomundo Dolce
Vita Porto: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 14h,
16h30, 19h, 21h50, 00h10 (V.Port./3D); ZON
Lusomundo Ferrara Plaza: 5ª Domingo 2ª 3ª 4ª
15h, 17h20, 19h40, 22h (V.Port./3D) 6ª Sábado 15h,
17h20, 19h40, 22h, 00h20 (V.Port./3D); ZON
Lusomundo Ferrara Plaza: 5ª Domingo 2ª 3ª 4ª
15h50, 18h10, 21h20 (V.Port./3D) 6ª Sábado 15h50,
18h10, 21h20, 23h50 (V.Port./3D); ZON Lusomundo
GaiaShopping: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
12h50, 13h20, 15h, 15h50, 17h20, 18h20, 19h40, 21h,
21h50, 23h30, 24h (V.Port./3D); ZON Lusomundo
MaiaShopping: 5ª 3ª 4ª 13h15, 16h, 18h30, 21h15
(V.Port./3D) 6ª Sábado 13h15, 16h, 18h30, 21h15,
23h45 (V.Port./3D) Domingo 10h45, 13h15, 16h,
18h30, 21h15, 23h45 (V.Port./3D) 2ª 10h45, 13h15,
16h, 18h30, 21h15 (V.Port./3D); ZON Lusomundo
MaiaShopping: 5ª 3ª 4ª 14h, 16h45, 19h15, 22h (V.
Port./3D) 6ª Sábado 14h, 16h45, 19h15, 22h, 00h30
(V.Port./3D) Domingo 11h15, 14h, 16h45, 19h15, 22h,
00h30 (V.Port./3D) 2ª 11h15, 14h, 16h45, 19h15, 22h
(V.Port./3D); ZON Lusomundo Marshopping: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h10, 15h30, 17h50,
20h10, 22h30, 00h40 (3D); ZON Lusomundo
Marshopping: 5ª 6ª Sábado 2ª 3ª 4ª 13h40,
16h10, 18h50, 21h30, 24h (V.Port./3D) Domingo 11h,
13h40, 16h10, 18h50, 21h30, 24h (V.Port./3D); ZON
Lusomundo NorteShopping: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 10h20, 12h30, 14h50, 17h20,
19h50, 22h10, 00h30 (V.Port./3D); ZON Lusomundo
NorteShopping: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
13h30, 16h, 18h30, 21h30, 24h (V.Port./3D); ZON
Lusomundo Parque Nascente: 5ª 6ª Sábado 2ª 3ª
4ª 12h40, 15h, 17h30, 19h50, 22h, 00h25 (V.
Port./3D) Domingo 10h50, 12h40, 15h, 17h30, 19h50,
22h, 00h25 (V.Port./3D); ZON Lusomundo Parque
Nascente: 5ª 6ª Sábado 2ª 3ª 4ª 13h, 15h20, 18h,
21h10, 23h40 (V.Port./3D) Domingo 10h30, 13h,
15h20, 18h, 21h10, 23h40 (V.Port./3D); ZON
Lusomundo Parque Nascente: 5ª 6ª Sábado 2ª 3ª
4ª 13h30, 15h50, 18h30, 21h40, 00h10 (V.Port./3D)
Domingo 11h, 13h30, 15h50, 18h30, 21h40, 00h10
(V.Port./3D); Castello Lopes - 8ª Avenida: Sala 1: 5ª
Domingo 2ª 3ª 4ª
12h45, 15h,
17h10,
19h20, 21h20 (V.
Port./3D) 6ª Sábado 12h45,
15h, 17h10, 19h20, 21h20, 23h40
(V.Port./3D); ZON Lusomundo Fórum
Aveiro: 5ª 2ª 3ª 4ª 13h30, 16h05, 18h40, 21h10 (V.
Port./3D) 6ª Sábado 13h30, 16h05, 18h40, 21h10,
23h50 (V.Port./3D) Domingo 10h30, 13h30, 16h05,
18h40, 21h10 (V.Port./3D); ZON Lusomundo Fórum
Aveiro: 5ª 2ª 3ª 4ª 14h15, 16h50, 19h25, 22h (V.
Port./3D) 6ª Sábado 14h15, 16h50, 19h25, 22h,
00h35 (V.Port./3D) Domingo 11h, 14h15, 16h50,
19h25, 22h (V.Port./3D); ZON Lusomundo Glicínias:
5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h45, 16h20,
18h55, 21h30, 00h05 (V.Port./3D); ZON Lusomundo
Glicínias: 5ª 6ª Sábado 2ª 3ª 4ª 14h20, 16h55,
19h30, 22h, 00h35 (V.Port./3D) Domingo 11h, 14h20,
16h55, 19h30, 22h, 00h35 (V.Port./3D);
As expectativas não eram grandes
para a quarta (e, anuncia-se
definitivamente, última) aventura do
ogre verde, depois do capital
realizado com o primeiro filme ter
sido desperdiçado progressivamente
mais com “Shrek 2” (2004) e “Shrek,
o Terceiro” (2007). É, precisamente,
por isso que “Shrek para Sempre!” é
uma pequena surpresa. Sem estar à
altura da estreia (ainda a melhor
longa saída até hoje da Dreamworks
Animation), este quarto episódio — o
primeiro a escapar ao controle dos
criativos do filme original — sobe o
nível abandonando a tendência para
resumir tudo a gagues de “sitcom” e,
literalmente, “reescrevendo a
história” do filme original.
Numa pirueta de argumento que
remete para o clássico de Frank
Capra “Do Céu Caiu uma Estrela”
(1946), o filme coloca um Shrek em
crise de meia-idade a viver num
Reino de Bué Bué Longe alternativo
onde nunca chegou a nascer, o
pérfido Rumpelstilzschen usurpou o
trono e Fiona lidera a resistência ao
tirano — forçando o ogre a
reconquistar a amada que não sabe
quem ele é para anular o feitiço e
repor tudo no devido lugar.
Exalando um peculiar aroma de
melancolia que o torna no mais
adulto dos quatro filmes, “Shrek Para
Sempre!” não resolve o problema
central das sequelas — o que começou
como uma desmontagem subversiva
dos contos de fadas acomodou-se nos
próprios lugares-comuns de que fazia
troça — mas pelo
menos tem
consciência dele,
ao usá-lo como
ponto de partida
para uma última
aventura que fornece
um final digno para a
série.
Continuam
A Teta Assustada
La Teta Asustada
De Claudia Llosa
com Magaly Solier, Susi
Sánchez, Efraín Solís. M/12
MMNNN
Lisboa: UCI Cinemas - El Corte
Inglés: Sala 8: 5ª 6ª Sábado 2ª 3ª 4ª
14h15, 16h30, 19h, 21h35, 24h Domingo
11h30, 14h15, 16h30, 19h, 21h35, 24h
Goste-se mais ou menos do
resultado final, não pode
Estreiam
Final digno
para uma
série
“Shrek Para Sempre!” exala
uma melancolia que o torna
no mais adulto dos quatro
filmes. Jorge Mourinha
Shrek Para Sempre
Shrek Forever After
De Mike Mitchell
com Mike Myers (Voz), Eddie Murphy
(Voz), Cameron Diaz (Voz), Antonio
Banderas (Voz). M/6
MMMNN
Lisboa: Castello Lopes - Cascais Villa: Sala 5: 5ª 2ª
3ª 4ª 14h50, 17h, 19h10, 21h10 (V.Port.) 6ª 14h50,
17h, 19h10, 21h10, 23h40 (V.Port.) Sábado 12h40,
14h50, 17h, 19h10, 21h10, 23h40 (V.Port.) Domingo
12h40, 14h50, 17h, 19h10, 21h10 (V.Port.); Castello
Lopes - Londres: Sala 1: 5ª Domingo 2ª 3ª 4ª 14h,
16h30, 19h, 21h30 (V.Port./3D) 6ª Sábado 14h, 16h30,
19h, 21h30, 24h (V.Port./3D); Castello Lopes - Loures
Shopping: Sala 1: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
13h, 15h, 17h, 19h, 21h, 23h30 (V.Port.); Castello Lopes
- Loures Shopping: Sala 5: 5ª 6ª Sábado Domingo
2ª 3ª 4ª 13h15, 15h20, 17h25, 19h30, 21h35, 24h (V.
Port./3D); CinemaCity Alegro Alfragide: Sala 3: 5ª
6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 15h45 (V.
Port./3D); CinemaCity Alegro Alfragide: Sala 4: 5ª
6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 21h30,
23h40; CinemaCity Alegro Alfragide: Sala 2: 5ª 6ª
2ª 3ª 4ª 13h35, 15h30, 17h30, 19h30, 21h55, 24h (V.
Port./3D) Sábado Domingo 11h40, 13h35, 15h30,
17h30, 19h30, 21h55, 24h (V.Port./3D); CinemaCity
Beloura Shopping: Sala 2: 5ª 6ª 2ª 3ª 4ª 13h40,
15h35, 17h30, 19h30, 21h50, 23h55 (V.Port./3D)
Domingo 11h30, 13h40, 15h35, 17h30, 19h30, 21h50,
23h55 (V.Port./3D); CinemaCity Campo Pequeno
Praça de Touros: Sala 6: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª
3ª 4ª 16h (V.Port./3D); CinemaCity Campo Pequeno
Praça de Touros: Sala 3: 5ª 6ª 2ª 3ª 4ª 13h45,
15h45, 17h40, 19h35, 21h35, 24h (V.Port.) Sábado
Domingo 11h35, 13h45, 15h45, 17h40, 19h35, 21h35,
24h (V.Port.); Medeia Fonte Nova: Sala 1: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 14h20, 16h15, 18h10,
20h05, 22h (V.Port.); Medeia Monumental: Sala 4 -
Cine Teatro: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 14h,
16h, 18h, 20h, 22h, 00h30 (3D); UCI Cinemas - El
Corte Inglés: Sala 12: 5ª 6ª Sábado 2ª 3ª 4ª 14h05,
16h15, 18h40, 21h30, 23h50 (V.Port./3D) Domingo
11h30, 14h05, 16h15, 18h40, 21h30, 23h50 (V.
Port./3D); UCI Cinemas - El Corte Inglés: Sala 9: 5ª
6ª Sábado 2ª 3ª 4ª 14h10, 16h30, 18h55,
21h45, 00h10 (3D) Domingo 11h30, 14h10,
16h30, 18h55, 21h45, 00h10 (3D); UCI
Dolce Vita Tejo: Sala 2: 5ª 2ª 3ª 4ª
13h45, 16h, 18h15, 21h15 (V.Port./3D)
6ª Sábado 13h45, 16h, 18h15,
21h15, 23h30
(V.Port./3D)
Domingo
11h30, 13h45,
16h, 18h15,
21h15
(V.Port./3D); UCI
Dolce Vita Tejo: Sala 3: 5ª
2ª 3ª 4ª 14h, 16h15,
18h45, 21h50 (3D) 6ª
Sábado 14h, 16h15, 18h45,
21h50, 00h10 (3D)
Domingo 11h30, 14h,
16h15, 18h45, 21h50
(3D); ZON Lusomundo
Alvaláxia: 5ª 6ª Sábado 2ª
3ª 4ª 13h50, 16h, 18h10, 21h,
23h50 (V.Port./3D) Domingo
11h15, 13h50, 16h, 18h10, 21h,
23h50 (V.Port./3D); ZON
Lusomundo Alvaláxia: 5ª
6ª 2ª 4ª 13h20, 14h10,
15h30, 16h30, 17h40,
18h40, 19h50, 21h20,
22h, 23h30, 00h10
(V.Port./3D)
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
15h05, 17h15, 19h20, 21h50, 00h15 (3D); ZON
Lusomundo Almada Fórum: 5ª 6ª Sábado 2ª 3ª
4ª 13h05, 15h15, 17h25, 19h35, 21h40, 23h55 (V.Port.)
Domingo 11h, 13h05, 15h15, 17h25, 19h35, 21h40,
23h55 (V.Port.); ZON Lusomundo Almada Fórum: 5ª
6ª Sábado 2ª 3ª 4ª 13h25, 15h40, 18h15, 21h, 23h25
(V.Port./3D) Domingo 11h, 13h25,
15h40, 18h15, 21h,
23h25
(V.Port./3D); Castello Lopes - 8ª Avenida: Sala 1: 5ª
Domingo 2ª 3ª 4ª
12h45, 15h,
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Fórum
dos contos de fadas acomodoupróprios
lugares-comuns de qu
troça — mas pel
menos tem
consciência
ao usá-lo co
ponto de par
para uma últim
aventura que for
um final digno p
série.
Continuam
A Teta Assustada
La Teta Asustada
De Claudia Llosa
com Magaly Solier, Su
Sánchez, Efraín Solís
MMNNN
Lisboa: UCI Cinemas - El Corte
Inglés: Sala 8: 5ª 6ª Sábado 2
14h15, 16h30, 19h, 21h35, 24h D
11h30, 14h15, 16h30, 19h, 21h35
Goste-se mais ou men
resultado final, não p
Cine Teatro: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 14h,
16h, 18h, 20h, 22h, 00h30 (3D); UCI Cinemas - El
Corte Inglés: Sala 12: 5ª 6ª Sábado 2ª 3ª 4ª 14h05,
16h15, 18h40, 21h30, 23h50 (V.Port./3D) Domingo
11h30, 14h05, 16h15, 18h40, 21h30, 23h50 (V.
Port./3D); UCI Cinemas - El Corte Inglés: Sala 9: 5ª
6ª Sábado 2ª 3ª 4ª 14h10, 16h30, 18h55,
21h45, 00h10 (3D) Domingo 11h30, 14h10,
16h30, 18h55, 21h45, 00h10 (3D); UCI
Dolce Vita Tejo: Sala 2: 5ª 2ª 3ª 4ª
13h45, 16h, 18h15, 21h15 (V.Port./3D)
6ª Sábado 13h45, 16h, 18h15,
21h15, 23h30
(V.Port./3D)
Domingo
11h30, 13h45,
16h, 18h15,
21h15
(V.Port./3D); UCI
Dolce Vita Tejo: Sala 3: 5ª
2ª 3ª 4ª 14h, 16h15,
18h45, 21h50 (3D) 6ª
Sábado 14h, 16h15, 18h45,
21h50, 00h10 (3D)
Domingo 11h30, 14h,
16h15, 18h45, 21h50
(3D); ZON Lusomundo
Alvaláxia: 5ª 6ª Sábado 2ª
3ª 4ª 13h50, 16h, 18h10, 21h,
23h50 (V.Port./3D) Domingo
11h15, 13h50, 16h, 18h10, 21h,
23h50 (V.Port./3D); ZON
Lusomundo Alvaláxia: 5ª
6ª 2ª 4ª 13h20, 14h10,
15h30, 16h30, 17h40,
18h40, 19h50, 21h20,
22h, 23h30, 00h10
(V.Port./3D)
“Shrek Para Sempre”: não estando ao nível do filme original,
também não resume tudo a gagues de “sitcom”
série ípsilon II
Todas as sextas,
por €1,95. 20
anos
+8 DVD
Sexta-feira,
dia 16 de Julho,
o DVD “Shattered
Glass”, de Billy Ray

As estrelas do público
Jorge
Mourinha
Luís M.
Oliveira
Mário
J. Torres
Vasco
Câmara
Atraídos pelo Crime mnnnn nnnnn mmnnn nnnnn
Duas Mulheres mmnnn nnnnn mmmnn nnnnn
Eu Sou o Amor mmmmm mnnnn mmmmn mnnnn
Louise-Michel mmmnn nnnnn mmnnn nnnnn
Partir mmnnn nnnnn nnnnn nnnnn
Shirin mmmmn mmmmn mmmmn mmmmm
Shrek Para Sempre! mmmnn nnnnn nnnnn nnnnn
A Teta Assustada mmmmn mmnnn mmnnn nnnnn
Whisky mmmnn nnnnn mmmnn nnnnn
Cinemateca Portuguesa R. Barata Salgueiro, 39 Lisboa. Tel. 213596200
E.T.
Sexta, 09
Difamação
Notorious
De Alfred Hitchcock
15h30 - Sala Félix Ribeiro
Os Dias da Rádio
Radio Days
De Woody Allen
19h - Sala Félix Ribeiro
The Doctor’’s Dream + Perfect
Film + Urban Peasants + Looting
For Rodney
De Ken Jacobs
19h30 - Sala Luís de Pina
Homecoming
De Jon Jost
22h - Sala Luís de Pina
Desesperadamente Procurando
Susana
Desperately Seeking Susan
De Susan Seidelman
22h30 - Esplanada
Sábado, 10
Uma Noite na Ópera
A Night at the Opera
De Sam Wood
15h - Salão Foz
Um Criminoso à Solta
The Killer Is Loose
De Budd Boetticher
15h30 - Sala Félix Ribeiro
Pessoal
Personel
De Krzysztof Kieslowski
19h - Sala Félix Ribeiro
Luís II, Rei da Baviera
Ludwig der Zweite, König in
Bayern
De Wilhelm Dieterle
19h30 - Sala Luís de Pina
Acto da Primavera
De Manoel de Oliveira
21h30 - Sala Luís de Pina
Selvagem e Perigosa
Something Wild
De Jonathan Demme
22h30 - Esplanada
Segunda, 12
Sublime Abnegação
Sister Kenny
De Dudley Nichols
15h30 - Sala Félix Ribeiro
A Escada de Caracol
The Spiral Staircase
De Robert Siodmak
19h - Sala Félix Ribeiro
7 curtas de Ken Jacobs
De Ken Jacobs
19h30 - Sala Luís de Pina
Mulleres da Raia
De Diana Gonçalves
21h30 - Sala Félix Ribeiro
Numéro Deux
De Jean-Luc Godard
22h - Sala Luís de Pina
Terça, 13
Entre Nuvens
Ceiling Zero
De Howard Hawks
15h30 - Sala Félix Ribeiro
Há Lodo no Cais
On the Waterfront
De Elia Kazan
19h - Sala Félix Ribeiro
Coitado do Jorge
De Jorge Silva Melo
19h30 - Sala Luís de Pina
O Acontecimento
The Happening
De M. Night Shyamalan
21h30 - Sala Félix Ribeiro
A Cidade de Cassiano + O
Trabalho Liberta? + Cine-Diários
De Edgar Pêra
22h - Sala Luís de Pina
Quarta, 14
Um Certo Rapaz
A Guy Named Joe
De Victor Fleming
15h30 - Sala Félix Ribeiro
Volta Jimmy Dean, Volta Para
Nós
Come Back to the Five and Dime,
Jimmy Dean, Jimmy Dean
De Robert Altman
19h - Sala Félix Ribeiro
Star Spangled to Death
De Ken Jacobs
19h30 (parte 1 e 2) - Sala Luís de Pina
Million Dollar Baby - Sonhos
Vencidos
Million Dollar Baby
De Clint Eastwood
21h30 - Sala Félix Ribeiro
Quinta, 15
O Mundo é Um Manicómio
Arsenic and Old Lace
De Frank Capra
15h30 - Sala Félix Ribeiro
O Lutador da Rua
Hard Times
De Walter Hill
19h - Sala Félix Ribeiro
Star Spangled to Death
De Ken Jacobs
19h30 (parte 3 e 4) - Sala Luís de Pina
E.T. O Extraterrestre
E.T. the Extra-Terrestrial
De Steven Spielberg
22h30 - Esplanada
deixar de se respeitar a coerência
formal e o bom gosto representativo
de “A Teta Assustada”, fábula
complexa de uma jovem peruana
que lida com a morte, com as suas
próprias raízes e com as implicações
políticas da existência, num mundo
em que a diferença constitui
estigma. O problema maior (nosso,
com certeza) passa pela fórmula
adoptada de uma espécie de
“realismo mágico”, praga literária
que se estende não poucas vezes ao
cinema, determinando uma visão
algo folclórica do real, com uma
ritualização que se esgota nas suas
componentes. Dito isto há
momentos inesquecíveis, como a
função da língua quechua na lógica
poética das canções do filme ou os
planos orgiásticos de casamentos ou
ainda actos quotidianos mínimos,
Co-produção
Estrutura financiada por
Patrocinadores
O problema maior do peruano
“A Teta Assustada” passa pela
adopção de uma espécie de
“realismo mágico”
desde as deambulações da
protagonista pela casa quase
assombrada até à subida das
intermináveis escadas para o bairro,
a lembrar imaginários templos. Só
que é tudo demasiado artificioso
para servir a magia de um programa
(apetecia dizer cartilha) préexistente.
M.J.T.
Whisky
De Juan Pablo Rebella, Pablo Stoll
com Andrés Pazos, Mirella Pascual,
Jorge Bolani. M/12
MMMNN
Lisboa: Medeia King: Sala 2: 5ª Domingo 3ª 4ª
13h45, 15h45, 17h45, 19h45, 21h45 6ª Sábado 2ª
13h45, 15h45, 17h45, 19h45, 21h45, 00h15
“Whisky” aposta numa secura quase
geométrica, num humor negro que
TEXTOS E MÚSICA DOS SÉCULOS XV E XVI
Dramaturgia e direcção: Ana Zamora; Arranjos e direcção musical: Alicia
Lázaro; Figurinos: Deborah Macías; Cenário: David Faraco e Almudena
Bautista; Desenho de luz: Miguel Ángel Camacho e Pedro Yagüe; Coreografia:
Javier García Ávila; Assessor de Verso: Vicente Fuentes
Interpretação: Luis Miguel Cintra, Sofia Marques e Elena Rayos
Interpretação musical: Eva Jornet, Juan Ramón Lara e Isabel Zamora
De 6 a 13 de JULHO TEATRO DO BAIRRO ALTO De 2ª a Sábado às 21.30h. Domingo às 17.00h
R.Tenente Raul Cascais, 1A. 1250 Lisboa Tel: 213961515
http://www.teatro-cornucopia.pt M/12
Colaboradores
Ípsilon • Sexta-feira 9 Julho 2010 • 43

Cinema
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
“Whisky”: um filme simples, solitário, sem tempo nem espaço,
que vive do trabalho meticuloso de não-actores e de uma
concepção artesanal
“Shirin”, de Abbas Kiarostami
incomoda e desestabiliza, fazendo
dos silêncios e do fechamento
claustrofóbico a chave para entender
o pequeno labirinto ficcional que se
vai gizando sem quaisquer alardes,
nem cedências. É um filme simples,
solitário, sem tempo nem espaço,
que vive do trabalho meticuloso de
não-actores e de uma concepção
artesanal que lembra alguns dos
monumentos do neo-realismo
italiano, embora sem qualquer
preocupação de citar ou de
homenagear. O peso da memória
sente-se nas referências à infância
longínqua, com uma contenção que
comove, de tão primordial, e com
personagens sem grandezas míticas,
antes preferindo o escoar mínimo
do tempo pelos rostos e pelas
casas.M.J.T.
Louise-Michel
De Gustave de Kervern, Benoît
Delépine
com Mathieu Kassovitz, Yolande
Moreau, Bouli Lanners. M/16
MMMNN
Lisboa: Medeia Saldanha Residence: Sala 7: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h30, 15h40, 17h40,
19h40,21h40, 00h10
Porto: Arrábida 20: Sala 19: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 13h50, 16h25, 21h40, 00h10 3ª 4ª
16h25, 21h40, 00h10
Por trás da aparência de comédia
absurdista e tópica sobre
empregados ressabiados que
decidem eliminar o patrão que os
despediu, está uma comédia satírica
negra, surrealista e política, que não
hesita em fazer humor com tópicos
supostamente tabu e não pára nas
fronteiras que para a maior parte da
concorrência estão fora de alcance.
É um filme que faz humor com
doentes terminais, o tráfico humano
“Louise-Michel” faz humor com coisas sérias
e o 11 de Setembro, que está sempre
paredes-meias com o mau gosto e
não tem problemas em estar rés-vés-
Campo-de-Ourique com o ofensivo
— mas que se salva sempre com uma
pirueta “in extremis” resultante da
entrega dos seus actores ou do risco
estilístico de Benoît Delépine e
Gustave Kervern rodarem todo o
filme em Tatiescos planos fixos
dentro dos quais são os actores e os
diálogos que constroem toda a
acção.
Percebe-se rapidamente que não
há nunca nada de gratuito nem de
cínico em “Louise-Michel” (e seria
tão fácil), apenas uma maneira
claramente descentrada de fazer
humor com coisas muito sérias e de
deixar a gargalhada desaparecer
restando um travo amargo quando
percebemos que não nos estamos a
rir de dois candidatos a assassinos
desastrados, mas sim de uma
situação económica que condena as
pessoas a fazerem coisas que nunca
teriam pensado. J. M.
Shirin
De Abbas Kiarostami
com Rana Azadivar, Vishka Asayesh,
Darya Ashouri, Pegah Ahangarani,
Shiva Ebrahimi, Niloofar Adibpour,
Khatareh Asadi , Juliette Binoche.M/12
MMMMN
Lisboa: UCI Cinemas - El Corte Inglés: Sala 6: 5ª 6ª
Sábado 2ª 3ª 14h, 16h30, 19h, 21h45, 24h Domingo
11h30, 14h, 16h30, 19h, 21h45, 24h 4ª 14h, 16h30,
19h, 24h;
Porto: Nun`Álvares: Sala 1: 5ª 6ª Sábado Domingo
2ª 3ª 4ª 21h30;
Desde há muito que o universo do
iraniano Abbas Kiarostami se rarefez
num formalismo quase maníaco que
elide personagens e fragmenta
qualquer linha narrativa
“Atraídos pelo Crime”
destrinçável: em “Shirin”, a
“história” está lá, mas aparece
mediada por um aparato autoreflexivo
que faz do cinema, da
projecção, do ecrã invisível, o ponto
de partida e de chegada. Entende-se
que a audácia da experiência (rostos
sucessivos que desfazem a hipótese
da aparente reportagem) crie
problemas a quem continue a
privilegiar uma arte narrativa linear.
Entende-se até quem defenda que se
trata mais de um objecto plástico,
por vezes próximo da instalação, do
que de um filme no sentido
tradicional do termo. O que está fora
de questão é o seu rigor, a sua beleza
algo perversa, a inteligência de uma
intervenção pensada sobre o mundo
das imagens e sobre as suas
contradições ou ambiguidades. Não
é o cinema que nos entusiasma, mas
que nos interroga. E não é pouco…
Mário Jorge Torres
Atraídos pelo Crime
Brooklyn’s Finest
De Antoine Fuqua,
com Richard Gere, Ethan Hawke, Don
Cheadle, Wesley Snipes. M/16
MMNNN
Lisboa: Castello Lopes - Loures Shopping: Sala 4: 5ª
6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 12h50, 15h35, 18h20,
21h05, 23h50; Medeia Monumental: Sala 2: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h30, 16h20, 18h55,
21h30, 24h; UCI Dolce Vita Tejo: Sala 1: 5ª Domingo
2ª 3ª 4ª 15h15, 18h15, 21h30 6ª Sábado 15h15,
18h15, 21h30, 00h30; ZON Lusomundo Alvaláxia:
5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h35, 16h40,
21h20, 00h15; ZON Lusomundo Amoreiras: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 12h50, 15h40, 18h40,
21h30, 00h20; ZON Lusomundo CascaiShopping:
5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 12h45, 15h30,
18h20, 21h10, 24h; ZON Lusomundo Colombo: 5ª
6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 12h40, 15h40, 18h35,
21h35, 00h30; ZON Lusomundo Dolce Vita
Miraflores: 5ª Domingo 2ª 3ª 4ª 15h10, 18h10,
21h10 6ª Sábado 15h10, 18h10, 21h10, 00h10; ZON
Lusomundo Oeiras Parque: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 12h50, 15h45, 18h35, 21h40,
00h25; ZON Lusomundo Vasco da Gama: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 15h35, 18h25, 21h20,
00h10; Castello Lopes - Rio Sul Shopping: Sala 2: 5ª
6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h10, 15h50, 18h40,
21h30, 00h15; ZON Lusomundo Almada Fórum: 5ª
6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h15, 17h, 20h50,
23h50; ZON Lusomundo Fórum Montijo: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 15h15, 18h, 21h10, 24h;
Porto: Arrábida 20: Sala 13: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 15h10, 18h15, 21h30, 00h35; ZON
Lusomundo Dolce Vita Porto: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 13h40, 16h50, 21h10, 24h; ZON
Lusomundo Marshopping: 5ª 6ª Sábado Domingo
2ª 3ª 4ª 13h30, 16h30, 20h, 23h; ZON Lusomundo
Parque Nascente: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª
4ª 13h20, 16h20, 21h, 24h; ZON Lusomundo
Glicínias: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 16h40,
19h50, 23h;
Nova Iorque tem abundantes
imagens cinematográficas que
recriam uma cidade outra, que
nunca existiu. “Atraídos pelo Crime”
dá-nos a ver uma metrópole nos
antípodas da Manhattan de Woody
Allen, feia, viscosa, violenta e sem
remissão possível. Sem que tal
constitua novidade de maior (nem
precisávamos de recorrer aos
abismos de “Taxi Driver”), o filme
de Antoine Fuqua evidencia uma
certa força, feita de estereótipos (a
doença, a injustiça social, o crime
sem razão) e terá no trabalho dos
actores (Richard Gere e Ethan
Hawke) a sua justificação mais
relevante. Não se espere, no
entanto, deste exercício mecânico
de metafórica tensão, mais do que
ele quer dar, fechado nos seus
limites de “fita de pequenos
gangsters” urbanos. M.J.T.
44 • Sexta-feira 9 Julho 2010 • Ípsilon

ARENA
Carla Filipe | João Tengarrinha | Paulo Brighenti
Curadoria: Filipa Oliveira
Exposição: 7 de Julho até 16 de Outubro de 2010
Horário: de quarta-feira a sábado, das 15h às 20h
Por ocasião da exposição será publicado um catálogo, co-edição fcc / assírio & alvim
Ciclo de conversas:
Filipa Oliveira – dia 25 de Setembro (sábado) às 17h00
José Carlos Pereira – dia 2 de Outubro (sábado) às 17h00
George Stolz – dia 16 de Outubro (sábado) às 17h00
fundação carmona e costa
Edifício Soeiro Pereira Gomes (antigo Edifício da Bolsa Nova de Lisboa)
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(Bairro do Rego / Bairro Santos)
Tel. 217 803 003 / 4
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Metro: Sete Rios / Praça de Espanha / Cidade Universitária
Autocarro: 31
SÃO
LUIZ
JUL~1O
© Isabel Pinto
o são luiz
no festival
de almada
9, 1O, 16 E 17 JUL
ALDINA
DUARTE
POR OLGA RORIZ
SEXTA E SÁBADO ÀS 21H00
SALA PRINCIPAL M/3
WWW.TEATROSAOLUIZ.PT
SÃO LUIZ TEATRO MUNICIPAL
RUA ANTÓNIO MARIA CARDOSO, 38; 1200-027 LISBOA
GERAL@TEATROSAOLUIZ.PT / T: 213 257 640
BILHETEIRA DAS 13H ÀS 20H
T: 213 257 650; BILHETEIRA@TEATROSAOLUIZ.PT
BILHETES À VENDA NA TICKETLINE E NOS LOCAIS HABITUAIS

Livros
“O Original de Laura”, publicado
agora em português, é o texto
que Nabokov redigiu nos
últimos dois ou três anos da sua
vida
Ficção
O rascunho
Nabokov ordenou à sua
viúva que destruísse o
manuscrito de “O Original
de Laura”. Em vez disso, ela
guardou-o num banco suíço.
Gustavo Rubim
O Original de Laura
Vladimir Nabokov
Tradução Telma Costa
Teorema
mmmmn
O que há de mais
precioso neste livro
é a parte
fotográfica.
Construído segundo
o modelo da edição
original norteamericana
(Novembro de
2009), o volume reproduz à
dimensão de meia página as fichas
de cartão onde Nabokov foi
escrevendo um texto que projectava
intitular “O Original de Laura”. Na
metade inferior das páginas vem a
tradução exclusivamente do
rascunho fotografado em cima,
frente ou verso de uma ficha, a
maior parte das vezes fazendo parte
ou de um capítulo numerado ou de
uma série com título (“Wild”,
“Dedos dos Pés”, “Aurora”, por
exemplo).
Trata-se, claro está, de uma
solução de compromisso. Editar um
rascunho, que o autor
expressamente ordenou que fosse
destruído caso não ficasse acabado à
hora da sua morte, obriga a estas
habilidades. O habilidoso, neste
caso, foi o filho de Vladimir (que
morreu em 1977): Dmitri Nabokov,
de quem se poderá dizer tudo
menos que não seja servidor
devotado da obra de seu pai. A
polémica à volta da publicação de
“O Original de Laura” apenas o
confirma.
Mas qual é então o interesse
destas fichas fac-similadas que
Vladimir Nabokov foi redigindo nos
últimos dois ou três anos da sua
vida?
Seguramente não o de revelar
uma obra inédita ou, como inculca a
badana, “o grande livro final” do
autor de “Lolita”. Não é também
claro que as 138 fichas
correspondam a um “romance em
fragmentos”, frágil classificação de
género que vem na capa da edição
Knopf e acertadamente desaparece
nas traduções francesa e
portuguesa. Afirmar pedantemente,
como fez Martin Amis num artigo
para o “Guardian”, que o texto é “de
imediato reconhecível como um
conto mais longo que luta para se
transformar numa novela” é só outra
maneira de fugir às evidências, ou
seja, àquilo que nas fichas aparece e
que na literatura é o mais difícil de
descrever: a própria escrita.
O melhor sinal dessa evidência da
escrita é uma folha quadriculada,
aqui posta na portada do livro e no
fim da série de fichas pautadas. Lêse
nela uma série vertical de sete
verbos ingleses que Telma Costa, a
tradutora, converte nos seguintes
verbos em português: “apagar,
erradicar, suprimir, anular, delir,
limpar, obliterar” (o primeiro é
“efface”). Não passa de uma lista de
sinónimos e no entanto olha-se para
ela como se equivalesse de algum
modo à ordem que Nabokov deu à
sua viúva, Vera: destruir o
manuscrito (em vez disso, ela
guardou-o num banco suíço).
Porque é o género de verbos (e de
atos) que se aplica muito bem ao que
se escreve. Mas também porque o
esqueleto de história que o rascunho
constrói tem a ver com a escrita de
um livro chamado “Laura”, que
tende a apagar-se ou a anular-se
perante o original da protagonista,
ou seja, uma mulher chamada
“Flora”.
Esta mulher, no entanto, desde as
primeiras linhas em que aparece,
tem tendência para se converter em
livro. Descrita numa cena de sexo,
diz o narrador: “Só identificando-a
com um não-escrito, meio escrito,
reescrito livro difícil se pode enfim
aspirar a conseguir o que as
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
descrições contemporâneas do coito
tão raramente transmitem (...)”.
Mais adiante, sabemos que Flora na
pré-adolescência ficava muitas vezes
sozinha em casa com um
“charmeur” chamado Hubert H.
Hubert e aí a conversão literária de
Flora em Lolita torna-se inevitável
apesar de todas as diferenças que
separam Humbert Humbert, herói e
narrador do romance de 1955, deste
“macho velho, meigo mas
malcheiroso e ‘afoito’”. O nome
produz os seus efeitos e o original de
“Laura” perde-se noutro livro (que
é, em grande parte, uma história de
origens perdidas).
Do que o rascunho dá documento
vivo é dessa característica alusiva e
entremeada da prosa de Nabokov no
processo de se compor. O que resta
do capítulo quatro narra a morte da
mãe de Flora, que no início é Mrs.
Lanskaya e no meio, dez linhas de
ficha abaixo, já é “‘Landskaya’ —
‘land’ e ‘sky’, terra e céu e o eco
melancólico do seu nome
dançante.”
Se há coisa que “O Original de
Laura” não é de certeza é o mero
esboço de uma história mais ou
menos sugestiva, que se deva avaliar
pela solidez do enredo ou pela
verosimilhança psicológica das
personagens, ainda que só
adivinhadas. Como sempre acontece
quando um texto dá acesso à escrita,
é da literatura que se trata nestas
linhas em que um livro está no
centro dos acontecimentos. São
linhas que falam do modo como na
escrita se desfaz aquilo que ela
mesma inventa: “O ‘Eu’ do livro é
um homem de letras neurótico e
hesitante, que destrói a sua amante
no acto de a retratar.”
Esse mesmo “eu” emprega-se
depois num processo de autoeliminação
que consiste em apagar
mentalmente, de baixo para cima, a
linha vertical do pronome pessoal
inglês “I”. Recomenda-se a atenta
leitura dessas páginas apenas
rascunhadas àqueles que tendem,
de modo quase maníaco, a não ler
nos textos senão o que julgam já
saber sobre quem os escreveu.
O casal
Publicado em 1987, “Morrem
Mais de Mágoa” é a autópsia
desse apurado exemplar que
é o homem refinadamente
educado no século XX.
Helena Vasconcelos
Morrem Mais de Mágoa
Saul Bellow
Tradução Lucília Filipe
Quetzal
mmmmm
Se Darwin tivesse lido Saul Bellow
CHRISTOPHER FELVER/CORBIS
Bellow, malabarista da palavra, conta
histórias com um mínimo de acção
e o máximo de referências filosóficas
e literárias
ficaria
provavelmente
intrigado com a
forma como o autor
de “Morrem Mais de
Mágoa”, romance
de 1987, se dedica a
autopsiar, mais uma
vez, esse apurado
exemplar que é o homem
refinadamente educado do século
XX. Desde os longínquos anos 40,
quando publicou “Dangling Man”,
que o grande escritor canadiano —
naturalizado americano — foi
analisando as crises de meia-idade
em homens judeus cultos e
sofisticados, a braços com paixões
contraditórias, casamentos
frustrados, divórcios complexos e
avanços alarmantes (mas
ansiosamente desejados) de
mulheres impetuosas e sensuais. Ao
revelar a fragilidade e os tormentos
por que passam intelectuais
aparentemente sólidos que, à
partida, se apresentam como
exemplos de um processo de
evolução civilizacional vitorioso e
bem sucedido, Bellow retrata a
frustração do “homem moderno”
confrontado com situações que já
não sabe controlar porque lhe
falham o instinto e a cautela
ancestrais.
Em “Morrem Mais de Mágoa” (o
título elegíaco contradiz o tom
cómico e picaresco da narrativa),
Bellow junta dois professores que,
de uma forma muito particular,
formam um par estreitamente unido
como mais tarde, em 2000,
acontecerá com Abe e Chick, os
doutos académicos do seu último
romance, “Ravelstein”. Aqui, a forte
relação, não isenta de atritos, entre
Kenneth Trachtenberg, o narrador
de 35 anos, assistente de Literatura
Russa numa remota Universidade do
Midwest, e o seu tio pelo lado
materno, Benn Crader, um
académico e botânico famoso que
46 • Sexta-feira 9 Julho 2010 • Ípsilon

Espaço
Público
Este espaço vai ser
seu. Que filme, peça de
teatro, livro, exposição,
disco, álbum, canção,
concerto, DVD viu e
gostou tanto que lhe
apeteceu escrever
sobre ele, concordando
ou não concordando
com o que escrevemos?
Envie-nos uma nota até
500 caracteres para
ipsilon@publico.pt. E
nós depois publicamos.
Sebastian Barry é um dos mais talentosos
autores de língua inglesa actuais
anda pela casa dos 50 e se
especializou em líquenes da
Antárctida, assemelha-se, na sua
essência, à de outros “casais”
exemplares como Dom Quixote e
Sancho Pança, Robinson Crusoé e
Sexta-Feira ou Sherlock Holmes e
Doutor Watson. Empenhados na
pesquisa — cada um à sua maneira —
das agruras nas relações humanas,
das angústias do erotismo e das
frustrações do amor, vêem-se a
braços com o dilema expresso na
seguinte frase: “Quando nos
metemos na vida quotidiana, somos
apanhados pelo pescoço mas se, por
outro lado, nos recusamos a entrar
nela, nunca perceberemos nada”
(pág. 356). Dito isto, Bellow cita
amplamente filósofos como
Alexandre Kojève, mentor do seu
amigo Allan Bloom e,
principalmente, Nicolai Fyodorov,
que é subtilmente satirizado pela
sua crença num processo
evolucionário em que o
desenvolvimento da inteligência
implicaria um melhoramento da
vida da humanidade. (Segundo
Fyodorov, o ser humano, no auge do
seu desenvolvimento, poderia
aspirar à imortalidade, uma vez que
a luta contra a morte seria um traço
de união entre os povos não olhando
a credos, religiões, raças, riqueza ou
condição social.)
Em “Morrem Mais de Mágoa”, a
“trama”, no sentido tradicional do
termo, é quase inexistente. Kenneth
cresceu em Paris, os pais são
americanos expatriados,
sofisticados e cosmopolitas — à sua
mesa sentaram-se grandes
pensadores e artistas — mas prefere
refugiar-se no coração da América,
colocando-se a uma distância
considerável do pai com o seu
donjuanismo priápico, e da mãe que
parte para a Somália como
voluntária, deixando para trás o
brilho da Rive Gauche. Kenneth e
Benn passam o tempo a conversar
— Benn é bastante inconveniente na
forma como convoca o sobrinho a
qualquer hora do dia e da noite — e
o casamento é uma peça tão
fundamental na estrutura deste
romance como nos de Jane Austen.
A vida de Kenneth, envolta na
melancolia dos autores russos a que
dedica o seu estudo, não é
brilhante: tem uma filha de uma
mulher que se mudou para Seattle e
é sovada pelo amante — a pequena
Treckie que exibe as suas nódoas
negras como troféus —, e uma sogra
que quer casar com ele para ter
acesso à custódia da neta (filha
dele), vive num quarto espartano na
Universidade e encontra-se
permanente envolvido nos dramas
do tio Benn com a agravante de
nunca conseguir salvá-lo
verdadeiramente. Este, a quem
chamam Professor Clorofila, depois
de dez anos de viuvez tranquila, é
arrastado pela sua libido e
compelido a dar o nó com a bela,
jovem, rica, sonolenta e sarcástica
Matilda Layamon — casamento que
se realiza sorrateiramente, na
ausência de Kenneth —, o que, como
seria de esperar, o vai submergir em
preocupações e levá-lo a uma
situação de impasse. O grande
cientista, o homem bom, o
observador do perfeito universo das
plantas, o viajante com uma missão
maior vê-se embrenhado numa
comédia de costumes — Balzac é
citado com propriedade — em que o
dinheiro é, obviamente, uma
prioridade. É impensável manter
Matilda com um salário de professor
e os sogros de Benn têm grandes
planos para fazer dele um homem
dignamente rico, capaz de aplacar a
voracidade da sua bela esposa. (Os
tormentos que se avizinham como
nuvens negras de tempestade, tão
actuais e prementes como os que
afligiram os peregrinos de Chaucer,
transportam-nos directamente para
os “Contos de Canterbury”).
Dizer-se que “Morrem Mais de
Mágoa” é um romance implicaria
uma longa meditação sobre as
flutuações erráticas e as
ramificações deste género literário.
Mas Bellow é um malabarista da
palavra, capaz de contar uma
história com um mínimo de acção e
o máximo de ideias e referências
filosóficas e literárias. O seu ritmo, a
sua aparente discrição e as suas
raízes judias e russas podem não
revelar, numa primeira impressão, o
lado extremamente cómico das suas
personagens, envolvidas em tramas
sentimentais e angústias
existenciais. Enganam-se
(ligeiramente) os críticos que
insistem em compará-lo a Henry
James pela hábil e complexa
tessitura das suas histórias, pelo que
será mais acertado dizer-se que, por
detrás da sua suavidade, Bellow foi
um discípulo de Stendhal, Henry
Fielding e Voltaire, amante de um
lado “marginal” da sociedade — nos
seus romances existe sempre a
sombra dos “gangsters” típicos da
sua cidade de adopção, Chicago — e
um observador exímio da mente
humana.
Falta acrescentar que Saul Bellow
continua a ser, cinco anos após a
sua morte, uma espécie de “guru”
de (já) várias gerações de escritores.
Basta ler o último livro de Ian
McEwan, “Solar” (ed. Gradiva),
para detectar as suas fontes em
“Herzog” e “ Ravelstein”, dois dos
romances mais cómicos e
simultaneamente mais
melancólicos de Bellow, dedicados
ao tema do envelhecimento
masculino e à pressão de um
universo caótico e dominado por
forças desumanizadas. Martin Amis,
para citar mais um exemplo, nunca
se esquece de mencionar a dívida
para com este grande senhor que
cultivou a amizade entre os homens
e um persistente fascínio (e medo)
pelas mulheres. Conhecido pelas
suas ideias exuberantes, ironia
faiscante, comédia hilariante e
compaixão compulsiva, Bellow
escreveu: “um homem afirma,
‘daqui em diante vou dizer sempre
a verdade’. Mas a verdade ouve-o,
foge e esconde-se ainda antes dele
ter acabado de falar”. Neste mundo
onde se persegue a felicidade como
utopia e o conforto da democracia
se paga bem caro, há mais gente a
morrer de mágoa do que de
radiações atómicas. No universo de
Saul Bellow é assim.
Elegia
irlandesa
Exílio e redenção de um
anti-herói que o destino quis
no “lado errado” da História,
escrita por um talentoso
estilista da língua inglesa.
José Riço Direitinho
A História de Eneas
Sebastian Barry
Tradução Fernanda Pinto Rodrigues
Bertrand Editora
MMmmN
O irlandês Sebastian
Barry (n. 1955),
duas vezes finalista
do Booker Prize — a
última com o
belíssimo romance
“Escritos Secretos”
(Bertrand, 2009)
— para além de
romancista, é também um prolífico
dramaturgo e poeta. O lirismo da
sua prosa, o quase inebriante estilo
elegíaco, e a exactidão poética,
associados ao cuidado de ourives
com que urde as suas histórias,
fazem de Barry um dos mais
talentosos autores de língua inglesa
da sua geração.
“A História de Eneas”,
originalmente publicado em 1998,
narra-nos a vida atribulada de Eneas
McNulty, nascido no lugar de Sligo,
APOIO
PATROCINADOR
VERÃO NA CASA
na Irlanda rural dos “velhos muros
sombrios” e das “azinhagas
assombradas”, nos começos do
século XX, filho de um alfaiate (e
músico amador) e de uma
costureira, ambos a trabalharem
num manicómio. A vida desta
espécie de anti-herói irlandês,
começa de maneira conturbada,
pois quer o destino que logo
bastante novo ele viva numa espécie
de “lado errado” da História e das
atribulações dos tempos que então
corriam: quando os
“independentistas” de Michael
Collins, mais tarde o herói da
independência irlandesa, se
começam a afirmar contra os
britânicos, ele tem a má sorte de por
essa altura se ir alistar na marinha
mercante inglesa, e mais tarde,
ainda, nas forças policiais britânicas
que reprimiam na Irlanda os
“irregulares” católicos do “exército”
republicano pré-independência. Os
homens de Sligo, incluindo o seu
maior amigo de infância, não lhe
perdoam a “traição” e o seu nome é
de imediato incluído nas listas
TER 27 JUL
22:00 PRAÇA | € 20
A electrónica toma conta da
Praça com o concerto de Tricky.
Músico de referência do trip–
–hop inglês, esteve ligado ao
período inicial da carreira dos
Massive Attack. A sua carreira
explodiu em 1995 com o premiado
Maxinquaye, primeiro álbum a
solo recentemente reeditado.
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Ípsilon • Sexta-feira 9 Julho 2010 • 47

Livros
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
negras dos apoiantes de Michael
Collins (e, mais tarde, também nas
do IRA, como numa espécie de
herança) como homem a abater.
Transforma-se num ser acossado, e
o resto da sua vida vai ser moldado
pelas forças em luta, pois os
“homens dos casacos escuros” de
Sligo não apagam o nome dele das
listas e a sentença de morte não é
revogada. O passado nunca deixa de
ser um terreno minado, porque o
passado afinal ainda não passou. O
que se segue é uma longa história de
exílio.
Há nisto tudo uma espécie de
paradoxo: a vida de um homem
apolítico, que apenas queria ganhar
o seu sustento, é toda ela moldada
por aquilo que menos lhe interessa
— até o grande amor da sua vida, a
linda Vic, que é obrigado a deixar
para sempre em Sligo.
Como num jogo de espelhos,
Sebastian Barry serve-se de um antiherói
para nos mostrar como a
História da Irlanda, de maneira
maligna, pode perturbar e alastrar
como uma mancha na vida dos
irlandeses quando estes menos
esperam; mas não apenas a sua
vertente política, também a religião
(estavam ambas bastante ligadas)
actuou — e actua (note-se as disputas
entre católicos e protestantes no
norte da ilha — como um estigma
social na Irlanda. Assim surge a
personagem Roseanne Clear, que
vamos encontrar mais tarde no
romance “Escritos Secretos”, com
quase cem anos, internada num
hospício há décadas por disputas
político-religiosas (separatistas /
unionistas, católicos / protestantes).
Escorraçado da sua terra natal e
da família, começa a sua
deambulação em busca de uma
redenção que talvez nunca chegue.
Durante dez anos trabalha num
pesqueiro nos mares da
Gronelândia, perseguindo cardumes
de arenques, mas as recordações e o
desprezo com que foi tratado nunca
o abandonam, antes o fazem
continuar. “Naquele imaculado
mundo deserto de gelo, mar e
arenques, com as sociáveis baleias e
raramente um narval a passar por
eles, onde os animais são pretos ou
brancos, só a Lua e as auroras
boreais extravagantes, geladas e
altas, são sombras, lembranças de
cores, é de alguma maneira possível
conservar Sligo na sua cabeça. E o
ódio que os seus compatriotas
sentem por ele é uma espécie de
guia, uma espécie de explicação
para a decadência da ternura deles.
Anos brutais entre um povo
civilizado fizeram-lhes isso porque
quando há assassínio e mais
assassínio o coração morre como um
rato com veneno na soleira de uma
casa de quinta, ofegante.”
Depois dos trabalhos piscatórios
na Gronelândia e nos mares do
Norte, vem a II Guerra Mundial, e
Eneas McNulty estará em
Dunquerque, onde quase se lhe fina
a vida. Depois vem a África, Nigéria,
Lagos, os perigos de um continente
desconhecido. Mas a redenção
parece chegar na forma de um hotel,
numa pequena ilha inglesa, que
funciona como último porto de
abrigo para alguns que, como ele,
quase foram deserdados da vida.
Convocando um imaginário
tipicamente irlandês — as casas
senhoriais em ruínas com
aparecimentos de antigos fantasmas
de crianças, as matas de aveleiras, o
“cheiro húmido dos musgos”, os
ulmeiros, os riachos, os pátios em
ruínas, as histórias de náufragos que
aparecem ainda em enseadas
escondidas — Barry consegue
compor, em ritmo dolente e
elegíaco, uma história que
dificilmente deixará a memória do
leitor.
Ser menor
A curva de uma
vida
Vergílio Ferreira
Obra Completa -
Espólio
Edição de Ana
Isabel Turíbio e
Cátia Barroso
Quetzal, 54 págs.
mmnnn
Promessa
Vergílio Ferreira
Obra Completa -
Espólio
Edição de Fernanda
Irene Fonseca e
Helder Godinho
Quetzal, 279 págs.
mmmnn
Duas obras “completas”, até agora
inéditas, do espólio de Vergílio
Ferreira: “A Curva de Uma Vida”
novela debutante, e “Promessa”,
romance de 1947. Nenhuma editada
em vida do autor, que todavia se lhe
refere nos “Diários”, nem por este
dada como pronta a editar. O que
levanta hoje problemas éticos. ‘Na
aparência resolvidos’ (?) sob a capa
de uma citação do próprio Vergilio
Ferreira (“Conta-Corrente”) que os
organizadores colocam em epígrafe,
em ambos os volumes: “A minha
opinião é que um autor não dá
garantias quase nenhumas (…) sobre
a valia do que realiza. E não há obra
mediocre alguma que lhe destrua a
obra superior (…) Mas há mil
problemas a seduzir-nos (…) saber
como se errou, progrediu, hesitou”.
Problemas que tentam uma minoria.
O aparato crítico, como já havia sido
o de “Diário Inédito”, é cuidado e
completo. O prefácio do romance,
da autoria de Fernanda Irene
Fonseca e Helder Godinho, é
rigoroso (assim como o de Ana
LUÍS RAMOS/ARQUIVO
Isabel Turíbio e Cátia Barroso, no
caso da novela) no que diz respeito à
explicação exaustiva dos critérios da
publicação e do trabalho crítico
sobre o espólio, explicação esta não
inocentemente subsumida sob o
recurso ao argumento de autoriade
filiado na citação do autor. Nas
últimas linhas escreve-se:
“‘Promessa’ não é um livro
supérfluo” na obra de Vergílio
Ferreira “e muito menos um livro
simplesmente menor”.
Curiosamente, ergue outras
interrogações além do seu ser
menor que indiscutivelmente é. Tido
como texto de mudança, marca de
afastamento no neo-realismo que só
ao de leve assoma, é sobretudo
“romance de ideias”, o que já não
seria hoje bom augúrio. Duas
personagens nucleares: Flávio, o
narrador (um perfil hegeliano ou
marxista) que se criou na rua e se fez
engenheiro, tem um conhecimento
directo da história que conta,
interpelando regularmente um tal
de Rodrigo, vulto ausente, suporte
tecnicamente eficaz de
perplexidades e interrogações
narrativas. Sérgio (perfil
existencialista) é a outra
personagem nuclear, é o centro
desconcertante de uma constelação
de acções e reacções, por quem os
sentimentos do narrador também
diferem: do rancor, à
incompreensão, ao ódio quase, até à
compaixão e cordialidade, comoção
perante o seu corpo. Esta densidade
sentimental trai, aliás, o intuito de
ser objectivo. Flávio era aluno num
liceu em que Sérgio leccionava. Por
razões políticas, o pai daquele
ausenta-se. Então Sérgio, que é
também, à noite, pintor, propõe ser
ele a orientar e financiar os estudos
do rapaz, que acabará por se tornar
engenheiro inscrevendo entre eles,
naturalmente, relações ambíguas de
poder.
Começo por imaginar a recepção
deste romance por dois públicos
diferentes: os que já conhecem,
leram e admiram o autor; e os que
numa livraria cruzam pela primeira
vez o nome (re)conhecido, o título
— “Promessa” — e são incitados a
pegar nele pela aura que o ter estado
inédito transporta, qual “Laura”, de
Nabokov. Como exercício, desdobrome
e vou supor que o lêem até ao
fim.
Comecemos pelos primeiros,
aqueles que sublinham um ou outro
traço já visível neste romance
daquilo que alicerçará “Para
Sempre” ou “Em Nome da Terra”. O
início — “Agora que Sérgio morreu
contarei tudo como se passou. Tanto
mais que para alguns o assassino fui
eu”; O fim — “Sérgio sangra-me a
memória. São três da madrugada e
há silêncio no mundo. (...) Olho, por
isso, e esqueço. Vejo-te apenas nu,
desgraçado entre o luxo do teu
quarto, caído, sem desespero (...).
Agora que há silêncio, eu quero
admitir que para ti já não houvesse
outro remédio no mundo, e porque
o admito. A tua miséria comoveme”.
Entre os dois momentos toda
uma história é convocada. O
narrador invoca e evoca a partir do
presente da narrativa o real que
transcende. Estas linhas repercutem
já a nota de um Virgílio Ferreira por
vir, até na sua dimensão celiniana.
“Promessa” dá já sinal do que há-de
vir aperfeiçoado, vibrátil, ‘sublime’.
Consideremos agora a segunda
categoria de leitores, aqueles para
quem Vergílio Ferreira não passa de
mais um nome sem espessura no
mercado e na memória. Esses talvez
exasperem (com razão) aquelas
páginas que os primeiros apressam,
isto é, as muitas e artificiais
discussões filosóficas e estéticas de
uma tertúlia, pretexto para “ideias
postas em romance” ficcionalmente
descarnadas. Porque ingénuo e
excessivamente transparente o
intuito, o ideário que se quer pôr em
confronto. Lembremos que ao
mesmo tempo o autor lia os filósofos
que se iriam tornar constitutivos do
escritor e do ensaísta, de Bergson a
Sartre passando por Hegel, entre
outros. Assim, “Promessa” tem
demasiada filosofia à mostra, mal
tecida, o que se torna quase
caricatural. Uma epígrafe de
abertura, citação de Hegel que vai
subsumir o todo: “é na vida de um
povo que o conceito de actualização
da razão consciente tem a sua
perfeita realidade”. Temos no
romance a contradição explícita de
dois pólos opostos: Sérgio e
Edmundo. “Sérgio parecia-me
desinteressado da vida e Edmundo
preso a ela, mordendo-lhe,
cravando-lhe os dentes no pescoço.
Quando não lhes entendia as
palavras, eu entendia o que as
tornava oportunas: os gestos, a
mímica. Sérgio era lento e cansado.
Mas Edmundo era activo.” Flávio
seria uma síntese de ambos. Por de
mais previsível.
Vergílio Ferreira escreve “A Curva
de Uma Vida” com 22 anos acabados
os seus estudos de Filologia Clássica,
o que é de ter em conta já que tem
um toque juvenil de tragédia
clássica, embora o final, que uns
zumzuns de percurso, qual coro, vão
anunciando, e uma boa intriga não
esteja à altura de um Eurípedes:
Fernando, cujo pai ele cria ter
morrido, era afinal um tio.
Tanto este romance, como a
novela, assim como em muitas
outras obras maiores (e na própria
vida real do autor) testemunham
algo que é constante no autor (desde
“Vagão J”) : a figura masculina e do
pai ser psicologicamente mal
resolvida (não confundir com
ficcionalmente). Os pais nunca
conseguem transmitir o legado
simbólico aos filhos, há sempre
tensão.
A edição da Obra Completa de
Vergílio Ferreira é de aplaudir.
Sobretudo por especialistas ou
investigadores em crítica genética,
que poderiam porém consultá-la
“online”. Para um público menos
minoritário, não seria mais profícuo,
em termos de divulgação e
inteligência do autor, reeditar em
paralelo, ou alternância, as obras
maiores talvez prefaciadas por
autores capazes de as iluminarem?
Maria da Conceição Caleiro
Poesia
Duas vezes
nada
Antologia de uma poesia
niilista. Pedro Mexia
A Última Porta
Manuel de Freitas
Assírio & Alvim
mmmmn
Dez anos e 20
títulos depois
(incluindo
“plaquettes” e
colectâneas
confidenciais),
temos enfim uma
substancial
antologia de
Manuel de Freitas, o mais
48 • Sexta-feira 9 Julho 2010 • Ípsilon

Mestrado em Ciências da Comunicação (5 especializações)
Comunicação, Organização e Liderança
Media e Jornalismo
Internet e Novos Media
Comunicação e Gestão Cultural
Comunicação, Marketing e Publicidade
Mestrado em Ciências da Família (3 especializações)
Políticas de Família
Orientação e Mediação Familiar
Contextos Familiares de Risco
2010/2011
Secretariado
Mestrado em Estudos de Cultura - integrado na Rede THE LISBON CONSORTIUM*
Estudos de Cultura
Performance e Criatividade NOVO
*em parceria com várias instituições culturais da cidade de Lisboa.
Mestrado em Línguas Estrangeiras Aplicadas:
TEFL (Teaching English as a Foreign Language)
Business and Languages - Línguas e Negócios NOVO
Mestrado em Tradução NOVO
Mestrado em Serviço Social (2 especializações)
Serviço Social
Acompanhamento Social e Inserção
Mestrado em Filosofia (3 especializações)
Filosofia da Linguagem e Ciências Cognitivas
Estética e Filosofia da Arte NOVO
Filosofia Ibérica
Doutoramento em Ciências da Comunicação
Doutoramento em Estudos de Cultura - integrado na Rede
THE LISBON CONSORTIUM*
*em parceria com várias instituições culturais da cidade de Lisboa
Doutoramento em Serviço Social
Cristina Nunes e Ana Morais | Tel: 217214194 | 217214202
Email: cnunes@fch.lisboa.ucp.pt | amorais@fch.lisboa.ucp.pt
www.fch.lisboa.ucp.pt

Livros
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
Isabel
Coutinho
“Casca de banana não
é tão ruim como a
gente pensa”
Moacyr Scliar
http://scliar.org/
moacyr/
Moacyr Scliar no
Twitter
http://twitter.
com/moacyr_
scliar
Ciberescritas
De pai para filho,
de filho para pai
Lembrei-me desta história quando descobri o novo
“site” do escritor brasileiro Moacyr Scliar que está
a ser feito pelo seu filho. Ele contou-a há uns anos
no Correntes d’Escritas, o encontro literário de
escritores de expressão ibérica na Póvoa de
Varzim. Nunca mais a esqueci. É uma lição de literatura.
Numa tarde na Póvoa, o autor de “A mulher que
escreveu a Bíblia” (ed. Livros de Seda) contou que o seu
pai emigrou para um país desconhecido quando tinha
dez anos. Saiu da Rússia no período da guerra civil que
se seguiu a 1917, meteu-se num navio em direcção ao
Brasil, atravessou o oceano e foi parar ao Rio Grande do
Sul.
Não fazia a mínima ideia do que o esperava. Chegou
a um país completamente desconhecido mas isso não
o impedia de ver o Brasil como uma coisa maravilhosa.
Sonhava com o clima ameno, com um país de gente
amável e com as frutas. Nunca tinha visto um abacaxi,
nunca tinha visto uma manga, nunca tinha visto uma
banana. E foi apresentado a uma banana, exactamente
no dia em que chegou a Porto Alegre.
Quando embarcou, o pai de Moacyr já era “um
menino magrinho”. No barco passou fome, ficou um
esqueleto. E quando finalmente o navio atracou na
cidade, desembarcou. A população inteira de Porto
Alegre estava no cais à espera do barco que trazia os
europeus e um gaúcho percebeu que o pai de Moacyr
tinha fome e ofereceu-lhe uma banana. “O meu pai
imaginou que era uma coisa para comer. Mas não tinha
sido treinado para comer banana e, como não falava
português, ficou com perplexidade a mexer na banana”,
disse o também médico Moacyr Scliar.
Descobriu então que a banana se descascava, tal como
a laranja. Imaginou que seria igual e que teria também
casca e caroços. “Ao descascar a banana apareceu uma
coisa que ele pensou que
era o caroço da banana. E
jogou fora o caroço. Comeu
a casca de banana até ao fim
para surpresa do gaúcho”,
continuou o escritor a quem
até morrer, já depois dos 80
anos, o pai disse sempre:
“Casca de banana não é tão ruim como a gente pensa”.
Para Moacyr Scliar, o escritor é “o emigrante que vê a
banana e que come a casca” e a tarefa da literatura é
“transformar o desconhecido em magia”.
No “site” que o seu filho Beto está a desenvolver na
Internet ficamos a conhecê-lo melhor. Não só por causa
das fotografias que mostram o escritor a trabalhar no seu
escritório em frente ao computador, mas também pelo
blogue onde têm sido colocados os textos e crónicas que
tem publicado na imprensa brasileira. Não deixem de
ler a crónica intitulada “Felicidade não se compra. Nem
mesmo pela Internet”.
Pouco a pouco está a ser disponibilizado material
de arquivo sobre o escritor e querem mostrar também
vídeos das suas conferências. Numa das secções é
possível enviar mensagens para o escritor. Noutra podem
ler-se citações das críticas aos seus livros, consultar o seu
currículo, ler algumas entrevistas (ao jornal “Estado de
Minas”, à Universidade Federal do Rio Grande do Sul e à
revista “Época”), deixar mensagens no Livro de Visitas e
ver as capas e as descrições dos seus livros. Criaram uma
conta no Twitter onde se anunciam as novidades que
vão colocando no “site”.
isabel.coutinho@publico.pt
(Ciberescritas também é um blogue http://blogs.publico.pt/
ciberescritas)
“influente” e “polémico” poeta da
sua geração, aspas nessas palavras
tão equívocas. O seu amigo José
Miguel Silva escolheu textos que vão
das colectâneas “Todos Contentes e
Eu Também” (2000) a “Boa Morte”
(2008). É uma antologia
assumidamente pessoal, que talvez
sobre-represente os primeiros livros
e tenha poucos poemas de obras
maiores como “Beau Séjour” (2003).
Desde 2000 que Manuel de
Freitas vem apresentando (e
defendendo, em textos críticos) uma
poesia que podemos definir como
niilista. Não é um niilismo de
programa, mas de impulso, embora
em alguns momentos Freitas resvale
para o moralismo dos
“intransigentes”. Estes poemas só
acreditam no álcool, na música e na
morte. A “vida”, essa, é uma coisa
que se suporta, e mal, entre copos,
canções e dias descontados. Manuel
de Freitas começou por assumir um
pose mais ultra-romântica, mas esse
defeito atenuou-se, e agora acreditase
mais naquele cansaço
antiquíssimo, naquela inexorável
tristeza, naquele gosto pela derrota.
Não esperem consolação da poesia:
aqui não se acredita em deuses,
ideologias, mitos salvíficos. Nem se
acredita no sublime estético, pelo
menos na poesia, arte marginal, que
caiu na sarjeta, e lá continua,
agradecendo que não a incomodem.
A divisão de águas é nítida. Basta
pensar que ainda vigora em altas
esferas um entendimento
tonitruante, junqueiriano, do que é
a poesia. Não esperem essa pompa
de uma geração que acredita em
pouco ou nada e que tem à sua
frente a crónica de vidas
quotidianas. Freitas especializou-se,
como diz a dado passo, nos
“antónimos da beleza”, e muitos
destes poemas são como andar por
Lisboa de madrugada, após uma
noite de boémia. Detritos, eis o que
mais há nestes poemas, detritos de
coisas e de gente.
A taberna, até pelo seu quase
arcaísmo, foi desde o início o sítio de
onde Freitas quis ver o mundo.
Entre velhotes gastos, passadores de
droga, mulheres da rua, intelectuais
de terceira, vendedeiras quase
mitológicas, entre balcões
gordurosos, tédio, jogatana, “a
apagada e vil cerveja”. A taberna é
um abrigo, mas é também um
encosto, lugar de observação e não
de acção, e sobretudo lugar de
esquecimento, como naquelas
noites de estupor alcoólico que
Freitas inveja às cidades nórdicas.
Como se disse, pelas tabernas e
demais estabelecimentos passa gente
concreta, e Freitas suspende o
desprezo geral que tem pela
humanidade, a ponto de demonstrar
verdadeira empatia por essa fauna
que arrasta a vidinha como códigos
de barras. Se nalguns momentos a
vida é descrita nestes poemas com
asco, como assunto de “procriação” e
Manuel de Freitas: os seus
poemas só acreditam no
álcool, na música e na morte
“taxas de juro”, também é visível que
as existências difíceis comovem o
poeta. O que ele não suporta é tudo
aquilo a que associamos com a vida
“burguesa”, embora as suas
inclinações anarquizantes o levem a
supor, erradamente, que a
procriação e as taxas de juro sejam
um assunto que apenas diz respeito à
burguesia.
Porque é que um niilista escreve?
Eis um poema logo do primeiro
livro: “A noite passou, sem sono nem
alegria. / E eu esqueci-me de lavar a
louça / e de encontrar um sentido
para a vida / (truque poético
bastante conhecido). / O amor não
bateu à porta com as suas mãos /
frágeis e desonestas, nenhum amigo
/ — desses que não tenho — quis
ludibriar / a sua solidão bebendo um
copo comigo. / Limitei-me a folhear
alguns livros, / com o cansaço prévio
de saber / que os vou ler. Pus em dia
a correspondência / cada vez mais
escassa, ofício de afectos / fingidos,
calculados silêncios, fórmulas /
feitas. E ouvi música desolada, que /
é a parte de Deus que melhor
conheço” (pág. 35).
Quem não aprecia a poesia de
Freitas, insiste habitualmente no
eterno retorno a esta angústia, a este
vazio, àquilo a que o próprio poeta
chama “duas vezes nada”.
Mas esse retrato é incompleto e
erróneo. Basta lermos com atenção.
Quando escreve sobre discos ou
concertos, por exemplo, Freitas
recupera a crença no sublime: “a
música tem sempre razão”. E a
amizade? Poucos poetas elogiam
tanto a amizade como Freitas, tanto
nos versos como nas
abundantíssimas dedicatórias.
Também as evocações familiares
respiram afecto, no retrato de
personagens perdidas no passado,
marcantes, rústicas, carismáticas,
tristes, como o avô: “É aqui que as
palavras faltam, irremediavelmente. /
Abraçava-o por razão nenhuma /
numa tarde igual às outras. /
Estávamos todos na sala, / numa sala
tão diferente / daquela em que mais
gosto de o ver, / em jeito de plácido
arquiduque. / Fotografia de autor
DAVID CLIFFORD/ARQUIVO
desconhecido, / princípios do século
passado. / Acabara talvez de ler em
francês / as aventuras e desventuras /
dos filhos do capitão Grant” (pág.
84). Os familiares tiveram “um
enredo banal: morreram”, mas deles
ficou obviamente mais do que esse
“entulho do passado” de que o poeta
tanto se queixa, ficou uma memória
que se confunde com a própria
identidade. E finalmente, apesar de
todo o nojo pela juventude, o niilista
está apaixonado e escreve poemas à
sua amada.
Voltamos então à pergunta:
porque é que um niilista escreve?
Porque a morte é a última palavra
mas não é única palavra. E se a
“literatura” é vã, inútil, um pouco
ridícula, a poesia não é, a poesia vale
alguma coisa. E vemos como, texto
após texto, Freitas fala daquele
poema que está a escrever naquele
momento, e assim confessa que a
escrita é a única possibilidade.
Possibilidade de quê? De uma
comunicação directa, prosaica,
genuína, vivida, através de uma
linguagem que contraria a estética
da dificuldade, porque difícil é a
vida, e dizê-la com as palavras certas
é tudo o que temos da felicidade.
Dança
Notas de
rodapé
Uma biografia que é um
diário que é um relato e não
diz mais do que já sabíamos
sobre Pina Bausch. Tiago
Bartolomeu Costa
Pina Bausch – Sentir mais
Claudia Galhós
D. Quixote
mnnnn
Num país que não
tem prática regular
de edições sobre
criação
contemporânea, o
primeiro
aniversário da
morte de Pina
Bausch afigurava-se
como a oportunidade indicada para
o mercado dar, em português,
matéria que registasse o papel da
coreógrafa alemã na história
recente.
Da imensa bibliografia disponível
para ser traduzida, a aposta foi num
“ensaio biográfico” de Claudia
Galhós, jornalista do “Expresso”,
que decidiu acelerar o seu
“profundo desejo de reinventar as
relações humanas, desenhando
sucessivos esboços, na crença e na
possibilidade de vivermos juntos”
50 • Sexta-feira 9 Julho 2010 • Ípsilon

(p. 9), e fazer “Pina Bausch – Sentir
Mais”, 279 páginas de um olhar
pessoal sobre alguém com quem
contactou fugazmente (“consegui
que me pronunciasse umas palavras
num camarim em 1998”, p. 277).
A autora esclarece que este relato
“decorre ao sabor irregular de uma
experiência amorosa, em que ao
amor caberá o período mais longo da
nossa existência.” (p. 278). É o
justificativo necessário para não
esperarmos deste livro uma biografia,
mas um percurso, pessoal e limitado
— porque dependente do olhar de
quem escreve — do que pensa que
sabe sobre Pina Bausch. Há aqui uma
tentativa de compreensão do método
de trabalho de alguém que dizia não
ter técnica (p. 125), usando a autora a
emoção e a sua sensibilidade para
descrever o que sentiu, ou o que
deveríamos ter sentido. Com, e por
Pina, diz Galhós, “deambulamos por
entre as nuvens do ver e do ouvir, em
percursos de ilusão onde a utopia
ainda é possível” (p. 262), ela que
“com a mesma discrição, sem se
fazer notar como revolução, ganha
um corpo e um comportamento que
põem em causa as estruturas mas
basilares da sociedade, do indivíduo
e da arte” (p. 27).
Será aqui, neste território
especulativo, que Claudia Galhós vai
encontrar matéria para preencher
um livro que não acrescenta nada de
novo ao que já sabíamos sobre Pina
Bausch. E nem sequer me refiro aos
especialistas, de cada vez que Pina
veio a Lisboa repetiram-se as
mesmas imagens feitas da violência
transformada em poesia, dos corpos
suspensos, da imagem que projecta
e recebe, da luminosidade dos seus
movimentos, na capacidade de Pina
em tocar “na essência da alma
humana” (p. 27).
Generalizações agora exacerbadas
sem a reflexão que deveria respeitar
um discurso que se foi completando
e, como a própria autora emana de
alguém que “nunca foi dócil ou
conformada. E não se queira agora
reduzir a uma coisa só” (p. 207). E,
no entanto, Galhós reduz Bausch ao
grau zero da criticalidade, rejeitando
um olhar que não esteja viciado pela
ideia de impossibilidade de sobre ele
falar (não falta a imagem gasta de
que não se pode fazer poesia depois
de Auschwitz), sobretudo depois da
morte.
Dividido, no essencial, em três
partes — “Primeiras impressões”,
“Namoro” e “Amor” —, o texto, feito
de brevíssimos capítulos com títulos
igualmente programáticos que
nunca esclarecem o que os
singulariza (por exemplo: “Acto de
fé”, “Noite dentro”, “Conta-me a tua
história”, “A menina dança”, “Elogio
da insegurança”...), vagueia por
entre algumas obras de Bausch,
fazendo das que foram apresentadas
em Lisboa (12 de um total de 45) o
essencial da sua obra, à qual junta
mais meia dúzia, sem nunca se
perceber se a autora as viu ou se
relata a partir do que leu.
Este é o problema principal de
uma obra monocórdica, de escrita
confusa e errante, sem memória e
repetitiva, que se coloca a um nível
para o qual não tem altura, e
substituindo a distância que se deve
ter em relação às obras, de modo a
poder dialogar com o seu discurso,
por uma determinação tão obstinada
como tocante (como o são todas as
paixões cegas). “Cada um responde a
cada estímulo com uma resposta,
que a seu modo dá sentido àquilo
que está a ver” (p. 85), defende-se a
autora.
Não é porque Claudia Galhós não
saiba, mas é porque, de cada vez que
acha que expõe um lado mais crítico,
daí decorre uma ausência de
emoção. “A crítica, propriamente
dita, para além de ser praticamente
uma miragem na actualidade, se
disponibiliza um olhar julgador
sobre as suas impressões do mundo,
na postura arrogante de senhora da
verdade, está a negar o sentido
profundamente humano e complexo
da própria natureza da obra de Pina”
(p. 89). Pina, diz a autora, activava
“reflexos interiores de
redistribuição, como imagem
reflectida de espelho, deliciosamente
distorcida pela vivência interior
desses mesmos estímulos” (p. 85), e,
por isso, Galhós acha que as suas
obras escapam “à nossa
compreensão, escapam ao modelo
definido de como viver nesta era da
imagem e da reproductibilidade” (p.
235).
Galhós prefere impor-se à obra de
Bausch, ao que ela diz, numa
tentativa de interpretação obcecada
pela paixão, sugerindo
interpretações acríticas e sectárias.
Não sentir profundamente a obra de
Bausch significa “querer
continuar a ser
ignorante”
(p.112), é
produzir
uma
“reacção
frustrada”
(p. 179),
“seria a
mais
triste
forma de
cegueira, a
que não quer
ver, cobarde”
(p. 207), é, em
suma, “não a
perceber” (p. 235).
Mais: é recusar o
convite a “a abandonar a
sua posição de alheado do
que está a acontecer”, porque
o espectador “é convidado a
reclamar mais para si do
que esta evasão para um
mundo de fingimento,
onde existe em estado comatoso,
que se limita a prolongar o papel de
espectador que vive no seu
quotidiano” (p. 117).
Considerando o seu conhecimento
sobre a matéria — exposto nas
derivações teóricas que faz sobre o
teatro pós-dramático, a dançateatral,
a importância da
dramaturgia, a geneologia
coreográfica —, só se pode considerar
como uma oportunidade perdida
uma obra que se esconde atrás de
uma paixão. E, atrás dessa paixão,
um esforço hercúleo para aguentar o
que não deveria ter sido mais do que
um obituário, ainda que extenso,
numa edição especial de um jornal.
Sendo um diário, e por isso,
pessoal, é certo que este livro não se
obriga ao rigor académico que
sujeitam as biografias à confirmação
dos factos e menos, ainda, ao brio
jornalístico que deve caracterizar
quem é profissional do meio. E, no
entanto, nunca em momento algum
a autora nos faz esquecer que é
jornalista e que esse olhar guia o
livro e, na verdade, dá os melhores
momentos dele, mesmo que
enfermados pelo mesmo estilo
melado e condescendente — as
relações do universo de Pina com os
criadores nacionais; o relato da
experiência em Lisboa para
“Masurca Fogo”, as memórias de
alguns bailarinos — ou seja, quando
Claudia Galhós deixa que sejam os
outros a falar. Porque, sendo patente
— pelas citações usadas e pela
descrição da própria autora — que o
seu contacto directo com a
coreógrafa foi fugaz, para não dizer
nulo, espanta que Galhós queira
sustentar 279 páginas em derivações
poéticas, respigando citações
avulsas, sempre secundárias na sua
visão, e ignorando outras (a conversa
de duas horas que Bausch teve
com o público aquando da
sua presença em 2007
em Lisboa, no Teatro
Camões — coisa que
nunca fez nas
suas outras seis
vezes — é
ignorada, o
que teria
poupado à
autora a
permanente
citação das
mesmas
fontes).
As
fontes
Pina Bausch por Cláudia Galhós: só se pode considerar como uma
oportunidade perdida uma obra que se esconde atrás de uma paixão
usadas são pobres e limitadas,
servindo apenas para caucionar os
objectivos da obra e não para
ampliarem o discurso de Bausch. No
essencial, o olhar de Galhós ignora o
vasto corpo coreográfico de Pina, os
contextos por onde ela se
movimentou e as comparações com
outras escolas que surgiram e com
quem Pina dialogou, mesmo que as
recusasse ou delas se distanciasse.
Ignora ainda as diversas pontes no
interior da obra de Bausch (e daí
remontagens que implicavam
alterações), nunca questionando,
por exemplo, a importância da série
de peças sobre cidades, sobretudo
nos seus aspectos de produção, ela
que nunca os ignorou e a eles sempre
procurou responder. É vaga também
na análise do isolamento de Pina,
refugiando-se sempre na sua
extrema sensibilidade, e aceitando
ser vista como uma esfinge em vez
“da mulher-artista das palavras
dançadas e não ditas” (p.177).
Sabe-se que às obras dos artistas
maiores se tenta sempre colar uma
poética que fica sempre aquém do
objecto, num exercício de colagem
patética que limita a recepção da
obra à capacidade de reacção e
retórica. Um exemplo, apenas, diz
bem da ligeireza da abordagem
proposta neste livro: sobre a
revolução proposta por Pina, a
jornalista diz que a coreógrafa
“desfaz-se desse corpo artificial,
mentiroso, impositivo de padrões de
beleza impossíveis — tal como a
Barbie o fez mais tarde — e de uma
suposta perfeição que projecta esse
ser leve no ar” (p. 105).
Não estando cá para se defender, e
não havendo matéria directa de
contraponto, este livro maniqueísta
corre o risco de se tornar uma
referência. Se ao menos, como
escreveu o seu marido, se aceitasse
que “a obra de Pina Bausch vive e
morre com ela” (p. 234), este livro
poderia fazer as vezes de um
exercício de reflexão sobre o seu
legado em vez de um penoso desfiar
de memorias secundárias e
projectadas, a maior parte delas
especulativas, a maior parte delas
pequenas notas de rodapé.
SÃO
LUIZ
TEATRO MUNICIPAL
Está aberto o concurso para
Direcção Artística do
São Luiz Teatro Municipal
As candidaturas para a Direcção Artística do São Luiz
Teatro Municipal devem ser realizadas até às 18h
do dia 20 de Julho de 2010. Todos os candidatos
devem proceder obrigatoriamente à sua inscrição
na plataforma electrónica www.vortalgov.pt.
Passos para a Inscrição em www.vortalgov.pt
Quero Aderir > Vantagens Universais (Gratuito) > Plataforma electrónica
de contratação Pública (Aderir Já) > Preencher Ficha de Adesão (1 a 6)
(Browser preferencial para a inscrição na plataforma: Internet Explorer).
Os candidatos deverão proceder à inscrição no
site com a maior brevidade possível e associar a
sua inscrição à seguinte designação do contrato:
“Prestação de Serviços de Direcção Artística do
São Luiz Teatro Municipal”.
O Júri do concurso é composto pelos seguintes elementos:
Presidente – Miguel Honrado;
Vogal – Ana Marin;
Vogal – António Pinto Ribeiro;
Vogal – Emmanuel Demarcy Mota;
Vogal – Pedro Burmester.
As condições específicas do concurso podem ser consultadas em:
www.egeac.pt
www.teatrosaoluiz.pt
Todas as questões relacionadas com o concurso deverão ser
formuladas por escrito e enviadas para:
concursosaoluiz@egeac.pt
EGEAC – Empresa de Gestão de Equipamentos e Animação Cultural Tel: 218 820 090
Ípsilon • Sexta-feira 9 Julho 2010 • 51

Teatro/Dança
NUNO OLIVEIRA
As Danças Macabras eram uma forma popular de esconjurar o fim
A morte
de frente
A encenadora Ana Zamora
celebra a vida com as danças
medievais criadas para
esconjurar a morte. Ana
Dias Cordeiro
Dança da morte/Dança de la
muerte
Encenação de Ana Zamora.
Com Luís Miguel Cintra, Sofia
Marques, Elena Rayos, Eva Jornet,
Juan Ramón Lara, Isabel Zamora
Lisboa. Teatro do Bairro Alto/Cornucópia.
Sáb., 2ª e 3ª, às 21h30. Dom., 11, às 17h00.
A relação do teatro com o rito
interessa especialmente a Ana
Zamora. A encenadora e fundadora
da companhia independente
espanhola Nao d’Amores apresenta
“Dança da Morte/Dança de la
Muerte”, uma produção conjunta
com o Teatro da Cornucópia, onde a
peça está desde terça-feira e até dia
13 de Julho. É uma das estreias na
edição do Festival de Almada e o
título bilingue tem razão de ser.
Explica-se pela cultura comum
ibérica encontrada na simbologia da
Idade Média e do início do
Renascimento à volta dos ritos da
morte, explica a encenadora.
Neste olhar de frente o absurdo da
morte, Ana Zamora vai procurar,
como em peças anteriores, o lado
ancestral da teatralidade e recriar o
espírito de uma época. Através do
estudo e da investigação das
reminiscências que ficaram nas
expressões artísticas e populares
desse tempo, Zamora tenta
“entender o espírito medieval e
renascentista e recriar uma visão
contemporânea”. Mas nunca com a
intenção de reproduzir a sua
estética.
O resultado: “Um teatro
puramente contemporâneo, de hoje
e para o público de hoje”, acrescenta
a encenadora. Mas certo é que os
textos, as danças com coreografia de
Javier Garcia Ávila e a música tocada
com réplicas de instrumentos de
época (viola de gamba, fídula, mas
também flauta, órgão e percussão)
transportam o espectador para esse
universo.
Os textos de Gil Vicente e de
anónimos do século XV e XVI,
associados ao texto castelhano
“Dança General de la Muerte”
(século XV) são interpretados em
castelhano antigo e um pouco em
português antigo.
Todos — desde o mais poderoso,
como o rei ou o Papa, ao
representante mais humilde do povo
— passam por ela, a morte, aqui
personificada por uma só figura, o
actor Luís Miguel Cintra. E encaramna,
não como um problema pessoal,
mas “como um eixo da
humanidade”, diz Zamora. “Há um
entendimento da morte como uma
aceitação espiritual global.”
Não há aceitação da morte; há
celebração da vida. “É uma dança da
morte mas também é, na verdade,
uma dança da vida”, continua.
A todos, se dirige a morte: “A
vossa vida é sonhar / Que a morte é
despertar / Para nunca mais dormir
e acordar.”
As Danças Macabras eram uma
forma popular de esconjurar o fim, o
ciclo da vida. Assumiram uma
expressão literária e plástica, na
música, na dança, no folclore,
sobretudo depois de 1347, quando a
peste se instalou na Europa e, em
dois anos, dizimou um terço da
população. Havia dança um pouco
por todo o continente europeu, mas
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
na Península Ibérica tinham “um
carácter específico e diferente” pelas
“influências muçulmanas e judaicas”.
Na peça, que regressa ao palco da
Cornucópia (entre 30 de Setembro a
17 de Outubro), depois de uma
passagem pelos festivais de teatro
clássico de Almagro e de Olmedo,
em Espanha, participam intérpretes
de ambas as companhias (Luís
Miguel Cintra, Sofia Marques, Elena
Rayos, Eva Jornet, Juan Ramón Lara,
Isabel Zamora). Alguns músicos são,
ao mesmo tempo, actores. Todos, a
dado momento, entram na dança ou
no rito. O palco recria um espaço
litúrgico, com a assistência disposta
em bancos corridos como se de um
coro de uma catedral se tratasse.
Sobre o chão axadrezado — como o
da Catedral de Segóvia —
desenrolam-se os ritos populares e
as danças históricas. Ainda hoje se
faz a dança em cruz na Catalunha
(Quinta-Feira Santa), numa das
últimas reminiscências do que
podem ter sido as Danças da Morte
na Europa.
Este Portugal
está nos cuidados
intensivos
O Dia de Todos os Pescadores
De Francisco Luís Parreira.
Co-produção Assédio e TNSJ.
Encenação de João Cardoso. Com
João Cardoso, Jorge Mota, Micaela
Cardoso, Pedro Frias, Rosa Quiroga.
Porto. Teatro Carlos Alberto. R. das Oliveiras, 43. De
15 a 31/07. 4ª a Sáb. às 21h30. Dom. às 16h. 10€ a 15€.
Num dia de eleições, Clara desiste
do suicídio e decide ir votar. Movida
por uma espécie de epifania matinal,
vai visitar o ex-marido moribundo,
Edmundo, internado nos cuidados
intensivos de um hospital. É este
ex-marido — agonizante mas capaz
de maldizer tudo e todos — que veste
a pele de um país inteiro em “O Dia
de Todos os Pescadores”, que estreia
no Teatro Carlos Alberto a 15 de
Julho.
Edmundo, personagem
interpretada pelo próprio
encenador, João Cardoso, está numa
cama articulada de hospital,
acompanhado por uma enfermeira
e, num momento fulcral da peça,
pela ex-mulher. Clara tinha vontade
de ver o ex-marido porque, na sala
de voto de uma escola qualquer,
rodeada de pessoas e sons,
reencontra o sentido do ser
português e quer partilhá-lo com
Edmundo, no único espaço de
redenção que o texto permite.
Edmundo que é, na verdade,
Portugal, há muito desistiu dos
sonhos. Sozinho no quarto asséptico
e devidamente apetrechado de
materiais hospitalares, faz
comentários corrosivos e
apreciações sarcásticas da realidade.
Divorciado há seis anos, não
consegue apoiar-se nas experiências
felizes que viveu durante o
casamento com Clara.
“O Dia...” é, segundo Rosa
Quiroga, a actriz que dá corpo a
Clara, uma “história nossa”,
importante no “parco panorama da
dramaturgia portuguesa”,
acrescenta João Cardoso, para quem
foi um “privilégio” poder contar
com o autor — o poeta e dramaturgo
Francisco Luís Parreira — em todo o
processo de criação.
A colaboração do dramaturgo com
a Assédio começou há cinco anos,
quando o autor traduziu Ossário, um
texto de Mark O’Rowe. Desde aí que a
cumplicidade entre o elenco da
companhia e o dramaturgo foi
crescendo, razão pela qual João
Cardoso considera ter sido possível
esta “espécie de encomenda” que
teve em consideração os actores que
por norma trabalham nesta formação
teatral. “O Dia de Todos os
Pescadores” marca o regresso da
Assédio às comédias, cruzando,
garante Rosa Quiroga, os registos
PAULO RICCA
“O Dia de Todos os
Pescadores” marca o
regresso da Assédio às
comédias
52 • Sexta-feira 9 Julho 2010 • Ípsilon

ESTRUTURA APOIADA POR
APOIO
Demarcy-Mota leva
“Casimiro e Carolina”
ao Festival de Almada
“Cabaret Hamlet” ou a
reinvenção dos clássicos
“As Formigas”
NUNO FERREIRA SANTOS
Luís Miguel Cintra: “A
leitura em voz alta pode
ajudar as pessoas a
entender a poesia”
poético, sarcástico e até farsante,
reflexo da “cabeça de poeta e de
filósofo” do autor, que opta por
comprometer-se com o mundo
contemporâneo, satirizando a
portugalidade. Ana Maria
Henriques
Amor e melancolia
As 10 Canções de Camões
De Luís de Camões.
Com Luís Miguel Cintra.
Almada. Fórum Municipal Romeu Correia. 4ª, 14,
às 19h.
Quando o director do Festival de
Almada, Joaquim Benite, pediu a
Luís Miguel Cintra um recital de
poesia portuguesa para a edição
deste ano, o actor pensou que era
altura de tentar ler em público não o
mais fácil, mas o mais difícil.
Escolheu “As 10 canções de Luís de
Camões”. Na verdade, voltou a elas
porque em 1995, a propósito das
Comemorações dos
Descobrimentos, tinha já gravado
um disco com as dez canções de
amor, que são também de
melancolia. Quis regressar a elas
também para as entender um pouco
melhor, com o público.
A dificuldade desta poesia mais
elaborada de Camões e dos seus
versos mais longos é parte do que
fascina o actor, assim como a
possibilidade de conduzir o público
na leitura: “A leitura em voz alta
pode ajudar as pessoas a
entenderem-na e a segui-la”.
Mais do que a corrente que
procura uma biografia de Camões a
partir dos seus poemas, o que
interessa a Luís Miguel Cintra é
“como através do trabalho das
palavras, rimas, e ritmos, se cria um
sentimento que se confunde com
um pensamento sobre a própria
natureza humana”, como “se o
poeta estivesse a definir o que é
viver, o que é a efemeridade da
vida”.
As dez canções transformam-se
“numa música melancólica”. Nelas,
Camões dirige-se à amada. “Mas
sempre numa perspectiva de
intelectualização da tensão erótica,
que é dissecada sob diferentes
formas em cada um dos poemas.”
Mais ainda do que isso: “Aquilo que
faz sofrer o poeta é a mesma coisa
que lhe faz ter prazer na distância
entre a ideia e a concretização, nessa
tensão nunca realizada do desejo. E
isso toca-me muito.” Para o actor,
tudo se traduz num “estado de alma
que tem a ver com a relação do ser
humano com conceitos como a
passagem do tempo ou a pequenez
do individual perante a totalidade
do mundo, e numa melancolia
muito típica da arte daquela época e
da poesia maneirista”.
Com a extinção da Comissão
Nacional para os Descobrimentos, o
disco das “10 Canções” gravado em
1995 deixou de estar disponível. O
recital, esse, será único (dia 14, pelas
19 horas no Fórum Romeu Correia,
em Almada). A preparação, ou
ensaio, é um exercício solitário. “É
mais fácil recriar isto sozinho numa
sala de gravação do que perante o
público que espera uma exibição.”
E não é de uma exibição que se
trata. Luís Miguel Cintra lê poesia
num processo de identificação não
da personagem, mas do autor.
“Imagino que deixo o público
assistir ao que está a passar-se em
mim.” Como no teatro. A.D.C.
Agenda
Estreiam
27º Festival de Almada
Letra M
Em francês, legendado em português.
Encenação: Fernando Mora Ramos.
Com Johannes Von Saaz, João Vieira.
Almada. Sociedade Filarmónica Incrível Almadense.
R. Capitão Leitão,3. De 15/07 a 17/07. 5ª e 6ª às 19h.
Sáb. às 16h. Tel.: 212750929. M/16.
Um Precipício no Mar
De Simon Stephens. Encenação: Jorge
Silva Melo. Com João Meireles.
Lisboa. Culturgest. R. Arco do Cego - Ed. da CGD. De
15/07 a 18/07. 5ª às 19h30. 6ª e Sáb. às 19h30 e 23h.
Dom. às 16h e 18h30. Tel.: 217905155.
O Quarto (Escuro)
Companhia: Athra e Compagnie.
Encenação: Julie Binot. Com Béatrice
Charon, Claire Fristot, Olivier Papot.
Lisboa. Inst. Franco-Português. Av. Luís Bívar, 91. De
14/07 a 17/07. 4ª, 5ª, 6ª e Sáb. às 19h. Tel.: 213111400.
Cabaret Hamlet
Companhia: Théâtre Dijon-Bourgogne.
Encenação: Matthias Langhoff. Com
Agnès Dewitte, Anatole Koama,
Charlie Nelson, Delphine Zingg,
Emmanuelle Wion, François Chattot,
Frédéric Kunze, Gilles Geenen, Jean-
Marc Stehlé, Marc Barnaud, Osvaldo
Caló, Patricia Pottier, Patrick
Buoncristiani, Philippe Marteau.
Lisboa. CCB. Pç. do Império. De 14/07 a 15/07. 4ª e 5ª
às 19h. Tel.: 213612400. Em francês, legendado em
português.
Ver texto pág. 28 e segs.
Ode Marítima
De Fernando Pessoa. Encenação:
Claude Régy. Com Jean-Quentin
Châtelain.
Almada. Teatro Municipal. Av. Professor Egas Moniz.
De 14/07 a 16/07. 4ª, 5ª e 6ª às 21h30. Tel.:
212739360.
Se o Mundo Fosse Bom, o Dono
Morava Nele
De Ariano Suassuna (a partir de),
Januário de Oliveira (a partir de), Gil
Vicente (a partir de).
Évora. Lg. de São Mamede. De 13/07 a 31/07. 3ª, 4ª,
5ª, 6ª e Sáb. às 22h. Entrada livre.
As Formigas
De Boris Vian. Encenação: Rogério de
Carvalho. Com Dulce Baptista,
Meirinho Mendes.
Almada. Fórum Municipal Romeu Correia. Pç.
Liberdade. Dia 11/07. Dom. às 19h. Tel.: 212724928.
Um Jantar Muito Original
De Fernando Pessoa (a partir de).
Encenação: Alex. Riener. Com Anna
Morawetz, Eva Pröglhöf, Flo
Staffelmayr, Florian Tröbinger, Karola
Niederhuber, Stefanie Philipps,
Susanna Hohlrieder. Em alemão,
legendado em português.
Lisboa. Teatro Nacional D. Maria II. Pç. D. Pedro IV.
Dia 11/07. Dom. às 21h30. Tel.: 213250835.
Matar Shakespeare
De Tatiana Frolova. Encenação: Tatiana
Frolova. Com Elena Bessonova, Dmitri
Botcharov, Vladimir Dmitriev.
Almada. Fórum Municipal Romeu Correia. Pç.
Liberdade. Dia 10/07. Sáb. às 19h. Tel.: 212724928.
Almada. Teatro Municipal. Av. Professor Egas Moniz.
Dia 10/07. Sáb. às 20h30. Tel.: 212739360.
Casimiro e Carolina
De Odon von Horvath. Encenação:
Emmanuel Demarcy-Mota. Com Alain
Libolt, Ana das Chagas, Céline
Carrère, Charles-Roger Bour,
Constance Luzzati, Cyril Anrep,
Elodie Bouchez, Gaëlle Guillou,
Gerald Maillet, Hugues Quester,
Jauris Casanova, Olivier Le Borgne,
Pascal Vuillemot, Sandra Faure,
Sarah Karbasnikoff, Stéphane
Krähenbühl, Thomas Durand, Walter
N’Guyen.
Porto. Teatro Nacional São João. Pç. Batalha. Dia
10/07. Sáb. às 21h30. Tel.: 223401910.
Lisboa. Teatro Nacional D. Maria II. Pç. D. Pedro IV.
De 15/07 a 16/07. 5ª e 6ª às 21h30. Tel.: 213250835.
Ver texto pág. 28 e segs.
Uma Família Portuguesa
De Filomena Oliveira, Miguel Real.
Encenação: Cristina Carvalhal. Com
Bruno Simões, Carlos Malvarez, João
Maria Pinto, Luísa Salgueiro, Teresa
Faria.
Almada. Palco Grande - Escola D. António da Costa.
Av. Professor Egas Moniz. Dia 10/07. Sáb. às 22h30.
Tel.: 212745294.
Era Uma Vez um Crocodilo Verde
Encenação: Coralia Rodríguez. Com
Coralia Rodríguez.
Lisboa. Casa América Latina. Av. 24 de Julho, 118-B.
Dia 09/07. 6ª às 19h. Tel.: 213955309. Em espanhol.
Porque na Noite Terrena Sou
Mais Fiel que Um Cão
De Joana Craveiro. Encenação: Joana
Craveiro. Com Inês Rosado, Rosinda
Costa, Tânia Guerreiro. Festival
Trans_Sintra.
Sintra. Casa de Teatro. R. Veiga da Cunha, 20. De
10/07 a 10/10. Sáb. às 21h30. Tel.: 219233719.
O Humor é Coisa Séria
De Onésimo Teotónio de Almeida.
Com Bruno Nogueira, Maria Rueff.
Lisboa. Teatro Municipal de S. Luiz. R. Antº Maria
Cardoso, 38-58. Dia 10/07. Sáb. às 17h30. Tel.:
213257650. Entrada livre.
Romeu e Julieta XVI - XXI
Encenação: São José Lapa, Inês Lapa
Lopes. Com Carlos Zacarias, Carolina
Curado, Eva Pereira, Felicidade Matias,
. “Tom de Festa 20 anos a miscigenar culturas”
. “Cerâmica”
. “20 anos, 20 cartazes” exposição nas ruas de Tondela
. “Cenografias em público” espaços na cidade
. Líquen intervenção plástica de grafíti em Tondela
. Contadores de estórias
. Vistacurta – festival de curtas de Viseu / parceria Ccv
. Oficinas de Olaria e Raku / parceria Cearte
. O Cubo
. Restaurante Novo Ciclo / 3 Pipos / Bar Tom_de_Festa
[Bilhetes 4 dias: 22,50€ / 17,50€]
[Bilhetes/dia - 14 Jun: 1,00€ / 15, 16 e 17: 10,00€ / 7,50€]
Filipa Lourenço, Francisco Pereira,
Jesus Aldeia, Lúcia Sousa, Luís
Pacheco, Rodolfo Neta, Sandra Neta
Fernandes, Sara Matos, Vanessa Silva,
Luís Fernandes.
Azóia. Espaço das Aguncheiras. R. das Aguncheiras.
De 10/07 a 11/07. Sáb. e Dom. às 18h. Tel.: 212682430.
Santa Joana dos Matadouros
De Bertold Brecht. Encenação:
Gustavo Trestini.
Coimbra. Oficina Municipal do Teatro. (Vale das
Flores) R. Pedro Nunes. De 09/07 a 18/07. 2ª, 3ª, 4ª,
5ª, 6ª e Sáb. às 21h30 (excepto a 11/007). Dom. às
19h. Tel.: 239718238.
Dança
Estreiam
Um pouco de ternura, grande
merda!
Companhia: Compagnie Dave St-
Pierre. Coreografia: Dave St-Pierre.
Almada. Palco Grande - Escola D. António da Costa.
Av. Professor Egas Moniz. Dia 13/07. 3ª às 22h. Tel.:
212745294. 20€ (c/ descontos). 27.º Festival de Teatro
de Almada 2010.
Insustentável Leveza
Com ACTA - A Companhia de Teatro
do Algarve. Coreografia: Carlos Matos.
Cenografia: Annett Hunger.
Bailarino:Wencke Kriemer, Marie
Schmieder, Igor Kirov, Marijana
Savovska, Fábio Liberti. Com Afonso
Dias (voz). Encenação: Annett Hunger.
Portimão. Teatro Municipal. Lg. 1.º de Dezembro.
Dia 10/07. Sáb. às 21h30. Tel.: 282402475. 10€
(sujeito a descontos).
A Casa
De Paulo Curado (música).
Coreografia: Aldara Bizarro.
Cenografia: Patrícia Colunas.
Bailarino:Albana Hall, Constanza
Givone. Encenação: Patrícia Colunas.
Montijo. Cinema Teatro Joaquim D’Almeida. R.
Joaquim D’Almeida. Dia 10/07. Sáb. às 21h30. Tel.:
212327882. Entrada livre.
ACERT Associação Cultural e Recreativa de Tondela
Rua Dr. Ricardo Mota; 3460-592 Tondela
Tel. geral: 232 814 400 / Bilheteira: 232 814 410 / www.acert.pt
14 New Sketch / PT
concerto especial para gravação de DVD
15 Desbundixie / PT
Samuel Úria / PT
Fernando Alvim dj set / PT
16 Kimi Djabaté / Guiné B
Ska Cubano / Cuba
Freddy Locks / PT
17 Deambuloscopie / FR - teatro de rua
Proyecto Entre Cuerdas / ES
Festicultores / ES
Ípsilon • Sexta-feira 9 Julho 2010 • 53

Exposições
RUI GAUDÊNCIO
Este povo
que nos
define
O centenário da República
é pretexto para uma difícil
mega-exposição sobre o
tema do povo. Luísa Soares
de Oliveira
Povo - people
LISBOA. Museu da Electricidade. Central Tejo. Av. de
Brasília. De dom. a 6ª, das 10h às 18h. Sáb., das 10h
às 20. Até 19/09.
mmmmn
Uma exposição com 4 comissários e 288 obras
Quatro comissários, 288 obras,
maioritariamente portuguesas e
algumas estrangeiras, quase seis
dezenas de entidades
emprestadoras: a exposição ‘Povo -
people’, a decorrer no Museu da
Electricidade, tem as características
de um grande evento internacional,
e partiu do ambicioso conceito de
reunir no mesmo espaço abordagens
ao tema nas mais diversas
disciplinas, artísticas ou não. Da
pintura à escultura e à música, da
instalação ao cinema documental
(onde se incluem montagens das
fascinantes actualidades locutadas
por António Lopes Ribeiro durante
todo o Estado Novo), dos
documentos históricos aos
testemunhos sociais, abrangendo
um leque temporal de mais de dois
séculos, trata-se aqui de reunir na
sala imponente do primeiro andar
todo o tipo de materializações,
criações artísticas e testemunhos
que o povo pôde provocar.
Dividida em nove núcleos, com
títulos como “O povo é sereno”, “o
povo é quem mais ordena”, “casas
do povo”, “se isto não é o povo,
onde é que está o povo” ou “povo,
povo, eu te pertenço”, a exposição
não faz distinção de épocas,
agrupando as obras – que tanto
podem ser de Rui Sanches, Amadeo,
Almada, Roquemont ou Álvaro
Cunhal, como documentos de
identificação digitalizados ou
imagens documentais da habitação
tradicional portuguesa, cartazes do
25 de Abril ou caricaturas de
Bordalo Pinheiro – consoante se
inserem num ou noutro tipo de
leitura. Por isso, encontramos aqui
boa parte da melhor arte portuguesa
moderna, modernista e
contemporânea. Aliás, segundo João
Pinharanda (comissariado artístico),
a ideia da exposição construiu-se em
torno do quadro “Cinco Artistas em
Sintra”, o manifesto de Cristino da
Silva em que os artistas românticos
se representavam na charneca,
tendo ao fundo o palácio do rei
coleccionador, D. Fernando, e
personagens do povo em atitude de
admiração embasbacada. O quadro
colocava já uma das duas grandes
questões que esta exposição levanta:
é que a criação artística pressupõe
uma distância conceptual entre
criador e objecto da criação. Dito de
outra forma, independentemente
das origens de cada artista, olhar
para o povo, representá-lo ou
apresentá-lo implica um estar de
fora que exclui a pertença. Rosa
Ramalho, também representada na
exposição, é a única excepção.
A segunda questão decorre da
primeira. Se o povo é o tema da
exposição, será que a definição que
damos a esta palavra é exactamente
a mesma há duzentos e tal anos?
Neste espaço de tempo, que é por
alto a distância que nos separa da
Revolução Francesa, aconteceu
Marx, que definiu politicamente a
palavra, aconteceu o Estado Novo,
que a quis encerrar num espartilho
bonito, aconteceu a guerra colonial,
a primeira guerra igualitária que
tivemos, e a Revolução de Abril, a
democracia. A exposição intui-o,
reproduzindo diversas definições da
palavra no jornal que faz de
catálogo. Mas afirmar “povo, povo,
eu te pertenço”, enquanto se
convidam todos os visitantes a
deixar a sua imagem num painel à
entrada, coloca aqui um voto
simpático de igualdade que uma
discussão mais aprofundada, a fazer
paralelamente à exposição, poderia
esclarecer.
As obras contemporâneas mais
interessantes são justamente aquelas
que problematizam estas questões.
Muita fotografia, de que
destacaremos as de Manuel Botelho
pertencentes à série “Confidencial
Desclassificado”, em que o artista
se auto-representa como soldado na
guerra colonial; a escultura “Vista
Interior”, de Joana Vasconcelos –
uma casinha de classe média-baixa
pronta a usar; o busto da República
de Rui Sanches; e sobretudo o
diaporama do colectivo
Kameraphoto, um retrato global
desse outro a que alguns chamam
povo, com que alguns se
identificam, mas que é sempre
fascinante, na estranheza que nos
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
devolve ao olhar. É pena que não
tenhamos a oportunidade de ver, na
Cinemateca ou noutro lugar, a visão
dos cineastas que corresponde à
destes artistas.
A vida intensificada
Action cinema
de Ken Jacobs
VILA DO CONDE Galeria Solar - Galeria de Arte
Cinemática. Rua do Lidador. Tel.: 252 646516. De 3ª
a 6ª das 14h30 às 18h. Sáb. e Dom. das 10h às 12h30
e das 14h30 às 18h. Até 12/09
mmmnn
“Em 1893, Warburg perguntando-se
acerca da maneira como os artistas
da Renascença italiana
representaram o movimento,
constata que eles são
inelutavelmente levados à descrição
de uma aparência: os signos da
mobilidade concentram-se na
periferia das figuras, na deformação
dos contornos e dos traços, a
dilatação dos vestidos e dos cabelos,
sem afectar a sua estrutura: a origem
do movimento é relacionado com
uma causa exterior que modifica
provisoriamente a configuração do
corpo mas não o afecta em
profundidade”, escreve Philippe-
Alain Michaud em “Aby Warburg e a
imagem em movimento” (Macula,
Paris, 1998).
Emprestar uma nova vida às
imagens: este é a proposta de Ken
Jacobs nas obras que escolheu
apresentar em “Action Cinema”,
exposição que se desdobra pelos
vários espaços da galeria Solar. A
mostra é quase exclusivamente
formada por imagens apropriadas,
com excepção de trabalhos onde
retrata instantes da vida quer em
família, quer com os amigos, neste
caso destacando-se “Bob Fleischner
dying”, um retrato desta figura
mítica do cinema “underground”
nova-iorquino. O resgatar à morte de
um instante, projectando para o
futuro flashes desse tempo perdido,
como apenas fosse possível esse
desígnio – porque o olhar está
alienado pelo presente perpétuo
onde se encontra –, é tarefa própria
de um demiurgo: e Jacobs parece
encarnar bem esse papel.
Na exposição da Solar há imagens
de água, fotografias estereográficas,
velhos filmes: as imagens ganham
espessura, densidade, aproximamse
de nós enquanto fantasmas de
uma outra época. A duração é
esticada: um minuto filmado em
1901 é agora projectado em câmara
lenta, muito lenta mesmo: são mais
de dez minutos de dilatação
temporal, para que os olhos vejam,
contra o presente. Ken Jacobs é uma
espécie de arqueólogo, um
historiador à maneira de Warburg.
Aquilo que lhe interessa é a noção de
“pathosformel”, que se pode
entender como “vida mimicamente
intensificada”. Estamos no domínio
das intensidades que animam a
história, o seu desenrolar “nãocronológico”,
visível na repetição,
em diferentes períodos ou
contextos, de uma mesma “forma ou
fórmula de estilo emocional”.
Veja-se “What Happened on 23rd
Street in 1901”: um filme em que
Jacobs recorre à animação digital de
três dimensões para dar uma nova
vida a um momento captado pela
câmara de Edwin S.Porter,
realizador da companhia de
produção de Thomas Edison. A
película muda-se em digital para nos
mostrar a persistência de uma
mesma fórmula, a de um desejo,
quer na imagem captada no início
do século passado - a passagem de
uma mulher sobre uma grelha de
ventilação, que faz com que a sua
saia se levante –, quer no célebre
instante protagonizado por Marilyn
Monroe, quer ainda na pintura
rococó de Fragonard, “Les hazards
heureux de ‘l’escarpolette’” (1767,
Wallace Collection, London). Esta
recorrência tem a sua origem em
expressões gestuais que se podem
detectar por exemplo na estatuária
da Grécia antiga, nomeadamente
nas representações da ninfa.
É curioso ver como o filme do casal
a passear na Rua 23 – e o respectivo
acontecimento, o esvoaçar do vestido
– foi anunciado no catálogo Edison:
“Um êxito que irá certamente
agradar”, no qual se pode observar
“a saia de uma rapariga que é
levantada a uma altura quase
perversa, para seu horror e diversão
dos vendedores de jornais,
engraxadores e transeuntes.” A
vergonha da involuntária
protagonista (será assim?) em
confronto com o mundo transformase,
mais tarde, em eficaz produção
do “star system” (Marilyn): a idade da
inocência cinematográfica, com ecos
na pintura de Fragonard, perdeu-se
com o advento de Hollywood e, mais
tarde, com a expansão da indústria
pornográfica. Ken Jacobs faz dois
passos atrás e aproxima-nos de uma
outra esfera, onde os afectos são
aquilo que conta. É um trabalho
político, pleno de humanidade,
o seu.
Apenas uma nota para a
exposição, que, em termos formais,
é excessivamente repetitiva: o
recorrente uso de uma espécie de
efeito “strobe” para potenciar a
ilusão do movimento chega a ser
cansativo e corre o risco de retirar
alguma vitalidade às imagens a que
Jacobs quis dar uma sobrevida.
54 • Sexta-feira 9 Julho 2010 • Ípsilon

Agenda
Inauguram
A Banda Desenhada e o Álbum
Ilustrado
De Natalie Leté, Worf Erlbruch,
Nadia Budde, Klaus Ensikat, Volker
Pfüller, Rotraut Susanne Berner,
Sophie Dutertre, Goele Dewanckel,
Jockum Nordström, Martin Jarrie.
Lisboa. Goethe-Institut. Cp. Mártires Pátria, 37. Tel.:
218824510. De 09/07 a 28/07. 2ª a 6ª das 10h às 20h.
Banda Desenhada.
Donnerstag e Outros Desenhos
De Jorge Queiroz.
Lisboa. Chiado 8 - Arte Contemporânea. Largo do
Chiado, 8 - Edifício Sede da Mundial-Confiança.
Tel.: 213237335. De 09/07 a 17/09. 2ª a 6ª das 12h às
20h. Inaugura 9/7 às 22h.
Desenho, Outros.
Escultura Abstracta Nas
Décadas de 1960-70. Colecção
Fundação de Serralves
De Alfredo Queiroz Ribeiro, Ângelo
de Sousa, Armando Alves, João
Machado, Joaquim Vieira, Jorge
Pinheiro, José Rodrigues, Zulmiro de
Carvalho.
Albufeira. EMA - Espaço Multiusos. Antigo Lidl de
Albufeira. Tel.: 289599512. De 10/07 a 05/09. 2ª a
Dom. das 16h às 23h.
Escultura. Allgarve’10.
Tailândia: Rostos e Paisagens
Lisboa. Casino Lisboa. Alam. dos Oceanos Lote
1.03.01 - Parque das Nações. Tel.: 218929070. De
13/07 a 29/07. 6ª e Sáb. das 16h às 04h. 2ª a 5ª e
Dom. das 15h às 03h.
Fotografia.
Continuam
Marlene
Dumas:
Contra o
Muro
De Marlene
Dumas.
Porto. Museu de
Serralves. R. Dom
João de Castro,
210. Tel.:
226156500. Até
10/10. 2ª a 6ª das
10h às 17h. Sáb.,
Dom. e Feriados
das 10h às 20h.
Pintura.
Ver texto págs.
6 e segs.
Sem Limites - Nadir Afonso
De Nadir Afonso.
Lisboa. MNAC - Museu do Chiado. R. Serpa Pinto, 4.
Tel.: 213432148. Até 03/10. 3ª a Dom. das 10h às 18h.
Pintura.
Tudo O Que é Sólido Dissolve-Se no
Ar: O Social na Colecção Berardo
Lisboa. Museu Colecção Berardo. Praça do Império
- Centro Cultural de Belém. Tel.: 213612878. Até
12/09. Sáb. das 10h às 22h (última admissão às
21h30). 2ª a 6ª e Dom. das 10h às 19h (última
admissão às 18h30).
Pintura, Outros.
Mais Que a Vida
De Vasco Araújo, Javier Téllez.
Lisboa. Fundação e Museu Calouste Gulbenkian.
Avenida de Berna, 45A. Tel.: 217823700. Até 06/09.
3ª a Dom. das 10h às 18h.
Vídeo, Fotografia, Instalação,
Outros.
Zao Wou-Ki
Lisboa. Fundação Arpad Szenes - Vieira da Silva.
Pç. das Amoreiras, 56/58. Tel.: 213880044. De
24/06 a 26/09. 2ª, 4ª, 5ª, 6ª, Sáb. e Dom. das 10h
às 18h.
Pintura.
Nasreen Mohamedi: Notas -
Reflexões Sobre o Modernismo
Indiano
De Nasreen Mohamedi.
Lisboa. Culturgest. R. Arco do Cego - Ed. da CGD.
Tel.: 217905155. Até 29/08. 2ª, 4ª, 5ª e 6ª das 11h às
19h (última admissão às 18h30). Sáb., Dom. e
Feriados das 14h às 20h (última admissão às
19h30).
Pintura, Fotografia.
Natureza Morta (Próximo
Futuro Next Future)
De Barrão.
Lisboa. Fundação e Museu Calouste Gulbenkian.
Av. de Berna, 45A. Tel.: 217823700. Até 30/09.
Programa Gulbenkian Próximo Futuro/Next
Future.
Instalação, Escultura.
Arena
De Carla Filipe, João Tengarrinha,
Paulo Brighenti.
Lisboa. Fundação Carmona e Costa. Ed de Espanha
- R. Soeiro Pereira Gomes L1 - 6º A/C/D. Tel.:
217803003. De 06/07 a 16/10. 4ª a Sáb. das 15h às
20h. Ciclo de Conversas: Filipa Oliveira 26/9 às 17h;
José Carlos Pereira 2/10 às 17h; George Stolz 16/10 às
17h.
Desenho, Outros.
Der Geist Unserer Zeit
De Fernando Brito.
Guimarães. CC Vila Flor. Av. D. Afonso Henriques,
701. T. 253424700. Até 27/6. 3ª a sáb das 10h às
12h30 e das 14h às 19h. Domingo e feriados das 14h
às 19h.
Escultura, Pintura, Outros.
A Voz do Mar
De Pancho Guedes.
Sagres. Fortaleza. Tel.: 282620140. De 03/07 a
30/11. 2ª a Dom. das 09h30 às 20h. Allgarve’10.
Instalação.
René Bertholo
Estói. Ruínas Romanas de Milreu. R. de Faro. Tel.:
289997823. Até 29/09. 3ª a Dom. das 09h30 às 18h.
Allgarve 2010.
Azulejos.
This Is My Condition
Jack Pierson
De Ryan McGinley, Ryan McNamara,
Ryan Trecartin, Slater Bradley, Jack
Pierson.
Lisboa. Galeria Filomena Soares. R. da
Manutenção, 80. Tel.: 218624122. Até 11/09. 3ª a
Sáb. das 10h às 20h.
Pintura, Vídeo, Instalação,
Fotografia, Escultura, Outros.
Pra Quem Mora Lá, O Céu é Lá -
OSGEMEOS
De Gustavo Pandolfo, Otávio
Pandolfo (OSGEMEOS).
Lisboa. Museu Colecção Berardo. Pç. do Império
- CCB. Tel.: 213612878. Até 19/09. Sáb. das 10h às
22h (última admissão às 21h30). 2ª a 6ª, Dom. e
Feriados das 10h às 19h (última admissão às 18h30).
Pintura, Outros.
apresenta
TRICOTA
UM PROJECTO DE ELECTROTANGO DOS ARGENTINOS
OTROS AIRES ONDE COEXISTE A TÍPICA ORQUESTRA ARGENTINA
E A ACTUAL MÚSICA ELECTRÓNICA
// 22 de Julho_ Concerto | 21h30
// 20 e 21 de Julho_ Masterclasses | 12h30
(saiba mais em www.bes.pt)
/// ENTRADA LIVRE LIMITADA À LOTAÇÃO DA SALA
// MORADA
Praça Marquês de Pombal
nº3, 1250-161 Lisboa
// TELEFONE
21 359 73 58
// HORÁRIO
Segunda a Sexta
das 9h às 21h
// EMAIL
besarte.financa@bes.pt
Programação e produção
Ípsilon • Sexta-feira 9 Julho 2010 • 55