Berliner Zeitung 07.03.2019

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24 Berliner Zeitung · N ummer 56 · 7 ./8. März 2019 ························································································································································································································································································· Feuilleton Mit den Komponisten des 19. Jahrhunderts sind wir fertig –mit einer Ausnahme: Hector Berlioz. Noch immer geht von der Ankündigung seiner Großwerke „Roméo et Juliette“, „Grande Messe des Morts“, „La Damnation de Faust“ oder „L’Enfance du Christ“ auf Konzertprogrammen, von seinen Opern„Benvenuto Cellini“, „Les Troyens“ oder „Béatrice et Bénedict“ auf den Spielplänen der Ruch des Sensationellen aus.Von einem Komponisten, dem eine„Symphonie fantastique“ gelungen ist, erwartet man viel –aber fast immer verlässt man eine solche Aufführung leicht enttäuscht. Berlioz, der am 8. März vor 150 Jahren starb, war ein Visionär; auch wenn dieser Titel inflationär vergeben wird: Er war wirklich einer. Allerdings auch im problematischen Sinn. Seine Vision war zu groß, zu neu, als dass die technische Lösung mit den Mitteln der Zeit wirklich hätte gelingen können. Berlioz, 1803 in der französischen Provinz zwischen Lyon und Grenoble geboren, kam als Sohn eines Arztes erst spät mit Musik in Berührung: Als er das erste Mal ein Flötchen in die Hand bekam, war er bereits elf Jahre alt –die etwas jüngere Generation von Mendelssohn, Schumann, Chopin und Liszt, geborenzwischen 1809 und 1811, wirdin diesem Alter längst ihre exorbitante Begabung unter Beweis gestellt haben. Vielleicht aber begünstigte der Umstand, dass er nie über nennenswerte instrumentale Fähigkeiten verfügte, den Flug seiner Fantasie über das Zuhandene hinaus. DerVater schickte ihn zum Medizinstudium nach Paris, dort jedoch geriet Berlioz inden Bann der Oper, in den Bann Glucks,Webers,auch in den Beethovens; daneben begeisterte er sich für die „Faust“-Übersetzung des jungen Gérard deNerval, für Shakespeares Dramen und nicht zuletzt die Shakespeare-Darstellerin Harriet Smith, die die „Symphonie fantastique“ inspirierte und später seine erste,bald dem Alkohol verfallende Frau wurde.AmConservatoire jedoch versuchte man Berlioz die Flügel zu stutzen. Mit der Kantate „La Mort de Cléopatre“, die eines seiner besten Werke bleiben sollte, bewarb er sich vergeblich um den Rompreis. Zwei Jahre später, 1830, erhielt er ihn für ein, wie er selbst wusste, belangloses Stück –aber da hatte er sein Meisterwerk längst vollendet: die „Symphonie fantastique“, ein hemmungsloses, wildes Experiment schwarzromantischer Exaltation, dessen Modernität vom Publikum spontan angenommen wurde. Bestürzend bereits die programmatische Ausgangslage der Drogenphantasmagorie eines Künstlers,die auch vom Besuch auf dem Land nicht gelindert wird, sondern im Traum von der eigenen Hinrichtung mit anschließendem Besuch eines Hexensabbats mündet, samt Dies Irae und einem Höllenlärm, den Die Möglichkeit des Höllenlärms Zum 150. Todestag von Hector Berlioz, dessen visionäre Modernität folgenlos blieb und gerade deswegen heute noch so einzigartig frisch ist VonPeter Uehling Als musikalisches Genie ein Spätentwickler:Hector Berlioz DDP IMAGES/UNITED ARCHIVES man als orchestrale Möglichkeit bis dahin kaum geahnt hätte –wie gepflegt tönt dagegen die Unterwelt- Musik in Glucks „Orphée“! Und wer beschreibt die bedrohliche Stimmung, mit der die langsame „Scène aux champs“ ausklingt, das einsame Rufen des Englischhorns, nachdem der Satz friedlich zu Ende gegangen ist, dem nur der ferne Donner mehrerer Pauken antwortet: eine Katastrophe am Rand der Hörbarkeit. Berliozkonnte diesen Erfolg nicht wiederholen. Er blieb ein Komponist des hochinteressanten Konzepts: Der„Symphonie fantastique“ ließ er das Multimedia-Werk„Lélio“ folgen, der die Rückkehr des Künstlers in die Welt beschreibt: Sprecher, verschiedene Besetzungen bis zu oratorischer Größe werden aufgeboten. Shakespeares „Romeo und Julia“ gestaltete er zu einer „Symphonie dramatique“, in der nur so viel Text vorkommt wie nötig –die Liebesszene ist ein Orchesterstück. Er schuf eine eigene „Faust“-Version, die oratorisch gedacht war und oft als Oper gespielt wird. All diese Werkeenthalten großartige, berührende Musik – aber meist doch in einer konventionellen Weise großartig und berührend, die man durch Berlioz überwunden glaubte.Kaum mehr gelingt ihm die Integration von Klang und Komposition, die die „Symphonie fantastique“ auszeichnete. Berlioz instrumentierte einen vergleichsweise akademischen Conservatoire- Tonsatz –und Richard Wagner zog rechts an ihm vorbei. Oder hören wir das heute falsch? Der Wagner’sche Begriff des Klangs, aus mehreren Instrumenten gemischt, in der Mischung sein Gemacht-Sein verbergend, die Harmonik mehr und mehr zu einer Funktion des Klangs einschmelzend, wurde auch in Frankreich kompositionsgeschichtlich prägend bis zu seiner Vollendung bei Richard Strauss. Berlioz liebte direktere, körperliche bis materielle Klänge, es ging ihm um die klare, charakteristische Präsentation der instrumentalen Stimme, nicht um ihre Aufhebung und Brechung im Mischklang. Obwohl Berlioz als erster überhaupt eine Instrumentationslehre verfasste, blieb seine Idee von Klang folgenlos. Aber gerade das hat der Musik Berlioz’ ihre Frische bewahrt, wir begegnen seinen Funden nicht wie denen Mendelssohns oder Wagners in der Musik späterer Komponisten wieder, essind ganz die seinen. Haben Mendelssohn und Schumann die Tradition immer mitgedacht, hat sich Wagner organisch von der romantischen Oper zum Musikdrama entwickelt, so bedeutet Berliozeine Artmusikgeschichtliche Disruption, eine irritierend unabgenutzte Modernität, die nie in den Hafen des„Klassischen“ einlaufen wird. Sie bleibt auch, wenn sie nicht den gleichen Grad an Vollendung aufweist wie die Musik seiner Zeitgenossen, erstaunlich und immer wieder zu entdecken. Diesmal extrem viel zu fühlen Auf ihrem neuen Album „When IGet Home“ entdeckt und erobert Solange Knowles nicht weniger als ihre künstlerische Heimat VonMarkus Schneider Alben über Nacht fallen zu lassen, gehört mittlerweile zum guten Ton. Wer etwas auf sich hält, spart sich Werbekampagnen und überrumpelt die Öffentlichkeit einfach mit dem Produkt. Beiläufigkeit ist der neue Hype. Der Termin für Solanges Album „When Iget Home“ war jedoch nicht zufällig gewählt. In den USA ging nämlich zum 1. März der Black HistoryMonth zu Ende,während der National Women’s History Month begann. Genauer betrachtet erinnert „When IGet Home“ an Frank Oceans Nachfolger zum Durchbruchshit „Channel Orange“ von2012. Aufdiesen reagierte er vier Jahre später mit „Blonde“ und „Endless“, zwei Alben voll oft nicht ganz ausgeführtem Soul und Ideen im Sprung. „When I Get Home“, das vierte Album von Solange Knowles, gehörte zu den heiß erwarteten Veröffentlichungen in diesem Jahr. Mit dem wunderbaren„ASeat at the Table“ war sie 2016 so überzeugend wie entschlossen aus dem Schatten ihrer älteren Schwester Beyoncé getreten. Als hätte sie mit den beiden Alben zuvor Anlauf genommen, verlieh sie ihrem modernen Urban Sound die Aura eines runderneuerten Autoren- Soul, der zwischen Funk-Psychedelik und Future-R&B mit Gästen wie Kelela ebenso stark daherkam wie der Gesamtentwurf, in dem sie Frauen und insbesondere deren Blackness feierte. Exemplarisch die Wehrhaftigkeit des Hits„Don’t Touch My Hair“, worin sie Bewusstsein und Körper in zärtlichem Soul zusammenführt. Der Eindruck einer gewissen Flüchtigkeit bleibt auch, nachdem man sich länger auf „When I Get Home“ eingelassen hat. Nurerkennt man sie nun deutlich als künstlerische Entscheidung. Auch wenn Solange stets unangestrengter und weniger diszipliniert unterwegs war als ihre fünf Jahre ältere Schwester. durchlief sie die gleiche väterliche Entertainment-Schulung wie Beyoncé, deren Band Destiny’s Child sie schon mit 15 im Hintergrund begleitete. Sie verfolgte jedoch andere Ziele als Beyoncé. Statt sich im Hochleistungspop zu verausgaben modelte sie, ließ sie den Afro wuchern, und trat zuletzt in Großgalerien wie der Londoner Tate, dem New Yorker Metropolitan Museum und der Hammer GalleryinL.A. auf. Doch bei aller bohemienhaften Anmutung ist der Nicht nur die Schwester:Solange Knowles Produktionsehrgeiz dieses Albums enorm. Thematisch bewegt sich die 32-Jährige durch ihre Südstaatenheimstadt Houston, Texas, lässt die Gedanken in Sonne oder Nachtlicht in einem der schillernden Autos streunen, derenBonbonfarbe sie besingt. Zwischen den Tracks erzählen verschiedene Frauen vom Leben, einige Titel heißen nach Straßen und Vierteln, sie beschwört den lokalen HipHop- GETTY IMAGES Sound und zeigt im begleitenden Video schwarze Cowboys und Rodeoszenen. Die Texte beschränken sich derweil auf wenige Worte. Kreiselnd, assoziativ, aber nicht kryptisch: „Black skin, black braids/ black waves, black days/ black baes/ these are black owned things“ listet sie in „Almeda“. Auch musikalisch, sagt sie, habe sie sich von Repetition leiten lassen, inspiriertvom ambient-nahen Endsiebziger Stevie Wonder und dem Jazz von SunRaund Alice Coltrane. Aber man höre nur, wie sie von den winzigen digitalen Blubber-und Blibbersounds des Openers bis zum somnambulen Ende diese nicht-linearen Lieder ausschmückt! Wie sie die Stimme wandeln lässt, sich mit Gaststimmen verschlingt oder körperlos verträumte Strecken inszeniert, mit zischenden Becken und jazzig verschwimmenden Keyboards. Oder auch wie sie raffinierte Bassmotive einbaut oder den Neo- Soul der Neunziger atmosphärisch noch mehr zerfließen lässt als die frühe Erykah Badu. „Ich hatte auf ‚Seat at the Table‘ ja ganz offenbar irre viel zu sagen“, wird sie von der Seite pitchfork.com zitiert. „Diesmal hatte ich dagegen extrem viel zu fühlen. Worte hätten meine Ausdrucksmöglichkeit reduziert: Mir ging es um die klangliche Form.“ Natürlich tummeln sich auf diesem Album Gaststars wie Rapper und Produzent Earl Sweatshirt oder die Sänger Blood Orange und Sampha, gestandene Größen wie Animal Collectives Panda Bear und Pharrell, dazu Houstoner Urgestein wie Scarface. Aber: Es gibt kein einziges Stück, das sie nicht mindestens mitproduziert hat –ihre öfter gestellte Forderung nach Präsenz und Jobs für Produzentinnen hat nichts mit Eitelkeit zu tun. Solange Knowles inszeniert ihre Erfahrung und Welt bis in die schimmernsten Tiefen selbst. Aber das schöne Terrain, das sie dabei entdeckt und erobert, ist auch ihrekünstlerische Heimat. Solange:When IGet Home (Sony)
Berliner Zeitung · N ummer 56 · 7 ./8. März 2019 25 ························································································································································································································································································· Feuilleton Alle haben eine Sehnsucht Klaus Hoffmann in der Bar jeder Vernunft Die Saudis in der Mailänder Scala Finanzierungsabkommen verursacht Aufregung VonIrene Bazinger Kann man Klaus Hoffmann als Urgestein der deutschen Liedermacherszene bezeichnen? Einerseits ja, weil er schon so lang dabei ist, andererseits jedoch auf gar keinen Fall, denn dafür ist er viel zu wenig „ur“ und viel zu wenig „Stein“, sondern wendig, geschmeidig, lebendig und trotz seiner bald siebzig Jahrejugendlich rebellisch und frohgemut unkonventionell. Davon kann man sich in der Bar jeder Vernunft überzeugen, wo er jetzt mit seinem Konzertprogramm „Aquamarin“ gastiert. Begleitet von Hawo Bleich am Klavier, spannt er einen weiten Bogen vonden alten zu den neuen Liedern. Dazwischen erzählt er fragmentarische Geschichten vonseiner „großen Flucht ins Leben“ und in die Kunst, erinnert sich an seine Elternund die Zeit vordem Bau der Berliner Mauer, und wie es dann war, als die Verwandten „drüben“ waren. Klaus Hoffmann ist einfach ein Gesamtberliner, der in den witzigen Conférencen gekonnt mit dem Publikum schäkert, das ihn von Anfang an mit Sympathie und Liebe umfängt und für jeden Schabernack zu haben ist. „Macht nüscht“, sagt er augenzwinkernd, wenn der Saal trotzdem nicht so schnell mitsingt, wie er das gern hätte. Kleine Pausen erhöhen die Spannung, er spricht die Sätze manchmal nicht zu Ende,deutet die Pointen nur an –und wird dennoch verstanden, weil die knappen Szenen wirklich gekonnt gebaut und gedichtet sind. Mit verletzlicher Innigkeit und freundlicher Ironie singt er von tiefen Leidenschaften und verzehrenden Emotionen, von den Männernseiner Mutter,von sozialen Außenseitern oder vom Mond über Berlin –und hat eine Hommage an Charles Aznavour geschrieben, „Du siehst aus wie Papa“. Klaus Hoffmann haut kräftig in die Gitarrensaiten und singt mit vokaler Emphase, erscheint dabei aber stets schwebend und schwärmerisch, mehr daheim in seinen Der immergrüne Klaus Hoffmann weiß, wasgut ist. MALENE Träumen und Gefühlen als im Alltagsgetriebe der Welt. „Wir haben alle eine Sehnsucht“, erzählt er zwischendurch, und das ist genau die Stimmung, die seine Lieder und Reflexionen prägt –ehrlich, verrückt, unsentimental. VomKlavier aus unterstützt ihn vertraut und vergnügt sein langjähriger musikalischer Partner Hawo Bleich, und es ist eine Freude, den beiden bei der fließenden konzertanten Interaktion zuzuhören. Hoffmann sagt zu Beginn, dass er bis heute vor jedem Auftritt aufgeregt sei „wie ein Kind“, und was danach passiert, ist auch leicht und flüchtig wie ein schönes Kinderspiel: Es bleibt hängen, ohne zu beschweren, und es macht Spaß, ohne zu unterfordern. Der immergrüne Klaus Hoffmann weiß eben, was gut ist – und wie man’s charmant unter die Leute bringt. Aquamarin bis 10.3., BarjederVernunft, Schaperstraße 24, Tel. 8831582 Siedlungen wachsen über Nacht aus dem Boden. Die Vorzüge der Zahnhygiene „The Sisters Brothers“ von Jacques Audiard ist ein höchst philosophischer Western VonGerhard Midding Die Brüder Sisters können bereits auf eine lange Karriere als Auftragsmörder zurückblicken. Es gibt genug Leute, die sie im Auftrag des undurchsichtigen Commodore zur Strecke bringen sollen. Dass sie immer noch am Leben sind, ist ein untrügliches Indiz für das Geschick, mit dem sie ihr Gewerbe ausüben. Das mag auch daran liegen, dass sie sich so ideal ergänzen, wie es sich eben für ungleiche Brüder gehört. Gutander Waffe Charlie (Joaquin Phoenix) zaudert nicht lange bei der Erfüllung ihrer Aufträge; er hat den Lohn (Whisky, Frauen) fest im Blick. Sein älterer Bruder Eli (John C. Reilly) kann ebenso gut mit der Waffe umgehen. Aber er kann nicht aufhören, zu staunen über die Einrichtung der Welt. Die scheint in der Taträtselhaft im Oregon des Jahres 1851. Dortsind Wasserklosetts und Zahnbürsten zu entdecken; Siedlungen wachsen über Nacht aus dem Boden. Manchmal wundert sich der leutselige Eli auch einfach nur darüber,dass schon vier Tage vergangen sind, ohne dass jemand versucht hat, sie beide umzubringen. Alles in allem ist das unerhört für einen Western. Dasist dem französischen Regisseur Jacques Audiardgerade recht. Er deutet das Genreals einen Schelmenroman, der sich zusehends in ein rabiates Märchen verwandelt. Alexandre Desplats Filmmusik will partout nicht nach heroischem Americana klingen; vielmehr greift sie ahistorisch beschwingt voraus zum Jazz. Allerdings geht es, wie fast immer im Western darum, um Identitätsfindung. Dieser Regisseur lernt seine Charaktere gern ineinem Stadium der Amoral kennen. Es hilft, dass sie den Nutzen des Vatermordes entdecken; gleichviel, ob metaphorisch oder konkret. „The Sisters Brothers“ gibt sich als ein freudianischerWesternzuerkennen –und auf vertrackte Weise auch als ein therapeutischer. WasEli in sich spürt–sein Bruder ist meist zu besoffen, um daran teilzuhaben –, ist eine existenzielle Verunsicherung. Sie ist zu unbestimmt, als dass man sie schon einen Zweifel nennen könnte. Aus ihr erwächst auch keine Vorstellung davon, was das Richtige wäre; vielmehr wohnt ihr die Ahnung inne,dass das Leben nicht so weitergehen sollte wie bisher. Welches Glück also, dass die zwei auf ein weiteres Gespann stoßen, das seine eigenen Suchbewe- Wirsind Heldinnen WILDBUNCH gungen unternimmt. Dasist zum einen ihr Kontaktmann John Morris (Jake Gyllenhaal), der die Umbrüche im Pionierleben aus einer Wartephilosophischer Entrückung verfolgt. (Er hat ebenfalls die Vorzüge der Zahnhygiene entdeckt.) Das Ziel ihrer gemeinsamen Anstrengungen, Herman Kermit Warm (Riz Ahmed), hat eine chemische Formel entwickelt, dank der Goldnuggets im Flusslauf aufleuchten, woran ihr Auftraggeber brennendes Interesse hat. Aber Warm entpuppt sich als ein Idealist, der andere Pläne als nur schnöde Bereicherung verfolgt. Zu dieser Regung zivilisatorischer Erwartungen passt, dass Audiards Spätwestern ineiner Vorzeit spielt. Er füllt eine Lücke, die in der filmischen Überlieferung des Westens klafft, jene Zeit zwischen dem kalifornischen Goldrausch und dem Bürgerkrieg. DasLand ist noch nicht ganz bereit, mit Revolver und Repetiergewehr erobert zu werden: Es gibt zwar bereits mehrschüssige Colts,die zu laden aber höchst kompliziert ist –die Patrone wurde noch nicht erfunden –, was Schusswechsel zu einer etwas stockenden Angelegenheit macht. In den Städten, die quasi über Nacht und im Fertigbau aus dem Boden schießen, regieren vorerst Habgier und Gewalt. DasGesetz tritt in „The Brothers Sisters“ noch nicht auf den Plan. Gold im Garten Eden Die Macht existiert aber bereits in diesem Provisorium. Sie wird vom Commodore verkörpert, und sie ist so uneingeschränkt, dass Rutger Hauer ohne einen einzigen Dialogsatz auskommt. Im Gegenzug meldet sich das Korrektiv zum Kapitalismus bereits zu Wort: Warm schürft nach Gold, um eine Kommune zu gründen, in der Gleichheit und Gemeinwohl herrschen sollen. Diese ferne Utopie gewinnt im dritten Akt des Films heitereKonkretion: imVergnügen, das die ungleichen vier an ihrer Zweckgemeinschaft haben. Sie verbringen frohgemute Tage miteinander;für ein paar Filmminuten darf die Landschaft sich zurückverwandeln in den Garten Eden. Natürlich verlieren sie das Gold nicht aus den Augen, aber ihren Mordauftrag stellen die Brüder erst einmal hintan. DieVerheerung findet andereWege, über sie hineinzubrechen. TheSisters Brothers Frankreich,Spanien, Rumänien, Belgien,USA 2018. Regie und Drehbuch(mit ThomasBidegain,nach dem Roman vonPatrick de Witt):Jacques Audiard. Darsteller: John C. Reilly, Joaquin Phoenix, JakeGyllenhaal u.a.Farbe,121 Minuten, FSK: ab 12 Jahre Wenig differenziert: Eine dreiteilige Dokumentation von RBB und MDR feiert die „Ostfrauen“ VonTorsten Wahl Dahat das Land Berlin dem Filmprojekt sogar zu einem Feiertagstermin verholfen. Dieersten beiden Folgen der Dokureihe „Ostfrauen“ laufen am Frauentag, ab 20.15 Uhr, bei RBB und MDR. Die Autoren Antje Schneider und Lutz Pehnert erweisen sich als echte Gratulanten für alle Frauen zwischen Ostsee und Erzgebirge, feiern sie in der Ouvertüreüberschwänglich:„Sie sind selbstbewusst, unabhängig, erfolgreich. Siemachen Karriere, nicht nur in der Politik. SiemeisternBeruf und Familie, weil sie es nicht anders kennen. Sie reden nicht über Emanzipation, weil sie emanzipiertsind.“ In den drei Folgen reden insgesamt 18 solcher „Ostfrauen“ über sich und ihr Selbstverständnis, alle werden dazu mit einer Kurzbiografie vorgestellt. Manche sind Ende Siebzig, andere erst Mitte Zwanzig, was die Frage aufwirft, wie lange die biografische Prägung eigentlich hält. Umspielt werden die Aussagen von prägnanten Filmausschnitten mit Defa-Heldinnen wie Jutta Hoffmann, Angelica Domröse, Renate Krößner und Katrin Sass sowie Dokumentarfilmen, in denen selbst die berüchtigte Justizministerin Hilde Benjamin –ineiner MDR-Produktion von 2013 „Die Scharfrichterin der DDR“ genannt –, als Vorkämpferinder Ostfrauen angeführtwird. Die Vorzeige-Frauen können fast allesamt aus einem besonderen Lebensweg berichten, was oft anregend ist und zum Vergleich einlädt. So war Solveig Leo in den 60er-Jahren die jüngste LPG-Vorsitzende der DDR, Sabine Eckner Anfang der 90er dann die jüngste Chefin eines Arbeitsamtes, Simone Brackrog kennen viele als Aktmodell, Viola Klein leitet heute eine Softwarefirma mit mehr als 200 Mitarbeitern –und Regine Sylvester muss den Lesern dieser Zeitung gar nicht vorgestellt werden. Deutlich und anschaulich wird, wie die staatlich angeordnete Emanzipation nicht nur zur einer anhaltend höheren „Erwerbsneigung“ und zu einem Vorsprung in puncto Gleichstellung führte, sondern auch zu erhöhten Raten bei Scheidungen und Schwangerschaftsabbrüchen, die in der DDR viel liberaler geregelt waren. Vorallem aber will die Reihe zeigen, dass die „Ostfrauen“ mit ihrem Pragmatismus die Bundesrepublik stärker verändern, als sie es selbst wahrhaben wollen. In der Folge „Wege zur Macht“ rücken Politikerinnen ins Zentrum, wie die beiden SPD-Frauen Petra Köpping und Katrin Budde, die linke Netzaktivistin Anke Domscheit-Bergoder die Lausitzer Konservative Jana Schimke, die 1989 gerade mal zehn Jahre alt war. Die höhere Präsenz der Ostfrauen in der Politik, so sind seit 2013 sämtliche ostdeutschen Bundesminister stets Frauen gewesen, war für Produzent Olaf Hoferichter überhaupt der Anlass für diese Dokureihe. In den Interviews stellen alle Politikerinnen das Verbindende heraus – als stünden Sozialisation und Herkunft über politischer Position, als würden sie stets mit einer Stimme sprechen. Überhaupt besteht das Problem dieser Reihe darin, dass im Kommentar, den Anna Thalbach spricht, alle Aussagen sofortverallgemeinert, oft pauschalisiertwerden. Doch Ostfrauen, die keine zweite tolle Karriere hingelegt haben, sondern nach der Wende sich zurückzogen, Hausfrau wurden, in Mini-Jobs festhingen oder resignierten, kommen im Film nicht vor. Gegenüber den „Westfrauen“ aber müssen sich fast alle Befragten immer wieder abgrenzen. Keine wollte je „Emanze“, „Karrierefrau“, „Püppi“ oder „Superweib“ sein. „Ostfrauen sind kein Mythos – sie bestehen auf ihr Glück“, heißt es hymnisch im Ausklang des ersten Teils.Gilt das nur für sie? Ostfrauen Folgen 1/2: „Wegezum Glück“, „Wege zur Macht“, Fr,8.3., ab 20.15 Uhr ,RBB und MDR;Folge3:„Wegvom Herd“, Di,12.3., 20.15 Uhr,RBB,22.05 Uhr,MDR Begleitstudie: rbb-online.de/ostfrauen VonRegina Kerner Darfeine europäische Kulturinstitution mit einer despotischen Herrscherfamilie zusammenarbeiten, die Kritiker ins Gefängnis werfen oder gar ermorden und zerstückeln lässt? Über diese Frage wirdderzeit in Italien debattiert. Es geht um die Mailänder Scala, eines der bekanntesten Opernhäuser der Welt, und um die saudische Königsfamilie, die wegen Menschenrechtsverletzungen in Verrufgeraten ist, vorallem seit der Journalist Jamal Kashoggi im saudischen Konsulat in Istanbul ermordet wurde. Drei Millionen aus Riad Eine Vereinbarung sieht vor, dass aus Saudi-Arabien fünf Jahre lang je drei Millionen Euro an die Scala fließen. Das hat Intendant Alexander Pereira, ein österreichischer Kulturmanager, in Interviews bestätigt. Die Scala soll ihrerseits beim Aufbau einer MusikundTanzakademie in Riad helfen. Offen ist, ob die Millionenspende vom Königshaus oder etwa vom saudischen Ölkonzern Aramco kommen wird. Und offen ist auch, ob Saudi- Arabien im Gegenzug Mitglied der Scala-Stiftung wird. Dieser gehören neben dem italienischen Staat, der Region und der Stadt Mailand etliche private Geldgeber wie Pirelli, Eni, Tod’s und Allianz an. Das neunköpfige Gremium segnet Programm und Personalentscheidungen ab und kümmert sich um die Bilanzen. Der saudische Prinz war im Dezember überraschend zum Spielzeitauftakt nach Mailand gereist. Damals habe er mit Italiens Kulturminister Alberto Bonisoli erstmals über eine Kooperation gesprochen, sagte Intendant Pereirajetzt –wohl auch, um sich gegen Vorwürfe zu verteidigen, er handele auf eigene Initiative. Die Opposition ist empört. „Die Vorstellung, dass die Saudis in die Scala kommen, ist in Sachen Menschenrechte ein Schlag ins Gesicht“, sagte der italienische Sozialdemokrat Antonio Panzeri, Vorsitzender des Menschenrechtsausschusses im EU- Parlament. Ähnlich argumentiert Maurizio Gasparri von der Forza Italia. Kulturminister Bonisoli ließ wissen, er werdesich mit dem Außenministerium beraten. Dasletzte Wort ist dem Scala-Aufsichtsrat vorbehalten. Derwill sich am 18. Märztreffen. Intendant Pereira geht nach dem Motto „Pecunia non olet“ vor, Geld stinkt nicht: „So eine Gelegenheit kommt nicht alle Tage.“ Lehne die Scala ab,gebe Prinz Badr das Geld anderen. „Frankreich wartet nur darauf.“ Er wisse,wie despotisch das Regime in Riad sei. Aber er glaube an die „positive Kraft der Musik“. Seit Pereira2014 die Leitung übernahm, hat er viele Sponsoren gewonnen. 45 Millionen nimmt die Scala jährlich an privaten Geldern ein. Als eines der wenigen italienischen Theater schreibt sie schwarze Zahlen. Pereiras Vertrag läuft 2020 aus, erwürde gern weitermachen. Es wird vermutet, er könne seine Position mit der Spende aus Riad festigen wollen. TOP 10 Dienstag,5.März 1 Ina.Freundschaft ARD 4,61 14 % 2 Charité ARD 4,46 14 % 3 Rosenheim-Cops ZDF 4,43 15 % 3 Tagesschau ARD 4,43 14 % 5 heute ZDF 4,36 17 % 6 SOKOKöln ZDF 3,86 18 % 7 RTL aktuell RTL 3,58 15 % 8 Wer weiß denn...? ARD 3,53 17 % 9 heute-journal ZDF 3,03 10 % 10 GZSZ RTL 2,98 10 % ZUSCHAUER IN MIO/MARKTANTEIL IN %
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Berliner Zeitung 07.03.2019

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