CRESCENDO 2/18 März-Mai 2018

20 JAHRE
AUSGABE 02/2018 APRIL – MAI 2018
www.crescendo.de 7,90 EURO (D/A)
PREMIUM
AUSGABE
inkl. CD
DANIEL
BARENBOIM
Der große Pianist und
Dirigent über Klischees
und Gedankenreisen
FRANKREICH
Debussy, Messiaen und die
Musik des Sonnenkönigs
Christa
Ludwig
„Mit 90 Jahren habe ich
das Recht, faul zu sein!“
B47837 Jahrgang 21 / 02_2018
Mit Beihefter
CLASS: aktuell
und Sonderseiten der
Deutschen Mozart-Gesellschaft
MUSIK IN DER
FRAUENKIRCHE DRESDEN 2018
„Inspiration und Reflexion“
Über 120 Veranstaltungen laden
ein, die Vielfältigkeit von Werken,
Künstlern und Interpretationen
zu entdecken.

FESTWOCHEN DER AUTOSTADT
I N W O L F S B U R G
04. APRIL 06. MAI 2018
WÜRDE
Stand: 9. Januar 2018; Änderungen vorbehalten
KONZERTE
Laura Jurd’s Dinosaur · Dominic J. Marshall
Emil Brandqvist Trio · Mario Biondi
Gregory Porter · Indra Rios-Moore
Annika Treutler · Kit Armstrong
Peter Tilling & das Ensemble Risonanze Erranti
William Youn · Ran Jia
Cédric Pescia · Severin von Eckardstein
TANZ
Ballet BC
Company Wayne McGregor
Compagnie DCA ⁄ Philippe Decouflé
Sydney Dance Company
Cloud Gate Dance Theatre of Taiwan
zero visibility corp.
Grupo Corpo
LESUNGEN & SCHAUSPIEL
Boris Aljinovic · Iris Berben
Samuel Finzi · Sylvester Groth
Philipp Hochmair · Burghart Klaußner
Wolfram Koch · Maren Kroymann
Claudia Michelsen · Caroline Peters
Sophie Rois · Alexander Scheer
Thomas Thieme
WEITERE
INFORMATIONEN:
0800 288 678 238 ODER
WWW.MOVIMENTOS.DE
KULTURPARTNER:

P R O L O G
FOTOS TITEL: ROMAN LITSCHKE / AMALTHEA VERLAG; STIFTUNG FRAUENKIRCHE DRESDEN / KILLIG
WINFRIED HANUSCHIK
Herausgeber
VIVE LA FRANCE !
Liebe crescendo-Leser,
Christa Ludwig ist die Grande Dame des
Opernbetriebs. Ihre Stimme prägte Rollen
und Inszenierungen an den wichtigsten
Bühnen weltweit: Ob Wiener Staatsoper,
Salzburger und Bayreuther Festspiele oder
Metropolitan Opera und Mailänder Scala.
Ihr Repertoire reichte von den großen
Wagner-, Verdi- und Strauss-Partien bis
zum lyrischen Lied. Am 16. März feiert sie
ihren 90. Geburtstag. Wir trafen die
quietschfidele alte Dame zu Hause in der
Nähe von Wien, wo sie uns einiges über
Freud und Leid des Sängerberufs, über die
Kraft der Stille und über Stricken gegen
Lampenfieber erzählte. Das Video zum
Interview finden Sie unter: www.youtube.
de/crescendomagazin. Wir wünschen
Frau Ludwig alles Gute zum Geburtstag!
Ein anderes Jubiläum inspirierte uns
zu unserem Themenschwerpunkt: Den
100. Todestag des Claude Debussy
nahmen wir zum Anlass, nicht nur über
An dieser Stelle
ist keine Abo-CD vorhanden?
Sie sind Premium-Abonnent, aber die CD fehlt?
Dann rufen Sie uns unter 089/85 85 35 48 an.
Wir senden Ihnen Ihre Abo-CD gerne noch einmal zu.
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In der Premium-Ausgabe finden Sie nicht nur doppelt so viel Inhalt: mehr Reportagen, Porträts, Interviews und
Hintergründe aus der Welt der Klassik – in einer besonders hochwertigen Ausstattung –, sondern auch unsere
crescendo Abo-CD. Sie ist eine exklusive Leistung unseres crescendo Premium-Abonnements. Premium-Abonnenten
erhalten sechs Mal jährlich eine hochwertige CD mit Werken der in der aktuellen Ausgabe vorgestellten Künstler.
Mittlerweile ist bereits die 71. CD in dieser crescendo Premium-Edition erschienen.
den großen Impressionisten selbst,
sondern über Musik in Frankreich
allgemein nachzudenken. Gibt es so etwas
wie eine „französische Musik“? Welche
Auswirkungen hatten die Machtstrukturen
und Intrigen am Hof des strahlenden
Sonnenkönigs Ludwig XIV. auf die
Kulturgeschichte? Warum sind aktuell die
Werke der großen französischen Oper
plötzlich wieder auf allen europäischen
Bühnen populär? Uns hat das Eintauchen
in ein wenig französisches Savoir-vivre
großen Spaß gemacht. Ich hoffe, Ihnen
auch!
Gleich zwei große crescendo-Premieren
sind im Mai und Juni zu erleben: Am
8. Mai laden wir Sie ein zu einer inspirierenden
musikalischen Hör-Reise mit
unserem Chefrezensenten Attila Csampai.
Erstmals live bei Steinway & Sons
München auf einer Soundanlage von
Devialet. Für crescendo-Leser ist der
Eintritt frei! Mehr auf S. 36.
Vom 17. bis 24. Juni wird dann zum ersten
Mal die crescendo-Musikwoche in der
Kärntner Natur- und Wellnessoase
Mountain Resort Feuerberg stattfinden.
Unsere leitende Redakteurin Dr. Maria
Goeth begleitet Sie eine Woche lang
allabendlich mit verblüffenden, heiteren
und bewegenden Musikthemen durch
Ihren Aufenthalt in 1.760 Meter Höhe am
Aussichtsberg Gerlitzen! Nähere Infos
dazu finden Sie in unserem Reise & Kultur
Special auf Seite 93.
Mit herzlichen Grüßen
Ihr Winfried Hanuschik
ONLINE PREMIUM-SERVICES:
TRETEN SIE EIN!
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ersten Eintritt mit Ihrer E-Mail-Adresse und Ihrer Postleitzahl.
Alle anderen crescendo Premium-Käufer oder -Leser
brauchen für die erstmalige Registrierung den Registrierungscode.
Dieser lautet für die aktuelle Ausgabe:
Registrierungscode:
212403
www.crescendo.de — April – Mai 2018 3

P R O G R A M M
11
PATRICIA
KOPATCHINSKAJA
Die private Playlist der
moldauisch-schweizerischen
Geigerin enthält einige
Raritäten.
22
PIOTR
ANDERSZEWSKI
Voll Selbstkritik disqualifizierte
sich der polnische Pianist
bei einem Wettbewerb sogar
einmal selbst.
25
ELDBJØRG HEMSING
Doppelte Norwegen-Power:
Geigerin Eldbjørg Hemsing
interpretiert die Werke ihres
wenig bekannten Landsmanns
Hjalmar Borgström.
ALP 389
SHOSTAKOVICH
Symphony no.6
Sinfonietta
arranged for String orchestra
and timpani by abram Stasevich
ESTOnIAn FESTIVAl
OrCHESTrA
PAAVO JärVI
Das von Järvi ins Leben gerufene
Estonian Festival Orchestra gibt
auf Anhieb eine beeindruckende
musikalische Visitenkarte ab.
SPIEGEL online
Eine herausragende Interpretation!
PIZZICATO
STANDARDS
03 PROLOG
Der Herausgeber stellt
die Ausgabe vor
06 BLICKFANG
Gauthier Dance Company
08 OUVERTÜRE
Dr. Goeths Kuriosa
Musikkritiker-
Bullshit-Bingo
Ein Anruf bei …
Sabine Ruchlinski von
KulturRaum München
Ensemble
Mit unseren Autoren
hinter den Kulissen
Klassik in Zahlen
Playlist
Patricia Kopatchinskaja
35 IMPRESSUM
36 RÄTSEL &
ATTILA CSAMPAI
LIVE
98 HOPE TRIFFT …
Silke Zimmermann von
Schloss Elmau
KÜNSTLER
12 EIN KAFFEE MIT …
Heino Ferch
14 CHRISTA LUDWIG
Eine große Sängerin feiert
ihren 90. Geburtstag
17 BEAT FURRER
Wie der Schweizer
Komponist „Musik denkt“
18 PHILIPPE
ENTREMONT
Seine erste Banane aß er
mit zehn Jahren zwischen
den Trümmern von Reims
20 FRANZ
WITTENBRINK
In den 60ern malte er sich
bunt an und lief durch die
Straßen Heidelbergs
22 PIOTR
ANDERSZEWSKI
Ein genialer Zweifler, der
mit Ideal und Wirklichkeit
hadert
24 DANIEL
BARENBOIM
Von Debussy und
Impressionismus-Klischees
HÖREN & SEHEN
25 DIE WICHTIGSTEN
EMPFEHLUNGEN DER
REDAKTION
26 ATTILAS AUSWAHL
Magier, Poeten und
Charismatiker
34 UNERHÖRTES &
NEU ENTDECKTES
Nicolas Flagello
EXKLUSIV
FÜR ABONNENTEN
Hören Sie die Musik zu
unseren Texten auf der
crescendo Abo-CD –
exklusiv für Abonnenten.
Infos auf den Seiten 3 & 88
FOTOS: JULIA WESELY; ARI ROSSNER / WARNER CLASSICS; NIKOLAJ LUND
Note 1 Music gmbh
Carl-Benz-Str. 1 - 69115 Heidelberg
Tel 06221 / 720226 - Fax 06221 / 720381
info@note1-music.com
www.note1-music.com
www.outhere-music.com
4 w w w . c r e s c e n d o . d e — April – Mai 2018

PIERRE-LAURENT AIMARD
Der Guardian lobte Pierre-Laurent
Aimard als „einen der besten
Messiaen-Interpreten unserer Zeit“.
Auf seinem neuen Album präsentiert
der Ausnahmepianist seine erste
Aufnahme der umfangreichsten,
anspruchsvollsten und vielfältigsten
Klavierkomposition von
Olivier Messiaen.
PTC 5186670
44
SCHOSTAKOWITSCH
TAGE GOHRISCH
Bis heute brennend aktuelle
Musik von Komponisten, die
in der Unterdrückung um ihr
Ideal kämpften.
65
FRANKREICH
Von Musik als Mittel der
Macht bei Ludwig XIV. über
große französische Oper bis zu
Debussy und Messiaen.
84
WENDT & KÜHN
Mit ihrer Manufaktur für
Miniaturfiguren revolutionierten
zwei Frauen vor über
100 Jahren Sachsen.
Neues
Album
ERLEBEN
37 DIE WICHTIGSTEN
TERMINE UND
VERANSTALTUN-
GEN IM FRÜHJAHR
44 SCHOSTAKOWITSCH
TAGE
Russische und polnische
Moderne im sächsischen
Gohrisch
46 FRAUENKIRCHE
DRESDEN
Eine perfekte Synthese
zwischen Klang und Raum
48 BACHFEST LEIPZIG
Über Intuition, Tiefsinnigkeit
und den einzigartigen
Stil Bachs
SCHWERPUNKT
66 FRANKREICH
Musikintrigen am Hof des
Sonnenkönigs
70 CLAUDE DEBUSSY
Die farbenfrohe Musik des
großen Impressionisten
72 DENKEN AN
CLAUDE
Gedanken und aktuelle
Neuerscheinungen zum
100. Todestag von Debussy
74 BEST OF DEBUSSY
Die wichtigsten
Neuerscheinungen zum
Gedenkjahr
76 GRAND OPÉRA
Die große französische
Oper ist zurück auf den
Bühnen Europas!
LEBENSART
84 WENDT & KÜHN
Die Manufaktur der
himmlischen Wesen aus
dem Erzgebirge
86 STARS KOCHEN
FÜR CRESCENDO
Die Singphoniker mit
Pizza mare & monti
89 REISE & KULTUR
Unser Special mit
Kulturhighlights von
Kärnten bis ins Wendland
97 WEINKOLUMNE
John Axelrod über Parsifal
und französischen Wein
PTC 5186669
BEJUN MEHTA
Bejun Mehta hat mit der Akademie für
Alte Musik sein neues Soloalbum
CANTATA - yet can I hear… eingespielt:
Die Sammlung weltlicher und geistlicher
Solokantaten aus den Federn
von Händel, Vivaldi und Bach ist intim,
tiefgründig und transzendent zugleich.
FOTOS: SLUB DEUTSCHE FOTOTHEK; WENDT & KÜHN
MOZART!
Die Seiten der Deutschen
Mozart-Gesellschaft
Ein Beihefter mit
eigenen Themen &
Empfehlungen rund um
den Komponisten.
Ab Seite 49
78 KOMMENTAR
Axel Brüggemann über
nationale Unterschiede bei
musikalischen Vorlieben
80 OLIVIER MESSIAEN
Farbklang, Religion und
die Musik der Vögel
82 WOHER KOMMT
EIGENTLICH ...
... die Marseillaise?
www.pentatonemusic.com
Im Vertrieb von NAXOS Deutschland
Neues
Album
5

O U V E R T Ü R E
6 w w w . c r e s c e n d o . d e — April – Mai 2018

Heiterer Geschlechtermix
In der neuen, fantasievoll-verrückten Choreografie Bullshit des israelischen Choreografen Nadav Zelner begegnen wir reichlich
pinken Cross-Gender-Wesen. Männer wie Frauen der jungen Stuttgarter Gauthier Dance Compagny haben dabei ihre
gegelten Haare mit bis zu 150 Nadeln zurückgesteckt und tragen eine „Schamkapsel“ – in Mittelalter und Renaissance ein
über der Strumpfhose getragenes Symbol der Männlichkeit – in Kombination mit einer weiblichen Vulva.
7
FOTO: REGINA BROCKE

O U V E R T Ü R E
Dr. Goeths Kuriosa
MUSIKKRITIKER-BULLSHIT-BINGO
Lesen Sie Musikkritiken. Haken Sie die entsprechenden Phrasen ab.
Wer waagrecht oder senkrecht zuerst eine Reihe voll hat, gewinnt! Viel Glück!
warmer,
lyrischer Klang
Transparenz
fulminantes
Klangfeuerwerk
fein austariert /
ziseliert
klare Formgebung
Fest für die Sinne
überaus
empfindsam
mit frappierender
technischer Präzision
von großer
Strahlkraft
bringt jede feinste
Nuance
zum Schwingen
dekonstruiert
[Mozart, Beethoven,
Brahms]
mit romantischem
Gestus
Das ist
[Klavier, Violine,
Gesang] pur
historisch schlank
lässt […]
in neuem Glanz
erstrahlen
oszillierend
hautnahe
Sinnlichkeit
Ausnahmekünstler
Momente dramatischer
Spannung
Eine Sternstunde
der Musik!
ZITAT DES MONATS
„DIE MUSIK MUSS
IMMER
EIN SEHNEN
ENTHALTEN, EIN
SEHNEN ÜBER
DIE DINGE DIESER
WELT HINAUS.“
GUSTAV MAHLER
HÄTTEN SIE’S GEWUSST?
Auch Elefanten haben ein Faible für klassische
Musik! Bereits im Mai 1798 wurde im Botanischen Garten
von Paris ein Versuch mit dem Dickhäuter-Pärchen
Margrethe und Hans unternommen. Von Leckereien
abgelenkt, reagierten die beiden sofort, als sich eine
Falltür zu einem Ensemble öffnete, das ihnen ein Konzert
gab. Besonders heftig reagierten sie auf einen Tanz
aus Glucks Iphigénie en Tauride. Die „Allgemeine musikalische
Zeitung“ von 1799 dokumentiert: „Zuweilen bissen
sie ins Gitterwerk ihrer Käfige, schüttelten sie mit
ihren Rüsseln, stemmten sich mit ganzem Leibe daran
[…]. Von Zeit zu Zeit entschlüpfte ihnen bald ein durchdringender
scharfer Schrei, bald ein leiser Pfiff.“
8 w w w . c r e s c e n d o . d e — April – Mai 2018

O U V E R T Ü R E
KLASSIK
IN ZAHLEN
12
Anzahl
der Geschwister von
Franz Wittenbrink
(siehe S. 20)
28,5
Mio. Euro: Einnahmen
der Salzburger Festspiele
aus Kartenverkäufen 2017
44.143
Anzahl der Personen,
die laut Statistik in Deutschland
bei Theatern, Kultur- und
Rundfunkorchestern
fest angestellt sind.
2.772
Anzahl der Takte in
Bachs Matthäus-Passion
NEWSTICKER
Gergiev verlängert: Der russische Dirigent Valery Gergiev bleibt bis 2025 Chefdirigent der Münchner Philharmoniker. Dies entschied der
Münchner Stadtrat mit einigen Gegenstimmen. +++ Brutaler Diebstahl Mit Messer an der Kehle wurde die preisgekrönte französische Cellistin
Ophélie Gaillard ihres 1,2 Millionen Euro teuren Musikinstruments beraubt. Glück im Unglück: Nachdem die Instrumentalistin einen Aufruf
über die sozialen Medien gestartet hatte, gab der Dieb das wertvolle Stück mittels anonymem Anruf und Depot in einem Wagen vor Gaillards
Wohnung wieder zurück. +++ Jóhann Jóhannsson ist tot Der isländische Filmkomponist verstarb im Alter von nur 48 Jahren am 9. Februar in
seiner Berliner Wohnung. Die Todesursache ist noch unbekannt. Berühmt wurde Jóhannsson etwa durch die Musik zum Stephen-Hawking-Film
Die Entdeckung der Unendlichkeit, für die er mit dem Golden Globe ausgezeichnet und für den Oscar nominiert wurde, oder den Soundtracks zu
Filmen wie Sicario, Mother! oder Arrival.
9

O U V E R T Ü R E
Kulturelle Grundversorgung
Ein Anruf bei Sabine Ruchlinski, Vorstandsmitglied von KulturRaum München.
Hier wird ähnlich wie bei „Tafeln“ gearbeitet – nur dass statt Lebensmitteln kostenfreie Tickets
für Kulturveranstaltungen vermittelt werden.
Sabine Ruchlinski freut sich
über inzwischen rund
150 Ehrenamtliche, die Kultur-
Raum München bereichern
crescendo: Frau Ruchlinski, was hat es mit Kultur­
Raum München auf sich?
Sabine Ruchlinski: KulturRaum München ist ein
Verein, der 2011 gegründet worden ist und sich der
kulturellen Teilhabe von Menschen mit geringem
Einkommen verschrieben hat, indem Karten für
Veranstaltungen vermittelt werden. Das passiert via
persönlicher Telefongespräche.
Wie kam es zur Initiative?
Die Idee kommt von der Journalistin Christine
Krauskopf aus Marburg. Selbst bin ich über das Projekt
KulturLeben Berlin darauf gestoßen. Ich habe
am Theater gearbeitet und fand die Idee, nicht verkaufte
Plätze an Menschen zu geben, die sie sich
nicht leisten können, total überzeugend. In München
gab es das noch nicht, und es fanden sich mehrere
Menschen zusammen, um einen Verein zu gründen.
Wie wird das angenommen?
Sehr gut! Wir haben inzwischen rund 10.000 Gäste, die wir erreichen,
darunter 3.000 Einzelgäste und der Rest über soziale Einrichtungen,
die als Gruppen Kulturveranstaltungen besuchen. Wir haben inzwischen
noch zusätzliche Angebote für bestimmte Zielgruppen entwickelt,
zum Beispiel Kulturpaten für Menschen, die Begleitung brauchen,
wie Geflüchtete oder Menschen mit Behinderung, ein Projekt
für Jugendliche, „KulturKick“, und „KulturKinder“.
Spüren Sie eine Hemmschwelle bei den Leuten, die sich melden?
Nein, weil wir ganz eng mit sozialen Einrichtungen zusammenarbeiten.
Das heißt, die Gäste müssen sich nicht bei uns ausweisen,
sondern wir vertrauen den über 420 Einrichtungen vom Alten-Servicezentrum
über Mutter-Kind-Einrichtungen, Einrichtungen
für Geflüchtete bis hin zu psycho-sozialen
Wohngruppen. Diese Sozialpartner bestätigen
auf der Anmeldung, dass die Gäste berechtigt sind.
Erreichen Sie kulturelle „Erstkontakte“ oder eher
Menschen, die Erfahrung damit haben?
Beides! Wir haben sehr viele Rentner, die schon immer
kulturinteressiert gewesen sind und die sich
aufgrund ihrer Mini-Rente keinen Kultur besuch
mehr leisten können, tatsächlich erreichen wir aber
auch Menschen, die noch nie in einem Theater oder
klassischen Konzert gewesen sind. Von denen bekommen
wir oft auch sehr schöne telefonische
Rückmeldungen.
Besteht die Gefahr, dass Kultureinrichtungen das
Projekt als „Füller“ für schlecht verkaufte Vorstellungen
missbrauchen?
Viele stellen uns inzwischen langfristig Karten zur Verfügung, weil
sie das Projekt unterstützen und die Zielgruppe erreichen wollen. So
sitzen unsere Gäste auch in ausverkauften Veranstaltungen und auf
sehr guten Plätzen. Wir haben aber eine erhöhte Nachfrage an Kino-,
Zirkus- und Musicalkarten, die wir am wenigsten bekommen.
Was gibt es aktuell für Besonderheiten?
Viele! Etwa eigene Konzerte, die junge Geflüchtete und Nicht-Geflüchtete
im Projekt „MixMuc“ organisieren, einen Lesekreis und einen
Kalender „Eintritt.frei“ für alle Bürgerinnen und Bürger, nicht
nur unsere Gäste, in dem wir alle Veranstaltungen in München sammeln,
die kostenlos sind – das sind ungefähr 300 im Monat!
Weitere Infos unter: www.kulturraum-muenchen.de
HINTER DER BÜHNE
Die Welt von crescendo lebt von den Künstlern und Mitarbeitern,
die sie mit Leben füllen. Deshalb der gewohnte Blick hinter die Kulissen der Produktion.
SANDRINE EXPILLY
Die französische Fotografin Sandrine Expilly lebt und arbeitet in Paris. Seit Abschluss
ihres Studiums der Angewandten Künste stellte sie bereits vielfach in Europa aus,
arbeitete für Labels wie Alpha, Naive oder Universal und porträtierte Künstler wie
Véronique Gens, Sandrine Piau oder das Ensemble Perspectives. Außerdem arbeitet
sie für Theater, Museen, Verlagshäuser und Luxusmarken. Für uns begleitete sie einen
Hausbesuch bei Klavierlegende Philippe Entremont fotografisch.
SINA KLEINEDLER
Direkt nach ihrem Abi wirbelte Sina Kleinedler bereits als Praktikantin durch die
crescendo-Redaktion. Ein Musikjournalismus- und Cellostudium in Dortmund schlossen
sich an. Heute gibt sie unter anderem regelmäßig Konzerteinführungen in der Philharmonie
Köln. „In dir muss brennen, was du in anderen entzünden willst“ (Augustinus
Aurelius), lautet ihre Devise. Für diese Ausgabe sprach sie mit Michael Stegemann über
Olivier Messiaen, dessen Werk sie selbst bestens als Instrumentalistin kennt.
FOTOS: MAILE HELBIG; PRIVAT
10 w w w . c r e s c e n d o . d e — April – Mai 2018

FOTO: JULIA WESELY
PLAYLIST
Eine spannende Mischung von
zeitgenössischen Kompositionen ist
es, die sich auf der privaten Playlist der
moldauischen Geigerin
Patricia Kopatchinskaja finden.
Sie selbst hat gerade ein neues Duo-
Album mit Werken von Bartók, Ravel
und Poulenc herausgebracht.
1. Maria Tanase: Malediction d’amour.
In Tanases hypnotisch beschwörender Stimme spiegelt sich meine ganze Herkunft, meine
Heimat, das Leid und die Leidenschaft dieser Länder, der Urgrund meiner Musik und
meiner Empfindungen.
2. Francisco Coll: Four Iberian Miniatures
Dieser junge spanische Komponist schöpft unter anderem aus der Tradition seines Herkunftslandes.
Er evoziert iberische Farben und Formen mit Neuheit, Witz und Sinnenfreude.
Selten hört man Musik, die einerseits so herausfordert, aber gleichzeitig zu hören
und spielen Spaß macht. Coll ist auch Maler mit einer ausgesprochen gefühlvollen
Beziehung zu Pinsel und Farbe. Ebenso sind seine Kompositionen keine konstruierten
Kopfgeburten, sondern sinnlich erfahrbare Wesen. Er hat für mich und die Cellistin Sol
Gabetta ein Doppelkonzert geschrieben, das wir 2019 mit der Camerata Bern uraufführen
werden.
3. Michael Hersch: Die Zerstörung der Blumen, 20. Satz
Michael Hersch ist ein Komponist und Pianist aus den USA. Trotz seines relativ jungen
Alters, wurde er durch schwerste Krankheit mit den letzten Dingen konfrontiert. Seine
Musik beschäftigt sich damit und mit der Frage, was wir derzeit mit unserem Planeten
anstellen. Hier gibt es keine schönen, unterhaltsamen Oberflächen. Alles ist direkt und
schonungslos. Neben ihm erscheint die Beschäftigung mit Barock, Klassik und Romantik
fast wie feiger Eskapismus. Es ist eine Auseinandersetzung mit den eigenen Kräften, die
an die Grenzen gehen.
4. Márton Illés: Polydimensionale Szenen VII „Vonalmezök“
Márton Illés ist ein ungarischer Pianist und Komponist. Seine Werke haben die Qualität
des neuartig „Unerhörten“ und gleichzeitig etwas Unbedingtes, das mich vollkommen
bannt. Ich freue mich und bin unendlich gespannt auf sein neues Violinkonzert
in Köln.
5. Luca Francesconi: Duende, The Dark Notes
Der Italiener Luca Francesconi hat bei Luciano Berio studiert und ist
der Doyen der hier präsentierten Komponisten. Seine Musik hat die
Qualität, sofort Aufmerksamkeit auf sich zu ziehen und gefangen zu
halten. Und in der Einspielung mit Leila Josefowicz ist eine unerschrockene
Geigerin zu hören, die ihre enorme musikalische Intelligenz,
Virtuosität, Schönheit und Bühnenpräsenz der bequemen Klassikroutine
völlig verweigert und nur noch Neue Musik spielt. Ein neues
Stück für Violine solo von Francesconi werde ich auf einem Album
mit dem Ensemble Il Giardino Armonico aufnehmen.
Bartók, Poulenc, Ravel: „Deux“, Patricia Kopatchinskaja,
Polina Leschenko (Alpha)
Track 1 auf der crescendo Abo-CD: Tzigane M. 76 von Maurice Ravel
11

K Ü N S T L E R
Auf einen Kaffee mit …
HEINO FERCH
VON VERENA FISCHER-ZERNIN
„ICH BIN EMOTIONALER
ALLESFRESSER“
FOTO: AGENTUR
12 w w w . c r e s c e n d o . d e — April – Mai 2018

Heino Ferch (*1963) ist ein in Bremerhaven geborener
Schauspieler. Berühmt wurde er durch Kinofilme wie
Comedian Harmonists, Der Untergang oder Vincent will Meer.
crescendo: Herr Ferch, haben Sie schon einmal eine Opernarie
gesungen?
Heino Ferch: Viele! Don Giovanni und Sarastro und solches Zeug.
Was halt zu meiner Stimmlage passte, Bariton bis Bassbariton.
Das klingt ja fast nach einem Plan b zu Ihrer Schauspiel karriere.
Ich habe am Mozarteum in Salzburg Schauspiel studiert. Bei der
Opernklasse habe ich einfach aus Spaß mitgemacht. In den drei
Jahren dort war ich von morgens um acht bis nachts um zwölf in
der Hochschule. Wir wollten alles mitnehmen, was geht. Das war
eine ganz tolle Zeit.
Don Giovanni, Die Zauberflöte
– Mozart würde man nicht als
Ersten mit Ihnen in Verbindung
bringen. Eher amerikanische
Unterhaltungsmusik wie in
Ihrem berühmten Film Comedian
Harmonists.
Das haben wir natürlich mit der
Opernklasse auch gemacht. Wir
sind getingelt mit Annie Get Your Gun, ich habe den Riff aus der
West Side Story gesungen. Und Chansons. Für mich als Norddeutschen
war Salzburg ein veritabler Kulturschock. In dem Sommer,
in dem ich am Mozarteum aufgenommen wurde, habe ich zum
ersten Mal bei den Salzburger Festspielen gespielt und gemerkt:
Das ist aber toll, das ist aber geil, Salzburg. Man atmet wirklich
Musik.
Bei den Festspielen waren Sie bei Un re in ascolto von Berio
dabei, das ist nicht gerade Unterhaltungsmusik.
Das war hardcore Zwölfton.
Froh, dass Sie nicht singen mussten?
Und wie! Da war ich als Artist.
Was heißt das, haben Sie jongliert?
Nö, ich war Kunstturner. Ich habe Bundesliga geturnt, bis ich auf
die Hochschule gegangen bin.
Wie sind Sie überhaupt zur Kunst gekommen?
Als ich 15 war, hat ein Regisseur am Theater in Bremerhaven für
das Musical Can Can von Cole Porter Jungs gebraucht, die durch
die Luft fliegen, die Flicflacs machen und Mädels stemmen und
sich nicht auf die Schnauze legen dabei. Und dann hieß es, wir
haben hier einen Verein, die sind sehr gut, die haben vielleicht ein
paar, die Lust haben.
Wann war der Moment, in dem das Theater Sie infiziert hat?
Das weiß ich noch genau. Bei der Premiere von Can Can. Wie der
Lappen aufging. Wir haben das Stück dann 50-mal gespielt, und als
es abgespielt war, waren alle krank. Nicht weil sie sich so verausgabt
hatten. Sondern weil sie Kummer hatten, ob’s das jetzt war.
Was haben denn Ihre Eltern zu diesem Fieber gesagt?
Die haben sich gefreut, dass ich von der Straße war! Ich war
sowieso von der Straße, weil ich jeden Tag drei Stunden in der
Turnhalle verbracht und Sport gemacht habe. Die Schule ist bissl
zu kurz gekommen in der Zeit, das ging gerade so knirsch und
Kante. Aber mein Vater, der Seefahrer war, hat gesagt, wenn der
Junge was macht, was ihm Spaß macht, bin ich heilfroh.
Es ging also weiter nach Can Can?
„ICH HABE BUNDESLIGA GETURNT,
BIS ICH AUF DIE HOCHSCHULE
GEGANGEN BIN“
Bis zum Abi habe ich ungefähr 20 Produktionen mitgemacht. Als
Cascadeur, Akrobat, mal ein paar Sätze gesagt, Tür auf, Tür zu,
bisschen gesungen, im Weißen Rössl gesteppt und vom Sprungbrett
in den Wolfgangsee gesprungen, das heißt, in die Weichschaummatten
hinter der Kulisse.
Diese Zeit der Comedian Harmonists, von Bernstein und Porter,
ist das ein Stil, den Sie auch persönlich mögen?
Klassisches amerikanisches Musical liebe ich sehr. Das habe ich als
Jugendlicher unheimlich viel geschmettert. Ein Sonntag mit Fred
Astaire, Ginger Rogers und Gene Kelly, das waren so Lieblingsnachmittage.
Zu Hause bei Regen?
Ja, und auch bei Sonnenschein.
Und heute, legen Sie etwas auf
und zelebrieren es?
Selten.
Sind Sie Spotifyer?
Ich bin Spotifyer, aber ich wähle
auch bewusst aus. Aktuelles und
Klassik. Ein Requiem oder eine Ouvertüre oder eine Opernszene,
was weiß ich.
Sind Sie ein musikalischer Allesfresser?
Ich bin emotionaler Allesfresser. Musik geht für mich sehr stark
mit Stimmung und Tagesform einher. Ich mag mir nichts vornehmen
– außer dass man zu Weihnachten ein bisschen mehr Jingle
Bells hört als sonst oder Last Christmas oder was die Kinder hören
und lieben – aber ansonsten höre ich Musik komplett nach Gefühl.
Kommt es vor, dass Sie ein Stück hören und sofort wissen, das
habe ich in diesem oder jenem wichtigen Moment gehört?
Das ist ein emotionales Gedächtnis, das sofort mitarbeitet. In
meinem ersten Semester Schauspielstudium kam Amadeus von
Miloš Forman ins Kino. Der Film hat mich unglaublich beeindruckt.
Da ist diese wunderbare Szene, wo Constanze mit den
Handschriften von Mozart zu Salieri kommt ...
... das ist die mit den Venusbrüstchen!
Eigentlich bittet sie um einen Job für ihren Mann. Salieri, also
F. Murray Abraham, schlägt die Mappe auf, und während er liest,
hört man dieses Potpourri an Sequenzen und sieht und fühlt, wie
er verzweifelt: was für ein Genie!
Nicht eine Note darf man ändern.
Nicht eine! Verrückterweise habe ich die Szene gerade gestern
gegoogelt, um sie Freunden vorzuspielen. Das ist eine der Gänsehautszenen
überhaupt im guten alten 80er-Jahre-Kino.
Wenn Sie als Sänger oder Musiker einen Wunsch frei hätten, was
würden Sie gerne mal tun?
Dirigieren.
Dirigieren! Was denn?
Also so genau habe ich mir das noch nicht überlegt – aber ich finde
es einen faszinierenden Beruf.
Und ohne zu überlegen?
Na dann: Mozart-Requiem.
Am 18., 19. und 21.3. ist Heino Ferch jeweils um 20.15 Uhr im ZDF-Dreiteiler „Ku‘damm 59“
zu sehen, wo er den eifersüchtigen Dr. Jürgen Fassbender spielt.
13

K Ü N S T L E R
5
1
4
2
3
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FOTOS: LOUIS MÉLANÇON (3); BILDARCHIV DER ÖSTERREICHISCHEN NATIONALBIBLIOTHEK; SIEGFRIED LAUTERWASSER; ANGUS MCBEAN / WARNER CLASSICS; SCHAFFLER (DG)
1) Mit Walter Berry in Frau ohne Schatten 2) Mit Jon Vickers in Les Troyens 3) Als Carmen 4) Im Konzert mit Leonard Bernstein
5) Als Waltraute in Götterdämmerung 6) Als Ortrud in Lohengrin
14 w w w . c r e s c e n d o . d e — April – Mai 2018

QUIETSCHFIDELE
NEUNZIG
Christa Ludwig über das große Unglück
eines reifenden Sängers, Stricken gegen Nervosität
und den Luxus, den Tag im Morgenmantel zu verbringen.
VON JENS LAURSON
Crescendo: Liebe Frau Ludwig, die ganze Aufmerksamkeit,
die Ihnen zum 90. Geburtstag widerfährt – ist
das angenehm oder geht Ihnen das auf die Nerven?
Christa Ludwig: Ich sag Ihnen was: Die Tatasache, dass man sich
an mich erinnert, obwohl ich jetzt 90 bin, auch dass ich noch nicht
gestorben oder in der Versenkung verschwunden bin, das finde ich
schön! Aber jeden Tag Interviews sind eigentlich lästig. Ich muss
mich anziehen, mir die Haare machen, mich schön zurechtmachen
– das ist lästig, aber schön. Also: Ich freue mich, dass Sie da sind.
Hin und wieder allerdings schlunze ich richtig herum. Dann ziehe
ich mich nicht an, sondern bleibe im Morgenrock. Das macht mir
ungeheure Freude. Früher, als ich im Beruf war, konnte ich das
nicht. Aber jetzt habe ich das Recht, faul zu sein, und kann den
ganzen Tag im Morgenrock herumlaufen, wenn ich weiß, dass
keiner kommt. Das ist etwas Wunderbares.
Sie standen 50 Jahre auf der Bühne, was sicher nicht immer
ganz einfach war …
Karriere ist nicht nur „nicht ganz einfach“, sie ist überhaupt nicht
einfach. Man gibt so vieles auf. Man geht mit Scheuklappen durch
die Welt, darf sich nicht erkälten, nicht mal den Ansatz eines
Schnupfens bekommen! Es fängt im Kopf an. Man hat permanente
Angst. Schließlich heißt es bei den Freiberuflern nicht von
ungefähr: „Koa Musi, koa Göd.“ Da ist diese ewige Angst, immer
topfit sein zu müssen. Wie weiß ich, ob ich am 5. April in drei
Jahren bei Stimme bin? Aber ich unterschreibe einen Vertrag und
ich muss an diesem Tag gut bei Stimme sein.
Genießen Sie, das jetzt alles hinter sich zu haben?
Ja. Ich trauere meinem Beruf überhaupt nicht nach. Ich finde das
herrlich! Nachdem ich das letzte Mal an der Wiener Oper
gesungen habe, am 14. Dezember 1994 (Klytämnestra in Richard
Strauss’ Elektra – Anm. d. Redaktion), bin ich am nächsten Tag –
es war eiskalt und hatte geschneit – hier in Wien mit offenem
Kragen durch die Kärntnerstraße gelaufen und wollte mich einmal
in aller Ruhe verkühlen. Aber es ist mir bis heute nicht gelungen,
einen Schnupfen zu bekommen.
In diesen 50 Jahren hat sich im Gesang viel getan, was Stil und
Ästhetik betrifft. Hat sich Ihre Meinung davon, was Sie gerne
hören und für schön empfinden, in der Zeit geändert?
Nein, ich glaube nicht. Eine schöne Stimme ist immer eine schöne
Stimme. Nur sehe ich bei den jungen Sängern, die ich manchmal
unterrichte, dass sie alle gleichförmig singen. Ich könnte die vielen
Soprane oder Mezzosoprane – meistens habe ich Frauen im
Unterricht, die Männer gehen zu den Männern und die Frauen zu
den Frauen, das hat sich leider so eingebürgert! – nicht unterscheiden.
Früher konnte ich zwischen den Stimmen unterscheiden. Die
machten drei Töne, und ich wusste, wer es ist. Heute ist das nicht
mehr so, und ich weiß nicht genau, was da los ist. Sie singen heute
technisch meist sehr gut, zumindest fehlerlos – und ihnen wird
dauernd gesagt: „Du darfst dies nicht machen, du darfst jenes nicht
machen.“ Man hat damals die Stimmen auch an ihren Fehlern
erkannt und fand sie trotzdem toll. Heute müssen alle gleichmäßig
gut singen, was zuweilen auf Kosten des Charakters geht.
Ist nicht auch eine Natürlichkeit hinzugekommen? Wenn man
sich heute zum Beispiel eine Erika Köth anhört, klingt das
anders, als was man heutzutage gewohnt ist.
Erika Köth habe ich nicht mehr im Ohr, aber ich erinnere mich an
eine Begegnung. Ich war 18 Jahre alt, sie ein bisschen älter als ich
(Jahrgang 1925 – Anm. d. Redaktion). Wir waren zusammen zu
einem Wettbewerb beim Rundfunk in Frankfurt gekommen. Um
neun Uhr morgens wurden alle bestellt. Das war eine Zeit, in der
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K Ü N S T L E R
„JETZT HABE ICH DAS RECHT,
FAUL ZU SEIN!“
FOTO: SUSESCH BAYAT
ich unentwegt gestrickt habe, weil ich beim Stricken meine
Nervosität durch die Finger wegbekommen habe. Und Erika Köth
sagte: „Christa, du machst mich ganz nervös mit der ewigen
Strickerei.“ Ich habe allerdings immer schön weitergestrickt und
kam erst abends um sechs Uhr mit dem Singen dran. Also habe ich
wirklich lange gestrickt. Und wir gewannen beide einen Preis!
… und Sie hatten einen Pullover.
Ha! Ja, fast.
Wenn Sie an Sänger denken, denken Sie sofort an Opernsänger?
Ja, denn es gibt keine Liedersänger mehr. Es gibt viele Sänger, die
Lieder singen, aber das müssen noch lange keine Liedersänger sein.
Das ist ein Unterschied. Zugegebenermaßen gehe ich kaum noch
in Liederabende. Aber wenn ich sehe, wie Opernsänger Liederabende
geben, denke ich, dass etwas verkehrt ist.
Da liegt das Problem oft schon an der Umgebung. Wenn ich in
einem großen Opernhaus einen
Liederabend gebe, ist das zum
„MAN HAT DAMALS DIE STIMMEN AUCH
AN IHREN FEHLERN ERKANNT UND
FAND SIE TROTZDEM TOLL“
Scheitern verurteilt, oder?
Ich habe in der Metropolitan
Opera vor fast 4.000 Menschen die
Winterreise gesungen, immerhin.
Und die fanden es schön.
Aber leidet nicht die Intimität
eines Liederabends in einem
fußballstadiongroßen Opernhaus wie der Met?
Die Intimität eines kleinen Saales macht Angst. Es ist viel schwieriger,
vor 20 oder 10 Leuten zu singen als vor 4.000. 4.000 sind eine
unbekannte abstrakte Masse. Aber Einzelne, die man vielleicht
sogar kennt, und die ganz nahe vor einem sitzen – da bekommt
man fürchterliche Angst. Gott sei Dank haben diese Opernhäuser
eine gute Akustik, da kann man so leise singen wie möglich. Ich
erinnere mich an einen Liederabend in der Avery Fisher Hall
(inzwischen David Geffen Hall – Anm. d. Redaktion). Meine liebe
Kollegin Gundula Janowitz war dort in einem vorangegangenen
Liederabend – ich glaube von Birgit Nilson – gewesen und sagte
mir: „Christa, wenn du den Liederabend dort singst, darfst du
nicht meinen, dass du dort lauter singen musst. Das kleinste Piano
ist bis ganz hinten hörbar.“ Tatsächlich konnte ich in der Metropolitan
pianissimo singen, und es war zu hören.
Sie haben erwähnt, dass Sie nur noch wenig Musik hören, im
Konzert und aus der Konserve. Warum?
Wissen Sie, seit meiner Kindheit höre ich nur Musik. Von morgens
bis abends nur Musik. Und wenn Sie dann mal nichts zu singen
haben, müssen Sie etwas lernen oder sich einsingen. Da habe ich
einmal genug gehabt von Musik. Und jetzt liebe ich die Stille. Ich
liebe es, einem Vogel zuzuhören, wenn er „tirrili“ macht. Oder
wenn er gar nichts macht. Die Stille ist etwas Wunderbares. Ich
höre die Stille!
Kennen Sie diese wunderbare kleine Geschichte von Heinrich Böll,
„Doktor Murkes gesammeltes Schweigen“? Der hat sich aus den
Bändern im Radio die ganzen Pausen herausgeschnitten und sie zu
Hause laufen lassen. Wunderbar! Sehen Sie, so geht’s mir auch: Ich
lasse nur noch die Pausen laufen. Aber ich höre schon hin und wieder
Musik. Neulich war ich in
Bruckners Neunter mit den
Philharmonikern hier in Wien. Es
war eine Sternstunde, und ich war
von Musik erfüllt. Da habe ich
dann aber für eine Woche genug
Musik in mir.
Man muss sie auch verarbeiten. Ein
Sänger zum Beispiel muss einen
Text und die Musik ja erst mal begreifen, bis er sie wirklich
wiedergeben kann. Das ist ein langer Prozess und ein ewiges
Lernen. Und wenn man älter wird, ändert sich der Blick auf Text,
Musik und Interpretation. Das ist wunderschön. Da kommt es
dann darauf an, wie reif man ist. Für die meisten kommt die Reife
viel später als die Stimme, und das ist das Unglück eines Sängers:
Der Tonus der Stimmbänder ist nicht mehr da, aber man weiß
genau, wie man’s tut. Das ist wie bei einem Eunuchen: Man weiß,
wie man es macht, aber man kann es nicht mehr.
Das ist unser großes Unglück!
■
The Christa Ludwig Edition (Deutsche Grammophon).
Eine weitere Box zum Geburtstag finden Sie auf S. 36, die aktuelle
Autobiografie auf S. 29.
Das Video zum Interview: www.youtube.de/crescendomagazin
16 w w w . c r e s c e n d o . d e — April – Mai 2018

MUSIK DENKEN!
Gerade wurde der Schweizer Komponist und Dirigent Beat Furrer
mit dem Ernst von Siemens Musikpreis für sein Lebenswerk geadelt.
Uns weiht er in seinen Schaffensprozess ein.
VON KATHERINA KNEES
Ein paar Klicks, und schwupps,
schon ist die Verbindung da.
Dank Skype kann ich dem Komponisten
Beat Furrer mühelos
einen virtuellen Besuch abstatten,
mitten in der Abgeschiedenheit
der Steiermark, in die er sich zum
Komponieren gerne zurückzieht.
„Früher war es mir egal, wo ich
komponiere. Aber jetzt brauche
ich doch irgendwie Ruhe und
kann keine Ablenkung vertragen.
Die Umgebung hier erlaubt eine
wunderbare Konzentration, einfach,
weil es so still ist. Es gibt weit
und breit keine Straße, keine Zivilisation.
Das ist ein Ort, an dem
ich sehr gut arbeiten kann. Auch
die Konfrontation mit der Natur
hier finde ich – ganz unromantisch
– sehr wohltuend. Und ich werde hier
absolut auf mich selbst zurückgeworfen.
Trotzdem bin ich kein Eremit.“ Beat Furrer
schmunzelt. Er wirkt sympathisch und
reflektiert und strahlt eine angenehme
Besonnenheit aus. Gerade wurde er für sein
Lebenswerk mit dem Ernst von Siemens
Musikpreis ausgezeichnet. Lebenswerk
klingt ihm jedoch zu final. „Ich freue mich
über die Wertschätzung und die Anerkennung
meiner Arbeit. Die Arbeit wird ja auch
oft von Zweifeln begleitet, und da ist eine
Bestätigung nicht unwesentlich. Der Preis
kommt zur rechten Zeit, es gibt noch viel zu
tun!“
Auch wenn Beat Furrer als Dirigent
immer wieder die Gelegenheit bekommt,
zurückzuschauen und mit Werken zu arbeiten,
die er vor vielen Jahren geschrieben hat,
liegt sein Fokus auf den jeweils aktuellen
Arbeiten. Gerade sitzt er an der Fertigstellung
seiner Oper Violetter Schnee, danach
steht ein Violinkonzert auf dem Plan.
Als Professor für Komposition an der
Hochschule für Musik und Darstellende
Kunst in Graz teilt Beat Furrer seinen reichen
Erfahrungsschatz mit seinen Studenten.
„Es geht mir darum, ein Bewusstsein
dafür zu vermitteln, dass die Arbeit eine
Kontinuität hat. Und dass wir nicht im
geschichtslosen Raum hantieren. Und ich
fordere meine Studenten dazu auf, sich zu
artikulieren. Also nicht einfach nur zu sagen:
„Ich schreibe das, weil ich es schön finde“,
sondern zu hinterfragen: „Warum finde ich
das eigentlich schön?“ Das ist noch interessanter.
Im Prinzip kann ich niemandem das
Komponieren beibringen, ich muss nur zur
rechten Zeit die richtigen Fragen stellen“.
Als ich ihn bitte, mich in den Entstehungsprozess
seiner Stücke einzuweihen,
lächelt Beat Furrer nachdenklich.
„Das ist ganz schwer zu
erklären. Ich nenne es ,Musik
denken‘. Klang ist natürlich ein
physisches Ereignis, es gibt eine
konkrete Vorstellung von Klang.
Aber es gibt eben auch ein Denken
darüber, den Versuch, das zu
fassen. Und Denken geschieht ja
mittels der Sprache. Das ist ein
Grenzbereich. Also ,Musik denken‘
ist vielleicht etwas zwischen
formal logischem Denken und
Klang erleben. Ich glaube, das
ausgetüfteltste formale Konzept
wäre ohne das physische Erfahren
von Klang wertlos.“
Wenn Beat Furrer die Arbeit
an einem Stück abgeschlossen hat
und es nach dem intimen Entstehungsprozess
den Augen und Ohren von Interpreten
und Öffentlichkeit ausgesetzt wird, entdeckt
der Komponist seine Werke selbst immer
wieder neu. „In der ersten Interpretation ist
vielleicht noch nicht alles realisiert, was
möglich wäre. Ein uraufgeführtes Werk vielleicht
noch nicht zum Leben erweckt, es
entwickelt sich über Jahrzehnte. Das ist das
Schöne. Dass ich mit einem Ensemble wie
dem Klangforum Wien, dem Ensemble
Modern oder dem Ensemble intercontemporain
die Möglichkeit habe, Stücke immer
wieder zu hören und weiter daran zu arbeiten
– so fangen sie an zu leben. Manchmal,
wenn ich eigene frühe Werke aus den
1980ern höre, denke ich, dass ich das heute
nicht mehr so schreiben könnte, und doch
ist es Bestandteil meiner aktuellen Arbeit.
Das ist wie der Blick auf ein Jugendfoto.“ ■
FOTO: EVS MUSIKSTIFTUNG | FOTO: MANU THEOBALD
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K Ü N S T L E R
„ICH HASSE
LANGWEILIGKEIT!“
83 Jahre ist Klavierlegende Philippe Entremont alt! Von einer Kindheit zwischen Kriegstrümmern,
der Eroberung eines eigenen Lebens und von Strawinsky im Suff.
VON TERESA PIESCHACÓN RAPHAEL
FOTO: SANDRINE EXPILLY
18 w w w . c r e s c e n d o . d e — April – Mai 2018

D
ie Place Vendôme: einer der fünf „königlichen
Plätze“ von Paris zwischen der Oper und dem Jardin
des Tuileries. Jeder Stein hier atmet Geschichte, besonders die Siegessäule,
die Napoleon nach der Revolution errichten ließ. Wie
Models der Pariser Fashion Week wirken die schönen großen
Frauen, die in den eleganten Arkaden entlang der Juwelierläden
flanieren. In einer Seitenstraße wohnt Philippe Entremont. Wer
hinter der prunkvoll klassizistischen Fassade großbürgerliches
Ambiente mit Stuck, Empiremöbeln, Marmorkamin und freistehendem
Konzertflügel erwartet, ist überrascht. Entremont bittet in
einen sehr kleinen Raum. Bücher,
Partituren stapeln sich auf Boden,
Tisch und um den Flügel herum,
der wie ein Wunder hier noch Platz
gefunden hat. Hier arbeitet er –
inmitten seiner Götter. Eine
Tuschezeichnung im Regal zeigt
Claude Debussy, eine andere Chopin.
„Das ist das letzte Bild von
ihm, kurz vor seinem Tod. Es ist ein Original“, sagt er stolz, während
er das Bild zurechtrückt, um es vor den einfallenden Sonnenstrahlen
zu schützen. Er geht zum offenen Fenster. „Sehen Sie das
Haus dort? Nummer 12 Place Vendôme?“ Man kann ihn kaum
hören, so laut ist der Straßenlärm. „Dort starb Chopin.“
crescendo: Was ist für Sie typisch französisch?
Philippe Entremont: Das ist schwer zu sagen. Ich habe einen sehr
typischen französischen Nachnamen, aber nicht unbedingt
„reines“ französisches Blut. Die Familie väterlicherseits stammt
aus Savoyen und dem italienischen Piemont. Meine Mutter war
Belgierin, und meine geliebte Großmutter kam aus Köln. Ich
fühle mich also sehr europäisch.
Sie wurden 1934 in Reims geboren.
Ich habe noch sehr lebhafte Erinnerungen an meine Kindheit. Ich
erinnere mich an die erste Banane, die ich erst mit zehn Jahren zu
essen bekam. Da werden Sie jetzt lachen, aber wir hatten keine
Früchte. Ich wurde in einer Stadt in Trümmern geboren. Gerade
fing Reims an, sich von dem Ersten Weltkrieg, der die Stadt sehr
zerstört hat, zu erholen. Und da war schon wieder Krieg. Seit 1940
war Reims, die alte Krönungsstadt der französischen Könige, von
der deutschen Infanteriedivision besetzt. Ich erinnere mich an
Bombardierungen. Ich habe deswegen kein Trauma erlitten.
Meine Familie hat ja überlebt. „Traumatisch“ war für mich eher
die lange Zugfahrt nach Paris zum Conservatoire, um Klavierunterricht
zu nehmen. 11 bis 13 Stunden brauchte man damals
von Reims nach Paris, eine Strecke von 130 Kilometern! Ein
„französischer Pianist“ aber wurde ich in Paris nicht.
Ist der anders als andere?
Oh ja! Er ist elegant, ein bisschen leichtfüßig im Spiel, sehr
artikuliert, sehr genau, sehr exakt. Wie langweilig! Ich hasse das!
Wie sind Sie denn?
In jedem Fall nicht langweilig. Ich war kein einfacher Schüler.
Ich hatte Ideen und wollte unbedingt meine eigenen Fehler
machen. Nur so kann man einen eigenen Weg finden. Das passte
nicht jedem.
Ihre Mutter, eine Pianistin, war Ihre erste Lehrerin.
Das war nicht einfach. Mein Vater spielte sehr gut Klavier und
Geige und er war ein ausgezeichneter Dirigent. Meine Mutter war
eine strenge, sehr fordernde Pädagogin. Ich musste zuerst
„ICH WURDE IN EINER STADT
IN TRÜMMERN GEBOREN“
Musiktheorie lernen – dieses schreckliche Solfeggio! – und
konnte sehr schnell die schwierigsten Partituren lesen. Mit 16 gab
ich mein erstes Konzert mit Orchester, in Ludwigshafen. Meine
Mutter kam hinter die Bühne mit diesem typischen „Oh, my
darling!“ Und ich: „Ich bin froh, dass es dir gefallen hat. Denn es
wird dein letztes Konzert gewesen sein.“ Ich wollte endlich mein
eigenes Leben haben. Sie kam erst 25 Jahre später wieder in eines
meiner Konzerte.
Eine andere Lehrerin wurde die berühmte Marguerite Long,
die mit Claude Debussy, Gabriel Fauré, Isaac Albéniz und
Maurice Ravel befreundet war.
Ich war zehn, als ich sie zum ersten
Mal erlebte. Sie kam mir damals
vor wie aus einem anderen
Jahrhundert. Sie war eine exzellente
Pianistin. Sie brachte mir die
Bedeutung der linken Hand bei. Sie
muss gut gewesen sein, denn ich
gewann den Preis beim Marguerite
Long Wettbewerb. Die Jury bestand damals aus Emil Gilels, Artur
Rubinstein und solchen Herrschaften. Sie kannte sie alle. Eines der
Stücke aus Le Tombeau de Couperin widmete Ravel übrigens
ihrem Mann, der im Ersten Weltkrieg gefallen war.
Es heißt, Sie beginnen den Tag mit Le Gibet aus Ravels Gaspard
de la Nuit.
Ja, der Galgen! Aber nicht ich werde daran hängen! Auch wenn
das Stück extrem kompliziert ist und man es sich schwer merken
kann. Ich habe übrigens auch Ravels Klavierkonzert G-Dur
gespielt, das von Marguerite Long 1932 uraufgeführt wurde. Sie
sagte immer: „Spiel es nicht! Es gehört mir!“
An einer Stelle sagen Sie, dass heute kein Lehrer mehr den Stil
von Ravel oder Debussy beherrscht.
Ja. Ich weiß nicht, warum. Der Respekt vor der Partitur fehlt.
In der französischen Musik muss man das tun, was in der
Partitur steht. Debussys Schreibweise war sehr präzise, sein
Klaviersatz folgt sehr klaren Gesetzen. Jedes Vortragszeichen
muss beachtet werden, auch wenn man als Interpret eine
eigene Sprache finden muss.
Wie hilfreich sind da die Komponisten?
Na ja, ich weiß nicht. Einige haben mir Werke gewidmet. Und ich
traf Igor Strawinsky.
„Wie ein dürrer Baum lief er herum“, schreiben Sie in Ihren
Erinnerungen.
Ein schrecklicher Mann. Er war ständig betrunken, ständig
beleidigt und unangenehm. Irgendwie traurig. Seine Musik
aber ist großartig. Ich habe viele Werke von ihm aufgenommen.
Der Produzent und das Orchester waren Gott sei Dank auf
meiner Seite.
Last but not least: Franz Schubert!
Den traf ich nicht. Aber ich liebe sein Werk! Am Conservatoire
lag der Schwerpunkt auf den Virtuosen des 19. Jahrhunderts und
auf Beethoven und manchmal Mozart. Aber Brahms und
Schubert? Zero! Man hat Schubert einfach nicht beachtet. Er war
denen nichts wert! Deshalb bin ich auch kein
wirklicher Franzose.
Schubert: „Sonata No. 21 D 960“, Philippe Entremont (Solo Musica)
Track 5 auf der crescendo Abo-CD:
Sonate B-Dur Nr. 21 D 960. II. Andante sostenuto
■
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K Ü N S T L E R
C
MEINE AGENDA WAR
DIE REVOLUTION!
Als sechstes von 13 Kindern geboren, war Franz Wittenbrink Soziologiestudent,
Maschinen- und Klavierbauer, Müllwagenfahrer und Barpianist, bevor er sich zu einem
der berühmtesten Arrangeure von szenischen Liederabenden entwickelte.
rescendo: Herr Wittenbrink, Ihre szenischen Liederabende
sind im deutschsprachigen Raum seit Jahrzehnten
eine Sensation. Laufen Sie mit Abenden wie „Männer“,
„Sekretärinnen“ oder „Mütter“ nicht Gefahr, sich in Stereotypen
zu verfangen?
Franz Wittenbrink: Den Vorwurf des Klischees kann man jedem
machen, der an zentralen Themen andockt. Das Interessante am
Leben ist, dass es oft dem Klischee unglaublich nahekommt. Meine
Idee ist, Klischees zu benutzen, um die Aufmerksamkeit zu bekommen,
und sie dann zu unterlaufen und auszudifferenzieren. Eindimensionale
Figuren gibt es bei mir kaum. Sie haben immer eine
Fallhöhe zwischen Wollen und Können. Etwa eine Arroganz, hinter
der dann plötzlich der jämmerliche kleine Junge auftaucht. Deshalb
sind bei aller Lustigkeit meine Abende immer auch traurige.
Sie haben Ihre musikalische Karriere bei den Regensburger
Domspatzen begonnen, wo Sie auch Missbrauch erfahren
haben. Hat sich das auf Ihre Arbeit ausgewirkt?
Ich habe mit dem Berliner Ensemble einen Abend über Kindesmissbrauch
gemacht („Schlafe, mein Prinzchen“). Da mache ich
bewusst keine Schuldzuweisung
nach rechts oder links, sondern
stelle klar, dass das ganze
Ideologiegequatsche meistens ein
Ablenkungsmanöver ist. Der erste
Teil geht um die Domspatzen, die
nicht explizit genannt sind, aber
es spielt in einem gotischen,
übermächtigen Dom. Im zweiten
Teil geht es um die Odenwaldschule – also zwei ganz konträre
Ideologien: einmal der katholische Hochkonservatismus, zum
anderen die linke Vorzeigeidylle zur Befreiung der Menschheit. In
beiden sind die Kinder geknechtet, kaputtgemacht und vergewaltigt
worden – mit der gleichen Verlogenheit gegenüber den Eltern
und den gleichen sozialen Abstufungen. Auch an der Odenwaldschule
wurden nicht die Kinder von Weizsäcker und anderen
Promi familien zu den Sexwochenenden gezwungen, sondern die
Sozialfälle, bei denen die Eltern glücklich waren, dass die Kinder
überhaupt die Schule besuchen konnten. Bei uns bei den Domspatzen
war das genauso: Ich bin zwar nackt verprügelt worden,
was semisexuell ist, musste aber keine harten sexuellen Handlungen
ausführen, weil ich der Neffe des bayerischen Ministerpräsidenten
Alfons Goppel war.
Und jetzt? Ihre Haltung zur aktuellen #MeToo-Debatte?
VON MARIA GOETH
„EINE GESELLSCHAFT VON VIELEN
MILLIONEN MENSCHEN KANN OHNE
MACHTSTRUKTUREN ÜBERHAUPT
NICHT EXISTIEREN“
Das ist relativ einfach! Der große Fortschritt, der geschehen ist,
nachdem dieser Teil der Kindeszerstörung öffentlich diskutiert
worden ist, ist die höhere Sensibilisierung. Egal ob im Verhältnis
Mann/Frau, Mann/Kind und Gewalt oder Sexualität, die Konstellation
und die Gefahr werden bleiben. Aber es ist ein Unterschied,
ob ich als Kind zaghaft versuche zu sagen: „Da hat der Herr Pfarrer
aber dies und jenes mit mir gemacht!“ oder ob man mir heute
wirklich zuhören würde. Heute wüsste ich, dass ich eine Möglichkeit
habe, da rauszukommen! Das ist in der #MeToo-Debatte
dasselbe. Ich gehöre nicht zu den Anarchisten, die sagen, es gibt
eine machtfreie Gesellschaft. Eine Gesellschaft von vielen Millionen
Menschen kann ohne Machtstrukturen überhaupt nicht
existieren! Gleichzeitig hat Ballung von persönlicher Macht und
Abhängigkeiten automatisch und immer die Gefahr der Ausnutzung
– ob sexuell oder, wie das viele Regisseure machen, durch die
Vernichtung eines schwächeren Schauspielers, um den anderen zu
demonstrieren, wie stark man ist.
Sie kommen aus einem sehr katholischen, CSU-nahen Elternhaus,
traten später aus der Kirche aus und waren Mitbegründer
des Kommunistischen Bunds
Westdeutschlands. War das echte
Ideologie oder eine Art
„Dagegen“-Haltung?
Ideologie ist eines meiner großen
Lebensthemen. Mit dem Katholizismus
bin ich aufgewachsen. Mit
dem Älterwerden denkt man nach
und bekommt den Verdacht, dass
er dem Wohl des Menschen gar nicht so nah ist. Ich habe die
Kirche nicht als menschen- und kinderfreundliche Institution
erlebt. Und über die Frage von Schuld, Sünde und Gottes Existenz
kann man ohnehin streiten. In den Kommunismus bin ich
freiwillig geraten. Davon waren mindestens 80 Prozent freudigst
aufgenommener Zeitgeist. Man kommt aus einer verklemmt
katholischen Familie, macht Abi 1968 zur Hippie-Zeit – was für ein
Spaß! Meine Freundin und ich haben uns mit Plaka-Farben als
Ganzkörperskulptur im Niki-de-Saint-Phalle-Stil bemalt. So sind
wir bunt bemalt und fast nackig und bester Laune durch die
Fußgängerzone in Heidelberg gelaufen. Die Omis sind vor Schreck
fast in Ohnmacht gefallen. Da war Euphorie, Spaß und Spiel.
Das änderte sich dann?
Schlimm wurde es, als sich die Bewegung in ein paar Rest-Hippies
und die Leninisten, Stalinisten und andere kommunistische
20 w w w . c r e s c e n d o . d e — April – Mai 2018

FOTO: PRIVAT
Regisseur, Pianist, Komponist und Arrangeur Franz Wittenbrink hat nichts übrig für Totalitarismus
Pseudo-Parteien aufspaltete. Da wurde es menschenfeindlichste
Ideologie. Für die Leute in den Folterkellern ist es egal, ob sie von
rechts oder links kaputtgemacht werden. In den letzten drei Jahren
beim Kommunistischen Bund Westdeutschlands war ich schon in
innerer Opposition, hatte aber ein schlechtes Gewissen, weil ich so
viele Leute reingequatscht hatte. Dann wollte ich möglichst viele
Leute aus dieser Sekte rausbringen, das ist mir nicht gelungen. Die
Realität hat nicht interessiert. Wir mussten Berichte schreiben, wie
revolutionär die Betriebe sind und wie faschistisch der Staat ist,
denn dann war der Zusammenbruch des Kapitalismus nah. Es gab
von Willy Brandt den Radikalen-Erlass im öffentlichen Dienst.
Daraufhin haben wir die Lehrer gezwungen, kommunistische
Volkszeitungen in der Schule zu verkaufen, damit sie rausfliegen
und wir Märtyrer haben. Das brauchen alle! Das ist das Dilemma
an Europa. Europa hat keine Märtyrer, keine Führer, keine Opfer.
Deshalb interessiert das keinen Menschen, obwohl ich es für einen
der größten Fortschritte seit Menschengedenken halte.
Zum Kommunismus kamen Sie im Bundeswehrknast?
Der Fähnrich gab mir ein Kommunistisches Manifest, und mir
schien es, als würden mir Schuppen von den Augen fallen.
Warum waren Sie überhaupt im Knast?
Ich war rebellisch, habe immer den Gehorsam unterminiert. Zum
Beispiel habe ich bei Schießübungen immer danebengeschossen
und nur aus Trotz die letzten drei haargenau versenkt. Beim
Marschieren machte ich immer die gegenläufige Armbewegung
zum Rest der Truppe und sagte zum Spieß: „Ich bin unmusikalisch
und weiß nicht, wie man richtig geht!“ Und nachts auf den
Kleindruckmaschinen der Kaserne haben wir Flugblätter gegen die
NATO geschrieben, weil wir sie kriegstreiberisch fanden – auf
bundeswehreigenem Papier!
Würden Sie sich heute als Sozialdemokrat bezeichnen?
Dieser Begriff ist zu sehr kontaminiert. Ich gehöre zur radikalen
Mitte! Ich will eher dazu beitragen, dass die Menschheit ein
Vergnügen daran findet, ohne Märtyrer auszukommen. Man muss
nicht so vernagelt sein, dass man immer erst mal ein paar Menschen
töten muss, damit eine Idee ein Fundament kriegt.
Versuchen Sie, diese Demokratie-Idee selbst umzusetzen?
Innerhalb des Theaterschaffens versuche ich das sehr stark. Zwar
braucht es im Theater eine gewisse Führung, aber ich versuche nie,
mit Gewalt Dinge durchzupressen. Mein Weg ist nicht die Ansage,
sondern die Verführung!
Ist Theater nicht per se eine Enklave des Totalitarismus?
Das stimmt, und es hat auch in gewisser Weise seinen Sinn.
Wenn ich ein Ensemble von sieben Leuten habe und will, dass eine
Produktion ein Profil und Kanten hat, dann kann ich es nicht
demokratisch organisieren, weil sieben Menschen sieben verschiedene
Geschmäcker haben und es sich sonst auf eine gefällige Mitte
abschleift.
Und nun ein von Ihnen komponiertes Pumuckl-Musical am
Münchner Gärtnerplatztheater. Ist das nicht Aufspringen auf
einen Nostalgie-Zug?
Es gibt eine Möglichkeit, Kinderstücke so zu machen, dass man
auch jenseits der Nostalgie Spaß hat. Beim Pumuckl geht das sehr
gut: Er ist eigentlich ein kleiner Anarchist mit hohem Liebreiz und
sympathischen Schwächen, und da er nicht aus der menschlichen
Welt kommt, hat er einen Außenblick. Er hinterfragt Wörter und
Begriffe, geht in Opposition. Pumuckl ist ambivalent, eine Figur,
die auch für eine Erwachsenenwelt sehr
spannend ist.
■
Pumuckl – Das Musical. Von Franz Wittenbrink
Premiere am 19.4., Münchner Gärtnerplatztheater
21

K Ü N S T L E R
Piotr Anderszewski hat
seine innere Heimat in
Mozart gefunden
FOTO: ARI ROSSNER / WARNER CLASSICS
DER
PERFEKTIONIST
Pianist Piotr Anderszewski ist ein genialer Selbstzweifler.
Dabei ist sein Spiel über alle Skepsis erhaben.
VON DOROTHEA WALCHSHÄUSL
22 w w w . c r e s c e n d o . d e — April – Mai 2018

K
aum etwas ist schwerer zu überwinden als der
eigene Anspruch. Piotr Anderszewski arbeitet
seit über 25 Jahren daran. „Man muss akzeptieren, dass man eben
nur ein Mensch ist und auch mal Fehler macht. Einfach ist das
nicht. Ich übe noch immer“, so Anderszewski. Der polnisch-ungarische
Pianist ist längst dort angekommen, wovon andere nur
träumen. Er spielt mit führenden Orchestern, gastiert auf großen
Bühnen und hat diverse Preise gewonnen. Und doch: Der ewige
Zweifel bleibt. „Ich bin kein Skeptiker“, sagt Anderszewski, und er
habe auch kein fixes Klangideal im
Kopf. Er wisse nur ziemlich genau,
was er nicht wolle, und das versucht
er durch Üben so weit wie möglich zu
reduzieren.
Der 48-Jährige mit den kurzen
grauen Haaren und den braunen
Augen ist das Gegenteil eines hoch
polierten Shootingstars. Selbstkritisch
und reflektiert wirft er einen faszinierend
anderen Blick auf das Dasein als
professioneller Musiker und den
internationalen Konzertbetrieb.
Anderszewski kam am 4. April
1969 in Warschau auf die Welt. Sein
Vater war Pole, seine Mutter ungarisch-jüdischer
Abstammung, beide
waren sie keine professionellen Musiker,
aber Liebhaber von Musik. Als
Kind hörte er Beethovens 5. Klavierkonzert
und Mozarts Kleine Nachtmusik,
mit sechs Jahren fing er an,
Klavier zu spielen. Als er sieben Jahre
alt war, zog seine Familie nach Lyon.
Die Liebe zum Klavier blieb, und
Anderszewski entschied sich zum
Klavierstudium, erst in Warschau
und Frankreich, später in Kalifornien.
Noch mitten im Studium,
nahm er 1990 in Leeds am Klavierwettbewerb
teil. Er hatte sich keine
Chancen ausgerechnet, wollte einfach
nur in die zweite Runde gelangen,
erzählt er heute. Doch es kam
anders. Er war erfolgreich, sehr
erfolgreich sogar. Schließlich landete
er im Semifinale und wurde als heißer Kandidat für den Sieg
gehandelt. Bis er mittendrin aufstand und die Bühne verließ. Er
hatte Beethovens Diabelli-Variationen gespielt, gefolgt wären
Weberns Variationen op. 27, doch Anderszewski war mit seinem
eigenen Spiel so unzufrieden, dass er sich selbst disqualifizierte.
Spricht man ihn heute auf diese Episode an, winkt er genervt
ab. Schon so viele Male habe er erklären sollen, was damals los war,
dabei sei das doch so lange her. Die Jahre direkt nach dem Wettbewerb
waren nicht einfach, so Anderszewski, auch wenn 1991 sein
gefeiertes Debüt in der Londoner Wigmore Hall folgte. Schließlich
sei er immer dieser seltsame Typ gewesen, der den Wettbewerb
abgebrochen habe – ein Ruf, den es zu korrigieren galt. „In den
Jahren nach Leeds wurde ich mit der Realität konfrontiert“, sagt
Anderszewski. „Und die bedeutet: Wenn man Pianist ist und
„EINE INTERPRETATION
SOLLTE SO SEIN,
ALS WÜRDE DIE MUSIK
IM MOMENT DES SPIELS
NEU ERSCHAFFEN“
FOTO: SIMON FOWLER
davon leben will, dann muss man Konzerte spielen. Perfektionismus
ist dabei eine gefährliche Sache, die man manchmal bewusst
stoppen muss.“ Leichter gesagt als getan. Schließlich hat man als
Künstler oft monatelang an jeder Nuance eines Stücks gefeilt. „Und
dann ist es irgendwann acht Uhr abends und du musst raus auf die
Bühne, ob du gerade willst oder nicht.“ Es ist diese Diskrepanz
zwischen Ideal und Wirklichkeit, die ihm zu schaffen macht,
ebenso wie die eigentliche Unvereinbarkeit zwischen der Härte
und Professionalität des Konzertbetriebs und der gleichzeitigen
Intimität einer Interpretation. Ist das
zu lösen? „Ich habe keine Ahnung“,
sagt Anderszewski. „Manchmal
gelingt es mir besser, manchmal
schlechter.“
2016 hat er sich deshalb für eineinhalb
Jahre zurückgezogen und ein
Sabbatical genommen. Er wollte dem
Hamsterrad entkommen, sich ganz
der Musik widmen können, ohne ein
konkretes Projekt vor Augen zu
haben. „Not to kill the music“ – das
war sein Ziel. Längst ist der Musiker
auf den Bühnen zurück und begeistert
allerorts mit seinem sensiblen,
geistvollen und warm tönenden Spiel.
Anderszewski verfügt über eine feine
Anschlagskultur und durchdringt die
jeweiligen Werke kompromisslos.
Seine Interpretationen strahlen eine
packende Konzentration und Intensität
aus, die tief berührt und auch bei
oft gespielten Werken neue Perspektiven
aufzeigt. „Im besten Fall soll eine
Interpretation so sein, dass es für den
Hörer wirkt, als würde die Musik im
Moment des Spiels neu erschaffen“,
sagt Anderszewski. Das gelingt ihm
sehr oft.
Ende Januar ist nun ein Album
mit Mozarts Klavierkonzerten Nr. 25
und Nr. 27 erschienen. Zusammen
mit dem Chamber Orchestra of
Europe, das Anderszewski vom Flügel
aus auch dirigiert, bringt der Pianist
die beiden Werke mit kammermusikalischer
Innigkeit, singender Melodik und erzählerischer
Weite zum Erblühen. „Mozart war mir schon immer am nächsten“,
bekundet der Pianist. Während Bach eher seinen Intellekt
anspricht, berühre Mozart ihn direkt im Herzen. Für Piotr Anderszewski,
den ewig Suchenden, ist Mozart aber noch weit mehr. So
sagt der Pianist: „Seit 25 Jahren suche ich zwischen all den Städten,
in denen ich lebe und spiele, nach einem Zuhause. Ich habe es bis
heute nicht gefunden. Aber Mozart ist meine innere Heimat.“ ■
Mozart: „Piano Concertos 25 & 27“, Piotr Anderszewski,
Chamber Orchestra of Europe (Warner Classics)
Termine: 18.4. Berlin, Boulez Saal; 21.4. Dortmund, Konzerthaus;
23.4. Wien (AT), Konzerthaus; 24.4. Innsbruck (AT), Tiroler Landeskonservatorium
23

K Ü N S T L E R
MIT DEBUSSY AUF
GEDANKENREISE
Für Daniel Barenboim ist Claude Debussy ein verkanntes Genie. Wir sprachen mit dem
Pianisten und Dirigenten über Impressionismus-Klischees und mächtige Vorbilder.
VON CORINA KOLBE
crescendo: Herr Barenboim, in
dieser Saison dirigieren und
spielen Sie viele Werke von
Debussy. Zu seinem 100. Todestag
widmen Sie ihm auch ein Klavieralbum.
Wann haben Sie seine
Musik kennengelernt?
Daniel Barenboim: Als ich sehr
jung war, spielte ich Children’s
Corner. Ein Stück über Kinder, das eigentlich gar nicht für Kinder
bestimmt ist. Damals habe ich mir auch einen Satz aus Estampes
vorgenommen, nämlich Jardins sous la pluie, außerdem einige
Préludes. Mit seiner Orchestermusik wurde ich erst später vertraut,
als ich Chefdirigent des Orchestre de Paris war (1975–1989, Anm.
der Red.). In der Zeit habe ich häufig Werke von Debussy aufgeführt.
Gab es dafür Vorbilder?
Durch Debussys eigene Aufnahmen seiner Klavierwerke auf
Welte-Mignon-Rollen habe ich als Pianist viel gelernt. Fasziniert
hat mich insbesondere der zweite Satz von Estampes, La soirée dans
Grenade. Der Klang, die Dynamik und das Rubatospiel sind
wunderbar. Aber bitte fragen Sie mich so etwas nicht, dann
überlege ich, warum ich das überhaupt selbst aufgenommen habe?
Auch Arturo Benedetti Michelangeli und Claudio Arrau waren
große Debussy-Interpreten. Und wenn Martha Argerich Estampes
spielt, zeigt sie eine ebenso große Kreativität und musikalische
Empfindsamkeit wie der Komponist selbst.
Sie kennen Martha Argerich seit Ihrer Kindheit in Buenos Aires
und musizieren oft mit ihr.
Gemeinsam haben wir so ziemlich alles gespielt, was es an
Klavierwerken von Debussy gibt, Originalstücke und Bearbeitungen.
Ende März treten wir bei den Festtagen der Staatsoper Berlin
wieder zusammen auf. Natürlich steht Debussy auf dem Programm,
unter anderem Six épigraphes antiques und Prélude à
l’après-midi d’un faune für Klavier zu vier Händen und La mer auf
zwei Klavieren.
Welcher Dirigent hat Sie besonders beeinflusst?
Die Begegnung mit Pierre Boulez war mir sehr wichtig. Er war ein
analytischer Denker und sah das Moderne in Debussys Werken,
ohne ihren Bezug zur Vergangenheit aus dem Blick zu verlieren.
Von den Debussy-Dirigenten meiner Generation hat mich Claudio
Abbado am stärksten beeindruckt. Für seine Aufführungen von
La mer und La damoiselle élue habe ich ihn sehr bewundert. Der
größte Meister aber war Sergiu Celibidache, er schien für diese
Daniel Barenboim ist
von Debussy fasziniert
Musik geboren zu sein.
Celibidache wurde auch als Interpret
von Maurice Ravel geschätzt.
Welche Verbindungen sehen Sie
zwischen den beiden Komponisten?
Viel mehr interessiert mich, was
sie voneinander unterscheidet. Ich
vermeide es, ihre Werke in einem
Programm zusammenzubringen, denn dann würden sie mir zu
ähnlich klingen. Man kann höchstens Ravels Boléro mit Ibéria von
Debussy verbinden, aber das ist eine Ausnahme. Anders als Ravel
war Debussy nicht besonders an Farben interessiert.
Dabei wird Debussy oft als „Impressionist“ bezeichnet. Ist das
ein unzutreffendes Klischee?
Dieses Etikett ist falsch, denn in Wirklichkeit ließ er sich nicht von
der Malerei inspirieren. Seine Fantasie wurde durch die Literatur
und die Natur angeregt. Er hat einmal einen wunderbaren Satz
gesagt, den ich immer wieder gern zitiere: „Wenn man sich keine
Reise leisten kann, muss die Imagination einspringen.“
Bei Debussy erlebt man nicht nur Gärten im Regen. Auch sonst
spielt das Thema „Wasser“ bei ihm eine große Rolle.
Dieser Aspekt fasziniert mich. Man braucht nur an La mer und
Reflets dans l’eau aus der Sammlung Images I zu denken. Wasser
oder Wind kommen bei ihm häufig vor, auch in einigen Préludes
wie etwa La cathédrale engloutie und Le vent dans la plaine.
Auf Ihrem neuen Album ist unter anderem das erste Buch der
Préludes zu hören. Fiel es Ihnen schwer, eine Auswahl zu treffen?
Nein, ich möchte schließlich für spätere Aufnahmen noch etwas
übriglassen! In einem Konzert habe ich kürzlich auch Deux
arabesques, zwei charmante frühe Stücke, sowie L’isle joyeuse
gespielt. Ich bin ein sehr glücklicher Mensch, weil ich mich jetzt
monatelang auf Debussy konzentrieren kann, als Pianist,
Kammermusiker und Dirigent. Bei den Festtagen der Berliner
Staatsoper führe ich mit Solisten, der Staatskapelle und dem
Staatsopernchor die Bühnenmusik zu Le martyre de Saint
Sébastien auf. Im Mai und Juni dirigiere ich das lyrische Drama
Pelléas und Mélisande. Meiner Ansicht nach hat Debussy bisher
nicht den Platz in der Musikwelt, den er
verdient. Für die Zukunft wünsche ich mir, dass
mehr Werke von ihm gespielt werden. ■
Claude Debussy: „Estampes, Clair de lune u. a.“, Daniel Barenboim
(Deutsche Grammophon)
FOTO: TILO KRAUSE / DG
24 w w w . c r e s c e n d o . d e — April – Mai 2018

HÖREN & SEHEN
Die besten CDs, DVDs & Vinylplatten des Monats von Oper über Jazz bis Tanz
Attila Csampais Auswahl (Seite 26)
crescendo-Empfehlungen lesen und direkt kostenlos dabei anhören?
Kein Problem: Auf www.crescendo.de finden Sie unsere Rezensionen mit direktem Link zum Anhören!
Eldbjørg Hemsing
Der verschollene
Norweger
Zwei Entdeckungen auf einem Album: Die norwegische
Violinistin Eldbjørg Hemsing und das
Violinkonzert ihres Landsmanns Hjalmar
Borgström (1864–1925). Borgström war zu
Beginn des 20. Jahrhunderts als Kritiker und
Komponist bekannt. In Vergessenheit geriet
seine Musik höchstwahrscheinlich dadurch,
dass er sich weigerte, eine typisch skandinavische
Klangsprache zu adaptieren – wie Grieg
es getan hatte. Dennoch zog das 1914 geschriebene
Violinkonzert Hemsing sofort in ihren
Bann, auch weil dessen Klangsprache sie an ihre
Heimat erinnerte. Im Kontrast zu Borgströms
romantischem Werk steht Dmitri Schostakowitschs
Erstes Violinkonzert. Seine Klangsprache
ist weniger pastoral, eher dramatisch und
schmerzerfüllt, doch auch hier schafft Hemsing
es gemeinsam mit den Wiener Symphonikern
und Olari Elts, eine überzeugende, farbenreiche
und persönliche Interpretation zu präsentieren.
Mit durchweg brillierendem Klang und flexiblem
Ausdruck macht Eldbjørg Hemsing
dieses Album absolut hörenswert. SK
SOLO
Borgström, Shostakovich:
„Violin Concerto op. 25 &
Violin Concerto No. 1“,
Eldbjørg Hemsing,
Wiener Symphoniker (BIS)
Track 3 auf der crescendo Abo-CD:
Violinkonzert G-Dur op. 25,
II. Adagio von Hjalmar Borgström
FOTO: NIKOLAJ LUND
25

H Ö R E N & S E H E N
Empfehlungen von Attila Csampai
MAGIER, POETEN
UND CHARISMATIKER
… bestimmen Attila Csampais April-Auswahl
JOSEPH HAYDN: „AN IMAGINARY ORCHESTRAL
JOURNEY“
London Symphony Orchestra, Sir Simon Rattle
(LSO live)
Nach 16 Jahren an der Spitze der Berliner Philharmoniker
kehrt Simon Rattle auf die Insel
zurück und übernimmt das LSO, Londons
bestes Orchester. Und was setzt er bei einem seiner ersten Konzerte
aufs Programm – nicht Elgar oder Vaughan-Williams, sondern
Haydn, den größten Meister des Understatements und den
britischsten aller Klassiker. Er dirigiert auch kein „normales“ Programm,
sondern eine ganz persönliche Auswahl von Favoritstücken,
die er zu einem elfteiligen „Imaginary Orchestral Journey“
bündelt: Dieses „Best of“ enthält die wunderbaren Introduktionen
zur Schöpfung oder zum Winter aus den Jahreszeiten, eine
selten gespielte Opernouvertüre, sowie ein halbes Dutzend extravaganter
Symphoniesätze, die allesamt den musikalischen Revolutionär
Haydn aufleuchten lassen und die noch heute durch ihre
Modernität verblüffen oder ihre schlichte Schönheit bezaubern.
Das mit nur acht ersten Geigen schlank besetzte Londoner Toporchester
folgt seinem neuen Chef mit großer Hingabe und unterstreicht
sehr eindringlich seine stilistische Flexibilität: Sie klingen
wie eine hochsensible „historisch orientierte“ Originalklang-
Truppe. Auf weitere Haydn-Abenteuer der neuen Liaison darf
man gespannt sein.
W. A. MOZART: „KLAVIERKONZERTE C-DUR
KV 503 UND B-DUR KV 595“
Pjotr Anderszewski,
Chamber Orchestra of Europe (Warner)
Der polnische Pianist Piotr Anderszewski ist
ein hochsensibler Lyriker, der gerne eigene
Wege und den Dingen auf den Grund geht: In
seiner mittlerweile ansehnlichen Diskografie hat der 48-Jährige
schon zwei Alben mit Mozart-Konzerten veröffentlicht, und da,
vom Flügel aus dirigierend, der feinsinnigen kammermusikalischen
Interaktion den Vorzug gegeben. So jetzt auch auf seinem
neuen, den späten Konzerten in C-Dur (KV 503) und B-Dur
(KV 595) gewidmeten Album, bei dem er das exzellente Chamber
Orchestra of Europe zu lebendig pulsierenden, atmenden, feinfühligen
Dialogen mit dem Klaviersolisten animiert. Für seine poetisch-zärtliche,
stets glasklare, natürlich fließende Klangrede
scheint der deutlich zurückgenommene, ständig zwischen hell
und dunkel pendelnde Tonfall des späten Mozart geradezu ein ideales
Terrain zu sein. Es gelingt ihm vor allem in den beiden langsamen
Sätzen, die sich stetig ausbreitende Melancholie Mozarts in
seinen letzten Lebensjahren, diese tief beseelte „heitere Trauer“,
mit berückender Sensibilität und Schlichtheit in Klang zu setzen
und dabei die ständigen Licht- und Stimmungswechsel als inneres
Drama einer hochsensiblen Seele auszuweisen: Mozarts Wahrheit,
das wird hier deutlich, ist von einer anderen, höheren Welt.
CHOPIN: „ETÜDEN OP. 10 & 25“
Tatiana Chernichka (Ars Produktion)
Die in München lebende russische Pianistin
Tatiana Chernichka hat eine besondere Beziehung
zu den Etüden von Chopin: Ihre Mutter,
ebenfalls eine Pianistin, die kurz nach ihrer
Geburt starb, führte beide Etüdenzyklen zum
ersten Mal überhaupt zusammenhängend auf – und zwar in ihrer
Heimatstadt Novosibirsk. 2014 spielte Chernichka dann an gleicher
Stelle beide Zyklen zu ihrem Andenken und produzierte 2016
in Brüssel eine Studioversion, die jetzt auf CD erschienen ist. Es ist
eine ganze besondere, aus dem Ozean des nur Demonstrativen
herausragende Interpretation des Doppelzyklus, die fast jedem
einzelnen Stück existenzielle Bedeutung abtrotzt. In beiden Zyklen
bevorzugt Chernichka drängende, flüssige Tempi, und doch
gelingt es ihr, durch hochdifferenzierte Pedal-Sensibilität alles
Effektvolle, alle technische Bravour von ihrer warm timbrierten,
lyrisch-sanglichen Deutung abfallen zu lassen: Sie erzählt uns da
eine zusammenhängende Geschichte in 24 tief empfundenen,
innerlich glühenden Charakterbildern, wobei sie die massiven
technischen Herausforderungen mühelos einbindet in einen Reigen
flüchtiger Momente des Schönen, der Trauer, der Leidenschaft
ZEICHNUNG: STEFAN STEITZ
26 w w w . c r e s c e n d o . d e — April – Mai 2018

und der Verzweiflung: So schließt sich der Kreis in der pathetisch aufflammenden letzten
c-Moll-Etüde (op. 25, 12) als tragische Antwort auf den energischen Lebenswillen der allerersten
C-Dur-Etüde (op. 10, 1). In Chernichkas schlüssiger Deutung wirkt dieses bittere
Ende erschütternd und tröstlich zugleich.
MUSIK AUF REISEN
CLAUDE DEBUSSY: „PIANO MUSIC VOL. V“
Michael Korstick (SWR Music)
Rechtzeitig zum 100. Todestag Claude Debussys hat Michael Korstick
die fünfte und letzte Folge seiner Gesamteinspielung des Solo-Klavierwerks
veröffentlicht, mit den späten zwölf Etüden, die man schon
wegen ihrer technischen Herausforderungen nicht oft zu hören
bekommt. In diesem Chopin gewidmeten hochkomplexen Zyklus
weist Debussy in teilweise kühnen harmonischen und fingertechnischen Experimenten
den Weg in die Moderne. Und Korstick erweist sich auch in dieser schwierigen Materie als
unbestechlicher Objektivist, der mit rigoroser Detailgenauigkeit und adäquaten Tempi
die hinter den fingertechnischen Aufgabenstellungen lauernden elementaren Naturkräfte
freilegt, gleichzeitig aber mit feinsten Pedalabstufungen auch das oft enigmatische Klangmysterium
des späten Debussy zum Leuchten bringt: Hier verschmelzen höchste strukturelle
Klarheit und „musikalische Mathematik“ mit meditativen Klangvisionen zu unerhört
modernen, suggestiven und doch magisch-imaginären Charakterstudien. Dieses
Album setzt neue Maßstäbe.
SERGEI RACHMANINOV: „KLAVIERKONZERT NR. 2 & 3“
Yevgeny Sudbin, BBC Symphony Orchestra, Sakari Oramo (BIS)
In England , wo er seit 1997 lebt, ist der in Leningrad geborene Pianist
Yevgeny Sudbin längst ein Star. Seine zuletzt erschienenen Aufnahmen
der Klavierkonzerte Beethovens zählen zu den besten der gesamten
Diskografie. Jetzt ist er zu Rachmaninow, einem seiner Favoritkomponisten,
zurückgekehrt und hat seine beiden populärsten Werke,
nämlich das zweite und dritte Konzert, mit dem BBC Symphony Orchestra unter Sakari
Oramo eingespielt. Sudbin verfügt über eine atemberaubende Technik, die er aber auch
hier wieder so souverän und uneitel in den Dienst der Musik stellt, dass sie an keiner Stelle
demonstrativ herausknallt. Die extremen manuellen Anforderungen vor allem des
d-Moll-Konzerts meistert er mit einer Mühelosigkeit und einer Nonchalance, dass man sie
gar nicht richtig wahrnimmt: So verschmilzt sein Klavierpart mit dem Orchesterklang zu
einer nahtlosen homogenen Struktur, die den inneren Kontext der Musik, also den so
improvisatorisch anmutenden lyrisch-dramatischen Erzählfluss, in den Vordergrund
rückt und alles Virtuos-Zirzenische ausblendet. So kann sich die tief romantische, durchaus
melancholische und in zärtliches Pathos gehüllte Seelenbotschaft beider Konzerte in
berückender Intensität entfalten.
GUSTAV MAHLER: „SYMPHONIE NR. 7“
Royal Concertgebouw Orchestra, Mariss Jansons (RCO)
Die 1905 vollendete Siebte ist die am längsten missverstandene Sinfonie
Gustav Mahlers: Sein vertrackt-virtuoses Spiel mit den Bausteinen
und Ingredienzien des Romantischen hat die Dirigenten lange verunsichert.
Mahler selbst bezeichnete diese Nachtsinfonie nämlich als
„ein Werk vorwiegend heiteren Charakters“, was damals niemand verstand,
und genau diesen Aspekt einer fast schon ironisch gebrochenen Retrospektive auf
die „große“ romantische Sinfonie und ihre Tonfälle kultiviert jetzt Mariss Jansons in seiner
mittlerweile vierten Einspielung des Werks in verführerischer Klangschönheit. Den
eher heiteren Grundcharakter der rätselhaften Siebten trifft der 75-jährige Lette durch
phänomenale Detailgenauigkeit, wobei er sehr souverän die innere Vielschichtigkeit und
die bizarre Vielstimmigkeit des Werkes herausarbeitet, sodass der vermeintlich rückwärts
blickende Mahler hier auch als genialer Prophet der Moderne erkennbar wird. So
gerät das Scherzo zu einem wahrlich sinistren Walzer-Kehraus der untergehenden Donaumonarchie,
während das ominöse C-Dur-Jubelfinale mehr nach nihilistischem Verwirrspiel
denn nach Wagnerscher Festwiese tönt und als Katalog fröhlich lärmender Orchestereffekte
Beethovens Utopiemodell beendet.
ATTILA CSAMPAI LIVE
Am 8. Mai ist in München eine besondere Premiere zu erleben: crescendo-Chefrezensent und
Kritikerlegende Attila Csampai stellt live bei Steinway & Sons München seine Lieblingsplatten
und außergewöhnliche Neuerscheinungen vor. Mehr Informationen dazu auf S. 36.
Barockspezialistin Midori Seiler entführt mit
ihrem kongenialen Partner Concerto Köln in die
Lagunenstadt Venezia di Anna Maria. Mit Edition
Europa hält Ludwig Güttler auf 4 CDs Rückschau
auf die musikalische Geschichte des Kontinents.
Helge Burggrabes Hagios II geht auf Spurensuche
nach der bewegenden Kraft des Gesangs. „Gedrängt,
wie durchaus genial“ – Bachs Johannespassion live
aus der Dresdner Frauenkirche.
www.berlin-classics-music.com
27

H Ö R E N & S E H E N
Thomas Albertus Irnberger
Musikalität und
Schaffensdrang
JAZZ
Melody Gardot
Intime Momente
der Erinnerung
Das Cover von Melody Gardots erstem Livealbum ziert ein Aktfoto der Sängerin mit
Gitarre im gleißenden Bühnenlicht: So nackt und verwundbar fühlt sich ein Künstler auf
der Bühne, wenn er sich dem Publikum völlig öffnet. Und genau dieses Gefühl von Zerbrechlichkeit
und Intimität vermittelt ihre Auswahl von 15 meist eigenen Songs, die sie
zwischen 2012 und 2016 live in zehn europäischen Metropolen dem sichtlich verzauberten
Publikum so zärtlich und innig ins Ohr hauchte, dass jeder einzelne sich direkt
angesprochen fühlte. Die 32-jährige amerikanische Songwriterin ist eine echte Sirene,
die mit ihrem zarten Vibrato und ihren exzellenten, stets unplugged und feinfühlig agierenden
Mitstreitern jeden noch so großen Saal augenblicklich in eine Oase der Entspannung,
der Empfindsamkeit und einer warmherzigen Pianokultur verwandeln kann und
die sich in diesen faszinierenden Live-Acts dann auch die nötige Zeit nimmt, um den
sanften Zauber und den feinen inneren Puls ihrer Love-Songs in extenso zu entfalten.
Das ist Seelenmassage und musikalische Hypnose der noblen Art und eine wunderbare
Revue ihrer stärksten musikalischen Momente der letzten Jahre. AC
Melody Gardot:
„Live in Europe“ (Decca)
FOTO: FRANCO TETTAMANTI
Handelte es sich um ein Album mit
Werken männlicher Komponisten, so
würde man vermutlich kein Wort
über diese Tatsache verlieren. Der
österreichische Geiger Thomas
Albertus Irnberger und die Pianistin
Barbara Moser haben für ihr Album
„Ladies’ Night“ jedoch ganz bewusst
den Fokus auf Künstlerinnen des
18., 19. und 20. Jahrhunderts gelegt
und mit einer wohlüberlegten Auswahl
von eher unbekannten Werken
die sechs Komponistinnen Amy
Beach, Luise Adolpha le Beau, Pauline
Viardot-Garcia, Amanda Röntgen-
Maier, Maria-Theresia Paradis und
Dora Pejacevic porträtiert. Das
Booklet verrät biografische Details zu
den Künstlerinnen. Mehr als 40 Alben
hat Thomas Albertus Irnberger
bereits aufgenommen, und seine vielseitigen
Produktionen zeichnen sich
stets sowohl programmatisch als auch
künstlerisch durch eine große Portion
Musikalität mit Tiefgang aus. „Ladies’
Night“ setzt diese Reihe in jeder Hinsicht
gelungen fort. KK
„Ladies‘ Night“, Thomas Albertus Irnberger,
Barbara Moser (Gramola)
Track 2 auf der crescendo Abo-CD:
Romanze G-Dur op. 35, Andante con moto
von Luise Adolpha le Beau
Isabelle Faust & Kristian Bezuidenhout
Vielstimmiges Duo
SOLO
Schon als Kind war die Geigerin Isabelle Faust fasziniert von der Musik Johann Sebastian Bachs. Seit sie die historisch
informierte Aufführungspraxis entdeckte, nähert sie sich diesen Stücken mit frischer Neugier. Die Partiten und Sonaten
für Violine solo spielte sie vor einiger Zeit auf ihrer mit modernen Stahlsaiten bezogenen „Dornröschen“-Stradivari ein,
verwendete aber einen Barockbogen. Bei den Sechs Sonaten für Violine und obligates Cembalo BWV 1014–1019 hat sie
sich jetzt für eine wärmer klingende Stainer-Barockgeige mit Darmsaiten entschieden. Faust
und der Cembalist Kristian Bezuidenhout präsentieren sich auf ihrem ersten gemeinsamen
Album als perfekt miteinander harmonierendes Duo. Bei den Trio-Sonaten, von denen jede
ihren individuellen Charakter zeigt, teilen sich die beiden Instrumente drei, stellenweise sogar
fünf eng miteinander verwobene Stimmen. Eine Aufnahme, die man mehrmals hören sollte, um
alle feinen Nuancen wahrzunehmen. CK
J. S. Bach: „Sonatas for Violin & Harpsichord“, Isabelle Faust, Kristian Bezuidenhout (harmonia mundi)
28 w w w . c r e s c e n d o . d e — April – Mai 2018

Roger Doyle
Drama im Flow
Eine Oper passend zum Label, das
dürfte nicht allzu häufig vorkommen.
Meistens werden Labelnamen von musikalischen
Sachverhalten oder Werken
abgeleitet, bei Heresy war es gewissermaßen
umgekehrt: Hier ließ sich Labelchef
Eric Fraad von dem irischen Komponisten
Roger Doyle eine gut zweistündige
Oper schreiben, die genauso wie
das Label heißt und welche sich – welch’
Überraschung – um Häresie dreht. In
diesem Fall um den Ketzer Giordano
Bruno, der 1600 für seine Lehren auf
dem Scheiterhaufen sterben musste.
Natürlich ist dieses Stück keine Oper im
herkömmlichen dramatischen Sinn, die
Beschreibung als „electronic opera“
deutet es bereits an. Das Drama läuft
„im Flow“ ab, Musik und Handlung
mäandern in elektronischen Soundscapes
umeinander. Goutieren werden
das die traditionellen Opernfans eher
weniger als zeitgeistige Hipster, die
schon im Elektro-Flow
angekommen
sind.
GK
Roger Doyle: „Heresy.
An electronic opera“
(Heresy)
OPER
Frauenkirche Dresden
Musikalische
Raumweiten
CHOR
Frauenkirchenkantor Matthias Grünert weiß
mit der nicht einfachen Akustik des Architektursymbols
Frauenkirche gekonnt umzugehen.
Das hört man aus diesem Livemitschnitt noch
deutlicher als dort beim unmittelbaren Konzerterlebnis.
Der Streicherklang verfließt zum
Raunen, indes die Holzbläser bemerkenswert
runde Kontur gewinnen. Der in der räumlichen
Weite füllig anmutende Kammerchor
der Frauenkirche passt zu diesem Klanggestus.
Unter der Führung des gewinnenden Evangelisten
Tilman Lichdi vereint das Solistenquartett
eine schlank-nüchtern agierende Herrenund
die in fast zu warmem Überschwang pulsierende
Damen-Seite. Herausragend durch
ihren bei Bach ungewohnt großen lyrischen
Strauss-Sopran dialogisiert Semperoper-Star
Camilla Nylund emotional mit dem Ensemble
Frauenkirche, das in die besinnlichen Flächen
manchmal sogar etwas weltlichen Glanz
mischt. Eine Aufnahme mit hohem Souvenir-
Faktor. DIP
J. S. Bach: „Johannespassion“,
Kammerchor der Frauenkirche
Dresden, Ensemble Frauenkirche
Dresden, Matthias Grünert
(Berlin Classics)
Bachchor & Bachorchester Mainz
Leidensmusik
„Herr, unser Herrscher, dessen Ruhm in allen
Landen herrlich ist! Zeig uns durch deine Passion,
dass du, der wahre Gottessohn, zu aller
Zeit, auch in der größten Niedrigkeit, verherrlicht
worden bist!“ So beginnt die Johannes-
Passion von Johann Sebastian Bach. Passionsmusiken,
während der Karwoche aufgeführte
musikalische Erzählungen des Leidensweg
Christi, lassen sich bis ins Mittelalter zurückverfolgen,
wo sie zunächst nur auf einem einzigen
„Passionston“ vorgetragen wurden. Auch
Bachs Vertonung wurde traditionsgemäß an
einem Karfreitag, dem 7. April 1724, in der
Leipziger Nikolaikirche uraufgeführt. Fast 300
Jahre später entstand in der Mainzer Christuskirche
diese Aufnahme des Bachchors und
Bachorchesters Mainz unter Ralf Otto. Seit
32 Jahren Leiter des Bachchors, dirigiert Otto
nun dessen erste Einspielung der Johannes-
Passion mit großartig besetzten Solopartien.
Historisch informiert und fein artikuliert weiß
dieses Album zu überzeugen. SK
J. S. Bach: „Johannes-Passion“,
Bachchor und Bachorchester
Mainz, Ralf Otto (Naxos)
Track 9 auf der
crescendo Abo-CD: Ruht wohl,
ihr heiligen Gebeine
SOLO
Joyce DiDonato
Heiliger Strohsack!
Joyce DiDonato scheint derzeit die Frau für die schrägen
Töne und Rollen zu sein. In einer Doku mimte sie Florence
Foster Jenkins, die selbst ernannte Operndiva und schlechteste
Sängerin aller Zeiten. 2015 verkörperte sie in Jake
Heggies Great Scott die gefeierte Mezzosopranistin Arden
Scott. Heggies Opernpersiflage kommt nicht ohne Klischees
aus, denn was wäre die Oper ohne Wahnsinn-
Szenen und die Storys dahinter? Die Welturaufführung
der gerade wiederentdeckten Oper Rosa Dolorosa von
Vittorio Bazzetti steht also an, ein netter Seitenhieb auf
den Entdeckungseifer einer Bartoli. Hinter den Kulissen
tobt es. Opernmanagerin Winnie Flato (Frederica von
Stade) kämpft ums Überleben der Kompagnie. Und auch
Arden hadert, denn die Konkurrenz schläft nicht. Und die
ist natürlich aus Osteuropa. Alles also wie im wahren
Leben, so wie die stilistisch jedes Register ziehende DiDonato,
die sich auch in den Höhen als
wahre Diva behauptet – als eine,
die wirklich singen kann. „Great
Scott!“ Heiliger Strohsack! TPR
Jake Heggie, Terrence McNally: „Great Scott“,
Joyce DiDonato (Erato)
BUCH
Christa Ludwig
Sie ist einfach
die Beste!
Als Mezzosopranistin Christa Ludwig 1994 nach
50 Jahren Bühnenkarriere ihre Abschiedsvorstellung
an der Wiener Staatsoper gab – als Klytämnestra in
Richard Strauss’ Elektra – kniete der damalige
Operndirektor Ioan Holender vor ihr nieder. Und
Leonard Bernstein entzückte sich: „Sie ist einfach die
Beste und der beste aller möglichen Menschen!“ Zu
ihrem 90. Geburtstag (siehe auch S. 14) ist im Amalthea
Verlag nun ihre Autobiografie erschienen. Darin
plaudert die Grande Dame in ihrer unverwechselbaren
Natürlichkeit, unerschrockenen Ehrlichkeit und mit einer gehörigen
Portion Witz etwa darüber, wie sie im Krieg Pulswärmer für Soldaten
strickte, bis das Haus der Familie nach einem Bombenanschlag
völlig ausbrannte, über die Rivalitäten mit ihrem ersten Ehemann, dem
Opernsänger Walter Berry, über das „Ankommen“ bei ihrem zweiten
Ehemann, dem französischen Schauspieler Paul-Émile Deiber, über
Stimmkrisen und die Bürde, Talent zu haben, und natürlich über Paradiesvögel,
Helden und Kuriositäten des Opernbetriebs. Ein Buch, das –
salopp gesagt – ganz wunderbar „flutscht“ und nicht nur einmal Lächeln
und Staunen macht! Mit 58 Abbildungen, biografischem Anhang und Rollenverzeichnis.
MG
Christa Ludwig: „,Leicht muss man sein‘. Erinnerungen an die Zukunft.
Aufgezeichnet von Erna Cuesta und Franz Zoglauer“ (Amalthea)
29

H Ö R E N & S E H E N
ORCHES-
TER
Hamburger Symphoniker
Klassik-Entdeckung
FOTO: J.KONRAD SCHMIDT
Muss man Antonio Rosetti (1750–1792) unbedingt
mit Haydn oder Mozart vergleichen? Freilich nicht,
auch wenn man schon bei den ersten Takten der
D-Dur-Sinfonie sofort die beiden Superstars der
Klassik im Kopf hat. Aus Ostschwaben ging sein Ruf
in die Welt. Und er war, wie sonst vielleicht nur
noch Johann Martin Kraus (der im selben Jahr wie
Rosetti, und eines nach Mozarts Tod, starb), repräsentativ
für die Klassik außerhalb Wiens. Als
Mozart – selbst von Rosettis Hornkonzerten inspiriert
– 1791 starb, wandte man sich in Prag an den
im beschaulichen Leitmeritz als Franz Anton Rösler
geborenen Komponisten, um das eine Genie mit
einem Requiem des anderen zu ehren. Die vorliegenden
Aufnahmen von 2001/02 bieten fünf von
etwa 50 erhaltenen Rosetti-Sinfonien und drei –
jeweils für Oboe, Flöte und zwei Geigen – von
knapp 70 Konzerten. Bei allen wunderbaren Haydnund
Mozart-Werken, die wir schnell zur Hand
beziehungsweise in den Ohren haben, lohnt es sich
doch immer wieder, auch andere Komponisten dieser
Zeit zu entdecken und ihnen zu lauschen.
Abwechslung und Genuss bietet Rosetti auf jeden
Fall reichlich, zumal in so frisch und ansprechend
gespielten Interpretationen, wie sie hier
von den Hamburger Symphonikern unter
Rosetti-Liebhaber Johannes Moesus zum
Besten gegeben werden. JL
Antonio Rosetti: „Symphonies & Concertos“,
Hamburger Symphoniker, Johannes Moesus (MDG)
SOLO
Michael Rische
Bach-Sohn
mit Biss
Carl Philipp Emanuel Bachs Klavierkonzerte
gehören wegen ihrer ungewöhnlichen Rhythmik
und ihrer formalen und harmonischen
Kühnheiten zu den originellsten Kompositionen
des 18. Jahrhunderts, doch dem heutigen
Publikum sind sie kaum bekannt. Der
Pianist Michael Rische möchte hier eine
Lücke schließen und hat bereits vier Alben
mit C. P. E. Bachs Konzerten auf dem modernen
Flügel eingespielt, nun präsentiert er
Album Nr. 5 mit den Berliner Barock
Solisten. Es enthält neben Bachs Erstling
(1733) auch sein letztes Klavierkonzert in
D-Dur Wq. 45 (1778) sowie das ebenso experimentelle
wie virtuose e-Moll-Konzert.
Rische nähert sich den Werken mit klarem,
schlankem Ton und kontrollierter Leidenschaft.
Die virtuosen Passagen haben Biss,
und die lyrischen Episoden zeugen von hoher
Klangkultur, dabei sind die wunderbar transparent
und mit warmem Ton aufspielenden
Berliner Barock
Solisten ein idealer
Partner. MV
C. P. E. Bach: „Piano Concertos.
Wq. 1, 45, 15“, Michael
Rische, Berliner Barock
Solisten (Hänssler)
Lucerne Festival Orchestra
Wiederentdeckter
Strawinsky
Mit einem wehmütigen Totenlied erinnerte Igor
Strawinsky 1908 an seinen Lehrer Nikolai Rimski-
Korsakow. Seit der russischen Oktoberrevolution
war das Manuskript des Chant funèbre verschollen.
Erst 2015 tauchte es zufällig im St. Petersburger
Konservatorium auf und sorgte für eine Sensation.
Riccardo Chailly hat dieses Frühwerk mit dem
Lucerne Festival Orchestra nun erstmals auf CD
eingespielt. Tiefe Streicher und Bläser beschwören
eine gespenstische Stimmung herauf, die für Gänsehaut
sorgt. Auf der Liveaufnahme aus dem Sommer
2017 sind auch die wenig bekannten Stücke
Feu d’artifice und Scherzo fantastique zu hören,
außerdem drei frühe Lieder mit dem Titel Le Faune
et la Bergère, denen das warme Timbre der Mezzosopranistin
Sophie Koch atmosphärische Dichte
verleiht. Die hämmernden Rhythmen in Le Sacre
du Printemps treten unter Chaillys straffem Dirigat
höchst plastisch hervor. Ein Album, auf dem sich
das von Claudio Abbado gegründete Festivalorchester
unter seinem Nachfolger mit neuem
Repertoire präsentiert. CK
Igor Strawinsky: „Chant funèbre/
Le Sacre du printemps“, Lucerne
Festival Orchestra, Riccardo Chailly
(Decca)
Radio-Symphonieorchester Wien
Konzertanter
Psychothriller
Bereits im Mai 2010 hat sich das Radio-
Symphonieorchester Wien unter der Leitung
seines damaligen Chefdirigenten
Bertrand de Billy mit Eine florentinische Tragödie
in Alexander Zemlinskys musikalisches
Spannungsfeld begeben und im Wiener Konzerthaus
eine Liveaufnahme geschaffen, die
elektrisierende Sogkraft besitzt. Mit der
Veröffentlichung beim Label Capriccio lässt
sich die umjubelte konzertante Aufführung
von Zemlinskys Einakter nun glücklicherweise
noch einmal nacherleben – und das
lohnt sich! Abgesehen von der rundherum
beeindruckenden Leistung des österreichischen
Radio-Symphonieorchesters, sticht
unter den drei exzellenten Gesangssolisten
vor allem der für seine Wagnerrollen gefeierte
Bariton Wolfgang Koch hervor, der als
Simone mit glühender Intensität die psychologischen
Abgründe von Liebe, Tod, Verletzlichkeit,
Verachtung und Rache besingt. KK
Alexander von Zemlinsky:
„Eine florentinische
Tragödie“, ORF Vienna
Radio Symphony Orchestra,
Bertrand de Billy
(Capriccio)
30 w w w . c r e s c e n d o . d e — April – Mai 2018

Kirill Gerstein
Let’s play!
Die Trennung zwischen E- und U-Musik war
einmal, und sie war reichlich absurd. Das
beweist nicht zuletzt dieses bemerkenswerte
Album, auf dem der vielseitige Pianist
Kirill Gerstein zusammen mit der St. Louis
Symphony herrlich unverkrampft in Gershwin
schwelgt. Gerstein, der selbst über den
Jazz zum Klavier kam, setzt sich mit seiner
Interpretation von Gershwins Rhapsody in
Blue und dem Concerto in F galant über stilistische
Kategorien hinweg. Beim Konzert
spart er nicht an virtuosen Verzierungen,
überrascht mit einer Kadenz im langsamen
Satz und wahrt doch ebenso kunstvoll wie
verspielt die Balance zwischen dem Jazz und
der Klassik. Dazwischen gestreut finden sich
Arrangements von Somebody Loves Me oder
Summertime, als Zugabe erklingt Embraceable
You. So ist dieses Album ein gelungenes Beispiel
für den lustvoll direkten und hingebungsvollen
Umgang mit dem farbenfrohen
Werk Gershwins. DW
Als neuer Abonnent erhalten
Sie diese CD (siehe S. 88)
Gershwin: „Rhapsody in
Blue & Concerto in F“, Kirill
Gerstein (Myrios)
Track 6 auf der crescendo
Abo-CD: Summertime
SOLO
Xavier de Maistre
Flamenco und
Kastagnetten
Ein Wiederhören der Evergreens des spanischen
klassischen Gitarrenrepertoires!
Das Besondere: Sie werden auf der Harfe
gespielt. Das Erstaunliche: Die meisten
wurden eigentlich für Klavier geschrieben.
Dass das so Vertraute durch das Spiel des
Harfenmagiers Xavier de Maistre wieder
unvertraut wird, macht dieses Album
hörenswert. Im Sinne Felipe Pedrells sind es
die Klassiker der spanischen Moderne wie
Granados’ Andaluza, Isaac Albéniz’ Asturias
oder de Fallas Danza española, die für den
gelungenen Brückenschlag zwischen Folklore
und neuer Formensprache stehen.
Nur Guridis Viejo Zortzico ist eine Komposition
für Harfe. Das tatsächlich für Gitarre
geschriebene Recuerdos de l’Ahambra, das
der Komponist Francisco Tárrega sich
ursprünglich als Tremoloetüde vorstellte,
wird in den Händen de Maistres zur leuchtenden
Krönung seines spanischen Nachthimmels.
Großer Wurf mit persönlicher
Note! SELL
Granados, Albeniz, Soler u. a.: „Serenata Española“,
Xavier de Maistre (Sony)
FOTO: JEAN-BAPTISTE MILLOT
Lika Bibileishvili
Sergej Prokofjew
Klaviersonate Nr. 6, op. 82
Maurice Ravel
Gaspard de la Nuit
Jean Sibelius
Aus 13 Klavierstücke, op. 76
Béla Bartók
Sonate für Klavier, Sz 80
Lika Bibileishvili
Prokofjew
Ravel
Sibelius
Bartók
B 108099
CD im Fachhandel sowie
als Download erhältlich.
www.farao-classics.de
Telefon 089 14330080
31

H Ö R E N & S E H E N
FOTO: BRESCIA E AMISANO TEATRO ALLA SCALA
TANZ
Ballett der Mailänder Scala
Mozarts Liebesuniversum
W. A. Mozart: „The Lovers’ Garden“, Ballet Company
of Teatro alla Scala, Massimiliano Volpini (C Major)
Eine verzauberte Nacht: junge ausgelassene Menschen bei einem Gartenfest. Musik
erfüllt den Park: Mozart-Quartette. Und wie hypnotisiert von den Streichern, Flöten,
Oboen und Klarinetten gleitet ein Paar unmittelbar in das Liebesuniversum von
Mozarts Opern. Nacheinander treten hinter den hohen Buchsbaumhecken Graf
Almaviva, Figaro, Susanna und Rosina hervor, Giovanni und sein Leporello, die beiden Così fan
tutte-Paare und die Königin der Nacht. Die verschiedenen Liebeshändel bleiben bei Massimiliano
Volpini im ständigen Fluss seiner fast durchgehend heiter belebten Choreografie, der ein
Septett im Bühnenvordergrund tanz-achtsam zumusiziert. Das Ballett der Mailänder Scala, im
Zentrum die Ersten Solisten Nicoletta Manni und Roberto Bolle, scheint wie hineingeboren in
Volpinis modern entspannten neoklassischen Stil. Auf Video verliert diese 2016 zu Mozarts
225. Todestag kreierte Hommage, auch dank Erika Carrettas Naturszenerie und hinreißenden
postmodernen Rokoko-Kostümen, nichts an Farbkraft und Ausstrahlung. GRA
Nicolai Pfeffer & Felix Wahl
Aura der Reife
Die letzten Werke, die ein Komponist
vor seinem Tod komponiert, umgibt eine
besondere Aura. Der Pianist Felix Wahl
und der Klarinettist Nicolai Pfeffer haben
dieser nun im Werk von Johannes Brahms
nachgespürt. Neben den beiden Sonaten
für Klarinette und Klavier Nr. 1 und Nr. 2
finden sich die vier Intermezzi op. 119 auf
dem Album, wobei es sich um die letzten
kammermusikalischen Werke sowie das
letzte Stück für Klavier Solo von Brahms
handelt. Wahl und Pfeffer gestalten diese
besonderen Stücke mit berührender
Demut. Aus dem feinsinnigen Zusammenspiel
der beiden Musiker heraus, das
gleich einem intensiven Dialog in den
Bann zieht, entsteht ein vielschichtiges
Porträt des reifen Komponisten. Mit eindringlichem
romantischem Gestus, ausdrucksstark
und kontrastreich in den
Sonaten, verinnerlicht und fragil in den
Intermezzi, zeigt sich Johannes Brahms in
seinem ganzen Facettenreichtum. DW
Johannes Brahms:
„Clarinet Sonatas
op. 120, Piano Pieces
op. 119“, Nicolai
Pfeffer, Felix Wahl (Avi)
KAMMER-
MUSIK
ORCHES-
TER
Kammerorchester Basel
Spektakuläre Sturmund-Drang-Sinfonien
Obwohl Joseph Haydn als „Erfinder“ der klassischen
Sinfonie gilt, gab es von seinen 104 Arbeiten
bislang nur zwei komplette Schallplatten-
Zyklen – unter Antal Doráti und Adam Fischer. Sie
liegen beide viele Jahre zurück und sind derzeit
nicht greifbar. Seit 2015 stellt sich der italienische
Originalklang-Crack Giovanni Antonini der Herkulesaufgabe
und will das Mammutprojekt bis 2032,
zu Haydns 300. Geburtstag, abschließen: Nach den
ersten vier Alben, die er mit seinem Ensemble
Il giardino armonico bestritt, hat er für die aktuelle
fünfte Folge das ebenfalls historisch orientierte
Kammerorchester Basel verpflichtet, das sich ähnlich
schwungvoll, rasant und kammermusikalisch
filigran ins Zeug legt. Diesmal hat Antonini die beiden
spektakulären Sturm-und-Drang-Sinfonien
Nr. 80 und 81 mit der frühen Nr. 19 kombiniert und
eine tief ernste c-Moll-Sinfonie des „schwedischen
Mozart“ Joseph Martin Kraus hinzugefügt. Der
direkte Vergleich beider Klassiker lässt Haydns
kühnen Experimentiergeist und
seinen subtilen Humor noch
deutlicher hervortreten.
AC
„Haydn 2032 – L’homme de génie
(Vol. 5)“, Kammerorchester Basel,
Giovanni Antonini (Alpha)
Simon Höfele
Herrlich gewagt!
„Das Neue, das Unbekannte interessiert
mich ungemein“, erzählt der Trompeter
Simon Höfele. Spätestens seit er vor zwei
Jahren den Deutschen Musikwettbewerb
gewann, zählt er zur den begehrten Künstlern
seines Fachs. Höfele ist kein Vertreter
der Schneller-höher-lauter-Fraktion. Der
gebürtige Darmstädter (Jahrgang 1994) liebt
die leisen Töne. Das vorliegende Album
bedient genau diese Welt, die Auswahl ist
herrlich gewagt und spannt einen Bogen über
50 Jahre jüngerer Musikgeschichte – von
Japan über Ungarn, Frankreich und Schottland
bis nach Wien. Ligetis Mysteries of the
Macabre ist voller Extreme und lässt auch
den Zuhörer kaum zur Ruhe kommen.
Jolivets Heptade ist da ein gutes Gegengewicht.
Es folgen Hosokawa, Hamilton und
Takemitsu. Den Abschluss bildet Exposed
Throat von HK Gruber, das Höfele selbst als
„besonders extrem und in ihrem Anspruch
wirklich abartig nah an der Grenze des Machbaren“
bezeichnet.
Das ist kühn, spannend
und irritierend
schön. KH
Ligeti, Jolivet, Hosokawa
u. a.: „Mysteries“,
Simon Höfele (Genuin)
SOLO
Michael Barenboim
Italienischer
Grenzritt
Am Falle Michael Barenboims zeigt sich in
hinreißender Weise, was eine hochkarätige
Musikausbildung immer mit Blick auf den
subs tanziellen Gehalt auszurichten vermag.
Er spannt hier einen faszinierenden Bogen
durch die Geschichte der italienischen Violinmusik
vom visionären Spätbarock Tartinis
über sechs Capricen Paganinis zur Moderne
Berios (Sequenza VIII) und Sciarrinos
(6 Capricci), wobei das Programm auf drastischen
Kontrast angelegt ist und Paganini zum
Schluss dem einleitenden Sciarrino den Spiegel
entgegenhält. Tartinis Teufelstriller-Sonate
bildet solistisch mit herrlich wild expressivem
Sinn für formale Balance gemeinsam mit
Berio das Zentrum des Programms. Paganini
wurde seit Paul Zukofsky nicht als so radikal
strukturell verstandener Grenzritt gehört.
Dass Technik und Klang auf höchstem Niveau
sind, ebenso wie die Aufnahmequalität und
das Booklet-Interview, stärkt den superben
Eindruck. CS
„Sciarrino, Tartini, Berio,
Paganini“, Michael
Barenboim (Accentus)
32 w w w . c r e s c e n d o . d e — April – Mai 2018

Claire Huangci
Raritäten der
Leidenschaft
Manchmal lohnt es sich, eingefahrene Hörgewohnheiten
zur Seite zu schieben, um sich
unverhofften klanglichen Genüssen hingeben
zu können. Wer in dieser Aufnahme die
ersten Takte von Beethovens berühmtem
Violinkonzert zu erkennen glaubt, von den
Musikern des Brandenburgischen Staatsorchesters
unter der Leitung von Howard
Griffiths überzeugend und gefühlvoll interpretiert,
wird überrascht sein, nach der Einleitung
nicht die Violine, sondern das Klavier
als Soloinstrument zu hören. Auch in dieser
viel seltener gespielten Bearbeitung des
Komponisten verliert die Musik keineswegs
ihren Zauber, sondern entwickelt einen
eigenen, einzigartigen Charme. Der weiche,
in hohen Lagen geradezu silbrig-feine
Anschlag von Claire Huangci sowie ihr
Gespür, ihr Instrument mal melancholisch,
mal verträumt und mal übermütig-verspielt
klingen zu lassen, machen das Konzert
zu einem Feuerwerk virtuoser
Leidenschaft. US
„Beethoven Rarities“, Claire Huangci,
Brandenburgisches Staatsorchester (Klanglogo)
Track 4 auf der crescendo Abo-CD: Klavierkonzert
D-Dur op. 61a, II. Larghetto von Beethoven
SOLO
FOTO: GREGOR HOHENBERG
Ermanno Wolf-Ferrari
Steh auf!
Der Name Friedrich Haider ist inzwischen
untrennbar mit dem von Ermanno Wolf-
Ferrari (1876–1948) verbunden. Als der
Ausnahmedirigent 2002 in einem Londoner
Antiquariat die Partitur der Opera Buffa
Il segreto di Susanna entdeckt, ist es um ihn
geschehen. Dieses und weitere Werke hat
er bereits gemeinsam mit der Oviedo Filarmonia
kongenial aufgenommen. Nun die
Weltersteinspielung des „sakralen Mysteriums“
Talitha Kumi! (aramäisch: „Steh
auf!“). Besser hätten sich Solisten, Chor
und Orchester nicht finden können, famos,
was Haider da zutage bringt. Der deutschitalienische
Komponist hat sich stets dem
Diktat der Neutöner entzogen und hinterließ
eine völlig eigene, fast zeitlose Klangwelt.
Wie diese Herzensmusik von betörender
Schönheit – ganz besonders auch
die Otto cori op. 2 – mit Feuereifer und
inniger Hingabe dargeboten wird, macht
das Album so empfehlenswert. Exorbitant!
SELL
Ermanno Wolf-Ferrari: „Talitha Kumi!“,
Oviedo Filarmonía, Friedrich Haider
(Naxos)
Track 8 auf der crescendo Abo-CD:
La Passione op. 21, Religiöser Gesang
für gemischten Chor a cappella
ORCHES-
TER
CHEFDIRIGENT MICHAEL SANDERLING
© Markenfotografie
EIN JAHR
DRESDNER PHILHARMONIE
IM NEUEN KONZERTSAAL
NEUE
AUSSICHTEN
F E S T W O C H E
22.–29. APRIL
33
kulturpalast-dresden.de | dresdnerphilharmonie.de

H Ö R E N & S E H E N
Unerhörtes & neu Entdecktes
von Christoph Schlüren
FEGEFEUER INNERER SCHMERZEN
Sein unorthodoxer Auftritt erinnerte mehr an einen Mafioso als an einen Akademiker.
Wohl weil er die Kunst der Selbstvermarktung nicht beherrschte,
ist Nicolas Flagello heute so gut wie in Vergessenheit geraten.
Am 15. März wäre Nicolas Flagello
(1928–1994) 90 Jahre
alt geworden. Er war einer
der ganz großen Komponisten
der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts.
Aus einer italienischen Musikerfamilie,
die sich in New York niedergelassen
hatte (sein Großvater mütterlicherseits
war einer der letzten Schüler von Verdi)
stammend, wuchs er in einer von Belcanto
und spätromantischer Emphase
geprägten Umgebung auf. Mit drei Jahren
erhielt er Klavierunterricht, mit acht
Jahren begann er zu komponieren.
Sein großer Lehrmeister wurde
Vittorio Giannini, den Richard Strauss
in den 1930er-Jahren als neuen Hoffnungsträger protegierte. Doch
es kam anders, der Krieg zerstörte viele Hoffnungen, und danach
stand Gianninis aus der Tradition gewachsenes Ethos wider den
Zeitgeist, der die Brücken zur Vergangenheit abbrechen wollte.
Giannini und Flagello wurden enge Freunde und bildeten eine
ästhetische Haltung aus, die in den USA einzigartig war: Schönheit,
existenzielles Drama, Kunst der organischen sinfonischen Formung,
vollendete Beherrschung der kontrapunktischen Techniken
und harmonischen Mittel auf der Grundlage einer erweiterten kantablen
Tonalität. Ende der 1950er-Jahre zeichnete sich in Flagellos
Schaffen eine stilistische Wandlung ab, die auch auf Giannini
zurückfärbte: Die Musik spiegelte in ihrer dunklen Glut immer
mehr Zustände dramatischer Verzweiflung, Rebellion gegen die
Ignoranz und Veräußerlichung der modernen Zivilisation und seelische
Vereinsamung in der kalten Betonwelt der Metropole wider.
Ein brodelnder Abgesang.
In den 1970er-Jahren geriet Flagello allmählich in einen
Zustand innerer Verlorenheit und tiefer Depression, sein Leben
endete in geistiger Umnachtung. Dass er ein Outsider blieb, hat
jedoch nicht unbedingt mit seiner künstlerischen Haltung zu tun,
die ihn ohne jede Rücksicht auf Moden unbeugsam seinen Weg
gehen ließ. Andere, wie Barber oder Bloch, wurden für ihren offenen
Neoromantizismus gefeiert. Er hingegen, der viel mehr furioser
Nicolas Flagello
Existenzialist als Nostalgiker war, dessen
Musik den Hörer oft durch ein Fegefeuer
innerer Schmerzen führt, verstand
es einfach nicht, sich „gut zu verkaufen“.
Obwohl selbst ein exzellenter Pianist
und Dirigent, musste er die Aufnahmen
seiner Musik in Italien machen, denn
sein unorthodoxer Auftritt erinnerte
mehr an einen Mafioso als an einen
gewandten Akademiker. Er blieb sozusagen
ein „Mann von der Straße“, dessen
Musik zwar die Kenner herausfordert,
aber zugleich für jeden Hörer
unmittelbar verständlich ist.
Flagello musste fast zwangsläufig
eine tragische Figur werden. Seine
Musik spricht in ihrer Zeit eine so unverstellt vehemente Sprache wie
Tschaikowsky in seiner. Sie nimmt den Hörer ebenso stürmisch und
zärtlich mit in ihre leidenschaftlichen und intimen Regionen und ist
zugleich kompromisslos klar, unbestechlich balanciert geformt. Auf
CD ist Flagello mittlerweile so dokumentiert, dass man sich – bei
allen Lücken – einen Überblick verschaffen kann (etliche Einspielungen
sind bei NAXOS erschienen), doch seine Hauptwerke sind nach
wie vor fast nie im Konzert zu hören. Manche harren trotz Ersteinspielung
weiter der Uraufführung. Es ist nicht einfach, beim vielseitigen
Reichtum seines Schaffens Empfehlungen abzugeben. Doch
möchte ich seine beiden Sinfonien nennen, das herrlich zwischen
improvisatorischem Gestus und expressionistischer Gesangsszene
angesiedelte Capriccio für Cello und Orchester, die übermütig an den
Montmartre entführende Lautrec-Suite mit einem abgründigen Valse
triste, wie sie sich selbst Sibelius nicht erträumt hätte, oder der Piper
of Hamelin, eine der hinreißendsten Kinderopern der Geschichte.
Nie hat sich der Bekenntnismusiker Flagello, der 1968 mit der Passion
of Martin Luther King sein berühmtestes Werk schrieb, der Sentimentalität
der nostalgischen Neoromantik ergeben, immer halten
das vielfältige rhythmische Pulsieren, der weit dimensionierte harmonische
Spannungsverlauf, die lineare Energie das stringent konturierte
Geschehen im Fluss. Wer Schostakowitsch liebt, dürfte auch
Flagello lieben. Nur muss man ihn zuerst kennenlernen. n
FOTO: WALTER SIMMONS
34 w w w . c r e s c e n d o . d e — April – Mai 2018

Michel Legrand
Ein Pariser erobert New York
Michel Legrand, Jahrgang 1932, ist der erfolgreichste Filmkomponist
Frankreichs. Er verschaffte sich auch als Jazzpianist, Dirigent und Arrangeur
weltweites Ansehen und eroberte schon früh die US-Musikszene.
Bereits 1958, mit 26, produzierte er für Columbia sein erstes amerikanisches
Album „Legrand Jazz“ und engagierte dafür die gesamte Jazz-
Prominenz New Yorks, insgesamt 31 Topmusiker, die dann in elf
bekannten Standards Legrands erfrischend unkonventionelle Arrangements
mit ihren Improvisationskünsten anreicherten. Miles Davis ließ
seine leise Magie in Round Midnight aufleuchten und teilte sich dann in
anderen Titeln die Soli mit Herbie Mann, John Coltrane, Phil Woods und
Bill Evans. Auch Hank Jones, Ben Webster, Donald Byrd und andere Größen
würzten das französische Raffinement und die klassisch inspirierten
Bläsersätze Legrands mit amerikanischer Coolness
und schwarzem Timing. Diese extravagante
Mixtur aus Flair und Swing, aus Pariser und New
Yorker Lebensgefühl ist jetzt vom US-Label
Impex in exzellenter Stereoqualität auf SACD
überspielt worden. AC
„Legrand Jazz (1958)“, Michel Legrand (Impex Records)
Niels W. Gade
Fulminant und heroisch
Jugendsünde oder Geniestreich? Vermutlich keins von beiden, auch wenn
die Kantate Comala des von Felix Mendelssohn Bartholdy sehr geschätzten
Nils W. Gade in jungen Jahren entstanden ist und danach einen Siegeszug
durch die Konzertsäle der damaligen Zeit angetreten hat. Übrig
geblieben ist davon nicht viel, das Stück ist nahezu vergessen. Umso dankenswerter
ist es, nun wieder eine Einspielung zu haben, die diesem
Werk zu mehr Beachtung verhilft. Laurence Equilbey heizt Orchester
und Chor mächtig ein, das heroische Moment in diesem Werk lässt sich
jedenfalls kaum verhehlen. Die Männerstimmen klingen in der Höhe
zuweilen etwas angestrengt, aber musikalisch bleibt hier ansonsten kein
Wunsch offen. Die Solisten singen mit angemessener Grandezza, Gades
Musik wird stilgerecht und mit pastosem Pathos
neuer Atem eingehaucht. Das gelingt hier ausgesprochen
fulminant! GK
ORCHES-
TER
JAZZ
Niels W. Gade: „Comala“, Danish National Symphony Orchestra &
Choir, Laurence Equilbey (DaCapo)
Track 7 auf der crescendo Abo-CD: Einleitung aus: Comala op. 12
Nuria Rial
Katalanisch-brasilianische Glut
Acht Celli und eine kongeniale Nuria Rial, bisher eher aus der Barockmusik
bekannt … das sind die Zutaten für ein glutvolles Album, das die
Bachianas Barsilieras Nr. 5 enthält – ein Werk, das tatsächlich ursprünglich
für diese seltene Besetzung komponiert wurde und in dem sich die
Musik J. S. Bachs mit der Brasiliens paart, dann die Weltersteinspielung
von Bernat Vivancos Vocal Ice, einem berührenden, nur auf die Vokale „a“
und „o“ intonierten Trauergesang, sowie das katalanische Volks- und
Freiheitslied El Cant dels Ocells. In den über das Album versprengten
Instrumentalteilen klingt Tango-„Halbgott“ Astor Piazzollas Gegenentwurf
zu Vivaldi: die Vier Jahreszeiten von Buenos Aires, bei denen die Cellisten
des SO Basel auf ihren Instrumenten nicht
nur singen, sondern angelegentlich auch leidenschaftlich
klopfen, kreischen, wimmern und kratzen.
Zum Tanzen und Schwelgen! MG
Nuria Rial: „Vocalise“, 8 Cellists of the Sinfonieorchester Basel
(Sony)
IMPRESSUM
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REDAKTION „ERLEBEN“
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Nr. 21 vom 09.09.2017
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Attila Csampai („Attila empfiehlt“,
siehe Seite 26) stellt live bei Steinway
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vor. Präsentiert werden
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dem Devialet Gold Phantom.
Mein Leben war wie eine Rose: voll Dornen und schön zugleich
Mein Leben war vorgezeichnet, als ich als Tochter einer minderjährigen
Straßensängerin und eines Akrobaten in den Salons des
großmütterlichen Bordells aufwuchs. Schon in jungen Jahren
hatte ich meinen eigenen Willen, entkam der Gewalttätigkeit des
Milieus und verließ den Wanderzirkus meines alkoholsüchtigen
Vaters. Mein Schicksal wendete sich nicht, als ich früh Mutter
wurde und mein einziges Kind im Kleinkindalter starb oder als
mein Mentor ermordet wurde, ich öffentlich der Mitwisserschaft
bezichtigt wurde und die Stadt verlassen musste. Aber ich stand
immer wieder auf und eines Tages feierte man mich und meine
Skandale auf Europas Bühnen.
Zeit meines Lebens strickte ich an meiner eigenen Legende.
Die Presse lag mir zu Füßen und berichtete von meinen Schmerzen,
die ich mit Morphium und Alkohol stillte, oder von der endlosen
Schlange an Geliebten, darunter mein tragisch verunglückter
Lebensgefährte oder mein viel zu junger Ehemann. Meine Liebens-
und Leidensfähigkeit gab meiner Musik die gewaltige
Authentizität, die das Glück und die Trauer, die Lust und das
Elend meiner Seele widerspiegelten. Ich förderte den musikalischen
Nachwuchs meines Heimatlandes, begeisterte mit der
Melancholie meiner Melodien die Welt und führte ein Leben für
die Bühne. Und nein, gar nichts, ich bedaure nichts!
RÄTSEL LÖSEN UND
CHRISTA LUDWIG GEWINNEN!
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„Alltags-Rätsel“ an die crescendo- Redaktion,
Rindermarkt 6, 80331 München oder per E-Mail an
gewinnspiel@crescendo.de. Unter den richtigen Einsendungen
verlosen wir die CD-Box „Christa Ludwig. The Complete Recitals on
Warner Classics“ (Warner). Einsendeschluss ist der 30.4.2018.
Die Gewinnerin unseres letzten Alltagsrätsels ist Nicole Nelle aus
Göppingen. Die Lösung war „Ennio Morricone“.
Der in Budapest geborene Csampai stammt aus einer österreichisch-ungarischen
Musikerfamilie. Die Mutter Opernsängerin,
der Vater Geiger, war er von klein auf von Musik umgeben. Der
ungarische Volksaufstand zwang ihn 1957 zur Emigration nach
München, wo er Musikwissenschaft, Theatergeschichte, Philosophie,
Soziologie, Mathematik und andere Fächer studierte.
Seine Essays, seine Aufsätze und Werkkommentare in Fachzeitschriften
und vor allem seine zahlreichen Musikbücher sind seitdem
legendär und begleiteten nicht nur Generationen von
Musikwissenschaftlern, sondern auch interessierte Laien und die
Künstler selbst. 32 Jahre lang war Attila Csampai beim Bayerischen
Rundfunk beschäftigt. Für seine private Plattensammlung
musste er regelrecht anbauen: Sie umfasst rund 40.000 CDs
und 8.000 LPs. Bei „Attila Csampai live“ wird er besonders
herausragende historische Interpretationen mit ungewöhnlichen
aktuellen Hör-Raritäten und Hör-Sensationen kontrastieren
– immer gepaart mit einem unglaublichen, über Jahrzehnte
angesammelten Hintergrundwissen. Die Moderation des
Abends übernimmt Dr. Maria Goeth, leitende Redakteurin
von crescendo.
Das Soundsystem zum Vortrag stammt vom französischen
Unternehmen Devialet und hat durch seine besondere Analog-
Digital-Hybrid-Technologie einen außergewöhnlichen Klang mit
sehr klaren Höhen und voluminösen Bässen. Tatsächlich ist
Devialet derzeit das am häufigsten ausgezeichnete Start-up der
Welt. Alle Bauteile, Technologie und Design werden in Frankreich
entwickelt und produziert.
Dienstag, 8. Mai um 18.30 Uhr, Steinway & Sons,
Landsberger Str. 336, 80687 München, Eintritt: 10 Euro
Exklusiv für crescendo-Leser:
Bei Voranmeldung unter www.crescendo.de/attilalive
erhalten Sie freien Eintritt!
36 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2018

ERLEBEN
Die wichtigsten Termine und Veranstaltungen im März, April und Mai im Überblick (ab Seite 38)
Schostakowitsch Tage Gohrisch: Ein Komponist in Zerissenheit zwischen Repression und Ideal (Seite 44)
Frauenkirche Dresden: Wie Klang und Raum in Harmonie verschmelzen (Seite 46)
14. bis 22. April
MÜNCHEN
BALLETT-
FESTWOCHE
Wayne McGregor begreift den
Körper nicht bloß als Instrument
lyrischer Bewegungen. Vielmehr
sieht er weiteres physisches Potenzial,
das er mit seinen Choreografien
zu ergründen sucht. „Jeder trägt seine
eigene körperliche Geschichte“,
betont er. Das Bayerische Staatsballett
widmet ihm zum Auftakt seiner
BallettFestwoche einen dreiteiligen
Porträtabend. „Borderlands“
zur Musik von Joel Cadbury und Paul
Stone entstand aus der Inspiration
von den streng geometrischen Formen
Josef Albers’. Die Choreografie
lässt die Gemälde des Bauhaus-
Künstlers im Tanz erfahrbar werden.
Für „Kairos“, übersetzt mit „Wetter“,
verwendet McGregor die Neukomposition
der Vier Jahreszeiten, die
Max Richter vornahm, indem er aus
Vivaldis Musik Muster ausschnitt und
auf subtile Weise neu einfügte. Den
Schlussteil bildet die Uraufführung einer
Choreografie, die McGregor mit
den Tänzern in München einstudiert.
München, Bayerische Staatsoper,
www.staatsoper.de
FOTO: JUDITH SCHLOSSER
37

E R L E B E N
März / April / Mai 2018
DIE WICHTIGSTEN
VERANSTALTUNGEN AUF
EINEN BLICK
Ihr persönlicher Navigator für Premieren, Konzerte und Festivals
PREMIEREN
15.3. MÜNCHEN GÄRTNERPLATZ-
THEATER Weiße Rose / U. Zimmermann
16.3. BRAUNSCHWEIG
STAATSTHEATER Elektra / R. Strauss
16.3. LÜBECK THEATER
Luci mie traditrici / S. Sciarrino
16.3. HEIDELBERG THEATER
Faust (Margarete) / C. Gounod
17.3. BERLIN KOMISCHE OPER
Blaubart / J. Offenbach
17.3. ERFURT THEATER
Der fliegende Holländer / R. Wagner
17.3. HOF THEATER
Ein Traumspiel / A. Reimann
17.3. LEIPZIG OPER
Tannhäuser / R. Wagner
17.3. MAINZ STAATSTHEATER
Don Carlo / G. Verdi
17.3. NÜRNBERG STAATSTHEATER
Die Soldaten / B. A. Zimmermann
17.3. REGENSBURG THEATER
Cabaret / J. Kander
17.3. WIEN (AT) VOLKSOPER
Carousel / R. Rodgers
18.3. BERLIN DEUTSCHE OPER
Das Wunder der Heliane / E. Korngold
18.3. KÖLN OPER
Gli Uccellatori / F. L. Gassmann
23.3. LEIPZIG OPER
Alice im Wunderland / M. Mahr
24.3. AUGSBURG THEATER
La forza del destino / G. Verdi
24.3. CHEMNITZ THEATER
Die Walküre / R. Wagner
24.3. KAISERSLAUTERN THEATER
The Rake‘s Progress / I. Strawinsky
24.3. KASSEL STAATSTHEATER
The Rake‘s Progress / I. Strawinsky
24.3. TRIER THEATER
Into the woods / S. Sondheim
24.3. WIEN (AT) STAATSOPER
Dantons Tod / G. v. Einem
24.3. LUZERN (CH) THEATER
Faust-Szenen / R. Schumann
25.3. BERLIN STAATSOPER
Falstaff / G. Verdi
25.3. MANNHEIM NATIONALTHEATER
Pelleas und Melisande / C. Debussy
25.3. STUTTGART STAATSTHEATER
Don Pasquale / G. Donizetti
28.3. BASEL (CH) THEATER
Trouble in Tahiti / L. Bernstein
29.3. ULM THEATER
Motezuma / A. Vivaldi
4. April bis 6. Mai, Wolfsburg
FORTGESCHRIEBENE
MUSIKGESCHICHTE
Cellist Benedict Klöckner und Violinistin Franziska Hölscher mit
dem Leiter des Ensembles Risonanze Erranti Peter Tilling
Mit seinen über 400 Kompositionen hat Wolfgang Rihm ein Universum
geschaffen. Anlässlich seines 65. Geburtstags vermittelt
das Ensemble Risonanze Erranti unter Peter Tilling im Rahmen
der Movimentos Festwochen Einblicke in die Anfänge von Rihms
kompositorischer Arbeit. Von der prägenden Erfahrung „schöpferischen
Zwangs“ sprach Rihm einmal. Sie führte ihn schon in den
60er-Jahren zum Komponieren. 1968 kam er in die Kompositionsklasse
von Eugen Werner Velte an die Karlsruher Musikhochschule.
Tilling studierte ebenfalls an dieser Hochschule. Risonanze
Erranti gründete er als Solistenensemble für Neue Musik mit befreundeten
Musikern von der Hochschule. Auch mit Rihm, der
1985 seinem Lehrer Velte als Professor für Komposition nachgefolgt
war, kam er in einen künstlerischen Austausch. So überließ
Rihm ihm zwei Stücke zur Uraufführung, die er im Alter zwischen
17 und 18 Jahren geschrieben hatte: Concertino für Violine und Streicher
und Doppelkonzert für zwei Celli und Streichorchester. Auf dem
Programm des Porträtkonzerts stehen zudem auf besonderen
Wunsch Rihms zwei Sinfonien von Carl Philipp Emanuel Bach. Zum
Abschluss erklingt Epilog, Rihms Abschiedsgeschenk an Hans-Peter
Jahn, den Leiter der Stuttgarter Tage für Neue Musik Eclat, der
für Rihm die schönsten Worte fand: „Er hat die Musikgeschichte
weitergebracht.“
Wolfsburg, verschiedene Spielorte, www.movimentos.de
FOTO: IRENE ZANDEL
31.3. BREMEN THEATER
Die Fledermaus / J. Strauß
31.3. ESSEN THEATER
Salome / R. Strauss
1.4. FRANKFURT OPER
Aus einem Totenhaus / L. Janáček
2.4. AUGSBURG THEATER
Die große Wörterfabrik / M. Zels
6.4. DRESDEN OPER
Cabaret / J. Kander
6.4. HALLE OPER
Inferno / E. Palomar
7.4. BERN (CH) KONZERTTHEATER
Carmen / G. Bizet
7.4. BRAUNSCHWEIG
STAATSTHEATER Gold! / L. Evers
7.4. DÜSSELDORF OPERNHAUS
Siegfried / R. Wagner
7.4. LEIPZIG OPER
Herzog Blaubarts Burg / B. Bartók
7.4. PLAUEN THEATER
Im weißen Rössl / R. Benatzky
7.4. GRAZ (AT) OPER
Il viaggio a Reims / G. Rossini
8.4. DESSAU THEATER
Aglaja / A. Hantke
8.4. DORTMUND THEATER
Nabucco / G. Verdi
8.4. ZÜRICH (CH) OPERNHAUS
Maria Stuarda / G. Donizetti
11.4. BRAUNSCHWEIG STAATS-
THEATER La voix humaine / F. Poulenc
12.4. MANNHEIM
NATIONALTHEATER Die Krönung der
Poppea / C. Monteverdi
13.4. MEININGEN STAATSTHEATER
Ariadne auf Naxos / R. Strauss
13.4. MÜNCHEN STAATSOPER
Der Diktator, Der zerbrochene Krug /
E. Krenek, V. Ullmann
14.4. HANNOVER STAATSTHEATER
Aida / G. Verdi
14.4. LINZ (AT) LANDESTHEATER
Eugen Onegin / P. Tschaikowsky
14.4. MÜNSTER THEATER
Aschenputtel / J. Massenet
14.4. WIEN (AT) VOLKSOPER
Marilyn Forever / G. Bryars
14.4. PASSAU STADTTHEATER
Lucrezia Borgia / G. Donizetti
15.4. AACHEN THEATER
Dialogues des Carmélites / F. Poulenc
18.4. KÖLN OPER
Mosè in Egitto / G. Rossini
21.4. SALZBURG (AT)
LANDESTHEATER Cardillac /
P. Hindemith
38 w w w . c r e s c e n d o . d e — April – Mai 2018

Münchener Biennale 2018:
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DU: 25-02-2018
FOTOS: ANNE VAN AERSCHOT; GEGHARD ENSEMBLE; MARGARET MALANDRUCCOLO / DG; JULIA BAIER; HOLGER TALINSKI; JAKOB ERPF LAURA VANSEVICIENE; MANFRED ESSER; ESTHER KOCHTE; DOMINIK ODENKIRCHEN; MEI LEWIS; CORA SUNDMACHER; STEPHAN POLZER
17. März bis 21. April
HEIDELBERG HEIDELBERGER FRÜHLING
„Eigen-Arten“ lautet der Leitgedanke des internationalen
Festivals Heidelberger Frühling.
Damit findet die Trilogie zu Kernmotiven der
Aufklärung ihre Fortsetzung. Den emphatischen
Begriff der Freiheit, für den die USA stehen,
lassen das Binnenfestival „Standpunkte“
mit Werken von John Cage, Samuel Barber,
Charles Ives und Philip Glass sowie das Wandelkonzert mit Werken der
Exilkomponisten Ernst Krenek, Paul Hindemith und Hanns Eisler hörbar
werden. Igor Levit erinnert in einem Ragtime-Konzert mit Musik
schwarzer Komponisten wie Scott Joplin dagegen daran, dass die USA
kein Hort der Freiheit für alle Bevölkerungsgruppen sind. „Neuland.
Lied“ greift den Leitgedanken aus allgemein menschlicher Perspektive
auf. Was macht uns aus?, fragen Tara Erraught, Anna Lucia Richter, Anna
Stéphany, Sarah Maria Sun sowie Ilker Arcayürek und Mark Padmore mit
fünf großen Schumann-Zyklen. Ebenfalls mit fünf Programmen ist der
Cellist Jean-Guihen Queyras (Bild) als Artist in Residence zu erleben.
Mit Sokratis Sinopoulos auf der Lyra erkundet er die Begegnung abendländischer
und orientalischer Kultur in Thrakien, und mit der Choreografin
Anne Teresa De Keersmaeker und drei Tänzern widmet er sich
den Cellosuiten Bachs. Über 100 Veranstaltungen umfasst das Programm,
das vom Mahler Chamber Orchestra unter François-Xavier
Roth und Daniele Gatti umrahmt wird.
Heidelberg, verschiedene Spielorte, www.heidelberger-fruehling.de
17. und 18. Mai
ESSEN HOLLYWOOD
„Hollywood gleicht einer wunderbaren,
gigantischen Berg- und Talbahn mit wahnsinniger
Geschwindigkeit und halsbrecherischen
Krisen“, beschrieb Vicki Baum die Traumstadt.
Nach dem Ausbruch des Zweiten Weltkriegs
wurde sie zur lebensrettenden Adresse für
zahlreiche Emigranten. Der Violinist Daniel
Hope (Bild) erinnert mit den Essener Philharmonikern an die Komponisten,
die von Hollywood angezogen wurden und vor Hitler ins Exil
flohen. Max Steiner machte sich 1929 mit Beginn des Tonfilms auf die
Reise und schrieb Musik für die Liebesgeschichte Vom Winde verweht.
Erich Wolfgang Korngold folgte 1934 einer Einladung Max Reinhardts
und entkam dank seiner Tätigkeit für Warner Brothers Hitlers Schergen.
Miklós Rózsa, der für Hitchcocks Spellbound komponierte, emigrierte
1940. Am Pult der Philharmoniker steht John Axelrod, und so
sind die beiden Abende auch ein Zusammentreffen zweier crescendo-
Kolumnisten.
Essen, Philharmonie, www.philharmonie-essen.de
12. Mai bis 30. September
MAULBRONN KLOSTERKONZERTE
Seit 50 Jahren bieten die Klosterkonzerte
Chor- und Kammermusik in stimmungsvoller
Atmosphäre. Maulbronn gilt als die am vollständigsten
erhaltene Klosteranlage des Mittelalters
nördlich der Alpen. Aus dem von den
Zisterziensern begonnenen Bau entstand über
die Jahrhunderte eine riesige Klosterstadt, die
seit 1993 zum UNESCO-Weltkulturerbe zählt. Die räumlichen Gegebenheiten
ermöglichen eine Vielfalt an Konzertformaten sowie anregende
Begegnungen zwischen Künstlern und Publikum. Seit 2014 laden
zudem Orgelkonzerte an der neuen Orgel aus der Werkstätte Gerhard
Grenzings in die Klosterkirche. Es spielen Martin Sander, Erika Budday
und Iveta Apkalna die Werke der lettischen Komponisten Alfrēds Kaliņš
und Lūcija Garūta sowie ein Letzterer gewidmetes Werk von Ēriks
Ešenvalds. Geistlichen und weltlichen Chorgesang bringt das Geghard
Ensemble aus Armenien. Der Frauenchor des St. Geghard Klosters im
Azat-Tal wurde 2001 von der Sängerin und Dirigentin Anahit Papayan
Hauptsponsoren
MÜNCH—N—R
BI—NNAL—
F—STIVAL FÜR
N—U—S
MUSIKTH—AT—R
2.–12.6.18
Münchener Biennale
Festival für neues Musiktheater
info@muenchenerbiennale.de
www.muenchenerbiennale.de
Rheingau
Musik
Festival
23. Juni bis 1. Sept. 2018
www.rheingau-musik-festival.de
Telefon 0 67 23 / 60 21 70
Co-Sponsoren
Medienpartner
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39

E R L E B E N
24. März bis 2. April
OSTERFREUDEN IN BERLIN
Wagners Parsifal in Berlin
FOTO: RUTH WALZ
„Alles ist Spaß auf Erden“ – mit einer Neuinszenierung von Falstaff
feiert Berlin die Ostertage. Mario Martone inszeniert Verdis Alterswerk.
In der Rolle des Schwerenöters und betrogenen Betrügers ist
Michael Volle zu erleben. Daniel Barenboim führt den Taktstock.
Er leitet auch die Wiener Philharmoniker am Eröffnungsabend bei
Mahlers Siebter Sinfonie sowie Wagners Parsifal in der Inszenierung
von Dmitri Tcherniakov mit Andreas Schlager in der Titelrolle.
Das Dirigieren ermüde ihn nicht, erklärte er einmal, im Gegenteil,
die Musik gebe ihm Energie. Und so sitzt er zum Abschluss neben
Martha Argerich am Flügel beim Duo-Recital mit Werken von
Claude Debussy.
Berlin, Staatsoper Unter den Linden, www.staatsoper-berlin.de
KÜNSTLER
ALLIAGE QUINTETT
17.4. Hannover, Forum am
Schiffsgraben
PIOTR ANDERSZEWSKI
18.4. Berlin, Boulez Saal
21.4. Dortmund, Konzerthaus
23.4. Wien (AT), Konzerthaus
24.4. Innsbruck (AT), Tiroler
Landeskonservatorium
ARTEMIS QUARTETT
20.3. Bremen, Die Glocke
22.3. Frankfurt, Alte Oper
DANIEL BARENBOIM
18., 25., 28., 30.3., 1., 2.4.
Berlin, Staatsoper
23.3. Leipzig, Gewandhaus
24.3. Wien (AT), Konzerthaus
29., 31.3., 16., 17.4. Berlin,
Philharmonie
MICHAEL BARENBOIM
24.3. Hamburg, Elbphilharmonie
LISA BATIASHVILI
3.4. Wien (AT), Musikverein
17.4. Berlin, Staatsoper
KRISTIAN BEZUIDENHOUT
13.4. Berlin, Boulez Saal
22.4. Lorrach, Burghof
GÁBOR BOLDOCZKI
12.4. Nienburg, Giebelsaal
14.4. Grenchen, St. Eusebius
15.4. Bad Säckingen, Kursaal
IAN BOSTRIDGE
26.3. Hamburg, Laeiszhalle
BRANDENBURGISCHES
STAATSORCHESTER
23.3., 8., 13., 14.4. Frankfurt (Oder),
Konzerthalle
1.4., 14.4. Potsdam, Nikolaisaal
ISABELLE FAUST
24.3. Heidelberg, Stadthalle
20.4. München, Prinzregententheater
DAVID FRAY
6.4. Heidelberg, Stadthalle
KIRILL GERSTEIN
15., 16., 17.4. Köln, Philharmonie
22.4. Berlin, Philharmonie
SOL GABETTA
18.3. Heidelberg, Stadthalle
19.3. Köln, Philharmonie
25., 26., 31.3., 1.4. Salzburg (AT),
Mozarteum
9.4. München, Prinzregententheater
10.4. Hamburg, Elbphilharmonie
11.4. Düsseldorf, Tonhalle
14., 15., 16.4. Wien (AT), Konzerthaus
CHRISTIAN GERHAHER
18., 23., 25.3. Zürich (CH), Opernhaus
11.4. Bamberg, Konzerthalle
13.4. Frankfurt, Alte Oper
15., 21.4. Wien (AT), Konzerthaus
RAPHAELA GROMES
15.4. Rheinberg, Stadthalle
21.4. Kempten, Stadttheater
HILARY HAHN
17.3. Hamburg, Elbphilharmonie
19.3. München, Gasteig
ELDBJØRG HEMSING
11.4. Paderborn, PaderHalle
12.4. Minden, Stadttheater
13.4. Herford, Stadtpark Schützenhof
14.4. Bad Salzuflen, Konzerthalle
15.4. Bad Oeynhausen, Theater im Park
17.4. Detmold, Konzerthaus
18.4. Gütersloh, Stadthalle
SIMON HÖFELE
17.3. Berlin, Konzerthaus
22., 23.4. Aachen, Eurogress
JONAS KAUFMANN
17.4. Hamburg, Staatsoper
23., 26., 29.4., 2.5. Wien (A),
Staatsoper
9.5. Nürnberg, Meistersingerhalle
16.5. Stuttgart, Liederhalle
21.5. Salzburg (A),
Großes Festspielhaus
28.6. München, Staatsoper
IGOR LEVIT
14.4. Heidelberg,
Konsgesshaus Stadthalle
29.4. München, Prinzregententheater
16., 17.5. Wien (A), Musikverein
19.5. Potsdam, Nikolaisaal
22.5. Baden-Baden, Festspielhaus
24.5. Bremen, Die Glocke
27.5. Hannover, Sendesaal
28.5. Braunschweig, Stadthalle
29.5. Berlin, Konzerthaus
30.5. Frankfurt am Main, Alte Oper
REGULA MÜHLEMANN
17.3. Ludwigsburg, Forum am
Schlosspark
19.3. Wien (AT), Theater an der Wien
25.3. Freiburg, Konzerthaus
29.3. Basel (CH), St. Martin
30.3. Luzern (CH), KKL Luzern
ANDRIS NELSONS
16.3., 19.4. Leipzig, Gewandhaus
40 w w w . c r e s c e n d o . d e — April – Mai 2018

FOTOS: ANNE VAN AERSCHOT; GEGHARD ENSEMBLE; MARGARET MALANDRUCCOLO / DG; JULIA BAIER; HOLGER TALINSKI; JAKOB ERPF LAURA VANSEVICIENE; MANFRED ESSER; ESTHER KOCHTE; DOMINIK ODENKIRCHEN; MEI LEWIS; CORA SUNDMACHER; STEPHAN POLZER
gegründet. Künstlerischer Leiter ist Mher Navoyan, Spezialist für mittelalterliche
Musik am Konservatorium Jerewan. Gefeiert wird das Jubiläum
an einem Festwochenende im Klosterhof. Auf einer großen Open-Air-
Bühne entzünden Perkussionist Martin Grubinger, Permament Artist in
Residence Bernd Glemser am Flügel und die SWR Big Band ein musikalisches
Feuerwerk. Das GrauSchumacher Piano Duo und Klaus Maria
Brandauer verzaubern mit Shakespeares Sommernachtstraum und
Mendelssohn Bartholdys Musik.
Maulbronn, Klosteranlage, www.klosterkonzerte.de
10. April
BREMEN 150 JAHRE BRAHMS-REQUIEM
„Was den Text betrifft, so will ich bekennen,
dass ich recht gern auch das ‚Deutsch‘ fortließe
und einfach den ‚Menschen‘ setzte“, schrieb
Johannes Brahms an Karl Rheinthaler, den Dirigenten
des Domchores in Bremen. Ein deutsches
Requiem nach Worten der heiligen Schrift entstand
zwischen 1857 und 1868. „Den Menschen, die
da Leid tragen; sie sollen getröstet werden“, wählte Brahms als Widmung
für die Partitur. 1868 brachte Rheinthaler das Requiem im Dom
zur Uraufführung. 150 Jahre danach kommt es „am Ort des Triumphes“
durch die Kammerphilharmonie Bremen und ihren Chefdirigenten Paavo
Järvi erneut zur Aufführung.
Bremen, St. Petri Dom, www.kammerphilharmonie.com
28. April bis 11. Mai
KÖLN ACHT BRÜCKEN
Eine jener Findungen, wie sie gelegentlich
nach langen Jahren des Suchens zuteilwerden“,
nannte Bernd Alois Zimmermann das
Drama Die Soldaten des Sturm-und-Drang-
Dichters Jakob Lenz. Der Oberspielleiter des
Kölner Opernhauses hatte ihn darauf hingewiesen,
und Zimmermann schuf daraus eines
der großen lyrischen Meisterwerke des 20. Jahrhunderts. Er wollte
damit seine Vorstellung von der „Kugelgestalt der Zeit“ umsetzen,
nach der Gegenwart schon Vergangenheit ist, indem sie geschieht,
und Zukunft bereits Gegenwart geworden ist. Der Zuschauer sollte
alle drei Zeitebenen vor sich haben. Anlässlich der 100. Wiederkehr
von Zimmermanns Geburtstag kommt die Oper im Rahmen des
Acht-Brücken-Festivals unter der musikalischen Leitung von François-Xavier
Roth und in der Inszenierungen von Carlus Padrissa
wieder auf die Kölner Bühne. 56 Veranstaltungen mit 17 Uraufführungen
bietet das Festival insgesamt.
Köln, verschiedene Spielorte, www.achtbruecken.de
26. Mai
MANNHEIM VESPERTINE
Die Klangwelten der Pop-Musikerin Björk faszinieren
durch ihren Facettenreichtum. Aus Glockenklängen,
Harfen und Alltagslauten webt sie
auf dem Album „Vespertine“ (Abendlich) eine
intime Atmosphäre, die sich immer wieder zu
großem Orchesterklang öffnet. Kirsten Dehlholm
(Bild) und ihre Künstlergruppe Hotel Pro
Forma lassen sich davon zu einer Oper inspirieren. Eine Wissenschaftlerin
und ihre Doppelgängerin sind die Protagonistinnen. Sie vergraben
sich in die Geheimnisse des Laboratoriums und die Hervorbringung von
Leben. Zum ersten Mal in der Geschichte ist die Menschheit in der Lage,
künstliches Leben und künstliche Intelligenz zu schaffen. Gottgleiche
Möglichkeiten scheinen in Reichweite. Wird ein goldenes Zeitalter anbrechen?
Auf der Grundlage des altgriechischenen Mythos Gaia stellt
„Vespertine“ Fragen über die Erde, die Natur sowie das menschliche und
himmlische Universum.
Mannheim, Nationaltheater, 26. (Premiere) und 30.5., 3., 10. und 20.6. sowie
5. und 25.7., www.nationaltheater-mannheim.de
ALICE SARA OTT
21., 22.3. Krün, Schloss Elmau
7., 8.4. Dresden, Kulturpalast
18.4. Köln, Philharmonie
24.4. München, Gasteig
25.4. Regensburg, Audimax
ANDREAS OTTENSAMER
20.3. Dortmund, Konzerthaus
QUATUOR ÉBÈNE
15.4. Düsseldorf, Tonhalle
17.4. Fürth, Stadttheater
18., 19., 20.4. Krün, Schloss Elmau
JEAN RONDEAU
22.3. Köln, Balloni Hallen
1.4. Passau, Heilig-Geist-Kirche
GRIGORY SOKOLOV
19.3. Freiburg, Hochschule für Musik
15.4. Heidelberg, Stadthalle
19.4. Homburg, Kulturzentrum Saalbau
21.4. München, Herkulessaal
MARTIN STADTFELD
14.4. Böblingen, Sparkassenforum
5.5. Baden-Baden, Festspielhaus
16.5. Bregenz (A), Festspielhaus
17.5. Innsbruck (A), Congress
29.5. Köln, Philharmonie
31.5. Dresden,
Palais im Großen Garten
ALEXANDRE THARAUD
1.4. Erfurt, Theater
2.4. Weimar, Schießhaus
FRANZ WITTENBRINK
28.3. Leipzig, Oper
18. Mai bis 21. Oktober, München
JUTTA KOETHER
Jutta Koether ist eine der anregendsten Künstlerinnen der Gegenwart.
Sie trat als Malerin, Performerin, Schriftstellerin und Theoretikerin
in Erscheinung. Mit artifiziell „femininem“ Habitus setzte sie den
männlichen Malern und ihren aus der Bohème-Tradition stammenden
Künstlerattitüden ein weibliches Äquivalent entgegen. Die Überblicksausstellung
„Tour de Madame“ zeichnet anhand von über 150
Werken ihr bildnerisches Schaffen chronologisch nach. Aus den 80er-
Jahren, als Koether die öffentliche Bühne betrat, sind die neo-expressionistischen
und signalhaft roten Gemälde zu sehen. In den 90er-Jahren
suchte Koether in New York nach Wegen, um ihre Arbeiten ins
Alltägliche einzubringen. Sie malte in Fabrikräumen, arrangierte ihre
Bilder in Parks und stellte auf Flohmärkten, bei Konzerten und Modenschauen
aus. Auch fügte sie Textpassagen von William Blake, Walter
Benjamin und William S. Burroughs in ihre Gemälde ein. Gezeigt
werden in München die großformatigen, energiesprühenden Bildserien
der 90er-Jahre ebenso wie die schwarzen Gemälde und Materialcollagen
der frühen 2000er-Jahre. Seit 2009 setzt Koether sich mit der
Tradition des His torienbildes auseinander. In einer für die Ausstellung
entworfenen zwölfteiligen Bildserie thematisiert sie, in Anspielung auf
den Lepanto-Zyklus, mit dem Cy Twombly an all die Schlachten auf
dem Mittelmeer erinnerte, ihre „Schlacht mit der Kunstgeschichte“.
München, Museum Brandhorst, www.museum-brandhorst.de
JUTTA KOETHER: „EMMA“, ÖL AUF LEINWAND, 1984, FOTO: ©JUTTA KOETHER / MUSEUM BRANDHORST
41

E R L E B E N
20. bis 22. April, München
CRESCENDO
AUF DER MESSE „DIE 66“
Sie ist wieder da! Deutschlands größte 50plus Messe – das Inspirations-Event
für alle, die sich voller Energie, Lust und Wissensdurst
auf diesen neuen, spannenden Lebensabschnitt einlassen wollen.
400 Aussteller, mehr als 300 Vorträge, Shows und Workshops
– und das aus zentralen Lebensbereichen wie Reisen, Freizeit und
Hobby, Gesundheit, Sport und Fitness, Beauty, Immobilien oder
Finanzen. Auch dieses Jahr ist crescendo im Kulturbereich wieder
offizieller Kooperationspartner der Messe. crescendo präsentiert
unter anderem Klavierexperte Jens Schlichting, der seine Instrumentalkurse
speziell für Senioren vorstellt, einen Steinway-Flügel
zum Selberspielen und Opernsängerin Cornelia Lanz, die Sie zusammen
mit Gitarrist Mazen Mohsen in die Welt deutsch-arabischer
Liebeslieder entführt. Beide sind im Verein Zuflucht Kultur e.V. aktiv,
der mit Opernprojekten in Zusammenarbeit von europäischen
Profis mit Geflüchteten aus aller Welt Furore machte und macht.
Kulturbereich auf der Messe DIE 66
Auch sonst ist in der Kulturlounge reichlich geboten: Über das Älterwerden
in einer eitlen Branche erzählt „Rosenheim-Cop“ Markus
Böker. Außerdem können Sie sich unter professioneller Anleitung
in Malerei, Lyrik und sons tigem kreativen Schreiben versuchen,
oder gemeinsam mit Mit gliedern der Bayerischen Philharmonie unter
Mark Mast singen. Auf weiteren Bühnen begegnen Sie prominenten
Gästen wie Schauspieler Max Simonischek, Schlagersängerin
Nicki oder Fernsehkoch Alfons Schuhbeck.
Exklusiv für crescendo-Leser:
Unter www.crescendo.de/die66 können Sie den Gutschein
für eine kostenlose Tageskarte herunterladen!
München, Messe Eingang Ost, Am Messeturm 4, 81829 München,
www.die-66.de, 20. bis 22. April 2018, 10 – 17 Uhr
Britten
War
Requiem
Bundesjugendorchester
Bach-Verein Köln
06.04. Kölner Philharmonie
08.04. National Forum of Music Wrocław
10.04. Berliner Philharmonie
Deutscher Musikrat und
Europäisches Kulturerbejahr 2018
FOTO: MESSE MÜNCHEN
12. April
BAYREUTH WIEDERERÖFFNUNG DES
OPERNHAUSES
Nach Abschluss der Sanierungsarbeiten kommt
wieder eine Oper auf die Bühne des Markgräflichen
Opernhauses. Seit 2012 steht das holzgefertigte
Logentheater, das aufgrund seiner
stuckierten, geschnitzten und gemalten Dekoration
als weltweit einzigartig gilt, auf der Liste
des UNESCO-Weltkulturerbes. Studierende
der Münchner Theaterakademie August Everding und das Ensemble Hofkapelle
München bringen Johann Adolph Hasses Oper Artaserse über den
persischen Großkönig zur Aufführung. Regie führt Balázs Kovalik. Die
musikalische Leitung hat Michael Hofstetter. Mit der Wahl Hasses soll an
die Eröffnung des Hauses im Jahr 1748 durch Markgräfin Wilhelmine erinnert
werden. Sie wählte damals Hasse für die Einweihungsfeierlichkeiten
aus.
Bayreuth, Markgräfliches Opernhaus, 12. (Premiere), 14. und 15.4.,
www.theaterakademie.de
1. Mai
BERLIN SIR ROGER NORRINGTON
Sir Roger Norrington liebt es, wenn im Konzert
das Eis bricht, wenn das Publikum plötzlich zwischen
den Sätzen applaudiert und spontan auf
die Musik reagiert. Er zögert auch nicht, sich
während seines Dirigats zum Publikum umzudrehen,
um seine Freude zu teilen und zu sagen:
„Ist das nicht wunderbare Musik?“ Mit Bohuslav
Martinů hat er genau den Komponisten gewählt, der solche Begeisterung
auszulösen vermag. Als einer der letzten „böhmischen Musikanten“ wird
er gesehen. Seine Musik ist überreich an fantasievollen Einfällen und vermittelt
Spielfreude. Mit der Ersten Sinfonie aus dem Jahre 1942 beginnen
Norrington und das Deutsche Symphonie-Orchester Berlin ihren Aufführungszyklus
aller sechs Sinfonien Martinůs.
Berlin, Philharmonie, www.dso-berlin.de
21. April
NÜRNBERG LANGE NACHT DER ALTEN
MUSIK
„Take Five“ – das ist in Anspielung an den legendären
Jazztitel das Motto der Langen Nacht der
Alten Musik Nürnberg. Zum fünften Mal findet
sie statt, und fünf Ensembles wirken daran mit.
Das Pulcinella-Ensemble unter Ophélie Gaillard
wartet auf mit rasanter Boccherini-Virtuosität.
Die Sopranistin Chen Reiss singt, begleitet von
der Wiener Akademie unter Ilia Korol, Kantaten von Hasse und Bach.
Le Poème Harmonique unter Vincent Dumèstre weist musikalisch in die
französische Liebeskunst ein, während Rapper Robert Gwisdeck mit
dem Ensemble Continuum vorführt, was man aus historischen Instrumenten
im Hier und Jetzt herausholen kann. Und zur Besinnung erinnert
das Vokalensemble VocaMe in der Kartäuserkirche mit Chansons und
Balladen an die Philosophin und Schriftstellerin Christine de Pizan aus
dem 15. Jahrhundert.
Nürnberg, Germanisches Nationalmuseum und andere Spielorte, www.gnm.de
20. Mai
HAMBURG FRANKENSTEIN
Vor 200 Jahren entstand in Byrons Villa am Genfer
See eine monströse Kreatur. Der Hausherr
hatte vorgeschlagen, zur Überbrückung einer
Reihe von Regentagen Geistergeschichten zu erzählen.
Mary Wollstonecraft Shelley, die 20-jährige
Frau des englischen Romantikers Percy Bysshe
FOTOS: ANNE VAN AERSCHOT; GEGHARD ENSEMBLE; MARGARET MALANDRUCCOLO / DG; JULIA BAIER; HOLGER TALINSKI; JAKOB ERPF LAURA VANSEVICIENE; MANFRED ESSER; ESTHER KOCHTE; DOMINIK ODENKIRCHEN; MEI LEWIS; CORA SUNDMACHER; STEPHAN POLZER
42 w w w . c r e s c e n d o . d e — April – Mai 2018
BJO_Anz_Cresc_07270218.indd 1 27.02.18 16:56

Shelley, verstand es am besten, die Zuhörer mit ihren grotesken Fantasien
zu beeindrucken. Zum Jubiläum bringen Regisseur Philipp Stölzl und der
Komponist Jan Dvorak den Schauerroman Frankenstein oder der moderne
Prometheus über das Monster des Naturwissenschaftlers Victor Frankenstein,
das nicht lieben darf und daher tötet, als „Gothic Opera“ auf die
Bühne. Die Rolle des Wissenschaftlers, der von der Idee besessen ist, das
Elixier des Lebens zu finden, spielt Viktor Rud. Das von ihm geformte
Monster ist Catrin Striebeck. Am Pult steht Johannes Harneit.
Hamburg, Kampnagel [k6], 20. (Premiere), 21., 23., 25. und 27.5.,
www.staatsoper-hamburg.de
18. bis 22. Mai
BADEN-BADEN PFINGSTFESTSPIELE
Bryn Terfel (Foto) ist der begehrteste Bassbariton
der Welt. Seine volltönende Stimme, unerschöpflich
in ihrem Farbenreichtum, und seine
Bühnen präsenz machen ihn zum Heldenbariton
des 21. Jahrhunderts. Mit der Partie des fliegenden
Holländers in Wagners romantischer
Oper eröffnet er die Pfingstfestspiele in Baden-
Baden. Valery Gergiev leitet die konzertante Aufführung am Pult der
Münchner Philharmoniker. Verdis Arien und Duetten widmen sich Diana
Damrau und Bassbariton Nicolas Testé. Meisterwerke von Jean Sibelius
bringen die Violinistin Janine Jansen und das London Symphony Orchestra
unter Michael Tilson Thomas. Und zum Ausklang spielt Igor Levit
Klavierkonzerte von Mendelssohn.
Baden-Baden, Festspielhaus, www.festspielhaus.de
19. bis 23. April
HANNOVER KLANGBRÜCKEN
Luciano Berio war ein Liebhaber der Stimme. Unersättliche Lektüren
regten ihn zu immer neuen Versuchen an, die Unterscheidung zwischen
Sprache und Musik aufzuheben. In seinen Kompositionen lotete er alle
ihre Möglichkeiten aus, vom Reden über das Lachen bis zu den zahlreichen
Variationen des Singens. „Ihr das erschwiegene Wort“ steht als
Inschrift über der Komposition Notturno. Die Zeile entstammt einem
Gedicht Paul Celans, für den die Nacht das Symbol dunkler Erinnerung
war. „Notturno“ sei still, weil es „aus unausgesprochenen Worten und
unvollständigen Gesprächen besteht“, erläuterte Berio selbst. Das Stück
erklingt zum Auftakt des Festivals Klangbrücken, das sich anlässlich von
Berios 15. Todestag dessen Werk zuwendet. Am Eröffnungskonzert wirken
das Ensemble Musica Assoluta und der Norddeutsche Figuralchor
unter Thorsten Encke mit.
Hannover, verschiedene Spielorte, www.musik21niedersachsen.de
27. April
HALLE
MEIN STAAT ALS FREUND UND GELIEBTE
Der Chor ist der Protagonist in Johannes Kreidlers
neuem Musiktheaterstück. Er steht für Gemeinschaft,
verkörpert das Volk und kommentiert
das Geschehen. Musik hat für den Komponisten
und Aktionskünstler Kreidler mit Technik
zu tun und mit der Politik, die hinter der Technik
steht. So lässt sich Politik für ihn nicht ausklammern,
wenn er komponiert. Seine Oper Mein Staat als Freund und Geliebte
für Chor, Video, einen Schauspieler, einen dramatischen Tenor, Ballett,
Orchester und Elektronik hinterfragt Gemeinschaftskonzepte wie Brüderlichkeit,
Liebe zur Nation, Opfer für die Gemeinschaft und lässt sie als
Konstrukt politischer Interessen erfahrbar werden, die libidinöse Bindungen
instrumentalisieren. Zu den Mitwirkenden zählen Chor und Extrachor
der Oper Halle, das Ballett Rossa sowie der Tenor Christian
Voigt. Die musikalische Leitung übernimmt Christopher Sprenger. Regie
führt Kreidler selbst.
Halle, Oper, 27.4. (Premiere), 6., 12., 26., und 30.5. sowie 16. und 22. 6.,
www.oper-halle.de
43

E R L E B E N
PLÄDOYER
FÜR DIE MENSCHLICHKEIT
Bei den Schostakowitsch Tagen Gohrisch verwandelt sich eine Scheune in den Austragungsort
eines packenden Festivals, das nicht nur seinem großen Namensgeber alle Ehre macht.
VON UTE ELENA HAMM
„Die Gegend ist unerhört schön“, schreibt Dmitri Schostakowitsch
einem Freund nach seinem ersten Aufenthalt in Gohrisch, einem
kleinen Kurort in der Sächsischen Schweiz, nicht weit von Dresden
entfernt. Schostakowitsch ist im Juli 1960 hier offizieller Staatsgast
der DDR und soll eigentlich die Musik zu einem ostdeutsch-sowjetischen
Propagandafilm komponieren. Doch statt an seinem offiziellen
Auftrag zu arbeiten, bringt Schostakowitsch innerhalb von nur
drei Tagen sein 8. Streichquartett op. 110 zu Papier – jenes Streichquartett,
das sein persönlichstes und bekenntnisreichstes Werk werden
sollte und 50 Jahre später den Grundstein der ersten Schostakowitsch
Tage in Gohrisch legt. Diese finden 2018 nun zum neunten
Mal statt.
Was macht Schostakowitsch über diese Anekdote hinaus überhaupt
für ein deutsches Festival interessant, das zudem das einzige
weltweit ist, das sich jährlich dem russischen Komponisten widmet?
Zuallererst natürlich die Musik an sich, „die
einen unmittelbar anspricht, die in ihrer Emotionalität
auch heute noch brennend aktuell ist“,
so Tobias Niederschlag, Mitbegründer und von
Beginn an künstlerischer Leiter des Festivals,
„aber auch Schostakowitschs besonderes Schicksal
als Künstler in der ehemaligen Sowjetunion“.
INTERNATIONALE
SCHOSTAKOWITSCH TAGE
GOHRISCH
22. bis 24. Juni
Informationen und Kartenservice:
tickets@schostakowitsch-tage.de
www.schostakowitsch-tage.de
Die Entstehungsgeschichte des Streichquartetts ist nicht nur eine
nette Festival-Anekdote, sondern zeigt, dass hier ein Komponist
gewürdigt wird, der, obwohl zerrissen zwischen Repression und
Ideal, in seiner Musik letztlich zu einem Plädoyer für die Menschlichkeit
findet. Die Schostakowitsch Tage sollen damit auch über
sich hinausweisen, genauer gesagt Richtung Osten.
Im Mittelpunkt steht diesmal, abgesehen von Schostakowitsch
selbst, die sogenannte polnische Moderne: namentlich die Komponisten
und zugleich Jubilare Witold Lutosławski, Krzysztof Penderecki
und Krzysztof Meyer. Lutosławski wäre in diesem Jahr 105
Jahre alt geworden, Penderecki und Meyer feiern ihren 85. und
75. Geburtstag. Die beiden Letzteren sind beim Festival nicht nur
durch ihre Musik vertreten, sondern werden auch persönlich anwesend
sein und sich zusammen mit ihren Ehefrauen, der Kulturmanagerin
Elżbieta Penderecka und der Musikwissenschaftlerin
Danuta Gwizdalanka, bei einem Round Table
zum Gespräch einfinden. Die Geschichte ihrer
Freundschaft zu Schostakowitsch ist ein Beweis
für das völkerverbindende Element, das für
Tobias Niederschlag im Programm des Festivals
auch immer mitschwingt. Die Musik am Festival-
Wochenende umfasst Kammer-, Chor- und
44 w w w . c r e s c e n d o . d e — April – Mai 2018

25. Mai – 10. Juni 2018
ERLEBEN SIE
an authentischen Orten in der Geburtsstadt von Händel!
FOTOS: COLIVER KILLIG; DENIS MATSUEV; ŁUKASZ RAJCHERT
Lutosławski-Quartett; auch der russische Pianist Denis Mazujew wird
beim Festival auftreten
Orchestermusik von Schostakowitsch und den drei genannten polnischen
Komponisten.
Außerdem wird es zwei Uraufführungen geben: das 15. Streichquartett
von Krzysztof Meyer, gespielt vom Lutosławski-Quartett,
und eine neue Bearbeitung der Chaconne für Streichsextett von
Krzysztof Penderecki, dargeboten von Mitgliedern der Sächsischen
Staatskapelle Dresden.
Gelegenheit, Schostakowitsch von einer anderen Seite zu entdecken,
geben deutsche Erstaufführungen, zum Beispiel Bearbeitungen
von Werken anderer Komponisten für Klavier vierhändig:
Igor Strawinskys Psalmen-Sinfonie, der zweite Satz der Zehnten Sinfonie
von Gustav Mahler und der Dritten Sinfonie von Arthur
Honeg ger. Mit diesen und anderen Stücken erwacht der Kurort
Gohrisch für ein Sommerwochenende zu neuem Leben – und das
ist wörtlich zu nehmen. Denn eigens für die Festivaltage wird eine
Scheune, in der über den Winter hinweg Stroh und Heu gelagert
werden, zum Konzertsaal für rund 500 Besucher samt dazugehöriger
Infrastruktur umfunktioniert und umgebaut. (Fast) ganz
Gohrisch ist in das Festival-Geschehen mit eingebunden und packt
mit an. Auf diese Weise sind die Schostakowitsch Tage über die
Jahre quasi zu einer Art Dorffest geworden – nur eben einem mit
Musik aus dem 20. und 21. Jahrhundert. Das Ländliche von
Gohrisch, das Schostakowitsch 1972 übrigens mit seiner Frau ein
zweites Mal besuchte, macht für Tobias Niederschlag eine weitere
Besonderheit dieses Festivals aus. Es sei eine ungezwungene Atmosphäre,
in der Künstler und Publikum die Musik gemeinsam erleben
können und sich auch die Gelegenheit ergäbe, miteinander ins
Gespräch zu kommen. Mitinitiatorin des dreitägigen Festivals ist
die Sächsische Staatskapelle Dresden, die das Festival erneut am
Vorabend mit einem Sonderkonzert in der Semperoper einläutet
und zum Abschluss auch mit einer Kammerorchesterformation in
Gohrisch präsent ist. Jahr für Jahr können Mitglieder aus ihren Reihen
und andere internationale Künstler für Konzerte von und „für“
Schostakowitsch gewonnen werden. Honoriert werden sie übrigens
nur symbolisch.
n
Opern
Rinaldo (HWV 7), Oreste (HWV A 11 ) ,
Muzio Scevola (HWV 13)
Oratorien
Messiah (HWV 56), Samson (HWV 57),
Jephtha (HWV 70)
Festkonzerte
Joyce DiDonato, Magdalena Kožená,
Nathalie Stutzmann,
Max Emanuel Cencic
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20 Jahre Open-Air-Konzerte im Fronhof – Mitwirkende sind u.a.:
Sharleen Joynt, Till von Orlowsky, Johannes Martin Kränzle, Daniel Gurfinkel, Teresa Schwamm
(Artist in Residence), Marie Heeschen, Lena Haselmann, Angelo Pollak, Ulrich Reß, die Augsburger
Domsingknaben, der via-nova-chor München sowie das SUK-Symphony Orchester Prag unter der
Leitung von Wilhelm F. Walz
45

E R L E B E N
Ein architektonisches Wunderwerk:
die Frauenkirche Dresden
PERFEKTE
VERSCHMELZUNG
VON MUSIK UND RAUM
Auch dieses Jahr bringen wieder spektakuläre 120 Veranstaltungen
von Superstar bis Orgelspezialist, von A-cappella-Koryphäe bis Nachwuchs-Talent
das Rund der Dresdner Frauenkirche zum Klingen.
VON ANTOINETTE SCHMELTER-KAISER
Ein teilweise überwucherter Hügel aus Trümmern, rechts und
links flankiert von hoch aufragenden Mauerfragmenten: In diesem
Zustand überdauerte die Dresdner Frauenkirche mehr als
fünf Jahrzehnte. Am 13. und 14. Februar 1945 hatten Luftangriffe
britischer und amerikanischer Bomber das evangelische Gotteshaus
schwer beschädigt, das ausbrannte, zusammenbrach und in
diesem Zustand liegen blieb. 20 Jahre später wurde ihre Ruine von
FRAUENKIRCHE DRESDEN
Informationen und Kartenservice:
Tel.: +49-(0)351-65 60 67 01
ticket@frauenkirche-dresden.de
www.frauenkirche-dresden.de
der DDR zum Mahnmal für den Frieden
erklärt. Nach der Wende keimte der Gedanke
eines Wiederaufbaus, der 1991 beschlossen
und 2005 fertiggestellt wurde: Für 180 Millionen
Euro – 135 davon finanziert durch Spenden
– entstand eine Rekonstruktion des barocken Bauwerks von
George Bähr, in dessen Außenfassade 3.539 Originalbestandteile
eingefügt wurden. Seither ist das Monument, das an Santa Maria
della Salute in Venedig erinnert, Besuchermagnet Nummer eins
für Dresden-Touristen. Von der Aussichtsplattform lässt sich aus
67 Meter Höhe ein Überblick über Innenstadt und Elbufer verschaffen.
Weitere Highlights sind regelmäßige Führungen sowie
eine Vielzahl an Konzerten.
120 Einzelveranstaltungen stehen auch
2018 wieder auf dem Programm, die laut Inspizient
und Leiter des Konzertbüros Christian
Drechsel ein „Gesamterlebnis“ sind:
46 w w w . c r e s c e n d o . d e — April – Mai 2018

FOTOS: SUSANN HEHNEN; MATT DINE; TIBOR BOZI; FABIEN MONTHUBERT
Geiger und crescendo-Kolumnist Daniel Hope ist neuer künstlerischer Leiter der Frauenkirche; Oboist Albrecht Mayer; Flötist Emmanuel Pahud
„Musik und Raum verschmelzen auf eine Weise, die Besucher und
Musizierende gleichermaßen beeindruckt.“ Ein Grund ist die
Anordnung der 1.600 Plätze: Kreisförmig liegt ein Großteil von
ihnen auf vier Emporen unter der in Pastelltönen ausgemalten
und stuckatierten Steinkuppel, die mit 24 Meter Höhe und 26
Meter Durchmesser die größte nördlich der Alpen ist. Auch im
runden Kirchenschiff sind die Reihen leicht gebogen auf den
Chorraum mit dem weiß-goldenen Altar des Bildhauers Johann
Christian Feige ausgerichtet. „Das Publikum ist bei uns wegen
des Zentralbaus besonders nah am Geschehen“, so Christian
Drechsel. Bei Konzerten mit bis zu 160 Mitwirkenden sorgt diese
Konstellation für einen Klang, der sich gleichmäßig im Raum
ausbreitet. Im Fall von Solisten wie Yo-Yo Ma, der am 31. Januar
mit den sechs Suiten für Violoncello solo von Johann Sebastian
Bach brillierte, kommen auch einzelne Instrumente bei Rezitals
zur Geltung.
Auch wenn die Dresdner Frauenkirche keine eigene
Gemeinde mehr hat, spielt ihre Nutzung als „City-Kirche“ mit
regelmäßigen Gottesdiensten und Andachten eine Hauptrolle.
Unter der Leitung von Frauenkirchenkantor Matthias Grünert
werden viele von ihnen musikalisch durch zwei eigene Chöre und
ein Kammerorchester begleitet, dessen Stammbesetzung der
Sächsischen Staatskapelle sowie der Dresdner Philharmonie
angehört. Darüber hinaus verantwortet Matthias Grünert die
Reihe der Geistlichen Sonntagsmusiken und bringt auch in diesem
Jahr große geistliche Werke wie Bachs Matthäus-Passion am
Karfreitag oder Händels Messias am 3. Oktober im Rahmen der
Frauenkirchen-Bachtage zur Aufführung. Omnipräsent sind die
Klänge der Orgel, die mit 4.876 Pfeifen und 68 klingenden Registern,
die der Elsässer Daniel Kern baute, von Frauenkirchenorganist
Samuel Kummer gespielt wird und an 40 Abenden in verschiedenen
Konzertreihen im Mittelpunkt steht.
Ergänzt wird das alles um Konzerte externer Gäste, die anteilig
etwa 40 Prozent ausmachen, dieses Jahr unter dem Motto „Inspiration
und Reflexion“ stehen und bislang von Dr. Ralf Ruhnau
ausgewählt wurden. Dabei sind renommierte Interpreten wie Flötist
Emmanuel Pahud, Klarinettist Andreas Ottensamer und Oboist
Albrecht Mayer, die Solo-Holzbläser der Berliner Philharmoniker
sind, oder Pianist Francesco Tristano und Trompeter Ludwig
Güttler zu Gast, der sich für den Wiederaufbau der Frauenkirche
eingesetzt hat. Als A-cappella-Koryphäen kommen der Chor der
Westminster Abbey, der Tölzer Knabenchor, die Regensburger
Domspatzen und die King’s Singers, die ihr 50-jähriges Bühnenjubiläum
feiern. Künstlerische Kooperationen mit der Dresdner
Philharmonie, den Dresdner Musikfestspielen, der Sächsischen
Staatskapelle Dresden und dem Heinrich-Schütz-Musikfest werden
fortgesetzt. Zu einer weiteren Säule des Programms haben sich
Nachwuchstalente entwickelt. Mit jungen Musikern zwischen elf
und 19 Jahren tritt 2018 erstmalig die Deutsche Streicherphilharmonie
auf. Ebenfalls zu hören sind das Bundesjugendorchester
und Preisträger des Fanny Mendelssohn Förderpreises oder des
Internationalen Musikwettbewerbs der ARD.
Zukünftig liegt die Gesamtkonzeption der Konzerte in den
Händen von Star-Geiger und crescendo-Kolumnist Daniel Hope.
Die Frauenkirche auch als Symbol für Frieden, Versöhnung und
Toleranz mit Musik füllen zu dürfen, ist für ihn Herausforderung
und Chance zugleich. Ab 2019 möchte er Partner, Solisten und
Klangkörper aus der Welt einladen, aber auch Nachwuchskünstlern
aus Deutschland und darüber hinaus weiterhin eine
Bühne bieten.
n
47

E R L E B E N
Thomanerchor
Prof. Robert Levin
FOTO: LTS-SCHMIDT; MATTHIAS KNOCH; CLIVE BARDA
DIE WAHRE ART,
DAS KLAVIER ZU SPIELEN
Prof. Robert Levin ist Präsident des Internationalen Johann-Sebastian-Bach- Wettbewerbs Leipzig
und einer der wichtigsten Bach-Interpreten und Mozart-Editoren. VON ROLAND H. DIPPEL
crescendo: Seit 15 Jahren sind Sie Präsident des Internationalen
Bach-Wettbewerbs, der alle zwei Jahre nach dem Leipziger
Bachfest stattfindet. Was ist Ihr persönliches Anliegen dabei?
Robert Levin: Tiefsinnigkeit und Stilkenntnis. Hier geht es nicht
nur um makellose Leistungen. In unseren Jurys sitzen einige der
weltweit besten Bach-Interpreten verschiedenen Alters, die über
Reife und ein persönliches Ausdrucksspektrum verfügen.
Sie selbst spielen auf dem Cembalo, Hammerklavier und Flügel
Werke vom späten 17. Jahrhundert bis zur Gegenwart. Wie
ausschlaggebend sind für Sie in diesem enormen Spektrum
Epochenbegriffe wie „Barock“ oder „Romantik“?
In den nächsten Monaten erscheint beim Label ECM mein Zyklus
aller Klaviersonaten von Wolfgang Amadeus Mozart, die ich auf
seinem Hammerklavier in Salzburg einspielen durfte. Das erwähne
ich, weil ich bei Recherchen für Werke Mozarts und seiner Zeitgenossen
immer wieder auf theoretische Ausführungen der Aufklärung
zurückkomme. Hier darf nicht die eigene emotionale Subjektivität
im Vordergrund stehen, sondern die „wahre Art, das Klavier
zu spielen“, um es mit Carl Philipp Emanuel Bach zu sagen. Er gibt
kaum Anweisungen zu einer emotionalen oder philosophischen
Auslegung, sondern zu Spiel, Technik und Aufführungspraxis.
Da unterscheiden sich das von aufklärerischen Impulsen geprägte
18. und das in der Kunst eher emotional geprägte 19. Jahrhundert
voneinander.
Warum?
Betrachten Sie die Notationen für Cembalo aus dem 18. Jahrhundert.
Bei den Bach-Söhnen und ihren Zeitgenossen steht die Artikulation
ganz vorn: Die Notation zeigt mit penibler Genauigkeit
die Töne, die abzusetzen beziehungsweise
in kleinen Gruppierungen gebunden zu
erklingen haben. Frédéric Chopin hat
um 1830 dagegen lange Legato-Bögen
BACHFEST LEIPZIG 8. bis 17. Juni
Informationen und Kartenservice:
Tel.: +49-(0)341-91 37 300
bachfest@bach-leipzig.de | www.bachfestleipzig.de
gewölbt, die oft über Notenzeilen hinausreichen: Das Tasteninstrument
hatte nicht mehr zu sprechen, sondern zu singen. Robert
Schumann hatte dagegen meist das Wort „Pedale“ am Satzanfang
eingetragen, um dem Interpreten die Verantwortung zu überlassen.
Gibt es eine wissenschaftlich legitimierte Grenze zwischen der
Intuition des Augenblicks im Konzert und dem Notentext?
Der Notentext stellt die Absichten des Komponisten dar, ist jedoch
keinesfalls ein lückenloses Indiz zum Vortrag. Im Barock und der
Klassik bis in das 19. Jahrhundert waren Verzierung und Improvisation
Bestandteile der Aufführung, und die Komponisten gingen
von diesen Ergänzungen aus, besonders bei Wiederholungen.
Wollen Sie junge Musiker zu mehr Risiko und Individualität
ermutigen?
Eine gelungene Interpretation muss im Zuhörer das Gefühl des
Risikos wachrufen. Die Bereitschaft, Chancen zu nehmen, steigert
das Drama und wird aus der Intuition des Augenblicks springen.
Intuition ist eine Synthese von Instinkt, der uns angeboren ist, und
Wissenschaft, die wir studiert haben. Immer wieder entdeckt man
sogar bei Werken, die man schon oft aufgeführt hat, Feinheiten,
die man immer übersehen hat. Das beeinflusst natürlich die Einstellung
zu den Werken und die Interpretation.
Wer hat Sie inspiriert?
Im Alter von 12 bis 16 Jahren hatte ich das Riesenglück, Schüler
von Nadia Boulanger zu sein, der wohl genialsten Musiklehrerin
des 20. Jahrhunderts. Das bereichert mein gesamtes musikalisches
Leben bis heute.
Treten Sie dieses Jahr selbst beim Bachfest auf?
Am 15. Juni spiele ich im vierten Teil des Zyklus aus dem Wohltemperierten
Klavier und die Sieben Charakterstücke
des Gewandhauskapellmeisters
Felix Mendelssohn Bartholdy. n
48 w w w . c r e s c e n d o . d e — April – Mai 2018

SCHWERPUNKT
FRANKREICH
Macht, Intrige und Musik am Hof des Sonnenkönigs (Seite 66)
Vive Debussy!!! Zum 100. Todestag des großen Impressionisten (Seite 70)
Frankreichs
Tonkünstler 3 x 3
VON STEFAN SELL
Georges Bizet Maurice Ravel Camille Saint-Saëns
Rekordverdächtig
Carmen ist die weltweit beliebteste
und meist gespielte Oper. Das
belegen auch ihre Leinwanderfolge:
1954 kam Carmen Jones in die
Kinos. 1983 löste die Verfilmung
von Carlos Saura eine regelrechte
Flamenco-Welle aus, 2001 machte
MTV aus ihr eine Hip Hopera,
und 2004 verlegte U-Carmen in
Xhosa gesungen das Sujet in die
Townships Südafrikas.
Auf Ravels Vorwurf, Toscanini
lasse zu schnell spielen, antwortete
der: „Monsieur, Sie verstehen
nichts von Ihrer Musik.“ Kam
Ravel selbst mit dem Boléro 1930
auf knapp 16 Minuten Spielzeit,
brauchte Leopold Stokowski zehn
Jahre später nur noch sensationelle
12 Minuten. Pedro de Freitas
Branco dagegen dehnte das Werk
1953 auf 18 Minuten und 30
Sekunden.
Er toppt sie alle. Mit zweieinhalb
Jahren lernt er Noten lesen und
war mit drei bereits Komponist.
Sein erstes Stück für Klavier
stammt vom 22. März 1839. Mit
86, drei Tage vor seinem Tod, stellte
er noch die Orchesterfassung
seines Valse nonchalante op. 110
fertig. Auch Rekordhalter für die
meisten Tiere in einem
Musikstück ist er bis
heute geblieben.
Wo
Frankreich
einem
spanisch
vorkommt
Bizet, der Spanien nie sah, gefiel
die Melodie eines spanischen
Volksliedes so gut, dass er daraus
seine berühmte Carmen-Arie
L’amour est un oiseau rebelle
schuf. Selbst der Text stammt
aus seiner Feder. Was Bizet nicht
bedachte: Es war kein Volkslied,
sondern El arreglito, ein Werk von
Sebastián de Yradier, der durch
La Paloma unsterblich wurde.
„Nur einmal schaffte ich es, meine
Absichten ganz zu realisieren:
im Boléro“, bekannte der im
Baskenland geborene Ravel über
den spanischen Tanz. Vielleicht
inspirierte ihn das baskische
„Txistu y tamboril“-Spiel, bei
dem ein Flötist sich selbst auf der
Trommel begleitet. Ob L’Heure
espagnole oder Rapsodie espagnole,
Ravel blieb Spanien treu.
„Ich könnte dir ein
Konzert für 25 Gitarren
komponieren, für dessen Aufführung
du ganz Kastilien und Andalusien
entvölkern müsstest, aber für
Trompete – unmöglich!“, konterte
Saint-Saëns einst eine Anfrage.
Auch das für seinen Freund, den
spanischen Geigenvirtuosen Pablo
de Sarasate, geschriebene klingt
sehr spanisch.
Ausbleibender
Tantiemen-
Segen
Bizet hätte in Tantiemen baden
können. Ob Spike Jones, der 1953
den witzigsten Schnelldurchlauf
der Oper Carmen auf Schallplatte
brachte, Sex-Pistol-Manager und
Modedesigner Malcolm McLaren,
der 1985 die Habanera dancefloor-tauglich
mixte, oder der
belgische Produzent Stromae, der
mit ihr 2015 die Charts eroberte –
alle hätten zahlen müssen.
Seit 2016 fallen für den Boléro keine
Tantiemen mehr an. Schade eigentlich,
denn bis dahin lief es ganz gut:
1939 beswingte ihn Benny Goodman,
1961 sang ihn Gilbert Bécaud
als Chanson, 1962 stellte Shirley
Bassey mit ihm prophylaktisch
die Frage What now my
love?, 2002 wurde Symphonic
Techno daraus
und 2003 ein Rap.
Fauré prophezeite seinem Freund
Saint-Saëns, dass die Orgelsinfonie
„sehr viel länger leben wird als
wir beide, selbst wenn wir unsere
Lebensjahre aneinanderhängen
würden!“. Das hätte Tantiemen
gegeben! 1977 schöpfte der Schotte
Scott Fitzgerald aus ihr den Hit
If I had words, der 1995 durch den
Film Ein Schweinchen namens
Babe noch populärer wurde.
65

L A F R A N C E
Intrigen am französischen Hof – hier in Bezug
auf Louis XIII. – in Charles Gounods Der Rebell
des Königs (Cinq-Mars) an der Oper Leipzig
(s. auch S. 76)
FOTO: TOM SCHULZE
66 w w w . c r e s c e n d o . d e — April – Mai 2018

MACHT, GLANZ UND
INTRIGE – DIE MUSIK DES
SONNENKÖNIGS
Wohl nie war die Geschichte eines Herrschers so eng mit der Musik verwoben
wie die von Ludwig XIV. Manipuliert von seinem Haus- und Hofkomponist Jean-Baptiste Lully,
wurde Musik zu einer grandiosen Inszenierung seiner königlichen Gewalt.
VON TERESA PIESCHACÓN RAPHAEL
Da funkelte er in zartem Rosa und Silber im Glaskasten
bei Christie’s in Genf und strahlte wie die Welt, die er
einst repräsentierte: der 19,07 Karat schwere Diamant
„Grand Mazarin“. Für schlappe zwölf Millionen Euro
ging er im November 2017 über den Tisch und stach den „Raj Pink“
aus, mit 37,3 Karat immerhin doppelt so viel wert. Der „Mazarin“
aber hat eine illustre Geschichte. Er zierte Kronen und Diademe
und gehörte einst dem Kardinal Mazarin, dem seinerzeit mächtigsten
Mann in Frankreich, mächtiger als der König selbst. Ludwig
XIII. schien schwach und naiv – so
wird er jedenfalls in Alexandre Dumas’
Die drei Musketiere beschrieben. Als er
1643 stirbt, ist sein Sohn Ludwig XIV.
erst vier Jahre alt. Kommissarisch übernimmt
seine Mutter die Regentschaft
über ein Land, das seit 13 Jahren mit
Spanien Krieg führt und geschwächt ist
durch die „Fronde“, die aufflackernden
Aufstände des Volkes und des Hochadels.
Da bietet sich Kardinal Mazarin
an, als Retter der Bourbonen-Regentschaft und als Taufpate
und Ersatzvater für Ludwig. Mazarins diplomatischer Kunst wird
Frankreich den Westfälischen Frieden (1648) und die Versöhnung
mit Spanien im Pyrenäenfrieden (1659) verdanken. „Ein Mann an
der Macht beweist seine Fähigkeit, die Staatsgeschäfte zu führen,
indem er die seinen florieren lässt“, sagt der „Schiedsrichter Europas“
und handelt auch so. Böse Liedchen, „Mazarinaden“, wird
ihm das Volk dichten, weil er rücksichtslose Steuerpolitik betrieb
und unfassbares Vermögen anhäufte.
Mazarin ist auch ein Mann der Bildung. Lange bevor General
Bonaparte Kunstwerke aus Italien als Kriegsbeute nach Paris
schickt, tut er es bereits. Seine Bibliothek umfasst 40.000 Bücher.
Auch die Oper interessiert ihn, die italienische natürlich, und er
will sie am französischen Hof etablieren. 1645 startet er den ersten
Versuch. In Anwesenheit der Regentin erklingt La Finta Pazza von
Francesco Sacrati im Theater Petit-Bourbon.
Am 7. März 1661 lässt er sich Haare und Bart kräuseln und
parfümieren und erwartet, in prachtvolle Staatsgewänder gehüllt,
UM DIE MÄCHTIGEN ZU
KONTROLLIEREN, LÄSST DER
KÖNIG SIE ALLE IN SEINEM
SCHLOSS WOHNEN, ABGE-
SCHNITTEN VOM REST DER WELT
den Tod. In der Nacht vom 8. auf den 9. März ist es so weit. In
Frankreichs Kirchen wird für ihn wie für einen König gebetet. Ludwig,
der wahre König, ist 23 Jahre jung und bereit. Die politischen
Winkelzüge hat er von Mazarin gelernt. Nur die Liebe zur italienischen
Kunst teilt er nicht. Eine „Grande Nation“ braucht schließlich
eine eigene Musik.
Über Nacht werden alle italienischen Musiker entlassen, auch
der berühmte Francesco Cavalli, der 1660 auf Bitte von Mazarin
nach Paris gekommen war, um mit einer Oper die Hochzeit Ludwigs
XIV. mit Maria Teresa von Spanien
1660 zu feiern. Der alternde Mazarin
kann die Sabotage von Cavallis Musik
nicht verhindern. Längst hat ein anderer
die Macht übernommen. Sein (italienischer)
Name: Giovanni Battista Lulli.
Als Lakai war der florentinische Müllersohn
nach Paris gekommen. Dort hatte
er sich als Geiger und Tänzer die Gunst
Ludwigs, der selbst ein ausgezeichneter
Tänzer war, erworben. Gemeinsam treten
sie 1653 im mythologischen Ballet Royal de la Nuit auf – am
Tag nach der Niederschlagung (!) der Fronde-Aufstände. Ein symbolischer
Moment für das Land: Der 14-jährige Dauphin inszeniert
sich als Sonne, um die alle Planeten kreisen. Sein mit edlen Steinen
besetztes Kostüm als leuchtender Apollon setzt ein unmissverständliches
Signal an seine Untertanen: Hier steht der Repräsentant der
göttlichen Allgewalt, das Zentralgestirn Frankreichs, von dem alles
Licht ausgeht. „L’état c’est moi!“ – „Der Staat bin ich!“, Worte, die er
übrigens nie gesagt hat.
Lully sonnt sich in diesem Licht. Bald wird der König nicht
nur zu Lullys gravitätisch punktierten Rhythmen schreiten, sondern
auch nach seiner Pfeife tanzen. Im Gegenzug liefert Lully tönende
Lobpreisungen auf seinen Herrn, die sich im Prolog seiner Opern
äußern und im Ballet de cour (Hofballett), in dem sich Ludwig XIV.
in seinem absolutistischen Herrscherverständnis inszeniert. Ort
der King(sized) Shows wird Versailles. Aus dem alten Jagdschlösschen
seines Vaters draußen im Sumpf südwestlich von Paris hat er
das prächtigste Schloss der Welt errichten lassen. Die Fronde, eine
67

L A F R A N C E
Beginn des 4. Akts
von Lullys tragischer
Oper Thésée
1600
Kardinal Mazarin war
Taufpate, Ersatzvater
und Ratgeber des
Sonnenkönigs
1645 AUFFÜHRUNG DER
ERSTEN OPER in Frankreich:
La Finta Pazza von Francesco
Sacrati in Paris auf Initiative von
Kardinal Mazarin (1602–1661)
1660 HOCHZEIT
Ludwigs XIV. mit Maria
Teresa von Spanien
1661 LULLY wird
zum Surintendant de
la musique
1687
TOD LULLY
1610 1620 1630 1640 1650 1670 1680 1690
1638
GEBURT LUDWIGS XIV.
1648
WESTFÄLISCHER FRIEDEN
1659
PYRENÄEN FRIEDEN
Versöhnung mit dem Erbfeind Spanien
1661
TOD KARDINAL MAZARINS
Entlassung italienischer Musiker
1673 TRAGÉDIE
LYRIQUE Lullys Erfindung
einer nationalen
französischen Oper.
Die erste ist Cadmus &
Hermione
1673 TOD MOLIÈRES
Lullys Cadmus &
Hermione an der Opéra
Comique in Paris
Serie von Aufständen und Bürgerkriegen, hatten Ludwig gelehrt,
dass man niemandem trauen kann, schon gar nicht der Familie.
Um die Mächtigen zu kontrollieren, lässt er sie alle in seinem
Schloss wohnen, abgeschnitten vom Rest der Welt. Dort agieren sie
nun, gefangen im Korsett eines starren Hofzeremoniells unter steter
Beobachtung ihres Herrschers. Er wusste um ihre Eitelkeit, ihre
Gier nach Geld und Ansehen, nach Luxus und Amüsement. Kostümaufmärsche,
Theater, Musik, Ballette und splendide Feste sollten
sie ablenken, keine Orgien, sondern minutiös arrangierte Feste,
bei der der „Honnête homme“ nobles Verhalten an den Tag zu legen
hatte. Der König selbst machte es vor: „Niemals ging er auch nur an
der geringsten Magd vorüber, ohne den Hut zu lüften“, schrieb der
scharfsinnige Chronist Herzog von Saint-Simon.
Und Lully lieferte den musikalischen Stoff dazu, grandios
pathetische Opern, deren gravitätisch einleitende „Französische
Ouvertüren“ dem Herrscher Raum zur Inszenierung geben. Tragédie
lyrique heißt die französische Nationaloper, die sich als Gegenpol
zur italienischen Oper versteht. Sie orientiert sich am klassischen
französischen fünfaktigen Theater, hat ausgiebige Ballett- und
Chorszenen und – da man Kastraten ablehnte – einen speziellen
Gesangsstil, den der komponierende Philosoph Jean-Jacques Rousseau
viele Jahre später als „fortgesetztes Bellen, jedem Ohr, das nicht
daran gewöhnt ist, unerträglich“ beschimpft. 16 dieser Tragédies liefert
Lully, einige mit Molière, die meisten mit dem Librettisten Philippe
Quinault erarbeitet, darunter Atys von 1676, an der Ludwig
angeblich mitkomponierte. Fürstlich ausgestattet sind die Orchester:
24 Violons du Roi, dazu zwölf Oboen und Block- und Traversflöten.
Und eine Continuogruppe mit Lauten, Gitarren, Cembalo
sowie Pauken und Trompeten.
Die Nähe zum König steigert Lullys Macht. 1661 steigt er zum
Surintendant de la musique auf, 1672 sichert er sich die Rechte an
der Académie Royale de Musique, die in einem einzigartigen, von
Ludwig XIV. unterzeichneten Patentbrief dokumentiert sind: „Sehr
ausdrücklich verboten ist allen Personen, von welchem Stand und
welcher Anstellung sie auch sind, … einzutreten, ohne zu bezahlen.
Ebenso irgendein vollständiges Stück mit Musik aufzuführen,
sei es mit französischen Versen oder in einer anderen Sprache, ohne
Bewilligung des besagten Sieur Lully, mit einer Buße von 10.000
Livres und der Konfiszierung von Theater, Bühnenmaschinerie,
Bühnenbild, der Kostüme etc., wovon ein Drittel uns zu übergeben
ist, ein Drittel dem Hospital General und ein Drittel besagtem Sieur
Lully.“ Skrupellos wird Lully diese verteidigen, sich auch vermeintlicher
Konkurrenten wie Molière entledigen, der mit seinen brillanten,
vom König geliebten Satiren über Jahre den geistreichen Rahmen
für Lullys Comédie-ballets geliefert hatte, Komödien mit Ballett-
und Musikeinlagen, eine Art Musical des 16. Jahrhunderts und
68 w w w . c r e s c e n d o . d e — April – Mai 2018

Im Inneren der
Comédie-Française
Großes Fest mit
Theater, Tanz und Musik
in Versailles 1664
1690 F. COUPERIN
kommt an den Hof
Ludwigs XIV.
1722 JEAN-PHILIPPE RAMEAU
veröffentlich sein Musiktraktat Traité
de l’harmonie réduite à ses principes
1700 1800
naturels
1752 bis 1754
BOUFFONISTEN-
STREIT Ausweisung
italienischer Komödianten
1710 17220 1730 1740 1750 1760 1770 1780 1790
1715 TOD
LUDWIGS XIV.
1692 TE DEUM
VON CHARPENTIER
zur Feier des französischen
Sieges von
Steenkerk
Ludwig XIV. im
Krönungsornat
Schloss Versailles als Zentrum der Macht
neben der Tragédie lyrique eine weitere typisch französische Musikgattung.
Molière kommt ihm zuvor. Ausgerechnet in einer Vorstellung
von Der eingebildete Kranke merken Kollegen, dass dieser sich
auf der Bühne in seinem Sessel nicht mehr regt. Er stirbt 1673 mit
51 Jahren. Den Ledersessel kann man heute in der Comédie-Française
in Paris besichtigen.
Die Musik zum Malade imaginaire hatte übrigens – Ironie des
Schicksals – nicht Lully geschrieben, sondern Marc-Antoine Charpentier,
obwohl ihn der Surintendant vom Hofe fernhielt. Doch
Lullys Stern beginnt zu sinken. Die frömmelnde Madame de Maintenon,
die Geliebte des Königs, stört sich an seinem pädophilen
Lebenswandel. 1687 stirbt Lully einen Tod, der so spektakulär wie
sein Aufstieg ist. Beim Dirigieren rammt er sich den Zeremonienstab
in den Fuß und stirbt an einer Blutvergiftung.
Andere übernehmen seinen Platz: Der brave Delalande, der
feinsinnige Organist François Couperin und der Gambist Marin
Marais. Auch der König hat sich verändert, er kränkelt, er macht
sich Sorgen um sein Seelenheil. Die Party scheint vorbei, noch nicht
aber die Kriege, die auch zu Charpentiers Stunde werden. 1692 zur
Feier des französischen Sieges von Steenkerk wird sein Te Deum
aufgeführt – durch den Gebrauch seines Präludiums als Eurovisionshymne
(seit 1954) bis heute sein bekanntestes Werk.
Täglich besucht Ludwig die Messe und übt sich in barocker
Glaubensversenkung mit Motetten und Psalmen aus der Feder Couperins,
des Lehrers seiner Kinder. Sonntags begegnet man sich in
den Privatgemächern des Königs zu den „Concerts royaux“ mit
Couperin am Cembalo. In Versailles findet Couperin reichlich Stoff
für seine kleinen „Charakterstudien“ für Cembalo, denen er rätselhafte
Titel gibt. „Die Mehrheit dieser schmeichelnden Titel gehört
den liebenswürdigen Originalen …, die ich darstellen wollte“,
schreibt er mit feiner Ironie, „und weniger den Kopien, die ich von
ihnen machte.“ „Le Grand“, wie man ihn nannte, ist ein malender
Musiker wie 200 Jahre vorher Clément Jannequin. Und 200 Jahre
später Debussy.
Vom französischen musikalischen „Reinheitsgebot“ und Universalanspruch
hält Couperin nichts. Glaubenskriege interessieren
ihn nicht. Anders Jean-Philippe Rameau. Der Verfasser einer wegweisenden
Harmonielehre und genialer Komponist von heroischen
und komischen Ballettmusiken stellt sich im Buffonistenstreit –
einer Auseinandersetzung um die Vorherrschaft der französischen
oder der italienischen Oper – auf die französische Seite. Pragmatisch
löst Christoph Willibald Gluck den Konflikt. Eine italienische
und eine französische Version seines Orfeo wird er anfertigen.
„Die Franzosen sind und bleiben halt Eseln“, schrieb Mozart dazu
aus Paris 1778, „sie können nichts, sie müssen Zuflucht zu Fremden
nehmen.“
■
69

L A F R A N C E
TRAUMENTRÜCKTER
EINZELGÄNGER
Mit Claude Debussy begann in der abendländischen Musik das 20. Jahrhundert.
Er entwarf eine fantastische Klangwelt und ebnete zahlreichen Komponisten nach ihm den Weg.
Am 26. März jährt sich sein Todestag zum 100. Mal.
VON RUTH RENÉ REIFF
Seine Freunde
nannten Debussy
„Prinz der
Dunkelheit“
Pierre-Laurent Aimard
fühlte sich bereits in
früher Jugend überwältigt
von Debussys
Musik. Martha Argerich
hatte als Kind seinen
Namen „Claude Achille“ über
dem Bett hängen. Sie nennt
Debussy ihren Lieblingskomponisten.
Das gilt auch für
Leif Ove Andsnes. Er bekennt sich zur „Freude am Klang“ und
zum Experiment.
Debussy veränderte die französische Musiksprache. Er begeisterte
sich für alles Neue und Unbekannte. War er anfangs von der
Verehrung für Wagners Musik durchdrungen, so schlug diese
bereits beim Tristan seiner zweiten Bayreuth-Reise in Enttäuschung
um. Was ihn stattdessen faszinierte, waren die Klänge der chinesischen,
japanischen, javanischen und annamitischen Orchester,
die er ebenso wie den andalusischen Cante jondo auf der Pariser
Weltausstellung 1889 hörte. Die Ursprünglichkeit jener Musikarten
beschrieb er als wohltuenden Gegensatz zum „auftrumpfenden Stil
des Bayreuthers“.
Aus Leidenschaft für Exotik und den Japonismus, der damals
die Kunstszene beherrschte, legte er sich eine Sammlung japanischer
Holzschnitte zu. Die intensiven Farben und klaren Linien
regten seine musikalischen Visionen an. Für Dietrich Fischer-Dieskau,
der über Debussy und seine Welt eine Biografie verfasste, ist es
die „rätselvolle Fertigkeit“, fremde Musik ohne Bruch in die eigene
eingehen zu lassen, die aus Debussy „einen bis heute unverändert
modernen Komponisten“ macht.
Obgleich er Zeit seines Lebens ein einsamer Einzelgänger
blieb, suchte er die Bekanntschaft
bildender Künstler und
Dichter. Er führte das Leben
eines Bohemiens, verbrachte
viele Stunden in Cafés und
gab sich dem Nachtleben hin.
„Prinz der Dunkelheit“ nannten
ihn seine Gefährten. „Wir
sahen ihn mit düsterer Miene
ankommen, in eine große,
traurige Kapuze eingewickelt“, erzählte Léon-Paul Fargue. Ungewöhnliche
Menschen zogen Debussy an. So verband ihn ein tiefes,
wenn auch für viele unergründliches Verhältnis mit Erik Satie. Er
half ihm, seine kompositorischen Ideen umzusetzen und widmete
ihm das Buch der Kantate La Damoiselle élue: „Für Erik Satie, den
mittelalterlichen und sanften Musiker, der sich in dieses Jahrhundert
verirrt hat, zur Freude seines ihm herzlich zugetanen Claude
– A. Debussy, 27. Oktober 1892.“
Das Jahr war bedeutsam für Debussy. Er wurde 30 Jahre
alt, sah Maurice Maeterlincks Drama Pelléas et Mélisande auf der
Bühne und begann, Stéphane Mallarmés Gedicht zu vertonen. 1894
erklang in Paris Prélude à l’après-midi d’un faune. Es war Debussys
erstes orchestrales Meisterwerk, und man nannte es das „Manifest
des musikalischen Impressionismus“. Debussy malte mit seiner
Musik die Träume und Begierden, die den Faun in der nachmittäglichen
Schwüle heimsuchen. 1912 inspirierte das Werk Vaslav Nijinsky
zu einem Ballett neuer Tanztechniken.
1902 erfolgte an der Opéra Comique in Paris die Uraufführung
von Pelléas et Mélisande. Sie bescherte Debussy einen Skandal und
Ruhm. Eine unübersehbare Zahl an Musikern scharte sich um ihn
und feierte ihn als „Claude de France“. Der Debussysmus trieb kuri-
70 w w w . c r e s c e n d o . d e — April – Mai 2018

Mary Garden als umjubelte Mélisande; Bühnenbild und Programmheft von Léon Bakst zur Aufführung von L’Après-midi d’un faune;
Paris zur Zeit der Weltausstellung 1889
ose Blüten. Junge Männer kleideten sich wie er, und Mädchen versuchten,
so dünn und zerbrechlich auszusehen wie Mary Garden,
die Darstellerin der Mélisande. Überall in Europa erregten die Aufführungen
von Debussys Werken heftige Diskurse. Seine Klangwelt
verführte zur Nachahmung.
Debussy schuf eine Musik traumentrückter Stimmungen. In
dem sinfonischen Triptychon Nocturnes, das ihn 1900 bekannt
machte, oder der sinfonischen Dichtung La mer gestaltet er mit
zarten Klängen und mannigfaltigen Farben das Vorbeiziehen der
Nachtwolken wie das kräuselnde Spiel der sich im Wind aufbäumenden
Wellen nach. Er arbeite an
gewissen Dingen, „die erst von den
Enkeln des 20. Jahrhunderts begriffen
werden“, schrieb er an den Dichter
Pierre Louÿs.
Seine Klänge ließen die seriellen
Strukturen Anton Weberns erahnen
und nahmen das Phänomen
der Klangfarben vorweg. Wie Pierre
Boulez feststellte, strahlte Debussy „verführerische Kräfte“ aus. Für
Olivier Messiaen war Pelléas et Mélisande eine Offenbarung. Ernst
Krenek entdeckte im Orchestervorspiel zum letzten Akt der Oper
einen Akkord, der ihn tief berührte und „einen magischen Reiz“ auf
ihn ausübte. Er ließ seine Oper Orpheus und Eurydike damit beginnen
und enden und den Klang während des ganzen Stücks immer
wieder auftreten. Béla Bartók fand in Debussys Partituren, die Zoltán
Kodály voll Begeisterung aus Paris brachte, einen der wichtigsten
Anreize zur Herausbildung seines neuen Stils.
Doch die Klänge, mit denen Debussy sein Publikum verzauberte,
waren einem tragischen Leben abgerungen. Angefangen von
der Kindheit mit einer Mutter, der er eine Last war und die kein
SELBST IN SEINER LETZTEN LEBENS-
PHASE BELASTETEN IHN SO ENORME
SCHULDEN, DASS ER IN BRIEFEN VON
SELBSTMORD SCHRIEB
Gespür für sein außergewöhnliches Talent besaß, bis zu seinem Tod
in Krankheit und Krieg war er stetig begleitet von Problemen und
Krisen. Da waren die schwierigen Verhältnisse zu seinen Frauen
und die beständigen Geldnöte, die ihn bedrückten. Selbst in seiner
letzten Lebensphase, als er Erfolg hatte und scheinbar im Wohlstand
lebte, belasteten ihn so enorme Schulden, dass er in Briefen
von Selbstmord schrieb.
Hinzu kamen Depressionen, Ängste und Selbstzweifel. Sie verdammten
ihn immer wieder zu wochenlanger Untätigkeit und verhinderten
die Fertigstellung vieler Werke. Der Komponist Robin
Holloway spricht vom „Zwang zur
Nichtvollendung“. Das Fragment
des Operneinakters La chute de la
maison Usher nach Edgar Allan Poe
wurde 1979 von dem Komponisten
Juan Allende-Blin orchestriert
und an der Deutschen Oper Berlin
uraufgeführt. 2006 „vollendete“
der Musikwissenschaftler Robert
Orledge die Oper mit Debussys Material. Ein im Zuge der im Verlag
Durand erscheinenden „Œuvres Complètes de Claude Debussy“
entdeckter Entwurf lieferte das Motiv der „Schwarzen Flügel des
Schicksals“ für den Schluss.
„Immer wieder kommt etwas ans Licht“, bestätigt Denis Herlin,
der 2002 François Lesure als Herausgeber der Ausgabe nachfolgte.
Er betont zudem die Sorgfalt, die Debussy für sein Werk aufwandte:
„Seine Manuskripte sind Meisterwerke musikalischer Grafik.“
Debussy nahm sie wiederholt zur Hand, um bis in den Probenprozess
hinein zu feilen und zu ändern. „Er wollte immer weitergehen
in seinem Werk und sich nicht wiederholen.“ 2018 erscheint der 21.
Band. 2030 soll die Ausgabe vollständig vorliegen.
■
71

L A F R A N C E
DENKEN AN CLAUDE
Am 25. März ist es 100 Jahre her, dass Claude Debussy seiner Krebserkrankung erlag.
Doch der große Impressionist bleibt unvergessen. Künstler erinnern sich.
Debussy: „Sonates & Trio“,
Renaud Capuçon, Bertrand Chamayou,
Emmanuel Pahud u. a. (Erato)
Emmanuel Pahud FLÖTIST
„Debussy schafft Platz und Raum für die ENTFALTUNG DER EIGENEN FANTASIE DES
ZUHÖRERS: Die Musik steckt in den Beziehungen zwischen den Tönen selbst. Das Ergebnis
ist eine unglaublich intensive und auch sehr subjektive Musik, die extrem vielfältig ist. Ich habe
als Student die Musik von Debussy nur mit einer gewissen klischeehaften „impressionistischen“
Musik verbunden. Ab 30 habe ich dann entdeckt, was für eine belebte Traumwelt dahintersteckt,
und bin seitdem der größte Fan! Debussy hat sehr schöne und wichtige Stücke für ein
damals neues Instrument – die Metall-Querflöte – geschrieben: Syrinx für Soloflöte, die Triosonate
für Flöte, Viola und Harfe, die Chansons de Bilitis für 2 Flöten, 2 Harfen und Celesta und dann immer
eine prominente Rolle im Orchester wie im Prélude zum Nachmittag eines Faunes, La Mer,
Nocturnes, Images, Jeux oder in seiner Oper Pelléas und Mélisande.“
72 w w w . c r e s c e n d o . d e — April – Mai 2018

Bertrand Chamayou PIANIST
„Ich erinnere mich, wie ich sein frühes Werk Rêverie spielte – für hartgesottene
Debussy-Fans ein etwas zuckriges Werk, aber nichtsdestotrotz
mit einzigartigem, unleugbarem Charme. Ich hatte damals gerade
mal ein knappes Jahr lang Klavierunterricht und hatte das Gefühl, mit
dem zarten Trällern der linken Hand wie auf Wolken zu schweben. Ich
verliebte mich sofort in Debussys Musik, und mein Klavierlehrer am
Konservatorium von Toulouse ermutigte mich, mehr Debussy zu spielen
und zu hören.
Meine Lieblingsaufnahme war die Einspielung des gesamten Klavierwerks
von Gieseking, aber ich hörte mir auch Orchesterwerke wie
La Mer und Les Nocturnes an. Debussy war der SOUNDTRACK
MEINER KINDHEIT UND JUGEND.
Debussys Musik wirkt manchmal wie improvisiert, sie geht wie natürlich
in die Finger, als würde man ganz spontan das Instrument streicheln.
Außerdem spüre ich bei Debussy das Verlangen, mit der Natur
im Einklang zu sein – sie nicht zu zähmen, sondern ihr in seiner Musik
freien Lauf zu lassen –, seine tiefsten Gefühle in Musik auszudrücken.“
Debussy: „Sonates & Trio“, Renaud Capuçon, Bertrand Chamayou, Emmanuel Pahud u. a. (Erato)
FOTOS: JOSEF FISCHNALLER LICENSED TO EMI CLASSICS; MARCO BORGGREVE / WARNER CLASSICS; OCHEN BERGER; JULIEN MIGNOT
Michael Korstick PIANIST
„Die Musik Debussys ist ein ZAUBERGARTEN DER
KLÄNGE, Farben und Düfte, der aber nichts Vages an
sich hat, sondern immer einer glasklaren Architektur
verpflichtet ist. Für den Pianisten eine große Aufgabe,
die scheinbar gegensätzlichen Elemente
in Balance zu bringen und in
Klang umzusetzen.“
Debussy: „Piano Music Vol. V“, Michael Korstick
(SWR Music)
HISTORISCHE ZITATE
Jean Cocteau
SCHRIFTSTELLER & MALER, 1926
„Debussy existierte bereits vor Debussy. Da war eine Architektur,
die sich im Wasser spiegelt; da waren Wellen, die sich bilden
und wieder zusammenstürzen; Zweige, die einschlafen, Pflaumen,
die herabfallen, sich zu Tode quälen und Gold bluten. [...]
TAUSEND UNBESTIMMTE WUNDER DER NATUR
haben endlich ihren Übersetzer gefunden.“
Pierre Boulez
KOMPONIST UND DIRIGENT, 1962
„Unter allen Musikern blieb Debussy einer der einsamsten – und
seine Epoche zwang ihn zuweilen zu geschmeidigen und unauffälligen
Lösungen. [...] Debussy STRAHLT VERFÜHRERISCHE
KRÄFTE AUS von geheimnisvoll hinreißendem Zauber. Seine
Position an der Schwelle der Neuen Musik gleicht einem Pfeil, der
einsam in die Höhe schießt.“
Raphaël Merlin
CELLIST DES QUATUOR ÉBÈNE
„Das wunderbare Streichquartett von Debussy
besitzt eine regelrechte Unverfrorenheit: eine
derartige Meisterschaft im Kompositionsprozess,
eine Kraft, EIN HÖHENFLUG ALLER
FARBEN UND TEMPERATUREN – von
der Hitze Spaniens im Scherzo, das einen an
Flamenco erinnert über die schwüle Hitze des
Nachmittags eines Faunes am Ende des ersten
Satzes bis zum frischen Abendwind am Anfang
des Finales. Dieser junge Komponist hatte
schon die Türen zu einem völlig einzigartigen Weg geöffnet, auf dem
sich harmonische Neuerung mit einem außergewöhnlichen Gespür
für Farbe, für Geheimnisvolles, für Poesie und für harmonischen
Genuss verbindet. Auch wenn sich Ravels und Faurés Quartette, ehrlich
gesagt, nicht verstecken müssen, ist das
von Debussy am körperlichsten, am unvergesslichsten.
Insgesamt hat Debussy in seinem
Œuvre für Orchester und Gesang besser als
alle anderen die Idee des Impressionismus in
der Musik herauskristallisiert. Damit war er
Wegbereiter etwa für Kodály, Bartók oder
Dutilleux. Und ihm gebührt der Preis für die
beste Konzentration von Emotionen trotz relativer
Durchsichtigkeit bei gleichzeitiger Bewahrung
seiner antiken Wurzeln. Wir lieben ihn von
ganzem Herzen!“
„Eternal Stories“, Michel Portal, Quatuor Ébène (Erato)
73

L A F R A N C E
C’EST MAGNIFIQUE !
Zur Würdigung von Debussys 100. Todestag darf auch eine Vielzahl von Neuerscheinungen
nicht fehlen! Wir haben einige besonders lohnenswerte für Sie herausgepickt.
Komplett!
Ach, du dickes Ding! Auf 33 CDs beglückt das Label Warner
mit einer Gesamtaufnahme aller Werke des großen Impressionisten.
Etliche Werke davon liegen sogar erstmalig in einer
Einspielung vor, etwa die lyrische Komödie Diane au bois für
Sopran, Tenor und Klavier oder das Chanson des brises für Solo-
Sopran, Frauenchor und Klavier zu vier Händen oder die erste
vollständige Einspielung des Bühnenwerks Le Martyre de Saint
Sébastien. Als Interpreten sind etwa Pierre-Laurent Aimard,
Michel Béroff, Martha Argerich oder Yehudi Menuhin zu hören.
Als Bonusmaterial gibt’s die einzige bekannte Einspielung Debussys
als Klavierbegleiter für Mary Garden sowie 14 Klavierstücke,
die der Meister selbst 1913 auf Welt-Mignon-Walze, also einer
frühen Form des selbst spielenden Klaviers, die schon eine recht
authentische Wiedergabe ermöglichte, einspielte.
Claude Debussy: „The Complete Works“ (Warner Classics)
Verpuppt
Gut 12 cm ist er groß, der
handgefertigte kleine
Claude aus Holz, Draht,
Ton und Farbe – natürlich
stilecht mit schwarzem
Anzug, langem Mantel,
schwarzer Krawatte und
einer Komposition in der
Hand. Für rund 45 Euro
lässt sich das kleine Kerlchen
auf Etsy – einem Internetportal
für Handgemachtes
– bestellen.
www.uneekdolldesigns.etsy.com
Vom Altmeister
Pianist Menahem Pressler ist eine
Legende! 55 Jahre stellte er seine
Karriere in den Dienst des Beaux
Arts Trios. Mit stattlichen 84 Jahren
begann er dann seine Solokarriere. Und nun – mit
unglaublichen 94 Jahren! – hat er sich seiner geliebten
französischen Komponisten angenommen: Fauré,
Ravel und natürlich auch Debussy. Letzterer begleitet
ihn schon seit seinen Jugendjahren und der dramatischen
Flucht mit seiner jüdischen Familie von
Deutschland nach Palästina zu Zeiten des Nationalsozialismus.
Noch auf der Flucht sandte ihm sein ehemaliger
Klavierlehrer eine Debussy-Partitur nach! Mit
welcher Intensität und Frische Pressler diese Werke
präsentiert, ist schlichtweg unglaublich!
Debussy, Fauré, Ravel: „Clair de lune“, Menahem Pressler
(Deutsche Grammophon)
Briefoffenbarung
Verleger Jacques Durand war nicht nur einer der wichtigsten Geschäftspartner
für Debussy, sondern auch Freund, Mäzen und Ratgeber. Nun ist die
Korrespondenz mit ihm und Debussys anderen Verlegern erstmals auf
Deutsch erschienen – inklusive erläuternder Kommentare. Intime Dokumente,
die nicht nur musikhistorisch faszinieren, sondern auf eine Zeitreise
in die Epoche zwischen Fin de siècle und Erstem Weltkrieg entführen.
„Claude Debussy. Briefe an seine Verleger. Übersetzt und herausgegeben von Bernd Goetzke“ (OLMS)
74 w w w . c r e s c e n d o . d e — April – Mai 2018

Inspiration
Als Synästhetikerin, die Klänge als Farben
wahrnimmt, war die deutsch-ukrainische Pianistin
Marina Baranova schon als Kind völlig
von Claude Debussys Musik fasziniert. Tief
eintauchen wollte sie vor allem in seine gehaltvollen
Schattenseiten – jenseits seines unsteten
Privatlebens und seiner stürmischen Liebschaften.
So entschloss sie sich zu einer improvisatorisch
entwickelten, vollkommen neuen
Interpretation seiner Werke auf Instrumenten
wie Una Corda, Fender Rhodes, präpariertem
Klavier und Bechstein-Flügel. Ein Album, das
Liebhabern klassischer wie zeitgenössischer
Musik spannende Klänge über und mit
Debussy präsentiert.
Marina Baranova: „Unfolding Debussy“ (Neue Meister)
Préludes mal drei
Zum Gedenktag dürfen natürlich auch unzählige Neueinspielungen der
Debussy’schen Préludes nicht fehlen! Uns haben drei davon besonders gut
gefallen: Da wäre einmal die irisierende Einspielung des finnischen Pianisten
Paavali Jumppanen – eine Entdeckung! Neben den Préludes lässt er auch
Children’s Corner erklingen, die Debussy seiner dreijährigen Tochter Emma-
Claude, genannt Chouchou, widmete.
Lyrisch tönt die Interpretation von Vincent Larderet, der neben dem zweiten
Buch der Préludes und den Images auch die Ersteinspielung einer
Transkription der sinfonischen Fragmente von Le Martyre de Saint Sébastien
vorlegt. Hier schlagen zwei französische Seelen im Einklang.
Schließlich wäre da noch das Remastering des absoluten Klassikers unter
den Einspielungen auf CD und LP: Glenn Goulds Version von 1969. Hier
lässt sich in einer sehr unmittelbaren, sehr nahe an den Saiten aufgenommenen
Aufnahme Debussys Nähe zum Jazz regelrecht einatmen.
Debussy: „Préludes, Children’s Corner“, Paavali Jumppanen (Ondine)
„Debussy Centenary 1918–2018”, Vincent Lardent (Ars Produktion)
Debussy: „24 Préludes”, Friedrich Gulda (MPS)
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L A F R A N C E
WONNESCHAUER MIT
SUCHTFAKTOR
Die französische Oper hatte über viele Jahrhunderte hinweg in
Deutschland keinen leichten Stand, die „Erbfeindschaft“ wurde auch hier geschürt.
Nun feiern diese zeitlosen Werke eine gigantische Renaissance.
VON ROLAND H. DIPPEL
Marianne Crebassa in
Offenbachs Fantasio
an der Opéra-Comique
in Paris
Süßlich, äußerlich, flach!
So lautete noch vor 50
Jahren das „Expertenurteil“
über das weite
Feld französischer Opern.
Damals, als Charles Gounods
kürzlich von der Opéra Genève
als „‚Icône“ gelobter Faust in
Deutschland noch Margarete
hieß. Man schämte sich für die
Freude über die vielen Schlager
dieser Partitur, die vermeintlich
trivial an Goethes Faust I kratzt.
Als kulturfähig galten im deutschen
Sprechraum nur Offenbachs
Les contes d’Hoffmann und natürlich Carmen. Im Repertoire
der Met verankerte Juwelen wie Gounods Roméo et Juliette oder
Jules Massenets wunderbare Kurtisanenoper Thaïs kannte man
nur von Plattenaufnahmen mit einer rassigen Anna Moffo auf der
Posterbeigabe oder Fernsehübertragungen.
Das änderte sich erst mit der Massenet-Einspielungswelle kurz
vor Erfindung der CD und einer eisbrechenden Produktion: Nach
Massenets Werther im Nationaltheater München 1977 mit der aufregenden
Brigitte Fassbaender und Plácido Domingo überrollte eine
Werther-Welle das Land. Charles de Gaulles und Konrad Adenauers
deutsch-französischer Freundschaftsvertrag (1963) hatte doch noch
einen förderlichen Einfluss auf das nach dem Jahr 2000 endlich in
voller Üppigkeit gedeihende Orchideenrepertoire aus Frankreich.
Den Höhepunkt bildet die Edition Palazzetto Bru Zane mit
Aufnahmen und wissenschaftlich verlässlichen Noteneditionen:
Gerade räumten Ulf Schirmer und das Münchner Rundfunkorchester
mit der Weltersteinspielung von Camille Saint-Saëns’ Proserpine
den begehrten International Classical Music Award 2018
ab. Überhaupt ist Ulf Schirmer bei den Sonntagskonzerten des
Bayerischen Rundfunks für Palazetto Bru Zane ein passionierter
Wiederholungstäter mit Benjamin Godards Dante und Gounods
Mantel-und-Degen-Oper Cinq-Mars, die er 2017 an der
Oper Leipzig mit einer umjubelten Produktion hinterherschickte.
Ein Spitzenwerk wie Halévys La juive (jüngst erst in Mannheim,
München, Nürnberg) ist ein
wichtiges Beispiel für die Spiegelung
antisemitischer Tendenzen
in urbanen Kulturformen
und gehört seit Neil Shicoffs
rückhaltloser Identifikation
mit dem Juden Eléazar fast wieder
zum Standardrepertoire.
In Stuttgart dauerte der Abend
mit nur einer kurzen Pause
fünfeinhalb Stunden.
Regisseure wie Christof
Loy und Peter Konwitschny
nutzen diese französischen
Opernpanoramen für bezwingende
Szenerien und Menschenbilder. Es hat also Gründe, wenn
sich strichlose Aufführungen von Verdis französischer Don Carlos-Fassung,
Les vêpres Siciliennes (in Genf, London und Amsterdam
mit der kurzweilig 27-minütigen Balletteinlage) oder Rossinis
Guillaume Tell häufen und Wagners vermeintliche Rekordlängen
lässig übertrumpfen.
Diese französischen Funde beweisen ihre auch für die heutige
Zeit ästhetische und qualitative Relevanz. Das liegt auch daran,
dass die Muster der französischen Oper bereits seit den barocken
Spitzenkomponisten Rameau und Lully weitaus multipler waren als
jene der „lyrischen Dramen“ Italiens, die sich wie die deutsche Oper
und auch Tschaikowsky an französischen Vorbildern orientiert hatten.
Bis zum Aufstieg Bayreuths war Paris mit der Académie nationale
und der Opéra-Comique das Vorbild für Europa, Amerika, den
Nahen Osten. Oscar Bie erklärte die geschmeidige Opéra-Comique
mit ihren gesprochenen Dialogen in seiner Basisschrift Die Oper
(1913) noch auf dem Höhepunkt des Wagnerkults zur idealen, weil
dramatisch flexibelsten Opernform. Paul Bekker wies in Wandlungen
der Oper (1934) aus Zürich der deutschen Oper als wesentlichen
Parameter die Deklamation zu, der italienischen das Melos und der
französischen Oper den Tanz. Also umgekehrt zu den späteren Ausreden:
Da wurde die Schwierigkeit der Übersetzung in andere Sprachen
oder einer korrekten Diktion genannt, um französische Opern
zu meiden. Teils berechtigt, hört man heute zum Beispiel Mayer-
76 w w w . c r e s c e n d o . d e — April – Mai 2018

FOTOS: PIERRE GROSBOIS; BILL COOPER; GREGORY KUNDE
Verdis Les vêpres siciliennes am Royal Opera House in London;
Meyerbeers Le prophète an der Deutschen Oper Berlin
beers Gli ugenotti von der Mailänder Scala mit Franco Corelli oder
Peter Maags entstellende Einrichtung von Massenets Manon. Die
Meisterung stilistischer Herausforderungen sind heute Standard
auch kleinerer Theater, so nachzuhören auf dem Album mit der
sensationellen Wiederentdeckung von Gounods Schaueroper Die
blutende Nonne am Theater Osnabrück.
Endlich finden die großen Werke des Berliners Giacomo
Meyerbeer, möglich durch die kritische Werkausgabe, ihren Weg
zurück auf die Bühnen, zum Beispiel im Kraftakt eines vierteiligen
Zyklus an der Deutschen Oper Berlin. Spannend ist das sogar bei
der leider nicht ganz überzeugenden Produktion Le prophète 2017.
Zu einer atemberaubenden Aktualisierung des Wiedertäufer-
Dramas wurde dieser allerdings 2015 durch den Regisseur Tobias
Kratzer und das Ensemble des Badischen Staatstheaters Karlsruhe.
Überwunden scheinen jene Polemiken, die um 1770 mit
Gottscheds und Schillers Kritik an der klassischen Tragödie
Frankreichs begannen, mit Richard Wagners neidischen Invektiven
ihren Höhepunkt erreichten und in den weichlichen Kritiken
der Nachkriegszeit versandeten. Ganz gewiss lag es nicht am
gewandelten Zeitgeschmack, dass nach 1914 Rossinis Wilhelm Tell,
Meyerbeers Die Hugenotten und Der Prophet von den Bühnen verschwanden.
Man wollte nach der Niederlage im Ersten Weltkrieg
und den Verträgen von Versailles einfach keine Werke aus dem
Lager des Erzfeinds auf den Spielplänen sehen. Später perfektionierte
der engstirnige Propagandablick der Nationalsozialisten
diese Ausgrenzung. Mit bekannt absurden Auswirkungen, die erst
seit Beginn des französischen Opernbooms durch deliziöse Wonneschauer
gesühnt werden.
Ein besonders markantes Opfer des deutsch-französischen
Opernkampfes ist Jacques Offenbachs Fantasio, der wie die stoffgebende
Komödie Alfred de Mussets in München spielt. Am Originalschauplatz
steht die Erstaufführung dieses elegisch-bezaubernden
Werks übrigens noch immer aus. Nach dem Deutsch-
Französischen Krieg 1870/71 war der gebürtige Kölner Offenbach
in Frankreich als deutschstämmiger Theaterleiter wirtschaftlich
erledigt – im Deutschen Reich galt er, weil nach Paris umgesiedelt,
als Abtrünniger. Die Fantasio-Uraufführung an der Opéra-
Comique konnte 1872 so nur zum Achtungserfolg werden. Dank
der kritischen Edition von Jean-Christophe Keck trieb der Münchner
Student, der Prinzessin Elisabeth von Bayern vor einer unsinnigen
Verlobung rettet, zuletzt 2017 in Paris und Genève in der
Darstellung durch die wunderbare Marianne Crebassa sein bittersüßes
Unwesen. Dieser liebenswerte Hasardeur ist pariserisch,
münchnerisch, französisch, deutsch und mit seinem Pazifismus
international. So international wie die Vielfalt noch zu entdeckender
Opern aus Frankreich. Ein unerschöpflicher Suchtfaktor für
Geist, Herz und Sinne. C’est ça!
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77

L A F R A N C E
Der Axel-Brüggemann-Kommentar
NATIONAL – INTERNATIONAL
– VÖLLIG EGAL?
Musik ist eine universelle Sprache. Richtig ist aber auch:
Sie erzählt viel über nationale Eigenheiten.
Was Deutschland und Frankreich voneinander lernen können …
ES GAB EINE ZEIT, ALS DAS
DEUTSCHE REGIETHEATER
INTERNATIONAL ALS
„GERMAN TRASH“
BEZEICHNET WURDE
Gern betonen wir die Internationalität der Musik, die Möglichkeit
des Klangs, Grenzen zu überwinden und Menschen zusammenzuführen.
All das ist im Grunde richtig. Gerade in der Dur-Moll-
Harmonik gibt es ein kollektives Verstehen, ein internationales
Verständnis über die Kategorien von schön und hässlich, leidenschaftlich
und langweilig, konventionell und mutig.
Doch das ist nur ein Teil der Wahrheit. Der andere geht so:
Natürlich gibt es nationale Besonderheiten,
regionale Kulturen und Geschmäcker
– ja, zuweilen unterscheiden sich gar die
Auffassungen darüber, welche Rolle die
klassische Musik innerhalb einer Nation
einnehmen soll, von Land zu Land.
Die Beziehungen zwischen Ländern
wie Frankreich und Deutschland sind seit
jeher komplex. Belastet durch den Gang
der Geschichte und flankiert von musikhistorischen
Mythen, die der Geschichte
ihren ureigenen Soundtrack verliehen haben. Einer der größten dieser
deutsch-französischen Mythen ist wohl die Pariser Tannhäuser-
Aufführung von 1861, in der Richard Wagners Werk hemmungslos
ausgebuht und mit Trillerpfeifen niedergelärmt wurde.
Wagner selbst hat diese Enttäuschung nie wirklich überwunden
und sie später zur nationalen Gretchenfrage stilisiert: der deutsche
Wahl-Franzose Meyerbeer oder er? Der italienische Superstar
in Paris, Rossini, oder er? Was Wagner gern verschwieg: Natürlich
profitierte er von der großen französischen Operntradition, orientierte
sich in seinen frühen Werken an der Grand Opéra, wie sie
eines seiner großen Vorbilder, Daniel-FranÇois-Esprit Auber, der
Komponist der Stummen von Portici, prägte. Und natürlich hätte
Wagner sich in jungen Jahren nichts mehr gewünscht, als in Paris
gefeiert zu werden, als anzukommen in den großen Salons des
internationalen Melting-Pots, in dem deutsche, italienische und
französische Musik miteinander in Dialog standen. Doch Wagners
Werk war zu sperrig und er begann, den „welschen Tand“ zu diskreditieren,
nahm eine nationalistische Position ein, selbst noch in
späteren Opern wie den Meistersingern. Ein Nationalismus, der im
Deutsch-Französischen Krieg ebenso wie in den beiden Weltkriegen
dazu führte, Wagner als Alibi deutscher Kulturüberlegenheit
zu stilisieren. Als Wagners Werk sich schließlich doch in Frankreich
durchsetzte, machten sich sofort Komponisten wie Claude
Debussy daran, mit Opern wie Pelléas et Melisande eine bewusst
französische Version des Tristan zu verfassen:
mehr Melodie, weniger Leiden,
mehr Intimität statt großem Orchester,
mehr impressionistisches Wasser als
moosbehafteter deutscher Wald.
Der Versuch, den sogenannten
„Erbstreit“ im 19. Jahrhundert auch in der
Musik zu verankern, scheint historisch
nachvollziehbar, ebenso wie die Konsequenz,
dass sich die beiden Länder spätestens
nach Ende des Zweiten Weltkrieges
und der neuen, intensiven deutsch-französischen Freundschaft,
wie Konrad Adenauer und Charles de Gaulle sie eingeleitet haben,
angenähert haben sollten. Wenn man aber genau hinschaut, überwiegt
in der klassischen Musik tatsächlich noch immer das Trennende.
Es reicht bereits ein Blick in die Klassik-Charts, um zu sehen,
wie unterschiedlich nationale Geschmäcker innerhalb Europas
noch heute sind. In Deutschland rangieren in diesen Tagen Cecilia
Bartoli und Sol Gabetta, Albrecht Mayer, Anne-Sophie Mutter oder
Teodor Currentzis auf den Top-Platzierungen. Keiner von ihnen
taucht in der entsprechenden Statistik in Frankreich auf, nicht einmal
Anna Netrebko oder Jonas Kaufmann, obwohl der sein neues
Arienalbum gerade der französischen Oper gewidmet hat. Sie alle
sind zunächst einmal Phänomene des deutschen Plattenmarktes.
Ein weiterer Blick, etwa auf das Programm des Radiosenders
France Musique, zeigt, dass die Stars in Frankreich ganz andere
Namen tragen. Unter ihnen Stéphane Denève, Ian Bostridge, Nel-
ZEICHNUNG: STEFAN STEITZ
78 w w w . c r e s c e n d o . d e — April – Mai 2018

son Goerner oder Roberto Alagna. Und auch das gespielte Repertoire
unterscheidet sich erheblich von den in Deutschland beliebten
„Klassikern“. In Frankreich wird sehr viel Alte Musik gehört,
auffällig auch die Liebe zu slawischen Komponisten und in der
Oper natürlich auch zu Werken von Rossini oder Janáček, dazu
französische Komponisten wie Lully, Berlioz oder Bizet. Augenfällig
auch, dass keine einzige der Goldauszeichnungen des Magazins
Diapason in den deutschen Klassik-Charts rangiert, weder die
Beethoven-Sonaten von Richard Goode noch die Troyens mit John
Nelson oder die mittelalterlichen Gesänge Parle Que Veut.
Wer glaubt, dass der deutsche und der französische Markt
sich antipodisch verhalten, der wird über den Markt in Großbritannien
staunen, auf dem alles noch einmal ganz anders geordnet
ist. Unangefochten auf Platz eins der – wohlgemerkt! – Klassik-Charts
steht hier der Star-Wars-
Soundtrack, daneben unendlich viele
Einspielungen von Ludovico Einaudi,
aber auch die Sinfonien von Michael
Tippett mit dem BBC Orchestra oder
die Bach-Sonaten mit Kristian Bezuidenhout.
Hinter dieser Auflistung verbergen
sich nicht nur individuelle nationale
Vorlieben, die auf der Hand
liegen. Klar, dass deutsche Künstler
in Deutschland, französische in
Frankreich und britische Künstler in
England die größten Erfolge feiern,
logisch auch, dass jede Nation am liebsten jene Musik hört, die zur
Geschichte des Landes gehört; Opern und Arien, die in der eigenen
Sprache gesungen werden; Musik, die einen Franzosen, Deutschen
oder Engländer seit der Schule begleitet. Aber etwas anderes
fällt ebenfalls auf, und das ist ein eher struktureller Unterschied.
Die Charts in Deutschland sind vornehmlich PR-getrieben,
kaum ein kleines Label, das es in die Top Ten schafft. Und es sind
vornehmlich sogenannte „ernsthafte“ Klassikkünstler, die von den
Labels vorgestellt und von den Hörern gehört werden. Um in die
Charts aufgenommen zu werden, müssen tatsächlich „klassische“
Titel eingespielt werden, anders als auf dem britischen Markt, auf
dem Filmmusik die Klassikverkaufszahlen der Labels in die Höhe
treibt (erstmals übrigens mit dem Titanic-Soundtrack). Außerdem
spielen hier Künstler eine größere Rolle, die in der Masse populär
sind, etwa Andrea Bocelli, über den ein Jonas-Kaufmann-Fan vielleicht
gern die Nase rümpft. Aber es geht hier nicht um ein Besser
oder Schlechter, sondern darum zu verstehen: Der britische Markt
lebt von einer breiten Masse, die nicht immer im Elfenbeinturm
der Musik sitzt, sondern gern auch an der Grenze zum Populären
tanzt – jenem Populären, das in England jenseits der etablierten
Opern- und Konzerthäuser und der Labels durch Medien wie das
Radio und das Fernsehen als Klassik definiert wird.
Und auch der Vergleich zwischen Deutschland und Frankreich
ist erhellend. Während Deutschland mit seiner einmaligen
Orchester- und Opernstruktur, die in jeder größeren Stadt einen
weitgehend erschwinglichen Live-Zugang zur Musik ermöglicht,
darauf setzt, dass die klassische Musik grundsätzlich Allgemeingut
und kein Distinktionsmerkmal sein soll, sieht die französische
Struktur anders aus: Orchester und Opernhäuser sind
hauptsächlich in großen Städten zu Hause, die Subventionen
wesentlich geringer als bei uns – die klassische Musik dadurch
immer auch ein Ort des Bürgerlichen oder zumindest ein Zeichen
von erreichter Bürgerlichkeit. Dieser Zustand sagt zunächst
ES REICHT EIN BLICK IN DIE KLASSIK-
CHARTS, UM ZU SEHEN,
WIE UNTERSCHIEDLICH
NATIONALE GESCHMÄCKER
INNERHALB EUROPAS
NOCH HEUTE SIND
etwas über das Selbstverständnis und weniger über die Qualität
aus – im Gegenteil.
Der Unterschied der Erwartungen an die klassische Musik und
ihre gesellschaftliche Rolle zeigt sich nirgends so konzentriert wie
im deutsch-französischen Fernsehsender Arte, in dem beide Länder
an der Programmgestaltung beteiligt sind. So liefert Frankreich auf
Arte Concert etwa ein Programm mit der Pianistin Beatrice Rana,
mit Antoine Tamestit, Leonidas Kavakos oder oder Daniil Trifonov,
während Deutschland Teodor Currentzis mit dem SWR, eine
Mozart-Session mit Andreas Ottensamer und Anna Prohaska oder
Andris Nelsons mit dem Gewandhausorchester beisteuert.
Es ist aber nicht allein die gegenseitige inhaltliche Bereicherung,
sondern auch der Umgang damit, wie Klassik dem jeweiligen
Publikum in Frankreich und Deutschland vermittelt wird. Während
das französische Publikum in erster
Linie sachliche Informationen erwartet,
also Geschichten über das Leben
und Werk der Komponisten, eine historische
Einordnung und eine knappe
musikalische Analyse, dazu eine weitgehend
unkritische, in Superlativen
erzählende Begleitung der Konzerte,
scheint für einen Großteil des deutschen
Publikums eher die Individualität
und Persönlichkeit der Musizierenden
im Vordergrund zu stehen, ihre
privaten Zugänge zur Musik und die
eher kritische Grundfrage nach der
gesellschaftlichen Bedeutung eines Werkes. Zwei grundverschiedene
Erzählarten von Musik. Der französische Narrativ mag vielen
Deutschen zu didaktisch wirken, zu oberlehrerhaft und unkritisch,
der deutsche vielen Franzosen zu respektlos, zu hinterfragend, zu
kritisch und experimentell.
Ein Phänomen, das übrigens auch auf den Opernbühnen der
beiden Länder zu sehen ist. Es gab eine Zeit, als das deutsche Regietheater
international als „German Trash“ bezeichnet wurde, der Versuch,
alte Stoffe in unsere Zeit zu übersetzen, sich mit dem Faktum
auseinanderzusetzen, dass Musik immer eine zweite Schöpfung
beherbergt, immer nur im Hier und Jetzt entsteht, die Frage nach
ihrer aktuellen Relevanz – all das ist in Frankreich nur selten zu
sehen. Hier ist Oper oft hauptsächlich eine repräsentative Größe,
die den Alltag verschönern und zur Einkehr einladen soll. Das mag
auch daran liegen, dass die klassische Musik in Frankreich eine
weitgehend klare Position einnimmt, mit der sie gut fährt: Sie ist
zum einen Unterhaltung und Besinnung, zum anderen Ausdruck
bürgerlicher Lebensqualität, ein Synonym für Wissen, Erkenntnis
und Geschichtsbewusstsein.
Vielleicht liegt gerade in diesen Unterschieden das eigentliche
Spannende, wenn wir über die Internationalität der Kunst sprechen.
Wir befinden uns schon lange nicht mehr im Zeitalter der Nationalismen
(auch wenn diese gerade eine Renaissance zu feiern scheinen),
haben das 19. und das 20. Jahrhundert mit all ihren nationalen
Kriegen überwunden und stehen vor dem großen Luxus, dem
anderen mit Neugier begegnen zu können. Gerade deshalb ist es
erstaunlich, wie getrennt die einzelnen nationalen Welten – besonders
in der Internationalität der Klassikszene – noch immer sind.
Und wie gering das gegenseitige Interesse daran zu sein scheint, einander
besser kennenzulernen. Dabei lohnt ein Blick auf den französischen
Markt durchaus, denn hier lassen sich schon an der Oberfläche
Musik und Musiker entdecken, die bei uns in Deutschland oft
zu Unrecht im Schatten stehen.
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79

L A F R A N C E
KATHOLIZISMUS UND
VOGELSTIMMEN
Olivier Messiaen ist zweifellos der große Charakterkopf der französischen Musik.
Wir sprachen mit seinem Schüler Michael Stegemann.
VON SINA KLEINEDLER
Olivier Messiaen und seine zweite Ehefrau, Pianistin Yvonne Loriod – Muse und wichtige Interpretin seiner Werke
Rhythmusbesessener, Vogelstimmenverehrer, unerschütterlich
Glaubender: Olivier Messiaen (1908–1992) ist
einer der schillerndsten Komponisten des 20. Jahrhunderts.
Die Mutter Dichterin, der Vater Shakespeare-Übersetzer
– da wundert es nicht, dass Messiaens Musik in besonderer
Weise mit Sprache verbunden ist. Doch auch eine ganz andere
Form von Sprache, nämlich die der Vögel, übte großen Reiz auf
den französischen Komponisten aus. Als leidenschaftlicher Ornithologe
konnte er mehrere hundert Vögel anhand ihrer Stimmen
erkennen. Die Melodien ihrer Gesänge machte er zu seinen eigenen,
indem er sie zu Musik transkribierte und in seinen „cahiers“,
seinen Notizbüchern, sammelte.
Als Lehrer war Messiaen höchst anerkannt. Zu seinen Schülern
am Pariser Conservatoire zählten Boulez, Stockhausen und Xenakis.
Auch der Musikwissenschaftler, Rundfunkautor, Schriftsteller
und Regisseur Michael Stegemann war von 1976 an Messiaens
FOTO: MALCOLM BALL
80 w w w . c r e s c e n d o . d e — April – Mai 2018

Die Gartengrasmücke lieferte Titel und musikalisches Material für Messiaens La fauvette des jardins;
Mitte: Die Kirche La Trinité in Paris, in der Messiaen 60 Jahre lang Organist war
Student. Mit gerade einmal 20 Jahren bestand
er die Aufnahmeprüfung in Paris und
kam in Messiaens Meisterklasse. Für
crescendo erinnert er sich.
Mit sieben anderen
internationalen Kompositionsstudenten,
unter anderem
George Benjamin und
Michèle Reverdy, wurde Stegemann
anderthalb Jahre lang von Messiaen
ausgebildet. „Wir hatten alle
unglaublichen Respekt vor diesem
Meister. Alles, was er sagte, haben
wir erst einmal so hingenommen.
Wenn er sagte, dass er Beethovens
späte Streichquartette nicht möge,
weil er die Musik ‚zu grau‘ findet,
dann hätte keiner gewagt zu sagen:
‚Entschuldigung, Maître, das sehe ich
anders.‘“ Während unter den acht
in unterschiedlichen Stilrichtungen
– von freier Atonalität bis zu streng
seriellen und elektronischen Werken
– komponierenden Studenten
immer wieder „die Fetzen flogen“,
stellte Messiaen bei Diskussionen
nur eine simple Frage: „Warum?“
„Er hat nie direkt eingegriffen und
gesagt ,Das gefällt mir‘ oder ,Das
würde ich anders machen‘. Er hat
immer nur gefragt: ,Warum machst
du das an der Stelle so?‘ Mit dieser
Frage, quasi einem sokratischen
Prinzip, war man gezwungen, seine
eigenen ästhetischen Entscheidungen
auf die Prüfwaage zu legen.“
Trotz aller Bekanntheit legte
Messiaen großen Wert darauf, sich keine „Stiljünger“ zu erschaffen.
Tatsächlich gibt es niemanden, der seinen Stil unmittelbar
fortgeführt hat. Was aber machte den persönlichen Stil Messiaens
aus? Rhythmus, Modi, das Nichtumkehrbare, Vogelstimmen,
Religion. Das sind die Parameter, die seinem Schüler sofort einfallen:
„Sein profunder Katholizismus hat ihn manchmal in die
Nähe von fast kitschigen Klängen geführt, im guten Sinne. Was
ihn ausmacht, sind aber nicht nur einzelne Elemente, sondern
deren Kombination. Es sind sein Klang, seine Farben. Messiaen
ist einer der meist aufgeführten Komponisten der Moderne. Das
wäre nicht der Fall, wenn man bei ihm nicht eine Art sinnlichen
Zugang finden würde, der sich einem, wenn man sich darauf einlässt,
unmittelbar öffnet.“
Ist Messiaens Musik typisch „französisch“? Stegemann bejaht
das: „Er war ein typischer Franzose, mit seiner Klangsinnlichkeit.
Bei Messiaen ist es immer der Klang, der an erster Stelle steht. Er
dachte in Klängen und Farben – als Synästhetiker hat er bei Klängen
tatsächlich Farben gesehen! Sehr französisch ist auch sein Verhältnis
zur Sprache. Schon seit dem französischen Barock ist das
prosodische Denken ein wichtiges Element: Musik ist eine Sprache.
Die Kunst, Musik zu schreiben, hat ähnliche Regeln bezüglich
Grammatik, Zeichensetzung, Längen, Kürzen und Pausen wie
die französische Literatur. Das findet man bei Lully, Rameau …
DIE VÖGEL WAREN FÜR IHN
VERMITTLER ZWISCHEN HIMMEL
UND ERDE UND IHRE MELODIEN DIE
URSPRÜNGLICHSTE MUSIK
ganz deutlich bei Ravel und vor allem Debussy – der war Messiaens
Gott, der Allerheiligste von allen. Immer, wenn ich Messiaen
höre, habe ich das Gefühl, als ob man eine verständliche Sprache
in musikalischen Klängen wahrnimmt. Sprache und Klangfarben
waren für ihn die beiden Hauptparameter, um Musik zu
inspirieren und generieren.“ In seinen Analysekursen brachte
Messiaen den Studierenden neben Werken wie Wagners Walküre,
Debussys Pelléas et Mélisande
oder Ravels Gaspard de la nuit auch
Musik von Komponisten nahe, die
außerhalb von Frankreich kaum
oder gar nicht bekannt waren. Stücke
seines Lehrers Paul Dukas etwa,
oder des in Paris geborenen Charles
Koechlin: „Diese Kurse haben uns
allen die Ohren geöffnet. Messiaen
lehrte mich ein bestimmtes Wahrnehmen
von Musik, weit jenseits
eines vordergründigen Betrachtens.
Eine Art Entdeckungsreise, die ich
durch, mit und dank ihm unternehmen
durfte.“
Auch ganz reale Reisen durfte
der junge Deutsche in Paris mit seinem
Lehrer unternehmen. Jedes
Jahr gab es einen von den Studenten
gefürchteten Pflichttermin: „Morgens
um vier mussten wir mit Messiaen
in den Bois de Boulogne, dann
hat er mit der Klasse das Erwachen
der Vögel verfolgt und kommentiert.
Wir haben es natürlich
gehasst, morgens um drei aufzustehen
und bei irgendeinem Mistwetter
in den Wald zu fahren“, gesteht
Stegemann und lacht. „Messiaen
hat sich immer geweigert, die technischen
Elemente mithilfe derer er die Vogelstimmen transkribierte,
zu erklären. Er sagte nur: ‚Das muss jeder, der das machen
möchte, für sich selbst herausfinden.‘“ Sein Interesse für Ornithologie
stand bei Messiaen in enger Verbindung mit seinem streng
katholischen Glauben. Die Vögel waren für ihn Vermittler zwischen
Himmel und Erde und ihre Melodien die ursprünglichste
Musik.
Auf die Frage, ob er den Lehrer auch an der Orgel gehört
habe, entfährt Stegemann ein begeistertes „Aber ja!“. Jeden Sonntag
gingen viele seiner Schüler in die Trinité, die Kirche, in der
Messiaen Organist war. „Ich habe in den anderthalb Jahren sicher
20 große Improvisationen von ihm erlebt. Das war unglaublich.
Ich bin und war kein gläubiger Mensch, aber da hätte man wirklich
gläubig werden können.“
Auch nach Ende seines Studiums blieb Stegemann, vor allem
durch seine journalistischen Tätigkeiten, mit Messiaen in Kontakt.
„Messiaen ist einer der ganz wenigen Komponisten, die Sie nach
zehn Sekunden erkennen. Sofort weiß man: Das ist Messiaen und
kann auch niemand anderes sein. Der höchste Grad von künstlerischer
Vollendung ist es, wenn man es schafft, eine so unverwechselbare
Personalsprache zu entwickeln. Davor habe ich staunenden
Respekt. Wenn ich Messiaens Musik höre, tauche ich in eine
völlig einzigartig Klangwelt ein.“
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81

L A F R A N C E
WOHER KOMMT
EIGENTLICH …
… die Marseillaise ?
VON STEFAN SELL
BILD: EUGENE DELACROIX / LA LIBERTE GUIDANT LE PEUPLE
Der Fall scheint klar und hat
bereits Literaturgeschichte
geschrieben. Stefan Zweig hob
ihn empor zum „Genie einer
Nacht“. Der Franzose Claude Joseph
Rouget de Lisle (1760–1836) hat Text
und Musik der Marseillaise verfasst, die
zunächst Chant de guerre pour l’armée du Rhin hieß.
Rouget weilte als Hauptmann beim „Corps royal du Génie“ in
Straßburg. Als die französische Nationalversammlung Österreich
den Krieg erklärte, traf man sich am Abend des 25. April 1792 im
Hause des Bürgermeisters Dietrich und war sich bald einig, bevor
Truppen in den Krieg ziehen, bedarf es eines patriotischen und
schmissigen Liedes. Da Rouget Geige spielte und als Dichter, Librettist
und Übersetzer wirkte, schien er geeignet, eine Hymne zu
schreiben. Noch in der gleichen Nacht soll er sich daran gemacht
und wie in einem Rausch Verse und Melodie bis zum frühen Morgen
gefunden haben. Erst zwei, drei Monate später, als mehrere
Kompanien Freiwilliger aus Marseille damit singend nach Paris
marschierten, bekam das Lied den Namen Marseillaise.
Bei der Spurensuche allerdings wird man stutzig. Rouget war
mit dem damaligen Domkapellmeister des Straßburger Münsters,
Ignaz Pleyel, befreundet. Der Geiger, Pianist und Komponist hatte
schon 1791 einen Text von Rouget unter dem Titel Hymne à la
Liberté vertont. Warum hat Rouget hier die Musik nicht selbst
geschrieben?
Pleyel stand öfter im Verdacht, der Komponist der Marseillaise
zu sein. Doch wie es scheint, war er es nicht. Pleyel wurde in den
Unwägbarkeiten der Revolution seines Amtes enthoben. Zu der
Zeit, als Rouget seinen Geniestreich ausführte, hielt Pleyel sich nicht
mehr in Straßburg auf. Er befand sich anlässlich eines musikalischen
Wettstreits im gegenseitigen Einverständnis mit seinem
Freund Haydn, dessen Schüler er lange war, in London. 1795 zog es
ihn samt Familie nach Paris, wo er nicht nur Verleger wurde, sondern
auch noch Klavierfabrikant.
Wie aber gelangte die Melodie elf Jahre vor Rougets magischer
Nacht in Giovanni Battista Viottis Tema e variazioni? Der Geiger
Guido Rimonda hat zusammen mit der Camerata Ducale vor Kurzem
eine Weltersteinspielung dieses Werkes für Violine und Orchester
vorgelegt, samt einem Faksimile des Autografen. Wirklich verblüffend
– hat etwa ein Italiener die französische
Nationalhymne geschrieben?
Einzig das Datum auf dem Faksimile
trägt eine andere Handschrift, wirkt wie
nachträglich notiert: „2 mars 1781“. Der
Titel des Werkes ist italienisch, das
Datum französisch, „mars“ statt „marzo“,
warum? Nicht, dass Viotti kein Französisch konnte, er lebte zeitweise
in Paris, reüssierte 1782 mit überragendem Erfolg bei den
Concerts spirituels und stand zwei Jahre im Dienste der Königin
Marie Antoinette.
Viotti und Pleyel waren ebenfalls gute Freunde, Pleyel wurde
später Viottis Verleger. Er war so begeistert von dem Geigenvirtuosen,
dass er ihm zwei Streichquartette widmete. Ferner verbindet
die beiden, dass ihnen die Schöpfung der berühmten Melodie nachgesagt
wird. Wenn das Datum nicht original ist, dann hat Viotti sich
wohl eher vom Aufbruch der aufrührerischen Melodie in Stimmung
bringen lassen und in dieser Schwingung das Thema erst
nach 1792 mit wunderbaren Variation versehen.
Wenn auch auch Viotti nicht infrage kommt, wie kann es sein,
dass im Dezember 1786, also sechs Jahre vor Rougets Eingebung,
Mozart sein C-Dur Klavierkonzert (KV 503) fertigstellte, worin im
ersten Satz, Allegro maestoso, unüberhörbar das Thema der Marseillaise
anklingt? Ein Jahr darauf, 1787, immer noch fünf Jahre zu früh,
ist die Melodie bereits im Oratorium Esther von Jean-Baptiste Grisons
zu hören.
Vielleicht lag die Melodie, wie so oft, einfach in der Luft, als
Rouget in dieser Nacht auf seiner Geige eine Melodie suchte und sie
sich, wer weiß woher, wie von selbst spielte, passgenau zum Text.
1830 hat Berlioz den Gesang des Rouget de Lisle für großes Orchester
und Doppelchor eingerichtet. Rouget dankte ihm in einem herzlichen
Brief und wollte Berlioz treffen.
„Ich erfuhr später“, hielt Berlioz fest, „daß Rouget de Lisle, der,
beiläufig gesagt, noch viele andere schöne Lieder, als die Marseillaise,
geschaffen hat, in seiner Mappe ein Opernbuch Othello liegen
hatte, das er mir in Vorschlag bringen wollte. Aber da meine Abreise
von Paris dem Empfangstage seines Briefes unmittelbar folgte, so
entschuldigte ich mich bei ihm und verschob den schuldigen Besuch
auf die Zeit meiner Rückkunft aus Italien. Inzwischen starb der
arme Mann. Ich habe ihn nie gesehen.“
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82 w w w . c r e s c e n d o . d e — April – Mai 2018

LEBENSART
Wendt & Kühn: Zwei starke Frauen gründeten vor über 100 Jahren einen einzigartigen Betrieb (Seite 84)
crescendo – Hier kochen die Stars: Pizza „mare & monti speciale“ mit den Singphonikern (Seite 86)
In der Manufaktur
Wendt & Kühn im Erzgebirge
entstehen in liebevoller
Handarbeit sehr individuelle
kleine Figürchen
FOTO: WENDT & KÜHN
83

L E B E N S A R T
Die Manufaktur
der Engel
Mitten im Erzgebirge versteckt sich
das Werk von Wendt & Kühn. Vor über
100 Jahren waren es zwei Frauen, die
dort mit der Fertigung ganz besonderer
Holzfiguren begannen.
VON ROLAND H. DIPPEL
An diesem Wintertag zeigt sich das sonnenüberflutete
Flöhatal im Erzgebirge von seiner
schönsten Seite. Ziel des Ausflugs ist jedoch
nicht einer der Orte mit reicher Industrievergangenheit
im Tal, sondern die Gemeinde
Grünhainichen. Dort, auf der Straße Richtung Schloss
Augustusburg, gab es keine Schwerindustrie. Anfang des 20.
Jahrhunderts schenkte eine für Volkskunst und zeitgenössische
Kulturströmungen aufgeschlossene Mittel- und Oberschicht
dort den schönen Dingen des Daseins ihre Aufmerksamkeit.
Das bescherte Grünhainichen einen Schatz mit heute weltweiter
Ausstrahlung.
Das sorgfältig in Stand gehaltene Herz des Ortes ist sofort
erkennbar, nachdem man vom eingleisigen Bahnbetrieb von Chemnitz
nach Olbernhau-Grünthal mit beträchtlicher Steigung eine
Höhe erklommen hat. In Nähe zur Kirche und zum Museum Erzgebirgische
Volkskunst befindet sich die Manufaktur Wendt & Kühn.
Seit 1915 entstehen dort hölzerne Sockelfiguren: Margeritenengel
und Blumenkinder, dazu Kunstartikel wie Christbaumschmuck,
Wanduhren und Spieldosen. Teile des Sortiments erhielten 2016
sogar bei der Kaiserfamilie Japans einen ehrenvollen Platz. Denn es
handelt sich um Handarbeit in einem Manufakturbetrieb, nicht um
industrielle Volkskunst. Die Manufaktur Wendt & Kühn vereint,
was man in dieser Verbindung nur selten findet: versachlichende
Moderne und familiäre Emotionen.
Die zum 100-jährigen Jubiläum 2015 um eine „Erlebniswelt“
erweiterte Manufaktur ist für Sammler von Argentinien bis Australien
ein ebenso wichtiger Ort wie für Bewunderer Bachs die Leipziger
Thomaskirche. Zwar gibt es im erzgebirgischen Spielzeugdorf
Seiffen eine Dependance. Aber nur aus dem Gründungsort werden
die in Seidenpapier gewickelten und in moosgrüne Kartons verpackten
Figuren an sorgfältig ausgewählte Fachverkaufsstellen versendet.
In Grünhainichen ist man dem Geist und den Ideen der
Manufaktur-Gründerinnen viel näher als in Seiffen. Und natürlich
auch dem feinen Geruch von Holz und Farben aus den lichten
Arbeits- und Lagerräumen.
„Nur wenn man etwas mit Liebe tut, kann das auch wieder
Liebe geben“, war der Wahlspruch von Margarete Wendt (1887–
1979), die nach ihrer Mitwirkung im Kunstausschuss der Bayerischen
Gewerbeschau München 1912 nach Grünhainichen zurückkehrte
und dort, getragen vom familiären Rückhalt, mit der Gestalterin
Margarete Kühn (1888–1977) die Manufaktur gründete. Beide
besuchten die erste Damenklasse der Königlichen Sächsischen
Kunstgewerbeschule Dresden, die sich als Opposition zur Repräsentationskunst
verstand, und beendeten ihre Ausbildung 1911 als
„architektonische Musterzeichnerinnen“: Studium, Firmengründung,
künstlerischer Unternehmergeist – ihre Lebenswege unterschieden
sich deutlich von denen anderer Frauen dieser Zeit, nicht
nur in ländlichen Regionen.
Bis heute sind alle Geschäftsleitungen dem Vermächtnis der
Gründerinnen verbunden: Im jährlich wechselnden Sortiment von
Wendt & Kühn finden sich nur mustergetreue Fertigungen von
deren Originalentwürfen und dezente, ganz behutsame Varianten.
Eine Erweiterung durch Designs der Popkultur wäre ein Sakrileg.
Wer sich einen kleinen Engel mit E-Gitarre oder Mikro vorstellt,
versteht, warum.
So etwas passt nicht zu dem 1923 erstmals aus der Manufaktur
schwebenden „Grünhainichener Engel“ mit den klassischen elf
Punkten auf den grünen Flügeln. Die etwa fünf Zentimeter hohen
84 w w w . c r e s c e n d o . d e — April – Mai 2018

„Nur wenn man etwas mit Liebe tut, kann das auch wieder Liebe geben“, war der Wahlspruch der Gründerinnen von Wendt & Kühn
Fotos: Wendt & Kühn
und ein ganzes Orchester bildenden Engelchen ankern vor allem als
Weihnachtsdekoration im Bewusstsein. Doch die Glücksbringer
und Freudenspender verteilen ihren Zauber eigentlich über das
ganze Jahr. Augenpaare aller Generationen leuchten bei ihrem
Anblick. In vielen Familien wäre eine Nische ohne die Figuren mit
den durch ausgebildete Fachmaler unverwechselbar gestalteten
Gesichtern nicht denkbar.
Eigentlich kennt jeder diese Engel, deren feiste Schenkelchen
der Statik und praktikabel möglichen Feinarbeit geschuldet sind.
Die „Grünhainichener Engel“ unterscheiden sich durch ein oft
unbemerktes Detail von prunkvollen Darstellungen der Sakral- und
Salonmalerei: Die kurzen Ärmel ihrer
schlichten Hemden entstammen der
Arbeits- und Alltagswelt ärmerer Schichten.
Sozialistische Hintergründe hat das
nicht, auch wenn sich Margarete Wendt in
den Jahren vor dem Mauerbau 1961 nach
intensivem Ringen entschlossen hatte,
doch in der DDR zu bleiben.
Von 1972 bis 1989 wurde aus Wendt
& Kühn der Volkseigene Betrieb Werk
und Kunst, doch in der DDR waren die Figuren schwer zu bekommen.
Der größte Teil wanderte für begehrte Devisen ins Ausland.
Die Jahre der Wiedervereinigung und danach überlebte der Betrieb
auch deshalb, weil die Lager vorsorglich mit dem wichtigen Werkstoff
Holz gefüllt waren und jeder Farbton in der Manufaktur von
Hand angemischt wird. Heute erweist sich vor allem ein Gedanke
der beiden Gründerinnen als tragfähig und wertbeständig: Beerenund
Blumenkinder, Engel und Spieldosen aus Grünhainichen verfügen
über zeitresistente „soft skills“: Gefühl und Sinnhaftigkeit
„TEILE DES SORTIMENTS
ERHIELTEN SOGAR BEI DER
KAISERFAMILIE JAPANS
EINEN EHRENVOLLEN PLATZ“
auch für bewegte Jahrzehnte. Kenn- oder Prüfzahlen, gar Statistiken
zählen hier wenig. Eine echte Katastrophe wäre allerdings das Versiegen
des Korrespondenzstroms, in dem langjährige Sammler die
Geschichte „ihrer“ Figuren mitteilen. Ein grünes Signet unter dem
Sockel ist der Beweis für die Herkunft aus dem Stammhaus. Den
originalen Entwürfen der Gründerinnen erweist man dort Respekt
und Ehre: Weniger ist mehr. Das gilt ebenso für das Abwägen, welche
Modelle in die jährlich wechselnde Kollektion aufgenommen
werden.
Wendt & Kühn ist ein gelebtes Modell gegen die Wegwerfgesellschaft.
Unter den insgesamt 195 Mitarbeitern, die 70 Maler
unter ihnen zeigen die hohe Bedeutung
der gefühlsbetonten Figurengestaltung,
gibt es sechs Vollzeitstellen für Restauration
und Reparatur. Sogar die veränderte
Oberflächenbeschaffenheit sehr alter
Figuren lässt sich nach einem detailgenauen
Kostenvoranschlag spurenlos
rekonstruieren. Beständigkeit ist also ein
sinnstiftendes Alleinstellungsmerkmal.
Noch finden an diesem Februartag nur
wenige Gäste in die Erlebniswelt Grünhainichen. Aber so wie diese
Manufaktur mit ihrer Betriebsführung gedrechselt ist, bleibt es nur
eine Frage der Zeit, wann Anhänger nicht nur an den bewusst seltenen
Schautagen um Christi Himmelfahrt oder zum ersten Advent
teilnehmen, sondern an schönen Tagen auch den Wanderweg um
den Ort erkunden. Eine gute Vorbereitung wäre das Familienbrettspiel
„Wie der Engel zu seinen elf Punkten kam“. Dieses ist nicht nur
ein Märchen aus dem Erzgebirge, sondern viel mehr: eine Werksphilosophie,
die mit Gefühl aus dem Vollen schöpft.
■
85

L E B E N S A R T
Pizza mare e
monti speciale
CRESCENDO –
HIER KOCHEN DIE STARS
„PIZZA IST BEI DEN
SINGPHONIKERN EIN SEHR
BELIEBTES PAUSENESSEN.
SIE IST AUCH IM SINNE DES
MANNSCHAFTSGEDANKENS
DAS ESSEN DER WAHL“
DIE SINGPHONIKER
FOTOS: MARIA GOETH
86 w w w . c r e s c e n d o . d e — April – Mai 2018

PIZZA MARE E MONTI SPECIALE
ZUTATEN FÜR 4 PERSONEN
Für den Teig:
450 g Mehl (tipo 0, Pizzamehl)
1 Würfel frische Hefe, ca. 250 ml warmes Wasser, 3–4 EL Olivenöl
1 TL Salz, 1 TL Oregano
Für den Belag:
200 g geräucherter Schweinebauch in dünnen Scheiben
200 g Shiitake-Pilze, 250 g Ricotta, 1 Bio-Zitrone
12 Riesengarnelen, Salz, geräuchertes Paprikapulver oder Piment d’Espelette
200 g Kirschtomaten, 3–4 Frühlingszwiebeln
Käse zum Überbacken (Mozzarella oder Pizzakäse)
Pfeffer, Oregano
1. Für den Vorteig: Mehl sieben und eine Mulde darin formen. Hefe in ein wenig warmem Wasser
auflösen, in die Mulde geben und vermengen. 15 Minuten gehen lassen.
2. Für den Teig: Restliches Wasser, Öl und Salz zugeben und zu einem geschmeidigen Teig verkneten.
Weitere 30 Minuten gehen lassen.
3. Für den Belag: Den Schweinebauch in einer Pfanne auslassen, bis er braun geworden ist. Die Pilze im
Speckfett anbraten. Den Ricotta mit etwas Abrieb von der Zitrone und etwas Zitronensaft verrühren.
Garnelen (geschält, geputzt) mit Salz und geräuchertem Paprikapulver oder Piment d’espelette würzen.
4. Teig mit der Hand oder einem Nudelholz auf einem gefetteten Backblech ausformen und mit der
Ricotta- Zitronenmasse bestreichen. Mit Pilzen, Tomaten, Frühlingszwiebeln, Garnelen und Schweinebauch
belegen und mit Salz, Pfeffer und Oregano würzen. Den Käse darüberstreuen.
5. Blech direkt auf den Boden des auf 230 °C Ober-/Unterhitze vorgeheizten Ofens schieben und
ca. 25 Minuten backen.
Das Video zum Rezept finden Sie unter: www.youtube.de/crescendomagazin
•
DIE SINGPHONIKER
VOKALENSEMBLE
Die Singphoniker gehören zu den am längsten bestehenden Volkalensembles
Europas. In seiner 34-jährigen Erfolgsgeschichte gab das Sextett weltweit über
1.300 Konzerte in 9 Ländern. Für uns kochten die Sänger Michael Mantaj und
Daniel Schreiber Pizza in der Küche von crescendo-Chefkoch und Blockflötist
Stefan Temmingh (rechts im Bild).
Die Singphoniker: „Georg Kreisler“ (Oehms Classics)
87

R E I S E & K U L T U R
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der Klassik für nur 55 EUR*:
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Kirill Gerstein, Storm Large,
Saint Louis Symphony Orchestra,
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oder per Post: Port Media GmbH, Vertrieb, Rindermarkt 6, 80331 München (bitte Code CPPAE0218 angeben)
*) Abo-Preis Inland bei Zahlung per Bankeinzug. Sollten Sie Bezahlung per Rechnung wünschen, fallen zusätzlich 5 EUR Bearbeitungsgebühr an. Versand ins Ausland gegen Gebühr. Das Abo läuft zunächst für ein Jahr und kann dann gekündigt
werden. Das Angebot ist nur in Deutschland, der Schweiz und im EU-Ausland verfügbar und nicht wiederholbar. Geschenk-CD und Prämien: solange der Vorrat reicht. Widerrufsrecht: Die Bestellung kann ich innerhalb der
folgenden zwei Wochen ohne Begründung bei Abo-Service crescendo in Textform (z. B. per Mail oder Brief) oder durch Rücksendung der Zeitschrift widerrufen. Zur Fristwahrung genügt die rechtzeitige Absendung.
Abb.: Portmedia Verlag; Strezhnev Pavel / fotolia.com
88 w w w . c r e s c e n d o . d e — April – Mai 2018

REISE & KULTUR
Themenspecial 9. Jahrgang | Frühling & Sommer 2018
KULTUR
TRIFFT NATUR
MUSIK &
WELLNESS
AUF DEM
FEUERBERG
GROSSE ALPENKULISSE
Kultursommer im Kufsteinerland
DIE GANZE STADT IST BÜHNE
Musik, Kunst und Sonne in Salzburg
NATURIDYLL & BRONZEZEIT
Lebendige Region Wendland.Elbe
NACHTS IM MUSEUM
Kunstmetropole Frankfurt und
die Rhein-Main-Region
DIE CRESCENDO-MUSIKWOCHE
Musikalische Inspirationen
im Mountain Resort Feuerberg
FOTO: FEUERBERG
Sonderveröffentlichung/Anzeigen/Präsentationen 89

R E I S E & K U L T U R
BLÜHENDE OASE
AM KAISERGEBIRGE
Im Kufsteinerland lockt die genussvolle Mischung aus Natur und Hochkultur.
Kultursommer in der Tiroler Naturlandschaft, in der Region am Kaisergebirge
Wo das Glück wohnt, entscheidet jeder selbst.
Im Kufsteinerland aber hat es sicher schon
einmal vorbeigeschaut. Es ist ein zauberhafter
Fleck Erde, der sich dort vor der Kulisse des Kaisergebirges
ausbreitet. Umrahmt von imposant aufragenden
Bergmassiven und weich eingebettet in das ewige Grün
der Wälder und die sanft geschwungenen Weidewiesen,
laden acht Dörfer und ein Städtchen ein zum Verweilen,
Entdecken und Genießen. Es kommt nicht von ungefähr,
dass sich in einer derart reichen Naturregion auch kulturell
vielfältigste Angebote angesiedelt haben.
Da sind die Tiroler Festspiele Erl, die bis heute mit
ihren starken Kontrasten faszinieren. Gummistiefel und
Abendrobe, Kuhglockengeläut und Wagnerfanfaren –
was kaum vereinbar scheint, verschmilzt hier schon seit
20 Jahren zu einer einzigartigen Mixtur. Seit Dezember
2012 begeistert nun das neue Festspielhaus mit seiner außergewöhnlichen
Architektur wie Akustik als Spielstätte.
Das ganze Jahr über finden hier hochkarätige Konzerte
statt, und auch 2018 präsentieren die Tiroler Festspiele Erl
ein reichhaltiges Programm: Gioachino Rossinis Ermione
steht neben dem Thannhäuser von Richard Wagner, als
Krönung des Festspielsommers kommt Ende Juli der Ring
des Nibelungen zur Aufführung. Eng mit dem Ort verbunden
sind auch die berühmten Passionsspiele, bei denen
über 600 Mitwirkende aus der Erler Gemeinde in eindrucksvollen
Bildern das Leben und Sterben Jesu Christi
vermitteln. Die nächsten Spiele finden 2019 statt.
DER KULTURSOMMER
glück.tage 24. bis 26. Mai 2018
+43-(0)5372-62 207 | www.glueck-tage.com
Tiroler Festspiele Erl 5. bis 29. Juli 2018
+43-(0)5373-81 000 20 | www.tiroler-festspiele.at
Academia Vocalis 9. bis 20. August 2018
+43-(0)5332-75660-0 | www.academia-vocalis.com
OperettenSommer Kufstein 3. bis 18. August 2018
Tickets +43-(0)512-561 561 | www.operettensommer.com
Passionsspiele Erl Mai bis Oktober 2019
+43-(0)5373-81 39 | www.passionsspiele.at
90 w w w . c r e s c e n d o . d e — April – Mai 2018

arcona HOTELS & RESORTS
Entdecken Sie Ihren
neuen Lieblingsort!
FOTOS: LOLIN; XIOMARA BENDER; KUFSTEINER LAND (2)
Tiroler Festspielhaus Erl
Mit der Academia Vocalis feiert in diesem Jahr eine
namhafte Bildungseinrichtung ihr bereits 30-jähriges Bestehen,
die sich als Ergänzung zur universitären Ausbildung
versteht. So werden in ihrem Rahmen internationale
Meisterkurse veranstaltet, bei denen vielversprechende
Sängerinnen und Sänger die Möglichkeit erhalten, bei
Weltstars an ihrer Stimme und Interpretation, ihrer Ausdruckskraft
und Bühnenpräsenz zu feilen. Das Besondere
daran: Das Angebot richtet sich zum einen an Sängerinnen
und Sänger aller Sparten, von der Volksmusik über
den Liedgesang bis hin zur Oper. Zum anderen können
sowohl Musiker in Ausbildung als auch bereits fest engagierte
Künstler daran teilnehmen. Einen faszinierenden
Eindruck von der intensiven Arbeit in den verschiedenen
Kursen vermitteln die Abschlusskonzerte der Meisterklassen.
Außerdem veranstaltet die Academia Vocalis in diesem
Jahr verschiedene spezielle Jubiläumskonzerte zu
„30 Jahre Academia Vocalis“.
Ein beliebtes Highlight im reichhaltigen Kulturleben
des Kufsteinerlands ist darüber hinaus der Operetten-
Sommer Kufstein, der bereits seit über zehn Jahren das
Publikum begeistert. Mit der Festung Kufstein hat er eine
wahrhaft beeindruckende Kulisse gefunden, die einen
einzigartigen Rahmen für ein berauschendes und farbenreiches
Klangerlebnis in einer Sommernacht bietet. In diesem
Jahr wird unter dem Titel Anatevka eine farbenfrohe
Inszenierung des Kult-Musicals Fiddler On The Roof auf
die Bühne gebracht. Die berührende Geschichte vereint
jiddische Folklore, melancholischen Humor und Melodien
von einnehmender Schönheit und wird von namhaften
Solisten, einem herausragenden Ballett und einem exzellenten
Orchester dargeboten.
So ist auch 2018 das Glück zu finden im Kufsteinerland,
jener Oase aus Natur und Hochkultur inmitten der
Berge, und das nicht nur an den glück.tagen.
INFORMATIONEN
Tourismusverband Kufsteinerland
Unterer Stadtplatz 11–13
6330 Kufstein
+43-(0)5372-62 207
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R E I S E & K U L T U R
EINZIGARTIGE PREZIOSEN
Salzburg ist ein Glücksfall: Es besticht mit einem einzigartigen Zusammenwirken von
Baukunst und Landschaft, und der Frühling bringt musikalische Vielfalt.
Terrassen am
Mönchsberg mit Blick auf
die Altstadt und den Dom
Die Felsenreitschule
Wenn der Schnee sich
auf die Berge zurückzieht,
allerorts Musik
erklingt und Kräuter-Palmbuschen
die Haustüren schmücken,
beginnt in Salzburg die Osterzeit.
Schon belebt auch Festspielfreude
vom 24. März bis 2. April die Stadt. Eine Überraschung
verspricht Michael Sturminger mit seiner Tosca-Inszenierung.
Anja Harteros singt die Titelpartie, und Christian
Thielemann, der künstlerische Leiter der Festspiele, steht
am Pult der Sächsischen Staatskapelle Dresden.
Den Zeitenbrüchen des Jahres 1868 widmet sich Cecilia
Bartoli als künstlerische Leiterin der Pfingstfestspiele
(18. bis 21. Mai). „Einzigartige Preziosen zu kreieren,
die man nur in Salzburg erleben kann“, formuliert sie ihr
Anliegen. Mit Isabella in L’italiana in Algeri gibt sie ihr
Rollendebüt und erweist Gioachino Rossini zum 150. Todestag
eine Hommage. 1868 war das Entstehungsjahr
von Offenbachs La Périchole, die mit Les Musiciens du
Louvre unter Marc Minkowski zur Aufführung kommt.
Zum abschließenden Festkonzert laden Cecilia Bartoli,
Rolando Villazón, Jonas Kaufmann und die Staatskapelle
Berlin. Zwei Monate darauf versammeln
sich zu den Sommerfestspielen
(20. Juli bis 30. August),
dem weltweit bedeutendsten Festival
für klassische Musik, erneut
internationale Künstler in Salzburg.
Mit den Neuinszenierungen
der Zauberflöte, Strauss’ Salome, Tschaikowskys Pique
Dame, Monteverdis L’incoronazione di Poppea sowie The Bassarids
von Hans Werner Henze erklingen Werke der
„Passion, Leidenschaft und Ekstase“. Konzertant dargeboten
werden Les pêcheurs de perles von Bizet und
Der Prozess von Gottfried von Einem, dessen Geburtstag
sich zum 100. Mal jährt und der die Festspiele „als Plattform
für die zeitgenössische Musik“ etablieren wollte.
Sein Wunsch findet Erfüllung in den Konzerten „Zeit mit
Furrer“.
„Die ganze Stadt ist Bühne!“ – Was Max Reinhardt,
der Mitbegründer der Festspiele, einst festhielt, gilt nicht
bloß für die Festspielzeit. Die barocke Altstadt, die seit
1997 auf der UNESCO-Liste des Weltkulturerbes steht,
bildet mit ihren Kirchen, Kuppeln und Arkaden das ganze
Jahr über ein großartiges Schauspiel.
FOTOS: TOURISMUS SALZBURG GMBH
INFORMATIONEN
Tourismus Salzburg
+43-(0)662-88 98 70
www.salzburg.info
www.osterfestspiele-salzburg.at
www.salzburgerfestspiele.at
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Pauschalangebote für eine Reise
nach Salzburg zu den Festspielen im
Frühjahr und Sommer enthalten
Übernachtung und Eintrittskarten.
Mehr Info dazu unter:
www.salzburg.info/pauschalen
92 w w w . c r e s c e n d o . d e — April – Mai 2018

MUSIK AUF 1.766 METERN
Vom 17. bis zum 24. Juni findet im Mountain Resort Feuerberg zum ersten Mal eine
crescendo-Musikwoche statt. Wellness- und Kulturgenuss par excellence!
Hoch über dem Ossiacher See, im Herzen Kärntens
und auf 1.766 Meter Höhe, schmiegt sich
das Mountain Resort Feuerberg in die atemberaubende
Landschaft des Aussichtsbergs Gerlitzen. Ein
idealer Ort für eine inspirierende Premiere im Juni: die
erste Musikwoche von crescendo – Deutschlands großem
Magazin für klassische Musik & Lebensart. Die leitende
crescendo-Redakteurin Dr. Maria Goeth präsentiert allabendlich
ein verblüffendes, heiteres oder nachdenk liches
Musikthema. Morgens kann im Ruheraum „Wolke 7“ auf
einer exzellenten Musikanlage noch mal einiges nachoder
durchgehört werden, was in der Musikstunde angerissen
wurde. Da wird es etwa um Dr. Goeths Leib- und
Magenthema „Musik und Humor“ gehen, also um allerlei
kunstvollen Schabernack, den sich Komponisten von
Mozart bis Wagner, von Bach bis Haydn erlaubten. Oder
um die völlig absurde platonische Liebesgeschichte zwischen
Peter Iljitsch Tschaikowsky und Nadeshda von
Meck, die sich mehr als 1.200 intime Briefe schrieben.
Und natürlich darf auch der aktuelle Blick hinter die
Kulissen des Opern- und Konzertbetriebs nicht fehlen.
Tagsüber können Sie die Natur genießen und kaiserlich
entspannen: Es stehen unter anderem 8 Innen- und
Außenpools, 11 Saunen, 15 Ruheoasen und ein Wellnesszentrum
dafür bereit.
Musik- und Wellnessgenuss im Frühsommer (03.06. – 08.07.2018):
3 Übernachtungen inkl. Verwöhnpension ab 441,– Euro pro Person.
Exklusiv für Reise&Kultur-Leser:
eine Flasche prickelnder Champagner von Mailly.
Nennen Sie bei der Reservierung das Kennwort „Reise&Kultur“.
FOTOS: ANDREAS TISCHLER
IMPRESSUM Reise & Kultur ist ein Themenspecial von CRESCENDO –
Deutschlands großem Magazin für klassische Musik & Lebensart
Verlag: Port Media GmbH, Rindermarkt 6, D-80331 München, Tel. 089 74 15 09-0
Herausgeber: Winfried Hanuschik (v. i. S. d. P.) | Redaktion: Petra Lettenmeier
Autoren: Maria Goeth, Ruth Renée Reiff, Dorothea Walchshäusl
Artdirector: Stefan Steitz | Anzeigen: Petra Lettenmeier, Heinz Mannsdorff,
www.crescendo.de/media, anzeigen@portmedia.de, Tel. +49-(0)89 74 15 09-20
Verbreitete Auflage 132.000 Expl. | Druck: Westermann, D-38104 Braunschweig
INFORMATIONEN
Mountain Resort Feuerberg
Gerlitzenstraße 87
A-9551 Bodensdorf am Ossiacher See
+43-(0)4248-28 80
kontakt@hotel-feuerberg.at
www.hotel-feuerberg.at
Sonderveröffentlichung/Anzeigen/Präsentationen 93

R E I S E & K U L T U R
2
3
4
1 ) Städel Museum Frankfurt
2) Bad Homburger Sommer 3) Jugendstiltage Darmstadt 4) Rheingauer Weinwoche Wiesbaden
1
KUNST UND KULTUR SATT
Die Frankfurter Rhein-Main-Region und ihre kulturelle Vielfalt.
Warum in die Ferne schweifen, wenn das Gute
liegt so nah? In Frankfurt zum Beispiel, jenem
pochenden Kunstzentrum im Herzen von
Deutschland. Verschiedenste Museen liegen hier fußläufig
voneinander entfernt und bieten ein reiches Angebot
quer durch alle Epochen, von der antiken Statue bis zum
Designermöbel.
Ein besonderes Highlight ist Anfang Mai die Nacht
der Museen am Frankfurter Museumsufer. 40 Kunst- und
Kulturinstitutionen öffnen bis zwei Uhr früh ihre Tore,
begleitet von Musik, Performances und Partys. Ob nachts
oder tagsüber: Ein Besuch der vielfältigen Ausstellungen
lohnt zu jeder Zeit. Da ist die außergewöhnliche Jil- Sander-
Ausstellung „Präsens“ im Museum Angewandte Kunst,
die noch bis zum 6. Mai zu erleben ist, oder die Ausstellung
„Die Kraft der Verwandlung“ im Städel Museum
(8. Februar bis 21. Mai), die sich dem Werk von Rubens
widmet. Im Filmmuseum steht bei einer Sonderausstellung
Stanley Kubrick im Zentrum, schließlich wird sein
epochaler Film „2001. A Space Odyssey“ 2018 50 Jahre
alt. Fotografie-Fans kommen derweil bei der „Internationalen
Fotografie-Triennale RAY“ (24. Mai bis 9. September)
mit ihrem internationalen Festivalprogramm auf ihre
Kosten. Ganz neue Dimensionen erschließen sich dem
Frankfurt-Besucher ab Ende September: Dann wird die
neue Frankfurter Altstadt mit einem großen Eröffnungswochenende
eingeweiht, und das Historische Museum
Frankfurt trumpft mit seinem Neubau und der komplett
überarbeiteten Dauerausstellung auf.
Auch um Frankfurt herum faszinieren verschiedene
Kulturstädte mit einem lebendigen Programm. Da ist
Wiesbaden, die grüne Stadt im Herzen des Rhein-Main-
Gebiets. Von den Internationalen Maifestspielen, einem
echten Höhepunkt im Theaterkalender, über die Rheingauer
Weinwoche bis hin zum zauberhaften Sternschnuppen
Markt sind hier das ganze Jahr über facettenreiche
Veranstaltungen geboten.
Südlich von Frankfurt am Main vereint die Europastadt
Darmstadt weltoffen Geist und Forschung, Kunstsinn
und Innovationskraft. Im Juni findet hier eine Festwoche
rund um Europa statt, ein weiteres Highlight ist
zudem die Ausstellung „Lumières d’Afriques“ mit zeitgenössischen
Kunstwerken aus jedem der 54 Länder Afrikas.
Geschichtsträchtig und modern zugleich empfängt
auch Bad Homburg mit einer Vielfalt an kulturellen Veranstaltungen
seine Gäste. Im Juni verführt das Poesieund
Literaturfestival mit feiner Muse, im Sommer gibt es
hier drei prall gefüllte Wochen lang eintrittsfrei Kunst
und Kultur unter freiem Himmel, im September sorgt das
Orgelfestival Fugato für Furore.
FOTOS: STAEDELMUSEUM; NINA GERLACH; DARMSTADT MARKETING / RUEDIGER DUNKER; WIESBADEN MARKETING GMBH / ANNIKA LIST
FOTO: ANJA JAHN
INFORMATIONEN
Frankfurt Tourismus
www.kultur-frankfurt.de
www.frankfurt-tourismus.de/
pauschalen
www.museumsufer-frankfurt.de
Darmstadt
www.darmstadt-tourismus.de
www.mathildenhoehe.eu
Wiesbaden
www.wiesbaden.de/tourismus
Bad Homburg
www.bad-homburg.de
www.bad-homburger-sommer.de
94 w w w . c r e s c e n d o . d e — April – Mai 2018

GELEBTE KREATIVITÄT
Die Urlaubsregion Wendland.Elbe zeichnet sich durch abwechslungsreiche Landschaften,
bauhistorische Sehenswürdigkeiten und künstlerische Lebendigkeit aus.
2 4
1 3 5
1) Jede Wiese eine Leinwand 2) Schäfer in der Nemitzer Heide 3) Elbtalaue bei Dömitz
4) Das Rundlingsdorf Lübeln 5) Sommerliche Musiktage in Hitzacker
Urige Fachwerkhäuser schimmern rötlich im Sonnenlicht.
Jedes hat eine Geschichte zu erzählen,
die weit zurückreicht. Bereits zur Bronzezeit siedelten
in Hitzacker (Elbe) die ersten Menschen. Aber die
Insel-Altstadt des Fachwerkstädtchens hat auch eine lebendige
Gegenwart. Alljährlich im Frühjahr lädt der bekannte
Oboist Albrecht Mayer zur Musikwoche Hitzacker. Und
auch im Sommer versammeln sich seit über 70 Jahren in
und um Hitzacker renommierte Interpreten der klassischen
Musik für das älteste Kammermusikfestival Deutschlands
– die Sommerlichen Musiktage.
Hitzacker liegt inmitten der Urlaubsregion Wendland.Elbe
mit ihren traumhaften Naturlandschaften und
wild wachsenden Mischwäldern, die zu Wanderungen,
Radtouren und Floßfahrten einladen. Pferdeliebhaber
können zum Beispiel die Farbenpracht der Nemitzer Heide
und ihre seltenen Vogelarten hoch zu Ross oder mit
einer Kutschfahrt erkunden. Oder wie wäre es mit einer
Eselwanderung? Ein besonderes Naturidyll sind die
Elbtal auen. Morgens kurz vor Sonnenaufgang hört man im
Auwald den Zaunkönig rufen. Störche schreiten im Sommer
durch die von Obstbaumalleen gesäumten Wiesen
und im Herbst trompeten die Kraniche – Vögel des Glücks.
Im Dreieck zwischen Hitzacker, Clenze und Schnackenburg
erstreckt sich die einzigartige Kulturlandschaft
des Wendlands mit den Rundlingsdörfern. Bei dieser historischen
Siedlungsform, über deren Entstehung eines der
13 Museen der Region Auskunft gibt, sind die Häuser
kreisförmig um einen baumbestandenen Dorfplatz angeordnet.
Heute leben und arbeiten viele Künstler und
Kunsthandwerker in den Fachwerkhäusern. Sie erfüllen
die Dörfer mit ihrer Kreativität und erwecken sie zu neuem
Leben. Besuchern öffnen sie gern ihre Ateliers und
Werkstätten, um ihre Arbeiten zu zeigen. Schnackenburg,
die einstige Zollstelle zwischen Brandenburg und dem
Königreich Hannover, lockt im Spätsommer mit Schubertiaden.
An vier Abenden finden in der spätromanischen
Backsteinkirche St. Nicolai Kammerkonzerte statt.
FOTOS: NEMITZER HEIDE TOURISTIK; HEIKO DYBSKI; MARKETINGBÜRO WENDLAND.ELBE;
T. JANSSEN; DIETER DAMSCHEN; SKYIMAGE
INFORMATIONEN
Wendland.Elbe
info@wendland-elbe.de
www.wendland-elbe.de
Gästeinformation Dannenberg (Elbe)
Am Markt 5, 29451 Dannenberg (Elbe) | +49-(0)5861-808 545 | gaesteinfo@dannenberg.de
Touristinformation im Rathaus Gartow
Springstr. 14, 29471 Gartow | +49-(0)5846-333 | touristinfo@gartow.de
Kur- und Touristinformation Hitzacker (Elbe)
Am Markt 7, 29456 Hitzacker (Elbe) | +49-(0)5862-969 70 | touristinfo@hitzacker.de
i.wend Gästeinformation im Wendland
Amtshof 2a, 29439 Lüchow (Wendland) | +49-(0)5841-12 64 50 | info@region-wendland.de
Sonderveröffentlichung/Anzeigen/Präsentationen 95

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John Axelrods Weinkolumne
WAGNERS HEILIGER GRAL
Französischer Wein inspirierte Wagner, inspirierte Debussy.
Über den Tropfen, unter dessen Einfluss der Parsifal entstand.
ZEICHNUNG: STEFAN STEITZ
Manche Komponisten waren echte Weinliebhaber.
Ravel verehrte erlesene Tröpfchen,
die sein Dandytum unterstrichen.
Beethoven soll drei Flaschen Frankenwein
täglich konsumiert haben. Pierre Boulez
andererseits war strikt gegen Alkohol. Und
wieder andere nutzten Wein zur Inspiration,
so etwa Richard Wagner. Einen davon liebte
er sogar so sehr, dass er sich 100 Flaschen
davon in sein Haus in Bayreuth liefern ließ.
Diesen Saint-Péray, einen brillanten Weißwein,
den es in einer sprudelnden und einer
stillen Variante gibt, trank er, als er seinen
Parsifal komponierte. Dieser „Heilige Gral
unter den Opern“ inspirierte wiederum
Debussy – den wir ja in dieser Ausgabe
zu seinem 100. Todestag würdigen – zu
seiner Oper Pelléas et Mélisande.
Debussy schrieb über Parsifal,
dass er einen der schönsten Momente
der Musikgeschichte beinhalte, unvergleichlich,
verblüffend, brillant und
stark. Et voilà! So inspirierte ein
französischer Wein einen deutschen
Komponisten, der wiederum
die französische Musik inspirierte.
Das gibt der Redewendung
„à la française“ gleich eine ganz
andere Bedeutung – quasi mit teutonischer
Wendung.
Nur allzu verständlich, dass
der Wein aus Saint-Péray die Welt
der Künstler, der Schönen und
der Reichen in Europa eroberte,
obwohl er nach der Französischen
Revolution einen sekularen Namen
annahm: Eine Zeit lang war er schlicht als
„Péray-Weißwein“ bekannt – ganz ohne
religiöse Heiligsprechung. Lamartine,
Daudet, Maupassant und Baudelaire
erwähnen alle den Wein in ihren Schriften.
Sogar Papst Pius VII. lobte ihn.
Der Weißwein hat einen robusten,
dicken, buttrigen Geschmack nach Mandel,
Honig und sämigen Früchten wie Pfirsich
oder Aprikose. Dieser und die sprudelnde
Variante werden aus der Marsenne- und
Rousanne-Traube gekeltert, die in kühlerem,
feuchterem Klima gedeiht und sich für
tiefgründige Weiß- und Perlweine im Burgunderstil
eignet. Die Trauben werden
gepresst. Fermentiert werden sie bei
kalten Temperaturen in Bottichen und
Eichenfässern. Die besten Produzenten
dieses Weins wie Yves Cuilleron und
Alain Voge sind für ihre speziell limitierten
Editionen bekannt, aber der
von Michel Chapoutier ist vielleicht
der beste, erschwinglichste und am
leichtesten zu beschaffende unter
ihnen. Zusammen mit der französischen
Starköchin Anne-Sophie
Pic hat die Chapoutier-Familie ein
hervorragendes und bezahlbares
Beispiel für einen Marsenne Saint-
Péray herausgebracht.
Und für den Besten der Besten
sollten Sie den „Fleur du Crussol“
von Alain Voge probieren –
mit besten Parker-Punkten bewertet
und Musterbeispiel für einen Wein aus
dieser Region.
Innovation und Inspiration waren im
Spiel, als Louis-Alexandre Faure, ein Winzer
der Region, angeregt von den Methoden,
die es in der Champagne gab, seinen
ersten sprudelnden Saint-Péray produzierte.
Im 20. Jahrhundert sollte der Wein
WAGNER LIESS SICH
100 FLASCHEN
DIESES WEINS
IN SEIN BAYREUTHER
HAUS LIEFERN
große öffentliche Anerkennung genießen:
Am 8. Dezember 1936 erlangte der Saint-
Péray als einer von nur neun Weinen AOC-
Status, also das Gütesiegel „Appellation
d’Origine Contrôlée“. Leider hat dieser
Wein heute seinen Glamour-Faktor verloren
und wird außerhalb von Frankreich
kaum noch vertrieben, während seine stille
Variante ein Favorit unter Sammlern, Kennern
und natürlich auch unter Komponisten
und Dirigenten geblieben ist. Und
Wagner – wie indirekt später dann auch
Debussy – hatte also das Glück, seinen persönlichen
Heiligen Gral unter den Weinen
gehabt zu haben. Warten Sie nicht weiter
auf Ihre Inspiration – Ihre Muse „à la française“
ist schon bereit … ■
John Axelrod ist Generalmusikdirektor und Geschäftsführer des Real Orquesta Sinfónica de Sevilla und erster Gastdirigent des Orchestra Sinfonica di Milano „Giuseppe Verdi“. Nebenbei schreibt er
Bücher und sorgt sich um das Wohl des crescendo-Lesergaumens. Außerdem schreibt er einen englischsprachigen Blog zum Thema Wein und Musik: www.IamBacchus.com.
Infos zum Marsenne Saint-Péray von Anne-Sophie Pic und Michel Chapoutier finden Sie hier: www.pic-chapoutier.com/saint-peray-white-wine. Infos zum „Fleur du Crussol“ von Alain Voge hier:
www.alain-voge.com/fr/saint-peray/fleur-de-crussol
97

H O P E T R I F F T
Daniel-Hope-Kolumne
MAN DARF SEIN PUBLIKUM
FORDERN!
Daniel Hope im Gespräch mit Silke Zimmermann,
der künstlerischen Leiterin des Kulturprogramms im Hotel Schloss Elmau.
Silke Zimmermann mit Daniel Hope
Daniel Hope: Silke, seit Jahren hältst du auf
Schloss Elmau in der Nähe von Garmisch-
Partenkirchen das Musikprogramm lebendig.
Dabei hast du vor allem auch verschiedene
Genres auf einmalige Weise zusammengebracht:
Klassik, Jazz und Weltmusik.
Was ist dabei das Besondere für dich?
Silke Zimmermann: Dass es keine Grenze
gibt. Die Grenze ist eigentlich nur die Größe
der Bühne. Sonst herrscht ein Geist von völliger
Offenheit. Ich habe die Freiheit, einfach
gute Musiker einzuladen – egal aus welchem
Genre!
Hast du dich mit solchen Genre-Kombinationen
auch schon beschäftigt, bevor du
nach Elmau kamst, oder war das neu?
So viel Freiheit, wie hier herrscht, trauen sich
wenige Veranstalter. Viele schauen auf die
Vermarktbarkeit des Repertoires und limitieren
sich damit selbst. Ich habe gemerkt,
dass man sein Publikum sehr wohl fordern
darf. Die Gäste sind meist viel intelligenter,
als wir denken. Deshalb sage ich: Man muss
etwas wagen, Dinge mischen! Vieles gehört
traditionell ja auch zusammen und war früher
gar nicht so scharf getrennt.
Am Anfang gab es – etwa bei Konzertabenden
mit Maria João und anderen – aber
doch kleine Skandale oder zumindest
starke Reaktionen von Zuschauern, die seit
Jahrzehnten hierherkommen und die das
nicht ertragen wollten.
Damit muss ich mich schon manchmal konfrontieren.
Aber gerade dadurch gibt es
manchmal die unglaublichsten Erlebnisse:
Gerade weil die Besucher hier ja Hotelgäste
– und eben nicht alle Musikgäste – sind. Es
gibt Gäste, die geraten sozusagen zufällig in
ein Konzert, haben hinterher Tränen in den
Augen, klopfen ihrer Frau auf die Schulter
und sagen: „Wir müssen wieder viel mehr
Musik hören, das ist ja der Wahnsinn!“ Diese
Menschen kommen also unfreiwillig mit
etwas in Berührung, mit dem ich sie konfrontiere,
und finden es ganz toll.
Allerdings war das anfangs hier schon ein
fast rein klassisch geprägtes Haus. Sicher war
da immer wieder jemand beleidigt, aber das
hat sich in zwischen ganz gut halbe/halbe
ausbalanciert: Die einen kommen für das
eine, die anderen für das andere …
Was ist dein persönliches Highlight der
letzten Jahre?
Das klingt jetzt ein bisschen nach einer
Phrase: Aber das Tollste sind tatsächlich die
Begegnungen. Wenn man hier zum Beispiel
ein renommiertes Streichquartett zu Gast
hat, und in der zweiten Reihe sitzt ein britischer
Starautor, der zufällig – oder besser
natürlich nicht zufällig – seine Ferien hier
verbringt, und dann zu erleben, dass diese
Menschen sich begegnen, obwohl gerade wir
Deutschen sie ja immer sehr gerne „einkasteln“,
also Menschen in bestimmte Schubladen
stecken. Oder im nächsten Jahr einen
großen englischen Sänger hier zu begrüßen,
der zufällig in das Konzert eines der größten
Jazzpianisten geht, woraufhin der Jazzpianist
sagt: „Hey, es wäre eigentlich toll, eine Kantate
für dich zu schreiben! Deine Stimme ist
ein Traum!“ Das erlebt man nicht so oft, aber
hier ist es möglich. Auch weil es hier so intim
zugeht.
Nun geht ein Kapitel zu Ende. Du wirst
Elmau verlassen. Was sind deine Pläne?
Meine Pläne sind zunächst einmal privater
Natur: Ich muss mich um meine Eltern kümmern,
die leider nicht mehr so jung sind wie
wir. Und anschließend heißt es – wie man im
Englischen so schön sagt –, the sky is the
limit, also: Nach oben ist alles offen! Tatsächlich
ist es sehr schwer, nach Elmau etwas
Neues zu machen, weil man hier schon so
viele wunderbare Dinge getan hat. Aber ich
bin sicher, dass uns die Musikbranche wieder
verbinden wird. Das ist das Schöne an
der Musik, sie ist global!
n
ZEICHNUNG: STEFAN STEITZ
FOTO: DANIEL HOPE, PRIVAT
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