CRESCENDO 4/19 Juni-August 2019
CRESCENDO – das Magazin für klassische Musik und Lebensart. Interviews unter anderem mit Gidon Kremer, Augustin Hadelich, Benjamin Schmid und Maurice Steger.
CRESCENDO – das Magazin für klassische Musik und Lebensart.
Interviews unter anderem mit Gidon Kremer, Augustin Hadelich, Benjamin Schmid und Maurice Steger.
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20 JAHRE<br />
AUSGABE 04/20<strong>19</strong><br />
JUNI – JULI – AUGUST 20<strong>19</strong><br />
WWW.<strong>CRESCENDO</strong>.DE 7,90 EURO (D/A)<br />
mit CD im Heft<br />
SCHWERPUNKT<br />
Vom Kuss der Musen:<br />
Mode und Musik<br />
GIDON KREMER<br />
Hommage des großen Geigers<br />
an den Komponisten Weinberg<br />
REBECCA SAUNDERS<br />
VALERY TSCHEPLANOWA<br />
MAURICE STEGER<br />
VALENTINA LISITSA<br />
Benjamin<br />
Schmid<br />
Genialer Grenzgänger<br />
zwischen Klassik und Jazz<br />
B47837 Jahrgang 22 / 04_20<strong>19</strong><br />
Mit Beihefter CLASS: aktuell
MET<br />
OPERA<br />
LIVE IM KINO<br />
20<strong>19</strong>/2020<br />
12. Oktober<br />
TURANDOT<br />
Giacomo Puccini<br />
26. Oktober<br />
MANON<br />
Jules Massenet<br />
09. November<br />
MADAMA BUTTERFLY<br />
Giacomo Puccini<br />
23. November<br />
AKHNATEN<br />
Philip Glass<br />
11. Januar<br />
WOZZECK<br />
Alban Berg<br />
01. Februar<br />
The Gershwins’<br />
PORGY AND BESS<br />
29. Februar<br />
AGRIPPINA<br />
Georg Friedrich Händel<br />
14. März<br />
DER FLIEGENDE<br />
HOLLÄNDER<br />
Richard Wagner<br />
11. April<br />
TOSCA<br />
Giacomo Puccini<br />
09. Mai<br />
MARIA STUARDA<br />
Gaetano Donizetti<br />
Photo: Richard Hubert Smith / English National Opera<br />
Änderungen vorbehalten<br />
C L A S S I C<br />
www.metimkino.de /METimKino /METimKino
P R O L O G<br />
SERVUS HABIBI*<br />
Liebe Lesende,<br />
oder hätte ich schreiben sollen: „Liebe Leser*Innen“? „Liebe Leser/Innen“? Bereits im<br />
letzten Editorial fragte ich Sie ja, ob wir in Zukunft sprachlich beide Geschlechter<br />
kennzeichnen sollen. Die Reaktionen waren teilweise durchaus emotional und reichten<br />
von „unbedingt!“ bis „auf keinen Fall!“ (s. S. 44). Den meisten Antwortenden ist die<br />
angenehme Lesbarkeit von Texten jedoch viel wichtiger als Genderneutralität.<br />
WINFRIED HANUSCHIK<br />
Herausgeber<br />
Tatsächlich aber fällt auf, wie willkürlich die deutsche Sprache mit dem Genus umgeht:<br />
DIE Frau, DER Mann, DAS Kind. So weit, so klar. Aber warum DER Mond und DIE<br />
Sonne? Was macht den Mond männlicher als die Sonne? DAS Auto, aber DIE Maschine?<br />
Nach patriarchalischem Rollenverständnis müsste es doch DER Auto und DER Maschine<br />
heißen! Auch im Ethymologischen Wörterbuch „Kluge“ fand ich keine Erklärung, die auf<br />
Diskriminierung hinweisen würde. Deshalb bleiben wir bei der gewohnten Schreibweise<br />
mit dem Hinweis: „Aus Gründen der leichteren Lesbarkeit wird in <strong>CRESCENDO</strong> die<br />
gewohnte männliche Sprachform bei personenbezogenen Substantiven und Pronomen<br />
verwendet. Dies impliziert keine Benachteiligung des weiblichen Geschlechts, sondern<br />
soll im Sinne der sprachlichen Vereinfachung als geschlechtsneutral zu verstehen sein.“<br />
Reale Diskriminierung passiert täglich – auch in Kunst und Kultur. Das dürfen wir nicht<br />
tolerieren. Im wöchentlichen Newsletter BRÜGGEMANNS KLASSIK-WOCHE<br />
machte unser Kolumnist in den letzten Wochen auf solche Missstände aufmerksam.<br />
Bilden Sie sich selbst eine Meinung: unter <strong>CRESCENDO</strong>.DE/KLASSIKWOCHE.<br />
Unser Titelbild<br />
Wenn Künstler fotografiert werden, geschieht<br />
das meist im natürlichen Umfeld des Konzertsaals<br />
oder in artifiziellen Inszenierungen. Mal<br />
ganz anders: Benjamin Schmid, den Sandro<br />
Kumric vor einer Bergkulisse aufgenommen<br />
hat. Das wirkt fast schon privat. Und gut. Mehr<br />
Bilder des spannenden Fotografen:<br />
www.artaussee.wordpress.com<br />
Das Gegenteil von Ausgrenzung ist Teilhabe – Thema in der von <strong>CRESCENDO</strong> präsentierten<br />
„Kultur-Lounge“ auf Deutschlands größter 50plus-Messe. In der Podiumsdiskussion<br />
ging es darum, wie man „digital“, aber auch „real“ Gleichgesinnte kennenlernen<br />
kann. Ich erzählte von <strong>CRESCENDO</strong> LIVE, unseren Veranstaltungen, zu denen Leser<br />
unbesorgt allein kommen können. Denn dort ergeben sich viele interessante Gespräche<br />
und Bekanntschaften ganz selbstverständlich. Neugierig? Der nächste After-Work-Apéro<br />
mit Vernissage der Künstlerin FRIEDERIKE HOELLERER findet am 11. Juli in der<br />
Redaktion am Münchner Marienplatz statt (s. S. 73). Sind Sie dabei? Der Eintritt ist frei.<br />
Der Schwerpunkt dieser Ausgabe dreht sich um „Musik & Mode“. Wir trafen den<br />
Modeschöpfer CHRISTIAN LACROIX und zeigen Ihnen sensationelle Kostüme, die er<br />
für diverse Inszenierungen entworfen hat. Aber wussten Sie, dass Coco Chanel ebenfalls<br />
als Kostümbildnerin gearbeitet hat – und eine Affäre mit Strawinsky hatte? Und ist Ihnen<br />
schon einmal aufgefallen, wie sehr auch die klassische Musik Moden unterliegt?<br />
Exklusiv für Käufer und Abonnenten:<br />
die <strong>CRESCENDO</strong> Premium-CD<br />
Viel Inhalt in besonders hochwertiger Ausstattung finden<br />
Sie in dieser Premium- Ausgabe: Reportagen, Porträts,<br />
Interviews, Aspekte und Hintergrundwissen aus der Welt<br />
der Klassik. Außerdem für alle Käufer und Abonnenten<br />
der Premium-Ausgabe:<br />
sechs Mal pro Jahr die <strong>CRESCENDO</strong> CD,<br />
ein exklusives Album mit Werken einiger in der<br />
aktuellen Ausgabe vorgestellter Künstler.<br />
In diesem Heft: die 78. CD der<br />
<strong>CRESCENDO</strong> Premium-Edition.<br />
Fehlt die CD? Dann rufen Sie uns an: 089/85 85 35 48.<br />
Ein wichtiger Motor der Moderne mit einer langen Liste von Uraufführungen und<br />
Auftragskompositionen ist der Ernst von Siemens Musikpreis. Wir freuen uns sehr, Ihnen<br />
REBECCA SAUNDERS vorzustellen, die im <strong>Juni</strong> den mit 250.000 Euro dotierten Preis<br />
erhält. Außerdem erzählt uns GIDON KREMER (exklusiv) über Weinberg. Wir trafen<br />
die Geigerin Fabiola Kim, den Flötisten Maurice Steger, die Sopranistin Nuria Rial, den<br />
Geiger <strong>August</strong>in Hadelich und die Pianistin Valentina Lisitsa. Und als Sahnehäubchen,<br />
passend zum Kaffee mit ihr in Berlin: VALERY TSCHEPLANOWA, die neue Buhlschaft<br />
in Salzburg. PAULA BOSCH stellt Ihnen toskanische Icon-Weine vor, RAGNA<br />
SCHIRMER hat für uns gekocht, und BENJAMIN SCHMID zeigt uns sein Salzburg.<br />
Und nun wünschen wir Ihnen einen inspirierenden Festspiel-Sommer. Bis zur nächsten<br />
Ausgabe, die Mitte September erscheint, bleiben Sie mit <strong>CRESCENDO</strong>.DE, der<br />
<strong>CRESCENDO</strong> Klassikwoche und auf <strong>CRESCENDO</strong> Facebook auf dem Laufenden.<br />
In diesem Sinne: Servus Habibi*,<br />
Ihr Winfried Hanuschik<br />
* ... ist ein großartiges Stück aus dem aktuellen Album von „Quadro Nuevo“, das bayerische und<br />
arabische Volksmusik sehr geschmeidig verbindet. „Habibi“ ist arabisch und bedeutet „Liebling“.<br />
Hören Sie selbst: www.br-klassik.de/concert/ausstrahlung-1759826.html (ab 42:30)<br />
w w w . c r e s c e n d o . d e — <strong>Juni</strong> – Juli –<strong>August</strong> 20<strong>19</strong> 3
P R O G R A M M<br />
06<br />
BLICKFANG<br />
Der Fotograf Roland Steitz<br />
packt mit seiner Kamera<br />
große Bilder in kleine<br />
Welten. Alles eine<br />
Frage der Perspektive!<br />
20<br />
MAURICE STEGER<br />
Der Flötist ist dem Klang<br />
seines Instruments<br />
bedingungslos verfallen.<br />
Und widersetzt sich dem<br />
Paganini-Etikett<br />
38<br />
FRANZISKA HÖLSCHER<br />
Da steckt Feuer drin: Die<br />
Geigerin legt mit<br />
Leidenschaft und Verve<br />
warme Glut in die Musik<br />
STANDARDS<br />
KÜNSTLER<br />
HÖREN & SEHEN<br />
Der neue<br />
Newsletter von<br />
<strong>CRESCENDO</strong>:<br />
Jeden Montag<br />
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mit dem Sie jede Woche<br />
über die aktuellen<br />
Themen informiert sind.<br />
03 PROLOG<br />
Der Herausgeber stellt<br />
die Ausgabe vor<br />
06 BLICKFANG<br />
„Das Auge hört mit“:<br />
Panoramabild<br />
vom Münchner<br />
Prinzregententheater<br />
08 OUVERTÜRE<br />
Klassik in Zahlen<br />
Was hört ...<br />
Cédric Tiberghien?<br />
Ein Anruf bei ...<br />
Jan Meier, Leiter der<br />
Kostüm- und<br />
Maskenabteilung<br />
Salzburger Festspiele<br />
39 IMPRESSUM<br />
42 KOMMENTAR<br />
Hinschauen unbedingt<br />
erforderlich: #MeToo-<br />
Skandale in der Klassik<br />
44 RÄTSEL &<br />
REAKTIONEN<br />
82 HOPE TRIFFT …<br />
Rob Gibson, Executive und<br />
Artistic Director des<br />
Savannah Music Festivals<br />
12 EIN KAFFEE MIT …<br />
Valery Tscheplanowa<br />
14 GIDON KREMER<br />
widmet sein neues Album<br />
dem Komponisten<br />
Mieczysław Weinberg<br />
zu dessen 100. Geburtstag<br />
18 AUGUSTIN<br />
HADELICH<br />
Eine ungewöhnliche<br />
Geschichte<br />
20 MAURICE STEGER<br />
Die vielen Facetten des<br />
Paganini der Flöte<br />
22 FABIOLA KIM<br />
ist verrückt nach Bartók<br />
– und auf dem<br />
Weg nach ganz oben<br />
24 NURIA RIAL<br />
„Das Leben hat<br />
mir alles geschenkt“<br />
26 REBECCA<br />
SAUNDERS<br />
erhält als erste<br />
Komponistin den<br />
Siemens Musikpreis<br />
28 VALENTINA LISITSA<br />
Der YouTube-Klassikstar<br />
legt eine Tschaikowsky-<br />
Gesamteinspielung vor<br />
31 DIE WICHTIGSTEN<br />
EMPFEHLUNGEN DER<br />
REDAKTION<br />
33 DOROTHEE<br />
OBERLINGER<br />
Die Blockflötistin ergründet<br />
die Facetten der Nacht<br />
34 WIENER<br />
STAATSOPER<br />
150 Jahre Haus am Ring:<br />
Elf DVDs erinnern an<br />
unvergessene Opernabende<br />
36 UNERHÖRTES &<br />
NEU ENTDECKTES<br />
Vergessene Meister,<br />
legendäre Vorbilder und<br />
unübertroffene Giganten<br />
40 JULIAN PRÉGARDIEN<br />
Der Meister der Modulation<br />
singt mit berührender<br />
Schönheit Schumanns<br />
„Dichterliebe“<br />
FOTOS: ROLAND STEITZ; MARCO-BORGGREVE; IRENE ZANDEL<br />
4 w w w . c r e s c e n d o . d e — <strong>Juni</strong> – Juli – <strong>August</strong> 20<strong>19</strong>
NEUHEITEN<br />
Händel<br />
Concerti<br />
grossi op. 3<br />
Berliner<br />
Barocksolisten,<br />
Reinhard Goebel<br />
HC<strong>19</strong>031<br />
Bach´s Family<br />
Choral Motets<br />
Kammerchor<br />
Stuttgart,<br />
Frieder Bernius<br />
HC18014<br />
FOTOS: ANDREJ GRILC; WOLFGANG RUNKEL; LIENBACHER<br />
55<br />
TIROLER<br />
FESTSPIELE ERL<br />
Jazz, Klassik & Improvisation:<br />
Das SIGNUM saxophone<br />
quartet ist eines der vielen<br />
Highlights des Festivals<br />
ERLEBEN<br />
45 DIE WICHTIGSTEN<br />
TERMINE UND<br />
VERANSTALTUNGEN<br />
52 SACHSEN<br />
Eine spannende Reise<br />
durch die Heimat der Musik<br />
54 SOLI DEO GLORIA<br />
Das Braunschweig Festival<br />
legt den Fokus auf Haydn<br />
55 TIROLER<br />
FESTSPIELE ERL<br />
Ein Bekenntnis zur Musik<br />
der Gegenwart<br />
56 NADIA SINGER &<br />
LUTZ GÖRNER<br />
Klavier plus Lesung: mit<br />
Berlioz durch Deutschland<br />
57 IAN HOLENDER<br />
„Rettet die Stadttheater!“<br />
58 THEATERSOMMER<br />
BAD LAUCHSTÄDT<br />
Goethes Opernambitionen<br />
EXKLUSIV<br />
FÜR ABONNENTEN<br />
Hören Sie die Musik zu<br />
unseren Texten auf der<br />
<strong>CRESCENDO</strong> Abo-CD –<br />
exklusiv für Abonnenten.<br />
Infos auf den Seiten 3 & 70<br />
59<br />
MODE UND MUSIK<br />
Wenn das nicht großes Kino<br />
ist! Der Modedesigner<br />
Christian Lacroix liebt die<br />
Bühne. Eine Geschichte<br />
gegenseitiger Inspiration<br />
SCHWERPUNKT<br />
60 CHRISTIAN<br />
LACROIX<br />
Der Designer und seine<br />
Liebe zur ganz großen Oper<br />
64 DRESSCODE<br />
Der Künstler kleiner<br />
Kleiderkreisel<br />
66 ZEITBAROMETER<br />
Klassische Musik und das<br />
historische Modediktat<br />
68 FRISCHER WIND<br />
Der Fächer: Seitenblick auf<br />
ein durchaus musikalisches<br />
Modeaccessoire<br />
71 COCO UND DIE<br />
KUNST DER STUNDE<br />
Mademoiselle Chanel war<br />
für mehr zuständig als nur<br />
fürs kleine Schwarze<br />
72 WOHER KOMMT<br />
EIGENTLICH …<br />
der Begriff<br />
„Mendelssohns Auge“?<br />
78<br />
BENJAMIN SCHMID<br />
führt durch Salzburg. Und<br />
eine Ausstellung, die den<br />
Thron des kleinen Wolferls ein<br />
bisschen wackeln lässt. Und<br />
sich vor Papa Mozart verneigt<br />
LEBENSART<br />
73 KUNST AM COVER<br />
Großstadt-Labyrinth von<br />
Friederike Sofie Hoellerer<br />
74 LIEBLINGSESSEN<br />
À la Clara: Die Pianistin<br />
Ragna Schirmer kocht<br />
das Schumann’ sche<br />
Hochzeitsessen<br />
76 PAULA BOSCHS<br />
WEINKOLUMNE<br />
Die neue Toskana-Fraktion<br />
78 SALZBURG<br />
Ein Spaziergang mit dem<br />
Geiger Benjamin Schmid<br />
durch seine Stadt<br />
81 GLOBETROTTER<br />
Termine in Sydney<br />
81 BUKAREST<br />
Leserreise für Klassikfans<br />
zum George Enescu<br />
Festival<br />
5<br />
Joseph Haydn<br />
Variations & Pieces<br />
for Piano<br />
Ekaterina<br />
Derzhavina<br />
2CD PH<strong>19</strong>027<br />
Nordic Music<br />
Grieg<br />
Berwald<br />
Nielsen<br />
Ana-Marija<br />
Markovina,<br />
Schleswig-<br />
Holsteinisches<br />
Sinfonieorchester,<br />
Peter Sommerer<br />
HC17027<br />
Duo Rosa<br />
American Soul<br />
from Broadway<br />
to Paris<br />
HC<strong>19</strong>026<br />
Profil<br />
Edition<br />
Günter<br />
Hänssler<br />
Profil Medien GmbH<br />
www.haensslerprofil.de · Vertrieb: Haenssler Alliance Distribution
O U V E R T Ü R E<br />
6 w w w . c r e s c e n d o . d e — <strong>Juni</strong> – Juli – <strong>August</strong> 20<strong>19</strong>
Das Auge hört mit!<br />
Hochgerühmt ist die Akustik des Prinzregententheaters,<br />
die natürlich besonders bei Konzerten zur vollen<br />
Geltung kommt. Doch nicht nur das! Das Große<br />
Haus des Prinzregententheaters ist eine eindrucksvolle<br />
Kombination aus Architekturelementen des Jugendstils<br />
und des Klassizismus: Auch das Auge wird<br />
verwöhnt, Dekoration und Funktion verschmelzen<br />
hier zu einer sinnlich-sinnigen Einheit. Gebaut wurde<br />
das Haus Anfang des 20. Jahrhunderts nach Vorbild<br />
des Bayreuther Richard-Wagner-Festspielhauses von<br />
Max Littmann. Seit <strong>19</strong>93 beherbergt das Prinzregententheater<br />
die Bayerische Theaterakademie <strong>August</strong><br />
Everding mit seinen Studiengängen.<br />
7<br />
FOTO: ROLAND STEITZ
O U V E R T Ü R E<br />
KLASSIK<br />
IN ZAHLEN<br />
14<br />
Meter<br />
hoch ist der riesige Kopf, der das Bühnenbild für Guiseppe Verdis<br />
Oper Rigoletto bei den Bregenzer Festspielen dominiert. Premiere ist am<br />
17. Juli. Die Oper wird 20<strong>19</strong> zum ersten Mal auf der Seebühne gespielt.<br />
5.000<br />
Besucher hat der Festspielfrühling<br />
der Festspiele Mecklenburg-<br />
Vorpommern in diesem Jahr<br />
angezogen. 14 der 22 Konzerte auf<br />
der Insel Rügen waren ausverkauft,<br />
teilten die Veranstalter mit. Das<br />
zehntägige Festival stand unter der<br />
künstlerischen Leitung des Cellisten<br />
Daniel Müller-Schott.<br />
FOTOS: BREGENZER FESTSPIELE / DIETMAR MATHIS<br />
3,17<br />
Prozent mehr Geld – mindestens<br />
aber 100 Euro – gibt es für<br />
die künstlerisch Beschäftigten<br />
an Staatstheatern. Darauf haben<br />
sich der Deutsche Bühnenverein<br />
auf Arbeitgeberseite und<br />
die Künstlergewerkschaften<br />
Genossenschaft Deutscher Bühnen-Angehöriger,<br />
Vereinigung<br />
deutscher Opernchöre und<br />
Bühnentänzer und Deutsche<br />
Orchestervereinigung geeinigt.<br />
80.000<br />
Liter Wasser sind wegen einer defekten Sprinkleranlage<br />
ins Theater der Stadt Duisburg gelaufen.<br />
Das Vierspartenhaus – Oper, Ballett, Konzert,<br />
Schauspiel – wird auf nicht absehbare Zeit<br />
nicht bespielbar sein. Unfälle dieser Art gab es<br />
kürzlich auch in Berlin, Dresden und Weimar.<br />
0<br />
2<br />
Stunden dauerte es, bis im Onlineshop<br />
der Bayreuther Festspiele die Hälfte<br />
der Karten für die verschiedenen Wagner-Vorstellungen<br />
vergriffen war. Insgesamt<br />
können in dieser Festspielsaison 9.000 Karten<br />
online erworben werden.<br />
Euro beträgt das Preisgeld, das die Firmen Buffet<br />
Crampon Deutschland und Kühnl & Hoyer für den<br />
Deutschen Musikinstrumentenpreis erhalten. Der<br />
Deutsche Musikinstrumentenpreis, den die Hersteller<br />
für ihre B-Trompeten mit Perinet-Ventilen erhalten, ist<br />
ein Ehrenpreis. Die Gewinner können in ihrer Werbung<br />
auf den Gewinn des Preises hinweisen.<br />
8 w w w . c r e s c e n d o . d e — <strong>Juni</strong> – Juli – <strong>August</strong> 20<strong>19</strong>
»Ich liebe Dich«<br />
55 € *
Herausragende<br />
NEUHEITEN<br />
bei Sony Classical<br />
Jan Vogler<br />
Songbook<br />
Cellist Jan Vogler hat<br />
mit dem fantastischen<br />
finnischen Gitarristen<br />
Ismo Eskelinen in New York<br />
ein faszinieren des Album<br />
mit Werken für Gitarre und<br />
Cello aufgenommen.<br />
Erhältlich ab 14.06.<br />
O U V E R T Ü R E<br />
Was hört …?<br />
Cédric<br />
Tiberghien<br />
Der französische Pianist verrät uns seine<br />
Lieblingsaufnahmen.<br />
www.janvogler.com<br />
www.sinfonieorchesterbasel.ch<br />
Sinfonieorchester<br />
Basel<br />
The Secret Fauré 2<br />
Nach dem hochgelobten<br />
ersten Album „The Secret<br />
Fauré“ hat das Sinfonieorchester<br />
Basel unter der<br />
Leitung von Chefdirigent<br />
Ivor Bolton weitere selten<br />
zu hörende Werke des<br />
französischen Komponisten<br />
eingespielt.<br />
Sein aktuelles Album<br />
(Hyperion) enthält<br />
Sonaten für Violine<br />
und Klavier von Ysaÿe,<br />
Franck, Vierne und<br />
Boulanger<br />
Track 6 auf der<br />
<strong>CRESCENDO</strong> Abo-CD:<br />
Violinsonate A-Dur.<br />
I. Allegretto ben moderato<br />
von César Franck<br />
www.lauttencompagney.de<br />
www.nuriarial.com<br />
Lautten Compagney<br />
Gender Stories<br />
Die Lautten Compagney<br />
unter Wolfgang Katschner,<br />
Vivica Genaux und<br />
Lawrence Zazzo widmen<br />
sich der barocken Lust am<br />
Verwirrspiel der Geschlechter.<br />
Ein virtuoses Feuerwerk<br />
emotionaler und gefühlvoller<br />
Arien von Händel, Hasse,<br />
Porpora, Vivaldi und Galuppi.<br />
Nuria Rial<br />
Mother<br />
Sopranistin Nuria Rial,<br />
Flötistin Danya Segal,<br />
Komponistin Dima Orsho<br />
und das preisgekrönte<br />
AlteMusikEnsemble<br />
Musica Alta Ripa beleuchten<br />
Mutterrollen in Barockarien<br />
von Händel und Telemann<br />
und in Liedern aus dem<br />
Morgenland. Ein faszinierender<br />
musikalischer Dialog.<br />
1<br />
Richard Wagner: Tristan und Isolde; Carlos Kleiber<br />
Jede einzelne Note rührt mich zu Tränen, egal ob von diesem<br />
absoluten Genie gespielt (Carlos Kleiber ist mein musikalischer<br />
Held) oder von Margaret Price gesungen. Jede Linie, jede Artikulation<br />
ist Liebe, Leben, Mensch. Perfekt.<br />
2<br />
Erroll Garner: Concert by the Sea<br />
Diese Musik gehört mit zum außergewöhnlichsten Klavierspiel,<br />
das ich kenne – kombiniert mit der positivsten und glücklichsten<br />
Energie. Das Lächeln dauert mindestens eine Woche an!<br />
3<br />
Franz Schubert: Lieder;<br />
Gundula Janowitz und Irwin Gage<br />
Reinheit, Einfachheit, Schönheit. Die Kunst des Liedes, von einer<br />
der besten Sopranistinnen. Diese Bewunderung für Janowitz habe ich<br />
von meinem Großvater geerbt, der immer weinte, wenn er ihre<br />
„4 letzten Lieder“ von Strauss hörte.<br />
4<br />
Tord Gustavsen, Simin Tander,<br />
Jarle Vespestad: What was said<br />
Tord Gustavsen „reist“ immer mit mir. Ich höre auf fast allen Flügen<br />
seine großartigen Alben. Dieses spezielle drückt mit am eindrucksvollsten<br />
aus, was Emotionen in der Musik bedeuten. Das Spiel, die Auswahl<br />
der Lieder, die Sprache (Pashto) und die Art und Weise, wie sie<br />
erzählt/gesungen werden – alles geht direkt ins Herz.<br />
5<br />
Bach: Violin Concertos;<br />
Alina Ibragimova und Arcangelo; Jonathan Cohen<br />
Am besten treffen es die poetischen Worte von Henri Michaux:<br />
„Musique, art de l’élan“. Jede Linie führt irgendwo hin, ist in Bewegung,<br />
geht „nach oben“. Diese Musik ist vollkommen lebendige Musik. Sie belebt<br />
dich wochenlang! Sie bringt dich dazu, zu deinem Instrument zu<br />
rennen und zu spielen!<br />
WWW.SONYCLASSICAL.DE<br />
facebook.com/sonyclassical<br />
www.facebook.com/sonyclassical<br />
10 w w w . c r e s c e n d o . d e — <strong>Juni</strong> – Juli – <strong>August</strong> 20<strong>19</strong>
„Ein rotes Kleid ist eine Botschaft“<br />
Anruf bei Jan Meier, Leiter der Kostüm- und Maskenabteilung Salzburger Festspiele,<br />
die vom 20. Juli bis 31. <strong>August</strong> über die Bühne gehen.<br />
Herr Meier, wobei störe ich Sie gerade?<br />
Ich sitze vor den Bewerbungen der Hospitanten für die Salzburger<br />
Festspiele im Sommer. Alle möchten gern zu Jacques Offenbachs<br />
Orphée aux enfers mit Barrie Kosky und Victoria Behr. Was<br />
verständlich ist – nicht umsonst ist Victoria<br />
Behr Kostümbildnerin des Jahres.<br />
Wo liegt in Ihrer täglichen Arbeit momentan<br />
der Schwerpunkt?<br />
Soeben liegt der Fokus auf jenem Orphée. Es<br />
handelt sich hier um eine Co-Produktion mit<br />
der Komischen Oper Berlin. Ein Teil meines<br />
Teams, das diese Produktion betreut, ist<br />
gerade eine fahrende Werkstatt. Sie packen<br />
hier in Salzburg alles ein, vom Spiegel bis zur<br />
Nadel, und reisen dorthin, wo die Künstler<br />
dieser Produktion sind, und machen in diesem<br />
Fall in Berlin die Anproben.<br />
Worin bestehen die besonderen<br />
Herausforderungen?<br />
Die Herausforderung ist oftmals die Größe der<br />
Produktion. Wir haben Chorstärken von etwa<br />
100 Personen. Wie bekommt man diese Masse angezogen? Wir<br />
beginnen mindestens ein Jahr vorher mit der Vorbereitung und<br />
der Konzeption. Meine durchdachte Gesamtorganisation lässt<br />
aber auch spontane künstlerische Ideen zu. Planung und Logistik<br />
ist ebenso wichtig wie Intuition und Fingerspitzengefühl. Bei<br />
Produktionen der Größenordnung wie Simon Boccanegra von<br />
Giuseppe Verdi etwa braucht man Zeit. Oder 2018, bei Pique<br />
Dame, da wurden knapp 500 Kostüme für den Chor angefertigt<br />
– etwa fünf Kilometer Stoff! Damit hätten wir das Festspielhaus<br />
sehr gut einwickeln können.<br />
Hat man bei Kostümen und Maske die aktuelle Mode im Blick?<br />
Es gibt natürlich immer Einflüsse, und manchmal kommen die<br />
aus der Haute Couture. Als John Galliano für Dior oder Alexander<br />
McQueen ihre große Zeit hatten, hat man auffallend viele<br />
Abbildungen aus diesen Couture-Kollektionen gesehen. Momentan<br />
ist das eher weniger en vogue. Natürlich gibt es Zeitströmungen,<br />
die wir auch aufnehmen. Bei Peter Sellars’ Inszenierung von<br />
Jan Meier<br />
Mozarts Idomeneo ist das Thema Flüchtlinge sehr stark besetzt.<br />
Wir fragen uns dann: Welche Kleidung spiegelt dieses Thema?<br />
Wir recherchieren und übersetzen es für das Theater. Die<br />
Kostüme werden dann auf die Choristen und Statisten zugeschneidert.<br />
Eine spannende Herausforderung.<br />
Also gilt hier: „Kleider machen Leute!“?<br />
Das auf jeden Fall. Wir aus der Abteilung<br />
Kostüm und Maske sind am nächsten an der<br />
Person dran. Man geht heute sensibel auf<br />
Darsteller und Sänger ein. Nicht nur die<br />
Körperlichkeit ist relevant, sondern man fragt<br />
auch: Welcher Persönlichkeit stehe ich<br />
gegenüber, als Mensch und in seiner Rolle?<br />
Gibt es trotzdem noch Diven, mit denen man<br />
diskutieren muss?<br />
Immer wieder mal, aber seltener. Ich kenne<br />
Geschichten von früher, in denen spezielle<br />
Kostüme erstellt wurden, die bei der Sängerin<br />
nicht auf Gegenliebe stießen. Es ist bei uns<br />
Usus, dass man sich vorher mit den Protagonisten<br />
trifft und sie auch kostümtechnisch<br />
einlädt, sich „gemeinsam auf die Reise zu begeben“. Es ist wichtig,<br />
die Vorstellungen, wie sie eine Rolle anlegen und darstellen<br />
wollen, abzufragen und dies in die Umsetzung einzubringen.<br />
Vermitteln Kostüme Botschaften?<br />
Ein Kostüm etabliert einen Stil auf der Bühne. Ganz klar: Ein<br />
rotes Kleid ist eine Botschaft. Man setzt Farben für Charaktere<br />
ein. Kostüme unterstützen einen Charakter – hier gehen Regie,<br />
Bühne und Kostüm Hand in Hand.<br />
Der jüngst verstorbene Karl Lagerfeld hat einmal gesagt: „Wer<br />
Jogginghose trägt, hat die Kontrolle über sein Leben verloren.“<br />
Wie stehen Sie zu dieser Meinung?<br />
Ich habe im vergangenen Jahr auf einer Fachtagung für Bestattungskultur<br />
einen Vortrag über die Entwicklung der Figur des<br />
Todes im Jedermann gehalten. In der Diskussionsrunde habe ich<br />
gefragt: „Warum trägt der Tod nicht auch mal Jogginghose?<br />
Warum ist er nicht der Mann von nebenan, der im Büdchen steht,<br />
sein Bier trinkt und sagt: ,Ich lauer auf dich!‘?“<br />
■<br />
DAVID JOHANNES RANFTL begegnete uns<br />
bei der Recherche zum Thema Fächer. Wir stießen<br />
dabei auf das Deutsche Fächermuseum in<br />
Bielefeld, dessen aktuelle Ausstellung „Ein Streifzug<br />
durch das Alte Europa“ er kuratiert. Ranftl<br />
begann bereits mit 13 Jahren, sich für Fächer des<br />
17. bis frühen 20. Jahrhunderts zu interessieren,<br />
der Weg zu einer heute sehr ansehnlichen Sammlung lag nahe. Das<br />
Studium der Kunstgeschichte ebenso, er schloss mit der Arbeit „Die<br />
Fächerkultur am Münchner Hof zwischen 1850 und <strong>19</strong>14“ ab. Für<br />
dieses Heft stellte er uns nicht nur die Fotos von Fächern aus seiner<br />
Sammlung zur Verfügung, sondern auch sein fundiertes Wissen und<br />
seine ansteckende Begeisterung. (www.faechersammlung.de)<br />
HINTER DEN KULISSEN<br />
Der Fotograf ROLAND STEITZ<br />
geht auf „Panorama-Jagd“. Entdeckt<br />
hat er die Panoramafotografie 2011<br />
und musste sich zunächst im Umgang<br />
mit dem Stativ, dem Panoramakopf<br />
und der Kamera üben.<br />
Mittlerweile erhält er, wie er selber<br />
findet, „brauchbare Ergebnisse“.<br />
Diese Einschätzung kann man mehr<br />
als teilen, wenn man sich die Panoramatouren<br />
vom Prinzregententheater,<br />
dem Münchner Siegestor, aber auch etwa einem Basketball-<br />
Court so ansieht ... (www.meinepanoramen.eu)<br />
FOTOS: C. BRASCH, BERLIN; PRIVAT; ROLAND STEITZ<br />
11
K Ü N S T L E R<br />
Auf einen Kaffee mit ...<br />
VALERY TSCHEPLANOWA<br />
VON PATRICK WILDERMANN<br />
FOTO: PATRICK WILDERMANN<br />
12 w w w . c r e s c e n d o . d e — <strong>Juni</strong> – Juli – <strong>August</strong> 20<strong>19</strong>
Die deutsche Schauspielerin und Sängerin Valery Tscheplanowa (*<strong>19</strong>80)<br />
wurde im sowjetrussischen Kasan geboren. Sie spielt – gern auch in männlichen<br />
Rollen – auf den großen deutschen Bühnen, in Frank Castorfs Faust-<br />
Inszenierung an der Berliner Volksbühne sogar in drei Rollen. Nun gibt sie bei<br />
den Salzburger Festspielen neben Tobias Moretti die Buhlschaft.<br />
<strong>CRESCENDO</strong>: Frau Tscheplanowa, könnten Sie mit jemandem<br />
befreundet sein, der einen wirklich miesen Musikgeschmack hat?<br />
Valery Tscheplanowa: Nein! Wobei sich natürlich die Frage stellt:<br />
Was ist das, richtig mieser Geschmack?<br />
Das, was Sie dafür halten.<br />
Für mich ist das alles Undefinierte, alles, was im Dazwischen<br />
verbleibt – Easy Listening also.<br />
Was hat Sie musikalisch geprägt?<br />
Ich war als junge Frau die Partnerin eines Komponisten, Samir<br />
Odeh-Tamimi. Ein klassischer, mittlerweile bekannter Komponist.<br />
Über ihn bin ich in die Neue-Musik-Szene reingewachsen.<br />
Als ich 16 oder 17 war, hing ich mit Klaus Huber oder Younghi<br />
Pagh-Paan rum – und schrieb Odeh-<br />
Tamimis Noten ab, weil er noch kein<br />
Geld hatte, um jemanden damit zu<br />
beauftragen. Ich konnte sie zwar nicht<br />
lesen. Aber sie abzuzeichnen, das ist ja<br />
nicht schwer.<br />
Also keine russischen Einflüsse?<br />
Doch. Im Alter zwischen 12 und 15, als<br />
ich schon in Deutschland lebte, hatte<br />
ich die russische Sprache vergessen, sie war komplett verschwunden.<br />
Und durch Lieder habe ich sie wiedergefunden, russische<br />
Romanzen größtenteils.<br />
In fast allen Theaterinszenierungen spielt Musik auf irgendeine<br />
Art eine Rolle. Hatten Sie schon mal eine Auseinandersetzung<br />
mit der Regie über den passenden Song?<br />
Ich habe ja viel gesungen auf der Bühne, zwischenzeitlich fast in<br />
jeder Inszenierung. Ja, es gab auch Auseinandersetzungen. Einige<br />
Arbeiten waren komplett auf Musik gebaut, zum Beispiel die<br />
Inszenierungen von Philipp Preuß, Die bitteren Tränen der Petra<br />
von Kant oder Alice im Wunderland. Preuß ist ein Regisseur, der<br />
nicht so extrem führt. Die Fassung von Alice war damals 120 Seiten<br />
lang, die musste ich mir als Spielerin selbst zurechtschneiden. Und<br />
genau so üppig waren seine Musikvorschläge. Durch die musste ich<br />
mich hacken wie durch einen Dschungel!<br />
Ein besonders glücklicher Moment mit Musik auf der Bühne?<br />
Den hatte ich mit den Liedern von Franz Schubert in Frank<br />
Castorfs Faust-Inszenierung. Drei Sonnen, Der Wanderer, Der<br />
Tod und das Mädchen, alles a cappella, das hat mir sehr gefallen.<br />
Als Russin berührt es mich auf ganz besondere Weise, in einer<br />
Faust-Inszenierung Der Wanderer zu singen. Eine Begegnung von<br />
Seele zu Seele, traue ich mich mal zu sagen. Der Gesang ist in mir<br />
schon eher russisch. Mich mit diesen deutschen Liedern verorten<br />
zu können, war wie ein Ankommen in der Musik. Auf eine andere<br />
Art habe ich das auch in Zement so erlebt.<br />
Der Heiner-Müller-Inszenierung des Regisseurs Dimiter<br />
Gotscheff, mit dem Sie ebenfalls viel gearbeitet haben.<br />
In der Inszenierung habe ich russische Lieder gesungen. Teilweise<br />
aus meinem Dorf, Lieder, die ich von meiner Großmutter kannte.<br />
Gottscheff wollte in den Proben wissen, woran ich mich aus der<br />
Kindheit noch erinnere, und hat das eingebaut.<br />
Haben Sie eine Art Soundtrack, den Sie in der Garderobe<br />
hören, bevor Sie auf die Bühne gehen?<br />
WENN SCHON EIN BISSCHEN<br />
WODKA GEFLOSSEN IST, FANGE<br />
ICH AN ZU SINGEN UND NÖTIGE<br />
AUCH DIE ANDEREN DAZU<br />
Nein, da mag ich die Stille.<br />
Sie haben schon als Jugendliche Gesangs- und Tanzabende für<br />
reiche Ärzte und Anwälte veranstaltet. Wie kam es dazu?<br />
(lacht) Wo haben Sie das denn ausgegraben?<br />
In einem alten Porträt über Sie.<br />
Also, mein Vater ist Mathematiker, und ich war gut in Mathe.<br />
Deswegen boomte die Nachhilfe! Ich machte Mordskohle, weil so<br />
viele Mitschülerinnen gerne von einem Mädchen unterrichtet<br />
werden wollten. Eine dieser Nachhilfeschülerinnen hatte ich mich<br />
singen gehört und ihrer Mama davon erzählt. Und die kam auf<br />
die Idee, dass ich bei ihr im Wohnzimmer vor reichen Gästen<br />
einen Abend veranstalten sollte. Also habe ich Lieder gesungen,<br />
getanzt, Gedichte vorgetragen und<br />
Malerei von mir gezeigt. Drei- oder<br />
viermal habe ich das gemacht.<br />
Später, während des Studiums in<br />
Dresden, wurden Sie dann eine<br />
singende Kellnerin ...<br />
Das war auch totaler Zufall! Ich habe<br />
als Kellnerin in einem russischen<br />
Restaurant gearbeitet, weil es mir am<br />
vertrautesten erschien. Dort trat ein Akkordeonist auf, ich kannte<br />
das Lied, das er spielte, und habe dazu gesungen. Den Gästen gefiel<br />
das. Dann stieß noch eine Flötistin dazu, die vorschlug: Lasst uns<br />
eine Gruppe gründen. Daraus wurden „Die Sinnverwandten“. Ich<br />
habe Essen serviert, bin runter auf die Bühne und habe gesungen,<br />
dann wieder Bier gezapft. Immer abwechselnd. Das hat mir das<br />
Kellnern enorm erleichtert. Und es floss viel Trinkgeld. Das<br />
Publikum des Restaurants bestand größtenteils aus Bauarbeitern<br />
und Bauunternehmern. Es gab Wodka, Schaschlik ...<br />
Warum ging es mit den „Sinnverwandten“ zu Ende?<br />
Weil ich mit <strong>19</strong> nach Berlin gezogen bin, um Puppenspiel zu<br />
studieren. In Dresden hatte ich diese Gruppe, habe Ausstellungen<br />
veranstaltet, es schrieben schon Zeitungen über mich. Ich war<br />
dabei, mir in der Underground-Szene einen Namen zu machen,<br />
aber meine Mutter meinte: Du musst studieren. Lern was<br />
Anständiges!<br />
Hatten Sie nie den Impuls, professionell Musik zu machen?<br />
Die Dichtersprache hat mich angezogen. Einen Schiller, einen<br />
Kleist zu spielen ist für mich etwas anderes, als ein Lied zu singen.<br />
Erinnern Sie sich noch an andere Momente, auch abseits der<br />
Bühne, in denen Musik Ihnen das Leben erleichtert hat?<br />
Unzählige. Ich habe auch die Angewohnheit, Leute zum Singen<br />
zu zwingen, davon gibt es einige Aufnahmen auf meinem Handy!<br />
Wenn ich Gäste habe und schon ein bisschen Wodka geflossen ist,<br />
fange ich an zu singen und nötige dann auch die anderen dazu.<br />
Erstaunlich, was dabei alles wieder hochkommt, an Kindheitsliedern<br />
vor allem.<br />
Ist das Singen für viele schambehaftet?<br />
Sagen wir so: Es ist in Russland normaler zu singen. Ein Klischee,<br />
aber auch wahr. Wenn man zusammensitzt, gehört es dazu, dass<br />
man irgendwann singt. Das ist in Deutschland nicht so. Am<br />
ehesten in Bayern vielleicht. Dabei können viele Menschen<br />
wunderbar singen und kennen tolle Lieder.<br />
■<br />
13
K Ü N S T L E R<br />
FOTO: ANGIE KREMER<br />
14 w w w . c r e s c e n d o . d e — <strong>Juni</strong> – Juli – <strong>August</strong> 20<strong>19</strong>
MIT LEIDENSCHAFT FÜR DIE MUSIK DER GEGENWART: GIDON KREMER<br />
RETTET DEN KOMPONISTEN VOR DEM VERGESSEN<br />
GERECHTIGKEIT<br />
FÜR<br />
WEINBERG<br />
Gidon Kremer zählt zu den größten Geigern überhaupt.<br />
Umso mehr wiegt die Wertschätzung, die er<br />
Mieczysław Weinberg zu dessen 100. Geburtstag schenkt:<br />
Mit einer Weltersteinspielung ehrt er den Komponisten,<br />
der viel zu lange im Schatten seines<br />
Freundes Dmitri Schostakowitsch stand.<br />
VON CORINA KOLBE<br />
Für die Musik der Gegenwart hat sich Gidon Kremer schon früh voller<br />
Leidenschaft eingesetzt. In der Sowjetunion traf der gebürtige Lette<br />
Künstler aus Russland und Osteuropa, die sich ihre Freiräume in dem totalitären<br />
Staat täglich neu erobern mussten. „Ich interessierte mich damals vor<br />
allem für Komponisten wie Alfred Schnittke, Sofia Gubaidulina, Arvo Pärt<br />
oder Valentin Silvestrov, die alle im Untergrund arbeiteten“, erinnert sich<br />
Kremer. Mit den Werken von Mieczysław Weinberg begann er sich erst viel<br />
später zu beschäftigen. „Als ich in den 60er-Jahren in Moskau studierte, erlebte<br />
ich ihn zwar als Pianist mit meinem Lehrer David Oistrach, dem Cellisten<br />
Mstislaw Rostropowitsch oder der Sopranistin Galina Wischnewskaja. Doch<br />
leider habe ich es versäumt, ihn persönlich kennenzulernen.“ Erst nach der<br />
Gründung seiner Kremerata Baltica <strong>19</strong>97 entdeckte der weltbekannte Geiger<br />
allmählich Weinbergs umfangreiches Oeuvre. 154 seiner Werke sind erhalten,<br />
15
K Ü N S T L E R<br />
darunter 22 Sinfonien, vier<br />
Kammersinfonien, sechs Opern<br />
sowie Ballette, Film- und Zirkusmusik.<br />
„Auf der Suche nach<br />
Stücken für mein Ensemble<br />
machte ich Ausflüge in die Welt<br />
der unbekannten Musik. Weinberg<br />
war zu dem Zeitpunkt<br />
schon tot. Mittlerweile habe ich<br />
an die 15 Werke von ihm<br />
gespielt.“<br />
Zum 100. Geburtstag des<br />
Komponisten im Dezember hat<br />
Kremer zum ersten Mal die 24<br />
Präludien, die Weinberg für Rostropowitsch<br />
schrieb, in seiner<br />
eigenen Bearbeitung für Violine<br />
aufgenommen. „Die Musikwelt<br />
hat ihn lange Zeit stark unterschätzt.<br />
Zu seinem Geburtstag<br />
möchte ich ihm Gerechtigkeit<br />
widerfahren lassen.“ Warum Rostropowitsch das ihm gewidmete<br />
Werk nie aufgeführt hat, weiß Kremer nicht. Er selbst wurde erst<br />
durch andere Cellisten darauf aufmerksam. „Als ich dann hörte,<br />
dass eines der Präludien einen Bezug zu Schumann hatte, klickte<br />
es plötzlich bei mir. Ich beschloss, den Zyklus für Violine zu setzen.<br />
Damit ist ein neues Werk entstanden, das hoffentlich viele Geiger<br />
animieren wird, diese Musik zu spielen.“<br />
Auf einem kleinen abgelegenen Landgut im äußersten Osten<br />
Litauens hat Kremer die Präludien auf CD eingespielt. „Dieser Ort<br />
vermittelt die Intimität und Ruhe, die diese Musik braucht, um auf<br />
uns zu wirken.“ Wenn er den Zyklus im Konzert aufführt, werden<br />
dazu oft eindringliche Schwarz-Weiß-Bilder des litauischen Fotografen<br />
Antanas Sutkus an die Bühnenwand projiziert. „Es ist nicht<br />
einfach, beides miteinander in Einklang zu bringen“, erzählt er. „Die<br />
wunderbaren Fotos kommen und gehen, während ich weiterspiele.<br />
Sie sollen nicht von der Musik ablenken, sondern das Hörerlebnis<br />
intensivieren. Im Grunde geht es um Emotionen, die Töne und Bilder<br />
gleichermaßen auslösen können.“ Die Präludien und die Bilder<br />
sind als Brücke zu einer Welt gedacht, die es heute nicht mehr gibt.<br />
Das Projekt trägt daher den beziehungsreichen Titel „Preludes to a<br />
lost time“, in Anlehnung an Marcel Prousts literarisches Meisterwerk<br />
Auf der Suche nach der verlorenen Zeit. Der Mitschnitt eines<br />
Konzerts im Gogol Center in Moskau ist in Paul Smacznys Filmporträt<br />
Gidon Kremer – Finding Our Own Voice zu sehen, das Accentus<br />
im Mai als DVD herausbringt.<br />
Die Gründe, warum Weinberg lange Zeit ein Schattendasein<br />
führte, sind vielfältig. Die Erfahrung von Flucht, Vertreibung und<br />
Verfolgung hat sein Leben tief geprägt. Im Dezember <strong>19</strong><strong>19</strong> in Warschau<br />
geboren, schrieb der Sohn eines Musikers seine ersten Stücke<br />
bereits als Jugendlicher und studierte am Konservatorium Klavier.<br />
Wegen seiner jüdischen Herkunft floh er bei Ausbruch des Zweiten<br />
Weltkriegs vor den Nazis in die weißrussische Stadt Minsk, wo er<br />
sich bei Wassili Solotarjow, einem Schüler von Nikolai Rimski-Korsakow,<br />
in Komposition ausbilden ließ. Als die Wehrmacht im Sommer<br />
<strong>19</strong>41 die Sowjetunion überfiel, rettete er sich nach Taschkent<br />
in Usbekistan. Seine Eltern und die jüngere Schwester, die in Polen<br />
geblieben waren, wurden im KZ ermordet.<br />
Als Dmitri Schostakowitsch auf Weinbergs Erste Sinfonie aufmerksam<br />
wurde, lud er den jungen Künstler <strong>19</strong>43 nach Moskau ein,<br />
wo er bis zu seinem Tod <strong>19</strong>96 lebte. Weinberg hatte ein enges Verhältnis<br />
zu seinem Mentor. Die düstere Grundstimmung, die Schostakowitschs<br />
Werke durchzieht, ist auch bei Weinberg zu spüren. Die<br />
Freundschaft zwischen ihnen habe immer wieder Anlass zu Missverständnissen<br />
gegeben, bedauert Kremer. „Oft hieß es, Weinberg<br />
„DIESE MUSIK BRAUCHT INTIMITÄT UND<br />
RUHE, UM AUF UNS ZU WIRKEN“<br />
FOTO: GIEDRE DIRVANAUSKAITE<br />
sei lediglich Schostakowitschs<br />
Schüler und ein zweitrangiger<br />
Komponist gewesen. Dabei<br />
spricht vieles dafür, dass sie sich<br />
gegenseitig beeinflusst haben.<br />
Das erkennt man beispielsweise<br />
bei Weinbergs Zehnter Sinfonie,<br />
die kurz vor Schostakowitschs<br />
14. Sinfonie entstand“, erklärt er.<br />
„Weinbergs Sinfonie wurde zwar<br />
ohne Sänger und Schlagwerk<br />
konzipiert, doch der Einsatz der<br />
Streichinstrumente ist ähnlich<br />
wie bei Schostakowitsch. Ich<br />
denke, dass sie Brüder im Geiste<br />
waren und dass sie das, was sie<br />
an der Realität störte, in ihre<br />
Musik hineinprojizierten.“<br />
Wie Schostakowitsch geriet<br />
auch Weinberg wegen seines<br />
Kompositionsstils ins Visier der<br />
sowjetischen Behörden. Ihm wurden „formalistische Tendenzen“<br />
vorgeworfen, weil seine Werke nicht der offiziellen Kulturdoktrin<br />
entsprachen. Um finanziell zu überleben, schrieb er Film- und Zirkusmusik.<br />
Weinberg wurde in der Sowjetunion nicht nur wegen<br />
seiner polnischen Herkunft diskriminiert. Er bekam auch antisemitische<br />
Kampagnen am eigenen Leib zu spüren. Sein Schwiegervater<br />
Solomon Michoels, Gründer des Moskauer Jüdischen Theaters,<br />
starb <strong>19</strong>48 bei einem Mordanschlag, den die Geheimpolizei als<br />
Autounfall inszeniert hatte. <strong>19</strong>53 wurde der Komponist unter dem<br />
Vorwand inhaftiert, sich für die Ausrufung einer jüdischen Republik<br />
auf der Krim eingesetzt zu haben. Der selbst vom Regime drangsalierte<br />
Schostakowitsch forderte in einem mutigen Brief die Freilassung<br />
des Freundes. Die Gefängnistore öffneten sich für ihn aber<br />
erst nach dem Tod Stalins einige Monate später. Einem größeren<br />
Publikum wurde Weinberg posthum bekannt, als die szenische<br />
Uraufführung seiner Oper Die Passagierin 2010 bei den Bregenzer<br />
Festspielen als Sensation gefeiert wurde.<br />
Gidon Kremer engagiert sich dafür, Weinbergs Musik in die<br />
Welt hinauszutragen. Zu seinem 70. Geburtstag und zum 20-jährigen<br />
Bestehen der Kremerata Baltica spielten Kremer und sein<br />
Ensemble 2017 alle Kammersinfonien Weinbergs sowie das Klavierquintett<br />
op. 18 mit der Pianistin Yulianna Avdeeva ein. Anfang Mai<br />
erscheint ein Doppelalbum, auf dem das City of Birmingham Symphony<br />
Orchestra unter Leitung seiner Chefin Mirga Gražinytė-Tyla<br />
gemeinsam mit der Kremerata zu hören ist. „Neben der Zweiten<br />
Sinfonie, einem Jugendwerk, haben wir die letzte vollendete Sinfonie<br />
mit dem Beinamen Kaddish aufgenommen. Ein unglaubliches<br />
Werk!“, schwärmt Kremer.<br />
Mit seinem Kammerorchester plant er in diesem Jahr noch<br />
eine Weinberg-Hommage, die mit visuellen Elementen verbunden<br />
ist. Im <strong>Juni</strong> wird diese Performance beim Holland Festival in Amsterdam<br />
ihre Weltpremiere erleben. Der Titel „Chronicle of Current<br />
Events“ ist eine Anspielung auf eine Zeitschrift, die in der Sowjetunion<br />
in den 70er-Jahren im Untergrund zirkulierte. „Bei der Aufführung<br />
werden wir Videos zeigen, die russische Künstler in Zusammenarbeit<br />
mit dem in Russland inhaftierten Regisseur Kirill Serebrennikow<br />
gemacht haben“, verrät Kremer. „Weinbergs Musik wird<br />
keine bloße Zuspielung zu den Bildern sein, sondern die Bilder<br />
werden unter dem Eindruck der Musik entstehen.<br />
Auch mit diesem Experiment wollen wir dazu beitragen,<br />
seinen 100. Geburtstag würdig zu feiern.“<br />
<br />
n<br />
Mieczysław Weinberg: „24 Preludes“, Gidon Kremer (Accentus)<br />
16 w w w . c r e s c e n d o . d e — <strong>Juni</strong> – Juli – <strong>August</strong> 20<strong>19</strong>
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EINE<br />
UNGEWÖHNLICHE<br />
GESCHICHTE<br />
Wirklich geschmeidig lief seine Karriere nicht an. Weil er als<br />
autodidaktisches Wunderkind, aufgewachsen im toskanischen Hinterland,<br />
nicht ins deutsche Fördersystem passte, musste der Geiger<br />
<strong>August</strong>in Hadelich erst einen Umweg über New York machen.<br />
Nun ist er in Deutschland angekommen.<br />
VON TERESA PIESCHACÓN RAPHAEL<br />
<strong>CRESCENDO</strong>: Auf einem Youtube-Video packen Sie aus Ihrem<br />
Geigenkasten alles aus, was Ihnen wichtig ist. Zunächst eine<br />
Postkarte von Riparbella ...<br />
<strong>August</strong>in Hadelich: ... einem kleinen Ort in der Toskana mit<br />
1.600 Seelen. Da bin ich aufgewachsen. Meine deutschen Eltern<br />
ließen sich in den 80ern in Riparbella nieder, um Oliven und<br />
Wein anzubauen – alles noch vor der großen Italienwelle.<br />
... als es sich Politiker und Alt-68er – die berühmte Toskana-<br />
Fraktion –, ermüdet vom „Marsch durch die Institutionen“, in<br />
Italien gut gehen ließen.<br />
Ja. Denn das Leben auf einem echten Bauernhof ist nicht so<br />
idyllisch, wie sich das viele Menschen aus der Stadt vorstellen.<br />
Im Gegenteil: Es ist ganz schön hart. Es war schön dort, doch<br />
musikalisch ziemlich abgelegen.<br />
Mit fünf fingen Sie an, Geige zu spielen, auf einem Instrument<br />
aus dem Supermarkt!<br />
Richtig. Mein Vater war mein erster Lehrer. Er war kein Profimusiker<br />
und begleitete mich zu anderen Lehrern und zu Kursen.<br />
Ich hatte zwischen den Unterrichtsstunden immer wochenlange<br />
Pausen, in denen ich selbst arbeitete. Es kommt ja nicht zwingend<br />
auf die Anzahl der Stunden an. Viele Musiker machen die<br />
Erfahrung, dass sie erst nach dem Studium endlich alles machen,<br />
18 w w w . c r e s c e n d o . d e — <strong>Juni</strong> – Juli – <strong>August</strong> 20<strong>19</strong>
Üben ist für <strong>August</strong>in Hadelich wie ein<br />
komplexes Denksportspiel: Um etwas<br />
technisch Schweres zu bewältigen, unterteilt<br />
man es in kleine Aufgaben, bevor man es<br />
wieder zusammensetzt<br />
was der Lehrer ihnen jahrelang gesagt hatte, eben weil sie es<br />
nicht mehr regelmäßig jede Woche zu hören bekommen. Ich<br />
hatte gute, sehr unterschiedliche Lehrer: vom italienischen<br />
Geiger Uto Ughi, der für mich als Kind ein großes Vorbild war,<br />
über Christoph Poppen, Igor Ozim hin zu Norbert Brainin vom<br />
Amadeus Quartett, der ein Haus in der Nähe von Florenz hatte.<br />
Auch Franz Fischer, Konzertmeister des Philharmonischen<br />
Orchesters Würzburg, setzte sich für Sie ein. Im Interview<br />
beklagt er, die deutsche Musikratsszene habe Sie „ausgegrenzt“,<br />
weil Sie als quasi autodidaktisches Wunderkind aus<br />
dem toskanischen Hinterland nicht in das Idealbild des<br />
FOTO: LUCA VALENTA<br />
Förder systems passten.<br />
Ich sehe das weniger so und verstehe die Skepsis, wenn jemand<br />
plötzlich aus Italien nach Deutschland kommt. Viele kamen mit<br />
der Geschichte nicht zurecht, weil sie ungewöhnlich war. Mit 20<br />
zog ich nach New York, um an der Juilliard School zu studieren.<br />
Meine Karriere nahm dann auch in Amerika ihren Anfang, nach<br />
dem Gewinn des Geigenwettbewerbs in Indianapolis 2006,<br />
und machte einige Jahre später den Sprung nach Europa, weil<br />
Dirigenten, die mit mir in den USA gespielt hatten, mich zu<br />
europäischen Orchestern mitnahmen.<br />
Musikstudenten kommen aus aller Welt nach Deutschland und<br />
Österreich, weil hier die Wiege der klassischen Musiktradition<br />
ist und die Hochschulen kaum etwas kosten. Sie aber gingen<br />
nach New York.<br />
Ich wollte unbedingt in die ganz große Stadt, gerade weil ich aus<br />
Riparbella kam. Kurzzeitig war ich in Berlin – ein Kulturschock<br />
für mich. In New York fand ich in puncto Wetter und Essen<br />
mehr Nähe zu Italien und fühlte mich sofort wohl – eine Stadt,<br />
in der meine Geschichte nicht aus dem Rahmen fiel. New York ist<br />
sehr stimulierend, eine Stadt, die niemals schläft! Das Kulturleben<br />
ist unglaublich intensiv, und alle wichtigen Musiker und<br />
Orchester kommen vorbei.<br />
In Ihrem Geigenkoffer findet sich auch ein Rubikwürfel.<br />
Ich reise natürlich nicht mit dem Würfel um die Welt, aber<br />
komplexe Denksport- und Brettspiele liegen mir sehr. Der<br />
Rubikwürfel kann von einem Menschen nicht in einem Anlauf<br />
gelöst werden – erst wenn man diese Aufgabe in kleinere Schritte<br />
zerlegt, ist sie lösbar. Ähnlich ist es auch beim Üben: Um etwas<br />
technisch Schweres zu bewältigen, muss man es oft in kleinere<br />
Aufgaben unterteilen und an den kleinen technischen Details<br />
isoliert arbeiten, ehe man alles wieder zusammensetzt.<br />
Im Koffer haben Sie außerdem eine Ausgabe des<br />
„New Yorker“.<br />
Ich liebe dieses Magazin! Der „New Yorker“ verwendet für<br />
Porträts oder Kritiken meistens Zeichnungen statt Fotos. Ich bat<br />
einen Zeichner, der mich 2009 fürs „New Yorker“-Magazin<br />
zeichnete, das Coverbild für mein nächstes Album mit den<br />
Violinkonzerten von Brahms und Ligeti zu gestalten.<br />
Sehr modern, farbenfroh und abstrakt ...<br />
Ich wollte nicht, dass der Name Ligeti die Menschen verschreckt<br />
und das Album womöglich düster oder abweisend<br />
aussieht. Es sollte vielmehr farbig, aufregend und hell sein,<br />
genau wie die Musik auf dem Album. Ich spiele auf dieser<br />
Aufnahme meine eigene Kadenz zum Brahms-Konzert und eine<br />
tolle neue Kadenz für das Ligeti-Konzert des<br />
britischen Komponisten Thomas Adès. Es war<br />
ein Traum, diese beiden großen Konzerte<br />
zusammen aufzunehmen!<br />
n<br />
Brahms, Ligeti: „Violinkonzerte“, <strong>August</strong>in Hadelich (Warner)<br />
<strong>19</strong>
K Ü N S T L E R<br />
DER HEXENMEISTER<br />
UND SEINE GEISTER<br />
FOTO: MARCO BORGGREVE<br />
Er mag keine Etiketten. Und wehrt sich, immer nur der geniale Virtuose zu sein.<br />
Vielmehr will der Schweizer Flötist Maurice Steger die Seele seines Instruments<br />
offenbaren und vermitteln. Weil er seinem Klang bedingungslos verfallen ist.<br />
VON DOROTHEA WALCHSHÄUSL<br />
20 w w w . c r e s c e n d o . d e — <strong>Juni</strong> – Juli – <strong>August</strong> 20<strong>19</strong>
A<br />
„DER<br />
ls Maurice Steger acht Jahre alt war, reichte es ihm.<br />
Nach nur wenigen Unterrichtsstunden flog der motorisch<br />
überforderte Junge aus dem Blockflötenunterricht und verbannte<br />
das Instrument im hintersten Winkel unter seinem Bett. Es<br />
hätte das frühe Ende einer musikalischen Karriere sein können.<br />
Wäre da nicht dieser einzigartige Klang der Flöte gewesen, ungeschminkt,<br />
klar und intim, der Steger auch in den folgenden Jahren<br />
nicht losließ. Während seine Flöte unter dem Bett ihr Dasein fristete,<br />
spielten seine Schulkameraden bald die ersten Stücke. Steger<br />
war begeistert und versuchte drei Jahre später abermals sein Glück<br />
– mit Erfolg. Schnell zeigte sich sein Talent, mit 15 wurde er Jungstudent<br />
an der Musikhochschule in Zürich, später studierte er bei<br />
Pedro Memelsdorff und Kees Boeke und startete direkt nach dem<br />
Studium eine einzigartige Karriere.<br />
Heute ist Maurice Steger einer der bekanntesten Interpreten<br />
überhaupt an der Blockflöte und hat dem Instrument zu neuer Blüte<br />
und Popularität verholfen. Die medialen Zuschreibungen sind zahlreich,<br />
und an Superlativen mangelt es nicht. Steger wird als „Superstar“<br />
gehandelt, als „Paganini“ und „Hexenmeister“ – meist steht<br />
sein technisches Virtuosentum im Vordergrund. Steger selbst fühlt<br />
sich damit nicht immer wohl. „Ganz ehrlich – das nervt total“, sagt<br />
Steger und seufzt. „Ganz egal, was ich spiele, überall muss der Virtuose<br />
mit draufstehen. Ich kann es nicht mehr hören.“ Natürlich sei<br />
er vor allem mit solistischem Repertoire bekannt geworden, entsprechend<br />
„an vorderster Front unterwegs“ und medial präsent gewesen.<br />
„Das prägt natürlich ein bestimmtes Image“, so Steger und zuckt<br />
ratlos mit den Schultern. Es sei aber nur eine von vielen Facetten.<br />
Sein musikalisches Leben ist weitaus bunter und vielschichtiger,<br />
als es die Stempel vermuten lassen. Steger spielt und dirigiert,<br />
er lehrt und forscht und konzipiert erstklassige Festivals ebenso wie<br />
hervorragend aufbereitete Kinderkonzerte. Immer wieder wird er<br />
bei seinen Projekten auch zum musikalischen Schatzgräber, der in<br />
verschwiegene Bibliotheken abtaucht und längst vergessene Kostbarkeiten<br />
zutage bringt.<br />
An einem sonnigen Vormittag im April sitzt der 48-Jährige in<br />
einem Probenraum in der Bruckneruniversität in Linz. Zwischen<br />
unterschiedlichen Konzertprojekten gibt er hier für ein paar Tage<br />
einen Meisterkurs, wenig später wird er ein paar Räume weiter mit<br />
den Studenten über die Kunst der Phrasierung philosophieren, die<br />
Bedeutung der Spielanweisung „cantabile“ und die Geheimnisse<br />
des kammermusikalischen Dialogs. Steger ist ein energiegeladener<br />
und charismatischer Mann mit wachem Blick und impulsiver Gestik.<br />
Beseelt von der Musik und den Ausdrucksmöglichkeiten seines<br />
Instruments, scheinen seinem Tatendrang kaum Grenzen gesetzt.<br />
Diese Gestaltungskraft spiegelt sich auch in seinen Interpretationen.<br />
Federnd, lebendig und direkt kommt sein Spiel daher, wendig und<br />
spannungsvoll, füllig und schlank zugleich. Dass die Blockflöte mit<br />
Maurice Steger zu einem Höhenflug ansetzte, liegt neben Stegers<br />
Spiel auch an einer entscheidenden Weiterentwicklung im Flötenbau.<br />
„Ich bin schon früh mit Orchestern in großen Sälen aufgetreten.<br />
Da kommt man mit einer klassischen Blockflöte akustisch sehr<br />
schnell an die Grenzen. Die Frage war nun: Wie kann man den<br />
Klang, der ja ursprünglich für barocke Salons komponiert worden<br />
war, so übersetzen, dass er auch in großen Sälen funktioniert, ohne<br />
dass die barocke Substanz verloren geht?“ Die Lösung war eine<br />
„sanfte Erweiterung“, wie Steger sagt. In Zusammenarbeit mit dem<br />
Schweizer Blockflötenbauer Ernst Meyer entstanden voluminöse<br />
Blockflöten, bei denen der Windkanal geweitet ist und ein deutlich<br />
KLANG DER FLÖTE HAT ETWAS GANZ DIREKTES,<br />
UNGEKÜNSTELTES. MAN HÖRT DEN MENSCHEN“<br />
größerer Ton möglich ist. „Diese Art von Spiel ist viel körperlicher“,<br />
sagt Steger. „Man braucht den ganzen Körper, das ist wie beim<br />
Singen, und es entstehen dadurch ganz andere Obertöne und eine<br />
völlig neue Dynamik. Damit kommt man in abenteuerliche Regionen“,<br />
sagt Steger und lacht. Was für ihn eine spannende Ergänzung<br />
war, sehen manche Blockflötisten mit Blick auf den historischen<br />
Originalklang durchaus kritisch. Und so gibt es mittlerweile verschiedene<br />
„Schulen“, die nur schwer miteinander vereinbar sind.<br />
Steger ist sich der Kritik durchaus bewusst, doch wenn es darum<br />
geht, große Hallen zu füllen, sind die modernisierten Flöten aus<br />
seiner Sicht die Zukunft.<br />
Stereotype und starre Regeln interessieren den Flötenmeister<br />
wenig. Das war schon im Blockflötenunterricht so. Heute gilt es<br />
mehr denn je. Ihm geht es um das möglichst unmittelbare und<br />
intensive Erleben von Musik. Die Flöten sind für Steger dabei ein<br />
„Spiegel der Seele“. Die Menge der Luft, die Temperatur, die<br />
Geschwindigkeit, die Dichte – alles ist von Bedeutung beim Spiel<br />
mit den Klangfarben, und nichts bleibt dabei verborgen. „Man kann<br />
sich dahinter nicht verstecken“, sagt Steger, und wenn Körper und<br />
Seele nicht im Einklang seien, funktioniere es nicht.<br />
Auch auf seinem neuen Album prangt marketingtauglich der<br />
„Virtuosen“-Stempel, doch wieder einmal trügt das simple Image.<br />
Unter dem Titel „Mr Handel’s Dinner“ vereint Steger darauf verschiedenste<br />
„Favorites“ von Händel und Zeitgenossen, die in den<br />
Pausen zwischen den einzelnen Akten der Oper gespielt wurden.<br />
„Das waren Stücke, die man gern hatte und die jeder kannte. Sie<br />
wurden von den Kindern auf dem Nachhauseweg gepfiffen – das<br />
muss man sich mal vorstellen“, sagt Steger. Ein Opernbesuch war<br />
zu jener Zeit nicht selten ein Tagesausflug. „Die Leute haben<br />
damals richtig viel Zeit im Theater verbracht, und die Pausen dauerten<br />
mehrere Stunden. Da musste man die Leute bei der Stange<br />
halten“, sagt der Flötist schmunzelnd. Entsprechend wurde gefeiert,<br />
gegessen und Musik gespielt. Die Oper selbst bot den Rahmen<br />
für dieses unterhaltsame Gesamterlebnis, und Steger ist es zusammen<br />
mit dem La Cetra Barockorchester Basel unter seiner Leitung<br />
gelungen, die genussvolle Sinnlichkeit und die bunte Atmosphäre<br />
von damals eindrucksvoll auf seinem Album nachzuempfinden.<br />
„Das war eine wahnsinnig spannende Zeit. Die Form der Oper<br />
war lange noch nicht so geschlossen wie heute. Händel hat zum<br />
Beispiel fast jede Arie auch für Blockflöten-Solo arrangiert und<br />
eine fantastische Vielfalt an Stücken geschaffen. Die Aufführung<br />
einer Oper war das Gegenteil der starren, steifen Konzertformen<br />
heute. Da wurde gefeiert und die einzelnen Arien waren wahre<br />
Hits, die man immer wieder hören wollte. Diesen Geist vermisse<br />
ich heute sehr“, so Steger.<br />
In seiner eigenen Arbeit versucht Steger, diesen Geist und diese<br />
Offenheit der Musik gegenüber immer wieder neu zum Leben zu<br />
erwecken. Bis heute ist es der Klang der Flöte, der den Schweizer<br />
stets aufs Neue zu Höchstleistungen anspornt. „Ich liebe diesen<br />
Klang!“, sagt Steger mit leuchtenden Augen. „Selbst wenn ein Erstklässler<br />
keine Ahnung von gar nichts hat, wirklich alles falsch macht<br />
und in eine Flöte reintutet, liebe ich diesen Klang. Er hat etwas ganz<br />
Direktes, Ungekünsteltes. Man hört den Menschen.<br />
Und man hört, wie der Mensch an sich<br />
arbeiten muss.“<br />
n<br />
G. F. Händel: „Mr Handel’s Dinner“, Maurice Steger (Harmonia Mundi)<br />
Track 9 auf der <strong>CRESCENDO</strong> Abo-CD: A Ground von Gottfried Finger<br />
21
K Ü N S T L E R<br />
Z<br />
VERRÜCKT NACH<br />
BARTÓK<br />
… aber offen für alles. Die Violinistin Fabiola Kim macht sich auf, eine der ganz<br />
Großen ihres Fachs zu werden. Weil ihr die Geige nicht nur Flügel verpasst, sondern<br />
weil sie selbst gestalten und neue Werke individuell zum Klingen bringen will.<br />
wei, die nicht von ihrer Seite weichen: ihre Stradivari<br />
und ihr Hund Captain, ein weiß gelockter, struppig-kuscheliger<br />
Bichon Frisé mit klugen Kulleraugen. Fabiola Kim ist ein<br />
neuer Name im Kreis der Herausragenden ihres Fachs: für jede Herausforderung<br />
offen, wendig, von spielerischer Eleganz und beeindruckender<br />
Repertoirevielfalt. Die Violinistin Fabiola Kim ist auf dem<br />
Weg in die Spitzenklasse. Sie bekommt Flügel, wenn sie spielt, weiß<br />
elektrisierend die Spannung zwischen den Tönen hörbar zu machen,<br />
streicht mit schwelgender Dynamik und bestechender Klarheit.<br />
Geboren in New York, beginnt Fabiola Kim mit viereinhalb<br />
Jahren Geige zu spielen. Mit fünf kehrt sie mit ihren koreanischen<br />
Eltern zurück nach Seoul. Ihr Mutter ist Violinistin, ihr Vater Pianist,<br />
Dirigent und in Korea ein<br />
angesehener Professor. Ihre<br />
Eltern fördern sie, raten ihr aber<br />
ab, da raus einen Beruf zu<br />
machen – zu schwierig, zu steil<br />
und mühsam sei der Weg. Kim<br />
lässt sich nicht abhalten, spielt, übt und gewinnt zahlreiche Wettbewerbe.<br />
„Was mich von Anfang an fasziniert hat, ist, dass die Geige<br />
nur vier Saiten hat. Ich fragte mich immer, woher nur all die Töne<br />
kommen, all die Klangfarben – und da wusste ich, ich will nur eins:<br />
Geige spielen. Meine Mutter war überhaupt nicht begeistert und<br />
fragte, warum ich nicht Klavier lernen wolle, dann könnte mein<br />
Vater mich unterrichten.“ Fabiola Kim lacht: „Aber ich antwortete,<br />
dass ich das Klavier eigentlich nicht mag.“ Die Mutter zeigte sich<br />
einverstanden, stellte aber eine Bedingung: Fabiola könne das Geigespielen<br />
lernen, müsse aber auch ein wenig Klavier spielen. Und<br />
wieder lacht sie: „Immer wenn mein Klavierlehrer kam, versteckte<br />
ich all meine Noten und sagte, ich wüsste nicht, wo sie sind, und<br />
spielte einfach irgendwas. Als wir eines Tages umzogen, fanden die<br />
Möbelpacker all meine ‚verlorenen‘ Klaviernoten unter meinem Bett.“<br />
Die Weichen waren gestellt, die Geige wurde ihr Instrument.<br />
Ihre Lieblingskomponisten sind Schubert, Beethoven und Mozart.<br />
Mit sieben konzertiert sie mit dem Seoul Philharmonic Orchestra<br />
und wird beim Seoul Philharmonic Orchestra’s Concerto Competition<br />
die jüngste Preisträgerin, seit es diesen Wettbewerb gibt. Mit<br />
13 zieht sie wieder nach New York, absolviert mit Bravour die Juilliard<br />
School. Ihr Repertoire wächst, Kim spielt Bach ebenso wie<br />
Berio, widmet sich Schönberg, Wieniawski und Ysaÿe: „Zeitgenössische<br />
Musik ist für mich interessant, weil die Gepflogenheiten fehlen,<br />
wie man so etwas zu spielen hat. Es gibt diese Regeln nicht. Wie<br />
oft hört man, Heifetz spielte das so und so und Gerede dieser Art.<br />
Aber es liegt doch an einem selbst, wie man spielt, die eigenen<br />
Kenntnisse sind gefragt. Man kann seine eigenen Erfahrungen nutzen,<br />
seine eigene Vorstellungskraft einbringen und das zum Klingen<br />
VON STEFAN SELL<br />
„SIE IST LAUNISCH! UND ES GIBT TAGE, DA WILL<br />
MEINE STRADIVARI EINFACH NICHT SPIELEN“<br />
bringen, was den individuellen Möglichkeiten entspricht – um etwas<br />
zum Leben zu erwecken, was die meisten eben noch nicht gehört<br />
haben. Mozart war damals auch zeitgenössischer Komponist, und<br />
Komponisten müssen gespielt werden, damit sie Gehör finden.“<br />
Einen besonderen Bezug hat Kim zu Bartók: „Ich bin ein großer<br />
Fan. Als meine Mutter mit mir hochschwanger war, unterrichtete<br />
sie Bartók, die beiden Sonaten und die Solosonate. Ich glaube,<br />
deshalb bin ich so verrückt nach Bartók: Ich verstehe seine Sprache.“<br />
Nun erscheint ihr Debütalbum mit Violinkonzerten von Bartók,<br />
Walton und Hartmann, allen gemeinsam das Entstehungsjahr <strong>19</strong>39,<br />
so auch der Titel der CD, die sie mit den Münchener Symphonikern<br />
unter der Leitung von Chefdirigent Kevin John Edusei eingespielt hat.<br />
Alle Beteiligten waren von der<br />
Zusammenarbeit begeistert:<br />
„Wir hatten zuvor nur ein Konzert<br />
miteinander, hatten also<br />
eine ganze frische Beziehung.<br />
Aber es hat sofort klick gemacht<br />
und wir wussten schnell, was jeder wollte. Das Orchester und Kevin<br />
sind sehr flexibel und aufgeschlossen, und ich denke, ich bin es auch.<br />
Es war ein wirklich gutes Zusammenspiel, wir sind uns nahegekommen<br />
und hatten auch nach den Aufnahmen Zeit miteinander. Zudem<br />
hatte das Orchester auch die Geduld, verschiedene Sachen einfach<br />
auszuprobieren. Alle waren mit ganzem Herzen dabei.“ Man hört den<br />
wohltuend frischen Wind ihrer eigenen Ideen und die spielfreudige<br />
Bereitschaft des Orchesters, sie zu tragen.<br />
Ist es wahr? Sie spielt eine Stradivari? „Ja, eine späte Stradivari<br />
von 1733 von einem privaten Sammler. Es ist fantastisch. Ich spiele<br />
sie seit einigen Jahren und entdecke jeden Tag neue Klänge. Sie hat<br />
einen ganz außergewöhnlich schönen Ton, ist aber auch kompliziert,<br />
launisch – es gibt Tage, da will sie einfach nicht spielen.“<br />
Heute lebt die 28-Jährige in Los Angeles und lehrt neben ihrer<br />
umfangreichen Konzerttätigkeit an der Colburn School. „Ich bin<br />
von New York nach L.A. gezogen, um nach meinem Abschluss an<br />
der Juilliard School hier an die Colburn School zu gehen. Das ist<br />
eine relativ junge Schule, sie existiert seit etwa 15 Jahren, klein, mit<br />
etwa 100 Studenten, aber vielen Fachbereichen. Das Besondere an<br />
ihr: Sie ist frei für die Studenten.“ Nach ihren Träumen und Visionen<br />
gefragt, sagt sie: „Ich will spielen, spielen, spielen – so viel ich kann.<br />
Ich liebe es aufzutreten und möchte, dass alle Menschen Zugang<br />
zur klassischen Musik haben, nicht nur die reichen in den Logenplätzen.<br />
Privat wünsche ich mir eine Farm, eine eigene<br />
Farm für alle Tiere, die kein Zuhause haben.“ Sieht<br />
so aus, als bekäme Captain bald Gesellschaft. n<br />
„<strong>19</strong>39“: Fabiola Kim, Kevin John Edusei (Solo Musica)<br />
FOTO: CHRISTINE SCHNEIDER<br />
22 w w w . c r e s c e n d o . d e — <strong>Juni</strong> – Juli – <strong>August</strong> 20<strong>19</strong>
23
K Ü N S T L E R<br />
EIN GESCHENK<br />
DES LEBENS<br />
Die katalanische Sopranistin Nuria Rial hat barocke Klangschönheit im Gefühl<br />
und lotet mit Sanftmut und Gelassenheit immer wieder ihre Grenzen aus.<br />
VON KATHERINA KNEES<br />
Sie möchte mit dem<br />
Herzen singen: Nuria Rial über<br />
ihr Projekt „Mother“<br />
FOTO: MERCE RIAL<br />
RESCENDO: Wie haben Sie das aktuelle Projekt<br />
„Mother“ erlebt, das Sie gemeinsam mit Danya Segal<br />
und Dima Orsho und dem Ensemble Musica Alta Ripa aufgenommen<br />
haben?<br />
Nuria Rial: Das ist wirklich ein ganz besonderes Projekt. Egal,<br />
aus welcher Kultur man kommt, die Rolle der Mutter ist immer<br />
zentral, und die Mutterliebe ist überall Thema. Das wollten wir<br />
musikalisch mit barocken Arien und arabischen Wiegenliedern<br />
zum Ausdruck bringen. Danya Segal hatte die Idee und Dima<br />
Orsho hat extra die Werke Ishtar und Hidwa für uns komponiert.<br />
Deshalb ist es auch ein sehr persönliches Projekt. Es war für mich<br />
auch eine ganz neue Erfahrung, mit einer syrischen Sängerin und<br />
Komponistin zu arbeiten. Das habe ich vorher noch nie gemacht.<br />
Wie drückt sich die Mutterliebe klanglich in der Musik aus?<br />
Das ist ganz unterschiedlich. Es gibt zärtliche Wiegenlieder –<br />
ich habe zum Beispiel Komm, oh Schlaf von Telemann gesungen.<br />
Und das arabische Habibi ist auch ein Wiegenlied. Seit ewigen<br />
Zeiten und in allen Kulturen singen Mütter ihre Kinder mit<br />
Wiegenliedern in den Schlaf. In manchen Stücken kommt<br />
allerdings auch Verzweiflung zum Ausdruck. Muttersein ist ja<br />
nicht immer nur schön. Manchmal geht es auch um Verlust, um<br />
Angst und um Sorgen.<br />
Wie nehmen Sie selbst die Mutterrolle wahr?<br />
Da denke ich viel drüber nach, nicht nur im Rahmen des Projekts.<br />
Wenn man Mutter wird, ändert das das Leben komplett. Auch die<br />
Stimme. Meine Stimme hat nach der Schwangerschaft ein<br />
24 w w w . c r e s c e n d o . d e — <strong>Juni</strong> – Juli – <strong>August</strong> 20<strong>19</strong>
„ES IST IMMER GUT, WENN MAN DAS REPERTOIRE ERWEITERT<br />
UND DANN WIEDER ZURÜCKKOMMT. DAS HÄLT DIE STIMME FRISCH“<br />
bisschen an Körper gewonnen, das ist wohl auch eine hormonelle<br />
Sache. Muttersein ändert aber auch die Gedanken und die<br />
Prioritäten. In der Schwangerschaft habe ich mich gefragt, wie<br />
das alles klappen soll mit dem Singen. Aber ich hatte zum Glück<br />
viel Unterstützung von meiner Mutter. Man macht sich ja immer<br />
Sorgen, ob zu Hause alles läuft. (lacht) Es hat immer alles gut<br />
geklappt. Mein Sohn ist jetzt 14, ich habe also die Wiegen lieder-<br />
Zeit schon hinter mir, in der die Kinder noch ganz klein sind.<br />
Aber es ist und bleibt ein starkes Gefühl, es verändert alles. Als<br />
Danya Segal mir von dem Projekt erzählt hat, wusste ich sofort,<br />
dass ich das unbedingt machen möchte.<br />
In dem Projekt stehen viele starke Frauen gemeinsam auf der<br />
Bühne. Hat das eine besondere Energie?<br />
Danya Segal ist eine totale Powerfrau. Seit ich sie kenne, hat sie<br />
immer neue Ideen. Sie ist der Motor des Ensembles Musica Alta<br />
Ripa. Gibt immer Gas und hört nie auf, sich etwas Neues auszudenken.<br />
Und Dima Orsho hat eine unglaubliche Stimme und eine<br />
große Musikalität. Sie singt sowohl die arabische Musik als auch<br />
ein Opernduett von Händel mit mir zusammen, in dem sie zeigt,<br />
dass sie auch eine klassische Ausbildung hat. Sie hat eine große<br />
Stimme, mit der sie einen ganzen Saal füllen<br />
kann, und braucht kein Mikrofon. Das ist in<br />
der Musik, die sie ansonsten singt, eher<br />
außergewöhnlich. Aber auch sie hat sehr viel<br />
Power. Es ist ein echtes Frauenpower- Projekt!<br />
(lacht)<br />
Sind Sie auch eine Powerfrau?<br />
Och, ich bin eher eine Ruhige. Ich bin voller<br />
Freude und liebe die Musik über alles. Aber ich<br />
bin weder eine Diva noch bin ich aufgedreht,<br />
stehe auch nicht den ganzen Tag unter Strom.<br />
Ich bin eher ruhig, betrachte die Sachen mit<br />
einem gewissen Abstand. Mir hat auch immer<br />
geholfen, dass ich mich gerne anpasse. Und ich bin sanft zu mir<br />
selbst. Wenn etwas nicht so gut klappt, dann denke ich: „Beim<br />
nächsten Mal gibt es wieder eine Chance.“<br />
Wie haben Sie Ihre Stimme entdeckt?<br />
Ich singe, seit ich denken kann. In der Schule, zu Hause im<br />
Treppenhaus in dem katalanischen Dorf, in dem ich aufgewachsen<br />
bin. Dort hat es wie in einer Kirche geklungen. Ich habe erst<br />
Klavier gelernt, dann mit 15 Jahren mit Gesang angefangen – und<br />
so ging es immer weiter, ganz bedächtig, Schritt für Schritt.<br />
Niemand in meiner Familie war Musiker. Ich habe mir alles ganz<br />
langsam erarbeitet. Zunächst habe ich auf Hochzeiten gesungen,<br />
dann war ich im Chor in einem kleinen Ensemble, dann in<br />
Barcelona. Das Leben hat mir das alles geschenkt, ich musste<br />
mich nicht sehr anstrengen.<br />
Und schließlich haben Sie die Liebe zur Musik zum Beruf<br />
gemacht.<br />
Ja, das war schon immer mein Wunsch, ich wusste nur nicht, ob<br />
ich es schaffen kann. Als ich mit der Schule fertig war, haben alle<br />
Lehrer gesagt: „Du musst studieren! Nicht immer nur die Musik,<br />
um Gottes Willen!“ Aber zum Glück standen meine Eltern hinter<br />
mir. Und so habe ich immer weitergemacht. Als ich mit 23 nach<br />
Basel gegangen bin, hatte ich endgültig die Gewissheit, dass es<br />
genau das ist, was ich machen möchte. Da hat sich eine ganz neue<br />
„EGAL, AUS WELCHER<br />
KULTUR MAN KOMMT,<br />
DIE ROLLE DER<br />
MUTTER IST IMMER<br />
ZENTRAL“<br />
Welt für mich eröffnet.<br />
In Ihren Projekten steht oft die Alte Musik im Mittelpunkt.<br />
Was reizt Sie daran?<br />
Die Barockmusik hat eine ganz besondere Kraft, finde ich. Das<br />
Publikum reagiert darauf auch sehr stark, ähnlich wie in<br />
Konzerten mit moderner Musik. Sie stehen auf und jubeln. Mit<br />
17 Jahren habe ich die Passionen von Bach gehört, das war mein<br />
Einstieg. Als Kind hatte ich gar keinen Zugang zur Klassik und<br />
habe nie eine Oper gehört. Nur Jazz und Musical und Pop. Als<br />
ich dann die Matthäus-Passion gehört habe, habe ich gestaunt,<br />
wie viel Power da drinsteckt – das hat mich sofort gepackt. Und<br />
es gibt immer noch jeden Tag so viel zu entdecken. Ich lese auch<br />
Literatur dazu und informiere mich, wie das damals aufgeführt<br />
wurde. Aber dann gebe ich immer noch meinen eigenen Senf<br />
dazu. (lacht) Ich versuche, nicht mit dem Kopf zu entscheiden,<br />
ob ein Triller von unten oder oben gesungen wird oder wie viel<br />
Vibrato ich einsetze – viel lieber möchte ich mit dem Herzen<br />
singen, damit es ganz natürlich wirkt. Und offenbar habe ich<br />
diese Sprache in mir. Selbst wenn ich etwas anderes singe,<br />
Mozart oder Haydn, kommen oft Leute zu mir und sagen:<br />
„Aber du singst bestimmt Barock, oder?!“<br />
Meine Art, Musik zu machen, ist sehr barock<br />
– meine Phrasierung, die Stimmführung ...<br />
Ich weiß auch nicht, warum. Aber es war<br />
schon immer so.<br />
Aber in Ihrem Repertoire findet man noch<br />
viele andere Facetten.<br />
Oh ja, wenn ich immer nur Händel und<br />
Vivaldi singen würde, dann wäre das nicht<br />
gesund. Es ist immer gut, wenn man sein<br />
Repertoire erweitert und dann wieder zurückkehrt.<br />
So bleibt die Stimme frisch! Und ich<br />
denke auch nie: „Ach, jetzt schon wieder<br />
Händel“, sondern ich freue mich total darauf, weil ich vorher<br />
etwas ganz anderes gesungen habe und meine Stimme dort ganz<br />
andere Herausforderungen hatte.<br />
Für welche musikalischen Ideen können Sie sich besonders<br />
begeistern?<br />
Vor Kurzem habe ich zusammen mit der Accademia del Piacere<br />
das Projekt „Muera Cupido“ mit spanischer Barockmusik<br />
aufgenommen. Außerdem habe ich Bachianas Brasileiras von<br />
Heitor Villa-Lobos mit acht Celli eingesungen, eine sehr romantische<br />
Musik. Das war etwas ganz anderes als das „Mutter“-Projekt.<br />
Und in meiner Jugend habe ich Jazz von Duke Ellington gesungen.<br />
Mich interessieren eigentlich alle Musikrichtungen. Ich<br />
versuche immer in mir selbst danach zu schauen, wie weit ich<br />
komme und wie weit ich noch gehen kann. Ich möchte auf keinen<br />
Fall in einer Schublade landen, wie das heutzutage automatisch<br />
viel zu schnell passiert. Deshalb finde ich es auch toll, wenn<br />
Projekte mehrere Musikrichtungen mischen. Das ist dann nicht<br />
wirklich Crossover, aber es kommen einfach<br />
verschiedene Stile zusammen. In Zukunft<br />
planen wir auch, Barockmusik und Flamenco<br />
zu kombinieren. Darauf bin ich sehr gespannt!n<br />
„Mother“, Nuria Rial, Dima Orsho (Deutsche Harmonia Mundi)<br />
25
K Ü N S T L E R<br />
„ICH LIEBE DIE<br />
EXTREMEN<br />
KONTRASTE“<br />
Rebecca Saunders erhält als erste Komponistin den Ernst von Siemens Musikpreis.<br />
VON CHRISTOPH SCHLÜREN<br />
FOTO: EVS MUSIKSTIFTUNG<br />
Die <strong>19</strong>67 in London geborene, heute in Berlin lebende<br />
Rebecca Saunders ist die erste Komponistin, die mit<br />
dem hoch dotierten Ernst von Siemens Musikpreis ausgezeichnet<br />
wird. Auch unter den drei Siemens-Förderpreisen<br />
für junge Komponisten, die gleichfalls am<br />
7. <strong>Juni</strong> im Münchner Prinzregententheater verliehen werden, sind<br />
zwei Frauen: neben dem Türken Mithatcan Öcal die Irin Ann Cleare<br />
und die Kanadierin Annesley Black. Doch sollen weder Quote noch<br />
Statistik zur Debatte stehen – vielmehr geht es hier um künstlerische<br />
beziehungsweise ästhetische Fragen.<br />
Rebecca Saunders hat jeweils einige Jahre bei Nigel Osborne<br />
und Wolfgang Rihm studiert, die einander ästhetisch keineswegs<br />
nahestehen. Mit beiden hat sie, das betont sie ausdrücklich, kein<br />
kompositionstechnisches Studium betrieben, sondern der Unterricht<br />
bestand in Gesprächen, Anregungen, Infragestellungen, bei<br />
denen sie als Studierende freie Hand über ihre kreativen Entstehungs-<br />
und Entscheidungsprozesse hatte. Osbornes altruistischer<br />
Einsatz für Menschlichkeit und menschliche Grundrechte weltweit,<br />
bei dem er musikalische Zusammenarbeit vor Ort und Traumaforschung<br />
verbindet, passt zu seiner gänzlich unorthodoxen Weiterentwicklung<br />
der Tradition jenseits aller Dogmen. Rihm hingegen<br />
hat zwar stets die Werke früherer Generationen aufmerksam studiert,<br />
doch in seinem Schaffen immer versucht, in jeder Hinsicht<br />
neue, unerforschte Wege zu gehen. Insofern steht ihm rein künstlerisch<br />
Rebecca Saunders näher, in deren Musik keine hörbaren<br />
Verbindungen zu früheren Traditionen bestehen.<br />
Wir kommen auch gleich darauf zu sprechen, was „Form“ für<br />
sie bedeutet (Rihm hat gelegentlich betont, dass alles eine Form<br />
26 w w w . c r e s c e n d o . d e — <strong>Juni</strong> – Juli – <strong>August</strong> 20<strong>19</strong>
hat, auch jedes Bruchstück). Sie verweist<br />
darauf, dass für sie die Form eines Stücks<br />
nicht von vornherein feststeht und sich stets<br />
im Verlauf des Komponierens ergibt. „Das<br />
Komponieren verfolgt einen Denkprozess<br />
– es ist ein forschendes Mittel zum Schaffen<br />
von neuen virtuellen Räumen und akustischen<br />
Strukturen. Dabei erlebe ich, wie sich eine ganze Welt auftut,<br />
in der neue Möglichkeiten sicht- und hörbar werden. Ich liebe<br />
vor allem extreme Kontraste: zwischen sehr statisch und extrem<br />
explosiv, zwischen zart und gewalttätig, zwischen sehr hoch und<br />
sehr tief, dunkel und hell, langsam und schnell. Das bringt mich<br />
und die Zuhörer in eine äußerste Konzentration, die uns ganz da<br />
sein lässt.“<br />
Die Möglichkeit, dass sie in ihrer Musik Abgründiges oder<br />
Bedrohliches ausdrücken möchte, weist sie entschieden von sich:<br />
„Ich möchte nichts Bestimmtes ausdrücken mit meiner Musik! Ich<br />
begebe mich tief in den Klang hinein, untersuche die Klänge, lote<br />
sie aus, erforsche ihr Innenleben. Dabei ist die körperliche Qualität<br />
der Klänge entscheidend, die haptische Qualität, der klangliche<br />
Kern, das Skulpturieren des Klanges.“ Das erinnert an die Ästhetik<br />
von Morton Feldman, und sie stimmt zu, dass dessen Musik in ihr<br />
besonders starke Eindrücke hinterlassen hat, wie auch diejenige<br />
Galina Ustvolskayas „in ihrer schroffen, unbarmherzigen Radikalität:<br />
eine ganz große Stimme des 20. Jahrhunderts“.<br />
Igor Strawinskys Parole, dass Musik nichts ausdrücken könne,<br />
stimmt sie freilich auch nicht zu: „Es gibt so unendlich viele Arten<br />
von Musik. Zum Glück leben wir heute in einer Zeit, in der wir<br />
durch keine Dogmen mehr eingeschränkt werden und uns eine<br />
Vielfalt von stilistischen, klanglichen und technischen Möglichkeiten<br />
stets zur Verfügung steht.“<br />
BEIM KOMPONIEREN<br />
ERLEBE ICH, WIE<br />
SICH EINE GANZE<br />
WELT AUFTUT<br />
Zugleich unterstreicht sie: „Es gibt<br />
keine neuen Klänge zu entdecken. Aber die<br />
perspektivische Untersuchung, die Durchleuchtung,<br />
die Zerlegung und Verschmelzung<br />
von Klängen, ihre gegenseitige Positionierung<br />
und Balancierung sind ein weites<br />
Feld kreativer Erschließung. Es geht dabei<br />
für den Komponisten weniger um Emotionen als um Physikalität.“<br />
Dann könnte man ihre Tätigkeit ja am passendsten als „Klangforschung“<br />
bezeichnen? „Teilweise, aber das ist nicht erschöpfend. Es<br />
ist zugleich auch keine eiskalte Angelegenheit.“<br />
Während es für Komponisten der Tradition eher um Tonsatz,<br />
um die größeren Zusammenhänge ging und geht, ist Rebecca Saunders’<br />
Augenmerk, also ihre ästhetische Vorliebe, primär auf die<br />
mikroskopische Erforschung des Klangs und seiner Bestandteile<br />
gerichtet. Der Blick hat sich vom Makrokosmos zum Mikrokosmos<br />
gewendet, was von vielen Kunstexperten heute als musikhistorischer<br />
Paradigmenwechsel empfunden wird.<br />
Auch wenn sie als Komponistin nichts Bestimmtes ausdrücken<br />
möchte, kommt sie bei der Frage, ob sie als Künstlerin denn<br />
Traumata verarbeite, ins Grübeln: „Gerade habe ich mein jüngstes<br />
Werk abgeschlossen, das, gewissermaßen subkutan, an ‚Skin‘ (Haut)<br />
von 2016 für Sopran und 13 Instrumente anschließt: Es heißt ‚Scar‘,<br />
die Narbe, bezeichnet also eine Wunde, die zwar aktuell geschlossen,<br />
jedoch spürbar noch vorhanden ist.“ Der Begriff der „eingefrorenen<br />
Emotion“ spricht sie an, und so erinnert ihre Art, das<br />
Seelenleben zu erforschen, durchaus an moderne medizinische<br />
Ansätze. Sie bestreitet dabei, dass es um die Überwindung von Leid<br />
geht oder gar um eine Verwandlung, sondern lediglich um die<br />
Annahme der menschlichen Fehlbarkeit als Grundvoraussetzung<br />
unserer Existenz.<br />
n<br />
CURRENTZIS<br />
SCHOSTAKOWITSCH<br />
SCHOSTAKOWITSCH SINFONIE NR. 7 (LENINGRADER)<br />
DIRIGENT: TEODOR CURRENTZIS<br />
DO 20. JUNI KÖLN, PHILHARMONIE · FR 21. JUNI HAMBURG, ELBPHILHARMONIE<br />
SO 23. JUNI MANNHEIM, ROSENGARTEN · DI 25. JUNI WIEN, KONZERTHAUS<br />
DO 27. UND FR 28. JUNI STUTTGART, LIEDERHALLE · SO 30. JUNI FREIBURG, KONZERTHAUS<br />
TICKETS FÜR STUTTGART · FREIBURG · MANNHEIM<br />
SWR CLASSIC SERVICE 07221 300 100
K Ü N S T L E R<br />
28 w w w . c r e s c e n d o . d e — <strong>Juni</strong> – Juli – <strong>August</strong> 20<strong>19</strong>
DIE UKRAINISCHE PIANISTIN ÜBER DIE<br />
ARCHITEKTUR VON MUSIK UND DIE VERGESSENE<br />
TRADITION RUSSISCHER ROMANZEN<br />
„TÖTE MICH,<br />
ABER BITTE<br />
LIEBE MICH!“<br />
Valentina Lisitsa<br />
ist der erste Klassikstar,<br />
der über YouTube berühmt wurde.<br />
Jetzt hat sie eine Gesamteinspielung<br />
von Tschaikowsky vorgelegt –<br />
und dabei einen<br />
emotionalen Strategen entdeckt.<br />
VON CHRISTOPH SCHLÜREN<br />
FOTO: GILBERT FRANCOIS<br />
Der Dünkel, die schlimmste Krankheit des berühmten,<br />
erfolgreichen Künstlers, gefördert vom Enthusiasmus<br />
der Verehrer und der Erbarmungslosigkeit des Wettbewerbs:<br />
Valentina Lisitsa gehört zu den Stars, die ihn überhaupt<br />
nicht haben. Man spürt in jedem Moment der Begegnung, dass<br />
sie sich primär für das unmittelbar Menschliche interessiert, dass<br />
ihr ganzes Wesen von Anteilnahme und Einfühlung inspiriert ist<br />
– was natürlich auch von größter Bedeutung ist, wenn es darum<br />
geht, mit der Musik zu verschmelzen, ihre Botschaft möglichst<br />
unverstellt zum Klingen zu bringen. Wie erfrischend, wenn ein<br />
Mensch sich nicht vom Erfolg verformen lässt, sondern ihn vielmehr<br />
zu nutzen versteht, um das, was ihm am Herzen liegt, möglichst<br />
ungehindert zu verwirklichen. Valentina Lisitsa ist kein<br />
29
K Ü N S T L E R<br />
Produkt eines Klassikmarktes,<br />
der Heilsbringer inthronisiert<br />
und Laufstegkarrieren produziert.<br />
Valentina Lisitsa hat es<br />
selbst geschafft, indem sie mit<br />
entspannt unprätentiösen Videos<br />
den Nerv des globalen jungen<br />
Publikums traf und zum ersten<br />
YouTube-Klassikstar aufstieg,<br />
der dann für die Flaggschiffe der<br />
Major Companies interessant<br />
wurde. In diese attraktive Position<br />
hat sie sich selbst gebracht.<br />
Und so ist auch ihre selbstbewusste<br />
Unabhängigkeit zu verstehen:<br />
Sie hat sich zu keinem<br />
Zeitpunkt verbogen und ist weniger<br />
denn je bereit dazu – was<br />
durchaus auch Irritation erzeugen<br />
kann. Doch lässt sich handwerklich<br />
nicht bestreiten, dass sie<br />
zu den führenden Pianisten<br />
unserer Zeit gehört, dass sie auch<br />
dahingehend kein Produkt<br />
irgendeines Hypes ist.<br />
Valentina Lisitsa erscheint<br />
zum Interview, nachdem sie<br />
gerade die Kompletteinspielung<br />
aller unbestritten authentischen<br />
Soloklavierwerke von Tschaikowsky hingelegt hat. Eine Komplettaufnahme,<br />
die kompletter als ihre Vorgänger ist, wie etwa die von<br />
Viktoria Postnikova, indem sie auch all das enthält, was man bisher<br />
erstaunlicherweise nicht für der Mühe wert hielt. Denn Tschaikowsky<br />
ist – all seiner Beliebtheit zum Trotz – ein verblüffend<br />
schlecht erschlossenes Kapitel der Musikgeschichte. Die Klavierkonzerte<br />
werden nach wie vor in Bearbeitungen gespielt, nur wenige<br />
Werke sind wirklich populär, diese dafür umso mehr: die letzten<br />
drei Sinfonien, die drei großen Ballette und ihre Suiten, die Solokonzerte,<br />
Romeo und Julia, Capriccio Italien, die Ouvertüre 1812,<br />
die Streicher-Serenade, Souvenir de Florence, das Klaviertrio und<br />
ein paar Einzelsätze – aber wer kennt den Rest? Für das Interview<br />
kam Valentina Lisitsa am Nachmittag mit dem Zug aus Baden-Baden<br />
nach München und fuhr am Abend zurück nach Saarbrücken,<br />
um dort am nächsten Tag einen Meisterkurs zu geben. Und mitnichten<br />
strahlte sie professionelle Routine aus. Auch den Blick auf<br />
die Uhr überließ sie anderen.<br />
Was ist der Ausgangspunkt bei so einem Projekt wie dieser<br />
Tschaikowsky-Gesamtschau? „Bei Tschaikowsky wie auch bei Rachmaninow<br />
ist es, um die Musiksprache zu verstehen, notwendig, die<br />
Romanzen, also die Lieder kennenzulernen, ihre Vokalmusik, also<br />
wie der Komponist die Bedeutung der Worte mit der Musik zusammenbringt.<br />
Wie man bei Mozart die Opern, bei Schubert oder<br />
Brahms die Lieder kennen sollte. Nicht umsonst spricht man von<br />
der ‚Stimme des Komponisten‘, von der Art, wie er singt.“<br />
Bei der Sprachbarriere, die im Russischen auch noch zusätzlich<br />
eine Buchstabenbarriere ist, verwundert es nicht, dass das Wissen<br />
darüber nicht sehr verbreitet ist, und so übersetzt sie aus einem<br />
der Lieder, deren Text vom Komponisten selbst stammt:<br />
„Quäle mich, so viel du willst, aber bitte mit Liebe! […]<br />
Gibt es denn kein Mitleid in deinem grausamen Herzen? […]<br />
Töte mich, aber bitte liebe mich!“<br />
TSCHAIKOWSKY IST EIN VERBLÜFFEND<br />
SCHLECHT ERSCHLOSSENES<br />
KAPITEL DER MUSIKGESCHICHTE<br />
FOTO: GILBERT FRANCOIS<br />
Das erinnert an den Hit<br />
Cold as Ice von Foreigner, aber<br />
Tschaikowsky war der bessere<br />
Komponist. Er spricht so unmittelbar<br />
aus seinem Herzen zum<br />
Hörer, dass viele glauben, seine<br />
Musik sei einfach Äußerung von<br />
Emotion und Leidenschaft, und<br />
es genüge, sich mit entsprechender<br />
Leidenschaft in ihre emotionalen<br />
Aufwallungen hineinzustürzen.<br />
Sie lacht: „Das verstehen<br />
viele nicht. Er ging strategischer<br />
vor als alle anderen russischen<br />
Komponisten seiner Zeit, gerade<br />
auch als die Petersburger Nationalrussen.<br />
Alles ist ganz klar<br />
konzipiert und strukturiert, und<br />
es ist eben ein echtes Wunder,<br />
dass diese mächtigen Architekturen<br />
so mit Leben erfüllt sind,<br />
dass man von diesem Grundriss<br />
so leicht nichts wahrnimmt.<br />
Wodurch die klaren Proportionen<br />
und harmonischen Verbindungen<br />
unterbewusst wirken<br />
können.“<br />
Ob sie wohl ein Beispiel<br />
geben kann, wie sie sich den<br />
weniger bekannten Stücken angenähert hat? „Jaja, die Valse- Caprice<br />
op. 4 – ein recht umfangreiches Stück, es gibt keine Standards: Was<br />
mache ich damit? An einem Tag unterwegs hatte ich nur ein altes,<br />
verstimmtes Klavier zur Verfügung, das fast klang wie eine Gitarre.<br />
Und plötzlich offenbarte sich mir der Sinn des Stücks! Ich entdeckte<br />
die heute vergessene Tradition volkstümlicher russischer Romanzen<br />
mit Gitarrenbegleitung, zum Beispiel der großen Sängerin Antonia<br />
Neshdanova. Ein Klavier muss ein Orchester sein können, ein<br />
A-cappella- Chor oder eben auch eine Gitarre.“<br />
Und welche Musik auf ihrem neuen Album legt sie den Hörern<br />
nun am meisten ans Herz? „Unbedingt das Nussknacker-Ballett!<br />
Sergei Taneyev, Tschaikowskys großer Schüler und enger Freund,<br />
erhielt den Auftrag, einen Klavierauszug zu erstellen. Er versuchte,<br />
alles hineinzupacken, und schnell kamen die Klagen der Kunden<br />
wegen ‚Unspielbarkeit‘. Also erstellte Tschaikowsky daraus, was er<br />
eine ‚vereinfachte Fassung‘ nannte – es ist immer noch wirklich<br />
virtuose Musik, und zugleich zeigt es ganz klar, was dem Komponisten<br />
wichtig war. In dieser ‚Black and White‘-Version gibt es<br />
Abschnitte, die bereits wie Schostakowitsch klingen. Auch die<br />
Abschluss-CD mit den Arrangements von Märschen und Ouvertüren<br />
enthält echte Überraschungen. Aber das Herzstück des Ganzen<br />
sind die 18 Morceaux op. 72, die zwischen dem Nussknacker und<br />
der Pathétique entstanden sind und deren Rezeption seit jeher darunter<br />
leidet, dass Tschaikowsky selbst sie abwertend als ‚Brotarbeit‘<br />
bezeichnete, also eines Aristokraten unwürdig. Diese durchweg<br />
wunderbare Musik wird bis heute vollkommen ignoriert, außer<br />
Pletnev hat fast niemand sie als Ganzes im Konzert<br />
gespielt. Ich wünsche mir, dass mein Album<br />
viele Pianisten in aller Welt inspiriert, sich dieser<br />
Musik zu widmen.“<br />
n<br />
Tschaikowsky: „Complete Works for Solo Piano“, Valentina Lisitsa (Decca)<br />
30 w w w . c r e s c e n d o . d e — <strong>Juni</strong> – Juli – <strong>August</strong> 20<strong>19</strong>
HÖREN & SEHEN<br />
Die besten CDs, DVDs & Vinylplatten des Monats von Oper über Jazz bis Tanz<br />
150 Jahre Wiener Staatsoper – eine DVD-Box zum Jubiläum (Seite 34)<br />
<strong>CRESCENDO</strong> Empfehlungen lesen und direkt kostenlos dabei anhören?<br />
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Rowan Pierce<br />
Die Sprache<br />
der Liebe<br />
„If music be the food of love, play on …“, so heißt es bei<br />
Shakespeare, und wohl kaum einer konnte dies betörender<br />
vertonen als Henry Purcell, der sich in seinen Werken<br />
farben- und nuancenreich mit der Liebe auseinandergesetzt<br />
hat. Deshalb kommt es nicht von ungefähr, dass sich<br />
das Debütalbum der jungen Sopranistin Rowan Pierce verschiedenen<br />
Liebesliedern des barocken Großmeisters widmet<br />
und dabei einen weiten Bogen spannt, angefangen<br />
vom Frühwerk She loves and she confesses too bis hin zu<br />
Sweeter than roses. Im Zentrum steht dabei stets der poetische<br />
Text. Diesen kunstvoll sprechenden Gesang gestaltet<br />
Pierce eindringlich aus und beeindruckt in ihrer Interpretation<br />
der bilderreichen Dichtungen mit unmittelbarer<br />
Präsenz und Klarheit. Einfühlsam begleitet von Richard<br />
Egarr und William Carter, erkundet die Sängerin so Purcells<br />
klangvolle Sprache der Liebe. DW<br />
ALTE<br />
MUSIK<br />
Henry Purcell: „The Cares of Lovers“ u. a.,<br />
Rowan Pierce, Richard Egarr, William Carter (Linn)<br />
Track 8 auf der <strong>CRESCENDO</strong> Abo-CD:<br />
From silent shades ,Bess of Bedlam‘<br />
31<br />
FOTO: ROBERT WORKMAN
H Ö R E N & S E H E N<br />
ORCHES-<br />
TER<br />
Matthias Kirschnereit<br />
Strahlende Juwelen<br />
Jeder kennt Robert Schumanns berühmtes<br />
a-moll-Klavierkonzert op. 54. Aber op. 92 oder 134?<br />
Matthias Kirschnereit und das schwärmerisch<br />
luzide aufspielende Konzerthausorchester Berlin<br />
unter Jan Willem de Vriend präsentieren die beiden<br />
nicht minder qualitätvollen einsätzigen, viertelstündigen<br />
Werke für Klavier und Orchester als<br />
facettenreich strahlende Juwelen. Ob Introduktion<br />
und Allegro appassionato oder Konzert-Allegro mit Introduktion<br />
– alles passt bei dieser Interpretation<br />
der oft wie freie Fantasien rhapsodisch sich entfaltenden<br />
Stücke: der große, flexible sinfonische Ton,<br />
in den sich der elegant aufschäumende oder zart<br />
schimmernd poetische Klavierklang mit großer<br />
Bandbreite in Dynamik und Ausdruck perfekt einfügt.<br />
Op. 86 nach dem Konzertstück für vier Hörner<br />
und Orchester eröffnet die CD, das Klavierkonzert<br />
ist am Ende eine traumschöne Zugabe und Ergänzung.<br />
KLK<br />
Robert Schumann: „Concertant“, Matthias Kirschnereit,<br />
Konzerthausorchester Berlin, Jan Willem de Vriend<br />
(Berlin Classics)<br />
FOTO: NEDA NAVAEE<br />
John Eliot Gardiner<br />
Farbenreichtum<br />
Wer Hector Berlioz jenseits der Oper auf<br />
Originalklanginstrumenten genießen oder<br />
auch erst kennenlernen will, dem sei diese<br />
Box mit acht CDs und einer DVD und Aufnahmen<br />
vor allem aus den <strong>19</strong>90er-Jahren ans<br />
Herz gelegt: Ob Rares wie die Ersteinspielung<br />
der Messe solennelle, die frühen Klavier-Lieder<br />
Irlande op. 2 und Tristia, das wunderbare verkappte<br />
Bratschenkonzert Harold en Italie (mit<br />
Gérard Caussé) oder Bekanntes wie Symphonie<br />
fantastique, Roméo et Juliette und La damnation<br />
de Faust – fehlen nur Les nuits d’été zur<br />
runden Anthologie. Noch immer besitzt großteils<br />
Referenzcharakter, was John Eliot Gardiner<br />
mit dem Orchestre Révolutionnaire et<br />
Romantique nicht zuletzt in der Symphonie<br />
dramatique (nach Shakespeare) oder der<br />
Légende dramatique (nach Goethe) mit viel<br />
Gespür für den Farbenreichtum Berlioz’ aus<br />
dem Orchester kitzelt und wie souverän die<br />
Sänger Anne Sofie von Otter, Robert Tear<br />
Gilles Cachemaille und<br />
Jean-Philippe Lafont<br />
agieren. KLK<br />
„Berlioz Rediscovered“,<br />
Orchestre Révolutionnaire et<br />
Romantique, John Eliot<br />
Gardiner (Decca)<br />
Dina Ugorskaja<br />
Klangvolles Erbe<br />
Es ist ein klangvolles Erbe, das Johannes<br />
Brahms der musikalischen Nachwelt hinterlassen<br />
hat, und gerade sein Erstes Klavierkonzert<br />
kommt als gewichtiges Meisterwerk<br />
daher, das fern verspielter Leichtfüßigkeit mit<br />
dramatischem Gestus und komplexer Dramaturgie<br />
in den Bann zieht. Auf ihrem neuen<br />
Album lässt die Pianistin Dina Ugorskaja den<br />
Geist dieses Werkes eindrucksvoll wiederauferstehen<br />
und deutet seinen musikalischen<br />
Inhalt mit feiner Anschlagskultur und warmen<br />
Klangfarben aus. Dabei gelingt ihr mit den<br />
Brandenburger Symphonikern unter der Leitung<br />
von Peter Gülke eine spannungsvolle,<br />
zutiefst menschliche und emotionale Interpretation,<br />
die nie Gefahr läuft, in übertriebenes<br />
Pathos abzugleiten. Als verinnerlichte<br />
Ergänzung zum Klavierkonzert sind die drei<br />
tiefgründigen Intermezzi op. 117 zu hören, die<br />
von Ugorskaja mal volksliedhaft schlicht, mal<br />
mit deutlichem Bezug zu Schumann interpretiert<br />
werden. DW<br />
Johannes Brahms: „Piano<br />
Concerto No. 1 op. 15,<br />
Intermezzi op. 117“, Dina<br />
Ugorskaja, Brandenburger<br />
Symphoniker, Peter Gülke<br />
(mdg)<br />
Anastasia Kobekina<br />
Russische Preziosen<br />
Auf ihrem neuen Album begibt sich die<br />
junge, bereits mehrfach ausgezeichnete und<br />
international gastierende Cellistin Anastasia<br />
Kobekina auf musikalische Spurensuche in<br />
ihr Heimatland Russland. Im Zentrum steht<br />
Dmitri Schostakowitschs Erstes Cellokonzert<br />
in Es-Dur, op. 107, das keinem Geringeren als<br />
dem großen Cellovirtuosen Mstislaw Rostropowitsch<br />
gewidmet ist. Während der<br />
Kopfsatz mit seinen Variationen über das<br />
autobiografische Motiv „DSCH“ mit seinen<br />
ganzen Härten und Kanten plastisch gestaltet<br />
wird, entlockt Kobekina vor allem in<br />
Mieczysław Weinbergs Fantasie für Cello und<br />
Orchester op. 52 ihrem Guadagnini-Cello<br />
einen warmen, kantablen Ton. Begleitet wird<br />
die Solistin vom Berner Symphonieorchester<br />
unter der Leitung von Kevin John Edusei. Die<br />
Weltneueinspielung von Vater Vladimir<br />
Kobekins tänzerischen Bacchants für Cello<br />
und Orchester (2018) rundet das gelungene<br />
Album ab. FA<br />
Dmitri Schostakowitsch,<br />
Mieczysław Weinberg,<br />
Vladimir Kobekin, Anastasia<br />
Kobekina, Berner<br />
Symphonieorchester, Kevin<br />
John Edusei (Claves)<br />
32 w w w . c r e s c e n d o . d e — <strong>Juni</strong> – Juli – <strong>August</strong> 20<strong>19</strong>
SOLO<br />
Evgeni Koroliov, Anna Vinnitskaya,<br />
Ljupka Hadzi Georgieva<br />
Frisch und klar<br />
Aufnahmen der Bach’schen Soloklavierkonzerte auf modernen Instrumenten<br />
gibt es zuhauf – und gute: Angela Hewitt, Vladimir Feltsman,<br />
Murray Perahia u. a. Von den Zwei-drei-vier-Tasteninstrument-Konzerten<br />
allerdings gab es auf modernen Instrumenten bis vor Kurzem noch<br />
keine Gesamteinspielung. Evgeni Koroliov, Anna Vinnitskaya und Ljupka<br />
Hadzi Georgieva mitsamt der Kammerakademie Potsdam kredenzen<br />
uns zehn der 13 vollständigen Konzerte – alle auf höchstem Niveau.<br />
Das ist nicht gefühlsduselig, sondern frisch, klar, musikalisch. Und sollte<br />
jemand die Legitimität einer Aufführung der Bach’schen Cembalokonzerte<br />
auf modernen Flügeln bezweifeln, darf man darauf hinweisen, dass<br />
Bach seine eigenen Oboen- und Violinkonzerte beziehungsweise Vivaldis<br />
L’estro armonico zu diesen Tasteninstrumentkonzerten<br />
verarbeitet hat. JFL<br />
Johann Sebastian Bach: „Concertos for Pianos“,<br />
Evgeni Koroliov, Anna Vinnitskaya, Ljupka Hadzi Georgieva,<br />
Kammerakademie Potsdam (Alpha)<br />
Track 2 auf der <strong>CRESCENDO</strong> Abo-CD:<br />
Konzert für drei Klaviere d-Moll, BWV 1063. III. Allegro<br />
András Schiff<br />
Bezwingend nervös<br />
Weder geschönt noch einschmeichelnd, dafür bezwingend nervös, wach<br />
und deshalb packend sind diese Aufnahmen von zwei der letzten Klaviersonaten<br />
Franz Schuberts (D 958 und 959). András Schiff spielt auch die<br />
Vier Impromptus (D 899) und Drei Klavierstücke (D 946), wie im frühen<br />
<strong>19</strong>. Jahrhundert üblich, auf einem Hammerflügel mit vier Pedalen.<br />
Dadurch ergibt sich ein weniger ausladendes, doch weitaus breiteres<br />
Farbspektrum mit herben und sogar ausgehöhlten Tönen. Vor allem die<br />
berühmten Impromptus gewinnen an Intensität, sind endlich wieder<br />
abgründige Miniaturen. Diese Einspielungen spiegeln also auch, warum<br />
Musikverleger zu Schuberts Lebzeiten dessen modulatorisch und rhythmisch<br />
kühne Klavierkompositionen ablehnten<br />
und für die Erstausgabe sogar rigide vereinfachen<br />
ließen. András Schiff fasziniert durch hochrangige<br />
Widerborstigkeit und belohnt dann wieder<br />
mit umso schöneren Phrasierungen. DIP<br />
ALTE-<br />
MUSIK<br />
Dorothee Oberlinger<br />
Nachtfantasien<br />
In der Dunkelheit stößt die Vorstellungskraft in unbekanntes<br />
Terrain vor. Glühende Sehnsüchte werden geweckt,<br />
düstere Alpträume türmen sich auf. Die Blockflötistin<br />
Dorothee Oberlinger und das Alte-Musik-Ensemble Sonatori<br />
de la Gioiosa Marca beschäftigen sich mit den vielfältigen<br />
Facetten der Nacht. Melancholisch stimmt die Soloflöte<br />
ein sephardisches Wiegenlied an, bevor die Musiker<br />
auf Entdeckungsreise durch Venetien gehen. In L’altra nocte<br />
m’insomniava stellt sich der Ordensbruder Fra Gerardo<br />
einen Liebenden vor, der von seiner Angebeteten träumt<br />
und beim Aufwachen erkennen muss, dass er allein im Bett<br />
liegt. Von Antonio Vivaldi sind die Konzerte La Notte und<br />
Il Riposo zu hören, außerdem die Serenade La Senna festeggiante<br />
zu Ehren des französischen Königs Ludwig XV. In<br />
Jean-Baptiste Lullys lyrischer Tragödie Atys tritt die allegorische<br />
Figur Le Sommeil auf. Der blinde Flötist Jacob van<br />
Eyck aus Utrecht schrieb Variationen über ein Nachtigallen-Lied,<br />
Heinrich Ignaz Franz Biber eine<br />
Chaconne über einen Nachtwächter. Ein<br />
Album, das nicht nur Schlaflosen gefallen<br />
wird! CK<br />
„Night Music“, Dorothee Oberlinger, Sonatori de la<br />
Gioiosa Marca (dhm)<br />
Franz Schubert: „Sonatas & Impromptus“, András Schiff (ECM)<br />
Amy Dickson<br />
Einfachheit und Menschlichkeit<br />
Nicht ohne Grund trägt die neue CD von Amy Dickson den Titel „In<br />
Circles“ (In Kreisen). Sie ist eine Hommage an die Volksmusik, die nach<br />
Ansicht der Saxofonistin seit Jahrhunderten weltweit permanent Einfluss<br />
auf die Entwicklung aller Musikgenres hat. Außerdem bietet sie<br />
mit ihrer Einfachheit und Menschlichkeit in digitalen Zeiten einen verbindenden<br />
Zufluchtsort. Als Belege hat Dickson 20 Stücke aus unterschiedlichen<br />
Kulturen von Andalusien über Ungarn bis Australien eingespielt.<br />
Prägnant und klar wie eine Stimme gibt dabei ihr Instrument den<br />
Ton an; Begleiter der schnörkellosen Interpretationen sind der Pianist<br />
Daniel de Borah, William Barton am Didgeridoo und das Adelaide Symphony<br />
Orchestra unter Nicholas Carter. Zeitgenössische<br />
Besonderheit ist ein Saxofon-Konzert,<br />
das James MacMillan eigens für Amy Dickson<br />
komponiert hat. ASK<br />
WELT-<br />
MUSIK<br />
Amy Dickson: „In Circles“, William Barton, Daniel de Borah,<br />
Adelaide Symphony Orchestra, Nicholas Carter (Sony)<br />
FOTO: HENNING ROSS<br />
33
H Ö R E N & S E H E N<br />
UNVERGESSENE OPERNABENDE<br />
Die Wiener Staatsoper feiert 150 Jahre Haus am Ring, und eine Box<br />
mit elf DVDs erinnert an acht triumphale Bühnenereignisse aus ihrer Geschichte.<br />
Oben links: Plácido<br />
Domingo als Troubadour<br />
Manrico in Verdis<br />
Il trovatore,<br />
oben rechts: Angelika<br />
Kirchschlager als<br />
Zerlina in Mozarts Don<br />
Giovanni,<br />
unten links: Jochen<br />
Schmecken becher als<br />
Musiklehrer, Peter<br />
Matic als Haus hofmeister<br />
und Nor bert<br />
Ernst als Tanz meister<br />
im Wiener Vorspiel zu<br />
Strauss’ Ariadne auf<br />
Naxos,<br />
unten rechts: Jelena<br />
Obraszowa in der<br />
Titelrolle von Bizets<br />
Carmen<br />
Den Durchbruch erfuhr Bizets Carmen nicht bei der<br />
Uraufführung 1872 in Paris, sondern erst drei Jahre<br />
später an der Wiener Hofoper. Stürmisch umjubelt,<br />
trat sie von da ihren Siegeszug um die Welt an. Einen<br />
künstlerischen Meilenstein in ihrer Wiener Rezeptionsgeschichte<br />
bildet die opulente, bilderreiche Inszenierung von<br />
Franco Zeffirelli aus dem Jahr <strong>19</strong>78 mit dem genialen Carlos Kleiber<br />
am Pult, Jelena Obraszowa als Carmen und Plácido Domingo als<br />
Don José. Nicht fehlen darf sie daher auf der DVD-Box,<br />
die zum 150-jährigen Jubiläum des Wiener Hauses<br />
erscheint.<br />
1869 bekam die Wiener Hofoper ein prächtiges<br />
neues Gebäude an der damals entstehenden Ringstraße.<br />
Die feierliche Eröffnung erfolgte mit Mozarts Don Giovanni,<br />
auf der Box vertreten in einer Inszenierung aus<br />
dem Jahr <strong>19</strong>99 von Roberto De Simone und mit Riccardo<br />
Muti am Pult. Acht legendäre und für die Geschichte<br />
des Hauses bedeutsame Regiearbeiten wurden für die<br />
Box zusammengetragen. <strong>19</strong>57, zwei Jahre nach dem Wiederaufbau<br />
des im Krieg zerstörten Hauses, übernahm Herbert von Karajan<br />
die künstlerische Leitung. Selbst ein Star mit enormer energetischer<br />
Ausstrahlung am Pult, holte er die Gesangsstars ans Haus. <strong>19</strong>73<br />
inszenierte und dirigierte er Verdis Il trovatore. Mit Plácido<br />
Domingo als Manrico ist die Produktion in einer Aufnahme aus<br />
dem Jahr <strong>19</strong>78 in der Box enthalten.<br />
Zum ersten Mal auf DVD zu sehen ist Sven-Eric Bechtolfs<br />
Inszenierung von Richard Strauss’ Ariadne auf Naxos<br />
aus dem Jahr 2012 in einer Aufführung von 2014 unter<br />
Christian Thielemann. Die Inszenierung hat einen<br />
besonderen Reiz, weil sie die Wiener Fassung mit dem<br />
<strong>19</strong>16 von Hofmannsthal und Strauss nachgereichten<br />
Vorspiel zeigt: Der „reichste Mann von Wien“ möchte<br />
seinen Gästen gleichzeitig eine ernste Oper und ein<br />
heiteres Vorspiel zeigen. RRR<br />
„150 Years Wiener Staatsoper – Great Opera Evenings“ (Arthaus)<br />
FOTO: MICHAEL POEHN / WIENER STAATSOPER<br />
34 w w w . c r e s c e n d o . d e — <strong>Juni</strong> – Juli – <strong>August</strong> 20<strong>19</strong>
ALTE<br />
MUSIK<br />
Renaud Capuçon und David Fray<br />
Romantischer Bach<br />
„Die Violinstimme erfordert einen Meister. Bach kannte die<br />
Möglichkeiten dieses Instruments und schonte es ebenso<br />
wenig, als er sein Clavier schonte“, schrieb der Musikforscher<br />
Johann Nikolaus Forkel über die Sechs Sonaten für Violine und<br />
Cembalo und wusste, dass sie „äußert sangbar und charaktervoll“<br />
sind. Die Franzosen Renaud Capuçon und David Fray,<br />
beide Meister ihres Fachs, lassen die Kantilenen schweben, und<br />
was den Charakter betrifft, mag man träumend an die hochklassigen<br />
Eigenschaften eines Pétrus denken und dessen vollmundig,<br />
üppig runde Fülle. Die vier Duosonaten aus Bachs essenziellstem<br />
Kammermusikzyklus, in dem das Klavier erstmalig<br />
befreit vom bloßen Basso continuo gleichwertig mit der Violine<br />
parliert, bestechen durch die brillante Anschlagsdynamik<br />
Frays in Harmonie mit der gezielten Akzentuierung der Violinstimme,<br />
die Capuçon in die Schwalbenflughöhe eines<br />
himmlisch blauen Sommerabends führt. Ein romantisch interpretierter<br />
Bach, anmutig und atemberaubend! SELL<br />
Johann Sebastian Bach:<br />
„Sonatas“, Renaud<br />
Capuçon, David Fray<br />
(Erato)<br />
David Fray<br />
FOTO: JEAN-BAPTISTE MILLOT<br />
John Neumeier<br />
Sinnliche Expressivität<br />
Eine umfassende, opulente Werkschau präsentiert John Neumeiers<br />
vielseitiges Wirken als Choreograf, Kostümbildner, Bühnenbildner<br />
und Lichtdesigner. Anlässlich des 80. Geburtstages des<br />
berühmten Ballett-Stars erscheint diese Kollektion, die vier Ballette<br />
auf acht DVDs umfasst: Nijinsky nach Musik von Schumann,<br />
Chopin, Rimski-Korsakow und Schostakowitsch, das Weihnachtsoratorium<br />
Johann Sebastian Bachs, Tatiana and the little Mermaid mit<br />
Musik von Lera Auerbach. Jede einzelne dieser so unterschiedlichen<br />
Produktionen hat ihren besonderen Reiz. Verbunden werden<br />
sie durch die tiefe künstlerische Durchdringung des<br />
jeweiligen Stoffes. Das umfangreiche Booklet sowie<br />
die beigefügten Interviews auf den DVDs bieten<br />
eine Fülle an interessanten Informationen rund um<br />
den Künstler und seine Werke. Menschlich-anrührend<br />
und von außergewöhnlicher sinnlicher Expressivität.<br />
AF<br />
„John Neumeier Collection“, John Neumeier, Hamburg Ballett,<br />
San Francisco Ballet u. a. (Cmajor)<br />
Calmus Ensemble<br />
Prächtige Fülle<br />
SAKRALE<br />
MUSIK<br />
TANZ<br />
Als Leipziger Disputation ging jenes akademische Streitgespräch in die<br />
Geschichte ein, das 15<strong>19</strong> die Reformatoren Karlstadt und Martin Luther mit<br />
dem papsttreuen Johannes Eck führten. Großen Eindruck machte damals beim<br />
Eröffnungsgottesdienst in der Thomaskirche eine zwölfstimmige Messe. War es<br />
die Missa Et ecce terrae motus des Frankoflamen Antoine Brumel? Ja, sagen das<br />
Leipziger Calmus Ensembles und amarcord – und vereinigen dafür erstmals ihre<br />
vokalen Kräfte mit den beiden Sopranistinnen Anna Kellnhofer und Isabel Schicketanz<br />
zum runden Dutzend. Die stets differenzierte, prächtige Fülle der Messe<br />
reicht von ekstatischem Geschnatter und grandiosen Dissonanzen bis zu schwebender<br />
Ruhe und göttlicher Majestät: Alles kosten sie sauber, lustvoll und mit<br />
rhythmischem Drive aus. Passende Gregorianik, katholische Kirchenmusik und<br />
trotzige Reformationswerke runden diesen klingenden Einblick<br />
in eine theologisch-politisch umkämpfte Zeit ab. WW<br />
Antoine Brumel, Thomas Stoltzer, Johann Walter und Josquin des Préz:<br />
„Leipziger Disputation“, Calmus Ensemble, amarcord, Anna Kellnhofer und<br />
Isabel Schicketanz (Carus)<br />
Track 11 auf der <strong>CRESCENDO</strong> Abo-CD: Herr, wie lang willst du mein so gar<br />
vergessen? von Thomas Stoltzer<br />
Ben Wright<br />
Eine Fülle<br />
fantastischer Einfälle<br />
Theater, Oper, Tanz: Ben Wright hat schon in allen drei Bereichen gearbeitet.<br />
Seine Produktion „The feeling of going“ ist deshalb ein Hybrid aus<br />
ihnen. Zu Musik und Texten von Jónsi, dem Sänger der isländischen Band<br />
Sigur Rós, hat Wright mit dem Skånes Dansteater sowie dem Orchester<br />
und Chor der Malmö Opera eine Reise in eine Traumwelt inszeniert. Mit<br />
surrealen Bildern, die an die Ästhetik von René Magritte, Max Ernst und<br />
Robert Wilson erinnern, erzählt er aus der Perspektive eines jungen<br />
Mannes ein dunkles Märchen voll bizarrer Begegnungen mit Unterbewusstem.<br />
Virtuose Soli, Pas de deux und Gruppenszenen gehen fließend<br />
ineinander über; Videos und 3-D-Effekte verstärken magisch ihre Wirkung<br />
im Raum. Eingefangen mit Kameras, die sich<br />
zwischen den Akteuren und über ihnen bewegen,<br />
fasziniert eine Fülle fantastischer Einfälle. ASK<br />
Jónsi: „The feeling of going“, Moto Boy, Ben Wright, Skånes<br />
Dansteater, Malmö Opera Orchestra & Chorus (Arthaus)<br />
NEUE<br />
WELTEN<br />
Tianwa Yang<br />
Eine Bandbreite von Affekten<br />
Sind das drei Violinkonzerte, die nicht so genannt werden, oder<br />
haben wir es mit einem Zyklus zu tun, mit drei Einzelwerken, die<br />
kompositorisch und emotional ein Ganzes ergeben? Solche<br />
Querverbindungen kennt man von Wolfgang Rihm durchaus und<br />
auch die Folge dieser Stücke für Violine und Orchester, entstanden<br />
zwischen <strong>19</strong>92 und 2009, entwickelt eine nachvollziehbare<br />
dramaturgische Logik; von der zarten, fast esoterischen Verinnerlichung<br />
in Gesungene Zeit über das scherzohaft vergnügte Lichtes<br />
Spiel bis hin zum theatralisch bewegten COLL’ARCO zeigt Rihm<br />
mit identischer Besetzung eine große Bandbreite von Affekten.<br />
Die Interpretation von Tianwa Yang und dem Dirigenten Darrell<br />
Ang bewegt sich technisch auf hohem Niveau, der Klang ist transparent,<br />
ausdifferenziert und clean, leider<br />
eine Spur zu neutral und kühl für den Ausdrucksmusiker<br />
Rihm. FS<br />
Wolfgang Rihm: „Gesungene Zeit, Lichtes Spiel u. a.“,<br />
Tianwa Yang, Deutsche Staatsphilharmonie<br />
Rheinland-Pfalz, Darrell Ang (Naxos)<br />
35
H Ö R E N & S E H E N<br />
Unerhörtes & neu Entdecktes<br />
von Christoph Schlüren<br />
AUS DEM VOLLEN SCHÖPFENDE<br />
ANTI-ASKESE<br />
Historische und aktuelle Aufnahmen vergessener Meister,<br />
legendärer Vorbilder und unübertroffener Giganten.<br />
Am 5. April war der 150. Geburtstag von Albert Roussel.<br />
Kein Rummel wie um Debussy oder Ravel an vergleichbaren<br />
Tagen – stand er doch, zusammen mit<br />
Paul Dukas und Florent Schmitt, im Schatten dieser<br />
beiden Gallionsfiguren der französischen Musik im<br />
Umbruch zur Moderne. Doch Roussel war nicht weniger originell,<br />
seine Stimme ist unverkennbar, und sie hat ihre Wild- und Rauheiten,<br />
eine querständige Radikalität. Roussel verwandelte sich vom<br />
Impressionisten zum Meister dunkel gewandeter, kompromisslos<br />
organisch verwobener Sinfonik. Warner Classics würdigt das Jubiläum<br />
mit einer umfassenden Werkschau auf efl CDs, unter Mitwirkung<br />
großer Dirigenten wie Cluytens, Munch und Martinon.<br />
Der 100. Geburtstag von Henryk Szeryng, des großen polnischen<br />
Geigers und Kulturbotschafters seiner Wahlheimat Mexiko,<br />
war bereits im vergangenen September, und bei Universal sind sämtliche<br />
Philips-, DG- und Decca-Aufnahmen dieses Giganten in einer<br />
schmucken 44-CD-Box erschienen. Szeryng verkörperte zu Glanzzeiten<br />
unübertroffene geigerische Makellosigkeit und wurde mit<br />
seinem runden, vollen, intensiven Ton zum Vorbild einer Generation.<br />
Es lohnt unbedingt, seinen Brahms, Tschaikowsky, Khatschaturian<br />
oder Szymanowski zu hören, aber auch das Schumann-Konzert<br />
oder die Paganini-Konzerte. Größte Violinkunst, die später<br />
leider vom Alkoholismus eingetrübt wurde.<br />
Eine wunderbare Geigerin mit bestechend sachlich-expressiver<br />
Haltung war die Deutsche Edith Peinemann,<br />
der SWR Classic eine Retrospektive auf<br />
fünf CDs widmet, worunter besonders die fesselnden<br />
Aufnahmen der Konzerte von Pfitzner<br />
und Bartók (Nummer zwei) unter der Leitung<br />
von Hans Rosbaud he raus ragen. Wer Pfitzner<br />
unter optimalen Verhältnissen lauschen möchte,<br />
sollte hier unbedingt zugreifen. Auch die Kammermusik,<br />
mit Partnern wie Helmut Barth oder Maria<br />
Bergmann, ist exzellent ausgeführt, so etwa die<br />
c-Moll-Sonate Beethovens.<br />
Auf der jüngsten Zehn-CD-Anthologie<br />
Vol. IV von Jewgeni Mrawinski bei Profil (Hänssler)<br />
leitet der legendäre russische Maestro neben<br />
vielen Großartigkeiten (darunter Beethovens Sinfonien<br />
Nummer zwei bis sieben) auch drei Violinkonzerte, unter<br />
denen das erste von Schostakowitsch mit David Oistrach ein<br />
unübertroffener Klassiker, das Konzert von Boris Kluyzner mit<br />
Michail Vaiman eine wertvolle Repertoire-Ergänzung, das äußerst<br />
selten zu hörende a-Moll-Konzert des Armeniers Arno Babadschanjan<br />
von <strong>19</strong>48 mit Leonid Kogan jedoch eine Offenbarung ist, die<br />
jeder Geiger zur Kenntnis nehmen sollte.<br />
Auch im Bereich der Neuaufnahmen tut sich gelegentlich Epochales.<br />
Was Martyn Brabbins mit den vier hochkomplex strukturierten<br />
Sinfonien Michael Tippetts, die im Konzert bei allen Schönheiten<br />
unüberwindlich sperrig erscheinen können, anstellt, hat Anflüge<br />
einer Quadratur des Kreises, und in ihrer Souveränität und blitzschnellen<br />
Erfassung der wilden Kontraste lassen diese Aufnahmen<br />
Vorgänger wie Solti oder Colin Davis durchweg verblassen (Hyperion<br />
Records). Als Highlight gibt es dazu die Ersteinspielung der frühen<br />
Sinfonie in B von <strong>19</strong>34, der Nullten, die in ihrer geheimnisvoll schillernden<br />
Pracht wie ein Wegweiser von Vaughan Williams zu den<br />
Rituellen Tänzen des Sommernachtstraums anmutet.<br />
Eine andere, deftige Natur war der Amerikaner George Antheil<br />
(<strong>19</strong>00–<strong>19</strong>59), durch seine Autobiografie bekannt als „Bad Boy of Music“.<br />
Nach bilderstürmerischem Beginnen fand Antheil ab Mitte der<br />
<strong>19</strong>30er-Jahre, angeregt von der sowjetischen Sinfonik,<br />
zu einem anti-asketischen, hemmungslos aus dem Vollen<br />
schöpfenden Orchesterstil. Seine Sinfonien Nummer<br />
drei bis sechs, entstanden <strong>19</strong>36 bis <strong>19</strong>48, offenbaren<br />
ein weites Spek trum herrlich effektgeladener, aber auch<br />
logisch entwickelter Klangarchitektur, saftig orchestriert,<br />
oft wie ein amerikanischer Prokofjew, und<br />
sind das ideale Feld zur Kraftentfaltung für John<br />
Storgårds, den finnischen „wilden Mann“ am Pult<br />
des BBC Philharmonic (Chandos Records). n<br />
„Albert Roussel Edition“ (Warner) | „Henryk Szeryng. Complete<br />
Philips, Mercury and Deutsche Grammophon Recordings“ (Decca) |<br />
„Edith Peinemann. The SWR Studio Recordings <strong>19</strong>52–<strong>19</strong>65“ (SWR<br />
Classic) | „Yevgeny Mravinsky Edition“ Vol. IV (Hänssler) |<br />
Michael Tippett: „Symphonies 3 & 4, B flat“, Rachel Nicholls,<br />
BBC Scottish Symphony Orchestra, Martyn Brabbins (Hyperion) |<br />
George Antheil: „Archipelago, Symphony No 3. u.a.”,<br />
BBC Philharmonic, John Storgårds (Chandos)<br />
36 w w w . c r e s c e n d o . d e — <strong>Juni</strong> – Juli – <strong>August</strong> 20<strong>19</strong>
Concerto Copenhagen<br />
Beglückend lyrisch<br />
Elverskud (Erlkönigs Tochter) gehört zur Gruppe jener romantischen Konzertstücke,<br />
die mit sehnsüchtigen Tönen die unglückliche Begegnung von Menschen<br />
mit Elementargeistern oder ruhelosen Toten malen. Niels W. Gades von ihm<br />
mehrfach verbessertes Opus steht auf gleicher künstlerischer Höhe wie die<br />
Schöne Melusine Mendelssohns, dessen Nachfolger als Gewandhauskapellmeister<br />
er war, oder Dvořáks Geisterbraut. Elverskud wurde 2006 in den nationalen<br />
Kanon des dänischen Kulturministeriums aufgenommen. Die hier betörend<br />
schön gesungene Kantate von Herrn Oluf, der nach der Begegnung mit der<br />
dunkelhaarigen Tochter des Erlkönigs stirbt, ist ein beglückend lyrisches Tonpoem,<br />
zumal wenn sie so stilkundig ausgeführt wird wie von Concerto Copenhagen.<br />
Gades Fünf A-cappella-Gesänge sind eine stimmungsvolle Ergänzung und<br />
zeigen, dass es weitaus mehr Berührungspunkte zwischen Leipzig und Edvard<br />
Grieg gibt, als gemeinhin bekannt. DIP<br />
Niels W. Gade: „Erlkönigs Tochter“, Sophie Junker, Ivonne Fuchs,<br />
Johannes Weisser, Danish National Vocal Ensemble, Concerto<br />
Copenhagen, Lars Ulrik Mortensen (DaCapo)<br />
Track 10 auf der <strong>CRESCENDO</strong> Abo-CD: So oft mein Auge die<br />
Fluren schaut<br />
Mariss Jansons<br />
Warmtönige Klangpracht<br />
Für eine Extraportion Romantik ist man doch nie zu alt. Das gilt auch für<br />
Mariss Jansons, der mit seinem BR-Symphonieorchester auf dem hauseigenen<br />
Label diesen sinfonischen Doppelpack geschnürt und damit eine Lücke seiner<br />
Diskografie gefüllt hat. Beide Werke liegen auf der CD als technisch hochklassige<br />
Konzertmitschnitte vor und zeigen das Orchester in seiner ganzen warmtönigen<br />
Klangpracht und musikalischen Beredsamkeit. Jansons lässt die Musik<br />
wunderbar fließen und verbindet akribische Detailarbeit mit dem Gespür<br />
fürs Ganze, den großen Spannungsbogen. Vor allem der Schubert begeistert<br />
durch die Synthese von romantischer Fülle und klassizistischer, fast tänzerischer<br />
Eleganz. In Schumanns B-Dur-Sinfonie entfalten die Mittelsätze eine poetisch-schwärmerische<br />
Intensität, die an Tschaikowsky erinnert, lediglich in den<br />
Ecksätzen könnte man sich etwas mehr Drive und Spontanität vorstellen. FS<br />
Robert Schumann: „Symphonie Nr. 1“, Franz Schubert: „Symphonie<br />
Nr. 3“, Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, Mariss<br />
Jansons (BR Klassik)<br />
Track 1 auf der <strong>CRESCENDO</strong> Abo-CD: Sinfonie Nr. 1 B-Dur, op. 38<br />
„Frühlingssinfonie“. I. Andante un poco maestoso – Allegro molto<br />
vivace – Animaro. Poco a poco stringendo von Robert Schumann<br />
Howard Shelley<br />
Vergessene Wunderkinder<br />
„Musik aus Chopins Zeit“, so heißt eine Reihe an Veröffentlichungen des Fryderyk<br />
Chopin Institute, die sich vorgenommen hat „verlorene Schönheit“ wiederzuentdecken.<br />
Jetzt erscheint in dieser Reihe eine besonders hörenswerte Aufnahme:<br />
Pianist und Dirigent Howard Shelley widmet sich Werken von Jósef<br />
Władysław Krogulski (1815-1842) und Franciszek Lessel (ca.1780 - 1838). Beide<br />
Chopin-Zeitgenossen wurden als große Begabungen gefeiert, gerieten aber in<br />
Vergessenheit. Krogulski, als „polnischer Mozart“ bekannt, studierte bei Józef<br />
Elsner, der auch Chopin ausbildete. Als er sein erstes Klavierkonzert selbst aufführte,<br />
war er gerade einmal 15 Jahre alt. Die Parallelen zu Chopins Stil sind<br />
nicht zu überhören. Auch Lessel wurde von Elsner als „Komponist von Genialität“<br />
geschätzt. Sein Adagio et rondeau à la polonaise wird sogar als Vorbild für<br />
Chopins Andante spianato et grande polonaise brillante gehandelt. Charmant und<br />
mit perlendem Klavierklang präsentiert Shelley diese<br />
großen Werke und überzeugt den Hörer durch sein<br />
präzises, feinfühliges Spiel von der noch zu wenig<br />
bekannten Musik. SK<br />
Jósef Władysław Krogulski und Franciszek Lessel, Howard Shelley,<br />
Sinfonia Varsovia, Howard Shelley (Naroddowy Institute Fryderyka<br />
Chopina)<br />
ORCHES-<br />
TER<br />
Kirill Gerstein<br />
Piano monumental<br />
Als „Wolkenkratzer-Konzert“ hat Ferruccio Busoni sein <strong>19</strong>04 komponiertes<br />
und selbst uraufgeführtes Klavierkonzert bezeichnet, in ironischer<br />
Anspielung auf dessen Monumentalität: Mit den fünf Sätzen<br />
und einer Spieldauer von über 70 Minuten stellt Busoni nicht nur das<br />
klassische Formkonzept eines Solistenkonzerts auf den Kopf, sondern<br />
sucht durch das Chorfinale auf einen Text aus Adam Gottlob<br />
Oehlenschlägers Erlösungsdrama Aladdin auch Anschluss an sinfonische<br />
Traditionen. Der Pianist Kirill Gerstein hat mit dem Boston<br />
Symphony Orchestra und den Männern des Tanglewood Festival<br />
Chorus unter der Leitung von Sakari Oramo eine überzeugende und<br />
auf Transparenz setzende Aufnahme vorgelegt, ein Livemitschnitt<br />
eines Konzerts von 2017 in der Symphony Hall von Boston. Begleitet<br />
wird die Aufnahme von einem luxuriösen wie informativen Booklet<br />
mit Essays von den renommierten Busoni-Forschern Albrecht Riethmüller<br />
und Larry Sitsky. FA<br />
Finnish Radio Symphony Orchestra<br />
Orchestrale Wucht<br />
Ferrucio Busoni: „Piano<br />
Concerto op. 39“, Kirill<br />
Gerstein, Boston Symphony<br />
Orchestra, Sakari Oramo<br />
(myrios classics)<br />
Die Werke von Bernd Alois Zimmermann haben auch Jahrzehnte<br />
nach dessen Tod nichts von ihrer Brisanz verloren. Ihre musikalische<br />
Relevanz ist aktuell wie zur Zeit ihrer Uraufführung, ihre Faszination<br />
und Authentizität haben nichts von ihrer ursprünglichen Qualität eingebüßt.<br />
Mehr noch als manche Werke aktueller Zeitgenossen lassen<br />
Werke wie die hier eingespielten Photoptosis und die Vokalsinfonie<br />
Die Soldaten in Abgründe blicken. Sie berühren, ja erschüttern. Das<br />
Finnish Radio Symphony Orchestra unter Hannu Lintu reizt diese<br />
beiden Werke Zimmermanns vollends aus. Mit unbändiger orchestraler<br />
Wucht, aber auch feinem Klangsinn zeichnen die Musiker ebenso<br />
monströse Klangeruptionen wie feinste Verästelungen der hochkomplexen<br />
Partituren nach. Das frühe Violinkonzert, das durchaus noch<br />
Einflüsse von Klassikern der Moderne wie<br />
Strawinsky oder Schostakowitsch ahnen lässt,<br />
wird von Leila Josefowicz mit großartigem<br />
Aplomb gespielt. GK<br />
Bernd Alois Zimmermann: „Violin Concerto“, „Photoptosis“<br />
u. a., Leila Josefowicz, Finnish Radio Symphony Orchestra,<br />
Hannu Lintu (Ondine)<br />
37<br />
FOTO: MARCO BORGGREVE
H Ö R E N & S E H E N<br />
SOLO<br />
Philippe Mouratoglou<br />
Vollendete Schönheit<br />
Unglaublich, dieser Philippe Mouratoglou ist überall zu Hause. Keine Genres,<br />
keine Stile, die der Franzose beiseiteschiebt, ein jegliches hat seine Zeit. Ob<br />
Klassik, Blues, Jazz oder Flamenco, ob Solo, Duo oder Trio, der Gitarrist findet<br />
auf seinen Saiten für alles Platz. Doch fern von Beliebigkeit, weiß Mouratoglou<br />
genau, was er spielt. Das zeigt sein neues Album mit der Musik von<br />
Fernando Sor, dem katalanischen „Schubert“, „Beethoven“ oder „Mozart der<br />
Gitarre“, wie er genannt wurde. Sor ist für die klassische Gitarre ein Muss,<br />
weil aber die Beethovens und Mozarts nichts für Gitarre geschrieben haben,<br />
kennen ihn viele nicht. Neben seinem Werk für Gitarre schuf er ebenso<br />
begabt Opern wie Ballettmusiken. Umso entdeckenswerter<br />
ist diese einzigartige Einspielung eines oft<br />
gespielten Repertoires. Mouratoglou verschmilzt mit<br />
dem Werk Sors so versiert, dass die vollendete<br />
Schönheit klassischer Gitarre zum Erlebnis wird. SELL<br />
Linda Leine und Daria Marshinina<br />
Melodischer Reichtum<br />
Wie hat man sich die ungewöhnliche Besetzung eines Klavierduos<br />
vorzustellen? Linda Leine und Daria Marshinina zeigen es. Die stilistische<br />
Palette reicht von Schubert über Strawinsky bis Pēteris<br />
Vasks: eine hervorragende Auswahl, um das klangliche und musikalische<br />
Potenzial, das in der Verbindung zweier Klaviere steckt, von<br />
allen Seiten zu präsentieren! Vor allem Strawinskys Concerto per<br />
due pianoforti soli ist als Sternstunde zu bezeichnen: Es ist eine<br />
wahre Freude, das eher unbekannte Werk in der Interpretation<br />
dieser zwei temperamentvollen Musikerinnen kennenzulernen. Sie<br />
präsentieren den berauschenden melodischen und rhythmischen<br />
Reichtum dieser Musik mit einer Leidenschaft, die einen bis zur<br />
letzten Note nicht mehr loslässt. Aber auch Vasks Music for two<br />
pianos, die hier zum ersten Mal auf CD eingespielt wurde, bietet<br />
einen ungewöhnlich erfrischenden wie<br />
kurzweiligen Hörgenuss. AF<br />
KAMMER-<br />
MUSIK<br />
Fernando Sor, Philippe Mouratoglou (vision fugitive)<br />
Franz Schubert, Igor Strawinsky, Pēteris Vasks: „Piano<br />
Duo“, Linda Leine und Daria Marshinina (EsDur)<br />
Track 5 auf der <strong>CRESCENDO</strong> Abo-CD: Rondo D-Dur,<br />
D 608 (Allegretto) von Franz Schubert<br />
Franziska Hölscher<br />
Glutvoll und eruptiv<br />
Heinrich Ignaz Franz Bibers kunstvolle Passacaglia aus einer der<br />
Rosenkranzsonaten und Schumanns opulente Zweite Violinsonate<br />
umrahmen zwei Capricci von Salvatore Sciarrino und Luciano<br />
Berios Sequenza VIII. Ein unkonventionelles, kontrastreiches<br />
Programm. Zusammengehalten wird es durch den Oberbegriff<br />
der Sequenz, einer verschiedenartigen Wiederholung des<br />
Immergleichen, welche sich in unterschiedlicher Form in allen<br />
Werken wiederfindet. Die Geigerin Franziska Hölscher hat das<br />
Programm klug zusammengestellt und geigt virtuos: Bibers Passacaglia<br />
mit polyfoner Transparenz und Schumanns gewichtige<br />
Sonate mal pastos, mal übermütig, immer aber mit ansteckendem<br />
musikalischen Feuer – ebenso wie ihr Klavierpartner<br />
Severin von Eckardstein. Sciarrinos und Berios Werke<br />
beeindrucken nicht minder: Hölscher<br />
entflammt das Interesse des<br />
Hörers auch hier ebenso glutvoll wie<br />
eruptiv. GK<br />
VINYL<br />
Leonard Elschenbroich und Alexei Grynyuk<br />
Mitreißende Impulsivität<br />
Seit ihrer Komposition zählen Beethovens Sonaten für Klavier<br />
und Violoncello zu den Standardwerken, die sowohl eine<br />
ausgereifte musikalische Gestaltungskunst, als auch brillierende<br />
Virtuosität erfordern. Leonard Elschenbroich und<br />
Alexei Grynyuk vereinen beide Ansprüche mit Leichtigkeit:<br />
Durchgängig herrscht eine kammermusikalische Spielfreude,<br />
der man mühelos und aufmerksam hörend folgt. Auffallend<br />
ist die ungezwungene und schlichte Art, mit der Elschenbroich<br />
lange Phrasierungsbögen, komplexe rhythmische<br />
Strukturen und melodische Kantilenen gestaltet. Die große<br />
klangliche Variabilität des Violoncellos, die von sonor bis<br />
grazil ein breites Spektrum abdeckt, mischt sich sehr gut<br />
mit dem nicht minder anspruchsvollen Klavierpart, den Alexei<br />
Grynyuk mit großem Einfühlungsvermögen<br />
und einer<br />
mitreißenden Impulsivität<br />
umsetzt. AF<br />
Ludwig van Beethoven: „The<br />
Sonatas for Cello and Piano“,<br />
Leonard Elschenbroich, Alexei<br />
Grynyuk (Onyx)<br />
SOLO<br />
Luciano Berio, Robert Schumann, Salvatore Sciarrino u. a.:<br />
„Sequenza“, Franziska Hölscher, Severin von Eckardstein (Avi)<br />
38 FOTO: IRENE ZANDEL<br />
w w w . c r e s c e n d o . d e — <strong>Juni</strong> – Juli – <strong>August</strong> 20<strong>19</strong>
ORCHES-<br />
TER<br />
Jukka-Pekka Saraste<br />
Dynamische Kontraste<br />
Beethoven, historisch informiert auf modernen Instrumenten: Ist dazu<br />
nicht schon alles gesagt, bloß noch nicht von jedem? Keineswegs. Denn<br />
Jukka-Pekka Saraste betrachtet die Metronomzahlen nicht als die allein<br />
seligmachende Galopproute zu Beethoven, sondern nimmt sich gelegentlich<br />
mehr Zeit, als das heute in Mode ist. Durch diese Flexibilität kann er<br />
prägnante Rhythmik, dynamische Kontraste und schön sich entfaltende<br />
Melodik stellenweise deutlicher herausarbeiten. Die Streicher mögen<br />
etwas neutral klingen, aber mit den zweiten Violinen rechts und charakteristischen<br />
Bläsern fächert sich das Stimmengeflecht fast von selbst klar<br />
und resolut auf. Dass Saraste dazu noch Lesarten anbietet, die so nicht in<br />
der Urtextausgabe stehen, wie etwa eine schöne Arco- statt Pizzicato-<br />
Stelle im Eroica-Finale, bereichert die Diskografie.<br />
Eine gut durchgearbeitete Gesamtaufnahme, deren<br />
Kompromisse nicht schal wirken. WW<br />
Ludwig van Beethoven: „Complete Symphonies“,<br />
WDR Sinfonieorchester, Jukka-Pekka Saraste (Hänssler)<br />
Track 7 auf der <strong>CRESCENDO</strong> Abo-CD: Sinfonie Nr. 1 C-Dur, op. 21.<br />
II. Andante cantabile con moto<br />
Valery Gergiev<br />
Letzte Dinge<br />
Während Anton Bruckner an der Neunten Sinfonie arbeitete, hatte er<br />
seinen Tod vor Augen. Er widmete dieses Werk „dem lieben Gott“, in<br />
der Hoffnung, dass ihm noch genug Zeit zum Komponieren bliebe. Als<br />
er im Oktober 1876 starb, waren erst drei Sätze vollendet. Der als<br />
Torso überlieferte Schlusssatz hat viele Forscher zu Rekonstruktionsversuchen<br />
angeregt. Der gängigen Praxis entsprechend, verzichten<br />
Valery Gergiev und die Münchner Philharmoniker allerdings auf eine<br />
Aufführung von Finalsatzfragmenten und lassen die Sinfonie mit dem<br />
Adagio enden. Im Eigenlabel ist ein hörenswerter Mitschnitt aus der<br />
Stiftsbasilika St. Florian erschienen, an der Bruckner als Domorganist<br />
wirkte. Mit seinem Orchester arbeitet Gergiev Steigerungen und Klangblöcke<br />
im gewaltigen Kopfsatz plastisch hervor, während das kantable<br />
Seitenthema lyrische Strahlkraft entfaltet. Das aufwühlende<br />
Scherzo mit seinen Dissonanzen offenbart<br />
sich als dämonisch, bevor das elegische Adagio,<br />
Bruckners „Abschied vom Leben“, auf eine<br />
Auflösung im Unhörbaren zustrebt. CK<br />
Anton Bruckner: „Symphony No. 9“, Münchner Philharmoniker,<br />
Valery Gergiev (Münchner Philharmoniker)<br />
Lorenzo Ghirlanda<br />
Feine Eleganz<br />
ALTE<br />
MUSIK<br />
Zwei der feinsten prä-Händelschen englischen Barockkomponisten<br />
sind auf dieser Einspielung mit ihren Greatest Orchestral Hits vertreten:<br />
Henry Purcell (1659–1695) und Matthew Locke (1621–1677). Ihnen<br />
eigen ist eine unglaublich feine, sehr eingängige, nie trockene, nie aufdringliche,<br />
nie selbstverliebte Art des Frühbarocks. Das Booklet bemerkt,<br />
dass sich die Engländer – lange vor Bach – der europäischen, das heißt<br />
der italienischen und französischen Stile bedient haben, um sie zu verschmelzen.<br />
Oper und Tanz kombiniert, aber jeglichen Übermaßes entledigt,<br />
was einen eigenen „very british“ Stil schafft. Die Zusammenstellung<br />
von orchestralen Stücken und instrumentalen Fassungen von einigen<br />
Arien aus Purcells King Arthur, Dioclesian, The Fairy Queen und Lockes The<br />
Tempest ergibt eine erquickende Sammlung freier<br />
Tanz-Suiten. Die Instrumentalisten und besonders<br />
die Continuo-Gruppe des von Dirigent Lorenzo<br />
Ghirlanda 2015 gegründeten jungen Vox Orchesters<br />
spielen mit mitreißender Verve. JFL<br />
Henry Purcell, Matthew Locke: „Orchestral Works“, Vox Orchester,<br />
Lorenzo Ghirlanda (dhm)<br />
IMPRESSUM<br />
VERLAG<br />
Port Media GmbH, Rindermarkt 6, 80331 München<br />
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VERLAGSLEITUNG<br />
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LEITENDE REDAKTEURIN<br />
Barbara Schulz | schulz@crescendo.de<br />
RESSORT „SCHWERPUNKT“<br />
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RESSORT „HÖREN & SEHEN“ UND „ERLEBEN“<br />
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RESSORT „STANDARDS”<br />
Klaus Härtel | haertel@crescendo.de<br />
RESSORT „KÜNSTLER“ UND „LEBENSART“<br />
Barbara Schulz | schulz@crescendo.de<br />
SCHLUSSREDAKTION<br />
Maike Zürcher<br />
KOLUMNISTEN<br />
Axel Brüggemann, Paula Bosch, Ioan Holender,<br />
Daniel Hope, Christoph Schlüren (CS), Stefan Sell (SELL)<br />
MITARBEITER DIESER AUSGABE<br />
Florian Amort (FA), Roland H. Dippel (DIP), Alexander Fischerauer (AF),<br />
Klaus Kalchschmid (KLK), Sina Kleinedler (SK), Katherina Knees (KK), Corina Kolbe (CK),<br />
Guido Krawinkel (GK), Jens F. Laurson (JFL), Teresa Pieschacón Raphael (TPR), Angelika<br />
Rahm, Ragna Schirmer, Antoinette Schmelter-Kaiser (ASK), Fabian Stallknecht (FS),<br />
Dorothea Walchshäusl (DW), Walter Weidringer (WW), Patrick Wildermann<br />
VERLAGSREPRÄSENTANTEN<br />
Tonträger: Petra Lettenmeier | lettenmeier@crescendo.de<br />
Kulturbetriebe: Dr. Cornelia Engelhard | engelhard@crescendo.de<br />
Touristik & Marke: Heinz Mannsdorff | mannsdorff@crescendo.de<br />
Verlage: Hanspeter Reiter | reiter@crescendo.de<br />
AUFTRAGSMANAGEMENT<br />
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GÜLTIGE ANZEIGENPREISLISTE<br />
Nr. 22 vom 09.09.2018<br />
DRUCK<br />
Westermann Druck, Georg-Westermann-Allee 66, 38104 Braunschweig<br />
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Festspiel-Guide“ und zusätzlich sechs exklusive heftbegleitende Premium-CDs und kostet<br />
EUR 55,- pro Jahr inkl. MwSt. und Versand (Stand: 01.01.2017). Versand ins europ. Ausland:<br />
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Verbreitete Auflage:<br />
69.680 (lt. IVW-Meldung 1V/2018)<br />
ISSN: 1436-5529<br />
(TEIL-)BEILAGEN / BEIHEFTER:<br />
CLASS, Gewandhaus zu Leipzig<br />
DAS NÄCHSTE <strong>CRESCENDO</strong><br />
ERSCHEINT AM 6. SEPTEMBER 20<strong>19</strong>.<br />
<strong>CRESCENDO</strong><br />
unterstützt<br />
39
H Ö R E N & S E H E N<br />
FOTO: MARCO BORGGREVE<br />
GESANG<br />
Julian Prégardien<br />
Berührende Schönheit<br />
„You’re still young, that’s your fault / There’s so much you have to know“, sang<br />
Cat Stevens in Father and Son. Nicht bei Julian Prégardien, dem Sohn des großen<br />
lyrischen Tenors. Bei gemeinsamen Aufnahmen wissen sie oft nicht, wer da<br />
gerade singt, weil ihre Stimmtimbres einander so ähneln. Auch Julian ist ein<br />
Meister der Modulation, verfügt über unendliche Nuancen, um jeden Charakter,<br />
jede Stimmungsveränderung Vers für Vers auszuloten – Heinrich Heines feine<br />
Ironie zwischen den Zeilen von Schumanns opp. 24 und 48 mit Momenten<br />
berührender Schönheit wie beim Vater. Julians Interpretation allerdings geht von<br />
den Erkenntnissen historisch informierter Praxis (Neuausgabe von Hansjörg<br />
Ewert) aus und seiner Intuition. „Wahrscheinlich würde Schumann<br />
manche meiner Änderungen zurückweisen. Andere würden ihn jedoch<br />
zum Grübeln bringen, hoffe ich“, schreibt er im Booklet. „Er hat eine<br />
sehr starke und glückliche Persönlichkeit“, sagt der Vater. TPR<br />
Robert Schumann: „Dichterliebe“, Julian Prégardien, Sandrine Piau, Éric Le Sage (Alpha)<br />
Track 4 auf der <strong>CRESCENDO</strong> Abo-CD: Am leuchtenden Sommermorgen<br />
NEUE<br />
WELTEN<br />
Der Komponist Jóhann Jóhannsson entzog sich Zeit seines<br />
Lebens der simplen Einordnung und kultivierte in<br />
seinen Kompositionen den stilistischen Grenzgang. Wie<br />
vielfältig und klangsinnlich das gelang, zeigt diese hochwertig<br />
aufbereitete Edition mit frühen Werken des 2017<br />
verstorbenen Komponisten. Klassische Formen, elektronische<br />
Klänge, sinfonische Passagen und Elemente der<br />
Minimal Music fließen kunstvoll ineinander und lassen<br />
Jóhann Jóhannsson<br />
Faszinierende Grenzgänge<br />
Klangbilder von suggestiver Dichte und Melancholie entstehen.<br />
Die Edition umfasst sechs Werke des Komponisten,<br />
darunter viele Filmmusiken, außerdem einen ausführlichen<br />
Begleitband. Ein faszinierend dichtes Erlebnis<br />
für all jene, die Jóhannssons vielschichtiges Werk posthum<br />
noch intensiver entdecken möchten. DW<br />
Jóhann Jóhannsson: „Retrospective I“ (DG)<br />
Helmut Deutsch<br />
Wahrhaftig ergänzen<br />
Im Schatten des Sängers – das scheint das Schicksal<br />
des Liedbegleiters zu sein. „Bin ich zu laut?“,<br />
schmunzelte Gerald Moore, der langjährige<br />
Begleiter von Dietrich Fischer-Dieskau in seiner<br />
Biografie, sekundiert von Roger Vignoles’ Lied<br />
The Battle Hymn of the Accompanist (auf YouTube<br />
zu sehen). Auch der legendäre Hermann Prey,<br />
mit dem Helmut Deutschs Karriere in den<br />
<strong>19</strong>80er-Jahren begann, verstand sich als „Chef“,<br />
um ihm dann zu sagen: „Das klingt so dämlich;<br />
mach doch was draus!“ Und Deutsch „machte“,<br />
erfasste, wie ein Radar, jede Nuance des Sängers,<br />
jede Empfindung und Bewegung, um ihn mit „seiner“<br />
Stimme wahrhaftig zu ergänzen, im Wissen,<br />
dass die Gleichberechtigung zwischen Sänger und<br />
Begleiter keine politisch gesellschaftliche, sondern<br />
eine rein musikalische Frage ist. Amüsant<br />
lesen sich Deutschs „politisch<br />
unkorrekte“ Bemerkung, er<br />
kenne keinen, der zeitgenössische<br />
Musik gerne singe, und kaum<br />
jemanden, der sie mag, und<br />
andere Wahrheiten. TPR<br />
Helmut Deutsch: „Gesang auf Händen<br />
tragen. Mein Leben als Liedbegleiter“<br />
(Henschel)<br />
BUCH<br />
Christian Thielemann<br />
Daumenkino<br />
Wäre dieser Bildband nicht so prächtig und,<br />
ja, auch mächtig, wäre man wohl wirklich<br />
versucht, die Seiten schnell durch die Finger<br />
gleiten zu lassen, um Christian Thielemann<br />
unmittelbar beim Dirigieren zu „erleben“.<br />
Man tut aber gut daran, sich Zeit zu<br />
nehmen für dieses Porträt in Bildern. Ungewöhnlich<br />
nahe kommt man dem Künstler,<br />
obwohl kein einziges privates Foto enthalten<br />
ist, sondern lediglich ein Motiv in<br />
unzähligen Varianten: Beseelt, ergriffen,<br />
fröhlich, wütend, verbissen – keine Gefühlsregung<br />
fehlt in diesem Kaleidoskop der Leidenschaften,<br />
das der Fotograf Lois Lammerhuber<br />
klug zusammengestellt hat. Er<br />
war der Erste, der Thielemann während<br />
einer laufenden Aufführung aus dem Bayreuther<br />
Graben mit der Kamera begleiten<br />
durfte. Thielemann selbst erzählt dazu ausgesprochen<br />
unterhaltsam von sich und seiner<br />
großen Passion:<br />
dem Dirigieren. BS<br />
Christian Thielemann:<br />
„Dirigieren/Conducting“,<br />
Clemens Trautmann,<br />
Lois Lammerhuber<br />
(Edition Lammerhuber)<br />
Cornelia Funke<br />
Eine<br />
mystische Reise<br />
„Da, hört ihr das? […] Engel. Sie kommen, um<br />
die Alpträume zu jagen, die die Dunkelheit<br />
gebiert und um das Licht der Sterne zu ernten.“<br />
So beginnt die neue Geschichte der<br />
berühmten Kinderbuchautorin Cornelia Funke.<br />
Ein Engel in der Nacht handelt von zauberhaften<br />
Wesen, die ein Mädchen mit gebrochenem<br />
Herzen heilen wollen. In mehreren Dimensionen<br />
wird der Zuhörer auf eine mystische Reise<br />
geschickt: Funkes angenehme Stimme, stets<br />
begleitet vom Cellisten Matt Haimovitz und<br />
seinem Uccello Ensemble, wechselt ab mit<br />
Musik von Luna Pearl Woolf und Wiegenliedern<br />
aus der ganzen Welt. Zusätzlich finden<br />
sich in der CD-Box zehn liebevoll illustrierte<br />
Kärtchen, die dem Zuhörer eine visuelle Vorstellung<br />
von Rahmiel, dem Engel der Nacht,<br />
und Luna, dem Mädchen mit dem gebrochenen<br />
Herzen geben. Ein geheimnisvolles, wunderbar<br />
detailreiches Projekt. Bei diesem Hörerlebnis<br />
ist das Einschlafen erlaubt –<br />
oder vielleicht auch ein schöner<br />
Tagtraum? SK<br />
Cornelia Funke, Luna Pearl Woolf:<br />
„Ein Engel in der Nacht“,<br />
Matt Haimovitz, Uccello Ensemble<br />
(Pentatone)<br />
HÖR-<br />
BUCH<br />
40 w w w . c r e s c e n d o . d e — <strong>Juni</strong> – Juli – <strong>August</strong> 20<strong>19</strong>
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M E I N U N G<br />
Der Axel-Brüggemann-Kommentar<br />
SCARPIA GIBT’S NICHT NUR<br />
AUF DER BÜHNE<br />
Immer mehr #MeToo-Skandale in der Klassik werden öffentlich. Viele wollen davon nichts wissen.<br />
Warum es existenziell ist, dennoch hinzuschauen und das System an sich infrage zu stellen.<br />
Nein, dieses Thema macht keinen Spaß. Und ja – wir würden<br />
gerne wegschauen. Neulich erreichte mich ein Leserbrief zu meinem<br />
<strong>CRESCENDO</strong> Newsletter. Warum ich dauernd in die Suppe<br />
spucken würde. Warum es bei mir so oft um Politik ginge, um<br />
unangenehme Themen, um gesellschaftliche Debatten und aktuelle<br />
Themen. Musik sei doch in erster Linie dazu da, sich zu entspannen,<br />
abzutauchen in eine andere Welt, sich auszuruhen von<br />
unserem komplizierten Alltag.<br />
Natürlich kann man Musik auf diese Art konsumieren. Und<br />
es ist auch nichts dagegen zu sagen, Musik als Flucht zu nutzen –<br />
als Flucht vor allem, was uns im Alltag viel zu groß und viel zu<br />
schwer vorkommt. Teil der Wahrheit ist aber auch, dass es wohl<br />
kaum einen Komponisten gibt, der mit seiner Musik nicht auch<br />
ein klingendes Abbild seiner Zeit schaffen wollte, der mit seiner<br />
Musik nicht nur einen Rückzugsort, sondern auch einen Ort der<br />
Kommunikation über unsere Welt in den Raum stellen wollte. Das<br />
gilt übrigens auch für die meisten Interpreten: Egal, ob sie versuchen,<br />
die humanistischen Botschaften Beethovens ins Heute zu<br />
übersetzen oder, wie der Pianist Igor Levit oder der Schlagzeuger<br />
Martin Grubinger, aktiv ins aktuelle politische Geschehen eingreifen<br />
– Musik ist immer auch Dialog und Debatte. Nirgends wird das<br />
so deutlich wie in der Oper: Sexueller Missbrauch, Gewalt gegen<br />
Frauen und ihre Hilflosigkeit stehen in unendlich vielen Werken<br />
im Zentrum. Der Polizeichef Scarpia, der seine Macht ausnutzt,<br />
um die Schauspielerin Floria Tosca für sich zu gewinnen, Otello,<br />
der seine Frau Desdemona demütigt, Carmen, die mit ihren sexuellen<br />
Reizen Don José in einen Mörder verwandelt, der US-Seemann<br />
Benjamin Pinkerton, der das japanische Mädchen Madame<br />
Butterfly erst schwängert und dann sitzenlässt, Salomé, die es<br />
gewohnt ist, als Kind für ihren Vater zu tanzen – und, und, und …<br />
Bei all diesen Opern schauen wir gebannt zu. Und danach<br />
tun wir so, als würde all das nur auf der Bühne stattfinden. Eine<br />
Tragödie wie ein Verkehrsunfall, an dem wir vorbeirauschen. Der<br />
uns einige Kilometer lang das Blut in den Gliedern gefrieren lässt,<br />
um dann wieder aufs Gaspedal zu treten.<br />
So ähnlich kommt es mir auch mit der aktuellen #MeToo-<br />
Debatte in der Klassik vor. Nachdem der „Spiegel“ bereits vor einiger<br />
Zeit die Missstände an der Münchner Musikhochschule aufgedeckt<br />
hat (es ging darum, dass Schüler mit ihren Lehrern zur<br />
Auflockerung Pornos schauen mussten, dass Schülerinnen angegrabscht,<br />
unter Druck gesetzt und sogar vergewaltigt wurden),<br />
legte das Blatt nun nach: Zwei Musikerinnen berichteten von ähnlichen<br />
Zuständen an den Musikhochschulen in Hamburg und<br />
Düsseldorf. Nachdem der Artikel gedruckt war, passierte: so gut<br />
wie nichts. Veröffentlichungen über sexuelle Übergriffe, über das<br />
Ausnutzen einer Machtposition an den Hochschulen oder auf den<br />
Bühnen durch Dirigenten sorgen eine Zeit lang für Erschütterung<br />
– und dann geht es irgendwie weiter.<br />
Klar, in Fällen sexuellen Machtmissbrauchs ist es schwierig,<br />
zu juristischen Urteilen zu kommen. In der Regel gibt es nur zwei<br />
Beteiligte und keine Zeugen. Oft finden die Opfer erst nach langer<br />
Zeit den Mut, über das zu reden, was sie erlitten haben. Aber irgendwann<br />
stehen die Vorwürfe im Raum: Das war so bei James Levine,<br />
der seine Position als Dirigent ausgenutzt haben soll, um jüngere<br />
Künstler sexuell zu bestimmen; das war so bei Daniele Gatti, dem<br />
von zwei Frauen sexuelle Übergriffe vorgeworfen wurden, bei Gustav<br />
Kuhn, der in Erl nicht nur ein künstlerisches, sondern auch ein<br />
erotisches Imperium aufgebaut haben soll, und bei Charles Dutoit,<br />
der einer Sängerin kurz vor einem Auftritt an den Busen gegriffen<br />
haben und andere gegen ihren Willen geküsst haben soll. Die<br />
Aufregung war groß, die Berichterstattung laut. Inzwischen sind<br />
wir dabei zu vergessen, zu verdrängen oder zu relativieren. Während<br />
James Levine noch in juristischen Auseinandersetzungen<br />
mit der Metropolitan Opera in New York steckt, geht das Leben<br />
für die anderen Dirigenten inzwischen fast normal weiter: Dutoit<br />
dirigiert das Orchester in St. Petersburg, Gatti wurde in Rom zum<br />
ZEICHNUNG: STEFAN STEITZ<br />
42 w w w . c r e s c e n d o . d e — <strong>Juni</strong> – Juli – <strong>August</strong> 20<strong>19</strong>
Chef ernannt und wird kommende Saison mit der Staatskapelle<br />
Dresden, dem Gewandhausorchester und dem Orchester des BR<br />
auftreten. Das Concertgebouw, das ihn einst wegen der sexuellen<br />
Übergriffe entlassen hat, gab kürzlich eine Pressemeldung heraus,<br />
dass man dem ehemaligen Chef danke, ihm viel Glück wünsche<br />
und dass man von nun an in die Zukunft und nicht in die Vergangenheit<br />
blicken wolle.<br />
Und auch nach der neuen Veröffentlichung im „Spiegel“ bleibt<br />
es weitgehend still. Keine der Hochschulen hat ernsthaft darüber<br />
nachgedacht, konkret zu handeln (einer der Professoren, dem<br />
sexuelle Übergriffe vorgeworfen werden, ist noch immer im Amt).<br />
Dabei gibt es immer mehr Stimmen von Opfern. Ich habe mich<br />
mit einem der Autoren des „Spiegel“-Texts unterhalten. Er hat mir<br />
Mails von weiteren Frauen weitergeleitet, die ähnliche Geschichten<br />
berichten. Es ist längst klar, dass sexuelle Übergriffe an unseren<br />
Hochschulen keine Einzelfälle sind. Dennoch gibt es keinerlei<br />
Codex an den Institutionen, durch den zumindest das Machtgefüge<br />
aufgehoben würde. Es wäre ein Leichtes, seine Lehrkräfte<br />
dazu aufzufordern, dass ihre Schüler, wenn sie in einem sexuellen<br />
Verhältnis zum Lehrer stehen, den Lehrer<br />
wechseln – um nicht in die Gefahr zu kommen,<br />
sexuell abhängig zu werden. Aber nichts davon.<br />
Stattdessen: Schweigen im Klassik-Wald. Aussitzen.<br />
Wegschauen. Weghören.<br />
Warum aber ist es so, dass wir besonders<br />
in der Welt der klassischen Musik mit sexuellen<br />
Übergriffen zu tun haben? Es scheint ein System<br />
zu sein, das Methode schafft. Das System der<br />
Klassik unterscheidet sich in vielen Dingen von<br />
anderen gesellschaftlichen Bereichen wie etwa<br />
dem Sport oder der Politik. Zum einen haben<br />
wir es noch immer mit dem uralten Mythos des<br />
Genies zu tun. Mit dem alten, bürgerlichen Glauben,<br />
große Kunst müsse unkonventionell sein, ein Genie könne nur<br />
dann kreativ sein, wenn es die Grenzen der Konventionen überschreitet<br />
– und dazu gehört für viele eben auch die erotische Freiheit.<br />
Eigentlich müssten wir im 21. Jahrhundert längst gelernt<br />
haben, dass der Geniekult des <strong>19</strong>. Jahrhunderts nur ein Mythos<br />
war. Jeden Tag beweisen große Künstler, dass man große Kunst<br />
auch mit demokratischen Mitteln erreichen kann, mit fairem Verhalten<br />
gegenüber seinen Mitkünstlern und, ja, vollkommen skandalfrei.<br />
Es ist höchste Zeit, dass auch wir als Publikum aufhören zu<br />
glauben, dass große Kunst nur von großen Arschlöchern gemacht<br />
werden kann.<br />
Eine weitere systemische Eigenheit der Klassik ist, dass ihr<br />
die Instanz einer wirklich kritischen und freien Presse weitgehend<br />
abgeht. Im Feuilleton spielt die klassische Musik kaum noch<br />
eine Rolle, und wenn, gibt es kaum noch einen Journalisten, der<br />
nicht in irgendeinem Abhängigkeitsverhältnis zu jenen Künstlern<br />
steht, über die er berichtet: Da ist die Einladung zu einer Konzertreise<br />
nach Abu Dhabi oder der Auftrag, ein Booklet oder ein<br />
Programmheft für einen Künstler oder ein Orchester zu schreiben.<br />
Keine Redaktion in Deutschland, nicht einmal die großer<br />
Zeitungen, ist noch in der Lage, einen Kritiker aus eigener Kasse<br />
nach, sagen wir, New York fliegen zu lassen. Meist werden diese<br />
Reisen von den Orchestern oder den Veranstaltern gezahlt. Freie<br />
und kritische Berichterstattung ist damit so gut wie ausgeschlossen.<br />
Hinzu kommt, dass die meisten Klassik-Journalisten nicht aus<br />
dem Journalismus kommen, sondern aus der Musik. Anders als im<br />
Sport oder in der Politik liegt damit der Fokus in der Regel nicht<br />
auf der sozialen Komponente der Kunst, sondern auf ihrer qualitativen<br />
musikalischen Umsetzung.<br />
SCHWEIGEN IM<br />
KLASSIK-WALD.<br />
AUSSITZEN.<br />
WEGSCHAUEN.<br />
WEGHÖREN<br />
Das, aber auch die Nischenkultur der Klassik, sorgt dafür,<br />
dass sowohl Hochschulen als auch Orchester und Theater Mikrokosmen<br />
sind, die kaum unter öffentlicher Beobachtung stehen, die<br />
es kaum noch gewohnt sind, sich für ihre staatlichen Subventionen<br />
öffentlich zu legitimieren, die weitgehend unter dem Radar<br />
der öffentlichen Kontrolle hindurchsegeln und die in der Regel<br />
mit eigenen, veralteten Hierarchien geführt werden. Kein Wunder,<br />
dass sich in dieser kleinen Welt, die ihre eigenen Helden hat,<br />
Strukturen etablieren, die kein Korrektiv mehr kennen. Es ist<br />
doch bezeichnend, dass sexuelle Übergriffe sogar an Musikhochschulen<br />
wie jener in Hamburg stattfinden, die nach außen eine<br />
besonders starke Gender-Fraktion haben und von liberalen Kräften<br />
geleitet werden. Aber wenn es um Forschungsgelder oder neue<br />
Aufträge geht, scheinen die eigenen Prinzipien über Bord geworfen<br />
zu werden.<br />
Und damit sind wir bei einem weiteren Merkmal der Klassik-<br />
Kultur: Während hochsubventionierte Klassik-Stars und Dirigenten<br />
(keiner von ihnen finanziert seine Abendgagen allein durch die<br />
Eintrittskarten) andauernd hofiert werden, als seien sie weltweite<br />
Superstars, glauben sie allmählich wirklich, dass<br />
sie unantastbar sind. Gleichzeitig zeigen die<br />
Erfahrungen der letzten Jahre, dass die Kulturpolitik<br />
weniger Interesse an den inneren Strukturen<br />
von Hochschulen, Theatern oder Orchestern<br />
haben als an der glamourösen Außenwirkung<br />
der Ensembles und ihrer Leiter. Oft ist es<br />
der Kulturpolitik wichtiger, eine schillernde<br />
Dirigenten-Persönlichkeit zu verpflichten, als<br />
sich die Mühe zu machen, die inneren Strukturen<br />
der Ensembles unter die Lupe zu nehmen.<br />
Doch genau an dieser Stelle scheint<br />
sich nun etwas zu tun. Während viele Theater,<br />
Orchester und Musikhochschulen noch in<br />
ihrem eigenen Saft schmoren, wird der Druck auf die Kulturpolitik<br />
durch die aktuelle Berichterstattung immer größer. Und so<br />
war es dann eben auch nicht die Leitung der Hochschulen, die die<br />
Beschwerden der Opfer ernst genommen hat, sondern die Politik.<br />
Und es ist das, was uns am Ende an der #MeToo-Debatte in der<br />
Klassik optimistisch stimmen könnte. Allmählich entsteht ein<br />
Bewusstsein, dass etwas nicht stimmt in der Welt, die uns eigentlich<br />
den Geist des Humanismus und der Menschenliebe eröffnen<br />
soll. Dafür aber ist es wichtig, dass auch wir als Publikum<br />
nicht wegschauen, dass wir als Journalisten dranbleiben, auch<br />
wenn Themen wie sexuelle Übergriffe der Schönheit der Kunst im<br />
Wege stehen. Dass wir aus der Welt der Klassik, und gerade aus<br />
der Welt der Oper, lernen, dass Madame Butterfly, Carmen, Tosca<br />
oder Salome eben keine Kunstfiguren sind, deren Schicksal sich<br />
erledigt hat, sobald der Vorhang gefallen ist, sondern dass sie auch<br />
dann unter uns sind, wenn wir das Theater verlassen.<br />
Wenn wir die Welt der klassischen Musik wieder in Ordnung<br />
bringen wollen, dürfen wir nicht wegschauen, uns nicht gelangweilt<br />
abwenden, keine Angst haben hinzuschauen und aufzuschreien<br />
– wir dürfen uns nicht einreden, dass die Musik als Wert<br />
an sich groß genug ist und wir uns nicht um die Bedingungen ihrer<br />
Produktion kümmern müssen. Das wäre so, als würden wir ein<br />
Schnitzel nach dem anderen in uns hineinstopfen, ohne zu fragen,<br />
woher es kommt. Gerade das Klassik-Publikum sollte sensibilisiert<br />
für jede Form der Ungerechtigkeit sein und in zahlreichen Konzerten<br />
und Opern gelernt haben, wie wichtig es ist, aufzustehen<br />
und Missstände anzuklagen – immer und immer wieder, bis sich<br />
die Strukturen geändert haben.<br />
■<br />
43
R Ä T S E L<br />
& R E A K T I O N E N<br />
GEWINNSPIEL<br />
Wer verbirgt sich hinter diesem Text?<br />
LESERBRIEFE<br />
Betrifft: Gendergerechte Sprache<br />
„Kein anderer zeitgenössischer Komponist hat mich so<br />
unwiderstehlich angezogen“ (Yehudi Menuhin, <strong>19</strong>65)<br />
Als „Rousseau der Musik“ gehörte ich zu den bedeutendsten Komponisten<br />
des letzten Jahrhunderts. Meine Begabung fiel zusammen<br />
mit meinem absoluten Gehör schon früh auf. Mit drei konnte<br />
ich auf meiner Trommel den Takt angeben, mit vier Klavier spielen,<br />
mit sieben begann ich zu komponieren und mit zehn trat ich<br />
als Pianist auf. Ich begann Komposition zu studieren und vertonte<br />
besonders in jungen Jahren meine enge Volksverbundenheit, die<br />
sich voller Schlichtheit und Direktheit entfalten konnte. Mein systematisches<br />
Sammeln von Volksliedern führte mich auf weite Feldforschungen,<br />
die akribisch mündlich Überliefertes transkribierten,<br />
um es vor dem Vergessen zu bewahren. Meine Genauigkeit zeichnete<br />
sich aber nicht nur in meiner Arbeit als Musikethnologe aus.<br />
Die beharrliche Tempokontrolle durch ein Metronom und die<br />
Angaben zur Aufführungsdauer betonten meine Exaktheit. Mein<br />
musikalisches Werk wendet sich von der romantischen Klangwelt<br />
ab und ist von Pentatonik, Diatonik und Bitonalität beherrscht.<br />
Leider verbot ein Kölner Oberbürgermeister, der später der<br />
erste Bundeskanzler werden sollte, eine meiner Bühnenkompositionen,<br />
die mit angeblich unmoralischer Handlung einen Theaterskandal<br />
auslöste. Das gewählte Sujet mit Zuhältern und Prostituierten<br />
galt als zu anstößig. Die Situation in meinem Heimatland<br />
zwang mich in den <strong>19</strong>40er-Jahren zur Emigration. In Amerika<br />
fühlte ich mich aber lange nicht angekommen. Hier war ich, von<br />
Geldnot gezwungen, Klavierunterricht zu geben. Auftragsarbeiten<br />
zogen sich durch meine letzten Lebensjahre, bevor ich an Leukämie<br />
starb und mein letztes Klavierkonzert unvollendet hinterließ.<br />
Einer meiner Schüler fügte die 17 fehlenden Takte hinzu. AM<br />
RÄTSEL LÖSEN UND EINE<br />
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on Deutsche Grammophon“. Einsendeschluss<br />
ist der 15. <strong>August</strong>. Gewinner unseres letzten Gewinnspiels ist<br />
Günter van Ool aus Jülich. Die Lösung war Aaron Copland.<br />
FOTO: BY ALLAN WARREN / OWN WORK, CC BY-SA 3.0<br />
Manche Leute sprechen von Gleichberechtigung,<br />
manche von Genderwahnsinn.<br />
Musikerinnen und Musiker, MusikerInnen,<br />
Musiker(innen), Musiker*innen – Möglichkeiten<br />
gibt es viele. Wie sinnvoll diese sind, darüber<br />
wird auch unter den <strong>CRESCENDO</strong> Lesern leidenschaftlich<br />
diskutiert. Allerdings hat nicht<br />
zuletzt die MeToo-Debatte, in der es um Sexismus<br />
und sexualisierte Gewalt geht, einmal mehr vor Augen geführt,<br />
dass es bis zur Gleichberechtigung ein weiter Weg ist.<br />
(Die folgenden Kommentare wurden im Original und ohne Rechtschreibkorrektur<br />
übernommen)<br />
Grauenvoll<br />
Sehr geehrter Herr Hanuschik,<br />
ich finde es grauenvoll, wie die deutsche Sprache verunstaltet wird!<br />
Nicht nur hemmen diese Wortkreationen den Lese- (bzw. Rede-)<br />
Fluss, ich meine darüber hinaus, dass die Frauen von heute darüberstehen<br />
und nicht gleich beleidigt sein sollten. Ich ( Jahrgang <strong>19</strong>47) bin<br />
aufgewachsen mit der Regel, dass sobald etwas im Plural benutzt<br />
wird, man zur männlichen Form greift – und ich habe mich nie diskriminiert<br />
gefühlt. Ich habe für die deutschen Frauen in dieser Hinsicht<br />
weder Geduld noch Verständnis. Hoffentlich bleiben diese<br />
Verstümmelungen eine Modeerscheinung und verschwinden bald<br />
wieder. Es wäre schade um die deutsche Sprache (die schwer, aber<br />
schön ist) und es ist nun wirklich völlig unnötig! Rosemary R., Berlin<br />
Weder schwülstig, noch unübersichtlich<br />
Sehr geehrter Herr Winfried Hanuschik,<br />
zum Thema Genderwahn zwei Sätze: „Die Bürger*innen, aber auch<br />
die Besucher*innen unserer Stadt können in der Buchhandlung B.B.<br />
das „crescendo-Magazin“ aus einem Aufsteller kostenlos entnehmen.<br />
Ausübende Künstler*innen, wie Instrumentalist*innen aller<br />
Genres, Musiker*innen, Sänger*innen, Dirigent*innen,<br />
Pianist*innen, aber auch Komponist*innen, Regisseur*innen und<br />
Intendant*innen kommen in diesem Magazin zu Wort.“ Wie angenehm<br />
hingegen klingt, denn Sprache hat etwas mit Sprechen zu tun,<br />
dieser Satz : „Ausübende Künstler, wie Instrumentalisten aller Genres,<br />
Musiker, Sänger, Dirigenten, Pianisten, aber auch Komponisten,<br />
Regisseure und Intendanten kommen in diesem Magazin zu Wort.“<br />
Das klingt weder schwülstig, noch konfus, noch unübersichtlich,<br />
noch gespreizt, noch unverständlich. Gotthard Lukas, Finsterwalde<br />
Titelbild<br />
Gendergerechte Sprache endet schon direkt beim Titelbild: „Camilla<br />
Tilling – die Sopranistin gastiert am 6. April in der Hamburger Elbphilharmonie<br />
unter Sir Simon Rattle“. „Unter“? Ja, das sagte man<br />
mal so, früher, als Dirigenten noch Götter und Sängerinnen devote<br />
Dienerinnen waren. Aber, mal im Ernst: Ist das Ihr Ernst?<br />
Christoph Klamp (der das Bild von Frau Tilling unter Sir Simon jetzt<br />
nicht mehr los wird)<br />
Unästhetisch und schwer lesbar<br />
Sehr geehrter Herr Hanuschik,<br />
ich empfinde diese politisch verursachte Sprachveränderung als unästhetisch<br />
und darüberhinaus als schwer lesbar. Im Übrigen glaube<br />
ich auch nicht, dass eine von einer kleinen Lobbygruppe propagierte<br />
Änderung der Sprache tatsächlich die Verhältnisse gerechter gestalten<br />
kann.<br />
Matthias Schwab<br />
GRAFIK: PSCHEMP -CC BY-SA 3.0<br />
44 w w w . c r e s c e n d o . d e — <strong>Juni</strong> – Juli – <strong>August</strong> 20<strong>19</strong>
ERLEBEN<br />
Die wichtigsten Termine und Veranstaltungen von <strong>Juni</strong> bis <strong>August</strong> im Überblick (ab Seite 46)<br />
Spannende Symbiose: Die Musiklandschaft Sachsen vereint Historie, Kultur und Natur aufs Schönste (Seite 52)<br />
Soli Deo Gloria: Haydns Schöpfung steht im Mittelpunkt des Braunschweig Festivals (Seite 54)<br />
16. Juli bis 27. <strong>August</strong><br />
43. INNSBRUCKER FESTWOCHEN<br />
Der 350. Todestag des Innsbrucker Hofmusikers Pietro Antonio Cesti gibt Anlass, an sein Werk zu erinnern. Geboren in Italien, trug er<br />
den venezianischen Opernstil hinaus in die Erblande der musikliebenden Habsburger. 1652 ließ er sich als Kapellmeister von Erzherzog<br />
Ferdinand in Innsbruck nieder. 150 Opern schrieb er mit einer großen Leichtigkeit und dem Geschmack seiner Zeit entsprechend.<br />
Seine berühmteste Oper La Dori overo lo schiavo reggio (Doris oder die glückhafte leibeigene Dienerin), eine Verkleidungskomödie zur<br />
Verherrlichung der Gattenliebe, steht auf dem Festwochen-Programm. Ottavio Dantone leitet sein Originalklang-Ensemble, die Accademia<br />
Bizantina (Foto). Ein Jubiläum feiert auch der nach Cesti benannte Gesangswettbewerb. Vor zehn Jahren von Alessandro<br />
De Marchi, dem Intendanten der Festspiele, ins Leben gerufen, versteht er sich als Forum für Sänger mit besonderer Begabung für das<br />
Barockopernfach. So sind Teilnehmer des Wettbewerbs immer wieder in den Programmen der Festwochen zu finden.<br />
Innsbruck, verschiedene Spielorte, www.altemusik.at<br />
FOTO: ACCADEMIA BIZANTINA<br />
45
E R L E B E N<br />
<strong>Juni</strong> / Juli / <strong>August</strong> 20<strong>19</strong><br />
DIE WICHTIGSTEN<br />
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PREMIEREN<br />
1.6. ESSEN AALTO-THEATER<br />
Così fan tutte / W. A. Mozart<br />
1.6. LEIPZIG OPER<br />
Madame Pompadour / Leo Fall<br />
2.6. AACHEN THEATER<br />
Così fan tutte / W. A. Mozart<br />
2.6. BERLIN STAATSOPER<br />
Rigoletto / Giuseppe Verdi<br />
4.6. BERLIN DEUTSCHE OPER<br />
Il delirio amoroso / G. F. Händel,<br />
Zad Moultaka und Hyam Yared<br />
6.6. GIESSEN STADTTHEATER<br />
Carmen / Ivan Strelkin, Rodion Shchedrin<br />
nach Georges Bizet<br />
6.6. MAINZ STAATSTHEATER<br />
Freiheit / Guy Weizman und Roni Haver<br />
7.6. BASEL (CH) THEATER<br />
Didone abbandonata / Niccolò Jommelli<br />
7.6. HANNOVER STAATSOPER<br />
Die Krönung der Poppea / Claudio Monteverdi<br />
7.6. MÜNCHEN GÄRTNERPLATZ-<br />
THEATER<br />
Atlantis / Karl Alfred Schreiner<br />
8.6. KARLSRUHE BADISCHES<br />
STAATSTHEATER<br />
Hoffmanns Erzählungen / J. Offenbach<br />
8.6. ROSTOCK VOLKSTHEATER<br />
Eine Nacht in Venedig / Johann Strauß<br />
9.6. KIEL THEATER<br />
Die Krönung der Poppea / C. Monteverdi<br />
9.6. KÖLN OPER<br />
La Grande-Duchesse de Gérolstein /<br />
Jacques Offenbach<br />
14.6. HOF THEATER<br />
Lulu / Barbara Buser, Tiger Lillies nach<br />
Frank Wedekind<br />
14.6. LÜBECK THEATER<br />
La Traviata / Giuseppe Verdi<br />
15.6. FRANKFURT AM MAIN OPER<br />
The Medium / Giancarlo Menotti und<br />
Satyricon / Bruno Maderna<br />
15.6. FREIBURG THEATER<br />
Schau mich an / Céline Steiner, Ruslan<br />
Khazipov und G. F. Händel<br />
15.6. GELSENKRICHEN MUSIK-<br />
THEATER IM REVIER<br />
Schwanda, der Dudelsackpfeifer /<br />
Jaromir Weinberger<br />
15.6. KASSEL STAATSTHEATER<br />
Brundibár / Hans Krása<br />
Bis 15. September, München<br />
DIESER SCHMERZVOLLE<br />
KÖRPER<br />
Maria Lassnig, die 2014 verstarb und deren Geburtstag in diesem<br />
Jahr zum 100. Mal wiederkehrt, zählt zu den wenigen Künstlern, die<br />
ein herausragendes Alterswerk vorzuweisen haben. In den letzten<br />
Jahren ihres Schaffens steigerte sie die <strong>19</strong>49 begonnenen Selbstporträts<br />
zu radikalen Erkundungen des Körpergefühls, indem sie ihr<br />
Innerstes nach außen kehrte und auf die Leinwand brachte. „Die Bilder<br />
sollen lieber penetrant als elegant sein“, befand sie. Das Gemälde<br />
Der Verstand hat Angst / Der Arzt sagt: Die Welt loslassen (Foto) aus<br />
den Jahren 2000 bis 2005 zeigt den gealterten Körper mit schmervollem<br />
Gesichtsausdruck. Die von Veit Loers kuratierte Ausstellung<br />
BODY CHECK. Martin Kippenberger – Maria Lassnig stellt Lassnigs Bilder<br />
denen Martin Kippenbergers gegenüber. Die künstlerische Auseinandersetzung<br />
des <strong>19</strong>97 verstorbenen Malers, Bildhauers, Installations-<br />
und Performancekünstlers galt ebenfalls dem eigenen Körper.<br />
Lassnig und Kippenberger hätten in ihrer Malerei eine Richtung eingeschlagen,<br />
in welcher „Jacques Lacans corps morcelé, der zergliederte<br />
Körper des frühkindlichen Spiegelstadiums“, einen wichtigen<br />
Bezugspunkt bilde, erläutert Loers im Katalog. Mehr als 60 Werke<br />
hat er für den Ausstellungsparcours aus internationalen Sammlungen<br />
zusammengeholt.<br />
München, Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau München,<br />
www.lenbachhaus.de<br />
FOTO: LASSNIG STIFTUNG<br />
15.6. MÖNCHENGLADBACH<br />
THEATER<br />
Orpheus in der Unterwelt / J. Offenbach<br />
15.6. LEIPZIG OPER<br />
Die verkaufte Braut / Bedřich Smetana<br />
16.6. DORTMUND THEATER<br />
Wo die wilden Kerle wohnen /<br />
Oliver Knussen<br />
16.6. STUTTGART OPER<br />
Mefistofele / Arrigo Boito<br />
20.6. WIEN (AT) STAATSOPER<br />
Otello / Giuseppe Verdi<br />
22.6. DRESDEN STAATSOPERETTE<br />
Ein Hauch von Venus / Kurt Weill<br />
23.6. AACHEN THEATER<br />
Elegie für junge Liebende /<br />
Hans Werner Henze<br />
23.6. KÖLN OPER<br />
Pin Kaiser und Fip Husar / Frank Engel<br />
23.6. NÜRNBERG STAATSTHEATER<br />
Jakob Lenz / Wolfgang Rihm<br />
23.6. ZÜRICH (CH) OPERNHAUS<br />
Nabucco / Giuseppe Verdi<br />
24.6. BERLIN DEUTSCHE OPER<br />
Hamlet / Ambroise Thomas<br />
28.6. GERA LANDESTHEATER<br />
ALTENBURG<br />
Untergang der Titanic / W. D. Siebert<br />
28.6. LUDWIGSHAFEN THEATER<br />
IM PFALZBAU<br />
Rienzi / Richard Wagner<br />
28.6. ZÜRICH (CH) OPERNHAUS<br />
Last Call / Michael Pelzel<br />
29.6. AUGSBURG FREILICHTBÜHNE<br />
AM ROTEN TOR<br />
Jesus Christ Superstar / A. L. Webber<br />
29.6. DRESDEN SEMPEROPER<br />
Les Huguenots / Giacomo Meyerbeer<br />
29.6. KARLSRUHE BADISCHES<br />
STAATSTHEATER<br />
Pelléas und Mélisande / Claude Debussy<br />
30.6. REGENSBURG THEATER<br />
Lucia di Lammermoor / G. Donizetti<br />
5.7. KOBLENZ THEATER<br />
Der Troubadour / Giuseppe Verdi<br />
10.7. DORTMUND THEATER<br />
Joseph and the Amazing Technicolor<br />
Dreamcoat / Andrew Lloyd Webber<br />
13.7. MANNHEIM NATIONAL-<br />
THEATER<br />
Il trovatore / Giuseppe Verdi<br />
17.8. ERFURT MARIENDOM<br />
Pettersson und Findus und der Hahn im<br />
Korb / Niclas Ramdohr<br />
46 w w w . c r e s c e n d o . d e — <strong>Juni</strong> – Juli – <strong>August</strong> 20<strong>19</strong>
FOTO: RÜDIGER SCHESTAG; ANNE C ERIKSEN; SIMON-PAULY; TINA RUISINGER; CHRISTIANE HEINRICH; HAMBURGER STAATSOPER; COOPER AND GORFER; PETER ADAMIK; UWE LEWANDOWSKI; FRANZISKA DANNHEIM; EWA KRASUCKA; THOMAS KRAUT;<br />
MARCO BORGGREVE; HELMUT SCHWARZ<br />
27. Juli bis 4. <strong>August</strong><br />
SOMMERLICHE MUSIKTAGE HITZACKER<br />
Aribert Reimann komponierte 2017 für das<br />
Kuss Quartett (Foto) den Zyklus Die schönen<br />
Augen der Frühlingsnacht. Er wählte sechs Lieder<br />
des romantischen Komponisten Theodor<br />
Fürchtegott Kirchner nach Gedichten von Heinrich<br />
Heine aus und bearbeitete sie für Sopran<br />
und Streichquartett. „Theodor Kirchner begann<br />
früh zu komponieren und wurde zunächst von Felix Mendelssohn Bartholdy<br />
und Robert Schumann, später von Clara Schumann und Johannes<br />
Brahms sehr gefördert“, erläutert er im Vorwort zur Partitur. „Schon<br />
seine Lieder op.1 lassen eine klare Formstruktur, Konzentration des<br />
Formmaterials auf engem Raum und rhythmische Variabilität erkennen.“<br />
Aus verschiedenen Abschnitten seines Lebens stellte er Kirchners Lieder<br />
zusammen und band sie in Sieben Bagatellen ein. Das Kuss Quartett und<br />
Sarah Maria Sun eröffnen mit dem Liebesliederreigen die Musiktage.<br />
Sommerliche Musiktage Hitzacker, verschiedene Spielorte,<br />
www.musiktage-hitzacker.de<br />
9. <strong>August</strong><br />
ERFURT DOMSTUFEN-FESTSPIELE<br />
Der Wunsch, eine Geschichte durch Musik zu<br />
erzählen“, ist es, der den vielseitigen norwegischen<br />
Komponisten Gisle Kverndokk (Foto)<br />
inspiriert. Für sein neues Musical-Projekt mit<br />
seinem Librettisten Øystein Wiik nimmt er sich<br />
Umberto Ecos Mittelalterroman Der Name<br />
der Rose als Vorlage. Der Roman mit der brennenden<br />
Bibliothek am Ende wurde als literarisches Meisterwerk der<br />
Semiotik gefeiert. Für Eco war es die Vorstellung der Ermordung eines<br />
Mönchs in einer Bibliothek, die ihn zu dem Roman angeregt hatte. Die<br />
Uraufführung auf der imposanten Freitreppe zum Mariendom setzt Axel<br />
Köhler mit dem Theater Erfurt in Szene. Als Choreograf wirkt Mirko<br />
Mahr mit, und die musikalische Leitung übernehmen Jürgen Grimm und<br />
alternativ Chanmin Chung.<br />
Erfurt , Mariendom, www.theater-erfurt.de<br />
1. <strong>Juni</strong> bis 22. September<br />
OTTOBEUREN BASILIKAKONZERTE<br />
„Musikant Gottes“ wurde Anton Bruckner einst<br />
von seinem Biografen Ernst Décsey genannt.<br />
So kann es wohl keinen passenderen Ort für die<br />
Aufführung seines Werkes geben als einen Sakralbau.<br />
Lahav Shani dirigiert das Rundfunk -<br />
Sinfonieorchester Berlin (Foto) bei der Aufführung<br />
von Bruckners Siebter Sinfonie in der Basilika<br />
der barocken Klosteranlage von Ottobeuren. Ihr 70-jähriges Bestehen<br />
feiern die Basilikakonzerte mit Händels Messias, aufgeführt vom Münchener<br />
Bach-Orchester und dem Münchener Bach-Chor unter Hansjörg<br />
Albrecht. Das MDR Sinfonieorchester und der MDR Rundfunkchor Leipzig<br />
unter Domingo Hindoyan spielen Puccini und Verdi, und auch die beiden<br />
Orgeln von Karl Joseph Riepp erfüllen das Kirchenschiff mit ihrem Klang.<br />
Ottobeuren, Basilika, www.ottobeuren.de<br />
8. <strong>Juni</strong><br />
LUDWIGSHAFEN DER EINDRINGLING<br />
Helena Waldmann (Foto) gehört zu den bedeutendsten<br />
Tanzregisseurinnen des europäischen<br />
Gegenwartstheaters. Ihre Choreografien werden<br />
weltweit gezeigt. Mit ihrem neuen Performance-Projekt<br />
Der Eindringling – eine Autopsie<br />
bricht sie das Konstrukt des geschlossenen Körpers<br />
eines Landes herunter auf die Ebene des<br />
menschlichen Körpers. Nur durch Öffnungen ist er zum Leben und Überleben<br />
fähig. Tanz ist der physische Beweis, dass Offenheit, Freiheit und<br />
Freizügigkeit der Geschlossenheit überlegen sind. Inspirieren lässt Waldmann<br />
sich von den chinesischen Kampfkünsten, in denen Angriff und Abwehr<br />
eins sind und die Kraft des Angreifers der Verteidigung dient. Die<br />
Musik entwickelt der Berliner Komponist Jayrope, und die Tänzer sind<br />
Ichiro Sugae, Tillmann Becker und Telmo Branco.<br />
Ludwigshafen, Theater im Pfalzbau, www.theater-im-pfalzbau.de<br />
2. <strong>Juni</strong><br />
FRANKFURT AM MAIN KRÓL ROGER<br />
„Der erste Akt ist die Erstarrung der byzantinischen<br />
Formen … und vor diesem Hintergrund<br />
die lichte Gestalt des Hirten, der zu einer anderen<br />
Freude aufruft … Der zweite Akt – das ist<br />
der Osten – grell, die Augen blendend … Der<br />
dritte Akt – das ist die Erfüllung der größten<br />
Sehnsüchte“, beschreibt der Dramatiker und Librettist<br />
Jarosław Iwaszkiewicz den Aufbau von Król Roger. Begeistert vom<br />
kulturellen Schmelztiegel Sizilien, den er auf seinen Reisen in den Süden<br />
kennengelernt hatte, schuf Karol Szymanowski mit ihm das „sizilianische<br />
Musikdrama“ um den Normannenkönig Roger II. Musikmaterial aus drei<br />
Kulturkreisen, dem Byzantinismus, dem arabisch-indischen Orient und<br />
der griechisch-römischen Antike verarbeitete er zu einer Partitur voller<br />
Klang- und Farbenpracht. Johannes Erath setzt das Werk, in dem das<br />
Dionysische und Apollinische zur Verschmelzung kommen, in Szene. Die<br />
musikalische Leitung liegt in den Händen von Sylvain Cambreling. Und die<br />
Titelpartie verkörpert Lukasz Golinski (Foto).<br />
Frankfurt am Main, Oper, 2. (Premiere), 6., 9., 15., <strong>19</strong>., 22., 27. und 29.6.,<br />
www.oper-frankfurt.de<br />
21. <strong>Juni</strong><br />
HAMBURG MOSKAU TSCHERJOMUSCHKI<br />
Dmitri Schostakowitsch konnte überall komponieren.<br />
Er schrieb schnell und arbeitete meist an<br />
mehreren Werken gleichzeitig. <strong>19</strong>58 sorgte er<br />
mit einer Operette für Erstaunen. Er finde, dass<br />
ein ernsthafter Komponist seine Kräfte in jedem<br />
Fach erproben solle, rechtfertigte er sich. „An<br />
populären Kompositionen ist nichts Schlechtes<br />
und erst recht nichts Gefährliches.“ Zwar ist in einem Brief an seinen<br />
Freund Isaak Glikman auch von „Scham“ zu lesen. Aber Moskau, Tscherjomuschki<br />
über die Alltagsszenen in einer Moskauer Trabantensiedlung errang<br />
mit seinen heiteren, einprägsamen Melodien große Beliebtheit. Das<br />
Internationale Opernstudio (Foto) der Hamburger Staatsoper hat sich<br />
das Werk vorgenommen. Vera Nemirova setzt es mit Sonja Nemirova in<br />
der Reihe opera stabile in Szene, und Rupert Burleigh dirigiert.<br />
Hamburg, opera stabile, 21. (Premiere), 22., 23., 25., 26., 28. und 29.6. sowie 6.,<br />
8. und 11.9., www.staatsoper-hamburg.de<br />
27. <strong>Juni</strong> bis 14. Juli<br />
NÜRNBERG U. A.<br />
INTERNATIONALE GLUCKFESTSPIELE<br />
„Neue Klänge für Europa“ haben die Festspiele<br />
zu Ehren von Christoph Willibald Gluck als<br />
Motto gewählt und ein Programm entworfen,<br />
das sich dem Meister aus der Oberpfalz von vielen<br />
Seiten her nähert und sich zu unterschiedlichen<br />
Kunstformen inspirieren lässt. Der Geiger<br />
Daniel Hope (Foto) zeigt in einem von ihm<br />
selbst moderierten Konzert mit dem Zürcher Kammerorchester, welche<br />
Wirkungen von Gluck ausgingen. Dominique Horwitz liest aus E. T. A.<br />
Hoffmanns Erzählung Ritter Gluck. Zur festlichen Eröffnung singt Karina<br />
Gauvin in einer Gluck-Operngala von „großen Gefühlen, Glück und Verhängnis“.<br />
Und im Markgräflichen Opernhaus Bayreuth kommt Glucks<br />
Oper Antigono konzertant zur Aufführung. Gluck schrieb die Geschichte<br />
von Berenice und Demetrio, die in den Wirren der Heirats- und Kriegspolitik<br />
zueinanderfinden, 1756 für das Teatro Argentina in Rom.<br />
Nürnberg, Bayreuth, Berching u .a., www.gluck-festspiele.de<br />
47
E R L E B E N<br />
27. <strong>Juni</strong> bis 14. Juli, Stuttgart<br />
FEST VERSCHNÜRTE MENSCHLICHE KNOTEN<br />
Spirituell durchdrungene Bewegungen<br />
zeigt das Tanztheater von Xie Xin<br />
FOTO: HUANG KAIDI<br />
Zwei Leben gehen eine Verbindung ein – diesen besonderen Moment<br />
des Zusammentreffens stellt Xie Xin in ihrer Choreografie From IN<br />
(Foto) dar. Weite fließende Bewegungen kennzeichnen den Stil des<br />
2014 von ihr gegründeten Tanztheaters. Es ist Gast des Colours International<br />
Dance Festivals von Eric Gauthier. 20 Produktionen aus aller<br />
Welt sind zu sehen, darunter neun Deutschland-Premieren und zwei<br />
abendfüllende Uraufführungen. Aus Helsinki kommt Tero Saarinen mit<br />
seiner Kompanie und dem Akkordeonisten Kimmo Pohjonen. Stephen<br />
Shropshire aus den Niederlanden spürt in We Are Nowhere Else But<br />
Here den intimen Begegnungen nach, die „verborgen sind im fest verschnürten<br />
menschlichen Knoten“. Inspiriert von dem Comicband<br />
Watchmen, untersucht Bryan Arias mit seiner Kompanie in Watch die<br />
moralischen Kämpfe heutiger Helden. Mourad Merzouki und seine<br />
Compagnie Käfig bringen mit dem Barockensemble Le Concert de<br />
L’Hostel Dieu den Hip-Hop in Verbindung mit Barocktanz und steigern<br />
die spontane Kraft der Straßenkunst und die sublime Kunstfertigkeit<br />
des Barocks zu einer poetischen Bilderflut. Der australische Avantgarde-Zirkus<br />
Circa zeigt in En Masse die Vision einer sterbenden und<br />
wiedererblühenden Welt. Die Akram Khan Company aus London feiert<br />
mit Outwitting the Devil ihr 20-jähriges Bestehen und erzählt von<br />
der Suche nach einer Gemeinschaft. Und die Compagnie Marie Chouinard<br />
aus Kanada wendet in Radical Vitality, einer Anthologie aus ihren<br />
Werken, den Blick zurück auf die eigene künstlerische Geschichte.<br />
Stuttgart, Theaterhaus, www.theaterhaus.com<br />
<strong>19</strong>. Juli bis 6. <strong>August</strong><br />
BERLIN YOUNG EURO CLASSIC<br />
„Das Orchester als utopisches Miteinander, als<br />
Gesellschafts- und Gemeinschaftsmodell der<br />
Teilhabe: Freiheit, Gleichheit, Brüderlichkeit“,<br />
steht als Gründungsidee hinter Young Euro<br />
Classic. Das Festival versteht sich als Plattform<br />
des Orchesternachwuchses für die europäische<br />
klassische Musiktradition. Zum 20. Jubiläum<br />
kommen Jugendorchester aus Rumänien, Schweden, Portugal, der Slowakei,<br />
Chile, Israel, der Türkei, China, Großbritannien, den USA und anderen<br />
Ländern nach Berlin. Das Bundesjugendorchester hat auch eine<br />
Uraufführung auf dem Programm: Three African Songs von dem südafrikanischen<br />
Komponisten Hendrik Hofmeyr. Zu Beginn jedes Konzerts erklingt<br />
die Festivalhymne. Komponiert hat sie in diesem Jahr Iván Fischer,<br />
und er bittet die jungen Musiker, sie „nicht zu perfekt zu spielen“. Sie sei<br />
„ein musikalischer Spaß“, man müsse Freude daran haben.<br />
Berlin, Konzerthaus, www.young-euro-classic.de<br />
15. <strong>Juni</strong><br />
OSNABRÜCK GUERCŒUR<br />
Bekanntheit erlangte der französische Komponist<br />
Albéric Magnard tragischerweise durch seinen<br />
Tod. Im September <strong>19</strong>14 starb er bei einem<br />
Schusswechsel, nachdem er versucht hatte, sein<br />
Landhaus bei Paris gegen deutsche Soldaten zu<br />
verteidigen. Unglücklicherweise geriet dabei<br />
sein Haus in Brand und ein Teil seines Werkes,<br />
darunter zwei Akte der Oper Guercœur, wurde Opfer der Flammen. Magnards<br />
Freund Guy Ropartz, der mehrere von Magnards Werken zur Aufführung<br />
gebracht hatte, rekonstruierte die verlorenen Akte und setzte<br />
die Oper <strong>19</strong>31 in Paris wieder auf den Spielplan. Sie erzählt von dem mittelalterlichen<br />
Herrscher Guercœur, der bei der Verteidigung seiner Stadt<br />
gefallen ist und ihm Himmel erwirkt, wieder auf die Erde zu dürfen, um<br />
seine Untertanen zu beschützen. Als er jedoch feststellt, wie sich alles<br />
zum Schlechten gewendet hat und er bei dem Versuch, die Zustände zu<br />
ändern, von seinen eigenen Leuten getötet wird, kehrt er desillusioniert<br />
ins Jenseits zurück. In Osnabrück setzt Dirk Schmeding die Oper mit<br />
Rhys Jenkins als Guercœur in Szene. Am Pult steht Andreas Hotz (Foto).<br />
Osnabrück, Theater, 15. (Premiere), <strong>19</strong>., 23. und 26.6. sowie 2. und 5.7.,<br />
www.theater-osnabrueck.de<br />
23. <strong>August</strong> bis 1. September<br />
ALLEGRO! DAS MUSIKFEST IM TAUNUS<br />
Tango Fuego ist das älteste Tango-Ensemble<br />
Deutschlands. Die Musiker beherrschen sämtliche<br />
Tango-Stile. In einer Konzertlesung mit<br />
Franziska Dannheim (Foto) spielen sie Stücke<br />
von Astor Piazzolla, Añíbal Troila, einem der<br />
wichtigsten Komponisten der goldenen Ära des<br />
Tangos, Carlos Gardel, den sein früher Tod bei<br />
einem Flugzeugabsturz <strong>19</strong>35 zu einem Mythos werden ließ, und anderen.<br />
Dannheim liest aus dem Roman Drei Minuten mit der Wirklichkeit. Wolfram<br />
Fleischhauer hat in diesem Liebes- und Künstlerroman eine Odyssee<br />
durch die Tango-Welt von Buenos Aires entworfen. Die drei Minuten,<br />
das sind für ihn „der kurze, bittersüße Triumpf einer Künstlerin über die<br />
– oft verfluchte – Wirklichkeit“. Eröffnet wird das Musikfest vom<br />
ensemble reflektor mit Haydn und Mozart, und im Abschlusskonzert<br />
spielen die Klarinettistin Sabine Meyer und das Quintett Alliage ein<br />
buntes Programm mit Bach, Strawinsky, Gershwin und Borodin.<br />
Taunus, verschiedene Spielorte, www.allegro-musikfest.de<br />
48 w w w . c r e s c e n d o . d e — <strong>Juni</strong> – Juli – <strong>August</strong> 20<strong>19</strong>
FOTO: RÜDIGER SCHESTAG; ANNE C ERIKSEN; SIMON-PAULY; TINA RUISINGER; CHRISTIANE HEINRICH; HAMBURGER STAATSOPER; COOPER AND GORFER; PETER ADAMIK; UWE LEWANDOWSKI; FRANZISKA DANNHEIM; EWA KRASUCKA; THOMAS KRAUT;<br />
MARCO BORGGREVE; HELMUT SCHWARZ<br />
KÜNSTLER<br />
KIT ARMSTRONG<br />
11.6. Berlin, Konzerthaus<br />
12.6. Braunschweig, Stadthalle<br />
16.6. Hannover, NDR<br />
12.7. Bonn, Beethoven-Haus<br />
17.7. Stuttgart, Liederhalle<br />
FRANZISKA HÖLSCHER<br />
13.6. Regensburg, Minoritenkirche<br />
24.6. Elmau, Schloss<br />
2.8. Ansbach, Kunsthaus<br />
9.8. Mettlach, Alte Abtei<br />
DANIEL HOPE<br />
17.6. Essen, Philharmonie<br />
21.6. Ulrichshusen, Festspielscheune<br />
23.6. Schwerin, Freilichtbühne<br />
25.6. Dresden, Frauenkirche<br />
EVGENY KISSIN<br />
3.7. Essen, Philharmonie<br />
8.7. Kiel, Schloss<br />
DOROTHEE OBERLINGER<br />
10. bis 20.6. Potsdam, Sanssouci<br />
26. und 27.6. Bayreuth,<br />
Markgräfliches Opernhaus<br />
10.7. Nieblum, St. Johannis-Kirche<br />
3. und 4.8. Ansbach, Residenz<br />
1. Juli, München<br />
JULIAN PRÉGARDIEN<br />
5., 15. und 16.6. Würzburg, Residenz<br />
5.7. Rottweil, Rottenmünster<br />
7.7 Feldafing, Peter und Paul Kirche<br />
25., 28. und 31.8. Salzburg (A),<br />
Felsenreitschule<br />
BENJAMIN SCHMID<br />
14.6. Mattsee (A), Stiftskirche<br />
16.6. Winterthur (CH), Stadthaussaal<br />
18.6. Salzburg (A), Mozarteum<br />
20.6. Zürich (CH), St. Peter<br />
RAGNA SCHIRMER<br />
6.6. Ettersburg, Schloss<br />
9.6. Zwickau, Robert-Schumann-Haus<br />
17. bis <strong>19</strong>.6. Bremerhaven, Theater<br />
20.6. Hamburg, Museum für Kunst<br />
und Gewerbe<br />
21.7. Chorin, Schloss<br />
16.8. Eisenach, Wartburg<br />
23.8. Bendestorf, Makens Huus<br />
MAURICE STEGER<br />
18.7. Lübeck, Palais Rantzau<br />
21.7. Hasselburg, Herrenhaus<br />
24.7. Rendsburg, Christkirche<br />
25.7. Plön, Nikolaikirche<br />
13.8. Mainz, Seminarkirche<br />
TABEA ZIMMERMANN<br />
22.7. Hamburg, Bucerius Kunst Forum<br />
23.7. Bordesholm, Klosterkirche<br />
AUFTRAGSMORD<br />
Der Komponist Minas Borboudakis<br />
„Es ist der Stoff“, erläutert Minas Borboudakis seine Motivation, ein<br />
Musiktheaterstück zu schreiben. Es gebe Themen im Leben, die immer<br />
wieder auftauchten und jedes Mal eine andere Antwort verlangten.<br />
Sein neues Stück Z mit einem Libretto von Vangelis Hatziyannidis<br />
greift einen Fall auf, der durch den Roman Vassilis Vassilikos’<br />
sowie die Verfilmung von Costa-Gavras bekannt wurde und in Griechenland<br />
heute noch gegenwärtig ist. Am 22. Mai <strong>19</strong>63 wurde in<br />
Thessaloniki der Arzt und Abgeordnete Grigoris Lambrakis auf offener<br />
Straße ermordet. Der brutale Ausftragsmord konnte nur dank<br />
der unerschrockenen Recherche des Untersuchungsrichters Christos<br />
Sartzetakis, des späteren Staatspräsidenten Griechenlands, aufgeklärt<br />
werden. Die Festspiel-Werkstatt der Münchner Opernfestspiele<br />
zeigt Borboudaki’s Stück, das 2018 in Athen uraufgeführt wurde,<br />
in deutscher Übersetzung und unter der Regie von Kevin Barz.<br />
Der Titel bedeutet „Er lebt“. So lauteten die Parolen der Demonstranten<br />
nach dem Attentat. Die Musik Borboudakis’ schafft, dem<br />
Libretto folgend, zwei Erzählebenen. Sie ist rhythmisch an jenen<br />
Stellen, an denen die Handlung vorwärtstreibt, und sphärisch, fragil<br />
und poetisch, wenn Z sich in inneren Gesprächen mit seiner Frau<br />
und seinen Weggefährten austauscht. Die musikalische Leitung der<br />
Aufführung übernimmt der Komponist selbst.<br />
München, Reithalle, 1. (Premiere), 3., 5. und 6.7.,<br />
www.staatsoper.de/werkstatt.html<br />
FOTO: ASTRID ACKERMANN<br />
21. <strong>Juni</strong> 20<strong>19</strong><br />
Meisterpianist<br />
Franz Liszt:<br />
„Années de pèlerinage“<br />
(Auszüge)<br />
Louis Lortie (Klavier)<br />
11. <strong>August</strong> 20<strong>19</strong><br />
Göttliche Musik<br />
Gioachino Rossini:<br />
Petite Messe solennelle<br />
Christiane Karg (Sopran)<br />
Angela Brower (Mezzosopran)<br />
Siyabonga Maqungo (Tenor)<br />
Luca Tittoto (Bass)<br />
Ulrike Payer (Klavier)<br />
Maroš Klátik (Klavier)<br />
Michael Meyer (Harmonium)<br />
Internationale Chorakademie Lübeck<br />
Rolf Beck (Leitung)<br />
www.kunstklang-feuchtwangen.de<br />
Kartentelefon 09852 904-44<br />
Festspiele für die Sinne.<br />
365 Tage im Jahr.<br />
Der Klosterhof in Bayerisch Gmain -<br />
Das Festspielhotel im Grünen.<br />
+49 8651-9825-0 www.klosterhof.de info@klosterhof.de<br />
21. OPEN-AIR-FESTIVAL<br />
Konzerte im Fronhof<br />
MOZARTSTADT AUGSBURG<br />
<strong>19</strong>/20/21 JULI ’<strong>19</strong><br />
Programm unter<br />
www.konzerte-im-fronhof.de<br />
Foto: Gisela Schenker<br />
49
E R L E B E N<br />
Bis 28. Juli, Opernfestspiele Heidenheim<br />
ENTDECKERFREUDE<br />
WECKEN<br />
Dirigent und künstlerischer Leiter Marcus Bosch<br />
Marcus Bosch, der künstlerische Leiter der Festspiele, gibt Einblicke<br />
in das Programm.<br />
<strong>CRESCENDO</strong>: Herr Professor Bosch, die Veranstalter der<br />
Opernfestspiele Heidenheim feiern Sie anlässlich Ihrer 10. Saison<br />
als Glück. Was bedeuten Ihnen die Festspiele?<br />
Marcus Bosch: Das kann ich auch nur mit dem einen Wort sagen:<br />
Glück. Die Festspiele haben eine großartige Entwicklung genommen.<br />
Mir wurden glückhafte Arbeitsbedingungen geboten: Ich kann<br />
in Gesamtverantwortlichkeit Planungen vornehmen, das Repertoire<br />
auswählen und als Krönung selbst musizieren. Hinzu kommt das<br />
Glück, mit der Cappella Aquileia ein festivaleigenes Orchester zu<br />
haben und mit den Stuttgarter Philharmonikern und dem Tschechischen<br />
Philharmonischen Chor Brünn zwei hervorragende Klangkörper<br />
einbinden zu können.<br />
Glück ist auch das Motto Ihrer Jubiläumssaison, die von russischem<br />
Repertoire geprägt wird. Welche Überlegungen bewogen<br />
Sie zu dieser Wahl?<br />
Tschaikowskys Pique Dame ist schon lange ein Wunschstück von mir.<br />
Diese „russische Carmen“ als Festivaloper in Originalsprache auf die<br />
Bühne des Rittersaals zu bringen, erfüllt das Vorhaben, mit dem ich<br />
angetreten bin: lebendiges Musiktheater zu zeigen, in dem Musik und<br />
Szene gleichberechtigt nebeneinander stehen. Tschaikowsky ist für<br />
mich einer der wichtigsten Komponisten der Musikgeschichte.<br />
Russische Komponisten dominieren auch das Konzert-<br />
Programm …<br />
Diesen Bogen wollte ich schlagen. Łukasz Borowicz, ein junger polnischer<br />
Dirigent, bringt mit der Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz<br />
zwei Märchen-Musiken von Rimski-Korsakow und Tschaikowskys<br />
Erstes Klavierkonzert zur Aufführung. Ich selbst dirigiere die Stuttgarter<br />
Philharmoniker bei einem Programm mit zwei Scheherazade-<br />
Kompositionen, der von Rimski-Korsakow und der davon inspirierten<br />
Ravel’schen. Mein Wunsch ist es, Repertoire in die Festspiele<br />
zu bringen, das Entdeckerfreude weckt.<br />
Zum Entdecken lädt auch die Zeitgenossen-Biennale. Sie findet<br />
zum fünften Mal statt. Wie wird sie angenommen?<br />
Diese Reihe hat eine lange Tradition und geht zurück auf den Kirchenmusiker<br />
Helmut Bornefeld. Als ich die künstlerische Leitung<br />
der Festspiele übernahm, wollte ich seiner ambitionierten Gesellschaft<br />
ein Podium bieten. Als Festival im Festival gewinnt die Reihe<br />
zunehmend Aufmerksamkeit, während umgekehrt das Festival<br />
durch die Verschiedenheit der Formate und der Spielorte eine Bereicherung<br />
erfährt.<br />
Opernfestspiele Heidenheim, verschiedene Spielorte, www.opernfestspiele.de<br />
FOTO: THOMAS NIEDERMÜLLER<br />
26. Juli bis 4. <strong>August</strong><br />
BACHWOCHE ANSBACH<br />
Während seines Aufenthalts in Köthen am calvinistischen<br />
Hof von Fürst Leopold erhielt Johann<br />
Sebastian Bach eine Aufforderung des Markgrafen<br />
Christian Ludwig von Brandenburg, ihm<br />
einige Werke für das gute Ensemble zu senden,<br />
das er an seinem Hof unterhalte. Bach schickte<br />
sechs verschiedenartige Konzerte mit der Widmung<br />
„Six concerts avec plusieurs instruments, dediées à son Altesse<br />
Royale Monseigneur Chrétien Louis, Markgraf de Brandenbourg …“ Die<br />
Brandenburgischen Konzerte, wie sie später genannt wurden, bilden das<br />
Rückgrat der Bachwoche. Dem Leitmotiv „avec plusieurs instruments“<br />
folgend, erklingen sie, gespielt vom Festspielorchester il Gusto Barocco<br />
unter Jörg Halubek, in den Konzerten der Orangerie im Hofgarten.<br />
Ansbach, verschiedene Spielorte, www.bachwoche.de<br />
26. <strong>Juni</strong> bis 31. <strong>August</strong><br />
EUTINER FESTSPIELE<br />
Brush up your Shakespeare – Wunderbar – Too<br />
Darn Hot – herrliche, temperamentvolle Musik<br />
schrieb Cole Porter für sein Musical Kiss Me,<br />
Kate. Es war jener erste große Erfolg, in dem er<br />
Shakespeares Komödie Der Widerspenstigen<br />
Zähmung in einer turbulenten Rahmenhandlung<br />
auf die Bühne brachte, den er <strong>19</strong>48 über den<br />
Ozean nach Europa schickte. Bei den Festspielen gibt es den Klassiker<br />
auf der Freilichtbühne am Ufer des Großen Eutiner Sees zu sehen. Die<br />
Rolle des auf dem Theater und im Leben streitenden Paares übernehmen<br />
Patricia Hodell und Peter Bording. Regie führt Hardy Rudolz, und die<br />
musikalische Leitung hat Romely Pfund (Foto).<br />
Eutin, verschiedene Spielorte, www.eutiner-festspiele.de<br />
25. Juli bis 11. <strong>August</strong><br />
OBERSTDORFER MUSIKSOMMER<br />
Métamorphoses nocturnes – mit diesem programmatischen<br />
Titel versah György Ligeti <strong>19</strong>54<br />
sein Erstes Streichquartett. Das Dudok Kwartet<br />
Amsterdam (Foto) gastiert damit beim Musiksommer<br />
vor der imposanten Kulisse der Allgäuer<br />
Alpengipfel. Im Eröffnungskonzert erfreut<br />
die Württembergische Philharmonie Reutlingen<br />
mit Tschaikowskys Rokoko-Variationen. Das Capricornus Ensemble<br />
Stutt gart bringt Leopold Mozart anlässlich der 300. Wiederkehr seines<br />
Geburtstages ein Ständchen. Und das Trio Marvin erinnert an<br />
Mieczysław Weinberg, der vor 100 Jahren zur Welt kam, in die Tragödien<br />
des 20. Jahrhunderts hineingerissen wurde und dennoch die moralische<br />
Kraft besaß, das Moment der Hoffnung in seinem Werk aufrechtzuhalten.<br />
Hinauf in die Berge geht es mit German Brass.<br />
Oberstdorf, verschiedene Spielorte, www.oberstdorfer-musiksommer.de<br />
2. bis 11. <strong>August</strong><br />
<strong>19</strong>. DARMSTÄDTER RESIDENZFESTSPIELE<br />
Darmstadt besitzt als einstige Residenzstadt<br />
herausragende architektonische Ensembles. Sie<br />
bilden in den Sommerwochen den kunstvollen<br />
Rahmen für Festspiele. Auf der Mathildenhöhe<br />
lädt inmitten prachtvoller Jugendstilbauten der<br />
Darmstädter Künstlerkolonie die Darmstädter<br />
Hofkapelle unter Wolfgang Seeliger zu einer<br />
Italienischen Nacht. Das Ensemble knüpft an sein historisches Vorbild an<br />
und bringt barocke und klassische Werke detailgetreu zur Aufführung.<br />
Zu den Mitwirkenden gehört der Konzertchor Darmstadt (Foto), der<br />
die Festspiele 2001 ins Leben rief. Mit klassischen europäischen und lateinamerikanischen<br />
Werken gastieren die Bolívar Soloists.<br />
Darmstadt, verschiedene Spielorte, www.residenzfestspiele.de<br />
50 w w w . c r e s c e n d o . d e — <strong>Juni</strong> – Juli – <strong>August</strong> 20<strong>19</strong>
FOTO: RÜDIGER SCHESTAG; ANNE C ERIKSEN; SIMON-PAULY; TINA RUISINGER; CHRISTIANE HEINRICH; HAMBURGER STAATSOPER; COOPER AND GORFER; PETER ADAMIK; UWE LEWANDOWSKI; FRANZISKA DANNHEIM; EWA KRASUCKA; THOMAS KRAUT;<br />
MARCO BORGGREVE; HELMUT SCHWARZ<br />
18. Juli bis 6. September, 63. Gstaad Menuhin Festival<br />
MAGISCHES PARIS<br />
Patricia Kopatchinskaja und Sol Gabetta in Gstaad 2018<br />
FOTO: RAPHAEL FAUX<br />
<strong>19</strong>. bis 23. <strong>Juni</strong>, Ries<br />
Vor 20 Jahren verstarb Yehudi Menuhin. Das Festival im Herzen der<br />
Schweizer Alpen, das er <strong>19</strong>57 ins Leben rief, erinnert an das Wunderkind<br />
Menuhin, das mit zehn Jahren unbedingt Unterricht bei George<br />
Enescu, „dem Absoluten“, in Paris haben wollte. „Paris ist magisch und<br />
hat über die Jahrhunderte nichts von dieser Faszination und Anziehung<br />
verloren“, betont Intendant Christoph Müller. Er hat ein Programm entworfen,<br />
das im Zeichen von Paris steht und von französischen Musikern<br />
geprägt ist. In einem Chorkonzert stellt Hervé Niquet mit Solisten und<br />
seinem Concert Spirituel den Barockkomponisten Marc-Antoine Charpentier<br />
vor, einen Meister sakraler Festmusik. Und Olivier Latry, der<br />
Organist von Notre-Dame de Paris, gibt ein Orgelkonzert in der Kirche<br />
Saanen. Konzertant kommt Bizets Carmen mit dem Orchester des<br />
Opernhauses Zürich unter Marco Armiliato zur Aufführung. Gaëlle Arquez<br />
singt die Titelpartie und Marcelo Álvarez die Partie des Don José.<br />
Während das Orchestre philharmonique de Radio-France und das Orchestre<br />
National de Lyon zwei große Konzerte im Festivalzelt bestreiten,<br />
spielt Adam Laloum das Erste Klavierquintett von Gabriel Fauré, das<br />
auf Schweizer Boden entstand. Das Artist-in-Residence-Programm<br />
gestaltet der Pianist Bertrand Chamayou. Darüber hinaus findet ein<br />
Wiedersehen mit der Pianistin Khatia Buniatishvili statt, die zu den Lieblingen<br />
des Festivals gehört. Weitere Gäste sind die Sängerinnen Nuria<br />
Rial und Cecilia Bartoli, die Geigerinnen Vilde Frang, Patricia Kopatchinskaja<br />
und Hilary Hahn sowie die Cellisten Sol Gabetta und Gautier<br />
Capuçon. Und im Abschlusskonzert mit der Staatskapelle Dresden unter<br />
Myung-Whun Chung setzt sich Yuja Wang an den Flügel.<br />
Gstaad, verschiedene Spielorte, 18.7. bis 6.9., www.gstaadmenuhinfestival.ch<br />
EMPFINDSAMKEIT UND HUMOR<br />
Johannes Moesus<br />
Johannes Moesus, der künstlerische Leiter der<br />
Festtage, stellt den vergessenen Komponisten<br />
Antonio Rosetti vor.<br />
<strong>CRESCENDO</strong>: Maestro Moesus, als Gründer<br />
und künstlerischer Leiter der Rosetti-Tage<br />
im Ries widmen Sie sich der Aufgabe, das<br />
Werk Rosettis wieder zum Klingen zu bringen.<br />
Was zeichnet seine Musik aus?<br />
Johannes Moesus: Das kann ich in vier Schlagworte<br />
fassen: Klarheit, Empfindsamkeit, Naivität<br />
im besten Sinne und Humor. Stilistisch bewegt<br />
sich seine Musik im Spannungsfeld zwischen<br />
der Wiener Klassik – Joseph Haydn ist<br />
sein großes Vorbild – und der Mannheimer Schule.<br />
Zudem beeinflussten ihn die Volksmelodien<br />
und musikalischen Traditionen seiner böhmischen<br />
Heimat.<br />
Von den Zeitgenossen soll Rosetti mit Haydn und Mozart auf eine<br />
Stufe gestellt worden sein. Aber die Nachwelt hat ihn vergessen.<br />
Wie ist das zu erklären?<br />
Mozart hatte das Glück, dass sein Werk auch nach seinem Tod insbesondere<br />
von seiner Witwe weiter vermarktet wurde. Haydn war ein<br />
ausgeprägt guter Geschäftsmann und kümmerte sich sein langes Leben<br />
lang intensiv um Verkauf und Verbreitung seiner Kompositionen. Rosetti<br />
dagegen geriet mangels aktiver Erben bald nach seinem Tod in<br />
Vergessenheit. Hinzu kommt, dass Ende des 18. Jahrhunderts ein Wandel<br />
des Geschmacks eintrat. So wichen die Vertreter der Klassik zurück<br />
zugunsten der nun „modernen“ Komponisten der Frühromantik<br />
und des Biedermeiers.<br />
Wie sind Sie auf Rosetti gestoßen?<br />
Das war Zufall. Mit Waldhorn als Nebenfach lernte ich in meinem<br />
Musikstudium schon früh Rosettis Hornkonzerte kennen. <strong>19</strong>92 zum 200.<br />
Todestag Rosettis erhielt ich dann eine Einladung der Schweri ner Philharmonie,<br />
Konzerte mit seinen Werken zu dirigieren.<br />
Und von da an begann ich, mich intensiv<br />
mit seiner Musik zu beschäftigen.<br />
Die Rosetti-Tage feiern in diesem Jahr ihre<br />
20. Saison. Was erwartet die Besucher?<br />
Unsere Konzerte finden durchweg in historischen<br />
Sälen und Kirchen statt. Die ausgewählten<br />
Besetzungen entsprechen denen, für die Rosetti<br />
komponierte. In unserer Jubiläumsausgabe<br />
widmen wir uns zum Beispiel intensiv Rosettis<br />
Streichquartetten. Das vielfach ausgezeichnete<br />
Goldmund-Quartett gastiert dazu auf Schloss<br />
Amerdingen. Auf Schloss Harburg spielt das Bläseroktett<br />
Vecchio Legno auf historischen Instrumenten<br />
Werke von Rosetti, Mozart und Beethoven.<br />
Zwischen den ausgewählten Werken<br />
Dialoge herzustellen, gehört ebenfalls zu unserem dramaturgischen<br />
Konzept. So führen wir eine Messe Rosettis zusammen mit geistlicher<br />
Musik Leopold Mozarts auf, dessen Geburtstag sich zum 300. Mal jährt.<br />
Im Abschlusskonzert auf Schloss Baldern, das von Deutschlandfunk<br />
Kultur mitgeschnitten wird, spielt Albrecht Mayer ein Oboenkonzert<br />
Rosettis, begleitet vom Bayerischen Kammerorchester Bad Brückenau<br />
unter meiner Leitung. Dazu kommen Sinfonien Rosettis und Haydns.<br />
Gibt es noch Werke von Rosetti zu entdecken?<br />
Das Kernrepertoire haben wir weitgehend erforscht, erschließen es<br />
aber fortlaufend durch Notenausgaben für den Praktiker, die beim<br />
Amadeus Verlag erscheinen. Bisher weniger Beachtung fanden Rosettis<br />
an die 80 Klavierlieder, die mit ihrem empfindsamen Text und Stil an<br />
Lieder Mozarts erinnern. Auch bei den Sinfonien gibt es noch das ein<br />
oder andere zu entdecken. Ich wünsche mir aber vor allem, dass größere<br />
Musikerkreise Rosettis Musik für sich entdecken und sie in ihre Programme<br />
aufnehmen.<br />
Ries, 20. Rosetti-Festtage im Ries, verschiedene Spielorte, www.rosetti.de<br />
FOTO: KERSTIN JUNKER<br />
51
E R L E B E N<br />
Von links oben: Dresdner Elbufer, Thomanerchor Leipzig, Gewandhausorchester Leipzig, Bach-Denkmal vor Thomaskirche, Semperoper Dresden<br />
FOTOS: MANFRED LOHSE; DIRK BRZOSKA; GERBER JENS; JOSEF BECK; MATTHIAS CREUTZIGER<br />
SACHSEN,<br />
HEIMAT DER MUSIK<br />
Kein Bundesland klingt so vielseitig, nirgendwo begegnen sich Tradition und Moderne auf<br />
so spannende Weise wie in der Heimat von Bach, Mendelssohn, Schumann und Wagner.<br />
Leipzig feiert „CLARA<strong>19</strong>“, den 200. Geburtstag von Clara Schumann<br />
VON AXEL BRÜGGEMANN<br />
Was wäre die Musikgeschichte ohne Sachsen? Egal, wohin man<br />
reist, nach Dresden oder Leipzig, ins Erzgebirge oder ins Elbtal –<br />
überall lassen sich tönende Spuren großer Komponisten, Musikinstrumentenbauer<br />
und weltweit bekannter Künstler aufstöbern.<br />
Eine Reise durch Sachsen ist eine Reise durch die Geschichte des<br />
Klanges, ein Streifzug, der aus der großen Tradition immer wieder<br />
in die Moderne führt.<br />
Allein die Anzahl der Künstler, die in Sachsen ihre musikalischen<br />
Revolutionen in Angriff genommen haben, ist gigantisch:<br />
Heinrich Schütz, der das Musikleben in Dresden prägte, und natürlich<br />
Johann Sebastian Bach, der 27 Jahre lang Thomaskantor in<br />
Leipzig war. Dabei war er beim Amtsantritt nur dritte Wahl – heute<br />
wäre die Stadt ohne die Spuren dieses Genies kaum denkbar. Carl<br />
Maria von Weber modernisierte die Oper in Dresden und ließ sich<br />
von der Natur Sachsens zum Freischütz inspirieren. Richard Wagner,<br />
geb. in Leipzig, war einer seiner größten Bewunderer: In Dresden<br />
hat er seine ersten Werke aufgeführt, seinen Lohengrin im Idyll<br />
von Graupa komponiert und die Oper geleitet, bis er sich der Revolution<br />
von 1848 anschloss und ins Schweizer Exil flüchten musste.<br />
Robert Schumann wuchs in Zwickau auf und inspirierte das Musikleben<br />
in Dresden und Leipzig. Zum 200. Geburtstag seiner „Power-Frau“<br />
Clara Schumann feiert Leipzig das Jubiläum CLARA<strong>19</strong>.<br />
Hier war auch Felix Mendelssohn Bartholdy zu Hause, der nicht<br />
nur das Gewandhausorchester zu einem der modernsten Ensembles<br />
der Welt verwandelte, sondern eine der wichtigsten Musikhochschulen<br />
des Landes gründete.<br />
Egal, welchen Ort in Sachsen man besucht: Überall trifft man<br />
auf Spuren dieser Giganten, entweder auf der Leipziger Notenspur<br />
oder in den vielen Museen, in denen man den Komponisten noch<br />
heute einen Hausbesuch abstatten kann. Und ihre Kunst klingt<br />
32 w w w . c r e s c e n d o . d e — <strong>Juni</strong> – Juli – <strong>August</strong> 20<strong>19</strong>
K LASSIK VON WELTRANG ERLEBEN<br />
noch immer und überall. Kaum ein anderes Bundesland hat so viele,<br />
so hervorragende Orchester, in denen die Tradition immer wieder<br />
mit der Moderne abgeglichen wird: Das Gewandhausorchester ist<br />
das älteste bürgerliche Ensemble der Welt. 185 Musiker spielen hier<br />
unter ihrem Chef Andris Nelsons, dem Nachfolger von Felix Mendelssohn<br />
Bartholdy, Wilhelm Furtwängler und Kurt Masur. Ebenso<br />
groß ist die Geschichte der Staatskapelle Dresden, die einst von<br />
Heinrich Schütz, dann von Carl Maria von Weber, Richard Wagner,<br />
Giuseppe Sinopoli und heute von Christian Thielemann geleitet<br />
wird. Beide Orchester spielen an ihren jeweiligen Häusern, an der<br />
Oper Leipzig und an der Semperoper in Dresden, die einst die<br />
Werke von Richard Strauss aufführte, als kein anderes Theater sich<br />
das traute. Überhaupt war Sachsen für viele Musiker Sehnsuchtsort<br />
und Exil: So ruhte sich Dmitri Schostakowitsch in Gohrisch<br />
bei Dresden von den Wirren im Stalin-Russland aus und komponierte<br />
hier sein intimes Achtes Streichquartett. Die Schostakowitsch<br />
Tage gehören zu den renommiertesten Musikveranstaltungen der<br />
russischen Musik.<br />
In Chemnitz pflegt die Robert-Schumann-Philharmonie das<br />
Erbe ihres Namensgebers, das MDR Sinfonieorchester ist sowohl<br />
im Radio als auch an ganz unterschiedlichen Spielstätten zu hören,<br />
dazu kommen die Dresdner Philharmonie, zahlreiche kleinere<br />
Ensembles in ganz Sachsen und natürlich die weltweit gefeierten<br />
Kinderchöre, der Thomanerchor in Leipzig und der Dresdner Kreuzchor.<br />
Musik und Theater ist allgegenwärtig, nicht nur in Sachsens<br />
Metropolen: Das Opernhaus in Chemnitz bietet ein ebenso spannendes<br />
Programm wie die Staatsoperette in Dresden, die Felsenbühne<br />
Rathen lädt zu Musik in der Natur, die Theater in Freiberg,<br />
Görlitz oder Zittau bewegen sich nahe an ihrem Publikum, und das<br />
Festspielhaus Hellerau kümmert sich um interdisziplinäre Projekte.<br />
Hinzu kommen die zahlreichen Musikfestspiele: das Bachfest, die<br />
Dresdner Musikfestspiele, das Moritzburg Festival, der MDR Musiksommer<br />
oder das Musikfest Erzgebirge.<br />
Dass Musik in Sachsen nicht nur Geschichte ist, stellen die<br />
Hochschule für Musik und Theater Felix Mendelssohn Bartholdy<br />
in Leipzig und die Hochschule für Musik Carl Maria von Weber in<br />
Dresden unter Beweis. Zwei quirlige Lehranstalten, die das aktive<br />
Musikleben ihrer Städte beleben und weltweit erfolgreichen Nachwuchs<br />
ausbilden.<br />
Spannend ist eine Reise durch die geistliche Musik Sachsens,<br />
die natürlich in der Dresdner Frauenkriche beginnen könnte, aber<br />
auch an abseitige Orte führen kann, etwa zum Freiberger Dom oder<br />
auf eine Spurensuche nach den vielleicht weltbesten Orgeln der Silbermann-Werkstatt.<br />
Der Orgelbauer, dessen Instrumente unter<br />
anderem Bach inspirierten, wird mit einem Museum in Frauenstein<br />
und dem Silbermannhaus in Freiberg gewürdigt.<br />
Überhaupt ist der Musikinstrumentenbau seit jeher ein großer<br />
Wirtschaftsfaktor in Sachsen gewesen, natürlich wegen der großen<br />
Klaviermanufakturen Bechstein und Blüthner, deren Geschichte auch<br />
heute noch ausgestellt wird. Auch ein Besuch im Museum für Musikinstrumente<br />
in Leipzig lohnt sich, das zweitgröße seiner Art, oder im<br />
etwas intimeren Musikinstrumenten-Museum in Markneukirchen<br />
mit über 3.000 Exponaten. Das Framus-Museum erzählt die Geschichte<br />
der legendären Gitarrenmanufaktur, auf die auch John Lennon setzte,<br />
und in Zwota lockt das Harmonikamuseum.<br />
Die Wege durch Sachsens Musiklandschaft sind also vielfältig und<br />
führen von den großen Zentren immer wieder in die atemberaubende<br />
Natur – nirgendwo klingt die Klassik so gegenwärtig wie hier. n<br />
MUSIKLANDSCHAFT SACHSEN<br />
Tipp: „Musiklandschaft Sachsen“ ist ein informativer<br />
und spannend zu lesender Streifzug in Form eines Magazinbuchs<br />
mit vielen Inspirationen. Aufwendig und hochwertig<br />
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Festival alpenKlassiK<br />
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Beim Festival AlpenKlassik kommt alles zusammen:<br />
hochbegabte junge Meisterstudierende aus der ganzen Welt,<br />
die besten Dozenten und Dozentinnen,<br />
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und die Bad Reichenhaller Philharmoniker.<br />
Das einwöchige Programm wechselt zwischen<br />
öffentlichen Unterrichtseinheiten, Kammer-,<br />
Orchester- und Überraschungskonzerten.<br />
Ein Feuerwerk an klassischer Musik:<br />
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23. august<br />
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für Musik und Theater<br />
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E R L E B E N<br />
Der Pianist Saleem Ashkar, der Dirigent originaler Klangkultur Martin Haselböck, das Klavierduo Yaara Tal und Andreas Groethuysen<br />
und das Künstlerpaar Rosa Loy und Neo Rauch<br />
„SINGT DEM HERRN<br />
ALLE STIMMEN!“<br />
Joseph Haydns erfindungsreiches Werk steht im Mittelpunkt<br />
von Soli Deo Gloria – Braunschweig Festival.<br />
VON RUTH RENÉE REIF<br />
Die Aura des Besonderen umweht Joseph Haydns Oratorium Die<br />
Schöpfung seit seiner Uraufführung 1799. Haydn, der sich mit einer<br />
fürstlichen Pension in Wien zur vermeintlichen Ruhe gesetzt hatte,<br />
erklomm damit den Gipfel seines kompositorischen Schaffens. Eine<br />
überaus reiche und vielgestaltige Klanglandschaft, in der grazile<br />
Arien, erhabene Chöre, einfache Liedsätze und konzertierende Passagen<br />
einander abwechseln, entwirft er für das Werk. Der von ihm<br />
aus England mitgebrachte Text geht auf das Erste Buch Mose und<br />
John Miltons Epos Paradise Lost zurück. Das Originalklangensemble<br />
Il Giardino Armonico bringt das Chorwerk mit dem Chor<br />
des Bayerischen Rundfunks unter der Leitung seines Gründers<br />
Giovanni Antonini in der mittelalterlichen Martinikirche zu Braunschweig<br />
zur Aufführung. Als Solisten wirken die Sopranistin Anna<br />
Lucia Richter, der Tenor Maximilian Schmitt und der Bariton Florian<br />
Boesch mit.<br />
Günther Graf von der Schulenburg, Gründer und künstlerischer<br />
Leiter von Soli Deo Gloria, erwählt Haydns Œuvre zum Herzstück<br />
des Festivalprogramms. In den kraftvollen Kompositionen,<br />
die bis heute eine unglaubliche Lebendigkeit aufweisen, fand manches<br />
seinen Anfang. So ist Haydn nicht nur der Vater der Sinfonie,<br />
sondern auch der Erfinder des Streichquartetts. Als Sommergast<br />
des Barons Carl Joseph von Fürnberg auf Schloss Weinzierl bei Melk<br />
erfreute er seinen Gastgeber mit den ersten Proben jener Gattung,<br />
die er hernach im Wettstreit mit Mozart zur Vollendung führte.<br />
Quatuor Zaïde widmet sich in der intimen Atmosphäre der Stiftskirche<br />
Steterburg von Salzgitter den Streichquartetten<br />
Haydns. Das aus den Geigerinnen Charlotte<br />
Maclet und Leslie Boulin Raulet, der Bratschistin<br />
Sarah Chenaf und der Cellistin Juliette<br />
Salmona bestehende und vielfach ausgezeichnete<br />
französische Ensemble gewann 2012 den Haydn<br />
Wettbewerb in Wien.<br />
SOLI DEO GLORIA –<br />
BRAUNSCHWEIG FESTIVAL<br />
22. bis 30. <strong>Juni</strong><br />
Informationen und Kartenservice:<br />
www.konzertkasse.de<br />
www.solideogloria.de<br />
Haydns Sonaten nimmt sich der Pianist Saleem Ashkar vor.<br />
In seinem Haydn-Beethoven-Rezital im Rittersaal des Welfenschlosses<br />
Gifhorn stellt er sie den Sonaten Beethovens gegenüber. 1792<br />
arrangierte Graf Waldstein in Bonn ein Treffen zwischen dem jungen<br />
Beethoven und dem aus England zurückreisenden 60-jährigen<br />
Haydn. Zu dem geplanten Unterricht in Wien kam es allerdings<br />
nicht. Denn Beethoven fand keine Beziehung zu Haydn, und es<br />
widerstrebte ihm, als „Schüler Haydns“ angesprochen zu werden.<br />
Doch widmete er ihm 1795 die Sonate Nummer drei in C-Dur, op. 2.<br />
Beethoven bestimmt den Auftritt des Orchesters Wiener Akademie.<br />
In ihrem Projekt „Resound Beethoven“ unter der künstlerischen<br />
Leitung von Martin Haselböck spielen die Musiker Beethovens<br />
Werke auf Instrumenten seiner Zeit und mit derselben Zahl an<br />
Musikern. Ihre Interpretationen der von himmlischer Leichtigkeit<br />
getragenen Vierten Sinfonie und der von Wagner als „Apotheose<br />
des Tanzes“ bezeichneten Siebten Sinfonie im Theater Wolfsburg<br />
versprechen ein überraschendes Klangerlebnis.<br />
Zur Eröffnung des Festivals heißt es „Kunst begegnet Musik“.<br />
Unter dem Motto „Künstlerpaare“ zeigen die beiden international<br />
geschätzten Vertreter der Neuen Leipziger Schule Rosa Loy und<br />
Neo Rauch im Foyer des Schafstalls Bisdorf ausgewählte Arbeiten,<br />
während das Klavierduo Yaara Tal und Andreas Groethuysen mit<br />
Studien zu Bachs Kunst der Fuge, arrangiert für zwei Klaviere von<br />
Reinhard Febel, seinen Weg eigenwilliger Interpretationen bedeutender<br />
Werke der Musikgeschichte fortsetzt. Und auch auf die Weihnachtszeit<br />
darf man sich schon freuen. Der<br />
Windsbacher Knabenchor, die Deutschen Kammer-Virtuosen<br />
Berlin sowie die Sopranistin<br />
Lydia Teuscher, die Altistin Wiebke Lehmkuhl,<br />
der Tenor Patrick Grahl und der Bassist Thomas<br />
E. Bauer kommen mit Kantaten aus Bachs Weihnachtsoratorium.<br />
■<br />
FOTOS: LUIDMILA JERMIES; UWE WALTER; MICHAEL LEIS; MEINRAD HOFER<br />
54 w w w . c r e s c e n d o . d e — <strong>Juni</strong> – Juli – <strong>August</strong> 20<strong>19</strong>
„FEIN GEZEICHNETE<br />
SEELENLANDSCHAFT“<br />
Die Tiroler Festspiele Erl vor der Kulisse des Wilden Kaisers zeigen im Sommer<br />
drei Opern und bekennen sich mit sieben Uraufführungen zur Musik der Gegenwart.<br />
VON RUTH RENÉE REIF<br />
SIGNUM saxophone quartet<br />
Mit einer Uraufführung eröffnen die Tiroler Festspiele Erl ihre<br />
Sommersaison. Daniel Schnyder, dessen Kompositionen sich an<br />
den Grenzlinien von Jazz sowie klassischer und improvisierter<br />
Musik bewegen, schreibt im Auftrag der Festspiele ein neues Werk.<br />
Das SIGNUM saxophone quartet bringt es zum Klingen, während<br />
das Orchester der Festspiele unter Tito Ceccherini Béla Bartóks<br />
heiteres Konzert für Orchester anstimmt.<br />
Mit beeindruckenden sieben Uraufführungen legen die Festspiele<br />
unter der künstlerischen Leitung von Andreas Leisner ein<br />
Bekenntnis „zur facettenreichen Musik der Gegenwart“ ab. Das<br />
Triptychon „Alm-Trieb“ folgt an drei Konzertabenden mit zeitgenössischer<br />
Musik von Florian Bramböck, Carl Tertio Druml, Andri<br />
Joel Harison, Bruno Maderna, Andreas Trenkwalder und anderen<br />
der Wanderung des Viehs durch das Jahr. Zugleich erzählt das von<br />
Valentin Lewisch konzipierte und geleitete Projekt mit seinen literarischen,<br />
philosophischen und religiösen Texten von jener Reise,<br />
auf der wir uns als Individuen, Liebende und als Gesellschaft befinden.<br />
Auch ein neues Musiktheaterstück gibt es zu sehen. Die Junge<br />
Oper Rhein-Main zeigt in der Regie von Max Koch und unter der<br />
musikalischen Leitung von David Holzinger die Kammeroper Caliban<br />
von Moritz Eggert. Der Librettist Peter te Nuyl greift auf Shakespeares<br />
Komödie Der Sturm zurück und erzählt sie neu aus der Sicht<br />
des „Monsters“ Caliban, Sohn der Hexe Sycorax und des Luftgeists<br />
Ariel. Eggert begreift Caliban als „den unterjochten und versklavten<br />
Ureinwohner einer Insel, der gegen seinen Willen ‚zivilisiert‘ wird“.<br />
Und während Caliban die Sprache der „Zivilisation“ erlerne, werde<br />
TIROLER FESTSPIELE ERL<br />
4. bis 28. Juli<br />
Informationen und Kartenservice:<br />
karten@tiroler-festspiele.at<br />
www.tiroler-festspiele.at<br />
auch musikalisch deutlich, dass es nicht lange<br />
dauern werde, bis er den Spieß umdrehe, „vom<br />
Unterdrückten zum Unterdrücker“.<br />
In „ein Bild der totalen Repression“ lässt<br />
Daniela Kerck ihre Neuinszenierung von Verdis<br />
Aida mit Maria Katzarava in der Titelrolle münden.<br />
Jenseits monumentaler Staatsaktionen spürt sie der „fein<br />
gezeichneten Seelenlandschaft“ der drei Liebenden Aida, Radames<br />
und Amneris nach, die von der Macht des Systems und dem gegenseitigen<br />
Verrat erdrückt werden. „Verdis Oper weist keinen Ausweg“,<br />
betont Kerck, „nur ein Schatten von Utopie lässt sich in pace wiederfinden“.<br />
Die Vergangenheit, die uns mahne, die Gegenwart, der wir<br />
ausgesetzt seien, und „der utopische, poetische und theatralische<br />
Moment“ markieren den Ausgangspunkt für Tina Laniks Inszenierung<br />
von Walter Braunfels lyrisch-fantastischer Oper Die Vögel.<br />
Aristophanes’ Komödie über den Ausflug zweier unzufriedener Menschen<br />
in das Reich der Vögel bildet die Vorlage. Doch kommt es bei<br />
Braunfels tatsächlich zu jenem sinnlosen Krieg zwischen den Vögeln<br />
und Zeus, der die Vogelfestung zerstört – Abbild jenes Krieges, aus<br />
dem Braunfels <strong>19</strong>18 verwundet heimkehrte. Lanik hebt diese Parabelhaftigkeit<br />
des Werks hervor und zeigt die menschliche Selbstüberschätzung.<br />
Am Pult von Orchester und Chorakademie der Festspiele<br />
steht Lothar Zagrosek. Die beiden Menschen Ratefreund und<br />
Hoffegut verkörpern Julian Orlishausen und Marlin Miller.<br />
Die Wiederaufnahme der Inszenierung des Regiekollektivs<br />
Furore di Montegral von Rossinis Guillaume Tell lässt noch einmal<br />
die Rossini-Kultur aufleben, an der in den vergangenen vier Festspieljahren<br />
mit viel Engagement gearbeitet wurde. Ein neues Kapitel<br />
in der Geschichte der Festspiele wird aufgeschlagen, wenn im September<br />
Bernd Loebe die Leitung übernimmt. In einer dreiteiligen<br />
Abschluss-Soiree mit Andreas Leisner, Ekhart Wycik und Beomseok<br />
Yi am Pult blicken die Festspielkünstler in diesem „einmaligen<br />
Übergangsjahr“ zurück auf die vergangenen<br />
mehr als 20 Jahre musikalischen Festspielgeschehens.<br />
Sie feiern die Gegenwart und schauen<br />
„C-Dur-selig gespannt“ in die Zukunft. Die Festwiese<br />
aus den Meistersingern beschließt den Erler<br />
Festspielsommer.<br />
■<br />
55<br />
FOTO: ANDREJ GRILC
E R L E B E N<br />
Die brillante Pianistin Nadia Singer<br />
Lutz Görner, der König der Rezitatoren<br />
FOTOS: FELIX HUESCH / WALIGURA<br />
DIE NEUERFINDUNG<br />
DES KLAVIERABENDS<br />
Lutz Görner und Nadia Singer erwecken das Beziehungsgeflecht einer einzigartigen<br />
Epoche mit Wort und Klang zum Leben.<br />
VON STEFAN SELL<br />
Jemand, der sich auf eine Bühne stellt und ein Publikum von 1.000<br />
Leuten ohne technisches Hilfswerk mit Gedichten begeistern kann,<br />
muss ein außergewöhnlicher Mensch sein. Lutz Görner, den die<br />
Presse rühmt, „die lyrische Stimme Deutschlands“ zu sein, der vier<br />
Jahrzehnte durch die Lande reiste, um den Deutschen ihre Dichter<br />
ans Herz zu legen, ja 17 Jahre lang Sonntag für Sonntag auf 3sat die<br />
200-teilige Sendereihe Lyrik für alle hatte, in der nichts als Dichter<br />
und Dichtung Platz hatten, gilt auch ungekrönt als „König der Rezitatoren“.<br />
Er hat einer ganzen Generation das Ohr für Lyrik geöffnet<br />
und zudem vier Millionen Tonträger mit dieser seiner einzigartigen<br />
Kunst in die Wohnzimmer gebracht.<br />
Doch statt sich im Alter auf diesen Lorbeeren auszuruhen,<br />
beschließt Görner mit 65 Jahren, sich der Musik zu widmen. Nicht,<br />
dass er selber spielen wollte, nein, das überlässt er denen, die am<br />
Instrument zum Meister wurden. Er erzählt das Leben der Komponisten,<br />
findet in ausdauernd feinsinniger Recherche das Menschliche,<br />
Hintergründige, ja auch das verletzbar Liebenswerte der Menschen,<br />
die klassische Musik geschaffen haben. Franz Liszt hat er<br />
sich als Zentralgestirn erwählt, denn um den kreist ein Kosmos.<br />
Das Erstaunliche daran ist, dass wir einen neuen Liszt mit ihm entdecken<br />
dürfen, einen Liszt, der nicht auf das Feuerwerk sprühende<br />
Virtuosentum seiner viel gerühmten Tastenfertigkeit reduziert<br />
bleibt, sondern den Komponisten, der in die Neuzeit führte, der mit<br />
allen seinerzeit in Verbindung stand, sie förderte, beeinflusste und<br />
eine Epoche mit seinen Ideen infiltrierte. In Görners Worten: „Mir<br />
war von vornherein klar, dass Liszt der bedeutendste Komponist<br />
56 w w w . c r e s c e n d o . d e — <strong>Juni</strong> – Juli – <strong>August</strong> 20<strong>19</strong>
NADIA SINGER UND LUTZ GÖRNER:<br />
„HECTOR BERLIOZ. MEINE MUSIKALISCHE REISE<br />
DURCH DEUTSCHLAND, ERZÄHLT IN BRIEFEN<br />
AN MEINE FREUNDE IN PARIS“<br />
15.6. Krefeld, Burg Linn | 21.6. Münster, Rathausfestsaal | 22.6. Jülich, Schlosskapelle<br />
| 29.6. Gießen, Neues Rathaus | 30.6. Nürnberg, Meistersingerhalle<br />
Weitere Informationen: www.goerner-singer.de<br />
des <strong>19</strong>. Jahrhunderts ist, und das nicht nur weil Wagner und Berlioz<br />
das gesagt haben, er ist ein ‚Big Spender‘, der sich unglaublich für<br />
andere eingesetzt hat. Er hat über 400 ausgebildeten Pianisten in<br />
einer Art Master Class in seinem Hause kostenlos Unterricht gegeben.<br />
Sein Motto war: ‚Die Welt steht nicht still, wie sollte die Kunst<br />
still stehen.‘ Das hat mich elektrisiert.“<br />
So entstand eine neue Form des Klavierabends, ein „unterhaltsamer<br />
Klavierabend, bei dem Leben und Musik eines einzigen<br />
Komponisten im Mittelpunkt stehen, einfühlsam, intelligent und<br />
humorvoll“. Das Publikum wird an die Hand genommen, kann sich<br />
in Wort und Musik für die Ideen und Einflüsse Liszts auf die Musikwelt<br />
erwärmen. Sähe man den Kosmos Liszt als Sternenkarte, in<br />
welcher Konstellation ständen die bei den einzelnen Klavierabenden<br />
vorgestellten Komponisten? Da wäre Wagner, sein Schwiegersohn,<br />
dem Liszt in Vorwegnahme den Tristan-Akkord schenkte, oder<br />
Chopin, über den Liszt eine Biografie verfasste. Görner: „Am nächsten<br />
waren ihm Wagner, Berlioz und Chopin, das waren Freunde.<br />
Dass ein Weltheroe als Komponist über einen anderen Weltheroen<br />
als Komponist seiner Zeit eine Biografie schreibt, das hat es noch<br />
nicht gegeben und wird es auch nicht mehr geben. Von Berlioz hat<br />
Liszt eine Menge gelernt, Berlioz war acht Jahre älter als er. Mit <strong>19</strong><br />
Jahren begann Liszt, die Symphonie fantastique aufs Klavier zu<br />
übertragen. Daraus wuchs eine Menge an Transkriptionen, die heute<br />
90 CDs umfassen, alles Werke seiner Zeitgenossen, die heute noch<br />
Rang und Namen haben, zum Beispiel Beethoven, dessen Sinfonien<br />
er aufs Klavier übertragen hat.“ Des Weiteren Schubert, Schumann,<br />
Meyerbeer …<br />
Görner hat seine Vision, das Geflecht, die Beziehungen einer<br />
einzigartigen Musikepoche an aufeinanderfolgenden Abenden auf<br />
die Bühne zu bringen, wahr gemacht. Bis 2020 gibt es elf verschiedene<br />
Programme als exzeptionell betörende Klavierabende. Zu<br />
jedem Abend wurde eine Doppel- oder Triple-CD eingespielt. An<br />
seiner Seite spielt virtuos Nadia Singer, eine brillante junge Pianistin,<br />
die auf einen großen Teil des üblichen Wettbewerbsspiels verzichtet,<br />
um sich Saison für Saison das Klavierwerk eines weiteren<br />
Komponisten zu eigen zu machen, nicht nötig zu erwähnen, dass<br />
sie das gesamte Repertoire auswendig beherrscht. Das gibt ihr viel<br />
Freiraum für Interpretation und Hingabe. Das Publikum ist geradezu<br />
verzückt, wenn sich Singer auf ein Stichwort von Görners<br />
Erzählstrang mit Leichtigkeit das passende Stück aus den Fingern<br />
zaubert. Singer stammt aus Rostow am Don, wo sie ihr Konzertexamen<br />
ablegte. Mit drei Jahren begann sie Klavier zu spielen, sang<br />
aber als Teenager lieber Jazz-Standards in den Clubs der Millionenstadt.<br />
In Weimar studierte sie dann bei Grigory Gruzman. Binnen<br />
eines Jahres errang sie den ersten Preis beim Internationalen Rachmaninov-Wettbewerb<br />
in Frankfurt am Main.<br />
Nun sind Görner und Singer im Sommer mit Berlioz unterwegs.<br />
Berlioz konnte zwar Gitarre und Flöte spielen, nicht aber<br />
Klavier. Wenn Liszt dessen Werke für Klavier bearbeitete, dann,<br />
um ihn auf seinen Konzertreisen bekannt zu machen, denn zu<br />
Beginn wollte kaum ein Orchester die monströsen Partituren in<br />
die Tat umsetzen. Es ist ein wahres Erlebnis zu hören und zu<br />
sehen, wie die beiden den Planeten Berlioz in die Umlaufbahn<br />
schicken.<br />
■<br />
Ioan-Holender-Kolumne<br />
BEWAHREN WIR DAS<br />
STADTTHEATER<br />
Als Leo Nucci im März sein 40-jähriges Debüt an der Wiener<br />
Staatsoper mit einem glänzenden Arienabend feierte,<br />
erhielt er als Geschenk das Plakat mit seinem Debüt als<br />
Figaro im Barbier von Sevilla aus dem Jahr <strong>19</strong>79. Nucci sprang<br />
damals für ein erkranktes Ensemblemitglied ein, und neben<br />
seinem Namen stand „als Gast“. Alle anderen Rollen wurden<br />
selbstverständlich von Mitgliedern des Haus-Ensembles<br />
besetzt. Das war in allen großen Opernhäusern der Bundesrepublik<br />
von München bis Hamburg so. Doch bereits als ich<br />
<strong>19</strong>91 die Direktion der Wiener Staatsoper übernahm, gab<br />
es die Spezifizierung „a. G.“ nicht mehr. Heute kennt man<br />
diesen Zusatz gar nicht. Vielmehr versuchen sogar kleine<br />
und mittlere Stadttheater, Hauptpartien mit Gästen zu<br />
besetzen. Für einen angehenden Opernsänger wird es damit<br />
unmöglich, sich langsam und entsprechend seiner vokalen<br />
Entwicklung ein Repertoire aufzubauen.<br />
Als Ersatz dafür führen nahezu alle großen Opernhäuser<br />
sogenannte Opernstudios. Diese funktionieren neben<br />
dem Normalbetrieb des Opernhauses, und die Mitglieder<br />
des Studios werden für kleinere Partien dort auch eingesetzt.<br />
Die Ausbildung im Opernstudio ist auf zwei Jahre beschränkt.<br />
So übernehmen die Opernstudios die Endausbildung, die in<br />
den Musikhochschulen stattfinden sollte, und stellen eine<br />
Zwischenstufe zum Beruf dar. Sie sind aber eine Notlösung<br />
und ein Ersatz für die ersten Engagements, bei denen Anfänger<br />
mit wichtigen und ihrer Entwicklung entsprechenden<br />
Partien betraut werden. Es ist gut, dass es sie gibt, denn es<br />
ist fast der einzige Ort, an dem angehende Sänger noch<br />
wachsen können, wenn auch äußerst bescheiden bezahlt.<br />
Wenn die Stadttheater keine vollständigen Ensembles<br />
mehr beschäftigen und ihre Existenz weiterhin gefährdet ist,<br />
dann gerät die gesamte Gattung Oper in Gefahr. Als Gastsänger<br />
kann man sich nicht aussuchen, welche Partie man<br />
singt. Ein Opernhaus engagiert, was es braucht, und die<br />
wenigsten jungen Sänger sagen Nein zu einer Partie, die sie<br />
nicht singen sollten. Ein von einem kundigen Leiter geführtes<br />
Opernhaus engagiert ein Ensemblemitglied nach dem Repertoirevorhaben<br />
oder richtet den Spielplan danach aus, welche<br />
Sänger zur Verfügung stehen. Der Markt dagegen reagiert<br />
wie die Opernszene, und die Sänger sind eine sekundäre<br />
Notwendigkeit. Sie müssen sich einordnen, um zu<br />
überleben.<br />
„kulTOUR mit Holender“ auf<br />
ServusTV Deutschland:<br />
27. und 30.6. „Tokyo. Teil 1“ | 4. und 7.7. „Günther<br />
Groissböck – ein Bass lässt tief blicken“ | 18. und 21.7.<br />
„Sofia – Kulturperle Bulgariens“<br />
57
E R L E B E N<br />
DAS PHÄNOMEN MOZART<br />
Der Theatersommer im Goethe-Theater Bad Lauchstädt<br />
öffnet anregende Perspektiven auf Goethes Opernambitionen.<br />
VON RUTH RENÉE REIF<br />
Zwei Jahre nach ihrer Uraufführung in Wien 1791 besuchte Goethe<br />
in Frankfurt am Main eine Aufführung von Mozarts Singspiel<br />
Die Zauberflöte. Es beeindruckte ihn so sehr, dass er am nächsten<br />
Abend gleich noch einmal hinging. Im Januar des darauffolgenden<br />
Jahres zeigte er am Weimarer Hoftheater seine eigene Inszenierung<br />
des Werks, die überaus erfolgreich war, im Sommer auch im Kurtheater<br />
Lauchstädt gezeigt wurde und noch lange eine Stütze des<br />
Repertoires blieb. „Die Zauberflöte hat wieder viele Zuschauer aus<br />
der Nachbarschaft herbeigelockt“, schrieb Goethe 1798 an <strong>August</strong><br />
Wilhelm Schlegel.<br />
Das von der Kammersängerin Edda Moser ins Leben gerufene<br />
und geleitete Festspiel der deutschen Sprache öffnet den Blick zurück<br />
und ermöglicht die einzigartige Sicht auf Goethe als Theaterpraktiker.<br />
Seine Inszenierung wird rekonstruiert und unter der Regie<br />
von Igor Folwill im Goethe-Theater Bad Lauchstädt wieder auf die<br />
Bühne gebracht. Das Thüringische Landesmusikarchiv bewahrt<br />
eine restaurierte Fassung der Weimarer Partitur mit den Veränderungen<br />
auf, die Goethe und sein späterer Schwager Christian <strong>August</strong><br />
Vulpius an ihr vornahmen. Die beiden gliederten das zweiaktige<br />
Werk in drei Akte, strafften die Figuren und entschärften Passagen,<br />
an denen sich Herzog Carl <strong>August</strong> hätte stoßen können. Auch<br />
Goethes Regieanweisungen sind erhalten. So verlangte er etwa für<br />
den Drachen, der die Schlange ersetzt, einen großen Schweif und<br />
für Papagenos Käfig zwei große Vögel mit bunten Federn und<br />
beweglichen Flügeln.<br />
Goethes Verhältnis zur Musik war das eines Dichters. Das<br />
Wort stand für ihn im Vordergrund. Der<br />
Erfolg Mozarts und die überwältigende Wirkung<br />
seines Werks faszinierten ihn. Er rätselte,<br />
wie sie zu erklären waren, und suchte,<br />
dem Phänomen Mozart auf die Spur zu kommen.<br />
Zugleich sah er in ihm auch einen Konkurrenten.<br />
1785 begann er, das Singspiel<br />
GOETHE-THEATER<br />
BAD LAUCHSTÄDT<br />
Bis 26. Oktober<br />
Informationen und Kartenservice:<br />
besucher@goethe-theater.com<br />
www.goethe-theater.com<br />
Scherz, List und Rache zu schreiben und ließ es durch seinen alten<br />
Frankfurter Freund und Freimaurer-Bruder Christoph Philipp<br />
Kayser vertonen. Was Goethe vor Augen hatte, war eine neue<br />
Kunstform: eine Oper deutscher Sprache. Genau die aber schuf<br />
Mozart. „Alles unser Bemühen ging verloren, als Mozart auftrat“,<br />
klagte Goethe Jahre später in seiner Italienischen Reise. „Die Entführung<br />
aus dem Serail schlug alles nieder, und es ist auf dem<br />
Theater von unserem so sorgsam gearbeiteten Stück niemals die<br />
Rede gewesen.“ Das ändert sich jetzt. Im Goethe-Theater bringt<br />
Igor Folwill mit Werner Ehrhardt am Pult das Stück über Scapin<br />
und Scapine, die einen geizigen Doktor überlisten und dazu bringen,<br />
eine von Rechts wegen ihnen gehörende Erbschaft herauszurücken,<br />
auf die Bühne und gibt Einblicke in die Idealvorstellungen,<br />
die Goethe darin entwickelte.<br />
Bad Lauchstädt war Goethes sächsisches Arkadien. Nicht nur<br />
Adelige und reiche Bürger zog es im 18. Jahrhundert zu den mondänen<br />
Kuranlagen. Auch die intellektuelle Elite fand sich ein: Schiller,<br />
Hegel, Wieland, Gottsched. 1791 übernahm Goethe in seiner<br />
Funktion als Intendant des Weimarer Hoftheaters die Leitung des<br />
sommerlichen Spielbetriebs. Am 26. <strong>Juni</strong> 1802 wurde der von ihm<br />
initiierte Theaterneubau, zu dessen Innenausstattung er genaue<br />
Anweisungen erteilt hatte, mit einer festlichen Aufführung von<br />
Mozarts Oper La clemenza di Tito eröffnet. Der Geburtstag dieses<br />
einzigen original erhaltenen Theatergebäudes aus der Goethe-Zeit<br />
wird mit einer musikalischen Lesung gefeiert. Das Flair des einstigen<br />
Kurbetriebs lässt ein abwechslungsreiches Konzertprogramm<br />
unter Mitwirkung des MDR Sinfonieorchesters,<br />
der Deutschen Streicherphilharmonie sowie<br />
zahlreicher Solisten im Historischen Kursaal<br />
lebendig werden. Und ein Wiedersehen gibt es<br />
mit Mozarts Così fan tutte in der Inszenierung<br />
der Oper Halle von Axel Köhler und mit Robbert<br />
van Steijn am Pult.<br />
■<br />
FOTO: UWE KOEHN<br />
58 w w w . c r e s c e n d o . d e — <strong>Juni</strong> – Juli – <strong>August</strong> 20<strong>19</strong>
SCHWERPUNKT<br />
MUSIK & MODE<br />
Wahre Schönheit macht sprachlos: Christian Lacroix im Interview (Seite 60)<br />
Bringen mehr als nur frischen Wind rein: Fächer und ihre Funktionen. Ein historischer Überblick (Seite 68)<br />
Coco Chanel: Ein Leben für die Mode, die Musen und die Musik (Seite 71)<br />
HOT COUTURE<br />
VON STEFAN SELL<br />
Versace Westwood Calvin Klein<br />
up<br />
Obwohl er eigentlich Architektur<br />
studiert, hilft Gianni Versace<br />
seiner Mutter in der Schneiderei<br />
und versorgt sie mit Stoffen. Bald<br />
darauf eröffnet er in Mailand<br />
ein eigenes Modegeschäft. Das<br />
Imperium keimt auf, und bald<br />
heißen von der Mailänder Scala<br />
bis zu Madonna der Musikwelt<br />
neue Kleider: Versace.<br />
Ursprünglich Grundschullehrerin,<br />
eröffnet Vivienne Westwood<br />
auf der Londoner King’s<br />
Road einen Modeshop, der erst<br />
„Let it rock“ heißt, bald „Too<br />
Fast to Live“, kurz darauf „Sex“,<br />
dann „Seditionaries“ und heute<br />
„World’s End“. Es geht steil nach<br />
oben, von der „Erfinderin des<br />
Punks“ zur uniquen Designikone.<br />
Hip-Hop-Sänger und<br />
Modell Marky Mark<br />
bringt den markigen<br />
Underwear-Slogan<br />
in die Commercials:<br />
„The best protection<br />
against AIDS is to keep your<br />
Calvins on!“ Calvin Klein aus<br />
der Bronx studiert Modedesign<br />
und erobert die New Yorker<br />
Modewelt mit drei Kleidern und<br />
sechs Mänteln. Von da an geht’s<br />
bergauf.<br />
down<br />
Dunkel wird es im<br />
Mode-Imperium,<br />
als Gianni Versace<br />
am 15. Juli <strong>19</strong>97 vor<br />
seiner Villa in Miami<br />
als fünftes und letztes Opfer eines<br />
Serienkillers durch zwei Schüsse<br />
tödlich getroffen zu Boden geht.<br />
Wenn auch anders gemeint:<br />
Bruno Mars singt 20 Jahre später<br />
„Versace on the floor“.<br />
Thumbs down – Daumen runter<br />
in Sachen Autofahren. Westwood<br />
fährt Fahrrad. Verwendet sie zu<br />
Beginn ihrer Karriere Sicherheitsnadeln,<br />
Rasierklingen und<br />
Fahrradkettenglieder als Modeaccessoires,<br />
bleib die Kette am<br />
Rad und läuft wie geschmiert, wo<br />
immer Westwood auch hin will.<br />
„Calvin ganz klein“, witzelt „Der<br />
Spiegel“. <strong>19</strong>92 fing David Geffen<br />
eine finanziell gefährliche Talfahrt<br />
Kleins mit 62 Millionen<br />
Dollar federleicht ab. Geffen<br />
machte sein Geld mit prominenten<br />
Musikern wie Jackson Brown,<br />
Bob Dylan, Cher, Guns n’Roses,<br />
John Lennon und Neil Young.<br />
unverwüstlich<br />
Heute ist Giannis jüngere Schwester<br />
Donatella Chefdesignerin.<br />
Trotz Ups & Downs – das Label<br />
bleibt unverwüstlich. Das bekräftigt<br />
2013 das Hip-Hop-Trab-Trio<br />
Migos im nicht enden wollenden<br />
Refrain ihres ersten Megahits:<br />
„Versace, Versace, Versace, Versace,<br />
Versace, Versace, Versace,<br />
Versace, Versace ...“<br />
Heute ist Westwood Aktivistin,<br />
kooperiert mit Fairtrade-<br />
Initiativen, verwendet<br />
keine Tierfelle,<br />
protestiert gegen<br />
Fracking, wirbt für<br />
fleischloses Essen<br />
und steht hinter den<br />
Ideen von Julian<br />
Assange. Mit ihren<br />
78 Jahren fitter denn je, erscheint<br />
sie unverwüstlich wüst.<br />
Große Unterhosen im unverwüstlichen<br />
„Klein“-Format werden<br />
heute seidig sexy von Shawn<br />
Mendes und anderen in Musikvideos<br />
präsentiert. Inwieweit die<br />
flauschig seichten computergenerierten<br />
Loops Musik sind, entscheidet<br />
der Geschmack. Mode<br />
sind sie in jedem Fall.<br />
FOTOS: DAVID SHANKBONE; BIPHOP; MATTIA PASSERI<br />
59
M U S I K & M O D E<br />
Nur keine Banalität!<br />
Christian Lacroix<br />
Er zählt zu den bedeutendsten Designern unserer Zeit.<br />
Seit jeher gelangweilt vom Alltäglichen wurde er der Meister des ganz großen Kinos:<br />
auf der Bühne, auf dem Laufsteg – und im ganz normalen Leben.<br />
VON TERESA PIESCHACÓN RAPHAEL<br />
Brenda Rae<br />
als Elvira in I Puritani,<br />
Oper Frankfurt, 2018<br />
FOTO: BARBARA AUMÜLLER<br />
60 w w w . c r e s c e n d o . d e — <strong>Juni</strong> – Juli – <strong>August</strong> 20<strong>19</strong>
Max Emanuel Cencic<br />
als Valentiniano in Ezio,<br />
Oper Frankfurt, 2013<br />
FOTO: BARBARA AUMÜLLER<br />
61
M U S I K & M O D E<br />
FOTO: PATRICK SWIRC; FORSTER; ARNOLD PÖSCHL; WERNER KMETITSCH; BERND UHLIG; WOLFGANG RUNKEL; BARBARA AUMÜLLER<br />
<strong>CRESCENDO</strong>: Die Tragödie um Notre-Dame ...<br />
Was empfinden Sie?<br />
Christian Lacroix: Fatalismus. Es könnte auch ein<br />
Zeichen für Aufbruch sein. Die Zuversicht könnte wieder<br />
in unsere Seele, unseren Geist einziehen. In unserem Couture-Salon<br />
brach kurz vor der Eröffnung <strong>19</strong>87 Feuer aus, nachdem die<br />
Dekorations- und Malerarbeiten fertiggestellt waren. Heute bin ich<br />
der Meinung, dass dies eine Art „Reinigung“ war. Vielleicht braucht<br />
die katholische Kirche mit all ihren Skandalen auch einen Wiederaufbau.<br />
Notre-Dame war nicht unbedingt meine<br />
Kirche, und ich bin nicht so oft dort gewesen, ab und<br />
an zu den prächtigen Orgelkonzerten, die es dort jeden<br />
Samstag gab. Ich mag eher archaische, herbe, einfache<br />
Kapellen.<br />
Gar nicht herb: Ihr „Notre-Dame“, ein Hotel am<br />
Saint Michel, das Sie 2010 neu ausstatteten mit<br />
barocken, bunten und opulenten Stoffen. Das hätte<br />
wahrscheinlich auch dem Sonnenkönig Ludwig<br />
XIV. gefallen.<br />
Ich liebe den Ort mit dem herrlichen Blick auf die<br />
Seine und auf die Kathedrale. Für die Lobby fand ich<br />
sogar eine aus Holz geschnitzte Uhr aus dem <strong>19</strong>.<br />
Jahrhundert in Form einer Notre-Dame-Kathedrale!<br />
Woher der extravagante Geschmack, dieser Sinn für Opulenz?<br />
Vom exzentrischen Großvater vielleicht oder der Großtante, von<br />
der Sie eine Haarsträhne mit sich tragen?<br />
Wenn Sie nach ihnen fragen, bedeutet das, dass Sie bereits etwas<br />
über beide gelesen haben!!! Es gäbe so viel zu erzählen!! Beide<br />
waren sehr streng und fordernd, aber zugleich liebevoll. Durch sie<br />
bekam ich so etwas wie eine „Wirbelsäule“. Er war der Vater meiner<br />
Mutter, und sie war meine Tante. Sie hatten einen Sinn für natürliche<br />
Eleganz. Sie waren beide stolz, aber nicht nachtragend – stark<br />
und zart. Er hatte sehr viel Humor und führte am Sonntagabend<br />
immer eine Art Charade vor, indem er sich über aktuelle Dinge<br />
lustig machte mit Kostümen und Perücken vom Dachboden. Seine<br />
Anzüge hatten immer grünes Seidenfutter, und er ließ sein Fahrrad<br />
in Gold lackieren. Sie waren beide sehr mutig, vor allem meine<br />
Tante, die sich der Gestapo widersetzte. Mein Großvater weigerte<br />
sich, während des amerikanischen und englischen Bombardements<br />
im <strong>August</strong> <strong>19</strong>44, in den Bunker zu gehen. Er schaute sich die<br />
Christian Lacroix<br />
„Show“ lieber aus einer kleinen Höhle am Flussufer an und beobachtete,<br />
wie die Brücken zusammenstürzten, um dann die toten<br />
Fische einzusammeln. Ihr Haus war fast völlig zerstört. Dennoch<br />
wollte er, dass die Großmutter, die verzweifelt aus dem Bunker<br />
zurückkehrte, die Fische kochte. Möbel sollte sie verbrennen, um<br />
die elf Gäste zu bewirten, die er zum Abendessen eingeladen hatte.<br />
Die Familie väterlicherseits kam aus einer anderen Schicht. Man<br />
war sich nicht so nah, schätzte sich aber.<br />
Welche Rolle spielte die Musik?<br />
Ich hörte als Kind Beethovens Fünfte und natürlich<br />
Bizets Carmen, die Lieblingswerke der Südländer. Und<br />
das klassische Radioprogramm am Sonntagmittag. In<br />
der damals sehr berühmten Debatte um Maria Callas<br />
und ihre Rivalin Renata Tebaldi stand mein Großvater<br />
auf der Seite der Tebaldi. Auf mich aber hatte die<br />
Stimme der Callas tiefgreifenden Einfluss; wie auch<br />
Bachs Toccaten und Fugen und die Brandenburgischen<br />
Konzerte, der ganze Chopin. Aber auch englische<br />
Barockmusik wie Purcell, da Alfred Deller oft nach<br />
Arles kam, wo ich aufwuchs. Ich war fasziniert. Bis<br />
heute bedauere ich sehr, dass ich kein Instrument<br />
spielen kann. Aber ich fürchte, ich habe kein Ohr.<br />
Unvergesslich für mich, wie mein Großvater zu Weihnachten<br />
Gounods Ave Maria sang mit seiner damals sehr alten Mutter, die<br />
Tränen in die Augen bekam.<br />
Woher die Liebe zum Theater?<br />
Ich war immer auf der Suche nach etwas, was größer ist als das<br />
Leben. Ich war gelangweilt vom alltäglichen, normalen Leben,<br />
vielleicht hatte ich nur Angst davor. Ich bevorzugte die Illusion des<br />
Theaters, der Fantasie. Bücher, Musik, Stimmen – diese spirituelle<br />
andere Welt inspirierten mich. Filme übrigens auch. Ich war<br />
glücklich, wenn man mich ins Theater, ins Kino oder in die Oper<br />
mitnahm. Dort konnte man so viel Ungewöhnliches erleben.<br />
Jeder spricht von Individualität. Trotzdem laufen alle gleich<br />
herum. Warum?<br />
Viele koppeln Individualität an Egoismus oder Egozentrik. Dabei<br />
ist sie Freiheit. Doch dazu braucht man Charakterstärke. Soziale<br />
Medien haben einen erschreckenden Einfluss. Schüchternen und<br />
unsicheren Menschen wird ein Allerweltstil auferlegt, damit man<br />
ja nur im globalen Dorf bleibt. Wie in einer Sekte. Sneakers,<br />
62 w w w . c r e s c e n d o . d e — <strong>Juni</strong> – Juli – <strong>August</strong> 20<strong>19</strong>
Von links: Dalia Schaechter als Amneris in Aida, Köln, 2011; Ilse Eerens als<br />
Mélisande in Pelléas et Mélisande, Klagenfurt, 20<strong>19</strong>; Sara Jakubia als Elsa von<br />
Brabant in Lohengrin, Graz, 2013; Teodor Ilincai als B. F. Pinkerton und Alexia<br />
Voulgaridou als Cio-Cio San in Madama Butterfly, Hamburg, 2012;<br />
Micaela Carosi als Adriana Lecouvreur, Frankfurt, 2012; Paula Murrihy als<br />
Fulvia und Max Emanuel Cencic in Ezio, Frankfurt, 2013<br />
Jogginghosen, T-Shirts, Parkas!!! Alles furchtbar. Natürlich ist<br />
alles etwas komplizierter, aber dafür bräuchte ich Stunden, um<br />
dies zu erklären.<br />
Warum begnügen sich die meisten Menschen mit Banalität?<br />
Soziale Medien, Fernsehen, Instagram beeinflussen das Leben.<br />
Viele leben ihr Leben durch das Leben anderer. Sie folgen Bloggern,<br />
Influencern, Rap-Sängern, Sportlern, schönen Mädchen, die alle,<br />
dank plastischer Chirurgie, gleich aussehen. Exzentrizität ist zur<br />
Fiktion geworden. Sie starren alle auf ihr iPhone oder iPad und<br />
haben Angst, anders zu sein.<br />
Sie aber wollten kein banales Leben.<br />
Nein, auf keinen Fall! Als Kind träumte ich vom Theater. Später<br />
wollte ich Museumskurator<br />
werden, studierte an der Sorbonne<br />
Kunstgeschichte und wollte Ende<br />
der <strong>19</strong>70er-Jahre über die Kleidung<br />
in Gemälden des 17. Jahrhunderts<br />
promovieren. Es kam anders.<br />
Ihre Frau, die bei Hermès<br />
arbeitete, brachte Sie mit der<br />
Modebranche in Kontakt. Sie<br />
fingen dort als Zeichenassistent<br />
an, von <strong>19</strong>81 bis <strong>19</strong>87 entwarfen<br />
Sie die Haute-Couture-Kollektion des Hauses Jean Patou. Gibt es<br />
einen Unterschied zwischen einem Haute-Couture-Kleid und<br />
einem Opernkostüm?<br />
Ende der 70er- und Anfang der 80er-Jahre war die Welt ohnehin so<br />
theatralisch wie eine Oper. Insofern hatte ich kein Problem mit dem<br />
Wechsel. Eine Couture-Kundin bestellt ein einzigartiges Kleid für<br />
einen besonderen Anlass. Nicht nur ihre Silhouette, sondern auch<br />
ihre Einstellung und ihr Temperament werden das prägen, was sie<br />
anhat. Ähnlich geschieht das bei einer Operndiva oder einer<br />
Ballerina. Der einzige Unterschied ist: Haute Couture muss – aus<br />
der Nähe betrachtet – schön sein. Ein Bühnenkostüm aber muss<br />
von Weitem „sprechen“ und wirken.<br />
Stört Sie das als detailversessener Mensch, der man ja als<br />
Designer sein muss?<br />
Es ist keine Frage der Details, sondern des Maßstabs. Bühnengewänder<br />
brauchen größere Stickereien, längere Bänder usw. Alles,<br />
ICH WAR IMMER AUF<br />
DER SUCHE NACH<br />
ETWAS, WAS GRÖSSER<br />
IST ALS DAS LEBEN<br />
was zu raffiniert oder subtil ist, würde auf den großen Bühnen der<br />
Bastille- oder Garnier-Oper verloren gehen. Aber die Opéra-<br />
Comique oder Comédie Française sind klein. Die meisten dieser<br />
wunderbaren Häuser nicht nur in Paris, sondern auch in Berlin,<br />
Frankfurt, München, Wien, oder Graz haben Ateliers wie Couture-<br />
Häuser und das Personal dazu wie Schuhmacher, Weißnäherinnen,<br />
Modisten, Friseure, Maskenbildner.<br />
Was ist wichtiger: der Charakter der Opernrolle oder der des<br />
Interpreten?<br />
Man kann erst mit dem Entwerfen beginnen, wenn man die<br />
Besetzung kennt. Ich erinnere mich an eine Così-Produktion am<br />
La Monnaie in Brüssel. Der Regisseur schwärmte davon, dass die<br />
Teenager Fiordiligi und Dorabella halbnackt am Strand von Neapel<br />
liegen. Das war eine sehr schlechte Idee. Denn die Sänger, die zur<br />
Verfügung standen, waren nicht mehr so jung, auch nicht so dünn,<br />
und nicht bereit, ihren Körper so zu zeigen.<br />
Was war die Herausforderung bei den Kostümen zu Debussys<br />
Pelléas et Mélisande, einem symbolistischen Drama mit wenig<br />
Action, in dem mehr angedeutet als gesagt wird?<br />
Eric Ruf wünschte sich eine sehr dunkle, von der Sonne und dem<br />
Planeten vergessene Welt. Mélisande kommt im leichten „Klimt-<br />
Look“, in einem mit goldenen Pailletten und Spitzen auf hellem Tüll<br />
gearbeiteten Kleid, in dem sich das Licht spiegelt. Und einem<br />
Rüschenkleid, in dem bestimmt 30 Meter Stoff verarbeitet wurden.<br />
Die anderen Sänger haben lange bestickte Mäntel aus Navy-Stoff an<br />
in verschiedenen Schwarztönen, aber auch Matrosenpullover und<br />
Hosen, teilweise von Teer und Schlamm beschmutzt. Ein großes<br />
Lob an die Mitarbeiter des Klagenfurter Stadttheaters, die alle<br />
Kostüme genäht haben!<br />
Sie sind oft von Schönheit umgeben. Was verstehen Sie darunter?<br />
Schönheit ist, wenn man sich mit dem Universum verbunden fühlt,<br />
mit einem Lächeln im Herzen. KEIN Wort ist stark genug, dies zu<br />
beschreiben. Wahre Schönheit macht sprachlos. Schönheit ist nicht<br />
Perfektion. Sie kann auch etwas Seltsames, Bizarres, Unerwartetes<br />
enthalten. Perfektion hingegen fühlt sich leer an.<br />
Ihre nächsten Projekte?<br />
Mozarts Nozze unter der Regie des amerikanischen Filmregisseurs<br />
James Gray am Théâtre des Champs-Elysées im November, Falstaff<br />
in Lille unter der Leitung von Denis Podalydès.<br />
n<br />
63
M U S I K & M O D E<br />
WAS ZIEH’ ICH NUR AN?<br />
Man könnte Bücher füllen über die Modebedürfnisse von Künstlern und Komponisten.<br />
In Wagners Fall ist das auch geschehen: die „Briefe Richard Wagners an eine Putzmacherin” (<strong>19</strong>06),<br />
herausgegeben und herrlich bösartig kommentiert vom Wiener Journalisten Daniel Spitzer.<br />
Der Meister wälzt sich geradezu in Ballen roséfarbener Seide. Die meisten Künstler halten es weniger<br />
extravagant, ihrem Instrument angepasst oder sehr persönlich: Patricia Kopatchinskajas Version<br />
der japanischen Wabi-Sabi-Ästhetik, die subtile, elegante Schlichtheit der Dina Ugorskaja,<br />
Ivan Ilić – der aber versteht modische Codes ganz anders.<br />
Patricia<br />
Kopatchinskaja<br />
GEIGERIN<br />
Wie in der Musik, so finde ich auch<br />
bei Kleidern eine zu perfekte<br />
Oberfläche uninteressant. Ich möchte<br />
experimentieren mit Anspielungen,<br />
Materialien, Formen und<br />
Imperfektion. Ohne die japanische<br />
Tradition des Wabi-Sabi gekannt<br />
zu haben, fand ich für mich<br />
meine eigene Ästhetik der „Hoheit,<br />
die sich in der Hülle des<br />
Unscheinbaren verbirgt“.<br />
FOTO: ILJA KUKUJ; DAN CARABAS; MARTIN TESCHNER; JULIA WESELY, D. RABOVSKY, SAMMY HART<br />
Anneleen Lenaerts<br />
HARFENISTIN<br />
Als Harfenistin ist es schwierig genug, das Klischee der engelsgleichen<br />
Harfe auf Distanz zu halten. Aber in erster Linie will ich mich<br />
hinter meiner Harfe wohl fühlen, und ich hoffe einfach, dass meine<br />
Kleider modern sind und Lebensfreude ausstrahlen. Und es darf auf<br />
keinen Fall etwas sein, was in sich in meinen Pedalen verheddert!<br />
64 w w w . c r e s c e n d o . d e — <strong>Juni</strong> – Juli – <strong>August</strong> 20<strong>19</strong>
Olga Peretyatko<br />
SOPRANISTIN<br />
Wenn die Leute mich als schicke, aber<br />
doch natürliche Diva sehen möchten,<br />
habe ich eine ganze Reihe Kleider<br />
anzubieten. Sonst habe ich 30 Paar Jeans.<br />
Dina Ugorskaja, PIANISTIN<br />
Die Wahl der Kleidung für eine Aufführung kann die eigene Persönlichkeit<br />
unterstreichen, sollte jedoch gegenüber dem Hörvorgang<br />
nicht die Oberhand gewinnen. „Wenn man von einer Frau fasziniert<br />
war“, sagte einmal Coco Chanel, „aber nicht mehr weiß, wie sie<br />
gekleidet war, dann war sie perfekt gekleidet.“ Entsprechend wäre<br />
meine Wahl richtig, wenn die Zuhörer mit der Musik im Herzen nach<br />
Hause gehen und nicht daran denken, was ich anhatte.<br />
Arabella<br />
Steinbacher<br />
GEIGERIN<br />
An der Schleppe meiner<br />
Kleider erkenne ich immer<br />
das Alter der Dirigenten: Je<br />
älter sie sind, desto häufiger<br />
treten sie drauf.<br />
Linus Roth<br />
GEIGER<br />
Ich mag die klare Linie und<br />
schlichte Eleganz der italienischen<br />
Modefirma, die mit zwei<br />
Buchstaben abgekürzt wird.<br />
Smokings wie Anzüge lasse ich<br />
allerdings immer etwas ändern –<br />
für mehr Armfreiheit beim<br />
Geigen wird ein Stück Stoff an<br />
Ärmeln und Rückenpartie eingesetzt.<br />
Eine Fliege wäre nicht nur<br />
im Weg, ich brauche den<br />
direkten Kontakt zur Geige am<br />
Hals. Deswegen trage ich im<br />
Konzert am liebsten ein einfaches<br />
schwarzes T-Shirt mit V-Ausschnitt<br />
darunter.<br />
Ivan Ilić<br />
PIANIST<br />
Immer so anziehen, dass,<br />
wenn einem hinterher<br />
jemand aus dem<br />
Publikum über den Weg<br />
läuft, selbiger einen auf<br />
’nen Drink einladen will.<br />
65
M U S I K & M O D E<br />
WIR SIND,<br />
WIE WIR KLINGEN<br />
Warum die klassische Musik das beste Barometer für die Moden unserer Zeit ist.<br />
VON AXEL BRÜGGEMANN<br />
FOTOS: KARINA SCHWARZ / DG; ALLAN WARREN, <strong>19</strong>73; ANTON ZAVYALOV; DIETER NAGL; SONY BMG MASTERWORKS; ALBERTO VENZAGO; LIBRARY OF CONGRESS<br />
Von oben links im Uhrzeigersinn: Daniel Barenboim; Nikolaus Harnoncourt; Leonard Bernstein;<br />
Roger Norrington; Teodor Currentzis; Herbert von Karajan; Wilhelm Furtwängler<br />
66 w w w . c r e s c e n d o . d e — <strong>Juni</strong> – Juli – <strong>August</strong> 20<strong>19</strong>
Für viele ist die klassische Musik so etwas wie der Goldpreis<br />
der Kultur: stabil und keinen Schwankungen ausgesetzt,<br />
unabhängig von Moden und Zeitgeist. Ein ewiges, ja klassisches<br />
Erbe, ein klingendes, in Marmor geschlagenes Monument.<br />
All das ist natürlich vollkommener Quatsch! Der Dirigent<br />
Daniel Barenboim hat einmal den sehr klugen Satz gesagt: Die<br />
Aufgabe eines Klassikkünstlers sei es, das ewig Gleiche immer wieder<br />
neu zu entdecken – Abend für Abend. In Wahrheit unterliegt<br />
die Klassik also auch dem Diktat der Mode. Wie eine Beethoven-<br />
Sinfonie heute klingt, sagt mehr über unsere Zeit aus als über die<br />
Zeit Beethovens. Die jeweilige Interpretation ist, wenn man so will,<br />
das Gewand, das wir dem nackten Notentext allabendlich überstreifen:<br />
glitzernd, abgewrackt, in strenger Form oder individualistisch<br />
dekoriert.<br />
DIE INTERPRETATION<br />
Eine These, die sich leicht beweisen lässt: Hören wir einfach, mit<br />
wie viel Pathos, Effekt und Sinn für den Rausch Wilhelm Furtwängler<br />
Beethovens Neunte dirigiert hat und wie Herbert von Karajan<br />
sie nur zwei Jahrzehnte später auf Hochglanz polierte. Wie eklektizistisch<br />
sie sich beim Amtsantritt von Simon Rattle bei den Berliner<br />
Philharmonikern anhörte und wie ein Dirigent wie Teodor<br />
Currentzis sie heute gegen den Strich bürsten würde. All diese Dirigenten<br />
kleiden Beethoven immer auch in den Zeitgeist ihrer jeweiligen<br />
Epoche: das nationale Überwältigungspathos der Kriegszeit<br />
bei Furtwängler, der Soundtrack des Wirtschaftswunders bei Karajan,<br />
der Einzug der Postmoderne bei Rattle und der unbedingte<br />
Wille zur eigenen Entäußerung bei Currentzis.<br />
Ein anderer schöner Satz stammt von dem Pianisten Pierre-<br />
Laurent Aimard: „Klassische Musik ist nichts anderes, als immer<br />
wieder eine Brücke von der Vergangenheit in die Gegenwart zu<br />
schlagen. Die Partitur bildet dabei<br />
den unverrückbaren Fixpunkt der<br />
WIE EINE BEETHOVEN-<br />
SINFONIE HEUTE<br />
KLINGT, SAGT MEHR<br />
ÜBER UNSERE ZEIT<br />
AUS ALS ÜBER DIE ZEIT<br />
BEETHOVENS<br />
Geschichte, auf den wir jeden Tag<br />
vollkommen neu zurückblicken,<br />
stets geprägt von jener Welt, die<br />
uns umgibt.“ Die Interpretation<br />
eines klassischen Werkes ist am<br />
Ende also immer auch eine Form<br />
der Geschichtsschreibung. Auch<br />
hier verändert sich unser Blick auf<br />
das Vergangene andauernd. Wie<br />
sehr unterscheidet sich unsere Einordnung<br />
der Politik Bismarcks in<br />
der Weimarer Republik, im Nationalsozialismus,<br />
in der Nachkriegszeit oder heute? Geschichte wird<br />
in neuen Geschichten und Zusammenhängen immer wieder neu<br />
erzählt, unser Blick auf das Vergangene verändert sich. Und keine<br />
Kunst macht das so deutlich wie die Musik, da sie zwei Schöpfungsakte<br />
hat: die historische Schöpfung der Partitur und die ewig aktuelle<br />
Schöpfung der Interpretation.<br />
DAS REPERTOIRE<br />
Wie sehr auch die Klassik der Mode unterliegt, zeigt darüber hinaus<br />
ein Blick auf unsere Spielpläne. In der Nachkriegszeit bis spät in die<br />
70er-Jahre war es selbstverständlich, dass italienische Opern an<br />
deutschen Stadttheatern in deutscher Sprache aufgeführt, ja sogar<br />
auf Deutsch aufgenommen wurden. Während in den 60er-Jahren<br />
die Operette noch gleichberechtigt neben großen Opern aufgeführt<br />
wurde und es selbstverständlich war, dass Sänger wie René Kollo<br />
in großen deutschen Fernsehshows eine Operettenarie und eine<br />
Verdi-Arie sangen, ist das heute nicht mehr vorstellbar. War die<br />
Operette einst eine Form des angenehmen Geschichtsvergessens,<br />
wird sie heute meist als sozialkritische Kunst aufgeführt. Auch das<br />
Repertoire unterliegt den Moden unserer Zeit: In den 70er-Jahren<br />
dominierten Komponisten wie Verdi oder Puccini die Spielpläne,<br />
heute sind die größten Erfolge mit Strauss oder Wagner zu erzielen.<br />
Ihre Opern waren früher großen Häusern vorbehalten, heute werden<br />
sie auch von kleineren Stadttheatern in Angriff genommen, um<br />
die Vielfältigkeit unserer Gegenwart neu zu ordnen. Einst wurde<br />
der Spielplan nach dem großen Abc der Oper aufgestellt: Aida,<br />
Bohème und Carmen waren Garanten für Erfolg. Heute ist das<br />
Repertoire, ebenso wie unsere Zeit, viel diverser geworden, weiter<br />
gefächert, und immer wieder öffnen sich Theater dem Neuen oder<br />
graben Unbekanntes aus.<br />
DIE KÜNSTLER<br />
Auch einzelne Künstler sorgen zuweilen für vollkommen neue<br />
musikalische Moden. Nikolaus Harnoncourt erinnerte sich gern<br />
daran, wie er den Proben Herbert von Karajans beiwohnte und wie<br />
die Wut in ihm aufstieg. Für Harnoncourt waren die Karajan-Interpretationen<br />
der Spiegel einer auf Hochglanz gebürsteten Zeit, die<br />
überwältigen wollte, die Autoritäten<br />
suchte. Sein Gegenmodell war<br />
revolutionär anders: Harnoncourts<br />
Orchester, der Concentus Musicus<br />
Wien, setzte auf demokratische<br />
Beteiligung jedes einzelnen Musikers,<br />
auf die Verantwortung aller,<br />
und vor allen Dingen auf die Wiederentdeckung<br />
der alten Instrumente<br />
und des sogenannten „historisch<br />
informierten Spiels“. Ein<br />
Ausdruck, der oft zu Missverständnissen<br />
führt. Dabei ging es Harnoncourt<br />
nie darum, Mozart<br />
DIE INTERPRETATION<br />
EINES KLASSISCHEN<br />
WERKES IST AM<br />
ENDE IMMER AUCH<br />
EINE FORM DER<br />
GESCHICHTS-<br />
SCHREIBUNG<br />
erklingen zu lassen, wie er zu Mozarts Zeit klang, sondern den<br />
Klang der Mozart-Zeit möglichst genau und wissenschaftlich informiert<br />
in unsere Zeit zu übersetzen. Damit legte er den Grundstein<br />
für viele andere Musiker wie etwa Roger Norrington, und heute ist<br />
es kaum vorstellbar, dass ein Orchester Mozart oder Beethoven –<br />
ganz zu schweigen von Bach oder Haydn – spielt, wie es einst Karajan<br />
tat. Sein Sound ist einfach aus der Mode gekommen.<br />
Einem Dirigenten wie Leonard Bernstein gelang es sogar, einen<br />
Komponisten zur Mode zu erheben, als er die damals selten gespielten<br />
Sinfonien von Gustav Mahler neu interpretierte. Mahler passte<br />
perfekt in eine Zeit, die mit der Moderne, mit massiven Umbrüchen<br />
und der Neuentdeckung des Individuums rang. Die Auswirkungen<br />
dieser Entdeckung dauern bis heute an. Auch Sängern gelang es<br />
übrigens immer wieder, eigene Rezeptionsmoden zu schaffen. So<br />
war es Cecilia Bartoli, die mit ihrer akribischen Suche nach<br />
vergessenen Komponisten und Opern eine weltweite Barock-Begeisterung<br />
auslöste.<br />
Natürlich unterliegen auch die Klassikinterpreten selbst den<br />
Moden ihrer Zeit. Während ein Pianist wie Friedrich Gulda das<br />
Publikum der 70er-Jahre schockte, indem er in Konzertsälen im<br />
Anzug und bei Jazzkonzerten splitterfasernackt auftrat (ein Impuls<br />
der 68er-Bewegung), prägte ein Tenor wie Luciano Pavarotti das<br />
Bild des Tenors mit Frack und Taschentuch. Geiger wie Nigel<br />
Kennedy überführten die Mode des Punk in die Klassik, und sein<br />
Epigone, David Garrett, tut das gleiche noch heute – allerdings mit<br />
anderem Outfit.<br />
Klassische Musik ist also alles andere als eine starre Kunst. Im<br />
Gegenteil: Gerade ihre feste Verankerung in der Geschichte durch<br />
die jeweilige Partitur macht sie zu einer der vielleicht besten Künste,<br />
um den jeweiligen Geist unserer Zeit abzulesen.<br />
n<br />
67
M U S I K & M O D E<br />
HAUPTFÄCHER:<br />
GESCHICHTE, KUNST, MUSIK<br />
Spätestens seit letztem Sommer ist das fast vergessene Accessoire modisch wieder<br />
en vogue: Verschwindet bei grauem Himmel in der kleinsten Clutch, rettet bei<br />
unbarmherziger Glut von oben aber sogar über den Ring in Bayreuth. Nicht umsonst heißt<br />
das hübsche Ding auf Englisch „fan“. Und hinter dem frischen Wind steckt mehr …<br />
Reisender<br />
Die Geschichte des Fächers beginnt im Mittelalter,<br />
als Fächer in Form langstieliger Radfächer<br />
eine wichtige Rolle in der christlichen Liturgie<br />
spielten. Als Modeaccessoire gewann er erst im<br />
15. Jahrhundert, vor allem in Italien, an Bedeutung,<br />
als Fahnenfächer, Federfächer, als in sich<br />
unbeweglicher Stiel- bzw. Blattfächer oder<br />
Handschirm zum Schutz des Gesichtes vor der<br />
Hitze des Kaminfeuers.<br />
Erst die Heirat der Katharina de Medici mit<br />
dem französischen Thronfolger, dem späteren<br />
Heinrich II. im Jahre 1533, trug wesentlich zur<br />
späteren überragenden Position der französischen<br />
Fächermanufakturen bei.<br />
Feuerzauber aus der<br />
Walküre,<br />
München, 1878<br />
Parsifal, Bayreuth,<br />
um 1880/90<br />
Eroberer<br />
Ein neuer, raffinierterer Fächertypus, der sogenannte Faltfächer,<br />
sorgte Ende des 16. Jahrhunderts für einen Siegeszug des Fächers<br />
in ganz Europa. Er ließ eine kunstvolle und aufwendige Gestaltung<br />
zu. Dieser faltbare – und bis heute geläufigste – Fächertypus<br />
gelangte durch den portugiesischen Handel mit China nach<br />
Europa, wo er im 18. Jahrhundert seine Blütezeit erlebte. Frankreich<br />
lief damals in der Fächerherstellung allen anderen Nationen<br />
sowohl mengen- als auch qualitätsmäßig den Rang ab.<br />
„Opernstars“,<br />
Wien um 1880<br />
68 w w w . c r e s c e n d o . d e — <strong>Juni</strong> – Juli – <strong>August</strong> 20<strong>19</strong>
Cuadrilla de Contradanzas,<br />
Frankreich, um 1830<br />
(Vorder- und Rückseite)<br />
Botschafter<br />
Natürlich war der Fächer auch Statussymbol<br />
– der Aufwendig- und Kostbarkeit der Materialien<br />
waren keine Grenzen gesetzt. Daneben<br />
diente der Fächer in Europa in erster<br />
Linie als unverzichtbares Moderequisit, und,<br />
très charmant: als Mittel der Koketterie. Im<br />
Laufe des 18. Jahrhunderts entwickelte sich<br />
eine Fächersprache. So ließen sich wichtige<br />
Mitteilungen der Damen auf graziöse und<br />
lautlose Art an ihren Kavalier übermitteln.<br />
Jede noch so unauffällige Bewegung des<br />
Fächers hatte eine fest kodierte Bedeutung:<br />
Ablehnung, Zustimmung, Verliebtheit oder<br />
die Stunde des Rendezvous.<br />
Venezianischer<br />
Maskenball,<br />
vermutlich Norditalien,<br />
um 1735<br />
Journaille<br />
Während der französischen Revolution<br />
übernahm der Fächer fast ausschließlich<br />
die Rolle eines Nachrichtenübermittlers:<br />
Man stellte aktuelle revolutionäre<br />
Tagesgeschehnisse auf einfachen<br />
bedruckten Papierblättern<br />
dar, montiert auf Holzgestellen.<br />
Erst zu Beginn der zweiten<br />
Hälfte des <strong>19</strong>. Jahrhunderts<br />
erlebte die Fächermalerei –<br />
auch durch die Beschäftigung<br />
erstklassiger Maler – neuen<br />
Aufschwung. Édouard<br />
Manet zählte wohl zu den<br />
ersten Künstlern, die das<br />
halbrunde Bildformat als<br />
kompositionell interessantes<br />
Format für sich<br />
entdeckten.<br />
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70 w w w . c r e s c e n d o . d e — <strong>Juni</strong> – Juli – <strong>August</strong> 20<strong>19</strong>
MADEMOISELLE COCO<br />
UND DIE KUNST<br />
Unsterblich wurde sie mit ihrem legendären Parfum „N° 5“ und dem<br />
„kleinen Schwarzen“. Doch es gibt auch eine weit weniger bekannte Seite<br />
im Leben von Coco Chanel: ihr Engagement für Musik und Ballett.<br />
VON ANGELIKA RAHM<br />
Alles begann mit der Freundschaft<br />
zweier Frauen: „Ohne Misia wäre ich<br />
als Dummkopf gestorben“, gestand<br />
Coco Chanel. Als sich die beiden <strong>19</strong>17<br />
kennenlernten, lebte Misia mit José Maria Sert<br />
zusammen, einem spanischen Maler, der ihr<br />
dritter Ehemann werden sollte. Die gesamte<br />
künstlerische Avantgarde, neben Pablo Picasso<br />
auch Jean Cocteau und Serge Diaghilew, der<br />
mächtige Impresario der Ballets Russes, war zu<br />
Gast in Misias Salon. Und so kam es, dass Cocos<br />
Bildung in Sachen Kultur der Pariser Muse und<br />
Mäzenin zu verdanken ist. Zunächst hatte Misia<br />
Cocteau und Diaghilew miteinander bekannt<br />
gemacht und so eine sehr fruchtbare Zusammenarbeit<br />
initiiert. Im Mai <strong>19</strong>20 schließlich<br />
stellte Misia Igor Strawinsky und Coco Chanel<br />
einander vor – eine Begegnung mit Folgen: Im<br />
folgenden September lud die erfolgreiche Modeschöpferin den notorisch<br />
klammen Komponisten ein, in ihrer neuen Villa im Pariser<br />
Vorort Garches zu wohnen. Nicht lange, und sie wurde seine Geliebte<br />
– und seine Mäzenin. Denn als sie von Diaghilews finanziellen Schwierigkeiten<br />
erfuhr, an denen eine neue Version von Strawinskys Ballett<br />
Le sacre du printemps im Pariser Herbstprogramm zu scheitern drohte,<br />
ließ sie die Kostüme in ihren Schneiderateliers ausführen und gab<br />
Diaghilew einen Scheck über eine ernorme Summe – unter der Voraussetzung,<br />
niemand solle davon erfahren. „Er hat sich nie mit einem<br />
Wort verraten“, erinnerte sich Chanel später. „Ich habe ihm viel Geld<br />
gegeben, für Le Sacre, für Noces, alle die Stücke von Strawinsky.“ Die<br />
Liebesaffäre dauerte nur bis Februar <strong>19</strong>21, lebenslange Freunde blieben<br />
sie dennoch, und Chanel unterstützte Strawinsky und seine<br />
Familie bis in die Mitte der 30er-Jahre.<br />
Auch mit dem Universalkünstler Jean Cocteau verband die<br />
Modeschöpferin eine über 40 Jahre währende Freundschaft. Sie zahlte<br />
für seine Opium-Entziehungskuren, er wohnte in ihren Häusern. Sie<br />
machte ihn mit der Welt der Mode bekannt, er zeichnete ihre Modelle<br />
und entwarf Stoffe für ihre Kollektion. Cocteau war es auch, der als<br />
erster Chanels Talent als Kostümbildnerin nutzte: für seine <strong>19</strong>22<br />
uraufgeführte freie Bearbeitung von Sophokles’ Antigone. Bühnenbilder<br />
und Masken stammten von Picasso, die Musik von Arthur<br />
Honegger. Dafür entwarf Mademoiselle getreu ihrer kategorischen<br />
Feststellung „Griechenland ist Wolle, nicht Seide!“ nicht nur die Kleidung,<br />
sondern für das Haupt von König Kreon auch ihr erstes Schmuckstück:<br />
einen goldenen Reifen, besetzt mit funkelnden Juwelen.<br />
Bis <strong>19</strong>37 fertigte Chanel für eine Reihe von Cocteaus Stücken<br />
die Kostümentwürfe, darunter Orphé, Oedipe roi und Les Chevaliers<br />
de la Table ronde. Aber der Reihe nach: Auf Antigone folgte Le Train<br />
bleu – auf das Schauspiel eine Produktion der Ballets Russes – nach<br />
dem berühmten Zug, der die sonnenhungrige Pariser Gesellschaft<br />
an die Côte d’Azur brachte. Mehr erzählt das<br />
etwa 20-minütige Werk auch gar nicht: reges<br />
Treiben an einem mondänen Badestrand – junge<br />
Männer produzieren sich beim Sport, die Mädchen<br />
posen postkartenreif. Man flirtet, spielt Tennis<br />
oder Golf zur Musik von Darius Milhaud.<br />
Dass Diaghilew Coco Chanel bat, dafür<br />
die Kostüme zu übernehmen, lag nahe. Schließlich<br />
war sie es gewesen, die bereits vor dem Ersten<br />
Weltkrieg Sportkleidung angefertigt und<br />
selbst getragen hatte, als noch keiner ihrer Kollegen<br />
überhaupt daran dachte. Ihre Idee aber<br />
war neu: Sie brachte ihren eigenen Stil auf die<br />
Bühne, entwarf echte Kleidung für die Tänzer,<br />
deren Füße sie entweder in Gummisandalen,<br />
Tennis- oder Golfschuhe steckte. Die Darstellerin<br />
der Perlouse, der schönen Badenden,<br />
erzählte von den Anproben in Chanels Arbeitszimmer:<br />
„Als ich meinen pinkfarbenen Badeanzug anprobierte, den<br />
wir alle ziemlich verwegen fanden, stellte sich die Frage, was ich auf<br />
dem Kopf tragen sollte. (…) Die niedliche kleine Badekappe, die für<br />
mich gemacht wurde, löste einen Modetrend aus.“<br />
Für die Rolle der Tennismeisterin stand Suzanne Lenglen Pate,<br />
Primadonna der Tennisplätze der 20er-Jahre: einfaches knielanges<br />
Kleid, Strümpfe, Tennisschuhe und Stirnband. Bei der Figur des Golfspielers<br />
hatte Cocteau an den Prince of Wales gedacht, Chanel blieb<br />
diesem Vorbild treu: weißes Hemd mit Krawatte, Tweed-Knickerbocker,<br />
gestreifter Pullover samt ebensolcher Strümpfe.<br />
Und es kam, wie es kommen musste: Die aparten und eleganten<br />
Kostüme, vor allem die Badetrikots für Le Train Bleu, schafften nach<br />
der Uraufführung am 13. <strong>Juni</strong> <strong>19</strong>24 den Sprung vom Pariser Théâtre<br />
des Champs-Elysées in die Sportmode der Cote d’Azur und Riviera.<br />
Einige Jahre später sollte Chanel noch einmal für die Ballets<br />
Russes arbeiten – zum letzten Mal und quasi auf einem Umweg. Strawinsky<br />
hatte ein neues Ballett komponiert, Apollon Musagète. George<br />
Balanchine choreografierte das abstrakte Ballett, Diaghilew übertrug<br />
für die Pariser Aufführung dem Maler André Bauchant die Ausstattung.<br />
Als der jedoch keine Entwürfe lieferte, kopierte Diaghilew Apollos<br />
Tunika von einer Zeichnung Bauchants und steckte die drei Musen<br />
in Tutus, die später durch Kostüme von Chanel ersetzt wurden: eine<br />
Kombination aus klassischem Tutu und schlichtem ärmellosen Sommerkleid,<br />
um die Taille der wohlbekannte feine Kettengürtel.<br />
Apollon Musagète (<strong>19</strong>28) blieb Chanels letzte Arbeit für die Ballets<br />
Russes. Genau ein Jahr später tanzte die Truppe zum letzten Mal<br />
in Paris. Anschließend gab Mademoiselle eine große Party. Der Garten<br />
ihres Hauses in der Rue du Faubourg Saint-Honoré war hell<br />
erleuchtet, ein Orchester und verschiedene Cabaret-Künstler unterhielten<br />
die Gäste, die geblendet waren von der Pracht der Szenerie<br />
und den Suppenterrinen, voll mit Kaviar.<br />
n<br />
FOTO: WIKI COMMONS / MARION GOLSTEIJN<br />
71
M U S I K & M O D E<br />
WOHER KOMMT<br />
EIGENTLICH ...<br />
... der Begriff „Mendelssohns Auge“ ?<br />
VON STEFAN SELL<br />
Johann Peter Lysers<br />
Zeichnung „Beethoven<br />
in Straßenkleidung“<br />
Ein hervorwachsendes Indiz auf dem Barometer<br />
von Mode und Musik sind die<br />
„Antennen der Seele“ – unsere Haare. Dazu<br />
gehört nicht nur die jeweilige Frisur, sondern<br />
auch die jeweils bevorzugte Kopfbedeckung<br />
bzw. der Kopfschmuck. In den Anfängen, als noch<br />
ausschließlich auf Knochenflöten, Tierpanzern,<br />
Felltrommeln und Musikbögen musiziert wurde,<br />
war die Haarmode ganzkörperlich. Später, als das<br />
meiste davon sich auf die Kopfregion zurückzog,<br />
wurde – ob lang oder kurz, gewellt oder gelockt,<br />
zerzaust oder verlaust – aus Haaren Frisur. So<br />
konnte das Haar von Frauen sich lust- und kunstvoll<br />
getürmt zu Schiffsmasthöhe aufschwingen,<br />
um samt Takelage und gesetzten Segeln durch die<br />
Salons des Rokoko zu ziehen. Im Barock waren<br />
Perücken en vogue.<br />
Bach kennen wir gar nicht ohne, und allein<br />
für den Sonnenkönig in Versailles arbeiteten 40<br />
Perückenmacher. Glaubte Mann im Mittelalter, Frauen mit rotem<br />
Haar müssten Hexen sein, demonstrierte der Bubikopf in den 20ern<br />
emanzipierte Frauen. Es kamen der Rock ’n’ Roll und die Schmalztolle,<br />
die Beatles boten Pilzköpfe und die Flower-Power-Zeit ließ<br />
Haare wieder wachsen und gedeihen.<br />
<strong>19</strong>68 widmete sich das Musical Hair ausschließlich den Kopfsprösslingen.<br />
Es hieß: „Ich will mein Haar nicht vom Stahlhelm<br />
frisieren lassen.“ Und die Musik wurde zur Rebellion gegen Bürgertum<br />
und Führungsschicht in Zeiten des Vietnamkriegs. Soul<br />
und Disco erklärten den Afro-Look zur Mode. Der Punk brachte<br />
den vielfarbigen Irokesenschnitt, die 80er Föhnfrisur und Poppertolle.<br />
Neben Dauerwelle und Rasta-Locken präsentierten Musiker<br />
wie Limahl den „Vokuhila“ (vorne kurz, hinten lang). Und immer<br />
wieder gab es modische Kopfbedeckungen wie die Baseballkappe<br />
beim Hip-Hop.<br />
Welch vieltriebige Zweige und Blüten das modische Suchen<br />
und Finden, die Haarpracht zu schmücken, hervorbringen konnte,<br />
erzählt folgende Begebenheit – und sie muss eine ganz besondere<br />
Frau gewesen sein: „Donna Gißmunda Rosenlaub, die weltberühmte<br />
Putzmacherin par excellence“, wie die Leipzigerin seinerzeit<br />
gerühmt wurde, war sie doch modische Trendsetterin insbesondere<br />
im Bereich des Musiklebens. Unter der Rubrik „Amüsantes<br />
Kaleidoscop“ wurde am 5. Januar 1841 mit der Überschrift „Mendelssohns<br />
Auge, eine Haube“ in Adolph Friedrich Richters „Pannonia“<br />
annonciert: „Der berühmte Compositeur<br />
Felix Mendelssohn-Bartholdy ist in Leipzig in<br />
der Mode und so beliebt, daß eine Putzmacherin<br />
Namens Gißmunda Rosenlaub (sehr romantisch)<br />
neue Concert-Barets unter dem Titel Mendelssohns<br />
Auge ankündigt, die auch wie Lyser<br />
in ‚Ost und West‘ berichtet, bei den Leipziger<br />
Damen vielen Beifall finden.“ Es handelte sich<br />
dabei um einen extravaganten Kopfschmuck,<br />
der Konzertbesucherinnen einen zweifelsfrei eleganten<br />
Auftritt ermöglichte.<br />
Johann Peter Lyser, der hier als Garant für<br />
den Beifall der Leipziger Damen genannt wurde,<br />
war Dichter, Maler und Musiker. Bereits mit 18<br />
ertaubt, widmete er sich der Schriftstellerei und<br />
veröffentlichte 1830 seinen unvollendet gebliebenen<br />
Roman Benjamin. Ein Roman aus der<br />
Mappe eines tauben Malers. Er war mit Heine<br />
befreundet, und Mendelssohn stand ihm wohl<br />
so nah, dass der Lyser sogar von dessen Schuldenlast und aus der<br />
Schuldenhaft befreite. Verständlich, dass er sich nicht nehmen ließ,<br />
gleich nach Mendelssohn Tod einen biografischen Nachruf zu verfassen,<br />
worin eben auch benannte Haube auftaucht: „Er (Mendelssohn)<br />
war der Liebling in den höheren Kreisen, besonders bei den<br />
Damen so sehr in Gunst, daß die bekannte fantastische Leipziger<br />
Putzhändlerin Gißmunda Rosenlaub einen neuen Kopfputz in den<br />
Zeitungen unter der Benennung ‚Mendelssohn’s Auge‘ ankündigte,<br />
und damit die glänzendsten Geschäfte machte. Mendelssohn war<br />
der Erste, der mit uns über solche Starrheiten lachte ...“ (5.12.1847,<br />
„Wiener Sonntagsblätter“). Man könnte meinen, Mendelssohn hätte<br />
mit seinem Elias-Terzett „Hebe deine Augen auf“ Vorsorge treffen<br />
wollen, falls mal ein Wind den Damen die „Concert-Barets“ vom<br />
Haupte fegen sollte.<br />
Lyser war in Hinsicht dessen, was man damals trug, ein zuverlässiger<br />
Chronist, hinterließ er uns doch Zeichnungen von „Beethoven<br />
in Straßenkleidung“, „Paganini der Hexenmeister“ beim Violinspiel,<br />
„Wie Franz Liszt sich in Wien zum Festessen hergeben<br />
muss“, skizzierte einen „Jüngling à la mode“ oder karikierte einen<br />
schmucken Soldaten unter dem Titel „Mein treues Bildt seh ich im<br />
Spiegel“, dem dort ein Esel gegenübertritt. Interessant ist, dass dieser<br />
Lyser in Robert Schumanns „Neue Zeitschrift für Musik“ als<br />
Musikkritiker wirkte. Wie er das bei seiner Taubheit bewerkstelligte,<br />
bleibt wohl für immer ein Geheimnis der Musikgeschichte. n<br />
72 w w w . c r e s c e n d o . d e — <strong>Juni</strong> – Juli – <strong>August</strong> 20<strong>19</strong>
LEBENSART<br />
Die Pianistin Ragna Schirmer kocht: den Hauptgang aus Clara und Robert Schumanns Hochzeitsessen (Seite 74)<br />
Ikonen toskanischer Weinberge: Paula Bosch stellt großartige Supertuscans vor (Seite 76)<br />
Servus in Salzburg: Der Geiger Benjamin Schmid zelebriert – pünktlich zur Festspielzeit – seine Stadt (Seite 78)<br />
VERRÜCKTE PERSPEKTIVEN<br />
Friederike Sofie Hoellerer ist im bayerischen Chiemgau aufgewachsen, bereits<br />
im Jahreszeugnis der ersten Klasse stand: „Ihre farbenfrohen Zeichnungen<br />
verdienen besonderes Lob.“ Abitur, Zeichenschule bei Professor<br />
Seeger, Ausbildung zur Grafikdesignerin, erste Arbeiten an der Leinwand –<br />
Markus Lüpertz bestärkte sie maßgeblich. Über drei große Bilderserien und<br />
zahlreiche Ausstellungen haben ihre Bilder sich entwickelt.<br />
Das Cover-Artwork „Light+Bright 15“ gehört zur Serie „Light+Bright“, an<br />
der sie seit Ende 2018 arbeitet. Abstrahierte Impressionen urbaner Welten,<br />
mit leuchtenden Acrylfarben platziert auf große Formate. Hoellerer<br />
ist fasziniert von weltweiten Metropolen mit ihren Häuserfluchten und<br />
aufstrebenden Silhouetten. Mit verzerrten Perspektiven, dem Ineinandergreifen<br />
und Aufeinanderlegen von Ebenen, Transparenzen und grellen Farbkombinationen<br />
bringt sie die verrückten Perspektiven und unwirklichen<br />
Räume urbaner Überlagerungen auf die Leinwand. Flirrende, oft rätselhafte<br />
Collagen aus Harmonien und Disharmonien, die sich kreuzen, überlagern,<br />
abwechseln, ineinanderfließen und auch mal abdriften wie das Übereinanderlegen<br />
und Verschmelzen von Tonfolgen zu einer Klangcollage – mal<br />
lauter, mal leiser werdend, aus dem Nichts beginnend und abrupt endend;<br />
Hoellerer ergründet die stabilen und instabilen Rhythmen im Puls der Großstadt.<br />
Sehr frei und doch auch sehr komplex. Man könnte problemlos die<br />
z-Achse aus ihren Bildern ziehen und in das Großstadtlabyrinth spazieren.<br />
www.friederikehoellerer.de<br />
Vernissage in den Redaktionsräumen (Rindermarkt 6, München) am 11. Juli 20<strong>19</strong><br />
Eintritt frei. Anmelden unter crescendo.de/vernissage<br />
präsentiert<br />
am 11. Juli<br />
FOTO: TOBIAS SCHWARTZ<br />
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L E B E N S A R T<br />
Lieblingsessen!<br />
HIER VERRATEN DIE STARS IHRE BESTEN REZEPTE.<br />
UND KLEINE GESCHICHTEN, DIE DAZUGEHÖREN ...<br />
FOTO: MARTINA IBS<br />
HOCHZEITSMENÜ VON CLARA UND ROBERT SCHUMANN<br />
Grünesuppe mit spanischem Kohl, Krebsen und dicker Milch<br />
Rindfleisch gedämpft und geröstet mit Hagebutte, Wurzeln, Esslauch und Grundbirnen<br />
Armer Ritter mit Fliderbeeren, Chocoladenmus und Prunellen<br />
74 w w w . c r e s c e n d o . d e — <strong>Juni</strong> – Juli – <strong>August</strong> 20<strong>19</strong>
FOTO: MAIKE HELBIG<br />
Ragna Schirmer,<br />
zweifache Bach- und<br />
ECHO-Preisträgerin<br />
und im April mit dem<br />
Robert-Schumann-<br />
Preis 20<strong>19</strong> ausgezeichnet,<br />
beschäftigt sich mit<br />
dem Leben und Wirken<br />
von Clara Schumann,<br />
seit sie ein Teenager<br />
war. Ihr neues Album<br />
anlässlich des<br />
200. Geburtstags ist<br />
eine Verneigung vor<br />
Clara – als Frau und<br />
als Künstlerin<br />
RAGNA SCHIRMER PIANISTIN<br />
Als ich am 12. September 2017, dem 175. Hochzeitstag von Clara und Robert, in Leipzig mein Programm „Liebe in<br />
Variationen“ vortrug, hatte der Veranstalter die wunderbare Idee, dem Publikum das Hochzeitsmenü der Schumanns<br />
in Verbindung mit der Eintrittskarte als sprichwörtlich besonderen Leckerbissen anzubieten. Auch ich kam in diesen<br />
Genuss und erinnere mich noch heute daran. Manches schmeckte ungewöhnlich – ich kann es nicht recht beschreiben:<br />
auf eine eigene Weise zart und doch kräftig. Der Koch erklärte mir, dass man im <strong>19</strong>. Jahrhundert mit Mehl und<br />
Kräutern ganz anders umgegangen sei. Gespannt war ich auf die „Grundbirnen“. Ich hatte schon den süßsäuerlichen<br />
Geschmack gebratenen Obstes auf der Zunge und musste feststellen: „Grundbirnen“ sind einfach nur Kartoffeln.<br />
Nach dem Konzert bekam ich zur Erinnerung Claras Kochbuch geschenkt: jenes einfache Kochbuch für Hausfrauen des<br />
Mittelstandes*, das Robert Schumann seiner Verlobten 1839 schenkte. Auf dem Titel steht in Goldlettern:<br />
„Meiner Hausfrau gewidmet, R. S.“. Obwohl Clara wenig Zeit zum Kochen fand, hat sie in ihrem Exemplar dieses<br />
Büchleins doch einige Passagen angestrichen und sich notiert, welche Gerichte Robert besonders gern aß. Das<br />
Hochzeitsmenü findet sich natürlich nicht in diesem Kochbuch. Ich zitiere dennoch eine Passage daraus, um die Art<br />
der Zubereitung der damaligen Zeit etwas schmackhafter zu machen.<br />
•<br />
RINDFLEISCH GEDÄMPFT<br />
„(...) man nimmt ein Stück Rindfleisch von der Unterschale, klopft es recht mürbe, spickt es mit Zitronen schale und<br />
Speck, und legt es eine Nacht in Breihanessig (Bieressig, Anm. d. Red.). Am andern Morgen gießt man den Essig ab, setzt<br />
es mit Wasser auf, salzt und schäumt es rein ab, und thut ein Stück ganzen Ingwer, etliche Lorbeerblätter und englische<br />
Gewürzkörner dazu. Hat es eine Stunde gekocht, so gießt man den Breihanessig daran, wirft die Scheiben von einer<br />
Zitrone dazu, und läßt es schmoren, bis es gahr ist. Doch muß man die Brühe kosten, ob sie nicht zu sauer ist, und ob<br />
sie das gehörige Salz hat. Ist die Brühe nicht stark genug, so thut man einen Löffel voll Mehl in Butter braun gebraten,<br />
Honigkuchen oder geriebene schwarze Brotrinde daran, und läßt es damit durchkochen. Dann richtet man das Fleisch<br />
(...) an, gießet die Brühe durch einen Durchschlag, und schöpft das übrige Fett von der Brühe ab.“<br />
Guten Appetit im Clara-Jahr!<br />
„Madame Schumann“, Ragna Schirmer (Berlin Classics)<br />
Track 3 auf der <strong>CRESCENDO</strong> Abo-CD:<br />
Klaviertrio g-Moll, op. 17. III. Andante – più animato<br />
von Clara Schumann<br />
* Karl Friedrich Engelmann/Marie Holle: Neues einfaches Kochbuch für bürgerliche Haushaltungen und bürgerliche Küchenzettel für Hausfrauen des Mittelstandes, Zwickau 2007<br />
75
L E B E N S A R T<br />
Die Paula-Bosch-Kolumne<br />
DIE NEUE TOSKANA-FRAKTION<br />
Icon-Weine sind sozusagen die Ferraris unter den feinen Tropfen. Kommt der gute<br />
Stoff aus besten Weinlagen der Toskana, spricht unsere Kolumnistin von „Supertuscans“.<br />
Sensationelle Kerle sind das, ja. Von Prahlerei aber keine Spur. Nur echt, ehrlich, edel.<br />
Der Zauber der unbeschreiblich schönen toskanischen<br />
Landschaft ist ungebrochen. Seit mehr als drei Jahrzehnten<br />
ist sie nicht nur für uns Deutsche ein bevorzugtes<br />
Reiseziel. Den Appetit wecken unzählige<br />
Reportagen der Hochglanzmagazine aus der Reisebranche.<br />
Da werden historische Städte – allen voran Florenz und<br />
Siena, wunderschöne Ortschaften –, die klimatischen Vorteile, die<br />
gute Küche und nicht zuletzt die zahlreichen Weine hochgelobt,<br />
beginnend mit Klassikern wie Chianti und Brunello. Kein Wunder<br />
also, wenn wir ganz nach dem<br />
Motto agieren: Warum denn in die<br />
Ferne schweifen, wenn das Gute<br />
liegt so nah?<br />
Mit den Weinen ist es ja ähnlich,<br />
auch wenn – über die Jahrzehnte<br />
betrachtet – immer wieder<br />
ein paar neue Namen dazugekommen<br />
sind. Das hält die Szene up to date, und dank der schleichenden<br />
„Entparkerisierung“ besinnt man sich zunehmend auf den eigenen<br />
Geschmack. „Supertuscans“, sogenannte Icon-Weine, verkaufen<br />
sich meist auch ohne die inflationäre Punktevergeberei.<br />
Seit Anfang des Jahres wurden mir mehrere Weine solcher<br />
Größen aus den Jahren 2015 und 2016 präsentiert. Diese erstklassigen<br />
Cuvées aus den roten Rebsorten à la Bordelais, Cabernet, Merlot,<br />
Petit Verdot haben mich richtig begeistert und auch davon überzeugt,<br />
dass in der Tat die Icon-Weine in der Toskana ihren eigenen<br />
Stil und Charakter gefunden haben. Das sind keine Nachahmungen<br />
mehr wie teilweise jene aus den ersten Jahrgängen, sondern Weine,<br />
die man sehr gerne trinken möchte.<br />
Nein, sie mutieren nicht zu Alltagsweinen, dafür sind sie auch<br />
zu hochpreisig; es sind Weine für die besonders schönen Momente<br />
im Leben, vielleicht für hier und heute. Wein-Kunstwerke, die einen<br />
Hauch Toskana in Flaschen präsentieren.<br />
SAFFREDI, IGT TOSCANA, FATTORIA LE PUPILLE,<br />
GROSSETO Auf insgesamt 80 Hektar Rebfläche produziert die<br />
ES SIND WEINE FÜR DIE BESONDERS<br />
SCHÖNEN MOMENTE IM LEBEN,<br />
VIELLEICHT FÜR HIER UND HEUTE<br />
große Dame des Morellino di Scansano, Elisabetta Geppetti, jenen<br />
Rotwein aus der Maremma, der jede Pasta mit Fleischsoße adelt.<br />
Seit <strong>19</strong>87 erzeugt die Donna del Vino zudem ihren Saffredi, der zu<br />
den ersten Icon-Weinen der Toskana gezählt wird. Auf fünf Hektar<br />
wurden <strong>19</strong>80 die Reben Cabernet Sauvignon, Merlot und Syrah<br />
gepflanzt. Je nach Jahrgang werden sie unterschiedlich cuvéetiert.<br />
Der edle Stoff aus 2016 ist dank 30-jähriger Produktion längst<br />
erwachsen. Er hat sich unter den großen Weinen etabliert und bietet<br />
höchsten Genuss, wenn man ihm einige Jahre zur Reife gönnt. Die<br />
intensiven Aromen des 2015 – rote,<br />
blaue und schwarze Waldbeeren,<br />
Cassis, Lavendelblüten, Sandelholz,<br />
Zigarrenkiste – überzeugen sofort.<br />
Die kernige, teils noch etwas spröde<br />
Struktur mit edlem Tanningerüst<br />
verbindet Kraft mit Eleganz und<br />
Finesse mit Harmonie. Im jugendlichen<br />
Geschmack präsentiert sich viel Potenzial und Länge.<br />
2015 ARGENTIERA, BOLGHERI SUPERIORE, TENUTA<br />
ARGENTIERA 100 Kilometer südwestlich von Florenz liegt die<br />
Tenuta Argentiera, am südlichsten Zipfel der namhaften DOC-<br />
Bolgheri. Auf 200 Meter Seehöhe genießen die Rebstöcke der Sorten<br />
Cabernet, Merlot und Syrah auf steinigen Tonböden den Meerblick<br />
zu den Inseln Giglio und Elba. Das noch sehr junge Unternehmen<br />
(erster Jahrgang 2003) hat mit Stanislaus Turnauer, seinem neuen<br />
Besitzer seit 2016, eine große Zukunft vor sich. Die ganze Mannschaft<br />
im 75 Hektar großen Weingut ist seit Beginn an Bord und präsentiert<br />
mit dem 2015 Argentiera DOC Bolgheri Superiore, was auf den steinreichen<br />
Kalk-, Lehm- und Sandböden möglich ist. Gewiss, sehr ähnlich<br />
einem großen Bordeaux, aber wer will nicht mit diesen Gewächsen<br />
in einem Atemzug genannt werden? Argentiera wirkt nicht ganz<br />
so kühl oder streng, zeigt warme, mediterrane Züge, sanfte Kräuternoten<br />
der Garrique, salzige Töne wie seine Nachbarn Ornellaia<br />
und Sassicaia. Noch moderat in der Preisgestaltung ist sein kleiner<br />
Bruder, Poggio ai Ginepri, der Tipp schlechthin für jede Party.<br />
FOTOS: JÖRG LEHMANN; PRIVAT<br />
76 w w w . c r e s c e n d o . d e — <strong>Juni</strong> – Juli – <strong>August</strong> 20<strong>19</strong>
Legendär: Licht und Landschaft der Toskana.<br />
Wo, wenn nicht hier, sollten spektakuläre Weine reifen<br />
2016 TRINORO, IGT ROSSO TOSCANA, TENUTA DI TRI-<br />
NORO Die Tenuta di Trinoro im Val d’Orcia im Landesinneren,<br />
südlich von Siena, besitzt über 200 Hektar, aber nur 22 davon wurden<br />
nach den Vorstellungen des Inhabers Andrea Franchetti völlig<br />
neu, überwiegend mit Cabernet Franc angepflanzt. Es liegt an der<br />
Grenze zu Umbrien und dem Latium ungewöhnlich hoch, auf 450<br />
bis 600 Höhenmetern, was die Reben viel später reifen lässt. Der<br />
Terroircharakter aus dieser Höhenlage ist ein weiterer Grund, weshalb<br />
der Trinoro Rosso nicht nur in seiner Region, sondern in ganz<br />
Italien als einzigartig betrachtet wird.<br />
Die Cuvée variiert je nach Jahrgang und besteht in erster<br />
Linie aus Cabernet Franc, etwas Merlot, Cabernet Sauvignon und<br />
Petit Verdot. Spätestens mit der letzten 100-Punkte-Würdigung<br />
durch Antonio Galloni wurde auch dieser Neuzugang in der<br />
Toskana zur Rarität und Ikone gleichermaßen. 2016 präsentiert<br />
sich dicht im tiefdunklen Rot, in der Nase opulent und schwarzbeerig<br />
mit Perigordtrüffel, Sandelholz, Bitterschokolade und feinstem<br />
Earl Grey. Gaumenfüllender Edelstoff mit viel Potenzial –<br />
ganz große Oper.<br />
2015 ORNELLAIA, IGT, BOLGHERI SUPERIORE, TENUTA<br />
DELL’ORNELLAIA Mit dem Weingut Tenuta dell’Ornellaia hat Italiens<br />
Wein-Ikone „Sassicaia“ in Bolgheri in direkter Nachbarschaft<br />
einen ernst zu nehmenden Konkurrenten bekommen. Auch hier<br />
wurden Cabernet Sauvignon, Merlot, Cabernet Franc und Petit Verdot<br />
angepflanzt, weil die Böden für Sangiovese einfach nicht geeignet<br />
sind. Auch hier wurde im Keller nach Bordelaiser Vorbild in<br />
Technik und Barriquefässer investiert. Die Ornellaia-Philosophie<br />
war von Beginn an vom Wunsch nach einer außergewöhnlichen<br />
Weinqualität geprägt. Mit dem hochtalentierten Önologen Axel<br />
Heinz wurde dieses Ziel seit 2005 auch regelmäßig erreicht. <strong>19</strong>95<br />
wurde der einstige Vino da Tavola mit der noblen Herkunft „Bolgheri<br />
DOC Superiore“ geadelt. Marchesi de’Frescobaldi ist seit 2005<br />
Alleininhaber des Weinguts. Axel Heinz zum 2015 Ornellaia:<br />
„Wie auch Personen mit großem ‚Charisma‘ wissen sich die<br />
Weine der großen Jahrgänge auf natürliche und ungezwungene Art<br />
zu behaupten: Ihr inneres Gleichgewicht lässt sie ohne großes<br />
Blendwerk von alleine glänzen. Der Ornellaia 2015 entspricht ganz<br />
diesem Charakterzug. Aus einer besonders ausgeglichenen Lese<br />
geht eine der bemerkenswertesten Versionen dieses Weines hervor.“<br />
2015 MASSETO, IGT, BOLGHERI, TENUTA DELL’OR-<br />
NELLAIA Masseto wird reinsortig aus Merlottrauben gekeltert und<br />
ist einer der rarsten – und der teuerste – Wein in Italien. Er wird<br />
auch als „Petrus“ der Italiener gehandelt. Bei einer Luftlinie von<br />
zwei Kilometern zum Meer natürlich mit mediterraner Note, doch<br />
genauso rar wie der „Petrus“, aber noch nicht ganz so teuer. Um die<br />
30.000 Flaschen werden jährlich produziert, seit letztem Herbst<br />
auch endlich in einem für ihn eigens gebauten Keller vinifiziert. Das<br />
ganze Anwesen gehört nach wie vor zur Tenuta dell’Ornellaia. Von<br />
Anfang an wurden die Trauben für diesen Kultwein separat ausgebaut,<br />
geerntet von der 6,6 Hektar kleinen Rebfläche, die dort direkt<br />
ums Eck gelegen ist. Das Ziel war klar: Italiens bester Merlot zu werden!<br />
Und das ist der Masseto ohne Zweifel, besonders in Jahrgängen<br />
wie 2015, 2010 oder 2001. Ein aristokratischer Wein, ganz zum<br />
Familienclan der Eigentümer, den Frescobaldis, passend, auch wenn<br />
es, wie bei „Petrus“, durchaus auch mal einen Jahrgang gibt, der nicht<br />
zu den besten seiner Gattung zählt. Wer aber noch 2015 oder 2016<br />
ergattern kann, hat damit einen Platz im Weinhimmel gefunden. n<br />
Bezugsquellen: www.garibaldi.de, www.alpina.de<br />
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FOTOS: TOURISMUS SALZBURG GMBH; AQUARELLKOPIE VON INGRID RAMSAUER NACH AQUARELL VON LOUIS CARROGIS DE CARMONTELLE / ISM<br />
1) Mirabellgarten 2) Platzkonzert mit Blasmusik 3) Die weltberühmte Getreidegasse 4) Kapitelplatz mit der Festung<br />
5) Leopold Mozart unterrichtet seine Kinder – Ausstellung im Mozart-Wohnhaus 6) Blick über die Jedermann-Bühne am Domplatz<br />
7) Salzburger Nockerl 8) Konzert in der Felsenreitschule 9) „Gurken“ von Erwin Wurm im Furtwänglerpark<br />
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ES PRICKELT SCHON WIEDER: FESTSPIELZEIT!<br />
UND MOZART, IMMER WIEDER MOZART<br />
Salzburg<br />
Es muss nicht immer Wolfgang sein: Die Ausstellung „Leopold Mozart.<br />
Musiker – Manager – Mensch“ verneigt sich vor dem Vater. Eine kleine Exkursion<br />
mit Seitenblicken auf die Stadt mit dem Geiger Benjamin Schmid.<br />
VON TERESA PIESCHACÓN RAPHAEL<br />
FOTO: LIENBACHER<br />
Salzburg wird die „Stadt der tausend Gesichter“<br />
genannt, weil sie so viel zu bieten hat:<br />
Burgen, barocke Kirchen, Museen, Schlösser,<br />
Wander- und Radwege. Dazu liebliche<br />
Gassen mit kunstvollen Fassaden, idyllischen<br />
Arkadenhöfen und urigen Gaststätten. Und<br />
überall Musik. Ein touristischer Kracher, dieses<br />
„Herz im Herzen Europas“, wie Hugo von Hofmannsthal,<br />
der Mitbegründer der Salzburger Festspiele,<br />
die Stadt <strong>19</strong><strong>19</strong> nannte. Siebeneinhalb Millionen Besucher<br />
überfluten Jahr für Jahr die Stadt, drängeln vom Hauptbahnhof über<br />
den Mirabellplatz und die Salzach hinweg bis in die Getreidegasse<br />
Nr. 9, zum Geburtshaus von Wolfgang Amadeus Mozart.<br />
Das prächtige Wohnhaus am Makartplatz Nr. 8 aber, wo die<br />
Mozarts ab 1773 lebten, übersehen die meisten. Und das, obwohl<br />
hier derzeit eine spannende Ausstellung zum 300. Geburtstag von<br />
Leopold Mozart zu sehen ist – zu der wir uns mit dem Salzburger<br />
Geiger Benjamin Schmid verabredet haben.<br />
Zunächst geht es in den eleganten Tanzmeistersaal im ersten<br />
Stock des 300 Quadratmeter großen Anwesens. Für Schmid immer<br />
noch ein besonderer Ort, denn hier feierte er mit 18 Jahren sein<br />
Debüt. Auch die Mozarts musizierten und empfingen hier ihre<br />
Gäste. Bei schlechtem Wetter aber wurde hier gezockt und auf<br />
nackte Hinterteile „Bölzl“ geschossen – eine „Disziplin“, in der sich<br />
Wolfgang Amadé besonders hervortat. Geradezu wohlerzogen<br />
wirkt er auf dem Bild von Johann Nepomuk della Croce von 1780/81<br />
Benjamin Schmid und seine<br />
Stradivari „ex Viotti 1718“<br />
neben seiner Schwester Nannerl am Tasteninstrument.<br />
Zur Rechten der Vater, Leopold Mozart, mit<br />
der Violine in der Hand, Tintenfass und Schreibfeder.<br />
Im Hintergrund ein ovales Bild mit der 1778<br />
verstorbenen Mutter. Beste Gelegenheit, um mit<br />
Benjamin Schmid, Vater von vier Kindern, über<br />
Musik und Erziehung zu sprechen. „Mozart hätte es<br />
vielleicht nicht so weit gebracht, wenn sein Vater<br />
seine Begabung nicht erkannt und ihn von Kindheit<br />
nicht so gefördert und mit den größten Höfen Europas bekannt<br />
gemacht hätte“, räumt auch er mit dem Image von Leopold Mozart<br />
als strengem Zuchtmeister seiner Wunderkinder auf – und der<br />
Unterstellung, er habe sie wie Zirkuspferdchen durch die Welt<br />
getrieben. „Allein, in welches Wissen der Sohn da hineingeboren<br />
wurde!“, staunt Schmid. „Auch mein Vater – ohne mich vergleichen<br />
zu wollen – förderte mich und meine Musikalität sehr“, sagt er, vielleicht<br />
weil bereits der Großvater ein genialer Salongeiger und ein<br />
Allroundtalent war. Abends, erzählt der 50-Jährige, wenn „der<br />
Papa“, ein leidenschaftlicher Klavierspieler, von der Bank, wo er als<br />
leitender Angestellter arbeitete, nach Hause kam, fragte er nur: ‚Wer<br />
spielt heute mit mir?‘ Es war wie eine Belohnung, mit ihm zu spielen,<br />
nachdem man den ganzen Tag geübt hatte“. Auch die Mutter,<br />
„die Seele“, und eine begeisterte Viola-da-Gamba-Spielerin, unterstützte<br />
ihn, besonders, wenn es nachmittags zum Geigenunterricht<br />
in die Altstadt ging, in eine „Expositur“ des Mozarteums in der<br />
Getreidegasse, nur etwa 100 Meter von Mozarts Geburtshaus ent-<br />
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L E B E N S A R T<br />
Über allem „Sehen und Gesehenwerden“<br />
des Festspielpublikums thront die Burg<br />
fernt. Danach spendierte sie dem Jungen<br />
beim „Balkangrill“ eine „Bosna“, eine<br />
besonders gewürzte Bratwurst mit Weißbrot,<br />
Zwiebel und gehackter Petersilie,<br />
die in Salzburg einen regelrechten Kultstatus<br />
hat. Es war ohnehin keine einfache<br />
Zeit für den Jungen, der sich auf der<br />
Grundschule schwer mit dem Salzburger<br />
Dialekt tat und sich nach Wien sehnte –<br />
dort hatte die Familie vorher gelebt. Da<br />
die Förderung seiner Begabung bald<br />
wichtiger als die Schule wurde, verbrachte<br />
er immer mehr Zeit am Mozarteum<br />
bei seiner Professorin Irmgard Gahl. „Ich verdanke ihr unendlich<br />
viel. Sie war in den entscheidenden Jahren von 8 bis 15 meine<br />
wichtigste Mentorin.“ Sich als Musiker in „einer kleinen, aber prestigiösen<br />
Szene“ wie Salzburg zu entwickeln, in der man durchaus<br />
auch mal einem Karajan oder einer großen Operndiva auf der<br />
Straße begegnen konnte, fand Schmid nur von Vorteil.<br />
Das muss Leopold Mozart wohl ähnlich gesehen haben –<br />
50 Jahre lebte der gebürtige Augsburger in Salzburg. Seine Briefe<br />
weisen ihn als begnadeten Networker und Manager aus, dem es<br />
gelang, sich mit vier Erzbischöfen zu arrangieren. Autografe von<br />
Sonaten, Arien, Chorsätzen und Konzerten zeigen den produktiven<br />
Komponisten, die Bücher, Grafiken und Stiche den hochgebildeten<br />
und an allen Entwicklungen interessierten Mann. In einem Glaskasten<br />
das Werk, das ihn über Europa hinaus bekannt machte: „Die<br />
gründlichste und beste Anweisung zur Violine und allen Geigeninstrumenten“,<br />
wie Friedrich Nicolai 1763 schrieb. 1756, im<br />
Geburtsjahr seines Sohnes Wolfgang Amadé, hatte Leopold Mozart<br />
das Lehrbuch veröffentlicht. Heute zählt man die 1.800. Auflage,<br />
einschließlich der Übersetzungen. „Die Violinschule ist bis heute<br />
ein sehr gewichtiges Werk“, sagt Schmid, der als Gastprofessor in<br />
Bern und am Mozarteum lehrt. „Sie sagt sehr viel aus über die Interpretationspraxis<br />
zu Mozarts Zeiten. In Hunderten akribisch zusammengestellten<br />
Fallbeispielen unterstützt<br />
Leopold Mozart seinen Schüler in Fragen<br />
der Artikulation, der Ornamentik<br />
und – für mich besonders interessant –<br />
im Hinblick auf die Bogentechnik.“ Da<br />
werde bis heute grundlegendes Wissen<br />
vermittelt, auch für ihn, der als künstlerischer<br />
Leiter des Internationalen Mozartwettbewerbs<br />
Salzburg und als diesjähriger<br />
Jurypräsident des Violinwettbewerbs<br />
Leopold Mozart in Augsburg das Können<br />
anderer beurteilen muss.<br />
Nicht weit von dem Lehrwerk: das<br />
Objekt der Arbeit – eine Konzertvioline, auf der Wolfgang in den<br />
1770er-Jahren spielte. „Ein Erlebnis eigener Art“ sei es, meint<br />
Schmid, ein solches Instrument zu spielen, das für kleine Räumlichkeiten<br />
gedacht war. Er hält sich an das Wort Harnoncourts, dass<br />
mit jeder Entwicklung eines Instruments auch immer etwas verloren<br />
ginge. Schmid selbst spielt auf drei Geigen, darunter auch eine<br />
E-Geige für seine (preisgekrönten) Jazzaufnahmen. Sein Schatz<br />
aber ist die Stradivarius „ex Viotti 1718“ – eine Leihgabe der Österreichischen<br />
Nationalbank, die er wohl heute dabeihat. Schließlich<br />
muss er im Anschluss zu seinen Studenten ins Mozarteum.<br />
Eines möchte er mir noch zeigen: den Sebastiansfriedhof.<br />
Prächtige Arkaden umranden das Areal, das im Stil der italienischen<br />
Campi Santi um 1600 angelegt wurde. Hier fand der Arzt<br />
Theophrastus Bombastus von Hohenheim, bekannt unter dem<br />
Namen Paracelsus, seine letzte Ruhe, aber auch alte Salzburger Bürger-<br />
und Kaufmannsfamilien sowie Mozarts Vater Leopold und<br />
Wolfgangs Witwe Constanze Nissen. Und Benjamin Schmids Mutter,<br />
die 2017 verstarb. Bleibt nur zu hoffen, dass Salzburgs einziger<br />
noch verwunschener Ort von den Massen verschont bleibt und die<br />
Stadt nicht ihr grausiges Gesicht zeigen muss mit all den Männerbäuchen,<br />
quellenden Busen, Schlapfen an den Füßen, die sich hier<br />
auf Selfies verewigen.<br />
■<br />
Tipps, Infos & Adressen<br />
Reiseinformationen rund um Ihren Besuch in Salzburg.<br />
Musik & Kunst<br />
Ab dem 20. Juli heißt es zum 99. Mal „Vorhang<br />
auf“ für die Salzburger Festspiele. <strong>19</strong>9 Aufführungen<br />
an 43 Tagen und 16 Spielstätten,<br />
unter anderen Händels Alcina, Mozarts Idomeneo,<br />
R. Strauss’ Salome. Tobias Moretti<br />
und Valery Tscheplanowa im Jedermann<br />
(www.salzburgerfestspiele.at). Viel Spaß<br />
macht der skurrile Zwergerlgarten beim<br />
Schloss Mirabell, das Domquartier und das<br />
Museum der Moderne Salzburg auf dem<br />
Mönchsberg (www.stadt-salzburg.at).<br />
Essen & Trinken<br />
Das Köchelverzeichnis: klein und fein in Salzburg<br />
ältester Gasse (Steingasse 27), mit Platz<br />
für höchstens 20 Gäste. Hinter der Theke<br />
kocht die Chefin persönlich und legt, während<br />
es brutzelt, auch mal ein Tänzchen zu Jazzmusik<br />
ein. Täglich drei neue Gerichte bei erlesenem<br />
Wein. Unbedingt einbauen als Konstrastprogramm:<br />
Bei Frau Hildegard im Balkan Grill<br />
(www.hanswalter.at), dem wohl ältesten Bosnastand<br />
u. U. sogar weltweit, die berühmteste<br />
Bosna essen gehen.<br />
Übernachten<br />
Aufwachen mit Opernstars? Klappt im<br />
Hotel Goldgasse (www.hotelgoldgasse.at).<br />
An den Wänden überdimensionale Bühnenbilder,<br />
jedes Zimmer eine andere Inszenierung.<br />
Wunderschön, nachhaltig renoviert<br />
und fußläufig zum Festspielhaus:<br />
Townhouse Weisses Kreuz (www.townhouse-weisses-kreuz.at).<br />
Wahrhaft königlich<br />
(siehe Bild): Wohnen auf Lagerfelds<br />
Spuren im Hotel Schloss Leopoldskron<br />
(www.schloss-leopoldskron.com).<br />
FOTOS: TOURISMUS SALZBURG GMBH (3); MARC SORIAT, ULLI HAMMERL<br />
80 w w w . c r e s c e n d o . d e — <strong>Juni</strong> – Juli – <strong>August</strong> 20<strong>19</strong>
Termine<br />
FÜR GLOBETROTTER<br />
Sydney ist super! Und lockt mit moderner Kunst, Musik und Tanz.<br />
Getanzte Geschichte<br />
Das Bangarra Dance Theatre feiert sein 30-jähriges<br />
Bestehen. Der Name der Gruppe bedeutet<br />
in der Sprache des Wirajuri-Stammes „Feuer<br />
entfachen“. Das Jubiläumsprogramm „30 Years<br />
of 65 000“ ist dem großen Geschichtenerzähler<br />
und Philosophen David Unaipon vom Stamm<br />
der Ngarrindjeri gewidmet. Unaipon von Frances<br />
Rings zeigt ein getanztes Porträt Unaipons, der<br />
sich bis zu seinem Tod <strong>19</strong>67 für die Verbesserung<br />
der Lage der Aborigines einsetzte und als Visionär<br />
an ein gleichberechtigtes Zusammenleben glaubte.<br />
Zum Abschluss hält Bangarra Rückschau auf seine<br />
Geschichte, in der es mit seinem Tanz die Kraft<br />
und Schönheit des indigenen Australiens feierte.<br />
Sydney, Opera House, 13.6. bis 30.7.,<br />
www.bangarra.com.au<br />
Gelebte Kultur<br />
Zeitgenössische australische Kunst zeigt die Ausstellung<br />
The National 20<strong>19</strong>: New Australian Art.<br />
Arbeiten von 70 Künstlern und Künstlerkollektiven<br />
leuchten das reichhaltige Spektrum aus, in<br />
dem von Performance und Installation über klassische<br />
Malerei und Skulptur bis zu Fotografie und<br />
Film alle Ausdrucksmittel vertreten sind. Und<br />
wie die Kuratoren betonen, seien über 60 Prozent<br />
der ausstellenden Künstler Frauen und über ein<br />
Drittel Aborigines und Torres-Strait-Insulaner.<br />
Kaylene Whiskey etwa stellt mit Humor und unter<br />
Einbeziehung von Elementen der Popkultur auf<br />
ihren Bildern das Leben in einer abgelegenen Gemeinde<br />
im Inneren Australiens dar.<br />
Sydney, Museum of Contemporary Art,<br />
bis 23.6., www.mca.com.au<br />
Inszenierte Kunst<br />
Die Uraufführung der Oper Whiteley von Elena<br />
Kats-Chernin erinnert an Australiens berühmtesten<br />
Avantgardekünstler. Brett Whiteley arbeitete<br />
in London und New York, ehe er sich in den <strong>19</strong>70er-<br />
Jahren in Lavender Bay am Hafen von Sydney niederließ.<br />
Justin Fleming beginnt sein Libretto mit<br />
der Begegnung von Brett und Wendy Susan, die<br />
seine Frau und Muse wurde und sein Leben und<br />
seine Kunst veränderte. David Freeman bindet<br />
Whiteleys Kunstschaffen in seine Inszenierung ein<br />
und durchmisst auf zehn Bildschirmen eine große<br />
Bandbreite seines Werks. Whiteley wird von Leigh<br />
Melrose verkörpert. Wendy ist Julie Lea Goodwin.<br />
Und am Pult steht Tohu Matheson.<br />
Sydney, Opera House, 15. bis 30.7.,<br />
www.opera.org.au<br />
FOTO: ART GALLERY OF NEW SOUTH WALES, PURCHASED <strong>19</strong>77 © WENDY WHITELEY, PHOTO: AGNSW, CHRISTOPHER SNEE;<br />
JACQUIE MANNING; BERNARD GAGNON<br />
MUSIKREISE FÜR KLASSIKFANS<br />
George Enescu Festival in Bukarest<br />
Das George Enescu Festival gehört zu den<br />
wichtigsten Klassik-Ereignissen Europas.<br />
Alle zwei Jahre findet es statt: in der rumänischen<br />
Hauptstadt Bukarest. Und ist mit George Enescu<br />
einem Komponisten gewidmet, den manche als<br />
größtes Phänomen der klassischen Musik seit Mozart<br />
sehen. Der künstlerische Leiter Wladimir Jurowski<br />
holt auch dieses Jahr im September wieder die Stars<br />
der Klassik-Szene in das einstige „Paris des Ostens“.<br />
Der Spezialreiseveranstalter ADAC „Reisen für<br />
Musikfreunde“ hat zu diesem Anlass eine fantastische<br />
fünftägige Musikreise zusammengestellt: Direkt<br />
am ersten Abend erleben Sie im Palastsaal das<br />
St. Petersburg Symphony Orchestra mit Dvořáks Sinfonie<br />
Nr. 9 „Aus der neuen Welt“. Der Tag darauf beginnt mit einer<br />
Stadtrundfahrt entlang der prachtvollen Bauten Bukarests – vom<br />
Parlament über den Universitätsplatz bis zum Rumänischen Athenäum,<br />
das zu den schönsten Gebäuden der Stadt zählt. Dort genießen<br />
Sie am späten Nachmittag Mozarts Sinfonie Nr. 35 D-Dur KV<br />
385 „Haffner“. Doch auch die Umgebung Bukarests steht auf dem<br />
Programm: Sie besichtigen die auf einer Insel im Snagov-See gelegene<br />
Klosteranlage und erleben eine Führung im George Enescu<br />
Museum bevor am Abend das Royal Concertgebouw Orchestra<br />
Beethovens Sinfonie Nr. 3 op. 55 „Eroica“ zum Besten gibt.<br />
Sehenswert ist auch die Führung durch das berühmte Kunstmuseum<br />
im ehemaligen Königspalast, das eine reiche Sammlung<br />
von Gemälden und Skulpturen rumänischer Künstler und Werke<br />
z. B. von Bramantino, El Greco, Rubens, Rembrandt, Tintoretto und<br />
Skulpturen von Rodin präsentiert. Den musikalischen Abschluss bildet<br />
Mozarts Don Giovanni im Athenäum.<br />
INFORMATIONEN Reisezeitraum: <strong>19</strong>. – 23. September 20<strong>19</strong> (Flüge Frankfurt<br />
– Bukarest – Frankfurt, mit Lufthansa in der Eco-Class), 4 Übernachtungen<br />
inkl. Frühstücksbuffet im 5-Sterne Hotel Sheraton Bucharest, 2 x Mittag-/<br />
2 x Abendessen, 4 x Konzertkarten der 1. Kategorie, Stadtrundfahrt, Ausflug,<br />
Führungen, versierte Reiseleitung vor Ort.<br />
Beratung und Buchung: www.adac-musikreisen.de oder Tel.: 069-66 07 83 04.<br />
Seit über 35 Jahren bietet ADAC „Reisen für Musikfreunde“ exklusive Reisen<br />
zu klassischen Opern- und Konzertaufführungen weltweit an. Der Veranstalter<br />
hat rund 200 Reisen im Programm. Alle angebotenen Reisen sind auch für<br />
Nicht-ADAC-Mitglieder buchbar.<br />
FOTO: ADRIAN SAVA<br />
81
HTOI PT E LTZREIIFLFET<br />
Daniel-Hope-Kolumne<br />
„DIE KÜNSTE SIND UNVERZICHTBAR“<br />
Daniel Hope im Gespräch mit Rob Gibson, Executive und Artistic Director des<br />
Savannah Music Festivals. Hope war Associated Artistic Director. Nun hören beide auf.<br />
Daniel Hope: Du warst die treibende<br />
Kraft hinter dem Savannah Music<br />
Festival, hast in 17 Tagen über 100<br />
Konzerte aller Musikrichtungen geplant<br />
und präsentiert – und das 16 Jahre<br />
lang. Warum gibt es so wenig Multi-<br />
Genre-Festivals?<br />
Rob Gibson: Ich kenne nur sehr wenige<br />
Leute, die in der Kunst arbeiten – Musiker<br />
eingeschlossen –, die die ganze Palette der<br />
Musik mögen. Ein Opernfestival oder ein<br />
Kammermusikfestival zu veranstalten, ist<br />
ein anspruchsvolles und edles Unterfangen,<br />
aber das ist es normalerweise nur für<br />
einen kleinen Teil der Bevölkerung – was<br />
die Vermarktung wiederum erleichtert.<br />
Ich war schon immer daran interessiert,<br />
musikalische Erlebnisse für alle anzubieten,<br />
egal ob das Studenten, Eltern,<br />
Kindergärtner oder Senioren waren. Es<br />
spielte keine Rolle, ob die Produktion<br />
gesanglich oder instrumental war, religiös<br />
oder säkular, akustisch oder verstärkt,<br />
drinnen oder draußen. Ich tanze auch<br />
gern zu Live-Musik. Deshalb haben wir<br />
beim Festival in Savannah erkannt, dass<br />
die musikalischen Künste unverzichtbar<br />
sind – denn sie können uns ermutigen,<br />
Mitleid zu empfinden, verschiedene<br />
Kulturen zu umarmen, kritisch zu denken<br />
oder einfach nur eine gute Zeit zu haben,<br />
während wir den Blues wegtanzen.<br />
Wurde die Programmgestaltung jemals<br />
von Trends und Moden beeinflusst?<br />
Kunst und Musik sind keine Trends – sie<br />
sind Traditionen, die ständig erweitert,<br />
bearbeitet und verfeinert werden. In der<br />
Musikbranche jedoch geht es ums Geld,<br />
Trends und Moden tun ihr gut. Ein<br />
Großteil der Musik, die unsere Kinder im<br />
Radio hören, mag sich gut anfühlen. Auch<br />
ein Schokoriegel fühlt sich gut an – hat<br />
Rob Gibson (r.) mit Daniel Hope<br />
aber keinen Nährwert. Wir nutzen die<br />
aufkeimende Sexualität unserer Kinder<br />
aus. Wir nutzen ihren Mangel an Kultiviertheit<br />
aus. Wir setzen Dekadenz mit<br />
Hipness gleich. Wir sehen in unseren<br />
Kindern einen Markt, und es ist peinlich.<br />
Aber schuld sind nicht unsere Kinder.<br />
Schuld sind wir.<br />
Europäische Kunstförderung unterscheidet<br />
sich sehr von der der Vereinigten<br />
Staaten. Welche Auswirkungen hat<br />
das für ein Festival wie Savannah?<br />
In meinen 16 Jahren als Veranstalter<br />
haben wir nie mehr als acht Prozent<br />
unseres jährlichen Budgets aus staatlichen<br />
Quellen erhalten. In dieser Zeit jedoch<br />
kamen 40 Prozent der Besucher von außerhalb.<br />
Dieser Zustrom an Kulturtourismus<br />
stärkte die lokalen Unternehmen<br />
und führte zu erheblichen Ausgaben- und<br />
Besucheraktivitäten. Wir wurden Teil<br />
dieses kreativen Unternehmens und des<br />
Geschäftslebens der Gemeinde.<br />
In deiner Karriere hast du Wynton<br />
Marsalis, Keith Jarrett, Miles Davis und<br />
viele andere Künstler präsentiert. Gab es<br />
jemals Unebenheiten auf dem Weg?<br />
Einige Künstler können exzentrisch,<br />
furchterregend oder anspruchsvoll sein,<br />
aber jede Unebenheit führt schließlich zu<br />
einer guten Geschichte. Ich darf mich<br />
glücklich schätzen, mit vielen Musikern<br />
zusammenzuarbeiten, darunter Sir<br />
George Solti, Astor Piazzolla, Ravi<br />
Shankar, Count Basie, Sejii Ozawa, Ella<br />
Fitzgerald, Nusrat Fateh Ali Khan, Lionel<br />
Hampton, Daniel Barenboim, Sarah<br />
Vaughan, Tito Puente, Benny Carter und<br />
Dizzy Gillespie – von denen jeder seinen<br />
ganz eigenen Charme hatte.<br />
Du warst auch Executive Producer and<br />
Director of „Jazz at Lincoln Center“.<br />
Bekommt der Jazz jetzt die Anerkennung,<br />
die er verdient?<br />
Jazz war schon immer Kunst, und die<br />
Menschen auf der ganzen Welt erkannten<br />
sofort das Genie von Leuten wie Louis<br />
Armstrong und Duke Ellington. Wynton<br />
Marsalis sagte immer, dass der Jazz die<br />
Musik revolutioniert habe, indem er den<br />
einzelnen Musikern die Autorität verlieh,<br />
„ihre Geschichte zu erzählen“. Die Herausforderung<br />
besteht darin, dass unser<br />
Bildungssystem noch umgebaut werden<br />
muss, um dieser Revolution Rechnung zu<br />
tragen. Solange das nicht geschieht, wird<br />
der Jazz ein kleines, aber hingebungsfreudiges<br />
Publikum unterhalten.<br />
Was steht als Nächstes für dich auf<br />
dem Plan?<br />
Ich freue mich darauf, für den hervorragenden<br />
Hotelier Richard Kessler zu<br />
arbeiten, der in seinen zahlreichen<br />
Locations im Süden Innen- und Außen-<br />
Events veranstaltet. Hier in Savannah<br />
entsteht eine Outdoor-Plaza mit 500<br />
Plätzen, ein Musikzentrum mit mehr als<br />
300 Plätzen (The Power Station), ein neuer<br />
River Walk, drei Dachterrassen und<br />
verschiedene Ballsäle, Lobbys und Bars, in<br />
die wir viel Musik integrieren werden. n<br />
ZEICHNUNG: STEFAN STEITZ<br />
FOTO: FRANK STEWART<br />
82<br />
w w w . c r e s c e n d o . d e — <strong>Juni</strong> – Juli – <strong>August</strong> 20<strong>19</strong>
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MIRGA GRAŽINYTE· -TYLA<br />
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NOS. 2 & 21<br />
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ELĪNA GARANČA<br />
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