CRESCENDO 4/18 Juni-Juli-August 2018

20 JAHRE
AUSGABE 04/2018 JUNI – JULI – AUGUST 2018
www.crescendo.de 7,90 EURO (D/A)
PREMIUM
AUSGABE
inkl. CD
MUSIK & RAUM
Eine Liebesgeschichte zwischen
Architektur und Klang
BENJAMIN SCHMID &
ANDREAS MARTIN HOFMEIR
Violine und Tuba – ein wohl
weltweit einzigartiges Duo
John
Neumeier
„Ich bin hungrig nach
emotionalem Erleben“
B47837 Jahrgang 21 / 04_2018
Mit Beihefter CLASS: aktuell
und Special musica viva
STAATSPHILHARMONIE
RHEINLAND-PFALZ
Abschied und Aufbruch:
Das aktuelle Führungs-Duo
des Orchesters geht, sein
Feuer und seine musikalische
Leidenschaft bleiben.

MET
OPERA
LIVE IM KINO
2018/2019
6. Oktober
AIDA
Giuseppe Verdi
20. Oktober
SAMSON ET
DALILA
Camille Saint-Saëns
27. Oktober
LA FANCIULLA
DEL WEST
Giacomo Puccini
10. November
MARNIE
Nico Muhly
15. Dezember
LA TRAVIATA
Giuseppe Verdi
12. Januar
ADRIANA
LECOUVREUR
Francesco Cilea
2. Februar
CARMEN
Georges Bizet
2. März
LA FILLE DU
RÉGIMENT
Gaetano Donizetti
30. März
DIE WALKÜRE
Richard Wagner
11. Mai
DIALOGUES DES
CARMÉLITES
Francis Poulenc
PHOTO: VINCENT PETERS / METROPOLITAN OPERA
Änderungen vorbehalten
C L A S S I C
The Met: Live in HD series is made possible by
a generous grant from its founding sponsor
Digital support of The Met:
Live in HD is provided by
The HD broadcasts are supported by
www.metimkino.de

P R O L O G
FOTOS TITEL: KIRAN WEST; ULRICH OBERST; ARENA DI VERONA / ENNEVI
WINFRIED HANUSCHIK
Herausgeber
WIDERHALL
Liebe Leser,
wahrscheinlich haben Sie die Aufregung
um den Popmusik-Preis ECHO verfolgt:
Zwei einfältige Jungs haben ein paar
geschmacklose Liedzeilen zusammengestopselt
und nuschelnd eingesungen. Das
Musikgenre nennt sich Battle-Rap. Da ist
es das erklärte Ziel, möglichst krasse
Provokationen zu formulieren, ohne
Rücksicht auf Verluste. Das hat geklappt:
Die Auszeichnung ECHO wurde nach fast
40 Jahren abgeschafft, infolge einer
Kaskade massiver Fehlentscheidungen.
Aber warum musste eigentlich der Preis
die Verantwortung übernehmen und nicht
diejenigen, die die Fehlentscheidungen
getroffen haben? Warum lässt man es zu,
dass sich Hunderte zu Recht ausgezeichnete
Künstler nun für ihren Preis schämen,
um ihre verdiente Anerkennung
betrogen werden? Das verstehe ich nicht.
Als ob das nicht genug menschliches
Versagen wäre, wurden in fast trotzigem
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erhalten sechs Mal jährlich eine hochwertige CD mit Werken der in der aktuellen Ausgabe vorgestellten Künstler.
Mittlerweile ist bereits die 72. CD in dieser crescendo Premium-Edition erschienen.
Überschwang der ECHO KLASSIK und
der ECHO JAZZ gleich mit ins Grab
geworfen. Warum? Was haben diese
Auszeichnungen mit dem Pop-Debakel zu
tun? Das weiß keiner so recht. Denn im
Gegensatz zum ECHO POP wurden bei
diesen beiden Veranstaltungen die
Preisträger immer schon mittels Juryentscheid
gewählt.
Gern kritisiert wurde der ECHO POP
dafür, dass er im Wesentlichen die
bestverkauften Künstler auszeichnet.
Warum? „Meistverkauft“ repräsentiert die
„Stimme der vielen“, „die Schwarmintelligenz“,
„das Prinzip der Demokratie“. Die
meisten Rangreihen arbeiten nach dieser
Logik: ob „Top Ten“, „Charts“ oder die
„Spiegel-Bestsellerliste“. Beim ECHO
steckt dieser Widerhall schon im Namen.
Das Ergebnis mag einem persönlich
missfallen. Aber das Urteil der Mehrheit
abzulehnen, würde bedeuten, das Prinzip
der Demokratie abzulehnen.
In der Causa ECHO steckt eine ganze
Reihe längst überfälliger Debatten: Was
machen wir mit der Demokratie, wenn sie
diskriminierend wird? Warum hören und
kaufen eigentlich so viele Menschen
Musik mit menschenfeindlichen Texten?
Warum setzt die gesellschaftliche
Diskussion erst bei Antisemitismus ein?
Sind Rassismus, Sexismus und andere
Diskriminierungen weniger schlimm?
Sind menschenverachtende Aussagen
durch die Presse-, Kunst- oder Meinungsfreiheit
gedeckt? Wer darf/soll/muss
darüber entscheiden? Und was bedeutet
das alles für das Funktionieren und das
Vertrauen in unsere Demokratie?
Lasst uns einen Neuanfang wagen, damit
die ganze Aufregung nicht umsonst war.
Ich freue mich darauf!
Mit herzlichen Grüßen
Ihr Winfried Hanuschik
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w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018 3

P R O G R A M M
ANTON
BRUCKNER
SYMPHONIE NR. 8
06
BLICKFANG
Im Geiste des japanischen
Butoh-Theaters schafft
Anna-Varney Cantodea eine
Körperästhetik der Verfremdung
und Düsternis.
14
JOHN NEUMEIER
Er malt mit Menschen in Zeit
und Raum! Wohl kaum ein
Künstler prägt die europäi sche
Tanzszene mehr als
John Neumeier.
42
MARIE-ELISABETH
HECKER
Die deutsche Cellistin interpre tiert
Edward Elgars sehnsuchtsvolle
Spätwerke durchdringlich und
voller Feinsinn.
STANDARDS
KÜNSTLER
HÖREN & SEHEN
Foto © Peter Meisel
Die neue CD von BR Klassik
präsentiert die aktuelle
Aufnahme eines Meilensteins
des symphonischen Repertoires:
Mariss Jansons und die Musiker
des Symphonieorchesters
des Bayerischen Rundfunks
widmen sich Anton Bruckners
monumentaler Achter Symphonie
mit einem Höchstmaß an
Spielfreude und Klangkultur.
MARISS JANSONS
Symphonieorchester des
Bayerischen Rundfunks
Im Vertrieb von Naxos Deutschland
br-klassik.de/label
Erhältlich im Handel und im BRshop / br-shop.de
03 PROLOG
Der Herausgeber stellt
die Ausgabe vor
06 BLICKFANG
Anna-Varney Cantodea
08 OUVERTÜRE
Dr. Goeths Kuriosa
Divenkrieg: Maria Callas
gegen Renata Tebaldi
Ein Anruf bei …
Jörg Piringer von The
Vegetable Orchestra
Ensemble
Mit unseren Autoren
hinter den Kulissen
Klassik in Zahlen
Playlist
Greg Anderson und
Elizabeth Joy Roe
46 IMPRESSUM
50 RÄTSEL &
REAKTIONEN
98 HOPE TRIFFT …
Dr. Felix Klein, Antisemitismusbeauftragter
der
Bundesregierung
12 EIN KAFFEE MIT ...
Hans Sigl
14 JOHN NEUMEIER
Die Tanzlegende schöpft
ihre Inspiration aus der
Emotion
18 DAVID AARON
CARPENTER
Der renommierte
Bratscher handelt auch mit
wertvollsten Instrumenten
20 SOPHIE PACINI
In den Abgründen
Robert Schumanns
22 BENJAMIN SCHMID
UND ANDREAS
MARTIN HOFMEIR
Violine meets Tuba – ein
besonders kurioses Duo
26 SOPHIE
KARTHÄUSER &
MICHAEL VOLLE
Jeder sollte Bach und
Mozart singen!
28 JOSHUA BELL
Warum Konzertmeister die
perfekten Dirigenten sind
30 KOMMENTAR
Axel Brüggemann über
den ECHO-Skandal
32 RAY CHEN
Ein Weltklassegeiger
zwischen Nostalgie und
Social Media
35 DIE WICHTIGSTEN
EMPFEHLUNGEN DER
REDAKTION
36 ATTILAS AUSWAHL
Diese Alben machen richtig
gute Laune!
44 UNERHÖRTES &
NEU ENTDECKTES
Hörenswertes von Cluytens,
Keilberth und anderen
48 KLARINETTEN-
SYSTEME
Französisches versus
deutsches System – mehr als
eine Glaubensfrage
EXKLUSIV
FÜR ABONNENTEN
Hören Sie die Musik zu
unseren Texten auf der
crescendo Abo-CD –
exklusiv für Abonnenten.
Infos auf den Seiten 3 & 80
4 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018
FOTOS: SOPOR AETERNUS; KIRAN WEST; HARALD HOFFMANN

ANDERSON & ROE
Klavierduo
MOTHER -
a musical tribute
EINZIGARTIGE ARRANGEMENTS
WELTBEKANNTER HITS
60
STAATS-
PHILHARMONIE
RHEINLAND-PFALZ
Das Orchester stellt Künstler
wie Pinchas Zukerman
in den Fokus.
73
MUSIK & RAUM
Kulturtempel, Industrieruine
oder Freiluftkulisse – wie
Klang den Raum beeinflusst
und Raum den Klang.
94
GRAZ
Musik, Kunst und Kultur – ein
Spaziergang mit Dirigentin
Oksana Lyniv durch Österreichs
malerische Metropole.
ERLEBEN
SCHWERPUNKT
LEBENSART
51 DIE WICHTIGSTEN
TERMINE UND
VERANSTALTUN-
GEN IM SOMMER
77 MUSIK & RAUM
Die Suche nach der
perfekten Proportion in
Architektur und Musik
88 WEINKOLUMNE
John Axelrod über
Wein aus und Musik an
kuriosen Orten
FOTOS: CHERYL MAZAK; ANDREW KLOTZ; SERHIY HOROBETS UND VIKTOR ANDRIICHENKO
58 FESTIVALS IN
ITALIEN
Sommer, Sonne und
Klanggenuss im Süden
60 STAATS-
PHILHARMONIE
RHEINLAND-PFALZ
Eine ganze Metropolregion
im Musikglück
62 KLAVIER-FESTIVAL
RUHR
Große Künstler gratulieren
zum 30. Geburtstag
64 MARKGRÄFLICHES
OPERNHAUS
BAYREUTH
Das architektonische Juwel
ist wiedereröffnet
musica viva
des Bayerischen Rundfunks
Ein Beihefter mit der
Saison-Vorschau 2018/19.
Sir Simon Rattle gibt mit
dem LSO sein erstes
Münchner Gastspiel
ab Seite 65
81 CARILLON
Die Kunst des Glockenspiels
im öffentlichen
Raum
82 KONZERTSAAL-
AKUSTIK
Fassade oder Ohrenschmaus?
Wie baut man
den idealen Konzertsaal?
85 WOHER KOMMEN
EIGENTLICH ...
... die außermusikalischen
Klänge im Raum?
86 MUSIK IN DEN
BERGEN
Immer mehr Festivals
locken in felsige Höhen.
Warum?
90 DIE NEUE
CRESCENDO-
WEBSITE
Unsere frischgebackene
Homepage lockt mit vielen
Vorteilen und Neuerungen
91 IOAN HOLENDER
BEI SERVUS TV
Wir begleiteten den
Kulturexperten beim
Filmdreh
92 STARS KOCHEN
FÜR CRESCENDO
Linus Roth und
Ali Güngörmüş mit
bayerischen Garnelen
auf Taboulehsalat
94 GRAZ
Durch das Herz der
Steiermark mit Dirigentin
Oksana Lyniv
97 VERNISSAGE
MARTIN WIDL
Erstmals lädt crescendo
zu einer Ausstellung
5
SWR19058CD
Das Klavierduo Anderson & Roe ist weltweit
für seine originellen Programmideen und
Arrangements bekannt.
Auf ihrer aktuellen CD zum Thema
„Mutter“ bewegen sich die Arrangements
zwischen Franz Schubert und
Freddie Mercury, Edvard Grieg und Paul
McCartney.
Extrem hörenswert und ein perfektes
Geschenk zum Muttertag!
Im Vertrieb von NAXOS Deutschland
www.naxos.de
www.naxosdirekt.de

O U V E R T Ü R E
6 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

Schmerz, Isolation, Depression
Die Transgender-Künstlerin Anna-Varney Cantodea kreiert mit ihrer Gruppe Sopor
Aeternus & the Ensemble of the Shadows eine tiefschwarze Mischung aus Musik,
Lyrik und visuellen Elementen. Musikalisch am ehesten noch der Gothic-Rock-Musik
zuzuordnen, sind ihre Bewegungen vom Butoh-Theater inspiriert – einer Form des
japanischen Ausdruckstanzes, die nach dem Zweiten Weltkrieg entstand. Als Form
des Protests gegen das aktuelle – insbesondere amerikanische – Tanztheater entstanden,
steht in dessen radikaler und düsterer Ästhetik der ver- und entfremdete,
weiß geschminkte und nackte Körper im Vordergrund, der sich jenseits der gängigen
Schönheitsdeale verbiegt und verrenkt. Anna-Varney Cantodea selbst, die ihren Stil
als „introvertierten Exhibitionismus“ beschreibt, tritt übrigens niemals live auf. Sie
lebt ihr Leben und ihre Kunst abseits alles Menschlichen.
FOTO: SOPOR AETERNUS

O U V E R T Ü R E
Dr. Goeths Kuriosa
BIS DIE RADIESCHEN FLOGEN!
In den 1950ern und 60ern lieferten sich die beiden Super-Primadonnen Maria Callas
und Renata Tebaldi einen filmreifen Zickenkrieg.
„Hörer, Hörer, gelehrt und gespannt,
wer singt am schönsten im
ganzen Land?“ mag wohl die Frage
gewesen sein, die die Gemüter
der Opernfans in den 50er-Jahren
erhitzte. Es wurde wild gefochten,
ob nun Maria Callas oder Renata
Tebaldi die bessere Sängerin
sei. Während die Amerikaner einen
Platz nach der Tebaldi benannten
und die Brasilianer sich darum rangelten,
eine Locke aus ihrer Frisur
zu ergattern, versuchten die italienischen
Anhänger der Callas, die
Tebaldi mit Telefonterror und Drohbriefen mürbe zu machen. Die
Callas selbst setzte sich bei Auftritten der Tebaldi demonstrativ in
die Mittelloge, um die Gegnerin mit bösen Blicken zu durchbohren.
Auf Initiative von Tebaldis Managerin, ihrer Mutter Giuseppina, wurde
die Callas daraufhin in eine Seitenloge verbannt. Die „Tebaldianer“
ihrerseits rächten sich damit, die Callas bei Vorstellungen in der Mailänder
Scala mit Bouquets aus Radieschen und Sellerie zu bewerfen.
Der Schein trügt: Nicht immer lagen sich die Callas
und die Tebaldi in den Armen!
In ihrer Kurzsichtigkeit soll die Callas
einen dieser Radieschen-Sträuße
tatsächlich versehentlich aufgehoben
haben. Ihren Fehler erkennend,
bedankte sie sich geistesgegenwärtig
für den leckeren Salat.
Die Klatschpresse freute sich naturgemäß
über den Primadonnenzwist
und titelte mit Schlagzeilen
wie „Kampf zwischen Adler und
Taube“ oder „Tigerin gegen Engel“.
Die Tebaldi überhaupt mit ihr zu
vergleichen, sei, wie Coca-Cola gegen
Champagner zu halten, war die Callas selbstbewusst überzeugt.
Sowieso: Tebaldi habe kein Rückgrat. Doch die Tebaldi selbst, der
von keinem Geringeren als Arturo Toscanini eine „voce d’angelo“, eine
„Engelsstimme“, bescheinigt wurde, geiferte schlagfertig zurück:
„Frau Callas behauptet, eine Frau von Charakter zu sein, und erklärt
zugleich, dass ich kein Rückgrat habe. Meine Antwort: Ich habe etwas,
was sie nicht hat, nämlich ein Herz.“
ZITAT DES MONATS
„DIE MUSIK HAT VON ALLEN KÜNSTEN DEN TIEFSTEN
EINFLUSS AUF DAS GEMÜT. EIN GESETZGEBER SOLLTE
SIE DESHALB AM MEISTEN UNTERSTÜTZEN.“
NAPOLEON I. BONAPARTE
HÄTTEN SIE’S GEWUSST?
Musikalischer Eierkocher:
In der Zeit vor der Allgegenwart
von Küchenweckern und
Haushalts-Apps konnte Musik
durchaus auch am Herd von
Nutzen sein: Um 1882 war die
Eier-Polka op. 35 von L. Hardtberg
ein Hit. Bei mittlerem
Tempo dauert sie genau drei Minuten lang. In der Gebrauchsanweisung
heißt es: „Lege Eier in kochendes Waser,
dann spiel’ die Eier-Polka, allegro moderato; wenn die
Musik beendet ist, nimm die Eier aus dem Topf, und sie
sind fertig zum Servieren.“
(Quelle: Rainer Schmitz und Benno Ure: Tasten, Töne und Tumulte. Alles, was Sie über
Musik nicht wissen. München, 2016)
FOTO: JOE SKILLINGTON /
UNSPLASH
8 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

O U V E R T Ü R E
KLASSIK
IN ZAHLEN
300 Betrag,
300
Und noch mal
Millionen Euro
den die Bundesregierung
2018 im Vergleich zum
Vorjahr mehr für Kultur und
Medien ausgeben will.
Das wäre eine Steigerung um
23 Prozent auf 1,67 Milliarden
Euro gesamt.
Millionen Euro:
Betrag, der maximal für den Bau des
neuen Münchner Konzerthauses ausgegeben
werden soll.
1.074.300.00
Euro:
Umsatz der GEMA 2017
42.000
US-Dollar: Betrag, für den im April ein
Schweizer Jude einen antisemitischen Brief
Richard Wagners ersteigert hat. Darin
warnt Wagner den französischen Philosophen
Edouard Schuré vor dem „zersetzenden
Einfluss des jüdischen Geistes auf
die moderne Kultur“.
NEWSTICKER
Erste Uraufführung bei den Bayreuther Festspielen seit 136 Jahren: Auf die Initiative von Katharina Wagner hin wird dieses Jahr im
Rahmen der Bayreuther Festspiele die Oper der verschwundene hochzeiter des österreichischen Komponisten Klaus Lang uraufgeführt. Es ist die
erste Premiere nach Richard Wagners Parsifal 1882. +++ Schwangere Pamina gefeuert: Die Staatsoper Hamburg hat die französische Sopranistin
Julie Fuchs aus ihrer aktuellen Zauberflöten-Produktion ausgeladen. Die Inszenierung sei zu riskant für eine werdende Mutter. Die Sängerin
selbst zeigte sich schwer enttäuscht. Ihrer Ansicht nach hätte es andere Lösungen gegeben. +++ Gitarrenhersteller Gibson insolvent: Im
Mai wurde bekannt, dass der legendäre amerikanische Gitarrenbauer Gibson mit rund 500 Millionen Dollar verschuldet ist. Rettung ist wohl nur
noch durch radikale Umschuldung zu erwarten. +++ OJM wird JCOM: Das Orchester Jakobsplatz München heißt jetzt Jewish Chamber Orchestra
Munich. Mit der Namensänderung möchte das Orchester seine Verankerung in der jüdischen Gegenwartskultur noch deutlicher machen.
9

O U V E R T Ü R E
Gemüse-Musik
Ein Anruf bei Jörg Piringer, Musiker bei The Vegetable Orchestra, einem Wiener Ensemble,
das ausschließlich auf frischem Obst und Gemüse musiziert.
crescendo: Herr Piringer, The Vegetable
Orchestra macht ausschließlich Musik auf
Obst und Gemüse? Wie kam es dazu?
Jörg Piringer: Als wir vor 20 Jahren begonnen haben,
wollten wir einfach Musik auf ungewöhnlichen
Gegenständen machen. Da fiel uns Gemüse
ein. Ursprünglich sollte es nur eine einzelne
Performance damit geben, aber es kam so gut an,
dass wir dabei geblieben sind. Es stellte sich heraus,
dass mit Gemüse unheimlich viel anzufangen
ist. Es ermöglicht eine Klangvielfalt, die uns
bis heute interessiert.
Begonnen hat alles ausgerechnet mit Tomaten?
Es gibt ein Stück, bei dem jeder Musiker zwei
Tomaten in der Hand hat, die er gegeneinanderschlägt.
Im Laufe des Stücks werden die Tomaten immer weicher,
wodurch sich der Klang verändert – von perkussiv zu mehr feucht
und matschig. Das Stück endet, wenn die Tomaten kaputt sind.
Wie kommt Ihr Repertoire zustande?
Es gibt nur wenige Stücke, die wir nicht selbst schreiben. Sie werden
von einzelnen Mitglieder unserer zehnköpfigen Ensembles komponiert
oder entstehen aus der Improvisation. Und wenn wir fremde
Stücke spielen, verändern wir diese stark, denn es ist eben Gemüse-
Musik – und die ist sehr speziell.
Ihr persönliches Lieblingsinstrument?
Ich spiele gerne Flöten, die aus Karotten oder Rettichen gemacht sind.
Karotten sind sehr universell, weil sie sehr hart und gut schnitzbar
sind. Aber es gibt so vieles: Zwei aneinandergeriebene Krautblätter
geben einen Quietschklang, der – richtig gespielt – sehr spanned und
subtil sein kann. Wichtig für uns ist auch der Kürbis, der als Paukenersatz
verwendet wird. Generell gibt es viele Perkussions instrumente:
gegeneinandergeschlagene Auberginen, ausgehölte Sellerieknollen.
Dann viele Flötenarten – im Block- oder Panflötenstil. Das Gurkofon
ist eher den Blechblasinstrumenten nachempfunden: ein trompetenartiges
Instrument aus einer Salatgurke. Gemüse ist so vielfältig –
selbst wir kommen bei jeder Probe auf etwas Neues!
Jörg Piringer mit Karottophon
Zu jedem Konzert müssen Sie Ihr Instrumentarium
neu bauen. Ist man da nicht mehr mit
Bauen als mit Musizieren beschäftigt?
Tatsächlich dauert die Vorbereitung immer einen
ganzen Tag: Zum Bauen brauchen wir circa zwei
bis drei Stunden. Danach gibt es einen ausführlichen
Soundcheck, da ja alles immer wieder neu ist.
Wie schaut es mit der „Entsorgung“ des Instrumentariums
aus?
Nach jedem Konzert gibt es für das Publikum
eine Suppe aus dem nicht verwendeten Gemüse.
Die gespielten Instrumente, in die wir teils schon
hi neingeblasen haben, verkochen wir natürlich
nicht, verschenken sie aber ans Publikum. Da
sieht man dann Menschen mit unseren Instrumenten
durch die Straßen gehen. Wir werfen also relativ wenig weg.
Beim Schneiden der Instrumente fällt natürlich, wie in jeder Küche,
ein bisschen Abfall an.
Führt die unterschiedliche Beschaffenheit des Gemüses oft zu
Pannen und Problemen?
Natürlich. Das planen wir zum Teil mit ein, zum anderen merken
wir schon beim Bauen, was weniger haltbar ist. Dann muss man das
Instrument anders bearbeiten oder ersetzen oder baut einfach zwei,
um Ersatz zu haben. Dass der Klang nie perfekt ist, das wissen wir,
und damit spielen wir bewusst.
Sie haben auch Alben aufgenommen, aber kommt es bei Gemüse-Musik
nicht besonders auf die Optik an?
Uns ist sehr wichtig, dass die Musik auch auf rein akustischer Ebene
funktioniert. Aber natürlich ist es spannend, uns auch zu sehen:
Man kennt die Instrumente nicht, und es tritt live ein Verfall ein.
Das sieht man, das hört man, und wenn man in den ersten Reihen
sitzt, dann riecht man das auch. Manche unserer Instrumente geben
einen starken Duft ab. Ein multisensorisches Erlebnis!
Von Maria Goeth
Aktuelle Konzerttermine und Infos zu The Vegetable Orchestra finden
Sie unter www.vegetableorchestra.org
HINTER DER BÜHNE
Die Welt von crescendo lebt von den Künstlern und Mitarbeitern,
die sie mit Leben füllen. Deshalb der gewohnte Blick hinter die Kulissen der Produktion.
ANNETT FORCIER
In den vergangenen Monaten stand das crescendo-Team vor einem schier unbewältigbaren
Mammutprojekt: dem vollständigen Relaunch unserer Website
(www.crescendo.de; siehe auch S. 90). Doch zum Glück konnten wir Annett Forcier
für die heikle Aufgabe gewinnen. Vor vielen Jahren hatte sie für einige Zeit in München
gelebt und auch für crescendo gearbeitet. Seit 13 Jahren lebt und arbeitet die
Digitaldesignerin und Webentwicklerin nun schon in Vancouver. Für uns schwebte sie
extra aus Kanada ein und brachte neben der Website auch den crescendo-Newsletter
auf Vordermann. Noch immer optimieren und überarbeiten wir fleißig und freuen uns
riesig über diesen wunderbaren Neustart!
FOTOS: PRIVAT; ZOEFOTOGRAFIE
10 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

PLAYLIST
Gerade haben die beiden amerikanischen Pianisten
Greg Anderson und Elizabeth Joy Roe ein Album mit
originellen neuen Eigenbearbeitungen herausgebracht.
Aber was hören die beiden Tastenzauberer privat?
Aktuelle
NEUHEITEN
bei Sony Music
Wiener Philharmoniker
Sommernachtskonzert 2018
Es ist eines der schönsten
Open-Air-Konzerte der Welt.
Das Sommernachtskonzert
der Wiener Philharmoniker
wird in diesem Jahr dirigiert
von Valery Gergiev. Starsolistin
ist Anna Netrebko.
Erhältlich ab 15.6. auf CD und
ab 6.7. auf DVD und Blu-ray.
GREG ANDERSON
1. Francis Poulenc: Tel jour, telle nuit
Ich bin völlig überwältigt von Poulencs unendlichem Einfallsreichtum.
Seine Musik ist mit so großer Wärme, so freudigen Überraschungen
gefüllt! Und Nous avons fait la nuit, aus diesem Liederzyklus
ist vielleicht das unumwunden romantischste Lied des
20. Jahrhunderts. Es berührt mich zutiefst.
2. Gesualdo: Io tacerò / David Lang: wed
Obwohl diese beiden Stücke im Abstand von 403 Jahren komponiert
wurden, warten beide mit überwältigenden harmonischen
Wendungen auf. Ich fühle mich beim Hören, als würde ich durch
kosmische Regenbögen schweben. Diese beiden Stücke lege ich
ein, wenn ich in eine Welt der Tagträume, der Schönheit und der
frei fliegenden Gedanken entschwinden will.
3. Art Tatum: Happy Feet (1938)
Unglaubliches Klavierspiel. Mehr gibt’s dazu nicht zu sagen.
www.wienerphilharmoniker.at
Jonas Kaufmann | Verdi: Otello
Jonas Kaufmanns umjubeltes
Rollendebüt am Royal Opera
House in London. Das
hochgelobte Dirigat hatte
Antonio Pappano. „Kaufmann
begeistert mit einem dunklen,
expressionistischen Auftritt“
The Guardian.
Als DVD und Blu-ray erhältlich.
FOTO: ANDREAS ORBAN
ELIZABETH JOY ROE
1. Radiohead: Let Down
Mit dem Album „OK Computer“ lernte ich in meiner Jugend
die Musik von Radiohead kennen, und Let Down ist mein Lieblingstrack
daraus. Er schafft ein geradezu kathartisches Hörerlebnis
und repräsentiert ein Paradox vieler Radiohead-Songs: Der
Text ist desillusionierend, die zugehörigen Klänge schwärmerisch.
2. Sufjan Stevens, Nico Muhly, Bryce
Dessner, James McAlister: Venus
Ich höre mir diese schillernde, weltrauminspirierte
Musik gerne im Flugzeug an. Letzten
Sommer durfte ich Sufjan und Co. in
L. A. erleben – eine überirdische Erfahrung:
Ich aalte mich in den pulsierenden Klängen,
als wäre ich von Venus selbst hypnotisiert.
3. Kendrick Lamar: DAMN.
Gewinner des diesjährigen Pulitzer-
Preises für Musik. Mehr gibt’s dazu nicht
zu sagen.
Greg Anderson und Elizabeth Joy Roe:
„Mother – A Musical Tribute“
(SWR Music)
www.jonaskaufmann.com
Thomas Quasthoff | Nice’N’Easy
Das erste Jazz-Album des
weltweit gefeierten Bass-
Baritons und mehrfachen
Grammy Preisträgers
Thomas Quasthoff, mit der
NDR Bigband, langjährigen
musikalischen Freunden
wie Pianist Frank Chastenier
und Schlagzeuger Wolfgang
Haffner und als Gast
Startrompeter Till Brönner.
www.thomas-quasthoff.com
11
www.sonyclassical.de
www.facebook.com/sonyclassical

K Ü N S T L E R
Auf einen Kaffee mit …
HANS SIGL
VON MARIA GOETH
FOTO: FOTOWUNDER
12 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

Hans Sigl (*1969) ist ein österreichischer Schauspieler.
Zunächst am Theater tätig, wurde er ab 2001 als Andreas Blitz in
der Fernsehkrimiserie SOKO Kitzbühel bekannt. Seit 2008
verkörpert er den Bergdoktor in der gleichnamigen ZDF-Serie.
crescendo: Herr Sigl, in Ihrer wilden Jugendzeit haben Sie
Gitarre und Schlagzeug gespielt und sich für AC/DC und Queen
interessiert.
Hans Sigl: Zwei großartige Bands. Musikalisch hat jedoch alles
damit begonnen, dass ich im Jungendchor mitsang. Musik war
schon als Kind ein wichtiger Teil meines Lebens. Meine erste
Trompete bekam ich mit sechs Jahren geschenkt, und darauf zu
spielen, habe ich mir selbst beigebracht.
Sind Sie mit Trompete auch aufgetreten?
So weit kam es nicht, denn das Instrument fand ein jähes Ende:
Im Fernsehen sah ich Dizzy Gillespie spielen, dessen Trompete
vorne so einen hochgezogenen Trichter hatte. Ich dachte: Das will
ich auch und habe den Trichter einfach vorne hochgebogen –
damit war das Thema erledigt!
Sie haben mehrere Meditations-CDs eingespielt. Ihr Entspannungstipp?
Es gibt ein schönes Zitat von Goethe: „Im Atemholen sind
zweierlei Gnaden: Die Luft einzuziehn, sich ihrer entladen“. Wenn
man sich hinsetzt, aufrecht, Hände auf die Knie und einfach zwei
Minuten darauf achtet, wo man hinatmet und was der Atem mit
einem macht, ist man der Entspannung schon sehr nah. Da reichen
wirklich schon zwei Minuten, die man beispielsweise im Auto
sitzen bleibt, anstatt gestresst wieder loszubrausen.
Wenden Sie das selbst an?
Mein Schauspielberuf findet mit dem Bergdoktor viel in der Natur
statt. Immer draußen, mit vielen Leuten um mich rum. Ich
genieße und mag das, aber setze mich doch gerne zwischendurch
irgendwo in den Wald oder in den grünen Benz, unser Filmauto
beim Bergdoktor, und mach die Türen zu. Draußen wuselt
alles herum, ich setze mich hin, Hände auf den Knien und nehme
mir die Zeit.
Neben Stille kann auch Musik entspannen …
Unbedingt. Der erste Schritt zum Menschen ist immer die Musik.
Deshalb haben Sänger die Möglichkeit, ganz anders auf Menschen
einzuwirken, sie zu berühren, als Schauspieler. Bei uns Schauspielern
ist ja immer erst das rationale Verständnis des Textes notwendig.
Bis das im Herzen angekommen ist, ist manchmal schon die
Pause vorbei. In der Oper ist man bereits bei der Ouvertüre in
einer anderen Welt. Das heißt, uns Schauspielern fehlt ein
Medium, welches die Musiker haben, darauf sind viele – mich
eingenommen – sehr neidisch.
Das halbe Jahr drehen Sie naturnah den Bergdoktor, im anderen
leben Sie am Ammersee – zwei idyllische Locations …
Clever, was? Alles richtig gemacht.
Nervt der Kitsch nicht manchmal schon fast?
Nach den ersten zwei, drei Staffeln Bergdoktor-Dreh in Ellmau, bei
denen ich fast ein Dreivierteljahr nur in den Bergen war, kam ich
nach Berlin und bin bei einer vierspurigen Straße mit Fußgängerübergang
richtig erschrocken. Man entwöhnt sich. Meine Frau und
ich machen gerne Städtereisen, aber ich habe nie längere Zeit das
Bedürfnis nach Trubel und Hektik der City. Ich liebe Lagerfeuer,
liebe es, wenn die Vögel zwitschern – das ist meins!
Sie werden stark mit der Rolle des Bergdoktors identifiziert.
Werden Sie als Fernsehdarsteller bei anderen Projekten wie
Ihren Hörbüchern oder bei Lesungen deshalb weniger ernst
genommen?
Menschen, die pauschale Vorurteile haben, unterstütze ich
grundsätzlich gedanklich nicht, überzeuge sie aber sehr gerne.
Menschen, die sagen, das höre ich mir einfach mal an, ich bin
neugierig, finde ich großartig. Bevor ich zum Fernsehen kam, habe
ich zwölf Jahre lang Theater gespielt, und es ist wahrscheinlich,
dass ich nicht bis zur Rente den Arzt verkörpern werde – es gab
und gibt also immer auch etwas anderes in meinem Leben.
Und für Sie selbst? Fällt es nach Monaten des Bergdoktors
schwer, wieder in andere Rollen zurückzuschalten?
Überhaupt nicht, das ist ja meine Arbeit. In den ersten zwei, drei
Jahren hat mich die Figur des Bergdoktors schon sehr gefordert:
Wohin geht die Reise? Wie entwickelt man die Figur? Darauf lagen
Energie und Fokus. Inzwischen hat sich alles im positiven Sinne
eingespielt: Man kennt das Team, die Autoren, die Produzenten –
bespricht gemeinsam, wo es hingeht. Das ist schön. So gibt es
immer mehr Raum für andere Projekte. Etwa mit dem Einsprechen
von Reclam-Hörbüchern oder meinen Lesungen haben sich ganz
neue Felder aufgetan. Da kann man umgekehrt wieder neue Kraft
und Energie für die Fernsehproduktionen schöpfen.
Zum Beispiel, wenn man fünf Stunden Effi Briest eingelesen hat
– weil die Arbeit toll ist und es wunderbar ist, sich mit dieser
Sprache, diesen Texten zu beschäftigen, die man seit seiner
Schulzeit nicht mehr auf dem Schirm hatte. Die Schachnovelle von
Stefan Zweig oder Der Sandmann von E. T. A. Hoffmann, was für
unglaubliche Bücher! Letzteres eine Parabel der künstlichen
Intelligenz, in unserer Zeit also ein hochaktuelles Thema. Oder
Hoffmanns Erzählungen mit der künstlichen Figur der Olympia.
Woher kommt das Verlangen der Menschen nach diesen Roboterwesen?
Dann liest man Hoffmann und versteht es … das nimmt
mich mit und macht mich glücklich.
Nun treten Sie als Sprecher bei einem Melodramenabend bei
der Schubertiade in Schwarzenberg auf. Wie kam es dazu?
Der Pianist Helmut Deutsch hatte mich angesprochen, ob ich
Melodramen kenne. Diese Musik, über die Texte gesprochen –
nicht gesungen – werden, sind ein tiefer, ganz anderer Ansatz von
Liedinterpretation. Und es ist für mich eine große Freude und
Ehre, mit einem der besten Liedbegleiter der Welt zusammenzuarbeiten.
Viele der Werke sind spätromantisch und damit vom Thema her
oft sehr verträumt: Es geht um Ritter, um Natur, um schaurige
Geisterwelten. Ist das heute noch aktuell?
Es spielt zwar in diesen romantischen Welten, geht aber um viele
große und teilweise auch harte Themen des Menschseins.
Tatsächlich sterben in fast jedem Melodram eine oder mehrere
Personen. Andererseits besteht bei vielen Menschen die Sehnsucht,
in eine Märchenwelt einzutauchen. Diese Sehnsucht wird
gerade in unserer hektischen Zeit immer größer und befeuert die
Fantasie.
■
Am 10. Juni ist Hans Sigl als Sprecher zusammen mit Pianist Helmut Deutsch in einem
Melodramenabend bei der Schubertiade Schwarzenberg zu erleben.
Weitere Infos unter Telefon +43(0)5576-720 91 oder www.schubertiade.at
13

K Ü N S T L E R
HUNGRIG
NACH
EMOTION
Er ist der Altmeister des Balletts: der Amerikaner
John Neumeier, ehedem selbst Tänzer, vielfach preisgekrönter
Choreograf und seit 45 Jahren Intendant des
Hamburg Ballett. Soeben hat er dort seinen Vertrag für
weitere fünf Jahre unterschrieben.
VON VERENA FISCHER-ZERNIN
14 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

15
FOTO: KIRAN WEST

K Ü N S T L E R
John Neumeier schreibt mit seinen Choreografien seit Jahrzehnten Ballettgeschichte: etwa mit Anna Karenina, der Kleinen Meerjungfrau,
rescendo: Im kommenden Februar werden Sie 80 Jahre
alt. Sie haben Ihre Geburtstagssaison „Lebenslinien“
überschrieben. Gerade ist auch das Ballett Nijinksy auf DVD
erschienen, Ihr Porträt des Tänzers, der in Ihrem Oeuvre eine
zentrale Rolle spielt. Hat er Sie zum Tanz gebracht?
John Neumeier: Das wäre zu viel gesagt. Aber seine Person hat
mich sicherlich sehr inspiriert. Als ich zehn Jahre alt war, habe ich
in der Bibliothek in meiner Heimatstadt Milwaukee ein Buch über
ihn gefunden, das für mich sehr wichtig war. Bis dahin waren
Tänzer für mich mystische Wesen. Das Buch erzählte von einem
sehr begnadeten, aber ganz normalen Menschen. Der Probleme
hatte, der eine Familie hatte, Geschwister und so weiter. Damals
habe ich intuitiv begriffen, dass Tanz etwas mit Menschlichkeit zu
tun hat. Nijinsky beeindruckt mich immer noch. Er gehört für
mich zu den wichtigsten Persönlichkeiten des 20. Jahrhunderts.
Sie haben mit zehn begonnen, über Tanz zu lesen? Wie kamen
Sie dazu?
Ich weiß es nicht. Ich kann nur sagen, dass ich immer diesen
Drang zum Tanzen hatte. In den Musicalfilmen, die ich mit meiner
Mutter sah, faszinierten mich die Tanzszenen, und ich fand es
jedes Mal langweilig, wenn gesprochen wurde.
Sie waren außerdem malerisch und zeichnerisch begabt.
Das hat man schon früher entdeckt. Es war ein Konflikt in meinen
jungen Jahren, dass ich nicht genau wusste, in welche Richtung ich
gehen sollte. Oder musste.
Wie haben Sie ihn aufgelöst?
Ich glaube, es liegt auch an diesem Konflikt, dass ich Choreograf
geworden bin. Ein Choreograf zeichnet mit Menschen in Raum und
Zeit. An Tanz und Bewegung hat mich von Anfang an fasziniert,
nicht nur zu befolgen, was ich zu lernen hatte oder was mir
vorgegeben wurde, sondern selbst Kompositionen zu erschaffen.
Haben Ihre Eltern es unterstützt, dass Sie so einen ausgesprochen
künstlerischen Werdegang gewählt haben?
Ja. Dafür bin ich sehr dankbar. Niemand in meiner Verwandtschaft
war künstlerisch tätig. Außer meiner Mutter, die sehr gut nähen
und Porzellan bemalen konnte.
Was haben Sie denn für einen familiären Hintergrund?
Mein Vater war Schiffskapitän. Er befuhr die großen Seen Amerikas.
Aber er ist nicht zur Offiziersschule gegangen, sondern hat als
Deckhelfer angefangen. Das war der niedrigste Rang, den es
überhaupt gab. Von da hat er sich hochgearbeitet.
Und dann sehen Ihre Eltern die künstlerische Begabung ihres
Kindes und fördern sie.
Das ist unglaublich. Sie hatten ja nicht den Hintergrund, das zu
beurteilen. Es gab in Amerika zu dieser Zeit insgesamt viel weniger
künstlerisches Bewusstsein als heute. Und trotzdem haben meine
Eltern mir vertraut.
Sie haben dann aber erst einmal Theaterwissenschaft und
englische Literatur studiert.
Ich glaube, ich bin an die Universität gegangen, weil meine Eltern
sich Sorgen um mich gemacht haben. Aber mein Herz war immer
woanders. Unser Schauspiellehrer an der Universität legte sehr viel
Wert auf Bewegung. Gleich in meiner ersten Tanzstunde dort sagte
er zu mir, du bist eigentlich ein Tänzer. In dem Moment war mir
mein Weg klar. Er hat es für mich formuliert.
Ein Instrument haben Sie nicht auch noch gespielt?
Als ich eine Zeit lang nicht tanzen durfte, weil ich Schwierigkeiten
mit dem Rücken hatte, haben meine Eltern gedacht, es wäre
vielleicht gut, wenn ich Klavierunterricht nähme. Aber ich habe es
als Qual empfunden. Leider!
Woher kommt dann Ihre intensive Beschäftigung ausgerechnet
mit absoluter Musik? Sie haben fast alle Sinfonien von Mahler
choreografiert.
Das ist ein ganz subjektives Gefühl des Hingezogenseins. Ich bin
1965 zum ersten Mal intensiv mit Mahler in Berührung gekommen,
als ich beim Stuttgarter Ballett war und Kenneth MacMillan
sein Ballett Das Lied von der Erde machte. Die Musik hat mich
einfach verblüfft. Sie bestätigte mein Gefühl, das später auch mein
Konzept wurde: dass man von einer klassischen Basis ausgehen
muss, aber dass die Inspiration aus der Emotion kommt. Ich habe
dann als Erstes ein Lied von Mahler choreografiert, Ich bin der Welt
abhanden gekommen.
Bevor Sie selbst angefangen haben zu choreografieren: Haben
Sie Musik einfach gehört und sich ergreifen lassen, oder hatten
Sie den Impuls, das Gehörte schöpferisch zu verarbeiten?
Es hat für mich schon immer zwei Arten Musik gegeben: eine, die
man im Sitzen hört, und eine, die einen aus dem Stuhl reißt. Ich
könnte zum Beispiel nie eine Bruckner-Sinfonie choreografieren.
Weil ich sitzen bleibe. Ich kann das bewundern …
… Sie können sich auch von Bruckner ergreifen lassen?
Weniger. Anders. Ich beginne nicht zu tanzen.
Was ist es, was Sie an Mahler speziell berührt?
Mahler ist für mich der Inbegriff des Tanzes. Tanz arbeitet mit dem
menschlichen Körper. Beim Ballett ist der Mensch Sujet und
16 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

seinem aktuellen Projekt Nijinsky oder dem gerade im Entstehen begriffenen Beethoven-Projekt (hier bei der Probenarbeit)
FOTOS: KIRAN WEST
Instrument zugleich. Man kann mit diesem Instrument balancieren
oder lange auf einem Bein stehen oder hochspringen und so
fort. Das entspricht der Sehnsucht des Publikums. In Mahler steckt
für mich etwas davon.
Er benutzt auch oft Tanzformen.
Ja, Ländler oder Walzer oder Märsche. Diese Musik hat Fleisch
und Blut. Ihre einfachen musikalischen Formen sind wie Klangbrücken
in das Sublime, Tiefe oder auch überirdisch Reiche.
Bei jungen Leuten ist Mahlers Musik gerade wegen ihrer
emotionalen Grenzzustände beliebt. Sie haben oft das Gefühl,
von ihm verstanden zu werden.
Wenn man mit jungen Tänzern oder auch Schülern arbeitet, ist es
faszinierend zu sehen, wie sie auf Mahler reagieren, wie sie die
Musik ohne Hemmungen annehmen. Es gibt ja ein Vorurteil, die
Jugend heute sei gefühllos. Ich glaube das Gegenteil. Die digitalen
Möglichkeiten suggerieren ihnen, dass sie überhaupt nicht mehr zu
kommunizieren brauchen. Aber der Hunger nach einem emotionalen
Erlebnis ist immer noch da.
Im Juni bringen Sie in Hamburg Ihr Beethoven-Projekt heraus.
Beethoven ist neu für Sie. Was hat Sie an ihm entzündet?
Praktisch gedacht: 2020 kommt das Beethoven-Jahr. Aber es hat
bei mir schon früher angefangen. Ich habe im Urlaub alle Sinfonien
angehört und dachte, es ist an der Zeit, dass ich Beethoven
choreografiere. Außer für das Beethoven-Projekt benutze ich seine
Musik für ein Schulprojekt: Zufällig hatte ich ein Album mit
47 Beethoven-Tänzen: deutsche Tänze, Contredanses, Menuette
und so weiter. Jedes dieser Stücke hat einen ganz besonderen Geist.
Ich dachte, es sei reizvoll, sie zum 40. Jubiläum unserer Ballettschule
tanzen zu lassen. Das war der Anfang.
Beethoven gilt als Rebell, als hochpolitisch. Löst das etwas in
Ihnen aus?
Das Humane eher als das Politische. Politik ist kurz, Humanität ist
lang. Ich glaube, ihn haben eher menschliche Werte interessiert.
Wie kann man das hören in der Musik?
Indem man nicht versucht, es hineinzuhören. Er hat sich öfters
Dinge vorgestellt, um Musik zu schreiben. Geschichten oder
Situationen, das sagt er selbst in Briefen. Er erzählt aber nichts
Genaues darüber. Das finde ich faszinierend. So wird auch dieses
Projekt sein. Ich werde nicht sagen, was es bedeutet.
Das haben Sie ja bei den Mahler-Sinfonien auch nicht gemacht.
Lesen Sie Partituren?
Nicht beim Choreografieren. Wenn ich die Partitur mit einem
Musiker studiere, dann weiß ich, wo die Flöte einsetzt oder die
Violine. Aber am Anfang steht das Hören.
Die Musik wirkt auf Sie. Wie muss ich mir den kreativen Prozess
vorstellen?
Der kreative Prozess beginnt mit einem „Ja.“ Das heißt, ich kann
mir vorstellen, das zu choreografieren. Bei einem so großen Werk
wie der Dritten Sinfonie von Gustav Mahler oder der Matthäuspassion
von Bach hat dieses „Ja“ schon einen ziemlichen Widerhall.
Dann kommt eine Zeit der Zweifel an diesem „Ja“, in der man
studiert und versucht, das Werk in seiner Form, aus seiner Zeit
heraus und in seiner Bedeutung zu verstehen.
Das ist die kognitive Phase.
Genau. Und wenn dann die Premiere naht und wir in den
Ballettsaal gehen und beginnen, dann muss ich diese zweite Phase
abschließen und versuchen, zu der ersten zurückzukommen.
Sie vergessen alles, was Sie sich angeeignet haben?
So gut es geht. Ich versuche, die Musik zu hören, als wäre es das erste
Mal, und improvisiere. Ich deute die Bewegungen an, sodass die
Tänzer, die natürlich jünger sind und physisch viel besser, sie in
spezifische Bewegungen umsetzen können. Manchmal inspiriert sie
das auch, noch weiterzugehen, wo ich dann sage: Ja, das war toll, das
war gut. Oder auch, so habe ich es nicht gemeint. Es ist ein Dialog.
Was auch bedeutet, dass auch Sie sich diesen jungen Menschen,
mit denen Sie arbeiten, ganz ausliefern?
So ist es.
Das muss eine starke Bindung geben.
Das gibt eine sehr starke Bindung. Deswegen habe ich die meisten
Kreationen mit meiner eigenen Compagnie gemacht. Man muss
viel Vertrauen aufbringen in so einer Situation, das macht auch
manchmal Angst.
Wenn Sie so viel mit jungen Leuten arbeiten: Wo sehen Sie die
Zukunft des Genres Ballett?
Dazu müsste ich Wissenschaftler oder Philosoph sein. Ich bin aber
jeden Tag zwölf Stunden im Ballettzentrum. Da bleibt nicht sehr
viel Zeit, um zu reisen und zu sehen, was andere machen. Ich
versuche mich natürlich so gut es geht zu informieren.
Aber in erster Linie bin ich Arbeiter. Ich
bin im Ballettsaal und schwitze.
■
„Nijinsky“, John Neumeier, Hamburg Ballet (C Major)
17

K Ü N S T L E R
„ICH BENUTZE EINE KOPIE MEINES HAUPTINSTRUMENTS, DAMIT ES
NICHT DURCH KRATZER ODER SCHWEISS BESCHÄDIGT WIRD“
DER KLANG
DES GELDES
Der New Yorker Bratschist David Aaron Carpenter tritt als Solist
mit renommierten Orchestern in den USA und Europa auf.
Als Geschäftsmann handelt er zugleich mit teuren Streichinstrumenten.
VON CORINA KOLBE
FOTO: ALIKHAN PHOTOGRAPHY
Die Familie von Geiger David Aaron Carpenter (links) – hier mit seinen Geschwistern Lauren und Sean – musiziert nicht nur,
sondern handelt auch mit wertvollen Instrumenten
18 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

„ICH KANN ES NIE ERWARTEN,
VOR PUBLIKUM AUFZUTRETEN.
WARUM MAN VOR KONZERTEN ÜBERHAUPT
LAMPENFIEBER HABEN KANN,
VERSTEHE ICH NICHT“
An internationaler Anerkennung fehlt es David
Aaron Carpenter nicht. Der 32-jährige Bratschist,
auf Long Island bei New York aufgewachsen, gewann Preise bei
mehreren Wettbewerben, wurde von Stars wie Pinchas Zukerman,
Yuri Bashmet und Christoph Eschenbach gefördert und trat
mit Mitgliedern der Berliner Philharmoniker auf. Unter Leitung
von Dirigenten wie Vladimir Jurowski nahm er mit dem London
Philharmonic Orchestra ein kürzlich bei Warner Classics erschienenes
Album mit Werken von Antonín Dvořák, Béla Bartók und
William Walton auf. „Ein überragender Violaspieler unserer
Zeit“, jubelte ein Kritiker der Süddeutschen Zeitung, der ihm
einen „ungemein offensiven,
manchmal verzehrenden Ton
von so lyrischer wie dramatischer
Kraft“ bescheinigte.
Konzerte zu geben und
Alben einzuspielen füllt Carpenters
Leben allerdings nicht
aus. „Musik ist nicht das einzig
Wichtige in meinem Leben.
Mehr als zwei oder drei Stunden
am Tag wollte ich nie üben“,
erklärt er freimütig im Interview.
Statt sich im Hotel auf
Tourneeauftritte vorzubereiten,
schaut er sich in fremden Städten
lieber Museen an. Wie seine
älteren Geschwistern Sean und
Lauren, ebenfalls ausgebildete
Musiker, studierte er an der
Elite-Universität Princeton,
machte einen Abschluss in Politikwissenschaften
und spezialisierte
sich danach auf Wirtschaft.
Gemeinsam betreibt das
Trio inzwischen einen offenbar
florierenden Handel mit wertvollen
Geigen, Violen und Violoncelli
von legendären Instrumentenbauern wie Stradivari, Guadagnini
oder Guarneri Del Gesù. Das 2010 gegründete Familienunternehmen
beziffert den Wert seiner Geschäfte mit Instrumenten
und Kunstwerken auf mehr als 150 Millionen Dollar.
Carpenter, der in seinen extravaganten Designerjacken wie
aus dem Ei gepellt aussieht, zog mit den Geschwistern in das ehemalige
Townhouse des Dirigenten Lorin Maazel am Central Park
und später in das luxuriöse Plaza Hotel. Als Unternehmer knüpfen
die Carpenters seither geschickt Verbindungen zur Finanzund
Musikwelt. Rare Instrumente wie Stradivari-Violinen sollen
etwa bei Hedgefonds-Managern als sichere Kapitalanlagen hoch
im Kurs stehen. Nach erfolgter Transaktion verleihen manche
Käufer ihre Instrumente an Musiker des von den Geschwistern
gegründeten Salome Chamber Orchestra, in dem die Carpenters
zusammen mit Absolventen renommierter Hochschulen wie der
Juilliard School oder dem Curtis Institute of Music spielen. Wie
David Aaron Carpenter erklärt, könnten Nachwuchstalente Instrumente
im Wert von 300.000 bis 500.000 Dollar wohl kaum aus
eigener Tasche bezahlen. Die Erlöse von Benefizkonzerten des
Orchesters, an denen sich beispielsweise auch der damalige Chefdirigent
der New Yorker Philharmoniker, Alan Gilbert, beteiligte,
gehen an gemeinnützige Organisationen. Die Carpenters haben
sich auf diese Weise auch eine öffentlichkeitswirksame Plattform
geschaffen, die ihren Geschäften förderlich ist.
„Ich kann es nie erwarten, vor Publikum aufzutreten.
Warum man vor Konzerten überhaupt Lampenfieber haben kann,
verstehe ich nicht“, erklärt Carpenter mit einer Mischung aus
kindlicher Unbefangenheit und einer gewissen Großspurigkeit.
Wenn er über die Originalstücke und Transkriptionen spricht, die
er auf seiner Viola von Michele Deconet aus dem Jahr 1766 spielt,
zweifelt man nicht an seiner Begeisterung für Musik. Welchen
Spagat er zwischen Kunst und
Kommerz vollführt, zeigt sich
allerdings deutlich, wenn er bei
FOTO: CARRIE BUELL
Werbeveranstaltungen von
Auktionshäusern auftritt, die
Instrumente zu horrenden Preisen
anbieten. In einem Video
auf Youtube spielt er bei
Sotheby’s in New York die 1719
von Stradivari gefertigte
„MacDonald“-Viola. Das einstige
Instrument von Peter
Schid lof, dem 1987 verstorbenen
Gründer des Amadeus
Quartetts, sollte vor einigen
Jahren für schwindelerregende
45 Millionen Dollar den Besitzer
wechseln. Unter dem Motto
„Das teuerste Konzert aller Zeiten!“
postete das Salome Chamber
Orchestra einen Clip, auf
dem Carpenter und andere
Musiker auf insgesamt acht
Stradivaris Astor Piazzollas
Libertango spielen. Obwohl
Carpenter mehrmals im Fernsehen
auftrat, fand die
„MacDonald“-Viola zu dem avisierten Preis keinen Abnehmer.
Kunst hat zweifellos nicht nur einen ideellen, sondern auch
einen materiellen Wert. Doch wie viel künstlerische Freiheit bleibt
erhalten, wenn das Preisetikett stets übergroß sichtbar ist? Seine
wertvolle Deconet-Viola spiele er nur zu seltenen Anlässen, sagt
David Aaron Carpenter. „Auch meine Geschwister reisen nicht
mit ihren Stradivaris und Guarneris durch die Welt, obwohl sie
uns gehören. Bei besonders wichtigen Auftritten oder bei Plattenaufnahmen
mache ich eine Ausnahme. Ansonsten benutze ich
eine Kopie meines Hauptinstruments. Ich möchte ja nicht, dass es
durch Kratzer oder Schweiß beschädigt wird.“ Viele Musiker, die
ihr Instrument täglich spielen, um ihre Interpretationen weiterzuentwickeln,
mögen hier vehement widersprechen. Denn ein
Sammlerstück, das im Museum für die Zukunft konserviert wird,
bleibt von der Gegenwart abgekoppelt. ■
Bartók, Dvořák, Shor, Walton: „Motherland“, David Aaron Carpenter,
London Philharmonic Orchestra (Warner)
Termin: 31.5. Wien (AT), Musikverein
19

K Ü N S T L E R
GOLDENE
TROPFEN
Pianistin Sophie Pacini über ihr musikalisches Schlüsselerlebnis,
die Liebe von Clara und Robert Schumann und Pasta mit Martha Argerich.
VON TERESA PIESCHACÓN RAPHAEL
FOTOS: SUSANNE KRAUSS
20 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

A
„DER FLÜGEL WAR IMMER MEIN BESTER FREUND.
DIESER GROSSE SCHWARZE, ELEGANTE PANTHER UND ICH
FANDEN INSTINKTIV ZUEINANDER“
uf der Rückseite des Covers zu Ihrem neuen
Album flattern Sie in gelbem Kleid auf dem Wasser.
Was ging in Ihnen vor? Schließlich stürzte sich ja Robert
Schumann in den Rhein …
Sophie Pacini: Nein, an seinen Selbstmordversuch habe ich nie
gedacht. Seine Abgründe, Hoffnungslosigkeit, Zerrissenheit wie
sein Streben nach vollkommener Harmonie kommen besonders in
den Werken, die ich für das Album wählte, so
deutlich zum Ausdruck, dass es keiner optischen
Unterstreichung bedarf. Das Schweben
im Wasser bedeutet für mich Leichtigkeit,
Transparenz, Grenzenlosigkeit und Gleichgewicht.
Musik von Verwandten und Wahlverwandten
gibt es auf Ihrem Album zu hören. Das
Ehepaar Schumann, die Geschwister Mendelssohn
…
Inspiriert zu diesem Konzept wurde ich von
Chiarina, jenem Stück aus dem Carnaval von
Robert Schumann, in dem er schmerzlich
expressiv seine Clara porträtiert. Das war der
Anlass, mich mit ihr als ganzer Künstlerpersönlichkeit
zu beschäftigen. Ich wollte – um
mit Rainer Maria Rilkes „Liebeslied“ zu sprechen
– herausfinden, wie ihre „zwei Saiten
sich zu einer Stimme ziehen“, welche „Tiefen“
bei Robert „schwingen“, wenn es um Clara geht. Fündig wurde ich
bei Claras aufwühlendem, quälendem Scherzo. Es erinnert sehr an
Chiarina und an die zwei Stücke aus Roberts op. 12 Des Abends und
In der Nacht. Und von …
… Franz Liszt …
… spiele ich seine Bearbeitung von Schumanns Widmung. Liszt war
befreundet mit dem Ehepaar Schumann. Seine h-Moll Sonate widmete
er Robert Schumann, während Clara seine Paganini-Etüden,
deren Widmungsträgerin sie auch war, erstmals aufführte. Clara
war eine große Virtuosin, aber nicht von oberflächlicher Natur. Ihre
Kunst stand im Dienst des Ausdrucks, das ist an der Beschaffenheit
ihres Werkes klar zu erkennen. Sie ließ sich aber auch gerne von den
Werken ihrer Zeitgenossen inspirieren, die sie „in den Fingern
hatte“, wie zum Beispiel Chopin. Diese gegenseitige Inspiration ist ja
bei allen Komponisten zu finden. Es ist immer sehr erquickend, auf
die Suche nach Parallelen zu gehen …
… wie zwischen den Geschwistern Mendelssohn.
Bei Fanny und Felix merkt man ganz klar, dass Fanny mit ihrem
avantgardistischen Kompositionsstil und ihrem Wesen Felix sehr
geprägt und angespornt hat. Der Werkbegriff „Lied ohne Worte“
wurde übrigens von Fanny erfunden. Und Heine beschrieb sie bei
einem seiner Besuche im Hause der Mendelssohns als ein strahlendes
„ganz und gar liedhaftes Wesen“. Auch wenn Felix sich in der
Öffentlichkeit nie dafür einsetzte, dass seine Schwester als
bedeutende Musikerin wahrgenommen wurde, war er ihr größter
Bewunderer und gab ihr oft seine Werke zur Komplettierung, auch
wenn dann manche ihrer Werke gar unter seinem Namen
veröffentlicht wurden. Letztlich eine innige Liebe und inspirierende
Kraft.
Die Liebe von Clara und Robert
Schumann fasziniert Sophie Pacini
Nietzsche fand übrigens, dass Schumann von „kleinem
Geschmack“ war und einen „gefährlichen (sehr deutschen)
Hang zur stillen Lyrik und Trunkenboldigkeit des Gefühls“
hatte. Und deshalb „nur noch ein deutsches Ereignis“, aber kein
europäisches wie Beethoven mehr wurde.
Da antworte ich mit einem Zitat Gustav Mahlers, das ich in einem
Essay von Peter Gülke gefunden habe: „Unter dem ganzen Heere
der Nachbeter, die sich bis heute nicht
entblöden, Schumann von oben herab zu
behandeln und zu belächeln, hat Wagners
Irrtum und heftige Parteilichkeit bedauerlichen
Schaden angerichtet“.
Zurück zu Ihnen. Sie wuchsen in der Nähe
von München auf.
Ja. Meine Mutter ist Internistin, mein Vater
Professor für italienische Literatur. Sie lieben
Musik sehr. Mit ihrem ersten Verdienst
schenkte meine Mutter meinem Vater ein
Klavier in der Hoffnung, er beginne wieder
zu spielen. Mein Vater am Klavier … Dieses
Bild gehört zu meiner Kindheit.
Entschieden Sie sich deshalb, Pianistin zu
werden?
Der Flügel war für mich immer mein bester
Freund. Er, dieser große schwarze, elegante
Panther und ich fanden instinktiv den Weg
zueinander. Mit acht Jahren nahm ich an einem Wettbewerb teil.
Für das Finale im Herkulessaal durfte ich an einem großen Steinway-D-Flügel
spielen. Ich konnte das Instrument kaum überblicken,
kam gerade mal so an das Pedal. Ich spielte den zweiten Satz
aus der F-Dur Mozartsonate KV 280. Da gibt es eine Stelle, an der
zum verminderten Akkord oben ein Des erklingt. Für mich der goldene
Ton. Am kleinen Klavier zu Hause klang er ganz nett, aber dort
wurde er zum goldenen Tropfen. Plötzlich umgab mich ein warmes
Gefühl, weil ich spürte, ich kann richtig formen! Und einen Ton
erklingen lassen, so wie ich ihn mir vorstellte! Das war mein Schlüsselmoment.
Unvergesslich sind auch die Begegnungen mit Martha Argerich.
Klar! Als Kind hatte ich sie im Radio gehört, später kaufte ich ihre
Aufnahmen und ging in ihre Konzerte. Eines fand im Gasteig statt.
Ich wollte unbedingt hinter die Bühne und schaffte es auch. Sie
lächelte mich an, vielleicht weil ich sehr zurückhaltend war und
mich nicht aufdrängte. Als ich 18 war, traf ich sie wieder. Wir
verbrachten die Sommerferien in Pietrasanta, dem Geburtsort
meines Vaters, und erfuhren, dass sie ein Konzert geben würde.
Ich tat alles, um ihr vorzuspielen. Sie erinnerte sich an mich, hörte
mich an, und ihre große Begeisterung war der Anbeginn einer
innigen Freundschaft und der Ritterschlag, den ich brauchte, um
diesen Beruf mit Mut, Selbstvertrauen und einem Glanz in den
Augen vollends einzuschlagen. Bei mir daheim
in München gibt’s dann mit ihr Pasta und Musik
– einfach, direkt und ohne Äußerlichkeiten. ■
Schumann, Mendelssohn: „In Between“, Sophie Pacini (Warner)
21

K Ü N S T L E R
MACHT
WAS NEUES!
Was für ein kurioses Duo: Violine und Tuba! Benjamin Schmid und
Andreas Martin Hofmeir wagten eine Instrumentenfusion, die sie
„Stradihumpa“ nennen, eine Mischung aus Stradivari und „Humptata“.
VON KLAUS HÄRTEL
22 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

Beim Duo Benjamin Schmid
und Andreas Martin Hofmeir
ist alles möglich
FOTO: WOLFGANG LIENBACHER
23

K Ü N S T L E R
Herr Hofmeir, wie sieht Ihr Klischee eines
Geigers aus?
Andreas Martin Hofmeir: Geiger sind unfassbar strebsam, fleißig
und sehr diszipliniert. Wer als Kind Geige lernt, muss früh
anfangen und wahnsinnig viel üben. Und die Geiger können
nichts anderes. Die können nicht Fußball spielen, nicht kochen
und nicht Schafkopf spielen. Mit fünf Jahren werden Geiger
eingesperrt und werden bis 18 nicht mehr gesehen.
Und wie viel Wahrheit steckt darin?
Benjamin Schmid: Nicht sehr viel. Wie in jedem anderen Klischee.
Ich habe zwar in meinem Leben unglaublich viel geübt,
sicher viel zu viel – aber es hat mir immer riesigen Spaß gemacht
und ich hatte trotzdem Zeit für Dinge wie Bergsteigen, Skifahren
und dergleichen. Denn das Leben ist immer noch wichtiger als die
Karriere.
Welches ist Ihr Lieblingsklischee eines Tubisten?
Schmid: Blechbläser sind sehr trinkfest, spielen immer laut, und
ein Tubist hat ein angeborenes Phlegma, ist von Natur aus
gemütlicher.
Hofmeir: Grundsätzlich kann man sagen, dass die Tubisten zu
einer gemütlicheren Spezies gehören. Ab einem gewissen Niveau
allerdings sind sogar die Tubisten fleißig. Aber im ersten Moment
sind die Leute, die Tuba spielen, nicht unbedingt begierig auf die
große Bühne und auf die große Virtuosität, denn sonst würden
sie was anderes lernen. Trinkfest bin ich im Übrigen überhaupt
nicht. Ich trinke nie viel und auch nicht wahnsinnig gern. Mein
letzter Rausch ist Jahre her …
Schmid: Genau. Ein Oberbayer trinkt wenig, aber oft.
Und dann viel.
Hofmeir: Ein Musiker hat das Problem, dass er oft am Abend
arbeitet und die Leute dann erwarten, dass er nach der Arbeit
feiert. Es gibt Handwerker, die feiern ihre Arbeit schon während
der Arbeit! Was wiederum beim Musiker – sofern er seinen Beruf
halbwegs ernsthaft betreibt – nicht möglich ist.
Ganz ehrlich, Herr Hofmeir, hätten Sie jemals gedacht, dass Sie
mit einem Geiger eine Platte machen würden?
Hofmeir: Nein, nie! Benjamin Schmid hat einmal das Cellokonzert
von Gulda mit der Bläserphilharmonie Mozarteum Salzburg
aufgenommen – ein Stück, das seinem Portfolio wunderbar
entspricht, weil es ein Crossover-Konzert zwischen Klassik und
Jazz ist. Ich habe das zufällig gehört. Wir Professoren treffen uns
natürlich mal auf dem Gang, aber dass wir uns gegenseitig Musik
machen hören, kommt selten vor. Wir haben dann wahnsinnig
FOTO: WOLFGANG LIENBACHER
„Bei einer so
spartanischen
Besetzung zählen
Vielfalt und
Energie!“
viel gespielt und ausprobiert. Wenn eine Besetzung so spartanisch
ist, dann ist man entweder angewiesen auf Vielfalt oder Energie
– im besten Fall auf beides.
Wie wichtig war, dass die Chemie zwischen Ihnen gestimmt
hat?
Schmid: Das ist im Duo vermutlich mit am wichtigsten, weil das
die persönlichste Art ist, musikalisch miteinander zu kommunizieren.
Das muss passen. Wir verstehen uns und haben uns etwas
zu sagen. Das ist eine konstruktive Gaudi.
Ein Album ist – wenn man so will – auch immer eine Botschaft.
Was möchte sie den Tubisten und Geigern da draußen mitteilen?
Hofmeir: Dass nichts unmöglich ist! Gerade für unser Instrument
sind Pionierleistungen wichtig. Wir haben noch nicht genug gutes
Repertoire, um uns darauf auszuruhen. Die Tuba ist auf diesem
Album eher atypisch. Ich spiele die Tuba gerne sehr leichtfüßig und
filigran. Ich glaube, dass die Tuba durch diese Eigenschaften am
interessantesten ist und die größte Wirkung auf das Publikum hat.
Schmid: Andreas ist sicherlich der Tubist, der dem Instrument
eine völlig neue Poesie verliehen hat. Die Botschaft von diesem
Projekt ist, dass musikalisch viel Undenkbares möglich ist. Eben
auch in einem ungewöhnlichen Duo, wenn man es nur mit der
nötigen Ernsthaftigkeit und Leidenschaft betreibt. Macht was
Neues! Probiert was aus! Nehmt es ernst!
Hofmeir: Als Geiger kommt man ja gar nicht in den Genuss, was
Neues zu machen. Es gibt ja so viel Repertoire. Es ist schwieriger,
Geiger zu etwas völlig anderem zu motivieren, weil sie ja alles
haben!
Ihre Tuba, Herr Hofmeir, heißt „Fanny“ – hat Ihre Geige,
Herr Schmid, auch einen Namen?
Schmid: Ja, ich spiele eine Stradivari „ex Viotti“, die Giovanni
Battista Viotti vor knapp 300 Jahren gespielt hat und damit einen
prominenten Vorfahren als Spieler hatte. Wir feiern in diesem
Jahr gemeinsam runde Geburtstage: Sie wird 300, ich werde 50.
Hofmeir: Ich find das jetzt aber schon ein wenig morbid, dass man
eine Geliebte, mit der man viel Zeit verbringt, nach ihrem
vorherigen Liebsten benennt.
Schmid: Aber du bist schon auch verliebt in deine Fanny?
Hofmeir: Ja, schon. Man teilt ja gewisse
Erinnerungen. Und jede Tuba bekommt
irgendwann einmal Dellen. Wenn einen das
stört, dann heiratet man nie.
■
Benjamin Schmid & Andreas Martin Hofmeir: „Stradihumpa“ (ACT)
24 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

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K Ü N S T L E R
BEI BACH GEHT
DER HIMMEL AUF
Der eine probt gerade als Scarpia an der Met, wie er sich von
Tosca Anna Netrebko am eindrucksvollsten erstechen lassen kann, die
andere steht vor einer konzertanten Händel-Aufführung in Wien.
Im Studio nahmen Bassbariton Michael Volle und
Sopranistin Sophie Karthäuser jüngst Musik von Bach auf.
VON WALTER WEIDRINGER
Sophie Karthäuser ist sonst viel bei Mozart, Michael Volle bei Wagner und Verdi zu Hause. Nun vereinen sich ihre Stimmen bei Bach
FOTOS: CARSTEN SANDER; MOLINA VISUALS
crescendo: Herr Volle, Sie stehen meist als Hans Sachs, Wotan
oder Amfortas, als Falstaff oder Scarpia auf der Bühne. Liegt
Bach da nicht in weiter Ferne?
Michael Volle: Ich bin als württembergischer Pfarrerssohn mit
Bach aufgewachsen, ich brauche ihn einfach. Sängerisch hängt es
davon ab, wie wach man im Kopf und wie gesund man in der
Kehle ist. Es soll nicht arrogant klingen, aber ich genieße es,
technisch blitzschnell umschalten zu können: Ich gehe gleich zu
einer Tosca-Probe, könnte aber genauso Ich habe genug oder
Winterreise singen. Es ist wohl eine Frage der Erfahrung. Mit dem
Einatmen muss man schon wissen, wo man ist, in der Met vor
4.000 Leuten oder in intimem Rahmen mit der Akademie für Alte
Musik Berlin für Bach.
Frau Karthäuser, bei Ihnen bildet Mozart das Zentrum des
Repertoires, aber Barock war zugleich immer präsent.
Sophie Karthäuser: Ich habe mit Barockmusik begonnen, der Stil
hat zu meiner Stimme gepasst und tut es hoffentlich immer noch.
Mit wachsender Reife kann ein Sopran wie meiner aber auch in
romantisches Repertoire vorstoßen. Im Kopf und im Herzen muss
man jung bleiben in unserer Profession – eine gesunde Stimme
vorausgesetzt. Mir erscheint das Singen immer mehr wie ein
Sport: Training ist wichtig, um die Elastizität zu erhalten und
verschiedenen Stilen gerecht werden zu können.
Wie empfinden Sie Bachs Schreibweise im Vergleich zu
Mozarts?
Karthäuser: Für mich ist Bach der schwierigste Komponist, er hat
Stimmen wirklich wie Instrumente behandelt. Das macht
natürlich seine Genialität aus, gerade die enorme Zahl und das
Niveau der Kantaten sind unglaublich. Als Sängerin ist es jedoch
nicht einfach, denn meistens gibt es keine Zeit zum Atmen!
Mozart ist für mich die erste Anlaufstelle, zum Beispiel nach
einem Urlaub: Bei ihm fühle ich mich zu Hause. Seine Musik ist
wie Honig, der einem in die Kehle strömt. Und: Bei Mozart ist
man nackt, man kann nicht schummeln.
Volle: Bach schreibt virtuos, man muss die Stimme zurücknehmen
können, leichter singen, Koloraturen formen. Ich bin
26 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

überzeugt, dass mein Singen im sogenannten
großen Fach gewonnen hat durch die
Beschäftigung mit Bach und Mozart – den
ich leider nur noch selten angeboten
bekomme, weil viele Leute denken, man
könne keinen Mozart mehr singen, wenn
man bei Puccini, Verdi, Wagner und Strauss
angelangt ist. So ein Blödsinn! Bei meinem Falstaff-Debüt und
jetzt auch bei Scarpia habe ich gemerkt, wie einen die filigranere,
feinere Behandlung der Stimme bei Bach auch in solchen Partien
unterstützt. Nicht jeder kann alles singen, aber ich glaube, jeder
sollte Lied machen und jeder sollte Bach und Mozart singen. Das
muss nicht unbedingt mit alten Instrumenten sein, aber wenn
jemand nur und dauernd gegen große Orchestermassen ansingen
muss, dann besteht die Gefahr, dass die Stimme an Flexibilität
verliert oder echten Schaden nimmt. Das ist oft genug der Fall.
Bei Ihnen steht die Gräfin in Mozarts Le nozze di Figaro an,
Frau Karthäuser. Haben Sie langsam genug von der Rolle der
Susanna?
Karthäuser: Nein, von ihr könnte ich niemals genug bekommen,
ich werde nur alt! Vor ein paar Jahren habe ich noch abgelehnt –
aber nun konnte ich René Jacobs keinen Korb geben, er ist für
mich der größte Dirigent für diese Musik. Mit ihm findet man
immer etwas Neues. Er weiß so viel, historische Fakten genauso
wie Anekdoten. Es ist, als würde er die Partitur neu erfinden.
Unsere Aufgabe ist es ja, immer weiterzulernen. Ich habe die
Schule geliebt und war traurig, als sie vorbei war! Und so freue ich
mich darüber, mit Dirigenten und Partnern neue Dinge auszuprobieren.
Dazu zählen bei mir aktuell Strauss-Lieder, aber auch
„MOZARTS MUSIK IST WIE
HONIG, DER EINEM IN
DIE KEHLE STRÖMT“
Bach mit der wunderbaren Akademie für
Alte Musik Berlin! Das sind tolle Kollegen,
die genau wissen, wie man phrasiert und so
weiter. Und wir haben wirklich hart
gearbeitet.
Volle: Ich will es nicht überhöhen, aber das
Zusammenkommen der Akamus mit mir
grenzt ans Schicksalshafte, an eine Fügung! Vor ein paar Jahren
habe ich die drei Solokantaten mit anderen Kollegen gemacht,
wollte aber an diesen Werken weiterarbeiten. Ich rief frech bei der
Akamus an – und hörte, dass die gerade über mich gesprochen
hatten! Ich bin überglücklich, dass wir nun dieses Album mit den
Dialogkantaten machen konnten, denn Bach ist das A und O für
mich.
Spielt im Verhältnis des Pfarrerssohns zu Bach die Religion
noch eine Rolle?
Volle: Der Kirche stehe ich fern und bin auch dem herkömmlichen
Glauben nicht mehr eng verbunden. Aber ich würde mich
selber als sehr spirituell bezeichnen. Musikalisch gehören dazu
Mozart, Schubert und Bach! Wenn ich Bach singe, merke ich, dass
es mehr gibt als das, was wir mit Augen sehen und mit Händen
greifen können. In dieser Musik steckt eine Kraft, die unbeschreiblich
ist. Bei Bach geht der Himmel auf.
J. S. Bach: „Dialogkantaten BWV 32, 49 & 57“, Sophie Karthäuser,
Michael Volle, Akademie für Alte Musik Berlin (harmonia mundi)
Termine: Sophie Karthäuser, 9.6. Wien (AT), Musikverein;
Michael Volle, 31.5., 10., 14.6. Berlin, Staatsoper,
16., 19., 22.6. München, Bayerische Staatsoper
■
Samstag, 29. September, 20.00 Uhr
Eröffnungsabend
»Klangerfühlt«
Alliage Quintett, Dr. Franz Alt (Festvortrag)
Sonntag, 30. September, 11.00 Uhr
Matinée I
Werke von Mozart, Liszt, Schumann,
Beethoven, Chopin, Rachmaninov
Viktoria Hirschhuber (Klavier),
Lika Bibileishvili (Klavier)
Sonntag, 30. September, 19.30 Uhr
Grandioser Auftakt
Werke von Psathas, Koppel, Cangelosi /
Grubinger, Jobim, Ishii, Sánches-Verdú,
Aho/arr. Rundberg
Martin Grubinger (Percussion),
Martin Grubinger sen. (Percussion),
Per Rundberg (Klavier)
Montag, 1. Oktober, 19.30 Uhr
STEGREIF.konzert
»Genrefrei« Projekt #freebrahms
Das besondere Orchesterkonzert mit
dem STEGREIF.orchester Berlin
Dienstag, 2. Oktober, 19.30 Uhr
Liederabend mit Chor
Werke von Schubert und Lauridsen
Brigitte Geller (Sopran),
Florian Prey (Bariton),
Birgitta Eila (Klavier),
Ulrich Eisenlohr (Klavier),
Morten Lauridsen (Klavier und Komposition),
Chamber Choir of Europe,
Nicol Matt (Leitung)
Mittwoch, 3. Oktober, 11.00 Uhr
Matinée II
Lyrik von Goethe, Wedekind, Brecht, Kästner,
kombiniert mit Schlagern und Chansons
Julia von Miller (Gesang),
Anatol Regnier (Lesung und Rezitation),
Frederic Hollay (Klavier)
Mittwoch, 3. Oktober, 19.30 Uhr
Kammermusiksoirée
»Klangreicher Forellenteich« Schubert
Forellen-Quintett, original und reflektiert
Werke von Schumann, Lazic, Cruixent,
Räihälä, Resch, Schachtner, Schubert
Lena Neudauer (Violine), Wen-Xiao Zheng (Viola),
Danjulo Ishizaka (Violoncello),
Rimck Stotijn (Kontrabass), Silke Avenhaus (Klavier)
Donnerstag, 4. Oktober, 19.30 Uhr
Liederabend Kasarova
Werke von Berlioz, Rachmaninoff,
Tchaikovsky
Vesselina Kasarova (Sopran),
Iryna Krasnovska (Klavier)
Freitag, 5. Oktober, 11.00 Uhr
Abschlusskonzert
Meisterkurs für Gesang
Siegfried Jerusalem (Tenor),
Henning Lucius (Klavier)
Freitag, 5. Oktober, 19.00 Uhr
Kirchenkonzert
»Messiah« Oratorium von Georg Friedrich
Händel (in engl. Sprache)
Robin Johannsen (Sopran), Marie-Henriette Reinhold (Alt),
Robin Tritschler (Tenor), Markus Eiche (Bass),
Gaechinger Cantorey, Hans-Christoph Rademann (Leitung)
Künstlerischer Leiter:
Florian Prey
Vorverkauf ab 4. Juni 2018.
Detailliertere Informationen
erhalten Sie über unsere
Internet seite oder unseren
Prospekt.
Herbstliche Musiktage Bad Urach
Stiftung bürgerlichen Rechts
Hermann-Prey-Platz 1
Telefon 07125 156571
info@herbstliche-musiktage.de
www.herbstliche-musiktage.de

K Ü N S T L E R
DIRIGENT
MIT INSTRUMENT
Joshua Bell ist seit Jahrzehnten ein Star der Violine. Seit 2011 leitet er auch die
berühmte Academy of St Martin in the Fields – vom Instrument aus!
VON WALTER WEIDRINGER
rescendo: Herr Bell, immer mehr Solisten dirigieren
auch. Ist diese Doppelfunktion von der Violine aus
schwieriger?
Joshua Bell: Ich finde es sogar leichter! Als Dirigent muss man Informationen
übermitteln. Ob das mit einem Taktstock, mit dem Bogen
oder mit bloßen Händen passiert, ist eigentlich egal. Über 90 Prozent
dieser Informationen kann man in den Proben sprechen, dort
findet die Arbeit statt. Bei der Aufführung
muss man ohne Worte
auskommen. Der Konzertmeister
ist nicht ohne Grund ein Geiger: Er
kann alle wichtigen Dinge anzeigen
– etwa mit der Attacke und
Geschwindigkeit des Bogens. Die
Academy kennt mich sehr gut,
wenn wir zusammen Sinfonien
aufführen, leite ich vom Konzertmeisterpult aus. Als Solist wird
man dann „nur“ zu einer Art von besonderem Konzertmeister.
Ohne Dirigenten hören die Musiker einander besser zu, es fühlt
sich an wie Kammermusik. Und ich kann jetzt jedem wichtigen
Detail selbst nachgehen. Nach so vielen Jahren als Nur-Solist ist das
ein besonderes Vergnügen.
Gibt es musikalische Grenzen, also bestimmte Violinkonzerte,
die kaum mehr möglich sind ohne externen Koordinator?
Letztes Jahr haben wir Tschaikowsky gespielt, mit kleinerem
Orchester finde ich das sogar kraftvoller, pointierter. Dieses Jahr
folgt Henryk Wieniawskis Zweites Violinkonzert, das ich besonders
liebe. Es ist schwierig, aber es funktioniert. Bei den Proms kommt
in diesem Sommer das Dritte Violinkonzert von Camille Saint-
Saëns, außerdem möchte ich Sibelius angehen, vielleicht auch
Barber. Weil die Academy so gut ist, steht uns praktisch alles offen,
wenn wir nur wollen.
Die Basis dafür bildet wohl Ihr kammermusikalisches Selbstverständnis
– das Vermächtnis von Sir Neville Marriner?
Ja, bei uns lehnt sich niemand zurück und spult bloß etwas ab,
damit könnte man gar nicht durchkommen. In einem kleineren
Ensemble ist das Verantwortungsgefühl ungleich höher. Für Sir
Neville, der die Academy 1958 gegründet und mehr als 50 Jahre
lang geleitet hat, war höchste Qualität entscheidend, von Anfang
an. Ich möchte nicht explizit in seine Fußstapfen treten oder mich
mit ihm messen. Mein Zugang ist, das optimal zu verwirklichen,
was ich an Energie und persönlicher Musizierweise einbringen
kann.
Sie haben jetzt mit der Academy Musik von Max Bruch aufgenommen
– ohne Dirigenten. Sein Erstes Violinkonzert haben Sie
schon einmal mit der Academy eingespielt. Wie kam es dazu?
Ach, ich war damals 18 und alles war ganz neu für mich. Es standen
„DER KONZERTMEISTER IST NICHT OHNE
GRUND EIN GEIGER: ER KANN ALLE
WICHTIGEN DINGE ANZEIGEN“
gleich zwei Alben auf dem Plan, eines mit kurzen Virtuosenstücken,
das andere mit Neville Marriner und der Academy. Ich kam
ins Studio, das rote Licht ging an und wir spielten die Konzerte von
Mendelssohn und Bruch – ohne Probe! Das Mendelssohn-Konzert
habe ich Jahre später mit Roger Norrington nochmals aufgenommen,
aber zum Bruch-Konzert, das ich liebe und gerne spiele, bin
ich für eine Aufnahme erst jetzt zurückgekehrt. Ich kombiniere es
diesmal mit einer Aufnahme-Premiere
für mich, seiner Schottischen
Fantasie.
Max Bruch sah sich immer im
Schatten von Brahms und hat
darunter gelitten, dass seine
Violinkonzerte Nr. 2 und 3 nicht
die gleiche Popularität erringen
konnten.
Bruchs Pech war, dass ihm mit dem ersten Konzert ein Geniestreich
gelungen ist. Die anderen sind zwar auch gut, aber ich habe
sie bisher nicht aufgeführt. Vielleicht sollte ich ihnen noch eine
Chance geben – immerhin habe ich die Qualitäten des Schumann-
Konzerts auch erst auf den zweiten Blick entdeckt.
Der Schottischen Fantasie begegnet man dafür nur noch selten.
Meine Idole wie Jascha Heifetz und Bronisław Huberman, dessen
Geige ich spiele, hatten sie selbstverständlich im Repertoire. Ich
weiß nicht, ich vertraue meiner Mutter: Sie sagt, alle jungen Geiger
auf Youtube würden die Fantasie spielen. Aber das ist genau das
Problem: So viele junge Leute lernen dieses und ähnliche Stücke
im Studium. Sobald sie Profis sind, wollen sie etwas anderes
machen. Sogar das Mendelssohn-Konzert leidet ein bisschen
darunter, eines der größten Werke für die Violine überhaupt. Die
Schottische Fantasie rührt mich zu Tränen, durch ihr Sentiment
und ihre Schönheit. Mein Lehrer Josef Gingold, ein Schüler von
Ysaÿe, hat in mir die Zuneigung zu diesem Repertoire geweckt.
Auch Wieniawski oder Fritz Kreisler haben bedeutungsvolle Musik
geschrieben. Natürlich, wenn man es wie Schlagsahne spielt, dann
klingt es auch wie Schlagsahne. Aber musikalische Tiefe gibt es
nicht nur bei Brahms, Mozart oder Beethoven.
Viele Interpreten leiden beim Anhören der eigenen Aufnahmen.
Sie können sich selbst auch noch in einer TV-Serie sehen, in
Mozart in the Jungle. Was ist schlimmer?
Ha ha, wenn ich ehrlich sein soll: Ich habe die Serie nie angeschaut.
Wahrscheinlich ist es wirklich schlimmer, sich
auch noch beim Schauspielen beobachten zu
müssen. Meine Selbstkritik ist gnadenlos!
Bruch: „Scottish Fantasy“, Joshua Bell, Academy of St Martin in the
Fields (Sony)
■
28 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

29
FOTO: BILL PHELPS

M E I N U N G
Der Axel-Brüggemann-Kommentar
SCHADE UM DEN ECHO
Der ECHO ist Vergangenheit. Viele hat diese Nachricht gefreut. Unser Autor befürchtet,
dass eine Chance verpasst wurde, nachhaltig gegen Antisemitismus zu kämpfen.
Wie bigott waren Hohn und Spott im Netz, als die Phono-Akademie
endlich angekündigt hatte, den ECHO – und damit auch den
ECHO JAZZ und den ECHO KLASSIK – abzusagen. Die Absage
kam viel zu spät und war, wie ich finde, auch eine grundlegend falsche
Reaktion auf den Eklat bei der Verleihung des ECHO POP, als
die Musiker Farid Bang und Kollegah mit unerträglichen Sätzen
wie diesem auftraten: „Mach wieder mal ’nen Holocaust, komm an
mit dem Molotow.“
Das wirklich Kniffelige an der aktuellen Debatte ist weniger die
Frage, ob man gegen derartige Ausfälle protestieren soll – natürlich!
was denn sonst? –, sondern, wie man einen Protest gegen Antisemitismus
und Rassismus organisieren kann, der selber nicht populistisch,
sondern nachhaltig ist.
Genau diesen Weg hat die
Phono-Akademie mit der Absage
des ECHO nun allerdings verpasst,
ebenso wie viele Künstler oder Kritiker
des ECHO, denen es nur um
Schadenfreude oder um Häme zu
gehen schien. Wie viele sinnvolle
Reaktionen wären möglich gewesen?
Ein Symposium über Rassismus,
Antisemitismus und Gewalt in der Musik, öffentliche, selbstkritische
Debatten über die Wirkung von Musik auf die Gesellschaft, historische
Einordnungen, eine ernsthafte Debatte darüber, wo die Kunstfreiheit
beginnt und ob sie überhaupt irgendwo aufhört, Streitgespräche
über das Spannungsfeld von Kommerz und Kunst. Was wäre es
für ein Zeichen gewesen, beim ECHO KLASSIK ein Programm mit
sogenannter „entarteter Musik“ aufzuführen und das Thema zum
Leitmotiv in der großen Fernsehshow zu erheben! Ja, es hätte viele
Möglichkeiten gegeben, nur eine Reaktion wäre falsch und feige
gewesen: den Kopf in den Sand zu stecken und so zu tun, als sei nichts
passiert. Sich zu verstecken und darauf zu hoffen, dass der Sturm der
Empörung irgendwann von allein abflaut. Leider hat die Phono-Akademie
aber genau das getan. Damit wurde die Chance verpasst, den
Eklat für eine öffentliche Debatte zu nutzen, den eigenen Fehler zu
erkennen, zu verstehen und öffentlich zu korrigieren.
Natürlich gab es bereits im Vorfeld keinen einzigen akzeptablen
Grund dafür, dass die Phono-Akademie einen antisemitischen Song
ANTISEMITISMUS IN DER KUNST ALS
KUNST ZU LEGITIMIEREN, IST, ALS WÜRDE
MAN EINEN REALEN MORD IM THEATER
UNGESÜHNT LASSEN
auszeichnet – ausgerechnet am Gedenktag für die Opfer des Holocaust.
Es ist unerträglich genug, dass Farid Bang und Kollegah mit
derartigen Texten so viele Fans erreichen. Dass ein öffentliches Gremium,
das so ziemlich alle Musik-Labels in Deutschland vertritt, derartig
widerwärtigen Texten nun auch noch eine Plattform bietet, ist
schlichtweg unverständlich.
Ich persönlich bin dem ECHO lange verbunden. Seit Jahren
schreibe ich das ECHO KLASSIK-Magazin, habe zunächst im Auftrag
der Phono-Akademie in den letzten Jahren für crescendo Backstage-Interviews
mit dem Preisträgern geführt. Und, um ehrlich zu
sein, mir hat all das großen Spaß gemacht. Ich habe mich immer frei
gefühlt – und wir haben hinter den Kulissen so manch provokantes
Gespräch über Politik, Glauben und
den Markt geführt. Die von mir konzipierte
und produzierte CD-Reihe
„Der Kleine Hörsaal“ wurde ebenfalls
mit dem ECHO KLASSIK ausgezeichnet
– und damals habe ich mich
durchaus über diese Auszeichnung
gefreut. Am Ende halte ich es mit
Thomas Quasthoff, der mir kürzlich
in einer Kneipe sagte: „Ich finde das,
was beim ECHO passiert ist, unakzeptabel und habe auch dagegen
protestiert, meine ECHOS aber habe ich nicht zurückgegeben, die
stehen in einem völlig anderen Kontext.“
Es ist doch Quatsch zu glauben, dass der ECHO so etwas wie
der Nobelpreis der Musik sei. Das war nie sein Anspruch und sein
Auftrag. Der ECHO wurde von der Phono-Akademie verliehen –
also vom Interessenverband der Tonträgerindustrie. Das allein ist
erst einmal nicht schlimm. Gegen einen Preis, der jene feiert, die ihn
verleihen, ist nichts einzuwenden. Im Gegenteil: Der ECHO und der
ECHO KLASSIK sind auch deshalb wichtig, weil sie eine Art Branchenfest
sind, weil sich hier jedes Jahr Künstler, Major- und Independent-Labels
treffen, gemeinsam Strategien entwickeln und sich
austauschen. Und all das wird ausführlich vom Fernsehen begleitet
– als Fest der Musikbranche. Das kann man kritisieren. Aber es ist seit
Jahren so gewesen. Jeden Applaus nach dem Aus des ECHO, dass
dieser „falscher Preis“ endlich abgeschafft wird, verstehe ich nicht.
Noch einmal: Es ist nicht der Fehler des ECHO gewesen, dass einige
ZEICHNUNG: STEFAN STEITZ
30 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

in ihm einen vollkommen anderen Preis gesehen haben, als er es in
Wirklichkeit war.
Tatsächlich aber hat sich nun gezeigt, dass das pure Marketing
ein Strukturfehler des Preises war. Es war eben nie wirklich wichtig,
was auf der Bühne stattfand. Es ging nicht um Inhalte, sondern
um die Feier an sich. Weder beim ECHO POP noch beim ECHO
KLASSIK standen die spannendsten Preisträger im Rampenlicht,
sondern die populärsten oder jene, auf die man sich bei den Labels
geeinigt hatte – auch das wurde immer wieder kritisiert. Die Präsentation
der einzelnen Auftritte war kein Politikum, sondern mehr
oder weniger gelungene Unterhaltung. Der
ECHO hat sich nie als Veranstaltung verstanden,
in der es um Inhalte geht, sondern
um die Branche an sich. Seit jeher sieht der
ECHO so aus, wie die Branche sich selber
sehen wollte. Vielleicht ist es dieser Ansatz,
der dieser Veranstaltung nun auf die Füße
gefallen ist. Denn in diesem Selbstbild hat
schon der kleinste Hauch von Antisemitismus
nichts zu suchen.
Das ist das Erschreckende: Ausgerechnet
die Auszeichnung von Farid Bang und
Kollegah wurde von einem Gremium verliehen,
das für die gesamte Plattenindustrie
steht. So hat der ECHO den Mitgliedern der
Phono-Industrie einen Bärendienst erwiesen.
Er hat die Branche an sich auf ein Terrain
gestellt, auf dem wohl die wenigsten
Künstler und Produzenten stehen wollen:
im rassistischen Aus. Natürlich verwundert
es – und ist beklemmend –, dass niemand
der Mitglieder der Phono-Akademie wirklich
dagegen protestiert hat.
Bereits die Versuche nach der ersten
Kritik, die eigene Entscheidung zu verteidigen,
wirkten eher hilflos und – mit Verlaub –
dumm. Zunächst versuchte man, den Ethikrat
– eingesetzt von der Akademie selbst
– in die Verantwortung zu nehmen. Später
wurde argumentiert, dass man die künstlerische
Freiheit – auch rechter Musik – als
Industrieverband verteidigen müsse. Das ist
natürlich totaler Quatsch! Zeilen wie „Mein
Körper definierter als von Auschwitz-Insassen“
können mit bestem Willen nicht als
Kunst durchgehen, sondern sind und bleiben purer, blanker Antisemitismus.
Die Erklärung, dass der ECHO nun vollkommen abgeschafft
werden soll, war der letzte große Fehler in einem schlechten Krisenmanagement
der Phono-Akademie. Welche Erneuerungskraft traut
man jenen Managern noch zu, die nichts getan haben, um die öffentliche
Debatte zu lenken, zu fördern und zu ermöglichen? Jenen Leuten,
die den Kopf in den Sand gesteckt haben, statt aktiv die Kritik
zu debattieren? Die Phono-Akademie ist sich in all ihren Handlungen
treu geblieben: bloß keine Positionierung, bloß kein Inhalt! Und
hat damit auch das letzte Stückchen Vertrauen aufs Spiel gesetzt. Ich
persönlich kann mir inzwischen kaum noch vorstellen, wie eine Neuerfindung
des Musikpreises unter Obhut der Phono-Akademie aussehen
könnte.
Der Druck auf die Veranstalter ist auch deshalb gewachsen,
weil die Musiker plötzlich selber gehandelt haben. Sie haben ihren
ECHO aus Protest zurückgegeben: zunächst Peter Maffay und Marius
Müller- Westenhagen, dann auch Klaus Voormann. Auffällig dabei,
wie viele Klassikkünstler gehandelt haben: Enoch zu Guttenberg, Igor
Levit oder das Notos Quartett – das erste Ensemble, das den Mut zu
diesem konsequenten Schritt hatte. Irgendwann wurde die Rückgabe
zu einer allgemeinen Bewegung. Und auch hier waren die Reaktionen
im Netz eher grenzwertig: Die ECHO-Rückgabe wurde zum „running
gag“ – einem Witz, der gerade beim Thema Antisemitismus fehl
am Platz scheint.
Ich habe die Argumentation all jener Künstler verstanden, die
ihren Preis zurückgegeben haben, und ihr Zeichen des Protests
geschätzt. Auf der anderen Seite ist es eine recht einfache Geste, einen
Preis zurückzugeben, der sowieso im Studioregal verstaubt. Mir persönlich
imponierte die Haltung eines Sängers wie Campino mehr:
Er war der einzige Künstler, der noch am
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Abend der Aufführung auf offener Bühne
seinen Protest angemeldet hat – und gleichzeitig
seinen ECHO entgegennahm. Campino
hat gezeigt, dass die Anklage nicht die
Vernichtung braucht, sondern dass eine
wirkliche Debatte nur dann geführt werden
kann, wenn man das Gegenüber als solches
akzeptiert – nicht Farid Bang und Kollegah,
wohl aber die Phono-Akademie.
Das Gefährliche am Antisemitismus
ist nicht nur der antisemitische Song an sich,
sondern der kollektive Umgang mit ihm.
Antisemitismus in der Kunst per se als Kunst
zu legitimieren, ist, als würde man einen realen
Mord im Theater ungesühnt lassen, da er
ja auf der Bühne, also im Raum der Kunst,
stattgefunden hat. Diese Argumentation ist
nicht nur dumm, sondern auch feige.
Der ECHO und der Streit um den
ECHO ist ein Momentum unserer Zeit, in
dem wir zeigen können, wie ernst wir es
wirklich mit dem Kampf gegen Antisemitismus
in Deutschland meinen. Ich bin der
festen Überzeugung, dass dieses Zeichen
nur langfristig gesetzt werden kann. Dass
wir gut beraten wären, keine Fronten zu verhärten,
sondern Türen zu öffnen, um auch
jene wieder ins Boot des menschlichen und
vernünftigen Handelns zu holen, die einen
Fehler gemacht haben – dazu hätte auch die
Phono-Akademie gehört.
Nun ist der ECHO – und mit ihm der
ECHO KLASSIK – abgeschafft. Doch letztlich
war er, und gerade der ECHO KLAS-
SIK, auch eine Möglichkeit, Öffentlichkeit für Musik zu schaffen. Was
glauben diejenigen, die sich nun so freuen, denn? Dass in Zukunft
an Stelle des ECHO KLASSIK Neue Musik im Hauptprogramm des
Fernsehens gesendet wird? Wahrscheinlich wird es eher auf einen
Sendeplatz weniger für die Klassik herauslaufen und stattdessen der
„Musikantenstadl“ gezeigt.
Es hätte darum gehen müssen, eine glaubhafte Alternative zum
ECHO zu schaffen. Es hätte darum gehen müssen, Streit- und Debattenkultur
zu etablieren, statt auf den eigenen Fauxpas zu reagieren,
indem man sich unsichtbar macht. All das wäre gerade unter dem
Namen ECHO glaubhaft gewesen. Aber dieser Name ist nun Vergangenheit.
Es ist ein Trugschluss, dass die Probleme mit rassistischer,
frauenfeindlicher, gewaltverherrlichender und antisemitischer Musik
dadurch behoben sind, dass der ECHO als Preis abgeschafft wurde.
Wenn das Ende des ECHO auch das Ende der Debatte über Antisemitismus
sein sollte, wäre das fatal! Derzeit stehen wir, was den Musikpreis
betrifft, vor einen weißen Blatt Papier. Es ist nicht klar, wer das
Heft in die Hand nehmen wird. Aber uns sollte bewusst sein, dass dieses
leere Blatt nur eine Seite aus einem sehr dicken Buch ist, das viele
Seiten vorher hatte und dem viele Seiten folgen werden.
■
31

K Ü N S T L E R
Ein Gespräch mit
Geiger Ray Chen über
die Macht der Gefühle,
Vinyl-Nostalgie und das
Comedy-Potenzial
einer Waschmaschine
FOTO: TOM DOMS
32 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

„ICH WILL NICHT ALS GENIE ANGEBETET,
SONDERN ALS NORMALER MENSCH
WAHRGENOMMEN WERDEN“
CHARISMATISCHER
BRÜCKENBAUER
Der 29-jährige Geiger Ray Chen fesselt nicht
nur mit musikalischer Perfektion, sondern
erreicht mit einem bunten Mix aus Mode,
Musik und Popkultur über die sozialen Medien
ein großes und vor allem junges Publikum.
VON DOROTHEA WALCHSHÄUSL
Sie haben eine Karriere im Zeitraffer hingelegt: Mit acht Jahren das erste
Konzert, mit neun Jahren ein Auftritt bei der Eröffnungsfeier der Olympischen
Winterspiele in Nagano, mittlerweile haben Sie etliche Wettbewerbe gewonnen
und veröffentlichen gerade Ihr neues Album. Wie haben Sie Ihre musikalische
Stimme gefunden?
Ray Chen: Das war und ist ein Prozess. Im Laufe seines Lebens durchlebt man
verschiedene Kapitel, und immer wieder ändert sich der Blick auf die Musik. Ich bin
ja in Australien aufgewachsen. Mittlerweile ist Berlin meine europäische Heimat, und
gerade das Kennenlernen der deutschen Sprache war sehr wichtig für mich. Da ist
diese besondere Dynamik und Betonung von einem Wort wie „Ach-tung“. Das zu
hören, war tatsächlich Teil meines Interpretationsprozesses und hat mir sehr dabei
geholfen, die Klangwelt zu verstehen, die die Komponisten bewegt hat. Letzten Endes
ist Musik für mich aber eine universelle Sprache. Vielleicht bin ich ein Idealist, aber
ich versuche, in meinem eigenen Spiel das Beste aus jeder Schule herauszugreifen.
Wo fühlen Sie sich auf der musikalischen Landkarte am wohlsten?
Das ist schwer zu sagen. Es gibt so viel wunderbare Musik von so unterschiedlichen
Menschen. Doch ich glaube, dass sich meine Persönlichkeit am intensivsten im
33

K Ü N S T L E R
Ray Chen möchte
dem Publikum mit
seiner Musik zum
Freund werden.
FOTO: SOPHIE ZHAI
romantischen Repertoire widerspiegelt. Ich bin jemand, der mit
dem Herzen entscheidet und lebt. Mein Vater hat mir immer
gesagt: Es geht nicht darum, Recht zu haben. Es geht nicht um
Logik. Es geht um das Gefühl. Und was für Beziehungen gilt, gilt
bei mir auch für die Musik.
Auf Ihrem neuen Album beschwören Sie die Goldenen 20er-
Jahre und spielen neben dem Violinkonzert von Bruch Stücke
wie Summertime von Gershwin oder Schön Rosmarin von
Kreisler. Wie kam es dazu?
Das Goldene Zeitalter hat mich schon
„ICH LIEBE DEN
NOSTALGISCHEN CHARME
EINER VINYL-SCHALLPLATTE,
DAS LEICHTE KRATZEN DER
NADEL, BEVOR DER ERSTE
TON ERKLINGT“
immer fasziniert. David Oistrach, Fritz
Kreisler, Jascha Heifetz … all die großen
Geiger lebten damals. Das war eine Zeit
voller Kreativität und Atmosphäre! Ich
liebe den nostalgischen Charme einer
Vinyl-Schallplatte und das leichte Kratzen
der Nadel, bevor der erste Ton
erklingt. Es hat großen Spaß gemacht,
mich für das Album ganz in diese Klangwelt
hineinzubegeben.
Sie bespielen einen eigenen Youtube-Kanal, haben über 137.000
Follower auf Facebook und 65.000 auf Instagram. Kaum ein
klassischer Musiker nutzt die sozialen Medien so intensiv wie
Sie. Wird Ihnen das nicht manchmal zu viel?
Das Gute an den sozialen Medien ist ja, dass man selbst entscheiden
kann, wie oft man etwas postet. Fakt ist: Die Welt verändert
sich, und die sozialen Medien sind ein Werkzeug, das wir nicht
einfach so ignorieren können. Wir können natürlich darüber
philosophieren, ob das gut ist oder nicht. Aber wenn man die
sozialen Medien außen vor lässt, dann verliert man eine ganze
Generation! Für mich sind die sozialen Medien eine großartige
Möglichkeit, um gerade jüngere Leute zu erreichen. Dazu muss
man erst einmal ihre Aufmerksamkeit gewinnen. Ich spreche auf
meinem Facebook-Profil über Musik, stelle philosophische
Fragen, trete als Lehrer auf oder mache einfach nur Comedy …
Dann stecken Sie zum Beispiel eine Geige in die Waschmaschine
und holen ein geschrumpftes Exemplar wieder heraus.
Haben Sie da manchmal Sorge, nicht mehr als seriös wahrgenommen
zu werden?
Wir klassischen Musiker sind die ganze Zeit über damit beschäftigt,
möglichst seriös zu wirken. Auf der Bühne will ich das natürlich
auch, und ich würde zum Beispiel nie einen Witz über Bruchs
Violinkonzert machen. Aber ich glaube, dass mich die Menschen,
die mich als Musiker lieben, auch als Person kennenlernen
wollen. Und dazu gehört eben auch mein Humor.
Wie wichtig ist das Publikum für Sie?
Das Publikum begleitet mich Tag für Tag auf meinem Weg und
ist sehr wichtig für mich. Viele Künstler
wollen keine Schwäche zeigen. Ich sehe
das anders. Ich wende mich an mein
Publikum und sage: Was ihr da hört, ist
die beste Version von mir – heute – und
ihr könnt mich begleiten, wenn ich mich
weiterentwickele. Im Laufe dieses
Prozesses wachsen das Publikum und
ich immer enger zusammen. Das
Schlimmste wäre es für mich, stehen zu
bleiben. Sei du selbst, entwickle dich
weiter und kopiere dich nicht – das ist mein Motto. Natürlich
könnte ich auch einfach nur meinen Job machen, auf die Bühne
gehen, spielen und wieder gehen. Aber das ist mir zu wenig.
Welches Ziel verfolgen Sie stattdessen?
Das hat sich geändert. Am Anfang meiner Karriere habe ich
hauptsächlich gespielt und geübt. Mittlerweile denke ich immer
mehr über meine Rolle nach. Warum bin ich hier? Welchen Sinn
hat das, was ich tue? Das beschäftigt mich sehr. Ich will mit der
Musik etwas Größeres erreichen und für die Menschen, die mir
zuhören, zum Freund werden, der versteht, wie sie sich fühlen.
Ich will nicht als Genie angebetet, sondern als normaler Mensch
wahrgenommen werden, der gerne lacht, dem das Üben auch mal
keinen Spaß macht und der intensiv an sich
arbeitet. Im besten Fall kann ich dadurch ein
Vorbild sein.
„The Golden Age“, Ray Chen (DECCA)
■
34 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

HÖREN & SEHEN
Die besten CDs, DVDs & Vinylplatten des Monats von Oper über Jazz bis Tanz
Attila Csampais Auswahl (Seite 36)
crescendo-Empfehlungen lesen und direkt kostenlos dabei anhören?
Kein Problem: Auf www.crescendo.de finden Sie unsere Rezensionen mit direktem Link zum Anhören!
Christian Tetzlaff
Magische Intimität
Die Einspielung dieser beiden Violinkonzerte fesselt
von der ersten bis zur letzten Note. Christian Tetzlaff
und Hannu Lintu gelingt es, die kaleidoskopische Klangsprache
Bartóks zu ungewöhnlich farbenreichem Leben
zu erwecken. Tetzlaffs Interpretation des Zweiten Konzerts
ist durchgehend impulsiv und inspirierend: Überschäumende
Spielfreude, kraftvolles Temperament,
zartsinnige Melancholie – man wird regelrecht in die
Musik hineingezogen. In der Kantilene zu Beginn des
Ersten Violinkonzerts erzeugt Tetzlaff eine Stimmung
magischer Intimität. Mit außergewöhnlicher Klangschönheit
gestaltet er auch im weiteren Verlauf die
großen Melodiebögen. Alles wirkt wie aus einem Guss
und kommt dem Charakter eines Livekonzerts sehr
nahe. Das Zusammenspiel der Solovioline mit dem feinfühlig
begleitenden Orchester sowie der hervorragende
Klang der Aufnahme machen diese Album zu
einem echten Hörgenuss. Absolut empfehlenswert! AF
SOLO
B. Bartók: „Violin Concertos
Nos 1 & 2“, Christian Tetzlaff,
Hannu Lintu (Ondine)
Track 7 auf der crescendo
Abo-CD: Violinkonzert Nr. 1,
Sz 36. I. Andante
FOTO: GIORGIA BERTAZZI
35

H Ö R E N & S E H E N
Empfehlungen von Attila Csampai
GUTE
UNTERHALTUNG!
… wünscht unser Chefrezensent mit neuen Alben,
die gute Laune verbreiten.
G. F. HÄNDEL:
WATER MUSIC & ROYAL FIREWORKS
La Simphonie du Marais, Hugo Reyne
(Musiques à la Chabotterie)
Händels Wassermusik-Suiten erklangen zum
ersten Mal bei einer Bootsfahrt, die König
George I. am 17. Juli 1717 auf der Themse nach
Chelsea unternahm, um dort an einem Abendessen teilzunehmen.
32 Jahre später feierte sein Sohn George II. den Frieden von
Aachen mit einem riesigen Feuerwerk im Londoner Hyde Park, zu
dem der betagte Händel eine weitere prächtige Suite beisteuerte.
Jetzt hat das von dem französischen Flötisten und Oboisten Hugo
Reyne gegründete Barockensemble La Simphonie du Marais beide
Freiluftmusiken in einer Kirche in der Vendée in überschaubarer
Besetzung eingespielt. Und es hat dabei einen neuen Standard an
Frische, Spielfreude und französischer Klarheit gesetzt, der sich
wohltuend abhebt von der Schärfe und Sprödigkeit vieler Originalklang-Konkurrenten,
zugleich aber auch den aufgemotzten
Glanz der älteren Händel-Tradition meidet: So locker, so anmutig
elegant, so tänzerisch beschwingt und farbig hat man diese ewig
jungen Festmusiken selten zu hören bekommen. Zugleich glänzen
seine 28 Topmusiker mit punktgenauer Präzision und einer virtuosen
Rasanz, die in manchen Stücken sogar die Jazz-Gene Händels
freilegt. Höfische Etikette verwandeln sie in swingende Bewegungsmuster
und verbreiten ansteckende positive Energie: Swinging
London vor 300 Jahren!
W. A.MOZART: MASONIC WORKS
John Heuzenroeder, Die Kölner Akadamie,
Michael Alexander Willens (BIS)
Von den Auftragsarbeiten Mozarts für die
Wiener Freimaurer konnte sich nur die Maurerische
Trauermusik im Repertoire halten. Die
acht kürzeren Vokalwerke sind unbekannt.
Lediglich mit der Zauberflöte, seiner populärsten Oper, konnte
sich der Freimaurer Mozart ein dauerhaftes Denkmal setzen. Jetzt
hat die Kölner Akademie unter ihrem Leiter Michael Alexander
Willens alle „echten“ Freimaurer-Musiken Mozarts in einem
Album zusammengefasst und für den Solopart den exzellenten
australischen Tenor John Heuzenroeder verpflichtet. Die zwischen
1784 und 1791 für verschiedene Wiener Logen komponierten
Vokalsätze, die zumeist für Tenor, Männerchor und Instrumentalbegleitung
gesetzt sind, vertonen aktuelle, feierlich-erbauliche
Texte, die die Tugenden, Ideale und die neue brüderliche
Moral des Geheimbundes in den schönsten Farben preisen und
fast als religiöses Ritual zelebrieren. Es fällt auf, dass Mozart die
Sache sehr ernst nimmt und sich hier auf dem Niveau seiner Wiener
Opern bewegt. Die lyrische Emphase der Lieder erinnert an
Opernfiguren wie Belmonte oder Tamino. Den Höhepunkt des
Albums aber bildet die Schauspielmusik zu Thamos aus dem Jahr
1778, die als dramatische Sturm-und-Drang-Sinfonie durchgehen
könnte und die hier von der hochmotivierten Kölner Truppe mit
glasklar durchgezeichneter, attackierender Verve unter Strom
gesetzt wird: So rabiat klingt Mozart selten.
GERSHWIN, COPLAND, CARTER U. A.:
I GOT RHYTHM
David Lively (La Musica)
David Livelys Karriere verlief atypisch. Der
1953 in Ohio geborene Pianist gab bereits mit
14 sein US-Orchesterdebüt, übersiedelte aber
bereits mit 16 nach Paris, wo er seinen neuen
Lebensmittelpunkt fand: Er wurde Franzose, unterrichtete am
Pariser Konservatorium, blieb aber im Herzen eng mit seiner
alten Heimat verbunden. Seine US-Gene prägen jetzt eine vor
Spielfreude überquellende Revue amerikanischer Klaviermusik,
die in 28 ausgewählten Miniaturen den alles entscheidenden Einfluss
der afroamerikanischen Musikkultur, also des Blues und
ZEICHNUNG: STEFAN STEITZ
36 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

des Jazz, bei neun „seriösen“ Komponisten von Gottschalk,
Gershwin, über Copland, Barber, Carter und Ives bis zu den
postmodernen Zeitgenossen Albright und Bolcom nachspürt.
Im Mittelpunkt stehen zwölf Evergreens aus dem legendären
Songbook George Gershwins, die Lively in den lakonisch-kurzen
Originalversionen und mit einer für die Roaring Twenties
typischen marionettenhaft-eckigen Ragtime-Attacke dem Hörer
so aufreizend und trocken-prägnant um die Ohren schlägt, dass
man wie von Taranteln gestochen unweigerlich mittanzen
möchte. Das ist das Gegenteil von zuckersüßer Nostalgie, vielmehr
eine elektrisierende, rigoros klare, lustvoll sprühende
Wiederbelebung der subversiven Energien dieser niemals alternden
Musik: simply irresistible!
TOLDRÀ, RESPIGHI, KOMITAS, ROTA:
SOUTHERN TUNES
Ensemble Esperanza (Ars Produktion)
Das Ensemble Esperanza ist ein international
besetztes junges Streichorchester, das erst
Ende 2015 in Liechtenstein gegründet wurde
und das schon ein Jahr später mit seinem
Debütalbum „Nordic Suites“ weltweit für Furore sorgte. Die mit
15 Damen und vier Herren im Alter von 17 bis 29 Jahren besetzte
Formation unter der Leitung der französischen Top-Geigerin
Chouchane Siranossian hat jetzt seine zweite SACD veröffentlicht.
Und wieder verzaubert sie auf Anhieb durch ihre Präzision,
ihre warme sinnliche Klangkultur und ein jugendliches Feuer,
das geballte positive Energie verströmt. Diesmal wendet das
Ensemble den Blick nach Süden und hat die erst vor Kurzem entdeckte
Suite per archi Respighis und das 1966 komponierte Concerto
per archi von Nino Rota mit kaum bekannten Werken der
Katalanen Eduard Toldrà (1895–1962) und des armenischen
Komponisten Komitas (1869–1935) kombiniert. Beide Funde
beschwören mit klassizistischer Eleganz die musikalischen Traditionen
ihrer Regionen, wobei die magischen Miniaturen des
vergessenen Armeniers intime Einblicke geben in eine fast ausgelöschte
Kultur. Ein weiteres Top-Album einer mehr als hoffnungsvollen
Formation.
ACTITUD TANGUERA
Luis Bacalov (Urania Records)
Im November 2017 starb in Rom der große
argentinische Filmkomponist Luis Bacalov.
Er schrieb die Musik zu zahlreichen Italo-
Western, aber auch zu Fellinis Stadt der
Frauen, zu Pasolinis Matthäus-Passion und
zu Radfords The Postman. Seine besondere Liebe galt dem argentinischen
Tango, dem er diverse großformatige Werke widmete.
Zwei Jahre vor seinem Tod spielte Bacalov im Alter von acht Jahren
bei einem kleinen italienischen Musikfestival ein Klavierrecital
mit einer Auswahl seiner liebsten Tangos und spannte
einen Bogen von den „Klassikern“ wie Ignacio Cervantes und
Isaac Albéniz über Carlos Gardel und Angel Villoldo bis zu den
Reformern Astor Piazzolla, Ennio Morricone und ihm selbst. Es
ist eines der schönsten, bewegendsten, musikalisch und pianistisch
herausragendsten Tango-Alben, die ich je gehört habe, eine
faszinierende Traumreise in den Seelenkern des Tango, dargeboten
mit einer Zärtlichkeit, einer schneidigen Eleganz, einer
schlackenlosen Prägnanz und einer inneren Glut, die einen vom
ersten Akkord an fesselt, elektrisiert und fast zu Tränen rührt.
Es ist unfassbar, welche humanen Lebensenergien der exzellente
Pianist Bacalov diesen Miniaturen abtrotzt, wie er ohne jegliche
Attitüde, ganz geradlinig und punktgenau die Leidenschaft, das
Drama und den Schmerz des Tango auf seinem Steinway choreografiert
und dabei immer nobel, präzis und gespannt bleibt: eine
Sternstunde, ohne jeden Zweifel.
STÄNDCHEN DER DINGE.
„GEHT ES IMMER SO WEITER?“
Franui (col legno)
Mit herkömmlicher, seicht dröhnender
Volksmusik hat Franui nichts zu tun. Die
1993 in einem Osttiroler Bergdorf gegründete
„Musicbanda“ adaptiert mit Vorliebe klassisches
Liedgut von Schubert und Mahler und befreit sie mit der
rustikalen Besetzung von sieben Bläsern, Zither, Hackbrett und
Geige von allem zivilisatorischen Müll, von allem Konzertsaal-
Mief. Zum 25. Jubiläum ziehen die zehn Bergvirtuosen eine Art
Bilanz: Es ist eine aufregende Nabelschau mit rezitierenden Gästen,
Erfolgstiteln und unveröffentlichten Raritäten – kurzum,
der ganze Horizont ihres himmelblauen Alpenpanoramas. Trauermarsch
und Polka bilden den Lebensrahmen dieser glasklaren,
hart konturierten Musikkultur – „denn wenn man einen Trauermarsch
viermal so schnell spielt, wird er zu einer Polka“. Bald
merkt man, dass der bäuerliche Sound den wahren subversiven
Kern der Truppe nur schützt und wie eine Tracht ihre ungezügelte
Fantasie bemäntelt. So entsteht bei Franui aus der Asche
der längst verbrannten „Volksmusik“ eine völlig neue Art von
artifizieller Archaik, die auf raffinierte Weise Authentisches aus
den unterschiedlichsten Quellen zusammenbraut: Dieser Zaubertrank
berauscht und elektrisiert und verpasst dem geschundenen
Genre einen unglaublichen Qualitätsschub.
J. S. BACH: DIE KUNST DER FUGE
Austrian Art Gang (Gramola)
Von Bachs spätem Gipfelwerk Die Kunst der
Fuge gibt es eine Unzahl von Adaptionen,
aber eine Jazzversion war mir bisher nicht
bekannt: Fünf klassisch ausgebildete österreichische
Topmusiker, The Austrian Art
Gang, haben nach langer Vorbereitung das Experiment gewagt,
Bachs kunstvollsten Kontrapunkt-Zyklus in eine intim anmutende
Kammermusiksphäre von Gitarre, Fagott, Cello, Kontrabass
und wechselnden Vertretern der Saxofon- und Klarinettenfamilie
zu versetzen und dabei diese Exempel der Strenge und
Komplexität ganz zärtlich und respektvoll mit Leben zu füllen.
Durch feine, behutsam eingearbeitete Improvisationslinien
lockern sie in acht ausgewählten Fugen die engen Fesseln des
strengen Kontrapunkts und verleihen den nunmehr frei atmenden
Einzelstimmen menschliche Züge, ohne aber die strukturelle
Logik von Bachs Architekturen anzutasten. So entsteht ein
neues, sehr intimes und innerlich pulsierendes Spannungsfeld
von Form und Freiheit, von Struktur und Impuls und eine Art
menschlich durchlebter, atmender Kontrapunkt: Man spürt so
in besonderer Weise die spirituelle Tiefe und die humane Kraft
dieser Musik.
37

H Ö R E N & S E H E N
Nils Mönkemeyer
Barocke Tiefe
Sie scheint direkt mit der Seele zu sprechen, die barocke
Bratsche. Mit warmem Klang und leiser Melancholie hat Nils
Mönkemeyer auf seinem Instrument Werke eingespielt, die
ursprünglich für Gitarre, Laute oder Theorbe gedacht waren.
Der Bratschist knüpft wunderbar an die barocken Traditionen
an und bringt in den Kompositionen von Robert de
Visée, Johann Sebastian Bach, Silvius Leopold Weiss und
Michel Lambert dennoch sein ganz eigenes Klangverständnis
zum Ausdruck. Eine reizvolle Ergänzung erfährt das Album
durch die Sopranistin Dorothee Mields, den Lautisten
Andreas Arend sowie Sara Kim und Niklas Trüstedt an Bratsche
und Gambe, mit denen Nils Mönkemeyer versierte
Alte-Musik-Spezialisten um sich versammelt hat. So sind die
Aufnahmen von einem tiefen Verständnis für die Feinheiten
einer gelungenen historischen Aufführungspraxis durchdrungen,
die das barocke Album zu einer durch und durch runden
Sache machen. KK
Bach, Lambert, de Visée, Weiss: „Baroque“,
Nils Mönkemeyer, Dorothee Mields, Andreas Arend,
Sara Kim, Niklas Trüstedt (Sony)
FOTO: IRENE ZANDEL
SOLO
Jacqueline du Pré und Mstislav Rostropovich
Cello-Exzess
Zwei legendäre Cellisten als Interpreten zweier monumentaler Cellokonzerte
auf einem Album. Doch das Spannendste daran: Es sind nicht
die berühmt gewordenen perfektionierten Studioaufnahmen. Diese beiden
1962 entstandenen Konzertmitschnitte haben vor allem eines
gemein: ihre Emotionsgeladenheit. Die gerade einmal 17-jährige Jacqueline
du Pré studierte zum Zeitpunkt der Aufnahme bei Paul Tortelier in
Paris. Und so spielte sie an diesem Abend in der Londoner Royal Festival
Hall auch die von ihm komponierte Kadenz zum Schumann-Konzert, die
in der berühmteren Version von 1968 nicht mehr zu hören ist. Du Prés
Spiel ist bereits unverkennbar: Voller Energie und mit einer gehörigen
Portion Risiko stürzt sich die junge Cellistin in Schumanns Klangwelt,
dabei geht durchaus nicht alles glatt, aber gerade das versprüht einen
besonderen Reiz. Mit gleicher Verve ist Mstislav Rostropovich als Solist
des Dvořák-Konzerts im Mitschnitt einer Radioübertragung vom Edinburgh
Festival 1962 zu hören. Geradezu massiv erscheint der berühmte
erste Celloeinsatz, die groß angelegten Spannungsbögen erlauben kein
Weghören. Auffallend sind die flott gewählten Tempi. Auch in der Zugabe,
der Aria aus Villa-Lobos’ Bachianas Brasileiras reißt der Cello-Gigant seine
Frau, Sopranistin Galina Vischnevskaja, mit in eine
energiesprudelnde Interpretation. Beinahe
wünscht man sich, dass dieser Exzess wieder ein
wenig mehr in Mode kommen möge. SK
R. Schumann: „Cello Concerto in A minor“, A. Dvořák: „Cello
Concerto in B minor“, Jacqueline du Pré, Mstislav Rostropovich
(ICA Classics)
Jonathan Crow, Douglas McNabney,
Matt Haimovitz
Kontemplative Innigkeit
KAMMER-
MUSIK
Das Album mit Mozarts Divertimento für Streichtrio
und seinen Preludes to Bach widmet sich der Tonsprache
des Komponisten auf ausgesprochen intime Art und
Weise. Mit kontemplativer Innigkeit und wacher Sensibilität
durchdringen Jonathan Crow an der Geige, Douglas
McNabney an der Bratsche und Matt Haimovitz am
Cello die verschiedenen Schöpfungen und leuchten
ihren filigranen Klangkosmos eindrucksvoll aus. Dabei
ziehen die drei Musiker mit einem fein austarierten
Trioklang und großer Präsenz im kammermusikalischen
Dialog in den Bann und zeugen in ihrem Spiel von
ebenso großer Demut wie tiefsinniger Ausein an dersetzung
mit den besonderen Werken. Nicht die brillante
Außenwirkung und bravouröse Virtuosität stehen
hier im Vordergrund. Vielmehr richtet das Trio den
Blick konzentriert nach innen und durchdringt die polyfonen
Kompositionen mit bestechender Ernsthaftigkeit
und Tiefe. DW
„Mozart Divertimento & Preludes to
Bach“, Jonathan Crow, Douglas McNabney,
Matt Haimovitz (Pentatone)
Track 2 auf der crescendo Abo-CD:
Fuge VIII, WTC I. Aus: Präludien und
Fugen KV 404a
38 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

Peter Kofler
Im Orgelversum
Darth Bach im Orgelversum – so „spacig“ sieht das Cover der
Gesamteinspielung aller Orgelwerke des Thomaskantors durch den
Münchner Organisten Peter Kofler aus. Und Folge zwei der Einspielung
beweist: Kofler spielt absolut solide, virtuos, brillant – und
zuweilen überraschend. Bachs Bearbeitung des d-Moll-Konzerts von
Antonio Vivaldi durcheilt er unfassbar flott, drei Choralvorspiele
über Nun kommt der Heiden Heiland dagegen präsentiert er äußerst
gravitätisch. Was aber stets deutlich wird: Koflers in vielen Details
sehr differenzierte Interpretationen sind durchdacht, stringent, aus
einem Guss. Wirklich „spacig“ ist dagegen die Aufnahmetechnik:
10-kanaliges Auro 3D. Das klingt himmlisch, aber Stereo tut’s auch. In
jedem Fall ist alles glasklar durchhörbar, denn die Balance von Instrument
und Raum ist trotz der extrem halligen
Akustik ausgezeichnet. GK
J. S. Bach: „Opus Bach“, Peter Kofler (Horos, IFO Classics)
Track 4 auf der crescendo Abo-CD:
Triosonate C-Dur, BWV 529. II. Largo
SOLO
Martin Klett
Zwischen Tango und Chopin
Die Tonsprache des Komponisten Carlos Guastavino (1912–2000) ist
unbeeinflusst von der Moderne. In seinen Werken verwebt der
Argentinier Einflüsse von Komponisten wie Chopin, Debussy oder
Rachmaninow mit Elementen argentinischer Folklore. Der deutsche
Pianist Martin Klett (*1987) hat nun einige seiner Stücke ausgewählt
und zusammen mit Sergei Rachmaninows Zweiter Klaviersonate in der
überarbeiteten Version von 1931 eingespielt. Darunter finden sich
eine Sonatine sowie eine Reihe von folkloristisch geprägten Cantos,
„Liedern ohne Worte auf Argentinisch“, wie sie Klett treffend
bezeichnet. Das ist originelle Musik, die zwischen Kunst und Unterhaltung
pendelt, was ihren speziellen Reiz ausmacht. Klett interpretiert
sie mit dem nötigen Tangoschwung, zeigt jedoch auch hohe
Klangkultur und kantables Linienspiel, wenn es verlangt wird. Auch
die Deutung von Rachmaninows hochvirtuoser
Zweiter Klaviersonate überzeugt durch kultiviert
temperamentvolles Spiel in den Ecksätzen
und einen lyrisch schlichten Ton im
langsamen Satz. MV
„Gustavino, Rachmaninoff“, Martin Klett (SWR2)
Münchner Philharmoniker
Magische
Klangrede
ORCHES-
TER
In seinen beiden letzten Orchesterwerken, dem
1943 entstandenen Konzert für Orchester und in dem
kurz vor seinem Tod (fast) vollendeten Klavierkonzert
Nr. 3 hat Béla Bartók ein durchaus versöhnliches und
hoffnungsvolles Resümee seiner musikalischen
Ästhetik und seiner tief humanen, völkerverbindenden
Botschaft gegeben: Beide verdichten die
Weite seines musikalischen Horizonts und die Tiefe
seiner Empfindung in verständliche, auf festem
Boden stehende und doch magische Klangrede. Jetzt
hat der spanische Dirigent Pablo Heras-Casado
beide Werke mit den Münchner Philharmonikern
eingespielt und seinem Landsmann Javier Perianes
den Klavierpart anvertraut: Sie bieten einen ganz
neuen, feinsinnig differenzierten, prägnant frischen,
vom beschwörenden Pathos ungarischer Interpreten
klar abgesetzten Blick auf Bartóks komplexe Strukturen
und lassen so auch den Klangfarbenzauber, die
filigrane Feinmechanik und Bartóks abgeklärtes Spiel
mit dem sinfonischen und konzertanten Vokabular
präzise und doch beseelt aufleuchten: Man spürt
hier, wie sich in Vorahnung seines nahenden Endes
Hoffnung, Verzweiflung und Sehnsucht empfindsam
vermischen. Perianes’ Noblesse und schlichte Klarheit
verleihen dem Klavierkonzert fast Mozart’sche
Wahrhaftigkeit. AC
Béla Bartók: „Konzert für Orchester, Klavierkonzert Nr. 3“, Javier Perianes, Münchner Philharmoniker, Pablo Heras-Casado (Harmonia Mundi)
Track 8 auf der crescendo Abo-CD: Orchesterkonzert BB 123, Sz 116. III. Elegia. Andante non troppo
Lika Bibileishvili
Hinreißend musiziert
Die junge, in München lebende Georgierin Lika Bibileishvili debütiert
bei Farao Classics mit einem hoch anspruchsvollen Programm:
Prokofjews 6. Sonate, Ravels Gaspard de la nuit und den
Sonaten von Sibelius und Bartók. Am wunderbarsten gelingen die
zehn aus Opus 76 ausgewählten Stücke von Jean Sibelius. Hier
offenbart sich Bibileishvili nicht nur als makellose Pianistin, sondern
als innig beseelte, flexibel sich verwandelnde, schalkhafte und
feinsinnige Musikerin. Selten hört man diese unterschätzten Miniaturen
so hinreißend charakteristisch musiziert! Bei Prokofjew und
Bartók, und vor allem bei Ravel, stellt sich noch kein bezwingendes
Gesamterleben der größeren Formen ein. Auch das ist pianistisch
auf sehr hohem Niveau gespielt, und sie steht dabei vielen,
die bereits Karriere gemacht haben, in nichts nach. Doch bei ihrer
Sensitivität und Unmittelbarkeit ist
Großes zu erhoffen. CS
SOLO
FOTO: PRIVAT
„Prokofjew, Ravel, Sibelius, Bartók“, Lika Bibileishvili
(Farao Classics)
Track 3 auf der crescendo Abo-CD: Gaspard de la Nuit.
III. Scarbo von Ravel
39

H Ö R E N & S E H E N
FOTO: SIMON FOWLER
SOLO
Renaud Capuçon
Betörender Bartók
Unglücklich in die Geigerin Stefi Geyer verliebt, komponierte
Béla Bartók als Student zwischen 1907 und 1908
sein erstes Violinkonzert. Genau 30 Jahre später schrieb
er ein zweites Konzert, das zu den besten seiner Gattung
gerechnet wird. In einer neuen Aufnahme mit dem London
Symphony Orchestra unter seinem Ersten Gastdirigenten
François-Xavier Roth nähert sich der französische
Violinvirtuose Renaud Capuçon beiden Stücken mit berückender
Sensibilität. Das leidenschaftliche Jugendwerk
des Komponisten interpretiert der Solist mit zartem
lyrischen Schmelz. In dem späteren Werk, in dem Bartók
auch mit Zwölftonreihen experimentiert, kontrastieren
kantable, von Melancholie geprägte Passagen mit vehementen,
schroffen Ausbrüchen. Besonders eindrücklich
gestaltet Capuçon den langsamen Variationssatz
Andante tranquillo – Allegro scherzando – Tempo I, in
dem der Klang seines Instruments eine intensive
Strahlkraft entfaltet. CK
Béla Bartók: „Violin Concertos Nos. 1 & 2“, Renaud Capuçon,
London Symphony Orchestra, François-Xavier Roth (Erato)
Breslauer Philharmonie
Pärts
Ästhetik-Zeitreise
ORCHES-
TER
Diese erste Gesamteinspielung der vier Sinfonien
von Arvo Pärt ist eine ästhetische Zeitreise. Die
ersten beiden (1963, 1966) schrieb Pärt noch von
Zwölftonmusik beeinflusst, doch findet sich
inmitten kunstvoller Kontrapunktik (Nr. 1) schon
ein langsamer Spannungsaufbau, der an Schostakowitsch
und den späteren Pärt erinnert. Der
Mittelsatz der Zweiten Sinfonie klingt wie die
Karikatur einer „modernen“ Komposition. Doch
endet die Sinfonie nach krabbelnder, wuselnder
Musik mit einem unironischen Tschaikowsky-
Zitat geradezu harmoniesüchtig. Die Sinfonien
drei und vier entstanden nach Pärts religiöser wie
ästhetischer Wende. Auf Sozialistischen Realismus
pfiff Pärt schon immer, nun auch auf die
Avantgarde. Die populäre, schlichte Dritte (1971)
bedient sich gregorianischer Stilmittel. In der
Vierten (2008) heben und senken sich große
Klangflächen langsam, wie ein großes, aber
ruhiges Schiff auf hoher See, allen Stürmen trotzend.
Der mit diesen Aufnahmen betraute Freund
Pärts, Tõnu Kaljuste, nimmt die vier Werke „wie
eine einzige, große Symphonie“: deswegen die
fließenden Übergänge zwischen den Tracks. Das
Breslauer Orchester kann sich mit jeder Konkurrenz
messen . JL
Arvo Pärt: „The Symphonies“,
NFM Wrocław Philharmonic,
Tõnu Kaljuste (ECM New Series)
Lucas & Arthur Jussen
Hommage an
Willemsen
Viele Kinder kennen und lieben ihn: den
Karneval der Tiere. In der Version, die Katja
Riemann mit dem hervorragenden niederländischen
Klavierduo Lucas und Arthur
Jussen und Mitgliedern des Concertgebouw-Orchesters
Amsterdam veröffentlicht
hat, richtet er sich hingegen eher an
erwachsene Zuhörer. Saint-Saëns’ Zwischentexte
nämlich werden hier durch
Verse des 2016 verstorbenen Roger
Willemsen ersetzt. Riemann – einst eng
mit Willemsen befreundet – trägt dessen
pointenreiche Miniaturen, in denen Tiere
und Menschen augenzwinkernd porträtiert
werden, engagiert und nuancenreich
vor. Nun muss man diese Art von Lyrik, bei
der „Kieler Sprotte“ auf „Gavotte“ und
„pro forma“ auf „Nessun dorma“ gereimt
wird, freilich mögen; spätestens dem finalen
Aufruf zur Offenheit gegenüber allen
Musikstilen und Epochen aber kann man
nur zustimmen. Und in musikalischer Hinsicht
ist das Album definitiv ein Genuss! JH
Als neuer Abonnent erhalten
Sie diese CD (siehe S. 80)
KAMMER-
MUSIK
Camille Saint-Saëns: „Der
Karneval der Tiere“, Katja
Riemann, Lucas & Arthur
Jussen (Deutsche Grammophon)
OPER
Wiener Staatsoper
Großer Bahnhof für
die alte Dame
So trotzig „antimodern“ Gottfried von
Einems Dürrenmatt-Vertonung bei der
Uraufführung an der Wiener Staatsoper
1971 auch geklungen haben mag, so wirksam
ist sie bis heute geblieben – als atmosphärische,
das Drama verstärkende Theatermusik,
die großen Singschauspielern Raum
zur Entfaltung bietet. Und solche waren
unter Horst Stein wahrlich versammelt:
Hans Beirers heldentenorale Bürgermeisteransprachen
wackeln passend zwischen
Realismus und Parodie hin und her, Hans
Hotter und Manfred Jungwirth steuern als
Lehrer und Pfarrer Wotan-Autorität und
öliges Salbadern bei, Heinz Zednik brilliert
mit anklagender Schärfe, Eberhard
Waechter verleiht dem Ill angestrengtflehentlichen
Wohlklang – und über allem
schwebt die vibrierende, spöttisch unterfütterte
Sinnlichkeit von Christa Ludwig, eine
keineswegs alt klingende Claire Zachanassian.
Ein faszinierendes Dokument zu Einems
Hunderter und Ludwigs Neunziger. WW
G. v. Einem: „Der Besuch
der alten Dame“, Christa
Ludwig, Eberhard
Waechter, Heinz Zednik,
Hans Hotter, Manfred Jungwirth,
Orchester der Wiener
Staatsoper, Horst Stein
(Orfeo)
40 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

OPER
Radio-Symphonieorchester Wien
Feinsinniges
Beziehungsdrama
Bertrand de Billys Sicht auf Puccinis ersten Teil
des Trittico steht dem Tristan weitaus ferner als
andere Aufnahmen. Ganz abgesehen davon,
dass der 2016 viel zu früh verstorbene Johan
Botha einen bei aller Leidenschaft auch feinstimmigen
Arbeiter Luigi gibt: Die Tragödie
vollzieht sich hier packend, auch weil das ORF-
Radio-Symphonieorchester Wien Puccinis
Modernität in der düsteren Milieustudie auf
dem Seine-Schleppkahn pointiert ausspielt. Die
vielen Details, aus denen der Walzer, der Liederverkäufer
und das Liebespaar das Beziehungsdrama
mit dem so fernen schöneren Pariser
Leben durchduften, bekommen allen Stimmen
bestens. Elza van den Heever gibt eine
noch mädchenhafte Giorgetta, also darf sogar
Wolfgang Koch als Michele neben heldischhochdramatischen
Tönen mit hier ungewohnter
Lyrik leiden. Bei aller Kraft für die eruptiven
Melodien besticht die Aufnahme vor allem
durch feinstufige Geschmeidigkeit. DIP
G. Puccini: „Il tabarro“, Johan
Botha, Elza van den Heever,
Wolfgang Koch, Wiener Singakademie,
ORF Vienna Radio
Symphony Orchestra, Bertrand
de Billy (Capriccio)
Track 10 auf der crescendo
Abo-CD: T’ho colto!
Katharina Konradi
Gedankenvoll
„Gedankenverloren“ heißt das Debütalbum
der Sopranistin Katharina Konradi.
Darauf widmet sie sich einer Auswahl
von Liedern von der Romantik bis ins
20. Jahrhundert. Diese Lieder sind teilweise
seit ihrer Schulzeit Wegbegleiter
der Sopranistin. Sie ist jung und trägt deshalb
das Nachwuchs-Etikett. Umso unbefangener
kann man sich für die Musik dieser
Aufnahme öffnen, es lohnt sich!
„Gedankenverloren“ ist ein guter Titel
für den Liederabend „zu Hause“: Vom
Programm und den so ruhig geführten
und im besten Sinne eindeutigen Interpretationen
– am Klavier wird Konradi
von Gerold Huber begleitet – kann man
sich wunderbar in andere Gedankenwelten
entführen lassen. Andererseits
muten Titel und Programm für ein
Debüt album fast schon zu bescheiden an:
Ja, Katharina Konradi ist jung, auch ihre
Stimme, aber dafür wirkt sie unverfälscht,
authentisch, anziehend – und
schlichtweg zuhörensbegehrenswert. UH
Schubert, Krenek,
Strauss, Trojahn u. a.:
„Gedankenverloren“,
Katharina Konradi,
Gerold Huber (Genuin)
GESANG
Mary-Ellen Nesi
Griechische
Girlpower
Auf ihrem neuen Soloalbum „Archetypon“ hat
sich Mary-Ellen Nesi mit dem Mythos der Primadonna
auseinandergesetzt und spürt gemeinsam
mit dem Ensemble Armonia Atenea unter der
Leitung von George Petrou den Einflüssen der
griechischen Tragödie nach, die sowohl die
Barockzeit als auch die frühe Klassik musikalisch
geprägt hat. Dafür schlüpft die griechische Mezzosopranistin
in die Rollen faszinierender Frauengestalten,
denen sie eine große Portion Charisma
einhaucht, indem sie ihre beeindruckende stimmliche
Wandlungsfähigkeit voll ausschöpft. Die
musikalischen Handschriften von Georg Friedrich
Händel und Christoph Willibald Gluck werden
durch Arien von Andrea Stefano Fiorè, Luigi Cherubini,
Johann Adolf Hasse, Giovanni Paisiello und
Nicola Antonio Porpora ergänzt, sodass ein komplexer
Eindruck der musikalischen Auseinandersetzung
mit der Antike im 18. Jahrhundert entsteht.
Mary-Ellen Nesi erweist sich als glänzende
Vermittlerin des spannenden Sujets. KK
Händel, Cherubini, Porpora u. a.:
„Archetypon“, Mary-Ellen Nesi,
Armonia Atenea, George Petrou
(MDG)
Track 5 auf der crescendo
Abo-CD: Non vi turbate, no. Aus:
Alceste von Gluck
Bestbesetzung
Mehr als 80 Engelmusikanten mit ihren legendären
elf weißen Punkten auf grünen Flügeln gehören
zum weltberühmten Grünhainichener Orchester.
Kult seit 1923. Zum Sammeln und Verschenken.
Damit das Konzerterlebnis nie zu Ende geht.
Erhältlich über autorisierte Fachhändler auf dem
Online-Marktplatz von Wendt & Kühn unter
WWW.WENDT-KUEHN.DE
Wendt & Kühn KG
Chemnitzer Str. 40 · 09579 Grünhainichen
Telefon (037294) 86 286

H Ö R E N & S E H E N
Marie-Elisabeth Hecker
Schmerz und
Sehnsucht
Wer sich entscheidet, Edward Elgars Cellokonzert
einzuspielen, läuft stets Gefahr, mit der
unvergessenen Aufnahme der jungen Jacqueline
du Pré verglichen zu werden, die das spätromantische
Werk 1965 wieder populär machte.
Das Konzert sei „ein Schwanengesang, von
seltener und vergänglicher Schönheit“ urteilte
der Kritiker Neville Cardus. Zum Glück ist
diese Schönheit nur so vergänglich, dass es immer
wieder gelingt, sie zu erwecken. Cellistin
Marie-Elisabeth Hecker vermag dies auf ihrer
neuen Aufnahme hervorragend. In Kombination
mit dem selten gespielten Klavierquintett,
das mit hochkarätigen Kammermusikpartnern
besetzt ist, gelingt ihr ein feinsinniges Porträt
des späten Elgar. Die beiden Stücke sind seine
letzten vollendeten Werke, beide entstanden
im Frühjahr 1919, einer schweren Zeit im Leben
des Komponisten. Seine Frau war schwer
krank und der Erste Weltkrieg hatte ihn stark
mitgenommen. Diese Musik ist der Schwanengesang
eines Mannes, der voller Schmerz und
Sehnsucht zurückblickt – und hier unglaublich
durchdringend interpretiert wird. SK
E. Elgar: „Cello Concert, Piano
Quintet“, Marie-Elisabeth
Hecker, Antwerp Symphony
Orchestra (Alpha)
Track 6 auf der crescendo
Abo-CD: Sospiri, op. 70
Lili Boulanger
Vergessene
Komponistin
Der 100. Todestag
von Claude Debussy
steht in diesem Jahr
weltweit im Fokus.
Weitaus weniger
Aufmerksamkeit
erhält Lili Boulanger,
die 1918 im Alter
von nur 24 Jahren starb. Dabei hielt der
Dirigent Igor Markevitch sie sogar für die
„größte Komponistin der Musikgeschichte“.
Für das Label Carus haben das Orpheus
Vokalensemble und der Pianist Antonii
Baryshevskyi unter Leitung von Michael
Alber mystische Chorwerke und an Klangfarben
reiche Klavierstücke aufgenommen.
Boulanger ließ vom Symbolismus inspirierte
Landschaften erstehen, in denen sich flötespielende
Hirten und Sirenen tummeln. Subtil
perlende Melodien verraten den Einfluss
zeitgenössischer Vorbilder wie Debussy.
An dessen Klavierkomposition La cathédrale
engloutie aus dem ersten Band seiner
Préludes erinnern die dramatischen Steigerungen
in Boulangers Hymne au soleil. Dieses
Album lädt dazu ein, das eindrucksvolle
Oeuvre einer viel zu wenig beachteten
Künstlerin zu entdecken. CK
Lili Boulanger: „Hymne au Soleil“, Orpheus Vokalensemble,
Antonii Baryshevskyi, Michael Alber (Carus)
SOLO
Caroline Goulding
Wunderkinder
unter sich
Wolfgang Amadeus
Mozart ist das beliebteste
Wunderkind der
Musikgeschichte. Gut
150 Jahre nach seinem
Tod wurde dem jungen
Erich Wolfgang Korngold
in Wien ebenfalls eine
musikalische Hochbegabung attestiert. Heute
verbindet man Korngold vor allem mit seiner
Oper Die tote Stadt und seinen oscarprämierten
Filmmusikkompositionen. Auf Caroline Gouldings
Album reichen sich die beiden Komponisten
über die Jahrhunderte hinweg die Hand.
Die Interpretationen von Mozarts Violinkonzert
Nr. 5 und Korngolds Violinkonzert Nr. 1 erscheinen
trotz aller stilistischen Unterschiede wie aus
einem Guss und offenbaren die immense klangliche
Vorstellungskraft der jungen Künstlerin, die
2017 im Rahmen der Sommets Musicaux de
Gstaad mit dem Prix Thierry Scherz ausgezeichnet
wurde. Das Album ist das klangvolle Ergebnis
der Preisvergabe und wurde im Zusammenspiel
mit dem Berner Symphonieorchester unter
der Leitung von Kevin John Edusei eingespielt.
KK
E. W. Korngold, W. A. Mozart: „Violin Concertos“, Caroline Goulding,
Berner Symphonieorchester, Kevin John Edusei (Claves)
Track 1 auf der crescendo Abo-CD:
Violinkonzert Nr. 5 A-Dur KV 219. I. Allegro aperto von Mozart
JAZZ
esbjörn svensson trio
Drei Körper, ein Gehirn
Auch zehn Jahre nach seinem tragischen Tod mit nur 44 Jahren
ist die Faszination des schwedischen Jazzpianisten
Esbjörn Svensson um keine Spur verblasst: Sein legendäres
Trio e.s.t. gilt immer noch als wegweisende Formation eines
neuen, weltoffenen, aus Klassik, Rock, Minimalismus schöpfenden
europäischen Jazz, der sich endgültig emanzipiert
hat von allen amerikanischen Vorbildern und auf geradezu
magische Weise Verständliches zu höchster Komplexität
verdichtet. Zu den Höhepunkten ihrer allzu kurzen Karriere
zählt das Livekonzert in der Londoner Barbican Hall im
Jahr 2005, das jetzt in audiophiler Qualität auf einem Doppelalbum
veröffentlicht wurde: Es dokumentiert in zehn
teilweise bekannten Titeln den charismatischen Zauber der
drei geradezu symbiotisch interagierenden Topmusiker und
verwandelt das Riesenauditorium für knapp zwei Stunden
in ein Obdach höchster Intimität, einen Sehnsuchtsort der
Klarheit, der Zärtlichkeit, der inneren Ruhe und unendlich
ausströmender Linien: e.s.t. glich
einem Fabelwesen aus drei Körpern
und einem kreativen Motor. Es
hat das Triospiel neu definiert. AC
„e.s.t. live in london“, esbjörn svensson trio
(ACT)
Jacqueline du Pré
Versengende Glut
VINYL
Als Jacqueline du Pré und Daniel Barenboim im Jahr 1967 heirateten,
waren sie „das“ Traumpaar der internationalen Klassikszene.
Doch dauerte der kometenhafte Höhenflug der 1945 in
Oxford geborenen Cellistin nur wenige Jahre: Denn bereits
Anfang der 70er-Jahre beendete eine Multiple-Sklerose-Erkrankung
ihre kurze Karriere. Sie wurde nur 42 Jahre alt. Einen Höhepunkt
ihrer schmalen Diskografie bildete im November 1970 das
Dvořák-Konzert, das sie mit dem Chicago Symphony Orchestra
und Barenboim im berühmten Medinah Temple aufnahm. Während
der damals 27 Jahre junge Barenboim und das CSO sie „auf
Händen trugen“ , spielte sie ihren Solopart mit einer inneren Glut,
einer lyrischen Kraft und einer herzzerreißenden Intensität, die
existenziell anmuteten und charismatischen Zauber verströmten.
Das ganze Konzert wirkte wie eine große, schmerzlich-schöne
Arie, wie ein unendliches Ausatmen einer starken, zwischen Leidenschaft,
Verzweiflung und Sanftmut
wogenden Seele. Es hat bis
heute nichts von seiner betörenden
Magie eingebüßt. AC
Dvořák: „Cello Concerto in B Minor,
Silent Woods“, Jaqueline du Pré,
Chicago Symphony Orchestra, Daniel
Barenboim (Warner)
42 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

MIT STRAWINSKY IN DEN ZIRKUS
HÖRREIHEN FÜR JUNGE LEUTE
Abenteuer Klassik
Lausch-Rätsel und
Informations-Expedition
Ob Bach, Beethoven, Händel oder Mozart: Vielen Kindern sind
Werke dieser Komponisten vertraut. In ihrer Serie „Abenteuer
Klassik“ begnügt sich Cosima Breidenstein nicht damit, ein Bestof-Album
zusammenzustellen. Es geht ihr auch darum,
Persönlichkeit, Biografie und Lebensumstände dieser
Berühmtheiten anschaulich zu schildern. Umrahmt von
passenden Musikbeispielen, die sie selbst mit Begleitung
einspielt, nimmt sie ihre Zuhörer mit auf eine ebenso
unterhaltsame wie informative Zeitreise. Denn wer weiß
schon, dass Adelige ihr Gesicht früher wegen kariöser
Zähne hinter Fächern verbargen? Oder dass Mädchen zu
Zeiten von Johann Sebastian Bach selten zur Schule gingen
und nur die Hälfte seiner 20 Nachkommen wegen der
hohen Kindersterblichkeit damals älter wurde als vier
Jahre? Genaues Hinhören ist in Fall von Vivaldi gefragt:
Zu den Vier Jahreszeiten hat sich Cosima Breidenstein als
Bonus-Track ein Lausch-Rätsel einfallen lassen, das die
Symbolkraft von Klängen erklärt. ASK
Reihe von Cosima Breidenstein: „Abenteuer Klassik“ (Sauerländer Audio)
FÜR
KINDER
SWR Young CLASSIX
Fantastische Reisen
„Applaus! Applaus!“ Mit der Reihe Young CLASSIX
ist dem SWR ein vergnüglich farbenprächtiger Hörbilderbogen
der Musikvermittlung gelungen. Das
stimmige Klangkonzept führt junge Hörer von 6 bis
12 Jahren feinfühlig auf eine „fantastische Reise“ in
die Welt der Klassik. Mit Strawinsky geht es in den
Zirkus, mit Mendelssohn ins „Land, wo die Zitronen
blüh’n“, mit Dvořák nach New York und mit Humperdinck
in die Märchenwelt. Jedesmal gibt es über die
Geschichte hinaus viel zu erzählen. Humperdinck hört
man mit ganz neuen Ohren, so wundervoll hat
Andreas N. Tarkmann seine Musik für Akkordeon,
Cembalo und Streichquintett neu arrangiert. Namhafte
Erzähler, das RSO und dessen Vokalensemble
entführen in eine Hörkulisse, die auch ältere Zuhörer
verführt. Bei „Des Kaisers Nachtigall“ erweist sich die
kurzweilige Vielstimmigkeit im Erzählton von Malte
Arkona zur schichtig sphärischen Musik des Letten Ugis
Praulins als kongenial. SELL
Reihe SWR Young CLASSIX (Helbling Verlag)
BUCH
Große Sänger
Ins Stimmenparadies
„Auf Flügeln des Gesanges,/Herzliebchen, trag ich dich fort,/
Fort nach den Fluren des Ganges,/Dort weiß ich den schönsten
Ort“, dichtete einst Heinrich Heine, und mit diesen Reimen öffnet
das Buch Singen der Germanistin, Romanistin und Kunstgeschichtlerin
Ulrike Roos von Rosen. Auf gut 200 Seiten hat sie
einen – auch oder gerade für Laien – gut bekömmlichen Mix aus
Künstlerinterviews, Fakten zur Funktion der Stimme und einprägsame
Zitate akkumuliert. Mit dabei sind etwa Jonas Kaufmann,
Anja Harteros, Diana Damrau oder André Schuen. Es geht um
Fragen wie „Was unterscheidet Sprechen und Singen?“, „Wie
haben die großen Sänger zum Gesang gefunden oder ihr Studium
erlebt?“, „Wie gewinnt man Bühnenerfahrung?“, „Wie laufen Proben-
und Aufführungsprozesse ab?“
oder „Was hat das Chorsängerdasein
für Vorzüge?“. Auch praktische Fragen
nach Künstlergagen, Casting-Experten
oder Kostümen als „Berufskleidung“
werden in kleinen Frage-Antwort-
Häppchen angerissen. Alles in allem
ein netter, unterhaltsamer, auch als
Zwischendurch-Lektüre gut konsumierbarer
Band, der reich und großzügig
bebildert ist. MG
Die Biographie zum 100. Geburtstag
Geb. mit Schutzumschlag · 302 S. · 26 Abb.
ISBN 978-3-15-011095-9 · € 28,–
Sven Oliver Müller zeigt Leonard Bernstein als Dirigenten
und Komponisten, als Bürgerrechtler, Unternehmer und
charismatischen Selbstdarsteller – und verschweigt auch
nicht die schwierigen Seiten dieser Ausnahmepersönlichkeit.
Ulrike Roos von Rosen: „Singen. Diana Damrau,
Anja Harteros, Jonas Kaufmann und viele andere
geben Auskunft“ (Königshausen & Neumann)
www.reclam.de
Reclam
43

H Ö R E N & S E H E N
Unerhörtes & neu Entdecktes
von Christoph Schlüren
NICHTS FÜR ASKETEN!
Große Dirigenten in großen Editionen: Cluytens, Keilberth, Rosbaud und Stokowski
in umfangreichen Klangporträts.
Was sich bei heutigen Dirigenten in kaum einem Fall
lohnen dürfte, ist bei den großen Maestri des
20. Jahrhunderts von großem Reiz – nicht nur für
Sammler, sondern für alle, die sich für die einst so
vielfältig blühende Kunst des Dirigierens interessieren: Kompletteditionen,
wie sie vor allem von den Major Labels Sony, Universal
und Warner zunehmend auf den Markt gebracht werden. Da findet
sich dann vieles erstmals auf CD, darunter einiges an echten Repertoire-Raritäten,
und so manche Aufnahme wird überhaupt zum ersten
Mal veröffentlicht.
Nach den umfassenden RCA-Editionen der beiden in den USA
zu überragendem Erfolg gekommenen französischen Meisterdirigenten
Pierre Monteux und Charles Munch ist es nun der in Antwerpen
geborene Belgier André Cluytens (1905–67), den Warner mit
seinen kompletten Orchester- und Konzertaufnahmen vorstellt (also
auch mit Vokalwerken jenseits der Opern). Cluytens war eine mitreißende,
extrovertiert humorvolle Persönlichkeit, und im französischen
Repertoire zählt er – mit einer Grundtendenz zu aufgeraut
dunklem Klang und wilder Geradlinigkeit – besonders bei Roussel
und Ravel, aber auch bei Berlioz und Franck zu den zeitlosen Klassikern.
Darüber hinaus hat sein Beethoven-Sinfonien-
Zyklus – der erste komplette, den die Berliner Philharmoniker
auf Platte einspielten – mit seiner eleganten
Frische Geschichte geschrieben. Auch die
russische Musik des „Mächtigen Häufleins“ war bei
ihm in idiomsicheren Händen. Und dann finden sich
in dieser mit einem exzellenten Einführungs-Essay
ausgestatteten 65-CD-Box viele hochkarätige
Spezialitäten wie die beiden Schostakowitsch-
Klavierkonzerte mit dem Komponisten am Klavier,
überwältigende Aufnahmen mit Emil
Gilels oder David Oistrach und vielleicht als
eigentlicher Höhepunkt die einzige Komplettaufnahme
von Debussy/D’Annunzios Le Martyre
de St. Sébastien mit den gesamten Rezitationen,
zum Glück in der etwas entkitschten Version
von Véra Korène. Das ganze französische Pathos
der Empörungskunst wird mit entflammter Leidenschaft
aufgefahren, dazwischen darf Debussys geniale
Musik ihre Lichtstrahlen aussenden. Man kann
diese Anthologie nur rundweg empfehlen.
Weniger mit Ruhm bekleckert sich Warner mit der Sammlung
„The Telefunken Recordings 1953–63“ des großen deutschen Dirigenten
Joseph Keilberth, denn: Der Titel ist irreführend, es ist keine
komplette Kompilation, und leider fehlen vor allem wichtige Raritäten
von Hans Pfitzner oder Jakov Gotovac. Eine vertane Chance. Die
vorhandenen 22 CDs zeugen von einer Höhe klassisch ausgewogenen,
hingebungsvoll brillanten Musizierens, die in ihrer lebendigen
Kraft und Feinheit andere Kapellmeisterkollegen wie Günter Wand
oder Wolfgang Sawallisch auf ihre Plätze verweist. Keilberth muss in
Sinfonien Mozarts, Beethovens oder Brahms’ als einer der Großen
gelten. Auch für die Interpretation der Musik Dvořáks, die seine aus
Böhmen mit ihm emigrierten Bamberger Symphoniker so herrlich
ursprünglich verstanden, und besonders für Reger oder Hindemith
sind seine Beiträge geradezu epochal.
Ähnliches ist auch über die Konzertmitschnitte des großen
Hans Rosbaud am Pult des Sinfonieorchesters des Südwestfunks in
Baden-Baden zu sagen, die nun von SWR Classic veröffentlicht werden,
darunter eine Haydn-Box (7 CDs) und die Sinfonien Nr. 2–9
von Bruckner. Kein späterer Chefdirigent hat dieses Niveau erreicht.
Universal hatte zuletzt wunderbare Anthologien von Victor de
Sabata (Deutsche Grammophon) und Carl Schuricht
(Decca) veröffentlicht, und nun sind in adäquat mondäner
Aufmachung sämtliche Decca-Aufnahmen von Leopold
Stokowski in Phase-4-Stereo auf 22 CDs erschienen. Vieles
davon gehört zum Besten in der Schallplattengeschichte,
so vor allem die Mussorgsky-Orchestrationen des unübertroffenen
Klangzauberers, aber auch Beethovens
7. und 9. Sinfonie, Elgars Enigma
Variations, Skriabins Poème de l’extase, Strawinsky,
Rimsky-Korsakov, Borodin, Tschaikowsky,
Messiaen und die so umstrittenen
wie mitreißenden Bach-Transkriptionen für
großes Orchester. Wer kein strenger
Asket ist, sollte hier unbedingt
zugreifen.
n
A. Cluytens: „The Complete Orchestral & Concerto
Recordings“ (Erato); J. Keilberth: „The Telefunken Recordings
1953–63“ (Warner); H. Rosbaud: „Haydn/
Bruckner Sinfonien“ (SWR Classic); L. Stokowski:
„Complete Decca Recordings“ (Decca)
44 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

Große Tenöre
Ära des Belcanto
Belcanto: Jeder glaubt zu wissen, was er bedeutet.
Und beschreibt damit meist einen Tenor
von schöner Stimme, der das hohe C beherrscht
und die Oper des 19. Jahrhunderts. Doch Belcanto
ist mehr als das. Als Idealtyp des Belcantisten
galten zunächst die Kastraten im 18. Jahrhundert
mit ihrer „Geschicklichkeit“ in den
Verzierungen und der Fähigkeit „den Ton aufs
feinste abzutheilen“, wie Nikolaus Forkel 1783
verlangt. Dem Filmemacher Jan Schmidt-Garre
war dies bewusst, als er 1997 die Tenöre aus
der Schellackzeit porträtierte, die das „Latein
des Singens“ (Jürgen Kesting) im historischen
Sinne nicht beherrschten und dennoch den Belcanto-Begriff
erweiterten. Deshalb sind
Garres Porträts, nun im Format 16/9 HD wiederaufgelegt
und um einen aufschlussreichen
Essay-Band erweitert, ein Muss. Trotz
Schwarz-Weiß und Kratzgeräuschen: Immer
noch scheint das durch, was Caruso, Tauber,
Gigli, Björling und andere zu Stars machte.
Charisma und Stimmcharakter,
um die mancher
Tenor heute sie
beneidet. TPR
FOTO: OPERNHAUS ZÜRICH_HERWIG PRAMMER
„Belcanto. The Tenors of the 78
Era“, Enrico Caruso, John Mc-
Cormack, Leo Slezak u. a. (Naxos)
FILM
Oper Zürich
Absolutheit der Liebe
Maria Callas
Mythos Callas
Nach zweijähriger Bühnenpause und der
medial ausgeschlachteten Trennung von
Aris toteles Onassis gelang Maria Callas 1964
am Londoner Opernhaus Covent Garden als
Tosca ein triumphales Comeback, wobei
glücklicherweise der zweite Akt dieser Zeffirelli-Inszenierung
vom Fernsehen mitgeschnitten
wurde. Die Idee von Filmemacher
Holger Preusse, anhand dieses Schwarz-
Weiß-Dokuments den Mythos Callas mit
Interviewpartnern zu erklären, geht auf
spannende Weise auf. So kann man das Lob
von Callas-Biograf Jürgen Kesting, „sie hatte
die Fähigkeit, Extreme der Empfindung im
Klang deutlich zu machen“, direkt überprüfen
oder sich seinen eigenen Reim darauf
machen, wie heutige Opernstars die „Primadonna
assoluta“ sehen. Der Mehrwert dieser
DVD liegt im angefügten und untertitelten
legendären Tosca-Mitschnitt. Er ist –
so Dirigent Antonio Pappano – „technisch
prähistorisch und
gleichzeitig so zeitlos.
Und er zeigt, warum
Oper mehr ist als
schöne Klänge“. AR
„Maria Callas – Magic Moments
of Music. Tosca 1964“
(Cmajor)
In Gestaltung und Inhalt ist diese DVD eine feine Visitenkarte für das Opernhaus Zürich:
Massenets Werther in erstklassiger Besetzung mit einem hinreißend singenden und traumwandlerisch
sicher agierenden Juan Diego Flórez in der Titelrolle und damit im für ihn
neuen französischen Repertoire. Am Dirigentenpult überzeugt Cornelius Meister mit
Gespür für die Romantik, Farben und Stimmungen des lyrischen Dramas. Regisseurin
Tatjana Gürbaca dagegen verweigert sich der Romantik, versetzt die Handlung aus der
Goethezeit in die Mitte des 20. Jahrhunderts: Schon das (Einheits-)Bühnenbild, ein raumfüllender
Einbauschrank in Eiche Natur, entlarvt Spießigkeit und Enge
von Charlottes Welt. In ihren bürgerlichen Lebensentwurf bricht
Außenseiter Werther ein, durch seinen Gefühlsüberschwang, sein
unbedingtes Lieben von Anfang an gleichermaßen Gefährder wie
Gefährdeter. Charlottes Zerrissenheit zwischen Pflicht und Liebe
endet erst in Werthers Sterbeszene. AR
J. Massenet: „Werther“, Juan Diego Flórez, Anna Stéphany, Cornelius Meister,
Opernhaus Zürich (Accentus)
45
Foto: © Holger Schneider
Wir gratulieren …
HELMUTH
RILLING
zum 85. Geburtstag
H elmuth Rilling verdanken wir die erste Gesamtaufnahme
der Werke Johann Sebastian Bachs.
Sowohl als Dirigent bei sämtlichen Kantaten, als auch
als Spiritus Rector der kompletten Edition hat er damit
ein Monument geschaffen, das getrost als Jahrhundertprojekt
in der Schallplattengeschichte bezeichnet
werden darf.
Wir gratulieren dem Meister zum 85. Geburtstag.
Die komplette Bach-Edition
der Bachakademie Stuttgart
Das Jahrhundertprojekt unter der Leitung
des Bachexperten Helmuth Rilling
Leidenschaft für Musik
www.jpc.de
Norbert Richter, jpc-Klassik
Sonderpreis
172 CDs
€ 149, 99
jpc-Bestellnummer
347 95 25

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VERLAGSLEITUNG
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ART DIRECTOR
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REDAKTIONSLEITUNG
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REDAKTION „ERLEBEN“
Ruth Renée Reif (RR)
SCHLUSSREDAKTION
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John Axelrod, Axel Brüggemann, Attila Csampai (AC),
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Goll (JG), Ute Elena Hamm (UH), Klaus Härtel (KH), Julia Hartel (JH), Sina Kleinedler
(SK), Katherina Knees (KK), Corina Kolbe (CK), Guido Krawinkel (GK), Jens Laurson (JL),
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Nr. 21 vom 09.09.2017
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ISSN: 1436-5529
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CLASS: aktuell; Tiroler Festspiele Erl; musica viva
DAS NÄCHSTE CRESCENDO
ERSCHEINT AM 7. SEPTEMBER 2018.
crescendo
unterstützt
Münchner Rundfunkorchester
Liebe, Tod und Intrige
Die Oper ohne Giuseppe Verdi? Nicht auszudenken. Wie kaum ein
anderer beherrschte es der Großmeister der Bühnendramatik, Beziehungsreigen
aller Art in mitreißende Musik zu übersetzen. Was bei
Friedrich Schiller Kabale und Liebe, heißt bei Verdi Luisa Miller und wird
auf diesem Album mit virtuosem Schmelz und einer ordentlichen Portion
Pathos in Szene gesetzt. Liebe und Intrige, Leidenschaft und Tod
prägen die dramatische Handlung, die, interpretiert durch das Münchner
Rundfunkorchester und den Chor des Bayerischen Rundfunks,
musikalisch farbenreich zum Klingen kommt. Unter dem Dirigat von
Ivan Repušić wird Verdi hier mit musikantischer Präsenz und kontrastreicher
Dynamik gehuldigt, gelingt eine spannungsreiche und lebendige
Deutung des hoch emotionalen Werks. Als Solisten überzeugen unter
anderem Ivan Magrì, George Petean und allen voran Marina Rebeka
mit reifer Tongebung und virtuoser Stimmtechnik.
DW
G. Verdi: „Luisa Miller“, Marina Rebeka, Judit Kutasi, Münchner
Rundfunkorchester, Ivan Repušić (BR Klassik)
Track 9 auf der crescendo Abo-CD: Sinfonia 1. Akt
Tiburtina Ensemble & Capella de la Torre
Samtiges Klangbad
Welch edler Klang! Und das nicht nur, weil hier zwei zweifellos anmutig
klingende Frauenensembles musizieren. Die Klangkultur der
Capella de la Torre und des Tiburtina Ensembles ist superb, sie produzieren
einzeln wie gemeinsam nicht nur himmlischen Schönklang, sondern
ebensolchen mit Substanz. Auch der programmatische Gedanke
ist bestens unterfüttert: Rekonstruiert wird hier eine Messe, so wie
sie in spanischen Frauenklöstern des 16. Jahrhunderts erklungen sein
könnte, mit passender Instrumentalmusik für Bläser, semiologisch
schön differenziert gesungener Gregorianik und Motetten. Kaum
jemals hat man Schalmei, Dulzian und Pommer samtiger schnarren
hören, haben Frauenstimmen liebreizender, körperloser, engelsgleicher
geklungen. Das gibt nicht nur ein klangliches
Vollbad, sondern eines mit Extraschaum.
Ein Hochgenuss, in jeder Hinsicht. GK
Bassano, Victoria, Torre u. a.: „Vidi Speciosam.
A Lady Mass from the 16th Century“, Tiburtina Ensemble,
Capella de la Torre (dhm)
Constance Heller
Mit Wärme und Leidenschaft
Als Komponist gehört Hans Sommer eher zu den Geheimtipps für
Kenner des Liedrepertoires. Die Aufnahme von Constanze Heller und
Gerold Huber, die sich auf hohem künstlerischen Niveau Vertonungen
von Goethe, Eichendorff und Keller widmen, könnte jedoch dazu beitragen,
seine Beliebtheit zu erhöhen und sein Werk einer breiteren
Öffentlichkeit zugänglich zu machen. Bemerkenswert ist die Fähigkeit
der Sängerin, den Text mit einer Klarheit zu artikulieren, die jedes
Wort verständlich macht, und gleichzeitig ein Höchstmaß an intonatorischer
Sicherheit zu erreichen. Die charakteristische Wärme ihrer
Klangfarbe, mit der sie in jeder Lage den passenden emotionalen Ausdruck
erzeugt, mischt sich hervorragend mit der Klavierbegleitung
Hubers, der es schafft, die vielfältigen Stimmungen
in Sommers Liedern von dramatischer
Leidenschaft bis hin zu melancholischer Wehmut
meisterhaft einzufangen. US
„Mignons Sehnen. Lieder von Hans Sommer“, Constance Heller,
Gerold Huber (Solo Musica)
OPER
ALTE
MUSIK
LIED
46 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

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A K U S T I K
KLARINETTEN-KRIEGE
Bis heute hängt der deutsch-französische Haussegen ausgerechnet in einem
musikalischen Belang schief: Über die Frage des Klarinettensystems ist keine Einigung in Sicht.
Ein Besuch am „Kriegsschauplatz“.
VON KLAUS HÄRTEL
Matthias Schorn und Laura Ruiz Ferreres gehören zu den wenigen Klarinettisten, die sich sowohl auf dem deutschen
als auch auf dem Böhm-System zu Hause fühlen
Beatles oder Stones? Mac oder PC? McDonalds oder Burger
King? Es gibt im Leben diese Fragen, die scheinbar nur ein
„Entweder-oder“ zulassen. Das ist in der Musik nicht
anders. Auch bei den Klarinetten muss man sich entscheiden.
Oehler oder Böhm? Deutsch oder französisch? Beides geht
nicht. Ist durch diese Systemfrage am Ende gar die deutsch-französische
Freundschaft in Gefahr?
So dramatisch ist es nicht, doch in der Tat verläuft die Trennungslinie
dieses Systems zwischen Deutschland, Österreich und
der deutschsprachigen Schweiz auf der einen Seite und dem „Rest
der Welt“ auf der anderen. In den „deutschsprachigen“ Orchestern
hält man auch aus Tradition am deutschen System fest. Das hat
durchaus Charme, weil damit – wie in der Sprache – ein bestimmter
Dialekt bewahrt wird und diese regionale Eigenheit zu Unverwechselbarkeit
und Diversität beiträgt.
„Entweder-oder“ ist also die Devise. Und doch gibt es Musiker,
die die hohe Kunst der Systemumstellung beherrschen. Die
Spanierin Laura Ruiz Ferreres etwa – von 2006 bis 2010 Soloklarinettistin
im Orchester der Komischen Oper Berlin und heute Professorin
an der Frankfurter Musikhochschule – gehört zu den
wenigen Künstlern, die beide Systeme beherrschen und lehren.
Das Böhm-System von klein auf gelernt, war Laura Ruiz Ferreres
seinerzeit gewarnt worden, das System nicht zu wechseln.
„Aber ich war neugierig und ehrgeizig“, erzählt sie, „und ich habe
es geschafft. Ich erinnere mich immer an meine Zeit als Akademistin
bei der Staatskapelle Berlin, wo ich manchmal in Opern mit
französischer A-Klarinette und deutscher B-Klarinette gespielt
habe …“
Auch Matthias Schorn, Soloklarinettist der Wiener Staatsoper
bzw. der Wiener Philharmoniker „muss“ von Berufs wegen
„deutsch“ spielen, obwohl er dereinst auf der Böhm gelernt hat.
Voraussetzung aber, um ein Studium beginnen zu können, war das
Umlernen auf das deutsche System. „In der Nachbetrachtung bin
ich sehr glücklich, beide Klarinettensysteme kennengelernt zu
FOTO: LUKAS BECK; AGENTUR
48 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

haben. Bis heute spiele ich gerne Böhmsystem, wenn ich Bassklarinette spiele.“
Worin aber liegt nun der Unterschied? Am offensichtlichsten ist die Klappenkonstruktion.
Manche Töne sind auf den Klarinetten unterschiedlich zu
greifen und – vereinfacht formuliert – auf der Böhmklarinette stehen für einen
Ton oftmals mehrere Griffmöglichkeiten zur Verfügung. Ein weiterer Unterschied
ist die Innenbohrung der beiden Klarinettensysteme, die beim Böhmsystem
deutlich weiter ist als bei der deutschen Klarinette. Ebenso werden zum
Teil völlig andere Mundstücke und Blätter verwendet, was auch klangliche
Unterschiede hervorbringt und gewisse Spieltechniken wie etwa das Lippenvibrato
auf dem deutschen System schwieriger macht. Denn auf der deutschen
Klarinette werden schwerere Blätter gespielt, was zunächst deutlich anstrengender
ist.
Warum aber gibt es überhaupt zwei Systeme? Ein kleiner historischer
Exkurs soll Licht ins Dunkel bringen: Als
Erfinder der Klarinette gilt der deutsche
Instrumentenbauer Johann Christoph
Denner (1655–1707). Seine Modernisierung
des Chalumeaus, eines einfachen
Volksinstruments, stieß wegen des besonderen
Klangs auf großen Zuspruch. Ab
1732 wurde das Instrument als Klarinette,
also kleine Clarin-Trompete, bezeichnet.
Viele Jahre lang wurde an der Klarinette
weitergetüftelt, aber erst etwa 100
Jahre nach Denner machte Iwan Müller
(1786–1854) einen entscheidenden Schritt:
1812 stellte er ein Instrument mit 13 luftdichten
Klappen und Blattschraube vor,
auf dem es nun endlich möglich war, auch
„DAS FESTHALTEN
AN DEN BEIDEN SYSTEMEN
HAT DURCHAUS
CHARME, WEIL DAMIT
– WIE IN DER SPRACHE –
EIN BESTIMMTER
UNVERWECHSELBARER
DIALEKT
BEWAHRT WIRD“
chromatisch zu spielen. Trotz eines negativen Gutachtens des Pariser Konservatoriums
setzte sich das Instrument schon wenige Jahre später andernorts
immer mehr durch.
In Frankreich ging man um 1840 andere Wege: Hyacinthe Klosé und
Louis Buffet übertrugen das Ringklappensystem der Böhm-Flöte auf die Klarinette
und präsentierten so ein Instrument mit 17 Klappen. Spieltechnische
Erleichterungen und auch Verbesserungen der Intonation waren das Ergebnis.
Die vereinfachte Technik und die akustischen Verbesserungen galten hier als
entscheidendes Kriterium für die Qualität des Instruments.
Die Müller-Klarinette wurde dagegen nur sehr langsam und in kleinen
Schritten weiterentwickelt. Man bemühte sich besonders, das romantische
Klangideal zu wahren. Etwa 20 Jahre lang war die Böhm-Klarinette deutschen
Instrumenten technisch überlegen. Carl Baermann erkannte schließlich, dass
das System der Böhm-Klarinette wohl die einzige Möglichkeit sei, eine „Überladung
des Instruments mit Klappen und Hebeln“ zu vermeiden.
Auch der Belgier Eugène Albert behalf sich bei seinem Instrument mit
Elementen der Böhm-Klarinette, allerdings war seine Klarinette intonationsgenauer.
1890 entwickelte Oskar Oehler dann die letzten großen Neuerungen am
deutschen System: Sein Instrument mit 22 Klappen zeichneten vor allem klangliche
Verbesserungen aus.
Bis heute ungeschlichtet ist der „Streit“ zwischen Böhm- und deutschem
System. Die Böhm klingt schärfer, heller, vielfältiger, begünstigt das Vibrato,
die Virtuosität, die schnellen Läufe, die Eleganz – und den Geldbeutel. Die
„deutsche“ klingt wärmer, dunkler, obertonärmer, begünstigt die Tonbeugung
und das Glissando, verlangt Gabelgriffe, Zungen- und Fingertricks. Und es gibt
einen klanglichen Unterschied. Dieser ist allerdings sehr stark von Blatt, Mundstück
und Anblasart abhängig. Der Zuhörer kann nicht unbedingt zuordnen,
welches System gespielt wird. Es kommt sehr auf den Spieler und das verwendete
Material an, wie eine Klarinette klingt. Die Schule, aus der der Spieler
kommt, ist sehr viel entscheidender dafür als das Instrument selbst. Die
Schwachstellen sind letztlich bei beiden Systemen die gleichen – und meistens
ist der Spieler eine davon.
■
49

R Ä T S E L
& R E A K T I O N E N
GEWINNSPIEL
Wer verbirgt sich hinter diesem Text?
WANN FÄHRT HIER
DER NÄCHSTE
SCHWAN?
Auf crescendo-Facebook hatten wir Sie jüngst nach Ihren
liebsten Bühnenpannen gefragt. Einige der Antworten wollen
wir Ihnen nicht vorenthalten. Das Zitat „Wann fährt hier
der nächste Schwan?“ stammt übrigens von Leo Slezak. In
einem Theater in Oberösterreich zogen die Bühnenarbeiter
den Lohengrin-Schwan davon, bevor der Tenor aufsteigen
konnte. Daraufhin entfuhr ihm der legendäre Satz.
„Meine Orgelsachen sind schwer, es gehört ein über die Technik
souverän herrschender geistvoller Spieler dazu“.
„Als der liebe Gott den Humor verteilte, habe ich zweimal „hier!“
gerufen“. Ich kam als Sohn eines musikalischen Dorfschullehrers
zur Welt, der für mich sogar eine kleine Hausorgel bastelte. Ehrfürchtig
hörte ich schon in jungen Jahren Wagners Parsifal in
Bayreuth, was mich so beeindruckte, dass ich entschied, Komponist
zu werden, Unterricht zu nehmen und zwei Komponisten
entdeckte, die mich am meisten beeinflusst haben: Bach und
Brahms.
Als meine „Sturm- und Trankzeit“ sich gelegt hatte, wurde ich
schnell als angesehener Komponist, Pianist und Lehrer schon zu
Lebzeiten gefeiert. Das große Arbeitspensum zwischen Lehrverpflichtungen
und Tourneen forderte seinen Tribut, was mich leider
immer öfter zur Flasche greifen ließ. Dennoch arbeitete ich mit
einer unglaublichen Schnelligkeit und Leichtigkeit und gab mitunter
100 Konzerte im Jahr.
Auch das Ausland wurde auf mich aufmerksam, und ich hatte
die Ehre, mit äußerst hervorragenden Künstlern in ganz Europa
zusammenzuarbeiten. Darunter auch eine beleibte Sängerin, die ich
liebevoll „Venus von Kilo“ nannte.
In meiner Musik übernahm ich klare Formen aus dem Barock,
die aber durch raffinierte Klangfarben und technisch herausfordernde
Harmonien mit romantischem Gefühlsausdruck verbunden
wurden. Es entstanden zahlreiche Werke für mein Lieblingsinstrument,
für das viel zu lange wenig geschrieben wurde. Ich habe ihm
dafür die Vielfarbigkeit des modernen Orchesters gegeben! AM
RÄTSEL LÖSEN UND
GUSTAV MAHLER GEWINNEN!
Was ist hier gesucht? Wenn Sie die Antwort
kennen, dann nehmen Sie an der Verlosung teil
unter www.crescendo.de/mitmachen.
Sie können die CD-Box gewinnen: „Mahler.
Symphonien 1–9. Symphonie orchester des BR.
Colin Davis, Daniel Harding u. a. (BR Klassik)“. Einsendeschluss ist der
31.7.2018. Die Gewinnerin unseres letzten Gewinnspiels ist Irmgard Paulus
aus München. Die Lösung lautete: Edith Piaf.
Benjamin L. Mein Vater erzählt gern von einer Tosca-Aufführung
in Augsburg. Die dort besetzte Hauptdarstellerin war wohl
etwas beleibter, und als sie im 3. Akt von der Engelsburg sprang,
beförderte sie das Trampolin, das sie backstage auffangen sollte,
kurzerhand für einen kurzen Moment wieder nach oben. Die
Sängerin kreischte wie wild. Ob sie „Mario, Mario“ schrie, ist leider
nicht überliefert
Florian H. Probe zu Meistersingern, 2. Akt in Essen, ca. 2004:
Die Bratschen „vergurken“ das Wahnmotiv, der Dirigent bricht
ab und hebt zum Donnerwetter an, Sachs hat nichts mitbekommen
und singt: „Üble Dinge, die ich da merk!“ Das Donnerwetter
fiel aus …
Gisela R. Bayreuther Festspiele 1978, Generalprobe Siegfried,
letzter Akt, Szene Siegfried – Wanderer. Als der Speer zerschlagen
war, sollte Bühnennebel sein. Aber bei dieser Probe war er
übermäßig dicht, sodass des Wanderers (Donald McIntyres)
letzte Worte waren: „Zieh hin, ich kann dich nicht sehen.“
Joachim J. Vor wenigen Tagen: Dernière Zauberflöte an der Musikhochschule
Köln. Großartige Aufführung, aber: Pamino wird
Paminas Bildnis in einem Umschlag überreicht, und er kriegt und
kriegt ihn nicht auf. Endlich, nach gefühlten Minuten, das erlösende
und nicht zu überhörende „Aaaaahhh“ des Dirigenten und
der Einsatz zu Dies Bildnis ist bezaubernd schön …
Die Lieblingspanne unserer leitenden Redakteurin Maria Goeth:
eine Aufführung von Ariodante an der Bayerischen Staatsoper. In
einer Szene wird eine spiegelnde Zwischenwand heruntergefahren.
Sie hängt leicht schief, sodass der in der Gasse sitzende,
sich völlig unbeobachtet fühlende Feuerwehrmann sichtbar wird
– sich seelenruhig fläzend, kratzend, Grimassen schneidend.
Wie die Protagonistin sang, ist vergessen, denn 2.000 Augenpaare
starren auf den Brandwächter.
50 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

ERLEBEN
Die wichtigsten Termine und Veranstaltungen im Juni, Juli und August im Überblick (ab Seite 52)
Sommer, Sonne, Klanggenuss – die lohnenswertesten Festivals in Italien (Seite 58)
Deutsche Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz: Vielfalt von Bruckner über Jazz bis in die entspannte Moderne (Seite 60)
17. und 18. August, Potsdam
20. POTSDAMER SCHLÖSSERNACHT
„… und er sagt: ‚Fräulein Therese!‘ – und tut einen letzten Seufzer und stirbt. Gebe Gott uns allen,
uns Trinkern, einen so leichten und so schönen Tod!“ Max Moor liest aus Joseph Roths Novelle
Die Legende vom Heiligen Trinker aus dem Jahr 1939. „Leise Töne, markante Stimmen, spannende
Geschichte(n)!“ heißt das Motto, unter dem Schauspieler Texte von E. T. A. Hoffmann, Joachim Ringelnatz,
Lion Feuchtwanger und anderen präsentieren. Die Compagnie Transe Express (Foto) lässt
sechs Meter hohe Diven in ausladenden Reifröcken durch die Menge schweben, während Teatro Só
ergreifende Geschichten von der Liebe eines alten Paares erzählt und die Gänsekapelle spielt. Auch
die berühmte Bildergalerie im Schlosspark kehrt in der Jubiläumsnacht ihr Inneres nach außen und
„hängt“ ihre Meisterwerke mittels Großbildprojektionen an die Fassade.
Potsdam, Schlossanlage Sanssouci, www.potsdamer-schloessernacht.de
FOTO: TRANSE EXPRESS
51

E R L E B E N
Juni / Juli / August 2018
DIE WICHTIGSTEN
VERANSTALTUNGEN AUF
EINEN BLICK
Ihr persönlicher Navigator für Premieren, Konzerte und Festivals
PREMIEREN
1.6. ERFURT THEATER
Agnes von Hohenstaufen / G. Spontini
1.6. LÜBECK THEATER
Otello / G. Verdi
2.6. CHEMNITZ THEATER
Die Fledermaus / J. Strauss
2.6. HANNOVER STAATSOPER
Dialoge der Karmelitinnen / F. Poulenc
2.6. LEIPZIG OPER
Casanova / A. Lortzing
2.6. WEIMAR NATIONALTHEATER
Ein Maskenball / G. Verdi
2.6. WIEN (AT) VOLKSOPER
Gasparone / C. Millöcker
3.6. ESSEN AALTO-THEATER
Eine Nacht in Venedig / J. Strauss
3.6. HAMBURG STAATSOPER
Benjamin / P. Ruzicka
3.6. KARLSRUHE STAATSTHEATER
Anna Bolena / G. Donizetti
3.6. MAINZ STAATSTHEATER
Antikrist / R. Langgaard
3.6. NÜRNBERG STAATSTHEATER
Die Rückkehr des Odysseus /
C. Monteverdi
7.6. ULM THEATER
Rock of Ages / E. Popp
8.6. DESSAU ANHALTISCHES THEA-
TER Giulio Cesare / G. F. Händel
8.6. MÜNCHEN GÄRTNERPLATZ-
THEATER Je suis Faust / P. Weiß
9.6. FREIBURG THEATER
Coraline / M. Turnage
9.6. KIEL THEATER
Die Aufteilung der Welt / G. Legrenzi
10.6. AACHEN THEATER
Maria Stuarda / G. Donizetti
10.6. FRANKFURT OPER
Norma / V. Bellini
10.6. LINZ (AT) LANDESTHEATER
Così fan tutte / W. A. Mozart
11.6. WIEN (AT) STAATSOPER
Der Freischütz / C. M. v. Weber
14.6. BERLIN NEUKÖLLNER OPER
Orpheus Optimal / Y. Halpern
14.6. GRAZ OPER
María de Buenos Aires / A. Piazzolla
14.6. MÜNCHEN GÄRTNERPLATZ-
THEATER Der tapfere Soldat / O. Straus
15.6. BERLIN DEUTSCHE OPER
Il viaggio a Reims / G. Rossini
15.6. MEININGEN STAATSTHEATER
Die Piraten von Penzance / A. Sullivan
3. bis 26. August, Erfurt
Bewundernswerte
Selbstbehauptung
Domberg in Erfurt
Romantisch verklärt und zugleich ausgegrenzt und verfolgt, das ist
das Schicksal der Roma. Wirtschaftliche und soziale Umstände
zwangen sie zum ständigen Wandern und drängten sie in Berufe,
die sich mit der nomadischen Lebensweise vereinbaren ließen.
Dass sie dabei große Flexibilität, Geschicklichkeit und Fantasie bewiesen,
um dennoch zu überleben, zeugt von bewundernswerter
Selbstbehauptung. Diese beeindruckende Kraft und den steten
Kampf um Freiheit einer an den Rand gedrängten Frau nimmt Guy
Montavon zur Grundlage seiner Carmen-Inszenierung. Zum 25. Jubiläum
der DomStufen-Festspiele Erfurt lässt er auf der asymmetrischen
Treppe zum Domberg Bizets Skandaloper wieder als solche
erlebbar werden. Montavon ist seit 2002 Generalintendant
des Theaters Erfurt und künstlerischer Leiter der Festspiele. Er
studierte Musiktheaterregie bei Götz Friedrich, für den Carmen
der gelebte und nur im Tod lösbare Widerspruch von Eros und
Freiheit war. Ausstatter Hank Irwin Kittel entwirft für die 70 Stufen
zwischen Mariendom und Severikirche ein spektakuläres Bühnenbild.
Als Carmen sind wechselnd Katja Bildt, Julia Stein und Miroslava
Yordanova zu erleben. Zu den weiteren Mitwirkenden zählen
das Philharmonische Orchester Erfurt sowie der Opernchor.
Die musikalische Leitung übernimmt Myron Michailidis, der mit
dieser Festspielproduktion sein Amt als Generalmusikdirektor in
Erfurt antritt.
Erfurt, Domberg, www.domstufen-festspiele.de
FOTO: LUTZ EDELHOFF / THEATER ERFURT
16.6. BERLIN KOMISCHE OPER
Die Nase / D. Schostakowitsch
16.6. HEIDELBERG THEATER
Anatevka / J. Bock
16.6. HOF THEATER
Alcina / G. F. Händel
16.6. LEIPZIG OPER
Lulu / A. Berg
16.6. LÜNEBURG THEATER
Wiener Blut / J. Strauss
16.6. OSNABRÜCK THEATER
Doktor Faust / F. Busoni
16.6. REGENSBURG THEATER
Don Giovanni / W. A. Mozart
17.6. BERLIN STAATSOPER
Macbeth / G. Verdi
17.6. WIESBADEN STAATSTHEATER
Don Giovanni / W. A. Mozart
19.6. BERLIN DEUTSCHE OPER
Wir aus Glas / Y. Inamori
21.6. BRAUNSCHWEIG STAATSTHE-
ATER Originale / K. Stockhausen
22.6. COBURG LANDESTHEATER
Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny /
K. Weill
22.6. LÜBECK THEATER
Der Drachenreiter / J. Pezold
22.6. SCHWERIN STAATSTHEATER
Tosca / G. Puccini
23.6. BADEN (AT) STADTTHEATER
Die lustige Witwe / F. Lehár
23.6. COTTBUS STAATSTHEATER
Die Csárdásfürstin / E. Kálmán
24.6. KÖLN OPER
Il matrimonio segreto / D. Cimarosa
24.6. ZÜRICH (CH) OPERNHAUS
L’incoronazione di Poppea / Monteverdi
26.6. BRAUNSCHWEIG
STAATSTHEATER tanzwärts / G. Zöllig
26.6. MÜNCHEN BAYERISCHE
STAATSOPER Zeig mir deine Wunder /
N. Rimski- Korsakow
28.6. BERLIN STAATSOPER
Ein Porträt des Künstlers als Toter /
F. Bridarolli
28.6. MÜNCHEN BAYERISCHE
STAATSOPER Parsifal / R. Wagner
30.6. AACHEN THEATER
Das schlaue Füchslein / L. Janáček
30.6. AUGSBURG THEATER
Herz aus Gold / S. Kanyar
30.6. DRESDEN SEMPEROPER
Oedipus Rex / Il prigioniero / I. Strawinsky
5.7. MÜNCHEN STAATSOPER
Die Vorübergehenden / N. Brass
7.7. BERLIN STAATSOPER
52 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

FOTOS: FOTOS: PAWEL KOPCZYNSKI; FLORIAN MIEDL; DR. RENÉ MEYER; BAYERISCHE PHILHARMONIE; TRANSE EXPRESS; TRANSE EXPRESS; MARTIN SIGMUND; STOFLETH; ASTRID ACKERMANN; GISELA SCHENKER; DOMINIK ODENKIRCHEN; UWE ARENS;
HTTP://SCHEWIG.AT/MUSIKERPORTRAITS-ALESSANDRO-QUARTA/
23. Juni bis 1. September
RHEINGAU MUSIK FESTIVAL
Brett Dean (Foto) lernte bei den Großen.
15 Jahre war er Bratscher bei den Berliner Philharmonikern
und spielte Beethoven, Brahms,
Bruckner und viele andere. Kurioserweise war
es ein Rockmusiker, der ihn ermutigte, sich ganz
dem Komponieren zu widmen. 2000 kehrte
Dean in sein Geburtsland Australien zurück.
Das Festival präsentiert ihn am Pult, an der Bratsche und mit seinen Kompositionen
als Künstler im Fokus. Im Projekt mit dem Swedish Chamber
Orchestra übersetzt Dean mit seinem Approach (Prelude to a Canon) Bachs
Brandenburgisches Konzert Nr. 6 ins Heute. Mit Baiba Skride, Gergana
Gergova, Hélène Clement und Alban Gerhardt stellt er sein Streichquintett
Epitaphs vor und erinnert an Freunde und Weggefährten.
„Freundschaft“ lautet denn auch der Leitgedanke des Festivals, das zu den
größten Europas gehört. Über 170 Konzerte stehen auf dem Programm.
Region Frankfurt, verschiedene Spielorte, www.rheingau-musikfestival.de
5. Juni bis 2. September
WUNSIEDEL LUISENBURG-FESTSPIELE
Das Musical aller Musicals kommt auf die Felsenbühne
im Fichtelgebirge. Tim Zimmermann,
Gewinner des Musical-Choreography-Award
2010 in Dänemark, inszeniert Frederick Loewes
My Fair Lady. „Bei der Besetzung ist mir ein
Coup gelungen“, freut sich die neue Festspiel-
Intendantin Birgit Simmler: „Ich habe Zodwa
K. M. Selele für die Hauptrolle der Eliza Doolittle engagiert.“ Die Rolle
von Professor Henry Higgins, der mit Oberst Pickering wettet, dass es
ihm gelingen werde, aus dem ordinären Blumenmädchen Eliza eine Dame
zu machen, übernimmt Markus Pol (auf dem Foto mit Selele). Außerdem
gibt es Verdis La Traviata und als Gastspiel der Operettenbühne Wien
Gräfin Mariza von Emmerich Kálmán zu erleben.
Wunsiedel, Felsenbühne, www.luisenburg-aktuell.de
22. bis 28. Juni
REMAGEN 13. ROLANDSECK-FESTIVAL
Rolandseck habe als Ort der Künste eine wunderbare
Tradition, schwärmt die Violinistin
Mihaela Martin. 2017 übernahm sie die künstlerische
Leitung des Festivals. Im Arp Museum
konzertiert sie mit der Pianistin Plamena Mangova
und dem Streichorchester Camerata Regala
aus Bukarest, das auch Werke der rumänischen
Komponisten Constantin Silvestri und Paul Constantinescu vorstellt.
„Im Farbenrausch“ steht als Motto über dem Festival. Das Arp
Museum widmet das Jahr 2018 der Farbe. Der Galerist und Kunstsammler
Johannes Wasmuth baute den klassizistischen Bahnhof zum Museum
aus. Dabei strebte er eine enge Verknüpfung von Kunst, Literatur und
Musik an. Die Musiker berauschen ihr Publikum mit Klangfarben. Das Michelangelo
String Quartet spielt Werke von Mozart, Haydn, Schumann,
Schubert sowie Tschaikowsky, Schostakowitsch und anderen. Das Foto
zeigt die Cellistin Jing Zhao und den Pianisten Itamar Golan.
Remagen, Bahnhof Rolandseck, www.wasmuthgesellschaft.de
4. Juli
MÜNCHEN SYMPHONIC AMERICA
Als „ungeniert tonal, unkompliziert und mit einer
Menge Spaß“ beschreibt der amerikanische
Komponist Peter Boyer sein Werk für Streichorchester
Three Olympians. Gemeint sind damit
die Bewohner des antiken Olymp: Apollon,
Aphrodite und Ares. Jedem widmet Boyer einen
Satz. „Apollon, der Gott der Vernunft, der
Musik und der Weissagung, inspiriert mich zu klassischer Harmonie.
Ti vedo, ti sento, mi perdo / S. Sciarrino
12.7. MÜNCHEN GÄRTNERPLATZ-
THEATER La Strada / M. Goecke
14.7. BADEN (AT) STADTTHEATER
Der Bettelstudent / C. Millöcker
14.7. MANNHEIM NATIONAL-
THEATER Don Giovanni / W. A. Mozart
19.7. MÜNCHEN STAATSOPER
Vanitas / S. Sciarrino
23.7. MÜNCHEN STAATSOPER
Orlando Paladino / J. Haydn
28.7. BADEN (AT) STADTTHEATER
Bonnie & Clyde / F. Wildhorn
18.8. BRAUNSCHWEIG
STAATSTHEATER Carmen / G. Bizet
18.8. KOBLENZ THEATER
Chess / B. Andersson
KÜNSTLER
PIOTR ANDERSZEWSKI
10.6. Baden Baden, Festspielhaus
28., 29., 30.6. München, Philharmonie
BENJAMIN APPL
10., 11.8. Hamburg, Elbphilharmonie
MARTHA ARGERICH
25., 26., 27., 28., 29., 30.,6., 1.7.
Hamburg, Laeiszhalle
2.7. Hamburg, Schmidt Theater
23.7. Verbier (CH), Église
25., 29.7. Verbier (CH), Salle des Combins
KIT ARMSTRONG
12.7. Mülheim, Stadthalle
13.7. Ludwigsburg, Residenzschloss
15.7. Passau, Rathaus
25.7. Hasenwinkel, Schloss
26.7. Rühn, Klosterkirche
27.7. Hohen Luckow, Schloss
28.7. Greifswald, Aula der Universität
29.7., 23.8. Wismar, Hl.-Geist-Kirche
11.8. Trier, St. Paulin
ARTEMIS QUARTETT
24.6. Zürich (CH), Tonhalle
10.8. Glückstadt, Stadtkirche
11.8. Lübeck, Oberschule zum Dom
12.8. Altenhof, Kuhhaus
16.8. Geisenheim, Johannisberg
19.8. Schwiessel, Schloss
28.8. Schwarzenberg (AT),
Angelika-Kauffmann-Saal
EMŐKE BARÁTH
30.7. Salzburg (AT), Haus für Mozart
31.7. Innsbruck (AT), Schloss Ambras
BERTRAND DE BILLY
22., 23.6. Dresden, Kulturpalast
29.6., 2.7. München, Staatsoper
IAN BOSTRIDGE
5.6. Wien (AT), Musikverein
25.6. Berlin, Philharmonie
26.6. Berlin, Staatsoper
28.6., 27.8. Schwarzenberg (AT),
Angelika-Kauffmann-Saal
30. Juni bis 21. Oktober, Potsdam
„GERHARD RICHTER.
ABSTRAKTION“
„So ein Bild wird in verschiedenen
Schichten gemalt, die
zeitlich voneinander getrennt
sind“, erläutert Gerhard Richter
den Entstehungsprozess
seiner Abstrakten Bilder. Richter
gilt als bedeutendster Maler
der Welt und seit 2013
auch als der teuerste. Sein
Werk bewegt sich ab der
zweiten Hälfte der 60er-Jahre
stufenweise zur Abstraktion.
Den Abstrakten Bildern liegt eine
Folge aufbauender und wieder
zerstörender Prozesse zugrunde. Als erste Schicht malt Richter
einen Hintergrund fotoähnlicher Wirkung. „Und diese glatte, ineinander
verschwimmende Fläche ist dann erst mal wie ein fertiges
Bild, das ich nach einiger Zeit verstehe.“ In einem nächsten Malgang
beginnt Richter mit der Zerstörung und Ergänzung des Bildes. Diesen
Prozess setzt er mit zeitlichen Abständen fort, „bis es nichts
mehr daran zu tun gibt, das Bild also fertig ist“. Der Titel eines solchen
Bildes bezieht sich dann rein assoziativ auf die Entstehung, wie
das abgebildete Abstrakte Bild, Still aus dem Jahr 1986. Die Potsdamer
Ausstellung zeigt abstrakte Werke Richters von den 60er-Jahren bis
in die Gegenwart. Sie wirft ein Schlaglicht auf die monochrome,
graue Werkgruppe der 70er-Jahre, die schwarz-weißen Malereien in
Auseinandersetzung mit zeitgeschichtlichen Dokumenten sowie die
Abstrakten Bilder mit ihren Pinsel-, Rakel- und Spachtelspuren im
Farbauftrag.
Potsdam, Museum Barberini, www.museum-barberini.com
GERHARD RICHTER: „ABSTRAKTES BILD, STILL“, 1986, FOTO: MUSEUM BARBERINI © GERHARD RICHTER 2018
53

E R L E B E N
17. Juli bis 27. August, Innsbruck
„IMMER IN BEWEGUNG“
Anna Fusek
Spielfreude zeichnet die Interpretationen von Anna Fusek aus. Seit
ihrer Kindheit spielt sie Violine, Blockflöte und Klavier und setzt die
barocke Tradition des vielseitigen Musizierens fort. Mit ihrem Ensemble
Kavka gastiert sie erstmals auf Schloss Ambras. Im Gepäck
hat sie höfische Musik aus Neapel und Innsbruck. „Bewegte
Welten“ lautet das Motto des Originalklang-Festivals Innsbrucker
Festwochen unter der Leitung von Intendant Alessandro De Marchi.
Für ihn ist die Alte Musik ein lebendiges Klanggebilde und immer in
Bewegung. Die einzige Konstante beim Festival sei es, „die Musik im
Klang und in der Gestaltung auf der Grundlage unserer historischen
Informationen und auf Instrumenten in der Bauweise der jeweiligen
Zeit aufzuführen“. Das Konzertprogramm, das mit dem Ensemble
Armoniosa, der Accademia Ottoboni, der Violinistin Leila Schayegh
und dem Daedalus Ensemble Spezialisten auf ihren Streichinstrumenten
versammelt, erinnert an den Tiroler Instrumentenbauer
Jacobus Stainer. Er wurde vor 400 Jahren geboren, und seine
Streichinstrumente werden noch heute für ihren besonderen Obertonreichtum
und einzigartigen Klang bewundert. Das casalQuartett
spielt sein Konzertprojekt „Das goldene Zeitalter“ über die Blütezeit
des Streichquartetts in der Hofburg komplett auf einem Original-Instrumentarium
von Stainer.
Innsbruck, verschiedene Spielorte, www.altemusik.at
Junge Stimmen zur Bühne!
Bundeswettbewerb Gesang Berlin 2018
für Oper, Operette und Konzert
Anmeldung online bis 1. September
Repertoireanforderungen schlanker und flexibler!
www.bwgesang.de
FOTO: FELIX BROEDE
KHATIA BUNIATISHVILI
6.6. Ingolstadt, Festsaal
22.6. Bad Kissingen, Regentenbau
6.7. Geisenheim, Schloss Johannisberg
25.8. Salzburg (AT), Haus für Mozart
CAMERON CARPENTER
3.6. Wolfsburg, Theater
22., 23., 24.6. Berlin, Konzerthaus
18., 19.8. Rendsburg-Büdelsdorf,
NordArt
CAPELLA DE LA TORRE
13.7. Münster, Palais Droste-Hülshoff
28.7. Auhausen, Klosterkirche
29.7. Schwäbisch Hall, Großcomburg
RENAUD CAPUÇON
27.6. Schwarzenberg (AT),
Angelika-Kauffmann-Saal
2.7. Bad Berleburg, Schloss
3.9. Bremen, Handelskammer
DAVID AARON CARPENTER
31.5. Wien (AT), Musikverein
MARIANNE CREBASSA
3.6. Berlin, Pierre Boulez Saal
10., 14.6. Berlin, Staatsoper
18.6. Hamburg, Elbphilharmonie
5., 6.8. Salzburg (AT), Festspielhaus
TEODOR CURRENTZIS
15.8. Salzburg (AT), Felsenreitschule
17., 19., 22., 23.8. Salzburg (AT),
Stiftung Mozarteum
25.8. Bremen, Die Glocke
DIANA DAMRAU
4.6. Wien (AT), Musikverein
10.6. Luzern (CH), KKL
23., 26., 29.6. Berlin, Deutsche Oper
13.7. München, Odeonsplatz
22.7. Regensburg, Schloss
25.,28.7. München, Staatsoper
LUCAS DEBARGUE
23., 25.6. Bremen, Die Glocke
JOYCE DIDONATO
15.6. Linz (AT), Brucknerhaus
17.6. München, Philharmonie
KEVIN JOHN EDUSEI
1., 14., 16., 19.6. Bern (CH), Theater
10.6. Kempten, bigBOX
22.6. Germering, Stadthalle
29.6. Bern (CH), Theater
JUAN DIEGO FLÓREZ
16.6. Wien (AT), Musikverein
23.6. Linz (AT), Dom
21.7. Bad Hofgastein (AT), Alpenarena
31.8. Gstaad (CH), Festivalzelt
2.9. Grafenegg (AT), Auditorium
VILDE FRANG
15., 16.6. Berlin, Konzerthaus
19., 20.6. Hamburg, Elbphilharmonie
25., 27.7. Verbier (CH),
Salle des Combins
29.7. Verbier (CH), Église
11., 12.8. Salzburg (AT), Mozarteum
DAVID FRAY
13.,14.7. Hohenems,
Markus Sittikus Saal
SOL GABETTA
30.6., 1.7. Lübeck, Kongresshalle
CHRISTIAN GERHAHER
28.6., 1., 5., 8., 15., 17., 31.7. München,
Bayerische Staatsoper
20.7. Gmund, Gut Kaltenbrunn
16.8. Kiel, Schloss
17.8. Wiesbaden, Kurhaus
RAPHAELA GROMES
15.7. Leipzig, Schloss Sondershausen
22.7. Bernkastel-Wehen,
Kloster Machern
PABLO HERAS-CASADO
14., 15., 16., 17.6. Hamburg,
Elbphilharmonie
ELZA VAN DEN HEEVER
10., 14., 17., 20., 23., 27.6.
Frankfurt, Oper
ANDREAS MARTIN HOFMEIR
10.6. Ingolstadt, Halle 9
23.6. München, Alte Kongresshalle
27.6. Hamburg, Elbphilharmonie
15.7. München, Cuvilliés-Theater
26.8. Salzburg (AT), Stift Nonnberg
DANIEL HOPE
4.6. Berlin, Konzerthaus
23.6. Essen, Philharmonie
25.6. Aurich, Lambertikirche
29.6. Berlin, Komische Oper
19.7. Eberach, Kloster
21.7. Ulrichshusen, Schloss
MAXIMILIAN HORNUNG
10.6. Kempten, bigBOX
3.7. München, Schloss Nymphenburg
22.8. Beidendorf, Dorfkirche
23.8. Wismar, Heiligen-Geist-Kirche
24.8. Schwerin, Schelfkirche
GEROLD HUBER
9.6. Elmau, Schloss
11.6. Berlin, Philharmonie
14.6. Graz (AT), Musikverein
14.7. München, Prinzregententheater
20.7. Gmund am Tegernsee,
Gut Kaltenbrunn
PHILIPPE JAROUSSKY
30.7. Salzburg (AT), Haus für Mozart
PAAVO JÄRVI
9., 10., 11.6. Dresden, Semperoper
31.7. Lübeck, Musik- und Kongresshalle
1.8. Kiel, Schloss
2.8. Rendsburg, Christkirche
23., 24.8. Wiesbaden, Kurhaus
LUCAS & ARTHUR JUSSEN
12.6. Hagen, Arcadeon
17.6. Essen, Philharmonie
26.6. Hamburg, Elbphilharmonie
30.6. Köln, Philharmonie
3.8. Bernkastel-Wehlen,
Kloster Machern
4.8. Eisenach, Wartburg
KAMMERAKADEMIE POTSDAM
10.6. Berlin, Konzerthaus
14.6. Berlin, Philharmonie
16.6. Potsdam, Nikolaisaal
SOPHIE KARTHÄUSER
9.6. Wien (AT), Musikverein
SIMONE KERMES
26., 27. 6. Fürth, Stadttheater
THE KING‘S SINGERS
16.6. Düsseldorf, Tonhalle
17.6. Hannover, NDR-Sendesaal
20.6. Berlin, Konzerthaus
21.6. Darmstadt, Staatstheater
24.6. Oldenburg, St. Lamberti
MARTIN KLETT
19.6. Berlin, Piano Salon Christophori
54 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

FOTOS: FOTOS: PAWEL KOPCZYNSKI; FLORIAN MIEDL; DR. RENÉ MEYER; BAYERISCHE PHILHARMONIE; TRANSE EXPRESS; TRANSE EXPRESS; MARTIN SIGMUND; STOFLETH; ASTRID ACKERMANN; GISELA SCHENKER; DOMINIK ODENKIRCHEN; UWE ARENS;
HTTP://SCHEWIG.AT/MUSIKERPORTRAITS-ALESSANDRO-QUARTA/
Aphrodite, die Göttin der Liebe und Schönheit, verführt mich zu lyrischen
Melodien. Und Ares, der Kriegsgott, treibt mich zu unerbittlichem
Rhythmus und jenen bedrohlichen Effekten, zu denen Streicher in
der Lage sind.“ Umrahmt von Werken Griegs und Tschaikowskys, steht
Three Olympians auf dem Programm des Konzerts „Symphonic American“.
Im Zeichen deutsch-amerikanischer Partnerschaft zwischen
dem Denver Philharmonic Orchestra und der Bayerischen Philharmonie
musizieren die beiden Klangkörper unter Lawrence Golan.
München, TonHalle im Werksviertel, www.bayerische-philharmonie.de
1. Juli
STUTTGART ERDBEBEN.TRÄUME
Toshio Hosokawa konzipiert nach Kleists rätselhafter
Novelle Das Erdbeben von Chili eine
neue Oper. Das Libretto verfasst Marcel Beyer.
Der aus einer alten japanischen Familie stammende
Komponist wurde 1998 mit Visions of
Lear zum Schöpfer der modernen japanischen
Oper. „Ich empfinde mich ganz der japanischen
Tradition zugehörig und schaffe meine Musik auf der Grundlage der langen
kulturellen Tradition Japans“, sagte er einmal im Gespräch. „Meine
Musik orientiert sich in ihren rhythmischen Proportionen an der Atemlehre
der Zen-Meditation. Jeder Atemzug beinhaltet Leben und Tod, Tod
und Leben. Im Sinne dieser kreisenden Zeit muss jeder Spieler atmen.“
Zu den Sängern gehören Esther Dierkes und Dominic Große. Am Pult
steht Sylvain Cambreling. Für Regie und Dramaturgie zeichnen Jossi
Wieler und Sergio Morabito (Foto) verantwortlich.
Stuttgart, Oper, 1. (Premiere), 6., 11., 13., 18. und 23.7., www.oper-stuttgart.de
10. bis 29. August
BERLIN TANZ IM AUGUST
Mit Trois Grandes Fugues des Ballet de l’Opéra de
Lyon eröffnet das Tanzfestival seine Jubiläumssaison.
Lucinda Childs, Maguy Marin und Anne
Teresa De Keersmaeker interpretieren choreografisch
Beethovens Große Fuge und setzen sich
mit dem komplexen Verhältnis zwischen klassischer
Musik und zeitgenössischem Tanz auseinander.
Zum 30. Mal kommen Tanzgruppen aus aller Welt in Berlin zusammen.
Das Big Dance Theater aus New York zeigt erstmals in Deutschland
17c, ein Tanzprojekt über die geheimen Tagebücher des englischen Marinesekretärs
Samuel Pepys aus dem 17. Jahrhundert. Die Choreografin
Constanza Macras bringt mit ihrem interdisziplinären Ensemble Dorkypark
Chatsworth zur Uraufführung, ein Projekt über die Township von Durban,
in der indische Immigranten während der Apartheid isoliert waren.
Wie 1988 das Festival seinen Anfang fand, erzählt die Onlinepublikation
Für immer Tanz – 30 Jahre Tanz im August.
Berlin, verschiedene Spielorte, www.tanzimaugust.de
2. und 19. Juni
MÜNCHEN UND BERLIN WIR AUS GLAS
Eine Wohnung, fünf Menschen, sieben Tage: Die
Wohnung wird zur Welt. Das Musiktheaterstück
„Wir aus Glas“ von Yasutaki Inamori und der Autorin
Gerhild Steinbuch (Foto) zeigt die Bewohner
eines Hauses bei der Sorge um sich selbst.
Die Münchener Biennale und die Deutsche Oper
Berlin bringen das Stück mit der Sopranistin Alexandra
Hutton, der Mezzosporanistin Michelle Daly, dem Tenor Clemens
Bieber und dem Bariton Thomas Florio sowie dem Ensemble Opera Lab
Berlin zur Uraufführung. Regie führt David Hermann. Das Wohnzimmer
stiftet Identität und hält die Angst vor dem Unbekannten, Unkontrollierbaren,
Fremden auf Abstand. Der Fremde wird zum Angreifer, weil er das
Eigene, die konstruierte heile Welt, infrage stellt.
München, Muffathalle, 2. (Premiere), 3., 4. und 5.6.,
www.muenchenerbiennale.de
Berlin, Deutsche Oper, 19. (Premiere), 21., 22., 23. und 24.6.,
www.deutscheoper.de
48.
Merseburger
Orgeltage
Geistliche Musik
Merseburger Orgeltage
8. bis 16. September 2018
Die Klangwelt eines Orgelbauers –
Friedrich Ladegast zum 200. Geburtstag
rund um die Ladegastorgeln des Merseburger Domes in den großen
Abendkonzerten, Orgelabenden, Meditationen zu später Stunde,
Kammermusiken, Morgenandachten und Gottesdiensten
Große Oratorien zeugen von der Klangwelt des 19. Jahrhunderts
Felix Mendelssohn Bartholdy – Elias
Joseph Haydn – Die Jahreszeiten
Johann Sebastian Bach – Matthäuspassion
in der Leipziger Fassung von Felix Mendelssohn Bartholdy aus dem Jahr 1840
Historische Programme,
erklungen zu den Orgelweihen der Ladegastorgeln im Goldenen Saal
des Musikvereins Wien, des Merseburger Domes und des Schweriner Domes,
gespielt von Martin Haselböck – Wien, Jan Ernst – Schwerin und
Michael Schönheit bilden einen Schwerpunkt in der Reihe der Orgelkonzerte.
Zu Gast in St. Wenzel zu Naumburg
An der Zacharias-Hildebrandt-Orgel: Lorenzo Ghielmi
International renommierte Organisten, Solisten
und Ensembles musizieren. Die Merseburger Hofmusik
feiert ihr 20-jähriges Bestehen.
Freundeskreis Musik und Denkmalpflege in Kirchen des Merseburger Landes e.V.
Musikalische Intendanz: Gewandhausorganist Michael Schönheit
Das genaue Programm im Netz unter www.merseburger-orgeltage.de
Kartenvorverkauf ab 1. März 2018 über AD-Ticket und im Netz
7. August 2018
Aurea
Variations on Bach
Emanuele Soavi (Choreographie & Tanz)
Emanuele Soavi incompany
Nadja Zwiener (Violine & Leitung)
Barockensemble
Das neue Programm der
KunstKlang-Saison 2018 / 2019
erscheint im Juli 2018.
www.kunstklang-feuchtwangen.de
Kartentelefon 09852 904 44
Foto: Gisela Schenker
55

E R L E B E N
20. bis 22. Juli, Augsburg
GELEBTE KULTUR
Wilhelm F.
Walz
Dirigent Wilhelm F. Walz, Gründer und Leiter der Konzerte im
Fronhof, zum Jubiläum des Augsburger Festivals:
crescendo: Maestro Walz, vor 20 Jahren riefen Sie das Open-Air-
Festival vor der Kulisse der Fürstbischöflichen Residenz in Augsburg
ins Leben. Denken Sie gerne zurück?
Wilhelm F. Walz: Mit dem Festival setzen wir den Gedanken gelebter
Kultur in der Metropolregion Augsburg-Schwaben um. Großartige Künstler
haben uns auf diesem Weg begleitet. Gerne erinnere ich mich an
Victor von Halem, der bei uns im Freischütz sang, oder den Bariton
Johannes Martin Kränzle, der zahlreiche Mozartpartien übernahm. Wir
hatten die Pianistin Janina Fialkowska zu Gast. Und letztes Jahr kam mit
Maximilian Hornung ein aus der Region stammender und international
agierender Cellist zu uns.
Das Jubiläum feiern Sie mit Beethovens Neunter Sinfonie …
Die Hoffnung, dass alle Menschen Brüder werden, liegt mir sehr nahe.
43 Prozent der in Augsburg lebenden Menschen haben Migrationshintergrund.
Auch findet jedes Jahr dort das Friedensfest statt. Und beim Format
„Augsburger Friedensfest meets Konzerte im Fronhof“, das wir vor
drei Jahren mit der Stadt Augsburg schufen, haben Menschen, die sonst
nicht in Konzerte gehen, freien Eintritt.
Ebenfalls auf dem Programm steht Mozarts Zauberflöte mit Sharleen
Joynt in der Partie der Königin der Nacht.
Sharleen Joynt sang 2014 mit phänomenalem Erfolg die Partie der Zerbinetta
in Strauss’ Ariadne auf Naxos. So etwas hatte das Publikum in der
Region noch nicht erlebt. Junge Künstler zu entdecken und zu fördern ist
ein Anliegen unseres Festivals. Bei uns erhalten sie die Chance, mit erfahrenen
Sängern oder Instrumentalisten auf der Bühne zu stehen.
Teresa Schwamm ist Solistin in Residenz. Was hören wir von ihr?
Die Bratschistin Teresa Schwamm ist Mitglied des Armida Quartetts, das
2012 den ersten Preis beim ARD-Wettbewerb gewann. Sie spielt mit dem
jungen israelischen Klarinettisten Daniel Gurfinkel das Doppelkonzert
von Max Bruch. Außerdem hören wir sie in Bruchs Romanze. Darüber hinaus
gibt sie als Residenzsolistin einen Meisterkurs.
Eine langjährige Partnerschaft verbindet Sie mit der SUK-Symphony
Prag. Was zeichnet den Klangkörper aus?
Seit 2001 ist die renommierte SUK-Symphony Prag als musikalischer Botschafter
Gast unseres Festivals. Ihr warmer Streicher- und Bläserklang
entspricht sehr meinen Vorstellungen. Durch unsere lange Zusammenarbeit
haben wir – insbesondere bei Mozart – eine gemeinsame Klangrede
entwickelt.
Augsburg, Fürstbischöfliche Residenz, www.konzerteimfronhof.de
FOTO: PR
7. August
FEUCHTWANGEN KUNSTKLANG
„Und die Erde war wüst und leer, und es war finster
auf der Tiefe …“ Ein Dialog „schwarzer Ahnenfiguren
zwischen Vergangenheit und Zukunft.
Ein geheimnisvolles Flüstern von Menschen und
Seelen im Schatten eines ungekannten Waldes aus
Körperteilen und Instrumenten. Wie formt sich
Chaos zu Ordnung, Struktur und Mustern, zur
Harmonie des Goldenen Schnitts? Aurea. Variations on Bach, die Performance
des Choreografen Emanuele Soavi, spürt zur Musik von Johann Sebastian
Bach den Vorstellungen von Ordnung und Chaos, Leben und Tod nach. Es
tanzen Federico Casadei, Lisa Kirsch, Francesca Poglie und Emanuele Soavi.
Feuchtwangen, Stadthalle Kasten, www.kunstklang-feuchtwangen.de
26. Juli bis 12. August
OBERSTDORFER MUSIKSOMMER
Mit dem für sein fulminantes Spiel bekannten
Mandelring Quartett (Foto) und der Marimba-
Virtuosin Katarzyna Myćka, die ihr Spiel mit tänzerischer
Energie betreibt, kommen fünf leidenschaftliche
Musiker zusammen. Daniel Schnyders
Zoom In und Igmar Alderete Acostas Sones de
América werden umrahmt von Astor Piazzollas
Libertango und Leonard Bernsteins West Side Story. Aber das Festival lockt
nicht nur mit atemberaubenden Klängen, sondern einem ebensolchen Alpenpanorama.
So lädt das Jourist Ensemble zur Berg station Höfatsblick auf
das Nebelhorn. Und das Gémeaux Quartett mit der Cellistin Veronika
Zucker spielt hoch oben auf dem Fellhorngipfel.
Oberstdorf, verschiedene Spielorte, www.oberstdorfer-musiksommer.de
9. Juni
KIEL LA DIVISIONE DEL MONDO
Als die venezianische Barockoper in den Vordergrund
trat, hatte auch Giovanni Legrenzi an ihren
frühen Erfolgen teil. Der Liebling von Johann
Sebastian Bach vereinigt in seinem Werk die von
Cavalli und Cesti begonnenen Neuerungen. Seine
Oper La divisione del mondo – Die Aufteilung der
Welt – aus dem Jahr 1875 weist neben der strengen
Abfolge von Rezitativen und Arien auch zahlreiche Zwischenformen
auf. 2000 wurde sie von Thomas Hengelbrock wiederentdeckt und kommt
nun in Kiel auf die Bühne. Intendant Ulrich Waller setzt die dekadent gelangweilte
Götterwelt in Szene. Als Venus ist Heike Wittlieb zu erleben. Jupiter
ist Dashuai Chen. Die musikalische Leitung hat Alessandro Quarta inne.
Kiel, Opernhaus, 9. (Premiere) und 16.6. sowie 3. und 6.7., www.theater-kiel.de
3. Juni
HAMBURG BENJAMIN
Anlässlich der Uraufführung von Flucht. Sechs Passagen
2016 versprach Peter Ruzicka (Foto) eine
neue Oper. Das Orchesterwerk gilt als „Vorecho“
von Benjamin. Denn Pariser Passagen war der Titel
jenes geschichtsphilosophischen Werks, an dem
Walter Benjamin bis zu seinem Tod arbeitete. In
der Nacht des 26. September 1940 nahm er sich
in Portbou das Leben. „Mein Leben wird ein Ende finden in einem kleinen
Dorf in den Pyrenäen, wo mich niemand kennt“, teilte er in seinem Abschiedsbrief
Theodor W. Adorno mit. „Was geht in Walter Benjamin vor,
als er auf der Flucht vor den Nationalsozialisten in einer Lichtung tief in den
Pyrenäen jene Septembernacht allein verbringt?“, fragt Regisseurin Yona
Kim. „Er hat nichts bei sich außer seiner Aktentasche mit Manuskripten.“
Das Denken werde „zu einer Frage des nackten Überlebens“. Die Titelrolle
übernimmt Dietrich Henschel. Am Pult steht Ruzicka selbst.
Hamburg, Staatsoper, 3. (Premiere), 6., 10., 13. und 16. 6. sowie 14. und 19.10.,
www.staatsoper-hamburg.de
56 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

FOTOS: FOTOS: PAWEL KOPCZYNSKI; FLORIAN MIEDL; DR. RENÉ MEYER; BAYERISCHE PHILHARMONIE; TRANSE EXPRESS; TRANSE EXPRESS; MARTIN SIGMUND; STOFLETH; ASTRID ACKERMANN; GISELA SCHENKER; DOMINIK ODENKIRCHEN; UWE ARENS;
HTTP://SCHEWIG.AT/MUSIKERPORTRAITS-ALESSANDRO-QUARTA/
23.6. Herrenchiemsee, Augustiner
Chorherrenstift
30.6., 1.7., 22.9. Hamburg,
Jenisch Haus
18.7. Lütetsburg, Schloss
29.7. Mettlach, Alte Abtei
WOLFGANG KOCH
28., 29.6., 1., 2., 5.7. München,
Bayerische Staatsoper
PETER KOFLER
15.6. Nürnberg, Frauenkirche
KATHARINA KONRADI
9.6. Würzburg, Central im Bürgerbräu
17., 23., 24., 27., 29.6. Wiesbaden,
Staatstheater
ALEXANDER KRICHEL
1.6. Sundern, Haus Berghoff
7.8. Hamburg, Elbphilharmonie
8.8. Brunsbüttel, Elbeforum
31.8. Göttingen, Stadthalle
FRANÇOIS LELEUX
8.7. Stuttgart, Liederhalle
IGOR LEVIT
16.6. Elmau, Schloss
26.6. Düsseldorf,
Robert-Schumann-Saal
15. Juni bis Ende Januar 2019, Nürnberg
Inszenierte Politik,
politisches Musiktheater?
Ausschnitt einer Postkarte:
Adolf Hitler im Opernhaus
Nürnberg während einer Aufführung
der Meistersinger.
22.7. Salzburg (AT), Mozarteum
4.8. Salzburg (AT), Haus für Mozart
25.8. Salzburg (AT), Festspielhaus
JI YOUNG LIM
25.6. Frankfurt, Hochschule für Musik
OKSANA LYNIV
3., 6., 10.6. Graz (AT), Oper
17.9. Graz (AT), Stefaniensaal
YO-YO MA
31.8. Leipzig, Gewandhaus
4.9. Frankfurt, Alte Oper
XAVIER DE MAISTRE
29.6. Hamburg, Elbphilharmonie
10.8. Rendsburg, Christkirche
11.8. Elmshorn, Reithalle
CORNELIUS MEISTER
7.6. Wien (AT), Musikverein
14.6. Wien (AT), Konzerthaus
NILS MÖNKEMEYER
17.6. Würzburg, Residenz
26.7. Erfurt, Predigerkirche
28.7. Ulrichshusen, Remise
29.7. Ulrichshusen, Schloss
3.8. Schwerin, Schelfkirche
9.8. Itzehoe, Theater
Hitler war vom Musiktheater fasziniert.
Diese persönliche Leidenschaft
sprang jedoch nicht
nur auf sein politisches Handeln
über – auch im Nürnberger Kulturleben
hinterließ er tiefe Spuren.
Auf seine Weisung wurden
die Reichsparteitage der NSDAP
in Nürnberg alljährlich mit Wagners
Meistersingern von Nürnberg
eröffnet. Und auch das Opernhaus
wurde nach seinen Wünschen
neu gestaltet. Stadt, Politik
und Bühne traten in Nürnberg in
einen intensiven Dialog – wie es
so wohl in keiner anderen deutschen
Stadt in dieser Zeit zu beobachten
ist. Auf der ehemaligen Bühne politischer Inszenierung, dem
Reichsparteitagsgelände, macht die Ausstellung „Hitler.Macht.Oper –
Propaganda und Musiktheater in Nürnberg“ dieses komplexe Wechselspiel
erfahrbar. Die dem Theaterbau nachempfundene Ausstellungsarchitektur,
entworfen von Bühnenbildner Hermann Feuchter,
führt den Besucher ins Intendantenbüro, auf die große Bühne und hinter
die Kulissen. Die Ausstellung ist das Ergebnis eines Forschungsprojekts,
das vom Forschungsinstitut für Musiktheater der Universität
Bayreuth (fimt) in Kooperation mit dem Staatstheater Nürnberg und
dem Dokumentationszentrum Reichsparteitagsgelände durchgeführt
wird. Am 14. Juni 2018 wird die Ausstellung eröffnet. Bis Ende Januar
2019 gibt es ein vielseitiges Beiprogramm aus Führungen, kommentierten
Konzerten und Lesungen. Jasmin Goll
Nürnberg, Dokumentationszentrum Reichsparteitagsgelände,
museen.nuernberg.de, weitere Informationen zum Forschungsprojekt:
www.musikpropaganda.uni-bayreuth.de
FOTO: DOKUMENTATIONSZENTRUM REICHSPARTEITAGSGELÄNDE
So, 17.06.18, 20 Uhr
Philharmonie im Gasteig München
Der vielumjubelte
Opernstar wieder
in München!
JOYCE
DIDONATO
IN WAR AND PEACE
Il pomo d´oro
Maxim Emelyanychev Cembalo & Leitung
Karten erhältlich beim Veranstalter: Tel. 0800-545 44 55 (kostenfrei) oder
über München Ticket: Tel. 089-54 81 81 81 sowie an allen Vorverkaufsstellen
EDGAR MOREAU
9.6. Würzburg, Central im Bürgerbräu
27.6. Schwarzenberg (AT),
Angelika-Kauffmann-Saal
26.7. Tegernsee, St. Quirinus
REGULA MÜHLEMANN
13.6. München, Schloss Nymphenburg
15.6. Weimar, Schloss Ettersburg
17.6. Bad Lauchstädt, Goethe-Theater
8., 11., 14.7. Baden-Baden, Festspielhaus
SOPHIE PACINI
8.6. Bonn, Schumann-Haus
4.9. Traunstein, A.-Kolb-Gymnasium
EMMANUEL PAHUD
3.6. Berlin, Pierre Boulez Saal
8., 9., 10.7. Köln, Philharmonie
ANTONIO PAPPANO
14., 15., 16.6. München, Philharmonie
24., 25., 26.6. Berlin, Staatsoper
8., 9., 10.7. Dresden, Semperoper
12.7. Wiesbaden, Kurhaus
13.7. Lübeck, Kongresshalle
14.7. Redefin, Landgestüt
OLGA PERETYATKO
14., 17., 19., 21.6. Hamburg, Staatsoper
JEAN RONDEAU
6.6. Salzgitter, Stiftskirche
14.6. Leipzig, Alter Rathaus
15.6. Leipzig, Schaubühne Lindenfels
22.8. Oestrich-Winkel, St. Ägidius
VALER SABADUS
3.6. Dortmund, Konzerthaus
24.6. Zürich (CH), Opernhaus
31.8, 2.9. Köthen, St. Jakob
FAZIL SAY
9.6. Stuttgart, Liederhalle
18.6. Hamburg, Elbphilharmonie
BENJAMIN SCHMID
1.6. Kindberg (AT), Volkshaus
5.6. Mattsee (AT), Stiftskirche
10.6. Wien (AT), Musikverein
19.6. Wien (AT), Konzerthaus
ERWIN SCHROTT
26.,29.7. München, Staatsoper
CHRISTIAN TETZLAFF
31.5., 1., 2.6. Berlin, Konzerthaus
4., 5.6. Mannheim, Congress Center
11.6. Köln, Philharmonie
12.6. Neumarkt, Kulturhaus Reitstadel
18.6. Hamburg, Elbphilharmonie
27.7. Emden, Bibliothek
28.7. Klosters (CH), St. Jakob
29.7. Hitzacker, VERDO Konzertsaal
31.8. Höxter, Schloss Corvey
ALEXANDRE THARAUD
7.6. Wolfenbüttel, Lessingtheater
22.6. Cully, Temple de Cully
19.7. Gmund, Gut Kaltenbrunn
JAN VOGLER
1.6. Berlin, Philharmonie
8.6. Dresden, Frauenkirche
10.6. Dresden, Palais im Gr. Garten
10.6. Dresden, Kulturpalast
MICHAEL VOLLE
31.5., 10., 14.6. Berlin, Staatsoper
16., 19., 22.6. München, Staatsoper
57

E R L E B E N
Alljährlich lockt die Arena di Verona mit ihren Opernfestspielen
BEZAUBERNDE KLÄNGE
IM SÜDEN
Zwischen Zypressen und Orangenbäumen: Der Festivalsommer
in Italien lockt mit lauen Sommernächten und schmeichelndem Wohlklang.
Wir haben für Sie die Highlights zusammengestellt.
VON JULIA HARTEL
Italien zählt bekanntlich zu den unangefochtenen Lieblingsreisezielen
der Deutschen. Für Musikbegeisterte gibt es – abgesehen
vom Wetter, den traumhaften Landschaften und der Kulinarik –
noch einen weiteren guten Grund für einen Besuch: Das „Belpaese“
verfügt über eine überaus reichhaltige Festivallandschaft, die die
Besucher an einzigartige Veranstaltungsorte führt.
So bilden zum Beispiel die historischen Schlösser der Region
Friaul-Julisch Venetien die Spielstätten für das Piccolo Festival,
das verschiedene Opernproduktionen umfasst und in diesem Jahr
unter dem Motto „Capriccio“ steht. Im Castello di Spessa im Herzen
des Weinbaugebietes Collio ist beispielsweise am 10. und 12.
Juli Le Nozze di Figaro zu erleben; in der Villa Manin Guerresco in
Clauiano und im Palazzo Altan in San Vito al Tagliamento werden
am 5. und am 13. Juli die Kaffeekantate sowie La Dirindina, eine
barocke Opernrarität von Giovanni Battista Martini, gegeben. Für
das gastronomische Angebot sorgen jeweils einige der renommier-
58 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

FOTOS: ARENA DI VERONA / ENNEVI; RAVELLO FESTIVAL; PICCOLO FESTIVAL/M. TASSOTTO; ARMONIE D‘ARTE
Ravello Festival oberhalb von Amalfi; Castello di Spessa beim Piccolo Festival; das antike Scolacium beim Armonie d’Arte Festival
testen Köche der Region. Im benachbarten Venetien ist eine Festivalreihe
zu Hause, die sich seit Jahrzehnten internationaler Beliebtheit
erfreut: die Opernfestspiele in der Arena di Verona. Ihre 95.
Ausgabe findet dieses Jahr vom 22. Juni bis 1. September statt und
lockt mit den Klassikern Aida, Carmen, Nabucco, Turandot und
dem Barbier von Sevilla, aber auch mit einer Ballettgala unter dem
Motto „Roberto Bolle and Friends“.
Das südöstlich von Verona gelegene Ravenna richtet alljährlich
das Ravenna Festival aus, das in diesem Jahr neben Opernproduktionen
zusätzlich Konzerte mit klassischer Musik und Jazz sowie
Filmvorführungen und Ausstellungen beinhaltet. Auch hier versprechen
vielfältigste stimmungsvolle Veranstaltungsorte – wie die
byzantinischen Basiliken, die Klöster und Plätze der Stadt – besonderen
Genuss. Die Festspiele dauern vom 1. Juni bis zum 22. Juli.
Aus Anlass des 150. Todesjahres von Gioacchino Rossini widmet
die Stadt Pesaro in den Marken ihrem vielleicht berühmtesten
Sohn eine ganze Reihe an Veranstaltungen. Nicht zuletzt beim
diesjährigen Rossini Opera Festival werden hier viele erstklassige
Musiker auf der Bühne stehen.
Noch weiter im Süden, in den Regionen Emilia-Romagna
und Kampanien, sind das Ravello Festival und das Festival Verdi
beherbergt. Der Anblick des Gartens der Villa Rufolo in Ravello,
oberhalb von Amalfi, raubte mit seinem unvergleichlichen Panorama
schon Richard Wagner den Atem:
„Ich habe den Zaubergarten von Klingsor
gefunden!“, schrieb der Komponist 1880,
beglückt über diese außergewöhnliche
Inspiration zum zweiten Akt seines Parsifal.
Vom 30. Juni bis zum 25. August
werden hier Konzerte und Ballettabende
MUSIKFESTIVALS IN ITALIEN
Einen umfangreichen Überblick über die italienische
Festivallandschaft finden Sie unter:
www.festspielguide.de/italien
Weitere Infos unter:
www.italiafestival.it | www.enit.de | www.italia.it
Social Media Hashtags #ILikeItaly und #italiafestival
mit erlesenen Musik- und Tanzensembles angeboten. Das Festival
Verdi bringt etwas später im Jahr, nämlich vom 27. September bis
zum 21. Oktober, Opern des großen italienischen Romantikers auf
die Bühne: Im Teatro Regio di Parma kommen Macbeth und Attila,
im Teatro Farnese in Parma Der Troubadour und im Teatro
Guiseppe Verdi in Busseto König für einen Tag zur Aufführung.
Ein unverwechselbares Erlebnis verspricht das Festival
Armonie d’Arte in Borgia, Kalabrien. Die Besucher können hier im
geschichtsträchtigen Parco Archeologico Scolacium, einem nur
200 Meter vom Strand entfernten Ausgrabungsgelände, Musik-,
Theater- und Tanzveranstaltungen genießen. Teilnehmende
Künstler sind dieses Jahr unter anderem Zubin Mehta und Pat
Metheny.
Mit einem abwechslungsreichen Programm wartet auch die
sizilianische Hauptstadt Palermo auf, die von einem faszinierenden
Reichtum an Kulturschätzen und einer lebhaften Atmosphäre
geprägt ist und 2018 den Titel „Italienische Kulturhauptstadt“
trägt. Der Veranstaltungskalender umfasst Musikveranstaltungen
– unter anderem Konzerte im Teatro Massimo –, aber auch Ausstellungen
und die Kunstbiennale Manifesta 12, die als eine der wichtigsten
europäischen Biennalen für zeitgenössische Kunst vom 16.
Juni bis zum 4. November besucht werden kann.
Man sieht: In Italien findet sich kaum eine Provinz, die
nicht ihr eigenes Musikfestival feiert.
Viele weitere ließen sich nennen, etwa
das Umbria Jazz-Festival in Perugia,
der Maggio Musicale in Florenz oder
das größte Straßenmusikfest Italiens in
Ferrara.
n
59

E R L E B E N
Die Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz spielt Konzerte in der gesamten Rhein-Neckar-Region
DIE MUSIK ZU DEN
MENSCHEN BRINGEN!
Für die Deutsche Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz ist die kommende Saison
Abschied und Aufbruch zugleich: Ihr starkes Führungs-Duo der vergangenen Jahre
wird sie verlassen, Energie und Feuer bleiben.
VON MARIA GOETH
„Mehrstimmige Musik ist wie ein Erfolgsrezept für eine mehrstimmige
Gesellschaft: Jede einzelne Stimme funktioniert in Respekt
vor und Gemeinschaft mit der anderen!“, so die Überzeugung von
Michael Kaufmann, seit 2011 Intendant der Deutschen Staatsphilharmonie
Rheinland-Pfalz. Zusammen mit Chefdirigent Karl-
Heinz Steffens hat er in den vergangenen Jahren reichlich was
bewegt in seiner Region. Eine Vielzahl neuer Konzertformate
wurde geboren: etwa die Reihe „Modern Times“, die mit ihrem
unverkrampften Blick auf die Tonkunst des 20. Jahrhunderts auch
Skeptiker in Konzerte Neuer Musik lockt. Den Schlüssel zum
Erfolg liefern dabei knackige, auch komplexe Musik zugänglich
machende Moderationen, aber auch namhafte Solisten wie Frank
Peter Zimmermann oder Isabelle Faust. Dann wäre da der Bruckner-Zyklus,
in der die Musik des großen
Romantikers in den vier großen Domen der
Region – Speyer, Worms, Trier und Mainz –
gespielt wird, eine gelungene Symbiose von
Musik und architektonischem Weltkulturerbe.
STAATSPHILHARMONIE
RHEINLAND-PFALZ
Informationen und Kartenservice:
www.staatsphilharmonie.de
Und wieder ganz anderen Charakters zeigen sich Reihen wie die
im Mannheimer Capitol, ehemals einem der größten Filmtheater,
wo sich Klassik und Jazz begegnen, aber auch „traditionelle“ klassische
Musik gegeben wird. Dabei senkt der ungewöhnliche Ort
die Hemmschwelle für Besucher, die sich sonst nicht unbedingt in
Konzertsäle verirren.
Kein Wunder, dass sich Kaufmann und Steffens über kontinuierlich
steigende Besucherzahlen freuen, obwohl die große
Me tropolregion, die das Orchester bespielt – gelinde gesagt! –
nicht allzu viel gemein hat: Während es in Ludwigshafen kaum
eine bürgerliche Gesellschaft gibt, findet man sie in Mannheim
und Heidelberg durchaus. Heidelberg ist außerdem ein Sammelbecken
für Studenten und Mediziner. Dass diese über Jahrzehnte
gewachsenen Unterschiede auch vollkommen
verschiedenes Publikum hervorbringen, sieht
Intendant Kaufmann als Herausforderung
und Chance zugleich: „Mit demselben Programm
in Heidelberg und Ludwigshafen kann
60 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

FOTOS: SEBASTIAN GÜNDEL; MARCO BORGGREVE; JULIA OKON
Chefdirigent Karl-Heinz Steffens und Intendant Michael Kaufmann;
in der kommenden Saison im Künstlerporträt zu erleben: Dirigent Michael Francis und Pinchas Zukerman
man vollkommen unterschiedliche Menschen erreichen: von
denen, die leger gekleidet in der Pause ein Bier trinken, bis zu den
elegant Gekleideten mit Champagnerglas.“
Und dann wäre da noch das Fehlen eines eigenen Konzertsaals
für die Musiker der Deutschen Staatsphilharmonie. „Ein
Orchester ohne Heimat ohne Haus ist nicht eingebunden in ein
Gesamtprogramm. Das Wirken wird auf das einzelne Ereignis
reduziert. Da fällt es schwer, etwas langfristig zu entwickeln,
Stammpublikum aufzubauen“, erläutert Kaufmann. Deshalb hat
er sich beispielsweise ausgedacht, dass Besucher ihr eigenes Abo
aus den Angeboten in Ludwigshafen und Mannheim zusammenstellen
können. Dennoch: „Jeder Musiker bei uns muss einen viel
größeren Aufwand betreiben, weil er immer erst irgendwo hinfahren
muss. Das fordert ganz schön Energie!“ Dennoch bleibt
Kaufmann auch in Bezug auf die Herausforderung der „Heimatlosigkeit“
Optimist: „Es ist eine großartige Leistung, wenn man
die Musik zu den Menschen bringt! Wir kommen zu ihnen, nicht
sie zu uns!“
Auf die Frage, ob er sich einen eigenen Konzertsaal wünscht
(spannende Aspekte zum Thema „Raum“ auch in unserem Themenschwerpunkt
ab S. 73), fordert Kaufmann, man müsse sich von
den alten starren Konzepten eines „Tempels der klassischen Musik“
befreien, hindenken zu neuen flexiblen und multifunktionalen
Bauten, die zum „gesellschaftlichen Kristallisationspunkt“ gedeihen
können. Konzerte würden dann zu Ereignissen, in die nicht
nur typische Klassikfans strömten. „In einer immer digitaleren
Welt wird oft vergessen, dass es Versammlungsräume geben muss,
in denen es noch absolut analog zugeht, in der echte Gemeinschaft
entstehen kann und nicht nur eine User Group in irgendeinem
Forum. Musik wird hier zum Diener und zum Motor ganz vitaler
gesellschaftlicher Funktionen“, so Kaufmanns Vision. „Ich hasse
es, wenn man uns in eine Nische sperrt! Als ich noch in der Kölner
Philharmonie gearbeitet habe, war es immer unser Ehrgeiz, mehr
Besucher zu erreichen als der 1. FC Köln. Das haben wir jedes Jahr
geschafft!“
Trotz all dieses Eifers und dieser Entwicklungen nimmt das
Leitungsduo im Sommer von der Staatsphilharmonie Abschied.
„Was Karl-Heinz Steffens und ich gemacht haben, war für alle
Beteiligten – vom Ministerium bis zu den Mitarbeitern und Musikern
– ein anstrengender Parcours! Denen haben wir viel zugemutet“,
resümiert Kaufmann. Nun sieht er sich ganz ohne Bitternis
am Ende eines Weges, auf dem er erst mal alles gegeben hat, was er
aus seiner Sicht geben kann. „Man könnte sagen, dass ich sehr
erfolgreich gescheitert bin“, lacht er und übergibt den Staffelstab
beziehungsweise ein Orchester in Tipptopp-Zustand an seinen
Nachfolger Beat Fehlmann. Die Chefdirigentenposition ist noch
nicht neu besetzt und wird wohl eine Saison lang offen bleiben, bis
der oder die Neue pünktlich zum 100. Geburtstag des Orchesters
Ende 2019 in Steffens Fußstapfen tritt.
Die kommende Saison ist noch das planerische Werk des
scheidenden Intendanten. Kaufmann freut sich besonders, dass
etwa Pinchas Zukerman wiederkommen wird, mit dem das
Orchester acht Konzerte mit zwei unterschiedlichen Programmen
gibt: „Der spielt und dirigiert nicht nur, sondern hält eine Art Masterclass
für alle unsere Streicher!“ Außerdem wird im Rahmen
eines Künstlerporträts der britische Dirigent Michael Francis
15 Konzerte übernehmen, was trotz der chefdirigentenlosen Zeit
für Kontinuität und eine persönliche Handschrift vom Pult aus
sorgen wird. Weitere Highlights sind drei Konzerte mit Mozart,
Haydn und dem Brahms-Doppelkonzert, bei der Musiker aus dem
Orchester die Solisten sind und sich so in ungeahnter Stärke präsentieren
können.
Und was wünscht Kaufmann seinem Orchester für die
Zukunft? Dass es weiterhin kontinuierlich, selbstkritisch und voller
Energie an seiner Qualität arbeitet und eine unverzichtbare
Kultureinrichtung in der ganzen Region bleibt!
n
61

E R L E B E N
Sie kamen alle zum Gratulieren: Von Alfred Brendel bis Martha Argerich, von Anne-Sophie Mutter bis Khatia Buniatishvili
– doch das Jubiläumsjahr ist noch lange nicht vorbei!
GEBURTSTAGSGALA
MAL ZWEI
Ein doppeltes Hurra: Das Klavier-Festival Ruhr wird 30,
sein Intendant Franz Xaver Ohnesorg 70!
VON GUIDO KRAWINKEL
Klavier-Festival Ruhr 19.4. bis 13.7.
Information und Kartenservice:
Tel.:+49-(0)201-89 66 80
www.klavierfestival.de
Er kann es nicht lassen: Selbst im Moment, in dem Franz Xaver
Ohnesorg die Ehre angetragen wird, sich ins Goldene Buch der
Stadt Wuppertal einzuschreiben, denkt er nur an eines: an „sein“
Festival. Der Musikmanager Ohnesorg ist seit 1995 ohne Unterlass
für das Klavier-Festival Ruhr auf den Beinen, und statt sich im
Moment des Triumphes einfach feiern zu lassen, tut er das, was er
am besten kann: Menschen mobilisieren, das Publikum mit ins
Boot nehmen, Aufmerksamkeit generieren.
Ohnesorg möchte für die ganz große Bühne sorgen: Es soll
nicht nur ein feierlicher Verwaltungsakt mit ein paar Pressevertretern
sein, nein, die Wuppertaler Bevölkerung, die durch ihr bürgerschaftliches
Engagement erst solche Veranstaltungsorte
wie die historische Stadthalle ermöglicht
hat, solle auch zugegen sein. Hier erweist
der von Thomas Quasthoff bei der Jubiläumssause
in der altehrwürdigen Wuppertaler Stadthalle mit einem
durchaus hintergründigen Lächeln als „Sonnenkönig“ titulierte
„FXO“ seinem Ruf als Kulturkatalysator wieder einmal alle Ehre.
Dass er das in den vergangenen Jahren überaus erfolgreich
gemacht und das von einer Stiftung getragene und maßgeblich vom
Initiativkreis Ruhr als Generalsponsor unterstützte Klavier-Festival
Ruhr zum größten Festival seiner Art weiterentwickelt hat, zeigt
schon die Gästeliste: ein Who’s Who der Pianistenzunft, von Alfred
Brendel bis Joseph Moog reicht die Spannweite, von Martha Argerich
bis zu Gerhard Oppitz. Und natürlich ist der Saal ausverkauft.
Gefeiert wird an diesem Abend aber nicht nur das 30-jährige
Jubiläum des Festivals, auch Ohnesorg selbst
feiert Geburtstag, seinen 70. Anzumerken ist
ihm das nicht. Das Diktum von Kultur als notwendigem
Lebensmittel – der Jubilar scheint
62 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

SYMPHONIC AMERICA
TRANSATLANTISCHE PARTNERSCHAFT
Werke von Grieg, Boyer und Tschaikowsky
Mittwoch, 4. Juli 2018, 20.00 Uhr
TonHalle München im Werksviertel
Bayerische Philharmonie in Kooperation mit dem
Denver Philharmonic Orchestra | Lawrence Golan Dirigent
www.bayerische-philharmonie.de
Anzeige_90x126_Crescendo.qxp_Druckvorlage Karten: 34/24/17 €, ermäßigt für Schüler und Studenten | Bayerische 18.04.18 Philharmonie 14:11 Seite 1
Tel. +49 89 120 220 320 | info@bayerische-philharmonie.de | www.muenchenticket.de
FOTO: KLAVIERFESTIVAL RUHR
Aus unserer Spielzeit 2018
ANDREAS HOFER
MY FAIR LADY
SHERLOCK HOLMES
LA TRAVIATA
und andere
der beste Beweis dafür zu sein, ebenso wie sein Festival. Das
Programm des gut dreistündigen Abends im Übrigen auch:
Moog und Oppitz spielen vierhändig Schubert, Sopranistin Juliane
Banse singt ebendiesen, und Olli Mustonen spielt Beethoven-Variationen.
Brendel bleibt sich selbst treu und rezitiert
Selbstgedichtetes während Sohn Adrian Kurtág spielt, danach
hört man Elena Bashkirova mit Tschaikowsky und Martha Argerich
nebst Sergio Tiempo mit Ravel – allein die erste Hälfte des
Abends ist für sich genommen schon ein Mini-Festival.
Die zweite ist der vermeintlich leichteren Muse vorbehalten:
Maki Namekawa und Dennis Russel Davies spielen Bernstein,
Anne-Sophie Mutter und Khatia Buniatishvili fetzen
Gershwin, bevor mit Till Brönner, Dieter Ilg, Thomas Quasthoff
und Frank Chastenier in wechselnden Besetzungen gejazzt wird.
Für das furiose Finale sorgt Michel Camilo mit einem umjubelten
Auftritt.
Was macht aber nun den Geist des Klavier-Festivals Ruhr
aus? „Das Klavier-Festival ist für mich die weltweit führende
Plattform, für Liebhaber der Klaviermusik wie für Pianisten. Ich
kenne nichts Vergleichbares“, sagt Gerhard Oppitz auf der After-
Show-Party. Auch für Joseph Moog spielt das Festival eine
besondere Rolle: „Hier ist das Zuhause für die großen Pianisten
der Welt. Hier sind schon viele Freundschaften entstanden, hier
gibt es oft ganz spontane Begegnungen.“ Für den Dirigenten
und Pianisten Dennis Russel Davies hat es mit dem Festival
zudem eine sehr persönliche Bewandtnis: Hier ist er nicht nur
unzählige Male aufgetreten, hier hat er auch seine Frau kennengelernt.
Hier erhalte man, so erzählt er, nach der Probe auch mal
eine Kunstführung durch den Intendanten höchstpersönlich.
Vor allem eins hat ihn sehr beeindruckt: „Hier gibt es ein sehr
interessiertes und offenes Publikum.“
n
Foto © Florian Miedl
Infos, Preise und Karten: Tourist-Information der Festspielstadt Wunsiedel
Tel. 09232/602 162 | karten@luisenburg-aktuell.de
www.luisenburg-aktuell.de
63

E R L E B E N
FOTO: BAYERISCHE SCHLÖSSERVERWALTUNG, ACHIM BUNZ
BAROCKER PRACHTBAU
Seit April hat es wieder geöffnet, das Markgräfliche Opernhaus in Bayreuth – neben dem
Festspielhaus am Grünen Hügel die zweite musikalische Instanz in der fränkischen Metropole.
VON JASMIN GOLL
„Wow!“ – das hört man am häufigsten, wenn die Besucher den Innenraum
betreten. Nach sechs Jahren Sanierung und Restaurierung hat
das Markgräfliche Opernhaus in Bayreuth im April seine Pforten
wieder geöffnet. Das hat in der fränkischen Kleinstadt, die sonst nur
zu den Bayreuther Festspielen voller Touristen ist, für viel Trubel
gesorgt: Es gab im Vorfeld eine halbjährige Vortragsreihe zu Markgräfin
Wilhelmine von Bayreuth, die das Opernhaus 1748 erbauen
ließ, eine Tagung zu Johann Adolf Hasse, mit dessen Oper Artaserse
das Haus damals und nun (wieder-)eröffnet wurde, und die Residenztage
Bayreuth, die mit Führungen erste Einblicke gaben.
Aber es ist ja auch ein Kleinod, das in Bayreuth für knapp 30
Millionen wieder auf Vordermann gebracht wurde. Das Markgräfliche
Opernhaus zählt europaweit zu den wenigen erhaltenen und
größten Opernhäusern aus dem 18. Jahrhundert. Jedes Detail im
Haus scheint höfisches Wettrüsten durch Kunstbeflissenheit widerzuspiegeln:
mit goldenem Blattwerk umwundene Säulen, ein prächtiges
Deckengemälde, illusionistische Malereien und Verzierungen,
soweit das Auge reicht. Für Richard Wagner war das zu viel des
Guten. Auf der Suche nach einer geeigneten Spielstätte für seine
Festspielidee begutachtete er auch dieses Opernhaus, hielt es aber
für untauglich.
Dabei hatte Markgräfin Wilhelmine, die Schwester von Friedrich
dem Großen, keinen Geringeren als den Theaterarchitekten
Giuseppe Galli-Bibiena, der zuvor für den Wiener Kaiserhof tätig
gewesen war, für die Errichtung dieses Prachtbaus nach Bayreuth
geholt. Bis zu 30 Restauratoren waren in den letzten Jahren am
MARKGRÄFLICHES OPERNHAUS BAYREUTH
Öffnungszeiten April – September: 9 – 18 Uhr,
Oktober – März: 10 – 16 Uhr
Tel.: +49-(0)921-75 96 90 | sgvbayreuth@bsv.bayern.de
www.bayreuth-wilhelmine.de
Werk, um dem Haus seine ursprüngliche
Farbigkeit zurückzugeben, denn die
Holzbalustraden im Logenhaus waren
bei Restaurierungen im 20. Jahrhundert
dunkel überpinselt worden. Die Bühnenkulissen
von Bibiena wurden originalgetreu nachgebildet. Somit
wird die einstige illusionistische Tiefenwirkung des Bühnenbilds
von der Aufführung 1748 heute wieder erfahrbar.
Während des regulären Museumsbetriebs stehen in den Sommermonaten
nun Opernaufführungen und Konzerte auf dem Programm,
unter anderem vom Straßburger Konservatorium, das
zeigt, wie tanzbar Orchestermusik von Bach und Händel sein
kann, und vom Theater Pilsen, das Monteverdis Orfeo in Szene
setzt. Man darf gespannt sein, wie in Zukunft inszenierungsästhetisch
und technisch mit dem Raum umgegangen wird. Die
Artaserse-Aufführung der Theaterakademie August Everding
München, mit der das Haus eröffnet wurde, versuchte einen Spagat
zwischen Dekonstruktion und Anlehnung an historisches Erbe.
Das Produktionsteam erarbeitete ein Pasticcio aus Artaserse und
einzelnen Stücken aus Hasses Ezio und Argenore, Wilhelmines
eigens komponierter Oper, sowie Ausschnitten aus Wilhelmines
Briefen.
Ein festes Ensemble wird es im Markgräflichen Opernhaus
allerdings nie geben. Schließlich steht das Haus auf der Liste der
UNESCO-Weltkulturerbestätten. Die Originalsubstanz des vollständig
aus Holz und Leinwand bestehenden Logenhauses muss bewahrt
werden und würde einen regen Spielbetrieb allein schon klimatisch
nicht ertragen. Die Bühnentechnik wäre dazu durchaus in der Lage.
Nach Wilhelmines Tod verfiel die barocke Bühnenmaschinerie,
wurde ausgebaut und entsorgt. Seither ist die Bühne mit moderner
Technik ausgestattet, auch wenn etwa Scheinwerfer im Zuschauerraum
nur behutsam angebracht werden
dürfen – keinesfalls mit Schrauben.
Letztlich ist und bleibt das Markgräfliche
Opernhaus eben doch ein Museum – ein
Hingucker ist es aber in jedem Fall. n
64 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

7+
8
Herkulessaal der Residenz
München
JUNI
heLmut
Lachen
my melodies
uraufführung
mann
musica viva
!Pierre-Laurent AImArd
Acht Solohornisten des BrSO
Symphonieorchester
des Bayerischen rundfunks
Peter EötvöS

M U S I C A V I V A
musica viva
Eines der weltweit bedeutendsten Foren der Gegenwartsmusik präsentiert
neue Orchester- und Ensemblewerke auf höchstem Niveau
FOTO: ASTRID ACKERMANN
Mitglieder von Chor und Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, musica viva-Konzert am 20.02.2015
Leitung: Peter Eötvös, Herkulessaal München
Die musica viva-Konzertreihe des Bayerischen Rundfunks
ist eines der weltweit bedeutendsten Foren der
Gegenwartsmusik. Sie widmet sich der Musik der
Moderne und der Avantgarde, insbesondere aber der
Musik, die heute von Komponist*innen geschaffen
wird. Zahllose Werke wurden von der musica viva in den über 70
Jahren ihres Bestehens in Auftrag gegeben und in ihren Veranstaltungen
uraufgeführt. Die Konzerte gehören zu den zentralen Ereignissen
des Münchner Kulturlebens, die internationale Beachtung
finden. Sie werden vom Bayerischen Rundfunk auf BR-Klassik in
kommentierten Sendungen über Bayern hinaus und bisweilen europaweit
übertragen. „The importance of musica viva in the cultural
life of 800-year-old Munich is known to the whole world“, notierte
Igor Strawinsky 1958.
GRÜNDERJAHRE
Die Geschichte der musica viva beginnt am 7. Oktober 1945, fünf
Monate nach dem Ende des verheerenden Zweiten Weltkrieges. Im
ungeheizten Münchner Prinzregentheater, vor einem Häufchen
neugieriger Zuhörer, erklingen drei Orchesterwerke, denen man in
den zwölf Jahren des Nationalsozialismus nicht begegnen konnte:
Ibéria von Claude Debussy, die Lustspiel-Ouvertüre von Ferruccio
Busoni und die Vierte Sinfonie von Gustav Mahler.
Verantwortlich für das Programm ist der damals 40-jährige
Komponist Karl Amadeus Hartmann. Während der Jahre der Naziherrschaft
hat er seine Werke, Dokumente des inneren Widerstands,
für die Schublade geschrieben. Nun ist er, unterstützt von der amerikanischen
Militärverwaltung, Dramaturg an der Bayerischen
Staatsoper geworden und hat in dieser Funktion die neue Konzertreihe
ins Leben gerufen. Ihre Aufgabe ist es, den zuvor verfemten
Komponisten und ihren Werken wieder eine Öffentlichkeit zu verschaffen.
Die materielle Basis ist in den ersten Jahren wacklig, die Konzerte
wandern von einem Saalprovisorium zum andern. Das ändert
sich, als 1948 der Bayerische Rundfunk – damals noch „Radio München“
– die Trägerschaft übernimmt. Schon im Jahr zuvor hat die
Konzertreihe den Namen musica viva angenommen, und nun gibt
es mit dem 1949 von Eugen Jochum gegründeten Symphonieorchester
und Chor des Bayerischen Rundfunks fest assoziierte Klangkörper
und mit dem Rundfunk eine gesicherte Finanzierung. 1953
wird der Herkulessaal der Residenz zum dauerhaften Veranstaltungsort
für die Orchesterkonzerte. Diese Konstellation besteht bis
66 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

Dezember 1961:
Luigi Nono,
Karl Amadeus
Hartmann und
Bruno Maderna
Januar 1962:
Darius Milhaud
dirigiert eigene
Werke
FOTOS: MICHEL NEUMEISTER
heute, und mit dem Symphonieorchester
und Chor des Bayerischen
Rundfunks hat die musica viva-Konzertreihe
zwei Ensembles von internationaler
Weltgeltung als feste Partner
zur Seite.
Nach einer ersten Phase, in der
die Rekonstruktion der Traditionslinien
der von den Nazis verbotenen Moderne im Zentrum steht,
erweitert sich der Schwerpunkt der Programme zunehmend um das
zeitgenössische Musikschaffen und um die Präsentation von Uraufführungen.
Internationalität ist vorrangig, die damals junge Komponistengeneration
von Hans Werner Henze bis Luigi Nono wird
vorgestellt. International renommierte Komponisten wie Igor Strawinsky,
Paul Hindemith und Darius Milhaud treten in der musica
viva als Dirigenten auf und vermitteln ihr kompositorisches Schaffen
dem Orchester und Publikum. Der junge Dirigent Pierre Boulez
präsentiert unter dem Titel „Dialogo della musica antica et della
moderna“ eine Reihe von Konzerten, in denen er älteste Musik des
Mittelalters und der Renaissance mit Werken der damaligen
Moderne und Avantgarde kombiniert. Bei der Aufführung seiner
Kantate Pli selon pli und des Martyre de Saint Sébastien entdeckt ihn
Wieland Wagner als den künftigen Parsifal-Dirigenten für Bayreuth.
Renommierte Künstler der Grafik und Bildenden Kunst –
darunter Namen wie Helmut Jürgens, Walter Tafelmeier, Jean Cocteau,
Le Corbusier und Emilio Vedova – gestalten für die musica
viva die Programmhefte und Plakate. „Aufgabe der Veranstaltungen
ist es, dem Publikum eine Überschau über die geistige und künstlerische
Entwicklung der Gegenwart zu geben“, lautet Hartmanns
Maxime. Musik ist eine „Sprache unter Menschen der Gegenwart,
die verstanden und mit anderen Erfahrungen in Beziehung gesetzt
werden will“, schreibt er in einem Brief an Samuel Beckett. Als Hartmann
1963 stirbt, ist die musica viva eine international beachtete
Konzertreihe mit einem treuen Stammpublikum.
MUSICA VIVA BIS HEUTE
Hartmanns Nachfolger, der Komponist Wolfgang Fortner, und
Ernst Thomas, damals Leiter der Darmstädter Ferienkurse, führen
dessen Programmarbeit fort. Angesichts der Zuspitzung der ästhetischen
Gegensätze um 1970 sehen sie sich zu Neuerungen genötigt
und verstärken experimentelle Tendenzen, für die in der Ära Karl
Amadeus Hartmanns bereits der Dirigent Hermann Scherchen
FÜR SPANNENDE EINBLICKE IN DIE
ARBEIT DER MUSICA VIVA,
INTERVIEWS UND HINTERGRÜNDE
BESUCHEN SIE DEN BLOG UNTER:
BR-MUSICA-VIVA.DE/BLOG
und der Komponist Josef Anton Riedl
gesorgt haben. Ein Spannungsverhältnis,
das erhalten bleibt, als 1978
mit Jürgen Meyer-Josten, dem Hauptabteilungsleiter
Musik des BR, erstmals
ein Rundfunkmitarbeiter die
Programme verantwortet. Das ästhetische
Spek trum geht nun hörbar in
die Breite – eine Reaktion auf die Aufsplitterungstendenzen der
Postmoderne.
Neuen Aufwind bekommt die musica viva, als der Dresdner
Komponist und damalige Intendant der Oper Leipzig, Udo Zimmermann,
1997 zum Leiter der musica viva ernannt wird. Unterstützt
von den Programmkuratoren Josef Anton Riedl und Winrich
Hopp verhilft er mit gezielten Aufträgen an die Komponistenzeitgenossen
und mit großen Werken von Stockhausen, Xenakis und
Schnebel den Orchesterkonzerten zu neuer Dynamik. Außerdem
werden Sonderveranstaltungen mit renommierten Gastensembles
und experimentelle Studiokonzerte Bestandteil des Programms.
Als Winrich Hopp, der 2002 die musica viva verlassen hatte
und seit 2006 das gemeinsam mit den Berliner Philharmonikern
veranstaltete Musikfest Berlin der Berliner Festspiele leitet, 2011 die
Künstlerische Leitung der musica viva zusätzlich übernimmt, unterzieht
er die Konzertreihe einer Revision und baut seither die internationale
Vernetzung der musica viva Schritt für Schritt aus, realisiert
Veranstaltungen, die sich über die ganze Stadt München verteilen
(2013: SAMSTAG aus LICHT von Karlheinz Stockhausen), und
bespielt mit orchestralen Großprojekten erstmals auch die Philharmonie
im Gasteig (2012: Tutuguri von Wolfgang Rihm). Neben den
zentralen fünf großen Veranstaltungen mit dem Chor und Symphonieorchester
des Bayerischen Rundfunks kommen nun regelmäßig
auch große Gastensembles – nicht zuletzt dank der räsonanz-Konzertinitiative
der Ernst von Siemens Musikstiftung – aus dem Inund
Ausland zur musica viva: das Orchester der Lucerne Festival
Academy, das Ensemble Intercontemporain, das Ensemble Modern
Orchestra, das Mahler Chamber Orchestra und der Permer Musica
Aeterna Choir unter der Leitung von Teodor Currentzis. Für März
2019 schließlich ist im Rahmen der musica viva und als Stifterkonzert
der Ernst von Siemens Musikstiftung das erste Münchner Gastspiel
des London Symphony Orchestra unter der neuen künstlerischen
Leitung von Sir Simon Rattle angekündigt. Die musica viva
des Bayerischen Rundfunks ist auf Wachstumskurs.
n
Sonderveröffentlichung/Anzeigen/Präsentationen 67

M U S I C A V I V A
Helmut
Lachenmann
Peter Eötvös
Pierre-Laurent Aimard
FOTO: GIOVANNI DAINOTTI; MARCO BORGGREVE / DG; ASTRID ACKERMANN
ABENTEUER UND PARTY
Mit Helmut Lachenmann und dem
Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks in der Höhle des Löwen
My Melodies – Musik für acht Hörner und Orchester“ lautet
der Titel des von der internationalen Musikwelt seit
Langem erwarteten neuen Werkes des Grand Maître der
Neuen Musik Helmut Lachenmann: „Ich habe eine
sportliche Lust, in die Höhle des Löwen zu gehen, dort, wo sich die
Menschen mit ihrem Musikverständnis geborgen und glücklich
fühlen, eine Erfahrung zu schaffen und in dieser Geborgenheit ein
Abenteuer in Gang zu setzen beim Hören. Ich will diesem Orchester,
das wir kennen, ein neues Gesicht geben. Das ist Komponieren: aus
diesen Instrumenten ein eigenes Instrument zu machen.“
Mitstreiter dieses Abenteuers sind das grandiose Symphonieorchester
des Bayerischen Rundfunks und seine acht fantastischen
Hornsolisten unter der Leitung von Peter Eötvös, für die Lachenmann
das umfängliche Werk im Auftrag der musica viva geschrieben
hat.
Das Horn ist bis heute eines der am schwersten zu spielenden
Instrumente geblieben. Neben aller Spieltechnik braucht es ein ausgezeichnetes
Ohr, überhaupt: beste körperliche Konstitution. Stefan
Dohr, der Solohornist der Berliner Philharmoniker, die schon ganz
neugierig die Vorbereitungen der Münchner Lachenmann-Premiere
verfolgen, im Gespräch mit
der Musikjournalistin Eva Blaskewitz:
„Man muss die Töne im
Ohr haben, bevor man spielt,
sonst hat man überhaupt keine
Chance. Man muss genau wissen,
wie viel Luft brauche ich,
wie muss die Lippenstellung
SYMPHONIEORCHESTER DES BAYERISCHEN RUNDFUNKS
7. & 8. Juni 2018 | 20 Uhr | Herkulessaal der Residenz | München
BRticket 0800-5900 594 (gebührenfrei) | shop.br-ticket.de |
sowie an allen bekannten Vorverkaufsstellen
Tickets 12 – 38 EUR | Schüler & Studierende 8 EUR (auch im VVK)
Eine Veranstaltung der musica viva des Bayerischen Rundfunks
sein, und wie kann ich die Zunge verwenden, damit genau dieser
Ton kommt und nicht zufälligerweise der drunter oder drüber...“
Die anspruchsvolle Blastechnik führt schon seit dem 18. Jahrhundert
dazu, dass sich Hornisten auf hohe oder tiefe Partien spezialisieren.
Beim hohen Horn geht es vor allem darum, die Töne sauber
zu treffen; beim tiefen liegt die Schwierigkeit darin, „dass man die
großen Intervalle schnell spielen kann, aber auch langsam und dass
alle Töne kontrolliert geformt klingen“, so Dohr. „Wenn man viel in
der Tiefe übt, verliert man ein bisschen Spannung in der Höhe. Das
ist ein Unterschied wie zwischen einem 200-Meter-Läufer und
einem 10-Kilometer-Läufer, der eine ist mehr Sprinter, der andere
hat mehr Ausdauer.“ Vielleicht sind es gerade die Tücken des Instruments,
die die Hornisten zusammenschweißen: „Hornisten sind
selten Einzelgänger, wir treten ja immer mindestens zu zweit auf bei
Mozart oder Haydn, und bei späteren Komponisten immer zu viert,
mindestens, dann auch mal zu sechst oder zu acht, das ist dann
schon fast eine Party. Hornisten sind gesellige Leute – man sagt ja so
schön: Das gemeinsame Schicksal verbindet.“
Abenteuer und Party werden bei der musica viva gleich zweimal
präsentiert: am 7. Juni (Uraufführung) und am 8. Juni im Herkulessaal
der Residenz. Auf
dem Programm stehen außerdem
Lachenmanns expansive
SERYNADE für Klavier mit
Pierre- Laurent Aimard und der
erst kürzlich zum Jahreswechsel
uraufgeführte Marche fatale
für Orchester.
n
68 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

RÄSONANZ –
STIFTERKONZERT
Das Chamber Orchestra of Europe zu Gast bei der
musica viva des Bayerischen Rundfunks
FOTO: MARCO BORGGREVE
Tabea
Zimmermann
Der Gründungsboom der Spezialensembles war abgeklungen,
als sich das Chamber Orchestra of Europe (COE)
1981 in die internationale Konzertszene einzumischen
begann. Die Musikerinnen und Musiker sprachen mit
Claudio Abbado, er wurde Mentor des neuen Ensembles; sie fanden
Enthusiasten, die das Management leisteten, und sie einigten sich auf
eine Arbeitsweise, die in keinem etablierten Berufsorchester möglich
gewesen wäre: Die Proben- und Konzertphasen des Ensembles sollten
eine Jahreshälfte umfassen, die andere sollte für eigene solistische
und kammermusikalische Aktivitäten zur Verfügung stehen.
Das COE war von Beginn an ein Ensemble von Solisten und
versierten Kammermusikern, die gewohnt waren, sich in verschiedenen
Formationen zusammenzutun. Konzertante Solopartien konnten
sie, wenn sie wollten, aus dem Orchester heraus besetzen, sie
konnten sich aber auch für die Zusammenarbeit mit renommierten
Solisten entscheiden. Die Gründergeneration des COE war wohl die
erste, die in ihrem Hochschulstudium nicht mehr unter Ausschluss
historisch informierter Aufführungspraxis und avancierter Spieltechniken
der Moderne ausgebildet
wurde. Sie lernte und
praktizierte beides als selbstverständlichen
Teil ihres Künstlertums.
Das Repertoire, das vom
COE in sorgfältig durchkomponierten
Programmen vorgestellt
wurde, schlug von Anfang an
CHAMBER ORCHESTRA OF EUROPE
9. Juni 2018 | 19 Uhr | Prinzregententheater | München
BRticket 0800-5900 594 (gebührenfrei) | shop.br-ticket.de |
sowie an allen bekannten Vorverkaufsstellen
Tickets 12 – 38 EUR | Schüler & Studierende 8 EUR (auch im VVK)
Eine Veranstaltung der musica viva des Bayerischen Rundfunks
einen weiten historischen und stilistischen Bogen, der von den Concerti
und Sonaten eines Vivaldi und Zelenka bis zu jungen Komponisten
der Gegenwart reicht. Scherzhaft wurde einmal bemerkt, das
COE sei ein Spezialensemble, dessen Spezialität darin bestehe, dass
es kein Spezialensemble sei.
Das Programm des Münchner räsonanz – Stifterkonzertes
gehört zu den exponierten Projekten des COE in den letzten Jahren.
Den Rahmen bilden zwei Werke von Elliott Carter, die gleichsam
seine letzte Stilepoche einfassen. Das Zusammenfinden unabhängiger
Prozesse thematisiert die Penthode für fünf Instrumentalquartette
und die Erkenntnis von inneren Verbindungen zwischen kurzen,
selbstständigen Episoden die Instances, eines der letzten Werke
des großen amerikanischen Komponisten. Dazwischen stehen Enno
Poppes Bratschenkonzert Filz („Das wärmende und das Verflochtene
sind sicher gute Assoziationen“, so der Komponist) und George
Benjamins Three Inventions. Für alle diese Werke sind die Urtugenden
der COE-Künstler gefordert: Solisten mit anregendem Teamgeist
und energischer Fähigkeit zur Selbstbehauptung in einem zu
sein und mit der Unabhängigkeitserklärung
zugleich eine
Liebeserklärung an ihre Mitwelt
abgeben zu können. Der
Anspruch, den ein Programm
stellt, ist das beste Kompliment
an die Musiker, die es verwirklichen.
n
Sonderveröffentlichung/Anzeigen/Präsentationen 69

M U S I C A V I V A
Ein Vitaminstoß für die
moderne Orchestermusik
räsonanz – Stifterkonzerte in München und Luzern
FOTO: ERNST VON SIEMENS MUSIKSTIFTUNG / STEFANIE LOOS
räsonanz – Stifterkonzert 2016 im Prinzregententheater: das SWR Symphonieorchester unter der Leitung von George Benjamin
Unter dem Titel räsonanz startete vor zwei Jahren die Ernst
von Siemens Musikstiftung in Kooperation mit der
musica viva des Bayerischen Rundfunks und LUCERNE
FESTIVAL eine Initiative, die der zeitgenössischen Musik
in der internationalen Orchesterlandschaft neue Impulse verleiht:
Jedes Jahr gastiert je ein bedeutendes Orchester aus dem In- oder
Ausland im Rahmen der Münchner Konzertreihe und des Luzerner
Festivals.
Musik werde zwar immer komponiert, so Michael Roßnagl,
der Sekretär des Kuratoriums der Ernst von Siemens Musikstiftung
und Spiritus Rector der räsonanz-Initiative, „aber letztlich hängt es
vom Willen einer Gesellschaft ab, ob sie auch aufgeführt und damit
gehört wird. Es geht heute darum, dass das, was in unserer komplexen
Gesellschaft musikalisch errungen worden ist, nicht plötzlich
verschwinden kann. Man muss daran arbeiten, dass diese Komplexität
weitergetragen wird und dass es nicht zu einer Verflachung
kommt. Wir müssen es möglich machen, dass die Gedanken, die die
kreativen Geister entwickeln, in der Realität auch wahrgenommen
und gelebt werden können“.
Ein erstes räsonanz – Stifterkonzert fand 2016 im Rahmen der
musica viva statt: Das damalige SWR Symphonieorchester Baden-
Baden und Freiburg und das SWR Vokalensemble Stuttgart unter
der Leitung von George Benjamin führten im Prinzregententheater
Werke von György Ligeti, Georg Friedrich Haas, Pierre Boulez und
George Benjamin auf. 2017 folgten das Mahler Chamber Orchestra
und der Musica Aeterna Choir unter der Leitung von Teodor
Currentzis mit Luciano Berios Coro für 40 Stimmen und Instrumente,
während in Luzern Chor und Symphonieorchester des
Bayerischen Rundfunks unter der Leitung von Mariss Jansons
Wolfgang Rihms abendfüllende Requiem-Strophen präsentierten.
Nach den diesjährigen Gastspielen des Chamber Orchestra of
Europe sowohl in München als auch in Luzern, jedoch mit jeweils
anderen Programmen, Dirigenten und Solisten, sind für das kommende
Jahr zwei Gastspiele mit dem London Symphony Orchestra
unter der Leitung von Sir Simon Rattle angekündigt: im Rahmen
des LUCERNE FESTIVAL am 10. September 2019 mit Olivier Messiaens
Éclairs sur l’Au-Delà und zuvor im Frühjahr, am 2. Mai 2019
im Rahmen der musica viva-Konzertreihe und in der Philharmonie
im Gasteig ein britisch-amerikanisches Programm mit Werken von
Mark-Anthony Turnage, Sir Harrison Birtwistle und John Adams.
Es ist das erste Münchner Gastspiel des London Symphony Orchestra
unter der neuen künstlerischen Leitung von Sir Simon Rattle.
Welcome to Munich!
n
70 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

WELCOME
TO
MUNICH!
Erstes Münchner Gastspiel
des London Symphony Orchestra
unter der neuen Künstlerischen Leitung
von Sir Simon Rattle
Sir Simon Rattle
FOTO: OLIVER HELBIG
Die räsonanz – Stifterkonzertinitiative
der Ernst von Siemens Musikstiftung
macht es möglich: Das
London Symphony Orchestra und
sein neuer Chefdirigent Sir Simon
Rattle geben ihr erstes Münchner
Gastspiel: bei der musica viva-Konzertreihe
des Bayerischen Rundfunks
am 2. Mai 2019 in der Philharmonie
im Gasteig. Im Gepäck haben sie ein exklusiv für das
Münchner Gastspiel vorbereitetes britisch-amerikanisches Programm
mit München-Bezügen: die Musik Dispelling the Fears
für zwei Trompeten und Orchester des Komponisten Mark-
Anthony Turnage, der in München durch Hans Werner Henzes
LONDON SYMPHONY ORCHESTRA /
SIR SIMON RATTLE
2. Mai 2019 | 20 Uhr | Philharmonie im Gasteig | München
BRticket 0800-5900 594 (gebührenfrei) | shop.br-ticket.de |
sowie an allen bekannten Vorverkaufsstellen
Tickets 13 – 65 EUR | Schüler & Studierende 8 EUR
(auch im VVK)
Das räsonanz – Stifterkonzert wird von der musica viva des
Bayerischen Rundfunks veranstaltet.
Musiktheater-Biennale bekannt
wurde; das von Albrecht Dürers
Melencolia I inspirierte Orchesterstück
The Shadow of Night von Sir
Harrison Birtwistle, der 1995 den
Ernst von Siemens Musikpreis
erhielt, und schließlich als Programmfinale
– die großformatige
dreisätzige Harmonielehre des
Amerikaners John Adams. Das 1985 für die San Francisco Symphony
geschriebene Werk zählt mittlerweile zu den großen
Repertoirestücken auf den internationalen Konzertbühnen, das
in München jedoch bislang nur selten zu hören war.
n
RÄSONANZ – STIFTERKONZERTE DER ERNST VON SIEMENS MUSIKSTIFTUNG
Mit der Stifterkonzertreihe räsonanz kommt die Ernst von Siemens Musikstiftung ihrer Verantwortung für die
zeitgenössische Musik auf ganz besondere Weise nach. Gemeinsam mit ihren Partnern LUCERNE FESTIVAL und musica viva des
Bayerischen Rundfunks ermöglicht sie jedes Jahr ein Konzert in München und Luzern: Werke der Gegenwart werden von internationalen
Spitzenorchestern und namhaften Solisten zur Aufführung gebracht.
Die Ernst von Siemens Musikstiftung bringt so den Stiftergedanken zum Klingen: Ernst von Siemens steht für unternehmerische Vernunft
und einzigartigen Weitblick, für gesellschaftliche Verantwortung und anspruchsvolle Förderung von Wissenschaft und Kunst.
Gesellschaftliche Relevanz und künstlerischer Anspruch, wagemutige Perspektivwechsel und die Schönheit des Unerhörten – das alles
schwingt mit, wenn die zeitgenössische Musik ihre Grenzen definiert, auslotet, überschreitet. räsonanz fordert heraus, räsonanz fordert
ein und räsonanz fördert: die Bereitschaft sich einzulassen auf das Ungewohnte und die Wahrnehmung des Neuen in der Musik.
evs-musikstiftung.ch | lucernefestival.ch | br-musica-viva.de
Sonderveröffentlichung/Anzeigen/Präsentationen 71

musica viva viva
Wochenende
ochenende
bea Zimmermann
erre-Laurent Aimard
tabea Zimmermann
Pierre-Laurent Aimard
hamber Orchestra
f Chamber Europe Orchestra
vid robertson
of Europe
david robertson
JUNI
9JUNI
München
Prinzregententheater
eLLiott
eLLiott
carter
Benjamin
PoPPe
Ligeti
Prinzregententheater
München
räsonanz – Stifterkonzert
der Ernst von Siemens
musikstiftung
räsonanz – Stifterkonzert
der Ernst von Siemens
musikstiftung
Werke von
Werke von
george
george
enno
enno
györgy
györgy
er-Design: lmn-berlin.com
Cover-Design: lmn-berlin.com

SCHWERPUNKT
MUSIK & RAUM
Architektur inspiriert Musik inspiriert Architektur – eine Zeitreise (Seite 77)
Musik in den Bergen: Für diese Festivals muss das Publikum seine Wanderschuhe schnüren (Seite 86)
Klangräume
VON STEFAN SELL
Rekordverdächtig
Ein Besucher und ein Pianist
am Konzertflügel haben Platz
im „kleinsten Konzertsaal der
Welt“, der sogenannten „Spielbox“.
Acht Quadratmeter ist sie
groß und rundherum aus Glas.
Kreiert hat sie der Klarinettist
Reto Bieri für das Davos Festival.
Von außen lässt sich alles
sehen, aber nichts hören.
2009 schuf
Simone Young
aus 50 Räumen
den „größten
Konzertsaal der Welt“. Als die
Dirigentin ihr Pult im 108 Meter
hohen Turm des Hamburger
Michels bestieg, um Brahms’
Zweite Sinfonie mit ihren 100
Philharmonikern aufzuführen,
waren diese über ganz Hamburg
verteilt. Idee und Konzept hatte
eine Werbeagentur.
Umsonst und draußen: Am
31.12.1994 sang Rod Stewart
an der Copacabana in Rio
de Janeiro vor 3,5 Millionen
Zuschauern. Die Rolling Stones
gaben dort ihr Freiluftkonzert
am 18. Februar 2006. Es kamen
1,5 Millionen Menschen – die
auf Balkonen, Booten und
Schiffen nicht mitgerechnet.
Ver-rückt
Am Rhein- und im Ruhrgebiet
geht man gern zum Kiosk
oder in die Trinkhalle. Dort
bekommt man die im Alltag
unentbehrlichen Kleinigkeiten.
Seit 2010 auch Free Jazz. Das
Bassklarinettisten-Ensemble
Die Verwechslung verwechselt
Konzertsaal mit Trinkhalle und
ist seither auf „Trinkhallen-
Tour Ruhr“.
Am 30. Juni 1969 gaben die
Beatles ihr letztes Livekonzert
und machten das Dach ihres
Unternehmens „Apple“ in
der Saville Row im Londoner
Stadtteil City of Westminster
zur Konzertstätte. Die Rolling
Stones bespielten mit Brown
Sugar am 1. Mai 1975 die
Straßen New
Yorks auf
einem fahrenden
Lkw.
Wie ein Konzert Mitte
des 17. Jahrhunderts im
Raum geklungen hat,
lässt sich nur schwer
rekonstruieren. Wie
damals aber ein Konzertraum
ausgesehen hat, könnte Vermeers
berühmtes Gemälde Das
Konzert zeigen, wenn es nicht
1990 gestohlen worden und
seither unauffindbar geblieben
wäre.
Ehrwürdig
Der erste Konzertsaal „der
Welt“ erlebte seine Weihe
1675 im Londoner York
Building in der Villiers Street.
Die Society of Gentlemen,
Lovers of Musick präsentierte
hier ihre Konzerte. Der in
Oxford befindliche
Holywell Room ist
seit 1748 bis heute
Konzertsaal. Hier
spielten auch Händel
und Haydn.
Das heutige Gewandhaus am
Augustusplatz ist bereits die
dritte Version des legendären
Konzertraums. Das erste Gewandhaus
in der Kupfergasse
war eigentlich das Zeughaus
der Stadt Leipzig. Im ersten
Stock beherbergte es die Halle
der Tuchwarenhändler und
bekam so
seinen ehrwürdigen
Namen.
Wenn vom „goldenen
Klang“ im Goldenen Saal
die Rede ist, ist der Wiener
Musikverein gemeint.
Die Übertragungen des
Neujahrskonzerts machten
ihn weltweit zu einem der
bekanntesten Konzertsäle.
Brahms hatte hier sein Wiener
Debüt: „Ich habe so
frei gespielt, als säße ich
zu Haus mit Freunden.“
FOTOS: RENÉ JUNGNICKEL; MONIKA RITTERSHAUS; GEMEINFREI (3)
73

M U S I K & R A U M
Die Berge als Konzertsaal
beim Festival I Suoni delle
Dolomiti (siehe S. 86)
FOTO: ARTURO CUEL
74 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

Der 2005 eröffnete
Palau de les Arts Reina
Sofía des spanischen
Architekten Santiago
Calatrava in Valencia
MUSIK
DENXXXE
&
Axxxx
RAUM
FOTO: PALAU DE LES ARTS REINA SOFÍA
75

M U S I K & R A U M
FOTO: IWAN BAAN
76 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

SINFONIEN
AUS
STEIN UND
STAHL
Architektur wie Musik ringen um die
perfekte, die „goldene“ Proportion.
Die beiden Künste standen sich deshalb
in vielen Jahrhunderten besonders nahe –
und inspirierten sich gegenseitig.
VON TERESA PIESCHACÓN RAPHAEL
Das neue Opernhaus im chinesischen Guangzhou
der verstorbenen Stararchitektin Zaha Hadid
Wenn es um große Bauwerke geht, dann liebt
man den Paukenschlag, die großen Töne.
„Sinfonie aus Stahl und Glas“, hieß es über
die Hamburger Elbphilharmonie. Und auch
Baumeister selbst sind überwältigt. Wenn er seine Pinakothek
der Moderne mit Musik vergleichen müsste, so Stefan Braunfels,
Enkel eines Komponisten, im Interview, dann mit einer
Bruckner-Sinfonie. Umgekehrt empfand Ferruccio Busoni
1921 seine Fantasia contrappuntistica für zwei Klaviere wie
eine Kathedrale, und lieferte neben der Partitur eine architektonische
Skizze dazu. „Musik ist sehr nah an dem, wie
ich Architektur verstehe“, sagt Daniel Libeskind, und meint
damit nicht nur gemeinsame Begriffe wie „Fuge“. „In beidem
geht es um Proportionen, Exaktheit, Schwingungen, Akustik.
Schon die alten Griechen wussten, dass die Längenverhältnisse
vi brierender Saiten in einer Harmonie die gleichen sind
wie im Goldenen Schnitt bei Proportionen.“ Und sprach damit
Pythagoras an, der vor mehr als 2.500 Jahren am Monochord,
einer Art Zither, entdeckte, dass Töne gemessen werden können.
Brachte man zwei Saiten zum Schwingen, von denen die
eine halb so lang war wie die andere, dann war der Ton der kürzeren
Saite um eine Oktave höher als der der längeren. Standen
die Saitenlängen im Verhältnis 2:3, dann erklang eine Quinte
und bei 3:4 eine Quarte. Keine Schriften sind von Pythagoras
erhalten, aber sein Glaube, der Kosmos sei mit einer Har-
77

M U S I K & R A U M
Tempelanlagen von
Paestum; San Marco in
Venedig; Kuppel des
Doms von Florenz;
Pariser Invalidendom;
Stockhausens Kugelauditorium
bei der Weltausstellung
in Osaka 1970
monie von Zahlen durchzogen und
lasse sich durch Zahlen abstrahieren,
prägte die folgenden Epochen.
Als Vitruv um 100 v. Chr. sein
Traktat De architectura libri decem
herausgibt, verlangt er vom Architekten
sogar, „etwas von Musik“ zu
verstehen „damit er über die Theorie des Klanges und die mathematischen
Verhältnisse der Töne Bescheid weiß“.
Nicht nur die antiken Baumeister unterwarfen ihre Bauten harmonischen
Proportionen, wie die griechischen Tempelanlagen von
Paestum (um 540 v. Chr.) zeigen. Auch im christlichen Mittelalter
und der Renaissance bleiben Musik und Architektur „Schwestern“
im Geiste – wie Le Corbusier es später formulieren wird –, verbunden
durch ein mystisches Zahlenverhältnis: den Goldenen Schnitt.
Ihm zufolge werden, sei es in einer Fuge von Bach oder in einem
Kirchenraum, zwei Größen als harmonisch empfunden, wenn der
kleinere Teil sich zu dem Größeren so verhält wie der Größere zur
Summe beider. Mathematisch ausgedrückt heißt das 1:1,618. Entdeckt
hatten Theoretiker dies in der Architektur der Natur. Ob beim
Blätteraufbau des Gänseblümchens oder beim Menschen: Überall
fanden sie ähnliche Proportionen. Sogar der Bauchnabel eines
Menschen gehorcht dieser „proportio divina“ und liegt nicht mittig,
sondern bei exakt 61,8 Prozent der Körpergröße, wie übrigens auch
der Querbalken des christlichen Kreuzes. Die reine pythagoreische
Quinte 2:3 kommt übrigens dem Goldenen Schnitt bereits nahe, die
kleine Sexte mit 5:8 noch mehr.
Frappierend, wie sehr diese Zahlenproportionen im Bewusstsein
der schöpferischen Menschen damals verankert waren, so auch bei
Guillaume Dufay (1400–1474). Man könnte meinen, er hätte beim
Komponieren seiner Motette Nuper rosarum flores zur Weihe des Florentiner
Doms 1436 den Bauplan vor sich gehabt. Aufgebaut, so David
SCHON DIE ALTEN GRIECHEN WUSS-
TEN, DASS DIE LÄNGENVERHÄLTNISSE
VIBRIERENDER SAITEN DIE GLEICHEN
SIND WIE DIE IM GOLDENEN SCHNITT
Fallows, ist das Werk „auf zwei tieferen
Stimmen … die viermal mit
verschiedener Geschwindigkeit in
einem Längenverhältnis von 6:4:2:3
auftreten – das entspricht dem Verhältnis
von Schiff, Vierung, Apsis
und Höhe der Kuppel im Dom“.
Umgekehrt folgte die Architektur immer auch den Erkenntnissen
der Musiktheorie. Als unter anderem Gioseffo Zarlino in Le
istituzioni armoniche (1558) die Terzen und Sexten für harmonisch
und konsonant erklärte, fanden sie sich auch in den Villen-Entwürfen
des Andrea Palladio (1508–1580) wieder. 1567 schreibt Palladio
zu seiner Kathedrale von Brescia: „Die Proportionen der Stimmen
sind Harmonien für das Ohr, diejenigen der räumlichen Maße für
das Auge. Solche Harmonien geben uns ein Gefühl der Beglückung,
aber niemand weiß, warum, außer dem, der nach den Ursachen
der Dinge forscht.“ Nur wenige Jahrzehnte später widmet sich der
As tronom Johannes Kepler (1571–1630) den Gesetzen, die die Planeten
bewegen, und den Harmonien des Weltalls.
In jener Zeit reist der junge Heinrich Schütz nach Venedig
zu Giovanni Gabrieli (1557–1612). Auf den gegenüberliegenden
Emporen von San Marco experimentieren sie mit Klanggruppen,
lassen sie mit- und gegeneinander musizieren. Aus dem Hoch und
Tief, dem Fern und Nah entwickelt sich nicht nur das barocke Concerto-grosso-Prinzip,
sondern auch die akustische Wahrnehmung
des Raumes, die bis heute eine große Rolle spielt. Tief beeindruckt
kehrt Schütz zurück und komponiert 1619 seine Psalmen Davids.
Obwohl in den Partituren jener Zeit jeder Hinweis fehlte, ordnet er
an, die Chöre „an unterschiedlichen Örthern“ zu postieren.
Nicht weit von San Marco liegt die Renaissancekirche San
Lorenzo von 1595. Fast 400 Jahre später, 1984, wurde hier Luigi
Nonos Il Prometeo uraufgeführt. In einer dreistöckigen Holz-Arche,
FOTOS: NORBERT NAGEL, RICARDO ANDRÉ FRANTZ, DENNIS JARVIS, ARCHIV DER STOCKHAUSEN-STIFTUNG FÜR MUSIK KÜRTEN (WWW.KARLHEINZSTOCKHAUSEN.ORG), WOUTER HAGENS, FERRUCCIO BUSONI
78 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

Skizze und
Holz-Arche zu
Luigi Nonos
Il Prometeo
Philips’ Pavillon von
Le Corbusier zur
EXPO in Brüssel
1958; Aufbau von
Ferruccio Busonis
Fantasia contrappuntistica
als Zeichnung
einer Kathedrale
(1910/1921)
die Architekt Renzo Piano in das Gotteshaus hatte einbauen lassen.
„Die Stimmen wisperten durch das Gebälk hindurch wie Geisterklänge
aus der Lagune“, erinnert er sich.
Überhaupt liebte die Nachkriegsavantgarde die Experimente
mit Klangräumen. Für die Weltausstellung in Osaka 1970 ließ Karlheinz
Stockhausen ein Kugelauditorium errichten in Anlehnung
wohl an die Visionen von Alexander Skrjabin, der 1914 von einer im
Wasser getauchten Klangkugel mit zwölf Toren in Indien träumte –
einem Tempel voller Farben, Klänge und
Düfte. In Stockhausens Konzertkugel
allerdings saß das Publikum auf einem
Gitterrostboden, aus dem elektroakustisch
verfremdete Klänge drangen.
Prägend für Stockhausen war der
Bauhausarchitekt Le Corbusier (1887–
1965), der selbst aus einer Musikerfamilie
stammte. Musik und Architektur waren
für ihn „Zeit und Raum“, die beide „vom Maß“ abhingen, weshalb
er 1951 den „Modulor“ entwickelte, ein mathematisches, am Menschen
orientiertes Proportionssystem. 1956 beauftragte ihn Philips
mit dem Pavillon zur EXPO 1958 in Brüssel. Ein Poème électronique
schwebte Le Corbusier vor. Zu den Bildprojektionen der Architekturikone
erklangen Edgard Varèses (1883–1965) verfremdete Klänge,
der sie dank Philips’ technischer Innovationen realisieren konnte.
Über 350 Lautsprecher wanderte der Ton durch den Raum, den ein
Assistent von Le Corbusier gebaut hatte: Iannis Xenakis. „Der Computer
des Prometheus“ stand über seinen Nachruf 2001 in der FAZ,
weil er ein Mann von drei Begabungen war: Ingenieur, Architekt und
Komponist. Seinem Ziel, Architekturentwürfe mit Musikpartituren
zu verbinden, verdankt der Brüsseler Pavillon auch seinen Hyperbel-Schalen-Look,
der wie überdimensionale Glissandi aus seinem
Orchesterstück Métastasis (1953/54) wirkt.
DIE NACHKRIEGS-
AVANTGARDE LIEBTE DIE
EXPERIMENTE MIT
KLANGRÄUMEN
So eng verzahnt waren Musik und Architektur praktisch schon
lange nicht mehr gewesen. Denn im 18. und frühen 19. Jahrhundert
beschäftigte das Thema vor allem die Philosophen: Friedrich Schelling
prägte die Metapher „erstarrte Musik“ für Architektur. Kollege
Schopenhauer tat diese gleich als „Witzwort“ ab, wie er das wohl
auch bei den in zeitgenössischen Multimediakonzepten strapazierten
Begriffen wie „Klang-Skulptur“ oder „Ton-Architektur“ getan
hätte.
Der psychologische Aspekt, der
erstmals 1819 mit Karl Wilhelm Ferdinand
Solger aufkam, rückt in den Vordergrund:
„Die Architectur versetzt das
Gemüth ganz nach außen; die Musik
zieht die Mannigfaltigkeit des äußeren
Lebens in das Innere des Gemüthes
hinein.“ Hector Berlioz ahnt dies und
inszeniert seine Grande Messe des Morts
(1837) im Pariser Invalidendom: Aus allen Ecken der Kathedrale,
allen vier Himmelsrichtungen schallen sie, die vier Blechbläserchöre
des gewaltigen Werkes.
Das Zeitalter des Fortefortissimo, der großen Orchester, war
angebrochen. Da kam die Erfindung des Schiffsbauers John Scott
Russell gerade recht. Der hatte 1838 die Gesetze der Strömungslehre
auf die Akustik übertragen. Seine Berechnungen wurden 1889 im
Auditorium Building in Chicago umgesetzt.
Heute braucht der Klang keinen Raum mehr, gibt es Tonstudios
und synthetisches Echo. Dennoch werden weiter Konzertsäle
gebaut. „Kann ein Architekt die klassische Musik retten?“, fragte
sich 2011 die New York Times bei der Eröffnung von Frank Gehrys
New World Center in Miami. Eine Frage, die Le Corbusier nicht
verstanden hätte, war ihm doch die Architektur Musik und die
Musik Architektur.
■
79

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Abb.: Portmedia Verlag; Strezhnev Pavel / fotolia.com
80 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

MUSIK AUS DEM HIMMEL
Carillons – die großen Glockenspiele in Türmen oder Kirchen –
hört man kilometerweit. Zu Gesicht bekommt man die Menschen,
die sie spielen, aber so gut wie nie.
VON GUIDO KRAWINKEL
FOTOS: KATHARINA HERTZ-EICHENRODE; GUIDO KRAWINKEL
Das Glockenspiel von St. Nikolai in Hamburg mit seinem Carilloneur Werner Lamm
51
Stufen braucht Carilloneur Werner Lamm zu seinem
Arbeitsplatz. Der befindet sich inmitten der Hamburger
City, auf der ersten Turmebene des Mahnmals
St. Nikolai. Bis 1943 stand hier eine neugotische
Kirche, die im Bombenhagel auf die Hansestadt weitgehend
zerstört wurde. Nur der gut 147 Meter hohe Turm – immer noch
der fünfthöchste der Welt – blieb außer ein paar Mauerresten
stehen und erinnert als Mahnmal an die Schrecken des Zweiten
Weltkrieges.
1993 wurde dort ein Carillon installiert, das mit 51 Glocken
und einem Gesamtgewicht von 13 Tonnen eines der größten
Deutschlands ist – der chromatische Tonumfang beträgt mehr als
vier Oktaven. Das größte steht in Halle an der Saale und umfasst
76 Glocken.
Vor allem seit dem Film Willkommen bei den Sch’tis ist das
Carillon wieder vermehrt in den Fokus der Öffentlichkeit gerückt.
Doch kann das nicht darüber hinwegtäuschen, dass die Zunft der
Carilloneure Zukunftssorgen hat. Die Kunst des Glockenspiels
wird von immer weniger Musikern beherrscht, auch weil vielerorts
eine Automatik das übernommen hat, was früher von Hand
erledigt wurde.
Leicht hat man es als Carilloneur nicht: Üben? Fehlanzeige!
Wollte Werner Lamm einmal ungestört proben, müsste er
nach Hannover oder Kiel reisen, wo es eigens eingerichtete Spieltische
gibt, an denen er unter Ausschluss der Öffentlichkeit üben
kann. Lamm, der im Hauptberuf Kirchenmusiker in Hamburg
ist, behilft sich zuweilen, indem er an seiner Orgel ein Brett und
Decken über die Klaviaturen legt. Auch sein Arbeitsplatz im Turm
des Mahnmals St. Nikolai ist nicht unbedingt ein idyllischer Ort:
Im Sommer heiß, im Winter kalt, befindet er sich in einem kleinen
Glaskasten, der ihn vor dem ohrenbetäubenden Lärm der
Glocken schützt, inmitten derer er sitzt. Sein Publikum bekommt
den in luftiger Höhe spielenden Musiker indes nie zu Gesicht.
Von hier aus schlägt er auf eine Art Klaviatur ein, die aussieht
wie eine Tastatur für Grobmotoriker: große hölzerne Zapfen
(„Stokken“), auf die er mit seinen Fäusten und Füßen einschlägt.
Dies erfordert jedoch mehr Feingefühl, als man denkt. Die Klöppel,
die den Glockenkörper anschlagen, sind bis auf wenige Zentimeter
an den Korpus herangezogen, die Verbindung von den
Tasten zu den Klöppeln erfolgt mittels Seilzügen aus Metall.
Die Masse, die hierbei bewegt werden muss, reicht von wenigen
Gramm bis zu einigen Kilogramm – eine Herausforderung für
jeden Carillonneur, der Anschlagsnuancen je nach Größe der
Glocke und der gewünschten Lautstärke genau dosieren muss.
Pianisten und Organisten, die schon von Berufs wegen Tasteninstrumente
spielen, sind deshalb klar im Vorteil. Auch, weil vieles,
was Lamm spielt, improvisiert ist – für Organisten ist das ohnehin
ihr täglich Brot.
Hinzu kommt eine weitere Besonderheit, die mit dem Klang
der Glocken zusammenhängt: ihre Obertöne. Das sehr spezielle
Spektrum der Obertöne einer Glocke führt dazu, dass nicht alles
gut klingt, was auf dem Notenpapier gut aussieht. Auch hier ist
die Erfahrung eines Carillonneurs gefragt. Lamms Devise: Lieber
mal was weglassen, weniger ist bekanntlich mehr.
Insgesamt gibt es in Deutschland laut offizieller Zählung
43 Carillons, die per Definition mindestens 23 Glocken haben
müssen. Angefangen hat man im Mittelalter mit gerade einmal
vier Glocken, 1510 entstand im flämischen Oudenaarde schließlich
das erste richtige Carillon. Vor allem im 17. und 18. Jahrhundert
florierten Carillons, gerade in Nordfrankreich, Flandern und
den Niederlanden. Und hier ist die Dichte an Glockenspielen auch
am größten: Nicht weniger als 806 gibt es. Weltrekord. ■
81

M U S I K & R A U M
SCHUHSCHACHTEL ODER
WEINBERG – WELCHER BAU
KLINGT IDEAL?
Perfekte Fassade oder innere Klangschönheit?
Die Frage nach der Priorität wird bei jedem Neubau
eines Konzerthauses heftig diskutiert.
VON KLAUS HÄRTEL
FOTOS: MICHAEL ZAPF; MARK WOHLRAB; MARKENFOTOGRAFIE
Die Elbphilharmonie hat neue Maßstäbe gesetzt. In jeder
Hinsicht. Optisch, akustisch und finanziell. Sie wurde
mit dem Ziel geplant, ein neues Wahrzeichen der Stadt
und ein „Kulturdenkmal für alle“ zu schaffen. Zumindest
die Sache mit dem Wahrzeichen ist voll aufgegangen. Man
muss sich tatsächlich nicht für Musik interessieren, um die „Elphi“
– fast 800 Millionen Euro schwer – beeindruckend zu finden. 110
Meter ragt sie in die Höhe. Der Unterbau aus Ziegel, Resten eines
alten Kaispeichers, der Oberbau ein Kunstwerk aus Glas, Stahl und
Beton.
Und doch lässt dieses Prunkstück auch Raum für Diskussionen.
Denn qua definitionem ist ein Konzertsaal dafür da, dass die
Musik gut klingt. Er soll den Schall verstärken und verbessern – wie
ein begehbarer Resonanzraum. Schauen wir nach Dresden: Akustisch
überzeugen konnte der 1969 gebaute Dresdner Kulturpalast
eigentlich nie. Jetzt aber, fast 50 Jahre später, hält man ihn sogar für
82 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

Die Hamburger Elbphilharmonie sehen weit mehr Menschen von außen als von innen; das Konzerthaus Dortmund folgt der
„Schuhschachtel“-Bauweise, während die Dresdner Philharmonie in steilem „Weinberg“-Prinzip getaltet ist
„die bessere Elbphilharmonie“. Fünf Jahre lang wurde saniert, der
Konzertsaal völlig neu gestaltet und im April 2017 wieder eingeweiht.
Etwa 100 Millionen Euro hat man sich die Neugestaltung des
Kulturpalasts am Altmarkt kosten lassen, laut Eigenwerbung „ein
Haus der Künste und des Wissens: Der neue Dresdner Kulturpalast
weist in die Zukunft“.
Ob er auch ein Touristenmagnet wird wie die Elbphilharmonie?
Wenn, dann eher nicht, weil er optisch überzeugt. Der als sozialistisch-klassizistischer
Ensemblebau geplante Quader wirkt im Stil
der internationalen Moderne fast schon schmucklos. Der Konzertsaal
aber wurde, was die Akustik betrifft, zur großen Überraschung.
Schon erste Orchesterproben stimmten
die Verantwortlichen euphorisch. Der
IN DER 40. REIHE
HÖRT MAN NOCH GUT,
ABER DIE MUSIKER SCHRUMPFEN
ZUM AMEISENTHEATER
angestrebte „warme Dresdner Klang“
war von dem niederländisch-deutschen
Akustikbüro Peutz erzielt worden.
Als zurzeit führender Fachmann
für Konzertsaal-Akustik gilt der Japaner
Yasuhisa Toyota. Jüngere Großprojekte
waren die Konzertsäle in Katowice
(2014), Paris (2015) und eben Hamburg
(2016). Toyota war auch der verantwortliche
Akustiker für die Suntory Hall in Tokio (1986), die Walt Disney
Concert Hall in Los Angeles (2003) oder das Konzerthaus in
Kopenhagen (2009).
In München wird seit Jahren über die Notwendigkeit eines
neuen Konzertsaals gestritten. So ein Konzertbau ist ja keine Kleinigkeit,
sondern eine millionenteure und städtebaulich oft einschneidende
Entscheidung. Siehe Hamburg. Überhaupt hat man
den Eindruck, das äußere Erscheinungsbild sei der wichtigere
Aspekt – was für den Großteil der Bevölkerung vermutlich auch
stimmt, denn dieser wird den neuen Bau eher von außen denn
von innen erleben. Die Frage muss erlaubt sein: Wie stark kann die
Fassade auch über mindere akustische Qualität „hinwegschönen“?
Denn die Saalakustik bildet ein heikles Thema, zumal die oft neuartige
und gewagte Architektur immer wieder andere Herausforderungen
stellt.
Im 19. Jahrhundert war das alles noch einfacher. Der für seine
Akustik vielfach bewunderte Goldene Saal des Wiener Musikvereins
entstand 1870 ohne jede akustische Expertise. Man folgte einfach
dem traditionellen Modell der „Schuhschachtel“ oder „Zigarrenkiste“:
Der Saal ist ein länglicher Quader mit der Bühne am
schmalen Ende. Viele Konzertsäle jener Zeit, die bis heute für ihre
gute Akustik bekannt sind, beherzigen dasselbe Prinzip: das Concertgebouw
in Amsterdam (1887), die Tonhalle in Zürich (1895),
die Symphony Hall in Boston (1900). Auch bei Neubauten dient der
Goldene Saal noch immer als Vorbild, etwa beim Konzerthaus Berlin
am Gendarmenmarkt (1984), beim Konzertsaal im KKL Luzern
(1998) und beim Konzerthaus Dortmund (2002). Physiker aus
Finnland haben aktuell nachgewiesen, dass die „Schuhschachtel“-
Bauweise eine besondere akustische Dynamik besitzt – vor allem
dank der Schallreflexion der Seitenwände. Der Nachteil dieser Bauform
ist ein optischer: Man mag in der
40. Reihe noch gut hören, aber die Musiker
schrumpfen zum Ameisen theater.
Da kann man gleich vor einer HiFi-
Anlage sitzen.
Und die „Schuhschachtel“ hat
ernsthafte Konkurrenz bekommen –
erstmals durch die Berliner Philharmonie
(1963), im Volksmund einst „Zirkus
Karajani“ genannt. In Berlin hat man
versucht, alle Zuhörerplätze möglichst
nahe an die Bühne zu rücken, indem man die Reihen rundum terrassenartig
nach oben zog und die Bühne Richtung Saalmitte verlegte.
Diese Bauform wurde als „Weinberg“-Prinzip bekannt. Sie
liegt heute vielen Neubauten von Konzertsälen zugrunde, auch den
aktuellen Philharmonie-Projekten in Dresden und Hamburg. Der
Trend geht dabei zu immer steileren Rängen, als wolle man die konventionelle
„Schuhschachtel“ hochkant stellen, aber auch zu immer
voluminöseren, „runderen“ Sälen. Das lässt an die modernen Fußballarenen
denken: Auch dort sind die Besucher recht steil und relativ
nahe überm Spielfeld platziert. Nun kann man zwar ein Fußballspiel
aus jeder Richtung betrachten, aber Orchestermusiker spielen
nur in eine Richtung: zum Dirigenten hin. Daher hat auch der
Rundum-„Weinberg“ seine optischen Grenzen – denn wer will den
Musikern zwei Stunden lang von oben auf den Hinterkopf schauen?
Optik und Akustik sollten also Hand in Hand gehen. Und
Architekten ziehen beim Neubau eines Konzertsaals professionelle
Akustiker hinzu. Schließlich ist, wie der der Physiker Donald E. Hall
schreibt, „akustische Planung mindestens ebenso sehr Kunst wie
Wissenschaft“.
■
83

M U S I K & R A U M
FOTOS: HUFTON&CROW, PAUL ANDREU ARCHITECTE PARIS, ZAHA HADID, HARPA, WILLIAM BEAUCARDET/PHILHARMONIE DE PARIS, LUKE HAYES/ZAHA HADID ARCHITECTS
Designpracht für die Kultur: Heydar-Aliyev-Zentrum in Baku (Zaha Hadid); Oriental Art Centre in Shanghai (Paul Andreu);
Changsha Meixihu International Culture & Art Centre (Zaha Hadid); Konzerthaus Harpa in Reykjavík (Ólafur Elíasson); Philharmonie de Paris
(Jean Nouvel); Johann Sebastian Bach Chamber Music Hall in Manchester (Zaha Hadid)
84 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

WOHER KOMMEN
EIGENTLICH …
… die außermusikalischen Klänge im Raum ?
VON STEFAN SELL
FOTO: PIXABY
Selbst in einem schalltoten
Raum gibt es noch etwas
zu hören. In Cambridge an
der Harvard-Universität
betrat Ende der 1940er-Jahre John
Cage zum ersten Mal einen solchen
Raum und freute sich, einmal nichts zu hören als Stille. Als
er den Raum wieder verließ, hatte er doch etwas gehört, nämlich
sich selbst. „Ich hörte zwei Klänge, einen hohen und einen tiefen.
Als ich dies dem Toningenieur beschrieb, klärte er mich darüber
auf, dass der hohe von den Aktivitäten meines Nervensystems herrührte
und der tiefe von meinem Blutkreislauf kam.“
Das inspirierte Cage zu dem Stück 4’33’’. Ursprünglich
für Klavier gedacht, ist das auf vier Minuten und 33 Sekunden
begrenzte Stück beliebig erweiterbar, sowohl was Dauer, als auch
was Instrumentation betrifft. Allein – es darf kein einziger Ton
gespielt werden – drei Sätze lang tacet, Schweigen, nur Stille. Plötzlich
hört man im Konzertsaal die Tonkulisse des Publikums und
der Außenwelt. Neben Fassungen für Sinfonieorchester und Death
Metal Band gelangte 2010, kurz vor Weihnachten, die Popversion
der 40-köpfigen All-Star-Band Cage against the Machine in die
britischen Charts.
Cage machte hörbar, was seit Mitte des 19. Jahrhunderts den
Andachtskodex eines Konzertbesuchs immer wieder durchbricht.
Aus einem verzagt verzärtelten Hüsteln wird ein in der Lautstärke
anschwellender, ansteckender Husten, der mehr und mehr Akzente
zu setzen weiß. Das ist von solcher Vielseitigkeit, das gar vom
„Röchelverzeichnis“ die Rede ist. Es folgt das vermeintlich pianissimo
gehaltene Rascheln und Knistern des Hustenbonbonpapiers,
Räuspern, wieder Zurechtrücken, umrahmt von den Klangbildern
der betont achtsam Zuspätkommenden wie Zufrühgehenden. Bis
Mitte des 19. Jahrhunderts allerdings galten Opern- und andere
Musikaufführungen als etwas, das zahlreicher Nebenklänge geradezu
bedurfte.
Zur Zeit Vivaldis wurde in Venedig die Musik von allerhand
begleitet: „Viele Patrizier gingen verkleidet in’ Theater, um desto
ungenierter ihre Maitressen mit in die übrigens enorm teure Loge
nehmen zu können. Dort wurde gelacht und gelärmt“, und all das
getan, was „Mann“ so mit seiner Maitresse tut. Des Weiteren „warf
man Lichtstumpen und andere Gegenstände auf das Volk im Parterre,
ja, spuckte hinab, wenn man
einen kahlen Schädel sah.“
Im Winter 1765/66 bereiste
der englische Arzt und Autor
Samuel Sharp Italien: „In Neapel,
ja, in ganz Italien ist es groß in
Mode, die Oper als einen Ort zu sehen, um sich zu treffen und zu
plaudern, sodass man letztendlich nicht wegen der Musik kommt,
sondern um, ohne jegliche Zurückhaltung, die ganze Vorstellung
über zu lachen und zu reden. Man kann sich denken, dass eine
Ansammlung mehrerer hundert Leute, die sich unterhalten, die
Stimmen der Sänger übertönen muss. Neben dem Genuss einer
lautstarken Unterhaltung bilden sich manchmal kleine Gruppen,
um Karten zu spielen.“
Darüber empörte sich wiederum der italienische Literaturkritiker
Giuseppe Baretti und entgegnete öffentlich: „Als ob wir einen
Mord begehen würden, wenn wir uns im Parkett redselig geben
oder uns in den Logen zu einer Partie Karten treffen. Selbst wenn
wir nicht geneigt sind zuzuhören, wären unsere Sänger äußerst
unverschämt, wenn sie nicht ihr Bestes geben würden, werden sie
doch für ihr Tun sehr gut bezahlt. Caffarello [gemeint ist der Kastrat
Gaetano Majorano (1710–1783), von dem sein berühmter Gesangslehrer
Nicola Porpora schwärmte, er sei der „größte Sänger Italiens
und der ganzen Welt!“] wurde bald eines Besseren belehrt, als es ihm
in den Sinn kam, auf der Bühne in Turin seine Pflicht zu vernachlässigen
unter dem Vorwand, das Publikum achte nicht genügend auf
seinen Gesang. Kaum war die Oper zu Ende, wurde er samt seines
mazedonischen Kostüms für einige Nächte ins Gefängnis gesteckt
und Abend für Abend von dort auf die Bühne gebracht, bis er sich
unter wiederholten Bemühungen den Beifall aller verdient hatte.“
Überall gab es „konzertimmanente Geräuschsymptome“ zu
hören: „In den Theatern in Venedig wurde je nach Belieben applaudiert
oder gepfiffen. Lautes, anhaltendes Lachen hörte man, schrille
Töne, tiefe Bassstimmen, Kichern, Schwatzen, Miauen, Krähen,
erkünsteltes Niesen, Husten, Gähnen, alles ging bunt durcheinander.“
Der skandalerprobte Komponist George Antheil war sich
sicher: „Wenn den Hörern ein Werk wirklich gefällt, dann husten
sie weiter, rutschen hin und her, flüstern; das alles ist der normale
und behagliche Hintergrund der Konzertmusik.“
■
85

M U S I K & R A U M
Südtiroler Bergkulisse bei I Suoni delle Dolomiti
FOTO: DANIELE LIRA
DER BERG RUFT!
Viele Musikfestivals verlegen Konzerte in luftige Höhen. Für das Publikum bedeutet das ein völlig
neues Erlebnis, für Künstler und Veranstalter eine akustische Herausforderung.
VON CORINA KOLBE
Majestätische Berglandschaften haben so manchen Komponisten
zu großen Werken inspiriert. In Richard
Strauss’ Alpensinfonie hört man das Rauschen eines
Wasserfalls, bevor der Wanderer über blumige Wiesen
und durch unwegsames Dickicht den Gipfel erreicht und in ein
Gewitter gerät. In seiner Tondichtung verarbeitete Strauss Jugenderinnerungen
an einen Aufstieg auf den Heimgarten, einen der
Münchner Hausberge. In Toblach im Pustertal, wo er unter anderem
seine Neunte Sinfonie schrieb, schwärmte Gustav Mahler beim
Blick auf die Dolomiten: „Hier ist es wunderherrlich und repariert
ganz sicher Leib und Seele.“
Im Gegensatz zu Strauss und Mahler können Gäste von Klassikfestivals
Musik im Gebirge heute nicht nur in der Fantasie erleben.
Veranstalter folgen dem weit verbreiteten Trend, Konzerte an
ungewohnte Orte zu verlegen. Kultur und Tourismus fördern sich
dabei gegenseitig. Beim Richard Strauss Festival in Garmisch-Partenkirchen
begleiten in diesem Sommer ein Trompeter und ein
Posaunist eine Musikwanderung durch die Partnachklamm. Unter
dem Motto „Von der Renaissance zum Rosenkavalier“ lädt das Festival
außerdem auf die Sonnenalm ein, die mit der Wankbahn oder
zu Fuß zu erreichen ist. Das Ensemble Munich Opera, das aus den
acht Hornisten des Bayerischen Staatsorchesters besteht, spielt auf
einer Terrasse vor der beeindruckenden Kulisse der Zugspitze. Beim
Oberstdorfer Musiksommer kann man Kammerensembles auf dem
Nebelhorn und bei Sonnenuntergang an der Gipfelstation des Fellhorns
lauschen. Und der Südtiroler Bergsteigerchor Castion Faver
singt an der Station Schlappoldsee.
Während man auf dem Fellhorn ohne zu schwitzen mit der
Bergbahn ans Ziel kommt, hat die styriarte in der österreichischen
Steiermark Wanderungen für konditionsstärkere Gäste im Programm.
600 Höhenmeter sind auf einer neun Kilometer langen
„Landpartie“ zu überwinden, die wahlweise frühmorgens oder am
Nachmittag durch den Nationalpark Gesäuse führt. Zur Belohnung
gibt es dann im Gebirge Live-Musik von Alphornbläsern, Flötistinnen
und einem Vokaltrio.
Das Gstaad Menuhin Festival in der Schweiz findet in diesem
Jahr sogar unter dem Themenschwerpunkt „Alpen“ statt. Intendant
Christoph Müller spricht in seinem Vorwort von einer „magischen“
Anziehungskraft, die Berge im Zeitalter der Beschleunigung
und weltweiten Vernetzung auf Stressgeplagte ausüben. Die meisten
Konzerte finden allerdings in Kirchen und im Festivalzelt statt.
Anders als bei früheren Ausgaben ist ein Gletscherkonzert in diesem
Jahr nicht vorgesehen. Dafür tritt auf der Alp Züneweid auf
einer Höhe von rund 1.600 Metern ein Blechbläserquintett auf.
86 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

Wie Müller im Interview erklärt, sucht er neben den Hauptspielstätten
auch typische Orte in der Region aus, an denen die
Verbindung von Natur und Musik am schönsten zum Ausdruck
komme. Was die Akustik betrifft, so räumt er rasch ein, dass bei
Freiluftkonzerten Abstriche gemacht werden müssten. „Man
besucht solche Veranstaltungen ja nicht in erster Linie wegen
des Klangerlebnisses. Dafür haben wir unsere Kirchen, die für
ihre Akustik berühmt sind.“ Die Besonderheit der Konzerte im
Gebirge erkennt Müller eher darin, dass die übliche Trennung
zwischen Bühne und Zuschauerraum aufgehoben sei. „Die Hörer
sind den Musikern ganz nah. In Wanderschuhen und Sportdress
lässt es sich wunderbar miteinander über Musik und die Welt diskutieren.“
Und wie gehen die auftretenden Musiker mit der ungewohnten
Situation um? „Wer nicht bereit ist, solche Kompromisse einzugehen,
spielt halt nicht dort“, sagt der Intendant, der von Haus
aus Cellist ist. „Generell verspüre ich bei Künstlern aber eine große
Offenheit für solche Formate.“ Die Gefahr, dass das Gebirge zu
einer Eventkulisse reduziert wird und die Natur darunter leiden
könnte, schließt er bei seinem Festival aus. „Wir veranstalten diese
Konzerte immer in sehr kleinem Rahmen, mit 80 bis höchsten 150
Zuhörern. Andernfalls würde die besondere Stimmung gar nicht
erst aufkommen.“
Mit dem Goethe-Zitat „Über allen Wipfeln ist Ruh“ will das
Davos Festival in Graubünden seine Besucher zu einer Wandertour
animieren, die vom Jakobshorn (2.590 m) bergabwärts über die
Clavadeler Alp (2.005 m) zur Kirche Frauenkirch (1.505 m) führt.
Zum Ausgangspunkt gelangt man mit einer Bahn. Die Konzerte
auf der traditionellen Festivalwanderung, die jedes Jahr ihre Route
ändert, finden in Innenräumen statt. Im Restaurant der Gipfelstation
singt zunächst der Kammerchor des Festivals, der die gesamte
Tour begleitet. Wie bei vielen anderen Konzerten im Gebirge ist
auch hier ein Bläserensemble dabei, das im Keller eines Käsereihofes
spielt, bevor der Ausflug bei Musik in der Kirche endet. Bei
höchstens 50 bis 60 Zuhörern kann man auch hier nicht von einer
Massenveranstaltung sprechen.
Ein bewusstes und umweltverträgliches Natur- und Musikerlebnis
in kleinem Kreis bietet auch das Festival Die Klänge der
Dolomiten in Südtirol. Künstler und Publikum kommen sich beim
Wandern durch die malerische Bergwelt des Trentino näher als in
jedem herkömmlichen Konzertsaal. Albrecht Mayer, Solo-Oboist
der Berliner Philharmoniker, war im vergangenen Sommer ganz
ungewohnt auf einer Bergwiese im Naturschutzpark Adamello-
Brenta zu hören, begleitet von dem Kammermusikensemble Zandonai
aus Trento. In einem Video auf Youtube ist zu sehen, wie
die Musiker, die sich durch Hüte vor Sonnenstich schützten, ein
Programm aus Klassik, Filmmusik, Tango und Pop aufführen.
Die Geigerin Isabelle Faust nahm bereits an einer Trekking-Tour
durch die Cevedale-Gruppe teil, die bis auf über 3.000 Meter Höhe
führte. Mit einer Sonnenbrille auf der Nase spielte sie vor schneebedeckten
Gipfeln gemeinsam mit dem künstlerischen Festivalleiter
Mario Brunello. Der Cellist aus Venetien, der 1986 als erster
Italiener den Tschaikowsky-Wettbewerb in Moskau gewann, kennt
die Berge von klein auf wie seine Westentasche. Er ist davon überzeugt,
dass Musik und Natur füreinander geschaffen seien. „Das
Profil der Dolomiten ähnelt dem Notenbild in einem Präludium
von Bach“, schreibt Brunello in seinem Buch „Fuori con la musica“
(Draußen mit der Musik). Und den Klang seines Instruments verglich
er einmal mit der Sonne, die frühmorgens über den Gipfeln
seiner geliebten Dolomiten aufgeht.
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John Axelrods Weinkolumne
ERPROBT VERSUS EXOT
Bei Veranstaltungsorten wie bei Weinen rangelt das Altbewährte oft mit dem für Ohren
oder Gaumen nicht immer gut konsumierbaren Außergewöhnlichen.
ZEICHNUNG: STEFAN STEITZ
Wenn es um die musikalische Aufführungspraxis
geht, gibt es einige zentrale Kriterien:
Akustik, Bühnengröße, Anzahl der Sitzplätze
und Zugänglichkeit. Erweist sich
etwas davon als suboptimal, wird’s schnell
schwierig. Trotzdem wurde die Suche nach
neuen, außergewöhnlichen Aufführungsorten
fast schon zum neuen Sport. Wen
kümmert schon die Qualität, wenn es einfach
cool ist, Oper im Bahnhof, Kammermusik
im Flughafen oder große Sinfonik in
einer Disco zu präsentieren?
Genauso gibt es Weine, die an ungewöhnlichen
Orten wachsen. Ob sie gut sind,
ist dabei unwichtig. Es zählt die Medienwirksamkeit.
Wein zu trinken, der in einem
Vulkan gewachsen ist oder auf
3.100 Meter Höhe fermentiert wurde,
macht einfach mehr her. Glücklicherweise
kann der Wein dennoch gut sein.
Zum Beispiel der von Colomé.
Deren Wein wird im oberen Calchaquí-
Tal der Provinz Salta in Argentinien
angebaut. Ihr höchstes Weinbaugebiet,
passend Altura Máxima
genannt, liegt auf 3.111 Meter Höhe
und ist damit das höchste kommerziell
genutzte Weinbaugebiet der
Welt. Und wie schmeckt das Tröpfchen?
Großartig! Der Bodega
Colomé Estate Malbec 2015 ist ein
preisgekrönter, mit 92 Parker-Punkten
bewerteter, reichhaltiger Rotwein,
voll von Beeren- und Kirscharomen
mit Pfeffer-, Tabak- und
Schokoladennote.
Die besten Konzertsäle der Welt wie das
Amsterdamer Concertgebouw, die Berliner
Philharmonie oder der Wiener Musikverein
wurden für das spezifische Repertoire ihrer
Orchester designt. Beim Bau stand die Musik
an erster Stelle. Bei anderen Sälen war die
Musik ein Nachtrag, stand die Architektur im
Vordergrund. Im 21. Jahrhundert zählt allein,
ob der Veranstaltungsort Publikum anlockt.
Aber die entscheidende Frage ist, ob diese
neuen, extravaganten Orte nachhaltig die
Zuschauerzahlen steigern. Wenn Leute
Musik in der Disco oder in der U-Bahn hören,
gefällt ihnen das möglicherweise nicht, und
wenn doch, wollen sie sie vielleicht nirgends
anders mehr hören – vor allem nicht an diesen
stickigen Orten, die eine gewisse Etikette
erfordern, an eine Kirche oder eine
Beerdigung erinnern. Anders gesagt: Ein
Konzertsaal kann erheblich den Charakter
eines Orchesters oder des Publikumserlebnisses
beeinflussen. Er gibt
dem Orchester eine Heimat, eine Identität.
Trotzdem schrumpft das Publikum
für klassische Musik, was
Orchester, Veranstalter und Labels
dazu zwingt, alternative Veranstaltungsorte
zu finden, die eine tiefere
Verbindung zum Zeitgeist und
modernen Lebensstil ermöglichen.
Funktioniert das? Oft nicht. Macht
das Spaß? Absolut. Was ist also die
bessere Variante? Weder noch. Beides
wird benötigt, um das Publikum
der Zukunft zu schaffen und zu
bewahren.
Für Wein gilt genau das Gleiche: Es
braucht die Bodenständigen aus passendem
Klima, passenden Höhen und Regionen.
Und andererseits die Exoten wie den
Wein aus dem tahitianischen Rangiroa,
einer paradiesischen Insel im Südpazifik.
Oder dem aus Lanzarote, dem „Weinkeller
des Teufels“: Krater und Vulkangestein
schützen die Reben vor starken Winden,
WEN KÜMMERT
DIE QUALITÄT,
WENN BLOSS DER ORT
MEDIENWIRKSAM IST?
lassen die Landschaft außerirdisch wirken,
obwohl der Vulkanboden sehr nährstoffreich
ist und die Reben gesund und kräftig
wachsen lässt.
Ein großartiges Orchester benötigt
einen großartigen Konzertsaal wie ein
großartiger Wein perfekte Reben und perfektes
Klima. So würde ich einen soliden
Premier Cru Bordeaux nicht gegen einen
Edivo Viva eintauschen, der in gut verkorkten
Amphoren in einem versunkenen Schiff
vor der dalmatinischen Adriaküste gelagert
wird. Aber von Zeit zu Zeit kommt doch
ein neuer Konzertort wie die Elbphilharmonie
oder ein Wein vom Dach der Welt
daher und ändert einfach alles.■
John Axelrod ist Generalmusikdirektor und Geschäftsführer des Real Orquesta Sinfónica de Sevilla und erster Gastdirigent des Orchestra Sinfonica di Milano „Giuseppe Verdi“. Nebenbei schreibt er
Bücher und sorgt sich um das Wohl des crescendo-Lesergaumens. Außerdem schreibt er einen englischsprachigen Blog zum Thema Wein und Musik: www.IamBacchus.com.
Infos zum Malbec Salta der Bodega Colomé finden Sie hier: www.belvini.de/bodega-colome-autentico-malbec-salta.html
88 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

LEBENSART
ServusTV: auf Filmdreh mit Hochkultur-Experte Ioan Holender (Seite 91)
crescendo – hier kochen die Stars: Linus Roth und Ali Güngörmüş mit bayerischen Garnelen auf Taboulehsalat (Seite 92)
Experimentierfreude und Spontanität prägen
die Kunst von Martin Widl. Am 19. Juli
werden seine Bilder in einer Vernissage in den
crescendo-Verlagsräumen zu sehen sein
FOTO: MARTIN WIDL
89

L E B E N S A R T
NIGELNAGELNEU UND
FRISCH FRISIERT:
DIE CRESCENDO-HOMEPAGE
Wochenlang schwelten die Köpfe der crescendo-Redaktion,
manch einer wollte sich gar in der Tastatur verbeißen. Nun ist sie da: die komplett
neu aufgesetzte crescendo-Website mit vielen neuen Annehmlichkeiten.
Hammock-Effekt und Hero Section, Sidebar und Slider,
Wireframe und Wysiwyg – als wir mit der Rundumerneuerung
unserer in die Jahre gekommenen Website
begannen, mussten wir erst mal „Sprachunterricht“
nehmen. Spannend, verwirrend und gelegentlich auch
zum Haareraufen war es, in die Strukturen hinter der
Web-Oberfläche einzutauchen und diese von Grund
auf neu zu gestalten.
Nun ist sie da, die neue Homepage:
www.crescendo.de. Und wir laden Sie herzlich ein, sich
darauf umzusehen und uns unter folgender E-Mail kritisches
Feedback zu geben: redaktion@crescendo.de.
crescendo-Kolumnist Axel Brüggemann
für SKY bei den Bayreuther Festspielen
Er tut es wieder! Auch zur Festspielsaison 2018 begleitet
Axel Brüggemann für den Fernsehsender SKY wieder die
Bayreuther Festspiele. Die Premiere von Lohengrin in der
Inszenierung von Yuval Sharon und unter der musikalischen
Leitung von Christian Thielemann wird von Interviews,
Impressionen und Blicken hinter
die Kulissen umrahmt.
25.7., „Bayreuth – Die Show“, SKY
DAS KANN DIE NEUE crescendo-HOMEPAGE:
Responsiveness
Egal ob auf Ihrem Heim-PC, Ihrem Laptop, Ihrem Tablet oder Ihrem
Smartphone – die Website wird Ihnen stets optimal angezeigt! Dabei können
Sie sich einfach immer tiefer in die Seiten „hineinblättern“.
Smart Listening
Endlich wird die Lücke zwischen Lesen und Hören geschlossen: Ab jetzt
können Sie auf unserer Website bei vielen Rezensionen direkt in die entsprechenden
Einspielungen reinhören – kostenfrei!
crescendo-Ticket
In unserem Veranstaltungskalender finden Sie über 90.000 Termine, für die
Sie auch direkt Eintrittskarten bestellen können.
Deutschlandweit und darüber hinaus!
Gewinnspiele
Neben spannenden Artikeln, Veranstaltungstipps und Veranstaltungskritiken
finden Sie auf unserer Seite nun auch Rätsel und Gewinnspiele.
Videos, crescendo LIVE und vieles mehr
Als Printmedium kennen Sie crescendo seit vielen Jahren. Aber wussten Sie,
dass wir viele Künstlerbegegnungen mit der Kamera begleiten?
In der Video-Reihe „crescendo trifft …“ können Sie unsere Autoren jede
Woche bei einem Künstlergespräch verfolgen und per Livestream Veranstaltungen
aus der Welt der klassischen Musik hautnah erleben.
Außerdem zeigen wir Höhepunkte unserer Veranstaltungsspecials
crescendo LIVE, bei denen Sie auch vor Ort dabei sein können –
als crescendo-Leser oft mit speziellen Vergünstigungen.
90 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

Schmackhafte
Hochkultur
vom Großmeister
Für ServusTV moderiert Opernlegende und Kulturexperte Ioan Holender
die Sendung „kulTOUR mit Holender“. Wir durften ihn beim Dreh begleiten.
VON MARIA GOETH
Noch einmal huscht
eine rührige Assistentin
herbei und
fährt dem Grandseigneur
mit dem
Kamm durchs wallende graue
Haar. Der rückt sich die elegante
dunkelrote Krawatte zurecht,
bevor seine unverwechselbare,
sonor rollende, bis heute mit
rumänisch angehauchtem R artikulierende
Stimme anhebt wie ein
tiefer, unaufhaltsamer Strom. Die
durchdringenden grünblauen
Augen leuchten wach aus den
Gesichtszügen mit den markanten
breiten Lippen und den kleinen
Lachfalten in den Augenwinkeln. 82 Jahre ist Ioan Holender nun alt
und vielleicht eines der letzten Musterexemplare aus der Generation
jener großen, mächtigen Theatermänner. Das weiß er, und dazu
steht er – auch in einer Zeit, in der eine heftige Debatte um eben
diese Machtmenschen herrscht. „Ich bekenne mich absolut zur
autokratischen Führung eines Opernhauses“, betont er. Man müsse
sich der Verantwortung stellen und Einfluss auf alles nehmen – vom
Bühnenpförtner und den Toiletten bis zur Künstlerbesetzung.
„Letztendlich kommt es nur auf zwei Dinge an: Was man spielt und
mit wem man spielt – und das kann nur der Leiter bestimmen!“
19 Jahre lang war Holender Direktor der Wiener Staatsoper – länger
als jemals eine Person zuvor.
Seit Ende seiner Amtszeit wirkt er unter anderem als Berater
für die Metropolitan Opera – „wie das eben so ist, wenn man in
einer solchen Position war und es nicht mehr ist, dann wird man
Berater“, lacht er. Daneben hat er seine eigene Sendung „kulTOUR
mit Holender“ bei ServusTV. Hierbei lässt ihm der Geschäftsführer
des Senders, Red-Bull-Milliardär Dietrich Mateschitz, alle Freiheit
der Welt: „Wenn Sie es gerne machen, wird es gut sein!“ Und so porträtiert
Holender mal Künstlerpersönlichkeiten wie Zubin Mehta,
Christian Gerhaher oder Teodor Currentzis, mal Institutionen wie
Ioan Holender:
Nächste Sendungen von „kulTOUR mit Holender“
bei ServusTV (jeweils um 23:25 Uhr):
7. Juni: Musikpaläste in Barcelona
21. Juni: Stuttgart – Innovation hat Tradition
5. Juli: Die Mailänder Scala
19. Juli: Sotschi – Die russische Riviera
FOTO: SERVUS TV / HOERMANDINGER
die Opernhäuser von Tirana oder
dem Oman oder das neue Kulturzentrum
in Peking. Dabei ist für
ihn nicht immer die Qualität entscheidend,
sondern die spannenden
Geschichten, die hinter den
Personen und Gebäuden stecken
und die neben Opernfans vor
allem auch die breite Mehrheit des
Fernsehpublikums erreichen sollen
– eine „Quadratur des Kreises“,
wie Holender selbst bemerkt, aber
dieser Herausforderung stellt er
sich gerne.
Gerade hat er eine Folge an
der Staatsoper Stuttgart abgedreht
– von Max Reinhardt zu Recht als
„schönstes Opernhaus der Welt“ bezeichnet, wie Holender findet.
Der monumentale, 1912 eröffnete Doppeltheaterbau mit Opernund
Schauspielhaus von Max Littmann sei etwas ganz Besonderes.
Holender sprach unter anderem mit Opernintendant Jossi Wieler
und Chefdramaturg Sergio Morabito – Letzterer wechselt ab 2020 in
gleicher Funktion an die Wiener Staatsoper, also an Holenders ehemalige
Wirkungsstätte. Außerdem haben Wieler und Morabito in
den vergangenen Jahren als gefeiertes Regie-Duo im besten Sinne
die Stuttgarter Musikwelt aufgewirbelt. Und natürlich kommt bei
Holenders Stuttgart-Porträt auch das legendäre Stuttgarter Ballett
nicht zu kurz – insbesondere die 1971 von John Cranko gegründeten
Ballettschule –, daneben weitere Kulturspielstätten wie die Liederhalle
oder das Architekturjuwel Wilhelma Theater. In Gebäuden,
in denen Menschen Musik machen, herrsche oft eine ganz besondere
Atmosphäre, beobachtet Holender. Diese zu vermitteln, gelingt
der Kulturautorität ganz ausgezeichnet. Da muss man nachträglich
fast froh sein, dass die politischen Unruhen im kommunistischen
Rumänien Holender einst zum Abbruch seines Studiums und später
zur Auswanderung zwangen, woraus seine Karriere in der Hochkultur
geboren wurde – ansonsten wäre Holender Ingenieur für
Dampfmaschinen geworden!
■
91

L E B E N S A R T
Bayerische Garnelen
auf Taboulehsalat
CRESCENDO –
HIER KOCHEN DIE STARS
„BEIM KONZERT IST ES WIE
IM RESTAURANT:
DAS PUBLIKUM MÖCHTE
EINE EMOTION MIT NACH
HAUSE NEHMEN!“
ALI GÜNGÖRMÜŞ
FOTOS: MARIA GOETH
92 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

BAYERISCHE GARNELEN AUF TABOULEHSALAT
Schalotten, Knoblauch, Fleischtomaten, Bulgur
Frische Garnelen (z. B. bayerische Garnelen aus Freising: www.crustanova.com)
Butter, Gemüsebrühe
Salz, Zucker, Kurkuma, frischer Koriander, frische marokkanische Minze, frische Petersilie
Saft von einer Biozitrone, Olivenöl
Cayennepfeffer oder Chiliöl
1. Schalotten und Knoblauch schneiden. Tomaten oben einschneiden, Strunk entfernen und kurz
in kochendes Wasser geben. Dann die Haut entfernen, Tomaten halbieren und würfeln.
2. Garnelen putzen (die Köpfe nicht abnehmen).
3. Schalotten und Knoblauch in Butter anschwitzen. Feinen Bulgur, die gewürfelten
Tomaten und etwas Salz, Zucker und Kurkuma (keinen Pfeffer!) zugeben. Gemüsebrühe zugeben,
bis alles leicht bedeckt ist. Kurz aufkochen lassen. Dann von der Herdplatte nehmen und
10–15 Minuten ziehen lassen.
4. Koriander, Minze und Petersilie zupfen und klein hacken und mit dem Bulgur vermischen
(ca. zwei Teile Kräuter zu je einem Teil Bulgur mit Tomaten). Zitronensaft, Olivenöl, etwas Salz und
eine Prise Cayennepfeffer oder Chiliöl dazugeben.
5. Garnelen in (nicht zu heißem) Olivenöl anbraten. Etwas Butter und Zitronensaft darübergeben.
6. Die Garnelenköpfe abbrechen. Den Taboulehsalat mit den Garnelen anrichten und ein bisschen
Bratbutter der Garnelen darübergeben. Den Teller mit etwas Olivenöl dekorieren.
Das Video zum Rezept finden Sie unter: www.youtube.de/crescendomagazin
•
LINUS ROTH GEIGER
Linus Roth ist ein weltweit erfolgreicher Geiger. Daneben ist er
Mitbegründer der International Weinberg Society, Gründer und künstlerischer
Leiter des Festival Ibiza Concerts sowie Professor für Violine an der
Universität Augsburg.
ALI GÜNGÖRMÜŞ STERNEKOCH
Ali Güngörmüş ist ein in der Türkei geborener deutscher Koch. 2005 eröffnete
er in Hamburg-Othmarschen das mit einem Michelin-Stern ausgezeichnete
Restaurant Le Canard Nouveau, 2014 in München das Restaurant Pageou.
Güngörmüş ist im ZDF und NDR regelmäßig als Fernsehkoch zu erleben.
Linus Roth und Ali Güngörmüş im Kochfieber
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L E B E N S A R T
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FOTOS: GRAZ TOURISMUS / HARRY SCHIFFER (5); KUG / WENZEL; OPERNHAUS GRAZ; GRAZ TOURISMUS / WERNER KRUG; GRAZ TOURISMUS / MARKUS SPENGER
1) Kunsthaus Graz 2) Kunstuniversität Graz 3) Opernhaus 4) Blick über die zweitgrößte Stadt Österreichs 5) Uhrturm 6) Glockenspiel
7) Kaiser-Josef-Markt 8) Lange Tafel der Genusshauptstadt vor dem Grazer Rathaus 9) Murinsel
94 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

SO VIEL MUSIK, KUNST UND LITERATUR
AUF ENGEM RAUM!
Graz
Ein Spaziergang mit Oksana Lyniv, Chefdirigentin des
Grazer Philharmonischen Orchesters, durch das malerische Herz der Steiermark.
VON ROLAND H. DIPPEL
FOTO: SERHIY HOROBETS UND VIKTOR ANDRIICHENKO
Über Nacht hielt der Frühling Einzug
in Graz. Tiefblauer Himmel, Studierende
auf der Stadtpark-Promenade
und fast sommerliche Sonnenstrahlen
auf das bronzene Modell des
Opernhauses vor dem neubarocken Prunkbau,
dem Herz der zweitgrößten Stadt Österreichs. Am
Abend zuvor wurde das Ehrenkonsulat der Ukraine feierlich eröffnet.
Der Bezirk Lemberg und die Steiermark sind Partnerregionen.
Die ehemalige Hauptstadt Galiziens ähnelt dem Industrie- und
Kunstzentrum an der Mur.
Oksana Lyniv hatte keine Zeit für diesen ersten Botschaftsabend,
obwohl sie den Dialog ihres Heimatlandes und der mitteleuropäischen
Kultur befördert, wo sie kann. Aber die andere schöne
Verpflichtung war wichtiger: Sie stand zur Generalprobe der Grazer
Erstaufführung von Rossinis Belcanto-Starfighter Il viaggio a Reims
am Pult des Grazer Philharmonischen Orchesters. Seit Beginn dieser
Spielzeit ist sie dessen Chefdirigentin. Am Tag vor der Premiere
finden wir Zeit zum Gespräch auf einem Rundgang zu ihren Lieblingsorten
dieser malerischen Stadt und Mittelpunkt der Steiermark.
Ungarn ist nicht weit, Slowenien auch nicht.
Oksana Lyniv in ihrer neuen
Heimat
An der Oper leitet die 40 Jahre alte Oksana
Lyniv je Spielzeit zwei Produktionen, und mit dem
Grazer Philharmonischen Orchester gestaltet sie
neun Programme. Eine stolze Zahl. „Ich freue mich
immer, wenn Besuch kommt, dann muss ich mich
losreißen und Zeit für Ausflüge haben“, lacht sie.
Man glaubt ihr, dass sie diese schnellen Sprünge
zwischen Kunst und Lebensraum liebt. „Gleich auf der anderen
Seite der Mur, am neuen Kunsthaus, sieht man, wie Graz durch die
Mischung aus historistischer Vergangenheit und Fortschrittsgeist
lebendig bleibt. Aber die wichtigsten Orte für mich befinden sich in
der Nähe zur Oper und dem Stephaniensaal.“ Ihre Pausen verbringt
Lyniv oft am idyllischen Kaiser-Josef-Markt, wo sie gerne zu Mittag
isst. Wenige hundert Meter weiter befindet sich die Kunstuniversität
Graz, eine der wichtigsten und begehrtesten Musikhochschulen
Europas.
Alteingesessene halten den Kaiser-Josef-Markt für das Herz
des alten Graz. Wenn die Nächte nicht mehr allzu kalt werden,
herrscht an den Getränkeständen noch bis vor Mitternacht Hochbetrieb,
der sich nur allmählich in die benachbarten Lokalitäten
verlagert. Formvollendete galante Umgangsformen findet man dort
95

L E B E N S A R T
genauso wie etwas handfesteren
Umgangston. Alle Szenen treffen
aufeinander. Hier freunden sich
auch internationale Gäste gerne
mit einer bodenständigen
Gemächlichkeit an, die nur
wenige Meter weiter zwischen den
Läden am Knotenpunkt Jakominiplatz
urbaner Geschäftigkeit
weicht. Man versteht, warum viele
Künstler hier weiterhin leben wollen,
selbst wenn sie längst international
gefragt sind.
„Mir gefällt hier die Tradition,
die enge Vernetzung mit der Kunstuniversität und den vielen
anderen Einrichtungen. So viel Musik, Kunst und Literatur auf
engem Raum! In der Nachbarschaft zur Styriarte und zum Steirischen
Herbst entsteht eine freundschaftliche Konkurrenz, die sich
beglückend auf die Qualität auswirkt.“ Immer wieder entdeckt
Oksana Lyniv trotzdem spannende Lücken. In den nächsten Spielzeiten
widmet sie sich in Graz wieder ukrainischen Werken und
bereitet für 2019/20 einen umfangreichen Zyklus mit Werken von
Komponistinnen vor.
Im Hauptfoyer der Grazer Oper stehen Büsten des
„Evangelimann“-Schöpfers Wilhelm Kienzl und von Alexander
Girardi, dem unvergessenen Spieltenor der Wiener Operette. „Ich
bin gespannt auf die nächste Achse mit Franz Xaver Mozart, die ich
von Lviv hierher legen möchte.“ Den Mozartsohn macht Oksana
Lyniv auch in der zweiten Ausgabe des von ihr 2017 gegründeten
Festivals LvivMozArt zum Schwerpunkt. Sie springt im Gespräch
ständig zwischen dem ukrainischen Namen Lviv und dem deutschen
Lemberg hin und her. Neben den Grazer Verpflichtungen
Sonne im Grazer Kunsthauscafé
FOTO: GRAZ TOURISMUS / TOM LAMM
fand sie 2016 noch die Zeit zur
Gründung des Jugendsymphonieorchesters
der Ukraine nach Vorbild
des Bundesjugendorchesters.
Ihr Auftritt mit den Jugendlichen
beim Young Euro Classic am 16.
August im Konzerthaus Berlin
wird von Arte aufgezeichnet, und
für das Grazer Gastspiel am 17.
September hat sie sich etwas ganz
Besonderes ausgedacht. „Wir
rekonstruieren Teile eines Konzerts,
bei dem Franz Xaver Mozart
1844 hier in Graz als Pianist auftrat.
Es gibt eine Komposition von ihm, dazu als repräsentative
Werke aus seinem Umfeld Beethovens Die Geschöpfe des Prometheus
und die Ouvertüre zu Boieldieus Rotkäppchen.“
Längst haben wir auf einem Steg wieder die Mur überquert.
Die künstliche Murinsel, deren gerundete Form vage Ähnlichkeit
mit einer Muschel hat, liegt zwischen dem historischen Graz und
den hippen Szene-Locations um den Lendplatz. Ganz in der Nähe
lebte lange Jahre der in Lemberg geborene Autor und Historiker
Leopold von Sacher-Masoch, dessen Einsatz gegen den Antisemitismus
leider viel weniger bekannt ist als seine sprichwörtlich gewordene
Prosa. Er, dem man im Kulturhauptstadtjahr 2003 ein umfangreiches
Projekt widmete, gehört genauso zu Graz wie der unvergessene
Robert Stolz oder Karl Böhm, dessen Ehrenbüste derzeit für
das dokumentarische Stück von Paulus Hochgatterer und Nikolaus
Habjan an das Schauspielhaus am Freiheitsplatz geliehen ist. Zu entdecken
gäbe es noch viel mehr, aber Oksana Lyniv muss zurück. Am
nächsten Tag leitet sie die Grazer Erstaufführung einer der schönsten
und spannendsten Opern Rossinis.
■
Tipps, Infos & Adressen
Reiseinformationen rund um Ihren Besuch in Graz
Musik & Kunst
Der Grazer Musikverein bietet das ganze Jahr
hochkarätige Konzerte (www.musikvereingraz.at).
Das Museum Joanneum zeigt eine
Jubiläumsaustellung des Steirers Peter
Rosegger (www.museum-ioannneum.at).
Der Steirische Konzertsommer versteht sich
als Einladung in die malerische Landschaft
(www.kammermusik.co.at). Als weitere Fe s-
tivals locken die styriarte (www.styriarte.
com) und der 51. steirische herbst
(www.steirischerherbst.at).
Essen & Trinken
Kürbiskernöl, Backhendl, Mehlspeisen und dazu
ein Glas steirischen Schilcher … Im Grunde
kommt man in jedem Gasthaus Richtung Hausberg
Schöckl auf seine Kosten. Beliebt ist der
Stoffbauer oberhalb des Stadtteils Mariatrost
(www.stoffbauer.com). Beim Laufke in Nähe zu
Stadtpark und Univiertel sollte man unbedingt
reservieren (www.laufke.net). Das Café im
Burggarten, das Kunsthauscafé (www.kunsthauscafe.co.at)
oder der Lendplatz mit Bauernmarkt
sind Orte zum Verlieben.
Übernachten
Neben Dependancen internationaler Ketten
gibt es ein breites Angebot regionaler
Anbieter. Das Lendhotel (www.lendhotel.
at) im hippen Lend-Quartier vereint
modernen Komfort und Kunst ebenso wie
das in der Altstadt gelegene Augarten Art
Hotel (www.augartenhotel.at) oder das
Schlossberg-Hotel
(www.schlossberg-hotel.at).
FOTOS: ROBERT ILLEMANN; GRAZ TOURISMUS / WERNER KRUG; LENDHOTEL
96 w w w . c r e s c e n d o . d e — Juni – Juli – August 2018

Termin
FÜR GLOBETROTTER
New York, New Yooork! Im Sommer lockt der Big Apple mit prächtiger Musik.
Chelsea Music Festival
Carnegie Hall
Lincoln Center
Der New Yorker Stadtteil Chelsea im Südwesten
Manhattans wandelte sich in den letzten Jahren
zum Künstlerviertel mit zahlreichen Galerien
und Museen. Das Chelsea Music Festival widmet
sich anlässlich der 333. Wiederkehr von Johann
Sebastian Bachs Geburtstag der Musik des Thomaskantors.
Im Eröffnungskonzert erklingt Musica
Celestis von Aaron Jay Kernis, dem Composer
in Residence des Festivals. Ensemble in Residence
ist das Saxofonquartett Barkada, das die einzelnen
Programme eröffnet. Den roten Faden bilden 333
Bach-Choräle, die jeden Abend in den Kirchen des
Viertels gesungen werden.
Chelsea Music Festival, 8. bis 16.6.,
www.chelseamusicfestival.org
In der Carnegie Hall steht eines der raren Konzerte
der Pianistin Ingrid Fuzjko Hemming auf dem
Programm. Mit 85 Jahren füllt sie immer noch
die Konzertsäle der Welt. 1932 in Berlin geboren
und in Japan aufgewachsen, begann sie eine vielversprechende
Karriere. Dann schlug das Schicksal
zu. 1971 verlor sie bei einem Konzert in Wien
das Gehör. Erst nach langer Therapie erlangte sie
einen Teil ihres Hörvermögens wieder. Von da an
war ihr Erfolg nicht mehr aufzuhalten. Ihr Album
„La Campanella“ wurde über zwei Millionen Mal
verkauft, und vier ihrer Alben erhielten die Auszeichnung
„Classical Album of the Year“.
Konzert Ingrid Fuzjko Hemming 5.7.,
www.carnegiehall.org
Noch einen Geburtstag gibt es zu feiern. Das
Mostly Mozart Festival des Lincoln Centers bringt
zu Leonard Bernsteins 100. Geburtstag dessen
Musiktheaterstück Mass zur Aufführung. Louis
Langrée dirigiert das Festivalorchester, den Bassbariton
Davóne Tines und eine riesige Anzahl an
Sängern, Musikern und Tänzern. Das Werk konfrontiert
die christlichen Glaubenssätze mit Alltagserfahrungen.
Bernstein komponierte es 1971
zu Zeiten des Vietnamkriegs als Botschaft des
Friedens und der Liebe.
Mostly Mozart Festival, 12.7. bis 12.8.,
www.lincolncenter.org/mostly-mozart-festival
FOTOS: CHELSEA MUSIC FESTIVAL; CARNEGIE HALL; MATHEW IMAGING
MARTIN WIDL
Universum
der Farben
Zum ersten Mal lädt
crescendo zur Vernissage.
FOTO: MARTIN WIDL
Aus dem Zyklus „Farben der Seele“,
Mischtechnik, 100 x 100 cm
„Kunst scheint mir vor allem ein Seelenzustand
zu sein“, so das Credo von Marc Chagall,
das der Erdinger Maler und Musiker
Martin Widl auch zu dem seinen gemacht
hat. In seinen experimentellen Arbeiten
steht für Widl der Prozess des Entdeckens
und wieder Verwerfens, des Suchens und
Findens im Vordergrund. Dabei entstehen
großflächige Kunstwerke von großer Farbintensität.
Nicht nur gestaltete Widl das
Cover der Premium-CD dieser Ausgabe,
seine Bilder werden ab 19. Juli auch in den
crescendo-Verlagsräumen zu erleben sein.
Eine echte Weltpremiere, ist es ist die erste
Ausstellung in unserer Redaktion.
crescendo-Redaktionsräume, Rindermarkt 6, 80331 München,
Donnerstag, 19. Juli um 19 Uhr,
Anmeldung bitte unter: https://crescendo.de/vernissage
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H O P E T R I F F T
Daniel-Hope-Kolumne
MIT MUSIK GEGEN
ANTISEMITISMUS
Musik ist ein hervorragendes Medium der Diplomatie! Daniel Hope im Gespräch mit
Dr. Felix Klein, dem neuen Antisemitismus-Beauftragten der Bundesregierung.
Daniel Hope: Felix, nach vielen Jahren im
diplomatischen Dienst kommt als
Antisemitismusbeauftragter nun eine
sehr große Aufgabe auf Dich zu.
Dr. Felix Klein: Ja, ich werde stärker Anwalt
sein müssen, auch Mahner, um antisemitische
Vorfälle anzuklagen. Aber ich bin
auch Beauftragter für jüdisches Leben, das
ist der erste Teil meines Postens. In diesem
Zusammenhang möchte ich sehr gerne
auch die Musik zur Geltung bringen. Ich
möchte der Öffentlichkeit in Deutschland
noch stärker vor Augen führen, wie viele
großartige Komponisten mit jüdischem
Hintergrund es gibt. Da gibt es weit mehr
als den immer zitierten Felix Mendelssohn
Bartholdy, eine Vielzahl von jüdischen
Komponisten mit reichhaltigen Werken, in
denen tatsächlich auch jüdische Musik
aufgegriffen wird. Ich möchte Sympathie
für jüdisches Leben in Deutschland
erzeugen, gerade mit Hilfe der Musik!
Wie siehst Du die Debatte um die
Abschaffung des ECHO nach 26 Jahren
(siehe dazu auch S. xxx)?
Ich finde die Entscheidung gut und
begrüße sie sehr. Der ganze Vorgang zeigt,
dass bestimmte grundlegende Reflexe in
unserer Zeit dann doch ganz gut funktionieren,
dass man mit öffentlichem Druck
etwas verändern kann. Kommerzielle
Gesichtspunkte reichen nicht aus. Es gibt
Grenzen da, wo es Gefühle gibt! Ich
begrüße in dieser Angelegenheit auch sehr
die Rolle der Medien, die den notwendigen
Druck aufgebaut haben. Ich wünsche der
Dr. Felix Klein mit Daniel Hope
Musikindustrie weiter gute Geschäfte, aber
es gibt Grenzen. Diese sind eingefordert
und nun auch umgesetzt worden! Das
macht mir Hoffnung!
Es gibt Musiker, die sind diplomatisch,
vielleicht sogar politisch. Du bist ein
Diplomat, der sehr musikalisch ist. Wie
geht das zusammen?
Eine wichtige Aufgabe des Diplomaten ist
es, Sympathie zu erzeugen – insbesondere
im Ausland. Musik ist dabei ein hervorragendes
Medium. Über sie kann man die
Herzen der Menschen erreichen. Gerade
als deutscher Diplomat hat man mit
deutscher Musik im Ausland viel zu bieten.
Das habe ich auf meinen verschiedenen
Auslandsposten mit Musikprojekten
immer wieder getan und damit auch
Sympathie für Deutschland erwerben
können. Musik und Diplomatie ergänzen
sich auf wunderbare Weise!
Im April kamen rund 2.000 Menschen in
Berlin zusammen, um gegen Antisemitismus
zu protestieren. Wie wichtig sind
solche Kundgebungen in Deutschland?
Sie sind wichtig als Symbol, sie reichen
aber natürlich nicht! Wir dürfen jetzt nicht
zur Tagesordnung übergehen und uns
dann erst nach dem nächsten Vorfall auf
einer solchen Kundgebung wiedertreffen.
Trotzdem vergrößern sie das allgemeine
Bewusstsein der Bevölkerung. Ich habe
mich über das große Medieninteresse an
der Kundgebung sehr gefreut. Es hätten
nach meinem Geschmack aber noch mehr
Leute sein dürfen!
Wie politisch kann ein Künstler sein?
Sehr! Insbesondere wenn in der Außenpolitik
die knallharten Interessen zwischen
Ländern aufeinanderprallen, können
Künstler eine ganz wichtige Brückenfunktion
einnehmen. Ein Beispiel: Wir haben
einige Probleme im Umgang mit Russland.
Trotzdem ist es sehr wichtig, dass Künstler
aus Russland bei uns auftreten. So sehen
die Menschen: Russland ist derzeit
vielleicht politisch ein schwieriges Land,
aber es hat fantastische Künstler. Ich
begrüße auch sehr das politische Engagement
von Daniel Barenboim mit seinem
West-Eastern Divan Orchestra und seiner
Barenboim-Said Akademie. Künstler
können sehr wohl politisch sein, und das
hat eine lange Tradition. Auch Beethoven
war politisch, oder Arnold Schönberg mit
seinem Werk Ein Überlebender aus
Warschau.
n
ZEICHNUNG: STEFAN STEITZ
FOTO: DANIEL HOPE, PRIVAT
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