CRESCENDO 1/18 Januar-März 2018

AUSGABE 01/2018 FEBRUAR – MÄRZ 2018
www.crescendo.de
7,90 EURO (D/A)
PREMIUM
AUSGABE
inkl. CD
PAAVO JÄRVI
„Dirigenten reifen
wie Rotwein“
FILMMUSIK
So klingen Mickey Mouse,
Westernheld, Tramp und
Jedi-Ritter!
Sonya
Yoncheva
„Als Künstler muss man
heute tough und robust sein!“
B47837 Jahrgang 21 / 01_2018
BACHFEST LEIPZIG
8. bis 17. Juni 2018
Der Leipziger Kantaten-Ring:
das Bach-Ereignis 2018 mit
Sir John Eliot Gardiner,
Ton Koopman, Masaaki Suzuki,
Hans-Christoph Rademann u.a.

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Unsere Musikexperten begrüßen Sie herzlich und haben ein spannendes Rahmenprogramm und
interessante Begegnungen für Sie ausgewählt. Sichern Sie sich jetzt einen der begehrten Plätze!
Bayreuther Festspiele
Besuchen Sie die Bayreuther Festspiele mit der einmaligen
Akustik des von Richard Wagner konzipierten Festspielhauses.
Sichern Sie sich begehrte Karten für eine der Aufführungen.
Gezeigt wird unter anderem Yuval Sharons Neuinszenierung
des »Lohengrin«. Musikexperte Gregor Lütje begleitet Sie!
Termin: 4. – 7.8.2018 Preis: ab 3.745 €
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Opernreise nach Graz und Maribor
Graz, die traditionsreiche Hauptstadt der Steiermark, ist ein
städtebauliches Juwel. Sie erleben in der Oper Tschaikowskis
»Eugen Onegin« und im Stefaniensaal einen Liederabend mit
René Pape. Anschließend fahren Sie ins slowenische Maribor, wo
Sie bei Bellinis »La Sonnambula« Belcanto-Klängen lauschen.
Termin: 12. – 16.4.2018 ab 1.590 €
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Holland Festival in Amsterdam
Amsterdam im Juni – das Holland Festival versammelt internationale
Stars der Klassik: Sehen Sie Erwin Schrott, Bryn Terfel
und Simon Rattle in Konzert und Oper. Genießen Sie große
Aufführungen im Concertgebouw und in der Niederländischen
Oper. Ein Fest für Musikliebhaber! Welkom!
Termin: 4. – 7.6.2018 Preis: ab 1.530 €
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Festspiele Baden-Baden
Baden-Baden vereint französische Eleganz mit badischer Gastlichkeit.
Erleben Sie mit Peter Davids Architektur und Lebensart
der Belle Époque, die hier noch immer lebendig zum Vorschein
kommen. Der perfekte Ort also, um Anna Netrebko in »Adriana
Lecouvreur« sowie dem Mariinsky Orchester zu lauschen!
Termin: 20. – 24.7.2018 Preis: ab 2.290 €
www.zeitreisen.zeit.de/baden-baden
Fotos: Bayreuth Marketing & Tourismus GmbH; Jiyang Chen; Hans-Samsom; Vladimir Shirkov; Anbieter: Zeitverlag Gerd Bucerius GmbH & Co. KG, Buceriusstraße, Hamburg
Wir beraten Sie gern! Ihre Ansprechpartnerin: Lena Böhlke 040/32 80-455
www.zeitreisen.zeit.de/musikreisen

P R O L O G
BILD – TON – MACHT
WINFRIED HANUSCHIK
Herausgeber
Liebe crescendo-Leser,
im Rahmen des #MeToo-Skandals um
sexuelle Übergriffe von Prominenten ist
nach Hollywood nun auch die Klassikwelt
betroffen: Nach James Levine geriet
Dirigent Charles Dutoit in den Fokus, der
wegen Anschuldigungen durch mehre
Künstlerinnen gerade sein Amt als
Künstlerischer Direktor des Royal
Philharmonic Orchestra niedergelegt hat.
Die Dimension des Skandals macht
mich sehr betroffen und lässt viele Fragen
über Macht und Machtmissbrauch offen.
Erschreckt hat mich aber auch die
Undifferenziertheit, mit der die öffentliche
Debatte vielfach geführt wird und bei der
von Flirt bis schwerer Vergewaltigung
alles in einem Topf landet – für die Opfer
ein Hohn! Auf unserer Website
www.crescendo.de finden Sie lesenswerte
Essays unserer Kolumnisten Axel
Brüggemann und Moritz Eggert zum
Thema.
Eine andere, eine positive Form der Macht
in Form von Wirkmacht und emotionaler
Kraft finden wir jenseits ihrer Produzenten
in der Kunst selbst. Hier sind Hollywood,
Off-Filmszene und Klassikwelt seit
rund 100 Jahren eine großartige Symbiose
eingegangen. Stellen Sie sich Ihren
Lieblingsfilm einmal ohne Musik vor!
Umgekehrt funktionieren viele Filmmusiken
sogar ganz ohne ihre Bilder. Nicht
umsonst füllen Filmmusikkonzerte große
Säle und ganze Stadien und sind inzwischen
fester Bestandteil des Repertoires.
In unserem Themenschwerpunkt „Filmmusik“
beschäftigen wir uns mit Shootingstars
wie Ennio Morricone oder John
Williams ebenso sehr wie mit der Kunst
der Live-Improvisation zu Stummfilmen
oder der deutschen Filmmusikszene etwa
mit Konstatin Wecker, Haindling oder
Newcomern wie David Reichelt.
Als Künstler stellen wir ihnen unter
anderem die faszinierende schottische
Schlagzeugerin Evelyn Glennie vor, die –
fast ganz ertaubt – mit ihrem Körper zu
hören gelernt hat, aber auch den französischen
Cellisten Gautier Capuçon und den
estnischen Dirigenten Paavo Järvi.
Für unseren Lebensart-Teil lassen wir Sie
diesmal von Geiger Matthias Well
bekochen und entführen Sie in den Süden
ins Design-Paradies Mailand und mit
Sevilla ins Herz Andalusiens.
Mit herzlichen Grüßen
FOTOS TITEL: KRISTIAN SCHULLER / SONY CLASSICAL; BACHFEST LEIPZIG
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w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2018 3

P R O G R A M M
Sir Simon Rattle
An Imaginary Orchestral Journey
11
CORNELIUS OBONYA
Der österreichische Schauspieler
und ehemalige Salzburger
„Jedermann“ verriet uns seine
private Playlist.
26
LISA BATIASHVILI
Sie war elf, als ihre Eltern
Georgien verließen, um ihr in
Deutschland eine bessere
Zukunft zu ermöglichen.
29
DANIEL
MÜLLER-SCHOTT
Für sein aktuelles Album
adaptierte der Cellist Werke, die
ursprünglich für andere Instrumente
geschrieben wurden.
‘Bahnbrechendes Temperament’
BachTrack
Begleiten Sie Sir Simon Rattle auf
der Reise zu seinen Lieblingswerken
von Joseph Haydn.
Für weitere Informationen, besuchen
Sie alwaysmoving.lso.co.uk/aioj und
begeben Sie sich auf Ihre eigene,
imaginäre Reise mit dem Orchester.
Ab 2. Februar im Handel
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lsolive.co.uk
STANDARDS
03 PROLOG
Der Herausgeber stellt
die Ausgabe vor
06 BLICKFANG
Guggenheim Museum
Bilbao
08 OUVERTÜRE
Dr. Goeths Kuriosa
Die lustige Welt der
Spielanweisungen
Ein Anruf bei …
Ricarda Fuss
Ensemble
Mit unseren Autoren
hinter den Kulissen
Klassik in Zahlen
Playlist
Cornelius Obonya
28 MELDUNGEN
Mariss Jansons, Nicholas
Milton, Alexandre Desplat,
Christian Thielemann
35 IMPRESSUM
42 RÄTSEL &
LESERBRIEFE
82 HOPE TRIFFT …
Albrecht Mayer
KÜNSTLER
12 EIN KAFFEE MIT …
Robert Menasse
14 PAAVO JÄRVI
Über Estland als Fenster zu
Europa und die Kunst des
Loslassens
16 EVELYN GLENNIE
Die fast ganz ertaubte
Star-Schlagzeugerin hört
mit ihrem Körper
20 GAUTIER CAPUÇON
Wenn er Cello spielt, wird
jeder Muskel zum Spiegel
der Emotion
22 SONYA YONCHEVA
Als Künstler braucht man
heute ein dickes Fell!
25 HIYOLI TOGAWA
Der jungen Bratscherin
geht es um Innerlichkeit
und Ausdruckskraft
26 LISA BATIASHVILI
Sie spielt georgische Musik,
damit die Menschen ihr
Land kennenlernen
HÖREN & SEHEN
29 DIE WICHTIGSTEN
EMPFEHLUNGEN DER
REDAKTION
30 ATTILAS AUSWAHL
Top-Nachwuchs und
Klassiker ganz neu
38 UNERHÖRTES &
NEU ENTDECKTES
Gottfried von Einem
40 BAGLAMA
Die Mystik der türkischen
Langhalslaute
EXKLUSIV
FÜR ABONNENTEN
Hören Sie die Musik zu
unseren Texten auf der
crescendo Abo-CD –
exklusiv für Abonnenten.
Infos auf den Seiten 3 & 54
FOTOS: NANCY HOROWITZ; SAMMY HART; UWE ARENS
4 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2018

›Die kleinen
Bassgiganten‹
Audio Test 4/17
52
BACHFEST LEIPZIG
Mit mehr als 160 Veranstaltungen
greift das Festival tief
in die Schatzkiste des
barocken Großmeisters.
55
FILMMUSIK
Mickey Mouse, Westernheld,
Sternenkrieger und Massenmörder
– so bekommen sie
ihre Musik.
73
DESIGN-MEKKA
MAILAND
Surrealistische Wohnobjekte
und Möbel-Ikonen aus den
70er-Jahren im Herzen der
Lombardei.
ERLEBEN
SCHWERPUNKT
LEBENSART
43 DIE WICHTIGSTEN
TERMINE UND
VERANSTALTUN-
GEN IM HERBST
55 FILMMUSIK
Von der Kinoorgel der
Stummfilmzeit bis zur
Blockbuster-Sinfonie
72 WEINKOLUMNE
John Axelrod über den
Rebensaft für echte
Jedi-Ritter
FOTOS: ANDREAS BITESNICH; FORNASETTI
50 KURT WEILL FEST
DESSAU
„Weill auf die Bühne!“, er ist
der musikalische Superheld
des „kleinen Manns“
52 BACHFEST
LEIPZIG
Der berühmte Thomaskantor
hatte eine Liebe für
opulente Zyklen
53 FAUST FESTIVAL
MÜNCHEN
Über 500 Veranstaltungen
– eine Stadt im
Faust-Fieber!
59 QUIZ
Wie gut kennen Sie die
Welt der Filmmusik?
60 DAVID REICHELT
Im Studio des Deutschen
Filmmusikpreisträgers
62 STUMMFILM MIT
LIVEMUSIK
Orgelimprovisation live
zur Leinwand
64 FLIMMERFIEBER
Filmmusikkomponisten
im Kurzinterview
67 WOHER KOMMT
EIGENTLICH …
... die Musik im Film?
68 GROSSES HÖRKINO
Die aktuellsten Filmmusikalben
und mehr
70 KOMMENTAR
Axel Brüggemann über
den neuen Mut der
Musikfilmwelt
73 DESIGN-MEKKA
MAILAND
Gelebtes Stilbewusstsein
im Hotel Gallia und bei
Fornasetti
76 STARS KOCHEN
FÜR CRESCENDO
Geiger Matthias Well mit
Saltimbocca
78 SEVILLA
Flamenco, Stierkampf und
maurische Paläste mit
Dirigent John Axelrod
Made in
Germany
8/17
EMPFEHLUNG
KONZEPT/GRÖSSE
›Traumlautsprecher, die nicht viel kosten …
bassstark, erstaunlich viel Panorama
für die kompakte Bauweise …
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5
Mehr Klangfaszination

O U V E R T Ü R E
Strahlende
Kurven
2017 feierte das Guggenheim Museum
Bilbao nicht nur seinen 20. Geburtstag,
sondern räumte auch den Hauptpreis beim
Europäischen Kulturmarken-Award ab. Zur Feier
bespielten die Videokünstler von 59 Productions
die berühmte, geschwungene Titanfassade
des Kultgebäudes von Frank Gehry mit
gigantischen Projektionen. 300.000 Besucher
ließen sich von der Show
„Reflections“ beeindrucken
– kostenlos!
6 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2018

7
FOTO: GUGGENHEIM MUSEUM BILBAO

O U V E R T Ü R E
Dr. Goeths Kuriosa
DIE LUSTIGE WELT DER
VORTRAGSBEZEICHNUNGEN
Seit man Musik aufschreibt, erleichtern Vortragsbezeichnungen die Interpretation.
Sie liefern zusätzliche Informationen über empfohlene Lautstärke
(piano, forte), Geschwindigkeit (moderato, presto), Artikulation (staccato,
legato) oder Spieltechnik (glissando, pizzicato). Im romantischen
Überschwang des 19. Jahrhunderts wurden die Vortragsbezeichnungen
immer länger und blumiger, etwa bei Richard Wagner.
Diesen Trend nahm der französische Komponist Erik Satie auf die
Schippe. Hier eine Auswahl seiner schönsten Spielanweisungen:
➼ „Ändern Sie nicht Ihren Gesichtsausdruck.“
(Les trois Valses distinguées)
➼ „Erbleichen Sie in der Magengrube.“ (Ebd.)
➼ „Seien Sie perplex.“ (Trois Poèmes d’amour)
➼ „mit tränenerstickten Fingern“ (Ebd.)
➼ „wie eine Nachtigall mit Zahnschmerzen“
(Embryones desséchés)
➼ „Benehmen Sie sich bitte: Ein Affe schaut Ihnen zu.“
(Le Piège de Méduse)
➼ „Denken Sie über sich selbst nach.“ (Six Gnossiennes)
➼ „Gehen Sie nicht weg.“ (Ebd.)
Und Paul Hindemith weist in seiner Solosonate für Bratsche an:
➼ „Rasendes Zeitmaß. Wild.
Tonschönheit ist Nebensache.“
Als „Anmerkung für den Zuhörer und den Leser dieser Partitur“ notiert
er zu seiner Kurzoper „Das Nusch-Nuschi“:
ZITAT
DES MONATS
„ES SCHWINDEN
JEDES KUMMERS FALTEN,
SOLANG DES LIEDES
ZAUBER WALTEN.“
FRIEDRICH SCHILLER
➼ „Folgende ,Choralfuge‘ … verdankt ihr Dasein lediglich
einem unglücklichen Zufall: Sie fiel dem Komponisten
ein. Sie bezweckt weiter nichts als dies: sich stilvoll in
den Rahmen dieses Bildes zu fügen und allen ,Sachverständigen‘
Gelegenheit zu geben, über die ungeheure
Geschmacklosigkeit ihres Schöpfers zu bellen. Halleluja!
– Das Stück muss in der Hauptsache von zwei Eunuchen
mit ganz ungeheuer dicken nackten Bäuchen getanzt
(gewackelt) werden“.
Erwin Schulhoff widmet seine Ironien für Klavier vierhändig „allen
Cholerikern“ und versieht seine Bassnachtigall für Kontrafagott mit
einem dadaistischen Gedicht, in dem es heißt:
➼ „Für Allgemeinverständlichkeit als Bekenntnis: Der göttliche
Funke kann wie in einer Leberwurst auch in einem
Kontrafagott vorhanden sein.“
HÄTTEN SIE’S GEWUSST?
Rollschuhe verdanken ihre Erfindung
dem Theater! Um das
Schlittschuhlaufen auf der Bühne
zu imitieren, sollen in London
bereits 1743 Rollschuhe
eingesetzt worden sein. Um
1760 wurden sie dann vom
belgischen Instrumentenbauer
und Geiger Jean-Joseph Merlin mit
drei hintereinander montierten Laufrollen am
Schuh perfektioniert. Bei einem Maskenfest spielte Merlin selbst
rollschuhlaufend Geige – weil er weder bremsen noch Kurven
fahren konnte, krachte er in eine Spiegelwand und verletzte sich
und sein Instrument dabei schwer.
FOTO: THE CHILDRENS MUSEUM OF INDIANAPOLIS
8 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2018

O U V E R T Ü R E
KLASSIK
IN ZAHLEN
135
Vorstellungen spielten die New Yorker
Philharmoniker im Jahr 2017. Damit sind
sie laut Statistik des Portals Bachtrack
das fleißigste Orchester der Welt.
8.076
Musiker kamen im Dezember 2017 im Seouler
Gocheok Sky Dome zusammen, um neben
koreanischen Werken Elgars Pomp and
Circumstances zu spielen. Weltrekord für das
größte Orchester!
71 Mio.
Australische Dollar (rund 47 Mio. Euro)
kostete die Renovierung des berühmten
Opernhauses in Sydney. Es wurde am
7. Januar nach sechsmonatigem Umbau
wiedereröffnet.
212
Mal wird der stampfende, dissonante Akkord
am Anfang in Strawinskys
„Le Sacre du Printemps“ wiederholt.
NEWSTICKER
Horn-Flashmob: Am 9.2. lädt das Festival Carnaval du Cor zum riesigen Horn-Flashmob auf den Münchner Marienplatz ein: Um 16.30 Uhr
treffen sich Hornisten aller Art, um den Pilgerchor aus Tannhäuser und Der Mond ist aufgegangen zu musizieren. +++ #MeToo: In der öffentlichen
Diskussion um sexuelle Übergriffe Prominenter geriet neben James Levine nun auch der Schweizer Dirigent Charles Dutoit in den Fokus: Nach
Missbrauchsvorwürfen mehrerer Künstlerinnen trat Dutoit als Künstlerischer Direktor des Royal Philharmonic Orchestra zurück. +++ Zubin
Mehta sagt ab: Wegen einer Schulteroperation muss der 81-jährige indische Star-Dirigent bis März pausieren. Seine Konzerte mit den Berliner
Philharmonikern übernehmen in Berlin Bernard Haitink und beim Gastspiel im Leipziger Gewandhaus Vasily Petrenko. +++ Mariss Jansons ist
nun auch eine Tulpe: Zum 75. Geburtstag des lettischen Dirigenten Mariss Jansons (siehe auch S. 28) benannten Blumenzüchter aus Lettland
und den Niederlanden eine neue Tulpensorte nach ihm. Sie blüht in kräftigem Orange mit gelbem Rand.
9

O U V E R T Ü R E
Als Saxofonistin in Saudi-Arabien
Ein Anruf bei Ricarda Fuss vom Arcis Saxophon Quartett,
die sich als unverheiratete Frau auf eine Tournee nach Saudi-Arabien begab.
FOTOS: PRIVAT
Fast platzte die Tournee, weil
Ricarda Fuss vom Arcis Saxophon
Quartett eine alleinreisende Frau ist.
crescendo: Frau Fuss, gerade kommen Sie
von einer Tournee mit vier Konzerten in
Saudi-Arabien zurück. Wie kam es dazu?
Ricarda Fuss: Im Sommer hatten wir auf NDR
Kultur einen kleinen Radiobeitrag. Der deutsche
Generalkonsul in Tschidda stand – gerade
auf Deutschlandbesuch – auf der Autobahn im
Stau, hörte uns und war so begeistert, dass er
uns sofort formlos auf Facebook anschrieb und
zu Konzerten in Saudi-Arabien einlud.
Wie aufwendig war es mit den Papieren?
Für den Konsul war es ein Riesenaufwand, er
musste mehrere Instanzen durchlaufen. Weil
ich eine Frau und unverheiratet bin und somit
keinen männlichen Vormund habe. Tourismus-Visa
gibt es nicht. Wir mussten zur
Botschaft in Berlin und haben erst wenige
Stunden vorher Bescheid bekommen, dass es
klappt. Fast wäre es schiefgegangen!
Wie war es vor Ort?
Am Flughafen wurde mir eine Abaya gebracht, ein bodenlanges islamisches
Gewand. Das musste ich im öffentlichen Raum anziehen.
Ein Kopftuch musste ich nicht tragen, das ist seit circa einem Jahr
keine Pflicht mehr. Das Hotel- und Konzertpublikum war sehr international.
Aber wir sind viel spazieren gegangen. Da fielen wir natürlich
auf, da etwa 95 Prozent der Frauen vollverschleiert sind. Allein
herumzulaufen hätte ich mich nicht getraut.
Wissen Sie die Freiheit in Europa jetzt mehr zu schätzen?
Nach einer Woche war ich total froh, wieder hier zu sein und meine
Freiheit zu genießen. Obwohl ich das mit
der Abaya anfangs nicht so schlimm fand, hat
es mich irgendwann doch gestresst, immer
gleich auszusehen und bei 30 Grad darunter
zu schwitzen. Sich selbst morgens auszusuchen,
was man trägt, ist Ausdruck der eigenen
Persönlichkeit! Im Hotel war ein sehr schöner
Pool- und Spa-Bereich – nur für Männer. Während
die anderen am Pool lagen, musste ich im
Hotelzimmer sitzen! Dennoch war es eine tolle
Erfahrung, diese Kultur kennenzulernen.
Schon in Deutschland sind Sie als Saxofonistin
die Minderheit …
Mir selbst fällt das gar nicht so auf. Wobei nach
Konzerten regelmäßig Zuhörer – meistens ältere
Herrschaften – kommen und fragen, wie
ich als Frau die Kraft habe, so ins Saxofon zu
blasen, was mit Geschlecht und Körperbau gar
nichts zu tun hat. Aber in den Köpfen der Leute
sind Blasinstrumente eher was für Männer.
Auch als Ensemble, das Saxofon mehr in der klassischen Musik
etablieren will, sind Sie Teil einer Minderheit …
Ja, es gibt nur sehr wenige klassische Werke für Saxofonquartett.
Nach wie vor wissen die Leute nicht, was sie in unseren Konzerten
erwartet. Sie kommen mit falschen Erwartungen – Saxofon verbinden
die meisten hauptsächlich mit Jazz – oder gar keinen. In jedem
Fall ist es immer eine Überraschung … und wir haben nach dem
Konzert noch nie eine negative Stimme dazu gehört! ■
Infos zum Arcis Saxophon Quartett unter www.arcissaxophonquartett.de
HINTER DER BÜHNE
Die Welt von crescendo lebt von den Künstlern und Mitarbeitern,
die sie mit Leben füllen. Deshalb der gewohnte Blick hinter die Kulissen der Produktion.
GUIDO KRAWINKEL
Guido Krawinkel schreibt über alles, was mit Musik zu tun hat. Dem Studium der
Musikwissenschaften in Bonn folgten Tätigkeiten in der Tonträgerbranche, beim Radio
und im Verlagswesen sowie eine Ausbildung zum nebenberuflichen Kirchenmusiker.
Als freier Journalist arbeitet Guido Krawinkel für Zeitungen, Zeitschriften und
Konzerthäuser, schreibt Rezensionen, CD-Booklets und Programmeinführungen und
ist Mitglied in der Jury des Preises der Deutschen Schallplattenkritik. Der begeisterte
Chorsänger hält es mit Loriot: Ein Leben ohne Chor ist möglich, aber sinnlos.
DOROTHEA WALCHSHÄUSL
Dorothea Walchshäusl ist Musikjournalistin und promovierte Politologin. Sie lebt und
arbeitet in Passau. Den Mensch im Blick, die Musik im Ohr und das Gefühl in den
Fingerspitzen, fasziniert die freie Autorin all das, was die Menschen im Kleinen wie im
Großen bewegt und berührt.
Für crescendo schreibt sie seit 2014 und erforscht in ihren Porträts und Reportagen mit
Leidenschaft, warum sich Menschen mit Haut und Haar der Musik verschreiben.
10 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2018

PLAYLIST
Er war der Salzburger „Jedermann“ und tritt regelmäßig am Wiener Burgtheater
auf. Uns verrät der österreichische Schauspieler Cornelius Obonya, welche Musik
ihn privat berührt und inspiriert.
FOTO: NANCY HOROWITZ
1. Samuel Barber: Adagio for Strings
Ich habe das Stück geschenkt bekommen, als ich zwölf Jahre alt war, und konnte überhaupt
nichts damit anfangen: zu ernst, zu langsam. Dann wurde ich pubertär. Da hat’s dann eingeschlagen.
Seitdem mein liebster Track fürs Gefühl! Es wurde direkt nach der Nachricht
vom Tod des US-Präsidenten Theodore Roosevelt im Radio gespielt. Das hat den Ruhm
des Stückes unendlich vermehrt . Und es passt: Ausdruck der großen Trauer nach dem
Tod des Mannes, der Amerika durch den Krieg brachte.
2. Leonard Bernstein: Ouvertüre zu „Candide“
Ich mag Exaltiertheit, Tempo und die wunderbare Geschichte dahinter. Warum auch immer,
aber ich höre es gerne bei der Vorstellung, durch eine Winterlandschaft zu fliegen.
Den verrückten Klang, die kleinen Turbulenzen, die in mir ausgelöst werden, habe ich immer
genossen und genieße sie noch immer.
3. Eminem
Eminem hat die harte Poesie, die diese Welt und die Zustände in ihr richtig beschreibt. Rap
sollte als Lyrik anerkannt werden, er hätte es schon lange verdient. Und immer wieder ist
es Eminem, der die Musik dazu schreibt, macht, spricht, die mein Herz höherschlagen lässt.
4. Tom Waits: Chocolate Jesus
Erst meine Frau hat mich auf Tom Waits gebracht. Ich kannte ihn vom Namen her und hatte
immer begeistert über ihn reden gehört, hauptsächlich von Kollegen an der Schaubühne
im Berlin der 90er. Aber Waits hatte bei mir nie gezündet. Dann kam meine Frau, und der
Kopf ging auf für diese Art von Humor. Ganz besonders für dieses Stück, das dem internatsgeschädigten
Mann gezeigt hat, was subversiver Witz wirklich ist. Tom Waits ist heilig.
5. Ennio Morricone: Soundtrack zu
„Es war einmal in Amerika“
Einer der schönsten Filme, die jemals eine Leinwand geadelt haben.
Und diese Musik beherrscht die Geschichte, die erzählt wird, das Jahrhundert,
in dem sie spielt, und die Seele, in die dieser Film eindringt,
wie ein kaltes Messer in warmes Fleisch. Sie begleitete mich durch
diese Geschichte, durch die Menschen, die der Film beschreibt, durch
alles. Sehnsucht nach Amerika, Abscheu vor Amerika, Liebe und Tod,
Freude und Wollust in Amerika. Einmalig. Einzig. Ewig.
Heinrich Heine, Robert Schumann: „Das lyrische Intermezzo“,
Klemens Sander, Cornelius Obonya, Uta Sander (Ars Produktion)
Track 8 & 9 auf der crescendo Abo-CD:
Dein Angesicht von Schumann & Sie saßen und tranken
am Teetisch von Heine
BEETHOVEN &
SCHOSTAKOWITSCH
DER ZYKLUS SÄMTLICHER SINFONIEN
MIT DER DRESDNER PHILHARMONIE UND
MICHAEL SANDERLING
Mit den beiden „Erstlingen“, den Sinfonien
Nr. 1 von Ludwig van Beethoven und
Dmitri Schostakowitsch, legen Chefdirigent
Michael Sanderling und die Dresdner
Philharmonie nach der Veröffentlichung
der beiden Sechsten sowie der Dritten von
Beethoven und Zehnten von Schostakowitsch
bereits die dritte CD der Gesamteinspielung
aller Sinfonien beider Meister vor.
Beethoven:
Sinfonie Nr. 1 C-Dur op. 21
Schostakowitsch:
Sinfonie Nr. 1 f-Moll op. 10
Michael Sanderling | Dirigent
Dresdner Philharmonie
11
dresdnerphilharmonie.de

K Ü N S T L E R
Auf einen Kaffee mit …
ROBERT MENASSE
VON DANIEL WINDHEUSER
„MIT DER MUSIK VON SCHUBERT
WEINE ICH MICH FREI“
FOTO: ALEXANDER PROBST
12 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2018

Robert Menasse (*1954) ist ein österreichischer Schriftsteller
und Essayist. Für seinen Europaroman „Die Hauptstadt“ wurde
er 2017 mit dem Deutschen Buchpreis ausgezeichnet.
crescendo: Herr Menasse, am Beginn Ihres neuen Romans
„Die Hauptstadt“ wird eine Sau durch Brüssel getrieben.
Was hat es mit diesem Tierchen auf sich?
Robert Menasse: Dieses Tierchen ist metaphorischer Natur
und deckt vom Glücksschwein bis zur Drecksau alles ab. Man
kann von Gut bis Böse alles mit ihm in Beziehung setzen. Es
kann als Schweinchen Schlau für Intelligenz stehen, ebenso
wie es als Schimpfwort für politische Gegner genutzt werden
kann. Zudem stimmen 98,8 Prozent seines Genmaterials mit
dem des Menschen überein, was mich auf einer weiteren
Ebene dazu gereizt hat, das Schwein im Prolog der „Hauptstadt“
auftreten zu lassen, in dem die Leser zum ersten Mal
den Protagonisten begegnen.
Ich hatte zu dieser Szene sofort Musik im inneren Ohr –
zum Beispiel Zirkusmelodien. Lassen Sie uns über den
Stellenwert von Musik in Ihrem Leben sprechen.
Ich bin natürlich ein großer Musikliebhaber, aber das allein ist
ja eher uninteressant. Interessant in diesem Zusammenhang
ist vielleicht eines: Ich bin, glaube ich, einer der ganz wenigen
Autoren, die mit Musik schreiben. Ich sitze also nicht in
einem stillen Raum und schreibe, sondern ich sitze in einem
Raum, in dem ich Musik spiele
oder Musik auflege, die in
irgendeinem Zusammenhang
steht mit dem, was ich schreibe.
Die wähle ich mir als Soundtrack
zu meiner Prosa aus.
Sehr interessant!
Ich weiß von vielen Kollegen,
dass das extrem selten ist. Aber
bei mir ist das, glaube ich, fast
seit den Anfängen meines
Schreibens ein Ritual. Und – ich
nenne es tatsächlich auch so
– das ist der Soundtrack, die
Filmmusik zu dem, was sich bei
mir im Kopf abspielt, was ich als
Film sehe, wenn ich zu schreiben beginne. Und die moderne
Technologie ist mir da auch sehr entgegengekommen, früher
musste ich mir mühsam eine Platte auflegen.
Heute machen Sie sich Playlists?
Genau. Das ist sehr hilfreich. Auch die Einfachheit, mit der
man viel größere Sammlungen anlegen kann, als es vorher mit
Plattenkäufen möglich war. Ich arbeite also immer mit Musik,
und dann habe ich noch eigene Playlists, um nach dem
Schreiben wieder „runterzukommen“. Bei denen ich mich
danach entspanne, ein Glas Wein trinke und einen Zigarillo
rauche und meine Gedanken sozusagen auf den Wogen von
bestimmten Musiktiteln verwehen lasse.
In schriftstellerischem Kontext ist das wirklich exotisch.
Andererseits aber total nachvollziehbar.
Ja, und man darf nicht vergessen, dass ich in einer Zeit zu
schreiben angefangen habe, in der ich auch leidenschaftlich
Daniel Windheuser im Interview mit Robert Menasse.
gern ins Kino gegangen bin; und ins Kino zu gehen noch
allgemein eine größere Bedeutung hatte. Kinofilme sind auch
Narrative und immer mit Musik verbunden.
Haben Sie ein konkretes Beispiel? Was lief beim Verfassen
Ihres Romans „Die Hauptstadt“, für den Sie gerade mit dem
Deutschen Buchpreis ausgezeichnet wurden, für ein
Soundtrack?
Da könnte ich vieles nennen, auch dafür habe ich diverse
Playlists gemacht. Besonders begleitet hat mich beim Schreiben
der „Hauptstadt“ zum Beispiel die Gruppe Apocalyptica.
Ach was?
Das klingt jetzt dramatisch. Wenn Sie Apocalyptica nicht
kennen, mag es zynisch scheinen, wenn ich die EU beschreibe
und eine Erzählung verfasse über Menschen, die in diesem
Kontext arbeiten, und das von einer Band dieses Namens
begleitet wird.
Mir ist die Band bekannt.
Ah, schön. Jedenfalls eine verdammt gute finnische Gruppe,
bestehend aus vier Cellisten. Das Cello ist überhaupt mein
Lieblingsinstrument. Cello und Querflöte, davon habe ich
ganze Sammlungen. Da können Sie nehmen, was Sie wollen,
und liegen bei mir richtig.
Außerdem – auch das klingt
irgendwie komisch im Zusammenhang
mit der Europäischen
Union – habe ich die Band
Element of Crime sehr zu
schätzen gelernt.
Oh, die mag ich auch sehr,
zumindest die frühen Alben.
Es ist erstaunlich, dass die
großen, für mich sehr produktiven
Soundtracks meines
Denkens immer so martialische
Titel haben. No Borders, No
Nations beispielsweise noch.
Vor allem in letzter Zeit
begleitet mich solche Musik.
Und nach dem Schreiben, gibt es dann einen wahrnehmbaren
Unterschied in der Musik?
Ja. Da lege ich mir meistens meine ganz alten – jetzt hätte ich
fast „Schellacks“ gesagt – Vinylplatten auf. Ich habe einfach
sehr schöne Aufnahmen, zum Beispiel von Bach. Für die
Post-Schreib-Phase schätze ich auch Vivaldi sehr. Und ich
habe ein großes „Problem“ mit einem Komponisten, der mich
sehr berührt, aber den ich auf eine fast selbstzerstörerische
Weise nur spiele, wenn ich gerade eine Krise
habe und nicht schreiben kann – und zwar ist
das Schubert, und mit dem weine ich mich
dann frei.
Robert Menasse: „Die Hauptstadt“ (Suhrkamp)
■
13

K Ü N S T L E R
DIRIGENTEN SIND
WIE ROTWEIN
Über die Kunst des Reifens, die Verlockung Estlands und die Kraft
musikalischer Brückenschläge – ein Gespräch mit Dirigent Paavo Järvi.
VON BARBARA SCHULZ
crescendo: Herr Järvi, Sie haben einmal gesagt, man müsse
logisch an ein Werk herangehen. Ist das Ihre Art zu interpretieren?
Paavo Järvi: Nicht unbedingt. Aber Musik hat eine innere Logik,
die muss man verstehen. Natürlich gibt es nichts Langweiligeres als
die pedantische, analytische Aufführung eines Werks. Und man
kann es hören, wenn ein Dirigent die innere Logik eines Stücks
nicht verstanden hat. Jeder Komponist schreibt ein Stück mit einer
genauen inneren Logik im Kopf, das muss man als Dirigent
wissen. Als Hörer nicht. Denn in der Aufführung selbst passiert
das Gegenteil: Es soll natürlich und organisch sein und nicht
akademisch.
Sie haben ursprünglich Schlagzeug gelernt. Hilft das beim
Dirigieren?
Ja, Rhythmus ist das Wichtigste in der Musik überhaupt. Das gilt
für alle Musiker. Damit meine ich nicht das klassische Taktschlagen,
sondern dass man diesen inneren Sinn für Rhythmus im Blut
haben muss. Ein Orchester, das rhythmisch nicht völlig klar ist,
kann auch die Essenz von Musik nicht transportieren, egal, ob bei
Wagner, Beethoven, Strawinsky oder in der Barockmusik.
Noch ein Zitat von Ihnen: „Dirigenten werden mit den Jahren
wie Rotwein immer besser“ …
Definitiv. Dirigieren ist kein Job, es ist ein echter Beruf – im besten
Sinne. Und Erfahrung ist essenziell! Es geht um Weisheit. Und für
die muss man Erfahrungen und Fehler machen. Musikalische,
vielleicht auch persönliche. Ein Beispiel: Bernard Haitink. Er
macht nicht viel, nur sehr kleine, konzentrierte, fast minimalistische
Bewegungen – und doch macht er alles. Er hat so viel
Erfahrung, Weisheit und Wissen, wie man etwas formen und
gestalten muss. Das hilft, die Dinge anders zu sehen. Ja, irgendwie
ist es ein Beruf für die zweite Lebenshälfte.
Und was ist mit Champagner?
Je älter ich werde, umso notwendiger finde ich es in der Musik,
Spaß zu haben, zu genießen, loszulassen – eines der schwersten
Dinge überhaupt. Hat man ein Orchester vor sich und etwa 3.000
Leute hinter sich, dann ist Loslassen ein ziemlich riskantes
Geschäft. Es aber nicht zu tun, ist auch nicht der ultimative Weg zu
„HAT MAN EIN ORCHESTER VOR
UND 3.000 LEUTE HINTER SICH, IST LOSLASSEN
EIN RISKANTES GESCHÄFT“
einer guten Aufführung. So ist es ein persönlicher innerer Kampf,
wie sehr man es kann und will. Natürlich auch eine Frage dessen,
wie eng die Beziehung mit dem Orchester ist. Mit dem eigenen
lässt man sich auf andere Risiken ein als mit einem, das man nicht
kennt. Es ist eine komplett andere Art zu dirigieren.
Was ist mit den nationalen Unterschieden von Orchestern?
Es ist unmöglich, von der Gesellschaft, in der man lebt, nicht
beeinflusst zu sein. Insofern besteht offensichtlich eine Beziehung
zwischen der Tatsache, aus welcher Kultur das Orchester kommt
und wie es funktioniert. Gleichzeitig gibt es natürlich sehr
integrative und gemischte Orchester – ein Mikrokosmos, in dem
ein ganz eigener Sound kreiert wird.
Wie bei dem von Ihnen gegründeten Estonian Festival Orchestra …
14 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2018

Paavo Järvi mit seinem Estonian Festival Orchestra
FOTOS: KAUPO KIKKAS
Das Orchester ist einzigartig für mich, weil es ein Herzensprojekt
ist: Ich bin Este, ich bin weggegangen aus Estland und wiedergekommen.
Ich glaube, ich kann nützlich sein, um Estland und seine
Musiker populärer zu machen. Estland ist so klein, aber seine
geographische Lage ist fantastisch. So viele Menschen wollten dieses
Stück Land haben. Wir waren besetzt von den Schweden, den
Dänen, zweimal von den Russen, zweimal von den Deutschen.
Jeder im finnischen Krieg wollte diesen Zugang zum baltischen
Meer, dieses Fenster nach Europa. Und die estnische Geschichte ist
eine europäische Geschichte, eng verbunden mit der unserer
baltischen Nachbarn, mit Skandinavien, Russland und Deutschland.
Auch der Ort des Festivals, Pärnu, hat eine Geschichte …
Ich bin im russischen Teil Estlands aufgewachsen, mit einer
ausgesprochen hohen Dichte an Musikern, die alle unter dem
sowjetischen System litten. Viele von ihnen verbrachten ihre
Sommer in der kleinen Stadt Pärnu, dem Spa Estlands. Dort traf
man Oistrach, Rostropowitsch, Roschdestwenski, Gilels, Schostakowitsch.
Ich dachte also, es wäre logisch, mit einem nicht-estnischen
Album zu beginnen, zugleich aber mit etwas, das mit
unserer Geschichte und diesem Ort zu tun hat. Und letztlich sind
wir doch eine musikalische Organisation, die internationale
Brücken bauen will. Wir haben Musiker von überall her. Das
Orchester ist nicht limitiert auf Esten.
Ab Januar 2018 gehen Sie mit dem Orchester erstmals auf
Tournee.
2018 ist ein ganz wichtiges Jahr, denn unsere Unabhängigkeit wird
100 Jahre alt – so jung sind wir. Ein Meilenstein. Deshalb dachte
ich, es sei die richtige Zeit, zum ersten Mal auf Tournee zu gehen
und dieses Orchester vorzustellen. Der estnische Komponist
Erkki-Sven Tüür hat seine neue Sinfonie für uns geschrieben, wir
spielen Schostakowitsch und vieles mehr – es ist das erste Outing
für unser Orchester.
Daneben stehen auch Brahms, Sibelius und Pärt auf dem
Programm.
Als ich das Estonian Festival Orchestra gegründet habe, war mir
sehr wichtig, dass es in seinem Repertoire nicht festgelegt ist.
Natürlich werde ich gefragt, warum unser Fokus nicht auf estnischer
Musik liegt. Aber es ist ja kein estnisches Orchester – es ist
ein europäisches Orchester. Pärt, Sibelius, Schostakowitsch und
Brahms zusammenzubringen, ist insofern sehr wahrhaftig.
Der Spirit des Orchesters ist also Vielfalt?
Genau das. Zugleich ist er von der Grundzügen her sehr idealistisch.
Wir alle wissen, dass wir die Welt nicht verändern können.
Aber wir können die Botschaft in die Welt hinaustragen, dass die
Musik Brücken schlagen kann. Die Politiker aus aller Welt machen
ihren Job im Moment nicht gerade gut. Und so ist es von uns eine
symbolische Geste, unserem Bestreben angemessen Ausdruck zu
verleihen, die Leute durch menschliche Qualitäten zu vereinen.
Im Grunde nichts anderes als Barenboims Orchester des
West-Östlichen Divans.
Ja, die Botschaft ist: Vereinigung. Barenboim ist brillant, ein
Vorbild für mich. Er hat den Mut und die Ausdauer, die Botschaft
wirklich voranzutreiben und nicht nachzulassen.
Es gibt so viele Plätze auf der Welt, wo es gut ist
zu heilen.
■
Shostakovich: „Symphony No. 6, Sinfonietta“,
Estonian Festival Orchestra, Paavo Järvi (Alpha)
15

K Ü N S T L E R
Zuhören hält Evelyn Glennie
für die größte Herausforderung
in unserem heutigen Leben
FOTO: PHILIPP RATHMER
16 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2018

„ICH HABE MEINEN KÖRPER ALS
RIESIGES OHR ENTDECKT“
DIE
HÖRMEISTERIN
Seit ihrem zwölften Lebensjahr ist Evelyn Glennie nahezu taub.
Dennoch hört kaum jemand intensiver als
die schottische Schlagzeugerin – mit ihrem gesamten Körper!
VON DOROTHEA WALCHSHÄUSL
Absolute Stille gibt es nicht, davon ist Evelyn Glennie
überzeugt. Die Welt ist für Glennie stattdessen ein Kosmos
an Vibrationen, der wummert und raunt, zittert und bebt. Am
liebsten wäre es der schottischen Schlagzeugerin, dieser Text würde
ausschließlich ihre Musik behandeln: ihr meisterhaftes Spiel mit
den Percussion-Instrumenten, das einem mit seiner schwirrenden
Virtuosität den Atem raubt, oder jene magischen Momente, in
denen die Marimba unter ihren wirbelnden Händen zu singen
beginnt. Aber ein Artikel ausschließlich über ihre Musik wäre zu
kurz gegriffen. Denn Evelyn Glennie ist seit ihrer Jugend weitgehend
taub und ihre Biografie nicht nur die Geschichte einer herausragenden
Musikerin, sondern auch eine faszinierende Studie darüber,
was „Hören“ bedeutet.
Evelyn Glennie kam 1965 im Nordosten Schottlands, nahe
Aberdeen auf die Welt und wuchs auf einem Bauernhof auf. Früh
entdeckte sie die Welt der Töne und Harmonien für sich, spielte
Mundharmonika, später Klavier und Klarinette. Mit zwölf Jahren
lernte sie im Schulorchester zum ersten Mal Percussion-Instrumente
kennen und war wie gebannt. „Ich fand das unglaublich interessant:
die unterschiedlichen Instrumente, die Vielfalt. Als ich
dann mit dem Unterricht begonnen habe, war schnell klar: Die
Chemie zwischen mir und dem Instrument ist perfekt“, erzählt Evelyn
Glennie.
Die lebensfrohe Frau mit den langen grauen Haaren und der
prägnanten Stimme sitzt an einem Nachmittag im Dezember in
ihrem Büro in London und blickt mit wachen Augen in die Kamera.
Wüsste man nichts von ihrem Handicap, käme man kaum auf die
Idee, dass Evelyn Glennie nurmehr über ein Hörvermögen von etwa
20 Prozent verfügt. Das Interview findet via Skype statt, nur selten
benötigt die Künstlerin Unterstützung durch ihre Agentin. Die
meiste Zeit liest sie von den Lippen ab und antwortet mit reicher
Gestik und in druckreifen Sätzen.
17

K Ü N S T L E R
Als die Schlagzeugerin das erste Mal mit Percussion in Kontakt
kam, war ihr Hörsinn bereits stark beeinträchtigt. In den folgenden
Jahren ging er immer mehr zurück. Anfangs stellte Evelyn Glennie
die Musik immer lauter, um über ihre Hörgeräte noch möglichst
viel von ihr zu erhaschen. Bis ihr Percussionlehrer sie eine völlig
andere Wahrnehmung von Musik lehrte. Damals bat er Glennie,
ihre Hörgeräte abzunehmen und
die Hände auf die Wände des
Unterrichtszimmers zu legen.
Dann spielte er Pauke und Glennie
sollte sich darauf konzentrieren,
was sie fühlte. Nach und nach
begann sie, die Musik an ihrem
gesamten Körper zu empfinden –
in den Beinen, dem Bauch, dem
Nacken, vibrierend, pulsierend und
unmittelbar. Für Evelyn Glennie
war das ein Schlüsselmoment: „Ich
habe mit einem Mal gemerkt: Ja,
ich kann Klang wirklich spüren!
Da habe ich verstanden, dass der
wichtigste Teil des Klangs nicht der
Anschlag ist, sondern die Resonanz.“
Schien die Musik zuvor mit
zunehmender Taubheit immer weiter
von ihr wegzurücken, hatte
Glennie mit einem Mal einen
neuen, direkten Zugang zu ihr entdeckt.
Bald legte sie ihre Hörgeräte
ab und konzentrierte sich ganz auf
das spürende Hören. Als wäre jede
Pore auf Empfang gestellt, schulte
sie sich in der Wahrnehmung der
Resonanz von Klängen. „Ich habe
meinen Körper als riesiges Ohr
entdeckt“, schildert Glennie. Nie
zweifelte sie daran, Schlagzeugerin
werden zu können. „Wenn ich
nicht hören könnte, könnte ich
keine Musikerin sein“, bemerkt
Glennie schlicht. Mehr gibt es dazu
aus ihrer Sicht nicht zu sagen.
Entsprechend vehement hat
sich Glennie seit jeher gegen eine
Vermarktung als taubes Wunderkind und bestaunenswerte Attraktion
auf der Bühne gewehrt. Das beste Mittel gegen die Sensationsgier
der Menge war und ist bis heute ihr Spiel: Direkt und spannungsvoll,
ungemein energiegeladen und mit prickelnder Präzision
erschafft Glennie an ihren Instrumenten ein farbenreiches Gesamtkunstwerk,
das die Hörer sinnlich und rauschhaft in den Bann zieht.
Erlebt man Glennie auf der Bühne, erübrigen sich alle Fragen und
Zweifel und man begreift: Wer wirklich hören will, muss fühlen!
Jene Musikerin, die ihre Karriere einst im schottischen Nordosten
auf der Snare Drum begann und die in den 1980er-Jahren
noch gegen einigen Widerstand an der Royal Academy of Music in
London aufgenommen wurde, hat heute alles erreicht: Sie hat einen
Grammy und zahlreiche weitere Preise gewonnen, wurde in den
britischen Adelsstand erhoben und mit 15 Ehrendoktorwürden von
britischen Universitäten geehrt. Sie besitzt eine riesige Sammlung
mit über 2.000 Instrumenten und ist als erste Vollzeit-Solo-Percussionistin
der Welt gefragter denn je. Als wagemutige Pionierin leitet
Glennie bei all ihren Projekten, ob solistisch oder kammermusikalisch,
ob in der Klassik oder im Jazz, die pure und sinnliche Freude
am vibrierenden Klang. „Ich mag dieses Gefühl sehr: neugierig um
„STILLE IST EINE FANTASTISCHE SACHE,
DIE ALLE MÖGLICHEN EMOTIONEN IN
SICH TRÄGT“
die nächste Ecke zu gucken oder die nächste Tür zu öffnen und
gespannt zu schauen, was sich dahinter verbirgt und was es alles für
Möglichkeiten gibt.“ Vor Kurzem hat Glennie eine neue Tür in
ihrem Leben geöffnet und zusammen mit dem Gitarristen Jon
Hemmersam, dem Geiger Szilárd Mezei und dem Pianisten Michael
Jefry Stevens das „Core-tet Project“ gestartet und ein Improvisationsalbum
aufgenommen. Außer
Hemmersam kannte Glennie vorher
keinen der Musiker, und doch
begann die Kraft der Musik von
Beginn an zu wirken: „Wir haben
uns einfach hingesetzt und angefangen“,
erzählt Glennie. „Wir
haben nichts diskutiert, wir haben
einfach nur gespielt.“ Das Ergebnis
ist ein experimentelles und vielfarbiges
Album, das stilistische Grenzen
spielerisch außer Kraft setzt.
Mal wild und abenteuerlustig, mal
zärtlich lauschend durchforsten die
vier Musiker improvisatorische
Welten und locken neue, nie zuvor
gehörte Klänge hervor.
Evelyn Glennie hat hörbar
ihren eigenen Platz im Kosmos der
Vibrationen gefunden. Längst sind
es nicht mehr nur ihre einzigartige
Präsenz im Spiel und ihre fesselnde
Ausdruckskraft, die die Musikwelt
bereichern. Vielmehr inspiriert
Glennie mit ihrer umfassenden
Musikalität und Sinnlichkeit dazu,
das eigene Verständnis von Musik
zu überdenken und scheinbar
FOTO: PHILIPP RATHMER
selbstverständliche Wahrnehmungsmuster
infrage zu stellen.
Wie nehmen wir Melodien, Harmonien
und Rhythmen wirklich
wahr? Welche Rolle spielen unsere
Ohren? Und ab welchem Moment
sprechen wir eigentlich von Musik?
„Wenn wir zum Beispiel nur die
erste Note von Beethovens 5. Sinfonie
spielen – ist das nun Musik
oder ist das Klang? Es ist immerhin die erste Note von Beethovens
5. Sinfonie!“, gibt Evelyn Glennie zu bedenken und lacht. Für sie ist
eine Unterscheidung irrelevant. Wirklich wichtig ist ihr das intensive,
ganzheitliche Hören – jene menschliche Fähigkeit, die Musik
erst möglich macht. Dabei geht es nicht nur um die Wahrnehmung
von Tönen. „Die größte Herausforderung in unserem heutigen
Leben ist es zuzuhören“, beobachtet Glennie. „Wir müssen einander
zuhören lernen. Das heißt nicht zwingend, einem Klang zuzuhören,
sondern präsent und achtsam zu sein und sich selbst und die anderen
Menschen wirklich wahrzunehmen.“
Und was hat es dabei mit der Stille auf sich? „Stille ist ein
Klang“, sagt Evelyn Glennie, „und ich denke, man kann sich ihm
annähern. Dieser Klang kann nervös sein oder einsam, friedvoll
oder dunkel, traurig oder glücklich. Stille ist eine fantastische Sache,
die alle möglichen Emotionen in sich trägt. Sie ist
ein wichtiger Klang, den wir alle respektieren sollten.“
■
„The Core-tet Project“, Evelyn Glennie, Jon Hemmersam, Szilárd Mezei,
Michael Jefry Stevens (Naxos)
18 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2018

17.03.–21.04.18
internationales
17.03.–21.04.18
musikfestival
internationales
musikfestival
heidelberger frühling 18
Jean-Guihen Queyras I Mahler Chamber Orchestra I Gabriela Montero I Sol Gabetta I Igor Levit I Steven Isserlis
Marc-André Hamelin I Isabelle Faust I Georg Nigl I Sir András Schiff I Elisabeth Leonskaja I Irish Chamber Orchestra
Francesco Tristano I Richard Galliano I Matthias Goerne I Markus Hinterhäuser I Anna Prohaska I Il Giardino Armonico
David Fray I City of Birmingham Symphony Orchestra I Rudolf Buchbinder I Anna Stéphany I Mirga Gražinyte-Tyla ˙
Mark Padmore I Sarah Maria Sun I Anna Lucia Richter I Isabelle Druet I Fazıl Say I Tara Erraught I Grigory Sokolov
Goldmund Quartett I Armida Quartett I Iiro Rantala I Johannes Moser I Daniele Gatti I Thomas Hampson u.v.a.
Gründungspartner:
Kostenloses Programmbuch unter: Tel. 06221 - 584 00 12 oder www.heidelberger-fruehling.de
Gründungspartner:
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K Ü N S T L E R
DER
PRINZ EISENHERZ
DES CELLOS
Aus einem mittelalterlichen Ort in den
französischen Alpen stammend, eroberte
sich Gautier Capuçon die Begeisterung von
Millionen von Zuhörern:
unfehlbar, geradlinig, weltoffen und
mit spektakulärer Expressivität.
VON VERENA FISCHER-ZERNIN
20 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2018

U
FOTOS: FELIX BROEDE / WARNER CLASSICS
nterm Eiffelturm haben sie eine Bühne aufgebaut, mit
Sternchenhimmel und Mood-Beleuchtung. Das Orchester
rollt einen Klangteppich aus, dann setzt der Cellist ein: strahlendes
Lächeln, weiße Smokingjacke. Schon während er die ersten
Töne von Massenets Méditation de Thaïs aufglühen lässt, schwenken
die Menschen draußen auf dem Marsfeld ihre Handytaschenlampen,
und als das Stück verlischt,
bricht die Menge in Jubel aus wie bei
einem Rockkonzert.
Wenn sich ein klassischer Musiker
für so ein populäres Format hergibt,
kann er sich darauf gefasst machen, von
den Vertretern einer elitären Kunstauffassung
an den Pranger gestellt zu werden.
Die Attribute sind schnell bei der
Hand: oberflächlich, anbiedernd, unseriös.
An Gautier Capuçon perlt so etwas
ab. Auch abseits des Open-Air-Konzerts
ist er sich nicht zu schade, das breite
Publikum anzusprechen. Als Juror der
französischen Fernsehshow „Prodiges“
(„Wunderkinder“) erreicht er Millionen,
da begleitet er schon mal eine kleine Ballerina
mit dem berühmten Schwan von
Saint-Saëns.
Mögen die Puritaner auf ihn eindreschen,
Capuçon ist als Interpret über
den Verdacht einseitiger Seichtigkeit
erhaben. Mit seinen 36 Jahren hat er alle
Stationen absolviert, die es für eine Weltkarriere
braucht. Er konzertiert mit
Martha Argerich, dem Quatuor Ebène
und den Wiener Philharmonikern. Seine
Diskografie zeugt von seiner Liebe zur Kammermusik, es finden
sich aber auch die Cellokonzerte von Haydn, Schostakowitsch und
Lutosławski darin. Kurz, Capuçon kann es sich leisten, ein Album
nur mit Lieblingsstücken herauszubringen. „Intuition“ erscheint im
Februar und präsentiert gleichsam auf dem Silbertablett, dramaturgisch
lose gefügt, lauter cellistische Pralinen: Salut d’amour von
Elgar ist dabei und die Vocalise von Rachmaninow, der Schwan und
Thaïs, aber auch Musik von Scott Joplin und Piazzolla.
„Die Auswahl ist ganz und gar persönlich“, sagt Capuçon an
einem Wintermorgen beim Interview in der Hamburger Speicherstadt,
er kommt gerade aus Paris. „Ich habe schon jahrelang davon
geträumt, eine Platte mit Charakterstücken zu machen und damit
eine Geschichte zu erzählen – oder eigentlich mehrere Geschichten.
Aus meiner Kindheit, meinen frühen Pariser Jahren mit meinem
Lehrer Philippe Muller oder meiner Studentenzeit in Wien.“ Der
zierliche Mann versinkt fast hinter dem riesigen Holztisch, doch
wendet er sich seinem Gegenüber auf diese geschmeidige Weise zu,
die in Deutschland das Etikett französischer Höflichkeit trägt. Alle
paar Sekunden kämmt er sein kinnlanges schwarzes Haar mit den
Fingern zurück zum Eisenherz-Haarhelm.
Capuçons Biografie wirkt, als folge sie einem geheimen Bauplan.
Der Mann mit dem Ritternamen und der Ritterfrisur stammt
aus Chambéry in den Alpen, das im Mittelalter Sitz der Herzöge
von Savoyen war. Geprägt haben ihn die Bergwelt und ein offenkundig
glückliches Familienleben voller Musik. Als Gautier mit vier
Jahren zum Cello griff, waren die zehn Jahre ältere Schwester Aude
am Klavier und der fünf Jahre ältere Bruder Renaud an der Geige
„WENN ICH SECHS STUNDEN
GEÜBT HATTE, HAT MEINE
MUTTER ANGEDEUTET,
DASS ES AUCH NOCH MEHR
HÄTTEN SEIN KÖNNEN“
schon fortgeschritten. Ein stärkerer Antrieb für den Jüngsten lässt
sich kaum denken. Aude gab das Klavierspielen später auf, die beiden
Brüder jedoch entwickelten sich kometenhaft. „Meine Eltern
haben uns nie gezwungen“, erzählt Capuçon, „aber wenn ich sechs
Stunden geübt hatte, hat meine Mutter durchaus angedeutet, dass es
auch noch mehr hätten sein können.“
Hübsch, die Geschichte vom Brüder-Duo.
Und dem Fortkommen dienlich.
Ihr Paradestück ist das Doppelkonzert
von Brahms, den Anschluss an den
Älteren hat Gautier früh geschafft. An
seine Lehrer erinnert er sich: „Sie haben
sich enorm für mich eingesetzt. Statt
mich nach ihrem Bild zu formen, haben
sie mir geholfen, ich selbst zu werden.“
Mit 14 Jahren wechselt er nach Paris zu
Philippe Muller, mit 16 zieht er ganz in
die Hauptstadt. „Das Studentenleben
habe ich aber erst in Wien kennengelernt“,
erzählt er. „Ich ging mit Freunden
feiern und hörte Musik von Scott Joplin.“
Sein Lehrer dort war Heinrich
Schiff, wie Philippe Muller ein Schüler
des legendären André Navarra, der mit
seinem singenden Ton und einer spieltechnischen
Beherrschung bis ins
kleinste Detail Generationen von Cellisten
geprägt hat.
Vielleicht ist es kein Zufall, dass
Capuçon sich beim Spielen ähnlich kreatürlich
gibt wie einst der ungezähmte
Heinrich Schiff. Seine Miene ist in einem
Zustand der Dauerexpressivität. Er
schnauft und stülpt die Lippen vor, er schickt dem Dirigenten flehentliche
oder auch zornige Blicke, je nach Affekt. Andererseits
überlässt er in der Musik selbst nichts dem Moment. Phrasierungen
und Übergänge sind schlüssig, aber es ist zu hören, dass er jedes
Detail bewusst setzt. Seine Palette reicht vom verhangenen Après un
rêve von Fauré über das Flirren des Popper’schen Elfentanzes bis zu
einem fast bruitistischen Zugriff bei Piazzollas Grand tango. Der
Bogen kontrolliert die Saiten seines Goffriller-Cellos, ohne sie je
freizulassen.
Genauso unfehlbar ist seine Außendarstellung. Kein Skandal,
nirgends. Stattdessen schwärmt er von seinen beiden Töchtern. Als
ihn eine Fernsehjournalistin einmal fragte, wen er, wenn er es
bestimmen könnte, auf einem Geldschein verewigen ließe, erwiderte
er: „meine Frau“. Sogar dass er vor Jahren mit einem Burn-out
zu kämpfen hatte, erzählt er leichthin – liegt so eine Krise länger
zurück, ist sie nicht mehr karrieregefährdend, sondern interessant.
Er habe sie allein durchgestanden, sagt Capuçon. Es habe sie niemand
außer ihm selbst bemerkt. Er mache jetzt wieder Sport, achte
auf seinen Schlaf und meditiere regelmäßig: „In der Rückschau ist
es genial. Ich bin an meine Grenzen gekommen, aber diese Erfahrung
hat es mir auf lange Sicht ermöglicht, noch weiterzugehen.“
Ein Resultat dieser Transformation ist das
Album „Intuition“. So nahtlos fügen sich die
Dinge im Leben des Gautier Capuçon. ■
„Intuition“, Gautier Capuçon (Erato)
Termine: 17.3. Elmau, Schloss; 20.3. Hamburg, Elbphilharmonie
21

K Ü N S T L E R
„VIELLEICHT IST MEIN
ADRENALINSPIEGEL
SEHR HOCH“
AUF DER BÜHNE
EXTREM,
PRIVAT DISKRET
Sopranistin Sonya Yoncheva über Medienrummel,
einmalige Chancen
und die zwei Leben einer Sängerin.
VON TERESA PIESCHACÓN RAPHAEL
Crescendo: „The Last Minute Sensation“ hat man Sie genannt …
Sonya Yoncheva: Das ist lustig! Die Met rief mich 2014 in der
Schweiz an, wo ich wohne, und fragte mich, ob ich gleich nach New York
fliegen könne, um die Mimì in Puccinis La Bohème zu singen – nur einen
Monat vor der Premiere und fünf Wochen nach der Geburt meines
Kindes!
Da gerät man doch erst einmal in Panik!
Wenn die Met ruft, denkt man nicht zweimal nach. Ich wusste, ich habe
nur diese eine Chance, die sich nie wieder ergeben wird. Und ich muss sie
nutzen. Ich suchte nach dem Pass, ließ schnell einen für mein Baby
ausstellen und studierte mitten in der Nacht die Partitur. Die eine oder
andere Arie kannte ich, aber nicht die ganze Oper. Es half mir sehr, dass
ich recht gut Klavier spielen kann.
Die New York Times war begeistert von Ihrer Interpretation …
Und ich bekam weitere Engagements. Man muss so etwas mögen und
keine Angst haben. Vielleicht ist mein Adrenalinspiegel im Blut sehr
hoch. Es ist sehr schwer, eine Rolle in so kurzer Zeit zu erlernen. Aber
heute ist es oft so, das ist unser System, wir bekommen keine Zeit. Wir
haben Konzerttourneen, Opernauftritte, Schallplattenproduktionen,
FOTO: KRISTIAN SCHULLER / SONY CLASSICAL
22 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2018

„ALS KÜNSTLER HAST DU
ZWEI LEBEN,
DIE PARALLEL LAUFEN,
DAS AUF DER BÜHNE UND
DAS WAHRE LEBEN“
23

K Ü N S T L E R
Proben. Und müssen zudem in Social Media, auf Twitter und
Facebook präsent sein, wir haben PR-Verpflichtungen. Unser
Leben ist kompliziert, und man muss tough, robust und gesund
sein, um durchzuhalten, denn zugleich ist man sehr transparent
geworden. Den Fans entgeht kein Detail aus deinem Leben. Man
muss es also unbedingt wollen, und – sorry, das ist jetzt nicht
jugendfrei – man muss „cuatro cojones“ haben, wie die Venezolaner
sagen. Bewunderung in diesen Medien kann schnell in Hass
umschlagen.
Woher können Sie so gut Spanisch?
Mein Mann ist Venezolaner. Er ist dort geboren, aber er kam mit
etwa 20 in die Schweiz. Mit ihm spreche ich Französisch, während
er mit unserem Sohn Spanisch spricht. Der ist jetzt zweieinhalb,
und es ist so süß, wie er zwischen
den Sprachen changiert.
Wie sind Sie aufgewachsen?
In Bulgarien, in Plowdiw. Eine
sehr schöne, kleine, alte Stadt mit
viel Geschichte. Die Römer waren
da, es gibt einige Theater und ein
antikes Stadion. Wir haben eine große musikalische Tradition.
Mein Vater sang sehr schön, war aber kein Musiker.
Ihr Bruder wurde ein regelrechter Popstar.
Diese Geschichte ist erstaunlich, denn er wuchs so auf wie ich. Er
spielte Klavier, Kontrabass, alle möglichen Instrumente. Und er
sang. Eines Tages meldete meine Mutter ihn bei einer in Bulgarien
sehr populären Casting-Show an. Mein Bruder gewann 2005 als
17-Jähriger die Star Academy. Danach änderte sich sein ganzes
Leben. Bulgarien ist nun mal kein großes Land. Plötzlich kannte
man ihn überall. Und wir sahen ihn mehr im Fernsehen als zu
Hause. Das war schon kurios! Es war einfach nicht mehr möglich,
mit ihm auf der Straße zu gehen. Unmöglich. Alle Mädchen
schrien nach ihm. Irgendwann entschied mein Bruder, damit
aufzuhören, das Fach zu wechseln. Er singt heute auch an der Oper
in Bulgarien.
Würden Sie gerne ein Leben führen wie Ihr Bruder damals?
Nein. Ich habe zwar mal Pop-Duette mit ihm gesungen, aber ich
mag das diskrete Leben. Ich brauche eine gesunde Distanz zu
diesem ganzen Zirkus. Ich würde dort zu viel Energie lassen, die
ich brauche, um eine gute Sängerin zu sein.
Sie waren Moderatorin in einer Musikshow im Fernsehen.
Ja, das war nicht einfach für mich, denn eigentlich bin ich eher
schüchtern. Doch wie gesagt denke ich mir immer, dass ich keine
zweite Chance bekomme, und bin ins kalte Wasser gesprungen.
Die Erfahrung half mir sehr. Ich lernte, mich auf der Bühne zu
bewegen, die Angst vor der Angst zu verlieren und meine
Bewegungen und den Ausdruck des Gesichts zu kontrollieren.
Geformt wurden Sie von der Alten Musik.
Ja, das war Schicksal. In Genf bei einer Masterclass von William
Christie sang ich eine Alcina-Arie, habe sie einfach ausprobiert,
obwohl ich mich mit diesem Repertoire eigentlich nicht beschäftigt
hatte. In Bulgarien gibt es fast nur Verismo-Oper. Und
Christie nahm mich. So konnte ich in seinem Jardin-des-Voix-
Projekt schnell Praxis gewinnen. Ich lernte Flexibilität, Präzision,
Disziplin beim Gestalten der Verzierungen und der Artikulation
und Aussprache, die in der Barockmusik besonders wichtig sind.
Sänger des 19.-Jahrhundert-Repertoires interessiert das oft
weniger, weil sie immer den großen Bogen im Kopf haben. Es war
eine wunderbare Schule, in die jeder Sänger gehen sollte, denn es
hilft, spätere Fehler zu vermeiden.
Dabei vergleicht man Sie mit Anna Netrebko, die Sie nicht nur
als Mimì, sondern auch als Marguerite in Gounods Faust
ersetzt haben.
„DEN FANS ENTGEHT KEIN DETAIL
AUS DEINEM LEBEN“
Ich mag es nicht, wenn die Menschen immer eine Art Klon haben
wollen. Ich weiß nicht, warum das so ist. Man wird nicht als
eigenständige Künstlerpersönlichkeit gesehen. Ich wollte selbst
nie eine andere Sängerin imitieren. Nie. Natürlich höre ich, wie
andere Sängerinnen bestimmte technische Dinge angehen. Die
Persönlichkeit muss man selbst hineingeben. Anna, die ich sehr
mag, ist ein anderer Typ als ich. Sie berührt auf andere Weise, mit
ihrem Glamour, ihrem Auftritt, ihrer fantastischen Stimme, die
eine einzigartige Strahlkraft hat.
Sie malen gerne?
Ich liebe es, Landschaften zu malen. Die Natur hat alles, alle
Farben, das Kräftige wie das Zarte, Impressionistische.
Wenn Sie Ihre Stimme malen müssten?
Oh, das wäre lustig! Ich würde,
glaube ich, alle Farben nehmen,
die einander beißen. Als Künstlerin
liebe ich die Extreme, als
Mensch allerdings weniger. Als
Künstlerin kann ich ebenso eine
dramatische Frau sein wie eine
zarte, zurückhaltende. Das ist das Großartige an unserem Beruf.
Wir können das alles ausleben, ohne es zu müssen.
Beeinflusst Ihre bulgarische Muttersprache Ihren Gesang?
Ich glaube, dass die erste Sprache, die man als Kind lernt, immer
eine Auswirkung auf die Vokalfärbung, die Intonation, die
Modulation hat. Slawische Sprachen haben sehr viele Farben,
haben einen orientalischen, einen griechischen, einen türkischen
Touch. Dennoch hat mich die Sprache nicht gehindert, auch
andere Sprachen zu erlernen.
Inwiefern beeinflusst die heutige Casting-Politik der Opernhäuser
Ihre Karriere?
Das ist nicht einfach zu beantworten. Früher durfte ich keine
Entscheidung treffen, jetzt habe ich mehr Freiheit. Früher war ich
die junge Sonya, die frisch und sprudelnd zu sein hatte. Heute
darf ich tiefgründiger sein, bin beteiligt an Entscheidungen,
welche Produktion, welches Ensemble, kann mit Regisseuren
sprechen. Das ist sehr wichtig. Nur so können wir wirklich gute
Ergebnisse erzielen.
Christie sagte zu Ihnen, Sie könnten alles singen. Wie wird
man eine gute Sängerin?
Disziplin, Fleiß, Neugier und die Fähigkeit, die Emotionen
fokussieren zu können. Und das private Leben nicht mit dem
Leben auf der Bühne zu verwechseln. Mein Vater starb, als ich auf
der Bühne stand. Das war schwer für mich. Als Künstler hast du
zwei Leben, die parallel laufen, das auf der Bühne und das wahre
Leben. Mein Herz und meine Gedanken waren natürlich bei
meiner Familie in diesem Moment. Aber nicht ich soll als
Künstlerin auf der Bühne weinen, sondern die Menschen zum
Weinen bringen. Das ist ein großer Unterschied, und viele
verwechseln das.
Und wie bleibt man eine gute Sängerin?
Man muss eine Art Feeling entwickeln für das, was einem guttut.
Im Moment habe ich das Gefühl, dass meine Stimme tiefer
geworden ist, wärmer in der Mittellage. Danach muss ich die
Rollen wählen. Und selbstbewusst Angebote ablehnen, die nicht zu
mir passen. Das ist nicht einfach. Auch privat muss es stimmen.
Denn nur eine glückliche Sängerin ist auch eine gute Sängerin.
„The Verdi Album“, Sonya Yoncheva, Münchner Rundfunkorchester,
Massimo Zanetti (Sony)
Termine: 4.2. Genève (CH), Grand Théâtre;
7.2. Dortmund, Konzerthaus
■
24 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2018

K Ü N S T L E R
Newcomer
Hiyoli Togawa
FOTO: ANNE HORNEMANN
EIN KLANG
WIE SCHOKOLADE
Für die junge Bratscherin Hiyoli Togawa ist das Spiel auf ihrem Instrument wie nach Hause zu
kommen. Darüber hinaus tanzt und malt sie leidenschaftlich.
VON CORINA KOLBE
Über ihr Instrument spricht Hiyoli Togawa wie über einen
guten Wein. „Der Klang der Bratsche hat etwas Urwüchsiges,
Erdiges. Manchmal schmecke ich sogar Schokolade
heraus.“ Das Musizieren führe sie mit allen Sinnen zur
Natur zurück, selbst mitten in einer Großstadt. Neben Trommeln
und Marimbas sitzen wir in dem geräumigen, schallgedämpften
Studio in Berlin, das sie sich mit ihrem Ehemann, dem Schlagzeuger
Alexej Gerassimez, teilt. „In dieser Stadt muss man sich ständig neu
erfinden. Hier werden genau die Energien freigesetzt, die wir für
unsere kreative Arbeit brauchen.“
Togawa, die als Tochter eines Japaners und einer Australierin
in Düsseldorf aufwuchs, entdeckte als Teenager ihre Leidenschaft
für die Bratsche. Wenn die Eltern, beide professionelle Musiker,
nicht zu Hause waren, holte sie heimlich ein Instrument ihres Vaters
hervor. „Vorher hatte ich Geigenunterricht, der mich allerdings
nicht besonders begeisterte. Als ich dann zum ersten Mal die Bratsche
in die Hand nahm, hat mich der dunklere Klang der C-Saite
sofort fasziniert. Ich erinnere mich noch genau an die Schwingungen,
die plötzlich durch meinen Körper hindurchgingen.“
An der Kölner Musikhochschule erhielt sie bei Rainer Moog
und Antoine Tamestit den nötigen technischen Schliff, bevor sie
ihre Studien in Belgien beim Artemis Quartett und anschließend
bei Hariolf Schlichtig in München fortsetzte. Togawa tritt inzwischen
als Solistin und Kammermusikerin in Europa und Asien auf,
manchmal gemeinsam mit ihrem Mann, der als Percussionist ebenfalls
international gefragt ist. Im vergangenen August hat sie in
Lappland ein Solostück uraufgeführt, das der finnische Komponist
Kalevi Aho für sie geschrieben hat. Beim Label Naxos erscheint im
Januar ihr Debütalbum mit frühromantischen Viola-Sonaten von
George Onslow und Felix Mendelssohn Bartholdy sowie sechs Nocturnes
von Johann Wenzel Kalliwoda, die sie mit der Pianistin Lilit
Grigoryan aufgenommen hat.
„Das Klangspektrum der Bratsche vereint unterschiedliche
Pole, die Höhen und Tiefen des Lebens. Immer wenn ich mein Instrument
spiele, habe ich das Gefühl, nach Hause zu kommen“, sagt
Togawa. „Auf diese Reise in mein eigenes Inneres möchte ich das
Publikum mitnehmen. Dieser Wunsch gibt mir überhaupt erst den
Antrieb dazu, in unserer Zeit Musik zu machen.“
Einige Jahre lang musizierte die umtriebige Künstlerin im
Quartett, bevor sie neue Herausforderungen suchte. „Allein schon
wegen meiner multikulturellen Herkunft habe ich so viele unterschiedliche
Seiten, dass mir die Kammermusik als Ausdrucksmittel
nicht ausreicht.“ Nach dem Turniertanzen, dem sie sich früher
intensiv widmete, spielt inzwischen die Malerei in ihrem Leben eine
immer wichtigere Rolle. „Ein technisch anspruchsvolles Programm
zu präsentieren, ist nicht alles. Die Zuhörer wollen vor allem erfahren,
was uns als Musiker innerlich bewegt. Man muss echt sein“, ist
sie überzeugt. „Ich könnte mir beispielsweise ein Projekt vorstellen,
das Bogenstriche mit Pinselstrichen oder mit Tanz zusammenbringt.
Auch das wäre ein Teil meines Ichs.“
■
Onslow, Mendelssohn, Kalliwoda: „Romantische Sonaten für Viola“,
Hiyoli Togawa, Lilit Grigoryan (Naxos)
Track 2 auf der crescendo Abo-CD: Violinsonate F-Dur op. 16, Nr. 1.
II. Andante von Onslow
25

K Ü N S T L E R
ZAUBER UND
MÄRCHEN
„ES GIBT KEINEN
SCHÖNEREN ORT ALS
ZU HAUSE. UNSER LEBEN
BEDEUTET, AUF REISEN
ZU SEIN UND IN HOTELS
ZU NÄCHTIGEN, OHNE
UNS AN ETWAS BINDEN
ZU KÖNNEN“
FOTO: SAMMY HART
26 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2018

Als die Violinistin Lisa Batiashvili zwölf Jahre alt war, gaben ihre Eltern in Georgien
alles auf, um ihr in Deutschland eine bessere Zukunft zu ermöglichen.
Frau Batiashvili, Ihre Karriere als Violinistin gehört zu
den beeindruckendsten der Gegenwart. 1979 in Tiflis
geboren, 1995 als jüngste Teilnehmerin in der Geschichte
Preisträgerin beim Internationalen Jean-Sibelius-Geigenwettbewerb,
danach Konzerte in aller Welt mit den renommiertesten
Orchestern. Was ist Ihr Erfolgsgeheimnis?
Lisa Batiashvili: Da spielten mehrere Aspekte eine Rolle. Musik
nahm bei meinen Eltern einen wichtigen Platz ein. Mein Vater ist
Geiger und war mein erster Lehrer. Meine Mutter ist Pianistin. Die
Leidenschaft für die Musik war mir angeboren. Als meine Eltern
dann entschieden, Georgien zu verlassen, alles zurückzulassen
– ihre Arbeit, ihre Freunde, ihre Namen – und ohne Sprachkenntnisse,
ohne Arbeitsgarantie nach Deutschland zu gehen, gab mir
das einen Schub. Ich war nicht einmal zwölf Jahre alt. Aber in
diesem Augenblick rückten mir mein Leben, meine Aufgabe und
meine Ziele deutlich ins Bewusstsein. Mir wurde klar, dass alles
geschah, um mir eine gute Ausbildung und eine bessere Zukunft
zu ermöglichen.
Fühlten Sie sich unter Druck?
Nein, ich spürte einfach nur Verantwortungsgefühl. Nach dem
Zusammenbruch der Sowjetunion geriet Georgien in einen
Bürgerkrieg und eine große Krise. Deutschland nahm mich
damals auf wie ein eigenes Kind. Daraus wollte ich das Beste
machen. Durch den Sibelius-Wettbewerb lernte ich die fantastischen
finnischen Musiker kennen. Mit ihnen spielte ich meine
ersten Konzerte. Sie ermöglichten es mir, in gemäßigtem Tempo
weiterzukommen und Erfahrungen zu sammeln.
Die Geige spielten Sie bereits mit zwei Jahren und standen mit
vier Jahren auf der Bühne. Wie fanden Sie zu Ihrem Instrument?
Mein Vater unterrichtete zu Hause Kinder. Die wollte ich nachahmen.
Ich verbrachte aber auch viel Zeit damit, Klavier zu spielen,
zu komponieren oder meinem Vater zuzuhören, wenn er mit
seinem Quartett spielte.
Zur georgischen Musik haben Sie nach wie vor enge Beziehungen.
Was verbindet Sie mit ihr?
Die georgische Musik bringt mir Kindheitsgefühle und Erfahrungen
in Erinnerung. Sie besitzt eine eigene Persönlichkeit. Sie ist
stark von der Volksmusik beeinflusst. Spielt man georgische
Musik, erhält man direkten Zugang zur georgischen Natur. In den
90er-Jahren war mein Land in Deutschland unbekannt. Wenn ich
sagte, ich komme aus Georgien, hatte kaum jemand eine Ahnung,
wo das liegt. Ich spiele georgische Musik, damit die Menschen
mein Land kennenlernen.
Auf Ihrem neuen Album „Visions of Prokofiev“ wenden Sie sich
nun einem russischen Komponisten zu …
Prokofjew ist für mich deshalb so faszinierend, weil ich in seiner
Musik das Verlangen nach einem Zuhause spüre. Es gibt keinen
schöneren Ort als zu Hause. Wir Musiker haben selten die
Möglichkeit, es zu genießen. Unser Leben bedeutet, auf Reisen zu
sein und in Hotels zu nächtigen, ohne uns an etwas binden zu
können. Prokofjew war bei seinen Reisen immer auf der Suche
nach einem Ort, an dem er sich zu Hause fühlte. Dadurch wurde
seine Musik so persönlich und verträumt. Ich verbinde mit ihr
Zauber und Märchen. Sie vermittelt eine unglaubliche und
VON RUTH RENÉE REIF
zauberhafte Realität, seine Realität. Ich empfinde so viel Empathie
und Sympathie für ihn.
Sein Erstes Violinkonzert, das auf Ihrem Album mit dem
Chamber Orchestra of Europe unter Yannick Nézet-Séguin zu
hören ist, haben Sie bereits mit 13 Jahren zum ersten Mal
gespielt. Wie kam das?
Mein Lehrer Mark Lubotsky war Schüler von David Oistrach
gewesen. Schostakowitsch, Prokofjew, Schnittke waren das erste
Repertoire, das er unterrichten wollte. Zu dieser Musik hatte er
wahnsinnig viel zu sagen, und er erkannte, dass meine Natur mit
ihr eine Harmonie findet. Prokofjews Musik ist so ausdrucksstark
und theatralisch und besitzt so viele verschiedene Farben. Um das
alles zu verstehen und wiederzugeben, muss man erst einmal
erwachsen werden.
Das Konzert wurde zu Ihrem „Markenzeichen“. Sie haben es oft
gespielt, aber erst jetzt aufgenommen …
Das war ein Herzensprojekt. Ich spielte beide Violinkonzerte
Prokofjews mit dem Chamber Orchestra of Europe und Nézet-
Séguin bereits im Konzert. Da fanden sich zwischen den Auftritten
des Orchesters einige Aufnahmetage. Nézet-Séguin ist einer
meiner allerliebsten Musiker. Diese Aufnahme ist das Zusammenspiel
einer Musik, die ich liebe, und eines Dirigenten, zu dem ich
eine besondere Verbindung habe.
Prokofjew schrieb das Erste Violinkonzert 1917 in Paris, also
während der Revolution. Das Zweite Violinkonzert, das ebenfalls
auf dem Album ist, entstand 1935 in Madrid kurz vor seiner
endgültigen Rückkehr in die Sowjetunion. Was unterscheidet
die beiden Werke?
Sie erzählen zwei verschiedene Geschichten von Prokofjew. Das Erste
Violinkonzert ist leichter, feiner, impressionistisch. Es ist überirdische
Musik. Am Ende des Stücks führt sie uns in den Himmel. Im ersten
Satz des Zweiten Violinkonzerts spürt man dagegen die Erinnerung an
den Krieg. Die Musik ist irdisch. Wir bewegen uns in einer neuen Ära
von Prokofjews Leben und Schreiben.
Tanz und Walzer aus den Balletten Romeo und Julia und
Cinderella sowie der Große Marsch aus der Oper Die Liebe zu
den drei Orangen wurden von Ihrem Vater arrangiert und
ausgewählt. Begleitet er Ihre Karriere als Ratgeber?
Als lieber Papa und guter Freund, bei dem ich mir Ratschläge hole.
Er hat ja schon so viel gespielt. Schostakowitsch und viele große
Komponisten kannte er persönlich und führte ihre Musik zum
ersten Mal auf. Er ist ein Mensch, dem ich vertraue und der mich
niemals damit belasten würde, seine Meinung zu äußern, wenn ich
ihn nicht darum bitte.
Welcher Komponist liegt Ihnen außerdem so am Herzen, dass
Sie seine Musik aufnehmen wollen?
Sehr beschäftigen mich Schubert, Schumann und Mozart. Ich
möchte aber nicht nur klassische Musik aufnehmen. Für meine
nächste Aufnahme suche ich etwas Ausgefallenes. Anders Hillborg
schrieb mir ein Violinkonzert, das ich 2016
spielte. Es ist fantastisch und vermittelt eine
Atmosphäre, die an den Kosmos denken lässt. ■
„Visions of Prokofiev“, Lisa Batiashvili, Yannick Nézet-Séguin, Chamber
Orchestra of Europe (DG)
27

P E R S O N A L I E N
MELDUNGEN
Mariss Jansons
Der 1943 im lettischen Riga geborene
Jansons zählt unbestritten zu den
bedeutendsten Dirigentenpersönlichkeiten
weltweit. Im Januar feierte der
Stardirigent seinen 75. Geburtstag.
Nach seinem Studium am Konservatorium
Leningrad setzte er 1969 seine
Ausbildung in Wien und Salzburg fort.
Nach Studien unter anderem bei Herbert
von Karajan machte der legendäre
russische Dirigent Jewgeni Mrawinski
1973 den gerade 30-Jährigen zu seinem
Assistenten. Der damalige Leiter der
Leningrader Philharmoniker und große
Orchestererzieher prägte Stil und
Repertoire des jungen lettischen Dirigenten
entscheidend. 1979 erreichte ihn
der Ruf nach Oslo, seiner ersten festen
Station im Westen. In den folgenden
21 Jahren baute er das Osloer Symphonieorchester
auf und formte es zu einem
internationalen Spitzenorchester. 1997
trat er zusätzlich die Nachfolge Lorin
Maazels beim Pittsburgh Symphony
Orchestra an. 2003 folgte Jansons Maazel
als Chefdirigent des Symphonieorchesters
des Bayerischen Rundfunks
nach München – eine Position, für die
sein Vertrag bis 2021 läuft. Als gefragter
Gastdirigent hat Jansons in den vergangenen
Jahren mit allen bedeutenden
Orchestern der Welt zusammengearbeitet.
In München etablierte er sich als
erfolgreicher Kämpfer für einen neuen
Konzertsaal, der nicht nur dem Symphonieorchester
endlich ein akustisch
erstklassiges Zuhause bieten, sondern
sich auch als Attraktion für Publikum
und Musikschaffende aus aller Welt
erweisen soll. crescendo gratuliert zum
75. Geburtstag und wünscht alles Gute
für die Zukunft!
Nicholas Milton
Australier mit Così fan tutte sein Debüt
an der Deutschen Oper Berlin und
gestaltet mit La Bohème und Salome zwei
große Produktionen in Saarbrücken.
Alexandre
Desplat
Christian
Thielemann
Nicholas Milton wird zur Saison 2018/19
der neue Chefdirigent des Göttinger
Symphonie Orchesters. Im Alter von 19
Jahren zum jüngsten Konzertmeister
Australiens ernannt, begann Milton
zunächst eine erfolgreiche Karriere als
Solo-Violinist und Kammermusiker,
bevor er sich ausschließlich dem Dirigieren
widmete. Gast-Engagements führten
ihn wiederholt an die Volksoper Wien,
an die Komische Oper Berlin sowie u. a.
nach Dortmund, Leipzig, München,
Mainz, Linz, Innsbruck und Sydney. Vor
etwa zehn Jahren dirigierte er erstmals
das Göttinger Symphonie Orchester.
„Wir können zusammen wunderbare
Erlebnisse haben“, freut sich Milton
schon auf die Zusammenarbeit. „Mit
diesem Orchester kann ich wunderbar
Musik gestalten. Diese Musiker wollen
mit mir spielen, die wollen ihr Bestes
geben.“ In der aktuellen Spielzeit gibt der
Die Wiener Philharmoniker bieten
ihrem Publikum zum Jahreswechsel
jedes Jahr ein Programm aus dem reichen
Repertoire der Strauß-Dynastie
und deren Zeitgenossen. Christian Thielemann
dirigiert 2019 erstmals das Neujahrskonzert
der Wiener Philharmoniker.
Seit 2000 dirigierte er die Wiener
Philharmoniker regelmäßig bei den
philharmonischen Abonnementkonzerten,
Gastspielen und bei den Salzburger
Festspielen. Der Vorstand der Wiener
Philharmoniker, Daniel Froschauer,
betont das künstlerische Vertrauen zwischen
Dirigent und Orchester: „Das, was
im Opernbereich seit Anbeginn perfekt
funktioniert hat, nämlich das tiefe musikalische
Einverständnis und Vertrauen,
hat in der Folge auch im symphonischen
Bereich große Früchte getragen. Aus
diesem Grund bitten wir ihn am 1. Jänner
2019 an das Pult des Neujahrskonzertes.“
In Los Angeles wurden zum 75. Mal die
Golden Globes verliehen. Der Preis für
die beste Filmmusik erhielt der französische
Komponist Alexandre Desplat
für seinen Soundtrack zu Guillermo del
Toros Shape of Water – das Flüstern des
Wassers. Der 1961 in Paris geborene
Desplat war siebenmal für seine Filmmusiken
bei den Golden Globes nominiert,
zweimal hat er dort bis jetzt
gewonnen. Ebenfalls sieben Nominierungen
gab es bei den Acadamy Awards.
2015 gewann Desplat schließlich einen
Oscar für den Soundtrack zu The Grand
Budapest Hotel. In sein Portfolio gehören
unter anderem die Musik zu The
Queen, Der seltsame Fall des Benjamin
Button, The Danish Girl und die Soundtracks
zu den Harry-Potter-Verfilmungen.
FOTOS: BAYERISCHER RUNDFUNK; MARCO KANY; EMBASSY FRANCE PHOTO
28 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2018

HÖREN & SEHEN
Die besten CDs, DVDs & Vinylplatten des Monats von Oper über Jazz bis Tanz
Attila Csampais Auswahl (Seite 30)
crescendo-Empfehlungen lesen und direkt kostenlos dabei anhören?
Kein Problem: Auf www.crescendo.de finden Sie unsere Rezensionen mit direktem Link zum Anhören!
Daniel Müller-Schott
Wunderbar
geklaut
„Offen sein für die Musik jeder Epoche und
deren Übertragung auf andere Instrumente“ ist
das Credo des Cellisten Daniel Müller-Schott,
der sich aktiv für die Erweiterung seines Repertoires
einsetzt. Komponistengrößen wie Sir
André Previn und Olli Mustonen widmeten ihm
bereits ihre Werke. Für sein neues Album sah
sich der Cellist zur Abwechslung aber im
bereits existierenden Repertoire anderer
Instrumente um. Das Violinkonzert in G-Dur von
Joseph Haydn, aber auch das berühmte Adagio
des Bach’schen E-Dur Violinkonzerts interpretiert
Müller-Schott auf seinem Instrument neu
und schwingt sich dabei agil in jede Höhe hinauf.
Besonders sträflich wurde das Soloinstrument
Cello jedoch von einem ignoriert: Mozart. So
ist auf der Aufnahme neben dem Adagio für Violine
und Orchester auch das Oboenkonzert des
Komponisten zu finden – von Mozart selbst für
Flöte bearbeitet, die Ecksätze von George Szell
für den großen Cellisten Feuermann umgeschrieben.
Das fehlende Adagio sowie die
Kadenzen schrieb Müller-Schott selbst seinem
Instrument auf den Leib. Mit romantisch angehauchtem
Ton und herausragend präziser Technik
beweist er dabei, dass er und sein Cello
echte Alleskönner sind. SK
SOLO
Bach, Haydn, Mozart:
„#CelloReimagined“,
Daniel Müller-Schott,
l’arte del mondo (Orfeo)
Track 5 auf der crescendo Abo-CD:
Konzert für Violine und Orchester E-Dur Nr. 2 BWV 1042
29
FOTO: UWE ARENS

H Ö R E N & S E H E N
Empfehlungen von Attila Csampai
TOP-NACHWUCHS UND
KLASSIKER GANZ NEU
… bestimmen Attila Csampais Februar-Auswahl
BEETHOVEN: KREUTZER SONATA;
SCHUBERT: ARPEGGIONE SONATA
Bruno Philippe, Tanguy de Williencourt
(Harmonia Mundi)
Track 6 auf der crescendo Abo-CD:
Nacht und Träume D. 827 von Schubert
Man glaubt es kaum, aber es gibt sie noch, die
qualifizierte Nachwuchsförderung durch die Schallplattenindustrie.
Ein französisches Independent-Label geht mutig voran und
schickt zwei einheimische Top-Talente ins Rennen: Cellist Bruno
Philippe und Pianist Tanguy de Williencourt kombinieren Beethovens
virtuose Kreutzer-Sonate mit Schuberts lyrischer Arpeggione-Sonate
und bestehen die Prüfung grandios. Die Cello-Version
der Violinsonate Beethovens wurde erst 1990 in einem Antiquariat
wiederentdeckt: Carl Czerny schuf 1822 eine exzellente Transkription,
die den dramatischen Furor des Werks fast noch besser
umsetzt. So liefern sich die beiden technisch perfekten Solisten
einen packenden, jugendlich-ungestümen Dialog auf Augenhöhe,
denn das eine Oktave tiefer spielende Cello ist dem Klavier hier ein
ebenbürtiger, dunkel-sonorer Kontrahent. Bei der Schubert-
Sonate, die eigentlich für eine große, harfenähnliche Gitarre komponiert
wurde, übt sich Philippe aber in nobler, fast zärtlicher
Zurückhaltung und gibt so dem arg strapazierten Opus seinen
ursprünglichen liedhaft-innigen Charakter zurück: Von diesem
großartigen, hochmusikalischen Duo wird man bestimmt noch
hören.
NICCOLÒ PAGANINI: 24 CAPRICES
Augustin Hadelich (Warner)
In den Staaten ist Augustin Hadelich längst
kein Unbekannter mehr. Der 1984 in Italien
geborene Sohn deutscher Eltern begann als
Geigen-Wunderkind, erlitt mit 15 bei einem
Unfall schwerste Verbrennungen, kämpfte sich
zurück und gewann mit 22 den Violin-Wettbewerb von Indianapolis.
Danach eroberte er schnell die Konzertsäle der USA und
zuletzt auch Europas. Für sein Debütalbum bei Warner hat er sich
für Paganinis 24 Capricen op. 1 entschieden, dem wohl schwierigsten
und bizarrsten Etüden-Zyklus für Violine solo, der auch viele
Komponisten beeinflusst und angeregt hat. Gleichwohl ist die
Anzahl der Komplettaufnahmen überschaubar geblieben, und es
überwiegt das etüdenhafte Ringen mit der unspielbaren Materie,
sodass auch das Zuhören zur Qual werden kann. Nichts davon in
Hadelichs neuer, lupenreiner, beängstigend perfekter Interpretation:
Ich kenne keine Aufnahme, in der jemand diese 24 Dämonen
so mühelos, so beschwingt, so einfühlsam und so musikalisch
zwingend „gezähmt“ hätte, sodass aller Schrecken, alle Anstrengung,
alles Etüdenhafte sich in arienhafte Anmut, in Schönheit
und sanfte Trauer verwandeln. So wird auch die ganz besondere
Magie, die damals von ihrem Urheber ausging, hier auf verführerische
Weise wiederbelebt: ein Album mit hohem Suchtfaktor und
ein Geiger mit Riesenpotenzial.
FRÉDÉRIC CHOPIN: „GHOSTS“
Nino Gvetadze (Challenge Classics)
Track 7 auf der crescendo Abo-CD:
Walzer in A-Dur op. 34 Nr. 2
„Ghosts“ nennt die aus Georgien stammende
Pianistin Nino Gvetadze ihr neues Chopin-
Album, in dessen Mittelpunkt ihre düsternachdenkliche
Deutung der Préludes des polnischen Klavierrevolutionärs
steht: Sie beschwört auf ihrem erstaunlich dunkel klingenden
Steinway-D-Flügel die Geister der Vergangenheit und
deutet diese 24 enigmatischen Miniaturen als Traumbilder der
Nacht, als poetische Reflexionen über die unausweichliche Existenz
des Todes. Damit entwirft die in Amsterdam lebende Pianistin
die dunkle Gegenwelt etwa zu der jugendlich ungestümen,
lebendig pulsierenden Referenzeinspielung Ivo Pogorelichs aus
dem Jahr 1989, die entschieden allen Todesgedanken trotzte.
Auch Gvetadze erzählt uns eine zusammenhängende Geschichte,
setzt 24-mal die Schönheit des Gedankens und das Drama der
Verzweiflung gegen das drohende Nichts. Doch sie entlockt diesen
„Vorspielen“ eine tiefe spirituelle Kraft, die sofort auch den Hörer
bannt und ihn die eigentliche tragische Größe dieser Nachtstücke
erleben lässt. Ob Chopin damit schon früh ein schmerzliches
Resümee seines kurzen Lebens ziehen wollte, wie sie im Booklet
meint, ist dennoch fraglich: Dass diese Aphorismen aber die
Essenz seines Schaffens und seiner musikalischen Weltsicht darstellen,
das unterstreicht diese fesselnde Einspielung auf besondere
Weise.
ZEICHNUNG: STEFAN STEITZ
30 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2018

FRANZ SCHUBERT: SYMPHONIES NOS. 2 & 5
Antwerp Symphony Orchestra, Philippe Herreweghe (PHI)
Bis heute hält sich der Vorwurf, Schuberts frühe Sinfonien seien
„nur“ gekonnte Nachbildungen der Werke seiner großen Vorgänger
Haydn und Mozart, und im Grunde nichts Eigenes. Bis heute
gelten nur die Unvollendete und die Große C-Dur als bedeutende
Meisterwerke. Jetzt hat Philippe Herreweghe, der Feingeist unter
den großen Pionieren des Originalklangs, sich die Zweite und die Fünfte vorgenommen
und beide B-Dur-Arbeiten des Teenagers Schubert mit dem Antwerp Symphony
Orchestra so zärtlich und feurig wiederbelebt, dass man sich fast fremdschämen
möchte für die dummen Vorurteile früherer Generationen. Natürlich spürt man in
beiden Werken den starken Einfluss seiner erklärten Vorbilder. Doch bahnt sich
schon im Kopfsatz der Zweiten Sinfonie Schuberts ganz eigener, lyrisch sich ausbreitender,
flächiger Satzbau seinen eigenen Weg, der durch Herreweghes drängenden,
aber immer wunderbar transparenten und jugendlich pulsierenden Klangfluss einen
ganz eigenen Charakter gewinnt und fast ungetrübte Aufbruchsstimmung verbreitet:
So glückt dem 19-jährigen Schubert im Andante der Fünften Sinfonie einer der
schönsten, innigsten Sätze seines gesamten Schaffens, ein einzigartiges Juwel musikalischer
Schönheit. Herreweghe weiß das, trägt aber auch hier nicht zu dick auf,
bleibt nobel, warmherzig und empfindsam.
FELIX MENDELSSOHN BARTHOLDY:
STRING SYMPHONIES VOL. 2
L’Orfeo Barockorchester, Michi Gaigg (cpo)
Es besteht kein Zweifel, dass Felix Mendelssohn zu den größten
Junggenies der Musikgeschichte zählt: Seine ersten zwölf Streichersinfonien,
die er zwischen seinem 11. und 13. Lebensjahr
schuf, sind das beste Beispiel für sein unglaubliches Talent. Jetzt
hat das in Linz beheimatete L’Orfeo Barockorchester, das sich auf historischen Instrumenten
bislang auf die Musik des Spätbarock und der Klassik konzentrierte, die
zweite Folge der Mendelssohn’schen Jugendsinfonien vorgelegt. Und wie schon beim
ersten, 2015 erschienenen Album, besticht das nur aus 16 Streichern (plus einem Fortepiano)
bestehende Kammerensemble auch diesmal durch seinen trocken-geschärften,
ungemein prägnanten Musizierstil, der totale Transparenz mit sehr flotten
Tempi kombiniert. So rücken statt frühromantischer Heimeligkeit mehr die historischen
Wurzeln dieser Jugendarbeiten – also Bach’scher Kontrapunkt und vorklassischer
Sturm-und-Drang-Furor – in den Vordergrund. Mit warmen, satten Sounds
hat Michi Gaiggs ausgeschlafene Truppe wenig im Sinn, sie verströmen eher den
rauen, aber herzlichen Charme von rigorosen Aufklärern, die hier die unterschiedlichen
Einflusssphären eines solchen Junggenies und die revolutionären Umbrüche
jener unruhigen Zeit deutlich machen wollen.
TCHAIKOVSKY: SYMPHONY NO. 6
„PATHÉTIQUE“
MusicAeterna, Teodor Currentzis (Sony)
Unter den jüngeren Dirigenten ist der Grieche Teodor Currentzis
derzeit der mit Abstand aufregendste: In kurzer Zeit machte er
das im fernen Ural liegende Opernhaus von Perm zu einem neuen
Zentrum visionärer Theaterarbeit, und seine Studioproduktionen
der drei Da-Ponte-Opern Mozarts wurden weltweit als neue Referenzen gefeiert.
Jetzt greift der designierte neue Chef des SWR Symphonieorchesters auch nach sinfonischen
Ehren. Mit seinem MusicAeterna Orchester hat er sich gleich das größte
Juwel russischer Sinfonik vorgenommen, Tschaikowskys genialische, von Todesahnungen
durchwirkte Sechste Sinfonie, von der es unzählige gute Einspielungen gibt.
Dennoch schafft es der 45-jährige Exzentriker, dieses nationale Heiligtum komplett
neu zu vermessen und ihm seine wahre erschütternde Größe zurückzugeben, indem
er mit rigoroser Detailgenauigkeit und extremer Dynamik dessen wahre Seelenabgründe
freilegt, jenseits allen vordergründigen Pathos. Allein seine wunderbar pulsierende
Piano- und Pianissimokultur zu Beginn der Sinfonie ist beispiellos, und die
Zusammenbrüche in der Durchführung entladen ein unerhörtes Verzweiflungspotenzial.
Diese tiefe innere Tragik des Werks findet ihren bitteren Ausgang im düsteren
Schluss-Adagio, das Currentzis als vergeblichen Todeskampf deutet. Nach diesem
schonungslosen Selbstbekenntnis versteht jeder, warum Tschaikowsky nur
wenige Tage nach der Uraufführung die Welt verließ.
31

H Ö R E N & S E H E N
SOLO
Frank Peter Zimmermann
Im Banne Bachs
Die mehrsätzige Musik Johann Sebastian Bachs stellt den Interpreten
vor enorme Herausforderungen. Einerseits muss der Künstler die verschiedensten
Affekte vermitteln, die von Freudentänzen bis zu Klagegesängen
auch sämtliche Zwischennuancen enthalten können. Weiterhin
ist die kompositorische Struktur neben der geforderten Virtuosität
und Klarheit im Ausdruck stets so transparent, dass dem Zuhörer
nicht das kleinste Detail entgeht, weder intonatorische Unsauberkeiten
noch Unstimmigkeiten im Ensemblespiel. Um Schwierigkeiten
dieser Art brauchen sich weder Frank Peter Zimmermann noch die
Berliner Barock Solisten Sorgen zu machen. Die Einspielung der Violinkonzerte
überzeugt durch künstlerische Präzision, virtuose Leichtigkeit
und Hingabe im Ausdruck. Mit seinem zarten, schlanken und
lebendigen Klang gelingt es Zimmermann, die Zuhörer von Anfang an
in seinen Bann zu ziehen. US
Johann Sebastian Bach: „Violinkonzerte“,
Frank Peter Zimmermann, Serge Zimmermann,
Berliner Barock Solisten (Hänssler)
Track 3 auf der crescendo Abo-CD:
Konzert in d-Moll BWV 1052. III. Allegro
Als neuer Abonnent erhalten
Sie diese CD (siehe S. 54)
ORCHES-
TER
Peter Racine Fricker
Großmeister der
Originalität
Der junge Peter Racine Fricker (1920–90) galt in
den 1950er-Jahren neben Britten und Tippett als
Englands interessantester Symphoniker. Stilistisch
stammt der Seiber-Schüler kaum aus der
britischen Tradition, sondern erweist sich als
höchst origineller Weiterentwickler des Expressionismus
solcher Meister wie Bartók, Berg oder
Blacher. Handwerklich ein Großmeister mit fantastischer
Beherrschung des Orchesters und der
Fähigkeit, große Formzusammenhänge in unorthodoxer
Weise zu schaffen, wird er hier mit
Rundfunkmitschnitten der zwischen 1948 und
1966 entstandenen Sinfonien Nr. 1–4 sowie zwei
kürzeren Werken vorgestellt (Nr. 3 und 4 erstmals
auf Tonträger). Als Symphoniker können
ihm in seiner Zeit in England allenfalls Robert
Simpson, Bernard Stevens und Havergal Brian
zur Seite gestellt werden, und wer Bartók,
Schos takowitsch, Karl Amadeus Hartmann oder
Dutilleux liebt, sollte
hier unbedingt
zugreifen. CS
Peter Racine Fricker:
„Symphonies 1–4“, Bryden
Thomson, Albert Rosen,
BBC Northern Symphony
Orchestra (Lyrita)
FOTO: HARALD HOFFMANN
Wilhelm Furtwängler
Sensationsfund
Am 26. August 1953 stand Wilhelm Furtwängler in Luzern zum letzten Mal am Pult
des Schweizerischen Festspielorchesters. Der Mitschnitt von Robert Schumanns tragisch
düsterer Manfred-Ouvertüre galt lange Zeit als verschollen, bevor er zufällig in
einem Archiv entdeckt wurde. Beim Label Audite ist er jetzt erstmals auf Tonträger
erschienen. Das Album enthält außerdem Liveaufnahmen der am selben Abend aufgeführten
Schumann-Sinfonie Nr. 4 und der Eroica von Ludwig van Beethoven. Letztere
Werke wurden zum ersten Mal auf Basis der originalen Rundfunkbänder editiert;
für bisherige Veröffentlichungen war ein privater Mitschnitt auf Kassette verwendet
worden. Furtwängler näherte sich der Musik aus einer inneren Dringlichkeit
heraus, die beim Anhören dieser Aufnahmen spürbar wird.
Im Adagio-Satz der Schumann-Sinfonie beispielsweise brodeln
Emotionen, die nie in übertriebenes Pathos münden. Ein
empfehlenswertes Album, nicht nur für Furtwängler-Fans. CK
Schumann: „Manfred Overture & Symphony No. 4“, Beethoven: „Symphony No. 3
Eroica“, Wilhelm Furtwängler, Swiss Festival Orchestra (Audite)
Münchner Philharmoniker
Apotheose der
Weltverlorenheit
Die zweite Folge der Münchner Philharmoniker beim
eigenen Label mit Konzertmitschnitten unter Sergiu
Celibidache (nach den unübertrefflichen Aufnahmen
von Schuberts Unvollendeter und Dvořáks Sinfonie
Aus der Neuen Welt) überrascht mit Gustav Mahler.
Und tatsächlich sind die Kindertotenlieder das einzige
Werk Mahlers, das Celibidache aufgeführt hat. Mit
Brigitte Fassbaender wird alles in feinster Weise ausgestaltet,
die Tragödie entfaltet sich in erschütternder
Weise als Apotheose der Weltverlorenheit,
es wird ein unentrinnbarer Spannungsbogen zelebriert.
Richard Strauss’ Tod und Verklärung erfährt in
der prachtvoll durchgehörten, hellwach ausbalancierten
und aufgrund kammermusikalisch geschulter,
kontrapunktisch und harmonisch bewusst artikulierender
Sanglichkeit eine rundherum stimmige und
fesselnde Referenzaufführung.
CS
Mahler: „Kindertotenlieder“ & Strauss:
„Tod und Verklärung“, Sergiu Celibidache,
Münchner Philharmoniker
(MPHIL)
32 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2018

ORCHES-
TER
Göteborgs Symfoniker
Edelmut
statt Muskelspiel
Seit 2013 ist Kent Nagano neben seinen Tätigkeiten als Generalmusikdirektor
in Hamburg und Orchesterchef in Montréal auch Erster
Gastdirigent der Göteborger Symphoniker, des schwedischen Nationalorchesters.
Ungewöhnlich sauber und detailverliebt durchleuchtet
er hier mit den Göteborgern die Partitur von Strauss’ Heldenleben, als
wäre es große Kammermusik, und erzielt dabei auch berückend weiche
Pianoklänge. Nagano will keinen musikalischen Superhero-Blockbuster
mit neuesten Spezialeffekten inszenieren, sondern liebt eher
den nüchternen, präzisen Zugriff: Was er am Monumentalen spart,
investiert er in Genauigkeit. Des Helden Walstatt klingt deshalb nicht
wie ein Oktoberfest-Walkürengetümmel, sondern vergleichsweise
schlank und elastisch. Konzertmeisterin Sara Trobäck verwandelt
sogar die Sottisen des großen Violinsolos noch in klangvolle
Geschmeidigkeit. Ganz ähnlich auch Naganos Absichten mit Tod und
Verklärung: Noblesse am Sterbebett. WW
Richard Strauss: „Ein Heldenleben“, „Tod und Verklärung“,
Göteborgs Symfoniker, Kent Nagano (Farao)
Track 1 auf der crescendo Abo-CD:
Tod und Verklärung op. 24. I. Largo
Sarah Wegener und Götz Payer
Meeresluft,
Wasserwelt
Was für die Deutschen der Wald ist, das ist für die Briten das Meer –
und von diesem haben sich die Sopranistin Sarah Wegener und der
Pianist Götz Payer zu einem Liedprogramm inspirieren lassen. Sie
präsentieren Lieder von englischen und nordischen Komponisten,
aber auch aus der Feder von Schubert, Brahms und Strauss. Denn
nicht nur vom Wald haben sich die deutschen Dichter faszinieren lassen,
sondern auch von Seen, Flüssen und eben dem Meer. Leider verrät
nur der Album-Titel „… into the deepest Sea!“ die nasse Gemeinsamkeit,
die Liedtexte sind nicht abgedruckt. Schade! Denn dem
Meer möchte man gerne nachspüren,
lesend und hörend ja
sowieso. Eine Stärke der Aufnahme
ist es, im Zweifelsfall
ohne dieses Motto auszukommen
– durch geglückte
Interpretation und den geradezu
nahtlosen Zusammenschluss
von ausdrucksvoller
Stimme und farbenreichem
Klavier. UH
Schubert, Brahms, Sibelius u. a.:
„… into the deepest Sea!“,
Sarah Wegener, Götz Payer (CAvi)
Track 10 auf der crescendo
Abo-CD: Solveigs Sang op. 23
Nr. 19 von Grieg
LIED
FOTO: SIMON DAVID TSCHAN
33

H Ö R E N & S E H E N
Minguet Quartett
Glutvoll
Es gibt Gerüchte, die sind einfach nicht aus der Welt zu
schaffen, auch wenn sie alles andere als zutreffend sind. Im
Falle des österreichischen Erzromantikers Robert Fuchs war
es ein Bonmot seines Komponistenkollegen Josef Hellmesberger,
der den letzten Satz von Fuchs’ Fünfter Serenade mit
den Worten „Fuchs, die hast du ganz gestohlen“ kommentierte,
obwohl das Werk als Hommage an den „Walzerkönig“
gedacht war und alles andere als ein Plagiat ist. Der
Nachwelt waren solche Feinheiten egal, der Ruf schien
zementiert, zumal Fuchs auch noch gut mit Johannes Brahms
befreundet war und gerne als dessen Epigone tituliert
wurde. Die Einspielung der ersten vier Streichquartette
durch das Minguet Quartett könnte daran vielleicht etwas
ändern, denn die vier Musiker plädieren so glutvoll und überzeugend
für diesen Komponisten,
dass man sich ihrem Spiel einfach
nicht zu entziehen vermag. Auf die
Fortsetzung darf man getrost
gespannt sein. GK
Robert Fuchs: „Complete String Quartets“,
Minguet Quartet (MDG)
SOLO
Daniel Hope
Grandioser Fabulierer
Mozart als Tableau vivant. Hope spielt nicht, er malt. Einem Vermeer
gleich setzt er Lichtpunkte, die dem Vertrauten das Unvertraute
zurückschenken. Wo bei anderen Interpretationen Mozarts
in der Routine allzu häufiger Wiederholung alle Farbenflut verebbt,
zaubert Hope ungeahnte Nuancen. Als brillanter Fabulierer begibt
er sich im Zwiegespräch mit dem kongenialen Zürcher Kammerorchester
auf wundersame Reise zu Mozarts Drittem Violinkonzert. Es
ist eine Reise durch die Zeit, die – neben Gluck, Salomon und
Mysliveček – Mozart das gleichfalls arienhafte Violinkonzert Hob.
VIIa:4 Haydns gegenüberstellt. Wissend, dass Mozarts letztes Violinkonzert
KV 219 in ein Alla turca mündet, wird das Alla turca seiner Klaviersonate
in der Bearbeitung für Violine zur
perfekten Zugabe dieses Albums. Hope ist in
seiner fluoreszierender Leichtigkeit einfach
grandios! SELL
„Journey to Mozart“, Daniel Hope, Zurich Chamber
Orchestra (Deutsche Grammophon)
KAMMER-
MUSIK
Er ist ein begehrter Klarinettist und heftig akklamiert als Gewandhauskomponist.
Dort repräsentiert Jörg Widmann am gleichen Ort
wie einstmals Robert Schumann die musikalische Gegenwart. Das
war der Anlass zur Gegenüberstellung der Weltersteinspielung von
Widmanns eigenen fünf Stücken im Märchenton mit den musikalischen
Märchenbildern und -erzählungen des Romantikers. Tabea
Zimmermann, Dénes Várjon und der selbst mitspielende Komponist
nähern sich den Kostbarkeiten dieser liebevollen Edition mit verträumter
Gelassenheit. Diese Idyllen in ungewöhnlicher Besetzung
sind ein lyrischer Kampf der Poesie gegen die Prosa des Alltags. Jörg
Widmann verbirgt in seinen fünf Sätzen, dass es ihm weniger um echte
Tabea Zimmermann, Jörg Widmann, Dénes Várjon
Märchen aus unsicheren Zeiten
Märchen als um Muster früheren Erzählguts geht. Schumann dagegen,
der zur Entstehungszeit mit seiner Legendenoper Genoveva rang,
bannte intellektuelle Sehnsucht nach dem Wunderbaren in musikalische
Sätze mit Fantasiepotenzial: Salonkultur zwischen Brüder
Grimm und Ludwig Richter. DIP
„Es war einmal ... Märchenerzählungen von Robert Schumann und Jörg Widmann“,
Tabea Zimmermann, Jörg Widmann, Dénes Várjon (myrios classics)
Track 4 auf der crescendo Abo-CD:
Märchenerzählungen für Klarinette, Viola und Klavier op. 132.
III. Ruhiges Tempo mit zartem Ausdruck
FOTO: FRANK ROSSBACH
34 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2018

SOLO
Martin Helmchen
Analytisch, präzise, klug
Erbaut sind sie fast aus dem
Nichts: aus einem kleinen Walzer
des eitlen und nicht allzu seriösen
Verlegers namens Anton Diabelli.
Der hatte 1819 alle namhaften
„vaterländischen“ Komponisten
gebeten, ihm eine Variation
darauf zu komponieren. Franz
Schubert lieferte brav eine Variante
wie auch der erst zwölfjährige
Franz Liszt. 1823 folgte Beethoven,
eher lustlos, anfangs
wollte ihn der „Schusterfleck“
nicht inspirieren. Doch dann war
es um ihn geschehen – und Diabelli
zahlte gut. 33 Variationen
entstanden, einer „der größten
Berge, die man als Pianist erklimmen
kann“, sagt Martin Helmchen.
Klug und analytisch sind
seine Ausführungen im Booklet
wie auch seine Interpretation.
Beethovens systematische Zerlegung,
ja regelrechte Skelettierung
von Diabellis munterem Tanz
folgt Helmchen mit absoluter
Konsequenz und Präzision.
Gleichzeitig gelingt es ihm,
Gegensätzliches und Gemeinsames
unter einem Bogen zu vereinen
– eine unglaubliche Verausgabung
seiner introvertierten
Künstlerpersönlichkeit. TPR
Paul Armin Edelmann
Schuberts Liebesgeschichten
Der künstlerische Ansatz, den Bariton Paul Armin Edelmann bei seinem
„Schubert Album“ verfolgt, könnte überzeugender nicht sein: Als
„Erzähler“ möchte er uns die Geschichten nahebringen, die der Komponist
in seinen Liedern festgehalten hat. Und dabei das, was wir
hören, fühlen oder assoziieren, uns überlassen. Abgesehen von dieser
überaus klugen, im besten Sinne uneitlen Haltung hat Edelmann eine
großartige Stimme, wie geschaffen für das Lied und dessen feine Nuancen.
Die meist bewegten Geschichten, die er für das Album ausgewählt
hat, kreisen um Liebe und Liebesleid (so etwa Bei dir allein oder An mein
Herz) – aber auch Prometheus und der rätselhafte Leiermann aus der
Winterreise sind dabei. Ein fesselnder Querschnitt durch Schuberts
Liedschaffen – hörenswert auch für all jene, die
ihren Lieblingsinterpreten eigentlich schon
gefunden haben. JH
FOTO: GIORGIA BERTAZZI
Ludwig van Beethoven: „Diabelli Variations“, Martin Helmchen
(Alpha)
LIED
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Zeitverlag
„The Schubert Album“, Paul Armin Edelmann, Charles Spencer
(Capriccio)
Track 11 auf der crescendo Abo-CD:
Greisengesang op. 60 Nr. 1 D 778
DAS NÄCHSTE CRESCENDO
ERSCHEINT AM 16. MÄRZ 2018.
crescendo
unterstützt
35

H Ö R E N & S E H E N
FOTO: WIENER STAATSBALLETT, ASHLEY TAYLOR
TANZ
Rudolf Nurejew
Tanzbesessen
So viel Tanz war nie! Natürlich wird in allen Don-Quixote-Versionen zu Ludwig Minkus’
gezielt ballettbestimmter Musik herzhaft viel getanzt. Aber Rudolf Nurejew
hielt sich 1966 in seiner Fassung für das damalige Wiener Staatsopernballett nicht
nur eng an die Petipa-Urfassung von 1869/71. Bei allem, von ihm auch bestens
bedienten, Komödien-Humor um den skurrilen „Don Q.“ und seinen Sancho Pansa,
lebte Nurejew hier seine Tanzbesessenheit voll aus. Ob das Liebesgeplänkel
zwischen Kitri und Basil – in Weltklasseformat von Maria Yakovleva und Denys
Cherevychko dargeboten –, ob Seguidillas und Fandangos oder hochklassische
Dryaden-Königin mit Gefolge: Alle Solo-Variationen, die zahlreichen Pas de deux
bis zu den Pas de cinq und sogar die großen Ensembles sind geradezu
schwindelerregend kompliziert-schrittdicht in der Fußarbeit gestaltet,
dabei so tänzerisch beweglich im Oberkörper, dass man Manuel Legris’
geschliffen tanzendem, von Dirigent Kevin Rhodes temperamentvoll angefeuerten
Wiener Staatsballett nur dankbar sein kann, dieses Nurejew-
Vermächtnis so sorgsam zu pflegen. GRA
Ludwig Minkus: „Don Quixote“, Rudolf Nureyev, Wiener Staatsballett (Cmajor)
BAROCK
Dorothee Mields
Gefühlsfülle
Ob Liebe oder Hass, ob Trauer oder Furcht: Die Sprache
der Musik vermag jedes noch so menschliche Gefühl auf
ihre eigene Art und Weise in Szene zu setzen. Das Album
„La dolce vita“ würdigt mit Claudio Monteverdi einen
wahren Meister der musikalischen Affektdarstellung. Mal
begleitet vom Basso continuo, mal von obligaten Streichern
und Bläsern erweckt Sopranistin Dorothee Mields
weltliche wie geistliche Madrigale des venezianischen
Komponisten zum Leben. Zusammen mit der faszinierend
transparent und vital aufspielenden Lautten Compagney –
Leitung Wolfgang Katschner – schwelgt Mields in einem
intensiven Kosmos der Emotionen. Mal glückstrunken, mal
schmerzvoll, mal verführerisch, mal verzweifelt gelingt der
Sängerin mit virtuoser Leichtigkeit und betörender
Wärme im Klang eine beeindruckende musikalische Huldigung
von nichts Geringerem als
dem Leben selbst in seiner ganzen
emotionalen Fülle. DW
Claudio Monteverdi: „La dolce vita“,
Dorothee Mields, Lautten Compagney,
Wolfgang Katschner (dhm)
Christian Thielemann
Mit Sammlerwert
Ja, Karajan war auch Opernregisseur. 1967 zeigte er seine Walküre bei den allerersten
Salzburger Osterfestspielen. Christian Thielemann, profunder Wagnerianer,
Anbeter des Gestrigen und einst Karajan-Assistent, lud die Regisseurin Vera
Nemirova fünfzig Jahre danach ein, Karajans „Vision“ von damals im nachgebauten
Bühnenbild von Günther Schneider-Siemssen an Ort und Stelle zu reanimieren.
Das Resultat: Eine pomadige post-mortem-Allianz von Leni Riefenstahl und
Wolfgang Wagner, zu der Nemirovas Regie so gut passt wie Erwachsene auf
einen Kinderspielplatz. Thielemanns Staatskapelle bietet dagegen einen nussigen
Wagner-Klang. Aus dem souveränen Sänger-Ensemble bebt
Vitalij Kowaljow als Schmerzensmann Wotan heraus. Die Bildtiefenschärfe
dürfte brillanter sein, der Sound von Orchester
und Solisten rückt dem Hörer allerdings wohlig auf die Pelle.
Eine DVD mit ganz merkwürdigem „Sammlerwert“. AL
Richard Wagner: „Die Walküre“, Christian Thielemann, Staatskapelle Dresden,
Vera Nemirova (C Major)
Martha Argerich
Argentinische Klaviermagierin
Unter den unzähligen Aufnahmen der beiden Konzerte von Chopin
gibt es nur wenige, die einen vom ersten Klaviereinsatz an so fesseln und elektrisieren
wie die, die Martha Argerich mit ihrem Ex-Ehemann Charles Dutoit 1998 in
Montréal zu wahren Vulkanausbrüchen der Leidenschaft verdichtete! Dagegen
wirken fast alle männlichen Konkurrenten wie zahme Weicheier. Damit unterstrich
die argentinische Klavierhexe ein weiteres Mal ihre Fähigkeit, das wirkliche
emotionale Potenzial dieser beiden Jugendwerke so deutlich und entschieden in
flammende Klangrede zu verwandeln, dass neben aller Schönheit auch das Seelendrama
und das revolutionäre Pathos beider Konzerte den Hörer durchfluten. Hier
agiert eine Totalmusikerin, ein echtes Orakel, die entschieden den Ton, die Richtung
vorgibt und Orchester wie Dirigenten in ihren
Bann zieht. Nach diesem Feuerwerk der
gebündelten Leidenschaft ist man ein anderer,
und deshalb sollte sich jeder Vinyl-Freak
das tadellos gepresste Doppelalbum nicht
entgehen lassen. AC
Chopin: „Piano Concertos Nos. 1 & 2“, Martha Argerich,
Charles Dutoit, Orchestre Symphonique de Montréal (Warner)
OPER
FOTO: OFS FORSTER
36 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2018

SOLO
Emmanuel Tjeknavorian
Eleganz, Temperament
und Virtuosität
Ein wahrlich virtuoses Programm für Violine solo hat Emmanuel Tjeknavorian
für sein Debütalbum zusammengestellt. Neben erwartbarem
Repertoire wie Bachs Chaconne oder Ysaÿes Fünfter Sonate bringt der
22-jährige Österreicher mit armenischen Wurzeln auch ein Werk seines
Landsmanns Christoph Ehrenfellner (*1975) zu Gehör, das Elemente
der spätromantisch-virtuosen Tonsprache mit alpenländischer
Volksmusik kombiniert. Tjeknavorian meistert diese enorm fordernden
Stücke absolut souverän. Bei manchen Geigern zerfällt die
Bach-Chaconne in lauter einzelne Episoden, Tjeknavorian spielt sie wie
aus einem Guss, mit schlankem biegsamen Ton, tänzerischer Eleganz
und profundem strukturellen Verständnis.
Groß und romantisch interpretiert er Prokofjews
Sonate, stupend brillant die aberwitzig
schwierige Letzte Rose von Heinrich Wilhelm
Ernst. Ein beeindruckendes Debüt, das neugierig
macht auf mehr. MV
„Solo“, Emmanuel Tjeknavorian (Sony)
FOTO: UWE ARENS
Nicolai
Lugansky
© Jean-Baptiste Millot
KAMMER-
MUSIK
Ensemble Raro
Es rappelt im Ethnokarton
Wer Komponisten wie Ahmed Saygun, Béla Bartók oder George
Enescu in die Ethnoschublade der Musik des 20. Jahrhunderts stecken
will, darf das getrost – wenn es den Einstieg in ihre Musik erleichtert.
Die Zuordnung stimmt im Großen und Ganzen, und wo sie beengt,
bricht die Musik schon von selbst aus. Die Erste Rumänische Rhapsodie
von George Enescu fühlt sich hörbar wohl in dieser Schublade: Die
Musik fliegt nur so dahin – ein Zigeunermusik-Imitat, das einen vom
Hocker reißt und in dieser Klavierquartettfassung von Thomas Wally
noch authentischer und direkter erscheint als in Enescus Orchesterversion.
Intimere, nachdenklichere Töne werden in Enescus angespannt-romantischer
Dritten Violinsonate und Bartóks Miniatur Ein
Abend am Lande angestimmt. In den von Gilles Apap und Diana Ketler
ganz großartig gespielten Bartók’schen Rumänischen Volkstänzen dominiert
die Lyrik – bis auf die zwei furiosen,
gewitzten und gewürzten Schlusssätze. Träumerisch-schön
post-Brahmsisch rundet die
Nocturne Ville d’Avrayen für Klavierquartett das
Programm ab. JL
George Enescu, Béla Bartók: „Rhapsodie Roumaine“,
Ensemble Raro, Gilles Apap, Diana Ketler (Solo Musica)
Sergej RACHMANINOW
24 Preludien
Rachmaninow hat das Genre der Preludien mit seiner
grenzenlosen musikalischen Erfindung und seinen
furchterregenden technischen Anforderungen zum
höchsten Grad an Perfektion erhoben. In seiner
ersten Aufnahme für harmonia mundi meistert
Nikolai Lugansky die Herausforderung glänzend und
bietet ein Programm der schönsten Werke in seinem
Repertoire. Ein Höhepunkt pianistischer Zauberei!
HMM 902339
37
harmoniamundi.com

H Ö R E N & S E H E N
Unerhörtes & neu Entdecktes
von Christoph Schlüren
MUSIK-WELTBÜRGER
Opernruhm, politischer Widerstand und musikalische Vielfalt –
zum 100. Geburtstag von Gottfried von Einem.
Am 24. Februar wäre er 100 Jahre alt geworden: Gottfried
von Einem ist zwar ein geläufiger Name in der klassischen
Moderne, doch wer kennt seine Musik? Allenfalls
einige seiner Opern, allesamt rauschende Premierenerfolge,
tauchen weiterhin auf den Spielplänen auf: Dantons Tod
nach Büchner, Der Prozess nach Kafka oder Der Besuch der alten
Dame nach Dürrenmatt. Dantons Tod, 1947 das erste Bühnenwerk
überhaupt, das bei den Salzburger Festspielen uraufgeführt wurde,
war lange Zeit die erfolgreichste Oper der Nachkriegszeit.
Von Einem, 1918 in Bern geboren, wuchs in Schleswig-Holstein
auf und machte während des Dritten
Reichs die ersten Schritte an die
Öffentlichkeit. Als Korrepetitor unter
Heinz Tietjen lernte er in Berlin
zunächst das Opernhandwerk von der
Pike auf, bevor er ab 1941 bei Boris Blacher,
jenem großen Meister der inneren
Emigration, privat Komposition studierte.
Blacher vermittelte ihm nicht nur
strukturelle Ausrichtung innerhalb des
Metiers, sondern endlich auch eine klare
ethisch-politische Orientierung. Man
hörte gemeinsam die „Feindsender“
und bewegte sich in Widerstandskreisen.
Von Einems Mutter spielte virtuos
auf der Klaviatur der Hochfinanz und
Politik und bezahlte dafür zunächst – als
„Mata Hari“ des Dritten Reichs verdächtigt
– mit Gestapo-Haft und einem
Todesurteil in Paris in Abwesenheit,
nach dem Krieg dann mit langjähriger
Gottfried von Einem
Haft in Frankreich, bevor der Freispruch erfolgte. Bis zum Ende
ihres Lebens leugnete sie, dass Gottfried von Einems leiblicher Vater
der ungarische Graf László Hunyady war, der auf einer gemeinsamen
Großwildjagd in Ägypten von einem Löwen zerrissen wurde.
Nach dem Krieg war Gottfried von Einem Direktoriumsmitglied
der Salzburger Festspiele und läutete dort eine neue Ära zeitgenössischer
Musik ein. Wir verdanken ihm aber auch, dass Furtwängler
Don Giovanni und Othello dirigierte. Er wehrte sich letztlich
erfolglos gegen die totale Machtübernahme Karajans und des
hedonistischen Kommerzialismus, da man ihn aus dem Direktorium
warf, nachdem er sich für den „Kommunisten“ Bertolt Brecht
eingesetzt und diesem einen österreichischen Pass verschafft hatte.
Auch sein Plan, Brecht einen „Salzburger Totentanz“ als Ersatz für
Hofmannsthals Jedermann schreiben zu lassen, wurde ausgehebelt.
Doch umso steiler war in den 1950er-Jahren sein Aufstieg als Komponist,
dessen Werke Dirigenten wie Karajan, Kubelík, Keilberth,
Solti, Böhm, Sawallisch oder Mehta aus der Taufe hoben.
Im Laufe der 1960er-Jahre wurde die Kritik von Seiten der
Avantgardisten immer lauter. Man warf ihm – wie Schostakowitsch
oder Britten – Rückständigkeit vor. Von Einem kümmerte sich nicht
um Neider und Gegner und polemisierte
gegen den Dilettantismus der dogmatischen
Serialisten und Postserialisten. Jenseits seiner
höchst wirkungsvollen Opern und der
beiden kraftvollen Kantaten Stundenlied
und An die Nachgeborenen schuf er großartige
Orchesterwerke in einem extrem breit
gefächerten, in seiner Gegenwärtigkeit,
innig empfundenen Sanglichkeit und subtilen
architektonischen Meisterschaft unverkennbar
persönlichen Ausdrucksspektrum.
Darunter sind neben vier Sinfonien Werke
wie der Bruckner-Dialog oder die Orchestermusik
op. 9 mit ihren wilden Kaskaden hervorzuheben.
Seine knapp geformten Lieder
sind wunderbar, und als Höhepunkte
möchte ich seine fünf Streichquartette nennen.
Gottfried von Einem war einer der
feinsten Komponisten seines Jahrhunderts.
Er starb 1996 in seiner niederösterreichischen
Wahlheimat Oberdürnbach und
wurde postum für die unerschrockene Rettung eines jüdischen Kollegen
vor den Nazi-Schergen in Yad Vashem als „Gerechter der
Völker“ verewigt. Die ernsthafte Beschäftigung mit dem zeitlosen
Schaffen dieses musikalischen Weltbürgers,
dessen mystische Oper Jesu Hochzeit von den
Inquisitoren der katholischen Kirche diffamiert
wurde, ist überfällig.
n
Gottfried von Einem: „Philadelphia Symphonie“,
Wiener Philharmoniker, Franz Welser-Möst (Orfeo)
FOTO: WERNER NEUMEISTER
38 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2018

Hiromi & Edmar Castaneda
Explosive Saitenspiele
Die japanische Pianistin Hiromi zählt seit 15 Jahren zu den aufregendsten Virtuosinnen
des Fusion-Jazz-Rock: In ihrem rasanten Spiel verdichten sich alle
großen Jazz-Pianisten von Art Tatum bis Chick Corea, und ihre stilistische
Vielfalt ist einfach berauschend. Ihr neuestes Album enthält den Mitschnitt
ihres ersten Auftritts mit dem ähnlich explosiven kolumbianischen Harfenisten
Edmar Castaneda beim Jazz-Festival in Montreal im Juni 2017. Diese
exotische Kombination von wesensverwandten Saiten-Instrumenten birgt für
zwei solche Hexenmeister ein völlig neues Experimentierfeld für fantastische
Dialoge und unerhörte Klangmischungen. Höhepunkt des Albums ist eine
30-minütige Suite, in der die beiden in schönster impressionistischer Lautmalerei
die Naturkräfte beschwören: Luftschwingungen,
grunzende Erdhügel und perlende Wasserspiele
münden in einen vulkanischen Feuertanz, der uns
nach Südamerika entführt und mit Piazzollas Libertango
seinen befreienden Abschluss findet: ein elektrisierendes
Album. AC
JAZZ
Hiromi & Edmar Castaneda: „Live in Montreal“ (Telarc)
Oscar Peterson in memoriam
Liebeserklärungen an Oscar
Oscar Peterson war neben Art Tatum der bedeutendste Jazz- Pianist des 20.
Jahrhunderts: Als „Maharadja der Tasten“ prägte er über sechs Jahrzehnte das
virtuose Klavierspiel und beeinflusst durch seine unzähligen Aufnahmen bis
heute alle nachfolgenden Pianisten-Generationen. Zu seinem zehnten Todestag
hat seine Witwe Kelly nun einen illustren Kreis von klavierspielenden
Peterson-Verehrern zu sich nach Kanada eingeladen und sie gebeten, über
ausgewählte Kompositionen ihres Mannes zu improvisieren. Im Lauf eines Jahres
folgten 14 Top-Pianisten ihrem Ruf und hinterließen 37 Liebeserklärungen
an Oscar, die jetzt in einer audiophilen 3-CD-Edition erschienen sind. Neben
Altmeistern wie Monty Alexander, Kenny Baron, Ramsey Lewis und Chick
Corea ließen sich auch jüngere Piano-Cracks wie Benny Green, Gerald Clayton,
Justin Kauflin oder Japans Klavierhexe Hiromi vom Zauber von Oscars
eigenem Bösendorfer-Flügel inspirieren und erweckten dabei auch unveröffentlichte
Titel Petersons zu neuem Leben. Herauskam eine wunderbare, in
jedem Moment tief empfundene, von purer Seelenenergie
durchflutete Hommage von lauter Großmeistern
an ihr hochverehrtes Idol und eines der bewegendsten
Klavieralben der letzten Jahre. AC
„Oscar, with Love – 14 Pianisten spielen Oscar Peterson“
(Two Lions Records)
Pjotr Iljitsch Tschaikowsky
Mann aus Porzellan
Aktuelle
NEUHEITEN
bei Sony Classical
Sonya Yoncheva | Das Verdi Album
Erhältlich ab 02.02.18
www.sonyayoncheva.com
Anita Rachvelishvili
Erhältlich ab 02.03.18
www.anitarachvelishvili.com
Nuria Rial | Vocalise
Einmal mehr beweist
die ECHO Klassik
Preisträgerin auf ihrem
neuen Album mit Verdi-
Arien, über welche
Ausnahmestimme sie
verfügt. Begleitet wird
sie vom Münchner
Rundfunkorchester.
Die junge Mezzosopranistin
gilt als
derzeit beste Carmen.
Auf ihrem ersten Album
präsentiert sie Arien aus
Carmen, Il Trovatore,
Cavalleria Rusticana,
Don Carlos u.a., begleitet
vom Orchestra Sinfonica
Nazionale della Rai.
Um Tschaikowskys Leben als elektrisierende Geschichte zu erzählen, muss
nichts hinzugefügt werden: Zwischen Überempfindlichkeit und Angstzuständen,
unglücklicher homosexueller Liebe und quälendem Heimweh, Lampenfieber
und Menschenscheu irrt er – emotional ein „Mann aus Porzellan“ –
rastlos durch ein Russland zwischen Cholera und Zarenkritik. Der BR setzt
mit Tschaikowsky nun seine Reihe von Hörbiografien berühmter Komponisten
fort. Autor Jörg Handstein hat ein packendes Hörbuch von großer
Informationsdichte geschaffen, durchweg gut gelesen etwa von Tatort-Kommissar
Udo Wachtveitl oder Schauspieler Stefan Wilkening. Die unzähligen
kurzen Musikbeispiele machen gewaltig Lust auf Tschaikowsky-Musik im
Ganzen, ein Verlangen, das auf der vierten und letzten CD der Box sogleich
gestillt wird: Sie enthält die berühmte, neun Tage vor Tschaikowskys Tod vollendete
Sinfonie Nr. 6 „Pathétique“ und das wenig
bekannte Chorwerk Die Nachtigall – natürlich „hauseigen“
gesungen und gespielt vom Chor und Symphonieorchester
des Bayerischen Rundfunks unter
Mariss Jansons. MG
Erhältlich ab 09.02.18
www.nuriarial.com
Nuria Rial und die
8 Cellisten des
Sinfonieorchesters
Basel haben Werke von
Piazzolla, Villa-Lobos,
Casals und Vivancos
eingespielt.
HÖR-
BUCH
„Tschaikowsky. Der Wille zum Glück. Eine Hörbiografie von Jörg
Handstein“, Udo Wachtveitl, Stefan Wilkening (BR Klassik)
39
www.sonyclassical.de
www.facebook.com/sonyclassical

A K U S T I K
WIE AUS
TAUSENDUNDEINER NACHT
Mystik, Religion und kulturelle Identität – die türkische Langhalslaute Bağlama hat nicht nur
einen faszinierenden orientalischen Klang, sondern auch frappierende Symbolkraft.
VON ALEXANDER RAPP
FOTO: ALEXANDER RAPP
Taner Akyol
gehört zu den
besten Spielern
der türkischen
Langhalslaute
Bağlama
40 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2018

In einem Studio in Berlin Kreuzberg arbeitet Taner Akyol. Auf
seinem Schoß ruht eine Bağlama, die typische anatolische Langhalslaute.
Taner Akyol ist nicht nur einer der besten
Bağlamaspieler, sondern auch mehrfach ausgezeichneter Komponist,
dessen Kinderoper Ali Baba und die vierzig Räuber 2012
mit großem Erfolg an der Komischen Oper Berlin uraufgeführt
wurde. 2017 spielte er in der Berliner Philharmonie mit seinem
Trio zusammen mit dem legendären türkischen Pianisten Fazıl
Say, der mit der Sängerin Serenad Bağcan seine Vertonungen türkischer
Gedichte aufführte. Der Klang von Taner Akyols Instrument
evoziert unvermeidlich orientalische Bilder aus Tausendundeiner
Nacht. Dabei ist die Bağlama das wichtigste Begleitinstrument
in der klassischen Musik des
osmanischen Hofes und der türkischen
und zentralasiatischen Volksmusik
von Anatolien über Armenien
und Aserbaidschan bis in den Iran.
Für die Turkvölker, deren identitätsstiftende
Traditionen mündlich
überliefert und weitergegeben werden,
ist die Bağlama vom Begleitinstrument,
zu dem die traditionellen
Geschichten und Gedichte gesungen
werden, selbst zum Symbol für ihre
Identität geworden. Der Klang der
Bağlama ist im gesellschaftlichen
Leben vieler Menschen bis heute präsent.
Vor allem für die Aleviten, bei
denen die Feier des Gottesdienstes
nicht in der Moschee, sondern im
Kreis der Familie vollzogen wird, ist
die Bağlama als zentrales Element
des Gottesdienstes und anderer Rituale
selbst Teil der Familie. In Taner
Akyols Studio hängt ein fast lebensgroßes
Foto zweier Männer aus dem
Jahr 1938. Sie halten sich an der Hand,
Vater und Sohn. Kurz nach der Aufnahme
verschwanden sie im Massaker
von Dersim, getötet oder vertrieben.
Solche Geschichten gibt es in
vielen alevitischen Familien, und sie werden durch die traditionellen
Lieder lebendig gehalten. Gerade in Deutschland, dem wichtigsten
Exilland für viele Anatolier, hat deren Volksmusik eine
besondere Aktualität. Der Klang der Bağlama steht somit auch für
eine Parallelkultur. Viele Aleviten anatolischer Abstammung, die
in Deutschland aufgewachsen sind, haben die Heimat und Kultur
ihrer Eltern und Großeltern aus den alten Liedern kennengelernt.
Wie bei vielen Volksmusiken gibt es auch für die Volksmusik
der Turkvölker so gut wie keine schriftlichen Quellen. Erst in den
letzten 30 bis 40 Jahren haben einige Musiker und Wissenschaftler
begonnen, die Lieder aufzuschreiben und dazu Notationen entwickelt,
die die Besonderheiten der Musik und der Spielweise der
Bağlama wiedergeben und auch für Musiker nachvollziehbar
machen, die nicht mit dieser Musiktradition vertraut sind.
Die Lieder stammen von sogenannten Âşık, die je nach sozialer
Lage verschiedene Aufgaben haben. Sie fungieren als Bewahrer
und Übermittler der Tradition, Unterhalter und politische oder
religiöse Führer. In der Ausübung all dieser Funktionen ist der
Klang der Bağlama gegenwärtig, was dem Instrument eine Reihe
von Beinamen eingebracht hat: Weggefährte, Waffe, Koran mit
Saiten. Die Wichtigkeit des Instruments zeigt sich besonders in
BAĞLAMA
Die Bağlama ist die mittelgroße einer Gruppe
von als Saz bezeichneten Langhalslauten, die vom
Balkan bis nach Afghanistan verbreitet sind, insbesondere
in der Türkei und in der armenischen,
iranischen, kurdischen, aserbaidschanischen und
afghanischen Musik. Die Bağlama hat sechs bis
sieben Saiten, die in drei „Chöre“ zusammengefasst
sind.
seiner Bezeichnung als Saz, was im Persischen einfach Instrument
bedeutet. In der alevitischen Denkweise enthält Musik viele Elemente
aus der Zahlenmystik und der religiösen Symbolik. Das
zeigt sich zum einen in der Anzahl der Saiten: Viele Bağlama sind
mit drei Chören zu je vier Saiten bespannt, ein Symbol für die
zwölf Nachfahren des Propheten Ali, der wichtigsten religiösen
Autorität der Schiiten und Aleviten. Die Symbolik reicht so weit,
dass die Bağlama den Propheten Ali selbst verkörpert, wobei der
Resonanzkörper ihn selbst und der Hals sein Schwert darstellt.
Bereits in vorislamischer Zeit war die Kopuz, der Vorläufer der
Bağlama, ein herausragendes Instrument der Turkvölker. Vorläufer
der Kopuz verbreiteten sich im vierten Jahrhundert vor Christus
aus dem damaligen Turkestan
über China in weitere von Turkvölkern
besiedelte Gebiete. Aus diesem
Instrument, das einen Korpus aus
Leder hatte, mit Darmsaiten bespannt
war und ohne Bünde gespielt wurde,
entwickelte sich im 17. Jahrhundert
die Bağlama. Der Name, der „gebunden“
bedeutet, leitet sich wahrscheinlich
davon ab, dass das Instrument
mit der Einführung von Stahlsaiten
und einem Holzkorpus auch mit
durch Angelschnur befestigten Bünden
versehen wurde. Die Bağlama
besteht aus einem halbbirnenförmigen
Korpus, einem langen Hals und
FOTO: TANER AKYOL
dem Wirbelkasten. Sie wird in verschiedenen
Größen hergestellt, die
jeweils einen eigenen Namen haben:
die kleine Cura, die Standardform
Bağlama und die große Meydan Sazı.
In neuerer Zeit werden auch
Bassbağlamas gebaut, um Ensemblemusik
nach westlichem Vorbild spielen
zu können. Die Bağlama ist meistens
mit dreichörigen Stahlsaiten
bezogen. Die Anzahl der Saiten variiert
dabei je nach Stimmung und
Größe des Instruments. Sie wird entweder
mit einem Plektrum gespielt oder mit den Fingern nach der
Şelpe-Spielweise gezupft.
Der besondere Klangcharakter des Instruments und der
damit gespielten Musik kommt neben der Bauart und Spielweise
der Bağlama vor allem von den besonderen Tonskalen, auf denen
diese Musik beruht. Die zur Verfügung stehenden Intervalle dieser
Skalen sind feiner unterteilt als das Tonmaterial der westlichen
Musik, sie entsprechen ungefähr Vierteltönen. Die klassische
osmanische Kunstmusik, die an den Höfen entstand, kennt 600
dieser sogenannten Maqam-Skalen. In der Volksmusik kommen
nur sechs solcher Skalen zum Einsatz.
Heute nimmt sich eine Generation jüngerer Komponisten,
teilweise türkischstämmig, aber auch immer mehr westliche, der
Bağlama an und komponiert für dieses Instrument. Die Bedingung
eines Kompositionswettbewerbs, der 2008 von der Zeitgenössischen
Musikstiftung Brandenburg ausgeschrieben wurde,
war die Verwendung der Bağlama als Soloinstrument. Seit 2015 ist
eine Teilnahme bei „Jugend musiziert“ mit diesem Instrument
möglich, und seit 2016 gibt es die Möglichkeit zum Studium der
Bağlama als Hauptinstrument für Lehramt an der Universität der
Künste Berlin.
■
41

R Ä T S E L
GEWINNSPIEL
Wer verbirgt sich hinter diesem Text?
KARAJANMANIE
Im Dezember verlosten wir über
crescendo-Facebook eine große Karajan-Box
(Gewinner: Eric Dietenmeier, München).
Völlig überwältigt haben uns die mehreren hundert
Leserkommentare dazu, was sie persönlich mit
Karajan verbinden. Ob im Positiven oder Negativen,
dieser Mann hat eine ganze Generation von Musikliebhabern
begleitet und geprägt!
„Trotz
meiner
riesigen
Erfolge gibt
es über
manches
auch geteilte
Meinungen“
In Italien geboren, kam ich nach meinem Trompeten- und Chormusikstudium
als Musikassistent zum Rundfunk. Als Theaterkomponist
arrangierte ich Musik und dirigierte Bands und Orchester. Ich brauchte
Geld und dachte, Filmmusik zu schreiben wäre eine gute Idee. Aber ich
bewarb mich bei niemandem in der Filmindustrie. Ich dachte: „Ein Filmemacher
muss mich bitten, weil er glaubt, dass das, was ich schreibe,
gut ist.“ Und so geschah es, dass ein Regisseur mich ansprach, dann
noch einer, noch einer und so weiter. Denn meine Musik war anders als
diese traditionell sinfonischen Kompositionen aus Hollywood. Bei mir
riefen Eulen, heulten Kojoten, erklangen Maultrommeln, Pfiffe und
Schreie. Mein Stil galt als ungewöhnlich innovativ, sodass sich viele
andere Komponisten an mir orientierten, Metallica, Andrea Bocelli
und Bruce Springsteen meine Musik coverten und ich Hitparadenerfolge
feiern durfte. Besonders mit meinem Freund aus Kindertagen
verband mich eine außergewöhnliche Zusammenarbeit. Unsere Filme
wurden ein Erfolg, denn er verstand, dass Filmmusik Raum braucht,
um sich entfalten zu können. „Der Film muss der Musik diese Zeit
geben, um sich zu entwickeln.“ Ich schrieb Kammermusik, Kantaten,
Messen und natürlich die Soundtracks zu über 500 Filmen, gewann
diverse Preise für mein Schaffen und wurde mit dem Ehren-Oscar für
mein Lebenswerk ausgezeichnet. Wenn man sich durch die Filme blättert,
an denen ich gearbeitet habe, sieht man, dass ich ein Spezialist für
Western, Liebesfilme, politische Filme, Actionfilme, Horrorfilme und
so weiter bin. Mit anderen Worten: Ich bin gar kein Spezialist, weil ich
alles gemacht habe. Ich bin ein Musikspezialist.
■
RÄTSEL LÖSEN UND
JOHN WILLIAMS GEWINNEN!
Was ist hier gesucht? Wenn Sie die Antwort kennen,
dann schreiben Sie Ihre Lösung unter dem Stichwort
„Alltags-Rätsel“ an die crescendo- Redaktion,
Rindermarkt 6, 80331 München oder per E-Mail an
gewinnspiel@crescendo.de. Unter den richtigen
Einsendungen verlosen wir die CD-Box „John Williams, Conductor.
20 Complete Albums” (Sony). Einsendeschluss ist der 01.03.2018.
Die Gewinnerin unseres letzten Alltagsrätsels ist Monika Schedelmann,
Oberbibrach. Die Lösung war „Gioachino Rossini“.
crescendo-Herausgeber Winfried Hanuschik
mit der gewichtigen Box des „Anstoßes“
Ulli H. Als Kind habe ich ihn Beethoven dirigieren sehen. Habe
immer Gänsehaut, wenn ich es wieder höre.
Giuseppe S. Die Musik wurde von Italienern erfunden, Karajan
hat sie verewigt.
Karsten S. Ich kann mich an ein Interview mit Herrn von Karajan
erinnern (1988?). Er war und wirkte alt. Man sah ihm seine
Schmerzen an. Aber diese jungen Augen und Emotionalität, als
er über das Neujahrskonzert 1987 sprach. Das hat mich unendlich
berührt und hat ihn mir in einem völlig neuen Licht dargestellt.
Ein großer Maestro mit allen Facetten. Aber im Grunde
scheu und verletzlich, unendlich diszipliniert und willensstark.
Ein Mensch und großartiger Musiker.
Ursula S. Von meinem ersten Gehalt habe ich damals Beethovens
Sinfonien gekauft. Wenn ich eine Schallplatte aus der Kassette
nahm, sagte meine Mutter oft: „Das machst du feierlich.“
Carsten K. ... Ein Altnazi, der nie zu seinem schändlichen Benehmen
vor 1945 gestanden hat ... Ein Lackaffe, den die Branche
viel zu lange zur unangreifbaren Ikone hochstilisiert hat, weil
sich mit seinem Namen viel Geld verdienen ließ – und offenbar
leider immer noch lässt.
Nicole F. ... Ich habe ein großes Faible für diesen exzentrischen,
charmanten, überheblichen Mann. Diese Haare, diese schnarrende
Stimme!
Irini S. Mit Karajan verbinde ich das totalitäre Moment der
Schönheit ... Wenn ich seitdem seine Aufnahmen höre, kriege
ich Gänsehaut, denn dann sehe ich das Orchester vor mir, wie es
fast schon Wunder vollbringt, weil er/sie will und es vor allem
kann – und vorne steht dieser Mensch, der sagt: „Ein Orchester
hat keinen Klang, den macht der Dirigent.“
42 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2018

ERLEBEN
Die wichtigsten Termine und Veranstaltungen im Februar und März im Überblick (ab Seite 44)
Kurt Weill Fest Dessau: Bettlerkönig, Kabarett und das wilde Berlin der 20er-Jahre (S. 50)
Bachfest Leipzig: Der Festival-Gigant rund um den berühmten Thomaskantor (Seite S. 52)
16. Februar bis 27. Mai, Frankfurt am Main
VOM GRAFFITISPRAYER ZUM STAR
DER KUNSTWELT – BASQUIAT
„Verkaufen Sie Ihre Werke immer noch für einen Dollar?“,
sollen die Worte gewesen sein, mit denen Andy Warhol am
4. Oktober 1982 Jean-Michel Basquiat in seinem Atelier zu
empfangen geruhte. Als triumphales Dokument der lange herbeigesehnten
Verbindung malte Basquiat „Dos Cabezas“, ein
Porträt von Warhol und sich selbst. Noch in derselben Nacht
überbrachte es Basquiats Assistent dem verehrten Übervater.
Basquiat wurde 1960 im New Yorker Stadtteil Brooklyn geboren.
Sein Aufstieg zu einem der bedeutendsten Künstler
des 20. Jahrhunderts verlief beispiellos. Vom Graffitisprayer,
der in SoHo und im East Village seine mit „SAMO“ bezeichneten
Sprüche hinterließ, avancierte er zum gefeierten Star der
Jean-Michel Basquiat:
„Dos Cabezas“, 1982
Kunstwelt. Sein Leben, angetrieben von dem Verlangen nach
Anerkennung und gemartert von Selbstzweifeln, war kurz.
In seiner kaum ein Jahrzehnt währenden Karriere formte
er aus Abstraktion und figürlichem Malen, Einflüssen afrikanischer
Kunst und französischer Lyrik einen einzigartigen Stil.
Mit beißender Kritik wandte er sich in seinem Werk gegen
Machtstrukturen, Rassismus und Ausgrenzung. 1988 starb er
an einer Überdosis Drogen. Anlässlich der 30. Wiederkehr
seines Todes zeigt die Ausstellung „Boom for Real“ über
100 seiner Gemälde, Zeichnungen, Notizbücher und Objekte
sowie Filme, Fotografien, Musik und Archivmaterial.
Frankfurt am Main, Schirn Kunsthalle, www.schirn.de
FOTO: PRIVATE COLLECTION, © VG BILD-KUNST BONN, 2018 & THE ESTATE OF JEAN-MICHEL BASQUIAT. LICENSED BY ARTESTAR, NEW YORK
43

E R L E B E N
Februar/März 2018
DIE WICHTIGSTEN
VERANSTALTUNGEN AUF
EINEN BLICK
Ihr persönlicher Navigator für Premieren, Konzerte und Festivals
PREMIEREN
17.1. BERLIN KOMISCHE OPER
Blaubart / J. Offenbach
2.2. BERN (CH) KONZERTTHEATER
The Medium / G. Menotti
2.2. COBURG LANDESTHEATER
Die Geschichte vom Soldaten /
I. Strawinsky
3.2. AUGSBURG THEATER
Prima Donna / R. Wainwright
3.2. CHEMNITZ THEATER
Das Rheingold / R. Wagner
3.2. DRESDEN STAATSOPERETTE
Frau Luna / P. Lincke
3.2. LINZ (AT) LANDESTHEATER
Fausts Verdammnis / H. Berlioz
3.2. TRIER THEATER
Die heimliche Ehe / C. Cimarosa
3.2. COBURG LANDESTHEATER
La Cenerentola / G. Rossini
4.2. WIESBADEN STAATSTHEATER
Jeptha / G. F. Händel
4.2. ZÜRICH (CH) OPERNHAUS
Idomeneo / W. A. Mozart
8.2. BASEL (CH) THEATER
Die Dreigroschenoper / K. Weill
8.2. ULM THEATER
Elektra / R. Strauss
9.2. GERA GROSSES HAUS
Die Entführung aus dem Serail /
W. A. Mozart
10.2. BERLIN STAATSOPER
Sommertag / N. Brass
10.2. GERA BÜHNE AM PARK
Weiße Rose / U. Zimmermann
10.2. KASSEL STAATSTHEATER
Jenufa / L. Janáček
10.2. PFORZHEIM THEATER
Endstation Sehnsucht / A. Previn
11.2. BERLIN STAATSOPER
Tristan und Isolde / R. Wagner
11.2. KARLSRUHE STAATSTHEATER
Roméo et Juliette / C. Gounod
16.2. BERLIN STAATSBALLETT
Don Quixote / L. Minkus
16.2. KARLSRUHE STAATSTHEATER
Alcina / G. F. Händel
16.2. WIEN (AT) THEATER
Saul / G. F. Händel
4. März Beginn des Vorverkaufs, Berlin
ABSCHIED
SIR SIMON RATTLE
„Die Geschichte Simon Rattles und der Berliner Philharmoniker
begann an einem trüben, nasskalten Herbsttag 1987“, erzählt die
Orchesterchronik. Sie berichtet von seinem Debüt mit Mahlers
Sechster Sinfonie. Und sie verrät auch, dass er damals lieber Mahlers
unvollendete Zehnte dirigiert hätte. Die aber durfte er erst
1996 und 1999 aufführen, und da war von einem „spirituellen Gemeinschaftserlebnis“
und „stehenden Ovationen“ die Rede. Einige
Wochen zuvor – am 23. Juni 1999 – war er als neuer Chefdirigent
bekanntgegeben worden. Die Abstimmung war eine „Niederlage
für die Traditionalisten“. Denn Rattle stand für Erneuerung.
„Die Zeiten ändern sich, die Menschen ändern sich, also sollte es
die Musik auch tun“, lautete seine Devise. Sie wurde zum Hauptmotiv
seiner Arbeit. Die Chance, den nächsten Teil seines Lebens
mit dieser unvergleichlichen Gruppe von Virtuosen zu verbringen,
sei, so Rattle damals, eine aufregende Aussicht. Vieles geschah in
jenen Jahren: Rattle etablierte ein Education-Programm, das dem
Orchester Preise und Ehrungen bescherte. 2007 – im Jahr ihres
125-jährigen Bestehens – wurden das Orchester und Rattle zu
Internationalen UNICEF-Botschaftern ernannt. Im Sommer endet
Rattles Amtszeit. Abermals mit Mahlers Sechster nimmt er am
19. und 20. Juni seinen Abschied. Die Konzerte werden in der
Digital Concert Hall übertragen, und das Konzert am 20. Juni ist
im Kino zu sehen.
Berlin, Philharmonie, 19. und 20.6., www.berliner-philharmoniker.de
FOTO: MONIKA RITTERSHAUS
17.2. BRAUNSCHWEIG
STAATSTHEATER La clemenza di Tito /
W. A. Mozart
17.2. NÜRNBERG STAATSTHEATER
Idomeneo / W. A. Mozart
18.2. HALLE OPER
Die Dreigroschenoper / K. Weill
21.2. BERLIN DEUTSCHE OPER
L‘Arlesiana / F. Cilea
23.2. MEININGEN STAATSTHEATER
Carmina Burana / C. Orff
24.2. BREMEN THEATER
Wahlverwandtschaften / T. Kürstner
24.2. COTTBUS STAATSTHEATER
Don Giovanni / W. A. Mozart
24.2. ESSEN THEATER
Hans Heiling / H. Marschner
24.2. KÖLN OPER
Der Kaiser von Atlantis oder die Todverweigerung
/ V. Ullmann
24.2. MÜNSTER STAATSTHEATER
Angels in America / P. Eötvös
24.2. WIEN (AT) STAATSOPER
Ariodante / G. F. Händel
25.2. FRANKFURT OPER
L‘Africaine / G. Meyerbeer
1.3. ERFURT THEATER
La Calisto / F. Cavalli
2.3. DESSAU
ANHALTISCHES THEATER
Die Dreigroschenoper / K. Weill
3.3. GIESSEN STADTTHEATER
La forza del destino / G. Verdi
3.3. KOBLENZ THEATER
Das schlaue Füchslein / L. Janáček
3.3. LÜNEBURG THEATER
Carmen / G. Bizet
3.3. WUPPERTAL OPERNHAUS
Julietta / B. Martinů
3.3. GRAZ (AT) OPER
Ariane et Barbe-Bleue / P. Dukas
4.3. BERLIN STAATSOPER
Salome / R. Strauss
4.3. KÖLN OPER
Manon / J. Massenet
4.3. ZÜRICH (CH) OPERNHAUS
Lunea / H. Holliger
8.3. OSNABRÜCK THEATER
Apollo und Hyacinth / W. A. Mozart
9.3. BASEL (CH) THEATER
Der Goldkäfer / D. Fujikura
44 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2018

FOTOS: JENS GERBER; JONAS WERNER-HOHENSEE; UWE ARENS; DEBORAH FEINGOLD / SONY; KARTAL KARAGEDIK; ROMAN NOVITZKY; THILO BEU; FERNANDO MARCOS; FRANKFURT CARICATURA-MUSEUM; MARKUS RÄBER; TOBIAS SCHULT;
CHRISTIAN DOPPELGATZ; BUNDESJUGENDORCHESTER
10. Februar
HAMBURG DIE ARABISCHE PRINZESSIN
Nichts will Jamil, der Sohn eines armen Fischers,
lernen. Alle Lehrer verzweifeln an ihm.
Mit seiner Schönheit und seiner lieblichen Stimme
aber erobert er das Herz der Prinzessin
Amirah. Sie spürt ein solches Verlangen nach
ihm, dass sie beschließt, ihn, koste es, was es
wolle, zu einem Prinzen zu machen und zum
Mann zu nehmen. Paula Fünfeck schrieb das Libretto. Anna-Sophie Brüning
schuf mit Musik des 1826 verstorbenen Komponisten Juan Crisóstomo
de Arriaga und arabischen Klängen ein Opernpasticcio. Die Uraufführung
erfolgte 2009 in Ramallah. Jetzt ist das Stück auf der Opera
Stabile, der kleinen Bühne der Hamburger Staatsoper, unter der musikalischen
Leitung von Wolf Tobias Maximilian Müller und in der Regie von
Anja Bötcher-Krietsch zu sehen. Narea Son aus dem Opernstudio spielt
die Prinzessin. Als Jamal steht ihr Sascha Emanuel Kramer zur Seite.
Hamburg, Staatsoper, 10. (Premiere), 11., 13., 14., 16., 17., 18., 20., 21., 23., 24.,
25., 27. und 28.2., www.jung-staatsoper.de
19. bis 24. März
FREIBURG I. BREISGAU EMIL GILELS FESTIVAL
Kein russisches Phänomen, sondern „ein Weltphänomen“
nennt Grigory Sokolov den Pianisten
Emil Gilels. 1916 in Odessa geboren, gilt er
als einer der bedeutendsten Pianisten des
20. Jahrhunderts. Seine Aufnahmen von Beethoven,
Brahms und Prokofjew sind Meilensteine
pianistischer Interpretationskunst. Sein Leben
jedoch war aufs Engste verflochten mit dem mörderischen Regime Stalins.
Bereits mit 16 Jahren erregte er die Aufmerksamkeit des Diktators,
als er beim neugegründeten sowjetischen Musikwettbewerb unerwartet
den ersten Preis gewann. Sein jüdischer Vorname Schmuel wurde zu
Emil, und er stieg auf zum Repräsentanten der neuen sowjetischen
Kunst. Auf der Potsdamer Konferenz 1945 drängte Stalin ihn, vor den
versammelten Staatsoberhäuptern Chopins Polonaise „Militaire“ op. 40
Nr. 1 zu spielen. Als sowjetischer Künstler tourte er, bewacht von KGB-
Agenten, durch die USA. Im Verlauf der 50er-Jahre, als Chruschtschow
die Verbrechen Stalins offenlegte, suchte er sich vom Regime zurückzuziehen.
Man erfuhr wenig über sein Leben. Ungeklärt bleibt auch, ob es
tatsächlich eine verpfuschte Injektion im Kreml-Krankenhaus war, die
ihn im Alter von 69 Jahren sterben ließ. Zu seinem Andenken rief sein
Schüler Felix Gottlieb 2012 ein alle zwei Jahre stattfindendes Festival ins
Leben. Drei weltbekannte Pianisten spielen zur Erinnerung an Gilels:
Grigory Sokolov, Yefim Bronfman (Foto) und Jewgeni Kissin.
Freiburg im Breisgau, Hochschule für Musik, festival.emilgilelsfoundation.net
17. März
MÜNCHEN PORTRÄT GEORGES APERGHIS
„Es ist kompliziert zu verstehen, warum man
für jemand Bestimmten schreibt“, sagt Georges
Aperghis. Intermezzi schrieb er 2016 dem Ensemble
Musikfabrik „auf den Leib“. Mit jedem
Musiker und jeder Musikerin traf er sich einzeln
und fragte, wie er oder sie sich in das Werk einbringen
wolle. Diese Vorgehensweise halte ihn
davon ab, ein rein abstraktes Stück zu schreiben. Er sei immer auf der Suche
nach Zufällen, und am interessantesten sei es für ihn dort, wo seine
künstlerischen Problemstellungen mit dem zusammenträfen, was die
Musiker ihm anböten. Den Titel des Werks versteht er wörtlich: Er habe
keinen Plan außer der Form und folge der Idee der Zwischenspiele: „Es
ist eine Klammer, die sich öffnet, innerhalb derer sich eine andere Klammer
öffnet, die sich wieder schließt und so weiter ...“ In einem Porträtkonzert
der musica viva bringt das Ensemble Musikfabrik das Werk nun
zur Uraufführung.
München, Funkhaus des Bayerischen Rundfunks, www.br-musica-viva.de
10.3. BASEL (CH) THEATER
Der Spieler / S. Prokofjew
10.3. DARMSTADT STAATSTHEATER
Die Sache von Makropulos / L. Janáček
10.3. DORTMUND THEATER
Nabucco / G. Verdi
10.3. FREIBURG THEATER
Angels in America / P. Eötvös
10.3. KIEL THEATER
Götterdämmerung / R. Wagner
10.3. COBURG LANDESTHEATER
Pinocchio / P. Valtinoni
10.3. GRAZ (AT) OPER
Candide / L. Bernstein
11.3. BONN THEATER
Echnaton / P. Glass
11.3. HAMBURG STAATSOPER
Messa da Requiem / G. Verdi
11.3. WIESBADEN STAATSTHEATER
Arabella / R. Strauss
15.3. MÜNCHEN GÄRTNERPLATZ-
THEATER Weiße Rose / U. Zimmermann
16.3. BRAUNSCHWEIG
STAATSTHEATER Elektra / R. Strauss
16.3. LÜBECK THEATER
Die tödliche Blume / S. Sciarrino
16.3. WIEN (AT) THEATER
Der Besuch der alten Dame / G. v. Einem
16.3. HEIDELBERG THEATER
Faust / C. Gounod
17.3. HOF THEATER
Alcina / G. F. Händel
17.3. LEIPZIG OPER
Tannhäuser / R. Wagner
17.3. MAINZ STAATSTHEATER
Don Carlo / G. Verdi
17.3. NÜRNBERG STAATSTHEATER
Die Soldaten / B. Zimmermann
24.3. KAISERSLAUTERN
14. Februar 2018
John Dowland
Shakespeare in Love
Paula Murrihy (Mezzosopran)
Eamonn Bonner (Tenor)
Eamonn Sweeney (Laute)
15. April 2018
Bratsche und Gesang
Und ein Etwas strahlt aus Ihnen
Christiane Karg (Sopran)
Antoine Tamestit (Viola)
Malcolm Martineau (Klavier)
www.kunstklang-feuchtwangen.de
Kartentelefon 09852 904 44
PFALZTHEATER
Das Leben eines Wüstlings /
I. Strawinsky
25.3. MANNHEIM
NATIONALTHEATER
Pelléas und Mélisande / C. Debussy
KÜNSTLER
IVETA APKALNA
17.2. Berlin, Konzerthaus
AVI AVITAL
1.3. Waiblingen, Bürgerzentrum
7.3. Hamburg, Elbphilharmonie
10.3. Berlin, Pierre Boulez Saal
16.3. Dortmund, Konzerthaus
JOHN AXELROD
17.,18.3. Essen, Philharmonie
DANIEL BARENBOIM
11., 15., 18., 25.2., 3., 11., 18.3.
Berlin, Staatsoper
23., 24.2. Berlin, Philharmonie
4.3. Berlin, Pierre Boulez Saal
LISA BATIASHVILI
1., 2., 3.2. München, Gasteig
3.4. Wien (AT), Musikverein
GAUTIER CAPUÇON
17.3. Elmau, Schloss
20.3. Hamburg, Elbphilharmonie
DIANA DAMRAU
2.2. Baden-Baden, Festspielhaus
4.2. München, Philharmonie
6.2. Berlin, Philharmonie
8.2. Hamburg, Elbphilharmonie
45

E R L E B E N
22. Februar, Köln
ENERGIEN KÖRPERLICHER NÄHE
Richard Siegal: „BoD“
FOTO: RAY DEMSKI
Dem zeitgenössischen Tanz ein neues Gesicht zu geben – das ist das
Bestreben des Choreografen Richard Siegal. Mit Künstlern aus unterschiedlichen
Disziplinen arbeitet er zusammen und nimmt neue
Trends im Tanz und in der elektronischen Musik ebenso auf wie in der
Mode oder im Industriedesign. „On Body“ betitelt er den dreiteiligen
Abend, den er mit seiner 2016 ins Leben gerufenen Kompanie Ballet
of Difference erarbeitet. Zur Uraufführung kommt Ballet 2.018. Siegal
spürt darin den Energien nach, die durch körperliche Nähe und den
Klang der menschlichen Stimme freigesetzt werden. Die Tänzer schaffen
auf der Bühne einen Raum der Intimität. Im Idealfall lösen sie eine
Resonanz beim Publikum aus und beziehen es in das unmittelbare Erleben
ein. Zur Eröffnung gibt es eine Wiederaufführung von Unitxt, in
dem Siegal 2013 klassische Ballettelemente wie Spitzentanz oder Symmetrie
analysiert und zerlegt. Den Abschluss bildet BoD aus dem Jahr
2017. Siegal bringt darin die Körpersprachen verschiedener Ethnien
und Sozialisierungen zum Abbild einer kulturell reichen und verschiedenartigen
Gegenwart zusammen. In den aufblasbaren Kostümen der
New Yorker Modedesignerin Becca McCharen rotieren die Tänzer
über die Bühne. Nach den Aufführungen in Köln begibt Siegal sich mit
seiner Kompanie auf Tournee nach München, Ludwigsburg, Ludwigshafen
und Karlsruhe.
Köln, Schauspiel, 22. (Premiere), 23. und 24.2., www.schauspiel.koeln
10.2. Frankfurt, Alte Oper
12.2. Wien (AT), Musikverein
18.2. Essen, Philharmonie
ISABELLE FAUST
26.2. Bonn, Arithmeum
28.2. Lörrach, Burghof
1.3. Berlin, Philharmonie
24.3. Heidelberg, Kongresshaus
FREIBURGER
BAROCK-ORCHESTER
4.3. Köln, Philharmonie
5.3. Stuttgart, Liederhalle
6.3. Freiburg, Konzerthaus
7.3. Berlin, Philharmonie
NINO GVETATSZE
22.2. Schwäbisch Hall, Neubausaal
HILARY HAHN
2., 3., 4.2. Zürich (CH), Tonhalle Maag
11.3. Essen, Philharmonie
12.3. Berlin, Konzerthaus
15.3. Wien (AT), Konzerthaus
17.3. Hamburg, Elbphilharmonie
18.3. Hannover, Congress Centrum
19.3. München, Philharmonie
MARTIN HELMCHEN
13.2. Berlin, Philharmonie
DANIEL HOPE
1.2. Berlin, Konzerthaus
20.2. Elmau, Schloss
21.2. München, Prinzregententheater
22.2. Braunschweig, Stadthalle
23.2. Hannover, NDR Sendesaal
24.2. Düsseldorf, Tonhalle
25.2. Bielefeld, Oetkerhalle
26.2. Berlin, Konzerthaus
27.2. Hamburg, Elbphilharmonie
28.2. Zürich (CH), ZKO Haus
ALBRECHT MAYER
2.2. Mannheim, Rosengarten
25.2. Friedrichshafen,
Graf Zeppelin Haus
ANDREAS OTTENSAMER
3.3. Potsdam, Nikolaisaal
4.3. Kiel, Schloss
5.3. Berlin, Philharmonie
20.3. Dortmund, Konzerthaus
LAUTTEN COMPAGNEY
1.2. Villingen-Schwenningen,
Franziskaner Konzerthaus
4., 5.2. Fulda, Schlosstheater
27.2. Kleve, Stadthalle
7.3. Berlin, Dom
8.3. Kassel, Staatstheater
10.3. Wien (AT), Musikverein
SOL GABETTA
12.3. München, Philharmonie
13.3. Berlin, Philharmonie
18.3. Heidelberg, Kongresshaus
19.3. Köln, Philharmonie
MATTHIAS GOERNE
16.2. Wien (AT), Konzerthaus
18.2. Aachen, Krönungssaal
1.3. Hamburg, Elbphilharmonie
8.3. Berlin, Pierre Boulez Saal
IGOR LEVIT
25.2. München, Prinzregententheater
28.2. Innsbruck (AT), Congress Center
7.3. Regensburg, Audimax
PAAVO JÄRVI
15., 16., 17.3. Bremen, Die Glocke
19., 20.3. Wien (AT), Musikverein
30., 31.3. Bremen, Dom
SIMONE KERMES
11.3. Coesfeld, Theater
14.3. München, Prinzregententheater
XAVIER DE MAISTRE
4.2. München, Prinzregententheater
27.2. Berlin, Pierre Boulez Saal
28.2. Ludwigshafen, Feierabendhaus
46 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2018

FOTOS: JENS GERBER; JONAS WERNER-HOHENSEE; UWE ARENS; DEBORAH FEINGOLD / SONY; KARTAL KARAGEDIK; ROMAN NOVITZKY; THILO BEU; FERNANDO MARCOS; FRANKFURT CARICATURA-MUSEUM; MARKUS RÄBER; TOBIAS SCHULT;
CHRISTIAN DOPPELGATZ; BUNDESJUGENDORCHESTER
18. Februar bis 23. März
LEIPZIG GEWANDHAUSORCHESTER
„Meine Träume wurden wahr.“ Mit diesem Satz
beschrieb Andris Nelsons seine Berufung zum
21. Gewandhauskapellmeister. Begeistert äußerte
er sich über die große Tradition und den
besonderen Klang des Orchesters, das zu den
ältesten der Welt zählt. Seine Amtseinführung
feiert er mit vier Festwochen rund um den
275. Geburtstag des Orchesters. Elf Konzerte dirigiert er mit fünf verschiedenen
Programmen. Am 11. März, als 1743 das erste Konzert stattfand,
dirigiert er Bruckners Siebte Sinfonie sowie ein neues Werk von Jörg
Widmann. Umrahmt werden die Festwochen von zwei Gastspielen:
einem Konzert der Berliner Philharmoniker unter Zubin Mehta und
einem der Wiener Philharmoniker unter Daniel Barenboim.
Leipzig, Gewandhaus, www.gewandhausorchester.de
10. und 11. Februar
BERLIN PYGMALION
Der Bildhauer Pygmalion verliebt sich in seine
Statue. Die Barockzeit liebte mythologische
Themen auf der Bühne. Jean-Philippe Rameau
gestaltete aus dem antiken Mythos einen Tanzakt.
Die von Amor zum Leben erweckte Statue
beginnt zu tanzen: Menuett, Gavotte, Chaconne,
Passepied, Rigaudon und Sarabande. Das
Ensemble Akademie für Alte Musik widmet sich dem Stück in zwei Sonderkonzerten.
Rameaus Musik zeichnet sich durch eine dichte, farbenvolle
Instrumentation sowie eine an Harmonien reiche Klangsprache aus.
Tenor Cyril Auvity singt die Partie von Amor, die der Statue übernimmt
Deborah Cachet. Am Pult steht Paul Agnew.
Berlin, St.-Elisabeth-Kirche, www.akamus.de
23. März
STUTTGART DIE FANTASTISCHEN FÜNF
Als Abschiedsgeschenk für den scheidenden
Ballettintendanten Reid Anderson versteht sich
dieser Ballettabend. In den über zwei Jahrzehnten
seiner Intendanz brachte er über 60
Choreografien zur Uraufführung. „Die fantastischen
Fünf“ vermittelt einen Eindruck von der
choreografischen Vielfalt seiner Amtszeit und
versammelt jene Künstler, die ihm besonders am Herzen liegen: Marco
Goecke, den er 2005 zum Haus-Choreografen des Stuttgarter Balletts
ernannte, Katarzyna Kozielska, Louis Stiens, Roman Nowitzky und Fabio
Adorisio. Designierter Nachfolger Andersons ist Tamas Detrich, der bereits
seit 2004 als sein Stellvertreter agiert.
Stuttgart, Schauspielhaus, 23. (Premiere) und 28.3., 10., 21., 25. und 29.4. sowie
17.7., www.stuttgarter-ballett.de
24. März bis 2. April
BADEN-BADEN OSTERFESTSPIELE
Die Kurstadt im Schwarzwald feiert. Ensembles
der Berliner Philharmoniker und das Bundesjugendorchester
laden mit Béla Bartóks Tanzspiel
Der holzgeschnitzte Prinz zu einem Musikfest.
Bei den 6. Osterfestspielen mit den Berliner
Philharmonikern wird die ganze Stadt zur
Bühne. Ins Festspielhaus kommen die Mezzosopranistin
Elīna Garanča mit Liedern von Strauss, Berg und Ravel, Bariton
Gerald Finley mit Schubert sowie der Pianist Krystian Zimerman und
die Geigerin Vilde Frang. Zur Eröffnung steht Wagners Parsifal auf dem
Programm. Dieter Dorn inszeniert mit Stephen Gould in der Titelrolle
und Evelyn Herlitzius als Kundry. Am Pult steht Sir Simon Rattle.
Baden-Baden, verschiedene Spielorte, www.festspielhaus.de
BAYREUTHER
24. OSTERFESTIVAL
MIT
Eröffnungskonzert,
Matineen,
Symphoniekonzert,
Orgelkonzert,
Jazz & Festivalbrunch
WEITERE INFORMATIONEN UNTER
www.osterfestival.de
Tickets bei den örtlichen Vorverkaufsstellen
und online unter www.eventim.de
11. März
BONN ECHNATON
30. März bis
8. April 2018
Ostersonntag, 1. April, 20 Uhr
SYMPHONIE
KONZERT
Ordenskirche St. Georgen
BAYREUTHER
OSTERFESTIVAL
BAYREUTHER
OSTERFESTIVAL
Neue Blickwinkel eröffnen – das erwartet man
von Inszenierungen, die Künstler aus anderen
Bereichen vornehmen. Laura Scozzi arbeitete
als Choreografin, ehe sie mit ihren Regiearbeiten
für Furore sorgte. Mit Echnaton widmet
sie sich dem dritten Teil von Philip Glass’
Operntrilogie, die mit Einstein und Gandhi drei
Leitbilder aus Naturwissenschaft, Politik und Religion porträtiert. Echnaton
interessiert Glass als Begründer des Monotheismus im 14. Jahrhundert
v. Chr. Der Pharao der 18. Dynastie und Gatte von Nofretete verehrte
die Sonnenscheibe Aton. In altägyptischer Ikonografie erscheint er
als Hermaphrodit, und seine Partie wird von dem Countertenor Benno
Schachtner gesungen. Als Nofretete steht Susanne Blattert auf der Bühne.
Für die Gesangstexte stützt Glass sich auf altägyptische sowie hebräische
Quellen, um auf die Verbindung zur jüdisch-christlichen Tradition
hinzuweisen. Die musikalische Leitung liegt in den Händen von Stephan
Zilias.
Bonn, Oper, 11. (Premiere), 16. und 23.3, 12., 21. und 29.4., 9., 13. und 31.5.
sowie 14., 20. und 28.6., www.theater-bonn.de
16. bis 25. März
BERLIN MAERZMUSIK
„Ich möchte ihnen ein Gesicht geben, nicht nur
den ertrunkenen Körpern an Europas Küsten,
sondern auch den Lebenden, die, ohne Identität
nicht länger als lebend erkennbar, durch Europa
wandern“, erläutert Georges Aperghis seine
neue Komposition migrants. Mit Texten aus
Joseph Conrads Erzählung Herz der Finsternis
und von heute Geflüchteten hat er drei Interludien zu Leoš Janáčeks Tagebuch
eines Verschollenen geschrieben. Die beiden Sopranistinnen Agata
Zubel und Christina Daletska sowie das Streicherensemble Resonanz unter
Emilio Pomàrico bringen sie zur Uraufführung. Als Festival für Zeitfragen
versammelt MaerzMusik unter der Leitung von Berno Odo Polzer
Musikkünstler, die Zeit auch als politische Kategorie verstehen, als eine
Erfindung im Dienste weltanschaulicher und wirtschaftlicher Interessen.
Berlin, verschiedene Spielorte, www.berlinerfestspiele.de
11. März
MÜNCHEN LES VÊPRES SICILIENNES
Er ist der neue Star der Theaterwelt: Antú Romero
Nunes, 1983 in Tübingen geboren und
ausgebildet an der Hochschule für Schauspielkunst
„Ernst Busch“ in Berlin. Seine Arbeiten
wurden zu Theaterfestivals eingeladen, und Intendanten
aus dem ganzen Land wollen ihn an
47

E R L E B E N
23. März, Dessau
DAS BILDNIS
DES DORIAN GRAY
Elisa Gogou
„Ich liebe meine Tänzer. Sie haben etwas in sich, etwas Göttliches,
etwas, das sie treibt“, beschreibt Choreograf Tomasz Kajdański seine
Arbeit. Er habe eine Idee, eine Vision. Die versuche er den Tänzern
zu vermitteln und sie mitzunehmen, sodass gemeinsame Ideen
und Bewegungen entstünden. Es sei wie bei einem bunten Glasfenster:
„Die Form der einzelnen Glasscheiben ist vorgegeben. Aber
es ist das Licht, das sie lebendig macht. Die Tänzer bringen das Licht
in die Inszenierung.“ Kajdański erzählt Geschichten in seinen Balletten.
Mit seiner neuen Arbeit wendet er sich Oscar Wilde zu. Dessen
Roman inspirierte bereits Waclaw Orlikowsky zu einem Ballett.
Lord Henry Wotton, der das Leben selbst zum Kunstwerk stilisieren
möchte, verführt den faszinierend schönen Dorian Gray zum
rücksichtslosen Ausleben seiner Jugend. Für die Erfüllung des Wunsches,
statt seiner möge das Bildnis altern, das Basil Hallward von
ihm gemalt hat, gibt Dorian Gray seine Seele. So wird das Bild zum
„Spiegel seiner Seele“ und trägt „die Bürde seiner Schande“. In diesem
Spannungsfeld von Ästhetizismus und mystischem Symbolismus
entwickelt Kajdański seine Choreografie. Für die Musik, dirigiert
von Elisa Gogou, wählte er Alexander Skrjabin, der mit seinen ekstatischen,
rauschhaften Klängen die Welt verändern wollte.
Dessau, Anhaltisches Theater, 23. (Premiere), und 31.3., 7. und 22.4. sowie
26.5. und 17.6., www.anhaltisches-theater.de
ihre Bühnen holen. Für Verdis Oper Les vêpres siciliennes kommt er nach
München. Seine Arbeitsweise beschreibt er als offenen Prozess. Die
Darsteller sollten sein Konzept verstehen, aber auch ihre Vorstellungen
einbringen. Er biete nur eine Spielwiese, „und dann spinnt das Kollektiv“.
Zu seinem Münchner Kollektiv gehören Carmen Giannattasio in der Rolle
der Hélène, Helena Zubanovich als ihre Vertraute Ninetta, Bryan Hymel
als Henri und George Petean als Guy de Montfort. Die Musikalische
Leitung hat Omer Meir Wellber.
München, Bayerische Staatsoper, 11. (Premiere), 15., 18., 22. und 25.3.
sowie 26. und 27.7., www.staatsoper.de
16. Februar
BERLIN DON QUIXOTE
Choreograf Víctor Ullate beeindruckt mit seinen
Neuinterpretationen von Ballett-Klassikern.
Als Hauptinterpret von Maurice Béjart
ließ er sich von dessen Nachschöpfungen und
Erneuerungen inspirieren. Eine Lehre fürs Leben
habe er aus der Zusammenarbeit gewonnen.
Nacho Duato, der Intendant des Staatsballetts
Berlin, der diesen Sommer – verärgert über die Politik – vorzeitig
Berlin verlässt, beauftragte ihn, eine Neudeutung des Klassikers Don Quixote
zur Musik von Ludwig Minkus zu erarbeiten. Minkus komponierte
die Musik für das Bolschoi-Theater und den Choreografen Marius Petipa.
FOTO: CLAUDIA HEYSEL
Dessen Fassung, die im 20. Jahrhundert rekonstruiert wurde, blieb bis
heute eine Ikone. Für Ullate ist sie die historische Folie, vor der seine Interpretation
sich entfaltet. Als Liebespaar Kitri und Basil tanzen Polina
Semionova und Marian Walter sowie alternativ Iana Salenko und Dinu
Tamazlacaru. Im Graben leitet Robert Reimer das Orchester der Deutschen
Oper Berlin.
Berlin, Deutsche Oper, 16. (Premiere), 18. und 22.2., www.staatsballett-berlin.de
23. Februar bis 29. Juli
MÜNCHEN FAUST-FESTIVAL
Noch ein Jahr vor seinem Tod schrieb Goethe in
einem Brief über den Faust, dass das Ganze „ein
offenbares Rätsel bleibe, die Menschen fort und
fort ergötze und ihnen zu schaffen mache“. Sein
Leben lang hatte ihn der Stoff beschäftigt, dem
er bereits als Kind in einem Puppenspiel begegnet
war. Das Faust-Festival präsentiert fünf Monate
lang Veranstaltungen zum Thema „Faust“. In Konzerten, Theaterund
Tanzvorstellungen, Filmvorführungen und Ausstellungen zeigen Mitwirkende
ihre Projekte. „Du bist Faust“ ist der Titel einer Ausstellung in
der Kunsthalle. Unzählige Künstler befeuerte die Dichtung zu eigenen
Schöpfungen. Gezeigt werden rund 150 Gemälde, Grafiken, Skulpturen,
Fotografien, Vertonungen und Filme. Der Ausstellungsparcours folgt
dem Aufbau des Dramas und führt durch die Handlung. Zu Faust II gibt es
die Illustrationszyklen von Max Slevogt, Franz Stassen und Max Beckmann
zu sehen.
München, Kunsthalle, www.kunsthalle-muenchen.de
10. bis 25. März
KÖLN FEST FÜR ALTE MUSIK
Vor 400 Jahren tötete der Dreißigjährige Krieg
massenhaft Menschen und verwüstete Städte
und Landschaften. Das Kölner Fest befasst sich
in 16 konzertanten und inszenierten Programmen
mit dem Trauma des Krieges. Dame Emma
Kirkby wirkt zum Auftakt mit an einer szenischen
Aufführung der grotesken Oper Cupid
and Death aus dem London des 17. Jahrhunderts. Die Sängerin Cora
Schmeiser und das Ensemble Exquisite Noyse beschwören unheilverkündende
Himmelserscheinungen. Blockflötistin Dorothee Oberlinger und
Countertenor Dmitry Sinkovsky träumen sich nach Arkadien. Und das
Ensemble Sanstierce besingt in mittelalterlichen Liedern die Stadt Jerusalem
und malt sich ein friedliches Zusammenleben aller drei Religionen
aus. Wie auch Liebe zum Krieg werden kann, beschreibt Petrarca in
einem Sonett. Monteverdi vertonte es, und das Ensemble Voces Suaves
trägt es mit anderen Madrigalen vor.
Köln, verschiedene Spielorte, www.zamus.de
28. Februar
LUDWIGSHAFEN
XAVIER DE MAISTRE UND LUCERO TENA
Zwei geniale Virtuosen haben einander gefunden.
Nach einem Auftritt in Madrid begegnete der
Harfenist Xavier de Maistre der Kastagnetten-
Spielerin Lucero Tena. Begeistert von ihrer Persönlichkeit
und ihrem Temperament, schlug er ihr
vor, gemeinsam aufzutreten. Tena war eine berühmte
Flamencotänzerin. Nach Beendigung ihrer
Tanzkarriere widmete sie sich ganz den Kastagnetten und erarbeitete ein
Repertoire. Spanische Komponisten wie Enrique Granados, Isaac Albéniz,
Manuel de Falla und Francisco Tárrega bestimmen die gemeinsame musikalische
Reise „Serenata Española“. De Maistre zeigt in seinem Spiel das gesamte
klangliche Spektrum der Harfe mit allen seinen Farben. Die Harfe habe
orchestrale Dimensionen, bekräftigt er. „Man kann einen breiten und vollen
Ton bilden, diese ätherischen Klänge erzeugen, die man so gut kennt, oder
die Harfe rhythmisch wie ein Schlaginstrument spielen.“
Ludwigshafen, BASF-Feierabendhaus, www.basf.de/kultur
48 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2018

22. Februar, Frankfurt am Main
A WINTERY SPRING
FOTOS: JENS GERBER; JONAS WERNER-HOHENSEE; UWE ARENS; DEBORAH FEINGOLD / SONY; KARTAL KARAGEDIK; ROMAN NOVITZKY; THILO BEU; FERNANDO MARCOS; FRANKFURT CARICATURA-MUSEUM; MARKUS RÄBER; TOBIAS SCHULT;
CHRISTIAN DOPPELGATZ; BUNDESJUGENDORCHESTER; BEATRICE WAULIN / SONY CLASSICAL
Der libanesische Schriftsteller Khalil Gibran habe bereits vor 100
Jahren einen „Arabischen Frühling“ vorausgesagt, betont der Komponist
Saed Haddad. Seine Aphorismen arrangierte er zu dem dramatischen
Lamento A Wintery Spring. Wie er hervorhebt, gibt es darin
„keine dramatische Handlung, wohl aber eine dramatische Figur:
den Schriftsteller“. Alle auftretenden Figuren offenbaren sich am Ende
als aus dessen Fantasie entsprungen. Gibran emigrierte 1895 in die
USA. Damit wirft sein Leben die zentrale Frage auf, was ein im Exil lebender
Schriftsteller „für sein hungerndes Volk“ tun kann. Durch die
Schriftstellerfigur erlebe das Publikum „Ausbruch und Niedergang“
der Revolution mit, erläutert Regisseurin Corinna Tetzel. „Am Beginn
4.3. Leer, Theater an der Blinke
5.3. Düsseldorf, Tonhalle
6.3. Hamburg, Elbphilharmonie
8.3. Bremen, Die Glocke
10.3. Hannover,
Landesfunkhaus des NDR
DOROTHEE MIELDS
2.2. Wien (AT), Konzerthaus
13., 14.2. Dresden, Staatsoper
15.2. Dresden, Frauenkirche
27.2. Kleve, Stadthalle
11.3. Wien, Musikverein
17.3. Frankfurt, Alte Oper
NILS MÖNKEMEYER
4.2. Leipzig, Gewandhaus
18., 19., 20.2. Köln, Philharmonie
2., 4.3. Konstanz, Konzil
REGULA MÜHLEMANN
4.2. Salzburg, Mozarteum
7.2. Hamburg, Elbphilharmonie
8.2. Bremen, Die Glocke
18.2. Bellmund (CH),
Kulturzentrum La Prairie
17.3. Ludwigsburg,
Forum am Schlosspark
DANIEL MÜLLER-SCHOTT
14.2. Frankfurt, Alte Oper
3.,4.3. Bern (CH), Kursaal
11.3. Donaueschingen, Strawinskysaal
13.3. Gauting, Bosco
14.3. Grünwald, August Everding Saal
19., 20.3. München,
Bayerische Staatsoper
24.3. Hamburg, Elbphilharmonie
GRIGORY SOKOLOV
2.3. Bremen, Die Glocke
4.3. Hannover,
Landesfunkhaus des NDR
6.3. Hamburg, Laeiszhalle
8.3. Düsseldorf, Tonhalle
19.3. Freiburg, Hochschule für Musik
STEFAN TEMMINGH
10.3. Mörfelden-Walldorf, Bürgerhaus
CAMILLE THOMAS
12.3. Bielefeld, Oetkerhalle
13.3. Münster, Rathaushausfestsaal
SARAH WEGENER
2.3. Kirchheim, St. Andreas
MATTHIAS WELL
19.2. München, Herkulessaal
SONYA YONCHEVA
4.2. Genève (CH), Grand Théâtre
7.2. Dortmund, Konzerthaus
THE WORLD OF HANS ZIMMER
28.4. Hamburg, Barclaycard Arena
29.4. Berlin, Mercedes-Benz Arena
30.4. Hannover, TUI Arena
3.5. Leipzig, Arena
4.5. Nürnberg, Arena Nürnberger
Versicherung
5.5. Köln, Lanxess Arena
6.5. Stuttgart, Schleyer-Halle
FRANK PETER ZIMMERMANN
2.2., 11.3. Köln, Philharmonie
3.2. Essen, Philharmonie
1., 2.3. Frankfurt, Alte Oper
TABEA ZIMMERMANN
23.2. Essen, Philharmonie
24.2. Freiburg, Konzerthaus
25.2. Mannheim, Rosengarten
27.2. Wiesbaden, Kurhaus
49
Ensemble Modern
formuliert er die Utopie eines selbstbewussten, auf die eigene Stärke
vertrauenden arabischen Volkes ohne Ängste, ohne Kämpfe.“ Dann
aber breche die Revolution zusammen, und er „versinkt in Lethargie“.
In Zusammenarbeit der Oper Frankfurt und des Ensemble Modern
kommt das Lamento unter der musikalischen Leitung von Franck
Ollu zur Uraufführung. Kombiniert wird es mit der szenischen Erstaufführung
der barocken Kantate Il Serpente di Bronzo von Jan Dismas
Zelenka, in der Gott das zweifelnde Volk Israel mit einer Schlangenplage
bestraft.
Frankfurt am Main, Bockenheimer Depot, 22. (Premiere), 24. und 26.2. sowie
1., 4. und 5.3., www.ensemble-modern.de
Dank an das Leben
Leben auf den Punkt gebracht:
große Lieder
von Beethoven bis Verdi.
Der Bass Thomas Fleischmann
führt uns zurück an die Quelle
unserer Menschlichkeit.
13,99 €
FOTO: VINCENT STEFAN
THOMAS FLEISCHMANN
Erhältlich als Download im iTunes-Store.
Oder als CD bei der KRD Sicherheitstechnik GmbH
Vierlander Str. 2, 21502 Geesthacht. info@kasiglas.de

E R L E B E N
Vision String Quartet
„WACH AUF, DU
VERROTTETER CHRIST!“
Das 26. Kurt Weill Fest Dessau feiert in 48 Veranstaltungen
das pulsierende Musikleben der Berliner 20er-Jahre.
VON RUTH RENÉE REIF
„Hast du eigentlich die Dreigroschenoper schon gesehen? Es ist
wirklich ein schönes Stück und sicher das beste, was mir bisher
gelungen ist“, freute sich Kurt Weill über den Riesenerfolg und die
Beifallsstürme, die ihm die neuerliche Zusammenarbeit mit Bertolt
Brecht bescherte. Unter Hochdruck hatten die beiden im südfranzösischen
Saint-Cyr an dem Werk gefeilt. Weill suchte, zu
einer Urform von Oper zu gelangen, leicht sangbar und mit fasslicher
Melodik. Was er schuf, war ein neues Genre des musikalischen
Theaters.
„Weill auf die Bühne!“ lautet denn auch
das Motto des Kurt Weill Fests Dessau. Anlässlich
der 90. Wiederkehr seiner Uraufführung
kommt das Stück um die glückliche Errettung
des Londoner Straßenräubers Macheath,
KURT WEILL FEST DESSAU
23. Februar bis 11. März
Informationen und Kartenservice:
Tel.: +49-(0)341-14 990 900
www.kurt-weill.de
genannt Mackie Messer, den sein Schwiegervater, der Bettlerkönig
Peachum, an den Galgen bringen will, mit dem Anhaltischen Theater
zur Aufführung. Festspielintendant Gerhard Kämpfe blickt
der Inszenierung erwartungsvoll entgegen: „Mit Ezio Toffolutti,
einem Schüler von Benno Besson, konnten wir einen exzellenten
Regisseur gewinnen.“ Als „Gegenstück“ zeigt das Festspiel eine
zeitgenössische Neufassung jener Beggar’s Opera von John Gay, die
Brecht und Weill als Vorlage diente. Moritz Eggert schrieb eine
Musik mit zahlreichen Anspielungen an bekannte Titel aus dem
Great American Songbook wie I Wanna Be
Loved by You von Herbert Stothart, Harry
Ruby und Bert Kalmar, Diamonds are a Girl’s
Best Friend von Jule Styne und Leo Robin oder
Tea for the Tillerman von Cat Stevens. Gezeigt
50 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2018

FOTOS: TIM KLOECKER; HANNES CASPAR; ULLA LOMMEN; MATTHIAS HEYDE; PHILIP GLASER
Ilja Richter
Till Brönner
La BETTLEROPERa
Dagmar Manzel
wird die fulminante Aufführung von La BETTLEROPERa in
einem Gastspiel der Köllner Oper Berlin mit der TanzTheater-
Kompagnie Balletto Civile, dem Ensemble Freiraum Syndikat und
Moritz Eggert.
Kämpfe leitet das Festspiel in diesem Jahr zum ersten Mal.
Als „primus inter pares“, wie er es nennt, steht er in einem vierköpfigen
Team. Es sei ein Glücksfall, schwärmt er. Mit Johannes Weigand,
dem Generalintendanten des Anhaltischen Theaters und
Theatermann mit großer Erfahrung, Markus L. Frank, dem Generalmusikdirektor
des Hauses und exzellentem Musiker, sowie dem
Kurt-Weill-Spezialisten Jürgen Schebera kämen vier unterschiedliche
Qualitäten zusammen. Was Kämpfe, der in Berlin als erfolgreicher
Konzertmanager tätig ist und Kontakte zu vielfältigen
Künstlern unterhält, bewog, nach Dessau zu kommen, ist die
Begeisterung für Weill und „diese unglaublich kreative Zeit der
Berliner 20er-Jahre“. Eine kulturelle Explosion habe damals stattgefunden.
Sich bei der Planung eines Festivals in diesem Umfeld
zu bewegen, sei eine großartige Herausforderung.
Fasziniert ist Kämpfe von der bis heute ungebrochenen
Strahlkraft, die Weills Musik besitzt. All die Künstler, mit denen er
quer durch die musikalischen Genres gesprochen habe, hätten
Weill sofort als anregendes Thema angesehen. „Jeder beschäftigte
sich offenbar irgendwann mit der Musik von Kurt Weill.“
Im Eröffnungskonzert spielt der Trompeter Till Brönner,
Artist in Residence des Festspiels, mit der Anhaltischen Philharmonie
Dessau Auszüge aus der Brecht-Weill-Oper Aufstieg und
Fall der Stadt Mahagonny sowie weitere Meisterwerke von der
Klassik bis zur Gegenwart. Auch Jan Josef Liefers und seine Band
Radio Doria bauen in ihr Song-Programm Weill-Titel ein. Dagmar
Manzel erinnert mit ihrem Hollaender-Programm „Menschenskind!“
an die Anfänge des literarisch-politischen Kabaretts in
Deutschland, während Jochen Kowalski sich mit dem Salonorchester
Unter’n Linden dem Kabarett und dem Film der 20er-
Jahre widmet.
48 Veranstaltungen bringen Musik in Theater, Sakralbauten,
Museen und historische Stätten von „Cis-Schwein“, wie Weill seine
Geburtsstadt scherzhaft nannte, Magdeburg, Halle an der Saale,
Wörlitz, Gröbzig und Zerbst. „Wir wollen auch die Herkunft
Weills als Sohn einer jüdischen Familie wieder in den Fokus
rücken“, betont Kämpfe. Ein Programm geistlicher Musik, das
junge Künstler einbindet, führt in die Synagogen von Gröbzig und
Halle an der Saale. Und ein Symposium zum 100. Jahrestag der
Künstlervereinigung Novembergruppe setzt sich mit der Arbeit
der Künstler und Musiker auseinander, die nach dem Zusammenbruch
des Kaiserreiches mit ihrer Kunst am Aufbau einer demokratischen
Gesellschaft mitwirken wollten. Den krönenden
Abschluss der Festspiele bildet der Auftritt von Ute Lemper. Begleitet
vom MDR Sinfonieorchester, singt sie die großen Brecht-Weill-
Songs aus der Dreigroschenoper und der Oper Aufstieg und Fall der
Stadt Mahagonny sowie J’attends un navire, in dem die nach Südamerika
entführte Marie Galante aus der gleichnamigen Oper ihr
Heimweh beklagt.
n
51

E R L E B E N
FOTO: BACHFEST LEIPZIG, WWW.MALZKORNFOTO.DE
BACH-SCHATZKISTE
Das Leipziger Bachfest nähert sich mit exzellenten Interpreten, spannenden Programmkonzepten
und über 160 Veranstaltungen dem Faszinosum des großen Meisters an.
VON DOROTHEA WALCHSHÄUSL
Er ist der musikalische Heilige der Stadt: Als Thomaskantor hat
Johann Sebastian Bach die Musikgeschichte der Stadt Leipzig
maßgeblich geprägt. Die Namen Bach und Leipzig sind bis heute
die Schlüssel zu einer besonders reich gefüllten Schatzkiste an einzigartigen
Tonschöpfungen. Beim Bachfest der Stadt Leipzig wird
diese Kiste Jahr um Jahr aufs Neue geöffnet und ihr kostbarer
Inhalt in unterschiedlichster Art und Weise dargeboten.
In diesem Jahr lautet das Motto des Leipziger Bachfests
„Zyklen“. Johann Sebastian Bach hatte eine besondere Vorliebe für
zyklische Formen und Werkgruppen, konnte er in ihnen doch
systematisch die musikalischen Gestaltungsmöglichkeiten eines
bestimmten Motivs, eines Themas oder einer speziellen Gattung
erforschen. Beim Bachfest werden unter anderem ein Passions-
Zyklus und Aufführungsserien mit den Brandenburgischen Konzerten,
dem Wohltemperierten Klavier, den Goldberg-Variationen
sowie den Suiten für Violoncello solo zu erleben sein.
Ein monumentales Highlight krönt das Eröffnungswochenende.
Wie andernorts die Opern Wagners werden beim „Leipziger
Kantaten-Ring 2018“ innerhalb von 48 Stunden 30 ausgewählte
geistliche Kantaten Bachs in insgesamt
zehn Konzerten aufgeführt, die im
Gesamtkontext musikalisch ein komplettes
Kirchenjahr nachzeichnen. Als
BACHFEST LEIPZIG 8. bis 17. Juni
Informationen und Kartenservice:
Tel.: +49-(0)341-91 37 300
bachfest@bach-leipzig.de | www.bachfestleipzig.de
Interpreten sind weltweit führende Bach-Experten vor Ort, darunter
Ton Koopman, Hans-Christoph Rademann, Thomaskantor
Gotthold Schwarz und Masaaki Suzuki. Für John Eliot Gardiner,
der seit 2014 das Amt des Präsidenten des Bach-Archivs in Leipzig
innehat und diesen besonderen Konzertreigen initiiert hat, ist der
Kantaten-Ring ein Herzensprojekt: „Bachs Kantaten sind der Mittelpunkt,
das wahre Zentrum von Bachs Kirchenmusik. Und deshalb
bin ich überglücklich, dass all diese wunderbaren Kollegen an
der ,Uraufführung‘ des Kantaten-Rings beim Leipziger Bachfest
2018 mitwirken werden“, so Gardiner.
Wesentlich verantwortlich für die intensive Leipziger Bach-
Pflege war Felix Mendelssohn Bartholdy, der die Stadt als Gewandhauskapellmeister
ebenfalls musikalisch sehr geprägt hat. Entsprechend
ist im Rahmen des Bachfests auch ihm eine eigene Reihe
gewidmet.
Neben diesem spannenden musikalischen Seitenblick sorgen
Wissenschaftler des Bach-Archivs und ausgewiesene Gastreferenten
und Bach-Experten für weitere aufschlussreiche Perspektiven
auf den barocken Großmeister und begleiten die verschiedenen
Veranstaltungen mit Vorträgen und
Konzerteinführungen. Auf dem Leipziger
Markt findet zudem ein großes Bach
Open Air statt.
n
52 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2018

E R L E B E N
Faust-Festivalteam
FOTO: FAUST-FESTIVAL / ROBERT HAAS
DES PUDELS
GLANZVOLLER KERN
In München dreht sich ab Februar ein halbes Jahr lang alles um Goethes Faust. Am einzigartigen
Festival sind alle von der Bayerischen Staatsoper bis zur Paulaner-Brauerei beteiligt.
VON ANTOINETTE SCHMELTER-KAISER
Niemals hätte Roger Diederen mit den Wellen gerechnet, die seine
Idee schlagen würde: Bei den Vorbereitungen zur Ausstellung „Du
bist Faust“ wurde dem Direktor der Münchner Kunsthalle vor zwei
Jahren klar, wie aktuell und vielfältig Goethes Drama als Inspirationsquelle
ist. Seine Idee, das Thema über den Rahmen seiner Räume
hinaus auch andernorts neu zu interpretieren, begeisterte nicht nur
Max Wagner, damals frisch gebackener Geschäftsführer des Gasteig.
Bereits beim ersten Treffen mit potenziellen Kooperationspartnern
Ende 2016 „war die Bude voll“, erinnern sich die beiden. Beim zweiten
kamen 300 Gäste. Auch die Zahl möglicher Veranstaltungen
nahm rasant zu – von 100, die Diederen und Wagner anfänglich für
„ambitioniert“ hielten, auf mehr als 500. „Wir wollen den Stoff öffnen,
frisch und auch mit einem Augenzwinkern angehen“, erklärt
Anna Kleeblatt, die als Projektleiterin mit ins Boot geholt wurde
und ihr Netzwerk einbrachte. „Dabei kann jeder über alle Sparten
und Genres hinweg mitmachen.“
Der Gasteig, der unter Wagner explizit die Schwelle niedrig
setzen will und Kulturvermittlung als seine wichtigste Aufgabe versteht,
wird das Festival-Zentrum. Highlights im fünfmonatigen
Event-Reigen sind vom 23. Februar bis 29. Juli neben der großen
Ausstellung in der Kunsthalle Beiträge renommierter Institutionen
– egal ob Martin Kušejs Faust-Inszenierung am Residenztheater oder
Aufführungen von Mefistofele mit Erwin Schrott in der Bayerischen
Staatsoper. Darüber hinaus gibt es breitgefächerte Angebote unterschiedlichster
Veranstalter, die allesamt auf ihre
Weise aktiv werden: Im Paulaner am Nockherberg
wird beispielsweise als Spezialbier
„Faustus“-Weizenbock gebraut und über Wochen
FAUST-FESTIVAL MÜNCHEN
23. Februar bis 29. Juli
www.faustfestival.com
hinweg ausgeschenkt. Beim Faschingszug Anfang Februar stellen
Teilnehmer des Münchner Galerie Theaters Fausts Himmelfahrt dar.
Ab Ende Februar ermöglicht Klangkünstler Mathis Nitschke Smartphone-Besitzern
Hörspaziergänge namens „Vergehen“. Im Rahmen
des GUTE STUBE Erzählfestivals suchen Gabi Altenbach und Ines
Honsel nach der Geschichte, die Goethe zu seinem wichtigsten
Werk inspirierte. Und mit einer „Ein-Frau+Puppen-Voll-Playback-
Show“ bereitet Bridge Markland den Stoff ab Mitte April unter
anderem in der Stadtbibliothek für die Generation Popmusik auf.
„Das Gesamtergebnis ist mehr als die Summe seiner Teile“,
freut sich Max Wagner über so viel Einfallsreichtum. „Der Charme
des Festivals ist, dass wir bewusst auf die Auswahl durch Kuratoren
verzichtet haben.“ Dabei sind alle 120 Partner sowohl organisatorisch
als auch finanziell selbst für ihre Programmbeiträge verantwortlich.
Eine gemeinsame Website erlaubt Zugriff auf eine detaillierte
Datenbank mit allen Terminen, Inhalten und Veranstaltern.
Überdies wird das Festival mit Plakaten und Flyern beworben, die
das Logo mit einem im Comicstil gedruckten Schriftzug auf reclamheftgelbem
Grund tragen – für die Organisatoren ebenfalls ein Ausdruck
ihrer Überzeugung, wie „heutig und relevant“ Goethes Klassiker
ist. Dass das „Faust-Fieber“ derart viele Menschen infiziert hat,
entschädigt Roger Diederen und Max Wagner dafür, dass sie neben
ihren Hauptaufgaben „wahnsinnig viel Zeit“ in die Vorbereitung
des Festivals gesteckt und „Nächte durchgeplant“ haben. Und Anna
Kleeblatt attestiert eine „unglaublich schöne
Arbeit, die viele neue Verbindungen geknüpft
hat“.
n
53

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Abb.: Portmedia Verlag; Strezhnev Pavel / fotolia.com
54 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2018

SCHWERPUNKT
FILMMUSIK
Psychomord, Westernheld und Weltraumklänge – eine kleine Geschichte der Filmmusik (Seite 56)
Das Revival einer alten Kunst: Stummfilm mit Orgelbegleitung (Seite 62)
Musikinstrumente
im Film
VON STEFAN SELL
Filmmusik
Geige Gitarre Klavier
Anders als
gedacht
Bernard Herrmann
komponierte
die schrillen
Streicherklänge zur
berühmt-berüchtigten Duschszene
in Hitchcocks Psycho (1960), ein
Juwel der Filmmusikgeschichte.
Zu hören waren diese markanten
Streicherhiebe indes schon 1906,
als Jean Sibelius in Petersburg seine
sinfonische Fantasie Pohjolas
Tochter uraufführte.
Die Gitarrenmusik zum Film
Verbotene Spiele (1952) war so
schön, dass man glaubte, Narciso
Yepes hätte sie hierfür komponiert.
Allein dieses wohl bekannteste
Werk der klassischen Gitarre
ist älter, heißt Romance de España,
stammt aus der Feder des Vielschreibers
„Anónimo“ und wurde
bereits 1941 von Vicente Gómez in
König der Toreros gespielt.
Im Filmklassiker Casablanca
(1942) saß Dooley Wilson als Sam
am Klavier und sang As time goes
by. Das Klavier aber spielte nicht
er, sondern der Pianist Elliot Carpenter
aus dem Off. Kein einziges
Mal ist zu hören: „Play it again,
Sam!“, wohl aber „Play it once,
Sam!“, und vor allem forderte
Ilsa: „Sing it, Sam!“ und
genau das tat Sam, er sang.
Erstaunlich
Die rote Violine spielte Joshua
Bell für den gleichnamigen
Film. Für die Musik bekam John
Corigliano 2000 einen Oscar.
Als Bell jedoch Anfang 2007
seine Stradivari auspackte, um
inkognito in einer Washingtoner
U-Bahn-Station zu spielen,
rauschten während der Rushhour
mehr als 1.000 Leute
an ihm vorbei, ohne sein
Spiel wahrzunehmen.
In Crossroads löst ein spektakuläres
E-Gitarrenduell einen
Teufelspakt auf, und Flitzefinger
Steve Vai gelingt es, sich mit
seinem eigenen Spiel selbst zu duellieren.
Als Vertreter des Teufels
übernimmt er den Verliererpart
und lässt als Double hinter der
Leinwand seinen Herausforderer
Eugen (Ralph Maccio) mit
paganiniwürdigen Sololäufen
gewinnen.
Mit der Unterstützung von
Salvador Dalí zeigte Luis
Buñuel 1929 in Ein andalusischer
Hund, dass ein Konzertflügel
ausreichend Platz für einen toten
Esel hat. Gleich zwei Flügel mit
je einem Esel zieht ein schwer
gebückter Mann durch die Szene.
Die Musik zu diesem Stummfilm
schuf Buñuel mit einem Remix aus
Tango und Wagner.
Wirklich
wahr
Horror-Garant Wes Craven
schöpfte aus einer wahren
Geschichte das berührende
Melodram Music of Heart. Im
Mittelpunkt steht eine Violinlehrerin
(Meryl Streep), die im
Problemviertel East Harlem gegen
alle Hindernisse beweist, dass
Geigespielen Menschen inspiriert
und stark macht. Meryl Streep
nahm für die Rolle extra Instrumentalunterricht.
Dass man aus drei sparsamen
Gitarrenakkorden ein Leitmotiv
für einen ganzen Film machen
kann, bewies 1973 Nobelpreisträger
Bob Dylan in Pat Garrett jagt
Billy the Kid. Mit diesen drei Akkorden
auch noch eine Westernballerei
in den Song Knockin’ on
heaven’s door münden zu lassen
und damit einen seiner größten
Hits zu landen, ist schlicht genial.
In Anatomie eines Mordes (1959)
spielt James Stewart einen Anwalt,
der mehr Interesse für Jazzmusik
hegt als für seinen Beruf.
Kein Wunder, hat doch die Musik
zu diesem Film Duke Ellington
geschrieben. Das muss Stewart
so sehr begeistert haben, dass
er nicht nur den Anwalt spielte,
sondern auch Klavier, natürlich
vierhändig mit Ellington.
FOTO: CHRIS LEE
55

Filmmusik
DER SOUNDTRACK DER
FLIMMERWELT!
Sie dröhnen, romantisieren, zitieren und lassen schweigen.
Sie beschwören Vorahnungen und schaffen Gewissheiten. Eine Reise in die Welt der
Filmmusik von Dr. Caligari bis Spiel mir das Lied vom Tod.
VON TERESA PIESCHACÓN RAPHAEL
Grell und spitz stoßen die hohen Violinen zu, messerscharf
sausen die Geigen-Glissandi herab, es kreischt
und sägt, „fortissimo, brutale“, wie es in der Partitur
von Bernard Herrmann (1911–1975) steht. 53 „Cuts“ in
136 Sekunden, die Frau in der Dusche wird regelrecht zerhackt.
Man sieht es nicht in Hitchcocks Psycho – aber die Musik lässt
es hören. Ob Messerzücken, Kuss oder Cliff-Hanger: Nichts geht
im Film ohne Musik. Sie verstärkt Gefühle und Fantasien und
lässt Menschen umso lieber ins Kino gehen. Schon zu Stummfilmzeiten:
1917 wurden täglich 14 Millionen
Tickets verkauft, in Paris 1915 allein
im Oktober ganze 1,6 Millionen – fast die
Hälfte der damaligen Einwohnerzahl.
Regelrechte Stummfilmkathedralen
wurden erbaut, wie das Roxy Theatre in New
York, dessen spektakulär goldenes Auditorium
fast 6.000 Sitzplätze fasste. Kinoorgeln
produzierten alle Klangfarben und Geräusche,
dazu ein Orchester von 110 Mann nebst gemischtem Chor und
Vokalsolisten. Ob Mozart, Massenet, Weber oder Sibelius, Wagner
oder Bizet: Die Musik wurde an die Stimmung und das „Cue sheet“
angepasst, die von den Produzenten herausgegebene Liste der Stellen,
an denen Musik stattfinden sollte.
Freizügig der Umgang mit dem kompositorischen Material:
„Das Motiv für Caligari holten wir uns bei Straussens Till Eulenspiegel“,
schildert Filmkomponist Ernö Rapée 1919 die Suche nach
passender Musik für Das Cabinet des Dr. Caligari. „Um Cäsar, den
Träumer, zu etikettieren, pumpten wir uns ein bisschen was von
Debussys Nachmittag eines Fauns.“ In kleinen Kinos führte ein Pianist
durch den Film. Schlager, Gassenhauer, Ragtime oder Opernmedleys,
jedes Genre musste er parat haben – inklusive ein „Achtung!
Gefahr!“ signalisierendes Tremolo. Musik, die an jeder Stelle
abgebrochen oder verlängert werden konnte.
„Wir brauchten das Geld bitter nötig“, beschreibt Dmitri Schostakowitsch,
wie er Anfang der 20er-Jahre in Leningrad im „Aurora“
seine „Muggen“ verdiente. Seinem Lehrer Glasunow versicherte er,
„dass ich kein Lotterleben treibe; die Sache steht schlimmer. Mit der
Arbeit am Cinematograph bin ich völlig aufgeschmissen […] Wenn
ich nach Hause komme, [klingt mir] immer noch die Kinomusik in
KURT WEILL FÜHLTE SICH ALS
HURE HOLLYWOODS
den Ohren, und vor meinen Augen stehen die Helden und sind mir
böse […] Ich stehe sehr spät auf, mit schwerem Kopf und unpassenden
Gefühlen. Es kriechen mir unanständige Gedanken in den
Kopf, etwa: Ich hätte mich für 134 Rubel an das ,Sevzapino‘ verkauft
und sei nun zum Kinopianist geworden.“ Das Komponieren frustrierte
ihn: „ein Trommelschlag beim Eintritt eines neuen Helden;
ein munterer energischer Tanz für die positiven Helden, ein Foxtrott
für die ,Zersetzung‘ und eine muntere Musik für das glückliche
Finale“. Dennoch wird er 40 Filmmusiken schreiben.
„Keine Hure liebt je ihren Freier, und
sie will ihn so schnell wie möglich loswerden,
sobald sie ihre Dienste bereitgestellt
hat. Das ist mein Verhältnis zu Hollywood.
Ich bin die Hure“, brachte es Kurt Weill auf
den Punkt. Dennoch gelang es Komponisten,
auch eigenständige Musik zu schreiben,
wie Paul Hindemith für Im Kampf mit dem
Berge (1921) oder Eric Satie für René Clairs
Entr’Acte (1924). Saties Musik ist so absurd wie der Film selbst, ein
musikalisches Kaleidoskop, das nie zum Puzzle wird. Passend dazu
die Aufforderung an das Publikum: „Bringen Sie schwarze Sonnenbrillen
mit. Oder etwas, mit dem Sie die Ohren verstopfen können.“
Eine Revolution löste 1927 die Erfindung des Tonfilms aus. Die
auf das neue Lichttonverfahren standardisierte Filmrolle war billiger
als der Unterhalt eines Kinoorchesters, der seinerzeit 200.000 Dollar
jährlich verschlang. Kleine Kinos konnten sich nun die (einmalige)
Anschaffung eines Projektors für 15.000 Dollar leisten. Musiker
aber wurden über Nacht arbeitslos.
Fritz Langs legendärer Film M von 1931 nutzt die Sprache des
Stummfilms und verbindet sie mit den neuen Errungenschaften.
Er setzt die bis dahin illustrierende Filmmusik dramaturgisch ein:
Immer, wenn der Kindermörder einem Mädchen begegnet, wenn
in ihm Mordgedanken aufsteigen, pfeift er die Melodie von In der
Halle des Bergkönigs aus Griegs Peer-Gynt-Suite. An der Melodie
wird der blinde Händler, der dem Mädchen einen Luftballon verkauft,
die Gefahr erkennen.
Mit der Weltwirtschaftskrise 1929 schöpfen viele Drehbuchautoren
ihre Stoffe aus Presse- und Gerichtsakten, die die korrupte
amerikanische Justiz und Politik und die soziale Misere anprangern.
57

F I L M M U S I K
Es ist die Stunde des Film noir, seine
Sujets vertragen keine Musikretusche.
Misere als sarkastische Karikatur setzt
Chaplin genial in Moderne Zeiten 1936
in Bild und Musik um. Der Held als
hilfloses Zahnrädchen im Produktionsgetriebe
spricht nicht, dafür die Musik:
Muntere Quicksteps folgen den eintönigen,
immer schnelleren Bewegungen
des Arbeiters am Fließband. „Mickey-
Mousing“ nannte sich das Verfahren,
jede Bewegung musikalisch zu verdoppeln.
„Der Schauspieler kann seine
Augenbraue nicht hochziehen“, witzelte
Aaron Copland, „ohne dass die Musik
ihm dabei hilft.“ Und meinte damit
nicht Chaplin, sondern Max Steiner,
der diese Methode exzessiv betrieb. Doch Steiner
(1888–1971), einstiger Schüler von Gustav
Mahler, war auch ein begabter Komponist, wie
seine Musik zu Vom Winde verweht (1939) zeigt.
Drei Stunden Musik inklusive Ouvertüre, in
zwölf Wochen komponiert, dank Aufputschmitteln.
16 Leitmotive und über 300 Einzelnummern,
die er geschickt aus Motiven des musikalischen
MGM-Firmensignets entwickelte, das
jeden Film als „musikalisches“ Markenzeichen
einleitet. Während Steiners Musik vorwiegend
illustrativ bleibt, brachte Franz Waxmann (1906–
1967) eine psychologisierende Ebene hi nein.
Sein chromatisches Rebecca-Thema aus dem
gleichnamigen Hitchcock-Film von 1940, taucht
nur kurz auf, bleibt dennoch präsent, in variierter
Form, wie ein Geist, der durch die Zimmer
wandelt – der Protagonistin Rebecca ähnelnd,
die tot ist und dennoch die Handlung bestimmt.
Kongenialer Höhepunkt der Zusammenarbeit
zwischen Regisseur und Komponist ist
Herrmanns Musik zu Orson Welles’ Citizen Kane
(1941). Eine formal gleichbleibende Frühstücksszene zeigt den Verfall
von Kanes erster Ehe. Erste Einstellung: langsamer sentimentaler
Walzer für das liebende Paar. Zweite Einstellung: burlesk-heitere
Variation. Das Paar scherzt. Dritte Einstellung: aufgeregte Variation.
Emily ist nun strenger angezogen, die Stimmung gereizt. Vierte Einstellung:
Disput zwischen den Eheleuten, die einstige Walzermelodie
ist in Rede und Gegenrede aufgeteilt. Fünfte Einstellung: offener
Streit. Das Dies-Irae-Motiv klingt an. Sechste Einstellung: Lichte
Walzerfetzen erinnern an das einstige Glück. Die Melodie hat sich
aufgelöst wie die Ehe.
Deskriptiv und psychologisierend ist auch die Musik von Miklós
Rózsa zu Billy Wilders Das verlorene Wochenende (1945). Eine
zirpende Violine ahmt die Laute der Mäuse nach, die der Trinker im
Delirium zu sehen glaubt. Solche Eindringlichkeit ist selten. Meist
ist Filmmusik reines „Illustrationsmaterial“, auch die bereits komponierte.
Im Spiritismus-Schinken Der Exorzist (1972) gibt’s Musik
von Webern, Penderecki und Henze, frei nach J. S. Bach: Wo immer
der Böse die Hand im Filmspiel hat, dort ist „ein teuflisch Geplärr
und Geleier“, wo immer der Gute, da schwelgt das Orchester.
Ausnahmen bestätigen die Regel: Kunstvoll verzahnt Stanley
Kubrick in Barry Lyndon die Duellszenen mit Händels Sarabande
d-Moll. In Wilders Boulevard der Dämmerung erscheint die alternde
Diva zu Bachs d-Moll-Toccata; die Musik unterstreicht einstige,
unwiederbringliche Pracht. Mit Wagners Walkürenritt
ziehen amerikanische Soldaten in
Apokalypse now in den Vietnam-Krieg.
Meist bedient sich Filmmusik der Standardvokabeln.
Beethovens Für Elise steht für
kleinbürgerliche Enge, ein Wiegenlied für
Muttergefühle, Spieldosenmusik für amerikanische
Weihnacht, Trompeten für die Helden,
Oboen-Lieblichkeit für ländliche Atmosphäre,
Blues auf verstimmtem Klavier für liederliche
Kneipenstimmung, behäbige Streicherpracht
plus Cembalo für aristokratisches Milieu. Horror,
wenn die Kontrabassklarinette klingt. Und
die Stille? Meisterhaft setzt Ennio Morricone sie
in Spiel mir das Lied vom Tod ein, zwischen
schwelgerischen Orchesterpassagen
und dem berühmten Mundharmonika-Motiv.
Heute aber dominiert die volle
Dröhnung, wie Hans Zimmers „Wall-to-
Wall Score“-Methode: Ein Großteil des
Films wird mit Musik unterlegt. Zimmer
weiß sich zu vermarkten – jedenfalls besser
als György Ligeti, dessen Werke ohne
sein Wissen in Kubricks 2001: Odyssee
im Weltraum „verarbeitet“ wurden.
Ligeti hatte nichts dagegen, wäre aber
gerne dafür honoriert worden. „Sie werden
ihren Prozess in Frankfurt, Wien
und London gewinnen“, schrieb ihm seinerzeit
MGM zynisch. „In Los Angeles
aber können wir ihn 20 Jahre dauern lassen.
Wollen Sie lieber jetzt 1.000 Dollar?“
Schließlich bekam er 3.000 Dollar.
Einen Blick in die harten Arbeitsbedingungen
gab bereits Roland-Manuel
1947: Filmmusik-Komponisten werden
wie „Maler“ bestellt, „um Ausbesserungsarbeiten
in einer (fertigen) Wohnung
durchzuführen“. Dann „sieht sich der unglückliche Musiker, versehen
mit einer Stoppuhr, begleitet von einer mitleidvollen Cutterin,
einem heillosen Durcheinander gegenüber, dem Rohschnitt des
Films“. Der Regisseur gibt zu verstehen, „der Sonnenaufgang am
Anfang der dritten Filmspule“ funktioniere nicht, „eine ausdrucksvolle
Sinfonie von 20 Sekunden Länge“ müsse her. Dann noch ein
schönes Cello-Solo, um eine missratene Szene zu retten. Telefonisch
werde man ihm die endgültige Länge der Sequenzen mitteilen.
„Acht Tage und acht Nächte sitzt unser Mann an 40 Minuten Musik
… unterbrochen von Telefonanrufen der Cutterin, die ihm mitteilt,
dass der Vorspann nun doch länger werde … dass die eine Sequenz
von Rolle 7, für welche die Musik schon fertig ist, … unter den Tisch
falle.“ Dann hört der Komponist lange nichts, bekommt eines Tages
eine Einladung zur Filmpremiere. „Dort ist die Überraschung hart
… Das Geräusch des Krans überdeckt die Musik, die ursprünglich
den Lärm der Stadt nachzeichnen sollte … Die ursprünglich für
das Shakespeare’sche Theater geschriebene elisabethanische Musik
wurde dem Streit im Postamt unterlegt: charmanter Einfall des
Regieassistenten … Noch vor dem Ende der Vorführung ergreift der
Komponist die Flucht.“ Kein einfacher Beruf also. Und dann noch
der Spott. „Wo soll denn um Himmels Willen mitten auf dem Ozean
In Spiel mir das Lied vom Tod wird Stille, in
Citizen Kane musikalische Auflösung zum
Stilmittel
Musik herkommen?“, lästerte Hitchcock, als er eine Szene auf See
inszenierte.
■
58 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2018

Filmmusik
HOLLYWOOD-
SOUND –
DAS QUIZ
Wie gut kennen Sie die Klangschmiede
des Film-Olymp?
VON MARIA GOETH
Bei welchem Filmmotiv dachte Regisseur
Steven Spielberg zunächst, sein Filmkomponist
John Williams hätte sich einen Scherz erlaubt?
A) Indiana Jones B) Der weiße Hai C) Jurassic Park
C
M
Y
Wie viele Minuten lang eröffnet der Film
Spiel mir das Lied vom Tod mit nichts als
Umgebungsgeräuschen – ohne Musik,
ohne gesprochenes Wort?
A) 13 B) 5 C) 9
CM
MY
CY
CMY
K
Bei welchem Film wurden in den amerikanischen
Kinos Warnschilder aufgehängt, da er an zentraler
Stelle zehn Sekunden Stille enthält,
die von Besuchern für einen technischen Defekt
gehalten werden könnten?
A) Herr der Ringe – Die zwei Türme B) Gladiator
C) Star Wars – The Last Jedi
Welcher berühmte Filmkomponist hat einen
Gastauftritt im legendären Video des Songs Video
Killed the Radio Star, mit dem der Musiksender MTV
1981 sein Programm aufnahm?
A) James Cameron B) Danny Elfman C) Hans Zimmer
Welches Instrument spielt in Thomas Newmans
Oscar-nominierter Musik zum Spielfilm
American Beauty eine Hauptrolle?
A) Maultrommel B) Marimba C) Tuba
Die Lösungen lauten B, A, C, C, B
59

F I L M M U S I K
DER KLANGTÜFTLER
Gerade hat David Reichelt den Deutschen Filmmusikpreis gewonnen. In seinem Studio
lüftet der Komponist einige Geheimisse seiner Zunft.
VON MARIA GOETH
FOTO: DAVID REICHELT
„FÜR SKURRILE MUSIKWELTEN
RÄUME ICH AUCH MAL MEINE
GANZE KÜCHE AUS UND SAMPLE
KLÄNGE DARAUS“
Da liegt es also, eines der
Epizentren der Filmmusik.
Im lauschigen Münchner
Stadtteil Waldtrudering
passiere ich hübsche Häuserreihen mit
gepflegten Vorgärten. Ich bin auf dem
Weg zu David Reichelt, preisgekrönter Film- und Fernsehkomponist
und zusammen mit Sängerin Caroline Adler frischgebackener
Gewinner des Deutschen Filmmusikpreises – ausgezeichnet
wurden sie für den lyrischen Titelsong in Matthias Langs deutschem
Fantasy-Streifen König Laurin.
An der Tür zur Ideenschmiede nimmt mich der perfekt
gestylte 31-Jährige herzlich in Empfang. In Erwartung eines
irgendwie gearteten Produktiv-Chaos, verblüffen mich Klarheit,
Modernität und Aufgeräumtheit des Ortes, der Studio und Privatwohnung
in einem und in dessen Edelstahlküche eine akkurate
Teesammlung aufgereiht ist. Das Arbeitszimmer wird von
einem Schreibtisch mit drei großen Bildschirmen, einer ausziehbaren
Klaviatur und einigen hochwertigen Lautsprechern dominiert.
In einem Schrank versteckt sich ein Mini-Aufnahmestudio,
das Reichelt selbst mit Akustikmodulen ausgekleidet hat.
Auf einem niedrigen Holzregal reihen sich exotische Flöteninstrumente
aneinander: von armenischer
Duduk über chinesische Xiao bis
zur irischen Tin Whistle und modernem
Xaphoon.
Jetzt will ich es wissen. Wie
genau komponiert man eine Filmmusik?
Wie verläuft der Arbeitsprozess? „Das ist sehr unterschiedlich“,
betont Reichelt. Bei manchen Projekten steigt er früh ein,
bekommt bereits die erste Drehbuchfassung des Films und verfolgt
die gesamte Entwicklung mit. Manchmal passiert das erst
sehr spät. Gerade „pitcht“ Reichelt für eine Fernsehserie, bewirbt
sich also dafür mit einem Musikkonzept. Der Film ist fertig abgedreht.
Er muss also „nur“ noch den richtigen Sound zum Material
finden. In der Regel entscheiden Produzent und Regisseur, wer
eine Musik zum Film komponieren soll. Reichelt arbeitet den fertigen
Film mehrere Male durch. Manchmal hat der Cutter bereits
sogenannte „Temp-Tracks“ daruntergelegt, vorübergehend eingesetzte
Musik aus anderen Filmen, die ihm bei seinem Schneide-
Rhythmus hilft. Reichelt ignoriert diese manchmal lästigen Füller
elegant, um etwas Neues zu schaffen. Er setzt sich ans Klavier,
spielt, komponiert und notiert erst einmal einige simple Themen,
die melodische und harmonische Kernaussage. Diese Themen
60 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2018

Filmmusik
Für den Film König Laurin schuf David Reichelt
eine märchenhafte musikalische Fantasiewelt
FOTOS: SPARKLING PICTURES / IVAN POLETTI (3); SPARKLING PICTURES / JULIAN COROMINES; SPARKLING PICTURES / FELIX VON POSER (2)
entwickelt er dann weiter, macht sich eine schematische Auflistung,
wie er den Film gestalten möchte: Wo soll überhaupt Musik
erklingen und für was soll sie stehen? Dabei sind der Regisseur
und später die Produzenten involviert, mit denen Reichelt über
Spannungsbögen und Strukturen debattiert.
Dann wird „ausproduziert“, also orchestriert, gegebenenfalls
Solisten involviert und tatsächlich eingespielt. „Wenn ich nicht
explizit den Charakter von elektronischer Musik treffen will,
nehme ich alles selbst auf“, so Reichelts Ehrgeiz. „Ich baue nicht
mit Samples reale Instrumente nach. Das erreicht nie die 100 Prozent
einer echten Interpretation“. Für gängige Instrumente hat er
eine Stammbesetzung aus seinem Netzwerk, die er „zusammentelefoniert“
und Stück für Stück bei sich im Studio aufnimmt. Vieles
spielt Reichelt dabei höchstpersönlich
ein, so ist er etwa leidenschaftlicher
Saxofonist oder übernahm in der
märchenhaften Fantasiewelt von König
Laurin verschiedene ethnische Instrumente.
„Ich habe schon während der
Schulzeit Instrumente gesammelt“,
strahlt Reichelt. „Ich liebe es, neue zu
lernen! Hier im Studio habe ich gerade
über 50 verschiedene. Für skurrile Musikwelten räume ich auch
mal meine ganze Küche aus und sample Klänge daraus. Oder ich
gurgle oder singe mit morgendlicher Reibeisenstimme und verzerre
das zu synthesizerartiger Musik.“
Für die opulenten Orchesterklänge der Laurin-Produktion
hatte Reichelt für zwei Tage das Babelsberger Filmorchester zur
Verfügung. „Das war für die Aufnahme von einer ganzen Stunde
Orchestermusik sehr knackig“, gesteht Reichelt. „Da muss man
effizient arbeiten. Ich habe die Musik so arrangiert, dass sie von
guten Musikern beim ersten Mal zu spielen ist und Themenvariationen
hintereinander aufgenommen werden.“ Als reines Filmmusikorchester
sind die Babelsberger gewöhnt, „auf Klick“ einzuspielen
– also einen Klicktrack auf ihre Kopfhörer bekommen,
der eine zeitlich absolut passgenaue Einspielung gewährleistet.
Beim Dirigent läuft außerdem in einem Bildschirm der Film mit,
der beispielsweise zusätzlich mit Countdowns zum Abwinken
von Schlussakkorden versehen ist. Diese richtet Reichelt selbst
ein, der hier zum Produktionsleiter wird. Beim anschließenden
Mischen dieser „Hybridproduktionen“ werden dann Orchesterklang,
unabhängig davon eingespielte Solisten und elektronische
„SELBST MUSIK ZU SCHAFFEN,
WAR MEIN GRUNDSÄTZLICHES
BEDÜRFNIS!“
Zuspielungen zu einem idealen Raumklang „vermengt“.
Heute ist Reichelt zunehmend gut im Geschäft, doch auch
für ihn war aller Anfang schwer. Er komponiert, seit er sechs
Jahre alt ist, obwohl keiner in seiner Familie Musik machte. In
der Schule schrieb er Musik für die Theatergruppe. Die Symbiose
zwischen Bild und Musik faszinierte ihn. Doch es sollte zermürbende
19 Aufnahmeprüfungen dauern, bis Reichelt seinen Platz
in der Kompositionsklasse von Filmmusiklegende Enjott Schneider
(Herbstmilch, Schlafes Bruder, Stalingrad) fand. „Es gab keine
Alternative für mich! Das wollte ich machen“, so Reichelt, deshalb
kämpfte er, bis es vier Jahre später endlich klappte.
Doch dann folgten erste kleine, unbezahlte Projekte, etwa
mit der Hochschule für Fernsehen und Film in München und
Musik für Werbespots zum Geldverdienen.
Peu à peu baute Reichelt sein
Netzwerk auf. Es kam eine erste Reihe
– die bayerische Fernsehserie Hindafing
–, in der er die Intrigen und die
Verschrobenheit der Dorfbewohner
im schrillen, reduzierten Jazzsound
auf Schlagzeug, Bass und Saxofon –
Letzteres von Reichelt selbst gespielt
– widerspiegelte. „Die Drogenrauschszenen bei Hindafing sind
musikalisch betrachtet sehr wild“, lacht er. Die insgesamt 4,5
Stunden Filmmaterial sind nach ihrer Fernsehausstrahlung 2017
nun auf Netflix zu sehen.
Und jetzt? Ist der Deutsche Filmmusikpreis für König Laurin
ein höhnischer Triumph? „Nein“, bleibt Reichelt bescheiden. „Das
gibt nach all den Kämpfen und den vielen komplett durchgearbeiteten
Jahren Kraft und setzt einiges in einem frei. Es war ein überwältigendes
Gefühl, und da sind an diesem Abend schon ein paar
Freudentränen geflossen.“
Aktuell sitzt Reichelt in den Startlöchern für einen weiteren
Kinofilm, La Palma. Es geht darum, was Liebe bedeutet, um ein
Pärchen, das kurz vor der Trennung steht und es noch einmal miteinander
versuchen will. Und sein Wunschtraum? Na, wenn Hollywood
anklopfen würde, wäre das schon nicht
schlecht. Vielleicht einen Titelsong für James
Bond schreiben …?
■
„König Laurin. Original Motion Picutre Soundtrack“, David Reichelt
(Rough Trade)
61

F I L M M U S I K
Otto M. Krämer
David Cassan
FOTO: PRIVAT; A. FILLON
EINE ALTE KUNST LEBT:
STUMMFILME MIT
ORGELBEGLEITUNG
David Cassan und Otto M. Krämer sind Stars ihrer Zunft.
VON GUIDO KRAWINKEL
Es ist eine scheinbar idyllische Szene auf dem See: Die Sonne
scheint, sanft kräuseln sich die Wellen auf dem Wasser, zahlreiche
Vögel nutzen das gute Wetter für eine Rast auf dem
Gewässer. Und doch stimmt etwas nicht. Ein Pärchen sitzt
in einem Ruderboot. Während die Frau sich unschuldig umschaut,
wirkt der an den Rudern sitzende Mann bedrückt, innerlich zerrissen.
Die Stimmung ist angespannt, die Atmosphäre zunehmend
bedrohlich. Zu sehen ist davon zunächst jedoch wenig, aber
zu hören: beunruhigend pochende Harmonien einer Orgel, die
immer eindringlicher und düsterer werden, begleiten die Szene.
Noch weiß der Zuschauer nicht, was passieren wird, aber er ahnt
bereits: Es wird etwas Schlimmes sein.
Sonnenaufgang – Lied von zwei Menschen heißt der Stummfilm
von Friedrich Wilhelm Murnau, in dem sich diese Szene
abspielt. Untermalt wird er von Orgelmusik, live improvisiert von
dem französischen Organisten David Cassan, einem Star seiner
Zunft. Er hat drei der weltweit renommiertesten Improvisationswettbewerbe
in St. Albans, Chartres und Haarlem gewonnen und
wurde erst kürzlich als einer der Titularorganisten des Oratoire du
Louvre in Paris ernannt.
Der smarte Mittzwanziger mit den riesigen Brillengläsern
frönt nicht nur in liturgischem Rahmen der traditionsreichen
Kunst der Improvisation. Er begleitet auch gerne Stummfilme,
eine Kunst, die nach dem Aufkommen des Tonfilms fast in Vergessenheit
zu geraten drohte. „Ich liebe die Improvisation, weil sie
es mir ermöglicht, mich direkt auszudrücken, ohne den beschwerlichen
Umweg über die Komposition zu nehmen. Das Publikum
spürt dies meistens sofort“, so Cassan zu einem seiner Stummfilm-
Konzerte mit Murnaus Sonnenaufgang.
„Improvisatoren lieben diesen Film, weil er sehr farbig ist, sehr
kontrastreich. Es gibt bukolische, ruhige Szenen, aber auch Szenen
in der Stadt, die voller Dynamik und Rhythmik sind. Es gibt lustige,
ängstliche und fröhliche Szenen. Es ist ein Film, der es erlaubt, viele
verschiedene Klangfarben der Orgel vorzustellen, die hierfür perfekt
geeignet ist.“ Die scheinbar idyllische Szene am Anfang des Films ist
zutiefst tragisch, da der Mann seine Frau betrügt und sie umbringen
62 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2018

STILLE IST AN BESTIMMTEN STELLEN VIEL
WIRKUNGSVOLLER ALS JEDE MUSIK
Filmmusik
Murnaus Klassiker Sonnenaufgang ist prädestiniert für die
Live-Improvisation
will. „In diesem Moment Musik
für eine reine Liebesszene zu
machen, würde der Doppelbödigkeit
nicht gerecht. Die Musik
kann dem Zuschauer aber den
eigentlichen Sinn der Szene
nahebringen.“
Die Improvisation zu
Stummfilmen erlebt derzeit
eine erfreuliche Renaissance,
und das, obwohl die seinerzeit
eigens dafür gebauten Instrumente
vielfach abgerissen oder
in Museen überführt wurden.
Einzig das Babylon-Kino in
Berlin verfügt in Europa noch
über ein originales In strument
und leistet sich den Luxus
einer hauptamtlichen Kinoorganistin.
Zumeist aber wird
die Kunst der Stummfilmimprovisation
heutzutage an
Orten gepflegt, die ursprünglich
nicht dafür gedacht waren,
etwa in Kirchen.
Dort verrichtet auch der
Kirchenmusiker Otto M. Krämer
seinen Dienst. Im niederrheinischen Straelen kommentiert
und begleitet er normalerweise die liturgische Dramaturgie mit
seinen Improvisationen, doch genauso leidenschaftlich improvisiert
er live zu Stummfilmen. „Zunächst war ich auf der Suche nach
etwas, das man noch auf der Orgel machen kann. Wie kann ich die
Orgel in der Kirche anders präsentieren, nicht nur in der Liturgie
oder im Konzert?“ Und abseits von Choralvorspielen, Fantasien
und Sinfonien, die der für sein Stegreifspiel weltweit anerkannte
Musiker für gewöhnlich auf seinem Instrument improvisiert.
Doch der kirchliche Rahmen bedingt auch, dass nicht jeder
Film geeignet ist. „Wichtig im Kirchenraum ist, dass die Botschaft
kirchenverträglich ist.“ Der Galiläer etwa sei ein veritabler Passionsfilm,
und auch Ben Hur und Der Glöckner von Notre Dame,
Faust oder Nathan der Weise sind möglich. Eine freizügige Klamotte
eher nicht. Krämer geht es darum, der Orgel neue Betätigungsfelder
und neues Publikum zu erschließen und im Grunde
genommen seien die Begleitung eines Stummfilms und einer
Liturgie auch gar nicht so verschieden. „Mir geht es darum, Orgelmusik
zu dramatisieren. Liturgie ist ja auch nur eine Art heiliges
Theater.“
Wenn Krämer sich einen neuen Film aneignet, heißt es erst
mal: den Film schauen, mehrmals. Dann macht er sich Notizen,
legt Leitmotive fest. Doch welche Musik im Moment der Aufführung
erklingt, das weiß auch er erst im Moment der Aufführung
selbst. David Cassan geht vergleichbar vor, bei der Aufführung
heißt es: blitzschnell reagieren und sich der Situation anpassen.
„Ich schaue mir den Film an und schneide ihn für mich in Szenen.
Dann überlege ich mir,
welche Musik zu welchen Szenen
passt und welche Entwicklungen
es von einer Szene
zur nächsten gibt.“ Es geht um
Spannungsbögen, Entwicklungen,
Verläufe. „Das Ziel ist
es nicht, jedes kleinste Detail
zu kommentieren, sondern
einen großen Plan für den
ganzen Film zu machen, der
dann immer weiter verfeinert
wird, Sekunde für Sekunde.“
Fallstricke gibt es trotz
aller Vorbereitung genug, wie
Cassan schon leidvoll erfahren
hat. „Wenn die Filme im
35-mm-Format gezeigt werden,
ist die Geschwindigkeit
etwas schneller als auf DVD.“
Das Ergebnis: ein sekundengenauer
Plan hinkt dem Film
unweigerlich hinterher. Cassan
markiert deshalb nicht
mehr nur die Länge in Sekunden
und Minuten, sondern
notiert sich szenische Schlüsselmomente
und Motive als Hinweise. Zu viel oder zu detailliert
sollte man einen Film aber nicht begleiten. „Im Gegenteil, oft gilt
die Devise: Weniger ist mehr. Man muss gar nicht so viele komplexe
Sachen machen, der Film braucht das nicht. Manchmal
reicht schon eine Note oder Stille. Auf dem Höhepunkt eines Filmes
mache ich nach einer langen Steigerung manchmal einfach
nichts. Und diese Stille ist an dieser Stelle viel wirkungsvoller als
jede Musik.“
Auf der Orgel ist es komplizierter einen Film zu begleiten als
etwa mit einem Klavier. „Man muss Registrierungen vorbereiten
und dem Film deshalb immer etwas voraus sein. Auf dem Klavier
kann man dagegen sofort reagieren.“ Das eigentliche Improvisieren
fällt Cassan nicht schwer. „Wenn ich Bilder sehe, habe ich
augenblicklich die passende Musik dafür im Kopf. Manchmal passiert
es mir zudem, dass ich plötzlich komponierte Werke in die
Begleitung eines Films einbaue.“ Die stilistischen Mittel sind bei
der Improvisation unbegrenzt. Cassan ist in vielen musikalischen
Welten zu Hause: barock, romantisch, modern oder auch atonal,
alles ist möglich, standardisiert ist nichts.
Manchmal muss man als Stummfilmorganist allerdings
mehr improvisieren, als einem lieb ist, etwa, wenn während des
Films der Bildschirm für den Organisten ausfällt. Erlebt hat Otto
M. Krämer dies schon, die Folge: zwei Stunden lang Blindflug
und ein steifer Nacken, weil er ständig über die Schulter in Richtung
Leinwand schielen musste. Auch das gehört zum Alltag eines
Stummfilm-Improvisators.
■
www.orgelimprovisationen.de | www.davidcassan.com
63

F I L M M U S I K
Filmmusik
FLIMMERFIEBER
Filmkomponisten im Kurzinterview. VON MARIA GOETH
Harold Faltermeyer
Der deutsche Komponist und Produzent Harold Faltermeyer wurde unter anderem durch die Titelmelodien
zu BEVERLY HILLS COP und TOP GUN berühmt. Daneben hat der leidenschaftliche
Küchenmagier gerade ein Kochbuch herausgebracht.
Ihr aktuelles Projekt?
Ein neues „Best Of Harold Faltermeyer“-Album, Composer’s Cut Vol. II.
Was kann eine perfekte Filmmusik leisten?
Die perfekte Filmmusik ist ein Katalysator der Emotionen.
Sie muss auffallen, sich aber auch unterordnen können.
Ihr größter Alptraum?
Vor dem berüchtigten „leeren Blatt“ zu sitzen und keine Melodie weit und breit.
Ihr persönlicher Lieblingsfilm?
The Curious Case Of Benjamin Button.
Harold Faltermeyer verlieh Beverly
Hills Cop und Top Gun ihre Melodien
Welche Musik hören Sie abends zu einem gemütlichen Glas Wein?
West Coast Music (Doobie Brothers, Eagles, Earth Wind & Fire, Seawind etc.)
Harold Faltermeyer:
„Sweet Home Bavaria.
Weisswurscht-Haxn-
Hollywood“ (Umschau)
64 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2018

Konstantin Wecker
Das Multitalent Konstantin Wecker ist nicht nur als – gerne politischer – Liedermacher berühmt, er komponierte auch
die Musik zu zahllosen Filmen, etwa zu Michael Verhoevens DIE WEISSE ROSE, Margarethe von Trottas MIT FÜNFZIG
KÜSSEN MÄNNER ANDERS oder Helmut Dietls SCHTONK!.
Ihr aktuelles Projekt?
Im Februar gibt es im Münchner
Gärtnerplatztheater einen literarisch-musikalischen
Abend
„Der Klang der ungespielten
Töne“ zu meinem gleichnamigen
Roman. An einer Filmmusik
arbeite ich momentan nicht.
Was kann eine perfekte
Filmmusik leisten?
Sie kann und soll ein Gefühl miterzeugen.
Musik ist wie die
Poesie eine nonrationale Sprache.
Sie kann bewirken, dass ein
Thema noch mehr in die Herzen
und Seelen der Menschen hineintransportiert wird. Ein großes
Vorbild für mich ist Nino Rota, der mit Fellini in perfektem
Zusammenklang von Bilderwelt und Musik Meisterwerke wie
La Strada oder Casanova geschaffen hat.
Das ist fast wie in der Oper!
Was ist das Charakteristische an Ihrer Filmmusik?
Ich bin Melodiker! Es gibt viele Regisseure, die eigentlich gar
keine Melodie, sondern dramaturgische und rhythmische Effekte
oder Clusterklänge wollen. Ich hingegen sitze schon beim ersten
Sehen des Filmes im Beisein des Regisseurs am Klavier und spiele
Melodien mit, die in fast allen Fällen dann auch in die weitere
Bearbeitung einfließen.
Highlights?
Helmut Dietl habe ich schon sehr geschätzt. Als er mich fragte,
ob ich die Filmmusik zu Kir Royal machen wolle, bin ich vor
FOTO: THOMAS KARSTEN
Freude hochgehüpft. Oft sagte
er: „Das ist nicht witzig!“ Er
meinte nicht, dass die Musik witzig,
sondern der Zusammenklang
von Bild und Musik spannend
sein soll. Beim Film Schtonk! sieht
man zum Beispiel den Führerbunker
in Schwarz-Weiß-Aufnahmen.
Ich habe mich sehr
bemüht, etwas dafür zu finden.
Am Ende hat er sich für Davon
geht die Welt nicht unter von
Zarah Leander entschieden.
Ihr Alptraum?
Bei ein paar Projekten, die ich
nicht nennen will, habe ich mich schon gefragt: „Warum habe ich
zu diesem komischen Film die Musik gemacht?“ Oft lag das
nicht an den Regisseuren, sondern an dem Wahn, den öffentlichrechtliche
Anstalten haben, unbedingt Quote machen zu müssen.
Das ist der Tod jeder Kunst!
Ihr persönlicher Lieblingsfilm?
Schtonk!, das ist die beste Komödie nach dem Krieg.
Was hören Sie abends zu einem Glas Wein?
Durch meinen Vater, der Opernsänger war, bin ich mit Verdi,
Puccini, Mozart, Schubert und Schumann groß geworden. Im
Herzen bin ich der Klassik treu geblieben. Am meisten verehre
ich Mozart. Wenn du traurig bist, macht er dich froh, wenn du
froh bist, macht er dich noch froher – das ist für mich wie ein
Wunder! Außerdem bin ich bekennender Puccinist: Tosca ist die
beste Oper, die jemals geschrieben wurde.
Enjott Schneider
Enjott Schneider ist Komponist, Musikwissenschaftler und
Hochschullehrer. Er schrieb die Musik zu über 500 Filmen, darunter
HERBSTMILCH, STALINGRAD und SCHLAFES BRUDER
und Serien wie MARIENHOF oder TATORT.
Enjott Schneider ist gefeierter Filmkomponist.
Doch aktuell schlägt er sich die Nächte lieber mit der
Komposition seiner riesigen Chinaoper um die Ohren
FOTO: PRIVAT
Auf crescendo-Anfrage bekannte Enjott Schneider, dass Filmmusik für
ihn in den Hintergrund getreten sei, weil „vom Niveau her längst
langweilig und unterfordernd, das bisschen Elektronik mit Beat kann
auch jeder Anfänger!“. 2017 schrieb Schneider keine, 2016 nur eine
Filmmusik. Dafür brachte er überall in Europa und auf der ganzen
Welt von Brasilien bis Novosibirsk, von Taiwan bis New York nahezu
im Drei-Wochen-Rhythmus Aufführungen, Kompositionsaufträge
und CD-Produktionen über die Bühne. Zusammen mit seinen
Ämtern als GEMA-Vorsitzender und Präsident des Deutschen
Komponistenverbands sei damit sein 20-Stunden-Tag komplett.
Die Zukunft der klassischen Musik sieht Schneider in Bühnenproduktionen
in China, Japan und Korea und nicht in „deutschen Sparproduktionen
à 5.000 Euro je Film“. Am 1. Januar stellte Enjott
Schneider die Instrumentierung zu seiner „Riesenoper“ Marco Polo
mit 900 Partiturseiten für China fertig.
65

F I L M M U S I K
Hans-Jürgen Buchner
(„Haindling“)
Hans-Jürgen Buchner ist Musiker, Komponist, Keramikkünstler und Kopf der niederbayerischen
Gruppe Haindling, die durch ihren Mix aus Pop, Jazz und bayerischer Volksmusik
Kultstatus gewann. Buchner komponierte die Filmmusik zu Spiel- und Dokumentarfilmen
sowie Fernsehserien, darunter BAVARIA von Joseph Vilsmaier oder die POLT-Reihe von
Julian Pölsler.
Was ist Ihr aktuelles Projekt?
Gerade habe ich die Filmmusik zu einer Serie von Franz-Xaver Bogner beendet, die im ZDF
laufen wird. Sie heißt Über Land.
Was ist das besondere an Ihrer Musik?
Ich mache die Musik seit 35 Jahren allein, spiele alle Instrumente selbst ein – nur für Live-
Auftritte habe ich eine Band. Durch meinen ungefähr 150 Quadratmeter großen Instrumentenfundus
habe ich die Möglichkeit, Instrumente einzubauen, die jemand, der nur elektronisch
arbeitet, nicht hat. Ich arbeite ohne Computer, nur mit Harddisc-Recording, so
entsteht der charakteristische Haindling-Sound. Ich habe eine große Abteilung für asiatische
Instrumente – Gamelan-Instrumente, tibetanische Tempeltrompeten, vietnamesische
Trommeln. Ich habe alles, worauf man in der Welt interessante Musik machen kann!
Was leistet eine perfekte Filmmusik?
Ein Film ist zur Hälfte Film, zur Hälfte Musik. Eine gute Filmmusik macht den Film also doppelt
so gut. Er geht dann direkt in den Körper, in die Emotionen.
Ihr Alptraum?
Einmal sollte ich fürs ZDF die Musik zu einem Hexenverbrennungsfilm komponieren. Da
waren so viele Szenen mit Schreien und Gewalt. Das wollte ich in meinem Studio nicht
haben und lehnte ab. Auch Krimis lehne ich ab und schaue sie mir auch nicht im Fernsehen
an. Ich sehe nicht ein, dass ich mir in meiner Freizeit Diebe, Mörder und schlecht gelaunte
Polizisten einverleiben soll!
Aber die Titelmelodie der Rosenheim-Cops ist auch von Ihnen?
Ja, aber die haben sie genommen, ohne mich zu fragen. Und Rosenheim-Cops ist wenigstens
kein Krimi, in dem harte Vergewaltigungen oder schlimme Fleischwunden zu sehen sind.
Auch die Polt-Krimireihe von Julian Pölsler nehme ich aus, das spielt im österreichischen
Weinviertel und strahlt eine ganz spezielle Gemütlichkeit aus. Dafür habe ich Vivaldi als
Blasmusik arrangiert.
Würden Sie gerne für Hollywood schreiben?
Niemals! Da sprechen viel zu viele Menschen mit. Das ist mir zu aufgeblasen, das mag ich
überhaupt nicht. Jetzt kommen die Regisseure zu mir nach Haindling, wir schauen uns
zusammen die DVD mit Timecode an, dann habe ich eine Idee, gehe an den Flügel und
nehme es mit meinem Diktafon auf, habe gleich die Sicherheit, dass es dem Regisseur
gefällt. Ich spiele auch viel am Telefon vor.
Was hören Sie abends zu einem Glas Wein?
Am liebsten verbringe ich meine Freizeit mit Ruhe. Ansonsten mag ich inspirierende Musik,
die mich weiterbringt und nicht auf jedem Radiosender läuft. Oder wohltuende Musik,
gerne Frauenstimmen, etwa die ruhigen Lieder der dänischen Sängerin Agnes Obel.
FOTO: KICK FILM GMBH
Ennio Morricone
Mit seinen 89 Jahren ist Ennio Morricone der
Grandseigneur der Filmmusik. Unter seinen
über 500 Filmmusiken sind Italo-Western wie
SPIEL MIR DAS LIED VOM TOD oder
ZWEI GLORREICHE HALUNKEN legendär
geworden.
Ihr aktuelles Projekt?
Ein experimentelles Kurzfilmprojekt mit Giuseppe
Tornatore und ein noch streng geheimes
Projekt mit Neuer Musik.
Was ist das Charakteristische an Ihrer
Musik?
Als berühmter Filmmusikkomponist einerseits
und Komponist absoluter Musik andererseits
hatte ich früher zwei Gesichter. Heute sind
diese Gesichter näher aneinandergerückt,
haben eine gemeinsame Identität. Ich schreibe
tonale Musik aber mit einer Freiheit, die sie
den alten Modaltonleitern annähert.
60 Jahre im Geschäft, 70 Millionen verkaufte
Platten, zwei Oscars. Wurden Sie
auch einmal abgelehnt?
Ja, einmal. Bei Hinter dem Horizont mit Robin
Williams. Der Regisseur, Vincent Ward, startete
eine Art Vernehmung mit mir, warum ich
so laut, so unglaublich fortissimo komponiert
habe. Das war nicht wahr, sondern sein Weg,
mir zu sagen, dass ihm meine Musik nicht
gefiel. Wenn ein Regisseur das so sagt, braucht
man keine Minute mehr zu diskutieren.
Bereuen Sie etwas?
Manche Anfälle von Hochmut: zu denken,
dass ich einen mittelmäßigen Film mit Musik
„retten“ kann.
Ihr Traum?
Meine Oper über Neapel und die klassische
Mythologie fertigzustellen.
(Das Interview mit E. Morricone wurde aus einem
Gespräch von Sandro Cappelletto für „Classic Voice“ von
Maria Goeth aus dem Italienischen übersetzt)
66 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2018

Filmmusik
WOHER KOMMT
EIGENTLICH …
… die Musik im Film ?
VON STEFAN SELL
Im Vorspann jedes Films wird meist der Name des
großen Filmkomponisten genannt. Man achte jedoch
einmal darauf, ob andere, vielleicht bereits bekannte
Musikstücke oder Songs im Film die Aufmerksamkeit
erheischen als eben die Musik des genannten Komponisten.
Sollte einen interessieren, was man da hört, heißt es, geduldig
warten bis zum Ende des Abspanns, die Lesebrille holen
und dann nah an den Bildschirm rücken, um aus kleinster
Schrift zu entziffern, wessen Werk das Ohr erfreute. Meist
handelt es sich hierbei um „die Musik im Film“. Komponierte
Filmmusik dagegen besteht aus einem um Handlung
und Personen kreisenden Leitmotiv. Sie ist während
des ganzen Films gegenwärtig, mal unterschwellig, mal
sehr direkt, sie ist Musik, die wie ein drohendes Damoklesschwert
über dem Zuschauer schwebt oder ihn
als wärmender Pelz einhüllt, womöglich zuckersüß
einlullt. Musik im Film ist oft Musik, die schon vor
dem Film ein Dasein hatte.
Filmproduzent Sam Goldwyn, dessen Filme alle mit
einem brüllenden Löwen beginnen, forderte von Filmkomponisten:
„Bitte, schreiben Sie Musik wie Wagner, nur lauter!“
Man könnte daraufhin Wolfgang Wagner zitieren: „Wenn mein
Großvater heute noch leben würde, würde er zweifellos in Hollywood
arbeiten.“
Filmmusik erinnert uns daran, dass wir nur Zuschauer sind.
Ob die Akteure die Musik hören, wissen wir nicht, denn Filmmusik
ist Off-Musik, sie wird nach dem Dreh auf die Tonspur
gebracht. Die Musik im Film kann ihre Quelle im Bild haben, Teil
der Handlung sein, so wie in Apokalypse Now nach dem zynisch
bitteren Aufruf „This is a Romeo Foxtrot. Shall we dance?“ einer
der vielen amerikanischen Soldaten an Bord eines Hubschraubers
ein Tonbandgerät einschaltet und man sehen muss, wie zur Musik
von Wagners Walkürenritt unzählige Helikopterstaffeln in großer
Übermacht Bomben werfend über ein friedliches Vietnam fliegen.
Die eigentliche Filmmusik dazu komponierte Francis Ford
Coppola zusammen mit seinem Vater Carmine Coppola. Doch
wer erinnert sich schon daran, im Gedächtnis verankert blieb der
Walkürenritt, untrennbar verknüpft mit dieser Filmszene.
So spektakulär wie Wagner sind auch andere Klassiker eingesetzt
worden, siehe 2001: Odyssee im Weltraum. Ursprünglich
hatte der Komponist Alex North die Filmmusik zu Stanley
Kubricks Film geschrieben. Alex North war ein Meister
seines Faches, seine Werke kleideten Filme in Hülle
und Fülle, von Endstation Sehnsucht bis Good Morning,
Vietnam, 14-mal wurde er nominiert, doch nie bekam er
einen Oscar. Posthum ehrte man ihn mit einem erstmalig
vergebenen Ehren-Oscar. Was für ein Affront muss es für
North gewesen sein, als er am 2. April 1968 bei der Filmpremiere
statt seiner Musik plötzlich Also sprach Zarathustra
von Richard Strauss hörte. Kubrick hatte in seiner Plattensammlung
gewühlt und kurzfristig entschieden, auf
Norths Musik zu verzichten: „Wie gut unsere besten
Filmkomponisten auch sein mögen, Beethoven, Mozart
oder Brahms sind sie nicht.“
Ob Bachs Goldbergvariationen im Schweigen
der Lämmer auftauchen oder Jesus bleibet meine
Freude Spielbergs Minority Report ziert, das Air sich
mit dem Horror in Sieben vermählt, Beethovens Elise
Rosmaries Baby betört oder seine Fünfte schicksalshaft den Tod
in Venedig oder Saturday Night Fever durchdringt, immer ist es
Musik im Film. Die jeweilige Filmmusik hingegen schrieb jemand
anders.
Quentin Tarentino hat viele Songs aus den 60er- und 70er-
Jahren verwendet und ihnen in seinen Filmen zu einer Renaissance
verholfen. In Kill Bill 1 (2003) zeichnet der Rapper RZA
vom Wu-Tang Clan für den Soundtrack verantwortlich. Fraglos
prominent aber ist in diesem Film Don’t let me be misunderstood
in der erfolgreichen Disco-Version aus dem Jahre 1977 von Santa
Esmeralda.
Im Jahre 2001 kam aus den DreamWork-Produktionsstätten
Shrek mit der Filmmusik von Harry Gregson-Williams und John
Powell auf die Leinwand. Ohrenfällig darin: der Song Hallelujah.
Plötzlich hörte ein völlig neues Publikum Leonard Cohen. Der
Song wird so oft gecovert und ist so häufig in Filmen anzutreffen,
dass Leonard Cohen dem „Guardian“ gestand: „Ich habe gerade
eine Rezension des Filmes The Watchmen gelesen, worin der Song
vorkommt, und der Rezensent schrieb: ‚Können wir bitte ein
Moratorium für Hallelujah in Filmen und Fernsehshows gewähren?‘.
Ich empfinde genauso. Es ist ein guter Song, aber zu viele
Leute singen ihn.“
■
67

F I L M M U S I K
Filmmusik
GROSSES HÖRKINO
Wir haben uns unter den aktuellsten Filmmusikalben umgehört
und eine Auswahl für Sie zusammengestellt.
Die Hamburger Symphoniker unter der Leitung
von Frank Strobel mit dem Film Blancanieves
FOTO: EUROPÄISCHE FILMPHILHARMONIE
Monumental-Titan
Er ist zum Synonym für Filmmusik geworden: Der Hollywood-
Gigant John Williams schenkte ihnen allen die Musik von Star
Wars bis Der weiße Hai, von Schindlers Liste bis Indiana Jones,
von Harry Potter bis E. T. Bei Sony ist nun eine 20-CD-Box
erschienen, die ihn als Dirigenten würdigt – der Ursprung
seiner Karriere und bis heute neben der Komposition seine
zweite Passion. In unserem Rätsel auf S. 42 können Sie die Box
mit ein bisschen Glück gewinnen!
„John Williams, Conductor. 20 Complete Albums“
(Sony)
Cello
Ein Meister-Cellist erkrankt an Amyotropher Lateralsklerose und will für seine
Familie und Freunde ein letztes Konzert geben. Doch wie erklärt er das seiner
Enkelin Olivia? Im Kurzfilm der chinesischstämmigen Regisseurin Angie Su von
2017 spielt Musik handlungsgemäß eine besonders bedeutende Rolle. Komponist
Randy Kerber verarbeitet darin etwa Elgars berühmtes Cellokonzert. Den Solopart
übernimmt der amerikanische Cellist Lynn Harrell.
„Cello. Original Motion Picture Soundtrack“, Randy Kerber (Varèse
Sarabande)
68 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2018

Patriotismus,
Religion,
Revolution
Sein ganzes Leben lang schrieb Schostakowitsch
Filmmusik, auch wenn er den „Brotjob“
zuweilen verfluchte. Die bombastische
Musik zum sowjetischen Historiendrama
The Gadfly von 1955 ist heute – wenn überhaupt
– nur in Auszügen aus der Orchestersuite
bekannt. Von Mark Fitz-Gerald wurde
sie nun rekonstruiert und von der Deutschen
Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz
in voller Länge eingespielt! Weltpremiere!
Dmitry Shostakovich: „The Gadfly“,
Deutsche Staatsphilharmonie
Rheinland-Pfalz,
Mark Fitz-Gerald (Naxos)
FILM MIT LIVEMUSIK
Unter der künstlerischen Leitung von Frank Strobl ist die im Jahr 2000 gegründete
Europäische FilmPhilharmonie eine Institution in Sachen Filmmusik im Konzertsaal.
Hier werden Originalmusiken, Neuvertonungen und restaurierte Filmkopien recherchiert:
www.filmphilharmonie.de
Liebhaber des Stummfilms mit Livemusik finden auf der Seite Stummfilm Magazin
Termintipps und Informationen: www.stummfilm-magazin.de
Einige Kinos und Theaterhäuser bieten regelmäßig Reihen mit Film und Live musik.
Im Berliner Babylon-Kino ist die 1929 von Philips gebaute Multiplex-Orgel zu hören:
www.babylonberlin.de
Die Münchner Kammerspiele spielen in Zusammenarbeit mit dem Orchester Jakobsplatz
München eine neue Reihe „Flimmerkammer“ mit Filmklassikern und Orchester:
www.o-j-m.de
Groooove!
Happy 85th birthday, Lalo Schifrin! Der legendäre
Filmkomponist verlieh Blockbustern wie Mission:
Impossible, Dirty Harry und Der Mann mit der Todeskralle
ihre Musik. Zum Geburtstag hat sich der französische
Komponist und Pianist Jean-Michael Bernard
mit einer Pariser Band Schifrins Highlights angenommen.
In drei Stücken sitzt Lalo selbst am Klavier.
Jazzig, lässig, groovig!
„Jean-Michel Bernard plays Lalo Schifrin.
Bullitt, Dirty Harry u. a.“ (Varèse Sarabande)
Churchills Hölle
Dünkirchen, 1940. Bevor die deutsche Wehrmacht einfällt, werden 330.000 Soldaten evakuiert. Eine der
bangsten und düstersten Stunden für Winston Churchill. Dario Marianelli verlieh der Getriebenheit und
Ruhelosigkeit des Staatsmanns im Film Darkest Hour packenden musikalischen Ausdruck – mit Víkingur Ólafsson
am Klavier. Gerade ist der Film in die deutschen Kinos gekommen.
„Darkest Hour. Original Motion Picture Soundtrack“, Dario Marianelli, Víkingur Ólafsson
(Deutsche Grammophon)
69

F I L M M U S I K
Der Axel-Brüggemann-Kommentar
DER NEUE MUT
DER MUSIKFILMWELT
Auf der „Avant Première“ in Berlin
treffen sich internationale Musikfilmmacher –
und haben die unglaublichen Chancen
ihres Mediums erkannt.
Das Scandic Hotel am Potsdamer Platz verwandelt sich jedes
Jahr für einige Tage in ein gigantisches Multiplexkino. In dunklen
Räumen flimmern noch nicht gesendete Dokumentationen,
Konzert- und Opernmitschnitte über die Leinwände. Regisseure,
Autoren und Produzenten nehmen Stellung zu ihrer Arbeit. An
den Stehtischen im Foyer wird debattiert,
gestritten und verhandelt. Auf der Avant
Première treffen sich Filmschaffende aus
allen Ländern, um ihre neuen Produktionen
aus dem Bereich der Musik vorzustellen.
Die Gästeliste ist international.
Neben den großen deutschen Sendern
kommen die BBC aus England, RAI aus
Italien, TV-Stationen aus Japan, Tschechien,
Finnland, Schweden, Frankreich,
Kroatien, Litauen, Russland, der Schweiz
oder Österreich. Und natürlich sind wichtige Produktionsfirmen
wie die Unitel aus München vor Ort, signed media aus Hamburg,
accentus music aus Leipzig, arthaus oder Naxos. Und es kommen
zahlreiche Orchester und Thea ter wie die Berliner Philharmoniker,
das Göteborg Symphonieorchester, die Tschechische Philharmonie
oder die Opéra National aus Paris, um ihre Programme
vorzustellen. Letzteres sagt vieles über den Zustand der Filmbranche
in der klassischen Musik: Sie denkt vernetzt, in einem großen
Miteinander – und immer mehr Häuser werden selbst zu multimedialen
Playern.
Die Zeiten, in denen ein oder zwei Fernsehsender darüber
entschieden, was die Menschen sehen, sind vorbei. Die technischen
Voraussetzungen, um eine Aufführung aufzuzeichnen, sind
überschaubar, und an Ausspielplattformen fehlt es nicht: Im Netz
ist zwar noch immer kaum Geld zu verdienen, aber darum geht es
vielen Häusern auch weniger als um allgemeine Aufmerksamkeit
in Zeiten, in denen das Zeitungs-Feuilleton und andere Medien
DAS BEWEGTBILD
IST LÄNGST
ZUM TEIL EINES
NEUEN JOURNALISMUS
GEDIEHEN
kontinuierlich weniger über Klassik berichten. Die Met in New
York macht seit Jahren vor, dass ein Kino durchaus ein Raum sein
kann, in dem das Publikum bekommt, was es an vielen Stadttheatern
oft vermisst, einen Ort mit musikalischer Weltklasse
mit einem menschlichen Rahmenprogramm, in dem die Künstler
hautnah zu erleben sind. Das Kino
ist zur legitimen Erweiterungszone des
Opernhauses geworden, durch das die
Weltklasse in jedem Kaff zu Hause sein
kann.
Die wachsende Größe der Avant
Première zeigt auch, dass die audiovisuellen
Medien dabei sind, die Deutungshoheit
über die Repräsentation der
klassischen Musik in breiten Teilen der
Öffentlichkeit zu übernehmen. Dort, wo
weniger ausgestrahlt wird, schließen neue Anbieter die Lücken
durch On-demand-Angebote, und selbst private Stationen wie
Servus-TV oder Sky setzen zunehmend auf klassische Musik, da
sie begreifen, dass es sich um eine attraktive Nische handelt. Mehr
noch, jetzt, da ich diese Kolumne für crescendo schreibe, denke
ich an jene Zeit zurück, als es noch wirkliche Pionierarbeit war,
bewegte Bilder und ein gedrucktes Magazin miteinander zu verbinden.
Angefangen hat alles beim ECHO KLASSIK, als der
He rausgeber dieser Zeitschrift beschloss, die Veranstaltung backstage
mit einer Kamera zu begleiten. Das ist jetzt über zehn Jahre
her. Wir hatten keine Erfahrung, spürten aber schnell, dass das
für uns neue Medium in der Lage war, vollkommen neue Kommunikationswege
zu erschließen. Schaut man sich die Beiträge von
damals an, gerät man heute ins Schmunzeln: lange Haare, wenig
Licht, wackelige Kameras, schlechte Auflösung, ja im ersten Vorspann
ist noch Rolando Villazón als Beleuchter mit einer Hotel-
ZEICHNUNG: STEFAN STEITZ
70 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2018

Filmmusik
lampe in der Hand zu sehen. Ebenso wie bei den ersten Blogs von
crescendo, die zu Hause am Schreibtisch zusammengeschnitten
wurden. Kleiner Insider: Ein für uns gesungenes „crescendo“ von
Rolando können Sie bis heute im Abspann der crescendo-Videos
hören (www.youtube.de/crescendomagazin). Jetzt, zehn Jahre
später, ist längst klar: Print und Bewegtbild schließen einander
nicht aus, sondern ergänzen und befruchten sich gegenseitig. Die
Filme vom ECHO KLASSIK werden inzwischen hochprofessionell
und in HD-Fernsehstandard produziert – jedes Mal treffen
wir über 30 Künstler zu Kurzgesprächen.
Allein auf der Internetseite
crescendo.de sind inzwischen weit
über 50 Folgen von „crescendo trifft …“
zusammengekommen, zum Teil mit
schwindelerregenden Klickzahlen und,
verteilt über verschiedene Seiten, mit
mehreren 100.000 Zuschauern (zum
Beispiel, wenn Joyce DiDonato über
Donald Trump redet). In der Rubrik
„Mein erstes Mal“ sprechen Künstler
über ihre ersten Begegnungen mit der
Musik, Attila Csampai stellt regelmäßig
seine Lieblingsplatten im Video
vor und die leitende crescendo-Redakteurin Maria Goeth und der
Blockflötist Stefan Temmingh treffen sich zum Kochen mit Klassik-Stars.
Klar, all diese Formate ersetzen kein Fernsehen, aber sie zeigen,
wie das Bewegtbild längst zum Teil eines neuen Journalismus
geworden ist. Viele Leser kommen über Facebook oder andere
soziale Medien zum ersten Mal in Kontakt mit Musik (manche
wissen gar nicht, dass es crescendo auch in gedruckter Form gibt).
Wenn ich nun diese zehn Jahre zurückblicke wird eines klar:
Print, Video, Internet, Film, Streaming. Aus dem Printmagazin
ist ein Klassikmedium gewachsen, das über die verschiedenen
Kanäle viel mehr Menschen erreicht als früher.
Vor zwei Jahren saß der Chef der Unitel, Jan Mojto, auf
einem Podium der Avant Première. Früher war es sein Geschäftsmodell,
Filme und Konzerte für große öffentliche Sender aufzunehmen
und die Rechte daran zu verkaufen. Heute denkt er ganz
anders: „Wir nehmen die wichtigen Dinge auf“, sagte Mojto, „was
sich verändert hat, sind die Möglichkeiten, sie auszuspielen: Das
kann der Fernsehsender sein, dass können neue Klassik-Kanäle
im Netz sein, dass können Homepages von Zeitungen sein oder
natürlich Anbieter wie Netflix, die das neue Fernsehen ins Netz
verschoben haben.“ Klar wird bei derartigen Aussagen, dass wir
die Berichterstattung über Musik nicht mehr eindimensional denken
können, dass das Sehen und Hören zum Lesen dazugehört,
dass es unterschiedliche Situationen für unterschiedliche Formen
der Erzählweise gibt – und dass alle Medien auf diese Erkenntnis
reagieren müssen. Die Zeitung mag dabei der Grundpfeiler
sein, der die Geschichte des eigenen Unternehmens transportiert,
die mit ihrer Premium-Ausgabe zum gemütlichen und intensiven
Lesen verführt – eine Visitenkarte. Das Bewegtbild ist dabei eine
Erweiterung, eine Chance, Menschen an Orten zu erreichen, die
für klassische Zeitungen und Zeitschriften längst unerreichbar
sind.
DAS KINO IST ZUR LEGITIMEN
ERWEITERUNGSZONE DES OPERN-
HAUSES GEWORDEN, DURCH DAS
DIE WELTKLASSE IN JEDEM KAFF ZU
HAUSE SEIN KANN
Und das schafft man besonders, wenn das aufwendige Filmen
gleich mehrere Ziele verfolgt. Das Ideal einer aufwendigen
Begleitung eines Klassik-Events erstreckt sich nicht mehr darin,
es einfach nur abzufilmen, zu senden und zu vergessen, sondern
möglichst viel Material zu sammeln, mit dem weitgehend
zeitlose Dokumente geschaffen werden: Backstage-Interviews,
Probe arbeit, Meisterklassen, Interpretationsanalysen oder musikalische
Erläuterungen werden parallel zur Aufführung gedreht
und stehen danach für vielseitige Neuverwertungen zur Verfügung.
Primäres Ziel ist es, den aktuellen
Erfolg der Live-Veranstaltungen
allgemein zugänglich zu machen und
somit auch eigene „Stars“ aufzubauen,
etwa die Sopranistin Anja Harteros,
die kaum auf CD, wohl aber auf zahlreichen
DVDs begeistert. In der Filmbranche
scheint es inzwischen wieder
um Dinge zu gehen, die lange vergessen
wurden: Kontinuität, das Denken
in großen Zeiträumen und die wahre
Pflege von Künstlern, ihren Ressourcen,
ihren Möglichkeiten und ihren
Karrieren.
Außerdem haben die audiovisuellen Medien begriffen, dass
sie sich in einer vernetzten Welt miteinander vernetzen müssen.
Auf Veranstaltungen wie der Avant Première kommen Bühnen
und Orchester mit den Produzenten, Fernsehsendern, mit Kinos,
Regisseuren und Autoren ins Gespräch, um gemeinsam Zukunftspläne
auszuhecken. Derartige Ansätze werden auf der diesjährigen
Avant Première viele zu sehen sein. Filme, die international
funktionieren, die sich auf das Archiv des Aufgenommenen stützen
und gleichsam in der Gegenwart stehen, Filme, in denen es
um das Miteinander aller Institutionen geht, die in der Klassik
eine Rolle spielen, um das Publikum so nahe wie möglich an die
Kunst zu bringen.
An den Stehtischen im Foyer des Scandic Hotels wird es auch
dieses Mal darum gehen, wie die Kraft des eigentlichen Opernoder
Konzertabends im Film abzubilden ist, egal für welches
Medium, ob für das Fernsehen, die DVD oder den Stream. Klar
ist, dass alles dort beginnen muss, wo auch für das Publikum die
Magie einsetzt: beim Veranstalter, im Konzert- oder im Opernhaus.
Natürlich wird das Bewegtbild niemals die Möglichkeit
haben, ein Live-Event in New York, an der Bayerischen Staatsoper,
bei den Bayreuther Festspielen oder in der Berliner Philharmonie
abzubilden, wie es wirklich ist. Auch hier zählt schließlich noch
das Wort Roland Barthes’, dass jeder Reproduktion am Ende die
Aura des Originals fehlen wird. Das Fernsehen hat aber die Möglichkeit,
eine andere, eigene Aura zu schaffen, die jener im Theater
nicht im Wege steht, im Gegenteil, sogar neugierig auf das Theater
macht: die Aura dessen, was der Konzert- oder Opernbesucher
nicht zu sehen bekommt, das Detail, den Zoom, den Blick hinter
die Kulissen, das exklusive Gespräch mit den Künstlern. All das
kann das Fernsehen, und es ist dabei, diese Qualität zu perfektionieren,
seine Kräfte zu bündeln, um mit dem Abenteuer der klassischen
Musik so viele Menschen wie möglich zu begeistern und
zu berühren.
■
71

John Axelrod als Darth Vader
bei einem Konzert mit der
Schauspielerin und Sängerin
Leona Phillipo
FOTO: PRIVAT
John Axelrods Weinkolumne
DER WEIN DER JEDI-RITTER
Als Dirigent von Filmmusik schlüpft John Axelrod auch mal ins Darth-Vader-Kostüm.
Uns verrät er, welcher Wein jeden Hollywoodschurken umhauen würde.
Die meisten Dirigenten haben schon mal
Filmmusik aufgeführt. Sie ist inzwischen
Teil des Repertoires – beliebt beim Publikum
und mit verbessertem Orchestermaterial.
Filmmusik wird inzwischen zusammen
mit Sinfonien und Oratorien auf den Spielplan
gesetzt, Filmmusikorchester spielen
ausverkaufte Tourneen. Ich selbst dirigierte
jüngst ein Star-Wars-Konzert im völlig ausverkauften
Amsterdamer Concertgebouw!
Nie hätte ich mir träumen lassen, mal als
Darth Vader verkleidet diese berühmten
Stufen hinabzusteigen. Es war großartig!
Als Musikalischer Leiter der Galakonzerte
„Hollywood in Vienna“ tauchte ich schon
von 2009 bis 2011 in die Welt der Filmmusik
ein. Die feine Kunst von Steiner, Korngold
und Rózsa würde ich als „Dritte
Wiener Schule“ bezeichnen. Österreichisch-ungarische
sowie deutsche Wurzeln
und Bezüge zu Strauss, Zemlinsky
und Wagner erschafften den typischen
Hollywood-Sound. Kein Wunder, dass
der großartige John Williams seine
Quellen in dieser Dritten Wiener
Schule fand. Korngolds Kings Row
und das Hauptmotiv von Star Wars
gleichen sich wie Zwillinge.
Gerade setzt Star Wars seine
40-jährige Erfolgsgeschichte mit
einem weiteren Film, The Last Jedi,
fort, und die Musik daraus wird
von Laien und Profis auf der ganzen
Welt aufgeführt und verbreitet.
Aber was trinkt man, während
man sich den Film ansieht oder
den Soundtrack über große Boxen
anhört? Schade, dass man die vielen in Star
Wars erwähnten Weine nicht probieren
kann. Han Solo und sein Gefährte Chewbacca
sind die Säufer unter den Charakteren.
Han sagt: „Danke, Chewie. Danke, dass
du nicht alles aufgesoffen hast.“ Und Corellia
ist nicht nur der Heimatplanet von Han
Solo und Wedge Antilles, sondern auch des
corellianischen Weines. Daneben verdient
in dieser fernen Galaxie auch noch der
Wein Alderaanian vom Leuchtstern Alderaan
– von dem die junge Prinzessin Leia
stammt – Erwähnung. Er gehört offenbar
zu den teuersten Tropfen der Galaxie und
ist der Favorit der dunklen Mächte Graf
Dooku und Senator Palpatine.
Auch auf der Erde investierten Filmregisseure
und Komponisten in ihre Weinleidenschaften.
Kenner sind mit den
Weinen von Francis Ford Coppola (Der
Pate) vertraut. Coppolas Weingüter
sind preisgekrönt und setzen einen
hohen Standard für kalifornische Qualitätsweine.
Auch Alan Silvestri, Filmmusikkomponist
von Zurück in die
Zukunft, hat in kalifornische Weine
investiert.
Trotz der großartigen Musik
von Star Wars, Der Pate und Zurück
in die Zukunft würde ich beim besten
Soundtrack für meinen Lehrer
Leonard Bernstein stimmen, auf
dessen 100. Geburtstag wir zusteuern.
Die Faust im Nacken gehört zu
den ganz großen Filmklassikern.
Mit Marlon Brando in der Hauptrolle,
handelt er von einem gescheiterten
Boxer, der unter Hafenarbeitern ins
organisierte Verbrechen gerät. Der Film
gewann 1954 acht Academy Awards und ist
der einzige, der original komponierte Filmmusik
von Bernstein enthält. Die Musik war
entscheidend für den künstlerischen und
kommerziellen Erfolg des Films, erfasste
HAN SOLO UND SEIN
GEFÄHRTE CHEWBACCA
SIND DIE SÄUFER
UNTER DEN
STAR-WARS-
CHARAKTEREN
Lokalkolorit, Leidenschaft der jungen Liebenden,
Gefahren und den ultimativen Sieg
eines Mannes über das korrupte System. Sie
ist der Wahnsinn!
Der Wein, der zu dieser Musik passt?
„The Boxer“ des preisgekrönten australischen
Produzenten Mollydooker. Unter
Sammlern für seinen „Velvet Glove“ und
„Carnival of Love“ beliebt, beglückt er mit
„The Boxer“ in jeder Hinsicht. Es ist ein kräftiger,
charakterstarker Shiraz mit Aromen
von Pflaumen, Brombeermarmelade und
Kirsche im Kern und schokoladenumhüllten
Kaffeebohnen, Lakritz und Vanille im
Abgang. Er hat die Unerbittlichkeit eines
Boxers und könnte es durchaus mit dem
Schmuggler Han Solo aufnehmen. Ob Mollydooker
nach Corellia ausliefert? ■
John Axelrod ist Generalmusikdirektor und Geschäftsführer des Real Orquesta Sinfónica de Sevilla und erster Gastdirigent des Orchestra Sinfonica di Milano „Giuseppe Verdi“. Nebenbei schreibt er
Bücher und sorgt sich um das Wohl des crescendo-Lesergaumens. Außerdem schreibt er einen englischsprachigen Blog zum Thema Wein und Musik: www.IamBacchus.com.
Die Weine von Mollydooker finden Sie im deutschen Vertrieb unter www.captaincork.com/rotwein/the-boxer/ oder direkt unter: www.mollydookerwines.com
72 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2018

LEBENSART
In Mailands Design-Elysium: Augenschmaus im Hotel Gallia und bei Fornasetti (Seite 74)
crescendo – Hier kochen die Stars: Saltimbocca mit Geiger Matthias Well (Seite 76)
Sevilla: Mit Dirigent John Axelrod durch das Herz Andalusiens (Seite 78)
Die Objekte des italienischen
Malers, Bildhauers und Kunsthandwerkers
Piero Fornasetti
entführen in surreale Welten
FOTO: FORNASETTI
73

L E B E N S A R T
FOTOS: FORNASETTI
Surreal anmutende Wohnobjekte im Mailänder Laden des 1988 verstorbenen Piero Fornasetti
In Mailands
Design-Elysium
Ob die Besessenheit von der Opern-Diva Lina Cavalieri oder den Stil-Ikonen der 70er-Jahre:
Mailands Design-Elite schöpft Fabelhaftes aus ihren Inspirationsquellen.
VON CORINA KOLBE
Wie kommt das Tiramisu bloß
in die Kugel hinein? Im futuristisch
gestylten Rooftop-
Restaurant des Excelsior
Hotel Gallia in Mailand wird
das typisch italienische Dessert in einer Art
Weihnachtskugel aus Zucker serviert. Der neugierige
Gast wagt es kaum, das dekorative Objekt
aus der Küche von Vincenzo und Antonio Lebano
mit dem Löffel aufzubrechen – doch das Probieren
lohnt sich!
In Mailand ist einfallsreiches Design nicht nur im Museum,
sondern in der ganzen Stadt anzutreffen. Das von der Familie Gallia
gegründete Luxushotel, das 1932 fast zeitgleich mit dem nebenan
gelegenen Mailänder Hauptbahnhof eröffnete, hat Künstler zu
Grenzgängen quer durch die Epochen verführt. Vor einigen Jahren
Piero Fornasetti hatte eine
Obsession für italienische Oper
hat der Architekt Marco Piva das Haus mit seiner
von Jugendstil und Art déco geprägten Fassade
grundlegend modernisiert. Der historische
Palazzo wurde durch einen neuen Flügel erweitert.
Marmorflächen und Glaselemente im minimalistischen
Design des 21. Jahrhunderts kontrastieren
jetzt mit der verspielten Ästhetik früherer
Zeiten. Im eleganten Treppenhaus mit floralen
Elementen aus Gusseisen zieht eine 25 Meter
lange, kegelförmige Lichtskulptur alle Blicke auf
sich. 180 Leuchtzylinder aus weißem Murano-
Glas der Firma De Majo, die an unterschiedlich langen Kabeln hängen,
scheinen sich wie ein Wasserfall durch acht Stockwerke zu
ergießen.
Durch die Korridore zieht ein dezenter Blütenduft, der eigens
für das Hotel mit insgesamt 235 Zimmern und einem großzügigen
74 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2018

FOTO: MATTEO BARRO
Die 1.000 Quadratmeter große Katara Royal Suite im Hotel Gallia ist randvoll mit Design-Klassikern
Spa-Bereich komponiert wurde. Wer
besonders viel Platz braucht, kann im
obersten Stock die 1.000 Quadratmeter
große Katara Royal Suite inklusive zwei
Terrassen, Solarium und Jacuzzi mieten.
Mehrere kleinere Suiten sind prominenten
Mailänder Architekten und Designern
gewidmet. Gut möglich, dass die
von Flos hergestellte Pendelleuchte „Taraxacum“ der Brüder Achille
und Pier Giacomo Castiglioni, die wie ein überdimensionaler Ball
aus Seifenblasen über einem Tisch schwebt, am Ende sogar die
Küchenchefs zu ihrer Tiramisu-Kreation inspiriert hat.
In einem anderen Zimmer erkennt man die Designklassiker-
Lampen von Vico Magistretti aus den 1970er-Jahren, die bis heute
von Oluce produziert werden. Hotelgäste, die von langen Stadtbesichtigungen
zurückkommen, freuen sich auch über den Stuhl
„Dormitio“, den Gio Ponti extra für müde Wanderer in einem Benediktinerkloster
entwarf. In den 1930er-Jahren begann der legendäre
Architekt, den jungen Maler, Buchdrucker und Designer Piero Fornasetti
zu fördern. Dessen surreal anmutende Wohnobjekte kann
man heute in einem Geschäft am Corso Venezia, nicht weit von den
exklusiven Armani-, Versace- und Prada-Boutiquen im „Quadrilatero
della moda“, besichtigen. In dem Haus wohnte einst Filippo
Tommaso Marinetti, der Gründer der Futuristen-Bewegung.
Ein Rundgang im Fornasetti-Laden, der sich über drei Etagen
erstreckt, wird zu einer Entdeckungsreise durch eine Welt voller
schräger Fantasien. In Räumen mit verschiedenfarbigen Wänden ist
ein Sammelsurium von Schränkchen, Tischen, Paravents, Vasen,
Tassen, Aschenbechern oder Duftkerzen ausgestellt. Diese Objekte
sind mit Schmetterlingen, Händen, Harlekinen, Spielkarten, Sonnen
oder anderen obsessiv wiederkehrenden Motiven dekoriert, die Fornasettis
schier unerschöpfliche Vorstellungskraft beflügelt haben.
„EIN RUNDGANG IM
FORNASETTI-LADEN IST EINE
REISE DURCH EINE WELT
VOLLER SCHRÄGER FANTASIEN“
Besonders beliebt ist die Serie
„Tema e variazioni“ mit dem Konterfei
der Operndiva Lina Cavalieri. Insgesamt
mehr als 500 Mal hat Fornasetti
das Bild der Sopranistin variiert, die er
nie persönlich kennengelernt hatte.
Cavalieri, die Anfang des 20. Jahrhunderts
als „schönste Frau der Welt“
gefeiert wurde, ist allein auf mehr als 300 verschiedenen Wandtellern
dargestellt. Gefesselt, verschleiert, zerstückelt, im Maul eines
Krokodils oder mit frech herausgestreckter Zunge wurde sie zu
einer Gefangenen der Fantasie des Designers, der von ihrem
Anblick regelrecht besessen war. Mailands berühmtes Opernhaus,
das Teatro alla Scala, hat Fornasetti auf einem Lacktablett dargestellt.
Plakate von Uraufführungen bekannter Opern wie Verdis
Otello 1887 oder von Arturo Toscaninis Konzert zur Wiedereröffnung
der Scala 1946 dienten ihm als Vorlage für eine Serie von
Aschenbechern.
Als Bühnen- und Kostümbildner arbeitete er 1954 bei einer
Inszenierung von Gian Carlo Menottis komischer Oper Amelia va
al ballo mit dem Theater zusammen.
Nach Piero Fornasettis Tod 1988 setzt nun Sohn Barnaba die
Arbeit seines Vaters fort. Am Teatro dell ’Arte in Mailand und am
Teatro della Pergola in Florenz brachte er im Winter 2016/17
Mozarts Oper Don Giovanni in der Prager Urfassung auf die Bühne
und entwarf dazu das Bühnenbild. Mit dem notorischen Frauenhelden
befasst er sich auch in seiner neuesten Design-Kollektion.
Hände auf Tabletts und Tischchen symbolisieren die Leichtlebigkeit
des Verführers. Und die Operndiva, durch deren Gesicht auf einem
Wandteller ein Riss geht, verkörpert die verschiedenen Identitäten
seiner weiblichen Opfer.
■
www.excelsiorhotelgallia.com/de | Fornasetti: www.fornasetti.com
75

L E B E N S A R T
Saltimbocca
mit Reis
CRESCENDO –
HIER KOCHEN DIE STARS
„ESSEN
HAT BEI UNS IMMER
EINE GROSSE ROLLE
GESPIELT,
WEIL MEINE MUTTER
AUS FRANKREICH
KOMMT“
MATTHIAS WELL
FOTOS: MARIA GOETH
76 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2018

SALTIMBOCCA MIT REIS
ZUTATEN FÜR 2 PERSONEN
Reis für 2 Personen
2 mittelgroße Zwiebeln
Olivenöl
4 dünne Kalbfleischscheiben
Salbeiblätter
roher Parmaschinken
Weißwein
Salz, Pfeffer
1 Suppenwürfel
½ Becher Schlagsahne
Den Reis nach Packungsangabe kochen.
Die Zwiebeln klein schneiden und in Olivenöl andünsten.
Die Kalbfleischscheiben vorne und hinten mit Salbeiblättern bedecken und mit dem Schinken belegen.
Fleisch auf beiden Seiten für etwa 2 Minuten scharf anbraten und mit Weißwein aufgießen.
Mit Salz und Pfeffer würzen, Suppenwürfel und die Sahne zugeben.
Reis und Fleisch zusammen servieren und mit etwas Salbei und Zwiebelstücken dekorieren.
Das Video zum Rezept finden Sie unter: www.youtube.de/crescendomagazin
•
MATTHIAS WELL
GEIGER
Der junge bayerische Geiger Matthias Well studierte in München bei Sonia
Korkeala und Mikyung Lee. 2017 gewann er den Fanny Mendelssohn Förderpreis
Hamburg, was ihm die Realisierung seines Debüt-Albums mit Trauermusiken aus
aller Welt ermöglichte. Für uns kochte er in der Küche von crescendo-Chefkoch
und Blockflötist Stefan Temmingh (links im Bild).
Matthias Wells aktuelles Album: Bach, Piazzolla, Seress u. a.:
„Funeralissimo“, Matthias Well, Maria Well, Zdravko Živkovič (Genuin)
77

L E B E N S A R T
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4
5
6
7 9
8
FOTOS: CONSORCIO TURISMO DE SEVILLA (7); DIEGO DELSO; KATHERINA KNEES
1) Torre del Oro 2) Der Eingang der Stierkampfarena Real Maestranza 3) Alcázar 4) Plaza España 5) Flamenco
6) Sevillanische Keramikkunst 7) Nachtleben in Sevilla 8) Süße spanische Köstlichkeiten 9) Traditionelle Tapas
78 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2018

DIE GANZE STADT DUFTET NACH
ZUKUNFT UND PERSPEKTIVE
Sevilla
Maurische Paläste, Flamenco, Stierkampf und Paradies der Meeresfrüchte –
mit Dirigent und crescendo-Kolumnist John Axelrod durch Andalusiens Hauptstadt.
VON KATHERINA KNEES
FOTO: PRIVAT
Bienvenida!“ tönt es durch die Hotellobby.
Auftritt John Axelrod. Sonnenbrille,
Künstlerschal und ein wilder
Lockenkopf unter einem weißen Hut.
Der amerikanische Dirigent ist ein
ex trovertierter Vollblutbühnenmensch und kann es
gar nicht erwarten, „sein“ Sevilla zu zeigen. Seit
2014 ist John Axelrod in seiner Funktion als musikalischer
und künstlerischer Leiter des Real
Orquesta Sinfónica de Sevilla der erste und einzige Generalmusikdirektor
Spaniens, und das Hotel Vincci la Rabida in der Calle Castelar
ist so etwas wie sein zweites Zuhause, wenn er in Sevilla ist.
Von dort aus startet der Spaziergang durch die von der Sonne in
goldenes Licht getauchten Gassen. „Auf der Plaza de Molviedro
blühen jedes Jahr für zwei Wochen die Jacaranda-Bäume und verwandeln
den kleinen Platz in ein märchenhaftes violettes Blütenmeer“,
erzählt John Axelrod und hält inne. „Sevilla ist für mich aus
vielen Gründen die schönste Stadt der Welt.“ Nach wenigen Schritten
erreichen wir die „La Azotea“, ein kleines Tapaslokal in der
Calle Zaragoza, in dem John Axelrod mit großem Hallo den Besitzer
begrüßt und sogleich kulinarische Pläne schmiedet. „Wir müssen
unbedingt Fisch essen, dieser Ort hier ist das Paradies für Liebhaber
von Meeresfrüchten; besseren Fisch und bessere Muscheln
bekommt man sonst nirgendwo, nicht mal in Japan.“ Gesagt, getan.
crescendo-Autorin Katherina
Knees mit John Axelrod
Die Muscheln mit Öl und Zitrone zergehen auf
der Zunge, es folgt gegrilltes Schwertfischfilet mit
Gemüse und ein Teller mit Artischocken zum
Niederknien – dazu gibt es Rotwein. John Axelrod
strahlt. Gutes Essen ist neben Musik seine
große Leidenschaft. 1994 war der Dirigent sogar
für kurze Zeit Leiter des Robert Mondavi Wine
and Food Center in Costa Mesa in Kalifornien.
„Mit dem Essen ist es wie mit der Musik“, bekennt
er. „Wenn die Qualität nicht absolut hervorragend ist, macht mich
das kreuzunglücklich, aber wenn die Qualität stimmt, bin ich der
glücklichste Mensch der Welt.“
Als das Real Orquesta Sinfónica de Sevilla 1991 von Vjekoslav
Šutej gegründet wurde, bestand es aus 23 Musikern, die Šutej aus
Osteuropa mitgebracht hatte. In den letzten 25 Jahren hat sich das
Gesicht des Klangkörpers jedoch völlig verändert. Das liegt auch
daran, dass man in Sevilla viel für den Nachwuchs tut, berichtet
John Axelrod begeistert. „Hier wimmelt es von guten Jugendorchestern
wie in keinem anderen Land. Neun Nachwuchsorchester
gibt es momentan in Sevilla und die Qualität ist enorm. Die jungen
Musiker brennen für das, was sie tun, und ich kann hier wirklich
etwas bewegen. Die ganze Stadt duftet nach Zukunft und Perspektive
und ist zugleich tief verwurzelt in ihren Traditionen. Das ist
eine unglaublich reizvolle Mischung!“
79

L E B E N S A R T
John Axelrod kann selbst auf
eine bewegte und vielseitige Karriere
zurückblicken. 1966 wurde er in
Houston in Texas geboren und nach
musikalisch geprägten Kindertagen
bereits mit 16 Jahren von seinem
Mentor und Vorbild Leonard Bernstein
Nach dem Essen geht der
Streifzug durch die Stadt weiter, und
aus John Axelrod sprudeln in Hülle
und Fülle Informationen zu Sevillas
Geschichte. Er ist nicht nur ein
künstlerischer Visionär, der den
Blick in die Zukunft richtet, son-
höchstpersönlich unter die
dern blickt auch wissbegierig
Fittiche genommen. Später studierte
er Musikwissenschaften an
der Harvard University, Jazzklavier
in Boston und Dirigieren in St.
Petersburg, arbeitete in Amerika als
La Giralda – einst Minarett,
zurück. „Die Stadtflagge von Sevilla
trägt den Text ,NO 8 DO‘“, erzählt
er, „und die Ziffer 8 symbolisiert ein
Wollknäuel.“ Diesen rätselhaften
Text findet man überall in Sevilla –
Künstleragent und Artists and heute Glockenturm der Kathedrale von Sevilla an Gebäuden, Laternen und sogar
Repertoire Manager für verschiedene
Plattenfirmen, gründete in seiner Heimatstadt das Orchestra
X und kam schließlich als Assistent von Christoph Eschenbach
nach Deutschland. John Axelrod nippt an seinem Wein und streckt
drei Finger in die Luft. „Drei Menschen sind dafür verantwortlich,
dass ich überhaupt nach Europa gekommen bin“, erzählt er. „Meine
Oma, meine Frau und Christoph Eschenbach.“ Er lacht. Mittlerweile
hat John Axelrod über 150 Orchester dirigiert und war musikalischer
Leiter des Theaters Luzern, des l’Orchestre National des
Pays de la Loire und der Filmmusik-Gala „Hollywood in Vienna“.
Der Spagat, den er seit November 2014 als Generalmusikdirektor
in Sevilla täglich vollführen muss, ist eine neue Herausforderung,
denn der Dirigent kann sich nicht nur auf die musikalische Arbeit
mit seinem Orchester konzentrieren, sondern wird auch in politische
Entscheidungen einbezogen, die sich auf die Planung seines
Spielplans auswirken. Zudem muss er alle künstlerischen Visionen
immer wieder rechtfertigen. „Das ist manchmal ein Kampf gegen
bürokratische Windmühlen“, sagt er und lacht. „Aber nur wenn
man große Träume hat, kann man auch etwas erreichen.“
auf Polizeiautos. Entschlüsseln lässt
sich das Wortspiel mit „No me ha dejado“ – „Du hast mich nicht
verlassen“, eine Anspielung auf den kastilischen König Alfons X.,
der sich für die Treue der Stadt bedankte, weil er nach seiner Entthronung
im Jahr 1282 in Sevilla im Exil leben durfte.
Auf dem Spaziergang grüßt John Axelrod hier und da Straßenmusiker,
die Luft ist warm und weich, das Licht glänzt auf den
hellen Steinen der Kirchen und Häuser. Phönizier, Römer, Westgoten,
Mauren, Juden und Christen waren schon hier in Sevilla zu
Hause, das alles spiegelt sich im Stadtbild wider. Auch der Alcázar
von Sevilla, der mittelalterliche Königspalast, der bis heute von der
spanischen Königsfamilie genutzt wird, ist optisch noch von seiner
maurischen Baugeschichte geprägt. Doch viel faszinierender findet
John Axelrod die Legenden, die sich in den Gassen östlich der
Kathedrale zugetragen haben, im Barrio de Santa Cruz, wo bis ins
15. Jahrhundert hinein die jüdische Bevölkerung der Stadt lebte,
bevor die Judería ab 1391 wiederholt von blutigen Pogromen
erschüttert wurde und viele ihrer Bewohner ermordet wurden.
Erst Ende des 19. Jahrhunderts wurde das jüdische Viertel wieder
Musik & Kunst
Wer tiefer in die jüdische Geschichte der
Stadt eintauchen möchte, besucht das Centro
de Interpretación Judería de Sevilla und
macht einen geführten Rundgang durch das
jüdische Viertel: www.juderiadesevilla.es
In der Carbonería kann man jeden Abend
authentische Flamencovorstellungen erleben:
www.lacarbonerialevies.blogspot.de
Tipps, Infos & Adressen
Reiseinformationen rund um einen Besuch in Sevilla.
Essen & Trinken
Landestypische Tapas in gemütlichem Ambiente
bietet die Abaceria Puerta Carmona:
Calle Tintes 1, 41003 Sevilla
Liebhaber von Meeresfrüchten erleben in der
oft mittags schon gut gefüllten La Azoteca
echte Geschmacksexplosionen:
www.laazoteasevilla.com/es
Übernachten
Das 4* Hotel Vincci la Rabida verbirgt sich in
einem Herrenhaus aus dem 18. Jahrhundert
mitten im Zentrum von Sevilla. Das Frühstück
ist fantastisch und der Blick von der Dachterrasse
des Restaurants überwältigend:
https://de.vinccilarabida.com
FOTOS: CONSORCIO TURISMO DE SEVILLA; JYNUS; KATHERINA KNEES; CONSORCIO TURISMO DE SEVILLA
80 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2018

aufgebaut und ist als Schauplatz romantischer Opern wie Der Barbier
von Sevilla, Figaros Hochzeit oder Carmen weltberühmt
geworden. Die zweistöckigen andalusischen Häuschen und die
lauschigen Plazas mit Brunnen und Orangenbäumen verströmen
heutzutage Behaglichkeit. Pittoreske Balkone mit Geranien und
gekachelte Innenhöfe zieren die schattigen Gässchen, die von hübschen
kleinen Läden und Cafés gesäumt werden. Am südlichen
Ende des Barrio de Santa Cruz befinden sich die nach dem Sevillaner
Maler Esteban Murillo benannten wunderschönen Jardines de
Murillo, die 1911 entstanden sind und die Obst- und Gemüsegärten
des Real Alcázar in eine prächtige Grünanlage verwandelt
haben. Gigantische Bäume spenden dort Schatten und laden zum
Verweilen und Staunen ein.
Auf dem Rückweg zum Hotel geht’s noch vorbei an der
Kathedrale Santa María de la Sede, der drittgrößten Kirche der
Welt, die mit ihrem imposanten Glockenturm schon aus weiter
Ferne ein echter Blickfang ist.
Vom Restaurant auf der Dachterrasse des Vincci la Rabida
hat man einen überwältigenden Blick über die Stadt, der besonders
zu späterer Stunde eine theatrale Magie entfaltet. Zum
Abendessen gibt es Tintenfisch mit viel Knoblauch, einen kräftigen
Rotwein und Besuch vom Konzertmeister. Der Geiger Paçalin
Zef Pavaci ist für John Axelrod nicht nur der musikalische Fels in
der Brandung seines Orchesters, sondern auch ein Freund, mit
dem er hemmungslos künstlerische Zukunftspläne schmieden
kann. Schließlich ist es Mitternacht. „Wie wäre es mit einer
Kutschfahrt? Das muss man hier einfach machen.“ John Axelrods
Augen blitzen vergnügt, von Müdigkeit keine Spur. Also los. Vor
der Kathedrale warten zehn Kutschen in filmreifer Kulisse, und
das Hufgeklapper ist ein stimmungsvoller Begleiter durch die laue
Nachtluft.
Erstmal gibt es einen Abstecher ins Seefahrer-, Torero- und
Flamencoviertel Triana auf der anderen Seite des Guadalquivir.
Der Blick über den Fluss hinweg bietet eine reizvolle neue Perspektive.
Zurück im Zentrum leuchtet die Stierkampfarena La Maestranza
am Paseo Cristóbal Colón mit ihren weiß-rotbraun-ockergelben
Mauern in der Dunkelheit. Sie wurde im 18. Jahrhundert
gebaut und zählt zu den schönsten und ältesten des Landes. Von
dort ist es nur noch ein Katzensprung zur letzten Station des Tages.
John Axelrods Arbeitsplatz, das Teatro de la Maestranza, liegt
friedlich im nächtlichen Schein der Laternen. „Wenn ich es musikalisch
ausdrücken müsste, würde ich sagen, Sevilla ist kein Allegro,
aber auch kein Largo.“ John Axelrod lächelt versonnen:
„Sevilla ist ein Andante.“
■
Termine
FÜR GLOBETROTTER
Gen Süden
Monte-Carlo und Umgebung
Dank der wunderbaren Gracia Patricia wartet das steinige Steuerparadies
an der Côte d’Azur jährlich im Frühjahr mit musikalischen Besonderheiten
auf. Die Musik unserer Zeit zur Geltung zu bringen, ist der Ehrgeiz
des Musik- und Tanzfestivals Printemps des Arts de Monte-Carlo.
„Das Konzert, das seit einigen Jahrzehnten erstarrt ist und in seiner Form
nicht mehr unseren jungen Generationen entspricht, muss sich weiterentwickeln“,
betont Marc Monnet, Komponist und künstlerischer Leiter.
Als Composer in Residence hat er den Komponisten Yan Maresz eingeladen.
Zudem stehen drei Uraufführungen auf dem Programm. Auch eine
Opernentdeckung gibt es: Les quatre petites filles von Edison Denisov
nach dem gleichnamigen Theaterstück von Pablo Picasso.
Monte-Carlo, verschiedene Spielorte, 16.3. bis 29.4.,
www.printempsdesarts.mc
Nizza
Nach emotionaler Wahrheit strebt die Regisseurin Irina Brook. Sich
wahrhaftig einem Werk anzunähern, habe nichts mit dessen Entstehungszeit
oder Kontext zu tun, sondern mit den Gefühlen der Menschen,
die sich nicht verändert hätten. Dazu müsse man genau hinhören, die
Szene folge dem Klang. Mit Vannina Santoni und Eric Fennell in den Titelpartien
inszeniert sie an der Opéra de Nice Gounods Roméo et Juliette.
Am Pult steht Alain Guingal.
Nizza, Oper, 21. (Premiere), 23., 25. und 27.3., www.opera-nice.org
Aix-en-Provence
Auch Cézannes Geburtsstadt bietet Musik nicht nur im Sommer. Renommierte
Künstler versammeln sich zum Osterfestival. Der Violinist
Gérard Poulet vom Pariser Konservatorium ist im Kreise seiner Schüler
Renaud Capuçon, Amanda Favier, Anne Gravoin und vieler anderer zu
erleben. Das Orchestre Nationale de France unter seinem Chefdirigenten
Emmanuel Krivine bringt anlässlich der 100. Wiederkehr des Geburtstages
von Debussy dem großen Impressionisten eine Hommage dar. Und
ein Porträtkonzert stellt den Komponisten Éric Tanguy vor.
Aix-en-Provence, verschiedene Spielorte, 26.3. bis 8.4.,
www.festivalpaques.com
HOTELTIPP
Das Sonnalp
in den Dolomiten
Das markante Profil des Latemar-Gebirgszugs kennen Sie wahrscheinlich
von Dolomiten-Postkarten und Ski-Übertragungen.
Hier, nur 20 Minuten von Bozen, und gefühlt am Ende der Welt,
liegt Obereggen, eine kleine Gemeinde mit gerade mal 110 Einwohnern,
die Kinder mitgezählt. Wer die Ruhe der Natur sucht
und Kraft in ihr tanken möchte, ist hier im Südtiroler Eggental
bestens aufgehoben. In der Gästekarte für 38 Euro pro Woche sind
die Busse und Bergbahnen zu allen Dolomitengipfeln inbegriffen!
Schlafen kann man am besten im inhabergeführten Genießerhotel
Sonnalp mit seiner renommierten Gourmetküche von Zwei-Hauben-Koch
Martion Köhl. Dazu der einzigartige Ausblick: vorne
die satt blühende Almwiese, im Hintergrund der Latemar und die
Wanderwege direkt vor der Haustür – viele davon perfekt zum
Radeln mit dem E-Bike. Im Dezember sind nun die neuen stylishgemütlichen
Junior- und Superiorsuiten fertig geworden. ■
UNSER TIPP: Die Dolomitenrundfahrt mit dem Chef des Hauses
persönlich. Preis: pro Person im DZ inkl. HP ab 99 Euro
Infos und Kontakt: www.sonnalp.com, Tel. +39-0471-61 58 42
FOTO: SONNALP
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H O P E T R I F F T
Daniel-Hope-Kolumne
KEINE AMERIKANISCHEN
VERHÄLTNISSE, BITTE!
Daniel Hope im Gespräch mit Oboist Albrecht Mayer über Hochkultur,
Meinungsfreiheit und den Umgang mit Kritik.
Daniel Hope: Neulich wurde ich im Flugzeug
von einem plastischen Chirurgen
angesprochen. Er erzählte mir, dass deine
Musik ihn so inspirieren würde, dass er
immer dazu arbeitet. Durch dein letztes
Album hätte er die schönsten Lippen seines
Lebens gebaut. Was bedeuten dir solche
Komplimente?
Albrecht Mayer: Das ist ein sehr schönes
Kompliment. In einer Zeit, in der sich das
Gefühl für und die Kenntnis um die klassische
Musik stark verändert haben, versuche
ich, nicht nur für Menschen Musik zu
machen, die klassische Musik über alles lieben
und sich bestens auskennen, sondern
auch für Menschen, die sich vielleicht nach
der Arbeit, nach der Schule oder dem
Kochen einfach nur entspannen wollen, die
von Klassik gar keine Ahnung haben.
Es ist en vogue, über den Zustand der klassischen
Musik zu sprechen; oft werden
große Schwierigkeiten prophezeit …
Glücklicherweise haben wir beide keine Probleme,
große Säle zu füllen. Aber wenn ich
sehe, dass der meiste Musikunterricht in
Deutschland entweder stark eingeschränkt
ist oder gleich ganz ausfällt, macht mir das
Sorgen. Auf der anderen Seite erlebe ich auf
meinen Auslandsreisen zum Beispiel in
Japan, China oder – um ein krasses Beispiel
zu bringen – in der Türkei volle Säle mit jungen
Leuten, die großen Spaß an der klassischen
Musik haben – ein Gegensatz zu unserem
Abonnementpublikum mit oft sehr reifen
Menschen, die sich hochpreisige Tickets
leisten können. Ich frage mich, ob wir nicht
ein kleines bisschen umdenken sollten. Wir
wissen, dass Deutschland eigentlich ein
Hochkulturland ist und vor allem war. Es
Daniel Hope und Albrecht Mayer mit
Rachel Harnisch und Sebastian Knauer beim
Neujahrskonzert 2017/18 in Zürich
wäre schade, wenn wir amerikanische Verhältnisse
einreißen ließen, in denen Musik
einem sehr kleinen, elitären Kreis vorbehalten
bleibt.
In unserem gemeinsamen Silvesterkonzert
hast du eine fantastische Paraphrase von
Klemcke über eine Donizetti-Arie gespielt.
Wie wichtig ist es dir, das Repertoire für
die Oboe zu erweitern?
Einerseits gibt es ein riesiges Repertoire für
die Oboe. Allein das 18. Jahrhundert hat so
viele Oboenkonzerte hervorgebracht wie für
Flöte, Klarinette, Trompete, Bratsche und
Horn zusammen. So viele Originalwerke, die
nur darauf warten, gespielt zu werden!
Andererseits gibt es viele Stücke, die
irgendwo liegen und nicht gespielt werden.
Ohnehin sind da nicht so viele reisende,
konzertierende Oboisten auf dem Markt und
die werden meistens eben doch für das
Strauss- oder Mozart-Oboenkonzert oder
das Bach-Doppelkonzert mit Geige angefragt.
Das ist schade, denn das Repertoire ist
unerschöpflich – in allen Epochen!
Du hast neulich mit I Musici di Roma eine
fantastische Tournee gemacht. Trotzdem
wurde in einer Kritik nur über deine
Schuhe berichtet.
Journalisten haben Gott sei Dank in
Deutschland noch eine gewisse Meinungsfreiheit.
Trotzdem spiegelt das, was in Kritiken
geschrieben wird, weder das wider, was
im Konzert an Spannung oder Stimmung
spürbar war, noch die Meinung des Publikums.
Bei 2.500 Leuten in einer ausverkauften
Berliner Philharmonie, die vielleicht
begeistert waren, kann der Kritiker vorher
etwas Schlechtes gegessen haben, und es
gefällt ihm nicht. Das lesen dann 50.000
Leute, die nicht im Konzert waren, und denken:
„Das war aber ein grauenhaftes Konzert.“
Man darf nicht erwarten, dass eine
Kritik ein Abbild des Konzerts ist!
Ist es erlaubt, dass ein Künstler auf eine
Kritik – zum Beispiel als Kommentar auf
seiner Website – reagiert?
Da bin ich konservativ und hatte auch viel
Glück in meinem Leben. Trotzdem muss
jeder von uns auch mal eine schlechte Kritik
einstecken. Und wir müssen uns eingestehen,
dass nicht jedes Konzert gleich gut ist,
das wäre unmenschlich. Wenn eine Kritik
nicht beleidigend wird, würde ich darauf
nicht reagieren. Bei Beleidigungen würde ich
wohl andere Maßnahmen ergreifen. Ich
würde nicht selbst antworten, es gibt genügend
Fans, die leidenschaftlich für mich in
die Bresche sprängen.
Dein Rat für einen jungen talentierten
Oboisten am Karrierebeginn?
Offensichtlich ist es nur wenigen vergönnt,
ein solistisches Leben als Oboist zu haben.
Deshalb sollen sie ihr ganzes Herzblut und
ihre Leidensfähigkeit zusammenraffen und
so viel arbeiten, wie es geht! Und auf den Zug
aufspringen, wenn er vorbeifährt! n
ZEICHNUNG: STEFAN STEITZ
FOTO: DANIEL HOPE, PRIVAT
82 w w w . c r e s c e n d o . d e — Februar – März 2018

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