CRESCENDO 6/18 Oktober-November 2018

20 JAHRE 

AUSGABE 06/2018 OKTOBER – NOVEMBER 2018 

WWW.CRESCENDO.DE 7,90 EURO (D/A) 

mit CD im Heft 

ADELE NEUHAUSER 

Die Schauspielerin liebt 

Grenzgängerinnen 

auch jenseits des „Tatorts“ 

DANIIL TRIFONOV 

„Kontrolle gibt mir Sicherheit“ 

IGOR LEVIT 

EVGENY KISSIN 

ROBIN TICCIATI 

PAULA BOSCH 

Teodor 

Currentzis 

„Wenn ich dirigiere, erfüllt 

sich meine Bestimmung“ 

B47837 Jahrgang 21 / 06_2018 

Themenspecial 

Reise & Kultur 

SCHWERPUNKT 

OPUS KLASSIK 

Dem neuen Klassik-Preis 

auf die Finger geschaut

DYNAMIC – 40 Jahre 

DAS FÜHRENDE ITALIENISCHE OPERN- UND KLASSIK LABEL 

Dynamic wurde 1978 gegründet und feiert in diesem Jahr sein 40-jähriges Jubiläum. Das Produkt-Portfolio des Labels konzentriert 

sich auf das immense Erbe italienischer und europäischer Musik des 18. und 19. Jahrhunderts, insbesondere auf 

Opern und Werke für Violine. Zahlreiche Uraufführungen zeitgenössischer Werke finden sich im Katalog dieses einzigartigen 

Labels wieder. 

Eine besondere Bedeutung hat Nicolò Paganini für Dynamic, denn seine Kompositionen waren auf dem Debüt-Album des 

Labels zu hören, gespielt von dem international anerkannten Paganini-Experten Salvatore Accardo. 

NICOLÒ PAGANINI 

GESAMTEDITION 

CDS7734 

Besondere Highlights: 

★ ERSTE GESAMTEDITION 

der Werke Paganinis 

★ Extrem seltene Stücke 

in einer ERSTEINSPIELUNG 

★ Die sechs Violinkonzerte werden 

auf PAGANINIS EIGENER GEIGE 

"Il Cannone Guarnerius" gespielt 

40 

CDs 

Mit Salvatore Accardo, Ruggiero Ricci, Massimo Quarta, 

Leonidas Kavakos, Luigi A. Bianchi, Stefan Milenkovich, 

Franco Mezzena, Paganini Quartett u. v. a. 

Der Webshop www.naxosdirekt.de hält einen besonderen Bonus für Sie bereit: 

Melden Sie sich bis zum 30.11.2018 im Webshop an und Sie erhalten diese einmalige Gesamtausgabe der Werke von 

Nicolò Paganini zum sensationellen SONDERPREIS VON NUR 59,95 €*. Geben Sie einfach bei Ihrer Bestellung 

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Erhältlich im gut sortierten Fachhandel

P R O L O G 

FOTOS TITEL: NADIA ROSENBERG 

WINFRIED HANUSCHIK 

Herausgeber 

Exklusiv für Käufer und Abonnenten: 

die crescendo Premium-CD 

Viel Inhalt in besonders hochwertiger Ausstattung finden 

Sie in dieser Premium- Ausgabe: Reportagen, Porträts, 

Interviews, Aspekte und Hintergrundwissen aus der Welt 

der Klassik. Außerdem für alle Käufer und Abonnenten 

der Premium-Ausgabe: 

sechs Mal pro Jahr die crescendo-CD, 

ein exklusives Album mit Werken einiger in der 

aktuellen Ausgabe vorgestellten Künstler. 

In diesem Heft: die 74. CD der 

crescendo Premium-Edition. 

Fehlt die CD? Dann rufen Sie uns an: 089/85 85 35 48. 

NOMINIERT 

Liebe Leser, 

der renommierte Kulturmarken-Award verleiht in diesem Jahr erstmals den 

„PREIS FÜR EUROPÄISCHE MEDIENKULTUR“. Die 39-köpfige Experten-Jury 

hat drei Medien nominiert: Und crescendo ist dabei! Darauf sind wir sehr stolz und 

warten gespannt auf die Verkündung des Gewinners, die am 12. November in Berlin 

stattfinden wird. Wir halten Sie auf dem Laufenden! 

Für ihr Lebenswerk erhält CHRISTA LUDWIG den neuen Musikpreis 

OPUS KLASSIK. Schon vor einigen Monaten besuchten wir die Künstlerin zu 

ihrem 90. (!) Geburtstag. Da plauderte die Grande Dame munter aus dem Nähkästchen. 

Sehr erfrischend. Aber sehen Sie selbst unter www.crescendo.de/opusklassik. 

Mehr zum OPUS KLASSIK finden Sie in unserem Schwerpunkt ab Seite 49. 

Da unsere leitende Redakteurin ihr erstes Kind erwartet, hat Barbara Schulz die 

Position übernommen. Sie liebt nicht nur die klassische Musik, sondern ist erfahrener 

Medienprofi und seit vielen Jahren als Autorin und verantwortliche Redakteurin 

für verschiedene Magazine tätig. 

Die crescendo-Redaktion wächst auch insgesamt: Ruth Reneé Reif verantwortet seit 

dieser Ausgabe die Ressorts „Hören & Sehen“ und „Erleben“, Klaus Härtel kümmert 

sich um die „Standards“, Barbara Schulz um die „Künstler“ und „Lebensart“, 

während Dr. Maria Goeth weiterhin den Themenschwerpunkt betreut und Anna 

Mareis die Online-Redaktion von crescendo.de. Die deutschen Tageszeitungen 

bauen kontinuierlich Umfang und Personal ihrer Feuilletons ab – wir bauen weiter 

auf, denn crescendo ist nicht mehr nur Deutschlands großes „Magazin für klassische 

Musik und Lebensart“, sondern auch Marktführer der Klassikmedien auf Facebook. 

Ein besonderer Dank geht hier an den renommierten Dirigenten und Weingourmet 

John Axelrod für 50 Ausgaben seiner Kolumne. Nun übergibt er an eine würdige 

Nachfolgerin: PAULA BOSCH, Deutschlands bekannteste Sommelière. Auf Seite 70 

erzählt sie von ihrer Passion und davon, dass Erfolg einen langen Atem braucht. 

Auch IOAN HOLENDER, einer der größten Opern-Experten und 19 Jahre lang 

Intendant der Wiener Staatsoper, schreibt ab der nächsten Ausgabe für crescendo. 

Wenn Sie nicht mehr so lange warten wollen, empfehlen wir Ihnen seine sehenswerte 

Fernsehsendung „kulTOUR mit Holender“ ab 18. Oktober auf Servus TV – 

bundesweit im Kabelnetz und präsentiert von crescendo. 

Sie haben keine Lust, allein ins Konzert zu gehen? Dann freuen Sie sich auf die 

crescendo-Lounge zum inspirierenden Austausch! Wir haben 25 Karten der besten 

Kategorie bei den Konzerten „Mittwochs um halb acht“ des Münchner Rundfunkorchesters 

des Bayerischen Rundfunks reserviert – exklusiv für unsere Leser: Für 

45 Euro, inklusive Führung hinter die Kulissen und einem Glas Sekt, garantiert 

ohne Anstehen. Mehr auf www.crescendo.de/live und auf Seite 39. Los geht’s schon 

am 17. Oktober mit ANNA BONITATIBUS im Prinzregententheater München. 

Außerdem in dieser Ausgabe: Wir sprechen mit DANIIL TRIFONOV und trinken 

einen Kaffee mit ADELE NEUHAUSER, die Sie wahrscheinlich aus dem „Tatort“ 

kennen. JULIANE BANSE kocht für uns, und IGOR LEVIT erzählt von der 

Selbstverständlichkeit seines politischen Engagements, auf das er aber nicht 

reduziert werden möchte. crescendo unterstützt das Konzert zum aktuellen 

Jubiläum „100 JAHRE FRAUENWAHLRECHT“. Und wir gratulieren 

TEODOR CURRENTZIS zu seinem Amtsantritt als Chefdirigent des SWR 

Symphonieorchesters. 

Last but not least sprechen wir mit Alice Sara Ott, Yaniv d’Or, Ian Bostridge, 

Evgeny Kissin und stellen Ihnen den Dirigenten Robin Ticciati vor. 

Viel Spaß beim Lesen wünscht Ihnen 

Ihr Winfried Hanuschik 

w w w . c r e s c e n d o . d e — Oktober – November 2018 3

P R O G R A M M 

© ELMER DE HAAS 

1 CD ALP 393 / 2LP SAMMLER-EDITION ALP 432 

BARBARA 

HANNIGAN 

SOPRANO 

REINBERT 

DE LEEUW 

PIANO 

Gemeinsam mit ihrem langjährigen Mentor 

und musikalischen Partner Reinbert de Leeuw 

entführt uns Barbara Hannigan in das Wien um 

1900. Die bewegenden Lieder von Zemlinsky, 

Schönberg, Webern, Berg und Alma Mahler 

spiegeln den kulturellen Reichtum einer 

versunkenen Zeit. 

AUCH ERHÄLTLICH 

ALP 293 

‘Hannigan, stimmlich gestaltend und über 

jeden Zweifel erhaben, setzt damit auch als 

Maestra einen herausragenden Akzent.’ 

FONO FORUM 

06 

KENGO KUMA 

Filigran und spektakulär: das 

neue Museum V&A Dundee 

des japanischen Architekten. 

STANDARDS 

03 PROLOG 

Der Herausgeber stellt 

die Ausgabe vor 

06 BLICKFANG 

Das neue Museum 

V&A Dundee 

08 OUVERTÜRE 

Dr. Goeths Kuriosa 

Komponisten-Lieben 

Ensemble 

Hinter den Kulissen 

Klassik in Zahlen 

Ein Anruf bei … 

Igor Levit, Pianist und 

politischer Bürger 

Playlist 

Jean-Guihen Queyras 

38 RÄTSEL & 

REAKTIONEN 

44 IMPRESSUM 

82 HOPE TRIFFT 

Mark-Anthony Turnage, 

britischer Komponist mit 

Hang zum Jazz 

16 


Der englische Dirigent will mit 

dem Deutschen Symphonie- 

Orchester Berlin Teil des 

kulturellen Sturms sein. 

KÜNSTLER 

12 EIN KAFFEE MIT ... 

Adele Neuhauser 

14 IAN BOSTRIDGE 

Der Tenor über sein 

neues Liederalbum 

zum Thema Krieg. 

16 ROBIN TICCIATI 

„Mein Körper ist 

mein Instrument“ 

20 EVGENY KISSIN 

„Ich will lange genug leben, 

um all das zu spielen, was 

mich interessiert“ 

21 YANIV D’OR 

„Singen packt Körper und 

Seele gleichermaßen“ 

22 DANIIL TRIFONOV 

„Rachmaninow ist die 

Brücke zu meiner Heimat“ 

24 ALICE SARA OTT 

„Als Musiker ist man 

immer auf der Suche“ 

27 

MARLIS PETERSEN 

Sie klagt, sie lockt und leuchtet: 

Die Sopranistin wandelt entlang 

silbriger Spuren von Elfen, 

Sirenen und Sylphiden. 

HÖREN & SEHEN 

27 DIE WICHTIGSTEN 

EMPFEHLUNGEN DER 

REDAKTION 

28 ATTILAS AUSWAHL 

Die schönsten 

Interpretationen im Herbst 

32 SAMUEL 

HASSELHORN 

Dichterliebe hoch zwei! 

34 GEORG 

BREINSCHMID 

Faszinierende Bass-Akrobatik 

und die subversive Poetik 

Ernst Jandls 

36 UNERHÖRTES & 

NEU ENTDECKTES 

Eine Hommage zum 

100. Geburtstag des 

aserbaidschanischen 

Komponisten Kara Karajew 

FOTOS: HUFTON CROW; MONICA MENEZ; YIORGOS MAVROPOULOS 

Note 1 Music gmbh 

Carl-Benz-Str. 1 - 69115 Heidelberg 

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4 w w w . c r e s c e n d o . d e — Oktober – November 2018

Aktiv. 

Wireless. 

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Erschwinglich. 

46 

TEODOR CURRENTZIS 

Der Mystiker am Pult als 

Chefdirigent des SWR 

Symphonieorchesters in 

Stuttgart. 

49 

OPUS KLASSIK 

… ist der neue ECHO. 

Ein Blick auf den Preis und 

all jene Preisträger, die nicht 

in der ersten Reihe stehen. 

70 

PAULA BOSCH 

Deutschlands bekannteste 

Sommelière über ihre Passion 

und dass Erfolg einen langen 

Atem braucht. 

ERLEBEN 

SCHWERPUNKT 

LEBENSART 

FOTOS: NADIA ROSENBERG; JÖRG LEHMANN 

39 DIE WICHTIGSTEN 

TERMINE UND 

VERANSTALTUN- 

GEN IM HERBST 

46 SWR SYMPHONIE- 

ORCHESTER 

Teodor Currentzis’ 

hinreißendes Antrittskonzert 

in seiner ersten 

Saison als Chefdirigent 

48 100 JAHRE 

WAHLRECHT 

FÜR FRAUEN 

Historischer Überblick 

über einen steinigen Weg 

EXKLUSIV 

FÜR ABONNENTEN 

Hören Sie die Musik zu 

unseren Texten auf der 

crescendo Abo-CD – 

exklusiv für Abonnenten. 

Infos auf den Seiten 3 & 66 

50 SPOT ON …? 

Gedanken zum neuen 

Preis OPUS KLASSIK 

52 DIE GEWINNER 

Alle Preisträger auf einen 

Blick 

54 CHRISTA LUDWIG 

Quietschfidel und kein 

bisschen leise erhält die 

Künstlerin den Preis für ihr 

Lebenswerk 

57 VERSTECKTE 

JUWELEN 

Die interessantesten 

Künstler 

63 WOHER KOMMT 

EIGENTLICH 

der Begriff „Opus“? 

64 KOMMENTAR 

Axel Brüggemanns Vision, 

wie ein neuer Musikpreis 

aussehen könnte 

67 IOAN HOLENDER 

BEI SERVUS TV 

Auf „kulTOUR“ mit dem 

Kunst-Allrounder 

68 STARS KOCHEN 

FÜR CRESCENDO 

Juliane Banses Kinderessen: 

gebratene Garnelen 

auf Fenchelsalat 

70 PAULA BOSCH 

Leidenschaft für Wein 

jenseits jeder Eitelkeit 

72 KUNST AM COVER 

Florales von Renate Busse 

73 REISE & KULTUR 

Reisen bildet und 

schmeckt: Slow Food in 

Italien, jede Menge Musik 

in Österreich, dazu Stil und 

Genuss in Deutschland 

81 WEINKOLUMNE 

John Axelrod über 

andalusische Geschichte 

und Genuss 

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5 

MEHR KLANGFASZINATION

O U V E R T Ü R E 

Ein Japaner 

in Dundee 

Seit 2014 „Design-City“, hat die schottische Hafenstadt 

Dundee nun ein angemessenes Museum bekommen: 

Am Ufer des Flusses Tay hat der japanische Architekt 

Kengo Kuma zwei umgedrehte Pyramiden aus rauem 

Beton und glattem Stahl inszeniert. Der 90 Millionen Euro 

teure Bau ist von den Klippen der nordschottischen Küste 

inspiriert und beherbergt eine „Filiale“ des V&A (Victoria 

and Albert) Museums London. Wem Schottland 

gerade zu weit ist: Kengo Kuma hat für das 

Nobelhotel „Das Kranzbach“ bei Innsbruck 

ein sensationelles „Meditation-House“ 

gebaut. Feinste Adresse für 

kalte Tage. 


7 

FOTO: HUFTON CROW


Dr. Goeths Kuriosa 

WIE GROSSE KOMPONISTEN LIEBEN – TEIL 2 

Wolfgang Amadeus Mozart: Der Scherzkeks 

„Krallerballer – Spitzignas – Bagatellerl“ 

Mozart war ein Kindskopf mit Hang zur Blödelei und 

derben Späßen. Diese Frohnatur spiegelt sich auch in 

den Briefen an sein „liebstes Weibchen“ Constanze 

Weber wider, auch wenn die neunjährige Ehe bis zu 

Mozarts Tod nicht immer ganz rund lief: Constanze 

verprasst die nicht gerade ärmlichen Einkünfte 

Mozarts und ist aufgrund ihrer sechs Schwangerschaften 

oft krank und bettlägerig. Währenddessen 

lässt Mozart bei hübschen Damen außerhalb des 

ehelichen Betts nichts anbrennen. 

„Liebstes bestes Weibchen! 

Liebstes Weibchen, hätte ich doch auch schon einen Brief von Dir! 

Wenn ich Dir alles erzählen wollte, was ich mit Deinem lieben Porträt 

anfange, würdest du wohl oft lachen. Zum Beispiel, wenn ich es 

aus seinem Arrest herausnehme und sage: „Grüß Dich Gott, Stanzerl! 

Grüß dich Gott, Spitzbub – Krallerballer – Spitzignas – Bagatellerl – 

schluck und druck!“ – Und wenn ich es wieder hineintue, so lasse ich es 

so nach und nach hinunterrutschen, und sage immer „Nu – Nu – Nu – 

Nu!“, aber mit dem gewissen Nachdruck den dieses so vielbedeutende 

Wort erfordert und bei dem letzten schnell: „Gute Nacht, Mauserl, 

schlaf gesund!“ – Nun glaube ich, so ziemlich was Dummes (für die 

Welt wenigstens) hingeschrieben zu haben, für uns aber, die wir uns so 

innig lieben, ist es gerade nicht dumm. – Heute ist der sechste Tag, dass 

ich von Dir weg bin, und bei Gott, mir scheint es schon ein Jahr zu sein. 

– Du wirst wohl oft Mühe haben, meinen Brief zu lesen, weil ich in Eile 

und folglich etwas schlecht schreibe. – Adieu liebe einzige – der Wagen 

ist da [...]. Lebe wohl und liebe mich ewig so wie ich Dich; ich küsse Dich 

Millionenmal auf das zärtlichste und bin ewig 

Dein Dich zärtlich liebender Gatte 

W. A. Mozart. Dresden, den 13. April 1789, um 7 Uhr früh 

Mehr Briefe des Komponisten: „Mozarts Briefe 1769-1791“ (Nexx Verlag), 

Neuausgabe der 1924 vom Insel-Verlag herausgegebenen Briefsammlung 

HINTER DER BÜHNE 

Die Welt von crescendo lebt von den Künstlern und Mitarbeitern, 

die sie mit Leben füllen. Deshalb der gewohnte Blick hinter die Kulissen der Produktion. 

DAS NEUE TEAM 

Wenn die leitende Redakteurin in Elternzeit geht, ist Handeln 

angesagt. Und während Dr. Maria Goeth Mutterfreuden 

entgegensieht, müssen die Aufgaben vorübergehend anderweitig 

vergeben werden. Wir haben sie gleich auf mehrere 

Schultern verteilt, die allesamt obendrein auch schon ein paar 

Jahre crescendo-Erfahrung auf dem Buckel haben: Barbara 

Schulz (Mitte) übernimmt die Redaktionsleitung und die 

Ressorts „Künstler“ und „Lebensart“, Ruth Renée Reif 

kümmert sich um „Hören & Sehen“ sowie „Erleben“, während 

Klaus Härtel die „Ouvertüre“ beisteuert. 

FOTOS: PRIVAT 



KLASSIK 

IN ZAHLEN 

90.000 

Euro 

– die Kosten für 

die Restauration des 

„Harlekin-Vorhangs“ der 

Dresdner Semperoper. 

215.000 

Euro schwer war das 

Geschenk eines Ehepaars aus 

den USA an den Leipziger 

Thomanerchor für den Bau 

seiner neuen Grundschule. 

4,79 

Millionen – so viele Zuschauer sahen 

den Schweizer „Klassik“-Tatort „Die 

Musik stirbt zuletzt“ aus Luzern. Das 

bedeutete eine Minuskulisse. 

150 

Rollen hat Plácido Domingo 

in seiner langen Karriere 

bisher gegeben. Zuletzt war 

der Zurga aus Les Pêcheurs 

de Perles von Georges Bizet bei 

den Salzburger Festspielen dran. 

FOTOS: MATTHIAS CREUTZIGER, GREG GORMAN/LA OPERA 

NEWSTICKER 

+++ Übungsräume per App: Music Traveler heißt der Anbieter, der es Musikern auf Reisen möglich machen soll, wo auch immer geeignete 

Probenräume zu finden. Es können Musikschulen Räume anbieten, vor allem aber sind Privatpersonen gefragt. Den Mietpreis pro Stunde legt 

der Anbieter fest. +++ Idagio expandiert: Der Streamingdienst Idagio bietet klassische Musik ab sofort auch in den USA und Kanada an. 

Bestehende Investoren hätten den Markteintritt in Nordamerika mit zehn Millionen Euro unterstützt, teilte das Berliner Start-up mit. Das 

Unternehmen hat nach eigenen Angaben Nutzer in mehr als 130 Ländern. +++ Recital auf der Mülldeponie: Der St. Petersburger Pianist 

Pavel Andreev hat einen Flügel auf eine Mülldeponie der Stadt gebracht und dort eigene Werke gespielt, um mit der Aktion auf die Umweltproblematik 

aufmerksam zu machen. +++ Robert-Schumann-Preis für Jörg Widmann: Der Klarinettist, Komponist und Dirigent Jörg 

Widmann erhält für seine Kompositionen den diesjährigen Schumann-Preis für Dichtung und Musik. Die Auszeichnung ist mit 15.000 Euro 

dotiert und wird Anfang November in der Akademie der Wissenschaften und der Literatur in Mainz verliehen. 

9


Anruf bei Igor Levit 

Der in Berlin lebende und in Russland geborene Pianist äußert sich via Twitter immer wieder politisch. 

Nichts weiter als erste Bürgerpflicht, meint er, und will nicht wieder ein Gespräch führen, in dem er 

darauf reduziert wird. Genauso gern spricht er nämlich über die Musik. 

Genialer Musiker und 

kritischer Europäer: 

der Pianist Igor Levit 

crescendo: Herr Levit, Sie engagieren 

sich unter anderem auf Twitter aktiv 

gegen rechts. Woher kommt dieses 

Bedürfnis nach politischer Artikulation? 

Igor Levit: Das kommt so völlig unspektakulär 

daher, dass ich glaube, Sie 

und jeder andere Bürger haben genau 

die gleiche Verantwortung wie ich. Wir 

sind Staatsbürger, und ich habe in der 

Schule gelernt, dass das oberste Pflicht 

ist – nicht nur sein Kreuz zu machen 

und dann zu sagen, jetzt macht mal. 

Ich sehe, was um mich herum passiert 

und ich agiere dementsprechend. 

Mehr als das ist es auch nicht. 

Aber es wird dadurch besonders, dass 

andere öffentliche Personen die Bühne 

nicht vergleichbar nutzen. 

Die Bühne ist dafür kein exklusiver 

Ort. Aber an alle öffentlichen Personen 

gerichtet, die bis jetzt eine gewisse 

Form von Apathie an den Tag gelegt 

haben: Das haben sie sich die längste 

Zeit leisten können. Nicht positioniert zu sein und nicht klar zu 

agieren, kann man nur so lange, wie die Gesellschaft es einem erlaubt. 

Diese Zeit ist vorbei! Wer das jetzt noch nicht begriffen hat, 

der wird sehr bald eines Besseren belehrt werden. 

In welchem Verhältnis sehen Sie Musik und Politik? 

Das ist eine schwierige Frage. Musik kann sicherlich politisch sein. 

Aber letztendlich ist es nicht die Musik für sich, sondern immer das, 

was wir Menschen daraus machen. Nehmen Sie nur die Neunte Sinfonie 

von Beethoven – es gibt wohl kaum ein Stück, das zu so vielen 

verschiedenen Dingen missbraucht worden ist. 

Sie treten für einen „linken Humanismus“ ein. Was genau verstehen 

Sie darunter? 

Dass ich es im Privaten ebenso wie in der Öffentlichkeit niemals 

akzeptieren werde, dass Menschen die Idee vertreten, es gäbe Menschen 

zweiter Klasse. Das fängt bei kleinen Witzen am Abendbrottisch 

an bis hin zur öffentlichen Abwertung. 

Nach Ihrer Nationalität gefragt, war Ihre Antwort einmal „Europäer“. 

Wäre das heute immer noch dieselbe? 

Fügen Sie das Wort „kritischer“ hinzu. Aber: ja. 

Welche Rolle spielt in Ihrem Leben der Humor? 

Eine riesengroße. Aber ich habe gerade keinen. Mir hat ein Kabarettistenfreund 

mal geschrieben: Wir müssen so lange kämpfen, bis 

wir wieder einfach nur lustig sein und entspannt über Musik und 

Kunst reden können. 

Lassen Sie uns das jetzt versuchen, wenn auch zu einem sehr 

ernsten Thema. Sie haben Ihr neues Album Ihrem verstorbenen 

Freund Hannes Malte Mahler gewidmet und es „Life“ genannt. 

Was ist in den vergangenen zwei Jahren 

passiert? 

Es ging um nichts anderes als um einen 

totalen Neuaufbau für mich. Sie müssen 

sich klarmachen: Hannes war nicht 

nur mein bester Freund. Er war außerhalb 

meiner Familie der wichtigste 

Mensch in meinem Leben. Er war wie 

ein Bruder für mich und die engste Bezugsperson, 

die ich jemals hatte. Durch 

seinen Tod war all das auf einmal nicht 

mehr da und ich stand vor der Frage: In 

welche Richtung geht es jetzt? Wer bist 

du jetzt überhaupt? 

Tatsächlich liest sich das Programm 

auf dem Doppelalbum entsprechend 

existenziell. Die Stücke reichen von 

Bachs Chaconne bis zu Bill Evans 

Peace Piece. Was ist die Idee dahinter? 

Ich habe für dieses Album „Lebensfeierwerke“ 

ausgewählt, die zutiefst 

menschliche Zustände beschreiben und 

mit denen ich sehr viel verbinde. Die 

Grundidee des Albums ist die Frage: 

Wie geht der Mensch damit um, wenn plötzlich existenzielle Fragen 

gestellt werden, es um Verlust geht, um den Tod oder die Liebe? 

Jedes Stück auf dem Album feiert das Leben auf seine ganz eigene 

Art. Das Herzstück des Programms ist Mensch von Frederic Rzewski. 

Es ist das einzige Stück, das wirklich unmittelbar mit Hannes verbunden 

ist.Ein sehr zentrales Werk ist aber auch die Fantasia after 

J. S. Bach von Busoni. Darin gedenkt Busoni zwar seines kurz vorher 

verstorbenen Vaters, gleichzeitig blickt er aber auch lebendig in die 

Zukunft. Die dunkelste Komposition dieses Albums sind sicher die 

Geistervariationen von Robert Schumann. Hier ist Schumann nur 

noch in sich selbst gefangen und kommt aus dieser Verfassung nicht 

mehr he raus. Auch das ist ein Zustand, den ich beim Verarbeiten 

des Todes von Hannes erlebt habe. 

Welche Rolle hat dabei die Musik gespielt? 

Überhaupt keine. Die Vorstellung, Musik könne helfen, war für 

mich grotesk. Mir hat nichts geholfen, außer Menschen. Und ich 

kann Ihnen versichern: Nichts, gar nichts von meiner Traurigkeit 

und meinem Unverständnis über diesen Verlust ist weniger geworden. 

Ich kann damit umgehen, ich kann damit leben lernen. Aber 

trotzdem bin ich genauso sauer wie vorher. Dennoch ist die Musik 

auf dem Album keine Therapie, sondern eher das Dokument eines 

inneren Zustandes. Ich bin sowieso dagegen, Musik 

irgendwelche Richtungen vorzugeben. Das 

halte ich für zutiefst unmusikalisch. 

■ 

„Life“, Igor Levit (Sony) 

Dorothea Walchshäusl 

FOTO: HEJI SHIN / SONY MUSIC ENTERTAINMANT 


PLAYLIST 

Das Repertoire von Jean-Guihen Queyras, Solist des 

Ensemble Intercontemporain, ist beeinflusst von seiner 

langjährigen Zusammenarbeit mit Pierre Boulez und 

zeichnet sich durch seinen eklektizistischen Charakter 

aus: Die Diskografie reicht von Haydn (auf historischen 

Instrumenten) bis zu Dvořák und Komponisten des 

20. Jahrhunderts. Die aktuelle Einspielung beschäftigt sich 

mit Vivaldi. Was aber hört der Künstler privat? 

FOTO: MARCO BORGGREVE 

1. Mozart: Don Giovanni, Philharmonia Orchestra, 

Carlo Maria Giulini 

Eine Aufnahme, bei der man vergisst, dass es sich „nur“ um 

Musik handelt: Das Leben sprüht aus jeder Note, aus jeder 

Sängerin und jedem Sänger, aus dem Orchester! Und der Tod 

lauert an jeder Ecke … 

2. Stéphane Grapelli: Sweet Georgia Brown 

Stéphane Grapelli ist nicht nur wahrscheinlich der beste Geiger 

des 20. Jahrhunderts – er bringt uns zum innerlichen Glück! 

Man kann vor Seligkeit nur lächeln! 

3. Bach: Johannes-Passion, Philippe Herreweghe 

Ein Wunder, wie Herreweghe mit Wort und Musik umgeht. Ein 

Vorbild für uns Cellisten, wenn wir die Bach- 

Suiten spielen … 

4. Brahms: Violinkonzert, Perlman/ 

Giulini, Chicago Symphony 

Das Meisterwerk schlechthin, interpretiert 

mit unwiderstehlichem Feuer und Intensität. 

Eine Aufnahme die mich über Jahre 

begleitet hat. 

5. Camille Bertault: En vie 

Die französische Sängerin macht ihre 

Stimme zu einem genialen groovigen 

Jazz- Instrument. Freude garantiert! 

Vivaldi: Sonatas for Violoncello & 

Basso, Jean-Guihen Queyras 

(Harmonia Mundi) 

11

K Ü N S T L E R 

Auf einen Kaffee mit … 

ADELE 

NEUHAUSER 

VON BARBARA SCHULZ 

FOTO: ADELE NEUHAUSER 


Adele Neuhauser (*1959) ist eine österreichische Schauspielerin. 

Sie machte Furore als Mephisto am Stadttheater Regensburg, ihren großen 

Durchbruch beim Fernsehen verdankt sie der Rolle der alkoholabhängigen 

Kommissarin Bibi Fellner. Aufsehen erregte ihre 2017 erschienene Biografie 

„Ich war mein größter Feind“. 

crescendo: Frau Neuhauser, Sie wollten Tänzerin, Kugelstoßerin, 

Speerwerferin und bereits mit sechs Jahren Schauspielerin werden. 

Im Wiener Stephansdom hatten Sie auch als Sängerin auf sich 

aufmerksam gemacht. War das nie ein Berufswunsch von Ihnen? 

Adele Neuhauser: Natürlich war es auch ein großer Wunsch von 

mir, Sängerin zu werden. Mit zwölf Jahren hab ich mich per 

Autostopp aufgemacht, um wie Billie Holiday in Bars aufzutreten. 

Ich wurde allerdings von der Polizei aufgegriffen und nach Hause 

zurückgeschickt. Damit hat mein Anlauf ein jähes Ende gefunden. 

Zur Musik Billie Holidays wollten Sie auch sterben, wie Sie im 

Zusammenhang mit mehreren Selbstmordversuchen erzählen. 

Musik spielt für Sie also eine große emotionale Rolle. 

Ja, ohne Musik kann ich nicht leben. Und damals wollte ich auch 

nicht ohne Musik sterben. Billie Holidays Gesang und vor allem 

ihre Texte haben mich in meiner Traurigkeit bestätigt und bestärkt. 

Ich wusste schon, wie ich mich „richtig“ stimulieren konnte, um 

einen so heftigen Schritt zu vollziehen. 

„Ich muss die Welt von mir befreien“ – Ihr Lebensgefühl als 

Jugendliche. Es war wohl eher eine Befreiung von sich selbst. 

Ja, in gewisser Weise war ich mir zu viel. Ich bin ein sehr emotionaler 

Mensch und habe auch ein sehr theatralisches Wesen. So 

überspitze oder überzeichne ich gerne Situationen und Stimmungen. 

Ich bin also nicht nur ein bisschen traurig, sondern gleich in 

Endzeitstimmung. Aber so schnell ich diese Gefühle hege, so 

schnell kann ich auch wieder zurück – mittlerweile … Damals hat 

mir meine Vehemenz Angst gemacht. Ich kann Ihnen gar nicht 

sagen, wie froh ich bin, dass ich mich überwunden habe. 

Sie hatten eine Stimmbandoperation. Das ist mehr als ein 

körperlicher Eingriff. Was hat sich dadurch verändert? 

Diese Stimmbandoperation hat eine elementare Veränderung bei 

mir bewirkt. Als junges Mädchen war ich eher burschikos, um 

meine Unsicherheiten zu kaschieren. Allerdings ist dadurch meine 

Weiblichkeit etwas auf der Strecke 

geblieben. Durch die OP hatte ich eine 

hellere Stimme und fühlte mich insgesamt 

weicher und angenehm weiblich. 

Hinter Ihnen liegt eine schwere Zeit. 

Vater, Mutter und Bruder sind innerhalb 

kurzer Zeit gestorben. Damit muss 

man erst mal fertig werden … 

Mir hat das Schreiben sehr geholfen, um 

den Verlust dieser drei geliebten Menschen zu verarbeiten. Ich 

habe zuerst gedacht, ich könnte jetzt gar nicht mehr an dem Buch 

weiterarbeiten. Aber ich habe das Schreiben auch als Chance 

gesehen. Nicht nur, um Trauerarbeit zu leisten, sondern auch, um 

zu sehen, wo ich stehe. Aber alle, mein Vater, meine Mutter und 

mein Bruder, sind immer um mich. Und das ist ein schönes Gefühl! 

Ihre Mutter hat Sie einmal gefragt: „Adele, wo ist jetzt eigentlich 

dein Glück?“ Wissen Sie heute, wo Sie es finden? 

Ich denke oft an den Moment, als meine Mutter mir diese so 

liebevolle Frage gestellt hat. Wenn man ehrlich ist, denkt man doch 

meist ans Glück, wenn man keines hat, oder? Ich bin zurzeit 

ziemlich zufrieden mit mir und meinen Lebensumständen, und 

das ist für mich immer mehr das eigentliche Glück. 

OHNE MUSIK KANN ICH 

NICHT LEBEN. UND DAMALS 

WOLLTE ICH AUCH NICHT 

OHNE MUSIK STERBEN 

Sie wurden in Athen geboren, Ihr Vater war Grieche. Spüren Sie 

die Mentalität – und wenn ja, wo und wie? 

Ich spüre meine Wurzeln immer mehr in den Menschen die mich 

begleiten und begleitet haben. So hat mir zum Beispiel mein letzter 

Aufenthalt in Griechenland gezeigt, dass dieses Land schon sehr 

mit meinem großartigen Vater gekoppelt war. Jetzt ist er nicht 

mehr, und ich habe irgendwie das Gefühl, dort keine Berechtigung 

mehr zu haben. Was natürlich Quatsch ist. Ich liebe Griechenland 

und muss wieder öfter dorthin, um meinen eigenen Zugang zu 

diesem Land zu erspüren. Denn im Grunde meines Herzens bin 

ich schon noch eine (kleine) Griechin. Das merke ich vor allem, 

wenn ich mich aufrege oder begeistert bin! 

Ihr Start als Schauspielerin war ziemlich steinig. Haben Sie 

immer an sich und Ihre Entscheidung geglaubt? 

Die Antwort ist ein klares Ja. Irgendwie bin ich nachträglich auch 

froh, dass mein Weg nicht so leicht war. Das hat mich noch mehr 

an mir arbeiten lassen und mich in meinem Entschluss bestärkt. 

Mit den Rollen der eigenbrötlerischen Amateurermittlerin Julie 

Zirbner und der eigenwilligen Kommissarin Bibi Fellner haben 

Sie einen phänomenalen Durchbruch erlebt. Grenzgängerinnen 

sind offenbar Ihr Metier? 

Ich mag es, wenn ich in meiner Profession, auf eigenwillige Weise, 

von meinen Charakteren gefordert werde. Diese Grenzgängerinnen 

sind ja auch spannende Figuren. 

Dazu passen auch die legendären Rollen der Medea und des 

Mephisto, die Sie am Theater gespielt haben … 

Absolut! Ich bin sehr froh, dass ich sie spielen durfte. Diese Rollen 

und Inszenierungen werden mir immer in Erinnerung bleiben. 

Und ich sehne mich auch nach mehr solcher Herausforderungen. 

Gutes Stichwort: Im Frühjahr 2019 sind Sie in der ARD als 

Helene Weigel neben Burghart Klaußner als Bert Brecht zu 

sehen. Keine einfache Frau, keine einfache Beziehung … 

Ja, absolut. Ich habe Helene Weigel seit 

jeher verehrt, und ihre Biografie wie auch 

ihre Verbindung mit Brecht haben mich 

schon immer sehr gefesselt. Brecht war ja 

kein einfacher Lebenspartner. Sie aber 

wollte nie als Opfer über ihn sprechen. Im 

Gegenteil. Die Zusammenarbeit mit 

Burghart Klaußner war toll. Ich bin sehr 

gespannt auf den fertigen Zweiteiler. 

Sie wandern am liebsten schnell und allein. Was macht das? 

Ich kann mich und meine Gedanken vergessen und mich, im 

Idealfall, völlig der Natur geben. Klingt ein bisschen schwülstig, 

aber so würde ich es mir wünschen. Und manchmal gelingt es mir 

eben auch. Dann empfinde ich übrigens großes Glück! 

Sie sagen, Sie könnten durch Ihr Alleinsein sehr verschwenderisch 

mit Liebe umgehen … 

Wenn man allein lebt, heißt das ja nicht zwingend, dass man keine 

Liebe mehr empfindet. Und ich kann meine Liebe jetzt allen geben, 

die mir herzlich und freundlich gegenübertreten. Und das sind 

ganz schön viele! (lacht) 

Der Termin der Ausstrahlung des Brecht-Films lag zum Zeitpunkt des Drucks noch nicht vor. 

■ 

13


LIEDER IN ZEITEN 

DES KRIEGES 

Seit Jahren beschäftigt sich der britische Tenor Ian Bostridge 

mit den beiden Weltkriegen und der Musik, die in jenen Zeiten entstand. 

Nun erscheint sein Album mit Liedern zu dem Thema. 

VON MARIO-FELIX VOGT 

Ian Bostridge ist der absolute Gegenentwurf zum Typus 

des mit Schmelz und Schmalz auftrumpfenden Gondolieren-Tenors. 

Der hagere 54-Jährige ist der Inbegriff des intellektuellen 

Sängers, der nichts dem Zufall überlässt. Er ist umfangreich 

gebildet, hochreflektiert und hat nicht nur eine Gesangsausbildung 

absolviert, sondern auch Philosophie und Geschichte in 

Oxford und Cambridge studiert. Gemeinsam mit dem Bassisten 

Matthias Goerne Benjamin stand er an der Berliner Staatsoper 

Unter den Linden mit Brittens War Requiem auf der Bühne, am Pult 

stand Bostridges langjähriger musikalischer Gefährte, Sir Antonio 

Pappano, der auch als Pianist auf seinem neuen Weltkriegslieder- 

Album mitwirkte. Auffallend freundlich, offen und unprätentiös ist 

dieser Künstler, der, hat er einmal angefangen zu erzählen, sprudelt 

wie ein unerschöpflicher Quell. 

crescendo: Herr Bostridge, was war die Idee zu einem Album, 

das sich um den Ersten Weltkrieg dreht? 

Ian Bostridge: Ursprünglich hatte ich eigentlich geplant, zu dieser 

Thematik ein Buch zu veröffentlichen. Während eines Konzerts 

von Benjamin Brittens War Requiem in Montreal wurde mir 

plötzlich klar, dass es meine 74. Aufführung dieses Werks war. Und 

so dachte ich, ich sollte vielleicht über etwas schreiben, das einen 

Bezug zum War Requiem mitbringt. 

Ich konnte dafür die Lieder aus meinem Repertoire verwenden, 

die eine Verbindung zum Ersten Weltkrieg haben und eine Art 

intellektuelles Narrativ kreieren. Zum Beispiel mit drei Liedern von 

Gustav Mahler aus dem Zyklus Des Knaben Wunderhorn beginnen 

und die Ursprünge der Wunderhorn-Lieder anschauen – einige 

kamen aus dem Dreißigjährigen Krieg, andere aus den Napoleoni- 

FOTO: WARNER CLASSICS / SIMON FOWLER 


schen Kriegen. Es stellte sich dann die Frage, in welcher Gesellschaft 

Mahler aufwuchs, er hörte ja die ganze Zeit Militärmusik. 

War Österreich eine besonders militarisierte Gesellschaft? Und wie 

war Mahlers Haltung gegenüber dem Krieg? 

Damit wäre die Zeit vor dem Ersten Weltkrieg abgedeckt. 

Genau. Dann hatte ich auch Lieder von zwei Komponisten 

gesungen, die in diesem Krieg auf beiden Seiten getötet wurden. 

Der Engländer George Butterworth fiel in der Schlacht an der 

Somme und der deutsche Komponist Rudi Stephan in Galizien an 

der Ostfront. Zwar haben Stephans Lieder nicht direkt mit dem 

Krieg zu tun, sie entstanden jedoch in den Kriegsjahren 1913/14. 

Es sind sind ungemein interessante Werke mit einem unverwechselbaren 

Ton – und Stephan versucht hier nicht, einen anderen 

Komponisten zu imitieren. 

Die Butterworth-Lieder hingegen sind enger mit dem Thema Krieg 

verknüpft. Die Gedichte, auf denen sie basieren, sind der berühmten 

Sammlung „A Shropshire Lad“ des englischen Dichters A. E. 

Housman entnommen. Sie wurden in der ersten Hälfte des 20. 

Jahrhunderts sehr häufig von englischen Komponisten vertont. 

Während des Ersten Weltkriegs nahmen viele Soldaten diese 

Gedichtsammlung mit in den Schützengraben, um während des 

Bombardements etwas Ablenkung zu haben. 

Wie ist denn die Verbindung von Kurt Weills Four Walt 

Whitman Songs zum Krieg? 

Da ist es etwas komplizierter. Den Rahmen bildet hier das Leben 

des Dichters Walt Whitman, der im amerikanischen Bürgerkrieg 

als freiwilliger Sanitätshelfer in Lazaretten arbeitete und während 

der 1860er-Jahre eine Vielzahl an Gedichten über den Krieg 

schrieb. Dieser Bürgerkrieg ist wahrscheinlich der erste mechanisierte 

Krieg überhaupt, denn er ist der erste Krieg, in dem Maschinengewehre 

zum Einsatz kamen. Weill komponierte die Whitman- 

Lieder während des Zweiten Weltkriegs. In ihnen zeigt sich 

teilweise bereits ein amerikanischer Tonfall, der auch die Musicals, 

die er in den 1940er-Jahren schrieb, kennzeichnet. 

Sie selbst haben ja ebenfalls Geschichte studiert. Haben Sie sich 

im Rahmen Ihres Studiums auch mit den beiden Weltkriegen 

beschäftigt? 

Nicht professionell. Die Verbindung zum Ersten Weltkrieg lief für 

mich in erster Linie über meinen Bruder Mark. Er ist Schriftsteller 

und hat mehrere Bücher darüber verfasst, etwa über das Jahr 1914 in 

England oder über die englische Autorin Vera Brittain. Sie veröffentlichte 

1933 ihre Memoiren über ihre Erfahrungen als Frau während 

des Krieges und war in den 1940er-Jahren eine aktive Pazifistin. 

Ihre Doktorarbeit haben Sie über Hexerei geschrieben. Wie 

kamen Sie auf dieses Thema? 

Nun, ich habe ein großes Interesse an Wissenschaftsgeschichte und 

der Entwicklung der Rationalität. Während meiner Studienzeit in 

Cambridge kam ich auf die Idee, eine Doktorarbeit über Hexerei 

zu schreiben und darin zu untersuchen, warum gebildete Menschen 

um 1760 in England aufhörten, daran zu glauben. Meine 

Antwort war, dass die Leute nicht deshalb nicht mehr daran 

glaubten, weil sie plötzlich die Rationalität für sich entdeckt hatten, 

sondern weil es politisch peinlich wurde und 

unter religiösen Aspekten als nicht ganz richtig 

angesehen wurde. 

■ 

Mahler, Stephan, Butterworth, Weill: „Requiem. The Pity of War“, 

Ian Bostridge, Antonio Pappano (Warner Classics) 

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AUF DER 

SUCHE 

NACH DER 

INNEREN 

WAHRHEIT 

Der Dirigent Robin Ticciati im Gespräch 

über seine neue Heimat Berlin, 

italienische Familienwurzeln und 

die Leidenschaft für französische Musik. 

VON CORINA KOLBE 

17 

FOTO: MONICA MENEZ


D 

FOTO: MONICA MENEZ 

ie üppige Lockenpracht ist nicht das Einzige, was 

Robin Ticciati mit Simon Rattle verbindet. Beide 

stammen aus England, sind international gefragte Dirigenten und 

können auch Schlagzeug spielen. Doch während sich Rattle kürzlich 

von den Berliner Philharmonikern nach London verabschiedet hat, 

ist Ticciati, seit Herbst 2017 Chefdirigent des Deutschen Symphonie- 

Orchesters Berlin, erst jetzt richtig in der Stadt angekommen. 

„Bis zum letzten Sommer bin ich viel gependelt, es war auch meine 

Abschiedssaison als Chef des Scottish Chamber Orchestra in Edinburgh“, 

sagt er. „Jetzt kann ich mich 

endlich ganz auf mein neues Orchester 

konzentrieren, seinen Klang formen. 

Mir geht es immer darum, 

nach der inneren Wahrheit in der 

Musik zu suchen.“ 

Im Szeneviertel Prenzlauer 

Berg wohnt er bereits seit zwei Jahren. 

„Ich bin neugierig auf alles, was 

Berlin kulturell zu bieten hat“, verrät 

er, während er sich grünen Tee 

bestellt. „Auch in London, wo ich 

aufgewachsen bin, ist das Angebot 

groß. Doch hier scheint es mir, als 

hätten die Menschen einen noch 

direkteren Zugang zur Kultur. So, als 

gehöre sie physisch zum Alltag dazu.“ 

Als Dirigent hat es Ticciati mit 

35 Jahren bereits weit gebracht. 

Orchester wie die Wiener Philharmoniker, 

das Symphonieorchester 

des Bayerischen Rundfunks und das 

London Symphony Orchestra luden 

ihn ein, außerdem gastierte er an der 

Mailänder Scala, bei den Salzburger 

Festspielen und im Royal Opera 

House in London. Seit 2014 ist er in 

seiner Heimat Musikdirektor der 

MIR GEHT ES IMMER DARUM, 

NACH DER INNEREN WAHRHEIT 

IN DER MUSIK ZU SUCHEN 

Glyndebourne Festival Opera. „Das 

Wichtigste ist, seinen eigenen Überzeugungen 

treu zu bleiben“, meint er. 

„Alles, was man tut, ist das Ergebnis 

von Arbeit und Passion.“ 

Mit dem DSO geht Ticciati ausgiebig 

seiner Leidenschaft für französische 

Komponisten des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts 

nach. Beim Label Linn erschien gerade ein Album mit Maurice 

Ravels Zweiter Orchestersuite zu Daphnis et Chloë, den Valses nobles 

et sentimentales sowie der sinfonischen Dichtung Aux étoiles und 

Liedern von Henri Duparc, interpretiert von der tschechischen 

Mezzosopranistin Magdalena Kožená. „Sie verleiht den Stücken 

eine besondere emotionale Färbung, das gefällt mir sehr.“ Auf Ticciatis 

Debüt-CD mit seinem Berliner Orchester hatte die Ehefrau 

von Simon Rattle bereits Ariettes oubliées von Claude Debussy 

gesungen. „Ich versuche mit den Musikern immer tiefer in das französische 

Repertoire vorzudringen. An Ravels Valses liebe ich diese 

Fin-de-Siècle-Atmosphäre“, schwärmt er. „Ich sehe hell erleuchtete 

Pariser Straßen vor mir. Das ist für mich ein bisschen wie Oper.“ 

Musik begleitet den Briten mit italienischen Wurzeln seit seiner 

Kindheit. Sein Vater, ein Rechtsanwalt, spielt aus Leidenschaft 

Cello, die Mutter Bratsche. „Bei uns zu Hause wurde eigentlich 

immer musiziert“, erinnert er sich. Als Geiger, Pianist und Schlagzeuger 

ausgebildet, nahm Ticciati schon mit 15 Jahren den Dirigentenstab 

in die Hand. „Dadurch wollte ich der Musik noch näherkommen“, 

bekennt er. „Als Dirigent kann man mit einer Geste den 

Klang eines ganzen Orchesters verändern. Man muss in der Lage 

sein, seinen Körper wie ein Tänzer unter Kontrolle zu halten. In 

gewisser Weise ist der Körper also ein Instrument.“ 

Der in Rom geborene Großvater war Komponist und Arrangeur. 

„Als ich in der Stadt zum ersten Mal mit dem Orchestra 

dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia auftrat, kamen nach dem 

Konzert sechs Namensvettern auf 

mich zu und strahlten mich an. Das 

war ein besonderes Erlebnis! Auch 

wenn meine Eltern Briten sind, 

steckt die italienische Kultur irgendwie 

in mir.“ 

Von seinen Mentoren Colin 

Davis und Simon Rattle gefördert, 

trat Ticciati 2005 als jüngster Dirigent 

mit der von Claudio Abbado 

gegründeten Filarmonica della Scala 

auf. Später dirigierte er an dem 

Opernhaus Benjamin Brittens Oper 

Peter Grimes. „Das Temperament 

der Musiker hat mich sofort angesprochen. 

Britten klingt plötzlich ein 

bisschen nach Giacomo Puccini.“ 

Für Abbado, von 1968 bis 1986 

Musikdirektor des Opernhauses und 

später Vorgänger Rattles bei den 

Berliner Philharmonikern, empfindet 

Ticciati große Bewunderung. 

„Seine Art zu dirigieren hatte vor 

allem gegen Ende seines Lebens 

etwas sehr Spirituelles. Seine Bewegungen 

waren fließend und schön 

anzusehen. Er besaß die Gabe, 

Orchester dazu zu bringen, für ihn 

ihr Bestes zu geben.“ 

Unter Leitung Ticciatis führte 

das Deutsche Symphonie-Orchester 

im September beim Musikfest Berlin 

mit Gesangssolisten und dem Berliner 

Rundfunkchor neben Debussys 

Bühnenmusik zu Le martyre de Saint 

Sébastien auch eine von Abbado zusammengestellte Suite aus 

Richard Wagners Oper Parsifal für Chor und Orchester auf. Werke 

von Fauré, Berlioz und Mozart stehen auf dem Programm, wenn 

Ticciati im kommenden Januar in der Philharmonie zum fünften 

Todestag des großen Dirigenten ans Pult des Chamber Orchestra of 

Europe treten wird. 

Mit dem DSO widmet er sich in dieser Saison unter anderem 

auch Händels Messias, Brahms-Sinfonien oder zeitgenössischen 

Stücken, darunter eine Uraufführung von Aribert Reimann. „Mit 

dem Orchester will ich in Berlin Teil des großen Ganzen, des kulturellen 

Sturms sein“, so Ticciati. Mit seinen Musikern ist er außerdem 

auf Tourneen im In- und Ausland zu erleben, 

etwa in Köln, Ludwigshafen, Lugano und Lyon.■ 

Ravel & Duparc: „Aimer et mourir“, Robin Ticciati, Magdalena Kožená, 

Deutsches Symphonie-Orchester Berlin (Linn) 

Track 10 auf der crescendo Abo-CD: 

„Au pays où se fait la guerre“ von Henri Duparc 

18 w w w . c r e s c e n d o . d e — Oktober – November 2018

Aktuelle 

NEUHEITEN 

bei Sony Classical 

Igor Levit 

Life 

Igor Levits neues Album „Life“ 

ist eine ganz persönliche 

Auswahl aus Werken von 

Bach, Schumann, Liszt, 

Wagner, Busoni, Rzewski und 

Bill Evans. Eine musikalische 

Hymne an das Leben. 

www.igorlevit.de 

www.jonaskaufmann.com 

Jonas Kaufmann 

Eine italienische Nacht 

Das Konzert in der Berliner Waldbühne 

war ein Riesenerfolg für 

Jonas Kaufmann, Anita Rachvelishvili 

und das Rundfunk-Sinfonieorchester 

Berlin. Die zauberhafte 

„italienische Nacht“ mit Musik aus 

der Cavalleria Rusticana, populären 

Arien und Songs ist als CD, DVD & 

Blu-ray erhältlich. 

Best of Klassik 2018 

Das Beste der Klassik 2018 

auf einem preisgünstigen 

3-CD-Album mit allen Opus 

Klassik Preisträgern: Diana 

Damrau, Juan Diego Flórez, 

Daniil Trifonov, Regula 

Mühlemann, u.v.a. 

herausragende Künstler. 

www.teodor-currentzis.com 

Teodor Currentzis 

Mahler 6. Sinfonie 

Das neue, mit Spannung 

erwartete Album von Teodor 

Currentzis und seinem Orchester 

MusicAeterna mit Mahlers 

6. Sinfonie erscheint am 19.10. 

Lautten Compagney & 

Dorothee Mields 

War & Peace 1618-1918 

Packende Musik zum Thema 

Krieg und Frieden, von 

Schütz und Scheidt bis hin 

zu Hollaender und Eisler. 

Erhältlich ab 19.10. 

www.lauttencompagney.de 

www.placidodomingo.com 

Plácido Domingo 

Volver 

Plácido Domingo und Gitarrist 

Pablo Sainz-Villegas, den das 

Billboard Magazine „Welt- 

Botschafter der spanischen Gitarre“ 

nennt, spielen berühmte iberische 

und lateinamerikanische Lieder, 

spanische Coplas, nostalgischen 

Fado u.a. 

WWW.SONYCLASSICAL.DE 

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FOTO: WYASTONE ESTATE 

DIE KUNST DER 

BESCHRÄNKUNG 

Der russische Pianist Evgeny Kissin gilt als einer der bedeutendsten Interpreten seiner 

Generation. Bei seinem respektablen Repertoire kann er sich Lücken leisten. Muss er. 

Denn die Liste der Solo- und Orchesterwerke, die er noch spielen will, ist lang. 

VON MARIO-FELIX VOGT 

Immer schneller dreht sich das Interpreten-Karussell in den letzten 

Jahren. Immer wieder tauchen neue hübsche Gesichter auf, 

deren oft mittelmäßige Aufnahmen mit viel Marketing-Aufwand 

an den Konsumenten gebracht werden sollen. Und immer wieder 

passiert es, dass diese, meist jungen, Künstler wieder in der Versenkung 

verschwinden, bevor ihre Karriere überhaupt richtig begonnen 

hat. Im Vergleich zu diesen nach Popkriterien gecasteten Musikern 

erscheint Evgeny Kissin wie ein Wesen von einem anderen 

Stern. Er ist völlig uneitel, sehr auf die Musik fokussiert, die ihn 

wirklich interessiert, und versucht nicht, Wissen vorzutäuschen, das 

er nicht hat. 

Auf die Frage beispielsweise, was er denn von den Klavierwerken 

des amerikanischen Minimalisten Philip Glass oder von Crossover-Klassik 

hält, gesteht er denn auch freimütig, dass er beides 

„ehrlich gesagt nicht kenne“. Auch die Frage, ob er jemals Beethovens 

Klaviermusik auf einem historischen Hammerflügel gespielt 

habe, verneint er. Kissin zeigt hier, wie wichtig es in der Kunst sein 

kann, sich auf bestimmte Dinge zu beschränken, wenn man Großes 

erreichen möchte. So habe er auch, anders als die von ihm besonders 

geschätzten Beethoven-Interpreten Arthur Schnabel oder 

Richard Goode, „niemals daran gedacht, alle 32 Beethoven-Sonaten 

aufzunehmen“. Da konzentriert er sich lieber auf einige wenige 

Sonatenwerke, in die er sich dann aber versenkt. Beispielsweise in 

die Hammerklaviersonate. Mit diesem monumentalen Stück, das 

sowohl hinsichtlich Umfang als auch hinsichtlich der wahnwitzigen 

pianistischen Anforderungen jeglichen Rahmen sprengt, war er in 

den letzten beiden Jahren mehrfach live im Konzert zu erleben. 

Die Hauptschwierigkeit bei diesem Werk stellen die rasend 

schnellen Tempi dar, die Beethoven für die beiden Ecksätze mit 

Metronomzahlen exakt notierte. Wie die meisten seiner Pianistenkollegen 

ignoriert der russische Starpianist diese Vorschriften, da 

sie schlichtweg „unspielbar“ seien. „Beethoven schrieb diese Sonate, 

als er bereits taub war“, erklärt er, „also orientierte er sich bei den 

Metronomangaben an dem, was er in seinem Kopf hörte. Er hatte 

jedoch keine Gelegenheit zu überprüfen, wie seine Musik in diesen 

Tempi wirklich klingen würde.“ Kissin weist in diesem Zusammenhang 

darauf hin, dass sich sogar manche großen Komponisten bei 

der Interpretation ihrer eigenen Werke nicht an ihre Tempovorschriften 

gehalten haben, und nennt Sergej Rachmaninow als prominentes 

Beispiel. Mit dessen Préludes kombinierte er die Hammerklaviersonate 

im Konzert als Kontrast. Auf ein sehr langes klassisches 

Werk folgten dann zehn kurze romantische Stücke. 

Evgeny Kissin verfügt über ein umfangreiches Repertoire, 

doch ist da eine ganze Reihe an Klavierkonzerten, die er gerne noch 

einstudieren möchte. Dazu gehören so bekannte Werke wie Mozarts 

frühes Es-Dur Konzert Jenamy, früher Jeunehomme genannt, Liszts 

2. Klavierkonzert, das Kissin im nächsten Jahr live spielen wird, Bartóks 

Konzerte Nr. 1 und 3 oder Gershwins Rhapsody in Blue, aber 

auch selten zu hörende Stücke wie Karol Szymanowskis 4. Sinfonie 

für Klavier und Orchester oder die ersten beiden Konzerte des in 

deutschen Landen immer noch viel zu unbekannten russischen 

Spätromantikers Nikolai Medtner. Natürlich fallen ihm auch etliche 

Solowerke ein, die er mit Vergnügen lernen würde. „Allerdings 

würde ich mehrere Seiten brauchen, um sie alle zu nennen“, räumt 

er ein. „Ich hoffe nur, dass ich lange genug lebe, 

um all das spielen zu können, was ich gerne spielen 

würde.“ 

■ 

Shostakovich: Quartet No. 2, Kissin: Quartett (2016), 

Kopelman Quartett (Nimbus Records) 


„MEINE STIMME 

IST MEIN ZUHAUSE“ 

Der Countertenor Yaniv d’Or ist ein feinsinniger Exot in der Welt der Klassik. Nun erscheint 

sein neues Album „Exaltation“ als Höhepunkt einer außergewöhnlichen Trilogie. 

VON DOROTHEA WALCHSHÄUSL 

Yaniv d’Or hat lange nach seiner Heimat gesucht. Er hat sie 

in sich selbst gefunden. Und zählt heute zu den spannendsten, 

ungewöhnlichsten Künstlern seines Fachs. Der 

Countertenor kam 1975 in Holon in Israel auf die Welt 

und fand über das Klavier zur Musik. Später entdeckte er die polyfone 

Kirchenmusik für sich und die großen klassischen Komponisten. 

„Auf der Highschool hatte ich Musik als Schwerpunkt und 

habe Mahler kennengelernt, Wagner, Händel und Monteverdi … Es 

war eine Offenbarung“, erzählt er. Doch bald schon fiel seine außergewöhnliche 

Stimme auf: füllig, kraftvoll, ein Countertenor, der mit 

sattem Vibrato und eindringlicher Dynamik die ganze Gefühlspalette 

ausdeuten kann. D’Ors Stimme hat wenig gemein mit der 

schlanken, schwebenden Eleganz mancher seiner Stimmfachkollegen. 

Bei ihm ist immer der ganze Körper spürbar. Und bis heute 

schwingt eine gewisse Wildheit mit. Was ihm während seines Studiums 

an der Guildhall School of Music and Drama in London durchaus 

Probleme bereitete. „Ich war immer ein wenig Außenseiter“, 

sagt Yaniv d’Or. Harte Kämpfe habe er fechten müssen, um sich 

selbst treu zu bleiben. „Keiner wusste, in welche Schublade er mich 

stecken soll“, erinnert sich d’Or. „Für einen Opernsänger habe ich 

mich zu sehr für traditionelles Liedgut interessiert, für Barockmusik 

zu viel Vibrato genommen. Es war ein langer Weg. Heute aber 

fühle ich mich komplett und frei. Meine Stimme ist mein Zuhause.“ 

Meist ist Yaniv d’Or auf den Opernbühnen dieser Welt zu erleben 

– als Rinaldo, Giulio Cesare, Orfeo. Auf seinen Alben spürt der 

43-Jährige das musikalische Erbe seiner Vorfahren auf, mischt alte 

mit neuen Klängen und komponiert auch selbst. D’Or nennt diese 

Mixtur „Folk Barock“, und auch sein neuestes Album „Exaltation“ 

zeugt davon. Es ist nach „Liquefacta Est“ und „Latino-Ladino“ der 

Abschluss einer Trilogie, auf der er die unterschiedlichen musikalischen 

Traditionen der drei monotheistischen Religionen erkundet. 

Hier wird er zum Brückenbauer, der da Gemeinsamkeiten aufzeigt, 

wo andere Grenzen ziehen – musikalisch wie menschlich. „Ich will 

kein Klischee auftischen. Aber es gibt so viel Tumult, Ausgrenzung 

und Angst in unserer Welt. Dabei ist für jeden Platz. Wir alle wollen 

gehört werden. Wir alle sehnen uns nach Liebe.“ Mit seiner Musik 

deutet Yaniv d’Or dieses urmenschliche Streben klangsinnlich aus, 

begleitet von seinem Ensemble NAYA, das mit klassischen und orientalischen 

Instrumenten aus Ost und West Klangfarben mischt. 

Unter „Exaltation“ versteht d’Or einen Zustand vollkommener 

Einheit. „Momente, in denen man sich verbunden fühlt mit der 

Welt, entspannt, ruhig, friedfertig, ganz bei sich und zugleich weit 

weg.“ Er selbst erreiche diesen Zustand immer wieder auf der 

Bühne: „Ich schlüpfe komplett in eine Rolle, ich werde die Person, 

die ich singe. Distanziert singen kann ich nicht“, stellt er fest. Es 

müsse auch gar nicht alles korrekt und exakt sein. 

Stattdessen sei das Singen für ihn ein Zustand, 

„der Körper und Seele gleichermaßen packt“. 

Dann fühlt Yaniv d’Or sich ganz zu Hause. ■ 

„Exaltation“, Yaniv d’Or & Ensemble Naya (Naxos) 

FOTO: RONEN ACKERMANN 

21


„ALS MUSIKER 

KOMMT MAN NIE AN“ 

„Sein Anschlag hat Zartheit und auch das dämonische Element“, zeigte sich Martha Argerich 

ungewöhnlich beeindruckt. Jetzt hat der erst 27-jährige Daniil Trifonov in Salzburg Rachmaninow 

eingespielt. Der Komponist ist die Brücke zu seiner russischen Heimat. 

VON TERESA PIESCHACÓN RAPHAEL 

Daniil Trifonov 

FOTO: DARIO ACOSTA 

erade haben Sie in Mozarts Geburtshaus ein Werk aus 

Ihrer neuen Rachmaninow-CD gespielt. Es wimmelt 

vor Touristen. Wie inspirierend ist dieser Ort für Sie als 

Musiker und Komponist? 

Daniil Trifonov: Der Ort ist ok. Ich bin hier zum ersten Mal. 

Ihre erste Klavierkomposition – da waren Sie noch ein Kind 

– widmeten Sie Mozart. 

Zu Mozart bekommt man als Kind sehr leicht Zugang. Erst, wenn 

man älter ist, merkt man, wie kompliziert seine Musik ist. 

Auch Rachmaninow widmeten Sie ein Klavierstück. Und damit 

von der Getreidegasse in Salzburg nach New York in die 505 

West End Avenue … 

… dorthin, wo Rachmaninow lebte. Natürlich war ich da. Leider 

gibt es dort kein Museum. Nur eine Plakette weist darauf hin, dass 

er dort gelebt hat. 

Er wurde auch in New York auf dem Kensico-Friedhof begraben. 

Ja, das ist nicht weit entfernt. Will man aber etwas über Rachmaninow 

erfahren, muss man in die Schweiz, an den Vierwaldstättersee. 

Dort hatte er ein Haus gebaut, die Villa Senar, Sitz der Serge 

Rachmaninoff Foundation. Auch sein original Steinway-Flügel 

steht da. Um als Interpret einem Komponisten näherzukommen, 

ist es gar nicht notwendig, seine Alltagsgegenstände zu erleben. 

Viel wichtiger ist, ihn zu hören. 

In der Sowjetunion hat man Rachmaninow als Abtrünnigen und 


Dissidenten beschimpft. Heute wünscht man sich, dass sein 

Erbe wieder zurück nach Russland kommt. 

Ja, ich habe davon gehört. 

1917 hatte Rachmaninow im Zuge der bolschewistischen 

Revolution seine Heimat verlassen. 500 Rubel hatte er dabei und 

die Partitur von Rimski-Korsakows Le Coq d’Or. 

Das wusste ich nicht, aber es passt. Rimski-Korsakow konnte 

fantastisch instrumentieren und orchestrieren. Für jeden angehenden 

Komponisten ist seine Harmonielehre eine Art Bibel. Nicht 

nur in Russland. 

Sie mussten Russland zwar nicht 

verlassen, aber dennoch: Was 

hätten Sie mitgenommen? 

Rachmaninows Musik bildet für 

mich die Brücke zu meiner Heimat 

Russland. Wirkliche Liebe aber 

habe ich für Skrjabin, seit ich mit 

elf Jahren sein Poème de l’Exstase 

hörte. Diese Partitur hätte ich 

mitgenommen. Und da wir vorhin von Komponistenmuseen 

sprachen: In Moskau kann man das Haus besichtigen, in dem 

Skrjabin lebte. Es wurde überhaupt nichts verändert. Sein Klavier 

steht dort, man kann sich genau vorstellen, wie er damals gelebt 

hat. Eine ganz besondere Atmosphäre. 

Skrjabin und Rachmaninow waren etwa gleich alt. Sie kannten 

sich vom Konservatorium und hatten so ihre Rivalitäten … 

Die beiden hatten ganz unterschiedliche musikalische Visionen. 

Skrjabin propagierte neue Wege der Tonalität, Rachmaninow 

nannte man den letzten Romantiker. Als aber Skrjabin 1915 starb, 

war Rachmaninow so erschüttert, dass er eine Tournee lang nur 

noch seine Werke spielte. 

Nachdem Rachmaninow seine Heimat verlassen hatte, wurde er 

zu einem der begehrtesten Klaviervirtuosen seiner Zeit. 

Dennoch war er voller Selbstzweifel. 

Nach einer vernichtenden Kritik seiner 1. Sinfonie 1897 stürzte er 

in eine tiefe Schaffenskrise. Erst 1900 vollendete er sein 2. Klavierkonzert. 

Vielleicht waren diese Schwierigkeiten wichtig für den 

kreativen Prozess. Jeder Mensch empfindet das anders. 

„Die großen russischen Künstler waren in der Finsternis 

versunken“, schreibt der Dichter Alexander Blok, „aber sie 

fanden Kraft in dieser Dunkelheit, denn sie glaubten an das 

Licht.“ 

Das Zitat stammt aus der Zeit um die Jahrhundertwende. Die 

russische Literatur war sehr düster, die Einstellung zum Leben fatalistisch. 

Heute passt das nicht mehr, jedenfalls nicht auf mich. 

Ich möchte Sie jetzt nicht auf die rote Couch legen … 

(Lächelt) 

Rachmaninow jedenfalls ließ sich von Dr. Dahl behandeln, der 

ihn unter Hypnose setzte. 

Damals waren solche Methoden ganz neu. Es schien ja zu helfen. 

Das 2. Klavierkonzert wurde fertig und weitere Werke folgten. 

Wie finden Sie Ihre Balance? 

In der taoistischen Meditation finde ich die Balance. Das kann man 

natürlich nicht mit der Hypnose vergleichen. 

Bei der Hypnose überlässt man dem Arzt die Kontrolle. Das 

würde zu Ihnen auch nicht passen. 

Kontrolle ist wichtig. Und Selbstbeobachtung – damit meine ich 

Selbstkritik. Beides gibt mir Sicherheit, ich kann so Fehler 

vermeiden. Man muss die eigenen Schwächen kennen. Ich denke 

mir immer wieder etwas Neues aus, um meine Hand beweglicher, 

flexibler zu machen. Ich hänge Billardkugeln in einer Tüte ans 

Handgelenk, um die Kraft der Hände zu trainieren, gehe ins 

ICH HÄNGE BILLARDKUGELN 

IN EINER TÜTE ANS HANDGELENK, 

UM DIE KRAFT DER HÄNDE 

ZU TRAINIEREN 

Schwimmbad, um unter Wasser Übungen zu machen. Auch der 

Rücken kann zum Problem werden. Wenn man lange am Flügel 

sitzt, schleichen sich Fehlhaltungen ein, und dann kann die 

Energie nicht aus dem Rücken strömen. Ich glaube allerdings, dass 

Rachmaninow in seiner Verzweiflung sich selbst nicht mehr helfen 

konnte. 

Über 20 Jahre blieb er in Behandlung bei Dr. Dahl. Dennoch 

war er nach eigenem Bekenntnis sehr nervös bei Schallplattenaufnahmen. 

Dabei hat er die meisten seiner Werke aufgenommen! Wie und in 

welchem Zustand, das habe ich 

mich nie gefragt. Ich bin nur sehr 

glücklich, dass er es getan hat. Er 

war ein großer Pianist. Auch, 

wenn er vielleicht nicht zufrieden 

war, den Aufnahmen merkt man 

die Unsicherheit nicht an. Sein 

2. Klavierkonzert hat er zweimal 

eingespielt: 1924 und 1929 – in 

Tempo und Dynamik liegen Welten dazwischen. 

Was ist Ihnen lieber: Studio oder Bühne? 

Ich habe mit beidem kein Problem. Auch nicht, wenn live aufgenommen 

wird, wie jetzt bei unserer Rachmaninow-Produktion 

aller Klavierkonzerte mit dem Philadelphia Orchestra unter 

Yannick Nézet-Séguin. Nur Nr. 1 haben wir im Studio aufgenommen. 

Ich war fasziniert davon, wie gut das Orchester Rachmaninows 

Idiom noch im Ohr hatte. 1913 hatte er ja mit dem Philadelphia 

Orchestra unter Leopold Stokowski sein 3. Klavierkonzert 

eingespielt. Auch sein 4. Klavierkonzert hat er in Philadelphia 

uraufgeführt. 

„Destination Rachmaninow – Departure“ nennen Sie die erste 

CD mit den Konzerten Nr. 2 und 4, „Destination Rachmaninow 

– Arrival“ die zweite CD mit den Konzerten Nr. 1 und 3. Werden 

Sie dann angekommen sein? 

Als Musiker kommt man nie an. Jedes Klavierkonzert hat seinen 

Stil. Mein Favorit ist Nr. 4. Weil Liszt es gespielt hat und wegen der 

experimentellen Harmonie, den kantigen Melodien, jazzigen 

Akkorden und mechanischen Momenten, die seinerzeit absolut 

modern waren. 

Wenn Sie das Leben der Klaviervirtuosen des 19. und 20. 

Jahrhunderts mit Ihrem vergleichen müssten … 

Abgesehen von den sozialen und politischen Umständen: Es war 

so spannend zu Beginn des 20. Jahrhunderts! Damals ist so viel 

passiert, jeder war neugierig auf das, was kommt, auf das, was 

Picasso gerade malt oder Strawinsky, Richard Strauss oder 

Schönberg komponiert. Es war die Zeit der großen Uraufführungen. 

Nicht nur in Europa, auch in Russland mit Alexander Skrjabin 

und seinen faszinierenden fantastischen Experimenten. Da wäre 

ich gerne dabei gewesen! 

Rachmaninow hingegen warf man „Melancholie der Untätigkeit“ 

vor und „Resignation“. Für viele war er nur der „Hollywood-Komponist“. 

Das hängt sehr davon ab, wie man ihn interpretiert, vor allem sein 

2. Klavierkonzert! Auch aus Für Elise von Beethoven könnte man 

Kitsch machen. Sie nannten ihn so, weil viele romantische Filme, 

etwa Das verflixte siebte Jahr von Billy Wilder mit seinem 

2. Klavierkonzert unterlegt wurden. Er erreichte 

eben mit seiner Musik das Herz der Menschen. 

Aber was ist so schlimm daran? 

S. Rachmaninov: „Preghiera“, Piano Trios, Gidon Kremer, 

Giedre Dirvanauskaite, Daniil Trifonov (Deutsche Grammophon) 

■ 

23


ALICE 

SARA 

OTT 

„Musik ist nicht 

immer nur schön!“ 

VON BARBARA SCHULZ 

FOTO: ESTER HAASE 

Es ist diese magische Stunde, wenn Tag und Nacht sich treffen 

und eins werden, der die Pianistin Alice Sara Ott ihr neues 

Programm widmet. Weil sie wie keine andere Licht und 

Schatten der menschlichen Seele beleuchtet. 

crescendo: Das Thema „Nightfall“ ist eine Plattform für einerseits 

sehr romantische Musik, andererseits aber macht sie uns 

die Endlichkeit sehr bewusst. Sind Sie dafür nicht zu jung? 

Alice Sara Ott: Interessant ist ja, dass viele Komponisten in meinem 

Alter schon gestorben waren. Und haben trotzdem Werke hinterlassen, 

die in die Abgründe der menschlichen Seele blicken. Und 

gerade mit diesem Thema, glaube ich, hat man sich in meinem 

Alter schon auseinandergesetzt. Ich würde mich selbst als sehr 

hellen, optimistischen Charakter beschreiben. Fühle mich aber 

immer auch zur dunklen Seite hingezogen. Diese Zwiespältigkeit 

der Menschen fasziniert mich von jeher. Es geht um die Momente, 

wo sich Grenzen verwischen, wo man nicht mehr sagen kann, das 

ist gut, und das ist böse. Es ist auch die Stunde am Tag, die ich am 

interessantesten und mysteriösesten finde. 

Die Kompositionen sind sehr filigran … 

Ja, einerseits. Es gibt aber auch extrem raue und fast schon brutale 

und schmerzhafte Seiten in dieser Musik, gerade im Gaspard de la 

Nuit. Es hat viel Finesse. Debussy, der Meister der Klangfarben – er 

ist für mich wie Monet: Auf den ersten Blick ist alles wunderschön 

und harmonisch, aus der Nähe werden die Makel sichtbar. Debussy 

ist genauso. Alles klingt so harmlos, aber es ist teilweise grotesk. 

Claire de Lune zum Beispiel. Irgendwie hab ich immer gefühlt, dass 

es nicht nur so schön ist, wie es scheint. Und tatsächlich: Es handelt 

sich ja um eine Hommage an das Gedicht von Paul Verlaine: Die 

Menschen singen von Glück und Lebensfreude, hinter der Maske 

aber verbergen sich Schmerz und Ängste. 

Sie haben einmal gesagt, Sie würden alles, was Sie fühlen, durch 

die Musik fühlen. Was macht so ein Programm mit Ihnen? 

Tatsächlich war diese Vorbereitungszeit eine sehr düstere Zeit, in 

vielerlei Hinsicht. Es heißt ja oft, dass Musik Trost spendet und 

beruhigt. Das ist nicht immer so. Gerade, wenn man eine schmerzhafte 

oder traurige Erfahrung gemacht hat, kann Musik einen das 

noch viel tiefer empfinden lassen. Musik ist also nicht immer nur 

schön, sondern hat schmerzhafte und raue Seiten. Auch ich musste 

mich Dämonen stellen, denen ich sonst aus dem Weg gehe. 

Sie haben mit Ravel, Debussy und Satie drei Komponisten 

gewählt, die eine Ära geprägt haben. Spüren Sie die unterschiedlichen 

Charaktere und Befindlichkeiten in der Musik? 

Ja, aber ich denke während des Spielens nicht mehr drüber nach. 

Ich hab mich natürlich mit den Charakteren auseinandergesetzt, 

als ich die Stücke gelernt habe. Die drei sind sehr verschieden und 

haben einen ganz unterschiedlichen Kompositionsstil. Und 

dennoch: Gerade in diesem Thema gibt es einen großen gemeinsamen 

Nenner. 

Weist „Nightfall“ ein wenig in die Richtung, in die die Marke 

Alice Sara Ott gehen soll? 

Nein, für mich sind solche Aufgaben und Projekte nur das 

Festhalten eines Moments, der mir sehr wichtig ist. Aber dann gehe 

ich auch weiter. Deshalb höre ich mir auch nie meine alten 

Aufnahmen an. Das ist für mich dann Vergangenheit. Und ich 

schaue ungern in die Vergangenheit zurück. Aber ja, ich denke 

jetzt mehr über jeden Schritt nach. Ich bin ja auch kein Newcomer 

mehr. In meinem Alter überlegt man noch, was einen ausmacht, 

worüber man sich definiert und womit man sich identifiziert. 

Sie sind gerade 30 geworden. Kommen Sie langsam an? 

Ich weiß nicht, ob ich mich schon zu 100 Prozent gefunden habe. 

Als Musiker ist man doch immer auf der Suche. 

Es heißt, Sie hätten großen Respekt vor Mozart. Ravel, Debussy, 

Satie fallen leichter? 

Ich finde leichter Eintritt in ihre Welt. Mit ihnen fühle ich mich 

nicht so nackt auf der Bühne. Bei Mozart habe ich das Gefühl, dass 

ich in einem Spiegelraum spiele, in dem mich jeder beobachtet. Ich 

schätze seine Musik unglaublich und habe schon so viele Konzerte 

und Aufnahmen erlebt, wo es so klingt, wie es sein muss. Und 

dann setze ich mich hin und denke: Nein, so darf es nicht sein. 

Gab es denn eine größte Herausforderung für Sie bei diesem 

Programm? 

Gaspard de la Nuit ist auf alle Fälle eine sehr große Herausforderung. 

Aber eigentlich: alles. Die Stimmungen, die Struktur. Das ist 

es ja meistens. Ich würde generell nicht sagen, dass das eine Stück 

leichter ist als das andere. Das gilt für alles, was 

ich bisher gespielt habe. Jedes ist eine Herausforderung. 

Es ist geniale Musik. Muss es ja sein. ■ 

Claude Debussy, Erik Satie, Maurice Ravel: „Nightfall“, Alice Sara Ott 

(Deutsche Grammophon) 


Siemens Arts Program 

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Musikstadt New York 

New York ist Magie, Faszination und immer auch ein Klangerlebnis. 

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Hamburg – Elbphilharmonie 

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Riccardo Chailly mit der Filarmonica della Scala und Janine 

Jansen mit Werken von Mozart und Barock . 


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Venetien – Verdis Inspirationsquellen 

Im Mittelpunkt dieser Reise stehen das berühmte »Lied an die 

Weide« aus der Oper »Otello« und das Werk »La Traviata« 

im Teatro La Fenice. Weitere Höhepunkt sind die privaten 

Palladio-Villen und eine Weinprobe auf einem Weingut in den 

Eugnäischen Hügeln. 


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Fotos: Jonathan Tichler, Cooper Copter, Peter Fischli/Lucerne Festival, Michele Crosera; Anbieter: Zeitverlag Gerd Bucerius GmbH & Co. KG, Buceriusstraße, Hamburg 

Wir beraten Sie gern! Ihre Ansprechpartnerin: Lena Böhlke 040/32 80-455 

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HÖREN & SEHEN 

Die besten CDs, DVDs & Vinylplatten des Monats von Oper über Jazz bis Tanz 

Attila Csampais Auswahl (Seite 28) 

crescendo-Empfehlungen lesen und direkt kostenlos dabei anhören? 

Kein Problem: Auf www.crescendo.de finden Sie unsere Rezensionen mit direktem Link zum Anhören! 

Marlis Petersen 

Elfischer Glanz 

LIED 

Mit berühmten Männerfantasien wie dem Waldesgespräch Schumanns hält sich dieses 

Konzeptalbum nicht auf. Dafür enthält es Poeme aus den Zwischenwelten des skandinavisch-isländischen 

Raums (Carl Nielsen, Wilhelm Stenhammar, Sigvaldi Kaldalóns, 

Sigurd von Koch) und Funde aus der Spätromantik bis zur Moderne (Friedrich Gulda, 

Walter Braunfels, Harald Genzmer, Hermann Reutter). Marlis Petersens klarer 

Sopran lockt, klagt und leuchtet. Sie legt über alles Leid und kreatürliches Treiben 

einen Schimmer von reiner wie souveräner Sangesgewalt. Erstaunlich ist, dass noch 

niemand bisher die Idee zu einer derart ausladenden Lied-Anthologie über Sirenen, 

Sylphiden und Elfen hatte. Mit Camillo Radicke am Klavier weiß die „Salome“ der 

Münchner Opernfestspiele 2019 einen Zaubermeister neben sich, der ihr auf den 

Reisen in die Anderswelt mit Weitblick eine silbrig empathische 

Weg spur durch die Noten bahnt. So vereinen beide faszinierendes 

Blendwerk und Belcanto-Zauber. DIP 

„Dimensionen Anderswelt. Mensch & Lied“, Marlis Petersen, Camillo Radicke (Solo Musica) 

Track 12 auf der crescendo Abo-CD: Fylgia op.16,4 von Wilhelm Stenhammar 

FOTO: YIORGOS MAVROPOULOS 

27

H Ö R E N & S E H E N 

Empfehlungen von Attila Csampai 

MUSIK IN FESSELNDEN 

INTERPRETATIONEN 

… bringt unser Chefrezensent für den Herbst. 

ANTON ZIMMERMANN: SYMPHONIES 

l’arte del mondo, Werner Ehrhardt 

(Deutsche Harmonia Mundi) 

Anton Zimmermann (1741–1781) stammte 

aus Schlesien und war einer der innovativsten 

Köpfe der Wiener Vorklassik. In Pressburg 

formte er die Hofkapelle des ungarischen 

Fürst erzbischofs Graf Batthányi zu einem der besten Orchester 

Europas. Fast 300 Werke sind von ihm überliefert, darunter 40 

Sinfonien. Einige davon wurden sogar Joseph Haydn zugeschrieben. 

Jetzt hat einer der großen Pioniere der deutschen Originalklangszene, 

Werner Ehrhardt, dieses vergessene Genie wiederentdeckt 

und mit seinem 2005 gegründeten Ensemble l’arte del 

mondo drei seiner spektakulärsten Sinfonien als Weltpremiere 

eingespielt. Alle drei Arbeiten ragen wie Unikate eines geradezu 

rebellischen Erfindungsreichtums und wie schrille Alarmglocken 

einer entfesselten Sturm-und-Drang-Motorik aus dem Mainstream 

der höfisch-diskreten frühen Klassik. Sie lassen uns ahnen, 

welche unglaublichen kreativen Kräfte in jenen Jahren des 

Umbruchs auch im Umfeld Haydns und Mozarts am Werk waren: 

Die drei Sinfonien strotzen vor neuen Ideen, stilistischen und formalen 

Experimenten und weisen in ihrer Dramatik und in der 

Vielfalt kontrastierender Tonfälle weit in die Zukunft. Ehrhardt 

und seine hochmotivierte 25-köpfige Truppe legen sich energisch 

und lustvoll ins Zeug, um uns den revolutionären Puls dieser 

Musik unmittelbar erleben zu lassen. 

IN TIME – MENDELSSOHN: VIOLIN CONCERTO 

Chouchane Siranossian, Anima Eterna Brugge, 

Jakob Lehmann (Alpha) 

Kaum ein Geiger von Rang ließ Mendelssohns 

Violinkonzert links liegen: Die Diskografie 

quillt schier über und ist gespickt mit zeitlosen 

Referenzen wie Heifetz, Milstein und anderen. Trotzdem gelingt 

es jungen Interpreten immer wieder, dieses Gipfelwerk des Genres 

neu zu beleben und ihm neue Facetten abzugewinnen, wie jetzt 

der exzellenten französischen Geigerin Chouchane Siranossian. 

Sie hat dieses reife Opus Mendelssohns in der seltenen Erstfassung 

von 1844 und „historisch orientiert“ eingespielt. Das lässt dessen 

lyrischen, märchenhaft-schwebenden Grundcharakter viel deutlicher 

hervortreten als die bisher dominierenden virtuosen Lesarten. 

Ihr vibratoarmes, mit Flageoletts und feinen Portamenti 

durchsetztes Spiel wirkt auf eine charmante Weise altmodisch und 

empfindsam und zugleich ungemein frisch, beseelt und impulsiv. 

Mit dem ähnlich befreit und knackig aufspielenden Solistenkollektiv 

von Anima Eterna Brugge verstrickt Siranossian sich in 

wunderbar fließende und pulsierende Dialoge. Das enorme dramatische 

und spirituelle Potenzial dieses Engelsgesangs blüht in 

seiner „keuschen“ Schönheit neu auf. Im anschließenden Es-Dur 

Oktett des 16-jährigen Mendelssohn fügt Siranossian sich perfekt 

ein in die ähnlich impulsreiche und lebendige Interaktion von sieben 

Topsolisten des Anima Eterna Orchesters. 

PICTURES AT AN EXHIBITION 

Fauré Quartett (Berlin Classics) 

Die weltweite Popularität von Mussorgskys 

Klavierzyklus Bilder einer Ausstellung verdankt 

sich auch der Orchesterversion, die Maurice 

Ravel 1922 im Auftrag Sergei Kussewizkis 

anfertigte: Seither konnte sich keine weitere 

Bearbeitung daran messen. Jetzt aber, fast 100 Jahre später, hat das 

weltweit renommierte Fauré Quartett dieses Evergreen in einer 

neuen Version für Klavierquartett eingespielt. Dirk Mommertz, 

der Pianist des Ensembles, richtete es mit seinem russischen Kollegen 

Grigory Gruzman ein. Den beiden gelang damit ein überzeugender 

Coup, der dem arg strapazierten Opus neue, starke, 

authentisch anmutende Profile abtrotzt. Sie kultivieren eine wieder 

auf die russischen Wurzeln des Werks zielende Lesart und setzen 

sich klar und entschieden von Ravels französischem Klangzauber 

ab. Durch ihre betont energische, ja geradezu dramatische 

Interpretation unterstreichen die vier Topmusiker die Absicht der 

Bearbeiter, den dunkel-bodenständigen Charakter und die Modernität 

des Originals auf das um drei Streicher erweiterte Klangspektrum 

zu übertragen. So erfährt Mussorgskys Klaviersatz eine märchenhaft-verwunschene, 

fast gespenstische Verdichtung. Man 

spürt die dunklen Zauberkräfte alter russischer Mythen. Sugges- 

ZEICHNUNG: STEFAN STEITZ 


Aris Quartett 

New Generation Artists der BBC 

tive Klangbilder von ähnlicher Durchschlagskraft entfachen die vier auch in Rachmaninows 

Études-Tableaux. 

FRANZ LISZT: DANCES 

Goran Filipec (Naxos) 

Track 11 auf der crescendo Abo-CD: Valse Mélancolique 

Schon im vergangenen Jahr setzte der kroatische Pianist Goran Filipec 

ein deutliches Signal, als er ein glasklar pointiertes, geradezu virtuoses 

Scarlatti-Album herausbrachte. Jetzt hat der 37-jährige Liszt- 

Spezialist eine komplette CD mit Tanz-Sätzen des Klavier-Revolutionärs 

eingespielt. Er berücksichtigt endlich auch alle vier Valses oubliées aus Liszts letzter 

Schaffensphase, die in ihrem sperrig-asketischen, experimentellen Charakter diesen Tanz 

des 19. Jahrhunderts schon zu demontieren und auszuhöhlen beginnen. Dann folgen drei 

späte Csárdás und die dämonische Mephisto-Polka, in denen Liszt seine eigene Virtuosität 

ad absurdum führt, als würde er, der Gottesmann, hier am Ende seiner Tage bereits 

mit dem Teufel tanzen. Filipec versteht es glänzend, die unfassbare Modernität dieser 

klingenden Abstraktionen in nackte, schlackenlose Materie zu bündeln. Eine seltene chopineske 

Mazurka und vier intakte Walzer des mittleren Liszt dagegen meistert er mit der 

unwiderstehlichen Eleganz und der leuchtenden Akrobatik eines echten Verführers. Er 

entpuppt sich so als unglaublich souveräner und charismatischer Liszt-Magier, der die 

Bravour eines Horowitz oder Cziffra mit der rigorosen Präzision heutiger Virtuosen zu 

verbinden weiß. 

SCHULHOFF, POULENC, ARNOLD 

Duo Cernavka (Musicom) 

Der aus Prag stammende jüdische Komponist Erwin Schulhoff zählte 

zu den radikalsten Neuerern der Zwischenkriegszeit: Er engagierte 

sich für die Wiener Schule, den Jazz, den Dadaismus und vertonte 

auch das Kommunistische Manifest. Für die Nazis galt er als „entartet“, 

und sie deportierten ihn in ein Lager in Bayern, wo er 1942 starb. Zu 

seinen bekanntesten Werken zählt die 1930 entstandene Hot-Sonate für Altsaxofon und 

Klavier, in der er ein facettenreiches Kaleidoskop der damals angesagten Jazz-Stile in 

viersätzige Sonatenform goss. Dieses vertrackt rhythmisierte Juwel hat der in München 

lebende moldawische Klarinettist Slava Cernavka feinfühlig für sein Instrument transkribiert 

und mit der exzellenten Pianistin Zoryana Tkachyk-Cernavka suggestiv und verführerisch 

schön in Klang gesetzt. Cernavka ist ein weltoffener Musiker, der alle Spielarten 

seines Instruments perfekt beherrscht und dabei Geschmack, Stilsicherheit und technische 

Bravour lebendig und sinnlich auszubalancieren versteht. Seine Partnerin 

kontrastiert sein charismatisches Spiel mit punktgenauer rhythmischer Prägnanz, sodass 

die beiden sich einen impulsreichen Dialog auf Augenhöhe liefern. Cernavkas strömende 

Legati, sein Reichtum an Klangfarben und seine stupende Virtuosität verleihen auch den 

beiden anderen Sonaten Francis Poulencs und Malcolm Arnolds auratischen Zauber und 

Modellcharakter. 

AusGEwähltE KoN z E rttE rmiNE 

17. oktober Frankfurt am Main 

28. oktober Zürich (CH) 

18. November Göttingen 

19. November Eckernförde 

13. Dezember Madrid (ES) 

18. Dezember Tilburg (NL) www.arisquartett.de 

NEuE CD 

Jetzt erhältlich! 

Foto: S. Bednarek 

RACHMANINOFF: PIANO CONCERTO N° 3, CORELLI-VARIATIONS, 

SONATA N° 2 

Michael Korstick, Janáček Philharmonie Ostrava, Dmitry Liss (Oehms) 

Michael Korstick zählt zur seltenen Spezies des intelligenten, unbestechlichen 

Virtuosen: Sein weltweit gefeierter Beethoven-Zyklus war 

ein solches Manifest kompromissloser Objektivität. Doch auch seine 

zahlreichen Einspielungen des romantischen Repertoires bezeugen 

seine rigorose Werktreue. Sein erstes Rachmaninow-Album widmet er drei Schlüsselwerken 

des „letzten“ Romantikers und glänzt vor allem im Dritten Klavierkonzert und in der 

orkanartig überbordenden Zweiten Sonate mit extremer, alle Details prägnant durchzeichnender 

Klarheit. So gewinnt das Konzert eine neue Art struktureller Strenge und 

Logik, die es erstaunlich modern klingen lassen und das Klischee vom depressiven Parfümeur 

Rachmaninow endgültig ad acta legen: Zum musikalischen Höhepunkt aber geraten 

die bis heute unterschätzten späten Corelli-Variationen, in denen Rachmaninow ein 

dunkles Gegenbild zu der heiter-verspielten Paganini-Rhapsodie entwirft. Korstick unternimmt 

auf seinem exzellenten Steinway D eine vulkanisch brodelnde Traumreise durch 

die Nacht, einen wahrlich dämonischen Seelentrip durch die Abgründe der menschlichen 

Existenz, deren drastisch-explosive Gefühlskurve weit in die Zukunft weist. Rachmaninow 

hat dem alten Genre und seinem archaischen Thema noch ein spätes, großartiges 

Monument gesetzt. 

GEN18617 

“.... eines der 

aufsehenerregendsten 

Ensembles der 

jungen Generation...” 

ARTE 

GEN17478 

29 

GENuiN classics 

Das Leipziger Tonmeisterlabel 

www.genuin.de 

Vertrieb: 

note 1 music gmbh 

www.note1-music.com


ORCHES- 

TER 

Andrea Kauten 

Sangliche 

Melodien 

Hier wird tief im 19. Jahrhundert gegründelt, und das mit Erfolg. Der Komponist 

Hermann Goetz, geboren 1840 in Königsberg, hatte in der Schweiz sein Glück 

gemacht. Auf den Opern- und Konzertbühnen in Zürich und Basel wurden seine 

Werke gefeiert, auch in den Salons schätzte man sie. Goetz pflegte eine Vorliebe 

für sangliche Melodien und solistische Klangfarben im Orchester. Genau diese 

Qualitäten zelebrieren nun die Pianistin Andrea Kauten und das Savaria Symphony 

Orchestra unter der Leitung von Ádám Medveczky in ihrer Einspielung des 

B-Dur Konzerts. Auf der Doppel-CD stellen sie ihm das d-Moll-Konzert von 

Brahms gegenüber, auch weil, wie man im Booklet erfährt, Brahms sich sehr für 

die Werke von Goetz einsetzte. Beim Hören erlebt man nicht nur ein engagiert 

betriebenes Wechselspiel von Klavier und Orchester, sondern auch von zwei 

sehr verschiedenen Kompositionen, die sich in manchen Details überraschend 

nahekommen. TS 

Hermann Goetz, Johannes 

Brahms: „Klavierkonzerte“, 

Andrea Kauten, Savaria 

Symphony Orchestra, Ádám 

Medvecki (Solo Musica) 

Track 5 auf der crescendo 

Abo-CD: Klavierkonzert Nr. 2 

B-Dur op. 18. II. Mäßig langsam 

von Hermann Goetz 

FOTO: MANFRED ESSER 

Barbara Hannigan 

Nur wer die Sehnsucht kennt 

Der Übergang vom 19. ins 20. Jahrhundert muss eine unglaublich 

gefühlsintensive Zeit gewesen sein, geprägt von unbestimmter Sehnsucht 

und diffusen Ängsten. Noch war die Schwelle von der Spätromantik 

zur Moderne nicht überschritten, die Grenzen aber waren 

schon erreicht. Die Sopranistin Barbara Hannigan und der Pianist 

Reinbert de Leeuw spüren der Stimmung des Fin de Siècle mit der 

intimsten und konzentriertesten Musikform nach, dem Lied. Fündig 

wurden sie bei den typischen Wiener Protagonisten dieser Zeit: 

Hugo Wolf, Alexander von Zemlinsky, Alma Mahler, Schönberg, 

Webern und Berg. Die Stückauswahl lässt genau den „Moment 

unvergleichlicher Dekadenz“ hörbar werden. Die beiden Künstler 

musizieren innig miteinander, schwelgen in der Musik – manchmal 

fast mit zu viel Ausdruck. Die Sehnsucht 

dieser Zeit lässt sich erfahren, aber ob man 

sie auch (er-)kennt? UH 

„Vienna. Fin de Siècle“, Barbara Hannigan, 

Reinbert de Leeuw (Alpha) 

Track 8 auf der crescendo Abo-CD: Empfängnis. 

Aus: Lieder op. 2 von Alexander Zemlinsky 

GESANG 

Dmitri Hvorostovsky 

Baritonale Betörung 

Sein allerletzter Opernauftritt am 29. November 2016 als Giorgio 

Germont mit Marina Rebeka in Verdis La traviata ist auf dieser CD 

dokumentiert. Der 2017 im Alter von nur 55 Jahren im langen 

Kampf gegen einen Gehirntumor unterlegene Russe Dmitri Hvorostovsky 

vereinte wie kein anderer Bariton seiner Generation samtene 

Rundung und massive Erschütterungsenergie. Wie bei jeder 

Ausnahmestimme enthält auch diese Anthologie von Auftritten an 

der Wiener Staatsoper seit 1994 mindestens eine Überraschung. 

Hier ist es neben der phänomenal gestalteten Ansprache des Simon 

Boccanegra (2016) die Arie des Fürsten Yeletzky aus Tschaikowskys 

Pique Dame, den Dmitri Hvorostovsky 1999 an der Seite von Mirella 

Freni gesungen hat: keine Balz mit siegesgewisser Herzensrhetorik, 

sondern der fast stockende Versuch, Sympathie 

zu artikulieren. Charakterisierung mit 

nur vokalen Mitteln, bewegend! DIP 

„Dmitri Hvorostovsky. Live Recordings 1994–2016“, 

Wiener Staatsoper, Chor und Orchester der Wiener 

Staatsoper (Orfeo) 


SOLO 

Eduard Brunner 

Clarinettissimo 

Rund 250 Werke hat der Schweizer Klarinettist Eduard Brunner im Laufe seines Lebens eingespielt, 

viele davon als Solist mit bedeutenden Orchestern und Ensembles. Im Gedenken an den 

langjährigen Solo-Klarinettisten des Symphonieorchesters des Bayerischen Rundfunks, der 

2017 verstarb, wurde das Album „Il Carnevale di Venezia“ mit Werken von Cimarosa, Donizetti, 

Rossini und Saverio Mercadante neu veröffentlicht. Gemeinsam mit dem Münchener 

Kammerorchester und dem Dirigenten Hans Stadlmair erkundet der vielseitige und renommierte 

Musiker darin das musikalische Italien um 1800. Es ist erstaunlich, welch präzisen und 

zugleich lebhaft-flexiblen Ton Brunner seiner Klarinette entlockt. Die lyrische Schönheit seines 

in vielfältigsten Klangfarben singenden Instruments und seine ausdrucksstarken, 

lebendigen Interpretationen führen uns auf eine lohnende 

Entdeckungsreise zu Raritäten des Klarinetten-Repertoires. FA 

FESTLICH 

FAMILIÄR 

Cimarosa, Donizetti, Rossini, Mercadante: „Il Carnevale di Venezia“, Eduard Brunner, 

Münchener Kammerorchester, Hans Stadlmair (Tudor) 


Concertino für Klarinette und Orchester B-Dur. I. Andante sostenuto von Gaetano Donizetti 

GESANG 

Joyce DiDonato 

„Thank you for remembering me“ 

Selbstbewusst und ausdrucksstark erhebt die Mezzosopranistin Joyce DiDonato auf ihrem 

neuen Album ihre Stimme für die bedeutende Bildhauerin Camille Claudel (1864–1943), die bis 

vor Kurzem nur als Schülerin und Geliebte des Bildhauers Auguste Rodin Eingang in die Kunstgeschichte 

gefunden hatte und gegen ihren Willen 30 Jahre lang bis zu ihrem Tod in einer psychiatrischen 

Anstalt festgehalten wurde. Hier setzt der 2012 von DiDonato und dem Brentano 

Quartett uraufgeführte Liederzyklus Camille Claudel: Into the Fire von Jake Heggie an. Er 

steht im Zentrum des Live-Mitschnitts aus der Londoner Wigmore Hall. In sieben Liedern auf 

Texte von Gene Scheer durchlebt die Sängerin erschütternd die gebrochenen emotionalen 

Erinnerungen Claudels am Vorabend der Einlieferung in die Psychiatrie. 

Nicht nur ein musikalisches Denkmal, sondern auch ein starkes Zeichen 

für Gleichberechtigung! Kombiniert wird der Zyklus mit Werken 

von Claudels Zeitgenossen Strauss, Lekeu und Debussy. FA 

Strauss, Lekeu, Debussy, Heggie: „Into the Fire. Live at Wigmor Hall“, Joyce DiDonato, 

Brentano String Quartet (Erato) 

ORCHES- 

TER 

Simon Rattle 

Auf neuen Wegen mit Mahler 

Einen fulminanten Abschied als Chefdirigent der Berliner Philharmoniker feierte Simon Rattle 

letzten Sommer mit Gustav Mahlers Sechster Sinfonie. Neue Projekte hatte er schon während 

der Saison 2017/18 in Angriff genommen, nicht nur mit seinem London Symphony Orchestra, 

sondern auch als Gast beim Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks. Der Live-Mitschnitt 

des sinfonischen Liederzyklus Das Lied von der Erde zeigt, dass ihm mit den Münchnern 

eine überzeugende Mahler-Deutung gelungen ist. Kammermusikalisch transparent und nuanciert 

entfaltet sich der Klang des Orchesters, das längst zu den weltbesten Klangkörpern 

gerechnet wird. Die Gesangspartien des Zyklus gestalten der Tenor Stuart Skelton und die 

Mezzosopranistin Magdalena Kožená mit bezwingender Expressivität. 

Rattles Ehefrau und bewährte Bühnenpartnerin berührt die Zuhörer 

vor allem in dem langen, melancholiegetränkten Schlusssatz Der 

Abschied. CK 

Gustav Mahler: „Das Lied von der Erde“, Magdalena Kožená, Stuart Skelton, Symphonieorchester 

des Bayerischen Rundfunks, Sir Simon Rattle (BR Klassik) 

Track 7 auf der crescendo Abo-CD: Von der Schönheit 

The Family Songbook ist das Ergebnis 

eines einzigartig musikalischen 

Familientreffens: Zusammen mit ihren 

Eltern, Kindern, Geschwistern, Cousinen 

& Cousins und engen Freunden haben 

Tamar Halperin & Andreas Scholl ihre 

Lieblingslieder aufgenommen. 

Ein Album so bunt wie ihre Familie. 

Musik für richtig viel Blech! Matthias Höfs 

bringt aktuelle und ehemalige Studenten 

seiner Trompetenklasse zusammen 

und lässt mit Strauss, Janácek, Strawinsky 

und Kerschek alle gold-glänzenden 

Facetten der Trompete erklingen. 

www.berlin-classics-music.com 

31


Samuel Hasselhorn & Boris Kusnezow 

Doppelte Dichterliebe 

„Ein Jüngling liebt ein Mädchen …“ – mit diesem Liedbeginn 

ist die Handlung von Robert Schumanns berühmtestem 

Zyklus Dichterliebe bereits zusammengefasst. Von 

Liebe, Leid und Sehnen singt der junge Bariton Samuel 

Hasselhorn, der mit „Dichterliebe²“ bereits sein zweites 

Album präsentiert. Gemeinsam mit Boris Kusnezow, der 

in dieser Aufnahme nicht als begleitender, sondern mitschaffender 

Kammermusikpartner ins Ohr sticht, durchlebt 

Hasselhorn gleich zweimal die Geschichte des 

unglücklich verliebten Jünglings. Neben Schumanns Vertonung 

der 16 Heinrich-Heine-Gedichte findet sich ein 

zweiter Zyklus derselben Gedichte in Interpretationen 

anderer Komponisten wie Felix Mendelssohn, Fanny 

Hensel, Franz Liszt, Edvard Grieg, Carl Loewe, Hugo 

Wolf, Modest Mussorgsky, Charles Ives und Stefan 

Heucke. Durch diese breite Spanne an Stilen und Persönlichkeiten 

ergibt sich ein Kontrapunkt zu Schumanns 

Werk. Hasselhorn und Kusnezow gelingt eine bewegende 

Aufnahme, die den Hörer die Dichterliebe in ihren unterschiedlichsten 

Facetten erleben lässt. SK 

LIED 

Robert Schumann: „Dichterliebe²“, Samuel Hasselhorn, 

Boris Kusnezow (gwk Records) 

Track 9 auf der crescendo Abo-CD: Hör ich das Liedchen 

klingen. Op. 39, Nr. 6 von Edvard Grieg 

FOTO: SAMUEL HASSELHORN 

Ólafur Arnalds 

Erkundung des 

kreativen Prozesses 

Sie fangen sanft an und enden ebenso, jeder Titel für sich ist 

anders und doch irgendwie ähnlich. So entsteht beim Anhören 

des vierten Studio-Solo-Albums von Ólafur Arnalds eine Wirkung 

wie beim Betrachten ruhiger Meereswellen, die in stetem 

Rhythmus kommen und gehen. Die Gedanken können schweifen, 

innere Bilder entstehen zu Musik mit Ambient-, Electronicund 

Klassikanteilen. Eingespielt hat der 32-jährige Isländer 

„re:member“ mit einer von ihm und Halldór Eldjárn entwickelten 

Software namens Stratus: Sie gibt durch das, was 

Arnalds auf einem zentralen Klavier spielt, in Form von Algorithmen 

zwei anderen selbst spielenden Pianos Impulse zu 

Klängen; aus einer von ihm gespielten Note entstehen zwei 

neue mit unerwarteten Harmonien und Melodiefolgen. Für 

Arnalds selbst stellt die Aufnahme von „re:member“, die in den 

Londoner Air Studios zusätzlich mit Synthesizern, Live-Streichern 

und -Percussion eingespielt wurde, einen Durchbruch 

dar. Denn diese Erkundung des kreativen 

Prozesses habe ihm geholfen, den 

Kreislauf eigener Erwartungen und 

Gewohnheiten zu durchbrechen. ASK 

Ólafur Arnalds: „re:member“ (Mercury) 

SOLO 

Dan Ettinger 

Mozart 

ohne Umschweife 

ORCHES- 

TER 

Es ist ein Wunder, immer wieder: Nur 35 Jahre dauerte das 

Leben von Wolfgang Amadeus Mozart, doch sein musikalisches 

Erbe ist schier grenzenlos. Die Stuttgarter Philharmoniker 

schöpfen aus diesem überbordenden Reichtum und 

präsentieren unter Leitung von Dan Ettinger die zwei Moll- 

Sinfonien Mozarts 25 und 40. Die beiden charakterlich äußerst 

unterschiedlichen Werke werden von dem Klangkörper mit 

inniger Musikalität und sattem Grundton ausgestaltet. Dabei 

wird auf alles lieblich Verklärende verzichtet, und man erlebt 

stattdessen einen überaus direkten und zupackenden Mozart, 

dem allerdings bisweilen die klangliche Vielschichtigkeit 

abhandenkommt. Dazwischen gesetzt ist die Sonate für zwei 

Klaviere, dynamisch eingespielt von Ettinger und Hagai Yodan, 

die ein spannendes Gegengewicht setzt zu den sinfonischen 

Werken und in ihrer unbeschwerten Sanglichkeit unmittelbar 

in den Bann zieht. DW 

Wolfgang Amadeus Mozart: „Symphonies 25 & 40, 

Sonata for two Pianos“, Hagai Yodan, Stuttgarter 

Philharmoniker, Dan Ettinger (Hänssler Classic) 


Sinfonie G-Dur KV 550. I. Molto allegro 


OPER 

Christophe Rousset 

Wiederbelebung 

Szenisch war die Oper ein Flop. Nach 

nur drei Aufführungen fiel 1786 der 

letzte Vorhang für Antonio Salieris Les 

Horaces. Das Urteil von Tausendsassa 

Beaumarchais war eindeutig: „Ein wirklich 

schönes Werk, aber ein bisschen zu 

düster für Paris.“ Wie schön Salieris 

dritte französische Oper wirklich ist, 

macht Christophe Rousset mit seinem 

Ensemble Les Talens Lyriques erlebbar. 

Die Geschichte über Liebe und Pflicht 

wird mit einer exzellenten Solistenriege 

wieder aus der Rumpelkammer der 

Musikgeschichte befreit. Das auf der 

Stuhlkante musizierende Orchester 

spielt hinreißend frisch und fast schon 

ein bisschen aufgekratzt, allein der Chor 

könnte zuweilen etwas homogener klingen. 

Rousset macht seinem Ruf als Rettungssanitäter 

längst vergessen geglaubter 

Werke alle Ehre. GK 

Antonio Salieri: „Les 

Horaces“, Les Talens 

Lyriques, Christophe 

Rousset (Aparté) 

Track 1 auf der crescendo 

Abo-CD: Ouvertüre 

aus: Les Horaces 

von Antonio Salieri 

Ewa Kupiec 

Romantik 

vom Feinsten 

ORCHES- 

TER 

Komponieren sei eine „Domaine des männlichen 

Schöpfergeistes, und nur selten einmal zeigt eine 

weibliche Persönlichkeit, dass auch diese Regel 

nicht ohne Ausnahme ist“, ließ die Neue Berliner 

Musikzeitung 1878 verlauten. „Eine solche Ausnahme“ 

sei „Frl. E. Mayer“, der das Blatt schon 

1850 zugestand: „Was weibliche Kräfte, Kräfte 

zweiter Ordnung vermögen, das hat Emilie Mayer 

errungen.“ Quotenartig zu betonen, sie sei eine 

Frau, hat ihr Werk nicht nötig. „Weiblicher Beethoven“ 

wurde sie genannt, war zu Lebzeiten eine 

gefragte Pianistin und Komponistin, die ein breitgefächertes 

Œuvre hinterließ, das, bald vergessen, 

mehr und mehr ins heutige Musikgeschehen 

zurückfindet. Bei allen Werken dieser erfreulichen 

Einspielung ist es die Begeisterung der Ausführenden, 

ihre vor Hingabe und Präsenz sprühende 

Interpretation, die das Entdecken zum Vergnügen 

werden lässt. SELL 

Emilie Mayer: „Symphonie N° 4, Piano Concerto, String Quartet, 

Piano Sonata“, Ewa Kupiec, Yang 

Rai, Klenke Quartett, Neubrandenburger 

Philharmonie, Stefan Malzew 

und Sebastian Tewinkel (Capriccio) 


Concerto für Klavier und kleines Orchester 

B-Dur. II. Un poco adagio 

Olli-Pekka Tuomisalo 

Saxofon 

in concert 

SOLO 

Die Konzertbühne ist nicht so der rechte Ort 

für das Saxofon, meint man. Dabei wurde es 

von seinem Erfinder Adolphe Sax ursprünglich 

genau dafür entworfen. Die weiche Tiefe und 

die charmant-näselnde Höhe des Saxofons 

haben seither Komponisten zu fast 2.000 Konzerten 

inspiriert, aber nur eine Handvoll davon 

hat sich etabliert. Der finnische Saxofonist 

Olli-Pekka Tuomisalo hat fünf weitere aus dem 

Dornröschenschlaf erweckt: Neben Stücken 

von John Beach Cragun, Yrjö Gunaropulos, 

Eilert Lindorff-Larsen und Leopold van der Pals 

ist auch die Komponistin Phyllis Tate mit einem 

Konzert vertreten. Ob virtuos oder gesanglich, 

schwelgerisch oder keck, derb oder elegant: 

Tuomisalo zeigt überzeugend, welch eine 

klangliche Vielfalt in so einem Saxofon schlummert, 

und beweist, dass es seinen „klassischen“ 

Instrumentenkollegen in nichts nachsteht – 

außer vielleicht, was sein Alter betrifft. UH 

„Lost Saxophone Concertos“, 

Olli-Pekka Tuomisalo and his 

Orchestra (Naxos) 

Track 6 auf der crescendo Abo- 

CD: Saxophone Concerto. 

II. Romanza von Cragun 

J.S. BACH 

DIE NEUE GESAMTAUSGABE 

JEDE NOTE, DIE BACH 

JE GESCHRIEBEN HAT 

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ERHÄLTLICH AB 26.10.2018 

www.bach333.com


Danish String Quartet 

Beethoven wie Bergkristall 

Dreimal das Es als Tonika – und dreimal famoses Quartettspiel: 

Das Danish String Quartet erweist sich als Meisterensemble 

mit seinem Konzeptalbum „Prism 1“, der Eröffnung einer Serie, 

bei der eine Bach-Fuge und ein spätes Beethoven-Quartett 

jeweils ein weiteres Werk umschließen. Großartig, wie ausgewogen 

und klar, dynamisch differenziert und sauber die vier die 

Notentexte auffächern: Keiner drängt bei Soli ins Rampenlicht. 

Jeder lauscht auch weiter auf die anderen, die ihrerseits nicht 

zu harmonischen Füllern abgleiten, sondern als Linie präsent 

bleiben. Schostakowitschs tristes letztes Quartett wird in dieser 

Aufnahme nie tranig, sondern fesselt durch gebärdenreiche 

Deklamation. Und in Beethovens Opus 127 vereinen sich nicht 

nur im großen Adagio Innigkeit und markante Rhythmik zu einer 

Lesart, so konturiert und klar wie 

Bergkristall. WW 

Beethoven, Shostakovich, Bach: „Prism I“, 

Danish String Quartet (ECM New Series) 

Ed Partyka Jazz Orchestra 

Satte Bigband-Sounds 

Wer klassische Bigband-Sounds liebt, sollte sich das neue Album des 

Ed Partyka Jazz Orchestra nicht entgehen lassen: Der renommierte 

US-Arrangeur arbeitete in den letzten Jahren vor allem für zahlreiche 

europäische Bigbands und gründete 2007 in Berlin sein eigenes 

Jazz orches ter. Unter dem Titel In the Tradition knüpft er mit 20 

jungen Topmusikern an die großen Namen der Vergangenheit wie 

Count Basie, Duke Ellington, Stan Kenton oder Bob Brookmeyer an 

und formt deren Erbe in fünf Standards und einer rockigen Eigenkomposition 

zu eigenen, großflächigen und dicht gewebten Arrangements. 

Das gesamte Klangspektrum seines mächtigen Bläserapparats 

von der Flöte bis zum Bass-Saxofon schöpft er aus und öffnet 

seinen exzellenten Solisten genügend Freiräume. Die junge deutsche 

Jazz-Sängerin Julia Olschewsky verströmt in zwei Titeln zudem verführerisches 

Las-Vegas-Feeling. Tonmeister 

Philipp Heck hat den orchestralen 

Furor über 40 Mikrofone in ein wunderbar 

durchsichtiges, audiophiles 

Klangpanaroma aufgefächert. AC 

KAMMER- 

MUSIK 

JAZZ 

FOTO: MORITZ SCHELL 

Ed Partyka Jazz Orchestra: 

„In the Tradition“ (Neuklang) 

Georg Breinschmid 

Kakanische 

Fusion 

Während andere in Europa die 

Zäune wieder hochziehen, setzt der 

Wiener Kontrabass-Virtuose, Komponist, 

Sänger und Texter Georg 

Breinschmid seine grenzensprengende 

musikalische Offensive unbeirrt 

fort: Auf seinem neuen Doppelalbum 

„breinländ“ hat er wieder den 

gesamten österreichischen Jazz-Adel, 

darunter Topgeiger wie Benjamin 

Schmid und Florian Willeitner, versammelt. 

Mit ihnen unternimmt er 

eine durchaus besinnliche Traumreise 

durch die subversive Poetik Ernst 

Jandls, die er feinfühlig-dezent vertont 

und mit eigenen neuen Wiener 

Liedern angereichert hat. Dazwischen 

gibt er mitreißende, knackig 

groovende Kostproben seiner faszinierenden 

Bass-Akrobatik, stets 

unplugged und trocken fokussiert. 

Als seriösen Hauptgang serviert er 

eine 20-minütige magisch-dunkle 

Kontrabass-Fantasie über Bizets Carmen, 

gespickt mit allerlei Nebengedanken 

eines Jazz-Bassisten. Überraschenderweise 

hat Breinschmid in 

dieser neuen Folge seiner kakanischen 

Fusion auch das Pfeifen wiederentdeckt, 

die munterste, 

leichteste Lebensform, 

um Angst zu 

verscheuchen. AC 

Georg Breinschmid: „breinländ“ 

(Preiser Records) 


VINYL 

Pablo Casals 

Existenzielle Monologe 

Spaniens Cello-Ikone Pablo Casals war der Erste, der Bachs Cello-Suiten in den Jahren 1936 bis 

1939 komplett einspielte. Über 30 Jahre lang hatte er sie zuvor öffentlich aufgeführt. In einem 

Antiquariat hatte er als 13-Jähriger die Noten aufgestöbert und schon damals gespürt, dass sie 

sein Leben bestimmen würden: Erst im Alter von 60 Jahren war er jedoch bereit, seine lebenslange 

Symbiose mit Bachs Solosuiten für die Nachwelt zu dokumentieren. Die jetzt auf drei 

180-g-Vinyls überspielten, digital restaurierten Mono-Aufnahmen präsentieren Casals’ voluminösen 

Celloklang in erstaunlich rauschfreier, haptischer Präsenz. Man spürt in jedem Takt 

sein existenzielles Ringen mit der Materie, zugleich auch das emotionale Feuer und die spirituelle 

Kraft dieser einzigartigen Monologe, als würde er Bachs 

Botschaften in antike Gesetzestafeln meißeln. 

In ihrer lodernden Intensität und in ihrem unerschütterlichen 

Ernst bezeugen sie bis heute Casals’ rigorose 

Humanität. AC 

Johann Sebastian Bach: „The Cello Suites“, Pablo Casals (Warner) 

Richard Strauss 

Neues 

Album 

Aber der 

Richtige... 

Violin Concerto 

Miniatures 

GESANG 

Plácido Domingo und Pablo Sáinz-Villegas 

Traumpaar der Weltmusik 

Ob Bühne, Film oder Tonträger, in der Welt der Oper ist Plácido Domingo omnipräsent. 

Zudem feierte er als einer der „Drei Tenöre“ unsagbare Welterfolge und unternahm immer 

wieder Ausflüge in die Welt der Popmusik. Jetzt widmet er sich einem Traumpaar der Weltmusik, 

dem Gesang zu spanischer Gitarre. Gemeinsam mit dem Gitarristen Pablo Sáinz-Villegas 

präsentiert er ein zauberhaft intimes Album aus spanischen und lateinamerikanischen Liedern 

wie Volver (Komm zurück) von der Tango-Legende Carlos Gardel, dessen Originalaufnahmen 

zum Weltdokumentenerbe erklärt wurden. Guantanamera findet sich hier ebenso wie 

das berührende Gracias a la vida der chilenischen Musikerin und Künstlerin 

Violeta Parra. Das Wechselspiel von Domingo und Sáinz-Villegas 

harmoniert wunderbar. Schade, dass sie nicht alle Stücke gemeinsam 

bestreiten. Statt der Solostücke für Gitarre hätte man sich weitere 

Lieder gewünscht. SELL 

„Volver”, Plácido Domingo, Pablo Sáinz-Villegas (Sony Classical) 

Arabella Steinbacher 

WDR Symphony Orchestra 

Lawrence Foster 

SCHUBERT 

SYMPHONIES 1 & 6 

RENÉ JACOBS 

B’ROCK ORCHESTRA 

BUCH 

Daniel Barenboim 

Die größere Bedeutung von Musik 

„Ich glaube fest an die größere Bedeutung von Musik und ihre Fähigkeit, uns Menschen zu lehren 

und zu verstehen, wer wir sind und wie wir uns verhalten.“ Aus dieser humanistischen Haltung 

riefen Daniel Barenboim und Edward A. Said vor nahezu 20 Jahren mit israelischen und 

palästinensischen Musiker/innen das West-Eastern Divan Orchestra ins Leben. Der Band lässt 

in zahlreichen Bildern, Erinnerungen und Dokumenten die Geschichte des Orchesters 

Revue passieren, vom ersten Workshop 1999 in Weimar über den Besuch im KZ Buchenwald 

und dem Konzert in Ramallah in der Westbank 2005 bis zu den Folgeprojekten wie der 

Barenboim- Said Akademie, deren Gründungsdirektor Michael 

Naumann als Co-Herausgeber zeichnet, und dem Pierre Boulez 

Saal, das Herzstück der Akademie. Dokumentiert sind auch die heftigen 

Kontroversen über Richard Wagners Musik, die Lage im 

Nahen Osten oder den Zweiten Libanonkrieg. Aber sie werden 

überwunden vom Geist der Utopie, der die beiden Visionäre 

umtrieb und von dem man wünscht, er möge ewig fortwirken im 

Sinn der letzten Worte des Bandes: „Musik ist eine universelle 

Sprache. Feindschaft gehört nicht zu ihrem Wortschatz.“ RRR 

Daniel Barenboim, Michael Naumann (Hrsg.): „Klang der Utopie. Vom West-Eastern Divan 

Orchestra zur Barenboim-Said Akademie“ (Henschel Verlag) 

www.pentatonemusic.com 

Im Vertrieb von NAXOS Deutschland 

Neues 

Album 

35


Unerhörtes & neu Entdecktes 

von Christoph Schlüren 

DIE SINFONISCHE STIMME 

ASERBAIDSCHANS 

Einfachheit und subtile Vielschichtigkeit kennzeichnen die Klangwelt Kara Karajews, 

dessen Geburtstag sich zum 100. Mal jährt. 

Kara Karajew war im 20. Jahrhundert der bedeutendste Komponist 

Aserbaidschans und der erste, der international 

Erfolg hatte. Sein Tod 1982 in Moskau markiert das Ende 

einer Ära in der aserbaidschanischen Musikgeschichte. Als 

sich am 5. Februar sein Geburtstag zum 100. Mal jährte, wurde dies 

in seiner Geburtsstadt Baku ausgiebig gefeiert. Hierzulande taucht 

das zarte und elegische Œuvre Karajews allerdings nur höchst vereinzelt 

im Konzertleben und auf dem Tonträgermarkt auf. 

Drei Musikerpersönlichkeiten waren es, die die Entwicklung 

Kara Karajews entscheidend prägten. Üseir Gadschibekow (1885– 

1948), der große Volksmusiksammler und -arrangeur, machte Karajew 

während seines Studiums am Konservatorium in Baku mit den 

Grundlagen der aserbaidschanischen Musik vertraut. Zum sinfonischen 

Baumeister stieg Karajew unter dem Einfluss von Dmitri 

Schostakowitsch auf, bei dem er in den 1940er-Jahren am Moskauer 

Konservatorium seine Studien fortsetzte und der ihm ein lebenslanger 

Freund und Förderer seiner Musik blieb. Und eine stilistische 

Erneuerung löste 1961 während seiner Reise in die USA die Begegnung 

mit Igor Strawinsky aus: In seiner Dritten Sinfonie (1965) und 

in dem auch von Gidon Kremer aufgenommenen Violinkonzert 

(1967) war Karajew einer der ersten Komponisten der Sowjetunion, 

der das Verfahren der Zwölfton-Reihentechnik anwendete. Doch 

wie fern von Trockenheit und Grau-in-Grau-Dissonanz 

ist diese Musik, die mit gesanglicher Intuition 

herrlich verschränkte Dreiklangsbildungen überlagert 

und mit einem bestechenden Sinn für Klang und 

Zusammenhang fesselt! 

Die berühmtesten und populärsten 

Werke Kara Karajews entstanden ab 1947, 

beginnend mit der dramatischen sinfonischen 

Dichtung Leila und Madschnun 

nach der legendären Liebesgeschichte, die 

zahlreiche Poeten und Komponisten inspirierte. 

Karajews Schaffen steigerte sich 

fortan zu den suggestiven Tongemälden 

und Tänzen der Ballette Die sieben Schönheiten 

(1949) nach Motiven des persischen 

Dichters Nezāmi und Der Pfad des Donners 

(1957). Mit der kompakten Gegenüberstellung 

der Charaktere in den sinfonischen Gravuren Don Quixote 

(1960) erreichte Karajew schließlich einen Gipfel zugleich einfacher 

und höchst raffiniert ausgearbeiteter sinfonischer Konturierung. 

Das Schönste gibt Karajew in den von der aserbaidschanischen 

Volksmusik mystisch gefärbten, unverkennbar orientalischen und 

von tiefer Empfindung und transzendenter Feinstrukturierung zeugenden 

langsamen Sätzen. Wenige Komponisten verstanden sich 

auf die hohe Kunst, mit wenigen Noten so viel auszudrücken wie 

Karajew etwa im Wiegenlied seines Balletts Pfad des Donners oder 

im Adagio des Balletts Sieben Schönheiten. Ähnlich wie bei seinem 

großen armenischen Zeitgenossen Arno Babadschanjan geht es um 

maximale Einfachheit auf der Grundlage subtiler Vielschichtigkeit. 

Er schafft damit einen bewussten Gegenentwurf zur Komplexität 

der westlichen Moderne. 

Karajews Orchestermusik ist auf drei CDs bei Naxos dokumentiert. 

Was noch aussteht, ist die Zweite Sinfonie. Mit dem Pianisten 

Murad Huseynov und dem Violinisten Vadim Repin brachte 

Toccata Classics Aufnahmen von Sonaten und Präludien heraus, 

darunter auch die herausragende Violinsonate aus dem Jahr 1960. 

Einsteigern in das Werk Karajews sei die Aufnahme der Pianistin 

Elnara Ismailova ans Herz gelegt. Ismailova spielt die herrlichen 

Klavierstücke charakterstark ein, und die 24 Präludien packen den 

Hörer mit unvorhersehbarem Abwechslungsreichtum 

und durchgehender Substanz. Ismailova versteht die 

über einen Zeitraum von zehn Jahren entstandenen 

Präludien als ein musikalisches Tagebuch zum übrigen 

Schaffen Karajews. „Es ist mir ein großes Herzensanliegen“, 

bekennt sie im Booklet, „diese 24 Präludien den 

Pianisten in Europa, auf der ganzen Welt als 

eine Bereicherung ihres Repertoires zu empfehlen.“ 

Kara Karayev: „Symphony No 1, Violin Concerto“, Janna Gandelman, 

Kiev Virtuosi Symphony Orchestra, Dmitry Yablonsky (Naxos) 

Kara Karayev: „The Seven Beauties, The Path of Thunder“, Royal 

Philharmonic Orchestra, Dmitry Yablonsky (Naxos) 

Gara Garayev: „Sonata for Violin and Piano, 24 Preludes for 

Piano“, Vadim Repin, Murad Huseynov (Toccata Classics) 

Kara Karayev: „24 Preludes, Six Pieces for Children, The Statue of Tsarskoe Selo, Three 

Piano Arrangements from: Don Quixotte, Nos 1, 4 & 5“, Elnara Ismailova (CAvi) 


Daniel Barenboim 

Ein kongenialer Wurf 

Im Vergleich zu Barenboims erster Gesamteinspielung mit dem Chicago 

Symphony Orchestra, die sehr gut ist, entsteht bei dieser Aufnahme 

das Gefühl, dass mit der Staatskapelle Berlin etwas Ultimatives 

geschaffen wurde, ein Klangbild, das sich jede Freiheit nimmt 

zu schwelgen, zu werden und zu welken. Bedachtsam setzen Barenboim 

und sein Orchester jede kleinste dynamische Abstufung wirkungsvoll 

in Szene, ein kongenialer Wurf. Innig beherzt das Finale 

der Dritten Sinfonie, voller Leidenschaft die zarten, filigran anmutenden, 

doch markant ausgeführten Pizzicati im vierten Satz der 

Ersten Sinfonie, die das grandios gloriose C-Dur-Finale geradezu herbeizaubern. 

Alle Fäden in der Hand behaltend, gewahrt Barenboim 

die Komplexität der Brahms’schen Sinfonik, 

in dieser Einspielung eine Sinfonik im epischen 

Breitwandformat ohne jeden Hauch 

von Klischee oder Kitsch, meisterhaft und 

berührend. SELL 

Johannes Brahms: „The Symphonies“, Staats kapelle Berlin, 

Daniel Barenboim (Deutsche Grammophon) 

Pierre Boulez 

Radikaler Erneuerer der Musik 

Komponist, Dirigent und Vorkämpfer der Moderne: Pierre Boulez war 

ein Jahrhundertgenie. Mit einem facettenreichen Porträt erinnert der 

Regisseur Reiner E. Moritz an den im Januar 2016 verstorbenen Künstler. 

Sein Dokumentarfilm enthält seltene Archivaufnahmen, die den 

Dirigenten am Pult verschiedener Orchester zeigen. Debussy, Berg und 

Strawinsky prägten ihn ebenso wie Mozart, Mahler oder Bruckner. 

Neben Boulez kommt auch sein langjähriger Freund und Weggefährte 

Daniel Barenboim zu Wort. Gespräche mit seinem jüngerem Bruder 

Roger geben außerdem Einblicke in Kindheit und Jugend. Er habe versucht, 

„dem Menschen Boulez so nah wie möglich 

zu kommen“, schreibt Moritz in seinem 

Booklet-Text. Die zweite DVD zeigt eine 1973 

entstandene Live-Aufnahme von Strawinskys Le 

Sacre du Printemps und den Bläsersinfonien mit 

dem London Symphony Orchestra. CK 

„Pierre Boulez. A Life for Music“, 

Documentary & A Special Concert (Arthaus Musik) 

ORCHES- 

TER 

FILM 

Musikgeschichte 

Aus aller Welt 

Kindern ab sieben Jahren auf unterhaltsame Weise 1.100 Jahre Musikhistorie 

nahezubringen, ist eine gewaltige Aufgabe. So waren an 

der Koproduktion von Igel Records und BR Klassik zahlreiche 

Autoren und Sprecher beteiligt. „Hauptperson“ ist der Uhu Bubo, 

der sich auf nicht weniger als 14 gut einstündigen CDs an 

Gespräche und Erlebnisse mit größeren und kleineren Akteuren 

der Musikgeschichte aus aller Welt erinnert. Diese Episoden – mal 

eine belauschte Auseinandersetzung über Ars antiqua und Ars 

nova, mal Begegnungen mit Antonio Vivaldi, Richard Wagner u. a. – 

werden durch mehrere Musikstücke aus dem jeweiligen Jahrhundert 

ergänzt. Auch wenn es inhaltlich hie und da recht detailliert 

und kompliziert wird, ist das Hörspiel mit 

seinen Geräusch untermalungen und verschiedenen 

Sprecherrollen überaus liebevoll 

gestaltet. Im Praxistest zeigt sich, dass 

das Anhören Spaß macht – Kindern wie 

Erwachsenen! JH 

„Uhus Reise durch die Musikgeschichte“ (Igel Records) 

FÜR 

KINDER 

Yuja Wang 

Bäume müssen Blüten tragen 

Jeder Künstler kennt das: von Tausenden auf der Bühne bejubelt und 

dann, im stillen Hotelzimmer, tut sich Leere und das beängstigende 

Gefühl der Einsamkeit auf. „Pianisten müssen immer allein sein, das ist 

hart, das ist einsam“, räumt auch Yuja Wang ein. Kaum an einem Ort, 

muss sie wieder los, zum nächsten Konzert, 120 Mal im Jahr. Selten 

Gelegenheit, Bindungen zu festigen. Das kostet Kraft, erfordert Disziplin 

und lässt auch Zweifel an der künstlerischen Existenz aufkommen. 

Yuja ist ehrlich genug, sich das einzugestehen. Respekt. Doch dann 

zieht es sie wieder auf die Bühne. Mit der „Unkaputtbarkeit einer 

Helene Fischer“, wie Der Standard schreibt, gibt 

sie im Mini und mörderisch hohen Stilettos eine 

halbe Stunde (!) Zugaben. „The show must go 

on“, wird sich die Wahlamerikanerin sagen, doch 

die Asiatin weiß: „Bäume müssen Blüten oder 

Früchte tragen. Menschen müssen kreativ sein. 

Sonst gehen sie ein“. TPR 

„Through the Eyes of Yuja. 

A Road Movie by Anaïs & Olivier Spiro“ (CMajor) 

ZEIT UND EWIGKEIT 

ZEITGENÖSSISCHE MUSIK FÜR CHOR, SCHLAGWERK 

UND SOLOSTREICHER 

WOLFRAM BUCHENBERG O NATA LUX 

ANNA IGNATOWICZ TOCCATA FOR MARIMBA 

TOBIAS PM SCHNEID … WIE DIE ZEIT VERGEHT … 

ĒRIKS EŠENVALDS IN PARADISUM 

SIMONE RUBINO CORALE PER MARIMBAPHONE 

KNUT NYSTEDT IMMORTAL BACH 

B 108102 

SIMONE RUBINO, SCHLAGWERK 

MARTIN STEIDLER, LEITUNG 

CD IM FACHHANDEL SOWIE ALS DOWNLOAD ERHÄLTLICH. 

WWW.FARAO-CLASSICS.DE

R Ä T S E L 

& R E A K T I O N E N 

GEWINNSPIEL 

Wer verbirgt sich hinter diesem Text? 

ZICKENALARM! 

crescendo freut sich über die lebhaften Diskussionen auf 

seiner Facebook-Seite. Vor allem der Beitrag unseres 

Kolumnisten Axel Brüggemann mit dem Titel „Zickenalarm“ 

über „selbstverliebte Superstars und prekäre Arbeitsverhältnisse 

an den Stadttheatern“ stieß auf reges Interesse. 

„Ich studierte beim Schwiegersohn 

von Antonín Dvořák“ 

Ich stamme aus einem kleinen böhmischen Dorf – und feierte 

Triumphe in New York! Künstlerischer Eigensinn und die politischen 

Umstände führten mich um die halbe Welt. Meine fantasievolle, 

rhythmusbetonte Kammermusik ist eine wahre Fundgrube 

für virtuose Bläser. 

Mit 15 Jahren schon trat ich ins Prager Konservatorium ein 

und studierte Violine beim Schwiegersohn von Antonín Dvořák. 

Wegen fehlender Anpassungsbereitschaft warf man mich zweimal 

raus, später aber war ich Geiger bei der Tschechischen Philharmonie 

und machte das Musiklehrer-Diplom. Doch irgendwann wurde 

mir der musikalische Horizont in Prag zu eng, und so ging ich nach 

Paris, wo ich Kompositionsschüler von Albert Roussel wurde. 

Eigentlich aber war es so: Ich ging nach Frankreich, um meine 

Ansichten bestätigt zu finden! Paris war der Befreiungsschlag für 

meine bis dato sehr eingeschränkte Kreativität. 1939 aber besetzte 

das NS-Regime erst meine tschechische Heimat, 1940 auch Paris. 

Und so floh ich mit meiner französischen Ehefrau nach Amerika. 

Die Flucht über die Pyrenäen, Spanien und Portugal bis New Jersey 

dauerte fast zehn Monate. Gelohnt hat sie sich: In den USA wurde 

ich einer der meistgespielten Komponisten. 1953 wurde ich amerikanischer 

Staatsbürger, kam später aber wieder zurück nach Europa. 

Die letzte Ruhe fand ich in der Schweiz. 

RÄTSEL LÖSEN UND EINE 

CLAUDIO ABBADO-BOX 

GEWINNEN! 

Wer ist hier gesucht? Wenn Sie die 

Antwort kennen, dann nehmen Sie an der 

Verlosung teil unter www.crescendo.de/ 

mitmachen. Diese CD-Box können Sie 

gewinnen: „Claudio Abbado & Berliner Philharmoniker. The Complete 

Deutsche Grammophon Recordings“. Einsendeschluss ist der 11.11.2018. 

Gewinnerin unseres letzten Gewinnspiels ist Maria Walburger aus 

Jettingen-Scheppach. Die Lösung lautete: Johannes Brahms. 

ABB.: DIGITALE BIBLIOTHEK GALLICA 

Die folgenden Kommentare wurden im Original und 

ohne Rechtschreibkorrektur übernommen. 

Friederike Rentzsch Ich verstehe den Kern des Artikels, 

aber eine Neiddiskussion empfinde ich als nicht zielführend. 

Die Posterboys und -girls der Klassikbranche sind abgehoben? 

Vielleicht. Ich sehe unser Problem vielmehr darin, dass kaum 

einer mehr Musik macht = ein Instrument auch nur halbwegs 

beherrscht. 

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Guido Krawinkel Demut, ja, Demut ist nie verkehrt ... 


Thomas Quasthoff Die großen Namen füllen halt die Opernhäuser 

und Konzerthallen,auch wenn Intendanten wie in Slalzburg 

Sänger puschen,und diese Sänger sich in Rollen puschen 

lassen,die sie nicht beherrschen.Kein Kritiker traut sich zu 

sagen,dass der diesjährige Salzburger Sarastro ein immer größeres 

technisches Problem hat.Er drückt seine Stimme knödelnd in 

eine Lage,die er nicht beherrscht.Wichtig ist die Sensation,ein 

lyrischer Bariton singt Sarastro,wie im Zirkus. 


Sigfried Schibli Was den Salzburger Sarastro betrifft, habe 

ich den gegenteiligen Eindruck: Habe noch nie ein so einhelliges 

Bashing durch die Musikkritik erlebt. Übrigens zu Recht. Da haben 

sich die Kritiker durchaus getraut, einem Promi-Sänger an 

den Karren zu fahren. 


Hans-Jürgen Mende Ich finde die Diskussion überflüssig und 

nicht ungefährlich, denn es ist Wasser auf die Mühlen derjenigen, 

die der Meinung sind, es sollten keinerlei Steuergelder für 

Theater in öff. Hand aufgewendet werden. 


Karlheinz Schöberl Denn Text von Axel Brüggemann noch 

einmal lesen! Einige Argumentationen und Meinungen entfernen 

sich zu sehr vom ursprünglichen Text. Oper war immer Luxus 

und wird es wohl auch in Zukunft bleiben-solange man sie finanzieren 

kann. 


Axel Brüggemann Es geht hier nicht um Bashing oder Neid, 

es geht um das Bewusstsein, dass auch Gagen von Superstars am 

Ende steuerfinanziert sind, und man dafür eine Bringschuld, was 

Offenheit gegenüber dem Publikum betrifft, erwarten kann. 


FOTO: FACEBOOK 


ERLEBEN 

Die wichtigsten Termine und Veranstaltungen im Oktober und November im Überblick (ab Seite 40) 

Eins mit dem Orchester: Teodor Currentzis ist neuer Chefdirigent des SWR-Symphonieorchesters (Seite 46) 

Starkes Jubiläum: Am 12. November 1918 wurde das Frauenwahlrecht eingeführt (Seite 48) 

Ab 17. Oktober, München 

BUNTE VIELFALT DER MUSIK 

„Ich liebe Verdi“, schwärmt Ivan Repušić, der Chefdirigent des Münchner Rundfunkorchesters. In der Reihe 

„Sonntagskonzerte“ widmet er sich der Tragödie I due Foscari über eben jene Familie Foscari, die durch Hass und 

Intrigen zerstört wurde. „Die Besetzung des Orchesters mit rund 55 Musikern ist optimal für die Klangsprache 

früher Verdi-Opern“, zeigt sich Repušić begeistert. Doch will das Rundfunkorchester über die Klassiker hinaus 

noch viel mehr für sein Programm: Es soll Vielfalt, Abwechslung und auch Humor in der Musik abbilden. So bringt 

der Schlagzeuger Simone Rubino zu seinem Willkommenskonzert als Artist in Residence Werke von Steve Reich 

und der japanischen Komponistin und Marimbafonspielerin Keiko Abe mit. Geistliche Werke aus Renaissance und 

Barock mit Sakralkompositionen des 20. Jahrhunderts verbindet die von Marcello Viotti ins Leben gerufene Reihe 

„Paradisi gloria“. Sehr offen schließlich für alle Stilrichtungen: die Konzerte „Mittwochs um halb acht“. crescendo 

freut sich auf spannende Konzerte und präsentiert in Kooperation mit dem Rundfunkorchester alle Konzerte 

dieser Reihe mit Exklusivleistungen für seine Leser. Und das heißt: Karten in der besten Kategorie, eine Backstage-Führung 

und: die komfortable crescendo-Lounge im Gartensaal des Prinzregententheaters samt prickelndem 

Getränk. Wer mehr wissen will: Informationen und Buchung über www.crescendo.de/live. Am 17. Oktober startet 

die Mezzosopranistin Anna Bonitatibus in dieser Reihe mit „En Travesti – Hosenrollen in der Oper“. 

München, Prinzregententheater, www.rundfunkorchester.de 

Als neuer Abonnent erhalten 

Sie die CD „en travesti“ (siehe S. 66) 

FOTO: MIERSWA-KLUSKA.DE 

39

E R L E B E N 

Oktober / November 2018 

DIE WICHTIGSTEN 

VERANSTALTUNGEN AUF 

EINEN BLICK 

Ihr persönlicher Navigator für Premieren, Konzerte und Festivals 

PREMIEREN 

19.10. GERA LANDESTHEATER ALTEN- 

BURG Die verkaufte Braut / B. Smetana 

20.10. KAISERSLAUTERN 

PFALZTHEATER Die Hochzeit des Figaro 

/ W. A. Mozart 

20.10. LEIPZIG OPER 

Die Herzogin von Chicago / E. Kálmán 

20.10. LÜNEBURG THEATER 

Jephtha / G. F. Händel 

21.10. BREMEN THEATER 

Ein Maskenball / G. Verdi 

25.10. KAISERSLAUTERN PFALZ- 

THEATER Tell Me on a Sunday / Andrew 

Lloyd Webber 

26.10. DARMSTADT STAATSTHEA- 

TER Die Zauberflöte / W. A. Mozart 

26.10. DESSAU ANHALTISCHES 

THEATER Der Freischütz / C. M. v. Weber 

26.10. HOF THEATER 

Höllisch moderne Millie / Jeanine Tesori 

26.10. LÜNEBURG THEATER 

Bonnie and Clyde / Frank Wildhorn 

27.10. AUGSBURG THEATER 

Vier Jahreszeiten (Ballett, UA) / 

Ricardo Fernando 

27.10. FLENSBURG SCHLESWIG- 

HOLSTEINISCHES LANDESTHEATER 

Der fliegende Holländer / R. Wagner 


Siebente Symphonie (Ballett) / Uwe 

Scholz – Tu Tu (Ballett) / Stanton Welch 

– Neues Ballett / Mario Schröder 

27.10. MÜNCHEN NATIONALTHEATER 

Jewels / G. Balanchine 

27.10. MÜNSTER THEATER 

Saul / G. F. Händel 

27.10. REGENSBURG THEATER 

Una cosa rara / Vicente Martín y Soler 

28.10. AACHEN THEATER AACHEN 

Il trionfo del Tempo e del Disinganno / 

G. F. Händel 

28.10. BERLIN KOMISCHE OPER 

Der Zauberer von Oz / P. Valtinoni 

28.10. FRANKFURT AM MAIN OPER 

Iolanta / P. Tschaikowski – 

Oedipus Rex / I. Strawinsky 

28.10. HAMBURG STAATSOPER 

Szenen aus Goethes Faust / R. Schumann 

28.10. MANNHEIM 

NATIONALTHEATER 

Die Meistersinger von Nürnberg / 

R. Wagner 

31.10. SALZBURG (AT) 

LANDESTHEATER 

2. und 3. November, Niederalteich 

Schöpfung zum Jubiläum 

Die Audi Jugendchorakademie feiert 2018 ihr zehnjähriges Bestehen 

mit einem Jubiläumsfestival am 2. und 3. November. Auf dem 

Programm stehen zwei Konzerte, die die große Bandbreite des 

Repertoires und das beeindruckende Können der jungen Sänger- 

Innen zeigen. Während sie mit der Akademie für Alte Musik Berlin 

Haydns Oratorium Die Schöpfung zur Aufführung bringen und 

dabei auch die Solopartien übernehmen, widmen sie sich in einem 

A-cappella-Konzert Werken von Johannes Brahms bis zu Ēriks 

Ešenvalds, der zeitgenössischen Koryphäe der Chormusik. Zum 

Abschluss stimmen die über 150 Mitwirkenden das besinnliche 

Abendlied von Josef Rheinberger an: Bleib bei uns, denn es will Abend 

werden, und der Tag hat sich geneiget. 

„Gemeinschaft und musikalische Herausforderung“ nennt Chorleiter 

Martin Steidler die beiden Erfolgssäulen der Audi Jugendchorakademie. 

„Wir schenken uns nichts und arbeiten hart“, betont er. 

Vor zehn Jahren wurde der Chor als Auswahlensemble ins Leben 

gerufen. Einmal jährlich findet an unterschiedlichen Orten in 

Deutschland ein Vorsingen statt, bei dem sich interessierte Jugendliche 

qualifizieren können. Neben dem gemeinsamen Musizieren 

bestimmt individuelle stimmliche Weiterbildung die Arbeit der 

Chorakademie. Konzertreisen führten den Chor bis nach Asien. 

Niederalteich, Basilika, www.audi-jugendchorakademie.de 

FOTO: ZAPF 

Motezuma / Baldassare Galuppi 

2.11. ROSTOCK VOLKSTHEATER 

Herz.Still.Stand (Ballett, UA) / 

Anton Schulz, Katja Taranu und Hung- 

Wen Mischnick 

2.11. STUTTGART OPER 

Herzog Blaubarts Burg / B. Bartók 

3.11. CHEMNITZ DIE THEATER 

Hamlet / Franco Faccio 

3.11. DORTMUND THEATER 

Die göttliche Komödie I: Inferno (Ballett) 

/ Xin Peng Wang 

3.11. HALLE AN DER SAALE OPER 

Annie / Charles Strouse 

3.11. KIEL THEATER 

Falscher Verrat (UA) / Marco Tutino 

3.11. KOBLENZ THEATER 

Die Csárdásfürstin / E. Kálmán 

3.11. NÜRNBERG STAATSTHEATER 

Anna Nicole / Mark-Anthony Turnage 

3.11. SALZBURG (AT) 

LANDESTHEATER 

Othello (Ballett) / Reginaldo Oliveira 

4.11. BERLIN STAATSOPER 

La Bayadère / A. Ratmansky n. M. Petipa 

4.11. BONN THEATER 

Lohengrin / R. Wagner 

4.11. FLENSBURG SCHLESWIG- 

HOLSTEINISCHES LANDESTHEATER 

Aschenputtel / G. Rossini 

4.11. GERA LANDESTHEATER 

ALTENBURG 

Weiße Rose / Udo Zimmermann 

4.11. HANNOVER STAATSOPER 

König Karotte / J. Offenbach 

4.11. ZÜRICH (CH) OPERNHAUS 

Così fan tutte / W. A. Mozart 

7.11. FRANKFURT AM MAIN OPER 

Il corsaro / G. Verdi 

8.11. ZÜRICH (CH) OPERNHAUS 

Hänsel und Gretel / E. Humperdinck 

10.11. FREIBURG THEATER 

Die Fledermaus / Johann Strauß 

10.11. WIEN (AT) STAATSOPER 

Sylvia (Ballett) / Manuel Legris 

11.11. GERA LANDESTHEATER 

ALTENBURG 

Die Entführung aus dem Serail / 

W. A. Mozart 

13.11. KREFELD THEATER 

Hänsel und Gretel / E. Humperdinck 

15.11. BASEL (CH) THEATER BASEL 

Carmen (Ballett) / Johan Inger 

16.11. FREIBURG THEATER 

Acta est Fabula (Ballett) / Yuval Pick 

16.11. HEIDELBERG THEATER 

Idomeneo / W. A. Mozart 


FOTOS: HANS GERRITSEN; PIA BETZER; PEPE LANGE 

7. November 

LUDWIGSHAFEN SCAPINO BALLETT 

Die Gegensätze sind es, die den Choreografen 

Ed Wubbe am Barockzeitalter faszinieren: die 

Schönheit der Kleider, der Musik und der Kunst 

und zugleich die katastrophalen hygienischen 

Verhältnisse, der Gestank und die verfaulten 

Zähne der Menschen. Seit 1992 ist er künstlerischer 

Leiter des Scapino Balletts in Rotterdam. 

Auf seinem Gastspiel im Rahmen des BASF-Kulturprogramms zeigt 

das Ballett, das für seine von Oper und Zirkus inspirierten Produktionen 

gefeiert wird, Scala, eine musikalische und theatralische Odyssee. 

Wubbe verarbeitet darin die barocken Elemente, vom historischen 

Tanz bis zu den Kostümen, zu einer zeitgenössischen Choreografie. Die 

Musik holt er sich von den barocken Meistern wie Henrico Albicastro, 

Giovanni Battista Ferrandini und Georg Muffat. 

Ludwigshafen, Theater im Pfalzbau, www.basf.com 

14. Dezember bis 5. Januar 

BAD KISSINGEN KISSINGER WINTERZAUBER 

Der Nussknacker, das zauberhafte Ballett nach 

der Erzählung von E. T. A. Hoffmann mit der 

herrlichen Musik von Peter Tschaikowsky, 

kommt nach Bad Kissingen. Die Tanzkompanie 

aus Moskau bringt Klaras Traum, durch den sie 

zur Frau wird, auf die Bühne des Kurtheaters. 

Seit 20 Jahren bereichert das Festival die Weihnachtstage 

mit Musik. Die Jubiläumsausgabe eröffnet die Show „Es lebe 

die Stimme“ der A-cappella-Band Viva Voce, die ebenfalls ihr 20-jähriges 

Bestehen feiert. Der Pianist Lewin Krumpschmid und die Klarinettistin 

Mirja Betzer (Foto), Preisträger von „Jugend musiziert“, laden zu romantischen 

Klängen in den Rossini-Saal. Und im neuen Jahr gastieren das 

Baye rische Landesjugendorchester unter Joseph Bastian und die Sängerinnen 

Juliane Banse und Lioba Braun mit der Auferstehungssinfonie von 

Gustav Mahler in der Kurstadt. 

Bad Kissingen, verschiedene Spielorte, www.badkissingen.de/de/veranstaltungen/kissinger-winterzauber 

3. November 

KIEL FALSCHER VERRAT 

Der Kieler Matrosenaufstand jährt sich zum 

100. Mal. Zahlreiche Marinesoldaten verweigerten 

den Befehl zu einem letzten sinnlosen Angriff 

auf die britische Flotte. In der Folge verbündeten 

sich Matrosen und Arbeiter, die beide 

Frieden wollten. Ihr Aufstand entzündete die 

Novemberrevolution. In Marco Tutinos Oper 

Falscher Verrat werden politische Überzeugungen von privaten Gefühlen 

durchkreuzt. Korvettenkapitän Arno von Stahl will den Aufstand unterstützen. 

Der Matrose Gabriel aber ist eifersüchtig auf ihn wegen seiner 

Jugendliebe Henriette, die ihm als Hure Lola wiederbegegnet, und verrät 

ihn. Generalintendant Daniel Karasek setzt die Tragödie in Szene. Unter 

der musikalischen Leitung von Georg Fritzsch singt Agnieszka Hauzer 

(Foto) die Partie von Lola. Michael Müller-Kasztelan und alternierend 

Yoonki Baek verkörpern Gabriel, und Tomohiro Takada übernimmt die 

Rolle von Arno von Stahl. 

Kiel, Theater, 9. und 21.11., 13.12., 6. und 10.1., 2. und 16.3. sowie 2., 7. und 20.3., 

www.theater-kiel.de 

29. November und 1. Dezember 

DESSAU STAGING THE BAUHAUS 

Erik Satie geriet in Wut, als das Publikum sich bei seiner Musique 

d’ameublement hinsetzte, anstatt „weiter zu spazieren, zu plaudern und 

zu trinken“. Er wollte mit dieser Musik ein Konsumprodukt schaffen, eine 

Absicht, die durchaus kritisch gemeint war. In der Projektreihe „Staging 

the Bauhaus“, bei der das Anhaltische Theater zu Gast im Bauhaus ist, 

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Dies ist ein Angebot der EMOTION Verlag GmbH , Geschäftsführung: Dr. Katarzyna Mol-Wolf, Hoheluftchaussee 95, 

20253 Hamburg. AG Hamburg, HRA 110793; Belieferung, Betreuung und Inkasso erfolgen durch die DPV Deutscher 

Pressevertrieb GmbH, vertreten durch Oliver Radtke (Sprecher der Geschäftsführung), Christina Dohmann, Marco Graffitti, 

Dr. Michael Rathje, Am Sandtorkai 74, 20457 Hamburg, USt-ID: DE814583779, als leistender Unternehmer. 

41

E R L E B E N 

30. November bis 16. Dezember, Salzburg 

BOTSCHAFT DER LIEBE UND DES FRIEDENS 

Die Hirtenkinder vom 

Salzburger Adventsingen 

FOTO: SALZBURGER ADVENTSINGEN 

Das Salzburger Adventsingen feiert 200 Jahre Stille Nacht! Heilige 

Nacht! Während der Christmette 1818 erklang das für viele schönste 

aller Weihnachtslieder zum ersten Mal. Seit 2011 zählt es zum immateriellen 

Kulturerbe Österreichs. Aushilfspriester Joseph Mohr und 

Dorfschullehrer Franz Xaver Gruber schufen es in einer Zeit des Umbruchs. 

Nach dem Fall Napoleons erhielt Europa eine neue Ordnung. 

Der für Salzburg wichtige Salztransport auf der Salzach stand infrage. 

Denn der Fluss bildete die neue Grenze zwischen dem Habsburgerreich 

und dem Königreich Bayern. Die Oberndorfer Salzschiffer mussten 

um Arbeit und Verdienst bangen. Das Salzburger Adventsingen erinnert 

mit einem szenischen Spiel an die Not der Salzschiffer. Alle zehn 

Jahre wird das Lied angestimmt, mit dem Gruber und Mohr vor 200 

Jahren die Hoffnung auf Frieden und bessere Zeiten zum Ausdruck 

brachten. Im Jubiläumsjahr erklingt es wieder. Eine Botschaft der Liebe 

und des Friedens ist das schlichte Lied, das in 300 Sprachen übersetzt 

wurde und alle Welt berührt. Die Veranstaltungen sind ausverkauft. 

Aber da es Rückläufe gibt, kann man mit Glück doch noch eine Karte 

ergattern. Und 2019 gibt es wieder ein Adventsingen mit einem neuen 

szenischen Spiel: DerSterngucker. 

Salzburg, Großes Festspielhaus, www.salzburgeradventsingen.at 

erklingt sie in den Räumen des Bauhauses. Auf der Bauhausbühne inszeniert 

Johannes Weigand Europera V für zwei Sänger, einen Pianisten und 

einen Grammofonspieler. Es entstand im Todesjahr von John Cage und 

ist das letzte des Zyklus, mit dem er 1987 begann, in die europäische 

Operntradition einzudringen. Aus Fragmenten unterschiedlicher Opern 

baute er Szenarien zusammen, die verblüffende Sinnzusammenhänge 

offenbaren. Der Beginn des Zyklus wurde seinerzeit in Frankfurt uraufgeführt 

und veranlasste Cage zu der Feststellung: „200 Jahre haben uns 

die Europäer ihre Opern geschickt. Nun schicke ich sie alle zurück.“ 

Dessau, Bauhaus, www.bauhaus-dessau.de 

23. November bis 2. Dezember 

BADEN-BADEN HERBSTFESTSPIELE 

Yehudi Menuhin und Maurice Béjart waren neugierig, 

persische Musik kennenzulernen. Besuchern 

der Herbstfestspiele wird dieses Vergnügen 

zuteil. Im Entdecker-Konzert des Cellisten 

Kian Soltani (Foto) und dem Shiraz Ensemble 

begegnen einander klassische europäische und 

persische Musik. Gemäß der Tradition, die sich 

im 19. Jahrhundert herausgebildet hat, beginnt die persische Suite mit 

einer schnellen instrumentalen Einleitung. Dann folgt, instrumental begleitet, 

ein langer Gesangsteil. Sepideh Raissadat singt klassische persische 

Lieder. Ähnlich wie die Poesie sich eines festen Vorrats an Bildern 

und Formeln bedient, ist auch die persische Musik an ein Kompendium 

von Melodien gebunden. Komponisten und Interpreten kommt die Aufgabe 

zu, diesen Vorrat mit kunstvollen Verzierungen immer feiner auszugestalten. 

Am Ende spielt Kian Soltani seinen Persian Fire Dance. 

Baden-Baden, Festspielhaus, www.festspielhaus.de 

21. und 22. November 

GÜTERSLOH GIUSTINO 

Mit wilden Kämpfen gegen einen Bären, ein Seeungeheuer 

und den Meeressturm gewinnt der 

Bauernbursche Giustino Krone und Frau. Die 

Compagnia Marionettistica Carlo Colla & Figli 

aus Mailand bringt Händels Oper Giustino mit 

barocken Bühneneffekten und zauberhaft gestalteten 

Puppen auf die Bühne. Die Kompanie, 

deren Anfänge zurückreichen bis ins 18. Jahrhundert, verfügt über einen 

enormen Fundus an Marionetten, Kostümen, Accessoires und Skripten, 

darunter auch Szenarien der Commedia dell’arte. Bedeutende Bildhauer 

waren am Fertigen der Köpfe beteiligt. Das raffinierte Spiel der Hände 

und ein System aus Fäden und Gelenkmechanismen vermögen es, den 

Puppen eine Vielfalt an Ausdrucks- und Bewegungsnuancen zu entlocken. 

Musikalisch werden sie von einem Sängerensemble und der auf Originalinstrumenten 

spielenden Lautten Compagney Berlin unterstützt. 

Gütersloh, Theater, www.theater-gt.de 


16.11. LÜBECK THEATER 

Werther / J. Massenet 

17.11. MANNHEIM 

NATIONALTHEATER Blaubarts Geheimnis 

(Ballett) / Stephan Tross 

18.11. BERLIN STAATSOPER 

A Monteverdi Project (Ballett) 

22.11. MÜNCHEN GÄRTNERPLATZ- 

THEATER 

Romeo und Julia (Ballett, UA) / Erna 

Ómarsdóttir 

23.11. MÜNCHEN OPER 

Otello / G. Verdi 

24.11. BERLIN KOMISCHE OPER 

Candide / L. Bernstein 

24.11. BERN (CH) KONZERT THEATER 

La Bohème / G. Puccini 

24.11. DORTMUND THEATER 

West Side Story / L. Bernstein 

24.11. HALLE AN DER SAALE OPER 

Bastien und Bastienne / W. A. Mozart – 

Eine florentinische Tragödie / Alexander 

Zemlinsky 

24.11. MÖNCHENGLADBACH 

THEATER Hamlet / Ambroise Thomas 

24.11. SALZBURG (AT) LANDES- 

THEATER 

Meine Stille Nacht (UA) / John Debney 

25.11. BERLIN STAATSOPER 

Hippolyte et Aricie / J.-Ph. Rameau 

25.11. KÖLN OPER 

Peter Grimes / B. Britten 

25.11. MAINZ STAATSTHEATER 

Märchen im Grand-Hotel / P. Abraham 

28.11. HILDESHEIM THEATER 

Orpheus / G. P. Telemann 

30.11. COTTBUS STAATSTHEATER 

Das Traumfresserchen / W. Hiller 

30.11. HEIDELBERG THEATER 

La verità in Cimento / Antonio Vivaldi 


Carmen / G. Bizet 

KÜNSTLER 

L’ARTE DEL MONDO 

2., 3. und 30.11. Leverkusen, 

Bayer Erholungshaus 

11.11. Dortmund, Konzerthaus 

21. und 23.11. Ingolstadt, Stadttheater 

ASASELLO QUARTETT 

22.10. Greifswald, Theater 

23.10. Stuttgart, Liederhalle 

25.10. Schwerin, Mecklenburgisches 

Staatstheater 

27.10. München, 

Allerheiligen-Hofkirche 

29.11. Eupen, Kloster Heidberg 

DANIEL BARENBOIM 

17., 10., 25. und 28.10. Berlin, Staatsoper 

Unter den Linden 

22.10. Regensburg, Universität 

23.10. Dresden, Kulturpalast 

24. und 26.10. Berlin, Pierre Boulez 

Saal 

LISA BATIASHVILI 

4.11. Coesfeld, Theater 

5.11. Wien (AT), Musikverein 

7.11. München, Herkulessaal 

9.11. Berlin, Pierre Boulez Saal 

10.11. Essen, Philharmonie 

11.11. Zürich (CH), Tonhalle Maag 

14.11. Hamburg, Elbphilharmonie 

KHATIA BUNIATISHVILI 


5.11. Berlin, Philharmonie 

6.11. Leipzig, Gewandhaus 

7.11. Erlangen, Heinrich-Lades-Halle 

10.11. Mannheim, Congress Center 

13.11. München, Philharmonie 

THEODOR CURRENTZIS 

18.10. Dortmund, Konzerthaus 

21. und 26.10. Hamburg, 

Elbphilharmonie 

23.10. Wien (AT), Konzerthaus 

SOL GABETTA 


27.11. Düsseldorf, Tonhalle 

28.11. Hamburg, Elbphilharmonie 

29.11. Bremen, Die Glocke 

30.11. Braunschweig, Stadthalle 

MARTIN GRUBINGER 


6.11. Luxembourg (L), Philharmonie 




BARBARA HANNIGAN 

28.10. Köln, Philharmonie 

1.11. Bamberg, Konzerthalle 


SAMUEL HASSELHORN 

3.11. Leipzig, Peterskirche 

9.11. Passau, Spectrum Kirche 

DANIEL HOPE 

20.10. Neuhardenberg, Schinkel-Kirche 

23.10. Zürich (CH), Tonhalle Maag 

18. November 2018 

Für das Unaussprechliche 

Kompositionen von Debussy, 

Satie und Wagner 

Christiane Karg (Sopran) 

Joseph Middleton (Klavier) 

14. Februar 2019 

Die Luft, in der ich atme 

Künstlerpaar Clara und Robert 

Schumann im Portrait 

Christiane Karg (Sopran) 

Malcolm Martineau (Klavier) 

Jutta Speidel (Rezitation) 

www.kunstklang-feuchtwangen.de 

Kartentelefon 09852 904 44 

Foto: Gisela Schenker 

7.11. Zürich (CH), Schauspielhaus 

10.11. Dresden, Frauenkirche 

11.11. Celle, Schlosstheater 

IGOR LEVIT 

25. und 26.10. München, Herkulessaal 



12.11. Dresden, Philharmonie 

17.11. Lucerne (CH), Konzertsaal 

25.11. München, Prinzregententheater 

9. November bis 11. März, Berlin 

FREIHEIT – DIE KUNST DER NOVEMBERGRUPPE 

FOTOS: JUVENTINO MATEO; MARCUS LIEBERENZ 

„Wir waren innerlich bereit, alles wegzuwerfen, 

das Alte, den Ballast“, beschreibt der Maler und 

Schriftsteller Karl Jakob Hirsch die Zeit der Novembergruppe. 

1918 gegründet, als die Revolution 

ganz Deutschland erfasste, wurde sie zur prägenden 

Künstlervereinigung der Weimarer Republik. 

Freiheit, Gleichheit, Brüderlichkeit – voller 

Enthusiasmus griffen ihre Mitglieder den Wahlspruch 

der Französischen Revolution auf. Mittels 

einer Kunst, die die akademische Malerei überwunden 

hatte, wollten sie hineinwirken in die 

Gesellschaft. „Die Novembergruppe ist Zusammenschluss 

radikaler Künstler / radikal im Verwerfen 

bisheriger Ausdrucksformen / radikal im 

Anwenden neuer Ausdrucksmittel“, hieß es im 

Katalog ihrer ersten Ausstellung im Juli 1919. Ihre 

„MEIN TÖCHTERCHEN KIKI“ VON ISSAI KULVIANSKI, 1927, FOTO: MUSEUM BERLIN 

Mitglieder waren überzeugt, am Aufbau einer demokratischen 

Gesellschaft und an der Formung 

eines neuen Menschen mitzuwirken. Verstanden 

wurden sie von keiner Seite, und diese kritische 

Sicht auf die Gruppe besteht bis heute. Offen für 

alle Stilrichtungen, erwarb sie jedoch Verdienste in 

der Kunstvermittlung. Bis zur Machtübernahme 

der Nationalsozialisten zeigte sie in ihren Ausstellungen 

an die 3.000 Werke von über 470 Kunstschaffenden. 

Im Rahmen des Themenwinters „100 

Jahre Revolution Berlin 1918/19“ gibt es in Berlin 

120 Exponate aus den Ausstellungen der Novembergruppe 

zu sehen, darunter Gemälde, Skulpturen 

und Architekturmodelle. 

Berlin, Berlinische Galerie Museum der Modernen 

Kunst Berlin, www.berlinischegalerie.de 

43

E R L E B E N 

IMPRESSUM 

VERLAG 

Port Media GmbH, Rindermarkt 6, 80331 München 

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und im AKS Arbeitskreis Kultursponsoring 

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Maike Zürcher 

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John Axelrod, Axel Brüggemann, Attila Csampai (AC), Daniel Hope, 

Christoph Schlüren (CS), Stefan Sell (SELL) 

MITARBEITER DIESER AUSGABE 

Florian Amort (FA), Roland H. Dippel (DIP), Ute Elena Hamm (UH), Julia Hartel (JH), 

Sina Kleinedler (SK), Corina Kolbe (CK), Guido Krawinkel (GK), Jens Laurson (JL), Teresa 

Pieschacón Raphael (TPR), Ruth Renée Reif (RRR), Antoinette Schmelter-Kaiser (ASK), 

Thomas Sonner (DS), Mario-Felix Vogt (MV), Dorothea Walchshäusl (DW), 

Walter Weidringer (WW) 

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Nr. 2 1 vom 09.09.2017 

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Verbreitete Auflage: 

74.190 (lt. IVW-Meldung 1I/2018) 

ISSN: 1436-5529 

(TEIL-)BEILAGEN / BEIHEFTER: 

Münchner Rundfunkorchester 

DAS NÄCHSTE CRESCENDO 

ERSCHEINT AM 30. NOVEMBER 2018. 

crescendo 

unterstützt 

3. und 4. November 

BERLIN FLAMMENSCHRIFT 

„Ich wollte ein zorniges Stück schreiben“, erklärt 

Guillaume Connesson die Absicht hinter 

seiner Flammenschrift. Beethoven sei nicht müde 

geworden, in seinen Werken die Brüderlichkeit 

zu preisen, während er sich gegenüber seinen 

Nächsten oft grob und rücksichtslos benahm. 

Dieses Paradoxon weckte in Connesson das 

Verlangen, ein psychologisches Porträt Beethovens zu komponieren. 

„Dieser Misanthrop Beethoven, dieser Einsame, den das Schicksal hart 

schlug, aber den sein Genie für alles entschuldigte, hat mich immer fasziniert.“ 

Das Deutsche Symphonie-Orchester Berlin unter Stéphane 

Denève (Foto) nimmt sich die deutsche Erstaufführung vor. Um Beethoven 

Reverenz zu erweisen, verwendet Connesson dieselbe Orchesterbesetzung 

wie Beethoven in seiner Fünften Sinfonie, und wie in der Fünften 

lässt er dem Drama einen Freudentanz folgen. 

Berlin, Philharmonie, www.dso-berlin.de 

27. Oktober 

MÜNCHEN JEWELS 

Einen Klassiker bringt das Bayerische Staatsballett 

auf die Bühne. George Balanchine (Foto) 

kreierte Jewels 1967 mit dem New York City 

Ballet, das er bis zu seinem Tod 1983 leitete. Ein 

Besuch beim berühmten Juwelier Arpels hatte 

ihn so begeistert, dass er die leuchtende Pracht 

in Tanz umsetzen wollte. Er schuf eine Choreografie, 

die von den Tänzern Eleganz und technische Vollendung auf 

höchstem Niveau fordert. Die Kostüme, die aussehen sollten wie Juwelen, 

entwarf Barbara Karinska. Die Musik wählte Balanchine von drei 

Komponisten. Für die Smaragde nahm er Gabriel Fauré, die Rubine 

schimmern bei Igor Strawinsky, und die Diamanten bringen die Klänge 

von Peter Tschaikowsky zum Funkeln. 

München, Nationaltheater, 27. (Premiere) und 28.10., 1., 3.11., 21.4. sowie 4.7., 

www.staatsoper.de 

28., 29. und 30. November 

WUPPERTAL U. A. WIENER SÄNGERKNABEN 

Sie kommen im Matrosenanzug, sind über 500 

Jahre alt und singen in allen Sprachen der Welt: 

die Wiener Sängerknaben. Ihre Anfänge reichen 

zurück bis ins Jahr 1498, als die Habsburger ihre 

Residenz nach Wien verlegten. Berühmte Musiker 

kamen an den Hof, darunter Gluck, Salieri, 

Mozart und Bruckner. Sie wirkten mit bei der 

Hofkapelle und bei den Sängerknaben. Joseph Haydn, sein Bruder Michael 

und Franz Schubert waren selbst Chorknaben. Bis 1918 sang der Chor 

ausschließlich im Auftrag des Hofes. Heute gibt es rund 100 Sängerknaben. 

Ihr Repertoire reicht vom Mittelalter bis zu zeitgenössischer Musik. 

Benjamin Britten, Elena Kats-Chernin, Wolfram Wagner und Gerald 

Wirth, Dirigent und künstlerischer Leiter, schrieben für den Chor. Auf 

ihrer Tournee singen sie klassische Werke sowie Advents- und Weihnachtslieder 

aus aller Welt. 

Wuppertal, Historische Stadthalle, 28.11., www.stadthalle.de 

Dortmund, Konzerthaus, 29.11., www.konzerthaus-dortmund.de 

Duisburg, Salvatorkirche, 30.11., www.salvatorkirche.de 

25. Oktober bis 4. November 

KASSEL KASSELER MUSIKTAGE 

Klaus Nomi gehört zu den großen Idolen der 

Komponistin Olga Neuwirth (Foto). Bereits als 

13-Jährige weckte der exzentrische Sänger, dessen 

Stimme sechs Oktaven umfasste, ihre Neugier. 

Für ihre Hommage à Klaus Nomi arrangierte 

sie seine Songs zu einer musikalischen Col lage. 


FOTOS: SWR; NYPL.DIGITALCOLLECTION; LUKAS BECK; HARALD HOFFMANN; GISELA SCHENKER; MARJOLEIN VINKENOOG; CHRIS VAN DER BURGHT 

Countertenor Daniel Gloger gibt den Nomi. „Wann singst du?“, fragen 

die Musiktage und stellen verschiedene Formen des Gesangs vor. Barocke 

Koloraturen gibt es zur Eröffnung von dem Countertenor Valer 

Sabadus, der mit dem Ensemble Concerto Köln auf den Spuren Farinellis 

wandelt. Volkslieder aus Island bringt Herdís Anna Jónasdóttir. Und 

Kunstlieder von Gustav Mahler und Richard Strauss trägt die Mezzosopranistin 

Okka von der Damerau vor. 

Kassel, verschiedene Spielorte, www.kasseler-musiktage.de 

18. November 

FEUCHTWANGEN CHRISTIANE KARG 

Lieder von Claude Debussy, Erik Satie und 

Richard Wagner singt Christiane Karg in ihrer 

Matinee „Für das Unaussprechliche“. Dabei 

stellt sie „den exzentrischen Minimalisten“ bewusst 

in die Mitte. Satie war es nämlich, der 

Debussy ermutigte, sich von Wagner zu befreien. 

Debussy und Satie studierten drei Jahre zusammen 

am Pariser Konservatorium und begegneten einander einige 

Jahre später wieder im Cabaret Auberge du clou. Sie fühlten sich voneinander 

angezogen. Und während Debussy sich vom Wagnerismus in 

Frankreich mitreißen ließ und sogar zweimal Bayreuth besuchte, erklärte 

Satie ihm, es sei für einen Franzosen notwendig, sich von Wagner zu 

lösen. Christiane Karg ist überzeugt, dass Debussy ohne Satie nicht 

denkbar gewesen wäre. Den pianistischen Teil der Lieder übernimmt 

Joseph Middleton. 

Feuchtwangen, BauAkademie, www.kunstklang-feuchtwangen.de 

31. Oktober bis 13. November 

9. HAMBURGER KAMMERMUSIKFEST 

INTERNATIONAL 

Viele verschiedene Instrumente und Besetzungen 

möchte Elisaveta Blumina zeigen. Seit 

2012 leitet die Pianistin, die Kammermusik ihr 

Leben nennt, das Festival. Akkordeonist Roman 

Yusipey spielt aus Alfred Schnittkes Bühnenmusik 

die Gogol-Suite und mit dem Violinisten Noé 

Inui (Foto) das Orchesterstück Eine kleine Daneliade 

von Gija Kantscheli. Der aus Georgien stammende Komponist ist 

einer der zahlreichen Vertreter zeitgenössischer Musik auf dem Festival. 

Blumina bekräftigt bei ihrem Auftritt mit Freunden nicht nur ihren Einsatz 

für die Wiederentdeckung Mieczysław Weinbergs, sondern widmet 

sich mit dem Klarinettisten Tibor Reman und dem Fagottisten Mathias 

Baier auch Haifa von Benjamin Yusupov aus Tadschikistan. Für das 

Abschlusskonzert komponiert Frank Raschke, inspiriert von Schuberts 

Oktett F-Dur D 803, Schubertiaden Feeling für Violine, Viola, Klarinette, 

Fagott und Kontrabass. 

Hamburg, verschiedene Spielorte, www.musikfoerderung.de/kammermusikfest 

31. Oktober 

STUTTGART REQUIEM POUR L. 

Für Mozart war der Tod „der wahre Endzweck 

unseres Lebens“. Er betrachtete ihn als „besten 

Freund des Menschen“ und als „den Schlüssel zu 

unserer wahren Glückseligkeit“. Auf dem 

Totenbett liegend, ließ er sich die Partitur des 

Requiems bringen, zu dem er einen anonymen 

Auftrag erhalten hatte und das zu seinem eigenen 

wurde. Unvollendet geblieben, bildete es den Abschluss seines Schaffens. 

Requiem pour L. nimmt Mozarts Requiem zum Ausgangspunkt. 2017 

luden der Komponist Fabrizio Cassol und der Choreograf Alain Platel 14 

Musiker aus Europa und Afrika ein, Mozarts Requiem in ein Crossover 

mit ihren musikalischen Welten zu bringen. Gemeinsam schaffen sie eine 

zeitgenössische Zeremonie der Trauer und des Abschieds, musikalisch 

geleitet von Rodriguez Vangama. 

Stuttgart, Oper, 31.10. (Premiere) sowie 1., 2., und 4.11., www.oper-stuttgart.de 

29.11. Bielefeld, Rudolf-Oetker-Halle 

OLGA PERETYATKO 

3.11. Berlin, Deutsche Oper 

25.11. Baden-Baden, Festspielhaus 

MARLIS PETERSEN 

18.10. München, Milla Club 

19.10. MS Europa, 

Gran Canaria – Kapstadt 


16.11. Eisenstadt (AT), Haydnsaal 

NEMANJA RADULOVIĆ 


24.11. Stuttgart, Philharmonie 

25.11. Weingarten, Kultur-und Kongresszentrum 

Oberschwaben 

28.11. Wolfsburg, Theater 

VALER SABADUS 


9.11. Hamburg, Laeiszhalle 

29.11. Friedrichshafen, 

Graf-Zeppelin-Haus 

CHOUCHANE SIRANOSSIAN 

20.10. Illertissen, Kolleg der 

Schulbrüder 

Mozarteumorchester 

Salzburg 

11. und 13. November, Salzburg 

21.10. Bad Cannstatt, Kursaal 

11.11. Baden-Baden, Festspielhaus 

12.11. Basel (CH), Martinskirche 

13.11. Berlin, Konzerthaus 



9., 16. und 17. 11. Berlin, Philharmonie 

11.11. Berlin, Haus des Rundfunks 

EMMANUEL TJEKNAVORIAN 


2.11. Groß Schwansee, Schlossgut 


19. und 20.11. Wien (AT), Konzerthaus 


24.11. Essen, Philharmonie 


DANIIL TRIFONOV 

25.10. Luxembourg (L), Philharmonie 

27.10. Lugano (CH), LAC (Lugano Arte e 

Cultura) 

YUJA WANG 

3.11. Winterthur (CH), Stadthaus 



UNBESIEGBARE 

HOFFNUNG 

Blues, Rock ’n’ Roll, Rock, Folk, Gospel, Broadway- und Jazz-Idiome, 

sinfonische Märsche, feierliche Hymnen, orientalische Tänze, 

orches trale Meditationen und üppige Choräle bot Leonard Bernstein 

auf, um die Dogmen der Kirche herauszufordern. Als inszenierten 

Festzug verstand er seine Mass. Die lateinische Liturgie bildet 

das Gerüst des Werkes. Bernstein und Stephen Schwartz aber 

fügen, inspiriert von der jüdischen Tradition, Texte in zeitgenössischem 

Englisch ein, um mit Gott in einen Disput zu treten. Die Uraufführung 

1971 fand vor dem Hintergrund der sexuellen Revolution, 

der Frauenbewegung sowie der Proteste gegen den Vietnamkrieg 

statt. Das Mozarteumorchester Salzburg (Foto) unter Riccardo 

Minasi bringt Mass als „ein Werk unbesiegbarerer Hoffnung, ein 

Werk für Frieden und Toleranz“ mit über 200 Mitwirkenden zur Aufführung. 

Der Zelebrant, dessen Glaubenskrise das Werk thematisiert, 

wird von Yngve Gasoy Romdal gespielt. Sein schlichter Glaube, 

der sich in einem „einfachen Lied“ zum Lob Gottes ausdrückt, wird 

durch menschliches Leid und die Niedertracht weltlicher Macht 

erschüttert. Er entschließt sich, ihm abzuschwören. Doch da wird er 

gewahr, wie nichtig seine Zweifel sind gegenüber der Freude, sich 

mit anderen zum Lobgesang zu vereinen. 

Salzburg, Großes Festspielhaus, www.mozorch.at 

FOTO: NANCY HOROWITZ 

45

E R L E B E N 

Das SWR Symphonieorchester unter Teodor Currentzis 

DIE SPIRITUELLE KRAFT 

DER MUSIK 

Mit dem charismatischen Chefdirigenten Teodor Currentzis am Pult des 

SWR Symphonieorchesters wird Musik zu einer Abenteuerreise in seelische Tiefen. 

VON RUTH RENÉE REIF 

Plötzlich ist er da, dieser kostbare Augenblick. Der Funke entzündet 

sich, und die Musik enthebt uns dem Hier und Jetzt. Sie lässt 

uns teilhaben an jenem göttlichen Klang, von dem die heiligen 

Schriften der Welt erzählen, aus dem heraus alles geboren ist und 

der uns unmittelbar in unserem Sein erfasst. Teodor Currentzis ist 

der Mystiker am Pult. Seine Dirigate, an denen er sich verzehrt 

und die die Musikerinnen und Musiker zu absoluter Hingabe an 

die Musik fordern, ergreifen das Publikum mit unwiderstehlicher 

spiritueller Kraft. Vor diesem Hintergrund ist auch sein Bekenntnis 

zu einer Mission zu verstehen: „Wenn ich dirigiere, erfüllt sich 

meine Bestimmung.“ 

Seit Beginn der Spielzeit 2018/19 ist Teodor Currentzis der 

erste Chefdirigent des SWR Symphonieorchesters in Stuttgart. 

Und schon sein Antrittskonzert im Beethovensaal der Liederhalle 

mit Gustav Mahlers riesenhafter Dritter Sinfonie hat die Verantwortlichen 

in ihrer Wahl mehr als bestätigt. Er habe dieses Orchester 

noch nie in dieser künstlerischen Hochspannung erlebt, 

schwärmte Peter Boudgoust, Intendant des Südwestrundfunks. 

„Ein Dirigent, der eins zu sein scheint mit diesem Orchester.“ Und 

Johannes Bultmann, der künstlerische Leiter des Klangkörpers, 

erzählt im Gespräch, wie inspiriert und begeistert er die Musiker 

bereits seit den ersten Proben erlebt habe: „Wenn ich sehe, mit wie 

viel Enthusiasmus und Empathie die Musikerinnen und Musiker 

des Symphonierochesters Teodor Currentzis begegnen, macht 

auch mich das sehr glücklich.“ Die Empathie war beim Publikum. 

ebenfalls zu spüren. Konzentriert folgte es Mahlers Musik durch 

alle Stationen der Welt. Als in der Schlussapotheose nach vierfachem 

vergeblichen Ansetzen sich endlich die befreiende Erlösung 

in der Liebe vollzog, verharrte es in ergriffenem Schweigen, ehe 

Beifallsstürme losbrachen. 

Mit den Worten „Was mir die Liebe erzählt“, wie Mahler den 

letzten Satz ursprünglich betitelte, hat Currentzis auch seine erste 

Spielzeit überschrieben. „Liebe und Hingabe an die Musik“ sollen 

den Musikern und ihm Ansporn sein. „Das ist seine Lebensphilo- 


FOTO: SWR / MATTHIAS CREUTZIGER 

sophie“, bekräftigt Bultmann. „Das Anliegen, 

Menschen zu bewegen, kann man als 

roten Faden in seiner Arbeit ausmachen. 

Er möchte dem Publikum Zugänge eröffnen 

zu dem, was in der Komposition angelegt 

ist.“ Und Bultmann erinnert sich an 

die bewegende erste Veranstaltung von „Currentzis Lab“. Über die 

Informationsreihe sucht Currentzis das Gespräch mit dem Publikum, 

um mit ihm in ein Werk einzutauchen und herauszufinden, 

welche Hoffnungen, Wünsche und Enttäuschungen der Komponist 

hineingelegt hat und was die Musik erzählt. Zu Mahler fühlt 

Currentzis sich auf besondere Weise hingezogen. Er empfindet 

sich seelenverwandt mit ihm. Aufführungen seiner Musik werden 

für ihn zu intimen Zwiegesprächen mit dem Wiener Meister. Im 

Februar wendet er sich Mahlers beglückender Vierter Sinfonie zu. 

Doch bereits davor im Dezember kehrt er ans Stuttgarter Pult 

zurück, im Gepäck abermals ein klangmächtiges Werk: Tschaikowskys 

triumphale Fünfte Sinfonie. „Das russische Repertoire 

mit ihm zu erarbeiten, ist für das Orchester besonders interessant“, 

betont Bultmann, „da Currentzis sich seit 20 Jahren zur russischen 

Kultur hingezogen fühlt.“ Currentzis wurde 1972 in Athen geboren, 

wo er 1987 bei George Hadjinikos ein Dirigierstudium begann, 

ehe er 1994 ans St. Petersburger Konservatorium wechselte. Er 

wurde Schüler des bereits 90-jährigen Ilja Mussin, von dem auch 

Semjon Bytschkow und Valery Gergiev ihre Ausbildung erhielten. 

2004 zog er in den hohen Norden und wirkte bis 2012 als Chefdirigent 

am Opernhaus in Nowosibirsk. Er rief das Ensemble Music- 

Aeterna ins Leben, dem er sich, einer Bruderschaft gleich, verbunden 

fühlt und das ihn in den Ural begleitete, als er 2011 Musikdirektor 

des Opern- und Balletttheaters Perm wurde. 

„Ein ideelles Russland“ habe Currentzis sich aus der Musik 

DAS SWR SYMPHONIEORCHESTER 

UNTER TEODOR CURRENTZIS 

Spielzeit 2018/19 

Informationen und Kartenservice: 

www.swrclassicservice.de 

heraus aufgebaut, befindet der Komponist 

Sergej Newski. Er begrüßt seinen Einsatz 

für zeitgenössische Musik. Currentzis wiederum 

sucht auch in der zeitgenössischen 

Musik das Rituelle und Spirituelle. Aus 

dieser Perspektive folgt er Newskis Versuchen, 

die Wurzeln des Klangs aufzuspüren. Er schätzt Newskis 

Œuvre als „facettenreiches Projekt der Klangrecherche“. Im Mai 

gestaltet er im Auftrag des Festivals Acht Brücken und der Philharmonie 

Köln ein Programm aus Werken Rachmaninows und 

Dmitri Kourliandskis sowie einer neuen Komposition von Newski. 

Neue Musik gehört ebenso zum Profil des Orchesters wie die 

historisch informierte Aufführungspraxis. Beides findet über das 

große sinfonische Repertoire hinaus seine Fortsetzung in Currentzis, 

der auf Norringtons einst so gerühmtem „Stuttgart Sound“ 

aufbauen will. Sir Roger Norrington war von 1998 bis 2011 Chefdirigent 

des Radio-Sinfonieorchesters Stuttgart. Er propagierte die 

Rückkehr „zu dem, was der Komponist schrieb“ und verfolgte 

damit das Ziel, die Musik „schön und aufregend“ klingen zu lassen. 

Currentzis will noch weiter. Er will die Unmittelbarkeit zurückgewinnen, 

den Zeitgeist auferstehen lassen und vorstoßen zur inneren 

Botschaft der Musik. Seine Interpretationen verwirklichen 

keine vorgefertigten Ideen. Sie erwachsen aus dem energetischen 

Strom, der ihn mit den Musikern verbindet. 

„Vor zwei Jahren haben wir die Reise begonnen“, resümiert 

Johannes Bultmann. Im September 2016 wurden das Radio-Sinfonieorchester 

Stuttgart und das SWR Sinfonieorchester Baden- 

Baden und Freiburg zum SWR Symphonieorchester zusammengeführt. 

„Mit Teodor Currentzis schlagen wir ein neues Kapitel auf 

in der jungen Geschichte des Orchesters, und wir blicken mit Lust 

und Bereitschaft auf Neues in die Zukunft.“ 

n 

47

E R L E B E N 

100 JAHRE 

FRAUENWAHLRECHT 

Mit der Einführung des allgemeinen, gleichen und direkten Wahlrechts für Frauen wurde ein 

Meilenstein in der Geschichte der deutschen Demokratie errungen. 

VON RUTH RENÉE REIF 

Seit 100 Jahren können Frauen in 

Deutschland wählen und gewählt werden. 

Anlass genug für ein Festkonzert. Nicht 

nur in die Politik fanden Frauen erst nach 

zähem Ringen Eingang. Auch in der 

Musik wollte man lange nichts von komponierenden, 

dirigierenden oder regieführenden 

Frauen wissen. Das 19. Jahrhundert 

ließ alle Hoffnungen der Französischen 

Revolution und der Aufklärung 

schwinden. Richard Wagner teilte Liszt 

1852 in einem Brief mit, er habe mit der 

Gestalt der Ortrud im Lohengrin eine 

Figur zeichnen wollen, „die Liebe nicht 

kennt. Hiermit ist alles, und das Furchtbarste 

gesagt. Ihr Wesen ist Politik. Ein 

politischer Mann ist widerlich; ein politisches 

Weib aber grauenhaft. Diese Grauenhaftigkeit 

hatte ich darzustellen“. 

Bereits im Jahr zuvor äußerte der 

Philosoph Arthur Schopenhauer in seinem 

Text Über die Weiber die Überzeugung, 

sie seien „weder zu geistiger noch 

zu körperlicher Leistung fähig“, sondern ihrer „Natur nach zum 

Gehorchen bestimmt“. Anschauungen wie diese schufen das geistige 

Klima, in dem Frauen von öffentlichen Tätigkeiten ausgeschlossen 

waren, nicht Mitglieder einer politischen Vereinigung werden 

durften und auch nicht das Recht hatten, sich politisch zu äußern. 

Hatte der Sozialkritiker der Aufklärung, Theodor Gottlieb von Hippel, 

1792 in seiner Schrift Über die bürgerliche Verbesserung der Weiber 

noch eine Befreiung durch Erziehung verlangt, die Frauen voll 

in die bürgerlichen Rechte und Verantwortlichkeiten einsetzen 

würde, wiesen die Denker des 19. Jahrhunderts dies empört zurück. 

„Unser Staat ist männlichen Geschlechts“, erklärte der Kulturhistoriker 

Wilhelm Heinrich Riehl 1855. Auch der Rechtswissenschaftler 

Johann Caspar Bluntschli bezeichnete im Deutschen Staatswörterbuch 

die unmittelbare Teilnahme an den Staatsgeschäften als 

unweiblich, für den Staat gefährlich und für Frauen verderblich. Die 

Parlamentarier in der Frankfurter Nationalversammlung warfen 

die Frage der Frauenrechte gar nicht erst auf. 

Dennoch gab es zahllose Bestrebungen, eine Frauenrechtsbewegung 

ins Leben zu rufen. Auch Frauen aus adeligen und bürgerlichen 

Kreisen suchten die Beteiligung am öffentlichen Leben. Bettina 

von Arnim etwa, die Schwester des Dichters 

Clemens von Brentano und Ehefrau von 

Achim von Arnim, wollte Teil sein von allem, 

„was mit mir auf dieser Welt ist“. Nach dem Tod 

ihres Mannes setzte sie sich für die Beseitigung 

Titel der Festschrift zum Internationalen 

Frauentag 1913 der Wiener Werkstätten- 

Künstlerin Marianne Saxl-Deutsch 

FESTKONZERT „STARKE FRAUEN“ 

Am 11. November in der 

Münchner Philharmonie 

Informationen und Kartenservice: 

www.musikerlebnis.de 

der Elendsviertel in Berlin ein. Ihre ausführlichen 

Schilderungen der Not der 

Arbeitslosen, die sie unter dem Titel Dies 

Buch gehört dem Könige an Friedrich Wilhelm 

IV. richtete, wurden jedoch beschlagnahmt. 

Die soziale Spaltung der Gesellschaft 

erschwerte es bürgerlichen und sozialdemokratischen 

Frauenverbänden, sich gemeinsam 

für die politische Teilhabe einzusetzen. 

Clara Zetkin und Rosa Luxemburg 

ging es um Klassenkampf und die proletarischen 

Frauen. An eine Gemeinschaft 

aller Frauen glaubten sie nicht. Erst als der 

deutsche Kaiser 1917 mitten im Krieg eine 

Wahlrechtsreform anstrebte, die Frauenforderungen 

aber ignorierte, kam es zu 

einem Zusammenschluss bürgerlicher und 

sozialistischer Aktivistinnen. 

Im Oktober 1918 forderten 58 deutsche 

Frauenorganisationen in einem gemeinsamen 

Schreiben das allgemeine 

Wahlrecht. Die dichte zeitliche Abfolge, in 

der hernach alles wie auf einmal erfolgte, die militärische Niederlage, 

die Novemberrevolution, die Ausrufung der Republik und die 

große Wahlrechtsreform, mag dazu beigetragen haben, den Krieg 

als Vater des Frauenwahlrechts erscheinen zu lassen. Ausgeblendet 

wurden der mühselige Weg dahin und die Bedeutung all der Frauenverbände, 

die vor dem Krieg aktiv waren. Den deutschen Historikern 

war das Frauenwahlrecht allenfalls eine Erwähnung wert. Tatsächlich 

bildeten die Frauen eine der wenigen Gruppen, die über 

viele Jahrzehnte für ihr Wahlrecht kämpften, und zwar europaweit. 

So kam es, dass von 1906 bis 1932 rund 40 Staaten das Frauenwahlrecht 

einführten. In Deutschland erhielten die Frauen am 12. 

November 1918 das Wahlrecht. Am 30. November wurde es in der 

Weimarer Verfassung verankert: „Frauen und Männer haben 

grundsätzlich dieselben staatsbürgerlichen Rechte und Pflichten.“ 

Die Wahl zur verfassunggebenden Nationalversammlung am 19. 

Januar 1919 war die erste, an der Frauen als Wählerinnen und 

Gewählte teilnahmen. Über 80 Prozent der wahlberechtigten 

Frauen gaben ihre Stimme ab. 

„Starke Frauen“ ist das Festkonzert zum Jubiläum in der Münchner 

Philharmonie überschrieben. Ein Frauenorchester mit Musikerinnen 

der großen Münchner Klangkörper 

spielt unter der Leitung von Kristiina Poska 

Kompositionen von Sofia Gubaidulina, Clara 

Schumann und der wiederentdeckten Emilie 

Mayer. Solistin am Klavier ist Lauma Skride.n 


OPUS KLASSIK 

Eine Würdigung der Jahrhundertsängerin Christa Ludwig (Seite 54) 

OPUS KLASSIK 2018: Alle Preisträger im Überblick (Seite 52) 

crescendo macht sich Gedanken: Wie sollte ein Musikpreis aussehen? (Seite 64) 

OPUS KLASSIK 2018 

DIE VERSTECKTEN JUWELEN 

TATJANA RUHLAND 


49

O P U S K L A S S I K 

DER OPUS KLASSIK 

IN ZAHLEN 

DIE JURY 

5 Vertreter von Plattenfirmen 

2 Fachjournalisten 

2 Vertreter ZDF-Redaktion Musik 

1 Kulturmanager 

1 Vertreter Deutscher Musikrat 

511 Einreichungen 

22 Kategorien 

53 Preisträger, davon gehen: 

28 Preise an die Majors 

(Universal, Sony, Warner) 

25 Preise an kleinere Plattenfirmen 

(„Independents“) 

DIE ZDF-GALA 

10 auftretende Preisträger, davon 

9 Major-Künstler 

1 Independent-Künstler 

43 Preisträger, die Sie nicht 

sehen werden … 

Scheinwerfer ins Dunkel! 

50 w w w . c r e s c e n d o . d e — Verlags-Sonderveröffentlichung zum OPUS KLASSIK 2018


Der ECHO KLASSIK heißt nun OPUS KLASSIK. 

Man mag über die Veranstaltung geteilter Meinung sein. 

Aber es gibt durchaus Preisträger, die es zu entdecken gilt. 

Neuer Name – und sonst? Der Musikpreis, einst 

bekannt als ECHO KLASSIK, heißt nun OPUS 

KLASSIK: Er besteht aus weitgehend derselben Jury. 

Die Preisverleihungs-Gala, die wieder vom ZDF 

übertragen wird, findet am selben Veranstaltungsort statt (Konzerthaus 

Berlin) und wird vom selben Moderator präsentiert 

(Thomas Gottschalk). Vom einstigen Sturm nach dem ECHO- 

POP-Skandal um die antisemitischen Texte der Rapper Kollegah 

und Farid Bang ist wenig übrig geblieben. Dabei waren es damals 

ausgerechnet die Klassikkünstler, die ihre Preise aus Protest als 

Erste zurückgegeben haben. Und nun? Weiter so, wie gehabt, 

außer dass die Phono-Akademie nicht mehr offizieller Veranstalter 

ist und ein neuer Name gefunden wurde? 

Ja, so sieht es leider aus. Zwar wird eine vollkommene Revolution 

des Preises im nächsten Jahr versprochen (dann auch mit 

Konzerten und Bühnenproduktionen als Preisträger), aber die 

Chance, ein Innehalten der Branche zu signalisieren, und sei es 

nur, indem die Preisträger in der ZDF-Gala Werke sogenannter 

„entarteter Komponisten“ spielen? Fehlanzeige! 

Unter diesen Umständen mag es verwundern, dass wir von 

crescendo uns dennoch entschlossen haben, auch in diesem Jahr 

wieder einen Schwerpunkt zum neuen Musikpreis herauszugeben. 

Wir haben innerhalb der Redaktion lange darüber debattiert. Und 

sind am Ende zu folgendem Schluss gekommen: Seit wir den 

ECHO KLASSIK begleiten, ging es uns stets darum, auch jenen 

Künstlern ein Forum zu bieten, die nicht in der großen ZDF-Sause 

auftreten. Dorthin zu horchen, wo Musik noch ein Abenteuer ist, 

wo couragierte Labels und leidenschaftliche Musiker, oft in der 

Nische der Öffentlichkeit, Trouvaillen ausgraben, sich akribisch 

um neues Repertoire und neue Interpretationsansätze kümmern. 

Denn das wäre für uns von crescendo der größte Verdienst einer 

solchen Veranstaltung: das Scheinwerferlicht auf jene Künstler zu 

werfen, die in den Massenmedien ansonsten in der Dunkelheit 

stehen. Sie haben wir in den letzten Jahren in intensiven Video- 

Gesprächen vorgestellt, uns von ihnen begeistern lassen und an 

ihrer Leidenschaft teilgenommen. 

Es sind auch diese Künstler, die besonders vehement gegen 

die antisemitischen Ausfälle bei der ECHO-POP-Verleihung protestiert 

haben (die Superstars der Branche haben erst später aus oft 

strategischen Gründen mitgemacht). Und wir finden, dass ein 

Preis, wie es der ECHO war und wie es der OPUS ist, noch immer 

eine gute Gelegenheit darstellt, diese Menschen in den Fokus zu 

rücken. 

Deshalb wird sich crescendo dieses Jahr im Hochglanzgeschäft 

des OPUS bewusst zurückhalten, nicht von der Verleihung 

und der großen Show berichten. In diesem Schwerpunkt 

geht es uns darum, Ihnen, verehrte Leser, jene Musiker vorzustellen, 

die auch bei der großen Gala nicht im Scheinwerferlicht stehen 

werden. Preisträger, die das Geschäft mit der klassischen Musik so 

spannend machen. Künstler, die keine x-beliebige La Traviata oder 

Beethoven 5 einspielen. Sondern Musiker, die sich intensiv mit 

dem Repertoire, das sie aufnehmen, auseinandersetzen, deren 

Ergebnisse nie beliebig, sondern existenziell für das sind, was sie 

mit ihrer Kunst aussagen wollen. Künstler, von denen wir fest 

überzeugt sind, dass sie und ihre Aufnahmen es wert sind, gehört 

zu werden. Künstler, die jenseits der schillernden Klassik-Oberfläche 

in die Tiefe abtauchen und wirklich Neues und Aufregendes 

für uns zutage fördern. 

So wie immer wird die ZDF-Gala auch wieder ein Treffen der 

Branche sein: Die Entscheider der Labels, Journalisten, Künstler 

und Publikum werden aufeinander treffen. Und in den Gesprächen 

auf den Fluren wird es in diesem Jahr sicherlich auch um die 

Frage gehen, wie es denn konkret mit dem Preis weitergehen soll. 

Ob man sich wieder mehr Ernsthaftigkeit leisten kann, ob die 

große Show sich auch wieder intensiver um die Musik kümmern 

sollte, ob man den Künstlern einen größeren Raum einräumen 

kann, um von ihren Projekten zu schwärmen, ob es nicht an der 

Zeit sei, neben den allgemein bekannten Megastars mehr Newcomer 

auf die Bühne zu stellen, um ihre Begeisterung zu erleben. 

crescendo freut sich auf all diese Diskussionen und auf einen 

bevorstehenden Wandel des Preises. 

Aber diese Debatte um die Zukunft des OPUS KLASSIK wird 

wohl erst beim ersten OPUS KLASSIK selbst geführt werden. Und 

wir von crescendo hoffen, dass allen Beteiligten klar wird, dass die 

Kunst, für die wir gemeinsam schwärmen, mehr ist als eine bunte 

und schrille Verpackung. Dass sie gerade nach den Vorfällen beim 

ECHO POP die Chance birgt, Bewusstsein für das Vergangene zu 

schärfen und Visionen für die Zukunft zu entwickeln. Und dass 

dafür zunächst einmal vollkommen offen alles Bisherige auf den 

Prüfstand gestellt werden sollte: von der Jury über die Präsentation 

der Preisträger bis zu den Kriterien, nach denen entschieden 

wird. Und deshalb nutzen wir diese Denkpause, um Ihnen, verehrte 

Leser, auf den nächsten Seiten jene Künstler intensiv vorzustellen, 

von denen wir glauben, dass sie die wahre Zukunft der 

klassischen Musik sind. 

Ihr crescendo-Team 

51


FOTO: DAVID VON BECKER 

Die Gewinner 

Von der Würdigung des Lebenswerks bis zum Preis für Nachwuchsförderung: 

Hier sind alle Preisträger des diesjährigen OPUS KLASSIK auf einen Blick. 

Sängerin des Jahres 

Diana Damrau 

Meyerbeer: Grand Opera 

Erato (Warner Music) 

Sänger des Jahres 

Juan Diego Flórez 

Mozart 

Sony Classical (Sony Music) 

Instrumentalist | Gitarre 

Frank Bungarten 

Johann Kaspar Mertz: 

Der letzte Wiener Virtuose 

MDG (Dabringhaus & Grimm) S. 58 

Instrumentalist | Oboe 

Albrecht Mayer 

Tesori d’Italia 

Deutsche Grammophon 

Instrumentalistin | Akkordeon 

Mie Miki 

Das wohltemperierte Akkordeon 

BIS (Klassik Center Kassel) S. 60 

Instrumentalist | Kontrabass 

Roman Patkoló 

The Six Seasons 

nasswetter music group 

(fours entertainment) 

Instrumentalist | Klavier 

Daniil Trifonov 

Chopin Evocations 


Dirigent des Jahres 

Cornelius Meister 

Bohuslav Martinů: The Symphonies 

Capriccio (Naxos) S. 59 

Ensemble/Orchester 

Gewandhausorchester 

Bruckner: Symphony No. 3, 

Wagner: Tannhäuser Overture 



L’Arpeggiata 

Händel goes wild 

Erato (Warner Music) 


Ora 

Many are the Wonders 

harmonia mundi 

Nachwuchskünstler | gem. Ensemble 

4 Times Baroque 

Caught in Italian Virtuosity 

deutsche harmonia mundi (Sony Music) 

Nachwuchskünstlerin | Flöte 

Kathrin Christians 

Feld – Weinberg – Theodorakis 

hänssler classic (Profil Medien) S. 60 

Nachwuchskünstler | Cello 

Sheku Kanneh-Mason 

Inspiration 

Decca (Deutsche Grammophon) 

Nachwuchskünstlerin | Gesang 

Regula Mühlemann 

Cleopatra – Baroque Arias 


Nachwuchskünstler | Geige 

Emmanuel Tjeknavorian 

Solo 


Klassik ohne Grenzen 

Benny Andersson 

Piano 



Bjarte Eike, Barokksolistene 

The Alehouse Sessions 

Rubicon (harmonia mundi) 


Philharmonix 

The Vienna Berlin Music Club Vol.1 


Sinfonische Einspielung | 

Musik bis inkl. 18. Jh. 

Capricornus Consort Basel 

Franz Xaver Richter: Sinfonias, 

Sonatas & Oboe Concerto 

CHRISTOPHORUS (note 1) 

Sinfonische Einspielung | Musik 19. Jh. 

Paavo Järvi, Die Deutsche 

Kammerphilharmonie Bremen 

Brahms 

RCA Red Seal (Sony) 



Sinfonische Einspielung | 

Musik 20./21. Jh. 

Baltimore Symphony Orchestra 

Marin Alsop 

Bernstein: Symphonies Nos. 1 and 2 

Naxos S. 60 

Konzerteinspielung | 


Berliner Barock Solisten 

Reinhard Goebel 

J. S. Bach: Brandenburg Concertos 


Konzerteinspielung | 


Alon Sariel 

Telemandolin 

Berlin Classics (Edel) 

Konzerteinspielung | Musik 19. Jh. 

Tatjana Ruhland, Radio-Sinfonieorchester 

Stuttgart des SWR 

Alexander Liebreich 

Carl Reinecke: Flute Concertos; 

Flute Sonatas 

cpo (jpc) S. 62 

Konzerteinspielung | Musik 19. Jh. 

Howard Shelley, Tasmanian 

Symphony Orchestra 

Potter: Piano Concertos 2 & 4 

HYPERION (note 1) 

Konzerteinspielung | Musik 20./21. Jh. 

Lisa Batiashvili 

Yannick Nézet-Séguin 

Chamber Orchestra of Europe 

Visions of Prokofiev 


Konzerteinspielung | Musik 20./21. Jh. 

Frank Dupree 

Deutsche Staatsphilharmonie 

Rheinland-Pfalz 

Karl-Heinz Steffens 

George Antheil: A Jazz Symphony, Piano 

Concerto No. 1, Capital of the World 

Suite, Archipelago Rhumba 


Chorwerkeinspielung des Jahres 

Renner Ensemble Regensburg 

War No More 

ARS Produktion 

Operneinspielung | 

Oper bis inkl. 17./18. Jh. 

Pygmalion Raphaël Pichon 

Stravaganza D’Amore 

harmonia mundi 

Operneinspielung | Oper 19. Jh. 

Joyce DiDonato, Michael Spyres 

John Nelson, Orchestre philharmonique 

de Strasbourg 

Berlioz: Les Troyens 

Erato (Warner) 

Operneinspielung | Oper 20./21. Jh. 

London Symphony Chorus 

London Symphony Orchestra 

Sir Simon Rattle 

Debussy: Pelléas et Mélisande 

LSO Live (note 1) 

Solistische Einspielung | 

Musik bis inkl. 18. Jh. / Cembalo 

Jean Rondeau 

Vertigo 

Erato (Warner) 


Musik 19. Jh. / Klavier 

George Li 

Live at the Mariinsky 

Warner Classics 


Musik 20./21. Jh. / Klavier 

Boris Giltburg 

Rachmaninov: Piano Concerto No. 2, 

Études-tableaux Op. 33 

Naxos S. 61 

Solistische Einspielung/Gesang | Oper 

Julia Lezhneva 

Carl Heinrich Graun: Opera Arias 

Decca (Deutsche Grammophon) 

Solistische Einspielung/Gesang | Oper 

Olga Peretyatko 

Russian Light 


Solistische Einspielung/Gesang | 

Oratorien/Konzert/Lied 

Barbara Hannigan 

Crazy Girl Crazy 

Alpha Classics (Outhere) S. 58 

Kammermusikeinspielung | Musik bis 

inkl. 17./18. Jh. / Bläser 

Capella de la Torre 

Katharina Bäuml 

Una Serata Venexiana 

deutsche harmonia mundi (Sony) 

Kammermusikeinspielung | Musik 

bis inkl. 17./18. Jh. / gem. Ensemble 

Yo-Yo Ma, Chris Thile 

Edgar Meyer 

Bach Trios 

Nonesuch (Warner) 

Kammermusikeinspielung | 

Musik 19. Jh. / gem. Ensemble 

Mozart Piano Quartet 

Georg Hendrik Witte: 

Piano Quartet / Horn Quintet 

MDG (Dabringhaus & Grimm) S. 62 


Musik 19. Jh. / gem. Ensemble 

Tabea Zimmermann 

Jörg Widmann, Dénes Várjon 

Es war einmal … 

myrios classics S. 57 


Musik 20./21. Jh. / gem. Ensemble 

Hinrich Alpers, Kuss Quartett 

Agata Szymczewska, Nabil 

Shehata, Marie-Pierre Langlamet 

Rudi Stephan: 

Chamber Works and Songs 


Kammermusikeinspielung | Musik 

20./21. Jh. / Klavier 

Martha Argerich, Sergei Babayan 

Prokofiev for two 


Editorische Leistung 

hänssler classic 

Legends – Vsevolod Zaderatsky: 

Klavierwerke (Jascha Nemtsov, Klavier) 

hänssler classic (Profil Medien) S. 57 

Editorische Leistung 

Sony Classical 

Leonard Bernstein: The Composer 


Welt-Ersteinspielung 

EntArteOpera Choir 

Israel Chamber Orchestra 

Martin Sieghart 

Walter Braunfels: Ulenspiegel 


Klassik für Kinder 

Lucas & Arthur Jussen 

Katja Riemann 

Roger Willemsen (Text) 

Camille Saint-Saëns: 

Der Karneval der Tiere 


Audiophile Mehrkanaleinspielung 

Iván Fischer, Budapest Festival 

Orchestra, Gerhild Romberger 

Cantemus Children’s Choir Chor 

des Bayerischen Rundfunks 

Mahler: Symphony no. 3 

Channel Classics Records 

Musik-DVD-/Blu-ray-Produktion 

Axel Borup-Jørgensen 

Marin (Regie: Morten Bartholdy) 

OUR Recordings (Naxos) S. 61 

Preis für Nachwuchsförderung 

Ensemble Esperanza 

ARS Produktion 

Bestseller 

NDR Elbphilharmonie Orchester 

Thomas Hengelbrock 

Johannes Brahms: Symphonien Nr. 3 & 4 

(die erste Aufnahme aus der neuen 

Elbphilharmonie Hamburg) 


Würdigung des Lebenswerkes 

Christa Ludwig 

S. 54 

53


Christa Ludwig: 

Kniefall vor 

einem Lebenswerk 

FOTO: SUSESCH BAYAT 

„QUIETSCHFIDEL? 

NUN JA, ICH FREUE MICH 

AUCH MIT 90 AM LEBEN. 

UND MANCHMAL 

QUIETSCHT ES HALT 

INZWISCHEN“ 



WÜRDIGUNG DES LEBENSWERKES 

Christa Ludwig kann mit quietschfidelen 90 nicht nur auf 

ein viel bewundertes Lebenswerk zurückblicken, sie 

erlebt auch noch die Ehrungen dafür. Das gibt einem 

Preis fürs Lebenswerk eine noch viel lebendigere, ja 

fröhlichere Note. Schwierig ist es freilich, aus Christa Ludwigs Diskografie 

die „Greatest Hits“ herauszustellen. Denn wie soll man sich 

einschränken bei einer Sängerin, die anscheinend nicht nur keine 

schlechten Einspielungen abgeliefert hat, sondern sogar ausschließlich 

gute, ja meist sogar hervorragende? Christa Ludwig lieh ihren 

feinen, ungekünstelten Ton reihenweise Aufnahmen, die zu Meilensteinen 

wurden. Das ist auch zurückzuführen auf die Tatsache, dass 

ihr warmer, geschmeidiger und gleichmäßiger Mezzo mit dem feinen 

Schmelz von den größten Dirigenten ihrer Zeit geschätzt und 

geliebt wurde: Otto Klemperer, Karl Böhm, Leonard Bernstein und 

Herbert von Karajan. So ein unterschiedliches Taktstock-Quadrumvirat 

kann nicht falsch liegen. 

DIE ALLESKÖNNERIN: LIED 

Christa Ludwig war, wenn man so will, eine 

echte Dreispartensängerin: gleichermaßen 

in Oper, Oratorium und Lied zu Hause, was 

man in solcher Ausgewogenheit wohl von 

kaum einer Sängerin sagen kann. Lied war 

auf Tonträger freilich das am wenigsten von 

ihr bespielte Feld. Ihr Ruhm als Liedsängerin 

– von live erlebten Liederabenden und 

der bis heute noch tätigen Pädagogin in 

Meisterkursen abgesehen – beruht eigentlich 

auf einer Einspielung: 15 Schubert-Lieder, 

mit (größtenteils) Geoffrey Parsons am 

Klavier, unter denen Gretchen am Spinnrade 

und Litanei auf das Fest Aller Seelen als 

Ideal einer gesanglich noch jugendlichen, 

gleichzeitig aber reifen Liedinterpretation 

gelten können. Etwas, was ihr knappe zehn 

Jahre später mit Irwin Gage (1973/74) oder 

der Winterreise mit James Levine (1986) 

vielleicht nicht mehr so gelang. Das ist wohl 

die Crux im Liedgesang: Bevorzugt man 

verständnislose Schönheit oder verständnisvolle 

Unebenmäßigkeit? 

Christa Ludwig selber schwankt: „Ein 

Sänger muss den Text ja erst mal begreifen, 

die Musik begreifen, bis er es wiedergeben 

kann. Ein Lied muss reflektiert gesungen 

sein – dabei muss man sich total identifizieren 

mit dem Text. Und dann muss der Text, 

das Wort, die Silbe, auch noch so gesungen 

werden, dass sie auch aussagt, was sie aussagen 

soll. Das ist ein langer Prozess, ein ewiges 

Lernen. Und wird man älter, verändert 

sich der eigene Blick auf Musik und für die 

Interpretation. Meine Mutter hat mir gesagt: 

‚Ich hoffe, dass du dir die Stimme so 

lange behältst, bis du weißt, um was es sich 

handelt.‘ Das Beste wäre freilich wenn man 

den Inhalt versteht und man es noch gut 

singen kann. Beides ist wichtig. Obwohl ich 

sagen muss, dass mir der Fischer-Dieskau, 

zum Beispiel, als er noch sehr jung war, wie 

ein Engel vom Himmel erschien. Mit so 

einer Naivität und schönen Stimme – wunderbar. 

Dann kam die Zeit, als er sehr 

manieriert war. Und dann die Zeit, als er 

schon krank war und sehr abgenommen 

hatte. Die Stimme war nicht mehr seine 

jugendfrische Stimme. Aber der Ausdruck, 

der war einfach fabelhaft! Überhaupt nicht 

mehr manieriert.“ 

ORCHESTERLIEDER 

Im Schilfbereich zwischen Lied und Oratorium 

sind die Orchesterlieder zu Hause, 

in denen Ludwig ebenfalls brillierte. Vier 

Lieder von der Erde sind uns mit Christa 

Ludwig erhalten: einmal mit Leonard 

Bernstein und René Kollo (1972). Aus dem 

darauffolgenden Jahr mit Karajan und 

wieder René Kollo. Davor kam freilich 

schon eine der ganz großen, klassischen 

Mahler-Aufnahmen des letzten Jahrhunderts, 

unter Otto Klemperer mit Fritz 

Wunderlich (1964/66). Vermutlich werden 

mehr Hörer mit diesem letzteren Lied von 

der Erde aufgewachsen sein als mit irgendeiner 

anderen Version. Erst seit Kurzem, 

aus dem Archiv der Wiener Symphoniker 

auferstanden, kann man Christa Ludwig, 

Carlos Kleiber und Waldemar Kmentt 

(1967) bewundern. Überhaupt: Mahler 

liegt ihr. Des jungen wilden Zubin Mehtas 

Zweite Symphonie ist nicht zuletzt der Sänger 

wegen – einer reifen und doch engelgleichen 

Ludwig und Ileana Cotrubas – 

noch heute die Referenz. Was für ein Röschen 

rot! Das kristallklare O Mensch in 

Bernsteins zweiter Aufnahme der Dritten 

hat immer noch seinen Gänsehautfaktor. 

Ihre Kindertotenlieder und Rückertlieder 

mit Karajan haben nichts von ihrer Herrlichkeit 

verloren. Ihre frühe Aufnahme der 

Brahms’schen Alt-Rhapsodie, Wagners 

Wesendonck-Lieder, Beethovens Abscheulicher! 

und fünf Orchesterlieder Mahlers 

unter Klemperer sind seit über einem halben 

Jahrhundert Vorzeigeaufnahmen. 

(weiter auf S. 56) 

Das launige Interview mit Christa Ludwig 

zum 90. Geburtstag, bei dem sie auf ihre 

unverwechselbare Art plaudert, sehen Sie 

auf www.crescendo.de/live 

55


ORATORIUM 

CHRISTA LUDWIG AUF DER BÜHNE: 

Ob Haydns Schöpfung, Beethovens Missa Solemnis (jeweils mit 

Karajan, Gundula Janowitz, Fritz Wunderlich und Walter Berry) 

oder Bach – Christa Ludwig ist immer mit von der Partie in Aufnahmen, 

die Generationen geprägt haben. Geschmäcker ändern 

sich und freilich ist Karl Richters Weihnachtsoratorium (wieder sind 

Janowitz und Wunderlich mit von der Partie) nicht auf neuestem, 

historisch informiertem Forschungsstand. Gleichwohl ist es bis 

heute der Weihnachtsstandard für jeden, der mit dieser hochmusikalischen 

Aufnahme in Kontakt gekommen ist. Selbst Klemperers 

Matthäus-Passion trotzt aufgrund der Sängerbesetzung weiterhin 

beharrlich jedem Zeitgeist – insbesondere in der angloamerikanischen 

Welt. 

1 

2 

OPER 

Schließlich war ihre ganz große Domäne aber die Oper. Und gleich 

1956 kam mit dem von Walter Legge produzierten Rosenkavalier 

eine Aufnahme heraus, auf der das Trio Schwarzkopf/Ludwig/ 

Stich-Randall Maßstäbe setzte. Von da an hagelte es Spitzenaufnahmen 

und „instant classics“. Die Frau ohne Schatten (1964) – „Frau 

Ludwig ist (…) gelöst und sinnlich (…) heftig und intensiv. Einen 

ganzen Abend lang wurde Wohlklang und faszinierende Expansion, 

Sicherheit sowie eine Art legere Konzentration geboten, die 

(…) dem Hörer das Gefühl gibt, hier sei einer Sängerin das Schwierige 

spielend leicht geworden.“ (Karl Löbl im Express, nach der Premiere 

an der Wiener Staatsoper). Blaubarts Burg unter István Kertész, 

gesungen mit ihrem damaligen Mann, Walter Berry (1965). 

David Hurwitz, der Christa Ludwig 2008 den Cannes MIDEM 

Classical Lifetime Achievement Award überreichte, erinnert an ihre 

Leonore in Klemperers Fidelio und die manchmal übersehene Aufnahme 

des Rosenkavaliers unter Bernstein, in der Ludwig die Rolle 

der Marschallin übernimmt und wo sie „Schwarzkopfs sorgfältige 

Textbehandlung mit einem gänzlich natürlichen, unmanierierten 

Vortrag vereint“. 

BESTE ZWEITE GEIGE ALLER ZEITEN 

Vielleicht ist das Maß für wahrlich große Musiker nicht so sehr, wie 

sie im Rampenlicht scheinen, sondern wie sie gerade auch in vermeintlichen 

Nebenrollen strahlen können und sich ganz der Musik 

und nicht nur ihrem Ego widmen. Es kann kein Zufall sein, dass die 

große Christa Ludwig gerade da entzückt und betört, wo sie quasi 

nur die Beilage zu sein scheint: als Elvira in Klemperers Don Giovanni, 

als Kundry in Soltis Parsifal, als Szuki neben Mirella Frenis 

Butterfly unter Karajan, als Adalgisa neben Maria Callas’ Norma, 

gar als Zweite Dame in Klemperers Zauberflöte. Als Old Lady in 

Bernsteins Candide, wo die damals immerhin schon 61-Jährige mit 

herzerfrischendem Humor und perfekter Aussprache in fünf, sechs 

Sprachen singt. Und nicht zuletzt als Brangäne neben Birgit Nilssons 

Isolde in Karl Böhms wegweisendem, überragend gutem Tristan 

von 1966. Das sind unvergleichliche und beglückende Momente, 

die uns heute noch Freude en masse schenken. Selbst der Verleih 

des OPUS KLASSIK Lebenswerk-Preises kann hier unserer Dankbarkeit 

nur bedingt Ausdruck verleihen. 

Jens Laurson 

Lebenswerk 

3 

5 

1. Christa Ludwig als Die Färberin und 

Walter Berry als Färber in Die Frau ohne Schatten 

von Richard Strauss (1966) 

2. … als Fricka in Die Walküre 

von Richard Wagner (1967) 

3. & 4. … als Octavian im Rosenkavalier 

von Richard Strauss (1960 & 1970) 

5. … als Ortrud im Lohengrin 

von Richard Wagner (1967) 

6. … zusammen mit Leonard Bernstein 

4 

6 

FOTOS: LOUIS MÉLANÇON; BILDARCHIV DER ÖSTERREICHISCHEN NATIONALBIBLIOTHEK; SIEGFRIED LAUTERWASSER 



KAMMERMUSIKEINSPIELUNG | MUSIK 19. JH. / GEM. ENSEMBLE 


EIN MÄRCHEN 

FÜR UNSERE 

ZEIT 

JÖRG WIDMANNS 

Komposition „Es war einmal …“ 

spielt mit alten Ritualen und 

öffnet dennoch neue Welten. 

„Es war einmal …“ – so beginnen Märchen, 

so beginnen Reisen in vollkommen neue 

Welten, so beginnen Geschichten zum 

Träumen. Und so beginnt für viele die 

Kindheit. Auch für den Klarinettisten und 

Komponisten Jörg Widmann: „Märchen 

mit ihren archetypischen Figuren und ihren 

Märchenformeln wie ‚Und wenn sie nicht 

gestorben sind …‘ haben mich, seit ich denken 

kann, fasziniert und in Unruhe versetzt“, 

sagt er. „Weil sie immer auch Seismograf 

unterschwelliger menschlicher Ur- 

Ängste und -Wünsche sind.“ Das „Es war 

einmal …“-Phänomen hat Widmann bis 

heute nicht losgelassen. Ihm geht er in seiner 

wunderbar-wundersamen Komposition 

nun auf den Grund. Natürlich mit 

einem Vorbild im Kopf: Robert Schumanns 

Märchenerzählungen. 

Das Label myrios classics hat Es war einmal 

… mit Widmann selbst, der wunderbaren 

Bratschistin Tabea Zimmermann und 

dem Pianisten Dénes Várjon aufgenommen. 

Widmanns Idee ist, das Märchen aus 

unserer Zeit heraus neu zu beleben: Die 

„Es war einmal …“-Welt ist für ihn auch 

ein Gegenentwurf zu unserer Wirk - 

lichkeit, zu dem, was wir Realität nennen, 

zu Zwängen und Erwartungen und 

gleichsam ein Kosmos dunkler Ab - 

gründe, unserer Ängste und Sorgen. 

„Als Interpret und als Komponist 

habe ich Robert Schumanns 

Märchenerzählungen immer als ein 

zerrissenes, modernes, komplexes 

Stück empfunden“, sagt 

Widmann. „Insofern möchte ich 

mein eigenes ‚Es war einmal …‘ 

auch nicht als sentimental-nostalgische 

Flucht in lang zurückliegende 

Zeiten verstanden wissen, sondern als 

naiv-fantastischen Gegenentwurf zu 

unserer realen Welt mit all ihren Verwerfungen.“ 

Genau das macht den Charme dieser 

Aufnahme aus. Tabea Zimmermann ist mit 

ihrem dunkel-leuchtenden Bratschenton 

keine Märchenoma, ebensowenig erzählen 

Jörg Widmann mit seinem samt-seidigen 

Klarinettenklang und Dénes Várjon mit seinem 

singenden Klavier alte Geschichten 

wie alte Männer. Im Gegenteil: Es war einmal 

… ist eine Komposition, die den Geist 

unserer Gegenwart trägt und gleichsam 

abtaucht in Welten des rituellen Erzählens 

und auch Visionen für ein neues, gegenwärtiges 

Märchen entwirft. Der Kontrast zwischen 

neuen und alten Märchen, zwischen 

Oberfläche und Tiefgang tut sich besonders 

dann auf, wenn am Ende der Aufnahme 

die alten Märchenbilder von Schumann 

in ihrer modernen Zerrissenheit zu 

hören sind. 

EDITORISCHE LEISTUNG DES JAHRES 

MUSIK, DIE NIE 

VERGESSEN 

WERDEN DARF 

HÄNSSLER classic feiert Jubiläum 

und wird für die Legends-Edition 

mit dem Klavierwerk 

Vsevolod Zaderatskys ausgezeichnet. 

Wenn ein Preis wie der neue OPUS KLASSIK 

einen Sinn hat, dann auch, um Persönlichkeiten 

wie Günter Hänssler auszuzeichnen! Der 

Musikverleger hat über Jahre hinweg Aufnahmen 

auf den Markt gebracht, die unseren Kosmos 

ins Unendliche erweitert haben: legendäre 

Einspielungen großer Werke, unter anderem 

mit Dirigenten wie Helmuth Rilling, Editionen 

großartiger Orchester, vor allen Dingen aber 

Einspielungen von Komponisten, die viele Menschen 

gar nicht auf dem Zettel haben – und die 

am Ende gigantische Entdeckungen sind! 

Genau eine solche Aufnahme wird nun prämiert: 

Die Klavierwerke von Vsevolod Zaderatsky, 

herausgekommen in der Legends-Edition 

mit Jascha Nemtsov am Klavier. Zaderatskys 

Lebenslauf ist der Soundtrack seiner Musik: 

Der russische Adelige war Klavierlehrer des 

Zarensohns, kämpfte im russischen Bürgerkrieg, 

gehörte zum engen Freundeskreis Skrjabins, 

wurde als „Volksfeind“ der Sowjets inhaftiert 

und kam in den Gulag. Hier komponierte 

er seine 24 Präludien für Klavier (in Anlehnung 

an den Schostakowitsch-Zyklus) aus Papiermangel 

auf Telegrafformularen – für jeweils 

zwei Stunden am Tag. Ein Klavier stand ihm 

dabei nicht zur Verfügung. Später wurde Zaderatsky 

aus dem Gulag entlassen und lebte bis zu 

seinem Tod 1953 in Lemberg. 

In seine Musik ist das eigene Leben eingeschrieben, 

die Wirren der Zeit, die Verzweiflung 

und die Hoffnung. All das erzählt der Pianist 

Jascha Nemtsov in dieser wunderbaren 

und unbedingt hörenswerten Einspielung von 

Hänssler classic. 

FOTO: HAENSSLER CLASSIC 

57


FOTO: MICHA NEUGEBAUER 

INSTRUMENTALIST | GITARRE 

DIE GEZUPFTE 

ORGEL 

FRANK BUNGARTEN entdeckt das 

Gitarrenwerk des „letzten Wiener Virtuosen“, 

Johann Kaspar Mertz. 

Sie könnten Brüder im Geiste sein, der in Pressburg geborene, 

wohl größte Gitarrenvirtuose des 19. Jahrhunderts, Johann Kaspar 

Mertz, und der gegenwärtige Meister dieses Instruments, 

Frank Bungarten. Beide suchen nach vollkommen neuen Ausdrucksmöglichkeiten 

für das Instrument, erweitern seinen Tonumfang 

und versuchen, die Grenzen des Spielbaren auszuloten. 

Kein Wunder also, dass Bungarten sich nun dieses „letzten Wiener 

Virtuosen“ angenommen hat. 

Mit unglaublich warmem Ton, präziser Technik und Mut zur 

Melancholie hat Bungarten neben den sechs Schubert’schen Liedern 

auch Mertz’ Trois Morceau, einige der Bardenklänge und 

seine Bearbeitung von Verdis Ernani-Ouvertüre aufgenommen. 

Dafür hat der Gitarrenmeister die Kontragitarre ausgewählt, 

gefertigt nach einer exemplarisch erhaltenen historischen Vorlage 

von Johann Gottfried Scherzer. Sie verfügt über einen zweiten 

Hals und eine Reihe zusätzlicher Basssaiten. Gerade dieser 

Bass macht die nun preisgekrönte Aufnahme in glänzender 

MDG-Qualität aus! 

Bungarten, der bereits vielfach ausgezeichnet ist, besticht in 

seinen Konzerten und seinen Aufnahmen nicht allein durch 

seine einfühlsame Virtuosität, sondern auch dadurch, dass er 

immer wieder hinabsteigt in die oft vergessenen Winkel der 

Musikgeschichte. Mit Mertz hebt er nun einen faszinierenden 

Musiker ins Rampenlicht: Als er nach Wien zog, nahm das allgemeine 

Interesse an der Gitarre gerade wieder ab, von Konzertauftritten 

konnte der Ausnahmemusiker nicht mehr leben, er 

war gezwungen, auch zu unterrichten, und bearbeitete – den 

Moden der Zeit entsprechend – zahlreiche Werke großer 

Meister wie eben Verdi oder Schubert. 

Mertz’ anspruchsvolle Kompositionen 

waren zum großen Teil für 

eine zehnsaitige Gitarre mit den 

zusätzlichen Saiten D-C-H-A 

be stimmt (die in der Regel leer 

gezupft wurden). So wird das 

Instrument zum Teil zu einem 

großen Orchester, oder, wie 

Bungarten in seiner Aufnahme 

hören lässt, zu einer gezupften 

Orgel, wenn er Mertz’ Orgelfuge 

nach Johann Georg Albrechtsberger 

interpretiert. 

Frank Bungarten hat auch mit 

dieser Einspielung unter Beweis 

gestellt, dass die Gitarre ein Lebensgefühl 

ist, gleichsam zur individuellen 

Adaption großer Meister wie zur 

eigenständigen Suche zutiefst 

sehnsüchtiger Musik. 

Aktuelle CD: 

„Vienna. Fin de siècle“, 

Barbara Hannigan, 

Reinbert de Leeuw 

(Alpha) 

SOLISTISCHE EINSPIELUNG/GESANG 

ORATORIEN/KONZERT/LIED 

MIT STIMME, 

HAUT UND HAAREN 

BARBARA HANNIGAN stellt Bergs Lulu in ein 

Spiegelkabinett mit George Gershwin und Luciano Berio. 

Barbara Hannigan ist selbst so etwas wie ein „Crazy Girl Crazy“ – eine 

fast anarchische Sängerin, die ihre Charaktere durch ihre Stimme bis auf 

die Knochen entkleidet. Für ihr gleichnamiges Album hat Hannigan, die 

als exzessive Lulu überall auf der Welt Erfolge feiert, ein „Spiegelkabinett“ 

des Weibes in der Musik an sich vorgelegt: Visionen von Frauencharakteren 

am Abgrund der Existenz, im andauernden Ausnahmezustand 

und in größtmöglicher Eskalation. Im Zentrum stehen dabei drei Werke: 

Teile aus Luciano Berios Sequenza III, natürlich Alban Bergs Lulu-Suite und 

George Gershwins Girl Crazy-Suite. 

Auf den ersten Blick scheint es nicht leicht, diese Werke in einen 

Bogen zu bringen. Auf den zweiten durchaus: Gemeinsam mit ihren 

Freunden aus dem Ludwig Orchester, das Hannigan dirigiert, während sie 

singt, entsteht ein Kaleidoskop des Existenziellen. Und musikhistorische 

Zusammenhänge sind durchaus erkennbar: So haben Gershwin und Berg 

einander nicht nur geschätzt, sondern auch gemeinsam Tennis gespielt, 

und Berios Stimme in Sequenza III erscheint plötzlich als Widerhall Lulus 

in unserer Zeit. 

Hannigan selbst beschreibt die Lulu als „ultimativen Freigeist“, als 

„Frau, deren Präsenz überwältigend ist, die uns zu Stärke und Wagemut 

inspiriert und gerade in ihrem Schmerz zu strahlen scheint.“ Das eigentliche 

Kommunikationsmittel ihrer Lulu ist für Hannigan weniger der Körper 

als vielmehr ihre Stimme: Sie schreit, sie reibt die Konsonanten, sie 

zischt – und atmet dann wieder unendliche Legatobögen. Vokalakrobatik 

und Gesang als Seelenspiegel. 

Am Ende dreht sich in dieser Aufnahme alles um diese Lulu-Suite, zu 

der die anderen Werke wie Kommentare erscheinen, als Spiegelbilder 

eines der facettenreichsten Operncharaktere. Gemeinsam mit ihrem 

Co-Arrangeur Bill Elliott hat sie unter anderem George und Ira Gershwins 

Song But Not for Me zu einem fast wagnerhaften Klangrausch umgeschrieben. 

Im Gegenüber zur Lulu-Suite entsteht so ein wahnsinnig 

erscheinender Seelenwandel, eine ureigene Stimmung wie in einer 

Nachtbar, in der das benebelte Extrakt des Menschen irgendwann allein 

an einer Bar sitzt und die Gespenster des Geistes Revue passieren lässt. 

Es ist die Ambition, die dieses Album (und eigentlich jede Arbeit und 

Interpretation von Hannigan) ausmacht. Der Mut, Musik vollkommen 

neu zu denken und an jenen Rand zu treiben, an dem das alte Ideal der 

Schönheit einem neuen weicht: der Schönheit des Existenziellen, des 

„So-und-nicht-anders“, eines „Mit-Haut-und-Haaren-Gefühls“. 

FOTO: ELMER DE HAAS 



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1. DIRIGENT DES JAHRES 2. KONZERTEINSPIELUNG | MUSIK 20./21. JH. 3. WELTERSTEINSPIELUNG DES JAHRES 

Mutige Musiker 

entdecken mutige Musiker 

Das Erfolgsrezept des Labels Capriccio: die Begeisterung seiner Künstler 

für vergessene Komponisten zu fördern. So entstanden drei große Einspielungen 

mit Werken von MARTINŮ, ANTHEIL und BRAUNFELS. 

FOTOS: MARCOBORGGREVE; STEFAN WILDHIRT; ROBERT MAYBACH 

Gleich dreimal geht der neue OPUS KLASSIK an das 

Label Capriccio. Und schnell wird klar, was die Aufnahmen 

dieser Firma so unverzichtbar macht: Mutige 

Orchester, wache Künstler und oft vergessene Komponisten 

wachsen hier zu Referenzaufnahmen zusammen. 

Kein Wunder also, dass der „Dirigent des Jahres“ ebenfalls bei 

Capriccio zu hören ist: Cornelius Meister (1), Sohn zweier Klavierlehrer 

aus Hannover, heute Generalmusikdirektor der Staatsoper 

Stuttgart und erster Gastdirigent des Yomiuri-Nippon-Sinfonieorchesters. 

Nun wird er auch für seine verdienstvolle Auseinandersetzung 

mit Bohuslav Martinů ausgezeichnet. Gemeinsam mit 

dem Radio-Symphonieorchester Wien hat er sämtliche Sinfonien 

des tschechischen Komponisten, der noch immer im Schatten von 

Smetana, Dvořák oder Janáček steht, aufgenommen. Der Schuhmacher-Sohn 

Martinů war so begabt, dass sein Heimatort ihm die 

musikalische Ausbildung finanzierte, allerdings wurde er wegen 

mangelndem Interesse schnell vom Unterricht am Konservatorium 

ausgeschlossen. Seine Musik ist eigenwillig: Anklänge an die Volksmusik 

seiner Heimat, aber auch die gekonnte Verarbeitung des 

Zeitgeistes – vor allen Dingen aber das Bekenntnis zur Musik als 

gefühlhafte und emotionale Kategorie. Seine erste Sinfonie nahm 

Martinů in Angriff, nachdem er von den Nazis verboten worden 

und in die USA emigriert war. Das war 1942, bis 1946 legte er jedes 

Jahr eine neue Sinfonie vor, die sechste entstand dann 1953. Cornelius 

Meister und sein Wiener Orchester erzählen auch die Zwischentöne 

seiner Klangsprache, sezieren die unterschiedlichen Ebenen 

und stellen die Musik in einen historischen Bogen. Ein Projekt, 

an dessen Ende sicherlich auch anderswo die Neuentdeckung 

Martinůs stehen wird. 

Auch die zweite preisgekrönte Aufnahme aus dem Hause Capriccio 

basiert auf Entdeckergeist, einem engagierten Orchester, der 

Deutschen Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz und Musikern wie 

Karl-Heinz Steffens (2) und Frank Dupree. Auch bei ihnen steht 

ein Musiker im Vordergrund, der zu Unrecht vergessen ist: Der USamerikanische 

Komponist und Pianist George Antheil war aufgrund 

seiner musikalischen Provokationen und seiner Selbstinszenierung 

im Paris der 20er-Jahre berühmt und berüchtigt. So trug er 

einer Legende nach (die er selbst geschaffen hat) während seiner 

Konzerte stets eine Pistole bei sich, um sich einen Fluchtweg freischießen 

zu können. Bis heute schmunzelt man über diese charmante 

Anekdote. Besonders die 1925, kurze Zeit nach George 

Gershwins Rhapsody in Blue entstandene Jazz Symphony, die damals 

die Grenzen der Hörerfahrungen sprengte, erscheint heute als 

lustvoller, spielerischer und zutiefst inspirierter Musik-Sog. Das 

Porträt des „Bad Boy of Music“ wird durch Antheils erstes Klavierkonzert 

und weitere Werke abgerundet. Eine äußerst spannende 

Veröffentlichung der Capriccio-Reihe „modern times“ auf technisch 

hohem Niveau. 

Für die letzte mit dem OPUS KLASSIK ausgezeichnete Aufnahme 

folgte Capriccio dem Musikausgräber und Dirigenten 

Martin Sieghart (3) in die Tabakfabrik Linz. Hier sorgte Sieghart 

mit der Ausgrabung von Walter Braunfels’ Oper Ulenspiegel für 

Aufsehen beim Festival EntArteOpera. Die Oper entstand 1913, 

orientiert sich an der Figur Thyl und erzählt die „Legende und die 

heldenhaften, fröhlichen und ruhmreichen Abenteuer von Ulenspiegel 

und Lamme Goedzak im flandrischen Lande und anderswo“ 

von Charles de Coster. Braunfels, der in Frankfurt geboren wurde, 

arbeitet sich in seiner Choroper Ulenspiegel auch an den Wirren seiner 

Welt ab. Unter den Nazis ging Braunfels in innere Emigration, 

nahm seine Lehrtätigkeit in Deutschland nach dem Krieg wieder 

auf, wurde aber von Altnazis geschnitten und behindert. Umso 

wichtiger ist diese Aufnahme seiner Oper im Arrangement für 

Kammerorchester, mit der Martin Sieghart bewusst „gegen die geistige 

Trägheit unserer Zeit“ antreten will. 

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INSTRUMENTALISTIN 

AKKORDEON 

BACH, 

SO 

UNTER- 

HALTSAM 

WIE 

KLUG 

In ihrer neuen Einspielung 

widmet sich 

die Akkordeonspielerin 

MIE MIKI 

dem Wohltemperierten Klavier 

SINFONISCHE EINSPIELUNG | MUSIK 20. / 21. JH. 

INNIGE BESCHREIBUNG 

UNSERER WELT 

MARIN ALSOP und das Baltimore Symphony Orchestra 

spielen für Naxos die ersten beiden Bernstein-Sinfonien ein. 

Natürlich, eine Amerikanerin! 

Wer sonst, wenn nicht 

die wohl bekannteste Schülerin 

Leonard Bernsteins, 

sollte sich – pünktlich zu seinem 

100. Geburtstag – seiner 

Sinfonien annehmen? 

Gemeinsam mit ihrem Baltimore 

Symphony Orchestra 

tut Marin Alsop das mit 

einer so unglaublich hautnahen 

und fast schon verstörenden 

Kraft und katapultiert 

die Sinfonien Nr. 1 und 2 

als Spiegelbild in unsere verrückte 

Gegenwart. 

Es ist im Jubeljahr weitgehend 

verpasst worden, Leonard Bernstein 

abseits von Candide und West Side Story noch 

einmal neu zu entdecken. Aber gerade das 

lohnt sich. Denn hier ist ein Komponist zu 

hören, der nicht allein an die leidenschaftliche 

Größe der Musik als gesellschaftliche 

Kraft glaubte, sondern – mit allen Mitteln der 

Moderne gewaschen – auch an die Möglichkeit, 

die eigene Zeit zu beschreiben und sie 

vielleicht zum Besseren zu wenden. 

FOTO: GRANT LEIGHTO 

In beiden Sinfonien geht 

es Bernstein um das Verschwinden 

von Glaubensgrundsätzen 

und Hoff - 

nung. Eine Tendenz, die 

bis heute anhält. Was er 

dem entgegenzusetzen 

hat, verdeutlichen Alsop 

und ihr Orchester in ihrer 

eindringlichen Interpretation. 

In seiner ersten, der 

Jeremiah Sinfonie, hören 

wir, gespickt mit zahlreichen 

Anleihen an die 

jüdische Musiktradition, 

ein inbrünstiges Klagen 

über den Verfall der 

Moral, in der Zweiten Sinfonie, dem „Zeitalter 

der Angst“, bezieht sich Bernstein auf ein 

Gedicht von W. H. Auden: auch hier Musik 

der Klage, Elemente des Jazz und eindringliche 

Leidenschaft. Ein Maskenball führt uns 

unsere Welt vor Augen, in dem die Angst 

regiert und die Verstellung zur Tugend 

geworden ist. Trouvaillen der Kammermusik, 

die durchaus für sinnliche Begeisterung sorgen 

können. 


Die japanische Akkordeon-Professorin an 

der Folkwang-Hochschule, Mie Miki, kennt 

keine Grenzen innerhalb der Musik: Sie hat 

bereits ein Album mit japanischen Komponisten 

für ihr Instrument vorgestellt, nun 

betritt sie die ehrwürdige Halle europäisch-klassischer 

Urkultur und nimmt sich, 

wie schon viele vor ihr, Bachs Wohltemperiertes 

Klavier vor (nachdem sie für das 

Label BIS bereits Bachs Italienisches Konzert 

eingespielt hat). 

Noch eine Adaption des Meisterwerkes, 

möchte man meinen, aber Mie 

Miki ist mit allen Wassern gewaschen und 

vermag es, das komplexe harmonische 

Konstrukt, Fugen und Partitas, mit dem 

Wissen um die Musikgeschichte in die 

Dimension der Unterhaltung zu transponieren, 

ohne dass ihrer Musik ein Quäntchen 

an Ernsthaftigkeit abgeht. Zu jeder 

Zeit scheint die Virtuosin genau zu wissen, 

was sie tut und vor allen Dingen, was sie 

sagen will. Spielfreudig, technisch brillant 

und vollkommen entstaubt setzt sie ihr 

„wohltemperiertes Akkordeon“ in Szene, 

nicht als „altes Testament“ der Musikgeschichte, 

sondern als gegenwärtige, aktuelle, 

hautnahe Musik, die den Zuhörer 

unmittelbar berührt und sofort mitreißt. 

NACHWUCHSKÜNSTLERIN | FLÖTE 

EINLADUNG IN DIE MUSIK 

Die Flötistin KATHRIN CHRISTIANS zeigt ihre technische Vielfalt 

in Werken von Feld, Weinberg und Theodorakis. 

Man könnte die Geschichte der jungen Flötistin 

Kathrin Christians als Geschichte einer 

Kämpferin beschreiben: Musikerkarriere, 

früher Schlaganfall, Rehabilitation 

– und Auferstehung. 

Aber so sehr man ihren mu - 

tigen und kraftvollen, le - 

bens bejahenden Weg würdigen 

will, so sehr lohnt es 

sich, jenseits dieser Ge - 

schichte auf ihr Spiel zu achten. 

In ihrer Interpretation 

der Con certi von Jindřich 

Feld und Mieczysław Weinberg, 

zweier zutiefst individuellen 

und eigensinnigen 

Kom ponisten des 20. Jahrhunderts, 

lässt Christians, 

ge meinsam mit dem Württembergischen 

Kammerorchester 

Heilbronn unter Leitung von Ruben 

Gazarian, in tiefster Intimität das Verwunderliche 

und Wunderbare aufleuchten. 

FOTO: JANINE KÜHN 

Ebenso wie sie im kurzen Adagio von Mikis 

Theodorakis pure, melancholische Lebensfreude 

versprüht. Das Bestechende an dieser 

Einspielung ist Christians’ 

Kunst der Nähe. In jedem 

Werk vermittelt sie eine 

Einladung an den Zuhörer, 

sich ge meinsam mit ihr in 

der Musik zu bewegen. 

Sie selbst bezeichnet 

Felds Concerto als Paradebeispiel 

für ein zu Unrecht vergessenes 

Meisterwerk des 

20. Jahrhunderts: Es steht in 

der klassi schen Tradition, 

spielt gleichsam mit dem 

Seriellen und be wegt sich so 

zwischen Rückschau und 

Zu kunft. Christians be weist 

hier ihr spieltechnisch vielfältiges 

Können und changiert souverän zwischen 

Klarheit und ei genem rauschhaften 

Interpretationsansatz. 



SOLISTISCHE EINSPIELUNG | MUSIK 20. / 21. JH. / KLAVIER 

SEIN OHNE SCHEIN 

BORIS GILTBURG beweist sich mit Rachmaninovs 2. Klavierkonzert als Seelenerzähler des Komponisten. 

FOTO: ASHA GUSOV 

Nachdem Boris Giltburg vor einiger Zeit 

Sergei Rachmaninows Études-tableaux op. 

39 vorgestellt hat, war klar: Der in Moskau 

geborene und in Israel aufgewachsene Pianist 

beschreitet einen vollkommen neuen 

Weg, um das Werk des russischen Komponisten 

in unsere Zeit zu stellen. Diese Vermutung 

bestätigt er nun mit der Einspielung 

des wohl bekanntesten und größten 

Werkes des Komponisten, seinem Klavierkonzert 

Nr. 2, mit dem Royal Scottish National 

Orchestra und Carlos Miguel Prieto 

für das Label Naxos. 

Beeindruckend, wie Giltburg sich als 

Interpret einerseits zurücknimmt, es auf 

der anderen Seite versteht, einen vollkommen 

neuen und individuellen Zugang hören 

zu lassen. Das zuweilen Oberflächige, das 

provokant Bombastische, das Laute verschwindet 

bei ihm hinter einer vollkommen 

neuen Perspektive: Giltburg scheint so tief 

mit dem Werk Rachmaninows vereint, 

dass es ihm gelingt, den Geist des Komponisten 

aufzuspüren und auszustellen. In seiner 

Interpretation erzählt er Geschichten, 

horcht auf das Orchester, lässt die Soli 

neben seinem Spiel atmen, reist durch 

schneebedeckte Landschaften und variiert 

immer wieder seine Ausdrucksformen. So 

entsteht ein 2. Klavierkonzert, das energiegeladen 

ist, einen großen, einheitlichen 

Bogen spannt und sich niemals verrennt – 

ein zutiefst wahrhaftiger Rachmaninow, 

der ohne Schein nur das Sein ausstrahlt. 

Ebenso klar und unprätentiös kommen die 

Études-tableaux op. 33 daher. Auch hier 

behält Giltburg stets die Erzählung im 

Auge, lässt sich nie durch Effekte ablenken 

und steuert durch die verblüffende Klangvielfalt 

der Partiturlandschaft. 

Aktuelle CD: 

Rachmaninov: 

Piano concerto No. 3 

(Naxos) 

MUSIK-DVD-/BLU-RAY-PRODUKTION | MUSIK 

WENN MUSIK AUGEN BEKOMMT 

Das Orchesterstück Marin von Axel Borup-Jørgensen taucht mit spektakulären Animationsbildern in tiefe See. 

FOTO: MARTIN BUBANDT 

Thomas 

Søndergård 

Weite, surreale Welten aus Natur und Technik eröffnen sich in dieser für 

alle Sinne bestimmten DVD. Marin ist der Titel des orchestralen Hauptwerks 

des dänischen Komponisten Axel Borup-Jørgensen, das er zwischen 

1963 und 1970 geschrieben hat. Der Musiker wuchs in Schweden 

auf, studierte noch in Kopenhagen und war der erste Däne, der in der 

Darmstädter Schule zu Hause war, aber nie selbst serielle Musik 

geschrieben hat. 

Marin ist derart komplex, dass es über 55 individuelle Streicherstimmen 

verfügt und längst als Meisterwerk gefeiert wird: Musik der Verästelungen, 

in dem das Individuelle sich zum Kollektiven verwebt. Borup-Jørgensen 

selbst nannte sein Orchesterstück ein „Gedicht in Musik“. Inspirationsquelle 

für sein Opus magnum war der Ozean: auch er ein Biotop, 

das durch unendlich kleine Teile zum Großen und Ganzen wird. Und in 

dessen abenteuerliche Tiefen taucht Axel Borup-Jørgensen in seinen 

vollkommen neuen Klangwelten ab. Für diese Aufnahme leitet Thomas 

Søndergård das Danish National Symphony Orchestra mit virtuoser 

Vielschichtigkeit. 

Und die Musik bekommt nun plötzlich Augen und einen visuellen, kunstvoll 

animierten Rahmen, der im Zusammenspiel von Auge und Ohr vor 

allen Dingen den Geist öffnet. Eine animierte Fantasie, die den Zuschauer 

in eine spektakuläre Unterwasserwelt einlädt, in der sich unterschiedliche 

Kreaturen eingerichtet haben. Einige dieser Wesen, die das Reich 

unter der Wasseroberfläche bevölkern, sind von Axel Borup-Jørgensens 

eigenen Zeichnungen inspiriert. Regisseur Morten Bartholdy schafft eine 

Welt, die vom Ozean angeregt ist, farbliche und kaleidoskopische 

Räume, archaische Fabelwesen, Licht und Schatten, Figuren, die aus der 

Antike in unsere Zeit hinüberzuschwimmen scheinen, virtuell und dennoch 

verblüffend real. Mit dieser monumentalen Arbeit hat Bartholdy 

nicht nur einen vollkommen neuen Zugang gefunden, um Musik im Film 

zu animieren, sondern lockt durch seine spektakulären Bilder in eine 

Welt, in deren fantastischer Tiefe man gern verweilt. 

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KONZERTEINSPIELUNG | MUSIK 19. JH. 

ROMANTISCHER NEBEL IN LICHT GETAUCHT 

TATJANA RUHLAND betritt mit den Flötenwerken von Carl Reinecke einen vergessenen Ort der Romantik. 

„Das Flötenkonzert von Carl Reinecke ist das 

Konzert, das Schumann nie schrieb.“ So sieht es 

die Flötistin Tatjana Ruhland. In ihrer mit dem 

OPUS KLASSIK ausgezeichneten Aufnahme 

betritt sie, wie es ein Kritiker sagte, „lost 

spaces“ der Musik: Orte, die lange nicht besucht 

wurden, an denen sich der romantische Nebel 

niedergelassen hat und an denen Ruhland nun 

nach neuen Lichtstrahlen sucht. Genau dafür 

bieten sich die Flötenkonzerte von Carl Reinecke 

an. Der Musiker, der 1842 in Hamburg geboren 

wurde, war in Leipzig, in Paris, in Bremen und 

Breslau tätig, traf die größten Musiker seiner 

Zeit wie Hector Berlioz, Felix Mendelssohn 

Bartholdy oder Robert Schumann. Reinecke 

stellte sich bewusst in ihre Tradition: „Ich 

würde mich nicht wehren, wenn man mich 

einen Epigonen nennt“, sagte er einmal. 

Gemeinsam mit dem Radio-Sinfonieorchester 

Stuttgart unter Alexander Liebreich interpretiert 

Ruhland seine Musik, die sie als „hochromantisch“ 

und „zu Herzen gehend“ 

beschreibt, mit ungestillter Sehnsucht, 

mit dunkler Freude am Abgrund und 

gleichsam lichtdurchflutet. „Die 

bescheidene, feinsinnige Persönlichkeit 

des Komponisten drückt 

sich besonders in seinen tiefgründigen 

und virtuosen Werken 

für die filigrane Querflöte 

aus“, findet Reinecke. Und so 

hört sich ihre Interpretation 

auch an: wie eine leidenschaftliche 

Liebeserklärung 

und das vorsichtige, aber 

bestimmte Betreten eines 

verlorenen Ortes der 

Mu sikgeschichte, der in 

Zu kunft auch durch diese 

Aufnahme si cherlich wieder 

öf ter besucht werden 

wird. 


KAMMERMUSIKEINSPIELUNG | MUSIK 19. JH. / GEM. ENSEMBLE 

DIE ANDERE SEITE DES HERRN WITTE 

Das MOZART PIANO QUARTET entdeckt den Musikmanager Georg Hendrik Witte 

als romantischen Kammermusik-Komponisten. 

Es gibt Musiker, deren Werk in der Ge - 

schichte schnell vergessen wird, weil sie 

auch andere große Dinge geleistet haben 

oder weil ihr Handeln zuweilen politisch 

umstritten war. Georg Hendrik Witte ist 

einer dieser Menschen: Sein Ruhm basiert 

darauf, den Musikverein Essen groß gemacht 

zu haben. Während der Industriellen Revolution 

lockte Witte Brahms nach Essen, gründete 

ein Orchester, errichtete einen neuen 

Saal, der in Anwesenheit von Richard Strauss 

eingeweiht wurde. Vergessen wurde darüber 

oft Wittes eigenes kompositorisches Werk. 

Das Mozart Piano Quartet hat sich nun 

für MDG mit Freunden zusammengetan und 

Wittes Kammermusik ausgegraben, sein Klavierquartett 

und das Hornquintett – zwei 

Werke aus der Leipziger Frühzeit des Komponisten. 

Beide Stücke sind Weltersteinspielungen, 

und der romantische Sog, den sie 

entfalten, ist großartig: Erfindungsreichtum, 

große Melodien, dramatische Momente, 

aber immer auch versteckter Humor und 

lyrische Passagen. 

Anders als in Wittes Violinkonzert wird 

in seiner Kammermusik der romantische 

Duktus im Dialogischen deutlich. Für das 

Mozart Piano Quartet und seine musikalischen 

Mitstreiter scheint der vielfältige 

Klangkosmos, den Witte entstehen lässt, 

der eigentliche Kern zu sein. Sie lassen einen 

Komponisten hören, der mitten in seiner 

Zeit steht, unterschiedliche Strömungen 

miteinander verbindet und in seinem 

Abwechslungsreichtum eine mehr als spannende 

Entdeckung darstellt. 

FOTO: MOZART PIANO QUARTET 



WOHER KOMMT 

EIGENTLICH … 

… „Opus“ ? 

VON STEFAN SELL 

Franz Schubert, der seinen Erlkönig 

rückwirkend zum Opus 1 deklarierte 

Manchmal macht man sich viel 

Arbeit und nichts kommt dabei 

herum. Umso größer die Freude, 

wenn etwas dabei herumkommt, 

die Arbeit ein Ergebnis erzielt. Dann ist es 

ein Werk, ein Opus. Ob „opusculum“ oder 

„opus magnum“, ob also klein oder groß – 

mit Opus ist immer ein Werk gemeint, ein 

Kunstwerk, ein Bauwerk, ein literarisches 

oder eben: ein musikalisches Werk. 

Im Jahr 1537 veröffentlichte der aus 

Hamburg stammende Musiktheoretiker 

Nicolas Listenius mit seiner Musiklehre 

„Musica“ eine Art Handbuch für Komponisten 

und wertete den Komponisten gegenüber 

dem Interpreten auf. Vorher waren beide 

ebenbürtig gewesen, die „musica practica“ bezeichnete das praktische 

Tun, sowohl in der Komposition als auch in der Vortragskunst. 

Tonsetzer wie Tonkünstler, Komponisten wie Ausführende standen 

sich in nichts nach, oft genug waren sie ein und dieselbe Person. 

Doch während die Vortragskunst ein flüchtiges Element ist, bleibt 

eine Komposition für die Ewigkeit. Listenius brachte hierfür erstmals 

die „musica poetica“ ins Spiel: Aus der künstlerischen Arbeit 

eines Tonsetzers sollte ein „opus perfectum et absolutum“ resultieren, 

ein perfektes und endgültiges Werk, das als „opus consumatum 

et effectum“ vollendet über seinen Schöpfer hinauswirkt. Leicht 

ließe sich nun hinter „poetica“ das Poetische vermuten. Allein: 

„poetica“ bezieht sich auf die poetische Wissenschaft des Aristoteles, 

in der es darum geht, etwas zu „machen“, das bleibt, schwarz auf 

weiß. „Denn was man schwarz auf weiß besitzt“, meldet der Schüler 

in Goethes Faust, „kann man getrost nach Hause tragen.“ Ein 

schriftlich niedergelegtes und gedrucktes Werk kann von Nachfolgenden 

immer wieder aufgeführt und interpretiert werden. 

Apropos Druck: Man stelle sich den Druck vor, unter dem ein 

Komponist steht, schweißgebadet vor dem leeren Blatt Papier sitzend, 

gleich beim ersten Werk sich als Titan zu erweisen. Eine Reihe 

bekannter Komponisten hat daher rückwirkend reiferen Werken 

das Etikett „op. 1“ verliehen. Als Franz Schubert, damals gerade 18, 

an einem einzigen Tag seinen Erlkönig komponierte, hatte er sich 

mit Gretchen am Spinnrade (op. 2) und Schäfers Klagelied (op. 3.1) 

schon warmgeschrieben. Dennoch, op. 1 wurde der Erlkönig. Beethoven 

hat gleich drei Klaviertrios zu seinem op. 1 gemacht, obwohl 

seine erste Publikation die Figaro-Variationen 

waren, heute „WoO 40“, ein „Werk ohne 

Opuszahl“. Mehrere Werke unter ein und 

derselben Opuszahl veröffentlichte auch 

Corelli. Sein op. 1 besteht aus zwölf Kirchensonaten, 

1681 der schwedischen Königin 

zugeeignet. Händels op. 1 sind gar 20 höchst 

virtuos zu spielende Sonaten – ob sie alle seinem 

Kopfe entsprungen sind, darüber streitet 

die Fachwelt. Beide zählen zu den ersten, 

die mit Opuszahlen operierten. César Franck 

übrigens, der gerne als Nachfolger Beethovens 

gehandelt wurde, übernahm Beethovens 

Idee, drei Klaviertrios in den op.-1-Stand zu 

erheben, obwohl auch er vorher schon anderes 

komponiert hatte. 

Wichtig wurden Opuszahlen, als die Musikverleger mitmischten. 

Was nicht bedeuten musste, dass ein Werk, das gleichermaßen 

in London wie in Wien erschien, auch dieselbe Opuszahl trug. Verleger 

griffen auch gerne zu hohen Opuszahlen, zeugten die doch 

von einem gereiften Komponisten und vor allem: von frischer Ware. 

Das Durcheinander zu beheben, machten sich die Verzeichnisse zur 

Aufgabe. Schuberts op. 1 ist im Deutsch-Verzeichnis Nr. 328. Vater 

Leopold Mozart legte bereits 1768 für die Werke seines Sohnes „ein 

Verzeichnisz alles desjenigen was dieser 12jährige Knab seit seinem 

7ten jahre componiert und in originali kann aufgezeiget werden“. 

Sohn Mozart schrieb 1784 eigenhändig ein „Verzeichnüss aller meiner 

Werke“, das natürlich nicht alle seine Werke beinhaltete. 

Was Listenius nicht wissen konnte: Seit es Tonträger gibt, verewigen 

sich auch die Interpreten. Mit jedem neuen Silberling hinterlassen 

sie ein Opus. Sie stehen heute in vorderster Reihe und auf 

dem Podest, und damit höher als der Komponist. Die Vortragskunst 

nannte Listenius übrigens „musica modulatoria“. Um sie zu 

ehren, wird nun also in der Nachfolge des ECHO KLASSIK der 

OPUS KLASSIK verliehen. Was wäre, wenn der taufrische Preis 

sich der „musica practica“ erinnern würde und, unabhängig von 

Verkaufszahlen, den Interpreten wie den Komponisten gleichermaßen 

schätzend, die Chance nutzen würde, sich weiter zu öffnen? 

Um in Zukunft neben lebenden Interpreten vielleicht auch lebende 

Komponisten zu ehren? „When we all give the power, we all give the 

best (…) Then it’s live, live is life!“ sang, über alle Grenzen hinweg, 

1985 eine österreichische Band. Ihr Name: „Opus“. ■ 

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M E I N U N G 

Der Axel-Brüggemann-Kommentar 

EIN PREIS VOM 

WEISSEN BLATT 

Der ECHO heißt nun OPUS. 

Wie aber würde ein Musikpreis aussehen, wenn man ihn 

vollkommen ohne Zwänge erfinden dürfte? 

IST ES MÖGLICH, EINE VERANSTALTUNG 

ZU ERFINDEN, IN DER DIE MUSIK ALS 

SINNLICHES KOMMUNIKATIONSMITTEL 

IM ZENTRUM STEHT? 

Angenommen, wir hätten ein weißes Blatt Papier vor uns liegen und 

würden gebeten, einen eigenen Klassikpreis zu veranstalten – wie 

würde der aussehen? Nun, zunächst würden wir vielleicht einige 

Stichpunkte notieren: Im Vordergrund sollten die Musik und ihre 

Interpreten stehen. Der Preis sollte transparent sein. Die Präsentation 

jene Leidenschaft transportieren, welche die Preisträger 

antreibt. Und, klar: Der Preis sollte das Publikum durch Virtuosität, 

Können und Überraschungen 

begeistern. Man will die Preisträger 

hautnah erleben, ihre Musik 

und ihre Arbeit. Und ein solcher 

Preis sollte natürlich auch all das 

vereinen, was die klassische Musik 

für viele bedeutet: spielerische 

Tiefe, eine Brücke aus der Vergangenheit 

in die Zukunft, Unterhaltung 

und Besinnung, emotionale 

Berührungspunkte, Abgründe und Hochgefühle. Kurz gesagt: eine 

Werbeveranstaltung nicht für einzelne Künstler oder Labels, sondern 

für die Musik an sich, die derzeit eh um jeden öffentlichen 

Raum kämpft, in dem sie noch stattfinden kann. 

Es ist hier nicht die Frage, ob der ECHO KLASSIK oder der 

OPUS KLASSIK diese Erwartungen erfüllt haben oder erfüllen werden. 

Es geht um die grundsätzliche Frage, ob es eine Möglichkeit 

gibt, eine Veranstaltung zu erfinden, in der die Künstler so ernst 

genommen werden wie das Publikum – und in der die Musik als 

sinnliches Kommunikationsmittel im Zentrum steht. Durch die 

Musik selber und durch das Reden über die Musik. 

In Deutschland – und weltweit – gibt es zahlreiche Klassikpreise 

und noch mehr Klassikwettbewerbe. Allein das zeigt, dass wir 

Menschen uns nach Vergleichen sehnen, nach Wettbewerb, nach 

Konkurrenz und nach Kriterien, mit denen wir Musik einordnen 

können. Dabei muss man allerdings genau trennen: Während Preise 

wie der OPUS KLASSIK bewusst (und durchaus legitim) erfunden 

wurden, damit die Phonoindustrie ihre Besten in die Öffentlichkeit 

schickt, sind Wettbewerbe wie der ARD-Musikwettbewerb, Jugend 

musiziert, der Tschaikowsky-Wettbewerb 

in Russland oder der Chopin-Wettbewerb 

in Warschau Leistungsshows, 

in denen junge Talente 

sich einer fach kundigen Jury aussetzen. 

An dieser Stelle ist vielleicht 

ein kleiner Rückblick hilfreich. Tatsächlich 

geben Preise vielen Karrieren 

einen Schub: Plattenvertrag, 

öffentliche Aufmerksamkeit, Preisträgerkonzerte und eine erhöhte 

Nachfrage bei Konzert-Engagements. Es gab aber auch Zeiten, in 

denen Wettbewerbe weit weniger wichtig waren, besonders auf dem 

Feld des Gesangs. Damals war die Bühne eines Stadttheaters ein allabendlicher 

Wettbewerb. Hinter den Kulissen wurden junge Sänger 

über viele Jahre hinweg ernsthaft von Dirigenten begleitet, man hat 

geeignetes Repertoire gesucht, hat Nebenrollen gesungen, um die 

eine, die große Hauptrolle im Jahr perfekt vorzubereiten. Ein Engagement 

war die Fortsetzung des Studiums unter realen Bedingungen. 

Eine Zeit, in der Agenten und Intendanten noch selber gereist 

sind, um junge Stimmen in Oldenburg oder Bremerhaven, in Nürnberg 

oder Zwickau zu entdecken und an das nächst größere Haus zu 




holen – oder ihnen gar einen Plattenvertrag anzubieten. 

Diese Zeiten sind vorbei. Die Stadttheater, gefangen in Sparzwängen, 

können diesen Aufwand und diese Förderung kaum noch 

leisten. Zugegeben, einigen Orchestern gelingt das noch immer, 

indem sie ihre Stimmführer in Solokonzerten auftreten lassen und 

ihnen die Möglichkeit geben, sich im Rundfunk oder auf CD-Einspielungen 

zu behaupten. Grundsätzlich aber ist ein Großteil der 

Entdeckungsreise Kultur in Wettbewerbe abgewandert. Und hier 

sitzen meist die üblichen Verdächtigen, oft Agenten, die dann wiederum 

ihre Spitzenkandidaten an die Orchester oder Bühnen schicken, 

wo an einem Nachmittag von GMDs oder Intendanten über 

ein Engagement – oder eben keines – entschieden wird. 

Auch wenn Wettbewerbe gern den Maßstab der Objektivität 

für sich beanspruchen, wenn sie behaupten, dass aus allen Bewerbern 

am Ende der oder die Beste ausgewählt 

wird, so ist dieses natürlich nur 

DAS SPANNENDE IST, DASS 

DAS STREITEN UM QUALITÄT 

EIN SPANNENDER TEIL DER KUNST 

AN SICH IST 

ein Teil der Wahrheit. Zahlreiche Wettbewerbe 

sind Veranstaltungen arrivierter 

Künstler, an deren Ende nicht selten 

ihre eigenen Schüler mit dem Preis nach 

Hause gehen. Ich selbst war Teil einiger 

Jurys, in denen am Ende die Mehrheit 

der Teilnehmer mit dem Vorsitzenden 

gemeinsame Sache machte und – gegen 

das Votum geladener Experten und 

Journalisten – die eigenen Schüler ausgezeichnet hat (was mich 

dazu bewogen hat, kaum noch in Jurys anwesend zu sein). 

Und noch etwas: Der Gewinn eines großen internationalen 

Preises mag kurzzeitig Ruhm nach sich ziehen. Dann aber folgt ein 

inzwischen fast schon perverser Marktmechanismus, der in der 

Regel so aussieht: Auf die Preisträger-CD folgt eine „carte blanche“ 

für den Künstler, die sich vielleicht nicht mehr so gut verkauft – und 

schnell hat die Aufnahme-Karriere ein Ende. Die Liste dieser Künstler 

ist lang. 2005 gewann Rafał Blechacz den Chopin-Wettbewerb, 

als erster Pole nach Krystian Zimerman. Ein Genie! Seine erste 

Aufnahme mit 24 Chopin-Préludes war ein Ereignis. Zwar nimmt 

Blechacz noch immer auf, zuletzt 2017 ein durchaus hörenswertes 

Album mit Werken von Bach, aber sein Plattenlabel hat kaum noch 

Interesse, diesen komplexen, feinsinnigen und vielleicht nicht PRaffinen 

Künstler zu vermarkten und zu bewerben. Und so ist auch 

ein Rafał Blechacz in der Realität des Alltäglichen angekommen. 

Deutlicher noch wird die geschmolzene Halbwertzeit bei Künstlern 

wie Ingolf Wunder, der 2010 zwar allgemein als Sieger angenommen 

wurde, am Ende aber nur den zweiten Platz belegte, den ersten 

bekam stattdessen Julianna Awdejewa. Wunder wurde zwar zum 

Exklusivkünstler der Deutschen Grammophon, ist aber inzwischen 

in der Versenkung gelandet. Und auch von Frau Awdejewa hat man 

nur mehr wenig gehört. 

Natürlich gibt es zahlreiche andere, positive Beispiele von 

Musikern, für die Wettbewerbe wegweisend waren: Jessye Norman, 

Christoph Eschenbach, Thomas Quasthoff, Christian Tetzlaff oder 

Peter Sadlo waren alle Preisträger des ARD-Musikwettbewerbs – 

und haben Weltkarrieren hingelegt. 

Der Exkurs in die Welt der Klassikwettbewerbe ist vielleicht 

nicht ganz unwichtig, wenn wir noch immer vor unserem weißen 

Blatt Papier sitzen, um uns einen idealen Musikpreis zu backen. 

Die Faszination dieser Wettbewerbe geht in der Regel vom Ringen 

darum aus, welcher der vielen guten Musiker denn nun der beste ist. 

Mit anderen Worten: Es geht um die Glaubwürdigkeit der Jury und – 

im Idealfall – um die Transparenz der Debatte. Ein Literaturwettbewerb 

wie der Bachmann-Preis lebt davon, dass eine Jury öffentlich 

über die jeweiligen Texte debattiert. Das Spannende ist, dass dem 

Publikum klar wird, dass in jeder Jury unterschiedliche Kriterien 

aufeinandertreffen, dass das Streiten um Qualität ein spannender 

Teil der Kunst an sich ist, dass jede Entscheidung mit anderen Argumenten 

auch ganz anders ausfallen könnte – dass ein Großteil der 

Kunst subjektiven Kriterien folgt und dass die Spannung darin liegt, 

sie öffentlich auszutauschen. 

Gleichzeitig gibt es Preise (ohne Wettbewerb), die auch in 

der Klassik einen hohen Stellenwert haben. Einer ist etwa der Preis 

des Grammophone Magazins, bei dem die Unantastbarkeit der Jury 

einen Garant für Qualität darstellt. Oder der Preis, den die Zeitschrift 

Opernwelt alljährlich für Produktionen, Sänger, Orchester 

und Regisseure verteilt: auf Grundlage einer sehr breit angelegten 

Kritikerumfrage. 

Wenn wir nun all diese Überlegungen 

zusammentragen, entsteht vielleicht 

allmählich ein Bild auf unserem weißen 

Blatt Papier. Ein neuer Klassikpreis 

müsste es schaffen, seine Kriterien transparent 

zu machen, hätte die Chance, die 

Diskussion um die jeweiligen Leistungen 

öffentlich auszutragen und müsste 

so angelegt sein, dass er auch nachhaltig 

wäre – durch die gezielte, langfristige 

Förderung der Preisträger. Hinzu kämen die Kriterien des Anfangs: 

Künstler dürfen in einem solchen Preis nicht als „Ware“ angesehen 

werden, die bewertet wird, sondern müssten die Chance bekommen, 

in ihrer Leidenschaft, in ihrem Denken, in ihrer Arbeit als 

Menschen gesehen zu werden. 

Und so formt sich auf meinem ganz persönlichen weißen Blatt 

ein Preis, der ungefähr so aussehen würde: Eine ausgewogene Jury 

(gern aus alten Haudegen, aus Vertretern der Phono- und Veranstaltungsindustrie, 

aus ausgewählten Journalisten, aber vielleicht auch 

aus Nachwuchskünstlern oder Gesandten von Volkshochschulen 

(wie beim Grimme-Preis)) trifft für jede Kategorie eine Vorauswahl 

von drei Künstlern, die einem breiten Publikum präsentiert wird. 

Wichtig dabei: Sowohl renommierte Künstler als auch Nachwuchskünstler 

stehen zu Wahl. 

Für die Präsentation in persönlichen Porträts würden sich die 

Kulturkanäle der öffentlich-rechtlichen Sender anbieten, Arte oder 

3sat. Hier könnten die Künstler in kurzen Porträts vorgestellt werden. 

In einer großen Gala im Hauptprogramm käme es schließlich 

vor einer prominenten Jury zur Debatte über die einzelnen Künstler. 

Dabei hätten die Jurymitglieder Mentorenaufgaben zu übernehmen 

und sich zu überlegen, inwiefern sie mit den einzelnen Künstlern 

in Zukunft gern zusammenarbeiten würden. Am Ende könnte das 

Publikum in die Abstimmung miteinbezogen werden, im Saal oder 

vor den Fernsehern. Das würde dafür sorgen, dass Klassik auch wieder 

in den Wohnzimmern debattiert würde. 

Natürlich ist mir klar, dass mein inzwischen beschriebener 

Zettel aus ganz unterschiedlichen Gründen bei vielen Verantwortlichen 

sofort in den Mülleimer wandern würde. Weil man den großen 

Klassikstars eine Abstimmung nicht zumuten kann, weil einige 

Labels sichergehen wollen, dass der Gewinner auch in ihr PR-Konzept 

passt. Weil die Bedenken nach einer großen (und langen) Show 

der Klassik in vielen Sendern jenseits der Kulturredaktionen für 

Skepsis sorgen würde. Und, und, und … 

Aber bitte, gerade wenn ein alter Preis durch einen neuen 

ersetzt wird, wird man ja wohl träumen dürfen. 

n 

65

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der Klassik für nur 55 EUR*: 

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Anna Bonitatibus, 

Münchner Rundfunkorchester, 

Corrado Rovaris 

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zwei Wochen ohne Begründung bei Abo-Service crescendo in Textform (z. B. per Mail oder Brief) oder durch Rücksendung der Zeitschrift widerrufen. Zur Fristwahrung genügt die rechtzeitige Absendung. 

Abb.: Portmedia Verlag; Strezhnev Pavel / fotolia.com 

66 w w w . c r e s c e n d o . d e — Oktober – November 2018 


LEBENSART 

Wein ist ein Lernprozess: Die Sommelière Paula Bosch über eine lebenslange Leidenschaft (Seite 70) 

Die Künstlerin Renate Busse hat dem crescendo-CD-Cover einen Strauß Blumen spendiert (Seite 72) 

Komm ein bisschen mit nach Italien: Von der Kunst, den Dingen ihre Zeit zu geben (Seite 73) 

DER FLIEGENDE 

HOLENDER 

Ob Ioan Holender wirklich immer fliegt, wissen 

wir nicht. Auf alle Fälle aber ist er ab 18. 

Oktober wieder unterwegs in die spannendsten 

Kunst-, Musik- und Theaterstädte 

Europas. crescendo freut sich, den so neugierigen 

wie kunstsinnigen Moderator begleiten 

und mit Servus TV die neuen Folgen von 

„kulTOUR mit Holender“ zu präsentieren. 

Der erste Ausflug geht zu den Innsbrucker 

Festwochen für Alte Musik, dem wichtigsten 

Barockmusikfestival Österreichs, 

wo er u. a. den Kultregisseur Jürgen Flimm 

trifft. Weitere Ziele: Mailand, Prag, Brüssel, 

Venedig u. v. a. Gute Reise wünschen wir. 

Und nein, Flug ist wirklich nicht nötig. Ein 

einfacher Fernsehsessel genügt! 

Weitere Informationen unter www.servustv.com 

xxxxxx 

FOTO: SERVUS TV / GEMINI 5 

67

L E B E N S A R T 

Garnelenspieße 

auf Reis 

mit Fenchelsalat 

CRESCENDO – 

HIER KOCHEN DIE STARS 

„NEUE MUSIK ZU 

MACHEN, IST WICHTIG. 

WIR KÖNNEN NICHT 

IN EINEM MUSEUM 

LEBEN UND IMMER NUR 

REPRODUZIEREN“ 

JULIANE BANSE 

FOTOS: MARIA GOETH 


JULIANE BANSE SOPRANISTIN 

Wenn sie In dem Schatten meiner Locken aus dem Spanischen Liederbuch von Hugo 

Wolf singt, dann passt das. Und doch kann von Schatten keine Rede sein: Quirlig, 

pragmatisch und sehr präsent ist Juliane Banses Rolle am Herd – gekocht wird, 

was all ihre drei Kinder mögen. Sie selbst mag, dass sie endlich erwachsene Rollen 

singen darf, zum Beispiel die Marschallin im Rosenkavalier von Strauss. 

Gastgeber und Blockflötist Stefan Temmingh freut sich mit Juliane Banse: Essen ist fertig! 

• 

GARNELENSPIESSE AUF REIS MIT FENCHELSALAT 

Reis für 2 Portionen (Mischung aus Wild- und Naturreis) 

2 Knollen Fenchel, Salz, Pfeffer, weißer Balsamico, Olivenöl 

2 Zehen Knoblauch, Schaschlikspieße, 1 EL Kokosöl 

1 Packung Riesengarnelen (geschält, ohne Kopf, frisch oder TK) 

Parmesan 

1. Reis nach Packungsanleitung kochen. 

2. Fenchel schneiden, salzen, pfeffern, mit weißem Balsamico und Olivenöl anmachen. 

3. Knoblauch in feine Scheiben schneiden, Garnelen auf die Schaschlikspieße stecken. 

4. Knoblauch in einer Pfanne im heißen Kokosöl kurz anbraten, 

Garnelenspieße zugeben und glasig anbraten. 

5. Parmesan in großen Splittern über den Salat hobeln 

und zusammen mit den Spießen und dem Reis servieren. 

Das Video zum Rezept finden Sie unter: www.youtube.de/crescendomagazin 

Orchesterlieder des beginnenden 20. Jahrhunderts: 

„Im Arm der Liebe“, Juliane Banse, Münchner Rundfunkorchester, Sebastian Weigle 

(BR Klassik) 

69


Von Winzern, Wein 

und Weisheit 

Paula Bosch ist die bekannteste Sommelière Deutschlands. Kein Wunder: 

Sie lebt ihre Passion. Ohne Seitenblicke auf Eitelkeit und laue Moden. 

VON ANTOINETTE SCHMELTER-KAISER 

FOTO: JÖRG LEHMANN 

Aus ihrem Faible für französischen Bordeaux, deutschen 

Riesling und Grünen Veltliner aus Österreich 

macht Paula Bosch kein Geheimnis. Darüber hinaus 

lässt sie sich aber nicht auf einen Lieblingswein festlegen. 

Stattdessen fahndet sie ständig nach Tropfen 

von hoher Qualität – rund um den Globus, bei etablierten Winzern 

oder jungen Talenten, auf Messen, in Restaurants oder im Rahmen 

von Verkostungen. Ist sie fündig geworden, lässt sie es aber nicht bei 

einer Probe bewenden. Idealerweise beobachtet und degustiert sie 

Weine über Jahre hinweg. Denn nur im Vergleich können die von 

ihr auserwählten beweisen, dass sie keine Eintagsfliegen waren, sondern 

Dauerbrenner auf gleichbleibend hohem Level sind. Ihr strenges 

Urteil fällt Paula Bosch stets nach Kriterien wie Farbe, Geruch, 

Geschmack und Textur, die sie seit Beginn ihrer Karriere akribisch 

in Notizbüchern festhält und später samt vertiefenden Informationen 

ausformuliert. 

Entdecken und empfehlen – in dieser kurzen Formel lässt sich 

die Passion von Paula Bosch zusammenfassen. Bis vor sieben Jahren 

tat die 1956 Geborene das als festangestellte Sommelière, die sich 

mit breit gefächertem Wissen, unermüdlichem Fleiß und großem 

Ehrgeiz als erste Frau der Branche ihren Weg in die Spitzengastronomie 

erkämpfte: angefangen in der Weinstube Leimeister im Taunus 

über das Hotel Inter-Continental in Köln und das Düsseldorfer 

Restaurant Victorian bis hin zum Gourmettempel Tantris in München, 

wo Paula Bosch 20 Jahre blieb. 2011 entschied sie sich von hier 

aus zum Schritt in die Selbstständigkeit, weil ihrer Ansicht nach 

„jeder Star rechtzeitig von der Bühne abtreten sollte“. Seither hat sie 

zwei Bücher für den Callwey Verlag geschrieben, professionellem 

Nachwuchs ebenso wie interessierten Laien Kurse gegeben, zahllose 

Weinproben organisiert und moderiert, Gastronomen beraten, 

Weine für Events ausgewählt – von der privaten Feier bis hin zu Festivals 

wie „Kulinarik & Kunst“ am Arlberg – und ihre Internetseite 


aufgebaut. „Viele Versuche, die nicht alle gut gelaufen sind“, resümiert 

sie. „Zum Glück hatte ich durch Ersparnisse von früher finanziell 

Luft für einige Jahre. Offensichtlich muss man für seinen Erfolg 

vor allem viel Zeit investieren und auch warten können.“ 

Momentan hat sie mehrere Eisen 

gleichzeitig im Feuer: Für eine Internet- 

Plattform wird sie als Consultant Weinempfehlungen 

geben und Weine beurteilen, 

in die Anleger im Stil von Blue Chips 

investieren können. Für Sicherheit sorgen 

dabei die Garantie auf originalverpackte 

Flaschen und fachgemäße Lagerung 

der edlen Tropfen. Ergänzend zu 

einer Spirituosen-Edition, die sie bereits 

in Kooperation mit Brandstatt „r“ von Reisetbauer Junior anbietet, 

geht eine weitere mit Weinen in Serie: Peu à peu sucht Paula Bosch 

die Tropfen persönlich aus, versieht sie – zusätzlich zum Etikett des 

Winzers – mit ihrem Siegel und vertreibt sie über Weingüter und 

den Fachhandel. Außerdem will sie auf ihrer Seite Wein-Accessoires 

anbieten, ab Oktober alle sechs bis acht Wochen für ein Dutzend 

Gäste dreistündige Events zu internationalen Weinen aus weniger 

bekannten Regionen veranstalten, von der Schweiz bis Griechenland. 

Im Visier hat sie überdies Kräfte aus der Gastronomie, die sich 

von einem Profi weiterbilden lassen wollen – egal ob in der Auswahl 

von Weinen, im Servieren oder im Griff zum richtigen Glas. Über 

Letzteres macht sich Paula Bosch nämlich auch schon lange Gedanken 

und tüftelt mit Fachleuten hartnäckig an der optimalen Form. 

An Ideen mangelt es ihr eindeutig nicht, ebenso wenig an einschlägigen 

Kontakten, Energie und Unternehmungslust. Und während 

sie all diese Projekte verfolgt, pendelt sie zwischen einer Wohnung 

in München und ihrem Elternhaus am Bodensee, daneben 

reist sie regelmäßig. „Ich brauche immer ein bisschen Zeit zum 

DIE MEISTEN SOMMELIERS 

SCHREIBEN ÜBER 

ZUSAMMENHÄNGE ODER 

WEINE, DIE SIE NUR AUS IHREN 

TRÄUMEN KENNEN 

Ankommen, langsam fehlt mir ein Lebensmittelpunkt“, räumt sie 

ein. Andererseits steckt sie als „Reisetante“ voller Neugier. Zum Beispiel 

auf Istrien, wo sie im Herbst noch mehr über Land, Winzer 

und Weine erfahren will. Zu Recht stolz ist Paula Bosch auf ihr 

Renommee als Weinkennerin, die sich 

ihr profundes Know-how über vier Jahrzehnte 

hinweg erarbeitet hat und weiterhin 

„nicht locker“ lässt. Gleichzeitig sind 

„brutales Lampenfieber“ und „ein schwaches 

Selbstvertrauen“ bis heute ihre Wegbegleiter; 

das im Frühjahr bei Callwey 

erschienene Buch „Wein genießen“ 

bezeichnet sie als „Zangengeburt“, weil 

ihr nach all den Vorgaben der Projektleitung 

so mancher Text „schwer aus der Feder geflossen ist“ und der 

eine oder andere Beitrag im Papierkorb landete. „Bescheidenheit ist 

eine Zier, doch weiter kommt man ohne ihr“, kommentiert sie ihr 

Manko. Doch lieber lebt sie mit diesem Zwiespalt, statt selbstverliebt 

wie so mancher „Influencer“ zu sein. „Bald jeder Sommelier 

hat heute seinen eigenen Blog. Auch wenn er viel zu wenig Erfahrung 

hat, schreibt er über Zusammenhänge oder Weine, die er nur 

aus seinen Träumen kennt“, ärgert sie sich. „Oder er verwendet 

Begriffe wie ‚karaffieren‘ anstelle von ‚dekantieren‘ – eine idiotische 

Erfindung, überflüssig und falsch.“ Für Paula Bosch selbst ist die 

Faszination für Wein ein „langer, nicht enden wollender 

Lernprozess“. Schön, dass der Stoff Jahr für 

Jahr neue Überraschungen bietet. 

■ 

Paula Bosch wird ab der nächsten Ausgabe 

regelmäßige Autorin unserer Weinkolumne sein. 

Paula Bosch: „Wein genießen“ (Callwey) 

Perfekte 

Aufführung 

Voller Harmonie lässt dieser reich bemalte Engel 

aus der weltberühmten Manufaktur Wendt & Kühn 

seinen Bogen über die Violine gleiten. Elegant und 

voller Anmut wirkt sein Spiel. Eindrucksvoll kommt 

die Perfektion in Formgebung und Farbgestaltung 

zur Geltung. Zum Dekorieren und Verschenken. 

Damit das Konzerterlebnis nie zu Ende geht. 

Erhältlich über autorisierte Fachhändler auf dem 

Online-Marktplatz von Wendt & Kühn unter 

WWW.WENDT-KUEHN.DE 

Wendt & Kühn KG 

Chemnitzer Str. 40 · 09579 Grünhainichen 

Telefon (037294) 86 286


DIE KÜNSTLERIN RENATE BUSSE: 

SIE GESTALTETE DAS COVER UNSERER PREMIUM-CD 

Die Poesie von Obstkisten 

Florales Feeling: ein Strauß Tulpen im Atelier der Künstlerin Renate Busse 

FOTOS: RENATE BUSSE 

Flora et Pomona“, „Blumen und Früchte“, hieß 

die letzte Ausstellung von Renate Busse, die sie 

vor Kurzem zusammen mit Floristinnen in 

ihrer Heimatstadt Schorndorf geradezu zelebriert 

hat. Ein Fest für die Augen, erklärten viele Besucher 

begeistert. Für Renate Busse aber war es mehr als 

das: „Es war ein Gesamtkunstwerk! Schließlich wurden 

zur Vernissage unter anderem Gedichte meines Großvaters 

Carl Trost gelesen“, freut sich die Künstlerin. 

Mit diesen Großvater-Gedichten ist sie groß 

geworden: „Zu Geburtstagen und anderen Familienanlässen wurde 

man von ihm immer mit einem kunstvollen poetischen Gedicht 

beschenkt.“ Doch wurde Renate Busses Metier nicht das Schreiben 

– es war – und ist: die Malerei. Dass Renate Busse an der Kunstakademie 

Stuttgart studierte, war ihr aber nicht weniger in die Wiege 

gelegt: „Ich bin in einem Fluidum von Kunst aufgewachsen. Mein 

Vater war ein wunderbarer Zeichner und Fotograf, meine Geschwister, 

meine Onkel und Tanten – sie alle malten und dichteten. 

Dieser unverkrampfte Umgang mit der Kunst war von Anfang 

an Renate Busses solide Basis. „Natürlich arbeite ich hart als freiberufliche 

Künstlerin. Und doch habe ich mir meine Flexibilität und 

Spielfreude bewahrt.“ Von eher opulenten Ölbildern bis hin zu 

spartanischen und auf die Linie reduzierten Zeichnungen reicht ihr 

Repertoire. Dazwischen gibt es fantasievolle Spielereien 

wie die Obstkisten-Objekte, die auch schon in 

New York und im Goethe-Institut Thessaloniki ausgestellt 

waren. „Ich kann kaum an einem Supermarkt 

vorbeigehen, ohne nach hölzernen Obstkisten Ausschau 

zu halten“ erzählt sie. Wird sie fündig, nimmt sie 

die Kisten auseinander, übermalt und überklebt sie und 

setzt sie neu zusammen. So schafft sie kleine Kunstwerke, 

die an Theaterbühnen für Puppenstuben erinnern. 

„Mich fasziniert dabei das Thema Import–Export, 

die hieroglyphenartigen Abbildungen der Früchte, die zum Kauf 

verführen sollen. Das macht für mich den Witz bei der Sache aus …“ 

Warum erstaunt es da nicht, dass sie über viele Jahre eine 

Gruppe munterer Frauen um sich versammelte, mit ihnen malte 

und auch ausstellte? Das war die „Südfrucht G. g. O.“ – die 

Gesellschaft für gemaltes Obst. Das fünfjährige Intermezzo der 

Künstlerin als Galeristin der „Galerie Zitrone“ ist da nur ein weiterer 

Tropfen Fruchtsaft. 

Ihre Werke wurden unter anderem von der Staatsgalerie Stuttgart 

und dem Land Baden-Württemberg angekauft. Das BAB 

(Bahnhof-Atelier-Busse) ist – wo auch sonst – im Bahnhofsgebäude 

in Schorndorf zu finden. 

n 

Mehr über die Künstlerin auf www.babusse.de 


REISE & KULTUR 

themenspecial 9. Jahrgang | Herbst & Winter 2018 

GENUSS- 

GIPFEL 

KEIN ANDERES LAND 

LEBT SEINE REGIONALE VIELFALT 

SO LIEBEVOLL WIE ITALIEN 

MUSIK UNTER FREUNDEN 

Bürgenstock Festival: ein Konzert-Feuerwerk 

KREATIVE VIELFALT 

Musik, Kunst und mehr in Salzburg und Linz 

FOTO: PIXABAY 

Sonderveröffentlichung/Anzeigen/Präsentationen 73

R E I S E & K U L T U R 

KÜCHE, KEL 

SO ISST 

Matera ist Kulturhauptstadt 

Europas 

2019. Gelegen inmitten 

einer Landschaft 

endloser Weite und 

Ursprünglichkeit, kündet 

die süditalienische 

Stadt von ferner Vergangenheit. 

Bis zurück 

in die Antike führt die 

Geschichte Palermos, 

italienische Kulturhauptstadt 

2018. 

WINTERGLANZ 

IN BREMEN 

Märchenhaft & Muckelig 

Wir sind die Bremen-Profis. 

0421 / 30 800 10 

bremen-tourismus.de 

Böttcherstraße 4 

und Hauptbahnhof 

BTZ 

BREMER TOURISTIK-ZENTRALE 

Wer in der Abenddämmerung 

die 

Basilikata erreicht, 

den umfängt eine 

erhabene Stille. Die sich übereinandertürmenden Fassaden 

und Treppen der in die Tuffsteinhänge gebauten 

Höhlenstadt Matera vollführen im Licht der untergehenden 

Sonne ein faszinierendes Farbenspiel changierender 

Ockertöne. Die Sassi, also Steine, genannten Höhlensiedlungen 

von Matera entstanden zwischen dem 6. und 10. 

Jahrhundert. 1993 bekamen sie von der UNESCO den 

Titel Weltkulturerbe verliehen, einen Titel, der bisher am 

häufigsten in Italien vergeben wurde. 2019 ist Matera 

europäische Kulturhauptstadt. 

Besucher schlendern durch das Auf und Ab der engen 

Gassen, bevor es abends in die Trattoria geht, um die 

regionale Spezialität zu genießen: Peperoncini. Die „verrückten 

knallroten Teufelszähne“, wie der Dichter Gabriele 

d’Annunzio sie nannte, würzen das Ragù für hausgemachte 

Pasta. Nicht umsonst erklärten das Landwirtschafts- 

und Kultusministerium Italien 2018 zum Jahr des 

italienischen Essens. Sie betonen damit die enge Verbundenheit 

von Kultur, Landschaft und italienischer Küche. 

INFORMATIONEN 

Italienische Zentrale für 

Tourismus ENIT 

www.enit.de 

www.italia.it 

www.facebook.com/EntdeckeItalien 

#ILikeItaly und #ItalyforFoodies 


TER UND KULTUR: 

ITALIEN 

Meravigliosa 

Italia: 

malerisch 

verwinkelte 

Gassen und 

Antipasti 

satt! 

DIE WELT entdecken! 

JETZT DIE NEUEN KATALOGE 

2019 KOSTENFREI BESTELLEN 

FOTOS. PIXABAY 

In Palermo, das 2018 zur Kulturhauptstadt Italiens erwählt wurde, ist diese 

Beziehung über Jahrhunderte gewachsen. Die Vielfalt an Kulturen, die die Stadt im 

Laufe der Zeit mitgestalteten, spiegelt sich auch im Kulinarischen. Die alten Griechen 

brachten das Kultgetränk des Dionysos mit, den Wein. Von den Byzantinern 

zeugen nicht nur die wunderbaren Mosaike der Palatina-Kapelle, sondern auch die 

Vorliebe für Süßsaures. Die Eroberung durch die Araber, die der Stadt im Goldenen 

Becken malerische Gartenanlagen mit Brunnen und Wasserfontänen bescherten, 

bereicherte zudem die Küche mit allen Wohlgerüchen Arabiens. Und während 

die Normannen sich architektonisch mit der Kathedrale verewigten und in der 

Küche Rezepte für deftige Fleischgerichte hinterließen, brachten die Spanier Kakao, 

Mais und Tomaten aus der Neuen Welt mit. 

Slow Food und langsames Reisen sind die Leitgedanken, unter denen Italien 

zum Genuss seiner berühmten, von regionaler Vielfalt geprägten Kulinarik willkommen 

heißt. Die Weinstraße entlang der etruskischen Küste, die Prosecco-Straße 

in Venetien, zahlreiche Olivenöl-Routen sowie viele weitere Schlemmerstraßen 

versprechen (und halten) kulinarische Offenbarungen. Veranstaltungen wie die 

Trüffel-Messe im piemontesischen Alba, die Prosciutto-Verkostung in San Daniele, 

das Eis-Festival in Florenz oder die Ernte der Pistazien, des grünen Golds Persiens, 

in Bronte schenken dem Reisenden Dolce Vita von Südtirol bis Sizilien. 

IMPRESSUM 

Reise & Kultur ist ein Themenspecial von crescendo – Deutschlands großem Magazin 

für klassische Musik & Lebensart 

Verlag: Port Media GmbH, Rindermarkt 6, D-80331 München, www.crescendo.de, Tel. +49-(0)89 74 15 09-0 

Herausgeber: Winfried Hanuschik (v. i. S. d. P.) | Redaktion: Petra Lettenmeier | Autoren: Katherina Knees, Corina Kolbe, 

Ruth Renée Reif, Dorothea Walchshäusl | Artdirector: Stefan Steitz | Anzeigen: Cornelia Engelhard, Petra Lettenmeier, 

Heinz Mannsdorff, www.crescendo.de/media, anzeigen@portmedia.de, Tel. +49-(0)89 74 15 09-20 

Verbreitete Auflage 132.000 Expl. | crescendo Themenspecials unterliegen der 

Auflagenkontrolle durch die IVW | Druck: Westermann, D-38104 Braunschweig 

unter www.ikarus.com oder per 

E-Mail an: magazin@ikarus.com 

REISEWELTEN-ERLEBNISABENDE 

Besuchen Sie im November 2018 unsere Programmvorstellungen 

mit Zielgebietspräsentationen zu Chile, 

Indien, Marokko und Polar-Kreuzfahrten. Infos und 

Anmeldung unter www.ikarus.com. 

IKARUS TOURS GmbH 

Am Kaltenborn 49-51 . 61462 Königstein 

Tel. 06174 - 2 90 20 . www.ikarus.com 



DER 

KULTUR- 

HERBST 

IN 

LINZ 

Linz lockt mit einer Fülle 

von Musikerlebnissen. 

Musiktheater Linz 

Brucknerhaus Linz 

Linz duftet nach Kultur. Denn an der Donau weht 

ein kreativer Geist durch die Gassen und hat den 

Ruf einer staubigen Stahlstadt der Nachkriegszeit 

längst vertrieben. Seitdem Linz 2009 zur europäischen 

Kulturhauptstadt gekürt wurde, hat sich das kulturelle 

Leben in der Stadt komplett gewandelt. Erst 2013 erhielt 

das Landestheater Linz mit dem Musiktheater am Volksgarten 

seine neue, lang ersehnte Spielstätte, die als modernstes 

Opernhaus Europas ein sichtbarer Spiegel für 

den Fortschritt und den Stellenwert von Kultur in der 

Stadt ist. Am 1. Dezember 2014 wurde Linz als City of 

Media Arts in das internationale Netzwerk der UNESCO 

Creative Cities aufgenommen, das es sich zur Aufgabe 

gemacht hat, die kulturelle Vielfalt von Literatur, Film, 

Musik, Volkskunst, Design, Medien und Gastronomie 

zum Ausdruck zu bringen. 

Der Kulturherbst in Linz fasst, passend zur bunten 

Jahreszeit, diverse künstlerische Stilrichtungen zusammen. 

Elf Opern und Operetten, fünf Musicals und zahlreiche 

Tanz- und Theaterstücke rücken unter dem Motto 

„Welt aus den Fugen“ aktuelle Gesellschaftsthemen in den 

Fokus und erzählen – ob im Kontext eines David-Bowie-Musicals 

oder mit der Strauss-Oper Elektra – von Aufbruch 

und Veränderung. Das Musik theater Linz quillt 

dabei nur so über vor musikalischen Ereignissen: Der 

Linzer Schauspieldirektor Stephan Suschke bringt Tristan 

und Isolde von Richard Wagner in der Bayreuther Festspielinszenierung 

von 1993 auf die Bühne, ab dem 2. November 

steht Mozarts Oper La clemenza di Tito auf dem Spielplan, 

und am 25. November feiert die deutschsprachige 

Erstaufführung des Gershwin-Musicals Ein Amerikaner in 

Paris Premiere. 

Das Linzer Brucknerhaus säumt gemeinsam mit 

dem Lentos Kunstmuseum und dem Ars Electronica 

Center die Kulturmeile am Ufer der Donau und verwöhnt 

das Publikum in der neuen Saison unter dem Titel 

„Credo“ mit sage und schreibe über 200 Konzerten. Das 

Johann Strauß Ensemble lässt das Brucknerhaus anlässlich 

des österreichischen Nationalfeiertags am 26. Oktober 

mit Franz von Suppés fantastisch-burlesker Operette 

Der Teufel auf Erden im Dreivierteltakt erbeben. Der „Musikalische 

Adventkalender“ und eine Große Weihnachtsgala 

versüßen dem Publikum die Vorweihnachtszeit, sodass 

man Linz auch weit über den Kulturherbst hinaus 

Tag für Tag als inspirierende und lebendige Kulturstadt 

wahrnehmen kann. 

FOTO: LINZ TOURISMUS / STEINKELLNER; OBERÖSTERREICH WERBUNG / STANKIEWICZ; OBERÖSTERREICH TOURISMUS / SUSANNE EINZENBERGER; PETER PHILIPP 

INFORMATIONEN 

Tourist Information Linz 

+43-(0)732-70 70 20 09 

www.linztourismus.at 

www.landestheater-linz.at 

www.brucknerhaus.at 

www.linztourismus.at/kulturhighlights 

Brucknerhaus 

26.10. Konzert: Der Teufel auf Erden 

01. bis 23.12. Musik. Adventkalender 

17.12. Große Weihnachtsgala 

Musiktheater Premieren 

02.11. Mozart: La clemenza di Tito 

25.11. Gershwin: Ein Amerikaner in Paris 

19.01. Strauss: Elektra 


ainy days 

Festival de musiques nouvelles 

Philharmonie Luxembourg 

13.–25.11.2018 

rainydays.lu 

FOTO: TOURISMUS SALZBURG GMBH 

SALZBURGER 

HERBSTFREUDEN 

Eine Saison der Vielseitigkeit! Die Barockstadt feiert die Künste in all 

ihren Facetten: Klassik, Jazz, bildende Kunst & Brauchtum. 

Die Salzburger Festspiele lassen die Mozartstadt jeden Sommer in voller 

Blüte erstrahlen, doch auch der Herbst hat jede Menge künstlerischer 

Facet ten. Als Musikfestival von Rang und Namen präsentieren die Salzburger 

Kulturtage bis zum 21. Oktober sowohl Konzerte mit großen Klangkörpern 

und internationalen Solisten als auch mit Newcomern der Klassikszene. Seit fast 50 

Jahren kreiert die Salzburger Kulturvereinigung jeden Herbst eine musikalische 

Mischung, auf deren Qualität und Unterhaltungswert Verlass ist. 

Vom 17. bis 21. Oktober 2018 lockt „Jazz & The City“ in die Salzburger Altstadt. 

Hochkarätige Jazz-Größen aus der ganzen Welt ziehen das Publikum mit Konzerten 

und Jam Sessions in ihren Bann und sorgen für Stimmung an außergewöhnlichen 

Spielorten. Salzburg wäre nicht Salzburg, wenn nicht auch die bildende Kunst omnipräsent 

stattfinden würde. Eine Sonderausstellung im DomQuartier rückt ab dem 

18. Oktober das Leben und Wirken des Fürsterzbischofs Maximilian Gandolph 

Graf von Kuenburg in den Fokus, der maßgeblich daran beteiligt war, dass Salzburg 

sich zur europäischen Hochburg der Barockmusik entwickelt hat. Das Museum der 

Moderne Mönchsberg nimmt ab dem 10. November die druckgrafischen Werke von 

Oskar Kokoschka unter die Lupe und betrachtet sie im Kontext seiner Zeit. Kokoschka, 

der Anfang des 20. Jahrhunderts in Wien, als Hauptvertreter und Gründer 

des Österreichischen Expressionismus, gemeinsam mit Egon Schiele für die Kunstwelt 

neue Wege geöffnet hat. 

Ein bisschen weihnachtlich darf es dann auch schon werden: 200 Jahre nachdem 

am Heiligabend „Stille Nacht! Heilige Nacht!“ in Oberndorf zum ersten Mal 

erklang, spürt das Salzburg Museum mit der Landesausstellung „Stille Nacht 200 – 

Geschichte. Botschaft. Gegenwart“ noch bis zum bis 3. Februar 2019 ganz unterschiedlichen 

Fragestellungen rund um das Lied nach. Stimmungsvoller kann man 

den Advent nicht einläuten. 

INFORMATIONEN Tourismus Salzburg 

+43-(0)662-88 98 70 

www.salzburg.info 

www.kulturvereinigung.com/ 

de/salzburger-kulturtage 

www.salzburgjazz.com 

www.stillenacht.com 

www.museumdermoderne.at 

get real 

Premieres and works by Georges Aperghis, 

Joanna Bailie, Franck Bedrossian, Huihui 

Chen, Micheline Coulombe Saint-Marcoux, 

Sivan Eldar, Evelyne Gayou, Rama Gottfried, 

Johannes Kreidler, Genoël von Lilienstern, 

Yan Maresz, Enno Poppe, Alberto Posadas, 

Stefan Prins / Daniel Linehan, Éliane 

Radigue, Rebecca Saunders, Matthew 

Shlomowitz, Chris Swithinbank, Annette 

Vande Gorne, Francesca Verunelli and others 

With Einstürzende Neubauten, ensemble 

mosaik, Ensemble Resonanz, Hiatus, 

Klangforum Wien, Nadar, Noise Watchers, 

Orchestre Philharmonique du Luxembourg, 

Phace, Quatuor Diotima, Synergy Vocals, 

United Instruments of Lucilin, Baldur 

Brönnimann, Christina Daletska, Florian 

Hoelscher, Miriam Overlach, Nacho de Paz, 

Emilio Pomàrico, Benjamin Vandewalle, Bas 

Wiegers, Agata Zubel and others 

Exclusive automobile partner 

Media Partner 



KAMMERKONZERTE 

MIT ALPENBLICK 

Auf dem Bürgenstock, einer zauberhaften Berghalbinsel inmitten des 

Vierwaldstättersees, verfolgen die künstlerischen Leiter des Bürgenstock Festivals, 

Andreas Ottensamer und José Gallardo, das Konzept „Musik unter Freunden“. 

José Gallardo und Andreas Ottensamer 

Blau glitzerndes Wasser, imposante Berge 

und darüber ein weiter Himmel, der bei 

Sonnenuntergang in vielen Farbschattierungen 

leuchtet. Vom Bürgenstock aus genießt 

man einen atemberaubenden Pa noramablick 

über den Vierwaldstättersee und die Schweizer 

Voralpen. Inmitten der Natur veranstaltet das 

Bürgenstock Festival Kammerkonzerte, die 

Brücken zwischen Klassik, Jazz und Folk schlagen. 

„Musik unter Freunden“ – so lautet das 

Motto des Klarinettisten Andreas Ottensamer 

und des Pianisten José Gallardo. Unter den Kollegen, die 

das künstlerische Leitungsduo einlädt, sind häufig auch 

Mitglieder der Berliner Philharmoniker, bei denen Ottensamer 

als Solist spielt. Von Luzern aus ist der bewaldete 

Bergrücken gut per Schiff zu erreichen. Hinauf kommt 

man mit einer Standseilbahn, einem modernen Ersatz für 

die Bürgenstock-Bahn, die bereits 1888 Touristen zu den 

ersten Hotels des Kurorts brachte. In den 1950er- und 

1960er-Jahren holte Fritz Frey, Vater des Festivalgründers 

Peter Frey, Prominente aus Kultur und Politik in die grüne 

Idylle. Sergej Rachmaninow komponierte hier, Konrad 

Adenauer und Indira Gandhi waren Gäste, ebenso Sophia 

Loren und Sean Connery. 1954 heirateten Audrey 

Hepburn und Mel Ferrer in der Bürgenstock-Kapelle, 

die dem Festival im Sommer als 

Spielort dient. Im Herbst und Winter finden 

die Konzerte im exklusiven und intimen Rahmen 

des Hotels Villa Honegg statt, das in der 

Nähe des neuen Bürgenstock Resorts liegt. 

Bei den Konzerten vom 2. bis 4. November 

präsentiert der Flötist Emmanuel Pahud 

mit weiteren Berliner Philharmonikern wie 

Maja Avramovic (Violine), Joaquín Riquelme 

García (Viola) und Stephan Koncz (Cello) sowie José Gallardo 

Mozarts berühmtes Flötenquartett und Arrangements 

von Rossini und Dvořák. Mit Koncz und dem ungarischen 

Geiger Barnabás Kelemen spielt Gallardo außerdem 

Klaviertrios von Mozart und Mendelssohn. Unter 

dem Motto „Winterreise“ steht das Festival vom 6. bis 10. 

Februar 2019 in der Villa Honegg und im Club Kaufleuten 

in Zürich. Auf dem Programm: Schuberts Winterreise, 

interpretiert von dem Bariton Benjamin Appl. Der Liederzyklus 

wird kombiniert mit Arrangements von Mendelssohns 

Liedern ohne Worte sowie mit Stücken von Weber, 

Bruch, Brahms und Janácek. 

FOTOS: HOTEL VILLA HONEGG; NIKOLAS HAGELE; KATJA RUGE / DECCA 

INFORMATIONEN 

Stiftung Bürgenstock Festival 

Bürgenstock 33, CH-6363 

Bürgenstock 

+41-(0)41-210 66 55 

info@buergenstock-festival.ch 

www.buergenstock-festival.ch 

TICKETVORVERKAUF 

Herbstkonzerte 02. bis 04.11.2018 

Winterfestival 06. bis 10.02.2019 

Hotel Villa Honegg 

+41-(0)41-618 32 00 

marketing@villa-honegg.ch 

www.villa-honegg.ch 


SAVOIR-VIVRE 

Zwei neue Häuser in Wetzlar und Bremen von arcona LIVING 

bieten Stil und Genuss an geschichtsträchtigen Orten 

Savoir-vivre“ ist die besondere Kunst, 

das Leben zu genießen und mit allen 

Sinnen zu erfahren. Die arcona 

LIVING Hotels sind hierfür die bestmöglichen 

Orte und bieten ihren Gästen 

weit mehr als nur eine gediegene 

Übernachtungsmöglichkeit. Über 

ganz Deutschland verteilt haben die 

verschiedenen Häuser jeweils ihre ganz 

eigene Mischung aus Stil, Individualität 

und Herzlichkeit. Zentral gelegen und 

liebevoll gestaltet, bieten die Hotels der 

jungen Marke arcona LIVING somit 

die perfekte Ausgangsbasis, um einige 

der schönsten und kulturell spannendsten 

Ecken Deutschlands zu 

entdecken. In diesem Jahr wurde das 

reiche Angebot noch einmal deutlich erweitert mit attraktiven 

neuen Hotels in Wetzlar und Bremen. 

Die Stadt Wetzlar wartet mit einer reichen Geschichte 

auf und ist mit ihrer historischen Altstadt entlang des 

Flusses Lahn definitiv eine Reise wert. Von 1772 bis 1775 

lebte Goethe hier. Zudem ist die nur 40 Minuten von 

Frankfurt am Main entfernte Stadt der Sitz der Leica Camera 

AG und bietet allen interessierten Besuchern die 

Möglichkeit, in der täglich geöffneten Leica-Erlebniswelt 

einzutauchen in die Welt der Fotografie 

– kostenfrei. In unmittelbarer Nähe zur 

Erlebniswelt hat in diesem Frühjahr das arcona 

LIVING ERNST LEITZ Hotel seine 

Tore geöffnet. Nach einem entdeckungsreichen 

Ausflug können die Gäste den 

Tag in Wetzlar in der hoteleigenen Weinwirtschaft 

mit exquisiter Küche und einer 

großen Weinauswahl ausklingen lassen. 

Wen es in den Norden Deutschlands 

zieht, der kann seit Kurzem 

im arcona LIVING Hotel in Bremen 

übernachten, einem sty lishen 

Apart-Hotel, das nur wenige 

Schritte vom Hauptbahnhof entfernt 

im Herzen der Hansestadt liegt. 

Verschiedenste Museen wie das Universum oder das 

Übersee-Museum machen die berühmte Heimatstadt 

der tierischen Stadtmusikanten zu einem spannenden Ziel 

für eine Städtereise. Als besonderes Highlight lockt dort 

die Suite im Dachgeschoss mit fantastischem Blick über 

die Stadt und die Sauna mit Terrasse – ein idealer Erholungsraum 

nach der Erkundungstour durch die Bremer 

Altstadt. 

So bieten sich verschiedenste Möglichkeiten für einen 

genussvollen Start in den Herbst. 

arcona LIVING ERNST LEITZ Hotel 

FOTOS: ARCONA HOTELS UND RESORTS 

INORMATIONEN 

arcona Management GmbH 

Steinstraße 9, 18055 Rostock 

+49-(0)381-458 51 10 

info@arcona.de 

www.arcona.de 

ARCONA HOTELANGEBOTE 

ANKOMMEN, WOHLFÜHLEN, GENIESSEN 

– unter den Angebots-Rubriken Kultur, 

Wellness, Städte, Aktiv, Abenteuer, Familie, 

Shopping, Kurztrip, Weihnachten & Silvester 

der arcona HOTELS & RESORTS finden Sie 

das Besondere für eine kleine Auszeit. 

www.arcona.de/hotelangebote 


Sie werden sich nicht nur in neue Länder verlieben. 

Sondern auch in die Reise dorthin. 

Willkommen an Bord einer Kreuzfahrtflotte, die jedem Vergleich vorausfährt – 

mit kleinen, individuellen Schiffen und größter persönlicher Freiheit. 

Mehr über unsere Luxus- und Expeditionsreisen erfahren Sie unter 

www.vor-uns-die-welt.de 

V O R U N S D I E W E L T

John Axelrods Weinkolumne 

ANDALUSISCHE MÄCHTE 

Spanien und insbesondere Andalusien sind Exoten in jeglicher Hinsicht. 

In der Musik wie in den Weinen spiegelt sich die Tradition, immer offen zu sein: 

für Wege, die anders sind. 


Nun ist er vorbei, der Sommer. Grund 

genug, wieder einen Blick auf das endlich 

wieder echte, weil touristenfreie Spanien zu 

werfen. Schließlich kommen einige der 

schönsten Rotweine von dort. Zugleich 

sollte man sich immer mal wieder in Erinnerung 

rufen, dass Spanien über Jahrhunderte 

hinweg die wichtigste Quelle für die 

musikalisch-romantische Fremdartigkeit in 

Europa war. Dass das 500-jährige maurische 

Kalifat in Al-Andalus das Land ganz deutlich 

anders und außereuropäisch geprägt 

hatte. Sevilla zum Beispiel, die Hauptstadt 

der Region Andalusien: Immerhin sagt man 

der ersten Musikstadt der UNESCO nach, 

Schauplatz für mehr als 250 Opern zu 

sein. Nehmen wir nur mal die beliebtesten. 

Mindestens vier von ihnen spielen 

in Sevilla: Don Giovanni, Hochzeit 

des Figaro, Carmen und natürlich Der 

Barbier von Sevilla. Dazu der Flamenco, 

diese indigene Form der Zigeunermusik, 

deren Wurzeln auf die 

Mauren zurückgehen. Sie förderte 

diesen ganz speziellen „spanischen 

Klang“. Er war europäisch – und 

dann doch wieder nicht. Er war 

vertraut – und dann doch geheimnisvoll 

anders. Und genau dieses 

„Anderssein“ beflügelte die musikalische 

Fantasie von Komponisten, 

die nicht aus Spanien kamen: 

von Mozart über Verdi und Glinka 

bis Nikolai Rimsky-Korsakov, von 

Debussy über Beethoven bis Donizetti 

und natürlich von Rossini bis Ravel – 

sie alle fanden im spanischen Traum ihre 

Stimme. In dieser Romantisierung wurde 

Spanien, und ja, vor allem Sevilla, selbst 

zum Leitmotiv. Das Motiv hieß: anders, 

besonders zu sein. 

Wer einmal die Rhapsodie España von 

Emmanuel Chabrier gehört hat – inspiriert 

von seiner Zeit in Sevilla 1883 –, der versteht: 

authentisch transkribierte Rhythmen 

und Klänge, „à la française“ aufgehübscht, 

um zu gefallen. Nun könnte man hier natürlich 

einen französischen Wein empfehlen, 

da vor allem die Franzosen so von der spanischen 

Seele begeistert waren. Noch besser 

aber ist ein spanischer und zugleich exotischer 

Wein, der das Land repräsentiert 

und nicht das Ideal, das sich in der 

Musik dieser französischen Komponisten 

manifestiert hatte. 

Tatsächlich gibt es trotz der Fülle 

preisgekrönter spanischer Weine aus 

dem Rioja und der anderen Sterne-Appellation, 

Ribera del Duero, 

eine Region, die genauso anspruchsvoll 

ist. Juan Gil hat in Jumilla mehrere 

Weine produziert, die anders 

sind. Er verzichtet auf den allgegenwärtigen 

Tempranillo zugunsten 

eines hundertprozentigen Monastrell 

– einer Traube, die jahrzehntelang 

als mittelmäßig galt. Als die 

Reben dort nach einer Reblausplage 

neu gepflanzt wurden, haben Produzenten 

dieses Gold neu für sich entdeckt. 

Juan Gil und seine Familie besitzen 

120 Hektar Weinberge, gelegen auf einer 

Höhe von mehr als 700 Meter über dem 

Meeresspiegel, mit sandigen, kalkhaltigen 

Böden. Hier fallen in der Nacht die Temperaturen 

so ex trem, dass die täglichen 

Schwankungen mehr als 25 Grad betragen 

EIN WEIN WIE EIN SCHOCK. 

UND WIE ANDALUSIEN 

SELBST: SUBTIL IN SEINEN 

VIELFÄLTIGEN EINFLÜSSEN 

können. Dieses kühle Klima lässt den Trauben 

die Zeit, vollständig zu reifen. Mein erster 

Eindruck vom Juan Gil 18 Monate Blue 

Label war ein Schock. Ich liebe alle tiefen 

spanischen Rotweine, ihrer Würze wegen, 

aber das war eine Überraschung. Voller 

Frucht, mit viel Körper und hohem Alkoholgehalt, 

lang am Gaumen, dabei süß in der 

Spitze und trocken genug, um die spanische 

Küche zu unterstützen, und: subtil in seinen 

vielfältigen und außergewöhnlichen Einflüssen. 

Ein Wein wie Andalusien selbst. Mag 

man Tannine auch noch so verteufeln – Juan 

Gil macht einen sensationellen Wein. Hätte 

Chabrier während seines Spanienaufenthalts 

einen Juan Gil genossen, wäre seine España 

möglicherweise göttlich inspiriert gewesen. 

Nun, immerhin ist uns beides gegönnt: die 

Musik und dazu ein Schluck exotisches Spanien 

aus himmlischer Höhe. 

■ 

John Axelrod ist Generalmusikdirektor und Geschäftsführer des Real Orquesta Sinfónica de Sevilla und erster Gastdirigent des Orchestra Sinfonica di Milano „Giuseppe Verdi“. Nebenbei schreibt er 

Bücher und sorgt sich um das Wohl des crescendo-Lesergaumens. Außerdem schreibt er einen englischsprachigen Blog zum Thema Wein und Musik: www.IamBacchus.com. Übersetzung: Barbara 

Schulz. Infos zum Wein von Juan Gil finden Sie hier: www.bodegasjuangil.com 

81

H O P E T R I F F T 

Daniel-Hope-Kolumne 

„DU MUSST BESESSEN SEIN“ 

Daniel Hope spielte mit Vadim Repin in Istanbul die Premiere von 

Shadow Walker, einem Konzert für zwei Geigen von Mark-Anthony Turnage. 

Ein Gespräch über Kompromisslosigkeit, Offenheit, Kontrapunkt und – Fußball. 

Daniel Hope: Mark, was war die Herausforderung, 

für zwei Violinen zu schreiben? 

Mark-Anthony Turnage: Ich fand es in 

gewisser Weise gar nicht so herausfordernd, 

weil mir die Vorstellung, dass zwei Persönlichkeiten 

sich gegenseitig ausspielen, 

ziemlich gefallen hat. Ich mag diese Idee mit 

zwei Solisten. Die eigentliche Challenge war, 

dass es nicht viele Konzerte für zwei 

Solisten gibt. Eines davon ist ein absolutes 

Meisterwerk: das Bach-Doppelkonzert. Das 

hat mich etwas eingeschüchtert. 

War das türkische Orchester eine Hürde? 

Ich wollte die Instrumente kennenlernen, 

die westlichen Orchestern nicht vertraut 

sind. Und noch bevor man Lauten, 

orientalische oder türkische Instrumente 

wahrnimmt, hört man hauptsächlich 

Schlagzeug. Deshalb habe ich recherchiert. 

Das Problem dabei war, dass es künftige 

Auftritte aufgrund der ungewöhnlichen 

Instrumentation einschränken könnte. 

Also habe ich nach Alternativen gesucht. 

Gleichzeitig ist es wunderbar, eine türkische 

Klangwelt zu haben. Ich kannte das 

Borusan Istanbul Philharmonic Orchestra, 

denn ich habe es – mit dir als Solist – im 

Radio bei den BBC Proms gehört. Sascha 

Goetzel dirigierte. 

Kurios ist, dass ich gerade in Luxemburg 

war und mit Vadim Repin und Sascha 

Goetzel zu Abend aß. Wir meinten, wie 

wunderbar es wäre, mal ein Stück für zwei 

Violinen zusammen zu spielen und sagten 

aus Spaß: Lasst uns versuchen, Mark zu 

erreichen! Es hat geklappt! 

Das hat mich alles fasziniert. Und natürlich 

hat mich Istanbul gereizt! Ich war Mitte der 

80er-Jahre dort – und habe es geliebt. Das 

ganze Paket, das du dir ausgedacht hast, war 

sehr attraktiv. Vadim Repin – ich kannte ihn 

Vadim Repin, Sascha Goetzel, Mark-Anthony 

Turnage und Daniel Hope (v. l. n. r.) 

von einer Aufnahme des Violinkonzerts von 

Brahms. Mir waren alle bekannt, was ein 

schöner Anfang für das ganze Stück war. 

2006, als ich im Beaux Arts Trio spielte, 

bekamst du von uns den Auftrag für A Slow 

Pavane. Für Menahem Pressler, Gründer 

des Beaux Art Trios – er war damals schon 

fast 80 –, war das eine völlig neue Musiksprache. 

Er war bei den Proben so in 

seinem Element! Ist es für dich ein 

Unterschied, ob ein Interpret deine Ideen 

umsetzt oder ob er auch sein eigenes Ding 

durchzieht? 

Das Tolle an der Arbeit mit verschiedenen 

Spielern – deshalb arbeite ich auch gern mit 

Jazzmusikern – ist dieser einzigartige 

Sound. Ich mag die Teamarbeit. Und ich 

mochte die Erfahrung mit den Beaux Arts 

sehr. Meine einzige Chance, wirklich Teil 

von etwas zu sein, ist, mit Musikern 

zusammenzuarbeiten. Ich erinnere mich, 

dass du mich mehrmals gebeten hast, nichts 

zu ändern. Aber ihr habt einen Satz neu 

interpretiert. Ich mag das. Es regt mich an. 

Deine Oper Greek feiert 30-jähriges 

Bestehen. Greek hat die Oper verändert. 

Welchen Anteil hat Hans Werner Henze 

an deinem Weg? 

Henze hat gewissermaßen meine internationale 

Karriere bereits vor meiner ersten 

Zusammenarbeit mit Simon Rattle angeschoben. 

Ich war mit Henze in Tanglewood 

und traf ihn auch durch meinen großartigen 

Lehrer Oliver Knussen, der leider kürzlich 

verstorben ist. Henze hat an mich geglaubt. 

Er sagte immer, ich sei ein dramatischer 

Komponist und würde gut für das Theater 

schreiben. Er hat etwas gewagt mit mir. Ich 

war ja gerade mal 26, als Greek in Auftrag 

gegeben wurde. Er machte mich mit dem 

Dramatiker Steven Berkoff und dem 

Regisseur Jonathan Moore bekannt. Hinter 

fast jeder Idee steckte Henze. 

Wenn heute ein junger Komponist nach 

Ratschlägen fragt, was antwortest du ihm? 

(Lacht) Nun, du musst komplett von Musik 

besessen sein. Als junger Komponist musst 

du alles wissen, musst dir alles anhören. Als 

ich 15 oder 16 war, habe ich einfach alles 

aufgesogen. Wenn man anfängt, dann 

braucht man die Technik, man muss 

wirklich lernen. Ich würde sagen, du 

brauchst Obsession, aber auch: Kontrapunkt. 

Lerne den Kontrapunkt – er ist eine 

Schwäche vieler Komponisten. Ich bin froh, 

dass ich einen Lehrer hatte, der darauf 

bestand. Ich wurde in gewisser Weise auf 

eine deutsche Art erzogen, weil es die Musik 

war, von der ich besessen war. Wenn ich 

heute vor Studenten stehe, die keine 

Obsession haben, macht mir das Sorgen. 

Letzte Frage: Wir sind beide Fans von 

Arsenal London. Wie wird die Saison? 

Wir werden wieder Fünfter oder Sechster? 

Es ist erbärmlich. Weil es keine Entwicklung 

gibt. Mag falsch sein. Als pessimistischer 

Fan aber sage ich jedem: Wir werden 3:0 

verlieren. Und hoffe, dass es 

besser wird! 

n 

Mark-Anthony Turnage: Shadow Walker, 

Daniel Hope, Vadim Repin (Onyx) 


FOTO: PRIVAT 


Spüren Sie die grandiose Kraft von 80 Spitzenmusikern 

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Daniil 

Trifonov 

Eine Entdeckungsreise 

zu den Klavierkonzerten 

von Rachmaninov 

» Das vierte Klavierkonzert ist mein Lieblingskonzert. 

Die Eröffnung ist für mich wie eine Bahnfahrt. 

Sie beginnt mit diesem ungestümen rhythmischen 

Schwung, der zeigt, wie Rachmaninov Musik als 

Emotion auffasste … « Daniil Trifonov 

Ab sofort als CD, 

Download & Stream 

Ab 26. Oktober 

als 2 LP (inkl. Audio CD) 

© Dario Acosta 

Steigen Sie ein: www.daniil-trifonov.de

CRESCENDO 6/18 Oktober-November 2018

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