Ponce, Genio de México vida y época

PONCE, GENIO DE MÉXICO.
VIDA Y ÉPOCA (1882-1948)
VOLUMEN 2
EMILIO DÍAZ CERVANTES.
DOLLY R. DE DÍAZ.
1

Derechos Reservados
Reg. Núm.03-2011-100710121800-01
ISBN: 978-607-7820-50-5
(c) Emilio Díaz Cervantes
(c) Dolly R. de Díaz
Diseño portada y contraportada: Emilio Díaz Cervantes.
Primera edición 2013
Editado por: Instituto de Cultura del Estado de Durango
Impreso y Hecho en México.
2

A DOLLY
Mi Esposa
A EMILIO
Mi Esposo
3

1918, Ponce y Clema en su casa de Agustín Melgar.
4

1925, Ponce y Clema. Foto de Gabriel Figueroa
5

Programa de la 1ª temporada de la Orquesta Sinfónica
Nacional (OSN), bajo la dirección de Manuel M. Ponce.
Diciembre De 1917.
6

I N D I C E
PRÓLOGO AL VOLUMEN 2..…………………………….................11
CAPÍTULO I. México 1918……………………………….................13
Antes y después……………………………………………. ............15
Los jóvenes leones………………………………………….............16
J. Ives Limantour………………………………………….................18
Alma nacional……………………………………...........................19
Orquesta Sinfónica Nacional (OSN)…………………................20
La tierra del sol……………………………....……………...............27
El oro del RHIN...………………………………………….................28
Arnulfo Miramontes………………………………………...............31
Esperanza Iris………………………………………………...............32
CAPÍTULO II. Allons enfants de la patrie………………..............33
La dimensión humana................................................................34
Con la música a otra parte……………………………… ............35
La rosa blanca……………………………………………................36
Debussy……………………………………………………….............37
Clema………………………………………………………...............38
Gustavo E. Campa………………………………………................40
Sin chistar……………………………………………………..............42
Maurice Dumesnil…………………………………………..............43
El aprendiz de brujo………………………………………...............45
Balada Mexicana para piano y orquesta……………..............47
Mes de la Patria…………………………………………..................49
Amado Nervo…………..…………………………………...............52
Raza de Bronce…………………………………………..................52
La influenza española…………………………………..................54
Pablo Casals………………………………………………................55
Pitágoras no miente……………………………………..................57
Proa al sol…………………………………………………….............58
CAPITULO III. “Revista Musical de México”……………............77
Noé Mc Ulpmen…………………………………………….............78
Espíritus feroces……………………………………………..............78
“México Moderno”………………………………………...............80
El poema sinfónico………………………………………................80
Casa Wagner………………………………………………..............81
Igor Stravinsky….……..………………………………......................83
Temporada de Ópera .…………………………..........................84
Arthur Rubinstein…………………………………………................86
Sasha Jacobsen………………………………………….................88
Temporada Caruso………………………………………...............89
Crítica, crítico, criterio…………………………………..................90
7

Albert Friedenthal..………………………………………...............91
Catedrático y escritor…………………………………..................92
La Canción de Caruso………………………………….................93
Interludio Elegiaco……………………………………….................94
Facultad de Música de la Universidad Nacional…................96
Nuevamente “Estrellita”………………………………..................98
CAPÍTULO IV. Sic transit gloria mundi……………….................101
“La Mort”.....................……………………………………………..101
2ª. y 3ª. Sonatas para piano …………………………................102
Julián Carrillo…………………………………………….................105
Mimetismo musical……………………………………..................106
Calaveras 1920………………………………………....................108
Eso es todo………………………………………………................109
El Cancionero Popular…………………………………...............110
En defensa propia………………………………………...............112
“Alma Triste”…………………………………………………….......116
Fray Antonio…………..……………………………………….........117
Carlos Chávez Ramírez……………………………………….......122
CAPITULO V. La Alhambra……………………………………......127
“Teatro Degollado”……………………………………………......127
José F. Vázquez..……………………………………………….......132
Suave Patria………………………………………………..............133
Un Viejo Amor……………………………………………...............136
Adolfo Salazar……………………………………………...............137
El “Adiós” de Carrasco…………………………………...............137
Oscar Nicastro……………………………………………..............138
Eduardo Sánchez de Fuentes…………………………..............140
José Vasconcelos………………………………………................143
Certificado de origen…………………………………................144
Teatro Morelos…………………………………………..................145
Sonata para Cello y Piano……………………………................146
Bandeja de plata………………………………………................147
Ricardo Castro………………………………………….................148
José Rolón…………………………………………………..............149
Luis A. Delgadillo…………………………………………..............150
Felipe Villanueva…………………………………………..............150
“Casa de Salud del Periodista”………………………...............151
“La Casa del Radio” (Antecesor de la “XEW”)…..................152
S.M. Fox Trot………………………………………………...............153
Los primeros 40…………………………………………….............153
CAPITULO VI. Andrés Segovia…..……………………................155
Primera Sonata para Guitarra del Siglo XX ………….............159
Saludos cariñosos………………………………………................161
Soy de San Luis Potosí………………………………….................161
8

Estampas Nocturnas……………………………………...............163
“Chapultepec”, Tríptico Sinfónico………………….................163
“Sinfonía de la Patria”, de Carlos Chávez……………............165
Música diferente…..……..…………………………….................166
23 Canciones Mexicanas………………………………..............167
Dulce Francia……………………………………………................168
El suplicio del concertista………………………………..............170
El guitarrista Segovia……………………………………...............171
Feliz sorpresa…………………………………………….................173
El Viejo…………………………………………………….................174
Perspectiva aérea………………………………………...............175
México Viejo………………………………………………..............176
El Sonido 13………………………………………………...............177
Rubén M. Montiel…………………………………………............179
CAPITULO VII. El Oratorio…….…………………………..............185
Ay! Qué dolor……………………………………………...............186
Danza Yaqui………………………………………………..............187
La abeja en la oreja……………………………………................188
Silvestre Revueltas………………………………………...............190
Ni plagios ni profanación………………………………..............191
2°. Viaje a Europa….………….…………………………..............194
Gitarre Konzert……………………………………………..............195
Joaquín Amparán………………………………………...............196
Morenita Mía……………………………………………….............196
“Discípulo de Manuel M. Ponce”……………………...............198
CAPITULO VIII. París………………………………………..............213
Manuel de Falla…………………………………………...............213
Madame Debussy………………………………………...............214
“La Revue Musicale”……………………………………..............217
“Los Seis de París”………………………………………................218
R. Tagore…………………………………………………….............219
Bordado por Clema ……………………………………..............220
Miguel de Unamuno……………………………………...............226
Sin censura………………………………………………….............227
La Guitarra mágica de Segovia….……………………............235
El manantial……..………….……………………………...............239
Notre Dame.…………………………………………….................245
Kimbombó……………………………………………….................249
Carlos del Castillo………………………………………….. ..........250
Dolor y tristeza……………………………………………..............252
CAPITULO IX. Nicolás Medtner………………………….............253
El mal………………………………………………………...............254
Schot Shone………………………………………………..............256
Jasha Heifetz……………………………………………….............259
9

“Gaceta Musical”………………………………………...............260
Segovia—Sol Hurok, en Nueva York…………………...............261
De A. Schoenberg a H. Villa – Lobos …….………………........263
Fray Antonio de Santa Rosa de Lima…………………............268
Segovia, Profesor de Guitarra…………………………..............270
Franz Schubert………………………………………………….......271
Los Idus de Julio………………………………………………….....276
CAPITULO X. ¡Sí, mi General! ......……......................................285
La“OSN”, y la “OSM” de Carlos Chávez……………...............288
En alas de la inspiración….....………………………..................289
Regreso a México…………………………………………............292
Espíritu y materia…………………………………………..............296
Cátedra Magistral.....................................................................299
“Succés d’estime”………………………………………...............301
Ponce, Chávez, y Revueltas…………………………................304
Barcelona - Isaac Albeniz - Merlín………….………….............308
CAPÍTULO XI. La calidad humana……………………..............335
“Suite en estilo barroco”, para guitarra...…………….............339
La Folía de España…………………………………………….......343
“Pequeñas miserias”…………………………………………........346
Pro-Monumento a Debussy……………………………..............348
Pies de Página............................................................................357
Catálogo de obras …………….................................................358
Bibliografía……………………………………………….................363
10

PRÓLOGO AL VOLUMEN 2
Esta 2ª. Parte de la biografía de Manuel M. Ponce nos
tomó casi tres lustros terminarla porque la historia no fluía por
falta de material, los datos no concordaban y había huecos
de años. Aunque a partir de 2004 la situación cambió. Carlos
Vázquez, de 84 años de edad, último discípulo, heredero
universal y representante legal de Manuel M. Ponce, nos permitió
revisar varias cajas de documentos de los Siglos XIX y XX
con fotografías, programas, manuscritos, periódicos, nombramientos
oficiales, etc., del compositor y nos explicó: “Yo también
quería escribir sobre mi maestro y preparaba algunas
sorpresas”. Cosa muy comprensible, pero la edad y algunos
padecimientos se le vinieron encima, declinó y nos entregó el
material celosamente guardado durante 63 años. “ Ustedes
son los biógrafos de Ponce”—dijo—.
De ese modo, primero escribimos una 3ª. edición enriquecida
del Volumen 1 de la biografía, publicada en abril
de 2008 por la Universidad Juárez del Estado de Durango. Y
ahora ponemos a tu consideración, amable lector, la Segunda
Parte de la vida del compositor. Si te gusta, recomiéndala
pues, no lo dudes, forma parte de la historia de México ¡Desde
Porfirio Díaz hasta Miguel Alemán! Y semejante al “Cid
Campeador” de la leyenda, Ponce continúa ganando batallas
después de muerto, ahora premios y distinciones:
Recientemente, febrero 26 de 2010, la UNESCO declaró
la obra musical de Manuel M. Ponce “Patrimonio Documental
de la Humanidad”, ubicándola al lado de la de
Beethoven, Mozart, Bach, Chopin, Liszt y otros genios de la
música universal. El mismo año la SACM le otorgó la presea
“Reconocimiento Póstumo Juventino Rosas”, hermosa escultura
hecha por “Sebastián”. Podemos añadir que Ponce es
uno de los pocos mexicanos homenajeados dentro y fuera
de su patria, ya que su música se escucha frecuentemente
en las principales salas de conciertos del planeta. Lo mismo
sus discos, que editan varios países. Al respecto, el asunto de
las grabaciones nos interesó mucho y decidimos asomarnos
a la radiodifusora cultural más antigua de Iberoamérica: “Radio
Universidad”, que transmite desde 1937. Queríamos conocer
las obras de los compositores mexicanos de música
clásica que forman parte de su discoteca. Lo que encontra-
11

mos lo hacemos público en este volumen y cualquier persona
puede corroborarlo:
En mayo del año 1998, los discos CD que tenían con
música de: Carlos Chávez eran 18. De Silvestre Revueltas 21;
y de Manuel M. Ponce 50. Años después, en 2010, regresamos
a Radio UNAM y encontramos:
INVENTARIO POR CD:
Ricardo Castro 25
Carlos Chávez 45
Silvestre Revueltas 60
Manuel M. Ponce. 110
INVENTARIO POR OBRAS ORIGINALES:
Ricardo Castro 48 menos 18 repetidas = 30
Carlos Chávez 63 menos 28 repetidas = 35
Silvestre Revueltas 125 menos 86 repetidas = 39
Manuel M. Ponce 435 menos 200 repetidas = ¡235!
Amén de lo anterior, en 2010 también examinamos la publicación
oficial “50 AÑOS DE MÚSICA EN EL PALACIO DE BELLAS
ARTES”, y descubrimos, además de graves “olvidos” sobre el
compositor zacatecano, que en ese lapso se ofrecieron en
Bellas Artes 253 eventos con obras de Silvestre Revueltas, 291
de Carlos Chávez y ¡834! con obras de Manuel M. Ponce: los
primeros 25 años, 416 veces; los segundos 25 años, 418 ocasiones…
Pareciera que la Catedral de la Música Nacional fuera
construida para el creador de las rapsodias mexicanas. Hubo
años, 1982, en los que Chávez se escuchó sólo en 2 ocasiones,
Revueltas en 6 y Ponce ¡97! Veces. … Números que son
para llamar la atención pues Ponce aparece siempre a la
vanguardia, aunque ya viene Ricardo Castro, Patriarca de
la Música Sinfónica Nacional, a pesar que su obra permaneciera
apostadamente oculta casi 100 años. No obstante, la
realidad nos muestra de forma rotunda y demoledora que
en cuestiones de música bien hecha el gusto del público, los
intérpretes y el padre tiempo (el juez más certero sobre la calidad
de una obra musical) colocan a cada quien en el lugar
que le corresponde. ¡ MALGRÉ TOUT !(A pesar de todo).
Emilio Díaz Cervantes
Dolly R. de Díaz.
Cd Satélite, Edo. de Méx., octubre de 2011.
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2ª. PARTE DE “PONCE, GENIO DE MÉXICO”
CAPÍTULO I
México 1918.- En 1918 la vorágine revolucionaria iniciada en
1910 había cesado. El país vivía una etapa de reacomodo
político y social, trabajo y desarrollo, buscando recuperar el
tiempo perdido. En el terreno musical, Manuel M. Ponce era
reconocido como el compositor más popular del momento.
Se desempeñaba como director de la Orquesta Sinfónica
Nacional (OSN) y la crítica lo tenía como genio final de un
ciclo evolutivo de la música nacional; aquél que acumulaba
los esfuerzos y hallazgos de muchos hombres que le precedieron.
Con su inspiración y poder innovador nacionalista Ponce
impulsaba el ambiente musical del país, y desde hacía tres
años su popularidad alcanzaba dimensión universal ya que
“Estrellita” se cantaba en todos los países. En 1918 su forma
de escribir música era a la vez que nacionalista, romántica
y moderna, sin llegar a los extremos aparecidos en la Europa
del nuevo siglo.
El compositor zacatecano nacido en Fresnillo y trasplantado
a Aguascalientes, donde floreció, en ningún momento
intentó seguir el camino de los novedosos compositores
franceses, rusos, o austriacos. “Son dignos de admiración
—escribía— el peligro reside en tratar de imitarlos, ya que son
inimitables”. Y no lo hizo debido a que no quería sujetar ni
limitar su creación artística a ninguna época o estilo pasajero;
era sabio…. Igual que Mozart, Chopin, Ricardo Castro
y Felipe Villanueva, sólo deseaba escribir música que fuese
hermosa en cualquier instante del tiempo.
Con la muerte de Felipe Villanueva en 1893, de Juventino
Rosas en 1896, y de Ricardo Castro en 1907, Gustavo
E. Campa se erigía como último compositor vivo de su generación.
Silvestre Revueltas, Carlos Chávez, Candelario Huízar
y otros más, también impulsores del nacionalismo musical,
no aparecían aún en el orto del horizonte musical mexicano.
Sólo Ponce permanecía en el cenit de su vida creativa,
desde donde brillaba esplendoroso. Al respecto, Gustavo E.
Campa escribía:
“…. Hago constar que uno de los méritos que con más fuerza
me atrae a Ponce radica en la circunstancia —inapreciable
para mí— de haberse formado por su propio esfuerzo,
13

a costa de sacrificios y sin implorar el auxilio oficial. Como
Miramontes, y teniendo con éste algunas analogías, por lo
menos en las peripecias de los comienzos de su carrera artística,
nada debe al elemento oficial y todo a sus propias
energías, a su voluntad, a los impulsos de una irresistible vocación
y a su talento tan natural como precoz... La inspiración
no es reacia para Ponce; acude dócilmente a su llamado
y sólo se muestra esquiva cuando él intenta torturarla
en el potro del decadentismo. Buenas pruebas de esa dócil
y gentil inspiración hánosla dado en los “Trozos Románticos”
que contienen números exquisitos; en las “Hojas de Álbum”,
las “Veintiséis Mazurkas”, los catorce dificilísimos “Estudios de
Concierto”, la finísima “Suite” para instrumentos de arco, el
“Concierto” de piano, la “Sonata” para el mismo instrumento,
y, principalmente, en el bellísimo “Trío” para piano, violín
y violoncello que reputo como su obra más bella, alta e inspirada.
En todas ellas acumúlanse méritos resaltantes, bien
en la línea melódica, en su fácil desarrollo y frescura, o bien
en la riqueza armónica, manifestada en novedosas combinaciones
que frecuentemente se complican en sabias polifonías
o vigorosos contrapuntos. Recuerdo, a este respecto,
la segunda “Rapsodia Mexicana”, en la que el tratamiento
y armonización de nuestro lindo canto “Las Mañanitas”, podrían
citarse como modelos de elegancia y de buen gusto;
así como en una “Rapsodia Cubana” la feliz combinación
de dos temas superpuestos constituye un hallazgo de gran
efecto y digno de mencionarse. El “Preludio y Fuga” sobre un
tema de Haendel, bello y sabiamente escrito, corroboran el
juicio que acabo de emitir”…
Campa sólo confirmaba públicamente lo que era
conocido en el ambiente cultural de la Cd. de México: Que
Ponce jamás recibió apoyo oficial para alcanzar el triunfo; lo
cual, en cuestiones de arte, no tiene mayor significación que
confirmar si la fuente donante era o no amante de la cultura,
cosa que no quita ni agrega méritos a la calidad del artista ni
a su obra, sólo le facilita el camino; pero también dejaba claro
que el compositor jamás recibió dinero ni prebendas de
ningún gobierno porfirista, maderista, huertista o carrancista,
puesto que trabajar como Catedrático del Conservatorio Nacional
de Música, desde 1908; o como Profesor de Piano de
la Escuela Nacional de Música del “Departamento Universitario
y de Bellas Artes”, o bien, en la Dirección de la Orquesta
Sinfónica Nacional, desde el mes de junio 1917, no significaba
mácula alguna.
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Antes y Después.- En 1918 el lenguaje cultural que se hablaba
en el país comenzaba a cambiar, el “Romanticismo” porfirista
continuó vigente por inercia histórica hasta consolidarse el
triunfo de la Revolución en 1917; después, el cambio se dará
poco a poco hasta 1921, año del Centenario de la Consumación
de la Independencia Nacional. A partir de entonces,
dicho lenguaje cambiará hacia uno francamente nacionalista
de oposición a la añeja burguesía local; cambio que abarcará
todos los órdenes de la vida nacional. En 1921 los festejos
conmemorativos se realizarán exclusivamente con artistas
y músicos mexicanos. “Se trata de una fiesta esencialmente
nacional a la que hemos invitado a todos los países amigos,
debemos exhibir nuestra República, con sus deficiencias
y cualidades, y no engañar a los que vienen a vernos presentando
artistas que no son mexicanos” —señalaba Álvaro
Obregón, que gobernaba desde 1920— respaldando así el
proceso oficial de reconstrucción nacionalista y desarrollo de
“lo mexicano”, iniciado desde entonces.
Al respecto, mucho se ha hablado y escrito sobre el
nivel cultural de los habitantes del país durante el Siglo XIX y
hasta antes de la Revolución; reflexiones que subsecuentemente
han enfrentado, no se puede evitar, los niveles actuales
con los anteriores. Escritores, periodistas, y críticos de arte
han expresado sus opiniones, y en lo que a música se refiere,
a partir de la segunda mitad del Siglo XX la mayoría de ellos
señalaron que: “La música mexicana de concierto merecedora
de tal nombre, surge en las primeras décadas del Siglo
XX”. “Los vientos de la posguerra señalaron caminos a México
ni siquiera soñados medio siglo atrás”… Y así siguen las opiniones;
uno de esos críticos llegó a escribir: “Carlos Chávez
formó un público atento y creó el gusto por la música culta
en grandes grupos de la población”…
Tales opiniones se emitían alegremente, como si antes
no hubiese existido algo digno de consideración, como si la
música nacional hubiera brincado del huéhuetl y las chirimías
precolombinas a “La Cucaracha”, “La Adelita”, “La Valentina”,
etc. etc., y de ahí hasta Carlos Chávez…¡Nada más falso
y alejado de la realidad! Puesto que tales señalamientos
sólo ofrecen un enfoque simplista de una situación compleja,
como lo es el devenir histórico musical del país. Dichos críticos
soslayan muchas cosas, entre ellas: que entonces había mejor
gusto por la buena música, ya que la natural disposición
artística de nuestra raza no se contaminaba aún por la música
corriente que se escucha con frecuencia por la Radio y
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TV; y es que entonces el nivel cultural de los habitantes del
país se mantenía en grado más elevado, la gente era respetuosa,
reflexiva. Las actividades artístico-intelectuales proporcionalmente
eran más numerosas; las clases cultivadas,
lo mismo que las populares, reconocían el verdadero valer
de sus artistas y les rendían devotos homenajes. La música,
poesía, pintura, escultura, literatura, filosofía, etc. tenían eco
propicio en el espíritu del público finisecular, que paladeaba
con fruición dichas creaciones.
Al iniciarse la Revolución, 75% de la población era
analfabeta; pero no hace falta saber leer y escribir para tener
sensibilidad artística y apreciar la buena música folclórica, popular
o clásica, nuestros indígenas la tenían sin haber asistido
a las aulas, con eso se nace. Es bien sabido que parte de la
Conquista de México y la posterior conversión al catolicismo
se logró gracias a la música de las iglesias. Los misioneros se
dieron cuenta inmediatamente, ya que el novedoso sonido
del órgano y los espléndidos coros franciscanos materialmente
fascinaron a los habitantes del Nuevo Mundo, quienes se
arremolinaban fuera de los templos para oír. El poder receptivo
de los indígenas era maravilloso y como jamás habían
escuchado algo semejante lo consideraban música divina…
Y no estaban tan equivocados. En 1919 el ilustre pianista J.
Hoffman afirmaba: “Pero la educación musical no siempre
va de acuerdo con el entusiasmo del público. Hace algún
tiempo que yo toqué una serie de conciertos en México y,
aun cuando la generalidad de los concurrentes no poseía
una cultura musical, el público mexicano respondía en forma
tan calurosa a mi labor artística, que era un verdadero placer
tocar para él. Algunas veces la sabiduría mata el entusiasmo.
No basta conocer la música, es necesario sentirla”… (En esa
ocasión, los dilettanti mexicanos lo pasearon en hombros).
“Los Jóvenes Leones”.- Lo que sucedió después de la Revolución
fue que los nuevos políticos, artistas, periodistas y críticos
de arte intentaron romper con el pasado porfirista. De
ese modo, podemos decir que el Siglo XIX mexicano terminó
durante los festejos del centenario, en 1910, siendo enterrado
con todos sus protagonistas borrando un pasado pletórico
de cultura, arte y humanismo; a causa de ello, legiones
de escritores, poetas, pintores, músicos, escultores, filósofos,
etc. fueron lanzados al olvido con todas sus creaciones. Sólo
se salvaron los iniciadores del nacionalismo artístico: Manuel
M. Ponce, en la música; Ramón López Velarde, en la poesía;
16

Francisco Goitia y Saturnino Herrán, en la pintura; Guadalupe
Posada, en la gráfica popular, y Mariano Azuela, en literatura
con la novela de la Revolución.
En un injustificado afán por ahorrar tiempo y trabajo
en tareas de investigación y valoración de nuestro pasado,
a partir del primer tercio del Siglo XX, de forma inexplicable
(Pareciera cosa de un grupo de personas amafiadas en beneficio
propio), la mayoría de críticos musicales consideraron
inválido cualquier periodo musical de la vida nacional que
no estuviera sustentado por el nacionalismo triunfante o las
corrientes vanguardistas en boga. ¡Suena absurdo, pero así
fue! Imaginemos que franceses, rusos, italianos, españoles,
etc. hubiesen hecho lo mismo luego de sus violentos movimientos
populares decimonónicos y de principios del Siglo XX
¡¿Dónde estaría el mundo artístico actual?!... Enarbolando la
bandera del nacionalismo arremetieron contra “los afrancesados”,
como si artistas e intelectuales fuesen culpables de
las miserias que dieron origen a la lucha armada. Todas las
actividades sociales, políticas, económicas y culturales del
porfiriato fueron satanizadas.
Así, pues, los jóvenes leones que derrotaron al Viejo
Líder escribieron su propia historia y en nombre de un futuro
feliz no quisieron mirar hacia atrás, so pena de convertirse en
seres monolíticos salados. Su objetivo: conseguir nueva imagen
de México, original o inventada, y por esa razón apareció
un arte moderno nacionalista a ultranza. Por otro lado, y
justo es decirlo, imposible negar que luego de la Revolución
surgiera nueva hornada de artistas, pintores, músicos, poetas,
escritores, filósofos, etc., que anunciaba radiante aurora de
arte nacional, pues cada generación de creadores acarrea
consigo frescas florescencias sea cual fuere la dirección de
su desarrollo. De cualquier modo, al destruir toda una época
de humanismo y esplendor artístico, para Alfonso Reyes
la Revolución sacrificó a su generación “Todos naufragaron,
cada cual asido a su tabla ha sobrenadado como ha podido”.
Para Octavio Paz, la Revolución nos puso frente a la historia
“Planteándonos la necesidad de inventar nuestro futuro
y nuestras instituciones”.
J. Ives Limantour.- En 1892 apareció la primera gran orquesta
sinfónica mexicana (formada por 82 profesores), resultado
del establecimiento de la “Sociedad Anónima de Conciertos”
bajo patrocinio y presidencia de José Ives Limantour, futuro
Ministro de Hacienda de Porfirio Díaz. Sus principales impulso-
17

es eran los músicos jóvenes más brillantes y revolucionarios
de su época: Felipe Villanueva, Ricardo Castro, Gustavo E.
Campa, Juan Hernández Acevedo y Carlos J. Meneses. Desafortunadamente
el noble esfuerzo fracasó por varios motivos,
financieros principalmente, pero el espíritu progresista inicial
prevaleció y en 1902 Limantour utilizará toda su influencia
para crear el primer conjunto sinfónico nacional subvencionado
por el Estado; mismo que operará hasta 1912 bajo la
dirección de Carlos J. Meneses. Más adelante, en 1909 surgirá
otro buen grupo sinfónico: La “Orquesta Beethoven”, dirigida
por Julián Carrillo, cuya vida activa llegará hasta 1914. Dos
años más tarde aparecerá la “Orquesta Sinfónica Nacional”
(OSN), creada el 9 de agosto de 1916, por Decreto Presidencial
de Venustiano Carranza.
En su libro sobre el folclore y la música mexicana,
Rubén M. Campos, que vivió entre los siglos XIX y XX, afirma:
“Los espectáculos musicales en todas sus expresiones
y modalidades han sido parte intrínseca de los mexicanos,
felizmente dotados de un alma musical”. Añadiendo: “Este
es el resultado de la legión de ejecutantes que el Estado ha
enviado a educarse musicalmente en Europa, y que la reciente
revolución sacó de quicio, como a la mayoría de los
mexicanos, llevándolos de oriente a poniente y de norte a
sur, por todas nuestras ciudades cultas, y a casi todos a la Capital
de la República, donde han oído ejecutar la más bella
música de todas las épocas y de todas las escuelas, desde
los primitivos maestros italianos y los clásicos y los románticos,
hasta los modernistas franceses, españoles y eslavos. Pues en
México, ciudad musical por excelencia, lo mismo se toca —
bien tocado—a Bach, Haendel, Haydn, Mozart, Beethoven,
Mendelssohn, que a Schubert, Schuman, Chopin, Liszt, Berlioz,
Wagner, o que a César Franck, Saint-Saens, Dvorack, Sibelius,
Rimsky-Korsakov, Albéniz, Strauss, o Debussy.
La alta música lírica y sinfónica ha sido escuchada
toda: La literatura del piano y de la música de cámara tiene
en nuestra ciudad fervientes apóstoles y exquisitos virtuosos,
y ellos han llevado nuestra cultura musical a un alto rango, y
podemos enorgullecernos, gracias a nuestros solistas, a nuestros
cuartetos y quintetos, y a la Orquesta Sinfónica Nacional,
de que, cuando menos como auditores, hemos alcanzado
una amplia y noble educación musical”(1)… —Opiniones expresadas
antes que aparecieran Carlos Chávez y su Orquesta
Sinfónica de México—.
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Alma Nacional.- Con la Revolución se pusieron de moda
cantos y corridos populares que los combatientes llevaban
por todo el país, como: “La Valentina”, “La Adelita”, “Las Tres
Pelonas”, “La Cucaracha”, “Marieta”, etc. De la misma forma
se popularizaron los novedosos arreglos para canto y piano,
o piano solo, que Manuel M. Ponce hiciera de los cantos vernáculos
mexicanos, que lo mismo se cantaban acopañados
con la guitarra o se interpretaban en salas de concierto, entre
otros: “Marchita el Alma”, “Rayando el Sol”, “Cuiden su
vida”, “El Desterrado”, “A la Orilla de un Palmar”, “Serenata
Mexicana (Alevántate)” y “La Pajarera”; además de obras
de su propia inspiración: “Estrellita”, “Lejos de ti”, “Todo Pasó”,
“Por ti mi Corazón”, etc. etc. Popularizándose rápidamente
con el nombre genérico de “Canciones Mexicanas”. Ponce
contribuía así a:
“FOMENTAR LA NECESARIA Y GRANDIOSA LABOR DE
FORMACIÓN DEL ALMA NACIONAL MEXICANA, FUENTE ÚNICA
DEL VERDADERO PATRIOTISMO Y DE LA GRANDEZA DE NUES-
TRA TIERRA”.
Como lo reconociera desde el 26 de junio de 1916 el
Gobierno de la República. Dichos calificativos no eran sólo
una cortesía oficial en honor del compositor, eran la verdad
pues no existía entre la población un claro concepto de “Nacionalidad”.
Porfirio Díaz intentó formarlo a través de una red
ferroviaria de 25,000 kms. de longitud, que integraba en una
sola unidad patria a miles de poblados que vivían en la oscuridad
del pasado. Pero fueron los “Corridos de la Revolución”
y las “Canciones Mexicanas” de Ponce, la causa del renacimiento
nacionalista y el lazo espiritual que consolidó tal concepto
entre los habitantes del Territorio Mexicano.
Pero no todos los creadores pudieron hacer labor nacionalista;
Ponce señalaba en una entrevista periodística:
“Creo que el empleo de la melodía, tal como sale de
la boca del pueblo, en las obras sinfónicas, por ejemplo, requiere
de la sabiduría del compositor para ennoblecerla. Hay
que vestirla; y podremos decir que era una linda india, pero
desarrapada y sucia; el compositor la baña, la viste de seda y
la presenta estupendamente engalanada. El peligro consiste
en que muchos compositores no tienen conciencia y en el
momento de ennoblecer la melodía popular le dejan todas
las asperezas que llevaba desde su origen y la desnaturalizan,
en tal forma, que el pueblo ya no las reconoce.”
19

Luego de sus primeros escarceos folcloristas, Ponce
buscó nuevas formas musicales abandonando otras suficientemente
exploradas, como la “Mazurca”; género musical de
origen polaco que F. Chopin pusiera de moda en las salas
de concierto del mundo. El maestro mexicano desbordó en
ellas todo su romanticismo juvenil, elevando su producción a
más de 30 (entre 27 publicadas y un número indeterminado
de “Mazurcas de Salón” sin publicar —recientemente apareció
la 6ª, y en la Escuela Nacional de Música la 8ª y 10ª—);
hecho que lo sitúa como máximo creador nacional del género.
Años después escribirá otra mazurca para guitarra, que
será transcrita al piano para celebrar algún aniversario del
Casino Español durante los años treinta, titulada “Mazurca a
la Española” por Carlos Vázquez, último discípulo, heredero y
representante legal de Manuel M. Ponce.
El camino nacionalista conducirá a Ponce, de manera
natural, hacia la forma “Rapsodia” alcanzando en ella el
mayor grado de perfección, sin ser superado aún por ningún
compositor nacional ni en su forma de parafrasear o desarrollar
los cantos populares, ni en el número de obras escritas,
convirtiéndose también en el máximo exponente mexicano
del género al escribir siete Rapsodias: Tres “Mexicanas” y una
“Yucateca”; además de tres “Cubanas”, escritas en la Perla
de las Antillas. Y salvo la Rapsodia Mexicana No.III, todas
fueron estrenadas en salas de concierto, quedando registro
público de una primera interpretación. Actualmente cuatro
están perdidas: Una “Mexicana”, la “Yucateca”, y dos “Cubanas”.
Orquesta Sinfónica Nacional (OSN).- Luego de la función inaugural
del viernes 28 de diciembre de 1917, las presentaciones
de la OSN dirigida por Manuel M. Ponce, bajo la égida
del Gobierno Constitucionalista, se reanudaron durante el
mes de enero de 1918. Los conciertos se ofrecían en la Escuela
Nacional Preparatoria repitiéndose en el Teatro Arbeu;
fue una corta temporada que terminó en febrero, ya que el
erario nacional no daba para más.
Las fechas y programas de esa primera temporada histórica
fueron los siguientes:
20

PRIMER CONCIERTO
Viernes 28 de Diciembre de 1917.- 8.45 p.m.
SINFONÍA ESCOCESA (1ª.Vez)……………….......F. Mendelssohn.
Introducción.- Allegro.
Vivace, ma non troppo.
Adagio.- Allegro e Finale maestoso.
ORFEO. (Poema Sinfónico) (1ª.Vez)…………....................F. Liszt.
INTERMEDIO
CONCIERTO……………………………………….................E. Grieg.
Pianista: Srita. Rosita Renard.
CHOPINIANA. (Suite) (1ª. Vez)…..............…Chopin-Glazounow
Polonesa.- Nocturno. Mazurka.- Tarantella.
SEGUNDO CONCIERTO
Viernes 11 de Enero de 1918.- 8.45 p.m.
SINFONÍA PASTORAL. Op.68…….............……........…Beethoven.
I.- Allegro non troppo.
Despertar de alegres emociones
al llegar al campo.
II.- Andante con moto. Escena junto al arroyo.
III.- Scherzo. Alegre reunión de campesinos.
IV.- Allegro. Tempestad.
V.- Allegretto.
Canto de pastores; sentimientos
de alegría y de reconocimiento
después de la tempestad.
CONCIERTO (1ª.Vez)………………………………....Mendelssohn.
Violinista: Sr. Arturo Aguirre.
INTERMEDIO
SUZANNE (1ª.Vez)…………………………………….......Palhadilhe.
Soprano: Srita. Tomasa Venegas.
EL BUQUE FANTASMA. (Obertura)………….…................Wagner.
21

TERCER CONCIERTO
Viernes 25 de Enero de 1918.- 8.45 p.m.
SINFONÍA INCOMPLETA…………………………. ............Schubert.
Allegro.- Andante.
CONCIERTO (1ª.Vez)………………………………P. Tschaikowsky.
Pianista: Pedro Luis Ogazón.
INTERMEDIO
LA NUIT. (Soprano y Coro)(1ª.Vez)……………….C. Saint-Saens.
Soprano: Srita. Tomasa Venegas.
ROMEO Y JULIETA. (Parte 2ª, núm.2)………..….................Berlioz.
CUARTO CONCIERTO
Viernes 1º de Febrero de 1918.- 8.45 p.m.
SINFONÍA V………………………………………............Beethoven.
Allegro con brío. Andante con moto.
Scherzo. Allegro.
HADA DE AMOR (1ª.Vez)…………………………....................Raff.
Violinista: José Rocabruna.
INTERMEDIO
OLAS DE PRIMAVERA.(Poema Sinf.)(1ª.Vez)…Ph. Scharwenka.
POEMA DE AMOR (1ª.Vez)…………………………G. E. Campa.
Soprano: Srita. Clara Elena Sánchez.
* * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * *
SOLISTAS:
Señoritas
Señores
Renard Rosita (Pianista)
Sánchez Clara (Soprano)
Venegas Tomasa (Soprano)
Aguirre Arturo (Violinista)
Ogazón Pedro L. (Pianista)
Rocabruna José (Violinista).
22

ABONO PARA LOS CUATRO CONCIERTOS:
Gradería Baja……………………………………......................$ 6.00
Gradería Alta………………………………………...................$ 5.00
ENTRADA EVENTUAL PARA CADA CONCIERTO:
Gradería Baja…………………………………….....................$ 3.00
Gradería Alta………………………………………...................$ 2.00
Venta de localidades: Oficina de la Orquesta, Academia
No.12 (Te. Mex. 67-92 rojo) y en los repertorios de música de
esta ciudad.
ORQUESTA SINFÓNICA NACIONAL
DIRECTOR, Manuel M. Ponce.
SUBDIRECTOR, Marcos Rocha.
VIOLINES PRIMEROS: José Rocabruna, Ezequiel Sierra, Porfirio
Rocha, Rodolfo M. Cortés, Juan Lomán, Ignacio Delángel, Rodrigo
Pineda, Víctor Manuel Serrano y León Girón.
VIOLINES SEGUNDOS: Rafael del Castillo, Othón Lara, R. Martínez,
José M. Pérez, Juan D. Hernández, Alberto Amaya, J.
Guadalupe Aguilar, Juan Arévalo y Pedro Gaytán.
VIOLAS: Susano Robles, Francisco Baltazares, Apolinar Morante,
F. Torelló, J. Camacho, M. Balderas.
CELLOS: Horacio Avila, Silvestre Rico, Manuel León, Adelaida
Castañeda, Fco. Camacho Vega, J. Bejarano y J. Perches
Franco.
C. BAJOS: Cruz Garnica, Federico Vélez, Vidal Zúñiga, Úrsulo
Martínez, José M. Esparza y J. M. Angulo.
FLAUTAS: Marcos Rocha, Marino Hernández, Librado Suárez.
FLAUTÍN: Manuel Flores.
CLARINETES: Adrián Santoyo y Rosendo Sánchez.
CLARINETE BAJO: Eligio Aguilar.
OBOES: Julio Ávila y Florencio Martínez.
FAGOTS: Apolonio Arias y Julio Montero.
CORNOS: Arturo Rocha, Manuel López, Apolonio Michael y
Joaquín Díaz.
CORNO INGLÉS: R. Infante.
TROMPETAS: Estanislao Mejía, Isidro Briseño, J. Olague y
A. Torres.
TROMBONES: Luis Balcázar, Esteban Camacho, E. Alvarado.
TUBA: Ramón Castro.
TIMBALES: Feliciano Guridi.
INSTRUMENTOS DE PERCUSIÓN: Librado Vázquez, Alfonso B.
Campos y Fernando Sevilla.
23

Un hecho fortuito vino a favorecer la existencia del Conjunto
Orquestal: Cuando los nuevos políticos descubrieron la impresión
que causaba entre el público el boato de una Orquesta
Sinfónica en sus actos oficiales, la usaron con cualquier pretexto
asignándole un pequeño subsidio que ayudó a mantenerla
unida. Tales eventos oficialistas significaron una mejora
económica real para los músicos de la orquesta, pues Ponce
veía que les pagaran puntualmente inclusive antes que a él;
y si bien la nueva orquesta no tenía la grandiosidad de la
época porfirista que Carlos J. Meneses dirigiera durante 10
años, tampoco se puede decir que estuviera dejada de la
mano de Dios, ya que el conjunto creció al sumarse varios
amigos de Ponce, como Pedro Valdés Fraga y José Rocabruna,
entre otros, hasta alcanzar 82 profesores, según la publicidad
de la prensa, lo cual da idea de un conjunto filarmónico
respetable, pues en los momentos actuales (2011) pocas orquestas
del país pueden presumir de lo mismo.
A mediados del mes de enero, Ponce participó al
frente de la Orquesta en una velada fúnebre en la Escuela
Nacional Preparatoria, en memoria del Gral. Jesús Carranza,
hermano del Jefe del Ejecutivo. En esa ocasión interpretaron:
I.- Marcha Fúnebre……………….
II.- Última Primavera……………….
III.- Crepúsculo………………………
Beethoven.
Grieg.
Massenet.
Al finalizar el último número, el público aplaudió insistente,
como si fuera un concierto formal, viéndose obligado el compositor
a ofrecer como “encore” la última obra del programa.
Al día siguiente la totalidad de la prensa de la ciudad dió
cuenta del evento oficial: “La Orquesta Sinfónica Nacional,
dirigida por el maestro Ponce desempeñó admirablemente
su cometido”.
El miércoles 30 de enero la OSN se presentó nuevamente en
el Teatro Arbeu, repitiendo como solista Pedro Luis Ogazón,
bajo un estupendo programa ecléctico digno de cualquier
sala de conciertos:
“Debemos bendecir el que alguna vez Manuel M.
Ponce lleve la jauría melódica de su orquesta para darnos
un momento de satisfacción intelectual y de descanso a las
horas perdidas” —señalaba emocionado al día siguiente Jesús
Villalpando, crítico de “El Nacional”—. Y añadía: “Natu-
24

almente que la obertura del “Buque Fantasma” de Wagner
habría de iniciar la entrada del paralelogramo del conjunto
musical de emoción. Y lo oímos como si le conociéramos.
Desde los primeros compases en que se abreva el tema fundamental
de la obra Ponce, el amado Ponce de cabellos
volcánicos de nieve, subrayó, como si fuera un Wagner escapado
de Bayreuth, la frase imperativa y toda la magnificencia
clásica de un imperialismo musical…. Y sentimental.
Su batuta era voz de violín y flauta que se complicaba con
la dirección hacia los espíritus de los músicos que se sintieron
una sola vez en su vida, en el estilo de la amplitud wagneriana
y terrible. Hasta las pausas tienen un sagrado ritmo de
majestuosidad…. El nivoso maestro Ponce (y no en el sentido
del frío) tuvo la elegancia de martirio de no mirar la partitura.
Era un Petronio de una sencillez arrogante, como si aquello
que salía de la varita de virtud de su batuta superara a lo que
era perfectamente amable para la sentimentalidad oculta.
El “Andante spianato de Chopin”: Ponce y Ogazón
son casi unos medios hermanos complicados. Ponce hace
cantar a Chopin sobre la masa orquestal y Ogazón le comenta
en la variedad sonora del piano. Los dos intérpretes tienen
en la mano un heroico sentimentalismo de las interpretaciones;
más a veces Ogazón surge a través de una rebeldía irónica
de mi naturaleza y parece que no es demasiado serio
y que abandona el estilo colonial de su casa de San Ángel.
Y la música se siente como comentada por sí misma… Ogazón
avalora las notas con un desparpajo insólito de sonidos y
parece que recoge la frase de un vals mexicano casi cadencioso.
Alguna vez quiso modificar al Director de la Orquesta,
pero luego, como después de una interrupción social, se
arrojó en un romanticismo de piano cual en un abismo de
flores.
“La Sinfonía Incompleta de Schubert”: La frase que dicen
los violines sigue a las violas y a la orquesta como acompañando
a una hermana mayor. Una gran religiosidad nos
reúne, a pesar del “Allegro”, en un movimiento de sentimentalismos
de iglesia. Los violines son completamente místicos y
parece que su canto está iluminado de sonidos vagos y de
guzla oriental. Toda la música es matemática en sus sonidos
de combinación. Ponce es preciso, hondo y a veces complicado.
Hay misereres de razas. Rocabruna toca dulcemente
su violín.
25

“Concierto de Tschaikowsky”: “Estoy oyendo una música de
colorido sordo con un ambiente de Rusia que se deslía en
Chopin. Y cuando escucho la frase delicada de la armonía
voluptuosa, me acuerdo en un estrabismo de fantasía de la
delicada y nerviosa Catalina D’Erzel. Lo más femenino que
yo conozco de una forma musical. Para sus claridades de teclas
en el intercambio del piano, Ogazón se convirtió en un
agrio sonido de musicalidades y la voz quiere salir de la caja
monstruosa como una voz de muerto y de una excelsitud.
Tschaikowsky es tanto como Rubinstein en la fácil sinfonía del
“Allegro” y se acerca al júbilo de la vida que pasa”.
En 1918 la agenda de trabajo del compositor fresnillense
parecía sumamente apretada; no obstante, el 24 de
enero termina un precioso Minueto para piano solo, representando
su última creación musical de ese género para el instrumento.
Años después escribirá otro “Minueto”, nuevamente
para la guitarra de Andrés Segovia. La última función de
la temporada de invierno también se ofreció a teatro lleno,
sobresaliendo la interpretación a la “5ª. Sinfonía de Beethoven”,
la sinfonía perfecta; y el Poema de Amor (en tres partes)
para Canto y Orquesta, de Gustavo E. Campa.
El día 22 del mes de febrero se efectuó otra velada
fúnebre, ahora en memoria de Francisco I. Madero, habiendo
asistido el C. Presidente de la República; en el programa
sobresalió la interpretación de “La Nuit”, de C. Saint-Saens,
para coro, soprano y orquesta sinfónica, tomando parte el
coro del Conservatorio Nacional y la soprano Tomasa Venegas,
que regresaba al país luego de actuar muchos años en
el Viejo Mundo. El público aplaudió entusiasmado pero ante
la grave presencia del Sr. Presidente de la República, no se
atrevió a pedir “Bis”. La crónica oficial del suceso apareció al
día siguiente en la prensa nacional.
El 27 de marzo una triste noticia recorrió el mundo
entero:
C. A. Debussy había muerto. El músico francés revolucionó
el ambiente musical de su patria y del mundo entero,
debido a su forma singular de percibir y manejar las armonías
líricas tradicionales, semejante a las tendencias pictóricas
de boga en Europa, denominadas “Impresionismo”; ya
que apelaba más a las vagas sensaciones percibidas por la
vista y el oído, que a la realidad manifiesta. Dicha tendencia
“Impresionista Musical” fue abrazada rápidamente por los jóvenes
compositores que convivían en la Ciudad Luz: Ravel,
Falla, Dukas y Satie, entre otros. En el México porfirista no se
26

interpretaba a Debussy por considerarlo músico de índole revolucionaria,
y esa palabra estaba prohibida en el país. No
obstante, a la caída del Viejo Dictador, Ponce dio a conocer
públicamente en México la música del Genio de Francia: el
24 de junio de 1912, en un concierto de piano de sus discípulos
(donde apareció por primera vez en publico el niño Carlos
Chávez Ramírez), ofrecido en la Sala Wagner; concierto formado
con obras de Debussy, presentadas de forma cronológica:
desde sus éxitos de juventud hasta los más recientes del
Siglo XX. Y semejante a Ricardo Castro, en su Op. 18: “Suite
para piano”, Ponce también escribió música “Impresionista”,
tal fue su “ScherzIno” a “Monsieur Debussy”, estrenado en el
Arbeu el 25 de mayo de 1913; ellos fueron los primeros en el
país que escribieron obras impresionistas.
La Tierra del Sol.- A finales del mes de marzo, Manuel M. Ponce,
Rubén M. Campos y Gustavo E. Campa, nombrados Jurado
Calificador del Primer Concurso de “Canciones Populares
Mexicanas”, convocado por “El Universal” de Felix F, Palavicini
(fundado el 23 de febrero de 1916), informaban a la opinión
pública: “Los suscritos consideran necesario manifestar
que todas las composiciones enviadas al concurso adolecen
de faltas de escritura musical, ya sea en su estructura rítmica
o en su armonización, por lo cual ha sido necesario retocarlas,
aun las que acusan procedencia de músicos entendidos,
para no dar a la publicidad errores fáciles de subsanar y para
no tener que desechar por una falta de escritura una composición
de indiscutible belleza melódica y de color genuinamente
mexicano. Para terminar, los suscritos se complacen
en felicitar a “El Universal” por el feliz éxito de este primer
concurso de música mexicana, que ha revelado plenamente
la persistencia de nuestros cantos populares, el cultivo de la
música en las formas genuinamente mexicanas, y más aún,
la creación de nuevos cantos, pues el tercer grupo fue al que
concurrieron más numerosas composiciones, entre las que
fueron seleccionadas diez, que representan dignamente el
renacimiento de la musa popular, y en algunas una exquisita
cultura y un indiscutible buen gusto para hermosear con bellos
acompañamientos las melodías nuevas”.
27

El citado concurso se dividió en tres grupos:
1.- Composiciones conocidas no armonizadas.
2.- Composiciones conocidas armonizadas por el remitente.
3.- Composiciones originales del remitente.
Finalmente, la obra triunfadora resultó la inmortal
“Canción Mixteca”, del compositor y clarinetista José López
Alavés (1889-1974), originario de Huahuapan de León, Oax.;
canción que por méritos propios se ha convertido en segundo
Himno Nacional de los mexicanos que viven fuera de su
lugar de origen. Su letra, de inspiración celeste, dice:
¡ Qué lejos estoy del suelo donde he nacido !
inmensa nostalgia invade mi pensamiento;
y al verme tan solo y triste cual hoja al viento,
quisiera llorar, quisiera morir de sentimiento.
¡ Oh tierra del sol ! suspiro por verte.
Ahora que lejos yo vivo sin luz, sin amor;
y al verme tan solo y triste cual hoja al viento,
quisiera llorar, quisiera morir de sentimiento.
Su popularidad es tanta, que hasta los hermanos sudamericanos
la adaptaron como suya. López Alavés la escribió
en 1913, cuando estudiaba en el Conservatorio Nacional.
“Canción Mixteca”, “Tehuantepec”, “La Sandunga”, “La Llorona”;
y “Dios Nunca Muere”, de Macedonio Alcalá (1831-
1869), entre otras, son algunos eslabones de la misma cadena
creativa del pueblo de Oaxaca. Su dialéctica poética nos
cimbra de pies a cabeza, pues lo mismo nos hablan de la
grandeza del Señor; de la belleza de una puesta de sol en el
terruño añorado; o bien, del goce infinito del cálido aliento
del ser amado.
“El Oro del RHIN.- Por esos días de 1918, los E.U.A. ya estaban
en guerra al lado de los aliados contra Alemania y los países
imperalistas del centro de Europa; en ese contexto mundial,
los aliados tenían prohibido interpretar en su territorio música
de compositores germanos, austriacos y húngaros. Por tal
causa, los países no beligerantes pero simpatizantes de los
aliados si bien no lo prohibían, voluntariamente se abstenían
de interpretarla. Solamente que en México gobernaba don
Venustiano Carranza, de evidente conducta germanófila, y
no aceptó la sugerencia aliada; todo lo contrario, tomando
una actitud desafiante (porque así era Carranza), desde prin-
28

cipios de 1917 comenzó a promover la música de tales autores.
Así, cuando Ponce dirige por primera vez la Orquesta
Sinfónica Nacional, el 24 de junio de 1917, interpreta obras de
Mozart; después lo haría con Beethoven, Mendelssohn, Wagner,
Schumann y Schubert; pero a partir del 28 de diciembre
del mismo año el compositor mexicano abandona tal esquema
y añade a sus programas obras de autores franceses,
rusos, mexicanos, etc. De momento, Carranza no objetó el
cambio porque la popularidad de Ponce era inmensa y el
público lo seguía en todas sus presentaciones; además, porque
el compositor continuó interpretando autores germanos,
puesto que él no estaba reñido con nadie.
El domingo 21 de abril de 1918, la Banda de Música
del Estado Mayor, dirigida por el duranguense Melquiades
Campos, ofreció en la Alameda Central un programa dedicado
a Manuel M. Ponce, quien fuera “El Primero en dignificar
y embellecer en nuestro país este género de música”— señalaba
la invitación—. El programa incluía cuatro “Canciones
Mexicanas” y la “Rapsodia Mexicana No.2”, además de una
obra del propio Melquiades Campos dedicada al iniciador
del Nacionalismo Musical Mexicano. Durante el mes de marzo
y los primeros días de abril la OSN tomó un breve receso,
que coincidió con el anuncio mundial de una espectacular
ofensiva alemana que llevó sus divisiones de combate a tan
sólo 60 kilómetros de París. Carranza, que apoyaba al kaiser
Guillermo II, ya veía desfilar las tropas alemanas por los Campos
Elíseos bajo el Arco del Triunfo. Estando así la situación, a
finales del mes la OSN ofreció una magna función dedicada
a Wagner, interpretando cuatro números del compositor alemán;
participando también Carlota Botte, al órgano; Carlos
del Castillo, al piano; y un gran coro de 100 voces, además
del maestro Antonio Caso, quien hizo una apología del compositor
alemán. El programa contempló el preludio de “Los
Maestros Cantores”; la escena del Fuego Encantado, de “La
Walkyria”; los “Rumores del Bosque”, de “Sigfrido”; y la “Entrada
de los Bardos al Castillo de Waterburgo”, de “Tanhausser”.
Dicho programa integraba música grandiosa, intérpretes
geniales, vibrante filosofía…y un poco de apoyo al
pueblo germano. El mundo cultural de la capital se volcó al
Anfiteatro de la Preparatoria que registró un lleno espléndido;
ya que al margen de cualquier ideología, el suceso musical
era sensacional. Ese domingo 28 de abril la orquesta y su director
alcanzaron el mayor de los éxitos; el público despidió a
los participantes entre aclamaciones. La prensa ponderaba
29

la forma como Ponce había dirigido a Wagner en el difícil
programa y señalaba:
“Colosal, sencillamente, resultó el concierto organizado
por la Dirección General de Bellas Artes, en honor del
inmenso compositor alemán Ricardo Wagner. A las once de
la mañana, una exquisita concurrencia ocupaba todas las
localidades y pasillos del Anfiteatro de la Preparatoria, y a la
hora anunciada, cumpliendo con el precepto de la exactitud,
se presentaron el Rector de la Universidad Nacional, Lic.
José Natividad Macías; el Director de las Bellas Artes, Lic. Luis
Manuel Rojas; el Secretario General de la misma Institución,
Agustín Loera y Chávez, y el conferencista en turno, Lic. Antonio
Caso.
Sonó la campanilla, y Caso llegó hasta la tribuna en
medio de una demostración jubilosa de aplausos y habló
sabiamente; su verbo es claro, diáfano y sus razonamientos
convincentes…y termina su bella pieza oratoria seleccionando
a cinco grandes músicos: Wagner, Schubert, Beethoven,
Mozart y Haydn.
El maestro Ponce ocupa su lugar de honor en el atril
y dirige el preludio de “Los Maestros Cantores”. Su batuta es
poco enérgica, pero la música tiene tanta originalidad, los
profesores saben tan bien sus partes, que el preludio lleno de
músculo, de nervio, de energía, hace que el público sienta
el sagrado calosfrío de lo sublime. Al terminar, una ovación
es el remate de la labor de los profesores de la Sinfónica. Y
viene la escena del Fuego Encantado de “La Walkyria”, interpretada
en el piano por el héroe de este ciclo de conciertos
alemanes, el profesor Carlos del Castillo, y en el órgano, por
la señorita Carlota Botte; el público pidió la repetición de tan
sentido trozo musical. Ponce dirige los Rumores del Bosque
de “Sigfrido”, del hombre que lucha victoriosamente contra
las fuerzas sobrenaturales, y como este paisaje musical está
impregnado de un tranquilo bucolismo, Ponce, que es un
romántico impregnado de suave aristocracia, supo matizar
exquisitamente los rumores del bosque. Y para terminar, vino
la “Entrada de los Bardos al Castillo de Waterburgo” del “Tanhausser”,
cantada por un coro de cien voces. Esta marcha,
obtuvo un éxito maravilloso debido, y justo es decirlo, a la
sabia dirección de Carlos del Castillo y de Manuel M. Ponce”.
30

Arnulfo Miramontes.- Día con día Ponce enfrentaba sucesos
inesperados como director de la orquesta número uno del
país. La siguiente función de la OSN en el Anfiteatro de la ENP
fue el 15 de mayo; el programa anunciaba a un músico mexicano
materialmente desconocido para el público: “Primer
concierto del eminente compositor mexicano Arnulfo Miramontes
R.”. Nacido en el Estado de Jalisco, Miramontes vivía
en la ciudad de Aguascalientes y seguía el mismo camino
nacionalista trazado por el músico zacatecano; además, poseía
abundante producción musical formada esencialmente
de obras mayores: óperas, sinfonías, música de cámara, y
creaciones para piano. Ponce tuvo fe en él y decidió ayudarlo
dándole la oportunidad que todo compositor espera.
Arnulfo no la desaprovechó y presentó lo mejor de su inspiración,
él mismo dirigió sus obras con la Orquesta Sinfónica
Nacional. El programa cerraba con la obertura “Los Maestros
Cantores” de Wagner, bajo la dirección de Manuel M.
Ponce; es de notarse que al dirigir los primeros números del
programa, Miramontes se convirtió de hecho en el primer director
huésped de la OSN. El programa fue el siguiente:
I.- Suite Sinfónica Mexicana (primera vez).
Fantasía Tapatía.
Tema con Variaciones.
Preludio y Fuga, fantasía.
II.- Recitativo de “Meztli”, de la ópera “Anáhuac”
Por la Srita. Carmen González.
III.- “La Leyenda de los Volcanes”, de la ópera “Anáhuac”.
Orquesta Sinfónica dirigida por el maestro A. Miramontes.
IV.- “Los Maestros Cantores”, preludio.- R. Wagner.
Orquesta Sinfónica, director maestro Manuel M. Ponce.
—AL reverso del programa de mano del concierto de
Miramontes (conservamos copia), donde se anuncia: “Próximamente
Segundo Concierto”, Ponce añadió, de puño y letra,
un programa completo con ocho obras de diferentes autores:
Beethoven, Chopin, Verdi, Ricardo Castro(Intermezzo
de Atzimba), A. Miramontes y Felipe Villanueva. Aunque no
sabemos si llegó a efectuarse pues no encontramos la fecha
de su presentación—.
31

Esperanza Iris.-El día 25 de mayo de 1918, Manuel M. Ponce
y la Orquesta Sinfónica Nacional participaron en la función
inaugural del “Teatro Esperanza Iris”; moderno auditorio para
más de tres mil personas, construido en estilo neoclásico por
el arquitecto mexicano Federico E. Mariscal, de 32 años de
edad, siguiendo los cánones clásicos para los grandes teatros
de ópera y zarzuela, alcanzando magníficos niveles acústicos.
En la parte superior de la fachada sobresale un hermoso
conjunto escultórico con los bustos de Esperanza Iris y los
compositores F. Lehar, J. Offembach, G. Bizet, y G. Verdi.
Levantado en el mismo lugar donde estuvo el Teatro Xicoténcatl
(junto a la Cámara de Diputados, en el centro de la
ciudad), pronto se convirtió en lugar favorito del público. Por
su escenario desfilaron los artistas más famosos del mundo,
desde Manuel M. Ponce. P. Casals, E. Caruso, A. Pavlova y A.
Rubinstein; hasta L. Bernstein, C. Arrau, Pepita Embil y Plácido
Domingo, entre otros; y durante más de tres lustros fue el
teatro principal de la ciudad —Hasta que el Palacio de Bellas
Artes abrió sus puertas por primera vez al público: 29 de septiembre
de 1934, a las 9:00PM, con la obra teatral “La Verdad
Sospechosa”, de J. Ruiz de Alarcón, y música de escena de
Manuel M. Ponce—.
En esa fecha memorable de 1918, la función fue presidida
por Venustiano Carranza, acompañado de sus Ministros
y Cuerpo Diplomático adscrito a la Capital del país; también
tomaron parte Miguel Lerdo de Tejada y su Orquesta Típica,
así como los cantantes Mario Talavera, Ángel R. Esquivel y
José Mojica, recién llegado de Nueva York. En esa ocasión
se representó la zarzuela “La Duquesa de Bal-Tabarín”; Ángel
R. Esquivel cantó la romanza “Último Ensueño”, con letra
del poeta Luis G. Urbina y música de Ponce, en transcripción
para orquesta sinfónica. Esperanza Iris cantó varias canciones
de Ponce y Lerdo, entre ellas “Estrellita”, “La Pajarera”,
“Te Amo”, etc. La bella artista mexicana, nacida en el Estado
de Tabasco, había llegado a la Cd. de México desde principios
del siglo formando parte de la compañía española de
zarzuela de las hermanas Moriones; años después organizó su
propia empresa de zarzuela y opereta obteniendo el mayor
de los éxitos en su país y el extranjero.
32

CAPÍTULO II
Allons Enfants de la Patrie.- A principios del mismo mes de
mayo y de forma totalmente inesperada, Ponce recibió el
irresistible llamado del destino, como una invitación de la
Alianza Francesa de México para participar con la OSN en
una función a beneficio de los soldados ciegos de las Naciones
Aliadas, víctimas de los gases venenosos usados por
los alemanes en la guerra. Ponce, fiel a su destino, aceptó
y la función se ofreció a finales del mes en el Teatro Ideal.
Ese día el Embajador francés, Monsieur F. Couget, llegó encabezando
a los Ministros de los Países Aliados. La sala fue
insuficiente para albergar los numerosos simpatizantes de las
colonias francesa, inglesa y norteamericana. La Orquesta
únicamente interpretó música de autores franceses, participando
también el violinista Pedro Valdés Fraga, la soprano
María Romero, el tenor Mario Talavera y el mismo Ponce, que
interpretó dos números de piano solo y acompañó al piano a
sus colegas participantes. El programa fue el siguiente:
I.- La Patrie (Obertura)…………………. Bizet.
II.- Herodiade (Preludio)………………… Massenet.
III.- L’Arlesienne (Preludio)………………. Bizet.
IV.- La Marsellesa………………………….. Rouget de LIsle.
V.- Dos canciones mexicanas............... M. M. Ponce.
Tenor: Mario Talavera. Piano: M. M. Ponce.
VI.- Danzas mexicanas de concierto…. P. Valdés Fraga.
Violín: P. V. Fraga. Piano: M. M. Ponce.
VII.- Penne d’Automne…………………..
Soprano: María Romero. Piano: M. M. Ponce.
VIII.- Balada Mexicana…………………….. M. M. Ponce.
Piano: Manuel M. Ponce.
IX.- La Marsellesa…………………………… Rouget de Lisle.
Orquesta Sinfónica Nacional, Director: M. M. Ponce.
Al principio el evento se desarrolló en forma protocolaria,
pero cuando se presentó el señor Adrián Ramón Villalba,
orador ciego como los soldados recordados, el ambiente
en el teatro se trocó pasional. Con un vibrante e inesperado
discurso, mientras las lágrimas brotaban de las cuencas vacías
de sus ojos, encendió el ánimo de los presentes y al final,
cuando la orquesta volvió a interpretar “La Marsellesa”, todos
33

la cantaron sin haberse puesto de acuerdo, unos en francés
(“Allons Enfants de la Patrie…”), otros en español (Vayamos
hijos de la patria que el día glorioso ya llegó). Pero, debido a
que al terminar el canto marcial puede repetirse inmediatamente
la segunda parte: “¡Ciudadanos a luchar, formar un
batallón; marchar, marchar!, etc.; el público, entusiasmado,
repitió una y otra vez la estrofa. Ponce, contagiado por las
aclamaciones, acabó dirigiendo con una mano la orquesta
y con la otra al público que seguía fielmente la orden para
entrar a tiempo. El director mexicano terminó con los brazos
en alto formando la “V” de la victoria hasta cesar la última
ovación.
Ponce, que había tomado parte en todos los números
del programa: como director, solista y acompañante,
se convirtió en el alma de la función alcanzando un triunfo
esplendoroso que se comentó ampliamente en los círculos
culturales…. y oficiales de la capital. Consecuentemente,
su imagen crecía y la sombra que proyectaba también. El
compositor de “Estrellita” jamás rechazó participar en alguna
función benéfica y frecuentemente su entusiasmo rebasaba
a los mismos organizadores, aportando de su propio peculio
lo necesario; por ende, ninguno de sus colegas se negaba
a colaborar con él. “Bajo aquella cabeza, prematuramente
encanecida, bulle el pensamiento siempre juvenil, alerta,
lleno de frescura e ingenuidad; y, más abajo y no lejos del
cerebro, al que gobierna, un corazón abierto a todas las sensibilidades,
a todo lo noble y sano, a la benevolencia, a la
indulgencia y al altruismo. Por eso, no es de extrañarse que
Ponce sea tan admirado como querido” —apuntaba Rubén
M. Campos sobre Manuel M. Ponce, en la revista “Cultura”.
La Dimensión Humana.- Pudo haber sido coincidencia, pero
el pago a los músicos de la orquesta se retrasó; no era la primera
vez por lo que a nadie extrañó. Pocos días después,
durante el mes de junio, un rumor inquietó al mundo cultural:
el gobierno retira el presupuesto al Departamento de Bellas
Artes, porque los señores diputados carrancistas lo consideraban
oneroso… infausto rumor que de confirmarse terminaría
de golpe con la Orquesta Sinfónica Nacional que dirigía
Manuel M. Ponce; y no tardó mucho tiempo en conocerse la
verdad, afectando únicamente a la orquesta, pues la dejaba
sin soporte económico. Aunque, “Como muestra del interés
del gobierno por las causas culturales del país, etc. etc.” le
permitían conservar tanto el local de la oficina como las par-
34

tituras musicales… Solamente que tal medida beneficiaba de
cualquier forma a las autoridades, puesto que si desaparecía
el conjunto musical se debía a la crisis financiera en beneficio
de otras prioridades nacionales. Y si por algún milagro la orquesta
continuaba funcionando, las mismas autoridades podrían
disponer de ella. Ahora bien, la historia nos enseña que
los hombres alcanzan su verdadera dimensión en situaciones
de índole excepcional: Emergencias, guerras, crisis políticas,
sociales, económicas, etc. Ese día por la mañana, cuando se
conoció la noticia, a Ponce y como a él a todos los músicos
de la orquesta, el cafecito tempranero les supo más amargo
que de costumbre; no obstante, también fue motivo de reflexión.
La medida, dirigida directamente contra el iniciador
del Nacionalismo Musical, provocó fuerte reacción entre los
músicos:
¡NO VAMOS A DESAPARECER—dijeron—. No le daremos
gusto al “Viejo Barbas de Chivo”!(2). Y cerraron filas en
torno a su Director, comprometiéndose a no cobrar ensayos
ni presentaciones; por su parte, Ponce, conmovido por la fidelidad
de sus colegas, prometió gestionar el mayor número
de eventos y repartir entre todos lo recaudado en taquilla. Tal
hecho representó uno de los más grandes y nobles sucesos
en la incipiente historia de la OSN.
—ESTE CAPÍTULO DE LA VIDA DE MANUEL M. PONCE,
SIENDO TAN IMPORTANTE PARA EL COMPOSITOR Y PARA CO-
NOCER MEJOR EL DESARROLLO DE LA MÚSICA NACIONAL,
INEXPLICABLEMENTE NO APARECE EN NINGUNA PUBLICA-
CIÓN BIOGRÁFICA, EFEMÉRIDES O ENSAYO CONOCIDOS;
ÉSTOS SÓLO SEÑALAN QUE FUE NOMBRADO DIRECTOR DE LA
OSN Y DEJÓ DE SERLO EN TAL O CUAL FECHA (GENERALMEN-
TE DATOS EQUIVOCADOS). AQUÍ NOS REFERIREMOS A ÉL POR
VARIOS MOTIVOS, SIENDO EL PRINCIPAL QUE REPRESENTÓ UN
HECHO REAL EN NUESTRA HISTORIA. SUCESO CAPITAL PARA
COMPRENDER MEJOR LA EVOLUCIÓN DE LA MÚSICA SINFÓNI-
CA NACIONAL—
Con la música a otra parte…- Ponce comenzó a desplegar
todas sus habilidades para lograr mantener en alto la bandera
de la buena música en la capital del país. Primero acudió
a la prensa buscando respaldo para convencer al público
de asistir a los conciertos que en breve se anunciarían. Después,
visitó al Cuerpo Diplomático y a la Universidad Nacional,
solicitando patrocinio; por último, acordado el número y
fechas de los conciertos (2 al mes), inició una campaña de
35

suscripción y venta de abonos para la temporada, al precio
de ¡ DOS PESOS MENSUALES !... Para las funciones se pensaba
en el Teatro Esperanza Iris y en la Escuela Nacional Preparatoria,
pues tenían aforo para más de mil personas, condición
básica para ofrecer conciertos a bajo costo y recuperar los
gastos ineludibles, por ejemplo:
La sala de conciertos (a menos de contar con un lugar
propio, de ahí la importancia de conseguir el Anfiteatro
de la Escuela Nacional Preparatoria). Por otro lado, trasladar
la orquesta requiere transporte especial para los instrumentos
y profesores; se necesitan cargadores que suban, acomoden,
cuiden y bajen los voluminosos instrumentos y equipo
complementario, y al terminar la función repetir la operación.
De la misma forma, se requiere un “Atrilero” que desempaque
e instale los atriles y papeles musicales, y al terminar la
función recogerlos, clasificarlos y empacarlos nuevamente.
La orquesta también requiere los oficios de un buen
“Bibliotecario”, que clasifique y mantenga ordenado el repertorio
musical del grupo (¡Son miles de copias!); siendo tarea
del ilustre bibliotecario copiar las páginas borrosas o maltratadas,
pero si son muchas (y sí lo son), mandarlas copiar
a uno de tantos despachos “Copistas” profesionales. Igualmente,
hace falta un buen “Gerente Administrativo” y otro
“Artístico”. Finalmente, toda esa gente especializada y otros
más, requieren pago fijo y seguro, de otra forma se van con la
música a otra parte complicándolo todo, pues los músicos de
la orquesta ¡No cargan ni copian nada!... Así es este asunto
en México y el mundo entero.
La Rosa Blanca.- En otro orden de cosas, recordemos que
cuando Ponce regresó de Cuba en junio de 1917, la Isla se
debatía entre violentos estertores revolucionarios que lanzaron
fuera a mucha gente valiosa; por ese motivo México se
convirtió en refugio para ellos y pronto llegaron amigos de
Manuel M. Ponce, entre otros la violinista Asunción Sauri de
Rubio y el profesor de canto Agustín C. Beltrán, con quienes
formara en Cuba la “Academia de Música Beethoven”; Ponce,
consciente de que ciertas cosas en la vida únicamente
se pagan con la misma moneda: Ayuda desinteresada, Lealtad,
Fidelidad, Amistad, Amor, entre otras; les tendió su mano
franca de amigo sincero, aconsejándoles instaurar aquí la
“Academia de Música Beethoven”.
36

Ponce, infatigable cuando iniciaba una tarea, les
consiguió todo lo necesario: local, pianos, partituras musicales,
etc.; pero no quiso figurar como socio o propietario de la
Academia, solamente aceptó formar parte del profesorado
base de la institución, seguro que su prestigio ayudaría a sus
amigos; lo demás sólo fue cosa de publicidad, fijando la fecha
de apertura para el 11 de junio de 1918, a las 19 horas.
La función se efectuó ante un lleno total; entre los invitados
se encontraban el Lic. José Natividad Macías, Rector de la
Universidad. “El Universal” señalaba: “La Escuela de Música
“Beethoven”, establecida en la Av. Juárez No.46, altos, dio
ayer a las siete de la noche su concierto de inauguración. El
programa fue del entero agrado del selecto concurso que
llenaba la Sala de Conciertos…La nueva Academia Musical,
que de seguro dará auge al arte en México, cuenta con el
siguiente profesorado: Piano y Composición, Sr. Manuel M.
Ponce, titulado en el “Sternches Konservatorium”, de Berlín, y
“Liceo Musicale”, de Bolognia, Italia. Violín: Sra. Asunción Sauri
de Rubio, de la Escuela “White”, de París. Y Canto: Agustín
C. Beltrán, de la Escuela “Cairote”, de Milán”.
El programa contempló el estreno de dos obras para
violín y piano de Manuel M. Ponce: “Romanzetta” y “Scherzo”;
la primera terminada en Italia en 1905, la segunda en
Aguascalientes, en marzo de 1908. Poco tiempo después realizará
un arreglo de ellas para violín y orquesta de cuerdas,
titulado “Deux Morceaux pour violon et orchestre” (Dos trozos
para violín y orquesta). Emmanuel Arias, eminente violinista y
director de orquesta mexicano, sugiere que la intención del
compositor era escribir un concierto o suite para violín y orquesta,
utilizando otras dos de sus creaciones escritas en Europa:
“Canción de Otoño” y “Jeunesse” (Juventud).
Debussy.- Durante el mes de julio de 1918 la “Alianza Francesa”
nuevamente invitó a Ponce y la OSN, para tomar parte
en el homenaje a Debussy el día 28 en el Teatro “Virginia
Fábregas” (antes “Del Renacimiento”), donde también participaron
numerosas personalidades de la vida cultural nacional:
El poeta Enrique González Martínez, los filósofos Antonio
Caso, Jesús Urueta y Ángel Groso; además del pianista
Antonio Gómezanda, discípulo de Ponce, y la soprano Elvira
González Peña. El evento se desarrolló ante otro lleno colosal,
siendo presidido por el señor Vizconde de Jean, nuevo Embajador
francés. Urueta y Caso eran reputados los mejores
oradores del país, cada uno era capaz de conmover a las
37

mismas piedras; sus disertaciones a la grandeza del músico
galo cimbraron a los presentes, quienes pasaban de un enternecimiento
conmovedor a la más agitada exaltación patriótica.
El homenaje transcurrió entre aclamaciones, estando
la parte musical formada exclusivamente por obras del
compositor impresionista; ese día Ponce y la OSN estrenaron
en México los Nocturnos: a) “Nubes”; y, b) “Fiestas”.
Al día siguiente la prensa dio a conocer el éxito del
evento, anunciando también el programa que iniciaba la
Temporada Independiente de la Orquesta Sinfónica Nacional,
en la Escuela Nacional Preparatoria: se ofrecerían dos
conciertos mensuales a partir del domingo 11 de agosto.
Clema.- Antes de iniciar la nueva temporada de conciertos,
Ponce participó en un evento organizado por el cuerpo de
Catedráticos de la Facultad de Altos Estudios de la Universidad
Nacional de México, acto presidido por el Lic. José N.
Macías, Rector de la Institución; participando también la violinista
Asunción Sauri de Rubio, a quien Ponce introducía sutilmente
en el medio artístico, y el pianista Carlos del Castillo.
Ese día resultó inolvidable para el matrimonio Ponce-Maurel,
pues contempló la presentación en público de la cantante
Clementine Maurel de Ponce, quien interpretó la romanza
“Toi” (Tú) de su fiel compañero que, lógicamente, la acompañó
al piano. La grácil presencia de la cantante, tanto como
su calidad interpretativa con agradable voz de mezzosoprano,
conquistaron el favor de los presentes, y mereciendo la
gloria de un “Bis” cantó “Estrellita”. Ponce era harto conocido
de todos, pero cuando corrió el rumor de que la cantante
era su esposa, el público les ofreció una demostración jubilosa
de aplausos, pues habían sido testigos del nacimiento de
una nueva pareja artística ya que en adelante lo harían en
plan profesional.
Ponce y Clema se casaron el 3 de septiembre de
1917, fecha que inició una larga carrera de trabajo fecundo
en pareja; el compositor laboraba sin descanso mientras su
cónyuge lo auxiliaba en todo momento, animándolo siempre
para seguir adelante. El matrimonio los unió para toda
la vida y aunque no tuvieron descendencia vivieron felices
prendados uno del otro. Clema era mujer de porte distinguido
por naturaleza, y destacaba en nuestro medio por una
singular belleza de tez blanca como el mármol y ojos negros
como la noche. Hecho que la llevó a ganar un concurso de
belleza convocado por “El Universal”, en 1917, según cons-
38

ta en un pergamino que conserva Carlos Vázquez. El premio
se lo entregó el director del periódico, D. Félix F. Palaviccini,
siendo parte del jurado los escultores A. Domínguez Bello, J.
N. Correa, el fotógrafo E. Melhado y los pintores Jorge Enciso
y Saturnino Herrán.
Durante su vida matrimonial Clema nunca fue víctima
de los nefastos celos, o tal vez sabía encubrirlo sin dar muestras
de ello, que para el caso es lo mismo. Lo anterior, debido
a que al final de las presentaciones públicas de su famoso
marido, las admiradoras se arremolinaban a su alrededor y
algunas no se contentaban únicamente con su autógrafo;
¡lo besaban una y otra vez! En esos casos Clema no se abalanzaba
a separarlo, todo lo contrario, se retiraba a prudente
distancia para no ser atropellada y esperaba. “Mi marido
pertenece a su público” —comentaba—. “Su música es del
mundo entero” —añadía—. “Sus admiradoras podrán estrecharlo
y hasta besarlo luego de las funciones, pero su amor es
sólo mío” —aseguraba—. Y estaba en lo cierto, pues una vez
casados Ponce sólo vivía para ella. Clema fue su inspiración,
su vida… y su secretaria, correctora, copista, etc., aunque
nunca pudo ponerse al corriente, ya que el frenesí creador
de Ponce era increíble. De cualquier forma, Clema se hizo el
propósito de copiar y editar completa la obra de su esposo y
a ello dedicó toda su vida (como veremos más adelante en
un Tercer Volumen). “Clema supo ser la compañera ideal del
gran músico. Cuando el maestro recibía a sus amistades, ella
era toda alegría y trato exquisito. Cuando el maestro trabajaba,
era la celosa vigilante del silencio y la soledad. Convertíase
en la colaboradora más infatigable cuando la proximidad
de un concierto, de un estreno o de una conferencia demandaba
una actividad febril” —señalaba Bernal Jiménez—.
Ponce y Clema vivían cerca del Bosque de Chapultepec
y gustaban caminar por sus veredas adentrándose hasta
el lago central; ahí descansaban a la sombra de los viejos
ahuehuetes y recordaban. Motivos que comentar no les faltaban,
hablaban sobre la música y el canto, de los amigos
ausentes, de la vida agitada y los proyectos del futuro; después,
tomados de la mano, emprendían el regreso al hogar
donde el músico comenzaba a escribir, antes de casarse lo
hacía por las noches aprovechando la quietud de las horas
nocturnas; luego de casado prefería hacerlo por la mañana,
aunque a menudo volvía a la vieja costumbre.
Ponce, igual que los grandes compositores, poseía el
“oído interior”, que les permitía escuchar la composición mu-
39

sical antes de escribirla; por ello no requería el auxilio del piano,
solamente lápiz y papel. Pero como la esquiva inspiración
lo sorprendía a cualquier hora, lo mismo en la madrugada
que a la hora de los alimentos, fiestas o cualquier reunión,
Clema dejaba lápiz y papel en todos los lugares de la casa:
sobre el buró de la recámara, junto a la mesa del comedor,
en la sala, etc. y…en su bolsa de mano. Consciente de ser
compañera de un gran compositor, vigilaba que nada distrajese
su atención cuando tocaba el piano o escribía; en ese
caso desconectaba el teléfono y le ponía algodón al timbre
de la calle, que también prendía un foco; obligaba a la servidumbre
a usar pantuflas y llegó al extremo de pagarle a
cierto vendedor ambulante de plátanos y camotes asados,
para que no usara el silbato de su original carrito cuando por
las noches pasaba cerca de su casa. Antes de comer, desde
su regreso de Cuba, el maestro acostumbraba tomar un aperitivo
de origen antillano que llamaba “Tode”, y consistía en
un vaso de limonada con un poco de ron “Matusalén” —“del
viejito”, decía... “Es lo mejor y cura todos los males”, bromeaba—.
El amor que los unía era algo fuera de lo común y la
música los estrechaba más. No tenían tiempo para pelear ni
echaban de menos la falta de hijos, el cariño que se guardaban
soportaba todas las pruebas.
Gustavo E. Campa (Pide al tiempo que vuelva).- La actividad
musical de Ponce era prodigiosa y no disminuyó cuando llegó
la época dorada; sólo así se explica su inmensa producción
superior a las 700 obras para toda clase de instrumentos,
voces y conjuntos orquestales, que lo ubican al lado de
los grandes músicos de la historia. “Obra forjada a fuerza de
pensamiento y emoción, por eso es grande su poder emotivo;
por eso es noble y alta, y, será perdurable, porque el ritmo
de la vida, al transmutarse en ritmo de arte, conserva la esencia
divina y perenne; por eso será como flor inmarcesible a los
tiempos” —señala Mariano Brull sobre la música de Ponce. En
1918, a los 35 años de edad, Ponce destacaba como director
de la Orquesta Sinfónica Nacional, pero también tenía fama
de hombre erudito poseedor de inmensa simpatía; por ende,
su casa se convirtió en centro de reunión para la intelectualidad
citadina.
Visitantes frecuentes de su hogar lo fueron Antonio
Caso, Alfonso Reyes, José Vasconcelos, Isidro Fabela, Ramón
López Velarde, José Juan Tablada, Roberto y J. de Jesús
Núñez Domínguez, Nicolás Rangel, José Natividad Macías,
40

Manuel Gómez Morín, Julio Torri, Rafael Zubarán, Ignacio Rosas,
Enrique González Martínez, Pedro Henriquez Ureña, Alfonso
Toro, Amado Nervo (recién llegado de Europa), Jesús Urueta,
etc. En esas reuniones Ponce era el centro de atención,
pues además de su música también gustaba hacer poesía y
jugar con la etimología de las palabras; por esa razón, sus versos
hacían reír a todos. Ellos y ellas lo buscaban. “Todos quedaban
conquistados por aquel hombre singular cuyas dotes
de corazón rayaban a igual altura que las específicas de su
profesión y de su arte. Sencillez, cordialidad y gusto refinado
eran las características del hogar de los Ponce” —escribía
Bernal Jiménez—.
En ese contexto, Gustavo E. Campa vino a convertirse
en su amigo cercano y acostumbraba comentarle asuntos
de toda índole, pues era hombre erudito. Campa, de 56 años
de edad, llegaba a visitarlo cargado de libros bajo el brazo,
volúmenes en varios idiomas inclusive ¡Latín! recopilados durante
sus años de estudio en Europa. Era cosa conocida que
Campa poseía la biblioteca musical más completa del país,
y en ocasiones especiales obsequiaba a Ponce con alguno
de sus libros causándole inmensa alegría a su joven colega,
que amaba la buena lectura tanto como la música. De esa
forma, conforme pasaron los años, el cariño y estimación
de Gustavo Ernesto Campa por Manuel María Ponce creció
hasta llegar a verlo como vivo reflejo de sus desaparecidos
amigos del Siglo XIX: Ricardo Castro y Felipe Villanueva; sus
añorados colegas de la juventud, de una época que se veía
más lejana que la realidad en que vivían. Posiblemente Campa
sentía que el tiempo se le terminaba y a través de Ponce
se aferraba al pasado…a su juventud, ya que el compositor
de “Estrellita”, sorprendentemente, tenía muchos puntos en
común (talento y carácter, entre otros) con aquellos genios
mexicanos del pasado. Años después, al final de la vida del
autor de “Misa Solemne” y “El Rey Poeta”, Ponce adquirió
completa la biblioteca de su buen amigo, que fuera ganador
de la Medalla de Oro como mejor alumno de su generación
en el Conservatorio Nacional de Música; deuda que
contrajo con el hijo mayor de Campa, que también era músico,
y solventó en numerosos pagos mensuales para ayudar
a los familiares del compositor nacido y fallecido en la Cd. de
México.
41

Sin chistar.- Amén de los músicos e intelectuales mexicanos
que lo visitaban, y debido a su fama universal, Ponce también
era procurado por los músicos extranjeros a su paso por
la Ciudad; cuando llegaban la mayoría se presentaba con
un obsequio, generalmente un libro o una botella de vino o
cognac; por consiguiente, la biblioteca (y la cava) de su hogar
llegó a sumar miles de volúmenes de toda índole e idioma;
nuevos, usados, rústicos, de lujo, etc. Asimismo, cuando
los visitantes acudían con su cónyuge también hacían obsequios
a Clema, por ese motivo su hogar se convirtió en una
especie de museo, adornado con objetos provenientes de
todas partes del mundo. Un periodista de “Revista para todos”
que fue a su domicilio escribía:
“Penetramos: Quedamente, como desmayado, se
oía el último acorde de algo que tocaba el maestro; en el
ambiente, flotaban las notas como armonizado con el olor
de la tierra húmeda que exhalaba el jardincillo; a lo lejos se
oía una voz femenina que a media voz cantaba una canción
dulcísima. Todo era paz y calma en medio de aquel silencio
provinciano. En un pequeño estudio, ornado por el arte en
todas sus manifestaciones, donde los bellos cuadros alternan
con buenos libros, el teclado de un piano de estudio despliega
la sonrisa de sus teclas. Un piano de concierto, ocupa una
gran parte de la estancia, sobre él hay cuadernos de música,
libros, uno que otro bibelot y un busto que representa
al maestro”… Y terminaba observando: “El maestro Ponce,
aparte de su personalidad artística, que encierra en sí todo el
prestigio de nuestra música vernácula es una bella persona,
desde su aspecto exterior, hasta el último de los pliegues de
su conciencia que se muestra diáfanamente desde la primer
ojeada, es agradable. Su misma diafanidad, lo hace modesto,
sencillamente modesto, humilde sin poses. Con una humildad,
exclusiva de los que valiendo mucho, ignoran lo que
valen”.
Obviamente, también acudían a buscarlo sus viejos
amigos “Fieles a la Provincia, Leales en la Amistad”, con la
salvedad de que en casa de “Los Ponce”, estos se medían
un poco, ya que aunque Clema los recibía y atendía cordialmente
no admitía ciertas bromas, chistes, “palabrotas” y otros
excesos propios de los viejos camaradas. “Mi casa es como
un sagrario —decía firmemente—y como tal, se respeta”…
y nadie chistaba. En la entrevista, el periodista de “Revista
para todos” habló de un piano de estudio y otro de concierto
“Ocupa gran parte de la estancia” —dijo-. Al respecto, el co-
42

nocido escritor mexicano Armando Fuentes Aguirre, “Catón”,
publicó el 1 de mayo de 2010, en el diario “Reforma”, una
anécdota poco conocida:
“Llegó a la mejor tienda de artículos musicales de la
capital y le pidió que le mostraran el gran piano de concierto
que se exhibía como la más preciada joya de la casa. El
dueño conocía al músico: Sus obras se apreciaban bien. Había
oportunidad ahí de hacer negocio. Seguramente el hombre
no tenía dinero —los artistas nunca tienen—, pero podría
comprometerlo a que le pagara el piano con música, y así lo
tendría a su servicio durante varios años.
El músico aceptó el trato: Podría llevarse el piano y
pagarlo —“poco a poco”, le dijo el de la tienda— con sus
partituras. Se fijó el precio del piano (altísimo) y el de las partituras
(muy bajo), y el convenio se firmó. Un mes después el
músico ya había pagado el piano. El comerciante, estupefacto,
recibía diariamente una o dos partituras de la más alta
calidad: Una hermosa canción; una bellísima pieza para piano;
una obra de sorprendente brillo para la guitarra….
El músico se llamaba Manuel M. Ponce.
El nombre del comerciante no lo sé.”
Maurice Dumesnil.- Conforme se acercaba la fecha del primer
concierto independiente de la Orquesta Sinfónica Nacional,
la prensa se hacía eco del llamado de Ponce. En ese
contexto, “El Demócrata” publicó una lista de personalidades
que abiertamente apoyaban al compositor; pues la injusticia
era evidente. Entre esos nombres sobresalían los del
Gral. Pablo González; el Ing. Alberto J. Pani, Secretario de Industria
y Comercio; el del Rector de la Universidad Nacional,
entre otros; parecía que el asunto se politizaba rápidamente
pues ya se hablaba de sucesión presidencial, de A. Obregón
y de P. González. Por su parte Ponce, luchando por su causa,
anunciaba un “As” sacado de la manga, se trataba de uno
de los artistas más famosos del momento a nivel mundial: el
pianista francés Maurice Dumesnil, quien se encontraba en
Nueva York, desde donde viajó directamente a la Ciudad de
los Palacios. A la fecha, el músico galo era noticia de primera
plana en el mundo, ya que su hermano, diputado francés,
había muerto recientemente en las trincheras del frente europeo.
El día del evento “El Demócrata” señalaba: “Por la importancia
que encierra el gran concierto sinfónico que dará
43

hoy a las 11 a.m. en el Anfiteatro de la Preparatoria, la Orquesta
Sinfónica Nacional en colaboración con el pianista
Dumesnil, volvemos a invitar al público dilecto de estos cultísimos
espectáculos, por medio de estas líneas, bajo las cuales
reproducimos el programa. La Orquesta mencionada, cuyo
prestigio basta para despertar el interés de los verdaderos dilettanti,
será dirigida por el glorioso y joven maestro Manuel
M. Ponce, quien goza de tanta y tan justificada simpatía y
admiración”:
I.- Olas de Primavera (Poema Sinfónico)…….P: Scharwenka.
II.- Sigfrid (Murmullos del Bosque)……………….R. Wagner.
III.- Nocturnos: a)Nubes; b)Fiestas……………..C. A. Debussy.
IV.-Fantasía Húngara, piano y orquesta………F. Liszt.
Pianista: M. Dumesnil.
Orquesta Sinfónica Nacional, Dir. M. M. Ponce.
Gradería baja…………………………………$ 1.25
Gradería alta………………………………….$ 1.00
“Ya se comprenderá la importancia de tan dilecta
audición musical, a la que, como a todas las de ese grupo
benemérito, deben concurrir los buenos aficionados al exquisito
arte, sumo del ritmo y el sonido”. Las notas relativas, en el
programa de mano de la función, realizadas por Manuel M.
Ponce, señalan:
“Scharwenka L.- Entre las obras orquestales de
Scharwenka.- El poema sinfónico “Olas de Primavera” ocupa
lugar preferente, por la belleza de sus melodías, por la exuberancia
de su instrumentación, por su poder evocador de vida
renovada bajo el hálito poderoso de la eclosión primaveral.
Wagner R.- La célebre página que subraya la escena
del bosque en la Ópera “Siegfried” no necesita comentarios;
la fascinación de esta música es tal, que el ánimo absorto
sigue la trama armoniosa sobre la cual la flauta, el oboe, el
clarinete bordan los alegres cantos de los pájaros, entre el
rumor de la cuerda ensordinada que evoca los rumores del
bosque.
Debussy C.- “Nubes”: El alma soñadora del artista se
embarca en un milagroso esquife de nubes, hechas de madreperla
y oro y emprende el viaje. El esquife que navega
sobre un mar de plata llega a playas lejanas y azules. Pasa
una ciudad de ensueño: Castillos fabulosos, cúpulas y torres
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de plata repujada, mil agujas que se deslíen en el horizonte
violáceo…Como obedeciendo a mágico conjuro, la ciudad
fantástica se aleja, se pierde en el misterio sideral… El milagroso
esquife sigue bogando en un rayo de luna. Aparecen
bosques y montañas, sirenas y faunos, lagos y volcanes de
nieves plateadas… La luna se esconde. Todo se esfuma. Las
últimas notas de Debussy mueren en el silencio tembloroso
del misterio sideral. “Fiestas”.- “Fiesta nocturna. Mézclanse
gritos, cantos, risas, cohetes y trompetas lejanas. Las extrañas
combinaciones armónicas de Debussy encierran todos los
rumores, toda la alegría tumultuosa de las fiestas populares.
Poco a poco los rumores se alejan. Un eco de trompetas ensordinadas
se pierde en la profundidad del registro grave de
los cellos que aun conservan el ritmo inicial. Las “Fiestas” son
una brillante prueba del talento descriptivo de Claude Debussy.
Liszt F.- La fantasía sobre melodías populares húngaras
escrita para Hans de Bulow, ostenta toda la fastuosa armonización,
la brillantez que tanto amaba el insigne Abate. La originalidad
de los temas magiares está realizada por suntuosa
y adecuada orquestación”.
El éxito del concierto fue de época, hubo necesidad
de negar la entrada. El público “vitoreó”, es la palabra adecuada,
todas las intervenciones de los artistas espartanos.
El programa era para satisfacer a los más exigentes y cada
aplauso, arrebato u ovación, iban dirigidos contra quien todos
sabían. La música de Debussy fue escuchada con profunda
atención, al terminar el segundo poema sinfónico la
ovación se prolongó obligando al “encore” de la misma
obra. Al finalizar su intervención, el pianista francés ejecutó
como “Bis” la “Gavota” de Ponce, que ya se escuchaba en
todo el orbe. La crónica del concierto apareció en la mayoría
de los diarios de la capital.
El Aprendiz de Brujo.- La gente abandonó el Anfiteatro de la
Preparatoria con el firme propósito de regresar a la audición
del día 25; así es la música, cuando el público recibe más
de lo que espera al pagar su boleto regresa, inclusive con
nuevos acompañantes. El éxito de la OSN fue ampliamente
comentado durante los días siguientes, en tanto la prensa
continuaba su campaña en beneficio de la cultura nacional.
Para la segunda presentación, Ponce preparaba nada menos
que el estreno en México de cuatro obras sinfónicas, dos
de ellas se anunciaban en el programa de mano del evento
45

anterior: “El Aprendiz de Brujo”, obra impresionista del compositor
francés Paul Dukas; y “Balada Mexicana” para piano
y orquesta, de Manuel M. Ponce.
El programa completo fue:
I.- Orfeo (Poema Sinfónico)……………F. Liszt.
II.- L’Apprenti Sorcier…………………….Paul Dukas.
(Primera vez en México).
III.- Intermezzi Goldoniani………………..Marco Enrico Bossi.
(Primera vez en México).
IV.-Vals Poético, para orquesta………..Felipe Villanueva.
(Primera vez). Orquestación: Gustavo E.Campa.
V.-Balada Mexicana, piano y orq…….M. M. Ponce.
(Primera vez). Piano: M. M. Ponce.
Orquesta Sinfónica Nacional, Dir. M. M. Ponce.
Los boletos se terminaron antes de la fecha pues nadie
quería perderse la audición. La gente de la Capital del
País estaba tan metida en la buena música como hoy lo está
en el fútbol… “La animación que por estas fiestas de arte se
nota, es una viva demostración de que nuestra cultura progresa
innegablemente” —señalaba un diario de la capital—.
El primer número del programa, “Orfeo”, de F. Liszt,
estrenado en México por M. M. Ponce, volvió a interpretarse
con la misma maestría; el público ovacionó al disciplinado
conjunto orquestal, que en esos momentos consideraba
como algo suyo. Antes de continuar, Ponce hizo una breve
alocución sobre la obra de Paul Dukas: Con el libro de Goethe
en la mano, explicó la original historia del joven Aprendiz de
Brujo que en ausencia de su maestro, el mago Merlín, utiliza
su varita mágica para llevar agua a la pila de la casa con
ayuda de una escoba encantada; y después, cuando olvida
las palabras cabalísticas, los apuros que pasó para detener la
inundación que amenazaba ahogarlo:
El auditorio aplaudió agradecido, mientras el joven
director tomaba su lugar en el podio haciendo a un lado la
partitura orquestal, pues Ponce volvía a dar la cara a sus músicos
dirigiendo de memoria el programa. Su batuta brilló en
todo lo alto, ordenó y fue obedecida por los músicos veteranos
que hipnotizados intentaban seguir su ágil trazo: ¡Arriba!
¡Abajo!... El director salta rítmicamente, alegre, gira con los
brazos abiertos mirando fijamente al conjunto musical. Des-
46

pués ondula el cuerpo y dirige por la derecha mientras apura
con la mano izquierda. Ponce se entusiasma, se agita, la
música lo hace vibrar. Pide a la orquesta más ímpetu, mayor
intensidad de sonido. Los presentes, admirados, observan a
un Ponce desconocido, nervioso, exigiendo notas de corta
duración o bien….sonriente y sudoroso agitando ampliamente
los brazos en pasajes de mayor duración. Por su parte, los
músicos de la orquesta encantados con la obra tocaban
¡felices! Fraseando las notas e interpretando sus instrumentos
para el público. Hechizados por la batuta mágica de Ponce
hacían vivir la obra. Como músicos inteligentes sacrificaban
su ego, integrándose armónicamente a su líder.
Esa noche la orquesta y su director volvieron a alcanzar
la cima de la interpretación, convenciendo hasta a los
críticos más recalcitrantes. Y mientras las ovaciones se desgranaban
desde el fondo del Anfiteatro, Paul Dukas, Merlín
y el Aprendiz de Brujo bullían en la mente del joven maestro.
Al tiempo que agradece los aplausos una extraña sensación
premonitoria lo envuelve. Luego llega la calma, y aparece
una hermosa barcarola navegando por los amplios canales
de la Venecia histórica, a donde tantas veces concurrió en
compañía de su maestro Marco Enrico Bossi, a quien rendía
homenaje interpretando su “Intermezzi “Goldoniani”; una larga
ovación despide la bella obra italiana.
Balada Mexicana Para Piano y Orquesta.- Enseguida, la orquesta
interpretó una de las obras musicales más hermosas
escritas en México: “Vals Poético”, de Felipe Villanueva en
orquestación de Gustavo E. Campa. El público escuchó muy
atento, pues hacía mucho tiempo que no escuchaba al inolvidable
músico de Tecámac interpretado por la orquesta
número uno del país. La obra anterior era un selecto trozo lírico
que evocaba a la bella Italia; pero el Vals Poético evoca
los más excelsos pensamientos, el alma se inunda de inefable
emoción elevando el espíritu hasta alcanzar niveles celestes,
y solamente al terminar el último acorde: Un pianísimo que se
alarga interminable, el público reacciona y aplaude jubiloso.
Luego del último aplauso la audiencia esperó paciente mientras
acercaban el piano. Había expectación por escuchar la
nueva creación del compositor mexicano, dirigida la orquesta
por Marcos Rocha.
Escrita originalmente para piano solo, “Balada Mexicana”
surge de dos temas del folclor mexicano del Siglo XIX;
el primero, “El Durazno”, canta: Me he de comer un durazno
47

de la raíz hasta el hueso, no le hace que sea bonita, será mi
gusto y por eso… El segundo tema: “Acuérdate de Mi”, canta:
Acuérdate de mi no seas ingrata, oye la voz del hombre
que te adora. Acuérdate de mi en alguna hora. Soy el hombre,
soy el hombre que te amó”. El compositor los presenta
en tonalidades contrastantes manejando simultáneamente
al contrapunto ambos temas, resultando un desarrollo brillante
y poético. En la recapitulación Ponce ofrece nuevamente
ambos temas pero ahora en la misma tonalidad y superpuestos.
En su versión para orquesta, “Balada Mexicana” conserva
la forma sonata transformándose en un verdadero “Concertino”;
además, el compositor añadió dos cadencias para
piano y aunque su tratamiento es como solista lo integra a la
masa orquestal, logrando mayor expresividad y belleza. En
la última parte, el compositor transmutó la sencilla melodía
popular en arrolladora cascada armónica, llevándola a un
apoteótico final al más puro estilo lisztiano.
Al terminar la última nota el público tributó al autor
aclamaciones sin fin, ya que jamás había escuchado algo
semejante en una obra sinfónica-concertante mexicana: sonidos,
cadencias, giros melódicos auténticamente vernáculos,
unidos por el milagro armónico de la polifonía. El público
otorgó a la obra la gloria de la repetición inmediata, acostumbrados
a escuchar creaciones de los grandes maestros
ajenas a nuestro folclor, unos y otros comentaban: ¡Qué bella
música, la teníamos aquí y no lo sabíamos!... A partir de entonces,
Ponce pasó a formar parte del paisaje nacional; y tal
vez si alguien se acerca al Anfiteatro de la Preparatoria en la
quietud de las horas nocturnas, escuche el eco de las ovaciones
interminables que resonaron en las históricas bóvedas
del edificio colonial... Tal vez.
Esa fecha, 25 de agosto de 1918 quedará registrada
en la historia musical de México, pues contempló el estreno
de la primera creación concertante auténticamente nacionalista
para orquesta sinfónica.
“BASTARÁ EL PERFUME DILUIDO DE LA CANCIÓN POPU-
LAR EN LA MAGNIFICENCIA DE UN POEMA ORQUESTAL, PARA
LOGRAR EL SUPREMO ANHELO DEL FOLCLORISTA: LA OBRA DE
ARTE COMO EXPRESIÓN DEL ESPÍRITU DE UN PUEBLO”.
— Citaba Manuel M. Ponce en relación al Nacionalismo
Musical—(5). Sí; “Por mi Raza hablará El Espíritu”. Al día
siguiente Rubén M. Campos anotaba en su columna de “El
Universal”:
48

“Y para sellar esta crónica, como los viejos cronistas
de antaño que se guardaban para postre la más azucarada
cereza en almíbar, hay que consignar el nuevo triunfo de la
Orquesta Sinfónica Nacional, que tiene siete vidas como los
gatos, y que al destete del erario, del que hay que convenir
que después de veinte años la ha soltado casi apta para el
sufragio popular, si no para la alta cámara, sí para la música
de cámara, se ha encontrado con la rara tenacidad del
maestro Ponce para salir triunfante de su ensayo de autonomía.
“Hombres tenaces he visto, pero no como el de la
varilla”, decía el peninsular que oyó por primera vez una orquesta.
Y tal apreciación podría aplicarse al joven maestro,
que además de la virtud de la constancia, nos ha revelado
su virtuosidad para dirigir en una gran orquesta obras como
L’Apprenti Sorcier, de Paul Dukas, de gran dificultad por su
complicada estructura, y su virtuosidad como pianista al ejecutar
al piano con la Orquesta Sinfónica Nacional su Balada
Mexicana, su primer poema orquestal y pianístico, que posee,
además, de un exquisito gusto, por su educación contrapuntística,
como armonizador y polifonista, una ejecución
poética y un sentimiento delicado que sabe interpretar la
melancolía de ensueño que hay en la poesía de nuestra música
popular”.
Mes de la Patria.- El día 9 de septiembre, Ponce y Clema acudieron
a una recepción en el domicilio del Lic. José Natividad
Macías, Rector de la Universidad Nacional. El Lic. Macías y
Ponce eran amigos desde 1916, cuando se conocieron en
dramáticas circunstancias luego del desastre ferrocarrilero de
San Juan del Río, Qro., donde murieron decenas de personas;
desde entonces cultivaron una amistad que se prolongará
durante el resto de sus días. A dicho festejo llegó un grupo
selecto de amigos, músicos, poetas, políticos, filósofos, etc.;
quienes departieron de la mejor manera en honor de tan distinguido
personaje, y cuando estaban en lo mejor de la fiesta
sorpresivamente llegó el Sr. Presidente de la República “Para
honrar con su presencia la reunión”. Ponce y Carranza volvieron
a encontrarse frente a frente, estrecharon sus manos
e intercambiaron sonrisas y frases de cortesía ante el Rector
de la Universidad, que apoyaba abiertamente al autor de las
“Canciones Mexicanas”.
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Cuatro días después, Ponce y la OSN participaban
en la ceremonia organizada en el Bosque de Chapultepec
por el Gobernador del D.F., D. Arnulfo González, en memoria
de Justo Sierra en su V Aniversario Luctuoso; develándose un
sencillo monumento al ilustre educador. Además participaron
los poetas Antonio Mediz Bolio y Amado Nervo, recién llegado
de Europa. Igual que a Ponce en 1917, Carranza trajo
a Nervo de vuelta a la patria para contrarrestar la propaganda
negativa que se desarrollaba en todo el mundo contra
el “México Revolucionario”; e igual que a Ponce le ofreciera
La dirección de la OSN, también le lanzó un jugoso anzuelo
nombrándolo Ministro Plenipotenciario en Argentina y Uruguay,
ya que la popularidad del poeta nayarita luego de su
estancia en París y Madrid alcanzaba niveles extraordinarios,
se le comparaba con el inmenso Rubén Darío, recientemente
desaparecido.
El evento cívico se efectuó en el cruce de las Calzadas
de los Poetas y los Artistas. “En ese lugar se improvisó un
sencillo estrado en el que tomaron asiento la mayor parte
de nuestros intelectuales, así como numerosas personas de
nuestra buena sociedad” —citaba un diario al día siguiente—.
El acto resultó imponente, posiblemente ni los organizadores
lo esperaban pues asistieron más de mil personas. Los
dos poetas, altivos y elegantes, disertaron desde el césped
del Bosque, rodeados de niños escolares y público asistente.
“El organizador del homenaje estuvo acertado al escoger las
dos hermosas piezas musicales, que con gallardía e inspiración
interpretara la Orquesta Sinfónica Nacional dirigida por
el maestro Ponce. Inició la orquesta su artístico trabajo con el
Preludio de “Los Maestros Cantores” de Wagner, de ese Wagner
que junto con Beethoven, Goethe y Hegel forman la verdadera
Alemania, no la del kaiser ni la de Hindenburg, que la
mayoría conoce a través de los diarios agermanados” —señalaba
otro periódico—. “Como último número, los niños de
los kindergartens, llevando en sus manecitas pequeños ramos
de flores, las depositaron al pie del monumento a don Justo
Sierra, en tanto la orquesta ejecutaba el Himno Nacional,
que fue coreado por la concurrencia” —finalizaba su crónica
el diario—. “Antes, los niños interpretaron dos obras de Ponce
para canto: “La Primavera” y “Canto a Justo Sierra”; y mientras
las decían, la orquesta sinfónica los acompañaba con
suaves acordes a la sordina, produciendo un efecto hermoso
y emocionante” —señalaba otro diario—.
50

La siguiente presentación de la OSN se efectuó el 15
de septiembre en el Teatro Arbeu; función patrocinada por
los Ministros de las Naciones Aliadas, para conmemorar las
“Fiestas Patrias”. “En el entendido de que los fondos recaudados
serán destinados al fomento de la buena música por
conducto de la Orquesta Sinfónica Nacional”… Ahora eran
los Países Aliados quienes respaldaban abiertamente a Ponce
y la Orquesta Sinfónica Nacional. Ese día el Teatro resultó
insuficiente, pues el programa nuevamente ofrecía poesía y
filosofía además de música romántica e impresionista, digna
de cualquier sala de conciertos…era la costumbre en el
México de antaño:
I.- Sinfonía Patética……………………………….P. I. Tchaikowski.
Or. Sinf. Nal., Dir. Maurice Dumesnil.
II.- Poesía, por Enrique González Martínez.
III.- Danza Macabra, poema sinfónico…………C. Saint-Saens.
Violín solo. Prof. José Rocabruna.
Or. Sinf. Nal., Dir. Maurice Dumesnil.
IV.- Scherzo para dos pianos……………………..C. Saint-Saens.
Solistas: Maurice Dumesnil y M. M. Ponce.
(1a. Vez en México).
V.- Discurso por el Lic. Jesús Urueta.
VI.- El Aprendiz de Brujo……………………………P. Dukas.
Orq. Sinf. Nal., Dir. Manuel M. Ponce.
La OSN estará compuesta por 80 profesores.
El resultado del histórico evento fue extraordinario; en
ocasiones, el público no está de vena y es difícil arrancarle el
aplauso, otras veces sucede lo contrario: La gente llega dispuesta
a recibir y aplaudir las emociones artísticas. Este era el
caso presente, posiblemente por el ambiente festivo previo a
la celebración de “El Grito”; tal vez por el atractivo programa,
o quizá por el evidente esfuerzo desarrollado por Ponce y los
músicos de la orquesta para mantenerse con vida. El hecho
fue que músicos, poetas y filósofos fueron despedidos entre
fervientes aclamaciones que resonaron en todos los rincones
de la patria.
El “Scherzo” para dos pianos de Saint-Saens, ejecutado
al alimón entre Ponce y Dumesnil, arrebató de entusiasmo
a los presentes siendo obligados los pianistas a salir al escenario
en ¡7 ocasiones! El maestro mexicano no desmereció
al lado del famoso pianista francés, quien, admirado, veía
como su colega interpretaba con la mayor facilidad y ele-
51

gancia. Y como los aplausos en el Arbeu eran interminables,
Ponce, cortés con su colega, le cedió el piano para ofrecer
el “Bis” necesario para regresar a la calma, así lo entendió el
pianista galo que interpretó un Nocturno de Chopin.
Amado Nervo.- Días después, el 12 de octubre, aniversario
mundial del descubrimiento de América y “Día de la Raza”
para los habitantes de Iberoamérica, la Universidad Nacional
organizó una velada en el Teatro Esperanza Iris, participando
la OSN dirigida por Manuel M. Ponce, además de los poetas
Amado Nervo, Enrique González Martínez; los bardos duranguenses
Martín Gómez Palacio y Manuel J. Revilla, además
de Julio Jiménez Rueda, la soprano Consuelo Mayendía y el
barítono David Silva.
El evento, desarrollado ante otro lleno impresionante,
fue presidido por el Lic. Manuel Aguirre Berlanga, representante
de Venustiano Carranza y por el Lic. J. Natividad Macías,
Rector de la Universidad. “La velada resultó de grandes
atractivos tanto por la selección y belleza de los números que
integraban el programa cuanto por la numerosa y distinguida
concurrencia que asistió ocupando totalmente las localidades
del flamante coliseo”, señalaba la crónica de “El Pueblo”.
El programa fue el siguiente:
I.- La Marcha de las Princesas……………………..J. Massenet.
II.- Monólogo de Gerard, “Andrea Chernier”…...U. Giordano
Encore: Misma obra. Barítono: David Silva.
III.- Balada Mexicana para piano y orquesta……M.M.Ponce.
Encore: “Serenata Mexicana” canción mex.
M.M.Ponce. Piano: M. M. Ponce.
IV.- Himno de la Raza. (1ª. Vez en México)………M.M.Ponce.
Soprano: Consuelo Mayendía. Letra: R.M.Campos.
Barítono: David Silva.
V.- Himno Nacional…………………………………..J. Nunó.
Orq. Sinf. Nal., Dir. M. M. Ponce. Letra: F.G.Bocanegra.
Raza de Bronce.- La función se convirtió en “Noche de Gala”
debido al éxito de los participantes, alargándose la velada
hasta altas horas de la noche. Ponce presentó su última creación
para orquesta y canto, con letra de Rubén M. Campos,
escrita especialmente para esa fecha. El joven Julio Jiménez
Rueda prendió los primeros entusiasmos con sublime alocución
histórica; después, los poetas estuvieron a cual más de
magníficos pero al subir al escenario Amado Nervo el entu-
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siasmo cundió. La genta lo quería, su popularidad en Francia
y España era de todos conocida y las ovaciones acuciaron al
poeta a ofrecer lo mejor de su repertorio: Desde “Las Historias
Viejas”, “Gratia Plena” y “En Paz”, hasta “El día que me quieras”
y “¡Raza de Bronce!”:
Señor, deja que diga la gloria de tu raza,
la gloria de los hombres de bronce, cuya maza
melló de tantos yelmos y escudos la osadía:
¡oh caballeros tigres!, ¡oh caballeros leones!,
¡oh caballeros águilas!, os traigo mis canciones;
¡oh enorme raza muerta!, te traigo mi elegía…
Nervo recitó como jamás lo había hecho; enardecido,
vibraba en cada palabra. “Raza de Bronce” fue lo máximo
de la velada en esos momentos tan significativos… Qué
lejos estaban los presentes de imaginar que eran testigos de
la última aparición en público del vate nayarita; jamás volverían
a escucharlo, sólo verían pasar su ataúd… “El verso
es un cáliz santo, poned en él un pensamiento puro” —escribía
el poeta— “Hágase tu voluntad, Señor, más no la mía”,
pudieron ser sus últimas palabras. El público, puesto de pie,
despidió triunfalmente al inmenso poeta mexicano, esperando
la presentación de la obra musical del mismo nombre, de
Manuel M. Ponce, cuyo coro dice:
Cantemos la gloria del Alma Latina
que quiere de América las razas unir
en múltiple alianza fecunda y divina,
ser sólo una raza que va al porvenir…
El éxito aureoló la frente de los participantes, añadiendo
una guirnalda más a la cadena triunfal de la OSN en
su vida independiente. Ponce se perfilaba como un director
non, con ese carisma especial que atrae tanto la atención
como el favor de los presentes; la fama del compositor adunada
a su sencillez hacía que el público lo viera como algo
suyo, semejante a un familiar cercano (Algo que no se veía
desde que Ricardo Castro ofreciera en 1902, 40 conciertos
en 20 ciudades diferentes en menos de 6 meses). Desde su
debut como Director al frente de la OSN, el 24 de junio de
1917, dirigiendo “La Flauta Mágica”, de Mozart, Ponce no
había cesado de presentarse en público, ya como director
de orquesta ya como solista o acompañante de sus colegas.
53

Todo ello sin dejar de escribir obras nuevas para piano, canto
u orquesta, a más de sus trabajos periodísticos. Jamás se
había visto algo semejante; para él y la OSN no había temporada
oficial de tal a cual fecha, aun cuando debía cumplir
compromisos ineludibles en sus cátedras del Conservatorio y
la Escuela Nacional de Música, en su propia academia y en
la de sus amigos antillanos. De ahí el apoyo total que público,
crítica y prensa le prestaban; el “Genio de México” trabajaba
a toda su capacidad…pero era evidente que no descansaba.
La Influenza Española.- Por otro lado, a mediados de 1918
apareció en Europa la peor epidemia de gripe de los tiempos
modernos, misma que provocó ¡40 millones de muertos
en todo el mundo en tan sólo 6 meses!... Desastre sólo comparable
a la peste negra que asoló Europa y Asia durante la
Edad Media. Se le denominó “Española”, debido a que la
Península Ibérica materialmente fue barrida por el mal, por
lo que muchos periodistas pensaron que ahí se había originado,
pero no; el mal nació en un campamento militar de
los EUA. Cuando los soldados llegaron al frente europeo el
virus se desarrolló entre los ejércitos beligerantes que vivían y
morían entre el lodo de las trincheras, consecuencia del frío y
la lluvia. Al regresar los heridos a su patria el mal cubrió todo
el continente. En México, el número de víctimas ascendió a
medio millón, en una población de 15 millones de habitantes.
Los enfermos caían en las calles. Las casas con afectados se
clausuraban y quienes no podían salir se quedaban dentro
(En Torreón, Coah., ciudad de 40 mil habitantes, existe registro
de 200 muertos ¡ en un sólo día ¡); por esa causa se prohibieron
reuniones y espectáculos públicos, inclusive en las iglesias,
mientras pasara la emergencia. Así se inhibió toda la actividad
cultural durante el resto del año.
Manuel M. Ponce aprovechó el tiempo trabajando
en dos proyectos nacionalistas que originalmente tituló:
“Sinfonía de México” y “Sonata Mexicana” para piano; pues
salvo el Himno Nacional y “Balada Mexicana” para piano y
orquesta, no existía otra obra sinfónica que engarzara en sonidos
armónicos la grandeza del pueblo de México. La Sonata
para piano sería diferente a la que estrenara el domingo
25 de mayo de 1913, pues ahora los sentimientos nacionalistas
del compositor se habían acendrado y pensaba en una
composición con temas mexicanos de principio a fin; tal sería
su “Sonata Mexicana” para piano solo.
54

Pablo Casals.-Luego que terminó la pandemia que puso de
rodillas a la humanidad (de la misma forma que llegó desapareció,
dejando pasmado al mundo entero), la OSN continúo
su actividad durante el mes de enero de 1919, con un
festival de cinco conciertos del violoncellista español Pablo
Casals; organizado apresuradamente del día 7 al 19 en el
Teatro Esperanza Iris y la Plaza de Toros “La Condesa”. Ponce
y los músicos apenas pudieron ensayar. Cuando Casals, de
45 años de edad, arribó con su joven esposa, la cantante norteamericana
Suzan Welcalfe, el entusiasmo creció y los boletos
se agotaron. Por esa razón el empresario anunció que la
última función sería en la Plaza de Toros, para que asistieran
todos los amantes de la buena música que vivían en la ciudad.
El programa fue:
I.- Concierto en Re Mayor……………………. Haydn.
P. Casals, con orquesta.
II.- Concierto en La Menor……………………. Schumann.
P. Casals, con orquesta.
III.- Preludio No.15……………………………….. Chopin.
IV.- Chanson Louis XIII…………………………… Couperin.
V.- Pavana……………………………………….. Couperin.
VI.- La Primavera………………………………… Mendelssohn.
VII.-Rondó…………………………………………. Devorak.
Encore: a) Allegro Spirituoso………………Sanaillé.
b) Danza Española……………….Granados.
Cello: P. Casals. Piano: M. Cortazar.
Orq. Sinf. Nal., Director Manuel M. Ponce.
El programa de la tercera y cuarta presentaciones del músico
catalán cambió a:
I.- Egmond, Obertura, Orquesta…………….. Beethoven.
II.- Concierto en Re Mayor…………………….. Haydn.
P. Casals con Orquesta.
III.- Intermezzo…………………………………….. Lalo.
Danza Española………………………………Granados.
IV.- Concierto en La menor……………………..Schumann.
P. Casals con Orquesta.
Encore: “Serenata Napolitana”……………Sgambati.
Cello: Pablo Casals. Piano: J. M. Acuña.
Orq. Sinf. Nal., Director Manuel M. Ponce.
55

Veamos una crónica sobre del tercer recital, el 14 de
enero: “El concierto de anoche tuvo el éxito más estupendo
que se pueda imaginar. Fue un triunfo fantástico; el público
llegó hasta el paroxismo de entusiasmo. La concurrencia fue
más numerosa que ninguno de los recitales anteriores; muchos
no pudieron asistir por haberse agotado las localidades.
Los que habían tenido la dicha de oír a Casals y los que todavía
no lo oían, todos acudieron a esa gran “soiré” de gala
que revistió las proporciones de un grandioso acontecimiento
artístico. La Orquesta Sinfónica Nacional dirigida por el distinguido
maestro Manuel M. Ponce, había ofrecido su concurso
desinteresado como homenaje al gran artista. Tiene derecho
al elogio muy sincero por la dedicación con la que trabajó
las obras difíciles que tenía a su cargo, sobre todo si se piensa
que la premura del tiempo no dio lugar para ensayar como
se hubiera querido. Muy bien dirigida por Manuel M. Ponce
fue muy aplaudida hasta por Casals. Esta velada será un recuerdo
inolvidable para todos los de la orquesta.
Casals se sobrepasó, fue maravilloso. Su sonido tan potente
a veces que se asemeja al órgano tiene por momentos
tanta dulzura, suavidad, delicadeza, que es una verdadera
caricia, es conmovedor, ideal; no se puede soñar nada que
lo iguale. Casals es único. En los dos conciertos con orquesta
lució una técnica insuperable, su virtuosidad es superior en
las cadencias escritas por él y erizadas de dificultades… El
“Concierto en Re de Haydn es una obra maestra y difícil para
el solista y la orquesta, su desarrollo es de una gran riqueza
de instrumentación; ya, en él se presiente a Beethoven, es
toda una obra de colorido orquestal superior. De Schumann
el “Concierto en La menor” se tocó sin interrupción, pero no
pasó desapercibido el Andante que muy particularmente es
de una concepción refinada, toda la exquisitez del romanticismo
de Schumann habla melódicamente al alma. Como
una manifestación exclusivamente mexicana, una parte de
la orquesta felicitó a Casals con la típica “Diana”. El público
estaba materialmente delirante y como hace años a Hoffmann,
llevó a Casals en hombros en medio de una muchedumbre
trepidante de júbilo que lo despidió gritando “Viva el
coloso”.
Para la función final, el día 19, el programa también
cambió; sólo que cuando menos se esperaba Ponce enfermó,
temiendo todos que fuera la influenza, por fortuna sólo
le diagnosticaron agotamiento general recetándole reposo
absoluto, y por esa causa (el paro cardiaco le hacía guiños
56

macabros), no dirigió el último concierto en la Plaza de Toros,
siendo sustituido por José Rocabruna. La empresa mandó imprimir
urgentemente cientos de cartelones con los cambios
de última hora, distribuyéndolos por toda la ciudad añadiéndo
dos obras del compositor mexicano: “Las Mañanitas” y
“Estrellita”. De esa manera, aunque Ponce no dirigía la orquesta
su nombre aparecía en programas y carteles. Al día
siguiente la prensa señalaba:
“Nuevamente pudimos contemplar ayer el sorprendente
espectáculo de la Plaza del Toreo convertida en un
santuario del arte, en el que el público, que antaño diera salida
ahí a las más ruidosas demostraciones de su entusiasmo
loco por los héroes de la fiesta brava, permaneciera silencioso
y casi en estado de éxtasis al escuchar al inconmensurable
cellista Pablo Casals…Si alguien hubiera asegurado al divino
tañedor que uno de sus conciertos tendría lugar en una plaza
de toros, probable es, que él hubiera sonreído con duda e
ironía; mas quién puede adivinar los arcanos del destino? Así
es que ayer la plaza de “El Toreo” se llenó de un público entusiasta
y deseoso de aplaudir al gran Casals por última vez… Es
cosa sabida que la acústica de la plaza es excelente, según
fue comprobado el año pasado por la compañía de ópera.
Pablo Casals tocó como lo hubiera hecho en la sala de conciertos
mejor acondicionada; con la misma religiosidad”.
“Pitágoras No Miente”.- Por los hermosos carteles publicitarios
dados a conocer se deducen los apuros del empresario
José del Rivero; ya que a falta de Manuel M. Ponce como
director de la orquesta, hizo énfasis en que Pablo Casals sería
acompañado por “TODA” la Orquesta Sinfónica Nacional…
Finalmente, el éxito resultó de época pues como señalaba la
crónica periodística: La plaza sólo se llenaba con los seguidores
de Rodolfo Gaona o con los fieles dilettanti de las funciones
de ópera. Resultando un hecho incontrovertible: Que los
aficionados a la buena música en la capital del país sumaban
legiones infinitamente superiores a las actuales, pues tomando
en cuenta que el número de habitantes de la ciudad
ascendía a 500 mil, entonces el total de aficionados que acudió
a la Plaza de Toros representaba ¡6% de la población!...
Números fantásticos si los trasladamos a la época actual,
cuando se eleva a más de 20 millones. Es difícil imaginar 1.2
millones de personas en un concierto de música clásica (¡ 12
veces el Estadio Azteca !) pagando su boleto para escuchar.
Ni soñando sería posible tal milagro. Solamente su Santidad
57

Juan Pablo II arrastraba semejantes multitudes. Derivándose
así, en forma natural, la prueba contundente de que en época
añeja la gente sabía más de música que en la actualidad.
“Yo encontré en México un pueblo cordial, entusiasta
y especialmente dotado para la música. Es tal la pasión
de ese pueblo por la música, que toqué, con éxito creciente
26 conciertos en una sola ciudad” —declaraba A. Rubinstein
en 1919 al llegar a Nueva York—. En la misma Urbe, el mismo
año, el Gran Caruso comentaba: “México sólo es comparable
con Italia; su cielo, su clima, sus monumentos, sus habitantes,
todo es delicioso. Cuando por primera vez canté en el
“Iris”, comprendí que estaba ante tres mil críticos de ópera”…
Juicios que reflejan claramente el ambiente musical que tales
artistas encontraron en el “México de mis Recuerdos”. Por lo
mismo, no tiene mayor validez aquello de que: “Fulanito de
tal creó el gusto por la música culta en grandes núcleos de
la población mexicana”; eso es algo que cae por su propio
peso, ya que “Pitágoras no miente”.
Proa al Sol.- El deterioro de la salud del compositor inquietó
a sus admiradores, quienes seguían atentamente su evolución;
en esas circunstancias, el “Departamento Universitario
y de Bellas Artes” decidió registrar las composiciones de Ponce,
quedando asentadas desde el mes de enero de 1919,
en “Fojas P.” del Libro respectivo bajo los Nos.585 al 596 en
una primera etapa. Tal operación incluía sus manuscritos y álbumes
publicados; puesto que Ponce, igual a otros grandes
músicos mexicanos: Luis Baca, Miguel Meneses, Melesio Morales,
Gustavo E. Campa, Juventino Rosas, Felipe Villanueva,
Ricardo Castro, E. Elorduy, Lerdo de Tejada, etc., también
fue editado comercialmente en México y el extranjero. Así
terminó la aventura de Manuel M. Ponce en la Dirección de
la “Orquesta Sinfónica Nacional”; presentaciones más presentaciones
menos pero ese fue su palmarés en dicho ramo
musical. Terminaba otra época en la vida del compositor,
volvería a dirigir en el futuro pero bajo circunstancias diferentes.
El compositor presentó su renuncia a la superioridad y no
insistió en volver porque no tenía caso, ya había satisfecho
ampliamente sus ansias en la materia y su salud iba de por
medio; además, era evidente que Ponce no nació para ser
director de orquesta como Toscanini, G. Polacco, Stokowsky,
etc., sino para compositor y pianista, además de periodista
y pedagogo.
58

Las obras que Ponce interpretó con la Orquesta Sinfónica Nacional
eran las mismas que se escuchaban en Nueva York
y Europa, incluyendo las novedades impresionistas. Muchos
compositores modernos aun no asentaban su valía y las partituras
de sus obras no estaban al alcance de la mano, por
ejemplo: A.- Ravel publicó “La Valse”, y otras creaciones, después
de 1920; B.- Igor Stravinsky vivía en París sobrellevando
la más terrible miseria, no tenía ni para comer; C.- Fue hasta
1921 que la famosa Sinfónica de Boston, dirigida por Pierre
Monteux, adquirió las obras de Ravel, Stravinsky, Mussorsky y
otros autores modernos, ya que “su público fiel” desconfiaba
de las recientes orientaciones musicales. Ellos preferían a
Beethoven, Chaikowsky, Mozart, Brahms, etc., por citar sólo
unos ejemplos. Durante el tiempo que permaneció al frente
de la OSN, Ponce estrenó en México creaciones de F. Liszt,
A. Glazunov, C. Saint-Saens, J. Massenet, C. A. Debussy, M.
E. Bossi, P. Charwenka, J. Haydn, R. Schumann, P. Dukas, A.
Miramontes, F. Villanueva, y G. E. Campa, además de él mismo.
Y fueron Carlos del Castillo, Pedro Luis Ogazón, Ángel R.
Esquivel, David Silva, Arturo Aguirre, Mario Talavera, Consuelo
Mayendía, Elvira González Peña, Tomasa Venegas, María
Romero, Clara Sánchez, Carlota Botte, Rosita Renard, José
Rocabruna, Maurice Dumesnil, Pablo Casals, y él mismo, algunos
de los solistas de la Orquesta Sinfónica Nacional.
De momento, José Rocabruna quedó al frente del
conjunto sinfónico, más tarde lo sustituyó Luis G. Saloma y
después Julián Carrillo, quien tampoco durará en la dirección,
ya que Carranza no mostraba voluntad por la música
como lo hacía por el naciente cinematógrafo (le encantaba
que lo filmaran), y por esa causa, a pesar de la abnegación
de los músicos que la formaban, la primera Orquesta Sinfónica
Nacional posrevolucionaria desapareció durante el mes
de junio quedando la capital del país sin conjunto sinfónico
oficial en tanto surgía el alba de oro cultural de José Vasconcelos,
quien en 1920 nombrará a Julián Carrillo director de la
OSN contando con el respaldo de Adolfo de la Huerta y Álvaro
Obregón; quienes, con mano firme, sostendrán el timón del
país encauzándolo proa al sol, hacia su destino.
59

La Orquesta Sinfónica Nacional dirigida por Ponce en 1917
60

Ponce, Director de la Orquesta Sinfónica Nacional 1917
Primer aniversario de la Editorial Cultural, agosto de 1917.
Primera fila abajo: Francisco Zenteno, José Tovar, Luis
Castillo Ledón, Alfonso Cravioto; Carlos González Peña y
Manuel A. Chávez. Fila de arriba: Antonio Castro Leal, Saturino
Hernán, Julio Torri, Rafael Cabrara, Rafael Loera y
Chávez, Manuel Toussaint, Francisco González Guerrero,
Jorge Enciso, Agustín Loera y Chávez, Enrique González
Martínez, Manuel M. Ponce, Ramón López Velarde y Rubén
M. Campos. En la puerta: Efrén Rebolledo, Conrado
Tovar y Carlos Aceves.
Archivo Saturino Hernán.
1917, agosto. Intelectuales distinguidos, entre ellos Ponce,
López Velarde, Saturnino Herrán, Julio Torri,
Federico Gamboa.
61

Programa de la Orquesta Sinfónica Nacional
62

Esperanza Iris en 1918
63

Programa de la Orquesta
Sinfónica Nacional
Programa OSN, Ponce
y A. Miramontes
64

Periódico de la época
65

Periódico de la época
66

Personajes ilustres de la época.
67

Personajes ilustres de la época.
68

Firma de algunos miembros de la Orquesta
Sinfónica Nacional de Ponce
69

Firma de algunos miembros de la Orquesta
Sinfónica Nacional de Ponce
70

71
Firma de algunos miembros de la Orquesta
Sinfónica Nacional de Ponce

Programa de la Orquesta Sinfónica Nacional
72

Programa de la Orquesta Sinfónica Nacional
73

Publicidad concierto Pablo Casals
74

Ponce en recuperación
75

Danza del sarampión. Primera obra de Ponce a
los cinco años de edad, luego de sanar
76

CAPITULO III
Revista Musical de México.- Desde hacía algunos años operaba
en México una importante casa editorial, cuyas publicaciones
abarcaban literatura, música y poesía; su nombre:
“Compañía Editorial México Moderno, S.A.”; casa heredera
de aquellas “Revista Azul” y “Revista Moderna”, a cuya sombra
se reunieron los más conspicuos personajes finiseculares
mexicanos, entre otros: los escultores Jesús F. Contreras, Miguel
Noreña, Enrique Guerra, Federico Nava, José Guerra; los
escritores filósofos y poetas Jesús Urueta, Federico Gamboa,
M. Gutiérrez Nájera, Bernardo Couto, Jesús E. Valenzuela, Justo
Sierra, Amado Nervo, Luis G. Urbina, Salvador Díaz Mirón,
José Juan Tablada, Rubén M. Campos, Balbino Dávalos, José
J. Othón, Juan de Dios Peza, Ángel M. del Campo, Carlos
Díaz Dufoo; Lic. Jesús Trillo, Dr. Manuel Flores, Victoriano Salado
Álvarez; así como los músicos Ernesto Elorduy, Miguel
Lerdo de Tejada, Ricardo Castro, Gustavo E Campa, Felipe
Villanueva, Vicente Mañas, Pedro Valdés Fraga, José Rivas;
y los pintores Leandro Izaguirre, Germán Gedovius, Joaquín
Clausell, Alberto Fuster, Julio Ruelas, José Jara y Felipe Gutiérrez,
entre otros. La mayoría pertenecían al “Ateneo Mexicano”;
antecedente directo del “Ateneo de la Juventud”, al
que se unieron los nombres de Alfonso Reyes, Antonio Caso,
José Vasconcelos, Efrén Rebolledo, Manuel M. Ponce, Julián
Carrillo, Ramón López Velarde, Mario Talavera, Roberto y J.
de Jesús Núñez Domínguez, Pedro Henríquez Ureña, Manuel
Toussaint, Enrique González Martínez, Carlos González Peña,
Julio Torri, José Natividad Macías, y Agustín Loera y Chávez,
entre muchos más. Verdadera pléyade de hombres ilustres
nacidos en el Siglo XIX cuya obra exalta y ufana a la nación,
aunque luego de la Revolución inexplicablemente intentaran
enterrar el Siglo XIX con todos sus personajes, robándole
identidad al País.
Ahora, la citada casa editorial representaba el máximo
foro cultural y todos los intelectuales mexicanos se reunieron
a su vera. La cúpula dirigente la formaban Enrique
González Martínez, Agustín Loera y Chávez, Antonio Caso,
Julio Torri, Manuel A. Chávez, Ramón López Velarde, Efrén
Rebolledo, Alberto Garduño, Jesús González y Alejandro Qui-
77

jano; todos ellos socios fundadores, accionistas y propietarios.
Dicha Compañía contaba con su propia imprenta y librería,
“Librería Cultura”. Se trataba, pues, de la primera
editora mexicana con grandes objetivos que vino a “redimir
la intelectualidad nacional”. Ya que los libreros existentes,
generalmente extranjeros, sólo vendían libros españoles,
franceses, ingleses etc. Los autores nacionales tenían que
pagar sus ediciones y luego regalar sus libros para ser leídos,
pues ningún librero compraba obras de escritores mexicanos
y en el remoto caso que alguno fuera editado, únicamente
recibía 20 libros como pago luego de ceder todos sus derechos
de autor. Así las cosas, a principios de 1919 los editores
acordaron lanzar una publicación musical titulada “Revista
Musical de México” y para la dirección pensaron en Ponce y
Rubén M. Campos, aunque no fueran socios habida cuenta
su fama y conocimientos de la materia.
Noe Mc Ulpmen.- Así fue que a pesar de no ser propietarios
ni quienes dictaban instrucciones sobre ventas, publicidad,
costo, etc. Ponce y Campos derramaron en ella lo mejor de
sus conocimientos puesto que el formato y artículos publicados
eran de su responsabilidad. De ese modo, con infinita
paciencia escribían, traducían y ensamblaban su material.
Igualmente intercalaron dos secciones de noticias y fue idea
suya publicar una obra musical completa en cada número;
sólo que para evitar problemas por derechos de autor, cuidaron
que tales obras fueran de ellos o de colegas conocidos,
sin ninguna restricción, el mismo Ponce ofreció sus creaciones.
Una de ellas, “Momento Doloroso”, apareció como de
“Noe Mac Ulpmen”, mismo nombre que a partir de entonces
encabezará muchas obras y artículos periodísticos, provocando
“Serias investigaciones” sobre su origen: “Que es
un autor europeo”, “Que un pariente lejano”, “Que su alter
ego”, etc…. La verdad no tiene nada de misterioso, se trata
de una broma del compositor, a las que era muy afecto,
siendo un pseudónimo que usaba cuando creía que ya era
mucho “Ponce” por aquí, “Ponce” por allá y lo formó con las
mismas doce letras de su nombre seleccionadas sin ningún
orden. O sea: Manuel M. Ponce es a Noe Mac Ulpmen, como
Noe Mac Ulpmen es a Manuel M. Ponce.
Espíritus Feroces.- En las páginas de la revista se anunciaban
los principales repertorios de música y el total de academias
particulares y sus directores. Ponce y Campos invitaron a co-
78

laborar a varios de sus colegas mexicanos, cubanos, españoles,
franceses, etc.; pero también aceptaron colaboraciones
de sus discípulos Antonio Gómezanda y Carlos Chávez Ramírez.
Este último, de 20 años de edad, nacido en el barrio de
Popotla del pueblo de Tacuba, nuevamente se acercaba a
su maestro para comenzar con él su actividad periodística,
iniciándola con un artículo que nunca terminó. El primer número
de la revista apareció el 15 de mayo de 1919, después
salió ininterrumpidamente durante doce meses cuando los
editores propietarios suspendieron su aparición. El número
dos de la revista contempló el artículo trunco de Chávez Ramírez,
en donde señalaba:
“Espero que la labor de esta revista nos recuerde la
de Schumann en Leipzig, cuando a pesar de los “Filisteos”,
mostraba las bellezas legítimas y hacía que en cada corazón
hubiera un punto más que brillara con el sol…” El último
párrafo del artículo de Ch. Ramírez condensaba su escrito:
“En resumen: el origen de la música es la angustia del hombre
ante la hostilidad de la naturaleza, por la concepción de
espíritus feroces a los que se opone el encantamiento como
arma a la vez ofensiva y defensiva. (Continuará)”… Y nunca
continuó.
Ponce era hombre con suficiente valor civil para expresar
públicamente su forma de pensar, y en junio de 1919
lanzó a través de la revista un sonoro “Yo acuso” a Venustiano
Carranza, señalando: “En las esferas oficiales se coopera
a esta decadencia suprimiendo instituciones tan importantes
como la Orquesta Sinfónica Nacional, la cual, no obstante la
abnegación de sus miembros que trabajaron sin retribución
alguna durante varios meses, se disgregó al fin”. “El esfuerzo
aislado se pierde en un mar de indiferencia. No hay horizonte.
¿Qué hacer?”… Y mientras en México se atentaba bárbaramente
contra la cultura al eliminar de forma insensible la
OSN, en la ciudad de Los Ángeles, Calif., se daba a conocer
la fundación de una gran orquesta sinfónica: “Con un fondo
de cien mil dólares, y 84 profesores, los cuales tendrán sueldos
bastante elevados para dedicar todo su tiempo a los estudios
de la orquesta”…—Al adentrarse en investigaciones históricas
y encontrar notas como la anterior, comprende uno porqué
(y quiénes fueron los culpables), nuestro país no abandona
aún el subdesarrollo—.
Libre de los trabajos y obligaciones extenuantes con
la OSN, Ponce se aplicó de lleno a su labor literaria y para el
número 3 de la revista ya llevaba ¡ 7 artículos publicados !
79

Campos, más avezado como escritor y periodista, publicaba
un artículo mensual, colaborando con Ponce hasta el número
8, diciembre de 1919, pues fue nombrado Cónsul de México
en Milán, Ita. De esa forma, Ponce continuó solo, publicando
16 artículos propios; de ellos sobresalen su “Iniciativa de un
Congreso Musical” (que finalmente se desarrollará en 1926);
“La Música Después de la Guerra”; “La Música Norteamericana”;
“El Folk-lore Musical Mexicano. Lo que se ha hecho.
Lo que puede efectuarse”, donde resume sus observaciones
sobre el Nacionalismo Musical luego de 9 años de revolución.
México Moderno.- La “Revista Musical de México” fue bien
recibida en los círculos culturales de la capital, pero no llegó
al gran público por ser publicación cien por ciento especializada
y elitista; su costo de 50 centavos era alto, los periódicos
valían menos y por si fuera poco la revista sólo anunciaba
pianos, libros, academias de música e invitaciones a
la ópera. No es de extrañar que luego de doce números los
sagaces propietarios suspendieran el periodo de prueba musical
e iniciaran un nuevo proyecto, que sin hacer de lado
la música abordara diferentes condimentos culturales. Así,
decidieron incorporar la revista a una nueva publicación llamada
“México Moderno” que apareció 60 días después, el 1
de julio de 1920, siendo Manuel M. Ponce nombrado director
de la sección musical pues los editores quedaron sumamente
complacidos de sus escritos culturales, que inclusive
eran solicitados desde países extranjeros; entre otros: “El Arte
Musical en el Mundo”, No.12 del Tomo II. Además, Ponce escribió
para: “Revista de Revistas”, “Universal Ilustrado”, “Arte
y Labor”, “Zig-Zag”, “Arte y Letras”, “Mefistófeles”, “El Nacional”,
“Excélsior” y “El Universal”. Su numen literario brotaba
incontenible, escribió sobre Albéniz, Pedrell, Stravinsky, Ravel,
Medtner, Vivaldi, Wagner, Debussy, Rubinstein, Schoenberg,
Caruso, Felipe Villanueva, Jacobsen, Gustavo E. Campa, Melesio
Morales, Julio Ituarte, José Rolón y Alfredo Carrasco, entre
muchos más.
El Poema Sinfónico.- El 25 de mayo de 1919 una triste noticia
apareció en los diarios de varios países: “Amado Nervo dejó
de existir”. Los buenos amigos, leales en la amistad, derramaron
lágrimas por el hermano desaparecido. Ponce escribió
tres obras con versos del amigo desaparecido: “Comunión”,
“Pasas por el Abismo de mis Tristezas” y “Yo amo a mi Madre”,
para piano y coro escolar; además le dedicó “Interludio Ele-
80

gíaco” para orquesta, que era el “Andante” de su Sinfonía la
cual finalmente no terminó, optando continuar por diferentes
senderos sinfónicos.
A finales del Siglo XIX la forma “Sinfonía” cayó ostensiblemente
en desuso entre los compositores, no siendo practicada
ya en su forma clásica por los autores impresionistas ni
por muchos compositores recientes, quienes decidieron ejercer
formas musicales más versátiles sin apegarse a los rígidos
movimientos y desarrollos inherentes de la sinfonía tradicional.
Tales creadores prefirieron el “Poema Sinfónico” de Franz Liszt,
a las viejas sinfonías de Haydn y Beethoven. Dicha forma musical
tomó preponderancia sobre las otras porque contiene
todas las virtudes orquestales de las grandes sinfonías pero no
sus desventajas, como pueden ser los largos desarrollos. “Desarrollos
parasitarios que con tanta frecuencia afean obras
muy bellas” —escribía Debussy—. El Poema Sinfónico va más
allá de la “Obertura”, “Oratorio” u otra obra musical, pues
igual a la “Rapsodia” nació libre en su construcción, siendo
aceptado tanto por los dilettanti tradicionales como por escuchas
exigentes. Ambos lo recibieron con el mismo gusto
y deleite que proporciona sentirse más cerca de la idea o
intención del compositor.
Por esa razón, el mundo vio surgir los: “Divertimentos”,
“Trozos”, “Bocetos”, “Suites”, “Fantasías”, “Poemas” y “Trípticos”
Sinfónicos. —Ricardo Castro fue el primero en abordar
dicho género musical en nuestro país: En 1885 terminó “Oithona”,
Poema Sinfónico dedicado a su amigo Gustavo E. Campa—.
El “Poema Sinfónico” nació destinado a convertirse en
la forma capital de la música moderna; después, pocos fueron
los compositores que se aferraron a la sinfonía clásica de
antaño. De aquí que Ponce hiciera de lado el proyecto de
la sinfonía buscando inspiración en las veredas del viejo Bosque
de Chapultepec; mientras tanto continuaba trabajando
en la “Sonata Mexicana” para piano, y en otras creaciones.
Recientemente había terminado su cuarto Scherzino para
piano solo, “Scherzino Maya”, y “Canción del Martirio”, para
canto y piano.
Casa Wagner.- Durante el mes de mayo de 1919 la Casa
Wagner y Levien reanudó las exitosas audiciones musicales,
que tan buen recuerdo dejaran entre el público aficionado.
“A petición de nuestros favorecedores” —rezaba la crónica
de “Revista Musical de México”—señalando: “En la Sala
Wagner de esta ciudad se han venido efectuado unos con-
81

ciertos quincenales, bajo la dirección de los maestros José
Rocabruna y Manuel M. Ponce. Por demás interesantes resultan
las audiciones de verdadera divulgación artística (son
gratuitas) habiéndose tocado en ellas obras tan importantes
como la “Gran Sonata en Trío” —desconocida en México—
de Couperin, escrita en honor de Corelli”. En dichas audiciones
volvieron a presentarse los mejores elementos de las
academias musicales de la capital, en tanto los propietarios
de la sala intercalaban música grabada en rollos de papel
con interpretaciones de los grandes pianistas, en una singular
simbiosis musical que tuvo mucho éxito. El 14 de junio se presentó
Ma. Inés González, discípula de Ponce, que ya tenía su
propia academia de piano. La audición del día 28 constituyó
un concierto formal, pues se interpretaron el Cuarteto Opus
16 de Beethoven y la Sonata para violín y piano de Niels W.
Gade. Ponce y Rocabruna eran el alma de las funciones,
pero invitaban a otros colegas para interpretar tríos, cuartetos
y quintetos.
Sin duda, Manuel M. Ponce era músico en el más
amplio sentido de la palabra: Alma, vida y corazón; desde
niño recibió doble formación musical: pianista y compositor,
y aunque no encausara su vida por la vía del concertismo
como Ricardo Castro y Pedro Luis Ogazón, entre otros, jamás
perdió su dominio sobre el teclado de marfil. Como digno
heredero de la técnica de F. Liszt, podía interpretar a primera
vista cualquier partitura musical, algo que muy pocos
instrumentistas pueden lograr; la historia recuerda a Mozart,
Paganini, Liszt, Bussoni y Casals, entre otros. De los mexicanos:
Ricardo Castro, Felipe Villanueva, y Carlos J. Meneses. De ahí
la pasmosa facilidad del creador de “Estrellita” como acompañante
en dúos, tríos, cuartetos o quintetos, sin necesidad
de ensayos previos.
Esa cualidad de virtuoso al piano y compositor, adunada
a su retentiva musical, inspiración y capacidad de improvisar
sobre cualquier tema, permitió a Ponce escribir obras
pianísticas de elevada factura artística; en ese aspecto, cualitativa
y cuantitativamente, el músico zacatecano se ubicó
a la vanguardia de los compositores del continente, de ayer
y de hoy; pues nadie ha escrito tantas obras de calidad superior
para dicho instrumento: mazurcas, rapsodias, sonatinas,
suites, sonatas, fugas, conciertos, etc. Su producción pianística
supera las 230 composiciones; en México sólo Ricardo
Castro se le puede comparar, ya que los dos son muy inspirados.
82

“La obra para piano de Manuel M. Ponce es la aportación
más importante y trascendente que un compositor
mexicano haya hecho a la literatura universal del instrumento.
Tanto por su extensión como por su calidad, su variedad
de formas y estilos, sus hallazgos armónicos y sonoros, la evolución
de su lenguaje a través de las distintas etapas de su
vida, aunado a su profunda preparación, férrea disciplina y
sobre todo a su fecunda inspiración que le da el toque de
genialidad que la distingue.” (Señala Héctor Rojas, notable
pianista mexicano, pedagogo y concertista de Bellas Artes,
que recientemente grabara en 8 discos “CD” la obra pianística
conocida del compositor).
Igor Stravinsky…el pobre.- El mismo número 2 de “Revista
Musical de México” (junio de 1919) publicaba una curiosa
noticia, confirmando plenamente que la existencia humana
es como la rueda de la fortuna: “A veces se está arriba…. A
veces abajo”:
“¡ Un gran compositor se muere de hambre !” Igor
Stravinsky, autor de “Petrushka”, “Nachtigale”, etc. se encuentra
en circunstancias desesperadas, según cable del
Cónsul Americano en Suiza. En Nueva York, se ha formado
un comité para recibir y enviar al pobre artista los donativos
que la generosidad de los músicos y aficionados tenga a bien
allegar. Los cheques pueden ir dirigidos a nombre del Sr. Lavier
y se enviarán a Winslow, Lavier y Co. No.59 Cedar Street.
Nueva York. City”…
Que Stravinsky viviera en París no era de extrañarse,
pues ahí vivían refugiados la mayoría de “Rusos Blancos”,
aquéllos en desacuerdo con la Revolución Socialista, en ese
lugar esperaban la “Inminente caída” de los Bolcheviques…
Finalmente casi todos terminaron lavando trastes en restaurantes
franceses. Al respecto, y con muy buen humor, Ponce
escribió:
“El problema de los compositores: Cargado de dolores
y miseria pasa el compositor de música a través de crónicas
y leyendas. Se ha admitido como un hecho fatal e
irremediable, que el compositor debe ser famélico toda su
vida. Verdi y Rossini —se dice—y algunos modernos compositores
de ópera, son excepciones que confirman la regla; y
aun esos dos maestros afortunados, lucharon con la pobreza
al principio de su carrera. El compositor, a pesar de ejercer
una profesión, no puede vivir de ella; esto nos permite pensar
que la composición musical es la profesión menos productiva
83

y, frecuentemente, la más laboriosa. Wagner trabajó catorce
años en su “Parcifal”; Beethoven meditó largo tiempo su
“Novena Sinfonía”; Debussy consagró varios lustros a su “Peleas”…”
¿Y los resultados pecuniarios? Nulos o poco menos.
Bien, diréis; pero ¿Y la gloria? ¡ Ah, la gloria… casi siempre
póstuma !”.
Temporada de Ópera.- Durante los meses de abril, mayo y
junio de 1919 se presentó en la Ciudad de México la primera
temporada de ópera del año, ofrecida en el Teatro Iris y la
Plaza de Toros.
Ponce publicó:
“Brillantemente se ha iniciado la temporada lírica de
primavera. Un grupo de notables cantantes y un eminente
director —el maestro Polacco— nos ha traído la empresa que
regentea el señor del Rivero.
La función inaugural constituyó el primer triunfo de la
compañía de ópera. Una suntuosa “Aída” nos dio las primicias
de una serie de inolvidables momentos de goce estético.
Rosa Raisa es ya dueña y señora de nuestro público. Con los
infinitos recursos que posee y emplea adecuada y oportunamente;
con una voz cálida de excepcional extensión y bello
timbre; con temperamento artístico de primer orden, esta
eminente cantante arranca de las manos trémulas de emoción
de los espectadores, las más estruendosas ovaciones.
Gabriela Besanzoni se presentó al público mexicano
con la celebrada “Carmen” de Bizet, causando desde el primer
momento excelente impresión. En la “Dalila” de la ópera
de Saint- Saens tuvo oportunidad de lucir, además de su arrogante
figura y una perfecta escuela de canto, su hermosa
voz de contralto y un dominio completo de la escena. Las
amantes del lírico espectáculo, han escuchado por fin, a Titta
Rufo, el artista incomparable cuya voz extraordinaria es única
por su timbre, fuerza y extensión. El magnífico barítono, ya
más aclimatado que en los días en que cantó el “Barbero”,
obtuvo en “Rigoletto” un clamoroso éxito.
El gran director de orquesta Giorgio Polacco atiende
todos los detalles, sugestiona a sus músicos transmitiéndoles
el entusiasmo a los cantantes y su batuta fulgurante como un
pincel milagroso va señalando con vivos colores o con discretos
tonos el claro-oscuro en el soberbio cuadro polifónico”.
84

De “Norma” escribe:
“Fuimos a oír “Norma” atraídos por el prestigio de esa
cantante estupenda que es Rosa Raisa. Fuera de algunas bellas
melodías y el final del último acto, en cuya trama orquestal
e impulso dramático se entrevé al compositor de genio, la
vieja obra de Bellini no nos llega a emocionar profundamente;
la oímos con gusto a veces, a veces con cansancio. Los
coros son francamente tediosos ¡ Cuánto ganaría la obra (y
el público) suprimiéndolos ! En fin, la Raisa y Gabriela Besanzoni
cantan de modo insuperable y, gracias al hechizo de sus
voces, a las excelencias de su interpretación, al entusiasmo
lírico de estas dos notables artistas, la “Norma” ha resucitado
por breves días, pues a buen seguro que ninguna cantante se
atrevería a exhumarla después de Rosa Raisa”.
De “Andrea Chernier”, anota:
“Andrea Chernier” es otra cosa. La música de Giordano
es fuerte y emocionante, además de las situaciones
dramáticas e impregnadas de sabor arcaico y… revolucionario¡
Bien es cierto que adolece de falta de originalidad (el
tema más bello de la obra es, en el fondo, el segundo motivo
del scherzo de la sonata en si bemol menor de Chopin) y de
cierta trivialidad en algunos pasajes rítmicos o armónicos; sin
embargo, la ópera en su totalidad es bella y el público la
escucha siempre con entusiasmo. Del “Amor de los Tres Reyes”
indica: “Se ha dicho que en el “Amor de los Tres Reyes”
Montemezzi sigue de cerca los pasos de Debussy, adoptando
acordes y empleando procedimientos caros al autor de
“Pelleas et Melisande”. Después de escuchar con toda atención
la obra italiana, encontramos que, por el contrario, la
música de Montemezzi puede significar la reacción contra
el debussysmo. En conjunto, la composición de Montemezzi,
aunque modernizada por infinitas modulaciones, novedosas
muchas de ellas, conserva la unidad tonal, es decir, el sentido
de la doble modalidad mayor-menor apartándose por esta
razón de la forma ÁTONA, o sea la ausencia de tonalidad”.
El público aficionado y los artistas participantes leían
con vivo interés las notas de Manuel M. Ponce, debido a la
claridad y equidad de sus juicios fundamentados en amplios
conocimientos e intachable moralidad. El músico mexicano
mostraba una más de sus facetas culturales que lo ubicaban
como modelo de crítico imparcial.
85

Arthur Rubinstein.- Durante el mes de junio de 1919 se presentó
en la Ciudad de México el joven pianista polaco de
30 años de edad, Arthur Rubinstein. La crítica no le auguraba
éxito, pues recientemente había terminado la temporada
de ópera y el público estaba muy gastado. Sólo que todos
estaban equivocados, porque el México de antaño vibraba
con la buena música y los grandes intérpretes. Por ese motivo,
numerosos amantes de la música de piano acudieron
al primer recital y, como sucede cuando reciben más de lo
esperado, regresaron a las siguientes audiciones, que se repitieron
diariamente hasta sumar ¡ 26 ! Nunca se había visto
algo semejante (ni se ha repetido). Ponce, cautivado por el
músico polaco, escribía:
“… Lo más interesante en la serie de recitales de Rubinstein,
radica ciertamente en habernos dado a conocer lo
más notable de la escuela impresionista (Debussy, Ravel, Cyril
Scott, Szymanowski, Medtner, Scriabin, Bascarán; así como los
españoles Albéniz, Granados y De Falla) proporcionándonos
la brillante oportunidad de oír, perfectamente interpretada,
esa extraña música que, buena o mala (este no es el momento
de discutirlo) se va abriendo camino en los programas de
los más eminentes pianistas.
Y el público de México ha comprendido la progresista
tarea del notable pianista polaco y ha aplaudido por igual
la “Aurora” de Beethoven que los “Preludios” de Debussy, ha
gustado tanto de la estupenda “Ondina” de Ravel como los
inmortales “Estudios Sinfónicos” de Schumann… Rubinstein ha
triunfado en México por sus extraordinarios merecimientos. Es
joven y fuerte, posee un gran talento de pianista y una irresistible
emotividad. Nuestro público le admira y le quiere y ha
deshojado las rosas del entusiasmo en su camino de triunfador”.
Rubinstein había triunfado en un México que vivía rara
etapa de paz; pues salvo Villa en el norte, todo era calma
(pocos meses atrás Emiliano Zapata había sido asesinado por
órdenes de Venustiano Carranza). Antes de alejarse de México,
Rubinstein ofreció dos conciertos con orquesta. Ponce
escribió: “Nuestro ilustre huésped el pianista polaco Arturo
Rubinstein, ha obtenido una serie de triunfos en los últimos recitales
que ha organizado. Sin embargo, las dos audiciones
que el notable pianista dio en combinación con la orquesta
(que por cierto no fue la Sinfónica Nacional —aclaración de
Ponce—) dirigida por Julián Carrillo, se vieron poco concurridas.
¿Por qué? Los programas de esos conciertos ofrecían
86

verdaderos atractivos: El Cuarto Concierto de Beethoven; el
Segundo de Tchaikowsky; el Segundo de Chopin y el Tercero
de Saint-Saens. Rubinstein luchó victoriosamente con la orquesta,
la cual, a pesar de los esfuerzos del maestro Carrillo,
no pudo ocultar algunas deficiencias”…
La explicación bien pudiera ser que el recuerdo de
Ponce dirigiendo la OSN vivía aún en la memoria del público;
independientemente de que se habían producido varios
cambios en dicho grupo musical desde que Ponce lo dejara
viniendo ostensiblemente a menos. Los buenos aficionados a
la música saben que no hay cosa más patética que una orquesta
sinfónica desafinada y pobre en elementos. ¡ ES DES-
ESPERANTE !
El día primero de julio Ponce acudió a la ciudad de
Pachuca, Hgo., para un homenaje que le hacía el Instituto
Científico Literario del Estado. El acto se realizó en el Teatro
Bartolomé de Medina, estando la parte musical formada
exclusivamente con obras del compositor, salvo el número
inicial ejecutado por la Banda del Estado. Luego de varios
años Ponce regresaba a “La Bella Airosa”, el programa fue el
siguiente:
La Grotte de Fingal.....................................Mendelssohn.
Obertura por la Banda del Estado.
I.- Preludio y Fuga (Tema de Haendel). Ponce.
II.- Preludio Trágico.
III.- La Hilandera.
IV.- La Vida Sonríe.
V.- Paz de Ocaso.
VI.- Menuetto.
VII.- Plenilunio.
VIII.- Rapsodia Cubana II.
IX.- Dos Canciones Mexicanas.
X.- Preludio Mexicano.
XI.- Balada Mexicana.
La presencia de Ponce y Clema conmocionó a los
pacíficos habitantes de la ciudad minera, quienes se volcaron
en las taquillas agotando las localidades viéndose obligados
los organizadores a repetir el programa tres días después;
lapso aprovechado por el maestro local Angel Badillo, quien
hizo circular copiosas invitaciones entre el público para asistir
a “Una hora de música en honor del maestro Manuel M. Ponce”,
para el 2 de julio a las 11 a.m. en el “Salón Génova” —
87

Señalando: “Música del maestro Ponce. Discípulos de Angel
Badillo”… Ponce y Clema, encantados, asistieron al sorpresivo
concierto. Diez años atrás, cuando luchaba por sobresalir,
el compositor había actuado en la misma ciudad, sólo que
ahora regresaba acompañado de su esposa quien finalmente
cantó cinco de sus canciones. El programa contempló el
estreno de “Menuetto” (última de sus creaciones pianísticas
para dicho género musical), y la “Canción del Martirio”, con
versos del poeta español Francisco Villaespesa, quien visitaba
la Ciudad de los Palacios. A partir de esta obra, dedicada
a Clema, Ponce comenzó a escribir varios “ciclos” de
lieder para canto y piano, con letra de poetas nacionales
y extranjeros; composiciones con estructura más elaborada
que la de una simple canción.
Los poetas que más figuraron en la música de Ponce,
fueron: Luis G. Urbina y Franz Toussaint (5 obras cada uno);
siguieron: José D. Frías, Francisco A. de Icaza y Mariano Brull
(4 ocasiones cada uno). Después figuran: Enrique González
Martínez, Amado Nervo, M. Lermontov y R. Tagore (3 ocasiones
cada uno). Y así, hasta completar 50 flores del ritmo, rima,
métrica y sonoridad, de 23 grandes autores evocados por el
compositor mexicano. El estudio cronológico de estos lieder,
nos permite comulgar y comprender mejor tanto el pensamiento
como las emociones del genio de México.
Sasha Jacobsen.- Cuando Arturo Rubinstein terminó sus actuaciones
en la Ciudad de México partió para Guadalajara,
donde consiguió igual éxito. Después regresó a la Metrópoli y
ofreció una corta temporada a precios bajos en el Cine-Teatro
Granat; funciones dedicadas a la gente de pocos recursos
económicos de la Capital del País que tantas satisfacciones
artísticas le proporcionara. Y puesto que se vivía el “Mes
Patrio”, incluyó tres obras de los máximos compositores para
piano nacidos en México: Ricardo Castro, Felipe Villanueva y
Manuel M. Ponce, bajo el siguiente programa:
I.- Fantasía del Himno Nacional(J. Nuno). Arr. Ricardo Castro.
II.- Vals Poético………………………………………. F. Villanueva.
III.- Balada Mexicana............................................. M. M. Ponce.
Rubinstein, artista de alma grande, encantado hasta
la médula realizaba exageradas genuflexiones reverenciales
y derramaba lágrimas de emoción ante las interminables
aclamaciones del público, a quienes a su vez, en perfecta
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comunión espiritual, les enviaba lluvia de besos… Él mismo
era un espectáculo. El músico polaco cultivó gran amistad
con Ponce y Clema, al grado de que siempre que se presentaba
en la Cd. de México visitaba la casa de “Los Ponce”.
Otro artista de fama mundial que se presentaba entre
nosotros de forma paralela a Rubinstein, era el violinista ruso
Sasha Jacobsen, quien venía acompañado de su pianista
Samuel Chotzinoff. Jacobsen presentó varios conciertos en
el Teatro Arbeu, cautivando al público con su arte excelso;
sólo que cautivado a su vez por la belleza de la “Serenata
Mexicana” de Manuel M. Ponce, en arreglo para violín y piano,
la ofrecía como “Bis” en sus recitales. Los precios de las
funciones variaban desde $1 peso galería hasta $4 pesos luneta
preferente. Cuando el violinista terminó sus presentaciones
en el lujoso teatro del centro de la ciudad también quiso
presentarse ante los humildes de la metrópoli, e igual a Rubinstein
lo hizo en el mismo Cine-Teatro Granat, a precios populares:
Luneta $0.75 centavos; Galería $0.20 centavos. Esta
sala operaba de forma curiosa: de 4 p.m. a 7:30 de la noche,
pasaban la función de cine y después las Audiciones Musicales.
Además (lo mejor): ¡ LA PERMANENCIA ERA VOLUNTARIA
!.... Definitivamente, eran otros tiempos.
El violinista ruso con alma de bolchevique dividió su
programa en tres partes, la tercera formada únicamente con
obras de Manuel M. Ponce:
I.- Scherzo.
II.- Romanzetta.
III.- Serenata Mexicana.
Y como se vivía el “Mes de la Patria” terminaba la
función con el Himno Nacional, alcanzando tal éxito, que las
ovaciones se escuchaban hasta el mismísimo Kremlin, a 15 mil
kilómetros de distancia.
Temporada Caruso.- Poco tiempo después comenzó a circular
la publicidad de la próxima temporada de ópera; los
carteles anunciaban nada menos que al rey de los tenores:
Enrico Caruso. La temporada de otoño de 1919 contemplaba
once funciones: Seis en el Teatro Iris y cinco en la Plaza de
Toros de La Condesa, “El Toreo”. La Compañía Italiana traída
nuevamente por el empresario José del Rivero, la completaban
Gabriella Besanzoni, Ada Navarrete, Betina Freeman, y
María Allemani, bajo la dirección del maestro Genaro Papi.
Al lado de ellos aparecían también nuestros cantantes David
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Silva, Augusto Ordóñez, Ramón Blanchardt y Olestes Decoraba;
además de José Mojica, que debutaba como utilite.
Igualmente, se anunciaba una orquesta de 70 profesores,
cuyo violín concertino sería Pedro Valdés Fraga.
El repertorio fue: “Elixir de Amor”, “Carmen”, “Sansón
y Dalila”, “La Fuerza del Destino”, “Baile de Máscaras”, “Payasos”,
“Aída”, “Marta”; y “Manon” (de Puccini)… Sin duda,
una brillante temporada pero también la más costosa de la
historia siendo muy criticada, pues al no venir toda la Compañía
Italiana se completó con artistas locales. En fin, “Revista
Musical de México” dio a conocer el pago por función al tenor
italiano: ¡ DIEZ MIL DÓLARES !... Un mundo de dinero para
la época.
Crítica, crítico, criterio.- Según el diccionario, “Crítica” es el
arte de juzgar las obras literarias o artísticas; seguramente que
dicha actividad apareció cuando el hombre intentó divertir
a sus congéneres imitando la naturaleza que lo rodeaba o
bien, a sus mismos semejantes. Después, naturalmente surgió
la “Censura”, ejercida por individuos divididos en dos bandos
íntimamente relacionados con la intención y la fe de la rectitud.
La historia registra dos personajes griegos sumamente
allegados al arte de la crítica: “Aristarco” de Samotracia (S.
II A de C.), famoso por la severidad y equidad de sus juicios;
y “Zoilo” (S. IV A. de C.), modelo de crítico de mala fe, venal,
ridículamente célebre por sus censuras injustas a Homero. Se
deduce, pues, que para ejercer la “Crítica” hace falta conocimiento,
juicio y rectitud. Lo anterior, debido a que un periódico
de la capital publicaba una crítica negativa, mordaz,
carente de conocimientos musicales, a la ópera “Sansón y
Dalila”, de C. Saint-Saens, interpretada por Enrico Caruso y
Gabriella Besanzoni. Ponce le replicó en la “Revista Musical
de México”:
“Al Crítico” (¿) musical de uno de nuestros grandes rotativos
se le ocurrió ponerse muy serio al segundo día de la representación
de “Sansón y Dalila” y nos endilgó las siguientes
frases que, si llegan a caer en manos del ilustre Saint-Saens,
el “Pobre Viejecito” seguramente se arrepentirá de haber escrito
su obra maestra. Oigamos al crítico del maestro francés:
“La obra de Saint-Saens, sabiamente escrita, no tiene ni con
mucho el aliento de una verdadera ópera. (El aliento debe
andar muy mal en boca de ciertos críticos trasnochadores)
Salvo en dos o tres ocasiones, la música camina un poco tardamente
(si supieras, ¡oh crítico audaz! que en la partitura
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hay catorce allegros, seguramente no escribiríais disparates)
y rara vez encaja en el marco escénico. (¡Pero Ud. sí se encaja
con el viejo maestro!) En México, sin embargo, se tiene en
gran estima, aunque no cause grandes entusiasmos”. ¿Con
que no causa grandes entusiasmos, eh? ¿Y el lleno formidable
de la otra noche? ¿Y el delirio del público electrizado por
las bellezas del “Dúo de Amor”, del “aprihe foriero”, de los
bailables, de la scena tercera del segundo acto, del maravilloso
coro de mujeres del primer acto “orniamo di mirto” y de
tantas y tantas páginas inmortales de la partitura “Criticada”
¿. Nada, que estos señores críticos son, además de ignorantes,
inoportunos: ¿Qué pensará el Comm. Caruso de la cultura
musical de ciertos Zoilos del periodismo mexicano?”.
La misma revista dirigida por Ponce y Campos, publicaba
una “Receta Infalible” para habilitar rápidamente a un
Crítico Musical:
1.- Elíjase un buen BLUFFEUR (La cultura musical no es necesaria).
2.- Agréguese una libra de pedantería.
3.- Una cucharada de sarcasmo.
4.- Un galón de habilidad para ver cosas que no existen.
5.- Mezclado todo con aceite de media noche y envuelto en
algunos programas selectos, se sirve caliente al público.
Albert Friedenthal.- El mismo año, 1919, Ponce publicó en “El
Universal” un artículo titulado “Canto y Bailes Mexicanos”,
donde entre otras cosas comentaba sobre un libro alemán
de reciente aparición, titulado “Voces de los Pueblos”, escrito
por un musicólogo alemán llamado Albert Friedenthal, que
en 1882 (año en que naciera Ponce) emprendiera largo viaje
de investigación musical a través de los países latinoamericanos,
desde Cuba y México hasta Chile y Argentina. A Ponce
le llamó la atención no tanto los materiales mexicanos recopilados,
pues no ofrecían mayor interés por ser canciones y
danzas ya en desuso (“Habanera Mexicana”, “La Perla de
Mazatlán”, “La pasadita”, etc.). “Únicamente “La Golondrina”
tiene forma de canción mexicana” —anotaba el compositor—.
Lo que más le interesó fueron las doctas opiniones
del investigador sobre la psicología de los indígenas, criollos y
mestizos, que viven sumidos en la soledad del llano o la cordillera.
91

Catedrático y Escritor.- Debido a que se acercaba la fecha
de los exámenes en el Conservatorio Nacional de Música,
Ponce publicó un escrito donde muestra su buen humor, facilidad
de escribir, y la sensibilidad poético-musical de su vida
cotidiana dentro de las aulas y corredores de la Institución
Musical:
“Se nota ya entre los alumnos del Conservatorio la actividad
precursora del periodo de exámenes. Por todas partes,
en el remozado edificio, se escucha el tecleo en los pianos
de estudio que, en pasados tiempos, fueron el orgullo del
señor Bablot y ahora, con todos los achaques de la ancianidad,
sufren aún la torturadora rebeldía de manos inexpertas
que los martirizan con infinitas repeticiones de los ejercicios
de Czerny o de Lebert y Stark. Las cantantes, por su parte,
lanzan a los cuatro vientos sus más “dulces rugidos” recordando
a La Raisa; los violinistas ensayan sus dedos sobre las
cuatro cuerdas paralelas ejecutando los más peligrosos saltos
y dislocaciones, ejercitando el meñique en el difícil equilibrio
de la “séptima posición” tal Robledillo sobre el alambre; algún
cellista busca entre las cuerdas de su instrumento los secretos
del divino Casals; los contrabajos roncan soñando en
la “Tempestad” de la Sinfonía Pastoral y entre esa baraúnda
musical salta, a veces, la fresca nota de un oboe pastoril”.
Ricardo Castro, Felipe Villanueva y Manuel M. Ponce
eran los compositores mexicanos más escuchados en los hogares
y centros de enseñanza musical del Territorio Nacional;
los dos primeros ya desaparecidos aunque su música los inmortalizaba,
en cambio Ponce vivía, era noticia cotidiana y
su música se interpretaba comunmente. Por ende, frecuentemente
recibía homenajes, estuviera o no presente, el último
el 3 de octubre de 1919, organizado por la “Sociedad
Artística Amado Nervo” de la ciudad de Colima, bajo un programa
elaborado exclusivamente con sus obras. Homenaje
realizado a iniciativa del doctor y escritor colimense Miguel
Galindo, autor de “Historia de la Música Mexicana”, quien
además ofreció una interesante conferencia sobre el compositor
mexicano.
Días después un grupo de alumnos del compositor jalisciense
Alfredo Carrasco, celebró un recital en el Repertorio
De la Peña Gil Hnos., donde José C. Ramírez recitó un Quinteto
de Sonetos a Julián Carrillo, Carlos J. Meneses, Ricardo
Castro, Manuel M. Ponce y Carlos Lozano. Por esas mismas
fechas, el inquieto compositor de “Estrellita” recibió en su domicilio
al Sr. Juan Cervantes, director de la “Escuela Nacional
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de Ciegos” de la Cd. de México, quien le suplicó que enseñara
a tocar el piano a los alumnos invidentes de la Escuela.
Ponce aceptó, deseoso de cooperar en tan noble causa,
convirtiéndose así, durante muchos años, en Catedrático de
la Institución.
Días más tarde, el 12 de octubre, Ponce recibió otro
homenaje pero ahora en la Madre Patria, durante un Festival
celebrado en el “Teatro Español de Madrid” con motivo de
la “Fiesta de la Raza”. En esa ocasión la Banda Municipal de
Madrid, dirigida por el maestro español D. Ricardo Villa, ejecutó
la “Rapsodia Mexicana No.2” del compositor zacatecano,
además de la “Fantasía Española” y el “Himno Nacional
de México”. El mismo día, pero en México, el modesto músico
nacionalista participaba en el homenaje al Director de
la Escuela Nacional de Música, profesor Eduardo Gariel, con
motivo de su onomástico, donde como número final se interpretó
el “Trío Romántico” de Manuel M. Ponce, con el autor
al piano, José Rocabruna al violín, y Horacio Avila, al cello.
La Canción de Caruso.- Finalizada la “Temporada Caruso”, el
cantante fue invitado a colocar la primera piedra de lo que
sería el lujoso Teatro-Cine Olimpia, y por la noche participó en
un concierto organizado por el H. Ayuntamiento de la Cd. de
México, “A beneficio de las mejoras materiales de la ciudad”.
Al día siguiente Ponce escribió:
“Canta el gran tenor como el pájaro en el árbol: Sin
esfuerzo ni afectación, llanamente, con facilidad admirable.
Diríase que, más que la tiranía de Metier (del oficio), una secreta
necesidad lo impulsa a derramar generosamente el tesoro
que lleva en su garganta, magnífico exponente de su
arte exquisito. Pero dentro de esa llaneza y de esa facilidad ¡
Qué profundo conocimiento de los recursos vocales y cuánta
sabiduría en el arte de la respiración y del fraseo ! ¿ Y la
voz ? Vibra en el oído con vibraciones de campanita de oro
y produce en el ánimo una honda sensación de dicha, una
inefable quietud espiritual. Es varonil a pesar que la limita la
extensión de la voz de tenor. Y por eso es fascinadora: Porque
aúna a la riqueza de los agudos —que nunca son estridentes—
el color baritonal de las notas centrales y graves. Es
dúctil y se amolda con igual perfección a las TESSITURAS de
tenor lírico o dramático, conservando el bello timbre que la
caracteriza en todos los matices dinámicos, ya sea en la media
voz de la “Furtiva Lágrima” o en la desgarradora súplica
del tercer acto de “Manón” de Puccini”.
93

Posteriormente, el 31 de octubre, se realizó una “Noche
Mexicana” en el Teatro Esperanza Iris, como homenaje y
despedida de los músicos mexicanos al Gran Caruso; fiesta
que resultó tumultuaria pues acudieron todos los elementos
que participaron en la temporada lírica más innumerables invitados,
entre ellos nuestro compositor. La prensa señalaba:
“El programa —una ensalada de arte vernáculo, aderezada
con canciones de Manuel M. Ponce (Estrellita, Aleluya,
Último ensueño, Lejos de ti, Cuiden su vida, y Xochimilco)—
se prolongó hasta la hora de maitines (madrugada). El
Comendador Caruso gozó lo indecible… haciendo caricaturas
de los personajes que tomaron parte en el festival anunciado
como “Noche Mexicana”, la que, según el cronista
de “El Heraldo”, más que mexicana resultó noche Toledana
(cuando no se duerme)”.
Igual que cuando Amado Nervo se presentó por última
vez en público, ninguno de los presentes imaginaba que
no volverían a ver al tenor italiano, ya que pocos meses después,
al cantar “Elixir de Amor” en el Metropolitano de Nueva
York, el rey de los tenores forzará tanto las cuerdas vocales
que, semejante al héroe de “La Canción de Orlando”, se le
reventará una vena de la garganta hiriéndolo de muerte a
los 47 años de edad.
Interludio Elegiaco.- Como ya vimos, los restos mortales de
Amado Nervo llegaron a México en noviembre de 1919, por
ese motivo, y porque el pueblo amaba al poeta nayarita, la
Escuela Nacional de Música y Arte Teatral de la Universidad
Nacional, organizó una velada poético-musical en la ENP,
reuniéndose nuevamente bajo el mismo techo el mundo cultural
y diplomático de la Capital del país. Presidió el evento
D. José N. Macías, Rector de la UNM, y el Lic. Julio Jiménez
Rueda, Director de la Escuela de Arte Teatral. La parte musical
correspondió a la Orquesta Sinfónica, que dirigía Luis G.
Saloma, además de la soprano Ma. Luisa Escobar de Rocabruna,
el violinista José Rocabruna y el pianista Manuel Barajas;
el poeta Jesús Villalpando pronunció la oración fúnebre,
participando también el vate Miguel Othón Robledo y la escritora
Eugenia Torres. Esa noche se interpretó por primera vez
en público el “Interludio Elegiaco” para orquesta, que Ponce
dedicara a su fraternal amigo.
Poco después, en diciembre del mismo año, Ponce
recibió la grata noticia que dos grandes pianistas triunfaban
en el extranjero interpretando obras suyas: En Nueva York, el
94

pianista mexicano Ernesto Berumen obtenía cálidos elogios
de la crítica: “El señor Berumen deleitó al auditorio con su artística
manera de tocar, interpretando entre otras composiciones
la Balada Mexicana de Manuel M. Ponce”—citaba el
Musical Courier” en su edición del día 4—. Mientras, en Buenos
Aires triunfaba Maurice Dumesnil, ejecutando brillantemente
la Primera Rapsodia Cubana de Ponce; la crítica bonaerense
señalaba: “En la tercera parte nos hizo una nueva obra
americana, la Rapsodia Cubana de Manuel M. Ponce, notabilísimo
compositor mejicano, que hace tres o cuatro años
la escribió en La Habana. En esta obra se desarrollan tres temas:
el primero es un Danzón, baile popular de la Perla de
las Antillas. El segundo está basado sobre la composición El
Arroyo que Murmura; y el último; sobre una melodía popular,
La Criolla. Escrita al estilo de Liszt, con pasajes de mucho brillo
y muy hábilmente tratados, deja esta obra la impresión de
un ambiente de poesía, y de languidez y de enervamiento
tropical”. Nueva York, Buenos Aires, La Habana, Madrid, Moscú,
Kiev, París, etc. “Balada Mexicana”, “Estrellita”, “Rapsodia
Mexicana”, “Gavota”, “Rapsodia Cubana”, “Canciones
Mexicanas”, etc… El mundo entero escuchaba música de
Manuel M. Ponce convertido en el compositor de América;
su obra se escuchaba al lado de Ravel, Falla, Granados, Debussy,
Stravinsky, etc.
A principios del mes de enero de 1920 un terremoto
sacudió la ciudad de Jalapa, en el Estado de Veracruz, dejando
650 muertos y una larga estela de horror y destrucción;
al conocerse la noticia el pueblo de México se unió para
mandar ayuda a los damnificados. Ponce y Clema, así como
Eugenia Torres, ahora Directora de la Academia de Arte Dramático,
organizaron rápidamente una función benéfica en
el Teatro Principal de la Cd. de México, participando también
José Rocabruna y su esposa Ma. Luisa Escobar, amén de
los alumnos de la Academia de Arte, quienes presentaron la
comedia “19-20” del escritor José Elizondo. Esa noche, 14 de
enero de 1920, Ponce estrenó su “Gavota et Musetta” para
piano; bella composición en el estilo “barroco-romántico”
que tanto gustaba al compositor, acorde a su concepción
estética de la música. Además, Ponce y Rocabruna ejecutaron
la Sonata para violín y piano de Saint Saens; la función
resultó un rotundo éxito artístico y económico, era lo que se
buscaba.
95

El mismo mes, el H. Ayuntamiento de la Capital patrocinó
un concierto en el Teatro Ideal, “a beneficio de las obras
de la ciudad”, con el “Cuarteto Zimmer”, de origen belga,
que terminaba exitosa temporada de presentaciones en el
Anfiteatro de la Preparatoria, bajo el siguiente programa:
I.- Cuarteto en mi bemol. . . . . . .Julián Carrillo.
II.- Trío en si menor (Romántico). .Manuel M. Ponce.
III.- Cuarteto en Sol mayor. . . . . . .L. van Beethoven.
Al día siguiente la prensa señalaba:
“… Tenemos que agradecer a los miembros del Cuarteto
Zimmer un postrer homenaje de simpatía que han querido
tributar a México… El Trío de Ponce está considerado
como la más esplendorosa obra de música de cámara que
en México se haya producido. A su belleza de forma reúne
una fuerza de inspiración incomparable. Toda el alma del admirable
orfebre que ha engastado en oro las más hermosas
melodías populares de México está ahí. ¡ Y lo que nos sorprende
es la honda comprensión con que los artistas belgas han
interpretado esa página ! Uno a uno, los cuatro tiempos de la
obra de Ponce fueron otros tantos ejemplos de ejecución límpida
y de sentimiento generoso y profundo. Tiene el Cuarteto
de Carrillo una sólida construcción. Severo, más que efusivo,
los tiempos desarróllanse en una lógica concatenación y con
una energía de estilo en verdad relevante. El Cuarteto Zimmer
hubo de consagrar a esta obra toda su atención sabia y
su arte magnífico”.
Igualmente, Ponce incrementaba sus creaciones
para música de cámara: a su “Trío romántico”, sumaba “Andante”,
para tres violines y piano, compuesto en Alemania en
1906; “Canto de las Hadas”, cuarteto con piano terminado
en 1917; “En Tiempos del Chotís”, cuarteto con piano; “Gavota”,
para trío o cuarteto de cuerdas; además de sus obras
para violín y piano escritas en Europa; y “Andante”, su primera
creación para cuarteto de cuerdas, escrito en Aguascalientes
en 1902.
Facultad de Música de la Universidad Nacional”.- La “Universidad
Nacional” se fundó por Decreto Presidencial de Porfirio
Díaz en mayo de 1910, integrando la Escuela Nacional Preparatoria
(establecida desde 1867 por Decreto Presidencial
de Benito Juárez), con varias escuelas de estudios superiores
96

que ya existían: Medicina, Ingeniería, Jurisprudencia, etc. La
“Secretaría de Estado y del Despacho de Instrucción Pública
y Bellas Artes”, bajo la dirección de Justo Sierra, manejaba la
máxima casa de estudios a través del “Departamento Universitario
y de Bellas Artes”. En 1917 el Rector de la Universidad
era el Lic. José Natividad Macías; la “Dirección General de las
Bellas Artes” estaba a cargo del Lic. Luis Manuel Rojas, y a ella
pertenecía la “Escuela Nacional de Música y Arte Teatral”,
aunque operaban de forma separada: “Escuela Nacional
de Música” (ENM), y “Escuela de Arte Teatral”… Tal lío burocrático
se resolverá en 1929, cuando la “Universidad Nacional”
conquiste su autonomía transformándose en “UNAM”.
Es entonces que se funda la que hoy es la Escuela Nacional
de Música de la UNAM (7 de octubre), misma que intentará
convertirse en “Facultad de Música” pero, por alguna razón
continuó llamándose “Escuela Nacional de Música”; de la
que Ponce fuera nombrado profesor cuando aún radicaba
en Cuba.
1.-Oficio No.5595, Mesa 1/a.- “Al C. Manuel M. Ponce:
La Dirección General de las Bellas Artes, ha tenido a bien
conceder a usted licencia sin goce de sueldo para separarse
del cargo de Profesor de Piano en la Escuela Nacional de Música
y Arte Teatral, a partir del 21 del presente. Lo comunico a
usted para su conocimiento y fines consiguientes.
CONSTITUCIÓN Y REFORMAS. México, marzo 22 de 1917.
EL DIRECTOR GENERAL (Firma)”.
2.- Oficio No.7219, Mesa 1/a.- “Al C. MANUEL M. PONCE:
LA DIRECCIÓN GENERAL DE LAS BELLAS ARTES, ha tenido a
bien conceder a usted licencia sin goce de sueldo, a partir
del 1º. De este mes, para continuar separado del cargo de
Profesor de Piano en la Escuela Nacional de Música y Arte
Teatral, entretanto regresa del extranjero. Lo comunico a usted
para su conocimiento y fines consiguientes.
CONSTITUCIÓN Y REFORMAS. México 14 de mayo de 1917.
EL DIRECTOR GENERAL (Firma)”.
Durante el mes de febrero de 1920, la “Revista Musical
de México” daba a conocer una entrevista realizada en Madrid
a Arthur Rubinstein; en ella le preguntaban: ¿ Ante qué
público del mundo prefiere tocar ? El músico polaco contestó:
“Últimamente me decido por el mejicano.
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¡ Cómo bebe la música ese pueblo ! ¡ Qué enormidad !”
Más adelante, la revista publica el plan de estudios de
lo que sería la “Facultad de Música” de la Universidad Nacional,
en donde se realizarán estudios de instrumentos, canto,
conjuntos vocales e instrumentales y composición musical.
Los estudios de Composición Musical comprenden: Armonía
y Melodía, Composición en pequeñas formas, Contrapunto y
Fuga, Instrumentación, Composición en las grandes formas.
Los cursos principales se dividen en tres grados:
Elemental Medio Superior
Años Años Años
Arpa 3 3 2
Violín 3 3 3
Viola 2 2 2
Violoncello 3 3 2
Contrabajo 3 3 2
Flauta 2 3 2
Instrumentos de caña sencilla 2 3 2
Instrumentos de caña doble 2 3 2
Instrumentos de boquilla circular 2 2 1
Piano 3 5 3
Órgano 1 2 2
Canto 2 3 2
Composición 3 3 3
“Los alumnos que no aprueben sus respectivos grados
en los tiempos establecidos, no podrán continuar estudiando
en la Facultad”. México 3 de diciembre de 1919”.
Nuevamente “Estrellita”.- A principios del mes de marzo de
1920, “El Universal” publicaba, desde su corresponsalía en
Nueva York (165 Broadway): “DOS ENORMES TRIUNFOS DE LA
MÚSICA MEXICANA EN NUEVA YORK:
a) “New York, marzo 5.- La música mexicana alcanzó
un formidable triunfo en los Estados Unidos anoche, cuando
los Coros Ucranianos se presentaron en el “Hipódromo”
(enorme sala de conciertos de la Urbe de Hierro), y cantaron
las canciones mexicanas “Estrellita” y la “Paloma Blanca”. El
enorme gentío que llenaba el Hipódromo se puso de pie y
delirante de entusiasmo ovacionó a los artistas, obligándolos
a que repitieran tan bellas composiciones”.
98

) “Esta noche un grupo de artistas mexicanos fueron
escuchados por medio de la telefonía inalámbrica en toda
la Unión Americana. No menos de cinco millones de almas
disfrutaron del interesante concierto. Mientras se desarrollaba
el programa, en esta ciudad eran recibidos muchos telefonemas
felicitando a los artistas mexicanos, por su singular éxito.
La premura del tiempo impide dar amplios detalles de este
magnífico acontecimiento que merece grandes comentarios”.
Ponce y Lerdo de Tejada (autor de “Paloma Blanca”)
volvían a conquistar el favor del público del país de las barras
y las estrellas, pero ahora a través de la radiodifusión descubierta
por G. Marconi. Desde su aparición en 1914, la “Estrellita”
de Manuel M. Ponce había alcanzado enorme popularidad
y no declinaba con el paso de los años, al contrario:
Cuanto más se escuchaba mayor era su aceptación.
“¡ MANUEL M. PONCE EN UN FUMADERO DE OPIO !”
—publicaba escandalosamente a ocho columnas sobre una
gran fotografía del compositor mexicano, un diario de la Cd.
de México—. Más adelante aclaraba: “¡ Su música !”... Seguramente
que los chinitos de la nota escandalosa se relajaban
más en sus viajes siderales cuando escuchaban la “Estrellita”
de Ponce, pues ni las manos metieron cuando la policía los
subió a las “julias”(vehículos blindados para trasladar detenidos).
Sólo eso le faltaba a Ponce, que ya era interpretado en
salas de concierto, al aire libre y a través de la radio.
99

100

CAPÍTULO IV
Sic Transit Gloria Mundi (3).- En 1920, la lucha electoral por el
poder político y económico del país estaba en su apogeo
causando honda inquietud entre la población, pues amenazaba
reiniciar la lucha armada entre seguidores de Carranza,
Obregón y P. González, pues era evidente la intención de
Carranza de continuar gobernando a través de un candidato
impopular: El Ing. J. Bonillas. En esos días se escuchaba mucho
la canción “Cuando escuches este vals” del compositor
Angel Garrido, uno de sus versos dice: “Cómo quieres ángel
mío que te olvide si eres mi ilusión, si mi vida sólo es tuya y
tuyo es mi corazón”. El pueblo, sarcástico con políticos poco
gratos, le añadía: “Cómo quieres Venustiano que se acabe
la Revolución, si en Sonora y en Coahuila no te quieren por
ladrón”.
Así las cosas populares, sorpresivamente se dieron dos
sucesos en clara oposición a las intenciones de Carranza: el
22 de abril hizo erupción el volcán Popocatépetl, arrojando
vapor y cenizas; la tierra se cimbró y al día siguiente Plutarco
Elías Calles, al frente de numerosos generales, lanzó desde
Sonora el “Plan de Agua Prieta” desconociendo la autoridad
presidencial… ¿Consecuencia inmediata?:
¡El gobierno de Carranza se desgaja dramáticamente!
28 días después, el 20 de mayo, luego de espectacular persecución,
el presidente muere asesinado en un caserío perdido
en la sierra de Puebla, a donde llegó huyendo a caballo
bajo fuerte aguacero llevando, a lomo de mula, el oro y los
dineros del gobierno a su cargo, última posesión que cuidaba
celosamente del largo convoy de trenes y tropas con que
abandonara la Cd. de México con rumbo a la costa de Veracruz.
“La Mort”.- Ponce reapareció en público, acompañado de
Clema, el sábado 26 de junio de 1920 durante la ceremonia
efectuada por el Departamento de Salubridad en memoria
del Dr. Eduardo Liceaga, fallecido el pasado 13 de enero.
“Ponce y su distinguida señora, doña Clementine M. de Pon-
101

ce, cubrieron el programa musical. Su “Canto Elegiaco” tiene
exquisiteces que se saborean con deleite, su “Gavota et
Musette” y “La Mort” sorprendieron a los concurrentes que no
obstante la severidad de la ceremonia, no pudieron menos
que aplaudir con frenesí al autor y al ejecutante, que eran la
misma persona. Especialmente fue aplaudido el canto a “La
Muerte”, acompañdo al piano por el maestro y cantado sentimental
y magistralmente por su bella compañera, la señora
Ponce. Tres partes comprende por decirlo así este número, la
terminación del día, la llegada de la muerte, y su alejamiento
después de cumplida su misión… Los aplausos a la señora
Ponce fueron nutridos, espontáneos y ante todo, justos” —señalaba
“Excélsior” al día siguiente—.
“La Mort”, con versos del poeta hindú Rabindranath
Tagore, Premio Nobel de Literatura en 1913, fue escrita para
la tesitura de mezzosoprano de Clema y pronto se convirtió
en uno de sus lieder más interpretados, debido a la belleza armónica
y mesura resultante con que el compositor arropó los
versos del poeta hindú. El maestro mexicano vivía una época
de transición hacia el modernismo, sin abandonar por ello su
bien definido propósito nacionalista.
Segunda y Tercera Sonatas para Piano.- En 1920 Ponce concluyó
otra sonata para piano solo, “Sonata II”, obra de esencia
nacionalista construida sobre dos cantos folclóricos del
Siglo XIX: “El Sombrero Ancho” y “Pica Perico”. La primera
canta:
Me gustan el pan y el queso
porque saben bien en rancho;
pero más me gusta un beso
debajo de un sombrero ancho.
El segundo canto dice:
Isabel, tu periquito me quiere llevar al río,
y yo le digo que no porque me muero de frío.
Pica, pica, pica, perico. Pica, pica, pica, la rosa.
Coplas populares picarescas, producto de la estética
lírica de la unión de dos razas. En dicha sonata el compositor
sumerge al escucha en una alegre atmósfera rebosante
de color local, confeti y serpentinas; llamando la atención el
original choque de acordes impresionistas que no obstante
estallar en el aire como fuegos artificiales, no desentonan al
caer en arco iris de bellas tonalidades luego de atravesar el
prisma musical del compositor. Esta “Sonata II”, constituye la
102

última obra para piano solo en la que Manuel M. Ponce hace
derroche de grandes recursos virtuosísticos al estilo de Franz
Liszt, representando un verdadero milagro de inspiración que
le permitió tramontar a la vez de un estilo romántico antiguo
a un lenguaje musical moderno, añadiendo sorprendentes
combinaciones de ritmos precolombinos con acordes de sonidos
disonantes, a la Honegger y B. Bartok, de moda en todo
el planeta.
Solamente que si hacemos caso a Salvador Ordóñez
Ochoa, uno de sus primeros discípulos de piano, concertista
de altos vuelos con estudios en Alemania, y notable pedagogo
que llegará a la Dirección del Conservatorio Nacional de
Música, entonces el compositor zacatecano ya había terminado
otra sonata para piano solo, llamada “Sonata Mexicana”;
Ordóñez se refiere a ella en un escrito publicado en la
ciudad de Puebla en mayo de 1920, textualmente dice:
“… En Venecia compuso su obra maestra, según
Campa, el admirable “Trío”. En Alemania escribió su Konzert
para piano y orquesta, obra de enorme dificultad pianística
y de una instrumentación muy original. Ya en esta obra se ve
en Ponce, la influencia de procedimientos armónicos de la
nueva escuela que había al fin de llevarle al “Scherzo” a la
Debussy y a la “Sonata Mexicana” dedicada a Arturo Rubinstein”.
Descubrimiento sorprendente para ubicar mejor el
catálogo de obras del compositor, porque eleva a tres sus
sonatas escritas para piano. De las tres sonatas sólo subsiste
completa la “Sonata II”; de las otras, la No.1 permanece perdida,
aunque encontramos un manuscrito de cuatro páginas
del primer movimiento. De la “Sonata Mexicana” nombrada
por Ordóñez, sólo encontramos dos páginas manuscritas del
“Andantino” (Atardecer en el Valle), aunque su paradero se
desconoce no siendo aventurado suponer que el manuscrito
completo fuese obsequiado a Rubinstein cuando estuvo en
México en 1919, en ese caso habría que hurgar en los archivos
musicales del pianista polaco.
También conservamos un programa que el maestro
Ponce elaboró de puño y letra para un recital de piano, donde
aparece en primer lugar la citada “Sonata Mexicana”,
con cuatro movimientos: Allegro, Andantino, Scherzo, y Allegro.
—Al respecto, recientemente Carlos Vázquez nos prestó
unos discos antiguos, de 78 rpm. —¡Terriblemente maltratados!—,
con supuestas grabaciones de obras para piano del
103

compositor ejecutadas por él mismo; entre otras: Concierto
para piano, con la Orquesta Sinfónica de México dirigida por
Carlos Chávez; y dos movimientos (segundo y tercero) de su
Sonata No. 1 para piano. Y no obstante lo maltratado de los
discos logramos hacer audibles algunas piezas, entre ellas:
Mazurca No. 7, y los movimientos 2° y 3° de la Sonata No. 1.
De ese modo, en 2007 le entregamos un cassette con dichas
grabaciones a Carlos Vázquez, además de copia de las 4 páginas
manuscritas del primer movimiento de la sonata, para
que intentara completar y reconstruir la primer sonata para
piano de su Maestro, habida cuenta que el tercer movimiento
de dicha sonata existe con el nombre: “2º Capricho” (pieza
escrita en Alemania en 1906). Por ende, para reconstruir
la sonata, Carlos tendría primero que completar la partitura
escrita del 1er. movimiento de acuerdo a las cuatro páginas
manuscritas, y después transcribir las notas musicales grabadas
del segundo. Labor verdaderamente ¡T i t a n i c a!...
Carlos aceptó el reto más importante de su vida, emprendió
la tarea y luego de varios meses de trabajo, entre recaidas
por enfermedad y visitas a diferentes hospitales debido a
una neumonía primero y luego por causas diversas, escribió
11 páginass de su inspiración para completar el primer movimiento
y después transcribió (¡de puro oído, nota por nota!) el
segundo movimiento de la sonata. De esa forma, con el “2º.
Capricho” completó la obra de piano de su maestro perdida
por docenas de años. Y pronto, a sus 90 años de edad (en
2011), si su salud lo permite la estrenará en público. Y… sí;
finalmente, Carlos la ejecutó en una histórica gira de despedida
de 4 conciertos en la Cd. de México; el último de ellos
en la sala Xochipilli de la Escuela Nacional de Música de la
UNAM, el 16 de octubre de 2011. Tal es la historia real de esa
Sonata No. 1 para piano, la primera escrita en México. —.
Salvador Ordóñez estaba seguro de lo que afirmaba pues,
como discípulo agradecido, siempre permaneció cerca de
su maestro llegando a considerarlo un segundo padre. ¿ De
qué otra forma se explica el final de su artículo citado ?:
“… La obra completa de Ponce no está aun catalogada.
Posee una tal facilidad de improvisación que, nosotros,
sus discípulos, muchas veces le hemos oído improvisar horas
y más horas seguidas, considerando que tal vez sus mejores
momentos de inspiración no han sido transportados al papel.
Mi más grande admiración al artista que sin saberlo, siguió
siempre el lema de Nervo: “Siembra por donde quiera afectos
y cariño…” ¡ Mi más grande admiración al artista que,
104

cuando a él acudimos en busca de consejo para mitigar los
golpes de la envidia y la ingratitud, nos contestaba con su
lema: “Devolved el bien al que os haga mal”.
Julián Carrillo.-A partir de Adolfo de la Huerta, sucesor de
Venustiano Carranza, el país retomó el sendero perdido. La
actividad creativa se daba en todos los ámbitos nacionales
y la música no era la excepción; de ese modo, por iniciativa
de José Vasconcelos se reorganizó la Orquesta Sinfónica
Nacional, asignándole presupuesto suficiente para contratar
los mejores profesores de la ciudad quedando nuevamente
bajo la Dirección de Julián Carrillo, quien prometió desarrollar
su mejor esfuerzo para interpretar las más bellas creaciones
de los compositores nacionales. Carrillo poseía profundos estudios
musicales, amaba las buenas creaciones líricas pero
era enemigo de la mediocridad. Su carácter bondadoso y
modesto lo hacía amigo de todos, no obstante, era hombre
tenaz y de firmes convicciones. El público comprendió el
cambio operado en el conjunto sinfónico nacional y regresó
a las salas de conciertos, de esta manera la OSN nuevamente
actuó ante sala llena.
Durante las Fiestas Patrias de 1920, la Orquesta Sinfónica
Nacional ofreció una función patrocinada por la Universidad
Nacional, en la que por segunda vez en la Cd. de
México se interpretaba un programa sinfónico formado exclusivamente
con obras de autores nacionales (En 1912, Ponce
había ejecutado en el Teatro Arbeu un programa formado
con sus propias creaciones). En esta ocasión el programa
fue:
I.- Los Naranjos, Suite Sinfónica
J. Carrillo.
II.- Matilde, preludio de la ópera. “
III.- Matilde, arias para soprano y tenor. “
soprano: Clara Elena Sánchez.
tenor: E. Serna.
IV.- Concierto para piano.
M. M. Ponce
pianista: Salvador Ordóñez Ochoa.
V.- Miniaturas.
G. E. Campa
Variaciones “
Minueto. “
Orquesta Sinfónica Nacional,
Director: Julián Carrillo.
105

La prensa se volcó en elogios, “Excélsior” anotaba:
“… Julián Carrillo, el actual connotado maestro y antes
el distinguidísimo alumno del Conservatorio de Leipzig, en
donde obtuvo los mejores premios, es ya muy conocido como
director de orquesta y como solista en el difícil instrumento de
Paganini, pero son pocos los escogidos que lo han aplaudido
como compositor, y como compositor de altos vuelos como
lo es efectivamente. Ayer pudimos escuchar con fervor casi
religioso, la suite titulada “Los Naranjos” de Carrillo, y varios
trozos de su ópera “Matilde”. En todos esos números se nota
a primera vista la maestría de Carrillo al dirigir, la energía de
su batuta, su facilidad para interpretar todos los pasajes tal y
como él los pensó, y la magnífica instrumentación de sus piezas.
En el “Andante” y “La fuga doble” de “Los Naranjos”, el
público llegó al entusiasmo.
Hubo un número que merece citarse especialmente.
El concierto para piano y orquesta del maestro Ponce. En
este concierto tomó parte como solista el virtuoso Salvador
Ordóñez Ochoa, que obtuvo un éxito fenomenal. Ordóñez
tiene verdadera devoción por Manuel M. Ponce; es uno de
sus más entusiastas admiradores y, por lo tanto, para los que
conocemos esos detalles, nada extraño fue que pusiera toda
su alma y todo su temperamento de artista para interpretar
la obra del maestro, que no obstante que no llega a la vejez,
lo es ya de varias generaciones de músicos y de músicos buenos.
Los aplausos al terminar esta bella página musical llegaron
al frenesí. Músicos extranjeros de muy buena reputación
que estaban presentes no escatimaron sus manifestaciones
de entusiasmo. Diremos para terminar que las miniaturas del
maestro Campa fueron muy bien recibidas. Las Variaciones
y el Minueto son de las páginas musicales destinadas a vivir
siempre; hay pasajes bellísimos, los temas son inspirados y su
desarrollo muy bien llevado. En resumen, el concierto de música
sinfónica nacional fue un completo éxito, y ojalá no sea
el último que oigamos”.
Mimetismo musical.- El último renglón de la crónica elevaba
una plegaria: “Ojalá” (quiera Dios); pues durante el gobierno
de Díaz se magnificó lo europeo en detrimento de lo propio.
Sin embargo, para 1920 la música sinfónica y la ópera
nacional habían logrado niveles sorprendentes, cualitativa y
cuantitativamente. “En el orden musical, nuestra superioridad
sobre el norte (Estados Unidos de Norteamérica) se manifiesta
todavía más evidente que en la pintura. México puede opo-
106

ner a la gran orquesta bostoniana de alemanes una sinfónica
más modesta, pero constituida exclusivamente por nacionales:
indios puros, mestizos y criollos” —señalaba José Vasconcelos—,
asegurando que la tradición de la ópera mexicana
superaba la de Boston(4). Y bien sabía Vasconcelos lo que
afirmaba en el renglón de la !sorprendente! Ópera Nacional
del México independiente:
Cenobio Paniagua escribió: Catalina de Guiza, El
Paria, y Pietro d’Albano; Miguel Meneses: Agorante, Rey de
Nubia, Luisa Lavaliere, Hada del Lago, y Atala; Aniceto Ortega:
Cuauhtemotzin; Melesio Morales: Ildegonda, Gino Corsini,
Cleopatra, Anita, La Tempestad, Romeo y Julieta, El Judio
Errante, y Carlo Magno; Felipe Villanueva: Keofar; Ernesto
Elorduy: Zulema; Gustavo E. Campa: El Rey Poeta, y Graziella;
Ricardo Castro: Atzimba, La Leyenda de Rudel, Satán vencido,
La Rousalka; Rafael J. Tello: Nicolás Bravo, Dos Amores, y El
Oidor; Julián Carrillo: Matilde; Arnulfo Miramontes: Anáhuac;
José F. Vázquez: Citlali, Los Mineros, El Mandarín, El Rahajá,
El Último Sueño, y Monavana; Alejandro Cuevas: Morgana;
Julio Morales: Colón; Manuel Paniagua: Judith, y Fidanzata
Corsa; Miguel Planas: Don Quijote; Ramón Vega: Adela de
Comingio; y etc.
Autores como C. Paniagua, Luis Baca, M. Meneses, A.
Ortega, Tomás León, Julio Ituarte, Guadalupe Olmedo y M.
Morales, entre otros, representantes del más lejano pasado
musical del México Independiente; hasta Ricardo Castro, F.
Villanueva, J. Hernández Acevedo, G. E. Campa, J. Carrillo,
Rafael J. Tello, José F. Vázquez y Manuel M. Ponce; además
de E. Elorduy, José Rolón, Estanislao Mejía, A. Miramontes,
Alfredo Carrasco, José Pomar, Lerdo de Tejada, Alberto M.
Alvarado, y Juventino Rosas, eran dueños de abundante
creación musical suficiente para completar varios conciertos
sin repetir una sola obra. La música clásica hecha por
mexicanos existía pero no se interpretaba; Ponce era el único
que se escuchaba regularmente debido a su energía creadora
nacionalista que impulsaba el ambiente musical de su
patria, los demás compositores veían cómo se acumulaba el
polvo sobre sus partituras. Cuando Ponce dirigió la Orquesta
Sinfónica Nacional hizo lo que pudo contra viento, marea
y Carranza. Ahora, era justo que Carrillo desempolvara esas
viejas partituras dándolas a conocer acorde a la nueva era
nacionalista.
107

De cualquier forma, parecía que la música de esos
grandes compositores formados antes y durante el porfiriato
pasaría al olvido estigmatizados por la época que les tocó vivir;
y, pese a ello, los músicos más sobresalientes de la siguiente
generación, decididos impulsores del nacionalismo musical:
Huízar, Chávez, Revueltas, y otros, abrevarán de ellos sus
conocimientos:
C. Chávez, de Manuel M. Ponce, con quien estudió
de 1911 a 1915; S. Revueltas, estudió en el Conservatorio Nacional
desde 1913 hasta 1917, con J. Rocabruna y R. J. Tello,
entre otros; C. Huízar estudió en el Conservatorio, con Campa,
Tello y E. Mejía, entre otros, desde 1918 hasta 1924.
Al principio, los tres compositores recorrerán la ruta musical
trazada por sus mentores, a quienes admiraban; después, seguirán
su propio camino.
Calaveras de 1920.- En esta ocasión las tradicionales “Calaveras
del día de muertos” fueron esperadas con mucha expectación.
Los epigramistas se dieron gusto y nadie censuró
sus señalamientos sarcásticos. Sobre Ponce, escribieron:
En este agujero
de cipreses rodeado
duerme en paz
un celebrado cancionero.
La música nacional
le debe su aristocracia;
por eso nació un nopal,
cuyo símbolo de gracia,
junto al lecho sepulcral
donde por siempre durmiera
esta célebre lumbrera musical.
“A la orilla de un palmar”
“si alguna vez” a llorar
quisieras ir, bella Hurí
ven a esta fosa, que aquí
también han nacido palmas.
Si tienes “Marchita el alma”
y “Sueña tu mente loca”
“todo pasó”… pon tu boca
sobre la cruz y medita,
108

que desde el lejano cielo
te inundará de consuelo
con su fulgor la “Estrellita”.
Y si lo quisiste “Un poco”
aunque tu amor no sea loco,
una gota de cristal
como una nota musical
deja aquí en el agujero
donde duerme
el cancionero nacional.
Eso es todo.- En 1920 Ponce era el músico más solicitado por
los periodistas, debido a que el público leía con avidez cualquier
cosa referente al compositor; una revista informaba:
“A sus incontables composiciones para piano, ahora
Ponce está sumando un acervo digno de toda estimación:
Un Tríptico Sinfónico que nos pinta el Bosque de Chapultepec
en la alborada, en la hora del paseo y en la noche de plenilunio”.
Otro reportero, de la revista “Zig-Zag”, le hizo tres preguntas:
“¿ Qué prefiere usted de su obra y cómo la escribió?
¿Cuál ha sido su mayor emoción durante su carrera? Y ¿Cuál
es su obra más conocida y cómo y cuándo la hizo?” Ponce
contestó:
“… Diré que lo que considero más “Reussie” (mejor logrado)
es la “Balada Mexicana”, que está construida sobre
una melodía popular. Algunos artistas eminentes, como Casals,
Rocabruna, como otros que no recuerdo, opinan que mi
“Trío” es lo más digno de elogio… pero yo prefiero la Balada.
No hablo de mis últimas obras, que aun no son conocidas,
como la “Sinfonía”, cuyo andante es el “Interludio Elegiaco”
que acaba usted de oír, ni de mi “Tríptico Chapultepec”…
“Las Rapsodias Mexicanas”, que son acaso las que me han
dado más popularidad, como las canciones. Las empecé a
escribir en 1911. La primera la oyó el presidente Madero. Lo
recuerdo muy bien. Yo me puse a hacer lo que habían hecho
en otros países artistas como Grieg, Mendelssohn, Chopin y el
mismo Beethoven. Usted puede recordar como trabajo esas
rapsodias. Después de las clases, cuando por las noches me
sobraba tiempo para dedicarlo a mi labor puramente personal,
me encerraba en mi recámara y me ponía a escribir.
Muchas veces terminé un tiempo e inicié un final cuando ya
era de día. Solo, en mi habitación de soltero, gozaba yo más
escribiendo que durante los conciertos, que durante las cla-
109

ses, en que veía yo que mi lección había sido comprendida
por el discípulo…”
“Mi más intensa emoción artística la experimenté
cuando fui presentado por mi maestro Krauze en la “Beethoven-Sale”
de Berlín. Es una de las primeras de Alemania, y sentí
que no iba a poder realizar lo que yo me proponía ante ese
gran público imponente… pero, finalmente, no tuve ningún
contratiempo… Después, ya pasados muchos años, cuando
Francisco Villa entró en Columbus, yo preparaba un concierto
en Nueva York. Todos los amigos me aconsejaban que suspendiera
la audición; pero yo no varié mi propósito, di el concierto
y también conseguí el aplauso. Uno de los principales
periódicos hizo broma sobre mi presentación ante el público
neoyorkino, decía que mientras Villa invadía Columbus, yo invadía
Nueva York, y que disparaba los primeros tiros desde la
sala de la “Eolian”… En el fondo yo me sentí muy contento
de no haber fracasado en tan peligrosas circunstancias… Me
sorprende ahora la tendencia que se me ha despertado hacia
lo descriptivo caricaturesco. En la “Estampa Broadway”,
por ejemplo, he tenido algo como el tipo de lo que ahora me
cautiva.
Con la juventud, tal vez, se me está acabando aquel
romanticismo de otros días. Ni lo lamento, ni alabo esta nueva
vena en mi temperamento… Para el porvenir no tengo
otro proyecto que el de seguir escribiendo música, procurando
ir dentro de las orientaciones modernas. Pero esto no
quiere decir que yo quiera lanzarme a la imitación de los últimos
maestros franceses como Ravel, Satie, o como los de
otros países, que se han distinguido por la avanzada técnica
en los procedimientos armónicos. Quiero seguir, como decía
con frecuencia Luis G. Urbina, “Labrando mi suerte…” Eso es
todo”.
En la entrevista, Ponce habló de la “Estampa Broadway”,
obra reciente para piano solo que formaba parte de
un ambicioso proyecto de ocho partes denominado “Evocaciones”:
“Alhambra”, “Venecia”, “Versalles”, “Viena”, “El
alba sobre el Rhin”, “Broadway”, “Habana” (5), y una más
cuyo nombre se desconoce, pudiera ser “Xochimilco”, estrenada
el 6 enero de 1915 en el “Restaurant Chapultepec” de
la Cd. de México, con el nombre “Barcarola Mexicana”.
El Cancionero Popular.- Las presentaciones públicas de Manuel
M. Ponce habían disminuido desde que dejara la Orquesta
Sinfónica Nacional, pero su actividad creativa no; al
110

especto, la Revista Zig-Zag publicó: “Parece que el camino
del concertismo no lo ha vuelto a convencer, pues si algunas
veces ejecuta en público ya no es propiamente la figura del
“virtuoso” la que ven los concurrentes en el banquillo frente
al Steinway, sino al artista que para mostrar que no ha abandonado
su oficio, reaparecía públicamente algunas ocasiones”…Ciertamente,
Ponce no siguió el camino del concertismo
profesional, prefirió dedicar su tiempo a la composición,
a sus cátedras y a la actividad periodística. Pero, de cualquier
modo, su técnica pianística, derivada del portentoso
Franz Liszt, le permitió interpretar hasta edad avanzada cualesquier
obra de los grandes maestros, dejando pasmados a
sus discípulos; y aunque algunas veces se presentaba en público,
semejante a C. Saint-Saëns solamente interpretaba sus
obras. Situación que le permitió incrementar sus composiciones,
entre ellas: las “Canciones mexicanas”, que armonizaba
pacientemente en su gabinete de trabajo dando forma
al Primer Cancionero Popular, que de otro modo se hubiera
perdido irremisiblemente; entre otras:
La puerquita pinta (de Aguascalientes)
Las estrellas en el cielo.
Rosiblanca.
Allí en las cumbres.
Ay, ay, ay, ay, las olas.
Tanto como te amé.
Todo fue ilusión.
Tristes recuerdos.
El corazón.
Lejos de ti (III).
Qué haré lejos de ti.
Marchito el corazón.
Ya no llores.
Perdona oh joven.
Pasó por fin.
Yo amé a una joven.
El errante.
La paloma.
El hijo pródigo.
El presidiario.
Hasta que se llegó el día.
Y una paloma al volar.
Olvida.
Oye el adiós.
Justicias.
111

Justicias II.
Oh madre mía (sigue Justicias).
Año de 1862 (fin de Justicias).
Te vas ángel mío.
Mujer que para mi muere.
A nuestro Dios sacrosanto.
Desde el cielo do espléndida estás tú.
Vengo a saber si me amas.
Tres flores.
Yo me propuse.
India mía.
Soy del rancho.
Antes te amaba.
Ángel de amor.
Yo ya me voy.
Mi ranchito.
En defensa propia.- A finales de 1920, llegó a casa de los Ponce
un sobre de procedencia anónima conteniendo dos escritos
y varios periódicos de Mérida, Yuc.; en ellos acusaban
a Ponce de plagiario de la canción “Soñó mi mente loca”,
pues según la anónima misiva pertenecía al poeta yucateco
Alfredo Tamayo.
“La bella canción de Tamayo ha hecho que con valentía
digna de encomio, porque es en defensa de un compañero,
“embrace adarga y lanza” el talentoso maestro
compositor Cornelio Cárdenas” —señalaba una de las publicaciones—.
El segundo escrito afirmaba que el “arreglo” de
Ponce era defectuoso y cursi… Sin embargo, en los periódicos
también aparecían artículos que defendían al compositor
calumniado:
“Pocos, muy pocos músicos, por desgracia para los
que amamos el arte, son con los que cuenta la República
Mexicana para enorgullecerse por la prosperidad de su apenas
naciente Arte —indicaba uno de los diarios—; pero entre
éstos, el maestro Ponce ocupa un lugar muy principal, y tanto
que fue el primero en ocuparse con todo cariño en la regeneración
y ennoblecimiento de nuestra canción popular,
dándole forma elegante y correcta armonización. Su labor
primitiva fue recopilar el mayor número de cantos populares
que a su paso hallaba, formando una numerosa colección
de canciones de todos los lugares de la república y de todos
los tiempos de la vida nacional; pero como esas canciones
no sólo las recogió en las ciudades, sino que aun en la masa
112

misma del más bajo pueblo, hubo que hacer una minuciosa
selección, como lo afirma con estas palabras:
“Era, pues, indispensable la selección; necesitábase
una paciente labor para suavizar asperezas, para descubrir
las más bellas melodías ocultas en el montón de cantos acumulados
por la musa popular; era preciso clasificar las canciones
señalando los ritmos, los compases, las modalidades
de cada región. Entonces pudo comprobarse que los cantos
del norte, de ritmos rápidos y decididos (“La Valentina”,
“Adelita”, “Trigueña hermosa”, etc. etc.), reflejan el carácter
audaz de los fronterizos; las melodías lánguidas del Bajío
(“Marchita el alma”, “Soñó mi mente loca”, etc.), interpretan
fielmente la melancolía de las provincias del centro; las
canciones costeñas (“A la orilla de un palmar”, “La costeña”,
etc.), nos descubren la voluptuosidad de las tierras tropicales;
los cantos, en fin, que hablan de amor, de vino y de tristeza y
que son populares en todo el país, encierran en su sencillez la
vida entera del pueblo mexicano que ama, se embriaga y es
triste”.
A más de esta pública confesión del maestro Ponce
sobre el origen de sus canciones mexicanas, podemos añadir
el significativo detalle de que éstas no están clasificadas en
el ordenamiento de su obra, y así, en ninguna hemos hallado
“Opus tantos”; y en cambio, sus obras originales están numeradas
y ordenadas. En su colección de canciones populares,
nunca ha pretendido el maestro Ponce hacerse pasar por
autor de la melodía, y en aquéllas en que la melodía es suya,
las hace distinguir con la anotación de “Original”, como en
“Estrellita”; o con “Palabras y música de Manuel M. Ponce”,
como en “Todo pasó”. Por lo tanto, el confundir al maestro
Ponce con un plagiario, es propio de ignorantes, necios o envidiosos”
—señalaba el señor Mauricio Nava en la publicación
yucateca—.
Podemos imaginar el disgusto que tal información provocó
al compositor y su esposa, y posiblemente no hubiera pasado
de ahí tomando en cuenta el carácter del autor de las rapsodias
mexicanas; sólo que Tamayo y Cárdenas abusaron de
las ofensas personales y, sobre todo, intentaron enderezarle
la plana al compositor poniendo en duda ¡ Sus conocimientos
musicales ! Por tal motivo, el compositor contestó públicamente
a través de la revista “México Moderno”. Su artículo,
titulado “En defensa propia”, señalaba:
113

“… ¿No justifica nuestra extrañeza al ver que, cuando
menos podíamos esperarlo, se nos ataca con ímpetu desusado,
con destemplada voz, que apenas explicaría si la ofensa
fuera reciente?... ¡ Ocho años de espera, ocho años de alimentarse
en lo más sombrío del corazón, atisbando el momento
de estallar ¿cuál fue la causa de la explosión? Misterio
! … No hemos negado ni ocultado a sabiendas el nombre
del autor de esa canción, porque… no lo conocíamos. Estamos,
pues, dispuestos a otorgar la paternidad de la melodía
“Soñó…” al señor Tamayo, como otorgaríamos ese privilegio
mañana o pasado a quien se presentase —fuese cualquier
hijo de vecino— diciéndose autor de “Marchita el alma” o
“La Valentina”, ponemos por caso. Además, acusar a quien
ha escrito un centenar de composiciones de su propia cosecha
de haberse apropiado una melodía de 20 compases,
es tan risible como si al dueño de una joyería le acusara un
pobre diablo de haberle robado en mitad de la calle, una
piedra falsa. Sólo una ceguera voluntaria y una obstinación
inexplicable, podrán mantener al señor Tamayo en su error,
con los oídos cerrados a toda lógica y a todo razonamiento.
Agotado este asunto, pasemos al segundo artículo” —señalaba
el compositor; en él, conocerá el lector a un Ponce
ameno, rotundo y sarcástico, desbordante en sabiduría—:
“Este señor D. Cornelio, tipo perfecto del DOMINE provinciano,
salta a la defensa de su amigo y nos endilga una
especie de catilinaria (con latinajos y todo) que suponemos
acabará con rayos y truenos, pues lo pequeño y borroso del
tipo (de imprenta) agregado a nuestra natural miopía, nos
impidió su completa lectura. Dimos, pues, una ojeada a los
ejemplos musicales que ilustran el escrito y pudimos sacar en
claro que D. Cornelio nos acusa de haber cometido GRAVES
ERRORES en el ARREGLO de “Soñó…” Los más importantes,
según parece, son: 1º.- No haber prolongado la nota inicial
(anakrusis) al primer tiempo del primer compás para completar
el acorde; 2º.- Haber hecho saltar el bajo una séptima mayor
(fa-mi) del segundo al tercer tiempo del primer compás.
Esto lo califica D. Cornelio, además de grave error, como un
ENORME SALTO, (sic) y como MOVIMIENTO ANTIESTÉTICO, ILÓ-
GICO y… CURSI.
Nos imaginamos a D. Cornelio con el “Tratado de Armonía
y Lecciones del Clave” por D. Benito Bails en una mano;
en la otra, una palmeta y dispuesto a aniquilarnos. Mire usted,
amigo D. Cornelio: Mejor será que cambie el ceño adusto en
plácida sonrisa; así, charlaremos un poco. Yo, señor D. Cor-
114

nelio, estoy de acuerdo con usted en creer que no merezco
los títulos de folklorista, rápsoda, etc., con que los amigos, los
chicos de la prensa, qué sé yo quienes más, me han honrado,
a veces… Sí, señor, es cierto: Lo de folklorista, sobre todo está
mal; la palabreja es fea y difícil de pronunciar. Pero ¿cómo
impedir que le apliquen a uno ciertos calificativos? ¿Acaso
pudo usted impedir que su amigo Tamayo le calificase de
“Culto maestro y concienzudo armonista?” ¡Ah! ¿Lo es usted?
Ahora comprendo la suficiencia con que su señoría señala
los GRAVES defectos en el modesto ARREGLO de “Soñó…”
¿Lo confirma usted plenamente? Está bien. ¿No pecaré de
inoportuno insistiendo sobre este asunto?
¿No? Muchas gracias. Tal vez usted, D. Cornelio, no
ha tropezado con los nocturnos de Chopin… Se comprende,
el aislamiento en que vive la Península… ¡ Si hubiera usted
tropezado alguna vez con los nocturnos de Chopin ! ¿Para
qué? Hombre, pues en primer lugar para que usted los conociera
y después… Para que usted pudiese comprobar que en
las primeras notas de los números 2, 18 y 19, Chopin cometió
un ERROR tan GRAVE como el que usted señala en nuestro
ARREGLO de “Soñó…” al no prolongar las notas iniciales
(anakrusis) para completar los acordes siguientes. Sí, señor.
Y lo peor del caso es que este GRAVE ERROR se repite al iniciarse
la Mazurca No.44 (¿No la conoce usted, verdad?) del
mismo autor, en el Nocturno III de Liszt, en la Danza Alemana
No.3 de Schubert, en la “Primavera” de Mendelssohn, en el
ALLEGRETTO final que expone el tema de la Rapsodia XII del
ilustre abate. Sí; los ejemplos se atropellan para llegar primero
a la pluma. Usted podrá encontrarlos a porrillo en los más célebres
compositores. ¡Ah! Es verdad; me había olvidado que
usted sólo lee su tratado de armonía; por eso ha llegado usted
a ser tan “concienzudo armonista”.
¿Respecto al segundo GRAVE ERROR que señala usted
como ENORME salto de séptima mayor? Sí, no me olvido
que califica ese movimiento del bajo como ILÓGICO, ANTI-
ESTÉTICO y CURSI. Respecto a ese GRAVE ERROR, podría yo
citarle a Roberto Schumann… pero ¿sabe usted por casualidad
quién fue ese señor? ¿No? Me lo imaginaba. Pues bien,
Schumann cometió el mismísimo movimiento ANTIESTÉTICO,
ILÓGICO y CURSI que usted señala en “Soñó…” Abra usted
el “Trío” I para piano, violín y violoncello y en el primer tiempo
encontrará usted el caso.
115

¿Cuál otro ejemplo? Pues verá usted: Bach, al final
de la COURANTE correspondiente a la Suite Francesa No.3; al
principiar el AIR de la No.4; en la ALLEMANDE de la No.5; en el
ALLEGRO de la No.6… ¿Qué si las citas no se van a acabar?
Abundan tanto esos movimientos ANTIESTÉTICOS, ILÓGICOS Y
CURSIS en las obras de ese maestro, cuya gloria ha llenado el
mundo entero y que quizá por esto le conozca usted…
¿De nombre? Ahora me agradecerá usted que, por la curiosidad
de comprobar mis citas, le haya proporcionado la
oportunidad de ponerse en contacto con Bach. ¿No lo necesitaba
usted? Pues entonces que se queden las SUITES en
paz. ¿Cree usted que es demasiado viejo? Le citaré a usted
a Verdi. ¿Recuerda la frase de “Aída”, en el 4º. Acto: “O terra
addio”? Verdi cometió el GRAVE ERROR DEL ENORME SALTO
de séptima mayor, movimiento, según usted, ANTIESTÉTICO,
ILÓGICO y… CURSI. Pero Verdi, por lo visto, no era tan “concienzudo
armonista” como D. Cornelio.
Sí, señor. Y los lectores también estarán fatigados. Una
palabra más, amigo mío: Si usted quiere ser verdadero armonista,
estudie en las fuentes vivas de la armonía en las obras
de los grandes maestros, no en los secos y áridos tratados,
en cuyas páginas, por lo general, corre más petulancia que
savia fecunda… Tanto el señor Tamayo como su amigo D.
Cornelio, deben estar ya convencidos, si son personas bien
nacidas, como creo que lo son, de que YO NO HE PLAGIADO
“Soñó mi mente loca…”
Como prueba definitiva de mi rectitud, haré las gestiones
necesarias para que dicha canción no aparezca bajo
ninguna forma en las futuras ediciones de mis arreglos y canciones
originales. Espero que el señor Tamayo sabrá estimar
esta prueba de mi sinceridad y tanto él como su amigo, me
permitirán una última palabra para terminar:
Señores, ¡ Feliz Año !
Manuel M. Ponce, México, diciembre 21 de 1920.
Alma triste.- Antes de su primer viaje a Europa, en 1904, Ponce
enlistaba sus creaciones musicales en grupos afines a su
tema, cosa común entre compositores: “Nocturnos”, “Caprichos”,
“Gavotas”, “Estudios”, “Impromptus”, “Romanzas”,
etc. A su regreso del Viejo Mundo, el joven compositor buscando
originalidad intentó nuevos títulos: “Trozos románticos”,
“Cuadros nocturnos”, “Historia de mi alma”, “Álbum
de amor”, “Canciones mexicanas”; “Horas augustas”, de la
cual subsiste I.-“En una desolación” (6); y, recientemente,
116

“Evocaciones”. Ahora, en 1921, Ponce inicia amplio proyecto
denominado “Glosario íntimo”, al cual pertenece “Alma triste”
para piano, número XI de un rosario indeterminado pues
las otras composiciones están perdidas; representando ésta
su primera obra de piano conocida elaborada con armonización
vanguardista. Dicha creación fue publicada en 1922
dentro del Suplemento de la revista “Arte y Labor” (conservamos
copia); aunque veintidós años después aparecerá en un
Boletín del “Seminario de Cultura Mexicana”, rotulada como
“Intermezzo”, seguramente por su corta duración pues, ya lo
vimos, no es su título —Ponce escribió en 1914 su famoso “Intermezzo”
para piano; y en 1927, viviendo en París, escribirá
su “Intermezzo II”; siendo las únicas obras de su repertorio de
piano con ese nombre—.
Fray Antonio.- En los albores de la tercera década del Siglo
XX una sombra asomó sobre el feliz matrimonio Ponce-Maurel.
Todo comenzó por la añeja costumbre del compositor
de reunirse periódicamente con sus viejos amigos “Fieles a la
provincia. Leales en la amistad”. Luego de la lucha armada
que volteó de cabeza al país, el alegre grupo artístico-bohemio
disminuyó pero después, con el arribo de jóvenes talentos
como Armando de María y Campos, Enrique Fernández
Ledesma, Ernesto (el Chango) García Cabral, Ignacio Fernández
Esperón (Tata Nacho), José María Lozano, Julio Flores,
José D. Frías, Alfonso Ortiz Tirado y José Mojica, entre otros,
aquello volvió a ser como antes… aparentemente, sólo que
ahora los tiempos eran distintos.
Después de la Primera Guerra Mundial, las estrictas
costumbres morales predominantes durante la época victoriana
y porfirista comenzaron a relajarse. Al irresistible impulso
de la juventud, que siempre se impone, cambiaron notablemente
las costumbres y usos en el vestir, pensar, cantar,
bailar, etc.; desarrollándose también una notable diferencia
entre la música clásica y la popular. La locura del charleston,
tango y fox trot invadió los salones de baile y a través de las
ondas de radio penetró en todos los hogares, escandalizando
a medio mundo. La consigna era: ¡Fuera faldas largas y
vestido de cuello alto. Vive tu vida, busca la libertad… vive
como quieras! Los “alegres veintes” todo lo avasallaron sacudiendo
“las buenas conciencias”. De forma paralela surgieron
las primeras luchas feministas que estremecieron a
los imperios coloniales. Luego de vivir miles de años bajo la
égida masculina las mujeres reclamaban su autonomía, sus
117

derechos y libertad para decidir su propio destino. De esa forma
emprendieron la revolución femenina, la búsqueda del
sufragio universal y, finalmente, la revolución sexual; aunque,
claro, no se hablaba aún de libre concepción y aborto, pero
nada detendría ya la sublevación femenina.
En México también se hicieron patentes los cambios
señalados pero sólo en los grandes centros urbanos, en el
campo no (con excepción de Elvia Carrillo Puerto, en Yucatán,
pionera de la lucha feminista en el país); ¡imposible!...
Ignorancia, pobreza y abandono lo impedían. De aquí que
la capital del país viera surgir junto a Hermila Galindo, notable
impulsora del divorcio, el voto femenino y el amor libre;
a las Nahui Hollín, las Modotti, las Rivas Mercado, y muchas
más osadas y vanguardistas que vivían, actuaban, fumaban
o tomaban como los hombres, navegando en su medio social
con bandera de intelectuales sin prejuicios, ni temor a ser
estigmatizadas. La mujer mexicana quería crecer y escapar
de la imposición masculina que inclusive les negaba su condición
ciudadana y las reducía a funciones maternales, sumisa,
abnegada, recatada, virgen, tímida y discreta ¿Por qué
no?... preguntaron, asumiendo actitudes retadoras.
En fin, el hecho fue que a las citadas reuniones de
amigos comenzaron a llegar mujeres, algunas con su cónyuge
otras no, sólo eran amigas modernas que asistían con la
sana intención de integrarse buscando una postura de igualdad.
Desenvueltas en su comportamiento, las recién llegadas
actuaban de forma natural con sus compañeros intelectuales.
Ana Pavlova, la famosa bailarina rusa que nos visitaba en
1919, asistió a tales reuniones en donde aprendió a bailar de
puntas el “Jarabe tapatío”. Al principio, los buenos colegas
que llegaban solos se estremecían y no hablaban, preferían
mirar y escuchar. “Total, pensaban, cada quien su vida y vive
como quieras sin afectar a los demás”. Después, las reuniones
volviéronse más amenas pues los hombres ya no cantaban ni
declamaban solos, ahora formaban dúos o coros mixtos.
Así las cosas, cuando Clema se entera de que a las
reuniones tradicionales también asistían mujeres, simplemente
le pide a Ponce que ya no vaya. El compositor protesta y le
suplica no ser tan extremosa, aclarándole que aunque iban
algunas mujeres el ambiente imperante era de cortesía y corrección.
—Ven conmigo, le dice—. No me hagas quedar mal
con mis amigos. Sabes bien que desde hace mucho tiempo
nos reunimos sin causarle daño a nadie. Somos adultos y sabemos
comportarnos.
118

El famoso compositor pretendía continuar sus reuniones
como si nada hubiera cambiado y no aceptaba la idea
de romper la antigua costumbre cordial. ¡Imposible!... Tenía
que encontrar alguna solución. Ponce hablaba de forma
tranquila, pero no aceptaba la petición de su cónyuge. Del
mismo modo, Clema exigía su lugar, el número uno, y sostenía
su posición sin cambiar un ápice su punto de vista. Para ella
no eran sólo celos femeninos, la cosa iba más allá pues de
sobra conocía la atracción que Ponce ejercía sobre el sexo
opuesto y no quería tener problemas. Su matrimonio y tranquilidad
estaban en juego.
Los siguientes días vieron enfriarse más la situación entre
los cónyuges; él sentíase incomprendido, ella también; él
se sentía ofendido, ella también; él no hablaba porque no
había hecho nada, ella tampoco. Él no cedía, ella tampoco.
Y llegó la fecha de la reunión, ahora en casa del pintor
Nacho Rosas, cuyo estudio habíase convertido en centro de
reunión para la nueva bohemia intelectual capitalina.
—Ven conmigo, acompáñame—repetía Ponce invitándola.
—No… esta es mi casa y te pido que no vayas. ¡Ya
no es lo mismo, compréndelo, “Memito” (diminutivo cariñoso
que usaba en la intimidad)! —dijo Clema casi suplicando—.
—…Voy a ir, mi amor, pues no hay nada malo. ¡No
puedo abandonar mi grupo de amigos, entiéndelo! —dijo
Ponce—.
—Si lo haces, me regreso con mi familia… yo no me
quedo sola —advirtió Clema de manera decidida—. Ponce
se quedó pensando, sabía bien que su amada era dulce,
pero firme en sus decisiones.
—Piénsalo bien, añadió el compositor mientras se ponía
su sombrero de carrete panameño, agregando: Regreso
temprano. Y se marchó.
El compositor llegó con sus amigos buscando el vitalizador
calor del viejo ambiente cordial, y no tardaron en
aparecer el verso y la canción pero a pesar de la alegría imperante
no se concentraba en la tertulia, y conforme transcurría
la reunión se hacía patente su falta de atención. ¿Qué
tienes, maestro, qué te sucede? —preguntaban sus amigos,
extrañados de su actitud—.
—No, nada, sólo que mi esposa no me comprende,
respondió con un dejo de tristeza; lo cual bastó para que sus
amigos externaran toda clase de consejos y opiniones:
…No te dejes, demuestra quien manda, etc… Al rato
119

surgieron las bromas y chistes, pero Ponce no los seguía ni
respondía, su mente estaba lejos.
—Me voy, dijo pasada la media noche, y nadie intentó
detenerlo porque era notoria su inquietud. Cuando Ponce
llegó a su domicilio no encontró a Clema, su compañera había
cumplido lo dicho. Una nota escueta señalaba: No me
busques, a menos que olvides tus reuniones.
Manuel habló por teléfono con Clema pero no hubo
arreglo. Clema no volvería al hogar hasta que él aceptara su
proposición. ¡Todo o nada… No había para donde hacerse!
Desesperado, el compositor envió una carta a su hermano
sacerdote, a quien respetaba muchísimo, en ella exponía
su problema y le hacía ver su soledad; por lo mismo,
requería su ayuda inmediata para convencer a Clema de
que no todo en la vida era malo. —De otro modo, si ella no
regresa al hogar, podríamos llegar al divorcio— comentaba
Ponce, refiriéndose al Decreto de V. Carranza que desde
1915 permitía el divorcio en México—.
—¡Divorcio!... ¡Horror! No, no es posible —exclamó en
voz alta Fray Antonio cuando terminó de leer la misiva de su
hermano menor— El desprestigio, la infamia y el desprecio
caerían sobre nuestra familia… Sería un golpe terrible para
mamá —masculló, apretando la carta entre los dedos—.
—¡Ni se te ocurra darle esa noticia a mamá, la matarías!
—-le espetó Fray Antonio a Manuel cuando llegó de
Aguascalientes— …Tan orgullosa que está de ti para que
ahora le salgas con esto. Con el divorcio sólo avergonzarás
a la familia y quedaremos aislados de la sociedad. Por si no
lo sabes, hermano, la vida matrimonial significa sacrificio;
ninguno de los dos puede seguir con el estilo de vida que
llevaba antes de casarse. Tú abandonas a tus padres, ella
también. Tú debes aportar lo mejor que aprendiste en familia,
ella también. Con lo mejor de ambos inician su nueva vida.
Lo principal para ti será tu esposa, su seguridad, tranquilidad
y felicidad… No olvides que el orgullo extremo y el egoísmo
son los enemigos principales del matrimonio; ceder a tiempo
significa ganarlo todo, hace la diferencia entre una vida feliz
y una amarga… Ella sólo te tiene a ti, deberás amarla, cuidarla
y respetarla. No la defraudes ni permitas que amigos o
costumbres anteriores al matrimonio los separen.
—Sí, hermano —atajó Ponce, pero comprende, agregó
marcando lentamente sus palabras—: No puedo vivir aislado
en mi ambiente cultural, ni tengo porqué abandonar
a mis amigos. Además, Clema me exige puras obligaciones;
120

pero nada de derechos… La posición de Clema se sale de
toda realidad. Sus celos son infundados porque no le doy
motivo. Jamás me emborracho ni falto a casa, tampoco soy
mujeriego… No somos ricos, pero nada le falta.
—Me da la impresión de que pasas por alto muchas
cosas —replicó el sacerdote metido a redentor al ver que no
convencía a su hermano—:
—Por principio, olvidas que nuestra madre está muy
delicada y no dura mucho; también sabes que lo que Dios
une ¡No lo separa el hombre!... ¡Caerías en pecado! —Sentenció
duramente Fray Antonio—.
—Voy con Clema —continuó el sacerdote—, mientras
regreso ordena tus pensamientos y revisa bien tu conciencia...
Un poco de humildad no te caerá mal —dijo, y salió—.
Una vez solo, Ponce permaneció pensativo: Estaré
equivocado, murmuró. Por primera vez dudaba de su posición,
y es que de todos los amigos que acudían a las reuniones
él era el único que continuaba escribiendo música de
alta pauta: sonatas, conciertos, tríos, etc.; puesto que nunca
se estancó con las “Canciones mexicanas”, ahora tan socorridas
luego que las pusiera de moda dos lustros atrás. Campa,
casi no acudía —reflexionaba Ponce—. Lerdo de Tejada y
Mario Talavera sí, pero ellos tienen otra línea musical. Carrillo
era amigo de todos, pero tampoco asistía; lo mismo Valdés
Fraga y otros. Los demás compositores del grupo se conforman
con escribir canciones y más canciones; hermosas, eso
sí —pensaba Ponce— y las festejamos en grande, para qué
negarlo—.
¡TOC, TOC, TOC! —¡La puerta!, ya regresó mi hermano
—exclamó Ponce, apresurándose a abrir.
—¡ Andas mal, hermano, muy mal ! —señaló Fray Antonio
apenas traspasó el umbral de la entrada. —Si Clema
aceptó que continuaras asistiendo a las reuniones de tus amigos
no era por convencimiento, la causa fue el inmenso amor
que te profesaba y profesa. Pero, —añadió gravemente mirando
fijamente a su hermano— ¡Ya no es lo mismo… Aquellas
asambleas de buenos amigos terminaron… Se las llevó la
historia! Con ellas desaparecieron Justo Sierra, Amado Nervo,
Ernesto Elorduy, Campos, Urbina, Urueta y otros más que no
recuerdo… Ahora, ya corrió la voz de que a tales reuniones
acuden ¡hasta las modelos que posan desnudas para pintores
y escultores!... No hermano. Ni insistas; no es lo mismo y
tu esposa merece la mayor atención y respeto ¡Reflexiona!
—añadió en voz alta—… Silencio de Ponce. El súbito recuer-
121

do de tiempos idos y grandes amigos ausentes, frente a un
presente vago e incierto lo impactaron, enmudeciéndolo.
—¡Vuelve a ella… pídele perdón y olvida lo otro… no vale la
pena! —prosiguió el sacerdote, seguro de sí mismo—.
Ponce no hablaba, su “Alma Triste” lo impedía, sólo
miraba el piso.
—Tu matrimonio es lo más importante. Date cuenta,
Manuel—insistía Fray Antonio—. Clema vale más que tú…
¡Sí! Aunque me mires así; y créeme: Si ella quisiera podría encontrar
otros músicos iguales a ti ¡o mejores! En cambio, tú…
¡Jamás encontrarás otra igual. Jamás! —repitió rotundo, añadiendo:
Pues qué te has creído—…
Fray Antonio no paraba en mientes, sólo él podía hablarle
así a su famoso hermano y aparentemente sus últimas
palabras hicieron mella en la conciencia de Ponce, quien vibró
de emoción comenzando a reaccionar. La luz llegó de
pronto y el compositor entendió que lo principal, lo más grande
de su vida, era ella ¡Clema!... Su única. Su amada! Después
abrazó a Fray Antonio de Santa Rosa de Lima, mientras
decía algunas palabras entrecortadas de profundo agradecimiento
al sacerdote y al hermano.
Así fue como el marido pródigo volvió al redil continuando
su vida matrimonial, sólo que ahora el lazo de unión
era más fuerte. Ponce nunca se arrepintió de esa decisión,
pues aunque el alegre grupo vivificado con nuevos miembros
duraría largo tiempo, en esencia se trataba de una nueva
generación de amigos cuyo ver y sentir la vida era diferente.
De aquí que, efectivamente: “Ya no era lo mismo”. Por esa
causa muchos colegas se retiraron igual que él, ya que el
rumbo que seguía la fraternidad los alejaba del arte excelso
de los grandes maestros. La bohemia resultante, apoyada
cada vez más por políticos, líderes sindicales y militares
encumbrados, cambió totalmente continuando por la ruta
de las artesanías musicales de consumo masivo; bonito, sí, y
abundante… Pero superfluo.
Carlos Chávez Ramírez.- Fue durante el mes de mayo de 1921,
que el joven Carlos Chávez Ramírez, de 21 años de edad, se
presentó en el Anfiteatro de la Preparatoria, como compositor
y pianista. Los programas seleccionados por Chávez Ramírez
contenían las mejores obras de su inspiración y otras más
de grandes compositores, puesto que no tenía aún suficiente
repertorio de calidad como para formar programas propios.
Ponce, su maestro y guía musical durante cinco años, acudió
122

al evento acuciado por doble curiosidad: como maestro y
como crítico musical; la primera, para ser testigo del fruto maduro
que él modelara desde que era sólo un retoño primaveral;
la segunda, para observar los alcances y posibilidades del
músico en ciernes. Ponce, hombre noble por naturaleza, deseaba
que su discípulo caminara por la senda del progreso y
destacara en el medio artístico por la belleza y calidad de sus
creaciones; mismas, que al ser interpretadas en su patria y en
el extranjero le dieran fama y gloria ornando para siempre su
nombre y el de su país.
Ambas opiniones las integró en una nota periodística
que transcribimos completa, con objeto de que los lectores
se den clara idea del suceso:
“Carlos Chávez Ramírez es un raro ejemplo de laboriosidad
fecunda que se destaca con rasgos vigorosos en nuestro
ambiente de pereza secular, porque se aparta del dulce
“far niente”, frase italiana que entre nosotros tiene aplicación
cotidiana. Chávez Ramírez es pianista y compositor. Bajo este
doble aspecto se presentó en el Anfiteatro de la Preparatoria
en dos conciertos efectuados los días 25 y 29 del pasado mes
de mayo. Lo primero que se advierte en las composiciones
de Chávez Ramírez es un afán constante de “modernismo”,
un anhelo continuo de originalidad que dada la juventud del
autor está plenamente justificada. ¿Quién no desea en estos
tiempos ser original? Debussy, con sus procedimientos personalísimos,
ejerce indudable fascinación sobre los jóvenes
compositores cuyas aspiraciones van más lejos que la imitación
de los clásicos o los románticos. El peligro reside en pretender
imitar a Debussy, que es inimitable. Nada detestaba
tanto el maestro francés como el “debussysmo”.
¿El reflejo debussysta es tan notable en la obra de
Chávez Ramírez que puede llamarse imitación? No lo creemos
así. Se advierten en sus composiciones, ciertamente, ciertos
procedimientos característicos del autor de “Peleas”; pero en
el fondo de ellas se descubre un latente romanticismo cuya
efusión lírica no pueden destruir ni el empleo inmoderado de
la disonancia ni el persistente cambio de diseños rítmicos. En
el “andante” del sexteto, puede comprobarse nuestra aseveración.
Tanto en las romanzas para canto y piano como
en las piezas pianísticas, Chávez Ramírez ha escrito páginas
de singular belleza. Recordamos la deliciosa “Bendición”, el
brillante “Estudio IV” y “Tú eres como una flor” saturada de
íntima emoción. Como pianista Chávez Ramírez demostró en
la versión de un programa ecléctico y difícil, cualidades muy
123

estimables: comprensión de la obra (Sonata de Beethoven);
sonoridad robusta, particularmente en la parte grave del piano
(Funerales de Liszt); buena manera de “cantar” (Nocturno
de Paderewsky); dominio de las dificultades técnicas y sobriedad
en la dicción (Rapsodia de Liszt).
Carlos Chávez Ramírez es muy joven aún, a pesar de
su aspecto de hombre serio y un poco melancólico. Tiene
talento. Y se encuentra bajo la doble influencia de un romanticismo
que lo inclina del lado de Schumann y Chopin y de
un modernismo que lo atrae con el brillo de novedad y el
exotismo. ¿Renunciará a su romanticismo para seguir resueltamente
la bandera de los modernistas? He aquí una pregunta
trascendental en cuya respuesta se encierra el porvenir del
joven compositor. Medítela y decida el estimable artista la
dirección que en lo futuro ha de dar a sus inspiraciones, acatando
la voz interior de la sinceridad. Porque la sinceridad y el
entusiasmo son la más segura garantía del éxito en toda obra
de arte.”
Manuel M. Ponce.
Tal fue la crítica de Ponce a la presentación de Chávez
Ramírez ante el público de la capital, quedando como ejemplo
de censura constructiva y análisis imparcial. Sin embargo,
ésta no fue del agrado de Chávez Ramírez. Algo encontró
en ella que resonará en su cerebro durante muchos años. Un
ligero análisis a la crítica nos muestra una verdadera radiografía
del pensamiento musical de Chávez. Como auténtico
mago, Ponce profetizó el camino que seguiría el compositor.
El maestro zacatecano sabía mucho y no se le podía engañar;
con sólo ver la partitura o escuchar al músico, descubría
su capacidad y alcance.
Cuando Carlos Chávez llegó con Ponce tenía once
años de edad; con él aprendió desde cómo poner las manos
sobre el blanco teclado de marfil hasta los conocimientos necesarios
para transcribir al papel pautado sus ideas musicales.
En 1915 Ponce viaja a Cuba y Chávez Ramírez continúa
estudiando en la Academia de Pedro Luis Ogazón, discípulo
de piano de Carlos J. Meneses, permaneciendo con él hasta
1918. A finales del mismo año Chávez instala su propia academia
de piano, y pasa a formar parte del plantel de profesores
del estudio de su maestro Ogazón.
Vemos, pues, que la preparación musical de Chávez
Ramírez quedó trunca, pues nunca realizó estudios formales
de composición, instrumentación, contrapunto, armo-
124

nía, fuga, canon, forma sonata, dirección orquestal, etc., en
México o el extranjero. Por esa causa jamas destacó como
concertista, siendo sus creaciones musicales resultado de
experimentos y ensayos según su gusto, estado de ánimo y
carácter tenaz (porque voluntarioso sí lo era). ”Producción artística
revestida de armonías “rebarbatives” (ásperas), heteróclita,
punzante, incomprensible… Por tal razón, su autor es,
quizás, el más impopular de los músicos mexicanos que jamás
haya existido”(7).
En su madurez, Chávez Ramírez solía definir una obra
de arte como “un experimento que resultó bien”(8). “El talento
creador se desarrolla en último análisis, en la práctica.
Práctica en la creación musical quiere decir: Concebir, escribir
y tocar. Sólo las tres cosas hacen una unidad creadora:
Las dos primeras solas son tan sólo una teoría estéril” —afirmaba
rotundo Chávez Ramírez, soslayando que para “concebir
y escribir” es necesario estudiar y aprender; de otro modo, lo
que se “toca”… No sirve—. Al respecto, Ponce escribía: “…
Es pertinente que el maestro de composición convenza a los
ineptos que lleguen a su clase, de que la potencia creadora
es un don que sólo los estudios y la técnica desarrollan”.
Era evidente que a los 21 años de edad a Chávez Ramírez
le hacía falta escuela, pero su carácter lo impulsaba a
rechazar toda sugerencia, inclusive de sus maestros. “No obstante,
el ánimo de Chávez se avenía mal con las directivas
de un profesor, por amplio y comprensivo que fuese. Espíritu
eminentemente analítico y crítico, autodidacta por naturaleza,
dotado de una gran confianza en sus propias fuerzas, se
dedicó por sí solo a estudiar armonía, contrapunto, composición
y orquestación. Leyó varios tratados de estas disciplinas
teóricas, cotejándolos entre sí y sacando sus conclusiones
propias, aceptando lo que le pareció útil y conveniente, y
rechazando lo que tomó por erróneo o superfluo, sin preocuparse
mucho por el prestigio o renombre de los autores” (9).
125

126

CAPITULO V
La Alhambra.- Ponce y Clema reaparecieron el 2 de junio de
1921, en la inauguración del edificio del Departamento de
Salubridad Pública, obra modernísima del arquitecto Carlos
Obregón Santacilia, ubicado en Paseo de la Reforma No.93.
Al día siguiente la totalidad de la prensa señalaba:
“…Para estrenar su nuevo local, el Departamento preparó
una fiesta que consistió en una ceremonia cuyo programa
se compuso de varios números musicales y en un informe
rendido por el Dr. Gabriel Malda, Jefe del Departamento y un
lunch-champagne que se sirvió a los invitados en el Salón de
la Biblioteca, que fue acondicionado para el efecto. El programa
se inició con la ejecución al piano, por el maestro Manuel
M. Ponce, de “La Alhambra”, recibiendo nutridos aplausos,
tanto por la ejecución de esta composición cuanto por
ser el autor de ella. Igual homenaje se le tributó por los otros
tres números que tuvo en el programa (“Balada Mexicana”,
“Aleluya”, y “Sansón y Dalila”, de Saint-Saens”). La señora de
Ponce también fue muy ovacionada por un número de canto
de la ópera Sansón y Dalila, que interpretó brillantemente”.
Ese día el inspirado compositor estrenó en público su
primera “Evocación”; en ella utilizó por primera vez un lenguaje
musical diferente a lo que había escrito, rebosante en
armonías de colorido morisco-español que “evocan” el embrujo
sensual de las Mil y Una Noches del mundo árabe que
durante ocho siglos viviera en el célebre palacio musulmán
de Granada, en la Península Ibérica. “El genio se revela y
hace un bello anticipo del Ponce morisco que brillará en el
“Concierto del Sur”, —señala Carlos Vázquez—. Finalmente,
Ponce dedicará esa obra al eminente doctor Gabriel Malda.
Teatro Degollado.- 1921 fue un año muy prolífico para Ponce
en cuanto a inspiración musical, recientemente había escrito
una romanza para canto con letra en francés y español,
titulada “Un Soir”, dedicada a Clema, sobre una poesía de
su amiga, la cantante francesa Mme. L. C’ebron-Norbens;
además, concluyó un “Estudio de concierto” para piano,
de “Estrellita”, que le era frecuentemente solicitada en sus
presentaciones, sólo que la trascripción directa de su famosa
canción le parecía simple y por esa razón elaboró un arre-
127

glo de concierto pleno de armonías y voces brillantes digno
de cualquier virtuoso del teclado, titulándolo “Estrellita,
Metamorfosis de Concierto”; el manuscrito tiene fecha 1920.
También terminó un arreglo para orquesta de su “Gavota”
para piano. Por otro lado, el compositor y su esposa fueron
invitados por la “Sociedad de Conciertos de Guadalajara”,
fundada por José Rolón en 1919, para presentarse el 29 de
julio en el “Teatro Degollado” tomando parte en un concierto
en su honor, titulado “Festival Ponce”, formado con obras de
su inspiración.
El compositor regresaba al “Teatro Degollado” luego
de 17 años y deseaba hacerlo en un marco artístico apropiado,
pues ahora lo acompañaba su esposa. Por consiguiente,
realizó las instrumentaciones de: “La Mort” y”Aleluya”, concluyéndolas
el 10 de julio poco antes de emprender el viaje a
la “Perla del Bajío”, donde fueron recibidos en medio de una
fiesta popular por los organizadores, banda de música, y numerosos
aficionados deseosos de conocer al compositor y su
compañera. Dicho programa sinfónico, formado totalmente
con obras mexicanas, fue el primero en su género ejecutado
en Guadalajara, Jal.
El programa fue el siguiente, se incluyen los “bis” ofrecidos:
I.- Balada Mexicana, piano y orquesta.
encore: Serenata Mexicana, para piano.
Solista: Manuel M. Ponce.
II.- a) La Mort, canto y orquesta (1ª. vez).
b) Aleluya, canto y orquesta (1ª. vez).
encore: Aleluya.
Mezzosoprano: Clema M. de Ponce.
Orq. Sinfónica de Guadalajara,
Director: Manuel M. Ponce.
III.- Interludio Elegiaco, orquesta.
IV.- Gavota, orquesta (1ª. vez).
encore: Gavota.
V.- Concierto para piano y orquesta.
encore: Estrellita, Metamorfosis de
Concierto (1ª.vez).
Solista: Manuel M. Ponce.
Orquesta Sinfónica de Guadalajara.
Director: Amador Juárez.
128

El resultado del evento fue apoteósico, como no se
veía desde que Ricardo Castro se presentara en el mismo lugar
en 1902. La “Balada Mexicana”, interpretada en el año
del Centenario arrebató a la multitud, las ovaciones eran interminables.
Al día siguiente la totalidad de la prensa de la
ciudad daba cuenta del triunfo de la pareja artística. “Restauración”,
“El Informador”, “La Época”, “Aurora”; inclusive
“Excélsior” y “El Universal”, de la capital del país. “La Época”
anotaba:
“Hay impresiones en la vida tan gratas, tan sublimes,
que difícilmente llegan a borrarse. Hemos escuchado algunas
veces a pianistas excelentes, hemos oído cantar muy bien; no
hemos dejado de asistir a los conciertos que la sinfónica ha
dado, en que se han puesto obras valiosísimas; sin embargo,
la impresión que Ponce dejó entre nosotros fue, sin comparación,
mucho más grata que la que anteriores festivales de la
Sociedad de Conciertos, hemos experimentado. Acaso será
por el hecho de que en este último concierto figuraron en el
programa obras mexicanas; tal vez por la personalidad tan
atractiva del maestro Ponce; quizá porque en esta velada
se hizo una labor artística netamente nacional. No sabe uno
a cual de estas tres circunstancias atribuir la impresión que
tan vivamente nos deleitó en el último festival. La sociedad
tapatía supo apreciar la grande trascendencia de esta nota
cultural y supo asimismo dar una muestra de sus simpatías al
maestro Ponce, acudiendo a escuchar sus composiciones.
Todo lo más culto, lo más granado, lo más selecto se hallaba
allí reunido. Las localidades fueron insuficientes para contener
tan numeroso conjunto.
Después de la “Balada Mexicana” el maestro se vio
obligado, por los calurosos aplausos de que era objeto, a tocar
su “Serenata Mexicana”. Después de un breve intermedio,
toca su turno a la señora Maurel de Ponce. Artista de
exquisita voz, supo darnos la interpretación fidelísima de “La
Mort” y “Aleluya”. Al público parece que agradó más “Aleluya”,
tal vez por la circunstancia de haber sido ya otras veces
escuchada o por ser esta pieza de construcción menos complicada
que “La Mort”. Es una romanza que nos hizo recordar
“Ad Puerum” de Marc Delmas. El corte finísimo, la instrumentación
vasta y complicada y, sobre todo, su acomodo efectivo
a la letra, son las notas que la caracterizan. En cuanto a la
señora Maurel de Ponce baste decir que fue calurosamente
aplaudida teniendo ella la amabilidad de corresponder a sus
admiradores cantando como encore la “Aleluya”.
129

En la tercera parte del concierto oímos el “Interludio
Elegiaco” dedicado a la memoria del poeta Amado Nervo
y la conocidísima “Gavota” dirigidas éstas por el inteligente
director de la orquesta señor Amador Juárez. No hay para
que decir que estuvo muy acertado en la dirección, puesto
que el mismo compositor hiízole las indicaciones que creyó
a propósito para que fuera más correcta su ejecución. La
concurrencia tributó numerosos y nutridos aplausos de modo
que la orquesta repitió “La Gavota”. A nuestro humilde juicio
vale más el “Interludio” que “La Gavota” por más que se diga
que “Vox populi, vox Dei”. Finalmente empezó la orquesta
el Tutti del famoso Concierto para piano y orquesta. Nuestra
crítica para juzgar esta maravilla musical resultaría pobrísima
al compararla con la hecha por eminentes maestros; así que
solamente nos limitaremos como hacíamos notar al principio,
a decir la impresión de entusiasmo experimentada en su ejecución;
puede decirse que está hecha en un solo tiempo, a
semejanza de la Gran Sonata de Liszt; la cadencia, que en la
mayoría de los conciertos está en el primer tiempo, en éste se
encuentra en el último. El tema más saliente es el Andante,
tema bellísimo que inician los cellos y en la que, como dijera
alguien, toda nuestra alma se baña en una claridad de ternura.
Es un canto de amor húmedo de besos y lágrimas. Los violines
le acogen con encantadora ternura y el piano lo repite
con amarga insistencia. La concurrencia prodigó sus aplausos
a la orquesta y al maestro, y éste correspondió como bis,
con un precioso arreglo para concierto de su “Estrellita”. El
recuerdo que en toda la sociedad tapatía dejó este recital,
es de los que no se borran”.
La interpretación que hizo Ponce del Concierto fue
tan extraordinaria que un crítico entusiasmado señalaba en
“Restauración”: “Faltan frases lo bastante gráficas para calificar
la ejecución e interpretación de esta maravilla de arte;
baste decir que el público, frenético, obligó al maestro a bisar,
correspondiendo él galantemente con una bella paráfrasis
de la Estrellita. Felicitamos sinceramente a la Sociedad
de Conciertos por el esfuerzo realizado. Veladas como la de
anoche son sencillamente inolvidables y dejan incalculables
enseñanzas”.
Ponce y Clema cimbraron al público con su arte y
magnetismo personal. El compositor se convirtió en “caso único”
en la historia de México, porque jamás se había visto (ni
se ha repetido) un concierto sinfónico integrado con obras
de un autor, donde, además, él mismo interpreta al piano o
130

dirige la orquesta sinfónica, amén de estrenar varias de sus
creaciones en la misma función ¡Sólo le faltó cantar!... pero
eso hubiera sido un milagro. Desde su regreso de Cuba en
junio de 1917, Ponce se había convertido en eje motriz del
ambiente musical del país: ya como autor, director, pianista
o pedagogo. En ese orden de cosas, repentinamente desaparece
de las presentaciones públicas para dedicarse a sus
actividades privadas, y no faltaron quienes dudaron de su
capacidad señalando que ya no era el mismo; verdaderos
fatalistas con lo nuestro e inocentes y creídos con lo de afuera.
A los 38 años de edad Ponce cruzaba la mejor época de
su vida; vigoroso, lleno de proyectos y entusiasmo, sin alzar
la voz, quiso dar un mentís a sus detractores…¡Había Ponce
para rato!
Los periodistas se disputaban el lugar para entrevistarlos,
pues todos querían ser los primeros; Ponce y Clema los
recibían y charlaban con ellos:
“El señor Ponce se expresa con entusiasmo de la belleza
proverbial de Guadalajara, así como del progreso que
nota en la ciudad, en el transcurso de 17 años que dice que
la visitó por primera vez. Dice que él y la señora gozan grandemente
recorriendo las calles de la colonial población, con
el fin de observar los pintorescos patios llenos de luz y de flores.
Hace también calurosos elogios de la orquesta tapatía,
mostrándose admirado de la facilidad con que los miembros
de la sinfónica comprenden y sienten obras difíciles de ejecución
y afinación. En fin, se muestra altamente complacido de
su viaje”.
Finalmente, otro diario señalaba: “En todos los círculos
sociales, tanto el maestro Manuel M. Ponce como su gentil
compañera, han estado recibiendo las más halagadoras
muestras de cariño y de alta estimación, a que tienen el más
justo derecho. Entre las fiestas de que han sido objeto, debemos
consignar un hermoso día de campo, con que fueron
obsequiados los esposos Ponce por lo más ilustre de la sociedad
tapatía, y en la que reinó la más grande alegría. La tournee
del eximio artista y de su distinguida señora, ha dejado
los más gratos recuerdos en Guadalajara. El día de su salida
para esa capital, un sinnúmero de aficionados a la música y
de amigos del maestro, fueron a despedirlos a la estación”.
(Curiosamente, igual que a Ricardo Castro en 1902).
131

José F. Vázquez.- El domingo 28 de agosto de 1921 Manuel
M. Ponce se presentó en la sala de conciertos del Museo Nacional,
invitado por la “Escuela Libre de Música y Declamación”;
institución de carácter privado (que aun existe), fundada
en 1919 bajo la conducción de Julián Carrillo y José F.
Vázquez, aunque desde el principio fue dirigida por el maestro
Vázquez, de 26 años de edad, originario de Guadalajara,
Jal., quien realizó sus estudios musicales en el Conservatorio
Nacional. Este joven alumno demostró gran talento y llegó
a dominar varios instrumentos, sobresaliendo como pianista
(en 1910 ganó el concurso del Conservatorio, siendo premiado
por el mismísimo Porfirio Díaz). Como compositor abordaba
las formas mayores: sinfonías, óperas, conciertos, música
de cámara, misas, etc. Igualmente destacaba en la dirección
orquestal debido a la ventaja derivada de su excelente
dominio de los instrumentos de cuerda. José F. Vázquez fue
profundo admirador de Manuel M. Ponce, en quien siempre
reconoció el toque inspirador de la mano de Dios.
La conferencia de Ponce fue sobre “Nuestra Música
Popular”; era el Año del Centenario y la fiebre mexicanista
abarcaba todos los órdenes de la vida nacional. El programa
musical se conformó con obras suyas, presentando dos
estrenos al público asistente: “Pasas por el abismo de mis tristezas”
y “Comunión”, sobre sendos poemas de Amado Nervo
a quien rendía solemne homenaje, ambas obras en arreglo
para orquesta y coros:
I.- Marchita el alma, canción mexicana, orquesta.
II.- “Nuestra Música Popular”, Conferencia.
III.- a) El Olvido, canción mexicana, orquesta y canto.
b) La Despedida, canción mexicana, orquesta y canto.
Soprano: Clementina González de Cosío.
IV.- a) Pasas por el abismo de mis tristezas, coro y orquesta.
b) Comunión, coro y orquesta.
Directora del Coro: Luz Ruiz Sandoval.
V.- Balada Mexicana, piano y orquesta.
Encore: Serenata Mexicana.
Piano: Manuel M. Ponce.
Cantantes, Coro y Orquesta Sinfónica, de la Escuela Libre de
Música y Declamación.
Director: José F. Vázquez.
132

El programa, acorde a los tiempos que corrían, fue de
índole nacionalista salvo las dos obras para Coro y Orquesta
estrenadas en estilo modernista. El público aplaudió al compositor
en su nueva modalidad creativa.
“Ayer en la mañana se efectuó en el salón de conciertos
del Museo Nacional la anunciada Conferencia-Concierto
de la Escuela Libre de Música y Declamación. Debido
al grande y merecido éxito que las anteriores han alcanzado,
el público tenía un gran entusiasmo por asistir a la de ayer y
así lo demostró llenando por completo el local del museo”
—-publicaba Excélsior—.
Suave Patria.- Igual que en 1910 se conmemoró el Centenario
del inicio de la lucha armada por la Independencia de México,
en 1921 el gobierno de Álvaro Obregón festejó el Centenario
de la consumación de ésta; para tal efecto, nombró un
comité organizador integrado por el Ing. Juan de Dios Bojórquez,
el escritor Martín Luis Guzmán y el Gral. Emiliano López
Figueroa; quienes realizaron varios eventos culturales-patrióticos
que incluyeron inauguración de edificios públicos, exposiciones,
“noches mexicanas” en el Bosque y Castillo de Chapultepec,
además de las tradicionales funciones de ópera
“La Ópera del Centenario”, le llamaron. Cerrando los festejos
del “mes patrio” con un baile de gala en Palacio Nacional.
Y también, semejante a 1910 donde el acto culminante fue
la inauguración de la “Universidad Nacional de México”, en
1921 lo fue el establecimiento de la “Secretaría de Educación
Pública”, bajo la dirección de José Vasconcelos.
Con Vasconcelos, el país encontró el camino cultural
moderno. El pueblo deseaba cultivarse y sólo requería de un
líder que iniciara la revolución intelectual; de ese modo surgieron
las Escuelas para Obreros y Campesinos, los Centros
de Artes y Oficios, las Normales Rurales y las numerosas “Misiones
Culturales”, que recorrieron el territorio nacional llevando
consigo la “Buena Nueva del Saber”. En el terreno musical, la
orquesta de Lerdo de Tejada fue nombrada “Orquesta Típica
del Centenario”, presentándose en todos los festejos: Alameda
Central, Bosque y Castillo de Chapultepec, Palacio Nacional,
etc., llevando por doquier su música y las “Canciones
Mexicanas” de Ponce y demás compositores nacionales.
Otro evento sobresaliente fue la publicación del poema
“Suave Patria”, del bardo zacatecano Ramón López Velarde,
fallecido el 9 de junio del mismo año; siendo considerado
desde entonces paradigma de la poesía nacionalista.
133

Como colofón de los festejos se emitieron dos monedas
conmemorativas: una de plata, de ¡DOS PESOS!, con
treinta gramos y 0.900 de ley; y otra más, de oro, con valor
de cincuenta pesos, los famosos “Centenarios”, con 41.666
gramos y 0.900 de ley; cuyo valor a finales del Siglo XX llegaba
a cinco mil pesos, y en la actualidad (2011), valen: ¡ 28MIL
QUINIENTOS PESOS!
Durante el “Mes Patrio” de 1921, los eventos cívicos
revistieron mayor significación y tanto la “Orquesta Típica
del Estado Mayor Presidencial”, bajo la dirección de Juan N.
Torreblanca, como la “Banda de Música del Departamento
de Artillería del Estado Mayor Presidencial”, ofrecieron varios
conciertos de “Música Nacional” interpretando las “Canciones
Nacionales” de Manuel M. Ponce.
En 1921 el ambiente que se respiraba en todos los rincones
del país henchía el pecho de los mexicanos y no tardaron
en aparecer nuevos cantos patrios; ya que “Suave Patria”
caló hondo el sentir de nuestros bardos. De ese modo, el día
25 de septiembre “Revista de Revistas” publicó “El Cantar Millonario”,
del poeta Enrique Carniado; creación nacionalista
en elogio a Munuel M. Ponce, dividida en cuatro partes:
“El Maestro”, “Su Obra”, “El Mendigo” y “Su Tesoro”.
En “Su Obra”, el vate canta:
Era oscura la noche, y en la calle desierta
se acurrucó la tímida Canción junto a su puerta
para esquivar el golpe del rudo vendaval;
y él escuchó en el alma su ruego balbuciente:
Abrió, tomóla en brazos emocionadamente
y encendió para Ella su gran fuego cordial;
para Ella, Alma-Patria mugrienta y andrajosa,
con su gran corazón abierto como rosa
de milagro en el pecho, que es jarrón de cristal.
Y la bañó en el claro raudal de su armonía,
le puso un embrujado collar de pedrería,
ajorcas de oro puro de fino rintintín,
y realizando el tierno “Soñó mi mente loca”,
para encender sus labios le dio un beso en la boca
134

que abrillantó sus negros ojos de capulín.
Él ornó nuestro barro con su oro pulido
y con el preciosismo de acucioso joyero
incrustó con diamantes el opaco cantar;
ha trenzado el sedoso pelo, desatendido,
de la huérfana moza; con donaire y salero
le ha terciado el rebozo y ha rimado su andar;
y —el coral en la boca y en los ojos la estrella—
ha dado el brazo a la graciosa joven bella
que estaba sola y triste a orillas del palmar.
Desentrañando el oro de nuestros patrios sones,
ha hecho volar la gloria triunfal de las canciones
que llevan el latido de nuestros corazones.
Los festejos del centenario también tuvieron eco fuera
del país: En Cuba, durante el mes de noviembre, el tenor
italiano Tito Schipa hizo tres presentaciones en La Habana
incluyendo las “Canciones Mexicanas” de Manuel M. Ponce;
en Nueva York se presentó el pianista Ernesto Berumen, cosechando
cálidos elogios de los críticos a sus interpretaciones
de “Mexican love song” (uno de los nombres con que editaron
“Estrellita” en ese país), y “Balada Mexicana”, de nuestro
compositor. —Vemos, pues, como en los E.U.A. le cambiaron
nombre a “Estrellita” para birlar a Ponce pago por derechos
de autor—.
Era obvio que durante los festejos del Centenario, al
magnificarse lo mexicano, acudiesen al “Nacionalismo” iniciado
por Ponce con sus canciones y rapsodias mexicanas.
Aunque no todo era jolgorio y sana alegría, al margen de los
festejos patrios la maldad corroía algunas conciencias y se
hizo presente durante el mes de noviembre… en la Basílica
de Guadalupe:
El lunes 14, a las 10:30 horas, explotó una bomba (escondida
en un ramo de flores) al pie de la imagen de la Virgen
de Guadalupe. Como resultado de la violenta explosión
hubo mucho daño pero la imagen de Nuestra Señora no
sufrió el menor rasguño. El impacto de la explosión fue detenido
por varios candelabros puestos sobre el altar y por un
135

hermoso Crucifijo de bronce y latón, el cual quedó retorcido
por el estallido… Desde entonces, confirmando aquella conseja
popular: “Lo que no mata… fortalece”, México venera
con mayor fervor tanto a la Virgen que forjó su patria y salvó
a su pueblo, como a la escultura retorcida del Cristo, que se
exhibe en la nueva Basílica.
Un viejo amor.- El 1 de enero de 1922 “Revista de Revistas”
publicó la última creación de Ponce para piano: “Serenata
Arcaica”, la cual vino a sumarse a sus conocidas “Serenata
Mexicana” y “Serenata Frívola”. La bella obra se encuentra
revestida con chispeantes armonías que no suenan al tradicional
barroco europeo, sino a música nuestra, con el color
de la “Suave Patria”. Y fue precisamente durante el mes de
enero que el compositor terminó el primer movimiento de su
poema sinfónico nacionalista “Chapultepec”: “La Hora Matinal”.
Por esos días de helado cierzo invernal, triunfaba en
México Alfonso Esparza Oteo, de 28 años de edad, debido
al éxito de su fox trot “Plenitud” y de su canción mexicana
“Un Viejo Amor” (Exornada con bellas palabras del escritor
mexicano Adolfo Fernández Bustamante); obra dedicada
a Manuel M. Ponce, con quien había estudiado en su niñez
antes de ser organista del Templo de San José en Aguascalientes.
Ahora, viviendo en la Capital del País, Esparza Oteo
no dejaba de visitar a su maestro y cuando escuchó la “Serenata
Arcaica”, le gustó tanto que al poco tiempo estrenaría
su propia “Serenata Española” y más adelante su inmortal
creación “La Rondalla”, que hizo cantar a todo el mundo de
habla hispana, inspirada en bellos compases de la música
“arcaica” de Manuel M. Ponce.
Ponce reapareció en público el 12 de febrero de 1922,
en el Teatro Colón, invitado por la Embajada Francesa para
tomar parte en el homenaje al músico francés Camille Saint-
Saens y al filósofo Emile Boutraux, recientemente fallecidos. El
acto lo presidieron el embajador francés, S. S. Jules Blondet y
el Lic. José Vasconcelos; además participaron el Lic. Antonio
Caso, nuevo Rector de la Universidad Nacional, y el joven Lic.
Vicente Lombardo Toledano. Ponce disertó sobre la vida y
obra del músico francés; Lombardo Toledano sobre el filósofo
galo.
136

Adolfo Salazar.- El día 24 de febrero de 1922, Ponce publicó
en “El Universal” un artículo sobre el “Estudio y clasificación de
nuestros cantos populares”; en él citaba un escrito del compositor
y crítico español Adolfo Salazar (1890-1958), aparecido
en “El Sol de Madrid”, de la Península Ibérica, referente a
la indiferencia de los mexicanos hacia su folclore musical:
“Escriben libritos sobre Beethoven —señalaba Salazar—y
no se preocupan de lo que queda allá en los apartados
rincones de la República”.
Adolfo Salazar había estudiado en París con Manuel
de Falla y Maurice Ravel, e indudablemente que sabía mucho
pues en esa época ya era reputado entre los mejores
censores artísticos de Europa. Sin embargo, el musicógrafo
español no imaginaba que más tarde las vueltas del destino
lo lanzarán violentamente fuera de su patria y en 1937 llegará
a México donde vivirá, trabajará en el ámbito cultural y morirá
21años después, luego de sembrar ampliamente la semilla
de su erudición.
“Adolfo Salazar tiene razón —escribe Ponce—. Nos
ocupamos de las obras de Beethoven, de la vida de Beethoven,
del estilo de Beethoven; quemamos nuestro copal indígena
ante el altar del genio de Bonn. Muy bien. Mas todo lo
que decimos es una repetición más o menos exacta de lo
que señalan los pontífices de la crítica musical europea en las
obras que forman la copiosísima bibliografía beethoviana. Y
lo mismo puede aplicarse a otros grandes maestros.
¿Qué se ha hecho, en cambio, en favor de nuestra
música popular? ¿Dónde está el catálogo de nuestros cantos
y la clasificación de nuestros bailables?... Muy poco se
ha logrado. No hemos procedido con método; no hemos
ordenado nuestros cantos, cuyo origen popular o semipopular
(canciones de clase media) no ha sido determinado con
exactitud; no hemos tenido en cuenta ni el lugar en que se
producen ni el paisaje que las inspiró, ni las condiciones especiales
de los habitantes de cada región; no hemos, en fin,
emprendido el trabajo de clasificación y ordenamiento indispensables
en toda empresa folclórica. El campo de nuestro
folclore musical está, como se ve, aun inexplorado”.
EL “Adiós” de Carrasco.- 1922 fue testigo del arribo a la Ciudad
de los Palacios del compositor y organista Alfredo Carrasco,
conocido por su danza-canción “Adiós”, popularmente
llamada “El adiós de Carrasco”, compuesta en Guadalajara,
Jal. a finales del Siglo XIX. Carrasco, originario de Culiacán,
137

Sin. nació en 1875, aunque desde pequeño vivió en la capital
tapatía donde estudió música con Francisco Godínez.
Su producción musical era abundante pero estaba opacada
por la fama de su canción, que todo México cantaba. Su
alejamiento de la Cd. de México lo mantenía al margen de
las nuevas corrientes de la evolución musical. Ponce le dio la
bienvenida y escribió:
“Hay en la música de Alfredo Carrasco una cualidad
muy estimable: La sinceridad. Este compositor ha permanecido
fiel a su ideal romántico y, como el caminante del soneto
Díaz Mironiano, se detuvo a la mitad de su camino ante
el umbroso árbol del romanticismo para escuchar el dulce y
triste canto de Chopin. En la quietud de su vida provinciana,
el compositor Carrasco ha dejado correr su inspiración límpidamente,
plácidamente, como una corriente cristalina, en su
bosque interior. La música enferma de los ultra-modernistas,
de los “futuristas” que, con sus pedantescas exageraciones
desprestigian la obra revolucionaria de los maestros verdaderamente
geniales, no ha seducido con sus peligrosos hechizos
al compositor mexicano. Los Cyril Scott, los Orstein, los
Erik Satie, giran en órbitas tan lejanas… Alfredo Carrasco se
ha decidido a vivir entre nosotros. Trae como bagaje artístico
sus trabajos pianísticos y orquestales que, tal vez pronto
el público metropolitano —que tanto ha aplaudido su danza
“Adiós” — tenga oportunidad de oír. Entretanto, bienvenido
el artista modesto, que ha sabido expresar sus emociones en
obras tan sinceras como inspiradas”.
Oscar Nicastro.- Durante el mes de marzo, Ponce permaneció
concentrado en el segundo movimiento de su tríptico sinfónico
“Chapultepec”: “El Paseo Diurno”, concluyéndolo el
día 18. Esta parte difiere marcadamente de la anterior, ya
que presenta la vida cotidiana en la metrópoli: al plácido
amanecer en el Bosque, del primer tiempo, siguen los apresuramientos
de los habitantes de la ciudad; el compositor transcribió
de forma impresionista el bullicio del trabajo y progreso
de la metrópoli que crecía.
El 9 de abril, la Banda de Artillería del Estado Mayor
Presidencial, ofreció inesperada audición en la Alameda
Central con motivo de “La Semana Mayor”. Inesperada, por
ser una agrupación militar; inusitada, porque sólo ejecuta
“¡MÚSICA SACRA DE AUTORES NACIONALES !”...
“Primera de este género en la República”, señalaba la invitación,
—Tal vez porque alguien se arrepintió del bombazo
138

guadalupano—:
1.- Ave Verum. Ricardo Castro.
2.- a) Elegía. Julián Carrillo.
b) Plegaria. Juan B. Fuentes.
3.- Motete. Bendita sea tu Pureza. Manuel M. Ponce.
4.- Secuencia de la Misa de Réquiem. Arnulfo Miramontes
5.- Motete Eucarístico. Alfredo Carrasco.
6.- Pater Noster. Rafael J. Tello.
7.- Agnus Dei. Gustavo E. Campa
Solistas:
Cornetín, Jesús Horta (Músico Mayor).
Contralto, Jesús Ramírez.
Trombón, José Esquivel.
Barítono, Emiliano Ponce (Sub director).
Director: Cap. M. Rosas.
Nota: La Audición tendrá verificativo De 11 a.m. a 13 p.m.”
A finales del mes de abril Ponce y Clema asistieron
a la recepción que la Embajada del Uruguay ofreció en
“Sanborn’s” al compositor y cellista de esta nacionalidad, Oscar
Nicastro, de 28 años de edad, quien venía acompañado
de su esposa, la cantante Rita de Simone; además asistieron
los representantes diplomáticos de varias naciones. Por México
acudió Genaro Estrada, oficial mayor de Relaciones Exteriores;
Excélsior informaba:
“Los invitados, exquisitamente atendidos por S. S.
Deambrosis Martins, pasaron a uno de los pequeños salones
de Sanborn’s, donde se sirvió un The-champagne, y enseguida
todos los invitados se instalaron en el bello salón de conciertos,
para escuchar al gran artista Nicastro que deleitó a
la selecta concurrencia con trozos escogidos de música clásica…
Su bella y distinguida esposa cantó algunas bellísimas
canciones italianas con una voz extraordinaria, siendo largamente
aplaudida por la concurrencia”.
De la crónica periodística observamos que en aquella
época Sanborn’s también ofrecía ¡Salas de Conciertos!... Lo
que no señaló Excélsior, fue que Ponce y Nicastro se identificaron
en el marco de la música interpretada, lo mismo sus
respectivas compañeras pues las dos eran cantantes. A causa
de ello, y la alegría del encuentro, el compositor mexicano
prometió escribirle al gran intérprete una sonata para piano y
cello, que estrenará en México durante su siguiente visita, en
otoño del mismo año.
139

La facilidad de Ponce para componer música se hizo
patente el día 22 de mayo; esa tarde Pedro Valdés Fraga
llegó a su casa, para pedirle un arreglo para violín y piano
de dos de sus canciones mexicanas: “Lejos de ti” y “Perdí un
amor” —quiero tocarlas esta noche, le explicó su viejo amigo,
añadiendo—: Yo te ayudo. Ponce, que en esos momentos
trabajaba sobre el tercer movimiento de su tríptico sinfónico
lo hizo a un lado y emprendió la tarea que su colega le solicitaba,
resultando dos joyitas musicales para el instrumento
amado por N. Paganini.
Eduardo Sánchez de Fuentes.- Por esos días primaverales de
1922, llegó a México el compositor cubano Eduardo Sánchez
de Fuentes (amigo de Ponce, con quien escribiera en La Habana
la opereta “Blanca Nieves y los Siete Enanos” sobre un
libreto de Luis G. Urbina, obra actualmente perdida). El compositor
mexicano, director de la sección musical de “El Universal”,
escribió:
“Acaba de llegar a esta ciudad procedente de la
Perla Antillana el notable músico cubano Eduardo Sánchez
de Fuentes. Si hubiéramos de medir el valor de un compositor
por la popularidad de sus obras, a Sánchez de Fuentes bastaríale
la que han alcanzado sus habaneras, especialmente
aquella famosísima “Cuba isla hermosa del ardiente sol” que
ha recorrido triunfalmente el mundo, para considerarlo como
uno de los más notables de América Latina”. Ponce terminaba
su artículo invitando a la comunidad artística local a
la comida que el 19 de mayo se ofrecería en el Parque Lira,
como homenaje al maestro cubano.
Todo parecía muy bien, solamente que la citada habanera
había sido publicada en México por “Wagner y Levien”
como “Tú”, de ¡Miguel Lerdo de Tejada!, quien también
asistiría al banquete. Ese día los artistas se reunieron en derredor
de una gran mesa; el primero en hablar fue precisamente
Sánchez de Fuentes quien, de forma cordial y amable pero
firme, se identificó autor de la citada habanera reclamando
los derechos respectivos. Inmediatamente se hizo un silencio
profundo y las miradas se polarizaron hacia Lerdo. —Dejemos
que sea Mario Talavera, testigo presencial, quien narre lo sucedido—:
“… Lerdo, uno de los principales organizadores del ágape,
no se inmutó por aquella alusión exhortatoria, a pesar que al
punto todas las miradas convergieron hacia él. ¡Y qué miradas!
140

Al escrutar en torno de la mesa podíase observar la
amable sonrisa de mascarita totonaca del maestro don Julián
Carrillo; la plateada cabeza de Manuel M. Ponce que,
al inclinarse de un lado para otro, tal parece que decía: ¿En
qué laberinto te has metido compadre?; el apuesto tipo norteño
de Pedro Valdés Fraga; los bigotes de borgoñés de don
Federico Gamboa (el Pajarito), que atisbaba por encima de
sus inseparables antiparras; los picarescos ojillos de Nicolás
Rangel (Nikita), que brillaban circundados por una constelación
facial de lunares; el ceño adusto de Francisco M. de Olaguíbel;
el pálido rostro de Manuel Herrera y Lazo, con sus nórdicos
ojos evocadores de un flamenquismo que bien pudo
haber heredado de su lejano ancestro don Orlando Lasso,
el melodista; la dulce placidez del padre don Federico Escobedo,
ungido por la Arcadia de Roma con el nombre de
Tamiro Miseneo; el hieratismo pagano de Pepe Núñez y Domínguez;
la abacialidad contradictoria de Roberto el Diablo;
los varoniles mostachos de Alfonso Toro; la sonrisa nipona de
Rubén M. Campos; la pulcritud londinense de Xavier Sorondo;
la impetuosidad de Chema Lozano; las patillas 1830 de Pepe
Luis Velasco; la vivacidad de Jacobo Dalevuelta; la agreste
melena de Ernesto García Cabral, retando a la prematura
calvicie de Vicente Lira, el pantagruélico anfitrión; el sutil ingenio
de Manuel Horta y con ellos Rafael Heliodoro Valle, fiel
trasunto físico de Marco Antonio el triunviro; Pepe Elizondo,
gallardo poeta y humorista; Rafael López, ponderado y discreto;
el taurino y melómano Rafael Solana; Alfonso Esparza
Oteo, recién llegado provinciano… y más y más invitados de
aquellos a quienes las crónicas sociales mencionan con el
amnésico calificativo de “otras personas cuyos nombres sentimos
no recordar”… Ahí estaba yo.
En medio de la mayor expectación, Miguel se puso de
pie, y con voz débil, que hacía concentrar más la atención
de los oyentes para escucharla, así se expresó:
“Debo aclarar que cuando conocí la habanera “Tú”, me
cautivó y por más esfuerzos que hice, no pude obtener dato
alguno acerca de su origen. Sólo deduje que bien podría ser
alguna melodía del folklore cubano perdida en el desbordamiento
provocado por la abundancia de inspiración que
siempre derramaron pródigos los hijos de la bendita patria de
José Martí; llegando hasta nosotros al impulso de las olas, quizá
envuelta en las suaves brisas del Mar Caribe… Divulgarla
con el decoro que merecía, era un deber. Por eso la edité,
respaldándola con mi nombre y sin afán de lucro alguno, ya
141

que en aquel entonces pagábase a los autores una misérrima
soldada; así fue como hice popular en México tu canción,
querido maestro Sánchez de Fuentes”…
—Sánchez de Fuentes: —Gracias, Miguelito…
—De cualquier modo, dispuse de una obra tuya, pero lo hice
impulsado por el amor que me inspiró; y bien sabes que al
absolver a la pecadora de Magdala, el Divino Rabí perdonó
a todos los delincuentes por amor. No obstante, reconozco
haber contraído una deuda contigo, deuda que quiero saldar
invitándote a que establezcamos una inmediata reciprocidad.
¿Cómo? Poniendo a tus órdenes mis obras musicales
para que, a la que estimes merecedora de ser respaldada
por tu nombre, le otorgues ese honor. Y ahora, señores, aquí
estoy a su disposición, a fin de que se me juzgue por el feo
delito de rapto de una bella canción. ¿Quién puede estar
más capacitado que el autor, aquí presente, para dar el fallo?
Acto continuo, el maestro Sánchez de Fuentes se dirigió al
sitio donde se halla Miguel Lerdo, le estrecha entre sus brazos
y le dice: —¡Qué grande eres, viejo! ¡Te admiro!... —y subrayado
por una lluvia de aplausos, atruena en el amplio recinto
un grito unánime, con sucesiones de eco: ¡ABSUELTO!... ¡AB-
SUELTO!...”(10).
Así terminó esa anécdota de la vida real, que pinta el
carácter y entereza de los artistas finiseculares quienes sabían
reír y gozar de la vida, lo mismo que perdonar ofensas y habilitar
nuevas amistades.
Más adelante, el día 25, se ofreció un concierto en
la sala del Museo Nacional en honor del ilustre visitante antillano,
con la participación de Julián Carrillo y la Orquesta
Sinfónica Nacional, así como de las cantantes Clema M. de
Ponce, María Luisa Escobar de Rocabruna y Soledad Matute;
participando además Manuel M. Ponce y el poeta Luis
G. Urbina, que había regresado momentáneamente al solar
patrio. El maestro Sánchez de Fuentes disertó sobre la música
cubana. Clema, acompañada al piano por Manuel M.
Ponce, cantó “Silenciosamente” y “Tú”, del homenajeado;
además, Ponce ejecutó la “Rapsodia Cubana II” para piano,
dedicada a su entrañable amigo cubano, pues las canciones
de Sánchez de Fuentes cantadas por Clema asoman en
algunos temas de la rapsodia.
Días después, durante el mes de junio, Ponce concluye
el tercer movimiento del tríptico sinfónico “Chapultepec”,
titulándolo “Plenilunio fantástico”. Es entonces que el compositor
inicia la Sonata para cello y piano prometida a Os-
142

car Nicastro, abordando decididamente en ésta los métodos
vanguardistas europeos. Desde 1905, cuando compuso en
Italia “Canzonsina de amore” para cello y piano, no escribía
para el mismo dúo instrumental y por esa razón, para entrar
en armonía con dicha combinación, transcribió su reciente
romanza “Un soir”, y su éxito “Estrellita”.
A principios del mes de julio Ponce volvió a recibir noticias
del pianista Ernesto Berumen, quien continuaba triunfando
en la Unión Americana ejecutando “Balada Mexicana” y
“Estrellita”. El compositor mexicano no lo conocía personalmente
pero, agradecido, le hizo llegar un manuscrito de su
reciente “Gavotte et Musette”, dedicada a él. Ponce jamás
imaginó que ese noble gesto le daría tanta publicidad en los
E.U.A. ya que tal hecho apareció ampliamente en la prensa
de esa Nación: “Music News”, “Musical Leader”, “Musical
Courier” y “Musical America”, de Nueva York, Chicago y Los
Ángeles, entre otros:
“New piano work dedicated to Berumen. Muel M.
Ponce, one of mexico’s formost composers, whose “Mexican
Balade” and “Little Star” have been successfully introduced
in this country by Ernesto Berumen, the well known pianist, has
just written and beautiful and brilliant “Gavotte et Musette”,
which he has dedicated to Mr. Berumen. This composition
will appear on all of Mr. Berumen’s programs next season, together
with other novelties”.
El compositor mexicano era el músico más famoso del
continente, los críticos norteamericanos lo sabían y por esa
causa sus obras eran noticia en cualquier lugar.
José Vasconcelos.-Desde que José Vasconcelos llegó a la
SEP, la actividad cultural oficial recibió un fuerte impulso; pintores,
escultores, músicos, poetas, filósofos, arquitectos, escritores,
etc. vieron renacer sus esperanzas al conseguir apoyo
económico. ¡Había trabajo para todos! México vivía rara
etapa de paz y progreso que trajo bonanza al campo y las
ciudades. En ese contexto social, sorpresivamente, sin haberlo
solicitado, el compositor de los cabellos plateados recibió
un regalo celeste a través del “Maestro de la Juventud”:
¡Seis meses de licencia con goce de sueldo! para alejarse de
sus clases de piano en la Escuela Nacional de Música, según
oficio No.22122 de la SEP, del 4 de julio de 1922. Solamente
que el compositor no lo aceptó… pues, entre otras consideraciones,
sus alumnos se entristecieron mucho al enterarse y
143

por esa causa, Ponce, sencillo como los grandes hombres,
continuó laborando como si nada.
“AL C. MANUEL M. PONCE.
P R E S E N T E .
Por acuerdo del C. Presidente de la República, esta
Secretaría ha tenido a bien disponer se concedan a usted
seis meses de licencia con goce de sueldo, a partir del primero
del actual, para estar separado del empleo de Segundo
Profesor de Perfeccionamiento de Piano de la Escuela Nacional
de Música.
Dígalo a usted para su conocimiento y demás fines.
SUFRAGIO EFECTIVO. NO REELECCIÓN.
México, 4 de julio de 1922.
P. O. del Secretario, El Subsecretario. (Firmas).
Certificado de origen.- Los interminables éxitos de Ponce en
su patria y el extranjero entusiasmaban a todos los mexicanos,
pero en mayor medida a sus “paisanos” de Aguascalientes.
El compositor nacido en Fresnillo, Zac., jamás negó su
lugar de origen cuando le preguntaban, pero tampoco se
metía en aclaraciones engorrosas cuando algún periódico lo
señalaba hijo de Aguascalientes, a donde había llegado con
pocos meses de edad. Ponce amaba a su patria, a su familia
y a la música; por ende, eso (su lugar de origen) era algo que
no le quitaba el sueño. Él quería entrañablemente a Aguascalientes,
donde creció, estudió, aprendió música, trabajó y
recibió la influencia de la canción popular; ahí vivía su familia
y siempre regresaba a su querida tierra hidrocálida. En ese
lugar vivían otros zacatecanos ilustres que habían emigrado
para estudiar o trabajar: Ramón López Velarde, Mauricio
Magdaleno, Enrique Fernández Ledesma y otros más, quienes
desde muy jóvenes abandonaron su patria chica para no regresar
pero, igual que ellos, Ponce reconocía su terruño natal
aunque su preparación intelectual correspondiera a Aguascalientes.
Lo anterior no constituía un secreto ni nada semejante;
desde hacía varios años se sabía en México y el extranjero
que el compositor era oriundo de Zacatecas. —Los autores
conservamos un periódico de la Cd. de México, fechado en
1916, donde se publicaba en primera plana y a ocho columnas,
refiriéndose a Manuel M. Ponce: “EL CONOCIDO MÚSICO
ZACATECANO”—. Noticia ofrecida en forma natural como
algo sabido. A mayor abundamiento, el 3 de septiembre de
144

1917 durante su matrimonio civil, el Juez del Estado Civil, Lic.
Alfredo Agraz Hurtado, leyó ante los presentes (invitados y periodistas):
“… El primero (Ponce) dijo ser originario de Fresnillo,
del Estado de Zacatecas, soltero, profesor de música”, etc. Y
frecuentemente lo asentaba en los numerosos programas de
mano de sus presentaciones en México y el extranjero.
—Muchos años después de muerto Manuel M. Ponce, entre
sus pertenencias se encontraron dos pasaportes: En uno, el
compositor aparece oriundo de Zacatecas; en el otro, de
Aguascalientes. Más adelante, cuando Carlos Vázquez decidió
donar numerosos objetos para el Museo Ponce de Fresnillo,
Zac., incluyó el pasaporte zacatecano. Luego, cuando
donó 250 objetos para el Museo Ponce de la ciudad de
Aguascalientes, incluyó el pasaporte hidrocálido—.
Teatro Morelos.- El hecho real era que los habitantes de
Aguascalientes amaban (y aman) a Manuel M. Ponce, pues
lo habían visto crecer y alcanzar fama internacional, dando
lustre y gloria al Estado; por ese motivo, un grupo de admiradores,
periodistas y funcionarios, le organizaron un homenaje
el 16 de septiembre de 1922 en el Teatro Morelos, mismo que
resultó insuficiente pues todos los habitantes querían entrar.
En esa ocasión participó la orquesta sinfónica local, dirigida
por Apolonio Arias, primer fagot de la OSN cuando la dirigía
el compositor homenajeado. El programa fue el siguiente:
I.- Obertura Ruy Blas. F. Mendelssohn.
II.- Bajo los Tilosa.
J. Massenet.
III.- Escenas Pintorescas. “
a).- Aires de Ballet.
b).- Angelus.
Al día siguiente “El Renacimiento” señalaba:
“El señor Miguel Gil, gerente del semanario “Glosario”,
en frases sinceras y entusiastas y a nombre de los periodistas
de Aguascalientes, hizo entrega al maestro Ponce de
un ramo de laurel, símbolo de su triunfo”… y añadía sobre
la función: “Invitado por los organizadores, el maestro fue al
escenario y después de escuchar varios minutos la recepción
que el público le hizo, se sentó al piano y nos deleitó con su
maravillosa trascripción de la “Estrellita”; después nos halagó
con su “Balada Mexicana” y más tarde invitó a su gentil esposa
y ella cantando y él acompañándola en el piano, nos
hicieron escuchar dos hermosas canciones: “Perdí un amor” y
145

“Aleluya”. Imposible sería describir el entusiasmo que hubo en
todo el público, baste decir que ovaciones como la que se le
dio al maestro Ponce y a su esposa, no se habían escuchado
nunca en el Teatro Morelos”.
Otro periódico indicaba: “… De Ponce en consecuencia,
no se puede decir si antes que patriota es artista,
porque en él se confunden esas dos altas cualidades de un
mexicano, porque su corazón late impulsado por esos dos
muy nobles sentimientos, porque en fin, ha hecho patria con
su arte y arte con su patria”.
Ponce y Clema dejaron Aguascalientes prometiendo
conseguir más partituras para la Orquesta a fin de incrementar
su escaso repertorio; cosa que cumplieron con la colaboración
de Julián Carrillo quien, además, logró que la SEP
patrocinara a la Sinfónica de Aguascalientes.
Sonata para cello y piano.- Ponce terminó la Sonata prometida
el día 27 de octubre de 1922, estrenándose a finales del
mismo año en el “Teatro Principal” de la Metrópoli Azteca.
Además de Oscar Nicastro y su esposa Rita Simone, participó
el propio compositor quien interpretó la parte de piano y
acompañó a la esposa del cellista quien cantó: “Forse”, “Por
ti mi corazón”, “Estrellita” y “Aleluya”. Los nombres de Ponce
y Nicastro, más la expectativa de escuchar una nueva Sonata
del compositor mexicano agotaron las localidades. Ponce
trabajó estrechamente con Horacio Ávila, reconocido como
el mejor cellista de México, quien era su amigo y colega en el
Conservatorio Nacional; él se encargó de revisar y digitar la
parte de cello. Dicha Sonata representa otra de las cumbres
de la música de cámara mexicana siendo interpretada desde
entonces por los grandes cellistas del planeta; ya que no
obstante ser música de vanguardia, jamás pierde la esencia
musical que agrada a todo público. Alba Herrera y Ogazón
escribía en su columna de “El Universal Ilustrado”:
“Con la Sonata para violoncello y piano estrenada a
últimas fechas, Manuel M. Ponce confirma su personalidad
de músico de altas capacidades y porvenir internacional. El
popular folklorista posee una facultad creadora que lo eleva
decididamente sobre las peligrosas limitaciones del regionalismo
y algún día podrá autorizarlo a ocupar un puesto de
distinción entre los compositores universales, o sea, de valor
autónomo indiscutible”…
“… El primer tiempo —un “Allegro selvaggio” de gran
arranque, vehemente, sombrío, intenso y bello—, parecióme
146

la parte más importante de la sonata, sin menoscabo de la
deliciosa “Arieta”, donde la romántica musa de Ponce rompe
toda clase de restricciones injustas para cantar con una
exuberancia melódica verdaderamente cordial y confortadora.
El intrincado y difícil tiempo que lleva por título “Alla maniera
d’un studio”, parece bastante menos jugoso, aunque
está admirablemente desarrollado; y en cuanto al final, un
“Allegro burlesco”, lleno de carácter, compacto, chispeante,
animadísimo, contribuyó a dejar la impresión de unidad que,
indudablemente, produce la sonata y que es el signo inequívoco
de la auténtica creación de arte”.
Alba Herrera y Ogazón, igual que Gustavo E. Campa,
era conocedora pero estricta en comentarios favorables; sin
embargo, el recuerdo de Ricardo Castro (su maestro) a quien
veía en Manuel M. Ponce, desbordó su entusiasmo acercándola
al elogio: “Su inspiración luminosa, fluida y rebelde a
muchas peculiaridades de la factura super-moderna, lo han
salvado de caer en la oscuridad y las durezas en que abunda
la música contemporánea”.
En 1922 Ponce caminaba hacia el “Ultramodernismo”
sin abandonar su idea de la estética musical, haciendo más
atractiva su música. Al respecto, Alba Herrera y Ogazón señalaba:
“…La obra aludida, es fuerte, concienzuda y bella,
sumamente moderna, vertida en los moldes “Up-to-date”…
Finalmente, la cronista, entusiasmada, profetizaba: “Se puede
augurar a nuestro Manuel M. Ponce un porvenir seguro y
brillante… siempre será el músico de la melodía innata y consubstancial”.
Bandeja de plata.- El 1 de noviembre Ponce recibió un oficio
del Subsecretario de Educación, sobre la licencia con goce
de sueldo que aún no hacía efectiva. El Subsecretario, extrañado,
se lo hacía ver, pero Ponce prefirió continuar su labor
magisterial:
“Sr. Prof.Manuel M. Ponce.
Escuela Nac. De Música.
C I U D A D.
Distinguido señor:
Me he enterado, con detenimiento, de la atenta nota
de Ud., fechada el 30 de octubre próximo pasado, por la que
veo que hasta la fecha no le ha sido posible hacer uso de la
licencia de seis meses, con goce de sueldo, que le ha conce-
147

dido el Sr. Lic. Vasconcelos, por acuerdo superior, reservándose
para hacer uso de ella próximamente.
Agradezco a Ud. su atención y me suscribo como su
atento, afectísimo y S. S.
F. Figueroa. (firma).”
¿Por qué no aprovechó el compositor mexicano tan
generosa oferta que le hacían en bandeja de plata? Por varias
causas, ya vimos algunas, siendo la principal que generalmente
en la política mexicana todos los funcionarios encumbrados
pasan, pero las instituciones permanecen y la gente
acaba por olvidar sus buenas acciones; aunque las otras,
aunque parezcan buenas… los persiguen hasta en su lecho
de muerte. Por ende, Ponce jamás aceptó algo que enturbiara
el agua pura, cristalina, de su prestigio profesional. Su
existencia pública o privada transcurría sin mácula, habiéndose
esforzado día tras día por mantenerla así. Vasconcelos,
el “Ulises Criollo” amante de la cultura, la belleza y la buena
música, siempre fue su amigo y admirador afectísimo.
Ricardo Castro.- El mismo mes de noviembre, la SEP realizó el
Primer Concurso interpretativo para conjuntos de Música de
Cámara, triunfando el “Cuarteto Clásico” del violinista Ezequiel
Sierra, que también interpretó obras de Manuel M. Ponce.
A partir de entonces, dicho Cuarteto actuará frecuentemente
al lado de otros conjuntos como el famoso “Cuarteto
Luis G. Saloma”, formado desde el 22 de abril de 1896 como
prolongación directa de aquella sorprendente “Sociedad
de Conciertos de Música de Cámara”, que formara Ricardo
Castro quien, al escribir la Primera Sinfonía Mexicana (escribió
dos), el Primer Poema Sinfónico (“Oithona”,1885), la Primera
Suite para Piano y el Primer Concierto (escribió dos), escritos
en México; a más de las óperas “Atzimba” y “La Leyenda de
Rudel”, por méritos propios se erigió como “Patriarca de la
Música Sinfónica en México”. Aunque luego de la Revolución
atentaran bárbaramente contra su obra y memoria, en lo
que la historia calificará como el “Festín de los Enanos”.
La ceremonia de premiación del citado Concurso se
efectuó el 9 de diciembre en el Anfiteatro de la Escuela Nacional
Preparatoria, habiendo interpretado el grupo de Ezequiel
Sierra el “Trío Romántico” para violín, piano y cello, de
Manuel M. Ponce, estando presentes el compositor y su esposa,
quienes recibieron demostraciones jubilosas de cariño del
público asistente.
148

José Rolón.- Extrañamente para el mundo musical mexicano,
el compositor José Rolón, de 46 años de edad, nacido en
Ciudad Guzmán, Jal., se había mantenido lejos del bullicio
artístico de la Capital del país; en donde se le conocía principalmente
por sus numerosas piezas para piano solo. Rolón vivía
en Guadalajara, donde ejercía su actividad al margen de
las innovaciones musicales de boga en las grandes urbes. En
su juventud, Rolón había sufrido dolorosa tragedia familiar: En
corto espacio de tiempo murieron sucesivamente su padre y
su madre, su joven esposa y su pequeña hija. Posteriormente,
la repentina muerte de varios de sus colegas, socios y amigos
cercanos, con quienes trabajaba impulsando la vida musical
de la ciudad, lo afectaron terriblemente sometiéndolo a
constante tormento físico y mental. La parca, insensible, lo
rondaba insistente sin tocarlo ni alejarse de él; lo agobiaba,
pero por algún misterio insondable lo respetaba. De ahí ese
aire severo, triste, místico, que lo rodeaba; tal vez por eso prefirió
permanecer en la quietud provincial, trabajando y cuidando
a María Luisa, su única hija.
No obstante haber estudiado en Europa de 1903 a
1907, su idea de la estética musical aun tenía fuertes raíces
tradicionalistas; sus composiciones conocidas a la fecha seguían
el corte decimonónico de moda en el México porfirista,
entre ellas sus danzas de salón: “Coqueta”, “Amorosa” y
“Risueña”; o bien, sus “Cinco pieces for the piano”: “Mazurca”,
“Prelude”, “Berceuse”, “Arabesque” y “Valse Chromatique”,
dedicado a “Monsieur Manuel M. Ponce”. Además:
“Obertura de concierto”, “Sinfonía en mi bemol”, “Andante
Malincónico”, etc. Su talento artístico lo aplicaba en labores
pedagógicas y organizativas.
En 1907, recién llegado de Europa, cuando María
Luisa tenía siete años de edad, inaugura la “Academia de
Música de Guadalajara” (años después “Escuela Normal de
Música”); en 1911 abre su “Academia de piano José Rolón”
y funda el “Cuarteto Clásico de Guadalajara”; en 1919 organiza
la “Orquesta Sinfónica de Guadalajara”, y no contento
con sus logros, en 1923 añadirá la creación del “Orfeón de
Voces Mixtas de Guadalajara”. Sin embargo, a pesar de vivir
inmerso en la música vernácula jalisciense, Rolón no asimilaba
aún la riquísima veta folclórica de las ferias regionales de
su Estado. No obstante, la corriente nacionalista iniciada por
Manuel M. Ponce crecía incontenible y pronto lo alcanzará
arrastrándolo en su cauce creativo; y mientras el destino
ejerce su función, el compositor tapatío convenció a Ponce
149

de estrenar ahí, en el Teatro Degollado, su Tríptico Sinfónico
“Chapultepec”, habida cuenta que la Orquesta Sinfónica
Nacional de Julián Carrillo tenía comprometidas todas sus
presentaciones. De ese modo, acordaron la fecha para el 5
de enero de 1923.
Luis A. Delgadillo.-Ponce se traslada a Guadalajara a principios
de año hospedándose en el Hotel Fénix, pero en esta
ocasión viaja solo por encontrarse delicada su adorada. La
noche del estreno el Degollado vuelve a cimbrarse, la sociedad
tapatía acudió entusiasmada para aplaudir al mismo
genio que había ovacionado dieciocho meses atrás. Como
auténtico Rey Mago, Ponce les obsequió las primicias de su
creación musical dirigida por él mismo; el triunfo fue completo
y el día 6 escribe a su amada informándole del éxito, aunque
regresa inmediatamente a la Cd. de México, ya que
entre otras cosas pendientes debía preparar el homenaje
que los músicos mexicanos ofrecerían el jueves 18 a Luis A.
Delgadillo, compositor y pianista nicaragüense de 35 años de
edad, autor de una vasta producción sinfónica nacionalista,
cuya inspiración provenía de todo el folclore iberoamericano.
Entre sus obras, que se interpretaban en Nueva York y
Europa, sobresalían la “Sinfonía Centroamericana”, “Sinfonía
Inca” y “Sinfonía México”, elaborada ésta sobre “Estrellita” de
Manuel M. Ponce. Durante el homenaje, Ponce pronunció las
palabras de bienvenida, después Delgadillo interpretó al piano
“Estrellita” y “Scherzino Mexicano”.
Felipe Villanueva.- A iniciativa de Julián Carrillo, el 5 de febrero
de 1923 llegaron a la Cd. de México los restos mortales
del insigne compositor mexicano Felipe Villanueva, muerto
en 1893. La intención de Carrillo era trasladarlos a la Rotonda
de los Hombres Ilustres pero, por los motivos burocráticos de
siempre, sólo consiguió cambiarlos a una fosa de primera clase
del Panteón de Dolores. Solamente que el músico potosino
era hombre decidido y finalmente alcanzará su propósito 22
años después. En esta ocasión, los restos del músico nacido
en 1863 en el pueblito de Tecámac, Estado de México, fueron
objeto de una merecida ceremonia en el Salón de Actos
del Museo Nacional, Manuel M. Ponce pronunció el elogio a
su memoria:
“La personalidad artística de Villanueva es única en
nuestra incipiente historia musical; nacido en la pobreza y el
abandono de uno de tantos pueblos cuya carencia total de
150

ambiente artístico hace más palpable la rusticidad de sus
habitantes, atesoraba muchas elegancias y exquisitez dentro
de su figura tosca y bravía; siendo un genuino producto
del pueblo, jamás se interesó por los cantos apasionados y
tristes de los humildes cultivadores de la tierra; encadenados
por fatal atavismo a una vida llena de zozobras, no vació sus
pesares en una canción lacrimosa, antes bien, con inusitada
gallardía, el hijo de una raza eternamente esclavizada, lanzó
los triunfales acordes del preludio de “Keofar”, digno de
un Wagner. Y estas contradicciones, aparentes quizá, no demuestran
sino la vocación irresistible del músico que aspiraba
a la posesión de un arte fuerte, superior, profundo, de un arte
europeo, en una palabra. Y lo poseyó. Más que por medio de
maestros, con su autodidaxia. Fue, en efecto, un autodidacta,
y con talento y constancia supo vencer las acechanzas
de la fatalidad, representada por la petulancia conservatoriana
que declaró inepto para aprender música al más genial
de los músicos mexicanos!”… Ponce terminaba su participación
señalando: “La suerte fue piadosa con él: Murió joven y
se vio libre del martirio de una vejez miserable, del abandono
y de la ingratitud”.
“Casa de Salud del Periodista”.- El día 21 de febrero Ponce
y Clema participaron en una magna función en el Teatro Arbeu,
en homenaje a la artista argentina Camila Quiroga. El
programa ofrecía música y teatro; además, los artistas aceptaron
ceder lo recaudado para beneficio de la “Casa de Salud
del Periodista”, instaurada en el enorme edificio porfirista
de “Pesas y Medidas” (en lo que hoy es el Club de Periodistas
de México, A. C., en la calle Filomeno Mata esquina con Av.
5 de Mayo); institución que pretendía ser casa de retiro, asilo
y sanatorio del sufrido gremio periodístico. —¿Qué se hizo de
ella? ¿En dónde se perdió tan noble esfuerzo?... ¿Por qué no
continuarlo?—.
Camila Quiroga y su compañía de teatro y zarzuela
nos visitaban con mucha frecuencia gozando de gran prestigio
en el ambiente cultural del país. También participaron
el Lic. Francisco M. de Olaguíbel, poeta y político mexicano
autor de “Rosas de amor y dolor”, quien reaparecía luego de
diez años de retiro. Ponce interpretó “La vida sonríe” y estrenó
su Evocación “Venecia”; Clema cantó “La Mort” y estrenó “Si
tu pouvais venir” de Ponce, poesía con palabras en francés
de Ch. Fuster —manuscrito fechado en 1914—; como “bis”
interpretó “Estrellita”. El compositor mexicano regresaba al
151

Teatro Arbeu después de larga ausencia y por ese motivo fue
recibido y despedido entre ovaciones del público, encantado
de verlo nuevamente al lado de su bella compañera. “El
Universal” informaba:
“Por fortuna Manuel M. Ponce no es de aquellos hombres
que necesite estar en una perpetua exhibición para que
no se les olvide; su nombre se pronuncia todos los días, con
gran cariño. Porque en todas partes hay obras de él”.
Y como es tradición en asuntos del gremio periodístico,
autoridades, empresarios, políticos, militares, intelectuales,
etc., acudieron al teatro para dejarse ver y contribuir a
tan generosa causa.
“La Casa del Radio” (antecesor de la “XEW”).- Ponce y Clema
constituían la pareja artística más famosa del momento
y el público deseaba escucharlos, siendo por ello invitados al
programa de reapertura de la estación radiodifusora “Radio
CYL, El Universal y La Casa del Radio”, de los señores Carlos
Noriega Hope, dueño de “El Universal Ilustrado”; y Raúl Azcárraga,
dueño de “La Casa del Radio”, respectivamente. La
estación se ubicaba en los altos del Teatro-Cine Olimpia; misma
que tras ser reformada “Encendía sus tubos nuevamente”
en febrero de 1923, ahora con mayor potencia.
“Para la nueva serie de conciertos se ha combinado
un programa que será, sin duda, muy estimado por los radiófilos:
el reputado maestro e inspirado compositor mexicano
Manuel M. Ponce tocará el piano, bajo el título de “Evocaciones”:
I.-“La Alhambra”; II.-“Versalles”; III.-“Broadway”.
Enseguida oiremos dos números selectísimos: “La Mort”, a la
que el maestro Ponce ha puesto una hermosa música y “Toi”
(Tú), fina romanza del propio maestro. Ambas serán cantadas
por la distinguida señora Clema M. de Ponce, quien posee
una hermosa voz de mezzosoprano y canta con verdadero
arte”—señalaba la publicidad en la prensa—.
Además participaron el cellista Jesús Camacho, el
violinista francés Santé Lo Priore; el poeta Samuel Ruiz Cabañas,
la soprano Adda Navarrete y la arpista Eustolia Vega;
puesto que se trataba de un programa histórico, con música
selecta.
La presentación de artistas por las estaciones de radio
se debía principalmente a que la naciente industria no
disponía de suficientes grabaciones, y para ofrecer las obras
de moda tenían que invitar a los artistas. Ponce fue el primer
compositor mexicano en escucharse a través de la radio na-
152

cional, pues “Estrellita” se difundió desde 1920, al inaugurarse
en el Puerto de Veracruz las dos primeras estaciónes mexicanas
de radiodifusión.
S.M. Fox Trot.- Durante los meses de febrero y marzo de 1923,
se presentó en la Cd. de México el famoso pianista húngaro
Gabriel de Zsigmondy, quien durante sus numerosos recitales
interpretó a Ricardo Castro, Felipe Villanueva, Rafael J. Tello y
Manuel M. Ponce, quien se ocupó del pianista en su espacio
periodístico “Crónicas Musicales”, de “El Universal”. El compositor
zacatecano era libre de escribir sobre cualquier tema
cultural y lo hacía abundantemente. Sobre el Fox-Trot (Trote
de zorra), baile de origen estadounidense que hacía furor entre
la juventud, escribía:
“Tenemos que aceptar un hecho irremediable, aunque
vergonzoso para nosotros, la conquista que en materia
musical ha consumado en nuestro país la poderosa República
del Norte. La invasión comenzó al paso, continuó a pasos
dobles y ha terminado al trote… de zorra, con la astucia
peculiar de ese mamífero carnicero… (¿Será un fatal augurio?)…
Compuesto de formas viles y ritmos vulgares, el Fox no
puede despertar sino sentimientos desprovistos de nobleza
y dignidad. No habla a la inteligencia ni al corazón; se dirige
únicamente a excitar el movimiento físico, lo cual, según
Belaigue, es la característica de toda música inferior. Ciertos
animales experimentan, también, ese deseo de movimiento
físico al escuchar determinada música bailable. Es perniciosa,
por tanto, la invasión de México por S. M. el Fox. Y es triste,
además, que nuestra juventud se entregue inconsciente en
los brazos del conquistador, sin considerar que detrás del baile
americano que nos invade, se dibujan, como una amenaza,
los faldones del frac de Tío Sam.”
Los primeros 40.- La resolución del compositor mexicano por
continuar en la línea musical vanguardista era firme, manifestándolo
públicamente en su crónica de la presentación del
pianista ruso J. Lhevinne:
“Para no morir artísticamente, Lhevinne practica la
máxima d’annunziana e incluye en sus programas algunas
composiciones de autores contemporáneos que para quienes
creen que la música se acabó con la muerte de Wagner,
son atentados contra el buen gusto e irreverencias hacia
las teorías celosamente conservadas en las aulas musicales
¡Debussy, Bartok! Nombres que evocan una pujante reac-
153

ción contra los últimos y míseros imitadores de los grandes Románticos.
Estos músicos, como toda la actual generación de
compositores, hablan un nuevo lenguaje que, naturalmente,
no podremos jamás comprender si no lo estudiamos, si nos
obstinamos en cerrar los oídos a las nuevas inflexiones sonoras,
a los nuevos procedimientos rítmicos y armónicos. Lhevinne,
con su ejemplo, nos enseña que es preciso renovarse,
estudiar los flamantes dialectos musicales, venerar las obras
maestras de clásicos y románticos y, al mismo tiempo, ir al
encuentro de los que audazmente descubren nuevas rutas
en los vastos dominios del arte”.
—Sí; era Manuel M. Ponce en 1923 a los 40 años de
edad, su discurso musical avanzaba al frente de los compositores
mexicanos de la época, sin dejar de ser armonioso y
sincero. Pero por sus crónicas, se deduce que comenzaba
a dudar de su propia forma de componer; Lhevinne y Rubinstein,
entre otros intérpretes que escuchó atentamente,
lo convencieron de que el mundo musical evolucionaba sin
cesar cambiándolo todo. Por lo tanto, recordando el sabio
consejo de su maestro en Italia, Marco Enrico Bossi: “Hay que
componer música en el estilo presente, o tal vez para el futuro;
pero nunca para el pasado”…Debería, pues, para no
quedarse atrás, aprender los procedimientos de boga en el
Viejo Mundo—.
154

CAPITULO VI
Andrés Segovia.- “DOMINGO 6 DE MAYO DE 1923”… Fecha
que deberá permanecer en la memoria de los guitarristas
del mundo entero como “Alba de Oro” de la música para
guitarra; ya que ese día apareció en “El Universal” la crítica
de Manuel M. Ponce a la primera presentación en la Cd. de
México del guitarrista español Andrés Segovia, quien llegó a
nuestro país patrocinado por la “Asociación Musical Daniels”
para presentarse en las ciudades de Jalapa, Toluca, Guadalajara
y México. Siendo ésta crítica punto de partida de la
creación musical más bella y copiosa escrita en el siglo XX
para el instrumento, la transcribimos completa:
“Oír las notas de la guitarra tocada por Andrés Segovia,
es experimentar una sensación de intimidad y bienestar
hogareño; es evocar remotas y suaves emociones envueltas
en el misterioso encanto de las cosas pretéritas; es abrir el
espíritu al ensueño y vivir unos momentos deliciosos en un ambiente
de arte puro, que el gran artista español sabe crear
desde que sus dedos puntean delicadamente las cuerdas de
su guitarra.
Como su ilustre paisano Pablo Casals, Andrés Segovia,
en su recital de presentación efectuado el viernes en el
Teatro Colón, se apoderó, desde los primeros números de su
programa, del entusiasmo de su auditorio. Después de tocar
las variaciones de Sor, estallaron los aplausos y las aclamaciones,
que se repitieron durante el curso del recital y culminaron
en una delirante ovación, cuando Segovia tocó la más
popular de las “Danzas Españolas” de Granados. La técnica
de Andrés Segovia es perfecta: Sus admirables armónicos
combinados con los sonidos naturales, producen la impresión
de escucharse simultáneamente dos instrumentos de índole
diversa; sus portamentos, empleados con discreción, imprimen
a las frases melódicas penetrantes acentos de dolor, de
ruego, de infinita ternura; la limpidez de sus escalas, arpegios
y progresiones, pone de manifiesto una férrea voluntad dominadora
de las enormes dificultades que ofrece el mecanismo
de la guitarra y los variados e irresistibles efectos dinámicos,
hablan muy alto no sólo de la técnica, sino de la honda musicalidad
y del exquisito temperamento artístico de Andrés
Segovia.
155

Además del “Minuetto” y del “Tema con Variaciones”
de Sor, escuchamos en la primera parte del programa
tres canciones populares catalanas de Llovet, tres deliciosas
melodías revestidas con novedosa armonización, una de las
cuales, la “Filadora”, sirvió a Isaac Albéniz para exornar su bello
poema orquestal “Catalonia”. La noble melancolía de la
“Mazurca” de Tárrega y en la “Serenata” de Malats, fueron
traducidas fielmente y dieron margen al eminente guitarrista
para exhibir sus notables aptitudes. ¡Los clásicos en la guitarra!
Quien no haya escuchado a Segovia, sonreirá al ver en
sus programas los nombres de los santos padres de la música,
Bach, Haendel, Mozart, Hydn… Y, sin embargo, nada más
sorprendente que las encantadoras versiones de la grave y
célebre “Sarabanda” en re menor de Haendel, del delicado
“Minuetto” de Mozart, de la “Canción sin palabras” de Mendelssohn.
Terminó el recital con la “Sonatina” de Moreno Torroba,
una “Danza Española” de Granados y la “Leyenda” de
Albéniz. La “Sonatina” de Torroba fue, en nuestra modesta
opinión, la obra más importante del programa que desarrolló
magistralmente Andrés Segovia, en su recital de presentación
ante el público de México. En esa “Sonatina” se descubre
al compositor lleno de ideas melódicas, al músico conocedor
de las formas clásicas, al sapiente folklorista que con elementos
de ritmos y melodías populares, sabe construir obras
importantes por su desenvolvimiento y nuevas tendencias
armónicas. Andrés Segovia es un inteligente y valioso colaborador
de los jóvenes músicos españoles que escriben para
guitarra. Su cultura musical permítele traducir con fidelidad
en su instrumento el pensamiento del compositor y, de esta
manera, enriquece día a día el no muy copioso repertorio de
música para guitarra.
Casals y Segovia han sido de los pocos artistas que
se han adueñado instantáneamente de la admiración y entusiasmo
de nuestro público, y así como para el maestro del
cello fueron sus conciertos una serie no interrumpida de éxitos,
así para el famoso guitarrista, no escasearán, sin duda, los
más resonantes triunfos y las más brillantes victorias durante la
temporada de conciertos que antenoche se inició con inusitado
esplendor”.
El joven músico ibérico, nacido en Linares (Jaén), ofreció
tres conciertos en el Teatro Colón de la Cd. de los Palacios.
Segovia, de 28 años de edad, ya era reconocido como
el mayor virtuoso de la guitarra valenciana, aunque el reper-
156

torio de ésta era escaso y Andrés sufría para completar sus
programas, formados principalmente con obras de vihuelistas
y laudistas de los Siglos XVI, XVII y XVIII; además de transcripciones
de Bach, Vivaldi y Boccherinni, entre otros maestros
barrocos y clásicos. En 1909 había muerto Francisco Tárrega,
quien fuera el mejor compositor de piezas para guitarra en su
época, y en 1923 eran pocos los músicos de renombre dedicados
a escribir exclusivamente para el instrumento. Sergio
Castillo, guitarrista mexicano, nos dice:
“A principios del Siglo XX, ya lo vimos, los amantes de
la buena música acudían a toda clase de conciertos para
piano, violín, cello, flauta, canto, etc., inclusive de serrucho…
pero no de guitarra, ya que no estaba considerada dentro
del gran género musical. Tampoco había sonatas, sonatinas,
ni conciertos para guitarra; generalmente se le usaba para
acompañar canciones y por esa causa no se le tomaba en
serio, aunque en manos de un buen ejecutante produjera sonidos
muy bellos. La guitarra se volvió compañera ideal para
toda clase de reuniones, serenatas y fiestas populares; acompañante
inseparable de cantantes, gitanos, intérpretes del
“cante hondo” y bailarines de flamenco. Aunque era necesario
tocarla fuerte, “rascarle con ganas”, para que todos escucharan,
pues el sonido derivado solamente de “puntear”
las cuerdas se consideraba sumamente débil.
Al aparecer Segovia en Europa, tocando magistralmente
la guitarra, el sonido de ésta se volvió familiar en el
ámbito de la música clásica, y por esa razón se le equipara
con el joven Albert Einsten en la física, pues ambos fueron innovadores.
La diferencia principal de Andrés Segovia con los
demás guitarristas era el gusto por la música clásica, la cual
no puede interpretarse “rascándole fuerte” ni dando golpes
o palmadas al instrumento, pues para ejecutar adecuadamente
la música clásica en la guitarra se necesita puntear
las cuerdas con los dedos. Además, Segovia descubrió que
podía tocar casi todas las escalas que se producen en el piano;
independientemente de que podía interpretar cualquier
melodía y crear sus propias armonías, con infinita variedad
de combinaciones. De ese modo, con esas amplias posibilidades
de la guitarra, el músico ibérico se propuso firmemente
rescatarla del mundo popular donde vivía, para llevarla a las
salas de concierto del mundo entero”.
La crítica de Manuel M. Ponce impactó al guitarrista
jaenés que enseguida buscó al autor, encontrándose por primera
vez dos días después, el martes 8 por la noche, en los
157

altos del edificio del Cine Olimpia; ya que ambos habían sido
invitados para participar en lo que sería la primera transmisión
comercial de la historia de la radio en México, efectuada por
“Radio CYL”; además de Ponce y Segovia, se presentó cantando
la bella y sensual vedette de moda: Celia Montalbán,
bajo el patrocinio de “Casa Sanborn’s”. Ellos fueron los primeros
artistas en recibir pago por actuar en una estación de
radio en el país, misma que pronto se transformará en la más
poderosa de América Latina: La “XEW”.
Luego de conocerse Ponce y Segovia, surgió entre
ellos una poderosa concatenación musical y espiritual que los
unirá para siempre. A Ponce lo impresionó la calidad humana
del artista español tanto como su profunda musicalidad,
talento y singular genio interpretativo. Por su parte, Segovia
admiró en Ponce al músico conocedor y al hombre modesto,
que siendo genial actuaba con sencillez. —¿Por qué no escribe
algo para la guitarra?—le sugirió Andrés.
Ponce, sin tardanza, le obsequió una página con
tema de nuestro “Jarabe Tapatío”: “De México, página para
Andrés Segovia”, la tituló. Esa fue su primera creación para
guitarra y lo hacía pensando en su Patria. Segovia la interpretó
de inmediato quedando encantado con el resultado
pero, al mismo tiempo, con visión genial, intuyó que en Ponce
había algo más y decidió pedirle una obra mayor para la
guitarra.
—¡Fantástico! —exclamó Segovia al descubrir la facilidad
del compositor mexicano para escribir música— ¡Deseo
llevarme una Sonata suya para la guitarra! —dijo, y añadió:
Una obra grande, que dignifique el instrumento y cierre la
boca de los críticos que no creen que la guitarra sirva para
otra cosa que interpretar piecesitas populacheras…Por favor,
repitio modulando la voz de forma convincente—.
La súplica del joven músico salía del fondo de su alma
de artista, Ponce se conmovió sinceramente.
Enseguida, el músico español explicó el porqué de su
insistencia: Me he propuesto llevar la guitarra a las salas de
concierto del mundo; el mayor obstáculo es la falta de repertorio
original viéndome obligado a transcribir obras de los
maestros del pasado, es la razón que me impulsa para pedir
ayuda a los compositores europeos; Turina, Roussel, Schoenberg,
Torroba, Esplá, Falla y Ravel, contestaron afirmativamente.
¿Me ayudará usted?... Bien podría incluir esta página
en la Sonata.
158

Hacía falta menos que eso para conmover al compositor
mexicano, quien contestó: Veré que puedo hacer en tan
pocos días que faltan para su regreso.
Primera Sonata para Guitarra del Siglo XX.- De esa forma
nació la Primera Sonata para Guitarra de Manuel M. Ponce:
“Allegro”, “Andante”, “Intermezzo” y “Allegro”, son sus cuatro
movimientos; alegres, optimistas, diáfanos…igual que Mozart,
Castro y Verdi: Siempre positivos ante los embates de la vida.
Resultando el “Intermezzo” la “Página para Andrés Segovia”,
a quien dedicará la obra. Años después será editada como
“Sonata Mexicana” constituyendo una creación profundamente
nacionalista, acorde al propósito del compositor de
impulsar el “Nacionalismo Musical Mexicano”, semejante a la
“Pintura Muralista Mexicana” que promovían los Orozco, Revueltas,
Siqueiros y Rivera. Hecho que por primera (y única)
vez en la historia, ubicará al “Arte Mexicano” a la altura de las
principales corrientes culturales del mundo.
Pocos días después, cuando Andrés regresa a su patria,
en su equipaje llevaba los manuscritos de la Sonata y un
arreglo de “La Valentina”, famosa canción de la Revolución
Mexicana. Tal tesoro musical estuvo a punto de perderse,
como le confesó Segovia a Ponce en su primera carta que
le envió para informarle del reciente estreno de la Sonata en
Madrid:
“Con el aplauso del público, crítica y músicos”. “Le
mando a usted prueba de las tres cosas: El público me la ha
pedido de nuevo, los críticos la han alabado… Y como ejemplo
del gusto de los músicos le citaré el de Falla, ante el cual
toqué el Andante y el Final, sin precederlos del nombre del
autor y estaba verdaderamente encantado. Su contento no
disminuyó cuando supo que era de usted”.
Más adelante añade: “El motivo de no haberla incluido
en mis programas antes, ha sido que en uno de mis viajes
perdí una maleta llena de música y libros y no la he recuperado
hasta hace unos días. Ni guardé copia de la Sonata, ya
digitada, ni quería fiar de mi memoria habiendo desaparecido
los manuscritos”…”Pero no crea usted que quiero limitarme
a la “Sonata” y a la ingeniosa “Valentina”. Vuelvo a usted
para solicitarle más cosas, porque todas son necesarias para
mis numerosos conciertos y en todos quiero ver el nombre de
usted”. Vemos, pues, que Segovia poseía el tacto y entusiasmo
necesarios para motivar al compositor mexicano. Finalmente,
Segovia escribe: “Dedicaré este verano (junio, julio y
159

agosto de 1923) íntegramente a poner estas cosas en dedos.
Y celebraría recibir alguna otra cosa de usted. Se animará?”
El último párrafo de la primera epístola de Segovia a
Ponce, es muy importante para ubicar apropiadamente las
fechas de la creación guitarrística del compositor mexicano,
pues al no haber claridad en los manuscritos nos señala que
Segovia regresó a España después de su último concierto en
el “Teatro Colón”, el 11 de mayo de 1923, arribando a la Península
Ibérica 20 días después, durante los primeros días del
mes de junio, a tiempo para efectuar sus presentaciones en
su patria y viajar a París, desde donde escribió a Ponce la
primera misiva (11) de las muchas que le enviará durante un
cuarto de siglo; y como ya llevaba los manuscritos que Ponce
le entregara en mayo, significa que el Genio de México escribió
la “Sonata” y “La Valentina” en un lapso no mayor de
¡Cuatro o Cinco días! …Cosa extraordinaria, si consideramos
que el compositor no conocía aún los límites de la guitarra
valenciana. Posteriormente Segovia comentará sobre la facilidad
de Ponce para escribir música en cualquier estilo: “En
ocasiones sólo le daba el tema y al momento estructuraba
una obra completa”.
Desde 1915, cuando vivía en Cuba, Ponce escribió refiriéndose
a la guitarra: “Instrumento misterioso del que surgen
perfectas armonías y giros melódicos de rara belleza”; “El instrumento
amado por Berlioz”. La amistad entre los dos maestros
pasará a la historia por la abundancia de frutos producidos
para el instrumento, que también amaron F. Schubert y N.
Paganini, logrando Ponce reconocimiento por antonomasia
como “El Chopin de la guitarra”. Por cierto, Carlos Chávez
Ramírez se presentó ante Segovia ofreciéndole dos o tres pequeñas
obras de su inspiración(mal escritas e inconclusas),
pero el maestro andaluz, indignado, las rechazó rotundamente
cortando de tajo la inspiración del imberbe compositor,
quien jamás insistirá en algo que desconocía totalmente.
“Un compositor que pretende escribir música para guitarra
tiene que ser un artista de finísima sensibilidad. La melodía
debe ser inspirada, armonizada con la sutileza que el instrumento
impone. Ni grandes y espectaculares arpegios, ni escalas
alucinantes, ni acordes ensordecedores. Todo debe ser
gracia y poesía. Diría yo que la música compuesta para la
guitarra es la esencia misma del alma del artista, sin especulaciones
ni rebuscamientos” —escribirá el guitarrista argentino
Manuel López Ramos, en “Manuel M. Ponce y la guitarra”, publicación
de Corazón Otero (Mex. Ediciones Fonapás 1981).
160

Saludos cariñosos.- “Saludamos cariñosamente a nuestro
querido maestro D. Manuel M. Ponce, y le deseamos mil felicidades
en este día. México, D. F., mayo 31 de 1923”… Señalaba
un pergamino que Ponce encontró sobre su escritorio
en el Conservatorio Nacional de Música, esa bella mañana
primaveral en que festejaba su Santo. Lo notorio de las 51
firmas, es que la mayoría pertenecen al sexo femenino: ¡ 41
contra 10 !; lo mismo sucedía en su cátedra de la Escuela
Nacional de Música, y en su Academia particular… —No, si
Clema tenía razón—.
Justina Vasconcelos. Ma.de los Ángeles Calcáneo.
Amelia Treviño.
Esperanza Fernández Tagle.
Pedro Michaca.
Alicia Calleros.
Edelmira Calderón.
Felicidad González.
Guadalupe Sanjuán. Raquel Calero.
Filemón Núñez.
Salvador Pichardo.
Alicia Calcáneo.
Ma. Mercedes del Valle.
Ana Ma. Hurtado.
Bertha Contreras.
Leticia Giacopello.
Esperanza Garduño.
Luz Monroy.
Ma. Luisa Valencia y Noris.
Ma. Del Carmen del Valle. Ma. Teresa Maldonado.
Elena Esparza.
Celia Ma. César.
Esperanza Cruz.
Lucila Carmona.
Guillermo Alegre R.
Sara Aguilar.
Elena Sánchez.
Aurelia D. Zerrillo.
Natalia Aguilar A.
Consuelo Villagrán.
Ma. De Jesús Ramírez M. José Martínez N.
Luz Llaguno.
Carmen Azuela.
Juan L. Valle.
Martha Calleros.
Regina Villalón.
J. Montiel Barranco.
Elvira Matute.
Ma. Eugenia Contreras.
Miguel Ponce de León Jr. Ma. Teresa Flores Castro.
Adolfo Magaña.
Adela Maples Arce.
Elsa Garza.
Carmen Eloísa Sañudo.
Joaquín Hermosillo.
Ma. Sebastiana Ahedo.
E. Jaso López.
“Soy de San Luis Potosí”.- “En extremo lucida resultó la fiesta
en el Degollado”… “Fue proclamada reina de los “Charros
de Jalisco” la señorita Matilde Sahagún —señalaba “El Universal”
del 11 de septiembre de 1923; más adelante añadía:
“Toda las localidades del Teatro Degollado se vieron suma-
161

mente concurridas. El octavo número del festival charro fue
encomendado a 400 niñas, quienes bajo la dirección del profesor
Tomás Escobedo, cantaron “Lejos de ti” y “Marchita el
alma” del maestro Ponce”—.
Ponce vuelve a presentarse en la provincia mexicana
el 21 de septiembre, en el “Teatro de la Paz” de San Luis Potosí,
participando en la “Solemne coronación de S. M. Ana María
I. De San Luis Potosí…acompañada de su deslumbrante
corte de amor” —señalaban las invitaciones—. Coronaciones
y fiestas cuyas raíces se remontan a los 300 años de vida colonial
bajo dominio español; también participó la bella vedette
Lupe Rivas Cacho. El compositor arribó el día anterior, hospedándose
en el Hotel Progreso “Mismo al que llegué hace
12 años, pero ahora debería llamarse “Retroceso” —le comentaba
con buen humor a Clema—, añadiendo: “Me porto
bien, no tengo nada que reprocharme”
Al día siguiente vuelve a escribirle llamándola “Pingüinita
linda” y le informa que interpretó dos trozos para piano
en la Estación de Radio local, además de que la noche anterior
estuvo en casa de Salvador Camargo “Departamento de
gran chocolate con su vaso de leche”… “A las 10 me dejaron
en el hotel y esta mañana la emplee en estudiar en el teatro.
Mañana D. M. saldré. Mil besitos de tu fiel…Pingüino”. Al día
siguiente le informa: “Concierto un éxito. Hoy salgo ésa. Manuel”.
A su llegada, Ponce obsequió a Clema el álbum más
reciente de sus “Canciones Mexicanas”, editado por “Casa
Alemana de Música”, donde viene su arreglo a “Qué Lejos
Ando”, con dedicatoria: “A la Pingüinita linda, de su Manuel”;
cuya letra dice:
Qué lejos ando de mi tierra por aquí
ando buscando un amor que ya perdí;
si no la encuentro mañana me voy de aquí,
a buscar otra, pues ¿Qué hago? Pos cómo me quedo así…
Esta canción se las canto a los amigos,
y se las canto para que se acuerden de mi.
Si no la encuentro, mañana me voy de aquí,
pues soy de muy lejos tierras, soy de San Luis Potosí.
162

Estampas Nocturnas.-Es entonces que Ponce emprende la
tarea de reescribir y dar forma final a su primera obra sinfónica:
“Cuadros Nocturnos” para orquesta de cuerdas, estrenada
el 9 de julio de 1912 en el Teatro Arbeu. El compositor
deseaba enriquecerla añadiéndole nuevas armonías y contrapuntos,
además de sumarle un cuarto movimiento en estilo
moderno impresionista, elaborando para ello una fantasía
titulada “Scherzo de Puck”, en obvia referencia al duendecillo
juguetón del “Sueño de una Noche de Verano” de W.
Shakespeare. Finalmente la tituló “Estampas Nocturnas”, dividida
en cuatro partes:
I.- La Noche.
II.- En tiempos del Rey Sol.
III.- Arrulladora.
IV.- Scherzo de Puck.
Esta versión se estrenó el domingo 28 de octubre de
1923 en el Anfiteatro de la Preparatoria, durante una serie de
cuatro conciertos ofrecidos por las orquestas sinfónicas de la
Escuela Nacional de Música y del Conservatorio Nacional,
bajo la dirección de Carlos del Castillo, José Rocabruna, y en
este caso: de Manuel M. Ponce; ante un público entusiasta
deseoso de aplaudir al creador de las rapsodias mexicanas,
resultando que a pesar de los cambios y adiciones vanguardistas,
el producto final conservó la sustancia romántica, convirtiéndose
en una de las páginas sinfónicas mexicanas más
bellas del Siglo XX.
“De ánimo y sabor romántico las Estampas Nocturnas,
cronológica y atmosféricamente, evidencian su situación en
una esfera cercana a directivas impresionistas. El vocabulario,
así como el tratamiento de los materiales comparten
ambos intereses” —señalará sesenta años después, en la Cd.
de México, el compositor y crítico musical José Antonio Alcaraz—.
“Chapultepec”.- Siete días antes, el 21 de octubre, comenzó
en el Teatro Arbeu la temporada de otoño de la Orquesta
Sinfónica Nacional, dirigida por Julián Carrillo; en ella, el popular
conjunto musical alcanzará el punto culminante de su
existencia al interpretar, por segunda vez en el país, las Nueve
Sinfonías de Beethoven, una en cada presentación; amén de
ofrecer varias obras de compositores mexicanos: Tello, Campa,
Mariscal, Ponce, Rolón, Gómezanda y Carrillo; además
163

del estreno en México de dos creaciones de Ravel y Debussy:
“Ma Mere l’Oye” y “El Mar”, respectivamente, entre otras de
grandes maestros europeos. Sobre las dos obras citadas, Ponce
escribió:
“… Debussy y Ravel son los apóstoles en Francia, de
las nuevas tendencias musicales, aunque, contra lo que generalmente
se cree, entre el autor de “El Mar” y el de “Ma
Mere l’Oye”, sólo hay de común su horror intuitivo por las
efusiones románticas y un afán constante de retornar a las
viejas tradiciones francesas, a la gracia, a la ponderación, a
la elegancia de Rameau y Couperin, por medio de procedimientos
novedosos, basados en una nueva concepción de
la “belleza sonora”. En efecto, mientras Debussy cimenta su
personalidad, muy particularmente en una armonización en
la que encadena serie de NOVENAS y usa la famoso escala
por tonos —único patrimonio de sus pobres imitadores—, en
Ravel encontramos una especie de contrapunto, que imprime
a su música determinado carácter melódico, y una predilección
marcada por los acordes de SÉPTIMA MAYOR. El poder
evocador de la música de ambos maestros, es enorme y
sí es verdad que los neófitos experimentan cierto malestar al
esperar en vano una frase conocida, ALGÚN LUGAR COMÚN
musical, también es cierto que cuando se llega a gozar con
el encanto de esta música extraña, escuchándola repetidas
veces, un extenso campo de sensaciones imprevistas se abre
ante el oyente maravillado, que no sospechaba las emociones
nuevas contenidas en una música aparentemente frágil
y EXTERIOR”.
El primer concierto de la temporada de otoño contempló
el estreno de la “Fantasía Mexicana para piano y orquesta”
de Antonio Gómezanda, con el autor de solista. Discípulo
de Manuel M. Ponce, Gómezanda regresaba al país
convertido en compositor nacionalista y concertista de talla
internacional. Para el cuarto concierto del domingo 11 de
noviembre, se anunciaba la Sinfonía en Si Bemol de Beethoven;
el Concierto en Mi Bemol para piano y orquesta de Liszt;
el “Allegro Sinfónico” de Juan León Mariscal, joven compositor
originario de Oaxaca; además del esperado estreno en la
Capital del país de “Chapultepec”. La prensa señalaba:
“Chapultepec, Tríptico Sinfónico de Manuel M. Ponce, se estrenará
el domingo en el Arbeu”. El cuarto concierto de la
brillantísima temporada de otoño de la Orquesta Sinfónica
Nacional que está domingo a domingo llenando la sala del
Arbeu de un público abundante, selecto y culto, ofrece dos
164

atractivos muy estimables para los amantes de la música. Se
trata de la ejecución de dos trozos de música mexicana, el
tríptico sinfónico “Chapultepec” del inspirado compositor
Manuel M. Ponce y el Allegro Sinfónico de Juan León Mariscal,
que obtuvo el primer premio en los Concursos de Primavera
organizados por el H. Ayuntamiento de México.
El tríptico sinfónico del muy estimado maestro Manuel
M. Ponce se estrenó en Guadalajara, hace poco tiempo, y la
crítica y el público de la Perla premiaron al autor con aplausos
y elogios. Se trata de un poema musical, de amable y
ponderada inspiración y de ese criollismo elegante y peculiar
del autor de la celebrada “Estrellita”. “La Hora Matinal”,
el “Paseo Diurno” y “Plenilunio Fantástico” se titulan las tres
partes de la suite y cada una de ellas se caracteriza por su
magnífica instrumentación y su inspiración, suavemente romántica.
Es seguro que el público de la capital aplaudirá con
calor el CHAPULTEPEC, mostrando, una vez más, la simpatía
que ha sabido conquistar nuestro más valioso “folklorista”.
Ese día la mañana era espléndida, como si los elementos
atmosféricos desearan participar en el homenaje
al Bosque de Chapultepec; el menú musical anunciaba
a Beethoven, Liszt, Ponce, Mariscal, Zsigmondy, Carrillo y la
Orquesta Sinfónica Nacional. Nuevamente la sala del Arbeu
fue insuficiente para dar cabida al público entusiasta; había
honda expectación entre público, críticos y periodistas, por
escuchar la última creación sinfónica de Ponce estrenada en
Guadalajara. Finalmente el éxito acompañó al autor de “Estrellita”.
Al día siguiente “El Universal” señalaba:
“Cuando la audición ha concluido y reclamada su
presencia por el público, el compositor aparece en el palco
escénico; posiblemente, saliendo nosotros a nuestra vez del
ensueño, decimos a un amigo que está cerca: El arte de Manuel
M. Ponce se refina y se nacionaliza más y más. En este
Tríptico magníficamente dirigido por Julián Carrillo e interpretado
con calor, con “slancio”, por la Orquesta Sinfónica
Nacional, nos muestra él la inquietud de su técnica siempre
ávida de justeza y originalidad de expresión. Luminoso en “La
Hora Matinal”, elegante y originalísimo en “El Paseo Diurno”,
se yergue, sin embargo, todavía más alto, en la plenitud de
su inspiración radiosa, en el “Plenilunio Fantástico”.
“Sinfonía de la Patria”, de Carlos Chávez.- Para el noveno y
último concierto de la temporada, a efectuarse el domingo
16 de diciembre en los amplios patios de la flamante Secre-
165

taría de Educación Pública, se anunciaba, además de la IX
Sinfonía del Genio de Bonn, la presentación de la Primera Sinfonía
de Carlos Chávez Ramírez: “Sinfonía de la Patria” (12).
Además, se esperaba la asistencia de las máximas autoridades
del país encabezadas por el Presidente de la República
y el Secretario de Educación Pública, Gral. Álvaro Obregón y
Lic. José Vasconcelos, respectivamente. Ponce escribió en su
columna de “El Universal”:
“A pesar de la inquietud que reinaba en la ciudad
con motivo de los recientes acontecimientos políticos (la Revolución
Delahuertista), el amplio patio de la Secretaría de
Educación Pública presentó un aspecto muy animado con
la numerosísima concurrencia que rápidamente ocupó la
parte baja y los corredores del flamante edificio. La mañana
espléndida, invitaba a escuchar la música optimista del
inmenso maestro de Bonn y a cantar con Schiller: “¡ALEGRÍA,
HERMOSO DESTELLO DE DIOS!”. Al final, Ponce agregó: “La
anunciada “Sinfonía de la Patria”, de Carlos Chávez Ramírez,
se suprimió ¿Por qué?”… Pero nadie respondió la pregunta
que hizo en defensa de su discípulo, quien luego del desengaño,
frustrado y sin apoyo, desapareció algun tiempo del
panorama artístico nacional pues su actividad musical a nadie
interesaba, optando por trasladarse a Nueva York, donde
encontrará el verdadero hilo rector de su destino.
Música diferente.- En 1923 volvió a visitarnos Arturo Rubinstein,
el público no lo olvidaba y acudió a los recitales que ofreció
en el Arbeu; solamente que en esta ocasión Rubinstein sorprendió
a todos pues en sus programas, junto a los grandes
maestros del pasado, también anunciaba los recientes compositores
que estremecían las salas de concierto con sus innovaciones
ultramodernas. Al respecto, Ponce anotó:
“… Un abismo separa la “tocata” de Bach y la “Sonata”
de Beethoven de las composiciones de Scriabin, Poulenc,
y Prokofieff, que formaban la segunda parte del programa.
Sólo un espíritu tan ágil como Rubinstein puede saltar del reino
diatónico de Bach y del imperio tonal de Beethoven al
caos armónico de los “ultraístas”. Y, sin embargo, el contraste,
aunque fuerte, no fue penoso. Nuestros “dilettanti”, cuya
intuición musical es sorprendente, entraron de lleno en el espíritu
revolucionario que anima la página de Scriabin “Hacia
la llama”, y siguieron con creciente interés la transformación
del pequeño tema que surge de una suave penumbra y se
166

enciende en los últimos acordes fuertísimos. Tanto esta composición
como las de Poulenc (Movimientos Perpetuos, Non
Chalant-Vif y Marcha) y las de Prokofieff (Visión Fugitiva y Sugestión
Diabólica) difícilmente podrían encontrar un intérprete
más inteligente y emotivo que Arturo Rubinstein.
Dominando a la perfección las obras de los compositores
más avanzados, logra que el auditorio se entusiasme
y procure entender ese nuevo lenguaje musical basado en
la negación del secular sistema diatónico y en la desaparición
de la consonancia, apoyo y sostén de nuestra armonía.
Y contra lo que podría creerse, el público gusta de esta música
extraña percibiendo con notable rapidez el recóndito
encanto que se adivina, entre la tupida trama de sonidos engarzados
por medio de procedimientos condenados por los
textos conservatorianos… Y aplaude convencido; más, ciertamente,
la interpretación alucinante que la obra misma”.
Veintitrés Canciones Mexicanas.- Los días siguientes fueron
de incertidumbre para la nación. ¿Paz o Guerra?… Las graves
querellas de Obregón con la jerarquía eclesiástica, debido
entre otras cosas a la erección de un Santuario a “Cristo
Rey” en el Cerro del Cubilete, del Estado de Guanajuato; ya
habían provocado la expulsión del Delegado Apostólico del
Vaticano, Monseñor Filippi. Posteriormente, De la Huerta, resentido
contra Obregón por no recibir su respaldo para la presidencia,
se levanta en armas en diciembre de 1923 iniciando
la llamada “Revolución Delahuertista”, siendo apoyado por
numerosos políticos y militares quienes lo nombran “Presidente
Provisional”. Una vez repuesto de la sorpresa, Obregón mismo
dirige las acciones en defensa de su gobierno y a los enemigos
que no derrota directamente con las armas los cañonea
con cincuenta mil pesos “oro nacional”, batiéndolos en todos
los frentes, desde California y Sonora, hasta Yucatán.
De ese modo se inhibe la vida cultural del país. Y
mientras a su lado todo era caos, Ponce permanece fiel a
su destino “labrando su suerte” y antes de concluir el año termina
de armonizar Veintitrés Canciones Mexicanas más; las
cuales fueron transcritas por el señor Ricardo L. Hernández,
copista profesional, en un precioso manuscrito de 33 páginas
fechado el 29 de diciembre de 1923.
—El citado manuscrito fue encontrado 75 años después, en lo
profundo de la Biblioteca de la Escuela Nacional de Música
de la UNAM; entregándonos copia del mismo Gonzalo Ruiz
167

Esparza, catedrático del Conservatorio Nacional de Música.
Aunque, como es costumbre en México, no faltaron quienes
afirmaron en la prensa nacional que tales obras no eran
de la autoría de Manuel M. Ponce, por lo tanto acudimos
a nuestros archivos localizando la mayoría de manuscritos
¡Realizados por el propio compositor! Informándolo, por escrito
(conservamos copia), al director del INBA. Posteriormente
presentamos en público las “Veintitrés Canciones Mexicanas”
en una histórica función efectuada el 20 de enero de 1999 en
la “Sala Manuel M. Ponce”, del Palacio de Bellas Artes, interpretadas
por el grupo “Solistas Ensamble del INBA”, dirigido
por el insigne maestro Rufino Montero. El programa fue:
Cúbreme ¡oh Luna! Dos seres hay.
Te amo.
Perdida ya toda esperanza.
Oh, qué bonito…
Quisiera morir.
Qué chulos ojos.
Nunca yo traicioné.
Por esa calle.
Que pronto se te olvidó.
Nunca, nunca.
Palomita.
Cierra esos ojos.
Si eres recuerdo.
Lejos de ti. (IV) (20). Amigo, amigo.
Estrella del norte.
¿Para qué quiero la vida?
Son las horas.
Pobre del hombre pobre.
Hace 8 meses.
Ojitos aceitunados.
La ola (Letra de Josefa Murillo)—.
Algunas canciones tienen su origen en la época virreinal,
pues utilizan palabras en español antiguo; otras son
de La Reforma; otras más se cantaban en las “tertulias literario-musicales”
del porfiriato; pero la mayoría son canciones
del pueblo llano, que la sensibilidad del compositor rescató
y armonizó salvandolas de un olvido seguro (conservamos
un DVD con grabación excelente de la función). Tres de las
canciones: “Hace 8 meses”, “Qué pronto se te olvidó”, y “Palomita”,
junto con: “La Peña”, “Joven Divina” y “China del
alma”, fueron publicadas por “Peer Music”, en un álbum titulado
“Seis Canciones Populares Mexicanas”, de Manuel M.
Ponce; ubicándose al lado de las “Siete Canciones Populares
Españolas” de Manuel de Falla, en las preferencias de los más
famosos intérpretes mundiales.
Dulce Francia.- No obstante los avatares de la política nacional
y sus consecuencias, la música de Ponce volaba libre
como el viento remontando mares y fronteras en las voces de
168

los Coros Ukranianos y sus solistas: Nina Koshitz y Oda Slobodskaja;
quienes, a la “Estrellita” y “Serenata Mexicana” de su
repertorio, habían añadido “A la orilla de un palmar” y “Voy a
partir”; mismas que fueron escuchadas en el Teatro Payret de
La Habana el 21 de febrero, obteniendo aclamaciones delirantes.
En el contexto internacional, Francia continuaba al
frente de las naciones civilizadas; de ahí emanaban las principales
corrientes culturales que seguían TODOS los países, y en
música representaba el centro creativo por excelencia: Falla,
Satie, Ravel, Schoenberg, Varese, Stravinsky, Dukas, Casals,
Segovia, Orstein, etc., vivían o trabajaban en la Ciudad Luz
que ahora, en 1924, celebraba los VII Juegos Olímpicos de la
Era Moderna y México iba a participar por primera vez con 16
atletas; sólo que ¡AL NO HABER DINERO!...organizaron diversos
eventos para recaudar fondos. “El Universal” propuso el
“Concierto Pro Olimpiada”, donde se interpretó el Cuarteto
en Fa de M. Ravel. Ponce anotó en su columna periodística:
“El programa, sobrio y atractivo, ofrecía tres obras de
índole diversa: el Cuarteto Opus 18 No.6 de Beethoven, un
“Trío” para dos violines y piano de Arnold Mendelssohn y el
espléndido Cuarteto en Fa de Ravel. Un siglo media entre la
creación del cuarteto de la melancolía y el de Ravel, y, no
obstante la diferencia de procedimientos que separa ambas
obras con cuánto deleite los escuchamos en una misma audición!
Y es que sobre los procedimientos armónicos o melódicos,
sobre las fórmulas consagradas por la tradición, sobre
las preocupaciones de escuela, el compositor de genio crea
su obra y le infunde vida perdurable. Y así se explica que la
música de Beethoven, escrita hace más de cien años, nos
parezca tan actual como la de Ravel, compuesta hace apenas
cuatro lustros.
El comprensivo auditorio que asistió, sin embargo,
aplaudió con más entusiasmo el Cuarteto de Ravel que el
de Beethoven. ¿Encontró, quizás, en las inauditas armonías
y en los ritmos novedosos de la música raveliana la expresión
más exacta de la vida actual, compleja y refinada? Es posible.
Lo cierto es que las obras de los compositores modernos
más avanzadas, pronto se abren camino entre nosotros. Los
amateurs mexicanos son decididamente, más progresistas
que ciertos músicos de profesión; mientras éstos se limitan al
culto de los muertos, aquéllos, sin menospreciar el pasado,
buscan en las obras de los maestros vivos, nuevas fuentes de
emoción”. Y terminaba señalando: “Los atletas mexicanos
que asistan a París, llevarán entre sus más vivas impresiones
169

el recuerdo de la exquisita audición de música de Ravel, que
!ojalá! sea para ellos augurio de triunfo”.
El suplicio del concertista.- Durante el mes de abril se realizó
en la Ciudad de México un programa de radio dedicado
a Aguascalientes, que vivía la “Feria de San Marcos”, participando
Alfonso Esparza Oteo, Manuel M. Ponce, su esposa
Clema y otros artistas. El Dr. Pedro de Alba, organizador del
evento, comentó con J. M. Guzmán, Presidente del Patronato
de los festejos: “… He visto a los señores Alfonso Esparza
Oteo y Manuel M. Ponce, quienes han acogido la invitación
con verdadero entusiasmo, ofreciéndonos no únicamente su
concurso personal, sino el de algunos ejecutantes que tomen
parte graciosamente. Me permití insinuar al maestro Ponce
el interés que tendría el concierto si permitía que su esposa
cantara en él, pues es una artista de reconocido prestigio
como cantante; así es que contaremos con el concurso de
la señora Maurel de Ponce y además Alfonso Esparza Oteo
se propone invitar a un muchacho violinista Ramón Saucedo,
muy conocido en Aguascalientes y a los cancioneros que dependen
de la Típica Presidencial que son amigos de él”.
Como director de la sección musical de “El Universal”,
Ponce no dejaba de señalar todo aquello que no le gustaba,
como lo hiciera en tiempos de Huerta y Carranza. El día 1
de abril, el compositor acudió al Anfiteatro de la Preparatoria
donde se presentaba el violinista Rafael Galindo, hijo del subdirector
de la Orquesta Típica de Miguel Lerdo de Tejada, y
escribió:
“Viene Galindo transformado en un gran violinista,
cuyas cualidades fueron apreciadas y aplaudidas estrepitosamente
en el recital de su presentación. Todos nuestros
maestros de violín felicitaron al joven artista” —y terminaba
señalando: “En México, el suplicio del concertista radica,
más que en la indiferencia de la multitud que deja las salas
de concierto vacías, más que en el dominio de sus nervios
ante el auditorio, más que en las horas lentas de labor de
“virtuoso”, en las obstrucciones que se le ponen en ciertas oficinas
municipales en las que, lejos de ayudarlo y estimularlo
para que realice su alta misión de Apóstol del ideal, se le mide
por el mismo rasero que al que organiza una novillada o una
función de autómatas. ¿Por qué no se exceptúa al concertista
mexicano de contribuciones y trámites fastidiosos que la
mayoría de las veces no producen sino una cantidad insignificante
a la Tesorería Municipal? —Es bochornoso—decía un
170

viejo violinista al terminar el concierto—: ¡Pretender multar a
este artista porque no fueron sellados unos programas! ¡Esto
sólo pasa en México! Y, desgraciadamente, el viejo maestro
tenía razón”.
El guitarrista Segovia.- El 15 de junio de 1924, “Revista de Revistas”
publicó una entrevista a Andrés Segovia por José D.
Frías, poeta y escritor mexicano de 33 años de edad, que
alcanzara fama durante la Primera Guerra Mundial como corresponsal
de guerra del periódico “El Universal”. La entrevista
fue en París y giró sobre México, Segovia, Manuel M. Ponce y
la guitarra:
“Yo esperaba hallar en el gran artista español, después
de su viaje a México, un hombre ya resonante de las
simpatías que la antigua Nueva España despierta en cualquier
espíritu comprensivo, pero nunca imaginé el calor de
su sentimiento afectuoso para nuestro país. Ya Rubinstein ha
declarado en todos los climas la excepcional calidad de
los auditorios mexicanos, su sensibilidad extraordinaria, su inagotable
sed de belleza musical, y, sin embargo, cuando el
admirable guitarrista hizo el elogio de México, casi olvidé los
efusivos encomios del pianista famoso.
Eugenio de Ors en un maravilloso apunte sobre Segovia, dice:
“La canción del piano es un discurso, la canción del arpa es
una elegía, la canción de la guitarra es una canción”. Y Segovia
es, simplemente, quien mejor puede hacer cantar esa
guitarra que sabe de amores, como escribía Darío:
Urna armoniosa de voz femenina.
caja de música de duelo y placer,
tiene el acento de un alma divina,
talle y caderas como una mujer…
Cuando fui a buscarle a su hotel de “Les Champs
Elysées”, como ante el “virtuoso” quedé sorprendido ante el
hombre, cordial, sencillo y enterado de todos los problemas.
—En cuanto termine una “tournée” que iniciaré en Berlín, después
de dar aquí uno o dos conciertos, yo volvería a México.
Y no crea usted que esto es un cumplido, una cortesía para el
originario de aquel país, no; en México fui tratado admirablemente.
Una carta del gran Alfonso Reyes me introducía al conocimiento
del Ministro Vasconcelos… Ya verá usted que no
171

iba a tener dificultades. Vasconcelos me colmó de atenciones,
un espíritu tan culto, tan vibrante, tan comprensivo, tan…
(no sigo elogios del filósofo Vasconcelos, porque quienes me
reprochan que frecuentemente lo elogio, van a creer que la
tan cálida alabanza no es del artista, sino mía.).—Guardo un
recuerdo principal de Manuel M. Ponce, el músico mexicano
que más pronto se ha dado cuenta de las combinaciones
de la guitarra, del estilo en que es preciso escribir para ella,
y me dedicó una Sonata, cuyos dos últimos tiempos han sido
siempre muy aplaudidos en España, como en los demás sitios
donde la he tocado. Quiero que diga usted eso, tanto como
el recuerdo que conservo del público mexicano. En Jalapa,
Toluca, Guadalajara, como en la Capital, fui recibido cariñosamente,
con ese entusiasmo que ya usted conoce. Caruso y
Godowsky me han declarado que sólo en Italia hay un pueblo
tan sensible al encanto musical como el mexicano, pero
menos respetuoso.
No me sorprende. Y tienen muy bella música. Esa obra
que está haciendo o que ha hecho Ponce, de recoger las
canciones populares, y sobriamente armonizadas hacerlas
escapar de una segura pérdida, es digna de todo estímulo.
En España y usted lo ve, no sólo Falla y Turina con la música
popular de Andalucía, sino Torroba, con la de Castilla. El movimiento
musical trata de obtener todo el fruto de las investigaciones
folclóricas. Y en el Levante, Víctor Esplá inicia esa
misma labor de recoger los aires populares.
La música de los maestros antiguos es muy abundante
para guitarra; pero su interés es menor que el que pueda
ofrecer el grupo de escritores contemporáneos. La dificultad
estriba principalmente en la adaptación que todo compositor
necesita hacer de su pensamiento a la técnica especial, a
los recursos particulares, a las características de un instrumento
singular como la guitarra. Generalmente yo tengo que hacer
algunas adiciones, modificar algunos detalles, etc.; pero
una vez más recuerdo que Ponce casi no tuvo necesidad de
que yo interviniera en su Sonata”.
París, mayo de 1924.
La fecha confirma que Ponce no había escrito más
obras para guitarra, que las que entregara a Segovia hacía
ya un año. Ponce y D. Frías, eran amigos, y antes de terminar
el año el compositor musicaliza otros tres versos del poeta
queretano: “La Luna”, “La Aurora” y “La Lluvia”; los cuales,
172

junto con “La Primavera”, fueron publicados rápidamente
por la casa editora “De la Peña Gil Hermanos”, en un álbum
titulado:
“Canciones Mexicanas para Niños”.
Aprovechando que recientemente se había instaurado
en México el día 30 de abril como: “Día del Niño”. Por esa
razón, y por su belleza musical, el novedoso álbum alcanzó
enorme éxito; cantantes, pianistas, escuelas, etc. ¡Todos querían
tenerlo!
Feliz sorpresa.- Pocos días después, el 19 de junio, Ponce recibió
nuevamente la máxima satisfacción que un modesto
maestro de escuela aspira tener en su vida magisterial: La espontánea
manifestación de cariño y gratitud de sus alumnos.
Ese día, al llegar a su aula del Conservatorio, encontró sobre
su escritorio un hermoso pergamino con la siguiente leyenda:
“A nuestro querido maestro, el Señor Profesor D. Manuel M.
Ponce, en su día, como una demostración de cariño y gratitud
que le profesamos. México, D.F., 19 de junio de 1924. Sus
alumnos del Conservatorio Nacional de Música:
Ma. de los Ángeles Calcáneo, Ma. del Carmen del
Valle, Justina Vasconcelos, José Luis Oceguera, Ma. Mercedes
del Valle, Elsa Garza, Carmen González Alba, Rodolfo
Magaña, Alicia Calleros, Carmen Azuela, Enrique Paz, Esperanza
Fernández Tagle, I. M. Moreira, Elena Sánchez, Guadalupe
San Juán, S. Pichardo, Celia César, Pedro Michaca, Ma.
Esteban Ahedo, Esperanza Cruz, Joaquín Amparán, Elena
Esparza, Lucila Carmona, Montiel Barranco, María Zayas, Elvira
Matute, Filemón Núñez, Juan E. Valle, Luz Llaguno, Ángela
Moreno, Paz Villalobos, José Martínez U., Zerrillo Amelia, Ana
Ma. Villalobos, Alicia Calcáneo y Sara Aguilar.”
Entre los nombres de esta nueva hornada de músicos,
sobresalen algunos que alcanzarán fama en el México musical
del mañana: Pedro Michaca, compositor (“El Zarco”, Poema
Sinfónico, su obra más conocida), fundador del “Ateneo
Musical Mexicano”; Joaquín Amparán, pianista y pedagogo;
ambos originarios del Estado de Durango, semillero de grandes
artistas, los dos alcanzarán la Dirección del Conservatorio
Nacional de Música; Esperanza Cruz, pianista mexicana que
se presentó en las salas de concierto más importantes del
mundo, posteriormente se casó con José Vasconcelos; José
Luis Oceguera, ilustre pedagogo, etc.
173

“El Viejo”.- Ante la forzada disminución de la actividad cultural
en la Cd. de México, salvo las imprescindibles funciones de
ópera, el inquieto maestro zacatecano no se abandona al
dulce “far-niente” y continúa creando obras propias, o bien,
recopilando canciones mexicanas del pasado y del presente,
para armonizarlas y sumarlas al “Cancionero Popular”:
1.- A ti va.
2.- Vals Passioneé, con letra en español y francés, del
misterioso “Noé Mac Ulpmen”.
3.- Ándale y ándale.
4.- El Viejo.
5.- Ha mucho tiempo, vals.
6.- Mi último adiós.
7.- Blanca Virgen.
8.- En noches lóbregas.
9.- Arrullo.
10.- No te apartes de mi.
11.- Un día más.
—Los No. 3, 6, 7, 8, 10 y 11, se titularon con las primeras
palabras de la letra que llevan.
“El Viejo”, está escrito en forma de verso:
Todos dicen que soy un viejo
yo no sé en que se pueden fundar
pues me siento tan sano y fuerte
que tres veces me puedo casar.
Mi cabeza aunque calva está fresca
y mi barba aunque blanca es hermosa
y mi ceja aunque larga es graciosa
adornada de un dulce mirar.
En mis ojos no encuentro defecto
aunque chicos, opacos y hundidos
pero en cambio son tan expresivos
que a los otros suelen cautivar.
En mi boca las palabras mueren
las critican necios e imprudentes
pero suple la falta de dientes
un eterno y continuo sonreír.
174

Doña Rosita, madre de Carlos Vázquez, los atribuía a
Luis G. Urbina, “El Viejecito”, que vivía en España, de cualquier
forma, son deliciosos. Además, el compositor terminó un
arreglo para orquesta de su canción mexicana “Si algún ser”,
que posteriormente incluirá en “Instantáneas Mexicanas”.
Perspectiva aérea.- Ponce era hombre que gustaba estudiar
con sumo detenimiento las corrientes musicales, estructuras
melódicas, ritmos, métrica, cromatismo, intervalos, etc., originarias
de diferentes países, extendiendo sus estudios a la música
de China, Japón, India, Grecia, Arabia, España, Cuba,
E.U.A., Rusia, etc.; buscando una síntesis entre la expresión
musical universal, los conocimientos estilísticos e históricos y
su amplia imaginación de músico del Siglo XX. Tales análisis
le ayudaron a comprender mejor diferentes formas musicales
pertenecientes a otras épocas y lugares, permitiéndole
ubicarse en un plano de universalidad para poder observar
desde una gran perspectiva la evolución musical de oriente y
occidente, derivándose así, de su inspiración, bellas muestras
musicales inmarcesibles al paso del tiempo. Entre las obras
objeto de su atención, encontramos manuscritos con pequeños
trozos melódicos de:
Egipto: “Canto de los sacadores de agua”.
Palestina: “Para llevar a las ovejas a beber”.
Guatemala: “Canto de los indios quichés (Molienda)”.
África: “Conductores de camellos”.
India: —Sin título—.
Corea: “Canto de apasionamiento”.
China: “Entrada al Templo de Confucio”, y “Marcha
nupcial”.
Al final de la página, el compositor anotó: “Fe, Ilusión,
Ensueño y Esperanza”.
En otra página, Ponce indica: China:
I.- Confucio escribió sobre música -551 A.C.
II.- Doctrina oficial China: Li-Ki o Memorial de ritos. Yo-
Ki Memorial de música.
Allí se dice:
“Si una nota se produce, es porque nació en el corazón
humano. Si el corazón humano se conmueve es por
la acción de los objetos. Bajo la impresión de los objetos el
corazón se emociona y esta emoción se traduce en sonidos.
175

Los sonidos se responden unos a otros y esto ocasiona
la diferencia.
Cuando los sonidos presentan estas diferencias, entonces
toman nombres de notas.”
Instrumentos:
Kim y Fché (Especie de Salterio).
Ching (Pequeño órgano).
Ti-yo (Especie de flautín).
Cú—Instrumento de percusión.
También localizamos tres melodías griegas, más elaboradas
que las anteriores.
El mismo año Ponce terminó “Bailable Oriental”, para
piano, con fecha noviembre de 1924. —La encontramos el 11
de junio de 1996 en la Biblioteca del CNM, y se estrenó el 17
de enero de 1999 en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de
Bellas Artes, interpretada por el pianista Héctor Rojas—.
Ponce incrementaba día a día sus conocimientos y
pronto aparecerán títulos como: “Cinco Poemas Chinos”,
“Canciones Arcaicas (Siglo XVI)”, “Arrullo Japonés”, “Arrullo
Alemán”, “Suite en Estilo Antiguo”, etc. Además de sendos
homenajes a genios musicales de otros tiempos, como lo fueron:
Fernando Sor, A. Scarlatti, S. Leopold Weiss, F. Schubert,
J. S. Bach, G. F. Haendel, Antonio de Cabezón, y Francisco
Tárrega, entre otros, elaborados al estilo musical propio de
cada uno de ellos. Creaciones que causarán asombro y se
sumarán a su música francesa, italiana, alemana, rusa, española,
cubana; barroca, clásica, romántica, impresionista,
neoclásica y nacionalista (indígena y mestiza).La versatilidad
creativa del compositor mexicano no tendrá más límites, que
los que él mismo se fije.
“México Viejo”.- Desde que se casaron, Ponce y Clema vivían
cerca del Bosque de Chapultepec en la Colonia Condesa;
pero para 1924 ya eran dueños de ciertos bienes raíces que
Clema y sus hermanos heredaron al morir un familiar cercano.
Entre estos estaba la finca que habitaban y la casa No.31 de
la misma calle; además de cuatro o cinco departamentos
pequeños (algunos adaptados como locales comerciales)
ubicados en la calle Zamora, casi enfrente de donde vivían.
Angelina (hermana de Clema) y su familia, conservaron la
176

casa de su papá ubicada en Brasil No.5 en el Centro de la
Ciudad, misma que alcanzaba la calle de Guatemala (actual
“Pasaje Maurel”); así como una casa más en la Colonia
Juárez, sobre Paseo de la Reforma.
El caso fue que a mediados de 1924 Ponce y Clema
comenzaron a nombrar dichas propiedades en sus cartas,
comentando tanto de los inquilinos y pago del impuesto predial
municipal, como los problemas de mantenimiento (fugas
de agua, resanes, pinturas, etc.) inherentes. Por otra parte,
Clema y su hermana querían vender dos de las casas que estaban
vacías y sólo generaban gastos, pero no era fácil pues
en esa época la oferta de casas y terrenos era muy superior
a la demanda, ya que en todos los rumbos de la ciudad existían
casas desocupadas debido a gente emigrada por causa
de La Revolución, y porque no iniciaba aún la emigración
masiva del campo a las ciudades.
Los departamentos heredados por los Ponce estaban
ocupados pero las rentas eran magras e irregulares, ya que
no todos los inquilinos pagaban a tiempo y había quienes
de plano no podían hacerlo. Tal era el caso de una viuda
con numerosa prole que vivía ahí y atendía uno de los locales
comerciales. Ponce y Clema eran incapaces de correr
a alguien y aunque la fortuna los favoreció un poco jamás
cambiaron sus principios; así, en Navidad de 1924 le enviaron
como regalo a la pobre viuda una canasta rebosante de frutas
y dulces, en donde iba un sobre cerrado conteniendo los
recibos de renta atrasados.
La notable pareja vivía y vestía bien, sin alardes; no
eran avaros ni derrochadores pero cuidaban lo que ganaban,
acudiendo siempre en ayuda de quien se los solicitara.
Y como a Ponce no le gustaba manejar, prefería caminar
o usar el tranvía que pasaba cerca de su casa y lo
dejaba en el Zócalo, a un lado del Conservatorio Nacional.
Desde la instalación del sistema de transporte eléctrico en la
Cd. de México, a finales del Siglo XIX y principios del XX, los
tranvías se convirtieron en el transporte público más solicitado
y económico de la Capital. Porfirio Díaz dejó más de 340
Kms. de vías, que formaba la red tranviaria más grande de
América Latina; la cual, partiendo del centro de la ciudad,
llegaba hasta los puntos más lejanos del área metropolitana:
El Sonido 13.- El sábado 13 de septiembre de 1924, Julián
Carrillo ofreció en el Anfiteatro de la Preparatoria su primera
conferencia sobre el “Sonido 13”; evento que se desarrolló
177

ante un inmenso auditorio ávido de atestiguar qué era eso
que tanto revuelo causaba. Ponce escribió en “El Universal”:
“Hay que reconocerle al maestro Carrillo, entre otras
cualidades, su actividad y constancia en la consecución de
sus propósitos. La inquietud de su espíritu batallador lo impulsa
a la acción y le impone la necesidad del trabajo. Para
su temperamento afanoso nada significan los fracasos, antes
bien, parece que las derrotas le infunden nuevos bríos para
proseguir con vehemente anhelo la realización de sus ensueños.
Y el sábado pasado, en su conferencia, el maestro Carrillo
no sólo no fracasó, sino que la numerosa concurrencia que
asistió al acto, espoleada por la curiosidad de oír el enigmático
sonido 13, aplaudió sus esfuerzos y aprobó el resultado de
sus investigaciones.
Todo el mundo se preguntaba qué misterio encerraba
el sonido 13, objeto de frecuentes reportazgos periodísticos.
¿Será, decían algunos aficionados entusiastas, algo semejante
al descubrimiento de una estrella no registrada en
ningún mapa celeste? Pero, replicaban otros, siendo uno solo
¿Podrá el sonido 13 acabar con toda la música existente? Y
las más encontradas opiniones, los más disímiles comentarios,
acabaron por crear en torno del sonido 13 un ambiente de
misterio, cuya clave poseía sólo el maestro Carrillo. Por eso, el
simple anuncio de la conferencia atrajo una verdadera muchedumbre
ávida de conocer y, sobre todo, de OÍR el famoso
sonido. Pero, cuando el maestro Carrillo afirmó rotundamente
ante la expectación del auditorio que el Sonido 13 ERA LA
DIVISIÓN DEL SEMITONO, todas las esperanzas de escuchar el
maravilloso sonido se vinieron a tierra. Y es que si bien es cierto
que la designación de SONIDO 13 a un nuevo sistema de
intervalos ha servido para atraer la atención del público sobre
problemas áridos de acústica musical, también es verdad
que ese nuevo sistema pudo haberse señalado con un título
menos oscuro y más de acuerdo con la realidad: NUEVOS
ASPECTOS DE LA DIVISIÓN DEL SEMITONO, por ejemplo.
De todas maneras, el maestro Carrillo ha logrado interesar
al público en asuntos musicales, para los que se muestra
casi siempre reacio y esto es ya mucho lograr”… Más adelante
termina añadiendo: “Entretanto, esperamos que el notable
director de la Orquesta Sinfónica Nacional, se servirá
ver en las observaciones que nos hemos permitido hacer a
sus interesantes trabajos, no el afán de negarle méritos ni un
PARTI PRIS obstruccionista, indigno de quien desea ante todo
el progreso del arte de los sonidos, sino la expresión sincera y
178

leal de nuestra particular manera de sentir y pensar. Crea el
laborioso maestro que el éxito de su conferencia nos satisface
grandemente y nos induce a augurarle nuevos triunfos en
sus futuras actividades artísticas”.
Rubén M. Montiel.- Poco tiempo después, Ponce recibió la
invitación de un tal Jesús Carlos Romero Villa, para participar
en una conferencia sobre música y compositores rusos. El
maestro mexicano aceptó no obstante que Jesús Carlos, de
profesión cirujano partero, no le cayó bien; algo vieron Ponce
y Clema en él que no les gustó. En principio, descubrieron que
dicho individuo era incrédulo, ateo, y no sólo eso, pues hacía
gala de ello burlándose de las figuras sagradas de los creyentes.
En la conferencia, ofrecida el 27 de septiembre, Ponce
habló de I. Stravinsky y de la música rusa pero como el evento
comenzó muy tarde por el desorden en la organización, el
compositor terminó apresuradamente y luego de disculparse
ante el público abandonó el local, pues por la noche partía
el tren en que viajaba Clema acompañando a su hermana
Angelina y su esposo Alberto, quienes salían de vacaciones a
San Antonio, Tex.
Lejos de su amada, el maestro mexicano se siente solo
y le escribe casi a diario. Pocos días después, Ponce recibe
inquietantes noticias de Aguascalientes que lo obligan a trasladarse
a esa ciudad, en donde su madre, de 81 años de
edad, había caído enferma. Solamente que cuando el compositor
llegó a su lado ella mejoró notablemente; de cualquier
modo y debido a que su mamá presentaba situaciones
alternas, decidió quedarse un tiempo razonable y desde
ahí continuó escribiéndole a Clema. El día 4 de octubre le
comenta que antes de viajar a Aguascalientes escuchó un
preludio de Julián Carrillo en el novedoso Sonido 13. Por otra
parte, la madre y hermanas del compositor ahora vivían en la
casa No.60 de la Calle Primo Verdad, pues, aparentemente,
la casa y la huerta contiguas al Jardín de San Marcos, les había
sido requisada por el gobierno, sin precisarse claramente
los motivos.
Días después Clema regresa a la Cd. de México,
mientras Ponce permanece en Aguascalientes. El día 15 el
compositor le envía una tarjeta informándole: “Charrasquis:
Mamá mejoradita. Espero dos días más para regresar si su
mejoría es efectiva. Todos te saludan. Escribe. Mille baisers de
ton charrasquis” (Mil besos de tu charrasquis). Más adelante
el compositor regresa a sus clases del Conservatorio, pero
179

como su mamá no estaba del todo bien Clema lo sustituye
en Aguascalientes, quedando Ponce nuevamente solo y triste
en su hogar de la Colonia Condesa, desde donde no ceja
de escribirle a su amada enterándola de cuanto sucede. El
día 30 le comenta sobre la próxima inauguración de una Estación
de Radio llamada “High Life”, cuyo dueño es el señor
Levy, de la que él será director artístico. En su carta del día 31
de octubre le dice: “Extrañándote, eso sí, pues la casa parece
un panteoncito, y ahora más, en día de muertos”. Después
le informa que con motivo de la “Feria del libro” habrá
un concierto con música suya: “Sonata de cello, trío y dos
romanzas por nuestra estimada amiga Elvira González Peña.
Carlitos (González Peña) personalmente fue a mi clase a invitarme
a nombre del Ministro”.
—Se trataba de la ceremonia inaugural de la “Primera
Feria Nacional del Libro”, en el Palacio de Minería, el jueves
6 de noviembre de 1924, por el C. Presidente de la República,
Gral. Álvaro Obregón; pues a partir de ese año la “Feria del
Libro” instaurada en el Palacio de Minería desde la época
de Porfirio Díaz, “subía de categoría” a: “Feria Nacional”; estando
la parte musical del evento con obras del compositor
mexicano a quien las autoridades rendían homenaje. Muchos
años después, en 1980, dicha Feria subirá nuevamente
de categoría, ahora a: “Feria Internacional”—… Aunque en
esencia es la misma de la época porfirista.
Ponce terminaba su misiva señalando un sutil reclamo
que no llegaba a reproche: “Hoy no llegó carta de la chiquita
linda. Puede ser que mañana sí. Entretanto, salúdame mucho
a todos y muy especialmente a D. Jesusita” —su mamá,
a la que en forma festiva le dice—: “¡Ora chi! ¡Ora chi! Estará
muy contenta ¿verdad? Con su muchachita cerca.
Para ti todo el cariño y mil besos de tu Manuel que
nunca te olvida y muy pronto irá a reunirse contigo”.
El 2 de noviembre Ponce le avisa a Clema que está
muy contento pues lo visitó su hermano “Toño”, al que van a
cambiar a la Catedral de México donde oficiará misa todos
los días a las 9:30 horas. También le comunica que lo visitó
Rubén M. Montiel y tocaron la Sonata para chelo y piano (seguramente
que también la interpretaron juntos en la citada
“Feria Nacional del Libro”); después fueron a caminar y jugar
un billarito en San Juan de Letrán (hoy Eje Central Lázaro Cárdenas),
“pero Rubén y yo somos muy chambones” -le señala-.
Y como estaba solo en su casa invitó a Rubén, que vivía
en un hotel. Montiel había sido su discípulo de piano en el
180

Conservatorio Nacional y regresaba a México luego de estudiar,
trabajar y vivir once años en París; ahora preparaba un
concierto de presentación, para el día 20, en el Teatro Arbeu.
El 5 de noviembre Ponce le indica a Clema: “Te pongo
estos renglones desde el correo con la esperanza de que
alcancen el tren de las 5:20. Anoche fueron el doctor y Jose
por mi para llevarme al Iris (se trataba del Dr. Gabriel Malda y
su esposa), donde se efectuaba una función dedicada a los
inválidos del ejército. Concurrió el Presidente. Se representó
la “Danza de las libélulas”, una bobería el argumento, pero
música agradable. Ahora voy a casita a escribir música. Estoy
trabajando Mon Coeur (Mi corazón), que ya sabes es para ti,
musical y sentimentalmente. Hasta mañana señorita profesora
de francés (Clema enseñaba francés a sus cuñadas). Mil
saludos a todos y especialmente para mamacita. ¡Ora chi!
Como siempre muchos besos para ti y todo el cariño
de tu Manuel”.
Las cartas entre los dos cónyuges enamorados se sucedían
abundantes, el destino los separaba pero su cariño
soportaba todas las pruebas; Psíquis, Euterpe, Cupido y Anteros
los unían sólida y dulcemente, convirtiendo su amor en
algo fuera de lo común y si alguna duda hubiere, la epístola
del día 14 lo confirma plenamente:
“Charrasquisdita linda ¡acaba de llegar tu muy grata
y la de “La torcacita en su nido” (su mamá). Me han conmovido
profundamente sus palabras; dice que eres “el alma
de la casa”, “la compañera de sus tristezas” pues que “en
cuanto llora, tú la haces reír”. Es decir que si tú te vienes ahora,
se quedaría la casa como cuerpo sin alma, y la jefecita
desolada. Yo no desearía mas que estar con ustedes; pero
ya ves que no es culpa mía. Si tú quieres, puedes quedarte
otros días allá. Yo te lo agradeceré infinitamente, puesto que
nada menos estás prolongando la vida a quien tú sabes quiero
entrañablemente. Ya te lo he dicho, tu actitud me obliga a
creer en tu verdadero y profundo cariño. Sin embargo, insisto:
Si quieres venir pónme un telegrama y enseguida te mandaré
el dinero o iré por ti si es preciso. Yo no quiero sacrificarte
en ninguna manera. Si voluntariamente quieres acompañar
a mamacita, yo te lo agradeceré eternamente. Si quieres regresar,
dímelo luego.
Rubén y yo, en efecto, nos pasamos largas horas de
música. Anoche se fue a una cena y yo estuve solo. Me acosté
a las diez y lo sentí que entró como a las doce. Le he prestado
la llave de la sala y de la reja, para que tenga libertad
181

y los criados se acuesten cuando quieran. Es muy buen muchacho.
No sabe tomar cognac, a pesar de ¡once años de
Europa! Hoy le di una copita antes de comer e hizo tantos
gestos que le dije que le iba a mandar comprar su chupón y
su agua de azúcar. También le dije que te lo iba a escribir y
se apenó mucho. Lo que le encanta es el dulce de membrillo.
Le hace muchas fiestas. Cuando andamos por la calle, a
veces me dice: ¡Ándele maestro, vamos a tomar un helado!
Vamos al Negrito y nos acordamos mucho de ti. Piden él y
Julián helados de coco, en recuerdo tuyo. Mañana voy a llevar
a Rubén a Brasil 5, Angelina nos invitó! Salúdame mucho,
mucho a todos. A mamacita, que siga aliviadita y que le pido
su bendición y beso su manita. Para la pingüinita cachetona,
todo el cariño y mil quiquís de su Manuel”.
El día 16 de noviembre Ponce le informa a Clema que
lo de “High Life” no se hizo; pero lo visitaba un representante
de la R.C.A. Víctor solicitándole nuevas composiciones,
situación que aprovechó para pedirle a la compañía de fonógrafos
que le pagara alguna cantidad por los discos ya
grabados, y se aclare quiénes cobraban los derechos que le
corresponden. Asimismo, le hace saber que nadie se interesa
por la casa que venden en Paseo de la Reforma, a pesar de
ofrecerla tan sólo en treinta y ocho mil pesos. En su epístola
del día 19 le dice que el 3 de diciembre se presentarán cinco
de sus mejores alumnos del Conservatorio, seleccionados
luego de escuchar a 40 de ellos, en un examen especial presidido
por Carlos del Castillo; más adelante le comenta que
está preocupado por Montiel, debido a que puso el precio
de los boletos de luneta a cinco pesos en lugar de los tres que
le había recomendado y no se venden; consecuentemente,
podría perder los 500 que ha invertido en tal concierto-negocio…
del día 20. Igualmente le comenta que debe presentar
una conferencia sobre el Oratorio, ya que Carlos del Castillo
se lo pedía insistentemente, pero estaba terminando sendas
notas sobre Corelli y Vivaldi.
Finalmente, el concierto de Montiel obtuvo inesperado
éxito artístico y económico. En su crónica de “El Universal”,
Ponce señalaba:
“Como lo habíamos previsto, Rubén Montiel triunfó
fácilmente en su primer concierto, efectuado en el Teatro
Arbeu. Pero si el éxito artístico podía preverse después de escuchar
un simple ensayo del joven chelista, no así el social,
porque tratándose de manifestaciones de alta cultura como
son los conciertos serios, sucede con frecuencia que nuestros
182

aficionados prefieren quedarse en casa y, cómodamente
arrellanados en muelles asientos, dedicarse a escuchar la interminable
lista de “notabilidades” que noche a noche desfilan
por las estaciones transmisoras de radio.
Afortunadamente en esta ocasión, los dilettanti dejaron
en paz los audífonos y concurrieron en gran número a deleitarse
con el arte exquisito de Rubén Montiel. Ni lo elevado
de los precios, ni el malestar que serios problemas políticos y
sociales han creado recientemente en nuestro ambiente, ni
el temor a un resfriado, fueron obstáculos para que los amantes
de la buena música asistieran al concierto. El animado aspecto
que presentaba la sala antes del recital era un augurio
de éxito para el concertista”.
Ponce, ya lo vimos, generalmente triunfaba en todo
lo que emprendía puesto que en cuestiones artísticas era
persona enterada, disciplinada, constante y afanosa; pero si
algo no conocía bien eran los asuntos financieros. En ese aspecto
pecaba de temeroso y sentía verdadero terror cuando
tenía que invertir en algo…como sus presentaciones públicas,
prefiriendo no hacerlas. “No hay nada más miedoso que
el dinero” —solía decir para no arriesgar—. Por esa causa le
aconsejó a Montiel que vendiera a tres pesos el boleto, pero
el joven chelista no hizo caso, arriesgó, los vendió en cinco
pesos y triunfó. Lo mismo le pasó a Ponce en 1916, cuando se
presentó en Nueva York: Hasta el último minuto pensaba que
iba a fracasar y así le informó a Clema en una carta patética
escrita el mismo día de su presentación, sin imaginar que el
grueso del boletaje se vendería poco antes de la función logrando
sonado éxito que resonó en las páginas de la prensa
norteamericana, cubana y mexicana (Ver Tomo I).
183

184

CAPITULO VII
El Oratorio.- El día 23 de noviembre de 1924, Ponce envía a
Clema su acostumbrada misiva y un telegrama con mil felicitaciones
por su onomástico, señalándole que en el Conservatorio
le pagaban cien pesos a la decena (todos cobraban
a la decena, era costumbre de la época). Al día siguiente
vuelve a escribirle informándole que la conferencia sobre el
Oratorio fue la noche del día 23 en el Anfiteatro de la Preparatoria,
logrando muchos aplausos. “El Oratorio salió un poco
desafinado por el poco estudio; sin embargo, gustó debido
a la belleza de sus coros magníficos. Carlos del Castillo quedó
muy agradecido”. Ponce vuelve a sorprendernos por su
facilidad para escribir en poco tiempo el Oratorio con que
acompañó su conferencia. Música y coros que actualmente
están perdidos.
—Sin embargo, al entrevistar en 1997, en Cd. Juárez,
Chih., al maestro Juan Huss Frausto, que fuera discípulo de
Ponce en el Conservatorio Nacional y también de forma particular,
nos comentó que Ponce tenía archivada una Misa
completa y cuando le preguntó sobre ella, el compositor
contestó que no se interpretó en la Catedral de México porque
antes debía ser aprobada por la Mitra en Roma, y nunca
la mandó. Por esa causa Frausto se la pidió para cantarla
con el coro de su Iglesia Metodista (ubicada en la calle Gante
del Centro Histórico). El compositor no tuvo inconveniente
en dársela siendo interpretadas tres partes: Gloria, Aleluya y
Amén, en 1944:
“Este mismo año, con toda probabilidad, México podrá
escuchar la Misa coral del maestro Ponce, ejecutada al
órgano por el maestro Estrada (Jesús), cantada por 120 jóvenes
bajo la dirección de Juan H. Frausto”.
Artículo publicado, con varias fotografías, el 19 de febrero de
1944 en la revista “Hoy”, de la Cd. de México. Juan Huss falleció
a mediados del mes de abril de 2002, a los 86 años de
edad—.
La parte literaria de la citada conferencia, versó sobre
los orígenes del Oratorio en Italia, iniciándola Ponce a partir
de su visita personal a la Iglesia de “Santa María in Vallicella”,
en Roma:
185

“…Aquella modesta iglesia había sido el centro de las
actividades de San Felipe Neri, fundador de la Congregación
del Oratorio, refugio de las almas piadosas azotadas por el
huracán del Renacimiento, cuyo soplo formidable introducía
las prácticas paganas hasta la misma silla de San Pedro”…
“El Oratorio, como ya lo hemos visto, salió de un noble y generoso
deseo de San Felipe Neri: Proporcionar una honesta
y piadosa distracción a los fieles, para apartarlos de las corrientes
pecaminosas del Renacimiento. Es decir, el Oratorio
representaba la reacción católica contra el paganismo de
esa época. Consecuente con los propósitos del Santo, el Oratorio
musical evolucionó desde las primitivas Laúdes que cantaba
el pueblo hasta la representación auricular, en la cual
podían seguir paso a paso las almas piadosas el desarrollo de
historias bíblicas o místicas relatadas por diferentes voces y el
coro.
Pero la evolución del Oratorio se efectuó bajo la influencia
inevitable del movimiento iniciado por Monteverde y
los cantores de Florencia, movimiento que determinó la creación
del melodrama, el que en breve tiempo llegó a constituir
el espectáculo favorito del público italiano”. Más adelante,
el compositor mexicano hace hincapié en la sorprendente
evolución del Oratorio y la Ópera, señalando: “Y este paralelismo
en la evolución del Oratorio y la Ópera, no termina ahí:
Se observa también en la decadencia de ambos, cuando la
falta de músicos superiores los arrojó en manos de compositores
mediocres, incapaces de una profunda renovación, generadora
de nuevos procedimientos, de nuevos caminos en
la composición musical. Además, la decadencia del Oratorio
se debió en gran parte a la falta de espíritu religioso entre los
fieles de la Congregación. A finales de 1600, ya el Oratorio no
era un lugar de recogimiento, dedicado a prácticas piadosas;
antes bien, dice Aleleona, al Oratorio asistía un mundo
elegante y los caballeros hacían gala de cortejar a las damas.
¿Qué restaba de la meditación severa sobre las verdades
cristianas y morales, de las cuales el Oratorio musical era
una ilustración y un apoyo? Bien otras eran las meditaciones
de los nuevos feligreses… El Oratorio se convirtió en un sitio de
recreo mundano, en absoluto contrario a la idea noble de su
Santo Fundador…”
Ay! Qué dolor.- Cuando Fray Antonio de Santa Rosa de Lima
llegó a la Cd. de México, Ponce y Clema se alegraron mucho
aunque no ocultaban cierto temor por la suerte de su
186

hermano canónigo, ya que las relaciones de la iglesia con
el gobierno de Plutarco Elías Calles (había tomado posesión
el 1 de diciembre) eran muy tensas, al grado de que amigos
y familiares de sacerdotes vivían en constante zozobra siendo
hostigados frecuentemente por individuos de baja calaña;
situación gravísima, porque nadie los defendía. En esas
condiciones, para un humilde Fraile Franciscano llegar a la
“Ciudad de los Palacios” en esa época significaba lo mismo
que llegar a la Roma de Nerón para los seguidores del Divino
Maestro.
Por otro lado, Ponce tuvo oportunidad de conocer
la música virreinal guardada en el templo, y pronto hizo una
trascripción para coro de una obra del barroco novohispano
llamada “Ay! Qué Dolor”, de 1701, atribuida a Antonio Salazar,
quien junto con Ignacio Jerusalén y Manuel de Sumaya,
se distinguieron como organistas, compositores y directores
de capilla durante los Siglo XVII y XVIII. Y estando próxima la
Navidad, el maestro escribió un Villancico para canto y órgano
sobre una poesía de autor anónimo del Siglo XVI (A la
Reina del Cielo).
Antes de finalizar 1924, Ponce terminó dos arreglos
para orquesta y canto de “Estrellita”: uno para dúo de soprano
y contralto, y otro para soprano coloratura (la voz más
aguda), flauta, piano y orquesta de cuerdas, terminado el
30 de diciembre; brillante arreglo que la cantante rusa Nina
Kochitz primero, y la francesa Lily Pons después, llevaron exitosamente
a todos los rincones del mundo. 1925 encuentra a
nuestro compositor elevado a “Profesor de perfeccionamiento
pianístico” del Conservatorio Nacional; mientras tanto, realiza
dos arreglos musicales más, ahora de su “Serenata Mexicana”:
uno para dúo de soprano y contralto, con orquesta
de cuerdas; y otro para dos coros de voces iguales, interpretado
“a capella” (sin acompañamiento).
Danza Yaqui.- A raíz del éxito de las “Canciones Mexicanas
para Niños”, y recordando que muchos músicos del pasado
dedicaron tiempo y talento a escribir obras para los pequeños:
Beethoven, Schubert, Bizet, Debussy, Ravel, etc., Ponce
emprende la tarea de escribir música para los pequeños pianistas
mexicanos. El cantor del alma mexicana no quitaba el
dedo del renglón nacionalista continuando su búsqueda de
material popular, sometiendo a sus ojos y oídos escrutadores
la música de los antiguos mexicanos de diferentes regiones
del territorio nacional. De ese modo, elabora singulares
187

arreglos para piano de música indígena pentafónica “Ritmos
asimétricos, evocaciones de conjuntos instrumentales prehispánicos
y armonías que se alejan de la tonalidad clásica” —
señala Pablo Castellanos, sobre esa música de Ponce—:
“Canción de los tamales”, “Danza de la lluvia” y
“Canción de la lluvia”, cantos huicholes; “Los Xtoles”, canto
maya; “Danza Yaqui” y “Danza de los Tecuanes”. Todas
ellas graduadas didácticamente con armonías simples para
los pianistas principiantes, orientando la sensibilidad de los
pequeños hacia el amor por la música de sus antepasados
indígenas.
La abeja en la oreja.- Para 1925 había cesado la Revolución
Delahuertista y el país, en paz, volvía a la senda del desarrollo.
Plutarco Elías Calles, de 47 años de edad, que había
sido maestro de escuela, comerciante y agricultor en su lejana
Sonora, iniciaba su gestión presidencial deseando hacer
un buen gobierno; por lo mismo, intenta un debil esbozo de
Reforma Agraria y favorece la organización obrera, aceptando
consejos hasta de los antiguos “Científicos” porfiristas;
desafortunadamente para el país, a su lado permanece Luis
N. Morones, ambicioso líder sindicalista dueño de inmensa
fortuna, que no ocultaba su malestar por el auge de ciertos
sindicatos católicos nacidos en época del Apóstol de la Democracia,
que trabajaban muy unidos y se mantenían lejos
del control de la CROM, la poderosa central obrera creada
por Morones. ¡Son un peligro para el gobierno! —le repetía
constantemente a Calles… hasta que le dejó la abeja en la
oreja—.
Al margen de las intrigas políticas, la vida cultural en
la capital del país se reactiva poco a poco con la visita de
varios artistas procedentes de la Europa Oriental: Alfred Mirovitch
y Alexander Brailowsky, pianistas rusos; Aga Lahowska,
soprano polaca; y Bogumil Sykora, cellista checoeslovaco,
entre otros; quienes interpretan lo mismo a compositores
clásicos y románticos, que a Scriabin y Stravinsky. Solamente
que el público se había alejado de las actividades culturales
(salvo de las imprescindibles funciones de ópera y zarzuela),
ya que entre otras cosas, la delincuencia urbana había aumentado
notablemente como no se veía en muchos años.
Recientemente Ponce y Clema, al llegar a su domicilio, fueron
testigos de cómo un raterillo salía de su casa brincando
la barda tras robarse ¡la llave del agua del jardín!... Por ese
motivo y para evitar sorpresas desagradables, Ponce instaló
188

un sistema eléctrico que activaba un timbre cuando alguien
abría la puerta o subía la escalera.
“En ese caso, o cuando escuchaba algún ruido sospechoso,
tomaba mi pistola y disparaba al aire” —contaba
el compositor, quien se encerraba en su recámara bajo siete
llaves—
“Que se lleven lo que quieran, pero que no entren a mi recámara
cuando estemos dormidos”—decía.
El día 20 del mes de marzo, Ponce se presentó en el
Anfiteatro de la Escuela Nacional Preparatoria, en la misma
función de la soprano polaca Aga Lahowska, quien llegó al
país con mucha fama y prestigio por su capacidad políglota,
que le permitía hablar y cantar en varios idiomas, español incluido.
“Su voz, su escuela de canto sin vicios, y su fina intuición
para recoger y expresar fielmente el sentimiento de
lieder, el género más puro del arte musical, son condiciones
que hacen de Aga Lahowska una liederista eminente. Para
que cada “lied” no pierda parte de su carácter y gracia nativa,
Lahowska los canta en su idioma original, así podremos
observar en el siguiente programa que del italiano Giordano
y Pergolesi salta al alemán de Schubert y Schumann o al francés
para interpretar lindas églogas del Siglo XVIII; o al ruso, al
polaco o español, según lo demanden los nombres de Paderewski,
Mussorgsky o Manuel M. Ponce” —indicaba el grueso
programa de mano—.
Dicho programa contemplaba 19 cantos en 6 idiomas
diferentes. La tercera parte “cerraba” con 6 lieder de
nuestro compositor, quien acompañó a la bella paisana de
Chopin, logrando carretadas de aplausos que indujeron a los
“bis” requeridos por las ovaciones del público, colmado de
placer estético.
Cuatro días después Ponce y Clema vuelven a escena,
participando en la celebración del Centenario del Museo
Nacional, celebrado en el Anfiteatro de la Preparatoria.
En dicho evento, presidido por el Dr. J. M. Puig Casauranc,
Ministro de Educación Pública, ante un lleno inusual en esos
días de la vida nacional, también participaron Joaquín Amparán,
pianista de 22 años de edad, discípulo de Manuel M.
Ponce en el Conservatorio Nacional; Rubén M. Montiel y Pedro
Valdés Fraga. Clema cantó “Al Nilo”, de H. Leroux, obra
para canto, chelo y piano, como número final se interpretó el
“Allegro” del Trío Romántico de Ponce.
189

El día último del mes, la Sociedad de Alumnos de la
Escuela Nacional Preparatoria efectuó una ceremonia para
premiar a los ganadores de los concursos de Filosofía y de
Historia Patria, convocados el año anterior. En Filosofía triunfó
Ángel Carvajal y en Historia, Jorge Meneses. El evento fue
presidido por el Dr. Alfonso Pruneda, rector de la Universidad;
en la parte musical se interpretó el “Allegro” y el “Andante”
del Trío Romántico, de Manuel M. Ponce, ejecutado por el
autor, Rubén M. Montiel y Pedro Valdés Fraga. Además, cantó
Elvira González Peña acompañada al piano por el autor
de “Estrellita”. El Lic. Narciso Bassols pronunció brillante discurso
alusivo al evento organizado por los alumnos del plantel.
En esta clase de actos sobresale la calidad de los participantes
pero, sobre todo, admira la seriedad con que los jóvenes
estudiantes de aquella época elaboraban sus proyectos, en
vehemente afán de superación y respeto.
Silvestre Revueltas.- Durante el mes de abril de 1925 se presentó
en la Cd. de México el pianista ruso Alexander Brailowsky,
asombrando al público con su técnica y sensibilidad interpretativa
que lo llevaron a ser considerado entre los más
grandes pianistas de la historia. Ponce anotó en su columna
de “El Universal”:
“Brailowsky posee una fuerza ilimitada de expresión. El
esplendor de su mecanismo subyuga. Admira la penetración
de su talento para lograr interpretaciones armoniosas y equilibradas
en obras tan complejas como la Sonata de Liszt, sin
descuidar los más pequeños detalles de la dinámica… Es un
pianista completo, serio, conciente de su poderoso magnetismo,
cuya irradiación influye sobre el que lo escucha, encantando
con la magia de sus sonidos”.
A finales del mes llegó a México el violinista Silvestre
Revueltas, originario de “Santiago Papasquiaro”, hermoso
poblado del Estado de Durango, quien regresaba a la capital
del país luego de varios años de estudios superiores de música
y perfeccionamiento interpretativo en diferentes centros
universitarios de los E.U.A. Revueltas lucía muy seguro, usaba
pelo corto y vestía impecablemente; había madurado y el
futuro se le presentaba espléndido. Ponce lo adivinó luego
de escucharlo y dejó sus impresiones en el “El Universal” del
día 4 de mayo de 1925, ahí anotaba:
“Es justo dedicar un elogio a Silvestre Revueltas, el vio-
190

linista mexicano. Ha sabido luchar en tierra extranjera y viene
ahora con su tesoro, con su más precioso tesoro, a ofrecerlo
a sus compatriotas. La actual desorientación musical de la
metrópoli ha hecho que pocas personas presten atención al
notable violinista que asciende, no obstante los tropiezos del
camino, a la soñada perfección de su arte. ¿Pronto la alcanzará?
Su laboriosidad y entusiasmo son dos buenos guías en
su “selva oscura”. En reciente concierto le oímos obras muy
bien tocadas: La Sonata de Haendel, los Trozos de Kreisler y
Vieuxtemps. Todos los estilos se amoldan a su temperamento
exquisito. Conoce el arte de encantar cantando en su violín
largas frases de ternura o de pasión. Sabe deslumbrar a su
auditorio con la brillantez de su técnica. Hay en él —usando
una frase vulgar—“madera de concertista”. La prensa anuncia
nuevas audiciones de Revueltas. Una feliz oportunidad,
pensamos nosotros, para que el público de esta capital estimule
con su presencia al notable violinista mexicano.”
Revueltas, con 25 años de edad, se presentaba en la
Capital del País como un violinista más que buscaba destacar
en el concertismo nacional, aun no se conocía ninguna
creación suya por lo que nadie conocía sus dotes de compositor.
Aunque, aparentemente, el hombre que venía del norte
intuyó que no era su tiempo de actuar en la gran ciudad y a
pesar de haber dejado magnífica impresión en sus conciertos,
interpretando música de los grandes maestros, luego de
otras presentaciones y una gira sin mayor trascendencia al
interior del país, en la que estrenó en Guadalajara su “Elegía”
para canto y piano, con letra en francés, prefirió regresar a
los E.U.A. para continuar su preparación integral como violinista,
compositor y director de conjuntos orquestales... El genio
se preparaba acuciosamente.
Ni plagios ni profanación.- El día 15 de mayo Ponce publicó
un artículo periodístico con el nombre arriba señalado, contestando
un artero ataque lanzado desde otro diario local,
donde señalaban que “estilizar” los cantos populares constituía
¡Un delito! Añadiendo que el compositor mexicano era
incapaz de crear nada original…
Repuesto del malintencionado señalamiento, Ponce
aceptó el reto, recogió el guante e hizo una clara defensa de
su actividad musical universal o nacionalista, apoyándose en
sólidos argumentos y añadiendo una larga lista de sus principales
composiciones musicales ajenas al folklore nacional:
“En uno de los últimos “Comentarios al vuelo” que pe-
191

iódicamente publica un periódico, se afirma con lamentable
falta de sindéresis que la noble labor de “estilizar” los cantos
de un pueblo, revistiéndolos con adecuada armonización
para presentarlos ante el mundo civilizado en forma de figurar
dignamente en cualquier programa de concierto, es un
delito”... “¡Extraño error! ¿No habrá pensado el señor comentarista
que siguiendo su falso criterio llegaríase a condenar
por idéntica falta al músico que recoge las tonadas populares
para librarlas de un olvido seguro catalogándolas y embelleciéndolas,
que a un literato o poeta que espiga en el
campo de la fantasía popular y con las leyendas, tradiciones
o consejas anónimas logra, aprovechando los recursos que
le presta su arte, no sólo salvarlas del olvido sino cooperar a
la formación del alma nacional fijando en el pentagrama, en
la cuartilla o en la escena, lo que los ingleses han sintetizado
en una palabra: FOLKLORE que, en resumen, no es otra cosa
que la ciencia del sentimiento del pueblo?”
“…Ladrones y profanadores de los cantos populares
han sido —según el autor de los “Comentarios al vuelo” —
Bach, armonizando los corales protestantes; Beethoven, utilizando
temas populares en su Sinfonía Pastoral y en los Cuartetos
dedicados al conde Rasomowski; Haydn, empleando
frecuentísimamente en sus obras melodías croatas; Verdi, en
su “Aída”; Chopin, en sus “Mazurkas”; Liszt, en sus famosas
Rapsodias; Brahms, en sus “Danzas Húngaras”; Mendelssohn
y Schumann en sus “Volklieder”; Grieg, en su admirable obra
nacionalista; Mussorgsky y sus cuatro amigos, dignificando
los aires populares rusos; Albéniz, en su estupenda “Iberia”;
Pedrell, en sus óperas; Devorak, en sus obras sinfónicas; Smétana,
levantando el monumento a la nacionalidad checa
con su Ciclo Sinfónico, a base de cantos populares; Sibelius,
en Finlandia; Béla Bartok en Hungría; Granados y De Falla en
España; Cadman, en los Estados Unidos y muchísimos más,
cuya enumeración resultaría enojosa ¿Quién se acordaría de
las humildes tonadas populares de tan remotos países si esos
grandes artistas y fervientes patriotas no las hubiesen PLAGIA-
DO Y PROFANADO, dignificándolas y elevándolas a la categoría
de obras de arte? En cuanto a mi incapacidad para
producir algo que no sean las armonizaciones de los cantos
populares, voy a demostrar al señor que escribió el comentario
que a mi vez comento que, en mi carrera de compositor,
quizá mis trabajos folklóricos son los menos importantes en el
terreno musical. He aquí una lista incompleta de composiciones
en las que no ha entrado la inspiración popular:
192

Composiciones para piano: 27 Mazurkas, Intermezzo,
Romanza de amor, Minuet, Gavotte et Musette, Valse Galante,
Dos Serenatas (Frívola y Arcaica), Horas augustas (Dos
trozos), 14 Trozos románticos, Mayo, Primer Amor, Preludio Galante,
Preludio y Fuga sobre un tema de Haendel, Preludio
y Fuga sobre un tema de Bach, Juventud, Preludio Trágico,
Hacia la Cima, La vida sonríe… La Hilandera, Morire habemus,
(Estudios de concierto). Scherzino a Debussy, Gavota
en re bemol, Cuatro pequeñas fugas para los principiantes,
Bocetos nocturnos (dos trozos), Leyenda, 5 hojas de álbum,
Once Miniaturas, Tres Nocturnos, Bersagliera, Plenilunio, Paz
de Ocaso, Serenata Marina, La Alhambra, Versalles, Venecia,
El alba sobre el Rhin, Broadway (Evocaciones), Alma en
primavera, Álbum de amor (7 trozos), Sonata en si bemol menor,
Alma triste (del “Glosario íntimo”), Capricho, Elegía de la
ausencia, Concierto en fa sostenido menor, Metamorfosis de
concierto de la “Estrellita”.
Para canto y piano: Cuatro canciones infantiles (letra
de José D. Frías), 9 Canciones originales (La Estrellita, Lejos de
ti, Adiós mi bien, Cerca de mi, Por ti mujer, Todo pasó, Yo te
quiero, Ya sin tu amor, Por ti mi corazón). Romanzas: Ofrenda,
Aleluya, Toi, Último ensueño, Canción del martirio, La Mort, Un
soir, Si tu pouvais venir, Forse, Ho bisogno, “Breit ueber meine
haupt” y “Ihr Lerchen” (Poemas de Von Schak).
Música religiosa: “Ave Gratia Plena”, “Bendita sea tu
pureza”, para cuatro voces, “Alborada Guadalupana”. Para
orquesta: Tríptico sinfónico “Chapultepec”, “Interludio Elegiaco”,
“Gavota”, “Estampas Nocturnas” (cuatro trozos sinfónicos:
La Noche, En tiempos del Rey Sol, Arrulladora y Scherzo
de Puck), “Trío”, piano, violín y chelo.
Figuran en el catálogo de mis composiciones, además
de las mencionadas, una Sonata para chelo y piano,
otra para guitarra (que Andrés Segovia toca con frecuencia
en sus giras artísticas) y otras que como el “Himno a la Raza”,
los cantos escolares, etcétera, no harían sino alargar inútilmente
esta enumeración. Debo advertir al articulista que una
buena parte de las obras apuntadas, con excepción de las
de orquesta, están ya impresas y el resto verá próximamente
la luz.
… Gracias a esos trabajos de estilización de nuestros
cantos populares, artistas tan eminentes como la Raisa, la
Galli Curci, Tito Schipa, Casals, Rubinstein, Segovia, Lehvinne,
Madame Lahowska y otros muchos los han incluido en
sus programas. ¡Lástima que en muchos casos la selección
193

de las melodías y su realización armónica, no haya estado
de acuerdo con la idea que dio vida a nuestro nacionalismo
musical! El material existe; pero no hemos sabido ordenar
los trabajos ni unificar los esfuerzos. El ennoblecimiento de los
cantos del pueblo no es un hurto ni una profanación. Y si el
señor Ministro de Educación Pública diera oídos a las descabelladas
proposiciones del citado comentarista, no haría otra
cosa que proceder de muy diversa manera que en los países
civilizados, donde se utilizan y remuneran los trabajos de los
más distinguidos folkloristas.
El autor de los “Comentarios al vuelo” debería a su vez
obrar con más cautela al tratar asuntos que desconoce, pues
de otra manera sus vuelos en las columnas del periódico en
que escribe, en lugar de majestuosas ascensiones de águila,
resultarán para sus lectores sólo ensayos de ánsar, es decir,
verdaderas gansadas”.
2°. Viaje a Europa.- El artículo que atacaba a Ponce fue muy
comentado en todos los niveles culturales de la capital del
país pues, entre otras cosas, fue redactado por alguien alejado
del mundo musical, carente de conocimientos en la
materia y sólo intentaba desprestigiar la imagen del músico
mexicano; seguramente instigado por algún personaje envidioso,
de los que tiran la piedra y esconden la mano. Únicamente
que el intento resultó burdo y fortaleció la figura del
artista, puesto que público, crítica y prensa unidos defendieron
al compositor. Además, la respuesta del maestro fue rotunda
y exhibió a sus enemigos de tal forma, que cesaron
los ataques. Días después Ponce fue requerido por el Ministro
de Educación Pública, Dr. Casauranc, para informarle que
tanto él como Carlos del Castillo, director del Conservatorio
Nacional de Música, acordaron comisionarlo para un trabajo
de índole educativo en Europa “Pues nadie mejor que usted
para desempeñarlo adecuadamente”. Ponce, tomado por
sorpresa, no daba crédito a lo que oía.
—Sí, añadió Carlos del Castillo, decidimos actualizar
los métodos de enseñanza musical y necesitamos conocer
los objetivos y alcances de las recientes tendencias en el Viejo
Mundo, especialmente el papel del folklore en las obras de
los nuevos compositores. Así, pues, tiene 6 meses para investigar
las novedades inherentes al arte musical de vanguardia
en sus diferentes aspectos pedagógicos, folkloristas, etc., y los
procedimientos aplicados para recoger y clasificar los cantos
populares.
194

Por ese motivo —señaló el Ministro—, decidimos enviarlo
con gastos pagados, transportes y viáticos para usted
y su esposa, pagándole íntegro su sueldo del Conservatorio
durante el tiempo señalado, y un sobresueldo que la propia
Secretaría le hará llegar.
—¿Y para cuándo es esto?—preguntó el compositor,
saliendo de la nebulosa en que se encontraba al darse cuenta
que el asunto iba en serio—.
—Desde este momento, contestó el Señor Ministro, indicando:
El vapor francés “España” sale de Veracruz hacia Francia,
porque ahí hay que empezar, el próximo 25 de mayo; así que
apenas tiene tiempo de arreglar sus asuntos. —Agregando
en tono disimulado: Y no nos vaya a salir con una negativa—.
—No… claro que no, sólo que es muy sorpresivo. Todo
me imaginaba menos esto —-contestó el aun anonadado
maestro—.
Y siguieron abrazos efusivos, sonrisas, felicitaciones, algunos
brindis con cognac y los mejores deseos por parte de
los organizadores.
La noticia del viaje a Europa le pareció maravillosa
a su fiel compañera, que no cabía en sí de gusto. —Pero no
creas que va a ser fácil —le dijo Ponce muy serio—, la comisión
me obliga a redactar un informe amplio y detallado a la
Secretaría de Educación Pública, mismo que será la base y
desarrollo posterior del proyecto educativo-musical del nuevo
gobierno; por esa causa tendremos que viajar mucho por
Francia, Alemania, Italia, España, etc., allá podremos buscar,
escuchar, analizar y seleccionar cuanto nos sirva para
el cumplimiento de la misión. Es una gran responsabilidad —
sentenció al final de su perorata—.
GITARRE-KONZERT.- Poco antes de emprender el viaje al Viejo
Mundo, Ponce recibió varios recortes periodísticos que le
enviaba Andrés Segovia, con las crónicas de sus presentaciones
en Alemania, Rusia, Polonia, Francia, España, etc., donde
presentaba con todo éxito la Sonata y la “Valentina”. Tales
periódicos, de 1924 y 1925, comentaban sobre el compositor
Manuel M. Ponce, resaltando títulos como: “THEATER UND
KUNFT, GITARRE-KONZERT; uno de ellos señalaba el éxito que
obtuvo María Bonilla, soprano mexicana, de 23 años de edad
que estudiaba en Alemania, en un concierto donde interpretó
las “Canciones Mexicanas” de Manuel M. Ponce. Otro diario,
del 15 de abril de 1925, de Los Ángeles, Calif., comentaba
la exitosa presentación del pianista mexicano Salvador Or-
195

dóñez, quien interpretó el Concierto para piano de Ponce;
con la particularidad de haber sido acompañado por una
Orquesta Sinfónica ¡Femenil! La crónica del evento señalaba:
“Feminism can be effective in simphonic as well as in political
movements…” Los hechos anteriores indicaban claramente
que la música de nuestro compositor se escuchaba en todo
el planeta; dándose el raro fenómeno de que la música nacionalista
de Ponce y la pintura mural mexicana, ponían a
flote a nivel mundial el prestigio nacional tan vilipendiado por
causa de la revolución interminable.
Joaquín Amparán.- Antes de embarcarse para el Viejo Mundo,
Ponce y Clema dejaron sus asuntos personales en manos
del Sr. Juan Chávez, de 58 años de edad, y de su esposa
“Columbita” (media hermana de Clema) quienes, además
de amigos cercanos también eran sus padrinos de boda;
ellos girarían a Europa el dinero de las rentas de sus inquilinos
y también lo enviarían a su mamá y hermanas. Posteriormente
Ponce y Clema viajaron a Aguascalientes para despedirse
de su familia y recibir la bendición de su mamá, dejándola
en buena salud.
Las clases de piano, tanto en su Academia particular
como en el Conservatorio Nacional, quedaron a cargo de su
discípulo Joaquín Amparán, a quien Ponce recomendó ampliamente
con Carlos del Castillo, director del plantel, como
maestro interino en su lugar durante los 6 meses que estaría
fuera del país. Amparán era un alumno sumamente estudioso
y pronto se convirtió en el discípulo mas aventajado; sus
facultades pianísticas eran fantásticas y no desmerecían de
su personalidad y calidad humana, tan difíciles de encontrar
en un solo individuo, por esa razón el compositor mexicano
no vaciló en recomendarlo personalmente al Ministro de Educación
Pública, para que cuando hubiera oportunidad lo
enviaran a perfeccionarse a Europa, precisamente al Steren
Ches Conservatorium de Berlín, donde él había estudiado a
principios del siglo.
Morenita mía.- El México que Ponce dejaba en 1925 atravesaba
una etapa crucial en su desarrollo; la capital sufría
transformaciones urbanas y sociales espectaculares, por doquier
surgían nuevas edificaciones y colonias residenciales
cambiando el paisaje aun provinciano. El Banco de México
comenzaba a operar, surge la Cía. Mexicana de Aviación; la
Ford, General Motors y General Electric instalan sus plantas en
196

la Metrópoli abriendo las puertas a centenares de empleados
y obreros; el Club de Fútbol América repetía como campeón;
el 12 de abril se retira definitivamente de los ruedos Rodolfo
Gaona, el famoso “Califa” de León; el Presidente Calles celebra
fastuoso desfile de carros alegóricos pues su hija resultó
electa Reina del Carnaval (primero y único celebrado en la
Cd. de México). La Capital de la República intentaba recuperar
a grandes pasos los años perdidos para no quedar a la
zaga de otras urbes como Buenos Aires, Río de Janeiro, etc.
Por el contrario, en el renglón musical se vivía grave
etapa de estancamiento: no había orquesta sinfónica, ni
planeación ni incentivos del gobierno militar, como sucedía
con la pintura mural que florecía notablemente. Rivera, Montenegro,
F. Revueltas, Siqueiros, Rodríguez Lozano, y Orozco,
encabezaban el movimiento muralista mexicano mientras la
música clásica y sus intérpretes sufrían tremenda acometida
por parte de la radiodifusión comercial que, sin barrera alguna,
penetraba los hogares mexicanos llevando programas
musicales corrientes, insulsos; aunque, claro, había excepciones:
Ese año la radio daba a conocer el primer bolero
mexicano que alcanzó éxito en todo el país: “Morenita mía”,
del compositor neolonés Armando Villarreal; su letra poética,
sencilla, y su hermosa melodía ganaron el favor de la población
que rápidamente comenzó a cantarlo pues no requerían
gran voz para interpretarlo, si acaso algo de entonación,
lo demás era… ¡Estilo!... Esta peculiaridad del “Bolero” y su forma
musical sin grandes desarrollos armónicos ni contrapuntísticos,
permitieron el arribo al ambiente musical de ¡Miles! de
intérpretes (“Crooners” les llamaron, cantantes con poca voz
pero mucho “estilo”…) y compositores “populares”; quienes
llevarán al romántico bolero(porque siempre fue romántico),
a las preferencias entre la población en detrimento directo
de las “Canciones Mexicanas” y los intérpretes de “Alta Pauta”;
relegados desde entonces a ser escuchados únicamente
en las salas de concierto, ya que esa música… ¡ llegó para
quedarse !
Ponce dejaba tras de sí una admirable producción
lírica que superaba las 300 composiciones; con su partida se
iba el único impulsor creativo que durante más de tres lustros
estimulara la vida musical de la nación, dando origen y
forma definitiva al arte musical nacionalista puesto que no
aparecía aún quien pudiera ocupar su lugar. Pasarán varios
años de incertidumbre, lucha entre hermanos y mediocridad
197

musical, para que surja en el horizonte nacional la recia figura
del hombre llegado de Durango, que dará con su genio vida
e interés al resurgimiento musical del país, en tanto Ponce retorna
al solar patrio.
Antes de salir para Veracruz, Ponce atendió una entrevista
periodística:
“¿Usted sigue cultivando la música popular a pesar que se lo
han reprochado? —Sí, porque tengo la seguridad de hacer
algo por la música nacional.
—¿Cree usted que ha evolucionado el arte nacional?
—Sí, y no sólo ha evolucionado, sino que muchos
compositores contemporáneos se dedican más a escribir sobre
temas nacionales contribuyendo a su engrandecimiento.
Porque nuestros cantos populares son la expresión natural de
la vida del pueblo y están llamados a contribuir poderosamente
a la formación del alma nacional. Es lógico que el férvido
deseo de recogerlos y utilizarlos haya determinado un
movimiento favorable a la idea de conservarlo y propagarlo
en forma artística.
¿En qué forma será posible realizar esta noble idea?
—Hay que fijar la posición del compositor frente al
problema de la música nacionalista, el creador debe en primer
lugar, ser sincero, obedeciendo el secreto impulso que
lo acerca al ennoblecimiento del canto popular o lo lanza
por los caminos de la creación original, habrá hecho su obra;
buena y perdurable”
“Discípulo de Manuel M. Ponce”.- Contentos, Ponce y Clema
llegaron al Heróico Puerto de Veracruz; la feliz pareja arribó
con tiempo suficiente para arreglar su documentación. Al día
siguiente, mientras caminaban por el Malecón, escucharon
el sonido desafinado de un organillo que interpretaba “Estrellita”.
Ponce se acercó al organillero y sonriente le indicó:
“Es más rápido, dele vuelta (a la manivela) más rápido”. Así
lo hizo el intérprete trashumante y el sonido mejoró. Cuando
terminó la ejecución, el compositor le dio unas monedas y se
identificó como autor de la obra musical. Más tarde, cuando
Ponce y Clema regresaban, vieron que la gente rodeaba al
mismo organillero quien interpretaba una y otra vez su “Estrellita”;
extrañado, el compositor se acercó y para su sorpresa
descubrió que del organillo colgaba un letrero que decía:
“DISCÍPULO DE MANUEL M. PONCE”…(Anécdota que contaba
el mismo compositor).
198

Poco tiempo después, el lunes 25 de mayo, Ponce y
Clema abordaron el vapor francés “Espagna”. El viaje se hizo
largo porque la nave se dirigió a Cuba, donde el matrimonio
mexicano se hospedó con el buen amigo Eduardo Sánchez
de Fuentes mientras el barco reanudaba su viaje; después
continuaron su periplo tocando varios puertos de la costa de
los EUA antes de arribar a Nueva York. Y de la misma forma
que en su primer viaje a Europa, en 1904, participara con
sus obras en dos conciertos ofrecidos en medio del océano;
ahora, domingo 7 de junio de 1925 volvió a presentarse, sólo
que esta vez al lado de su fiel compañera. Ponce, acompañado
por músicos del lujoso trasatlántico, ejecutó el primer
tiempo de su “Trío” y la “Serenata Mexicana” en arreglo para
trío, pues el compositor había escrito las partichelas a bordo.
Clema cantó “Toi” y “Estrellita” alcanzando ambos un éxito
más como compositor e intérprete, al lograr que el auditorio
pronunciara con admiración y respeto el nombre de su Patria
lejana.
De esa manera, cantando y haciendo música, terminaba
otra etapa de la vida del compositor mexicano. El
frívolo destino que se entretiene con las vicisitudes humanas
volteaba la última página del volumen correspondiente, e iniciaba
nuevo capítulo en la vida del músico azteca. Ponce,
nuevamente se lanzaba a la mar en un viaje más largo que
los de Ulises y Eneas, aquellos héroes griegos de la hermosa
leyenda, únicamente que en esta ocasión nuestro héroe no
estaba solo ni a la deriva, lo acompañaban su amada y la
fuerza más poderosa del universo.
Conforme la inmensa nave de acero navegaba sobre
las olas del ancho mar, a Ponce y Clema parecíanles
cosas de ensueño, ya que viajaban en primera clase siendo
objeto de las mejores atenciones. Dichas travesías verdaderamente
eran de descanso, pues no había mucho que hacer
a bordo salvo comer ¡cinco veces al día!, beber, leer,
caminar por las cubiertas y aspirar la brisa marina además
de subir, bajar, y divertirse en las reuniones por la tarde jugando
a las cartas; o bien, por las noches, bailando después
de cenar opíparamente. Obviamente, en tales travesías se
escuchaban muchas historias amenas e interesantes habilitándose
nuevas amistades; de tal situación, los Ponce se enteraron
que durante el desastre del “Titanic”, en 1912, donde
murieron 1,500 pasajeros, abordo se encontraba un diputado
mexicano, de Sonora, de nombre Manuel R. Uruchurtu quien,
como representante de su país tenía un lugar en los botes
199

salvavidas. Solamente que en esos dramáticos momentos rechazó
tal beneficio cediendo su lugar a una dama que tenía
un bebé en brazos, suplicándole que se comunicara con su
familia en México para decirles que moría pensando en ellos
y en su Patria. — Compárese con la abyecta conducta del
dueño del “Titanic”, J. Bruce Ismay, quien se salvó oculto en
una lancha entre mujeres y niños—. Historia que les contaron
¡Para que la conozcan los que la ignoran y no la olviden los
que la saben!... Noble gesto de nuestro paisano, nos enaltece
a todos, opinaron los presentes.
Ahí mismo aprendieron un curioso jueguito numérico
(vimos el manuscrito) que en seis pasos les permitía adivinar
tanto la edad como el número del domicilio de quienes lo
practicaran:
1.-Multiplique por 2 el número exterior de su casa;
2.-Súmele 5; 3.-Multiplique por 50; 4.-Añada su edad; 5.-Agregue
los 365 días del año; 6.-Réstele 615. El resultado final siempre
será el número de su casa y su edad:
Supongamos que la persona tiene 50 años de edad
y vive en el número 10 de su calle: 10 por 2 más 5, por 50,
más 50, más 365, menos 615, igual a 1050 (número de casa y
edad). El método es ¡Infalible!, y así se llama.
De ese modo, luego de un largo viaje placentero arribaron
a Saint Nazaire, puerto francés ubicado en la desembocadura
del Río Loire en el Océano Atlántico, el sábado 20
de junio en pleno verano europeo.
200

Revista Musical de México 1919
201

1919 Ponce y Giorgio Polacco
202

Caruso, Rey de los tenores.1919
203

Programa manuscrito de Ponce
204

Alma Triste 1921
Alma triste-Arte y Labor
205

El joven Ponce El joven Revueltas El joven Chávez
206

Programa de la Sinfónica de Aguascalientes
207

Programa de radio-1923
208

Manuel M. Ponce y Andrés Segovia.
Mayo de 1923. México D. F.
209

Silvestre Revueltas, 1924
210

Ponce y Clema -antes de evaporarse en
el Espagne.Ver. V-1925-
211

Canciones para niños
212

CAPITULO VIII
París.- Los pasajeros del “Espagna” pisaron suelo francés, y
como la mayoría viajaba a la Ciudad Luz fueron transportados
a la terminal ferroviaria local para tomar el tren que los
llevará hasta la Estación “D’Orsay”, a orillas del Río Sena en el
corazón de París, a donde arribaron bajo un cielo azul turquesa
tapizado de estrellas. Ponce tenía una tarea oficial que
cumplir, pero también llegaba como corresponsal cultural de
“El Universal” para enviar las crónicas del ambiente artístico
europeo, mismas que serían publicadas en su columna “Crónica
Musical”.
Luego de su arribo, el matrimonio mexicano visitó el
cementerio “Du Pere La Chaise” para llevar flores a la tumba
de Federico Chopin, cuyos restos descansan a la vera del
follaje en medio de una paz encantadora, lejos y cerca de la
ciudad donde triunfó, amó y padeció.
Al iniciar el Siglo XX Ponce era la más completa personificación
del romanticismo mexicano decimonónico; pero al
regresar de su primer viaje a Europa, en diciembre de 1906, su
discurso musical cambió bajo la influencia de los nuevos procedimientos
aprendidos en Italia y Alemania, abandonando
la añeja tradición musical-porfirista. Más adelante evolucionará
como iniciador del nacionalismo musical e impulsor del
impresionismo francés, manteniéndose siempre a la vanguardia
de los compositores mexicanos.
Ahora, nuevamente en Europa, Ponce se afanará por
cumplir la misión pedagógica que lleva pero a toda hora navegará
sobre el manantial cultural del planeta: Revolucionario,
Impresionista, y Atonal. Situación que lo hará confrontar
sus recursos musicales con aquellos que encuentra a su paso;
además, descubre que en 1925 París semejaba enorme crisol
de arte rebosante de aspirantes, quienes llegaban como
conquistadores y se quedaban a vivir pues eran libres en su
arte: Músicos y compositores de todas partes del planeta, deseosos
de actuar ante el público parisino o bien estudiar in situ
los nuevos procedimientos musicales.
Manuel de Falla.- Ponce todo lo observa, todo lo analiza,
nada escapa a su fino instinto de músico, periodista, escritor y
crítico de arte. El riquísimo panorama artístico a su alrededor
lo hará sentirse como gato en pescadería: ¿Por dónde empe-
213

zar?... Por lo pronto, escribe sus primeras crónicas musicales
desde ultramar:
“Los últimos conciertos en París”:
“…Los postreros festivales de arte, sin embargo, ofrecían
programas de particular interés para un devoto de la
buena música: Tríos de Schumann, de Fauré, de Mendelsshon,
interpretados por Cortot, Thebaud y Casals; música de
Stravinsky y De Falla, en un recital de Arturo Rubinstein; la Orquesta
Colonne en el Teatro de la Exposición de Artes Decorativas;
Magdaleine Greslé y el “Trío Groolez” con programa
de música francesa moderna; y en el “Trianón Lyrique”
un festival de música española organizado por Joaquín Nin,
entre cuyas obras aparecía la maravillosa serie sinfónica de
Manuel de Falla: “Noches en los jardines de España”. Como
se ve, para ser el final de la temporada lírica no podía yo quejarme
de mi suerte, ante los prometedores carteles. Llegué a
tiempo para conocer una deliciosa obra sinfónica y saludar a
su genial autor, a De Falla, el más notable de los compositores
modernos españoles.
Pequeñín, enjuto de carnes, inteligente y modesto,
Manuel de Falla inclinaba su cabeza desprovista de cabellos
para agradecer desde un palco del “Trianón Lyrique” la ovación
estruendosa con que el público de París hacía patente
al compositor hispano su entusiasmo y admiración. Toda la
obra de Falla está basada en el canto y en el “color local”
de la música española, andaluza especialmente. Sus “Noches
en los jardines de España”, por medio de una magistral
descripción de la orquesta, evocan los paisajes, los aromas y
el encanto nocturno de Granada con una fuerza expresiva
tan intensa, que sólo en los más afortunados trozos de Albéniz
pudiera quizás encontrarse. Después de su triunfo resonante
de esa noche en el ”Trianón”, ya en el café, en compañía
de Nin y del gran guitarrista Segovia, Manuel de Falla me habló
de sus proyectos: Actualmente escribe un concierto para
clavecín con acompañamiento de instrumentos antiguos,
para Wanda Landowska, la célebre clavecinista. Me habló
también de una sonata que dediqué a Andrés Segovia…
¡Bondadoso maestro! Al día siguiente se marchó a Granada”.
Madame Debussy.- Era obvio que así sucediera, pues cuando
Ponce arribó a París Segovia lo monopolizó introduciéndolo al
ambiente artístico local, que era igual a decir “internacional”;
214

y mientras el maestro mexicano desarrollaba su estrategia en
el Viejo Mundo, continúa escribiendo en serio… y en broma:
“En el Teatro de la Exposición de Artes Decorativas,
oí la Orquesta Colonne, dirigida por Gabriel Pierné, figura
simpática de músico envejecido en la práctica de su noble
arte, dirige con autoridad e inteligencia. Después de una encantadora
versión del poema “Psiché” de César Franck, la
Orquesta tocó la introducción de los “Misterios dolorosos” del
“Miroir de Jesús” (Espejo de Jesús) de André Caplet. Confieso
mi desorientación ante esta obra, más que modernista, extravagante….
Produce primero extrañeza y después aburrimiento
¿Será preciso escuchar varias veces esto que nuestro
Carlos González Peña llamaría lisa y llanamente “una tomadura
de pelo” para penetrar en su significación psicológica o
mística?... ¡Cuánta luz, en cambio, cuánto color en la “Siesta
del Fauno” de Debussy interpretada de modo insuperable
por la orquesta!...
Terminó el concierto con una “Tarantella” de ciertas
“Escenas italianas”. ¡Qué cruel despertar de la poética “Siesta”!
Trivialidad en los temas, orquestación efectista y ruidosa,
afán de arrancar el aplauso a fuerza de lugares comunes y
tamborazos.
En el FOYER, me decía Madame Debussy: “Olvide Ud.
esto. Increíble parece que música como la que acabamos de
escuchar, se toque todavía en los conciertos serios de París”.
En cambio, le contesté, la deliciosa “Siesta” del gran Claude
de France, nos encanta cada día más. —“Oh, hace tanto
tiempo que él escribió eso !” Y el recuerdo del esposo amado
cerró sus labios y puso lágrimas en sus ojos. Es Mad. Debussy
de estatura mediana, distinguida, inteligente de aspecto
respetable, algo envejecida —según se me asegura— desde
la muerte del maestro, por el que aún lleva luto. El autor de
“Peleas” -—cuenta Magdaleine Greslé—consultaba a su mujer
sobre determinados pasajes de sus partituras. Y en cierta
vez, una modificación en la parte de los fagotes propuesta
por Ma. Debussy, mejoró notablemente el efecto que buscaba
el maestro. ¡Con razón Debussy dedicó a su esposa sus
postreras Seis Sonatas, como último homenaje a la inteligente
colaboradora de su obra y amante compañera de su vida!”.
Ponce cerraba su crónica con la siguiente observación:
215

“EL SPRIT francés.- Al salir de un concierto en el que se había
tocado música de Strawinsky, un admirador del gran compositor
ruso preguntaba al amigo que lo había acompañado:
“¿Qué opinas de este genial músico cuyas obras acabamos
de escuchar? Estoy segurísimo —contestó el interpelado—de
que Strawinsky sabe mucha música, que conoce todos los
secretos del contrapunto, pero… tiene muy mal oído”.
En México, el arribo de Ponce a Paris se conoció hasta el 2 de
julio a través de “Excélsior”, que publicaba:
“Manuel M. Ponce llegó a París y dará conciertos. Visitará
algunas poblaciones francesas y después irá a Alemania
y España” —anotaba el Dr. Luis Lara Pardo, su corresponsal en
la Ciudad Luz—, añadiendo: “El Maestro Falla ha hecho grandes
elogios de nuestro compatriota, que ha llegado a esta
capital en viaje de estudio y trabajo…. Durante los primeros
días de su estancia en París se ha puesto en contacto con
los centros musicales más importantes y ha sido presentado
con varias notabilidades. Precisamente cuando el compositor
llegaba a esta ciudad, se hallaba aún en ella el maestro
español señor Falla, quien vino para asistir a la producción de
sus composiciones “Jardines de España”. Falla invitó a Ponce
para que concurriera a su última audición, cuando partió a
Granada, e hizo que le prometiera ir a visitarlo durante su gira
por España.
El maestro Ponce fue invitado para hacer oír varias
de sus composiciones en la audición semanal que se efectúa
en los salones de “La Revue Musicale”, donde se reúnen
compositores, nuevos ejecutantes y también críticos musicales….
Entre las altas personalidades que lo han acogido y
agasajado se cuenta la señora Debussy, en cuyo salón dará
una audición privada. El notable músico ha manifestado que
permanecerá en París sólo unos cuantos días, yendo después
a visitar varias poblaciones de Francia. Pasará también a la
República Alemana, donde hizo su educación musical y donde
conserva relaciones artísticas importantes.
Por último, regresará a la Ciudad Luz cuando comience
la temporada de invierno para presentar obras inéditas,
habiendo recibido promesas de colaboración por parte de
distinguidos músicos. Trae obras nuevas, en las que sigue el
estilo moderno y considera que difieren mucho de las obras
románticas del periodo anterior a su producción artística…
Ponce espera que los estudios de los modernos compositores
europeos le servirán mucho para completar su obra definitiva”.
216

La Revue Musicale.- Como señalaba “Excélsior”, luego de
unos días en París recopilando información en centros y oficinas
de educación, Ponce emprende gira de trabajo por
diferentes poblados de Francia, España (Madrid) y Alemania,
buscando respuesta a las interrogantes sobre el movimiento
musical europeo actual y su relación folclórica. Entonces,
admirado, descubre que en torno a los músicos de verdadero
genio surgidos luego de Debussy, como Stravinsky, Falla,
Ravel, Schoenberg y otros más, pululaban enjambres de imitadores
sin la capacidad de aquéllos; pequeños artesanos
que amontonaban sonidos sin sentido ni emoción, obreros
musicales carentes de inspiración que del “Impresionismo”
de Debussy saltaban al “Expresionismo” dodecafónico de
Schoenberg, intentando fabricar música como un mecánico
cambia y adapta piezas a un motor.
Consecuencia de ello fue la negación absoluta de
la tonalidad, armonía y melodía características de la música
conocida. Asimismo, Ponce atestigua que no obstante,
el público amante de la música ¡Música! prefiere asistir a espectáculos
donde, además, se ofrecen obras de los clásicos
y románticos. “Pocos programas de recitales o conciertos no
ostentan los nombres de Bach, Beethoven, Schumann, Chopin,
Liszt, etc.,” —escribe—; también observa que se interpretaban
una y otra vez las mismas composiciones de Debussy,
Albéniz, Falla, Ravel, Stravinsky, etc. y señala: “Ya nos vamos
cansando de tantos “Juegos de Agua”, “Trianas”, “Danzas
del amor brujo”, “Catedrales sumergidas”, etc., puesto que
los repertorios son restringidos”.
Sobre el nacionalismo musical anota los procedimientos
de los grandes maestros, desde el genio de Bach y a partir
de la segunda mitad del Siglo XIX: Liszt en Hungría, los “Cinco”
en Rusia, Pedrell y Albéniz en España, Grieg en Noruega, Smétana
y Dvorak en Bohemia, y Sibelius en Finlandia. Antes de
iniciar sus giras de investigación, Ponce y Clema acudieron a
las famosas audiciones semanales en los salones de “La Revue
Musicale”; donde se presentaban “la crema y nata” asi
como… “el champurrado”, de músicos y compositores que
vivían en la Ciudad Luz.
En ese lugar el ambiente musical era selecto pero feroz,
lo mismo actuaban músicos de talento que de los otros
y por igual se escuchaban ovaciones estruendosas que abucheos
chacoteros abundantes de risas y silbidos. Críticos y
observadores eran conocedores pero implacables; no obstante,
imperaba la cordialidad pues nadie se suicidaba por-
217

que le dijeran que su obra era mala o le faltaba esto o aquello.
La gente que asistía era cosmopolita o rápidamente se
convertía, los resabios provincianos quedaban en sus lejanos
lugares de origen. Ponce se presentó interpretando sus obras
de piano y logró aplauso unánime; los críticos lo trataron muy
bien, pues el compositor de este lado del mundo los fascinó
con sus obras inspiradas y modernas, así como su talento interpretativo
y modestia secular. El músico mexicano gozaba
de popularidad mundial, eso era un hecho indiscutible, cosa
que muy pocos de los presentes tenían y bien sabían lo difícil
que era alcanzar tales niveles de reconocimiento artístico.
“Los Seis” de París.- En la Revue Musicale imperaba la igualdad,
la fraternidad y la libertad, pues todos eran COLEGAS,
la diferencia era la calidad de sus obras. Ahí conocieron
Ponce y Clema al famoso “Grupo de los Seis”, quienes venían
causando furor entre las nuevas generaciones parisinas.
El origen de “Los seis”, proviene de un acto singular, audaz,
de un hombre visionario que tuvo fe en ellos: En 1921, Jean
Cocteau, poeta, dramaturgo y escritor francés, representó el
ballet “Los recién casados de la Torre Eiffel”, con música original
de un pequeño grupo de compositores locales; jóvenes
condiscípulos en el Conservatorio de Música de París, unidos
con la firme idea de encabezar la cruzada espiritual francesa
por la música moderna, y de apoyarse mutuamente en el
desarrollo y difusión de sus creaciones orientadas hacia la reciente
escuela musical: A. Honegger, de 29 años de edad; D.
Millhaud, de 29 años; Germaine Taileferre, de 29 años (única
mujer del grupo); L. Durey, de 33 años; G. Auric, de 22 años; y
F. Poulenc, de 22 años.
Fue a partir de aquel momento histórico que dicho
grupo conformado por Cocteau se hizo notar en la vida musical
francesa; sobre todo, porque lograron unificar las corrientes
estéticas del arte moderno, aunque no todos tenían
el mismo talento y calidad en sus creaciones, de cualquier
modo, la novedad los colocó al lado de los consagrados: Ravel,
de 50 años de edad; Falla, de 52 años; Dukas, 60 años;
Stravinsky, de 42 años; Schoenberg, de 52 años; Satie, de 59
años de edad, etc.
De la misma forma, Ponce observó que, como si se
hubiesen puesto de acuerdo, la mayoría de ellos escribían
numerosos lieder y coros sobre textos y poesías de grandes filósofos,
dramaturgos, poetas y escritores de todas las épocas:
Mallarmé, Apollinaire, Cocteau, Tagore, Vallery, Verlain, Rilke,
218

Regmer, Petronio, Moréas, Maeterlinck, De Nerval, Ronsard,
etc.; logrando creaciones líricas con raras armonías entrelazadas
con originales audacias contrapuntísticas, impresionistas,
o politonales varguardistas, bordadas con acertados
acompañamientos pianísticos o instrumentales, que en lugar
de ser rechazadas por los oyentes invitaban a la aceptación
tolerante del público parisino, conciente de vivir una primavera
de arte; pues cada generación de creadores, sea cual
fuere la dirección que tome, produce nuevas florescencias
instituyendo sus propias normas de belleza, ya que el verdadero
talento creador rebasa los límites que dejaran sus antecesores
y porque, finalmente, los franceses nunca oponen
resistencia a ningún renacimiento artístico, de acuerdo a los
ideales de una humanidad siempre en evolución…y, puesto
que es en vano pretender perpetuar un modelo, ya que lo
que no cambia pierde la oportunidad de ser mejor…
R. Tagore.- El maestro mexicano no puede sustraerse de su
querencia natural: ¡La creación musical!; sobre todo cuando
observa que sus lieder más recientes no desmerecen de
los que están de moda en París. Consecuentemente, decide
escribir una Suite para canto y piano con dos poesías más
del escritor hindú Rabindranath Tagore, para añadirlos a “La
Mort”; para ello selecciona dos pequeños poemas: “One
morning” y “The world”. Tagore, de 64 años de edad, estaba
en boca de todos (en 1913 se convirtió en el primer escritor no
occidental en recibir el Premio Nobel de Literatura), pues su
radiante filosofía, profunda espiritualidad y poesía patriótica
calaban hondo el sentir de la humanidad. Su sueño dorado
consistía en desarrollar la armonía del hombre con todo lo
existente. Así, escribía:
1.- Dormí y soñé que la vida era alegría,
desperté y vi que la vida era servicio.
Serví y en el servicio a los demás
encontré la alegría de la vida….
2.- De cualquier modo se llame tu espina,
acéptala; es compañera de la rosa.
3.- Yo te quiero a ti, tan sólo a ti, Señor.
Además, Tagore también era músico, autor de cerca
de ¡Tresmil canciones e himnos, incluyendo el Himno Nacional
de la India!; Ponce lo admiraba y ya inspirado, el día 1 de julio
de 1925 terminó “One morning”, dedicada amorosamente
“Para mi Clemita”… Esa fue su primera composición en París.
219

Bordado por Clema.- La pareja mexicana decidió instalar su
base de actividades en París, a efecto de tener un lugar fijo
tanto para recibir correspondencia como para trabajar, regresar
de viaje, recibir visitas, instalar su piano, muebles, etc.,
y vivir tranquilamente. Tal medida resultó ser lo mejor, seguro y
más económico; ya que vivir en hotel y comer en restaurante
es algo que pocos bolsillos soportan. Por esa causa se abocaron
a la búsqueda de un lugar de su agrado y no tardaron
en hallar el piso superior de una antigua casona en la Av. Mc
Mahon, muy cerca de la Plaza de la Estrella donde domina
majestuoso el Arco del Triunfo, y tan sólo a una cuadra del
Metro.
Un piano vertical, un pequeño escritorio, un librero,
una mesa con cuatro sillas, algunos implementos de cocina,
un sofá-cama y dos sillones constituyeron su original menaje;
todo ello aderezado con algunos cuadros y bibelots de buen
gusto. Obviamente, el piano ocupó el cenáculo del lugar.
Durante el día el sofá formaba parte de “la sala” y durante la
noche se transformaba en mullida cama donde los forasteros
llegados del Nuevo Mundo reposaban sus fatigas. El lugar no
era grande ni lujoso pero tampoco indigno de habitarse; Clema
lo mantenía siempre brillando de limpio, con ese toque
femenino que todo lo embellece, la mesa lucirá un mantel
blanco bordado con flores que la misma anfitriona realizó, y
sobre él un bello florero ornado siempre con flores de temporada.
El mismo Andrés Segovia hizo una breve descripción
del hábitat de los Ponce en París:
“Recuerdo que en París vivía el dulce maestro en un
minúsculo aposento —la industria y laboriosidad de Clema, su
esposa y compañera, lo tornaba alegre y acogedor—rodeado
del menor número de utensilios posible: la mesa frágil y pequeña,
en donde compartía su frugal alimento con quien lo
visitase—aquel compositor ruso, siempre acompañado de su
hijo, compositor también…—el sofá transformable en cama
y algunas sillas fatigadas en las cuales nos sentábamos con
mucho cuidado y miramiento.
En ese santuario de la pobreza, el piano era el altar
donde oficiaba Ponce casi sin tregua, estudiando, analizando,
componiendo. Si alguna vez llegaba yo de improviso a la
humilde morada y notaba que no trascendía de ella —siempre
con discreción—el sonido del piano, me sobrecogía el
temor de que estuviera enfermo. Y así sucedía. Sólo la enfermedad
o la ausencia suspendía aquel constante manar de
220

elleza —propia o ajena”.—Anota Corazón Otero en su libro
sobre Manuel M. Ponce.
Por su parte, Juan D. Tercero, compositor mexicano
que también estudió con Ponce en París, comentaba sobre
la misma casa: “Yo conocí a Manuel M. Ponce en el Conservatorio,
en donde era el punto de reunión de los maestros de
música. Pero nuestra estrecha amistad se desarrolló en París,
en el centro de operaciones del maestro Ponce. Su casa era
el territorio mexicano, la verdadera embajada de México.
Ahí nos reuníamos a charlar, discutir sobre música y a celebrar
nuestras fiestas mexicanas, las que eran muy frecuentes”.
Otro gran músico mexicano, el violinista Aurelio Fuentes,
que trabajó y estudió en París durante algunos años,
comentaba al respecto: “Manuel M. Ponce fue el mecenas
de los artistas mexicanos en París. El amoroso padre que
nos mantenía unidos; un amigo generoso que nos sentaba
a su mesa, y ejemplo de honestidad para todos los músicos
mexicanos… Al poco tiempo me invitó a su casa, conocía
mi situación económica -—angustiosa— y con frecuencia me
invitaba a comer y a cenar. En su pequeño departamento
reunía a muchos estudiantes y artistas mexicanos, los que nos
deleitábamos con las comidas de Clemita -—que era estupenda
cocinera— y con las charlas del maestro. En aquel
entonces componía su “Sonata para violín y piano”. Y tengo
que agradecerle su bondad, al consultarme algunas cosas
violinísticas. Yo me atrevía a sugerirle algo y él tomaba en
cuenta mis observaciones”.
—Opiniones aparecidas en “Excélsior”, durante el mes de febrero
de 1973, en sendas entrevistas de la periodista Lupita
Appendini a los músicos mexicanos—.
Cierto; Ponce y Clema vivían en forma limitada…
pero no en la pobreza como asevera Segovia, por lo menos
no como la conocemos en México, ya que tenían lo estrictamente
necesario para vivir como si estuviesen en un cuarto
de hotel, además del piano. Igualmente, tenían quien les lavara,
planchara y les ayudara con el aseo del lugar. Con frecuencia
comían en restaurante y los sábados se reunían en
un café con Segovia y otros amigos mexicanos, españoles,
cubanos, franceses, etc. Asimismo, Ponce y Clema vestían
bien, inclusive a la moda. Más bien, y así hay que entenderlo,
para la pareja mexicana eran tiempos que oscilaban entre
el aprendizaje, aceptado como un sacrificio benéfico, la satisfacción
espiritual de la creación musical, y el materialismo
hogareño ineludible.
221

En París, los Ponce se dispusieron a vivir nuevamente
como estudiantes dejando las comodidades plenas en su
país, ya que deseaban optimizar los recursos que recibían
para permanecer el mayor tiempo posible; y si bien no percibían
salario alguno ni ayuda de su gobierno, tenían sus ahorros
más lo que recibían por parte de sus inquilinos además de
ciertos derechos de interpretación de sus obras de guitarra,
que Segovia se encargaba le pagaran religiosamente. Posteriormente
comenzará a recibir pago de los editores europeos
por sus obras publicadas.
La situación económica de la pareja se complicará
cuando algunos de sus inquilinos dejen de pagar renta, entonces
vivirán momentos difíciles pero no fatales, recurriendo
Ponce a las autoridades de la SEP para pedir el pago del “sobresueldo”
prometido, gastos y viáticos pendientes.
Por ese motivo Ponce y Clema viajarán a México para cobrar
tanto a la SEP y a los inquilinos morosos como a sus editores de
música, periódicos y revistas. Igualmente, Clema deberá pagar
impuesto predial, multas y recargos de sus propiedades,
pues la musa del compositor caerá en los trámites burocráticos
de un gobierno tercermundista que lanzaba cañonazos
de 50 mil pesos oro, e ignoraba a sus hijos más preclaros.
Volviendo al escrito de Segovia sobre el hábitat de
los Ponce, se refiere a un compositor ruso y su hijo refugiados
en París luego de la Revolución Soviética, quienes verdaderamente
se debatían en la pobreza: Gregoire y Julien
Krein. Ponce y Clema compartían alimentos con ellos pues
Julien era su condiscípulo en la Escuela Normal, y porque él
y Segovia lo consideraban genio del piano, al grado de que
Ponce le dedicará su “Sonatina Neorromántica”. Finalmente
se sabe que Gregoire murió y Julien regresó a la URSS donde
no trascendió musicalmente, aunque otra versión indica que
el pianista enloqueció, siendo encerrado en un manicomio
stalinista, desvaneciéndose totalmente su nombre.
En París, igual que en México, debido a su musicalidad
y simpatía, Ponce era buscado en su humilde departamento
de la Avenida Mc. Mahon. Amigos y colegas mexicanos y extranjeros,
vivían alegres reuniones musicales y charlas informales.
Únicamente que Clema, con la vista puesta en el futuro,
aprovechaba para que los amigos firmaran como recuerdo
sobre el mantel de la mesa, alrededor de la firma de Manuel
M. Ponce. Dicho mantel, bordado y deshilado por la misma
Clema, los acompañó desde que se casaron el 3 de septiembre
de 1917 y para evitar que las firmas desaparecieran por
222

la acción del tiempo, Clema las bordó amorosamente con
hilo negro dando lugar a un recuerdo imborrable; las rúbricas
alrededor de la signatura de Ponce fueron acumulándose
hasta sumar ¡77!… Entre ellas aparecen los compositores e
intérpretes contemporáneos más famosos del mundo, unos
nacidos en el Siglo XIX, como Paul Dukas, Segovia, Rubinstein,
y De Falla; otros en el XX. Algunos de los firmantes todavía
llegaron con vida hasta el Siglo XXI, como Irma González,
Henryk Szeryng y Carlos Vázquez. Esta pieza histórica, que por
su contenido es un monumento de índole musical, nos señala
el nivel cultural que envolvía al músico nacido en Zacatecas,
y nos indica que era amigo de todos: Desde el sacerdote español
Antonio Brambila, hasta el Arzobispo Primado de México,
Mons. Luis M. Martínez; cuyas firmas también aparecen en
el mantel, constituyendo una pieza única en su género digna
de figurar en cualquier museo del mundo civilizado.
—Años después, 1998, logramos que Carlos Vázquez
donara el mantel a la Universidad Autónoma de Zacatecas,
Estado natal del compositor. La pieza se colocó en un marco
de madera protegida con cristal, y se instaló en el Hall
del Teatro Calderón en el centro de la ciudad. Para la ceremonia
inaugural presentamos una exposición sobre la vida
del compositor mexicano, y asistió el gobernador del Estado
acompañado del Embajador de la China Popúlar, que visitaba
Zacatecas, asi como el rector de la Universidad, prensa y
público en general. Ahí permaneció algunos años el mantel,
hasta que llegaron ciertos personajes (nunca faltan en la cultura
mexicana) a quienes ¡No les gustó la pieza! y la bajaron
en 2004, guardándola hasta Septiembre del 2010, cuando se
abrió la “Sala Manuel M. Ponce”, del “Museo Zacatecano de
Cultura”, donde se encuentra ahora—. En seguida la lista de
nombres en el mantel, dividido en 4 cuadros para su identificaíón:
CUADRO I
1.- MANUEL M. PONCE, compositor y pianista, pedagogo y
periodista.
2.- MANUEL DE FALLA, compositor.
3.- M. BERNAL JIMÉNEZ, compositor.
4.- SONIA VERLITZKY, cantante.
5.- CLAUDIO ARRAU, pianista.
6.- CHARLOTTE MARTIN, pianista.
7.- RAFAEL J. TELLO, compositor.
223

8.- RUBÉN M. MONTIEL, cellista.
9.- SIR THOMAS BEECHAM, director de orquesta (inglés).
10.- OSCAR ESPLÁ, compositor.
11.- ANTONIO BRAMBILA, sacerdote.
12.- R. ODNOPOSOFF, cellista.
13.- IRMA GONZÁLEZ, cantante.
14.- CUARTETO LENER:
JENO LENER.
JOSEPH SMILOVITS.
SANDOR ROTH.
IMRE HARTMAN HASS.
15.- ROSITA RENARD, pianista.
16.- FELIA LITVINNE, maestra de canto.
17.- ARTHUR RUBINSTEIN, pianista.
18.- HEITOR VILLA-LOBOS, compositor.
19.- N. ORLOFF.
CUADRO II
20.- GRACE MOORE, cantante, 1941.
21.- S. VAN-DEN BERG, cellista.
22.- OTTO KLEMPERER, director de orquesta (alemán).
23.- CARLOS CHÁVEZ, director de orquesta.
24.- I. STRAVINSKY, director de orquesta (ruso), México 1940.
25.- PAUL DUKAS, compositor, París.
26.- CARMEN PÉREZ, pianista (española).
27.- C. RITTER CIAMPI.
28.- V. VOULFMAN, violinista ruso, París, Febrero 1934.
29.- LUZ SEGURA, pianista, París, Febrero 1934.
30.- FANNY ANITÚA, cantante.
31.- NINON VALLIN.
32.- GEORG SANDOR, pianista.
33.- A. BRAILOWSKY, pianista (ruso).
34.- A. HONEGGER, compositor, París.
35.- JULIEN KREIN, pianista y compositor (ruso), París.
CUADRO III
36.- CARLOS VÁZQUEZ, pianista
37.- ERICK KLEIBER, director de orquesta (alemán).
38.- ERIC LANDERER, pianista (checoslovaco).
39.- GREGOIRE KREIN, compositor (ruso), París.
40.- GUSTAV PITTALUGA.
41.- MARIAN ANDERSON, cantante (norteamericana), París.
224

42.- WINIFRED CHRISTIE, pianista.
43.- ANTOL DORATI, director de orquesta.
44.- LEOPOLD STOKOWSKI, director de orquesta
(norteamericano).
45.- JOSÉ ROLÓN, compositor.
46.- CLAIRE CROIZA.
47.- OLGA P. COELHO, guitarrista y cantante, 1947.
48.- NINA KOCHITZ, cantante (rusa), París.
49.- ANDRÉS SEGOVIA, guitarrista, París.
50.- VRAKA KROKIVSKY.
51.- E. FERNÁNDEZ ARBOS, director de orquesta (español),
París.
52.- RAYA GARBOUSOVA.
53.- ERNEST ANSERMET, director de orquesta (suizo).
54.- JOSEPH SZIGETI, violinista.
55.- LINEFALK.
56.- VERÓNICA MIMOSO, pianista.
57.- ALFRED MIROVITEL.
58.- LUIS M. MARTÍNEZ, Arzobispo Primado de México,
59.- LUIS SÁNCHEZ DE FUENTES, escritor (cubano), La Habana.
CUADRO IV
60.- CARLETON SPRAGUE SMITH.
61.- AARON COPLAND, compositor.
62.- A. MILSTEIS.
63.- F. OROZCO MUÑOZ.
64.- HENRY DE CURZON, pianista, París.
65.-E. SÁNCHEZ DE FUENTES, compositor (cubano),
La Habana.
66.- ELLABELE DAVIS.
67.- HELENE HUVELIN, cellista (francesa), París.
68.- ANDRE HUVELIN, cellista (francés), París.
69.- ALBA HERRERA Y OGAZÓN, pianista y periodista
(mexicana).
70.- ROBERT CASADESUS, pianista.
71.- ARMANDO PALACIOS, pianista.
72.- JASCHA HEIFETZ, violinista, 1951.
73.- SAMUEL DUSCHKING, París.
74.- HENRYK SZERYNG, violinista.
225

Ponce se dedica afanosamente al desempeño de su comisión
oficial, sólo que al penetrar en el océano músical que lo
rodea confirma que todo ha cambiado: La instrumentación
y las armonías modernas son diferentes; Ravel, Stravinsky, Falla,
Strauss, Bartok, Schoenberg, Los Seis de París, etc. aplicaban
nuevos procedimientos en sus creaciones… ¡Es hora de
cambiar; no bastan talento, habilidad de oficio ni buenas intenciones!
-—se dijo a sí mismo—, comprendiendo que para
evolucionar rápidamente necesitaba estudiar IN SITU dichos
procedimientos del estilo francés.
Al conocer las intenciones de Ponce, Segovia y otros
amigos le apoyan coincidiendo en que el mejor maestro actual
en Francia es el inmenso Paul Dukas, reconocido como el
mejor pedagogo entre los compositores modernos, a quien
TODOS pedían consejo, desde Ravel y Falla hasta el Grupo
de los Seis. Finalmente Ponce decide que al cumplir su comisión
estudiará con el autor de “El Aprendiz de Brujo”, quien
iniciará curso de composición en la Escuela Normal de París
a finales del mes de octubre; mismo que se extenderá ¡Ocho
Años!... ¡La suerte está echada! Exclamó el compositor cual
Julio César moderno, disponiéndose a radicar en la Ciudad
Luz, para lo cual deberá renunciar a sus trabajos en México
sujetándose al dinero que les mandan que aunque poco,
era suficiente.
Miguel de Unamuno.- Durante el verano de 1925, Luis G. Urbina
regresó a México con la intención de permanecer en
su patria, pero la hostilidad encontrada no lo convenció lanzándose
nuevamente a peregrinar por el mundo; ya había
estado en Argentina y regresó a España. Antes de irse publicó
en “El Universal” diversos artículos recordando a sus amigos
los músicos desde el siglo XIX, entre ellos Ricardo Castro y
Felipe Villanueva; sobre Ponce escribió varios, uno dice: “…
Manuel M. Ponce anhela ser original, pero no deformando
sino modernizando los procedimientos. No es un rebuscado,
es un sincero. Gusta de la polifonía tramada con relucientes
oros y argentos, y en cuyos fondos sonoros, se transfloren, con
dibujo transparente, las ideas, sobre la riqueza del tisú sinfónico.
Claro es que por su música cruzan las “sombras dolorosas
coronadas de espinas”, de sus mentores: Chopin, primero y
Liszt, y más cerca Strauss y Debussy, y, remotamente, la blanca
peluca de Bach, y el ceño áspero de Beethoven”.
Y fue precisamente el 16 de agosto de 1925, que “El
Universal” daba a conocer en México la actividad más re-
226

ciente de Manuel M. Ponce en París, en dicho artículo aparece
relacionado con D. Miguel de Unamuno, recién llegado a
París desterrado de España:
“…Quien se imagine a D. Miguel como a Víctor Hugo
en la roca de Guernesey, apocalíptico y terrible se llevará
un gran chasco… Todo lo contrario: D. Miguel sonríe plácidamente,
toma su chocolate castizo así como el sol cuando
lo hay; almuerza con los amigos… en un momento de sobremesa
con varios mexicanos entre los que se encontraba
Manuel M. Ponce, nuestro insigne compositor, y su distinguida
esposa… Y ya que de Manuel M. Ponce se habla, consignamos
que dará próximamente en París un concierto integrado
exclusivamente por obras suyas, y que en octubre próximo se
escuchará en Madrid su bello “Tríptico Chapultepec”, recientemente
estrenado en México”.
Miguel de Unamuno, de 61 años de edad, era considerado
la máxima gloria intelectual de España; aunque más
que filósofo y escritor era patriota, pues debido a su tenaz
oposición a la monarquía de Alfonso XIII y a la dictadura de
Primo de Rivera, sufrió la destitución de su cargo siendo confinado
y desterrado.
Don Miguel cultivaba todos los géneros literarios: poesía,
novela, cuento, ensayo, teatro, comedia, etc. y en todos
triunfaba. En España se le tenía como un Quijote moderno
por su filosofía existencialista y carácter indoblegable. Por esa
razón, cuando llegó a Francia, cuna de la libertad y la igualdad,
su figura de varón esforzado por las causas justas le atrajo
la simpatía general; por lo mismo, siempre estaba rodeado
de amigos e intelectuales. Además, poseía el encanto de la
bonhomía y estando en confianza solía elaborar toda clase
de animalitos en papel: pájaros, perros, etc., pues dominaba
el “origami” (arte de elaborar figuras de papel doblado), mismos
que obsequiaba a sus amigos cercanos; a Clema le regaló
un cochinito con su “firma de autenticidad”, ya que con
mucha frecuencia se reunía con la pareja mexicana para
charlar y tomar café.
Sin censura.- De esa manera transcurrió el tiempo y Ponce
concluyó el compromiso adquirido seis meses atrás, elaborarando
su informe final, desglosando cuidadosamente los
puntos señalados en la comisión y exponiendo claramente la
solución en cada caso. Después, durante el mes de noviembre,
lo envió a la SEP, siendo publicado posteriormente, en
forma extractada, en primera plana del periódico “El Univer-
227

sal”, del día 20 de febrero de 1926; más tarde, la Secretaría
de Educación lo turnó al Departamento de Bellas Artes y ahí
lo enviaron al “Departamento de Folklore”, fundado en 1921;
el cual, al crearse el “Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA)”
en 1946, bajo la férula de Carlos Chávez Ramírez, tomará
el nombre de “Sección de Investigaciones Musicales del
INBA”(bajo la dirección del músico Jesús Bal y Gay, refugiado
español). No conformes con esa trama burocrática, 30 años
después dicha Sección se transformará en el actual “Centro
Nacional de Investigación e Información Musical (CENIDIM)”,
bajo la guía y proyecto de Carmen Sordo Sodi, su primera
directora.
En ese recóndito y misterioso lugar permaneció el magistral
informe de Manuel M. Ponce; muy cerca de la mano
de cuanto funcionario deseara leerlo, manosearlo, “extraviarlo”…
u ocultarlo con aviesas intenciones (que para el caso es
lo mismo). Ahora, luego de más de 80 años de permanecer
en la oscuridad, lo hacemos público tal como lo escribió el
compositor: Sin censura (conservamos copia tanto del periódico
“El Universal”, como del manuscrito original y su transcripción
en máquina de escribir):
“Al C. Secretario de Educación Pública:
Señor Secretario:
Cumpliendo la comisión que esa Secretaría se sirvió
conferirme para “estudiar las nuevas tendencias del arte universal
en sus diferentes aspectos, pedagógico, folklórico, etc.,
y los procedimientos que se siguen para recoger y clasificar
los cantos populares”, por la cual sólo he percibido durante
seis meses el sueldo que me corresponde como profesor de
piano en el Conservatorio, tengo el honor de manifestar a Ud.
que he seguido con todo interés el movimiento musical en
Europa, especialmente en lo que se refiere a las innovaciones
de los compositores actuales y el papel que desempeña el
folklore en el campo de la composición musical.
Música sin corazón.
La música actual guiada por tres genios diferentes entre
sí, pero igualmente renovadores, por Schoenberg, Stravinsky
y Ravel, es una música refractaria a la efusión y enemiga
implacable del romanticismo de los Schumann, de los Liszt,
228

de los Berlioz, de los Chopin… Justamente por esa obsesión
antiromántica y habiendo agotado todos los recursos que
les proporcionaban los procedimientos politonales y atonales
puestos en boga en los últimos tiempos, los compositores ultraístas,
prefieren volver la cara al viejo Bach antes que caer
en el lirismo de los románticos de 1830. Stravinsky, en efecto,
en una de sus últimas obras, su Sonata para piano —interpretada
por el autor en el reciente festival de música moderna,
en Venecia— emplea un estilo contrapuntístico semejante al
del Maestro del “Clavecín”.
Si el romanticismo fue la reacción de los espíritus libres
contra el dogmatismo escolástico de los clásicos, el ultramodernismo
proclama la negación de todo sentimiento en la
música y parece que después de un siglo de espléndido lirismo,
se esbozan ya ciertas tendencias hacia un arte cerebral
en el que no entran para nada ni la melodía ni la armonía, ni
las fórmulas consagradas por los más grandes creadores del
siglo pasado, desde el Beethoven de la “Appassionata” hasta
el Wagner de “Tristán e Isolda”.
¿Es la música actual la expresión sonora de la vida
moderna, el eco del avión del automóvil, de jazz, del flirt, de
lo mecánico, de lo automático de las manifestaciones alejadas
de todo idealismo, de esta generación? Música sin corazón,
música seca y glacial, sonidos que se chocan y se elevan
como los fuegos de artificio y como éstos, después de brillar
un instante dejan el alma en la oscuridad, ¿ese será el ars
nova del Siglo XX?
Los compositores de vanguardia muestran una insaciable
sed de originalidad. Pero, si hemos de ser justos, debemos
confesar que los músicos de auténtico talento o de verdadero
genio posteriores a Debussy, han creado obras que
no se olvidarán fácilmente: la “Petruchka” y la “Consagración
de la Primavera” de Stravinsky, el “Cuarteto” de Ravel,
el “Pierrot lunaire” de Schoenberg, entre otros. Lo deplorable
es que en torno de los reformadores de genio, se mueve una
turba de pequeños artesanos de los sonidos que se dedican
a amontonar notas sin ningún sentido y, sin conocer la inspiración,
hablan con terror de ella, son hostiles a toda emoción y
predican el culto de un arte rígido y frío como una operación
aritmética. Tenía razón Debussy en odiar tanto a los debussystas.
Y, sin embargo, es preciso ir adelante.
229

Desaparecidos, después de Beethoven los seis más
grandes representantes del romanticismo, Schubert, Schumann,
Mendelssohn, Liszt, Chopin y Wagner (podríase mencionar
también a Berlioz) los compositores se dedicaron a
rumiar, con más o menos talento, la substanciosa herencia
de sus inmediatos predecesores, y a preparar, muchas veces
con verdadera maestría, lo que en la jerga periodística
se llama “refrito”, o sea la explotación de fórmulas gastadas,
de lugares comunes, de estructuras y armazones repetidos
hasta la saciedad. Las mismas cadencias, las mismas modulaciones,
el idéntico encadenamiento de acordes, causaba
la impresión, al escucharse una obra nueva, de que dentro
de ella, como en una marmita fantástica, se mezclaban y
fundían diseños melódicos de Mendelssohn, acordes wagnerianos,
cadencias dolientes de Chopin, fragmentos líricos de
Schumann, elocuentes peroraciones a la manera de Liszt o
serenas melodías de algún andante beethoviano.
Los rusos y Debussy señalaron el comienzo de una
nueva etapa en la evolución musical. Los primeros basaron
su música en los cantos populares eslavos, plenos de savia
rítmica y de melodías tan bellas como originales y el segundo,
fascinado por la voluptuosa pompa oriental de la música de
los “Cinco”, realizó una transformación completa en los procedimientos
melódico-armónicos de los románticos y creó un
estilo personal tan novedoso, que bien merece el calificativo
de genial. De este supremo esfuerzo de un músico extraordinario,
nació “Peleas y Melisanda”, el drama musical más
importante, después del “Tristán” de Wagner. No se encuentran
en “Peleas y Melisanda” ni el viejo recitativo italiano, ni
el énfasis y la elocuencia wagnerianos, ni la solidez un poco
pesada del teatro musical del tiempo de Beethoven, ni la pirotecnia
orquestal de Meyerbeer. En “Peleas”, la voz de los
personajes habla acompañada por una orquesta tan rica,
tan voluptuosa, tan refinada, que durante los cinco actos del
drama de Maeterlinck, es irresistible el encantamiento desconocido
y la fascinación extraña, que ejerce esta música
insospechada, pero esplendorosa y bella.
Muerto Debussy, y aún antes de su muerte, los vanguardistas
se lanzaron por el camino de la música sin emoción.
Del impresionismo debussysta, se pasó al expresionismo
de Schoenberg que, por supuesto, nada tiene que ver con la
connotación romántica del vocablo “expresivo”. Se ha llegado,
por ese camino, a la negación absoluta de la tonalidad.
En la orquesta ultramoderna, en ciertos pasajes, la impresión
230

del que escucha es esta: “los músicos se están afinando”.
Hace pocas noches asistí al festival en honor de Arturo
Honegger, uno de los más fuertes compositores de vanguardia.
En el programa figuraban tres obras capitales del ultraísmo:
“Horacio victorioso”, “Pacific 231” y “El Rey David”, bajo
la dirección del autor. Hay en algunos pasajes de ellas mucha
novedad en las armonías y en otros, la potencia orquestal es
dominadora. Pero estos hallazgos son escasos y la audición,
en conjunto, resulta fatigosa. Ciertos fragmentos incomprensibles,
en los que parece que la orquesta sufre un ataque de
locura repentina, me hacían recordar las “pinturas” del Salón
de Otoño que se acaba de inaugurar, cuyas “naturalezas
muertas” y extrañas mezclas de colores, no dicen al visitante
si lo que en el cuadro se trató de representar es la cara de un
payaso o un huevo frito. Los pintores, sin embargo, parece
que ya van saliendo del callejón oscuro de tantos años de
excentricidades y tanteos y han encontrado el buen camino.
Hay en el “Salón” dos cuadros, la “Coiffure” de Ottmann y
“Composicion” de Kvipil, que han sido una revelación. Se ve
en ellos —sobre todo en el de Ottmann— tal maestría en el
dibujo, tanta vida en la carne palpitante de las figuras, un
sentimiento tan profundo de la belleza plástica en el conjunto,
que no harían mal papel al lado de cualquier Ticiano.
Y, no obstante el modernismo de la técnica, no se nota en
esas pinturas ninguna imitación ni extravagancia alguna. Ya
descansaremos ¡gracias a Dios! De las pinturas enfermas de
elefanciasis y de otras dolencias que se pretendía hacernos
pasar como obras de arte. ¿Hasta cuándo surgirá el Ottmann
de la música actual?
El público y la “música seca”.
Para el gran público, para la gente que paga su entrada
a los conciertos y sólo busca un rato de solaz en las
audiciones musicales sin preocuparse de las tendencias destructoras
de los “músicos nuevos”, los programas que prometen
obras clásicas y románticas son los preferidos. Algunos
“espíritus fuertes” de última hora, anuncian el “crepúsculo de
los dioses” de la música y el advenimiento de un arte cerebral
en el que los sonidos, como las substancias en la química,
se mezclan y dosifican con métodos rigurosamente científicos.
(Tal es la impresión que produce la última “Serenata”
de Schoenberg.) Hoy por hoy, sin embargo, el culto por los
grandes maestros parece intensificarse cada día más. Pocos
231

programas de recitales o conciertos no ostentan los nombres
de Bach, Beethoven, Haendel, Schumann, Chopin, Liszt, etc.
Para la música contemporánea se reserva, generalmente,
una parte de la audición en la que se inscriben casi siempre
las mismas composiciones de Debussy, Albéniz, Falla, Ravel
y algún otro. Ya nos vamos cansando de tantos “Juegos de
agua”, “Trianas”, “Danzas del amor brujo”, “Catedrales sumergidas”,
etc. Pero los recitalistas son así: Giran en torno de
las mismas obras, como si secretamente se hubiesen puesto
de acuerdo para aburrir a los dilettanti con la repetición interminable
de un restringido repertorio.
El nacionalismo musical.
Italia ha sido la tierra del canto. A fines del Siglo XVI su
hegemonía en la Europa musical, era completa. Más tarde,
la creación de la ópera, le aseguró el dominio del mundo
sonoro. Los cantores florentinos fueron imitados por los más
famosos compositores y la música italiana, fue la maestra que
guió los pasos de los más grandes músicos de Europa. De ahí
nació un estilo musical que invadió todo el Continente y que
en la música religiosa ofrecía como modelo a Palestrina y en
la profana a Monteverde. Esta invasión de arte italiano había
borrado toda frontera y toda idea de nacionalismo. Bach fue
el verdadero autor de la independencia musical alemana,
creando sobre las huellas de Buxtehude un arte germano,
profundo, religioso con raíces luteranas, cuya savia nutrió al
“coral” y a la “cantata”.
El pueblo aporta ya sus inspiraciones y los elementos
dispersos pequeños y frágiles de las tonadas populares, se
agrupan y funden, formando el estilo nuevo, reflejo del carácter
y la idiosincrasia de una nación. Las otras razas, sin un
genio de la talla de Sebastián Bach, guardaron la riqueza
de sus cantos y ritmos populares. El movimiento nacionalista
data de ayer: Liszt en Hungría, los “Cinco” en Rusia, Pedrell y
Albéniz en España, Grieg en Noruega, Smétana y Dvorak en
Bohemia, Sibelius en Finlandia, y otros más, iniciaron la creación
del arte autóctono en sus respectivos países. Manuel de
Falla prosigue gloriosamente la obra comenzada por Albéniz
y Granados. Mas ¿Cómo procedieron esos maestros en
la elaboración de las obras que debían encerrar dentro de
los moldes usuales todo el sentimiento popular, la esencia de
una raza? Los temas populares se utilizaron en su forma origi-
232

nal o modificados, en el curso del trabajo contrapuntístico.
Así nacieron las Rapsodias de Liszt, las “Danzas” de Dvorak,
los “Poemas” Sinfónicos de Smétana, la obra más importante,
en fin, de los folkloristas musicales. El material vernáculo, por
tanto, exigió una cuidadosa selección y un paciente trabajo
que se llevó a cabo en diferentes naciones, cuyos grupos de
comisionados, obedeciendo un plan general, recogieron los
cantos del pueblo y nos mostraron el encanto de la inspiración
anónima.
El folklore musical en México.
Hasta la fecha, en México, sólo hemos realizado ensayos
en el terreno del folklore musical. Trabajos aislados, esfuerzos
sin cohesión, tanteos más o menos felices, he aquí a
lo que se reduce en la actualidad nuestro patrimonio musical.
Desde el año de 1910, fecha gloriosa para México, comenzó
a despertarse en el público el gusto por la canción popular.
Las tonadas que antes de esa fecha eran cantadas por las
clases humildes, especialmente por campesinos y obreros,
entraron al salón aristocrático y al programa de concierto,
gracias a las versiones pianísticas que fijaron sus ritmos y melodías.
Más tarde, la explotación de este género de composiciones
por “arregladores” ayunos de conocimientos y buen
gusto, empobreció la calidad de las canciones y originó cierta
repulsión del público hacia estas manifestaciones del arte
popular. Se habló entonces de abandonar los cantos en sus
lejanas provincias, del desacato que se cometía al revestirlos
con armonizaciones adecuadas, etc. La ignorancia de los
críticos improvisados, impedíales ver que las melodías “permanecían
intactas en el pentagrama” y que, suprimiendo el
acompañamiento, podría cantarlas, quien así lo deseara, tal
como el pueblo las produce. En cuanto al empleo de melodías
y ritmos populares en obras de más importancia, no se
ha hecho sino seguir el ejemplo de músicos tan eminentes
como Liszt, Grieg, Smétana, Albéniz, etc.
¿Qué debe hacerse?
Nuestra obra folklórica, pues, se encuentra en estado
embrionario. ¿Qué debe hacerse?
1º.- Ante todo —-según nuestra modesta opinión— recoger
las tonadas populares, obedeciendo a un plan general,
cuya base sería la división de nuestro territorio en zonas de
233

estudio y exploración, formadas por las regiones más ricas en
canciones (estados de Michoacán, Jalisco, el Bajío, Oaxaca,
Veracruz, la importante y fecunda Región del Norte, etc. etc.)
2º.- Nombrar un comité directivo que podrían integrar,
además de un delegado de la Secretaría de Educación Pública,
un músico (¡por Dios, que sea un músico!) entusiasta por
este género de trabajo y un literato o escritor folklorista, que
se encargaría de la parte literaria de las canciones.
3º.- Este comité enviaría a las diferentes zonas delegados
con preparación adecuada de estudios serios de composición
musical y provistos de gramófonos u otros aparatos
fonográficos para impresionar discos o cilindros con los cantos
directamente tomados de los campesinos y de los “cantadores
populares”.
4º.- Los delegados tomarían, asimismo, fotografías de
los lugares donde recogiesen las canciones, de las “danzas”
religiosas o profanas, de los instrumentos musicales más característicos
de la región y apuntarían los datos más interesantes
acerca de la producción de los cantos, fechas, etc.
5º.- Las investigaciones se harían de preferencia en los
lugares más alejados del ferrocarril, donde se supone no ha
llegado la epidemia del jazz o de los couplets citadinos.
6º.- La traducción de los cantos y bailables se haría
por músicos competentes, quienes los escribirían en notación
actual, cuidando de no alterar ni el ritmo ni la melodía recogidos
por el gramófono.
7º.- Las melodías se escribirían en un pentagrama reservando
otros dos para la armonización o acompañamiento
de ellas, en forma de que se pudiesen cantar sin acompañamiento,
si así se deseare o bien utilizando éste. (Creo pertinente
copiar lo que a este respecto y refiriéndose a las “melodías
populares de las Provincias francesas”, dice el distinguido folklorista
J. Tiersot, editor de esa colección: “Al emprender el
trabajo de revestirlas (se refiere a las melodías) con un ropaje
de armonías, que no deforme en modo alguno sus contornos,
no hemos tenido, ciertamente, la pretensión de agregar algo
a esas obras tan simples y, al mismo tiempo tan completas.
Nuestra sola intención, al transportarlas a un medio tan diferente
de su ambiente habitual, ha sido presentarlas de mane-
234

a que no parecieran a primera vista tan fuera de lugar. Con
gusto convenimos, sin embargo, en que la melodía popular
no necesita ornamentos de esta clase y si algún lector juzga
conveniente suprimir nuestros acompañamientos, seríamos
los primeros en aplaudirle”).
8º.- Las melodías catalogadas y ordenadas por regiones
o asuntos (canciones de cuna, de amor, de despedida,
picarescas, etc. etc.) se publicarían, ilustradas con las notas y
fotografías adecuadas.
Naturalmente, estas breves indicaciones podrían discutirse,
ampliarse o modificarse, según el criterio de la Secretaría
de Educación Pública. Existen numerosas colecciones
de cantos populares rusos, franceses, alemanes, húngaros,
españoles, peruanos, etc. en los que se emplea un método
de catalogación semejante al que podría sujetarse la colección
de nuestros cantos y que acabo de apuntar. De esas
remotas melodías, de esos sones lánguidos o vibrantes, plañideros
o espiritosos, podrá nacer un día, al soplo de un compositor
genial, la música mexicana, que en formas modernas
encierre no las simples melodías, sino el ambiente que ellas
pueden crear. Entonces no presentaríamos ya las rosas. Bastará
su perfume diluído en la magnificencia de un poema orquestal,
para lograr el supremo anhelo del folklorista: la obra
de arte, como expresión del espíritu de un pueblo.
París, Nov. 1925.
MANUEL M. PONCE. (Firma).”
La Guitarra Mágica de Segovia.- Una vez cumplido el encargo
oficial, Ponce y Clema nuevamente se sintieron dueños de
su tiempo. Al conocerse en México la decisión del compositor,
su Cátedra del Conservatorio fue asignada a su discípulo
Joaquín Amparán. Con todo, aunque estaba lejos, Ponce
nunca se olvidó de México, lo tenía presente a toda hora. Su
inspiración comenzó a brotar con tintes de varios colores incluyendo
el nacionalista, pues a pesar de su admiración por
el ambiente francés el compositor continuaba impulsando el
nacionalismo de su patria como nadie lo había hecho; prueba
de ello eran sus obras de guitarra escritas hasta entonces,
dondequiera que Segovia las interpretara, y las interpretaba
con mucha frecuencia, obtenía carretadas de aplausos dando
lustre y gloria al compositor y a su País.
235

Era, pues, un hecho, que la amistad de Ponce y Segovia
enriquecerá poco a poco la literatura de la guitarra
colmando los espacios existentes en el repertorio del instrumento…
Dios lo quiso, no había escapatoria. En adelante, el
destino de Ponce será escribir para la guitarra de Andrés no
rehuyendo elementos impresionistas, clásicos, barrocos, románticos,
etc. Su inspiración abarcará todos los estilos. Del
mismo modo, su copiosa producción de calidad artística superior
redimirá al instrumento otorgándole un papel importante
dentro de la música clásica, como el violín y el piano: ¡ 7
Sonatas, una con clavecín; 2 Suites, 2 Sonatinas y 1 Concierto;
además de “Preludio, 20 Variaciones y Fuga sobre el Tema
de la Folía de España”, “Tema Variado y Final” etc. Todas
ellas creaciones de alta dificultad e innovaciones técnicas
que enriquecerán el mecanismo interpretativo del instrumento;
además de docenas de piezas grandes o pequeñas, suficientes
para colmar 5 ó 6 recitales sin repetir obra alguna !...
Efectivamente; guardando su propia personalidad: “El poeta
de la guitarra”.
El sorpresivo arribo del compositor mexicano a París y
su amistad con el guitarrista Segovia, resultaron como banderillas
de fuego para los compositores franceses, españoles
o italianos; quienes, para no quedarse atrás, apresurarán
su producción para la guitarra mágica de Andrés Segovia
que a todos apuraba, resultando Ponce el tercer compositor
luego de Torroba y Falla, en atender la solicitud de Segovia
para escribir obras modernas para el instrumento, quedando
el intérprete español libre de la necesidad imperiosa de
transcribir música de los maestros del pasado. Sin embargo,
aunque siendo maravilloso ejecutante, Segovia también era
terriblemente descuidado y, lastimosamente, extraviará los
manuscritos originales de: La Segunda Sonata, perdiéndose
para siempre pues Ponce no guardó copia; además de los
dos primeros movimientos del “Homenaje a Tárrega”, que era
una Sonatina; el “Homenaje a J.S. Bach”, y otras obras más;
salvándose milagrosamente la Primera Sonata y la “Valentina”.
Pero no adelantemos vísperas.
La producción guitarrística de Manuel M. Ponce merece
todo un capítulo aparte, debido a su importancia y trascendencia
verdaderamente universal que la ha convertido,
sin la menor duda, en la música mexicana más conocida
e interpretada fuera del país. Las primeras creaciones para
guitarra de Ponce, ya lo vimos, fueron escritas en un lapso
no mayor de cuatro o cinco días en la quietud de su hogar
236

en la Cd. de México; 28 meses después, viviendo ya en la
Ciudad Luz, Ponce transcribirá cuatro Canciones Mexicanas
más para la guitarra de su amigo andaluz: “Estrellita”, “La
Pajarera”, “Cuiden su Vida” —en ese orden aparecen en el
manuscrito original—, y “Por ti mi corazón”, concluyéndolas
en octubre de 1925. Segovia, gozoso como niño con zapatos
nuevos, rápidamente las estrena el 14 de octubre de 1925, en
la Sala del Conservatorio de París. Posteriormente las llevará
a las principales capitales del Viejo Mundo, desde Madrid a
Moscú pasando por Génova, Atenas, Berlín, Copenhague y
Estocolmo, entre otras grandes urbes.
Y mientras nuestro compositor daba forma a otras
creaciones para diferentes instrumentos, antes de finalizar
1925, el 23 de diciembre, concluye su primera pieza en estilo
impresionista para guitarra: “Prelude” en si menor, ofreciéndola
como regalo de Navidad a Andrés y su esposa, Adelaida,
con quienes pasaron la Noche Buena en el Hotel “Beaulieu”
de la calle Balzac en la Ciudad Luz, donde regularmente
se hospedaba el guitarrista y su familia en París. “El final de
tu Preludio resulta un tejido levísimo de armonías de seda”
—le escribe Andrés a Ponce, arrobado por la belleza de la
obra que, por cierto, interpretaba un tono más alto “La cejilla
amortigua un poco la sonoridad normal de la guitarra y ésta
gana en sutileza y poesía”—, le informaba a Ponce, a guisa
de explicación técnica sobre el mecanismo del instrumento.
El mismo mes de octubre Ponce quedó inscrito en la
“Ecole Normale de Musique de París”, en la clase de composición
de Paul Dukas, teniendo como condiscípulos a los españoles
Joaquín Rodrigo y Manuel de Falla (los dos aparecen
en la foto con Paul Dukas); al brasileño Heitor Villa-Lobos, y al
mexicano José Rolón, entre otros músicos. Nuestro compositor
escribirá: “Su curso era de alta composición y análisis crítico
de obras musicales”. El costo del curso especial con Paul
Dukas era de 150 fcs. al trimestre, o bien, 400 al año, más 30
fcs. anuales para “L’Association Amicale de l’Ecole”, obligatorio
para alumnos y profesores; cuota usada para solventar
necesidades de alumnos pobres, y que les daba derecho a
recibir “Le Monde Musical” y a participar o asistir a los numerosos
conciertos y recitales ofrecidos en la sala de conciertos
de la institución. De esa forma, el compositor mexicano
encontró en París la senda decisiva de su vida futura. De la
mano de Dukas se pondrá en contacto con los métodos modernos
de la creación musical. Consecuentemente y con objeto
de practicar las enseñanzas recientes, Ponce seleccionó
237

algunas de sus canciones mexicanas para canto y piano,
remodelándolas con armonías impresionistas: “La Pajarera”,
concluida el 5 de diciembre, con dedicatoria: “A mi Clemita”;
“Perdí un amor”, terminada el 7 de diciembre, dedicada:
“Para la Pingüinita”; finalmente, la “Valentina”, con fecha 11
de diciembre, dedicada: “Para Charrasquis”…
No es difícil imaginar el marco creativo-musical donde
vivían el genio y su princesa:
Clema, joven hermosa de 33 años de edad, fascinada
y solícita, sonriendo feliz alrededor de su marido. Ponce, con
42 años de edad, en la “madurez radiosa”, estudiando, escribiendo
y bromeando continuamente con su “Pingüinita”. Por
el mismo motivo, y como de estudiar se trataba, Clema también
buscó superarse como cantante y pronto se matriculó
en la Academia de Canto de Mme. Felia Litvinne, además de
tomar clases de inglés. Por otra parte y con objeto de ayudarse
y aprender rápidamente los secretos de la guitarra, Ponce
le pidió a Segovia un manual o tratado sobre música para
guitarra; éste, ni tardo ni perezoso, se lo entregó y también le
regaló una guitarra ofreciéndole las primeras lecciones para
interesarlo en ella. Ponce se dedicará incansablemente al
estudio de la técnica de la guitarra pero igualmente le recomendará
al famoso guitarrista que estudie armonía, debido
a que algunas observaciones y recomendaciones que éste
le hacía sobre sus obras de guitarra adolecían de ese conocimiento.
Y no fueron pocas, ni fáciles tampoco -—hay que
decirlo— las ocasiones en que el músico mexicano lo hizo
cambiar de opinión sobre la línea musical de alguna de sus
creaciones ¡Aprende armonía Andrés! —le repetía constantemente—.
Segovia era un músico trashumante, sus frecuentes
giras artísticas lo llevaban a recorrer medio mundo. Sus presentaciones
se daban en las principales ciudades de Europa,
Asia y Latinoamérica (aun no se presentaba en los E.U.A.).
Obviamente, el músico español ganaba mucho dinero que
administraba adecuadamente depositándolo en los principales
Bancos de París, Madrid y Londres. Pero su verdadero
alimento (alimento espiritual), que se convirtió en el prurito de
su vida, era el estruendo de los aplausos que recibía antes,
durante y después de sus presentaciones públicas. Y es que
su técnica muy personal en la interpretación, le otorgaba extremo
refinamiento. La calidad del sonido de su guitarra, de
una pastosidad armónica singular, cautivaba al público y por
238

esa razón, igual que a Pablo Casals, siempre lo recibían y trataban
como algo nunca visto ni oído.
Eso, el andar siempre por las alturas, adunado a su
carácter vivo e inquieto como gitano andaluz, lo impelían
de lugar en lugar. Ni siquiera cuando regresaba a París para
convivir con su mujer y sus hijos se estaba quieto, pues de
inmediato se trasladaba a una de tantas regiones con baños
medicinales, tipo SPA, que se encuentran en las faldas
de las montañas de los “Altos Alpes” cerca de la frontera con
Suiza. De ahí la abundante relación epistolar con Manuel M.
Ponce a quien luego de reconocerlo como genio creador sin
parangón alguno en su época, se aferrará para obtener las
numerosas obras originales necesarias para la guitarra. De la
misma forma, Ponce también aprovechó la popularidad del
guitarrista español para dar a conocer sus creaciones; era
algo que convenía a los dos.
El manantial.- Navidad de 1925: Noche azul y blanca plena
de buenos deseos pues el espíritu del Señor flotaba por los aires.
Primera que los Ponce pasaban lejos de su hogar; era, sin
duda, algo triste. El buen amigo Andrés, joven artista, idealista
y espiritual lo comprendió y les pidió compartir con su esposa
e hijos esos momentos de recogimiento y dicha familiar. Esa
noche los dos artistas hablaron largo sobre la música contemporánea
y sus matices, del mismo modo comentaron la cruzada
de Segovia para impulsar el leve sonido guitarrístico en
las salas de concierto del mundo. Andrés manejaba adecuadamente
la argumentación para convencer a Ponce quien,
seguramente, le ofreció escribir más obras para la guitarra.
El hecho fue que a partir de esa Noche Buena su amistad se
incrementó notablemente y despuntando 1926 Ponce inició
la tarea. Así, recordando su antiguo “Tema Mexicana Variado”
para piano, escribe un bello tema en Sol mayor para guitarra
y comienza a desarrollar variaciones alrededor de él,
dejando para después la Segunda Sonata. En tanto, Segovia
se presentaba el 12 de enero en el Conservatorio Real de
Bruselas ejecutando “Tres cantos populares” de Ponce: La
Valentina, Por ti mi corazón, y La Pajarera. Cuatro días más
tarde se presenta en la sala “Gaveau” de París, interpretando
la “Sonata dedicada a Segovia, de Ponce” (Sonata mexicana”),
en una “primera audición”. Por otro lado, el día 26 se
presentó en la “Salle L’Unión Coloniale” la cantante rusa Nina
Kochitz, ofreciendo en su programa las “Canciones mexicanas”
de Ponce.
239

Luego de tres meses de estudio en la Escuela Normal
de Música de París, Paul Dukas escribía en los boletines de
calificaciones, refiriéndose a su alumno Ponce: “Músico poseedor
de un oficio ya seguro y de una gran facilidad; muy
pronto alcanzará el arte de componer obras más difíciles”. A
su vez, Ponce escribía de su maestro:
“Sentado frente a un piano, rodeado de sus discípulos
que formaban abigarrado grupo internacional, corregía
y hacía la crítica de los más diversos trabajos: Un fragmento
sinfónico, un trozo para piano, una sonata, una fuga, un
cuarteto… Parco en elogios, un “no está mal” que salía de
sus labios tenía más valor que todo un artículo admirativo de
los que se leen a diario en los periódicos. Nada escapaba a
su penetración: Veía los dedos del pianista en las partituras
de orquesta escritas por los virtuosos del teclado, a quienes
siempre aconsejaba olvidar su instrumento favorito al escribir
una obra sinfónica. Porque el maestro creía que era indispensable
poseer el “segundo oído”, o sea la facultad de
“escuchar interiormente” la composición musical antes de
escribirla para lograr la mezcla perfecta de los timbres y una
escritura apropiada a la técnica de los diferentes instrumentos
que forman la orquesta.
En ocasiones —continuaba Ponce—punzaba su fina
ironía al señalar las incorrecciones de los trabajos que examinaba;
otras veces el comentario estaba lleno de regocijo o
entrañaba un pensamiento profundo o un consejo sabio. Los
alumnos reían o se ponían serios, según el caso. Su pujante
personalidad era avasalladora porque se escudaba tras de
una cultura amplísima que aquilataba y ordenaba una lógica
inflexible”.
Tres meses después, Dukas escribirá:
“Progreso sostenido en la vía más importante. El señor Ponce
ha adquirido una técnica sencilla y segura que utiliza cada
vez más musicalmente”.
Estas anotaciones trimestrales de Dukas se deben a
que cuando alguien se inscribía en la escuela, en su expediente
le asignaban un cuaderno de notas trimestrales….
Excelente forma de llevar la historia y aprovechamiento de
cada alumno.
En Europa, Ponce dejará atrás la mayoría de sus creaciones
conocidas, salvo algunas de corte moderno como
“Chapultepec”, “La Mort”, y sus últimas sonatas. Con Paul
Dukas trabajará con rigor y disciplina caminando “al filo de
la navaja” de la creación musical, pues en toda corriente
240

cultural de vanguardia es muy fácil equivocarse y cometer
desatinos (Marihuanadas). Por un lado música politonal, más
intelectual que emocional, reflexiva y refractaria a todo romanticismo;
en el otro extremo, obras inspiradas dentro del
marco tonal-cromático bien conocido, inclusive intentará un
nacionalismo de vanguardia sin recurrir a lenguajes del pasado.
El maestro mexicano hilvanará partiendo de cero,
sometiéndose a los reconcentrados trabajos vanguardistas:
Miniaturas, preludios, sonatinas, pequeñas suites, piezas para
piano, lieder, etc.; evitando en el piano los vastos desarrollos
lisztianos de sus rapsodias, sonatas y baladas mexicanas. En
su evolución, Ponce dominará el politonalismo, pero jamás
practicará el atonalismo de Schoenberg, pues tal sistema se
ubica en Las Antípodas de su idea de la esencia musical. Su
producción europea contendrá todas las tendencias neoclásicas
e impresionistas, amén de un nacionalismo de vanguardia
que aparecerá tanto en su música de cámara, como en
las creaciones pianísticas: “Suite Bitonal”, “Preludios Encadenados”,
etc.; ahí se escuchan temas como “La Paloma”, y
el canto navideño de “Las Posadas”… “Del conjunto resulta
un novedoso, personal y brillante estilo pianístico de refinadas
sonoridades e inspirado lirismo” anotará Pablo Castellanos.
La politonalidad del autor de “Estrellita” se verá en
obras ya clásicas, como “Miniaturas para cuarteto de cuerdas”,
donde cada instrumento sigue tonalidades diferentes;
también la veremos en la “Suite Bitonal” para piano solo, en
la que cada uno de los cuatro movimientos es interpretado
con la mano derecha en una escala (teclas negras), y la izquierda
(teclas blancas) en otra… “Obra desarrollada con
un ingenio tremendo” —señala Carlos Vázquez—. Aunque
durante su estancia en París, Ponce escribirá más obras para
guitarra que para piano, puesto que eso le dejaba pago
“contante y sonante”, tanto de sus editores como por los derechos
de ejecución que Segovia recaudaba en sus numerosas
presentaciones por todo el mundo.
En otro orden de cosas, Segovia inicia larga gira artística
por países de Europa Oriental que lo llevará hasta el
Conservatorio de Moscú, en donde el 26 de marzo de 1926
interpretará “Cuatro canciones populares de Ponce”, logrando
carretadas de aplausos y un contrato para regresar al año
siguiente. A su regreso de Rusia, Segovia contará la siguiente
anécdota que vivió en medio del “general invierno” en Moscú:
241

“Para decir verdad, si la guitarra es la amiga del hombre,
Rusia no es siempre la amiga de la guitarra. Hacía tanto
frío en Moscú que mi instrumento, nacido bajo un clima
menos rudo, fue gravemente amenazado. Un día, con gran
desesperación, descubrí una grieta bastante grande y que
amenazaba inutilizarla para siempre. Y no había llevado conmigo
más que ésta. Fueron llamados todos los “luthiers”, de
Moscú, vinieron en grupo, un poco como los médicos de las
comedias antiguas y decidí tomar consejo de cada uno de
ellos antes de elegir. Algunos me priopusieron los remedios
más extraordinarios, y los más inquietantes: Se trataba de
desmontar íntegramente el instrumento; otros, más honestos,
confesaron su incertidumbre; descubrí, al fin, uno pequeño y
humilde, silencioso, con aire de conocedor, que me propuso
tapar la grieta. El aire sagaz y modesto de este hombrecito
me convenció y le confié mi guitarra. Lo vi volver poco después:
La rajadura era invisible. El instrumento sonaba como
antes. No estaba solamente encantado, sino estupefacto.
—¿Cómo pudo usted introducir con tal seguridad una tan
pequeña astilla de madera?—.
El pequeño hombre de triste aire humilde respondióme:
—Como tengo la mano demasiado gruesa para pasarla
por el agujero de la guitarra, tomé la mano de mi hijito que
yo guié dentro del instrumento. Esto me costó tiempo, pero
con paciencia… ya ve usted… Con paciencia !...— Yo no
puedo olvidar la imagen de este hombrecito, en aquel barrio
de Moscú, guiando la manita del niño con paciencia. ¿No es
en verdad conmovedor?”
Mientras, en París, el maestro mexicano pensando en
su patria trabaja con temas indígenas y escribe una nueva
creación instrumental titulada: “Danse des anciens mexicains”
(Danza de los antiguos mexicanos), su primera manifestación
orquestal claramente indigenista pues incluye “Canto de la
Malinche”, publicada por Alfredo Chavero en “México a través
de los siglos”, y termina la partitura en marzo. Pocos días
después, el 26 de abril, se ofreció un “Recital de violoncelle”
en la sala del Conservatorio de París, participando el cellista
francés André Huvelín y el compositor mexicano, quienes
ejecutaron la Sonata para Cello y Piano de Ponce, en una
primera audición en París. El nombre de Ponce comenzaba a
sonar fuerte en la capital cultural del mundo; la obra modernista
del compositor mexicano se convirtió en la novedad a
comentar en el ambiente musical de la ciudad.
242

Ya desde el día 23 la “Guide du Concert” se ocupó
de ella publicando la fotografía de varios renglones de la
partitura. Días después, “Le Fígaro” y “Le Monde Musical”, entre
otros periódicos, hablaron del recital con bellos comentarios
sobre la obra, Huvelín, y la magistral ejecución al piano
del autor:
“Por primera vez fue interpretada con el concurso del
autor la Sonata para piano y violoncello de Manuel M. Ponce,
compositor mexicano, del cual Andrés Segovia ha tocado
recientemente páginas muy interesantes. En esta Sonata
la vida es, si no menos real, al menos más frecuentemente
captada y construida. Las formas en lugar de secundar la
inspiración, la retardan y disimulan. Una escolástica minuciosa
viene como a velar la expresión y aun la impresión. Y el
sentimiento que se experimenta es tanto más vivo cuanto la
sinceridad de la expresión es más innegable y la potencia
más abundante y auténtica” —señalaba el 7 de mayo “Le
Menestrel” de París—.
Durante el mes de mayo el maestro mexicano continuó
trabajando sobre las variaciones para la guitarra de
su amigo ausente, pero también terminó un curioso arreglo
impresionista de “La Pajarera” y “La Valentina”, titulándolo:
“La Pajarera, con remembranza de la Valentina”; obra plena
de chispeantes armonías que entrelazan las conocidas canciones
mexicanas: El solista canta “La Pajarera”, pero en el
piano se escucha una chispeante “Valentina”; y es que se
acercaba la primera presentación pública de Clema como
cantante, el jueves 27 de mayo en la “Sala Erard”, durante la
“Audición de alumnos de Felia Litvinne”. Ponce acompañó al
piano a su compañera quien cantó “La Mort”, logrando una
gran ovación en su turno, que era el 14 de 28, y seguramente
interpretó “La Pajarera…” como “bis”.
Segovia retorna a París a finales del mes y toma unas
vacaciones con su familia en la población de “Thorens”, en
la Alta Saboya, cerca de la frontera con Suiza e Italia, hospedándose
en el “Hotel Savoie”, desde donde escribe a Ponce
invitándolo a reunírsele: “El precio es irrisorio —le comenta—28
fcs. por persona, poco más de medio dólar al precio
actual… Esto no lo cree uno desde París. Pero es así. Thorens
está apartado, el país que lo rodea, montañas y valles es lo
más hermoso que yo he visto en mi vida. Ni en Suiza. Ni en
México. No os perdonaríamos que dejáseis de venir. El viaje
es comodísimo. Se sale de París a las 8 ó 10 de la mañana. Se
llega a Annecy a las 5 ó 6 de la tarde. Y de Annecy a Thorens
243

hay media hora. Ya os escribiré más lentamente. Mándame
las Variaciones. Saludos a Clema y te abraza y admira. Andrés”.
Para terminar, Ponce elabora nueve variaciones para
guitarra y le añade un gran final alegre y muy vivo, acabando
el 8 de junio de 1926. La titula “Theme varié et finale”;
complaciendo ampliamente a su exigente amigo, quien
la estrena pocos días después en la sala de conciertos de
“Evian-les-bains”, población a orillas del Lago Lemans. Posteriormente
Ponce inicia su Segunda Sonata para Guitarra,
escribiéndola en tono de La menor, según cartas de Segovia.
Luego de las numerosas composiciones dejadas por la generación
de los clásicos del Siglo XIX: Sor, Carulli, Giuliani, etc.,
que concluye con F. Tárrega en 1909, Ponce reanuda dicha
tradición en el Siglo XX, pero ahora sobre bases modernas.
Solamente que Ponce no era autor de una sola línea musical,
y acorde a sus nuevos conocimientos escribe otra Suite
moderna para canto y piano, en tres partes: “Les Etoiles” (Las
Estrellas); “L’Ange” (El Ángel); “La Bohemiene” (La Gitanilla);
con versos de Mijail Lermontov, escritor y poeta ruso muerto
dramáticamente a los 27 años de edad en 1841. Dicha Suite,
igual que “La Mort”, se convirtió en una de sus creaciones
más gustadas e interpretadas a nivel mundial pues ha sido
traducida a varios idiomas.
Y fue durante esos mismos días, a principios del verano
de 1926, que nuestro compositor acudió en París a una
singular audición musical con obras escritas para la extraña
combinación de “Cuarteto de laúdes”; entre ellas: “La oración
del torero”, de Joaquín Turina”. Eso era algo que Ponce
nunca había escuchado en el Nuevo Mundo por lo que le
prestó especial atención, quedando gratamente impresionado
por el eco de sonidos y armonías que rememoraban castillos,
damas, juglares y caballeros andantes. Tales instrumentos
de cuerdas, con caja de madera en forma de pera y mástil
muy largo, se usaron durante la época medieval alcanzando
auge en pleno Renacimiento. Ahora, ya en desuso, son interpretados
únicamente por conjuntos de “Música antigua”.
El compositor mexicano descubrió que el sonido del
Laúd era más dulce y tenue que el de la guitarra, aunque
fuese emitido por cuerdas dobles; también observó que la
afinación de tales instrumentos difería completamente de la
guitarra española. De cualquier modo, estando inmerso en
la música para guitarra, la inspiración hizo presa de él y rápidamente
escribió un original arreglo de “Estrellita” para el
244

cuarteto medieval, integrado por un “Laudín”, de pequeño
tamaño y sonido agudo; un “Laudete”, de mayor tamaño y
sonido medio; un “Laúd”, que ocupa el lugar central; y un
“Laudón”, más voluminoso y sonido francamente grave.
Y resultando el sonido producido por el conjunto de
instrumentos antiguos muy del agrado de Ponce, decidió escribir
una original Sonata a dúo que combinara los sonidos
de la guitarra con los del añejo Clavecín o Clavicordio, antepasado
remoto del “Clave” y del “Piano Forte”, cuyo sonido
delicado se escuchara durante los Siglos XVI, XVII y XVIII. Así,
pues, las concatenaciones sonoras emitidas por los dos instrumentos
elegidos por Ponce, producen en el oyente un efecto
pleno de musicalidad, timbres y riqueza armónica jamás escuchado
en ninguna época.
Durante el mes de agosto, Andrés le escribe insistente:
“Mi querido Manuel:
Veo con pena que no te decides a venir. Lo siento
porque te esperaba con deseo de hacerte oír la Sonata en
La menor (Segunda Sonata) que he trabajado, las Variaciones,
que he estrenado en Envian y de cuyo concierto te guardo
un programa. También he comenzado a estudiar la “Sonata
de Clavecín y Guitarra”, y el Preludio en Si menor, cuya
fuga aguardo con una impaciencia que se renueva cada
día… He consagrado, pues, el verano al maestro Ponce, y a
mis estudios de armonía para lo cual también necesitaba y
aguardaba tus sabios consejos, más preciosos para mí que
los de ningún otro profesor porque estarían impregnados de
nuestra buena amistad”.
Ponce, seguro de sí mismo, igual a Manuel de Falla,
se lanzaba a regiones inexploradas arribando a terrenos vedados
para aquellos que se conforman siempre con lo mismo,
dando vida a una joya musical universal. La Sonata para
Guitarra y Clavecín consta de tres tiempos: Allegro moderato,
Andantino, y Allegro non troppo e piacévole; mismos que
hubiesen agradado al mismísimo J. S. Bach. Dicha obra fue
estrenada exitosamente durante el mes de diciembre del
mismo año, en Bruselas, Bélgica, con Andrés Segovia a la guitarra
y el compositor e intérprete francés Moulaert, al clavecín.
Notre Dame.- Obviamente, Ponce enviaba a Andrés, vía postal
“por entregas”, las obras de guitarra conforme las iba escribiendo
con objeto de que Andrés las revisara y digitara,
asombrando al buen amigo que no salía de su sorpresa ante
245

el Tema Variado y Final, Sonata para Guitarra y Clavecín, Segunda
Sonata, 4 Canciones mexicanas, y Preludio en Si menor;
e insistía en invitar a su benefactor musical a su retiro voluntario
en medio de los Alpes Franceses. Finalmente Ponce
accedió acompañar a su amigo cuando éste le informó que
iría de gira a la región de Bayona, cerca de la frontera con
España en el Golfo de Vizcaya, para ofrecer algunos conciertos
en Sn. Juan de Luz y en Biarritz, aprovechando para
visitar los balnearios medicinales de Lourdes, La Basílica y la
Gruta de las Apariciones de la Sma. Virgen. Eso era algo que
el compositor deseaba fervientemente, solamente que su fiel
compañera permaneció en París con sus amigas y parientes.
Clema había nacido en México pero su padre era originario
de “La Champ”, Bajos Alpes en la Provenza Francesa. Durante
su infancia y adolescencia Clema había estudiado nueve
años en colegios de Francia, ahí vivían su tío y varias amigas
de su época escolar, como Odette, Justine y Jeanny.
En la siguiente carta que Ponce escribe a Clema le
informa:
“Acabamos de llegar de Biarritz. Andrés Segovia y yo
venimos desde Thorens, a media hora de Ginebra, donde
pasábamos las vacaciones de verano con objeto de que el
célebre guitarrista cumpla un contrato firmado con el empresario
Mickel para dar dos conciertos: Uno en Biarritz y otro en
S. Juan de Luz.
El viaje fue penoso. En Burdeus se nos incorporó Mickel,
joven y ambicioso empresario ruso”…. “Llegamos Segovia
y yo a Biarritz en pleno verano. Temperatura de fragua.
El célebre balneario lleno de turistas. Mickel se fue a buscar
alojamientos. Entretanto, Andrés y yo esperábamos en un
restaurante, pletórico de parroquianos. Son las 2 de la tarde.
Después de 30 horas de ferrocarril, parecíamos dos carboneros.
Teníamos hambre… y calor. Después de recorrer todo el
comedor pudimos encontrar tres asientos en una mesa.
Viene el criado. Andrés ordena tres almuerzos y, advierte
que uno de los cubiertos es para un amigo que llegará
de un momento a otro. Pasa media hora. El criado trae tres
platos de sopa.
—Pero señor, dice Andrés, ya le hemos advertido a
Ud. que nuestro amigo llegará de un momento a otro, y por
tanto, sólo necesitamos dos platos de sopa.
El mostrador desde el cual el patrón del restaurant
vigilaba el servicio estaba cerca de nosotros. Así es que, el
246

mozo, al devolver el plato de sopa, repitió lo que Segovia había
dicho acerca de nuestro amigo ausente.
El patrón con visible contrariedad dijo que ya estaba
servida la sopa y que no podía esperar a nadie, puesto que
habíamos pedido tres cubiertos. Andrés, el patrón y el camarero
hablaban francés—En vista de la actitud poco amable
del patrón Andrés me dijo en español y en alta voz: —Valiente
tío, estúpido y majadero, que no quiere entender lo que
tan claramente le hemos dicho!—
Los clientes que ocupaban las mesas cercanas a nosotros
comenzaban a darse cuenta del lío entre Andrés y el
patrón. Pero éste al oír las últimas fraces de Segovia, dichas
en voz alta y en español díjole con gran voz y tono irritado en
perfecto castellano:
—“El estúpido y majadero es uté ¡Mardita sea! Yo soy
andaluz y no le tengo miedo a naiden.
Oír Segovia esas palabras en su propio idioma —él
que creía tratar con un francés— y subírsele la sangre a la cabeza,
todo fué uno. Volaron las injurias, las palabras ofensivas,
los más cálidos epítetos.
A mis ruegos, Andrés salió del restaurant, sin comer,
cansado, tiznado por el largo viaje e irritado por el lenguaje
soez del paisano.
…Y esa noche una concurrencia elegantísima aclamaba
al insigne guitarrista, quien me dijo al terminar el recital:
—He mandado preparar una magnífica paella valenciana.
Vendrá Arbós a comer con nosotros. Olvidaremos la escena
de esta tarde y un viejo Bordeaux asociado a la gracia inimitable
del director de la Orquesta Sinfónica de Madrid, nos
hará pasar un rato delicioso.
Y así fue”.
Dejemos momentáneamente a nuestros amigos en
el Viejo Mundo y volvamos rápidamente a México, donde
el gobierno de Calles precipitaba situaciones y disposiciones
anticlericales gravísimas que afectaban duramente a la
población, pero ahora en sus creencias y vida espiritual: ¡Su
religión!... El día 31 de julio de 1926 entraría en vigor la “Ley
Calles”, que limitaba el número de sacerdotes que podían
oficiar en cada Estado y reglamentaba el artículo 130 de la
Constitución en detrimento de la vida normal de sacerdotes,
monjas… y todos los creyentes. En respuesta, la Alta Jerarquía
Eclesiástica acordó cerrar iglesias suspendiendo oficios
religiosos en todo el Territorio Nacional. Tales noticias impactaron
profundamente a la población del país, que se estre-
247

meció en todos sus centros, pues el Episcopado prohibía a los
suyos acatar la orden de registrarse en una oficina gubernamental
y salir a la calle con sotana y hábitos.
De ese modo, en medio de gran tensión, al llegar la
fecha sólo un puñado de sacerdotes obedeció la disposición
oficial, por lo que medio centenar fueron detenidos y encarcelados.
¡Leña y gasolina, Plutarco Elías Calles y Luis N. Morones!
Sólo faltaba la chispa: La Persecución Religiosa… La
lucha armada comenzó a finales de 1926. Al grito de ¡Viva
Cristo Rey! Aparecieron en la región del Bajío las primeras brigadas
de “Cristeros”, y como Calles decidió combatir el fuego
arrojándole gasolina la rebelión armada se generalizó en
la mayor parte del país.
Volviendo a Francia, Segovia se presentó los días 10 y
11 de septiembre en Sn. Juan de Luz, y el 12 continuaron su
viaje hacia Lourdes, hospedándose en el “Hotel des Ambassadeurs”
(Hotel de los Embajadores)… “El primer embajador
que nos recibió fue un perro policía viejo y gordo” —escribía
Ponce a Clema—. Al día siguiente el compositor fue al correo
a dejar su carta y en el camino lo sorprendió un chubasco,
resguardándose bajo un techo frente a un local comercial
de donde salió una viejecita de origen vasco preguntándole
qué iba a comprar, y como Ponce le contestara que sólo se
cubría del aguacero la viejecita le pidió, en francés y vasco
revueltos ¡ que se fuera, que no tapara la mercancía !... “No
le hice caso a la basca (con b de burro)” —-comentaba a su
amada—.
El día 14 Ponce trató de meterse a la piscina de agua
curativa, pero eran tantos los enfermos esperando que mejor
desistió, aunque más tarde regresó y lo logró. Ya en la alberca,
se le acercó un sacerdote para echarle agua con la
mano en la cabeza mientras rezaba en latín, indicándole que
cuando terminara se vistiera rápidamente sin secarse con la
toalla; Ponce le dio 10 fcs… “Para sus pobres”, y otros 10 al
portero que lo dejó entrar antes que a los enfermos… “Para
su agüita” —le informaba Ponce con muy buen humor a Clema—;
al retirarse del lugar el compositor se llevó dos botellas
con agua milagrosa.
Por la noche Ponce participó en una procesión a la
Basílica llevando una vela encendida… “Igual que todos los
participantes, iban más de 50 mil peregrinos, como un río de
luz, todos cantaban en su propio idioma el “Ave, Ave María”.
En dos ocasiones de mi vida he experimentado una emoción
parecida: Cuando oí la IX Sinfonía en Alemania (y una
248

vez en París), y anoche no pude más y dejé correr mis gotitas
amargas. Cerca de mí iba un franciscano y adelante los
alemanes. En la Oda de Schiller se canta la fraternidad en
teoría. En la procesión de Lourdes la fraternidad es un hecho.
Unidos por el tierno sentimiento de adoración a Nuestra Señora,
todos los peregrinos se sienten hermanos” —contaba
Ponce, profundamente católico, a Clema—. El compositor y
los peregrinos vibraban de emoción ante el amor que la Madre
de Dios derrama a sus fieles devotos en la enorme Gruta
de Massabielle; lugar donde en 1858 se apareciera 18 veces
a la pequeña Bernardette Soubirous, de 14 años de edad;
gruta ahora tapizada totalmente de muletas, bastones, sillas
de ruedas y demás aparatos ortopédicos abandonados ahí
en agradecimiento, por aquellos que regresan a sus hogares
sanados milagrosamente.
Kimbombó.- Ponce esperaba noticias de Andrés, quien tuvo
concierto en Biarritz donde tocó con gran éxito “Tema Variado
y Final”. Posteriormente regresaron a París continuando
Segovia su gira en Suiza y después por ciudades del norte de
Europa, mientras que Ponce y Clema prolongaban su temporada
vacacional en “La Champ” (Barcelonette-Basses Alpes).
“Después de mi viaje cinematográfico a Lourdes, nos
encontramos ya en La Champ, en el dominio del tío de Clema”…
“El proyecto de mi viaje a México no se realizará, pues
mi madrecita se opuso a que yo fuera solo. Por consiguiente,
nos quedaremos en Europa” —le informaba Ponce a su
padrino Juan Chávez—. La pareja mexicana regresó a París
los primeros días de octubre incorporándose rápidamente a
sus actividades, a tiempo para asistir al recital de la soprano
Cecil Arden y el pianista M. Labinsky en la “Salle de Agriculturs”,
el 10 de octubre, pues en los programas se anunciaba
“Estrellita”.
Días después Ponce revisa la partitura orquestal de
“Danse des anciens mexicains” y la rescribe completa, terminándola
el 23 de noviembre. Entretanto, Segovia actuaba el
día 20 en la “Bluthner-Saal” de Berlín, donde también anunciaban
para el día 21 a la bailarina española “La Argentina”,
cuyo programa ofrecía diferentes autores, Ponce entre ellos
(con su Gavota), en el “Teather am Kurfürsten damm”. Más
adelante, el 16 de diciembre, Segovia se presentará en la
Sala de Conciertos del Círculo Privado “A Capelle Liegeois”,
de Lieja, Bel., interpretando nuevamente “Tema Variado y Final”.
249

A principios de enero de 1927 Clema viaja a Antibes,
ciudad portuaria de la Costa Azul, invitada por su amiga
Odette, que vivía allá con su familia: Daddy, Patrick, y su hijo;
al que Ponce y Clema habían bautizado, y como era costumbre
entre ellos, se escribían a diario. En su carta del día 11,
Ponce le informa:
“Vino a verme Toño Salazar le di a conocer los temas
del ballet”; se refería a “Kimbombó” obra musical en estilo
afrocubano, que Antonia Mercé mejor conocida como “La
Argentina”, le había pedido. El libreto era del poeta cubano
Mariano Brull, quien trabajaba en la Embajada de Cuba en
París, y la escenografía del también cubano Antonio Salazar.
Más adelante Ponce añade:
“Ayer lunes fui a la Ecole y llegué ¡Diez minutos antes
de las diez! Y es que ahora como no hay quien me consienta,
estoy listo desde temprano. La carga hace andar al burro”;
y termina diciendo: “Recibe mil besitos de tu pingüino que se
porta irreprochablemente”. En su misiva del día 14 le informa:
“Hoy vendrá Andrés por la noche. Estudiaremos la Sonata
de Guitarra y Clavecín”. Al final añade: “Me cuido mucho,
siempre te pienso y me porto perfectamente. Mil besos
para Charrasquis de su Manuel”. En su epístola del jueves 20
le hace saber: “Anoche vino Huvelín y supo con sorpresa que
Mad. Ponce anda de temporada (vacaciones). Venía por sus
dos canciones y como le ofrecí que las tendría para el viernes
sin falta, me puse enseguida a trabajar y yá se las concluí.
Son la “Estrellita” y “Valentina”. Me parece que sonarán
bien. Encontré un acompañamiento muy interesante para la
“Valentina”. La Sonata de Segovia va muy adelantada y he
trabajado un coral para Paulito (Paul Dukas). —Se refiere a
la Sonata II para Guitarra—: “Ya en mi anterior te indiqué mi
buena disposición para ir por ti en cuanto me lo indiques. Si
por casualidad pudieras regresarte con alguna señora o familia
conocida de Odette, nos ahorraríamos como 1,200 fcs.
pues a nuestro paso para Italia podremos quedarnos unos
días en esos lugares”. Al final le dice: “Te pienso siempre y soy
buen niño”.
Carlos del Castillo.- En su mensaje del día 25 de enero, Ponce
le comunica: “Ayer te decía que no viajes sola en tren. He
pensado que en cuanto llegue la pastilla (dinero) de México
yo iré a buscarte y le diré a Paul Dukas que me dispense por
una semana ¿Te parece? Creo que el dinero llegará de un
momento a otro. No quiero ir antes de recibirlo, porque más
250

seguro más marrado, como decía el indio. Dime si estás conforme,
si yo voy por el día 30 me quedaré dos o tres días en
Antibes.
Anoche me habló Mariano para invitarme al concierto
de Rubinstein. Tocó muy bien, con sala a reventar. No lo fui
a saludar, porque estaba lleno de gente, como era natural, y
el metro se suspende a las 12 y media de la noche”… “Estoy
esperando carta de Aguas, pues la enfermedad de la jefecita
me tiene intranquilo. Espero que sólo se tratará de grippe.
Sigo irreprochable y te envío como siempre todo mi corazón
y mil besitos”. En su comunicación del día 29, el compositor
entera a Clema que recibió la sorpresiva visita de Carlos del
Castillo:
“Todo el día, hasta las 9 y media de la noche anduve
acompañando a Carlos del Castillo. Compró libros, música,
estampas por docenas para sus alumnos, y hoy va a comprarse
dos trajes hechos que, seguramente le quedarán de la
pedrada pues está hecho una bola y creo que ningún modelo
le quedará correcto. Almorzamos en la Reina Pedanque, a
donde lo llevé para que conociera ese restaurant característico
de París y… para conocerlo yo también. Comimos dos
omelettes y dos platos del día con un 1 bot de vino de 8 fcs. La
cocina es magnífica y las copas como para gigantes. El bote
de la mostaza tenía como media vara. Parece que todo lo vi
como con vidrio de aumento”. Más adelante anota: “Verdaderamente
ya estoy preocupado porque no llegan noticias
de Aguas. A cada momento, en la calle, ayer, me llegaba
como “Una corazonada”… Espero que hoy sí tendré cartas.
Si es así el lunes por la tarde salgo para Antibes. Te pondré un
telegrama. Salúdame a todos y recibe mil besitos de tu Charrasquis
que muy pronto te los dará personalmente”.
Carlos del Castillo disfrutaba la música romántica de
Manuel M. Ponce, aunque no soportaba la música moderna
ni los compositores recientes a los que verdaderamente
detestaba “Están matando la música” —decía Del Castillo—.
Alababa el talento de Ponce y le pedía que no cambiara su
estilo musical ni se dejara influir por aquellos creadores vanguardistas
de moda. Ponce intentaba explicarle la natural
evolución musical, pero Del Castillo era rotundo y no aceptaba
ni siquiera “medias tintas”. “Así es Carlos —pensaba Manuel—y
a los buenos amigos se les acepta como son”.
251

Dolor y tristeza.- Además de estudiantes y músicos mexicanos
que vivían en la “Casa de México en París”, a Ponce lo
visitaban José Rolón, Juan D. Tercero y Luz Segura (pianista),
quienes eran sus condiscípulos en la Ecole Normal. También
recibía al violinista Aurelio Fuentes, al pintor duranguense Ángel
Zárraga; al Lic. Isidro Fabela, que vivía en París, al periodista
José D. Frías; al también periodista Carlos Serrano y a
Agustín Loera y Chávez, quienes trabajaban en la Embajada
de México. También lo visitaba el Ing. Arturo Pani, Embajador
mexicano en París, quien era su amigo desde la niñez cuando
estudiaban en Aguascalientes. En 1928 Ponce también recibirá
al niño Pablo Castellanos, de 11 años de edad, hijo del
pianista del mismo nombre quien fuera compañero de Ricardo
Castro en el Siglo XIX.
El nombre de Manuel M. Ponce aparecía frecuentemente
en la prensa cultural de Europa, asociado a los más
notables artistas y personalidades de la época; cosa que
para los habitantes de México constituía una de las pocas
noticias de ultramar que los alegraba. Pero no todo en la vida
es felicidad, la tristeza acecha a la vuelta de la esquina ensombreciéndolo
todo y el 2 de febrero de 1927 asestó fuerte
golpe a nuestro héroe; ese día falleció la madre del compositor,
enterándose Ponce por medio de un telegrama. La
infausta noticia laceró profundamente su corazón, aunque
ya lo presentía. Además, el telegrama de Fray Antonio señalaba:
No vengas hermano, nada resolverías —advirtiendo—:
Situación político-religiosa gravísima.
Ponce derramó lágrimas de dolor e impotencia sobre
el regazo de Clema; juntos sufrieron lo indecible en medio
de su soledad. Sólo Dios sabe cuánto envejeció de dolor tan
lejos de su hogar, tan lejos de sus hermanas… No tiene remedio;
la vida se nos va precisamente cuando muere un ser
querido: Madre, padre, esposa, hijos, hermanos, amigos. Felicidad,
tranquilidad y alegría, son fugaces.
252

CAPITULO IX
Nicolás Médtner.- Durante los meses de marzo, abril, mayo y
junio de 1927, Andrés Segovia efectuó larga gira de trabajo
por ciudades del norte de Europa: Berlín, Copenhague, Estocolmo,
Malmö, Moscú, etc. y en todas sus presentaciones
incluyó las obras de Ponce quien, luego del trago amargo,
se refugió en la música anhelando consuelo entre las musas
de su inspiración. De ese modo, trabajando afanosamente,
concluyó el ballet “Kimbombó” que “La Argentina” presentó
rápidamente en sus funciones de “Ballets Españoles y Pantomimas
Teatrales”, al lado de “El amor brujo”, de Falla; “La
Guinguette”, de Durán; “Le Contrabandier”, de Esplá”; “La
Juerga”, de Turina; y otras obras más de E. Halfter, M. Torroba,
J. Bautista, G. Pitaluga, etc. —así se anunciaba en carteles y
programas de mano—.
Después terminó “Miniaturas para Cuarteto de Cuerdas”,
obra modernísima donde aborda la politonalidad, pues
cada instrumento interpreta en escala diferente. Luego de
finalizar la Segunda Sonata para guitarra, comienza la tercera,
enviando los manuscritos respectivos al guitarrista español,
quien no se cansaba de ponderar el genio de su amigo
“A que no aciertas a quién le ha gustado tu “Tema Variado
y Final” —le pregunta en carta enviada desde Estocolmo,
con fecha 20 de abril—a Médtner, le contesta, me la pidió
para examinar la manera de escribir para guitarra, después
de haberme oído, pública y privadamente. Lo ha guardado
durante una semana, me lo ha devuelto el día antes de mi
salida de Moscú y me ha dicho que está muy bien y que le ha
sido de gran utilidad para lo que me está escribiendo. Te lo
presentaré en París. Acaba la Sonata para cuando yo vaya o
nos peleamos seriamente…”
Cinco años atrás, en México, A. Rubinstein había iniciado
a Ponce en el arte de Médtner. “Desde entonces la
personalidad de Médtner me inquietaba. La profundidad de
sus ideas melódicas y la robustez de sus construcciones sonoras
me recordaban el arte de Brahms. ¡ El Brahms ruso !...” El
compositor ruso, de 47 años de edad, invitó a Ponce y Clema
a tomar té en su casa, muy cerca de París. “El compositor en
persona abre la puerta —escribe Ponce—. Cordial, atento,
nos invita a sentarnos frente a una mesa en la que ya está
253

preparado el te… Médtner se muestra convencido de que la
evolución del arte musical se cumple lenta y progresivamente.
“Vea usted —me dice un poco exaltado—, hay algunos
llamados compositores que sostienen la tesis del agotamiento
de todos los elementos esenciales para la composición
musical. Todo se ha dicho, repiten a cada paso; debemos
crear un arte inédito. Y bien, esos señores ¿Desearían destruir
la primavera porque cada año nos brinda los mismos encantos?
¿Se conformarían con jardines artificiales adornados con
árboles de cartón y flores de papel? El arte es la expresión de
la belleza y sólo la impotencia para crear algo bello con la
materia sonora que ha servido a los grandes maestros para
realizar las obras que aun admiramos, puede conducir al culto
de lo feo, y a la realización de obras que ocultan su inferioridad
y pobreza con los oropeles de la moda pasajera”.
Luego Ponce añade: “A pesar de sus declaraciones
conservadoras y de su veneración por los clásicos, Médtner
no es un compositor retrasado. Su música es moderna, audaz
su armonización, actual la manera de ordenar sus construcciones
polifónicas. Pero justamente las cualidades esenciales
de su arte de compositor, le impiden admitir las fórmulas más
bien exteriores de que se valen quienes no teniendo nada
que decir, empéñanse en hacer frases sin sentido.
Como la noche había caído ya, nos despedimos del
compositor, quien a pesar de la lluvia se empeñó en acompañarnos
a la estación. Músico verdadero, Nicolás Médtner
vivía entregado exclusivamente al cultivo de su arte, feliz en
su armónico mundo interior, escondido en su modesta casita.
¿Pobre? Tal vez; pero fiel a su vocación de creador de obras
que perdurarán porque encierran dos elementos de importancia
vital: Dominio de la materia sonora e inspiración. Silba
la locomotora. Lentamente el tren se pone en movimiento. Y
tras la cortina transparente que forma la lluvia pertinaz, vemos
la mano del gran compositor ruso que nos dice adiós”….
—Leer a Ponce es disfrutarlo, como si lo oyéramos hablar—.
“El mal”.- Desde principios de 1927, las editoras de música
más famosas del mundo volvieron sus ojos hacia las obras
modernas de Manuel M. Ponce: Ediciones Maurice Senart,
París; B. Schotts Shone, en Mainz, Ale.; G. Chirmer Inc. New
York; Southern Music Publishing Co. Inc. New York; y W. Bessel,
de Rusia. Llamar la atención de tales editoras representaba
la mayor aspiración de los compositores. La primera de ellas,
la casa Senart, apareció en 1908 y para 1927 contaba con un
254

catálogo de 5 mil títulos, entre otros: las ediciones completas
de Chopin, Liszt, Shumann, Cosella, Malpiero, Milhaud, y Honnegger.
Ahora, para empezar, a Ponce le publican sus recientes
“Miniaturas para Cuarteto de Cuerdas” y “Tres Poemas de
Tagore”; posteriormente continuará con: “Tres Preludios para
Violoncello”, “Cuatro Piezas para Piano” (Suite bitonal), “Tres
Poemas de Mariano Brull”, y “Granada” para piano y cello.
Creaciones impresionistas y politonales, que se venderán en
todo el mundo sumándose a sus creaciones románticas editadas
en Europa desde 1905, 1906 y 1914. A más de eso, en
la lejana Rusia la casa Bessel publicará “Serenata Mexicana”,
“A la Orilla de un Palmar” y “Estrellita”. Ponce debería sentirse
satisfecho, pues antes de él pocos músicos mexicanos
habían sido publicados comercialmente en el Viejo Mundo:
SigloXIX, Luis Baca, Melesio Morales, Gustavo E. Campa y Juventino
Rosas. Siglo XX, Ricardo Castro.
Luego de la muerte de su madre, Manuel M. Ponce
comenzó a sentir molestias físicas en piernas, espalda y riñones.
“Tal vez por el intenso trabajo de los últimos días” —decía—,
y no le daba importancia, pero a partir de entonces
comenzó a minarle el mal que lo llevará al sepulcro. Para el
mes de julio las molestias aumentaron y aceptó someterse
a una cura naturista en un centro “SPA”. Quienes asistían a
esos lugares tomaban baños de aguas termales y de vapor,
además de chorros de agua fría a presión; alimentándose
frugalmente con productos naturales: Nueces, pasas, cereales,
almendras, jugos, frutas y vegetales; quedando prohibido:
carne, cigarros, bebidas alcohólicas y toda suerte de actividad
sexual. Así era aquello.
Ponce, por recomendación de Segovia, seleccionó
las termas “Néris-les-Bains”, en la región de Allier, cuya capital
es Moulins; ahí permanecerá casi dos meses. El 14 de
agosto escribe a Clema:
“Charris linda, llegó carta de Eduardo S. Fuentes. Muy
cariñoso, te saluda. De México nada. Por aquí, la misma vida
y el tiempo lluvioso. Pero a pesar de ello los hoteles siguen
llenos… Infórmate bien de la hora de llegada a Montluzon de
los trenes, para combinar las cosas de manera que pueda ir
a recibirte. Creo que será fácil. Exceptuando de 9 y media
a 12 en que tomo el baño y lo reposo, el resto del día estoy
libre. Almorzamos a las 12 en punto y cenamos a las 7. Tendré
mucho gusto de ir por ti”.
Clema fue a visitar a Ponce pero sólo de paso, pues
iba con su amiga Odette quien se dirigía a Lorient (en Breta-
255

ña), para someterse a una intervención quirúrgica, habiéndole
pedido a su buena amiga y comadre que permanecía
en París que la acompañara; Clema no pudo negarse y por
esa causa la pareja mexicana estuvo separada varias semanas.
Ponce regresa a París a mediados de septiembre y el día
18 le escribe:
“Justamente al salir de Neris me entregaron tu cartita
de Limoges. Me alegro que hayan pasado un día agradable
con el primo que si no es carnal, al menos es Carnel (así se
llamaba). Yo me aburrí soberanamente en Neris. Desde que
ustedes se fueron llovió sin cesar”. En su comunicación del día
19 le informa que le dieron el número 15 en la pensión (pues
decidieron cambiar de domicilio). Está bonita la pieza en el
tercer piso. Paséate mucho. Hoy fue día perdido, pero mañana
comenzaré mis gestiones… Y termina su carta diciendo:
“Aunque tú me envías uno, yo te mando muchos besitos. Tu
Tato”.
Schott Shone.- Mientras tanto, Segovia continuaba sus giras
interminables sin enterarse qué sucedía con Ponce, ni conocer
su nuevo domicilio. “Querido Manuel —escribe Segovia
a la antigua dirección, carta con fecha 20 de julio que Ponce
recoge— no sé tu nueva dirección. Seguramente habéis
salido ya de París, y no habéis pensado en dejarnos rastro
de vuestras numerosas evoluciones estivales; pues creo que
váis ahora cerca de Niza, luego a las aguas de no sé donde,
después a Suiza, etc. Mal hecho. Quiero y necesito estar
en comunicación frecuente contigo y Adelaida con Clema.
Así que si no se extravía esta carta, haz el favor —aunque te
cueste un esfuerzo— de contestarla enseguida, dando asilo
fijo a las que seguirán. Estoy en plena revisión de tus obras.
La Sonata III está lista… He puesto en dedos el Preludio en
Fa sostenido. También he dejado en limpio aquel Andante
que firmaste en Thorens. Lo toco todo él con una sonoridad
desmaterializada (obra actualmente perdida)… La Sonata
en La menor (Sonata II), estoy trabajándola también”. Más
adelante le informa que está en tratos con Strecker, director
propietario de Schott, para editar el Tema Variado, las Cuatro
Canciones Populares y la Sonata III.
El 10 de agosto Segovia vuelve a escribirle:
“Querido Manuel: Me urge muchísimo que me mandes tu dirección
para dársela a Schott sin pérdida de tiempo, y que os
pongáis de acuerdo para la edición de tus obras. Yo acabo
de firmar el contrato… Te ruego por lo que más quieras —por
256

Clema—que me contestéis sin pérdida de tiempo. Ya ves que
estamos a 10 de agosto. Mientras que Schott y tú os ponéis de
acuerdo yo voy escribiendo las obras a fin de no perder más
tiempo del que os lleve la discusión de condiciones. Escríbeme
te ruego”.
Finalmente, Ponce y la famosa casa editora llegaron
a un arreglo firmando el contrato B. Schott’s Shone, el 30 de
septiembre en Mainz, Ale., y Ponce el 5 de octubre en París.
Las primeras obras cubiertas fueron: “Sonata III”, “Tema Variado
y Final”, “Tres Cantos Populares Mexicanos” (“Pajarera”
—Allegro—, “Por ti mi corazón” —Andante—y “Valentina” —
Allegro—); además, “Un Pequeño Preludio” (“Preludio en Fa
sostenido”). El compositor recibió un cheque por mil marcos. A
más de eso, a partir de la fecha del contrato, Ponce, Segovia
y el Editor recibirán una tercera parte cada uno, de regalías
por derecho de interpretación pública (Die mechanischenund
Aufführungarechte werden). Para darse una idea del
monto de esa operación, baste saber que el Departamento
de Hacienda Alemán, recientemente había decretado que
el máximo pago autorizado para cualquier artista que se presentase
en territorio germano, sería precisamente mil marcos.
Sin embargo y no obstante el bello panorama descubierto
por el buen amigo español, Ponce, que se encontraba en
París, no terminaba de aliviarse y por esa razón regresó a las
terapias naturistas-hidráulicas de “Neris-les-Bains”.
Ponce retorna a las terapias curativas pero ahora lo
hace acompañado de su amigo mexicano Alfredo Gómez
de la Vega, primer actor de la Compañía Teatral del Departamento
de Bellas Artes, quien arribó a París en viaje de placer
y al enterarse de las intenciones del compositor decidió
acompañarlo, pues —le confiesa— tampoco se siente bien,
además arde en deseos de conocer tales tratamientos naturistas.
El viernes 14 de octubre Ponce escribe:
“Charris linda ¿estarás ya en Lorient? En las condiciones en
que te puso el billete que te dio Odette, no te quedaba otro
remedio que ir con ella, si decide operarse… Alfredo se quedó
dos días afónico, después de la grippe. Ya te imaginarás
todas sus lamentaciones y el terror que de él se apoderó al
pensar que ya no podrá aparecer en escena. Naturalmente,
fue cosa pasajera y ya está bien. Por ahora el mundo no
perderá al “Primer actor de habla española” como modestamente
se titula nuestro amigo. No se quién daría mi dirección
a la Escuela Normal, pues con membrete de ella me enviaron
257

el “Monde” (periódico de París) en el cual ví el primero de mis
Preludios y una notita sobre él”… “Sigo mis baños y mi trabajo
que ha progresado mucho”.
En su epístola del día siguiente, el compositor le comunica
a su cónyuge:
“Acabo de recibir tu carta y las de D. Juan (su padrino y administrador).
También de las muchachas (sus hermanas)”… Más
adelante le informa sobre noticias preocupantes: “Nos pinta
(D. Juan) la situación con negros colores. Ya hablaremos sobre
este asunto y tal vez el mismo Sr. Meandro nos informe
de la imposibilidad de enviarnos 150 dólares cada mes, en
ese caso, no habrá más remedio que preparar las maletas”…
“Recibí los 500 fcs. Mil gracias. Creo que sólo necesitaré 200,
pues no hago ningún gasto extraordinario. Tomamos agua
en las comidas y según la frase de Alfredo, “Llevamos vida
ejemplar”. Sin embargo, el baño me cuesta 9 francos y 3 de
propina, son 12 francos diarios, es decir 252 francos en 21 días.
Dios mediante espero terminar mi cura con buena salud”.
De esa manera, con la amenaza de nuevos nubarrones
sobre la cabeza pero con la esperanza a flor de labios,
Ponce sigue disciplinadamente los procesos naturistas pero
continúa escribiendo obras nuevas tanto para la guitarra
como para otros instrumentos. Así, termina “Granada”, sobre
un poema de Mariano Brull, armonizándolo audazmente
para chelo y piano con la idea de incorporar lo español a
las corrientes modernas europeas al utilizar únicamente, con
gran flexibilidad de forma, las seis notas de las cuerdas al aire
de la guitarra española, y finalmente lo dedica a su amigo
Andrés, sin imaginarse el éxito mayúsculo que alcanzará la
pequeña obra entre los cellistas de todo el mundo, al grado
de que Joaquín Turina, luego de escucharla, rápidamente
escribirá un cuarteto para instrumentos de arco con la misma
idea original del compositor mexicano. Poco después Ponce
iniciará la cuarta sonata para guitarra (Sonata Clásica), pues
intuye que por ese camino recibirá dinero rápidamente tanto
del editor como de Segovia. En noviembre Andrés emprende
gira por varias ciudades suizas: El día 3 se presenta en el
“Grand Theatre de Geneve”, ofreciendo el estreno mundial
de la Sonata III; al día siguiente la repite en la “Maison du Peuple”
de Lausanne. Los días 5 y 9 se presenta en la “Deutsche
Stadtkirche”, en Biel; y así en otros lugares, ofreciendo también
las “Canciones Populares Mexicanas”. Durante diciembre,
Segovia continuará su gira, ahora por los Países Bajos.
258

Jasha Heifetz.- Mientras en Francia las Bellas Artes evolucionaban
de forma natural, en México la población se estremecía
con la “Guerra Santa” y los horrendos crímenes políticos
de A. Obregón. En el terreno musical, el 11 de diciembre de
1927 culminaba en el Teatro Iris la temporada de 7 conciertos
del violinista norteamericano J. Heifetz, de 26 años de edad,
quien interpretó en estreno mundial su arreglo para violín y
piano de “Estrellita”, de Ponce, escrita en México a insistencia
de sus amigos Lerdo de Tejada, Mario Talavera, Alfonso
Esparza Oteo y “Tata Nacho”. La prensa se desbordó en elogios
al violinista, comparándolo con Casals, en el chelo, y a
Segovia, en la guitarra. “Excélsior” del día 12, publicaba:
“Con el arreglo de Heifetz, modulante, empleando
la imitación, el contrapunto y aun el canon, con el uso de
intervalos bellamente disonantes y armonización modernista,
la “Estrellita” ha sido elevada al rango de composición seria,
digna de figurar en buenos programas”… “El concierto de
ayer fue una apoteosis sin precedente en México, ya no diremos
en cuestiones musicales, sino en espectáculos de todo
género. No se recuerda algo semejante al entusiasmo y excesos
a que el auditorio se entregó, quizás algunos impropios
en este caso, pues hasta sombreros y prendas, aparte de muchas
flores, fueron lanzadas al escenario; pero perdonables
en atención a la magnitud de la ovación que de momento
a momento crecía con los “bravos”, y otros gritos de “no te
vayas”, “vuelve pronto”, “viva Heifetz”, etc. Finalmente, ya en
la calle, igual que a Casals en 1919, y a Rubinstein en 1923,
la multitud lo paseó en hombros como si se tratara del gran
“Califa de León”.
A partir de entonces, el arreglo de “Estrellita”, “Ponce-
Heifetz”, dará la vuelta al mundo en manos de los mejores
violinistas inmortalizando a sus autores. Días después, en París,
“Gaceta Musical”, en su edición del mes de enero de 1928,
publicará: “En su concierto de despedida, Heifetz tocó una
transcripción suya de la conocida canción “Estrellita”, con lo
que suscitó ovaciones interminables. Se nos asegura que Heifetz
obtuvo una utilidad de 50 mil dólares en su memorable
gira por tierras mexicanas”.
De la misma forma que en México triunfaba Heifetz,
ese día en París triunfaba la cantante Nina Kochitz; se presentó
en la “Maison Gaveau”, el programa denominado: “Recital
D’Adieu”, Recital de despedida.
La bella cantante se presentó acompañada al piano por
varios de los compositores que vivían en la Ciudad Luz, Ponce
259

entre ellos, cuyas “Canciones Mexicanas” cerraron el programa.
El público francés comenzaba a ver al compositor mexicano
como algo suyo, pues ¡ Lo escuchaban un día sí y otro
también junto a sus genios vanguardistas !
En otro orden de cosas, en diciembre de 1927 la prensa
de la Cd. de México publicaba:
“Se capturó ayer al sacerdote Joaquín Cardoso en unión del
Lic. Carlos de Urdanivia en la ciudad de Puebla habiéndoseles
conducido inmediatamente a esta capital”… “El general
Joaquín Amaro, Secretario de Guerra y Marina, dirigirá un
mensaje a los generales, jefes, oficiales e individuos de tropa
que forman el Ejército, felicitándolos por su comportamiento
durante el último movimiento sedicioso. El Secretario de
Guerra ha querido esperar hasta que el país esté totalmente
pacificado —lo cual es cuestión de días”.
Como podemos ver, los jilgueros oficiales mentían
como Victoriano Huerta en su época o bien no sabían lo que
decían, pues la lucha armada cada vez era más difícil de sofocar.
Veinte mil cristeros, sin artillería pesada y mal armados,
traían en jaque a 75 mil soldados bien pertrechados. Hasta
esa fecha, el Ejército no lograba ninguna victoria decisiva y
sorpresivamente era barrido en casi todos los frentes. Causa
de ello se debía a que los insurgentes luchaban con mayor
ardor pues lo hacían, ni más ni menos, que por ¡Cristo Rey.
Su Dios!…Mientras que los soldados del ejército no estaban
totalmente convencidos de las órdenes que recibían.
Gaceta Musical.- Volviendo a París, desde hacía unos meses,
el maestro mexicano y Mariano Brull proyectaban publicar
una revista especializada en música, pero en idioma español.
Ponce, periodista de corazón, aceptó la idea pues estaba
seguro que la revista pagaría sus costos con los espacios publicitarios.
Además, Mariano Brull, luego de vender en París
suficientes páginas de publicidad consiguió diversos puntos
de distribución en América:
Nueva York, Chicago, San Antonio, Los Ángeles, México,
Honduras, Guatemala, Brasil, Argentina, Colombia, Venezuela,
Uruguay, La Habana, etc.
El formato de “Gaceta Musical” se apegó a la antigua
“Revista Musical de México”, siendo Ponce director editorial.
Las oficinas de la revista quedaron en el edificio de la
“Casa Pleyel”, fabricante de los pianos franceses del mismo
nombre. Cuando Segovia se enteró del proyecto se puso a
260

disposición de Ponce, aunque con pseudónimo, y consiguió
la colaboración de varios compositores españoles y algunos
críticos especializados, suizos e ingleses.
“La Gaceta Musical aspira a ser el órgano de información
general relativa a los asuntos musicales europeos y,
al mismo tiempo, el vehículo que ponga en comunicación a
los músicos de nuestra raza entre sí y con los de otras partes
del mundo. De acuerdo con el programa que se ha trazado,
la “Gaceta Musical” propónese publicar estudios sobre
el folclore musical de América y ser el eco de toda actividad
artística que tenga alguna importancia” —señalaba a guisa
editorial el primer número de la revista. Su costo fue de 6 francos
ejemplar—.
Y desde el principio, hasta el último número, apareció
la página de “B. Schott’s Soehne de Mainz, Ale.” Anunciando
las obras de Ponce para la guitarra de Andrés Segovia. Lo
que el compositor no visualizó de momento, fueron los tremendos
obstáculos que encontraría en los talleres de impresión
ya que ningún obrero hablaba español y por esa causa
el músico, luego de traducir al español los numerosos escritos
en francés, alemán, italiano, inglés, ruso, etc., debía revisar y
ajustar los tipos metálicos ¡letra por letra, página tras página!
Hasta componer los textos de 60 ‘o 70 páginas, como si fuera
experto tipógrafo; pero eso… no estaba en el programa.
Segovia—Sol Hurok, en Nueva York.- 1928 comenzó con los
mejores augurios para el cantor del paisaje mexicano: el 10
de enero A. Huvelin y Y. Francois estrenaron “Granada” para
cello y piano, en la “Salle des Agriculteurs” en París. Por su
parte, Andrés Segovia se presentaba por primera vez en los
E.U.A., haciéndolo en Nueva York, donde ofreció varios conciertos
en las Salas “Gallo Theatre” y “Town Hall”, los días 8,
11, 19, 25, y 29 de enero, y 4 de febrero. En sus programas
incluyó todas las creaciones de Ponce dedicadas a él, además
de estrenar la Cuarta Sonata, “Homenaje a Fernando
Sor” (Sonata Clásica); únicamente que se anunció como “Sonata…
Ferdinand Sor”; posiblemente por no estar terminada
(le faltaba el cuarto movimiento). Segovia la practicó mucho
durante el viaje en barco y siendo tal su entusiasmo decidió
estrenarla en Nueva York, así le informó a Ponce en carta del
mes de enero: “El día 29 tengo otro recital en que irán tus dos
sonatas: Sor en la primera parte (a la que he tenido que pe-
261

garle el Rondó en Do mayor de éste) y la III en la última. La de
Sor la anuncio simplemente Sor, sin añadir primera audición,
ni nada, a fin de que quede la puerta abierta para hacerlo
en Europa, como tú prefieras. Está preciosa. Suena muy bien”.
Más adelante Segovia le pide: “Y acaba el Rondó que estoy
deseando trabajar, para que la Sonata esté competa”. —Al
final agrega—: “No quiero que haya desnivel entre el primer
tiempo de la Sonata y el último, quiero que ambos sean igualmente
importantes. Además, ya que tengo la fortuna de que
un Sor actual de más talento que su predecesor escriba una
sonata para la guitarra, quiero que esa sonata no desmerezca
de otra de Hydn para piano”.
El triunfo de Andrés fue arrollador, como nunca imaginó:
“Contra lo que yo creía, —le informaba a Ponce— el
empresario ha hecho una presentación digna y sobria. Invitó
a mi primer recital a todos los artistas que actualmente se encontraban
en Nueva York. La sala “Town Hall” estaba, pues,
llena de gente de los distintos países en que yo he tocado y
ha sido, te lo repito, el éxito más grande de mi vida. Me han
conmovido ver hasta que punto la guitarra ha inspirado simpatía
a todos y a los mejores artistas de hoy”.
Segovia decidió presentarse en los EUA sólo hasta que
consiguió el respaldo del “Manager” No.1 del mundo: “Sol
Hurok”. TODOS los artistas sobresalientes en Europa, llámense
Kreisler, Casals, Paderewsky, Rachmaninoff, Rubinstein o Heifetz,
se movían y trabajaban bajo su égida; pero no era fácil
lograrlo, ya que las condiciones que exigía Hurok resultaban
difíciles de cumplir: Aparte de la férrea disciplina a que los
sometía inherente al estudio del instrumento y de la música a
interpretar, así como la sumisión total a las cláusulas del contrato,
el Manager pedía ¡20 mil dólares! de adelanto a todo
aquel que solicitara sus servicios.
—Tengo que hacer enormes gastos para promocionarte
—les explicaba—… Y no los voy a poner de mi bolsa.
Yo te ofrezco mi trabajo, contactos, experiencia, etc. hasta
lograr presentarte en las mejores salas de concierto y bajo
las mejores condiciones: publicidad acumulativa en la prensa
mundial; fotografías y carteles con tu imagen en todos los
lugares posibles; crítica incisiva siempre favorable; ruedas de
prensa locales previas a los conciertos, etc. etc. lo demás,
triunfo o fracaso, dependen enteramente de ti—.
262

De A. Schoenberg a H. Villa – Lobos.- Y mientras Segovia permanece
en los E.U.A., Ponce ejerce su experiencia periodística
para impulsar la “Gaceta Musical” y decide escribir sobre
sus pares contemporáneos. La crítica resultante rebosa
sabiduría, señalando sin ofender, ponderando sin el menor
dejo de envidia. Su censura construye, no destruye. De esa
forma, sin solicitarlo, atrapa el reconocimiento y admiración
unánime tanto de los artistas señalados, como de sus colegas
editores: “Musique”, “Le Monde Musical”, “Le Courrier Musical”,
de París; “La Resiegna Musicale”, de Turín; “El Mundo”,
“El País” y “La Prensa”, de La Habana; “La Prensa”, de San
Antonio, Tex.; “The Chicago Tribune”, edición París; “Las Provincias”,
Valencia; “El Ideal”, de Montevideo; “Nosotros”, de
Buenos Aires; y muchos más.
De Arnold Schoenberg, anota: “Vano esfuerzo sería
pretender la clasificación de las obras de Arnoldo Schoenberg
dentro del sistema musical cuyo lento desenvolvimiento
abarca cerca de tres siglos y medio (de Palestrina a Debussy)
durante los cuales el concepto de tonalidad no se perdió,
sino por lo contrario, amplificose en curva siempre ascendente…
Pero Schoenberg no trata de modificar o ampliar el tradicional
sistema armónico sino romper con toda tradición y
toda regla. Deliberadamente se coloca “al margen” de la
música y espera no sin inquietud —me imagino— el resultado
de su experiencia… En las últimas composiciones del maestro
vienés —conformes en todo con sus teorías— los sonidos
y su duración se combinan de manera que no se producen
ni acordes conocidos, ni cadencias, ni melodías… Poco a
poco, sin embargo, va creándose una atmósfera especial en
la que el sentimiento cede su punto al razonamiento y a la
lógica… Como se comprende, el esfuerzo de quien “desea
escuchar” esta música debe ser enorme. De ahí que muchas
personas no soportaron la audición íntegra y salieron de la
sala con gran escándalo de los admiradores del compositor
austriaco”.
De Paul Dukas escribe: “La silueta”: Al verle pasar por
la calle —como yo le ví un día al cruzar la avenida Wagram—
nadie podría suponer que ese viejecito con aire de modesto
empleado de Ministerio —estatura mediana, traje y sombrero
color oscuro, nevados el bigote y la barbilla en punta, cartera
de piel bajo el brazo— fuese el autor del “Apprendi Sorcier”.
Y, sin embargo, nada más exacto. El luminoso espíritu de Paul
Dukas encerrado en una figura humana sin especial relieve.
263

Sólo en la mirada penetrante hay, a veces, fulgores que descubren
el ardiente temperamento que creó “Ariane”.
Ajeno a las vanidades exteriores, un solo signo traiciona
su modestia: La Roseta de la Legión de Honor que florece
en el ojal de su solapa. Vigoroso, a pesar de sus 60 años bien
cumplidos, no demuestra en su aspecto un tanto maciso, signo
alguno de senil decadencia. Sus manos se mantienen firmes
y sus dedos ágiles sobre el teclado, y soporta sin fatiga el
trabajo que le ocasionan las lecciones de la Escuela Normal
de Música, durante las cuales habla incesantemente. Como
único reposo, al final de cada lección, mientras los alumnos
se despiden de él estrechándole cariñosamente la mano, enciende
un cigarrillo que saborea con delicia y cuyas efímeras
espirales azuladas se desvanecen al mismo tiempo que los
últimos comentarios sobre la vida o la obra de algún compositor.
Después sale de su clase y su voz se pierde en los pasillos:
“Bach… Beethoven… Mozart… Mozart… Mozart”.
“El compositor”: Pocas obras —relativamente a la
producción ordinaria de los compositores— ha escrito Paul
Dukas. Pocas, sí; pero geniales, verdaderas obras maestras”.
“Si Dukas no ha producido mayor cantidad de música, es
porque todo lo pule y cincela, como un conciensudo orfebre
de lo sonidos. Y es que el maestro desconfía del primer impulso
lírico, del golpe de ala inicial. Refrena su Pegaso porque no
cree en la fatalidad de la inspiración momentánea que casi
siempre esconde residuos de ajenas inspiraciones”.
De Igor Stravinsky apunta: “Después de los festivales
consagrados a Schoenberg, los que organizó Igor Stravinsky
con obras exclusivamente suyas, llevaron a la Sala Pleyel una
multitud ávida de escuchar y aplaudir la misma música que,
en lejana época silvara despiadadamente… La creación genial
nunca naufraga… Flota y brilla la obra maestra sobre el
oleaje del tiempo destructor… El compositor en persona dirigió
los interesantes programas de sus dos festivales. Bajo su
batuta —y esto parece una paradoja— sus propias obras no
alcanzaron el esplendor, el colorido, la intensa vida rítmica
que les imprimen otros directores profesionales de orquesta…
El verdadero conductor de orquesta posee una fuerza magnética
muy especial, que le permite transmitir a los artistas
que están bajo sus órdenes, todos los detalles que constituyen
el fondo de su personal interpretación. Una mirada, un
gesto, una indicación oportuna, pueden traducirse en efectos
dinámicos sorprendentes. Es la agilidad de movimientos,
la rapidez en las indicaciones a los instrumentistas, la técnica,
264

en fin, la que falta a los compositores que sólo de tarde en
tarde se ven obligados a empuñar una batuta… La música
de Stravinsky subyuga, sobre todo, por la potencia de sus ritmos,
por la brillantez de la instrumentación, por el humorismo
—bufonería, a veces— que el músico ruso introduce en sus
fragmentos sinfónicos”…
De Arturo Honegger, autor de “Pacific 231” y “El Rey
David”, —Ponce traduce a André George—: “Honegger
piensa que si él participa en un “orden de cosas que agoniza”,
es porque le parece indispensable, para ir adelante,
mantenerse fuertemente ligado “a lo que le precede”…. No
hay que romper el hilo del desarrollo de la tradición musical.
Una rama separada del tronco muere prontamente… Es
necesario ser “un nuevo jugador del mismo juego” porque,
cambiar las reglas, es destruir ese juego y volver al punto de
partida. La economía me parece frecuentemente más difícil,
pero más útil que la audacia demasiado voluntaria. Es inútil
romper las puertas si pueden abrirse”.
De Manuel de Falla escribe: “El “caso” de Manuel de
Falla es bien raro en la historia de los músicos contemporáneos.
Todo el mundo reconoce su talento extraordinario y
con igual entusiasmo le aplauden los devotos de los maestros
clásicos que los afiliados a las creencias atonales. La unanimidad
de los elogios —igualmente cálidos en los más distantes
países de la tierra— prueba que su música, sin dejar de ser
española, contiene elementos excepcionales de vida interior,
de fuerza expresiva, que la imponen a los más diversos
auditorios”.
De Maurice Ravel expresa: “Rostro volteriano con cabellos
blancos. Delgado, inquieto, empuña la batuta y con
el índice de la mano izquierda extendido va indicando a los
músicos el momento de entrar en acción. Su poema “La Valse”
es un encantamiento. De las profundidades de la orquesta
nacen los temas fragmentarios del Valse, imprecisos, informes.
Una cascada de armonías los arrastra, los une y forma
con ellos la melodía vienesa, voluptuosa y elegante. Ravel
se entusiasma, se agita, su música lo hace vibrar. Pide a la
orquesta más brío, más ímpetu, más intensidad de sonido…
Y en el “climax” del final, extiende los brazos y parece como
transfigurado en el esplendor de su propia armonía… El arte
de Ravel, todo ponderación y equilibrio, claridad y elegancia,
refinamiento y precisión, tiene por base la auténtica musicalidad
y el dominio absoluto del oficio, que el compositor
posee”.
265

Sobre Debussy, en el X aniversario de su muerte, Ponce
publicó unas líneas, exclusivas para “Gaceta Musical”, del
ilustre maestro Paul Dukas: “En sus últimos días, tan torturados,
tan prematuros, miraba con una curiosidad aguzada por el
desdén, a tantas gentes que se afanaban por echar abajo
las puertas que él había abierto en ese jardin de poesía del
cual tenía el presentimento de permanecer único señor. Y,
realmente, después de él, nadie penetró ahí, fuera de aquellos
a quienes el recogimiento convidó a entrar dentro de su
arte. Este refugio siempre les queda abierto, contra las brutalidades
ruidosas del exterior, entre las floraciones del ensueño
debussysta y las canciones de la onda que arrulla inmortalmente
el ardor de su melancolía”.
De las orquestas de París, Ponce escribe: “Las orquestas
francesas, en general, son excelentes. Bien organizadas,
disciplinadas, con magnífico instrumental manejado por profesores
aptos y estudiosos y dirigidos por jefes de reconocida
autoridad, logran interpretaciones irreprochables. Las principales
agrupaciones sinfónicas que existen en París, son (en orden
de antigüedad): 1.-La del Conservatorio, dirigida por Felipe
Gaubert; 2.-La Sociedad de Concierts Colonne, (Pierné);
3.-Los Conciertos Lamaureux (Paul Paray); 4.-La Orquesta Pasdeloup
(René Batón y A. Wolf); 5.-La de las Audiciones Poulet
(Gastón Poulet); y, además, las que organizan anualmente
con diferentes elementos Lola Bossan (Orquesta Filarmónica);
Walter Staram y Sergio Koussevitzky”.
Más adelante nos indica: “Las cuatro orquestas más
antiguas están basadas en el principio de asociación, es decir,
en el reparto de los productos, una vez descontados los
gastos de la sala, anuncios e impuestos. A causa del contínuo
aumento de toda clase de gastos, el cual no ha sido
compensado por alguna alza equivalente en el precio de
las localidades, la parte de cada profesor se ha venido reduciendo
de tal manera, que ha dado lugar a la supresión
de un ensayo. Para nivelar su presupuesto, los profesores se
han visto obligados a aceptar otros trabajos, multiplicándose
para cumplir y esto ocasiónales una fatiga que se traduce
en ejecuciones carentes de perfección y en la necesidad de
recurrir a obras ya sabidas y que gozan del favor del público.
Por todo esto, ni la música ni las orquestas pueden salir engrandecidas
y las medidas de salvaguardia a las cuales han
recurrido (reducción de horas de trabajo y repetición de las
mismas obras) no sirven sino para precipitar su caída”.
266

De Héctor Villalobos, de 38 años de edad, que se encontraba
viviendo y estudiando en París, apunta: “En cuanto
a los compositores latinoamericanos, mencionaremos el
segundo concierto organizado por Héctor Villalobos, fue la
plena revelación de un músico fuerte, original, que ha traído
hasta el corazón de París los rumores y los ritmos salvajes de
las lejanas selvas brasileras… El brillante compositor sudamericano
obtuvo un resonante triunfo con su música influenciada
por la de los más avanzados creadores europeos. La cooperación
de Arturo Rubinstein fue preciosa para el autor, quien
dirigió una orquesta formada con elementos de la Sociedad
Colonne”…
—Lo que no señaló Ponce en “Gaceta Musical” fue que Villalobos
gozaba del apoyo total del gobierno de su país, que lo
impulsaba por todos los medios posibles. Y cómo no lo iba a
hacer, si era un compositor genial que obtenía su vena creativa
de la música y cantos vernáculos nacidos del alma de su
pueblo. Igual que Ponce en México, Villalobos impulsaba el
nacionalismo musical brasileiro dándolo a conocer al mundo
entero; y también, como nuestro Ricardo Castro en época
de Porfirio Díaz, debído exclusivamente a su talento y méritos
musicales se convirtió en el artista consentido de su país. De
esa forma, Villalobos podía estudiar con Paul Dukas en la Ecole
Normale de París, contaba con un estupendo estudio musical
y podía pagar los profesores necesarios de una orquesta
sinfónica para presentar sus composiciones en las mejores
salas de concierto—. Por cierto, Alejo Carpenter describe el
estudio del compositor brasileño:
“Paredes agresivamente decoradas en rojo y blanco;
un largísimo piano de cola, de esos que acaban un día por
devorar al dueño de la casa; asientos de una diversidad arbitraria,
atriles y ceniceros; tales son los elementos que constituyen
el estudio Villa-Lobos, donde cada domingo, se improvisan
los más sorprendentes cocteles de artistas, paradojas,
músicos y nacionalidades. Los habituados no se hacen esperar”…
(Revista Pauta, No.24, sept.-oct. 1987. INBA-México,
D.F.).
Ponce, Villa-Lobos y Carpentier, se reunían con frecuencia
en casa de Edgar Varese, compositor “ultraísta” que
buscaba novedosas rutas a su inspiración musical. Ahí tomaban
cerveza, brindaban, comentaban y analizaban la nueva
escritura de la música francesa.
La “Gaceta Musical” apareció mensualmente a partir
de enero de 1928, suspendiéndose en diciembre del mismo
267

año debido a que con el incendio del edificio de la “Casa
Pleyel”, el mes de julio, Ponce y Brull sufrieron pérdidas materiales
difíciles de reponer; además de graves problemas monetarios
que enfrentaron porque los libreros ultramarinos del
norte, centro y sudamérica (salvo Argentina) no pagaban a
tiempo, resultando latoso y oneroso cobrarles. Por eso, cuando
los gastos superaron el punto de equilibrio… y los esfuerzos
también, suspendieron la publicación. Y si bien, la aventura
editorial no tuvo éxito económico sí alcanzó el artístico, tanto
en el Viejo como en el Nuevo Continente, debido al prestigio
de las plumas que colaboraron con el infatigable autor azteca:
Paul Dukas, Joaquín Turina, Aloys Mooser, Darius Milhaud,
Joaquín Rodrigo, Dan Gray, G. Dur, Marc Pincherle,
Manuel de Falla, A. Carpenter, A. Salazar, Roland Manuel, Raymond
Philipp, A. Mangeot, A. Delgadillo, Pedro G. Morales,
Henri D. Curzon, A. Cortot, y otros más; asimismo, los mexicanos:
José D. Frías, José Vasconcelos, José Rolón, Rubén M.
Campos, Antonio Gómezanda, Isidro Fabela, el propio Manuel
M. Ponce y, desde luego, “Noé Mc Ulpmen”.
Desafortunadamente para los editores, la “Gaceta” sólo podía
leerse en español; finalmente Ponce cortó por lo sano
regresando a lo suyo: La Composición; cosa que también
agradecieron sus coterráneos José Rolón y Juan D. Tercero,
quienes ayudaban afanosamente a Ponce en las arduas tareas
inherentes a la “Gaceta Musical”.
Fray Antonio de Santa Rosa de Lima.- En México, la “Guerra
por Cristo Rey” volvíase más cruel cada día, igual a todas las
luchas religiosas en la historia de la humanidad, baste recordar
los levantamientos campesinos en la Alemania de Lutero,
el sufrimiento de los Hugonotes en Francia, la Guerra Santa
del Islam: las Cruzadas por “Tierra Santa”, etc., que derivaron
en masacres espantosas. Los “Cristeros” eran pequeños
propietarios agrícolas y peones de hacienda que habían soportado
estoicamente engaños e injusticias de la clase gobernante;
todo lo toleraron, menos que se atentara contra
su religión.
Y fue en la región de “El Llano”, del Estado de Aguascalientes,
donde se dio un enfrentamiento entre la brigada
cristera “Santa Rosa de Lima” y fuerzas federales, mismas que
fueron derrotadas. En dicho Estado había una gran hacienda
llamada precisamente “Santa Rosa de Lima”; coincidentemente,
al profesar desde el siglo XIX, de acuerdo con las cos-
268

tumbres de su orden religiosa, Fray Antonio había cambiado
su apellido paterno por el nombre canónico “Fray Antonio de
Santa Rosa de Lima”… Menos de eso requerían las autoridades
federales para lanzarse como lobos sobre su presa. Fray
Antonio, de 62 años de edad, fue aprehendido violentamente
y sometido a interrogatorios y tormentos inquisitoriales, encerrado
en inmunda celda donde permanecía con el agua
hasta las rodillas, no podía sentarse o recargarse pues los muros
escurrían humedad; sus verdugos querían saber quiénes
eran, cómo operaban, cuántos formaban la brigada, quién
los mandaba, quién los pertrechaba, etc. En el momento de
su aprehensión, y semejante a San Tarsicio, el sacerdote alcanzó
a esconder entre sus vestiduras un bulto conteniendo
la Sagrada Eucaristía, para que no fuera profanada por sus
captores, siendo esto su único alimento durante varios días.
Cuando al fin quedó libre debido al prestigio mundial de su
hermano compositor, iba débil y enfermo. Su corazón, oprimido
por la bestialidad humana, dejó de latir el 30 de enero
de 1928, siendo inhumado el 2 de febrero en el Panteón de
Guadalupe de la Cd. de México.
Fray Antonio, que murió en olor de santidad, forjó una
bella historia en la ciudad hidrocálida, donde fue factor decisivo
en la construcción del “Colegio Católico para Niñas”,
hoy, orgulloso “Museo de Aguascalientes”:
A finales del Siglo XIX, de 1895 a 1898, Fray Antonio vivió en
Roma, ahí mandó hacer los planos arquitectónicos para el
edificio escolar, realizados en estilo totalmente clásico; los
planos muestran dibujos de columnas, capiteles, trabes, frontón
y cornizas griegas notablemente detallados, como acostumbraban
hacerlo aquellos grandes arquitectos del Renacimiento.
Pero dichos planos no fueron terminados a tiempo
y Fray Antonio encargó a su hermano Manuel, quien viajó a
Roma en 1904, que los recogiera y trajera al repatriarse en
1906. —Al respecto, don Alejandro Topete del Valle, historiador,
cronista de la ciudad de Aguascalientes y amigo de Manuel
M. Ponce, nos contaba—:
“Los fondos requeridos para la construcción del Colegio
fueron aportados por las Sritas. “Díaz y Portillo”, emparentadas
con la familia de D. Jesús Terán; siendo Fray Antonio
(nacido en 1865) quien convenció a las devotas señoritas, al
informarles que en sueños se le apareció la Sma. Virgen diciéndole
que quienes darían el dinero para la escuela serían
ellas… Ya después se compró el terreno y construyó el colegio
quedando la dirección de obra bajo la experta guía del
269

arquitecto zacatecano D. Refugio Reyes. Primero se conoció
como “Colegio Católico del Padre Ponce”; después, “Liceo
de Niñas”, posteriormente “Escuela Normal de Maestros”. Finalmente
el gobierno lo transformó en “Museo de Aguascalientes”—.
Naturalmente que la muerte de su hermano fue otro
duro golpe para el músico mexicano, quien sintió como si le
arrancaran otro pedazo de vida cayendo nuevamente en
grave estado depresivo, del que sólo los cuidados amorosos
y paciencia infinita de su compañera aliviarán, regresándolo
a la realidad para continuar sus estudios con Paul Dukas, dar
forma a nuevas creaciones musicales y proseguir sus afanes
editoriales con la “Gaceta Musical”.
Segovia, Profesor de Guitarra.- A raíz del X Aniversario Luctuoso
de Debussy, se organizaron en Francia numerosos conciertos
y homenajes a su memoria, formándose un “Comité Pro
Monumento a Debussy”, con objeto de erigirle una estatua
en el Bosque de Saint Germain-en-Laye.
Luego de su triunfo en Nueva York, Andrés Segovia retornó
a Europa e inició gira por Inglaterra, presentándose a
fines de febrero en Londres, Cambridge y Bradford. “Los tres
conciertos dados por el gran artista de la guitarra, Andrés
Segovia, han sido una prueba más de la gran simpatía que
goza su arte único en el público inglés. Su ejecución e interpretación
de los trozos de Bach, escritos especialmente para
Laúd, alcanzan excelencias de belleza que solamente encuentran
comparación en los mejores momentos de Casals
y de Kreisler, a quienes se asemeja en más de un concepto,
como artista. A más de obras de Sor, clásico de la guitarra,
tocó también de los modernos españoles, Turina, Granados,
Moreno Torroba, y dio a conocer en primera audición la Sonata
No.3 para guitarra, a él dedicada por su autor Manuel
M. Ponce, cuya personal factura y originalidad temática no
pasó inadvertida para los críticos y los amateurs ingleses”.
Durante el mes de marzo, Segovia viaja a Italia presentándose
en Turín, Monza, Milán, Florencia y Roma; donde
inmensos auditorios aplaudieron al genio andaluz y las obras
del compositor mexicano. Consecuencia de ello fue que al
volver a París, una comisión del Conservatorio Nacional de
Ginebra le ofreció nombramiento como profesor de guitarra.
Ponce publicó:
“Ha sido nombrado profesor del Conservatorio de Ginebra
(Suiza) el gran guitarrista Andrés Segovia, quien inau-
270

gurará su curso el próximo mes de abril”.
De esta manera, reflexionando que “No sólo de pan
vive el hombre”, el músico español iniciará larga carrera dentro
del magisterio musical obteniendo grandes satisfacciones
espirituales pues, semejante a Fraz Liszt, acudirán a buscarlo
legiones de alumnos de todos los países, y durante más de 60
años de la vida del genio andaluz serán portadores de los secretos
de su guitarra mágica, llevando la música de Manuel
M. Ponce a todos los rincones del planeta.
Franz Schubert.- Todo indica que Manuel M. Ponce comenzó
a escribir los primeros compases de su “Concierto para Guitarra
y Orquesta” a principio del mes de marzo de 1928, luego
de reponerse de la muerte de su hermano sacerdote y
al mismo tiempo que iniciaba la “Sonata Romántica”, que
dedicará a Franz Schubert. Se sabe que el compositor austriaco
interpretaba la guitarra como un virtuoso y se deleitaba
al extremo de componer varias obras para ella; inclusive,
cientos de sus lieder fueron escritos originalmente con armonización
para guitarra. Aunque en 1928 dichas obras apenas
comenzaban a conocerse en Austria y Alemania, donde la
“Fundación Schubert” guarda como un tesoro tres guitarras
que pertenecieron al genio germano.
La nueva sonata para guitarra de Manuel M. Ponce
sorprendió a su amigo Segovia, que no lo esperaba; más
adelante le escribe: “El Andante es delicioso, de lo mejor que
Schubert se ha quedado sin hacer. Me paso el día tocándola”
—finalmente añade: “La guitarra suena deliciosamente”…
“Honra al instrumento”—.
Durante el mismo mes de marzo, el mundo civilizado
de América y Europa aplaudió música cien por ciento mexicana:
Por principio, la Orquesta Típica de Lerdo de Tejada
efectuó gira artística por los EUA, mientras la “Orquesta Típica
Presidencial” de S. Torreblanca recorría varias ciudades
europeas, dejando escuchar la bella música nacional y las
“Canciones Mexicanas” de Manuel M. Ponce, representando
“Estrellita” la cereza del pastel.
En tanto, en México, la Orquesta Sinfónica del Conservatorio,
dirigida por José Rocabruna, ofrecía dos conciertos
organizados por la “Comisión Permanente” del Primer Congreso
Nacional de Música, e interpreta por primera vez “El
Festín de los Enanos”, poema sinfónico de José Rolón, obra
triunfadora del Concurso de Composición del Primer Congreso
Nacional de Música, efectuado en 1926. Además, el
271

Cuarteto de Luis G. Saloma presentaba en sus conciertos de
temporada en la Sala Wagner las obras más modernas y discutidas
de los músicos europeos de moda: Milhaud, Stravinsky,
Orstein, Debussy, Schoenberg, y Ravel, entre otros. Sobre
dichos conciertos, Saloma declaraba a la prensa: “Inicio,
pues, una nueva etapa del arte moderno en México con las
ejecuciones de estas obras con el “Cuarteto” que lleva mi
nombre, con toda la fe que siempre me ha animado, aunque
modestas e imperfectas por su escasa preparación, dado
que se necesita un largo estudio para poder alcanzar un grado
de perfección que permita poner y sentir, en cada una de
dichas ejecuciones, toda la alegría y la intención necesarias
para dar el carácter peculiar de estas obras llenas de fuego
como la de Stravinsky, o de éter impalpable y embriagador
como las de Milhaud, en cuya bella y rara música se encierra
una amplia gama de colores y sonoridades, variados y nuevos
ritmos y exóticas combinaciones armónicas, que hacen
que sea música para iniciados”.
Al mismo tiempo, el Sindicato de Filarmónicos de la
Ciudad de México habilitaba la “Orquesta Sinfónica Mexicana”,
e iniciaba serie de conciertos bajo la dirección de José
Rocabruna. El 29 de abril de 1928, se organizó en el Teatro
Arbeu un homenaje al “Maestro de Maestros”, Carlos J. Meneses,
participando las principales figuras del mundo musical
del país. Pocos días después, en mayo, la “Orquesta Sinfónica
Mexicana”, dirigida por J. Rocabruna, continúa su temporada
de cinco conciertos, donde presenta, entre otras obras:
“Imágenes”, poema sinfónico del joven compositor zacatecano
Candelario Huízar; y el “Andante para Instrumentos de
Arcos”, de Rafael J. Tello. También se anuncia que el próximo
2 de septiembre inaugurarán las secciones del “Segundo
Congreso Nacional de Música”.
Así mismo, en Nueva York nace la “Asociación Panamericana
de Compositores”, formando el Comité Ejecutivo
los señores: Presidente, Edgar Varese; Vicepresidente, Emerson
Whitehorne; además aparecen Carlos Chávez, Henry
C. Well; y Carl Ruggles… Vemos pues, que Chávez Ramírez
continúa su ruta ascendente recargado en colegas, amigos
y socios norteamericanos, Aaron Copland entre ellos.
Al otro lado del mundo, en París, “La Argentina” se presenta
en la Sala Pleyel con su espectáculo de ballet y danzas
españolas, que incluyen “Gavota” y “Kimbombó” de Manuel
M. Ponce, logrando triunfar noche a noche ante un público
que llena hasta los corredores del teatro. “Sólo la Pavlova ha
272

podido suscitar semejante éxito” —anotaba el crítico André
Levinson en “Gaseta Musical”— ¿Cuál es, entonces, el milagro
que realiza esta bailarina de alegrías y boleros?... El haber
hecho prevalecer la calidad, desafiando la barbarie —escribía
José D. Frías en la misma Gaceta.
El día 5 del mismo mes de mayo se presenta en la “Sala
Gaveau” el violoncellista mexicano Rubén M. Montiel, logrando
notable triunfo: “La sala pletórica atestiguó el interés con
que es seguida la carrera de este artista sencillo y laborioso,
dotado de un temperamento capaz de las mayores empresas”
—escribía José D. Frías, en la Gaceta Musical— añadiendo:
“El concierto fue matizado con pincelada de México por
la “Canción Mexicana” de Manuel M. Ponce, especialmente
arreglada para piano y cello”.
Al día siguiente se ofreció en la Sala de Conciertos de
la “Escuela Normal de Música de París”, la primera audición
anual con obras de los alumnos de la clase de composición
de Paul Dukas, participando siete de sus discípulos, entre
ellos, el español Joaquín Rodrigo y los mexicanos José Rolón
y Manuel M. Ponce, aunque también tomó parte Clema, la
esposa de nuestro héroe, quien cantó dos lieder de Rolón
que la acompañó al piano. Ponce presentó en primera audición
sus “Miniaturas para Cuarteto de Arcos”. Ese domingo
se encontraban en la sala los más connotados críticos de la
ciudad, y ante ellos la imagen de Ponce volvió a brillar con
luz propia: “…Las Miniaturas para Cuarteto de Cuerdas, de
Manuel M. Ponce, hermosamente variadas y de una perfecta
realización, señalan un músico dominador de su técnica”
(Le Monde Musical, París).
Dicho Cuarteto para Cuerdas representa una joya de
la música politonal de todos los tiempos, debido a la perfección
y originalidad de sus movimientos, producto definitivo
del contacto de Ponce con Paul Dukas quien quedó ampliamente
satisfecho de la factura singular de la obra, siendo
editada por “Maurice Senart” que la dio a conocer internacionalmente,
constituyendo una de las aportaciones más
importantes de Ponce al repertorio universal para Cuarteto
de Cuerdas, ya que desde entonces se convirtió en un “Clásico”
que todos los cuartetos del orbe interpretan; inclusive,
Maurice Ravel lo programaba en sus conciertos de la capital
francesa.
En 1928 la actividad musical que se vivía en la Cd. de
México era abundante: los recitales de cantantes, conjuntos
corales, pianistas, violinistas, música de cámara y orquesta sin-
273

fónica, se sucedían uno tras otro y aunque no había orquesta
sinfónica oficial, el público aficionado tenía oportunidad de
escuchar diferentes conjuntos sinfónicos, además de la orquesta
del Conservatorio Nacional, pues sobraban profesores
instrumentistas y patrocinadores: La Universidad Nacional,
la “Sociedad Alemana de Música”, la “Sociedad Daniels”, el
“Sindicato de Filarmónicos de la Ciudad de México”, etc. La
prensa anunciaba: “En la Capital de México han tenido lugar
en los meses de abril y mayo, entre otras audiciones, el quincuagésimo
segundo concierto de la “Sociedad de Música
de Cámara” dirigido por el profesor José Rocabruna, con el
concurso del Cuarteto de la Institución, y con un programa
clásico de la “Serie Modernista de Música de Cámara” que
organiza y dirige el maestro Saloma”.
Lo que más llamaba la atención de los dilettanti eran
los programas ejecutados, mismos que incluían las obras más
recientes de los compositores europeos de moda: música revolucionaria,
de vanguardia, tonal y atonal. El público acudía
a las funciones para escuchar, ahora en arreglos instrumentales,
las creaciones ultramodernas de los mismos autores que
habían aplaudido en pasados recitales de piano. Y es que
en 1928 la evolución musical mexicana nuevamente recibía
fuerte impulso nacional y extranjero. Nuestros dilettanti no se
asustaban ya con las creaciones “ultraístas”; eran tolerantes y
pronto, a base de escucharla una y otra vez, aprendieron a
valorar y diferenciar esa música, aunque…bueno, todavía no
escuchaban todo. En ese contexto musical plagado de recitales,
funciones de ópera y conciertos, faltaban directores de
orquesta; Julián Carrillo vivía inmerso en su sistema acústicomusical
y viajaba constantemente dictando conferencias
sobre el “Sonido 13”; Luis G. Saloma ya no abandonará los
grupos de música de cámara; Carlos del Castillo ya no dirigía
y Ponce radicaba en Europa, sólo quedaba José Rocabruna
quien se multiplicaba increíblemente.
Volviendo a París, la inspiración del compositor mexicano
semejaba un carrusel que giraba incesantemente: Luces
y colores cambian, suben y bajan. Los conocimientos adquiridos
en la “Escuela Normal de Música”, la asimilación de la
música y cultura europea contemporánea, con inclusión del
impresionismo y las expresiones politonales lo alegran, pues
su perspectiva creadora tiene ahora dos puntos de fuga que
le abren nuevos ¡ amplísimos horizontes ! Seguro de sí mismo
daba forma a multitud de obras para piano solo, canto
y piano, guitarra, cello, clavecín, violín, orquesta, dúos, tríos
274

y cuartetos; pero también para órgano, Instrumento que conoció
desde niño en Aguascalientes, donde a los trece años
de edad fue organista titular en el Templo de San Diego, por
lo tanto, conocía bien el ritual y la técnica del instrumento.
En México había escrito música para órgano y voces; ahora,
1928, viviendo en París únicamente para estudiar y componer,
escribe creaciones para órgano solo: “Melodía”; “Coral”,
sobre una melodía de J. S. Bach; “Cinco Estudios para Órgano”;
“Tres obras sobre Corales de J. S. Bach”; además de un
“Preludio Malincónico”, que de Preludio sólo tiene el nombre
pues abarca 16 páginas.
Durante el mes de junio, Ponce vuelve a revisar “Dance
des ansiens mexicains”, reescribiéndola totalmente. Después,
martes 19, acudirá en compañía de Clema al “Théatre
National de l’Opera”, ya que a las 9 de la noche se presentaba
el violinista Jasha Heifetz. “Recital Heifetz”, decían los programas
de mano, que incluían obras de Brahms, Bach, Lalo,
Ponce, Grieg, Falla y Bazzini; la cuarta parte del menú musical
abría con “Estrellita”, Ponce-Heifetz.
Finalmente, el público se desbordó en aplausos, “bravos”
y ovaciones sin fin, logrando la “Estrellita neoclásica” la
gloria de la repetición inmediata. Ponce y Clema observaban
desde la galería, pues los precios de entrada (y la reventa)
fueron sumamente altos. Desde ahí escucharon el arreglo
moderno de Heifetz a su canción mexicana, el cual se desarrolla
bajo originales disonancias al contrapunto del violín y el
piano seguido por variaciones a doble cuerda, de enorme
emotividad. Clema sonríe y Ponce no sale de su asombro. Al
final del recital deciden bajar para felicitar al violinista. Ya en
el camerino del virtuoso, Ponce le pregunta ¿Qué hace una
humilde flor del campo mexicano en manos de usted?... Luego
de abrazarlo efusivamente Heifetz le contesta: Su “Estrellita”
es muy bella, pero no va a desaparecer como una flor del
campo. Óigalo bien, es un auténtico drama wagneriano en
miniatura. Luego añade: Hasta los conciertos y sinfonías de
Brahms, Beethoven y Paganini se basan en melodías populares.
Usted mismo puede escribir un concierto con este tema
hermoso; me encantaría estrenarlo. Después fueron a cenar
y celebrar el triunfo de la estrella.
En México, durante el mes de julio, el “Trío Clásico Ricardo
Castro” festejó la vuelta al país del compositor y pianista
Antonio Gómezanda, con una audición de obras mexicanas
que tuvo lugar en la “Academia Gómezanda”. “Se
ejecutaron piezas de los compositores Felipe Villanueva, Ri-
275

cardo Castro, Manuel M. Ponce, Antonio Gómezanda, y otros
más” —informaba Gaceta Musical—y añadía: “Se trabaja
activamente para terminar a fines del presente mes el gran
“Teatro Nacional” (actual Palacio de Bellas Artes); y se anuncian
obras operísticas de Julián Carrillo, Ricardo Castro, Felipe
Villanueva, José F. Vázquez y Rafael J. Tello. La primera ópera
que se represente será la “Atzimba” del maestro Castro”. Se
trataba de impulsar la Ópera Mexicana.
La actividad musical en la capital del país no disminuía,
continuaba en ascenso: “La Orquesta Sinfónica Mexicana”
dirigida por el maestro Rocabruna, ofreció un concierto
en el Anfiteatro de la Escuela Nacional Preparatoria, con
el concurso de la pianista Magdalena Díaz. Fanny Anitúa,
contralto mexicana de fama mundial, nacida en el Estado
de Durango, interpretó una serie de canciones mexicanas y
arias de ópera; después regresó a Europa para participar en
la próxima temporada de invierno en el Teatro de la Scala de
Milán. Carlos J. Meneses dirigió un concierto de la “Agrupación
de Cámara de la Universidad Nacional” en el Anfiteatro
de la ENP. Ahí mismo se ofreció el Noveno Concierto Sinfónico
de la “Asociación Alemana de Música”, bajo la batuta del
maestro… J. Rocabruna.
Vemos, pues, que José Rocabruna era el director de
orquesta más solicitado y que Carlos J. Meneses, de 67 años
de edad, tuvo que abandonar su retiro para volver a dirigir.
Estando así las cosas en el ambiente musical nacional, el poderoso
“Sindicato de Filarmónicos de la Ciudad de México”,
acordó realizar un ciclo de seis conciertos en el “Teatro Esperanza
Iris”, con la “ORQUESTA SINFÓNICA NACIONAL”, bajo la
dirección del maestro Carlos Chávez. “El Sindicato ha abierto,
con este motivo, un concurso para los solistas que van a
participar en esta serie de audiciones” —señalaba en septiembre
la nota de “Gaceta Musical”, y añadía: La Banda de
Policía de la Ciudad de México ha partido a los Ángeles para
participar en la exposición de Long Beach; Banda organizada
y dirigida desde su fundación el 1º. de diciembre de 1904,
por el compositor duranguense Velino M. Preza”.
Los Idus de Julio.-Volviendo a la vida institucional de México,
la situación político-social continuaba por caminos sembrados
de odio y terror. El supremo gobierno que nunca se equivoca
no daba su brazo a torcer; solamente que los Idus del
mes de julio de 1928 no fueron favorables para el expresidente
de la República, Gral. Álvaro Obregón, quien, sorpresiva-
276

mente, murió balaceado durante una comida que le ofrecieron
el día 17… La rueda de la historia no se detiene, el mundo
es testigo, mientras la mano que mece la cuna señala: “Polvo
eres y al polvo haz de volver”. “Gaceta Musical” publicó en
París una anécdota poco conocida del ambicioso militar sonorense:
“Algunos minutos antes del atentado que privó de la
vida al Gral. Álvaro Obregón, —quien asistía a un almuerzo
en un lugar cercano a la Capital de México—: El Presidente
electo de la República Mexicana se quejaba con sus amigos
de la tardanza de los preparativos del banquete.
—Es que los cantantes que alegrarán la fiesta no han
llegado todavía, respondieron sus partidarios.
—¿ Para qué los necesitamos ? dijo el Sr. Obregón, sin
canto podemos comer. Yo sé que para comer bien lo único
que se necesita es buen apetito, no música.
Tenía mucha razón el infortunado general”.
Sin embargo, aunque la nación vivía amargas vicisitudes,
la gente no lamentó la muerte de Obregón y hubo quienes
se alegraron, pues en la ciudad de México no lo querían.
A tal grado rechazaban su imagen los habitantes de la capital
del país, que, gozosos, hicieron circular profusamente una
curiosa paráfrasis de su nombre y apellido: Con las mismas
13 letras de “Álvaro Obregón”, formaron la frase “Vengo a
robarlo”, pues ¡ Era de extracción carrancista !...Su alter ego,
señalaban. Los días siguientes fueron de tensión e incertidumbre;
las actividades culturales se inhibieron. Los “Cristeros” no
pedían ni daban cuartel y ya habían penetrado hasta la mismísima
silla presidencial. Se pelaba en el sur, en el bajío y en
el norte. No se veía el fin de la contienda. Se hablaba del
Vaticano y del Papa; de Washington y del Embajador Norteamericano;
de León Toral y de “La Madre Conchita”. Los
partidarios de Obregón culpaban a Calles, quien se hizo a
un lado permitiendo que los mismos obregonistas dirigieran la
investigación. Y no obstante la tensión que se vivía, el pueblo
de México continuaba sus chascarrillos políticos:
¿ Ya sabes quién mató a Obregón ? —preguntaba alguien—.
¡ Cállesss…e, cállesss…e ! —contestaba otro—.
Los graves sucesos de México eran noticia de primera
plana en todos los países, ya que el mundo vivía rara época
de paz y desarrollo armónico; pero los mexicanos que vivían
en el extranjero sufrían las secuelas negativas de la violencia
institucionalizada en el país. Segovia, que andaba de gira por
Sudamérica, se entera y le escribe desde Buenos Aires:
277

“Mi queridísimo Manuel: Espero que de la indisposición
que tuviste en los últimos días de junio, te haz respuesto
ya y gozas de salud perfecta. Te remito algunos programas
en que he tocado cosas tuyas y algunas críticas de “La Nación”
y “La Prensa” de Buenos Aires. Aquí ha gustado tu obra
guitarrística extraordinariamente, los músicos, que sólo conocían
“Estrellita”, de ti, se han quedado boquiabiertos con las
Tres Sonatas que he tocado (I, III y IV). Ya lo verás reflejado en
los recortes adjuntos:
“La Sonata de Ponce para guitarra, uno de los más
eminentes compositores de Hispanoamérica, acredita a un
artista sincero, personal y culto. El “Allegro” es una página
magistral. La “Canción”, una confidencia íntima, impregnada
de poesía y emoción, y el “Rondó”, una pieza graciosa y
brillante” —“La Prensa”, de Buenos Aires.
“En el programa de la quinta audición de Andrés
Segovia, figuraban obras del inglés Cyril Scot, del polaco
Alejandro Taneman y del mexicano Manuel M. Ponce. La
composición de mayor envergadura fue la “Sonata Clásica”
de Ponce, esta obra, dedicada a Sor, es una joya de estilo
clásico puro, realizada con mano maestra; la vivacidad del
“Allegreto”, la serenidad del “Andante”, la elegancia del “Minuet”
y la gracia del “Rondó”, que Segovia detalló con arte
supremo, son cuatro páginas de un músico de raza, culto, y
que sin mengua de su cautivadora personalidad, sabe transportarse
a tiempos idos y hacernos revivir sin afectación y sin
el intelectualismo seco, tan frecuente en ese género de reconstrucciones”
—“La Prensa”, de Buenos Aires—.
Me falta por enviarte la prensa de Montevideo que
también es entusiasta y los programas de aquellos conciertos
que ahora no tengo a la mano. Los acontecimientos de México,
que deploro con toda mi alma, me han hecho pensar en
ti. Si eso agrava tu situación económica y necesitas mi ayuda,
pídemela por cable, pues yo tendría un verdadero placer de
serte útil. No dudes un instante en hacerlo. Salgo de aquí el 21
de agosto en el Cap. Arcona de la Hamburg America Line, y
desembarcaré en Boulogne, espero encontrarte en septiembre
en París, en mi paso hacia Suiza. Un abrazo fraternal para
ti para Clema de, Andrés. 28 de julio de XXVIII. Buenos Aires.
Y mientras en México el pueblo era crucificado por sus creencias
religiosas, en Europa Ponce y Clema cumplían caros
anhelos de superación aunque, por una causa u otra, permanecían
separados. Recientemente Clema había sufrido
accesos de tos y otras molestias que le impedían cantar y
278

por esa causa acudió al especialista. Pero como el doctor
le dijera que sus bronquios estaban delicados y necesitaba
descansar, buscó la tranquilidad de la playa y la brisa marina
para cuidar sus pulmones. Por esa razón se fue a vacacionar
con su amiga y comadre, Odette, a la Costa Azul. Y, como
ya era costumbre entre la pareja mexicana, se escribían casi
diario; cosa que la posteridad se los agradecerá pues a través
de su epistolario conocemos muchas cosas de su época,
entre otras: El inicio o final de algunas obras musicales.
En su misiva del día 28 de agosto, Ponce le dice: “Estoy
contento de saber que ya estás instalada y curándote.
Ojalá que sea el fin de tu padecimiento. Yo he tenido algunos
dolorcillos. Pero ya sabes: Son mis viejos compañeros. Cuídate
mucho y recibe mil besitos de tu viejo Tato.”
Al día siguiente le informa: “Hoy comencé a trabajar
a las siete: Progresó el 2º. Tiempo del Quinteto. Todos los días
hago mi café a las ocho y sigo trabajando hasta las doce.
Nadie ha venido a verme. He sentido mucho la enfermedad
de Daddy. Salúdalo de mi parte y dile que deseo se encuentre
enteramente bien. Muchos recuerdos a mi comadre y
al revoltoso de mi ahijado. Para mi charrasquita, mil besitos
de su Tato.”… ¿ A qué Quinteto se refiere Ponce ? Podría ser
el grupo de cuerdas del Concierto para Guitarra; o bien, el
Cuarteto de Cuerdas con Guitarra.
En su mensaje del viernes 31, Ponce le informa algo
muy importante para el mundo de la guitarra: “Charrasquita
linda: Hoy a mediodía terminé la Sonata Romántica. Comencé
a trabajar desde las 7 a.m. Ahora seguiré con los estudios,
pues, según mis cuentas dentro de 5 días llegará Andrés. Voy
a informarme a la Agencia de Vapores el día y hora de la
llegada del “Cap. Arcona” y es posible que Miguel Ángel y
yo vayamos a Bolougne a recibir al célebre guitarrista. Dice
Del Pino (pintor, amigo de Ponce y Segovia) que sólo hay
tres horas de camino. Hoy vino el Sr. Castellanos y por fin nos
encontramos, pues el otro día cuando vinieron a buscarme,
había ido yo a almorzar con Brull y Orteguita, como te conté.
Mañana oiré al niño y ya te daré mi opinión. Cuídate mucho
y recibe mil besitos y todo el cariño de tu Tato. (Se trataba del
Sr. Pablo Castellanos León y su hijo Pablo Castellanos, de 11
años de edad).
En su última carta, Ponce le informaba a su compañera
que terminó la Sonata V, para guitarra, y luego señala:
“Ahora seguiré con los estudios”; se trata nada menos que
de los 24 Estudios (Preludios) que el genio de México escribió
279

para la guitarra, uno para cada una de las tonalidades mayores
y menores. Ponce había comenzado a trabajar en esas
creaciones desde el mes de abril; verdadera obra monumental
semejante a aquella desarrollada en el Siglo XVIII por J. S.
Bach, en el “Clave bien temperado” y más tarde, en el Siglo
XIX por F. Chopin, con los “24 Preludios para piano”; después,
en el Siglo XX, por A. Scriabin. Sólo que, aparentemente, Segovia
no entendió el propósito de Manuel M. Ponce, porque
mientras el guitarrista andaluz hablaba de publicar 3 ó 4 cuadernos
de ejercicios y lecciones para estudiantes principiantes,
de nivel medio y adelantados, el compositor de las cinco
sonatas para guitarra visualizaba el futuro, elaborando un sólido
trabajo integral para interpretarse como una sola unidad.
El músico inglés, Brian Jeffrey, escribió, luego de profundo
análisis a los 24 Preludiios citados y sus correlaciones
con los que les preceden y los que los siguen: “Hay una carta
que puede arrojar luz sobre la historia de estos Preludios. Es
de Segovia y está dirigida a Ponce, quien estaba en México.
La carta se cita en la edición de Alcázar, está fechada a finales
de los veintes y, según ella, Ponce le habría mandado
los preludios a Segovia, quien quería publicarlos en cuatro libros
de seis cada uno. Segovia no estaba de acuerdo con
el uso de las tonalidades poco acostumbradas que Ponce
señalaba para la guitarra. Esto hace concluir que Ponce de
hecho compuso los 24 preludios como un todo, hecho que
hasta ahora se ignoraba… Por todo lo anterior podemos estar
seguros de que al componer esta serie de 24 preludios para
guitarra (uno para cada tonalidad mayor o menor) el juicio
de Ponce puede y debe ser respetado. Lo que es más todavía,
al examinar cualquier obra de arte compleja, es esencial
observar los detalles en función del todo que componen. En
literatura, cada soneto en una cadena de sonetos posee una
significación no sólo en sus propios términos, sino en términos
de los sonetos que lo preceden y lo continúan. En música,
las piezas individuales de una suite adquieren su sentido en
función de la Suite misma. El caso es igual aquí: Cada uno de
estos maravillosos preludios posee una significación que depende
de su lugar dentro de la serie total de los 24 preludios,
y el sentido cabal de esta obra de arte creada por Ponce
surge sólo ahora que tenemos la oportunidad de verla como
un todo por primera vez” (“Pauta”, Cuadernos de Teoría y
Crítica Musical, No.2, abril 1982. Universidad Autónoma Metropolitana,
Iztapalapa, México.)
280

En México, el día 2 de septiembre de 1928 inició el
ciclo de seis conciertos anunciado por el “Sindicato de Filarmónicos
de la Ciudad de México”; aunque la desorganización
del Comité Directivo era tal que ni siquiera sabían el
nombre del grupo musical que se presentaría, ahora dirigido
por Carlos Chávez Ramírez, nombre completamente desconocido
como director de orquesta. Durante el tiempo que
José Rocabruna dirigió el conjunto sinfónico, el Sindicato lo
llamó “Orquesta Sinfónica Mexicana”, aunque la última vez
se refirió a él como “Orquesta Sinfónica Nacional”. Igual que
aquélla creada por Decreto Presidencial del 9 de agosto de
1916, para que Manuel M. Ponce regresara al país, y que fuera
dirigida sucesivamente en una primera etapa, hasta junio
de 1917, por J. M. Acuña y C. del Castillo (directores provisionales)
y luego por Manuel M. Ponce hasta febrero de 1919.
Después, hasta junio de 1919, los directores furon J. Rocabruna,
L. G. Saloma y Julián Carrillo. Más tarde, en una segunda
época, de nuevo por Carrillo, de 1920 hasta 1924.
Finalmente, la citada Orquesta decidió presentarse
nuevamente como “Orquesta Sinfónica Mexicana”. El primer
concierto se ofreció en medio de un entorno musical abundante
y variado, por lo que no llamó tanto la atención de
los aficionados; sin embargo, la novedad hizo que buen número
de ellos acudiera al lujoso Teatro Esperanza Iris, donde,
admirados, fueron testigos de enorme grupo orquestal de 88
profesores encabezados por su novel director, en el programa
de mano aparecían 92 elementos más el director (Carlos
Chávez) y el bibliotecario, Armando Echeverría; al final, el éxito
más rotundo coronó las expectativas de todos, músicos,
director y organizadores, el público los despidió entre ovaciones,
los buenos aficionados percibieron que ese grupo tenía
algo diferente; un presentimiento envolvió la conciencia de
los presentes y 30 días después regresaron para escuchar el
segundo concierto del ciclo de seis, que terminaría el mes de
febrero de 1929.
En París, la “Gaceta Musical”, informaba: “La Orquesta
Sinfónica Mexicana, bajo la dirección del pianista y compositor
Carlos Chávez, dio con brillante éxito su primer concierto
en el Teatro Esperanza Iris, el 2 de septiembre. Principió
el programa con la “Iberia” de Debussy, la “Sonata Trágica”
de Rafael J. Tello; el “Concierto” en si bemol de Tchaikowski,
actuando como magnífica intérprete la pianista húngara
Vilma Eremji de Ordóñez. Terminó el programa con el “Don
Juan” de Strauss. En los conciertos siguientes que efectuarán
281

en el mismo teatro el primer domingo de cada mes, se tocarán
obras de compositores mexicanos (Carlos Chávez, José
Rolón, Juan León Mariscal, Manuel M. Ponce, José F. Vázquez,
José Malabear y Antonio Gómezanda) al lado de las siguientes
de autores extranjeros: “Sinfonía” de Mozart, “Concierto
en Fa mayor” para piano y orquesta de Bach, “Suite” de Ballet
“El amor Brujo”, de Manuel de Falla, “Daphnis et Chloe”,
de Ravel, el “Preludio y Muerte de Amor de Isolda” de Wagner,
la “Suite” de la ópera-ballet “Skycrapers” de Carpenter,
el “Segundo Concierto de Brandenburgo” de Bach, el “Pacific
231” de Honegger, una “Sinfonía” de Haydn, los “Tableaux
d’une Exposition” de Mussorgsky, el “Sócrates” de Satie, la suite
del ballet “Petrushka” de Stravinsky, y el “Concierto” para
piano y orquesta de Copland. Figuran como solistas, Carlos
del Castillo y Aarón Copland”.
En otro lado del mundo, la capital de los Estados Unidos
de Norteamérica, el día 8 de septiembre, “The Esplanade
Pan American Union”, de Washington, D.C., ofreció espectacular
audición musical al aire libre, frente al monumento
a Abraham Lincoln, en honor de los países iberoamericanos
que festejaban su independencia durante el mes de septiembre.
La función se denominó “Latin American Music”, ofreciéndose
26 números diferentes, nueve de México. El evento
cívico-musical incluía solos de xylophone, Mr. Louis Goucher;
piano, Nilo Méndez, de Cuba; soprano, Raquel Nieto, de México;
cornet, G. de Georgi, bandmaster; y la participación de
la “United States Navy Band”, dirigida por L. Charles Benter.
El programa comenzó con la marcha “General Álvaro Obregón”,
de Castaneda, y terminó con el Himno a los E.U.A.; sin
embargo, lo más aplaudido por la multitud fueron la “Estrellita”
de Ponce, ejecutada en espectacular solo de “Cornet”; y
el potpourrí “Mexican National Songs, arr. by Ponce” interpretado
brillantemente por la banda número uno del país de las
barras y las estrellas.
El día 10 de septiembre de 1928, Ponce comunica a
su amada otra noticia sobresaliente en el ámbito musical de
la guitarra clásica: “Charrasquis linda: Ayer te había puesto
unas líneas, pero como empezó a llover desde temprano,
decidí no salir y me quedé toda la tarde y parte de la noche
escribiendo. Ya está planeado el concierto para guitarra y
pequeña orquesta, tengo ya los primeros temas… Te mando
hoy un refuercito de 500 fcs. Dime si necesitas más. Hoy,
temprano, vino el Sr. Castellanos y me dice que el Dr. Martín
les aconseja que operen al niño de la nariz, porque no respi-
282

a bien. ¿ Hará él la operación ? ¡ Pobre Pablo José, en sus
manos !... Por supuesto que yo sólo le aconsejé al papá que
antes de operarlo, consultara un buen especialista. Todos te
saludan con todo cariño y yo te envío mil besitos, como siempre.
Tu Tato.”
Mientras tanto en México, el 9 de septiembre se inaguraba
el “Segundo Congreso Nacional de Música de México”;
entre los acuerdos se eligió la directiva de la “Comisión Permanente”,
constituida por: Secretario General, Rafael J. Tello.
Secretario del Interior, Luis G. Saloma. Secretario del Exterior,
Manuel Rodríguez Vizcarra. Secretario de Actas, Ramón Saucedo
Ruiz. Además eligieron cinco vocales ejecutivos, Carlos
Chávez entre ellos. Dichos congresos musicales (el primero en
1926), fueron realizados a iniciativa de Manuel M. Ponce, a
través de sus escritos, a fin de encauzar a los compositores
mexicanos hacia el nacionalismo; cosa que dio lugar a nuevas
investigaciones y a la incorporación de varios creadores
posrevolucionarios en busca de un lenguaje vernáculo propio:
Huízar, Revueltas, Chávez, Gómezanda, Mariscal, Meza,
Michaca, J. F. Vázquez y otros más. Segovia vuelve a escrible
a Ponce el 13 de septiembre y le dice:
“Estoy entusiasmado con la Sonata (No.V). La trabajo
noche y día… Es lo único que trabajo… Hoy le he escrito a
Schott, que se pondrá enseguida al habla contigo para las
condiciones. Si tienes apuro de dinero pídeme, pero no malbarates
la Sonata. Firma pues un contrato pidiendo 10% de
la venta, y que te comuniquen el número de ejemplares que
van a tirar, vendidos los cuales, puedes cambiar la forma del
compromiso. Lo mismo con los estudios. Pero no digas, por
nada, que yo te aconsejo”. Y termina su carta informándole:
“Turina me ha escrito diciéndome que está haciendo una Sonata
para mí en tres tiempos. Tengo curiosidad por ver como
es. Adiós. Un abrazo a Clema y saluda a Miguel. Sabes cuanto
te admira y te quiere. Andrés.”
Y fue el 16 de septiembre de 1928, cuando se representó
nuevamente en México, ahora en el “Teatro Nacional”,
la Ópera “Atzimba”, drama lírico en Tres Actos y siete cuadros,
del inolvidable compositor de Durango, Ricardo Castro;
bajo el auspicio de la “Ópera Nacional”. La orquesta del teatro
dirigida por el Mtro. José F. Vázquez. Actuaron el tenor
Juan Aceves, el bajo Luis Sandi, las cantantes Luz González
Cosío de Vázquez, y Clementina Vázquez. Directores de es-
283

cena: Alberto Michel, autor del libreto, y Alberto Morales. El
público, entusiasmado, aplaudió la primera ópera mexicana
ofrecida en el majestuoso escenario que en 1934 cambiará
de nombre a “Palacio de Bellas Artes”, pidiendo la repetición
de el “Intermezzo” de la Escena II, Cuadro VI, del Tercer acto
de la bella obra.
284

CAPITULO X
¡Sí, mi General!- La exitosa presentación de la “Orquesta Sinfónica
Mexicana”, dirigida por Carlos Chávez quien desplazó
a J. Rocabruna, fue el tema a comentar en el ambiente
musical en la Ciudad; todas las voces fueron favorables. Se
comentaba la juventud que imperaba entre los músicos de
la orquesta, respaldados adecuadamente por varios profesores
que desde 1916 participaron con la “Orquesta Sinfónica
Nacional” dirigida por Manuel M. Ponce, comenzando con el
violín concertino, Ezequiel Sierra; además de Francisco de P.
Baltazares, en las violas; Cruz Garnica, contrabajo; Luis Balcázar,
trombón; Ramón Castro, tuba; Julio Ávila, oboe; Apolonio
Arias y Julio Montero, fagots; los hermanos Rocha: Marcos,
flauta; Arturo, corno; y varios más. Dándose el hecho histórico
de que tres de ellos, los hermanos Rocha y Apolonio Arias,
también habían sido miembros de aquella legendaria “Orquesta
de la Sociedad Anónima de Conciertos”, que debutara
el 17 de junio de 1892 en el antiguo Teatro Nacional bajo
la presidencia y patrocionio de José Ives Limantour, futuro Ministro
de Hacienda de Porfirio Díaz, de la que formaron parte
Ricardo Castro, Felipe Villanueva, Gustavo E. Campa y Carlos
J. Meneses ¡36 años atrás!... Verdadero milagro que unía
a través de la música los eslabones de una misma cadena,
formada por aquellos forjadores de la música sinfónica del
México Independiente hasta la “Orquesta Sinfónica Nacional”
dirigida por Manuel M. Ponce, y la “Orquesta Sinfónica
Mexicana” dirigida por el joven Carlos Chávez en 1928. Vivo
ejemplo de la evolución musical nacional.
Otro tema comentadísimo fue el programa inicial de
la orquesta, que incluyó un estreno en México: “Iberia” de
C. A. Debussy además de obras de Tchaikowski, Tello, y R.
Strauss. Sobre el concierto para piano de Tchaikowski, el público
recordaba aún las dos extraordinarias interpretaciones de
Pedro Luis Ogazón, 10 años atrás, con la “Orquesta Sinfónica
Nacional”, dirigida por Manuel M. Ponce. Todo ello era tema
de conversación. No podían evitarse tampoco las comparaciones
en la forma de dirigir, tanto de Ponce (junio de 1917
a febrero de 1919) y Julián Carrillo (1920 a 1924), al frente de
la “Orquesta Sinfónica Nacional”, con la reciente del joven
Chávez Ramírez en la “Orquesta Sinfónica Mexicana”; amén
285

de que aquellos dos colosos de la música nacional, reconocidos
internacionalmente, habían interpretado las obras sinfónicas
de Ravel, Debussy, R. Strauss, Dvorak, Dukas, y otros
grandes compositores modernistas europeos. No obstante, el
mayor tema a comentar era el personaje elegido director; a
favor: su entusiasmo y juventud, 28 años de edad, a leguas se
notaba la diferencia con los demás pues todos eran mayores
de 50 y 60 años; en contra: poca experiencia y capacidad,
pues sólo tocaba el piano aunque había entusiasmado a los
críticos de Nueva York con sus composiciones ultramodernas.
Chávez regresó a México en el verano de 1928, luego
de larga estancia en la Urbe de Hierro, donde hizo amistad
con otros compositores vanguardistas. La “Internacional
Composer’s Guild de New York” incluyó sus obras modernistas
para piano, violín y cello, logrando Chávez reconocimiento
del público y la crítica local; y ahí mismo escribió y representó
en 1926 “Caballos de Vapor” (H.P.), su primer obra sinfónica
conocida públicamente. Tal era su tarjeta de presentación
en México. Aunque se dice insistentemente, que Chávez fue
elegido para dirigir debido a que en esa época estaban muy
divididos los intérpretes “clásicos”, que apoyaban a Rocabruna,
de los “jazzistas” (populares) del “Sindicato de Filarmónicos
de la Ciudad de México”, y que siendo estos últimos
mayoría eligieron a Chávez Ramírez por considerarlo de su
grupo, ya que en 1925 y 1926 había tocado el órgano del
Cine Olimpia durante las funciones cinematográficas… Eso se
cuenta, aun cuando existe otra versión menos simplista pero
que explica mejor la posterior imposición de Chávez Ramírez
en la dirección del Conservatorio Nacional de Música, en Didiembre
de 1928, ¡Sin siquiera haber asistido a las aulas del
Sagrado Recinto Musical!:
Cuando los líderes del “Sindicato de Filarmónicos del
D.F.” llegaron ante el presidente Plutarco Elías Calles, con objeto
de solicitar patrocinio para la orquesta, se encontraba
presente, entre otros funcionarios de la Secretaría de Educación
Pública y Bellas artes, el Gral. Álvaro Obregón, vencedor
absoluto de la reciente elección presidencial y verdadero
poder detrás de la silla presidencial desde 1920. En esos momentos
presentaron a Carlos Chávez como futuro director de
la orquesta del Sindicato: Habla muy bien inglés y está al tanto
de las novedades musicales de Nueva York y Europa —dijeron
los líderes, añadiendo: Es compositor y toca el piano—.
Chávez, deseando agradar a tan distinguida concurrencia,
se sentó al piano y comenzó a interpretar una difícil obra de
286

Franz Liszt: “Los funerales”; pero a los pocos compases lo interrumpió
el Gral. Obregón pidiéndole que tocara algo conocido.
Chávez Ramírez miró al militar y recordó que era originario
de Sonora, por lo que rápidamente ejecutó el popular vals
“Club Verde”, de Rodolfo Campodónico, compositor conocido
en Hermosillo, capital del Estado norteño, donde vivía y
existía el bar “Club Verde”, lugar donde se reunían a beber y
conspirar los opositores a Porfirio Díaz.
—¡ Esta es la nuestra… acuérdese mi general! —Exclamó
jubiloso Álvaro Obregón dirigiéndose a Calles— Sí, mi
general, contestó—.
Enseguida, al terminar su ejecución, sin detenerse un
instante, Chávez Ramírez (con una sonrisa en el rostro y seguro
de sí mismo) interpretó a todo volumen la “Marcha Zacatecas”,
de Genaro Codina.
—¡HA, HA, HAYYY! gritaron al unísono Calles y Obregón,
que no esperaban tanto ritmo y melodía—.
—¡Éste sí conoce… éste sí sabe de música!—
—Decía Obregón, Calles lo respaldaba… y todos
reían y aplaudían—.
Chávez concluyó brillantemente su ejecución con un
largo glissando que arrancó nuevos aplausos.
—¡Bravo, bravo!... Con los conocimientos que usted
tiene, también debe dirigir el Conservatorio Nacional, señaló
rotundo Álvaro Obregón—.
—Sí, mi General, repuso sonriente el joven triunfador.
De ese modo, Carlos Chávez Ramírez alcanzó la cima
musical del país. Años después, Chávez, rememorando tales
momentos de su vida, incluirá esas dos obras en su “Obertura
Republicana”.
Al mismo tiempo, en París, el maestro nacido en Fresnillo, Zac.
vivía buena racha económica, producto de su talento y apego
al trabajo: En noviembre la casa editora “Schott’s Söhne
in Mainz”, Ale., materialmente lo comprometió a entregarles
en exclusiva sus creaciones de guitarra conforme fuera terminándolas.
No se explica de otro modo el contrato firmado el
día 15 del mes en Mainz, Ale., y el 20 en París; el cual incluye
la Sonata Clásica, la Sonata Romántica (sin estrenarse aún); y
los “Estudios” (Preludios). ¡ Sin siquiera terminar los seis primeros
!... Contrato que le redituó de inmediato 6,000 fcs. y la tercera
parte de los derechos de reproducción mecánica y ejecu-
287

ción: “Die meccanischen —und auffünruhgsrechte werden
folgendermaben geteilt”: 1/3 für den urheber, 1/3 für monsieur
Segovia, 1/3 für den verlag (Ponce, Segovia y el Editor).
La “OSN” y la “OSM”, de Carlos Chávez.- Volviendo a México,
después de finalizar la temporada 1928-1929 de la “Orquesta
Sinfónica Mexicana”, que no incluyó ninguna obra de
Manuel M. Ponce ni presentó al compositor Aarón Copland,
a pesar de anunciarlos en sus folletos de presentación; y luego
de algunos conciertos extraordinarios, la popularidad de
Carlos Chávez y la orquesta crecieron como la espuma. Sólo
que el nombre de dicha orquesta no convencía ni a Chávez
ni al Sindicato; por lo mismo, en vista del apoyo oficial conseguido,
el Sindicato decidió que volviera a llamarse “Orquesta
Sinfónica Nacional” —es un nombre más brillante, acorde
a la nación, sugerían—; pero Chávez Ramírez no aceptó, se
opuso rotundamente y a cambio sugirió nuevo nombre: “Orquesta
Sinfónica de México” (OSM), su propuesta fue aceptada
y así se denominará en el futuro.
Para la temporada 1929-1930, Chávez incluyó a Silvestre
Revueltas como subdirector; y no obstante el desorden
administrativo y que más del 20% de los “Subscriptores Contribuyentes”
iniciales, y el 100% del “Comité Directivo” original,
incluyendo a la rica heredera Antonieta Rivas Mercado,
abandonaran la orquesta, Carlos Chávez continuó al frente
del conjunto, ahora con nuevo “Comité Directivo” formado,
además de Chavez Ramírez, por los patrocinadores del gobierno
federal:
a).- Secretaría de Educación Pública, Lic. Ezequiel Padilla.
b).- Departamento Central del D. F., Dr. J. M. Puig Casauranc.
c).- Departamento de Bellas Artes, Jorge Enciso.
Esas jefaturas (D.F., y Bellas Artes) y Secretaría, junto a la “Secretaría
de Hacienda y Crédito Público”, serán la verdadera
base y sustento de la “Orquesta Sinfónica de México”, desde
el principio hasta el final de la vida activa del conjunto filarmónico;
mismo que a partir de 1940 también operará como
“Asociación Civil”.
Ahora bien, ¿ Por qué Chávez Ramírez rechazó el
nombre “Orquesta Sinfónica Nacional” ?... Por varias razones,
siendo la principal que en cuanta ocasión hablaran de ella se
mencionarían los nombres de dos gigantes de la música mexicana:
Manuel M. Ponce y Julián Carrillo, pues fueron sus prin-
288

cipales conductores; por lo que él, Carlos Chávez, quedaría
sólo en tercer plano. En cambio, si aceptaban su propuesta,
como finalmente sucedió, cuando hablaran de la “Orquesta
Sinfónica de México”, mencionarían a Carlos Chávez siempre
en primero y único término. Fue así como Chávez Ramírez
separó para siempre su nombre de la “Orquesta Sinfónica
Nacional”. Pero también es cierto que la presencia del joven
Carlos Chávez Ramírez fue muy bien recibida por críticos y dilettanti
mexicanos, ya que representaba renovación, pujanza
y aire fresco para la vida musical del país. Las expectativas
de superación crecieron cuando se dieron a conocer los retratos
oficiales del director y del subdirector:
El primero aparece vestido impecablemente, a la última
moda, peinado con muchísimo cuidado cual artista de
cine holywoodense, y con gafas nuevas que lo hacían ver
notable intelectual. En cambio, Revueltas, luce desgarbado
en su atuendo personal, de gran melena y sin ninguna pose
especial, aunque con una sonrisa a la “Gioconda”: Poco sarcástica,
algo burlona pero seguro de sí mismo; como diciendo:
“Ya nos conocemos…”
En alas de la inspiración.- Regresando a la Ciudad Luz, con
el dinero recibido de su último contrato Ponce estabiliza su
economía, y más tranquilo continúa dando forma a los 24
preludios para guitarra además de emprender nuevos proyectos
en la Escuela Normal de Música de París, derivados
de las enseñanzas de P. Dukas, de ese modo aparecen los
bocetos de:
“Suite Bitonal”, para piano solo, y “Suite en Estilo Antiguo”,
para trío de cuerdas.
En febrero de 1929 Segovia se encontraba nuevamente
en la Unión Americana, ya había ofrecido 20 conciertos
e iba por más; además, grababa diversas obras de Ponce
para la casa RCA Víctor:
“La Valentina”, “Por ti mi corazón”, y algunos movimientos
de la “Sonata en Re”.
Segovia siempre buscó ayudar económicamente a
Ponce, pero éste no aceptaba; únicamente lo que le correspondía
por sus creaciones y la ejecución de éstas. En su carta
del día 24 de febrero, Andrés le dice:
“Probablemente necesitarás dinero, puesto que de
México no deben enviarte, y no tienes confianza de ponerme
un cablegrama. Me disgusta sobremanera esa falta de
289

amistad. Haz favor de usar ese cheque. Y si necesitas más
cablegrafíame a Nueva York”.
… Pero el compositor mexicano guardaba silencio y
continuaba su camino por la ruta que la vida le marcó: “Labrando
su destino”, sin prisas… pero sin pausas.
El día 23 de marzo, Andrés ofreció su último recital en la Urbe
de Hierro antes de regresar a Europa, se presentó en “The
Town Hall”, ejecutando la Sonata No.5, de Ponce, en una primera
audición mundial:
“Sonata Romántica.............................................Ponce.
(En tributo a Franz Schubert, que amaba la guitarra).
(Dedicada a A. Segovia).
a)Allegro moderato.
b)Andante expressivo.
c)Allegretto vivo.
d)Allegro non troppo e serioso”.
Las presentaciones de Segovia y demás artistas procedentes
del Viejo Mundo generalmente se daban a teatro lleno, ya
que luego de la gran guerra los norteamericanos, victoriosos,
vivían época de bonanza y derroche: “Los alegres 20s”. Aunque,
en otro extremo, aparecieron numerosas damas recatadas
y sociedades pías que buscaban controlar conductas
descarriadas de la población, y para eso, contando con el
apoyo de las más altas autoridades del país, habían decretado
prohibición a la venta de bebidas alcohólicas, consideradas
sustancias prohibidas, provocando resultados opuestos a
lo que intentaban ya que la medida generó desmedido consumo
de licores, y disparó la prostitución en antros que pulularon
por todo el territorio enriqueciendo numerosos “gangs”
criminales que vivían al amparo de funcionarios corruptos.
En ese complejo tejido de la sociedad anglosajona,
la presencia de Segovia se volvió imprescindible durante las
temporadas de invierno, ya que también se volvió un buen
negocio pues a su alrededor todos ganaban: Empresarios
dueños de salas, “managers”, fotógrafos, periódicos, revistas,
repertorios musicales (discos, partituras, guitarras, etc.) restaurantes,
hoteles, taxis, etc. En ese contexto metropolitano, disímbolo,
pero de elevado nivel musical, el nombre del compositor
“Ponce” aparecía en todas las funciones del músico
español, asociado a “Canciones Populares”, “Preludios”, “Temas
Variados” y numerosas “Sonatas” recientes, dedicadas
al mismo Segovia. Cada vez que Andrés se presentaba, el repertorio
guitarrístico moderno se incrementaba; los nombres
290

de Torroba, Turina, Esplá, Nin, etc., también aparecían aunque
en menor medida. Aplausos y ovaciones eran solamente
para Andrés Segovia, no los compartía con nadie; inclusive,
la música de los maestros del pasado que aparecía en sus
programas eran transcripciones suyas.
Sin embargo, la presencia repetida del nombre de
“Ponce” en programas de mano de los conciertos del guitarrista
andaluz, siempre con bellas y originales obras de estreno,
hace que la admiración de crítica y público también se
polarice hacia él; consecuentemente, la fama del compositor
de este lado del mundo crecía y la sombra que proyectaba…
también.
“Las composiciones de M. Ponce no dejan ningún lugar
a las observaciones escolares… Encuentro que su trabajo
es superior a cualquiera calificación. Sería necesario que yo
elevara a 25 ó 30 puntos para significar mi satisfacción de
haber tenido por discípulo a un músico tan distinguido y tan
personal” —Escribía Paul Dukas, en marzo de 1929, en el expediente
de notas del alumno Manuel M. Ponce, de la Dirección
de la “Ecole Normal e de Musique de París”—.
Luego de las Sonatas Clásica y Romántica, Segovia
le pidió a Ponce una nueva creación pero ahora totalmente
diferente a cuanto había escrito; debía ser en estilo arcaico,
de corte barroco. Pues hasta entonces Segovia sólo interpretaba
transcripciones barrocas que él mismo elaboraba sobre
temas de Bach, Haydn y Mozart. Nadie, entre los compositores
de los últimos 100 años, o más, había escrito algo semejante.
A Ponce, músico del alma, vida y corazón, semejante
a Schubert, tanto en el fondo como en la forma, le encantó
la sugerencia de su astuto amigo porque, entre otras cosas,
representaba un reto más a sus capacidades; dicha solicitud
venía con una singular ocurrencia del guitarrista andaluz:
—¿Qué te parece si para engañar a la crítica arrogante y
soberbia, a la vez de crear interés y polémica entre el público
que, por cierto, siempre le gusta polemizar, decimos que
es una obra perdida de algún compositor de la época de
Bach?... Ya después les aclaramos la verdad. Todos ganamos,
tú, yo, la música y el público; sobre todo, la guitarra.
Después, al clarificarse la situación, los críticos no verán
más a la guitarra como instrumento raro, de 2ª categoría.
Más adelante, cuando estrene el año próximo tu concierto,
conocerán los verdaderos alcances del instrumento y será la
culminación ascendente de la guitarra, por lo que tanto hemos
luchado.—…
291

De ese modo, en alas de la inspiración, pensando en
la guitarra y gozosos como muchachos traviesos, Ponce y Segovia
iniciarán nueva aventura por los caminos armónicos de
los sonidos encadenados. Ponce, que siempre actuaba de
buena fe, jamás dudó de las palabras de su amigo “Ya después
lo aclaramos” —pensaba— y continuó laborando sobre
ritmos y danzas antiguas de origen italiano, alemán, español,
francés, e inglés: Allemanda, Zarabanda, Gavota, Giga, y Minuet;
así como Preludios, Ariettas, Canones, Fugas, Fuguetas,
etc.; habida cuenta que ya vivía inmerso en la “Suite Bitonal”
para piano y en la “Suite en Estilo Antiguo”, para trío de cuerdas.
De esta manera, el compositor del Nuevo Mundo se encontró
trabajando al mismo tiempo en tres Suites diferentes,
para 5 instrumentos disímbolos entre sí:
1.- “Suite Bitonal” para piano, en 4 movimientos:
a) Arietta.
b) Interludio Scherzoso.
c) Zarabanda.
d) Giga.
II.- “Suite en Estilo Antiguo”, violín, viola y cello, en 4 partes:
a)Preludio.
b)Aria.
c)Canon.
d)Fuguetta.
III.- “Suite en La” para guitarra, en 5 movimientos:
a)Preludio.
b)Allemanda.
c)Zarabanda.
d)Gavota.
e)Giga.
Regreso a México.- Pocos días después de su regreso a Francia
y antes de iniciar larga gira artística por el norte de Europa,
la URSS, China y Japón, que lo mantendrá alejado hasta
diciembre de 1929, Andrés Segovia se presentó el 15 de
mayo en la “Sala Pleyel” de París, interpretando la “Sonata
Romántica” de Manuel M. Ponce, en una primera audición.
La sala de conciertos nuevamente se llenó “de fond en comble”,
por un público que aplaudió emocionado la obra dedicada
a Franz Schubert “que amaba la guitarra”, pues los seguidores
de Segovia… y de Ponce en París, se multiplicaban
día con día. Solamente que cuando menos lo esperaba el
compositor mexicano tuvo que viajar a México, ya que diver-
292

sos asuntos personales y económicos en Aguascalientes y en
la Cd. de México requerían su presencia. Le debían dinero
periódicos, editores de música, la Secretaría de Educación
Pública; y para colmo de males, algunas de sus casas y locales
comerciales estaban vacíos y los ocupados se atrasaban
con las rentas. La situación del Maestro Ponce si no era grave
era apremiante, porque las remesas de México constituían la
seguridad de su estancia en Europa, amén de ser el principal
sostén de sus hermanas en Aguascalientes. Sus ganancias
generadas en el Viejo Mundo solamente eran eventuales y
en ocasiones también se retrasaban; por lo mismo, no podía
confiarse en ellas.
Ponce regresa a México en compañía de su amigo
Alfredo Gómez de la Vega y para ahorrar gastos Clema permanece
en París; pero antes de partir le entregó a Segovia
los manuscritos de la “Suite en La”, terminada el mismo mes
de mayo de 1929. El compositor llegó a la “Ciudad de los Palacios”
la mañana del día 9 de junio, y como no avisó nadie
lo esperaba en la estación del ferrocarril pero en cuanto se
sabe que está en la capital un rumor crece incontenible y
estalla la alegría. De ese modo un mundo de gente lo busca,
los reporteros de todos los periódicos y revistas lo entrevistan
permaneciendo secuestrado por su popularidad y el cariño
de sus paisanos. Fue hasta el domingo 15 cuando escribió a
su amada. Antes, el día 12, “El Universal” daba a conocer el
arribo del compositor:
“Manuel M. Ponce, el compositor nativo de Aguascalientes
que dignificó la canción autóctona y cuyo nombre es
conocido en todos los centros artísticos del mundo, está desde
hace tres días entre nosotros. Cuatro años de ausencia
que el autor de “Estrellita” ha consagrado a un estudio tenaz,
bajo la dirección de maestros tan eminentes como Dukas,
y en los cuales ha escrito numerosas producciones, no han
hecho huella en el físico de nuestro admirado y admirable
maestro. Lo encontramos rebosando juventud. La nívea cabellera
cubre su rostro risueño y jovial, del que resaltan los ojillos
penetrantes e inquietos. Nos recibe con su gentileza acostumbrada.
—¡ Si viera usted el gusto que tenemos al verlo nuevamente
aquí y saber que no regresará ya de su patria !
— Por desgracia no. He venido sólo al arreglo de asuntos
particulares y especialmente con el deseo de saludar a
mi familia que reside en mi lejana Aguascalientes. Volveré a
París a fines de agosto, y dentro de dos años regresaré para
293

quedarme aquí, Es que no puedo vivir sin México. ¡ Este cielo
!... ¡ Este clima !... Sí… ¡ Ustedes no se fijan en esto que es incomparable
!
Hablamos después de tópicos artísticos. El maestro
Ponce, cultiva actualmente la composición musical con tendencias
modernistas. Se refiere a los compositores, a su juicio
más notables hoy día: Jack Ivert, en Francia; Hindemith, en
Alemania y Halfter, en España. —Claro está —agrega—que
no hablo de Turina, Falla y de tantos otros…
Tiene admiración por su maestro Dukas, el autor del
“Aprendiz del Hechicero”, obra que dio a conocer cuando
dirigió la Orquesta Sinfónica de México. Más que cátedras,
las de Dukas, son charlas en las que se pone de manifiesto la
erudición de este gran músico.
Ya hemos dicho que Manuel M. Ponce ha realizado
una labor magna durante su ausencia. Ha escrito obras para
piano, orquesta, música de cámara y 30 composiciones para
guitarra especialmente para Andrés Segovia, contándose
entre ellas cinco sonatas, la Sonata Romántica, dedicada a
Schubert y cuatro preludios. Ahora termina un concierto para
guitarra y pequeña orquesta que el eminente Segovia dará
a conocer en enero del año próximo, en Boston. En Buenos
Aires se estrenará dentro de poco un ballet de Ponce denominado
“Kimbombó”, de corte afro-cubano. El tema es sobre
la fiesta de los ñanigos del Día de Reyes.
“Aunque escribo con tendencias modernistas —nos
dice— he procurado no imitar. Noto yo mismo, que he evolucionado
al escribir y aunque mis nuevas composiciones son
producto de una expresión sincera, tienen el sello de la modernidad
indispensable en estos tiempos”.
—¿ No cultiva usted ya el folklore, maestro ?
— He escrito danzas para orquesta en las que he querido
expresar, no precisamente el estilo que se cultiva en la
canción actual, que no tiene suficiente personalidad musical.
El camino para hacer obras de arte nacionalista, es aprovechar
lo poco verdaderamente típico que existe en alguna
de nuestras melodías, estilizándolas con los medios de que
puede disponer un compositor que sabe su “metier” (oficio).
Creo que se ha abusado de la pequeña forma de la Canción
Mexicana y se ha caído en el “Dilettantismo”; es decir, en la
obra del aficionado, no del músico. Para que una obra folklórica
sea aceptada por la crítica europea, debe tener una forma
artística; un ejemplo: Falla en sus siete canciones populares.
Pero ¡ en qué forma realizó la armonización de esos siete
294

fragmentos que han corrido el mundo triunfalmente, gracias
a la maestría del compositor que las ennobleció !… Aplaude
el maestro Ponce la labor que está desarrollando el director
de la Orquesta Sinfónica Nacional, don Carlos Chávez,
al dar a conocer a los compositores más modernos. No hay
que encerrarse exclusivamente en los clásicos ni interpretar
solamente producciones novísimas, sino integrar los programas
con composiciones de diversas épocas sin que falten las
que podríamos llamar de actualidad.
Dos distinguidas alumnas del maestro Ponce, las señoritas
Azuela y Vasconcelos, manifiestan deseos de escuchar
alguna de las últimas producciones de su profesor. Éste accede
y subimos al hall del Hotel. Ponce nos hace oír “Cuatro Trozos
para Piano”. Antes de que dé comienzo llega el maestro
don Pantaleón Arzoz. El ilustre compositor mexicano explica
los procedimientos que emplea para escribir. — Pero todo es
sincero y tonal, ya lo verán…
Escuchamos con silencio religioso, el Preludio Scherzozo;
la Arietta, la Zarabanda y la Giga. Se trata, efectivamente,
de una producción modernísima que se aparta de todo
lo conocido. Arzoz comenta: —Vienes formidable. Dichosos
nosotros que hemos tenido el gusto de oírte antes que nadie
en México”. Álvaro Medrano.
En su carta del día 15 a Clema, Ponce le informa:
“Charrasquita linda: Recibí el poder entre dos cartoncitos y
por más que busqué no hallé ni una sola palabra de la pingüinita
linda. Como Bochita estaba presente, le dije que a ti
te pasaba lo mismo cuando ella no te mandaba un papelito
entre los periódicos.
Ha sido verdaderamente conmovedor el desfile de
amigos y discípulos. Algo interminable. ¡ Y yo que creía que
me habían olvidado ! (Lo mismo pensaba Ricardo Castro en
1902).
Como llegué a las 7 de la mañana y no me esperaban
me vine al Isabel, aprovechando la habitación que Alfredo
tenía reservada, pues éste se quedó en Veracruz. A las
10 me presenté en Zamora 32 ¡ Qué emoción al ver nuestra
casita de Melgar, con su terracita cubierta de cristales y el jardincito
que fui a ver por la rendija de la puerta por donde entró
Pancholín !... El gobernador de Aguascalientes está aquí
y ayer me mandó decir que nos iríamos juntos… Creo que
mañana 16 saldremos para el terruño. Imagínate qué buena
suerte, pues durante el viaje podré hablarle del asunto de mis
hermanas… Le supliqué a D. Juan (su padrino) que te enviara
295

el giro por 50 dlls. mientras te puedo mandar más, pues hasta
el lunes me hará la liquidación casa Wagner.
Puedes estar muy tranquila, pues salvo Justina Vasconcelos,
Carmen Azuela y Ángela Calcáneo, me han visitado
sólo varones: Mejía, Carlos del Castillo, Felipe Cortés, Badillo,
Gaytán, Miguel Lerdo, Esparza Oteo, C. González Peña,
Leandro Izaguirre, E. Guerra, Gómezanda, el güero Margáin,
José Pomar, Bermejo, Michaca, etc. sería interminable la lista.
¿ Y tú qué has hecho ? ¿ Te fuiste a Antibes ? No sabes
cuánto lo deseo. Me dice Columbita que ayer fue una señora
a ver la casa grande. Es posible que la tome en $200. —Dios lo
quiera. La calle de Melgar está preciosa, perfectamente asfaltada.
Esto se debió a que el pdte. Portes Gil iba a vivir adelante
del Edificio Condesa y, naturalmente se apresuraron a
componer la calle. Cuando ya habían empezado el pdte.
cambió de parecer y tal vez por esto ya no arreglaron las
de Zamora. Naturalmente yo espero que D. Juan me ponga
al corriente respecto a las casas alquiladas y por discreción
no le he pedido ningún dato, para no apenarlo. Él me ha repetido
tres o cuatro veces que “en otras manos las casas no
hubiéramos podido vivir fuera ni seis meses”.
Cuídese mucho mi Charrasquita linda y no olvide a su
Pingüino que le es fiel siempre y se porta irreprochablemente.
Mil besitos y el corazón de tu Tato”.
Espíritu y materia.-Luego de tantos años sin verse, las reuniones
del compositor con sus amigos eran muy alegres pues no
hay cosa más hermosa que recordar con los compañeros,
pero las reuniones de Ponce con sus discípulos eran otra cosa.
Ahí, el espíritu dominaba sobre la materia, todo era emotividad,
orgullo y gratitud. El idioma del corazón los unía. En una
de esas reuniones el compositor hondamente emocionado
exclamó:
“¡ Con cuánta emoción vuelvo a encontrarme rodeado
de mis discípulos, de quienes han sido el objeto de mis cuidados
y de mi cariño durante tantos años ! ¡Hay afectos que
no pueden reemplazarse en la vida. Entre éstos, los amigos y
los discípulos, porque representan una etapa de nuestra existencia
que ya no vuelve, puesto que el tren expreso en que
viajamos rumbo a playas desconocidas, no se detiene sino
a la orilla de la sombría laguna. Hasta ahí y tal vez más adelante,
nos acompaña un cortejo de almas cuando nosotros,
maestros, hemos sabido guiar por los nobilísimos senderos del
arte !
296

¡ Cuántas veces he pensado en ustedes, en cada
uno de ustedes, ya bajo el follaje de Luxemburgo, ya frente
al Sena, cuyas aguas se velan en otoño con la gasa de niebla
que desciende de la Torre Eiffel, ya en las resplandecientes
salas de conciertos, durante los deliquios inefables de
la orquesta ! Allá muy lejos, me he dicho, ellos siguen con
la antorcha encendida, inflamando otros corazones jóvenes,
conquistando nuevos adeptos de la más pura religión. ¡Abnegadamente,
oscuramente como los obreros medievales que
realizaron los prodigios góticos, ellos trabajan por la gloria del
arte, como aquéllos trabajaban por la gloria de Dios! ¡Qué
premio más grande para mí que comprobar la devoción y el
entusiasmo con el cual continúan ustedes el dulce apostolado!
¡ Qué satisfacción incomparable la de encontrarse
cerca de los seres dilectos que han hecho mi vida amable,
secundando mis caros ensueños ! Para ustedes toda mi gratitud
y todo mi afecto. Estoy seguro de que el amor a la verdad
y la adoración de la Belleza, los conducirá a ustedes a la
plena realización de sus proyectos. En la vida, la bondad es el
más precioso tesoro. Ustedes son tan bondadosos, que bien
pueden, como en la Oda de Schiller, ir alegremente a cumplir
cada quien su Destino !”
Mientras eso sucedía en México, el 13 de junio se presentó
en París, en la “Maison Gaveau”, la cantante rusa Nina
Kochitz, quien interpretó como encore las canciones de Ponce:
“Serenata Mexicana” y “Estrellita”; mismas obras que se
anunciaban al reverso del programa de mano, entre los “Disques”
de la “Compagnie Francaise du Gramaphone”, con
el número DA 1.005. Clema asistió al evento y Nina Kochitz le
autografió su programa de mano. En su epístola del día 19,
Ponce le informa a su amada: “Charrasquita linda: Ayer por
la tarde, llegó tu cartita en los momentos en que yo charlaba
con los padrinos. Ya te imaginarás el gusto que nos dio ver tus
letras. Yo casi tenía la seguridad de que Odette no te dejaría
por ningún motivo sola en París y te llevaría a Antibes. Esto
me hubiera encantado, pues constantemente pienso en ti,
en los miedos que pasarás, en los peligros que puedes tener
y a veces me arrepiento de haberte dejado… No me explico
todavía por qué causa no te fuiste a Antibes.
He retardado mi viaje a Aguas, debido a que el gobernador
de ese Estado me indicó que deseaba hacer el
viaje junto conmigo. Hablé con él por teléfono y me dijo que
pensaba ordenar que la Banda del Estado, los niños de las
297

escuelas, la Sociedades Obreras, etc. fueran a recibirme a
la Estación. Imagínate que contrariedad para mí, que detesto
toda clase de exhibición ! Afortunadamente, la carta del
ministro de Francia que va adjunta, me dio el medio de disculparme
con el Gob-Carpio, a quien he escrito una carta
diciéndole que hasta el lunes 24 saldré para Aguas, aceptando
la gentil invitación de M. Pétier. Ya en Aguas, si Carpio
insiste en que yo tome parte en un festival que proyectaba
—en el cual tomaríamos parte Esparza Oteo, Tata Nacho,
Agustín Lara, Chávez, el Dr. De Alba y ¡ Yo !—No habrá más
remedio que acceder, pues pienso arreglar el asunto de las
muchachas (sus hermanas), aun alternando con Tata Nacho
! Espero, sin embargo, que todo esto se quede en proyecto,
pues el Gobernador deseaba que yo invitara a toda la
compañía, cosa que no acepté. Ya te contaré lo que suceda…
He retardado mi viaje a Aguas, también porque la Casa
Wagner no me ha hecho aún mi liquidación, cosa que será a
fin de semana, según me han ofrecido. Creo difícil encontrar
comprador para la casa. Todo el mundo quiere vender y hay
poco dinero. Ayer vino una señora a ofrecer $150 por la casa
grande. Columbita le dijo que el último precio era $180. Veremos
si se resuelve a tomarla.
Creo que los 1500 fcs. que hay que pagar de contribuciones
por “Gaceta Musical” es una injusticia, puesto que
la revista no existe. Sin embargo, no hay más remedio que
sujetarse a la ley o a la mala interpretación que le den los
empleados. Dale gracias a Rebull y salúdalo cariñosamente.
Todo el mundo me dice que dé yo un concierto y tal vez lo
haga para sacar mis gastos de regreso. José está en Aguas
esperándome para hablar sobre el terrenito que desea comprar.
Yo estoy decidido a que sea al contado, aunque lo
venda barato. Es probable que Eduardo Sánchez de Fuentes
vaya a Europa, aprovechando mi regreso. Me escribe de
La Habana muy entusiasmado. Irá solo y lleva como objeto
principal asistir al concierto en el que se toque su obra que
mandó a Barcelona.
Te considero con tanto calor. Aquí hay una temperatura
deliciosa. El domingo te recordé muchísimo en Chapultepec.
Me llevaron Beto y Carlitos en el “La Salle” que es un
cochecito muy bonito. Como a todo el mundo le habían dicho
que me iba a Aguas, ha cesado el desfile de amigos. Ya
te haré crónica de la comida en casa del Ministro de Francia.
Hoy le escribo a Andrés. Saluda con todo cariño a todos los
buenos amigos. Me porto irreprochablemente y espero otro
298

tanto de mi Charrasquita linda. Todos te mandan muchos recuerdos.
Mil besitos y el corazón de tu Tato.
P.D. El maestro Dukas me envió una tarjeta muy cariñosa desde
París.”
Solamente que la estancia del compositor no podía
ocultarse por mucho tiempo, y las visitas, entrevistas y notas
periodísticas se dieron sin cesar. Una de ellas apuntaba: “En
estos días el maestro Ponce saldrá para Aguascalientes, su
ciudad natal, para reunirse con sus familiares, estando de regreso
en la capital, probablemente dentro de dos semanas,
y entonces quizás tengamos el gusto de saborear algunas de
sus bellas composiciones en un próximo concierto que prepara,
según nos comunicó un su indiscreto amigo”.
Cátedra Magistral.- Antes de abandonar la metrópoli, mientras
solucionaba situaciones que le redituarían capital, Ponce
participó en dos de las conferencias que Carlos Chávez organizó
en el Conservatorio Nacional, ahora bajo su dirección,
sobre diferentes enfoques de la evolución musical en el Viejo
Mundo. En ellas participaron varios intelectuales de la música
y la cultura surgidas en México durante los últimos años: Los
poetas modernos Carlos Pellicer, Salvador Novo y Celestino
Gorostiza, todos ellos, igual que X. Villaurrutia, conservadores
y escépticos pero igual que en época de P. Díaz, laboraban
en la SEP. También participaron Pablo González Casanova,
Jerónimo Baqueiro, María Bonilla, Fernando Burgos, Luis Sandi,
y el propio Chávez Ramírez, entre otros; puesto que Chávez,
además de dar impulso a la orquesta del plantel, reformó a
fondo los planes de estudio del Conservatorio. Al respecto
decía: “Se trata de la implantación de una nueva actividad
permanente del Conservatorio; actividad un poco cátedra
y un poco excátedra”. En la conferencia inaugural, Ponce
expuso: “El movimiento musical en Europa”, en la que analizó
magistralmente los sistemas del compositor vienés Arnold
Schoenberg. En la segunda conferencia habló sobre “La técnica
del contrapunto”. Antes de entrar en materia, mencionó
los antecedentes, la evolución, así como la composición del
“Motete”, el “Madrigal” y la “Fuga”. Después, el compositor
hizo gala de capacidad para sintetizar oraciones y conceptos
musicales, y pronunció UNA JOYA DE CONFERENCIA:
“… En nuestros días, los jóvenes compositores descuidan
o desdeñan el estudio de las formas contrapuntísticas, sin
pensar que la práctica de este arte difícil, es el taller donde
han forjado sus mejores armas los grandes músicos. No existe
299

el auténtico compositor, si ignora esta técnica. Es la gimnasia
del espíritu que vigoriza el talento y proporciona los medios
de adueñarse del estilo sinfónico, ya que la orquesta es el
conjunto de cien voces dispersas que se ofrecen al músico
para que las ordene según sus posibilidades. Y estas posibilidades
se reducirán a cero si no está armado de la técnica
contrapuntística que hace interesante su parte a cada ejecutante
y logra efectos tan grandiosos como el final de la
Obertura de los “Maestros Cantores” o los “Fuegos de Artificio”
de Stravinsky.
Porque es un error creer que los músicos de vanguardia
desprecian el estudio del contrapunto. Stravinsky, Honegger,
Milhaud, Hindemith, Manuel de Falla, todos son fuertes
contrapuntistas. Conocen a la perfección su oficio y son capaces
de escribir en los estilos más diversos. Citaré el caso
de Stravinsky, que es sin duda el genio musical de nuestra
época. “Petruchka” y la “Consagración de la Primavera” son
obras donde los cantos vernáculos ocupan un puesto preponderante:
Las “Bodas” (Ballet escrito para 4 pianos, batería,
coro y solistas) no tienen precedente en la historia de la
música y el “Apolo”, limpio de disonancias, diríase salido de
las manos de Haendel, así como el “Beso del Hada” —la más
reciente producción del maestro— es una página romántica
del más puro estilo tchaikowskiano.
En el “Concierto” de piano, en cambio, el compositor
se entrega de lleno al contrapunto. Un contrapunto, como
es de suponer, en el cual los frotamientos, los choques de
segundas menores, de séptimas o novenas, forman la trama
polifónica, con ritmos violentos que agravan los instrumentos
de viento-metal a cuyo cargo está el acompañamiento. “Así
escribiría Bach, si viviera en nuestros días”, decíame un joven
compositor polaco después de haber escuchado juntos al
propio Stravinsky su “Concierto” en la Sala Pleyel.
Tres siglos han transcurrido y las antiguas bases del
contrapunto están en pie. Los procedimientos actuales son
semejantes a los que aplicaban los viejos maestros del Siglo
XVI. Pero, ¿ No es justo que si todo se ha transformado al impulso
irresistible del progreso, la música también se renueve
y exprese las características de la vida actual ? Decir que
la música terminó con Wagner o Debussy, es una tontería.
Afirmar que la música comienza con Debussy o Stravinsky y
que Bach, Mozart y Beethoven son momias, es otra tontería.
Así como en las grandes cordilleras las montañas se levantan
majestuosamente desafiando a los siglos, en la historia de
300

la evolución musical, los genios son cumbres indestructibles,
ante las cuales debemos descubrirnos aunque pasemos en
avión, puesto que encierran los diamantes de la inspiración y
el oro de la sabiduría.
Seamos eclécticos. Los exclusivismos son siempre peligrosos.
Estudiemos a los viejos maestros. Estudiemos a los jóvenes.
“Es necesario saberlo todo, es indispensable estudiarlo
todo”, repite con frecuencia el maestro Dukas. Y hay que
amar la música, vivir para ella solamente, ya que el destino,
desde que nacimos, nos depositó en sus bellos brazos.”
MANUEL M. PONCE.
Cuando Ponce llega a Aguascalientes es recibido
como general romano que retornaba victorioso en época
del imperio; la multitud lo esperaba en la Estación al pie del
ferrocarril y no fue una sola Banda de Música que lo recibió,
fueron varias, la del Estado entre ellas, puesto que el señor
gobernador le ofreció apoteósica bienvenida (Desde Ricardo
Castro no se veía algo igual, ni se ha repetido). Su estancia
en la ciudad se volvió fiesta popular, homenajes y visitas
fueron interminables. El Club Rotario de Aguascalientes le dio
cálida bienvenida invitándolo a la toma de posesión de la
nueva mesa directiva, efectuada el miércoles 3 de julio en el
domicilio del Casino de la ciudad, en donde una orquesta interpretó:
“Perdí un amor”, “Estrellita” y “Serenata Mexicana”;
bajo la dirección del mismísimo compositor homenajeado.
“Succés d’estime…”.- Ponce permanece en su tierra adoptiva
más de 20 días, y cuando regresa a la ciudad de México
anuncia un concierto para el domingo 28 de julio, donde
interpretará sus creaciones más modernas: “El sólo anuncio
de que el domingo próximo a las 11 horas se efectuará el único
concierto del maestro Manuel M. Ponce, en el Anfiteatro
de la Escuela Nacional Preparatoria, ha despertado enorme
entusiasmo en los círculos musicales y desde luego ha principiado
la demanda de localidades” — anunciaba “El Universal”—.
“He aquí el programa de uno de los acontecimientos
artísticos más salientes del año:
I.- Suite en Estilo Antiguo, trío de cuerdas.
Sres. José Rocabruna, Manuel y Jesús Torres.
II.- La Mort, canto.
Srita. Abigail Borbolla.
III.- Cuatro Trozos para piano: Arietta, Interludio
301

Scherzoso,
Zarabanda, Giga. Sr. Manuel M. Ponce.
IV.- Cuatro Miniaturas para cuarteto de arcos.
Srita.Micheline Reichter, y Sres. Rocabruna y Torres.
V.- Dos Cantos, y Granada, Srita. Dolores Pedroso.
VI.- Sonata para violoncello y piano.
Sres. Teófilo Araiza y Manuel M. Ponce.
Encore: “Cuiden su Vida”, “Preludio Mexicano” (Cielito lindo),
“Estrellita”, piano.
Sr. Manuel M. Ponce.
El programa de mano añadía las notas que el mismo
compositor hacía sobre las obras a presentar:
“SUITE en estilo antiguo.- De los cuatro trozos que integran
esta obra, el Preludio y el Aria recuerdan el estilo de los
contrapuntistas italianos del Siglo XVIII. El Canon y la Fugueta
están trabajados conforme a las tradiciones de la escuela
alemana.
LA MORT.- Mezclada a la trama polifónica del acompañamiento,
la voz RECITA las primeras frases del bello poema
de Rabindranath Tagore: “Si le jour est fini, si les oisseaux
ne chantent plus…” (Si el día yá terminó, si los pájaros no cantan
más…) En la segunda parte, el canto tiene acentos dramáticos:
“La mort, ta servante est á ma porte…” (La muerte,
tu sirviente está a mi puerta…) El primer tema reaparece y la
composición termina con un recitativo.
TROZOS PARA PIANO.- Aunque la escritura de estas
cuatro piezas indica dos tonalidades diferentes, en realidad,
no se trata de ensayos bitonales, sino de una manera especial
de combinar los sonidos alterados con los sonidos naturales,
haciendo que una mano toque exclusivamente teclas
blancas y la otra las negras. A la Arietta inicial, sigue un Interludio
scherzoso de carácter descriptivo. La Zarabanda y la
Giga, conservan su forma tradicional, no obstante lo moderno
de los procedimientos melódicos y rítmicos con que están
construidas.
CUATRO MINIATURAS para instrumentos de arco.- “Se
trata de un cuarteto minúsculo —escribió un crítico parisiense
a raíz de la primera audición de estas Miniaturas en el Grand
Palais, en 1928—con sus clásicos cuatro tiempos, en miniatura,
naturalmente. El “Moderato enérgico”, de líneas sobrias,
el “Scherzo” con su Trío raveliano, el “Lento”, profundamente
expresivo y el Final escrito en cuatro tonalidades distintas —
302

que nos sugiere una discusión entre cuatro personajes que al
fin se ponen de acuerdo—constituyen esta pequeña y original
obrita”.
TWO SONGS.- GRANADA.- Dos páginas inspiradas en
los poemas de Tagore. Estos “Dos Cantos” son extraordinariamente
sencillos, a pesar de su armonización moderna. En la
“Granada” —con versos del gran poeta cubano M. Brull—se
utilizan los seis sonidos que producen las cuerdas de la guitarra
española. El canto evoca la maravillosa ciudad: “Granada,
guitarra sepulta, con tu cordaje de agua…”
SONATA para violoncello y piano.- El “Allegro selvaggio”
opone la violencia de sus ritmos a la plácida melodía de
la “Arietta”. El “Estudio” —que hace las veces de scherzo y el
“Allegro burlesco— con un FUGATO humorístico, completan
la Sonata”.
En su crónica para “Excélsior”, Alba Herrera y Ogazón anota:
“El concierto del maestro Manuel M. Ponce, efectuado
el domingo último, fue uno de esos éxitos rotundos que no
se olvidan fácilmente. Casi todos los músicos y aficionados
connotados se reunieron en el Anfiteatro de la Preparatoria
para rendir al artista un cariñoso homenaje. Pero se puede
asegurar, de manera terminante, que la personalidad de
este músico, a pesar de ser tan popular entre nosotros, está
por encima de los “Succés d’estime” (éxitos grandiosos).
…El maestro Ponce se vio obligado a obsequiar, como
encores, tres de sus más bellas canciones sobre aires vernáculos:
“Cuiden su Vida”, “Estrellita” y el “Preludio Mexicano”
elaborado en torno de “Cielito Lindo”… Esta música, por
su nacionalismo, llega al alma colectiva de nuestro pueblo
como certera flecha dando en el blanco; pero los músicos
tenemos que admirar especialmente el engaste encantador
en que ha afianzado Ponce las dulces y familiares melodías.
Si “Estrellita” ha sido adoptada, ya, por cantantes, violinistas y
pianistas de mundial reputación, “Cuiden su Vida” y el “Preludio
Mexicano” merecen la misma suerte; pues hay un acierto
exquisito en su elaboración que, a la vez que aristocratiza
esas musiquillas callejeras, conserva incólume la gracia innata
de sus picantes o lánguidos giros, esas flores silvestres no
han perdido su aroma esencial a pesar de haber pasado por
los más finos alambiques del buen gusto”.
Ponce había logrado en parte su propósito inicial
cuando decidió estudiar con P. Dukas. Ahora que regresaba
303

cuatro años después, presentó a los aficionados de la capital
del país la música y las obras más modernas que compositor
nacional haya escrito; cosa que lo ubicaba, sin la menor
duda, a la vanguardia de sus congéneres. Chávez y Revueltas
fueron testigos del éxito rotundo logrado por el autor de
las Rapsodias Mexicanas. Lo que escucharon los jóvenes
compositores los impactó profundamente, y no precisamente
los aplausos sino la sustancia lírica que escucharon: Savia
moderna recogida del centro musical creativo por excelencia.
Disciplina, estudio, inspiración, constancia… Es el camino
a seguir, comentaban los nuevos directores de orquesta
mientras caminaban y soñaban con sus propias creaciones
que pronto darían a conocer. Aparentemente Chávez ya había
escrito una obra, titulada “El Fuego Nuevo”, pero sólo se
escuchará hasta el mes de enero de 1930; en ella, el nuevo
director ejecuta música indígena, igual que Ricardo Castro lo
hiciera desde el año 1900, con su ópera “Atzimba” (Leyenda
tarasca sobre un amor imposible entre la princesa indígena y
un capitán español), cuando por primera vez en la historia de
México se escucharon en una sala de conciertos, danzas y
música auténticamente indígenas (“Marcha Tarasca”, entre
otras); cosa que convirtió al compositor duranguense en el
precursor de un nacionalismo musical autóctono mexicano.
Ponce, Chávez, y Revueltas.- Pocos días después, nuestro
compositor participó en otra función “a beneficio”, en el
“Teatro Nacional”; dicho beneficio era para las obras del
mismo teatro (futuro Palacio de Bellas Artes) y participaron
el “Cuarteto Clásico Nacional” de Ezequiel Sierra, que interpretó
el Cuarteto de Ravel; los tenores Luis de Ibargüen y Alfonso
Ortiz Tirado; además de la pianista Vilma Erenyl. Ponce
interpretó “Zarabanda” y “Giga”, además de los consabidos
encores nacionalistas… “La aparición del maestro Ponce fue
la señal para que el auditorio rompiera en la más cordial y
cariñosa ovación: Se saludaba al talentoso artista después
de años de ausencia, y entre los músicos había verdadera
expectación por oírlo. Indudablemente, la personalidad de
Manuel M. Ponce ha sufrido una formidable transformación
técnica” —anotaba “Crónicas Musicales” de “El Universal”—.
Otro hecho sobresaliente de la estancia del compositor
en México, fue convencer al director del diario “El Universal”,
Félix F. Palavicini, para patrocinar el Concierto-Beneficio
pro monumento a Debussy en París con la Orquesta Sinfónica
de México. Ponce no tuvo que batallar mucho para conven-
304

cer al fundador del periódico, pues D. Félix siempre fue fácil
de convencer para apoyar causas nobles; el problema lo representaba
el grupo musical y su director: ¿ Cómo reaccionaría
Chávez Ramírez a la propuesta de Ponce?
Pues… que el entusiasmo y sinceridad del autor de
“Estrellita” contagió a todos ellos, y aceptaron ofrecer su mejor
esfuerzo en pro del espíritu universal de la música, ya que
la iniciativa de Ponce se sumó a los mismos afanes que se
daban en Europa y Sudamérica. México no podía quedar al
margen del homenaje mundial al músico más grande de los
últimos tiempos:
“El Universal patrocinará el concierto”:
“Los maestros Manuel M. Ponce y Carlos Chávez enviaron
una carta al Excmo. Sr. Jean Perder, Ministro de Francia
en México, en la que le informan de las actividades de
la Orquesta Sinfónica, para organizar un homenaje al genial
músico francés Claudio Debussy. Fue el maestro Manuel M.
Ponce quien hizo la sugestión a la Orquesta Sinfónica para
que llevara a cabo dicho homenaje, advirtiendo que los ingresos
que se obtuvieran sería para que México tomara parte
en la suscripción internacional que iniciada por Francia, se ha
abierto para levantar en París un monumento al gran músico.
Todos los profesores de la Orquesta Sinfónica acogieron
con beneplácito la idea del maestro Ponce, quien en
compañía del maestro Chávez ha organizado ya el Concierto
Homenaje a Debussy que tendrá verificativo el domingo
25 del mes en curso. Los maestros Ponce y Chávez indican
también al señor Ministro de Francia, que “El Universal” les ha
brindado su ayuda para el mejor logro de sus propósitos y
que será el “Gran Diario de México” el que patrocinará el
concierto. Agregan en su carta los maestros Ponce y Chávez,
que se dirigen al Ministro Francés, para interesarlo del resultado
de sus actividades, que han tenido completo éxito, por lo
cual tienen especial satisfacción, ya que se trata de la glorificación
de “Uno de los más claros destellos del genio francés”.
Finalmente dicen los maestros Ponce y Chávez al señor
Ministro Perier, que esperan que para la mayor solemnidad y
lucimiento del concierto contarán con su presencia y con la
ayuda moral que se sirva prestarles.
El señor Ministro de Francia envió ayer a los maestros
Ponce y Chávez la carta que sigue:
“Legación de la República Francesa en México —México,
el 19 de agosto de 1929.
Queridos maestros Chávez y Ponce: En su carta fecha-
305

da el 17 de este mes se han servido ustedes hacerme saber
que el próximo domingo 25 de agosto la Orquesta Sinfónica
de México dará un concierto a beneficio de la suscripción internacional
que acaba de abrirse para erigir en París un monumento
a la memoria de Debussy. Estoy profundamente
conmovido con este generoso pensamiento y me satisface
infinitamente que provenga de compositores tan eminentes
como ustedes dos. Se los agradezco desde el fondo del corazón.
Naturalmente no faltaré al concierto, acerca del cual,
por otra parte, voy a llamar la especial atención de la Colonia
Francesa.
Reiterándoles mis agradecimientos, sírvanse agregar
una vez más, queridos maestros, las seguridades de mi alta
consideración y de mis más amistosos sentimientos —Jean
Petier.—Sr. Manuel M. Ponce y Sr. Carlos Chávez.—México.”
La carta de Ponce y Chávez, así como la respuesta
del Ministro Francés, son históricas y muestran la relación entre
el diplomático galo y los maestros mexicanos. A más de
eso, es claro también que cada vez que Chávez Ramírez se
acercaba a su maestro, ganaba en experiencia y conocimientos,
pues Ponce vivía un nivel musical extraordinario en
teoría, práctica e inspiración, que le permitían componer en
cualquier estilo con la mayor facilidad. El menú musical del
programa ofrecido en el Arbeu, el domingo 25 de agosto de
1929, a las 11 horas, fue:
I.- Sinfonía en sol menor.
Mozart.
Allegro molto-Andante-Menuetto-Allegro Asai.
II.- L’Apprenti Sourcier, Scherzo.
Dukas.
D’Apres une ballade de Goethe.
(Director Silvestre Revueltas)
III.- Chapultepec, Tríptico Sinfónico. Ponce.
a)La hora matinal.
b)El paseo diurno.
c)Plenilunio fantástico.
IV.- Iberia.
Debussy.
Luneta General… $3.00 Galería General… $1.00
El concierto fue un éxito total. El programa de mano,
tamaño partitura, de 12 páginas, policromado con los colores
franceses, contenía la última parte de un artículo de Manuel
M. Ponce que días antes había publicado “El Universal”:
“Hace 18 años un grupo de discípulos del que escribe
estas líneas, dio una audición, cuyo programa estaba forma-
306

do exclusivamente con obras de Claudio Debussy. En aquella
época el nombre del maestro francés significaba rebeldía,
guerra a las más venerables tradiciones, aurora de un arte
nuevo y libre, cuyos horizontes perdíanse en armonías vagas y
extrañas melodías. Los eternos aristarcos se escandalizaron al
ver un grupo de jóvenes pianistas, en esa noche, glorificando
el nombre del nuevo Luzbel. El público, en cambio, con su
fino instinto que descubre la belleza donde la hay y aquilata
el mérito de los intérpretes, cuando éstos lo tienen, gustó y
aplaudió las nuevas obras que manos juveniles le ofrecían,
como extraños frutos de un árbol desconocido.
Los años han pasado, y en la actualidad, nuestro público
—como el público de todas las ciudades civilizadas—
no ve ya en Debussy al revolucionario feroz de quien le hablaran
críticos retrasados, sino al compositor genial, cuya música
cada día es más comprendida, más familiar, clásica, en una
palabra. En el recital a que me refiero se tocaron obras de
diversas épocas, en las cuales podíase seguir la evolución del
compositor; desde las “Máscaras”, la “Soirée dans Granade”,
y los “Preludios”, hasta el romántico “Claro de Luna”, que un
jovencito de 12 años tocó en esa ocasión con fina musicalidad.
Este jovencito que nació a la vida del arte bajo el signo
Debussy, es hoy el fuerte artista que dirige la “Orquesta
Sinfónica de México”. Esta circunstancia me ha sugerido la
idea de que México se una a las naciones que por medio de
festivales artísticos han contribuido a la realización del monumento
a Debussy. Nuestro público ha aspirado los “Perfumes
de la Noche”, de “Iberia”, ha sentido la cálida atmósfera que
envuelve la “Siesta del Fauno”, ha respirado la brisa salobre
“Desde el Alba hasta el Mediodía”, en “El Mar”…
¿No es justo que, al menos, una piedra del monumento
recuerde su gratitud hacia el músico que les ha proporcionado
instantes inolvidables de goce estético? ¿El maestro
Chávez y sus colaboradores de la Orquesta Sinfónica secundarán
esta iniciativa encomendada a organizar un festival a
beneficio del monumento a Claudio Debussy? Con ello ganaría
nuestra cultura y nuestro prestigio musical.”
Del análisis del programa podemos ver que ese día la
“OSM” ejecutó por primera vez “Chapultepec” en su versión
original. También podemos ver que Silvestre Revueltas de ninguna
forma aceptó quedar al margen del histórico homenaje
al genio francés, y decidió dirigir “El Aprendiz de Brujo”, de
P. Dukas.
307

Sobre “Chapultepec”, el programa de mano señalaba:
“Esta composición fue terminada en 1921, época de
transición para el autor, quien desde entonces abandonó el
estilo francamente romántico de sus anteriores producciones”.
El mismo autor añade:
“LA HORA MATINAL.- Los violines y las violas inician un
diseño pianissimo que se prolonga hasta la entrada del tema
principal (que expone la trompeta) y cuyo desarrollo abarca
el resto del trozo.
EL PASEO DIURNO.- Un aire alegre y rápido describe el
regocijo de la multitud bajo los árboles seculares del admirable
bosque. La melodía de una canción mexicana se esboza
sobre el fondo sonoro que mantienen los arcos. En seguida la
orquesta se anima y, después de un pasaje fugado, reaparece
el tema popular. Al final, se unen todas las fuerzas de la
orquesta en una brillante peroración.
PLENILUNIO FANTÁSTICO.- Plácidamente, los violines,
el oboe y el clarinete, exponen, sucesivamente, un tema sencillo
que evoca el claro de luna en el bosque. Hay rumores de
danzas lejanas, de épocas remotas. El primer tema aparece
de nuevo y la obra termina con las notas iniciales de una popular
canción mexicana”.
Barcelona - Isaac Albéniz - Merlín.- “El martes próximo el
maestro Manuel M. Ponce saldrá para Veracruz —publicaba
“El Universal”—, con el propósito de esperar a su señora
esposa doña Clementina de Ponce, quien viene de Europa
para reunirse con él y a pasar algunas semanas antes de su
vuelta a París. De Veracruz regresarán el jueves a más tardar,
y ayer anunció que aceptó una invitación del Sr. Muzquis
Blanco, para dar el sábado una audición a los presos de la
Penitenciaría, en el Teatro “Álvaro Obregón”. En esta fiesta
para los sentenciados se contará también con la importante
colaboración de otro artista mexicano, el actor dramático
Alfredo Gómez de la Vega, quien actualmente se encuentra
en México y que recitará algunas composiciones. Después
de esta audición privada, el maestro Ponce irá a la ciudad
de Aguascalientes, en donde dará un solo concierto. Tiene el
propósito de regresar a Europa muy pronto porque en el mes
de noviembre tiene compromisos para tocar en Barcelona.
En París también lo esperan por esa época algunos concertistas,
entre ellos Segovia, y a quienes tiene que entregar sus
308

composiciones, y finalmente está comprometido a revisar las
pruebas de imprenta de un grupo de sus obras que se lanzarán
al público a principios del año entrante”… Efectivamente,
el mismo sábado viajaron para Aguascalientes en donde
el inquieto músico ofreció un concierto más en el Teatro Morelos,
pero ahora a precios económicos: “Los precios que se
han fijado para esta solemnidad, son muy reducidos: $2.00
Luneta y Balcón, y 50 centavos Balcones Altos y Galería.” —
señalaba la prensa local—.
Ponce retorna pronto a la Ciudad de los Palacios, ya
que habiendo sido invitado a participar en los “Festivales Sinfónicos
Ibero-americanos”, a celebrarse el próximo mes de
octubre en la ciudad de Barcelona, dentro de los eventos de
la Exposición Internacional que celebraba la Capital Catalana,
nuestro compositor fue nombrado “Comisionado”, con
la representación de México. Por ese motivo, el compositor
envió a los organizadores su Tríptico “Chapultepec” y “Dos
Danzas para Orquesta”, para que escogieran la obra que se
ejecutaría; siendo “Chapultepec” seleccionada para el día 8
de octubre a las 22 horas en el Teatro del Palacio Nacional; la
Orquesta Sinfónica, bajo la dirección del maestro Mario Mateo.
Además del “Chapultepec” de Ponce, otras dos
obras mexicanas se escucharían en los festivales: “El Festín de
los Enanos”, de José Rolón; y “Suite Mexicana” de Estanislao
Mejía, este último recientemente nombrado Director de la flamante
“Facultad de Música” de la Universidad de México; ya
que luego de apasionada lucha estudiantil, con huelgas y
manifestaciones tumultuosas por las calles del centro histórico
del Distrito Federal, que provocaron los primeros mártires escolares,
la Universidad Nacional conquistaba su Autonomía,
transformándose en “UNIVERSIDAD NACIONAL AUTÓNOMA
DE MÉXICO” (UNAM)… Y aunque el supremo gobierno le retiró
el presupuesto, no desapareció.
Antes de viajar a Veracruz, el compositor acudió a la
“Audición Extraordinaria como homenaje al ilustre maestro
Manuel M. Ponce”, que Antonio Gómezanda organizó el 11
de septiembre, a las 20:30 horas, en la Sala de Conciertos del
“Instituto Musical Gómezanda”.
Al día siguiente nuestro compositor viajó apresuradamente
al Puerto de Veracruz, y tan sólo 24 horas después se
embarcaba nuevamente en el vapor “Espagne” con rumbo
al Viejo Mundo; no obstante, la niña de sus ojos permanecía
en México pues sus asuntos lo requerían. De ese modo, una
309

vez más se encontraban separados… era su destino: Sufrir en
lo que más querían. Y como sucedía cada vez que el compositor
atravesaba el océano: El 24 de septiembre celebraron
un concierto abordo, habiendo Ponce interpretado al piano
“Estrellita”. Siete días después, el 1 de octubre, el maestro escribe
una tarjeta postal a su amada:
“Charrasquisdita linda: Acabo de llegar a Bilbao. Mañana
a Barcelona. Gracias a Dios sigo bien. Muchos recuerdos
a todos. Baisers de Ton Tato (Besos de tu Tato). P.D. Muy
bonito Bilbao.”
El artista, comisionado del gobierno de México, es recibido
con todo género de cortesías por el Presidente de la
Diputación Provincial de Barcelona, José María Milá y Camps,
Conde de Montseny, en el Palacio de la Diputación, y se hospeda
en el “Hotel de la Exposición”. Los siguientes días fueron
de trabajo y ensayos, que culminan con la ceremonia inaugural.
Ulteriormente, el 8 de octubre, Ponce recibe un sobre
conteniendo los programas y “las entradas al palco para el
concierto de esta noche y para los sucesivos”. La presentación
de “Chapultepec” se dio esa misma noche, durante el
2º. Concierto de los Festivales, en la penúltima parte de un
largo programa que contenía ocho obras diferentes y cerraba
con “El Festín de los Enanos”, de José Rolón. Al otro día,
el compositor le envía a Clema algunas críticas de la prensa
catalana:
“Diario de Barcelona”: “El Tríptico Sinfónico de Manuel
M. Ponce, compositor mexicano, adquiere intenso interés
melódico, particularmente en la primera parte titulada “La
Hora Matinal”. La Orquesta suena admirablemente y la trama
armónica comprende giros muy bien hallados”.
Por su parte, en el diario “La Noche”, Rafael Morogas
señala: “Lo que más me gustó es el Tríptico Sinfónico “Chapultepec”.
Poco le falta al poema mexicano para que adquiera
la exuberancia del parque que Manuel M. Ponce se
propone describir, porque la obra mexicanamente, hay que
decirlo así, está bien y del todo con lo que leí en el programa
que para bien orientarnos decía, acerca de “Chapultepec”
tal como sigue: “Tres aspectos ha captado el artista en este
magnífico jardín, frecuentado a veces por aristócratas, otras
por poetas, o bien bañado de luna o de rocío cuando los pájaros
cantan”… Mi deseo será que muchos de los que asistan
al Palacio Nacional, volvieran a oír este “Chapultepec” de
Manuel M. Ponce”…
310

24 horas más tarde, el maestro envía nueva misiva
a su cónyuge: “Charrasquis linda: Recibí tus dos cartitas y el
cheque, Mercí. “Chapultepec” triunfó en toda la línea. Todos
los números aplaudidísimos. Al final tuve que salir a saludar. La
Orquesta de pie (cosa que no hizo con ninguno de los otros
números del programa) aplaudiendo y gritando bravos. Casals,
de la Mote, Grignion, Mollet y otros maestros me han felicitado
con gran entusiasmo. Los críticos piden que se toque
otra vez el “Tríptico”. Ayer no te escribí porque anduve muy
ocupado. Por la noche fui al banquete que nos ofreció la
Diputación de Barcelona. El Palacio parecía de las Mil y una
noches. Ya te haré la crónica más despacio. Imagínate que
toda la mañana me la pasé buscando un frack, pues era la
fiesta de rigurosa etiqueta. Por fin lo encontré en casa de unos
rusos judíos que alquilaban ropa. Me cobraron 10 pesetas. En
la mesa me sentaron a la izquierda de Primo de Rivera quien
estuvo amabilísimo conmigo. Estas distinciones y el éxito de
“Chapultepec” no les ha caído muy bien a algunos colegas
¡Qué le vamos a hacer! Ayer estuve con el P. Mesaun, notabilísimo
compositor. Estaba encantado con mis cosas nuevas.
Hago gestiones para organizar un concierto con el programa
ese del que di en el Anfiteatro en México. El Cónsul de México
estaba feliz con el recibimiento que me han hecho.
Esta tarde veo a la viuda de Albéniz y por la noche
comeré con nuestro Cónsul, señor Otalora. Gracias a Dios,
he estado perfectamente de salud. Como siempre, saluda a
todos cariñosamente. Mil besitos y el corazón de tu Tato. Te
envío unos recortes”.
En su epístola del día 14, Ponce le comenta:
“Anoche comí con la familia Albéniz. La viuda del
gran músico es una viejita muy inteligente. Lo mismo que su
hija Laura. Después de cenar fuimos al concierto que la “Banda
Municipal” organizó en honor “De los compositores americanos”.
Es una agrupación admirable. Suena como orquesta,
a veces. Imagínate que le acompañó a una cantante
las canciones de Falla, con delicadeza increíble. El domingo
pasado se tocó el poema de Eduardo Sánchez de Fuentes.
El público de hielo, sólo aplaudió al final. Otro tanto pasó con
las Danzas de Caturla.
Ayer nos dijo Mateo que se daba por terminada la
serie de festivales iberoamericanos, pues como Villalobos no
llega aún, el último concierto se aplaza indefinidamente. Por
lo tanto yo salgo el jueves o viernes para París, pues aquí todo
es muy caro y las pesetas vuelan. Hemos tenido que hacer
311

algunos gastos, como ofrecerle un almuerzo a Mateo, un recuerdo
al Conde de Montseny, etc. Desistí de organizar el
concierto en vista de que tendría que invertir de 400 a 500
pesetas y era dudoso sacarlas. Estamos llenos de invitaciones.
Ahora mismo vamos con el Alcalde. Un gran abrazo a
los padrinos y mil besitos a Charrasquis de mi vida, de su Tato.
Gracias a Dios he seguido perfectamente de salud. Me cuido
mucho ¿ Y tú ?”
La histórica relación entre Manuel M. Ponce e Isaac
Albéniz nació de forma fortuita. Muy pocos la conocen pero
son muchos los que han hablado y escrito sobre ella… errores,
yerros y gazapos, sobre todo Jesús C. Romero, la cosa es
hablar. Ponce y Albéniz no se conocieron, Dukas y Albéniz
sí. Al respecto, el 11 de julio de 1928 Ponce recibió carta de
Laura Albéniz, hija del compositor español que había muerto
20 años atrás, Laura le comenta sobre la recomendación de
Paul Dukas, así como de sus enormes deseos de ver terminada
la ópera “Merlín” que su padre escribió y finalmente abandonó.
Dicha creación musical se encontraba en lamentable
estado, muy maltratada, faltando varios trozos importantes
de la partitura:
“… Por una carta que he recibido de mi buen amigo
Dukas, hace algunos días sabía que usted iba a escribirme y
que aceptaba el encargo de la ópera “Merlín” de mi padre.
Ya le habrá dicho el Maestro que esa obra es de las más importantes
que mi Padre compuso, y le dedicó muchos años
de su vida. Voy a ocuparme enseguida de que le remitan a
usted una partitura de piano y canto para que pueda darse
mejor cuenta.
… Sabemos que ese trabajo es largo y penoso y hace
falta valor para emprenderlo pero con tal de que llegue a
hacerse no tenemos prisa. Mi madre desea tanto ver esa
obra sacada de su abandono que daría cualquier cosa por
verla realizada. Teniendo en cuenta todo ello le quedaremos
eternamente agradecidas.
Laura Albéniz.”
Ahora que Ponce y Laura se encuentran en Barcelona, la plática
principal entre ellos versó sobre los trabajos de Ponce al
“Merlín” de Albéniz, quedando muy complacidas Laura y su
mamá del adelanto logrado por el compositor de ultramar,
quien finalmente terminará esa tarea pocos meses después.
Ponce lo menciona desde París en carta a su amada, que
aún se encontraba en la Patria lejana:
312

“Querida Clema: Estoy muy ocupado terminando el
trabajo de revisión de la obra de Albéniz, pues la señora me
la pide desde Barcelona y con motivo de las obras nuevas
que le he escrito a Andrés, me había yo retrasado. Espero
terminar el tercer acto el viernes próximo y enseguida se lo
enviaré.
En cuanto a la Ecole Normale, asisto como Auditeur,
Polito encantado con mi decisión, así como los compañeros.
Te dejo porque Merlín me espera. En este momento corrijo
una danza muy interesante. No cabe duda que Albéniz era
genial…
Recibí tus dos gratas con recortes y un cheque de 100
dólares, mil y mil gracias por todo. Me alegro infinitamente de
tu éxito y te felicito por haber salido triunfante de la prueba,
que no era fácil, dada la dificultad de las romanzas. Tengo
verdadera curiosidad de oír la orquestación. Tal vez más tarde
podremos hacerlas oír aquí. Acabo de escribirle a Andrés
un gran Estudio de Trémolo, pues desde hace tiempo me lo
había pedido. Creo que quedará contento. Manuel.”
En la misma reunión de Barcelona, Laura y su mamá le
pidieron al compositor mexicano la realización de un nuevo
trabajo; una obra original a partir de la creación musical del
genio de “Iberia”. Al respecto, existe copia de una entrevista
que el periodista español F. Gómez Hidalgo hizo al compositor
mexicano, en febrero de 1943. En ella, Ponce dice:
“… Por cierto que la intervención de Paul Dukas me
hizo reconstruir y terminar una ópera de un genio compatriota
de usted: el “Merlín”, de Albéniz. Éste, que era un gran bohemio,
tan desordenado como inspirado, había perdido la
partitura, de la que sólo quedaban fragmentos. Mi labor fue
ordenarlos, a la vez que orquestaba las notas que faltaban.
Terminé este trabajo en 1929, entonces fui a Barcelona con
motivo de los conciertos hispanoamericanos que se celebraban
coincidiendo con la exposición. Ahí conocí a Rosina, la
viuda de Albéniz, y a su hija Laura, casada con Moya, las que
me encargaron un extracto para orquesta, de las principales
obras del maestro; una Suite para concierto…”
Vemos, pues, que fueron dos los trabajos que Ponce
realizó para la familia Albéniz:
a).- Reconstruir, completar, orquestar y terminar la
partitura dañada de la ópera “Merlín”, trabajo concluido en
1930.
b).- Escribir una Suite Sinfónica para Orquesta, sobre
un extracto de las principales obras de Isaac Albéniz; labor
313

que terminó en México 4 ó 5 años después, titulándola simplemente:
“Merlín”, Albéniz-Ponce; habiéndose estrenado en
el Palacio de Bellas Artes el 15 de diciembre de 1938, con la
“Orquesta Sinfónica Nacional”, dirigida por Silvestre Revueltas.
— Estos trabajos de Manuel M. Ponce sobre la Suite
Sinfónica “Merlín” se conocieron en España hasta el año 2000,
cuando Consuelo Carredano, escritora e investigadora del
Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) visitó nuestro domicilio
para solicitarnos copia tanto de la partitura como de las
partichelas de la Suite Sinfónica “Merlín”, Albéniz-Ponce; con
objeto de llevarlas a España y presentar la obra en un homenaje
al compositor español en el año 2003, donde se representaría
en estreno mundial la Ópera “Merlín”, Albéniz-Ponce.
A más de lo anterior, tanto la partitura como las partichelas
de la Suite fueron escritas en papel pautado de la Sociedad
de Autores Españoles, que La hija de I. Albéniz hizo llegar al
compositor mexicano—.
Finalmente, el maestro mexicano no aceptó cobrar a
la viuda del genio español ninguno de los trabajos realizados,
y por esa causa Laura le obsequió al genio de México un reloj
de bolsillo de oro macizo, con todo y leontina, que perteneció
al compositor de “Iberia”.
—Dicho reloj se encuentra en la ciudad de Aguascalientes,
pues Carlos Vázquez donó 250 objetos de Ponce,
el reloj entre ellos, para el Museo en memoria de Manuel M.
Ponce que el Gobierno del Estado inauguró el 25 de abril de
1986.
“El presidente Municipal, Miguel Romo Medina y el Licenciado
Miguel C. Aguayo a nombre del Gobernador del
Estado, inauguraron el Museo Manuel M. Ponce, en el Centro
de Estudios Musicales que lleva su nombre y que se encuentra
en la calle, nominada con el nombre del destacado compositor
mexicano, que tanto amó a esta tierra”.
—Citaba la prensa local al día siguiente—. Aunque
tiempo después el museo y los objetos exhibidos, desaparecieron
sin la menor explicación... Afortunadamente existe
recibo notarial (conservamos copia) del Inventario de la Donación,
cuya custodia quedó a cargo del “Instituto Cultural
de Aguascalientes” (ICA)—.
314

Ponce y Clema ante la tumba de Chopin
315

Clema en París Casa de Ponce en Paris Casa de Ponce en Paris
316

Ponce 1925, foto de Gabriel Figueroa
317

Ponce y Miguel de Unamuno
318

Ponce y Clema en París
Ponce, Clema y De Unamuno en la T. Eiffel
319

Informe de Ponce 1926
320

Última pag. informe de Ponce a la SEP 1926
321

Rolón, Ponce, Rodrigo, Villalobos, Falla con Dukas Foto de Dukas dedicada a
Ponce
322

Postal de M. de Falla a Ponce y Clema
323

Labios de Clema en la dedicatoria de
Manuel de Falla.
324

M. del Pino-Ponce, óleo sobre tela
325

Mantel bordado por Clema. 77 firmas
326

Proyección de las firmas en el mantel
327

Programa Segovia
328

329
Escuela de niñas del Padre Fray Antonio.Hoy Museo de Ags.

Fray Antonio
330

Ponce en México 1929
331

Carlos Chávez 1929
332

Revueltas1929
333

Programa de Festivales Sinfónico
Ibero Americano,Barcelona.
334

CAPITULO XI
La calidad humana.- Luego de su aventura por tierras españolas,
Ponce regresa a París y le escribe a Andrés, suponiendo
que ya estaba en Ginebra, pero el guitarrista contesta
hasta el mes de diciembre de 1929 cuando llega del largo
periplo que lo llevó más allá de la ruta de Marco Polo, hasta
la tierra del Sol Naciente:
“Querido Manuel: Acabo de llegar, tras 18 días de viaje
penoso, 14 de los cuales, encajonado en uno de los sliping
del Transiberiano, a través de los bolcheviques. En el tren he
perdido el sueño. Y mi salud que no se ha quebrantado más
por milagro del cielo necesita de un reposo absoluto ahora,
para emprender, el 4 de enero, nuevas tareas. De modo que
aquí me tienes durante todo el mes de diciembre. El viaje,
antes del regreso, maravilloso ! La China, mejor dicho Pekín,
es la ciudad más bella del mundo. En Tokio, tuve la alegría de
saber que habías regresado a Europa.
Me alegra enormemente tu éxito en Barcelona… ¿
Qué has hecho desde que te fuiste ? ¿ Has compuesto mucho
? ¿ Y mi concierto, cómo está ? La amenaza que me
haces en tu carta de que tendrás que volver en breve a México,
contraría todo mi deseo. Había formado el proyecto de
tomar una casita en los alrededores de San Sebastián, para el
verano juntos, y mientras Clema y Adelaida se divertían con
el auto, nosotros trabajaríamos el concierto, para que estuviese
a punto en el próximo otoño… ¡ Tu amenaza da al traste
con todo !
La Suite de S. L. Weiss está en dedos. Es preciosa, y
pienso tocarla en Nueva York el 8 (febrero de 1930). Pero necesito
otra gigue… La que me hiciste es demasiado inocentona
para finalizar. Ponte un cuarto de hora al piano y hazme
una toda en arpegios, con unas notitas, destacadas, de melodía
unas veces arriba y otras veces abajo… ¿ Quieres ?
Torroba vino a pasar 15 días en Bretaña con nosotros.
Se trajo un concierto para pequeña orquesta y guitarra bajo
el brazo, muy melódico, y sonatinesco, pero que no vale los
primeros acordes del tuyo. El tema del andante, es precioso
sin embargo, y en el desarrollo hay razgos ingeniosos. Pero es
demasiado fácil todo él y todo el primer tiempo ¿ Comprendes
? Demasiado fácil, demasiado horizontal… Ahora me
espera en Madrid para proseguir el trabajo, pero le preparo
335

una negativa fundada realmente en mi necesidad de reposo.
Turina me ha mandado una piececilla muy picante
y acaba de anunciarme su visita para después del 8 que da
su último concierto en Polonia. Su sonata está casi a punto. Y
a pesar de que me gusta realmente y que es noble y digna,
confirmo mi primera impresión: Es música un poco avejentada…
Te mandaré programas de Tokio en donde está tu
nombre. Se ha aplaudido mucho la Sonata Romántica, y en
Shanghai el Tema con Variaciones. Y he hecho la prueba de
tocar como bis la Zarabanda y la Gavota de la suite clásica
(Segovia se equivocó, se trata de la “Suite en La”), que
ha producido gran entusiasmo. En fin, tu obra, es lo que más
vale, para mí, y para todos los músicos que la oyen, de la literatura
guitarrística. Y tú, personalmente, también, entre todos
los que se me han acercado y he conocido.
Quiero que me hagas unas variaciones brillantes sobre
el tema de las Folías de España, en Re menor, y cuya copia
del manuscrito de Berlín, te envío. En un estilo que linde entre
el clasicismo italiano del XVIII y los albores del romanticismo
alemán. Esto te lo pido de rodillas… Si tú no las quieres firmar
se las adjudicaremos a Giuliani, de quien hay muchas cosas
por descubrir, y de quien acaban de darme un manuscrito
en Moscú. Quiero que esta obra sea la mejor pieza de esa
época, el pendant de las de Corelli para violín sobre el mismo
tema. Ve haciendo variaciones y mándamelas, y procura
que contengan todos los recursos técnicos de la guitarra, por
ejemplo variaciones en acordes simultáneos de tres notas, en
octavas, en arpegios, sucesiones rápidas que asciendan hasta
el si b sobreagudo y que expiren en el Re grave, enlace de
voces en nobles movimientos polifónicos, notas repetidas, un
mayor cantabile que realce la belleza del tema, entrevisto
a través del enredo ingenioso de la variación, y volver a él,
para concluir con grandes acordes, después de derrochar
toda la noble astucia musical de que tú eres capaz, para distraer
al que oye, de la proximidad definitiva del tema… ! En
todo doce o catorce variaciones, obra de toda una parte
del programa, que no se hará larga, por el contraste de cada
variación con la que la precede y la sigue. El tema es adorable.
Haz que te toquen en el gramófono las de Corelli, si no las
recuerdas, y verás como es un pecado que ese tema, cuya
versión más antigua es el manuscrito de Berlín, para Luth, español,
además, hasta la médula, esté desterrado de la guitarra,
o tratado por Sor, raquíticamente, lo que es peor.
336

Ya sabes que esta petición mía es antigua. Remonta
a los primeros días de tu estancia en París. ¿Te acuerdas ?
Han pasado tres o cuatro años, y actualmente, una
audición para violín, de las de Corelli, ha removido profundamente
mi deseo de tocar unas de igual o superior importancia,
escritas por ti. No te niegues ahora, a complacerme,
y pídeme en cambio cualquier sacrificio: Excepto el que renuncie
a ellas… !
Si te pones a la obra, ve mandándome los fragmentos
que vayas componiendo… ! Vuelvo a la idea anterior. Si
estás solo en París, porqué no te vienes enseguida aquí con
nosotros ? Me darás, nos darás, un vivísimo placer. Te abraza,
Andrés.” (1929).
Por la extensa carta de Segovia, queda claro que ya
tenía lista la “Suite en La” para estrenarla en Nueva York, atribuida
a S. L. Weiss. Sólo le pedía a su genial amigo que le
hiciera algunas modificaciones a la Giga, pues… “La que me
hiciste es demasiado inocentona”: Anda, hombre… “Ponte
un cuarto de hora al piano y hazme una toda en arpegios y
etc.”… Segovia le solicitaba a Ponce todo lo que se le ocurría,
como un hijo a su padre complaciente habida cuenta
que siempre le daba gusto, como si fuera el genio de la lámpara
de Aladino. Y no es exagerado aquí el epíteto “Genio
de México”, pues el mismo Segovia en su carta lo ubicaba
en los cuernos de la luna, de forma muy superior a todos los
compositores para la guitarra, vivos o muertos, incluyendo a
Sor y a Schubert.
Y ahora, sin más preámbulo, Segovia le pide a Ponce
otra creación para su guitarra: que verse “sobre el tema de
las Folías de España”. La Folía, danza antigua de origen portugués,
pasó a Europa a través de España donde se popularizó.
Andrés Segovia Torres le pide a su benefactor musical
que desarrolle doce o catorce variaciones brillantes sobre el
tema principal (al final, Ponce desarrollará ¡un Preludio, 20 variaciones
y una fuga!). Fue a partir de esta obra, que Ponce
incursionó a fondo por caminos del folclore musical español;
mismos que habían recorrido Pedrell, Albéniz, Granados, y
más recientemente Falla, Turina y Esplá. Además, el guitarrista
andaluz le propuso: “Si tú no las quieres firmar se las adjudicaremos
a Giuliani de quien hay muchas cosas por descubrir.
Quiero que esta obra sea la mejor pieza de esa época”…
Y mientras Manuel M. Ponce viajaba de Barcelona a
París, a finales del mes de octubre para continuar sus estudios
con Paul Dukas, la desgracia se abatía sobre el país de las
337

arras y las estrellas: 24 de Octubre de 1929, “Jueves negro”
en la bolsa de valores de Nueva York. Se pierden miles de millones
de dólares. Se desata la gran depresión que hunde la
economía nacional y arrastrará la de varios países más, provocando
desempleo, hambre y miseria.
Una vez en París, Ponce espera un plazo razonable
pero el 16 de noviembre le escribe a Carlos Chávez, recordándole
la remesa del dinero de la función Pro-Monumento
Debussy, efectuada desde el 25 de agosto y le dice:
“Mi querido Carlos: Como verás por el pequeño recorte
que te envío adjunto, las revistas musicales dieron la nota
relativa al Festival Debussy que organizamos en México. No
he querido ver al tesorero del Comité Pro-Monumento Debussy,
temiendo me pregunte el resultado efectivo. El señor Paul
Dukas, que es tan discreto, no me lo preguntó, aunque me
dijo: Será ciertamente una buena ayuda para la realización
de la obra. Yo les he dicho que, como se trataba de celebrar
otros conciertos a beneficio de la misma idea, yo esperaba
que para fin de noviembre el señor Ministro de Francia
en México enviaría el producto de los festivales. Creo que
así será pues actualmente están en juego la reputación de
la Orquesta Sinfónica, la nuestra personal y finalmente la de
México. Confío en tu actividad de bussines-man.”
Chávez Ramírez deja pasar largos 41 días, antes de contestar:
“Muy querido maestro: Recibí su carta del día 16 de noviembre
que leí con mucho gusto, enterándome de todo lo relativo
a la discreta pero un tanto apremiante actitud de los
franceses en cuanto a los resultados de nuestro concierto Debussy.
Comprendo muy bien que, como usted me dice, están
en juego la reputación de la Orquesta Sinfónica, la nuestra
personal y finalmente la de México.
El domingo siguiente al día en que recibí su carta, estuve
a cenar en casa del Ministro de Francia y le hablé del
asunto. Estuvo también Clema y a ella le manifesté que era
indispensable que convenciéramos al Ministro de que nos
prestara una ayuda efectiva y que ella misma podía poner
en juego su prestigio social y artístico para el mayor brillo y lucimiento
del concierto. El Ministro y Clema ofrecieron su ayuda
generosa y ante mi sugestión se fijó el día 21 de febrero
como fecha definitiva para la celebración de un segundo
festival sinfónico Pro-Monumento Debussy. El Ministro va a formar
unos Comités que se encargarán de la propaganda y
338

venta de boletos. Por mi parte pienso arreglar un programa
sugestivo que oportunamente daré a conocer a usted. Igualmente
organizaré un concierto de música de cámara con el
mismo objeto, después del 21 de febrero.
Creo inútil enviar a usted por el momento la corta cantidad
que se recogió en el concierto anterior y sin duda será
más conveniente esperar a reunir todo lo que se recoja en los
diversos conciertos y enviarlo junto a fines de febrero de 1930.
Para entonces creo que se podrá tener una cantidad segura,
decente y me parece que no sería comprometido que usted
anunciara que para esa fecha podrá hacerse entrega de la
contribución de México.”
La diferencia entre las dos cartas, es que mientras el autor de
las rapsodias mexicanas maneja cosas concretas, y alerta a
Chávez sobre la reputación de México, la OSM y la de ellos
mismos; el autor de “Energía” y “HP”, responde con pretextos,
proyectos futuros, y promesas sin ningún sustento efectivo. Sin
embargo, al enterarse Ponce de que Clema participará en el
concierto del 21 de febrero, rápidamente instrumenta la Suite
de Tres poemas para canto y piano de Mijail Lermontov, el
poeta romántico más grande de la Rusia zarista, y los envía a
su amada a principios del mes de enero de 1930.
Suite en estilo barroco.- Antes de continuar nuestro relato sobre
las sugerencias de Andrés a Ponce, respecto a la “Folía
de España”, volvamos nuestros pasos a la “Suite en La”, pues
se ha hecho toda una fábula a su alrededor desde que se
presentó como un hallazgo de Segovia, a la que Ponce hizo
la transcripción y después, cuando se dio a conocer en Nueva
York, el 8 de febrero de 1930, atribuida a Silvio Leopold
Weiss, quien fuera contemporáneo y amigo cercano de J.
S. Bach. Y no se le adjudicó directamente a Bach porque su
obra musical es demasiado conocida. En su época, Weiss
más que compositor era considerado vihuelista y virtuoso del
laúd. Se han encontrado pocos manuscritos de sus composiciones
pues parece que hasta entonces nunca fue editado y
por tal razón fue escogido para atribuirle la obra de Ponce y
poder burlarse así de los críticos arrogantes; quienes inmediatamente
comenzaron a ponderar en los periódicos “la belleza,
refinamiento y originalidad de las obras de Weiss así como
la semejanza con la música del genio de Eisenach”… —Esta
digresión es necesaria para comprender mejor las ocurrencias
de Segovia, que finalmente perjudicarán al compositor
339

mexicano—.
Al parecer todo caminaba sobre ruedas, la broma
había dado los resultados esperados sólo que ninguno de los
autores imaginó hasta donde llegarían las consecuencias derivadas
de la extraordinaria calidad de la obra guitarrística.
Así resulta que pronto surgieron ofertas para editarla o grabarla,
y de esta manera Segovia la grabó en Londres durante
el mes de octubre de 1930. Schott se disponía editarla pero
finalmente no lo hizo, entre otras cosas, porque el manuscrito
de Leopold Weiss no aparecía y Segovia se movía a base de
misterios, rodeos, contradicciones, etc., que los sagaces editores
no aceptaron, ya que al ser música de L. Weiss, también
era del dominio público y cualquier editor podía publicarla sin
pagar regalías; cosa que finalmente sucedió. Mientras tanto
el tiempo pasaba y el guitarrista interpretaba, siempre con
mayor éxito, la creación de Ponce; de ese modo Segovia tenía
su música, pero el nombre del autor real no aparecía en
los programas…
Otro de los motivos de Andrés para ocultar el nombre
de Ponce fue la grabación citada, en ella no aparecía el
nombre del compositor mexicano y de aclararse la situación
podían suscitarse graves problemas legales. Así pasaron docenas
de años en que la paternidad de Ponce fue ignorada.
Lo raro del caso es que el autor de la obra aparecía tranquilo
y su amistad con Segovia no sufrió menoscabo alguno. Seguramente,
y no hay otra explicación, porque el guitarrista
compensó económicamente al artista mexicano. No obstante,
los problemas generados alrededor de la citada Suite fueron
un verdadero dolor de cabeza para Ponce y Segovia. Al
respecto, el guitarrista mexicano Sergio Castillo, discípulo de
Segovia, nos informó que Gustavo López, quien también estudió
con Segovia junto con Jesús Silva, otro guitarrista mexicano,
le contaba que:
“Cuando la Suite en La, o Suite I, se ejecutó por primera
vez en Nueva York el éxito fue fenomenal. Los críticos
aceptaron al fin que la guitarra es un digno instrumento para
las salas de concierto. La broma de Ponce y Segovia no quedó
ahí, pues Andrés le pidió a nuestro compositor más obras
en el mismo estilo barroco para continuar su lucha por dignificar
la guitarra. Ponce ve con buenos ojos los planes de su
amigo porque, a fin de cuentas, dentro de poco tiempo se
va a decir la verdad; solamente que surgió algo que no esperaban
los amigos bromistas, y que no estaba en el programa:
Unos vivales en Ancona, Ita., sin autorización de na-
340

die, puesto que no la necesitaban dado el supuesto origen
de la obra, editan y publican la Suite en La, atribuida a S.
L. Weiss y empiezan a hacer el gran negocio. Lógicamente,
más tardó Segovia en enterarse que en ponerles pleito, y en
una segunda premier en Nueva York, Andrés Segovia da a
conocer al verdadero autor de la Suite en La: Manuel M. Ponce;
así como también el verdadero autor de la Suite en Re
Mayor —(también en estilo barroco, estrenada el 15 de febrero
de 1932, ahora atribuida a Arcángelo Corelli)—. Mientras,
el pleito con los piratas italianos siguió. Finalmente Ponce
demostró con los manuscritos originales que era el autor, y los
piratas no pudieron hacer lo mismo.
Y si los demandados pensaron que podrían llegar a un
arreglo, no tardaron en darse cuenta que Segovia tenía la
firme intención de acabar con la piratería de raíz, pues no se
detuvo hasta lograr la orden judicial de quemar las planchas
matrices que usaba la editora pirata. Para tal evento invitó
al compositor mexicano a trasladarse hasta Italia, con todos
los gastos pagados y allí, en el horno de la editora, que todas
las editoras tienen para destruir las obras que ya no se van a
editar, con sus propias manos y delante de todos Segovia las
metió al horno para destuirlas.
Al margen de ello, no podemos dejar de hacer referencia
a la anécdota curiosa que se conoció al averiguar
cómo pudo hacerse de la música la editora pirata, puesto
que no tenía los manuscritos originales de Ponce… Resulta
que la editora contaba con un maravilloso guitarrista de
nombre Manuel Oblóniz, que a su genio musical sumaba un
oído fuera de serie. Oblóniz copió la obra del disco de Segovia,
de puro oído: ¡ Nota por nota hasta en su menor detalle !
Lo cual hizo exclamar a Segovia ¡… Qué buen oído !
Finalmente, tales hechos apenaron mucho a Andrés
Segovia y Manuel M. Ponce, por lo que de común acuerdo,
resolvieron ocultarlos.”
—Más tarde hablamos con Carlos Vázquez sobre el mismo
asunto, quien comentó que cuando estuvo en España, en
1964, habló con Segovia y al preguntarle sobre las obras de
Ponce adjudicadas a otros compositores, el guitarrista contestó
que había decidido atribuir dichas creaciones a otros
compositores para no incluir en los programas sólo música
del compositor mexicano, ni repetir tantas veces su nombre
en los programas de mano pero que le daría todo el crédito
de tales composiciones al publicar sus memorias; cosa que
341

nunca sucedió debido a que la parca se lo llevó cuando preparaba
nuevos proyectos. No obstante, fueron varios de sus
discípulos quienes al ver tal injusticia comenzaron a señalar
en sus programas a Manuel M. Ponce como el verdadero autor
de dichas obras.
A más de aquello, Carlos Vázquez nos informó que
varios años después de muerto Ponce, Segovia vino a México
y visitó a Clema, que ya estaba en silla de ruedas, muda y paralítica
aunque entendía lo que oía y con trabajo podía firmar
con la mano izquierda, negando o afirmando vehementemente
lo que quería. El artista español le pidió que le mostrara
los manuscritos para guitarra que guardaba en el archivo
de Ponce, y Carlos le mostró todo lo que había. Andrés escogió
los que quiso para llevárselos, asegurando que después
se los mandaría junto con otros manuscritos que tenía del
compositor mexicano. Segovia se fue muy satisfecho… pero
nunca volvió ni regresó lo que se llevó y prometió devolver.
Mucho tiempo después, el guitarrista mexicano, compositor
y escritor, Miguel Alcázar, publicó en el año 2000 un volumen
con la “Obra completa para guitarra de Manuel M. Ponce”;
en él escribe, refiriéndose a ciertas declaraciones de Segovia
sobre la Suite en La, de Ponce:
“…Quien aseguraba que el manuscrito de Ponce había
desaparecido en Barcelona durante la guerra, y que él
(Segovia) no tenía ni la necesidad ni el tiempo ni el deseo de
sentarse a escribir esta obra”…
Andrés Segovia morirá en 1987 a los 94 años de edad;
en vida la gloria y la fama fueron sus compañeras inseparables,
claro está que por su dedicación y esfuerzo. Igualmente
amasó respetable fortuna, y consiguió lo que se propuso hasta
alcanzar la cima del arte musical. Ningún guitarrista contemporáneo
le hizo sombra y no obstante, desde la muerte
de Ponce algo llevó Segovia en su interior que seguramente
lo inquietó gran parte de su vida, puesto que finalmente se
traicionó a sí mismo en su relación con el compositor mexicano:
64 años atrás, cuando Andrés, joven idealista y espiritual,
de 29 años de edad, hizo su debut en París, le escribió al
maestro mexicano, que recientemente le había obsequiado
la primera Sonata para Guitarra escrita en el Siglo XX, demandándole
nuevas obras para el instrumento:
“…VUELVO A USTED PARA SOLICITARLE MÁS COSAS,
PORQUE TODAS SON NECESARIAS PARA MIS NUMEROSOS CON-
CIERTOS Y EN TODOS ELLOS QUIERO VER EL NOMBRE DE USTED”…
Tiempo, dinero, poder y otros factores suelen cambiar mucho
342

a las personas ¡ QUÉ LE VAMOS A HACER ! —decía nuestro
compositor—.
Aunque, en otro renglón, si bien es cierto que “Para el
concierto de la vida nadie consigue un programa”, también
lo es: ”Chercher la femme”… frase muy usada por autores
de novelas policiacas, pues ahí está la solución del misterio;
y en este caso de la vida real nunca mejor aplicada: El secreto,
férreamente mantenido durante más de medio siglo,
se clarificó de forma natural, cayó por su propio peso sin que
Segovia lo pudiera evitar, ni siquiera imaginar, con la aparición
de “The Segovia-Ponce Letters”, libro publicado el año
1989 por don Miguel Alcázar (mismas cartas, y otras más, que
nosotros vimos). En el volumen referido, de Editions Orphée,
se reproducen 129 misivas que el guitarrista andaluz mandó
a Manuel M. Ponce y que Clema, su fiel compañera, ordenó
y conservó amorosamente como un tesoro. Ahí aparecen,
de puño y letra, con todo lujo de detalles, las ocurrencias de
Segovia, aventuras y desventuras desde 1923 a 1948, año en
que muere el autor de la obra más copiosa y bella que se ha
escrito para la guitarra.
La Folía de España.- Después de esta aclaración, regresamos
a nuestro relato cronológico: A Ponce le agrada la sugerencia
sobre la Folía que le hace Andrés, y escucha la grabación
para luth español del arreglo para violín y cuerdas de la Folía
escrito por A. Corelli (contemporáneo de Bach), según el viejo
manuscrito de Berlín “tratado raquíticamente por F. Sor”—
según palabras de Andrés—. Así, Manuel toma el tema y aunque
no es muy vasto lo reescribe a su gusto, enriqueciéndolo
de contrapuntos y armonías. Después elabora las variaciones
de acuerdo a las indicaciones técnicas de Segovia, y se las
envía de tres en tres hasta completar veinte. Al final decide
añadirle un Preludio (“Postludio”, o “Preludio árabe”, lo llamó
Segovia en una carta), y una fuga espectacular, abrumando
a su amigo guitarrista al ver la rapidez con que toma forma su
proyecto inicial.
De entre las cartas que Segovia le envió a Ponce en
diciembre de 1929, tres describen la alegría y admiración sin
límites que el arte del compositor mexicano provocaba al
músico andaluz, de 35 años de edad:
A.- “Querido Manuel: Las tres variaciones que acaban
de llegarme son admirables. Me tienes emocionado….!
Las tres primeras están muy bien y sobre todo la segunda de
ese grupo, me gusta mucho. Pero estas tres últimas, son muy
343

superiores a sus compañeras. El mayor es delicioso, de una
musicalidad delicada y honda, y de una pasión suave que se
manifiesta en todas las notas que van encadenando y desencadenando
los acordes. La variación que la precede es
Chaconesca, es decir, tan bella como cualquiera de entre
las de la Chacona de Bach. Y la VI, (Presto) un poco rusa en
la bella sucesión de quintas, resulta verdaderamente espléndida,
como ritmo y movimiento. Eres un gran músico, querido
Manuel, y me produce una enorme alegría, el que tu gran talento
coincida en tu persona, con tu gran alma. Y siento, además,
una impaciencia porque todos te conozcan, te quieran
y admiren como yo, que a veces me saca fuera de tino.!”
B.- “… Estaba escribiéndote lo que antecede, cuando
el cartero me ha traído tu carta. Estoy muy contento con
las variaciones que me mandas, y más aún con el proyecto
del preludio, variaciones y fuga sobre las Folías. Si no te agrada
el tema, transfórmalo a tu gusto, siempre lo harás mejor.
Pero sigue trabajando en él y haz todas las fórmulas que me
marcas, que después eliminaremos, de común acuerdo, las
que no vayan bien. Aprovecha la ocasión de hacer algo español:
cada vez que toco los dos o tres preludios que escribiste
(de los “24 preludios”) de “Aire” español, me da rabia que
no quieras hacerme una obra larga en ese estilo, para darle
en la cabeza a Turina, Torroba y hasta el mismo Falla de hoy.
No puedes imaginarte lo que me alegraría tocar en Madrid
y en Barcelona algo tuyo en ese sentido, además de todas
las demás cosas (Más tarde Ponce le dará gusto y escribirá
“Sonatina Meridional”).
Haz la transcripción para piano de la Sonata (“Sonata
Romántica”), pero aclara que ha sido originalmente escrita
para guitarra. Házla con toda la brillantez pianística que requiere
la técnica de hoy. Ya pensaremos también en editarla.
Me alegra mucho que trabajes agusto, y siento no estar
en París para obligarte a salir a pasear un poco y a tomar
alimentos con más regularidad de lo que debes hacerlo.
Bueno, adiós. Un gran abrazote de tu siempre Andrés.
Esto de los alimentos, se refiere a que Andrés cree que
me paso los días sin comer. Pero no es así. Gracias a Dios estoy
muy bien de salud. Tato.” —En ocasiones Ponce añadía
un comentario a las cartas de Segovia… Clema las guardaba
religiosamenre—.
344

C.- “Mi querido Manuel: Estoy encantado con la fuga.
Toda la obra es lo mejor que la guitarra tiene, a mucha distancia
de las otras cosas, y después de esta obra, lo más valioso
es tu Sonata a Schubert y la Suite en La. Imposible decirte
por escrito que entusiasmado estoy ! Trabajo dia y noche.
La fuga va íntegramente a la guitarra. No hay que modificar
nada, ni cambiar una nota. Ya la oirás toda, el dia dos (enero
de 1930), y también las variaciones.”
De ese modo surge una obra fundamental del repertorio
guitarrístico. “Piedra de toque” de los guitarristas del
mundo entero”. “El viejo testamento de la biblia de los guitarristas”
—lo llamaron en Europa—; pues a su belleza intrínseca
añade todo el conocimiento técnico-musical del instrumento.
Se escuchó por primera vez en el “Grand Théatre de
Ginebra”, Suiza, el 2 de mayo de 1930; en el mismo programa
donde Segovia interpretaba, en 1ª audición europea, la
“Suite en La”, de un tal S. L. Weiss… Logrando carretadas de
aplausos.
Ese mismo día de mayo, pero en México, Clema M.
de Ponce, interpretaba “Tres Romanzas para canto y orquesta”
(los “3 Poemas de Lermontov”), de M. M. Ponce, acompañada
por la OSM, dirigida por Carlos Chávez, en el 2° programa
extraordinario “Pro-Monumento Debussy”, en el Teatro
Hidalgo de la Ciudad de los Palacios (evento que Chávez
prometiera, como fecha definitiva, el 21 de febrero pasado).
“El Universal” señalaba:
“El maestro Manuel M. Ponce, siguiendo las orientaciones
nuevas que ha tomado en sus composiciones, escribió
tres romanzas para solista y orquesta, que fueron escuchadas
el viernes por primera vez, interpretadas más que con comprensión,
con verdadero cariño por la señora Clema Maurel
de Ponce, esposa del maestro, quien posee una bellísima voz
y una notable erudición en materia musical, que le permitieron
triunfar en la interpretación de las romanzas del maestro
Ponce, que pertenecen a un género inabordable para todo
cantante que no sea a la vez un verdadero músico. ¿No resulta
este medio de expresión más natural, más humano, que
aquel otro plagado de calderones y florituras que, está pasando
a la historia? Ojalá podamos escuchar próximamente
las tres Romanzas de Ponce, para formarnos un juicio más
atinado de ellas, y sobre todo, tener ocasión de paladear
345

otravez la inspiración de nuestro gran músico, vertida en el
ropaje sutil de la moderna música francesa”… José Barros Sierra.
“Pequeñas miserias”.- Antes, durante el mes de marzo de
1930, Ponce, buscando la perfección de sus obras, semejante
a su mentor Paul Dukas, reescribe y da forma final a
“Dance des anciens mexicains”, iniciada en 1926. Asimismo,
desde diciembre de 1929 la gaceta de la Ecole Normale de
Musique publicaba datos y fechas de los conciertos mensuales
de los alumnos, en la Salle de Concerts de la institución.
Para el 9 de marzo anunciaba a: “M. Pierre Marie, ejecutando
obras de MM. Ponce, Rolón, Rodrigo y Pipkoff, alumnos de
composición de M. Paul Dukas”. Pero el día señalado todo
cambió: Los señores Pierre Marie y José Rolón no aparecieron,
en tanto en los programas anunciaban 3 compositores
más y 7 intérpretes diferentes… Aparentemente alguien alteró
el programa inicial, perjudicando a los compositores mexicanos.
Ponce lo comentó en su carta del 16 de mayo a Clema,
quien continuaba en México:
“Como verás en el programa que te incluyo, se suprimió
mi Suite para violín, viola y cello. Hubo una mano que
trabajó ocultamente para lograrlo, pues la disculpa de Mangeot
de que “no había lugar porque el programa estaba surchargé”
(Recargado), es una tonta disculpa, si se tiene en
cuenta que otro colega figura al final del mismo programa,
con siete trozos, de los cuales dos muy largos. Pequeñas miserias
que no impidieron el éxito fulgurante de los trozos que
tocó Mme. Jeanne Leleu (Ponce se refiere a su Suite bitonal,
para piano). Debe haber hecho “mucho calor” para algunos
colegas míos. Discúlpame estos dos párrafos dedicados a cosas
no muy agradables. Contra mi costumbre, hoy te doy la
lata con estos chismes. Prometo la enmienda.
Andrés llega el próximo día 20 y estoy preparándole
algunos trozos que necesita. Quiere que el verano lo pasemos
en España, para que yo estudie los cantos populares.
Todo depende de lo que resolvamos tú y yo. Cuídese mucho
mi charrasquita linda y salude a los padrinos y demás familia,
con todo cariño.
Mil besitos y el corazón de tu Tato.”
Entre los trozos que Ponce preparaba para guitarra
estaba: “Estudio”; obra en trémolo (repetición rápida del sonido)
y de gran dificultad técnica, terminada precisamente
el 19 de mayo.
346

Además, durante el mes de abril, un Ponce cada vez
más inspirado termina “Preludios” (tres trozos para cello y piano
que dedica a su amigo, el cellista francés André Huvelín):
I.- Sostenuto, quasi lento; este movimiento va precedi
do de una frase poética de Paul Valery: “El cielo demasiado
bello a veces me oprime el corazón”.
II.- Lento y grave.
III.- Vivo; a este último movimiento lo llaman “Le mouche”,
pues el sonido del cello imita admirablemente el vuelo
de una mosca, y hay quienes lo comparan al “Vuelo del abejorro”
de Rimsky Korsakov.
Dichos Preludios quedaron tan bien logrados, que rápidamente
fueron publicados, aun sin estrenar, por la “Editora
Maurice Senart”, que los dio a conocer internacionalmente
captando la aprobación de los mejores cellistas, puesto
que constituyen otra joya de la música de cámara de todos
los tiempos.
Volviendo a América, el viernes 16 de mayo de 1930
la Orquesta Sinfónica de México, bajo la dirección de Carlos
Chávez, ofrece otro concierto extraordinario en el Teatro Hidalgo,
pero ahora para un concurso convocado por “El Universal”,
y ejecuta dos bellas obras para orquesta de Manuel
M. Ponce: “Si algún ser” y “Serenata Mexicana”.
Mientras tanto en los EUA, y en todo el mundo, la soprano
franco-americana Lily Pons triunfaba clamorosamente
con su versión de “Estrellita”, vendiendo millones de discos
que enriquecían a empresarios piratas de la nación fantasma,
como le llamaba nuestro compositor. Ponce le comentaba
a Clema:
“París 22 de junio de 1930…. Sigo trabajando mi Sinfonía
con todo entusiasmo. Por razones misteriosas, durante la
creación orquestal, vino inopinadamente una “fuga” e imperiosamente
se me impuso. La estoy terminando de escribir. El
tema es verdaderamente original y de un carácter tranquilo
y melancólico… como el mío. Es “mi fuga”. En otra “escapada”
de la “Sinfonía”, te escribiré los poemitas chinos, aunque
me ha desanimado el haberlos visto anunciados bajo el nombre
de “La Flute de Jade”, por Margarita Berclard S’Darcourt.
Sin embargo es posible que no sean los mismos.”
—Hasta ahora es un misterio la “Sinfonía” que Ponce
menciona en su carta a Clema—.
347

Ponce continúa : “En el concierto de Nina Kochitz ví a Bessel
y a su esposa. Me dijo la señora que ya es comerciante y
acaba de abrir una tienda de fonógrafos y discos en el 109
Rue du Bac. ¡ Qué templada ¡ A pesar de las nenas, le hace
la lucha. Bessel me dio malas noticias de la Estrellita. Dice que
los americanos se han conseguido un ejemplar de la Edición
Wagner (¿lo habrán impreso ellos mismos?) en el cual falta
la nota “copy-right” Fred. Hoffmeister, etc. Ahora bien, parece
que la ley americana anula el copyright cuando algún
ejemplar aparece sin esa nota. ¡ Hasta dónde irán a buscar
las chicanas esos bandoleros ! También me comunicó Bessel
que piensa ir este invierno a New York y que, como es natural,
se ocupará de nuestro asunto. Recibí la factura de Zimmermann,
que enviamos enseguida a Londres. Mil gracias a ti y a
Alberto de la Peña Gil.
Pablo, José y Hortensia salieron en el “Mexique” para
Veracruz. Creo que pronto los verás. Yo he seguido muy mejorado,
gracias a Dios y a Notre Dame. Pocos dolores y cero
vómitos.
No se te pase avisarme por cual vapor vienes para
que no vaya yo al puerto a buscarte, en vano. Sigo asistiendo
como “auditeur” a la clase de Polito, quien se muestra siempre
gentil conmigo.
Muchos y cariñosos recuerdos a los padrinos (ya les
escribo) y a todo el resto de la familia. Para la charrasquita de
mi vida mil besos y todo el corazón de su Tato”.
Pro-Monumento a Debussy.- Pocos días más tarde, el 19 de
julio de 1930, nuestro compositor recibió una carta del “Comité
du Monument a Claude Debussy”, donde el Delegado
General, Gabriel Astruc, le informaba que “M. Arturo Pani,
Cónsul General de Mexique a París” le ha hecho saber que
se han reunido 9,767.25 Frs., de la Orquesta Sinfónica de México,
producto de los conciertos organizados Pro-Monumento
Debussy. Por lo mismo, le agradece ampliamente a Ponce su
total apoyo para lograr los propósitos, añadiendo: “Será un
gran honor hablar con usted en la primera ocasión al formarse
el “Comité Mexicain du Monument Debussy” ahí, en París.
Cinco días después, en México, Chávez Ramírez apenas
iniciaba carta a Manuel M. Ponce, para comunicarle los
resultados de los conciertos organizados para el Monumento
a Debussy:
“Muy querido maestro:… Gracias a las gestiones que
se hicieron, principalmente por conducto del señor Ministro
348

de Francia, pudo obtenerse un rendimiento líquido de $804.82
M.N. a favor del Monumento. Dicha cantidad fue entregada
a la Secretaría de Relaciones Exteriores quien se encargará
de hacerla llegar a su destino, por conducto de nuestro Cónsul
en París. Dada la participación que usted ha tenido en
todo esto, le agradeceré muchísimo se ponga de acuerdo
con el señor Cónsul de México, para que la cantidad de referencia
sea entregada precisamente a la persona conveniente
de parte de la Orquesta Sinfónica de México. Anticipando
a usted las gracias, soy como siempre su afectísimo amigo y
discípulo que lo quiere. Carlos Chávez”...
La realidad manifiesta indicaba que Ponce permanecía
en todo momento a la vanguardia musical de México.
¡ PERO AUN HAY MÁS!
349

350

351

Programa Segovia con 2 obras de Ponce,
aunque en una esconde el nombre
del compositor Mexicano.
352

Andrés Segovia
353

Programa Promonumento Debussy,V-1930
354

Carlos Vázquez, Charlotte Mártin, Andrés Segovia y
Alfredo Gómez de la Vega
355

356

PIES DE PÁGINA VOL. 2
1. Rubén M. Campos. “El folklore y la música mexicana”.
Publicaciones SEP, pp.188-189. México, 1928.
2. “Viejo barbas de chivo”: Expresión que parte de la población
usaba para nombrar a V. Carranza, durante la Revolución.
3. “Sic transit gloria mundi”: Expresión latina que recuerda la
fragilidad de todo el poderío humano.
4. “La Nación”, PAN. Año XLIX. N°.1820, pp.23. México 1991.
5. Manuscrito sin título encontrado en la biblioteca de Manuel
M. Ponce, entre las obras escritas en La Habana, Cuba. Carlos
Vázquez lo tituló así por su ritmo sincopado, característico
de la música vernácula cubana.
6. Ponce llega a Venecia, Ita. en diciembre de 1904; era de
madrugada, la ciudad cubierta de niebla; el compositor solo
en medio del frío invierno; la inspiración surge y escribe: “En
una desolación”.
7. Ricardo Miranda. José Rolón “El sonido de lo propio”, Vol. I,
pp.167. CENIDIM. México, 1993.
8. Revista “Pauta”, N°. 23, pp. 75. CENIDIM. México, julio 1987.
9. R. García Morillo. “Carlos Chávez”, pp.12. FCE. México,
1960.
10. Mario Talavera. “Miguel Lerdo de Tejada, su vida pintoresca
y anecdótica”. Editorial Compás. México, 1958.
11. Primera carta (sin fecha), que Andrés Segovia envió a Manuel
M. Ponce, desde París, en el verano de 1923.
12. La Orquesta Sinfónica Nacional, dirigida por Julián Carrillo,
iba a ejecutarla en la SEP, el 16/dic/1923; a última hora se
eliminó.
357

CONTINUACIÓN DEL CATÁLOGO DE OBRAS DE MANUEL M. PONCE:
DE 1917 HASTA 1930.
PIANO.
EDITOR TÍTULO OBSERVACIONES
MS EN TIEMPOS DEL CHOTÍS. 1917
4-MS MINUETTO, EN MI MAYOR. 24/I/1918
20-MS SCHERZINO MAYA. V/1919
MS SONATA MEXICANA,
dedicada a A.Rubinstein.
1919(2 pág.)
5 BOCETOS NOCTURNOS: 1920
I.- DUERME.
II.- VALS MELANCÓLICO.
III.- VISIÓN SIDERAL.
4 GAVOTE ET MUSETTE. 21/I/1920
15-17 SONATA II. 1920
20-1 EVOCACIONES: ALHAMBRA. 2/VI/1921
21-22 GLOSARIO ÍNTIMO: XI, ALMA TRISTE. 1921
17-MS ESTRELLITA, METAMORFOSIS DE CONCIERTO. 1921
23 SERENATA ARCAICA. 1/I/1922
20-1 EVOCACIONES: VENECIA. 21/II/1923
VERSALLES.
23/II/1923
BROADWAY.
23/II/1923
MS HABANA.
1-MS BAILABLE ORIENTAL.
XI/1924
4 CANCIONES MEXICANAS PARA NIÑOS: 1924
I.- LA PRIMAVERA. II.- LA LUNA.
III.- LA AURORA. IV.- LA LLUVIA.
17 PARA LOS PEQUEÑOS PIANISTAS MEXICANOS: 1925
I.- CANCIÓN DE LOS TAMALES.
II.- DANZA YAQUI.
III.- LOS XTOLES.
IV.- DANZA DE LA LLUVIA.
V.- CANCIÓN DE LA LLUVIA.
VI.- DANZA DE LOS TECUANES.
MS SEXTA MAZURCA DE SALÓN. 1900
MS
MS
autores —
TROZO ANTIGUO.
Sin Tit. p/piano
—Las tres últimas obras encontradas recientemente por los
PARÍS.
MS KIMBOMBÓ. (Música para ballet). 1927
11 INTERMEZZO II. 1927
MS LENT. 1928
MS PRELUDIO MALINCÓNICO. 25/XI/1928
11 QUATRE PIECES POUR PIANO (SUITE BITONAL). V/1929
358

MS DEUX ETUDES POUR PIANO. 12/X/1930
MS MARCHA NUPCIAL. 1930
CANTO Y PIANO.
4 LA PRIMAVERA, VERSOS DE JOSÉ D. FRÍAS. 13/IX/1918
MS CANCIÓN DEL MARTIRIO,LETRA DE
A.VILLAESPESA. V/1919
11-MS LA MORT, VERSOS DE R. TAGORE. 21/VI/1920
MS CANCIONES POPULARES: 1920
La puerquita pinta.
En las barrancas te espero.
Las estrellas en el cielo. Rosiblanca.
Allí en las cumbres.
Ay, ay, ay, ay, las olas.
Tanto como te amé.
Todo fue ilusión.
Tristes recuerdos.
El corazón.
Lejos de ti (III).
Qué haré lejos de ti.
Marchito el corazón.
Ya no llores.
Perdona oh joven.
Pasó por fin.
Yo amé a una joven.
El errante.
La paloma.
El hijo pródigo.
El presidiario.
Hasta que se llegó el día.
Y una paloma al volar.
Olvida.
Oye el adiós.
Justicias.
Justicias II.
Oh madre mía (sigue Justicias).
Año de 1862(fin de Justicias). Te vas ángel mío.
Mujer que para mi muere. A nuestro Dios Sacrosanto.
Vengo a saber si me amas. Desde el cielo do espléndida
estás tú.
Tres flores.
Yo me propuse.
India mía.
Soy del rancho.
Antes te amaba.
Ángel de amor.
Yo ya me voy.
Mi ranchito.
MS AN SOIR. 1921
MS SI TU POUVAIS VENIR. 21/II/1923
MS 23 CANCIONES MEXICANAS: 9/XII/1923
Cúbreme ¡oh Luna!
Dos seres hay.
Te amo.
Perdida ya toda esperanza.
Oh, qué bonito…
Quisiera morir.
Qué chulos ojos.
Nunca yo traicioné.
Por esa calle.
Que pronto se te olvidó.
Nunca, nunca.
Palomita.
Cierra esos ojos.
Si eres recuerdo.
Lejos de ti (IV).
Amigo, amigo.
Estrella del norte.
¿Para qué quiero la vida?
Son las horas.
Pobre del hombre pobre.
Hace 8 meses.
Ojitos aceitunados.
La ola (Letra de Josefa Murillo).
17 LA PEÑA. 1923
17 JOVEN DIVINA. 1923
359

17 CHINA DEL ALMA. 1923
MS ONCE CANCIONES: 1924
1.- A ti va.
2.- Vals Pasioneé (letra español y francés de “Noe Mac Ulpmen”)
3.- Ándale y ándale.
4.- El viejo.
5.- Ha mucho tiempo, vals.
6.- Mi último adiós.
7.- Blanca virgen.
8.- En noches lóbregas.
9.- Arrullo.
10.- No te apartes de mi.
11.- Un día más.
—Las No.3,6,7,8,10 y 11, las titulamos con las primeras palabras que
lleva la letra de la canción—.
PARÍS.
11-MS ONE MORNING, VERSOS R. TAGORE. 1/VII/1925
11-MS THE WORLD, VERSOS R. TAGORE. 1925
MS LA PAJARERA, ARMONIZACIÓN IMPRESIONISTA. 5/XII/1925
MS PERDÍ UN AMOR. “ “ 7/XII/1925
MS VALENTINA. “ “ 11/XII/1925
MS LA PAJARERA, con remembranza de la Valentina. 12/V/1926
16 TRES POEMAS DE LERMONTOV:
I.- LES ETOILES.
15/VI/1926
II.-L’ANGE.
1/VII/1926
III.- LA BOHEMIENNE.
6/XI/1926
VIOLÍN Y PIANO.
MS LEJOS DE TI. 22/V/1922
MS PERDÍ UN AMOR. 22/V/1922
PARÍS.
MS SONATINA (SONATA BREVE). 2/XII/1930
CHELO Y PIANO.
MS AN SOIR. VI/1922
MS SONATA PARA CHELO Y PIANO. 27/X/1922
PARÍS.
VALENTINA.
20/I/1927
MS ESTRELLITA. 20/I/1927
MS GRANADA. 1927
MS PRELUDES, Tres Preludios Poéticos. IV/1930
360

TRÍO DE CUERDAS. PARÍS.
17 SUITE EN ESTILO ANTIGUO. V/1929
CUARTETO CON PIANO.
MS EL CANTO DE LAS HADAS, cuerdas con piano. 1917
MS EN TIEMPOS DEL CHOTÍS, 1917
2 violines, chelo, contrabajo y piano.
PARÍS.
MS ESTRELLITA, PARA CUARTETO DE LAÚDES. 1926
11 QUATRE MINIATURES POUR QUATOUR A CORDES. 1927
ORQUESTA.
MS INTERLUDIO ELEGIACO. V/1919
MS GAVOTA. VI/1921
MS ESTAMPAS NOCTURNAS. X-1923
7-17 CHAPULTEPEC, TRÍPTICO SINFÓNICO. VI/1922
MS SI ALGÚN SER. 1924
PARÍS.
MS DANCE DES ANCIENS MEXICAINS. 1930
ÓPERA.
MS “MERLÍN”, (se estrenó en 2003). 1929
Albeniz-Ponce
ORQUESTA Y PIANO.
MS BALADA MEXICANA. 25/VIII/1918
ORQUESTA Y CANTO.
MS ÚLTIMO ENSUEÑO, versos Luis G. Urbina. 25/v/1918
MS HIMNO DE LA RAZA, versos Rubén M. Campos. 12/X/1918
MS a) PASAS POR EL ABISMO DE MIS TRISTEZAS. V/1919
b) COMUNIÓN, versos A.Nervo.
MS LA MORT. Versos R. Tagore. 10/VI/1921
MS ALELUYA, versos Luis G. Urbina 10/VI/1921
MS ESTRELLITA, con soprano y contralto. 1924
MS ESTRELLITA, flauta, piano y soprano coloratura. 1924
MS SERENATA MEXICANA, con soprano y contralto. 1924
MS TRES POEMAS, DE M. LERMONTOV. I/1930, París
361

CORO Y ACOMPAÑAMIENTO.
“ORATORIO”.
23/XI/1923
MS AY! QUÉ DOLOR. 1924
MS SERENATA MEXICANA, 1924
a capella y dos coros de voces iguales.
ÓRGANO.
MS VILLANCICO, A la Reina del Cielo. 1924
PARÍS.
MS MELODÍA. 1928
MS CORAL, sobre un tema de J. S. Bach. 1928
MS CINCO ESTUDIOS PARA ÓRGANO. 1928
MS TRES OBRAS SOBRE CORALES DE J. S. BACH. 1928
MS PRELUDIO MALINCÓNICO. 1928
OBRAS PARA GUITARRA.
MS “PÁGINA DE MÉXICO” V/1923
17 SONATA (MEXICANA). 11/V/1923
MS LA VALENTINA. 11/V/1923
PARÍS.
24-MS POR TI MI CORAZÓN. X/1925
24 ESTRELLITA. X/1925
MS CUIDEN SU VIDA. X/1925
MS PAJARERA. X/1925
MS PRELUDE, EN SI MENOR. 23/XII/1925
MS THEME VARIE ET FINALE. 8/VI/1926
SONATA II EN LA MENOR. 1926
17-MS SONATA, GUITARRA Y CLAVECÍN. 1926
12-MS SONATA III. V/1927
12-MS SONATA CLÁSICA (IV). XII/1927
12-MS SONATA ROMÁNTICA (V). 31/VIII/1928
25-MS 24 PRELUDIOS. 1928
26 SUITE EN LA. V/1929
12 PRELUDIO, 20 VARIACIONES Y FUGA. II/1930
Sobre la folía española.
12-MS ETUDE, EN TRÉMOLO. 19/V/1930
MS SONATA PAGANINI. 31/VIII/1930
MS COURANTE. 12/XII/1930
362

EDICIONES
MS) Manuscrito.
1) Enrique Munguía México.
2) Otto y Arzóz. México.
3) Wagner y Levien México.
4) De la Peña Gil, Hnos México.
5) Casa Alemana de Música México.
6) Ediciones Mexicanas de Música México.
7) Ediciones Clema M. de Ponce México.
8) Buongiovanni Bologna, Italia.
9) J. Giralt e Hijo La Habana, Cuba.
10) Anselmo López La Habana, Cuba.
11) Maurice Senart París, Francia.
12) Schott Mainz, Alemania.
13) Schirmer New York, U.S.A.
14) Cooperativa Interamericana de
Compositores
Montevideo, Uruguay.
15) Southern Music Publishing Col., Inc. New York, U.S.A.
16) Universidad Nacional de Cuyo Mendoza, Argentina.
17) Peer International Corporation New York, U.S.A.
18) Editorial de México México.
19) Breitkopf y Hartel Leipzig, Alemania.
20) Escuela Nacional de Música. UNAM,México.
21) Boletín del SCM. 1943, México.
22) Suplemento “Arte y Labor” 1922, México.
23) Revista de Revistas 1922, México.
24) Ediciones Musicales YOLOTL México.
25) Tecla Editions 1981, London.
26) Ed. Musicales Transatlantiques París.
BIBLIOGRAFÍA, REVISTAS, Y HEMEROGRAFÍA.
Esta relación de Libros, Revistas y Periódicos consultados, se
suma a la del Volumen 1, pues ambas se complementan
para la realización del presente Volumen 2.
Silvestre Revueltas por él mismo. Recopilación: Rosario Revueltas.
Ediciones Era. México 1989.
El arte musical en México, Alba Herrera y Ogazón. Departamento
Editorial de La Dirección General de las Bellas Artes, 1917.
Reimpresión 1992, INBA,CONACULTA. CENIDIM.
Felipe Villanueva (1862-1893), Consuelo Carredano. CNCA. INBA.
CENIDIM. México 1992.
Enrique González Martínez, Homenaje Nacional. INBA.CONACULTA.
Méx.1995
The Segovia-Ponce Letters. Miguel Alcázar. Editions Orphée, Inc.,
1989.
363

Obra completa para guitarra de Manuel M. Ponce. De acuerdo a los
Manuscritos originales. Miguel Alcázar. CONACULTA-Edicio
nes Étoile. México, 2000.
Manuel M. Ponce y la Guitarra, Corazón Otero. Ed. FONAPAS.
México 1981.
Manuel M. Ponce, David López Alonso. Ediciones Botas. México 1971.
Ponce y sus discípulos Carlos Vázquez Sánchez-Luis Sánchez de
Fuentes Sell. Patronato Feria Fresnillo 450. Ayuntamiento de Zacate
cas 2001-2004.
Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México 1982. Manuel M. Ponce
1882-1948. Centenario. Ediciones FONAPAS. México 1982.
Heterofonía, Tercera Época. Vol. XXXI. N°.118-119. México 1998.
Homenaje Nacional a Carlos Chávez. INBA/SEP. México 1978.
Carlos Chávez, Vida y obra. Roberto García Morillo. Ediciones FCE.
Méx.1960.
Epistolario Selecto de Carlos Chávez. Selección, Introducción y No
tas, Gloria Carmona. Ediciones FCE. México 1989.
21 Años de la Orquesta Sinfónica de México 1928-1948. Compila
ción de Datos, Francisco Agea. México, 1948.
Orquesta Sinfónica de México. Folleto temporada 1929-1930.
Teatro Arbeu. Comité Directivo y Patrocinadores: Lic.
Ezequiel Padilla, Secretario de Educación Pública; Dr. J. M.
Puig Casauranc, Jefe del Departamento
Central del Distrito Federal; Jorge Enciso, Jefe del Departa
mento deBellas Artes. Carlos Chávez, Director Artístico.
Ponce, Genio de México, 3a.Ed.(Vol.I). Emilio Díaz Cervantes-Dolly
R. de Díaz. Editorial UJED.Universidad Juárez del Estado de
Durango.México, 2008.
Pauta, Cuadernos de Teoría y Crítica Musical Nos. 2, 20, 21, 22, 23,
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1994.
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y Rubén M. Campos. Ediciones México Moderno. Reproduc
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El Demócrata, 14 febrero, 1918.
El Universal, 31 marzo, 1918.
El Universal, 29 abril, 1918.
La Semana Musical, 28 abril, 1918.
Excélsior, 29 abril, 1918.
El Demócrata, 23 mayo, 1918.
El Universal, 16 junio, 1918.
El Pueblo, 12 junio, 1918.
El Universal, 8 julio, 1918.
El Universal, 11 agosto, 1918.
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El Demócrata, 10 agosto, 1918.
El Demócrata, 11 agosto, 1918.
El Demócrata, 23 agosto, 1918.
El Universal, 20 agosto, 1918.
El Universal, 25 agosto, 1918.
El Universal, 26 agosto, 1918.
Excélsior, 13 agosto, 1918.
El Demócrata, 25 agosto, 1918.
República, 16 agosto, 1918.
El Pueblo, 7 agosto, 1918.
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El Pueblo, 5 septiembre, 1918.
El Demócrata, 10 septiembre, 1918.
El Universal, 10 septiembre, 1918.
Excélsior, 10 septiembre, 1918.
Excélsior, 16 septiembre, 1918.
El Universal, 16 septiembre, 1918.
Revista para todos, enero 1919.
El Universal, 15 enero, 1919.
El Universal, 16 marzo, 1919.
El Heraldo Ilustrado, 11 mayo, 1919.
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Excélsior, 27 junio, 1920.
La Crónica (Puebla), 8 julio,1920.
Excélsior, 20 septiembre, 1920.
El Universal, 22 septiembre, 1920.
El Universal, 12 junio, 1921.
Informador, Guad., 30 julio, 1921
Restauración, Guad., 30 julio, 1921.
Revista Aurora, Guad.,31 julio, 1921
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Excélsior, 1 agosto, 1921.
Excélsior, 29 agosto, 1921
Revista Nacional, septiembre, 1921.
Revista de Revistas, 25 sept.1921
Heraldo de Méx., 13 febrero, 1922.
El Universal, 24 febrero, 1922.
El Universal, 30 marzo, 1922.
Excélsior, 22 abril, 1922.
Excélsior, 28 abril, 1922.
Musical América, 20 jul., 1922.
Musical Courier, 27 julio, 1922.
Music News (Chicago),21 jul.,1922
Musical Leader,(Chicago), 20 jul.,1922.
Renacimiento,Ags.,23 sept.1922.
Renacimiento, Ags., 24 sept., 1922.
Revista de Revistas, 24 sept., 1922.
El Universal Ilustrado, 14 dic., 1922.
El Tecolote, Ags., 24 sept., 1922.
El Universal Gráfico, 28 febrero, 1923.
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El Universal, 6 mayo, 1923.
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El Universal, 22 junio, 1923.
El Universal, 16 septiembre, 1923.
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El Universal Gráfico, 10 nov., 1923.
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El Universal, 5 diciembre, 1923.
El Universal, 17 diciembre, 1923.
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El Universal, 2 junio, 1924.
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Le Fígaro, París, 3 mayo, 1926.
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El Universal, 12 diciembre, 1927.
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El Universal, 4 marzo, 1928.
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El Universal, 16 junio, 1929.
El Dictamen, Ver., 8 junio, 1929.
Acción, Ags., 4 julio, 1929.
El Universal, 12 julio, 1929.
Jueves de Excélsior, 20 junio,1929.
Excélsior, 24 junio, 1929.
El Universal, 29 julio, 1929.
El Universal, 30 julio, 1929.
El Universal, 31 julio, 1929.
Arte, Revista Nacional, agosto, 1929.
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El Universal, 20 agosto, 1929.
El Universal, 25 agosto, 1929.
La Vanguardia,Barcelona,5 oct.,1929.
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El Universal, 30 octubre, 1929.
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El Universal, 2 mayo, 1930.
El Universal, 5 mayo, 1930.
Excélsior, 6 mayo, 1930.
Música, Barcelona,N°.14,oct.1930.
367

Se terminó de imprimir y encuadernar en Junio de 2013,
en el 450 Aniversario de la Fundación de la ciudad de Durango.
Ponce, Genio de México. Vida y Época (1882-1948)
Volumen 2 , libro escrito por Emilio Díaz Cervantes y Dolly R. de
Díaz, fue impreso en Artes Gráficas “La Impresora” Enrique
Carrola Antuna 610; Col. Ciénega; Durango, Dgo. Teléfono
618 813 33 33. Se tiraron mil ejemplares.
368