Thesis - Motion Capture - Magazine

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6.3 REALAZIONE TRA SPAZIO DIGITALE E ATTORE La bellezza dello spazio teatrale è proprio quello di non avere limitazioni su cosa e come rappresentare. La relazione vivente che si instaura fra lo spazio digitale e l’attore ha un aspetto particolare, è molto diversa rispetto quella che si può realizzare in una installazione fruita direttamente dallo spettatore. Con l’installazione bisogna per forza limitare e rendere abbastanza intuitive le modalità interattive in modo che l’utente sia veramente in grado di relazionarsi con lo spazio e quindi in grado di fare una esperienza costruttiva. In teatro invece lavorando con gli attori, si possono costruire sistemi relazionali molto 88 più complessi, a volte se si vuole anche più difficili da gestire, dove però si possono veramente sperimentare forme interattive molto evolute. Quando lo spettacolo va in scena l’attore conosce alla perfezione lo spazio che lo circonda, è effettivamente “come un abito di scena che gli è stato cucito addosso” (Roberto Latini), in cui si deve sentire a suo agio e di cui deve avere la piena padronanza. E’ quindi qualcosa di più di una scenografia tradizionale e non può essere costruita all’ultimo momento. Per fare questo è necessario che l’ambiente digitale all’interno del quale dovrà muoversi l’attore, venga progettato in un processo organico fin dalle prime fasi progettuali dello spettacolo stesso; sono in molti a sostenere che già la scrittura del testo, quando si può lavorare su testi originali, ne dovrebbe tenere in considerazione. Bisogna che l’attenzione sia sempre concentrata sulle necessità espressive dell’attore in modo da far diventare l’ambiente virtuale una sorta di estensione del suo corpo e della sua gestualità. Prima quindi si progetta l’aspetto interattivo che l’attore deve avere con la scena, dopodiché si scelgono le tecnologie adatte e si inizia la fase di sperimentazione con l’attore.
6.4 MOCAP PER UN TEATRO SPERIMENTALE La presenza nelle sale cinematografiche di produzioni in animazione digitale (dal cartoon 3D ai film pieni di effetti visuali) sempre più numerose dimostra quanto questa tecnologia non abbia limiti espressivi. Nel cinema il motion capture naturalmente viene utilizzato per animare creature fantastiche, personaggi digitali in un rapporto diretto attore/rappresentazione che mostra solo la rappresentazione nascondendo la fase di costruzione. In teatro però l’attore è in scena, visibile sul palco, perno centrale della narrazione e il suo rapporto con la rappresentazione digitale cambia completamente statuto. Naturalmente non è questa una tecnologia che possa essere usata indifferentemente per qualsiasi spettacolo di prosa ma al contrario non è nemmeno vero che sia utilizzabile solo per certe forme di teatro sperimentale. Risulta fondamentale un lavoro sinergico sia con il testo che con l’attore, è necessario che il testo sia adatto ma anche che l’attore sia in grado di mettersi in gioco studiando e lavorando su nuove tecniche espressive che partono dal suo corpo e si amplificano nello spazio rappresentativo che lo circonda. Il rischio se non si ha una approfondita conoscenza della tecnologia è quello di fare un teatrino delle marionette, che può risultare non così interessante. Se si usano queste tecnologie per svolgere i compiti per cui sono state progettate, ed è quindi facile usarle, ci si limita a costruire ed animare dei personaggi digitali. La macchina scenica digitale diventa importante non tanto per l’oggetto che è o che rappresenta ma come infrastruttura dinamica strettamente legata alla narrazione. «La ricerca e la sperimentazione diventa interessante invece quando si usano queste tecnologie in modo improprio, si sottomettono agli aspetti narrativi e rappresentativi, se ne stravolgono le loro funzioni originali o le si fanno diventare linguaggio puro». Andrea Brogi 1 1 Architetto digitale è attualmente uno dei massimi esperti italiani in materia di animazione grafica 3D Real time. 89
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