Conhece esta mulher? - Fonoteca Municipal de Lisboa

COLECÇÃO MUSEU NACIONAL DO TEATRO/GROSSINGER’S STUDIO ESTE SUPLEMENTO FAZ PARTE INTEGRANTE DA EDIÇÃO Nº 7122 DO PÚBLICO, E NÃO PODE SER VENDIDO SEPARADAMENTE
Sexta-feira
2 Outubro 2009
www.ipsilon.pt
Air Batida Stockhausen Au Revoir Simone Philippe Lioret David Grann
Conhece esta mulher?

Flash
Sumário
Amália 6
Vamos conhecê-la
Batida 12
A colisão entre a música
angolana de ontem e os
ritmos de hoje.
Au Revoir Simone 15
As meninas da caixinha
de música
Air 16
“Love 2” is in the Air
Stockhausen 18
A Gulbenkian dá a ouvir
pelas do ciclo “Klang”
Phillipe Lioret 20
Filma o encontro de um
imigrante clandestino e
um professor de natação:
“Welcome”, melodrama com
a realidade colada à pele
David Grann 25
Foi atrás do rasto de Percy
Fawcett, o último grande
explorador romântico da
Amazónia
Ficha Técnica
Director José Manuel Fernandes
Editor Vasco Câmara, Inês Nadais
(adjunta)
Conselho editorial Isabel
Coutinho, Óscar Faria, Cristina
Fernandes, Vítor Belanciano
Design Mark Porter, Simon
Esterson, Kuchar Swara
Directora de arte Sónia Matos
Designers Ana Carvalho, Carla
Noronha, Mariana Soares
Editor de fotografia Miguel
Madeira
E-mail: ipsilon@publico.pt
Cartas de Lord
Byron vão a leilão
É o mais impressionante conjunto
de cartas de Lord Byron a aparecer
no mercado nos últimos 30 anos: a
correspondência adquirida em 1885
pelo conde de Roserbery, que inclui
alguns documentos inéditos, será
agora colocada em leilão pela
Sotheby’s, em Londres, embora a
data ainda não tenha sido revelada.
Do lote fazem parte as cartas que o
poeta inglês escreveu a Francis
Hodgson, um membro do clero da
Tintin
troca
de editor
português
e muda
de nome
Descontente com as vendas
em Portugal, o editor
histórico de Tintin e
detentor universal dos
direitos para álbum
(Casterman) pôs termo em
Janeiro deste ano ao
contrato que o ligava à
Editorial Verbo desde 1988.
Esta semana ficou a
também saber-se quem lhe
sucede: as Edições ASA,
que já estão a trabalhar em
novas traduções e
prometem os primeiros
álbuns para a Primavera de
2010.
Willy Fadeur, director do
departamento de direitos
internacionais da
Casterman, confirmou ao
Ípsilon a “insatisfação” com
as vendas, consideradas
“insuficientes tendo em
conta a notoriedade do
herói e do seu criador”. A
rapidez com que foi
escolhido um novo editor é
justificada com a
importância que o editor
franco-belga atribui ao
mercado português: “Para
nós, o mercado português,
francófilo e francófono, é
de primeira linha.”
era vitoriana que era seu amigo. Aí
revela detalhes íntimos, como o
caso que teve com uma criada,
Susan Vaughan, que abandonou
quando percebeu que ela o traía
com outros. Gabriel Heaton,
especialista da Sotheby’s, disse ao
“Guardian” que Byron nunca diz
nas cartas que vai ser fiel a Susan,
mas escreve que espera que ela lhe
seja fiel. E quando lhe chegam
rumores de que Susan não lhe foi
fiel, a criada e amante perde o
emprego.
A determinada altura, escreve
Numa das suas cartas, Lord
Byron diz que os portugueses
têm poucos vícios, “exceptuando
os piolhos e a sodomia”
também que os portugueses são um
povo de poucos vícios,
“exceptuando os piolhos e a
sodomia”. E fala também sobre a
Albânia, descrevendo ao amigo o
governante Ali Pasha como sendo
“uma pessoas boa, corpulenta e
com 200 mulheres e outros tantos
rapazes” - “alguns dos quais eu vi e
que lindas criaturas eram”,
sublinha. Byron claramente achava
“graça a escrever coisas
ligeiramente chocantes a um
homem do clero, mas também se vê
que eles mantinham uma amizade
Segundo a ASA, o
objectivo é pôr cá fora
toda a colecção Tintin
(24 álbuns) até 2011,
data da estreia do filme
de Spielberg
Maria José Pereira Pereira,
alteração” alteração”, explica Maria
responsável pelo
José Pereira.
departamento de BD da Graças a este negócio, as
ASA, diz que o objectivo é Edições ASA ganham para o
pôr cá fora toda a colecção seu catálogo uma das séries
das aventuras de Tintin mais emblemáticas (e
(num total de 24 álbuns) até também mais lucrativas) da
2011, data prevista para a BD mundial. Os fãs podem
estreia do filme que Steven contar com uma presença
Spielberg está a realizar. O mais agressiva do
editor português assegura herói nas livrarias,
que o herói vai recuperar o onde teve um lugar
seu nome original – “Tintin” relativamente
em vez do “Tintim” que discreto nas últimas
surgia nos álbuns da Verbo: décadas. Recorde-
“É o nome da personagem e se que Portugal
uma marca. Não há razão foi o primeiro
para não fazermos essa país não-
JEAN PIERRE MULLER/ AFP
muito forte. Nota-se que há
intimidade entre eles”, continua
Gabriel Heaton em declarações ao
“The Guardian”. Por fim, Byron
também tece comentários sobre
outros poetas do seu tempo, como
Robert Southey e William
Wordsworth. Este último denegriu
o poeta que Byron muito admirava,
Alexander Pope, ao dizer que o seu
estilo era artificial e arcaico e por
isso é referido nestas cartas de
maneira depreciativa. Quinze por
cento do material desta
correspondência nunca foi
publicado e está por estudar.
francófono fr do mundo a
publicar p Tintin, em 1936
(revista (r “O Papagaio”). Foi
também ta o primeiro país do
mundo m onde se puderam
ler le as aventuras do famoso
jornalista jo a cores, ainda
antes a de isso acontecer na
Bélgica B ou em França.
Para P a Casterman, o
negócio n com a ASA é
também ta vantajoso, pois
ganha g alguma margem de
manobra m relativamente à
sociedade s Moulinsart,
gestora g dos direitos
mundiais m de Hergé (16
milhões m de euros por ano).
Nick N Rodwell, marido de
Fanny F Vlaminck (segunda
mulher m de Hergé e herdeira
do d património do artista) e
administrador a
da
Moulinsart, M exprimiu em
Abril A passado o seu
descontentamento d
com a
forma fo como o editor
franco-belga fr
tem gerido os
direitos d sobre os álbuns de
Tintin. T Embora nunca
tenha te sido oficialmente
afirmado, admitia-se nos
meios ligados à BD que as
divergências pudessem
acabar em divórcio entre os
dois parceiros.
Passados quase seis meses,
não houve novos desenvolvimentos
e Willy Fadeur,
interpelado sobre o
assunto, foi lacónico: “A
Casterman é contratualmente
o gestor mundial
dos direitos das
aventuras de Tintin
e tenciona
continuar a sê-lo.”
Carlos Pessoa
3

Flash
Arquitecto da Tate
Modern deixa
Herzog & de Meuron
Harry Gugger, o arquitecto que
projectou e dirigiu a transformação
do edifício de uma velha central de
energia londrina na actual Tate
Modern, em Londres, anunciou que
irá deixar o prestigiado “atelier”
suíço Herzog & de Meuron, de que é
sócio desde 1991. No âmbito da sua
longa colaboração com o gabinete
fundado por Jacques Herzog e
Pierre de Meuron, Gugger assinou
alguns outros projectos marcantes,
como a Biblioteca da Escola Técnica
de Eberswalde, na Alemanha, a
sede da Prada em Nova Iorque, ou o
Schaulager, em Basileia. A planeada
extensão da Tate Modern, que
deverá arrancar em breve, e que se
prevê que esteja concluída em 2012,
já não contará com Gugger, ainda
que este se tenha disponibilizado
para trabalhar, até ao final do ano,
com Ascan Mergenthaler, o
arquitecto da Herzog & de Meuron
que o irá substituir.
Formado em Engenharia Mecânica
e Arquitectura, Gugger pretende
iniciar uma carreira independente,
mas continuará a dar aulas no
Instituto de Tecnologia de Zurique.
Homenagem ao
“Megafone” de João
Aguardela
Quando foi apanhado pela morte,
em Janeiro, João Aguardela não
concluíra o “Megafone”, o projecto
visionário que criara em 1997, no
qual cruzava recolhas do
cancioneiro tradicional português
com linguagens electrónicas.
“Música para raves e arraiais”, assim
o descrevia o fundador dos Sitiados
e, mais tarde, co-fundador com Luís
Varatojo d’A Naifa. Dizia Aguardela
que o “Megafone” era um projecto
de cinco
álbuns.
João Aguardela
4
“Between Waves” será editado
a 2 de Novembro
Deixou-nos quatro, o último editado
em 2006. Agora, um colectivo de
amigos e admiradores, a associação
Megafone 5, tratará de o cumprir.
Antes, porém, há música para
homenagear o músico. Dia 4 de
Novembro, o Grande Auditório do
Centro Cultural de Belém acolhe um
concerto onde A Naifa, Dead
Combo, O’queStrada e Gaiteiros de
Lisboa revisitam a obra de João
Aguardela – os bilhetes, a 20 euros,
encontram-se à venda nos locais
habituais. O concerto servirá,
também, para anunciar o Prémio
Megafone, a atribuir anualmente
pela Sociedade Portuguesa de
Autores a músicos ou entidades que
se distingam no trabalho sobre a
tradição musical portuguesa.
Entretanto, está “online” o “site”
Megafone 5 (www.aguardela.com),
onde, além de um extenso trabalho
biográfico e de arquivos
relacionados com a carreira de
Aguardela, estão disponíveis
para “download” gratuito
os quatro álbuns
“Megafone”.
David Fonseca
entre ondas
no novo álbum
O novo álbum de originais de David
Fonseca já tem nome, chama-se
“Between Waves”, e será editado a
2 de Novembro, com a pré-venda a
realizar-se a partir de 6 de Outubro
nas Fnac. Quarto longa-duração, e
sucessor de “Dreams In Colour”
(2007), é produzido pelo próprio e
por Nelson Carvalho e será alvo de
edições diferenciadas em vários
formatos. Haverá uma “huge fan
pack”, uma edição especial
limitada, que conterá o CD, o DVD
“Streets of Lisbon acoustic live
sessions”, com cinco canções do
novo disco gravadas ao vivo em
formato acústico, e um EP
em vinil (com três versões inéditas
de “A cry for love”, o single de
lançamento já revelado, entre elas
uma remistura de Rui Maia dos
X-Wife). Haverá também uma
edição especial e limitada (CD +
DVD), uma edição com CD + vinil e
a vulgar edição em CD. No último
ano, para além de concertos, o
músico tem investido num
percurso internacional, com
destaque para Espanha, onde
actuou várias vezes e onde foi alvo
de artigos elogiosos por parte da
imprensa.
Fhjn Fh Fhjn jn j
Nova Iorque aplaude
João Pedro Rodrigues
Pode não ter gerado
grande entusiasmo no
Festival de Cannes, onde
passou na secção “Un
Certain Regard”, mas
“Morrer como um
Homem”, de João Pedro
Rodrigues, está a chamar a
atenção da crítica
americana. Exibido esta
semana no Festival de Nova
Iorque, ao lado da Palma
de Ouro de Cannes, “The
White Ribbon”, de Michael
Haneke, do Leão de Ouro
de Veneza, “Lebanon”, de
Samuel Maoz, do mais
recente Alain Resnais, “Les
Herbes Folles”, ou das
“Singularidades de uma
Rapariga Loura”, de
Oliveira, a terceira longa
do autor de “O Fantasma”,
história de um travesti
dilacerado entre viver
como uma mulher ou
morrer como um homem,
foi elogiada por dois dos
mais respeitados e
influentes críticos novaiorquinos.
J. Hoberman, da
“Village Voice” e um dos
programadores do festival,
escolheu “Morrer como
um Homem” como um dos
seus cinco “imperdíveis”
João Pedro Rodrigues e os
seus actores, Jenny Larrue e
Cindy Scrash, no último
Festival de Cannes
do certame ainda sem
distribuição americana,
chamando-lhe “uma fábula
profunda e fabulosamente
triste, bem como um
exemplo de cinema lírico,
lúdico e imprevisível”. A
temida Manohla Dargis, do
“New York Times”, por seu
lado, critica uma “primeira
hora muitas vezes lúgubre”
mas diz em seguida que o
filme “recompensa a nossa
paciência com beleza e
mistério”: “No exacto
momento em que a história
parece estar à beira de se
afogar em torrentes de
lágrimas, Rodrigues
desmultiplica o tom e o
cenário e transporta as
personagens para um
santuário onde outro
travesti, inspirado por Judy
Garland cerca de 1961, as
conduz — e a nós — para lá
do arco-íris. E depois tudo
volta a mudar, desta vez
para uma tragédia
justamente merecida.” Por
cá, “Morrer como um
Homem” chega às salas já a
15 de Outubro, depois de
ter sido o filme de abertura
da edição 2009 do Queer
Lisboa.
ERIC GAILLARD/ REUTERS

Consulte a agenda cultural Fnac em

Capa
LISBOA, 1964, COLECÇÃO MUSEU NACIONAL DO TEATRO/JOSÉ TUDELA
6

Temos
de mexer
na Amália
Tem sido assim a nossa relação com ela: aprisionámos
o monstro. Amália tornou-se figura sem corpo, à mercê
do imaginário colectivo. A exposição “Amália, Coração
Independente” pode ser o início de uma nova relação.
Temos de mexer nela. Kathleen Gomes
Quando Jean-François Chougnet sugeriu
o título “Coração Independente”
para a exposição que abre terçafeira
em Lisboa, no Museu Berardo e
no Museu da Electricidade, não estava
a contar com resistência interna.
Fez uma sondagem junto da sua equipa
e “ninguém gostou”, revela. “Diziam
que era um fado de que ninguém
gosta, que não era um fado popular,
mas um fado para a ‘intelligentsia’,
etc.” No dia seguinte, o director do
Museu Colecção Berardo apanhou o
autocarro 745 para o aeroporto de
Lisboa e reparou num jovem com um
leitor de MP3 a seu lado – isto é, reparou
no que ele ouvia. “Dois dias depois
regresso aqui e digo: ‘Se há um
jovem no autocarro 745 a ouvir ‘Estranha
Forma de Vida’ [canção de que
fazem parte os versos ‘Coração independente,
coração que não comando’],
é porque não é uma coisa totalmente
fora...”, ri-se.
É uma “petite histoire”, mas é reveladora
do que tem sido a história
da nossa relação com Amália Rodrigues:
à força de a meter em caixinhas,
nunca deixámos que fosse tudo o que
podia ser. Aprisionámos o monstro e
criámos regras de convivência para o
manter sob controle. Amália tornouse
uma figura sem corpo à mercê das
disposições do imaginário colectivo.
Somos reféns convertidos em sequestradores:
a sombra de Amália é inescapável,
mas também não a deixamos
à solta (e tentamos sempre disparar
primeiro).
É por isso que este pode ser o início
de uma nova relação com Amália: a
exposição “Amália, Coração Independente”,
que está no centro de uma
verdadeira Operação Amália, com
uma programação intensa que se es-
tende a outras instituições (Teatro S.
Luiz, Museu do Fado) no momento
em que se assinala o décimo aniversário
da morte da fadista, propõe repensar
o fenómeno nas suas múltiplas
dimensões com uma perspectiva contemporânea.
Além da tentativa de
concentrar Amália na sua totalidade
– fadista, actriz de cinema, vedeta internacional,
mito nacional, etc. – procuram
lançar-se novas abordagens
que, se não quebram o espelho, pelo
menos poderão abrir fissuras na percepção
pública da figura.
Talvez um dia olhemos para agora
como o momento em que se fez o “reset”
de Amália.
Obra aberta
Primeira constatação: apesar da sua
popularidade, prestígio e amplitude,
Amália tem sido pouco estudada, o
que é revelador do estado incipiente
dos estudos culturais em Portugal. “A
minha primeira surpresa, ao começar
a trabalhar sobre Amália, é que não
há grande bibliografia”, diz Jean-François
Chougnet. “É um assunto evidente
mas que não é tão tratado quanto
parece.”
A única biografia existente, que
continua a ser a referência de base
para qualquer investigador, foi publicada
em 1987 pelo ex-crítico de teatro
e antigo director do Museu Nacional
do Teatro, Vítor Pavão dos Santos, e
reeditada em 2005. Intitulada “Amália
– Uma Biografia”, é, na verdade,
uma espécie de autobiografia composta
a partir de inúmeras e extensas
entrevistas (78 horas de gravações)
conduzidas entre 1982 e 1986.
“O Vítor Pavão dos Santos é o ponto
de partida e de chegada de todos
os estudiosos da Amália e a gente tem
Além da tentativa
de concentrar Amália
na sua totalidade
– fadista, actriz de
cinema, vedeta
internacional, mito
nacional, etc.
– procuram lançar-se
novas abordagens
que, se não quebram
o espelho, pelo menos
poderão abrir
fissuras na percepção
pública da figura
Amália
tem sido
pouco
estudada,
o que é
revelador
do estado
incipiente
dos estudos
culturais em
Portugal
de tirar o chapéu ao trabalho dele
porque sem ele tínhamos de começar
do zero”, nota o musicólogo Rui Vieira
Nery. “Mas não podemos esquecer
que são entrevistas tardias. E que a
Amália relembra a sua vida mas também
reconstrói a sua imagem. Não é
que esteja a tentar enganar-nos. Mas
ela própria vai olhando para a sua vida
e vai refazendo as coisas. Olha com
uma perspectiva que já é posterior e
que não corresponde àquela que ela
tinha na altura. Temos de desmontar
o seu discurso e perceber em cada
época qual é a postura dela e como é
que foi evoluindo.”
David Ferreira, ex-director da EMI-
Valentim de Carvalho, responsável
por muitas reedições da obra de Amália
e pelas duas compilações que vão
ser lançadas em simultâneo com a
exposição “Coração Independente”,
corrobora: “Faz falta um documento
do mesmo género pré-1974” porque
“não é a mesma pessoa”.
Segunda constatação: pelas suas
características, Amália é um tema que
resiste à análise crítica. “Há um obstáculo
muito grande que parte da relação
afectiva que temos todos com
ela”, diz Nery, acrescentando que
existe uma tentação de proteccionismo
em relação à figura. “É preciso
não divinizar de tal maneira a Amália
que ela se liberta da espécie humana
e do contexto específico em que se
moveu.”
A exposição “Coração Independente”
é acompanhada por um catálogo,
que é um complemento, mais do que
uma reprodução gráfica da mostra, e
denota um esforço para produzir análise.
Pediu-se a um conjunto de especialistas
que reflectissem sobre os
campos de acção de Amália ou so-
7

Amália
“teve cinco ou seis
carreiras diferentes”,
resume o director
do Museu do Berardo:
os anos iniciais
marcados pelo reportório
clássico do
fado e pela música
de Frederico Valério;
a carreira de estrela
de cinema a partir
de 1947; a “fase francesa”,
que arranca
com a sua participação
no filme de
1955 “Les Amants du
Tage”, onde canta
“Barco negro”, e que
desperta o interesse
de Bruno Coquatrix,
empresário do
Olympia; a “explosão
de carreira”,
que corresponde à
colaboração com
Alain Oulman a
partir de 1962; e o
pós-25 de Abril
bre aspectos específicos: a sua dimensão
política durante o regime
salazarista, o reportório musical (Rui
Vieira Nery) e poético (António Guerreiro),
imagem fotográfica (Emília
Tavares), filmografia (António Rodrigues),
etc.
Muitos deles, ouvidos pelo Ípsilon,
admitem que uma das dificuldades
na abordagem de Amália é a profusão
de lugares-comuns, a par de uma “aura
de respeitabilidade” (Emília Tavares)
que contribui para a preservação
de uma imagem canónica. “Como é
um mito, Amália convida muito à repetição
das fórmulas litúrgicas de
veneração – ‘a santa do fado’ e por aí
fora”, aponta Vieira Nery. “Não podemos
ter estas relações de fidelidade
mórbida a uma figura intocável. Temos
de mexer na Amália.”
CARLOS LOPES/ ARQUIVO
8
O Estado Novo e os fantasmas
Houve pelo menos um caso em que
isso implicou tocar numa questão
sensível: a eterna dúvida sobre o nível
de envolvimento político de Amália
durante o Estado Novo. Se calhar, não
é por acaso que tenha sido um francês
a reabrir o “dossier Amália” no catálogo.
Ele admite: não foi por acaso.
“A polémica tem a ver com a relação
da sociedade portuguesa com o Estado
Novo. Não é uma questão específica
de Portugal. O dossier da ocupação
alemã no meu país só foi reaberto
nos anos 70-80, aliás por um
americano, Robert O. Paxton.”
Sem escamotear alguns “erros” cometidos
pela fadista – a sua actuação
no Estádio de Alvalade numa gala
promovida pelo Governo num momento
de apelo ao boicote e protesto
face à fraude eleitoral de 1958, e umas
quadras enviadas a Salazar quando
este caiu da cadeira (“Ponha-se-me
bom depressa / Meu querido presidente
/ Depressa, que essa cabeça /
Não merece estar doente”) –, Chougnet
dissipa quaisquer fantasmas de
colaboracionismo. “Muitos amalianos
dizem que não vale a pena falar disso.
Eu acho que vale a pena, precisamente
porque não houve crime. A Amália
nunca fez parte da PIDE, nunca houve
um túnel entre o Palácio de São
Bento e a casa dela, como foi dito depois
do 25 de Abril.” Refere-se à campanha
de boatos que visaram Amália
durante o período revolucionário, e
que a alinhavam com o regime deposto.
Vieira Nery: “Quando tiveram essa
postura, as pessoas esqueceram-se
de coisas importantíssimas, como o
facto de nos anos 50 Amália cantar
Sidónio Muralha, que era um exilado
político anti-fascista, perseguido pela
PIDE. E cantou o ‘Libertação’ do
David Mourão-Ferreira, que era o ‘Fado
de Peniche’, que toda a gente sabe
que foi escrito em alusão à prisão de
Álvaro Cunhal. A casa da Amália era
um espaço de liberdade onde conviviam
intelectuais maioritariamente
da oposição. Não se conspirava contra
o regime mas não havia restrições de
palavra. Portanto, Amália é tudo menos
um símbolo da ideologia fascista
pura e dura.”
António Rodrigues, programador
da Cinemateca, diz que a filmografia
de Amália (oito filmes, entre 1946 e
1965) permanece desconhecida porque
“a maior parte das pessoas não
viu os filmes”. “Os portugueses em
geral têm tamanha rejeição em relação
ao cinema anterior ao 25 de Abril
que se recusam a ver. Se eu passar
uma coisa ‘kitsch’, em ‘cinemascope’
Retratada por
portugueses como
Silva Nogueira
e Augusto Cabrita,
e por fotógrafos
estrangeiros que são
a referência para
o “star-system” da
época, o seu portfolio
revela rupturas e a
exposição explora
os contrastes entre a
Amália dos primeiros
anos, representada
segundo estereótipos
fadistas (mãos na
anca, olhar enlevado
e dirigido ao céu),
e a progressiva
sofisticação que
acompanha a
internacionalização
(retrato à maneira
de Hollywood)
e a cores, com o António Calvário, as
pessoas não vão ver, nem para rir
nem para atirar pedras. Mas se passar
uma coisa pimba com a Doris Day, já
vão.”
Entre os especialistas existe a opinião
de que a carreira de Amália no
cinema nunca arrancou como podia,
que “não deu certo”, que foi uma ocasião
perdida. Rodrigues nota que ela
“não falhou mais do que a de Edith
Piaf ou Billie Holiday”, que até trabalharam
em cinematografias mais sólidas
e ricas do que a portuguesa. Tem
uma filmografia maior e foi das poucas
cantoras “a fazer um papel inteiro”.
Amália “nunca é má no cinema”,
diz. “É sóbria e intensa.”
Amália total
Jean-François Chougnet viu Amália
pela primeira vez ao vivo no Olympia
em 1975, e assistiu a mais três
concertos em Paris. “Cada um de
nós, provavelmente, tem uma Amália
verdadeira a defender”, reconhece.
Na prática, isso significa que
aceitamos uma parte da história mas
rejeitamos outra ou outras. A perda
é nossa.
Amália “teve cinco ou seis carreiras
diferentes”, resume o director do Museu
do Berardo: os anos iniciais marcados
pelo reportório clássico do fado
e pela música do compositor Frederico
Valério; a carreira de estrela de
cinema a partir de 1947; a “fase francesa”,
que arranca com a sua participação
no filme de 1955 “Les Amants
du Tage”, onde canta “Barco negro”,
e que desperta o interesse de Bruno
Coquatrix, empresário do Olympia;
a “explosão de carreira”, que corresponde
à colaboração com o compositor
Alain Oulman a partir de 1962;
e o pós-25 de Abril. Mas em vez de

G.GARABEDIAN - PARIS, 1956,57 - COLECÇÃO MUSEU NACIONAL DO TEATRO
uma visão de totalidade, esta evolução
cambiante tem gerado leituras
segmentadas, com o privilégio de certas
fases em detrimento de outras.
“Da grande fase Oulman sabemos tudo”,
lembra Chougnet. “Mas a última
fase é como algo nos grandes pintores:
o último Picasso, o último Renoir
são pouco considerados. E, de facto,
os amalianos tradicionais dizem que
a última fase é mais fraca.”
Vieira Nery diz que a Amália dos
primeiros 20 anos de carreira é tão
importante quanto a grande renovação
dos anos 60 trazida pela sua associação
com Alain Oulman. “Se Amália
tivesse morrido em 59, nós teríamos
de qualquer maneira um
contributo extraordinário para a história
do fado. É preciso trazer essa
primeira Amália ao de cima, para
ANA BANHA
combinar com a Amália da época de
grande maturidade e para fazermos
um exercício que é delicado e melindroso:
ver a Amália final. É muito fácil
dizer: ‘Ah, é a Amália sem voz, com
a voz estragada’ e tudo o mais. A voz
está num frangalho mas há tantos
cantores, de jazz por exemplo, que
ouvimos até ao fim com interesse. Há
uma espécie de maturidade final com
uma profundidade e uma inteligência
redobradas. Se tivermos estas três
épocas traçadas, percebemos um fenómeno
muito mais complexo, muito
mais rico e muito mais facetado do
que lembrarmo-nos apenas da ‘Gaivota’,
do ‘Fado Português’ ou do ‘Povo
Que Lavas no Rio”, que são momentos
grandes mas têm um contexto,
têm uma história, não são coisas
isoladas.”
O som e o silêncio
“Amália, Coração Independente” reparte-se
entre o Museu Colecção Berardo e o muito próximo
Museu da Electricidade, em Lisboa.
“Amália, Coração Independente”
(de 6 de Outubro a 31 de Janeiro
de 2010) reparte-se entre o
Museu Colecção Berardo e
o muito próximo Museu da
Electricidade, em Lisboa. Não
é obrigatório começar por
nenhum deles. São núcleos
temáticos diferentes, mas
paralelos: no Museu Berardo
explora-se o “Mito/Diva”,
no Museu da Electricidade
o “Glamour”, aproveitando
a cenografia industrial da
antiga Central Tejo para exibir
os vestidos e jóias (de cena e
verdadeiras) de Amália.
Apesar de ser composta
em grande parte por material
iconográfico – fotos, revistas,
cartazes, capas de discos, trajes
provenientes dos principais
acervos amalianos, como a
Fundação Amália Rodrigues,
Museu Nacional do Teatro e
Edições Valentim de Carvalho –
não é uma exposição ilustrativa
da vida e carreira da maior
estrela do fado.
Aproveita-se a cenografia
industrial da antiga Central
Tejo para exibir vestidos e jóias
Apesar de ser
composta por
material e objectos
iconográficos,
não é uma exposição
ilustrativa da vida
e carreira da maior
estrela do fado
CARLOS RAMOS/ UM PONTO QUATRO
No Museu Berardo, há
uma cronologia inicial para
contextualizar a figura, em que
os principais momentos da
carreira surgem sinalizados
com a apresentação de trajes
e acessórios usados em palco
(mas a colecção principal
de vestidos está no Museu
da Electricidade). Uma das
secções é dedicada à fotografia
e à evolução da representação
da fadista ao longo dos anos,
mostrando a cumplicidade que
Amália teve com fotógrafos
nacionais e estrangeiros,
geradora de imagens diversas
e, nalguns casos, contrastantes.
Noutra área explora-se a
contemporaneidade de Amália,
expondo peças de artistas que
a tiveram como referência. Pela
primeira vez são apresentados
em conjunto os três corações
de filigrana feitos a partir de
talheres de plástico por Joana
Vasconcelos, intitulados
“Coração Independente”, e
de cor diferente, a par de um
vídeo do italiano Francesco
Vezzoli, “Amália Traída”,
súmula biográfica telenovelesca
conduzida por duas divas,
Lauren Bacall e Sónia Braga,
e dos retratos produzidos por
Leonel Moura e Adriana Molder.
Bruno de Almeida, autor
de “The Art of Amália”,
documentário concebido
nos anos finais de Amália,
realizou uma instalação-vídeo
para a exposição, trabalho de
montagem e processamento de
imagens de arquivo e sons que
vai ser projectado em quatro
ecrãs gigantes.
No centro da mostra
haverá uma “sala de escuta”,
que propõe uma síntese do
reportório musical amaliano:
52 temas remasterizados
pela Valentim de Carvalho a
partir das gravações originais,
que irão passar em contínuo.
Jean-François Chougnet,
director do Museu Berardo
e coordenador de “Amália,
Coração Independente”, explica
que quis evitar “uma cacofonia
dentro da exposição”, preferindo
concentrar o som numa sala.
Seria “uma traição a Amália”
tratar o seu reportório como
“música de elevador”, diz.
A exposição no Museu Berardo
fecha com uma instalação-vídeo
concebida por encomenda por
Ana Rito: no tríptico “Encore”,
duas bailarinas interpretam o
tema “Grito” (“Lágrima”, 1983),
enquanto no ecrã central várias
bocas pronunciam o nome de
Amália como um mantra. Em
qualquer dos casos, o som é
inaudível para o espectador.
Silêncio, que se vai cantar o
fado. K.G.
“Encore”,
de Ana Rito:
uma das
encomendas
da exposição
a artistas
plásticos
As fotos,
revistas,
cartazes,
discos, trajes,
acessórios,
são
provenientes
dos acervos
amalianos,
como a
Fundação
Amália
Rodrigues,
Museu
Nacional do
Teatro e
Edições
Valentim de
Carvalho
9

Para falar de Amália,
sem lugares-comuns
O teatro São Luiz e o Museu do Fado têm em Outubro
uma série de iniciativas para homenagear a fadista
Uma tertúlia, com amigos a
conversar, como Amália gostava
de ter em casa, é o que o Teatro
São Luiz se propõe fazer a 6 de
Outubro (21h, entrada livre) no
encontro Amigos de Amália.
“Conversar sobre Amália pode
ser um contínuo de lugares
comuns. Pode também ser
uma tentativa de compreender
melhor uma artista complexa,
sem protagonismos nem
afirmações de personalidade
dos intervenientes. E é por
esse caminho que queremos
seguir”, explica, no programa,
Nuno Vieira de Almeida, que
vai moderar a conversa entre
Duarte Pinto Coelho, João
Braga, José Manuel dos Santos,
Lili, Mané Bobone, Maria João
Avillez e Vítor Pavão dos Santos.
No dia seguinte, 7 (18h30,
entrada livre), debate-se o
futuro do património de Amália.
Um património que, escreve
o moderador Rui Vieira Nery,
passa pelo “legado físico do seu
espaço íntimo”, pelo “registo
da sua voz” e por todo “o corpus
da documentação que se lhe
refere”. Mas vai para além disso.
Esse legado “é sobretudo o
exemplo da sua postura artística
que permanece vivo e continua
a motivar intérpretes, poetas
e compositores de todos os
géneros, bem como artistas em
todos os ramos”.
Para falar sobre esse
património foram convidados
Jean-François Chougnet,
10
No Museu do Fado estarão
expostas fotos inéditas de Rui
Valentim de Carvalho com
Amália – homenagem à relação
editor/artista que mantiveram
desde 1952
Conversar
sobre Amália pode
ser uma tentativa de
compreender melhor
uma artista complexa
director do Museu Berardo,
Sara Pereira, directora do
Museu do Fado, Américo
Lourenço, presidente da
Fundação Amália, Vítor Pavão
dos Santos, historiador de
Teatro, José Carlos Alvarez,
director do Museu do Teatro,
Manuel Bairrão Oleiro, director
do Instituto dos Museus e da
Conservação, e David Ferreira,
editor discográfico.
Para os dias 9 e 10 (23h30,
no Jardim de Inverno), em
Fadistas Cantam Amália, o São
Luiz convidou os “intérpretes
com quem [a fadista] partilhou
grandes momentos da sua
vida e alguns dos músicos
com quem percorreu os quatro
cantos do mundo”, para além
de representantes da actual
geração do fado – ocasião
para ouvir Joana Amendoeira,
Celeste Rodrigues e João
Ferreira Rosa, acompanhados
na guitarra portuguesa por
Pedro Amendoeira e José Fontes
Rocha, na viola de fado por
Diogo Clemente e Pedro Pinhal,
na viola baixo por Joel Pina e no
contrabaixo (e também baixo)
por Paulo Vaz, num espectáculo
concebido por Hélder Moutinho.
No Museu do Fado, entre 6 e
10 de Outubro, estarão expostas
fotografias inéditas de Rui
Valentim de Carvalho com
Amália – homenagem à relação
editor/artista que mantiveram
desde 1952. Na mesma semana,
o museu passa diariamente
uma selecção de programas
de concertos de Amália (entre
1962 e 1973) escolhidos pelo
realizador Bruno de Almeida,
num ciclo intitulado Memórias
de Amália na Televisão. No dia
10, a terminar a semana, será
exibido “The Art of Amália” de
Bruno de Almeida.
Entre as iniciativas previstas
pelo museu está ainda o
espectáculo “Amália em Nova
Iorque”, com encenação de
Miguel Abreu e interpretação de
Maria José Pascoal. E as Visitas
Cantadas ao circuito expositivo,
com vários artistas a interpretar
temas do reportório de Amália.
Foi entretanto já lançada
a colecção “Amália Nossa: A
Primeira Época de Ouro”, em
12 livros com CD, um projecto
editado por João Pinto de
Sousa e coordenado por Rui
Vieira Nery, que conta com
comentários poéticos de Vasco
Graça Moura e a direcção de
arte e design de Maria João
Ribeiro (uma edição Tugaland
em parceria com o Museu do
Fado, Fundação Amália, jornal
PÚBLICO e Museu Colecção
Berardo).
Para esta edição – distribuída
em exclusivo com o PÚBLICO
e disponível nas lojas Fnac
– a Tugaland convidou 12
ilustradores a fazerem uma
ilustração/imagem de Amália.
Haverá também uma edição
limitada de 12 LPs em vinil da
mesma colecção que é editada
em CD (a colecção em vinil é
exclusiva para a Fnac).
Mas há outros projectos
editoriais em torno de Amália:
o livro “Nessa Solidão Que
É Minha: Amália e os Poetas
Que Cantou”, uma compilação
de todos os poemas gravados
por Amália ao longo da sua
carreira; e BD Amália+ 1 CD,
uma edição em três volumes de
uma banda desenhada de Nuno
Saraiva, que “aborda numa
linguagem algo ficcionada mas
simultaneamente humorística a
vida e obra de Amália”. A.P.C.
Uma das dificuldades
na abordagem de
Amália é a profusão
de lugares-comuns,
a par de uma “aura
de respeitabilidade”
que contribui para a
preservação de uma
imagem canónica
Mudar a (sua) imagem
Emília Tavares, historiadora e curadora
de fotografia, analisou a construção
da imagem de Amália ao longo
da sua carreira. O encontro com
a fotografia não foi um produto da
sua fotogenia, espontaneamente captada
pela objectiva, mas o resultado
uma gestão cuidada da imagem. “A
Amália é muito moderna nisso. É como
se um designer hoje pegasse no
fado e na imagem dela e fizesse uma
coisa nova. Sem distorcer nem renegar
os aspectos visuais ligados ao fado,
ela consegue modernizá-los e
dar-lhes uma nova interpretação e
um novo uso. Consegue criar uma
personagem, que tem poucos adereços.
Reinventa a maneira de usar o
xaile, reinventa a maneira de usar o
preto, veste-se com vestidos muito
mais vaporosos e deixa de usar a chita
da Severa. Aquela voluptuosidade
bairrista que a Severa tinha, a Amália
sofistica-a. Dá-lhe uma envolvência
muito misteriosa: o negro, a expressividade,
o fechar os olhos quando
canta...”
Ao mesmo tempo, Amália não se
manteve fiel a um estilo fotográfico.
Retratada por portugueses como Silva
Nogueira e Augusto Cabrita, e por
fotógrafos estrangeiros que são a referência
para o “star-system” da época
(o Studio Harcourt, em Paris, e
Bruno Hollywood), o portfolio de
Amália revela mudanças e rupturas
e a exposição explora os contrastes
entre a Amália dos primeiros anos,
representada segundo estereótipos
fadistas (mãos na anca, olhar enlevado
e dirigido ao céu), e uma progressiva
sofisticação que acompanha a sua
internacionalização (retrato de estúdio
à maneira de Hollywood, imagens

que dão a ver o mundanismo de uma
estrela, mudanças físicas radicais que
abalam a representação tradicional
da fadista).
Tal como mudou o reportório do
fado para que um público internacional
o acolhesse, “Amália percebeu,
pela grande intuição que tinha, que
era preciso mudar a sua imagem”, diz
Emília Tavares. Uma imagem que faz
valer a sua feminilidade – “há uma
certa erotização, que foi sempre uma
coisa pudica de se falar, como se a
Amália não tivesse sexualidade” – e
que se afasta dos modelos da cultura
oficial do salazarismo.
“Era uma mulher independente
que fumava em público, e emancipada”,
lembra José Manuel dos Santos,
programador da Fundação EDP, amigo
de Amália. “Parecia, quase antes
do tempo, uma daquelas romancistas
francesas... Quer dizer, vemos fotografias
dela dos anos 60 e parece uma
mulher tão livre e emancipada como
a Françoise Sagan. Não tinha o estereótipo
da mulher portuguesa desse
tempo.”
Emília Tavares lamenta a inexistência
de uma reflexão crítica no campo
dos estudos de género: “Era interessante
perceber que efeitos é que esta
imagem da Amália teve ou não nalguns
sectores da sociedade portuguesa”,
diz.
Rui Vieira Nery diz o que podia ser
o programa de “Coração Independente”:
“Não há herdeiros legítimos da
Amália. Todos nós somos herdeiros
e nela cabem os nossos olhares todos.
Porque é uma obra aberta.”
Temos hoje condições para avaliála
de forma diferente?
Jean-François Chougnet é cauteloso.
“Se calhar é um pouco cedo. É
como na história geral: normalmente
temos capacidade para começar uma
outra avaliação – não sei se é melhor
ou pior – quando a última pessoa a
conhecer o facto histórico morre. As
primeiras histórias críticas da I Guerra
Mundial foram feitas há 20 anos.
Da II Guerra começam a ser feitas agora,
por uma geração que não fez parte
dos acontecimentos. No caso de
Amália, a avaliação da geração seguinte
vai ser muito diferente. O décimo
aniversário da morte, provavelmente,
é o primeiro passo. É mais fácil falar
da questão politica, por exemplo, do
que há dez anos.”
Chougnet já trabalhou sobre pesospesados
da música popular como
Serge Gainsbourg e Jacques Brel, mas
não encontra paralelo francês para a
relação “única” que os portugueses
têm com Amália. “É uma relação de
identificação enorme, e toda essa
identificação é acompanhada de coisas
verdadeiras e coisas falsas, toda a
gente tem uma projecção sobre a imagem
de Amália que é diferente da realidade.
Ela continua a ocupar um
lugar central na vida cultural do país,
e é provavelmente a personalidade
que mais representa o Portugal contemporâneo.
Não há muitos casos
assim. Talvez só a Oum Kalsoum, no
Egipto. Se entrar num autocarro do
Cairo, vai ouvir a Oum Kalsoum. Se
entrar num autocarro em Lisboa, vai
ouvir a Amália.” Num MP3 perto de
si.
Ver crítica de discos págs. 31 e segs.
Rara e inédita
Vem aí uma edição remasterizada e crítica de
“Com Que Voz”, com “takes” adicionais: Março de 2010,
no 40º aniversário do álbum
Amália e a Valentim de Carvalho
tiveram uma relação de
fidelidade que durou 47 anos
e que apenas foi interrompida
por um breve período de
dois anos, entre 1958 e 1960,
quando grava com a editora
francesa Ducretet-Thomson.
Nos seus últimos anos de vida,
a Valentim de Carvalho (VC)
editou alguns discos de inéditos,
nomeadamente “Segredo”, em
1997, que, entre outros, continha
temas compostos por Alain
Oulman nunca publicados, e
“Rara e Inédita” em 1989, que
fez parte de uma caixa de oito
CDs que assinalou os 50 anos
de carreira. Em 2002, o 40º
aniversário de “Busto”, um dos
álbuns mais emblemáticos de
Amália, foi pretexto para uma
edição revista e aumentada,
contendo versões alternativas
de temas originais e registos
de ensaios. Estes lançamentos
vieram levantar a ponta do véu
sobre a existência de material
inédito nos arquivos da VC,
cuja dimensão e características
talvez nunca tenham sido
publicamente esclarecidas.
Rui Vieira Nery, coordenador
da colecção de 12 CDs “Amália
Nossa” que desde a última
semana começou a ser vendida
pelo PÚBLICO, lamenta que
a edição integral e crítica da
discografia de Amália ainda não
tenha sido feita. “Devíamos já
Contagem
aproximada do
material inédito por
década: cerca de 30
trechos nos anos 50,
sobretudo “takes”
alternativos de temas
editados ou registos
de ensaios e “quatro
ou cinco inéditos
absolutos”; dos anos
60 existem oito
inéditos, e dos anos
70, outros oito, mas
“quase todos
absolutos”; dos anos
80 estão identificados
quase 40 inéditos
ter todas as sessões de gravação,
devíamos saber exactamente
o que é que se fez, que ‘takes’ é
que foram rejeitados. Tenho a
impressão que não há uma nota
gravada em estúdio pela Billie
Holiday que não esteja editada
com comentários. Este trabalho
básico não está feito no caso da
Amália.”
Em 1999, David Ferreira, então
director da EMI-VC, encarregou
Jorge Mourinha (actual crítico
do PÚBLICO) de inventariar e
datar toda a discografia e todo
o material gravado por Amália,
procurando fixar um reportório
o mais exaustivo possível.
Uma base de dados que viria
a servir de referência a um
plano de edições e reedições
críticas da discografia de
Amália, entretanto iniciado com
alguns lançamentos: “Amália/
Vinícius”, “Bobino”, “For Your
Delight” e “Abbey Road 1952”.
David Ferreira, que deixou
a EMI e a VC em 2007, mas
desde a Primavera é consultor
para o catálogo Amália,
tenciona lançar uma edição
remasterizada e crítica de
“Com Que Voz”, com “takes”
adicionais, à semelhança de
“Busto”, prev prevista para
Março de 2010, no
40º aniversário
an
do ál álbum. Até
fina final do ano,
ta também
pplaneia
editar
discos
com a
Amália a
cantar em
eespanhol,
it italiano e
fra francês.
Co Contagem
aproximada aproxi do
material inédito i
por década: cerca de 30
trechos nos anos 50, que são
sobretudo “takes” alternativos
de temas editados ou registos
de ensaios e “quatro ou cinco
inéditos absolutos”; dos anos
60 existem oito inéditos, “entre
os quais um possível inédito
absoluto”, e dos anos 70,
outros oito, mas “quase todos
absolutos”; dos anos 80 estão
identificados quase 40 inéditos,
gravados na sua maioria no
início da década, e entre os quais
se incluem as gravações feitas
para o que deveria ter sido um
LP de músicas populares, com
orquestra, que não chegou a
ser publicado. David Ferreira
diz que a sua preocupação
sempre foi “prestar um bom
serviço”, fazendo “edições
cuidadas e seguras” com “som
de qualidade”. “Não assino
coisas que não sejam bem feitas.
As grandes obras são grandes
desafios e não podem ser
tratadas com os pés. Compare
com a arca do Pessoa 10 anos
depois da sua morte. A arca do
Pessoa demorou muito tempo a
ser catalogada.” K. G.
11

Já tinham a capa do disco. Um miúdo
em primeiro plano, ao lado de um coluna
de som, com tanga vestida e dança
preparada num terreiro do Sambila,
o calão de Luanda para o bairro
Sambizanga. Já tinham as fotos para
o interior. O dia descendo sobre a baía
e os prédios na paisagem. Já tinham
isto e sabiam como queriam trabalhálo.
Eles que já tinham isto são Pedro
Coquenão (DJ Mpula), Bruno Lobato
(Beat Laden) e Luaty Beirão (Ikonoklasta),
nomes chave de um projecto,
Batida, que não se esgota neles. E
sabiam como queriam trabalhar aquelas
imagens, como inscrever nelas
aquilo que viria a ser este Batida que
agora chega até nós.
A Luanda que vemos daqui
É uma colisão entre a música angolana de ontem e os ritmos de hoje.
Nasceu da “uma nova saudade” de uma nova geração e nela espelha-se uma Luanda
que se redescobre enquanto se abre ao mundo. Batida é isto. Mário Lopes
12
DJ Mpula elenca: “arte zulu e arte
pop, a necessidade de ser tradicional
e urbano”.
Roda, designer, concretizou: o miúdo
em primeiro plano ganhou capa
e coroa de super-herói, a coluna de
som dinamismo de BD e a paisagem
de Luanda palancas voadoras, muito
naifs, sóis que brilham perguntas
(“Saudade?”), divisões territoriais definidas
(gueto, colinas, kandongueiro).
Aquilo pode não nos dizer o que é
exactamente esta Batida, projecto desenvolvido
entre Lisboa e Luanda,
entre o passado da música angolana
preservado nos arquivos da Valentim
de Carvalho e o presente de um Por-
tugal que agora dança o kuduro que
Angola inventou. Mas diz-nos muito
sobre aquilo que Mpula, Beat Laden
e Ikonoklasta idealizaram.
Batida é isto: felicíssima colisão entre
a música angolana de ontem e os
ritmos de hoje. Como um encontro de
almas gémeas separadas por contingência
cronológica. Os Águias Reais
da década de 60 e 70 a “rebentar” no
kuduro de “Bazuka”, os berimbaus do
Grupo de Folclore de Angola a ressoar
como ritmo ancestral entre os graves
e os sintetizadores convulsivos criados
por Mpula e Beat Laden.
Ao Ípsilon, Pedro Coquenão e Luaty
Beirão acentuam: “Tendo os pés
em Angola, este disco tem a cabeça
“Tendo os pés em
Angola, este disco
tem a cabeça noutros
sítios. E tirámos
partido disso. Um
português cá não o
conseguiria fazer, um
angolano lá também
não” Pedro Coquenão
e Luaty Beirão
noutros sítios. E tirámos partido dessa
situação. Um português cá não o
conseguiria fazer, um angolano lá também
não. Assim, podemos arremessálo
lá para dentro, podemos celebrá-lo
aqui, envergonhar quem de direito e
desenvergonhar quem acha que tem
vergonha seja do que for”.
Nesta música, reflecte-se aquilo que
definem como “nova saudade”. Ouçamos
Pedro Coquenão, filho de portugueses
nascido em Angola, no Huambo:
“Já não é a saudade da vida
Martini Bianco dos anos 60 e 70, mas
uma saudade da própria terra, só possível
para aqueles que estão afastados”.
Escutemos Luaty Beirão, angolano
que viveu anos fora: “Os primei-

Música
Da esquerda
para a direita:
Beat Laden,
Ikonoklasta,
Sacerdote e DJ
Mpula
CATARINA LIMÃO
ros 17 anos da minha vida foram
passados num perímetro de catorze
metros quadrados. Tudo à volta era
guerra. Daí nasce aquele complexo de
ignorar o que está à volta, de olhar
para fora e querer imitar. Só quando
se sai, quando se ganha noção de uma
identidade é que surge a necessidade
de resgatar o que antes ignorávamos”.
Mas Batida não é apenas saudade.
Utiliza-se a música como espelho
de um tempo e são convocados Sacerdote,
Maskarado e Dama Ivone, directamente
da Sambila, ou Bob da Rage
Sense, rapper angolano radicado em
Portugal, para dar voz às novas canções.
Alarga-se o ritmo para além do
kuduro – recolhem-se baixos gordos
no kwaito sul-africano e não se perde
de vista o Congo que, dir-nos-á Coquenão,
“tem com Angola uma comunicação
que flui como sangue” - e transforma-se
um disco chamado “Dance
Mwangolé” numa explosão musical
com vidas dentro: entre temas, ouvem-se
depoimentos recolhidos nas
ruas, vozes de veteranos com estilhaços
de guerra, excertos do DJs incentivando
à compra de “Batidas”, as
compilações de kuduro distribuídas
e vendidas em cd pirata pelas ruas.
Depois dos Buraka Som Sistema terem
legitimado o desconsiderado kuduro,
estes Batida trabalham-no como algo
mais selvagem, como emanação das
ruas e da sua história.
Dançando
pela mudança
Chamam “batidas” às
compilações pirata de kuduro
que saem dos subúrbios
de Luanda para a cidade.
Foi a vender “batidas” num
concerto de MC Kapa no Elinga
Teatro, sede do grupo teatral
homónimo, com história longa
de duas décadas, que Luaty
Beirão e Pedro Coquenão
conheceram Sacerdote,
voz de destaque em “Dance
Mangwolé”.
Coquenão compara o Elinga
à lisboeta Galeria Zé dos Bois,
descrevendo o ambiente que
nele se vive como “terapia
colectiva”. Nos concertos,
como aquele de MC Kapa, “está
público que sabe as letras e
que grita palavras de ordem
políticas, sem conotação
partidária, reclamando uma
Angola melhor”. Na sua
maioria, aponta Luaty, aquele
é formado por pessoas que,
tal como ele, “cresceram
favorecidas, com acesso a
coisas vedadas a 92 por cento
da população angolana”: a
informação ou a possibilidade
de estudar fora do país.
Sacerdote tal como MC Kapa
não cresceram com as mesmas
condições: “encontram ali o
único momento da semana, do
mês ou do trimestre em que
convivem com almas gémeas
no seu percurso de revolta, na
exigência de fazer de Angola
um país melhor”.
Por cada Conjunto
Ngonguenha ou Nástio
Mosquito (músico, escritor,
poeta, artista multimédia)
existe um MC Kapa ou um
Sacerdote. Dois contextos que
se unem nos mesmos anseios.
Sobre isso escreveu Marta
Lança no Ípsilon de 6 de Julho
Chamam “batidas”
às compilações
pirata de kuduro
que saem dos
subúrbios de Luanda
para a cidade
de 2007, quando mergulhou
na cena hip hop local para
concluir “Luanda está a
mexer”.
Batida, fazendo a ponte
entre criadores angolanos
e portugueses que sentem
Angola próxima, é
inspiradíssima prova disso.
Num país onde a guerra já é
passado mas continua a ter
marca no presente, olha-se
em frente e há quem exija
mudança. A Batida fá-lo
celebrando, dançando o que
existe. No ritmo contagiante,
celebratório. No homem que
ouvimos, humor incisivo,
exclamar algures: “Cheguei
à conclusão que em Angola
o dinheiro corrompe a lei.
A conclusão é vossa, o
importante é que já falei”. M.L.
FAZUMA
Chamam
“batidas” às
compilações
pirata de
kuduro que
saem dos
subúrbios
de Luanda
para a cidade
FAZUMA
13

A dança da bazuka
Estamos em Lisboa, numa esplanada
do Martim Moniz. Partilhamos uma
mesa com Pedro Coquenão e Luaty
Beirão. São, respectivamente, o primeiro
impulsionador de Batida (juntamente
com Beat Laden) e o “conspirador”
que se juntaria ao projecto
pouco depois. Coquenão, juntamente
com António Fazuma, é um dos
fundadores da Rádio Fazuma. Inicialmente
um projecto radiofónico dedicado
ao reggae e às músicas de influência
africana, tornou-se uma plataforma
que não se limita a divulgar:
14
apoia edições e cria a sua intervenção.
É deles o documentário “É Dreda Ser
Angolano” (2007), que viajava pelo
quotidiano de Luanda ao som de um
programa de rádio imaginário que
nos revelou nomes como MC Kapa,
representante da nova face do hip
hop angolano. Interventivo, com
olhar lúcido e clínico, MC Kapa é autor
de “Atrás do prejuízo”, obra-prima
da música angolana recente e da música
cantada em português.
Já Luaty Beirão é membro do Conjunto
Ngonguenha, cujo álbum,
“Ngonguenhação” (2004), represen-
tou um decisivo momento de viragem.
A sua premissa era criar um rap angolano,
resgatando para as rimas as peculiaridades
do português angolano
e para a música uma história feita de
Bonga, Waldemar Bastos ou Carlos
Lamartine. Naturalmente, não há
coincidências: foi ao ouvir “Ngonguenhação”
que os membros da Rádio
Fazuma decidiram encarregar Luaty
de filmar a Luanda da actualidade, daí
resultando “É Dreda Ser Angolano” - e
Condutor, o produtor do Ngonguenha,
seria depois um dos fundadores
dos Buraka Som Sistema.
No final de 2007, Pedro Coquenão,
responsável pelo programa “Batida”,
no ar na Antena 3, pegou na “Bazuka”,
dos Águias Reais, e trabalhoua
em ritmo kuduro. Começou a passar
a “brincadeira” no programa e mostrou-a
a Beat Laden, cujo entusiasmo
o convenceu a investir em novos cruzamentos.
Para legitimar a criação,
procuraram os detentores dos direitos
autorais da canção. Na editora, a Difference,
ouviram aquela nova “Bazuka”
e ofereceram-lhes uma proposta
irrecusável. Acesso aos arquivos
“angolanos” da Valentim de Carvalho,
para extraírem novas “bazukas”. Assim
fizeram: samples de Lancerdo ou
dos Cabinda Ritmos originaram temas
como “Puxa” ou o “Tribalismo” rappado
por Sacerdote, canções como
“N’Congo jami”, de Carlos Lamartine,
ou “Nufeko disole”, de Brás Firmino,
foram alvo de remistura.
Em diálogo transfronteiriço, criaram
algo novo. Enviaram as produções
para Maskarado e Sacerdote,
em Luanda, e eles, pouco
familiarizados com a “inclusão
de elementos tradicionais
no kuduro”, estranharam
primeiro, entusiasmaram-se
em seguida.
Descobriram uma familiaridade entre
duas músicas de dança separadas por
décadas: “ambas vivem da repetição
da percussão, algo essencial na música
africana”, explica Coquenão.
Acrescenta outro dado: “o ‘Bazuka’
original, dos Águias Reais, tem 136
bpm [batidas por minuto], o kuduro
original 135”. Ou seja, quando o kuduro
surgiu, na década de 90, estava
“lento” em relação ao semba da de
1960.
Depois dos Buraka
Som Sistema terem
legitimado perante
Portugal e no mundo
o outrora
desconsiderado
kuduro, estes Batida
trabalham-no como
algo mais selvagem,
como emanação das
ruas e da sua história
MC Kapa, a nova face do hip hop angolano,
autor de “Atrás do prejuízo”, obra-prima
da música angolana recente e da música
cantada em português
“Dance Mwangolé”, termo da autoria
de Sebem, precursor do kuduro,
descreve qualquer tipo de música
electrónica feita por angolanos. “Dance
Mwangolé”, o disco desta Batida
que agora ouvimos, é mais que isso.
A partir de Portugal, reenquadra a
História e a diversidade da música
angolana. Como dizem os seus autores,
só seria possível criá-lo aqui, mas
o seu centro é Luanda, capital onde
convive gente de todas as províncias
e onde a música reflecte essa diversidade.
No seu formato, onde as canções
se misturam com voz da rua,
reflecte-se a dinâmica de uma cidade
que se redescobre a si mesma e se
abre ao mundo.
Luaty: “Este disco nunca vai dar o
complexo espectro do que é o país,
mas oferece bastante para essa compreensão”.
Estão lá as memórias do
“fungi de Sábado” e dos “domingos
a jogar à bola” de Bob da Rage Sense
e o “kota e a sua orquestra alcoólica”
apresentados por Luaty (aka Ikonoklasta).
Estão lá as guitarras bailarinas
do semba e o ritmo convulsivo
do kuduro. Está lá a euforia que “Bazuka”
provoca e o que ouvimos logo
a seguir, na voz arrastada de alguém
não identificado: “Tenho dois estilhaços
de guerra, um na cabeça e
outro ali. De guerra mesmo. Só era
isso”.
Luaty Beirão: “Temos sempre um
elemento subversivo; é a missão do
artista”. Pedro Coquenão: “Ao fazermos
um disco inspirado nesta música
e nesta realidade, há um lado cool,
estimulante que se instala. Mas depois
algo toma esse lugar. É quando percebes
que estás a representar mais
que isso [a música]”. E Batida representa.
Ver crítica de discos págs, 31 e segs.
CATARINA LIMÃO

ENRIC VIVES-RUBIO
São a banda que David Lynch fez questão
de ter na banda sonora do seu casamento
com Emily Stofle, em Fevereiro
deste ano, e na apresentação do
seu livro “Catching the Big Fish”, em
Janeiro de 2007. “Atrai-me a melancolia
das canções das Au Revoir Simone
– uma melancolia alegre. [As canções]
Têm a ver com os sonhos e os amores
delas, mas são maiores do que a vida
delas”, explicou, em Maio, ao jornal
britânico “Telegraph”.
O cineasta não está sozinho: os três
discos do trio de Brooklyn, Nova Iorque,
tornaram-se objecto de devoção
de muita gente. Actuam amanhã na
Casa da Música (numa noite partilhada
com outra banda de mulheres, as
Slits), com um álbum, o terceiro da
discografia, ainda fresco para apresentar,
“Still Night, Still Light”, editado
em Maio.
David Lynch “é um génio”, diz Annie
Hart (teclas e vozes), com evidente
orgulho, ao telefone com o Ípsilon
a partir de um quarto de hotel na Suíça.
Tem uma voz suave e um discurso
com algumas hesitações, disfarçadas
pelo riso fácil - condiz com a imagem
de meninas tímidas, bonitas e
bem comportadas que transmitem na
sua música (pop melancólica feita
apenas com teclados, uma caixa de
ritmos e as vozes das três) e fotografias
promocionais. “Ele começou da
mesma forma que nós: sem querer
saber se as pessoas conheciam a arte
dele. [Fazer filmes] Era algo que ele
precisava de fazer”.
As Au Revoir Simone nasceram em
2003 numa viagem de comboio em
que as três perceberam que tinham
um desejo em comum: fazer uma banda
de teclados. A relação com estes
instrumentos já vem de longe. “Tinha
oito ou nove anos e recebi um Casio
pequeno como presente de natal. Há
pouco tempo comprei um novo e é
óptimo”, recorda Hart. Esse Casio SK1,
em que “tocava horas a fio”, ocupavalhe
parte dos dias da estudante. “Tinha
aulas em casa, logo tinha imenso
tempo livre e tocava o dia inteiro. Ainda
estou muito surpreendida que as
pessoas gostem de ouvir as canções
que escrevo para me divertir”.
Depois disso, já no liceu, Annie encontrou
na cena punk-hardcore a
companhia que lhe faltava – ninguém
diria, agora que a vemos entretida em
melodias melancólicas e em adoráveis
sessões fotográficas, que fosse uma
frequentadora dos concertos da cena
de Long Island, em Nova Iorque. “Fiz
uma fanzine [revista artesanal]. Escrevia
sobre ser vegetariano, assuntos
ecológicos, política, coisas dessas”,
lembra. Não tocava em nenhuma banda,
só na “marching band” da escola.
David Lynch
teve as Au
Revoir Simone
no seu
casamento
“Quando entrei na cena hardcore fiquei
muito excitada porque descobri
que havia um grande grupo de pessoas
e uma cultura que acreditavam
nas mesmas coisas que eu: o ambiente,
o vegetarianismo, a política, estar
envolvido com a comunidade”.
Na faculdade, vieram os Pixies, os
Yo La Tengo e outros grupos da cena
indie rock dos anos 1980 e 1990. Essas
bandas, mas sobretudo os Modest
Mouse (cujo disco de estreia, de 1996,
ouvia “quatro vezes por dia durante
dois anos”), “tiveram um grande impacto”
na forma como Annie pensava
em fazer música.
Amor pelos teclados
Desses grupos indie, as Au Revoir Simone
conservam o “entrelaçar” de
melodias (já não de guitarras, mas de
teclados), diz Annie. Mas o espírito
indie está, dizemos nós, sobretudo,
na aura que as três transmitem, com
aquele ar de meninas de biblioteca –
não é pose, pelo menos no que toca
Música
a Hart, que trabalhou anos em bibliotecas
e numa livraria - e a timidez como
estado natural.
Com as Au Revoir Simone, cada
disco parece uma continuação do disco
anterior, um aprimoramento da
mesma caixinha de música. “Algumas
bandas fazem um terceiro álbum; outras
fazem antes um terceiro refinamento
‘do álbum’”, definiu bem o
jornal “The Boston Phoenix”. “Still
Night, Still Light” lembra o embalo
“kraut” das Electrelane em “Knight
Wands”, traz uma hipotética versão
indie dos Abba (“Another Likely
Story), uma delícia de sintetizadores
borbulhantes (“Shadows”) e mais coisas
boas, sempre com as teclas como
rainhas e senhoras.
“Still Night, Still Light” foi sendo
feito ao longo de quatro meses, entre
os apartamentos dos membros e alguns
estúdios profissionais. Perseguindo
o trio, Thom Monahan (que
trabalhou com gente como os Vetiver
e Devendra Banhart) ia gravando as
A fixação pelos teclados
levou-as até a uma
empresa de música
para anúncios à
procura de
instrumentos antigos.
“Havia cinco teclados
antigos, órgãos e sintetizadores.
Estivemos
num escritório durante
duas semanas, íamos
almoçar com os
trabalhadores”, lembra
Annie Hart, a rir-se
As Au Revoir
Simone nasceram
em 2003
numa viagem
de comboio
em que as três
perceberam
que tinham
um desejo em
comum: fazer
uma banda
de teclados
várias camadas de teclados, vozes e
ritmos. “Queríamos alguém que fizesse
a nossa música soar menos electrónica
e mais humana. Queríamos
trabalhar com Thom e acabámos por
descobrir que ele queria trabalhar
connosco porque adora teclados, música
electrónica e coisas minimais,
como os Suicide, a Kate Bush... Ele foi
excelente: no passado sabíamos como
queríamos que as nossas canções soassem,
mas não como lá chegar. O
Thom sabia como pôr as canções a
soar da forma como a descrevíamos”.
A fixação pelos teclados levou-as
até a uma empresa de música para
anúncios à procura de instrumentos
antigos. “Havia cinco teclados antigos,
órgãos e sintetizadores. Estivemos
num escritório durante duas semanas,
íamos almoçar com os trabalhadores”,
lembra Annie, a rir-se.
Ver agenda de concertos págs. 33
e segs.
Au Revoir Simone,
as meninas da caixinha de música
Têm nos teclados objectos de culto. Curioso destino
para um trio a que pertence uma ex-frequentadora
de concertos hardcore. Actuam amanhã na Casa da
Música e segunda-feira na Aula Magna. Pedro Rios
15

No século passado, nos idos de 30 e
40, Hollywood descobriu um filão nos
filmes de capa e espada. Entre todos
os actores que se dedicaram à nobre
arte de fazer de conta que sabiam espadachar,
o mais importante foi Errol
Flynn, tão galã na tela como conquistador
inveterado em terra. Deixou
para a posteridade uma frase que resume
não só a sua vida como a vida
idealizada de boa parte do género
masculino: “Gosto do meu uísque velho
e das minhas mulheres novas”.
Assim.
Mais de 60 anos depois ficamos
surpreendidos ao ouvi-la reformulada
ao telefone. Do outro lado da
linha vem a seguinte frase: “Gosto
de música antiga”. Segue-se uma
pausa e depois o remate: “Mas gosto
de fazer amor com mulheres mais
novas”.
Quem o diz é Nicolas Godin, metade
do duo francês Air que em 1998
tomou de assalto a indústria com
“Moon Safari”, disco retro-futurista,
repleto de órgãos que nos anos 60
eram usados pelas crianças para brincar,
repleto de caixas de ritmo, melodias
preguiçosas, linhas de sintetizador
roubadas a bandas-sonoras de
séries de televisão sci-fi.
Os Air tinham pegado em tudo o
que havia sido considerado futurista
e haviam-no tornado nostálgico e terno.
Havia um óbvio charme naquela
música, mas não se pode designá-la
por romântica. Quando muito o termo
poderia ser aplicado ao amor quase
infantil que o duo devotava a instrumentos
esquecidos nos sotãos dos
pais. O
E é por isso que a frase de Godin
causa surpresa, mesmo que ele a acabe
a rir-se. Porque não os tomamos
por conquistadores inveterados, debochados
profissionais, desencaminhadores
de adolescentes como Flynn
era. Mas aos 39 anos o solteiro Godin
está à vontade para dizer o que pensa.
Quando lhe perguntamos se os Air se
vão tornar uma banda de culto ou se
acha que ainda têm hipóteses de crescer,
ele não hesita: “Não faço ideia
porque tentamos o mais que podemos
ser ‘outsiders’”. Insistimos e especificamos:
que lugar têm hoje os
Air na indústria, ou que lugar hão-de
ter neste momento de crise de vendas
de discos? Volta a não ter hesitações:
“Não sei que lugar temos na indústria
– de preferência quero distância de
tudo isso”.
Isto pode soar estranho numa banda
que assina por uma editora grande,
mas acaba por fazer sentido se pensarmos
que há muito que a imagem
dos Air deixou de estar associada à
inovação, ao topo da experiência pop,
à próxima grande onda que convém
apanhar, para estar identificada com
uma pop quase clássica. Godin, aliás,
di-lo de forma explícita: “Estou desadequado
em relação ao mundo de
hoje”. Não há amargura na voz do
homem, o que lhe dá o tal tom romântico
que nunca nos tinha ocorrido
16
que
Música
Nunca mais, desde a estreia, voltaram a ter um êxito
inapelável. Mas em “Love 2” voltam a conseguir canções
imediatas. E ao mesmo tempo fazem meio disco
experimental e inventivo. João Bonifácio
atribuir-lhes. Continua:
“O que eu faço não se adequa
ao mundo de hoje. Sou muito ‘oldschool’,
gosto de músicos velhos, gosto
de música antiga”. É então que
acrescenta “Mas gosto de fazer amor
com mulheres mais novas”.
Um disco de músicos
A ideia de desadequação faz sentido:
há dez anos os Air eram a banda-sonora
dos miúdos hip, hoje é M.I.A..
Não há competição para um velho de
39 anos. Além disso, desde a estreia
os Air nunca mais voltaram a ter um
êxito monumental: “10,000 HZ”, o
segundo disco (2001), foi mais ou menos
rejeitado por público e crítica: era
demasiado cerebral, demasiado produzido,
demasiado atreito a experiências.
“Talkie Walkie” (2004) e “Pocket
Simphony” recuperaram a vertente
pop deixando o lado mais
experimental de fora, mas não venderam
como o primeiro – e não conseguiam
alcançar a imediatez da estreia.
Nestas condições podia esperar-se
que “Love 2” fosse uma tentativa de
fazer canções directas. Mas não: pelo
menos metade das canções têm várias
partes diferentes, por vezes no fim
estendem-se em jams,
há pilhagens a Bollywood, desconstrução
de ritmos africanos, proto-westerns.
O curioso é que nessa
óptima metade os Air continuam a
soar a Air, apenas menos betinhos.
Dir-se-ia que deixaram de tomar morfina
antes de comer – passaram para
o Valium, que dá sono, mas menos.
É um cortar com o passado, mas
Godin não gosta de falar disso. Diz
que nunca volta a ouvir os discos depois
de acabados. “Gosto de fazê-los,
gosto do processo, gosto das canções
na altura, mas não tenho prazer nenhum
quando volto a ouvi-los”. Ainda
assim admite fazer uma pequena

Com “Love
2” foi tudo
rápido:
é o primeiro
disco dos Air
lançado em
menos de três
anos depois
do anterior
Quando lhe
perguntamos se os
Air se vão tornar
uma banda de culto
ou se acha que ainda
têm hipóteses de
crescer, Nicolas
Godin não hesita:
“Não faço ideia
porque tentamos
o mais que podemos
ser ‘outsiders’”
comparação com a obra feita e lá vai
dizendo que “10000 Hz” era “um disco
de produtor”, e “foi sobre-produzido”,
que os restantes eram “discos
de canções” em que não sentiam
“obrigação de fazer canções canónicas”,
enquanto “este é um disco de
músicos”. Para provar a afirmação faz
ver que tocaram “tudo no estúdio”
em “regime jam”. “Vamos todos os
dias para o estúdio às 15 e saímos às
21. Encontramo-nos cara a cara, é tudo
feito ali, no osso, sem planos, apenas
com improviso”.
O estúdio, localizado em Paris, onde
os Air vivem, está na posse da dupla
“apenas há ano e meio”. Normalmente
compõem e depois demoram
“seis meses a gravar”. Agora foi tudo
mais rápido: é o primeiro disco dos
Air lançado em menos de três anos
depois do anterior. E tudo aconteceu
com menos dose de planeamento do
que era costume: “Primeiro tínhamos
uma ideia do que íamos fazer e depois
as canções vinham depressa. Conhecemo-nos
bem, conhecemos bem os
instrumentos: uma ideia tornava-se
numa canção em segundos”.
Fizeram tudo entre eles e um baterista,
e sentiam “uma liberdade enorme”.
Pelo que, depois de fazerem
tudo certinho, divertiram-se a escavar:
“Neste disco há canções que têm
partes muito diferentes porque quando
uma canção estava acabada apetecia-nos
adicionar-lhe uma coda
completamente diferente ou uma parte
nova que não fosse óbvia”. Godin
diz que pareciam “crianças no jardimescola
com os brinquedos”.
Não há – novamente – uma canção
tão óbvia como “Sexy Boy”. E, muto
possivelmente, não voltará a haver
coisa assim na carreira dos Air. Mas
há um punhado de canções que se
não deixarem um tremendo sorriso
nos lábios à primeira, à segunda poem
ombros a menear, pezinhos a bater
e ancas a desencaminhar-se. Em
particular a magnífica “Eat my beat”,
que se aproxima do funk, do disco,
de uma Bollywood imaginária.
“Disco? Não, não”, nega Godin, verdadeiramente
surpreso. É picuinhas:
“Um pouco de funk, sim”. Mas a terceira
parte da receita está correcta:
“Houve um certo roubo em BSOs de
Blaxpoitation e andámos a ouvir muita
música indiana de cinema. Somos
grandes fãs de alguns compositores”.
Lá pelo meio ouve-se uma cítara.
Godin explica que não é uma cítara,
é uma emulação do som desta feita
num órgão antigo. Depois desata a
falar do órgão com visível prazer, o
que prova que nunca poderá ser Erroll
Flynn: é demasiado “geek” para
isso.
Nessa metade mais avariada as vozes,
que nunca foram primordiais nos
Air, são tratadas de forma ainda menos
canónica: quando surgem é, por
norma, no final da canção, e nunca
em forma de refrão. “A voz para nós
é um instrumento como outro qualquer.
Pomo-la quando queremos, seja
a meio da canção, seja no fim, seja
uma frase, sejam duas palavras. Já é
uma marca nossa. Não ter a obrigatoriedade
de colocar vozes em todas as
canções num refrão formatado dá-nos
grande liberdade”.
Godin diz que isto é o que sempre
fizeram. E que no fundo se trata de
“desconstruir géneros”, de “retirar
[elementos]”, e reduzir ao mínimo
denominador comum. Só que o feito
“é especialmente notório no último
álbum”. Mas mais que tudo a dupla
cuidou “em não preencher demasiado
as canções, para não perderem a
frescura”. E é por isso, termina, que
“este disco foi uma benção”.
Ver crítica de discos págs. 31 e segs.
17

Música
Good morning,
this is Karlheinz Stockhausen!
Num dia de Natal um português recebeu um telefonema: “Good morning, this is Karlheinz
Stockhausen!” Pedro Amaral recorda a personalidade de um gigante do século XX.
aA Gulbenkian dá a ouvir peças do ciclo “Klang”, última obra do alemão. Cristina Fernandes
Depois de concluir o monumental
ciclo “Licht” (Luz) em 2004, com as
suas sete óperas dedicadas aos dias
da semana, Stockhausen iniciou o ciclo
“Klang” (palavra que designa som,
mas à qual se liga a ideia de timbre)
dedicado às 24 horas do dia, que ficaria
incompleto devido à sua morte em
Dezembro de 2007. A Fundação Gulbenkian
foi responsável pela encomenda
da 6.ª hora, intitulada “Schönheit”
(Beleza), que terá a sua estréia
mundial em Lisboa no dia 5 no âmbito
de uma série de concertos dedicados
ao compositor, onde se incluem
também algumas das restantes Horas
em primeira audição em Portugal.
Esta ocasião única para mergulhar no
sempre surpreendente mundo criativo
e inesperado de Stockhausen será
acompanhada por alguns filmes e
por uma conferência pelo compositor
e maestro Pedro Amaral (dia 5, às
18h), que tem dedicado parte dos seus
trabalhos teóricos à obra de Stockhausen
e que o conheceu de perto na
qualidade de assistente na edição da
partitura de “Momente”.
Pedro Amaral (n. 1972) já não se
recorda bem da primeira vez que ouviu
música de Stockhausen, mas ela
fez parte da sua vida desde muito cedo.
“Aos 15 ou 16 anos comecei a dar
aulas de iniciação musical — ainda estava
no liceu mas isso ajudava-me a
ter uma espécie de semanada — e nessa
altura costumava levar música das
óperas de Stockhausen para as aulas
e fazia com as crianças uma espécie
de dramatização”, contou ao Ípsilon.
“A reacção das crianças era fantástica,
elas são muito mais abertas, pois não
têm preconceitos e ainda não têm a
audição formatada.”
A música do compositor alemão
depressa invadiu também os programas
de Pedro Amaral na RDP – Antena
2 e viria a tornar-se objecto dos
seus trabalhos de investigação e análise
no mestrado e num doutoramento,
que dedicou a duas obras maiores:
respectivamente, “Gruppen” e “Momente”.
Curiosamente, essa escolha foi feita
18
mais por oposição do que por afinidade
no modo de encarar o acto criativo:
“Fui aluno de Emmanuel Nunes no
Conservatório Superior de Paris, que
por sua vez tinha sido aluno do Stockhausen.
Uma grande parte da técnica
do Nunes provém do Stockhausen,
mas acabei por construir a minha
técnica por oposição à do Nunes, como
um filho cuja personalidade se vai
fazendo por oposição à dos pais. Se a
minha maneira de trabalhar fosse
mais próxima do Stockhausen teria
feito a tese sobre o Boulez!”, diz.
Mas quais são as grandes diferenças
entre estes dois gigantes do século
XX? “Stockhausen partia sempre de
uma postura extremamente racionalizada.
Tal como um arquitecto, descrevia
a obra inteiramente antes de
começar a compor e descrevia-a como
se se tratasse de uma entidade
divina. Era uma visão quase demiúrgica.
O mais fascinante é que usava
sempre um esquema diferente. Eram
normas muito impositivos mas ele
tinha a capacidade de encontrar uma
liberdade espantosa dentro desse colete
de forças.”
“Ele reinventava-se
constantemente. O
que permanecia era o
gesto composicional,
essa dualidade entre
o circunscrever
racionalmente um
território e depois
ser completamente
aventuroso na
maneira de o
percorrer”
Pedro Amaral
Pedro Amaral,
que tem
dedicado
parte dos seus
trabalhos
teóricos à obra
de
Stockhausen e
que o
conheceu de
perto na
qualidade de
assistente na
edição da
partitura de
“Momente”, dá
uma
conferência
no dia 5, às 18h
A abordagem de Boulez é um bocadinho
a antítese pois não usa propriamente
um esquema mas sim um
conjunto de materiais, acordes e entidades
rítmicas. “A partir daí vai
construindo, vai tecendo a sua obra
como uma tapete”, explica Pedro
Amaral. A relação com a história também
é diferente para os dois compositores
pois Boulez “sempre viu a sua
obra como uma continuação perfeitamente
lógica da genealogia histórica”,
enquanto Stockhausen parecia
não ter a história em conta. “Ele que
no fim dos anos 40 admirava Hindemith
e Frank Martin chegou rapidamente
a um ponto, no final dos anos
50, em que estava completamente
sozinho, no sentido em que era uma
voz única. Olhava para cada projecto
JOÃO HENRIQUES
novo com uma atitude quase infantil,
como se fosse a primeira vez que estava
a compor.”
Arguto e infantil
Stockhausen manteve essa atitude até
ao fim, incluindo o ciclo “Klang”, do
qual poderemos ouvir seis peças na
Gulbenkian entre os dias 3 e 5. “Além
de serem projectos completamente

originais ele explorava exaustivamente
em cada peça as técnicas que criava,
mesmo que existisse uma família
de material constante.” Pedro Amaral
refere que, por exemplo, a peça para
duas harpas — “uma obra fabulosa”
— tem um tipo de técnica e de sonoridade
muito diferente da peça de
percussão ou da peça para órgão, onde
existe uma velocidade diferente
para a mão direita e para a mão esquerda
do organista. “Ele reinventava-se
constantemente. O que permanecia
era o gesto composicional, essa
dualidade entre o circunscrever racionalmente
um território e depois
ser completamente aventuroso na
maneira de o percorrer”
Stockhausen morreu antes de terminar
o ciclo “Klang”, mas teria deixado
instruções para deduzir algumas
das peças que faltam a partir das que
deixou inteiramente compostas, sobretudo
a partir das diferentes camadas
rítmicas e de acumulação polifónica
de “Cosmic Pulses” e do Trio
para clarinete, flauta e trompete.
Pedro Amaral conta que o próprio
compositor lhe chegou a mostrar o
manuscrito de “Schönheit”, a peça
encomendada pela Gulbenkian. “Inicialmente
era uma peça para clarinete
solo, mas depois decidiu convertêla
em trio. E dizia-me: ‘ao retrabalhar
o texto original encontrei uma maneira
de fazer loopings como nunca fiz
na vida’. Estava fascinado como uma
criança! Ele tinha esse inverosímil
equilíbrio entre uma inteligência arguta
e uma candura infantil.”
O primeiro encontro pessoal com
Stockhausen ocorreu em Amesterdão
num seminário com Peter Eotvos com
quem Pedro Amaral estudou direcção
de orquestra. “Conversámos um bocadinho
e ele falou-me dos seus projectos,
acabámos por permanecer em
contacto e começámos a trocar correspondência.
Mais tarde, quando
estava a fazer a minha tese de doutoramento,
ele abriu-me gentilmente o
seu arquivo. Ele escrevia muito, tenho
várias cartas manuscritas.”
Stockhausen ficou fascinado com
os DJs que faziam misturas com os
discos de vinil. Convidou uns quantos
para irem a sua casa. Dizia, encantado:
“não há nada assim na tradição
erudita ocidental, a sonoridade é única”
AFP
Num dia de Natal, em 2003 ou
2004, o português recebeu um telefonema:
“Good morning, this is Karlheinz
Stockhausen!” Foi uma surpresa
pois além de dos votos de bom
Natal, Stockhausen convidou Pedro
Amaral a trabalhar com ele. “Na altura
era complicado porque eu tinha
recebido um prémio de composição
e ía passar um ano em Itália, mas ele
esperou”.
A proposta era a edição de “Momente”.
“Esta portentosa obra aberta
dos anos 60 devia ter sido editada
pela Universal, mas como o tipo de
fomato da partitura coloca problemas
tremendos a editora acabou por a devolver”,
conta Pedro Amaral. “São
páginas A2 onde há aquilo a que Stockhausen
chamava fendas. Nestas
deveriam ser introduzidas pelo intérprete
partes que aparecem noutras
folhas da partitura. O meu trabalho
foi ler os manuscritos todos, e eram
muitos, centenas!, assimilar tudo o
que nas várias versões tinha sido alterado
e depois editar uma versão que
foi a realizada em 1972 e a mesma que
foi gravada em disco.”
Pedro Amaral recorda que Stockhausen
considerava “Momente” a
sua obra máxima. “Dormia com o manuscrito
numa gaveta debaixo da cama
e não queria morrer sem ver a
edição terminada. De facto ele recebeu
a partitura que nós fizemos no
dia em que faleceu. É curioso porque
se fecha um ciclo. O meu professor,
Emmanuel Nunes foi aluno de Stockhausen
quando ele estava a compor
os ‘Momente’ e eu fechei o ciclo com
a concretização da edição.”
Durante o trabalho, Pedro Amaral
instalou-se algum tempo em Kürten,
numa das casas do compositor e a relação
sempre foi de cordialidade. “Muitas
vezes telefonava-me extravagantemente
às 7h30 ou 8h da manhã. Recordo
que um dia estava em sobressalto
porque descobriu que um harpista não
consegue tocar com as duas mãos na
oitava mais grave da harpa — uma das
mãos não chega lá porque a harpa fica
ligeiramente de lado — e dizia: ‘tenho
77 anos, passei a minha vida a compor
e ignorava completamente isto, não
vem em nenhum tratado!’ Mas depois
acrescentou com uma calma admirável:
‘Ainda bem que e aconteceu, com
esta idade continuo a aprender.”
Stockhausen marcou profundamente
a atitude de uma época. “Nos anos
50 era o grande senhor da tecnologia.
Essa dimensão de descobridor e de
aventureiro valeu-lhe a fama mundial
e converteu-o numa referencia absoluta
mesmo em meios como os da
música pop. Berio orquestrou canções
do John Lennon mas os Beatles queriam
que Stockhausen aparecesse com
eles num cartaz. Havia ali um namoro
consentido de ambas as partes.” Contribuiu
também para a grande curiosidade
pelos sintetizadores. “Não vou
dizer que foi por causa do Stockhausen
que o sintetizador se desenvolveu
tanto, houve outras descobertas importantíssimas,
mas a sua atitude ao
influenciar músicos que não eram só
da vertente erudita contribuiu para
esse desenvolvimento.”
Pedro Amaral refere que o ciclo se
fechou no fim da vida. “Em determinado
momento, já no século XXI, Stockhausen
ficou fascinado com uns DJs
que faziam aquelas misturas com os
discos de vinil. Convidou uns quantos
para irem a sua casa e dizia-me encantado:
‘não há nada assim na tradição
erudita ocidental, a sonoridade
é única. O conteúdo não me interessa,
mas o que eles fazem com aquele conteúdo,
a maneira como o desfazem,
como o apresentam, como o reconstroem
é extraordinário.”
Ver agenda de concertos págs. 33 e 34
19

Encontro em Ca
O que fazem um professor de natação
e um imigrante clandestino em Calais, Norte
de França? Um prepara-se para atravessar
a Mancha a nado. O outro leva uma lição
de vida. Melodrama com a realidade a
colar-se à pele do filme. Vasco Câmara
Calais, Norte de França, na semana
passada: um acampamento de imigrantes
ilegais, na sua maioria afegãos,
foi desmantelado por forças
policiais e “bulldozers”, quase 300
pessoas detidas, metade das quais
menores – o PÚBLICO noticiou. Viviam
escondidas, durante o dia, num
bosque nos arredores da cidade portuária.
À noite, como fantasmas, espreitavam
os camiões em busca de
uma aberta, através do canal da Mancha,
para chegarem ao Reino Unido.
Viviam, então, naquilo que é conhecido
como “a selva” – um acampamento
precário, sem hierarquia, sem
lei, como outros que apareceram após
o encerramento, em 2002, de um centro
de acolhimento de imigrantes ilegais
gerido pela Cruz Vermelha em
Sangatte, próximo de Calais (o governo
francês foi pressionado pelo governo
britânico a fazê-lo, para terminar
com um chamariz para os imigrantes
ilegais que querem chegar às
terras de Sua Majestade).Os imigrantes
ainda empunharam as suas bandeiras:
“A selva é a nossa casa. Pf [por
favor] não a destruam. Se o fizerem,
para onde havemos de ir?”.
Para a oposição ao governo francês
o desmantelamento é apenas operação
de cosmética que não resolve o
verdadeiro problema nem enfrenta a
questão. Mas os governos de França
e de Inglaterra congratularam-se,
apoiando a decisão “firme” do ministro
da Imigração francês Eric Besson.
E é aí que Philippe Loiret, um ex-
“designer” de som que passou à realização,
54 anos, nos completa e se
indigna: “Ministro da Imigração, da
Integração e da Identidade Nacional...
É-me insuportável essa designação, o
que é isso da Identidade Nacional?”
E explicita os fantasmas: nessa política
“repressiva” dos imigrantes ilegais
e na legislação penal que contempla
pena de prisão para quem ajude
um clandestino, Lioret vê um lastro
comum com a forma de actuação da
“polícia francesa durante a Ocupação”.
“É, antes de tudo, um incitamento
à delação”, atira. Declarações destas
já tinham estado na origem de uma
polémica com o ministro, há seis meses,
quando “Welcome” chegou às
salas francesas. É esse filme, história
de um jovem iraquiano que quer atra-
20
Cinema
Bilal,
refugiado
iraquiano,
pede a Simon
que o ensine a
nadar – quer
chegar a
Inglaterra a
nado

alais
vessar a Mancha para se juntar à sua
noiva que vive com a família em Inglaterra,
que chega agora a Portugal.
“É a actualidade que acompanha o
filme, que se pega a ele. Não fiz um
filme com intuito político. Mas é certo
que não há coincidências [entre
aquilo que o filme conta e a realidade]”,
diz Lioret, que descobriu “o que
se está a passar na Europa” num microcosmos,
num ponto de concentração,
Calais. “Os imigrantes continuam
a chegar, a polícia continua a persegui-los,
as rusgas policiais continuam
a acontecer. Mas o que aconteceu [na
semana passada] é uma entre outras,
Os imigrantes voltarão a Calais, tudo
continuará como sempre”.
Não fez um filme com intuito político
e não faz também um documentário,
sublinha. “Uma parte do filme
pode parecer um documentário, mas
é tudo reconstituição, tudo foi feito
por nós. É um filme relativamente
caro, porque tivemos que reconstituir
tudo, Acredito na ficção, as personagens
são mais importantes para mim
do que a história. Fui a Calais à procura
de personagens. Encontrei pessoas
que me levaram a construir a
personagem do jovem, Bilal, até dos
polícias e de Simon”.
O par
É o par central de “Welcome”: Simon,
um professor de natação (Vincent
Lindon), e Bilal (Firat Ayverdi), um
jovem iraquiano que piorou a sua si-
Na política
“repressiva” dos
imigrantes ilegais e na
legislação penal que
contempla pena de
prisão para quem
ajude um clandestino,
Lioret vê um lastro
comum com a forma
de actuação da
“polícia francesa
durante a Ocupação”.
“É, antes de tudo, um
incitamento à
delação”, atira
tuação de clandestino em Calais, isto
é, isolou-se ainda mais, ao estragar
involuntariamente a fuga do seu grupo
- a sua respiração denunciou presença
humana num camião. Bilal quer
agora ter aulas de natação. Para se
preparar para o seu objectivo, chegar
a Inglaterra onde vive a noiva. E chegar
a nado...
O que une Simon a Bilal – melhor,
o que atrai o quarentão Simon para o
adolescente Bilal – é algo de misterioso.
Claro, lá está a parte de “Welcome”
em que se percebe que o casamento
de Simon acabou mas este
tenta tudo para ainda conseguir impressionar
a ex-mulher: mostrar-lhe,
por exemplo, que se preocupa com
os outros, que tem consciência - há
um significativo diálogo entre o excasal,
em que ela critica o alheamento
dele, por passar por cima do que a
História ensinou. Mas os silêncios da
personagem interpretada por Vincent
Lindon, a sombra de nostalgia que
passa nos seus olhos cansados (foi um
ex-nadador, ex-campeão), e a obsessão
de Bilal enchem essa parte do
melodrama de uma tristeza mais indefinível.
O filme aí aguenta-se numa
tensão que não esmorece. É a parte
mais obsessiva de “Welcome”, e chegamos
a dizer a Lioret que devia ser
mais monomaníaco ainda, não perder
energias nem com a situação conjugal
de Simon nem com as cenas em Inglaterra
com a família da noiva de
Bilal. Lioret não gostou da sugestão,
Um grupo de imigrantes ilegais deambula por Calais,
espreitando camiões, em busca de uma aberta para
atravessarem o Canal da Mancha
Vincent Lindon
e Philippe Lioret na rodagem
está-se a ver. “É um filme que fala da
vida, não é a história que me interessa,
são as personagens. São as personagems
que me guiam. O meu filme
é como a vida, faz-se de relações múltiplas.
Não tenho a impressão que o
filme se perca”.
A crispação esmorece quando lhe
dizemos que Lindon, actor com quem
ele criou uma relação de amizade
(“tornámo-nos próximos, falamos praticamente
todos os dias, temos projectos
comuns”), nos lembrou o sonambulismo
de Robert Mitchum. Dito
de outra forma, e não perdendo tempo
com o individual: que tal como os
actores do cinema americano clássico
Lindon não precisa de muito para
mostrar a quantidade de sentimentos
– tomada de consciência social e política,
sim, mas também olhar para um
adolescente e rever a sua própria juventude
– que tomaram conta dele.
“Fico contente, vou dizer isso a Vincent,
que também vai ficar contente.
Vincent tinha a idade ideal para compreender
o essencial das coisas. Tem
algo de muito terreno. Quanto aos silêncios...
lêncios na verdade o filme tem mui-
tos diál diálogos, mas não são explicativos.
Na TV é
que se explica tudo. O encon-
tro entre entr tr as duas personagens [o pro-
fessor de d natação e o clandestino] ti-
nha de d ser mesmo um encontro. A
partir parti do momento em que Simon
vê Bilal, B ele deixa de ser uma abstracção.
trac Os imigrantes ilegais estão
nos jornais, vêmo-los na televisão,
mas não os vemos. Bilal, personagem
gem com uma energia incrível, dá
uma lição de vida a Simon”.
Ver crítica crít ít de filme págs. 35 e segs
MUSEU DO ORIENTE
21

Percy
Fawcett,
o último
grande
enfeitiçado
pelo mito da
civilização
perdida na
Amazónia
Afinal,
o Eldorado
existia mesmo
Descobrir a personagem que foi o coronel Fawcett,
o último grande explorador romântico da Amazónia,
leva-nos numa aventura que é ao mesmo tempo
literatura de viagens de arrepiar e descoberta
do mais recente pensamento sobre a América
pré-colombiana. Clara Barata
Afinal, o Eldorado existe.
Mas em vez de ser de ouro
resplandecente está coberto
pelo verde da floresta do
Parque Natural do Xingu, no
Brasil, e só começou a ser visível
na última década, graças às novas
tecnologias que permitem estudar
a Terra a partir do céu com um pormenor
nunca antes imaginado. Se o
coronel Percy Fawcett soubesse disto,
ele que foi o último grande enfeitiçado
pelo mito da civilização perdida
na Amazónia. talvez não tivesse desaparecido,
sem deixar rasto, em
1925, no inferno verde em que tinha
aprendido a viver quase tão bem como
um demónio nativo.
O nome se calhar não lhe diz nada.
Mas Fawcett foi um dos últimos grandes
exploradores do século XX, não
do Pólo Norte ou do Pólo Sul, ou dos
desertos de areias escaldantes, mas
da floresta mais cerrada da Amazónia
– primeiro, com a missão de cartografar
fronteiras entre a Bolívia e outros
países, seguindo o curso de rios tributários
do Amazonas, o maior em
termos de caudal do planeta, para a
Royal Geographic Society britânica.
Depois, como entusiasta da antropo-
logia, ciência que dava os primeiros
passos no início do século. Ele era um
misto de visionário iluminado, com
ideias à frente do seu tempo, e de visionário
apenas, obcecado com o sonho
de descobrir no século XX as
enormes e ricas cidades de que falavam
os “conquistadores” espanhóis
que primeiro puseram pé nas Américas.
As aventuras na selva de Fawcett,
amigo de Arthur Conan Doyle, serviram
de inspiração para a história deste,
“O Mundo Perdido” (1912), em que
num planalto inexplorado da América
do Sul se encontra um local onde os
dinossauros sobreviveram. É na sua
vida (sobretudo nos seus diários de
expedição) que se baseia “A Cidade
Perdida de Z”, do jornalista da revista
“New Yorker” David Grann. Concentra-se
em Fawcett, o último dos intrépidos
exploradores vitorianos (um
bocadinho já fora do seu tempo), e na
sua demanda por “Z”, como ele intrigantemente
chamava ao que outros
antes dele chamavam Eldorado.
Enfeitiçado pela selva
Fawcett não estava cego pela busca
de ouro, como os espanhóis que fo-
As descobertas
dos últimos dez
a 20 anos fizeram
mudar a forma como
os arqueólogos olham
para a Amazónia –
não uma floresta
intocada pelo homem,
mas um “habitat” por
ele modificado, com
estradas, caminhos
elevados e pontes,
canais e até tanques
de aquacultura
Livros
Os cuicuro
num dos seus
rituais mais
sagrados,
em honra
dos mortos

am dos primeiros europeus a pisar
o Novo Mundo. Ele tinha era sido enfeitiçado
pela selva, um inferno verde
de onde conseguia escapar sempre
sem grandes doenças - e como são
fantásticas essas doenças, desde vermes
que crescem incessantemente
dentro do corpo e espreitam por feridas
que não saram nunca, a febres
várias, passando por abelhas microscópicas
que são atraídas pela humidade
dos olhos. Enfim, pelo menos
um dos círculos do Inferno podia ficar
preenchido apenas pelos insectos que
povoam o mundo fechado e verde da
floresta amazónica, de onde nem se
vê o Sol, por ser tão cerrada a vegetação.
Como é que ali poderia alguma
vez ter havido civilizações que se comparassem
às dos incas, no topo dos
Andes? Nunca naquela terra cheia de
vida mas ao mesmo tempo tão hostil
à vida se poderia imaginar que tivesse
havido civilização complexa, com
milhões de habitantes, algo semelhante
ao que relataram os primeiros “conquistadores”
espanhóis.
Pelo menos era isso que se pensava
no início do século XX, e que se continuou
a pensar até há pelo menos 30
a 40 anos. Descobertas permitidas
graças a avanços na tecnologia – sobretudo
as que transportaram os
olhos do homem para o céu, e outros
truques para além dos sentidos humanos,
como os radares inventados
com a II Guerra Mundial, ou o Sistema
de Posicionamento Global (GPS).
Só na última parte do livro de Grann
chegamos a perceber que a procura
de Fawcett, afinal, se tornou hoje um
tema de investigação científica – uma
busca de provas concretas de que a
civilização amazónica pré-colombiana
existiu mesmo. E não era apenas
uma cidade, era um complexo de cidades
e outras povoações mais pequenas,
organizadas em torno de praças
redondas e ligadas por estradas muito
direitas e seguindo orientações
astronómicas, como as dos equinócios,
e pontos cardeais.
Quem lhe conta, em páginas demasiado
breves, o que a ciência descobriu,
vigando as teorias do desaparecido
Fawcett (e outros), foi o arqueólogo
Michael Heckenberger, da
Universidade da Florida, adoptado
pelos índios cuicuro. Quando Grann
o encontrou, o arqueólogo vivia com
os índios há 13 anos – tanto tempo que
já tinha a sua própria cubata numa
aldeia do Parque Indígena do Xingu,
no norte do Brasil. Heckenberger poderia
lembrar o coronel Kurtz do filme
“Apocalyse Now”, de Coppola,
mas é um cientista a sério, com publicações
nas mais respeitadas revistas
científicas, onde relata as descobertas
que tem feito na selva ao longo
da última década.
Em 1492, quando Colombo chegou
à América, o que encontrou foi uma
O arqueólogo Michael
Heckenberger, adoptado pelos
cuicuro - Gram encontrou-o,
vivia ele há 13 anos com os
índios, na sua demanda pelos
caminhos de Fawcett
floresta virgem ou um parque cultivado,
ajeitado às necessidades dos
milhões de pessoas que lá viviam –
esse era o título de um artigo que Heckenberger
publicou em 2003, na
revista “Science”. Ele defende a segunda
hipótese, e tem provas para o
demonstrar, que aliás mostrou a
Grann, quando o nova-iorquino quarentão
que nunca tinha sequer acampado
foi para a selva, na zona de Mato
Grosso, tentando desvendar o mistério
do que terá levado ao
desaparecimento de Fawcett.
“Começou a caminhar outra vez
pela floresta, apontando o que era,
claramente, os restos de uma enorme
paisagem feita pelo homem”, relata
Grann, depois de Heckenberger o ter
feito ver um desnível que afinal era
um fosso “de há cerca de 900 anos”,
um lugar que parecia “ser um fosso
dentro do fosso” e na verdade era onde
ficava uma paliçada que rodeava
a povoação, ali ao pé da aldeia cuicuro
onde ainda hoje vivem índios.
Floresta urbanizada
“Havia uma praça circular gigantesca
onde a vegetação tinha carácter diferente
da do resto da floresta, porque
outrora tinha sido limpa. E tinha havido
uma zona de habitações dispersas,
como se provava por um solo
preto ainda mais denso que fora enriquecido
pelo lixo decomposto pelos
dejectos humanos” (pág. 308). Em
poucas linhas, Grann fala da “terra
preta” tão diferente do solo empobrecido
de grande parte da floresta, e que
tem sinais claros de ter sido produzida
pela actividade humana, descreve
as descobertas dos últimos dez a 20
anos que fizeram mudar a forma como
os arqueólogos olham para a Amazónia
– não uma floresta intocada
pelo homem, mas um “habitat” por
ele modificado, com estradas, caminhos
elevados e pontes, canais e até
tanques de aquacultura.
Pelo menos numa zona que fica algures
entre o Mato Grosso brasileiro e
Llanos de Mojos, na Bolívia, uma planície
entalada entre as montanhas dos
Andes e a floresta amazónica, onde
também há vestígios de uma ocupação
sofisticada do espaço, com montes que
podem ter servido de terras agrícolas
ou refúgios para as inundações que se
seguem ao degelo nas montanhas, na
Primavera, dizia uma reportagem publicada
em Fevereiro de 2000 também
na revista “Science”.
No ano passado, em Agosto, Heckenberger,
e uma equipa que incluía
vários cientistas brasileiros e pelo menos
um índio cuicuro, voltou a falar
das últimas descobertas feitas na zona
onde Fawcett tinha a certeza de que
encontraria a sua misteriosa “Z”. O
conceito que introduzem os arqueólogos
e outros cientistas essenciais
para esta investigação, que inclui até
A procura de Fawcett
tornou-se hoje tema
de investigação
científica – uma busca
de provas concretas
de que a civilização
amazónica précolombiana
existiu
mesmo. E não era
apenas uma cidade,
era um complexo
de cidades e outras
povoações mais
pequenas,
organizadas em torno
de praças redondas e
ligadas por estradas
muito direitas e
seguindo orientações
astronómicas, como
as dos equinócios,
e pontos cardeais
satélites, é o de que a Amazónia antes
de Colombo era uma “floresta urbanizada”,
uma paisagem modificada
pela acção do homem, que escolheu
umas plantas sobre outras, e onde
podem ter sido domesticadas espécies
que ainda hoje fazem parte da
alimentação básica dos que ali vivem,
como a mandioca.
“Quando eu e a minha equipa começámos
a cartografar tudo, descobrimos
que nada era feito por acidente.
Todos estes povoados eram instalados
segundo um plano complicado,
com um sentido de engenharia e matemática
que rivalizava com tudo o
que estava a acontecer em grande
parte da Europa do tempo” (pág.
309), disse o arqueólogo da Universidade
da Florida ao jornalista que via
“Z” surgir da floresta. “Gostavam de
ter belas estradas e praças e pontes.
Os seus monumentos não eram pirâmides,
razão pela qual foram tão difíceis
de encontrar; eram características
horizontais. Mas não eram menos
extraordinários.” (pág. 310).
Foi só no fim da sua viagem pelas
aventuras e muitas desgraças das missões
de Fawcett – e dos aventureiros
que se propuseram ir para a selva para
descobrir o que lhe teria acontecido,
a ele, ao filho e ao amigo do filho,
em 1925 – que David Grann descobriu
que “Z”, afinal, estava hoje a ser descoberta
por muitos cientistas, aos
bocadinhos, com o recurso a meios
aéreos que no tempo de Fawcett eram
praticamente impossíveis e tecnologias
como radares que penetram o
solo para descobrir o que está por
debaixo da terra, sensores remotos
para detectar campos magnéticos no
solo, fotografias de satélite e tantas,
tantas outras coisas para além dos
pedaços de cerâmica que Fawcett descobria
por toda a parte na selva, onde
viviam as tribos que não tinham sido
ainda aculturadas e destruídas pelo
contacto com os brancos.
“Durante um momento, consegui
ver esse mundo desaparecido como
se estivesse à minha frente Z”, confessa
Grann.
Ver crítica de livros págs. 26 e segs.
23

Livros
Top Bulhosa lhosa
Livreiros os
Nacional al
Ficção
1
2
3
4
5
1
2
3
4
5
2666
Roberto Bolaño
Quetzal
Os Anagramas de Varsóvia
Richard Zimler
Oceanos
No teu Deserto
Miguel Sousa Tavares
Oficina do Livro
Jesusalém
Mia Couto
Caminho
Os Homens
que Odeiam as Mulheres
Stieg Larsson
Oceanos
Não-Ficção
Portugal Que Futuro?
Medina Carreira
e Eduardo Dâmaso
Objectiva
José Sócrates - O Homem
e o Líder (Biografia
não Autorizada)
Rui Costa Pinto
Exclusivo Edições
A Vida é um Minuto
Judite Sousa
Oficina do Livro
O Dever do Bom Nome
Filipe Pinhal
Bnomics
Um Mundo sem Regras
Amin Maalouf
Difel
24
MATHIEU BOURGOIS
BOURGOIS
Edição
Viagens
Entre fedor
e perfume
Um livro escrito na primeira
pessoa por uma repórter, um
livro que visa demonstrar “in
actu” que a vida de repórter
não é para meninas. Mais a
mais no Afeganistão, terra
de homens (e mulheres…) de
barba rija.
Osvaldo Manuel Silvestre
Caderno Afegão
Alexandra Lucas Coelho
Tinta da China
mmmmn
As edições 70 lançaram
esta semana uma nova
chancela, a Minotauro,
onde está a ser publicada
uma colecção de
autores espanhóis
contemporâneos com
design próprio e edição
em capa dura. Os três
primeiros autores a
chegar às livrarias são:
Álvaro Pombo, com
“Contra-natura” (sobre a
relação entre um editor
“Caderno
Afegão”, segundo
livro de Alexandra
Lucas Coelho
(ALC), sai naquela
que é de
momento a
colecção de
referência de
“literatura de viagens” no nosso
panorama editorial, com o cuidado
de fabrico que distingue editora
(Tinta da China) e colecção (capa
dura, ilustração com motivo de
inspiração vagamente “persa”,
fitilho). Sendo ALC jornalista, o
título sugere o bloco-notas do
trabalho de terreno, mas ao mesmo
tempo, por “efeito de colecção”, o
diário em que um sujeito não
sujeitado à rigidez dos códigos da
reportagem se nos dá a ver em grau
variável de impudor – e podemos
chamar a isto “literatura”. Assim, na
p. 277 lemos: “o sol queima e
apareceu-me o período”. Não há
muito disto, desenganem-se os
leitores ávidos de intimidades. O que
há, sim, é um livro escrito na
primeira pessoa por uma repórter,
um livro que, dir-se-ia, visa
demonstrar “in actu” que a vida de
repórter não é para meninas. Mais a
mais no Afeganistão, terra de
homens (e mulheres…) de barba rija.
Desde a primeira página, no
aeroporto do Dubai, ALC fala-nos
pois dos problemas da sua condição
de repórter-mulher naquela parte do
mundo: “Esqueci em Lisboa o lenço
que ia pôr quando saísse do avião.
Compro o mais discreto que
encontro” (p. 13). Se há um veio que
percorre o livro é o empenho na
descrição da vida das mulheres
afegãs, bem patente no esforço para
traduzir em tropos deceptivos a
burqa que cobre a grande maioria
delas: “sacos” ou “balões” vazios
pendurados em cabides, mulheres
que deixam de ser pessoas para
serem “volumes” (p. 83), mulheres
aposentado e um jovem
que conhece no parque);
Esther Tusquets, com
“Bingo!” (um homem de
60 anos entra num Bingo,
conhece Rosa e muda a
sua vida); Rafael Chirbes,
“Crematório” (a família, a
corrupção e a perversão
humana) e Julián
Rodríguez com “Sem
Necessidade” (passa-se
na costa portuguesa: a
morte iminente de um
Desde a primeira página, no aeroporto do Dubai,
Alexandra Lucas Coelho fala-nos dos problemas da sua condição
de repórter-mulher naquela parte do mundo, o Afeganistão
que parecem “fantasmas” (p. 203)
quando desaparecem – e
“desaparecem mesmo” (p. 216) –
dentro da burqa, e a surpresa de ver
que afinal lá dentro há uma pessoa:
“Depois levanta a burqa e aparece
uma rapariga esperta a sorrir” (p.
203).
“Tudo parece terrivelmente
errado. Errado estarmos aqui” (p.
236), diz ALC quando se depara com
a opulência dos estrangeiros na mais
cara Guest House de Cabul. O
próprio país, porém, parece uma
vasta teoria de erros e desastres, em
grande medida por ser a
demonstração prática da
impossibilidade de aprender com
“as lições da História” (ALC parece
aliás acreditar mais na possibilidade
de o passado ser “o melhor
argumento contra o presente” (p.
67) do que boa parte das histórias
que conta). Um e outro afegão
letrado afirmam que “a comunidade
internacional não leu a história do
Afeganistão. Devia ler e aprender”
(p. 229). Quanto aos afegãos, como
aprendê-la se poucos são os que
sabem ler? E assim, afegãos e
estrangeiros parecem condenados à
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
amigo faz a personagem
principal confrontar r a
sua memória). Esther er
Tusquets e Rafael
Chirbes participam dia
9, às 18h30, no debate te
Dois Protagonistas da
Literatura Espanhola la
Contemporânea ao lado
de Antonio Sáez Delgado, lgado,
no auditório do Instituto ituto
Cervantes, em Lisboa. oa.
repetição infindável do erro.
Erros e desastres vêem-se por
todo o lado. Mas sobretudo cheiramse:
Cabul é a cidade com “a maior
quantidade de matéria fecal no ar do
mundo” (p. 47). E no bairro dos
refugiados de Herat “cheira tão mal
que tentamos não respirar. É como
se tudo estivesse podre” (p. 88). O
outro cheiro inesquecível de Cabul
é, porém, o das rosas: “Nunca vi tão
forte dedicação às flores” (p. 71). A
bem dizer, o livro progride entre a
merda e as rosas, ou entre o trauma
contínuo e a revelação pontual ou
duradoura (em fundo, cenas de
“Apocalypse Now”: “O céu treme.
Trânsito de aviões, talvez explosões,
ao longe”, p. 191). Esta oscilação é
reconhecível nos espaços
institucionais objectos de análise: o
Centro Ortopédico de Cabul,
radiografia de uma nação
acidentada; a livraria e o Museu de
Cabul, ou de como a versão taliban
da iconoclastia do islamismo pode
conduzi-la à caricatura; e, no
momento mais doloroso do livro, o
Hospital de Kandahar. Ou melhor: a
ala feminina do Hospital, uma vez
que mulheres e homens não se
misturam. E o espectáculo,
minucioso e devastador, da
desigualdade, do preconceito e do
obscurantismo.
Não surpreende que o percurso
por loci institucionais modernos
active de forma mais nítida na autora
um discurso também moderno: o
feminista. Como não surpreende
que ele ocorra sobretudo em
situações reactivas, num país em
que os homens “em mim só vêem
uma mulher, e isso é quase nada” (p.
168). Tudo isto ganha resolução
ético-política numa passagem
esclarecedora: “Tudo neste mundo
desafia a capacidade relativizadora
da antropologia pós-pós-colonialista.
É um mundo activamente tribal, em
que os dóceis, os diferentes, os
homossexuais e as mulheres pagam
um alto preço para continuarem
vivos, e muitas vezes morrem” (p.
170). Não é que ALC não saiba
praticar a difícil modéstia da
descrição etnográfica, por exemplo
a propósito do pão espalmado local:
“O pão, aqui, é mesa, prato e talher”
(p. 122). O ponto é contudo o
carácter inevitável (e muito
reconhecível no discurso feminista
ocidental) do apelo às virtudes
cognitivas, e ético-políticas, do
etnocentrismo: enquanto feminista,
i.e, liberal burguesa e pós-moderna
(parafraseio Rorty), ALC não
consegue deixar de rejeitar as
implicações políticas do relativismo.
E é este o ponto em que a jornalista
reserva a um “caderno afegão” que
será um livro de “literatura de
viagens” o que não confia a um
bloco-notas publicável neste jornal,
já que a ética do repórter é, ao invés,
relativista…
ALC parece ver a saída para este
“desgosto afegão” numa espécie de
encontro imediado com a Natureza,
e daí a inteligência com que a visita
aos Budas de Bamyan e ao lago de
Band-e-Amir surge no final de
viagem e livro. Na viagem para
Bamyan a Natureza vai emergindo
da civilização, assim que o mundo
das cidades desaparece. As mulheres
andam aí com a cara descoberta –
como na Natureza deveria ser - e
“Como na índia, são [elas] que dão
cor à paisagem. A paisagem está
quieta e elas estão em movimento. É
uma cena viva” (p. 294). Ou ainda:
“Nada fere a vista. Tudo é um todo”
(p. 295). E, por fim: “Akil quase
canta, e nós também. O mundo é
grande, estamos vivos, que
privilégio” (p. id.). O perfume triunfa
enfim sobre o fedor, mas à custa da
“fuga às cidades”, onde como
sabemos as figuras do todo são de
harmonia difícil: porque são
políticas, tanto quanto estéticas,
exactamente como, mas ao invés, a
“cena viva” da natureza afegã é
política por ser só estética. Ou seja:
por ser uma epifania individual não
traduzível já em emancipação,
apesar de todas as (belas) aparências
em contrário.

dir. musical

Livros
Na pista
do coronel
Fawcett e da
misteriosa “Z”
É uma biografia, uma
grande reportagem sobre
um tempo já perdido, um
livro de viagens com cenas
aterradoras e um livro de
ciência. Clara Barata
A Cidade Perdida de Z
– Uma Obsessão mortal
passada na Amazónia
David Grann
(trad. José Freitas e Silva)
Editor: Livros D’Hoje
mmmmn
Esta é a história de uma obsessão,
26
Espaço
Público
Este espaço vai ser
seu. Que filme, peça de
teatro, livro, exposição,
disco, álbum, canção,
concerto, DVD viu e
gostou tanto que lhe
apeteceu escrever
como diz o
subtítulo, de uma
obsessão pelo
Inferno Verde da
Amazónia, que
consumia o
coronel Perry
Fawcett mas o
poupava para que
voltasse sempre
uma e outra vez ao calor, humidade,
fome no meio da abundância de
vida, nuvens de insectos e parasitas
que consumiam todos os seus
companheiros mas não a ele. Porque
ele, o coronel Fawcett, que excitou
as imaginações dos leitores e dos fãs
dos noticiários filmados exibidos
antes das fitas de cinema, era um
herói da fibra dos heróis vitorianos,
daqueles que já estavam a deixar de
existir – alguém que podia ter saído
da pena de Arthur Conan Doyle.
“A Cidade Perdida de Z” é ao
mesmo tempo uma biografia, um livro
de viagens com cenas aterradoras –
experimente não exprimir o espanto
em voz alta quando descobrir que na
Amazónia há abelhas que comem
sobre ele, concordando
ou não concordando
com o que escrevemos?
Envie-nos uma nota até
500 caracteres para
ipsilon@publico.pt. E
nós depois publicamos.
Esta é a história da obsessão pelo Inferno
Verde da Amazónia que consumia o coronel Perry Fawcett
carne, mesmo que vá a ler o seu livro
num transporte público –, uma grande
reportagem sobre um tempo já
perdido – quando ainda havia locais
na Terra suficientemente
inexplorados para alguém se perder
lá, sem deixar rasto – e uma história
de demanda quase espiritual. E, para
rematar, também um pouco um livro
de ciência, que nos fala de
descobertas recentes, das duas
últimas décadas, que só agora
começam a ser demonstradas com
provas físicas.
David Grann, um jornalista norteamericano
que vendeu esta história
à revista “New Yorker”, em 2005,
não resistiu em transformá-la em
livro. Ele, que quando pensou que
teria de ir para Mato Grosso, foi a
uma loja de artigos de aventura em
Manhattan e se aprontava para sair
de lá com os artigos mais
improváveis e mais à James Bond
possível, desde as meias de
adrenalina até ao gelado liofilizado,
como dizem que os astronautas
comem, até que o vendedor, com
um rebate de consciência, lhe
perguntou se alguma vez tinha
acampado e lhe recomendou uma
compra bem menos cara mas mais
razoável.
O coronel Fawcett, o motor da sua
história, não tinha nada a ver com
ele. Alto e atlético, de bigode
elegante, parecia invencível: não
havia doença ou acidente na selva
que pegasse nele. Intolerante e
exigente, considerava cobarde e
criminoso quem não respondesse à
tortura da selva como ele. Foi o que
aconteceu com James Murray,
explorador da Antárctida, na missão
de Shackleton, quando se juntou a
Fawcett, numa malfadada expedição
que só por milagre não o levou à
morte.
Grann descreve muito bem, na
pág. 134, o que dividia os dois
homens, e aquilo que Fawcett tinha
de ser, para se ter tornado uma
lenda ao serviço da Royal
Geographic Society britânica,
cartografando as fronteiras da
Bolívia seguindo os tributários do rio
Amazonas: “As qualificações para
um grande explorador polar e para
um explorador da Amazónia não são
necessariamente as mesmas. Na
verdade, as duas formas de
exploração são a antítese uma da
outra. Um explorador polar tem de
suportar temperaturas de 38 graus
abaixo de zero e os mesmos terrores
repetidamente: queimaduras do
frio, fissuras no gelo e escorbuto.
Olha e só vê neve e gelo, neve e gelo
– uma brancura incessante. O horror
fisiológico está em saber que essa
paisagem nunca mudará e o desafio
é resistir, como um prisioneiro na
solitária, à privação dos sentidos.
Em contrapartida, um explorador da
Amazónia, mergulhado num
caldeirão de calor, tem os sentidos
constantemente agredidos. Em lugar
de gelo, há chuva e um explorador
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
espreita a cada passo, em toda a
parte, novos perigos: um mosquito
malárico, uma lança, uma cobra,
uma aranha, uma piranha. A mente
tem de lidar com o terror do cerco
constante”.
Nas múltiplas expedições à selva
que conduziu, mesmo depois de
praticamente ter sido acusado de
assassínio por Murray, Fawcett foi-se
transformando ele próprio num
homem da selva; falava em tornar-se
nativo. Mas foi só depois de ter
encontrado os índios que todos
diziam que eram perigosos (que não
estavam aculturados, como os que
viviam mais perto das linhas de
água) que desabrochou em pleno a
obsessão do coronel, e a sua
convicção de que estes selvagens,
nobres e orgulhosos, com longas
flechas e arcos, como não eram os
índios aculturados, deviam
descender de uma civilização
avançada. Indícios dessa civilização
perdida estava sempre a encontrálos
na selva, sob a forma de
fragmentos de bela cerâmica, em
alguns locais até pinturas rupestres.
A I Guerra Mundial, e os horrores
nunca vistos desse conflito,
interromperam-lhe os sonhos. E se
calhar danificaram a sua mente de
uma forma que não é possível aferir.
“Z”, no entanto, continuou a
fervilhar-lhe no espírito, como uma
missão quase religiosa.
Não esquecia “Z”, o nome que
misteriosamente ele deu a essa
civilização perdida, depois de
estudar relatos dos primeiros
espanhóis e portugueses que
andaram pela selva, e descreviam
um ambiente bem diferente daquele
que ele encontrava no início do
século XX. E falavam do Eldorado,
procurado até à morte por tantos,
que sonhavam com o ouro sem fim
dessa cidade mítica.
Após muitas dificuldades,
internou-se na selva com o filho de
21 anos, Jack, e o melhor amigo
deste. Os três homens, que deveriam
enviar mensagens com o progresso
das suas aventuras para um
consórcio de jornais norteamericanos,
desapareceram um dia
de 1925 na selva, sem deixar rasto.
Os boatos foram muitos, muitos
outros exploradores tentaram ir
resgatá-lo – uma centena terá
perecido na aventura – mas dele
nunca mais se soube nada.
No entanto, os cientistas que
depois da I Guerra olhavam para ele
como uma figura exótica e com
ideias estranhas, acabaram por
vingar as suas ideias – Grann, que foi
mesmo à selva, entre os índios do
Brasil, descobre um dos cientistas
que está a descobrir a misteriosa
civilização perdida da Amazónia.
Mas se quer saber mesmo como é
esta história da selva, tem de ler o
livro até ao fim.
Quebre-se o suspense, só um
bocadinho: o que aconteceu mesmo
a Fawcett, ao seu filho de 21 anos e
ao seu amigo de infância, isso
permanece um segredo da selva.

MUSEU DO ORIENTE

Livros
Ficção
Quadratura
da neurose
Sexo, drogas, jihad e
psicanálise. Crónica da
Londres pós-swinging, vista
por um paki assumido.
Eduardo Pitta
Algo para te dizer
Hanif Kureishi
(Trad. Rita Graña)
Teorema
mmmmn
Stephen Frears, Daniel Day-Lewis e
Hanif Kureishi (n. 1954) entraram na
minha vida no dia em que vi “A
minha bela lavandaria” (1985).
Nunca mais os perdi de vista. Outras
peças de Kureishi foram por ele
adaptadas ao cinema. Entretanto, o
28
autor teve a sorte
de encontrar em
Portugal um
editor atento. O
catálogo da
Teorema inclui as
suas duas
colectâneas de
contos, bem como
cinco dos seis
romances. Falta traduzir o primeiro
de todos, “The Buddha of Suburbia”
(1990), que lhe valeu o Prémio
Whitbread e um processo judicial da
irmã que o acusou de manipular
factos para denegrir a família. O
último em data é “Algo para te
dizer”.
Filho de pai paquistanês e mãe
inglesa, Kureishi estudou direito e
filosofia mas depois foi ganhar a vida
como autor de livros pornográficos.
Críticos conspícuos comparam-no a
Swift e Ballard. Natural de Bromley,
tornou-se o cronista por excelência
dos interditos da “great London”.
Jamal Khan, protagonista do
romance e mais que provável alterego
do autor, é um terapeuta de
origem paquistanesa sem ilusões
acerca dos outros: “Os segredos são
a minha moeda; ganho a vida a lidar
com eles. Segredos do desejo,
daquilo que as pessoas realmente
querem, daquilo que mais temem.
Segredos escondidos em questões
como: Por que motivo é o amor tão
difícil, o sexo complicado, a vida
dolorosa, e a morte tão próxima e no
entando tida como tão longínqua?
Porque é que o prazer e o castigo
estão tão intimamente relacionados?
Como é que os nossos corpos falam?
Porque será o prazer tão difícil de
aguentar?” E isto é só o primeiro
parágrafo do livro.
Jamal Khan olha a profissão com
complacência: “De outra forma, o
público teria de se contentar com
livros de auto-ajuda em que os
autores anunciavam os seus
doutoramentos na capa, como uma
garantia de estupidez.” Um filho
problemático e uma irmã
toxicodependente e bissexual —
Miriam parece decalcada da
verdadeira irmã de Kureishi — são
motivo de tensão acrescida. O
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
ANNE-CHRISTINE POUJOULAT/ AFP
“Algo para te dizer” prova
que Kureishi deixou de ter vergonha de ser “paki”
exercício da psicanálise é uma forma
como qualquer outra de se
“desculpabilizar” enquanto
escalpeliza a Inglaterra pós-Beatles.
Por interposto Jamal Khan, Kureishi
expõe o que pensa sobre Freud,
sexo, drogas, intolerância racial,
imigrantes, o 11 de Setembro, o
desenraizamento dos muçulmanos
europeus, os homens-bomba, a jihad
islâmica em solo britânico, Mick
Jagger, Lady Di (“a supermodelo da
histeria”), Blair (“um fanático”) e a
guerra do Iraque. Tudo sem perder
de vista a cultura pop dos anos 1960-
70, sublinhada em notas atinentes.
Jamal Khan é bipolar, egocêntrico,
cínico e mesquinho. Não diz tudo,
guarda para si o mais importante.
Afinal de contas, não se mata um
homem todos os dias. Melhor que
ninguém, sabe que a torrente da
consciência deve ser servida em
doses homeopáticas. A culpa é um
empecilho? Quem melhor que os
pacientes para o isentar dela? Uma
sucessão de pequenas histórias
compõem o quadro geral. O recurso
ao “flashback” nem sempre é eficaz,
ficando algumas pontas soltas por
resolver. Um expediente curioso é o
da intromissão do protagonista de
“A minha bela lavandaria”. O jovem
gay paquistanês da era Thatcher é
agora um produtor da televisão,
próspero e conservador. Uma
metáfora do percurso do autor?
Os últimos capítulos ocupam-se
do ataque terrorista de 7 de Julho de
2005, em Londres: três bombas no
metro, outra num autocarro que
atravessava Tavistock Square.
Enquanto “debaixo da superfície, a
cidade ardia num inferno
indescritível”, Jamal Khan revê
mentalmente os que deixaram o seu
nome associado à praça: Gandhi,
Dickens, Freud, James Strachey,
Virginia Woolf... Ao mesmo tempo,
pensa “no horror daqueles
comboios destruídos pelas bombas,
naqueles corpos despedaçados [...]
que culminam, pelo menos na
minha cabeça, na matança diabólica
de civis em Bagdade: cabeças
cortadas [...] membros atirados para
as árvores.”
Porém, mais do que a crítica social
(oriundo da alta classe média
paquistanesa, Kureishi nasceu e
cresceu na periferia proletária do sul
de Londres, onde os pais se
radicaram depois de fugir da Índia),
o sexo é o Leitomotiv da obra. E um
livro como este ilustra bem a
máxima do autor: “os círculos
adjacentes do prazer são múltiplos”.
Mérito maior, “Algo para te dizer”
prova que Kureishi deixou de ter
vergonha de ser “paki”.

“Se eu olhar para trás
foi extremamente
rápido...”
Carlos
Drummond
de Andrade
http://www.
carlosdrummonddeandrade.
com.br/
Ciberescritas
O poeta da vida
supersónica
78 anos de idade, você acha muito?”,
perguntava, em 1981, uma jornalista do
“Jornal Hoje” a Carlos Drummond de
Andrade num dos vídeos, disponível no
“São
You Tube e no “site” oficial do poeta que a
editora brasileira Record acaba de lançar. A resposta não
se fez esperar: “Não, não é bem nem muito, a gente não
tem a ideia de que o tempo passou não. (...) Se eu olhar
para trás foi extremamente rápido, uma coisa curiosa
isso não dá para a gente sentir a idade não, dá para sentir
que o negócio foi muito veloz, um processo demasiado
rápido, como se eu tomasse um avião supersónico.”
Drummond de Andrade morreu em Agosto de 1987 e
há 25 anos que a sua obra está no catálogo da Record.
Para o assinalar foi lançado este “site” onde se podem
consultar todos os títulos de Drummond publicados na
Record, bem como fotos e vídeos onde o autor aparece.
Mas a grande novidade é a secção Rádio Drummond,
onde podemos ouvir alguns dos seus poemas musicados.
Quando se entra ouve-se, por exemplo, o famoso poema
“No meio do caminho tinha uma pedra” em versão
“Drum’n’bass” (“Nunca me esquecerei que no meio do
caminho/tinha uma pedra/tinha uma pedra no meio
do caminho/no meio do caminho tinha uma pedra”). E
também o divertido “Quadrilha” (“João amava Teresa
que amava Raimundo/ que amava Maria que amava
Joaquim que amava Lili/ que não amava ninguém.// João
foi para os Estados Unidos, Teresa para o convento,/
Raimundo morreu de desastre, Maria ficou para tia,/
Joaquim suicidou-se e Lili casou com J. Pinto Fernandes/
que não tinha entrado na história.//”)
Este não é o primeiro “site” que surge na Internet
dedicado ao poeta. Em 1995 foi lançado Drummond na
era digital (“o primeiro website de um autor brasileiro”)
e dois anos depois foi colocada na Internet a primeira
versão interactiva do livro “O Avesso das Coisas”.
Carlos Drummond de
Andrade nasceu em 1902,
em Itabira do Mato Dentro,
estado de Minas Gerais.
Estudou no Colégio Anchieta
da Companhia de Jesus de onde foi expulso em 1919 por
“insubordinação mental” e no ano seguinte mudou-se
com a família para Belo Horizonte. Em 1924, Drummond
começou a corresponder-se com outro poeta, Manuel
Bandeira, e nesse ano conhece Blaise Cendrars, Oswald
de Andrade, Tarsila do Amaral e Mário de Andrade
no Grande Hotel de Belo Horizonte. Estes detalhes
biográficos estão disponíveis na secção Linha do Tempo,
numa cronologia onde se fica a saber um pouco sobre
a vida de Drummond de Andrade. No dia 31 de Janeiro
de 1987 escreveu o seu último poema, “Elegia a um
Tucano Morto”, e a filha, Maria Julieta, morreu com um
cancro no dia 5 de Agosto desse ano. O poeta escreveu
nessa altura no seu diário: “Assim terminou a vida da
pessoa que mais amei neste mundo.” Doze dias depois,
Carlos Drummond de Andrade morria com problemas
cardíacos.
Além das fotos, dos vídeos, das referências aos livros
com alguns poemas que podem ser lidos na íntegra, da
Rádio Drummond, irão ser acrescentadas entrevistas
e poesias declamadas pelo próprio Drummon. Quem
quiser pode descarregar para o ecrã do computador
“papéis de parede” com imagens do poeta com uma vida
supersónica.
isabel.coutinho@publico.pt
(Ciberescritas já é um blogue http://blogs.publico.pt/
ciberescritas)
Zonas de
penumbra
Reedição do primeiro
romance de Vasco Graça
Moura, sob o signo musical.
Pedro Mexia
Quatro Últimas Canções
Vasco Graça Moura
Quetzal
mmmnn
“Na sua infância,
não se tinha posto
nunca a questão
da justificação da
música, e muito
menos a da
legitimação da
ópera. Era um
facto aceite e
fruído, como as
verdades do catecismo e os terrores
de Sexta-Feira Santa. E, procurando
dizer as coisas com muito tacto,
repetia-lhe que nas grandes óperas,
‘Orfeo’, ‘D. Giovanni’, o ‘Tristão’,
quase todo o Verdi, a questão não
seria talvez a da verosimilhança,
nem a do maior ou menor
grau de convenção, mas
pura e simplesmente a
de um certo jogo
melodramático dos
equivalentes da
verdade. Ou a de um
tipo de arte que
existe e age por
transfiguração das
representações do
destino e do lado
agónico da
paixão” (pág.
40). Esta
passagem
resume o
programa do
primeiro
romance de
Vasco Graça
Moura, publicado
em 1987. Não é a
verosimilhança que
importa, mas o jogo
melodramático das
FERNANDO VELUDO/ PÚBLICO
paixões. Sem que nunca se
desliguem melodrama e jogo, que
Graça Moura é um melancólico
lúdico. Escrito sob o signo musical,
progride em vários andamentos,
vários timbres, cadências,
compassos. É uma polifonia em que
as personagens são sobretudo vozes.
Mais uma vez, é o próprio autor
quem explica, numa curiosa nota
final: “(…) o registo de Matilde é
teatral e trágico; o de Francisco é o
do memorialismo íntimo e o da
evocação camiliana; o de Ingrid,
mais ligeiro, tem a ver com que
poderíamos designar por crónica
jornalística; o de Cristóvão situa-se
predominantemente nas margens do
diarismo” (pág. 202).
Esta auto-definição é interessante
porque parece desmontar a ideia de
que Graça Moura escolheu para os
seus romances um registo narrativo
Não é a verosimilhança que importa,
mas o jogo melodramático das paixões,
no primeiro romance de Vasco Graça
Moura, agora reeditado
clássico, sem quaisquer
modernismos. É verdade que as
cenas são quase sempre realistas,
que a prosa é claríssima, que há uma
vaga psicologia. E nenhum escritor
heterossexual descreve tão bem a
arquitectura barroca ou a decoração
de um salão. Mas é muito mais
estimulante vermos “Quatro Últimas
Canções” como “cose mentale”.
Chegamos à última página e quase
não retemos nada do enredo e das
figuras que o atravessam, excepto o
facto de se tratar de uma
homenagem à Casa de Mateus, no
seu notável trabalho de mecenato e
na sua fauna de artistas excêntricos.
O que fica, em contrapartida, é um
texto maleável, que num passo
discute Jünger e noutro dá a ouvir
uma telefonia mal sintonizada, que
cose excertos de poemas e
divagações intencionalmente
pretensiosas, que fustiga a
“esquerda festiva” e a tontice dos
intelectuais, e que regularmente
interrompe tudo com umas
investigações genealógicas que
funcionam curiosamente como
acrescento ficcional.
As “Quatro Últimas Canções”
(“Vier letzte Lieder”), última
composição de Richard Strauss
(1948) estruturam o romance,
ondulando nas “(…) derradeiras
metamorfoses do destino, na
luminosa e pungente serenidade dos
ecos já rarefeitos de uma presença
do mundo, das suas alegrias e das
suas catástrofes”. Embora o livro
contenha passagens de educação
sentimental, e uma intriga política
confusa, o que prevalece é a
sucessão de símbolos e memórias
que a música convoca, quase
sempre num tom calmamente
crepuscular, em zonas de
penumbra. A música, tal como a
coreografia indecisa destas
personagens, cria momentos de
intensidade, de naturalidade,
de representação, de
sofrimento, mas tudo isso
depende do intérprete e do
ouvinte. A música, tal como a vida,
só se revela enquanto execução,
sujeita à personalidade do músico,
isto é, do sujeito. A partitura é então
transfigurada por quem toca ou
canta, mas também por quem ouve,
ou seja, por quem vive.
29

Teatro/Dança
30
Teatro
Bailado
num velório
criado por
Pessoa
Três bailarinas transformam
um texto dramatúrgico
“estático e extático”, “O
Marinheiro”, de Pessoa,
num poema visual cujo
movimento é pensado por
Joclécio Azevedo.
Ana Maria Henriques
O Marinheiro
De Fernando Pessoa. Encenação de
Francisco Alves. Pelo Teatro
Plástico. Com Andrea Moisés,
Margarida Bento, Mónica Garnel,
Cátia Esteves, Inês Cerqueira,
Susana Otero.
Porto. Teatro Helena Sá e Costa (ESMAE). R.
Alegria, 503 (entrada pela R. da Escola Normal, 39).
De 03/10 a 11/10. 3ª a Dom. às 21h30. Tel.:
225189982. 5€ a 10€.
Três mulheres velam um corpo cuja
identidade é desconhecida, viajando
entre o passado e o futuro e contando
histórias como a de um homem do
mar que, após ter naufragado numa
ilha deserta, cria uma realidade
ficcional mais poderosa que a
realidade. Neste velório etéreo que
Francisco Alves e o Teatro Plástico
construíram a partir d’ “O
Marinheiro”, de Fernando Pessoa,
Agenda
Teatro
Estreiam
O Efeito de Serge
De Philippe Quesne. Encenação de
Philippe Quesne. Pelo Vivarium
Studio. Com Gaetan Vourch, Isabelle
Angotti, Rodolphe Auté, Hermès,
Zinn Atmane.
Lisboa. Culturgest. Rua Arco do Cego - Edifício da
CGD. De 05/10 a 06/10. 2ª e 3ª às 21h30. Tel.:
217905155. 15€.
A Melancolia dos Dragões
De Philippe Quesne. Encenação de
Philippe Quesne. Pelo Vivarium
Studio. Com Isabelle Angotti, Zinn
Atmane, Rodolphe Auté, Hermès,
Sébastien Jacobs, Émilien Tessier,
Tristan Varlot, Gaetan Vourch.
Lisboa. Culturgest. Rua Arco do Cego - Edifício da
CGD. De 08/10 a 10/10. 5ª a Sáb. às 21h30. Tel.:
217905155. 12€.
Trama - Festival de Artes
Performativas.
Rapariga(s)
De Neil Labute. Encenação de
Almeno Gonçalves. Com André
três bailarinas transformam um texto
dramatúrgico “estático e extático”
num poema visual cujo movimento é
pensado por Joclécio Azevedo.
Em cena no Teatro Helena Sá e
Costa, no Porto, a partir de amanhã e
até 11 de Outubro, “O Marinheiro” é,
para o director artístico, Francisco
Alves, “um dos mais belos textos de
toda a história da dramaturgia e
literatura portuguesas”: por recusar
coordenadas teatrais – “não há
personagens, acção ou enredo” -, é
um “desafio para qualquer criador”.
“As grandes obsessões do Pessoa
estão cá todas: o mar, a dualidade
vida/sonho, a palavra como algo
mágico e a palavra poética enquanto
Nunes, Jéssica Athayde,
Marta Melro, Núria Madruga, Helena
Laureano.
Lisboa. Teatro da Comuna - Sala das Novas
Tendências. Pç. Espanha. De 08/10 a 31/12. 5ª a Sáb.
às 21h30. Tel.: 217221770. 15€.
A Resistível Ascensão
de Arturo Ui
De Bertolt Brecht. Encenação de
Joaquim Horta. Pela Truta. Com
Carlos Alves, Duarte Guimarães,
Gonçalo Amorim, Joaquim Horta,
Paula Diogo, Pedro Martinez, Raul
Oliveira, Rúben Tiago, Sílvia Filipe,
Tónan Quito.
Caldas da Rainha. Centro Cultural
e Congressos das Caldas da Rainha. Rua Doutor
Leonel Sotto Mayor. Dia 02/10. 6ª às 21h30. Tel.:
262889650. 7,5€.
Continuam
O Concerto de Gigli
De Tom Murphy. Encenação de Nuno
Carinhas. Pela Assédio. Com João
Cardoso, João Pedro Vaz, Rosa
Quiroga.
Porto. Teatro Carlos Alberto. R. Oliveiras, 43. De
08/10 a 11/10. 5ª a Sáb. às 21h30. Dom. às 16h. Tel.:
223401905. 5€ a 15€.
Sons Fundamentais: Vozes da Irlanda.
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito aMaumM
BommmmmmExcelente
“O Efeito de Serge”, de Philippe Quesne
A confluência das artes plásticas, da música,
da dança e da palavra num espectáculo teatral
é um dos aspectos trabalhados pelo Teatro Plástico
manifestação do divino”, explica,
realçando a adaptação que o texto
original sofreu com a inclusão das
bailarinas. “Tentei trabalhar a ideia
do fragmento, da dispersão e do
espelho, elementos fundamentais na
obra do autor”. Ao longo da acção, as
três mulheres desdobram-se noutras
personagens graças às variações e
pequenos solilóquios que, apesar de
dialogarem entre si, vão tendo em
palco.
Esta que foi a primeira obra
publicada por Pessoa na revista
“Orpheu”, foi escrita em dois dias, no
ano de 1913, e precede a explosão da
criação dos heterónimos. Até morrer,
em 1935, o autor não cessou de
Padam Padam
De José Maria Vieira Mendes. Pelo
Teatro Praga. Com Cláudia Jardim,
Diogo Bento, Marcello Urgeghe,
Patrícia da Silva, Pedro Penim.
Lisboa. Centro Cultural de Belém - Pequeno
Auditório. Praça do Império. Até 05/10. 4ª a Sáb. às
21h30. 2ª e Dom. às 19h. Tel.: 213612400. 12,5€ a 15€.
Menina Else
De Arthur Schnitzler. Encenação de
Christine Laurent. Com Rita Durão.
Guarda. Teatro Municipal da Guarda. Rua Batalha
Reis, 12. Dia 03/10. Sáb. às 21h30. Tel.: 271205241. 5€.
Acto Seguinte - Festival de Teatro da
Guarda.
A Caça
De Manoel de Oliveira. Encenação de
Rogério de Carvalho. Pelo Bando.
Com Crista Alfaiate, Miguel Eloy, Sara
de Castro.
Torres Vedras. Teatro-Cine. Av. Tenente Valadim, 19.
Dia 03/10. Sáb. às 11h. Tel.: 261338131. 2€.
A Bicicleta de Faulkner
De Heather McDonald. Encenação de
Rita Lello. Com Maria do Céu Guerra,
Rita Fernandes, Sérgio Moura Afonso,
Susana Costa.
Lisboa. A Barraca - Teatro Cinearte. Lg Santos, 2. Até
29/11. 5ª a Sáb. às 22h. Dom. às 17h. Tel.:
213965360.10€ a 12,5€.
adaptar a única produção dramática
que completou e editou em vida,
apesar de nunca a ter visto
representada. Para uma melhor
compreensão da complexidade da
peça, o programa distribuído aos
espectadores vai contar com a
publicação de um ensaio de Teresa
Rita Lopes, onde a especialista na
obra do autor discorre sobre a
relevância e riqueza do texto no
universo pessoano.
Criado em 1995 no Porto, o Teatro
Plástico tem vindo a destacar-se na
apresentação de textos
contemporâneos que
“problematizem o tempo presente e
todos os seus paradoxos”. A
confluência das artes plásticas, da
música, da dança e da palavra num
espectáculo teatral é um dos aspectos
trabalhados por esta companhia
cujas encenações se esforçam por
explorar novas formas para a
representação no espaço urbano, e
onde os monólogos assumem lugar
de destaque.
Adiada por várias vezes devido à
perda do apoio institucional do
Ministério da Cultura, a
representação d’ “O Marinheiro” pela
companhia portuense resulta de um
processo “complicado” que
comportou mudanças no elenco,
hoje formado por Andrea Moisés,
Margarida Bento, Mónica Garnel,
Cátia Esteves, Inês Cerqueira e
Susana Otero. Apesar da estreia
marcada para amanhã às 21h30,
Francisco Alves não desiste da ideia
de o encenar numa igreja: “pela sua
dimensão espiritual, este texto
incorpora um ritual em que, tal como
na missa, o objectivo é tornar
presente o que não existe através da
palavra”.
Ifigénia na Táurida
De Goethe. Encenação de Luis
Miguel Cintra. Com Beatriz Batarda,
José Manuel Mendes, Luis Miguel
Cintra, Paulo Moura Lopes, Vítor de
Andrade.
Lisboa. Teatro da Cornucópia - Bairro Alto. R.
Tenente Raúl Cascais 1A. Até 01/11. 3ª a Sáb. às
21h30. Dom. às 16h. Tel.: 213961515. 15€ (sujeitos a
descontos).
Seis Personagens
à Procura de Autor
De Luigi Pirandello. Pelos Artistas
Unidos. Encenação de Jorge Silva
Melo. Com João Perry, Sylvie Rocha,
Lia Gama, Mariema, Pedro Gil, entre
outros.
Lisboa. Teatro Municipal de S. Luiz.
R. Antº Maria Cardoso, 38-58. Até 18/10. 4ª, 5ª, 6ª e
Sáb. às 21h00. Dom. às 17h30. Tel.: 213257650. 10€
a 20€.
O Camareiro
De Ronald Harwood. Com Alexandre
Lopes, Carlos Paniágua, José Neves,
Maria Ana Filipe, Maria Amélia
Matta, Paula Mora, Ruy de Carvalho,
Virgílio Castelo.
Lisboa. Teatro Nacional D. Maria II - Sala Garrett.
Pç. D. Pedro IV. Até 25/10. 4ª, 5ª, 6ª
e Sáb. às 21h30. Dom. às 16h00. Tel.: 213250835.
7,5€ a 16€.

Discos
Pop
Com
que som!
Aliar os prodígios da
engenharia a uma voz
prodigiosa era só o que
faltava a Amália. Agora já não
falta. Há um passado melhor,
no futuro que nos espera.
Nuno Pacheco
Amália
Rodrigues
Coração
Independente
mmmmn
IPlay
Amália Secreta
mmmmn
Tradisom, Tr Trad a isom, , Farol
Sings Fa Fado
do From
Portugal
and Flamenco
Flamenco
From Spain
mmmnn
CNM
Seja febre ou moda, a, a onda de
restauros que se apossou possou da
chamada música popular opular é
reconhecidamente e bem-vinda.
bem-vinda.
Quem já ouviu os “novos” Beatles
sabe do que se trata. a. Um vidro baço
que se torna nítido fazendo de uma
antiga paisagem um m alvo renovado renovado
de curiosidade e deslumbramento.
eslumbramento.
Por via da exposição ição que assinala
os dez anos da morte rte de Amália,
também um lote considerável onsiderável das
suas gravações foi sujeito a restauro.
“Coração Independente”, dente”, disco com
o mesmo nome da exposição exposição a
inaugurar no Museu eu Berardo, surge
como fulcral neste processo.
Primeiro porque o trabalho de
engenharia sonora nele aplicado é,
de facto, extraordinário. nário. Desde os
temas de “Com Que e Voz” (“Gaivota”,
“Maria Lisboa”) até é aos (agora mais)
magníficos “Povo Que Lavas no Rio”
e “Estranha Forma a de Vida”
(“Busto”), não só a voz de Amália se
torna mais encantadora adora nas suas
cambiantes cromáticas, ticas, como os
acompanhamentos s instrumentais
ganham novo e significativo nificativo
relevo, sejam guitarras rras (Raul
Nery, Fontes Rocha, a,
Domingos Camarinha), nha),
violas (Santos Moreira, eira,
Castro Mota, Joel Pina), ina),
orquestras ou mesmo mo
instrumentos
inesperados (ouça-se, -se,
por exemplo, o contrabaixo no “Aï
mourir pour toi” de 1958).
Os 20 temas do disco (há também
uma outra edição, em CD duplo,
com 35 temas mas de tiragem
limitada) vão dos anos 50 aos 70,
numa sequência harmónica e
sedutora para o ouvinte (a selecção é
de David Ferreira) e permitem
escutar com “novos ouvidos” o
brilho incomparável da voz de
Amália em registos muito diversos:
“Solidão”, vinda do “desencontro”
histórico com o saxofonista Don
Byas, permite entender melhor a
branda excelência dessa versão;
“Barco negro” ou “Fallaste
corazón”, de 1955, reluzem como
nunca; “Foi Deus”, das gravações de
Abbey Road de 1952, é único, até
pelo insólito (Amália engana-se, ao
cantar “o pranto nos rosto” em vez
de “o pranto no rosto”); e os dois
temas vindos do célebre concerto do
Olympia em 1956, “Amália” e “Nem
às paredes confesso”, fazem-nos
querer ouvir, agora, todo o concerto
assim, como se tivesse sido gravado
ontem. O trabalho de engenharia
sonora, a cargo de um técnico que é
também músico (o peruano Jorge
Cervantes), Cervante s), ) foi feito a partir das ddas
fitas ffitas
originais, com uma uma única excepção:
“Aï mourir pour toi”,
gravado em Paris.
Apesar da excelência
do resultado, há
falhas no
libreto, para
lá dos bons s
textos:
pequenos
erros,
ausência
dos anos
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
Air: meia reinvenção, meio grande disco
de gravação das faixas e dos
títulos dos discos originais. A
corrigir, espera-se.
Uma outra edição onde o restauro
é também notável, mas feito a partir
de discos de 78 rotações, é o terceiro
volume da série Arquivos do Fado.
Com um libreto irrepreensível,
chama-se “Amália Secreta” porque a
quase totalidade dos seus 20 temas
era inédita em CD, desde grande
parte do disco “Amália Rodrigues”
(1957), só editado em França e no
Brasil (esta edição inclui 10 das 12
faixas originais, entre as quais a
raríssima “Ai Lisboa” e uma versão
excelente de “Foi Deus”, que é
muito curioso comparar com a do
disco antes citado) até à dilacerante
ranchera “Grítenme piedras del
campo”.
Por último, essencial a
coleccionadores, o primeiro LP de
Amália, editado nos EUA em 1954. A
remasterização não anulou por
completo as reverberações, mas a
voz de Amália resiste aos defeitos e,
quer nas oito faixas do LP original
(há, também, uma edição limitada
em vinil) quer nos quatro bónus
incluídos no CD, impõe-se pela
força. Mas MMas
basta bbasta
comparar, por
exemplo, dois “Fallaste corazón” (o
deste deste disco é o mesmo de “Coração
Independente”) para
confirmar que o
“coração” da
engenharia
vale ouro.
Por via da exposição que assinala os dez anos
da morte de Amália, um lote considerável das suas
gravações foi sujeito a restauro
Air
Love 2
EMI
mmmmn
Onze anos depois
da estreia com
“Moon Safari”
ninguém espera
revoluções dos Air
– quando muito
há uma vaga
esperança de ver retornar aquela
imponderável aliança entre
reaccionarismo e invenção pop que
dominava o primeiro disco. Porque é
nisso que eles (só por vezes e nunca
durante um disco inteiro) são
extraordinários: na criação de papel
de parede que emana ternura. Foi,
aliás, a recusa da superficialidade
que tornou “10000 HZ”, o segundo
tomo, um disco falhado: se antes o
talento de Dunckel e Godin se
revelava na precisão dos detalhes
escondidos sob mantos de melodias
retro, nesse disco amaldiçoado por
muitos fãs havia um nítido excesso
de produção. Digamos que: o
primeiro era disco de produtor
apaixonado por canções, o segundo
era disco de cientista, e “Talkie
Walkie” (2004) e “Pocket Simphony”
eram meios termos. “Love 2”, não
deixando de ser imaculadamente
produzido, toma outros rumos: não
tem um plano estético, uma cartilha
a nivelá-lo, não procura desenhar
canções, antes, movendo-se dentro
do espectro limitado e dolente dos
Air, vira à esquerda e à direita
quando bem lhe apetece, sem
obedecer a regras, a um som – ao
ponto de as faixas de típica beleza-
Air serem exactamente aquelas que
pendem para o insosso, casos de
“Love”, “So light is her football”,
“Sing sang sung” e “African velvet”.
O oposto acontece quando os temas
se abrem ao inesperado: aí, quando
as canções têm várias partes, e em
muito poucas ocorre algo vagamente
semelhante a um refrão, os Air
quase procedem a uma reinvenção –
porque apesar de os arranjos
recorrerem bastas vezes a
instrumentos clássicos (além dos
costumeiros órgãos laranja-tépido
há metais, flautas, guitarras slide,
pianos), parecem não desempenhar
as funções que lhes são habituais ou
surgirem quando menos se espera.
Acaba por ser um disco de pequenas
brincadeiras: na estranha “Missing
the light of day” uma linha de piano
percorre os órgãos vintage enquanto
uma voz robotizada aparece e
desaparece para dar lugar a um solo
de harpa (?); na lindíssima “Tropical
Disease” metais acompanham uma
simples melodia à Satie em sobe e
desce, antes de se entrar numa coda
com inflexões jazzy; em “Heaven’s
31

Discos
light” há um country-espacial,
com melódica sob fundo de órgãos;
em “Night hunter” procede-se a uma
deliciosa desconstrução de ritmos
afro-beat; enquanto o funk avariado
de “Eat my beat”, com cítara e
pandeireta, tem contornos de
declinação de Bollywood. Meio disco
belo, meio disco inesperadamente
amplo, exploratório e
primorosamente melódico. Meia
reinvenção, meio grande disco.
João Bonifácio
Batida
Dance Mwangolé
Difference; distri. Farol
mmmmn
O que se ouve
aqui, neste
magnífico “Dance
Mwangolé” do
projecto Batida,
não é o passado
revisto pelos olhos do presente. Não
são sembas transformados em
kudurus, merengues a brincar com
os graves do kwaito, não é
brincadeira de gente urbana a fingir
pertencer ao musseque. “Dance
Mwangolé” cruza tudo isso para
celebrar o que permanece de
espírito criativo (que é, também, o
espírito de uma vida, a angolana, a
africana, a portuguesa que olha para
Angola como emanação de uma
cultura partilhada). “Dance
Mwangolé”, gravado quando DJ
Mpula, Beat Laden, da Rádio
Fazuma, e Ikonoklasta, do Conjunto
Ngonguenha, acederam aos arquivos
angolanos das décadas de 1960 e
1970 da Valentim de Carvalho, é uma
convulsão rítmica que se
complementa. São as guitarras
cristalinas do semba de ontem
engrandecidos com subgraves de
hoje, são os mágicos berimbaus e
percussões do Grupo Folclórico de
Angola ecoando febrilmente entre os
requebros rítmicos criados por
Mpula e Beat Laden. “Dance
Mwangolé” é um quadro musical
vivo e vibrante. Música como
espelho do real. Lá encontramos a
“fabulosa história de Arlindo Bolota”
e a sua “orquestra alcoólica, contada
por Ikonoklasta, lá ouvimos o
impressionante Sacerdote,
directamente da Sambila, MC de
“flow” seco e torrencial, a falar do
kuduro e de Angola para além do
kuduro. Ali, enfim, descobrimos
uma bomba como “Bazuka” – o
sample dos históricos Águias Reais,
o reco-reco a “bombar”, os graves a
entorpecer o corpo e aquele ritmo
negro, suado: está encontrado
sucessor de “Wegue wegue” e não
haverá frio no Inverno enquanto
houver Batida. Organizado como
fluxo contínuo, onde a música e a
voz da rua se intercalam, “Dance
Mwangolé”, é um álbum que
estilhaça a História: não quer saber
de a ter organizadinha, bem
32
arranjada em arquivos estanques.
Tudo flui, tudo transborda. Toda
esta música torna-se uma só. E é tão
importante quanto irresistível.
Mário Lopes
Samba Touré
Songhai Blues: Homage to Ali Farka
Toure
Riverboat, distri. Megamúsica
mmmmn
O título tem tanto
de esclarecedor
quanto de
equívoco. Sim,
sem dúvida,
Samba Touré foi
um dos protegidos de Ali Farka
Toure, que chegou a acompanhar
em digressão em 1997. A música que
produz o cantor e guitarrista mali
agora com 41 anos não tem, de resto,
outro nome – é o mesmo “blues do
deserto” que o mestre inventou e só
lhe fica bem assumir-lhe a
descendência. Acontece,
porém, que desde que
Toure desapareceu se
sucedem os discos de
tributo, todos muitos
simpáticos, mas que
pouco ou nada
adiantam em
relação à sua
discografia.
“Songhai
Blues” está
longe, porém,
de ser apenas
mais um derivado
e é aí que o título
se revela
equívoco, ou de
uma excessiva
modéstia. Os riffs de guitarra podem
ser típicos do blues do deserto, mas
estão longe de constituir a única
atracção em cartaz. Na maior parte
dos temas a guitarra toma por
interlocutor, ou cede por completo o
protagonismo ao sokou (rabeca
mali) de Zoumana Tereta e ao seu
som rude e frenético, contracenando
com uma constante avalanche de
percussões acústicas. O próprio
estilo de desempenho de Samba na
guitarra é mais tenso e acelerado,
por vezes com um “groove” próximo
do funk, enquanto as suas
vocalizações assentam em jogos de
parada e resposta com o coro, à
maneira de ladainhas rituais,
insistentemente repetidas até à
exaustão (ou até ao transe?). Daí um
disco certamente na cauda de Farka
Toure, mas inflectindo numa via
própria, que rejuvenesce o blues do
deserto, na mesma medida em que
lhe confere mais pulso e agilidade.
Luís Maio
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
Espaço
Público
“Dance Mwangolé”
é um álbum que estilhaça a História:
Pearl Jam
Backspacer
Universal Music
mmnnn
Diz-se por aí que
este é o álbum pop
dos Pearl Jam. O
que quer isso
dizer realmente?
Um mistério. Até
porque tal
declaração contém, implícita, a ideia
de que pop equivale a coisa de
segunda, a pecados trauteáveis para
regozijo de “play-list”. Em 2009, tal
ideia representa um anacronismo
desfasado da realidade. Como se
fizesse sentido a distinção entre o
rock, tido como expressão marginal,
anti-sistema ou o raio que o parta, e a
perniciosa pop, excrescência
“comercial” onde se expõe a
decadência da música “enquanto
arte”. Pois bem, os
Pearl Jam: álbum de veteranos a divertirem-se com a música que estão a gravar
Este espaço vai ser
seu. Que filme, peça de
teatro, livro, exposição,
disco, álbum, canção,
concerto, DVD viu e
gostou tanto que lhe
apeteceu escrever
CATARINA LIMÃO
sobre ele, concordando
ou não concordando
com o que escrevemos?
Envie-nos uma nota até
500 caracteres para
ipsilon@publico.pt. E
nós depois publicamos.
Green Day figuram nos topes e não
encontramos por lá mestres pop
como Richard Swift. Num cenário
como o actual (e, de resto, em
qualquer cenário) tais dicotomias
(rock bom, pop má) são coisa
tremendamente velha e ultrapassada.
Ainda para mais quando se ouve
“Backspacer” e se percebe que o
“álbum pop” dos Pearl Jam é, no
fundo, mais um álbum dos Pearl Jam,
com a diferença de recorrerem mais
regularmente a pianos e a inspiração
Springsteeneana (“Speed of sound” e
“Force of nature”) ou de arriscarem o
acústico, reflexo do primeiro álbum a
solo de Eddie Vedder (a banda sonora
de “Into The Wild”), numa “Just
breathe” muito serena, muito
bonitinha e discretamente soporífera
(ainda assim, é tão boa como a
maioria das canções de José
Gonzalez, mas arriscamos que os fãs
do sueco nunca o reconhecerão). A
questão, portanto, não está na
descoberta da careca pop dos Pearl
Jam em “Backspacer”. Está em
“Backspacer” ele mesmo. Álbum
curto e despretensioso, álbum de
veteranos a divertirem-se com a
música que estão a gravar. Tudo
muito bem. Brincam aos Ramones e
aos MC5 em “Supersonic”, mas não
há ali qualquer intenção para além da
brincadeira de fã; inventam um
single tenebroso, “The fixer”, e dão
prova inequívoca de
contemporaneidade, infelizmente
pelas razões erradas: este rock FM
não é bem uma canção, antes uma
melodia repetida exaustivamente -
ideal, portanto, para estes tempos
em que o slogan publicitário é senhor
incontestado do espaço público. Para
além disso, o que havia antes,
continua a existir. O apreço pelos riffs
do rock clássico de 70 – Led Zeppelin
à cabeça, seguido de perto pelos The
Who -, devidamente matizado pela
própria história e tiques dos Pearl
Jam, e a ideia do rock como bálsamo
escapista, não como ponto de
confronto olhando de frente o
turbilhão. “Back Spacer” é um disco
que, sem sobressaltos e sem
inesperadas mudanças de rumo,
seguro da sua natureza, preencherá
os fãs da banda. Quanto ao resto do
mundo, se estivesse minimamente
preocupado, que não
está, não saberia o
que fazer dele
neste ano da graça
de 2009. M.L.

Concertos
Anne Sofie von Otter traz-nos
música nascida em condições de
inenarrável sofrimento humano
Charles Lloyd New Quartet
a encerrar o Angra Jazz
Clássica
O último
grito da
resistência
humana
Anne Sofie Von Otter
interpreta canções
compostas no campo de
concentração
de Theresienstad.
Cristina Fernandes
ascensão internacional, reveste-se
também de simbologia especial, já
que nasceu numa família de judeus
que fugiu para a África do Sul
durante o regime nazi. Hope tocará
a Sonata para violino solo, de Erwin
Schulhoff. O restante programa
inclui canções e peças instrumentais
de Ilse Weber, Karel Svenk,
Emmerich Kálmán, Robert Dauber,
Viktor Ulmann, Pavel Haas, Karel
Berman e Carlo Sigmund Taube.
Anne Sofie von Otter
Lisboa. Fundação e Museu Calouste Gulbenkian.
Avenida de Berna, 45A. 6ª às 19h00. Tel.:.
217823700. 17,5€ a 40€.
No Grande Auditório.
O maestro Marc Minkowski disse
uma vez que Anne Sofie von Otter
era “um camaleão, capaz de cantar
tudo, da música pré-histórica até
aos Beatles”. De Monteverdi aos
ABBA, passando por Handel,
Haydn, Bizet, Grieg, Mahler, Kurt
Weill, Debussy ou Elvis Costello, a
meio-soprano sueca já cantou de
tudo e está sempre pronta para
novas descobertas. Aborda géneros
sem preconceitos, mas a música
erudita nunca deixou de estar no
centro de uma carreira ao mais alto
nível. Essa versatilidade permite-lhe
enveredar por universos menos
conhecidos como é o caso do seu
recente trabalho discográfico
dedicado às “Canções de
Theresienstadt”, escritas por Jazz
compositores judeus no campo de
concentração que os nazis
estabeleceram em 1941 no forte de Jazz na Terceira
Terezín, a 60 quilómetros de Praga.
Neste campo de passagem estiveram
AngraJazz 2009
cativos numerosos artistas, antes de
2 a 4 de Outubro, Centro Cultural de Angra do
serem transportados para
Heroísmo, Terceira, Açores. Bilhetes – 5 a 18 euros
Auschwitz. Apresentado por
2, 21h30, Orquestra AngraJazz com Hugo Alves;
motivos de propaganda como
23h30, Jane Monheit Quarteto;3, 21h30, Quarteto de
“gueto modelo”, Theresienstadt
Mário Laginha; 23h30, Henri Texier Strada
permitia aos prisioneiros alguma Quinteto; 4, 21h30, Chano Dominguez Trio; 23h30
– Charles Lloyd New Quartet
autonomia nas suas actividades
culturais. Neste contexto, a música O AngraJazz está de volta e,
desempenhou papel fundamental aparentemente, mais forte do que
como evasão, último grito da nunca. Este ano a cumprir a sua 11ª
resistência humana.
edição, marca o calendário cultural
O repertório de Theresienstadt da ilha e ganha crescente relevância
tem vindo a ser divulgado através de no panorama jazzístico nacional e
uma colecção de discos da Channel internacional, apresentando
Classics e de outras iniciativas qualidade, consistência e
pontuais, mas continua a ocupar diversidade. Na programação
lugar marginal na vida musical. De destacam-se os concertos do Charles
regresso à Gulbenkian, Von Otter Lloyd New Quartet e do projecto
traz-nos esta música nascida em Strada de Henri Texier, bem como o
condições de inenarrável sofrimento continuado apoio dado aos músicos
humano na companhia de músicos mais jovens, com a consolidação da
como o pianista Bengt Forsberg, o Orquestra AngraJazz, formação que
violinista Daniel Hope e Bebe abre o Festival, um ensemble cujo
Risenfors, que tocará clarinete, crescimento temos testemunhado e
acordeão e guitarra. A participação que muito deve ao trabalho de
de Daniel Hope, violinista em formação e direcção musical de
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito a Ma Maum a re remm mm mmRa Ra Razoávelmm mm mmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
Macacos do Chinês
no Barreiro
Legendary Tigerman
prossegue a promoção de “Femina”
Claus Nymark ke Pedro d Moreira. i
Integrando músicos residentes na
ilha Terceira, recrutados nas fileiras
das orquestas locais, filarmónicas e
ligeiras, bem como do Conservatório
Regional, este ano conta com o
convidado Hugo Alves, talentoso
trompetista que muito tem feito pelo
desenvolvimento do jazz no sul do
país. No segundo concerto da noite,
a cantora norte-americana Jane
Monheit apresenta o novo trabalho,
“The Lovers, The Dreamers and Me”,
num espectáculo que combina o
repertório clássico do jazz com a
interpretação de temas pop ou da
música brasileira. Repete no
domingo, dia 4, às 21h00,
no Grande Auditório do CCB. No
segundo dia, é a vez do
extraordinário quarteto de Mário
Laginha, uma das formações mais
vibrantes do jazz nacional, fazer a
sua aparição. Jazz de grande nível
por Laginha, Sérgio Pelágio,
Bernardo Moreira e Alexandre
Frazão. Na segunda parte da noite, o
contrabaixista françês Henri Texier
apresenta o seu mais reputado
projecto, Strada, nesta ocasião um
quinteto que conta com a voz
singular de François Corneloup, nos
saxofones soprano e barítono. O
último dia abre com o Trio do
espanhol Chano Dominguez,
formação híbrida que junta o espírito
do jazz aos ritmos do flamenco. A
encerrar, o Charles Lloyd New
Quartet, ponto alto da programação.
Quarteto de luxo com Lloyd nos
saxofones, Jason Moran no piano,
Reuben Rogers no contrabaixo e
Nasheet Waits na bateria.
Rodrigo Amado
Agenda
Sexta 2
Orquestra Barroca
Casa da Música
Porto. Casa da Música. Pç. Mouzinho de
Albuquerque. às 21h00. Tel.:. 220120220. 11€.
Na Sala Suggia.
Cristina Branco
Lisboa. Parque Mayer. Travessa do Salitre,
Parque Mayer, às 21h30. 5€.
Maria João e Mário Laginha
Viseu. Teatro Viriato. Lg. Mouzinho Albuquerque,
às 21h30. Tel.:. 232480110. 5€ a 20€.
Macacos do Chinês
Barreiro. Espaço J. Rua Dr. António José de
Almeida, 69. 6ª às 17h30. Tel.:. 212079776.
Entrada livre.
The Legendary Tiger Man
& Convidados
Guimarães. São Mamede - Centro de Artes e
Espectáculos. R. Dr. José Sampaio, 17-25, às
22h00. Tel.:. 253547028.
15,95€ (oferta de bilhete na compra do CD+DVD
nas lojas Fnac). Na Sala Principal.
António Chainho
Sintra. Centro Cultural Olga Cadaval. Pç. Dr.
Francisco Sá Carneiro, às 22h00. Tel.:. 219107110.
10€ a 20€. No Auditório Jorge Sampaio.
DJ Miss T + Hush Hush
+ Rui Remix + Tânia Pascoal
Lisboa. Instituto Superior de Agronomia. Tapada
da Ajuda. 6ª às 23h30. Tel.:. 213653100.
12,5€.
Lesboa Party.
O’queStrada
Braga. Theatro Circo. Av. Liberdade, 697, às
21h30. Tel.:. 253203800. 12€. Na Sala Principal.
Apresentação de “Tasca Beat”.
Sábado 3
Clubbing: Au Revoir Simone
+ The Slits + Vitor Ramil
& Marcos Suzano
Porto. Casa da Música. Pç. Mouzinho de
Albuquerque, às 23h00. Tel.:. 220120220.
Sala 2: 18€. Outros Espaços: 7,5€.
Ver texto pág. 15
Orquestra Nacional do Porto
e Quarteto de Cordas
de Matosinhos
Porto. Casa da Música. Pç. Mouzinho de
Albuquerque, às 18h00. Tel.:. 220120220. 16€. Na
Sala Suggia. Transcrições para Orquestra - Obras
de Beethoven, Pinho Vargas e Brahms.
Rita Redshoes
Alvaiázere. Parque Multiusos. Parque Multiusos,
às 22h00. Tel.:. 236650140. Entrada livre.
Concha Buika
Guimarães. Centro Cultural Vila Flor. Avenida D.
Afonso Henriques, 701, às 22h00. Tel.:.
253424700. 7,5€ a 10€. No Grande Auditório.
Ciclo Stockhausen
- Ascenção e Esperança
Com António Abellan
(sintetizador), Barbara Zarichelli
(soprano), Hubert Mayer (tenor),
Kathinka Pasveer (som), Juditha
Haeberlin (violino), Axel Porath
(viola), Dirk Wietheger
(vbioloncelo).
Lisboa. Fundação e Museu Calouste Gulbenkian.
Avenida de Berna, 45A. Sáb. às 19h00. Tel.:.
217823700. 15€.
Ver texto págs. 18 e 19
The Legendary Tiger Man
& Convidados
Tondela. Cine Tejá - Novo Ciclo ACERT. R. Dr.
Ricardo Mota, às 22h00. Tel.:. 232814400.
15,95€ (oferta de bilhete na compra do CD+DVD
nas lojas Fnac).
33

34
Concertos
CESAR RANGEL/ AFP
Cristina Branco em “tournée”
Agenda
Cristina Branco
Póvoa de Varzim. Casino da
Póvoa. Ed. do Casino, às 23h00
(jantar às 20h00).. Tel.:.
252690888. 50€ (jantar-
concerto).
Domingo 4
Orquestra de Jazz
de Matosinhos
Porto. Casa da Música. Pç. Mouzinho de
Albuquerque, às 22h00. Tel.:. 220120220.
15€. Na Sala Suggia.
Ciclo Stockhausen - Durações
Naturais e Porta do Céu
Com Franck Gutschmidt
(piano), Benjamin Kobler
(piano), Stuart Geber
(percussão), Kathinka Pasveer
(som).
Lisboa. Fundação e Museu Calouste Gulbenkian.
Avenida de Berna, 45A, às 19h00. Tel.:. 217823700.
15€. No Grande Auditório. Projecção de 2 filmes no
Auditório 3 às 16h00.
Ver texto págs. 18 e 19
Jane Monheit
Lisboa. Centro Cultural de Belém. Praça do
Império, às 21h00. Tel.:. 213612400.
15€ a 32,5€. No Grande Auditório. M/12.
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
Jane Birkin no CCB
TONY GENTILE& REUTERS
Segunda 5
Au Revoir Simone
Lisboa. Aula Magna. Alam.
Universidade, às 21h00 (abertura de
portas às 20h00).. Tel.:. 217967624. 23€
a 30€.
Ver texto pág. 15
Amália Hoje
Lisboa. Coliseu dos Recreios. R.
Portas St. Antão, 96. 2ª, 3ª e 4ª às 21h30 (abertura
de portas às 20h30).. Tel.:. 213240580. 15€ a 30€.
M/3. Duração: 90m.
Ciclo Stockhausen - Beleza e
Cosmic Pulses
Com Marco Blaauw (trompete),
Kathinka Pasveer (flauta e som),
Suzanne Stephens (clarinete), Florian
Zwissler (som).
Lisboa. Fundação e Museu Calouste Gulbenkian.
Avenida de Berna, 45A, às 19h00. Tel.:. 217823700.
15€. No Grande Auditório. Comentário pré-concerto
no Auditório 3 às 18h00 com Pedro Amaral.
Ver textos págs. 18 e 19
Terça 6
Homenagem a Amália Rodrigues
Porto. Clube Literário do Porto.
Rua Nova da Alfândega, 22. 3ª às 21h00.
Tel.:. 222089228.
No Piano-bar. Com vários fadistas
do concelho.
Quinta 8
Jane Birkin
Lisboa. Centro Cultural de Belém. Praça do
Império, às 21h30. Tel.:. 213612400.
20€ a 45€. No Grande Auditório. Abertura da 10ª
Edição da Festa do Cinema Francês. Apresentação
de “Enfants d’Hiver”.
Elena Bashkirova e Orquestra
Gulbenkian
Lisboa. Fundação e Museu Calouste
Gulbenkian. Avenida de Berna, 45A,
às 21h00. Tel.:. 217823700.
No Grande Audítório. Obras de
Bach, Webern, Beethoven e
Mendelssohn.
The Dorian Grays + Iconoclasts
Lisboa. MusicBox. R. Nova do Carvalho, 24 -
Cais do Sodré, às 22h00. Tel.:. 213430107. 6€.
The Bad Plus
Braga. Theatro Circo. Av. Liberdade, 697,
às 21h30. Tel.:. 253203800. 8€.
Na Sala Principal.

Cinema
Estreiam
A angústia
do treinador
no momento
do despedimento
Um filme sobre a ambição.
Ou não fosse escrito pelo
argumentista de “A Rainha” e
“Frost/Nixon”, Peter Morgan.
Jorge Mourinha
Maldito United
The Damned United
De Tom Hooper,
com Colm Meaney, Henry Goodman,
Oliver Stokes. M/12
MMMnn
Lisboa: ZON Lusomundo Amoreiras: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 13h20, 15h50, 18h, 21h20, 23h40
Porto: Arrábida 20: Sala 4: 5ª 6ª Sábado Domingo
2ª 14h05, 16h35, 19h, 21h40, 00h20 3ª 4ª 16h35,
19h, 21h40, 00h20
Impõe-se a precisão: o United do
título é bem um clube de futebol,
mas não o Manchester United; antes
o Leeds United, força dominante do
futebol britânico na passagem dos
anos 1960 para os anos 1970. E sim,
este é um filme sobre futebol, mas
não sobre o jogo em si, antes sobre a
ambição e os jogos de poder que o
rodeiam, consubstanciado na
história verídica do treinador Brian
Clough, que elevou, em 1973, o
Derby County, pequeno clube
regional, à primeira divisão para
logo a seguir se “estampar” ao tomar
os controles do Leeds.
Quem conhece o universo do
argumentista Peter Morgan,
responsável por “A Rainha”, “O
Último Rei da Escócia” ou “Frost/
Nixon”, irá reconhecê-lo nesta fita
incisiva mas bem-humorada que o
guionista adaptou do romance
(ficcional, mas inspirado por
personagens e factos reais) do
escritor David Peace. É a história de
As estrelas do público
um homem embriagado pelo
sucesso, que deixa a sua ambição
transportá-lo para estratosferas
rarefeitas onde talvez não esteja
preparado para sobreviver ao
mesmo tempo que volta as costas
àqueles que realmente o apreciam,
cruzando com elegância as esferas
progressivamente mais inseparáveis
do público e do pessoal. Mas que, ao
mesmo tempo, faz um retrato
certeiro da Inglaterra dos anos 1970,
desenhando em meia-dúzia de
pormenores atentos que facilmente
passam despercebidos um espírito
de época, recordando o ponto
exacto em que o futebol iniciou a
transição em direcção à bem oleada
máquina contemporânea de fazer
dinheiro, no caminho da
mediatização extrema do desportorei.
Como em qualquer história
inglesa, tudo gira à volta da classe
social, do modo como a ambição de
Clough é propulsionada pela
necessidade de se provar digno de
respeito — embora talvez não do
modo que todos esperariam.
“Maldito United” é também mais
uma lição do “savoir-faire” inglês,
desde a excelência discreta dos
actores (com óbvio
destaque para
Michael
Sheen e o
“habitué”
de Mike
Leigh
Timothy
Jorge
Mourinha
Luís M.
Oliveira
Spall) ao rigor da reconstituição
histórica. É verdade que isso
também se pode dizer de qualquer
telefilme britânico e é verdade que a
dimensão caseirinha de “Maldito
United” provavelmente era mais
apropriada para o pequeno écrã.
Mas isso é esquecer que um telefilme
inglês tem muitas vezes mais cinema
em cinco minutos que 90 por centro
da produção corrente americana.
Ainda por cima, Tom Hooper,
veterano televisivo a assinar a sua
primeira longa para cinema, injecta
uma série de pormenores
atipicamente lúdicos, uma liberdade
formal (do grão da fotografia às
perspectivas forçadas) que troca as
voltas de modo inteligente e
subversivo os lugares-comuns do
“realismo social”. O que faz todo o
sentido num filme sobre o arrivismo
e a ambição – só é mesmo pena que
Hooper termine “Maldito United”
com imagens de arquivo que vêm
desnecessariamente minimizar as
performances dos seus actores ao
apontar as diferenças físicas entre
alguns deles, mas insuficientes para
macular o que ficou para trás.
Este é um filme sobre futebol, mas não sobre o jogo em si,
antes sobre a ambição e os jogos de poder que o rodeiam
Mário
J. Torres
Vasco
Câmara
A Esperança Está Onde Menos se Espera mnnnn mnnnn nnnnn nnnnn
A Batalha de Red Cliff mmmnn nnnnn mmnnn nnnnn
Chéri mmmmn nnnnn mmmmn mmnnn
Distrito 9 mmmmn nnnnn nnnnn mmnnn
Estado de Guerra mmmmn mmmmn nnnnn mmmnn
Os Homens que Odeiam as Mulheres mmnnn nnnnn nnnnn mnnnn
Longe da Terra Queimada mmnnn nnnnn nnnnn mnnnn
Maldito United mmmnn nnnnn nnnnn nnnnn
Séraphine mnnnn mmnnn nnnnn nnnnn
Welcome nnnnn nnnnn nnnnn mmnnn
Natação obrigatória
Welcome
De Philippe Lioret,
com Vincent Lindon, Firat Ayverdi,
Audrey Dana. M/12
MMnnn
Lisboa: Medeia King: Sala 1: 5ª 3ª 4ª 14h30, 17h,
19h30, 22h 6ª Sábado Domingo 2ª 14h30, 17h,
19h30, 22h, 00h30; Medeia Monumental: Sala 1: 5ª
6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h, 15h10, 17h20,
19h30, 21h40, 24h
Porto: Medeia Cidade do Porto: Sala 3: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 14h, 16h30, 19h, 21h30
O problema em “Welcome” é o filme
não conseguir ser apenas uma coisa
– e ser essa com muita força.
Antes disso: não quis ser
documentário apesar de a realidade
– a concentração de imigrantes em
Calais em situação clandestina, para
ali varridos pela turbulência dos
mundos que desabam – estar na
ordem do dia e se colar à sua pele.
“Welcome” quis ser ficção,
melodrama, romanesco. Eis, então,
no seu centro, Bilal (Firat Ayverdi),
um iraquiano que tenta chegar a
Inglaterra, onde vive a namorada, e
Simon (Vincent Lindon), professor
de natação. Encontro a dois entre
um jovem e um quarentão: o
primeiro quer aprender a nadar para
atravessar o canal da Mancha; o
segundo, que vive dentro de uma
bolha de tristeza e fracasso (um
divórcio), acaba por reparar no
“outro”, no clandestino Bilal, e
ajudá-lo a materializar a sua
obsessão. Por despertar cívico, para
impressionar a ex-mulher, por
memória nostálgica da sua própria
adolescência, pelo instinto
paternal que espreita? Por tudo
isso, e Vincent Lindon é
magnífico a fazer passar muito
com pouco, à maneira dos mais
instintivos americanos do
cinema clássico – o filme, temos
de ser justos, é-lhe fiel aí. Mas aí
o realizador Philippe Lioret
devia ter sido mais obsessivo e
minimal, tal como as suas
personagens.
Voltamos ao princípio:
“Welcome” devia ter querido,
com mais força, apenas esta
relação a dois. Sem se distrair
com a fracassada
35

Cinema
conjugalidade de Simon nem com
a vigiada “love story” de Bilal.
Desvios, e assim parecem,
demasiado presentes para serem
apenas sinalização mas que também
36
Espaço
Público
Frears oferece uma
beleza que ultrapassa a
presença de Pfeiffer e de
Rupert Friend, porque à
semelhança de Colette,
coloca acima de tudo o
espírito Belle Époque, no
seu esplendor da Arte
Nova. O quarto de Lea é
todo ele composto por
curvas sinuosas, a cama
não participam na construção de
uma história coral. Não se colam à
tensão da história principal –
“história principal”: eis como
“Welcome” tem dificuldade em
assumir o que quer contar. Devia ter
sido a natação... (o que teriam feito
os irmãos Dardenne com o
voluntarismo de uma personagem
como Bilal e com uma piscina como
território de monomania?)
Vasco Câmara
Longe da Terra Queimada
The Burning Plain
De Guillermo Arriaga,
com Charlize Theron, Kim Basinger,
Joaquim de Almeida, Jennifer
Lawrence. M/16
MMnnn
e o seu espaldar que é tão
erótico quanto a relação
que vai deslumbrar o par.
Toda a emoção do filme
vem desta cama e da
carícia de Lea sobre a seda
do lençol que se repete
sobre Chéri. É curioso que
a idade de Edmée seja
insistentemente referida,
como se esse privilégio
Lisboa: CinemaCity Classic Alvalade: Sala 3: 5ª 3ª
4ª 13h50, 16h, 18h50, 21h40 6ª 13h50, 16h, 18h50,
21h40, 23h50 Sábado Domingo 11h40, 13h50, 16h,
18h50, 21h40, 23h50 2ª 11h40, 13h50, 16h, 18h50,
21h40; Medeia Saldanha Residence: Sala 6: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h10, 15h20, 17h30,
19h40, 21h50, 00h30; UCI Cinemas - El Corte Inglés:
Sala 12: 5ª 6ª Sábado 2ª 3ª 4ª 14h20, 16h45,
19h10, 22h, 00h30 Domingo 11h30, 14h20, 16h45,
19h10, 22h, 00h30; ZON Lusomundo Alvaláxia: 5ª
6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h50, 16h30, 19h,
21h40, 00h10
Porto: Arrábida 20: Sala 20: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 14h20, 16h55, 19h30, 22h10, 00h45 3ª
A receita habitual de Arriaga, várias
histórias cruzadas: “Longe da Terra Queimada”
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
anulasse a presença de
Lea. A prova, a única, que
realça a impossibilidade
é o suicídio de Chéri. O
sentimento libertino
desfaz qualquer interdito
social, menos o da idade,
Chéri vive dessa culpa.
Fernanda Damas Cabral,
64 anos, Investigadora
independente
4ª 16h55, 19h30, 22h10, 00h45; Medeia Cidade do
Porto: Sala 1: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
14h30, 17h, 19h30, 22h; ZON Lusomundo
Marshopping: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
13h30, 16h, 18h40, 21h40, 00h20
Em Portland, uma mulher solitária
que é “maître d’” num restaurante
de classe vai para a cama com todos
os que lhe aparecem à frente. No
Novo México, uma caravana em fogo
traz a dor a duas famílias. No
México, um piloto que pulveriza
colheitas tem um acidente. A estreia
na realização de Guillermo Arriaga,
o argumentista de “Amor Cão” e
“Babel”, segue à risca a estrutura
fragmentada em mosaico de
histórias que parecem não ter nada a
ver umas com as outras e, vai-se a
ver, estão todas cruzadas — só que,
aqui, Arriaga atira mais um pauzinho
para a engrenagem ao colocar parte
dos dados num plano temporal
diferente. O que não seria um
problema se não se desse o caso de,
uma vez deslindado o enigma, tudo
não passar de uma versão fronteiriça
dos velhos romances adolescentes
“Welcome”: um professor de natação,
um imigrante clandestino , uma piscina
aqui projectada para as suas
consequências futuras de modo
pesadamente pomposo. A
fragmentação da narrativa acaba por
parecer uma manobra de diversão
para dar espessura e interesse a uma
história banal, desperdiçando no
processo a elegância clássica da
encenação de Arriaga, a beleza da
fotografia de Robert Elswit e John
Toll e o empenho do elenco.
Ponhamos a coisa assim: gostamos
mais de “Longe da Terra Queimada”
do que de “Babel”, mas isso não o
torna mais do que um esforço
sincero mas falhado. J. M.
Continuam
Chéri
De Stephen Frears,
com Michelle Pfeiffer, Rupert Friend,
Kathy Bates. M/12
MMMMn
Lisboa: Castello Lopes - Cascais Villa: Sala 3: 5ª 3ª
4ª 16h20, 19h10, 21h20 6ª 16h20, 19h10, 21h20,
23h50 Sábado Domingo 13h30, 16h20, 19h10,
21h20, 23h50 2ª 13h30, 16h20, 19h10, 21h20;
CinemaCity Classic Alvalade: Sala 2: 5ª 2ª 3ª 4ª
13h40, 15h40, 17h40, 19h40, 21h45 6ª 13h40, 15h40,
17h40, 19h40, 21h45, 24h Sábado 11h35, 13h40,
15h40, 17h40, 19h40, 21h45, 24h Domingo 11h35,
13h40, 15h40, 17h40, 19h40, 21h45; Medeia
Monumental: Sala 3: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª
3ª 4ª 13h20, 15h20, 17h20, 19h20, 21h30, 24h; UCI
Cinemas - El Corte Inglés: Sala 14: 5ª 6ª Sábado 2ª
3ª 4ª 14h, 16h, 18h, 20h, 22h, 00h10 Domingo
11h30, 14h, 16h, 18h, 20h, 22h, 00h10; ZON
Lusomundo Alvaláxia: 5ª 2ª 3ª 4ª 13h20, 15h30,
17h40, 19h45, 22h 6ª Sábado Domingo 13h20,
15h30, 17h40, 19h45, 22h, 00h10; ZON Lusomundo
Amoreiras: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
13h10, 15h20, 18h10, 21h30, 23h50; ZON Lusomundo
Oeiras Parque: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
13h20, 15h55, 18h10, 21h40, 23h55; ZON Lusomundo
Almada Fórum: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
13h10, 15h25, 17h50, 21h15, 23h35
Porto: Arrábida 20: Sala 3: 5ª 6ª Sábado Domingo
2ª 13h50, 15h55, 18h05, 20h05, 22h10, 00h25 3ª 4ª
15h55, 18h05, 20h05, 22h10, 00h25

“Chéri” é um daqueles bichos raros
que parece uma coisa e é outra. No
papel uma requintada alta comédia
sobre o romance impossível entre
uma cortesã parisiense da Belle
Époque e o filho maçado e recémsaído
da adolescência de uma excolega,
pontuado por epigramas
wildeanos, na prática “Chéri” é um
olhar lúcido sobre um tempo que
está a chegar ao fim cruzado com
um retrato amargo de uma mulher
que se questiona, desvendando a
melancolia e a solidão que se
escondem por trás das opulentas
fachadas mundanas. Modulado com
infinita delicadeza entre a comédia e
o melodrama, transportado por uma
Michelle Pfeiffer que raramente
vemos em papéis à altura do seu
talento, “Chéri” é um belíssimo
filme “à moda antiga” — andam a
fazer tanta falta... J. M.
Distrito 9
De Neill Blomkamp,
com Sharlto Copley, Jason Cope,
Nathalie Boltt. M/16
MMnnn
VINCENT KESSLER/ REUTERS
Lisboa: Castello Lopes - Cascais Villa: Sala 1: 5ª 3ª
4ª 16h, 18h50, 21h40 6ª 16h, 18h50, 21h40, 00h15
Sábado Domingo 13h20, 16h, 18h50, 21h40, 00h15
2ª 13h20, 16h, 18h50, 21h40; Castello Lopes - Loures
Shopping: Sala 4: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª
4ª 13h20, 15h50, 18h20, 21h30, 24h; CinemaCity
Alegro Alfragide: Sala 7: 5ª 6ª 2ª 3ª 4ª 14h,
16h30, 18h40, 21h45, 24h Sábado Domingo 11h50,
14h, 16h30, 18h40, 21h45, 24h; CinemaCity Beloura
Shopping: Sala 1: 5ª 6ª 3ª 4ª 13h55, 16h, 18h30,
21h50, 24h Sábado Domingo 2ª 11h45, 13h55, 16h,
18h30, 21h50, 24h; CinemaCity Campo Pequeno
Praça de Touros: Sala 7: 5ª 6ª 3ª 4ª 14h, 16h45,
18h55, 21h50, 24h Sábado Domingo 2ª 11h40, 14h,
16h45, 18h55, 21h50, 24h; Medeia Monumental: Sala
4 - Cine Teatro: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
Espaço E
Público
P
Para quem já visitou
os rostos de maldade
bestial presentes nas
fotografias de Auschwitz,
“Inglorious Basterds”
de Tarantino não passa
mesmo doutra comédia
negra; ao equiparar a
tacanhez americana com
o sadismo nazi (com um
espacinho de tributo para
14h30, 17h, 19h45, 22h, 00h15; UCI Cinemas - El
Corte Inglés: Sala 5: 5ª 6ª Sábado 2ª 3ª 4ª 14h15,
16h45, 19h15, 21h45, 00h15 Domingo 11h30, 14h15,
16h45, 19h15, 21h45, 00h15; UCI Dolce Vita Tejo:
Sala 2: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 14h15,
16h35, 19h, 21h40, 00h05; ZON Lusomundo
Alvaláxia: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
13h20, 15h50, 18h20, 21h20, 23h50; ZON
Lusomundo CascaiShopping: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 12h50, 15h30, 18h10, 21h30,
00h05; ZON Lusomundo Colombo: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 12h50, 15h40, 18h20, 21h40,
00h20; ZON Lusomundo Dolce Vita Miraflores: 5ª
Domingo 2ª 3ª 4ª 15h20, 18h20, 21h20 6ª Sábado
15h20, 18h20, 21h20, 00h20; ZON Lusomundo
Odivelas Parque: 5ª 2ª 3ª 4ª 15h10 18h30, 21h20
6ª 15h10 18h30, 21h20, 24h Sábado 12h50, 15h10
18h30, 21h20, 24h Domingo 12h50, 15h10 18h30,
21h20; ZON Lusomundo Oeiras Parque: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h15, 15h50, 18h30,
21h25, 00h05; ZON Lusomundo Torres Vedras: 5ª
6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h45, 16h15, 18h50,
21h30, 00h10; ZON Lusomundo Vasco da Gama: 5ª
6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 12h55, 15h40, 18h15,
21h20, 23h55; Castello Lopes - C. C. Jumbo: Sala 3:
5ª 3ª 4ª 15h40, 18h20, 21h10 6ª 15h40, 18h20,
21h10, 23h40 Sábado Domingo 13h10, 15h40, 18h20,
21h10, 23h40 2ª 13h10, 15h40, 18h20, 21h10; Castello
Lopes - Fórum Barreiro: Sala 2: 5ª 3ª 4ª 15h50,
18h30, 21h20 6ª 15h50, 18h30, 21h20, 24h Sábado
Domingo 13h10, 15h50, 18h30, 21h20, 24h 2ª 13h10,
15h50, 18h30, 21h20; Castello Lopes - Rio Sul
Shopping: Sala 2: 5ª 6ª 3ª 4ª 15h40, 18h40,
21h40, 00h10 Sábado Domingo 2ª 12h50, 15h40,
18h40, 21h40, 00h10; UCI Freeport: Sala 4: 5ª 2ª
3ª 4ª 15h30, 18h30, 21h30 6ª 15h30, 18h30, 21h30,
00h20 Sábado 13h15, 15h30, 18h30, 21h30, 00h20
Domingo 13h15, 15h30, 18h30, 21h30; ZON
Lusomundo Almada Fórum: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 3ª 4ª 12h55, 15h30, 18h10, 21h05,
23h45; ZON Lusomundo Fórum Montijo: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 13h30, 16h10, 18h40,
21h10, 23h40
Porto: Arrábida 20: Sala 15: 5ª 6ª Sábado
Domingo 2ª 14h, 16h30, 19h05, 21h45, 00h25 3ª 4ª
16h30, 19h05, 21h45, 00h25; ZON Lusomundo Dolce
Vita Porto: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
13h30, 16h, 19h10, 21h50, 00h25; ZON Lusomundo
GaiaShopping: 5ª 2ª 3ª 4ª 13h30, 16h, 18h30,
21h50 6ª Sábado Domingo 13h30, 16h, 18h30,
21h50, 00h25; ZON Lusomundo MaiaShopping: 5ª
2ª 3ª 4ª 13h20, 16h05, 18h40, 21h50 6ª Sábado
Domingo 13h20, 16h05, 18h40, 21h50, 00h35; ZON
Lusomundo Marshopping: 5ª 6ª Sábado Domingo
2ª 3ª 13h40, 16h20, 18h50, 22h, 00h35 4ª 13h40,
16h20, 18h50, 00h35; ZON Lusomundo
NorteShopping: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª
13h20, 16h10, 19h, 21h50, 00h35; ZON Lusomundo
Parque Nascente: 5ª 6ª Sábado Domingo 2ª 3ª
4ª 13h40, 16h10, 18h40, 21h40, 00h25; Castello
Lopes - 8ª Avenida: Sala 3: 5ª 3ª 4ª 15h50, 18h20,
21h20 6ª 15h50, 18h20, 21h20, 23h50 Sábado
Domingo 13h, 15h50, 18h20, 21h20, 23h50 2ª 13h,
15h50, 18h20, 21h20; ZON Lusomundo Fórum
Aveiro: 5ª 2ª 3ª 4ª 13h20, 16h10, 18h55, 21h40 6ª
Sábado Domingo 13h20, 16h10, 18h55, 21h40,
00h20; ZON Lusomundo Glicínias: 5ª 2ª 3ª 4ª
13h40, 16h25, 19h15, 21h55 6ª Sábado Domingo
13h40, 16h25, 19h15, 21h55, 00h40
Com este argumento podíamos estar
perante um tremendo filme (e os
filmes que vimos aqui!). Mas
“Distrito 9” não transcende a
paródia (e às vezes parece mesmo
paródia involuntária) para chegar à
tragédia. Aí se dilui o lado
“cronenberguiano” – há algo, de
facto, que podia fazer dele nova
“versão” de “A Mosca”. Ficamos
com a série B, ou Z, e com a
guerrilha política. Traída, de alguma
forma, pelo dispositivo espertalhão
do “documentário” (é a linhagem
”Blair Witch Project”...). Que só
concorre para nos suspender a
crença. Mais do que oportuno,
oportunista? Ou seja: eis como
aquele que poderia ser um grande
filme político do nosso tempo –
vamos corrigir: aquele que poderia
ser um grande filme do nosso
tempo – fica reduzido a filme
sintomático do nosso tempo. V. C.
A Batalha de Red Cliff
Chi Bi
De John Woo,
com Tony Leung Chiu
Wai, Takeshi
Kaneshiro, Fengyi
Zhang. M/12
MMnnn
Lisboa: ZON Lusomundo
Alvaláxia: 5ª 2ª 3ª 4ª
14h10, 17h30, 21h10 6ª
Sábado Domingo 14h10,
17h30, 21h10, 00h20
Porto: ZON Lusomundo
Marshopping: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª
4ª 17h30, 00h30
o suspense e o romance
dos clássicos). De resto,
quando se trata de vingar
o genocídio judaico
com uma carnificina
cinematográfica
(autêntico deleite), todo
o sangue nunca será
demais!
João Meirinhos, 24 anos,
licenciado desempregado
Depois do seu sucesso em
Hollywood, John Woo regressa à Ásia
com uma longuíssima saga oriental,
repleta de efeitos e com todos os
matadores que fizeram a glória do
seu estilo: elaboradas coreografias
de violência indiscriminada, sangue
a jorrar “au ralenti”,
superabundância de figurantes,
duelos, ambíguas conivências entre
homens. No entanto, esta dimensão
de “blockbuster” perde-se em
excessivos pormenores, em
infindáveis episódios destinados a
adaptar um clássico do século XIV,
sobre factos semi-históricos, semilendários,
passados muito antes,
com uma noção de tempo
cinematográfico que se arrasta sem
medida, numa desmesura que cansa
o espectador ocidental - até porque
nos faltam dados factuais. Tudo
considerado, fica um sentido inato
do espectáculo e o virtuosismo de
uma câmara irrequieta, mas
também alguma desilusão, depois
de obras-primas de
contenção, como “Face-
Off”. M.J.T.
Séraphine
De Martin Provost,
com Yolande Moreau, Ulrich Tukur,
Anne Bennent. M/12
Mnnnn
Lisboa: Atlântida-Cine: Sala 1: 5ª 6ª 2ª 3ª 4ª
15h30, 21h30 Sábado Domingo 15h30, 18h15, 21h30;
Medeia King: Sala 3: 5ª 3ª 4ª 14h15, 16h45, 19h15,
21h45 6ª Sábado Domingo 2ª 14h15, 16h45, 19h15,
21h45, 00h15
Porto: Medeia Cidade do Porto: Sala 4: 5ª 6ª
Sábado Domingo 2ª 3ª 4ª 14h05, 21h30
Séraphine existiu mesmo – na Senlis
provincial de 1914, era realmente
uma mulher-a-dias olhada de
esguelha como “tolinha da aldeia”
que pintava nas horas vagas com a
paixão de quem não conhece outra
maneira de se exprimir – e a sua
história verídica, tal como filmada
pelo actor e realizador Martin
Provost, conquistou os espectadores
franceses, que dela fizeram um êxito
e a tornaram no grande vencedor
dos Césares 2009. Mas para um
filme sobre uma artista espontânea e
obsessiva, falta garra, paixão e
entrega a “Séraphine”, que se
queda por uma austeridade
clínica e quase distante,
incapaz (apesar das
interpretações de Yolande
Moreau e Ulrich Tukur) de
comunicar a intensidade e a
urgência da arte de Séraphine,
escondendo-se demasiadas
vezes atrás de uma “académica”
qualidade francesa, deixando por
explorar as pistas mais interessantes
(como a relação entre Séraphine e o
seu “mentor” Wilhelm Uhde, uma
espécie de “amor impossível”
mediado pela arte que é aflorado
mas nunca desenvolvido). J. M.
“A Batalha de Red Cliff”
37

Exposições
“Amália Coração
Independente”
38
A viagem proposta por João Sousa Cardoso através das salas do
A Certain Lack of Coherence é banhada numa intensa luz vermelha,
que sublinha a tensão, ou o frágil equilíbrio, entre a libido e o terror
Um acto
moral
A instalação de João Sousa
Cardoso no A Certain Lack of
Coherence, no Porto, é uma
meditação acerca do corpo
plebeu. Óscar Faria
Os Republicanos
De João Sousa Cardoso.
Porto. Uma Certa Falta de Coerência. R. dos
Caldeireiros 77. Tel.: 919272115. Até 10/10. Sáb. das
15h30 às 19h30.
Outros.
mmmmm
É com Caravaggio, em finais do
século XVI, que o corpo plebeu
entra definitivamente na história da
pintura. Os ecos desse gesto nunca
mais deixaram de se fazer sentir,
tornando irreversível a presença
Agenda
Inauguram
André Almeida e Sousa
Braga. Museu Nogueira da Silva. Avenida Central,
61. Tel.: 253601275. Até 28/10. 3ª a Sáb. das 10h às
18h30. Inaugura 2/10 às 17h.
Pintura.
Ejti Stih
Lisboa. Galeria Arte Periférica. Praça do Império –
Centro Cultural de Belém, Loja 3. Tel.: 213617100.
Até 29/10. 2ª a 10h às 20h. Inaugura 3/10 às 15h30.
Pintura.
André Butzer
Braga. Galeria Mário Sequeira -
Parada de Tibães. Quinta da Igreja
(Parada de Tibães). Tel.:
253602550. Até 14/11. 2ª a 6ª das
10h às 19h. Sáb. das 15h às 19h.
Inaugura 3/10 às 18h.
Pintura.
Amália, Coração
Independente
De vários autores.
Lisboa. Museu Colecção
Berardo. Praça do Império - Centro
Cultural de Belém. Tel.: 213612878.
dessa carnalidade no campo da
cultura. Obras tão distintas como as
de Pasolini e de Warhol, as de Costa
e de Tillmans, podem ser lidas a
partir desse instante em que a arte
se tornou, de facto, participada pelo
povo, então travestido numa
qualquer personagem religiosa, hoje
protagonista dos seus próprios
instantes de fama, sobretudo
associados à mediatização da sua
imagem.
A exposição “Os Republicanos”,
de João Sousa Cardoso (Vila Nova de
Famalicão, 1977), constitui uma
meditação acerca desse corpo
plebeu, colocando em evidência,
através do uso de fotocópias a pretoe-branco
instaladas nas paredes com
recurso a fita-cola castanha,
diferentes formas da sua
manifestação, sejam elas políticas,
históricas ou artísticas. A mostra
forma um díptico com “A Terceira
República”, apresentada, em 2007,
num outro espaço gerido por
artistas, o Mad Woman in The Attic.
Tal como nessa ocasião, a proposta
Até 31/01. 6ª das 10h às 22h (última admissão às
21h30). 2ª a 5ª, Sáb. e Dom. das 10h às 19h (última
admissão às 18h30). Inaugura 5/10 às 19h30.
Documental, Pintura, Vídeo,
Objectos, Outros.
Amália, Coração Independente
Lisboa. Museu da Electricidade.
Avenida Brasília - Edifício Central Tejo. Tel.:
210028120. Até 31/01. 3ª a Dom. das 10h às 18h.
Inaugura 5/10 às 17h30.
Documental, Pintura, Vídeo,
Objectos, Outros.
A Interpretação dos Sonhos
De Jorge Molder.
Lisboa. Centro de Arte Moderna - José de Azeredo
Perdigão. Rua Dr. Nicolau Bettencourt. Tel.:
217823474. Até 27/12. 3ª a Dom. das 10h às 18h.
Inaugura 8/10 às 18h.
Fotografia.
Anos 70 - Atravessar Fronteiras
Lisboa. Centro de Arte Moderna - José de Azeredo
Perdigão. Rua Dr. Nicolau Bettencourt. Tel.:
217823474. Até 03/01. 3ª a Dom. das 10h às 18h.
Inaugura 8/10 às 18h30.
Pintura, Escultura, Fotografia,
Instalação, Outros.
aMaumMedíocremmRazoávelmmmBommmmmMuito BommmmmmExcelente
actual pode ser lida a partir de um
procedimento cinematográfico, o
“travelling”, esse acto moral de que
falava Jacques Rivette a propósito de
um plano de “Kapo”, de Gilles
Pontecorvo – este problema é
também central na obra de Jean-Luc
Godard.
A viagem proposta por João Sousa
Cardoso através das salas do A
Certain Lack of Coherence, numa
proposta integrada num programa
expositivo delineado por José Maia, é
banhada numa intensa luz vermelha,
que sublinha a tensão, ou o frágil
equilíbrio, entre a libido e o terror,
figuras limites de uma exposição
onde o desejo se confronta com a
morte – veja-se, por exemplo, a
imagem do participado funeral do
regicida Manuel Buíça, que, a 28 de
Janeiro de 1908, quatro dias antes de
ter assassinado D. Carlos I, escrevia
uma carta-testamento na qual pedia
que, caso fosse morto, educassem os
seus filhos “nos princípios da
liberdade, igualdade e fraternidade”
com os quais comungava.
A exposição abre com duas
imagens de grandes dimensões,
numa espécie de campo/contracampo,
na qual se observam, numa,
o corpo de Mussolini, morto e
pendurado no Piazzale Loreto, em
Milão, e, na parede oposta, um
instantâneo tirado durante a
rodagem de “Trás-os-Montes”, de
Margarida Cordeiro e António Reis –
nela, observa-se o director de
fotografia Acácio de Almeida a
realizar um “travelling” em cima de
uma bicicleta. Na mesma sala é
ainda visível uma fotocópia da
pintura “São João
Baptista”(1599-1600), de Caravaggio.
A queda do fascismo, a reinvenção
do cinema, o pós-revolução de Abril,
a entrada do corpo plebeu,
republicano, no território da arte
constituem possíveis pontos de
Jesper Just
Lisboa. Centro de Arte Moderna - José de Azeredo
Perdigão. Rua Dr. Nicolau Bettencourt. Tel.:
217823474. Até 18/01. 3ª a Dom. das 10h às 18h.
Inaugura 8/10 às 18h30.
Vídeo, Instalação.
Stag Night
De Bela Silva.
Lisboa. Alecrim 50. R. do Alecrim,
48-50. Tel.: 213465258. Até 31/10. 2ª a 6ª
das 11h às 19h. Sáb. das 11h às 19h. Inaugura
8/10 às 19h.
Pintura.
Diorama
De vários autores.
Lisboa. Museu Nacional de História
Natural. Rua da Escola Politécnica, 58. Tel.:
213921800. Até 31/10. 3ª a 6ª das 10h às 17h. Sáb. e
Dom. das 11h às 18h. Na Sala do Veado. Inaugura 8/10
às 19h.
Pintura, Outros.
Continuam
Obras de Paula Rego
De Paula Rego.
Cascais. Casa das Histórias - Paula Rego. Av. da
partida para uma mostra que
atravessa as diferentes salas do A
Certain Lack of Coherence numa
montagem inspirada quer nos
baixos-relevos dos frisos jónicos e
coríntios – as histórias neles
contadas podem ser vistas como
uma espécie de proto-cinema –, quer
no “Mnemosyne-Atlas”, concebido
por Aby Warburg entre 1924 e 1929.
A sucessão de imagens culmina no
primeiro andar do espaço expositivo
– limpo e aberto ao público pela
primeira vez nesta ocasião –,
transformado numa espécie de
receptáculo do inconsciente
nacional. Esse contínuo de
fotocópias, que muitas vezes se
sobrepõem, provoca uma tensão
quer durante o acto de olhar – há
uma clara dificuldade em encontrar
um ponto de focagem –, quer no
momento de assimilação dos
conteúdos, agora homogeneizados
pela sua partilha de um lugar
comum. Uma mesma fotografia
pode também suscitar diferentes
graus de leitura, como aquela em
que se observa Marilyn de roupão,
um momento essencial do filme “Os
Inadaptados” (1961), de John Huston,
no qual se aborda o tema da
liberdade. Há ainda uma forte
presença das mulheres na mostra,
como se o artista apontasse um
possível e desejado devir: Maria de
Lourdes Pintasilgo, Adelaide
Ferreira, Ana Deus, Hannah Arendt,
Judith Butler. Um corpo feminino,
filosófico e político, esse
contrapondo ao mundo dos
homens; uma oposição celebrada
por Natália Correia em poema
dedicado a Cicciolona, depois da
visita desta ao hemiciclo português:
“Estava o Parlamento em tédio
morno/ Do Processo Penal a lei
moendo/ Quando carnal a deputada
porno/ Entra em S. Bento. Horror!
Caso tremendo!”
República, 300. Tel.: 214826970.
Até 18/03. 2ª a Dom. das 10h às 22h.
Entrada livre.
Desenho, Pintura.
Quick, Quick, Slow
Lisboa. Museu Colecção Berardo.
Praça do Império - Centro Cultural de Belém.
Tel.: 213612878. Até 29/11. 6ª das 10h00
às 22h (última admissão às 21h30). 2ª a 5ª,
Sáb. e Dom. das 10h às 19h (última admissão
às 18h30).
Design. Experimenta Design 2009.
Encompassing The Globe.
Portugal e o Mundo nos Séculos
XVI E XVII
De vários autores.
Lisboa. Museu Nacional de Arte Antiga.
Rua das Janelas Verdes - Palácio do Alvor.
Tel.: 213912800. Até 11/10. 3ª das 14h às 18h.
4ª a Dom. das 10h às 18h.
Adelina Lopes
Guimarães. Centro Cultural Vila Flor. Avenida D.
Afonso Henriques, 701. T. 253424700. Até 29/11. 3ª
a sáb das 10h às 12h30 e das 14h às 19h. Domingo e
feriados das 14h às 19h.
Fotografia, Objectos.

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