Blickpunkt Musical Despesche - Spamalot in Salzburg

Interview
Blickpunkt
musical: Sie sind
festes Ensemblemitglied des Salzburger
Landestheaters. War es da
von vornherein klar, dass Sie auch in den
Musicals hier am Haus spielen?
Marco Dott: Ja, seit ein paar Jahren. Ich
habe schon Musical gespielt, bevor ich an dieses
Haus kam, und hier habe ich bis jetzt »La Cage
aux Folles«, »Annie« und »Im weißen Rössl«
gespielt.
blimu: Werden Sie vom jeweiligen Regisseur
direkt für eine bestimmte Rolle angefragt,
oder können Sie sich aussuchen, wen
Sie spielen wollen?
MD: Ich werde für Rollen angefragt. Andreas
Gergen, der bisher in den Produktionen der
Regisseur war, hat immer schon im Kopf, wen
er in welcher Rolle sehen will. Gebucht bin ich
meist eh auf die komischen Rollen.
blimu: Demnach liegt Ihnen das besonders?
MD: Offensichtlich, obwohl ich mich lange
dagegen gewehrt habe, denn jeder Schauspieler
will immer das spielen, was er nicht angeboten
bekommt. Jahrelang habe ich mich auf
die ernsthaften Rollen beworben – was ich
auch immer noch tue –, aber mittlerweile habe
ich begriffen, dass Komik auch eine besondere
Fähigkeit ist und ein Pfund, mit dem man
wuchern kann. Ich mache es gerne, aber nicht
ausschließlich, denn manchmal möchte man
auch etwas anderes spielen.
blimu: Wie Sie schon sagten, muss einem
Komik liegen, dazu gehört auch ein gewisses
Timing. Muss man dieses mitbringen oder
kann man sich das während der Proben erarbeiten?
MD: Beides! Ich glaube, es gibt in diesem
Beruf Dinge, die kann man nicht erlernen, die
muss man mitbringen, genauso gibt es aber
auch genug, was man erlernen kann. Das Timing
in der Komik ist Handwerk. Wenn man
sich Charlie Chaplin, Buster Keaton oder Stan
Laurel & Oliver Hardy anschaut, wie präzise
die gearbeitet haben und wie klein diese Zeitfenster
in der Komik sind, kann man da schon
viel lernen. Aber das Talent sollte man schon
mitbringen.
blimu: Kannten Sie vorher die Filme von
»Monty Python« und ist das Ihr Humor?
MD: Ja, natürlich, ich kenne alle ihre Filme
und den »Flying Circus«. Ich mag die Anarchie,
die dahinter steckt, diese unglaubliche geistige
Freiheit. Das war etwas ganz Neues, komplett
anderes und etwas, das sich von Konventionen
befreit hat. Es hat etwas Anarchisches, ein unkalkulierbares
Moment – anders als zum Beispiel
Loriot, bei dem es keine Sekunde gibt, die
nicht genau durchdacht ist. Bei den »Monty
Python« dagegen gibt es immer noch einen
Moment von Wildheit, der nicht planbar ist,
der das Ganze aber auch so großartig macht.
blimu: Ist dieser Humor auch nach 40 Jahren
noch passend bzw. kann man darüber
heute noch lachen?
MD: Wie alles, was wirklich gut ist, ist auch
dieser Humor zeitlos, weil er handwerklich gut
gemacht und zudem nicht nur einem Zeitgeist
verhaftet ist, sondern über sich selbst hinaus
weist. Genauso wie Buster Keaton oder Stan
Laurel & Oliver Hardy zeitlos sind. Es gibt
Dinge, die werden
nicht alt.
blimu: Kannten Sie
das Musical schon
vom Broadway oder
anderen Inszenierungen?
MD: Ja, ich habe
die deutschsprachige
Erstaufführung
in Köln im Musical
Dome gesehen, weil
eine Freundin von
mir da mitgespielt
hat, habe aber nur
noch eine sehr verwaschene
Erinnerung daran. Woran ich mich
erinnere, ist, dass es nicht richtig funktioniert
hat. Das war ja damals eine riesige Produktion
mit viel Aufsehen schon alleine dadurch, dass
Alfred Biolek den Historiker spielte. Ich weiß
nur, dass ich fand, dass die Show irgendwie
nicht abgehoben hat und ich mich gewundert
habe, als ich dann hier in Salzburg das Buch in
die Hände bekam, und dachte: »Das ist doch
aber eigentlich gut.« Das liegt vor allem an der
neuen Textfassung, die ich wirklich großartig
finde. Diese neue Adaption ist sprachlich sehr
gut gemacht und die Witze funktionieren hier.
Daniel Große Boymann kann mit der etwas
sperrigen deutschen Sprache sehr gut umgehen.
Da gibt es viele Dinge, die ich persönlich
sehr mag – »amerikanisch oder gar nisch« –, die
einfach gut sind und sehr leicht daherkommen.
Die Kollegen in Köln haben mir einfach nur
leid getan, weil man merkte, dass die Übersetzung
wie eine Bleiente auf dem Stück lag.
blimu: Sie haben ja eine Palette an verschiedenen
Rollen zu meistern: vom noch-nichttoten
Fred über Prinz Herbert, Französische
Wache, Fahrender Sänger, Bruder Maynard
zum »seriösen« Historiker. Welche Rolle beinhaltet
die größte Herausforderung?
Wie alles, was wirklich
gut ist, ist auch dieser
Humor zeitlos, weil er
handwerklich gut gemacht
und zudem nicht
nur einem Zeitgeist verhaftet
ist, sondern über
sich selbst hinaus weist.
MD: Erst einmal ist die größte Herausforderung,
wenn man so viele verschiedene Rollen
spielt, dass man deutliche Skizzen zeichnen
muss. Ich muss jeder Rolle mit dem Kostümwechsel
eine andere Stimme und eine andere
Körperlichkeit geben.
Das ist ja alles jetzt nicht Strindbergh. Man
kann diese Rollen nicht durchpsychologisieren,
sondern man muss sie zuerst einmal deutlich
voneinander unterscheiden. Dazu muss ich
mich fragen, welche Farbe gebe ich welcher
Rolle, mit welchem Pinsel arbeite ich.
Prinz Herbert ist besonders, weil er mehrere
Szenen hat und man dadurch eine kleine Geschichte
erzählen kann. Er ist aber auch sehr
überzeichnet und spielt mit den schwulen Klischees.
Da merkt man, dass das Stück schon
älter ist. Trotzdem funktioniert dieses Klischee
auf der Bühne nach
wie vor gut, wie auch
der Butler Jacob in
»La Cage aux Folles«.
Das sind sehr dankbare
Rollen – »Abstauberrollen«.
Wenn
man das handwerklich
gut macht, hat
man beim Publikum
gewonnen, denn die
Leute lieben das.
blimu: Wie schafft
man es, auf der
Bühne bei so einem
Stück selbst ernst zu
bleiben?
MD: Das ist nicht leichter oder schwieriger
als in jedem anderen Stück. Der Reiz zu lachen
ist in ernsten Stücken oftmals sogar größer, weil
das Tabu noch größer ist. In einer Komödie
kann man schon mal eher lachen, das Publikum
mag das sogar. Das geht natürlich nicht
in »Don Carlos«. Man lacht ja nicht, weil das
Stück so komisch ist, sondern über Dinge, die
zwischendurch passieren. Eine Perücke sitzt
schief oder ein Kollege hat den Satz verdreht
und du denkst: »Was hast du da gerade gesagt?«
blimu: Gibt es etwas Besonderes, was Sie
sich erarbeitet haben, um dann wieder ernst
zu werden?
MD: Also, ich muss sagen, je älter ich werde,
desto schlimmer wird das bei mir, dass ich auf
der Bühne lachen muss, weil man sich auch
selbst nicht mehr so furchtbar ernst nimmt.
Als junger Schauspieler denkt man eher: so was
geht nicht. Wird man älter, sieht man vieles gelassener
und denkt: »Das ist hier keine Operation
am offenen Herzen, es ist nur Theater.«
Tatsächlich versuche ich durchzuatmen, um
mein Zwerchfell wieder zu beruhigen. Am
schlimmsten ist es, wenn es in einem Song
blickpunkt musical Spamalot
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